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MUSICA ROCK Psicodelia, etc...

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Contenidos Artículos ROCK PSICODÉLICO DE LOS 60

1

Rock psicodélico

1

Pink Floyd

6

The Piper at the Gates of Dawn

25

The Beatles

28

The Byrds

61

The Doors

66

Grateful Dead

77

The Mothers Of Invention

89

ROCK PSICODELICO DE LOS 70

92

Rock progresivo

92

Acid folk

99

Rock espacial

100

Krautrock

101

Post-punk

105

ROCK PSIDELICO DE LOS 80

108

Jangle pop

108

New wave

109

Rave

117

Acid house

119

Spacemen 3

120

ROCK PSICODELICO DE LOS 90

123

Dream pop

123

Shoegazing

124

Stoner rock

125

Ozric Tentacles

127

ROCK PSICODELICO DE AÑOS 2000

131

Spiritualized

131

Bardo Pond

133

Acid Mothers Temple

135


Goa trance

138

Trance psicodélico

139

ROCK PROGRESIVO

143

OPERA ROCK

144

Ópera rock

144

Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo

148

Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes

150

Licencias de artículos Licencia

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ROCK PSICODÉLICO DE LOS 60 Rock psicodélico Rock psicodélico Orígenes musicales:

Invasión Británica, Garage Rock, Folk, Raga, Folk Rock, Pop Psicodélico, Música Electrónica, Jazz, Folk (E.E.U.U), Pop Barroco.

Orígenes culturales: Mediados de los 1960s en el Reino Unido y Estados Unidos Instrumentos comunes:

Guitarra eléctrica, bajo, batería, sitar, melotrón, theremín, órgano Hammond, órgano Farfisa, harpsicord, distorsiones y efectos sonoros (Ej: fuzz tone, eco, wah-wah).

Popularidad:

Alta en Estados Unidos y Gran Bretaña 1966 a 1971. Subgéneros Acid-rock, Paisley underground, Stoner rock. Enlaces Categoría:Música rock categoría:Géneros musicales de los 60

El rock psicodélico es un estilo de rock que intenta evocar la experiencia psicodélica usualmente asociada con el uso de sustancias psicoactivas como la marihuana, la mescalina o el LSD. Dentro de la historia del rock, el rock psicodélico es un puente desde el blues-rock hacia el rock progresivo y el heavy metal, así como también las fusiones del rock con géneros como el jazz o la música tradicional de varias zonas del mundo, especialmente la música de la India. A mediados de los 60 nace el rock psicodélico con los experimentos de bandas como The Beatles,Grateful Dead, The Doors, The Mothers Of Invention, The Byrds o Pink Floyd, que influyeron en muchas bandas de todo el mundo.

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Se cree que dio sus primeros pasos en la ciudad de San Francisco a mediados de la década de los 60, difundiéndose lentamente como otra forma de expresión artística de la contracultura global, influenciada por drogas alucinógenas, como el LSD, la mescalina, psilocibina y cannabis, entre otras. El rock psicodélico no se puede clasificar como un género, quiere decir que posee tantas variedades de estilos musicales y combinaciones de sonidos mágicos, melodías abstractas, letras esotéricas que describen sueños, miedos, visiones y alucinaciones, piezas largas y prolongados solos instrumentales e inimaginables sonidos electrónicos y efectos sonoros (parece ser música de otro planeta o de otra realidad) que hacen que la mente abra portales de percepción y se desprenda de la realidad ordinaria para ver la música transformarse en formas y colores. Los primeros ejemplos musicales influenciados por la psicodelia del siglo XX no se pueden saber con exactitud, pero entre lo más influyente de la época se suele citar a Pink Floyd


Rock psicodélico (específicamente con el The Piper at the Gates of Dawn) como un pilar fundamental en el desarrollo no sólo del rock psicodélico, sino también de la música en general. Syd Barrett es considerado la pieza angular de la música psicodélica. También The Beatles aportaron un legado musical psicodélico muy significativo desde el álbum Revolver hasta White Album, con canciones como "Tomorrow Never Knows", "Yellow Submarine", "Lucy in the Sky with Diamonds", "A Day in the Life". También publicaron el álbum temático más emblemático de la era, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, disco que revolucionaría la forma de hacer música. A finales de los 60 otras bandas alcanzaron elevados niveles de composición psicodélica, como lo hizo Pink Floyd con Atom Heart Mother, Meddle y Dark Side of the Moon y The Doors con Jim Morrison y su chamánica y sensual forma de expresar las canciones. Jimi Hendrix, Eric Clapton (Cream), Velvet Underground, Jefferson Airplane, The Mamas and the Papas, Janis Joplin, The Beach Boys, Led Zeppelin y Greatful Death entre otros, son los músicos que han podido traducir las experiencias alucinógenas y además difundirlo por todo el planeta como melodías del universo. Si bien los primeros músicos influenciados por las drogas psicodélicas pertenecían a corrientes jazzísticas (John Coltrane, muy admirado por los beatniks que después serían los hippies) y folk, el primer uso del término "psicodélico" en la música popular fue realizado por la banda "folk" The Holy Modal Rounders en 1964, dentro de su tema "Hesitation Blues". El primer uso de la palabra "psicodélico" en el contexto de la música rock habitualmente se atribuye a la banda 13th Floor Elevators (una de las primeras en desarrollar este sonido). Un prototipo del sonido psicodélico en sí ya existía desde al menos un año antes en los directos de bandas como Grateful Dead, y los singles "Shapes Of Things" de The Yardbirds y "Sunshine Superman" de Donovan, estos dos últimos británicos. El género alcanzó su máxima popularidad entre 1967 y 1968 pero pronto decayó, dando paso en Inglaterra a otras corrientes musicales que adquirieron influencia en los años 70 como el rock progresivo, el rock sinfónico y el glam rock. Sin embargo, un importante número de bandas siguieron trabajando en la corriente y se produjo un nuevo auge en los años 80, y el rock psicodélico de los años 60 ha sido muy influyente en géneros como el rock progresivo y en la escena krautrock alemana, entre otros.

Historia En 1962 el rock británico se embarcó en una frenética carrera de ideas que se extendió por EE.UU. a causa de la llamada Invasión británica de la música rock. El entorno de la música folk también experimentó con las influencias externas. En la misma línea de la tradición jazz y blues, muchos músicos comenzaron a tomar drogas, e incluyeron referencias a éstas en sus canciones. En 1965 Bob Dylan tomo influencias de los Beatles y trajo la instrumentación eléctrica de la música rock en su álbum Bringing It All Back Home, pero la banda de Los Angeles, The Byrds le superaron en ello con un disco sencillo (single) de una pista de un álbum suyo con rastros de psicodelia, Mr. Tambourine Man (en efecto, un "cover" de Dylan), que jugueteaba con los sonidos eléctricos y voces algo etéreas.

Estados Unidos de América en los años 60 La psicodelia musical dio sus primeros pasos en EE.UU. primero en el campo de grabaciones de corte experimental académico como el LP "This Is It" que hizo en 1961 el filósofo de origen inglés Alan Watts que contenía música ritual y evocaciones de la temática psicodélica. Luego en los entornos folk, con la banda neoyorkina Holy Modal Rounders introduciendo el término en 1964 en su tema "Hesitation Blues", en la línea que canta: "...I got my psychedelic feet/In my psychedelic shoes/Oh lordy momma/I got the psychedelic blues...". Una banda folk similar llamada Mother McCree's Uptown Jug Champions de San Francisco recibieron influencias de Byrds y los Beatles, cambiando su instrumentación acústica por una eléctrica en 1965. Cambiaron su nombre por the Warlocks, toparon con los Merry Pranksters (grupo de personas interesadas en la literatura y la figura de Ken Kesey, uno de los íconos de la generación hippie) en noviembre de 1965, y cambiaron nuevamente su nombre a the Grateful Dead el mes siguiente. Pero es 1965 cuando toma verdadera forma las características del rock psicodélico: Primero, cuando el grupo The Charlatans (USA) materializa la primera actuación de una banda bajo efectos del LSD, en su presentación en el Red

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Rock psicodélico Dog Saloon de Virginia City, Nevada, el 29 de junio. En menos de un mes de ese bizarro acontecimiento, el productor de, entre otros, la banda surf The Rivingston, Kim Fowley, lanza en julio el primer tema rock con una clara temática referente a la experiencia psicodélica llamado "The Trip" que logró un relativo éxito. En agosto de ese mismo año, la banda contracultural neoyorkina The Fugs, hace la primera referencia al LSD en la letra de una canción de rock en su "I Couldn't Get High", aunque su música no sonaba "psicodélica". También los californianos The Doors tienen temas de carácter psicódelico en sus álbumes, si bien era común y masivo el uso de drogas para la inspiración artistíca de Jim Morrison, que quedó bien plasmada en temas como "Moonlight Drive", "Light My Fire" (pero cabría aclarar que "Light My Fire" no fue producto de la pluma de J. Morrison sino de R. Krieger), "The End" y Otros. Es para 1966, donde California demuestra ser el mayor impulsor de la psicodelia norteamericana, con actividades psicodélicas como los Acid Test organizados por Ken Kesey y sus Merry Pranksters, los Trip Festivals (pionero en el concepto multimedia, y responsable de presentar la música electrónica a la generación contracultural); y sobre todo, el lanzamiento de discos fundacionales de la sicodelia, como el sencillo con toques indios "Eight Miles High" de The Byrds, el barroquismo sinfónico del "Pet Sounds" de The Beach Boys, y la experimentación con coqueteos con la música concreta del "Freak Out" de The Mothers Of Invention liderado por Frank Zappa. • Lundborg, Patrick (2004). «Timeline of Early Psychedelia [2]». Consultado el 2006.

Los setenta Se suele mencionar que la mayoría de las bandas psicodelicas de los sesenta que continuaron siendo activas en EEUU y el Reino Unido en los setenta dejaron atrás a la psicodelia y en muchos casos mutaron hacia el estilo conocido como Rock progresivo y a géneros similares (ej: Psicoglobines pionera del space rock; Yes; The Soft Machine hacia el jazz fusión; o Yes que apareció desde miembros de bandas desaparecidas como Tomorrow y Syn). En el Reino Unido esta fue una tendencia mientras que tanto en EEUU hubo otra tendencia hacia desarrollar un estilo mas convergente con lo que aparecía en el mainstream (ej: Jefferson Airplane que se transformo en la banda de rock-pop Jefferson Starship o Tyrannosaurus Rex que muto desde el acid folk hacia el Glam rock). Una tercera tendencia fue una en la cual se mantuvo una perspectiva psicodelica mientras desarrollaban su sonido hacia el rock progresivo o el space rock (ej: Gong, Hawkwind o Arthur Brown). En Alemania aparecieron algunas bandas con un estilo post-psicodelico y de rock progresivo influencial en bandas posteriores. Bandas como Kraftwerk, Neu, Faust, Can, Tangerine Dream y Amon Düül III son usualmente clasificadas dentro de la etiqueta krautrock aunque sus sonidos son en algunos casos diferentes y así Can mantiene una fuerte influencia psicodelica con toques de dadaísmo mientras que Tangerine Dream desarrollo el space rock y evoluciono en cierta forma hacia el ambient para ser en muchos casos asociada con la música New Age junto con Klaus Schulze y la llamada Escuela de Berlín. A fines de los años setenta aparecieron bandas usualmente clasificadas dentro del nombre post-punk. Dentro de estas destacaban The Soft Boys, The Teardrop Explodes y Television Personalities; las cuales tenían una clara influencia del rock psicodelico de los sesenta.

Los ochenta En los ochenta aparecieron nuevas bandas con influencias psicodelicas claras. En California especialmente pero también en otros lugares de EEUU aparecieron bandas a las que les fue asignado el termino Paisley underground y aquí destacan The Bangles, Green on Red, The Three O'Clock, The Dream Syndicate, Plasticland, The Secret Syde, The Inn y Lord John. En estas la influencia de The Byrds era importante y en mucho eran cercanas al sonido conocido como Jangle pop. En el Reino Unido en los ochenta aparecieron bandas asociadas con el termino New Wave como The Shamen, Nick Nicely, XTC, Martin Newell con The Cleaners from Venus, The Barracudas, Mood Six, The Prisoners, Echo and the

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Rock psicodélico Bunnymen, Doctor and the Medics, The Cardiacs y The Brotherhood of Lizards. Dentro de estas destaco especialmente XTC dentro de los medios de critica de rock. XTC especialmente desarrollo el rock psicodélico bajo el pseudónimo The Dukes of Stratosphear. Por otro lado en EEUU The Grateful Dead continuo realizando giras y en mucho inspiro a la famosa banda Phish. Esta al igual que The Grateful Dead y sus deadheads, desarrollo después un culto similar de seguidores que la acompañaban en sus tours tocando un estilo influenciado por el jazz. A fines de la década de la los ochenta de desarrollaría la escena rave en el Reino Unido. Allí se impuso el género de música electrónica bailable psicodélica conocido como Acid House. Este y la escena rave en si influenciaría a bandas de rock de sonido neo-psicodélico como The Happy Mondays, The Stone Roses y el resto de la escena conocida como Madchester. Una banda aparecería en el Reino Unido que tendría una notable influencia en bandas posteriores de psicodelia, space rock y noise rock. Esta seria la banda Spacemen 3 la cual fusionaba influencias del garage rock de The Stooges, la psicodelia de The 13th Floor Elevators, y el Kraturock al mismo tiempo que tenia un explícito contenido relacionado con las drogas en sus letras.

Los noventa A fines de los ochenta y en inicios de los noventa. En el Reino Unido se desarrollaron dos géneros en alguna forma similares y conectados fuertemente en mucho por una perspectiva influenciada por la psicodelia. Por un lado esta el Dream pop y por otro el Shoegazing. El dream pop se caracterizó por un fuerte melodicismo con tendencias texturales y letras con contenido nostálgico, agridulce, introspectivo y evocador de estados oníricos. Cocteau Twins, The Chameleons, The Passions, Dif Juz, Lowlife y A.R. Kane desarrollaron este sonido que en muchos casos evitaba un sonido demasiado apoyado en guitarras fuertes e incorporaba en forma importante efectos de estudio. Posteriormente aparecerían bandas con este sonido dentro de los EEUU como, Alison's Halo, Low, Mazzy Star, Velour 100, Love Spirals Downwards, Ars Poetica y Duster and Frownland. Por otro lado esta el estilo del Shoegazing. Este es similar en temática y en el enfasis textural al dream pop pero se diferencia en el que suele recurrir a un fuerte sonido grueso de guitarras influenciadas por grupos como The Velvet Underground, Sonic Youth, Spacemen 3, Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain. Así pues destacan grupos como My Bloody Valentine, Ride, Lush, Chapterhouse, y Slowdive. My Bloody Valentine especialmente provo ser el grupo mas influencial y aclamado por la critica al producir el álbum Loveless el cual es siempre puesto en listas de los mejores álbumes de los años noventa y de la era del rock. Bandas posteriores de psicodelia aparecieron en el Reino Unido como Kula Shaker, Ozric Tentacles, Sun Dial, The Bevis Frond, y The Magic Mushroom Band. En EEUU aparecieron bandas juntadas dentro del apelativo de The Elphant 6 collective como The Apples in Stereo, of Montreal, Neutral Milk Hotel, Beulah, Elf Power, Grandaddy, Modest Mouse, The Essex Green, The Gerbils, The Ladybug Transistor y The Olivia Tremor Control. Otras bandas aclamada con un sonido similar son The Flaming Lips y Stereolab. Estas bandas juntaban influencias de la psicodelia de los sesenta con los nuevos sonidos electrónicos disponibles. Por otro lado en el sur de California emergio un sonido en alguna forma similar al grunge debido a influencias similares como Black Sabbath, Led Zeppelin, The Stooges y The MC5 así como cercano al sludge rock. Este es el género de heavy metal y Acid rock conocido como Stoner Rock en el que destacan bandas como Kyuss, Monster Magnet, Queens of the Stone Age, y Nebula. Este genero se destaca por fuertes referencias a drogas psicodélicas y se lo denomina "stoner" por ser un nombre que se le suele designar en EEUU a los aficionados al consumo de marihuana. Así por un lado están bandas con un sonido mas hard rock como Nebula y otras que aparecerían después cercanas al Doom Metal como Electric Wizard del Reino Unido.

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Rock psicodélico

Los 2000 Algunos de estos géneros continuaron en los años 2000 como el Dream pop, el Stoner Rock así como bandas influenciadas o emergidas del shoegazing como Spiritualized. Por otro lado emergerían bandas de rock espacial psicodélico de larga duración y contenido improvisatorio. Así pues tenemos la banda de Filadelphia Bardo Pond la cual conjuga la influencia del dream pop y el shoegazing con la del rock espacial de bandas como Pink Floyd o Spacemen 3. Así mismo destaca la banda japonesa Acid Mothers Temple la cual une al rock espacial con el rock ácido con un fuerte contenido improvisatorio inspirado en Frank Zappa, Jimi Hendrix y Sun Ra. Otras bandas similares son SubArachnoid Space de California y Mogwai de Escocia. Paralelo a este desarrollo de neo-psicodelias dentro del rock se desarrolló una fuerte escena global de psicodelia electrónica bailable en los noventa conocida como la escena goa trance y psytrance. Esta escena logro concentrar un fuerte colectivo neo-hippie en muchos casos mayor al que concentraban las tendencias de rock psicodelico de los noventa y 2000. Por otra parte neo-hippies también tendieron a seguir la escena de las jam bands como The Grateful Dead y Phish. The Grateful Dead dejo de existir a fines de los noventa en mucho debido a la muerte de Jerry García. En los 2000 tomarían fuerza denominaciones como noise rock y post-rock. Estos géneros suelen tener fertes componentes electrónicos y tendencias hacia la atonalidad y la disonancia influenciados por bandas como Spacemen 3, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Pere Ubu, e inclusive la música ambiental contemporánea y el avant-garde electrónico de la música clásica contemporánea. Dentro de estas bandas podríamos considerar a bandas con tendencias psicodélicas como Animal Collective , CocoRosie y Zoé.

Véase también • • • • • • •

Experiencia psicodélica Música psicodélica Psicodelia Rock Canciones psicodélicas Álbumes psicodélicos Psicoglobines

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Rock_psicod%C3%A9lico [2] http:/ / www. lysergia. com/ LamaWorkshop/ LamaEarlyPsychedelia. htm

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Pink Floyd

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Pink Floyd Pink Floyd

Arriba: Roger Waters y David Gilmour Abajo: Nick Mason y Richard Wright. Información personal Origen

Cambridge, Inglaterra Información artística

Género(s)

[1] Art rock [1] Rock psicodélico [1] Rock espacial [2] [1] Rock progresivo [1] Rock sinfónico [1] Hard rock

Período de actividad

1965 – 1995 [3] (único concierto en 2005)

Discográfica(s)

Capitol Records Columbia Records EMI

Artistas relacionados

Sigma 6

Web Sitio web

www.pinkfloyd.co.uk

[4]

Miembros David Gilmour Nick Mason Roger Waters Richard Wright Antiguos miembros Syd Barrett Bob Klose

Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes e influyentes de la escena del rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo del mundo,[5] [6] de los cuales 74,5 millones sólo en los Estados Unidos.[7]


Pink Floyd Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD,[1] hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd. Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb"). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre. Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.

Historia Orígenes Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6,[8] que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas Bob Klose y Roger Waters, el baterista Nick Mason y el teclista Rick Wright) formaron una nueva banda llamada Tea Set. Después de un breve tiempo con Chris Dennis como vocalista principal,[9] el guitarrista y vocalista Syd Barrett, fan de los Beatles y del rhythm and blues,[10] se unió a la banda, con lo que Waters pasó a tocar el bajo.[11] En el verano de 1965, Bob Klose se vio forzado a abandonar la banda por las presiones de sus padres y de sus profesores universitarios, y el grupo se convirtió en un cuarteto, con Barrett, Waters, Wright y Mason.[12] De este modo, Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rhythm and blues de Bo Diddley,[13] aunque la publicación de Eight Miles High de los californianos The Byrds y especialmente el álbum Revolver de sus coterráneos los Beatles en 1966 provocó el auge del rock psicodélico, un género musical en el que Barrett se sentía más a gusto.[14] En otoño de aquel mismo año, Tea Set coincidió en un concierto en Northolt, a las afueras de Londres, con una banda con el mismo nombre que iba a actuar en el mismo lugar. Ante esta circunstancia, Barrett sugirió otro nombre para el grupo, The Pink Floyd Sound, que provenía de la combinación de los nombres de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.[15] [8] Durante un corto periodo el nombre osciló entre Tea Set y The Pink Floyd Sound, pero con el tiempo éste último se acabó por imponer. El Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Las producciones inglesas de la banda durante la era de Syd Barrett eran acreditadas como The Pink Floyd así como sus primeros dos sencillos en los EE.UU. Se sabe que David Gilmour

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Pink Floyd continuó refiriéndose al grupo como The Pink Floyd hasta 1984.[16] Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse. A finales de 1966 la banda fue invitada a componer música para la película de Peter Whitehead, Tonite Let's All Make Love in London, y fue filmada grabando dos temas («Interstellar Overdrive» y «Nick's Boogie») en enero de 1967. Aunque aparecieron muy pocas muestras de esta música en la película, la sesión fue lanzada como London 1966/1967 en el 2005. Dada su creciente popularidad, los miembros de la banda decidieron formar Blackhill Enterprises en octubre de 1966, en asociación con sus mánagers Peter Jenner y Andrew King,[17] para distribuir los sencillos «Arnold Layne» en marzo de 1967 y «See Emily Play» en junio del mismo año. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido,[1] y el segundo llegó al número 6,[18] dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.[19]

Primeros pasos En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, Pink Floyd decidió elaborar su primer álbum, The Piper at the Gates of Dawn, que fue lanzado en agosto de 1967. El título fue extraído de la novela El viento en los sauces, de Kenneth Grahame.[20] En la actualidad está considerado como ejemplo por antonomasia de la música psicodélica británica,[1] además de que en su momento fue muy bien recibido por la crítica. Las pistas del disco, predominantemente escritas por Barrett, muestran letras poéticas y una ecléctica mezcla de música, desde la vanguardista «Interstellar Overdrive» hasta «The Scarecrow» (inspirada en la música folclórica de The Fens, una región rural al norte de Cambridge de donde son originarios Barrett, Gilmour y Waters). Las letras son totalmente surrealistas y a menudo folclóricas, como «The Gnome». La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época, destacando el uso del paneo estéreo, la edición de cinta, los efectos de eco y el uso de teclados electrónicos. El disco fue un éxito en el Reino Unido, donde llegó al puesto número 6, pero no le fue tan bien en los EE.UU., en cuyas listas solo alcanzó la 131ª posición,[21] aunque después sería relanzado en el periodo de éxito comercial del grupo, en la década de los 70. Durante este periodo, la banda emprendió una gira con Jimi Hendrix, lo que ayudó a incrementar su popularidad.[22] A medida que crecía el éxito de la banda, el estrés y el consumo de drogas (especialmente de LSD) hicieron mella en la salud mental de Syd Barrett.[1] Su conducta se volvió cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo. Por esto, en febrero de 1968 el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para apoyarlo a la guitarra y cantar cuando aquél sufriera alguno de sus bloqueos mentales,[23] [1] aunque también se consideró la candidatura de Jeff Beck.[24] Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás integrantes simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos.[25] El último concierto con Barrett en el grupo fue el 20 de enero de 1968, en el muelle de Hastings. El resto de componentes tenía la esperanza de que Barrett pudiera componer para la banda con Gilmour en los conciertos,[8] pero esto no sucedió así, y la composiciones de Barrett se hicieron cada vez más difíciles y abstractas, como «Have You Got It, Yet?», con cambios de melodías y progresiones armónicas, lo que hizo que el resto de integrantes desechara el acuerdo.[26] [25] La salida de Barrett se hizo oficial en abril de 1968,[27] y los productores Jenner y King decidieron seguirlo, por lo que la sociedad Blackhill se disolvió.[1] La banda adoptó como mánager a Steve O'Rourke, quien continuaría con Pink Floyd hasta su muerte en 2003.[28] Después del lanzamiento de dos álbumes en solitario (The Madcap Laughs y Barrett) en 1970 (co-producidos por y algunas veces con colaboraciones de Gilmour, Waters y Wright), de éxito moderado, Barrett se recluyó en su natal Cambridge y llevó una tranquila vida hasta su muerte el 7 de julio de 2006.

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Pink Floyd

La era de la experimentación Ya sin la presencia de Barrett en la formación, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Si Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y, especialmente, Waters[1] se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la banda. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene». A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, sólo una composición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Remember a Day» (grabado durante las sesiones de The Piper at the Gates of Dawn) y «Set the Controls for the Heart of the Sun». El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, lanzado en junio de 1968, alcanzó el noveno lugar en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas.[29] Algo irregular debido a la salida de Barrett, el álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su antiguo líder,[30] combinado con un estilo más experimental, que alcanzaría su pleno desarrollo en Ummagumma. La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales.[1] Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.[30] Poco después fueron llamados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153º en los EE.UU.[31] La crítica definió este disco como irregular y accidentado.[1] Muchas pistas de More (como usualmente lo llaman los fans) son canciones acústicas de folk. Anteriormente, la banda había estado trabajando en una ópera rock llamada The Man/The Journey, pero el proyecto fue rechazado. No obstante, dos de las canciones que componían esta obra, «Green Is the Colour» y «Cymbaline», fueron incluidas en More,[8] y permanecieron como parte habitual de los conciertos en aquella época. «Cymbaline» también fue la primera canción de Pink Floyd que expresaba la actitud cínica de Roger Waters hacia la industria musical de manera explícita. El resto del álbum consiste en piezas secundarias vanguardistas incluidas en la banda sonora (algunas de las cuales también figuran en The Man/The Journey), con unas pocas canciones más potentes, como «The Nile Song». El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Mánchester)[32] y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno).[33] El título de este álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge. El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de estilo folk («Grantchester Meadows», compuesta por Waters), la pianística y atonal «Sysyphus», coqueteos con el rock progresivo en «The Narrow Way» y largos solos de batería en «The Grand Vizier's Garden Party». Por último, «Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict» es una canción de cinco minutos que presenta únicamente la voz de Waters cantando a diferentes velocidades, dando como resultado un sonido semejante al de pájaros y roedores. Varias de las canciones nuevas de este álbum ya habían sido interpretadas en el concierto grabado bajo el nombre de The Man/The Journey. Ummagumma fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Reino Unido y el 74º en EE.UU.[34] Atom Heart Mother, la primera grabación de la banda con una orquesta y su siguiente álbum de estudio, contó con la colaboración del músico Ron Geesin. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mujer con un marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz.[25] La portada también fue un trabajo casi improvisado; de hecho, el fotógrafo declaró que, a causa de la falta de tiempo, se

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Pink Floyd había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titulada «Atom Heart Mother», mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación («If», de Waters; «Fat Old Sun», de Gilmour; y «Summer '68», de Wright). Otra de las canciones, «Alan's Psychedelic Breakfast», consiste en un collage sonoro de un hombre cocinando y tomando el desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda tenía a su servicio.[25] [35] Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles,[1] alcanzó el puesto más alto de toda su discografía hasta ese momento, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55º en los EE.UU.[36] Posteriormente, este trabajo sería repudiado por Gilmour, que lo calificó como «un montón de basura», y por el propio Waters, quien declaró no importarle que «lo tiraran a la basura y nadie volviera a escucharlo».[37] La popularidad de Madre con un corazón atómico hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por los EE.UU. Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, Relics, que contenía varios sencillos y caras B junto con una canción original de Waters llamada «Biding My Time», grabada durante las sesiones de Ummagumma. El grupo contribuyó a la banda sonora de la película Zabriskie Point, aunque la mayoría de sus composiciones serían finalmente descartadas por el director del film, Michelangelo Antonioni.[38]

La llegada de la fama mundial Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco The Dark Side of the Moon. La última colaboración de Wright como compositor y como vocalista se dio en «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985. El sonido del grupo había sido más coherente en Meddle (1971). La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido,[39] y está considerada como una de sus mejores piezas. Este álbum ya posee el estilo característico de la banda que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, eliminando la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother. Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país sólo alcanzase el 70º.[40] El siguiente trabajo de la banda fue Obscured by Clouds (1972), grabado en Francia,[41] y que conformó la banda sonora de la película El valle de Barbet Schroeder. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE.UU., además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido.[42] La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Además, la canción «Childhood's End» fue la última contribución lírica de Gilmour en quince años,[43] y está basada en el libro del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, Meddle, con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.

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La publicación del superéxito The Dark Side of the Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando se publicó «Point Me at the Sky»; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el vigésimo puesto en los EE.UU. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país,[44] convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos al sobrepasar los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones.[44] Además, permaneció en el Imagen que representa el fenómeno de dispersión de la luz, en el que Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel se basó Storm Thorgerson para idear la portada de The Dark Side of [1] the Moon. momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 [44] hasta 1988, lo que significó otro récord; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos.[45] También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar.[44] En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de éste se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.[46] Poco después de la publicación de The Dark Side of the Moon apareció el recopilatorio A Nice Pair, que recoge los dos primeros discos de la banda: The Piper at the Gates of Dawn y A Saucerful of Secrets. También alrededor de esta época se publicó el primer vídeo en directo del grupo, Live at Pompeii, grabado antes de la publicación de The Dark Side of the Moon en el anfiteatro de Pompeya, una de las ciudades de la antigua Roma destruidas por el Vesubio hace más de 2000 años. El concierto fue grabado sin ningún tipo de público, exceptuando a los ayudantes del grupo y el equipo de grabación. En el vídeo, dirigido por Adrian Maben, se incluyen también entrevistas a los miembros de Pink Floyd y escenas detrás de los escenarios, y durante la grabación de The Dark Side en los estudios Abbey Road. Después del éxito de The Dark Side, los miembros de Pink Floyd procuraron no hacerse repetitivos con respecto al rumbo musical que iban a tomar a partir de ese momento, preguntándose si serían capaces de continuar en los más alto de las listas de ventas. En una vuelta a sus comienzos experimentales, comenzaron a trabajar en un proyecto de álbum llamado Household Objects, llamado así porque las canciones iban a estar interpretadas con objetos caseros (como sierras, cubos de agua, martillos, gomas elásticas o copas).[25] Sin embargo, el proyecto fue abandonado porque los integrantes de la banda decidieron que era mejor y más fácil tocar las canciones con sus respectivos instrumentos. No existen grabaciones definitivas de este proyecto, aunque algunos de los efectos obtenidos fueron empleados en posteriores trabajos.[25] Wish You Were Here, publicado en 1975, trata acerca de la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y también de la añoranza del antiguo miembro del grupo Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada «Shine on You Crazy Diamond», un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, «See Emily Play».[25] El resto de canciones, «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» (cantada por Roy Harper), exhiben, como se dice, una fuerte crítica a la industrialización de la música. Wish You Were Here fue el primer álbum en

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Pink Floyd alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE.UU., y fue igual de alabado por la crítica que The Dark Side of the Moon. En una famosa anécdota, un hombre gordo y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas llegó al estudio mientras los integrantes del grupo estaban mezclando «Shine on You Crazy Diamond». Ninguno de ellos fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett.[47] Preguntado por su extraña gordura, Barrett dijo que había estado comiendo demasiadas chuletas de cerdo.[25] En una entrevista en el 2001 al canal BBC para grabar el documental Syd Barrett: Crazy Diamond, Wright dijo: «Una cosa que realmente permanece en mi memoria, que nunca olvidaré; sucedió en las sesiones de "Shine On". Llegué al estudio y vi a ese hombre sentado al fondo del estudio, estaba tan lejos como tú lo estás de mí. Y no lo reconocí. Dije '¿Quién es este fulano detrás tuyo?' 'Ese es Syd'. Y simplemente me vine abajo, no lo podía creer... Se había afeitado todo el pelo... Es decir, hasta las cejas, todo... Iba de arriba a abajo, haciendo ruido con los dientes, era horroroso. Y, eh, yo estaba, quiero decir, Roger estaba llorando, creo que yo también; los dos estábamos llorando. Fue muy chocante... siete años sin contacto, y llegó entonces, cuando nosotros estamos haciendo esa canción en particular. No sé, coincidencia, karma, destino, ¿quién sabe? Pero fue muy, muy, muy potente.» En el mismo documental, Nick Mason expresó: «Cuando pienso en ello, aún puedo ver sus ojos, pero... todo era diferente». Waters también intervino en la entrevista: «No tuve ni idea de quién era durante mucho tiempo», así como Gilmour: «Ninguno de nosotros lo reconoció. Afeitada... la cabeza calva afeitada, y muy gordo».

La era Waters Con la publicación de Animals en enero de 1977, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll.[48] Sin embargo, Animals está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. Fue el primer disco que no incluyó ninguna composición de Rick Wright, y alcanzó el La Battersea Power Station sale en la portada de Animals, con un segundo puesto en el Reino Unido y el tercero en los cerdo inflable entre dos chimeneas. EE.UU.[49] Como en muchos de sus antecesores, Animals posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela Rebelión en la granja de George Orwell. En el disco, las canciones «Sheep», «Pigs» o «Dogs» se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher,[50] [51] y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse.[52] A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en Animals, pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como «tedioso» y «sombrío».[53] La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre «Algie»,[54] sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Sin embargo, el viento que estaba soplando el día en que se tomó la fotografía complicó el control del globo, y hubo que superponer la foto del cerdo y la de la estación eléctrica mediante un montaje fotográfico.[25] Este cerdo se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.[25]

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Pink Floyd Después de la gira de promoción de Animals, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcó en sendos proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum David Gilmour en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó Wet Dream, y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum Steve de Steve Hillage (miembro de Gong). El único que no se distrajo de la actividad de Pink Floyd fue Roger Waters, quien trabajó en dos proyectos distintos: The Pros and Cons of Hitch Hiking y The Wall. El resto de integrantes eligió éste último como el siguiente álbum, y Pros and Cons se convertiría posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters.[55] A comienzos de 1979 salió a la luz un escándalo económico que involucró a la empresa Northon Warburg: su máximo dirigente, Andrew Warburg, había estado desviando fondos para una serie de operaciones ilícitas y huyó de Inglaterra; siendo arrestado a su regreso en 1982.[56] Esta empresa era la que gestionaba los ingresos de los miembros de Pink Floyd, quienes vieron cómo entre los cuatro habían perdido más de un millón de libras esterlinas. Como resultado del escándalo, cada uno de ellos debía mucho dinero de impuestos, y se vieron forzados a abandonar el país entre el 6 de abril de 1979 y el 6 de abril de 1980.[57] Durante el exilio se acabó de pulir el álbum The Wall, que fue grabado en Francia. La épica ópera rock The Wall vio la luz en 1979. Compuesta casi en su totalidad por Waters, trata los temas de la soledad y la falta de comunicación, expresados por medio de la metáfora de un muro, construido entre el músico y el público.[1] Waters ideó este formato cuando escupió a un fan que no había dejado de increpar al grupo en un concierto en Montreal, Canadá.[58] [52] The Wall consiguió que Pink Floyd volviese a lo más alto de las listas de éxitos con el sencillo «Another Brick in the Wall, Part II» (las 340.000 copias distribuidas en el Reino Unido fueron vendidas en sólo cinco días)[44] extrayendo también otros éxitos como «Comfortably Numb» o «Run Like Hell», que se convirtieron en clásicos de la banda y de las emisoras de radio a pesar de no ser nunca publicados como sencillos. El álbum fue producido por Bob Ezrin, un amigo de Waters que compartió los créditos de composición en el tema «The Trial» (aunque posteriormente rompería su relación al revelar Ezrin a la prensa el espectáculo de los conciertos).[59] Waters impuso sus dotes artísticas y su liderazgo sobre la banda, usando la precaria situación económica de la banda a su favor, lo que enseguida desembocó en numerosos conflictos entre los integrantes. La música se había orientado notablemente hacia el hard rock, aunque aún hubo temas orquestales semejantes a los temas de épocas pasadas. La influencia de Wright fue minimizada, y fue despedido durante la grabación por Waters,[60] aunque acabó retornando para los conciertos en directo con un salario determinado. Curiosamente, esta situación fue lo que hizo que Wright se convirtiese en el único músico que ganó algo de dinero con los conciertos de The Wall. La ópera sólo fue interpretada en unas pocas ocasiones debido a las complicaciones logísticas (puesto que en estas actuaciones se construía un muro en los descansos de cada actuación),[1] aunque sería interpretada por Waters una vez más después de la caída del muro de Berlín. Aunque nunca llegó al número uno en el Reino Unido (sólo alcanzó el tercer lugar),[44] The Wall permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino, vendiendo 11.5 millones de copias en los EE.UU.[61] El espectacular éxito de The Wall hizo que Pink Floyd se convirtiese en el único grupo en conseguir el disco más vendido del año en dos ocasiones dentro de una misma década (en 1973 con The Dark Side of the Moon y en 1980 con The Wall), algo que sólo los Beatles habían logrado antes. Como secuela se publicó en 1982 la película Pink Floyd: The Wall, cuya banda sonora está formada por la mayoría del contenido de The Wall. La película, escrita por Waters y dirigida por Alan Parker, tiene como actor protagonista al fundador de Boomtown Rats, Bob Geldof, quien regrabó muchas de las partes vocales originales del álbum.[62] La animación de la misma corrió a cargo de Gerald Scarfe. La canción «When the Tigers Broke Free», que apareció por primera vez en esta película, fue publicada como un sencillo en edición limitada, aunque se popularizó cuando fue incluida en el recopilatorio Echoes: The Best of Pink Floyd y en la reedición de The Final Cut. Otra canción original de la película es «What Shall We Do Now?», que fue eliminada del álbum original debido a las limitaciones de tiempo de los discos de vinilo. Las únicas canciones de The Wall que no fueron empleadas fueron «Hey You» y «The Show Must Go On».

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The Final Cut, un álbum dedicado a la memoria del padre de Waters, Eric Fletcher Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial,[25] salió al mercado en 1983. Es el único álbum de la banda en el que no apareció Richard Wright, y el único que fue compuesto en su totalidad por uno de los integrantes de la banda, en este caso Waters[25] (tanto fue así que le ofrecieron publicarlo como un disco en solitario, algo que fue rechazado por el resto de integrantes y por EMI). Fue también él mismo quien grabó casi todas las partes vocales, excepto una canción en la que está La Guerra de las Malvinas fue uno de los nuevos temas incorporados acompañado por Gilmour.[25] La temática del trabajo en las letras de The Final Cut, que reafirmaba la postura antibélica de siguió la línea de los anteriores, aunque de un modo Roger Waters. más oscuro. En él, Waters incluyó por primera vez en las letras la participación británica en la Guerra de las Malvinas, y concluyó con una referencia a una posible guerra nuclear, en la canción «Two Suns in the Sunset». Los arreglos orquestales corrieron a cargo de Michael Kamen, quien, junto con Andy Bown, interpretó las partes del teclado debido a la ausencia de Wright. The Final Cut fue bien recibido por la crítica, y alcanzó el primer puesto en el Reino Unido y el sexto en los EE.UU.[63] Contiene un éxito radiofónico menor, «Not Now John», el único del trabajo en el que canta Gilmour. Esta situación provocó numerosas discusiones entre Gilmour y Waters, de tal magnitud que se rumoreó que no se vieron en el estudio durante las sesiones de grabación. Mientras que Gilmour dijo que intentó seguir haciendo buena música, Waters declaró que nadie entendía el mensaje social que contenían sus canciones. Aunque nunca hubo ninguna gira promocional de este disco,[64] Waters ha interpretado desde entonces algunas canciones en sus conciertos en solitario. Después de este álbum se publicó el recopilatorio Works, que incluyó por primera vez la canción inédita «Embryo», grabada en 1970. A partir de entonces, cada uno de los miembros tomó caminos distintos, embarcándose en sus propios proyectos. Gilmour publicó el álbum en solitario About Face en marzo de 1984. Un mes después, Wright se unió a Dave Harris, del grupo Fashion, para formar Zee, que editó el álbum Identity. En mayo de 1984, Waters publicó The Pros and Cons of Hitch Hiking, un álbum conceptual que había ideado durante el parón de 1978. Un año después de estos lanzamientos, Mason publicó Profiles junto con Rick Fenn, de 10cc, que contiene una colaboración de Gilmour y del teclista de UFO, Danny Peyronel.

La era Gilmour En diciembre de 1985, Waters anunció la separación de Pink Floyd, describiendo a la banda como una «fuerza agotada». No obstante, en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Pink Floyd. Una agria disputa legal llevó a Roger a reclamar que el nombre de Pink Floyd debería haber sido abandonado, pero Gilmour y Mason mantuvieron su intención de grabar con ese nombre, declarando que eran ellos quienes tenían sus derechos legales. Finalmente, la demanda fue llevada a los juzgados, y los derechos fueron adquiridos por Gilmour y Mason.[1] Después de barajar varios títulos, el nuevo álbum fue publicado como A Momentary Lapse of Reason, y alcanzó el tercer puesto en los EE.UU. y en el Reino Unido.[65] Sin Waters, que había sido el principal motor compositivo, la banda se apoyó en compositores de fuera, lo que provocó muchas críticas. Bob Ezrin actuó como coproductor junto con Jon Carin, y ambos aportaron composiciones al trabajo. Carin también interpretó la mayoría de las partes de teclado a pesar de la vuelta de Wright,[66] en un principio como músico asalariado y luego como miembro oficial. Gilmour declaró posteriormente que Mason y Wright apenas habían participado en el disco, y es a causa de esto por lo que muchos críticos consideran que A Momentary Lapse of Reason debería ser un álbum en solitario del

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Pink Floyd guitarrista inglés, del mismo modo que The Final Cut debería ser un álbum en solitario de Waters.[1] Un año después la banda publicó un álbum doble en directo acompañado de un vídeo del concierto, llamado Delicate Sound of Thunder, que fue grabado en una serie de conciertos en Long Island, Estados Unidos, y posteriormente grabó una serie de pistas para La Carrera Panamericana, un vídeo de la competición mexicana del mismo nombre. En esta carrera, que tenía como participantes a Mason y a Gilmour, éste último tuvo un accidente junto con su copiloto, el mánager Steve O'Rourke, que se rompió la pierna, aunque Gilmour sólo sufrió algunos rasguños.[67] Estas pistas, todas ellas instrumentales, presentan las primeras composiciones de Wright desde 1975, y las primeras de Mason desde 1973. En 1992 se publicó el box set Shine On, que incluye las reediciones de los discos A Saucerful of Secrets, Meddle, The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall y A Momentary Lapse of Reason junto con un disco adicional llamado The Early Singles. Ese mismo año también se publicó Amused to Death, el nuevo trabajo en solitario de Roger Waters. El siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue The Division Bell, publicado en 1994, compuesto por todos los integrantes del grupo y no sólo por Gilmour exclusivamente, ya con Wright como miembro oficial. Fue mejor recibido que A Momentary Lapse of Reason,[1] aunque se le siguió criticando por la invariabilidad de su estilo.[68] Fue el segundo disco de la banda en llegar al primer puesto a ambos lados del Atlántico desde Wish You Were Here.[44] The Division Bell es otro álbum conceptual que representa temas parecidos a los que Waters había explorado en The Wall. Muchas de las letras fueron escritas por Polly Samson, la novia de Gilmour en aquel momento, con quien se casó poco después de la publicación de este trabajo.[69] Junto con Samson, el álbum presenta a la mayoría de los músicos que contribuyeron en el anterior trabajo de estudio de la banda, con la inclusión de Dick Parry, un viejo colaborador de la época de The Dark Side. Además, Anthony Moore, que había ayudado en la composición de algunas de las letras de A Momentary Lapse, compuso la de «Wearing the Inside Out», que es además la primera contribución vocal de Wright desde The Dark Side. Esta misma colaboración continuó en el posterior álbum de Wright, Broken China. Al año siguiente, 1995, la banda publicó un álbum en directo titulado P.U.L.S.E. que alcanzó el número uno en los EE.UU. y que contiene las canciones interpretadas en un concierto en Londres en la gira Division Bell junto con el álbum The Dark Side of the Moon en directo al completo. El 10 de julio de 2006 se publicó su versión en DVD, que rápidamente alcanzó las más altas posiciones en las listas de éxitos. También en 1995 la banda recibió su primer y único premio Grammy en la categoría de «Mejor interpretación instrumental de rock» por «Marooned».

Trabajos en solitario Pink Floyd ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame en una ceremonia presentada por Billy Corgan, vocalista de los Smashing Pumpkins.[70] Waters no acudió a la ceremonia debido a sus no superadas discrepancias con el resto de miembros. En su discurso de aceptación, Gilmour dijo: «Voy a tener que coger un par más de estos para nuestros dos compañeros de banda que comenzaron a tocar en diferentes tonos: Roger y Syd...» Aunque Mason estuvo presente durante la gala, no se unió a Gilmour, Wright y Corgan para interpretar la versión acústica de «Wish You Were Here».[71] Una grabación en directo de The Wall, recogida de los conciertos en Londres entre 1980 y 1981, salió al mercado en 2000 bajo el nombre de Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-81 y alcanzó el puesto 19º en los EE.UU. En 2001 se editó un álbum recopilatorio de las canciones más conocidas de la banda bajo el nombre de Echoes: The Best of Pink Floyd. Este recopilatorio trajo consigo controversias, puesto que algunas de las canciones más largas aparecen cortadas y sin seguir un orden cronológico, lo que las sacaba del contexto original del álbum, aunque fueron mezcladas de modo que pareciesen parte de una sola pista de más de dos horas.[72] Canciones como «Echoes», «Shine on You Crazy Diamond», «Sheep», «Marooned» o «High Hopes» aparecen notablemente sesgadas. Este álbum trepó hasta el segundo puesto en las listas británicas.

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Pink Floyd En 2003 se publicó la versión en SACD de The Dark Side of the Moon con una nueva portada. También fue publicado en una versión en vinilo virgen con el diseño del original junto con un póster nuevo. Un año después vio la luz en Europa el libro de Nick Mason, Dentro de Pink Floyd (de título original Inside Out: A Personal History of Pink Floyd), que salió al mercado en 2005 en los EE.UU. Mason llevó a cabo apariciones promocionales en público en algunas de las ciudades más importantes de EE.UU. y Europa. El 30 de octubre de 2003 el mánager de la banda, Steve O'Rourke, murió de un infarto de miocardio.[73] Gilmour, Mason y Wright se reunieron en su funeral e interpretaron «Fat Old Sun» y «The Great Gig in the Sky» en la Catedral de Chichester.[74] Dos años después, el 2 de julio de 2005, la banda se reunió una vez más para una sola actuación en el concierto del Live 8 en Londres. Para este acontecimiento, sin embargo, Waters se unió a sus ex-compañeros después de 24 años sin tocar juntos. Pink Floyd interpretó un conjunto de cuatro canciones: «Speak to Me/Breathe», «Money», «Wish You Were Here» y «Comfortably Numb», con Gilmour y Waters compartiendo las labores vocales. Al final de la actuación todos los miembros se fundieron en un abrazo conjunto que se convirtió en una de las imágenes más famosas del concierto. Durante la semana posterior al Live 8 surgió un repentino interés por la banda. Según la tienda online HMV, las ventas de Echoes: The Best of Pink Floyd, aumentaron un 1343%,[75] mientras que las ventas de The Wall subieron más de un 3600% en Amazon.com.[76] David Gilmour declaró posteriormente que pensaba destinar todos estos beneficios a organizaciones de caridad y ONG, y pidió al resto de artistas y compañías que tomaron parte en el Live 8 a hacer lo mismo.[77] El 16 de noviembre de 2005 la banda fue admitida en el UK Music Hall of Fame por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Gilmour y Mason atendieron a la gala, pero ni Waters (que apareció por videoconferencia) ni Wright (que estaba siendo sometido a una operación ocular) pudieron estar presentes. Gilmour publicó su tercer álbum en solitario, titulado On an Island, el 6 de marzo de 2006, y comenzó con una gira que le llevó por Europa, Canadá y los EE.UU. En esta gira participaron Wright y Mason en varias ocasiones, e interpretó el primer sencillo de la banda, «Arnold Layne». Waters también fue invitado a acudir, pero sus compromisos (gira por Europa y los EE.UU.) lo forzaron a declinar la invitación. Sin embargo, Waters apareció en la segunda mitad de un concierto de esta gira en Cork, Irlanda, en el que se interpretó el disco The Dark Side of the Moon al completo. En la actualidad, Waters está trabajando en un álbum en solitario, y se rumorea que puede estar escribiendo un musical de Broadway de The Wall con canciones extra compuestas por él mismo. Waters también se embarcó en la gira Dark Side of the Moon, en la que el setlist consta del disco The Dark Side of the Moon al completo junto con otras canciones famosas de la banda y algunas propias de su carrera en solitario.

Futuro del grupo Muchos fans expresaron su esperanza de ver una reunión del grupo después del Live 8 de Londres, y se Roger Waters en un concierto en solitario en junio de 2006. les ofreció una suma de 250 millones de dólares para llevarla a cabo, pero la banda aclaró que no tenía pensado realizar tales planes. En las semanas posteriores al concierto, sin embargo, las discusiones entre los miembros parecieron haberse acabado del todo. Gilmour confirmó que él y Waters se tratan en términos amigables. El 31 de enero de 2006, David Gilmour hizo saber que el grupo no tiene intención de reunirse, desmintiendo los rumores que provenían de algunos medios de comunicación. Poco después Gilmour declaró en una entrevista al

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Pink Floyd diario italiano La Repubblica que él ha terminado con Pink Floyd y que piensa centrarse en su carrera en solitario y en su familia. También menciona que aceptó tocar con Waters en el Live 8 para apoyar la causa del concierto, para hacer las paces con Waters y saber si él se negaría o no. Sin embargo, admite la probabilidad de que Pink Floyd podría tocar en un concierto en pro del proceso de paz entre Israel y la Autoridad Nacional Palestina. En una entrevista con la revista Billboard, Gilmour cambió su postura de acabar con Pink Floyd hacia un «quién sabe». Una actuación sorpresa de la alineación post-Waters interpretó los temas «Comfortably Numb» y «Wish You Were Here» en el Royal Albert Hall de Londres el 31 de mayo de 2006. En 2007 se cumplieron 40 años de la firma del primer contrato de la banda con EMI y de la publicación de su primer tres sencillos: «Arnold Layne», «See Emily Play» y «Apples and Oranges», junto con el disco The Piper at the Gates of Dawn. Esto vino acompañado de la publicación en edición limitada de un set que contiene mezclas en stereo y mono del álbum junto con grabaciones no publicadas. El 10 de mayo de 2007, Roger Waters tomó parte del concierto tributo a Syd Barrett en el Barbican Centre londinense. Esto fue seguido de la actuación de Mason, Gilmour y Wright interpretando «Arnold Layne». Sin embargo, los rumores de que la banda podría realizar un concierto con todos sus miembros fueron desmentidos por el hecho de que Waters no se les unió. En una entrevista del año 2007, Waters se mostró más receptivo a la idea de una hipotética reunión de Pink Floyd cuando éste dijo: «No tengo problema si el resto quiere unirse. Ni siquiera tendría que ser para salvar el mundo. Es sólo porque es divertido. Y a la gente le encantaría».[78] El 24 de septiembre de 2007 Gilmour declaró que una reunión de Pink Floyd de cualquier manera, con o sin Waters, no sería correcto: «No veo por qué querría yo volver a esa cosa tan vieja. Es muy retrógrado. Quiero mirar más allá, y mirar hacia atrás no me divierte».[79] Oh, By the Way, un box set que contiene los catorce álbumes de estudio de la banda, fue publicado el 10 de diciembre en Europa y el 11 en los EE.UU. Contiene nuevas ilustraciones de Storm Thorgerson junto con el diseño original de las ediciones en vinilo. En abril de 2008 Nick Mason anunció que Pink Floyd se volvería a reunir en un evento benéfico sin haber especificado una fecha y lugar concreto, lo que iba a ser la primera actuación de la banda en tres años.[80] El fin definitivo llegó el lunes 15 de septiembre de 2008 cuando Richard Wright, teclista y miembro fundador de la banda, murió de cáncer a los 65 años de edad, eliminando las posibilidades acerca de una futura reunión del grupo. "La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd, anuncia con gran tristeza que Richard falleció tras una corta lucha contra el cáncer". "La familia ha pedido que su intimidad se respete en este difícil momento", agregó un portavoz de la familia, sin precisar qué tipo de cáncer acababa con la vida del músico.[81] En febrero de 2010 el abogado de la banda acusó a la compañía discográfica EMI de comercializar canciones de la banda en Internet sin autorización. Esto derivo en un juicio que ganó la banda y que obligó al sello a pagarles 60 mil libras y obviamente quedo prohibida la comercialización de las canciones de Pink Floyd vía Internet. [82]

Estilo Pink Floyd es conocido principalmente por el estilo espacial de sus composiciones y por sus elaborados álbumes conceptuales de mediados de los años 1970, pero lo cierto es que comenzaron como una banda mucho más convencional. Sus primeros años, dirigidos por Syd Barrett, estaban teñidos de la psicodelia imperante en aquel momento (finales de los años 60), aunque comenzaba a mostrar algunas trazas de los que se acabaría convirtiendo en el rock espacial característico de la formación.[30] El consumo masivo de drogas como el LSD por parte de Barrett provocó que sus composiciones oscilaran entre las clásicas melodías de pop como «Astronomy Domine» y la experimentación de temas más largos como «Interstellar Overdrive», hasta el límite de que The Piper at the Gates of Dawn fue considerado como uno de los mejores álbumes psicodélicos jamás publicados.[1] Las letras de este trabajo, divertidas y humorísticas y a veces emulando viajes espaciales como metáforas del sentimiento psicodélico,

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contrastan con el sonido envolvente del teclado de Wright y con las melancólicas líneas de guitarra de Barrett, dando un sonido general a menudo caótico y confuso.[1] Con la publicación de A Saucerful of Secrets en 1968, el estilo de la banda dio un giro debido a la salida de Barrett de ella y a la entrada de David Gilmour. Definido como un álbum de transición, en él se mezclan las canciones psicodélicas semejantes a las firmadas por Barrett y piezas más experimentales, con influencias de la música clásica y que ayudaron a marcar el posterior sonido de Pink Floyd.[1] En este álbum aparece la última canción compuesta por Barrett, «Jugband Blues».[30] Los discos Music from the Film More, Ummagumma y Atom Heart Mother siguieron explorando los sonidos del rock espacial que llevarían a su máxima expresión con posteriores trabajos.[30] Atom Heart Mother es quizás el álbum más experimental de la discografía de Pink Floyd y uno de los más inaccesibles.[83] La pieza homónima orquestal ocupa toda una cara del disco con sus más de 23 minutos de duración, mientras que «Alan Psychedelic Breakfast» reproduce los sonidos de un hombre preparándose el desayuno intercalados entre fragmentos instrumentales. Con Meddle, Pink Floyd comenzó a enfocar su propio sonido de manera directa. En él, la banda dejó de lado la orquesta de «Atom Heart Mother» y se sumergió en piezas largas y elaboradas, como «Echoes» o «One of These Days», firmando una de las mejores obras de su carrera y la mejor desde The Piper at the Gates of Dawn.[84] The Dark Side of the Moon se convirtió en el álbum más vendido de la banda y uno de los más vendidos de la historia de la música. El nuevo cambio de estilo de la banda se hace patente de nuevo en este álbum,[30] con canciones como «Money» o «Time» y con la aparición de coristas femeninas y del sonido del saxofón de la mano de Dick Parry. Las texturas sonoras exploradas en este disco y las cuidadas atmósferas definieron el sonido clásico de Pink Floyd,[1] con una mezcla de blues rock, jazz fusión, rock psicodélico y art rock.[1]

Concierto de Pink Floyd en 1973, poco después de la publicación de The Dark Side of the Moon. Obsérvese el grupo de coristas a la izquierda de la imagen, cuyo sonido es una parte fundamental de los álbumes más exitosos de la banda.

La continuación de The Dark Side también fue todo un éxito en ventas y se convirtió en otro clásico del grupo. Wish You Were Here, con unas canciones dedicadas a Syd Barrett y otras dirigidas contra la industrialización de la música, contiene el tema «Shine on You Crazy Diamond», uno de los más conocidos de la banda y el más largo, que con sus casi 26 minutos tuvo que ser dividido en dos pistas, una al comienzo y otra al final del álbum. Esta canción está enteramente dedicada a Barrett, y termina con las notas de «See Emily Play», uno de los primeros sencillos del grupo compuesto por Syd.[25] Otra de las canciones más famosas de Pink Floyd es la acústica «Wish You Were Here», también dedicada a Barrett y que constituye una de las piezas con más lirismo de la banda.[85] El liderazgo de Waters se comenzó a imponer en la grabación de este álbum, y acabaría por ponerse ampliamente de manifiesto en los álbumes siguientes, especialmente en The Wall y The Final Cut. Animals es uno de los álbumes más oscuros de la época dorada de la banda, en el que Waters trata a la especie humana como cerdos, perros y ovejas, en una metáfora de la sociedad actual basada en el libro Rebelión en la granja. En este trabajo, la guitarra de Gilmour toma el papel protagonista, mientras que las aportaciones de Wright se reducen ampliamente,[1] y las canciones son mucho más largas de lo habitual, ya que todas superan los diez minutos excepto «Pigs on the Wing», que viene separada en dos partes de minuto y medio cada una. Con The Wall, la supremacía de Waters en el control compositivo de Pink Floyd se hizo claramente patente. Con todo, es uno de los discos más famosos de la discografía de la banda y uno de los más vendidos de la historia, aunque


Pink Floyd no superó a The Dark Side en cifras. El disco es una ópera rock basada en una estrella de rock que se aísla del mundo a base de consumir de drogas, construyendo un muro a su alrededor.[30] Aunque Waters lo haya negado varias veces, el álbum parece una autobiografía suya, puesto que el protagonista, llamado «Pink», guarda varias similitudes con él.[30] El disco está compuesto básicamente por canciones cortas de uno, dos ó tres minutos aproximadamente, unidas con piezas más largas como «Comfortably Numb» o «Hey You». La canción «Another Brick in the Wall» se alzó rápidamente como la canción más representativa del disco y una de las más conocidas del grupo, con un característico coro de niños cantando la línea «We don't need no education».[30] Esta frase luego sería criticada y caricaturizada por artistas como Elvis Costello, en su disco Mighty Like a Rose. En The Wall es también famoso el solo de guitarra final de «Comfortably Numb», compuesto por Gilmour y, para muchos, uno de los mejores de la historia.[30] The Final Cut, un álbum inicialmente pensado como un recopilatorio de los temas que no habían entrado en The Wall (y que incluso se iba a llamar Spare Bricks, «Ladrillos sobrantes»)[25] , fue definido como una mezcla entre los estilos de Animals y The Wall,[1] y fue dedicado a la memoria del padre de Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial. Este álbum gira en torno a la Guerra de las Malvinas, y «sólo puede ser comparado a The Pros and Cons of Hitch Hiking» (primer álbum en solitario de Roger Waters) según Allmusic, debido a que la música «se empleó como textura, no como música».[1] Con la marcha de Waters en 1985, el estilo del grupo dio un giro considerable, especialmente en el aspecto lírico. La música siguió el estilo general de la banda, con atmósferas cuidadas y el típico sonido de Gilmour a la guitarra, pero se echó en falta la cohesión de Waters y su habilidad como letrista.[1] Esto se materializó en A Momentary Lapse of Reason, un álbum bien acogido por el público y compuesto casi enteramente por Gilmour,[1] quien dejó más espacio al resto de miembros en el siguiente disco, The Division Bell. Este disco fue un regreso a los tiempos anteriores a The Dark Side of the Moon, pues se pueden apreciar largas notas en el teclado y los efectos de eco que posee el sonido de la guitarra.[1] Líricamente, el trabajo parece tener referencias implícitas a Waters y a la historia de The Wall, aunque predomina el tema de la caída del muro de Berlín.[1]

Influencia El constante cambio de estilo en cada álbum, sumado a la gran popularidad que alcanzó su música, hicieron que Pink Floyd haya influido a una gran cantidad de músicos y bandas, tanto de los años 70, como David Bowie,[86] Genesis[87] y Yes;[87] como contemporáneos, entre los cuales se encuentran Ayreon,[88] Dream Theater,[89] Tool,[90] Radiohead,[91] Porcupine Tree,[92] The Orb,[93] Anathema[94] y Nine Inch Nails.[95] Otra prueba de la huella de Pink Floyd en la historia de la música es la proliferación de bandas tributo, como The Pink Floyd Experience, Wish You Were Here, Anderson Council, Australian Pink Floyd Show, The Machine, Brain Damage, The Polka Floyd Show, los argentinos Ummagumma o los españoles The Pink Tones. Además, varias han sido las bandas que han realizado algún homenaje a Pink Floyd. El 11 de octubre de 2005, la banda norteamericana de metal progresivo Dream Theater interpretó al completo el disco The Dark Side of the Moon en Ámsterdam, y repitió el mismo concierto dos semanas después en Londres.[96] Esta misma banda incluyó una referencia a «Careful with That Axe, Eugene» en la letra de la canción «Octavarium», en lo que constituyó una oda al rock progresivo, puesto que otras canciones, como «Machine Messiah» de Yes, «Lucy in the Sky with Diamonds» de los Beatles, «My Generation» de The Who o «Light My Fire» de The Doors aparecen mencionadas en su letra.[97] Por su parte, Easy Star All-Stars grabó un tributo a The Dark Side con influencias del reggae y del hip hop que se denominó Dub Side of the Moon,[98] mientras que el grupo de heavy metal Ministry hizo lo propio al nombrar como Dark Side of the Spoon a su disco de 1999. En el ámbito clásico, String Quartet, que consta de dos violines, una viola y un cello, versionaron The Dark Side,[99] mientras que la Orquesta Filarmónica de Londres hizo lo mismo en el disco Us and Them: Symphonic Pink Floyd.[100]

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Formaciones Miembros oficiales de Pink Floyd Como "Tea Set" o "The Pink Floyd Sound" • • 1965 • • •

Syd Barrett – guitarra rítmica, voz líder Bob Klose – guitarra solista Roger Waters – bajo, voz Rick Wright – teclados, voz Nick Mason – batería, percusión

1965–1968

• • • •

Syd Barrett – guitarra, voz líder Roger Waters – bajo, voz Rick Wright – teclado, voz Nick Mason – batería, percusión

1968

• • • • •

David Gilmour – guitarra líder, voz líder Syd Barrett – guitarra rítmica, voz Roger Waters – bajo, voz líder Rick Wright – teclados, voz líder Nick Mason – batería, percusión

1968–1981

• • • •

David Gilmour – guitarra, voz líder Roger Waters - bajo, voz líder Rick Wright – teclados, voz Nick Mason – batería, percusión

1981–1985

• • •

David Gilmour – guitarra, voz Roger Waters – bajo, voz líder, guitarra adicional, teclados Nick Mason – batería, percusión

1985–1990

• •

David Gilmour – guitarra, voz, bajo, teclados Nick Mason – batería, percusión

1990 – 1994

• • •

David Gilmour – guitarra, voz líder, bajo Rick Wright – teclados, voz Nick Mason – batería, percusión

Reunión de 2005 (Live 8)

• • • •

David Gilmour - guitarra, voz líder Roger Waters - bajo, voz líder Rick Wright - teclados, voz Nick Mason - batería, percusión

Colaboradores • De sesión • • • • • • • • • • •

Roy Harper (vocalista en "Have a Cigar") Ron Geesin (orquestador y compositor de Atom Heart Mother) Michael Kamen (orquestador y teclista en The Wall y The Final Cut) Tony Levin (bajista y Chapman Stick en A Momentary Lapse of Reason) Guy Pratt (bajista y vocalista en el disco The Division Bell) Bob Ezrin (productor, compositor y teclista en The Wall) Jon Carin (compositor y multinstrumentista. Desde 1987 a 1994) Dick Parry (saxofón en The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here) Tim Renwick (guitarrista. Desde 1987 a 1994) Gary Wallis (ayudante de percusión para The Division Bell) Claire Torry (vocalista en "The Great Gig in the Sky")


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• En vivo • Scott Page (saxofón y guitarra para la gira de A Momentary Lapse of Reason) • Snowy White (guitarrista para las giras de Animals y The Wall) • Diseño de los discos • Storm Thorgerson (ilustrador de varias portadas de sus álbumes) • Gerald Scarfe (ilustrador de la portada del álbum The Wall)

Discografía Álbumes de estudio 5 de agosto de 1967

The Piper at the Gates of Dawn

29 de junio de 1968

A Saucerful of Secrets

27 de julio de 1969

Music from the Film More

25 de octubre de 1969

Ummagumma

10 de octubre de 1970

Atom Heart Mother

30 de octubre de 1971

Meddle

3 de junio de 1972

Obscured by Clouds

24 de marzo de 1973

The Dark Side of the Moon

15 de septiembre de 1975 Wish You Were Here 23 de enero de 1977

Animals

30 de noviembre de 1979 The Wall 23 de marzo de 1983

The Final Cut

7 de septiembre de 1987

A Momentary Lapse of Reason

30 de marzo de 1994

The Division Bell

Álbum no publicado • Household Objects (1974)

Referencias Bibliografía • Mason, Nick. Dentro de Pink Floyd, 2005. ISBN 978-84-96222-86-1 • Schaffner, Nicholas. La odisea de Pink Floyd, 2005. ISBN 978-84-96222-28-1

Bibliografía complementaria • Forcada, Fernando. Pink Floyd: Más allá del muro, 2006. ISBN 978-84-9743-176-7 • Manning, Toby. The rough guide to Pink Floyd, 2006. ISBN 978-1-84353-575-1


Pink Floyd

Véase también • Canciones de Pink Floyd • Álbumes de Pink Floyd

Enlaces externos • • • • •

Página oficial del grupo (Reino Unido) [101] (en inglés) Página oficial del grupo (EE.UU.) [102] (en inglés) Pink Floyd Online [103] (en inglés) All Pink Floyd Fan Network [104]: Comunidad sobre Pink Floyd, con foros en línea muy populares (en inglés) Discografía con letras [105]

Referencias [1] Unterberger, Richie. « Pink Floyd biography (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:wbfyxqt5ldse~T1)». Allmusic. Consultado el 9 de abril de 2008. [2] « Rock progresivo - Pink Floyd (http:/ / www. manticornio. com/ rock-progresivo/ P/ PINK-FLOYD/ pf. html)». Manticornio.com (13 de diciembre de 2005). Consultado el 20 de abril de 2008. [3] « Wright reveals that he expects the Floyd to record a new album soon (http:/ / www. angelfire. com/ biz/ velvetlounge/ editorial. html)» (3 de diciembre de 1996). Consultado el 20 de abril de 2008. [4] http:/ / www. pinkfloyd. co. uk [5] « Pink Floyd in legal tussle (http:/ / www. dolphinmusic. co. uk/ article/ 3569-pink-floyd-emi-in-legal-tussle. html)». Consultado el 25 de mayo de 2009. [6] « Pink Floyd sales (http:/ / www. memorabilia-uk. co. uk/ product_desc. php?id=2902)». Consultado el 25 de mayo de 2009. [7] « RIAA - Gold & Platinum (http:/ / www. riaa. com/ goldandplatinumdata. php?table=tblTopArt)». RIAA (14 de abril de 2008). Consultado el 14 de abril de 2008. [8] « Pink Floyd History - 1964 to 1969 (http:/ / www. pinkfloydonline. com/ history1. html)». Pinkfloydonline.com. Consultado el 10 de abril de 2008. [9] Mason, p. 21 [10] Mason, p.23 [11] Schaffner, p. 25 [12] Mason, p. 26 [13] Mason, p.24 [14] Mason, p.34-35 [15] Mason, p. 27 [16] Schaffner, p. 276 [17] Schaffner, p. 30 [18] Schaffner, p. 320–321 [19] Mason, p.66 [20] « Pink Floyd @ Nostalgia Central (http:/ / www. nostalgiacentral. com/ music/ pinkfloyd. htm)». Consultado el 20 de abril de 2008. [21] « The Piper at the Gates of Dawn (http:/ / pinkfloyd-co. com/ disco/ piper/ piper_album. html)». Consultado el 20 de abril de 2008. [22] Mason, p. 79 [23] Mason, p. 83 [24] Mason, p. 82 [25] Mason, p. 85 [26] Schaffner, p. 107–108 [27] Mason, p.88 [28] Mason, p.87 [29] « A Saucerful of Secrets (http:/ / pinkfloyd-co. com/ disco/ saucer/ saucer_album. html)». Consultado el 20 de abril de 2008. [30] « Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn (1967) (http:/ / www. alohacriticon. com/ alohapoprock/ modules. php?name=News& file=article& sid=668)». AlohaPopRock.com. Consultado el 14 de abril de 2008. [31] « Music from the Film More (http:/ / pinkfloyd-co. com/ disco/ more/ more_album. html)». Consultado el 20 de abril de 2008. [32] Mason, p. 103 [33] Mason, p.104 [34] « Ummagumma (http:/ / pinkfloyd-co. com/ disco/ umma/ umma_album. html)». Consultado el 20 de abril de 2008.

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The Piper at the Gates of Dawn

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The Piper at the Gates of Dawn The Piper at the Gates of Dawn Álbum de Pink Floyd Publicación 5 de agosto de 1967 Género(s)

Rock psicodélico

Duración

41:57

Discográfica Columbia/EMI (Reino Unido). Capitol (Estados Unidos). Productor(es) Norman Smith Calificaciones profesionales •

Allmusic

enlace

[1]

Cronología de Pink Floyd (1967) The Piper at the Gates of Dawn

(1968) A Saucerful of Secrets

The Piper at the Gates of Dawn es el primer álbum de estudio de la banda británica Pink Floyd, editado en 1967. Este disco está considerado como uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles, que fue grabado casi al mismo tiempo; y es considerado uno de los LPs más influyentes de la historia, siendo una gran influencia para la escena de rock psicodélico del momento, y lo que siguió. The Piper at the Gates of Dawn está considerado por muchos como el álbum de rock psicodélico más importante de la historia; cosa admirable tratándose del primer álbum de estudio de Pink Floyd

Temática Syd Barrett fue el compositor principal de la mayoría de los temas, pero los aportes de cada integrante de la banda fueron fundamentales. El álbum contiene letras caprichosas, sobre el espacio, espantapájaros, gnomos, bicicletas y cuentos de hadas, acompañadas con secciones de música psicodélica. El título del mismo proviene de uno de los capítulos de un libro que Barrett leía de joven: The Wind In The Willows (El viento en los sauces), de Kenneth Grahame. En el mismo, los personajes Rat y Mole, se encuentran con el dios Pan, que representa la poderosa fuerza de la naturaleza, y ayuda a los animales a encontrar una nutria perdida. En este álbum se aprecia el gusto de Barrett por las letras basadas en asociaciones mentales espontáneas, algo así como un viaje psicotrópico.

Grabación y edición El álbum fue grabado los días, 16 de marzo, 15 de abril, y en el período del 4 de mayo al 16 de julio de 1967 en los Estudios Abbey Road, con una duración total de 41:56. Fue producido por Norman Smith. Peter Bown fue el ingeniero de sonido. El LP en versión monoaural, fue editado el 5 de agosto de 1967, y un mes después fue editada en versión estereofónica. Alcanzó el puesto #6 en las listas de Reino Unido, y #131 en las listas de Estados Unidos. En la edición de Estados Unidos, "See Emily Play" reemplazaba a "Astronomy Domine", y "Flaming" y "Bike" no figuraban. La mezcla estereofónica fue editada en disco compacto en 1987, y una versión digitalmente remasterizada fue editada en disco compacto en 1994, y en 1995 en Estados Unidos. Tres años después, EMI lanzó una edición


The Piper at the Gates of Dawn limitada, remasterizada, monoaural, en digipak, con arte en 3D. En 1973 se editan el primer y segundo disco de Pink Floyd en un álbum doble llamado A Nice Pair. La lista de temas de The Piper at the Gates of Dawn es la de la edición de Reino Unido, sólo que "Astronomy Domine" es reemplazada por la versión en vivo que se editó en el álbum doble Ummagumma, en 1969. El 27 de agosto de 2007, ha sido lanzada una edición especial, conmemorando el 40 aniversario de la primera edición. Esta incluye tres discos, de los cuales dos son las versiones completas del álbum, monoaural y estereofónica respectivamente; y el tercer disco incluye singles como "Arnold Layne", "See Emily Play" y "Apples and Oranges", más las canciones "Candy and a Currant Bun" y "Paintbox" (lados B), además contiene versiones que se descubrieron en los archivos de EMI, de algunas de las sesiones del álbum; "Matilda Mother", "Apples and Oranges", y dos versiones inéditas de "Interstellar Overdrive", descubiertas en algunos EPs en Francia, y en los archivos EMI las cuales son parcialmente distintas a las conocidas, especialmente en sus letras. El diseño gráfico de la edición estuvo a cargo de Storm Thorgerson y se basa en la sobreexposición de fotos de los integrantes de la banda.

Legado y Recepción Legado The Piper at The Gates of Dawn es uno de los discos mas influyentes en toda la historia de la música. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop y folk ha insírado a distintos artistas como David Bowie, The Beatles, Gong, Phish, entre otros.

Lista de temas 1. "Astronomy Domine" (Barrett) 4:13 2. "Lucifer Sam" (Barrett) 3:07 3. "Matilda Mother" (Barrett) 3:08 4. "Flaming" (Barrett) 2:46 5. "Pow R. Toc H." (Barrett, Waters, Wright, Mason) 4:26 6. "Take Up Thy Stethoscope And Walk" (Waters) 3:07 7. "Interstellar Overdrive" (Barrett) 9:42 8. "The Gnome" (Barrett) 2:13 9. "Chapter 24" (Barrett) 3:42 10. "Scarecrow" (Barrett) 2:11 11. "Bike" (Barrett) 3:22

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The Piper at the Gates of Dawn

Créditos Músicos • • • •

Syd Barrett - guitarra y voz. Roger Waters - bajo, voz y guitarra adicional. Richard Wright - órgano, piano y voz. Nick Mason - batería, percusión.

Producción • Producción artística: Norman Smith. • Ingeniero de sonido: Peter Bown. • Arte de tapa y fotografía: Vic Singh. Edición en disco compacto: • Remasterizado supervisado por James Guthrie. • Remasterizado digitalmente por Doug Sax en The Mastering Lab, Los Angeles. • Diseño interior: Storm Thorgerson y Jon Crossland. • Fotografía adicional: Dezo Hoffman, Adrian Boot y Chris Walters.

Véase también • • • •

Pink Floyd Rock psicodélico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Álbumes de Pink Floyd

Enlaces externos • Página oficial del grupo [101] (en inglés) • http://www.pinkfloyd.com/ [102] (en inglés)

Referencias [1] http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=10:23rx281c05oa

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The Beatles

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The Beatles The Beatles

The Beatles en 1964 Arriba: John Lennon, Paul McCartney Abajo: George Harrison, Ringo Starr Información personal Origen

Liverpool, Inglaterra Información artística

Alias

The Fab Four

Género(s)

Rock, pop

Período de actividad

1960-1970

Discográfica(s)

Parlophone (1962-1968) Apple Records (1968-1973) Vee-Jay Records (1963-1964) Swan (1963-1964) Tollie Records (1964) Capitol Records (1963-1968)

Artistas relacionados

The Quarrymen The Dirty Mac The Plastic Ono Band Ringo Starr and His All-Starr Band Wings Traveling Wilburys

[1]

Web Sitio web

Sitio Web Oficial Miembros John Lennon Paul McCartney George Harrison Ringo Starr Antiguos miembros Pete Best Stuart Sutcliffe

[2]


The Beatles The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en 1960. Durante su carrera se ha convertido en una de las más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música popular.[3] Desde 1962, el grupo estaba integrado por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, abarcando desde el folk rock hasta el rock psicodélico. La naturaleza de su enorme popularidad, que fue denominada por primera vez como la "Beatlemanía", transformó sus composiciones y las mismas crecieron en complejidad. El grupo llegó a ser percibido como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960. Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), The Beatles construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó el grupo en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como un grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su mánager, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, The Beatles lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, "Love Me Do". Fueron ganando popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales tuvieron un extenso número de giras hasta 1966, luego se dedicaron únicamente al estudio de grabación hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. McCartney y Starr permanecen activos, Lennon fue asesinado a tiros en 1980, y Harrison murió de cáncer en 2001. Durante sus años de estudio, The Beatles crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su separación, la música de The Beatles sigue siendo popular. The Beatles son el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otro grupo.[4] De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[5] En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50 aniversario de la lista de exitos,[6] The Beatles fueron colocados en el número uno. Ellos han sido galardonados con 7 premios Grammy,[7] y han recibido 15 premios Ivor Novello de la Academia Británica de Compositores y Cantautores.[] En 2004, la revista Rolling Stone clasificó a la banda en el número uno en su lista de los "50 artistas más grandes de todos los tiempos."[8] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta.[9]

Historia Formación y primeros años A los dieciséis años de edad, el cantante y guitarrista John Lennon, formó el grupo de skiffle The Quarrymen junto con algunos compañeros del colegio en marzo de 1957.[1] A los quince años de edad, Paul McCartney se unió como guitarrista después de que él y Lennon se conocieran en julio.[10] McCartney a su vez, invitó a George Harrison a observar al grupo el febrero siguiente, a los catorce años de edad se unió como el guitarrista líder.[11] [12] En 1960, los compañeros de colegio de Lennon abandonaron la banda para ingresar a la Escuela de Artes de Liverpool, haciendo que Lennon y McCartney se encargaran de tocar la guitarra rítmica, aunque les hacía falta quien tocara la batería.[13] En enero de 1960, un amigo de Lennon, Stuart Sutcliffe, se unió como bajista. Sutcliffe sugirió cambiar el nombre de la banda a "The Beetles" (escarabajos) como un homenaje a Buddy Holly y The Crickets (grillos), para los primeros meses del año la banda se convirtió en "The Beetles".[14] [15] Después de probar otros nombres como "Johnny and the Moondogs", "Long John and The Beetles" y "The Silver Beatles", la banda tomó el nombre de "The Beatles" en agosto.[16] La falta de un batería oficial se volvió un problema cuando el manager del grupo, Allan Williams, reservó un actuación para la banda en Hamburgo, Alemania.[17] A finales de agosto, la banda contrató al

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The Beatles batería Pete Best.[18] El quinteto viajó a Hamburgo cuatro días después de ser contratados por Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella ciudad. "Hamburgo en esos días no tenía clubes de rock and roll. Había clubes de striptease", dice el biógrafo Philip Norman. "Bruno tenía la idea de llevar bandas de rock para que tocasen en varios clubs. Tenían esa fórmula. Era un enorme espectáculo sin pausas (nonstop), hora tras hora, en el que un montón de gente se apresuraba a entrar y otro montón a salir. Y las bandas tocaban continuamente para atraer al tránsito de peatones. En una zona roja americana lo habrían llamado striptease nonstop. Muchas de las bandas que tocaban en Hamburgo provenían de Liverpool [...] fue un accidente. Bruno fue a Londres en busca de bandas. Pero conoció a un empresario de Liverpool en Soho, que estaba en Londres por pura casualidad. Y él se las arregló para enviar algunas bandas."[19] En agosto de 1960, Harrison que sólo tenía la edad de diecisiete años, obtuvo el permiso de residencia en Hamburgo, aunque mintió sobre su verdadera edad para poder obtenerlo.[20] En un principio The Beatles fueron asignados para tocar en el Indra Club, pero Koschmider los trasladó al Kaiserkeller en octubre del mismo año, debido a que el Indra había sido clausurado por las constantes quejas del ruido que ocasionaba.[21] Poco tiempo después la banda aceptó la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo de esta manera el contrato que tenían con Koschmider. Este enfurecido, informó a las autoridades la verdadera edad de Harrison, lo que condujo su deportación en noviembre.[22] [23] Una semana más tarde, McCartney y Best también fueron deportados por ocasionar un incendio, cuando le prendieron fuego a un condón colgado de un clavo en su habitación.[24] Lennon regresó a Liverpool a mediados de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. Kirchherr tomó las primeras fotos profesionales del grupo y diseñó el corte de pelo de Sutcliffe, que tiempo más tarde fue adoptado por los otros Beatles.[25] [26] Durante los próximos dos años, el grupo residió por períodos sucesivos en Hamburgo. Usaron Preludin para ser más creativos y mantenerse con más energía en todas sus actuaciones nocturnas.[27] Sutcliffe decidió dejar la banda a principios de 1961 y reanudó sus estudios de arte en Alemania, así que McCartney se vio obligado a tocar el bajo.[26] [28] [29] El productor alemán Bert Kaempfert contrató al cuarteto para actuar como grupo soporte de Tony Sheridan en una serie de grabaciones.[30] Acreditado a "Tony Sheridan and The Beat Brothers", el sencillo "My Bonnie", grabado en junio y lanzado cuatro meses después, alcanzó el número 32 en la lista Musikmarkt.[31] [32] The Beatles también eran cada vez más populares cuando regresaron a Liverpool. Durante una de las frecuentes apariciones de la banda en el Cavern Club, The Beatles conocieron a Brian Epstein, el dueño de una tienda de discos local y columnista de música.[33] Cuando la banda nombró a Epstein como su mánager en enero de 1962, Kaempfert acordó liberarlos del contrato discográfico alemán. Después de que Decca Records rechazara a la banda con el comentario "Los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein", el productor George Martin firmó al grupo con el sello Parlophone de EMI.[34] [35] [36] Cuando The Beatles regresaron a Hamburgo en abril, recibieron un trágica noticia.[37] Reunidos en el aeropuerto, un afectada Kirchherr les dijo que Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.[38]

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The Beatles

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La banda tuvo su primera sesión de grabación bajo la dirección de Martin en los Estudios EMI (actualmente Estudios Abbey Road) en Londres en junio de 1962. A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un batería de sesión en el estudio.[39] Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo cuando Best estaba enfermo.[40] Sin embargo, Martin ya había contratado al Entrada principal de los Estudios EMI, actualmente conocidos como Estudios Abbey Road. batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de [41] grabación, y White tocó la batería en "Love Me Do" y "P.S. I Love You". Lanzado en octubre, "Love Me Do" alcanzó el número diecisiete en la listas del Reino Unido.[42] Posteriormente, la banda comenzó a grabar en noviembre lo que sería su segundo sencillo, "Please Please Me". Hicieron su debut en la televisión con una actuación en directo del programa regional People and Places.[43] La banda concluyó su última temporada de Hamburgo en diciembre de 1962.[19] En ese momento se había convertido en una regla que los cuatro miembros contribuyeran como vocalistas, aunque el rango restringido de Starr significó que rara vez fuera el líder vocal.[44] Lennon y McCartney habían establecido una asociación para componer canciones, ya que de esa manera el éxito de la banda había aumentado, dándole muy pocas oportunidades a Harrison de ser el vocalista.[45] Epstein, sintiendo el potencial comercial de The Beatles, alentó al grupo adoptar y realizar una actitud más profesional. Lennon repitió lo que el mánager les dijo: "Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario, dejar de maldecir, dejar de fumar."[46] Lennon dijo: "Solíamos vestir de la forma en que nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Se nos decía que los jeans no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Él nos dejo tener nuestro propio sentido de individualidad [...] fue una elección entre obedecer a Epstein o dejar de comer pollo en el escenario."[46]

Beatlemanía y años de gira (1963–66) Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With The Beatles

McCartney, Harrison, la cantante de pop sueco Lill-Babs y Lennon en el programa de televisión sueco Drop-In, el [47] 30 de octubre de 1963.

A raíz del moderado éxito de "Love Me Do", "Please Please Me" recibió una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el UK Singles Chart en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente tenía previsto que el disco debut de la banda fuera un LP en vivo en el Cavern Club. Finalmente, esta idea fue desechada,[48] y se eligió crear un álbum tipo "en vivo" de una sola sesión en los Estudios EMI (posteriormente renombrados Abbey Road). Diez canciones fueron grabadas para Please Please Me, acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían sido publicados en los dos sencillos.[48] Recordando la "urgencia que tenía la banda por publicar su álbum debut, y como Please Please Me se hizo en un solo día", una revisión de Allmusic comentaba, "Décadas


The Beatles después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de su origen tan peculiar."[49] Lennon dijo que creía que a la vez las canciones fueron muy poco maduras, él y McCartney estaban "simplemente escribiendo canciones a la Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop, sin tener en mente crear un sonido especial. Y las palabras eran casi irrelevantes."[50] Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo de la banda, "From Me to You", fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento, inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos lanzados por The Beatles que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, "She Loves You", alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas.[51] Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por "Mull of Kintyre", interpretada por McCartney y su grupo Wings post-Beatles.[52] La popularidad de la música de The Beatles trajo consigo una creciente atención de la prensa. Ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud que destruyeron a las figuras más importantes de la música pop y que inclusive inspiraron mayores intereses.[53] [54] El icónico logotipo de de The Beatles conocido como el "drop-T", también hizo su debut en 1963. El logotipo fue utilizado por primera vez en el frente bajo de la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de Londres.[55] [56] La banda tuvo tres giras en el Reino Unido durante la primera mitad del año: una gira de cuatro semanas que comenzó en febrero y otras dos giras de tres semanas Logotipo de The Beatles con la T alargada hacia durante marzo y mayo-junio. A medida que su popularidad se abajo, enfatizando la palabra "beat". extendió, llegó una adulación desenfrenada hacia el grupo, también llamada "Beatlemanía". Aunque no se anunciaron como los cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe, Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían establecido una gran popularidad en el Reino Unido.[57] Las actuaciones en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos que no paraban de gritar.[58] La policía se vio obligada a usar agua a alta presión de las mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus vidas solo para proteger al grupo.[59] A finales de octubre, una gira de cinco días en Suecia, se convirtió en la primera visita al extranjero de la banda desde sus días en Hamburgo.[60] De regreso al Reino Unido, fueron recibidos en el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos, además asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de cámaras de la BBC Television.[61] Al día siguiente, The Beatles comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal de dicha gira.[57] Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo un uso mucho mayor de las técnicas de producción que el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The Beatles es descrito por Allmusic como "una secuela del más alto nivel-que mejora en lo original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de situaciones más intensas."[62] En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo "I Want To Hold Your Hand", excluyendo la canción del álbum con el fin de maximizar las ventas del sencillo.[63] With The Beatles llamó la atención del crítico musical de The Times William Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran "los compositores ingleses más destacados de 1963."[63] El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor respetabilidad.[64] With The Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra previamente alcanzada sólo por la banda sonora de 1958 South Pacific.[65]

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The Beatles Conquista de los Estados Unidos Véase también: Invasión británica

Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a expedir los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You".[66] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado "moptop" de The Beatles plantearon nuevos obstáculos.[67] [68] Una vez que Capitol comenzó a emitir el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron las distintas The Beatles al arribar en el aeropuerto JFK (Nueva York), el 7 de grabaciones de la banda en diferentes álbumes, y febrero de 1964. emitieron canciones a su preferencia como sencillos.[69] El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía Británica, provocando una gran aclamación entre el público norteamericano, lo que llevo a Capitol lanzar "I Want to Hold Your Hand", en diciembre de 1963.[70] El primer viaje de la banda a Estados Unidos estaba preparado para una semanas después. Cuando The Beatles abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow, comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.[71] "I Want to Hold Your Hand" había vendido 2.6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero el grupo todavía estaba nervioso acerca de cómo serían recibidos.[72] La banda arribó en el recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy donde fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.[73] Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país de ese entonces.[74] [75] A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles "no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico",[76] pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en él Washington Coliseum.[77] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. La banda apareció después de una semana en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[78] Durante la semana del 4 de abril, The Beatles habían logrado colocar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.[79] Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación, los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que la banda había obtenido en los Estados Unidos, hizo que se produjese la denominada invasión británica: la llegada de una serie de bandas musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.[80] El peinado de The Beatles, inusualmente largo para ese tiempo siguió siendo la burla de muchos adultos, fue ampliamente adoptado y se convirtió en un emblema de la cultura de la juventud floreciente.[81] A mediados de 1964, The Beatles hicieron una gira internacional. La gira tenía programados treinta y dos conciertos en solo diecinueve días en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, el grupo fue recibido con gran entusiasmo en cada uno de los lugares visitados.[82] [83] Starr se encontró enfermo durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto, la banda volvió a visitar Estados Unidos, con una gíra de treinta conciertos en veintitrés ciudades.[84] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.[84] El sistema de amplificación de ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos de la actualidad, y los pequeños amplificadores Vox de la banda tenían dificultades para competir con el alto volumen del

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The Beatles sonido generado por los gritos de los fans. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran conocer los detalles de su actuación, la banda comenzó a aburrirse de los conciertos y las giras.[85] Al final de la gira de agosto fueron presentados a Bob Dylan en Nueva York por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando la banda lo visitó en su suite del hotel, Dylan los introdujo al cannabis.[86] El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fans de los músicos eran "percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados": El público general de Dylan eran "chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio" en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos "verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria, que cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas." Dentro de seis meses después de la reunión, "Lennon estaría haciendo grabaciones en donde imitaba el tono nasal de Dylan, de rasgueo frágil, y su personalidad vocal era introspectiva. Dentro de un año, Dylan "procedería, con la ayuda de un grupo de cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster, sacudir las bases del folk que se hizo auténtico y permanente en él"; "las diferencias entre el folk y el rock estaban casi condensadas"; y la audiencia de The Beatles "mostraba signos de crecimiento".[87] A Hard Day's Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida por la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists ofrecer a The Beatles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con la banda.[88] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night envolvió al grupo durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964, para el rodaje de la película.[89] La película se estrenó en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional[90] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.[91] Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como "a una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras."[92] Este "sonido de guitarra" fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.[93] Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.[94] Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, éste incluía solo composiciones de la banda.[94] Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.[94] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.[94] En abril de 1965, The Beatles estuvieron como invitados a una cena en la casa de su dentista, quien añadió LSD a los cafés de Lennon y Harrison.[95] Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.[96] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primer miembro de la banda en hablar públicamente sobre ello.[97] La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó en junio de 1965, miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[98] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.[99]

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The Beatles

La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como "una parodia de las películas de James Bond",[100] el filme fue recibido tibiamente por la crítica y la banda. McCartney comentó: Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada."[100] La banda sonora de la película, el quinto álbum de estudio de la banda, contenía otra vez una mezcla de material original y versiones, pero con más énfasis en Lennon como Fotograma del trailer estadounidense de Help!, película estrenada cantante y compositor, incluyendo los dos sencillos oficialmente en julio de 1965. En él aparecen (desde el primer plano hacia lanzados extraídos del álbum: "Help!" y "Ticket to atrás) John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. Ride".[101] En Help! se vio a la banda con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada "Yesterday".[102] Compuesta por McCartney, "Yesterday" tiene el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.[103] La pista de cierre del LP, "Dizzy Miss Lizzy", se convirtió en el último tema en ser versionado e incluido en un álbum por la banda. Con la excepción de Let It Be, que contenía la canción popular tradicional de Liverpool "Maggie Mae", todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.[104] El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55.600 personas.[105] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el grupo visitó el 27 de agosto de 1965 a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[106] Presley y la banda tocaron la guitarra en su sala de estar, discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.[107] En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados en la mañana por televisión, y que tenía al grupo como protagonista. La serie hacía eco del humor de la película A Hard Day's Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo por dos años más, hasta 1969.[108] Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.[109] El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald, comentó que con Rubber Soul, The Beatles "recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale.[110] Después de que en Help! la banda incursionase en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de una cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.[109] Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fans comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que "Norwegian Wood" podría referirse al cannabis.[111] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos",[112] y el álbum es descrito por Allmusic como "uno de los clásicos discos en el género musical de folk rock."[1] De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue "solo un álbum más".[113] El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos dentro del grupo durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que "el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente" y "en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien."[114]

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Controversia, años finales y separación (1966-1970) Incidente en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo En junio de 1966, salió a la venta Yesterday and Today, una compilación creada por Capitol Records para el mercado estadounidense. El álbum causó un gran impacto por su portada, que retrataba a los miembros de la banda vestidos de carniceros y rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular, aunque apócrifa, historia fue que esto [la portada] se entiende como una respuesta a la manera en que Capitol había "masacrado" sus álbumes.[115] Ante la controversia y escándalo que había despertado la portada de este álbum, hubo que cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005.[116] Durante un viaje a Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, The Beatles fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país Imelda Marcos.[117] Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar las invitaciones oficiales.[118] El grupo pronto se dio cuenta que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un "no" por respuesta. Los resultados hicieron que el grupo tuviera que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.[119] Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de grupos religiosos y conservadores de aquel país a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[120] Lennon había opinado que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.[121] [122] El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando en Estados Unidos la revista Datebook publicó lo sucedido, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.[123] El comentario también ocasionó que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, una prohibición que se extendió hasta 1971.[124] Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían tomado las palabras de Lennon fuera de contexto.[125] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.[125] Revolver y el Sgt. Pepper's Rubber Soul suponía un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966 una semana antes de la última gira de la banda, significó otro paso más hacia adelante para el grupo.[126] Pitchfork lo identifica como "el sonido de una banda creciendo con suprema confianza" y "la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular."[53] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.[126] Abandonando la fotografía de grupo que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo de la banda desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un "collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley."[126] El álbum fue precedido por el sencillo "Paperback Writer", con "Rain" en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados "entre los primeros videos musicales de verdad en filmarse en aquella época",[127] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.[128] [129] Uno de los temas más experimentales de Revolver fue "Tomorrow Never Knows", cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.[130] "Eleanor Rigby", de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como "un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción."[131] Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como "el tercer mejor álbum de todos los tiempos."[112]

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The Beatles En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.[132] The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.[133] Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 60 apariciones en conciertos en Estados Unidos y más de 1400 a nivel internacional.[134] En menos de siete meses después de grabar Revolver, la banda volvió a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: "The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, lugar que aleatoriamente y al revés."[135] Algunas partes de "A inspiraría una de las canciones más famosas de la banda; 2002. Day in the Life" requirieron una orquesta de cuarenta personas.[135] Cerca de setecientas horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo de doble lado A "Strawberry Fields Forever"/"Penny Lane" en febrero de 1967, el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.[136] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír "Strawberry Fields" fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.[137] [138] El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,[112] y es ampliamente considerado como una obra maestra.[139] Jonathan Gould lo describe como un rico, prolongado, y desbordante trabajo de una colaboración genial que cuya ambición audaz y sorprendente originalidad ensancha notablemente las posibilidades y aumenta las expectativas de la experiencia de escuchar la música popular en lo que podría ser historia. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por el formato utilizado en un álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética y la economía de la industria discográfica de manera que sobrepasa las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de 1963.[139] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.[140] Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.[141] Esas letras fueron objeto de intenso análisis, los fans especularon, por ejemplo, que el "célebre Señor K." en "Being for the Benefit of Mr. Kite!" de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.[142] El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban "escuchando la música del grupo con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, solo podía envidiarles."[142] McCartney dijo en una vez: "Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones."[142] La sorprendentemente buena elaboración de la portada del Sgt. Pepper's ocasionó un gran interés y un estudio profundo sobre ella.[143] Los bigotes usados en esta época por la banda se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.[144] El historiador cultural Jonathan Harris describió "el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares" usados por The Beatles en el disco como una visualización de su manifestación anti autoritaria y anti sistema.[145]

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The Beatles El 25 de junio, la banda transmitió su más reciente sencillo, "All You Need Is Love", a los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido a vía satélite para todo el mundo.[146] Su aparición en medio del Verano del amor, la canción fue adoptada como himno del flower power.[147] [148] Dos meses después, el grupo sufrió una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser introducidos al Maharishi Mahesh Yogi, la banda viajó a Bangor para su retiro de meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein Peter Brown llamó para informarles que Epstein había muerto.[149] El médico forense dictaminó que la muerte de Epstein fue ocasionada por una sobredosis accidental, pero en general se rumorea que una nota de suicidio había sido descubierta entre sus bienes.[150] Epstein había estado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales y el estado de su relación de trabajo con The Beatles.[151] Le preocupaba que la banda no había renovado su contrato de gestión, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.[150] La muerte de Epstein dejó el grupo desorientado y temeroso por su futuro. Lennon dijo después: "Yo no tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música y tenía miedo."[152] Él también miró hacia atrás sobre la muerte de Epstein como marca del principio del fin para el grupo: "Yo sabía que estábamos en problemas [...] entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento."[153] Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine Magical Mystery Tour, la banda sonora de una remota película para televisión preparada por The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.[154] En los Estados Unidos, las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera en el que se incluyeron también los temas de los últimos sencillos de la banda. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: "El sonido psicodélico de este disco está muy al par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de "I Am The Walrus")", y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos de la banda en 1967 como "enormes, gloriosas, e innovadoras."[155] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.[156] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, trajo para el grupo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su filme. Fue llamada "una indudable basura" por el Daily Express, que la describió como "una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando del autobús, y viajando todo el tiempo en él."[157] Sin embargo el Daily Mail la calificó como "un proyecto vanidoso", mientras que The Guardian la calificó como "una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia."[157] Le fue tan rotundamente mal que pudo haber sido cancelada en los Estados Unidos en ese momento.[158] En enero, el grupo filmó un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación del grupo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses para la publicación de la banda sonora de la película.

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Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a su funda totalmente blanca. La inspiración creativa para este trabajo llegó de un lugar inesperado, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, el grupo se volvió al Maharishi Mahesh Yogi como su gurú.[159] En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un "curso-guía" de tres meses se convirtió en uno de los períodos más creativos para la banda, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.[160] Starr se marchó después John Lennon y Paul McCartney durante la grabación del de diez días de estancia, haciendo comparación del lugar con White Album, en 1968. un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento del grupo en aquel lugar y se fue un mes después.[161] Para Lennon y Harrison, la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, el técnico de electrónica llamado Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipular al grupo.[159] Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.[161] En su ira, Lennon escribió una canción llamada "Maharishi", pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción "Sexy Sadie".[159] McCartney dijo: "Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había."[159] Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos en el grupo comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que el grupo siguiese adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.[162] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yōko Ono contribuyó a crear tensiones dentro de la banda, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.[163] Desobedeciendo el acuerdo establecido dentro del grupo de que no llevarían parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.[164] También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como autor de "música para abuelitas", calificando la canción "Ob-La-Di, Ob-La-Da" como "música-basura para abuelitas".[165] Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia de la banda a partir de ese momento, diciendo: "Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con una banda de acompañamiento por un lado y Paul con una banda de acompañamiento por otro; y me la pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos."[166] McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: "Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos", lo cual siempre había sido "la mejor cosa de The Beatles."[167] Publicado en noviembre, el White Album fue el primero de la banda en editarse por Apple Records. La etiqueta era una empresa de Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.[168] El álbum atrajo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.[169] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould, "La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita de rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, acusó al grupo de exceso de ironía soterrada."[169]

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The Beatles La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.[112] Pitchfork describe el álbum como "grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes."[170] Allmusic señala, "Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo"; a pesar de todo "Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes", es visible que Harrison se ha convertido en "un compositor que merecía una demostración más amplia" y la composición de Starr es "un placer".[171] Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon "Revolution" se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: "libera tu mente" y "no cuentes conmigo" en discurso alguno sobre la destrucción como medio para un fin.[172] En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.[173] Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, "Revolution 1", añadía una palabra extra: "count me out... in" (traducible por: "no cuentes conmigo..., cuenta conmigo"), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes: pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.[174] El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro canciones inéditas de la banda, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción de Magical Mystery Tour; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin. Debido a la escasez de música nueva de The Beatles, Allmusic sugirió que puede que el álbum "no fuera esencial", salvo por el tema "It's All Too Much" de Harrison, "la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante."[175]

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El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación Aunque Let it Be fue el último álbum lanzado por la banda, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.[176] En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, "no eran en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo."[176] Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó la banda por una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo "Get Back", el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Los miembros de la banda habían llegado a un punto muerto pensando en una localización para realizar el concierto, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, la actuación en vivo de The Beatles, acompañados por Preston, fue filmada en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[176]

Edificio de Apple en el nº 3 de Savile Row (2007, aprox.).

El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para un álbum definitivo de Get Back, mientras que la banda se volvió a otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionar los asuntos de negocio del grupo. Lennon estaba a favor de John Lennon cantando "Give Peace a Chance", en 1969. Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).[177] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.[177]


The Beatles Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— "una experiencia desagradable" y que había "pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas."[178] Las sesiones de grabación de Abbey Road iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de "una obra musical continua", y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.[178] El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.[178] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: "Give Peace a Chance" de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de "I Want You (She's So Heavy)", de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su salida al resto de la banda el 20 de septiembre de 1969; pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales pendientes del grupo. Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.[179] Su segunda pista, la balada "Something", se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.[180] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.[181] Allmusic considera que es "un oportuno canto de cisnes por el grupo" con "algunas de los mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock."[182] MacDonald lo llamó "errático y, a menudo hueco": "Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es."[183] Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes de la banda; Lennon dijo que era "competente", pero "no tenía vida en él", llamando a "Maxwell's Silver Hammer" "más de la música de abuela de Paul".[184] [185] El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjera un sonido con menos garra, dejando al grupo frustrado por el tono más delgado y la falta de efecto.[186] El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, "I Me Mine", de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.[187] Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon "Instant Karma!". Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones "en vivo". McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en "The Long and Winding Road", que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Intentó, por ello, sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.[188] Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y su esperanza cara al futuro.[189] El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, producido por Spector. El sencillo que lo acompañaba, "The Long and Winding Road", fue la última publicación de la banda, apareciendo en los Estados Unidos, pero no en Gran Bretaña. El documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Óscares del siguiente año ganó el Óscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) de 1970 por la canción "Let It Be".[190] The Sunday Telegraph la calificó como "una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros."[191] Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.[191] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como "en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas

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The Beatles joyas: la canción al estilo gospel "Let It Be", que contiene alguna de sus mejores letras; "Get Back", uno de sus temas más rockeros; y la melódica "The Long and Winding Road, arruinada por la sobreproducción de Spector."[192] McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.[193] Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura de la banda, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.[194] [195]

Después de la separación 1971-1980 Poco antes, y después de su separación oficial, cada uno de los miembros de la banda publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro de la cítara Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de una inédita jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.[196] En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles compilados por Allen Klein, 1962-1966 y 1967-1970.[197] Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multi-platino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino Unido.[198] [199] Entre 1976 y 1982, EMI y Capitol lanzaron una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin la participación de los miembros del grupo. El único de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial Capitol-EMI —incluyendo The Beatles at Hollywood Bowl— al reeditarse la discografía original inglesa del grupo en CD para todo el mundo en 1987.[200] La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de diferentes maneras, fuera del control creativo del grupo. En 1977 se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemania. Era una revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles, y que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella cinco producciones por separado para sus correspondientes giras mundiales.[201] [202] En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones realizadas por el grupo durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono.[203] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.[204] En 1979, la banda demandó a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares en la demanda. "La gente estaba pensando que The Beatles eran del dominio público", dijo Harrison. "No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles."[202] 1981-1990 Véase también: Muerte de John Lennon

John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, a causa de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York.[205] Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción "All Those Years Ago", un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como sencillo en mayo de 1981.[206] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo personal a Lennon en la canción "Here Today".

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The Beatles En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,[207] a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yoko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: "Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que hubieran sido resueltos por ahora. Desafortunadamente, no han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión."[208] [209] El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una larga demanda que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.[210] [211] 1991-2000 Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 60 por Neil Aspinall.[212] Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.[212] The Long and Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 90, estuvo en condiciones de completar su trabajo.[212] Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros de la banda, el proyecto vio surgir algunas grabaciones inéditas del grupo; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970.[213] Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes doble contenedores de material musical mayormente inédito o remezclado. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por los ex miembros de la banda. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, "Free as a Bird" y "Real Love", fueron lanzadas cada una como sencillo.[212] El diseño artístico de la portada tríptica de los álbumes musicales fue obra de Klaus Voorman, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una estimada audiencia de 400 millones de personas en todo el mundo.[212] 2001-Presente El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3.6 millones de unidades vendidas en su primera semana, y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos.[214] Hasta la fecha de abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados Unidos.[215] [216] Harrison murió de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.[217] [218] McCartney y Starr fueron dos de entre los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, en la cual Harrison tuvo interés, y con la que había influido a la banda.[219] En 2003 se lanzó Let It Be... Naked, una versión remodelada del álbum original Let It Be con la producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Como una banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear "una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo".[220] El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yoko

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The Beatles Ono y Olivia Harrison.[221] Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar "Now and Then", una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como una "composición de Lennon/McCartney" con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.[222] En marzo de 2008 los abogados de The Beatles hicieron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con el grupo en el Star-Club de Hamburgo en 1962.[223] En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que "Carnival of Light", una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial.[224] El 4 de abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.[225] El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un videojuego basado en las canciones de The Beatles,[226] al igual que las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters, presentada en sus versiones monoaural (por tiempo limitado) y estereofónica.[227]

Estilo musical y evolución Véase también: Lennon/McCartney

En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz hablaron sobre la evolución musical de The Beatles: "En su encarnación inicial, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda una ola de sucesos de rock británico. Su impacto inicial hubiera sido suficiente para establecer a The Beatles como una de las fuerzas culturales con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. La experimentación cada vez más sofisticada de la banda fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk-rock, country, psicodelia, pop y barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus primeros trabajos."[228] En The Beatles as Musicians, Walter Everett señaló el contraste que había entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al componer: "McCartney se puede decir que estaba en desarrollo constante—como un medio de entretenimiento—un centrado talento musical con un oído de contrapunto y otros aspectos de la artesanía, demostrando un lenguaje común del que hizo mucho para enriquecer y ajustarlo universalmente. Por el contrario la música madura de Lennon es apreciada como el producto de una gran audacia inconsciente, buscando, pero de forma indisciplinada, la sensibilidad artística."[229] Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en Revolution in the Head, describe a McCartney como "un compositor por naturaleza—un creador de melodías capaces de existir separadamente de su armonía". Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como "verticales", empleando todo, intervalos disonantes que reflejan su "extrovertida energía y optimismo". A la inversa, "el sedentarismo y la personalidad irónica" de Lennon se refleja en un enfoque "horizontal", intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para sacar un mayor provecho: "Básicamente un realista, él por instinto mantiene sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su lenguaje, colorando sus letras con un tono de blues y una armonía que crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta."[230] MacDonald alabó al papel de guitarra solista de Harrison por su trabajo en "líneas de calidad y texturas colorantes" tocando como soporte en las partes de Lennon y McCartney, y describe a Starr como "el padre de la batería en el pop/rock moderno [...] Su estilo, que parece estar ligeramente detrás del ritmo, es sutilmente impulsado por The Beatles, su afinación trajo los últimos fundamentos dentro del sonido de la batería, y su distintiva excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música popular."[231]

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Influencias Las primeras influencias de la banda incluyen a Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry, cuyas canciones fueron interpretadas en numerosas ocasiones en las actuaciones en vivo de The Beatles.[232] Durante su co-residencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962, Richard enseñó a The Beatles técnicas para mejorar sus canciones.[233] Sobre Presley, Lennon dijo: "Nada me había influenciado tanto hasta que escuche la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles tampoco hubieran existido."[234] Otras influencias de The Beatles en sus principios incluyen también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins, Roy Orbison,[235] y The Everly Brothers.[236] [237] The Beatles continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa, The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, Pet Sounds, dejó sorprendido e inspirado a McCartney.[238] [239] Martin declaró: "Sin Pet Sounds, el Sgt. Pepper no habría ocurrido [...] Sgt. Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds".[240]

Géneros Originarios como un grupo de skiffle,[241] The Beatles pronto se embarcaron en el rock and roll de los años 50.[242] Conforme pasó el tiempo, el repertorio de la banda se fue ampliando para incluir una extensa variedad de música pop. Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon diría sobre Beatles for Sale: "Tú podrías llamar a nuestra nueva creación como un LP regional y occidental",[243] mientras que Allmusic acreditó a la banda, y a Rubber Soul en particular, como una de las principales influencias en la evolución del folk rock.[1] Comenzando con el uso de un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" del álbum Help!, también incorporaron elementos de música clásica. Sin embargo, tal y como Jonathan Gould señala, este no fue "ni remotamente el primer disco pop en hacer uso prominente de las cuerdas"—aunque si fue la primera grabación de The Beatles en hacerlo [...] era más bien que el sonido tradicional de las cuerdas permitió una nueva apreciación de su talento como compositores por los oyentes que estaban en cierto modo alérgicos al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas."[244] El grupo hizo uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En "She's Leaving Home", por ejemplo, grabada para el Sgt. Pepper, Gould escribe que "está construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y la música se rellenan con los clichés del melodrama musical."[245]

The Beatles utilizaron pequeños amplificadores Vox en sus conciertos. Esta fotografía de 2005 muestra un bajo Höfner en forma de violín y una guitarra Gretsch, modelos utilizados por McCartney y Harrison respectivamente.

El rango estilistico de la banda se expandió en otra dirección en 1966, con el lado B del sencillo "Paperback Writer": "Rain", descrita por Martin Strong en The Great Rock Discography como la primera grabación abiertamente psicodélica de The Beatles".[246] Le siguieron otras obras psicodélicas, tales como "Tomorrow Never Knows" (grabada antes de "Rain"), "Strawberry Fields Forever", "Lucy in the Sky with Diamonds", y "I Am the Walrus". La influencia de la música clásica india fue evidente en canciones de Harrison como "Love You To" y "Within You Without You", cuya intención, escribe Gould, era "reproducir los esquemas del raga en miniatura."[247] En resumen de la evolución musical de la banda, el historiador musical y pianista Michael Campbell identifica a la innovación como su característica más llamativa. Él escribió: "'A Day in the Life' resume el arte y el éxito de The Beatles de una manera única. Se destacan las principales características de su música: el sonido de la imaginación, la persistencia de


The Beatles la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la música. Representa una nueva categoría de canción—más sofisticada que el pop, más accesible y práctica que el pop, y única e innovadora. Hay en ella, literalmente, lo que nunca antes había sido una canción—clásica o vernácula—que había mezclado tantos elementos dispares de una manera tan imaginativa."[248] El teórico musical Bruce Ellis Benson está de acuerdo con la opinión de Campbell: "Los compositores pueden ser capaces de crear nuevos ritmos y progresiones de acordes, pero generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones de acordes comunes. The Beatles [...] nos dan un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan remotas como la música celta, rhythm and blues, y el country y western, podrían ser combinadas de un nuevo modo."[249] En The Songwriting Secrets of The Beatles, Dominic Pedler también destacó la importancia de la manera en que combinaron los géneros: "Uno de los más grandes logros de The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), el grupo mantuvo en paralelo su maestría con los éxitos tradicionales, pegadizos, a la vez que forjaba rock y se deleitaba con un amplio espectro de influencias periféricas, que abarcaba desde el country hasta el vodevil. Uno de estos hilos fue su adaptación de la música folk, que constituiría un trabajo tan esencial como base para sus posteriores colisiones con la música y filosofía india."[250] Como las relaciones personales entre los miembros de la banda era cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más evidentes. La portada minimalista para el White Album contrasta con la complejidad y diversidad de su música, que abarca "Revolution 9" de John Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko Ono, la canción country de Starr "Don't Pass Me By"; la balada rock de Harrison "While My Guitar Gently Weeps" y el "rugido proto-metal" de "Helter Skelter" de McCartney.[171]

Contribución de George Martin La estrecha participación de George Martin con The Beatles en su papel de productor le hizo ser uno de los principales candidatos para el título del "quinto Beatle".[251] Él contribuyó a que la estructura musical clásica de The Beatles comenzara a evolucionar de manera diferente.[252] La idea de incluir un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" fue suya, los miembros de la banda estaban poco entusiastas sobre el concepto, pero el resultado final fue toda una sorpresa para ellos.[253] Gould también ha descrito esta situación, "como Lennon y McCartney se volvieron cada vez más ambiciosos en sus composiciones, Martin comenzó a funcionar como un gran profesor de música para ellos." Esto, junto con las ideas experimentales que tenía Martin, tales como agregar "algo barroco" a una grabación, facilitó el desarrollo creativo.[253] Además de haber dirigido los arreglos orquestales para algunas grabaciones de The Beatles, Martin también colaboró tocando instrumentos musicales como el piano, el órgano y algunos instrumentos de viento-metal.[254] Mirando hacia el pasado durante la creación del Sgt. Pepper, Martin dijo, "El 'Sargento Pimienta' ('Sergeant Pepper') en si no aparece hasta la mitad de la elaboración del álbum, solo un ordinario tema de rock y no particularmente brillante como pasa en otras canciones [...] Paul dijo: '¿Porque no hacemos el álbum como si la banda Pimienta (Pepper) realmente existiera, como si el Sargento Pimienta estuviera haciendo la grabación? Vamos a apodarnos así en los sucesos y elementos'. Yo amé la idea, y desde ese momento fue como si el Pepper tuviera vida propia." Recordando como la canción contrastó fuertemente con las composiciones de Lennon, Martin habló por otra parte de su propia influencia de estabilizador: "En comparación con las canciones de Paul, que parecían tener algún tipo de contacto con la realidad, John tenía una psicodelia, de calidad casi mística [...] las metáforas de John son unas de las mejores cosas en su trabajo—"árboles de mandarina", "cielos de mermelada", "flores de celofán" [...] Siempre lo vi como una fonética de Salvador Dalí, mejor dicho que alguna droga estaba por detrás del artista. Por otra parte, sería tonto fingir que las drogas no figuraron ampliamente en la vida de The Beatles en ese momento. Al mismo tiempo, ellos sabían que yo, en mi papel de maestro de escuela, no las aprobaba [...] No solo porque no formaban parte de mí mismo, no veía la necesidad de usarlas; y no hay duda de que, si yo también hubiera estado en la droga, Pepper nunca habría sido el

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The Beatles álbum que fue."[255] Harrison hizo énfasis de la descripción de Martin en su papel de estabilizador: "Creo que solo crecimos a través de los años juntos, él como el hombre recto y nosotros como los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestras locuras—solíamos estar ligeramente vanguardistas en ciertos días de la semana, y allí estaba él como la persona de anclaje, para comunicarlo a través de los ingenieros y en las cintas."[256]

Trabajo en el estudio The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología, tratando al estudio como un instrumento en sí mismo. Se instó a Martin y sus ingenieros de grabación a la constante experimentación, exigiendo regularmente usar algo nuevo porque "solamente de ese modo, algo puede sonar realmente bien."[257] Al mismo tiempo, The Beatles buscaron nuevas maneras de crear y utilizar cosas más creativas. Efectos tales como el eco de una botella de plástico, el acomodar una cinta en el lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés, fueron incorporados en la música de la banda.[258] El deseo de The Beatles para crear nuevos sonidos en cada grabación realizada, junto con las habilidades de organización de Martin y la experiencia de los ingenieros de estudio de EMI como Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyeron significativamente a las grabaciones de Rubber Soul y, especialmente, Revolver.[259] Junto con los trucos de estudio, tales como efectos de sonido, emplazamientos de los micrófonos convencionales, loops de cinta, voces dobladas, variaciones de velocidad, The Beatles incluyeron en sus canciones instrumentos no convencionales para el rock de ese momento. Instrumentos de la India como la cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y el swordmandel en "Strawberry Fields Forever".[260] También usaron instrumentos electrónicos tales como el mellotrón, con el que McCartney dio inicio al intro de "Strawberry Fields",[261] y el clavioline, un teclado electrónico que creaba el inusual sonido de un oboe en "Baby, You're a Rich Man".[262]

Legado La influencia de The Beatles en la cultura popular fue—y sigue siendo—enorme. El ex editor asociado de la revista Rolling Stone, Robert Greenfield, dijo: "La gente sigue admirando a Picasso [...] a los artistas que rompieron las limitantes de su época para llegar a algo que era único y original. La manera en que en que se trabajo para la construcción de la música popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron The Beatles."[226] Desde la década de 1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de entretenimiento en gran parte del mundo, a través de películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y Tin Pan Alley y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en Memphis, Tennessee.[263] Basándose en sus raíces de rock and roll, The Beatles no sólo desencadenedaron la invasión británica de los EE. UU., sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel mundial.[264] Las innovaciones musicales de The Beatles, así como su éxito comercial, han inspirado a músicos de todo el mundo.[264] Un gran número de artistas han reconocido a The Beatles como una influencia o han tenido éxitos con versiones de canciones de The Beatles.[265] En la radio, la llegada de The Beatles marcó el inicio de una nueva era; directores de programas como Rick Sklar de la WABC de Nueva York, fueron tan lejos como para prohibir a los de DJs que tocaran la música "pre-Beatles".[266] The Beatles redefinieron el álbum musical como algo más que solo algunos éxitos completado con "relleno".[267] Fueron los primero en innovar el video musical.[268] Su concierto en el Shea Stadium que abrió su gira norteamericana, atrajo a lo que entonces era la mayor audiencia en la historia de los conciertos y es visto como un "acontecimiento histórico en el desarrollo del rock." La emulación de sus prendas de vestir y especialmente sus peinados, que se convirtieron en una marca de rebelión, tuvo un impacto global en la moda.[81] En términos más generales, The Beatles cambiaron la forma de escuchar la música popular y experimentaron ese papel en sus vidas.[269] De lo que empezó como el capricho de la Beatlemanía, el grupo llegó a ser percibido por sus jóvenes fans como los representantes, incluso los creadores, de los ideales asociados con la transformación cultural.[269] Como iconos de la contracultura de la década de 1960, se convirtieron en un catalizador de la bohemia

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The Beatles y el activismo en diversos ámbitos sociales y políticos, inspiraron a movimientos tales como la liberación de la mujer, la liberación gay y el ecologismo.[269]

Premios y reconocimientos En 1965, la Reina Elizabeth II nombró a los cuatro Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE).[98] La película Let It Be (1970) de The Beatles, ganó un Óscar en 1971 por mejor Banda Sonora Original.[190] The Beatles han recibido 7 premios Grammy[7] y 15 premios Ivor Novello por sus discos.[270] Han sido certificados con 6 discos de diamante, así como 24 discos multi-platino, 39 discos de platino y 45 discos de oro en los Estados Unidos,[5] [271] mientras que en el Reino Unido tienen 4 discos multi-platino, 4 discos de platino, 8 discos de oro y 1 disco de plata.[199] El grupo fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los 100 artistas con mayores ventas de sencillos, con motivo de celebrar el cincuenta aniversario de la lista de sencillos de Estados Unidos: The Beatles fueron colocados en el puesto número uno.[6] En 2009, la Recording Industry Association of America certificó que The Beatles habían logrado vender más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[198] The Beatles han tenido más álbumes número uno en el Reino Unido que cualquier otro artista musical (un total de 15 álbumes), sumando con ello un total de 174 semanas de permanencia en la primera posición de la lista musical.[4] The Beatles, de forma colectiva, fueron incluidos en la recopilación de la revista Time de las 100 personas más influyentes del siglo XX.[272]

Discografía oficial Véanse también: Lista de canciones de The Beatles y Discos no autorizados de The Beatles

Álbumes de estudio británicos • • • • • • • • • • • •

Please Please Me (1963) With The Beatles (1963) A Hard Day's Night (1964) Beatles for Sale (1964) Help! (1965) Rubber Soul (1965) Revolver (1966) Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) The Beatles (1968) Yellow Submarine (1969) Abbey Road (1969) Let it Be (1970)

(Para Magical Mystery Tour, ver Lanzamientos en CD abajo.)

Lanzamientos en CD Década de 1980 En 1987, EMI reeditó a nivel mundial todos los álbumes de estudio de The Beatles en formato CD, incluyéndose también en el canon oficial la versión estadounidense de Magical Mystery Tour, que en su origen fue un doble EP de seis canciones en el Reino Unido.[273] Todo el material restante de los sencillos y EP de The Beatles que no se habían publicado en los álbumes de estudio originales se juntaron en la recopilación en dos volúmenes de Past Masters (1988). Década de 2000

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The Beatles Las configuraciones de los discos estadounidenses de 1964-65 fueron lanzados en una caja recopilatoria en 2004 y 2006 (The Capitol Albums Volume 1 y Volume 2, respectivamente); incluían las versiones estéreo y mono basadas en las mezclas preparadas para vinilo en el momento de la publicación original estadounidense de la música de The Beatles.[274] [275] El 9 de septiembre de 2009 se volvió a publicar todo el catálogo musical de The Beatles después de un extenso proceso de remasterización digital, que duró cuatro años.[273] Las ediciones estereofónicas de los doce álbumes originales fueron lanzadas en CD, junto con Magical Mystery Tour y Past Masters, tanto individualmente como en una caja recopilatoria. Una segunda colección incluyó todos los títulos mezclados originalmente en mono, junto a las mezclas originales estereofónicas de Help! y Rubber Soul.[276] Por un tiempo limitado, también se incluyó un breve vídeo documental sobre la remasterización en cada CD.[277] En la revista Mojo, el crítico musical Danny Eccleston escribió: "Desde que The Beatles aparecieron por primera vez en CD en 1987, ha habido quejas sobre la calidad de sonido de su música en dicho formato." Apoyando la opinión de que el vinilo original tenía importantes ventajas sobre los primeros CD en cuanto a claridad sónica y dinamismo, sugirió: "Compara el sonido de "Paperback Writer"/"Rain" proveniente de un viejo vinilo de 45 rpm, con la versión incluida en el CD de Past Masters, y la diferencia está clara." Antes de la publicación de las remasterizaciones de 2009, los Estudios Abbey Road invitaron a los críticos de Mojo a escuchar una muestra del trabajo, avisando: "Están a punto de sufrir una conmoción," En su reseña sobre el producto final el día de su edición, Eccleston lo ratificó de forma "brillante, que así es cómo se siente todavía un mes después."[278]

Música digital The Beatles son uno de los pocos artistas importantes cuyo catálogo musical no está disponible a través de servicios de música online como iTunes o Napster.[279] Parte del motivo es el litigio que hay entre Apple Corps y Apple Inc. (propietaria de iTunes) en el uso del nombre "Apple", aunque en noviembre de 2008 McCartney dijo que el obstáculo principal fue que EMI "quiere algo que nosotros no estamos dispuestos a darles."[280] En marzo de 2009, The Guardian informó que "la perspectiva de una tienda independiente, que se especifique en la música digital de The Beatles" ha sido planteada por el hijo de Harrison, Dhani, quien dijo: "Estamos perdiendo dinero todos los días [...] Así que, ¿qué hacer? Tienes que tener tu propio sistema de entrega, o tienes que hacer un buen trato con Steve Jobs (CEO de Apple Inc) [...] [Él] dijo que la descarga vale 99 centavos de dolar, y no estamos de acuerdo."[281] El 30 de octubre, Wired.com informó que un servicio en línea llamado Bluebeat, puso a disposición todo el catálogo de The Beatles, adquirible tanto en descargas como en libre reproducción.[282] Ni EMI ni Apple Corps habían autorizado la distribución,[283] y una semana después Bluebeat fue legalmente prohibido por el manejo de música de la banda.[284] En diciembre de 2009, el catálogo de The Beatles fue oficialmente lanzado en formato MP3, FLAC y en una edición limitada de 30.000 unidades flash USB.[285] [286]

Catálogo de canciones En 1963, Lennon, McCartney, Harrison y Starr accedieron ceder los derechos de publicación de sus canciones a Northern Songs, una empresa creada por el editor musical Dick James.[287] Administrada por su compañía Dick James Music, Northern Songs se convirtió en sociedad anónima en 1965 haciendo a Lennon y McCartney cada uno poseedores del 15% de las acciones de la compañía, James y el presidente de la compañía, Charles Silver, con un control del 37,5%. Después de un intento fallido de Lennon y McCartney para comprar la compañía, James y Silver vendieron Northern Songs en 1969 a la compañía británica de TV Associated Television (ATV), en la que Lennon y McCartney recibieron sus acciones correspondientes.[288] Brevemente propiedad del magnate australiano Robert Holmes à Court, ATV Music fue vendida en 1985 a Michael Jackson por una suma reportada de 47 millones (superando la oferta conjunta que habían hecho McCartney y Yoko Ono), dándole el control sobre los derechos de publicación a más de 200 canciones compuestas por Lennon y McCartney.[289]

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Jackson y Sony fusionaron sus empresas de publicación de música en 1995,[289] convirtiéndose en los copropietarios de la mayoría de las canciones de Lennon-McCartney grabadas por The Beatles, aunque los bienes de Lennon y McCartney siguen recibiendo sus respectivas cuotas de las regalías. Aunque el catálogo de Jackson-Sony incluye a la mayoría de los grandes éxitos de The Beatles, algunas de sus primeras canciones fueron publicadas por una filial de EMI, Ardmore & Beechwood, antes de que Lennon y McCartney firmaran con James. McCartney adquirió los derechos de publicación de "Love Me Do" y "P.S. I Love You" por parte de Ardmore en la década de 1980.[290] Harrison y Starr permitieron que el contrato de sus composiciones con Northern Songs caducara en 1968, firmando con Apple Publishing en esta ocasión. Harrison creó Harrisongs, que aún posee los derechos de sus canciones posteriores a 1967 como "While My Guitar Gently Weeps" y "Something", mientras que Startling Music de Starr tiene los derechos de sus propias canciones grabadas con The Beatles, "Don't Pass Me By" y "Octopus's Garden".[291]

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Enlaces externos •

Portal:The Beatles. Contenido relacionado con The Beatles.

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The Byrds The Byrds Información personal Origen Estado

Estados Unidos, Los Ángeles Separados Información artística

Género(s)

Rock, Pop, Folk Rock, Rock psicodélico, Country rock

Período de actividad

1964 – 1973

Web Sitio web

www.byrds.com

[1]

Miembros Roger McGuinn David Crosby Gene Clark Chris Hillman Michael Clarke Gram Parsons

The Byrds fue un banda de rock estadounidense de mediados de la década de 1960 que fue pionera del Folk Rock, el rock psicodélico y el country rock, siendo considerados como la respuesta americana a la invasión británica encabezada por los Beatles.


The Byrds

Los inicios El germen de los Byrds fue el trío folk acústico californiano The Jet Set de 1964, integrado por Roger McGuinn (nacido como Jim en Chicago, 1941), Gene Clark (Tipton, Misouri 1941) y David Crosby (Los Ángeles 1941). Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk. Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle. Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds. Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds. La banda siguió mejorando su sonido en sesiones dentro de la World Pacific Studios, componiendo y registrando temas con claras influencias de los Beatles y los Searchers, otra agrupación británica. De estas jornadas se logró un sencillo titulado con un nuevo nombre para el grupo The Beefeaters. Este incluía los temas "Please Let Me Love You" y "Don´t Be Long". La placa fue presentada a la discográfica Elektra, la cual adquirió las cintas maestras con los registros pero no contrató a McGuinn y compañía, aunque los mismos obtuvieron más experiencia, además de alabanzas y un salario de 750 dólares. Para noviembre de 1964, mientras los Byrds (que aún se hacían llamar Jet Set) continuaron sus labores en estudio, empezó a correr el rumor entre la comunidad artística de Los Ángeles de que existía una agrupación similar a los Beatles, convocando a los curiosos a asistir a verlos en los estudios. Uno de ellos fue Bob Dylan, reconocido músico folk a quien la banda también admiraba, haciendo constar esto en las diversas versiones que hicieron de sus temas. Un préstamo de 5 mil dólares obtenido por Jim Dickson haría que el conjunto pudiera hacerse de mejores instrumentos y por ende una notable mejoría en su sonido. McGuinn tocaba una Rickenbacker 360/12 cuerdas, Crosby tenía una Gretsch Country Gentleman parecida a una de George Harrison, Hillman usaba un bajo Guild y también un Fender y Clarke llevaba el ritmo con unas piezas Ludwig. Para la amplificación, también usaron Fender, que no estaban tan de moda en ese entonces como los Vox pero no dejaban de ser una buena opción que ofrecía la tecnología de entonces. Luego de su primer concierto pago (recibieron 50 dólares) en el East Los Angeles College, Dickson llevó a Los Byrds a conocer a Ben Shapiro, un empresario amigo suyo que podía conseguirles actuaciones. Mientras McGuinn, Clark y Crosby cantaron frente a Shapiro en su casa, la hija de éste los escuchó desde su cuarto y al creer que los Beatles estaban tocando en su hogar, bajó impresionada a verlos. Al día siguiente Shapiro contó la historia al reconocido trompetista de jazz Miles Davis, éste telefoneó a Irving Townshend (un ejecutivo de Columbia Records) y le comentó que había "unos Beatles californianos rondando por ahí... sin contrato". Irving comunicó la noticia a Allen Stanton, el jefe de fichajes de la compañía en la Costa Oeste y Stanton acudió a la brevedad, habló con Dickson y fichó a los Jet Set para la Columbia (CBS) el 10 de noviembre de 1964.

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The Byrds El 26 de noviembre, Los Jet Set cambiaron su nombre por el de Los Byrds (influenciados por el célebre almirante Byrd) después de considerar otros (como el de Birdses).

Mr. Tambourine Man Al ser fichados por la Columbia, la tarea de producir el primer sencillo de los Byrds le fue encomendada al joven productor Terry Melcher (igualaba en edad a Clark y McGuinn), hijo de la actríz Doris Day y conocedor a fondo de la música pop y surf. Tanto Melcher como Jim Dickson querían que el grupo trabajaran en el tema de Dylan "Mr. Tambourine Man" que previamente habían registrado en la World Pacific Studios, aunque dicha versión no caló en el gusto de los músicos. Los Byrds abandonaron sus sesiones nocturnas de ensayo y se dedicaron a tocar en varios locales de Los Ángeles con miras a probar su capacidad en directo. El contrato que firmó la Columbia con Los Byrds fue muy cauteloso por parte de la casa discográfica. Oficialmente, sólo se contrataba a los tres vocalistas (Gene, David y Jim) aunque el grupo completo quedaba ligado a la empresa. El nexo laboral sólo abarcaba 6 meses y no obligaba a la compañía más que a grabar cuatro canciones, pero no a ponerlas en el mercado, salvaguardando sus intereses en caso de que el grupo no lograra el éxito esperado. El 20 de enero de 1965 se celebró la sesión de grabación de "Mr. Tambourine Man" (donde también se registró "I Knew I'd Want You"). Aunque todo el grupo estuvo presente, sólo McGuinn tocó su Rickenbacker de 12 cuerdas. El resto (batería, bajo, otras guitarras) corrió a cargo de músicos de sesión (Leon Russell, Hal Blaine y Larry Knechtel) aunque Crosby y Clark sí cantaron junto a McGuinn en las dos caras del disco. La banda completa no tocó debido a que Columbia quería tener el material listo lo más rápido posible y no quería correr riesgos de atrasos, por lo que optó por reclutar a profesionales, una costumbre norteamericana muy arraigada que Los Byrds, capaces de tocar por sí mísmos, no permitirían que se volviese a repetir. A pesar de esto, el equipo de trabajo que formaron Melcher y Dickson con los Byrds funcionó muy bien: Melcher sugirió la famosa línea de bajo que abre el tema y también el empleo de un ritmo similar al de Don't Worry Baby de Los Beach Boys. McGuinn sustituyó a Gene Clark como solista y cantó como una especie de mezcla entre Bob Dylan y John Lennon, dando pie al nacimiento oficial del folk-rock. "Mr. Tambourine Man" debería haber salido en febrero de 1965, pero el lanzamiento no se produjo y en lugar de ello, se realizó otra sesión de grabación el 8 de marzo, esta vez sin músicos ajenos a la banda de donde salieron los temas "She Has A Way" e "It´s No Use". Entre tanto Columbia no se decidía a poner el sencillo en el mercado, porque tanto los Beatles como los Rolling Stones estaban a punto de sacar sus nuevos materiales, lo que podría restarle importancia a Los Byrds. Entre marzo y abril de ese año, la situación de la banda estaba estancada, Columbia no hacia nada al respecto y las presentaciones en directo escaseaban. Tal situación llego a desalentar a los músicos quienes llegaron a pensar en separarse, pero luego de los buenos resultados logrados con sus actuaciones en un club de Los Ángeles y la confirmación de que la disquera publicaría el sencillo, desistieron de la idea.

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The Byrds

El éxito y la respuesta a Los Beatles Finalmente en abril de 1965 "Mr. Tambourine Man" sale al mercado y de la noche a la mañana Los Byrds alcanzan el Nº 1 a nivel mundial, empezando por California, donde las radios colocaban su producción constantemente, hasta alcanzar todo Estados Unidos y llegar a sonar en Gran Bretaña. No solo músicos y compradores de discos tendrían interés sobre ellos sino también el que hasta hace poco era publicista de los Beatles, Derek Taylor, quien luego de abandonar su trabajo con los británicos luego de una discusión con su manager Brian Epstein, aceptó ser agente de prensa del grupo. El éxito del "single" hizo que los Byrds vivieran un frenético ritmo de vida en lo que quedaba del año. Presentaciones -ahora multitudinarias- en clubes angelinos y en televisión y sesiones fotográficas y de grabación, los colocaron a la par de los Beatles, considerándolos desde entonces como la auténtica respuesta norteamericana a ellos. Aunado a esto, la banda presentaba además una imagen contagiante, donde destacan los lentes rectangulares de Roger McGuinn (que luego serían adoptados por John Lennon), la capa de David Crosby y sus profusos peinados. Su primer LP, titulado como su éxito y grabado entre marzo y abril, se pone en las tiendas en agosto y logra posicionarse en el nº 7 británico y 6 de los Estados Unidos. El segundo sencillo "All I Really Want to Do", otro tema de Dylan, consigue hacerse del número 4 en Gran Bretaña pero falla en norteamérica, pues la cantante Cher logró publicar su versión primero.

Un Nº 1 con contenido bíblico Los Byrds hacen una gira inglesa en agosto y entre septiembre y diciembre tratan de grabar un tercer single que les devuelva a lo alto de las listas, mientras continúan con su apretada agenda profesional y social. El nuevo éxito será "Turn!, Turn!, Turn!", después de descartar una demo producida por Dickson del "It's All Over Now, Baby Blue" (de Bob Dylan) que Terry Melcher consideró demasiado floja. El tema, realizado de una innovadora manera, a partir de la adaptación de Pete Seeger de un pasaje de la Biblia -concretamente, del Eclesiastés-, se convierte en nº 1 estadounidense durante las Navidades de 1965. En Gran Bretaña sólo llegaría al nº 26, lo que no mermaría en el reconocimiento que ya McGuinn, Crosby, Clark, Hillman y Michael habían logrado.

Integrantes • • • • • • • • • • • •

Roger McGuinn - guitarra y voz David Crosby - guitarra y voz (hasta 1967 y en 1973) Gene Clark - armónica, guitarra, pandereta y voz (hasta 1966 y en 1973) Chris Hillman - bajo (hasta 1968 y en 1973) Michael Clarke - batería y armónica (hasta 1967 y en 1973) Kevin Kelly - batería (desde 1967 hasta 1971) Gram Parsons - guitarra, teclados y voz (desde 1967 hasta 1968) Clarence White - guitarra y mandolina (desde 1969 hasta 1971) Gene Parsons - batería, banjo, guitarra y armónica (desde 1969 hasta 1971) John York - bajo (desde 1968 hasta 1969) Skip Battin - bajo (desde 1969 hasta 1971) John Guerin - batería (desde 1971 hasta 1972)

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Discografía Álbumes • • • • • • • • • • • • • •

Mr. Tambourine Man. Columbia (Junio de 1965) - POP #6; UK #7 Turn! Turn! Turn!. Columbia (Diciembre de 1965) - POP #17; UK #11 Fifth Dimension. Columbia (Julio de 1966) - POP #24; UK #27 Younger Than Yesterday. Columbia (Febrero de 1967) - POP #24; UK #37 The Byrd's Greatest Hits (recopilación). Columbia (Agosto de 1967) - POP #6 The Notorious Byrd Brothers. Columbia (Enero de 1968) - POP #47; UK #12 Sweetheart Of The Rodeo. Columbia (Agosto de 1968) - POP #77 Dr. Byrds & Mr. Hyde. Columbia (Febrero de 1969) - POP #153; UK #15 Live At The Fillmore West February 1969 (en vivo). Columbia (Febrero de 1969) Preflyte (grabado en 1964). Together (Agosto de 1969) - POP #84 Ballad Of Easy Rider. Columbia (Octubre de 1969) - POP #36; UK #41 Untitled (disco 1: en vivo, disco 2: en estudio). Columbia (Septiembre de 1970) - POP #40; UK #11 Byrdmaniax. Columbia (Junio de 1971) - POP #46 Farther Along. Columbia (Diciembre de 1971) - POP #152

• • • •

The Best of the Byrds: Greatest Hits, Vol. 2 (recopilación). Columbia (Diciembre de 1972) - POP #114 Byrds. Asylum (Febrero de 1973) - POP #20; UK #31 The History of the Byrds (recopilación). CBS (Mayo de 1973) - UK #47 The Byrds (recopilación x4cd). Columbia (Octubre de 1990) - POP #151

Sencillos • "Please Let Me Love You / Don't Be Long", c/BEEFEATERS. Elektra (Septiembre de 1964) • "Mr. Tambourine Man / I Knew I' D Want You", Columbia (Abril de 1965) - POP • "All I Really Want To Do /..... - POP #40; UK #4

#1; UK #1

...../ I'll Feel A Whole Lot Better", Columbia (Junio de 1965) - POP #103 • "Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is A Season) / She Don' T Care About Time", Columbia (Octubre de 1965) - POP #1; UK #26 • "Set You Free This Time /..... - POP #79 ...../ It Won' T Be Wrong", Columbia (Enero de 1966) - POP #63 • "Eight Miles High / Why", Columbia (Marzo de 1966) - POP #14; UK #24 • "5D (Fifth Dimension) / Captain Soul", Columbia (Junio de 1966) - POP #44 • "Mr. Spaceman / What' S Happening?!?!", Columbia (Septiembre de 1966) - POP #36 • "So You Want To Be A Rock' N' Roll Star / Everybody's Been Burned", Columbia (Enero de 1967) - POP #29 • "My Back Pages / Renaissance Man", Columbia (Marzo de 1967) - POP #30 • "Have You Seen Her Face / Don't Make Waves", Columbia (Mayo de 1967) - POP #74 • "Lady Friend / Old John Robertson", Columbia (Julio de 1967) - POP #82 • "Lady Friend / Don't Make Waves", CBS (Julio de 1967) • "Goin' Back / Change Is Now", Columbia (Octubre de 1967) - POP #89 • "You Ain't Going Nowhere / Artifical Energy", Columbia (Abril de 1968) - POP #74; UK #45 • "Pretty Boy Floyd / I Am A Pilgrim", Columbia (Septiembre de 1968) • "Bad Night At The Whiskey / Drug Store Truck Drivin' Man", Columbia (Enero de 1969) • "Lay Lady Lay / Old Blue", Columbia (Mayo de 1969) - POP #132 • "Wasn't Born To Follow / Child Of The Universe", CBS (Septiembre de 1969)


The Byrds • • • • • • • • • •

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"Ballad Of Easy Rider / Wasn't Born To Follow", Columbia (Octubre de 1969) - POP #65 "Jesus Is Just Alright / It's All Over Now, Baby Blue", Columbia (Diciembre de 1969) - POP #97 "Chestnut Mare / Just A Season", Columbia (Octubre de 1970) - POP #121; UK #19 "I Trust (Everything Is Gonna Work Out Alright) / This Is My Destiny", CBS (Mayo de 1971) "Glory, Glory / Citizen Kane", Columbia (Agosto de 1971) - POP #110 "America's Great National Pastime / Farther Along", Columbia (Noviembre de 1971) "Things Will Be Better / For Free", Asylum (Enero de 1973) "Full Circle / Long Live The King", Asylum (Febrero de 1973) - POP #109 "Cowgirl In The Sand / Long Live The King", Asylum (Abril de 1973) "Love That Never Dies" (Octubre de 1990) - ROK #14

Referencias [1] http:/ / www. byrds. com

The Doors Esta página trata sobre el grupo de rock. Para su álbum homonómino, véase The Doors (álbum); Para la película de Oliver Stone, véase The Doors (película). The Doors Información personal Origen

Estados Unidos, Los Ángeles Información artística

Género(s)

Rock & roll, rock psicodélico, rock ácido, hard rock, blues rock

Período de actividad

1965 – 1973

Discográfica(s)

Elektra Records Web

Sitio web

www.thedoors.com

[1]

Miembros Jim Morrison † Ray Manzarek John Densmore Robby Krieger

The Doors fue un grupo de rock, formado en Los Ángeles (California, Estados Unidos) en julio de 1965 y disuelto en 1973, que junto con bandas como Jefferson Airplane y Grateful Dead, se convirtió en los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60.


The Doors

Miembros • • • •

Jim Morrison — voz, armónica, maracas, pandereta Ray Manzarek — teclados, coros, bajo. Robby Krieger — guitarra, armonica. John Densmore — batería, percusión.

Historia Orígenes: 1965–1966 En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda. Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997. Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception. The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan. Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors. Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.[2] El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".

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The Doors 1966–67: The Doors El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales. Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio. En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000. Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show"[3] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre. Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.

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The Doors

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1967: Strange Days Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico: Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió. Paul A. Rothchild Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino. Ray Manzarek, teclado.

"Strange Days" consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End". El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days". El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut. 1968: Waiting for the Sun Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo. La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Robby Krieger, guitarra. Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.


The Doors Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes. El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos. Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison. El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:[4] Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse." Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos? ¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo. Después de unos minutos Morrison cambió el tono: Ahora escucháme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero ver los bailando en la calle este verano! Quiero verlos divertiendosé. Quiero ver los correr por ahí. Quiero ver los pintando la ciudad. Quiero ver los haciendo ruido. Quiero ver los gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver su diversión !!!. La grabación se acerca su final con las siguientes palabras: ¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACERLO! ¡HACERLO! ¡HACERLO! ¡HACERLO! El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco." Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde". Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca

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The Doors se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo. En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard". La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre. El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When The Music's Over" y "Celebration of the Lizard". 1969: The Soft Parade Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "undergound", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el metal muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse. Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido. En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas. Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker. 1970: Morrison Hotel El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos. Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron

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The Doors presentadas en el documental de 1995 Message to Love. El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación. El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer. 1971: L.A. Woman Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.

La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989 En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.

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The Doors

La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundo.

73 Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del

mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición. Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató. Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira. Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia. Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.


The Doors En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.

Los años 1990 y después En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era. En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger. Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek publicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation: La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.[5] Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo: Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.[6] The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo: Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.[7] Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo. Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por

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The Doors

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su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.

Estilo El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.

Filosofía La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. el nombre forma parte de la cita de William Blake " cuando las puertas de la percepción sean depuradas todo se reflejara ante el hombre tal cual esinfinito"

Discografía Álbumes de estudio Álbum

Año

The Doors

1967

Strange Days

1967

Waiting for the Sun 1968

Álbumes en vivo y compilaciones

The Soft Parade

1969

Morrison Hotel

1970

L.A. Woman

1971

Other Voices

1971

Full Circle

1972


The Doors

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Álbum

Año

Absolutely Live

1970

13

1970

Live In Boston

1970

Weird Scenes Inside The Gold Mine 1972 An American Prayer

1978

Alive, She Cried

1983

The Best of the Doors

1985

Live At The Hollywood Bowl

1987

The Doors (soundtrack)

1991

In Concert

1991

Box Set

1997

Bright Midnight: Live in America

2002

Live in Hollywood

2002

Legacy: the Absolute Best

2003

The Very Best of The Doors

2003

Live at the Matrix 1967

2008

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7]

http:/ / www. thedoors. com Whiskey a Go Go (http:/ / www. shadowplays. com/ archive/ boot. php) http:/ / archives. cnn. com/ 2002/ SHOWBIZ/ TV/ 10/ 03/ ed. sullivan. sidebar/ The Miami Incident (http:/ / www. doors. com/ miami/ one. html) Riders on the Storm (http:/ / www. thenation. com/ doc/ 20020708/ densmore) Drummer Nixes Doors Song for TV Ad (http:/ / www. courant. com/ news/ custom/ latest/ sns-celebrity-1005doorssong,0,2383895. story) Music Quotes, The Doors (http:/ / www. amiright. com/ quotes/ doors. shtml)

6.

(http:/ / www. whenyourestrangemovie. com/ )

Véase también • • • •

Jimi Hendrix Grateful Dead Janis Joplin Led Zeppelin

Archivos multimedia • Versión de ejemplo de Break on Through (http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/e/e7/BreakonThrough. ogg)


Grateful Dead

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Grateful Dead Información personal Origen

San Francisco, California, Estados Unidos Información artística

Género(s)

Rock Folk rock Country rock R&B Blues Rock and Roll Jam Rock psicodélico

Período de actividad

1965 - 1995

Discográfica(s)

Warner Bros., Grateful Dead, Arista, Rhino

Artistas relacionados

The Other Ones, The Dead, Jerry Garcia Band, RatDog, Phil Lesh and Friends, Rhythm Devils, BK3, Donna Jean Godchaux Band, Heart of Gold Band, Missing Man Formation, New Riders of the Purple Sage, Old and in the Way, Legion of Mary, Reconstruction, Jerry Garcia Acoustic Band, Kingfish, Bobby and the Midnites, The Tubes, Bruce Hornsby, Bob Dylan, Furthur Web

Sitio web

Sitio Web Oficial

[2] Miembros Jerry Garcia † Bob Weir Phil Lesh Bill Kreutzmann Ron "Pigpen" McKernan † Mickey Hart Tom Constanten Keith Godchaux † Donna Jean Godchaux Brent Mydland † Vince Welnick †

Grateful Dead (también conocidos entre sus seguidores como "The Dead") fue un grupo de rock y folk estadounidense influido por la psicodelia. Creado en 1965 por integrantes de otro grupo, Mother McCree's Uptown Jug Champions, Grateful Dead se dieron a conocer gracias a su estilo de composición único y ecléctico –que fusionaba elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz– y por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones. Algunos de los fans del grupo les siguieron de concierto en concierto durante años. Estos seguidores, denominados "Deadheads" ('cabezas muertas'), fueron conocidos por su dedicación a la música del grupo.


Grateful Dead Grateful Dead se convirtió en la banda residente de facto de los Merry Pranksters (Bromistas Alegres) de Ken Kesey, con su sonido primerizo altamente influenciado por los Acid Tests ('Tests de Ácido') empapados de LSD de Kesey, así como por el R&B. Sus influencias musicales variaron ampliamente basándose en la música psicodélica de la época, combinándola con blues, jazz, rock and roll y bluegrass. Estas distintas influencias fueron destiladas en un todo diverso y psicodélico que convirtió a Grateful Dead en "los padrinos pioneros del mundo de las bandas de improvisación (jambands)".

Historia Formación Grateful Dead comenzaron su carrera en Palo Alto, California, con el nombre de The Warlocks (Los Brujos); nombre que tuvieron que cambiar para conseguir un contrato discográfico debido a que otra banda (como dato interesante, se trataba de la futura The Velvet Underground) estaba ya grabando bajo ese nombre. Finalmente se trasladaron a la zona de Haight-Ashbury, en San Francisco. Muchas bandas de esta zona, como Jefferson Airplane, Big Brother and the Holding Company y Santana, llegaron a la fama nacional, dándole a San Francisco la imagen de capital de la contracultura hippie de la época. De todas estas bandas, los componentes de Grateful Dead eran los que gozaban del más alto nivel musical, incluyendo a Jerry García a la guitarra y banjo, el músico de blues "Pigpen" McKernan en harmónica y órgano, el bajista Phil Lesh (proveniente de la música clásica) y Bill Kreutzmann a la batería, pesadamente influído por el jazz. Grateful Dead personificaba "todos los elementos de la escena de San Francisco y llegaron, consecuentemente, a ser los representantes de la contracultura en el resto de su país".

Nombre El nombre "Grateful Dead" ('Muertos Agradecidos') fue escogido aleatoriamente de un diccionario. Algunos dicen que fue un Funk & Wagnalls, otros un Oxford Dictionary, pero citando la biografía de Phil Lesh (pág. 62) "...Jer (Garcia) tomó un viejo Britannica World Language Dictionary [...] (y) [...] con aquella voz élfica plateada me dijo, 'Eh, COMPA, qué tal the Grateful Dead?'"

Novedoso sonido Grateful Dead se formó en la época en la que grupos como los Beatles y los Rolling Stones dominaban el panorama musical. La estrella consolidada de la escena de folk Bob Dylan había editado recientemente un par de grabaciones de instrumentación eléctrica. Los componentes de Grateful Dead han mencionado que fue tras acudir a un concierto del grupo neoyorkino de "folk-rock" The Lovin' Spoonful que decidieron "pasarse a la eléctrica". Gradualmente, muchos de los músicos de folk de la costa este americana, se estaban decantando hacia la eléctrica. Era natural que Jerry García y Bob Weir, que estuvieron inmersos en el revival de la música folk americana de finales de los 50 y principios de los 60, estuvieran abiertos a las guitarras eléctricas. Pero la música de Dead era también distinta en esencia de la de grupos como Dylan, Byrds o los Spoonful, en parte porque su socio musical Phil Lesh procedía de un entorno de escuela clásica y electrónica, mientras que Ron "Pigpen" McKernan era un profundo amante incondicional del blues profundo y el batería Bill Kreutzmann procedía del jazz. Escuchando su primer LP (The Grateful Dead, Warner Brothers, 1967), se percibe que fue grabado sólo unos años después de la moda de la "surfing music", en la cuál el sonido del rock de California se rezumaba. La música primeriza de Grateful Dead (a mediados de los 60) fue parte del proceso del establecimiento de lo que fue la "música psicodélica", pero la suya era en esencia una versión "callejera" y "cruda" de ésta. Esto era natural, puesto que tocaban en fiestas psicodélicas, eventos en parques al aire libre, y fiestas privadas en Haight-Ashbury. Dead no tendían a encajar su música en un estilo determinado como el pop, rock, blues, folk rock o country/western. Melodías individuales de entre su repertorio podrían identificarse bajo uno de estos sellos estilísticos, pero en conjunto su música se inspiró en todos estos géneros y más, con frecuencia mezclando varios de éstos. A menudo

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Grateful Dead (tanto en directo como en grabaciones) Dead dejaban lugar a escapadas musicales exploratorias, espaciales, una forma de psicodelia que estaría a medio camino entre extraña y exóticamente bella. Muchos entendidos creen que el auténtico espíritu de Grateful Dead no solía quedar bien captado en estudio. Las grabaciones más antiguas reflejaban el repertorio en directo de Dead –jams instrumentales largas con solos de guitarra de Garcia, ejemplificadas perfectamente en "Dark Star"– pero en ausencia de la energía de las actuaciones, no obtuvieron muchas ventas. El álbum en directo Live/Dead de 1969 capturó más de su esencia, pero el éxito comercial no les llegó hasta Workingman's Dead y American Beauty, ambos publicados en 1970. Estas grabaciones ofrecían más respaldo acústico y estructuras de canciones tradicionales. Así como la banda, y su sonido, maduró tras treinta años de actuar y grabar, la aportación estilística de cada miembro si fue haciendo más definida e identificable. Lesh, trompetista de formación clásica con extenso pasado en teoría musical, en lugar de tender hacia melodías blues optaba más por líneas más melódicas, sinfónicas y complejas. Weir, tampoco era un guitarrista rítmico al estilo clásico, estaba claramente influenciado por el jazz y dejó su impronta claramente hacia finales de la vida de la banda. Los dos baterías, Hart y Kreutzmann desarrollaron un juego único y complejo, combinando el golpe firme de Kreutzmann con los estilos percusivos externos al rock clásico de Hart. El hilo conductor de Garcia era fluido, flexible con un carácter especial debido a su digitación de banjo. Para los primeros letristas de la banda, Hunter y Barlow, incluyeron temas comunes como amor y desamor, vida y muerte, juego y asesinato, belleza y horror, caos y orden, Dios y temas religiosos, viajes, etc. Ideas menos frecuentes fueron el medio ambiente e incluso la política. Aunque renegaba bastante de ello, Jerry Garcia era el líder indiscutible de la banda y su razón de ser. Garcia era un personaje carismático, complejo, que simultaneaba la composición y ejecución de gran resonancia de su música con una vida personal a menudo autodestructiva, llena de excesos, drogas, fracasos financieros y tres matrimonios fatalmente fracasados. La infancia de Garcia estuvo profundamente marcada por la tragedia. Con cinco años fue testigo del ahogamiento de su padre pescando en el Russian River. Anteriormente, con cuatro años, en otro accidente perdió parte del dedo corazón de su mano derecha jugando con su hermano. Finalmente, siendo joven, se vio involucrado en un fatal accidente de tráfico en el que murió su íntimo amigo y él salvó la vida de milagro. Esta serie de pérdidas, junto con el impacto de las drogas y la fama, hizo una personalidad única, bicéfala y sin raíces. A su mejor lado, voluntad para experimentar e improvisar que hace de su música una perspectiva e inventiva única y brutal. En su peor cara, especialmente hacia el final de su vida, la frustración y presión de mantener Grateful Dead a flote en su constante girar y tocar en directo que le llevó a un comportamiento autodestructivo, catártico que contribuyó a su prematuro final, muerto a la temprana edad de 53 años en un centro de desintoxicación.

Disolución y continuación Tras la muerte de Jerry Garcia en agosto de 1995 lo restantes componentes de la banda decidieron disolverla. Los principales componentes iniciaron sus carreras en solitario, siendo los más notables los Ratdog de Bob Weir, Phil Lesh and Friends y la música de Mickey Hart para los Juegos Olímpicos de 1996. En junio de 1996 Bob Weir (con Ratdog), Mickey Hart (con su Mystery Box), junto con Bruce Hornsby (con su banda) se unieron a otras cinco formaciones y giraron como el "Furthur Festival". En el Festival Furthur de 1998, Weir, Hart y Hornsby se unieron a Phil Lesh para formar una nueva banda llamada The Other Ones. The Strange Remain sería la grabación del grupo en la actuación de ese mismo año. La formación del mismo variaría notablemente con la incorporación de Bill Kreutzmann, las idas y venidas de Lesh, y la marcha de Bruce Hornsby para iniciar su carrera en solitario; para el 2002 la banda se asentaría con una formación definitiva. Phil, Bobby y Donna Jean cantarían el himno nacional en el Candlestick Park el 30 de septiembre de 1999. Según Ron Kroichick del San Francisco Chronicle, "estos ex-miembros de Grateful Dead tocaron el himno con eficiencia, durante 1 minuto y 27 segundos. Jerry habría estado orgulloso."

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Grateful Dead El tour de The Other Ones en el 2002 comenzó con dos gigantescos shows en el Alpine Valley y continuó en el Anfiteatro Shoreline y un completo otoño e invierno culminando con el show de nochevieja en Oakland donde tocaron "Dark Star" entre otras favoritas de los fans. La gira que incluía a Bob, Bill, Phil y Mickey fue tan exitosa que decidieron que decidieron que el nombre no era el más apropiado. El 14 de febrero de 2003 cambiaron el nombre por el de The Dead, manteniendo "Grateful" en el recuerdo de Jerry. La banda aceptó en sus filas a Jeff Chimenti a los teclados, Jimmy Herring a la guitarra y Warren Haynes a la guitarra y voces como parte del lgrupo en su gira de 2004. En ese mismo 2004, la revista Rolling Stone clasificó a Grateful Dead en la lista de 100 Mejores Artistas de Todos los Tiempos en el puesto 55º. El 24 de septiembre de 2005 la Fundación Rex de la familia Grateful Dead, sin Phil Lesh que declinó la invitación para atender a hijo en Standford, le hizo un homenaje a Jerry Garcia en el Greek Theater. Su ausencia llevó a la especulación de un cisma en la banda, exacerbada por la altamente anunciada debacle de la descarga en Arhive.org, provocando fuertes tensiones dentro de la comunidad. Aunque se difundieron las diferencias de opinión entre varios miembros de la banda, Phil Lesh aclaró públicamente que era el resultado de mala comunicación de sus asesores. Lesh dijo al respecto: "Bobby es mi hermano y le quiero incondicionalmente. Es un hombre muy generoso y ha sido injustamente juzgado en este tema." En Mayo del 2006 Lesh anunció el comienzo el inicio de un tour veraniego de nuevo como "Phil Lesh & Friends". El 19 de agosto tocarían juntos Bob Weir, Donna Jean Godchaux, Mickey Hart y Bill Kreutzmann. El 4 de enero de 2007, en una gala inaugoratioria, Bob, Bill, Mickey Hart y Bruce Hornsby, tocando como Your House Band tocaron temas clásicos de Grateful Dead. El 10 de febrero recibirían como Grateful Dead un Grammy a toda una vida, que fue recogido por Mickey Hart y Bill Kreutzmann.

Giras Grateful Dead son muy conocidos por sus constantes giras a lo largo de su extensa trayectoria musical. Promovían el sentimiento de comunidad entre sus fans, conocidos como Deadheads, muchos de los cuales seguían sus giras durante meses e incluso años. En los primeros años, la banda se comprometió también con su comunidad, la zona de Haight-Ashbury en San Francisco, proporcionando comida, alojamiento, música y atención médica gratuitos a todos sus contendientes; ellos fueron los "primeros en entregarse de forma altruista a la cultura hippie, ofreciendo 'más conciertos gratuitos que ninguna otra banda en la historia de la música'". Con la excepción de 1975, período durante el cual la banda estuvo en "descanso" y actuó solamente en cuatro ocasiones, Grateful Dead dieron giras regularmente por Estados Unidos desde invierno de 1965 hasta el 9 de julio de 1995, con unas cuantas visitas a Canadá, Europa y tres noches en la Gran Pirámide de Giza de Egipto en 1978. (También apareció en el legendario Monterey Pop Festival en 1967 y en el todavía más famoso Woodstock Festival en 1969; su concierto con mayor audiencia fue en 1973, junto con The Allman Brothers Band y The Band, ante 600.000 personas estimadas en el Summer Jam at Watkins Glen). Sus numerosos álbumes de estudio se componen generalmente de canciones nuevas que habían tocado previamente en directo. La banda era famosa por sus jams prolongadas, que congregaban tanto improvisación individual como una distintiva improvisación con "mentalidad de grupo", donde cada uno de los miembros improvisaba individualmente, a la par que se mezclaba con una unidad musical cohesionada, a menudo desencadenando vuelos de improvisacionalidad extravagante. Un sello propio de sus directos eran los sets de música continuos, en los cuáles cada canción terminaba mezclándose con la siguiente (un segue). Musicalmente esto se podría ilustrar como si la banda no sólo improvisara con la forma de una canción concreta, sino que además lo hiciera con la forma global.

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Muro de sonido El muro de sonido ("Wall of Sound") era un enorme sistema de sonido diseñado específicamente para Grateful Dead. El grupo nunca quedaba satisfecho con los sistemas propios de los locales donde tocaban, entre ellos el prestigioso Fillmore East, manejado por Bill Graham; así que en sus inicios, el técnico de sonido Owsley "Bear" Stanley les diseñó una PA y un sistema de monitorado. Los sistemas de sonido de Stanley eran delicados y remilgados, teniendo que detener conciertos frecuentemente debido a causas técnicas. Tras la encarcelación de Stanley por producción de LSD en 1970, el grupo volvió a utilizar durante un breve tiempo unos PA locales, hasta que les parecieron menos fiables aún que los sistemas concebidos por su técnico. En 1971 compraron a Alembic Inc Studios su primer sistema de sonido sólido. A raíz de esto, Alembic jugaría un rol integral en la investigación, desarrollo y producción del muro de sonido. El grupo también contrató a Dan Healy aquel año en lo que sería un cambio hacia una base permanente; Healy era mucho mejor ingeniero que Stanley y continuó mezclando los directos de Grateful Dead hasta 1993. La razón que llevó al desarrollo del muro de sonido era conseguir un sistema de sonido libre de distorsión que funcionara al mismo tiempo como sistema de monitorado. Tras la liberación de Stanley de la prisión a finales de 1972, éste, junto con Dan Healey, Mark Raizene del personal de sonido de Grateful Dead, y Ron Wickersham, Rick Turner y John Curl de Alembic Inc lo consiguieron combinando once sistemas de sonido independientes. Voces, guitarra solista, guitarra rítmica y piano disponían de su propio canal y conjunto de altavoces. El bajo de Phil Lesh era cuadrafónico, con cada una de sus cuerdas asignada a un canal y conjunto de altavoces propio. Un canal amplificaba el bombo, y dos más amplificaban el resto de la batería en estéreo. Debido a que cada altavoz emitía el sonido de sólo un instrumento o voz, el sonido era excepcionalmente claro y no se producía distorsión por intermodulación de instrumentos. El muro de sonido fue diseñado para servir como sistema de monitorado propio, y consecuentemente se montaba detrás del grupo, de forma que sus miembros pudieran escuchar exactamente lo mismo que escuchaba la audiencia. Debido a esto, se tuvo que diseñar un sistema especial de microfonía para evitar el feedback. Dead utilizaba agrupaciones de pares de micrófonos condensadores separados 60 mm entre ellos y desincronizados. El cantante cantaba en el micrófono más alto, y el bajo captaba cualquier otro sonido presente en el entorno. Las señales se sumaban, y se cancelaba el sonido que era común a ambos micros (el sonido del muro), amplificando sólo las voces. El Muro de Sonido empleaba 89 amplificadores a transistores de 300 vatios y tres a válvulas de 350 vatios para generar un total de 26.400 vatios de potencia. Era capaz de producir sonido audible a un cuarto de milla y un sonido excelente hasta los 600 pies, distancia a partir de la cual se empezaba a distorsionar a causa del viento. Fue el sistema de sonido portátil más grande jamás construido (aunque "portátil" es un término relativo). Se necesitaban cuatro camiones y 21 miembros del personal para transportar y ensamblar el muro de 75 de toneladas. Aunque el montaje inicial y una especificación rudimentaria del sistema se desarrollaron en febrero de 1973, Grateful Dead no empezó a dar giras con el sistema completo hasta un año después, en 1974. El muro de sonido era muy eficiente para su época, pero tenía sus inconvenientes, además de un tamaño exagerado. El teclista Ned Lagin, que estuvo de gira con el grupo durante 1974, nunca dispuso de una entrada exclusiva en el sistema, viéndose forzado a utilizar el subsistema de voces como amplificación. Como el sistema de voces se modificaba a menudo, muchas de las partes de Lagin se perdían en las mezclas. El formato cuadrafónico del Muro nunca se registró correctamente a las cintas de grabación de ese período, quedando el sonido comprimido en un formato estéreo poco natural. El elevado coste de combustible y personal, así como las fricciones con muchos miembros del personal (y parásitos asociados), contribuyeron al "retiro" de la banda en 1974. El Muro de Sonido fue desmontado, y cuando Dead volvieron de gira en 1976, lo hicieron con un sistema de sonido más práctico en cuanto a logística.

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Steal Your Face Citando las palabras de Owsley Stanley: "En 1969 tenían alquilado un almacén en Novato, California. Por aquel entonces, yo era técnico de sonido de la banda, y vivía en Oakland. Bob Thomas, un viejo amigo mío, se había trasladado recientemente desde Los Ángeles a la zona de la bahía y necesitaba un lugar donde quedarse, y nosotros necesitábamos a alguien que vigilara el almacén, que había tenido algún problema de pillaje." "Bob era un artista gráfico soberbio cuyo trabajo resulta ahora familiar a la mayoría de Deadheads plasmado en la portada del álbum Live Dead y la de Bear's Choice, en la cual aparecían los populares Osos Danzantes." "Por aquel entonces los Dead tenían que tocar en muchos festivales en los cuales el equipo se guardaba desordenado detrás del escenario. Como cada grupo utilizaba el mismo tipo de equipo, todo parecía igual. Pasábamos mucho tiempo removiendo las piezas para poder leer los nombres de las cajas. Decidí que necesitábamos alguna especie de marca que pudiéramos identificar a distancia." "Tenía la costumbre de conducir de Oakland a Novato en un pequeño MGTF que tenía cortinas laterales de plástico, no muy transparentes debido a la edad del plástico. Un día que llovía, miré hacia afuera y vi un signo en la autopista que era un círculo con una barra blanca atravesándolo, la parte superior del círculo era naranja y la inferior azul. No podía leer el nombre de la marca, así que me fijé sólo en la forma. Se me ocurrió una cosa: Si el naranja fuera rojo y la barra a lo largo un relámpago cortando el círculo en ángulo, obtendríamos una marca bonita, única y fácilmente identificable para poner en el equipo." "En el almacén le conté a Bob la idea que tuve, e hizo un esbozo rápido. Un amigo mutuo, Ernie Fischbach, que estaba de visita junto a Bob, dijo "Dejámelo a mí, te enseñaré una forma de ponerlo en las cajas". Acto seguido empezó a cortar agujeros en un par de plantillas de papel. Un agujero era circular, de aproximadamente 5 pulgadas y media de diámetro, y el otro era un semicírculo de 5 pulgadas de diámetro. Pero era medio círculo con el borde mellado. Entonces aguantó la plantilla sobre un ampli y lo roció con spray de pintura blanca. Luego con una cara hacia arriba, pintó el semicírculo rojo sobre la pintura blanca seca y tras acabar con el rojo y girar la plantilla hacia abajo, aplicó el azul. Esta fue la primera versión, y la pusimos en todo nuestro equipo. Nos ayudaba a encontrar más fácilmente nuestro material entre todo el meollo. Todavía conservo una vieja caja de herramientas con una de las plantillas." "Unos días después estuve hablando con Bob y le sugerí que quizás se podrían poner las palabras "Grateful dead" bajo el círculo, usando un tipo de letra que pareciera una calavera a cierta distancia (supongo que estaba influenciado por demasiados pósters de la época). En cualquier caso, al cabo de unas horas volvió del loft con el diseño que todos conocemos y amamos."

Deadheads Muchos de sus fans, comúnmente conocidos como Deadheads (Cabezasmuertas), seguían las giras de la banda. A diferencia de muchos otros grupos, Grateful Dead animaban a sus fans a grabar sus conciertos. Durante muchos años, casi todas sus actuaciones tenían secciones dedicadas a la grabación. La banda permitía que las grabaciones de sus conciertos se compartieran, siempre y cuando no se obtuvieran beneficios vendiéndolas. En los años 80, el grupo llegó al top 40 con la canción "Touch of Grey" (del álbum In the Dark), captando nuevos fans mucho más jóvenes y típicos a los que se consideraba muy distintos a los Deadheads tradicionales. Los fans más asentados denominaron a estos nuevos seguidores "Touchheads", en referencia a su relativa inexperiencia con el grupo. A finales de los 80 y durante los 90 Grateful Dead atrajeron a tantos nuevos seguidores que muchos de los antiguos Deadheads empezaron a dudar si la gente iba a los conciertos para ver al grupo, o simplemente para formar parte de la atmosfera. Cualesquiera que fueran sus diferencias, los Deadheads son considerados a menudo como los fans más devotos en el mundo del rock.

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Grateful Dead La zona de aparcamiento de un concierto de Grateful Dead era una parte importante del concierto en sí. Se podían encontrar objetos en venta en muchos de los coches aparcados, desde sandwiches de queso fundido hasta brebajes "especiales" y globos nitrosos. (Algunos deadheads se financiaban las giras vendiendo estos objetos.) Los asistentes al concierto se congregaban normalmente en el aparcamiento horas antes de la actuación, tocando la guitarra y tomando drogas. Después de un concierto, un deadhead podría hacerse fácilmente con un sandwich de queso fundido cocinado en la puerta de una furgoneta VW con una estufa de camping por un hippie amistoso.

Conciertos editados Desde 1991, Grateful Dead editaron numerosas actuaciones en directo de sus archivos, en dos series concurrentes: la serie From the Vault son remezclas multipista, mientras que la serie Dick's Picks (que debe su nombre al último archivista de la banda, Dick Latvala) está basada en remezclas de dos pistas tomadas en tiempo de grabación. Ha habido por lo menos 36 publicaciones de las series Dick's Picks (hasta noviembre de 2005). Se publicó una serie de videos aparte, iniciada con View From the Vault (grabado en Pittsburgh el 8 de julio de 1990 en el Rivers Stadium) y View From the Vault II (grabado en Washington, D.C. el 14 de junio de 1991 en el RFK Stadium); estas publicaciones vienen acompañadas de la edición simultánea equivalente en CD. Las tres series continúan publicándose actualmente. En verano de 2005 Dead empezaron a ofrecer versiones descargables de ambas series de directos, y una nueva serie exclusivamente a través de Internet, The Grateful Dead Download Series, que sólo está disponible a través de su propia GDStore.com (que ofrece los álbums tanto en ficheros mp3 a 256 Kbps como en FLAC, un estándar de audio preferido por aquellos que coleccionan Dead y otras compilaciones de directos hechas por fans en Internet) e iTunes Music Store (que los ofrece a 128 Kbps en formato AAC). Estos álbums de venta exclusiva en Internet han alcanzado el mismo éxito que sus equivalentes en CD. En noviembre de 2005, los managers de Dead indignaron a sus fans cuando solicitaron a los operadores del popular Internet Archive (archive.org) que dejaran de publicar descargas de sus conciertos, y ofrecieran en su lugar únicamente grabaciones en streamcast. El portavoz del grupo, Dennis McNally, afirmó que tal repositorio "no representa los valores de Grateful Dead" ya que no fomentaba las conexiones "uno a uno" entre fans. De todos modos, David Gans, anfitrión del programa de radio "The Grateful Dead Hour", especula que la banda está motivada por el dinero, remarcando que "cuando estaban ganando 50 millones de dólares al año en la carretera, no había demasiada presión para beneficiarse de sus archivos". La eliminación de los conciertos de Dead de Archive.org generó una tormenta de protestas, además de un boicot al resto de productos comerciales de la banda que se difundió rápidamente. Varios días tras el anuncio de que todos los conciertos habían sido eliminados, Brewster Kahle de Archive.org anunció de forma críptica que las grabaciones en directo del público volverían a estar disponibles, pero que las denominadas "board tapes" (grabaciones de mesa) sólo estarían disponibles a través de streaming audio. Kahle afirmó que todo había sido un "malentendido", pero John Perry Barlow, uno de los letristas del grupo, afirmó que los conciertos habían sido restaurados después de que varios miembros del grupo replantearan su postura anterior al darse cuenta de que habían creado una "catástrofe" de sus relaciones de públicas.

Componentes El líder del grupo, Jerry García, era el guitarrista principal. A pesar de que tanto el público como los medios lo veían como el 'líder' o portavoz principal de Grateful Dead, él se mostraba reacio al respecto, considerando que tanto él como los demás miembros del grupo eran participantes ecuánimes y contribuidores por igual a su creatividad y música colectiva. Jerry nació en San Francisco y creció en el distrito de Excelsior. Una de sus principales influencias en su estilo musical era el bluegrass, y García también tocaba –el banjo, su otro gran instrumento amado– en la banda de bluegrass "Old & in Way", con el mandolinista David Grisman. Con una formación clásica, el trompetista Phil Lesh tocaba el bajo. Bob Weir, el miembro original más joven del grupo, tocaba la guitarra rítmica. Ron

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"Pigpen" McKernan tocaba el órgano, la armónica y también fue vocalista del grupo hasta poco antes de su muerte en 1973, a la edad de 27. Todos los miembros de Grateful Dead previamente mencionados cantaban en las canciones, a pesar de que ninguno de ellos tenía una voz particularmente fuerte o melodiosa. Bill Kreutzmann tocaba la batería, y en 1968 se le unió un segundo batería, el neoyorquino Mickey Hart, que tocaba además una amplia gama de instrumentos de percusión. Hart dejó Grateful Dead en 1971, avergonzado por la mala gestión económica de su padre, el manager Lenny Hart, y dejando a Kreutzmann nuevamente como percusionista solista. Hart volvió en 1975. Tom "TC" Constanten estuvo al teclado harpsichord (se le puede apreciar su maestría en el bello y aureal tema "Mountains Of The Moon" del LP Aoxomoxoa) junto a Pigpen desde 1968 hasta 1970. Dos años después, a finales de 1971, otro teclista se unió a Pigpen, Keith Godchaux, tocando el piano y el clave junto al Hammond B-3 de Pigpen. A principios de 1972, la esposa de Keith, Donna Jean Godchaux, entró como corista. Keith y Donna dejaron el grupo en 1979 y Brent Mydland entró como teclista y vocalista. Keith Godchaux murió en un accidente de coche en 1980, Brent Mydland ejerció como teclista durante 11 años hasta que murió en 1990, convirtiéndose en el tercer teclista fallecido. Casi inmediatamente el teclista de The Tubes, Vince Welnick, entró como teclista y corista. Durante un año y medio, Welnick solía estar acompañado de Bruce Hornsby al piano como invitado especial. Robert Hunter y John Perry Barlow fueron los principales letristas de la banda. Owsley "Bear" Stanley fue el técnico de sonido de Grateful Dead durante muchos años y también uno de los principales proveedores de LSD.

Formaciones Clasificadas por año (1965-1967) • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voces, percusión Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería

(1967-1968) • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percsión Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1968-1970) • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz

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Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percusión Tom Constanten - teclados Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1970-1971) • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percusión Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1971)

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Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percusión Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería


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Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percusión Keith Godchaux - teclados Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Ron "Pigpen" McKernan - teclados, armónica, voz, percusión Keith Godchaux - teclados Donna Godchaux - coros Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería

(1972-1975) • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Keith Godchaux - teclados Donna Godchaux - coros Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería

(1975-1979) • • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Keith Godchaux - teclados Donna Godchaux - coros Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1979-1990) • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Brent Mydland - teclados, voz Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1990-1992) • • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir - guitarra rítmica, voz Vince Welnick - teclados, voz Bruce Hornsby - teclados, voz Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería

(1992-1995) • • • • • •

Jerry García - guitarra solista, voz Bob Weir -guitarra rítmica , voz Vince Welnick - teclados, voz Phil Lesh - bajo, voz Bill Kreutzmann - batería Mickey Hart - batería


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Discografía Álbumes en Estudio • • • • • • • • • • • • •

The Grateful Dead. Warner (Marzo 1967) - POP #73 Anthem Of The Sun. Warner (Julio 1968) - POP #87 Aoxomoxoa. Warner (Junio 1969) - POP #73 Workingman's Dead. Warner (Junio 1970) - POP #27; UK #69 American Beauty. Warner (Noviembre 1970) - POP #30; UK #27 Wake Of The Flood. Grateful Dead (Octubre 1973) - POP #18 Grateful Dead From The Mars Hotel. Grateful Dead (Junio 1974) - POP #16; UK #47 Blues For Allah. Grateful Dead (Septiembre 1975) - POP #12; UK #45 Terrapin Station. Arista (Julio 1977) - POP #28; UK #30 Shakedown Street. Arista (Noviembre 1978) - POP #41 Go To Heaven. Arista (Abril 1980) - POP #23 In The Dark. Arista (Julio 1987) - POP #6; UK #57 Built To Last. Arista (Octubre 1989) - POP #27

Álbumes en Vivo • • • •

Live/Dead (en vivo). Warner (Noviembre 1969) - POP #64 Grateful Dead (en vivo, también conocido como Skull & Roses). Warner (Septiembre 1971) - POP #25 Europe '72 (en vivo). Warner (Noviembre 1972) - POP #24 History Of The Grateful Dead, Vol. 1 (Bear's Choice) (en vivo, grabado en Febrero 1970 en el Fillmore East de NY). Warner (Julio 1973) - POP #60 • Steal Your Face (en vivo, grabado en Octubre 1974 en el Winterland Arena en San Francisco). Grateful Dead (Junio 1976) - POP #56; UK #42 • Reckoning (en vivo, grabado en el Warfield Theater, San Francisco y en el Radio Music City Hall, New York). Arista (Marzo 1981) - POP #43 • Dead Set (en vivo, grabado en el Warfield Theater, San Francisco y en el Radio Music City Hall, New York). Arista (Agosto 1981) - POP #29 • Dylan And The Dead (en vivo, grabado en 1987) c/Bob DYLAN & GRATEFUL DEAD.

Columbia (Enero 1989) POP #37; UK #38 • Without A Net (en vivo 2xcd). Arista (Septiembre 1990) - POP #43 • Infrared Roses (en vivo, recopilación de conciertos realizados entre 1989 y 1990). Grateful Dead (Noviembre 1991) Álbumes Recopilatorios • • • • •

Skeleton's From The Closet: The Best Of Grateful Dead (recopilación). Warner (Enero 1974) POP #75 What a Long Strange Trip It's Been: The Best Of The Grateful Dead (recopilación). Warner (Septiembre 1977) - POP #121 The Arista Years (recopilación 2xcd). Arista (Octubre 1996) - POP #95 So Many Roads (1965-1995) (en vivo, recopilación 5xcd grabada entre 1965-1995). Grateful Dead (Noviembre 1999) - POP #170 The Golden Road (1965-1973) (recopilación 12xcd, contiene todos los álbumes del grupo grabados para Warner, incluyendo tomas descartadas y versiones en vivo). Warner (Octubre 2001) - POP #191

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Grateful Dead •

The Very Best Of Grateful Dead (recopilación). Warner (Septiembre 2003) - POP #69

Álbumes Retrospectivos en Vivo Vintage Dead (en vivo, grabado en 1966 en el Avalon Room, San Francisco). Sunflower (Octubre 1970) - POP #127 • Historic Dead (en vivo, grabado en 1966 en el Avalon Room, San Francisco). Sunflower (Junio 1971) - POP #154 • One From The Vault (en vivo 2xcd, grabado el 13/08/1975 en el Great American Music Hall en San Francisco). Grateful Dead (Abril 1991) - POP #106 • Two From The Vault (en vivo, grabado el 23/08/1968 en el Shrine Auditorium en Los Angeles). Grateful Dead (Mayo 1992) - POP #119 • Hundred Year Hall (en vivo 2xcd, grabado el 26/04/1972 en Frankfurt, Alemania). Grateful Dead (Septiembre 1995) - POP #26 • Dozin' At The Knick (en vivo 3xcd, grabado el 25/03/1990 en el Knickerbocker Arena en Albany, NY). Arista (Octubre 1996) - POP #74 • Fallaout From The Phil Zone (en vivo 2xcd, recopilación grabada entre 1967-1995). Grateful Dead (Junio 1997) - POP #83 • Fillmore East 2-11-69 (en vivo). Grateful Dead (Octubre 1997) - POP #77 • Ladies And Gentlemen...Fillmore East: New York City: April 1971 (en vivo 2xcd). Grateful Dead (Octubre 2000) - POP #165 • Nightfall Of Diamonds (en vivo 2xcd, grabado el 16/10/1989 en el Meadowlands Arena in East Rutherford, New Jersey). Grateful Dead (Septiembre 2001) - POP #196 • Postcards Of The Hanging: The Grateful Dead Perform The Songs Of Bob Dylan (en vivo, recopilación grabaciones de 1973-90). Grateful Dead (Marzo 2002) - POP #120 • Steppin' Out With The Grateful Dead England '72 (en vivo). Grateful Dead (Julio 2002) - POP #160 • Rockin' The Rhein With The Grateful Dead (en vivo 2xcd, grabaciones de la gira europea de 1972 del grupo). Grateful Dead (Mayo 2004) - POP #75 • Truckin' Up To Buffalo: July 4, 1989 (en vivo 2xcd). Grateful Dead (Julio 2005) - POP #137 • Live At The Cow Palace: New Years Eve 1976 (en vivo 3xcd, concierto en el Cow Palace en California). Rhino (Enero 2007) - POP #48 • Three From The Vault (en vivo 2xcd, concierto en el Capitol Theatre en Port Chester, NY, 19/02/71). Rhino (Junio 2007) - POP #112 • Rocking The Cradle: Egypt 1978 (en vivo 2xcd+dvd, concierto en el Sound & Light Theater en Giza). Rhino (Septiembre 2008) - POP #35 • To Terrapin: Hartford '77 (en vivo 3xcd, concierto en el Hartford Civic Center en Connecticut). Rhino (Abril 2009) - POP #59 POP: Billboard 200 Album Chart; UK: UK Albums Chart •

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Sencillos • • • • • • • •

"Stealin' / Don't Ease Me In". Scorpio (Junio 1966) "The Golden Road (To Unlimited Devotion) / Cream Puff War". Warner (Marzo 1967) "Dark Star / Born Cross-Eyed". Warner (Abril 1968) "Dupree's Diamond Blues / Cosmic Charlie". Warner (Julio 1969) "Uncle John's Band / New Speedway Boogie". Warner (Julio 1970) - POP #69 "Truckin' / Ripple". Warner (Enero 1971) - POP #64 "One More Saturday Night [en vivo] / Cassidy [en vivo]". Warner (Junio 1972) "Johnny B. Goode [en vivo, grabado 02/07/71] / [Elvin BISHOP Group] So Fine [en vivo]".

• • • • • • •

Warner (Agosto 1972) "Johnny B. Goode [en vivo, grabado 24/03/71] / Truckin' ". Warner (Octubre 1972) "Sugar Magnolia [en vivo] / Mr. Charlie [en vivo]". Warner (Diciembre 1972) - POP #91 "Let Me Sing Your Blues Away / Here Comes Sunshine". Grateful Dead (Octubre 1973) "Eyes Of The World / Weather Report Suite Part 1". Grateful Dead (Octubre 1973) "U.S. Blues / Loose Lucy". Grateful Dead (Junio 1974) "The Music Never Stopped / Help On The Way". Grateful Dead (Septiembre 1975) - POP #81 "Franklin's Tower / Help On The Way". Grateful Dead (Enero 1976)

• • • • • • • • • • • •

"Dancing In The Streets / Terrapin Station". Arista (Julio 1977) "Passenger / Terrapin Station". Arista (Diciembre 1977) "Good Lovin' / Stagger Lee". Arista (Noviembre 1978) "Shakedown Street / France". Arista (Abril 1979) "Alabama Getaway / Far From Me". Arista (Abril 1980) - POP #68 "Don't Ease Me In / Far From Me". Arista (Agosto 1980) "Ripple" [en vivo]. Arista (Abril 1981) – ROK #50 "Dire Wolf" [en vivo]. Arista (Mayo 1981) – ROK #37 "Touch Of Grey / My Brother Esau". Arista (Junio 1987) - POP #9, ROK #1 "Hell In A Bucket". Arista (Julio 1987) – ROK #3 "West L.A. Fadeaway". Arista (Agosto 1987) – ROK #40 "Throwing Stones / .....". Arista (Noviembre 1987) – ROK #15

..... / When Push Comes To Shove" – ROK #45 • "Slow Train [en vivo]" c/Bob DYLAN & GRATEFUL DEAD. Columbia (Febrero • "Foolish Heart / We Can Run". Arista (Octubre 1989) – ROK #8 • "Just A Little Light". Arista (Enero 1990) – ROK #41

1989) – ROK #8

POP: Billboard Hot 100 Chart, ROK: Billboard Mainstream Rock Tracks


Grateful Dead

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Enlaces Externos • •

Sitio Oficial [3] Discografía completa [4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Grateful_dead http:/ / www. dead. net http:/ / www. dead. net/ http:/ / www. deaddisc. com/

The Mothers Of Invention The Mothers of Invention Información artística Género(s)

Rock, jazz, Rock Psicodélico, clásico, experimental

Período de actividad

1964 — 1975 1980 — 1993

Discográfica(s)

Verve, Reprise, DiscReet Records

Artistas relacionados

Frank Zappa Little Feat Flo and Eddie

The Mothers Of Invention fue una banda de música liderada por Frank Zappa. Resulta difícil discernir a qué género musical perteneció debido a su amplio estilo. Pero se la relaciona con el rock and roll y especialmente el jazz rock y la vanguardia. Inicialmente llamada "The Soul Giants" y formada por el baterísta Jimmy Carl Black, el bajista Roy Estrada, el guitarrista Ray Hunt, el vocalista Ray Collins y el saxofonista Davy Coronado. En 1964, tras una pelea con Collins, Hunt se separa de la banda y es reemplazado por Frank Zappa quien toma el liderazgo de la misma. Tocando en un bar de Los Angeles llamado «Mothers», el productor Tom Wilson los descubre en 1965. Les ofrece un contrato y $2500 de adelanto. Debido a que el nombre «The Mothers» es una abreviación de motherfuckers la MGM obliga a cambiárselo, llamándose definitivamente "The Mothers of Invention". Tras meses de grabación la banda lanza el primer LP doble en la historia del rock: Freak Out! caracterizado por la sátira y los cambios de ritmos en medio de algunos temas que parecen 'normales'. Del mismo salieron dos singles: "Who Are The Brain Police?" y "Trouble Everyday" el cual hablaba de las protestas raciales ocurridas en el barrio de Watts. El segundo disco del mismo LP era mucho mas experimental y de via libre, como ejemplos están el dadaísta "Help I'm a Rock" y "The Return Of the Son of the Monster Magnet" el que hace uso de efectos electrónicos basados en cinta (referencia directa a los gustos de música concreta del cerebro de la banda. En 1967 lanzan su segundo LP: "Absolutely Free", aún más experimental, mezclando estilos como el rock, el R&B, jazz, doo wop y haciendo críticas varias como: "Plastic People" o "Call Any Vegetable". Para este segundo disco ingresan a la banda un segundo baterista: Billy Mundi y el tecladista Don Preston. Su tercer LP: We're Only in It for the Money (1968) critica la comercialidad y banalidad en que calló el mundo hippie, las drogas, la (según Zappa) poca solvencia del flower power, incluso su portada, creada por Cal Schenkel, parodiaba el disco de los Beatles: "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"; lo que corresponde a una de las más


The Mothers Of Invention curiosas paradojas de la historia de la música: precisamente, principales exponentes de la música del Flower Power consideraron el primer LP de The Mothers como una importante inspiración musical, entre ellos The West Coast Experimental Pop Art y el mismo Paul McCartney para idear su Sgt Pepper's, el mismo del que Zappa se mofaba. En 1969 Frank Zappa desarma la banda y lanza Hot Rats, su primer disco como solista, en donde se ve claramente su giro más hacia el Jazz. Notables son de este album el ecléctico instrumental "Peaches En Regalia" y el picótico blues "Willie The Pimp" junto a su amigo y colega en experimentalismo, Captain Beefheart. En 1970 la banda se rearma, aunque con diferentes músicos: Aynsley Dunbar, el tecladista George Duke, Howard Kaylan, y Mark Volman (estos 2 últimos se le unieron tras el desarme de The Turtles). Graban un nuevo álbum: Chunga's Revenge aunque es acreditado a Zappa. Antes de otro desarme, debido a un accidente que sufre Frank Zappa en un concierto de 1971, editan dos discos en vivo (Fillmore East - June 1971 y Just Another Band From L.A.). A partir de 1980 Jimmy Carl Black, Don Preston y Bunk Gardner han estado tocando y grabando bajo el nombre de "The Grandmothers" o "The Grande Mothers Re:Invented", haciendo música de Frank Zappa o Captain Beefheart.

Discografía • Freak Out! (1966) • • • • • • • • • • • • • •

Absolutely Free (1967) We're Only in It for the Money (1968) Cruising with Ruben & the Jets (1968) Uncle Meat (1969) Burnt Weeny Sandwich (1970) Weasels Ripped My Flesh (1970) Fillmore East - June 1971 (1971) Just Another Band From L.A. (1972) Over-Nite Sensation (1973) Roxy & Elsewhere (1974) One Size Fits All (1975) The Grandmothers (1980), sin Frank Zappa Playground Psychotics (1992) Ahead Of Their Time (1993)

Videografía • • • • • •

200 Motels (1971) Baby Snakes (1979) The Dub Room Special (1982) Video From Hell (1987) Uncle Meat (1987) The True Story of Frank Zappa's 200 Motels (1989)

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The Mothers Of Invention

Enlaces externos • Ficha en Allmusic [1] • Página web de Jimmy Carl Black [2] • Página web de "The Grande Mothers Re:Invented" [3]

Referencias [1] http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:3jfoxqtgldde [2] http:/ / www. jimmycarlblack. com [3] http:/ / www. thegrandmothers. com/

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ROCK PSICODELICO DE LOS 70 Rock progresivo Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Rock progresivo}} ~~~~

Rock progresivo Orígenes musicales:

Rock psicodélico, jazz, música clásica

Orígenes culturales:

Fines de los años 1960 y principios de los 1970s en el Reino Unido

Instrumentos comunes:

Guitarra, bajo, batería, melotrón, sintetizador, órgano Hammond, piano

Popularidad:

Alta en la primera mitad de los años 1970 Subgéneros

Rock sinfónico, art rock, krautrock, sonido Canterbury, rock espacial, rock experimental, neo-prog, zeuhl, motif rock, RIO (Rock In Opposition), prog italiano, rock andaluz, jazz rock, math rock, eletrónica progresiva Fusiones Metal progresivo, folk progresivo, post-rock

El rock progresivo (en inglés progressive rock, prog rock) es un subgénero del rock aparecido al final de la década de los sesenta y que floreció durante la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz). Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica,[2] y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz,[2] junto con un componente experimental heredado de la música electrónica.[2] Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y otros sintetizadores.[2] Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Genesis, Gentle Giant, King Crimson, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, The Moody Blues, Pink Floyd, Rush, Renaissance, Soft Machine y Yes. Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico. Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo sinfónico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (p.ej. "She's Leaving Home", de los Beatles y "Nights In White Satin", de The Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante el melotrón y otros sintetizadores primitivos. El rock progresivo concede una gran importancia a la aportación individual de cada músico, lo que en ocasiones degenera en una profusión embarazosa de solos de guitarra, teclado, batería, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Sin embargo, en las mejores piezas del género el desarrollo coherente de la canción o pieza se impone al


Rock progresivo exhibicionismo virtuosístico. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd,[3] mientras que sus letras suelen tener pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.[3] Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista (como ejemplos valgan Steve Reich, John Adams, y Philip Glass) y el "Gamelan", la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición "Sister Ray" de The Velvet Underground. Es difícil encontrar el origen exacto del género musical. Algunas fuentes citan a In the Court of the Crimson King, el debut de King Crimson, como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras mantienen que la primera grabación del género fue la banda sonora de la película Tonite Let's All Make Love In London de Pink Floyd.[2] Sin embargo, en discos anteriores de bandas como Deep Purple, Procol Harum y The Nice aparecen ya rasgos propios de esta corriente.

Autores destacados Entre los grupos y compositores más importantes dentro de este género, ingleses o estadounidenses en su mayoría, cabe destacar a King Crimson, Supertramp, Genesis, Yes, Camel, Emerson, Lake & Palmer, Rick Wakeman, Focus, Queen (marcado principalmente sus primeros álbumes), Jethro Tull, Pink Floyd, Electric Light Orchestra, Soft Machine, Mike Oldfield, Renaissance, Rush, Gentle Giant, Atomic Rooster, Van Der Graaf Generator ; y en la década de los 80/90, grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Anekdoten, Anglagard, Arena, Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Symphony X, Ayreon, Opeth, Porcupine Tree, Spock's Beard, White Willow, Echolyn, The Flower Kings, Tool, Coheed And Cambria, Transatlantic y Neal Morse. De los grandes del género, siguen en activo King Crimson (de forma intermitente, cuando los trabajos individuales de sus miembros lo permiten), Yes (con cierta decadencia, aunque mucho más estable en los últimos tiempos), Rush (con los tres integrantes de siempre), Van der Graaf Generator (recientemente reunidos), Camel (entre descanso y descanso de su líder, Andy Latimer), Jethro Tull y Pink Floyd (ya más en una línea comercial y decadente), que realizan actuaciones esporádicas. Otro tanto sucede con Genesis, aunque la formación del grupo en sus últimas actuaciones se reduce a sus últimos tres miembros, y el sonido por el que apuestan no es el clásico de los 70, sino el comercial de las décadas siguientes. En muchos países de habla no inglesa, tanto europeos como americanos, ha habido también una rica escena progresiva.

Rock progresivo britanico El Reino Unido, cuna del rock progresivo, dio los mejores grupos de este genero tales como Yes, Genesis, Marillion y Pink Floyd.

Rock progresivo alemán Alemania produjo dos corrientes peculiares dentro del rock progresivo, el Kraut Rock y la música electrónica progresiva. Destacan, entre otros grupos: Popol Vuh, Can, Tangerine Dream, y Triumvirat.

Rock progresivo francés En Francia dos agrupaciones brillaron intensamente: Gong y Magma.

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Rock progresivo

Rock progresivo español En España el rock progresivo tuvo su máxima influencia durante los años setenta con el nacimiento del grupo madrileño Módulos (1969). Aparte de éstos, las dos mayores escenas se dieron en Andalucía con el rock andaluz, practicado por grupos como Triana (1974), Smash (1970), Mezquita (1979), Cai (1979), Granada (1975), Guadalquivir (1978) o Imán, Califato Independiente (1978) y en Cataluña con el rock laietano, al que corresponden Máquina! (1970), Vértice (1970), Pan & Regaliz (1971), Música Dispersa (con Jaume Sisa) (1970), Pau Riba & Om (1971), Iceberg (1975), Fusioon (1972), Companyia Elèctrica Dharma (1975) o Música Urbana (1976). Del resto del país destacaron Albatros, Los Canarios (Ciclos, 1974), Crack (1978), Bloque (1978), Ibio (1978) o Errobi (1978).

Rock progresivo italiano En Italia existió un movimiento importante de bandas de estilo sinfónico, muy influido por la música clásica y las bandas clasicas de prog ingles. Algunos grupos significativos son Banco del Mutuo Soccorso, Jacula, Semíramis, New Trolls, Le Orme, Museo Rosenbach, Locanda delle Fate, Jumbo, Il Balletto Di Bronzo, Goblin, Area, Il volo, Quella Vecchia Locanda y la más conocida Premiata Forneria Marconi (más conocida como PFM).

Rock progresivo latinoamericano En Sudamérica el Rock Progresivo tiene una larga tradición desde los años 70, principalmente en Brasil y la ciudad rioplatense de Buenos Aires. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folk, propiciando interesantes fusiones. Argentina En la ciudad de Buenos Aires, Argentina, el grupo Almendra de Luis Alberto Spinetta sentó ya en 1969 las bases del rock sinfónico porteño, seguidas por grupos como Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Giran, de Charly García e Invisible y Spinetta Jade de Luis Alberto Spinetta, ambos líderes considerados los pilares del llamado rock nacional. Otro grupo destacado fue Crucis, muy influido por bandas como Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer, al igual que La Máquina de Hacer Pájaros. Ambas bandas contaron con músicos muy virtuosos. En la ciudad de Rosario surgió a mitad de los 70 un grupo de estas mismas características que se denominó Pablo el Enterrador. También se debe destacar a Espíritu, Aquelarre (grupo de los ex-Almendra Emilio Del Guercio y Rodolfo García), Alas (de Gustavo Moretto, dónde debutó un muy joven Pedro Aznar), Nexus (con el famoso tecladista Lalo Huber) y Atempo (Hiro, Villanueva, Aguirre, Fazio) . Esta última ha sido la primera agrupación de rock progresivo latinoamericana en ser tapa de la prestigiosa revista francesa Harmonie. Actualmente la ciudad de La Plata se destaca por su producción en bandas de este género. En La Plata podemos mencionar a los legendarios Farenheith, Ünder Linden y Baalbek, y Akenathon entre las bandas más nuevas. Bolivia Sigue en activo la banda de rock Wara, con influencias del rock psicodélico británico, el folklore andino y la música clásica. Su álbum El Inca es una de las creaciones más ambiciosas del rock progresivo. Brasil En Brasil, artistas como Sagrado Coraçao da Terra, Os Mutantes y Caetano Veloso, que comenzaron su carrera a finales de los años 60 e inicios de los 70, editaron algunos discos cercanos a esta corriente. Otros grupos, como Quaterna Requiem, Bacamarte, Angra y Aether, han hecho historia dentro del rock sinfónico latinoamericano. No se debe dejar de lado a Tempus Fugit, con una clara influencia de Yes, ELP y Genesis.

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Rock progresivo Chile En Chile Los Jaivas encabezan claramente un folk sinfónico con huellas de la música tradicional del altiplano. También aparecieron grupos muy destacados como Tryo, Ergo sum, La Neura, Entrance, Miel, Fulano, Astralis, Mar de Robles, La Desooorden, Matraz, Akinetón Retard, Subterra, Strobos, y Congreso en algunas de sus producciones antiguas. Entre las bandas emergentes destacan, Fusión Judá, Nacimiento, AD VALOREM y Soliloquio grupos progresivos de Santiago y el grupo Balticos, oriundos de Villa Alemana, con una interesante propuesta de rock progresivo sicodelico, sumado a tintes latinoamericanos.También de Villa Alemana es la joven banda Platurno, quienes deambulan por un camino más ecléctico y experimetal sin perder la crudeza del rock. Colombia Entre los grupos y artistas más conocidos en Colombia se encuentran Andrés Osorio, Jaén Kief, Merlin Hexer, Jorge Burbano, Orión, Sigma y Tom Abella. Un caso significativo es el de Kraken, grupo que se define como "rock duro progresivo". México En México el rock progresivo tuvo su auge durante la década de los 70s y sobre todo en los 80s. A comienzos de la década del 70 varias bandas de rock incursionaron parcialmente en el género, como El Ritual (Banda), Los Dug Dug's, Toncho Pilatos (el primer álbum), La Revolución de Emiliano Zapata y Náhuatl. El grupo Nuevo México, comandado por dos iconos del rock de México, Jorge Reyes en la flauta y Carlos Mata en la guitarra, hizo el primer disco de rock netamente progresivo en el año 1973, llamado Hecho en casa. A finales de los 70 Jorge Reyes abandona Nuevo México y forma grupos como Decibel, Al Universo y Chac Mool. A finales de los 70 y en los años 80 se formaron otros grupos como Iconoclasta, Cast, Delirium, Praxis. Arturo Meza y Carlos Alvarado incursionaron también en el género. En la actualidad el grupo Cabezas de Cera es el grupo de rock progresivo mexicano con más reconocimiento a nivel internacional y el grupo mexico-norteamericano The Mars Volta es el que tiene mayor repercusión en la escena mexicana actual. Perú En Perú destacan los grupos Laghonia, Traffic Sound, Frágil, We All Together, Leusemia, Flor de Loto. Frágil es la banda que más éxito tuvo musical y comercialmente, su disco de 1981 "Avenida Larco" se conviertió en un clásico del rock de ese país además de tener influencias del rock progresivo sinfónico (Genesis) y el folk rock progresivo (Jethro Tull). Actualmente la banda más popular de rock progresivo en Perú es Flor de Loto, que tiene una gran influencia del género Fusion. En 2004, la banda Leusemia sacó a la luz el disco "Hospicios: Los últimos ciudadanos de la séptima casa de la obscuridad", siendo el disco más progresivo de la banda dejando atrás el lado experimental que tuviera en 1998. Hospicios es una obra conceptual (primera y hasta ahora única hecha en el Perú) cuyas características en los pasajes sonoros del disco da en evidencia la clara influcencia del álbum "The Dark Side of the Moon" de la banda británica Pink Floyd. También destacan otros dos discos de Leusemia como "Al Final De La Calle" (2000) y "Yasijah" (1999), en este último incluyeron un cover de Pink Floyd (Saucerful of secrets) en la canción "Eclipse en la Corte de los Cuentos Desolados". Discos en el que participa el violinista Nilo Borges.

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Rock progresivo Uruguay En los '70s, los grupos característicos de este estilo fueron, Psiglo, Totem. Venezuela En Venezuela bandas como Témpano [4], RC2 [5], Raimundo Rodulfo,Kotebel, Pig Farm on the Moon y Echoes se han encargado de mantener el género vivo y de contribuir con su aporte al progresivo latinoamericano. Si hablamos de los clásicos del prog venezolano tenemos a Vytas Brenner y su grupo Ofrenda, Estructura, Equilbrio Vital, Ficcion, Spiteri, Fernando Yvosky y Aditus (en sus inicios) donde los sonidos del progresivo clásico y sinfónico confluyen con los ritmos y sonidos autóctonos como el Joropo, las Gaitas y el sonido del cuatro o el arpa, entre otros.... Tambien son de destacar artistas de música electrónica como Rada, Miguel Angel Noya, Miguel Angel Fuster, Musikautomatika y Vinicio Adames. Otro grandes exponentes en los 70s fueron bandas de Jazz rock con toques de fusion y progresivo como La Banda Municipal, Almendra y Esperanto. Muchas bandas noveles se perdieron con el tiempo y salvo algunos videos y 45s permanecen como su unico legado de bandas tan oscuras como Quemazon 5, Grupo Imagen, Grupo Marra, Zazen, Enfasis, Antares, Irus, Industria Nacional, Relieve y Grupo Espiga. Interesante tambien son algunos albums de Alexis Rossel y Chelique Sarabia de experimentacion folclorica con sintetizadores. Venezuela ademas ha sido visitado por bandas y musicos progresivas de todos los estilos entre ellos Cassiber, Cluster, Roger Waters, Rick Wakeman, Steve Hackett, Peter Gabriel, Peter Hammill, New Trolls, After Crying, Marillion , Saga, Dream Theater, Jethro Tull y Yes. Links progresivo venezolanos [6] [7]

Subgéneros y corrientes Dentro del rock progresivo hay muchas variedades o estilos. Entre los movimientos que pueden considerarse subgéneros del rock progresivo o corrientes emparentadas con él están el sonido Canterbury, el Zeuhl, el RIO, el Kraut Rock, el Avantgarde, la música electrónica progresiva, el Space Rock, el Neo Prog, el Metal progresivo y el post-rock.

Sonido Canterbury Dentro del rock progresivo británico, surge una corriente con un estilo peculiar, cercano al jazz y menos grandilocuente, el "sonido Canterbury". La integran grupos como Soft Machine, Camel, Caravan, Hatfield and the North, Matching Mole y Gong.

Zeuhl y RIO Hay dos sub-géneros mucho más experimentales y radicales: uno de ellos es el Zeuhl, inventado por la banda francesa Magma, y el otro el llamado RIO (o Rock In Opposition), que tiene como principales exponentes a bandas como Henry Cow y Univers Zéro. Estos dos subgéneros se destacan por su complejidad y por las influencias de jazz y de compositores avantgarde y de música clásica, y no son muy populares.

Krautrock En Alemania Occidental surge una corriente experimental denominada "Krautrock" que se considerada a menudo parte del rock progresivo, con grupos como Ash Ra Tempel, Eloy, Neu!, Can, Faust, Amon Düül II, La Düsseldorf, Popol Vuh, Cluster, y Embryo. En esta línea experimental hay que destacar también la influencia de los primeros discos en solitario del británico Brian Eno. Está caracterizado por el empleo de sintetizadores de modo cercano a la música electrónica y al rock espacial.[8]

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Rock progresivo

Avantgarde En Estados Unidos, Frank Zappa & The Mothers Of Invention, Captain Beefheart y The Residents practican una estética avantgarde (vanguardista) muy influida por el jazz, con continuos cambios de ritmo, múltiples melodías y cambios de estilo dentro de un mismo tema, además de una tendencia a hacer música con elementos críticos (como los álbumes conceptuales de The Residents).

Música electrónica progresiva La música electrónica progresiva es un estilo fundado por bandas que introdujeron sintetizadores en la música progresiva. Los artistas más importantes de este género son Tangerine Dream, Kraftwerk, Brian Eno, Vangelis, Klaus Schulze y Jean Michel Jarre.

Rock espacial Tangerine Dream también fue importante, junto a Pink Floyd, Hawkwind u Ozric Tentacles, Ayreon, en el desarrollo de lo que a veces se denomina rock espacial, una música influida por la ciencia ficción que evoca parajes estelares y viajes interplanetarios gracias al uso de sintetizadores.[9]

Neo-prog A fines de los años 70, el rock progresivo sufrió un importante retroceso, y algunas de las bandas más identificadas con el movimiento, como Yes y Genesis, cambiaron de estilo, adoptando propuestas más comerciales. Como reacción, surgieron grupos que reivindicaban los parámetros originales del progresivo; a este nuevo movimiento se le conoce con el nombre de rock neoprogresivo (nuevo progresivo, o neo-prog), herederos de la complejidad del rock progresivo pero con tintes más comerciales.[9] Cabe destacar a grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Arena, Collage y Ken's Novel. En muchos de ellos se observa la influencia de la era temprana de Genesis.

Metal progresivo A finales de la década de los 80 surge un subgénero que mezcla el rock progresivo con elementos de heavy metal, llamado metal progresivo. Se considera al grupo Queensrÿche el padre del movimiento metal progresivo por sus discos The Warning (1984) y Rage for Order (1986), punto de partida del subgénero, aunque la consolidación total del sonido llegó dos años después con el disco Operation: Mindcrime, considerado por muchos como el mejor disco del género [10] [11]. Por otro lado, y con menos repercusión, grupos como Fates Warning o Sieges Even definieron en esa época los cánones del sonido metálico-progresivo, tomando como base el legado dejado por bandas como Rush, Uriah Heep y Deep Purple. EL metal progresivo tuvo su auge en los años 90, cuando aparece Dream Theater y lo lleva a otro nivel, seguido por bandas como Shadow Gallery, Symphony X, Ayreon, Royal Hunt, Pain Of Salvation y Threshold. El grupo Tool, surgido a principios de los 90, da un nuevo enfoque al rock progresivo y es uno de los grupos más influyentes actualmente. En los últimos años han aparecido cientos de formaciones progresivas en Europa. Posteriormente se fusionó con otros subgéneros del metal, como el black metal y el death metal, dando pie a nuevas fórmulas. Sellos como Magna Carta, Opeth e Inside Out son especialistas en grupos de este corte.

Post-Rock A mediados de los 90 hubo una revisión por parte de grupos norteamericanos y europeos del "Rock Progresivo", bajo la etiqueta de Post-Rock, añadiendo a este tipo de concepto musical las influencias folk, del ritmo jamaiquino (en especial el Dub) y la música electrónica (desde Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen y demás a Autechre, Aphex Twin y Oval). En Norteamérica destacan Tortoise, Gastr Del Sol y Godspeed You! Black Emperor, y en Europa resaltan Stereolab, Mogwai, Bark Psychosis y Flying Saucer Attack. Otra banda esencial del género es Sigur Rós

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Rock progresivo (Islandia). Se ha señalado también la influencia del rock progresivo en Radiohead y otros grupos innovadores de los últimos años.

Recepción Desde sus comienzos, se ha acusado a esta música de pretenciosa y elitista, debido en gran parte a que es difícil de apreciar en las primeras audiciones y a que los artistas de rock progresivo se apartan a menudo sin complejos de las convenciones estéticas del rock, acercándose a la música clásica y jazz. Sin embargo, es un hecho constatable que ha ayudado a ensanchar las fronteras de la música popular y ha producido obras perdurables, que siguen atrayendo a nuevas generaciones de melómanos.

Véase también • Anexo:Músicos de rock progresivo. • Art rock • Krautrock

Enlaces externos • • • • • • • • • • • • • • • • •

Página Chilena sobre Rock Progresivo Nacional e Internacional [12] (español) Manticornio - Rock Progresivo [13] (español) The Spanish Progressive Rock Page [14] (español-inglés) Musea: Rock progresivo [15] (en inglés) The Progressive Rock Bibliography [16] (en inglés) Esquizofrenia - portal de Rock Progresivo [17] (español) Sinfomusic.es: Foro dedicado al Rock Progresivo [18] (español) Progressive Rock Forum - Melo's Prog Bazaar [19] (en inglés) ProgArchives.com [20] (inglés) Enciclopedia Gibraltar de Rock Progresivo [21] (en inglés) Acid Dragon magazine [22] (en inglés) La Caja de Música [23] Radio Live 365 [24] Radio Mirage [25] Programas de radio y revistas [26] Pequeña cronología mediante comentarios de discos [27] (en inglés) 25 años con King Crimson - Rock Progresivo [28] (español)

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Rock_progresivo [2] Manticornio.com. « Escuela - Definición general de rock progresivo (http:/ / www. manticornio. com/ escuela/ desarrollo/ 2. html)». Consultado el 9 de marzo de 2008. [3] Manticornio.com. « Escuela - Subgéneros principales (http:/ / www. manticornio. com/ escuela/ desarrollo/ 3. html)». Consultado el 10 de marzo de 2008. [4] http:/ / www. tempano. com [5] http:/ / www. myspace. com/ rc2prog [6] http:/ / sincopa. com [7] http:/ / www. progvinyl. com/ galeriahecho/ progpage. htm [8] Manticornio.com. « Escuela - Subgéneros específicos (http:/ / www. manticornio. com/ escuela/ desarrollo/ 5. html)». Consultado el 10 de marzo de 2008. [9] Mantocornio.com. « Escuela - Subgéneros derivados (http:/ / www. manticornio. com/ escuela/ desarrollo/ 4. html)». Consultado el 10 de marzo de 2008.

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Rock progresivo [10] [11] [12] [13] [14] [15] [16] [17] [18] [19] [20] [21] [22] [23] [24] [25] [26] [27] [28]

http:/ / www. mikeportnoy. com/ aboutmike/ faq/ answers/ 22. aspx#186 http:/ / digitaldreamdoor. nutsie. com/ pages/ best_metal-prog-alb. html http:/ / www. watcher. cl/ http:/ / www. manticornio. com/ escuela/ index-escuela. html http:/ / www. dlsi. ua. es/ ~inesta/ Prog/ http:/ / www. musearecords. com/ http:/ / www. progbibliography. de/ http:/ / www. portalesquizofrenia. com/ http:/ / www. sinfomusic. net/ joomla/ http:/ / melosprogbazaar. com http:/ / www. progarchives. com/ http:/ / www. gepr. net/ http:/ / acidrago. club. fr/ ad2. htm http:/ / www. dlsi. ua. es/ ~inesta/ LCDM/ http:/ / www. live365. com/ index. live http:/ / www. radiomirage. org. es/ http:/ / dlsi. ua. es/ ~inesta/ Prog/ Pweb/ progpress-e. html http:/ / www. dprp. net/ proghistory/ index. php http:/ / www. kingcrimson-mp. com/

Acid folk El acid folk, folk psicodélico o psyfolk es un género musical originado en la década de los '60 a través de la mezcla entre la música folk y el rock o pop psicodélico.

Características El acid folk prefiere los instrumentos acústicos, aunque presenta también otros instrumentos. Presenta influencias de la música antigua y la música tradicional de diversos países. Conocido como la contraparte del rock, el Acid Folk tiene un peculiar sonido atmosférico. Sus letras generalmente se basan en el mundo natural, el amor y la belleza y tratan de evocar un estado de la mente asociado con las drogas psicodélicas.

Historia Incredible String Band, Donovan, Fairport Convention, Pentangle, Ars Nova, Kaleidoscope y Syd Barrett son ejemplos eminentes de artistas de acid folk. Estas bandas y solistas son de Gran Bretaña, donde la música psicodelica tiene una fuerte relación con el folk. Entre las bandas de América puede nombrarse a Byrds, Love, Bermude Triangle Band y Pearls Before Swine. Nuevos artistas están intentando imitar este sonido, aunque no necesariamente deben ser consideradas como Acid Folk. Current 93 con su álbum Earth' Covers Earth, tomaron una nueva dirección del folk, reavivando el género del Acid Folk de grupos como la Incredible String Band. El álbum es una parodia post-punk del álbum de la Incredible String Band The Hangman's Beutiful Daughter. Desde los '90 este género ha incluido al existencialista dúo Pinkie Maclure & John Wills, conocidos como Pumajaw en Escocia. También Elephant Six incluye en sus filas artistas como Neutral Milk Hotel, conocidos por su sonido Acid Folk. La última generación de artistas del genero en los 2000 incluye a Circulus, The Slant, Entrance, Devendra Banhart, Alela Diane, Alina Harden, Akron/Family, CocoRosie, Joanna Newsom, The Airy Fairy Gang (Irlanda), Damien Youth, Lord Jeff, Jana Hunter, Espers, Vetiver, DeVotchKa, Faun Fables, Gwendolyn, Testface, Eyes and Arms of Smoke, The Dodos y Tunng del Reino Unido.

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Acid folk

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Uno de los mejores ejemplos del género es "Cosmic Charlie" de Grateful Dead. De todas formas grupos de rock psicodélico hicieron canciones acústicas o casi totalmente acústicas influenciadas por el folk estadounidense y británico. Así por ejemplo tenemos las canciones de Pink Floyd "Scarecrow" y "A pillow of winds" junto con canciones de Jefferson Airplane como "Triad", "Today" y "Coming back to me". Actualmente el estadounidense-venezolano Devendra Banhart y algunos de los artistas asociados con el término New Weird America son asociados con el termino.

Rock espacial Rock espacial Orígenes musicales:

Rock progresivo Rock psicodélico Rock Música electrónica

Orígenes culturales:

Inglaterra a finales de la década de 1960 y comienzos de los '70.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica Bajo Batería Voz Sintetizador Popularidad:

Limitado a unos pocos grupos, aunque su popularidad fue alta a comienzos de la década de 1970.

El rock espacial (space rock en inglés) es un género musical surgido durante la década de los años 1960 como una corriente del Rock psicodélico y la música progresiva. Se caracteriza por sus largos pasajes instrumentales de tempo lento en los que predominan los sintetizadores, las guitarras envueltas en efectos atmosféricos (véase delay y wah-wah) y letras relacionadas con la ciencia ficción. El space rock emergió a finales de los 60 en Gran Bretaña dentro de la llamada música psicodélica. Uno de los primeros pasos en el desarrollo de esta corriente lo dio Pink Floyd en sus primeros discos, The Piper at the Gates of Dawn y A Saucerful Of Secrets. Dos canciones de Syd Barrett, "Interstellar Overdrive" y "Astronomy Domine", constituyen la primera muestra del género. Otro de los grupos pioneros de este sonido es la banda Gong. A principios de los 70, el grupo británico Hawkwind da un paso más en el desarrollo del género con el montaje de impresionantes espectáculos teatrales, que incluían luces de láser, bailarinas desnudas e imaginería psicodélica. El space rock se transforma así en un espectáculo completo, que trasciende lo puramente musical.El legado de esta banda se retoma en los 90. Led Zeppelin dio un paso importante en el Space Rock combinándolo con Hard Rock y algo de rock psicodélico, lo cual se ve claramente en canciones como «Dazed and Confused». Destaca la banda norteamericana Monster Magnet, que toma el legado del Hard Rock - Space Rock más ácido que practicaba Hawkwind. El género ejerció también una notable influencia en el llamado Stoner Rock, encabezado por Kyuss. El término fue también recuperado por otros numerosos grupos alternativos americanos y británicos de los 90. Los grupos denominados Shoegaze o de Noise pop experimentaban con texturas sonoras de manera similar a como lo hacían los antiguos grupos de space rock. Estos nuevos nombres eran Slowdive, The Verve, My Bloody Valentine, Ride, The Flaming Lips, Failure y Hum. Además muchas de ellos eran veteranos de la escena que continuaban su andadura años después, tal es el caso de Spacemen 3, uno de cuyos miembros, Jason Pierce, decidió formar Spiritualized. En la primera década del siglo XXI, el estilo fue retomado por varias bandas británicas, de manera especial por Porcupine Tree y The Pineapple Thief. Estos grupos mezclan el rock espacial con Heavy Metal y con Pop,


Rock espacial

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respectivamente, haciendo que la propuesta sea algo más accesible comercialmente.

Grupos encuadrados en el space rock • • • • • • • • • • • • • •

Angels & Airwaves Acid Mothers Temple Eloy The Flaming Lips Flying Saucer Attack Gong Grandaddy Hawkwind Monster Magnet The Mars Volta Muse Omega Ozric Tentacles Porcupine Tree

• • • • •

Pink Floyd Spacemen 3 Spiritualized Steven Wilson The Baseball Furies

Krautrock Krautrock Orígenes musicales:

Rock psicodélico, rock progresivo, minimalismo, jazz, funk, avant-garde

Orígenes culturales:

Fines de los años 1960 y principios de los 1970s en Alemania Occidental

Instrumentos comunes:

Guitarra, Bajo, Batería, sintetizador, teclados (incluyendo sintetizadores), elementos electrónicos

Popularidad:

Alta entre críticos y el underground, baja entre el público general, aunque algunas bandas (como Kraftwerk) obtuvieron algo de éxito comercial. Subgéneros Escuela de Berlín, Escuela de Dusseldorf Fusiones post-rock

Se le llama Krautrock o Kraut Rock (también conocida como Kosmische Musik) a una corriente musical de rock experimental surgida en Alemania Occidental a fines de los años 60. El término, originalmente despectivo (Kraut significa repollo en alemán y era uno de los apodos que se les dieron a los alemanes durante las guerras mundiales ya que un plato típico alemán es el repollo en salmuera o sea el "Sauerkraut" más conocido como chucrut),[1] se usa para referirse a una gran cantidad de artistas alemanes que habían sido influidos por géneros como el rock psicodélico, el rock progresivo, la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz, que utilizaban nuevas tecnologías y nuevas formas de usar las tecnologías de grabación, amplificación y mezcla musical, con nuevas


Krautrock estructuras formales. El krautrock es a veces considerado un subgénero del rock progresivo.[1] [2] Las principales influencias en los artistas de krautrock incluyen diversos compositores del minimalismo, de avantgarde y de free jazz. También se puede incluir a la música étnica, con exponente de la música oriental y africana. Algunos de los más importantes fueron Karlheinz Stockhausen, LaMonte Young y John Cage. Asimismo se pueden tomar como influencias del Krautrock a los Velvet Underground con sus notas sostenidas y sus ritmos intensos, las experimentaciones electrónicas de los Silver Apples, los trabajos más vanguardistas de los Beatles, el trabajo de estudio de los jamaicanos Lee Perry y King Tubby, a los Pink Floyd de Syd Barrett (y a sus trabajos como solista), a los Soft Machine, y en menor medida bandas como King Crimson, Frank Zappa & The Mothers of Invention y Mahavishnu Orchestra, además del rock psicodélico. Las bandas de la escena tenían diferentes estilos. Por ejemplo, mientras que Tangerine Dream se destacó por su sonido progresivo basado en sintetizadores (que se puede considerar space rock), Faust y Kraftwerk (en sus primeros álbumes) exploraron un sonido más "industrial", mientras que Cluster y Popol Vuh tenían un sonido más cercano al ambient y a lo que luego se denominaría new age, y Agitation Free experimentaba con jazz (y elementos étnicos). Por esta razón, no se suele considerar al krautrock como un género, sino más bien como un término para designar a bandas de rock experimental alemán. Sin embargo, muchas de estas bandas estaban relacionadas entre sí y en algunos casos compartían elementos como el ritmo "motorik", instrumentos electrónicos (como sintetizadores), efectos de estudio, improvisaciones,[1] elementos y temática de música étnica, etc. La mayor parte de estos artistas fueron importantes e influyentes en el desarrollo de géneros como la música industrial, la electrónica, el ambient, el synth pop, el punk, el post-punk y el post-rock.[1] y han sido una gran influencia para grupos como los mexicanos XOY y Mytrust In Godandman. Cabe destacar la influencia ejercida en multitud de músicos a través de la llamada trilogía berlinesa de David Bowie, con sus álbumes Low, Heroes y Lodger, grabados entre 1977 y 1979 por el músico británico en compañía de Robert Fripp y Brian Eno. Asimismo, numerosos grupos experimentales de las últimas décadas han redescubierto el sonido krautrock, por ejemplo el proyecto Stereolab, firmes seguidores de la obra de Neu!. Hoy día algunas de las bandas de krautrock siguen en actividad, al igual que muchos músicos que han pertenecido a bandas de la escena y que ahora tocan como solistas o han armado nuevas formaciones. Podemos nombrar a Damo Suzuki (quien fue cantante de Can), Faust, Jaki Liebezeit (ex baterista de Can que participa en la banda Flanger), etc.

Contexto histórico El krautrock surgió de la contracultura de fines de los años 60 en Alemania Occidental. En general se considera al movimiento como un intento de la juventud alemana de reconstruir su cultura, que había sido destruida en la Segunda Guerra Mundial y que era dominada por la influencia de Estados Unidos y otros países occidentales. Los músicos de la escena buscaban crear algo nuevo que representara este punto de vista, de ahí que basaran sus trabajos en los de Karlheinz Stockhausen primero compositor moderno en regresarle su identidad a la música alemana. Algunas bandas, como Amon Düül, Floh de Cologne y Guru Guru, estaban involucradas en política,[2] y en algunos casos surgieron de comunas hippies. Estos artistas realizaban deconstrucciones y parodias de la música rock, usaban elementos del rock psicodélico, experimentaban con collage de sonidos y efectos electrónicos, realizaban improvisaciones, buscaban crear atmósferas, e incorporaban elementos de musique concrete, minimalismo, jazz y música oriental.[2]

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Krautrock

Principales Grupos • • • • • • • • • • • • • • •

Amon Duul Amon Düül II Ash Ra Tempel Can Cluster Eloy Embryo Faust Guru Guru Harmonia Kraftwerk La Düsseldorf Neu! Popol Vuh Tangerine Dream

Características El ritmo "motorik" El famoso ritmo que caracterizó principalmente los trabajos de Neu!, su baterista Klaus Dinger es reconocido como el principal iniciador de esta tendencia, en donde repetía continuamente un ritmo básico de rock. La prensa se encargó de darle ese nombre, mientras que Dinger señalaba que su sonido proveenía de la música nativa americana, principalmente de la música Apache, de ahí que el le llamara Apache Beat

Escuela de Berlín Se conoce como Escuela de Berlín de música electrónica a la generación de artistas que tenían en común la ciudad de Berlín como centro de operaciones. Su estilo se caracteriza por ser mucho menos percusivo que el Krautrock y basarse sus temas en largas progresiones instrumentales. Entre los músicos más influyentes de esta escena destacan Klaus Schulze, Tangerine Dream y Ash Ra Tempel (Manuel Göttsching).

Impacto El Krautrock ha sido un estilo musical muy influyente. El synth pop, el electro y el techno, que surgieron en el Reino Unido y Estados Unidos (entre otros) a finales de los años 1970 y principios de los 1980, toman a grupos clásicos de krautrock como uno de sus principales referentes. Numerosos grupos de post-punk y de rock con influencias de la música electrónica han manifestado tomar al Krautrock como una de sus grandes influencias, como por ejemplo Public Image Ltd, Cabaret Voltaire, Alternative TV, Stereolab, The Mars Volta, Deerhunter, Wilco, Laika, Mouse on Mars, Bowery Electric, I Am Spoonbender, Tortoise o Coil. Radiohead cita a Can, Neu! y Faust entre sus referentes. El número de versiones de temas de esta época es innumerable.

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Krautrock

Véase también • • • • • • • • • • • • • • • •

Ambient Avant-garde Brian Eno Escuela de Berlín Frank Zappa Konrad Plank Karlheinz Stockhausen King Crimson Música electrónica Música experimental Pink Floyd Post-punk Post-rock Rock experimental Rock progresivo Rock psicodélico

• The Velvet Underground

Enlaces externos • • • • • •

Kraut Rock [3] en Allmusic "An Introduction to Krautrock" [4] en ProgArchives.com [5] - Web-radio alemana difusora de música krautrock Krautrock.com [6] "The Crack in the Cosmic Egg" [7] - enciclopedia sobre krautrock Documental de la BBC en YouTube [8] (en inglés)

Referencias [1] Blache, Philippe (diciembre de 2007). « "Krautrock" (http:/ / www. progarchives. com/ subgenre. asp?style=17)». ProgArchives.com. Consultado el 21 de marzo de 2008. [2] Blache, Philippe. « "An Introduction to Krautrock" (http:/ / www. progarchives. com/ Krautrock-introduction. asp)». ProgArchives.com. Consultado el 21 de marzo de 2008. [3] http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=77:2677 [4] http:/ / www. progarchives. com/ Krautrock-introduction. asp [5] http:/ / www. krautrock-world. com [6] http:/ / www. krautrock. com [7] http:/ / myweb. tiscali. co. uk/ ultimathule/ krautrockers. html [8] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=3B89-69icyc& feature=related

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Post-punk

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Post-punk Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Post-punk}} ~~~~

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Post punk Orígenes musicales:

Punk rock, glam rock, dub, reggae, funk, krautrock, avantgarde, música experimental, world music

Orígenes culturales:

fines de los 1970s en el Reino Unido

Instrumentos comunes: Guitarra, Bajo, Batería, Sintetizador, Teclados, Instrumentos electrónicos. Popularidad:

alta a principios de los años 1980 Subgéneros Coldwave - new wave - rock gótico Fusiones Punk funk, reggae punk Enlaces Categoría:Punk Post punk revival Categoría:Grupos de post punk

El post punk es un género musical que se formó a finales de los años 1970 como una reacción a la "explosión" inicial del punk rock.

Historia Durante la primera ola del movimiento Punk, bandas como los Sex Pistols, The Clash, The Ramones y The Jam comenzaron a desafiar los estilos y convenciones de la música rock de ese momento mediante el uso de acordes y progresiones básicos y poniendo un mayor énfasis en la velocidad y actitud. Más tarde algunas bandas comenzaron a experimentar con estructuras más desafiantes y un enfoque artístico más introvertido, complejo y experimental que el punk rock clásico y el new wave. El post-punk estableció las bases para el rock alternativo al expandir la idea de lo que la música punk y underground podía hacer e incorporando al punk rock elementos del krautrock, la música dub jamaicana, el funk estadounidense y la experimentación en el estudio, como se ejemplifica en la etapa de David Bowie en Berlín con "Low", "Heroes" y "Lodger" y con los discos de Iggy Pop "The Idiot" y "Lust For Life". Incorpora también elementos del rock progresivo), consiguiendo una característica oscura, extraña y depresiva. Encontró un lugar en la escena del college rock de los años 1980 y dejó una cantidad de sub-géneros. Ejemplos de bandas importantes de post-punk incluyen a Siouxsie & The Banshees, The Cure, Echo & the Bunnymen, Gang of Four y Joy Division, que a la muerte de su cantante Ian Curtis se rebautizó como New Order. Bandas como Crass, U2 y The Fall también suelen ser consideradas parte del movimiento, al igual que otras bandas que se formaron de otras de la época: Magazine, que se formo a partir de los Buzzcocks, por ejemplo, o Public Image Ltd. de los Sex Pistols. Una lista de predecesores del género incluyen a Television, cuyo álbum Marquee


Post-punk Moon, aunque lanzado en 1977 (cuando el punk se estaba formando), es considerado post-punk en estilo (sin embargo, muchos consideran a bandas como Television, Talking Heads, y Richard Hell and The Voidoids como bandas punk). Otros grupos, como The Clash y The Jam, siguieron siendo bandas de naturaleza punk pero inspiraron y fueron inspirados por elementos del movimiento post-punk. El movimiento originalmente tomó lugar en Inglaterra, aunque hubo escenas importantes en muchos países, muchas bandas norteamericanas o no europeas no tuvieron tanto reconocimiento internacional (salvo excepciones como las norteamericanas Père Ubu, Suicide, Hüsker Dü y Mission of Burma). En la primera mitad de la década de 1980, comenzaron a gestarse nuevos estilos musicales derivados del punk, y más específicamente del post-punk, tales como el No Wave, pero sin lugar a dudas el género que más ha tomado influencias de esta música ha sido el rock gótico, que añadió la estética glam con una tonalidad más oscura y, en algunos grupos, el uso de sintetizadores como en el New Wave, al post-punk formado a finales de los 70 y principios de los 80.

Confusiones Sin embargo, hay gente, como el periodista británico Simon Reynolds en su libro "Rip It Up And Start Again" (tomada de la canción más conocida del grupo escocés Orange Juice), que considera como Post-punk todo lo que vino después del punk, como el mod revival (con grupos como The Jam), el ska 2-tone (The Specials, Madness, The Proclaimers, etc.), el synthpop (con The Human League, Ultravox, Depeche Mode, etc.), el a veces llamado sólo New Wave (con sintetizadores y guitarra en uso frecuente a la vez; con Simple Minds en sus primeros años, Random Hold, XTC, Elvis Costello, The Police, Squeeze), e inclusive el new romantic (con Visage, Duran Duran, Japan o Spandau Ballet).

Grupos Algunos grupos representativos del género son:[2] • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

The Cure Devo Echo & the Bunnymen The Fall Gang of Four Interpol Joy Division U2 New Order Père Ubu The Saints Siouxsie and the Banshees Suicide Talking Heads Wire Adam Ant Bauhaus Cabaret Voltaire Depeche Mode

• White Lies • Felt • Magazine

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Post-punk • Mission of Burma • The Chameleons

Véase también • • • • • • • • • • •

Música gótica Música industrial No wave Punk rock Dark wave Cold Wave New wave Indie rock Rock gótico Post punk revival Lista de representantes del Post-Punk

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Post-punk [2] « Post-Punk (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=77:2636)» (en inglés). Allmusic. Consultado el 26 de mayo de 2009.

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ROCK PSIDELICO DE LOS 80 Jangle pop Jangle pop Orígenes musicales:

Punk rock Post punk Folk rock Pop

Orígenes culturales:

Estados Unidos y Reino Unido, mediados de los años 1960 Revivió en Estados Unidos años 1980

Instrumentos comunes: Guitarra, bajo, Batería Teclado Popularidad:

Década de 1980 Enlaces Categoría:Música alternativa

Jangle pop es un género musical que se inició en Estados Unidos durante mediados de la década de 1960, que combina riffs de guitarras y las estructuras del power pop, el pop,[1] el folk rock[1] y el punk.[1] La primera y más famosa banda de jangle pop fue The Byrds que finalmente se convirtió en una de las más grandes bandas en el mundo durante su acondicionamiento. Gran parte de su trabajo figura prominentemente en la guitarra eléctrica Rickenbacker de doce cuerdas. Ellos se consideran la base para la diversificación de jangle pop más tarde en el siglo 20. El jangle pop está estrechamente relacionado con el power pop, género que se desarrolló en los años 70, con inclusión de bandas como The Rapsberries y Big Star. El jangle pop se convirtió en una fuerza importante en el desarrollo de rock alternativo durante la década de 1980, como lo ponen de manifiesto a principios de los álbumes de R.E.M, The Smiths, The Connells y The Beat Farmers. Fue inicialmente un fenómeno en el sur / centro / oeste de EE. UU. de sur / centro-oeste EE.UU, aunque un grupo de bandas llamado ‘’Paisley Underground’’ encabezó un movimiento más psicodélico en la Costa Oeste. Mad Scene, Hasta el día de hoy, las bandas siguen siendo influenciados por y tocar este subgénero de rock. Para este género el sonido de las guitarras Rickenbacker, en particular los modelos de 12 cuerdas son esenciales. Las guitarras Rickenbacker fueron popularizadas por George Harrison tocando en The Beatles.

Algunos artistas del género


Jangle pop

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The Bangles.

The Feelies.

Polaris (banda).

The Bats.

The Format.

El Primitives.

Blake Babies.

Gin Blossoms.

Pylon.

The Bongos.

Guadalcanal Diary.

The Reivers.

The Byrds.

Guster.

R.E.M.

The Church .

The Lemonheads.

Salem 66.

The Connells.

Let's Active.

The Serenes.

El dB's.

Love Tractor.

The Smiths.

Dream Syndicate.

El Lucksmiths.

Chris Stamey.

Dreams So Real.

Miracle Legion.

Teenage Fanclub.

Echo Orbiter.

Mitch Pascua.

10.000 Maniacs.

The Neats.

The Trashcan Sinatras.

Oh-OK.

Uncle Green.

Fred i Son.

Referencias [1] Sunday Morning Playlist: Jangle Pop (http:/ / blogcritics. org/ archives/ 2005/ 07/ 24/ 175801. php)

New wave Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual de este artículo o sección. En [[|la página de discusión]] puedes consultar el debate al respecto.

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New wave Orígenes musicales:

Punk rock, rock and roll, reggae, ska, Música Electrónica.-

Orígenes culturales:

Fines de los años 1970 en el Reino Unido.

Instrumentos comunes: Guitarra, teclado, batería sintetizadores, cajas de ritmos y bajo. Popularidad:

Fines de los años 1970 hasta principios de los años 1990. Alternativa en los '90 y años 2000 Subgéneros New romantic, tecno new wave, dark wave, cold wave Fusiones 2 tone, Synthpunk

El término new wave (proveniente de "new wave rock music", en español "música rock new wave") se utiliza generalmente para definir a un género musical dentro de la música rock que nació a fines de los años 70 (específicamente en 1978) como derivado del punk rock y evolucionó durante los años 80, proyectándose como un movimiento musical y estético (tanto en la forma de llevar el pelo y el vestir).


New wave A pesar de ser originado por el punk, fue menos anti-social y más amigable con la radio (y posteriormente, a partir de 1981, con MTV). Tuvo un fuerte apogeo en Europa, Estados Unidos, Canadá y Australia entre 1983 hasta desvanecerse casi por completo alrededor de 1987. Puede ser mejor descrito como la mezcla de la energía del punk con un poco de glam rock, pop, art-rock y dance. Se basó en gran medida en el uso de los sintetizadores. El new wave nació en Inglaterra y surgió como una nueva forma de rock que amplió los límites del mismo, infundiéndole su alma a la música de los años 80 y legando para la posteridad diversas influencias (por nombrar solo 2 ejemplos: los grupos del new wave experimentaron con los instrumentos electrónicos dando origen al "tecno new wave" o "tecno" (new wave electrónico), el tecno padre de toda la música electrónica tan popular hoy en día o desarrollaron un "new wave oscuro" como el "dark wave" y el "gótico" que ahora ha sido desarrollado en un amplio espectro que va desde el "punk oscuro", hasta el metal gótico. El new wave además abarca importantes subgéneros como el new romantic (mezcla de new wave con soul o funk), el tecno new wave (new wave electrónico), el dark wave y el cold wave. Algunos críticos afirman que el género de rock más creativo fue el new wave, lo que se puede apreciar en su calidad musical, su influencia posterior y su gran aporte a la historia de la música rock contemporánea.

Historia El concepto "new wave" fue el termino utilizado por el periodismo, la gente de las discográficas y los programadores radiofónicos para designar a los nuevos sonidos que comenzaban a nacer terminando la década de los años 1970 y la llegada de los años 1980. El final del punk como alternativa comercial, obligaba a los distintos actores del ambiente musical a buscar alejar cualquier reminiscencia a su legado de rudeza, mensajes directos y escándalos. Por ese motivo fue dejado de lado el término post punk, y apareció con fuerza el de New wave, que aludía a un movimiento artístico-intelectual, supuestamente parecido al que estaba ocurriendo. En Estados Unidos, por ejemplo, se dio una dicotomía bastante extraña entre lo que era punk y lo que se consideraba new wave. Dentro del primer estilo se consideraba a bandas como Richard Hell, mientras que en el segundo estaban Blondie y Talking Heads. Optar por la etiqueta new wave era adquirir un estatus diferente y, además, tener más posibilidades de ser contratado por una multinacional. Así se subieron al carro nuevas agrupaciones como The Cars, The Motels, The Go Go's, Pere Ubu, Jonathan Richman, The B-52's, R.E.M., Devo, X, The Blasters, The Residents y otras tantas más, que habían moldeado su sonido a partir del género punk. Todo era new wave, y bajo esta premisa, dentro de sus límites caben proyectos tan diferentes como el grupo The Motels o el bizarro art punk de Pere Ubu (que tomó su nombre del personaje de la obra Ubú rey, escrita por el dramaturgo Alfred Jarry a principios del siglo XX.). Bandas revisionistas del rock como The Blasters eran New wave, pero también lo era el dance punk de estética kitsch de los B-52's. Sin embargo, con esfuerzo podemos encontrar características que cruzan el estilo y que van más allá de lo meramente musical. Acerca de este último punto, podemos fijarnos en la aparición de la tecnología aplicada al sonido, que se hace instrumento en el sintetizador. Paralelamente, y en algo que había quedado descuidado con el punk, se hace visible una preocupación constante por el tema estético. La idea era acompañar la música con un concepto visual de fácil identificación. Para algunos, dichas inclinaciones eran parte de su propia vocación de vida. Por ejemplo David Byrne, Chris Franz y Tina Weymouth (del grupo Talking Heads) se conocieron en la Escuela de Diseño de Rhode Island (EE.UU.), lugar donde forjaron la idea de formar un grupo musical. Sus inquietudes artístico-intelectuales se reflejaron en tanto en su sonido y como en su imagen. La preocupación por lo externo era también un signo de una década y del cambio de paradigma que se había gestado, hacia el posmodernismo, mutando también lo que antes se entendía como arte.

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New wave La new wave inauguraba con sus sonidos creativos y sus melodías innovadoras una nueva década alrededor del mundo, y el Reino Unido no era la excepción. Allí también la heterogeneidad era la regla. Estaba el veloz sonido de los Rezillos (la versión escocesa de los B-52's) y el depresivo dark/gótico de Joy Division -cuyos integrantes formarían más tarde el grupo de techno New Order, tras el suicidio de su vocalista, Ian Curtis-, el noise-rock de Pop Group, el New wave-reggae melódico de The Police, el reggae-funk con mensaje feminista de The Slits y el rock gótico de The Cure. Muchos de estos grupos que pasaron por la música new wave inauguraron nuevas corrientes. The Cure y Joy Division, por ejemplo, se sumaron a otros como Siouxsie and the Banshees para sentar las bases de lo que se conocería como dark wave. En el otro margen del espectro Ultravox y Orchestral Manoeuvres in the Dark dieron origen al "Cool Wave", que fue retomado por Human League, Depeche Mode y otros para su propio trabajo con lo que nació el "Techno Pop" que derivo en el Techno propiamente dicho, el Industrial y toda la ya reconocida Música Electrónica que va desde los 80's, los 90's y durante este siglo. Y en la palabra alternativo encontramos el destino de la new wave. Hoy, lo que alguna vez fue new wave es rock alternativo, en otro más de los múltiples usos que se le ha dado al término. Hoy en día, new wave se aplica a los grupos que hacen una relectura del punk de principios de los setenta, y que a finales de esa década no era comercial.

Reino Unido Mientras el punk se desarrollaba y desaparecía de la popularidad, la cual tenía en 1976 y 1977, todo Reino Unido fue centro de varias formaciones de bandas New Wave. Caben destacar lugares en Inglaterra, como Merseyside, Gran Manchester, Lancashire, Yorkshire, Bristol, Londres, en Escocia, como Glasgow y Edimburgo, y en Irlanda del Norte, donde éstas agrupaciones se fueron formando. Cada condado, con el destacamiento de su respectiva capital, sería el centro de una escena que marcó época en los países británicos. La raíz de esas bandas New Wave, fue el punk. Además de que bandas como Sex Pistols o The Clash, visitaran cada lugar del país, también se formaban bandas. En Mánchester, se formaron los Buzzcocks, originalmente una banda punk que fue evolucionando con el tiempo, y cuyos miembros salieron a formar parte de distintas agrupaciones, siendo la más destacada e influencial Magazine, formada por Howard Devoto quien salió de Buzzcocks a comienzos de 1977; en Liverpool se formaron distintas bandas, no sólo influenciadas por Sex Pistols o The Clash, sino también por la banda local Deaf School, saliendo de allí Echo and the Bunnymen y OMD; en Birmingham surgieron grupos mundialmente conocidos como Duran Duran e UB40, y otras sólo conocidad en la zona como Fashion y Toyah. De Escocia surgieron artistas importantes, pero muchos de ellos sólo en localidad, como The Skids, Associates u Orange Juice, y otros en cuanto a nivel mundial, como Midge Ure y Simple Minds. De Gales también salieron bandas importantes, pero no tanto para el mercado de habla hispana como Young Marble Giants y Scritti Politti. Merseyside: Liverpool, Eric's, etc. Ola musical de Merseyside (punk y new wave): Liverpool, capital de Mereyside, había engendrado a los Beatles desde hacía 20 años. A la separación de sus 4 integrantes, no volvió a haber otra banda de rock de similar popularidad. Sin empbargo, a mediados de los años setenta aparece una banda glam local llamada Deaf School, cuyo miembro, Eric Shark, inaugura un lugar de diversión llamado Eric's Club (El Club de Eric). Allí músicos como Pete Wylie, Julian Cope, Ian McCulloch, Ian Broudie, Holly Johnson, Bill Drummond, Alan Gill y otros asistirían y formarían bandas: Cope forma Teardrop Explodes, Wylie Wha! y McCulloch Echo And The Bunnymen. Otras bandas fueron Big In Japan.

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New wave Gran Manchester: Factory Records, Manchester Mánchester, capital de Gran Mánchester era un sitio considerado aburrido o calmado a comparación de Londres, a pesar de que allí se habían originado grupos, destacando los de rock progresivo, como Barclay James Harvest, un grupo salido de la clase obrera que abunda en esa ciudad, y Van Der Graaf Generator, otro pero compuesto por estudiantes de clase media de la Universidad de Mánchester, una de las más destacadas del país. En 1975, Howard Devoto y Pete Shelley, dos estudiantes de una escuela politécnica en Bolton, forman el influyente grupo punk Buzzcocks, lo cual en 2001, a Tony Wilson, fundador del sello Factory, le causó declarar que eso significaba que ellos estarían más adelantados que el resto de Manchester.[2] Luego de unas pocas giras, en febrero de 1977, Devoto se va de la banda y funda la propia suya, Magazine, la cual influiría a muchos otros grupos y solistas más adelante. Buzzcocks siguió evolucionando en cuanto a estilo hasta su separación en 1981, y su posterior reagrupación en 1989. Magazine, formada por Howard Devoto, combinaba diferentes estilos como el Kraurock y el punk, haciendo de esta banda como una de las primeras de New Wave en Manchester. Un sencillo muy reconocido, Shot By Both Sides, de 1978, que les valió una presentación en Top of The Pops, es uno de los materiales más importantes de una banda formada en Manchester. El estilo de su guitarrista John McGeoch, fallecido en 2004, ha influido mucho en guitarristas como Johnny Marr (The Smiths), Roddy Frame (Aztec Camera) y John Frusciante (Red Hot Chili Peppers). Sin embargo, después del lanzamiento de su álbum debut, Real Life, la venta de los siguientes discos fueron bajas, separándose en 1981. Joy Division fue una de las bandas que marcó época en la historia del rock, a pesar de no tener grandes éxitos. Formada por Ian Curtis, el guitarrista Bernard Sumner, el bajista Peter Hook y el baterista Stephen Morris, la banda comenzó como Warsaw y tocando material de sonido más punk. Al firmar su contrato con Factory, empiezan a hacer diversas canciones que conformaron parte del repertorio de su historia, un grupo de éstas agrupadas en dos álbumes, Unknown Pleasures, en 1979, y Closer, en 1980, ambos producidos por Martin Hannett. También ovacionados en sus conciertos, también experimentaron con sintetizadores, los que más tarde conformaría un elemento esencial en la agrupación. Pero ese elemento esencial llegó con New Order en 1980, meses más tarde del suicidio de Ian Curtis, quien se colgó a los 23 años, poco antes de una gira en Estados Unidos. Este acontecimiento, marcó el fin de Joy Division y su estilo de gótico de rock, pero meses más tarde causó que los demás integrantes probaran nuevos horizontes, orientando su música a la electrónica. Los miembros restantes de Joy Division cambiaron radicalmente de todo estilo, llamándose New Order, el cual hizo éxitos en la década de los ochenta. La música electrónica sería la esencia del grupo, y el guitarrista Bernard Sumner pasaría a la voz. Muchos de estos grupos que nacieron en Manchester llegaron a influenciar más tarde a muchos artistas indie, como The Smiths y Stone Roses. DevotoJoy Division, Magazine y otros serían sus representantes; John Foxx (cantante de Ultravox) y Stuart Adamson (guitarrista de The Skids y cantante de Big Country) también pasaron algún tiempo ahí, aunque el primero lo frecuentaba desde su natal Chorley y el segundo pasó sus primeros años allá.

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New wave Londres Londres, la capital del país, ciudad central del reino y, además, siempre la escena central de todo espectáculo cultural y artístico también daría sus bandas y artistas. Los Sex Pistols eran de por ahí; John Lydon, el cantante fundaría Public Image Ltd.. Midlands: Birmingham Se formó la banda Duran Duran que lleva 30 años de carrera. Escocia Escocia originaría a Orange Juice, Big Country, Simple Minds, Midge Ure, Cocteau Twins, etc. Grupos como Ultravox, Japan, Magazine, The Human League, XTC o Simple Minds eran demasiado vanguardistas para todos y así esperarían hasta fines de la década del setenta o comienzos de 1980 para ser tomados en cuenta.

New Wave en Alemania, Francia, Italia, España, Latinoamérica • 1. Países hispanohablantes: Cabe destacar que éste género y las influencias punk vinieron en una época frontal para éstos países. España había soportado casi cuarenta años la dictadura franquista (1936-1975), que terminó con la muerte del dictador General Francisco Franco en 1975. En Latinoamérica, casi todos los países sufireron dictaduras de tendencias izquierdistas y derechistas: Argentina pasa los primeros años de los ochentas gobernada por la Junta Militar y sufre pérdida de vidas humanas tanto por parte del gobierno en las ciudades y pueblos como en la Guerra de las Malvinas; Chile es gobernada por el General Augusto Pinochet; solamente pocos países como México y Colombia pasaron los setentas y ochentas como gobiernos democráticos. • España: Tino Casal,Alaska y dinarama,Los Secretos, Mecano, La Unión, Radio Futura y en general mucho de lo que se llamó la Movida Madrileña. En España tambien aparecieron grupos como El Último de La Fila ,Nacha Pop, Los Ilegales ,Toreros muertos entre otros • Argentina: Este género fue liderado por grupos como Soda Stereo, Virus,Los Abuelos de la Nada, GIT y solistas como ZAS,Daniel Melero Y miguel mateo que revolucionaron el rock latinoamericano. Comenzó en 1980, durante la época de la represión dictatorial tuvo su gran suceso a mediados de los ochentas durante la transición a la democracia, pero terminó con las muertes lamentables de Federico Moura de Virus y Miguel Abuelo de Los Abuelos de la nada, ambos en 1988; y de Luca Prodan (quien había vivido en Escocia e Inglaterra su niñez y juventud, entablando amistad con Ian Curtis) de Sumo en 1987. • Chile: Los Prisioneros fue una de las bandas más representativas, pasando por influencias de punk, new wave y synthpop en sus primeros 3 álbumes. En la misma época surgieron una gran cantidad de bandas como Upa!, Cinema, Aparato Raro, La Ley, Viena entre otros, que destacaron por ir desde la New Wave convencional al synth-pop más vanguardista. • Perú: El new wave quedó demostrado en ese país a mediados de los ochentas, con RIO, JAS , Miki Gonzales , Dudó y otros. Gonzales comenzó con un estilo rockero a lo Public Image Ltd. y luego fue evolucionando hasta fusionarlo con elementos de música afroperuana de la costa. La primera radio en Lima que tuvo su programación completa del género New Wave fue Super FM y estuvo desde 1981 hasta agosto de 1983, le siguió la posta radio Doble 9. • Venezuela: El género quedó plasmado principalmente en bandas y solistas como Témpano, PP'S, Melissa, Aguilar, Aditus, Cyan, Sentimiento Muerto, Fuga, y La Seguridad Nacional. Éste movimiento terminó con la llegada de los 90' y la disolución de Sentimiento Muerto y La Seguridad Nacional en 1993. • 2. Países del antiguo Bloque Oriental • Unión Soviética: en la URSS el rock nunca fue muy popular y era considerado por las autoridades como "antisoviético" por lo que el número de bandas de rock nunca fue muy grade y siempre editadas por sellos pequeños (excepto algunas que fueron editadas por Melodiya). Una de las bandas más representativas de fue

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New wave

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Kinó, grupo liderado por el legendario Víktor Tsoi, fundado a principios de los '80 en Leningrado. • Yugoslavia: era el país socialista más abierto de todos y en donde el rock se desarrolló desde muy temprano. La new wave aparece hacia finales de los '70 en todas las repúblicas de la federación. La new wave era conocida como Novi Val o Ноби Талас se desarrolla plenamente hacia 1980 con la aparición de bandas como VIS Idoli, Šarlo Akrobata, Azra, Electrični Orgazam, Film, Prljavo Kazalište, Haustor y muchas otras, algunas habían evolucionado desde el Punk a la Novi Val. Declina hacia 1984 cuando varias bandas comenzaron a evolucionar hacia el rock y pop más convencional (por ejemplo, Azra y Electrični Orgazam) o hacia el rock alternativo (por ejemplo Ekatarina Velika). Es considerada como la "era dorada" del pop y rock en los países que aparecieron tras la desintegración de Yugoslavia.

New Wave Electrónico: Cool Wave, Electro Pop y Techno Pop A partir de 1977 surgieron una serie de grupos que siguiendo la línea de Kraftwerk nacieron influenciados por la estética sonora y visual del New Wave y cuya música se basaba en sónidos programados, sucuencias y sintetizadores como Ultravox y luego Orchestral Manoeuvres in the Dark, eso daría como nacimiento a un término que señalaría el ambiente creado por estos nuevos sonidos: la Cool Wave (que traducido sería "New Wave fría") en 1978, 1979, 1980; pero pronto a la Cool Wave otros grupos le añadieron el toque "pop", con lo que devino el Electro-Pop y luego el Techno-Pop, que apareció allá por 1981 y cuyos representantes más conocidos fueron Gary Numan, Human League, Depeche Mode, Modern Talking, New Order, Pet Shop Boys, Propaganda, y otros. Lo que muchos desconocen es que estos grupos eran definidos como New Wave por estos años (pues "no era común antes de ellos escuchar a bandas trabajando con pura música electrónica") y que su estética sónica, su vanguardia y su look emergió dentro de los márgenes (márgenes que luego serían trascendidos) del New Wave. El término Techno-Pop sería luego simplificado como simplemente Techno estilo que se desarrolló durante toda la años 1980; en los años 1990 el Techno se separó en distintas ramas como el House, el Acid, el Trance, el Trip Hop, la cultura Dj, etc. y devino en toda un nuevo tipo de música propio e independiente del Rock que es conocida ahora como Música Electrónica.

Bandas y Solistas New Wave El New wave tenía una serie de subgéneros (solo por nombrar los principales subgéneros del mismo y los solistas y grupos más populares que los cultivaron) como: • El Post Punk: • • • • • • • • • •

The Clash Patti Smith Talking Heads Elvis Costello R.E.M. The Smiths The Cure Television Pretenders INXS

• El Ska: • The Police • Madness • Specials • The Beat • Selecter


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• abc • No Doubt • El Dance: • • • • • • • •

B-52 Berlin Blondie The Cars Billy Idol A Flock of Seagulls Mecano Missing Persons

• El New Romantic: • • • • •

Visage WAN (GEORGE MICHAEL Spandau Ballet Duran Duran Culture Club

• Tears For Fears^ • La pandilla (ecuador) • La Coldwave: • • • • • • • •

Kraftwerk Orchestral Manoeuvres in the Dark Ultravox Japan Icehouse Alphaville Soda stereo Frankie goes holliwood

• El Techno (Precursor de la música Dance): • • • • • • • • • • • • •

Kraftwerk Depeche Mode Human League Devo New Order Soft Cell Eurythmics Thompson Twins Propaganda Pet Shop Boys a-ha Modern Talking Dead or Alive

• El Dark Wave y la Música Gótica (incluido dentro del Post-Punk por algunos medios antiguos): • Siouxsie and The Banshees • Joy Division


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• The Cure • Bauhaus • Cocteau Twins • Echo and the Bunnymen • The Sisters Of Mercy • El Industrial: • • • •

DAF Front 242 Nitzer Ebb Throbbing Gristle

En realidad esta clasificación obedece a que muchos grupos que surgieron con el new wave transitaron alternadamente dentro de sus diversos territorios (un ejemplo claro es New Order grupo que inició su carrera entre el "post-punk" y el "dark" para luego girar hacia el "tecno", poniendo su cuota personal en el desarrollo total de la música electrónica).

Terminología Las grandes bandas del new wave fueron trascendentes, como es el caso de The Police,The Clash,The Cure, Depeche Mode y U2. Mucha de la música de hoy tiene una deuda con ella; el "new wave", sin duda marcó una parte importante en la historia del rock contemporáneo y en la música electrónica. Pero new wave es en realidad todo lo que ocurrió después del punk rock, combinando éste género con otros como el ska, reggae, rock progresivo, glam rock, experimental, etc. Claro, que éstas influencias marcaron más unas que otras en distintas bandas, pues The Beat y The Cure son new wave por que ambos combinaban punk o rock con distintos géneros previos, pero la primera banda combinaba más ska y reggae, por lo que pertenecía al género Ska 2-Tone, mientras que la segunda combinaba más el glam y rock progresivo. Simon Reynolds en su libro "Rip It Up And Start Again" describe todos esos grupos como post-punk, porque surgieron después del punk, pero también son llamados new wave.

Véase también • • • •

No wave Cold wave Dark wave Post-punk

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ New_wave [2] 24 Hour Party People, 2001.


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Rave Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Rave}} ~~~~

Rave (que en inglés significa delirar), es también un acronimo Radical Audio Visual Experience, haciendo referencia a una experiencia radical audio visual, apócope de Rave Party o Free Party. Se trata de un evento de música y cultura al aire libre o en algún lugar abandonado (fabricas, aeropuertos, casas rurales...) que dura como mínimo 24h, aunque por lo general se extendien desde el viernes al domingo. Incluso en fechas señaladas puede prolongarse una semana completa. Casos extremos se encuentran en Goa (India), donde se celebran fiestas de varios meses non stop. En las raves gratuitas los DJs, MC u otros miembros de la cultura electrónica mezclan todo tipo de estilos musicales. La expresión rave fue originalmente usada por personas del Caribe que permanecían en Londres durante la década de los 60 para describir las fiestas. Luego en la década de los 80 el término empezó a ser usado para describir la subcultura que creció a partir del movimiento Acid House, que comenzó en Chicago y floreció en la escena nocturna del Reino Unido, promovida por Genesis P. Orridge.

Una rave en Viena (2005).

Se puede diferenciar dos tipos de rave; las naba rave cual pagas por asistir pero igualmente son ilegales y las teuf rave que son gratuitas. En muchas de estas raves pueden llegar a tener Rave party en Salento (Agosto de 2009). diferentes ambientes para los asistentes así consiguiendo mayor diversidad de cultura musical y social. Los DJs mezclan sus temas favoritos, agregándoles a veces las aportaciones personales. Se ha comparado las rave parties con los rituales de la prehistoria, en los que el hombre bailaba alrededor del fuego emitiendo sonidos repetitivos, favoreciendo el paso al estado de trance. En una rave suelen combinarse varios estilos musicales, con preferencia por la música electrónica. La temática y la velocidad del beat varían a lo largo de la fiesta. Son estilos frecuentes el House, Trance, Psytrance, Hard Techno, Drum and bass, Techno, Acid Techno, Hardcore, Hardtek, Goa trance, Happy hardcore, Minimal Techno, Acid House, Raggatek, Breakcore, Breakbeat y Schranz. También son frecuentes el reggae y el ragga-jungle, así como MC's acompañando a los DJs.


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Los valores de la cultura del trance se resumen en el eslogan PLUR (peace, love, unity, respect; en español, P.U.R.A.: Paz, Unidad, Respeto y Amor), atribuido al DJ Frankie Bones. La insistencia en el amor y la paz recuerda los valores del movimiento hippie. Sin embargo, la preferencia por los instrumentos electrónicos aleja la estética de las raves del bucolismo acústico hippie. Lo que se pretende en una rave (música para la individualidad de un baile colectivo), es que el Sound System logre embarcar a todos los asistentes en una sola frecuencia y de esta forma que logren experimentar sensaciones similares. En una rave todos son amigos o conocidos, y se persigue que durante el transcurso de la fiesta todos se olviden por un momento del sistema económico imperante, de la sociedad e incluso de sí mismos para lograr formar parte de una masa de amistad y buenas intenciones. Las raves pueden celebrarse en lugares abiertos o cerrados, considerándose idóneos los paisajes al aire libre, que permiten a los asistentes disfrutar de la naturaleza, o en su defecto espacios cerrados amplios, para refurgiarse del clima o crear una atmósfera familiar. El fenómeno rave se ha asociado con frecuencia al consumo de diversas drogas recreativas ilegales consideradas por ciertas clasificaciones como drogas duras.[2] Particularmente se suele mencionar a los estímulantes y alucinógenos como los tipos de sustancias preferidas por los ravers, que incluirían estupefacientes como la anfetamina, metanfetamina y derivados (MDMA, speed etc.) o el LSD. Estas sustancias permiten a los ravers potenciar la conexión con la música y los otros asistentes, así como adquirir la resistencia física necesaria para bailar durante un gran número de horas.

Véase también • Groove (Película) (En inglés). [3] Película dirigida por Greg Harrison cuya trama muestra diferentes historias de distintos jóvenes que acuden a una rave. La película recoge desde los inicios de la rave (el boca a boca y el montaje) hasta el cierre.

Enlaces externos • • • • • • • • • • • • •

Hard Rave Party. Organizadores de raves de musica electronica "hard" en Valencia, España [4] Underave. Barcelona Free Party Node [5] Cultura Rave. Música electrónica, raves, festivales [6] TierraRave.com - Información Electrónica Total - Lima Perú [7] Dosisdigital.com-Información sobre raves en México [8] ZonaRave.com [9] Elektronika.com.mx-Información sobre raves en México [10] NightClubber, el mayor portal y comunidad de música electrónica de Argentina y Latinoamérica. [11] Rave - Portal dedicado a la difusión de la escena electrónica en Chile y Latinoamérica [12] Portal de difusión de raves y música electrónica en chile [13] Artículo sobre el trasfondo cultural de las raves [14] Nativosweb.com - Foro con calendario de fiestas e imágenes. España [15] Teknival.fr - Página francesa con calendario de raves en toda Europa. [16]


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Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Rave [2] Un libro que aborda la relación entre raves y consumo de drogas recreativas de manera extensa y en absoluto maniqueista es Estado Alterado. La historia de la cultura del éxtasis y del acid house. Matthew Collin y John Godfrey (2002). Alba Editorial. [3] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Groove_(film) [4] http:/ / www. hardraveparty. tk [5] http:/ / www. underave. net [6] http:/ / www. cultura-rave. com [7] http:/ / www. tierrarave. com [8] http:/ / www. dosisdigital. com [9] http:/ / www. zonarave. com [10] http:/ / www. elektronika. com. mx [11] http:/ / www. nightclubber. com. ar [12] http:/ / www. rave. cl [13] http:/ / www. panoramasonline. cl/ [14] http:/ / rave-rizoma. blogspot. com/ [15] http:/ / www. nativosweb. com/ foro/ [16] http:/ / teknival. fr/

Acid house Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Acid house}} ~~~~

Evolución del house hacia los sonidos crujientes, repetitivos y lisérgicos creados con el aparato TB-303 de Roland. Su símbolo fue el famoso “Smiley”, y sus inventores el grupo Phuture (DJ Pierre y Spanky) con el tema “Acid Trax” (editado en 1987). En 1988 el acid house dio origen en Gran Bretaña al denominado “Verano del Amor”. Hay mucha confusión sobre la denominación del género Acid house, producida a la par por desconocimiento y por intentar desprestigiarlo. Circulan varias teorías, la más sensata la de los autores del término, por supuesto. En referencia a las drogas psicodélicas en general, algunos creen que el Éxtasis (MDMA) era más común entre los músicos y gerentes de las discotecas a mediados de los 1980.

Un Smiley, símbolo del acid house.

Usado en Chicago, debido tanto a que la primera canción del género se llamaba "Acid Trax", y se decía que el nuevo estilo era tan “caliente” que “quemaba la pista de baile como el ácido”. La opinión más acertada es, por supuesto, la de los propios autores de Acid Tracks. Según los autores se le dio ese nombre a la canción porque parecía como si hubiera caído algún tipo de ácido sobre el teclado de la TB 303, en referencia al burbujeo del sonido. Las melodías parecían retorcerse. Con toda seguridad fue la canción la que dio nombre al género. Después llegarían los malentendidos. A principios de los 1990 y en parte debido a una fuerte campaña de censura (provocada por el escándalo de las fiestas acid house), dicho sonido fue suprimido del mercado y reemplazado por una fórmula pasteurizada de house comercial mezclado con Hip Hop hiphouse y pop electrónico diluido. Damon Wild y Hardfloor fueron los abanderados del sonido post-acid a mediados de los noventa.


Acid house

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El género del Acid House fue importante influencia posterior en la escena del Goa trance y el Psytrance que unen a la emergente música trance con una perspectiva y visión de la psicodelia.

Clásicos de este género • • • • • • • • • • • • •

Phuture - Acid Trax Maurice - This is Acid Royal House - Can you party S-Express - Theme from S-Express Bomb the Bass - Beat Dis D-MOB - We call it acieed! The Beat Pirate - Are you on 1 Matey? 49ers - Die Walkure Rififi - Dr. Acid & Mr. House Fax Yourself - Sunshine '89 Bassline Boys - War beat Josh Wink - Higher State of Consciousness Wood Allen - Airport´89

• Confetti´s - The sound of C • Westbam - Monkey Say, Monkey Do

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Acid_house

Spacemen 3 Spaceman 3 Información personal Origen

Rugby, Warwickshire, Reino Unido Información artística

Género(s)

Indie

Período de actividad

1982 - 1991

Discográfica(s)

Glass Records, Arista Records

Artistas relacionados

Spiritualized Spectrum Sonic Boom The Darkside Slipstream Miembros


Spacemen 3

121 Jason Pierce Peter Kember Pete Bain / Bassman Natty Brooker Sterling Roswell / Rosco Will Carruthers Jonny Mattock Mark Refoy

Spacemen 3 fue un grupo de rock inglés formado en 1982 y cuya carrera abarcó las épocas del post-punk al acid house. Los líderes de Spacemen 3 eran Jason Pierce (J. Spaceman) y Peter Kember (Sonic Boom). Tras varios años de tocar en locales de pequeño aforo, editaron su primer disco en 1986 para el sello Glass Records, Sound Of Confusion. Su continuación The Perfect Prescription es considerada su obra maestra. En 1989 se editó Playing with Fire, su segundo single, Revolution, logró el número uno en las listas independientes inglesas. Disputas internas hacen que su cuarto disco Recurring (1991) sea su último disco propiamente dicho, aunque los conflictos se reflejan en que cada cara del disco es grabada por separado por Pierce y Kember. Por entonces, cada uno ha formado nuevos grupos, Spiritualized y Spectrum respectivamente.

Discografía Álbumes • • • • • •

Sound of Confusion (1986) The Perfect Prescription ([1987) Performance (1988) Playing with Fire (1989) Recurring (1991) Translucent Flashbacks - The Singles (1995)

Directos, maquetas o discos no oficiales • • • • • • •

Taking Drugs (To Make Music To Take Drugs To) (1990) (maquetas de "Sound of Confusion") Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music (1990) (directo) Losing Touch With Your Mind (1991) (recopilatorio de versiones alternativas) For All The Fucked Up Children (1995) (recopilatorio de primeras maquetas) Spacemen Are Go! (1995) (directo de la gira de Playing with Fire) Revolution Or Heroin (1995) (directo de Fierce records) Forged Prescriptions (2004) (maquetas y versiones alternativas de la época Perfect Prescription)


Spacemen 3

Enlaces externos • • • • • • •

Entrada de Allmusic [1] Página de fans [2] Página de MySpace [3] Página de Sonic Boom [4] Página de Space Age Recordings [5] 2002 entrevista con Sonic Boom [6] Crítica de la biografía Dreamweapon [7]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7]

http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=Bbe861vsjzzza http:/ / www. spacemen3. co. uk http:/ / www. myspace. com/ spacemen3 http:/ / www. sonic-boom. info/ http:/ / www. spaceagerecordings. com/ http:/ / www. 3ammagazine. com/ musicarchives/ 2002_oct/ interview_sonic_boom. html http:/ / www. 3ammagazine. com/ litarchives/ 2004/ apr/ fucked_up_children. html

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ROCK PSICODELICO DE LOS 90 Dream pop Dream Pop Orígenes musicales:

Post-punk, Pop Rock, música ambiental, rock psicodélico, space rock, synth pop, wave etéreo

Orígenes culturales:

Principios de los ochenta.

Instrumentos comunes: Guitarras cargadas de ecos/delay - Batería - Teclado (opcional). Popularidad:

En América y Europa. Subgéneros Pop Rock, Pop, Dance Pop. Fusiones Pop Rock, Post-Punk, Ambient. Enlaces Grupos de dream pop

El Dream pop es un género musical descendiente del pop y el pop rock, pero con un estilo más suave, atmosférico y ensoñador. Es de la familia del rock alternativo / indie rock y se caracteriza por guitarras que forman efectos llenos de ecos con pedales especialmente los más usados son el delay y el chorus (este es el caso de los que siguen el estilo Cocteau Twins), o también sin efectos pero con sonidos suaves casi carentes de distorsiones o ruidos abrasivos y con un ambiente melancólico y triste como en el caso de Galaxie 500, Luna o Ultra Vivid Scene, y por último guitarras acústicas con un sonido ensoñador y ritmo lento como en el caso de Mazzy Star o Belly. Sintetizadores densos, bajos monótonos al estilo indie, en el primer Dream Pop se presentaba por lo común baterías programadas, pero luego aparecieron bateristas reales donde ejecutan un ritmo pausado y lento al estilo del Britpop. Las voces por lo común son suaves y respirables y el ambiente lánguido de su música. Las portadas de los discos en su mayoría reflejan el arte minimalista, donde es muy raro que aparezcan las caras de los artistas ejecutantes y muchas veces reflejan motivos que tienen que ver con cosas propias que uno ve en sus sueños o también cosas que tienen que ver con la naturaleza. Nace en 1982 con el disco Garlands del grupo escocés Cocteau Twins y el nombre del género deriva de Alex Ayuli del grupo A.R.Kane que llamó así a su música ensoñadora. Cabe destacar también el colectivo This Mortal Coil, que bajo la mano del fundador del sello 4AD, Ivo Watts-Russell, juntó a las principales estrellas de la escena Dream Pop de los 1980s en el Reino Unido. El pico del género fue primero de 1989 a 1992 y luego, a comienzos del nuevo siglo cuando Coldplay empezó a utilizarlo en sus discos. En la actualidad sus máximos exponentes son Elbow, Luna, Cranes y Stina Nordenstam. Parte del género fueron a parte de los Cocteau Twins; Mazzy Star, Belly, The Chameleons UK, Drugstore, Sugar Plant y Azure Ray. Su popularidad tanto en el ambiente del rock como en la escena alternativa es mediano. Sus discos más populares son "Treasure" (1984) y "Heaven or las Vegas" (1990) de los Cocteau Twins, "So tonight that I might see" (1993) de Mazzy Star, "Floating into the night" (1989) de Julee Cruise y "Star" (1993) de Belly. En finales de la década del 2000 el género, al igual que otros de la rama indie tiende a decaer, y bandas emblemáticas empiezan a desaparecer, desbordado por ritmos más enérgicos como el post-punk revival, el emo-pop, o los nuevos aires del electro-pop que intentan rememorar los ochenta, pero con la música electrónica propia del siglo XXI.


Dream pop

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Bandas como (que mezcla también otros géneros en su música), Elbow, Robin Guthrie (ex-guitarrista de la banda líder del Dream Pop, Cocteau Twins), Cranes, School of Seven Bells, Lisa Germano, Speck Mountain y algunos toques de Au Revoir Simone, Beach House, Flaming Lips, Mercury Rev, My Brightest Diamond, Silversun Pickups e incluso la actriz Scarlett Johansson en su primer disco, le siguen dando vida al género, con una aparente recambio de bandas nuevas que todavía no explotaron comercialmente, como si lo hicieron otras, hace algunos años atrás.

Shoegazing Shoegazing Orígenes musicales:

Noise pop C86 Dream pop

Orígenes culturales:

Finales de los años 1980 en Reino Unido

Instrumentos comunes: Guitarra, bajo, batería, voz, teclados Popularidad:

Media en Reino Unido y baja en EE. UU. Subgéneros Nugaze Enlaces Grupos de shoegazing

El shoegazing es un estilo de música alternativa surgido a finales de los años ochenta y principios de los años noventa en el Reino Unido, bautizado así por la prensa gracias a la costumbre que tenían los integrantes de las bandas de tocar mirando hacia el suelo, sin hacer contacto visual con su público (en inglés, el término proviene de "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo). Pero no solo este movimiento "corporal" fue lo que identificó su esplendor musical y sus canciones. Las guitarras con retroalimentación, ruidosas y a la vez melódicas, plagadas de pedales de efectos como el flanger, reverb o chorus, los ambientes espaciales que creaban y sus letras, entre sombrías y melancólicas —la mayor parte del tiempo susurradas—, eran los medios identificativos de los grupos. Generalmente reconocían (explícita o implícitamente) como influencias a The Jesus and Mary Chain, Velvet Underground, Spacemen 3, los Cocteau Twins y Brian Eno. Este género se confunde muchas veces con el Dream Pop el cual utilizan más bien ecos en sus guitarras y no tanto distorsiones. Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, Chapterhouse, Catherine Wheel, Lush, Swervedriver, Telescopes, The Boo Radleys y The Verve. Tras el éxito de principios de los años noventa, el género cayó en el olvido, pero una década después, una nueva camada de grupos se propone seguir los pasos de aquellas bandas: Blacanova, Broken Social Scene, Starflyer 59, Autolux, Joy Zipper, Ecstasy of Saint Teresa, Mew, High violets, Lenola, Skywave, M83, The Autumns, The Radio Dept., Serena Maneesh, Destroyalldreamers, Giant Drag, Inverness (Rodrigo Jarque), Resplandor, Sigur Rós, It Hugs Back, The Pains of Being Pure at Heart, Thiside, etc.


Shoegazing

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Enlaces externos • • • •

Índice de bandas shoegazers [1] Artículo sobre el shoegazing [2] Índice de bandas shoegazers, con discografías y fotos [3] (en inglés) Indie Hoy [4] Sitio en español de bandas Shoegazing

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / web. archive. org/ web/ 20070706083026/ http:/ / es. geocities. com/ neogazers/ http:/ / www. commonpeoplemusic. com/ shoegazing http:/ / www. angelfire. com/ md/ shoegazing/ bands. html http:/ / indiehoy. blogspot. com/ search/ label/ shoegaze

Stoner rock Stoner rock Orígenes musicales:

Rock psicodélico, hard rock, doom metal, blues-rock

Orígenes culturales:

Finales de los 80 en California

Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería Popularidad:

Alta entre aficionados al rock durante la primera mitad de la década de 1990. Enlaces Grupos

El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock con gran influencia del rock psicodélico de principios de los setenta. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo,[1] voces melódicas y producción 'retro'.[2] El género emergió da principios de la década de 1990 y fue inciado principalmente por la banda californiana Kyuss[3] [4]

Historia A veces mal confundido con el sludge metal (ambos términos se intercambian frecuentemente, pues no son pocas sus similitudes), el stoner rock, frecuentemente llamado desert rock (expresión creada por los pioneros en el estilo, Kyuss), o bong rock por sus referencias obvias al consumo de THC, se caracteriza por el sonido duro, pesado y afinado en escalas bajas de los grupos que pregonan este estilo, proveniente del hard rock de los años '65 - '73, cuyas influencias son: Jimi Hendrix, Blue Cheer, Mountain, Free, Nazareth o Cream. El término stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa fumador de marihuana.


Stoner rock

126 Esto se debe a que muchas de las composiciones dentro de este estilo fueron creadas bajo la influencia de esta droga psicodélica. Sin embargo, no todos los grupos de stoner rock han de considerarse fumadores de esta sustancia, y viceversa, ya que, por ejemplo, Pantera incluía imágenes de la planta de cannabis en las camisetas de sus giras, siendo este un grupo de Groove metal.

El stoner rock se originó en EE. UU. a principios de los '90, especialmente en la ciudad de Palm Springs, California. Los californianos Kyuss son considerados los inventores del género, aunque bandas como Masters of Reality y Yawning Man ya experimentaran antes con riffs de los '70. Para algunos Kyuss es la única banda netamente stoner, aunque ellos lo nieguen. El uso de la marihuana suele asociarse al stoner rock.

Al fin y al cabo es un estilo emparentado con el grunge, con bandas como los primeros Soundgarden, Mudhoney o Alice In Chains. Hoy día existen bandas con una gran dosis de rock clásico, como fue Black Sabbath, con toques de psicodelia e incluso punk y pop. Todos se apoyan en riffs intensos y el sonido de los grandes del rock clásico de los '70. El grupo más famoso stoner rock actualmente es Queens Of The Stone Age, aunque ultimamente se están alejando de sus raíces. También podemos citar a Monster Magnet o Fu Manchu. Sin embargo, el género se ha ido devaluando con el paso del tiempo, especialmente con el fin de la década de los '90.

Rock desértico El stoner rock esta muy ligado al rock desértico, o desert rock, un término, más que un género musical, con el que se asocia, principalmente, a las bandas de la escena musical de Palm Desert, California. Su sonido se basa en una importante influencia de la música latina, ritmos de percusión repetitivos y elementos de psicodelia. El término fue previamente aplicado, en los años 80, a un tipo de punk psicodélico con influencias de country, que geralmente El desierto, otro elemento fundamental del stoner rock evocaban a zonas desérticas, caracterizado por pasajes y rock desértico. instrumentales y letras que hablaban de gente marginal. Esta generación de desert rockers estaba centrada en el área de Arizona, particularmente en Tucson, a pesares de que muchas bandas tenían fuertes lazos de unión con la escena musical de California, trasladándose muchas de ellas ciudades como Los Ángeles.


Stoner rock

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Véase también • Escena de Palm Desert

Enlaces externos • www.stonerrock.com [5]

Referencias [1] Sharpe-Young, Garry. « MusicMight – Kyuss biography (http:/ / www. musicmight. com/ linkto/ artist/ {A24E5655-7064-4404-ACAE-2EBB809)». MusicMight. Consultado el 10-12-2007. «[Kyuss] almost single handed invented the phrase ‘Stoner Rock’. They achieved this by tuning way down and summoning up a subterranean, organic sound...» [2] « Stoner Metal (http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=77:11953)». Allmusic. Consultado el 22-05-2009. «Stoner metal could be campy and self-aware, messily evocative, or unabashedly retro.» [3] Eduardo Rivadavia. « Kyuss biography (http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:dzfqxq85ldte~T1)». Allmusic. Consultado el 10-12-2007. «…they are widely acknowledged as pioneers of the booming stoner rock scene of the 1990s…» [4] Eduardo Rivadavia. « Sleep biography (http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:kiftxqr5ld0e~T1)». Allmusic. Consultado el 21-07-2008. [5] http:/ / www. stonerrock. com

Ozric Tentacles Ozric Tentacles

Ozric Tentacles Información personal Origen

Inglaterra, Unido

Reino

Información artística Género(s)

Rock progresivo Rock psicodélico Ambient

Período de actividad

1984-actualidad

Web Sitio web

www.ozrics.com

[1]

Miembros Ed (guitarra y sintetizador) Oliver (batería) Justin (bajo) Brandi (sintetizador)


Ozric Tentacles

128 Antiguos miembros Champignon Nig (Tig) Van Gelder Rad Roly Wynne Tom Brooks Gavin Griffiths Steve Everitt Seaweed Zia Geelani Marcus Carcus Metro Schoo Pazza Hall Waters Johnny Morgan Lord Hagos Greyum Graeme

Ozric Tentacles (Tentáculos de Ozric), comúnmente conocida como los Ozrics, es una banda instrumental de Somerset, Inglaterra, cuya música puede ser descrita como psicodélica. Formada en 1984, la banda ha lanzado más de veinte álbumes, y ha vendido alrededor de un millón de álbumes alrededor del mundo, a pesar de nunca tener el apoyo de ninguna de las principales empresas discográficas.

Historia Los miembros de la formación inicial se conocieron en Junio 21 de 1984 en el Stonehenge Free Festival (Festival gratis en Stonehenge) y su nombre nació de una discusión sobre marcas hipotéticas de cereales (Malcolm Segments, Desmond Whisps, y Gordon Lumps estaban entre los nombres que fueron considerados). En la década de los años 1980 la banda se construyó una base de fanáticos en el circuito de los festivales, volviéndose asociados particularmente con el festival de Glastonbury, y lanzó una serie de cassettes, que se vendían en las presentaciones o a través del club de fanáticos. Su primer lanzamiento discográfico fue Pungent Effulgent en 1989, que también fue relanzado a principios de milenio, empacado con Strangeitude. Este fue seguido por Erpland (1990), un álbum dedicado a Erp, un personaje que aparecía en ilustraciones de muchos de sus álbumes. 1991 fue el año de lanzamiento de Strangeitude LP. La canción "Sploosh!" fue usada en una campaña publicitaria de la BMW y se convirtió en el único sencillo de la banda. Para 1993 la banda había ganado en total más de tres millones de dólares, y su álbum Jurassic Shift alcanzó el Top 10 de la tabla de álbumes del Reino Unido. La banda ha atravesado grandes cambios de formación siendo Ed Wynne (guitarra, teclado) el único miembro constante desde principios de los 90. Muchos miembros se fueron para formar actos más orientados a la música electrónica, como Eat Static, Nodens Ictus, ZubZub y Moksha. Sin embargo, la banda mantuvo su identidad y continuó con su rata prolífica de álbumes a través de los años 1990 y en el nuevo milenio. También han continuado en gira extensivamente, lanzando un DVD en vivo en el 2002. La banda es famosa por sus presentaciones en vivo, especialmente cuando era lideradas por Champignon, que bailaba alrededor de la tarima y tocaba una variedad de flautas, en las distintas presentaciones en vivo. Ozric Tentacles ha tenido muy en cuenta el contenido audio-visual en sus presentaciones en vivo, teniendo luces integradas y un equipo de proyecciones. En el 2006, la formación de la banda era: Ed Wynne (guitarra, teclado), Justin (bajo), la esposa de Ed, Brandi Wynne (teclado) y Oliver Seagle (percusión, batería). Egan partió la banda en el 2005.


Ozric Tentacles

Música Su música es una altamente psicodélica mezcla de bajos fuertes, efectos de sonido, un sonido de teclado bailable y trabajo de guitarra, con un sonido influenciado por Steve Hillage y Gong. Muchas de las canciones de los Ozrics tienen un marco de tiempo inusual y/o un modo influenciado por Oriente. Además, ofrecen a menudo complejos arreglos que cambian el marco de tiempo, la armadura de clave y el tempo en el transcurso de una pista. A veces, es deliberadamente confuso; de todas formas, también hay momentos de surcos influenciados directamente por el funk. Estas características están mezcladas con elementos electrónicos, incluyendo sintetizadores, sintetizadores pad, sintetizadores de bajo, efectos y pulsos de percusión programados, arpegiados influenciados por el psytrance y el techno. También tiene una gran influencia la música dub y la música ambiente, con muchas pistas relajadas que hacen balance con el resto de material intenso. Los Ozrics también utilizan un gran rango de instrumentos en sus presentaciones. Guitarras eléctricas y acústicas, flautas, flautas de pico, xilófonos y hasta sonidos de voces humanas digitalmente modificadas aparecen.

Discografía Cassettes • • • • • •

Tantric Obstacles (1985) Erpsongs (1985) There Is Nothing (1986) Live Ethereal Cereal (1986) Sliding Gliding Worlds (1988) The Bits Between the Bits (1989)

Álbumes • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Pungent Effulgent (1989) Erpland (1990) Sploosh / Live Throbbe EP (1991) Strangeitude (1991) Live Underslunky (1992) Afterswish (1992) Ozric Tentacles (1993) Jurassic Shift (1993) Arborescence (1994) Vitamin Enhanced (1994) - CD con los 6 primeros cassettes lanzados. Become The Other (1995) Curious Corn (1997) Spice Doubt (1998) Waterfall Cities (1999) Floating Seeds (1999) The Hidden Step (2000) Pyramidion (2000) Tantric Obstacles - Erpsongs re-release (2000) Swirly Termination (2002)

• Live at The Pongmasters Ball (2002) - DVD en vivo • Eternal Wheel (The Best Of) • Spirals in Hyperspace (2004)

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Ozric Tentacles

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• The Floor's Too Far Away (2006) • Sunrise Festival (2008) • Yum Yum Tree (2009)

Galería

En Zagreb. Año 20042004.

Referencias [1] http:/ / www. ozrics. com

En la Universidad de Newcastle upon TyneUniversidad de New Castle. Iz.der.: Brandi (tec.), Champignon (flauta),Ed (guitarra).Año 20052005.


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ROCK PSICODELICO DE AÑOS 2000 Spiritualized Spiritualized Información personal Origen

Rugby, Inglaterra Información artística

Género(s)

Rock espacial Rock Alternativo

Período de actividad

1990 - actualidad

Discográfica(s)

Dedicated Records Arista Records Web

Sitio web

www.spiritualized.com [1] Miembros Jason Pierce Tom Edwards Doggen Thighpaulsandra John Coxon Antiguos miembros Will Carruthers Jonny Mattock Mark Refoy Kate Radley Sean Cook Mike Mooney Gregg Hale Damon Reece Ray Dickaty

Spiritualized es una banda inglesa de rock espacial formada en 1990 en Rugby, Warwickshire por Jason Pierce (quien a menudo adopta el alias de J. Spaceman) después de la disolución de su anterior proyecto Spacemen 3. Los miembros de Spiritualized han cambiado de álbum en álbum, siendo Pierce, quien escribe, compone y canta todo el material de la banda, el único miembro que ha permanecido constante. Spiritualized ha lanzado seis álbumes de estudio. El más conocido y aclamado por la crítica fue Ladies & Gentlemen We Are Floating In Space, lanzado en 1997 y escogido por la revista musical británica NME como su Álbum del Año.


Spiritualized

Historia Después del quiebre de la relación entre dos los dos miembros principales de Spacemen 3, Peter Kember y Jason Pierce, el bajista del grupo Will Carruthers, el batería Jonny Mattock y el guitarrista Mark Refoy decidieron formar una agrupación paralela, para posteriormente persuadir a Pierce para que se les uniera, junto con su amigo Steve Evans, y de este modo formar Spiritualized. La banda extrajo su nombre la adaptación de un texto en la etiqueta negra de una botella de Pernod. Debido a que la banda estaba conformada principalmente por ex integrantes de Spaceman 3, esta tenía una cláusula que específicaba que Spiritualized debía mantener el contrato de grabación de Spaceman 3 con Dedicated Records. El primer álbum en 1990 fue una adaptación de la canción de The Troggs “Anyway That You Want Me”; la grabación tuvo problemas contractuales por el uso del nombre de la banda en la promoción del material de Spiritualized (de hecho las primeras copias del “Anyway You Want Me” tenían un logo de Spacemen 3 en la portada. Evans fue sustituido a los teclados por la novia de Pierce en aquel momento, Kate Radley para el lanzamiento de un nuevo single, “Run”/”I Want You”. Siguieron un buen número de singles, antes de que la banda lanzara a principios de 1992 su primer LP, Lazer Guided Melodies, el cual había sido grabado en Rugby durante los dos años anteriores. Un segundo álbum, Pure Phase, fue lanzado en 1995, y un tercero Ladies & Gentlemen We Are Floating In Space apareció en 1997 con un notable acogimiento por parte de la crítica y éxito comercial. En 2009 su canción "Lay it down slow" sonó en la última escena como música de cierre de la serie Prison Break, poniendo punto final a una de las mejores series de los últimos años.

Discografía Álbumes de estudio • • • • • •

Lazer Guided Melodies - (1992) #27 UK Pure Phase - (1995) #20 UK Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space - (1997) UK #4 Let It Come Down - (2001) #3 UK; #133 US Amazing Grace - (2003) #25 UK Songs In A&E - (2008) #15 UK; #157 US; #48 SWE

Álbumes en vivo • Fucked Up Inside - (1993) • Royal Albert Hall October 10, 1997 - (1998) #38 UK

Recopilaciones • The Complete Works: Volume One - (2003) • The Complete Works: Volume Two - (2004)

EP • Medication EP - (1992) #55 UK • Electric Mainline EP - (1993) #49 UK • Abbey Road EP - (1998) #39 UK

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Spiritualized

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Enlaces externos • Sitio web oficial [1] • Sitio oficial en MySpace [2]

Referencias [1] http:/ / www. spiritualized. com/ [2] http:/ / www. myspace. com/ spiritualized

Bardo Pond Bardo Pond Información personal Origen

Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos Información artística

Género(s)

Space Rock Psychedelic rock Shoegazing

Período de actividad

1991-presente

Discográfica(s)

Matador Three Lobed ATP Recordings Important Records Web

Sitio web

Sitio oficial

[1]

Miembros John Gibbons Michael Gibbons Isobel Sollenberger Clint Takeda Jason Kourkonis Aaron Igler

Bardo Pond es una banda estadounidense de rock psicodélico y rock espacial que se formó en 1991. Los miembros actuales son Michael Gibbons (guitarra), John Gibbons (guitarra), Isobel Sollenberger (voz y flauta), Clint Takeda (bajo), Jason Kourkonis (batería), y Aaron Igler (sintetizador). Es una banda con influencia de dream pop y de shoegazing. Los nombres de canciones y álbumes con explícitas referencias a drogas alucinógenas.


Bardo Pond

Discografía Álbumes de estudio • • • • • • •

Bufo Alvarius, Amen 29:15 (1995 - Drunken Fish Records) Amanita (1996 - Matador Records) Lapsed (1997 - Matador Records) Set and Setting (1999 - Matador Records) Dilate (2001 - Matador Records) On the Ellipse (2003 - ATP Recordings) Ticket Crystals (2006 - ATP Recordings)

Compilaciones • Batholith (2008 - Three Lobed Recordings)

EPs • Big Laughing Jym (1995) (Compulsiv Records|Compulsiv) • • • • • •

Slab 10" (2000) (Three Lobed Recordings) U.S. Tour, Spring 2001 split con Mogwai (2001 – Matador Records) Purposeful Availment (2002) (Three Lobed Recordings) Tigris/Euphrates split 12" (Subarachnoid Space) (2002) (Camera Obscura Records) Bog split 12" con Buck Paco (2005) (Black September Records) Adrop - Modern Containment EP series (2006) (Three Lobed Recordings)

Volume series En octubre de 2000, la banda comenzo a editar discos que se caracterizan por un fuente contenido improvisatorio. • • • • • • •

Vol. 1 (2000) Vol. 2 (2001) Vol. 3 (2002) Vol. 4]] (2002) Vol. 5]] (2004) Vol. 6]] (2005) Selections, Vols. I-IV (2005) (ATP Recordings)

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Bardo Pond

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Referencias • Ficha en Allmusic [2]

Enlaces externos • Pagina oficial de la banda [3] • Grabaciones de shows de la banda en vivo disponibles para descargar [4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. threelobed. com/ bardo/ home http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:0bfqxqegldde http:/ / threelobed. com/ bardo/ home/ http:/ / www. archive. org/ details/ BardoPond

Acid Mothers Temple Acid Mothers Temple es una banda japonesa de rock psicodélico y rock espacial que fue fundada en 1995. La banda ha tenido varios cambios de miembros pero principalmente es liderada por el guitarrista Kawabata Makoto. Su sonido se caracteriza por largas piezas que incorporan largos pasajes improvisados y dinámicas que puedan pasar desde una melodía acid folk, secciones de rock ácido con guitarras fuertes y sintetizadores reminicentes de Jimi Hendrix, Frank Zappa y Gong o pasajes de rock espacial. Se ha caracterizado por sus referencias en los títulos de sus canciones a sus influencias así como sus múltiples encarnaciones con nombres como Acid Mothers Temple & the Melting Paraíso U.F.O., Acid Mothers Temple & the Cosmic Inferno, o Acid Mothers Temple & the Incredible Strange Band. En algunas ocasiones colaboró con la banda psicodélica de origen en fines de los sesenta británica Gong y esta colaboración se la llamo Acid Mothers Gong. También es notorio su prolifica actividad que se manifiesta en una importante discografía y conciertos en todo el mundo.

Discografía

Kawabata Makoto. Año 20052005.


Acid Mothers Temple

Acid Mothers Afrirampo

We Are Acid Mothers Afrirampo! (2005)

Acid Mothers Gong

• • • •

Acid Motherhood (2004) Live in Nagoya (2006) Acid Mothers Gong Live Tokyo (2006) Acid Mothers Gong Live at the Melkweg Ámsterdam November 2006 as Part of the Gong Unconvention

Acid Mothers Temple & The Cosmic Inferno

• • • • • •

"Another Band from the Cosmic Inferno European Tour 2005" Cosmic Funeral Route 666 (2005)

• • • • • • • • • • •

Starless and Bible Black Sabbath (2006)

Just Another Band from the Cosmic Inferno (2005) Anthem of the Space (2005) Demons from Nipples (2005) IAO CHANT from the Cosmic Inferno (2005) Trigger In Trigger Out (2005)

Ominous from the Cosmic Inferno (2006) 2006 Summer Live!! (DVD, 2006) Uncle Hardcore Meat (DVD, 2007) split with Je Suis France (2007) Ominous from the Cosmic Inferno (2008) Pink Lady Lemonade - You're From Outer Space (2008) Journey into the Cosmic Inferno (2008) Hotter than Inferno: Live in Sapporo (2008) Hotter than Inferno: Live in Osaka DVD (2008) Sonic Attack: psychadelic Warlords Split 7" with White Hills (2008)

Acid Mothers Temple & the Melting Paraíso U.F.O.

• • • • • • • • • • • • • • •

Acid Mothers Temple & the Melting Paraíso U.F.O. (1997)

• •

Live in Japan (2002)

Pataphisical Freak Out MU!! (1999) Wild Gals a Go-Go (1999) Live in Occident (2000) Troubadours from Another Heavenly World (2000) La Nòvia (2000) Absolutely Freak Out (Zap Your Mind!!) (2001) New Geocentric World of Acid Mothers Temple (2001) 41st Century Splendid Man (EP) (2001) Greatful Head (EP) (2001) Monster of the Universe (EP) (2001) Born to Be Wild in the USA 2000 (2002) In C (2002) Do Whatever You Want, Don't Do Whatever You Don't Want!! (2002) Electric Heavyland (2002)

Univers Zen ou de zéro à zéro (2002)

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Acid Mothers Temple • • • • • • • • • • • • • • • • •

St. Captain Freak Out & the Magic Bamboo Request (2002)

• • • • • • • • • • •

Nam Myo Ho Ren Ge Kyo (2007)

Dokonan: Acid Mothers Temple on Tour in US (2002) Magical Power from Mars (2003) Last Concert in Tokyo (2003) The Day Before the Sky Fell in America (2003) A Thousand Shades of Grey (2003, split with Escapade) Hypnotic Liquid Machine from the Golden Utopia (2004) Mantra of Love (2004) Does the Cosmic Shepherd Dream of Electric Tapirs? (2004) The Penultimate Galactic Bordello Also the World You Made (2004) Minstrel in the Galaxy (2004) Close Encounters of the Mutants (2004) Goodbye John Peel: Live in London 2004 (2005) Have You Seen the Other Side of the Sky? (2006) Power House of the Holy (2006) Myth of the Love Electrique (2006) Crystal Rainbow Pyramid Under the Stars (2007)

Acid Motherly Love (2007) The Early Acid Mothers Temple Recordings 1995-1997 (2007) Acid Mothers Temple Festival Vol.5: Live at Tokuzo Nagoya Dec. 2006 (2007) Nam Myo Ho Ren Ge Kyo (2007) Recurring Dream and Apocalypse of Darkness (2008) 41st Century Splendid Man Returns (2008) Never Ending Space Ritual: History of Acid Mothers Temple & the Melting Pariaso UFO (2008) Interstellar Guru and Zero (2008) Cometary Orbital Drive (2008) Glorify Astrological Martyrdom (2008)

Acid Mothers Temple & The Pink Ladies Blues

• •

Acid Mothers Temple & The Pink Ladies Blues featuring the Sun Love and the Heavy Metal Thunder (2006) The Soul of a Mountain Wolf (2007)

Interplanetary love

Acid Mothers Temple SWR

• •

SWR (2005) Stones, Women, & Records (2007)

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Acid Mothers Temple

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Kawabata Makoto & The Mothers of Invasion

Hot Rattlesnakes (2002)

Enlaces externos

Sitio oficial de la banda

[1]

Referencias [1] http:/ / www. acidmothers. com/

Goa trance Goa trance Orígenes musicales:

Música clásica hindú, Industrial/EBM, Acid house, Música psicodélica

Orígenes culturales:

Finales de 1980 hasta finales de 1990, Goa, Europa, Israel (influenciada por la cultura hippie)

Instrumentos comunes: TB-303, TR-909, SH-101, Secuenciador, JUNO-106 Popularidad:

Europa, Israel, Japón, Brasil, México entre mediados a fines de 1990 Subgéneros Psychedelic trance Fusiones Psybient, Nitzhonot Enlaces Categoría:Música electrónica

El goa trance o goa no es un subgénero musical derivado del trance, en realidad este nace en la india entre 1988 y 1990. Debe su nombre al estado indio de Goa, de donde surgió, siendo el estado con mayor establecimiento de hippies en los años 70 y 80. El Goa trance es un género muy cercano al Psytrance. En la cultura popular, la distinción entre los dos géneros sigue siendo básicamente una cuestión de opinión (algunos los consideran sinónimos; otros creen que el Psytrance es más "metálico", mientras que el Goa trance es más "orgánico"). Existen también variantes mas suaves como el goa chill y otras mas progresivas. La musica goa se caracteriza principalmente por tres aspectos: normalmente empieza con uno o pocos instrumentos a los que se van añadiendo otros progresivamente, suele ir aumentando la velocidad según progresa, puede cambiar drásticamente la melodía a mitad de un tema. La musica goa tuvo un gran auge en Israel y en México, lugares donde todavía se celebran algunas de las concentraciones más importantes del mundo en cuanto a musica goa se refiere. Algunos de los precursores de la musica goa fueron Astral Projection,MFG,Man With No Name,Transwave,The Infinity Project,Hallucinogen, entre otros.


Goa trance

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Fiestas de Goa Trance En el estado de Goa, las fiestas de Goa trance pueden llevarse a cabo en lugares bastante inusuales, como por ejemplo en playas, en el desierto o en el medio de la jungla, aunque también es común que se realicen en clubes. Hoy en día, tienen que pagar el baksheesh a la policía local. Una vez que éste fue pagado, los participantes de la fiesta son libres de llevar charas (drogas cultivadas a mano en la región), sin que la policía los arreste.

Fiesta de Goa Trance.

Las fiestas cercanas a Año Nuevo tienden a ser caóticas, con cientos de personas viniendo de lugares como Bombay, Delhi, y el resto del mundo. Los viajeros, mendigos y fakires también se unen a las fiestas.

Las fiestas de Goa trance también tienen un carácter visual diferente. Se usa pintura fluorescente en la ropa y en las decoraciones. Los gráficos de éstas decoraciones están usualmente relacionadas con cosas como extraterrestres, hinduismo, imágenes religiosas, hongos (y otras imágenes psicodélicas), shamanismo y tecnología. Urnas y otros ítems religiosos frente al DJ son también decoraciones comunes.

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El trance psicodélico o psytrance (del anglicismo psychedelic trance) es un género musical fruto de la fusión entre el trance y la música psicodélica. Ha dado fruto a subgéneros como el minimal trance.

Historia del psytrance Para comprender la evolución del psy-trance es necesario dar un salto imaginario a la década de 1960, más específicamente, a un lugar llamado Goa, en la India. Durante esos años, tal lugar era visitado por muchos Fiesta psytrance del 2005. hippies, quienes, cansados de la forma de vida de sus sociedades post-industriales, se hallaban en la búsqueda de la armonía con la naturaleza. Estas personas celebraban fiestas psicodélicas, en las que se podían apreciar distintas combinaciones musicales, que iban desde el acid rock al reggae.


Trance psicodélico

Psychedelic trance: su significado Para comprender el psychedelic trance, es esencial saber el significado de las palabras que componen su nombre. Psicodelia es la adaptación al español del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de las palabras griegas ψυχή, "alma", y δήλομαι, "manifestar". La palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y significa "que manifiesta el alma". Por otro lado, la palabra trance proviene del latín transīre, es decir, transitar, transportarse, cruzar. Las experiencias conocidas como «caer en trance» o «entrar en trance», se refieren a un mecanismo psicológico en el que la persona se abandona a ciertas condiciones externas o internas y experimenta un estado de conciencia diferente. Los estados de trance son acompañados siempre por modificaciones cenestésicas y neurovegetativas. Este término se relaciona con el concepto de iluminación espiritual. En este ámbito, por "psicodelia" entendemos "elevación de la conciencia" o "superación más allá del bien y del mal". Quienes frecuentan el ámbito consideran que ése es un estado de la conciencia al que sólo se llega si se cumplen tres factores: alejarse de las ciudades, agruparse en comunidades y preparar un evento cuyo fin consista en ponerse en contacto con algún ser místico. Asimismo, algunos creen que el consumo de drogas como el LSD y la marihuana es fundamental para concretar tal vínculo.

La Historia El movimiento hippie A mediados de la década de 1960, surge en los Estados Unidos el movimiento hippie, que se originó en San Francisco, California. Los hippies crearon una contracultura política y socialmente desafiante para la época; se trataba de una nueva cultura antibelicista que fue artísticamente prolífica en los Estados Unidos y en Europa. Su estilo psicodelico halló inspiración en las drogas alucinógenas —como el ácido lisérgico (LSD)—, el cual se plasmaba en la moda, en las artes gráficas y en la música de cantantes como Janis Joplin o de bandas como The Beatles, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd.

Las primeras "free parties" Es en las playas de Goa (Estado de la India) donde a principios de los años 70 se realizan las primeras free parties, fiestas gratuitas donde se congregaban los hippies provenientes de todas las partes del planeta. En estas primeras fiestas la música que se escuchaba iba desde Pink Floyd hasta Janis Joplin. Estos eventos se sucedían por todas las playas de Goa, siendo Ajuna uno de los lugares predilectos. A mediados de los años 80, las free parties de la India ya eran conocidas a nivel mundial. Coincidiendo con la explosión del acid house, en Ibiza se comienzan a realizar las primeras free parties de Europa (años 86-87). Durante el verano del año 1988, miles de ingleses visitan la isla atraídos por sus acid-parties, fiestas del ácido, siendo conocido posteriormente como "el verano del amor".

El nacimiento de una nueva cultura: El goa trance Iniciados los 90 la gente de Goa había conocido los efectos de la música "ácida" y empezaron a crear un estilo propio. El primero en incursionar fue Goa Gil, quien es considerado como el padre del Goa Trance. La evolución de esta "nueva clase sonora" se dio a partir de la mezcla de distintos géneros en boga de aquellos tiempos como el New Beat, New Wave, Electro, el Rock Psiquedelico. A partir de estas cosmovisiones la resonancia que hacía llegar a sus escuchas a "elevados estados de conciencia" tuvo un nombre: Goa-Trance. Una gran parte de esta cultura incluye elementos del Hinduismo, Budismo y el Shamanismo como ancla a la cuna del Trance: La India.

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Trance psicodélico

La evolución del trance psicodélico: la actualidad Lo que en la .actualidad conocemos como trance psicodélico desciende directamente del Goa y ha desarrollado un sonido único y complejo con propiedades específicas. El psy-trance tiene una base rítmica poderosa a la que se agregan elementos acústicos o electrónicos, a veces generados en vivo; además de sonidos sintetizados de instrumentos milenarios como citaras, gongs, tambores y didgereedos. La cultura trance podríamos decir que en la actualidad se ha dividido en dos corrientes afines entre sí: la espiritual, donde se mantienen todas las influencias de la India y la cósmica donde se entrelaza el sentimiento del cosmos como parte de uno mismo. Si bien lo que ha caracterizado al trance psicodélico son las fiestas en las que se escucha esta música. En la Cultura Trance estas celebraciones son una travesía por distintos estados de ánimo donde los colores, el movimiento y las luces son estimulantes. La decoración de estas fiestas hace alusión a deidades totémicas, egipcias, prehispánicas, hindúes, psicodélicas, cósmicas, siendo así el sentido místico el proverbial. Los lugares donde se realizan estas celebraciones por lo general tratan de ubicarse en centros de energía o chacras como bosques, playas, desiertos, ruinas, etc. Estos campos de energía no están presentes en las fiestas que se puedan hacer en locales, club's, discoteca, siendo los espacios al aire libre los más indicados para las fiestas trance Las fiestas de psytrance no solo se basan en la música y el baile. Cada lugar, a nivel global, se añaden elementos locales y ancestrales, de tal manera que da paso a la existencia de una generación cultural que se basa en la planeación del evento, el concepto, los flyers, la música, la producción y los dj's. Además de la creación de una educación en la tolerancia y la aceptación. Por lo tanto el organizar una fiesta trance es casi como una ceremonia o ritual, donde el primordial elemento es la armonía entre la gente que la realiza, de esta forma se puede transmitir energía positiva a todos los asistentes, pudiendo llegar a estados elevados de consciencia colectiva, convirtiéndose la fiesta en si en un ser vivo e inteligente en completa armonía con la naturaleza y el cosmos.

Enlaces relacionados • Caffix Productions : Portal informativo en español sobre la cultura psytrance [1] • Biomechanikal Records - Psy Dark Trance Barcelona - Spain. [2] • MUSKARIA CREW: Colectivo de fiestas Psytrance, Barcelona. Descarga sesiones, tracks y estáte informado de las últimas novedades del panorama psytrance. [3] • Documental "Mexicodelico" dirigido por Nacho Cox [4] • Mini documental de la escena psytrance [5] • Historia y cultura del Psytrance [6] • Psytrance Forum : PsyMexico [7] • Psytrance Music Forums-News-Events: Ultimatrance [8] • Psytrance Catalogo: PsyTrance Catalogo [9] • Psytrance Chile [10] • Argentina psytrance [11] • Psytrance Radio y Blog desde Venezuela [12]

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Trance psicodĂŠlico

Referencias [1] http:/ / www. productions. caffix. org. mx/ [2] http:/ / www. biomechanikal. com [3] http:/ / www. muskaria. com [4] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=wYjT77L1MUo [5] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=2Vn2g3TnKLE [6] http:/ / www. psytrance. com. ar/ web/ textos. php?id=2 [7] http:/ / psymexico. com [8] http:/ / www. ultimatrance. com [9] http:/ / www. psymex. blogspot. com/ [10] http:/ / www. zonatrance. cl [11] http:/ / www. psytrance. com. ar [12] http:/ / www. noixe. net

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ROCK PROGRESIVO


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OPERA ROCK Ópera rock Una ópera rock es un género de música nacido en el siglo XX el cual combina las voces que habitualmente se utilizan en la ópera, pero con un ritmo diferente a ésta, en su lugar, se le agrega el ritmo de la música rock, o el del heavy metal. Muchas veces este tipo de composiciones difieren de los álbumes de rock convencionales ya que mantienen una temática determinada en la letra de las canciones o recurren a canciones cíclicas. Este tipo de composiciones fueron ideadas por la banda británica The Who quienes pensaron que en un disco, cada canción no tenía que contar una historia, por lo que idearon una Ópera rock, donde todo el disco en completo contaba una historia. Esto dio lugar a Tommy, la primera ópera rock en popularizarse. Pese a esto la primera ópera rock de la historia fue SF Sorrow de los Pretty Things, quienes se adelantaron a los Who al publicar este tipo de discos. Debido a la gran fama de The Who aún muchos siguen creyendo que fue Tommy la primera ópera rock, aunque Pete Townshend reconoce que utilizó algunas ideas de SF Sorrow el proyecto Tommy había nacido mucho antes.

Óperas rock notables Década de los 70 • Gerome Ragni James Rado Galt Mac Dermot, Hair (1968), ópera beat estrenada en diciembre de 1967 en Nueva York. • The Who, Tommy (1969): Primera ópera rock. El álbum que popularizó el término. • The Kinks, Arthur Or the Decline and Fall of the British Empire, (1969) • Jesucristo Superstar, con libreto de Tim Rice y música de Andrew Lloyd Webber. • Vox Dei, La Biblia: Primera ópera rock de América, compuesta entre 1969 y 1970 y estrenada en el Teatro Presidente Alvear de Buenos Aires en julio de 1971 • The Kinks, Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One, 1970 • Tim Rice & Andrew Lloyd Webber, Jesucristo Superstar (1970) • David Bowie, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) • Arco Iris, Sudamérica o el regreso de la Aurora: esta banda argentina estrenó su ópera en 1972. • Materia Gris, Oh Perra Vida de Beto: esta otra banda argentina también estrenó su opera en 1972. • The Who, Quadrophenia (1973) • Queen, Queen II (1974): Una obra musical desarrollada sobre un tablero de ajedrez, caracterizado principalmente por la dualidad entre el blanco y el negro (el bien y el mal, la realidad y la fantasía) los puntos máximos de cada lado del LP se dan con las canciones 'White Queen' (en el lado blanco), y 'The March Of The Black Queen' (en el lado negro). También destaca la forma en que algunas canciones van ligadas con la siguiente musicalmente sin siquiera dejar espacios entre una y otra. • Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway (1974): Una de las óperas rock más conocidas del rock progresivo. • Phoenix, Cantafabule (1975) - Ópera rock basada en la mitología romana. • Jethro Tull, Too Old To Rock 'n' Roll: Too Young To Die! (1976) • Meat Loaf, Bat Out Of Hell (1977): Vendió más de 30 millones de copias alrededor del mundo. Tuvo dos secuelas Back into Hell y The Monster is Loose • Frank Zappa, Joe's Garage (1979)


Ópera rock • Pink Floyd, The Wall (1979): Famosa ópera rock creada por Pink Floyd muy conocida por su extenso y costoso show en vivo y por la posterior película dirigida por Alan Parker.

Década de los 80 • Los Jaivas, Alturas de Machu Picchu (1981): Ópera de rock folk progresivo de esta banda chilena, inspirada en los versos del poeta Pablo Neruda, y conocida por su posterior montaje documental en las ruinas peruanas del mismo nombre. • Frank Zappa, Thing-fish (1984) • János Bródy y Levente Szörényi, István, a Király (Esteban, El Rey) (1984): Ópera de rock húngara compuesta en honor al rey San Esteban I de Hungría. Ícono de la cultura húngara contemporánea que ha calado profundamente en al sociedad magiar residente en el extranjero y en Hungría. • Los demenciales chicos acelerados, "Eskorbuto" (1987) la primera opera punk de la historia. • Blue Öyster Cult, Imaginos (1988) • Queensrÿche, Operation: Mindcrime, (1988): Una historia de amor, sexo, muerte, poder, religión, corrupción, traición, codicia y locura. Considerada como la primera ópera rock del metal progresivo.

Década de los 90 • Queen, Innuendo (1991): Una Ópera Rock con el mejor sonido de Queen, simplemente es una despedida de Freddie de su público, de su gente, de la banda y del amor de su vida, ante la inminente enfermedad que poseía. Al final se despide del Rock con la popular canción The Show Must Go On. • Juan Ramón Sola, Natura, (1994): Trata la temática del desmantelamiento de la población rural en España y la idea siempre presente de la vuelta a lo natural.Compuesta y ambientada en el pueblo de Senés (Almería). • Charly García, La Hija de la Lágrima, (1994): Cuenta la historia y diferentes momentos vividos por una gitana española, quien se autodenomina "la hija de la lágrima". • Marillion, Brave (1994). • Mägo de Oz, Jesús de Chamberí (1995): Ópera rock basada en un segundo regreso de Jesucristo a la tierra, con el fin de renovar su mensaje y hacer frente a las ideas de la Iglesia Católica. • En 1995 nace Ayreon, un proyecto musical del compositor holandés Arjen A. Lucassen, cuyo estilo radica principalmente en el rock progresivo y el heavy metal. La mayoría de sus álbumes tienen el formato de ópera rock, en los que se desarrolla una historia compleja protagonizada por varios personajes, cada uno de ellos interpretado por un vocalista. • Lacrimosa, Elodia (1999) • Dream Theater, Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory (1999). Continuación del tema "Metropolis Pt. 1: The miracle and the sleeper", cuenta la historia de un hombre que tiene pesadillas acerca de la vida de una muchacha.

Década de los 2000 • Trans-Siberian Orchestra, Beethoven's Last Night (2000): Narra la historia de los sucesos que tuvieron lugar alrededor de la muerte de Beethoven y la décima sinfonía. • Drive-By Truckers, Southern Rock Opera (2000) • Szilveszter Jenei, András Adorján y Mihály Kocsis, 1956-Aki Magyar Velünk Tart (1956-El que es húngaro está con nosotros) (2000): Ópera Rock húngara en conmemoración a los hechos y muertos de la Revolución húngara de 1956, cuando intentaron liberarse del comunismo soviético. • Dr. Frankenstein, Dirigida por Jose Fors • Tobias Sammet, Avantasia - The Metal Opera (2000) • Spock's Beard, Snow (2002)

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Ópera rock • Saurom Lamderth, Sombras del Este (2002): Narra la Historia de La Comunidad del Anillo (El Señor de los Anillos) • Dream Theater, Six Degrees of Inner Turbulence (2002): Albúm doble del cual se desprende la canción que le dio nombre al disco Six Deegres of Inner Turbulence, esta consiste en 8 movimientos, el tema en sí es una canción de 42 minutos y ocupa todo el segundo CD del álbum. La canción explora las historias de seis individuos que sufren de diversas enfermedades mentales, el trastorno bipolar, trastorno por estrés postraumático, esquizofrenia, autismo, depresión postparto y trastorno de identidad disociativo. • Tobias Sammet, Avantasia - The Metal Opera Pt. II (2002). Cuenta una historia ficticia de un monje dominico, Gabriel, en el año 1602. • Aina - Days of Rising Doom - The Metal Opera (2003): Escrita por Amanda Somerville, lanzada al mercado por Transmission y The End Records. • Neil Young & Crazy Horse, Greendale (2003) • Brian Wilson, Smile (2003): Una opera Pop que no narra una historia lineal. Se divide en tres segmentos. El primero Narra historias de una Norteamérica de colonos, la conquista del lejano oeste se puede ver en Heroes and Villains, o el Hawaii primitivo en Plymouth Roll Over o la creación de trenes Cabinessense. El segundo segmento narra al crecimiento de las personas, los cambios y la hipocresía de la sociedad. Finalizando con el último segmento que narra varias historias cortas. En este segmento se encuentra el tema más famoso de los Beach Boys Good Vibrations. • Green Day, American Idiot (2004): Ópera rock que cuenta la vida de "Jesus Of Suburbia" (Jesús de los suburbios), un adolecente rebelde que se va de casa donde vive con su madre y el novio de ella Brad. • Sascha Paeth, Robert Hunecke-Rizzo, Amanda Somerville y Miro, Aina (2004). • Juan Ramón Sola, Formas de Amar (2004): Reality Show que narra las distintas formas de entender el amor desde el punto de vista de un profesor. • Premiata Forneria Marconi, Dracula (Ópera Rock) (2005): Ópera rock basada en el libro de Bram Stoker, pero relatando las vivencias de un Drácula enamorado y soñador. Esta obra fue la banda de sonido de la obra de teatro homónima dirigida por el argentino Alfredo Rodríguez Arias. • My Chemical Romance, The Black Parade (2006). • Margarita y Fausto (Felipe Szarruk), Opera Rock (2006): La primera opera rock Colombiana, basada en la leyenda del Doctor Fausto. Realizó más de 40 presentaciones y es parte de la historia del rock latinoamericano. • Levente Szörényi, Tibor Fonyódi y Tamás Antók: "Árpád Népe" (La gente de Árpad) (2006): Ópera rock mística húngara que narra el conflicto entre cristianismo y paganismo del rey Andrés I de Hungría y su hermano Levente. • Sándor Román, Tibor Paár e Imre Czomba, Szent István - Egy ország születése (San Esteban - El nacimiento de un país) (2007): Ópera rock húngara que narra la vida de San Esteban I de Hungría y la fundación del Estado húngaro luego del año 1000. • Judas Priest, Nostradamus (2008): Ópera-metal que narra la vida del profeta Nostradamus. • True Symphonic Rockestra, Concerto In True Minor (2008): No es propiamente una ópera rock, sino una mezcla de canciones de ópera adaptadas al género metal. • V.V.A.A., Edgar Allan Poe - Legado De Una Tragedia (2008): Ópera rock sobre la vida del escritor Edgar Allan Poe. Interpretada por miembros de distintos grupos heavys españoles como Stravaganzza, Sangre Azul, Topo, Lujuria, Saratoga, Avalanch, Mago de Oz... • Green Day, 21st Century Breakdown (2009). • Colectivo Cantata Rock Cantata Rock Santa María de Iquique (2009)

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Ópera rock

Enlaces externos • Más información acerca de musicales u óperas rock [1]

Referencias [1] http:/ / www. donlinke. com/ musicals/

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Fuentes y contribuyentes del artículo

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Belmar, FedericoMP, Felix 780, Fernandopcg, Fittipaldi22, Franbaenar, FrancoGG, Francodamn, Frapen, Gabzuka, Gelpgim22, Gerard 123, Gerkijel, Germo, Glassonions, Globalphilosophy, GonnCharly, Gonrodnu, Gons, Greek, Grsz11, Guanxito, Guille, Guillermoperezsoto, Gusgus, Herenvardo, Herminiogillo, Hieishin, Hologium, Homermarin, Hugo López, Humberto, Icvav, Ignacio Icke, Ignaciocas, Irus, Isha, Ivalladt, J.M.Domingo, JKD, Jackbigboss, Jairzlr, Jake Z, Jarisleif, Jarke, Javier rey, Jero 93, Jesus112, Jlsigala, JoSongoku, Joan231, JorgeGG, Joseaperez, Josedm, Juan Mayordomo, Juan elderacing, JuanPaBJ16, Juanjob, Juantopo, Jude359, Julio1017, Julián Feliciánez Azul, Jurock, Jynus, Kabiskra, Kadellar, Ketamino, KevinRD, Killery28, KnightRider, Komputisto, Krisskiss, Kved, L'AngeGardien, Larry mercury789, Laura Fiorucci, Leonudio, Let's Rock, Leticita, Letraducteur, Letticitas, Link58, Linux high, Llusilanisa, Loco085, Lomaslomas89, Lourdes Cardenal, Lucasaraoz, Lucasbunchi, Luis1970, LuisArmandoRasteletti, MARC912374, MJLover, Madrid1901, Mafores, Magnakai, Mahadeva, Mahey94, Maldoror, Mallito123, Mandrake33, ManuP, Manuel Trujillo Berges, Manwë, Marcel maquereau, Mariagarcia, Marielsarria, Mariopv74, Marlin456, Masqblood, Matdrodes, Maurosolano, Maximatus, Mel 23, Mellotron74, Merrick, Mescalier, Migang2g, Miguel, Mike patton, Mike-hilal, Mike93, Millars, Mindeye, MiquelR, Mizzi, Moraleh, Moriel, Mr. JMC, Mr. Moonlight, Muro de Aguas, Museobichoxp, Mutari, NENENIRVANA, Nachostroke, Napoleón333, Neolandes, Netito777, Nico89abc, Ninovolador, Nixón, No sé qué nick poner, OMenda, Obelix83, ObscurO, Ome.rafa, Orligab, Oscaralejo, Oscarlennon, Oscarrpaz5, Pablo Fanques, Pablo323, Pacoperez6, Pan con queso, Paporrubio, Paso del lobo, Patrol-07, Pauklein, Paurock, Pepepitos, Peteryagami, Petronas, PiBe, Pillapollo 77, Pilsener, PoLuX124, Polax Free, Pondo, Queener, Queninosta, RYCAN, Rastrojo, Raynel1995, Reincorporado, Resped, Retama, Roberpl, RobertoLP, Rocío7-1, RodrigoVelizG, Rosarino, RoyFocker, Rrius, Rsg, Rupert de hentzau, Ruyseñor, Rαge, Sabbut, Sanbec, Santiago matamoro, Santiperez, Schultz, Sebeat, Sellkyrck, Selva1994, Sermed, Serpino, Sgtpeppers, Siabef, SithLordDarthVader, Sking, Skiuv, Smilesfozwood, Snakeyes, Solomillorelleno, Solracxealz, Standard11, Stardust, Steve-51, Stoll, Storm77, Submental, Sullivam, Super 8, SuperJoe, Taichi, Tano4595, Taskmaster99, Tatvs, The KARMApolice, Tiaguito, Tomatejc, Tostadora, Trankas, Typhoon, Uniqueae, Urdangaray, Uruk, Urumi, Valentin estevanez navarro, Vandal Crusher, Varislav, Vatelys, Vicmbj, Victorgarces, Vimora, Vitamine, WABBAW, WWECorresponsal, Walterllanos, Wanna Know My Name? 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