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C贸mic e ilustraci贸n. N煤mero13, febrero 2013


Editorial Ongietorriak berri honetara. Hau dena posible egiteagatik eskerrak eman nahi dizkiegu harpidedun egin zareten Lagun eta Babesleeri, UPV/EHU-ko Ikasle Kontseiluari, Errektoreordetzari eta Arte Ederretako Marrazketa Sailari. Komiki eta ilustrazio munduaren ikuspuntu ezberdin bat eskeini nahi genuke, hori da guretzat konpromiso garrantzitsuena eta marrazle moduan dugun lanik zailenetarikoa. Bestalde, etengabeko eboluzio batean gabiltza proiektuari bueltaka aldizkaria bideragarria izan dadin. Profesionalizaziora daraman erreminta bat izatea nahi dugu non gure lan pertsonalak argitaratu ditzazkegun. Oraingoan Eva Condek, Fátima Fernández gidoilariaren eskutik, ispilua zeharkatzera gonbidatzen gaitu. Lena Korshunova-ren Errusiar komikia argitaratzen jarraitzen dugu. Paúl Urkijo elkarrizketatu, Nerea Márquez, Carlos López, Andrea Ganuza, David Puertas, Gesto eta Nomás aurkezten ditugu. Informazio gehiago rumbleeditorial.com Bienvenidos a un nuevo número de . Queremos dar las gracias a los Amigos y Padrinos suscriptores así como al Consejo de Estudiantes, Vicerrectorado y al Dpto. de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU por hacer esto posible. Quisiéramos aportar un punto de vista distinto al mundo del cómic y la ilustración. Ese es nuestro mayor compromiso y uno de los retos más difíciles a los que nos enfrentamos como dibujantes. Por otro lado, seguimos en constante evolución planteándonos continuamente el proyecto para hacer viable la revista. Deseamos ser una herramienta más hacia la profesionalización y un lugar donde poder enseñar nuestro trabajo más personal. En este número Eva Conde nos invita a atravesar el espejo de la mano de la guionista Fátima Fernández. Seguimos publicando cómic Ruso con Lena Korshunova. Entrevistamos a Paúl Urkijo y presentamos a Nerea Márquez, Carlos López, Andrea Ganuza, David Puertas, Gesto y Nomás. Más información en rumbleeditorial.com Cada texto, imagen e historieta es copyright©2013 de su autor. Traducción editorial euskera: Peru Unamuno Imprime: Gertu. Tirada: 3000 ejemplares. D.L.: BI-2363-09. ISSN: 1889-9323. Director: José Carlos Torre.


Nº13 01 Eva Conde damadellago.com Fátima Fernández muchachadesal.com 06 Cristina Nogales monstruos-bajo-la-cama.blogspot 07 Carlos López clmkepa@gmail.com 08 Lena Korshunova 11 Gesto facebook.com/Gest-Aka-Iek 12 Ana García ana.garciadiez@gmail.com 14 Paúl Urkijo paulurkijoalijo@hotmail.com 16 Marta Ramírez martacores@hotmail.com 17 María Toraño ionizando@hotmail.com 21 Malk malaletxe@gmail.com 23 Lorea Larraya lorealarraya@faceboo​k.com 24 Eneko Amezaga enekio@hotmail.com 26 David Menéndez menenart.blogspot.com.es 28 Eduardo Martínez-Pinna edupinna@hotmail.com 30 Josune Muñoz skolastika@skolastika.net 31 Andrea Ganuza andreaganuza.tumblr.com 33 Leire Urbeltz l.urbeltz@gmail.com 34 Nomás nomascomics.blogspot.com.es 35 Alai Zubimendi elzanjas@hotmail.com 39 Jess Fletcher jess.gvm@gmail.com 40 Roberto González inspectorholmez@yahoo.es 42 Dave Henman dhenman@live.co.uk 45 Eduardo Urrutia eurretxeb@yahoo.es 46 Bárbara Ros brujamelon@gmail.com 48 José Carlos Torre j.c.torre@hotmail.com 51 Nerea Márquez nereamarquez.com 52 Phrenan phrenan.deviantart.com

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Paul Urkijo Paul nace en 1984 y es un conocido vecino de Vitoria. Licenciado en Bellas Artes en estos momentos se encuentra dando sus primeros grandes pasos en el mundo del cine sin dejar de lado la ilustración. ¿Cómo descubriste tu pasión por el cine? Como espectador. Sencillamente crecí con él. El cine siempre ha estado ahí haciéndome disfrutar con historias como si fuera una ventana a aventuras y mundos inventados. Siempre me ha gustado contar historias fantásticas ya sea dibujando o jugando con las palabras. El cine me parece el formato más envolvente. De pequeño nunca imaginé que terminaría dirigiendo y cuando entendí que yo también podía contar historias empezó como se suele decir mi pasión por hacer cine. ¿Qué directores o artistas te han influenciado más? ¡Hay muchos y son de disciplinas muy diferentes! Pero ciñéndome a cine e ilustración, Gustave Doré, Arthur Rackham, Francisco de Goya, Mike Mignola, Murnau, Todd Browning, Terence Fisher, Ray Harrihausen, Walt Disney, Jim Henson, Hayao Miyazaki, Akira Toriyama, Terry Gilliam, Steven Spielberg, Tim Burton, Peter Jackson y Alex de la Iglesia. ¿Cuál fue tu primer contacto con el medio? Empecé a hacer cortos en la Universidad estudiando Bellas Artes. Teníamos una asignatura de Audiovisuales en primero y ahí fue donde empecé a salsear con el medio. La primera vez que tuve una cámara no tardé ni una hora en hacer un corto con mis Masters del Universo como personajes.

Entrevista por Ander Pardo Ormaza Después llegaría El Pez plomo (2007) ¿Cómo encaras la producción de tu primer cortometraje profesional? Fue cuestión de intentar hacerlo todo bien y ordenado. Estaba acojonado porque nunca me había enfrentado a un rodaje con una producción tan grande. Así que intenté prepararlo todo bien y con buena letra. Aun así hubo imprevistos pero los superé bien. El Pez plomo ha sido el corto con el que más he aprendido. Fue el que me amuebló la cabeza para dirigir. Desde entonces he funcionado igual. Tu estilo personal despertó el interés del presentador y productor Christian Gálvez que produjo tu corto Jugando con la muerte (2010) que ya lleva más de 25 premios nacionales e internacionales. ¿Qué sientes cuando te dan el sí a uno de tus proyectos? ¡Una felicidad brutal! Para convencer a un productor tienes que llevar el proyecto lo más cerrado posible, guión, plan de producción, arte conceptual, presupuesto. Todo eso lleva mucho tiempo y lo haces sin saber si va a interesarle a alguien o no. Tuve la suerte de contactar con Christian cuando su productora 47Ronin buscaba cortos. Después de un año, cuando ya no tenía esperanzas en el proyecto, Gálvez me llamó por teléfono, bajé a Madrid y me dio luz verde. Sabemos de tu firme determinación para dar el salto al largometraje. ¿Porqué hay tantos directores que se quedan en el corto?, ¿es miedo?, o ¿es demasiado complicado seguir?

Arriba story comparativo de Jugando con la Muerte. Sobre estas lineas story comparativo de Monsters do not exist. recientemente premiado como Mejor Corto en la página web de Cine Vasco.


Saltar al largo es difícil porque es caro y hay que demostrar a las productoras que se puede cargar con el proceso que lleva dirigir un largo. Otros directores se sienten cómodos en el corto y no les apetece hacer largos. En mi caso, ya estoy trabajando en el proyecto que me gustaría que fuera mi primer largo. Me siento preparado y tengo mucha ilusión pero nunca me olvido de que nadie me asegura que vaya a realizarla realmente. ¿Crees que hay un “síndrome” caza subvenciones que hace que los proyectos sean un tanto complacientes? Las subvenciones son necesarias. Hay que fomentar la cultura y tenemos que invertir algo del dinero público en ella. Pero en algunos casos no se hace un buen seguimiento del resultado de las obras y cuando no se vigila donde se invierte el dinero aparece la picaresca para llevarse un pedazo del pastel sin ayudar al fomento de la cultura y así nos va. Como autor que eres, ¿hasta qué punto crees que uno debe amoldarse al mainstream? Depende del curro. Si haces encargos el que manda es el cliente y te dejará ser autor hasta donde él diga. Hay unas premisas marcadas en cada mercado y si quieres entrar en ese juego tienes que usar las reglas que hay. Si un productor te dice que tiene que haber un perro verde y a ti te parece que estropea la película tienes que saber convencerle. Depende de tu orgullo y dignidad. En todo caso yo siempre estoy a favor de que el mejor criterio es el del autor, que para eso le contratan. En Los monstruos no existen solo me dieron dos premisas para el encargo, la problemática (que no voy a desvelar por si alguien no lo ha visto) y que tenía que grabarse en Camboya. Por lo demás me dejaron vía libre y lo llevé a mi terreno, al fantástico, para hacerlo mío y usar los recursos narrativos y técnicos que controlo. Les pareció bien y la cosa salió guay. Si eres tú mismo el productor de tu trabajo depende de la visión mercantil que tengas y el público al que te dirijas. Tienes que ser consciente de si lo que haces le

gusta a la gente o no y adaptarte por qué trabajas para ellos y el mainstream representa una gran parte del público. Háblanos de tu faceta de ilustrador, ¿eres capaz de disociar ambos talentos?, o ¿se te mezclan? Para mí son dos formas de contar historias. Dibujo mucho antes de dirigir y en el fondo cuando dirijo estoy dibujando una historia, así lo concibo. Me paso las producciones dibujando. Es la mejor herramienta para mostrarle al equipo lo que quiero. Ya sean encuadres, storyboard, arte conceptual, paletas de color, todo se entiende mucho mejor. Quiero meterle más horas a la ilustración pero cuando tenga tiempo. ¿Nos puedes dar un adelanto sobre lo que estás haciendo en estos momentos? Estoy metido en el proyecto que me gustaría que fuera mi primer largometraje. La cosa está difícil y no sé si saldrá o no, ¡pero tengo ilusión y ganas de trabajar! ¡Por lo menos intentarlo! Gracias Paul, te deseamos toda la suerte del mundo. Seguiremos con el hocico puesto en ti. ¿Algunas palabras de ánimo para tus lectores? Este mundillo es difícil y más ahora que las cosas están chungas pero hay que luchar por lo que nos gusta hacer. Hay sitio para todos, solo hay que demostrárselo a la gente. Ilusión, iniciativa, constancia y perspectiva autocrítica. Lo demás, viene solo.

Rodaje de Jugando con la Muerte.

Los amigos Paúl Urkijo y Ander Pardo durante el rodaje de Jugando con la Muerte.

www.paulurkijoalijo.com

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Drago. Lo sublime y lo afectado. Drago es una pequeña joya del cómic sindicado distribuido por N. Y. Post Syndicate entre 4 de noviembre de 1945 y 10 de diciembre de 1946 en formato página dominical. Obra ajena a presiones de las distribuidoras, en donde su autor, Burne Hogarth, pleno y necesitado de libertad, da rienda suelta a su bella pero artificiosa estética formal y al concepto cinético que tiene de la historieta. Es además un interludio artístico y experimental que el autor realiza entre las dos fases que dedica a la obra sindicada Tarzan (de 1937 a 1945 y de 1947 a 1950) distribuida por el United Features Syndicate. Pero además de ser una pequeña joya y un interludio experimental, Drago es una historia de aventuras trepidantes ambientadas en una Argentina de opereta, repleta de gauchos, mansiones, mujeres fatales, hermosas damiselas, escondrijos imposibles en un paisaje ilusorio, nazis evadidos de la Alemania derrotada de la IIGM,

Texto: Eduardo Martínez-Pinna temibles matones y los caballos más veloces jamás plasmados en un cómic. Ingredientes que pertrechan una aventura tópica protagonizada por el joven y quijotesco gaucho Drago. Un galán icónico con una fisionomía que recuerda a la de Tyrone Power en los tiempos en que protagoniza la magistral película The Mark of Zorro realizada en 1940 y dirigida por Rouben Maomoulian. Como cualquier galán al uso se acompaña de un amigo fiel, un contrapunto cómico que alude al nombre de Tabasco. Argumentalmente la trama se vertebra en dos relatos. El primero y más complicado se compone de una intriga bien montada que lleva al lector al conocimiento de infames megalómanos que pueden dominar el mundo a base de manipular misiles nucleares. En este relato, el autor presenta a sus personajes, arquetipos monolíticos prisioneros de su propia figuración, que aportan a la trama ligereza y funcionalidad, pero que, obviamente, no sorprenden al lector. El único que escapa (relativamente) del estereotipo, es el ingeniero O ‘Day, yanqui provinciano pleno de recursos con un rostro que recuerda al del actor James Cagney. El autor lo retrata como el paradigma de ciudadano estadounidense de espíritu indomable, descendiente de los peregrinos del Mayflower, y vencedor de la IIGM. Entre los arquetipos mejor caracterizados, Hogarth se esmera en la apariencia del malvado Barón Zodiac anacrónica figura de un junker sombrío, tocado con monóculo, boquilla para fumar, sombrero y trinchera que le confieren aspecto feminoide y sádico. Justifica, con evidente estrechez de miras, el por qué los estadounidenses ganaron la guerra a los europeos. La sencillez del pueblo, contra la decadencia de una aristocracia caduca. Pero Hogarth no se priva de modelar otros interesantes personajes ricos en sutilidad psicológica.


Hogarth experimenta con el movimiento desmesurado y excesivo, sustituyendo las elipsis-argumentalmente necesarias con el uso de las viñetas secuencias que caracterizan su primera fase de Tarzan (1937-1945), por series de paneles que descomponen el movimiento, imprimiendo al relato un ritmo visual, de aire cinematográfico. Una narrativa ágil a la que recurre en la segunda fase de Tarzan (1947-1950), aquella que le ha suministrado los réditos de gran autor.

Destaca Don Rodrigo, el padre de Drago, una suerte de aristócrata de carácter débil y esclavo de sus pasiones. Le acompaña en este periplo narrativo su matón, Stiletto, un navajero chusco con rostro de boxeador y nariz partida. Entre las virtudes de esta primera trama se destaca un ritmo rápido, con ágiles cambios de escenario, en donde los personajes entran y salen con naturalidad y sin lastres bajo la dirección escénica y brillante de un Hogarth magistral que monta viñetas de composición brillante, casi musical, de fuerte peso melodramático y sensual como la apasionada escena del baile en la mansión familiar del protagonista. La femme fatale, Tosca, resulta, como siempre, mejor construida que la damisela hija del ingeniero O’ Day, la insípida Darby, en la que subyacen los caracteres matriarcales del pueblo estadounidense, bonita, hacendosa, potencialmente multípara y probablemente dominante. La segunda historia, más corta, más fácil, bien planteada y mejor vertebrada es un prodigio narrativo que relata un argumento de capa y revólver en un escenario delirante que evoca el ambiente descrito en las novelas de El Zorro escritas por Johnston McCulley. La chica, Flamingo, despliega grandes recursos creativos y dota a la historia de una coartada ajustada para el desarrollo pasional. El recurso del incendio en la mansión paterna de Drago, los tonos rojizos, la retorcida y apasionada personalidad del malvado, la motivación del héroe para asumir una doble identidad (de señorito afectado y de viril justiciero enmascarado) y los aires imposibles de la montura del protagonista, se encajan perfectamente en un relato caliente y sudoroso, que pese a lo tópico, es impecable.

Si la compleja y estrecha relación entre Tarzan y Burne Hogarth no hubiese sido una realidad, sería Drago el cómic que detentara la excelencia de su autor. El despliegue gráfico de Tarzan, en esa segunda fase, debe mucho a una Argentina de opereta tan irreal como cuajada de tópicos, descrita en todo su contenido en tan solo 54 páginas. La obra finaliza con la bien acabada segunda trama. Bien porque Hogarth quiere reiniciar su versión de Tarzan al mejorarse las condiciones con la agencia distribuidora, o bien por el tibio reconocimiento de la serie, necesitada de un éxito que permita mantenerla en rotativos. Reconocimiento mayormente negado en su presente, (no en Francia, que se publica íntegra en el semanario infantil Coq Hardi entre 1947-48), que sin embargo se le otorga en el futuro. Un reconocimiento postrero que convierte la obra en clásica y que editores franceses como Serg (1971) y españoles como Pala (1973) editan en toda su prestancia. Burne Hogarth aporta a la industria del cómic un tapiz de excelentes obras centradas en el mito selvático creado por Edgar Rice Burroughs. Drago es tan solo una gema ligera, afectada, evanescente y genial.

La estética formal de la obra resulta vanguardista. La composición es arriesgada, en cuanto que las viñetas se funden, se paralizan en expresivos primeros planos enmarcados en paneles circulares y se presta una gran atención al detallismo del escenario acompañado de una ardiente y bien escogida paleta de colores.

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CRÓNICA 2012

Texto: Josune Muñoz

De los distintos acontecimientos que han sucedido en el 2012 nosotras destacamos la exposición retrospectiva que el Colegio de Periodistas de Barcelona ha dedicado a la magnífica Nuria Pompeia.

Sussana Martín, la coautora de Alicia en un mundo real (Norma, 2010) ha visto publicado su segundo trabajo, Sonrisas de Bombay (Norma). Una novela gráfica que acerca al público la ONG del mismo nombre que Jaume Sanllorente creó y dirige en Bombay.

La barcelonesa Raquel García en Mamá, papá… no sabéis nada de la vida (Panini) nos ayuda a recordar como es el complicado mundo de los adultos visto desde la infancia. Seguro que disfrutáis de sus ocurrentes viñetas y la capacidad de la autora para registrar distintas expresiones faciales. El horno no funciona (Sins Entido) es una divertida y original crónica de 15 compañeros de piso. Las manías, abusos, faltas de respeto, olvidos, encuentros y desencuentros que hacen tan difícil la convivencia narrados de manera muy eficaz por la francesa afincada en Barcelona Camille Vannier. Animal Party (Edicions de Ponent), la primera novela gráfica de la madrileña Miriam Muñoz, otra crónica de los años que la autora pasó en Brighton en difícil convivencia con Jess, su pareja. Narrada de manera directa y dibujada con una apabullante sencillez nos recuerda que cualquier migración por decidida, cercana o breve que sea siempre es difícil incluso para esta joven generación "la mejor preparada de la historia". En 2012 hemos tenido la posibilidad de conocer a algunas autoras en la antología En el parque (Thule). Seis historias, todas con guión de Olalla H. Ranz e ilustradas por Josune Urrutia, Livia Cives, Cristina Perez Navarro, Miguel B. Nuñez, Diego Fermín y Riki Blanco, en torno a los juegos de parque, algunos infantiles y otros no tanto. Interesante y variada, como la mayoría de las antologías. Elena Hormiga y su fanzine Cuaderno de índices irrelevantes (Ultraradio) nos han recordado que no estaría nada mal dedicarle un futuro artículo a las creadoras de fanzines. Traducida del mercado Frances nos ha gustado especialmente la primera novela gráfica de los valencianos Cristina Florido y Francisco Ruizge. Eloísa y Napoleón (Dibbuks) narra una hermosa historia de amor que nos recuerda la capacidad que tiene la ternura y la generosidad para unirlo todo. Pero no todo han sido nuevas autoras. El año 2012 también ha visto afianzarse algunas trayectorias.

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La pareja Vanesa Durán y Miguel A. Giner continúan en La máquina de Efrén (Sins Entido) viendo crecer a su hija Laia. Tema ya abordado en Una posibilidad entre mil (Sins Entido, 2009), pero ahora con la incorporación de una hermana fruto de un largo y difícil proceso de adopción internacional. La magnifica dibujante madrileña Montse Martín, que irónicamente tras una larga carrera recibe este año el premio autora revelación en Expocómic, es la única autora que firma dos obras este año. Ambas editadas por Glenat, reconvertida EDT o Editores De Tebeos. Por un lado en pareja con la guionista Teresa Valero llega el segundo tomo de Curiosity Shop. Ahora la acción salta entre Barcelona de principios de siglo y el Toledo sefardí donde se genera una secreta trama judía que la protagonista tendrá que resolver. Se lee con interés y funciona muy bien la unión de las autoras en un género poco frecuente en parejas femeninas. Material que nos ha tenido que venir desde Francia al igual que su segundo trabajo junto a Francois Debois Talismán. Un claro ejemplo de la efectividad del dibujo y color de Martín para contar historias dinámicas y entretenidas.


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¡Por que hay mucho cómic que hacer! 45


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