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C贸mic e ilustraci贸n. N煤mero12, noviembre 2012


Editorial El 2012 nos dejaría buenos recuerdos, destacando la exposición "Checkpoint" en Pamplona. La mayor que hemos hecho hasta el momento. El balance de este año es muy positivo en cuanto a sensaciones e ilusiones. Seguimos avanzando hacia la profesionalización apostando por los nuevos talentos. Presentamos la página web de RumblE!! donde además de los contenidos de la revista puedes acceder a noticias, enlaces de nuestros colaboradores e información. ¡Anímate a hacer tuyo este proyecto apoyando el cómic y la ilustración! Puedes suscribirte a la revista por tan solo 12€ anuales (1€ al mes). Te invitamos a formar parte de nuestro equipo para llenar de vida las páginas en blanco que aún nos quedan por dibujar.

www.rumbleeditorial.com 2012-ak oroitzapen politak utzi dizkigu Iruñean egindako "Checkpoint" erakusketa azpimarratuz. Orain arte egin ditugun erakusketen artean handiena. Aurtengo balorazioa oso ona dela esan genezake ilusio eta sentsazioeri dagokienez. Profesionaltasunaren bidean goaz talentu berrieri esker. Zenbaki honetan RumblE!!-ren web gunea aurkezten dizugu, bertan aldizkaria ikusteaz gain barne albisteak, kolaboratzaileen blog eta web-en berri ere edukiko duzu eskuragarri. Anima zaitez proiektu hau zurea egiten, ilustrazioa eta komikia bermatuz! Egin zaitez harpidedun urtero 12€ gatik (hileko 1€). Gure lan taldearen partaide izatera gonbidatzen zaitugu zure historiotxo, kondaira edo marrazkiekin ditugun orrialde txuriak beteaz. Fe de erratas nº11, Potaje: emiliocerezo.blogspot.com el_emililito@hotmail.com Cada texto, imagen e historieta es copyright©2012 de su autor. Traducción editorial euskera: Peru Unamuno Imprime: Gertu. Tirada: 1000 ejemplares. D.L.: BI-2363-09. ISSN: 1889-9323. Director: José Carlos Torre.


Nº12 01 y 04 Sarima envuelorasante.com

02 Lorea Larraya lorealarraya@faceboo​k.com

05 Alai Zubimendi elzanjas@hotmail.com

09 María Toraño ionizando@hotmail.com

10 Cristina Larios www.tiempopo.com

12 Deih www.eldeih.com

14 Ana García ana.garciadiez@gmail.com

16 Eduardo Urrutia eurretxeb@yahoo.es

17 Miguel Berzosa www.miguelberzosa.com

23 Roberto González inspectorholmez@yahoo.es

24 Eneko Amezaga enekio@hotmail.com

26 David Menéndez menenart.blogspot.com.es

28 Nastya Holodilova flickr.com/photos/velatamente

31 Phrenan phrenan.deviantart.com

32 Eduardo Martínez Pinna edupinna@hotmail.com

33 Infame&Co+Luciano Saracino colorinfame.blogspot

39 Fermin Lizarraga zombiferris@gmail.com

40 Cristina Nogales monstruos-bajo-la-cama.blogspot

45 Alvaro Garrido avadooo@gmail.com

46 Josune Muñoz skolastika@skolastika.net

47 y 15 José Carlos Torre www.rumbleeditorial.com

51 Dave Henman dhenman@live.co.uk

52 Jess Fletcher jess.gvm@gmail.com


SARIMA Entrevista por José Carlos Torre Para la portada has usado unas formulas que sabes que suelen tener éxito entre los aficionados al cómic. Háblanos de estos recursos y efectos Empezamos fuertecito ¿eh? Puedo hablarte de las fórmulas que a mí me funcionan y que lo cierto es que se basan en la lógica más que otra cosa. Los contrastes son muy efectistas. Del mismo modo que algo luminoso resalta más en un entorno oscuro, en la portada he contrapuesto la “supuesta” inocencia y apariencia inofensiva de una colegiala con uniforme, coletas e incluso su osito de peluche, con la brutalidad de la catana en su hombro y la gran cantidad de sangre que demuestra que sabe cómo usarla y que la ha usado, de hecho. También esa mirada que reta al espectador a atreverse a comprobar si es inofensiva o no. El terreno del cómic se basa en los grandes contrastes para aumentar la expresividad, formas hipertrofiadas, posturas imposibles y el intenso contraste de la tinta negra en los contornos con los rellenos de color tenues o incluso inexistentes. La idea es expresar lo máximo en el espacio del que se dispone y sin necesitar excesivo apoyo del texto. ¿Es difícil encontrar un equilibrio entre lo que le gusta al gran público, lo que le gusta al crítico especializado y lo que nos gusta dibujar a nosotros? Si te basas en el gusto del gran público (supuestamente más comercial) o en el gusto del crítico (normalmente todo lo contrario) es difícil que te encuentres a ti mismo como autor, que halles tu estilo y aquello que te hace diferente y a tu trabajo especial. Eso no significa que haya que trabajar de espaldas al mercado o con la mente cerrada, sino que supone un trabajo de investigación para hallar las fórmulas que funcionan comercialmente e incorporarlas a lo que te gusta y a tu estilo personal. Por supuesto esto es si te quieres dedicar profesionalmente a este mundo. Si dibujas por placer, es bueno mirar para aprender, pero no dejarte influenciar y disfrutar de lo que haces. ¿Hasta que punto crees que nos autocensuramos? Hay que tener en cuenta que actualmente hay una mayor difusión y conocimiento en el mundo del cómic. Las ferias, internet, las modas incluso, han ayudado a ello. Existe por una parte una dictadura de “lo políticamente correcto” en una sociedad que ya ha visto de todo y no se escandaliza ni se sorprende por nada. Es por eso que “los golpes” vienen de muchos sitios con diferente discurso y a veces desde luego que te obligan a plegarte a las exigencias del cliente o del

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mercado. ¿Qué si me han censurado? Por supuesto. El público más feminista considera que ensalzo la belleza y la delicadeza de las mujeres en detrimento de otras cualidades más importantes. Hay quien considera que una mujer que muestra su pecho es pornografía, que algunas de mis imágenes con sangre o con armas son violentas. Hay quien piensa que mi trabajo más luminoso es blando y acomodaticio. Hay quien no le gustan mis trabajos más elaborados y prefieren el trazo duro que utilizaba antes. Quien considera que lo digital no tiene mérito y que tenemos un photoshop mágico que hace el trabajo por nosotros… En suma, que escucho y reflexiono sobre lo que me dicen, pero intento no dejarme “censurar” demasiado. Este año has presentado "Ilunabar" ¿Cómo has vivido esta experiencia? Intensa, sorprendente, abrumadora a veces. La presentación oficial fue en el Salón de Getxo del 2011 y superó todas mis expectativas. Tuvo muy buena acogida y me sentí muy feliz de que mi “retoño” con todo el cariño y trabajo que llevaba consigo gustara. Desafortunadamente las novedades en el mercado editorial son efímeras y si no eres un autor consolidado o con una gran campaña mediática, es difícil mantener ese interés del estreno. Aun así, tanto en el Salón de Barcelona como en Expocómic Madrid tuvo una acogida muy aceptable. En la edición del Salón del cómic de Getxo de este año estaré en el stand de para quien quiera adquirir el libro dedicado. También estás comercializando productos como camafeos, tazas y otro merchandising. ¿Estás modelando figuras?, o ¿lo he soñado? Una de mis grandes pasiones es la artesanía. Es por eso que comencé a elaborar bisutería basada en mis ilustraciones y me planteé la idea de ampliar la oferta de productos, como las ilustraciones impresas en lienzo de gran formato, que quedan preciosas a ese tamaño, tazas y bolsos. Actualmente estoy buscando también la forma de comercializar puzles y material de papelería, pero como comentaba antes, si no eres muy conocido es difícil que las empresas especializadas apuesten por tu trabajo. Y no, no lo has soñado. Estoy volviendo a modelar, pero del mismo modo que hice el salto del carboncillo y el óleo a la tableta digital y photoshop, estoy experimentando con nuevos materiales y trabajando en OOAK dolls, muñecas artículadas y únicas. En breve pondré algunas piezas a la venta, a ver qué tal acogida tienen.


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Deih Entrevista por Pablo Escauriaza Mi entrada en el mundo del graffiti fue hace 20 años cuando la peña con la que patinaba en Mislata trajeron unos Edding 800 una noche y nos dijeron, "venga inventate una firma y ahora vamos a ir poniéndolas por ahí". Así lo hicimos. Mi primera firma fue MARK, (de marcar). La peña del skate dejó de hacerlo en unos meses, mi hermano Alex (Klein/Sub.Z, que ahora es Xelön) y yo seguimos con ello, y enseguida conocimos a Safh (que ahora es End) y a Zebra (que ahora es Gons) y formamos el grupo RHB. Ahí le ibamos dando a todos los mármoles, a los muros, cada vez más, a veces piezas, a veces dibujos, a veces mucha fiesta y poco pintar durante tiempo, pero nunca lo hemos dejado del todo. La verdad es que fue un gustazo empezar cuando no había tantas referencias, aparte de los fanzines casi negros de fotocopias del Same y las piezas del Nova que buscábamos con la bici para verlas por toda Valencia. Hoy formo parte del krew RHB y también de XLF, vamos más liados, pero seguimos haciendo lo mismo, a veces piezas, a veces dibujos, cada vez molan más pero nos lo pasamos igual de bien que antes, y eso es lo mejor de todo. En un agradable paseo por el casco antiguo de Valencia se ve todo tipo de pintadas... La escena es muy rica y Valencia es un gustazo porque inexplicablemente es bastante permisiva con el graffiti y el postgraffiti. Da gusto ver a tanta peña que se lanza a pintar a la calle. Unas cosas me hacen vibrar, otras no tanto, pero admiro a cualquiera que se tome la molestia de hacer cosas. También me mola que el graffiti no sucumba ante el street art, ya que siempre hay un nuevo grupo de gente joven machacando la ciudad sin tregua y eso... eso me encanta. ¿De que trata la serie Insiders? The Insider Series debe a su nombre a una faceta más introspectiva de mi expresión artística y personal. Siempre buscando un sonido propio que me defina y que me ayude a entender lo que es la realidad y cómo afecta "lo real" a esta vida que vivo. Decidí usar los colores con spray y trazarlo con pincel y pintura plástica para conseguir más parecido a los dibujos de mi libreta. Trata sobre mi día a día y mis pensamientos más profundos expresados con narrativa extraña como de ciencia ficción. Creo que la ruta que sigo en cada Insider es la siguiente: Vayamos todo lo lejos que podamos para explicarnos lo que se vive aquí a cada momento que nos sucede.

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¿Tienes alguna técnica preferida? Yo creo que no, Utilizo las técnicas que necesito para el efecto que deseo conseguir. Ya se me pasó la chorrada de hacerlo todo a spray de cuando era adolescente. Tampoco tengo preferencia por las actividades que realizo, quiero decir, no me llena más pintar un dibujo que una pieza, ni montar un video o hacer un concierto. Cada cosa que hago me hace sentir una cosa distinta, pero a todas las necesito por igual. Aunque no puedo pasar un día sin dibujar unas cuantas páginas en mi libreta, siempre la llevo encima. ¿Cómo es organizar un evento de las características de “Mislatas representan”? Es difícil y estresante aunque nos ayudan mucho nuestros krews y colegas más allegados. Supone mucho esfuerzo mental porque casi siempre perdemos algo de la inversión. Es un mes a full time en el que ni cobras ni puedes realizar otras cosas. Menos mal que tengo a End y Xelön y entre los tres lo sacamos adelante. De hecho una de las razones por las que es bienal es para no quemarnos del todo y continuar con el proyecto. Por otra parte, es súpersatisfactorio ver a toda esa peña pintando y pasándolo tan guay gracias a ese esfuerzo. La verdad es que en el mundo del graffiti la peña es muy buena gente y lejos de darnos problemas nos animan a seguir y nos ayudan con lo que pueden. ¿Qué puede ser mejor que un día con colegas qué además son magníficos escritores al son de DJ´s brutales bajo el solete con paella, cervecitas, risas y destilando estilos infinitos sobre un muraco de 300 metros? Pues sí hay algo mejor, que la peña se lo pase en grande. Mislatas forever!!!!! Ponnos al día de las andanzas de los XLF. La XLF son mis mejores amigos. Tuvimos épocas en las que fuimos creativamente más al mismo son. Ahora vamos más por libre pero seguimos muy unidos. Escif no para de viajar por el mundo pintando fachadones brutales. On_ly se está dedicando a la ilustración y al arte objeto. End siempre de viaje. Está tatuando ciudades enteras y personas con un nivel brutal. Xelón anima en 2d, dibuja comics, ilustraciones, pinta robots y ahora está haciendo unos cuadros abstractos muy interesantes. Cesp ha vuelto a a la calle con sus expresiones ilustradas. Algo admirable con la cantidad de trabajo que tiene entre sus diseños webs, sus fabulosas fotos apocalípticas y su hijo Teo. Julieta se hizo un Máster en Ilustración y se nota esa evolución


en lo que pinta. Julieta, Escif y End son los más activos a nivel de calle. El Sr.Marmota está creando una marca que se llama "The Postman", acaba de terminar un diseño de cover para un grupo de música, serigrafías, plantillas, etc. A mi ya me conoces; libreta, calle, Rap, animación, concept art, ilustración, cómic, autoescuela. Ahora estoy grabando y editando video, una cosa que me encanta. Aparte de los curros decorativos, customización, live painting, etc. Liados pero felices. También haces pinitos en la música, ¿qué nos encontraremos en un concierto de Stalkers? Nadie que haya ido a un concierto de Stalker (incluidos los miembros del grupo) podría asegurar lo que sucederá en el siguiente concierto. Basamos el show en la improvisación y jugamos con el público. Stalker somos; Paco al bajo, Alex a la batería y Andrés a la guitarra. Todos ellos con multitud de pedales raros. Yo llego con un micro y un montón de ideas en la cabeza que voy sacando a modo de spoken Hip Hop,

Rap cañero, susurros, gritos o lo que sea. Todo ello lo regamos con unos quintos, el estupendo público y un montón de buen rollo. El último espacio es para que os desahoguéis o hagáis un comentario fuera de tono. En realidad me habeis pillado en una época que estoy súper bien y no necesito desahogarme. Pero a lo mejor en estos tiempos extraños en los que vivimos sí es salirse de tono dar las gracias a mi maravillosa mujer Jezabel, a mi hija Nebbia, a mis amigos y familiares. Soy muy feliz y este sentimiento está actuando como un atractor del flow para poder desempeñar los proyectos que tengo en mente, tener las ideas más claras y saber con certeza que no es sano encajar perfectamente en un sistema que está enfermo. Cada vez tengo más claro quién es necesario y quién no, y eso me tranquiliza. Sólo hay dos bandos, las buenas personas y las malas. Por cierto, Gracias a todos por seguir mi estilo en las calles, un creador no es nada sin un observador.


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© 2012 j.c.torre

DESPENALIZAR LA HOMOSEXUALIDAD EN IRÁN, ARABIA SAUDÍ, MAURITANIA, SOMALIA, SUDÁN, YEMEN Y NIGERIA LAS RELACIONES HOMOSEXUALES SE CASTIGAN CON PENA DE MUERTE

www.es.amnesty.org 15


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Mirando hacia atrás sin nostalgia.

Texto: Eduardo Martínez Pinna

La narrativa gráfica, el arte secuencial, el cómic en general, es una actividad creativa que gana respetabilidad y bibliografía en el saber de la sociedad. La prensa generalista admite artículos sobre esta centenaria industria, merced a la presencia de un corpus doctrinal integrado en el patrimonio cultural bibliográfico. El prestigio del cómic como proceso creativo se modifica con el tiempo. Se ha trasformado de una suerte de lowbrow (algo así como una “subcultura”,según apreciación ideada por insignes autores underground como Robert Williams o Gilbert Shelton), a un highbrow, arte en el sentido estricto del término y por tanto relacionado con una función cerebral tan compleja, como es la estética. Si el arte secuencial no aportara mínimos de creatividad, siempre se puede pacer en una tierra de nadie, arcadia indefinida en donde retoñan las artes y oficios, la cultura popular en general. Dicho territorio tendería a llamarse middlebrow por consecuencia semántica. El ascenso de la historieta a elevados niveles de respetabilidad y erudición se asienta, fundamentalmente, en dos asertos elementales. El primero de ellos se refiere a la publicación de un corpus doctrinal que estudia el proceso creativo desde variados enfoques destacándose la cronología, la memoria de autores, el análisis de la narrativa y la estructura del medio, el estudio y la diferenciación de los soportes de edición (prensa, cuadernillos populares o libros, entre otros variados formatos), el estudio por nacionalidades (de autores o de editoriales) o la comercialidad y distribución del producto en la masa lectora, referida tanto al número de lectores como a su formación. El segundo aserto se basa en la (re)edición de clásicos, entendiéndose como tales, obras y autores que resisten el paso del tiempo, obras de referencia para el progreso de la industria de la viñeta o autores que crean estructura y lenguaje. Ninguna forma de creatividad progresa si se ningunean las obras prístinas, aquellas que dan horma. No se debe eludir el archivo de clásicos. Preguntémonos que sería del arte de las viñetas sin los recursos gráficos de obras centenarias distribuidas en la prensa diaria (cómics sindicados) como Gasoline Alley, Little Nemo o Krazy Kat. Cuando los cómics sindicados adoptan el dibujo realista como necesidad de estilo, deben de incorporar a su narrativa el lenguaje de los géneros literarios, por lo que buscan y hallan el maridaje con la literatura pulp. De esta manera, la industria genera muchos de sus iconos más imitados, como por ejemplo Flash Gordon (space opera), Prince Valiant (la fantasía medieval) o

The Phantom (la aventura exótica y los superhéroes). Los cuadernillos o comic books son formatos que por su tamaño y paginación resultan extremadamente baratos de imprimir, al considerarse, en sus inicios, un subproducto de la prensa diaria. Su concepción es de mediados de los años treinta del pasado siglo y en sus inicios se usan como regalo promocional por consumo de determinadas marcas comerciales. Editores como Sheldon Mayer o Max Gaines ven negocio en tan asequibles cuadernillos. En sus páginas se acoge a dibujantes más artesanales, rechazados por la industria sindicada, muchos de ellos ya olvidados pero que han aportado empuje suficiente para la cimentación de la industria. Permanecen en la memoria colectiva Jerry Siegel y Joe Shuster (autores de Superman), Bob Finger (Batman) y el excelso Will Eisner con The Spirit, una de las grandes cimas artísticas del arte de la viñeta. Aquellos insípidos comic books, han puesto el cemento necesario para formar una mitología generadora de una industria, que durante décadas resulta de lo más saneada a base de reinventarse, y que representa la llamada corriente principal (mainstream). Cuando el mainstream es una realidad consumada y su capacidad de regeneración se hace más lenta, los movimientos beatniksy hippies dan pie al desarrollo del comix underground como una matriz creativa sin soporte industrial. Autores como Robert Crumb, Gilbert Shelton o Art Spiegelman han pasado de militar en la vanguardia más radical a ser virtuosos clásicos con una obra bien editada y estructurada que se acompaña de preámbulos bien documentados. Cuando esa radicalidad lima sus púas y pierde garra crítica ante el establishment, se reconvierte en el llamado cómic alternativo, capaz de crear un soporte empresarial, competir con el mainstream y generar beneficios. Muchas de sus obras emblemáticas (en un principio extremistas en ideología), se tornan venerables y adquieren una cierta tonalidad clásica que se aprecia en las espléndidas e inmortales obras de Jaime Hernandez, Peter Bagge, Daniel Clowes, Chris Ware o Adrian Tomine entre otros. El cómic rompe fronteras, las estadounidenses, porque su discurso es universal y se habla en cualquier idioma. Europa, Hispanoamérica y Japón desarrollan una plantilla creativa encomiable que aporta al imaginario colectivo una buena ración de iconos y arquetipos que dan lustre al archivo de los grandes clásicos. Basta con pensar en Tintin, Corto Maltese o Mort Cinder. Ser un clásico es pues una culminación. Autores cuyas obras vencen al inefable Cronos haciéndose inmortales. Ser un clásico es pues el destino añorado por un autor.


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La supervivencia del cómic

Texto: Josune Muñoz

Ha pasado un año desde que nos hicimos Algunas reflexiones urgentes ( nº 9, Noviembre 2011) en torno a los distintos caminos que se podían andar para, entre todos, hacer llegar el mundo del cómic en su actual envergadura tanto a la multitud de personas interesadas en su producción, edición, comercialización, investigación, etc… como, a toda la población. Un camino que aunara los distintos discursos teóricos así como las variadas propuestas visuales o editoriales. Todo un reto, toda una aventura. Hemos seguido reflexionando -no hemos podido evitarlo- e incluso hemos ido dando algunos pasos más porque esta aventura nos tiene fascinados y, con las pocas neuronas que a veces nos quedan tras nuestras múltiples tareas, hemos llegado a algunas consideraciones que queremos compartir. Que ésta es una aventura grupal nunca lo dudamos pero tampoco su posibilidad de sumar trabajos, aficiones, sensibilidades, ilusiones y proyectos. La cuestión es, una vez más, ¿Cómo?, ¿cuál es el formato más adecuado? Creemos que hemos encontrado una posibilidad: Crear una Formación Profesional, un FP. ¿Queréis más detalles? Ahí van. La necesidad de una buena formación es evidente, pero creemos que ésta no debe ser puntual sino continuada y, además, debería abordar la complejidad tanto del mundo de la creación; el dibujo, el guión, la composición, las distintas técnicas de entintado, color, grafismos… como de la edición, traducción, publicación. Igualmente, somos de la opinión de que esta formación debería incluir asignaturas de historia del cómic, analizando épocas, movimientos, fenómenos, características y autores y autoras de todos ellos. Asimismo debería incluir los distintos discursos teóricos que intentan analizar y explicar este medio de expresión y cultura ayudando a crear un discurso crítico propio, y todo ello planteado de manera teórica y práctica. Como estos objetivos son muy amplios y complejos deberían impartirse en

varios cursos, de ahí la necesidad de crear una nueva formula que lo posibilite. Una Formación Profesional, por sus características, puede ser el formato educativo adecuado y profesionales que la impartan los hay, y muy capacitados, nos consta. Como somos ambiciosos nos gustaría contar con un gran espacio propio donde junto a las aulas dotadas de lo necesario a nivel técnico se puedan acoger una buena biblioteca especializada, salas de exposiciones de todo tipo, ciclos de conferencias, espacios comunes para la creación y el debate, así como una zona destinada a que autores de otros lugares puedan inspirar e inspirarse en la creación. ¿Qué algo así es imposible?, ¿inviable? No mucho más que otros proyectos que parecían serlo y que sin embargo han resultado realizables como la editorial Astiberri, Skolastika o esta misma revista, por poner ejemplos cercanos. La actual crisis lo dificultará o ralentizará con toda seguridad pero la demanda puede ser muy grande y hemos aprendido que cuando la oferta es buena la demanda se acaba creando y manteniendo y partimos de la cantidad de personas que sabemos sueñan y desean un futuro en torno al cómic. Nosotros hemos dado los primeros pasos intentando medir el grado de implicación de distintos profesionales del mundo del cómic, recabando ideas y sugerencias, y hemos conseguido algunos contactos con el sistema educativo público. Primero soñamos una nueva manera, luego un nuevo formato y ahora queda, entre todos y todas, hacerlo víable. Aunar contactos, experiencia, conocimientos etc posibilitará la creación de un proyecto de envergadura con el que intentar conseguir un objetivo común. Que el cómic encuentre un camino moderno, complejo y atractivo para hacerse el lugar educativo, social y cultural que le corresponde es tarea, sobre todo, de las personas que nos sentimos implicadas en el deseo y labor de que así sea. ¿la crisis? ¿Y cuándo no ha estado el cómic en crisis? Si algún medio sabe de precariedad y crisis es el nuestro.¿Quién dijo miedo?

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Laguntzaileak eman ta zabal zazu

Universidad del Pais Vasco

Euskal Herriko Unibertsitatea

DPTO. DE DIBUJO FACULTAD DE BELLAS ARTES

RumblE!! Cómic e ilustración Nº12  

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