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MIÉ 23 AGO. 2017

PRESENCIA MEXICANA

ENTREVISTAS A DIRECTORES EN COMPETENCIA

RAINER KLAUSMANN

SANTIAGO FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE

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LUCES Y SOMBRAS DEL SER HUMANO


CONTENIDOS MIÉ 23 AGO. Presidente Fundación CorpArtes Álvaro Saieh Vicepresidenta CorpArtes / Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh Directora Ejecutiva CorpArtes Francisca Florenzano

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RAINER KLAUSMANN LUCES Y SOMBRAS DEL SER HUMANO

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PELÍCULAS MEXICANAS EL VIGILANTE, TODO LO DEMÁS, CHAVELA

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ENTREVISTAS DIRECTORES COMPETENCIA INTERNACIONAL LA NOVIA DEL DESIERTO - LOS TERRITORIOS

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ENTREVISTAS DIRECTORES COMPETENCIA DE CINE CHILENO: EN TRÁNSITO LA MADRE, EL HIJO Y LA ABUELA - JAAR EL LAMENTO DE LAS IMÁGENES ROBAR A RODIN

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ENTREVISTAS DIRECTORES COMPETENCIA CORTOMETRAJES TALENTO NACIONAL

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SOCIALES INAUGURACIÓN - SANFIC FAMILIA - PRESENTACIONES DE PELÍCULAS

Directora Imagen Corporativa Francisca Saieh Directora Asuntos Corporativos CorpArtes Claudia Zubicueta Directora Comercial CorpArtes Isabel Retamal Director Administración y Finanzas CorpArtes Carlos Márquez Director Técnico y Producción CorpArtes José Tomás Palma Director Artístico SANFIC Carlos Núñez Directora SANFIC INDUSTRIA Gabriela Sandoval Coordinadora de Programación CorpArtes / Coordinadora General SANFIC Isidora Cabezón Productor de Contenidos Sebastián Vivero Diseño y Diagramación Javier García-Huidobro Redactor y Editor de Diario Joel Poblete Redactores Diario Sebastián Vivero Camila Blaset


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MIÉ 23 AGO.

RAINER KLAUSMANN LUCES Y SOMBRAS DEL SER HUMANO En esta decimotercera edición de SANFIC tenemos el privilegio de contar con la presencia de uno de los nombres más destacados en la dirección de fotografía del cine alemán de las últimas décadas: el suizo Rainer Klausmann, quien además de ser invitado especial en esta versión, es jurado de la Competencia Internacional y será homenajeado con una retrospectiva de sus colaboraciones más emblemáticas. Nacido en Suiza hace 68 años, a lo largo de más de tres décadas Klausmann ha participado en decenas de producciones para cine y televisión, e inició su carrera fílmica a principios de los años 80, colaborando en cintas tan emblemáticas como el Fitzcarraldo de Werner Herzog, donde fue segunda cámara y que también será posible ver este año en SANFIC. Además de volver a

trabajar, ya como director de fotografía, con ese legendario maestro alemán, ha colaborado en largometrajes de otros reconocidos nombres del cine germano, incluyendo a los directores Doris Dörrie, Oliver Hirschbiegel, Uli Edel y Fatih Akin. Con este último en particular, ha trabajado en casi todos sus títulos desde 2002, incluyendo no sólo la ya mencionada Contra la pared, sino

además otros que hemos exhibido en nuestro festival, como Soul Kitchen y El padre, y la reciente In the Fade, estrenada mundialmente y premiada este año en Cannes, y que será posible ver en nuestra sección Maestros del Cine. Posteriormente a la exhibición del jueves 24 en Cineteca Nacional, se realizará un conversatorio con el destacado profesional.

IN THE FADE Fatih Akın

Las impresionantes tomas aéreas de los campos de petróleo de Kuwait en llamas, mientras en la banda sonora resuenan inmortales melodías de autores como Wagner, Grieg, Verdi y Mahler, en Lecciones de oscuridad; la intensa y desgarradora mirada a los vaivenes sentimentales de una autodestructiva pareja, en Contra la pared; la claustrofóbica crónica de los últimos días del Führer, en La caída. Todas experiencias audiovisuales en conocidas películas, que no habrían sido lo mismo sin el director de fotografía detrás de la cámara: Rainer Klausmann. Los títulos que formarán parte de su retrospectiva son: Fitzcarraldo Werner Herzog; Alemania, 1982 Cineteca Nacional – Sala principal domingo 27, 20:00H

AL OTRO LADO Fatih Akın

Gasherbrum, la montaña luminosa Werner Herzog; Alemania, 1984 Cineteca Nacional – Sala principal martes 22, 18:15H

Lecciones de oscuridad Werner Herzog; Alemania, 1992 Cineteca Nacional – Sala principal martes 22, 18:15H Contra la pared Fatih Akin; Alemania, 2004 Cineteca Nacional – Sala principal sábado 26, 15:30H La caída Oliver Hirschbiegel; Alemania – Italia – Austria, 2004 Cineteca Nacional – Microcine jueves 24, 16:30H Al otro lado Fatih Akin; Alemania – Turquía – Italia, 2007 Cineteca Nacional – Sala principal domingo 27, 17:30H Soul Kitchen Fatih Akin; Alemania, 2009 Cineteca Nacional – Microcine martes 22, 17:30H

El padre Fatih Akin; Alemania – Francia – Italia – Polonia - Rusia, 2014 Cineteca Nacional – Sala principal lunes 21, 15:45H In the Fade Fatih Akin; Alemania, 2017 Cineteca Nacional – Sala principal jueves 24, 19:30H CineHoyts Parque Arauco domingo 27, 21:15H


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TRES MIRADAS A MÉXICO Muy distintos entre sí, pero todos muy valiosos, un trío de largometrajes que se exhiben por segunda y última vez el jueves ofrecen interesantes puntos de vista a ese país desde diversos ámbitos: Todo lo demás, El vigilante y Chavela. Además de la muy particular y provocadora apuesta de Amat Escalante en La región salvaje (que volverá a exhibirse el sábado 26, en Cine Hoyts La Reina) y la implacable mirada a la burguesía de Luis Buñuel en la clásica El ángel exterminador (única función el domingo 27, en la Cineteca Nacional), otros tres largometrajes de nuestra programación ofrecen un acercamiento, desde distintos ángulos, a ese país complejo y fascinante que es México.

CHAVELA Catherine Gund, Daresha Kyi

En Todo lo demás, de la directora Natalia Almada (quien nos visitó hace algunas ediciones para participar en nuestra Competencia Internacional con su documental El general), la actriz Adriana Barraza ofrece a través de su personaje protagónico de Doña Flor una oda a esos personajes solitarios, invisibles y sometidos a la rutina, en este caso una mujer que durante 35 años ha trabajado atendiendo a público en la misma oficina gubernamental. Su único momento de real liberación es cuando nada diariamente en la piscina, y la única criatura a quien puede expresar directamente cariño es su gato. Por eso cuando el felino fallece, aunque intenta seguir con su cotidianidad, tomará conciencia de muchos aspectos de su vida que había dejado en segundo plano. Una ficción con una mirada casi documental y

muy atenta a los detalles que conforman la gris existencia de la protagonista, se ve potenciada por la labor interpretativa de la talentosa Barraza: la conocimos en sus breves escenas como la madre del personaje de Gael García Bernal en Amores perros, hace una década llamó la atención a nivel internacional con su nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria de 2006 por Babel, y ha continuado desarrollando una ecléctica carrera dentro y fuera de México, ya sea dirigida por Sam Raimi en Arrástrame al infierno o Kenneth Branagh en Thor, o filmando en Chile como una de las esposas de los mineros en Los 33. Son raras las ocasiones en las que podemos verla como protagonista, esta es una de ellas, y por este rol estuvo nominada este año al premio Ariel a la mejor actriz. Por su parte, premiada en los festivales de Morelia y Los Angeles y exhibida en certámenes como Fribourg, El vigilante es la ópera prima del realizador Diego Ros, quien a lo largo de apenas 75 minutos desarrolla un relato sencillo pero inquietante, centrado en Salvador (el actor Leonardo Alonso), quien trabaja en las noches como vigilante en un edificio en construcción en un suburbio de Ciudad de México. Lo que podría haber sido un turno normal se va llenando de complicaciones para el protagonista, precisamente cuando espera una importante noticia familiar y todo el país celebra una fiesta nacional. El hallazgo de una camioneta frente a la obra, la inevitable

investigación policial y la errática actitud del colega con quien alterna turno van conformando una serie de circunstancias desafortunadas para Salvador, acentuadas por la soledad e inmensidad del edificio en medio de la noche. La atmósfera y la tensión están muy logrados a través de elementos simples pero efectivos, en una propuesta de género que transmite al espectador las sensaciones de lo que le va ocurriendo al protagonista, y de paso ofrece una mirada social. ¿Y qué decir del documental Chavela, en torno a un icono mexicano de la canción latinoamericana como la gran Chavela Vargas? No es el primero ni de seguro será el último retrato audiovisual de la inolvidable cantante fallecida hace ya cinco años -y de quien en 2019 se conmemorará el centenario

TODO LO DEMÁS Natalia Almada

de su nacimiento-, pero este en particular, desde su estreno mundial en la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín ha tenido una excelente recepción del público y la crítica, la que se ha ido repitiendo posteriormente en certámenes como Guadalajara y Bafici. Coproducción entre Estados Unidos, México y España, está dirigido por Catherine Gund y

Daresha Kyi y contiene material de archivo inédito que nos ofrece un retrato muy incisivo de la artista en lo público y privado. Y por sobre todo, una vez más se luce ese desgarro al cantar esas letras de dolor y abandono con esa voz inconfundible, la misma que muchos conocieron especialmente gracias al cine de Pedro Almodóvar. Estas tres películas se exhiben por segunda y última vez este jueves 24: Todo lo demás a las 19:30H en Cine Radical, El vigilante a las 22:10 en CineHoyts Parque Arauco y Chavela a las 22:20 en CineHoyts La Reina (además de su primera función el miércoles 23 a las 21:45H, en HoytsParque Arauco).

EL VIGILANTE Diego Ros


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DIRECTORES COMPETENCIA INTERNACIONAL Paulina se despidió de Teresa de una manera tan amorosa como elocuente: “Hoy es la última jornada de Teresa en el desierto cuyano. Aquí te dejaré esta noche donde te desesperaste y te confundiste tanto. Aquí te quedas para siempre, como la Difunta Correa. Bajo cielos vastos, soles inclementes y vientos seductores. Hoy tendré mi minuto para recordarte por última vez en una ruta seca pero contradictoriamente verde como tú misma. Todo lo vivido-recordado se queda acá. Apagaré esta luz y se encenderá LA NOVIA DEL DESIERTO. Una botellita de agua en tu nombre”. Paulina García, 16 de diciembre de 2016.

CECILIA ATÁN Y VALERIA PIVATO, directoras de La novia del desierto - ¿En qué se inspiraron para hacer la película? La novia del desierto es una historia que nace, aproximadamente, hace cinco años. Deseábamos explorar el mundo femenino desde una perspectiva particular: una mujer cuya vida cambia de pronto, a una edad en la que reinventarse no parece ser una posibilidad en el mundo de hoy. Teresa, la protagonista de nuestra historia, interpretada por Paulina García, es una mujer que con más de 50 años, dedicó su vida al cuidado de una familia, habitando un mundo como si fuera propio, pero que en realidad, no lo era. Al comenzar la película la casa donde ha trabajado durante tanto tiempo se vende y sus circunstancias cambian de pronto, quedando varada en un espacio fuera del tiempo. El vértigo y la incertidumbre que le provoca el abandono de su lugar seguro se convierten, al mismo tiempo, en el motor del cambio. A partir de ese primer eslabón, comenzamos a desandar el camino que nos llevó a construir, paso a paso, la historia de nuestra película.

LA NOVIA DEL DESIERTO Cecilia Atán y Valeria Pivato

- ¿Existe una analogía entre Teresa y la Difunta Correa? Existe un punto de contacto claro entre estas dos mujeres, que en primera instancia, es el desierto. Deolinda Correa es una santa pagana, una mujer mítica que vivió en el desierto cuyano. La historia cuenta que luego de días de peregrinar con su hijo recién nacido en brazos, esta mujer muere de hambre y de sed, pero su niño sobrevive amamantándose de su pecho. El desierto es entonces en nuestra película un elemento que plantea dos niveles, uno más concreto como escenario real y otro metafórico. Es un espacio que las dos deben atravesar y que en las dos historias tiene un resultado esperanzador. La fuerza de la vida sobre la muerta está presente -a diferentes escalas- en las dos historias.

- ¿Cómo fue la elección de actores para los protagonistas? La novia del desierto cuenta con dos maravillosos actores que son Paulina García (Chile) y Claudio Rissi (Argentina). A Paulina le acercamos una primera versión de guion en el 2013 y enseguida se enamoró del proyecto y de su personaje. Desde entonces, caminamos juntas en este hermoso viaje que es hacer una película. La interpretación de Paulina y el tiempo de trabajo compartido durante el proceso previo al rodaje hizo de Teresa un ser sutil, construido desde el cuerpo y el silencio. Aún hoy, cada vez que vemos la película, nos sorprende seguir encontrando detalles exquisitos en la construcción de su personaje. Paulina y Teresa se hicieron una durante el proceso y tal es así, que al terminar de rodar,

“ DESEÁBAMOS EXPLORAR EL MUNDO FEMENINO DESDE UNA PERSPECTIVA PARTICULAR: UNA MUJER CUYA VIDA CAMBIA DE PRONTO, A UNA EDAD EN LA QUE REINVENTARSE NO PARECE SER UNA POSIBILIDAD EN EL MUNDO DE HOY”.

considerado un personaje más. Desde allí partimos. Teresa abandona un mundo seguro, que es la casa en donde trabajó por tantos años, y se lanza a desandar un desierto que al principio puede parecer hostil pero que, al final del recorrido, es un elemento esencial en su proceso de cambio. Durante el desarrollo del proyecto, una frase nos acompañó siempre. Y justamente con ella, fuimos descubriendo qué significaba el La interpretación que Claudio Rissi desierto para cada uno de los hace del Gringo lo transforma, sin personajes. Esa frase es ¨Sólo duda, en un personaje memorable, atravesando el desierto, podemos que cobra vida y fluye en su doble encontrarnos¨. dimensión de atracción amenazante Para el personaje del Gringo el y seductora dulzura. Es en esta desierto es su hábitat y el hecho hermosa y delgada línea por la de sentirse tan cómodo en él, es que transita el personaje; con un lo que impulsa al personaje de gran componente latinoamericano, Teresa a seguirlo más allá de su construido por el actor con desconfianza inicial. El Gringo coherencia y honestidad. Haber conoce esos mundos, los lleva en tenido el lujo de dirigir en nuestra la piel y de alguna manera es el primera película a estos dos grandes mismo desierto el que se le presenta actores fue un desafío que nos hizo a esta mujer en su doble dimensión aprender y crecer muchísimo como de paisaje como telón de fondo y directoras. Por supuesto, La novia del compañero de ruta. desierto no sería igual sin la enorme Paulina García y el maravilloso - ¿Cuáles fueron los Claudio Rissi. principales desafíos que enfrentaron en el rodaje de - ¿De qué forma influye el la película? paisaje en la construcción de El principal desafío que hemos los personajes? enfrentado durante el proceso Cuando empezamos a concebir de la película fue el de ocupar la película, el desierto fue tres roles al mismo tiempo: siendo

escritoras y directoras, nos costó muchísimo sumar a estas dos tareas, una tercera, la de ser productoras de nuestra propia película. La energía que se necesita para llevar adelante la escritura y la dirección de una obra es muy diferente a la que se necesita para cubrir las responsabilidades que tiene un productor. De todos modos y a lo largo del proceso hemos aprendido muchísimo, ya que fuimos parte de todas las etapas de nuestra película. Hemos tenido el honor de dirigir a dos grandes actores que enriquecieron infinitamente con su mirada a los personajes. En cuanto a la coproducción con Chile, llevada adelante con Ceibita Films, en nuestro caso fue un ensamble de lo más exitoso que permitió que La novia del desierto creciera y pudiera contar con talentos como el director de fotografía Sergio Armstrong (El Club, Neruda, Desde allá), la montajista Andrea Chignoli (No, Violeta se fue a los cielos), el director de sonido Miguel Hormazábal (No, Neruda, El Club, Tony Manero), la excelente postproducción de Filmosonido y el actor Daniel Muñoz (Sentados frente al fuego, Rara, Los 80´ ), además, obviamente de Paulina García. El ida y vuelta con Chile nos desafió como directoras y amplió nuestra mirada sobre la película.


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IVÁN GRANOVSKY, director de Los territorios - Los territorios es tu ópera prima como director. ¿Qué desafío significó esto en relación a tu labor como productor? El desafío fue poder concentrarme en mi propia obra sin total dedicación. Fue muy difícil. Un día decidí congelar mi producción por 6 meses y así logré terminar Los territorios. - En el documental expones la relación con tu familia, ¿cómo reaccionaron ellos ante este trabajo? Siempre dispuestos a todo. No se preguntaban qué era lo que quería hacer. Además, nunca fue el plan desnudar intimidades. Sabían que eran parte necesaria de un arco dramático. Es una familia de pragmáticos. - En tu relato haces un ejercicio periodístico que vemos a diario en los noticiarios: reportear y construir realidades para la audiencia. En este sentido, ¿qué tan cercano a la realidad terminó siendo

este documental? ¿de qué forma crees que los medios de comunicación influyen en la construcción de imaginarios colectivos? En este caso aplicado a los conflictos sociales y geopolíticos. Los medios son el veneno que consumimos los progresistas para creer que le hacemos bien al mundo sólo con estar informados. Son un placebo. Al mismo tiempo, los medios construyen espectacularidad donde no la hay. Un conflicto geopolítico es demasiado complejo y largo como para contarlo todo en las noticias. Entonces queda lo espectacular. Las bombas son buen merchandising. -Al comienzo de la película comentas que es el tercer o cuarto intento de un rodaje. Primero querías filmar una ficción y terminaste rodando un documental. Hoy, ¿qué género es el que más te acomodaría para tu siguiente trabajo? ¿Por qué? Los territorios no es un

documental. Aunque mantengo la elegancia de no corregir al que diga que lo es, porque entiendo el porqué. Es una ficción que está construida con imágenes reales, o un documental apócrifo con un arco de ficción, sobre mí mismo. No tiene género. El cine de autor cada vez tiene menos género y menos frontera. Si tengo que elegir uno, es el de los cambios de rumbo. Creo que hoy en día comulgo con un cine que no se hace cargo de sí mismo y no le importa nada. - A ratos el documental tiene características de comedia, un género poco considerado en los documentales, más en los de temática política, ¿crees que se debieran hacer más documentales de este género? Como digo anteriormente, no concibo a Los territorios como un documental, y por eso fue fácil construir la comedia. Sea doc o ficción, los autores cometen el grave error de mostrarse todopoderosos cuando hablan de política. El juego

“NUNCA FUE EL PLAN DESNUDAR INTIMIDADES. SABÍAN (MI FAMILIA) QUE ERAN PARTE NECESARIA DE UN ARCO DRAMÁTICO. ES UNA FAMILIA DE PRAGMÁTICOS”.

del autodesprecio me permite quitarme soberbia. Y eso es muy gracioso. Creo que el cine político tiene que tener humor porque los políticos hacen chistes todo el tiempo. Político que no hace chistes no es político. El problema de los progresistas es que creemos que la política es algo demasiado serio y solemnizamos cualquier cosa.

LOS TERRITORIOS Ivan Granovskye


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DIRECTORES COMPETENCIA DE CINE CHILENO

CONSTANZA GALLARDO, directora de En tránsito

la cotidianidad de estas personas para generar un entendimiento y una empatía por parte del resto de los chilenos, pensamos que un documental como éste es un granito de arena para avanzar hacia el respeto y el reconocimiento de la comunidad trans.

- ¿Cómo escogieron a quienes protagonizan el - ¿Qué te motivó a documental? ¿Cómo fue abordar el tópico de la trabajar con estos cuatro transexualidad? perfiles de personas? El origen está ligado a mi Escoger a los personajes fue adolescencia, tuve una amiga que una tarea difícil que tuvimos que se sentía cercana al tema, pero en sortear a través de una exhaustiva ese momento era todo muy oculto, investigación. Gracias a OTD, hasta mal visto. Ella desapareció que es una de las ONG trans y cuando me la volví a encontrar que existen en Chile, pudimos ya era un hombre, pasaron 6 - 7 conocer a muchas personas trans, años. Me llamó mucho la atención entramos a algunas sesiones de su proceso. Ya cuando nació la dinámicas grupales que tienen, nos idea de hacer el documental, involucramos en varias actividades tuvo que ver más bien con algo con diferentes personas; fue personal conmigo, yo nunca me durante unos 6 meses y tuvimos he sentido identificada ni con un aproximado de 30 entrevistas el género femenino ni con el de personas que venían desde masculino un 100%, siempre me he dentro y fuera de la OTD. Una vez identificado simplemente como un culminado ese proceso trabajamos ser humano que puede ir variando junto a Felipe Garrido, productor en esas categorías, el tema y co-guionista del documental, siempre me despertó bastante y escogimos a los protagonistas, curiosidad y me identificaba basándonos en sus historias de de alguna manera con las vida, quisimos contar historias personas trans. Luego, cuando particulares, experiencias diferentes estábamos escribiendo el guion en cuanto a edades y géneros o e investigando, la motivación tipos de transición, y teníamos muy cambió hacia la urgencia de tratar claro que queríamos encontrar este tema tan contingente para personas trans que se salieran del nuestro país, vimos que a este lugar común que a veces se ha grupo de seres humanos se les creado en el cine o la televisión, estaban vulnerando sus derechos que muestran mayormente a más básicos y pensamos que la gente trans como ligados al la forma de abordar esto como trabajo sexual o al mundo queer sociedad no estaba siendo la de la noche, de la fiesta. Sin dejar correcta, entonces quisimos mostrar de reconocer que ese mundo

trans también existe y es válido, queríamos mostrar otra cara de la moneda. Fue divertido, complicado y muy satisfactorio ya que cada uno de los personajes es muy diferente uno del otro, entonces cada jornada era muy distinta, era un desafío diferente, con cada uno fue una experiencia única y lo pasamos genial registrando. - ¿Hubo algún lineamiento sobre cosas que querían tratar y que no? ¿O fue más bien un relato espontáneo? Sí, se hizo un guion basándonos en las pre-entrevistas de investigación, las analizamos bien y elegimos lo que nos parecieron que eran los conflictos y experiencias más interesantes de cada persona, también nos preocupamos de que no se repitieran tanto los tópicos entre uno y otro. La verdad sí hay un trabajo bien pensado de construcción de guion y de personajes, siempre cuidando que esto fuera representativo de la realidad y tratando de manipular lo menos posible el discurso natural de cada uno de los entrevistados. Sentimos que lo logramos ya que nos han dicho que cada testimonio suena auténtico y sincero. No fue tarea fácil de todas formas, al ser un relato coral fue complejo elegir qué se iba a contar de cada persona y cómo lo íbamos a ligar, para eso sirvió mucho hacer un guion. Un guion que fue cambiando, ya que como las personas trans casi siempre se encuentran en un tránsito, y constantemente van cambiando, ahora, creemos que nunca en un

documental de observación de personajes puede dejar de haber algo espontáneo, eso sucedía sobre todo cuando poníamos la cámara e interactuaban con sus amigos o familiares, salieron cosas sorprendentes, a veces situaciones muy tensas, donde se sinceraban algo que no se habían atrevido a hablar, otras veces cosas muy chistosas, otras muy tiernas en donde se expresaban amor, esas cosas no las dirigimos, se dieron, las fuimos descubriendo. - El documental pone en escena varias problemáticas como: el bullying, rechazo social, apoyo familiar, entre otras; ¿hubo alguna que fue difícil de tratar? Sí, hubo temas difíciles, en general los personajes están con mucho miedo a exponerse, con bastante razón ya que constantemente son víctimas del acoso, la violencia física, verbal o psicológica de los demás, muchas veces son amenazados de muerte. Son personas muy valientes, cuando te abren las puertas de sus vidas para contar sus historias, están abriendo una puerta también a que les puedan identificar

públicamente y a que puedan sufrir o que sus familias sufran. Muchas veces les pedimos algo y nos decían que no podían hablar de cierto tema o hacer cierta cosa por temor, por proteger a sus más cercanos. O también nos sucedió que al hablar de ciertas experiencias difíciles salían a la luz en ellos sentimientos de pena, de frustración, de impotencia, en ocasiones tuvimos que parar de grabar, por respeto a lo que estaban sintiendo o para reflexionar en cómo teníamos que tratar cinematográficamente y éticamente esos momentos.

diversidad sexual, pero lo hicimos pensando más bien en un público amplio, familiar, quisimos contar historias cotidianas de personas comunes y corrientes como cualquier otro, de seres humanos sin más ni menos. Aunque también hay que mencionar que dentro de la comunidad LGBTIQ, hay algunos miembros que discriminan a los trans, creo que en estos tiempos de debate, donde la ignorancia y la confusión abundan, es un documental súper necesario y urgente y queremos que llegue lo antes posible a la mayor cantidad de personas.

- Considerando que la transexualidad ha sido un tema latente en la actualidad chilena, mostrando tanto apoyo como rechazo, ¿consideras que tu documental podría potenciar la visión positiva y el apoyo a la comunidad trans? Sí, obviamente esa es la idea, creo que es un documental que va a servir para educar sobre todo a quienes están alejados del tema, para quienes lo ignoran, nosotros sabemos que el documental tiene un nicho de público ligado a la

En tránsito se exhibe en CineHoyts La Reina, este miércoles 23 a las 20:15H y el jueves 24 a las 19:30H

EN TRÁNSITO Constanza Gallardo


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BENJAMÍN BRUNET, director de La madre, el hijo y la abuela - ¿Cómo fue el proceso que terminó en la realización de esta película en Chaitén? Bueno, ha sido un proceso que en realidad aún no ha terminado. Un aprendizaje constante. El proyecto partió creando la productora audiovisual La Casa Tortuga en el sur de Chile, siempre con las ganas de poder concretar las ideas y películas que uno tiene en mente. Nuestro primer logro fue ganar un capital semilla, con el cual compramos los equipos básicos para comenzar. Trabajábamos en proyectos comerciales y proyectos personales, por lo que nos pasábamos mucho tiempo postulando a subvenciones y a

LA MADRE, EL HIJO Y LA ABUELA Benjamín Brune

licitaciones que por lo general perdíamos. La idea de hacer una película en nuestra región era una de nuestras metas principales, por lo que siempre buscábamos cómo avanzar en el desarrollo. Ir a hacer un institucional a Chaitén por ejemplo, era una oportunidad para avanzar en el casting o locaciones, etc. Luego participé de Cine Isla, un laboratorio de proyecto en Chiloé en el cual trabajé el guion con grandes maestros (Francisco López Sacha, Lucrecia Martel, Eryk Rocha y otros) que me ayudaron para guiar el proceso creativo. Uno de nuestros grandes problemas era que nuestras locaciones en Chaitén estaban siendo demolidas por el gobierno ya que representaban un riesgo a la comunidad (casas devastadas por las cenizas y el aluvión). Eso significaba que debíamos empezar el rodaje en poco tiempo, o lamentablemente nos íbamos a quedar sin las locaciones y finalmente sin la posibilidad de hacer la película que queríamos. Fue en ese momento cuando por suerte

ganamos un pequeño fondo regional con el que decidimos tirarnos a la piscina. La película habla de la familia y la muerte. Curiosamente, durante el proceso de la película se nos murieron varios familiares. Suicido, enfermedades, y accidentes vehiculares, una época muy dura para todo el equipo. La película en ese sentido ha sido una bendición, porque creo que de alguna manera nos preparó para los momentos de duelo. A mí personalmente me ayudó mucho para acompañar a mi viejo en sus últimos días de vida, saber aprovecharlos y lograr digerir todo los que estábamos viviendo. - Uno de los aspectos que llama la atención en tu película es la mezcla entre ficción y documental, ¿era esa tu intención original o eso se fue desarrollando durante el rodaje? Quería hacer una película que registre esos momentos en los que uno siente que alguien debería haberlos grabado, o sacado una foto. Esos momentos que

son tan únicos e irrepetibles, que deseas haber perpetuado de alguna manera esos recuerdos. Necesitábamos conseguir esa naturalidad, esos momentos. Como cuando conversas con alguien que va a morir, esas palabras toman más peso, otra importancia. La intención era hacer una ficción, pero porque sabemos que poner una cámara, sonido y todo el aparataje técnico finalmente termina por matar la naturalidad de las situaciones. Al plantearse como una ficción en donde los actores actúan prácticamente de ellos mismos, se genera una cancha, un juego en que los vuelves cómplices de esa mentira y empiezan a actuar. Después de un rato dejan de actuar y empiezan a vivir. Y en ese momento, ojalá que ya hayas puesto la cámara y corrido sonido porque los momentos nunca se vuelven a repetir iguales. Creo que la ficción nos ayudó a grabar momentos documentales que de otra manera no hubiésemos podido.

humano a mi parecer es un portal al infinito, a la emoción. Puedes realizar un viaje profundo por él, capturando cierta esencia del ser humano que te permite finalmente conocerte a ti mismo. Eso para mí es parte de la magia del cine. El personaje de Gonzalo, “Cristóbal”, vive un poco el mismo proceso, desde fotografiar la materia, hasta fotografiar el ser humano.

- Es muy especial la conexión entre el protagonista y las dos mujeres con quienes comparte, casi conformando una familia, ¿cómo trabajaste con los tres, sin ser originalmente actores, como para lograr esa espontaneidad en pantalla? Era parte del desafío y de lo que queríamos trasmitir. En realidad Ana y María no son madre e hija, incluso en el pasado habían tenido algunos problemas entre ellas. La casa no era de ninguna de ellas, sino que era exclusamente un set para la película. Sabíamos que necesitábamos Queríamos hacer una película generar un ambiente de mucha donde el acento esté en la complicidad y camaradería, persona, en el “paisaje humano”. un ambiente de confianza y Dejando afuera mucho de lo que hogar. Para nosotros las cosas se supone que debería tener estaban claras, éramos una una película del sur de chile, familia haciendo una película como naturaleza y geografía en sobre la familia. Teníamos que general. ¿Pero por qué? Porque impregnarnos con la película. como sureño me sentía con una Fue así como la señora María responsabilidad mayor, intentar se transformó en la abuela de capturar algo que un turista no todo el equipo técnico, y nosotros pueda capturar rápidamente. Es intentábamos tratarla con mucho fácil acercarse a un árbol o a cariño y respeto. un lago y fotografiarlo, con más En términos más específicos o menos técnica. Pero no es tan de la dirección de actores, se fácil entrar en la casa de una utilizaron varias técnicas. No persona, poner una cámara y que pasarles el guion, trabajar la te deje grabar su intimidad, sus improvisación dirigida, grabar sentimientos. Lo bueno es que esa cronológicamente, grabar en dificultad finalmente tiene una secuencias y varias otras técnicas recompensa, el ser humano. Y el ser que son muy importantes de

aplicar para trabajar con un actor no profesional. Conocerlos mucho, su pasado, sus dolores, su mundo interior. Finalmente conocer cosas de ellos que probablemente sólo saben sus amigos. Creo que el hecho de que ellos “actúen” ayuda mucho para que se sientan protegidos. Un juego de rol en el que ellos se vuelven cómplices. Al final creen que están interpretando un personaje, cuando en realidad lo que vemos es a ellos mismos, en alguna circunstancia que están provocando. Es como si a través de la mentira llegases a la verdad. Creo que el proceso de rodaje tiene que crear una experiencia de vida. Tiene que ser un proceso de crecimiento para cada una de las personas del equipo. No basta con que el resultado final de una película sea bueno, el proceso es igual o más importante. Si el proceso de hacer una película no tiene gran significado, si lo único que importa es como quede la película al final sin tomar en cuenta el proceso, hacer cine pierde todo el sentido para mí. La madre, el hijo y la abuela se exhibe en CineHoyts Parque Arauco, este miércoles 23 a las 20:00H y en CineHoyts La Reina el viernes 25 a las 22:30H


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PAULA RODRÍGUEZ SICKERT, directora de JAAR el lamento de las imágenes - ¿De dónde y cuándo surge tu interés personal en Alfredo Jaar y su obra? Me interesa Jaar como artista porque nos devuelve una mirada del mundo en que vivimos, me interesa el rol que le asigna a la cultura y al rol del artista en el mundo actual. Me identifico con su propuesta: ser un artista es un privilegio, un privilegio que se debe asumir con cierto nivel de responsabilidad. Tuve la posibilidad de ver la obra de Alfredo Jaar en varias ocasiones en Berlín, donde viví durante 25 años. Desde un inicio, su trabajo artístico me conmovió por su capacidad de abordar problemas sociales del mundo en que vivimos desde el arte, la poesía. Un equilibrio muy difícil de lograr. Él lo logra de manera extraordinaria. Desde que vi su primera obra en 1989, continué interesándome por él, lo estuve siguiendo, fui leyendo lo que se escribía sobre él. Pero el momento preciso en que decidí hacer este documental fue cuando vi su obra Lamento de las imágenes en la Documenta de Kassel el 2002, me emocionó tan profundamente, que en ese momento decidí que quería hacer un documental sobre Jaar. Cuando escoges un tema para un documental sabes que vas a pasar un par de años de tu vida dedicada a eso, entonces

tienes que estar muy enamorada u obsesionada con el tema que escoges. Y lo estaba. Pienso que también me siento muy atraída por su obra porque, por un lado está este aspecto social, y a la vez por otro lado, está el aspecto estético, me resulta muy cercano el lenguaje formal que usa Alfredo Jaar, como él mismo dice “es un arquitecto que hace arte”. Antes de estudiar cine, estudié arquitectura, por lo que en términos estéticos me deleita esa fusión que hace entre el arte y la arquitectura. - Aunque el punto de partida es Jaar y sus creaciones, durante el documental y por las características de la obra del artista se terminan abordando distintas temáticas sobre el hombre contemporáneo y la sociedad actual, ¿era esa tu intención original o eso se fue desarrollando durante el rodaje? Absolutamente. El documental hace un recorrido por más de 30 años de la trayectoria artística de Alfredo Jaar, prácticamente desde sus inicios hasta el día de hoy. A la vez, revela la manera en que trabaja como artista, se acerca a la persona detrás del artista, de manera muy sutil, pero fundamentalmente rescata su pensamiento. Jaar no sólo es un artista, es un pensador. Él plantea que los artistas crean modelos de pensar el mundo. A la vez plantea que el arte es el último lugar de libertad que nos queda desde el cual poder hablar de las preguntas esenciales de nuestra sociedad. Él se ubica desde este lugar como un acto de resistencia. Y utiliza el arte para fascinarnos, para cautivarnos, pero finalmente

de lo que nos está hablando es del dolor, del horror de este mundo. Este postulado lo sustenta a través de una consecuente y sólida carrera artística. En resumen, pienso que el documental, entre otras cosas, lo que intenta fundamentalmente es reflejar el modelo de pensar el mundo de Jaar, a través de sus obras y de él mismo explicándose a sí mismo. Creo que vivimos en un mundo muy complejo, muy dominados por la cultura del consumismo, del individualismo, del valor del dinero. Jaar a través de su obra nos hace preguntarnos sobre nuestro propio compromiso o responsabilidad hacia el dolor de los otros. Rescatar y difundir la obra, el pensamiento de Jaar a través de un documental hoy en día me parece en este sentido un aporte. - Siendo Jaar un creador inspirado, lleno de ideas que además expresa muy bien en distintos formatos, ¿tuvo él mismo alguna injerencia directa en el documental, proponiendo ideas o dando sugerencias, o en todo momento se conformó con que ustedes lo filmaran para armar el documental? Jaar fue tremendamente respetuoso con nuestro trabajo. Jamás hizo una sugerencia de cómo debía ser abordado el documental. Fue muy colaborador y generoso, nos abrió las puertas a su mundo artístico. Es una persona tremendamente rigurosa, perfeccionista, casi obsesivo. Entonces desde que decidí hacer este documental sabía que iba a estar sometida a esa vara. Todo el equipo ha estado siempre consciente de esto y se ha trabajado de esta manera.

JAAR, EL LAMENTO DE LAS IMÁGENES Paula Rodríguez

Todos. Jaar sin decir nada te está exigiendo siempre lo máximo en rendimiento, rigurosidad y compromiso. Sólo eso. - ¿Cuánto tiempo duró el rodaje, cuánto material grabaste? ¿Qué hilo conductor guió el montaje de Titi Viera-Gallo al momento de decidir qué dejar y qué no en la edición final? Y aunque el montaje estuvo a cargo de ella, tú como directora de seguro fuiste siguiendo el proceso muy de cerca, ¿cómo fue la labor en conjunto? Comenzamos rodando la retrospectiva que realizó el 2012 en Berlín Una estética para la resistencia, mientras yo aún vivía en Berlín. Desde esta ciudad viajamos a filmar la obra Venezia, Venezia, con la cual representaba a Chile en la Bienal de Venecia en 2013, más tarde filmamos Abbiamo amato tanto la rivoluzione en Turín, Italia, en 2013. Más tarde filmamos una gran retrospectiva, Tonight No Poetry Will Serve, en Helsinki el 2014,

en Chile filmamos en la galería Patricia Ready Sound of Silence, el 2014 y en Argentina en el Parque de la Memoria su exposición Estudios sobre la felicidad y su obra Punto ciego, creada especialmente para el lugar, también el 2014. El 2015 viajamos a filmar a su taller en Nueva York. Este amplio rodaje me permitió primero que nada acceder a filmar y ver gran parte de sus obras, un privilegio observar cómo trabaja, cómo se desenvuelve un artista internacional como Jaar en diferentes ambientes, situaciones, montando, relacionándose públicamente. En casi todos estos lugares dio conferencias, a las cuales destina un tercio de su tiempo. Es un excelente conferencista. Un aspecto fascinante de él también. WEn resumen el rodaje fue un privilegio. En relación al montaje, puedo decir que JAAR el lamento de las imágenes se armó en la sala de edición. No siempre sucede de esta manera, pero en este caso fue así. En todos los documentales que he realizado me siento a

editar junto al montajista. No delego este trabajo. Estoy todos los días en la sala de montaje porque me fascina la edición en el documental, es muy libre y creativa. Estuvimos editando más de un año con Titi VieraGallo, agradezco muchísimo su paciencia, su compromiso y entrega. Cuando logras un trabajo creativo en conjunto con un editor, o editora, en ese caso, es una experiencia maravillosa. No fue un trabajo fácil la edición de este documental, te diría que fue más bien sufrida, de mucha búsqueda, mucho trabajo. Por otro lado, Paola Castillo, que es una excepcional productora, porque participa de todas las etapas de la realización del documental, también nos visitó de manera regular a la sala de edición, siempre colaborando, pero a la vez respetando absolutamente mi propuesta como directora. En la última etapa de la edición tuvimos la asesoría de Valeria Vargas, que fue fundamental para terminar de cerrar la edición. Muy agradecida de su lúcido aporte. La edición fue un largo recorrido, no fácil, pero por lo mismo yo creo que hoy sentimos una gran satisfacción y orgullo viendo el resultado final. Fue un aprendizaje. JAAR el lamento de las imágenes se exhibe en CineHoyts La Reina, este miércoles 23 a las 20:30H y en CineHoyts Parque Arauco el viernes 25 a las 20:15H


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MIÉ 23 AGO.

CRISTÓBAL VALENZUELA, director de Robar a Rodin - ¿Qué te motivó a realizar esta película? ¿Tenías alguna conexión personal con el mundo de la plástica o fue fundamentalmente a partir del robo de la escultura que quisiste hacer este documental? El 2005 yo estudiaba cine en ARCIS y Onfray estudiaba arte en la misma universidad, no nos conocíamos pero viví todo el tema muy de cerca. Para ese entonces en la escuela ya había pasado un par de ramos de guion y cuando sucedió el caso de Rodin vi que ahí había un potencial súper interesante para estructurar un policial delirante. Lo policial marcó una pauta en la película, estudié mucho el género y me puse a ver todo lo que pude de cine negro clásico y neo noir. Pero Robar a Rodin es un policial medio engañoso, el lado criminal es un medio para en el fondo hablar de subtemas, en especial de arte. Las artes plásticas me han afectado mucho en mi vida, de cierta forma han determinado mi vida. El arte contemporáneo lo conocí en mi adolescencia y siempre me atrajo, pero con una sensación rara, como una frustración de no estar entendiéndolo del todo. Es por esto que cuando empecé Robar a Rodin el 2011, invité como coguionistas a María Luisa Furche y a Sebastián Rioseco porque

estaban estudiando estética y sentí que me podrían ayudar en mis vacíos teóricos sobre Arte Contemporáneo. Para el guion, aparte de estudiarnos el caso de todas las perspectivas posibles, hablamos mucho con teóricos, con artistas, nos metimos en muchos textos, en la historia de la performance, en el CADA, en Rodin, en Duchamp, y bueno, en Onfray. La película es entonces un policial que es una comedia que en el fondo habla de arte, instala preguntas e intenta resolverlas.

demasiadas sub historias y había que limpiar la trama sin afectar el espíritu de la película. El primer corte, siguiendo al pie de la letra el guion, duraba tres horas y media, nos gustaba pero era inviable, después vino el doloroso proceso del recorte, volar entrevistados y volar escenas para potenciar el total en pos de un relato más dinámico. En la escuela de cine siempre comentaban que el montaje en el documental es la reescritura del guion, lo es. El corte final quedó de una hora y 20 minutos.

- Tu documental tiene su punto de partida en el robo, pero a lo largo se va ramificando en distintos temas relacionados. Debe haber sido muy complejo manejar todos esos hilos y alcanzar un equilibrio en su planteamiento, ¿cómo lograste manejarlo? ¿Tu intención original era hablar de todas esas aristas, o esto fue surgiendo en el rodaje o en el proceso de montaje? Prácticamente todo lo que está en la película estaba en el guion, con la excepción de un par de cosas, como la tienda de marcos Rodin que encontró por casualidad María Luisa Furche durante el rodaje. Investigamos mucho antes de postular a nuestro primer fondo audiovisual y después trabajamos el guion con la asesoría de Iván Osnovikoff por casi un año. El rodaje y las entrevistas se armaron desde el guion, hasta los cuestionarios. Siempre nos interesó realizar un documental laberíntico de múltiples capas y líneas, lo que venía desde la escritura. El montaje, que hizo Juan Murillo (La once, Los niños), tuvo la complicación de que teníamos

- En esta edición de SANFIC hay otros documentales que abordan el arte y todo lo que se desprende a partir del hecho artístico, como en JAAR el lamento de las imágenes y Cheques Matta. Aunque cada una de las películas es distinta entre sí, ¿qué te parece esta coincidencia? ¿Hacen falta más documentales que indaguen en estas temáticas en nuestro país? Chile es bueno para olvidarse de todo, así que siempre va a ser sano que surjan documentales que rescaten el trabajo de sus artistas, sin duda hacen falta. No creo que estemos viendo un surgimiento del documental de arte en Chile, pero sí veo una apertura de contenidos en la producción documental, es cosa de ver los títulos de la red Miradoc de éste y los años anteriores, el espectro temático es cada vez mayor y espero que siga creciendo. Robar a Rodin se exhibe en CineHoyts La Reina, este martes 22 a las 22:30H y en CineHoyts Parque Arauco el viernes 25 a las 22:00H

EL ROBO DE LA ESCULTURA ES SÓLO EL PUNTO DE PARTIDA PARA LAS DIVERSAS REFLEXIONES EN TORNO AL ARTE QUE PLANTEA ESTE DOCUMENTAL.

ROBAR A RODIN Cristóbal Valenzuela


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DIRECTORES COMPETENCIA CORTOMETRAJE TALENTO NACIONAL En cada edición vamos conociendo las opiniones y gustos cinéfilos de los realizadores de los 21 cortometrajes chilenos que están participando en esta versión del festival, y que se están exhibiendo divididos en tres bloques, entre el martes 22 y el sábado 26, en Hoyts La Reina y Parque Arauco.

JONATHAN ALVAN PRADO, director de Après la nage -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Estando en un viaje por España y Francia, justo en un momento crítico de la migración siria, pensé en los cuerpos cruzados por la historia, por las catástrofes políticas, en los refugiados, y todo eso me llevó a la idea de la muerte. Pensé en cómo la muerte ya no nos impacta tanto, porque nos rodea cada vez más. A partir de la imagen del cadáver de un refugiado, mi idea fue mutando hacia la percepción que los niños pueden tener sobre este contexto y la muerte. - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba retratar el momento en el que unos niños se conocen y comparten sus vidas, juegan y gozan, hasta que se encuentran con algo que los hace enfrentarse con la realidad, marcando un recuerdo para toda su vida. Para mí, la

inocencia de los niños, la fragilidad, su percepción del mundo y la amistad eran temas fundamentales. - Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Caché, de Michael Haneke La caza, de Thomas Vinterberg Mommy, de Xavier Dolan - Perdidos en Tokio, de Sofia Coppola - Una mujer bajo la influencia, de John Cassavetes - Contra la pared, de Fatih Akin - El pasado, de Asghar Farhadi - El regreso, de Andrey Zvyagintsev - La ciénaga, de Lucrecia Martel - Tomboy, de Céline Sciamma - Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Lucrecia Martel, Asghar Farhadi, Andréi Zviáguintsev, John Cassavetes y Xavier Dolan.

ANDREA CASTILLO, directora de Bilateral

- ¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Bilateral es un proyecto universitario que contó con la asesoría del realizador Alejandro Fernández Almendras y nace de mi interés por las relaciones amorosas en situaciones límites o más bien inusuales. Cuenta la historia de un matrimonio distanciado debido a una enfermedad, el Síndrome de Capgras, que afecta la capacidad de identificación de una persona, su cerebro reconoce a un ser amado físicamente, sin embargo, es incapaz de sentir la emoción que esa persona te producía originalmente, creyendo así que fue reemplazado por un impostor idéntico. - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? La situación del protagonista es bastante complicada, ya que siente la obligación de mantenerse junto a su esposa, sin embargo, también hay carencias y pulsiones sexuales que busca con otras personas. Hay una necesidad de liberarse que se contrapone a una nostalgia de lo que fue y pudo haber sido, y me parece interesante retratar esa contraposición. Lo que más me interesa es generar un acercamiento del espectador con personajes que suelen ser prejuzgados fácilmente, y lograr que entiendan los motivos del protagonista.

- Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Oldboy, El Club, Delicatessen, XXY, Persona, Irreversible, It Comes At Night. - Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Lucía Puenzo, Alejandro González Iñárritu, Jean Renoir, Quentin Tarantino, Park Chan-wook. - Ya estuviste previamente en SANFIC. ¿Qué significa estar nuevamente en el festival? El año pasado realizamos en SANFIC el estreno nacional de Non Castus, mi ópera prima. Junto al equipo nos sentimos muy orgullosos de volver, porque el festival es una excelente plataforma de lanzamiento para jóvenes realizadores como nosotros y la calidad en la selección es cada vez mejor. Actualmente me encuentro en la preproducción de mi tercer cortometraje y obra de título, Cerca del río, y sería un honor poder participar por tercera vez consecutiva de este festival con este nuevo proyecto.

JOSÉ LUIS TORRES LEIVA, director de El sueño de Ana - ¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? En realidad, es el teaser de un próximo proyecto de largometraje llamado Vendrá la muerte y tendrá tus ojos, que habla sobre el tema de la muerte bajo una perspectiva muy personal. Finalmente, el teaser tomó forma de cortometraje y eso nos dio la idea de presentarlo como tal. - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Tanto el largometraje como el corto abordan el tema de la muerte, pero no me interesa mucho abordarlo como el fin de algo sino como el comienzo, en este caso, de entender el amor como una continuación más allá de lo físico. - Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean

tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Una pregunta imposible siempre, pero aquí van: Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson - Viaje a Italia, de Roberto Rosselllini - Close up, de Abbas Kiarostami - Las uvas de la ira, de John Ford - Yo caminé con un Zombie, de Jacques Tourneur Primavera tardía, de Yasujiro Ozu - Loulou, de Maurice Pialat - La isla desnuda, de Kaneto Shindo - Juventud en marcha, de Pedro Costa - Al oeste de los rieles, de Wang Bing - Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Robert Bresson, Abbas Kiarostami, Yasujiro Ozu, Pedro Costa y Apichatpong Weerasethakul.


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MIÉ 23 AGO.

JUAN PABLO ARIAS, director de Hombre - ¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea surgió a partir de la reflexión sobre el momento de la adolescencia en que se toman las decisiones que te harán ser quien eres en el futuro. La idea es mostrar cómo estas decisiones son fuertemente influenciadas por estrategias violentas y machistas de crianza, y cómo son estas estrategias las que determinan la adultez. Queríamos además hacer un corto de terror en que la problemática no estuviera concentrada en la supervivencia, sino en algo mucho más trascendente. De esta manera, el monstruo funciona como metáfora y la lucha del personaje principal, más que por su supervivencia es por el respeto de su padre machista y su propia identidad. - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesa hablar de la forma en que las crianzas machistas deforman la identidad de los hombres desde una edad muy temprana y terminan

determinando en quiénes se convierten en el futuro. La película intenta meterse justo en el momento en que se crea un círculo vicioso, adonde el niño aprende que ser un hombre se relaciona con la crueldad y la violencia. Me parece que esto es importante, ya que la conversación sobre la identidad de géneros, que ha tomado tanta relevancia en la actualidad, debe también dirigir sus preguntas hacía lo masculino. La película no intenta dar respuestas a la pregunta sobre la identidad masculina, pero sí llamar la atención sobre la forma en que se reproduce una identidad que está impuesta a la fuerza, sin dejar desarrollarse una verdadera. Por otro lado, nos interesaba abordar el género del terror desde un punto de vista autoral y más conectado con la realidad nacional. - Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad, época y país. Moonlight - The Master - Gloria - Petróleo sangriento - Batman inicia - El Club - La escafandra y la mariposa - Eterno resplandor de una mente sin recuerdos - Sexo, mentiras y video - El árbol de la vida - Menciona cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad, época y país. Paul Thomas Anderson, Christopher Nolan, Darren Aronofsky, Martin Scorsese, Steven Spielberg y Ridley Scott.

general, bastante tradicionalista, conservadora y religiosa, que se ve enfrentado a una cultura nueva, la chilena, con sus cosas malas, pero también con sus libertades. Al verse entre estas dos identidades, y sin saber cuál es su verdadera cultura, nace “La duda”.

JUAN CÁCERES, director de La duda - ¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea surgió en el proceso de desarrollo de nuestro largometraje Perro Bomba, que actualmente estamos rodando. Como equipo, decidimos realizar un pequeño ejercicio de producción para poner a prueba nuestros planteamientos técnicos-artísticos. En un primer momento, no considerábamos usar este material para nada más que un ejercicio interno. Pero el resultado es bastante interesante, y eso nos motivó a convertirlo en un cortometraje. De ahí nace La duda, que si bien lleva ese título por su relato, también recoge y representa el proceso en el que estábamos como equipo. ¡Viva dudar! - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Lo que más me interesaba mostrar es la crisis identitaria que la migración produce en los más jóvenes. En particular, en este caso, presentamos el caso de un chico haitiano, cuya cultura es, en

- Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad, época y país. Strozsek, de Werner Herzog - Los olvidados, de Luis Buñuel - El Chacal de Nahueltoro, de Miguel Littin, Oasis, de Lee Chang-Dong, Yo, un negro, de Jean Rouch - La nación clandestina, de Sanjinés - Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini - Ratcatcher, de Lynne Ramsay, por nombrar algunas. - Menciona cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad, época y país. Luis Buñuel, Raúl Ruiz, Claire Denis, Robert Bresson y Jorge Sanjinés. -El año pasado ya estuviste con un cortometraje anterior en esta misma competencia, ¿qué te parece poder volver a SANFIC, ahora en medio del proceso para tu primer largometraje? Sentimos un gran apoyo de SANFIC a nuestras propuestas. El año pasado presentamos Desiderio, un cortometraje experimental, en blanco y negro, mudo, muy jugado. Este año estaremos en Santiago Lab y en Talento Nacional con dos propuestas bien especiales.

Y a pesar de que estamos en medio del rodaje de nuestra primera película, y de que no podremos ver todas las películas que querríamos, estamos muy agradecidos y esperamos poder volver el próximo año ya a presentar a lo grande. TOMÁS SAMAEL, director de Máquina - ¿Cómo te surgió la idea de filmar este cortometraje? Con Juan Pablo nos conocimos en 2013 mientras yo hacía unas fotos para el Club México. Él era un primerizo, estaba empezando a boxear e inmediatamente me llamó la atención la chispa y el hambre que tenía. Era tan motivado que lo vi siendo un campeón en el futuro. No faltó mucho tiempo para demostrar que estaba para ganarlo todo. La idea de hacer un corto surge con la motivación de retratar esa personalidad luchadora y la tenacidad con la que Juan Pablo vive el boxeo.

- ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Creo que en perspectiva el corto busca descubrir a este personaje en un espacio íntimo, donde nos revela una personalidad endurecida por la hostilidad y la violencia que se vive en las poblaciones de Santiago. Convertido en un acérrimo seguidor de la iglesia evangélica atribuye todos sus logros a una fuerza divina que lo guía, y es el mismísimo “todopoderoso”, quien mueve sus brazos en cada gancho. Esta es una breve historia del “Máquina”, un individuo anónimo salido de Conchalí, que con una voracidad implacable lucha por convertirse en el mejor boxeador del mundo y noquear al destino. - Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Cementerio Yakuza, de Takashi Miike - Fitzcarraldo, de Werner Herzog - La ciénaga, de Lucrecia Martel - Step Across the Border, de Nicolas Humbert y Werner Penzel - Japón, de Carlos Reygadas - La casa, de Sharunas Bartas - Tony Manero, de Pablo Larraín Megacities, de Michael Glawogger - Sátántangó, de Béla Tarr - Fallen Angels, de Wong Kar Wai -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Shuji Terayama, Werner Herzog, Peter Greenaway, Carlos Reygadas y Michael Glawogger.


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MIÉ 23 AGO.

TANA GILBERT, directora de Sigo acá ¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Retratar una historia de incondicionalidad de una madre y un hijo, ambos afectados por una enfermedad mental, nace en una primera instancia por mi experiencia personal. El vínculo que tuve desde pequeña con las enfermedades mentales estuvo representado por Johnny, él es mi tío y Julia mi abuela. Desde niña vi a mi abuela cuidar y atender a Johnny, quien sufre esquizofrenia desde los 18 años, cuando vivió una experiencia traumática en el servicio militar que provocó su primera crisis. Luego de este episodio la vida de Julia cambió por completo, se dedicó a proteger a su hijo menor que sufría una enfermedad invalidante y con ausencia de tratamiento en Chile durante los años 80, ambos se encerraron durante muchos años en su casa. Cuando a Julia, a los 75 años (actualmente tiene 87), le diagnosticaron Alzheimer, Johnny cambió, a pesar de sus impedimentos cotidianos por el tratamiento con medicamentos,

y luego de más de 30 años de vivir en encierro, comenzó a realizar diversas actividades para reintegrarse por su propia voluntad en la vida social, la mayor parte de estas actividades para ayudar a su madre, como vender en la feria o comprarle los medicamentos. Esta relación ahora tenía algo en común: un mundo imaginario y mental, pero que no impidió que ambos siguieran necesitando del otro como antes. Es por esta particularidad en ellos y su relación que se me hizo urgente contar esta historia. - ¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Sigo acá es una película que explora el “estar”, estar con un otro en el plano físico, mental y emocional. Habla del amor y la dependencia, de cuando necesitamos tener al otro cerca, cuidarlo y que nos cuide. Un vínculo tan fuerte que sigue estando ahí a pesar de lo que nos pase. Siempre me interesó proponer esta película a partir de la cercanía, sin usar las enfermedades de los personajes con una mirada paternalista. A pesar de estar contando la historia de dos personajes que sufren enfermedades mentales, la película traspasa ese hecho y muestra al espectador la convivencia en el mundo de una madre y un hijo, donde sus enfermedades no son un impedimento para vivir su relación. Hay una decisión radical en la película en la que el espacio no aparece, esta decisión nace de la idea de querer representar su desconexión del mundo exterior,

y reafirmar que ellos son lo único que tienen. En la película lo importante son sus cuerpos que conviven en un espacio que no se define y donde sus mentes navegan por en un plano etéreo de desconexión y conexión. Me parece que el cine es una herramienta crucial para visibilizar historias que no estamos acostumbrados a ver y oír, pero que a la vez tiene la misión de que esas historias sean realizadas con una propuesta cinematográfica particular de representación del mundo. Los médicos no recomiendan que personas que sufren de este tipo de enfermedades convivan en el mismo lugar y en general cuando el Alzheimer avanza, los familiares cuidadores se agotan por la exigencia que implica el hacerse cargo. En este caso ocurre una situación que rompe la regla: Existe un vínculo tan potente entre ellos, que aunque no se recomienda que una persona con esquizofrenia se haga cargo de otra con Alzheimer, no podemos poner en duda que la mejor opción para cuidar de Julia es Johnny. Esta dependencia mutua es necesaria para que dos personas puedan seguir estando en un mundo que los olvidó. Este cortometraje invita al espectador a reconocerse, recordar a un ser querido al que quizás no ven hace algún tiempo, identificarse con los personajes y posiblemente con nosotros mismos.

- Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. La teta asustada, de Claudia Llosa - Grey Gardens, de Albert y David Maysles - Un hombre aparte, de Bettina Perut e Iván Osnovikoff Take this Waltz, de Sarah Polley - Gatos viejos, de Sebastián Silva - Historias de Tokio, de Yasujiro Ozu - Edificio master, de Eduardo Coutinho. - Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Claudia Llosa, Michael Haneke, Bettina Perut e Iván Osnovikoff,, Yasujiro Ozu y Eduardo Coutinho.


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INAUGURACIÓN SANFIC13 Diversas actividades marcaron los primeros dos días de nuestro festival. Primero, con gran presencia de público, el domingo en la noche se realizó la inauguración de la decimotercera edición de SANFIC, en CorpArtes, a la cual asistieron distintas personalidades de la industria del cine nacional e internacional. La ceremonia fue conducida por la actriz chilena Mariana Loyola y en la ocasión

se presentó la película argentina “La cordillera”, presentada por su director, el argentino Santiago Mitre, y dos de sus protagonistas: Dolores Fonzi y Paulina García. En tanto, en el primer día de exhibiciones, el lunes 21 por la mañana, SANFIC Familia llevó a cabo su lanzamiento en el CineHoyts La Reina, donde se proyectó el film alemán “A la misma altura”. En el mismo cine, pero de

noche, se desarrolló la inauguración del Foco español, presentado por la Fundación SGAE, con la exhibición de “Demonios tus ojos”, de Pedro Aguilera. Además, paralelamente se presentaron “La novia del desierto”, de Cecilia Atán y Valeria Pivato, y “Verano 1993”, de Carla Simón, ambas de la Competencia Internacional, y la segunda función de la película inaugural, “La cordillera”, presentada nuevamente por Mitre y Fonzi.


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MIÉ 23 AGO.

PRESENTACIÓN PELÍCULAS

SANFIC FAMILIA


GUÍA DE AMIGOS SANFIC13 Presentando tu credencial accedes a los siguientes descuentos durante la semana del festival: With your credential you access the following discounts during festival week:

20% dcto en la carta (no aplica sobre happy hour) Dirección: José Victorino Lastarria 299 20% discount on the menu (don’t apply on happy hour) Adress: José Victorino Lastarria 299

15% dcto en heladería Dirección: Merced 291 - José Victorino Lastarria 271 15% discount on ice cream Adress: Merced 291 - José Victorino Lastarria 271

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25% dcto en la carta Dirección: Merced 297 A - Los leones 40 25% discount on the menu Adress: Merced 297 A - Los leones 40

20% dcto sobre la carta y 30% dcto en chocolates calientes Dirección: Avda Providencia 2400 20% discount on the menu - 30% discount on hot chocolates Adress: Avenida Providencia 2400

20% dcto en la carta Dirección: José Ramón Gutiérrez 277 20% discount on the menu Adress: José Ramón Gutiérrez 277

20% dcto en la carta Dirección: General Holley 50 20% discount on the menu Adress: General Holley 50

20% dcto en la carta Dirección: José Victorino Lastarria 168 20% discount on the menu Adress: José Victorino Lastarria 168

20% dcto en la carta Dirección: Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227 (adentro de Centro Cultural Gabriela Mistral GAM) 20% discount on the menu Adress: Avenida Libertador Bernardo O’Higgins 227 (inside GAM, Gabriela Mistral Culture Center)

20% dcto en la carta Dirección: Av. Italia 1139 20% discount on the menu Adress: Avenida Italia 1139


#2 Diario Digital SANFIC 13  

Rainer Klausmann, luces y sombras del ser humano.

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