SKULPTURPARKEN PÅ
TJUVHOLMEN
«Alt man kan styre inne i et museumsrom, som lys, vind og vær, er praktfullt ivaretatt i skulpturparken. Kunstverkene er overlatt til seg selv og naturens krefter. Skulpturparken på Tjuvholmen er ikke et monument, men et åpent rom for tanke og sansing, en destinasjon, et sted man kan slå seg ned.» Direktør Poul Erik Tøjner, Louisiana Museum of Modern Art
“Everything that you can control inside an exhibition room, such as the lighting and climate, is superbly handled at the sculpture park. The artworks are left to themselves and the forces of nature. The Sculpture Park at Tjuvholmen is not a monument, but an open space for reflection and sensory contemplation, a destination, a place where you can take your ease.” Director Poul Erik Tøjner, Louisiana Museum of Modern Art
N
Peter Fischli & David Weiss THINGS FOR A HOUSE ON AN ISLAND 2005 Franz West SPALT 2003 Louise Bourgeois EYES 1997 Ellsworth Kelly UNTITLED (TOTEM) 1998
Anish Kapoor UNTITLED 1997
Paul McCarty WHITE SNOW CAKE 2011
Franz West ARTIST CHAIRS 2012
Ugo Rondinone Moonrise. east. November. 2006
Antony Gormley EDGE II 2000
Les mer på www.skulptur.tjuvholmen.no, eller last ned appen «Skulpturparken på Tjuvholmen» for iPhone i App Store. For more information go to www.skulptur.tjuvholmen.no, or download the app “Skulpturparken på Tjuvholmen” for iPhone available on the App Store.
Velkommen til skulpturparken på Tjuvholmen! Skulpturparken er en samling skulpturer fra noen av verdens fremste samtidskunstnere, rammet inn av gammel kai og ny arkitektur. Renzo Piano har tegnet både kunstmuseet og parken. Vårt håp er at årets, døgnets og værets evige variasjoner skal gi deg en ny opplevelse av natur, arkitektur og skulptur hver gang du besøker parken. Velkommen, og velkommen tilbake!
Welcome to the sculpture park at Tjuvholmen! The sculpture park features a collection of sculptures from some of the world’s leading contemporary artists, beautifully framed by an old wharf and modern architecture. Both the art museum and the park have been designed by Renzo Piano. Our hope is that the endless variation caused by the weather, the time of day and the seasons of the year will provide you with a fresh experience of the natural environment, architecture and sculpture each time you visit the park. Welcome! And welcome back!
Den fransk-amerikanske kunstneren Louise Bourgeois ble født i Paris. Hun flyttet til New York i 1938, hvor hun ble boende resten av livet. Hennes kunst spenner ikke bare over et helt livsløp, men også over et variert spekter av formspråk og uttrykk. Hun har hele tiden hatt en unik evne til fornyelse og utvikling, og har uttrykt seg i teknikker som tegning, maleri, tekstil, skulptur, installasjoner og performance. Gjennom karrieren har Bourgeois beholdt et vedvarende vokabular av tema og motiver som har vært holdepunkter i de mange kunstneriske periodene hennes. Bourgeois’ kunstneriske prosjekt kan betraktes som en pågående bearbeidelse av hennes egen fortid, hvor de menneskelige relasjonene i livet hennes står sentralt. Mange oppfatter hennes kunst som svært personlig, samtidig har kunstverkene et universelt uttrykk som mange kan relatere seg til. Selv om de er personlige manifestasjoner for Bourgeois, kan kunstverkene også oppleves personlige og følelsesmessige for publikum. Skulpturen Eyes viser Bourgeois’ interesse for surrealistisk ikonografi, noe som særlig preget hennes sene arbeider. Øyet var et gjentagende motiv i surrealismen, både som symbol på persepsjon og som en hentydning til den kvinnelige anatomi. I møte med skulpturen på Tjuvholmen, blir man konfrontert av et par stiliserte øyne som stirrer rett på deg. Separert fra alt menneskelig, er de likevel imøtekommende med sitt spørrende og årvåkne uttrykk. Louise Bourgeois regnes som en av de mest betydningsfulle kunstnere i det 20. århundre, og man finner kunsten hennes i mange av verdens største samlinger. De siste årene har flere av verdens viktigste institusjoner viet Bourgeois sentrale utstillinger. Blant disse er Qatar Museums Authority Gallery i Doha, Hamburger Kunsthalle, Museu do Arte Moderno i Rio de Janeiro, National Gallery of Canada i Ottawa, Tate Modern i London, Guggenheim Museum i New York, Centre Pompidou i Paris og Institute of Contemporary Arts i Boston.
Eyes Louise Bourgeois (1911-2010) 1997. Sort granitt. Hver stein er 160 cm i diameter. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 1997. Black granite. Each stone measures 160 cm in diameter. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
The French-American artist Louise Bourgeois was born in Paris. She moved to New York in 1938, where she stayed for the rest of her life. Bourgeois’ art has not only stretched over a long lifetime, but also across a wide spectre of visual languages and expressions. Bourgeois had an unique ability to renew and develop her art, which resulted in works in as varied techniques as drawing, painting, textile, sculpture, installation and performance. Bourgeois, however, kept a consistent vocabulary of themes and motives throughout her career, which stand as cornerstones through the many differing periods of her oeuvre. Bourgeois’ artistic project can be seen as a continuous processing of her own past, where the human relations in her life play a central role. Many perceive Bourgeois’ art as highly personal; at the same time her artworks have an universal expression, which many people identify with. Despite that these expressions were personal manifestations for Bourgeois, her artworks can be experienced as intimate and emotional by her audience. The sculpture Eyes shows Bourgeois’ interest in surrealist iconography, something which characterises her late works. The eye was a reoccurring motif in surrealism, both as a symbol of perception and as a reference to female anatomy. Faced with Bourgeois’ sculpture at Tjuvholmen, the audience is confronted by a pair of stylised eyes, which stare directly at one. Although separate from anything human, they still come across as welcoming, with their questioning and vigilant expression. Louise Bourgeois is considered to be one of the most important artists of the 20th century, and her work is to be found in many of the largest collections in the world. In recent years, many of the world’s most important institutions have devoted significant exhibitions to Bourgeois. Amongst these are Qatar Museum Authority Gallery in Doha, Hamburger Kunsthalle, Museu do Arte Moderno in Rio de Janeiro, National Gallery of Canada in Ottawa, Tate Modern in London, Guggenheim in New York, Centre Pompidou in Paris, and the Institute of Contemporary Arts in Boston.
De sveitsiske kunstnerne Peter Fischli og David Weiss begynte å jobbe sammen som kunstnerduoen Fischli/Weiss i 1979. De fikk sitt gjennombrudd på begynnelsen av 1980-tallet med filmer som The Least Resistance og The Right Way. I løpet av sin karriere har de i tillegg til film jobbet med fotografi, skulptur og installasjoner. Med sin kunst tar de for seg hverdagsligheter og banaliteter, som de formidler til publikum med humor og alvor. Installasjonen Things for a House on an Island er laget spesielt til skulpturparken på Tjuvholmen. Med det monumentale museet i ryggen, tegnet av den anerkjente arkitekten Renzo Piano, står kunstnernes lille grå betonghus ytterst på odden. Huset, som trolig har Oslos beste utsikt, «geiper» humoristisk til det storslåtte museet som får sin utsikt blokkert av denne lille grå betongklossen. Huset som ligger merkelig plassert, delvis hengende over vannet, kan man bare se inn i hvis man går helt bort og kikker gjennom det lille vinduet i døren. Fordi man er nødt til å kikke inn gjennom en inngangsdør for å se kunstverket, spiller kunstnerne på publikums følelser: Invaderer man noens privatliv? Er det meningen at man skal se inn her? Er dette et kunstverk? Når man ser inn i huset får man heller ikke svar på alle spørsmål. Man ser en hel rekke gjenstander i et salig rot som gir inntrykk av hva slags person som bor der. Man klarer ikke å se hele interiøret, og man får heller ikke sett ut av vinduet som rammer inn utsikten ut over Oslofjorden. Som med mye av Fischli/Weiss sin kunst står man igjen med en rekke spørsmål. Hva er egentlig dette, og var det meningen at jeg skulle se det? Fischli/Weiss har hatt en stor betydning og innflytelse på den internasjonale kunstscenen, og har stilt ut på sentrale kunstinstitusjoner og museer over hele verden. Noen av museene som har hatt soloutstillinger med kunstnerne de siste årene er Tate Modern i London, Kunsthaus Zürich, Deichtorhallen i Hamburg, Serpentine Gallery i London, Kunsthalle Budapest, The Art Institute of Chicago, 21st Century Museum of Contemporary Art i Kanazawa, og Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía i Madrid. Fischli/Weiss har også vunnet Gulløven på Veneziabiennalen og Roswitha Haftmann Prize. I 2012 installerte kunstnerne utendørskulpturen Rock on Top of Another Rock på Valdresflya i Jotunheimen, som en del av prosjektet Nasjonale turistveger.
Things for a House on an Island Peter Fischli (1952-) & David Weiss (1946-2012)
2005. 105 malte objekter av polyuretan. Variable dimensjoner. Tilhører Stiftelsen Tjuvholmen Skulpturpark. 2005. 105 carved objects painted in polyurethane. Variable sizes. Belongs to the foundation Tjuvholmen Sculpture Park.
The Swiss artists Peter Fischli and David Weiss began to work together as the artist-duo Fischli/Weiss in 1979. The pair had its breakthrough in the beginning of the 1980s with films such as The Least Resistance and The Right Way. Throughout their career, Fischli/Weiss have in addition to film, worked with photography, sculpture and installation. They deal with the everyday and the banal in their art, which is communicated to the audience through both humour and solemnity. The installation Things for a House on an Island is a commissioned work, created especially for the Sculpture Park at Tjuvholmen. With the monumental museum designed by the famous architect Renzo Piano at its back, the artists’ grey concrete house stands at the tip of Tjuvholmen peninsula. The house, which probably has the best view in Oslo, humoristically “pouts”at the grand museum, whose view is blocked by the small grey concrete structure. One can only look into the oddly positioned house, which partly hangs over the water, if one fully approaches it and peeps through the little window in the door. As the audience is forced to glance through the entrance door in order to see the artwork, the artists play with the audience’s emotions. Am I invading someone’s private life? Am I supposed to look through here? Is this an artwork? Looking into the house, one’s questions are still not fully answered. What one can see is a number of scattered objects and a chaos that gives the impression of what sort of person that lives there. One cannot see the entire interior; neither can one see through the other window in the house, which frames the view of the Oslofjord. As with much of Fischli/Weiss’ art, one is left with a number of questions. What is this really, and was I supposed to see this? Fischli/Weiss has been of great importance and has had much influence on the international art scene. They have exhibited at central art institutions and museums across the world. Museums that have had solo exhibitions with the artists in recent years include Tate Modern in London, Kunsthaus Zürich, Deichtorhallen in Hamburg, Serpentine Gallery in London, Kunsthalle Budapest, The Art Institute of Chicago, 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa, and Museo Nacional Centro de Art Reina Sofia in Madrid. Fischli/ Weiss have also won the Golden Lion at the Venice Biennale and the Roswitha Haftmann Prize. The artists installed the outdoor sculpture Rock on Top of Another Rock at Valdresflya in Jotunheimen in 2012 as part of the project National Tourist Routes in Norway.
Den engelske kunstneren Antony Gormley har gjennom sin nesten 40 år lange karriere jobbet med skulptur. Gjennom sine kunstverk hvor menneskekroppen har vært et sentralt tema, undersøker Gormley hvordan følelser og minner fysisk kommer til syne. Skulpturene, som er støpt i jern, har et stilistisk formuttrykk. Ofte utforsker kunstneren romlige aspekter ved at skulpturene blir plassert i små byrom, landskap, interiører eller som en del av større installasjoner. Skulpturen Edge II kan sees i sammenheng med Gormleys øvrige skulpturer av menneskekropper, hvor han tar utgangspunkt i sin egen anatomi. Edge II viser en stilisert mannskropp som står rett opp og ned. Armene er strukket ned langs lårene, ansiktet er stilisert, og posituren er bestemt og sikker. Skulpturen er plassert vertikalt ut fra ytterveggen på Astrup Fearnley-museet, hvor den ser rett ned på den store trappen som forbinder de to museumsbyggene. Kontrasten mellom kroppens sikre uttrykk og den truende plasseringen forsterkes av verkets tittel. Edge, eller kant på norsk, er med på å beskrive kontrasten mellom kroppens uttrykk og dens plassering: Den hårfine balansen mellom å være i kontroll eller i fritt fall. Gormley er en av Storbritannias viktigste nålevende skulptører. Han har blitt tildelt Turner Prize og er utnevnt til Order of the British Empire. Han er Honorary Fellow ved Royal Institute of British Architects og er også en Royal Academician. Han har deltatt på Skulpturbiennalen i Carrara, Sydneybiennalen, Documenta i Kassel og Veneziabiennalen. Han har hatt soloutstillinger ved blant annet Erimitagen i St. Petersburg, Kunsthaus Bregenz, Artium i Álava, Kunsthal Rotterdam, Musée d’Art Moderne i Saint-Etienne, MARCO i Monterrey, Hayward Gallery i London, MADRE i Napoli og National History Museum i Beijing. Antony Gormley bor og jobber i London.
Edge II Antony Gormley (1950-) 2000. Støpt i jern. 194 x 57 x 29 cm. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 2000. Cast iron. 194 x 57 x 29 cm. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
The British artist Antony Gormley has worked with sculpture throughout an almost 40-year-long career. Through artworks in which the human body is a central theme, Gormley investigates how emotions and memories become visible. The iron-cast sculptures are placed in small urban spaces, landscapes, interiors, or as part of larger installations. The sculpture Edge II can be seen in conjunction with Gormley’s other sculptures of human bodies, in which his starting point is his own anatomy. Edge II presents a stylised male form that is standing straight. The sculpture is placed vertically, and emerges from the outer walls of the Astrup Fearnley Museum, where it looks down at the large staircase that connects the two museum buildings. The contrast between the body’s confident expression and its haunting placement is reinforced by the piece’s title.“Edge” describes the distinction between the body and its position; the fine balance between being in control and in free fall. Gormley is one of the United Kingdom’s most important contemporary sculptors. He has been awarded with a Turner Prize and given an Order of the British Empire. He is an Honorary Fellow of the Royal Institute of British Architects, and he is a Royal Academician. Gormley has participated in the International Sculpture Biennale of Carrara, the Sydney Biennale, Documenta in Kassel, and the Venice Biennale. He has had solo exhibitions at museums such as the Hermitage in St. Petersburg, Kunsthaus Bregenz, Artium in Álava, Kunsthal Rotterdam, Musée d’Art Moderne in Saint-Etienne, MARCO in Monterrey, the Hayward Gallery in London, MADRE in Naples, and the National History Museum in Beijing. Gormley lives and works in London.
Den britisk-indiske kunstneren Anish Kapoor gjorde seg bemerket på begynnelsen av 1980-tallet blant den nye generasjonen unge kunstnere som fornyet og aktualiserte skulptur. Han jobber med materialer som stein, metall og pigment, ofte også i større installasjoner. Kapoors kunstverk er både monumentale, kontemplative og stille. De inviterer til refleksjon, men også usikkerhet ved at Kapoor leker med visuelle illusjoner. I skulpturene blir det materielle immaterielt og det som virker nært blir fjernt. Spennet mellom det flyktige og ubestandige, gjør at skulpturene ofte er fylt med paradokser. Untitled tar opp en rekke av de sentrale elementene i Kapoors kunstnerskap. Steinens overflate og form veksler mellom lys og skygge, dybde og flate, og grov og fin tekstur. Dette gjør at steinen både virker hard og myk på samme tid. Intellektet vet at steinen vil være hard om man berører den, men de buede flatene og overflaten skaper en illusjon om mykhet og formbarhet. Kapoor har lenge utforsket slike dikotomier, og hvordan betrakteren er med på å komplettere verket. På Veneziabiennalen i 1990 representerte Kapoor Storbritannia, og ble tildelt prisen Premio Duemilla. Året etter fikk han den prestisjefulle Turner Prize. Han har hatt soloutstilling ved mange av verdens største museer og institusjoner. Arbeidene hans er innkjøpt av blant annet Museum of Modern Art i New York, Tate Modern i London og Guggenheim i Bilbao. Han har også utført en rekke offentlige utsmykningsoppdrag, som Sky Mirror i Nottingham og Rockefeller Centre i New York, Cloud Gate i Millennium Park i Chicago, og ArcelorMittal Orbit som ble bygget i forbindelse med de olympiske leker i London i 2012. Kapoor har også laget en skulptur som står på stranden i Lødingen i Nordland. Kunstneren bor og jobber i London.
Untitled Anish Kapoor (1954-) 1997. Alabast. 295 x 175 x 128 cm. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 1997. Alabaster. 295 x 175 x 128 cm. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
The British-Indian artist Anish Kapoor became noted amongst a new generation of young artists who renewed and actualised sculpture in the early 1980s. Kapoor works with materials such as stone, metal and pigment, and often also produces large installations. Kapoor’s artworks are both monumental, contemplative and tacit. His works invite to reflection, but in addition provoke an insecurity in that the artist plays with visual illusions. In Kapoor’s sculptures, the material becomes immaterial, and what seems close becomes distant. The span between the ephemeral and impermanent often fills the sculptures with paradox. Untitled addresses a number of central elements in Kapoor’s oeuvre. The stone’s surface and form alternates between light and shadow, depth and surface, and coarse and fine texture. This results in a stone that seems hard and soft at the same time. The intuition that the stone will be hard to the touch, is contrasted with its curved surfaces and an exterior that creates an illusion of softness and formability. Kapoor has long explored such dichotomies and how the beholder’s role as a participant completes an artwork. Kapoor represented the United Kingdom at the Venice Biennale in 1990, and was awarded the prize Premio Duemilla. The following year, Kapoor was awarded the prestigious Turner Prize. He has had solo exhibitions at many of the world’s largest museums and institutions, and his works have been acquired by collections including the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern in London, and Guggenheim in Bilbao. Kapoor has also executed a number of public sculptural commissions such as Sky Mirror in Nottingham and the Rockefeller Center in New York, Cloud Gate in the Millenium Park in Chicago, and ArcelorMittal Orbit, which was built for the Olympic Games in London in 2012. Kapoor has also made a sculpture that stands at the beach in Lødingen in Nordland in Norway. Kapoor lives and works in London.
Den amerikanske kunstneren Ellsworth Kelly arbeider både som maler, skulptør og grafiker. Han var en av de ledende kunstnerne innen abstrakt kunst i USA i etterkrigstiden. Allerede på 1950-tallet utviklet han et karakteristisk uttrykk innenfor minimalistisk kunst, colour-field painting og hard edge-kunst hvor man arbeider med skarpt avgrensede geometriske felter i rene farger. I sine tidlige skulpturer på 1950-tallet jobbet Kelly med klare, rene linjer. Disse insisterer på en flathet som stritter imot skulpturenes egenskaper som tredimensjonale objekter. Etter at Kelly flyttet fra New York til sitt landsted i 1970, lot han seg inspirere av omgivelsene og begynte å jobbe med større utendørsskulpturer i materialer som stål, aluminium og bronse. Skulpturen Untitled (Totem), som står i skulpturparken på Tjuvholmen, har en enkel og ren form. Den står som en silhuett mot sine omgivelser. Skulpturen er over fire meter høy, men på tross av den monumentale høyden og referansen i tittelen til en totemfigur, virker den beskjeden. Ser man skulpturen fra kortsiden, blir den nærmest redusert til en strek, mens den fra langsiden er bredere og markerer seg i forhold til omgivelsene. Uavhengig av hvilken vinkel man ser skulpturen, står den med en ro og sikkerhet, og den skjærer sin silhuett inn i omgivelsene. Ellsworth Kelly har gjennom sin over 60 år lange karriere blant annet hatt soloutstillinger på The Museum of Modern Art, Whitney Museum of American Art og Guggenheim Museum, alle i New York, Museum of Contemporary Art i Los Angeles, Tate Gallery i London og Haus der Kunst i München. Kunstverkene hans er kjøpt inn av samlinger som Centre Pompidou i Paris, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia i Madrid og Tate Modern i London. I dag bor og arbeider Kelly i Spencertown i staten New York.
Untitled (Totem) Ellsworth Kelly (1923-) 1998. Bronse. 430 x 42 x 3,2 cm. Tilhører Stiftelsen Tjuvholmen Skulpturpark. 1998. Bronze. 430 x 42 x 3,2 cm. Belongs to the foundation Tjuvholmen Sculpture Park.
The American artist Ellsworth Kelly works as a painter, sculptor and graphic artist, and was one of the leading Abstract Expressionist artists in the post-war United States. Kelly developed a characteristic expression in Minimalist art as early as in the 1950s – colour-field painting and hard-edge art – in which the artist works with sharp-edged geometric fields in pure colours. In his early sculptures from the 1950s, Kelly worked with clear, clean lines. These works insist on a flatness that resist sculpture’s characteristic as a three-dimensional object. After Kelly had moved from New York to his countryside estate in 1970, he became inspired by his surroundings and began to work with larger outdoor sculptures in materials such as steel, aluminium and bronze. The sculpture Untitled (Totem), which stands in the Sculpture Park at Tjuvholmen, has a plain and clean form. It stands as a silhouette against its surroundings. The sculpture is over 4 meters tall, but despite its monumental height and the title’s reference to a totem figure, it seems modest. If one looks at the sculpture from its short side, it is almost reduced to a line. From the other side, it is, however, broader and sticks out in relation to its surroundings. Independent from which angle one sees the sculpture, it stands with tranquility and security, and cuts its silhouette into its environment. Ellsworth Kelly has through an over 60-year-long career had solo exhibitions at institutions like The Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, and the Guggenheim, all in New York. He has also exhibited at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, Tate Modern in London, and Haus der Kunst in Munich. His artworks have been acquired by collections such as Centre Pompidou in Paris, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, and Tate Modern in London. Kelly lives and works in Spencertown, New York.
Den sveitsiske kunstneren Ugo Rondinone jobber med forskjellige teknikker som maleri, tegning, fotografi, video, installasjon og skulptur. Som regel tar kunstneren for seg et tema som han ved hjelp av en bestemt teknikk eller med et bestemt materiale, undersøker gjennom en serie arbeider. Med sine humoristiske, enkle, men virkningsfulle kunstverk evner Rondinone å få publikum til å undres og reflektere i møte med hans kunst. Referansene går gjerne til alt fra pop-kunst og populærkultur, andre kunstnere og historien, orientalsk og afrikansk kunst og til romantikken. MOONRISE. east. er en serie på 12 skulpturer formet som ansikter, alle med en individuell tittel fra hver av årets måneder. De er støpt i aluminium, malt brune og montert på en base i tre. Overflaten minner om leire, noe som forsterkes av fingermerkene som kan sees over hele hodeformen. MOONRISE. east. har blitt stilt ut over hele verden, blant annet på Yokohamatriennalen i Japan, John and Mary Pappajohn Sculpture Park ved Des Moines Art Center i USA og Jardin des Tuileries i Paris. Rondinone selv har beskrevet serien som en hyllest til månen som et mytisk fenomen, men som i vår tid har mistet denne betydningen. Skulpturen MOONRISE. east. November, som står i trappene ved inngangen til skulpturparken på Tjuvholmen, møter publikum med et bredt smil. Det stiliserte ansiktet virker både imøtekommende og merkelig. På humoristisk vis minner skulpturen både om et tegneserieliknende monster og en monumental totemfigur. Ugo Rondinone, som i dag er bosatt og jobber i New York, har stilt ut på sentrale museumsinstitusjoner over hele verden. De siste årene har han blant annet hatt soloutstillinger ved M Museum i Belgia, Public Art Fund på Rockefeller Plaza i New York, Cycladic Art Museum i Athen, Aargauer Kunsthaus i Aarau, MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Léon, the Institute of Contemporary Art (ICA) i Boston og Sculpture Center i New York. Kunsten hans er innkjøpt av samlinger som Sculpture Center i New York, Saatchi Gallery i London, Migros Museum i Zürich og Musée d’Art Contemporain i Strasbourg.
MOONRISE. east. November. Ugo Rondinone (1964-)
2006. Støpt aluminium, brun emalje, tresokkel. Ca. 210 x 130 x 160 cm. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 2006. Cast in aluminium, brown enamel, on a wooden plinth. Ca. 210 x 130 x 160 cm. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
The Swiss artist Ugo Rondinone works in different media such as painting, drawing, photography, video, installation and sculpture. The artist usually works with a theme, which has been decided upon by working with a particular technique, or by using a particular material. Rondinone then explores this theme through a series of works. With his humoristic, unadorned, but cogent artworks, Rondinone manages to captivate his audience with marvel and reflection. The references stretch as far as from Pop Art and popular culture, through to other artists and history, Oriental and African art, and Romanticism. MOONRISE. east. is a series of 12 sculptures shaped like faces. They all have an individual title from each month of the year. They are cast in aluminium, then painted brown and mounted on wooden plinths. The surface is reminiscent of clay, something which is reinforced by the finger marks that cover the entire head shape. MOONRISE. east. has been exhibited all over the world, amongst other places at the Yokohama Triennial in Japan, Des Moines Sculpture Park in the United States, and Jardin des Tuileries in Paris. Rondinone has described the series as a tribute to the moon as a mystical phenomenon, a connotation that has been lost in our time. The sculpture MOONRISE. east. November., which is located on the stairs by the entrance to the Sculpture Park at Tjuvholmen, meets its audience with a wide smile. The stylised face seems both welcoming and uncanny. In a humoristic manner the sculpture is reminiscent of both a cartoonish monster and a monumental totem. Ugo Rondinone lives and works in New York. He has exhibited at central museums across the world. In recent years he has had solo exhibitions at institutions including the M Museum in Belgium, the Public Art Fund at Rockefeller Plaza in New York, Cycladic Art Museum in Athens, Aargauer Kunsthaus in Aarau, MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Léon, the Institute of Contemporary Art (ICA) in Boston, and the Sculpture Center in New York. Rondinone’s art has been acquired by collections such as the Saatchi Gallery in London, the Sculpture Center in New York, Migros Museum in Zurich, and Musée d’Art Contemporain in Strasbourg.
Den østerrikske kunstneren Franz West fikk sitt gjennombrudd på den internasjonale kunstscenen på 1980-tallet. Hans kunst kan sees i sammenheng med wieneraksjonistene, som forsøkte å bryte konvensjonene innen kunst med sine brutale happenings på midten av 1960-tallet. West, som jobbet med en rekke ulike teknikker som skulptur, maleri, collager, performance, installasjoner og møbler, utfordret de tradisjonelle grensene mellom kunst og betrakter. I tillegg til at kunstverkene skulle oppfattes visuelt, ønsket West at de taktile kvalitetene skulle være tilgjengelig for betrakteren. Skulpturen Spalt på Tjuvholmen består av tre deler: Et anker, et rep og en livbøye. Alle klassiske symboler på sjøfart. Plassert på stranden rett ved vannet er assosiasjonene til det maritime enkle å oppfatte. Samtidig er skulpturen stilisert og fargebruken frigjort for realisme. I tråd med Wests ønsker er skulpturen plassert slik at de som besøker parken kan se den i forhold til sine omgivelser, man kan ta på den og sitte på den. Slik brytes den tradisjonelle fysiske grensen mellom kunstverk og betrakter. Franz West har en omfattende utstillingshistorikk som blant annet inkluderer utstillinger på Documenta i Kassel og biennaler verden over. Nylige soloutstillinger har vært på Kunsthaus Bregenz, Lincoln Center i New York, Vancouver Art Gallery, MAK i Wien, Baltimore Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Museum Ludwig i Köln og MADRE i Napoli. Kunsten hans er innkjøpt i samlinger som Centre Pompidou i Paris, Museum Ludwig i Köln, MAXXI i Roma, Moderna Museet i Stockholm, Museum of Modern Art og Guggenheim museet i New York og Carnegie Museum of Art i Pittsburgh.
Spalt Franz West (1947-2012) 2003. Malt aluminium. Anker: 355 x 55 x 500 cm. Bøye: 400 x 55 x 400 cm. Tau: 290 x 290 x 600 cm. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 2003. Painted aluminium. Anchor: 355 x 55 x 500 cm. Lifebuoy: 400 x 55 x 400 cm. Rope: 290 x 290 x 600 cm. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
The Austrian artist Franz West had his breakthrough on the international art scene in the 1980s. His art can be seen in conjunction with the Vienna Actionists, who in the mid-60s sought to break down conventions through art with the use of brutal happenings. West, who worked with a number of different techniques such as sculpture, painting, collage, performance, installation, and furniture, challenged the traditional boundaries between art and its beholder. The artist’s works are not only supposed to be experienced visually, but West wished for the tactile qualities of his works to be available to their beholders. The sculpture Spalt at Tjuvholmen consists of three parts – an anchor, a rope and a lifebuoy – all classical symbols of shipping. Positioned at the beach, right by the water, the maritime associations are easy to recognise. The sculpture is, however, simultaneously stylised, and the use of colour liberates the work from realism. Keeping with West’s wishes, the sculpture is positioned so that visitors of the Sculpture Park can see the work in relation to its surroundings; it can also be touched, and sat on. In this way the traditional physical boundary between the artwork and its beholder has been removed. Franz West has an extensive exhibitionary history, which includes exhibitions at Documenta in Kassel and biennales all over the world. Recent solo exhibitions have been shown at Kunsthaus Bregenz, Lincoln Center in New York, Vancouver Art Gallery, MAK in Vienna, Baltimore Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Museum Ludwig in Cologne, and MADRE in Naples. West’s art is acquired by collections such as Centre Pompidou in Paris, Museum Ludwig in Cologne, MAXXI in Rome, Moderna Museet in Stockholm, Museum of Modern Art, Guggenheim in New York, and Carnegie Museum of Art in Pittsburgh.
Den østerrikske kunstneren Franz West fikk sitt gjennombrudd på den internasjonale kunstscenen på 1980-tallet. Hans kunst kan sees i sammenheng med wieneraksjonistene som forsøkte å bryte konvensjonene innen kunst med sine brutale happenings på midten av 1960-tallet. West, som jobbet med en rekke ulike teknikker som skulptur, maleri, collager, performance, installasjoner og møbler, utfordret de tradisjonelle grensene mellom kunst og betrakter. I tillegg til at kunstverkene skulle oppfattes visuelt, ønsket West at de taktile kvalitetene skulle være tilgjengelig for betrakteren. Dette aspektet er kanskje enda tydeligere i det andre verket av Franz West i skulpturparken. De 24 stolene, som plasseres rundt i parken i forbindelse med arrangementer, er ment for publikums bruk. Alle de 24 stolene likner hverandre i formen, men følelsen av at hver stol er unik og verdifull underbygges av fargebruken, håndverket og de små variasjonene i formen. Dette bidrar til en følelse av usikkerhet: Er det et kunstverk eller et møbel? Franz West har en omfattende utstillingshistorikk som blant annet inkluderer utstillinger på Documenta in Kassel og biennaler verden over. Nylige soloutstillinger har vært på Kunsthaus Bregenz, Lincoln Center i New York, Vancouver Art Gallery, MAK i Wien, Baltimore Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Museum Ludwig i Köln og MADRE i Napoli. Kunsten hans er innkjøpt i samlinger som Centre Pompidou i Paris, Museum Ludwig i Köln, MAXXI i Roma, Moderna Museet i Stockholm, Museum of Modern Art og Guggenheim i New York og Carnegie Museum of Art i Pittsburgh.
Artist Chairs Franz West (1947-2012) 2012. Nirosta, epoksyharpiks, akrylmaling. Hver stol ca 85 x 45 x 55 cm. 24 deler. Tilhører Stiftelsen Tjuvholmen Skulpturpark. 2012. Nirosta, epoxy resin, acrylic paint: Each chair approx. 85 x 45 x 55 cm. 24 parts. Belongs to the foundation Tjuvholmen Sculpture Park.
The Austrian artist Franz West had his breakthrough on the international art scene in the 1980s. His art can be seen in conjunction with the Vienna Actionists, who in the mid-60s sought to break down conventions through art with the use of brutal happenings. West, who worked with a number of different techniques such as sculpture, painting, collage, performance, installation, and furniture, challenged the traditional boundaries between art and its beholder. The artist’s works are not only supposed to be experienced visually, but West wished for the tactile qualities of his works to be available to their beholders. This aspect is perhaps even more literal in the Sculpture Park’s second work by Franz West. The 24 chairs, which are placed around in the Park in the event of happenings, are supposed to be used by visitors. All 24 chairs have the same shape, but the sensation of each chair is unique. This is underlined by West’s use of different colours, handicraft, and small formal differences. This contributes to a sense of uncertainty – is this an artwork, or is it a piece of furniture? Franz West has an extensive exhibitionary history, which includes exhibitions at Documenta in Kassel and biennales all over the world. Recent solo exhibitions have been shown at Kunsthaus Bregenz, Lincoln Center in New York, Vancouver Art Gallery, MAK in Vienna, Baltimore Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Museum Ludwig in Cologne, and MADRE in Naples. West’s art is acquired by collections such as Centre Pompidou in Paris, Museum Ludwig in Cologne, MAXXI in Rome, Moderna Museet in Stockholm, Museum of Modern Art, Guggenheim in New York, and Carnegie Museum of Art in Pittsburgh.
Paul McCarthy jobber innenfor et bredt spekter av kunstneriske teknikker som maleri, tegning, skulptur, video, performance og installasjoner. McCarthy tar gjerne utgangspunkt i amerikansk populærkultur og trivielle hverdagshendelser, som i kunstverkene omformuleres med en brutalitet som utfordrer publikums oppfatninger knyttet til temaene. Skulpturen White Snow Cake i skulpturparken på Tjuvholmen er fra serien White Snow, hvor McCarthy fortsetter eventyrtematikken publikum ble kjent med i serier som Heidi og Pinocchio. Referansene i White Snow går både til det gamle og mørkere eventyret fra 1800-tallet Schneewittchen av Brødrene Grimm, og til det 20. århundrets mer kommersielle versjoner. I dette verket, som i mange av McCarthys kunstverk, kombineres referanser til populærkultur med en voldelig og seksuell undertone. I White Snow Cake er Disney-gjengivelsen av Snøhvit og de syv dverger omformet til en uhyggelig og svartmalt versjon. Dvergene er deformerte og man kan se at noen har gått løs på dem med ulike redskaper som ligger strødd rundt figurene. Snøhvit er splittet i to figurer som har vokst sammen med treet. Hendene hennes har blitt til grener og ekornet ved siden av henne er forstørret til det ugjenkjennelige. Kunstneren presenterer det kjente og kjære eventyret på en urovekkende måte som får oss til å revurdere innholdet og tematikken i glansbildet de kommersielle versjonene selger til sitt publikum. McCarthys kunst har blitt vist ved sentrale institusjoner, museer, gallerier og biennaler over hele verden i flere tiår. Blant disse er California College of the Arts, Wattis Institute for Contemporary Arts i San Francisco, Whitney Museum of American Art i New York, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst i Gent, Moderna Museet i Stockholm og Haus der Kunst i München. Han har også stilt ut på Berlinbiennalen, Whitneybiennalen og Veneziabiennalen. Paul McCarthy bor og jobber i Los Angeles i California.
White Snow Cake Paul McCarthy (1945-) 2011. Bronse. 243,8 x 134,6 x 182,9 cm. Verket er en del av Selvaagsamlingen. 2011. Bronze. 243,8 x 134,6 x 182,9 cm. The artwork is a part of the Selvaag Collection.
Paul McCarthy works with a number of different artistic techniques such as painting, drawing, sculpture, video, performance and installation. McCarthy often uses American popular culture and trivial everyday events as starting points for his artworks. These events are then reformulated to a brutality that challenges the audience’s perception of the explored themes. The sculpture White Snow Cake in the Sculpture Park at Tjuvholmen is from the series White Snow, in which McCarthy continues the fairy-tale thematic his audience got to know through his series Heidi and Pinocchio. Snow White refers back to both the old and dark 19th century fairy tale Schneewittchen by the Brothers Grimm, and to the more commercial versions of the fairy tale that emerged in the 20th century. In White Snow Cake, as in many of McCarthy’s artworks, references to popular culture are combined with a violent and sexual undertone. Disney’s Snow White and the Seven Dwarfs is transformed to an unpleasant and dark version. The dwarfs are deformed and different tools with which someone has attacked the dwarfs are scattered around the figures. Snow White is split into two and has grown back together with a tree in the composition. Snow White’s hands have become branches, and a squirrel next to her is enlarged to the unrecognisable. The artist presents the familiar and beloved fairy tale in an unsettling fashion, which makes the audience revaluate the content and thematic in the glossy commercial versions that have been sold to the audience. McCarthy’s art has for several decades been shown at central institutions, museums, galleries and biennales across the world. Amongst these are California College of the Arts, Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco, Whitney Museum of American Art in New York, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst in Gent, Moderna Museet in Stockholm, and Haus der Kunst in Munich. McCarthy has also exhibited at the Berlin Biennale, the Whitney Biennale, and the Venice Biennale. McCarthy lives and works in Los Angeles i California.
Selvaag Gruppen og Aspelin Ramm Gruppen har siden 2002 utviklet Tjuvholmen som ny bydel i Oslo, gjennom selskapet Tjuvholmen KS. Det nye Astrup Fearnley Museet og skulpturparken på Tjuvholmen har tilført hovedstaden store kulturattraksjoner, både i nasjonal og internasjonal målestokk. Museet og skulpturparken omtales derfor som «Gaven til Oslo by» i utbyggingsavtalen med Oslo kommune. Museet og skulpturparken eies og forvaltes gjennom stiftelser. Skulpturene ivaretas gjennom stiftelsen Tjuvholmen Skulpturpark. Stiftelsen forvalter skulpturer i eget eie, samt skulpturer som inngår i Selvaagsamlingen. Skulptur parken på Tjuvholmen åpnet i 2012, med de ni skulpturene omtalt her.
Selvaag Gruppen and Aspelin Ramm Gruppen has since 2002 developed Tjuvholmen as a new borough in Oslo. The company Tjuvholmen KS has been in charge of this development. The new Astrup Fearnley Museum and Tjuvholmen Sculpture Park has added large cultural attractions to the Norwegian capital, measured on both a national and international scale. The Museum and the Sculpture Park are for this reason referred to as “Gifts to the City of Oslo” in the development agreement with the Council of Oslo. The Museum and the Sculpture Park are owned and managed by foundations. The sculptures are preserved by the foundation Tjuvholmen Sculpture Park. This foundation handles both its own sculptures, and the sculptures that are part of the Selvaag Art Collection. The Sculpture Park at Tjuvholmen opened in 2012, presenting the nine sculptures featured in this catalogue.
TEXT: PEDER LUND
DESIGN/PHOTOS: APELAND
THE SCULPTURE PARK AT
TJUVHOLMEN