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16. editoriala

Cómic e ilustración. Número16, febrero 2014

Aurten inoiz baino gehiago nabarituko duzue gure falta; izan ere, bi ale baino ez ditugu argitaratuko. Hala ere, ez zaitezte kezkatu, oraindik ere istorio asko ditugu-eta zuei kontatzeko. Aldizkari honen istorioa orain bost urte hasi zen, Arte Ederren Fakultateko ikasgela batean. Momentu hartan esan izan baligute hain urrun iritsiko ginela, ez genuen sinetsi ere egingo! Gaur etorkizunera begiratzen dugu, lehenengo egunean genuen ilusio bera dugula, jakin baitakigu bidearen zatitxo bat baino ez dugula egin eta asko dugula egiteke. Horregatik, guretzat hain garrantzitsua den momentu honetan, RumblE!! osatzen dugun marrazkilari, gidoilari eta idazleok eskerrak eman nahi dizkizuegu zuoi, irakurleoi, gugan konfiantza izateagatik eta gure lanean sinesteagatik. Babestu egin gaituzue, bai eta animatu, kritikatu eta inspiratu ere. Eskerrik asko horregatik guztiagatik. Berriz ere komik eta ilustrazio aldizkari honetaz gozatzera gonbidatzen zaituztegu. Hemen “ez” hitzak ez du lekurik, “ezinezkoa” aukera berri bat da eta “inoiz ez” bide berri bat. Ongi etorri oraingoan ere 52 orrialde hauetara, gure hiru hitz kuttunen istorioa kontatzen duten orrialdeotara: bai, beti, posible. Gogoratu gure berri izaten jarrai dezakezuela gure weborrian eta Facebook eta Twitter sare sozialetan. Laster arte! Este año nos echareis más en falta que nunca porque solo vamos a sacar dos números, pero no os preocupéis, no pensamos desaparecer, aún tenemos muchas historias que contaros. La de esta revista empezó hace cinco años en un aula de la Facultad de Bellas Artes, y si en aquel instante nos dicen que íbamos a llegar tan lejos, ¡nos hubiera dado un patatús! Hoy, seguimos mirando al futuro con la misma ilusión del primer día, conscientes de que solo hemos recorrido una pequeña parte del camino y de que aún nos queda mucho por hacer. Por eso, en este momento tan importante para nosotros, los dibujantes, guionistas y escritores que formamos RumblE!! queremos daros las gracias a los lectores por confiar y creer en nuestro trabajo, apoyarnos, animarnos, criticarnos e inspirarnos. Os invitamos a entrar de nuevo en esta revista de cómic e ilustración donde la palabra “no” no existe, “imposible” es una nueva oportunidad y “nunca” un camino. Bienvenidos una vez más a estas 52 páginas que tan solo cuentan una historia, la de nuestras tres palabras favoritas, si, siempre, posible. Recordar que también podéis seguirnos a través de nuestra página web, Facebook y Twitter. ¡Hasta pronto!

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Guión: Irene Costa Dibujo: Josean Morlesín Alex Orbe Dave Henman Pablo Escauriaza Guión: Alfonso Bueno Dibujo: Pablo de Pedro Guión: Ibone Valerdi Dibujo: Cristina Larios Jon Gorroño Eduardo Martínez-Pinna María Toraño Eduardo Urrutia

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Feedback Victor Landeta Lorea Larraya + David Menéndez Andrea Ganuza Ander Pardo Cristina Nogales Jorge Jarel Ana García Alvaro Rabelli Roberto González Eneko Calzada Guión: Alvaro Rabelli Dibujo: José Carlos Torre

Cada texto, imagen e historieta es copyright©2014 de su autor. Traducción editorial euskera: Lierni Hurtado de Saratxo

Imprime: Gertu. Tirada: 3000 ejemplares. D.L.: BI-2363-09. ISSN: 1889-9323. Director: José Carlos Torre.

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Alex Orbe

Entrevista: José Carlos Torre

Alex Orbe me invita a su estudio en la calle Salsidu de Algorta. Me recibe con una sonrisa al final de las escaleras. Dentro las paredes están llenas de dibujos originales, la librería repleta de cómics y sobre la mesa de luz un dibujo que terminará después en el ordenador. Enciendo la grabadora mientras me ofrece café, la conversación es desde el principio muy interesante. Me gustaría abocetar menos. Si abocetas mucho y después pasas a tinta por encima estás dibujando lo mismo dos veces y pierde la frescura. Muchas veces se pierde gracia en el proceso de entintado, los lápices siempre son más dinámicos. Pero depende de cada cual, cada uno tiene su estilo. Yo intento ser pragmático y para avanzar más rápido defino poco el boceto y creo que lo defino demasiado porque luego el arte final lo da la tinta. En cuanto al formato, por comodidad suelo trabajar en dos Din A4 que forman la página final A3. En 1995 participas junto los dibujantes, Jesús Susilla, Cesar Rojo y los hermanos Loizaga en la revista Tendencias Suicidas, ¿Cómo fue aquella época? Javi Royo les puso en contacto conmigo. En esa época tenía 21 o 22 años y sobre todo hacía cómics para concursos. Había muy pocas editoriales y era muy difícil acceder a ellas. El panorama estaba muy cerrado después del Boom!! de primeros de los 80. Vivimos nuestra tardo adolescencia cuando aún no existía Internet. Ahora hay mucho más movimiento y existen más medios para darse a conocer, puedes montar un blog y publicar tus cómics en las redes sociales, y hasta puedes participar en concursos a nivel mundial. Antes había fanzines, nos conocíamos cuatro y era muy complicado, ahora a través de Facebook es todo mucho más fácil.

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alexorbe.blogspot.com.es www.alexorbe.com

Después vino la etapa de Merlín, empresa que dio trabajo y fue escuela para muchos dibujantes del entorno de Bilbao. Parecía que empezaban a mejorar las cosas, ¿qué sucedió? Durante unos años aquello funcionó más o menos. La gente que había trabajado en los proyectos Kalabaza tripontzia y La leyenda del viento del Norte, se separaron. Unos crearon Irusoin y otros Merlín, también surgieron, Dibulitoon en Irún y Lotura. La productora de televisión Globomedia en una estrategia de expansión creo una sección encargada de producir dibujos animados llamada Crea Anima2 de donde salieron series como, Médico de Familia en versión animada y Qué bello es sobrevivir, una especie de calco vergonzoso de Padre de Familia sin gracia y sin chispa. Crea Anima2 contrató a Merlín para producir estas series. Pero la invasión del Anime japonés cerró muchas puertas aquí. Se mandaba todo el trabajo al tercer mundo, India, China y Corea, donde la mano de obra era más barata. La deslocalización no hacía viable aguantar una empresa con muchos trabajadores. Tampoco ayudó que no nos adaptáramos bien a las nuevas tecnologías 3D o que lo hiciéramos tan lentamente. Era complicado, nos pilló la brecha tecnológica y tuvimos que aprender informática desde cero. Al principio no había ni un solo ordenador en Merlín y cuando pusimos uno había que pedir permiso para buscar una foto. Estuve 7 años trabajando allí, desde 1995 hasta 2002. Fue un buen aprendizaje y una gran escuela. Estando allí, Carlos Varela, el jefe y el que hacía los storyboards empezó a delegar cada vez más en mí. Poco a poco pasé de limpiar y entintar storys a hacerlos enteros. Cuando tuve unas buenas muestras para enseñar decidí contactar por mi cuenta con agencias publicitarias y editoriales y empezaron a salir curros. Pensé que si tenía más tiempo para mí podía buscarme más cosas. Me apetecía controlar el dibujo hasta el final, sin que lo tocasen cinco manos y un día me fui de Merlín.

¿Ha mejorado algo la situación profesional del dibujante desde entonces? Ha habido un cambio de paradigma pero no una mejora. Gracias a Merlín muchos dibujantes vizcaínos empezamos a trabajar en la profesión a través de los dibujos animados. Eso ahora sería imposible. Ya no existen los dibujos animados tradicionales en 2D y nadie va a montar una empresa de 30 personas como fue Merlín, habría que hacerlo de otra forma, no sé muy bien cómo. ¿Cómo surgió el libro Nadia, maite zaitut? Normalmente trabajo por encargo. El único libro que he publicado que no es por encargo es el de "Nadia, maite zaitut". En realidad, se lo ofrecí a unas 50 editoriales y solo me contestaron aquellas que ya me conocían, ninguna que no me conociera y todas para decir que no menos una. Creo que en Elkar cogieron el libro porque les gustó y por la relación previa que tenemos. Soy como un proveedor, me llaman para ilustrar muchos de sus libros. ¿Cómo ves el trabajo de ilustrador de libro infantil? El libro infantil es mucho más mainstream que el cómic porque no todos los adultos leen cómics pero todos los niños leen libros infantiles. El mundo del cómic y la ilustración están muy separados. Hay autores de cómic que hacen libro infantil como Max, Olivares, Migelanxo Prado, Daniel Torres, pero no hay autores de libro infantil que hagan cómic. Esto puede ser por la experimentación formal que existe en la ilustración y que en el cómic se da menos. ¿Cuál es tu último proyecto? Una colaboración que me propuso José Javier Rapha Bilbao, un escritor con muchos años de experiencia que ha sabido ver el potencial que ofrece Internet. Él no tiene unas necesidades económicas asociadas a la literatura porque su medio de vida viene por otro lado pero quiere que le lean e Internet es un buen medio para eso. A mí también me gusta la inmediatez de acabar los dibujos, colgarlos y ya está. Gracias a nuestra

relación de amistad y a que me da mucha manga ancha el trabajo se hace agradable y fácil. En el mundo del cómic has publicado en Dibbuks, Dolmen y la belga Jungle, ¿cómo fue? Todos los trabajos han salido por amistad. Participé en el álbum común sobre el 15-M para Dibbuks gracias a que varios amigos muy metidos en el asunto vieron en las redes sociales que estaba muy de acuerdo con el movimiento. Lo de Dolmen lo hice con mi amigo Javier de Isusi. Para la editorial belga Jungle coincidió que vencía derechos el libro Guerre des boutons y todas las editoriales se lanzaron a sacar algún cómic basado en este clásico infantil francés. Jungle quería adaptar al cómic la película que estaban haciendo para el cine y había que hacerlo en dos meses. Montaron un equipo y me encargaron la tinta a propuesta de Richard Efa, un estupendo dibujante poco conocido aquí porque solo publica en Francia. Fue un trabajo de batalla con un plazo muy ajustado y más de 5.000 fotos del rodaje que tuve que hacer durante julio y agosto muerto de calor en el estudio. Actualmente ilustras libros de texto y literatura infantil para Elkar, Aizkorri, Txalaparta, Zubia, Ibaizabal y Mezulari entre otras, ¿Cuándo contactas por primera vez con estas editoriales? Las primeras editoriales con las que contacté eran del País Vasco y la mayoría me ha seguido dando trabajo durante más de 10 años, cosa que les agradezco. Empecé con Ibaizabal mientras estaba en Merlín, después con Elkar y Zubia. Era un trabajo muy agradable y bien pagado en comparación con los dibujos animados que me parecían horribles. Viajé a Madrid para visitar más editoriales pero no me dieron nada de trabajo hasta muchos años después cuando me han conocido gracias a Internet. Entre otras he trabajado con Santillana, Anaya, Cambridge y S.M. Intento adaptarme y ponerme en la cabeza del cliente para darle lo que busca y como no sé trabajar de otra cosa lo único que puedo hacer es dibujar para ganarme la vida y trato de hacerlo con sentido común.

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Provocación y rentabilidad en el cómic alternativo. Texto: Eduardo Martínez-Pinna Hate (Odio), es una publicación de Fantagraphics adscrita al género alternativo, con formato de comic book y pilares que hunden sus raíces en el comix underground, considerándose como un derivado de este. Una obra satírica realizada íntegramente por un Peter Bagge en estado de gracia. Una serie de treinta números fechados entre abril de 1990 y mayo de 1998 en blanco y negro, pero que deriva al color a partir de la entrega 19, fechada en junio de 1995. La obra se completa con la aparición de diez especiales anuales fechados entre 2000 y 2009. Peter Bagge, su autor, nacido en 1957 en Peekskill, en las cercanías de Nueva York y en el seno de una familia católica de cinco hermanos, se inicia en el comix en la publicación underground de distribución irregular, Punk Magazine, de quince entregas presentes en el mercado entre 1976 y 1979, editada por

John Holmstrom y adscrita al ideario punk. Peter Bagge alcanza su peculiar estilo de figuras caricaturescas, deformes y gomosas, mezcla del libro e estilo de muchos artistas del Mad Magazine y del comix underground. Este trabajo lo alterna con páginas publicadas en el semanario pornográfico Screw, iniciado en 1968 y editado por Al Goldstein. Screw halla su masa lectora en el sector de varones heterosexuales por lo que los cómics que publica ostentan esa impronta pornográfica. Tras la clausura de Punk Magazine, John Holmstrom y el mismo Bagge se embarcan en el proyecto auto gestionado Comical Funnies, un tabloide que solo alcanza en el mercado tres entregas fechadas entre 1980 y 1981. Obras como The Wacky World of Peter Bagge and Ken Weiner, reeditada por el propio Weiner en formato comic book en 1982 y los tres primeros relatos de “The Bradleys” (“La familia Bradley”), historia de una familia disfuncional y embrión de su futura obra maestra (Neat Stuff y su serie derivada Hate), hallan espacio en estas páginas de contenido antisistema. Páginas en donde el talante y la profesionalidad de Bagge madura lo suficiente como para captar la atención de Robert Crumb, luminaria underground, editor y artista principal de la revista publicada por Last Gasp, Weirdo, columna que sustenta el armazón del cómic alternativo, de veintiocho entregas editadas entre primavera de 1981 y verano de 1993. Bagge, no solo se integra en la escasa plantilla como artista- su obra más característica de la época es Martini Batonsino como director editorial entre sus números 10 (1983) y 17 (1986). En 1985, Fantagraphics Books, la editorial de Seattle especializada en cómic alternativo, saca al mercado Neat Stuff (Mundo Idiota) comic book de contenido variable que llega a alcanzar las quince entregas y que se publica entre julio de 1985 y diciembre de 1989. Bagge, en esta época de su vida y carrera es el eslabón perdido entre un underground institucionalizado y el

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punk que va integrándose en el sistema. Las diferentes entregas del comic book de contenido antológico (varias series de variados protagonistas) se pueblan de un paisanaje de seres horribles y desesperanzados, depositarios del feroz sentido del humor de su autor. “The Bradleys”, serie principal del título, presunto y cruel homenaje de su familia, la compone el protagonista Buddy, adolescente permanentemente enfadado con el mundo, su hermana Babs una trastornada incapaz de tomar decisiones, su hermano pequeño Buck, embrión de fascista reaccionario y sus padres, un hombre haragán y gruñón y la madre hipócrita y apegada a la fe católica. “The Bradleys”, obra que debuta en Comical Funnies se traslada a Neat Stuff, compartiendo espacio editorial con otros personajes a los que la vitriólica narrativa de Bagge crea para ellos unas tan ácidas como cómicas historias. “Girly Girl” es una preadolescente mema y frustrada que no logra contener sus incontrolables y estúpidos ataques de violencia. “Studs Kirby” es un locutor de radio fascista, reaccionario y alcohólico, o “Junior, the Goon on the Moon” es un matón idiotizado. Neat Stuff es una obra adscrita al género de humor costumbrista de corte satírico y componente desesperanzado, ácido y radical que retrata un lumpen de inadaptados sociales frecuentemente enfadados y poseedores de unas frustraciones ridículas. Su lápiz afilado y su estilo expresionista laceran las conciencias de la generación perdida de los años noventa, vinculada al movimiento grunge. Hate (Odio), su siguiente obra, es un comic book protagonizado por Buddy Bradley, alter ego de su autor, que desarrolla una narración episódica según el modelo seriado más tradicional. Bagge narra un retrato generacional, autobiográfico, donde el autor medita los acontecimientos vividos, sus sentimientos y por supuesto, la ideología radical que profesa, la libertaria, que en Europa equivale a un ultra liberalismo que lo equipara con el capitalismo salvaje preconizado por el tea party. Ideología que defiende en su trabajo Everybody Is Stupid Except Me: and Other Astute Observations, para la revista Reason, fundada en 1968 por Lanny Friedlander, emblema y mascarón del movimiento libertario. Bagge disecciona y selecciona de su vida aquello que le resulta más interesante como espectáculo, puesto que su autor, más que un moralista crítico es- como lo era Crumb, su máxima influencia- un exhibicionista impúdico. Un observador parcial que juzga y se

juzga. Buddy Bradley es un haragán que simboliza en tono caricaturesco a la juventud de los años noventa en EE UU y su ineficaz búsqueda de una identidad propia, que al no forjarse en el esfuerzo resulta huera, impostada. Un subnormal permanentemente enfadado que interactúa con un lumpen sin historia, sin cultura y por supuesto, sin futuro. Una obra fresca y sincera, amoral y cómica, que deja posos de amarga reflexión. Se acompaña con un dibujo gomoso, extremadamente expresivo que recuerda a la caricatura. Un superventas de los años noventa que gana muchos enteros en la reedición de seis libros recopilatorios a los que se añade un séptimo, una introducción o prólogo oficioso llamada The Bradleys, que recoge las entregas de la familia Bradley en la cabecera Neat Stuff. Un ejercicio soberbio de narrativa costumbrista, provocadora e hilarante publicado en España por La Cúpula. Magistral.

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Entrevista: Pablo Escauriaza

Cuando apenas había gente que pintaba letras y algún que otro bicho raro que hacía kekos, en las calles de Getxo aparecían símbolos hindúes que inspiraban paz y buenas vibraciones. Aprovechamos un viaje de vuelta a casa para traer a esta sección a una persona que nunca a hecho lo esperado, Victor Landeta. ¿Qué técnica y formato prefieres?, ¿con que tipo de obra te encuentras más cómodo? Mi técnica preferida es el aerosol. Las dos razones principales son que su secado es rápido y que la pintura se pulveriza. La pulverización permite dejar rastro en forma de línea o bien hacer nubes de partículas de color para no dejar rastro alguno. La orientación, la distancia y la presión ejercida con el aerosol serian las claves de la ejecución. Siempre me ha gustado el gran formato porque ayuda a que el espectador pueda sentirse dentro del imaginario pintado. Mi orientación artística esta muy influenciada por la imagen fotográfica aunque en mis orígenes también he practicado el estilo libre en los últimos años estoy intentando desarrollar el fotorrealismo.

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Aum www.victorlandeta.com

¿En qué te inspiras para pintar? Mi mayor inspiración para pintar es poder llegar a inspirar a algún espectador. Crear algo que tenga vida, que exprese algún sentimiento o emoción. Normalmente, mi obra suele tener una interpretación abierta. A la hora de pintar me baso en imágenes fotográficas, a veces son imágenes propias y otras veces de Internet o libros. Muchas veces utilizo imágenes en blanco en negro que luego coloreo a mi gusto fijándome en las luces y las sombras para crear el volumen. Mi temática está muy influenciada por los viajes que he hecho por el mundo, sobre todo Asia. Los últimos años he estado trabajando mucho el retrato porque me permite crear una mayor interacción con el espectador. Recuerdo que hace algunos años te basabas en la iconografía religiosa hindú, ¿de qué manera reciben tu trabajo los indios? En realidad mi tag que es Aum proviene de la India y tiene muchos significados. Estas tres letras del alfabeto sánscrito juntas forman el símbolo sagrado llamado om. Uno de los principales significados seria como el saludo latino ave a algo que no podemos ver ni tocar y que en la India llaman dioses. Supongo que al no utilizar el símbolo como ellos lo conocen no lo unen con su iconografía religiosa, pero debería preguntar

a algún hindú su opinión. Por otro lado, también he utilizado figuras como la de Buda con el propósito es dar buena energía a la gente que lo contempla. ¿Sigues pintando en la calle?, ¿cómo ves lo que se hace ahora en el espacio público? Mi última intervención urbana fue el pasado mes de noviembre en el Muro de Berlín, en un lugar muy turístico del centro llamado Checkpoint Charlie donde pinté a Albert Einstein. Anteriormente pinté a las afueras del muro al expresidente alemán Willy Brandt, famoso por el acercamiento de las dos alemanias y también a Nelson Mandela. El propósito de la serie es homenajear a estas personas por su incalculable aporte a la humanidad. La gente lo ha recibido muy bien con reportajes en los medios alemanes, así que ha sido positivo para mi. Mis últimas intervenciones en Bilbao metropolitano este pasado verano fueron en Zorrozaurre y en Azkorri. Con tristeza veo el espacio público muy poco involucrado con el potencial creativo que existe aquí. Deberían designar muchos mas espacios legales para que pintaran locales, vecinos de otras comunidades y artistas de todo el mundo. Esto impulsaría un polo creativo urbano muy grande en Bilbao y podría ser un referente a nivel nacional y a nivel europeo. Me alegra ver que se pinta en espacios públicos aunque no soy partidario del vandalismo, ni del bombardeo indiscriminado, sino más bien de compartir cosas positivas para nuestros barrios y nuestro entorno, que nos ayuden a crecer como comunidad. ¿Qué diferencias ves entre la escena de aquí y la de otros países? De los 5 años que he vivido en Londres me ha quedado muy marcado el uso de las plantillas, y de los 5 años que he vivido en Berlín, las pinturas en las fachadas y los papeles pintados pegados en las calles. El espacio público en Berlín esta lleno de Graffiti y Street art, lo que no lo hace nada comparable a Bilbao, por poner un ejemplo. Y como siempre te damos unas líneas libres para decir lo que te plazca. Ya que nadie es profeta en su tierra quiero agradecer a Cato y a la revista RumblE!! este hueco, ya que después de 17 años pintando es la primera entrevista que me hacen aquí en mi tierra. Me gustaría animar a los escritores y pintores a seguir creando y buscando nuevos lugares para plasmar sus obras. Y que no se preocupen tanto por quién es más, ni quién llegó primero, sino por la aportación que hacen a la comunidad.

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Crear en tiempos revueltos ¿Es la adolescencia un tiempo revuelto? Sí, pero este escrito no va a tratar de eso. ¿Que por qué he empezado así? No sé, tal vez porque me da la gana (rebeldía post-adolescente). Voy a intentar escribir sobre la creatividad en tiempos de crisis. Concretamente de crisis económica, como la que vivimos, puede que también vivamos crisis intelectual y artística, pero ésas importan menos, claro. Si nos fijamos en eso que llamamos Historia, ésta nos cuenta que en épocas "difíciles", de cambios drásticos, etc., las manifestaciones artísticas mutan. Se transforman los contenidos y, o las formas. Dos ejemplos claros, el expresionismo alemán y el cine del neorrealismo italiano. El arte no perece, no se extingue. Si el Doctor Malcolm de Jurassic Park se dedicara a la Historia del Arte y no a las Matemáticas, diría "el arte se abre camino". Comunicarse por medio del arte es una necesidad del ser humano (en las dos direcciones, creando y consumiendo). Y es posible que cuanta más crisis, mayor comunicación artística creatividad. Puede que por falta de medios, censura, etc., el arte no llegue a las masas, puede que ni a las minorías a las que está destinado, pero ya hallará su camino.

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Texto: Jorge Jarel

Estamos en la puñet-era tecnológica. Internet, comunicación global. I+D (Internet + Descargas). Presencio interminables discusiones entre puristas del papel y defensores de la edición digital. No quiero interrumpir, espero que se haga un silencio para ofrecer mi postura: me importa la calidad de la obra, me da igual el medio. I+D nos ofrece multitud de obras. Y lo que es más importante, gratis. Cine, televisión, música, cómic, literatura... sin gastar un duro. Mola, ¿a que sí? Si esto continúa así... cineastas, músicos, dibujantes, escritores, escritoras, etc., tendrán que vivir de otra cosa y dedicarse al arte simplemente como afición. Porque me da mí que el resto de cosas no seguirán el mismo camino; seguiremos pagando por el pan, la ropa, la gasolina... Vamos al campo del cómic y la ilustración. Hace un mes más o menos leí en el prólogo de Café Budapest de Alfonso Zapico que "un autor para darse a conocer" en los 80 lo hacía en una historieta de 8 páginas, en los 90 imperaba el formato de comic book (28 páginas), y a principios del siglo XXI lo que se estila es la novela gráfica. Poco después hablé con unos colegas de esto precisamente; vivir del cómic y la ilustración no es sólo hacer una novela gráfica y forrarte. Y esto lo podemos aplicar a todos los campos. Trabajar en el cine no es sólo dirigir o actuar. Hay muchos caminos en el mundo de la música y una academia de triunfitos no es el más aconsejable.

En la literatura pasa algo parecido, conozco aspirantes a escritores que lo que quieren escribir es directamente un bestseller. Carteles, diseño de logotipos, invitaciones de boda con tebeo, murales en bares y burdeles... uno, una se puede buscar la vida por ahí. No está mal ponerse la novela gráfica o trabajar para Marvel o Disney como meta. Lo que no me gusta es que los, las jóvenes artistas no vean otra salida más que la dichosa novela gráfica, Operación Truño, etc. Por culpa de OTs, GHs y su PM, la juventud aspira a ser famosa de la manera más rápida posible y la fama, como sabemos, va unida al dinero y el dinero trae la felicidad, ¿no?

Puede que por falta de medios, censura, etc., el arte no llegue a las masas, puede que ni a las minorías a las que está destinado, pero ya hallará su camino.

El trabajo es lo de menos. Lo importante es el éxito, la fama, montañas de dinero, montes de farlopa. Por cierto, hace poco también conversé con otro colega del tema "creatividad y drogas", pero será mejor que no nos desviemos. Ahora estoy pensando que el prólogo de la obra de Zapico que he mencionado antes hace un flaco favor a jóvenes aspirantes a dibujantes de cómic e ilustradores, ilustradoras. Uno, una podría llegar a pensar que es la única salida posible. Publicaciones especializadas, escasas, marginales o de poca tirada. El fenómeno de la autoedición, fanzines individuales o colectivos, tebeos autoeditados. Editoriales que pintan muy bien sobre el papel (bueno, la mayoría de las veces sobre la pantalla del ordenador) pero que no distan mucho de la autoedición. Puede que al principio uno, una no sepa por dónde moverse, pero bueno, así es la vida. Lo ideal sería que el autor se preocupara únicamente por la obra y no por venderla. Un arte puro, no un arte industrial o negocio artístico como ocurre sobre todo con el cine y la música. Para terminar voy a especular sobre el futuro, que es lo que se estila, reflexionando sobre el pasado, sobre el origen del arte. Todo empezó con representaciones de bisontes en las paredes de las cuevas. Tras años y años de evolución, ¡llegamos a la novela gráfica!, y a la puñet-era I+D. Pues creo que en el futuro seguirán teniendo importancia los cambios de soporte. La piedra de las paredes, el papel, las pantallas... El 3D, que sale del papel y de la pantalla dará paso a los hologramas. El soporte del futuro será el aire. Ummm, podría haber titulado este escrito "Pintar en el aire". Otra vez será.

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familia bateko kideak. Atzean, aspaldian gertatu zen madarikazioa datza. Madarikazioa, dena den, bedeinkapen bihurtzen da hainbat kasutan. Gizotsoari beti gertatu izan zaiona gertatzen zaie istorio honetako pertsonaiei ere, unerik desegokienetan bihurtzen direla zuri. Bada, madarikazioa beti ez dakar eragin txarrik, aldeko efektu bilaka daiteke zenbaitetan, pertsonaiak bizi diren testuinguruaren arabera.

Gizotsoaren kondaira berria Zebra efektua Harkaitz Cano idazle donostiarrak eta I単aki G. Holgado marrazkilariak egindako bigarren lana da. Zebra efektua komiki-album honetan genero beltza eta narrazio historikoa nahastu dituzte egile biek. Gizotsoaren mito eraberritua sortu dute Harkaitz Canok eta I単aki G. Holgadok. Izan ere, ilargi beteko gauek badute eragin berezi bat istorio honetako protagonistengan, baina Denisen kasuan ez bezala, gaueko hamabiak jotzean, otso bilakatu beharrean, zuri bihurtzen dira azal beltzezkoak ziren

Zebra efektua genero beltzeko film bat bezala hasten da, Estatu Batuetako New Orleans umeleko bi soldatapeko hiltzailek gizon beltz bat akabatzeko enkargua jasotzen dute, baina ilargi beteak istorioa konplikatuko du. Lehenengo kapituluan nabarmena da Tarantinoren zinearen eragina, Reservoir Dogs filmearena hain zuzen ere. Hurrengo kapituluetan, aldiz, istorioa kontakizun historiko bihurtzen da, izan ere, historian atzera egiten da madarikazioaren jatorriaren bila. Jatorria, hain zuzen ere, familia honetako kideak esklabuak izan zireneko garaietan dago, noiz zirena izategatik euren izatea gorrotatu zuten nahi ez zuten hura bihurtuz; hau da, beltza izatea madarikatu eta zuri bihurtu esklabu egoera hartatik zelan edo halan irtetearren. Zebra efektua lanean denbora jauziak maisuki harilkatzen dira, orainalditik iraganera eta iraganetik berriro orainaldira, beti ezustekoez jantzita. Bertan, zebra efektuaren bidez zuria eta beltza dena bereizi beharrean nahasten da, lausotu egiten da, zorabiozko efektua sortaraziz. Horretaz aparte, lanak ez dio gizarte kritikari iskin egiten. Madarikazio bezala, lehengo lepotik burua, esklabista izan zen hark botere goseari eusten dio eta esklabua izan zen hura gaur ere morroi edo akabatu beharreko etsai dabil. Soilik, komiki honetan gertatzen den ustekabe soil batek hankaz gora jar dezake luzaroan iraun duen esklabotasunaren madarikazioa. Testua: Alvaro Rabelli

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Kasu honetan, Habiak / Nidos lanak lengoaia estetiko ezberdin nahasten ditu eta beraiekin esperimentatzen du. Bertan antzerkia, narrazioa eta ilustrazioa elkarlotzen dira nobela grafiko hau osotzeko. Hain zuzen ere, gidoia Covek nije ptica / Gizona ez da txoria antzezlanean oinarritzen da, Balkanetako gerrak ekarritako samin eta erbestaratzearen gaia jorratzen duen antzezlana.

Deserriko txoriak Berriro ere Txalaparta argitaletxe nafarrak kalitate handiko komikiaren alde egin du, hemen bertan egin eta euskaraz eta gaztelaniaz argitaratutako lan baten alde hain zuzen ere. Habiak / Nidos Dejabu panpin laborategiaren gidoia daukan nobela grafikoa da, eta marrazkiak Maite Gurrutxaga amezketarraren ilustratzailearenak dira. Harritzen duen hain estetikoa, lirikoa eta hunkigarria den lan honen lehenengo gauza da ikustea Errenteriako Dejabu panpin laborategia antzerki taldearen eta Maite Gurrutxaga ilustratzailearen arteko elkarlan fina. Esan behar da Maite Gurrutxagarentzat nobela grafikoaren arloan egindako lehenbiziko lana dela, orain arte ilustrazioaren munduan ibili izan da eta.

Bere lehenengo komikia den honetan Maite Gurrutxagak fintasunaz eta kolore leunez marrazten du Simonen istorioa. Simon, agure baserritarra, Abiadura Handiko Trena egiteko desjabetutako baserria utzi eta gero hiriko pisu txiki batean erbesteratu antzera bizi da, txoria kaiolan nola. Leku horretaraino, non eta Simonek sufritu eta naturan bizi izandako bizitza etsi-etsian oroitzen duen, erizain bat hura zaintzera heltzen da. Selma, Bosniakoa den neska, gerraren izu-laborriak atzean utzi eta beraiek ahaztearren borrokatzen da. Hasiera batean Simonen eta Selmaren arteko harremana ez da erraza izango. Pertsonaien adinak, jatorriak, hizkuntzak eta ohiturak harresi bihurtuko dira bientzat ala bientzat. Baina norberaren sufrimendua eta besteena ere nolakoa den dakienaren pazientziak elkarrengana hurbilaraziko ditu bi pertsonaiok. Horretarako ezinbestekoa da Habiak / Nidos lanak zabaltzen duen begirada eta isiltasunen jokoa. Irakurleak lanaren hamar ataletan zehar ez du hitz askorik topatuko, baina bai, ordea, lana behar bezala ulertu ahal izateko deszifratu beharko dituen konplizitate handiko begirada asko. Habiak / Nidos itxura batean lan singela da, baina bere baitan hunkidura eta zirrara ugari atxikitzen du. Soilik Isiltasunei esker lorturiko konplizitate horrek lagunduko die pertsonaiei pairatzen duten bakardadea eta urruntasuna jasaten. Habiak / Nidos deserriko txoriei buruz da, hegal egin ahal izateko euren sustraietara itzuli behar dutenei buruz. Horrela bada, "Sustraiak ditut zainak ordez" aipuak zabaldu eta ixten du lana, bere leit motiv-a da. Alabaina, pertsonaiek euren sustraietara egingo duten itzulera ez da bientzat berdina izango.

Testua: Alvaro Rabelli

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