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E6G6CDGB6C ¡UN HÉROE SOBRENATURAL!

EL ROSTRO DEL THRILLER ID9DHADHB:H:H

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Apreciable suscriptor: FANCLUB Cinépolis® es el programa de beneficios adicionales que Cinépolis® tiene para ti, para recompensar tu preferencia. Agosto promete paz y herramientas para interpretar el dicho: “Quien en agosto ara, riqueza prepara”. No obstante, logrará mayor repercusión si experimentamos emociones novedosas afuera de la oficina, de las redes sociales, de la rutina. Una opción que tenemos al alcance, el cine. En la oferta nacional se diversifican el entretenimiento y las visiones del escenario, actualizando temáticas, por ejemplo, como las de la exitosa Días de Gracia. En la escena mundial el medio fortalece economías locales, propaga estilos de vida o retrata transformaciones sociales. De lo último, Cinépolis® ha anunciado que para el 2013 digitalizará el 100% de sus pantallas, colocándose como la primera empresa de la industria en Latinoamérica con todas sus salas en formato digital. En un apartado extranjero, el conglomerado chino Wanda compró a la empresa American Multi-Cinema (AMC), gestora de cientos de salas en Estados Unidos y Canadá, para convertirse en el mayor propietario mundial de cines. Este mes también finaliza el periodo vacacional y tenemos una oferta única nutrida de “blockbusters” de superhéroes y además el rumbo se empieza a dirigir hacia finales del año, periodo en que llegan los estrenos que persiguen galardones. Aun así, la nostalgia sigue constante y es básica para el divertido musical La Era del Rock o también forma parte de El Legado Bourne, que renueva la “globalización” geopolítica de la saga y, como Promoteo, expande sus horizontes narrativos. Y no sólo esto, sino que además disfrutaremos de un remake que no es un remake: El Vengador del Futuro. En otro tono, les presentamos una entrevista exclusiva con la directora Patricia Riggen, quien habla del estreno Educando a Mamá, que ofrece otra visión de la comunidad de origen hispano en Estados Unidos. Además de los contenidos, como cada mes, en las páginas de FANCLUB Cinépolis® te entregamos más de $3,000 pesos en beneficios tangibles y directos, además de los beneficios especiales de las películas más importantes y 2 boletos para cualquiera de los eventos en la guía interna de accesos, que encontrarás en las páginas 59, 60 y 61. También podrás disfrutar cupones que intercambiarás por boletos a precio especial para que durante agosto disfrutes las películas que desees en cualquiera de nuestras salas tradicionales (pág. 79). Es nuestra forma de premiar tu lealtad. Esperamos que disfrutes al máximo de todo lo que FANCLUB Cinépolis® tiene para ti, por ser uno de nuestros mejores clientes. FANCLUB Cinépolis® es un foro abierto al mundo del cine, en una labor permanente por llevarte lo mejor de lo mejor.

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Contenido AGOSTO 12 GADGETS pág. 6 // ESTRENOS pág. 10 // DIRECTORES pág. 12 // EN CARTELERA pág. 14 // DETRÁS DE CÁMARA pág. 18 // PARANORMAN pág. 20 // EL LEGADO BOURNE pág. 22 // EL VENGADOR DEL FUTURO pág. 24 // PORTADA pág. 26 // ALFOMBRA ROJA pág. 32 // DE LEYENDA pág. 34 // DE CULTO pág. 46 // CAPITALES DEL CINE pág. 50 // COLECCIONES pág. 54 // LA BUTACA pág. 56 // TENDENCIAS pág. 66 // METAFICCIÓN pág. 68 // CLÁSICOS pág. 70 //

DIRECCIÓN› Justo Sierra DIRECCIÓN EDITORIAL› Alejandro Ortiz González EDITOR› Alberto Ugalde Buenfil DIRECTOR DE ARTE› José Antonio Hernández DISEÑO› Felipe Ayala Balderas, Karen Zúñiga Gtz. REDACCIÓN› Josué Guerrero, Héctor Romero, Erick Ruiz, Roberto Miranda, Omar Ávila del Ángel (y corrección) DIRECCIÓN COMERCIAL› Dolores Gilardi de Escoto ALIANZAS ESTRATÉGICAS› Carla García, Amira Carrasco GERENTE DE PRODUCCIÓN› Rolando González Camacho PREPRENSA› Ramiro Huerta Nava EDITOR RESPONSABLE› Justo Sierra 2

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Agosto 2012. Derechos Reservados © Origen y Comunicación, S.A. de C.V.; Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal; 2010. Todos los contenidos del presente ejemplar constituyen obras protegidas por la Ley Federal del Derecho de Autor, por lo que su reproducción directa o indirecta, total o parcial, comunicación pública, así como cualquier modificación a los mismos constituye una infracción administrativa o delito en términos de la legislación anteriormente mencionada y del Código Penal Federal. Las características tipográficas y de diagramación del ejemplar son también objeto de protección por la Ley Federal del Derecho de Autor y el editor goza sobre de ellas de un derecho de exclusiva. FANCLUB® y F FAN CLUB® son marcas en trámite de registro bajo los números de expediente 112648 y 112649, respectivamente, propiedad de Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de las marcas o cualquier otra similar en grado de confusión sin el consentimiento expreso de su titular constituye una infracción e inclusive un delito en términos de lo dispuesto en la Ley de la Propiedad Industrial. Las imágenes logotípicas asociadas con dichas marcas son obras de arte aplicado, en la rama del diseño gráfico, cuyos derechos patrimoniales de autor detenta también Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de dichas obras, con fines de lucro directo o indirecto, constituyen una infracción en materia de comercio en términos de la Ley Federal del Derecho de Autor. El derecho al uso exclusivo del encabezado o título de la publicación periódica se encuentra reservado a favor de Origen y Comunicación, S.A. de C.V. en términos del Certificado de Reserva en trámite bajo el número de expediente 04-2010-101213182400-20. Certificado de Licitud de Título: (en trámite); Certificado de Licitud de Contenido: (en trámite), expedidos por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Servicio Postal Mexicano: PP09-1816. La publicación periódica marca FANCLUB® es producida y editada por Origen y Comunicación, S.A. de C.V. Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal. Impresa en México por Grupo Infagon, Alcaicería #8, Col. Zona Norte Central de Abastos, C.P. 09040, México, D.F. Tel 5640-9265. VENTAS DE PUBLICIDAD a los teléfonos y fax 5001-1700, desde el interior al 01-800-90-27400 y desde E.U.A. al 1-800-845-6742. La publicación periódica marca FANCLUB® es un foro abierto, lo que significa que los conceptos y opiniones vertidos en sus páginas de ninguna manera expresan los puntos de vista de sus editores. Los diversos autores son los únicos responsables de los contenidos de sus obras. Los productos y/o servicios que aquí se exhiben son responsabilidad exclusivamente de los anunciantes. Los editores no se hacen responsables de la calidad, marca y/o precio de los productos y/o servicios anunciados, por lo que la relación contractual es únicamente entre el anunciante que ofrece y el cliente que adquiere.


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BJC9DH E6G6A:ADH 6FJ67DI>M=N9GDK>:L Uno podría creer que la compañía Aquabotix desea inspirar a nuevos realizadores para que sean como James Cameron, de menos en la exploración submarina. La investigación ha sido un interés constante del director canadiense, antes y después de Titanic (1997). A lo mejor así encuentra su musa, o de menos al superhéroe Aquaman. Y no el del fallido piloto de TV de 2007 con Justin Hartley, ni el del filme falso y supuestamente dirigido por él mismo que fue una broma en la serie Entourage de HBO… Regresando a la compañía Aquabotix, lanza el vehículo submarino Hydroview con conexión inalámbrica entre su base y el iPad u otras tabletas iOS, smartphones y laptops con los que se opera. Registra video e imágenes con una resolución de 1080p HD, mientras los usuarios instintivamente navegan las profundidades y controlan la velocidad y los comandos de video mediante el touch screen. Además es útil para inspeccionar tuberías, expandir las asignaturas en la escuela o para paseos en los cuerpos marinos. Cuenta con luces LED y alcanza una velocidad de hasta cinco nudos hacia el frente, uno en reversa. Puede sumergirse 150 pies, aunque su cable de introducción sea de 75 pies (unido a su base). Tiene una batería que soporta tres horas de exploración y unas dimensiones de 14.6x19x7 pulgadas, pesa 9 libras y se le pueden instalar lentes adicionales, como los AquaLens. 6

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CD@>6AJB>6.%% I=:96G@@C><=IG>H:H Supimos del lanzamiento del smartphone edición limitada de The Dark Knight Rises despuesito de que viéramos el segundo trailer del estreno. Rápidamente, si no han visto la película, ¿qué esperan? Muchos seguirán recordándola, sus atmósferas, sus ideas, y seguro querrán hacerse de este gadget de color negro mate manufacturado por Nokia, que honra al último capítulo de la trilogía de Christopher Nolan. Desde el logo en su parte trasera, presenta un diseño elegante y minimalista, y aunque se dijo que sólo habría cuarenta a la venta, se publicó que serían poco más (son 900 en el Reino Unido). Cuenta con el sistema operativo Windows Phone 7.5 y características exclusivas de Nokia, como el Nokia Drive y Nokia Music. Se incorporó una función que actualiza las noticias relacionadas con la cinta, además de wallpapers, tonos de timbre, trailers o retos como Claim Gotham City, donde uno elige el bando de Batman o Bane, y a través de la plataforma web Foursquare suma puntos o descubre premios en distintas ubicaciones (sujeto a disponibilidad). Tiene una pantalla de 4.3 pulgadas AMOLED ClearBlack para imágenes claras y brillantes, una batería de alta efectividad y una cámara con ópticos Carl Zeiss para imágenes 16:9, incluso para grabar en escenarios con poca luz. Se vende en una caja en color negro con una fina inscripción del héroe. Así, ni quien recuerde el teléfono rojo del serial televisivo de los años 60.

I=:9 I=:96K>9ANC8=8DAA:8I>DC 7AJ"G6N7DMH:I 7AJ"G La industria industri al parecer manda que los directores sean maquiladores de product productos. Pocos son verdaderos artistas. Pero uno grande es David Lynch. Sus atmósferas oníricas y brutales hoy son fenómenos culturales, aunque aun su obra no es fácil, ni para todo público. ¿Por qué aparece una mujer m minúscula y cachetona cantando en un calefactor, con una bruma br densa y pesada? ¿Qué significa un burlesque donde unos rufian rufianes antológicos corean “In Dreams” de Roy Orbison? ¿Lo visto es un road movie violento e inspirado en El Mago de Oz, con Nicolas Cage Ca imitando a Elvis? En conjunto, sus imágenes, montaje y diseño son sonoro dicen que sí, la realidad es surrealista para que diarios como el br británico The Guardian lo llamen “el cineasta, más importante de la era actual”. Ahora po podremos disfrutar seis de sus más conocidas películas en Blu-ray, en un boxset con algunos de sus cortos más famosos, películas experim experimentales, entrevistas, documentales, tomas falsas y más. Es colección con Eraserhead, que incluye un documental del realiuna colecc algunos de sus cortometrajes previos; Dunas, con un detrás zador y alg de cámaras; cámara Terciopelo Azul y una entrevista a Dennis Hopper; Wild At Heartt, c con los ocho episodios animados de la serie Dumbland; Lost Highway Highw y Twin Peaks: Fire Walk With Me, en total con más de 12 material adicional que gira alrededor de la obra de Lynch. horas de m ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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UN ANILLO PARA GOBERNARLOS A TODOS 9JG6CI:K6G>DH6xDHCDH=:BDH “montrealizado”. O sea, es fácil admirar espectáculos provenientes de la capital de la provincia canadiense de Quebec. Hemos disfrutado Cavalia o el Cirque Du Soleil, o menores como Les 7 Doigts de la Main, Cirque Éloize y otros. En conjunto recrean ideas de belleza y entendimiento que nos ayudan a volar. ¡Ay!, qué tierna frase. Pero podrían engañar a más de uno que creería a los actos provenientes de Hobbiton, poblado ubicado en la Tierra Media de la saga El Señor de los Anillos. Y cómo no, si sus sensibles acróbatas son casi elfos, hadas y hechiceros a quienes sólo les faltan varitas que despidan luciérnagas multicolores… ¡Bah!, cómo creen. Uno lo creería menos tras volver a comprobar los valores épicos, narrativos y terrenales de la nueva producción de Peter Jackson, gracias a 14 minutos de un video hecho público meses atrás, que narraba momentos detrás de cámaras de The Hobbit: An Unexpected Journey. Se trataba de un nuevo registro de lo que pasa a más de 13,000 km de distancia de Canadá, en los Stone Street Studios de Nueva Zelanda. Jackson y otros miembros de la producción nos daban un paseo virtual (como ésos que parecen musicalizados por Disney) y echaban a perder los secretos “mejor guardados” (ajá) del filme. Montaron imágenes del viaje de los enanos en barriles por el río, la presencia de Orlando Bloom como Legolas (otra concesión cuando ni éste ni Galadriel –Cate Blanchett–, son parte de la novela El Hobbit) e inclusive un aburrido recorrido por el trailer park que habita el crew.

G:9GJB Pero la expectativa no cabe en ningún medio por el estreno de la primera de las dos partes del relato de Bilbo Bolsón, Gandalf, los más de siete enanos aguerridos, trols y dos que tres dragones. Su premier se efectuará el próximo 28 de noviembre en la verdadera Tierra Media: Wellington, capital de Nueva Zelanda; mientras, en el resto del mundo sufriremos una larga espera de dos semanas (hasta el 13 de diciembre). The Hobbit: There and Back Again, la segunda parte y conclusión, se estrenará el 12 de diciembre de 2013. Cada una de las películas tendrá un presupuesto aproximado de 270 millones de dólares, aun con las facilidades del gobierno neozelandés para magnas producciones. Además esta epopeya se rebela a varias 8

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convenciones, sobre todo a los “24 cuadros por segundo” (24 fps), habiéndose filmado a 48 fps con las nuevas cámaras EPIC Digital de la marca RED ONE (que logran hasta 120 fps).

;>88>âC=9 Lo anterior contrasta con noticias como la del maestro helvético Jean Luc Godard, quien “filma” no en cualquier 3D –y obvio no hace Transformers–, sino en una rudimentaria para los estándares: desde su teléfono celular. Para The Hobbit el rodaje 3D empleó “sólo” 30 cámaras con la más avanzada tecnología. Sin embargo, la velocidad de grabación ha encendido el debate tecnológico luego del deseo de Jackson de aumentar la fluidez y claridad del movimiento, y superar ese sutil efecto es-


troboscópico, asimilado como uno de los espíritus del cine gracias a figuras como Godard. No obstante, el aumento da una 3D más profunda y cansa menos a la vista. Aun así ha provocado polémicas. Periodistas que vieron sus avances dijeron que los decorados parecen… decorados. Que su look es anticinematográfico como el de los nuevos documentales rodados en HD. Creo que éstos olvidan que una imagen también depende de la iluminación, fotografía y diseño de producción. Y realmente, ¿alguien duda que la película será una delicia visual?

EDHI6K:C<:GH Chris Hemsworth firmó para interpretar a Thor en dos secuelas de la película de 2011, que fue dirigida por Kenneth Branagh, y para tres de The Avengers. Es importante aclarar que estos contratos largos se parecen a derechos de futbolistas. Son múltiples los factores que deben suceder para que se concreten. Aun así, se confirmó que Natalie Portman se integrará a las películas de The Avengers como Jane Foster, el interés romántico/terrenal de Thor.  Joe y Anthony Russo, productores de las series Community y Happy Endings, dirigirán la secuela de Capitán América a estrenarse en el 2014.  Hace pocas semanas David Hasselhoff cumplió 60 años de vida. Lo celebramos y recordamos que fue el primer Nick Fury filmado, en Nick Fury: Agent of S.H.I.E.L.D. (1998, para TV), donde Fury y S.H.I.E.L.D. luchaban contra HYDRA (la organización terrorista a la que perteneció Calavera Roja, enemigo del Capitán América). Era escrita por David S. Goyer, quien tiene el crédito de las historias de la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan, de la actualización del personaje “murciélago” prevista para el 2015, y del guión de Man of Steel (Superman), que veremos el próximo año.

=DAANLDD9!A6G6O6 NK6G>DHBÛHB>H8:AÛC:6 Samuel L. Jackson no sólo es hoy Nick Fury, además se suma a Robocop, remake de la extraordinaria película de 1987 que fue dirigida por Paul Verhoeven sobre el ciberpolicía con rasgos mesiánicos. La dirige Jose Padilha (Tropa de Élite) y tiene un guión de James Vanderbilt (Zodiac, El Asombroso Hombre-Araña). Joel Kinnaman (Safe House) será su protagonista junto con Gary Oldman y probablemente Rebecca Hall y Gael García Bernal.  Paul Giamatti y Sara Paulson se unen a Michael Fassbender, Chiwetel Ejiofor y Brad Pitt para Twelve Years a Slave, la nueva película del director más atractivo en últimos años, Steve McQueen (Hunger, Shame). Adapta las memorias de Solomon Northrup, su secuestro y venta como esclavo en Washington a mediados del siglo XIX, a pesar de haber nacido como un hombre libre. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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Las películas sobre gángsters siempre tienen un encanto por prestarse a la intriga y la acción. Fuerza AntiGángster no es la excepción. Es una película adaptada de una serie de artículos de Los Angeles Times. Explora la verdadera historia de un grupo extraoficial de la fuerza secreta de la policía, que fue tras Meyer Harris “Mickey” Cohen, un mafioso de alto perfil que fue miembro de la “mafia judía” en la década de 1940.

FUERZA ANTI-GÁNGSTER INTRIGA Y ACCIÓN EN

L.A.

POR OMAR ÁVILA

LA EXTRAÑA VIDA DE Deseos hechos realidad Esta película es una de las clá- A6 =>HIDG>6 H: 8:CIG6 en una en contacto con él (incluyendo persicas apuestas de Disney para pareja que desea tener un hijo, pero sonas). Este cuento fue filmado preque no pueden hacerlo por causas viamente por Jan Svankmajer en el ser vistas con toda la familia. biológicas. Su deseo de ser padres año 2000 y se conoció como Little Entra en la categoría de relatos es tal que buscan una manera poco Otik. El caso de Timothy Green ciermezclados de realidad y magia, ortodoxa de lograrlo: a través de un tamente concuerda con el hecho de ligeros en su narrativa, diverti- ritual que consiste en enterrar en su que Otik, el protagonista del cuento, patio trasero una caja que contiene estaba hecho de madera y hojas. dos y con temáticas dirigidas las características que desean que a todos los miembros de una tenga su hijo. La sorpresa es que, J?CEJ>O=H;;DÊI=7H7=;¾ familia. Esta historia fantástica a la mañana siguiente, después de Ni en los trailers ni en la información pretende hacer pasar un rato una noche lluviosa, se despiertan ya previa sobre esta película mencioteniendo un niño, pero él no es todo nan algo sobre la alimentación voagradable en la sala de cine lo que parece… raz de Timothy, lo cual, al parecer, y regalarle a los asistentes un El filme parece ser una reelabo- no será relevante en esta versión del mensaje positivo y lleno de ración del cuento popular checo cuento. La historia tal y como está “buena vibra”. Otesánek, en el cual se narra la his- se le atribuye a Ahmet Zappa, hijo toria de una pareja sin hijos que “adquiere” un niño extraño que come cualquier cosa y todo lo que entra

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del legendario Frank Zappa, lo cual crea la expectativa de cómo entrará en juego la música.


;J:GO66CI>"<ÛC<HI:GCDH lleva hasta el año 1949, en Los Ángeles. El paisaje es lúgubre, propio de lugares donde se hacen negociaciones secretas. La fotografía del filme retrata de gran modo esta condición donde se esconden las ratas, lugares que generan la sensación de humedad, de putrefacción, de corrupción absoluta. En este contexto emerge el rostro desfigurado de un líder de la mafia nacido en Brooklyn, Mickey Cohen (interpretado de manera magistral por el dos veces ganador del Oscar a Mejor Actor, Sean Penn). Este mafioso cruel e implacable ha ido tomando bajo su control a la ciudad, cosecha copiosas ganancias provenientes de la venta de drogas y de la explotación de prostitutas. Él consigue todo gracias a la protección de sus matones, la policía corrupta y los políticos que se venden por unos dólares. Todos ellos están bajo su control. Suficiente para intimidar a los más valientes, incluso a los

más duros de la ciudad… Excepto a un pequeño equipo de agentes de policía de Los Ángeles, que son encargados de acabar con el poder de Cohen, y liderados por John O’Mara (Josh Brolin) y Jerry Wooters (Ryan Gosling). =EIB?D=9H;M

Uno de los principales atractivos que ofrece este filme es su elenco. Al siempre impecable Sean Penn lo acompaña Ryan Gosling (Triste San Valentín, 2010 y Drive, 2011). Este actor canadiense tiene una carrera en ascenso. Sus papeles en películas de muy corto presupuesto (como Triste San Valentín, que se realizó con tan sólo un millón de dólares) lo han colocado en la lista de actores alternativos más solicitados en el medio, a tal grado que el maestro de la imagen Terrence Malick lo invitó a participar en su proyecto antes conocido como Lawless, donde actúa al lado de Christian Bale (el más reciente Batman), Cate Blanchett (la reina de los elfos en El Señor de los Anillos) y Rooney Mara (Millennium, Prometeo). El resto de los actores que acompañan a Penn y Gosling en esta aventura de gángsters son Josh Brolin (Milk, Hombres de Negro 3), Anthony Mackie, Michael Peña, Jim Fitzpatrick, Giovanni Ribisi, Emma Stone y Robert Patrick, todos bajo la dirección del joven Ruben Fleischer (Zombieland, 2009).

TIMOTHY GREEN La película es protagonizada por Joel Edgerton y Jennifer Garner. Edgerton, por su parte, hace un par de años protagonizó la película Animal Kingdom del director David Michôd y participó en el remake de La Cosa, en el que actúa junto a Mary Elizabeth Winstead. Jennifer, en la pantalla grande, participó en la comedia dramática Juno, del director Jason Reitman, estrenada en el 2008. El trabajo más reconocido de Garner es en la televisión por su papel como Sydney Bristow, una agente de la CIA en la serie de televisión Alias, emitida por la cadena norteamericana ABC, y por la que en el 2002 ganó el Globo de Oro a la mejor interpretación femenina. Timothy Green será interpretado por Cameron “C.J.” Adams, un jovencito que, según expertos, tiene cualidades para convertirse en un gran actor. Habrá que verlo en esta, su primera película, donde se descubre que, a veces, lo inesperado puede brindar uno de los mejores regalos de la vida.

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INSTRUCCIONES PARA VER

DICTADOR POR IZABEL ACEVEDO

Si usted está pensando en ir a ver El Dictador de Larry Charles, para distraerse, reírse y pasar un buen momento… pero al mismo tiempo hay algo en su interior que le dice que no lo haga ya que probablemente habrán faltas a la decencia, la política internacional y el sentido del humor fino, este artículo es para usted. Si por otro lado, es un asiduo del director en cuestión y el humor negro tirando a salvaje no le ofende ni le afecta en los más mínimo, puede pasar directo a la reseña de la película.

Larry Charles FH?C;HE, conozca a Larry Charles. Los que han visto Borat (2006) y/o Brüno (2009), tienen la sensación de que estas películas están dirigidas por Sacha Baron Cohen, el protagonista de ambas y de El Dictador. En la mente del espectador, Baron Cohen corretea por el set improvisando chistes, mientras un grupo de camarógrafos lo persiguen ante la triste ausencia de guión alguno. Sin embargo mis amigos, noticias: detrás de estas elaboradas comedias políticas, tenemos a un gran director y guionista, Larry Charles. Un polémico, pero cada vez más exitoso realizador. La ópera prima de Larry Charles fue coescrita por Bob Dylan y fue estrenada en 2003, Masked and Anonymous. La película toca varios temas relacionados con la inutilidad de la política, la confusión en torno a conspiraciones gubernamentales, y el caos creado tanto por la anarquía como por el totalitarismo. 12

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Y después de Masked and Anonymous, Charles hizo su primera película con el comediante británico Sacha Baron Cohen, Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan. Luego en el 2008 Religulous, un agudo documental protagonizado por el humorista estadounidense Bill Maher. El título de la película es un portmanteau entre las palabras “Religion” (religión) y “Ridiculous” (ridículo) —en español sería algo así como “religículo”— y busca exponer la credulidad de los individuos frente a temas religiosos. En 2009 hizo Brüno, donde nuevamente Sacha Baron Cohen es el intérprete principal y representa a un reportero de moda austriaco. Y finalmente en el 2012, El Dictador, la historia de un dictador árabe que intenta evitar que la democracia llegue a su país… :?H;9JEH?DL?I?8B;

Toda la filmografía de Charles es completamente coherente en cuanto al punto de vista cínico sobre la política internacional y la búsqueda de la casi-realidad a través de una especie de documental ficticio. ¿No debe de ser un gran director aquel que logra borrarse casi por completo del cuadro y hacer creer al espectador que lo que está viendo sucede en un tiempo y espacio real? Una de las virtudes de Larry Charles es que mantiene todo el tiempo el punto de vista de su protagonista, casi como un documental, por lo que el espectador inevitablemente entra en la historia. Y una de las virtudes de Sacha Baron Cohen, y tal vez la razón por la cual Charles siempre trabaja con él, es que más que actuar, se convierte en el personaje de manera casi obstinada. F;HE"LEBL?;D:E79ãCEL;H ;B:?9J7:EHI?DGK;H;H I7B?HI;:;B7I7B7;D;B?DJ;DJE  I;=KD:E, sea un cínico y relájese. El cinismo nos

viene de los griegos y aunque parezca mentira es una corriente filosófica. Los Cínicos fueron famosos por sus excentricidades y por la composición de numerosas sátiras o diatribas contra la corrupción de las costumbres y los vicios de la sociedad griega de su tiempo, practicando una actitud muchas veces irreverente. Y definitivamente no se trata de volverse un filósofo griego, sino de ver la crítica mordaz como algo necesario para la sociedad. Finalmente Charles parte de un principio universal: utilizar

la farsa en la comedia para poder mostrar su punto de vista sobre lo que está mal. La farsa siempre ha sobrepasado los límites impuestos por la sociedad sobre valores éticos, morales, religiosos, sexuales. Si de pronto se siente sobrepasado por lo que está viendo en pantalla, relájese, va por el camino correcto. J;H9;HE, intente sentir compasión por el personaje. Si algo tiene de bueno Larry Charles, es que nos deja reírnos con todos los dientes de personajes políticamente ya no incorrectos, sino incorrectísimos. Pero siempre nos muestra un lado humano de ellos. Racistas, clasistas, mafiosos, sexualmente excéntricos, pero al mismo tiempo sentimentales, ingenuos, con alguna esperanza abrigada en su corazón. Así que, para llegar al fondo de lo que nos quiere decir el director, es fundamental abrirse a la posibilidad de la empatía hacia los personajes. 9K7HJE, ríase del mundo de hoy. La sátira política es un género dramático universal, que nos permite darnos cuenta de las cosas que suceden en nuestro tiempo, pero sin causarnos dolor, ya que al mismo tiempo estamos ante un acto liberador: la risa.

LA SÁTIRA POLÍTICA ES DOS VECES LIBERADORA SI PENSAMOS QUE LA VERDAD NOS HACE LIBRES Y LA RISA TAMBIÉN. ;B:?9J7:EH

Dicen que la historia está basada en la novela Zabibah y el Rey, que apareció publicada como anónima en el año 2000 en Irak, pero se cree que está escrita por un autor desconocido que siguió directamente las directrices de Saddam Hussein para su redacción. No sé… Ahora, los políticos, los regímenes y los dirigentes árabes sirven para una sátira donde el general Hafez Aladeen, Líder Supremo y dictador, es capaz de jugarse la vida para garantizar que la democracia no llegue al país que oprime. Por esto las Naciones Unidas lo han sancionado repetidas veces en la última década y Aladeen deberá ir a Nueva York a solucionarlo todo. Ya ahí es secuestrado por el jefe de su propia policía secreta, que planea convertir el país en una democracia, y por equivocación termina irreconocible y junto a una activista de derechos humanos. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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¿CLICHÉS O GENIALIDADES? Este mes la cinematografía nos sorprende con varios estrenos. Terror, suspenso, comicidad y acción son algunos de los géneros que se explorarán. Estas películas podrían considerarse genialidades, ya sea por su adaptación, por su guión o simplemente por la forma en la que fueron concebidas. Y es que el séptimo arte es para eso, para explorar, crear, innovar y sobre todo sorprendernos.

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Estreno Tentativo: Favor de consultar. 20th Century Fox

Estreno Tentativo: 17 de agosto. Gussi

Hay comedias que por más que pase el tiempo siguen garantizando risas y un éxito sin precedentes. Por más que hayamos visto cientos de veces sus capítulos y sepamos en qué terminará el chiste, éste nos sigue causando gracia. Un ejemplo es El Chavo del 8 o el paradigma perfecto de estos clásicos, Los Tres Chiflados, el cual llega al cine de la mano de 20th Century Fox, compañía que renueva el humor de esta serie que causó furor entre 1934 y 1958, cuyas repeticiones fueron un éxito entre espectadores de todas las edades y latitudes, marcando a diferentes generaciones. Desde que se anunció que Hollywood quería llevar esta historia a la pantalla grande, hubo muchas especulaciones en cuanto al elenco que interpretaría a estos míticos personajes. La primera baraja de actores con quien se quería contar para la adaptación se formaba por Jim Carrey, Sean Penn y Benicio del Toro, pero el trío de estrellas original rechazó la propuesta. Aún así la casa productora siguió con el proyecto y pudo reunir a un elenco destacado: Chris Diamantopoulos, Sean Hayes y Will Sasso en los papeles estelares de Moe, Larry y Curly. La historia está inspirada en la serie que duró más de 20 años y fue dirigida por los hermanos Farrelly, directores de comedias como Loco por Mary (1998) y Una Pareja de Idiotas (1994).

POR JOSUÉ GUERRERO

El Médium (Red Lights) es el tercer largometraje del realizador español Rodrigo Cortés, quien en el 2010 sorprendiera a la comunidad cinematográfica y al público con Buried, una cinta que fue bien recibida y que generó críticas positivas entre los expertos. En esta ocasión, el también productor y guionista nos sorprende con un thriller ambicioso que aborda los temas sobrenaturales y que te lleva al límite del suspenso. En la trama de la película podemos ver cómo la profesora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su ayudante, Tom Buckley (Cillian Murphy), tienen como labor de estudio el desenmascaramiento de distintos fraudes paranormales. Dos profesionales, aparentemente escépticos, cuyas creencias y amistad serán puestas a prueba con la reaparición de Simon Silver (Robert De Niro), legendario psíquico, tal vez el más célebre de todos los tiempos, el cual se convertirá en el mayor desafío mundial para la ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. Cortés se confirma por tercera vez consecutiva como un director capaz de armar una puesta en escena impresionante y todo lo que se proponga, ya que El Médium se convierte en un filme apabullante y entretenido. Algo que pocos realizadores españoles han podido lograr en este género. Consultar fechas de estreno en cartelera.

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Estreno Tentativo: 17 de agosto. Zima

Estreno Tentativo: 14 de septiembre. Universal Pictures

El fenómeno que en el 2010 reuniera a los míticos actores de cintas de acción de la década de los 90 está de vuelta en la pantalla grande. En una ocasión durante una entrevista, el actor Sylvester Stallone comentó que tenía el sueño de reunir a toda la vieja escuela de los actores de acción, el resultado se llamó Los Indestructibles (The Expendables). Stallone jugó a ganar y el resultado le dio frutos, pues aunque su película estaba lejos de convertirse en una obra de arte, la cinta sí se convirtió en todo un filme de culto, sobre todo para aquellos que disfrutaron o disfrutan el cine de acción. En esa ocasión se reunieron estrellas como Dolph Lundgren (actor que interpretara a Drago en Rocky IV), Jason Statham, Jet Li, Mickey Rourke, Randy Couture, “Stone Cold” Steve Austin, Terry Crews y un cameo de Arnold Schwarzenegger y Bruce Willis. Tras el éxito de la primera parte, era evidente que habría un secuela, pero para que este filme resultará atractivo, de nueva cuenta se tenía que reclutar a esa camada de actores de acción, e incluir una dosis extra. Si en la anterior Jean-Claude Van Damme rechazó la oferta de participar, para esta parte no se pudo negar, así que confirmó su participación al igual que Chuck Norris y Liam Hemsworth. Asimismo, Bruce Willis y Schwarzenegger regresan con papeles más extensos. Es evidente que la cinta contendrá grandes dosis de adrenalina, pues los combates, balas y explosiones serán la principal constante, ya que en la trama de Los Indestructibles 2 tomarán venganza, pues Tool (Mickey Rourke), el alma del grupo, es brutalmente asesinado en una misión.

De primera instancia, La Cabaña del Terror (Cabin in the Woods) parece ser una película más de terror en la que sus jóvenes protagonistas emprenden un viaje a una cabaña en medio del bosque, del cual nunca regresarán con vida a sus casas. El filme cuenta con los típicos personajes de clásicos de terror como Viernes 13 o sus gemelas del celuloide, donde se cuenta entre sus protagonistas a la chica virgen, la niña fresa, el gracioso, el buen chico y el deportista. Hasta aquí parecería tocar un tema muy trillado y visto miles de veces en la pantalla grande. Pero más que cliché de cinta de terror, este filme sin duda le dará un giro al subgénero del slasher y ni siquiera será algo parecido a lo que se ha visto en otros filmes de horror, ya que aquí se explorará el terror desde las entrañas, de adentro hacia afuera. Algo tal vez jamás visto. La historia, como hemos mencionado, se desarrolla en medio del bosque. La idea es pasar el fin de semana perfecto entre amigos, pero conforme la trama se va desarrollando, ésta se transforma y da un giro tremendo, que ni siquiera el espectador puede imaginar. La película avanza, el terror que sufren estos jóvenes se revela: parecen estar frente a un grupo de voyeristas adictos al sufrimiento de los demás, una especie de reality show orquestado desde un centro de control en el que sus empleados contemplan lo que ocurre como parte de su rutina laboral. Sólo daremos este pequeño avance de la trama, pues no conviene ahondar más, ya que lo inesperado y el misterio se vuelve una constante en la película, lo que la convierte en un exquisito filme de horror. La dirección corrió a cargo de Drew Goddard, quien fuera productor y guionista de Lost y que también coescribió La Cabaña del Terror junto con Joss Whedon, director de la exitosa The Avengers. En cuanto al elenco, se conforma por Kristen Connoly, Fran Franz, Bradley Whitford, Richard Jenkins y Chris Hemsworth, este último quien le diera vida a Thor, Dios del Trueno. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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Locos por los Votos “Cuando se trata de política es mejor quedarnos callados”. Sin embargo, cuando se trata de política en el cine, extrañamente, esa conocida frase no llega a ser tan popular… POR CONSTANZA SCHRAVESANDE

H>C>BEDGI6G8JÛAH:6A6EDH>8>âC9:AEå7A>8D (si es que la tiene definida), el “cine político” ha aparecido desde que Charlie Chaplin era la estrella de la cinematografía mundial, incluso desde antes; no obstante, cualquiera de sus admiradores podría recordar El Gran Dictador (1940). Aunque si realmente nos dirigiéramos a una película política, pero crítica, una importante sin duda sería el clásico de Stanley Kubrick: Dr. Insólito o: Cómo Aprendí a Dejar de Preocuparme y Amar la Bomba (1964). Y lo único que me queda decir de esta obra es: “clásico”. Pero hay una razón por la cual 48 años después de que Kubrick presentara esta obra, seguimos hablando de ella, y seguiremos haciéndolo, no solamente como una de las más reconocidas creaciones del cine político, sino como una de las mejores comedias, porque nos hace reír de lo que puede pasar y del absurdo. Igualmente tenemos otro clásico que incluso fue merecedor de la Palma de Oro en el Festival de Cannes en su tiempo, y ésa es la creación de uno de los directores más reconocidos, Francis Ford Coppola, Apocalipsis Ahora (1979), en la que se nos presenta la histórica Guerra de Vietnam. ;B;IF;9J7:EH

Una creación con tema político suele ser un retrato de eventos actuales o históricos, o condiciones sociales en las que el artista cinematográfico busca dejar una impresión en el espectador, ya sea por medio de documentales o películas, sin perder la oportunidad de aclarar su posición dentro del conflicto, incluso cuando se trata de comedias, 16

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obras satíricas que muestran la realidad de una forma que el público considera como entretenimiento. Entre las más recientes se encuentra la historia del gobernante perpetuo que intenta evitar que la democracia llegue a su país: El Dictador, de Larry Charles. Los creadores de tales obras suelen demostrar que hay mejores maneras de presentar la realidad. J>;97CF7?=D

Cuando se trata de una comedia de nuestros tiempos, uno de los primeros nombres que nos viene a la cabeza es Zach Galifianakis, sobre todo descubierto por su actuación en ¿Qué Pasó Ayer? (2009). Y si se trata de una comedia política, Will Ferrell sin duda parece el indicado después de su debut en Broadway con You’re Welcome America (2009), en donde actuaba como George W. Bush. Pero si se trata de una rivalidad entre uno y el otro, ¿quién ganaría? La nueva sátira política Locos por los Votos tiene todo para convertirse en un éxito. Cuenta con Jay Roach (Austin Powers, La Familia de mi Novia) como director –quien este año también presentara la película para TV sobre Sarah Palin, Game Change– y con los actores más solicitados en la comedia. Ferrell es Cam Brady, un congresista que nunca había tenido rival en una elección, y Galifianakis interpreta a Marty Huggins, quien lo enfrentará y buscará el escaño aprovechando un escándalo sexual de su adversario. Es una divertida comedia adecuada para estos días que se respira la atmósfera electoral estadounidense.


LA ERA DEL ROCK

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IG>K>6 &# ¿Cuál bar del Sunset Strip fue la verdadera inspiración del local de la película, The Bourbon Room? '# ¿Qué actor y director de cine (realizó Hostal) hace un cameo en la película? (# ¿Cuántas canciones son parte de La Era del Rock? )# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® La Era del Rock” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de agosto de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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EDUCANDO A MAMÁ POR ALBERTO UGALDE BUENFIL

G:8DG96GÛCFJ:CD:G6H:C8>AAD G:8DG96GÛC FJ: CD :G6 H:C8>AAD crecer, que uno sufría incomprensión y/o abandono. Es uno de los ejes de Educando a Mamá, que se enriquece porque además de mostrar las experiencias de los jóvenes exhibe figuras adultas que no pudieron experimentar su juventud a plenitud. Ya mayores, también necesitan afecto y les pesa aceptar cuánto debieron sacrificar para que no importe, al final sus familias terminan fracturadas. Con la dirección de Patricia Riggen (La Misma Luna, 2007), narra cómo las distintas generaciones necesitan un entendimiento recíproco al comparar sus posturas frente a la amistad, la popularidad, la preparación; también muestra cómo lidian con el bullying, la sexualidad o sus anhelos de independencia. Para la directora también ha servido para hurgar y hallar la bondad de las personas frente a duras situaciones en temas universales y sin fantasías, como las de las agendas preestablecidas que creen a la madurez proporcional a la edad, lo opuesto al verdadero peso de los vínculos y la confianza. Con un guión de Hiram Martinez y un reparto conformado por Eva Mendes, el debut de la joven Cierra Ramirez como la protagonista Ansiedad, y figuras como Matthew Modine, Patricia Arquette y Eugenio Derbez, exhibe cómo “algunas veces el crecer significa actuar de acuerdo a la edad que tienes”.

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En una charla telefónica platicaba con Riggen de que la película muestra nuevas generaciones que se enfrentan no a otra cultura, sino que son parte de la misma, a lo que respondió: “Cuando leí el guión me di cuenta que se trataba de una historia universal. En realidad no se trata de la experiencia inmigrante, sino que narra la femenina. Más bien ésa fue mi sensación. Es un estudio de madres, de hijas adolescentes, de esa época difícil de conflictos entre éstas. En realidad le podía suceder a una chica de cualquier cultura, raza, nacionalidad. En este caso le pasa a una que acá llaman latina, hispana o de origen hispano. Me pareció interesante para explorarlo. Y una de las razones por las cuales la película se sitúa en Seattle, a diferencia de los estados fronterizos, es ésa, que normalmente estamos acostumbrados a ver películas de hispanos en Estados Unidos donde predomina la población de ese grupo. Pero en este caso no se trata de la experiencia inmigrante, sino de la humana”. Al respecto, de Seattle vemos costas frías, la presión social y características poco latinas. “Fíjate que cuando vives acá vas conociendo cómo va cambiando nuestra cultura a medida que las generaciones pasan. En este caso las chicas no son mexicanas de primera generación. No traen la unidad familiar ni valores que tenemos los mexicanos.


A medida que cambian las generaciones, en este caso de segunda o tercera, se va perdiendo la identificación y los valores mutan. Se integran a una sociedad mucho más fría. Por esto hay un poco de ese reflejo del entorno hacia el interior de la relación, aunque también abordamos un fenómeno muy actual, que es el de las madres solteras y que trabajan. La película toca muchos temas, como el de las mujeres que se embarazan jóvenes. En este caso, los latinos en Estados Unidos tienen el índice número uno de embarazos en adolescencia (‘lamentablemente’, expresamos al unísono). Esto viene a reflejarse en la niña y también en la madre, el personaje Grace (Eva Mendes) que vivió esa situación. Si a eso le agregas una desintegración de la familia, cuando no son ésas que se apoyan, grandes y unidas mexicanas, y además existe la necesidad de trabajar, se crea una ausencia para la hija. Son fenómenos muy comunes. Yo vine a descubrirlo sobre todo después de que filmé la película”.

madre-hija y el bullying, en una cinta que sobresale por su originalidad, como mencionó Riggen: “por esta chica que decide recrear su propia historia de crecimiento y al mismo tiempo jugar con los clichés de los relatos de adolescencia, que también son parte de su vida. Fue como crear una historia dentro de una historia”.

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Le comenté que la película podría ser “educando a los padres”, cuando les sucede algo similar a los hijos del amante de Grace, el Dr. Harford (Matthew Modine). “Sí, quería hablar sobre el tema y reflejarlo a través de los personajes. Al de Eva Mendes le pasó algo así. Es un ciclo que atraviesa clases sociales, tanto por el personaje de Modine como el de Eva, con ambos ignorando a los hijos. En el fondo lo que me interesa es encontrar el punto humano entre las personas, cómo salvan los obstáculos y se reúnen. Fue también un poco la inspiración en La Misma Luna, de una mamá y un niño que están alejados. En este caso la mamá y la hija están viviendo en la misma casa, pero están separadas. Y se narra cómo encontrar la comunicación y el amor”. H;9H;7D:EJKL?:7

Sobre los actores: “Es un reparto ecléctico. En Estados Unidos se acostumbra que las películas de hispanos tienen puros hispanos y las de Hollywood sólo figuras del lugar. Intentamos combinar los repartos y en cierta manera reflejar la sociedad con realismo. Lo que me queda como directora es la experiencia de ver cómo trabajan grandes actores, el caso de Patricia Arquette, que llegó completamente preparada, con una idea exacta de lo que era su personaje, cómo se vestía, peinaba, dónde tenía un tatuaje, su historia. Matthew Modine fue titánico en los 80 y le das cualquier ajuste pequeño en la dirección y te regala un momento glorioso”. Riggen también platicó del trabajo súper íntimo y arduo con las protagonistas y que el proceso actoral fue variado. Dijo que buscó hacer una película para un público de la edad de la joven, cuando originalmente el guión era adulto y con conflictos que no eran para el target proyectado. Suavizaron la interacción, pero destacaron los conflictos

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PARANORM POR WILFRIDO ROBLES

SEASON OF THE WITCH

El estreno de ParaNorman podría incluir que la incomprensión de los padres. Pero destaca que frases como “si no sintiera miedo alguna vez, está bien sentir miedo y no es El Resplandor (1980), La Profecía (1976), ni Poltergeist (1982). No usa al terror para no me sentiría vivo”, claro, también “I see alguna catarsis emocional, sino que es una aventura fadead people”… Se trata de una película fami- miliar en un pueblo asediado por una añeja maldición (y liar, aunque sea oscura y con elementos so- bruja) por la cual los muertos se levantan de sus tumbas. brenaturales para relatar las aventuras de un Ahí sólo Norman (Smit-McPhee) podrá salvarlos, aunque enfrentará fantasmas (y sus cuerpos en descomposición), niño que no teme a los fantasmas, pero sí a brujas, otro niño excluido (Neill, que no se cansa de busla amistad. Excluido, sufre bullying y se aleja car su amistad) y, por supuesto, a los adultos. de lo “normal”. Tiene dones dudosos, como ver espectros, que sin embargo harán que µO=H;CB?DIO8;;JB;@K?9;5 Dirigida por Chris Butler (Coraline, 2009) y Sam Fell sea el único capaz de salvar a su comunidad. (The Tale of Despereaux), la actividad paranormal Norman es un niño aficionado al terror. Su despertador parece una mano de zombi, su cepillo de dientes eléctrico aparenta ser otro descerebrado mortal, juega con la ouija, investiga lo paranormal y le fascinan las películas de terror. Ah, puede ver y hablar con los muertos. Con las voces en su versión original de figuras como Kodi Smit-McPhee, Casey Affleck o John Goodman, el thriller y comedia de la compañía productora Laika es la segunda película stop motion en 3D en la historia, sólo después de Coraline (2009), filme anterior de esta compañía. De igual manera que el anterior estreno, parece aclarar que lo terrorífico en la ficción es menos pesadillesco 20

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llegará a nuevos límites por la inagotable dimensión del stop motion (y sorprenderá por su ingenio y un clímax deslumbrante), técnica que hasta se empleara para los efectos del terrorífico clásico El Despertar del Diablo (1981). Y se trata de su cúspide tecnológica y artesanal, que fortalece el vínculo narrativo abordando a un niño incomprendido, misterioso y solitario, para algunos similar al de El Sexto Sentido (1999). Y en realidad su don no parece tan, tan malo. Con éste podría asustarnos mientras desayunamos nuestro cereal “Count Chocula”, diciendo: ”¿Recuerdas el accidente y el cuerpo desmembrado? Su fantasma está al lado tuyo, y tiene hambre”.


El estreno es una delicia que, según su director Butler, parte de las historias de Scooby Doo. También se inspira en realizadores como John Carpenter y John Hughes, y en los clásicos E.T. (1982), Ghostbusters (1984) y The Goonies (1985). Muestra a Norman deambulando por la escuela, bosques, áticos con animales crepitando (con un magnífico diseño y detalle) y disfrutamos tributos a Halloween (1978), a Jason de la saga Viernes 13, o lo vemos pasar junto al “Bargento” (homenaje a Dario Argento). Y no olvidemos que los seres intangibles e incorpóreos de ParaNorman son del cajón de los que influyen y forman el destino de la humanidad. ¿Si no, qué es el limbo fantasmagórico y la idea de “saldar cuentas con el destino”? Por lo mismo, para describir un mundo mágico, tenebroso y simbólico, es perfecta la inclusión de la rola clásica “Season of the Witch” del británico Donovan.

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ParaNorman se sostiene por los valores de producción de Arianne Sutner, quien trabajara en la animación del filme The Life Aquatic with Steve Zissou (2004) de Wes Anderson, y del presidente de los estudios Laika, Travis Knight. Además tuvo la supervisión de efectos de los mismos que estuvieron detrás de King Kong (2005) y Coraline; su diseño de producción fue hecho por los expertos de Fantastic Mr. Fox (2009) y El Cadáver de la Novia (2005), y Tristan Oliver fue su director de fotografía, responsable de la foto de Fantastic Mr. Fox y ganador de un Oscar por Wallace y Gromit: La Batalla de los Vegetales (2005). ;NJH7DEHC7B  ParaNorman se benefició de la herramienta 3D Color

La cabeza de Norman tiene 78 piezas individuales (creadas en la impresora) que, como el resto de la película, requirió la labor de 320 diseñadores, artistas, animadores y técnicos repartidos en 52 unidades separadas de filmación. La película cuenta con 40 personajes individuales, de los cuales hubo 28 modelos diferentes de Norman. La escena del baño donde Norman es contactado por el fantasma Mr. Prendergast (quien aparece en el inodoro… ja) tardó un año en realizarse. Para mapear el espacio donde se enmarca la acción, se auxiliaron del Xbox Kinect. J;HHEHCEJ?ED AV Vc^bVX^‹c hide bdi^dc ]dn i^ZcZ jcV h^b^a^ijY Xdc CdgbVc! Zh ZmXaj^YV! eZgd hjh edh^W^a^YVYZh hdc Zcdg" bZh#8gZVbjcYdhfjZgZiVcaVhWVggZgVh[†h^XVhnZbd" X^dcVaZh eVgV ZmeVcY^g cjZhigd eZchVb^Zcid n eZgXZe" X^‹c# EZgb^iZ Va cVggVYdg Y^g^\^g aV ]^hidg^V VYdcYZ hj ^bV\^cVX^‹c ad YZhZZ n hZ WVhV Zc ZaZbZcidh gZVaZh n iVc\^WaZheVgVZaeWa^Xd!adfjZcdhjXZYZXdcaVh\g{" ÒXVhXgZVYVhedgXdbejiVYdgV#CVYVgVgd!]Vh^YdXaVkZ eVgVfjZI^b7jgidcZm]^WVhjVbdgedgaVjaigVijbWVZc :a8VY{kZgYZaVCdk^V!eg‹m^bVbZciZZc;gVc`ZclZZc^Z dVciZhZc:a:migVŠdBjcYdYZ?VX`&..(!fjZegdYj_d nijkdaVY^gZXX^‹cYZ=ZcgnHZa^X`#EdghjeVgiZ!HZa^X` Y^g^\^‹8dgVa^cZ!fjZVYVeiVWVaVcdkZaVYZCZ^a<V^bVcn Ò\jg‹Zca^hiVhYZaVhbZ_dgZheZa†XjaVhYZ'%%.#GZaViV" WVaVhVkZcijgVhYZjcVc^ŠV^cXdbegZcY^YVZ^\cdgVYV XdbdCdgbVcfjZZcXdcigVWVjcbjcYdhZXgZidnhj" ejZhiVbZciZ eg†hi^cd! b{h W^Zc eZgijgWVYdg# 9Z ]ZX]d [jZZaegdnZXideVhVYdYZaVXdbeVŠ†VAV^`VnhdWgZhVa^‹ edg hj ^cVWVgXVWaZ Z ^cV\diVWaZ WZaaZoV# 8g†i^Xdh Xdbd ?dgY^8dhiVaaVbVgdcVhjeZghdcV_ZjcVÆ{heZgV]Zgd†cV VWdXVYVVZhXd\ZgZcigZZa\g^hbjcYdgZVaYZaVYZhXd" cZm^‹c n Za aWg^Xd ZheaZcYdg YZ jcV [VciVh†V eZgkZghV! VWhdgWZciZnXVc†WVa½Ç#=V\db†VaVX^iVeVgVCdgbVc! Vfj^ZckZgZbdhXdcjcV‹ei^XVeZXja^VgXjVcYdVŠdXdc VŠd Zc cjZhigd eV†h hZ aZ g^cYZ ig^Wjid V adh bjZgidh0 ]VhiVgZk^k^g{cdhiVa\^VhÆX]dXVggZgVhÇXdbd 8]VWZadn EZe^id8dcigVadhBdchigjdh&.,(#6aÒcVaaVVc^bVX^‹c XdbegjZWVfjZ!XdbdZcEVgVCdgbVc!jcdcdhZkjZakZ jc]‚gdZh^ZcYdcdgbVa#

Printer. La juraría de ciencia ficción y no de terror porque hace repuestos reales para los títeres (los diseñadores industriales se reirán de mi ignorancia previa sobre la existencia del aparato). Imprime objetos en 3D y fue usada por la NASA y el ejército estadounidense. En épocas recientes ha sido un elemento básico del diseño para las empresas más poderosas. Para la cinta se usó en los repuestos de creaciones delicadas, como alguna de las 8 mil caras de Norman, que en conjunto logran hasta 1.5 millones de expresiones faciales. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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EL LEGADO BOURNE

Recientemente en la cartelera encontramos cintas románticas que iban desde el reestreno de Titanic o bien Medianoche en París. Pero seamos sinceros, de vez en cuando queremos dejar de pensar tanto en quién se quedará con quién (en el ramo sentimental) y disfrutar una película que explote nuestras emociones más básicas: para las chicas, cintas románticas; para nosotros, la acción, y qué mejor que El Legado Bourne.

POR ROBERTO MIRANDA

=68:9>:O6xDH!N9:HEJwH9:JC6:HE:8JA68>âC >C8Gw9JA6, se estrenó Bourne: Identidad Desconocida con el buen Matt Damon como protagonista de acción, y fue ahí donde observamos uno de esos filmes en los que no sólo existen extraordinarias peleas, explosiones y tiroteos, sino que lo presentaban en formatos crudos y realistas, y sobre todo con una historia en verdad interesante (ligeramente basada en la novela homónima de Robert Ludlum). Nos volvimos fans de inmediato. IKFH;C79ß7

La saga del realizador Paul Greengrass sobre el espía sin memoria Jason Bourne se convirtió, principalmente gracias a la 2a. parte (La Supremacía Bourne, 2004) y a la 3ra. parte (Bourne: El Ultimátum, 2007), en una de las más inteligentes y apetitosas series de acción en la historia del cine. La realización de autor al servicio del mainstream y al revés, dieron como resultado tres clásicos que se cerraron con un deslumbrante episodio 22

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final. El buen rendimiento comercial de la saga de Jason Bourne logró casi 1,000 millones de dólares, cuando costó varias veces menos; además catapultó a Matt Damon como el actor más rentable de Hollywood, abriendo el cine de acción a nuevas formas visuales, algo semejante al efecto que el Batman de Nolan tuvo sobre el género de superhéroes. La trilogía de Bourne parecía que había cerrado el capítulo, pero el engranaje de Hollywood nunca falla (bueno, casi nunca): si algo funciona, no tiene por qué finalizar, por ello, ¿por qué no una cuarta entrega de la saga? 9HEII"77HED9HEII

El legado ha vuelto, pues luego de dos secuelas que según esto cerrarían la trilogía, tenemos una nueva entrega, pero sin la participación de Damon como actor central. El protagonista de esta nueva cinta será el multifacético Jeremy Renner (Zona de Miedo, Mission: Impossible - Ghost Protocol y The Avengers), quien ha demostrado


tener talento histriónico para la acción. Sin embargo, los verdaderos fanáticos de la serie se preguntan si es válido o necesario continuar con esta saga a pesar de que Matt Damon ya no participe. Pero los grandes guionistas existen; Tony y Dan Gilroy lo son, y responden de manera inteligente a la realidad de las agencias secretas y de la geopolítica: no existe un sólo superagente involucrado en solitario en asuntos de temores globales y conspiraciones. Es más, resulta completamente ficticio decir que sólo existe un James Bond, quien de hecho se ha interpretado por varios actores. Con casi nada en común con la novela homónima escrita por el sucesor de Ludlum, Eric van Lustbader, veremos a Renner interpretando a Aaron Cross, un agente de la Operación Outcome que tras los eventos de Bourne: El Ultimátum, que significaron el ocaso de la Operación Treadstone, deberá escapar, protegerse y conocer cómo revertir su supuesto destino como blanco del agente Byer (Edward Norton), quien tiene como meta asesinarlo al igual que a la doctora Stephanie Snyder (Rachel Weisz), que trabajó con los agentes de Outcome. Vale la pena recordar que Treadstone fue una operación clandestina e ilegal de la CIA, que reclutaba soldados para convertirlos en asesinos. Primero modificaba sus conductas y lavaba sus cerebros para que no mantuvieran signo alguno de moralidad y fueran armas mortales incontenibles. Bourne fue el último superviviente de Treadstone, la black op que la CIA continuó con la Operación Blackbair, en un relato complejo y que hizo eco también de redes de espionaje y análisis para interceptar comunicaciones electrónicas (el caso de ECHELON).

Aaron Cross no tiene ningún tipo de conflicto moral. Él sabe exactamente contra quién va, en lo que podría considerarse lo contrario a la amnesia de la cinta original. ;NF7DI?ãD:;BKD?L;HIE8EKHD;

Más que una secuela, El Legado Bourne acompaña a las anteriores películas y abre una serie de posibilidades para la franquicia, que podría optar por seguir a un espía distinto a la vez. En esta ocasión es Aaron Cross, la próxima vez podría ser alguien más, por ejemplo, una mujer. Pero pensemos: ¿Indiana Jones sin Indiana Jones?, ustedes digan. Por su parte Renner encabeza el reparto de nuevos actores dentro de la saga, como los mencionados Rachel Weisz y Edward Norton, al igual que Stacy Keach y Oscar Isaac. Y afortunadamente regresan actores que figuraron antes: Albert Finney, Joan Allen, David Strathairn y Scott Glenn. En síntesis, la conspiración demuestra que Bourne, interpretado por Damon, sólo exhibió la punta del iceberg de una realidad llena de intrigas.

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Ahora el director es Tony Gilroy, guionista de las anteriores cintas de Bourne y director de los thrillers Duplicity (2009), sobre los entretelones de las agencias de seguridad nacional MI6 británica y la CIA estadounidense en el espionaje industrial, y de la premiada Michael Clayton (2007), sobre la ambigüedad moral cuando se debe defender “legalmente” a instituciones que transgreden los derechos civiles. Gilroy ha comentado que en ningún momento reescribió o se olvidó de los hechos de la trilogía original. Recalca que se muestra un mundo mucho más extenso, con una conspiración más grande detrás… Lo que sucede en El Ultimátum es sólo la chispa que abre la puerta a esta película luego de que la historia de Jason Bourne se hace pública y explota. Sin embargo, con la nueva entrega el cineasta marca una gran diferencia estructural, pues asegura que aunque lo fácil hubiera sido repetir el estilo de las anteriores, ésta se mueve en una liga mucho más espectacular, con una historia menos claustrofóbica y más diversificada en sus tramas de acción (le da un respiro al caótico, nervioso y mareador estilo “shaky cam”). Gilroy se encarga de expandir el universo de Bourne. Realizando una analogía de los personajes principales, asegura que el personaje ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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EL VENGADOR Existe una gran polémica respecto a los llamados remakes en el cine. El espectador puede ser un ángel compasivo o un auténtico verdugo cuando se trata de “refritos”, y por lo mismo siempre se corre un alto riesgo. Pero algunos cineastas toman la batuta y deciden elaborar una historia ya contada, para aventurarse a narrarla de una manera diferente; tal es el caso de El Vengador del Futuro (Total Recall). POR HÉCTOR ROMERO

Arnold Schwarzenegger 24

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6 &' 6xDH 9: HJ :HIG:CD! IDI6A G:86AA! 8DCD8>96 :C BwM>8D 8DBD El Vengador del Futuro, fue una cinta de grandes alcances dentro

del mercado hollywoodense, que nos tenía acostumbrados a películas de ciencia ficción relacionadas con naves espaciales, seres intergalácticos y secuencias de guerras futuristas. Pero a partir del llamado cyberpunk y su visión filosófica-futurista del mundo, el mercado cobró otras dimensiones con filmes precursores en la materia como Mad Max (1979), y entró de lleno en éstos con Terminator (1984). La idea caótica y fatalista de la extinción de la humanidad a causa de la máquina, o el sometimiento de nuestra raza por medio de métodos que emulan la realidad –que le debemos a escritores como William Gibson y Asimov–, es sin duda una de las ideas más brillantes que se han podido llevar al cine, debido a su trasfondo psicológico que permite realizar una clase de “suertes” mentales entre los personajes. Es más o menos en esta línea que nació Total Recall en 1990, de la mano de Paul Verhoeven. B7L;HI?ãDEH?=?D7B

El estreno de hace más de dos décadas tenía un guión de Ronald Shusett, Dan O’Bannon y Jon Povill. La historia se situaba en el año 2084 y conocíamos al obrero de construcción Douglas Quaid (Arnold Schwarzenegger), quien constantemente soñaba con Marte y con una misteriosa mujer morena. Su esposa (Sharon Stone) entonces lo alentaba a tomarse unas vacaciones, virtuales, y Quaid decidía acudir a una compañía especializada en implantar falsos recuerdos en la mente humana, para simular un viaje al planeta rojo (las reminiscencias en Abre los Ojos o en Vanilla Sky, versión norteamericana del mismo filme, son notorias). Lo que Douglas no imagina es hasta dónde puede resultar peligroso no saber si un recuerdo es falso o verdadero, ya que tras un error en la implantación y un supuesto brote psicótico que tuvo, descubrirá que comparte rasgos de agente secreto. Además lo quieren matar. Después aparece un misterioso hombre y le da una maleta con dinero, un pasaporte, armas y un video. En el video aparece él mismo hablándose y convenciéndose de que debe ir a Marte. No sólo inquieta saber cómo esto es posible, sino lo que desencadenará: una revolución marciana. Para esta versión, Ronald Shusett compró los derechos del relato corto de Philip K. Dick We Can Remember It for You Wholesale (1966), y luego


DEL FUTURO de que el proyecto dio múltiples vueltas, eligió a Dan O’Bannon, el guionista de Alien, El Octavo Pasajero (1979). La película tuvo sus sedes de grabación en distintas partes, incluyendo la Ciudad de México (en los estudios Churubusco Azteca y en el Metro) y como resultado recaudó en total 261 millones de dólares, cinco veces su presupuesto. Las críticas destacaron los efectos especiales y el guión, aunque se dijo que la película era excesivamente violenta. ;BH;C7A;

Dirigida por Len Wiseman, escrita por Mark Bomback, James Vanderbilt y Kurt Wimmer, y protagonizada por Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel y Bryan Cranston, este remake se anunció por primera vez en el 2009. La trama gira en torno a la lucha por el poder político en un futuro cercano y distópico en el año 2084, luego de que la Tierra ha sido devastada por la guerra y se dividió en dos superpotencias en lucha por la supremacía: la Federación Unida de Bretaña y Nueva Asia. Como en la película anterior, un trabajador de una fábrica que sufre de pesadillas violentas (Colin Farrell), luego de implantarse “experiencias” en la Rekall Corporation, comienza a sospechar que es un espía cuya memoria se ha borrado y reemplazado. A pesar de darse cuenta de qué lado de la lucha está, el resultado de todo reside en la importancia de sus memorias perdidas. Es así que forma un equipo con una defensora por la libertad (Jessica Biel) para tratar de cambiar el sistema político de su propio país, que actualmente está controlado por el despiadado Presidente Cohaagen (Bryan Cranston). µH;<H?JE5

Con un presupuesto reportado de 200 millones de dólares, la fotografía principal comenzó en Toronto el 16

de mayo de 2011. Las escenas fueron filmadas en los estudios Pinewood, así como en la Universidad de Toronto y el Metro Toronto Convention Centre. En el diseño de producción, Patrick Tatopoulos (Underworld, Yo Robot) se esforzó por mantener la ambientación del filme pasado, si bien en esta ocasión es distinta y se adapta a las tecnologías actuales. En cuanto a los efectos especiales, es notorio el avance de la plataforma virtual en la que se trabajó. Además, Tatopoulos se apoyó en la física y en la ingeniería de más alto nivel para la construcción de la maquinaria usada. Sea como sea, es un hecho que los remakes implican una creatividad enorme y una producción bien sustentada, de lo contrario, lo que se genera es un filme poco creativo, copias baratas que, si bien pretenden crear un nuevo discurso o perspectiva de la historia, lo único que hacen es reafirmar la “genialidad” de la trama original, subiendo al pedestal a aquellos que –no en todos los casos– simplemente tuvieron un golpe de suerte. Lo que importará será la opinión y la crítica de la gente, que es a fin de cuentas lo que hace de un filme algo excepcional. I;C;@7DP7IO:?<;H;D9?7I9ED;BEH?=?D

A diferencia de la cinta de 1990, la trama de esta nueva versión carece de un viaje a Marte y el viaje es a Nueva Shanghái. Tanto en una y otra versión del filme se profundiza en un diseño futurista y en conceptos existenciales. Las bromas y el humor en la primer película sin duda fueron mejor logradas que en la última. Por el contrario, esta nueva versión contiene fuertes matices políticos. Además, se mezcla la influencia occidental y oriental debido al hecho de que los dos estados nacionales del filme están luchando por el poder político. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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LA ERA

DEL ROCK La industria musical y de entretenimiento exhibe los cambios en la sociedad y en las tendencias. Aprovechemos el estreno de La Era del Rock, adaptación del reconocido musical de Broadway de Chris D’Arienzo, y comparemos la actual con la de los 80. Narra una época divertida y algo frívola, aunque verdadera y no virtual, que se apoya en un Tom Cruise macho y que sorprende cuando interpreta temas como “Pour Some Sugar On Me”, pero que gira en torno a cómo permanecen hasta hoy los sueños jóvenes. POR PABLO SUINAGA

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8DADG:H;AJDG:H8:CI:H!9:A>C:69DGNAÛE>OA6" 7>6A 9: JC6 época pre-bling bling (la del hip-hop de los 90), groupies, casas en Hollywood Hills con elefantes en sus jardines, sexo, drogas y rock & roll… Hoy serían de un pasado brillante y útil para enseñanzas medio religiosas. Por ejemplo, podría servir para una bio de Bret Michaels de Poison o alguien que lo tuvo todo pero le faltó humildad, sufrió broncas, adicciones, vive olvidado o en bancarrota y hace el ridículo en algún reality de VH1. Encontramos mucho de esto en La Era del Rock, pero ésta es una versión con colores ochenteros y que destaca la búsqueda de sensaciones duraderas como el amor y la idea de trascender. Lo logra conducido por la música de los años 80, que nos deschongaba y hoy parece hacernos dudar: ¿Cuándo comenzamos a sentir culpa por divertirnos? ¿Esto ha mejorado en algo la situación? Mejor, como la canción homónima del filme, interpretada por Def Leppard, citaré su letra: “Yeah, it’s better to burn out. Yeah, than fade away. All right.” Hoy podemos preguntarnos qué ha sucedido en nuestra vida, qué hemos escuchado y qué sensaciones despierta


una canción en particular. Así el estreno es un playlist que nos sumerge en la época de las greñas y otros estereotipos del glam rock, con una música divertida y voces con falsetto o solos de guitarras exagerados y casi imposibles. M;8K?BJJ>?I9?JO

música, pero en una sucesión de eventos desafortunados tienen serios malentendidos. Se separan y rápidamente se contrastan las decisiones de Drew, que con The Wolfgang Von Colt, su grupo, le abre el concierto a Jaxx, con los momentos que exhiben el rostro gris detrás del brillo de Hollywood.

Con la dirección de Adam Shankman (Hairspray), resumo con una palabra la adaptación del exitoso musical de Broadway: grande. Estelarizada por Julianne Hough (Burlesque) y nuestro compatriota, el cantante Diego Boneta en su debut en el cine, narra la historia de Sherrie (Hough) compartiendo sus sueños de fama con Drew (Boneta). Ella es una chica ingenua proveniente de un pueblo que arriba a Los Ángeles, donde le roban su maleta. Entonces conoce a Drew, quien busca ayudarla y logra que trabaje como mesera en el bar donde él ayuda en la barra, The Bourbon Room (inspirado en el legendario bar Whisky a Go Go). Comparten su gusto por la música y poco a poco se enamoran en el paradisiaco Sunset Strip de L.A. en un relato guiado por las letras de éxitos de bandas como Foreigner, Journey, Poison, REO Speedwagon, Twisted Sister y, por supuesto, Def Leppard.

El elenco es sobresaliente y también incluye a Russell Brand (el rockero Aldous Snow en películas como Get Him to the Greek), Paul Giamatti, Malin Akerman y la cantante de R&B Mary J. Blige en un mash-up de melodrama con momentos divertidos, tensión sexual o recuerdos de cintas como Almost Famous (Crowe, 2000) por el papel de medios como la revista Rolling Stone, ahora en los 80. Su guión fue realizado por Justin Theroux, Allan Loeb y Chris D’Arienzo, basado en el musical que ha recibido nominaciones a los premios Tony y es obra del mismo D’Arienzo. El diseño de producción fue obra de Jon Hutman, quien nos transporta a la afamada calle en el año de 1987, que era el centro de actos como Van Halen, Mötley

Por su parte, Tom Cruise (“Tom Cruise sin camisa” dijo mi hermana) es el “dios del rock” Stacee Jaxx, quien está cansado del negocio musical y siente poca pasión por la fama.

Crüe, Quiet Riot y Guns N’ Roses. El área luego “decayó” y olvidó la música para volverse una de las zonas residenciales más exclusivas de la Costa Oeste estadounidense.

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Como si fuera una película de acción, cada cinco minutos hay grandes éxitos de los 80, como “Juke Box Hero” de Foreigner, “I Love Rock ‘n’ Roll” (que conocemos sobre todo por Joan Jett) o baladas como “More Than Words” de Extreme o “Every Rose Has Its Thorn” de Poison. Nada raro, Jaxx es el sueño de cualquiera. Las mujeres desean acostarse con él y obviamente es el ídolo de los chicos. Así, antes de lanzarse como solista, Jaxx realizará un último show con su banda (Arsenal) en The Bourbon Room, haciendo caso a la insistencia del dueño del bar, Dennis Dupree (Alec Baldwin), quien desea salvar al establecimiento con problemas fiscales. Sin embargo, todos deberán lidiar con la particular venganza de Patricia Whitman (Catherine Zeta-Jones), la conservadora esposa del Mayor de L.A. Mike Whitman (Bryan Cranston), y otra realidad: Jaxx y su manager no son nada fáciles. Por su parte, los jóvenes primero comparten su amor por la

En la película escuchamos “Just Like Paradise’’ de David Lee Roth o “Don’t Stop Believin’” de Journey, con un Tom Cruise que maravilló a todos por su facilidad para cantar (la llamaron “predisposición genética”), cuando antes no había tomado una clase de canto en su vida. Shankman ha comentado la intensidad y obsesión de Cruise por aprenderlo todo de sus películas y personajes, y para el filme tomó clases con el entrenador vocal de Axl Rose. También sorprende que la película no tuvo un presupuesto mayor al de Hairspray, aunque el estreno es mucho más grande y se produjo un lustro después. La obra teatral dura 2 horas con 40 minutos. Por esto la película tuvo que ser un “Greatest Hits” del montaje y narrarse bajo la perspectiva del protagonista, en vez de la de Lonny Barnett (Russell Brand en la cinta). De igual manera, se concentra más en la censura de la época que en la venta del club.

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Vecinos Cercanos

del 3er Tipo

En tiempos apocalípticos como lo es este 2012, todo mundo hace alarde de retratar lo que supuestamente sería el fin del mundo o el inicio de una nueva era. Unos lo pintan como una hecatombe y otros más echan a volar la imaginación y lo plantean con una invasión alienígena. La verdad es que este tema ya se ha vuelto todo un cliché y sea cierto o no, pues mejor tomarlo con buen humor como lo hace Vecinos Cercanos del 3er Tipo, un filme cómico con tintes de ciencia ficción.

POR JOSUÉ GUERRERO

ADH6B6CI:H9:A6H8DB:9>6H hechas en Hollywood tendrán la garantía de que este filme cuenta con los elementos necesarios para convertirse en una de las mejores cintas cómicas de lo que resta del año. Y es que además de una buena historia, la cual entremezcla en su trama tintes de ciencia ficción, tiene como protagonista a uno de los referentes del género: Ben Stiller. La trama de Vecinos Cercanos del 3er Tipo nos llevará a un clásico suburbio de una ciudad norteamericana. Todo es tranquilidad en este vecindario, nada de emoción, todo transcurre en regla diariamente. Es por eso que la monotonía empieza a invadir a un grupo de amigos. Son los típicos norteamericanos casados, que dedican su vida ciento por ciento al trabajo, a la familia y a sacar a pasear al perro por las noches. Al no existir ninguna emoción que los haga salir de la rutina, estos cuatro vecinos se comienzan a reunir por las noches para formar una patrulla de vigilancia. El objetivo no es otro que traerle algo de emoción a sus vidas cotidianas. Lo que ninguno de ellos esperaba es que, durante una de sus escapadas, ¡descubren el plan de una raza extraterrestre que pretende dominar el mundo! 28

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Esta cinta estará protagonizada por Ben Stiller, Vince Vaughn (Sr. y Sra. Smith, 2005), Jonah Hill (nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto este año por Moneyball) y al inglés Richard Ayoade (se ha desempeñado más como director de videoclips de grupos como Arctic Monkeys, Kasabian y los Yeah Yeah Yeahs). Uno de los elementos que llama la atención de este filme, y que le da hasta cierto punto motivos para pensar que se puede consagrar como una gran comedia, es que, en primer lugar, es dirigido por Akiva Schaffer, quien ha escrito para el tan exitoso show estadounidense Satuday Night Live. Y en segundo lugar, el guión corrió a cargo de Seth Rogen y Evan Goldberg. Rogen es un actor que está sobresaliendo en filmes cómicos como comediante, escritor y productor; se ha destacado como histrión en películas como 50/50, Ligeramente Embarazada y Virgen a los 40. Goldberg es un guionista quien se ha dedicado a escribir historias y producir películas dentro del género, con cintas como El Avispón Verde (con Seth Rogen como actor), Supercool, Ligeramente Embarazada o Funny People.


EL LEGADO BOURNE

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µ<7D9BK89?DxFEB?I <7D9BK K8 9?DxFEB?INKD?L;HI7B N KD D?L;HI7 7B I:G:<6A6C6GIÞ8JADHEGDBD8>DC6A:H9: ;BB;=7:E8EKHD;

IG>K>6 &# ¿En qué países se filmó El Legado Bourne? '# ¿En qué película de la saga Bourne aparece Joan Allen por primera ocasión? '# ¿En qué otra cinta estrenada este mes hay un cameo de Edward Norton? (# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

EL LÓRAX / CONTRABANDO µ<7D9BK89?DxFEB?I <7D9 9BK8 9?DxFEB?INKD?L;HI7B N KD?L;H HI7B I:G:<6A6C9K9H9: ;BBãH7NO:;9EDJH787D:E

IG>K>6 &# ¿Quién dobla a El Lórax en las versiones en español, ruso, italiano y alemán de la película? '# ¿Cuál parece ser la pintura robada en Contrabando? (# ¿Cuál será la próxima película de Chris Renaud, director de El Lórax? )# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®. H‹adZck†VaVhgZhejZhiVhXdggZXiVhYZaVig^k^VZaZ\^YVXdcidYdhijhYVidhZc jcXdggZdV\WdYbkXY_d[feb_i6Y_d[feb_i$Yec H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® El Legado Bourne” o “FANCLUB Cinépolis® El Lórax” o “FANCLUB Cinépolis® Contrabando” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de agosto de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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BIZARRAS, CURIOSAS ?7 Las coincidencias le dan sabor a la vida. Las vemos en todos lados, incluso en el estreno El Legado Bourne. Tiene una curiosidad hasta en el nombre (Âżo no es casualidad?): James Bond, Jack Bauer de la serie 24 y ĂŠl tienen las mismas iniciales. Identidad Desconocida (2002), La SupremacĂ­a Bourne (2004) y Bourne: El UltimĂĄtum (2007), le dieron realismo a las pelĂ­culas de espĂ­as. AyudĂĄndose de la tĂŠcnica hanheld camera, de una investigaciĂłn verdadera y de conductas creĂ­bles, actualizaron un estilo que antes parecĂ­a del gĂŠnero capa y espada, en vez del de intrigas mundialesâ&#x20AC;Ś Podemos apostar que Daniel Craig le debe mucho a Bourne para la actualizaciĂłn de Bond. En su momento Gael GarcĂ­a Bernal rechazĂł el papel del villano Paz de la tercera parte. MĂĄs de uno hubiera querido verlo en un ĂŠxito de gran alcance, y no esperar hasta el 2014 con Zorro Reborn (si se concreta). Finalmente el papel fue para el venezolano Ă&#x2030;dgar RamĂ­rez, a quien vimos el aĂąo pasado en la galardonada miniserie francesa sobre el terrorista Carlos, El Chacal.

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La SupremacĂ­a Bourne El Legado Bourne tiene poco que ver con la novela de Eric Van Lustbader del mismo nombre y que seguĂ­a al espĂ­a creado por Robert Ludlum. Sin embargo, sĂłlo el primero de los tres ďŹ lmes interpretados por Matt Damon se apegĂł a la novela de Ludlum, mientras que los dos siguientes tuvieron pocas similitudes con los libros. Ahora, Jeremy Renner interpreta no a Bourne, quien ni siquiera aparece en el estreno, sino a un semiclĂłn: Aaron Cross. Sobre James Bond, cuando Ian Fleming creĂł al espĂ­a superestrella, lo nombrĂł como el ornitĂłlogo estadounidense y experto en aves del Caribe que fuera determinante para ĂŠl. Algunos creen que le sonaba varonil y directo, otros que lo usĂł porque era simple. No sĂŠ, sĂ­ que funciona porque el 007 transita aventuras y escenarios exĂłticos, pero se mantiene neutro, algo prĂĄctico para un espĂ­a frĂ­o y duro. Aunque no sabemos por quĂŠ repite su nombre (â&#x20AC;&#x153;Bond, James Bondâ&#x20AC;?), ni el porquĂŠ de los nombres albureros y absurdos de los personajes femeninos, sĂ­ sabemos la razĂłn por la cual pide su martini batido y no revuelto (â&#x20AC;&#x153;shaken, not stirredâ&#x20AC;?). No es sĂłlo para impulsar bebedores de martinis, sino porque Bond es un iconoclasta. ÂĄNi siquiera pide la bebida original! Bebe (o carga, es raro verlo tomar) un vodka martini. De hecho, Ian Fleming dio la receta del martini seco que preferĂ­a en su novela Casino Royale de

1953. IncluĂ­a vodka, ginebra Gordon, vermouth Kina Lillet y debĂ­a batirse bien para que estuviera casi congelado. Como plus se le agregarĂ­a una cĂĄscara de lima. El trago revuelto no conserva el frĂ­o como el batido y asĂ­ mejora su sabor, porque disuelve al vermouth y un poco de aire para un sabor menos aceitoso. Nada raro, para el vodka martini la clave es una temperatura frĂ­aâ&#x20AC;Ś Tanto mito para una explicaciĂłn tan sencilla. El nĂşmero 007 de Bond homenajea a John Dee, asesor de la Reina Isabel I. El igualmente ďŹ lĂłsofo le enviaba a la monarca cartas ďŹ rmadas con 00 y un 7 alargado para remarcar que eran â&#x20AC;&#x153;sĂłlo para sus ojosâ&#x20AC;?â&#x20AC;Ś Fleming sumĂł esto a la decodiďŹ caciĂłn del Telegrama Zimmermann de los alemanes â&#x20AC;&#x201C;codiďŹ cado 0075â&#x20AC;&#x201C;, que acelerĂł la entrada de los Estados Unidos a la Primera Guerra Mundial (en ĂŠste el ministro de Asuntos Exteriores del Imperio AlemĂĄn instruĂ­a a su embajador en MĂŠxico para que le propusiera al gobierno una alianza contra EE.UU.).


Y CASI INCREÍBLES... JCBwID9D E:A><GDHD Dentro de las experiencias enigmáticas y cautivantes, la sincronicidad parece mágica, una epifanía que aligera el día; mientras las negativas impulsan VTPs para hacerse limpias espirituales… Pero no abordaremos a los Vedas y sus estudios, sino minucias de otro de sus impulsores, Carl Jung. Sin duda ha tenido una influencia tremenda en la cultura e inclusive en bandas como The Police (Synchronicity fue su último álbum). Hace poco fue un personaje de Un Método Peligroso de David Cronenberg, que abordaba el descubrimiento sexual e intelectual basándose en la turbulenta relación que tuvieran el entonces joven Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley). Alejado de los polvorientos dramas de época, el reciente estreno muestra una neurosis y contradicción descriptiva de la actualidad: su mundo relatado parece despreciable pero, para bien o para mal, es el único que conocemos.

Basado en la obra de teatro The Talking Cure de Christopher Hampton, el filme muestra un Jung complejo y lleno de contradicciones con su mujer y con su amante. Así se parece a la película de 1996 de Cronenberg, Crash, Extraños Placeres, y pregunta si la mejor terapia contra el sufrimiento es el dolor. Pero cambia el físico, de los choques y su desgarramiento de la carne para una liberación sexual (y cyberpunk), por las “palabras que curan”, término que afortunadamente no es exclusivo de dramas motivacionales deportivos. En la película se recrean pedazos de las vidas de estos visionarios de la mente y se describe cómo a principios del XX, Jung comienza a estudiar el universo del subconsciente. Cronenberg aprovecha la historia para sorprender a quienes creen esta obra apartada de su filmografía temprana y mediana. Más bien le da la vuelta a sus obsesiones por la carne, que ha olvidado en el siglo XXI (ej. A History of Violence). Sin embargo, sigue en las

mismas, queda claro por su pasión, perdición y tortura espiritual que vimos incluso en M Butterfly (1993). Pero elige transformar la violencia física y el bioterror de The Brood (1979), La Mosca (1986), Dead Ringers (1988) y Naked Lunch (1991) por una intelectual. No hay que engañarnos tan fácilmente sobre el realizador canadiense, menos porque otro de sus personajes es Freud, que analizó partes anatómicas y represiones recurrentes en el trabajo de Cronenberg. Cuando vemos que los psiquiatras arriban a América en 1909, Freud le menciona a su colega: “Me pregunto si saben que venimos, trayéndoles la plaga”. Se refiere a la compulsión de estudiar la conducta humana mediante significados y mensajes en sueños, memorias e historias. Es un acierto para la cinta, porque lo mismo ha sido el eje del séptimo arte. ¿Una coincidencia? Dudoso, ya que el cine y el psicoanálisis comenzaron su conquista de la conciencia moderna al mismo tiempo.

Un Método Peligroso

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:CA6+*:9>8>âC9:A;:HI>K6A>CI:GC68>DC6A9:8>C:9:86CC:Hcd]jWdZmVWgjeidhYZcdc\gVidhXdbdAVghKdcIg^Zg!iVbedXd YZadhZhijY^VciZhfjZXaVjhjgVgdcZaZkZcidZc&.+-!cVY^Zhj[g^‹eZa†XjaVhÆ^ggZkZgh^WaZhÇncd]jWdadhXdcÓ^Xidh[gVcXd"Vg\Za^cdhYZadh VŠdh*%#H‹adHZVcEZcc!@na^ZB^cd\jZ!8VgadhGZn\VYVhnaVhaajk^VhXVjhVgdcjcVXdcbdX^‹cbZY^VcV#EZgdYZhiVX‹aVXVa^YVYYZaÒabZ \VcVYdg!6bdjgYZB^X]VZa=VcZ`Z!egdbZhVhYZgZVa^oVYdgZhXdbd?Z[[C^X]dahBjYnZag‚XdgYYZVh^hiZcX^VYZXdbegVYdgZhnkZcYZ" YdgZhYZÒabZh!hjÒX^ZciZheVgVbdhigVgZa^beVXidYZaXZgiVbZc#DigV]^hidg^VZhhj\aVbdjg!^bejahVYdedgZkZcidhZmXajh^kdhXdbdZa YZaVbVgXVYZ_dnVh9Z<g^hd\dcd# 1.- Janet Jackson. 2.- Nicky Hilton y Paris Hilton. 3-. Heidi Klum. 4.- Adrien Brody. 5.- Milla Jovovich. 6.- Isabeli Fontana. 7.- Chris Tucker. Fotos: Michael Buckner/Getty Images para DeGrisogono.

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BRUMAS DE CALIFORNIA 22

Sophie Treadwell POR CAROL MILLER

Yo era apenas una adolescente cuando mi mamá conoció a la célebre dramaturga, novelista y periodista, Sophie Treadwell, una de las grandes figuras en las letras norteamericanas durante la primera mitad del siglo XX; nos visitaba tantas veces que la veía como otra de mis tías, y me platicaba de Málaga, un lugar que sonaba como música con un fondo de crótalos, muy lejos de nuestra casa en Los Ángeles.

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9: =:8=D! >C8AJHD :CIDC8:H! HDE=>: :G6 JC6 A:N:C96. Como la única periodista extranjera a la que se le permitió la entrada en su periferia, se había entrevistado con Pancho Villa en su cuartel general en Chihuahua en agosto de 1921. Fue para un reportaje exclusivo publicado en el New-York Tribune, periódico importante en donde también colaboraba su esposo como reportero de deportes. Se especializaba en el boxeo y no tenía mucho interés en los revolucionarios. 9787H;JIE9?7B

Málaga era solamente uno entre un centenar de sitios donde Sophie Treadwell había dejado una huella incontrovertible. Nacida en Stockton, un pueblo agrícola en la California central, el 3 de octubre de 1885, inició su carrera periodística mientras se titulaba en la Universidad de California en Berkeley, pero logró su fama como la primera corresponsal femenina acreditada para cubrir la Primera Guerra Mundial, de manera que había vivido en casi todos los países de Europa occidental, y volvió durante los años treinta para escribir sobre las brigadas internacionales en la Guerra Civil de España, cuya causa republicana abrazaba con fervor. A su vez, Sophie, ávida partidaria de los derechos de la mujer, era muy amiga de la vedette Josephine Baker (Freda Josephine McDonald, nacida el 3 de junio de 1906 en el barrio más miserable de los afroamericanos en el este de St. Louis), una de las más famosas cantantes y bailarinas de los cabarets de París, en los cuales se presentaba en el escenario, escasamente disimulada su desnudez, con un faldón de racimos de plátanos sujetas desde sus caderas por un cordón, apenas tapando su sexo. Pero más que lasciva era sensacional, y el público, y los celebrités –muchos de ellos sus amantes– la adoraban. Al paso de sus años en los escenarios Josephine Baker fue adoptando niños necesitados hasta que había reunido una “familia” de diez criaturas, de todos colores y nacionalidades. Sophie les ayudaba no sólo económicamente, sino con trámites oficiales y con reportajes para respaldar su labor. L;H:7:;I9BÜI?97I

Los textos más conocidos de Sophie incluían la obra teatral Machinal (francés para “mecánico”, “automático” o “involuntario”) e Intimaciones para Saxofón, aunque en 1922, a razón de su estancia en México, escribió la obra Gringo, que estrenó en Broadway y provocó sensación, ya que reparte en tres actos algunas curiosas realidades de la vida entre mexicanos y norteamericanos, a partir del capataz gringo de una mina; peor que sus antecesores conquistadores durante el virreinato, tiene subyugados a los mineros mexicanos, y a pesar de aislados incidentes de compasión o misericordia, los trata como si fueran bestias de carga. Sin embargo, sostiene una relación con una mujer “nativa”, con la cual procrea una hija. Sophie, en un afán humanitario y con toda la indignación de una 36

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mujer ofendida en lo más íntimo de sus sensibilidades, trata situaciones en realidad muy comunes, no sólo en la América Latina sino, como lo dice un amigo mío, “entre el 95% de la población masculina del planeta”, donde un hombre con poder puede sobajar, humillar y maltratar a la gente jerárquicamente bajo su mando y sentir que es su obligación y derecho hacerlo. Diríamos que Sophie descubrió el hilo negro, pero en su tiempo, y dada la naturaleza insular de los norteamericanos, ignorando además las inferencias de un paralelo con las circunstancias de los esclavos en el sur de Estados Unidos antes de su propia guerra civil, resultó polémica y escandalosa la obra, y definió la carrera posterior de su autora. I>;H?<<I?D87B7I

En 1910 Sophie se había casado con William O. McGeehan, oriundo de San Francisco y egresado de la Universidad de Stanford, veterano a su vez de la guerra españolaamericana de Cuba de 1898, donde William luchó al lado del después presidente Theodore Roosevelt. De vuelta a su pueblo natal, McGeehan se incorporó como reportero de deportes, entre otros periódicos, al San Francisco Chronicle, donde adquirió el apodo “Alguacil”. Resulta que trece convictos se habían escapado de la prisión Folsom, cerca de Sacramento, capital del estado. A uno le dieron muerte en la fuga en tanto que los otros doce, entre ellos un muy astuto guía indígena, Farro, lograron ocultarse con tal eficacia que sus perseguidores, con todo y sabuesos, pasaron a un lado sin detectar su presencia. Estaban buscando refugio en el estado cercano de Nevada. Se formaron muchas bandas para perseguirlos, pero el paisaje se volvió tan accidentado y agreste que McGeehan fue comisionado con la devolución de los perros. En ese momento quedaron atrapados tres de los convictos. El resto logró evadir a sus perseguidores, y a McGeehan, para fastidiarlo, le acomodaron su apodo. “Evidentemente”, nos contó Sophie, “fue mejor periodista que policía”. ;NFH;I?ED?ICE:H7CÜJ?9E

William y Sophie se habían conocido mientras ambos reportaban para los diarios de San Francisco, pero McGeehan, aburrido, deseando una mejor posición, y har-


to de su irónico apodo, decidió que deberían mudarse hacia la costa del este. Se establecieron en Nueva York, y McGeehan apoyó las ambiciones teatrales de Sophie bajo la tutela de Helena Modieska, una actriz polaca. La carrera de Sophie abarcó más de 60 años. Sus archivos se conservan en la biblioteca de la Universidad de Arizona en Tucson, entre las Colecciones Especiales, y otras obras están guardadas en la Colección del Teatro de Billy Rose en la Biblioteca Pública de Nueva York. Los derechos, curiosamente, los retiene la iglesia católica, la diócesis de Tucson, que abarca también la antología La Mujer Más Valiente de Broadway, referencia a Gringo. La colección quedó reunida en 2006 por la casa editorial de la Universidad de Southern Illinois en Carbondale. En realidad, según nos contaba Sophie, su experiencia en el teatro se inició en el vodevil. Autora en total de cuarenta obras de teatro, fue una de las primeras dramaturgas que asimismo se dedicaba a dirigir y producir sus creaciones. Su obra mejor conocida fue Machinal, calificada como “prototipo del drama expresionista” y producida con un joven Clark Gable entre el elenco. Se basa en un juicio, es decir, un proceso jurídico, muy sonado en torno a un asesinato en Nueva York. Con mucho éxito la obra fue posteriormente producida en el Festival de Shakespeare de Nueva York, el Teatro Real Nacional de Londres y el Teatro Conservatorio Americano de San Francisco.

Josephine Baker

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Independientemente del tiempo que pasaba en Los Ángeles, y la relación tan estrecha con mi familia, o sus estancias en Málaga, que adoraba, Sophie dedicaba largos períodos a México, que le fascinaba y en donde se refugiaba para escribir. Estaba motivada por el tema de la mujer mexicana, que según Sophie se percibía a sí como una sirvienta, definitivamente supeditada al hombre, quien ejercía su dominio en función de una serie de juegos de poder, con tal de manipularla. La trama secundaria de Gringo tiene que ver con el minero mexicano que alienta a los trabajadores a rebelarse. Le siguen hasta lo más recóndito de las montañas, donde los convierte en revolucionarios, otorgándoles armas, caballos, y según él, “una vida libre”, dejando atrás los abusos y el tedio de la labor dentro de los tiros y túneles de la mina. Las mujeres participan en el campamento en la sierra, del mismo modo que en la Revolución, buscando leña y comida, cocinando para alimentar a los hombres, lavando su ropa, procurando su bienestar. Para Sophie las soldaderas caracterizaban a la Revolución misma, y personificaron la valentía y nobleza de la mujer mexicana: por una parte una compañera que compartía las labores del hombre, por otra un accesorio, nada más, obligada por costumbre o por indiferencia a un estoicismo con tal de apoyar al marido, hermano, padre o hijo. “Esta vida de alguna manera hace una regresión al

comienzo de la evolución del ser humano, a las bandas de mujeres que compartían el cuidado del hogar y de los hijos mientras los hombres se dedicaban a la cacería o la defensa de sus viviendas. La mujer mexicana tiene algo fundamental en su esencia. Su venganza por el mal trato es la abnegación, que finalmente es un castigo, tan negativo para ella como para el hombre”. Sophie, en sus últimos años, se dedicaba al rancho de su familia que había heredado en Stockton; no obstante, cuando se retiró, se integró a una comunidad de religiosos cerca de Tucson, Arizona. Allí pasó sus días finales en la misa y la comunión, que se volvieron su obsesión, “el último baluarte de dominio del hombre sobre la mujer”. D7JKH7B;P7IL?L7I

En cuanto a Josephine Baker, divorciada de su esposo Jo Bouillon, conoció al artista y coleccionista americano residente en Cuernavaca, Robert Brady, con quien realizó una unión matrimonial simbólica, sin la presencia de un cura, en una iglesia en Acapulco. Esa unión duró hasta el día de su muerte, y permitió no sólo su breve romance con Frida Kahlo, sino apariciones en El Patio, en la capital mexicana, donde con mi esposo y otro matrimonio pudimos apreciar su magnificencia, ya sin plátanos, llevando un vestuario espectacular. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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IG>K>6 &# Además de protagonizar Morelos, ¿cuál será la siguiente película &# Además de Dagoberto protagonizar Morelos, ¿cuál será la siguiente histórica con Gama? película histórica con Dagoberto Gama? '# ¿Cómo se llamó el segmento '# ¿Cómopor se Antonio llamó el segmento dirigido por Antonio dirigido Serrano (director Serrano (director Morelos) eny la película Cero y de Morelos) en la de película Cero Van 4 (2004)? (# ¿Quién interpreta al General Hermenegildo Galeana en el estreno y de qué actor hijo enyla vida real? Hermenegildo Galeana en elesestreno de qué actor es hijo en la vida real? )# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB )#Cinépolis Dinos tus®.comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Morelos” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de agosto de 2012, si aplica. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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FIC MONTERREY POR LUIS ALBERTO BAROJAS

Faro del Comercio, Monterrey

:A867G>IDNA6B68=686 son los platillos típicos de Nuevo León, claro. ¿Serán fabricaciones y/o imposiciones culturales? Es difícil saberlo, pero podemos compararlos con vanguardias gastronómicas o la cocina tradicional y su manejo de ingredientes, colores y mezclas, técnicas y experiencias, ya sea dentro de rubros de autor o en los “comerciales”. Como resultado los estereotipos terminan siendo simplezas. Ahora hagamos una analogía similar con la capital del Estado y cómo no sólo se define por los deportes, la manufactura industrial o la cultura “for sale” de la música banda y el rodeo. La ciudad de Monterrey también goza una vida social cosmopolita, y es sede de realidades complejas, con lastres como la violencia (aunque sigue siendo la urbe nacional con mayor calidad de vida, según la clasificación global de la firma consultora Mercer), pero, a la vez, con una creciente oferta cultural. Es parte de lo que nutre al Festival Internacional de Cine de Monterrey (FIC Monterrey) en un diálogo interno, en el ámbito local, pero que se expande al país y a todo el planeta. 9EDIJ?JK9?ãD

La edición 8 del FIC Monterrey se realizará del 16 al 26 de agosto y casi comprueba que el tiempo es otra fabricación. La sociedad se olvida de éste, y en un santia40

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mén hay una efervescencia social y la Sultana se vuelve el ropero, espejo y vórtice que comunica contenidos de todas latitudes… En otras palabras, todo sucede a la vez. El certamen de cine tiene la meta de, en pocos años, llegar a ser uno de los 10 mejores en Latinoamérica –hoy es de los más trascendentes en el país–, y va por buen camino, porque crea espacios de convivencia, forma públicos, es plataforma de exhibición y vinculación, y parámetro para medir el cine nacional (particularmente el del norte). En un breve recuento, sus semillas germinaron luego de que Voladero Espacio Cultural decidiera organizar el primer festival de cine de Monterrey en el 2000, para que en el 2005, con el apoyo de instituciones serias, se transformara en el FIC Monterrey. Hoy es una expresión que describe la transformación de la ciudad, con retos que no sólo reflejan el desarrollo económico, sino el de posibilidades intangibles que siguen su lema: “Cinco continentes, millones de imágenes”. (&'(

Organizado por el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León con el apoyo de Conaculta, y una gran cantidad de patrocinadores e instituciones, el año anterior Canadá fue su país invitado (previamente el País Vasco, Alemania –aprovechando la cercanía temporal con la


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1.- El cine es la memoria del s. XX, ¿qué recuerdos quieren destacar en el 2012? El cine español ya ha dejado infinidad de memorias en México, el cine que presentaremos en el FIC Monterrey refrescará ese depósito de recuerdos con imágenes que nos deja la España contemporánea y que se sumarán a las que han construido grandes cineastas. 2.- ¿Qué tendencias reconocen en la actualidad? Cada año, el FIC Monterrey hace una selección entre más de dos mil películas de corto y largometraje, y a través del visionado nos damos cuenta de líneas y tendencias en el cine mundial y mexicano. Por ejemplo, en 2006 y 2007 la migración fue un tema que se repetía en la cinematografía de muchos países. Ahora en el 2012, esa preocupación ha quedado muy poco representada. Los cineastas han decidido enfrentar la crisis general que vive el mundo con películas muy pesonales, depositando

la esperanza en los esfuerzos de los individuos para mejorarse y hacer lo propio con el mundo. 3.- ¿Qué estilos les interesan?, ¿cómo destacar la producción de Monterrey? El FIC Monterrey no da prioridad a temas o estilos, aunque sí tenemos una definición que marca nuestra selección para la competencia: buscamos películas internacionales realizadas por cineastas que se perfilen como voces autorales en el futuro cercano, respondiendo a las tendencias propias del cine mundial. La producción de Monterrey participa junto con la producción cinematográfica del resto del país en las secciones de cine mexicano de corto y largometraje. Sin embargo, se destaca la producción regia a través de eventos como la Gala de Cine de Nuevo León y a través de los premios especiales a

Semana de Cine Alemán, ahora efectuada del 9 al 21 de agosto en la Ciudad de México, www.goethe.de/cinefest-mex–, Australia, China y Argentina). Este año España será el convidado principal con una muestra representativa de 8 películas contemporáneas. Igualmente, Luis Estrada (La Ley de Herodes, El Infierno) recibirá el Homenaje Mexicano a la Trayectoria Artística. Cabe señalar que el FIC Monterrey es un importante patrocinador de la animación (el año pasado tuvo presencia de la gran National Film Board canadiense y se homenajeó a Carlos Carrera) y en colaboración con el IMCINE, por segunda ocasión realizará el Encuentro Internacional de Animación (EIA), reunión académica-profesional que se enfoca en un campo específico de la producción cinematográfica, y en esta edición seguirá el tema: “De la Mente a la Pantalla”.

los que pueden acceder las cintas de esta categoría. 4.- ¿Cuál creen que sea el papel de los festivales en el futuro? Se está definiendo el circuito de festivales casi como uno de exhibición secundaria, donde previo a su estreno en cartelera las películas hacen un recorrido importante y continuo. Sin embargo, sigue habiendo festivales punteros, que marcan el camino. En el caso del FIC Monterrey nuestro interés es ser uno de estos festivales para México y Latinoamérica. 5.- ¿Cuál creen que deba ser el rol del público? El público no debe ser solamente consumidor de cine. Un festival es un punto de encuentro donde tenemos que aprovechar la reunión de audiencias, cineastas y películas para generar diálogo y oportunidades de enlaces. :[b',Wb(,Z[W]eije$ mmm$cedj[hh[oÓbc\[ij_lWb$Yec

Luis Estrada

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Selección de películas en busca del galardón Cabrito de Plata, en competencia de largometraje y cortometraje de ficción o documental. Habrá premios internacionales, nacionales, una categoría exclusiva de filmes de Nuevo León, y los premios de la audiencia, además de efectuarse por primera ocasión la competencia oficial de largometrajes animados. Se exhibe la Muestra Estatal de Cine Estudiantil. FIC Monterrey permite discutir temas vinculados a la labor de promoción cultural cinematográfica por su cercanía a espacios como la Cineteca Nuevo León. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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SCRIBE BACK TO SCHOOL µ<7D9BK89?DxFEB?I I:G:<6A6A?JI:;I9H?8; I:G:<6A6A?J :G

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IG>K>6 1. ¿Cuáles son las licencias de superhéroes de cómics distribuidas por Scribe? 2. ¿Cuáles son los siete personajes de Gusanito? 3. ¿En qué año nació la Corporación Scribe? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Scribe” con las respuestas correctas de la trivia y el modelo, máximo hasta el 31 de agosto de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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Imágenes cortesía del Antiguo Colegio de San Ildefonso

LA LENGUA DE ERNESTO ERNESTO NETO EN SAN ILDEFONSO 'M&:CA6:CIG6966ABJH:D ÈK@<E<J HL< G<EJ8I 8 KI8MyJ ;< KL :L<IGF% Es el mediador; es nuestro regalo, ya sea gordo, flaco, moreno, rubio, negro, blanco, fuerte o débil. No importa, ¡mi mente es mi cuerpo! Realmente me gusta crear situaciones, poner a la gente en una especie de situación física inesperada… sacarla de lo cotidiano. Si pudiera hacerla respirar sin pensar durante cinco minutos, eso 44

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sería aún mejor. No es que esté en contra de pensar, pero creo que realmente necesitamos una especie de oasis del pensamiento, o quizás exista un nuevo 'pensar sin pensar'. Tenemos que producir respuestas de manera constante y para muchas cosas. Y hay veces en que necesitamos respirar”.


;HD;IJED;JE Figura de gran relevancia en el arte contemporáneo internacional, Ernesto Neto presenta más de 100 obras, entre esculturas, instalaciones, dibujos y fotografías. El artista dirigió personalmente el montaje museográfico que propone al espectador una relación mágica y sorprendentemente empírica con los materiales y el sentido mismo del arte. ;IJßCKBE La lengua de Ernesto. Obras 1987-2011, primera exposición retrospectiva del reconocido escultor brasileño Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), embarca al espectador en un viaje estimulante para todos los sentidos, un encuentro con la propia corporalidad, la fragilidad y la sensualidad innata en el ser humano. La muestra fue organizada originalmente por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. Para el Antiguo Colegio De San Ildefonso, Ernesto Neto y el curador de la exposición, Adriano Pedrosa, desarrollaron un guión específico para las salas del museo, en el que la obra se apropia de los espacios, los invade, se integra y, a la vez, provoca en el emblemático recinto barroco un diálogo único. Además Ernesto Neto realizó, nuevamente para San Ildefonso, la pieza “Polipos”, que desde 1997 no había exhibido. B;D=K7@;FEIJ=;ECxJH?9E Con una obra que oscila entre la escultura y la instalación, las estructuras elaboradas por Neto son finas membranas rellenas de materiales tan diversos como especias, perdigones de plomo y esferas de unicel. Su trabajo se aleja de la escultura convencional, invita al espectador a apropiarse de la pieza, a complementarla, a darle vida y a convertirse en protagonista al interactuar con ella. Su producción está profundamente enraizada en una tradición artística de Río de Janeiro surgida a mediados del siglo XX, el neoconcretismo, donde figuras como Lygia Clark, Lygia Pape y Hélio Oiticica contaminaron el lenguaje

geométrico abstracto de los maestros europeos como Piet Mondrian, con lo corporal y la vida cotidiana. 9ED<HEDJ79?ãD Para el curador Adriano Pedrosa, “investigar la obra de Ernesto equivale a confrontarse con una obra vasta, fragmentada y en ocasiones no registrada; y si se sigue un hilo en la investigación, se descubre un tejido rico y complejo”. La lengua de Ernesto. Obras 1987-2011, reúne un conjunto de más de 100 piezas, desde creaciones pertenecientes a su época más temprana, algunas que salieron de su taller por primera vez, así como obras realizadas en el 2011. La museografía dirigida por el propio Ernesto Neto inicia desde los patios de acceso del recinto con la escultura “Mitodengo”, una estructura de acero que asemeja una enorme criatura abstracta que alza del suelo, así como la instalación “Camelocama”, pieza con la que el público puede interactuar. La noción del cuerpo aparece constantemente en el trabajo del artista brasileño, en ocasiones como parte misma de la escultura. La piel, ese órgano que envuelve y protege el cuerpo, se materializa en muchas de las obras de Neto como lycra, medias y estambre. El estímulo del olfato también está presente en la mayoría de las piezas creadas por Ernesto, como “Divagar Pá Num Machucar a Luz Que Pinta”. Además de las instalaciones, la muestra incluye dibujos elaborados con distintas técnicas como tinta sobre papel, bolígrafo de plata, grafito sobre papel, cera e hilo sobre papel, yeso sobre papel y cuerda y grafito sobre papel. La obra de Ernesto Neto se puede oler, sentir, tocar, usar, atravesar y penetrar. Todos los sentidos del espectador se magnifican y afloran a través de las grandes instalaciones que se apropian del Antiguo Colegio De San Ildefonso, volviéndose una experiencia irrepetible.

La lengua de Ernesto. Obras 1987-2011, estará abierta al público hasta el 9 de septiembre de 2012.

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MICHAEL HANEKE:

TURISTA DE LO PERTURBADOR POR NAYMA GONZÁLEZ

6E:C6H=68:JCDHB:H:HÄ:A',9:B6ND!H>:C" :E8B;ED7:7 9D concretos–, ganó la Palma de Oro el más reciente Estos son los siete directores, con sus respectivas cintas, filme de Michael Haneke, Amour. El honor fue recibido que han ganado en dos ocasiones la Palma de Oro. con algo de estupefacción de parte del público en Cannes y con aún mayor asombro de la cinefilia mundial: Haneke se había convertido así en integrante de un selecto club que tan sólo ha admitido a siete miembros desde 1939: el de los directores que han ganado dos veces la Palma de Oro del festival, uno de los premios más importantes de la cinematografía mundial. De esa forma, Haneke se encumbraba junto a Alf Sjöberg, Francis Ford Coppola (quien, curiosamente, no recibió la Palma por ninguna de sus entregas de la saga de El Padrino), Bille August, Emir Kusturica, Shohei Imamura y Luc y Pierre Dardenne, como uno de los escasos directores capaces de alzarse dos veces con el galardón. Nombres tan importantes del cine han sido ignorados en múltiples ocasiones por la Palma y, para dimensionar de alguna forma el asunto, Woody Allen jamás ha sido merecedor de tal distinción. Haneke llegó a Cannes con su onceava película bajo el brazo y después de entregar, hace apenas tres años, un filme impresionante, potente: The White Ribbon (El Listón Blanco). Hay aquí, claro, una pregunta capital: ¿cuáles son las coordenadas geográficas del trabajo de Haneke? Aquí un intento –somero, como suelen serlo– de cartografiar algunos de sus trabajos.

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Alf Sjöberg

Iris and the Lieutenant (1946); Miss Julie (1951). Francis Ford Coppola The Conversation (1974); Apocalypse Now (1979). Bille August Pelle the Conqueror (1988); The Best Intentions (1992). Emir Kusturica When Father Was Away on Business (1985); Underground (1995). Shohei Imamura The Ballad of Narayama (1983); The Eel (1997). Los hermanos Dardenne Rosetta (1999); L’enfant (2005). Michael Haneke El Listón Blanco (2009); Amour (2012). I;B;99?ãDD7JKH7B

En su primer filme, El Séptimo Continente (1989), Haneke establecía las bases de lo que sería, de alguna forma, el desarrollo ulterior de su obra: había cierta violencia, cierto afán de narrar algo poco convencional. El título de este primer filme quizá podría servir para aventurar lo que sucedería: el desarrollo de una obra que se mantiene parcialmente aislada de la cinematografía mun-


BEI''<?BC;I:;>7D;A;

El Séptimo Continente Benny’s Video 71 Fragments of a Chronology of Change Funny Games Code Unknown La Pianista Time of the Wolf Caché Funny Games (EE.UU.) El Listón Blanco Amour

1989 1992 1994 1997 2000 2001 2003 2005 2008 2009 2012

Haneke en el set de “Amour”

El Listón Blanco

dial, justo como Australia (el séptimo continente del título); sus aportes, aunque lejanos, no podrían ser pasados por alto. En El Séptimo Continente Haneke cuenta la historia, basada en hechos reales, de una familia austriaca completa que comete suicidio. Ya desde entonces estaba materializado el interés de Haneke por lo inusual: tras documentar con paciencia la cotidianeidad de esta familia de tres miembros, procede a mostrar su voluntaria destrucción. Una crítica feroz a la rutina y el aburrimiento de la vida cotidiana. <KDDO=7C;I

Dos cintas después, Haneke visitaría a otra familia para que fuéramos testigos de su destrucción a manos de terceros en Funny Games (1997). La cinta, que también comienza desde la comodidad clasemediera, narra la historia del asesinato de una familia alemana que llega a vacacionar a su casa de lago en Austria. La ubicación de Haneke es ya distintiva: filma mayoritariamente en su país de origen –o al menos, cerca de él– y también le interesa contar anécdotas que se desarrollan en esos sitios: Austria, Alemania. Funny Games es un experimento interesantísimo que juega con la estructura formal del cine (tiempos, metaficción) y que sorprende en el primer visionado, tanto por su afán experimental como por la violencia que contiene. El remake estadounidense de esta cinta, protagonizado por tres destacables actores (Michael Pitt, Naomi Watts y Tim

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Roth), mantiene todos los elementos experimentales y argumentales del primer trabajo, y llegó a parecerle innecesario a buena parte de la crítica. =;E=H7<ß7CEH7B

Después de pasar por La Pianista, un durísimo filme acerca de una profesora de piano con múltiples parafilias y obsesiones sexuales –también ambientada en Viena– y sus relaciones con el resto del mundo –difíciles y conflictivas, como se habrá de imaginar, y por el remake de Funny Games— Haneke llega a la que debe ser, hasta la fecha (y al menos antes de que se presente Amour en pantallas) su obra maestra: El Listón Blanco. Aquí, Haneke disecciona magistralmente, a través de una anécdota de un ficticio pueblo alemán, la naturaleza de la maldad humana, el germen mismo del mal; sorprende su autocrítica, poniendo al pueblo alemán y austriaco (a la par de la humanidad) como figuras capaces de hacer el mal desde temprana edad. Bellamente filmada en un blanco y negro hipnotizador, El Listón Blanco es un filme que no puede dejar de verse. La geografía de los filmes de Haneke es clara: muestra un amplio interés en narrar las historias de su pueblo, de los sitios en los que creció y ha vivido; además, considera que la maldad está implícita en la naturaleza humana. El resultado es polémico, pero dice un par de verdades que, aunque incómodas, son innegables: a través de la disección de un pueblo y un país, Haneke nos ha demostrado que el mal se incuba, de forma casi indistinta, en el resto de todos nosotros. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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GIMME THE POWER POR SANTIAGO ESPEJEL

=6N FJ>:C:H :BEA:6C A6H E6A67G6H <D7>:GCD! sabía bien qué es el surrealismo, tampoco la profundiEDAÞI>8DHD:HI69D (¿?) para describir la nación. “Nos re- dad del celuloide, las teorías del montaje o del collage. flejan”, dicen. Creo que la tesis se comprende mejor si se nos compara con el futbol o el rock mexicano. En el último caso, han habido pocos exponentes con éxito y buena expresión y ejecución, que previo a que las redes dijeran lo contrario, recibieron más privilegios que nadie (que luego pagaron por contratos atiborrados de cláusulas con letras pequeñas). ¿Y los demás? ¿Importan? La circunstancia ha cambiado, hoy importan. Creo que existen motivos que lo facilitan como el vuelco de Internet en la vida diaria y la globalización (aunque usted no lo crea), que han dado al traste con dogmas como la supuesta “dictadura perfecta” del PRI durante 70 años en el año 2000. Día con día se fomentan “primaveras” o revueltas que aprovechan lo mejor del carácter anárquico de la expresión y le dan voz a quienes antes no la tenían. Se debe a factores como la comunicación constante y el trabajo a distancia, a la capacidad de síntesis (a veces en menos de 140 caracteres) y a una imprecisa mezcolanza de juicios “democráticos” sobre lo correcto e incorrecto. En contextos separados y previos, algo similar necesitó de décadas de lucha. Pero la victoria es parcial y a veces tiene poca memoria de sus osamentas, lo que desentierra Gimme The Power, sobre aquellos que fortalecieron una libertad en proceso, que se propaga a quienes viven irreflexivamente, a los núcleos “pensantes” (¿?) y que no catequizan, o a los que miden la objetividad y la exigen a la medida y gusto de su subjetividad. Sin embargo, la ambición del poder y la censura a veces parecen no haberse enterado de los logros históricos. µ:ãD:;@K=7HÜDBEID?yEI5

Durante la premier de Gimme The Power revisaba mi reloj. No comenzaba, iba solo y sobraban mujeres bellas. Finalmente inició la proyección y con la luz apagada desaparecieron las musas. Al final concluí que la disfruté. Sin embargo, al verla me molestaba mi incultura sobre política, sociología, lógica, historia y filosofía, más mi poco talento musical o carencia de experiencias de vida. Era un escozor mientras veía a Tito (miembro de Molotov) con lentes oscuros Ray-Ban y ropa Adidas narrando su formación. Pero aislada mi ignorancia no explicaba totalmente por qué no

Menos mi incapacidad para deducir en tres patadas el humor, el sarcasmo, cuál es la razón de ser de los clichés o por qué sería distinto el gozo sin lo inmaterial del rock. ¿Podría yo explicar la historia de México, masacres como la del 68, la inaceptable corrupción y la represión a las libertades y batallas entre progresistas y conservadores en pocos minutos y con Molotov como el eje conductor? Claro que no. Sin embargo, es el reto, la aventura y el riesgo del realizador Olallo Rubio en Gimme The Power, que examina la historia reciente en una equivalencia a la de la psique cultural. Es su rompecabezas de dos piezas, mismo que junta a placer para fortalecer su razonamiento sobre las injusticias, los complots, los magnicidios, rebeliones indígenas que demostraron que, en efecto, el emperador no llevaba ropas, o de la satanización a la juventud, con la premisa del hartazgo ante la corrupción y la supervivencia de la expresión. :7D9;7D::;DI;:;DIE

Raúl David, una de varias figuras entrevistadas (entre periodistas, escritores, rockeros, locutores), menciona: “Molotov nos dio voz a muchos”. Sin ser mi caso, considero que de menos Olallo y el grupo explican cómo el cinismo gobernante provocó a dejar de jugar con las formas. O sea, uno se expresaba con simpleza, fiereza y enojo frente a situaciones complejas, y no estaba mal. Se manifestaba un malestar o incluso alegría (como en Avándaro en 1971) y no se esculpía “la” verdad (aunque Olallo se mantiene en la delicada línea donde se confunde con la postura). Y hay un acierto creativo en el registro paralelo de la historia nacional con la del Molotov “fresa/contestatario”. No sólo vemos a figuras que a regañadientes aceptan la fortaleza musical de la banda, sino que también se valida la voz crítica de quienes directamente no viven la pobreza extrema, la violencia, horrores como el de Acteal en 1997, pero trabajan y merecen escucharse aunque no sean intelectuales. Es el caso de Olallo o Molotov mismos, que coinciden con núcleos reprimidos y también, como la mayoría, se han topado con mucha burla oficializada, que se creía mejor sólo por no emplear palabras altisonantes. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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Shine a Light

“Elizabeth”

Maya Deren

DAS EXPERIMENT

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VIENNALE

50 AÑOS

POR NATALIE SEGUIN

Si las discusiones políticas y reflexiones de filósofos, científicos o artistas les dan flojera, lo suyo probablemente no sean las tendencias experimentales de la Viennale… ¿O sí?

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rompe las convenciones audiovisuales del narrativo estructurado y tiene metas en lo estético, en la plástica y opta por nuevos ritmos (incluso pesados), el resultado probablemente no será una obra fácil de disfrutarse. Como dicen, en gustos se rompen géneros, pero también se debe a las pocas oportunidades para apreciar su oferta. Las sorpresas habitualmente deben ser inesperadas, pero comprensibles. Es lo contrario a imágenes y sonidos que parecen caprichos herméticos y que producen experiencias encontradas. Las más veces son marginales; sin embargo, exploran el futuro del medio y pronto podrían incluirse en la industria como elementos clave, que refrescan los estrenos habituales. FEB?J;ßICEL?IK7B

Hoy faltan más o menos dos meses para que se realice el certamen internacional más cercano a las nuevas narrativas, la Viennale 2012. Pero lo destacamos porque desde mayo se ha festejado que se realice su edición 50. Tradicionalmente su selección ha incluido obras del cine de autor habitual, pero también otras que no se distinguen de instalaciones audiovisuales, fotos, animaciones o documentales que preguntan qué es el cine mientras refutan que exista una sola definición. El tiempo y la memoria son algunos de sus parámetros recurrentes y su lógica es la de “el cine es lo que no se muestra en la pantalla”. Tiene estrellas como David Lynch y Apitchapong Weerasethakul (quien presidirá el jurado este año), con obras más accesibles, triunfadoras en festivales como el de Cannes y exhibidas en los complejos cinematográficos. Son dos ejemplos de autores contemporáneos que muestran la trascendencia de la experimentación, que finaliza o se hereda a videoclips y al cine tradicional. Un ejemplo de esto lo vemos con los doce segundos del corto Autumnal in The Tree Of Life, del neoyorquino Scott Nyerges, en El Árbol de la Vida de Terrence Malick, quien por su parte también se inspira en el cineasta “no narrativo” Stan Brakhage.


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“Allures” de Jordan Belson

Masao Adachi

“Pleasure Klein” de Kenneth Anger

Spellbound H;IFB7D:EH

La Viennale celebrará su edición 50 y realiza 50 proyectos y eventos de todo tipo gracias a la cooperación de los organizadores en Austria y otros países. Pero, ¿por qué importa tanto este certamen? Sobran críticos, filósofos y artistas… fantoches pues (es broma) que lo creen el mejor del mundo, además de que homenajea a los visionarios que vuelven al cine arte y no sólo entretenimiento. Así destacamos acontecimientos como la proyección/concierto 20 Little Films, que combina todos los trailers del certamen en un solo programa y a comienzos de este mes se exhibirá en la edición 65 del exquisito Festival del Film Locarno. Además en la plaza Rathausplatz, enfrente del Ayuntamiento de Viena, se mostrará Shine a Light de Martin Scorsese y una película con Elvis Presley. También se hará una selección de 50 de las películas más emblemáticas del certamen iniciado en 1960 (no se efectuó en dos periodos) y los servicios de correos austriacos le dedicarán un sello. Se editará una compilación de CD con una ecléctica mezcla de lo más destacado de los conciertos en el evento y un DVD de edición especial. Igualmente se publicará un compendio de artículos y un calendario de eventos con los detalles de su historia y las descripciones de los 50 proyectos que representan 50 años de la Viennale, certamen sede de una experimentación viva y que imagina.

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The Matrix Una retrospectiva tecnológica Durante la década de 1990, el cine comenzó un proceso de transición del soporte fílmico a la tecnología digital. Aunque la primera cinta con efectos especiales digitales fue Tron (1982), no fue sino hasta mediados de los 90 cuando la tecnología digital desembarcó en la industria cinematográfica. Basta recordar grandes producciones que hicieron uso extensivo de la tecnología digital, como Star Wars o The Matrix. POR ROBERTO MIRANDA

I=: B6IG>M B6G8â ID96 JC6 G:KDAJ8>âC :C punto de vista tecnológico, el hecho de que los protago:A cine de ciencia ficción. Sus directores, los hermanos nistas sean esencialmente hackers. Así que The Matrix deja Wachowski, inauguraron un estilo original de rodar las escenas de acción, demostrando su increíble habilidad para sustentar carreras, saltos y uno que otro trancazo, sobre sólidos pilares filosóficos, culturales e incluso religiosos. En verdad, todo un prodigio. La cinta ganó varios premios Oscar, batió el récord de ventas en DVD, e incluso arrastró tras de sí a millones de fans… Pero a todo esto, ¿qué es The Matrix?, ¿cuál es el argumento de esta cinta? Pues la saga plantea que en el futuro casi todos los seres humanos hemos sido esclavizados a una realidad artificialmente creada en nuestra mente, todo esto debido a una dura guerra que perdimos contra las máquinas y las inteligencias artificiales creadas. Esta realidad intramental es una simulación de cómo era el mundo 200 años atrás, en el orden cronológico real de la película. En cambio, el mundo real está sometido al dominio de las máquinas inteligentes que nos utilizan como pilas de combustible, mientras dócilmente nos mantienen soñando con que vivimos una vida normal. Pero en este mundo real también hay personas “despiertas” que viven desenchufadas de The Matrix y que ofrecen resistencia al poder de las máquinas. He aquí un punto clave que queremos destacar, en comparación con este clásico contemporáneo: ¿Hasta qué punto la tecnología ayuda o perjudica la vida de las personas? µ9?;D9?7<?99?ãD5

El género de ciencia ficción tiene apuntes sobre la posibilidad de estar viviendo en un universo generado por ordenador, que es lo que se asemeja a la realidad con la película; es el aspecto inicialmente más atractivo desde el 52

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un mensaje importante en aquellos años: la tecnología no es un cuerpo extraño, un sofisticado implante en nuestra cultura, sino un reflejo genuino de lo mejor y únicos que somos. Más aún, sólo se logrará acabar el proceso evolutivo cuando consigamos acoplarnos con pulcritud a todas nuestras herramientas de tecnología como son las redes sociales, los gadgets, las apps, entre otras. Vivimos en las entrañas de un drama tecnológico, un dilema que habitan los cyborgs entre nuestro yo humano y nuestro álter ego técnico. Sin embargo, los seres humanos somos seres “programables” de manera subconsciente. 7FKDJ;I:;KD<7D:;J>;C7JH?N

Los ritmos y la dinámica de la cinta no ofrecen un espacio vacío, sino que la trama avanza arrollándolo todo a su marcha, dejando bien en claro en pantalla el colosal presupuesto que disponía y las capacidades creativas para aprovecharlo bien. De cualquier forma, es The Matrix, y eso significa que no se trata de una simple película de ciencia ficción sostenida en sus efectos esenciales. Uno de los secretos de su éxito fue justamente utilizar los efectos no como fines en sí, sino como una herramienta para contar cualquier otra cosa. En este filme, esa otra cosa tiene forma de signo de interrogación. Un signo que sirve para definir un estado de la época actual, abrumada por cuestiones de poder, control o significado. Ésa es la clave de The Matrix: capta la sensibilidad de un momento de la humanidad. Esa interpelación a escala humana, como llave de acceso a la individualidad, con la que es difícil no identificarse, funciona muy bien en toda la saga.


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ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS µ<7D9BK89?DxFEB?IN(&J>9;DJKHO<EN I:G:<6A6CE6H:HE6G6A6EG:B>:G9: 78H7>7CB?D9EBD097P7:EH:;L7CF?HEI H‹adZck†VaVhgZhejZhiVhXdggZXiVhYZaVh^\j^ZciZig^k^VXdcidYdhijhYVidh ZcjcXdggZdV\WdYbkXY_d[feb_i6Y_d[feb_i$Yec

IG>K>6 &# ¿A qué presidente estadounidense interpretó el protagonista del estreno, Benjamin Walker, en un musical teatral? '# ¿En qué guión trabaja actualmente Seth Grahame-Smith, escritor de Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros y guionista de su adaptación para cine? (# ¿Quién interpreta a Lincoln en el próximo estreno de Steven Spielberg? )# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Abraham Lincoln” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de agosto de 2012, si aplica. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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¿DESECHABLES? La frase dice “no juzgues a un libro por su cubierta”. ¿Aplica igual con sus equivalentes en el séptimo arte, manipulados por editores de gráficos (ni siquiera con aerógrafos), como los afiches de los estrenos? POR GERDA RUZ 54

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ADH86GI:A:HDEâHI:GHHDC6CJC8>DHN no siempre describen las obsesiones o ideas de las películas. Sólo con los carteles sería difícil concluir la esencia de un guión o saber si los filmes son cine desechable o no. Si deseáramos definir aprisa algunas películas, quizá sería menos arduo con las secuencias iniciales. Aun así, los pósters que tienen un diseño menos que afortunado tienen vida propia, en verdad, aunque poco cinematográfica y que descubre cómo el marketing y la publicidad ayudan para que imaginemos cintas que no existen… y hasta nos previenen de lo que veremos en pantalla. La industria desarrolla técnicas sólo para fines prácticos, pero se escudan en denominaciones como arte. Pero con éstas a veces podríamos conocer la actitud de un filme antes de ingresar a la sala. Se descubre con “photoshopazos” poco creativos y composiciones desafortunadas. Sin embargo, no perdemos el tiempo cuestionando los afiches porque no son amateurs, tampoco importan tanto y ni por error nos preguntaríamos quién los diseñó. No obstante, podríamos aprender de éstos. Por ejemplo, tenemos el de Año Nuevo (Marshall, 2011); creería que los creativos mencionaron en su desarrollo: “Nueva York, mucho estoperol, brillo y todas las estrellas del filme. ¡Tenemos un éxito! Jajajá”. Y al centro osan poner a Héctor Elizondo con una mueca de lástima/ ternura… Como resultado el filme fue un éxito, a pesar de que su póster presagiaba qué era y que recibiría cuanta nominación posible hubiera para los premios Razzie (a lo peor de Hollywood).

No obstante, los carteles buscan no herir susceptibilidades ni que los publicistas ejerzan derechos a veto, porque en éstos se descubra que su artista es cacarizo o mide como Daniel Radcliffe (1.66 m). Naturalmente terminan como diseños aburridos que nutren una colección intrascendente con ejemplos clave como The Devil’s Own (1997), que tiene un efecto de luz imposible para recetarnos las caras del hoy septuagenario Harrison Ford y de Brad Pitt. Éste y otros ejemplos nos dicen: “estrellas que cobran mucho y eligen proyectos comerciales, buenos para dominguear sin culpas”. En otras palabras, son para un target amplio y logran “top of mind” y éxito en otros rubros de marketing. Y Harrison Ford es un actor recurrente en estos afiches, como Hugh Grant, George Clooney, Hugh Jackman, Robert De Niro, Denzel Washington, John Travolta o las caras chuecas de Nicolas Cage (caso aparte el muñeco de cera de Tom Hanks en The Green Mile), que prueban que las estrellas y las películas son como marcas comerciales. Entre los últimos estrenos, hay ejemplos de Hereafter con Matt Damon, El Discurso del Rey, Crepúsculo la Saga: Amanecer Parte 1, Un Método Peligroso o Spy Kids. Mención (des) honorífica de los “#EPICFAIL’s” de filmes con Kevin James, Martin Lawrence o el mismo Adam Sandler, o el teaser de X-Men: Primera Generación, mal copiado de Episodio I: La Amenaza Fantasma donde el Anakin Skywalker niño tiene una sombra de Darth Vader.

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Obvio hay una buena variedad de carteles destacados, como este mes el de El Legado Bourne, pero el problema de los desechables es que son fallidos antes que execrables. Tienen demasiada neutralidad e improvisan poco. Pero explican cómo los estudios cuidan los detalles y su onerosa estrategia de identidad. En éstos habitualmente los realizadores, actores y productores del proyecto se ubican en los bordes superiores e inferiores, y las imágenes y frases (la información) al centro. Evitan saturarlos de elementos y las fuentes utilizadas son legibles, con un tamaño proporcional según el impacto de cada componente. Los colores están en armonía con las imágenes, buscan equilibrarse con la gama cromática, los tonos más oscuros van en la parte inferior y los claros en la superior. En conjunto emite un mensaje poco complejo para que sea decodificado por cualquiera (y lo persuada a verla). Lo anterior es típico del cine que es sólo producto y no expresión. Un ejemplo de lo opuesto es el póster de El Silencio de los Inocentes (1991). Sin valerse de explicaciones, sintetiza su mensaje con un rostro que no tiene un aspecto claro (aunque es una referencia conocida: Jodie Foster). Sus matices ominosos se acentúan y presentan el suspenso con la silueta esquelética del rostro. La atmósfera se fortalece con una mariposa nocturna –una polilla– en la boca, que silencia, y su cabeza es un cráneo. Pero no se detengan, usen una lupa y verán que no es un cráneo sino una imagen inspirada en In Voluptas Mors de Dalí…

Sabemos también que hay carteles que se vuelven objetos de culto, que narran otras historias detrás mediante conceptos estéticos visionarios. Pero aun así necesitan a las películas para sobrevivir. Y en común con los diseños conservadores, hay los que seducen, pero son polémicos porque fallan al describir el estreno. Es un caso que aplica para referentes “universales” como el de Tom Jung para la primera Star Wars (1977, diseño que fuera retomado por los hermanos Hildebrandt). Aunque bello, no captura las ideas de la saga futurista y –por todos sabido– sexy sólo hasta cuando Jabba the Hut hizo de la Princesa Leia sinónimo de los bikinis dorados. Pero en el póster Luke Skywalker parecería emular a los “Thundercats” y muestra un abdomen marcado para creer al arte una portada de un juego de rol de Dungeons & Dragons. Sin duda C-3PO reacciona con el gesto que uno pondría frente a esta “publicidad engañosa”… Otro caso antológico en su burrada es el de Star Trek IV: The Voyage Home (1986), donde Spock y Kirk parecen tripular, pero un arcoíris rumbo a una ciudad “open mind” y de doble interpretación: San Francisco. Pero funciona para que anhele revivir la cinta; hoy seguro reiría a montones por su factura chabacana. Al final “destaco” el de Superman III (1983). En esta época tendría que ser una broma donde alguien lo hubiera modificado e intercambiado a Luisa Lane… ¡por Richard Pryor!

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Es casi imposible definirlo, pero optaría por Jan Svankmajer (Praga, 1934), artista gráfico, escultor, diseñador, poeta surrealista, y el mayor de los discípulos del legendario animador Jiri Trnka. En el cine, los precursores de la técnica son J. Stuart Blackton, con The Humpty Dumpty Circus (1897), Méliès y el ruso/francés Wladyslaw Starewicz (realizó el gran corto Fétiche, 1934), entre otros. Asimismo fue una técnica común en películas clásicas como The Lost World (1925) o en series televisivas como Gumby (o recientemente en Pingu). Pero antes de que Michel Gondry la hiciera habitual en anuncios de celulares o hubiera figuras/clones de The California Raisins, Svankmajer y otros genios alimentaron de arte a la animación cuadro por cuadro, como artífices de un inmenso mundo en miniatura donde reelaboraron los cuentos de hadas y desarrollaron nuevas infancias. Svankmajer ha sido maestro de animadores como los hermanos Quay (El Afinador de Pianos), Henry Selick (El Extraño Mundo de Jack) y ha influido a Pixar, Tim Burton, Terry Gilliam y Jean-Pierre Jeunet. Por películas como Alice (1988) o Los Conspiradores del Placer (1996) ha recibido sobrenombres como “chamán del inconsciente” o “genio del absurdo”, invariablemente por su dominio de marionetas con las cuales, según él, ha ajustado cuentas con el mundo 56

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adulto. Su teatro del absurdo prolonga el de marionetas que sus padres le obsequiaron en la Praga de los años 30, con el cual desarrolló su imaginación y comunicó lo que no podía con palabras. Destaca su gusto por un surrealismo que magnifica el erotismo y lo censurado tanto político como sexual. Además le gusta el humor negro y presenta objetos de uso cotidiano de otra manera, mientras estudia la libertad o juega entre la realidad y la fantasía.

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En lo más mínimo. En general, todo el stop motion parece una sola película con obsesiones parecidas pero desarrolladas con variaciones. Descontextualizaré a Svankmajer cuando citaba a Freud para enmarcar la técnica, a la dualidad entre la realidad y el placer. Es un buen parámetro para, por ejemplo, su bizarro corto Food, sobre la comunicación humana y la comida como imposiciones, además de parecer pesadillas kafkianas. Similar a otras técnicas, el trabajo psicológico del guión nos conecta mediante personajes con conflictos y que los resuelven a su manera, para que identifiquemos experiencias afines. Como los grados de separación entre la gente, las temáticas posibles son pocas, como en todo, pero se narran de miles de maneras, y la técnica stop motion responde a la necesidad de variedad visual. Además supera a las imágenes CGI (computer-


A LA BUTACA Tú preguntas y La Butaca te responde

generated imagery) que imitan las cualidades de las que se hacen a mano, porque se basa en aspectos de una experiencia física cercana, lo que incide en el subconsciente. Cierto, las imágenes CGI son cada vez más parecidas a la fotografía, pero siguen careciendo de elementos tangibles que podamos asociar con más fuerza. Por el contrario, en el stop motion los modelos y títeres hasta tienen imperfecciones, o las huellas digitales del técnico que le da vida, ¡su ADN! La vida se compone de incontables texturas y la simetría no tiene cabida afuera de la ficción, probablemente. En conjunto, lo anterior describe ventajas y debilidades del stop motion. Sin duda los materiales evolucionan, en ParaNorman y otras cintas se usan cámaras digitales y técnicas modernas, pero la fabricación de universos se basa en las condiciones físicas e incluso en culturas que explicaban su historia y orígenes a través de títeres.

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Después de estrenar Film Socialisme (2010), en una falsa entrevista Godard anunció que su siguiente filme se llamaría Adieu au Langage (Adiós al Lenguaje, lo supimos porque el cineasta se inventó un periodista ficticio que le hacía preguntas). Continuaba su tradición de dar a conocer su nuevo trabajo antes de tenerlo claro. Pero después de mencionar por enésima

vez que el cine está acabado y repetir su dudosa conclusión de que en éste no se explora y de que hoy cualquiera es autor gracias a los teléfonos inteligentes, etc., filma una película sobre un hombre y su esposa, quienes ya no se pueden comunicar. Entonces, el perro al que pasean interviene y comienza a hablar… ¿Suena insólito? Sin duda, más porque la filmará en 3D aprovechando que las tecnologías emergentes apenas establecen reglas y convenciones (la “nueva” 3D, aunque la primera cinta en el formato se proyectó en 1929). Pero la pregunta general es si la 3D le añadirá algo a las comedias o dramas (pensando en El Gran Gatsby de Baz Luhrmann o Gravity de Alfonso Cuarón) ahora que, por ejemplo, esperamos una “bipopic” en 3D sobre Salvador Dalí, de Philippe Mora, que seguramente aprovechará el universo pictórico del catalán como hizo La Cueva de los Sueños Olvidados (2010) de Werner Herzog con los dibujos de nuestros antecesores. Igualmente comienzan las especulaciones sobre los nuevos proyectos de Avatar de James Cameron, quien menciona que la 2D terminará cuando las teles y cines en 3D sean la norma. Es difícil creerlo, más porque predominan modelos narrativos que, a diferencia de Godard, tienen los mismos discursos desde que el cine dejó de ser silente. Veremos qué tiene que decir Peter Jackson el próximo 14 de diciembre con The Hobbit: An Unexpected Journey. Para finalizar pregunto, ¿cuándo veremos películas 3D sin lentes o, mejor, hologramas en salas acondicionadas?

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lo ocupes tú. Envía tus preguntas a

fanclubcinepolis@cinepolis.com y La Butaca responderá lo más pronto posible.

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&. Sólo llama al 5133 6470 en la Ciudad de México o al 01800 022 6470 desde cualquier parte de la República Mexicana y pide tus boletos (2) para el evento que prefieras, incluido en la promoción de este mes del Programa de Beneficios FANCLUB Cinépolis®. Para pedir tus boletos podrás llamar los martes y jueves, de 18:00 a 22:00 hrs. '. El operador te pedirá algunos datos para validar la operación, y una vez autorizada te dará un número de confirmación para que puedas obtener tu boleto fácilmente en cualquier centro autorizado. (. Sólo podrás redimir 2 boletos por mes y no son acumulables. ). Llena con tus datos los cupones que vienen en esta página, recórtalos y entrégalos para que te den tus boletos. *. Sólo deberás pagar $10 pesos por la impresión del boleto electrónico.

&. Deberás dar tu fecha de nacimiento y tu número de socio para poder pedir tus boletos, sin excepciones. '. Si no existieran boletos disponibles para el evento deseado, el telefonista te ofrecerá eventos alternos. (. Tienes derecho únicamente a 2 boletos por mes por suscripción, sin excepciones. ). Una vez que recojas los boletos no habrá cambios ni devoluciones. *. Programa de Beneficios FANCLUB Cinépolis® no se compromete ni obliga al canje en una sección o por un tipo de boleto específico. +. Para el canje de cupones es indispensable cumplir con todos los datos solicitados por el operador telefónico. ,. El tiempo límite para solicitar el canje por los boletos es de 48 horas anteriores a la celebración del evento. Sujeto a disponibilidad. -. Aplican restricciones. Hasta agotar existencias.

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Cinépolis® y hasta agotar existencias.

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GUÍA DE BOLETOS Tienes dos boletos gratis para cualquiera de estos eventos 9EDIKBJ7>EH7H?EI y otras opciones de eventos al realizar tu llamada.

9:;:C9>:C9D6A 86K:GCÞ8DA6 Teatro Renacimiento 7=EIJE 9EDIKBJ7<;9>7IO>EH7H?EI7B H;7B?P7HJKBB7C7:7$

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ACCIONES LOCALES PROTEGER EL MEDIO AMBIENTE Y PROVOCAR ACCIONES PARA SU PRESERVACIÓN ES HOY UN COMPROMISO GLOBAL, UNA OBLIGACIÓN MORAL, CASI UN IMPERATIVO CATEGÓRICO. PRESERVAR HOY ES GARANTIZAR UN MAÑANA PARA TODOS.

aquí y ahora

Imperativo categ górico Ya no es un lujo, sino un re requ q erimiento comunitario, el llamar a acciones conc ncretas paara esta salvaguarda del medio ambiente. Quienes nos nos dedicamos a pr p oducir publicaciones, creemos que es neecesario ec io aadoptar todas as aquellas tecnologías a nuestro alcancee para procuraar esta mejoría ía en las conductas hacia el planetaa en el e que vivimos.

Un conceepto simpple De ahí que nos proopo pongamos imp mpulsar esste movimiento hacia un concepto simp ple y con ello, o esperamos, sp replicable: COMPARTTI TI ES R TIR RECICLAR. No es e sólo el hecho de “reciclar” el papel de las revista tas y apostaar po por la oxo-degradación de sus bolsass ccontenedoras, sin ino el heccho de pasar las revistas dee manoo en ma mano, en un in inte tent n o por hacerlas más “produccttiiva vas” al lle legar a máss pe le personas quee pudieran estar interesada das da a en allguna de sus secccio iones dee contenidos o de benefi fici cios.

Papeel En n nue nu stras revist stas ass empleamos procesoss libres li es de cloro en papelees qu q e contie iieenen fibras recicladass post-cons p sum u idor, procesadass ssin usar cloro adicional o coomp m onentes de d cloro. Cu uan ando estoss p papeles también con oon ntienen un porcentaaje de fibra vir irge g n,, dicha d fibra tiene qu q e ha h ber sidoo p procesadaa sin usar ningú gú ún tipo de cloro o compuest stos de clorro.

Tin Ti ntas Nueestros proveedor orres e utilizan ti tintas regidas as den ntr tro de la Noorma Oficial Mex N exican na y cumpleen con los líím miites establecidos –y más bajoss–, en los ellem e entos bi biod o ispo poni po n bles como son antimonio, o ploomo o, m , mercurrio io, arséniico co, cromo y selenio, cada uno dee ellos bajoo en una can antida dad menor a 100 ppm. en peso, da susttentaado dos por laa CCONEG,, qu que restringe casi en su totalidad ad cada uno de ellos paaraa el cuidado y protección del med ca ediio am mbiente.

Barniz iz (UV)) El prooce ceso e de UV está libree de de metalees pesad ados, essto qu q uie iere decir que al te tener contac acto con n tempeeraturass altas o exposición dirrec ecta ta a los raayos UV V no afeecta laa capa de ozon no, ya que su poolimerizzación es sólid da, sin emisióón algun na y eess 100% 1 % ecológ ó ico, ya que no afeccta al est s ar en co con ontacto nt directo con loss alimen di entos y//o meedi dica came cam mentos, además de estar apro r bado do por laa FDA (F (Foo ood & Drug Administration).

Bolsas OXO-DEGRADABLES L De igual modo, nos hemos compr p om met etido id do al al mááxxim ximo mo co con on la la impl im mplem plem men entació enta ción de d bolsas OXO-DEGRA ADABLES, cuyo tiemp po de vida se haa reducido a unos pocos añoos, antes de degradaarse deefinitivam mente.

Exper Ex p riencia para qué…

por eso decimos que

Compartir es Reciclar

De este modo, Origen y Comuniicac acció ión, con on sus us más de 100 años de experiencia en el mundo de la comuniicació ión ón y la industria editorial, se mueve un paso adelante hacia una nueva conciencia por la conservación de este pequeño mundo, para que siga siendo enorme por muchos años, con una visión desde el presente, sin pretensiones globales, sino por el contrario, con intenciones locales, definidas, concretas y simples de aplicar.


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¿VENGADORES?

Con apuntes y referencias de antología en su estudio de la relación del cine y sus narrativas inverosímiles, Daniel Krauze expone motivos detrás del cine-espectáculo de manera divertida y como, en otras palabras, al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios. 6=Þ A:HK6JC68DC;:H>âC# Hace unos meses fui a ver The Avengers y no la entendí. Nunca he sido el cinéfilo más erudito: no me siento a hablar con mis amigos sobre la última de Reygadas, de Dumont o de Haneke. Mi gusto por el cine parte de las palomitas, Hollywood y las butacas llenas, y mis películas favoritas entran en lo que los gringos llaman crowd pleasers: cintas para dejar un buen sabor de boca. Dicho lo cual, también disfruto el cine complejo. Me gusta, sobre todo, el cine japonés. Kurosawa y Ozu. Admiro muchísimo a Jacques Audiard, el director detrás de dos de las mejores películas de los últimos años: Un Profeta (2009) y El Latido de mi Corazón (2005). Pues bien, queridos lectores: entendí y disfruté Ran (1985) de Kurosawa, pero no pude seguir la trama de The Avengers. ¿Qué quería Loki, hermano malvado de ese fisicoculturista escandinavo al que llaman Thor?, ¿para qué necesitaba a Hulk, ese gigante cuya encarnación en CGI sigue careciendo de la emotividad de Lou Ferrigno embarrado en pintura verde?, ¿cuál era el plan macabro de S.H.I.E.L.D., la agencia que dirige Samuel L. Jackson versión pirata del Caribe? No tengo la más remota idea. Y no tengo la más remota idea porque de un tiempo para acá se ha puesto de moda que los crowd pleasers tengan músculo y neuronas, que ejercitemos nuestra pupila, nuestra garganta y nuestro intelecto. Antihéroes atormentados como Jason Bourne, superhéroes en eterno conflicto consigo mismos como el Batman de Nolan, hombres que salvan al mundo y al final derraman una lágrima como Tobey Maguire en SpiderMan (2002): todos ellos parte de esta nueva tendencia del cine de acción que intenta ser profundo, que no admite el absurdo inherente de su premisa. Basta ver la adaptación que Kenneth Branagh hizo de Thor (2011), donde todos hablan como personajes de Shakespeare

mientras visten atuendos sacados del más cutre cómic steampunk y vuelan por un puente parecido al “Rainbow Road” de Mario Kart para matar gigantes de hielo con ayuda de martillos mágicos. Son, en fin, propuestas irreconciliables: mundos fantásticos, debidamente idiotas, a los que los directores tratan con una solemnidad innecesaria, como si tomar en serio a un millonetas que se viste de murciélago lo convirtiera en algo más complejo. Conclusión: aunque el superhéroe se vista de Shakespeare, superhéroe se queda. ;IF;9JÜ9KBE

Por eso hay que aplaudir a las cintas lo que, como Duro de Matar, Arma Mortal y el Batman de Burton, hicieron en su momento, no se toman demasiado en serio y les basta con entretener a la audiencia por dos horas. La mejor de ellas es quizá la última entrega de la interminable saga de Misión: Imposible (2011). Dirigida con entusiasmo e ingenio por Brad Bird, la mente detrás de The Iron Giant (1999) y Los Increíbles (2004), y estelarizada –como siempre– por Tom Cruise, la cuarta historia de Ethan Hunt destaca por la sencillez de su argumento y la rapidez con que suelta información, favoreciendo el espectáculo y las secuencias pirotécnicas. El malo quiere destruir al mundo causando una guerra nuclear. El propósito de Cruise y su equipo es detenerlo. Y así van, de ciudad en ciudad, brincando de escenario ridículo a escenario inverosímil, y el espectador no puede alejarse de la pantalla ni por un segundo. No hay cabida para argumentos profundos, ni discursos pseudo importantes (como los de Nolan: el valium del género). Lo que hay es espectáculo, y eso es lo primero que debe darnos una película de ese tipo. Las neuronas las emplearemos en otras películas, en las que no salgan encapotados, en las que agentes secretos no cuelguen de rascacielos y en las que ningún científico se transforme en un gigante verde si alguien lo molesta. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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LAS MEJORES ESCENAS DEL GÉNERO DE

HORROR, PARTE 2

Provocar en el espectador pavor, disgusto, repulsión y falta de control es un arte que sólo pocos logran. Daniel Krauze entrega la segunda parte de las escenas que, aun con lo anterior, nos dejan queriendo más. FEBJ;H=;?IJ

Partamos de la base de que Zelda Rubinstein podría cantarnos una canción de Cri-Cri y aún así temblaríamos de miedo. Es su físico, extraño como pocos, pero sobre todo es la voz: el tono de una niña salpicado de la cadencia de un adulto y el acento de Blanche DuBois (N. de la R. personaje de la obra Un Tranvía Llamado Deseo). Es ella la que tiene el momento memorable dentro de Poltergeist, esa cinta de horror pasada a través del tamiz suburbano de E.T. de Steven Spielberg. La secuencia es un discurso; probablemente el más aterrador en la historia del género. El personaje de Zelda –médium y exorcista– intenta explicarles a los Freeling que su hija no está sola en la otra dimensión en la que se ha extraviado. La acompaña un ente malévolo. “La Bestia”, le llama. Y esta Bestia, a la que (inteligentemente) nunca veremos con claridad, sabe comunicarse con la niña, sabe hablarle en su idioma y sabe cómo convencerla de que se quede con él. Extraordinario. Espeluznante.

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Estamos en un sepelio, pero no frente a un féretro abierto o en el cuarto donde murió la niña o en el ático. No. Estamos en la cocina. Dos hermanas –una es la madre de la niña muerta, la otra, una reportera– platican sobre la reciente tragedia. La madre asegura que la niña no murió de un ataque cardiaco, como aseguró la autopsia. La reportera se mantiene escéptica hasta que su hermana le confiesa, con los ojos llenos de lágrimas, por qué no pudo ser un paro cardiaco. “I saw her face”. Y entonces nosotros, también, vemos la cara de la niña muerta, adentro de su clóset. Sí, es un flashback tramposo, un corte con mala leche, un susto barato. ¿Y qué importa? Funciona perfecto. No hay un solo trasero que no haya brincado hasta el techo, y se entiende: el rostro de la difunta es lo más feo en la historia de la humanidad: cadavérico, inexplicablemente húmedo, y distorsionado como una alma en pena, de aquellas que expiden los fuegos del infierno.

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La joya de Dario Argento tiene, sin duda, una de las escenas más macabras en la historia del género. Un hombre ciego camina con su perro por una plaza, acompañado por la magnífica música de la cinta, cuando presiente que las brujas lo acechan. Argento nos pone al mismo nivel que el ciego, impidiéndonos ver gran cosa y limitando nuestro campo de visión a sombras, gritos y sonidos tétricos. Lo que sucede al final forma parte del canon del género de horror: una sorpresa digna de un maestro. Ver para creer.

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Alegre música en una fiesta. Fred Madison (Bill Pullman) se sirve un trago. Un hombre, que a pesar de su inquebrantable sonrisa inspira menos confianza que un niño al volante, se acerca a él. La música cesa, reemplazada por un sonido similar al de una lejana turbina de avión. “Nos conocemos, ¿cierto?”, pregunta el hombre espectro. Pullman le asegura que jamás lo ha visto en su vida, mientras que su interlocutor, amenazante, le pide que llame a su casa y que él le contestará. “Call me”, conmina el hombre. “Dial your number”. Madison toma un celular y obedece. Suena el tono. Y la misma voz contesta: “I told you I was here”.

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Esta lista no estaría completa sin una escena extraordinaria de una película mediocre. Porque eso es The Amityville Horror, una cinta amateur, con efectos de quinta, narrada con brocha gorda y con un final paupérrimo. Pero la secuencia magistral, que está casi al principio de la película, queda para la historia. Ya se la saben: un cura entra a bendecir la casa. Una nueva familia se acaba de mudar y es tradición que el sacerdote haga lo suyo, así que papá y mamá lo dejan solo, y el pobre hombre se mete en una recámara y empieza a rezar. Lenta, casi imperceptiblemente, las cosas se ponen color de hormiga. La cinta tiene el tino de situar la secuencia de día, para que el espectador no espere nada terrible… y vaya sorpresa que le da. El rostro del sacerdote se llena de moscas, el audio se satura con su zumbido y después: silencio. Silencio abrupto. Total. Una puerta se abre y la casa susurra: “Out”. Cuando el sacerdote no obedece, la casa repite, esta vez con una voz demoniaca, estremecedora, que no nos dejará dormir por días: “Get out!” El cura huye. La mitad de la sala, sabiamente, se va con él. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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ABRAHAM ABRAHAM LINCOLN: LINCOLN: VAMPIRE VAMPIRE HUNTER LA VIDA OCULTA HUNTER DETRÁS DEL LA VIDA OCULTA SOMBRERO DETRÁS DEL SOMBRERO POR ERICK RUIZ MARTÍNEZ

Paralelo. Justo como lo indica la palabra, es algo que colocamos en una misma dirección con otro elemento sin que logren tocarse nunca. Quizá sea de este modo la vida detrás del mito de muchos personajes dentro de la historia, relatos ocultos que aún a la fecha desconocemos, sin duda, no tan célebres como los de su vida pública, pero igual o más importantes que sus pasajes en cualquier libro. ADH =:8=DH =>HIâG>8DH! I6A 8J6A ADH 8DCD8:" BDH! los aprendimos de los libros que nos han hecho repasar más de una vez desde primaria hasta universidad. Nos suelen entregar héroes y villanos del pasado de nuestro país y de otros lados del mundo, muy en especial, de aquellos sucesos que los historiadores consideran que marcaron la vida de este planeta. Desde tratados diplomáticos, hasta cruentas batallas, casi todos estos pasajes tienen un fin en común: liberar a la humanidad en sus distintas formas y aristas; pero, ¿realmente todo sucedió como nos lo cuentan? 78;

Hablar de Abraham Lincoln no es solamente referirse al rostro que aparece en las monedas de un centavo o en el billete de cinco dólares. Decimosexto Presidente de los Estados Unidos de América y primero por el Partido Republicano, “Abe” es considerado como uno de los tres personajes clave en la vida de la sociedad estadounidense. El 68

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porqué es simple: abolió la esclavitud y su mano y la del general Ulysses S. Grant dieron fin a la Guerra Civil, sellando así la victoria de la Unión (los estados del Norte). Hasta ahí y después de su asesinato el 15 de abril de 1865, Lincoln ha sido visto como el gran líder norteamericano que proclamó la libertad de todos los esclavos, y el protector de lo que él llamó “el gobierno de la gente, por la gente y para la gente”; sin embargo, quizás, ésa no sea del todo la verdad detrás de este histórico presidente… ¶CK;HJ;7BEIL7CF?HEI

Parece ser que Seth Grahame-Smith siente alguna aberración hacia estos seres “chupasangre” y todos aquellos que los idolatran (incluyendo a los fans de Crepúsculo). Resulta que en manos de este escritor, guionista, productor y director norteamericano –autor del bestseller Pride and Prejudice and Zombies (2009)– llegó un diario que relata la verdadera razón de la lucha de Abraham Lincoln. Todo comienza cuando el pequeño Abe tiene once años. Su padre, Thomas Lincoln, le hace una revelación que a cualquiera pondría los pelos de punta: los vampiros existen y de hecho, uno de ellos asesinó a su abuelo Abraham. Y por sí esto no fuera suficiente para que nuestro héroe odiara a estas criaturas de la noche, descubre que su madre Nancy no murió a causa de la llamada “enfermedad de la leche”, sino debido a los colmillos de uno de estos hijos de Drácula (por decir lo menos). Ahí comienza la otra vida del futuro presidente. Bajo un hacha, cobra venganza de lo sucedido a su familia, y utilizando todas las armas posibles (incluso la política) buscará exterminar a esa raza y liberar, tiempo después, a su pueblo de esta amenaza.


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Una historia con elementos oscuros, casi góticos, sangre, criaturas bizarras y sed de venganza, no podía escapar de la mente más retorcida de todo Hollywood: Tim Burton, sólo que esta vez figura como productor y deja la dirección a Timur Bekmambetov –Nightwatch (2004), Daywatch (2006) y Wanted (2008)–. El libreto se basa en el libro homónimo de Grahame-Smith publicado en el 2010. Con el sello característico de Burton, el elenco para esta cinta no incluye a grandes luminarias, e incluso prescinde de su actor de cabecera, Johnny Depp, haciendo una minuciosa selección en cada uno de los personajes. Benjamin Walker (The War Boys, 2009) encarnando a Abraham Lincoln, Mary Elizabeth Winstead (The Thing, 2011) como la abnegada Mary Todd Lincoln y Dominic Cooper (el hijo de Saddam Hussein en The Devil’s Double, 2011) en el papel del inseparable compañero de Lincoln, Henry Sturgess, presentan el lado oscuro de uno de los íconos más representativos de la cultura norteamericana. B7ÇEJH7ÈL?:7:;78;

Fuera del contexto ficticio que presenta Abraham Lincoln: Vampire Hunter, a Abe se le atribuye una condición que ha causado controversia desde 1926. Carl Sandburg –poeta, historiador y novelista estadounidense– en su biografía de Lincoln, The Prairie Years, interpretaba una relación homosexual del ex presidente con Joshua Fry Speed, el cual es calificado por los historiadores como “el único amigo íntimo de Lincoln”. Más cercano a nuestros tiempos, en el 2006, Clarence Arthur Tripp en su libro The Intimate World of Abraham Lincoln plantea que Abraham sostuvo una atracción erótica y relaciones con hombres desde su juventud hasta la presidencia. El psicólogo y terapeuta analizó siete relaciones de Lincoln, cuatro con hombres, que incluían a Billy Green, Fry Speed, Elmer Ellsworth y David Derickson, y tres con mujeres: Ann Rutledge, Mary Owens y Mary Todd. Libertador, presidente y caza vampiros Abraham Lincoln ha resultado un excelente personaje para la historia… aunque sea esta ficticia y paralela.

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CANTANDO BAJO LA LLUVIA POR JERÓNIMO GABAYET

En La Naranja Mecánica (1971) escuchamos al sociópata Alex DeLarge tarareándola durante una de las escenas más crudas. Es la canción del número musical más famoso de todos los tiempos, homenajeado en series y publicidad, parodiado en filmes como Robots (2005) o musicales de Broadway como Spamalot. Es de un filme sobre el cambio de los tiempos, de los amores platónicos y cómo, a fin de cuentas, el show debe continuar… Se trata de Cantando Bajo la Lluvia.

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:CA6E6CI6AA6A6H>BÛ<:C:HHDC:C7A6C8DN visión consistió en tener números de baile no sólo magC:<GD. La cinta es muda aunque no antigua, tiene que níficos, sino que incluyeran narrativa y lograran trascenser El Artista (Hazanavicius, 2011). Lo es. Recientemente der, además de parodiar al viejo Hollywood. fue un hito por sus valores artísticos y visión de la fama, de la nostalgia y de la evolución del lenguaje. Es grata y nos hace sonreír con sus tributos a la añoranza y al romance de la era silente, entre otras cosas, que germinó especialmente en géneros como el musical. Estrenada hace algunos meses nos hizo gozar un nuevo expresionismo que relataba los orígenes del medio, de los Lumière y Edison, y que hacía una crónica sobre los albores de la grandeza de Hollywood y del star system. Sin embargo, su narración demostraba que el éxito es celoso y no perdona, implícitamente contagiando a la película cuando los franceses y estadounidenses creyeron ver burro y se les antojó el viaje. O sea, pelearon la nacionalidad del estreno, “French Fries” vs. “Freedom Fries”. Pero era banal comparado con los homenajes a la era silente y a genios como Chaplin o D. W. Griffith, que sin 3D o CGI crearon un lenguaje propio y, a diferencia del séptimo arte posterior, poco teatral. Se preguntarán por qué recurro a El Artista. Simple, exhibe lo equilibrado del cine legendario o cómo supera su era y fue parte de la cinta más reconocida el año anterior. Aseguro que uno de los motivos de su triunfo es que se apoya en el clásico de clásicos de los musicales, Cantando Bajo la Lluvia, que en este 2012 celebra 60 años de haberse estrenado. 8B7C;?JEDJ>;H7?D

La reelaboración de El Artista al clásico de sombrillas e impermeables inteligentemente dejó su “musicalidad” para momentos que dilucidan su temática. Por todo esto, el filme de Hazanavicius pronto ingresará al catálogo de clásicos contemporáneos, pero difícilmente logrará recuerdos igual de maravillosos como el de Gene Kelly chapoteando, cantando y desplegando su grandeza en las coreografías. Al ver el clásico de 1952 uno desea pararse del asiento y moverse con los bailes creados por el mismo Gene Kelly y Stanley Donen, codirectores de la cinta. Donen además se conoce por otros clásicos, como On the Town (1949), Seven Brides for Seven Brothers (1954) y Funny Face (1957), y trabajó como director de coreografías de Kelly en Cover Girl (Vidor, 1944) y en el formidable musical Anchors Away (Sydney, 1948), que reunía a Kelly, a Sinatra y, ¡al ratón Jerry de Tom and Jerry! Sin duda los artífices de Cantando hicieron una gran pareja profesional (no exenta de diferencias) y los festejamos también porque el artista nativo de Pittsburgh, Kelly, celebraría 100 años de vida el 12 de agosto. M>7J7=BEH?EKI<;;B?D=

Cantando Bajo la Lluvia ha sido aclamado como el mejor musical de la historia, lo que no mide el encanto, magia, destreza técnica o simpatía de sus artífices o actores secundarios como Donald O’Connor y Debbie Reynolds. Su

Antes de la filmación, Gene Kelly estaba en la cumbre de su carrera, ese año había filmado la renombrada An American in Paris (Minnelli, 1951) y era tan exitoso como sus personajes. Entonces accedió a participar en este filme producido por Arthur Freed, escrito por Betty Comden y Adolph Green, y fotografiado por Harold Rosson (quien fotografió El Mago de Oz en Technicolor). Como mencionamos, el relato es similar al de la cinta galardonada como Mejor Película el pasado 11 de febrero. Más o menos va así: antes de conocer a la aspirante a actriz Kathy Selden (Reynolds) el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Kelly) lo tiene casi todo: fama, fortuna y éxito. Sin embargo, el cine sonoro amenazaba su carrera y de menos debía entrenar su timbre vocal, aunque no habría certezas de nada (mismo caso de la insoportable estrella “muda” Jean Hagen, interpretada por Lina Lamont). Pero entonces conoce lo que le hacía falta en su vida, a Kathy, quien junto con su amigo Cosmo Brown (O’Connor) lo ayudan a salvar su carrera, haciendo de su más nueva película un musical en el que tambien incluye a Kathy, quien así logra la fama. ?ÊC>7FFO7=7?D

Es atractivo saber que Cantando Bajo la Lluvia se construyó a partir de las canciones compuestas por Freed y Nacio Herb Brown en las décadas de los años 20 y 30. En pocas palabras, funcionarían como el vehículo que los ayudara a filmar alegría. De hecho el concepto e historia se desarrollaron después de elegir las canciones y los guionistas se concentraron en la época en que se realizaron. El resultado es una sátira de la transición del silencio al sonido, que incorporó anécdotas de las entrevistas que se le hicieron a figuras de la MGM y de Hollywood; también se mofaron de los primeros musicales y sus dificultades técnicas; se parodiaron escenas clave del pasado e incluso hubo bromas “sólo para Hollywood”. Un ejemplo de lo último, los personajes de R. F. Simpson y del director Roscoe Dexter se basaban ligeramente en Arthur Freed y Busby Berkeley (este último el realizador responsable de los números musicales de complejas formas geométricas, elaborados, con showgirls y varias técnicas para imitar los efectos de caleidoscopio). Sería interminable un texto sobre Cantando Bajo la Lluvia, pero de menos destaquemos que además es un museo con la utilería, vestuario y equipo cinematográfico descontinuado de la MGM en los años 20 y desarrolla problemas éticos, morales y frustraciones profesionales. En general, Kelly y el cine clásico prueban cuánto le debemos a un cine musical menospreciado, básico en la historia de Hollywood. Son preceptos de la mejor película para días nublados, con rituales de danza en honor a la lluvia, a lo que nos rodea, a lo que nos alimenta como raza. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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RUMBOS Y PERSPECTIVAS DOCUMENTAL MEXICANO

POR NAYMA GONZÁLEZ

Æ:A 8>C:! 8DBD A6 ED:HÞ6! :H >C=:G:CI:B:CI: 9ÜC7H7ßDJ?C7 capaz de presentar un número de dimensiones mucho más profundas que el nivel de la tan llamada verdad que encontramos en el cinema vérité e incluso en la realidad misma, y son estas dimensiones las áreas más fértiles para los cineastas. Realmente espero ser de los que entierren al cinema vérité para siempre. Afortunadamente, cada vez parecen haber más cineastas y público que entienden esto. Chris Marker y Errol Morris son dos nombres que me vienen a la mente. El cinema vérité es la verdad de un contador; apenas si bordea la superficie de lo que constituye una forma más honda de la verdad en el cine”. –Werner Herzog, 2002.

El cine mexicano contemporáneo tiene en el documental al género que mayor variedad de miradas y propuestas narrativas autorreflexivas aporta a modo de diálogo entre creadores y público. En años recientes ha ganado espacio en cartelera y hoy cuenta con festivales y encuentros de primer orden como DocsDF, Ambulante o la sección “Cámara Lúcida” del FICUNAM. Más aún: el documental auspicia actualmente, como ningún otro género, al cineasta como autor, porque una línea personal, estilística y temática se puede observar en el corpus fílmico de Everardo González, Ulises Guzmán o Juan Carlos Rulfo, por mencionar algunos nombres que, en efecto, han consolidado una obra más significativa que cuantitativa, que se puede distinguir casi inmediatamente entre otras filmografías. H;JH7JEI:;KD7H;7B?:7:

El documental autorreflexivo no se refiere solamente a un punto de vista curado, sino que tiene que ver con el cineasta repensando las posibilidades del género y rompiendo con esquemas tradicionales del mismo. El de Everardo González es un cine completamente desinteresado en ofrecer “un retrato de la realidad”, esa máxima que aún permea como inobjetable entre algunos realizadores y público. Consciente de que semejante tarea no sólo es imposible, sino enormemente arrogante (¿qué es “la” realidad?), González se concentra más en filmar un punto de vista personal, y, más al modo de los géneros periodísticos de opinión que informativos, dar rienda suelta a su subjetividad. Una de las temáticas en las que mejor se desenvuelve González es el relato histórico, y en particular, las disputas por el poder que se inician desde abajo a modo de resistencia, como fue el caso de las guerrillas latinoamericanas durante prácticamente toda la década del 70. Su cinta El Cielo Abierto está basada en la obra-vida de Monseñor Óscar Romero como una figura de la religión católica que de mediador, se pasa del lado de la resistencia popular y consecuentemente es perseguido y asesinado. González tiene claramente una postura que busca reivindicar y sim72

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patiza con la figura histórica de Romero y la teología de la liberación.

Silent House

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Con una temática semejante a la de González se puede ubicar a la ópera prima de la mexicana-salvadoreña Tatiana Huezo, El Lugar Más Pequeño (2011). La realizadora se interesa más por los efectos devastadores que la guerra civil tiene en quienes sobreviven a ella. El tratamiento que la cineasta da a los elementos tradicionales del documental, como el testimonio y la entrevista, es subjetivo. Los personajes no cuentan la historia, sino que reflexionan sobre ella. La cámara no se posa frente a ellos, sino que los acompaña. En este tenor del documental como una narrativa íntima, se encuentra el trabajo de Juan Carlos Rulfo. En el Hoyo (2006) es un recorrido del día a día de los obreros que en aquellos años construían el segundo piso del Periférico del Distrito Federal. En esta película se pueden apreciar primeros planos, tomas suspendidas y tratamientos sonoros que conforman una poética del documental mexicano. Rulfo manipulaba estos elementos para darle hondura a los testimonios de los trabajadores, muchos de ellos confiando a la cámara íntima del cineasta sus sueños y aspiraciones mientras se encontraban, literalmente, a un paso del vacío. Con menos propensión por la poética, pero igualmente íntimo es el documental de Ulises Guzmán, Alucardos, Retrato de un Vampiro (2011), una alusión emotiva al cineasta Juan López Moctezuma y su película de culto Alucarda (1978). En Alucardos, Guzmán ofrece una vuelta de tuerca a la mitad del filme, al desplazar su interés por la obra y vida de López Moctezuma, a la influencia que este realizador tuvo sobre sus dos mejores cinéfilos. El cine que moldea vidas parece ser el relato de fondo en uno de los documentales más originales de los últimos años. D7HH79?ED;I7<;9J?L7I

Pero el documental tradicional mantiene su prominencia, como es el caso de Roberto Hernández y Geoffrey Smith con Presunto Culpable (2010), un filme que denuncia la corrupción del sistema judicial mexicano, centrándose en el caso de un convicto al que se le han imputado delitos basados en pruebas apócrifas. El caso de Toño, el presunto culpable, suscitó enorme polémica en un contexto de enorme descomposición de la vida pública en México. Presunto Culpable no se puede entender fuera del marco de la violencia institucional del país, en el que la vasta mayoría de los delitos graves quedan impunes, mientras se encarcela a ciudadanos inocentes. La intención de los cineastas es claramente de denuncia, pero su película nunca pierde la dimensión emotiva del relato, contada sobre todo con primeros planos al protagonista, cuyos silencios y miradas perdidas, al va-

cío, dotan de profundidad a la narración verbal. Presunto Culpable no sólo indigna, ese término tan de moda, sino que afecta. Finalmente, otra de las perspectivas actuales y más interesantes del género es la frontera borrosa entre el documental y la ficción, o “docuficción”, que se puede observar en el trabajo de Pedro González Rubio, Alamar (México, 2010). Premiada en diversos festivales, trata de una relación filial escenificada en una reserva natural del Caribe mexicano, y tiene un planteamiento visual altamente metafórico y seductor (indispensable verla en pantalla grande), en el que el cineasta pone en entredicho la rigidez de los géneros, consumando un estilo personal que hay que seguir de cerca. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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DISCURSOS

SILENTES

POR JESSICA DÍAZ

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El cine se vuelve palabra y hace partícipe de su relato al pensamiento. Quien escribe, forma un texto que incluye enseñanzas de una obra visual seminal, alguna figura, etc., pero no sólo eso. Y no todos ven lo mismo. Existen miradas con distintas lecturas del medio, para estructurar al cine y disfrutarlo de la mejor manera, en una proyección o sin necesitar de ésta. &#

ADHA>7GDH9:8>C:CDH=68:C:HE:8I69DG:H9: universos externos a nosotros mismos en el complejo cinematográfico (a veces recordamos más nuestra presencia en la sala, las emociones o si nos gustó o no una película, que los detalles de los relatos). Nos apasionan con el análisis visual o escrito de un pasatiempo que nació como espectáculo, pero desde siempre incluyó descubrimientos y además documenta una época. Cabrera Infante dijo de éste: “es el único arte que nació de la tecnología” y como tal, un libro es una muestra cumbre de técnica aplicada. Además, las adaptaciones de novelas o que se fotografíen los guiones son normas en la industria, pero también nos interesa el proceso inverso, el del cine al libro. Les dejamos unas recomendaciones. 8E8M?BBEK=>8O$7K:H;O>;F8KHDÅJ7I9>;D

“La gente, incluso más que las cosas, tiene que ser restaurada, renovada, reavivada, recuperada y redimida: nunca eches a nadie”. –Audrey Hepburn. En su brillante carrera como fotógrafo en Hollywood, Bob Willoughby sacó fotos emblemáticas de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Jane Fonda. Pero tenía claro a quién prefería ante su objetivo: Audrey Kathleen Ruston, más conocida como Audrey Hepburn. A medida que la carrera de Hepburn crecía, Willoughby fue un amigo de confianza de la diva, que capturó su vida profesional y privada. Sus fotografías buscan reflejar las facetas de la belleza y la elegancia de la Hepburn, en un documento imprescindible sobre el siglo XX. B7MH;D9;I9>?BB;H$C7H?BODC;07C;CE?H?DMEH:I F>EJE=H7F>IÅJ7I9>;D

Marilyn Monroe, pocos meses antes de fallecer, concedió a un joven fotógrafo la oportunidad de su vida. Este es su resumen: “Tú ya eres famosa, el que se va a hacer famoso ahora soy yo” –le dijo entonces el fotógrafo Lawrence Schiller a Marilyn mientras hablaban de las fotos que 74

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1. y 2. Imágenes cortesía de TASCHEN 3. Foto: Jorge Vargas/Conaculta.

le tomaría— “No seas tan arrogante” –le respondió una Marilyn burlona–. “Sustituir a un fotógrafo es fácil”… Pero tan no lo fue, o no era cualquier fotógrafo, que ella accedió a posar desnuda para él durante la escena de la piscina en Something’s Got to Give (Cukor, 1962). Todo finaliza en una edición limitada a 1,962 ejemplares (por el año de la muerte de Marilyn) del incipiente fotógrafo, posteriormente ganador del Pulitzer. ?=D79?E >;HH;H7$ H?:B;O I9EJJ0 B7 JH7DIF7H;DJ; L?IK7B?:7: :;B 9?D; Å :?H;99?ãD =;D;H7B :; FK8B?979?ED;I:;B9ED79KBJ7

Editado en la colección Periodismo Cultural y presentado en la Fonoteca Nacional, Ignacio Herrera Cruz analiza la obra del cineasta británico Ridley Scott (1937) desde diferentes perspectivas, “cuyo especial estilo marcó, desde finales de la década de los setenta, una nueva ruta para hacer cine, influyendo con ello a cineastas de diferentes países y generaciones”. A través de diversos artículos en diferentes medios impresos y electrónicos, Herrera hace una reflexión y presenta un panorama general de la trayectoria de Scott. Son textos que van más allá de la crítica cinematográfica y ofrecen una visión erudita, pero fácil de asimilar, de películas clásicas del realizador de Prometeo. Además analiza la musicalización, las estrellas y los detalles de producción o cómo incorpora técnicas del diseño gráfico para una carrera dispareja en resultados, pero soberbia como descripción del cine.


EDUCANDO A MAMÁ

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IG>K>6 &# Aunque el relato sucede en Seattle, Washington, EE.UU., ¿dónde fue filmado el estreno? '# ¿Cuál fue el anterior largometraje de Patricia Riggen, que también incluyó en su elenco a Eugenio Derbez? (# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

ESPEJITO ESPEJITO / LA DAMA DE HIERRO µ<7D9BK89?DxFEB?INL?:;EC7NI:G:<6A6C9K9H9: ;IF;@?JE;IF;@?JED9:B7:7C7:;>?;HHE

IG>K>6 &# ¿Quién dirige la bella secuencia inicial de Espejito Espejito? '# ¿Cuál fue la película anterior de la directora de La Dama de Hierro, Phyllida Lloyd? (# ¿Cómo se llama el tema de la película, interpretado por Lily Collins? )# Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®. H‹adZck†VaVhgZhejZhiVhXdggZXiVhYZaVig^k^VZaZ\^YVXdcidYdhijhYVidhZc jcXdggZdV\WdYbkXY_d[feb_i6Y_d[feb_i$Yec H;GK?I?JEIF7H7F7HJ?9?F7H Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Educando a Mamá” o “FANCLUB Cinépolis® Espejito Espejito” o “FANCLUB Cinépolis® La Dama de Hierro” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de agosto de 2012, si aplica. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio. ;6C8AJ78>CwEDA>Hœ

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TIBURÓN

LA PELÍCULA CONTRA EL LIBRO POR DANIEL KRAUZE

ED86HE:AÞ8JA6HBÛHB:BDG67A:HFJ:I>7JGâC L;HI?ãDEH?=?D7B &.,*! de Steven Spielberg. ¿Cómo olvidar esa partitu- Como película, Tiburón es tan recordada y alabada que ra de John Williams? Simple y ominosa, la música de Williams entra en el escueto rubro de tonadas con las cuales se puede identificar una cinta sin necesidad de más de cuatro notas. Y esa escena memorable inicial: la muerte de Chrissie, a manos (o a dientes) del gran tiburón blanco, durante un amanecer en la playa del pueblo de Amity, mientras nadaba desnuda, sigue siendo una obra maestra de suspenso y horror oculto. Están también las actuaciones: Roy Scheider, como el vulnerable pero ultimadamente valiente Chief Brody, cuyo trabajo se ve amenazado por la llegada del “escualo miserable”; Richard Dreyfuss como el simpático Matt Hooper, un ictiólogo citadino particularmente mal preparado para enfrentar a un pez del calibre del que ronda las playas de Amity; y, por supuesto, Robert Shaw como Quint, nieto cinematográfico del Capitán Ahab, un hombre que llega a ser más peligroso que el tiburón mismo. Con su estreno, Tiburón cambió las reglas del juego para siempre. Creó el blockbuster: Una cinta de verano dirigida a vaciar nuestras billeteras e hinchar la taquilla. Nadie que la haya visto podría asegurar que no ha pensado que un gran tiburón blanco lo acecha desde las profundidades cuando se mete al mar. La cinta de Spielberg es entretenimiento, sí, pero eso no le quita corazón. El gran genio de Hollywood retrata la vida familiar de Brody con una sutileza y elegancia que más adelante usaría para anclar muchas de sus más grandes cintas posteriores: E.T. (1982), Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977) y hasta Catch Me If You Can (2002). 76

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muchas veces olvidamos que provino de un bestseller del mismo nombre, escrito por Peter Benchley. Y si bien no es literatura de altos vuelos, la novela original es una contraparte interesante para la cinta de Spielberg. Más descarnada y compleja, la trama de Benchley se aleja del tiburón y sus víctimas para hablar del drama de la familia Brody, drama en el que se ve inmiscuido Hooper, quien es el opuesto exacto del personaje interpretado por Dreyfuss. En la novela, Hooper sostiene un amorío con la esposa de Brody, y Benchley usa este secreto para complicar las relaciones entre los tres hombres que suben al barco de Quint para matar al tiburón. Y si la cinta nos recompensa salvando a Hooper, la novela nos regala su muerte: aquí, a diferencia de como ocurre en la película, el ictiólogo adúltero es engullido por el tiburón. Pero Benchley no se detiene ahí. Su prosa sale del mar y se inserta dentro de los intereses políticos que se esconden detrás de los políticos del pueblo, donde la mafia ha puesto dinero y donde el alcalde es aún más obtuso que en la versión fílmica. No obstante, Benchley falla en lo que Spielberg acierta. Su libro produce escalofríos, pero jamás toca nuestro corazón. Sus personajes parecen acartonados, de dos dimensiones, mientras que en cine son de carne y hueso, redondos, salpicados de virtudes y defectos. Y ése es el motivo por el cual la cinta siempre será recordada por encima de su fuente original. Spielberg sabe cuándo alejarse de la pirotecnia para apuntar su cámara al alma humana. Después de todo, ¿qué nos importa que el tiburón se coma a Brody si el personaje no nos resulta verosímil, si no conocemos de dónde viene, si no creemos en él?


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Fanclub Cinépolis agosto  

Revista Fanclub Cinépolis del mes de Agosto 2012