Educación Artística 2do año

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Educación

Artística Desde su propio nombre, Conexos -el conjunto de bienes educativos que hemos elaborado para afrontar los nuevos retos de la Educación Media- está comprometido con un mundo de interrelaciones, en el que los saberes no son estáticos ni están encerrados en espacios restringidos, sino que andan en constante movimiento, dispersos en infinitas redes. Estos materiales didácticos apuntan a potenciar los vínculos, activar los contactos, descubrir los enlaces. El aprendizaje significativo, que cultivamos como una de las premisas conceptuales de todos nuestros materiales didácticos, tiene una importancia creciente en esta serie, pues atiende las necesidades de estudiantes que ya han avanzado a otra fase de su educación formal. La necesidad de que las competencias adquiridas sean útiles para la vida es en Conexos una estrategia vital.

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Educación Artística 2º año

El libro Educación Artística 2º año de Educación Media es una obra colectiva concebida, diseñada y elaborada por el Departamento Editorial de Editorial Santillana S.A., bajo la dirección pedagógica y editorial del profesor José Manuel Rodríguez R. En la realización de esta obra intervino el siguiente equipo de especialistas:

Edición general adjunta Inés Silva de Legórburu

Diseño de portada Mireya Silveira M.

Edición ejecutiva de área Eliana Guerra

Ilustración de portada Walther Sorg

Textos • Krislia Grimán Licenciada en Letras, Universidad Católica Andrés Bello; Diplomado Avanzado en Historia del Arte Occidental, CELAUP-UNIMET

Diseño y diagramación general David Baranenko

• María Alexandra Siso Licenciada en Artes, Universidad Central de Venezuela

Ilustraciones Evelyn Torres Hugo Vidal Fondo Documental Santillana

• Jorge Sosa Licenciado en Letras, Universidad Católica Andrés Bello Corrección de estilo Mariví Coello Karina Hernández Lectura especializada Gabino Matos Doctor en Arte y Educación, Universidad de Sevilla-UPEL Coordinación de arte Mireya Silveira M. Diseño de unidad gráfica Mireya Silveira M. Coordinación de unidad gráfica María Elena Becerra M.

Documentación gráfica Amayra Velón

Infografías Reinaldo Pacheco Fotografías John Márquez Archivo Fotográfico El Universal (FAM): Enio Perdomo, Kisai Mendoza, Nicola Rocco, Oswer Díaz Mireles, Venancio Alcázares, Vicente Correale. Biblioteca Nacional de Venezuela Centro de Documentación Carlos Cruz-Diez Fundación Gego Galería de Arte Nacional Museo Sacro de Caracas Organización Nelson Garrido Fondo Documental Santillana Retoque y montaje digital Evelyn Torres

Agradecimientos: Claudia Garcés, Jordi Ballart Junyer, Mariana Rondón, Marysabel Suárez, Nelson Garrido y Rosmira Mendoza.

Educación Artística 2º año © 2014 by Editorial Santillana, S.A. Editado por Editorial Santillana, S.A. Nº de ejemplares: 19800 Av. Rómulo Gallegos, Edif. Zulia, piso 1. Sector Montecristo, Boleíta. Caracas (1070), Venezuela.Telfs.: 280 9400 / 280 9454 www.santillana.com.ve Impreso en Venezuela por: Corporación Marca, S.A. Rif.: J-00059932-7

ISBN: 978-980-15-0737-6 Depósito legal: lf63320133704481

Quedan rigurosamente prohibidas, sin la autorización previa de los titulares del Copyright, bajo las sanciones establecidas en las leyes, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático, y la distribución de ejemplares de ella mediante alquiler o préstamo público.


SOLO PÁGINAS SELECCIONADAS PARA MUESTRA

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Estructura del libro Inicio de unidad Infografía. Recurso gráfico que permite despertar el interés en relación con los temas de la unidad. Contiene datos y preguntas que favorecen la interacción, participación y reflexión para introducir los nuevos contenidos. Logros esperados. Enunciados

Para reflexionar y debatir. Preguntas

breves que describen los principales conocimientos, valores, habilidades y destrezas que se pretende consolidar con el desarrollo de los contenidos de la unidad.

dirigidas a generar conclusiones a partir del análisis de la información y los datos planteados en la infografía.

Idea para la acción. Reseña de la actividad grupal para contribuir al desarrollo de proyectos, trabajos especiales o líneas de investigación, para ser llevada a cabo durante o al final de la unidad.

Desarrollo de los temas Actividades. Preguntas, ejercicios, casos y situaciones de análisis para validar, afianzar y reforzar los contenidos vistos. Estimulan la capacidad de razonamiento en el plano individual, y la interacción por medio del trabajo en equipo.

Contenido. Los contenidos conceptuales son presentados mediante textos con información actualizada y revisada, tablas, gráficos, infografías, imágenes y otros recursos.

Pensar el arte. Sección que invita a los y las estudiantes a reflexionar sobre el arte, a partir de frases cortas expresadas por artistas y pensadores. Buscando la belleza. Actividad que tiene como finalidad que los y las estudiantes hagan análisis de obras de arte, a partir de un enunciado teórico y de la comparación de dos o más imágenes, siguiendo una guía de preguntas.

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Actívate. En esta sección se plantean interrogantes para propiciar la reflexión y el debate sobre el tema a tratar y activar conocimientos previos de los y las estudiantes al respecto.


Información complementaria. Datos adicionales que enriquecen los temas, relacionados con diversas áreas del conocimiento, así como con aspectos de la vida cotidiana, como el trabajo, la tecnología, el ambiente y la diversidad cultural del país.

Infografía. Temas con una propuesta gráfica diferente y novedosa, que presentan la información a través de imágenes y textos asociados, para propiciar un aprendizaje dinámico.

Cierre de unidad Actividades de refuerzo. Ejercicios, preguntas y casos de análisis, vinculados con los temas abordados en la unidad. Persiguen el desarrollo de las distintas habilidades del pensamiento. Propician el trabajo individual. Arte en acción . Actividad que tiene como finalidad impulsar a los y las estudiantes a poner en práctica los conceptos y técnicas vistos a lo largo de cada unidad.

Idea para la acción. Desarrollo metodológico de la actividad anunciada al inicio de cada unidad, con sugerencias para su planificación, puesta en práctica y evaluación, como estrategia para la generación de conocimientos.

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Galerías y museos. Sección informativa dedicada a mostrar, ubicar y describir las instituciones encargadas de la conservación de obras de arte en Venezuela y el mundo.

Cara a cara con el arte. Entrevista de ficción que tiene como finalidad acercar a los y las estudiantes a la vida y obra de artistas reconocidos, destacando los principales aspectos de sus biografías y las obras por las cuales se les conoce.

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Índice Acercamiento al arte ................ 6

U3

De Grecia al Renacimiento ....... 60

Tema 1

Civilización y cultura ..........................................

8

Tema 1

El arte en Grecia ................................................. 62

Tema 2

Historia, estética y arte ..................................... 14

Tema 2

El arte en Roma .................................................. 68

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos ............................................... Cara a cara con el arte ....................................... Idea para la acción: Agenda cultural ..................

Tema 3

El arte en la Edad Media .................................... 72

Tema 4

El arte en el Renacimiento .................................. 78

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos ............................................... Cara a cara con el arte ....................................... Idea para la acción: Galería escolar ....................

20 22 22 23

U2

El arte y los pueblos originarios ............................... 24

Tema 1

El arte y los pueblos originarios de Venezuela ... 26

Tema 2

El arte y los pueblos originarios de América ...... 30

Tema 3

El arte en la Prehistoria ...................................... 36

Tema 4

El arte en Egipto .................................................. 40

Tema 5

El arte en Mesopotamia ..................................... 48

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos ............................................... Cara a cara con el arte ....................................... Idea para la acción: Mi propia cerámica originaria .............................

56 58 58 59

U4

Tema 1

4

86 88 88 89

Arte colonial en América Central, América del Sur y Venezuela ..... 90 El Barroco europeo: influencia en el arte colonial americano ..............................................

92

Tema 2

Arte colonial en América Central y América del Sur .............................................. 100

Tema 3

Arte colonial en Venezuela ................................. 106

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos .............................................. Cara a cara con el arte ...................................... Idea para la acción: Ayudar a través del arte .....

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U1


U5

Manifestaciones plásticas de Venezuela en el siglo XIX ........ 118

Tema 1

Referentes europeos en el arte venezolano del siglo XIX ........................................................ 120

Tema 2

Arte venezolano del siglo XIX y principios del XX .............................................. 128

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos .............................................. Cara a cara con el arte ...................................... Idea para la acción: Museo virtual de arte venezolano .............

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A propósito del lenguaje de género

U6

El arte del siglo XX .................. 138

Tema 1

Influencias europeas en el arte venezolano del siglo XX. El Círculo de Bellas Artes y la Escuela de Caracas ...................................... 140

Tema 2

Figuración y abstracción ..................................... 148

Tema 3

Arte óptico y arte cinético .................................. 156

Tema 4

Arquitectura del siglo XX ..................................... 160

Cierre

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos .............................................. Cara a cara con el arte ...................................... Idea para la acción: Revista de arte ...................

166 168 168 169

U7

La actualidad en el arte ........... 170

Tema 1

Arte no convencional .......................................... 172

Tema 2

Arte y tecnología ................................................. 176

Tema 3

Cultura visual ...................................................... 180

Tema 4

Arte contemporáneo en América Latina.............. 184

Cierre

188 190 190 191 192

Actividades de refuerzo ...................................... Galerías y museos .............................................. Cara a cara con el arte ...................................... Idea para la acción: Reto “Fotografiarte” ........... Fuentes consultadas .......................................................

Según la Real Academia de la Lengua Española y su correspondiente Academia Venezolana de la Lengua, la doble mención de sustantivos en femenino y masculino (por ejemplo: los ciudadanos y las ciudadanas) es un circunloquio innecesario en aquellos casos en los que el empleo del género no marcado sea suficientemente explícito para abarcar a los individuos de uno y otro sexo. Sin embargo, desde hace varios años, en Editorial Santillana hemos realizado un sostenido esfuerzo para incorporar la perspectiva de género y el lenguaje inclusivo, no sexista en nuestros bienes educativos, pues valoramos la importancia de este enfoque en la lucha por la conquista definitiva de la equidad de género. En tal sentido, en nuestros textos procuramos aplicar el lenguaje de género, al tiempo que mantenemos una permanente preocupación por el buen uso, la precisión y la elegancia del idioma, fines en los que estamos seguros de coincidir plenamente con las autoridades académicas.

A propósito de las Tecnologías de la Información y la Comunicación Editorial Santillana incluye en sus materiales referencias y enlaces a sitios web con la intención de propiciar el desarrollo de las competencias digitales de docentes y estudiantes, así como para complementar la experiencia de aprendizaje propuesta. Garantizamos que el contenido de las fuentes en línea sugeridas ha sido debidamente validado durante el proceso de elaboración de nuestros textos. Sin embargo, dado el carácter extremadamente fluido, mutable y dinámico del ámbito de la Internet, es posible que después de la llegada del material a manos de estudiantes y docentes, ocurran en esos sitios web cambios como actualizaciones, adiciones, supresiones o incorporación de publicidad, que alteren el sentido original de la referencia. Esos cambios son responsabilidad exclusiva de las instituciones o particulares que tienen a su cargo los referidos sitios, y quedan completamente fuera del control de la editorial. Por ello, recomendamos que nuestros libros, guías y Libromedias sean previa y debidamente revisados por docentes, padres, madres y representantes, en una labor de acompañamiento en la validación de contenidos de calidad y aptos para el nivel de los y las estudiantes.

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U1 LOGROS ESPERADOS • Reconocer la cultura como factor importante en el desarrollo de una civilización. • Identificar tipos de civilizaciones y manifestaciones culturales. • Entender el arte como disciplina que conjuga valores individuales, sociales y estéticos.

ACERCAMIENTO AL ARTE ¿Cómo nos expresamos a través de imágenes? A lo largo del tiempo, de manera colectiva, los seres humanos han ido modificando el contexto en el que se desarrollan y desenvuelven. También han buscado expresarse y elevar su espíritu a través de manifestaciones culturales, entre las que destaca el arte. Algunas obras de arte son reflejo del mundo interior de los artistas y otras de su mundo exterior; pero, en todo caso, son los espectadores quienes experimentan placer o displacer al contemplar un objeto artístico.

a

• Analizar imágenes con base en su valor cultural o estético.

¿Qué ideas te transmiten las imágenes?

b

• Comprender el arte como una disciplina cambiante en el tiempo.

¿Cómo explicas la relación entre diferentes expresiones culturales?

c

¿Por qué el arte es un medio de comunicación entre las personas?

IDEA PARA LA ACCIÓN Agenda cultural

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AcercAmiento Al Arte

La civilización centra su figura en el ser humano: está hecha por él y para él

CIVILIZACIÓN CULTURA ARTE

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Al finalizar esta unidad elaborarán, en grupos, una agenda cultural en la que expondrán los eventos más importantes relacionados con la movida cultural que se presentarán, durante un mes, en el municipio en el que viven.


Para reflexionar y debatir

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Comparte con tu docente, tus compañeros y compañeras: ¿cuáles manifestaciones culturales conoces? ¿Cuáles son tus favoritas? ¿Cómo ha sido tu experiencia con el arte? ¿Te gusta? ¿Por qué?

AcercAmiento Al Arte

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TEMA 1

Civilización y cultura ACTÍVATE ¿La palabra civilización es sinónimo de cultura? ¿Puede haber distintas civilizaciones y culturas?

Lo espiritual y lo material en la civilización En el aspecto espiritual, una civilización contempla que sus individuos se eduquen en busca de un ideal de progreso. Para ello, se acude a la religión, la ciencia, las bellas artes, a la familia -base de la sociedad- y a las instituciones encargadas de mantener un orden político-social. Esto significa que el arte forma parte del conglomerado que abarca la civilización; sin el ser humano no hay arte. Con respecto a lo material, los individuos siempre buscan crear estructuras que les brinden no solo comodidad sino provecho y cobijo.

Busto de Aristóteles

La civilización En su obra Política, Aristóteles, filósofo griego que vivió en el siglo V a.C., expuso el siguiente planteamiento: “El hombre es un animal político y social”. Estas palabras indican que el ser humano no vive aislado sino en sociedad. El adjetivo “político” viene de polis, vocablo griego que equivalía a lo que hoy se conoce como ciudad, sitio en el que los individuos vivían y se desenvolvían. La palabra “civilización” deriva del latín civis, que significa “ciudadano”. Toda civilización es hecha por y para los humanos. Como ciudadano, todo individuo forma parte de la civilización. Lo civilizado es también sinónimo de progreso, de enaltecimiento espiritual y moral; tiene una connotación de orden y sabiduría. Se busca que las personas sean útiles para la sociedad. No en vano se contrapone el concepto de civilización al de barbarie. Esta concepción es una herencia de la Ilustración de finales del siglo XVII. Por lo general un grupo se organiza para subsistir y progresar. Un grupo humano puede asentarse en un sitio geográfico determinado, pero también puede ir desplazándose a otros lugares. Las conquistas de territorio conllevaron en más de una oportunidad a que se suscitaran guerras entre pueblos. No puede considerarse una civilización superior o mejor que otra; cada una se ha desarrollado según sus propias capacidades. Es por ello que la otredad -es decir, el reconocimiento del otro- es un elemento importante cuando se encuentran individuos de distintas civilizaciones. Se se es civilizado cuando se reconoce al otro. Todo individuo está inserto en una civilización y por ende en una cultura, pero debe entender también que aquella cultura a la que pertenece no es la única. Debe abrirse a conocer y a entender las otras culturas, que pueden resultar muy diferentes a la que se está acostumbrado.

Acrópolis de Atenas, Grecia. Cuna de la civilización occidental.

Acrópolis de Atenas, Grecia

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ZOOM


Primeras civilizaciones

ARTE Y PARTE

En lo que hoy se conoce como territorio árabe destacaron civilizaciones importantes:

Civilización y cultura

Egipcia

Los egipcios creían que el alma era inmortal, por esta razón preservaron los cuerpos de sus difuntos a través de la momificación, pues creían que, de no hacerlo, la persona no conseguiría la trascendencia de su alma. Esta civilización destacó en escultura, pintura, orfebrería y arquitectura, puntualmente en las pirámides, que servían como sepulcros en los que permanecían los cuerpos momificados de los faraones.

Mesopotámica

En territorio europeo deben mencionarse las civilizaciones:

Debe su nombre a que se encontraba entre dos ríos, el Tigris y el Éufrates. Destacó en los tejidos y en la fundición de los metales, este último aspecto importante para la creación de las monedas. También en grandes monumentos y esculturas de piedra y arcilla.

Griega

Cuna de la civilización occidental, está relacionada geográficamente con Europa, pero luego “lo occidental” se extendió hacia el continente americano. Destacó en manifestaciones artísticas como la escultura, la arquitectura y la cerámica. De ella se heredó la democracia.

Romana

Absorbió la cultura de Grecia, como su mitología y su arte, y la adaptó a sus intereses. Sin embargo, legó importantes aportes a la civilización occidental: el idioma –el latín, que dio origen a las lenguas romances, tales como el castellano–, y el derecho con sus leyes y dictámenes para hacer prevalecer la verdad y la justicia.

Es común ver asociada la palabra civilización con la cultura. Incluso, hay quien las entiende como sinónimos. No obstante, también existe quienes observan diferencias entre ambas nociones, y ven en la civilización un estado de racionalidad, de progreso colectivo; mientras que aprecian lo cultural como algo enfocado más hacia lo humano y sus formas de expresión. Esta concepción data del movimiento romántico que surgió en Europa en el siglo XVIII. Debe decirse, entonces, que si bien toda civilización contempla la cultura, esta es solo una parte de algo mayor, pues una civilización no se vale solo de lo cultural para su desarrollo y evolución.

En el territorio americano, surgieron las siguientes civilizaciones que destacaron en el desarrollo arquitectónico, escultórico y cerámico: Maya

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Aunque inicialmente se asentó en la península de Yucatán, logró extenderse hacia Centroamérica.

Azteca

Surgió en lo que hoy en día es territorio mexicano. Se caracterizó por un potente espíritu guerrero.

Inca

Se ubicó en el territorio de América del Sur que en la actualidad corresponde a Perú, Ecuador y Bolivia. ciViliZAciÓn Y cUltUrA

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DIVERSIDAD CULTURAL

Cultura

El aporte de los pueblos indígenas

Los fenómenos culturales forman parte de la civilización. Una cultura surge en un lugar determinado, pero en un mismo país puede haber varias culturas. El elemento cultural puede trascender al sitio donde se creó, como sucedió con la Europa occidental, que transmitió, a manera de mestizaje, buena parte de sus tradiciones al continente americano a raíz de la llegada de Cristóbal Colón a América. Si cada individuo pertenece a una cultura, no puede hablarse de una sola sino de muchas (multiculturalidad). Se trata de una manera de entender la vida y de comportarse ante ella. Lo cultural desarrolla ámbitos del ser humano: lo hace pertenecer e identificarse con características de su formación. También alude a ciertos comportamientos tales como: su manera de ser, alimentos que consume, la lengua que habla. Al conocer la cultura se identifica también de dónde provienen los individuos. Las creencias de un sujeto pueden estar marcadas por la cultura que tenga o por la civilización de donde provenga. La cultura está, en esencia, hecha por el ser humano, al igual que la civilización. Eso la hace un fenómeno social creado no por un solo individuo, sino por un colectivo. Lo cultural está comprendido por lo material o tangible, como una obra de arte o una edificación; y por lo inmaterial o intangible, como las ideas, creencias y costumbres. Al igual que el ser humano, hay culturas que nacen, crecen, se desarrollan y mueren.

Como consecuencia de la llegada de los colonizadores europeos a territorio americano, hubo una mezcla de culturas. Los pueblos indígenas venezolanos aportaron a la cultura conocimientos sobre artesanía, tejidos, elaboración de cerámicas y cestas. También topónimos, como Caracas, por ejemplo. A nivel culinario, su cultura está presente cuando se elaboran y consumen el casabe o la arepa.

Hay diversos tipos de manifestaciones culturales, entre las que se puede encontrar: la literatura (teatro, narrativa, poesía), la música, el cine, la danza y, por supuesto, las artes plásticas. La cultura es variada. Puede cambiar por razones geográficas o cronológicas. Es por ello que tanto la Venus de Milo como los Ready-mades (“ya hechos”), de Marcel Duchamp, pueden considerarse manifestaciones artísticas y, por ende, culturales.

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Rueda de bicicleta. Marcel Duchamp. (1913). AcercAmiento Al Arte

Venus de Milo. 130 a.C - 100 a.C.

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Tipos de manifestaciones culturales


Variaciones de lo cultural El aspecto cultural de una civilización puede presentar una serie de variaciones, entre las que se encuentran:

Cultura popular En ocasiones lo popular puede aparecer como algo marginado. Afortunadamente, la cultura cada vez está más abierta a reconocer sus diferentes manifestaciones. Por ello, en el arte se pueden encontrar artistas ingenuos, autodidactas o naif, que realizan obras importantes pese a no haber recibido una formación académica. Ejemplo de esto es el artista plástico venezolano Bárbaro Rivas.

Subcultura Va en contra de lo establecido por la norma. Es una “estética de choque”. Ejemplo de ello es el grafiti que constituye una expresión libre y espontánea, a veces contraria a aquellos que forman parte del movimiento de arte urbano, expresión que pretende apropiarse del espacio público o privado, para expresarse no siempre de manera artística.

El ferrocarril de La Guaira. Bárbaro Rivas. (1957).

La civilización del espectáculo En el libro La civilización del espectáculo (2012) su autor –Mario Vargas Llosa– diagnosticó los síntomas que aquejan a la sociedad actual y apuntó cómo estos inciden de manera negativa en la cultura, lo que atenta también de manera directa contra la civilización.

Grafiti urbano

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Síntomas que aquejan a la sociedad actual, según Vargas Llosa • Banalización de la cultura. Todo se ha vuelto un espectáculo. La gente solo quiere divertirse y cada vez menos personas ven en el arte algo que eleve el espíritu. Cualquier manifestación creativa se acepta sin que se mida realmente su valor. La cultura debería exigirle intelectualmente tanto al que crea un objeto cultural como al que lo recibe. • Democratización de la cultura. Al propagar la cultura, se masifica y se sacrifica la calidad a favor de la cantidad. • Predominio de lo laico. El ser humano cada vez se aparta más de sus religiones, incluso, las toma como un pasatiempo. Proliferan otras creencias como, por ejemplo, las sectas. • Vuelta al primitivismo. En un juego, como el fútbol, los fanáticos se alegran al vencer al otro; es un aniquilamiento simbólico, que incluso puede materializarse a nivel físico. De esta manera se puede hacer retroceder a la civilización hasta niveles primigenios.

TRABAJO Gestión cultural La labor del gestor o la gestora cultural consiste en programar y ejecutar planes culturales cuya finalidad es cultivar entre las personas el gusto por este tipo de manifestaciones. Se trata de propuestas que eleven la calidad de vida de la ciudadanía. Un gestor o una gestora cultural puede programar y hacer que se lleven a cabo actividades tales como jornadas de investigación, exposiciones de arte o festivales, como los de teatro, por ejemplo. ciViliZAciÓn Y cUltUrA

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Actividades

Para realizar en el cuaderno

1

Responde: a) ¿Qué entiendes por civilización? b) ¿Por qué no se debe considerar una civilización mejor que otra? c) ¿Qué similitudes y qué diferencias encuentras entre las primeras civilizaciones occidentales? d) ¿En qué arte se destacaron cada una de estas civilizaciones antiguas? e) ¿Qué entiendes por cultura? f ) Menciona algunos ejemplos de los diversos tipos de manifestaciones culturales. g) ¿Qué son las variaciones de lo cultural? Menciona dos ejemplos.

2

Observa detenidamente las imágenes. A

B

3

Redacta un texto breve en el que expliques, con tus palabras, el planteamiento de Aristóteles: “El hombre es un animal político”. Argumenta tu respuesta. Luego, comparte tu opinión con tus compañeros y compañeras de clase.

4

Formen equipos e investiguen quién fue Marcel Duchamp y en qué consisten sus Ready-mades (“ya hechos”). Redacten un texto en el que expongan los hallazgos de su investigación. Compártanlo luego con el resto de sus compañeros y compañeras de clase.

5

Formen equipos e investiguen la biografía de Bárbaro Rivas. Busquen algunas de sus obras, recórtenlas, fotocópienlas o imprímanlas y describan lo que observan en ellas, así como las ideas y sensaciones que les transmiten. Finalmente, organicen una exposición para mostrarle a sus compañeros y compañeras los hallazgos de su investigación.

6

Investiguen cuáles son algunas de las instituciones dedicadas a la Gestión Cultural en Venezuela. Redacten un texto en el que expongan dónde están ubicadas y cuáles son sus objetivos. Indica cuáles existen en tu municipio.

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• Ahora, responde las preguntas que se plantean a continuación y discútelas con el resto de tus compañeros y compañeras: a) ¿Qué diferencias encuentras entre estas dos imágenes? b) ¿Con qué aspecto descrito en el tema puedes asociarlas?


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Formen equipos y lean el texto. Reflexionen y comenten sobre el planteamiento expuesto por el autor Mario Vargas Llosa. “En las artes plásticas la frivolización ha llegado a extremos alarmantes. La desaparición de mínimos consensos sobre los valores estéticos hace que en la actualidad todo sea permitido. En ese ámbito la confusión reina y reinará por mucho tiempo, pues ya no es posible discernir con una cierta objetividad qué es tener talento o carecer de él, qué es bello y qué es feo, qué obra representa algo nuevo y durable y cuál no es más que un fuego fatuo. Esa confusión ha convertido el mundo de las artes plásticas en un carnaval donde genuinos creadores y vivillos y embusteros andan revueltos y es a menudo muy difícil diferenciarlos. Inquietante anticipo de los abismos a que puede llegar una cultura que sacrifica toda otra motivación y designio a la de entretener y divertir. Pero en nuestros días, en que lo que se espera de los artistas no es el talento, ni la destreza, sino la bravata y el desplante, sus atrevimientos no son más que las máscaras de un nuevo conformismo. Lo que era antes revolucionario se ha vuelto moda, pasatiempo, juego…”. Mario Vargas Llosa, en La civilización del espectáculo. Artículo publicado en el diario El País, el 6 de septiembre de 2008, y que en el año 2010 se convirtió en libro.

1. Investiga la biografía de Mario Vargas Llosa y elabora su perfil. 2. Responde: a) ¿Concuerdas con la opinión de Vargas Llosa en que a la sociedad lo único que le interesa es divertirse? Argumenta tu respuesta. b) ¿Crees que la cultura entretiene, educa, o puede hacer ambas cosas a la vez? ¿Por qué? c) Si bien lo que describe Mario Vargas Llosa habla de un presente turbio y de un futuro nada prometedor, ¿crees que la civilización pueda mejorar su destino? ¿Qué soluciones puedes proponer para que la vida, la cultura y la civilización dejen de ser banales, según la opinión del autor? pendiente

Pensar el arte La belleza

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lo “La belleza no es s no ni que nos gusta e qu disgusta sino lo ”. nos detiene

Allain

túa “La belleza se si o”. en el conocimient

“No todo suelo ni oducir época pueden pr el mismo arte”.

bos

Jean-Baptiste Du

Y para ti, lleza? ¿qué es la be

Santo Tomás de Aquino

ciViliZAciÓn Y cUltUrA

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TEMA 2

Historia, estética y arte ACTÍVATE ¿Crees que la historia del arte debe estudiar solamente las obras que sean consideradas “bellas”? ¿Con qué palabras asocias la “estética”?

ARTE Y PARTE El primer historiador del arte Giorgio Vasari fue el autor de Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, obra escrita hacia 1550 y ampliada en 1568. Su importancia para la historiografía del arte moderno radica en que Vasari logró recopilar datos de interés para los estudios del arte italiano desde el siglo XIII al XV. En estudios posteriores, cuando se analiza el arte desde una relación entre obra y vida del artista, se dice que se aplica un método biográfico, cuyo referente sería Vasari, pues él entendía que se necesitaba conocer la biografía del creador para valorar mejor su trabajo artístico.

Retrato de Giorgio Vasari

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cercAmiento Al Arte

Una palabra que puede asociarse con la historia del arte es evolución, pues en ella hay una línea cronológica de propuestas artísticas. Estas no deben analizarse buscando cuál fue mejor: cada una es válida porque hizo un aporte desde el contexto en el que fue realizada. Se trata de ver y explicar cómo el ser humano se ha expresado artísticamente a lo largo de los años. La historia del arte se construye con aportes significativos. Algunos artistas han tomado obras ya existentes para reelaborarlas o parodiarlas, sin embargo esto tiene un sentido distinto a copiar o duplicar una propuesta creativa inicial. Si hay problemas artísticos irresueltos a lo largo de la historia, un artista podría partir de ellos para iniciar una investigación y aportar así sus propios hallazgos al respecto. No se trata solo de llevar estadísticas de quiénes son los artistas que crearon, o están creando, en determinado momento, sino que también es importante conocer qué hicieron o por qué lo hicieron. En este punto conocer la opinión de un historiador Lastenia con abanico negro. de arte sobre la calidad y la procedencia Miguel Von Dangel. (1997). de esas obras puede ayudar a comprender el contexto sociopolítico en el que fueron creadas y qué las hace pasar a la historia. Un historiador del arte –según Ernst Gombrich– debería estudiar no solo las obras que él considere como un aporte para la humanidad, sino aquellas que sean de menor relevancia. Para ello, debe hacerse preguntas sobre la obra. Pero tampoco se debe abandonar el criterio de selección de artistas y obras en base a valores de tipo social, moral y estético. La historia permite conocer el pasado, pero al estudiarla se puede construir un Lastenia Tello de Michelena. mejor futuro y además entender mejor Arturo Michelena. (1890). el presente artístico.

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La historia del arte


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La estética

EN UN CLIC

A lo largo del tiempo se ha concebido la estética desde dos perspectivas: como sinónimo de lo bello o como equivalente del arte. Es un término ambiguo y cambiante: la concepción de ayer no es la misma de hoy. Lo más apropiado es expandir su significado y entenderla primeramente como una reflexión sobre el arte (hecha por filósofos, estetas o investigadores), pero también como un término que admite entre sus acepciones la belleza. Alfonso Reyes, escritor mexicano, afirmaba que sin intención estética no podía haber literatura. Este postulado puede aplicarse al arte, pues el artista debía aspirar a hacer una obra que fuese la conjunción de un buen manejo de la técnica, más la realización de un discurso claro que pudiera ser fácilmente decodificado, entendido por el espectador. Un artista puede reflexionar y escribir sus postulados o “credos” estéticos, a través de manifiestos o textos que pueden denominarse “poéticas”. Un buen creador también es investigador; alguien que reflexiona sobre lo que va a crear, por qué, para qué y para quién. Cuando un espectador aprecia una obra de arte, puede tener una experiencia estética que equivale a una actitud personal que consiste en elevar el espíritu. Por lo general, se experimenta un sentimiento placentero al apreciar un trabajo plástico. Sin embargo, ya lo decía el pensador prusiano Immanuel Kant, en la Crítica del juicio (1790): “El juicio del gusto es relativo”; esto significa que lo que le puede gustar a un espectador no necesariamente gustará a otro. Incluso, hay obras cuya intención no es gustar sino causar displacer en quien las observa. Lo que implica que no solo hay estéticas de lo bello, sino también de lo feo. Esto habla de lo variado que es el gusto y de una estética cambiante a lo largo del tiempo, que varía según los estilos, movimientos artísticos o según el artista.

Un museo para el “mal arte”

Immanuel

Kant

Prusia 22/0 4/1724 12/02/1804 Filósofo de la ILUSTRAC IÓN

La mayoría de los museos busca tener en su acervo patrimonial obras con calidad estética. No en vano muchos de ellos llevan en su nombre las palabras “bellas artes”. Sin embargo, no todos los museos aspiran a coleccionar y exhibir obras bellas y que proporcionen placer al espectador. En Estados Unidos existe un Museo destinado al mal arte, llamado Museum of bad art, (MOBA), cuyo lema es “Arte demasiado malo como para ser ignorado”. Se dedica a conservar, preservar y exhibir cualquier tipo de manifestaciones artísticas que consideren de mala calidad. Muchas veces se juzga la obra por la incongruencia formal, espacial o temática que presenta. Parte del catálogo de este museo está en su página web: http:// www.museumofbadart.org/. www.museumofbadart.org/

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HiStoriA, eStÉticA Y Arte

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ARTE Y PARTE

La belleza

Variedades de lo bello

Todo juicio sobre lo bello es externo a la obra. Apreciar esta categoría depende de una actitud contemplativa del espectador, quien cataloga, según su experiencia, lo que observa. Hay receptores a quienes les gusta un objeto plástico luego de entenderlo. Esto significa que lo estético como sinónimo de lo bello comprende el sentido de la vista y el intelecto. Puede proporcionar, entonces, tanto placer estético como intelectual. Lo bello se aprecia en el arte y en la naturaleza: el rostro de un bebé, el de una mujer o un paisaje pueden parecer hermosos, aunque hay también quienes ven la naturaleza como algo imperfecto que puede perfeccionarse a través del arte. La belleza es plural, pero también tiende a responder a convenciones. Por ejemplo, en la Grecia antigua, muchos filósofos reflexionaron sobre lo bello. Platón le daba una connotación moral, pues la veía como sinónimo de verdad y de bondad. Para Aristóteles, estaba relacionada con el orden o la simetría. Por lo que no es de extrañar que en el mundo griego lo bello se relacionara con la forma armónica que pudieran tener tanto un objeto escultórico como el cuerpo humano. Sin embargo, la concepción de lo bello ha cambiado con el paso del tiempo y ha tratado de desligarse de parámetros establecidos. Tanto, que en el siglo XX los artistas vanguardistas no lo consideraron una noción válida e intentaron evitarla en sus producciones artísticas.

En todo caso, hay que entender que lo bello es variable tanto en el arte como en la vida. Por ello, no se debe sucumbir a nociones prefijadas de lo que es y debe ser hermoso. En el arte, una de las representaciones de la belleza humana, más allá de cánones y medidas, son las obras del artista colombiano Fernando Botero.

La familia presidencial. Fernando Botero. (1957). Óleo sobre tela. 203 cm x 196 cm.

Lo sublime Lo sublime es una concepción muy cercana a la estética. Es lo que altera las emociones y la actitud psicológica de quien contempla una obra. Se manifiesta a través de una pasión que puede elevar al ser humano a niveles casi metafísicos. Lo sublime puede gustar mucho, pero también puede aterrar. Ejemplo de una emoción de este tipo se tiene cuando el ser humano se enfrenta a la naturaleza, que muchas veces se revela avasallante e indomable. Caminante sobre el mar de nubes. Caspar David Friedrich. (1818). Óleo sobre tela. 74,8 cm x 94,8 cm.

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AcercAmiento Al Arte

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En la época actual existe un canon de belleza femenino que ha sido implementado por la moda o por los concursos. Sin embargo la hermosura de la mujer no se limita a las medidas perfectas de los centímetros 90-60-90 (busto, cintura y cadera, respectivamente). Hay civilizaciones en las que el modelo de belleza lo representa una mujer con sobrepeso.


El arte

ZOOM

Al hablar de arte se hace referencia a, al menos, tres nociones que han cambiado a lo largo del tiempo: la disciplina artística, el artista y el objeto plástico, al que se valora, comúnmente, por su estética. La palabra “arte” viene del latín ars, artis y, según su etimología, significa el “conjunto de preceptos para hacer bien algo”. Sin embargo, es el artista quien decide qué será el arte y cómo realizará su obra, pero para que sea considerada válida, requiere que sea aceptada por el público y la crítica como tal. La noción de artista ha cambiado en el tiempo, pero todo creador debe mantenerse como intérprete del mundo que lo rodea. El concepto de artista como autor de una obra en la que estampa su firma se popularizó en el Renacimiento, ya que en épocas anteriores, como la Antigüedad o la Edad Media, predominaba el anonimato. El artista es un artesano si realiza la obra, pero también puede tener ayudantes o encargarle a otro la ejecución de su trabajo y aun así seguir siendo el autor. Incluso, pudo haber concebido solo la idea, como sucedió en 1917 cuando Marcel Duchamp propuso un urinario como obra de arte. No lo hizo él, pero ese gesto hizo tambalear al tradicional concepto de arte. Un trabajo plástico no tiene que ser perdurable. Ejemplo de ello son los performances que se ejecutan en la calle y de los que prevalece una fotografía o video. De no haber registro, puede hablarse de un arte efímero, que tiene lugar en un tiempo y espacio determinados, pero que se desvanece luego de realizarse. A lo largo de la historia se aprecian obras bellas y armónicas, valores que desde la antigüedad grecolatina eran imprescindibles en el arte. También a una obra se le otorgaba valor si era una mímesis o imitación de la naturaleza o de la realidad. El artista debía reproducir su mundo externo. Ello haría también que el espectador asociara la obra con su entorno.

Tips para recordar • En el arte no hay nada definitivo, menos verdades absolutas. • La tecnología puede incidir en la ejecución de una obra plástica. Incluso, gracias a ella se puede simplificar lo que antes costaba mucho trabajo y tiempo realizar. • Hay diversas expresiones artísticas. No hay una que sea mejor que otra. Todas son válidas, siempre y cuando estén bien concebidas y realizadas. • Una obra de arte debe trasmitirle algo a su espectador, que es el destinatario e intérprete final del producto. Si bien el comportamiento natural del receptor es contemplar la creación artística, debe decirse también que cada vez más los artistas crean objetos estéticos que llevan a tomar una actitud más participativa para poder comprenderlos.

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La fuente. Marcel Duchamp. (1917).

El Tacuinum Sanitatis, manual medieval sobre salud y bienestar

La visitación. Rafael Sanzio. (1517). Óleo sobre lienzo. 200 cm x 145 cm. HiStoriA, eStÉticA Y Arte

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Actividades

Para realizar en el cuaderno

Responde: a) ¿Cuál es el objetivo de la historia del arte como disciplina? b) ¿Por qué se considera que Giorgio Vasari fue el primer historiador del arte?

2

Explica con tus propias palabras los siguientes conceptos: a) Estética b) Belleza c) Sublime d) Arte

3

Lee la siguiente frase, escrita por el filósofo prusiano Immanuel Kant: “El juicio del gusto es relativo”. Reflexiona sobre ella y redacta un texto breve en el que expongas tus interpretaciones y opiniones. Finalmente, compártelo con el resto de tus compañeros y compañeras.

4

Investiga la concepción que tenían Platón y Aristóteles sobre la belleza, para profundizar la información vista en el tema. Prepara una presentación oral en la que expongas ante tus compañeros y compañeras de clase las diferencias y similitudes que observas entre las posturas de ambos filósofos. Puedes apoyarte en imágenes si lo consideras necesario.

5

Formen equipos de trabajo. Imaginen qué tipo de museo, o museos, les gustaría que se construyera en la localidad en la que viven o en la que se encuentra su escuela. Describan cómo sería y qué colecciones guardaría. Argumenten sus respuestas. Finalmente, compartan la información con el resto de sus compañeros y compañeras de clase.

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Formen equipos e investiguen qué es un performance. Observen las siguientes imágenes y expliquen por qué se dice que, si no queda algún registro fotográfico, puede hablarse de un arte efímero.

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1

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Acercamiento al arte


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Observa la siguiente escultura del artista colombiano Fernando Botero. • Luego responde. a) ¿Qué representa la escultura? b) ¿Te parece bella? ¿Por qué? c) ¿Qué opinas sobre el estilo de Botero y su forma de representar la belleza? • Investiga sobre la trayectoria de Fernando Botero. a) ¿Cuál es la característica principal de sus obras? b) Menciona otras de sus esculturas. que representen animales.

Buscando la belleza Lo sublime

Gato. Fernando Botero. Plaza Botero. Medellín, Colombia.

Uno de los conceptos presentes en las reflexiones de los filósofos es el de lo sublime. Con este término se hace referencia a aquel sentimiento que se origina en el sujeto cuando, ante lo grandioso, se siente conmovido, puede sentir terror o maravillarse. Al pensar, por ejemplo, en el sentimiento que produce encontrarse frente al mar, en un primer momento la persona puede experimentar asombro y sobrecogimiento debido a su grandeza e infinitud. Luego esas emociones pueden transformarse y pasar, entonces, a una contemplación gozosa, en la que ya no se siente abrumada o absorbida por él.

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Dos hombres contemplando la luna. Caspar David Friedrich. (1819). Óleo sobre lienzo. 35 cm x 44 cm.

El camino se fue alargando por la espera. Vázquez Brito. (1984). Óleo sobre tela. 89 cm x 146 cm.

A partir de la explicación anterior y de la observación de las imágenes, responde: a) ¿Qué sensaciones te producen estos cuadros? b) ¿Qué semejanzas encuentras en ellos? c) Al contemplar las imágenes, ¿experimentas lo sublime? Argumenta tu respuesta. d) ¿Qué fenómeno de la naturaleza provoca en ti lo sublime? ¿Por qué? HiStoriA, eStÉticA Y Arte

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Actividades de refuerzo

Para realizar en el cuaderno

1

Redacta un texto en el que describas cuáles son algunas de las características de la cultura de tu país en cuanto a costumbres, arte, literatura, ciencia y gastronomía, entre otros.

2

Busca en una revista una imagen que represente un prototipo de la belleza femenina. Recórtala y pégala en tu cuaderno. Luego responde: a) ¿Cuál es el canon o modelo de belleza que puede apreciarse en la fotografía? b) ¿Cuál es tu opinión con respecto a ese prototipo de belleza? ¿Te parece válido? Argumenta tus respuestas.

3

Fernando Savater, filósofo español, dice que una persona culta es la que conoce no solo su cultura sino la de los demás. ¿Estás de acuerdo con este pensamiento? Argumenta tus razones.

4

Investiga cuáles son algunas de las instituciones que se dedican al estudio o difusión de la cultura popular en el país y redacta un breve texto en el que expliques cuáles son sus funciones y objetivos.

5

Busca la imagen de un paisaje (puede ser de una revista, periódico, folleto o una fotografía). Recórtala y pégala en tu cuaderno. Luego responde: a) ¿Crees que la naturaleza es perfecta? ¿Por qué? b) ¿Crees que un artista perfecciona en el arte lo que en la naturaleza se percibe como imperfecto?

6

¿Alguna vez has tenido una experiencia sublime ante una obra de arte o ante la naturaleza? Redacta en tu cuaderno tu vivencia. Si nunca has sentido algo parecido, entrevista a alguien que lo haya vivido y narra la anécdota.

7

Elabora un organizador gráfico en el que especifiques los tipos de civilizaciones existentes y cuáles fueron sus aportes más importantes a la cultura actual.

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Lean los siguientes planteamientos de Ernst Gombrich, historiador del arte. Luego respondan las actividades que se proponen al final:

“No hay razón por la que un historiador de arte no deba estudiar a los maestros menores o los humildes productos de las artesanías populares”. “El arte es una organización de valores”. Ernst Gombrich Enfoques de la historia del arte: tres puntos de discusión. (1997).

9

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Visiten un museo y escojan la obra que más les guste. Tómenle una fotografía sin flash (si el museo lo permite), imprímanla y péguenla en una hoja. En la misma hoja, escriban un breve texto en el que respondan: a) ¿Quién es el autor y cuál es el tema tratado? b) ¿Qué creen que el autor quiso expresar con esa obra? c) ¿Cómo empleó los elementos de expresión? Acercamiento al arte

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a) ¿Por qué crees que es importante conocer la cultura popular? b) Formen equipos y discutan qué es para ustedes el arte. Debatan con el resto de sus compañeros y compañeras las ideas de cada equipo al respecto.


Arte en acción Elaborar formas a partir de una lectura Materiales • Un cuento o una novela de tu preferencia • Papel y lápiz Procedimiento • Copia un cuento o un fragmento que te guste del texto elegido. • Extrae del texto los conceptos de objetos, imágenes y formas. • Haz dibujos que representen esos conceptos, para sustituir algunas palabras. • Entrégale tu texto modificado a un compañero o una compañera y pídele que lo lea en voz alta. • Solicítale que sustituya con palabras las formas que dibujaste, al momento de leer el texto.

Autorretrato Materiales • Un espejo

• Papel

• Creyones o tiza

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Procedimiento • Siéntate frente al espejo y refleja tu mejor expresión. • Ten preparado el papel y el creyón o la tiza en tu mano. • Comienza a realizar unos trazos para representar tu rostro. • Aplica primero los colores claros y luego los oscuros. • Utiliza un pañuelo o tu dedo para difuminar los colores de tu piel, ojos y cabellos. • Aplica toques de luminosidad, ya sea restando pigmento con un pañuelo para dejar ver el papel o agregando colores más claros. • Aplica toques de sombra con trazos de un color más oscuro. • ¿Se parece a ti? Si no se parece mucho, repite la operación. • Al finalizar muestra tu trabajo al resto de la clase y pídeles que indiquen qué rasgos fueron los mejor logrados en el autorretrato.

Alejandro Otero

Rembrandt

Barbaro Rivas

Frida Kahlo Acercamiento al arte

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Galerías y museos

Caracas

Museo de Ciencias Naturales

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El Museo de Ciencias Naturales fue fundado en 1875, durante el mandato de Antonio Guzmán Blanco. Inicialmente recibió el nombre de Museo Nacional y estaba ubicado en el actual Palacio de las Academias. Su primer director fue el científico alemán Gustavo Adolfo Ernst (1832–1899), quien tuvo como tarea primordial acopiar y organizar las diversas colecciones que conforman el patrimonio cultural de la institución.

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Museo de Bellas Artes

Unearte (antiguo Ateneo de Caracas) Teatro Teresa Carreño

Plaza de Los Museos Museo de Ciencias Naturales Parque Los Caobos

Museo de Ciencias Naturales

El 24 de julio de 1940 el museo fue mudado a su sede actual, cuya edificación fue diseñada por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva. En esa época, su director era el científico carabobeño Walter Dupouy (1906-1978). Este edificio fue declarado Patrimonio Histórico de la Nación en el año 1994. El Museo de Ciencias Naturales resguarda colecciones constituidas por muestras de arqueología, antropología física, etnografía, paleontología, herpetología, ictiología, teriología, invertebrados, ornitología y mineralogía. El Museo ofrece al público visitante un interesante programa de actividades, además de alternativas de entretenimiento y aprendizaje como, por ejemplo, el centro de documentación y la sala de lectura.

El Museo de Ciencias Naturales pertenece a la Fundación Museos Nacionales. Está ubicado en Caracas, específicamente en la Plaza de los Museos, al comienzo del Parque Los Caobos, en Bellas Artes.

Cara a cara con el arte Ernst Gombrich (1909-2001)

¿Cómo fue su infancia y su juventud? Mi madre era pianista y mi padre abogado. Desde muy joven me interesé por el arte. Me gustaba mucho leer al respecto y visitar museos, principalmente el Museo de Arte Histórico. Como no me gustaban las opiniones de los pensadores de mente cerrada; tampoco quise ser uno de ellos. ¿Cuál fue su experiencia en el mundo académico? Estudié Historia del Arte en la Universidad de Viena. Me titulé en 1933. En 1936 me trasladé a Gran Bretaña. Allí fui asistente de investigación y luego director del Warburg Institute, creado por, el también historiador del arte, Aby Warburg. Di clases en prestigiosas universidades como Oxford, Cambridge y Harvard.

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AcercAmiento Al Arte

Cuéntenos alguna anécdota de su vida Mi lengua materna es el alemán, pero aprendí más sobre el idioma inglés traduciendo programas de radio del alemán a la lengua inglesa. Este trabajo lo hice para la BBC de Londres. Escribí un libro, Historia del Arte (1950), destinado a un público joven. Este texto se ha editado más de 16 veces en más de 20 idiomas. En el Reino Unido, en 1972, me otorgaron el título de honor de Sir, que se traduce como “Señor”. ¿Qué nos puede decir sobre los libros que ha escrito? Además de Historia del Arte (1950), también publiqué Arte e ilusión (1960), Temas de nuestro tiempo (1991), La imagen y el ojo (2002), entre muchos otros.

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El día de hoy conversaremos con Sir Ernst Gombrich, reconocido historiador, investigador y profesor de arte.


Idea para la acción

Agenda cultural

Propósito: elaborar una agenda en la que se expongan los eventos más importantes relacionados con la movida cultural que se presentarán, durante un mes, en el municipio en el que viven. 1

2

Documentación • Reúnan la mayor información posible de los eventos culturales que habrá durante ese mes en la localidad en la que trabajarán. Pueden solicitar información en los departamentos de cultura Adela Basch de la alcaldía. • Busquen información que les permita saber dónde se estarán Elenco y costos. realizando estas actividades: fechas, horarios, ubicación de actores Planificación • Escojan los diversos eventos culturales a los que les gustaría asistir y que quisieran promocionar. h • Fíjense en el carácter gratuitoAdelaoBascpago de cada actividad.Equipo ra • Ordenen los eventos de manera cronológica. profeso bría m Ana U • Escojan, según su relevancia, un s,evento por día. Recuerden André Sara, a, and e m A rg que la agenda contemplará los de un mes. Joeventos Raúl y • Consideren la posibilidad de incluir dibujos o imágenes que hagan referencia a cada evento.

Adela Basch

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TEATRO

Puesta en acción • Hagan un borrador o papel de trabajo de la agenda y luego desarrollen la versión definitiva en el formato y material seleccionado. • Exhiban su agenda cultural en un lugar visible, para que los miembros de la comunidad educativa puedan verla. • Expongan de manera oral en su salón de clases cómo fue el proceso de selección de los eventos y la elaboración de la agenda. • Indiquen, a través de una breve reseña, de qué tratará cada evento. • Resalten y distingan los días de la semana en los que se realizarán los eventos. SERIE: 105

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Q35.00

Evaluación • Comprueben si la organización y presentación de los eventos expuestos fue la correcta. • Contesten y debatan preguntas como: ¿qué aspectos de la realización de la agenda y de su exposición oral podrían mejorarse? ¿Cuál es la importancia de conocer y asistir a los eventos culturales que se realizan en una localidad determinada? AcercAmiento Al Arte

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No. 0037


PROPORCIÓN

Galería escolar Al finalizar esta unidad elaborarán, en grupos, una galería escolar en la que expondrán maquetas, fotografías, pinturas, esculturas o vitrales hechos por los y las estudiantes, que aludan a las manifestaciones artísticas vistas en esta unidad.

De Grecia al Renacimiento

Simetría

Religión

Belleza Culto a los dioses

Civilización occidental

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• Comprender el arte como una disciplina cambiante en el tiempo.

GRIEGO

ARTE ROMANO Derecho Latín

DISCÓBOLO

Idea para la acción

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ARTE

• Analizar las obras de arte según su temática, elementos de expresión, composición, técnicas y materialidad.

Culto a los gobernantes

• Encontrar puntos de encuentro y diferencias entre cada etapa del arte.

Colosalismo

• Identificar las manifestaciones plásticas y artísticas según su período de desarrollo.

UTILIDAD

• Reconocer los aportes que se hicieron al arte desde cada uno de los períodos estudiados.

No siempre se le ha llamado artista al hacedor de obras. Este concepto nació en el Renacimiento, en conjunto con la creatividad y con la noción misma de arte. Sin embargo, la mirada actual considera como arte las manifestaciones plásticas realizadas desde la antigüedad hasta nuestros días, considerando el arte como un aporte a la sociedad, a la cultura y, en definitiva, una propuesta que cambie la Historia.

Practicidad

Logros esperados

¿Qué obras ingresan a la Historia del arte?

COLISEO

U3

De Grecia al Renacimiento


Para reflexionar y debatir Conversa con tu docente, tus compañeros y compañeras: ¿has escuchado hablar del arte en Grecia, Roma, la Edad Media y el Renacimiento? ¿Puedes identificar una obra de cada período? ¿Por qué crees que es importante el estudio del arte de estas épocas?

Observa las imágenes y las palabras que las acompañan. ¿Te dan una idea de cómo ha cambiado el arte a través del tiempo? Explícalo con tus propias palabras.

ARTE MEDIEVAL ARTE MEDIEVAL Panto crá tor m s i o l o D b

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ARTE

RENACENTISTA

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pensamiento

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ARTENATURALEZA

creatividad

De Grecia al Renacimiento

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TeMa 1

El arte en Grecia acTÍVaTe ¿Cómo crees que se reconoce una obra de arte producida durante la antigüedad clásica? ¿Conoces alguna de estas obras?

ZOOM Cerámica griega La pieza de cerámica que destaca es la vasija. Fue destinada a diversos usos. Algunas de las decoraciones de las vasijas eran: Figuras negras sobre fondo rojo (siglo VII a.C.): predominó en ellas el tema mitológico. El dibujo se hacía sobre arcilla. Figuras rojas sobre fondo negro (siglo VI a.C.): podían representar elementos antropomorfos y zoomorfos. Se hicieron vasijas con relieve.

Civilizaciones prehelénicas: cultura creto-minoica (hacia 1650 a.C.) La palabra minoica, que le da nombre a esta cultura, tiene su referente en Minos, rey de la isla de Creta. Según la mitología griega, el dios Poseidón le entregó un toro para que lo sacrificara en su honor. Como Minos no lo hizo, la divinidad lo castigó al unir a su esposa Pasifae con el toro. De la unión nació un minotauro que Minos mandó a encerrar en el laberinto de Creta, y que ha sido asociado desde la antiguedad con el Palacio de Cnossos. Esta civilización fue hábil construyendo edificios, como palacios. Se cuenta que el Palacio de Cnossos, ubicado en la colina de Kefala, tenía aproximadamente 1 300 habitaciones. En su santuario estaba la Diosa de las serpientes, estatuilla de cerámica que alude a la fertilidad tanto de la tierra como de la mujer. Está representada con un rostro expresivo, torso sensual, brazos fuertes y poderosos que dominan a estos animales. Este sitio arquitectónico era el epicentro del desarrollo de la cultura y de la economía, basada en los productos marítimos, que eran su fuente de sustento. Esto se observa incluso en el Megarón de la reina, decorado con delfines. Son célebres las columnas lisas de color rojo que sostienen esta edificación.

Civilizaciones prehelénicas: cultura micénica (aproximadamente desde el siglo XVI al XI a.C.)

Diosa de las serpientes

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De Grecia al renacimiento

Micenas debe su nombre a la ciudad ubicada en Corinto. Su representación más conocida es La Puerta de los leones. Se dice que era una entrada en forma de escudo que aludía al parentesco de los habitantes. También destaca la Máscara de Agamenón, uno de los reyes de esta ciudad, labrada en oro. © editorial santillana, s.a.

Rojo sobre negro y negro sobre rojo.

Puerta de los leones Palacio de Cnosos

Megarón de la reina


Escultura griega La escultura griega se divide en tres períodos en los que la figura humana se representa de manera diferente: Período arcaico (del siglo VIII hasta el VI a.C.) Lo antropomorfo se representa de manera rígida, con ojos almendrados, debido a la influencia del arte mesopotámico. Los rostros son inexpresivos, salvo por una ligera sonrisa. Característicos de este período son los denominados Kuros o Kuroi, en el caso masculino; y Koré o Korai, en el femenino. Representados de manera frontal con un pie hacia adelante, con el fin de sugerir movimiento, romper lo rígido y ganar espacio. El hombre y la mujer son muy parecidos, solo se diferencian en la ropa o en el cuerpo. El Moscóforo es una obra clave del período arcaico. No hay expresión ni en el rostro del atleta ni en el animal que será sacrificado. Son obras idealizadas en las que el esfuerzo físico no se corresponde con el rostro del hombre.

Kuros o Kuroi Koré o Korai Moscóforo

Período clásico (del siglo VI hasta el V a.C.)

Doríforo. Policleto

Zeus. Fidias

Aunque los rostros siguen siendo idealizados, la anatomía del cuerpo es perfecta y atlética. Hay belleza y armonía. Durante este período destacan los escultores Mirón, Policleto y Fidias, siendo este último quien se encargara de los trabajos escultóricos del Partenón. El Discóbolo, de Mirón, es una escultura en la que se detiene el tiempo. El atleta está a punto de lanzar el disco. Parece estar ante una actividad que no le genera presión ni esfuerzo físico, pues su rostro está sereno. Hay un movimiento sugerido; la escultura ha dejado de ser rígida y puede ser vista desde distintos ángulos.

Gálata Ludovisi

Discóbolo. Mirón

© editorial santillana, s.a.

Período helenístico (del siglo III hasta el II a.C.) En este período los gestos de las figuras son expresivos y realistas, acordes con la situación que les ocurre. Ejemplo de ello es el Laocoonte, del grupo escultórico de Rodas, obra que capta el clímax de la escena. En él hay cuerpos retorcidos, gritos o quejidos detenidos y rostros que señalan dolor. Laocoonte y sus hijos

el arte en Grecia

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Arquitectura griega En la arquitectura griega destacan los templos dedicados a un dios específico, ya que estos eran los lugares que los albergaban. Estas edificaciones fueron construidas bajo el ideal de la armonía. El templo tenía partes muy bien definidas entre sí, como por ejemplo: Partes del Partenón

Planta del Partenón de Atenas

Peristilo. Conjunto de columnas ubicadas en el pasillo. Los templos recibían su nombre dependiendo de la cantidad que tuvieran. Se llamaba hexástilo si tenía seis columnas; tetrástilo, si tenía cuatro; y octástilo, si tenía ocho, como era el caso del Partenón.

Opistódomo. Estructura similar al peristilo, pero ubicada en la parte trasera del templo. Tenía una entrada para la sala de los tesoros. Naos o cella. Sitio rectangular en el que se ubicaba la estatua de la divinidad.

Pronaos. Vestíbulo o parte anterior a la naos o cella.

Tipos de jambas o muros griegos En el sistema constructivo griego resalta el uso de jambas o muros, que son soportes verticales en los que descansa un dintel, elemento usado por los egipcios y que, posteriormente, fue muy empleado en la época romana y en el Renacimiento. También se emplearon columnas para sostener las edificaciones, como los templos. Dichas columnas se clasifican, según la disposición de sus elementos, en órdenes dórico, jónico y corintio. Rosetón

Ábaco Equino Voluta

Hoja de acanto

Estría Fuste

Astrágalo Escocia

Basamento Dórico. Muy usado durante el período arcaico. Se distingue por su capitel conformado por el ábaco (forma cuadrada) y el equino (moldura convexa). Su fuste generalmente es estriado, aunque también los hay lisos. Se ensancha en el centro. La columna está apoyada directamente en el estilóbato.

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De Grecia al Renacimiento

Arista

Estría

Jónico. Presente en el período clásico. Se distingue por tener en su capitel volutas con forma de espiral. Estas se encuentran unidas mediante líneas curvas. Las columnas están apoyadas sobre una basa que hace que no descansen directamente en el estilóbato, como sí lo hacían las dóricas. El fuste se revela alargado y acanalado.

Bocel Escocia Corintio. Es una variación del estilo jónico. Su capitel asemeja a las hojas de acanto dispuestas en forma de caída. También tiene volutas. Estas columnas aparecen en el período helenístico. Están adosadas sobre una basa. Su fuste posee más estrías que la columna jónica.

© editorial santillana, S.A.

Arista


La Acrópolis de Atenas

GlOSarIO

La Acrópolis de Atenas fue concebida por los griegos como un recinto sagrado, ubicado en el lugar más elevado de la cuidad. A ella se entraba por los propileos. Era un emplazamiento antiguo, que data del período arcaico, pero fue en el siglo V cuando se reconstruyó y alcanzó su esplendor, gracias al impulso del orador y político Pericles. Los templos griegos usualmente se ubicaban hacia la coordenada Este. Dentro de ellos había una representación antropomórfica del dios al que estaban dedicados. Algunos de los edificios que formaban parte de la Acrópolis eran:

acrópolis. Sitio más alto y fortificado de las ciudades griegas. En la actualidad, también se le llama así a la parte más alta de algunas ciudades romanas o de otras civilizaciones. lapita. Individuo de un pueblo de los tiempos heroicos de Grecia, que habitaba en Tesalia, cerca del monte Olimpo, y se hizo famoso por su lucha contra los centauros en las bodas de Pirítoo. A sus seguidores se les llamó lapitas.

1 2

metopa o métopa. En el friso dórico, espacio que media entre triglifo y triglifo. triglifo o tríglifo. Adorno del friso dórico que tiene forma de rectángulo saliente y está surcado por tres canales. 1 Partenón

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Un de los principales de la Acrópolis. Más que un templo dedicado a la diosa Atenea Parthenos, esta edificación también se utilizó como un fortín en el que se almacenaron explosivos. En su friso se narra la historia de la colisión entre Atenea y Poseidón, quienes se disputaron Atenas. También se cuenta la procesión de las Panateneas en homenaje a la diosa tutelar de la cuidad. En las metopas se observa la lucha entre centauros y lapitas; Fidias trabajó tanto en la realización de estas como en el frontón. La construcción estuvo a cargo de Ictino y Calícrates. Fue inaugurado en el 438 a.C. Tiene 8 columnas dispuestas en el frente y al final por 17 laterales. El Partenón es un templo octástilo y períptero (columnata alrededor), de estilo dórico en la parte exterior y jónico en la interior. Entre los materiales utilizados para su construcción destaca el mármol pentélico. El terreno donde se instaló el Partenón era desigual, por lo que la estructura se construyó con cierta curvatura. Los arquitectos no aplicaron rigurosamente el canon, pero aún así lo hicieron armónico en sus proporciones.

2 Erecteión

Templo jónico dedicado a Erecteo, Atenea y Poseidón, que destaca por el balcón de las Cariátides, obra de Alcámenes, conformado por seis esculturas de mujeres que fungen como columnas. Una de las Cariátides no es original, pues la auténtica está exhibida en el Museo Británico de Londres. Cariátides

Atenea

Es la diosa de la guerra, civilización, sabiduría, estrategia, de las artes, de la justicia y de la habilidad. Una de las principales divinidades del panteón griego y una de los doce dioses olímpicos, Atenea recibió culto en toda la Grecia Antigua y en toda su área de influencia, desde las colonias griegas de Asia Menor hasta las de la Península Ibérica y el norte de África.

el arte en Grecia

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Actividades

Para realizar en el cuaderno

1

Investiga quién fue Pericles e indica por qué se considera que durante su período (siglo V a.C.) florecieron las artes en Grecia.

2

Redacta un texto breve en el que expongas la importancia de la mitología para el arte griego.

3

Indaga en la mitología griega sobre el episodio del Minotauro. Luego responde: a) ¿Qué sucedió con el Minotauro que escondía Minos en el laberinto? b) ¿Qué otros personajes mitológicos estaban involucrados en esta historia?

4

Dibuja la fachada de un templo griego y señala las siguientes partes: frontón, metopa, triglifo, acrótera, columna, basa, capitel, fuste, friso, cornisa y entablamento. En caso de ser necesario, y con la ayuda de un diccionario, define las palabras que desconozcas y anótalas en tu cuaderno.

5

Observa las imágenes e indica a cuál orden arquitectónico pertenecen las columnas de los templos:

6

Lee el siguiente texto: Sócrates: “¿por qué no hizo de marfil sino de piedra las partes medias de los ojos? ¿Las piedras son también algo bello? ¿Convendremos en ello, Hipias?” Hipias: “Convendremos siempre que se haga apropiadamente”.

Templo de Atenea Niké

Templo de Hera

Platón. Diálogos. Hipias Mayor.

7

Observa esta vasija y señala: a) ¿A qué tipo de cerámica griega pertenece? b) ¿Con qué materiales se hizo? c) ¿Cuál es el tema tratado?

8

Investiga qué significado tenía la figura del búho dentro de la mitoligía griega.

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De Grecia al renacimiento

Olimpeion

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• Ahora reflexiona y responde: a) ¿Es el material lo que hace que algo sea bello, o es la manera en la que está hecho? Argumenta tu respuesta. b) ¿El tema que se representa en una obra de arte es y debe ser bello? ¿Por qué? c) Investiga quiénes fueron Platón, Sócrates e Hipias y qué relación existía entre ellos. d) Investiga sobre la mayéutica y escribe con tus propias palabras en qué consiste.


9

Observa la siguiente imagen y luego responde: a) Según sus características, ¿a qué período de la escultura griega pertenece esta obra? Menciónalas. b) ¿Cuál es el tema que trata? c) ¿Te parece bella? ¿Por qué? d) ¿Cuál es tu apreciación de esta obra? ¿Te gustó? ¿Qué sensación te produce, placer o displacer? Argumenta tus respuestas.

Galo moribundo

10

Redacta en tu cuaderno las biografías de Policleto y Praxíteles. Toma en cuenta años de nacimiento y muerte, dónde vivieron, algunas anécdotas y sus principales obras.

11

A partir del siguiente texto, redacta otro en el que establezcas la relación existente entre este planteamiento y la escultura griega. Los griegos tenían un ideal de belleza asociado con la juventud. De hecho, creían que el hombre debía ir al gimnasio para hacer bello su cuerpo y buscar o practicar actividades que hicieran noble su espíritu, como la filosofía, las artes o la literatura.

12

Formen equipos y elaboren un juego de memoria a partir de estas instrucciones: a) Escojan seis imágenes del arte griego. Tomen en cuenta el arte de las civilizaciones prehelénicas, la cerámica griega, la escultura y la arquitectura helénicas. b) Pueden dibujar, recortar o imprimir las imágenes. c) Peguen las imágenes en un material resistente (puede ser cartón, foamy o cartulina). d) En la parte de abajo, escriban una pequeña leyenda que indique su nombre, autor, fecha (en caso de tenerla) y tipo de manifestación plástica (cerámica, escultura o arquitectura, por ejemplo). Las imágenes deben estar duplicadas para que con ellas pueda crearse un juego de memoria con el que jueguen en pareja. En total serán seis pares de imágenes.

pendiente

Buscando la belleza

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El canon En la búsqueda de la belleza, Policleto y Praxíteles crearon cánones, es decir, reglas de las proporciones de la figura humana. En el caso de Policleto, la medida del cuerpo equivalía a repetir la medida de la cabeza siete veces más, a lo largo de la anatomía. Praxíteles, conocido por la curva praxiteliana (suerte de “S” que se generaba entre la cabeza y el cuerpo humano) estimó su canon en repetir la cabeza ocho veces a lo largo del cuerpo. A partir de la explicación anterior y de la observación de las imágenes, responde: a) ¿Crees que hay un canon o medida definidos para Policleto decir que un cuerpo humano es bello? b) ¿Cuál de estos dos cánones te parece más acertado? ¿Por qué?

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7 Praxíteles

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TeMa 2

El arte en Roma acTÍVaTe ¿Conoces el legado de la civilización romana en la cultura occidental actual?

Rómulo y Remo Según la mitología romana Rómulo y Remo –hijos gemelos de Marte, dios de la guerra y de Rea Silvia, hija del rey de Alba, Numitor– fundaron la ciudad de Roma. Los niños fueron abandonados en las aguas del río Tíber, pero una loba los encontró y los amamantó. Rómulo quería hacer poderosa su ciudad. Trazó los límites de ella según los presagios divinos e hizo levantar una muralla que nadie debía traspasar. Remo subvirtió la orden y cruzó la división. Rómulo, fiel a su dictamen, lo mató e hizo cumplir su palabra sin importar que se tratara de su gemelo; aunque luego, arrepentido y en honor a su hermano, decidió bautizar la ciudad con el nombre de Roma.

Rómulo y Remo (detalle)

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e

Grecia al renacimiento

Características generales de la civilización romana • Roma fue un pueblo de estadistas y guerreros en su mayoría. Sin embargo, también existieron personajes que cultivaron las artes. • A finales del siglo IV, con la muerte de Teodosio, el Imperio quedó dividido en dos: el Imperio romano de Occidente, cuya capital era Roma; y el Imperio romano de Oriente, con capital en Constantinopla. • Los romanos recibieron influencia de los sabinos, los latinos y los etruscos. De estos últimos heredaron su concepción sobre la muerte como una vida después de la vida, a la que no se le debía temer. • Cronológicamente se establecen tres períodos para describir el desarrollo del arte romano: • Arcaico o monárquico (753-509 a.C.). • Republicano (509-27 a.C.). • Imperial (27 a.C.-395 d.C.).

Arquitectura romana La arquitectura es la manifestación más importante del arte romano. Los romanos crearon construcciones utilitarias con sentido urbanístico; adoptaron de los griegos la manera de distribuir las calles en cuadras. Tendieron a lo colosal, a lo grandilocuente. A través de los monumentos, como los arcos de triunfo, conmemoraban sus logros militares. Estos arcos se erigían en honor al César u otro sujeto de gran valía. En este aspecto, el Arco de Tito, sirvió como propaganda de la clase poderosa. Como innovaciones de la arquitectura romana resaltan: • Bóvedas de aristas. Caracterizadas por el cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón. • Arcos. Elemento muy demandado. Lo usaban en ventanas y puertas. • Arco de medio punto. Su curvatura asemeja a la de la mitad de una circunferencia. • Cúpulas. Se usaban en edificaciones con estructura circular. Arco de Tito. Roma

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cOneXOS cOn... MITOlOGÍa


Influencia griega en la arquitectura romana El arte romano se puede calificar como una prolongación y una adaptación del arte griego. De él, los romanos tomaron las órdenes arquitectónicas, pero realizando ligeras variaciones, de las que surgieron los órdenes: • Toscano o etrusco. Muy parecido al estilo dórico griego aunque, generalmente, su fuste es liso. • Jónico. Mantiene el nombre del orden griego, pero varía su estructura. Es más alto y las volutas se unen no por una curva sino por una línea recta. • Compuesto. De los tres órdenes es el que tiene un origen más romano. Su capitel resulta una Foro romano. Italia mezcla del estilo jónico y el corintio, pues conjuga las volutas con las hojas de acanto. Los romanos también se inspiraron en la arquitectura griega para crear el foro, una estructura arquitectónica muy parecida al ágora o plaza pública. El foro fue concebido como un sitio de reunión, en el que se hacían comicios, mercados u otras actividades.

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Principales edificaciones romanas

ZOOM Coliseo de Roma o Anfiteatro de Vespasiano Este anfiteatro debe su nombre al hecho de que su construcción comenzó durante el mandato del emperador Vespasiano en el 72 a.C. De planta oval y tres pisos de altura, tiene gradas para albergar a 60 000 personas. Se usaron distintos tipos de órdenes para la creación de las columnas de su fachada. Algunas de las partes que lo constituían son: Arena. Lugar en el que se celebraban los espectáculos.

Podium. Elevación que rodeaba la arena con el fin de impedir que las fieras se acercaran a las personas. Palco de honor. Lugar en el que se ubicaba el emperador y su séquito.

Entre las principales edificaciones construidas por la civilización romana se encuentran: Editoris tribuna. Tribuna • Templos. A diferencia de los griegos, los templos romanos tenían situada frente al palco mayor elevación en su base, pues estaban asentados sobre un podio. de honor, en la que se sentaban figuras como • Teatros y anfiteatros. Este último es una invención romana. cónsules y pretores. Tenía como función ser recinto de peleas de gladiadores, de animales feroces, e incluso se simulaban guerras. • Puentes. Tenían como finalidad facilitar el transporte de un sitio a otro. Además de ser utilitarios, su estructura destacaba por su belleza, como es el caso del Puente-acueducto Pont du Gard que tenía doble función: ser vía terrestre y conducto del agua. Entre los materiales que los romanos utilizaron destacan la piedra, el mármol, el cemento y el ladrillo. Usaron el mortero (combinación de arena con agua y otro aditivo) y el hormigón Pont du Gard, puente-acueducto. Francia (mezcla de cal con piedra volcánica). el arte en roma

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arTe Y parTe

Escultura romana

Mosaico romano

La escultura ocupó un lugar destacado entre los romanos y estuvo influenciada tanto por el arte griego como por el etrusco, en cuanto a su forma y su función votiva (a manera de ofrenda). Uno de los fines más comunes que tuvo la escultura romana fue el funerario. Por lo general, los romanos les hacían mascarillas a los difuntos, utilizando materiales como el yeso. Esto les servía como modelo para la escultura propiamente dicha, las cuales destacaban por su carácter realista, cercano a lo físico y a lo gestual del rostro. Por ejemplo, el busto de Lucio Junio Bruto, quien fue el fundador de la República romana. Durante la época imperial destacó la escultura con fines proselitistas en las que se representaba al emperador como un dios. Durante los siglos III y IV d.C. las esculturas daban cuenta del hieratismo o solemnidad en la representación. Tal es el caso de la estatua sedente colosal de Constantino. El relieve romano se caracterizó por su carácter narrativo. Entre estos relieves destaca la Columna Trajana, cuya intención era propagandística. Cuenta la lucha que entabló Trajano con los dacios, a manera de narración circular y en forma de espiral. También resalta el Ara Pacis Augustae (Altar de la Paz de Augusto), que representa una suerte de oda visual al imperio de Augusto.

Los mosaicos romanos tenían como función decorar los pisos. Para hacer estas obras, los romanos emplearon piezas de piedra, cerámica, vidrio u otros materiales similares de diversas formas, colores y tamaños –llamadas teselas– con las que creaban figuras geométricas o formas parecidas a las empleadas en la pintura.

Teseo y el minotauro. Mosaico romano

Pintura romana Las pocas pinturas que se conocen del arte romano se conservan en las paredes interiores de casas de algunas ciudades, en la propia Roma y en ruinas ubicadas en las colonias orientales: ciudades devastadas por las erupciones del volcán Vesubio en el año 79 d. C. Esta pintura continuó el legado de la realizada durante el período helenístico, por lo que es una muestra de arte romano y una referencia del griego. También tiene una reminiscencia a las manifestaciones etruscas. Al ser un arte mural, está ligado a la arquitectura. Se trabajaba a través del fresco y la encáustica. Los romanos recurrieron a la mitología y a la vida cotidiana como motivos pictóricos.

Columna Trajana. Roma

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De Grecia al renacimiento

Ara Pacis Augustae. Roma

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Busto de Lucio Junio


Actividades

Para realizar en el cuaderno

1

Lee la siguiente frase de Cicerón, filósofo y político romano: “Hemos vencido a todas las naciones del mundo porque nos hemos dado cuenta de que el mundo está dirigido y gobernado por los dioses”. • Ahora, responde: a) ¿A qué dioses se refiere Cicerón? b) ¿Con cuál característica de los romanos puedes asociar la frase anterior? c) ¿Crees que los romanos fueron un pueblo tan religioso como el griego? Argumenta tu respuesta.

2

Observa la imagen y responde las preguntas a continuación: a) ¿Quién fue Augusto? b) ¿Cómo está representado en esta escultura? ¿De manera poderosa o débil? c) ¿Te recuerda a alguna escultura griega?

3

Investiga la función de las siguientes edificaciones romanas: a) Termas c) Circo b) Panteón d) Basílicas

4

Señala en el cuadro, con una X, las características de la arquitectura griega y romana, según sea el caso. Características arquitectónicas

Augusto de Prima Porta

Grecia

Roma

Implementaron los órdenes dórico, jónico y corintio Emplearon el arco y la bóveda Arte con fines utilitarios y pragmáticos Arte eminentemente sagrado

pendiente

Pensar el arte

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El arte a través del tiempo

Grecia y Roma il” “Lo bello es difíc

Platón

Edad Media osa “Pregunto, ¿es herm a, o st gu ue una cosa porq zón ra la es que gusta por ” de que es hermosa?

San Agustín

Renacimiento sa “La pintura es co mental”

es Y tú, ¿cómo v s el arte a travé del tiempo? i

Leonardo Da Vinc

el arte en roma

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TeMa 3

El arte en la Edad Media acTÍVaTe ¿Por qué crees que la Edad Media se llama así?

cOneXOS cOn... HISTOrIa UnIVerSal La Edad Media La Edad Media recibió este nombre porque corresponde al lapso entre el esplendor de la cultura grecolatina y el apogeo cultural del Renacimiento. El arte medieval está marcado por la religión cristiana, como una expresión de fe. Las imágenes debían llegar a todas las personas, incluso a quienes no sabían leer. En tal sentido, el arte medieval tenía un fin didácticopedagógico. El artesano medieval debía transmitir un mensaje claro a través de su obra.

Arte cristiano Aunque se considera cristiano cualquier arte inspirado en esta religión, en la Historia del arte se reconoce como arte cristiano aquel que se desarrolló en Europa y en el Cercano Oriente entre los siglos IV y XIV. Dentro de esta tendencia se reúnen cuatro estilos: • El paleocristiano o arte cristiano primitivo • El bizantino, que se desarrolló en Oriente • El románico y el gótico, que se desarrollaron en Europa. No solo el arte visual respondió a las ideas y los principios de la fe cristiana, sino también manifestaciones como la música y la literatura reflejaron el tono religioso.

Arte paleocristiano Los inicios del arte paleocristiano fueron casi clandestinos hasta el decreto del edicto de Milán. Luego de esto se desarrolló con mayores libertades. Es por ello que se han encontrado en las catacumbas esculturas, pinturas y mosaicos con motivos religiosos y funerarios. La decoración de los sarcófagos aludía a temas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Entre las catacumbas más destacadas están las de San Calixto y Santa Priscila, en Italia. Cuando pudieron mostrar su arte con libertad, los primeros cristianos usaron las basílicas romanas para realizar su ritual. La estructura de las basílicas romanas tenía una planta a manera de rectángulo en la que había de tres a cinco naves, entre la central y las laterales. Destacan la Basílica de Santa Sabina en Roma y la de Santa Sofía en Estambul. El estilo paleocristiano tuvo influencia del arte romano, tanto así que en las obras más antiguas pueden observarse imágenes paganas.

Catatumba romana

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De Grecia al renacimiento

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Basílica de Santa Sofía. Estambul


Arte bizantino

ZOOM

El arte bizantino abarca desde el siglo IV hasta el XV d.C., cuando se produjo la invasión turca. Por órdenes de Constantino, en el año 330, Bizancio –actualmente llamada Estambul– se convirtió en la sede del Imperio romano de Oriente. Bizancio fue un sitio estratégico debido a que permitió el intercambio con otras ciudades, lo que enriqueció al arte allí desarrollado.

Iconografía e iconología

Arquitectura bizantina En Bizancio se realizaron, principalmente, basílicas de planta cuadrada; aunque también las hubo rectangulares y a manera de cruz griega. Para estas construcciones emplearon cúpulas y semicúpulas. A la cabecera destinaron tres ábsides. El peso de la cúpula se contrarrestó con el empleo de pechinas, que son invención bizantina. La cúpula bulbosa se usó en la arquitectura realizada en regiones eslavas. También hicieron uso de columnas, bóvedas de cañón o aristas. En la parte exterior, las iglesias son sobrias; pero en el interior se decoraban con mosaicos e íconos. Entre las más destacadas se encuentra la iglesia de San Vital en Rávena, Italia.

Escultura bizantina La escultura bizantina desarrolló capiteles y estatuillas, que tenían, principalmente, motivos religiosos. Trabajaron el esmalte y el repujado sobre metal, en su mayoría destinados a piezas de orfebrería.

Un ícono es una imagen –generalmente, sagrada– hecha sobre madera y elaborada por los monjes. Su origen es bizantino. A través de los íconos no se busca adorar sino que la imagen sirva para venerar a lo que ella alude. Es decir, un ícono que represente a la Virgen María, alude a ella, pero no es ella. La iconología estudia con profundidad el signo y trata de decodificar cuál es el mensaje que intentó transmitir. En tal sentido, lo reconstruye. La iconografía solamente describe el mensaje que subyace al ícono.

Pintura bizantina La pintura bizantina estuvo ligada a la arquitectura. Los murales y mosaicos trataron temas bíblicos. Las figuras eran representadas de manera estilizada. Se trabajó la simetría, pero no la perspectiva. El color predilecto para pintar era el dorado, muchas veces oro de verdad, asociado con lo sagrado. El resto de los colores son planos.

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Mosaico en San Vital

Iglesia San Vital. Italia

el arte en la eDaD meDia

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Arte románico

Escultura y pintura románica

El estilo románico se desarrolló entre los siglos XI al XIII, aproximadamente. Recibió ese nombre ya que, para ese período, el arte había perdido su carácter genuinamente romano, pues solo se inspiraba en sus formas. En el arte, lo románico alude a un arte que deviene de la arquitectura romana, aunque con influencias del arte bizantino. El término románico fue usado también en la filología para designar a las lenguas romances derivadas de una lengua común: el latín, hablado en la antigua Roma. La arquitectura románica tuvo una función básicamente religiosa; la escultura y la pintura estuvieron subordinadas a ella. La iglesia románica se construyó como una fortaleza, a manera de un castillo amurallado. La idea era hacer una edificación suficientemente resistente a incendios y a cualquier tipo de embate. Sin embargo, al hacerla cada vez más fuerte, las entradas de luz escasearon. Por ello, en su interior hay una oscuridad que es resultado de una solución arquitectónica, pero a la que también se le ha querido otorgar un sentido de piedad y misticismo. Entre los elementos constructivos destacan el arco de medio punto, las bóvedas de medio cañón, de aristas, columnata de gran espesor al igual que los contrafuertes. La cúpula usada era típica del bizantino y se destinaba para cerrar el crucero, punto en el que confluían las naves de las iglesias. La invención de los campanarios es eminentemente románica. La planta de las iglesias se concibió a manera de cruz latina, en la que la nave central se prolongaba más que las laterales. Podía tener de tres a cinco naves. Mientras que en la zona de la girola (sitio curvado por donde se podía transitar) se ubicaban varias capillas. En las fachadas de estos templos podía incluirse el rosetón. Aunque el exterior por lo general no abunda en motivos decorativos, más bien se destaca el mismo color de los materiales con los que estaba confeccionado.

Los temas de la escultura y de la pintura románica eran también de carácter religioso. La escultura sirvió para decorar columnatas, tímpanos y portadas. Las figuras eran rígidas. En la pintura el tema más recurrente era el Juicio Final, con el que pretendían sembrar el temor a Dios. También gustaban de decorar la bóveda con la figura del Cristo Pantocrátor, quien bendice con su mano derecha, usualmente acompañado por los símbolos de los cuatro evangelistas: un águila en el caso de san Juan; el toro si era san Lucas; el león en el caso de san Marcos y un ángel, en el caso de san Mateo. Los colores utilizados por lo general eran planos y se yuxtaponían en la ejecución plástica.

Maiestas Domini, San Clemente de Tahull. España

Portal romanico

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De Grecia al renacimiento

Iglesia Santa María Magdalena de Vezelay. Francia

IIglesia de la abadía de Pomposa. Italia

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ZOOM


arTe Y parTe

El arte gótico se corresponde con los cambios en la forma de vida y en el pensamiento religioso que ocurrieron en la Baja Edad Media, cuando crecieron las ciudades, los artesanos se consolidaron como una importante clase social y se fortaleció el comercio urbano. El gótico fue el estilo medieval que más concibió lo divino como luz del mundo, incluso, como lo intangible. Es por ello que usó lo lumínico no solo de manera funcional sino simbólica. Las iglesias dan cuenta de ello pues a través de la altura buscaban que el creyente elevara su espíritu. A través de los vitrales, la luz se colaba al interior. Los ventanales pudieron usarse gracias a que la estructura gótica era más liviana que la románica. A la altura de estos templos contribuyó la forma alargada y el sistema estructural de la construcción. Como elementos constructivos utilizaron la bóveda de crucería, el arco ojival y el arbotante. Algunos ya se usaban en el arte románico, pero el gótico los perfeccionó. Justamente fue el arbotante el elemento que logró aligerar la pesadez de los templos románicos: aguantaba el peso de las bóvedas y lo expandió hacia los contrafuertes ubicados en el exterior de la estructura. Asimismo emplearon la bóveda de crucería para que el peso del techo se compartiera entre cuatro puntos. Las fachadas de los templos resaltan por los rosetones y arcos ojivales (conformados por el cruce imaginario de dos circunferencias). La planta tiene forma de cruz latina (más alargada en la nave central y más corta en los lados). A nivel escultórico, las estatuas o relieves acompañaron la arquitectura. Se encuentran en las fachadas, en los tímpanos. Las figuras aluden a sentimientos humanos; dejan de lado el hieratismo. Los materiales empleados para su realización eran piedra, madera y marfil. El gótico fue un estilo de carácter religioso, civil y burgués, pues justamente coincidió con la formación de esta clase social. Entre las iglesias góticas más destacadas se encuentran la Catedral de Reims y la de Notre Dame, en París.

Pintura gótica

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Arte gótico

s. Francia Catedral de Nuestra Señora de Reim

Catedral de Notre Dame. Francia

La pintura gótica se desarrolló, principalmente, en murales. Se hicieron íconos y miniaturas que decoraron los libros sagrados –como la Biblia–, los de oraciones u horas, los de cantos, e incluso, los manuscritos. Se difundió desde el siglo XIII al XV. La labor de decoración la hacían los copistas en los monasterios. También el esmalte fue una manera de ejecutar la pintura en un formato más pequeño. Su técnica consistía en cocer polvos minerales en un horno con el fin de que quedaran vitrificados. Su soporte estaba hecho con una placa metálica. Los esmaltes eran utilizados para instrumentos sagrados como el cáliz o los relicarios. La pintura cada vez era menos solemne, hierática y más natural.

Catedral de Nuestra Señora de Reims, Francia. Detalle del relieve el arte en la eDaD meDia

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Actividades 1

Para realizar en el cuaderno

Formen equipos y lean la siguiente frase de Voltaire. Luego discutan las preguntas que se plantean: “A la Edad Media hay que estudiarla para odiarla”.

2

a) ¿Están de acuerdo con esta afirmación? ¿Por qué? b) ¿Es justo hacerle un juicio peyorativo a este período? ¿Por qué? c) ¿Quién fue Voltaire? ¿Qué lo pudo haber motivado a pensar de tal forma? En un principio las basílicas romanas se destinaban a impartir justicia. Posteriormente, durante la Edad Media, se tomó esta estructura arquitectónica, con ciertas variaciones, como sitio para los rituales religiosos. A partir de esta afirmación, responde: ¿crees que este sitio cambió la justicia terrenal por la divina? ¿Es esta una metáfora o un asunto literal? Argumenta tus respuestas.

3

Redacta un texto en el que expongas tu opinión sobre el siguiente planteamiento: ¿crees que en tu cultura se venera una imagen por lo que ella representa, o crees que las personas confunden, por ejemplo, la imagen de Dios con Dios mismo? Argumenta tus respuestas.

4

Con la ayuda de un diccionario, o de Internet, busca o traduce el significado de la siguiente frase en latín, y luego explica qué relación puede tener con el arte medieval: Ego sum lux mundi.

5

Responde: ¿con cuáles edificaciones actuales del país puedes relacionar las formas de la arquitectura gótica?

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Investiga sobre la simbología en la Edad Media y responde a qué aludían los siguientes elementos: Color dorado u oro

Dios, lo sagrado, la riqueza

Lirios Libro Cruz Huesos debajo de la cruz

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Analiza la siguiente imagen de un ícono bizantino con base en las preguntas que se formulan: a) ¿Cómo era la concepción que se tenía de la Virgen María durante la Edad Media? b) Qué indica el color dorado en esta obra? c) ¿Cómo es la actitud de ambos personajes? ¿Hay empatía entre ellos o están desconectados? d) ¿Es realista la obra? e) ¿Es una composición sencilla? f ) ¿Cuál es su función? De Grecia al renacimiento

Virgen de Vladímir. Ícono bizantino. Rusia

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Luz a través de los vitrales


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Realiza una imitación de un mosaico. Para ello, puedes utilizar cartulinas, recortes de revistas, papel lustrillo u otro material que consideres conveniente para recrear las teselas que te permitan realizar la composición. Escoge un tema típico del arte románico.

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Averigua sobre el estilo neogótico y analiza una iglesia de tu entorno (localidad, ciudad, país) que tenga esas características. Redacta un texto en el que indiques cuáles son las características que la describen como una construcción neogótica.

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Investiga cuáles son las partes del templo gótico y completa las que se te presentan a continuación:

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Investiga y responde: a) ¿Todo el arte medieval fue religioso? b) ¿Qué fue el amor cortés y a través de cuáles manifestaciones artísticas (literatura y arte, entre otras) se representó?

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Formen equipos y realicen un cartel en el que a través de una imagen, sin palabras, den un mensaje, tal y como lo hacían en la Edad Media a través de diversos métodos. Escojan un tema de su preferencia.

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Elabora un cuadro comparativo entre las características del arte románico y el arte gótico.

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Buscando la belleza

Templo gótico

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Lo divino En la Edad Media la belleza estuvo relacionada con Dios. La experiencia del humano medieval ante lo divino era muy parecida a la que comúnmente experimenta un espectador cuando observa una imagen que le place, esto es, una experiencia estética. Para el creyente acercarse a Dios era motivo de goce. Aunque también debe decirse que la Edad Media planteó una visión de Dios como alguien que se encarga de castigar los pecados, como un Dios temerario al que se le debe obedecer y también temer. A partir de la explicación anterior y de la observación de la imagen, responde: a) ¿Cuál es la concepción que se tiene actualmente de Dios? ¿En qué crees que ha cambiado con respecto a la medieval? b) ¿Crees que hay belleza en las obras medievales? ¿Por qué?

Mosaico de Cristo Pantocrátor. Catedral de Cefalu. Italia

el arte en la eDaD meDia

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TeMa 4

El arte en el Renacimiento acTÍVaTe ¿Con qué ideas asocias el verbo renacer?

El Humanismo El conjunto de ideas que desarrollaron escritores e intelectuales renacentistas conforman el concepto de que el ser humano es el centro del mundo y la cultura. Esta corriente se originó en Italia en el siglo XIV y se extendió por toda Europa. Se difundió a través de las academias, sobre todo las de Florencia, Nápoles y Roma. Se mantuvo hasta finales del siglo XVI. El humanista más destacado fue Erasmo de Rotterdam, autor del Elogio de la locura (1511), obra en la que criticó los abusos de poder de la iglesia.

Erasmo de Rotterdam (1466-1536).

El Renacimiento: consideraciones previas El Renacimiento se desarrolló en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI, en los períodos llamados Quattrocento y Cinquecento, respectivamente. Su epicentro se dio en Italia. Se tiende a clasificar de la siguiente manera: Bajo Renacimiento (siglo XV), Alto Renacimiento (primera mitad del siglo XVI) y Último Renacimiento –o Manierismo– (segunda mitad del siglo XVI). Algunos historiadores consideran este período como un tiempo cronológico más distante, justo en el siglo anterior al XV, para poder entender bien el proceso que se llevó a cabo en el Quattrocento. El Renacimiento no surgió de un momento a otro sino que fue gestándose desde finales de la Edad Media. Su nombre significa “un renacer de la cultura grecolatina”, de la que el Renacimiento se influenció. Se da gracias a la visión negativa que se tenía de la Edad Media, pues implica que la cultura, si bien no estaba muerta, al menos sí “dormida”, visión que desmerece las producciones realizadas durante el medievo. El estudio de los clásicos vino por lo que los pintores nacidos en Italia tenían a su alcance sobre la cultura latina. Nombres resaltantes de Grecia y Roma, como Platón, Aristóteles, Séneca y Cicerón, entre otros, fueron importantes para los artistas renacentistas. Igualmente, hubo interés por aprender latín y griego, al igual que por conocer la mitología y la literatura. Hay quienes piensan que con el Renacimiento surge la Edad Moderna; otros sitúan este período durante el siglo XVIII. Más allá de esto, debe decirse que hubo momentos clave que hicieron que en los siglos XV y XVI se suscitaran cambios significativos. Entre ellos: la invención de la imprenta por parte de Gutenberg, en 1450; y la llegada de Cristóbal Colón a América en 1492, lo que significó un conocimiento del “otro”. Autorretrato. Leonardo Da Vinci (1452-1519).

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Grecia al renacimiento

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Pintura prerrenacentista

arTe Y parTe

La pintura de comienzos del siglo XV recibió el nombre de prerrenacentista ya que estaba asociada al último período del gótico. Se aplicó considerablemente en la ornamentación de capillas, iglesias, altares y libros de horas. Los temas eran religiosos y presentaban en sus acabados una indiscutible influencia bizantina. A finales del siglo XV, la pintura se abrió al espacio exterior y a la reproducción de la naturaleza, que anteriormente estaba ocupada por fondos de color dorado y representaciones de lo exterior. Fue durante el período renacentista cuando empezó a emplearse el término artista para referirse al autor de piezas de calidad estética, en las que podía identificarse el estilo o maestría de un pintor, que ya no permanecía en el anonimato, como sucedió en el medievo, sino que los autores firmaban sus obras. Era artista aquel que innovaba y dedicaba su vida al arte. De este período destacó, entre muchos, el pintor, escultor y arquitecto Giotto di Bondone (1267-1337), quien para algunos estudiosos representa el testimonio de que en esa fecha ya existía un Renacimiento. De hecho, algunos historiadores lo califican como el primer renacentista, mientras que otros los consideran un ejemplo a seguir para la época. En las obras de Giotto se observa un intento por liberarse de la influencia bizantina, aunque todavía pintaba ojos y manos alargadas. Buscaba humanizar la divinidad. Cuando se encontraba en Padua, realizó una serie de pinturas murales sobre san Francisco de Asís que destaca por su colorido. Fue un pintor que introdujo elementos naturales (animales, plantas y paisajes) y edificaciones en sus pinturas de temas religiosos. Otro artista que puede considerarse padre del Renacimiento es Fra Angélico (1387-1455), quien trabajó el espacio –concebido como el sitio en el que se desarrollan las escenas–, el aspecto formal y lumínico en sus pinturas. Buscó la belleza y representó lo sagrado como aquello de lo que emanaba la luz. Resaltan sus obras sobre La Anunciación y La Coronación de la Virgen.

Otros nombres importantes • Masaccio (1401-1428). Maestro de los demás renacentistas. Trabajó la perspectiva. Aplicó leyes lógico-matemáticas al espacio. Destacó su empleo del color. Sus personajes tenían una suerte de relieve. Entre sus obras más destacadas figuran: La expulsión de Adán y Eva de El Paraíso y El Pago del tributo.

El pago del tributo. Masaccio. (1424-1427). Fresco. 255 cm x 598 cm.

• Sandro Botticelli (1445-1510). Personificó el Quattrocento florentino. Sus obras tratan temas mitológicos, como El nacimiento de Venus. Sus trabajos aludíana la tristeza y melancolía. Estudió la anatomía y la proporción.

El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli. (1484). Temple sobre lienzo. 278,48 cm x 172,48 cm.

San Francisco de Asís expulsando a los demonios de Arezzo. Giotto di Bondone. (1290-1300). Fresco. 270 cm x 230 cm.

La Anunciación. Fra Angelico. (1426). Oro y temple sobre madera. 154 cm x 194 cm. el arte en el renacimiento

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La Gioconda (Mona Lisa). Leonardo Da Vinci. (1503-1519). Óleo sobre madera. 77 cm x 53 cm.

La Virgen de las Rocas. Leonardo Da Vinci. (1483-1486). Óleo sobre madera. 199 cm x 122 cm.

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De Grecia al renacimiento

En la pintura renacentista los temas religiosos se trabajaron de manera mucho más libre que en la Edad Media. Acá las representaciones eran más detallistas, con un estudio profundo de la luz, de la sombra, del volumen y de la perspectiva que, si se quiere, fue una innovación pictórica de este período. Los pintores trabajaron con base en un punto de fuga. Se suponía que era allí donde la atención del espectador se concentraba y, por ende, generalmente debía ubicarse en ese sitio al personaje principal. Empezaron a trabajar con óleo, técnica que dominaron y perfeccionaron. Se inició también la pintura al caballete, lo que les facilitó el traslado de las obras. El mayor apogeo de la pintura renacentista se dio con Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Bounarroti, quienes dejaron obras sumamente valiosas para la humanidad. Durante las primeras décadas del siglo XVI, Roma coincidió como el sitio de trabajo de estos tres artistas. • Leonardo Da Vinci (1451-1519). Destacó por el realismo con el que ejecutó sus obras. El sfumatto (“esfumado”) fue la técnica que empleó para dar profundidad, al igual que la perspectiva y el punto de fuga. Sus personajes revelaban sus emociones; aunque también fueron enigmáticos, como es el caso de La Gioconda. Leonardo aplicó la divina proporción en sus trabajos, por ejemplo en La última cena, obra que pertenece al período milanés. La segunda versión de La Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el niño, las realizó entre Milán y Florencia. Leonardo también hizo un estudio pormenorizado de la anatomía humana y estudió, además, cómo crear ambientes en sus obras.

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Pintura renacentista

La última cena. Leonardo Da Vinci. (1495-1497). Temple y óleo sobre yeso. 460 cm x 880 cm.


• Rafael Sanzio (1483-1520). Sobresalió por el preciosismo y equilibrio con los que hizo sus obras. Sus Madonas han sido tildadas de inexpresivas. En todo caso, podría decirse que reflejan serenidad. Su pintura más famosa es una apología a la cultura clásica. El fresco titulado La escuela de Atenas alude a dos de los filósofos más importantes de la Antigüedad: Platón y Aristóteles, quienes se encuentran retratados en el centro de la composición. • Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564). Fue pintor, escultor y arquitecto. Exaltó el cuerpo humano hasta su máxima expresión. Hizo obras de gran impacto, como la pintura del techo de la Capilla Sixtina, en la que recreó pasajes bíblicos, como la creación del hombre. Allí también recreó motivos arquitectónicos que se revelan simulados, pero parecieran reales. Sus personajes asemejan esculturas. Experimentó con el escorzo. Estos intentos también los llevó a cabo en El juicio final, fresco que igualmente se encuentra en la Capilla Sixtina del Vaticano, pues los personajes parecieran elevarse mientras son juzgados por Jesús crucificado.

Madona del gran duque. Rafael Sanzio. (1505). Óleo sobre madera. 84 cm x 55 cm.

Manierismo A mediados del siglo XVI se modificaron y se enriquecieron los principios del equilibrio y serenidad clásicos. Surgió entonces el manierismo. Traducido también como “manera o amaneramiento”, para Giorgio Vasari, fue sinónimo de “estilo”. En este período influyó la Reforma protestante, época crítica en lo social y lo cultural. Uno de los primeros teóricos que estudió este período con profundidad fue Arnold Hausser, autor de la Historia social de la literatura y el arte (1951). Los pintores de esta época evitaron representar la naturaleza y pintaron lo que parecía irreal e ilógico. Uno de los pintores manieristas más destacado fue Girolamo Francesco Maria Mazzola (1503-1540), conocido también como Parmigianino debido a su baja estatura, a quien le gustaba alargar las figuras de sus obras.

El juicio final (Capilla Sixtina). Miguel Ángel Buonarotti. (1537-1541). Fresco. 1370 cm x 1220 cm.

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La creación de Adán (Capilla Sixtina). Miguel Ángel Bounarotti. (1511). Fresco. 280 cm x 570 cm.

el arte en el renacimiento

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Puertas del Baptisterio. Ghiberti. Florencia

David. Miguel Ángel Buonarotti. (1501-1504). Mármol blanco. 5,17 m.

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De Grecia al renacimiento

La escultura renacentista tomó como referencia la escultura románica italiana y las manifestaciones griegas. Su referente inmediato, el arte gótico, pasó desapercibido para los renacentistas. Durante esta época se hicieron esculturas ecuestres y retratos de personajes importantes. Son muestras realistas, precisas, detallistas y expresivas. Destacaron dos grandes escultores durante el siglo XV: Lorenzo Ghiberti y Donatto Donatello. Mientras que en el XVI sobresalió la maestría de Miguel Ángel. • Lorenzo Ghiberti (1378-1455) destacó el trabajo que realizó –gracias a haber ganado un concurso para ello– en las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. En ellas se ocupó del tema del sacrificio de Isaac, hijo de Abraham, a quien Dios le ordenó ofrecer a su hijo como muestra de obediencia. Acto que no se ejecutó debido a la intervención divina. • Donatto Donatello (1386-1466), considerado como uno de los mejores escultores de la Historia del arte, resaltaron sus personajes expresivos y dramáticos. Entre sus obras figuran San Jorge y el David, hechas en bronce. Ambas esculturas revelan un maduro dominio de la técnica escultórica en bronce, en la que contrasta el gesto de los jóvenes personajes con la profunda y serena reflexión que transmiten sus poses y actitudes. • Miguel Ángel (1475-1564) es considerado un maestro debido a su profundo estudio de la anatomía y de las referencias grecolatinas. Realizó sus esculturas como si fuesen hombres y mujeres reales. De gran perfección y belleza, hizo la Piedad, en la que no solo dominó un material rígido como el mármol y lo hizo aparecer liviano, sino que además le otorgó las emociones propias de lo representado: la virgen compungida mientras sostiene a su hijo Jesús muerto. Es esta una composición triangular, en la que la vida y la muerte se conjugan. Miguel Ángel también esculpió el David y lo hizo un héroe perfecto: musculoso y atlético, de expresión victoriosa. Adicionalmente, resalta el Moisés que realizó para el sepulcro del papa Julio II. Allí reveló su dominio sobre el esculpido. Los pliegues del ropaje son evidentes, tanto como en el traje de la virgen de su Piedad.

Piedad del Vaticano. Miguel Ángel Buonarotti. (1498-1499). Mármol. 174 cm x 195 cm.

David. Donatello. (1440). Bronce. 158 cm.

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Escultura renacentista


Arquitectura renacentista

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La arquitectura renacentista no siguió los preceptos del arte gótico, en su lugar buscó influencias en el trabajo arquitectónico romano y bizantino. En la construcción de iglesias fue común la utilización de grandes cúpulas y, por lo general, las plantas arquitectónicas fueron concebidas del tipo cruz latina. Entre los arquitectos más importantes del Renacimiento está Donato Bramante (1444-1514), quien hizo el templete de San Pietro in Montorio, edificación que aludía de manera directa a los templos griegos que tenían una forma circular y que se llamaban tholos. A su alrededor, destaca la columnata exterior. La estructura está coronada con una cúpula que posee tambor y linterna para alargarla un poco más y para permitir la entrada de luz superior. Con esta edificación se pretendía conmemorar el sitio del martirio del apóstol San Pedro. Bramante también desarrolló la pintura. Por su parte, Filippo Brunelleschi (1377-1446), quien fue arquitecto y orfebre, sí introdujo en sus construcciones algunas características propias del arte gótico. Es conocido por haber sido el creador de la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore, que hizo a manera de cúpula nevada. De su base, son llamativas las aberturas circulares, llamadas ojos de buey. En la parte superior, se ubica la linterna (pequeña torre con una pequeña cúpula, llamada cupulín), a través de la cual entra iluminación con el fin de ambientar su interior. Otras de sus obras fueron la Capilla de los Inocentes o las iglesias de San Lorenzo y Santo Spirito. León Bautista Alberti (1404-1472) fue el ejecutor del Palacio Rucellai, que concibió según la simetría y armonía. Hizo un juego lumínico gracias a los materiales que empleó en la fachada. Combinó los órdenes arquitectónicos, lo que recuerda el empleo similar que se ejecutó en el Coliseo romano.

Templete de San Pietro in Montorio. Italia

TraBaJO Coleccionismo de arte Durante el Renacimiento se produjo el auge del coleccionismo de obras de arte, sobre todo de manera privada. Este oficio se continúa desarrollando en la actualidad. Aquellos que se dedican a él buscan agrupar obras de gran valor estético, incluso económico, pues lo consideran una inversión. Sin embargo, otros lo practican para tener las colecciones más distinguidas. Hay quienes donan los trabajos reunidos cuando quien los colecciona ya tiene una edad avanzada o fallece.

Palacio Rucellai. Italia Cúpula de Santa María del Fiore. Italia el arte en el renacimiento

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Para realizar en el cuaderno

1

Redacta el perfil de Miguel Ángel Buonarroti. Toma en cuenta los siguientes aspectos: años de nacimiento y fallecimiento, dónde vivió, principales obras y frases célebres.

2

Busca una imagen de la pintura mural El Juicio final, ubicada en la Capilla Sixtina, en el Vaticano. Obsérvala detenidamente. Luego investiga y responde: a) ¿Quiénes son los personajes bíblicos que aparecen allí representados? b) ¿Cuánto tiempo le tomó a Miguel Ángel hacer esa obra? c) ¿Qué actividades sagradas se realizan en esa capilla?

3

Investiga cuáles autores han trabajo el tema del David en el arte y ofrece tres ejemplos de diferentes obras.

4

Observa el cuadro La última cena, de Leonardo Da Vinci, que se encuentra en la página 80 de este libro. Luego responde: a) ¿Qué pasaje de la Biblia se representa en esta obra? b) ¿Por qué crees que algunos estudiosos ven en ella una escena narrativa? c) ¿Se pueden interpretar los rasgos psicológicos que transmiten los personajes? Argumenta tu respuesta.

5

Formen equipos e investiguen sobre el libro El código da Vinci, del escritor Dan Brown. A partir de la información obtenida organicen un debate. Tomen en cuenta las siguientes preguntas: a) ¿Están de acuerdo con la leyenda que se ha suscitado en los últimos años sobre el personaje que se encuentra a la derecha de Jesucristo en el cuadro La última cena? b) ¿Por qué creen que Dan Brown ha escrito al respecto? c) ¿Se debería tomar la teoría que aparece en un libro de ficción como algo cierto? ¿Por qué? d) ¿En qué medida un escritor puede cambiar la percepción que se tiene de una obra pictórica?

6

Indaga sobre La Gioconda, o Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. Luego responde y argumenta: a) ¿Por qué esta obra se encuentra tan resguardada en el Museo del Louvre, en París? b) ¿Qué artistas se han inspirado en la Mona Lisa o han recreado su imagen según el estilo de cada uno de ellos? Busca dos ejemplos y compáralos con la original. c) ¿Crees que es una obra enigmática? ¿Por qué?

7

Busca en un diccionario el significado de los siguientes términos. Luego redacta un texto en el que expliques la importancia de cada uno de ellos durante el Renacimiento. a) Escorzo b) Perspectiva c) Mecenazgo d) Humanismo

8

Lee y analiza la frase de Miguel Ángel Buonarotti: “Se pinta con la cabeza y no con las manos”. • Ahora responde: a) ¿Qué crees que quiso decir Miguel Ángel con estas palabras? b) ¿Crees que tiene relación con la frase de Da Vinci: "La pintura es cosa mental"?

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De Grecia al renacimiento

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Actividades


9

Reflexiona y responde: a) ¿Crees que la concepción de lo bello en el Renacimiento es igual a la noción que había en Grecia? ¿Por qué? b) ¿Qué relación existe entre la arquitectura y la pintura renacentista? ¿Cuál de ellas influye en la otra?

10

Formen equipos y lean el siguiente planteamiento de Alfred von Martin, plasmada en su texto Sociología del Renacimiento (1932): “Según Alberti, el artista es ante todo un investigador de la naturaleza, un matemático y un técnico, y solo así podrá dominar sus recursos artísticos”. • Luego de leerla, respondan y discutan: a) ¿Creen que debe haber una relación entre el artista y el científico? b) ¿Qué cosas tienen ambos en común? c) ¿Piensan que estas disciplinas son opuestas? ¿Por qué? d) ¿Con qué asocian el término sociología del arte?

11

Investiga y profundiza la información sobre el manierismo y menciona tres autores representativos, con sus respectivas obras.

12

Redacta un texto breve en el que indiques hacia qué otros países se propagó el Renacimiento y menciona tres obras que demuestren su expansión.

13

Compara la estructura de San Pietro in Montorio con un tholos griego. Responde: ¿en qué se parecen y en qué se diferencian?

pendiente

Templete de San Pietro in Montorio

Tholos griego

Pensar el arte La pintura

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Leonardo da Vinci. Pintor, escultor e inventor renacentista, pensaba que:

nada “El pintor que en resos duda, pocos prog hará en el arte”.

osía “La pintura es pe muda; la poesía, pintura ciega”

ce en “La belleza pere mortal la vida, pero es in en el arte”

Y a ti, ¿qué te transmiten ras? algunas pintu

el arte en el renacimiento

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Actividades de refuerzo

Para realizar en el cuaderno

1

Escoge entre Grecia, Roma, la Edad Media y el Renacimiento y luego redacta un breve texto en el que expliques cómo era la concepción de la belleza durante ese período.

2

Observa la imagen de la fachada de la catedral de Notre Dame, en París. Luego identifica qué elementos constructivos del arte gótico puedes reconocer en ella.

3

Investiga qué otras obras realizó el pintor manierista Parmigianino. Nombra y describe, por lo menos, tres de ellas.

4

Durante los siglos XV y parte del XVI se desarrolló en Flandes (lugar vinculado con lo que actualmente se conoce como Países Bajos) un estilo denominado pintura flamenca. Este hecho sucedió simultáneamente con el desarrollo del Renacimiento en Italia. A partir de esta información investiga: a) ¿Cuáles fueron los pintores flamencos más importantes? b) ¿Cuáles obras son las más representativas? c) ¿Qué novedades aportó la pintura flamenca a la historia del arte? d) ¿Los pintores flamencos tuvieron algún contacto con los renacentistas italianos?

5

Investiga sobre la historia de la Mona Lisa de autor anónimo que está en el Museo del Prado y redacta un breve texto al respecto.

6

Completa el siguiente cuadro: Mitología griega Afrodita

Mitología romana

Catedral de Notre Dame, Francia

¿Quién era?

Marte Apolo Diosa de la sabiduría, de la guerra y de las artes. Hera Mercurio Poseidón 7

Lee el siguiente texto: “Nunca debe imitar un Pintor la manera de otro, porque entonces se llamará nieto de la naturaleza, no hijo; pues siendo la naturaleza tan abundante y varia, más propio será acudir a ella directamente, que no a los Maestros que por ella aprendieron”. Leonardo Da Vinci, en Tratado de la pintura (1680). • Ahora responde: a) ¿El artista renacentista imita a la naturaleza en sus obras? b) ¿Crees que un artista puede liberarse de las influencias de otros creadores? Argumenta tu respuesta.

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De Grecia al renacimiento

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Rey de los dioses. Autoridad máxima en el Olimpo.


Arte en acción Elaborar una monocromía Materiales • Hojas o cartulina blancas • Témpera de colores: Amarillo, azul o rojo Blanco Negro • Pinceles suaves, redondos, finos y gruesos • Una huevera, para colocar las témperas • Depósitos para el agua

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Procedimiento • Selecciona un boceto previo o trabaja directamente sobre el soporte elegido. • Selecciona un color primario y colócalo en uno de los espacios de la huevera. En otros dos coloca los pigmentos negro y blanco, respectivamente. • Para lograr la monocromía aplica el color puro en un espacio de la composición. • Mezcla varias porciones del color puro con diferentes porciones de blanco, aumentando cada vez la proporción de blanco para degradar el color seleccionado. Aplica las mezclas en otros espacios de la composición. • Repite el paso anterior, pero ahora mezcla el color puro con el negro para desaturarlo y aplícalo en otros espacios de la composición. • Finalmente, has logrado una composición monocromática, es decir, de varios tonos de un mismo color. • ¿Te gusta el resultado? Comparte la experiencia con tu docente y el resto de tus compañeros y compañeras de clase.

De Grecia al renacimiento

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Galerías y museos

DINAMARCA

Museo del Louvre (Musée du Louvre, París) El Museo del Louvre es uno de los museos más importantes del mundo. Se encuentra en París, Francia. Fue concebido por Luis XV como el “Palacio de las musas”, pero fue durante el reinado de Napoleón cuando se le otorgó el nombre de museo. Cada año recibe más de 5 000 000 de visitantes, quienes llegan desde diversas partes del mundo. En el Louvre se resguardan trabajos plásticos realizados por artistas franceses e internacionales y, además, su colección también abarca obras de la Antigüedad clásica, de la pintura española e italiana y del arte decorativo. Todos ellos representados en más de 30 000 objetos artísticos. Cuenta con once colecciones: Antigüedades orientales; Antigüedades egipcias; Antigüedades griegas, etruscas y romanas; Artes del Islam; El Oriente mediterráneo en el Imperio romano; Objetos de arte; Historia del Louvre y Louvre medieval; Artes gráficas; Artes de África, Asia, Oceanía y América; Escultura y Pintura.

Cara a cara con el arte

HOLANDA BÉLGICA

ALEMANIA

FRANCIA

Museo del Louvre

Museo del Louvre, París

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Me dieron el título de Uomo universale (“hombre universal”), porque me interesé tanto por el arte como por la ciencia. Fui pintor, escultor, arquitecto, escritor y científico. Díganos, ¿cómo fue su acercamiento al arte? Estudié en el taller de arte de Andrea del Verrochio, en Florencia. Allí aprendí a pintar con óleo, técnica que para mi época era nueva en Italia, pues su popularidad se le debía a la región de Flandes. Al pintar utilicé el sfumatto (“esfumado”) una técnica que me permitía difuminar y dar profundidad. Como si fuese humo, quería pintar las figuras humanas o el paisaje sin bordes o contorno alguno. ¿Alguna anécdota interesante o curiosa? Cuando pinté La última cena, me subía en un andamio y no bajaba de allí hasta que el sol se hubiese ocultado. Trabajaba sin parar, tanto que a veces no comía ni bebía alimento alguno.

Amé profundamente a los animales. Compraba jaulas llenas de pájaros y luego les abría la puerta y los liberaba. Me maravillaba verlos volar. Háblenos de sus obras Hice muchas obras durante mi trayectoria. La más famosa de todas es La Gioconda o Mona Lisa (1503-1506), aunque también es muy popular La última cena (1495-1498). Son también muy conocidas La Virgen de las rocas (1483-1486) y Santa Ana, la Virgen Santa Ana, la Virgen y el niño. y el niño (1517). Leonardo Da Vinci. (1517). Óleo sobre tabla. 170 cm x 129 cm.

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De Grecia al renacimiento

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Mi nombre completo es Leonardo di ser Piero da Vinci. Nací el 15 de abril en Vinci, Italia; pero viví en Florencia, Milán, Roma y en Amboise, Francia.


Idea para la acción

Galería escolar

Propósito: realizar en grupos un ejercicio creativo que aluda al arte de Grecia, Roma, la Edad Media o el Renacimiento, con el fin de mostrarlo en una pequeña galería escolar.

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1

Documentación • Escojan la manifestación artística que les gustaría trabajar (arquitectura, pintura, escultura, mosaico o vitrales, por ejemplo), el período al que pertenece, autor (si se conociera), dónde se ubica la obra (si pertenece a un museo o si está al aire libre). • Elijan de qué manera van a representar la obra que escogieron: podría ser a través de una maqueta, fotografía intervenida, escultura hecha en arcilla u otro material, un dibujo o cualquier otra técnica que les resulte interesante.

Arquitectura

2

Planificación • Determinen en cuánto tiempo harán su ejercicio creativo. • Establezcan en qué sitio del colegio ubicarán la exposición. • Fijen el día de la entrega y el tiempo que les llevará hacer el montaje.

3

Preparación de materiales • Determinen con qué materiales van a realizar su trabajo plástico. En la medida de sus posibilidades, incorporen materiales ecológicos o de desecho que puedan reciclar para su trabajo. • Tomen en cuenta materiales para preparar la ficha técnica, en la que deben incluir: nombre de la obra, autor, año de ejecución, período al que pertenece y localización.

4

Puesta en acción • Reúnan los equipos de trabajo y, en la fecha previamente seleccionada, elaboren las manifestaciones plásticas. Pintura • Coloquen las manifestaciones plásticas en orden cronológico. Ubíquenlas a manera de galería de arte para que los miembros de la comunidad educativa puedan apreciar el trabajo realizado por todos los equipos.

5

Evaluación • Registrar de manera fotográfica la puesta en escena de la galería escolar y cada una de las obras allí expuestas. • Comprobar si la organización y presentación del ejercicio creativo fue la correcta. • Contestar preguntas como: ¿qué aspectos de la realización del ejercicio podrían mejorarse? ¿Se representó de manera adecuada la manifestación artística? ¿Cuál es la importancia de conocer las obras de cada período artístico?

Vitral

De Grecia al renacimiento

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Educación

Artística Desde su propio nombre, Conexos -el conjunto de bienes educativos que hemos elaborado para afrontar los nuevos retos de la Educación Media- está comprometido con un mundo de interrelaciones, en el que los saberes no son estáticos ni están encerrados en espacios restringidos, sino que andan en constante movimiento, dispersos en infinitas redes. Estos materiales didácticos apuntan a potenciar los vínculos, activar los contactos, descubrir los enlaces. El aprendizaje significativo, que cultivamos como una de las premisas conceptuales de todos nuestros materiales didácticos, tiene una importancia creciente en esta serie, pues atiende las necesidades de estudiantes que ya han avanzado a otra fase de su educación formal. La necesidad de que las competencias adquiridas sean útiles para la vida es en Conexos una estrategia vital.

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