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รndice Editorial.......................................2 Tabaski, Safrificie Du Moutou.....3 Female Forms.............................4 Ben Enwonwu.............................5 Magical- Richard Kimathi............6 Mascaras.....................................7 Mรกscara Bambara Chi-wara........8 Mahi Binebine..............................9 Black Madonna..........................10 The Song of Pick......................11&12 Cotton Trees...............................13 Conclusiรณn..................................14 Referencia..................................15

editorial África en el arte. El imperialismo europeo en África limitó sin duda la variedad de expresiones artísticas en este continente. El arte antiguo en África se limitó a fines religiosos. Las civilizaciones africanas utilizaban elementos de la naturaleza para hacer arte. Muchas tribus, muchas culturas, variedad a la creación artística. Algunos trabajaban la madera, el marfil, las perlas y otros más elaboraban sus piezas con barro y terracota. Impregnaban de espiritualidad la realización de sus piezas, haciendo de su arte algo no decorativo sino funcional. Sin embargo, las máscaras, son la evidencia más clara de la proliferación de un arte religioso, evocando cada tribu a su dios. El arte rupestre llevado a cabo con elementos que la naturaleza les facilitaba los entrenó para perfeccionar posteriormente la gama de colores que han definido su arte étnico. A continuación veremos arte africano aún en desarrollo.



• Contextualización: o Pintor: Iba N’Diaye (1928 Saint Louis, África – 2008 París, Francia). o Nombre completo de la pintura: Tabaski, Sacrifice du Mouton o Año en el que se pintó: 1963 • Soporte: lienzo • Técnica: aceite • Medidas: 150 x 200 cm • Colección: République du Sénégal • Contenido: religioso • Estilo: colores de tono café


Esta pintura llamada Tabaski, Sacrifice du Mouton, puede que se vea muy simple, pero tiene mucho significado detrás de la pintura. Su nombre significa “sacrificio de la oveja”. Iba N’Diaye se baso en el ritual de Senegalase Tabaski, un festival anual conmemorando a Ibrahim por su complacencia de sacrificar a su hijo Ismael, a cambio de que Allah les diera una oveja salvaje en su reemplazo. En este lienzo, tres ovejas y una forma humana parecen emerger de la tormenta gestual y embarrada de pintura. La pintura es de una colección de otras 10 pinturas que tienen que ver con la misma temática. Iba N’Diaye es muy reconocido como el padre de el arte moderno de Senegaleses. Como un joven artista que trabaja para el cine en su ciudad natal, N’Diaye desarrolló un estilo que influiría en el trabajo de su vida. Primero se formó como arquitecto en Senegal, luego en Francia: en la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes), Montpellier; la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes), París (Atelier Pingusson); y la Académie de la Grande Chaumière (1949–1958). Gracias a la propuesta de el presidente Léopold Sédar Senghor, Iba N’Diaye fundó el Departamento de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Dakar encabezando este departamento hasta 1967. N'Diaye participó en muchas exposiciones, incluyendo el Salon d’Automne, París (1962); la Bienal de São Paulo (1963, donde ganó la medalla de bronce); y la exposición seminal Contemporary African Art en el Camden Arts Centre, Londres (1969). En la década de 1970, dividió su tiempo entre su "Atelier la Ruche", París, y su hogar en Dordogne.


   Esta pintura fue pintada por Ngwenya Malangatana. Él fue un pintor africano. Nació en Mozambique.  En su juventud, asistió a escuelas misioneras y colaboró con su madre en el campo. A los 12 años, se mudó a la ciudad de Lourenco Marques (en la actualidad Maputo), donde trabajó como un moleque(cuidador de niños, especialmente para entretenerlos con juegos). En 1953 trabajó como pelotero en un club de tenis, lo que le permitió continuar su educación e ir a clases en la noche. Desarrolló un interés en el arte. En 1960 se convirtió en artista profesional, gracias al apoyo recibido del arquitecto portugués Pancho Guedes, quien le entregó un lugar donde poner su taller. En 1958, Malangatana realizó algunas funciones en el Núcleo de Arte, una organización local de artistas que aún subsiste y con la cual colaboraba, y recibió apoyo del pintor Ze Julio. Al siguiente año, tuvo su primera exhibición pública a la edad de 25 años. En 1963, publicó algunos de sus poemas en el periódico y su obra fue publicada en la antología de Poesía Moderna de África.           Ya entrando a la pintura. Él hizo varias obras de arte muy famosas. La encontrada en la hoja anterior se llama "Female Forms". Esta obra fue creada en 1982. Está hecha con óelo sobre cartón. Fue pintada donde nació esté, en Mozambique, África. La medida de esta pieza de arte es de 88 x 68 cm. Estas obras tienen muy poca información ya que no son muy conocidas mundialmente. Tampoco tienen precio estimado.


Ben Enwonwu La pintura A country road, pintada en 1950, siglo XX por un pintor y escultor nigeriano llamado Ben Enwonwu (1917-1994) posiblemente el artista africano más influyente del siglo XX, su carrera pionera abrió el camino para la proliferación poscolonial y una mayor visibilidad del arte africano moderno. Fue uno de los primeros artistas africanos en obtener el reconocimiento de la crítica, ya que expuso en los augustos espacios de exhibición en Europa y los Estados Unidos y se incluyó en directorios internacionales de arte contemporáneo. Desde 1950, Enwonwu fue celebrado como el "Artista más grande de África" por los medios internacionales y su fama se utilizó para obtener apoyo para el movimiento de nacionalistas negros en todo el mundo. El cráter Enwonwu en el planeta Mercurio es nombrado en su honor. Reconocimiento de su escultura de bronce de la Reina demostró que él, como artista moderno africano, usó su práctica para desarrollar un nuevo tipo de arte moderno cuyos ideales de representación y nociones de identidad artística eran diferentes de la narrativa histórico-artística convencional de Europa. La obra recibió reconocimiento internacional cuando se presentó a la Royal Society of British Artists. Otras obras importantes de Enwonwu incluyen 'Anyanwu', su escultura del dios del sol Igbo y The Drummer Boy. La pintura se puede describir como un si estuviera en un parque o en un bosque  donde en medio hay un camino el cual no se sabe a dónde te llevara, y es en un día soleado por lo que se puede deducir que el género de esta obra es de paisaje . Está pintada con la técnica óleo sobre en canvas, tiene una medida de alrededor 35.5 x 25.5 cm, fue una pintura del movimiento realismo. Se puede notar en la pintura que Ben utilizo colores claros al igual que algunos colores obscuros para realizarla, también se puede apreciar que las pinceladas son muy finas ya que se ve de una muy buena calidad. Así que le cuadro de A country road es un cuadro muy bien hecho Por Ben Enwonwu ya que contiene muy buenos elementos y está hecho con una técnica difícil ya que el óleo tarda demasiado tiempo en secar comparado con otro tipo de pinturas.


Magical- Richard Kimathi Richard Kimathi nació en 1971 en Nyeri, Kenia. Recibió un diploma del Centro de Arte Creativo de Nairobi con una especialización en arte gráfico. Después de graduarse, tomó Bellas Artes como carrera. En el año 2000 fue elegido desde un comité de nueva york para invitarlo a un trabajo de sellos de edición limitada. Ya que esto marcó la carrera de Richard Kimathi y la de varios kenianos, empezaron a reconocerse internacionalmente, y que florece en la edad contemporánea. Richard siempre está explorando, experimentando y buscando mejores medios de expresión dentro de su trabajo. Se ha convertido en un artista con una capacidad técnica considerable con confianza en la línea, composición, color y expresión profunda. Su trabajo rara vez se trata de sí mismo, sino de la humanidad. Como artista, no se ve afectado por la superficialidad evidente. En esta pintura podemos observar el trabajo de Richard que impregna un fuerte sentido de humor, identificado por los colores con los que se pintó, el retrata a una mujer sentada sin auto compresión, con bastante sensibilidad y sencillez. Sin perder la elegancia, los colores utilizados son rosas, verdes, azules, blancos, naranjas, amarillos y negros. Una gran paleta de colores, esta obra fue pintada sobre un lienzo, el soporte que Kimathi suele usar en la mayoría de sus obras artísticas, él demuestra todo ese sufrimiento y dolor en sus obras porque expresa la realidad en la que África está ahora mismo. La pintura mide 140 x 110 cm y fue expuesta por primera vez en Gazzambo Gallery, una galería en el cual personas con suficiente talento van y lo demuestran mediante pinturas y Richard fue el más destacado entre los kenianos. En 1995 fue pintada la obra, a finales del siglo XX y abarcando la edad contemporánea. Utilizando así el óleo para su composición. Teniendo en sí una perspectiva hacia la obra de sufrimiento ya que África pasó y está pasando por épocas difíciles. Como lo fue el imperialismo en África que fue un saqueo brutal de las potencias en África y el reparto de muchas tierras, por territorio y recursos naturales, Richard hasta el momento sigue pintando y sigue presentando sus obras en diferentes lugares para así darse a conocer y ser más tomado en cuenta entre la gran multitud de personas talentosas, siendo de África o no.




Una máscara es un objeto que sirve para cubrir la cara , generalmente en algunas festividades o celebraciones , rituales o actuaciones escénicas que representan la cara de una persona, animal , o de algún ser imaginario . Son principalmente usadas para cubrir el rostro de quien la usa o para no dar a conocer la identidad de quien la trae puesta. Las máscaras en Africa eran hechas a mano en materiales como el metal, cuero, cierto tipo de madera especial para el trabajo, etc. Eran hechas principalmente en madera debido a la facilidad tallar este material y también por que se creía que los árboles tenían alma y que esto le daría mas comodidad al portador de la máscara. Las máscaras eran hechas por miembros de diferentes tribus a lo largo de el continente Africano. Cada tribu tenía algún significado especial para cada máscara que hacían ya sea religioso o cultural Las máscaras son formas antiguas de arte humano, arte religioso , arte ceremonial o cultural. Las máscaras en Africa eran muy usadas pata rituales y para conectar al que porta la máscara con los dioses y seres de otros mundos. Al ponerse la máscara el que la trae puesta dejaba de ser él, para así, poder interpretar ser un un espiruitu o dios. Solían usarse para rituales de diferentes tipos, ceremonias , celebraciones. Las máscaras en Africa representaban la tradición y cultura del continente. Las máscaras tenían una característica en especial, y es que estaban hechas para un ritual o ceremonia en especifico y una vez acabado el evento se acostumbraba a destruirlas con fuego.

Máscara Bambara Chi-wara Un Chi-wara es un objeto ritual que representa un antílope, usado por el grupo étnico Bambara en Mali. La sociedad Chi-wara usa máscaras, así como baila en rituales principalmente de la agricultura. Con el fin de enseñar a jóvenes valores sociales, así como técnicas agrícolas. Representa el espíritu que enseño a los seres humanos los fundamentos de la agricultura. Las máscaras de Chi-wara se clasifican en tres modos: horizontal, vertical o abstracto. Además, Chi-wara puede ser masculino o femenino. Las mascaras Chi-wara femeninas son denotadas por la presencia de un antílope joven y cuernos directos. Las máscaras masculinas tienen cuernos doblados. Mientras hay varias versiones de la historia, el descubrimiento de la agricultura se acredita al héroe Chi-wara, medio antílope, mitad de cifra humana nacida de la unión de la diosa del cielo Mousso Koroni y un espíritu de la tierra en forma de una cobra. Chi-wara vino a la tierra para enseñar a la gente sembrar cosechas, así se honra tanto en siembras como en festivales de cosecha. Chi-wara es mas bien conocido como un antílope con una cara casi humana, también toma formas de otras criaturas y emblemas de la agricultura. Las formas esculturales africanas se hicieron de moda entre artistas europeos y coleccionistas a finales del siglo XIX. Chi-wara se hizo uno de los íconos el cual los europeos lo llamaban el Arte Primitivo. El artista Guillaume Apollinaire y el coleccionista Paul Guillaume publicaron imágenes de Chi-wara en sus esculturas negres en 1917, mientras Picasso, Braque y Les Fauves se hicieron fascinados con escritura africana y máscaras en general. Esta máscara mide aproximadamente: 151cm de alto x 40 cm de ancho. Tiene un peso de aproximadamente 4 kg. Este tipo de máscaras se ha convertido en un famoso icono del arte africano y probablemente el tipo más conocido de las máscara


es un pintor marroquí, igualmente escultor y escritor. Binebine ha escrito seis novelas que han sido traducidas a varios idiomas y más de 10 pinturas exitosas mundialmente Mahi Binebine, Sin título, 2017, Cera y pigmento sobre madera, 200 x 300 cm. Cortesía de SulgerBuel Lovell Las obras escultóricas y bidimensionales de Mahi Binebine  están profundamente influenciadas por sus experiencias al crecer en Marruecos; particularmente los ricos tonos rojos y azules que lo rodeaban de niño. El color, aunque se usa con gran moderación, es significativo para Binebine, y el azul se usa con frecuencia para representar la liberación y la trascendencia. Su uso de líneas, ya sea definiendo la forma humana, la escarificación en el cuerpo o evocando la escritura, está siempre presente. Las líneas fuertemente definidas evocan aún más una sensación de restricción y el deseo de liberarse. Binebine es igualmente reconocido como escritor, sus novelas han sido traducidas a más de una docena de idiomas. Sus exposiciones recientes incluyen COP 22, Jardins des Arts, Marrakech (2016) y exposiciones individuales en Galerie Abla Ababou, Rabat y Galerie Claude Lemand, París (2017). Sus obras se encuentran en numerosas colecciones, en particular el Museo Guggenheim, Nueva York y el Museo de Marrakech. 

Mahi Binebine

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• Contextualización: o Pintor: Marie Durand-Lefebvre o Nombre completo de la pintura: The Black Madonna of Częstochowa o Año en el que se pintó: 1952 • Soporte: madera • Técnica: aceite Medidas: de hasta 75 cm (30 pulgadas) de altura. • Colección: • Contenido: religioso Estilo: color marrón oscuro o negro con fisonomía y pigmentación de la piel que coinciden con las de la población indígena;

Virgen Negra se refiere a las estatuas o pinturas de la Santísima Virgen María en la cual el niño Jesús y la Virgen, están representadas con piel oscura. La Madonna Negra se puede encontrar generalmente en países católicos y ortodoxos. Las estatuas o pinturas son en su mayoría de madera, pero en ocasiones de piedra, a menudo pintadas y de hasta 75 cm de altura. Se dividen en dos grupos principales: figuras erguidas independientes o figuras sentadas en un trono. Las imágenes suelen ser iconos que son de estilo bizantino, realizados en la Italia de los siglos XX . Hay alrededor de 400-500 Madonnas Negras en Europa, dependiendo de cómo estén clasificadas. Hay por lo menos 180 Vierges Noires en Francia, y también hay cientos de copias no medievales. Algunos están en museos, pero la mayoría están en iglesias o santuarios y son venerados por los devotos. Unos pocos están asociados con milagros y atraen. La primer Madonna Negra fue hecha por Marie Durand-Lefebvre en 1952.




La pintura ¨The Song of the Pick¨ , fue pintada por el sudafricano Gerard Sekoto en el año de 1947. La pintura¨The Song of the Pick¨ fue inspirada por la injusticia social en la cual el vivió y se hartó . La obra de arte fue creada en una forma para expresar sus sentimientos , emociones , etc. Su vida no fue fácil, ya que en donde él vivéa exixstia mucha esclavitud . La pintura es una pintura realista, el estilo de ella es Realismo Social . El género de esta obre de arte es escena de género. Su cuadro fue una manera de sacar todo lo que el tenía dentro , que él no podía expresarlo de una manera libre. Esta pintura habla de cómo trataban a las personas de color , de una manera errónea . Esta pintura se enfoca en la vida de las personas de color en esa época , con una vida no merecida, lastimados, obligados , etc. Lo que él quería trasmitir era todo eso y también la libertad, la libertad está reflejada en la luz que le da , el color amarilo expresa la luz que había en ese tiempo, era la libertad, solo que ellos no tenían la libertad merecida en realidad. Expresa la tensión que las personas que tarabjaban en ese entonces tenían. Los ¨trabajadores¨que en realidad eran esclavos no tenían la palabra que se debe tener, ellos estaban muy excluidos en sus acciones y opiniones. Gerard Sekoto queria gritar al mundo como era en realidad áfrica , como no era lo que los demás pensaban que era, obviamente ya sabían que estaba mal, pero no como èl lo expreso al mundo, como de verdad era, no escondiendo las cosas malas,enseñando las cosas buena y malas. Las actividades que les ponían a los esclavos no eran sencillas, siempre eran muy pesadas y difíciles, ellos terminaban muy cansados y no recibían una atención adecuada para lo que ellos realizaban, pero ellos nunca se dejaron caer, ellos hacían todo lo que tenían que hacer con el fin de no lastimar a sus seres queridos y a ellos obviamente.Cuando él dio a conocer esta obre de arte s, se supo la triste realidad. Hablando de él, él fue en único autor o pintor de esta hermosa obra de arte que impresionó al mundo de una manera muy influyente para la época en la que fue lanzada. Esto causo una gran polémica, pero fue muy muy bueno para que nos diéramos cuenta que la vida no es un cuento de hadas , tenemos que ver los dos lados de la moneda ,aceptando las cosas buena y las malas también , debemos enfrentar las cosas negativas que pasan en el mundo de una manera unida, no esperarnos que una persona con el valor , haga pública una obra de arte para solo verla , debemos de actuar para ayudar a todo el mundo de una forma unida.


COTTON TREES Ben Enwonwu fué un pintor nigeriano que nació el 14 de julio de 1921. Se convirtió en un muy buen pintor y en 1950 Ben dijo: “el arte como como la cultura no es estático, el arte cambia con el tiempo” además fue considerado como uno de los pintores más internacionales, considerado como uno de los pioneros de arte moderno en áfrica. Hacía pinturas como esculturas de todos tamaños, él decía que le gustaba más pintar que esculpir aunque esculpiendo recordaba de todo lo pasó para llegar al punto en donde esta. Medía 44.5 x 59cm. Normalmente no pintaba cosas muy grandes, pero hacia esculturas del tamaño que le pidieran. En esta pintura se puede observar la gente negra, en la mayoría de sus cuadros es de gente negra, usando colores fuertes y oscuros. Ellos pintaban así ya que quieren reflejar a los africanos en todas sus pinturas. Esta pintura fue pintada en óleo con colores oscuros tal como las personas, fue pintada sobre lienzo, la pinto aproximadamente entre 1944 y 1949 justamente a mediados de su carrera artística como pintor. Es una de las obras más famosas. Hay figuras negras que resaltan el fondo, en este sentido las personas son pintadas en color puro de manera reducida y estilizada, utilizándose en línea recta para dibujar los brazos y piernas, igualmente lucen vestimenta africana de colores vivos con estampados extractos. Predomina el uso de los colores terrosos, tratando de imitar el fondo primitivo de las pinturas rupestres. Asimismo la composición de las figuras como protagonistas, le dan movimiento a la escena, las cuales representas actividades sociales de las tribus, tornándose en un arte de movimiento.


Conclusión Durante el imperialismo en África se vivió una época terrible en la que las personas sufrían y no tenían tiempo de descansar pues todos tenían que trabajar para los europeos, aun así, la gente apasionada del arte seguía su cultura y fabricaban esculturas, máscaras, pinturas y diversas obras de arte muy representativas. El arte es una maravillosa de transmitir situaciones y emociones, con el arte de esta época de puede conocer cómo se sentían las personas y bajo que situaciones hacían la obra; en el arte de esta época las emociones son muy fuertes así que es muy notorio como se sentían al analizar ciertos aspectos. En las obras presentadas anteriormente se hablaba de diversos aspectos de la obra, cómo está estructurada y lo que transmite, sin embargo, la percepción depende de cada persona, y aquí recae la magia del arte. Es interesante ver tan maravillosas obras y pensar que todas fueron hechas en África en el siglo XIX, donde tenían muchos problemas y muy poco avance tecnológico por lo que no sabían como hacer muchas cosas, pero aun asi quedan espectaculares. Se puede concluir que sin importar las condiciones en las que se viva, siempre existirán mentes que puedan usar su creatividad y talento para hacer arte, por que no importa en qué situación nos ubiquemos, siempre encontramos arte, pues es una necesidad humana básica.


REFERENCIA chloë reid. (2013). The artist | The Gerard Sekoto's Life. 2018, de The Gerard Sekoto Foundation Sitio web: Sophia. (2012). Visual Theory – Gerard Sekoto 1913 – 1993. 2018, de NLA Design and Visual Arts Sitio web: Kimathi,R.. (2012-2013). Magical. 2018, de Gazzambo Gallery Sitio web: (NM). (2018). Richard Kimathi. 2018, de One Off Contemporary Art Gallery Sitio web: category=results&length=90&page=1