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Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: Tementiy Pronov

No podemos quejarnos de la gran actividad musical con la que está terminando el año, aunque cueste seguir el ritmo. La cantidad de lanzamientos y de conciertos es abrumadora y por eso hemos querido poner el foco en una banda que quizá no sea tan conocida, pero que merece toda nuestra atención. Hablamos de los ucranianos Jinjer, a quienes muy pronto tendremos por aquí presentando su excelente Macro. Su historía merecía ser contada y por eso les hemos dedicado nuestra portada en un número en el que comparten protagonismo con Mayhem, Jimmy Eat World, Volbeat, Tiger Army y hasta el mismísimo Rob Harlford. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Supersuckers (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL


SUMARIO

Nº 163

06 / EN DIRECTO 18 / OZZYO 22 / JIMMY EAT WORLD 28 / VOLBEAT 34 / MAYHEM 40 / ROB HALFORD 44 / JINJER 52 / DISCO DEL MES 54 / CRÍTICAS 70 / TIGER ARMY 76 / LE CYGNE NOIR 80 / THE BLACKJAW 86 / BAD WOLVES 92 / LACUNA COIL 98 / GRAVEYARD

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106 / DANKO’S HALL OF FAME

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EL CONCIERTO DEL MES BY:

GREEN DAY

30/10/19 - LA RIVIERA (MADRID)

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ADRIÁN GARCÍA

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V

er a una gran banda tocar en un estadio enorme o un festival es algo que está a la orden del día, pero poder disfrutar a una de las formaciones más punteras del planeta en la ‘intimidad’ de una sala para menos de 2.000 personas no es una oportunidad que se presente todos los días. Y que unos Green Day se planten a tocar en La Riviera anunciándolo con sólo una semana de antelación, es poco menos que una ocasión única. Por casi no decir histórica. El trío formado por Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool quiso aprovechar su paso por Madrid mientras promocionaba para la prensa su próximo Father Of All Motherfuckers, que aparecerá en febrero del año que viene, para pillar por sorpresa a todo sus fans con un concierto de lo más especial. Como era de esperar, las entradas volaron y desde primerísima hora de la tarde ya había una cola considerable a las 8

puertas de la sala y gente suplicando por un ticket. No era para menos. Gracias a ello, Violets salieron ya con todo prácticamente lleno. Obviamente, para las barcelonesas debía de ser más que un sueño cumplido el poder abrir para su grupo favorito, tal como declararon. Estoy convencido de que cualquiera de los asistentes que tengan una banda tuvo que sentir más orgullo que envidia al ver a una formación que no pasa de tocar en salas pequeñas disfrutar de semejante regalo. Y como tal se lo tomaron, gozando cada uno de los 30 minutos que tenían, pero también demostrando lo bien que suena su punk rock noventero a medio camino entre Dover, Bad Religion y el propio combo de Berkeley. Chapó por ellas. Antes de entrar en materia, tengo que decir que la última vez que vi a Green Day en el Mad Cool de 2017 no me gustaron nada. Sinceramente,

me aburrí durante 3 horas de tantos parones para subir gente al escenario, de la pirotecnia y de los interminables “eeeeeeeoooohs” tan característicos de Billie Joe. Mi mayor miedo era que eso se trasladase al formato de un recinto más pequeño. Pero claro, antes de llenar estadios o codearse con U2, los californianos se han pelado el trasero de encontrarse ante este tipo de situaciones y saben bien que las reglas del juego son otras bien distintas. Por eso mismo fue un alivio ver a Armstrong entrar en escena empuñando su emblemática Stratocaster azul para sin más dilación arrancarse con ‘Burnout’. Ahí supe que todo iba a ir bien… y vaya si lo fue. Tal y como habían insinuado en los días previos, lo que se nos vino encima fue ni más ni menos que una de las grandes obras definitivas del rock de los 90: Dookie, el disco que les catapultó a la fama, interpretado de principio a fin. Sin pausas, sin


trucos escénicos, sin tonterías, y con un sonido arrollador con el único apoyo de su guitarrista adicional Jason White. Más allá de los obvios highlights del álbum (‘Basket Case’, ‘Longview’, ‘Welcome To Paradise’, ‘When I Came Around’), fue un privilegio poder escuchar esas piezas tan poco habituales en sus repertorios pero que todos sus seguidores tienen más que interiorizadas. Cada uno tendrá las sus favoritas, pero a título personal no pude evitar emocionarme con ‘Pulling Teeth’, ‘Sassafras Roots’, ‘Coming Clean’ o el broche de oro que es ‘F.O.D.’. ¡Hasta Tré Cool se bajó de la batería para intrepretar el hidden track ‘All By Myself’!. 40 minutos de pura nostalgia, sí, pero también de felicidad absoluta para los que hemos crecido con esta banda sonora. Lejos de cambiar el planteamiento de su actuación, Green Day siguieron

ametrallando con una gloriosa ‘Minority’ a la que le siguió una retahíla de sus singles más recientes: ‘Bang Bang’, ‘Revolution Radio’ y esa ‘Father Of All Motherfuckers’ que apunta a un nuevo disco cuanto menos diferente, pero con la misma energía de siempre. Para ello ya contaron con otro guitarrista más, Kevin Preston de Prima Donna, y el teclista Jason Freese. ‘Holiday’ y ‘Boulevard Of Broken Dreams’ fueron recibidas como maná caído del cielo, aunque la segunda mitad del setlist no iba a estar centrada únicamente en la renovada etapa que dio comienzo con American Idiot. En formato trío tocaron ‘Paper Lanterns’ y una improvisadísima ‘I Was There’ (la cual tuvieron que parar porque Tré Cool no se acordaba de como tocarla) poniendo la nota, aún más, nostálgica de la velada al rememorar sus primeras visitas a la capital.

Llegaba el bis con ‘American Idiot’ haciendo que el techo de La Riviera se sumase a las primeras filas sudando de lo lindo y una ‘Jesus Of Suburbia’ que volvió a dejar claro porque es la ‘Bohemian Rhapsody’ del punk rock. Magia condensada en apenas 10 minutos. Queríamos más y tras una breve y apresurada despedida esperábamos por un segundo encore que para sorpresa de todos no tuvo lugar. Fue el único punto negativo de un concierto que quizás mereció un cierre a la altura de las circunstancias. Pero en el fondo, poco importaba, porque Green Day nos habían tatuado en carne viva y sin anestesia una noche para recordar y darle envidia a los nietos. La noche en la que una de las bandas más grandes del mundo regresó al barro para recordarnos (y seguramente recordarse a ellos mismos) de donde vienen. 9


PIXIES 23/10/2019 - SANT JORDI CLUB (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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R

esulta llamativo el poder de convocatoria del que Pixies están disfrutando en esta etapa tardía de su carrera. Lograr un sold out anticipado en un recinto como el Sant Jordi Club hubiera sido inimaginable cuando el grupo estaba operativo en los 90. Pero está claro que, si posees un catálogo de canciones brillantes, y aguantas lo suficiente, cualquier cosa es posible. Lo curioso es que el cuarteto de Boston ni siquiera ha necesitado sumar a una nueva generación de fans. Vista la media de edad de los asistentes, pasando de los 40, parece evidente que su actual éxito se debe más a la nostalgia que al haber llegado a quienes no los vivieron en su momento. Pese a ello, Pixies se resisten a jugar el ser unas viejas glorias. Esa carta ya la quemaron cuando volvieron en 2004 y estuvieron diez años sin publicar material nuevo, pero desde entonces ya son tres los álbumes que

han lanzado, siendo el último de ellos, Beneath The Eyrie, más que notable. Es en ese contexto que sus actuales conciertos se convierten en un exhaustivo repaso al pasado y el presente con un repertorio de ¡40 temas! Pocos grupos se toman la molestia de preparar tantas canciones, y aunque su dedicación sea admirable, el problema de Pixies es que quizá no tengan el vigor para sostener la tensión a lo largo de dos horas. Se agradece que el grupo vaya por faena, al estilo ramoniano, sin apenas pausas y tocando un tema detrás de otro, pero al final el conjunto acaba siendo un poco plano y difuminado. A ello hay que sumarle el carácter nada empático de Black Francis, poco dado a darse baños de masas y sin ningún interés en crear esos momentos de clímax que hacen que un concierto se convierta en una experiencia emocional colectiva. Pese a su

resistencia –algo que también se nota en la austera producción escénica- el público se encargó de que ‘Isla De Encanta’, ‘Here Come Your Man’, ‘Wave Of Mutilation’ o, cómo no, ‘Where Is My Mind?’ sobresalieran por encima del resto. No fueron sólo sus mayores hits los que brillaron, también fue delicioso escuchar ‘There Goes My Gun’, ‘Cactus’, ‘Velouria’ o temas más recientes como ‘Catfish Kate’, ‘On Graveyard Hill’ o ‘Ready For Love’ o su versión de ‘Winterlong’ de Neil Young, sin embargo, en otros como ‘Gouge Away’ o la final ‘Debaser’ les faltó el punch de antaño. La banda suena bien, pero sin esa rabia oscura que subyacía en su música, y todo lo que han ganado con la incorporación de Paz Lenchantin queda contrarrestado por el papel demasiado secundario de la guitarra de Joey Santiago. Pese a todo es reconfortante ver que una banda capitalice el peso de su innegable influencia, ni que sea tarde.

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TOUCHÉ AMORÉ

AMFEST 10-13/10/2019 - FABRA I COATS (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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FOSCOR

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a edición más ambiciosa del AMFest, extendiéndose hasta cuatro jornadas y con más variedad que nunca, obtuvo la respuesta que merecía. Tanto el gran nivel de asistencia como la calidad de las actuaciones estuvieron a la altura de las expectativas. La única noticia negativa fue la más que alta probabilidad de que el año que viene no pueda celebrarse en un recinto tan ideal como el de Fabra I Coats. La construcción de un bloque de pisos en sus aledaños limitará tanto los horarios como los niveles de sonido. Esperemos que el AMFest pueda encontrar un nuevo hogar. Barcelona no puede permitirse que una iniciativa como ésta quede huérfana. JUEVES 10 La jornada inicial, a modo de warm-up show, tuvo como protagonistas a Foscor y Daughters. Dos grupos que ejemplifican la diversificación sonora que el festival ha ido adquiriendo con el paso del tiempo. Que se agotaran las entradas, si bien sólo estaba previsto que la mitad de la sala principal estuviera

DAUGHTERS

abierta, era un buen termómetro para intuir que la octava edición del AMFest iba a ser todo un éxito. Podría decirse que la voluntad de evolucionar era el eje común entre el festival y las dos bandas elegidas para dar el pistoletazo de salida. Los locales Foscor han ido dejando atrás el black metal para convertirse en autores de una música llena de claroscuros, en la que potencia sonora llega matizada por voluntades más atmosféricas y poéticas. El bolo suponía la primera oportunidad de escuchar en vivo los temas de su nuevo trabajo Els Sepulcres Blancs y la verdad es que funcionaron muy bien, en especial ‘Malson’ con ese toque dark más 80’s y la melancólica, pero robusta, ‘Cel Rogent’. Aunque quizá fue ‘Ciutat Tràgica’ del anterior Les Irreals Visions el que cautivó más al público. Su actuación fue otro paso más en su objetivo de ampliar su base. La expectación por ver a Daughters resultaba sorprendente teniendo en cuenta que su música no es precisamente fácil. Pero seguramente la reputación de tener un directo salvaje es un recla-

mo, incluso por encima de sus propios discos. Al igual que Foscor, el grupo de Providence ha mutado a lo largo de su carrera. Desde el vicioso grindcore de Canada Songs (del que ya no tocan nada) se han transformado en grupo entre el noise, el industrial y el rock fúnebre. Ver a Daughters en 2019 es como una jam entre Swans y Jesus Lizard comandados por un joven Nick Cave. Dicen que Alexis S.F. Marshall ya no desbarra tanto como antes, pero lo cierto es que el frontman hizo todo lo posible para mantener al público en tensión en todo momento, castigándose a base de golpes de micro o cinturón, bajando a la pista con actitud desafiante y acabando con el pecho descubierto lleno de heridas. Ampliando su formación a sexteto, Daughters consiguen un sonido que te engulle sin contemplaciones por volumen y oscuridad y te golpean con ‘The Hit’, ‘Satan In The Wait’, ‘Guest House’ o ‘Ocean Song’ que elevaron el concierto hasta el clímax. El suyo fue uno de esos conciertos que te dejan con mal cuerpo. En el buen sentido. 13


BRUTUS

VIERNES 11 Con ya los tres escenarios en funcionamiento, el desfile de un público de lo más variopinto, desde hipsters a más metaleros con totebags que nunca hayas visto, fue una constante. Si bien me perdí a Lume!, Tides Of Man y Falç De Matzinera, llegué a tiempo para cazar a Portrayal Of Guilt. La banda de Texas está acompañando a Deafheaven y Touché Amoré en su gira europea por lo que su parada en el AMFest era obligada. Su potencia desbordó las previsiones, combinando velocidad cercana al grind con otros pasajes más pesados y la voz gritona de Matt King. Toda una revelación. Menos estimulante resultó la actuación de los polacos Tides From Nebula. Nada que reprochar a su ejecución, ya que sonaron impecables y contaron con un elegante juego de luces, pero su post rock de manual no ofrece sorpresas y simplemente gusta, pero no cautiva. En cambio, lo de Brutus fue otro cantar. En el escenario 2, sin ningún tipo de parafernalia, su concierto nos recordó esa 14

honestidad y humildad del circuito alternativo de los 90. Comandados por la voz y la pegada a la batería de Stefanie Mannaerts, el trío belga disparó pelotazos como ‘Fire’, ‘War’ o ‘Cemetery’ convenciendo, una vez más, que su propuesta a base de instrumentación post hardcore y melodías líricas es de las más interesantes de la actualidad. Tras ellos, llegaba uno de los pesos pesados, en todos los sentidos, del festival. Con la sala abarrotada, Deafheaven nos pasaron por encima con un sonido atronador. Además George Clarke se mostró especialmente competente con su diabólica voz y esas dotes que hacen de él un frontman distinto a lo que está acostumbrado el público metal. Dada la longitud de sus temas, en su set sólo tuvieron cabida 6 temas, empezando con el reciente y atronador single ‘Black Brick’ y terminando con la ya clásica ‘Dream House’. Sigo pensando que aunque arrasan en su faceta más bestia, en los pasajes más ambientales todavía les falta algo de claridad, pero con todo siguen siendo devasta-

DEAFHEAVEN

dores. Aún mejor estuvieron Touché Amoré. Aprovechando el décimo aniversario de su debut …To The Beat Of A Dead Horse, que lanzaron este verano en una versión regrabada con el nombre Dead Horse X, los angelinos lo interpretaron de cabo a rabo en una primera media hora fulminante. El pit arengado por el empático Jeremy Bolm entró de inmediato en plena ebullición cantando, gritando y agitándose sin parar. Tras terminar el primer set con ‘Adieux’, la banda empezó a repasar otros temas de su discografía como ‘Just Exist’, ‘Pathfinder’, ‘New Halloween’ o su último single ‘Deflector’, canciones con más matices, pero igual de efectivas. Su paso por el AMFest consolidó su relación de amor con el público de Barcelona y apunta a que su crecimiento va a seguir siendo, merecidamente, imparable. Para terminar, el noise rock los andróginos Bo Ningen se mostró más domesticado de lo que recordábamos. Los japoneses contorsionaron sus largas canciones hasta el límite, pero faltó más sensación de locura.


LISABÖ

ZEAL & ARDOR

SÁBADO 12 Escuchando la perfección con la que 12Twelve ejecutaron su álbum Speritismo (2003), más dos temas de su póstumo L’Univers, nadie hubiera sospechado que llevaban once años sin tocar juntos. Los barceloneses se tomaron esta reunión en el AMFest realmente en serio y su fusión de post rock y jazz sonó tan intrigante como en la pasada década. Se ganaron una sonora ovación. En otro registro totalmente distinto también salieron victoriosos Zeal & Ardor. Los suizos contagiaron con su black gospel al público que, de nuevo, petaba la sala. Cada vez más compactos y con un repertorio sin apenas fisuras nos llevaron a un estado casi febril con temas como ‘Servants’, ‘Row Row’ o el himno ‘Devil Is Fine’. La voz de Manuel Gagneux sonó espectacular y se le vio hasta emocionado al comprobar la entrega con la que fue recibido. Habrá que ver hacia dónde tiran en su próximo trabajo para que la fórmula no canse, pero por ahora funciona de maravilla.

Antes, Cocaine Piss habían puesto el toque punk en el segundo escenario con unas canciones disonantes que se aguantan por la energía de su vocalista Aurélie Poppins. Y poco más. Otro de los nombres más esperados era el de Pelican, ausentes de nuestros escenarios desde hacía mucho. Al igual que su último disco Nighttime Stories, los de Chicago nos mostraron su cara más rockera y cruda. De él salieron hasta seis cortes, empezando por ‘Midnight And Mescaline’. La determinación con la que enlazaron riffs gordotes con algunos pasajes más melódicos y otros más caóticos hizo que, aunque la proliferación de grupos instrumentales parecidos les haga parecer menos originales, sigan sobresaliendo por encima del resto. Para acabar la noche por todo lo alto, todavía nos quedaba la fiesta de ZA!. Lo del dúo catalán más que contarlo hay que vivirlo, pero demostraron una vez más que virtuosismo y diversión no tienen que estar reñidos. Con decir que nos hicieron bailar con versiones de Gloria

Estefan, At The Drive-In o NIN sin que a nadie le chirriase lo dice todo. DOMINGO 13 Se hizo extraño ver un bolo de Alcest a una hora en que un domingo sueles desperarte de la siesta, pero quizá por eso los franceses consiguieron hipnotizarnos desde el inicio con ‘Écailles De Lune - Part 1’ hasta el elegante final con ‘Délivrance’ con su característica mezcla de nubes shoegazer con arrebatos black metaleros. Ainara LeGardon nos ofreció una masterclass sobre cómo jugar con las intesidades. Su música tan pronto te invitaba al más absoluto silencio, como te sacudía con el bajo de Rubén y la batería de Héctor y su guitarra provocando tormentas sonoras. Pero para tormenta, la que descargaron Lisabö. Viéndoles disfrutar tantísimo tocando juntos, te planteas la de grupos que has visto en los últimos años con el pilóto automático. Propulsados por los dos baterías y con sus recitados desgarradores cerraron el festival por todo lo alto. Acojonantes. 15


AIRBOURNE 26/10/2019 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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SUPERSUCKERS

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on Airbourne lo que se ve es lo que hay: hard rock clonado de AC/DC con el valor de ser interpretado con la energía necesaria como para que te acabes contagiando de su pasión. Dudo que nadie espere nada más de lo que ofrecen, y visto que agotaron todas las entradas de la sala grande de Razzmatazz, eso es justo lo que esperan sus seguidores. Son un valor seguro, pero no deja de ser un poco decepcionante que el combo australiano se conforme con repetir la misma fórmula una y otra vez. Podría decirse que hasta en eso quieren parecerse a sus maestros... Pero a diferencia de ellos, Airbourne van sacando discos (justo el día antes habían publicado el quinto, Boneshaker) y su lista de hits sigue estancada en los de su primer álbum. Quizá por eso la duración de sus conciertos sigue limitada a unos 75 minutos, más o

menos la mismo que ofrecieron en su primera visita hace ya más de una década. Eso sí, son 75 minutos a tope, en las que la comunión entre público y grupo es total; una fiesta, vaya. A ella se sumaron unos habituales de nuestros escenarios, Supersuckers, esta vez en el papel de teloneros y en formato de trío. Su actuación pasó sin dejar mella con un sonido pobre y la sensación de que Eddie Spaghetti está lejos de su mejor forma. Todo lo contrario que Joel O’Keeffe. El frontman de Airbourne se mostró pletórico, tanto de voz como físicamente. Es normal que salga directamente sin camiseta porque al minuto ya estaba sudando. El tipo corrió, brincó, salió a tocar hombros de un roadie entre el público, lanzó cervezas e hizo todo lo que estaba en sus manos para que no hubiera ni un segundo de descanso; hasta se convirtió en barman para repartir cubatas

en honor de Lemmy. Arrancaron sin contemplaciones con ‘Raise The Flag’ para a continuación quemar su primer gran cartucho con ‘Too Much, Too Young, Too Fast’. Euforia desatada que bajó ligeramente con la nueva ‘Burnout The Nitro’, pero que remontaron con una inapelable ‘Back In The Game’. A partir de ahí, la máquina siguió a tope de revoluciones con el guitarrista Matt Harrison más activo de lo que nos tenía acostumbrado David Roads. ‘Girls In Black’, ‘Bottom Of The Well’, ‘Breakin’ Outta Hell’, ‘It’s All For Rock’n’Roll’ fueron prologando el aquelarre de riffs, puños en alto y sudor hasta rematarnos en el bis con ‘Ready To Rock’, con el público coreando la melodía de guitarra como si fuera un cántico de fútbol, y la infalible ‘Runnin’ Wild’. Quien fuera la primera vez que los viera, alucinaría, pero para el resto, por muy bien que lo pasáramos, agradeceríamos alguna sorpresa en su próxima visita. Ni que sea una.

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OZZYO ADICCIÓN Busquet,

Colombo, Landa (GRAFITO EDITORIAL)

Nueva historia a la venta de Josep Busquet, guionista que recomendamos bastante a menudo, y no sólo por lo prolífico de su producción, sino por lo potente de sus historias: siempre hay algo que remueve la conciencia o el corazón en sus narraciones y en Adicción no iba a ser menos. Acompañado de dos talentosos artistas, esta vez nos invita a adentrarnos en una secuencia vertiginosa de reparto coral sobre mentiras, deseos, excesos y vidas destruidas. Porque los pequeños vicios son las reinas de la fiesta en nuestro día a día. SG EL HIJO DEL DIABLO Hideshi Hino (LA CÚPULA)

La biblioteca dedicada al maestro del terror japonés Hideshi Hino recibe de nuevo uno de los tomos más extensos de sus colección, inencontrable para los lectores desde hacía tiempo. En esta ocasión, Hino se sirve del mito del Moderno Prometeo para elaborar una grotesca historia de resurrecciones, maldiciones familiares y legados malditos. En su línea de mangaka clásico, la historia se narra en diferentes y aterradores cuentos, enlazados todos con un hilo central y siempre con fatal desenlace para los protagonistas accesorios. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

EL ALGORITMO DEL AMOR Judith Duportail

ESCLAVOS DE FRANCO Chesus Calvo (DIBBUKS)

(CONTRA)

Las llamadas nuevas tecnologías han supuesto un vuelco absoluto en cómo lo humanos gestionamos nuestra vidas y nuestra relación con los demás. Las relaciones sentimentales, el ligoteo o el cortejo –que cada uno escoja la manera de definirlo- es algo que ha movido al mundo desde el inicio de los tiempos y, como no podía ser de otra manera, la gente se ha lanzado en tromba a la que han visto el potencial mediante la conectividad digital. Por ello no debe extrañarnos el fenómeno en que se ha convertido Tinder desde el momento de su irrupción. La periodista francesa Judith Duportail hace un curioso aproximamiento a las entrañas de Tinder. Por un lado, mientras busca descubrir el complejo funcionamiento de la aplicación, la autora va explicando sus propias experiencias personales con gente que ha quedado a través de ella y que, en general, retratan el momento de confusión del género humano. Pero realmente lo interesante es cómo Duportail intenta entender sus misteriosos logaritmos. Tras descubrir que Tinder tiene asignado una puntuación a cada uno de sus millones de usuarios, puntuación absolutamente confidencial, se obsesiona con saber cuál tiene asignada. Por el camino entrevista a diferentes personajes, llegando al mismísimo CEO de Tinder. Si al final la autora encuentra o no, lo dejamos en el aire. Merece la pena descubrirlo leyéndolo. RR

Con la rendición de los últimos lugares fieles a la República, el gobierno golpista procedió a encarcelar a los soldados republicanos en campos de trabajo con el fin de que sirvieran como mano de obra gratuita finalizada la contienda. Esclavos De Franco narra la vida en uno de esos lugares, negados por los vencedores y revisionistas y, entre flashbacks que presentan diferentes momentos previos a la contienda, compone un lienzo que sirve para no olvidar (y denunciar) lo sucedido en aquellos infiernos. Obligatorio. SG PAUL HA MUERTO Paolo Baron y Ernesto Carbonetti (NUEVO NUEVE)

La llegada al panorama editorial de Nuevo Nueve en el ultimo trimestre del año sucede de la mano de jugosas novedades entre las que destaca este exquisito tomo que trata una de las leyendas urbanas más famosas de toda la historia de la música. Si no sabes qué sucedió en noviembre de 1966 en medio de la grabación de Sgt. Pepper, adéntrate en esta fantástica composición que juega con los hipotéticos y fatales sucesos de aquellos días; y si conoces la historia -cosa que imaginamos- lo disfrutarás muchísimo más si cabe. SG


DE CINE_ CON MIGUEL BAIN LA OVEJA SHAUN - GRANJAGUEDÓN SLAPSTICK EN LA TERCERA FASE

A

fortunadamente, el fiasco creativo que supuso Cavernícola ha quedado sepultado bajo toneladas de lana de plastilina. Aardman Animations no podía permitirse vulgaridades después de completar la trilogía de le mediocridad con un trabajo prehistórico que cerraba un trío de infortunios junto a Ratónpolis y Arthur Christmas: Operación Regalo. Bien, esos traspiés ya no nos preocupan, porque el estudio británico ha recuperado la magia con la primera secuela de la casa. Para ello, nada mejor que recuperar a la oveja más cool del mundo. Con ella, Aardman regresa a lo que mejor sabe hacer: llenar de corazón

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a sus figuras y a sus historias. La Oveja Shaun. La Película: Granjaguedón, es puro slapstick en la tercera fase y un frenesí de referencias geniales desde el primer al último plano. Y puede parecer sencillo, pero no lo es en absoluto. Para empezar, la película sigue apoyada en la ausencia de diálogos, algo habitual en sus trabajos, pero es que tomando como referencia y punto de partida al extraterrestre bueno de Steven Spielberg, la secuela de la película de la oveja Shaun consigue una obra maestra a partir de un juego de referencias y guiños constante. Doblemente difícil, ya que el espectador más puesto en en el tema estará esperando y creyendo saber cuál será el siguiente chiste a costa de cualquier autor, palabra escrita o imagen registrada en el género. Son muchas las virtudes y aciertos de una pelícua así, pero que se hayan molestado en recrear los efectos especiales artesanales (cómo no) del cine de los 80 es una jugada maestra para una obra maestra. Magia blanca.

DOCTOR SUEÑO

LA SOMBRERERA LOCA

M

ike Flanagan es un ente extraño dentro del espectro del cine de género norteamericano. Desde hace prácticamente una década está rodando sin parar películas de terror, pequeñas, alejadas de modas y corrientes de sustos fáciles. El cine de Flanagan es discreto, artesano. Pausado. Pequeño. Por eso no deja de sorprender el hecho de que haya sido él quien se encargue del marrón que supone continuar, casi medio siglo después, la que podría ser la película de terror perfecta. Siempre aprobando sin esfuerzos, no era una tarea imposible encontrarse ante la mejor película de Flanagan.

Y, en efecto, así es. Doctor Sueño es un estimulante thriller de terror absolutamente noventero y delicioso. También es triste. Muy triste. Y durante dos de las dos horas y media que dura, funciona como un tiro. Pero el legado pesa tanto que termina por jugar a la contra a pesar de haber sido invitado con cordialidad. Por eso al final, cuando en teoría la película debería crecer, la sensación es que se hace pequeñita. El tramo final termina siendo una entrada carísima a una haunted house temática (ya sabes) que se desmadra de manera inevitable, pero sin molestar. A pesar de todos los riesgos que conlleva realizar una secuela de El Resplandor, puede que disfrazar a la villana de la función de cantante de 4 Non Blondes sea el más excesivo de todos. Pero quedémonos con lo bueno. Doctor Sueño es sexi, cruel y ligera pese a su duración, y se antoja obligatoria en estos tiempos de mal género gracias a una tristeza y dulzura atípicas en el horror de hoy.


New album // Available November 15

raisedfist.com

epitaph.com


JIMMY EAT WORLD

VIVIR o SOBREVIVIR (ésa es la cuestión)

JIMMY EAT WORLD ESTÁN DE CELEBRACIÓN. EN EL MISMO AÑO EN EL QUE CLARITY CUMPLE LOS 20 Y FUTURES ALCANZA LOS TRES LUSTROS, LOS DE ARIZONA VUELVEN PARA PRESENTARNOS SU DÉCIMO ÁLBUM SURVIVING. EN ÉL, LA BANDA SE HA DESNUDADO Y SE HA QUEDADO CON LO ESENCIAL, CON LO QUE REALMENTE IMPORTA. TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: DR


A

LEJADO EN SONIDO

de su último álbum de estudio Integrity Blues, Jimmy Eat World nos traen un disco cargado de contrastes y que recupera los riffs más duros que conocimos con Bleed American, a la vez que exploran nuevos caminos. El cuarteto tiene claro que quiere seguir sobreviviendo, y ése es el mensaje que nos lanzan en cada uno de los diez cortes de Surviving (RCA/Sony). En plena madurez, tanto musical como personal, Jim Adkins (voz, guitarra), Tom Linton (guitarra), Rick Burch (bajo) y Zach Lind (batería) quieren compartir algo de la sabiduría que han adquirido en todos estos años en las que han ido salvando obstáculos.. Hablamos con Rick en un descanso entre los conciertos que les están haciendo viajar por Inglaterra entes de dar el pistoletazo de salida a su tour norteamericano.


Os encontráis en medio de una

Surviving… Habéis mencionado

ving os habéis desecho de todo

gira por el Reino Unido y en

muchas veces que grabáis y

lo que no necesitabais. ¿A qué

noviembre saltáis para Estados

guardáis todo porque nunca se

cosas habéis dicho adiós como

Unidos. ¿Tenéis pensado des-

sabe y que rescatáis viejas ideas

banda y como personas?

pués algún tour por Europa para

que se quedaron por el camino.

presentar el disco?

¿Hay algo de eso en este nuevo

RICK BURCH “Sí, del Reino Unido

trabajo?

iremos a Estados Unidos, pasaremos las vacaciones en casa y el próximo año planeamos girar por todo el mundo con Surviving. ¡Tenemos muchas ganas!”.

“Tener 25 años de experiencia y diez álbumes a las espaldas hace que no paren de brotar nuevas ideas, pero también hay otras que nacieron en el pasado y que quizá no fueron apropiadas por aquel entonces o que nunca terminaron de desarrollarse. En esos momentos decidimos guardar todas esas ideas en libretas y esta vez, con Surviving, recuperamos notas y cuadernos y encontramos muchas piezas decentes que funcionarían para lo que estábamos creando ahora. Y son ideas familiares, por eso este álbum suena tanto a Jimmy Eat World. Aunque también hemos metido cosas nuevas, hemos explorado nuevos caminos”.

“Así es. Con este disco nos hemos centrado en el ‘menos es más’, algunos de los sonidos rockeros, las guitarras… nos dimos cuenta de que algunos de nuestros sonidos favoritos no eran más que una única guitarra tocada de manera excepcional. Para Integrity Blues trabajamos con muchas capas, demasiados recursos para hacer un solo sonido, y esta vez hemos trabajado con una perspectiva distinta. Hemos puesto el foco en algo sencillo y de calidad, dejando más aire, más espacio, para que los sonidos respiren y cobren vida”.

¡Por aquí también tenemos ganas de veros! Hablando de Sur-

viving, repetís con el productor Justin Meldal-Johnsen, quien ha trabajado con Beck o Paramore. ¿Qué os ha hecho volver a confiar en él para un disco tan distinto al anterior?

“Inicialmente, la decisión de trabajar con él por segunda vez fue porque tuvimos una experiencia tan brutal mientras hacíamos Integrity Blues juntos que nos quedamos con ganas de pasar más tiempo con Justin. De ser creativos juntos. Sabíamos que queríamos hacer algo distinto a nuestro último álbum y tuvimos confianza ciega en que Justin nos ayudaría a conseguir justo lo que buscábamos. Tiene muchos talentos y muy diversos, se le da muy bien ayudar a una banda a crear un álbum personal, el álbum que están buscando, y es un gran productor… un gran… ¡Tío! ¡Es un gran tipo! (Risas)”. “¡Es un gran tipo!”. Nos quedamos con eso (risas).

“Es un líder, es un ‘facilitador de conceptos’… No importa qué sonido estés buscando; con él lo vas a conseguir”.

sonidos y colaboraciones como la de Davey Havok de AFI en ‘Congratulations’ o la del saxofonista James King de Fitz And The Tantrums en ‘All The

Justamente habéis recuperado

Way (Stay)’. ¿Hasta qué punto

‘Love Never’ de un sencillo ante-

estuvieron involucrados en su

rior que podría haber sido parte

creación?

de Bleed American perfectamen-

“Fueron ideas que surgieron una vez tuvimos las canciones prácticamente terminadas. Con Davey nos pasó que mientras escuchábamos la canción nos venían recuerdos de AFI y pensamos que podría ser una buena idea que nos ayudara con las voces. Siempre hemos sido amigos y hay muy buen rollo, y a él también le hizo ilusión trabajar con nosotros. Y lo mismo con James King. Sabíamos que faltaba algo, que teníamos que completar el final de ‘All The Way (Stay)’, pero no sabíamos con qué exactamente y tiramos por algo que no habíamos hecho hasta ahora: un saxofón. Al principio, si te soy sincero,

te. ¿Estamos ante una mirada al pasado?

“Sí, podría decirse que sí. Hay nostalgia en este álbum y ‘Love Never’ es un buen ejemplo de ello. Es una canción que lanzamos hará como un año y de la que estamos muy orgullosos, por eso pensamos que incluirla era lo correcto. Creemos que es un perfecto conector entre el clásico Jimmy Eat World y los nuevos sonidos”. Hablando de lo clásico, Jim Adkins ha dicho que mientras que

Veo que trabajáis genial juntos.

la filosofía de Integrity Blues fue

Háblame de cómo y cuándo nace

‘cuanto más, mejor’, para Survi-

24

Y a la vez dejáis paso a nuevos


“TODOS DEBERÍAMOS TENER DERECHO A EXPRESARNOS Y SER OÍDOS. SOBRE TODO POR AQUÉLLOS QUE SE SUPONE QUE NOS REPRESENTAN” RICK BURCH no estaba nada seguro de cómo iba a quedar, pero ahora no me la imagino sin el saxo. ¡Es imposible! Es justo lo que necesitaba y fue muy divertido hacerlo”.

También relaja, aunque por poco rato… ‘One Mil’ empieza un poco balada para dar paso a un guiño rockero a todos los introvertidos. ¿Es algo con lo que os sentís identificados?

¡Probar cosas nuevas debe ser siempre divertido! Como el toque ochentero que tiene ‘555’, que además nos da como un respiro a mitad de álbum, como

“Totalmente. ‘One Mil’ es una canción para los introvertidos, empieza suave pero enseguida coge ritmo en una especie de diálogo con uno mismo”.

para coger fuerzas y seguir…

“Me encanta esa canción. Es una idea que nos trajo Jim cuando ya teníamos el álbum bastante avanzado y que rompía un poco con lo que estábamos haciendo. Teníamos dudas sobre cómo encajaría con el resto de canciones pero, una vez más, y ahora que lo vemos terminado, le da espacio al disco, personalidad. Al ser distinta compensa el resto de temas, es aire fresco entre tanto rock, por eso me gusta tanto”.

de la sociedad que les rodea y es bastante complejo. ¿Por qué no nos podemos llevar bien todos y ya está? (Risas) No, en serio, es frustrante no ser escuchado y veo que esto ocurre por todo el mundo y no sé a dónde nos va a llevar… Todos deberíamos tener derecho a expresarnos y ser oídos. Sobre todo por aquéllos que se supone que nos representan”. Volviendo al disco, está repleto

Como de costumbre no olvidáis

de temas con muchos contrastes

la política y en ‘Criminal Ener-

y canciones que parecen hechas

gy’ habláis de conspiraciones

para el directo. ¿Tenéis esto en

y miseria. No sé si conocéis lo

cuenta cuando hacéis un álbum?

que está ocurriendo últimamen-

“Cuando grabamos intentamos centrarnos en los temas uno a uno, individualmente, y darles el lugar que se merecen. El sonido que acaban teniendo no siempre está calculado ni pensado, dejamos que se vayan desarrollando de forma orgánica, que la música nos diga cómo quiere

te en Catalunya, ¿qué visión tenéis?

“Lo que está ocurriendo entre Catalunya y el resto de España ha ocurrido en otras partes del mundo antes. Hay personas que no se sienten representadas, que no se sienten parte

25


“SURVIVING HA SIDO UNA BUENA DOSIS DE ILUSIÓN Y GANAS DE SEGUIR” RICK BURCH

ser. Cuando un álbum está completo es una representación perfecta de cómo nos hemos sentido durante su creación, son instantáneas de lo que nos ha interesado o emocionado a lo largo del proceso”. Quizá sea por eso que es tan diferente a Integrity Blues. ¿De dónde sale toda esta energía que caracteriza a Surviving?

“Creo que es simplemente toda nuestra emoción contenida de crear nueva música, de crear nuestro décimo álbum. ¿Sabes? Muchas bandas hablan de su décimo álbum porque es algo grande, es un pararte a pensar si vas a seguir el camino que llevas andando tanto tiempo y revivir lo que hiciste en el pasado o acercarte a nuevos enfoques, mirar al futuro y crear cosas nuevas. Nuestra energía es esa ilusión”.

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Y hablando de mirar al futuro, ¿cuál es la diferencia entre vivir y sobrevivir?

“Creo que a medida que avanzamos en la vida nos ponemos limitaciones, a lo mejor debido al miedo o a la inseguridad, pero nos cuesta intentar cosas nuevas o situarnos en lugares desde los que podamos crear. Estamos cómodos donde estamos, aunque sepamos que quizá no es el mejor lugar, y eso nos aleja de poder crecer y progresar. En la caja que nos hemos construido para ello, para estar cómodos, estamos sólo sobreviviendo, y lo contrario a ello es vivir: es derribar las paredes de esa caja, poner un pie fuera y empezar a caminar. Asusta, pero es reconfortante”. Y en ese proceso, ¿qué papel juega este álbum para Jimmy Eat World?

“Surviving tiene un papel muy importante en nuestra vida como banda, nos ha dado momentos muy divertidos, no sólo componiéndolo sino también al llevarlo al directo. Y eso es precisamente lo que queremos ahora, viajar, subir al escenario y compartirlo con todo el público. Ha sido una buena dosis de ilusión y ganas de seguir”. ¿Alguna canción que te haga especial ilusión?

“¡Va cambiando! (Risas) Al principio era ‘555’, contiene una melodía preciosa, pero últimamente me está gustando mucho ‘Criminal Energy’. Tiene mucha energía, es afilada y tengo muchas ganas de tocarla en directo”.


VOLBEAT

HÉROES Y VILLANOS


SON UNO DE LOS GRUPOS EUROPEOS MÁS EXITOSOS DE LOS ÚLTIMOS AÑOS Y TAMBIÉN DE LOS QUE PEORES CRÍTICAS RECIBEN. LO QUE NADIE PONE EN DUDA ES QUE EL CRECIMIENTO DE VOLBEAT ES IMPARABLE. NOS SENTAMOS A HABLAR CON SU GUITARRISTA ROB CAGGIANO EN MADRID PARA AVERIGUAR POR QUÉ DESPIERTAN TANTOS SENTIMIENTOS ENCONTRADOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

S

I NO FUESE POR LOS TRES NIGHTLINERS y el camión con el

logo de Volbeat que hay aparcados justo en la entrada de La Riviera, me costaría pensar que esta noche toca aquí una de las bandas más populares de rock y metal surgidas en esta década. Y no lo digo tampoco por la cola de valientes luciendo sus camisetas que están desafiando el calor que hace a las cinco de la tarde en pleno octubre, sino porque el guitarrista Rob Caggiano está atendiendo tranquilamente a los fans, haciéndose fotos y firmando discos sin armar alboroto alguno. Al poco tiempo aparecerán los chicos de Baroness y Danko Jones con la misma naturalidad por las inmediaciones de la sala. Ni siquiera la entrada al recinto de Michael Poulsen, líder indiscutible del combo danés, es recibida con un gran entusiasmo por parte de los que esperan pacientes a que se abran las puertas. Ni gritos, ni carreras, ni fans histéricas. Todo en calma. A pesar de que su reciente Rewind, Replay, Rebound (Vertigo/Universal) ha tenido la mejor entrada en las listas de ventas de nuestro país de toda su carrera, es un detalle que evidencia lo mucho que les queda por trabajar en España para llegar al mismo nivel que gozan en Alemania o Escandinavia, donde desde hace tiempo son un grupo enorme. Algo que el propio Caggiano me confiesa minutos después en su autobús de gira mientras realizamos

esta entrevista. En una primera ojeada, no se detectan bebidas alcohólicas ni ropa interior femenina desperdigada por los asientos, desmontando esa vieja idea que tanto se nos ha vendido en las películas sobre las estrellas del rock. Lo que sí me encuentro en su mesa es una copia en DVD de Green Book, la oscarizada película protagonizada por Viggo Mortesen, y un ejemplar de Coal Black Mornings, la biografía de Brett Anderson. “¿Te gustan Suede?”, me pregunta Rob. Le reconozco que tampoco les he seguido mucho, aunque sí conozco sus tres primeros trabajos. “Son un grupo fantástico. Me encantan”, concluye. Por lo que se ve, los libros y las películas le deben de quitar más horas de sueño que los recientes problemas que ha sufrido Michael Poulsen, obligándoles a cancelar un par de actuaciones en esta actual gira. La de hace unas semanas en Belfast fue especialmente dolorosa al no ser capaces de pasar de la primera canción debido a la indisposición del vocalista para seguir cantando. Es el primer punto de una conversación donde también abordamos la legión de detractores que les acompañan desde hace tiempo, casi en la misma cantidad que la gente que acude a sus conciertos. El exAnthrax tiene muy claro con cuál de los dos bandos se queda. Lo primero de todo, ¿qué tal se encuentra Michael? Sabemos que estos últimos días ha tenido algu-

nos problemas de voz. ROB CAGGIANO “Está perfecto y

completamente recuperado. No hay problema con ello”. La semana pasada en Belfast os visteis obligados a abandonar el escenario a la primera canción. No sé si puedes explicar qué es lo que ocurrió realmente.

“La verdad es que tampoco podemos hablar mucho de eso ahora mismo. Lo único que te puedo decir es que muy pronto anunciaremos nuevas fechas en las ciudades donde nos vimos obligados a cancelar los conciertos”. ¿Alguna vez en toda tu carrera te había ocurrido algo parecido?

“Lo he visto algunas veces… como fan, me refiero. Recuerdo que una vez fui a ver a Hypocrisy en Nueva York y les ocurrió algo parecido. Pero al final es música en directo. Nada es perfecto y puede pasar en cualquier momento”. OK, pasemos a hablar de

Rewind, Replay, Rebound. Es vuestro séptimo álbum de estudio y a estas alturas Volbeat ya tiene un sonido más que reconocible. ¿Cómo encarasteis la creación de este disco?

“Estamos muy orgullosos de este álbum. Pasamos mucho tiempo trabajando en él. Lo que intentamos hacer esta vez fue coger todos los elementos del sonido de Volbeat por los que somos conocidos y llevarlos más 29


lejos, experimentar y divertirnos con ello. No queríamos repetir lo que ya hicimos en los anteriores discos, sino empujarnos a hacer algo diferente. Y creo que lo conseguimos. El sonido rock’n’roll de los 50 y 60 es mucho más auténtico en este álbum con el piano y el saxofón que usamos en ‘Die To Live’, por ejemplo. Creo que supimos capturar el espíritu de esa canción. También diría que la parte melódica de Volbeat ahora es mucho más grande”. Sin duda. De hecho, mi impresión es que cada vez sonáis más y más melódicos. Vuestras influencias del metal y el hard rock siguen ahí, pero esta vez parecen más difuminadas. ¿Os resulta complicado encontrar un

Volviendo a ‘Die To Live’, seguramente sea una de las canciones más fiesteras de Rewind, Replay,

Rebound. En ella participan Neil Fallon de Clutch y Raynier Jacob Jacildo y Doug Corocran de la banda de JD McPherson. ¿Cómo surgió?

“Somos amigos de los chicos de Clutch desde hace un montón de años. Hemos hecho muchas giras y conciertos juntos. Siempre habíamos hablado de que hiciesen alguna colaboración con nosotros. Sólo era cuestión de escribir la canción adecuada, y en este disco la teníamos. Neil suena fantástico, es un cantante bestial. Por otro lado, somos grandes seguidores de JD McPherson. Raynier y Doug hicieron un trabajo estupendo y consiguieron llevar la canción a otro nivel”.

equilibrio?

“No lo sé. Es difícil de decir. Hay muchos sabores distintos en este disco. De todas maneras, cualquiera de los chicos del grupo creo que te dirían lo mismo: nunca nos hemos considerado un grupo de metal. Eso para empezar. Somos un grupo de rock con influencias del metal, punk rock, rock’n’roll, country... Y eso es lo que hace que Volbeat suene así. Pero aún forma parte de nuestro ADN. Crecimos escuchando ese tipo de música y cada vez que escucho el disco sigo notando que está presente. Incluso en una canción como ‘When We Were Kids’, que es un paso hacia una dirección que nunca habíamos explorado. Nunca antes habíamos hecho una canción así. Y es un tema muy melódico, pero en la parte central aparecen nuestras raíces metaleras. Hay muchos momentos así en todo el álbum. Hay un poco de todo para todo el mundo”.

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En todos vuestros discos siempre hay alguna colaboración. ¿Hay alguien que os haya dicho que no?

“No recuerdo que nadie haya rechazado colaborar con nosotros”. ¿Y a quién os gustaría tener en alguna de vuestras canciones? ¿Tal vez a Ozzy Osbourne o James Hetfield? Aunque, bueno,

una amistad más fuerte que entonces. Nos conocemos mejor y eso hace las cosas mucho más sencillas. Musicalmente, creo que todos seguimos en la misma página en cuanto a lo que la visión del grupo se refiere. Nuestro instinto musical está a la par cuando componemos”. Siguiendo por ahí, venías de una banda importante como Anthrax, pero la realidad es que Volbeat con el tiempo han terminado por ser incluso más grandes. ¿Notaste mucha diferencia entre un grupo y otro cuando entraste?

“Lo cierto es que cuando me uní a Volbeat ya sentía que estaban creciendo muchísimo. Era muy emocionante. Aún sigo pensando que estamos en pleno crecimiento, lo cual es genial. Y no me entiendas mal, hice grandísimos conciertos con Anthrax y estoy muy orgulloso de todo lo que viví con ellos, pero es algo completamente diferente, ya que ellos llevaban siendo un grupo desde hace mucho tiempo. Ya tenían el estatus de leyendas dentro del metal. En cambio, con Volbeat, creo que aún tenemos mucho que demostrar y eso hace que todos nosotros estemos hambrientos de seguir avanzando”.

sería como tener a dos Hetfields en el grupo...

Lo curioso es que ha sido justa-

“Eso suena interesante (risas). Pero hablando en serio, me gustaría trabajar con Tom Jones, por ejemplo”.

mente con tu llegada cuando Volbeat han publicado sus álbumes más exitosos. ¿Piensas que tu incorporación ha sido clave para

Seguro que estaría bien. Cam-

haber llegado a este nivel?

biando de tema, tú llegaste a la

“Eso espero (risas). No, en serio, es difícil de decir. Simplemente hago lo que hago y creo que funcionamos muy bien juntos. Parece que el sonido que creamos le gusta a la gente y eso nos

banda en 2013. ¿Cómo ves que habéis evolucionado tanto el grupo como tú desde entonces?

“Bueno, obviamente ahora tenemos


“CREO QUE AÚN TENEMOS MUCHO QUE DEMOSTRAR Y ESO HACE QUE TODOS NOSOTROS ESTEMOS HAMBRIENTOS DE SEGUIR AVANZANDO” ROB CAGGIANO hace sentir muy bien como banda”. Aun así, me sorprende que, por ejemplo, hoy toquéis en una sala de apenas 2.000 personas cuando en otros países ya llenáis pabellones grandísimos. ¿Es todavía pronto para vosotros el intentar hacer lo mismo en España?

“Bueno, en realidad ése es el plan que tenemos. Lo que estamos intentando es abrir mercado en países que no están al mismo nivel que otros como, por ejemplo, Alemania, que es muy importante para nosotros, al igual que otros sitios de Europa. Pero en España, a pesar de que ya hemos estado varias veces, no hemos tocado lo suficiente. Y es algo de lo que hablamos mucho. Queremos venir más a menudo. A juzgar por el público que hay hoy aquí

y viendo que se han agotado las entradas, pienso que la gente está realmente entusiasmada con Volbeat. Con suerte, después del concierto de esta noche, la próxima vez que toquemos en Madrid lo haremos en un lugar más grande con todo nuestro espectáculo. Pero el de esta noche va a ser un muy buen concierto, ya lo verás”. Sois de los pocos grupos nuevos que están encabezando grandes

estar otros veinte o 30 años en la cima?

“Es una pregunta muy interesante (risas). No lo sé, no pensamos tanto en esos términos. Sólo procuramos ser lo mejor que podemos a día de hoy. Al menos en las cosas sobre las que tenemos control, que es el crear música que nos haga sentir felices y orgullosos en estos momentos. Lo único que puedo decir es que tenemos que seguir trabajando y hacer lo que hacemos”.

festivales y este próximo verano volveréis a hacerlo. Viendo

Por otro lado, a pesar de todo

que leyendas como Slayer, Ozzy

el éxito, también sois uno de los

Osbourne o Scorpions están lle-

grupos más criticados actualmen-

gando al final de sus carreras,

te, tanto por la prensa como por

es obvio que tiene que haber

los fans del metal. Es algo que

un relevo y vosotros estáis ahí

también le ocurre a Ghost, Saba-

al acecho. ¿Qué crees que ten-

ton o Avenged Sevenfold.

dríais que hacer para llegar a

“Le pasa hasta a Metallica (risas).

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“EL MUNDO ESTÁ MUY JODIDO Y EL ROCK’N’ROLL SIEMPRE HA SIDO SINÓNIMO DE REBELIÓN” ROB CAGGIANO Desgraciadamente, es así. Es algo que escapa de nuestro control. No estoy muy seguro de cómo responderte, pero la realidad es que hacemos lo que nos gusta. Como decía antes, Volbeat nunca ha sido un grupo de metal, sino una banda de rock con influencias del metal. Hay gente que dice ‘oh, ya no hacen metal’. O incluso de mí, piensan que soy el miembro más pop del grupo. El tío que tocaba en Anthrax (risas). Es divertido ver cómo piensan algunas personas. Pero lo verdaderamente importante es que, aunque prestamos atención a lo que se escribe en las redes y demás, en realidad no le damos tanta importancia porque suele ser una representación muy pequeña a nivel demográfico. Recuerdo que una vez estábamos tocando en un pabellón e hicimos un par de canciones realmente cañeras de los dos primeros discos. Y el 95% de la gente se quedó mirándonos como si fuésemos extraterrestres porque no las conocían (risas)”. Tal vez porque esa gente os des-

posible. La música siempre estará polarizada. No a todo el mundo le debería gustar todo. Eso sería muy aburrido”.

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Blinders e incluso hay alguna mención en ‘Cheapside Sloggers’. Imagino que sois grandes segui-

¿Piensas que parte del público

dores… ¿De dónde viene la idea?

que viene del rock y el metal

“Es algo que nos inspiró cuando estábamos componiendo el álbum. Por supuesto nos encanta la serie, pero tiene más que ver con la estética y el espíritu de aquella época. Mola mucho. Hasta llevo la gorra en los conciertos (risas)”.

rechaza de manera sistemática cualquier cosa que llega al mainstream en lugar de alegrarse por ello y apoyarlo? Quizás así la gente dejaría de decir que el rock ya no es importante o que está muerto.

¿Y ya habéis tenido tiempo

“Por supuesto que ni el rock ni el metal están muertos. Slipknot acaban de ser número uno en las listas. Y los conciertos de rock son ahora más grandes que nunca, mucho más que los de cualquier otro estilo de música. Creo que el rock está más vivo de lo que nunca antes lo ha estado. Pero también la industria ha cambiado, la manera en la que se venden discos es diferente. El mundo está muy jodido y el rock’n’roll siempre ha sido sinónimo de rebelión. No creo que eso vaya a desaparecer por ahora”.

para empezar a ver la nueva

cubrió con los últimos discos.

“Exacto. A lo que voy es que no puedes contentar a todo el mundo. Es im-

basado en la serie de Peaky

Para ir acabando, el artwork de

Rewind, Replay, Rebound está

temporada?

“Aún no. Ahora mismo estoy leyendo el libro de Brett Anderson, que es absolutamente increíble. Éste es su primer libro, se llama Coal Black Mornings. El nuevo salió justo la semana pasada y también quiero leerlo. Cuando los acabe me pondré con la nueva temporada de Peaky Blinders. Seguramente cuando vuelva a casa después de la gira (risas)”.


MAYHEM

EL CEREBRO DE LA BESTIA

ES MUY PROBABLE QUE DAEMON SEA EL ÁLBUM QUE MUCHOS FANS DE MAYHEM LLEVAN PIDIENDO DESDE HACE 25 AÑOS. “SIMPLE, SIMPLE, SIMPLE…”, SE REPETÍAN LOS NORUEGOS DURANTE SU GESTACIÓN. NO ADMITE DUDAS: SU NUEVO DISCO ES LO MÁS PARECIDO A DE MYSTERIIS DOM SATHANAS QUE HAYAN ENTREGADO EN UN CUARTO DE SIGLO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR


M

AYHEM ES MÁS QUE UNA BANDA.

Su leyenda negra les acompañará siempre y, además de sus clásicos giros musicales en cada nueva obra, ésta es en parte la gran responsable de que, tantos años después, cada uno de sus pasos se siga siguiendo con detenimiento. Seas partidario o detractor, nadie escapa al morbo que provocan. Asesinatos, suicidios, quema de iglesias… En los estertores de este convulso 2019 resulta innecesario redundar en aquello que, con mayor o menor acierto, incluso ya ha sido llevado al cine, así que cuando nos dijeron que nuestro interlocutor para diseccionar Daemon (Century Media) iba a ser Morten Bergeton Iversen, más conocido como Teloch, lo vimos como una oportunidad. Sí, una oportunidad para conocer al combo más polémico de la historia desde un prisma muy distinto y, a su vez, romper con algunos tópicos. Total, las entrevistazas con el cantante Attila Csihar ya las hicimos durante el periodo de Esoteric Warfare, así que no venía de aquí... Efectivamente, durante una charla de lo más amigable no exenta de humor, el nuevo cerebro de la bestia nos aportó un punto de vista muy distinto de lo que, a priori, se pueda esperar de Mayhem, y por si lo echas en falta, sobra decir que esta entrevista se realizó antes de que Necrobutcher afirmara que él también quería matar a Euronymous. A saber qué nos habría contado Teloch al respecto….


En la primera canción, ‘The

álbum, en grandes temas como

do en las grandes formaciones

Dying False King’, puedo escu-

‘Daemon Spawn’… ¿Es algo que

de black metal noruego es que

char detalles como el bajo de

hablasteis entre todos o simple-

todas ellas tienen o tenían su

Necrobutcher muy alto, también

mente él decidió grabarlas así?

propia personalidad, aunque

en ‘Agenda Ignis’ o ‘Falsified

“Es algo que surgió más bien en el estudio, aunque hicimos algunas demos donde ya había el estilo más operístico. Pienso que mola mucho, opino que, que haya más voces así, está muy bien”.

la gente suela identificarlas con

And Hated’… Vibraciones que nos llevan a De Mysteriis Dom

Sathanas, como las disonancias heladas de ‘Aeon Daemonium’. Opino que, en general, este nuevo álbum es el más cercano al

un sonido unitario. Lo cierto es que eso nunca existió. Emperor no tienen nada que ver con Darkthrone, Mayhem no tienen nada que ver con Immortal, y lo mismo con Mysticum y Burzum,

primero que hayáis hecho.

Es raro, porque desde De Myste-

por ejemplo.

TELOCH “Mmm… Sí, todo el mundo

riis Dom Sathanas habéis edita-

lo está diciendo, pero nosotros, la banda, no lo escuchamos así realmente (risas). Lo que habitualmente respondo es que hemos tomado otra senda. Puedo entender que la gente haga esa relación, que los vea cercanos, así que está bien para nosotros”.

do cuatro álbumes muy distintos

“Sí, sí, considero que todas las antiguas bandas noruegas tenían un estilo único y también un sonido único. No creo que los grupos noruegos sonaran de una forma ordenada… en ese periodo, al menos. Todos tenían un sonido distinto, no creo que haya uno noruego específico. Todas las bandas tenían un estilo único también”.

sin contar Daemon, con características experimentales y cada uno diferente al anterior, pero sin embargo, la gente asocia vuestro sonido clásico con el debut, ocurra lo que ocurra. ¿Qué opinas de ello?

Para serte honesto, ‘Malum’ parece escrita con De Mysteriis

Dom Sathanas en mente… ¿No crees que pasar tanto tiempo tocando el disco estos últimos años por el mundo os haya podido crear el deseo de hacer

“No lo sé. Creo que sólo hemos tratado de volver a tocar black metal más simple y no necesariamente buscando una conexión con De Mysteriis. Hemos tratado de volver a ese sonido, pero está muy bien que la gente lo piense, no hay problema”.

un álbum en esa línea, no tan experimental?

Por otro lado, me sorprendieron

“No, toda la idea fue hacer un disco más sencillo, no necesariamente volver atrás hacia De Mysteriis Dom Sathanas porque no podríamos volver al punto de hacer un disco como aquél. No podría ser lo mismo porque son distintos compositores, todos se hacen mayores, y la música cambia ahora. Sería suicida tratar de hacer un De Mysteriis… Sólo hemos tratado de hacer un álbum más simple, más como una vuelta a las raíces de alguna manera, a los días locos”.

esas declaraciones en las que de-

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das, quemar iglesias y tal, pero eso no se trasladaba necesariamente a la música… (Risas).

“(Risas) Creo que la mayoría tenían los mismos principios, pero en lo que se refiere al sonido, eran muy distintas”.

cías que Mayhem no erais exac-

Volviendo al nuevo trabajo, no

tamente una banda de black

me gustaría pasar por alto una

metal. Es interesante, cuéntame

canción como ‘Invoke The Oath’.

más sobre ello…

Me ha impresionado. Es impe-

“No, es sólo que no somos puro black del todo, como debería ser. No veo a Mayhem como algo tan cerrado, más bien como una banda punk actualmente desde el punto en que nos representa a nosotros mismos y también a la música. Si lo analizas es más como una banda punki, no tanto como una de metal”.

rial, majestuosa. ¿Qué me pue-

Es que, además, Attila recupera sus voces más operísticas en el

Ya, ya, tenían actividades pareci-

des contar de ella?

“Buscamos crear casi una canción ritualística, no hay demasiado más detrás realmente. Traté de hacerla lo más ritualística que pude y creo que lo logré”. Descríbeme el nuevo disco en pocas palabras, vamos.

Algo que siempre he aprecia-

“Demoníaco”.


“SOY PRINCIPALMENTE EL TÍO QUE LO HACE TODO EN ESTA BANDA” TELOCH

(Risas) ¡Pero eso es casi el título!

“(Risas) No, creo que hemos dado con lo que imaginaba como producto final. Esperando a ver qué ocurre, porque eso es sólo una impresión personal. Considero que, una vez más… Creo que el apartado lírico, de nuevo, es algo liberador, que nunca hemos hecho antes; en mi mente, al menos. Creo que es un álbum muy sombrío, malvado, un oscurecimiento muy negro”. Es una vuelta a las raíces musicales, y si te fijas, Attila también retoma el satanismo y los motivos diabólicos en las letras.

“Sí, estoy de acuerdo. Es un buen material, tío. Lo que hemos tratado de hacer… Bueno, es que lo del último álbum, eso no me gusta tanto: sociedades, Guerra Fría, control mental… Pienso que mola más can-

tar sobre Satanás y alabar al Señor (risas)”.

Que Mayhem es una formación que opera bajo sus propias normas se explica con el hecho de

¿Qué fue lo más desafiante de

que fueras el principal compo-

lograr dentro del estudio o cuál

sitor en Esoteric Warfare y tam-

fue el tema más difícil?

bién en el nuevo disco. De hecho,

“Mmm… Déjame pensar… ‘Malum’ fue muy difícil porque siempre tenía en mente recurrir a elementos simples, pero ésa precisaba de cosas algo más complicadas. Tratamos de hacer canciones y riffs de una forma más simple. En general todo fue así. Recuerdo cuando estaba escribiendo ‘Aeon Daemonium’ y lo complicado que fue mantenerla así de simple, porque es muy fácil complicarlo todo, pero esta vez se trataba de ‘abajo, abajo, abajo’, ‘simple, simple, simple’. Todo es muy honesto. No es fácil hacer música lo más sencilla posible, de hecho es muy difícil, pero creo que ha salido bien”.

ya estás a cargo de casi todas las entrevistas promocionales… Eso no es muy frecuente en las bandas históricas, es una gran responsabilidad.

“Bueno, creo que sólo se trata del proceso natural de irte involucrando cada vez más en el grupo, normalmente hablando del trabajo que realizas. Porque estoy muy involucrado, soy el compositor principal. Escribí Esoteric Warfare, proviene de mí, y éste también. Soy principalmente el tío que lo hace todo en esta banda. Las redes sociales, las compañías del grupo, los contactos, hablo con el sello, así que, obviamente, me ocupo 37


“NO ES LO MISMO QUE EN EL 91, PERO SÍ CONSIDERO QUE MAYHEM AHORA ES LO MISMO QUE EN EL 2000. ESO CONTINÚA” TELOCH

de la mayor parte de cosas que envuelven al grupo”. Ya… Cuando entraste en Mayhem en 2011, ¿qué te encontraste? ¿Ha cambiado tu visión del grupo desde que estás dentro? ¿Tenías una imagen de ellos que luego no se correspondió con la realidad?

“Mmm… Sí, vi a una banda que era mucho más profesional (risas). No lo sé… Creo que la banda sigue en la misma línea, pienso que son los mismos sólo que un poco más viejos. La gente va cambiando, así que opino que no es lo mismo que en el 91, pero sí considero que Mayhem ahora es lo mismo que en el 2000. Eso continúa”. ¿Y cómo es la banda por dentro?

“Bueno… (Risas) No es fácil de catalogar. Diría que es trabajo duro y organización, sí”.

bro permanente de Mayhem.

otro proyecto en mente o ahora

¿En qué crees que ha contribuido

estás totalmente centrado en

hasta ahora?

Mayhem?

“Es un guitarrista extremadamente talentoso, es muy guay contar con un músico como él ahora. Será interesante ver cómo puede contribuir en los próximos álbumes. En directo es muy sólido y es un sueño ver cómo domina el escenario. Es fantástico”.

“Ahora mismo todavía sigo centrado en este disco, en las entrevistas y en las muchas tareas de promoción, así que no tengo tiempo para algo más. Tenemos la gira europea pronto, en noviembre, y luego me sentaré a escribir el próximo álbum con ellos”.

Eres un poco más joven que

Sí, vuestro próximo tour llega-

Necrobutcher o Hellhammer,

rá muy pronto aquí… ¿Qué po-

así que no sé si viviste el Inner

demos esperar? ¿Habéis cam-

Circle a tiempo real. ¿Ya estabas

biado la producción para esta

en contacto con el black metal a

ocasión?

principios de los 90? ¿Qué opi-

“Sí, estamos mirando de completar el nuevo show ahora con muchas canciones del nuevo disco. No estoy seguro todavía de todo lo que vamos a incluir, pero daremos todo lo que podamos actualmente”.

nas de todo ese movimiento en Noruega?

“No tengo ni idea. No vivía en Oslo es ese momento, era un lugar para salir por ahí, pero no tengo ni idea en realidad”. Siempre has estado enrolado en

Ghul se ha convertido en miem-

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muchas bandas… ¿Tienes algún


ROB HALFORD

MÁS ALLÁ DE LA NAVIDAD Y EL METAL


HASTA HACE UNA DÉCADA, ¿QUIÉN SE IBA A IMAGINAR AL LLAMADO DIOS DEL METAL HACIENDO UN DISCO CANTANDO AL NIÑO JESÚS O CELEBRANDO A RITMO DE HEAVY CÓMO LOS RENOS CORREN DEPRISA PARA DARTE LA SATISFACCIÓN DEL AÑO EN FORMA DE UN ÁLBUM ENVUELTO CON PAPEL DE REGALO? HACE TIEMPO QUE ROB HALFORD HACE LO QUE QUIERE, Y TRAS ESE WINTER SONGS, AHORA VUELVE CON UN DISCO TAN EMOTIVO COMO CELESTIAL . TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DR

Q

UE LOS FANS DEL METAL NO SIENTEN LAS NAVIDADES?

¡Claro que sí! Será que olvidáis Halford III: Winter Songs o un artículo que hice sobre diez discos navideños reseñando entre ellos We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year. Y si retrocedemos en el tiempo hacia ese álbum donde hasta Lemmy cantaba, la tradición de grupos de hard rock o rock entonando canciones de esa fantástica época del año se rastrea desde Elvis, The Beatles o Slade. Es cierto, las Navidades también tienen un componente totalmente comercial y de impostura, pero dejemos eso por unos minutos de lado… Cuando le hablo a Rob sobre lo que significó para mí escuchar sus discos, ya sean Sad Wings Of Destiny con Judas Priest o Two, me responde “eso es muy hermoso, aprecio tus palabras. Estoy ansioso por la entrevista… Desearía tener más tiempo, pero he tenido un día muy ocupado. Pero intentaré darte lo que necesitas”. Y me dio todo lo que el minutero dio lugar… sí, hay mucha nieve en la entrevista, pero una nieve teñida de la bandera arcoíris del LGTB, de política, religión y, cómo no, de la niñez, entre otras cosas. La verdad es que, pese al precedente, Celestial es un álbum inesperado. Me ha encantado la

canción ‘Protected By The Light’. ROB HALFORD “Gracias. Sí, es

una canción muy breve pero con un fuerte mensaje. Tiene un simple arreglo y pienso que es una gran versión. Porque es la que le sigue a un gran, gran tema, ¿sabes? No es el típico álbum de Navidad por varios motivos, estoy seguro que muchas de estas canciones son muy famosas en España y pienso que cuando miras el título, te imaginas cómo se debe escuchar. Pero por supuesto, suena de una manera completamente diferente debido a los arreglos increíbles que los chicos hicieron. Así que por varias razones diferentes, éste es definitivamente una muy inusual y única colección de canciones navideñas”. También la Navidad tiene un

Ése es realmente el gran poder de la música. Es lo que nos une en todos los aspectos de nuestras vidas, las que estamos viviendo ahora y las que vayamos a vivir. Porque este disco para mí tiene muchas conexiones espirituales. Y pienso en el gran apoyo que supone la música en Navidad. Es realmente importante y valioso. Porque en la época navideña hay un sentimiento muy especial que sólo ocurre una vez al año. Así que me gustaría sentir que hay mensajes realmente hermosos, motivadores y positivos en este álbum, que en Navidad pueda ser reconfortante para aquéllos que hayan perdido a sus seres queridos, especialmente. Y ése es el poder de la música. Es genial para ayudar y sanar de muchas maneras especiales”.

lado amargo, cuando nos acordamos de quienes ya no están

Quizá ahora la gente necesite

con nosotros…

más que nunca eso, dado que

“El poder de la música trasciende muchos aspectos de nuestras vidas, que incluye seres queridos que hemos perdido, amigos de quienes nos hemos distanciado o familiares con quienes tenemos algún tipo de disputa. Lo más hermoso de la Navidad es que siempre nos evoca sólidos recuerdos. Éste es el poder de la música. Es una gran promotora de la paz. De hecho, cuando mencionaste ‘Protected By The Light’, hay una frase en esa canción que habla acerca de los seres queridos que nos dejan.

todo se tergiversa y estamos en un mundo terrible.

“Como ya dije, siempre pensé que la música puede lograr la paz. Quiero decir, John Lennon era un gran creyente en el poder de la música y lograr la paz. Construir puentes entre la gente. Lo peor de los conflictos en el mundo ahora es que se basan en la religión. Son creados por religiosos fanáticos. Todas las religiones predican la paz y el amor, solo que los fanáticos se apropian de ello y lo transforman en armas. Ahora más

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“CREO QUE SI JESÚS VOLVIERA Y SE DIERA CUENTA DE LO QUE ALGUNOS HACEN EN SU NOMBRE, SE QUEDARÍA PERPLEJO” ROB HALFORD

que nunca necesitamos de la música para ayudarnos y unirnos. El mundo está siempre cambiando, los gobiernos cambian, los oficiales cambian. Sé de los problemas en España. Es terrible ver eso, todos quieren vivir en paz. Mi frustración es que algunos creen que representan a la mayoría, crean los problemas de esa forma. No me dejes seguir, porque tengo fuertes sentimientos al respecto”.

es la manera más profunda que la música ha cambiado a la gente y hace excepciones. De pensar más abiertamente, de derribar muros y barreras. Lo grandioso de la música es que tiene vida propia. Cuando estas canciones de Celestial salgan al mundo, estarán haciendo ciertos trabajos y creando debates. La gente hablará sobre ello en las redes sociales, entre ellos. Esto es lo que la música logra en la gente y es siempre positivo. También puede crear revoluciones para hacer del mundo un lugar mejor”.

que es algo tan natural como

¿qué le dirías?

ser bisexual, heterosexual o

“Que escuchara más metal (risas). O igual es un metalhead en la intimidad y no lo sabemos”.

gay. Está en nuestra naturaleza,

a mí me pareces un modelo a

los católicos han perseguido a

seguir. Cuando declaraste que

los homosexuales siempre.

eras gay eso ayudó a que mu-

“Todas las religiones se ven de una forma u otra contaminadas por el fanatismo. Evidentemente no me siento cómodo con esas restricciones que impone la iglesia, porque son eso, restricciones. Pero creo que si Jesús volviera y se diera cuenta de lo que algunos hacen en su nombre, se quedaría perplejo. La Biblia la han manipulado y la han reescrito los fanáticos, no cabe duda”.

chos chavales homosexuales

“De todas formas, a mí me gusta hablar con la gente que tiene tantos prejuicios. Es interesante ver de dónde vienen esas ideas. Si alguien tiene ese tipo de discurso, en vez de cortar en seco la conversación, dejo que hable”.

vy metal se sintieran mejor con

¿Qué opinas de las críticas de

ellos mismos.

Elton John hacia Putin por la

“Ojalá haya sido así”.

situación en Rusia del LGBT?

Recuerdo que un compañero de instituto me dijo una vez, respecto a Queen, que él no escuchaba música de maricones. Siendo heterosexual, para

El mensaje de Jesús era uno de

lo pasé del todo bien algunos

amor, y los fundamentalistas lo

años, porque siempre llevaba

han convertido en odio...

camisetas de Bowie, Queen o

“Exacto”.

R.E.M.. Eran un insulto desde la ignorancia.

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sólo es una preferencia sexual.

que estaban metidos en el hea-

mí aquello fue un insulto. No

“Sí, no veo por qué no. Simplemente

mos, es que ser gay no es que

Si pudieras conocer a Jesús,

Eres cristiano, a pesar de que

ría tu disco?

Yo soy heterosexual, pero vame parezca ningún crimen, sino

Si me permites que te lo diga,

¿Crees que a Jesucristo le gusta-

dose con su propia identidad, y eso es duro. Creo mucho en ‘acoger a tu enemigo’, porque todo ese odio nace del miedo, tienen miedo. Lo llevo viendo toda la vida. Pero es positivo tratar de ver las cosas desde otro punto de vista, incluso desde el punto de vista de alguien que te odia. Me quedo con toda esa gente que se me ha acercado a lo largo de los años y me ha dado las gracias por ayudarles a entender mejor quiénes eran”.

“Lo creas o no, siento mucha empatía por la gente que odia a alguien como yo. En realidad están peleán-

“(Risas) Me encanta ver a los políticos dar discursos. Lo único que les importa es cazar votos. No hay ninguna diferencia entre Putin, Trump o Boris Johnson. Es lógico que Elton, uno de los músicos más brillantes de la historia, no tenga en mucha estima a alguien tan homófobo como Putin. Y viceversa. Pero el colectivo LGBT tiene tanto peso que sus votos pueden dar o quitar gobiernos, y eso es fantástico”. Terminemos con otras preguntas. Sabes que las Navidades


son más especiales para los niños. Elton John siempre dijo que no quería tener hijos, hasta que su pareja le convenció. ¿No te gustaría tener hijos? Seguro que serías un gran padre.

“Es natural que un hombre quiera tener descendencia, pero dejé pasar esa oportunidad en su momento y ahora, con 68 años, no parece muy buena idea lo de procrear. Un padre debe estar con su hijo todo el tiempo que pueda y por razones obvias yo no iba a poder ofrecerle eso a un niño. Tengo mi pequeña familia, la gente que me sigue por todo el mundo, mis fans, y eso para mí es una bendición. Muchos de ellos tienen niños pequeños y los traen a las firmas de discos, para que los conozca. Esos críos están creciendo rodeados de mi música, de Priest, de Halford; de alguna manera estoy presente en sus vidas”. Para finalizar, ¿cuáles son tus mejores recuerdos navideños de cuando eras niño?

“Pues como todos los niños me ponía muy nervioso en Nochebuena, me iba a la cama y no podía dormir de la emoción. Miraba por la ventana para ver si llegaban Santa Claus y los renos. Tengo recuerdos muy vívidos de aquella época. A la mañana siguiente bajaba corriendo las escaleras y me iba directo al árbol, y allí estaban todos los regalos. Supongo que es más o menos lo mismo que te contaría cualquier otro niño”.


JINJER

TRAS EL TELÓN CON LA RECIENTE PUBLICACIÓN DE SU CUARTO DISCO MACRO, JINJER SIGUEN ADELANTE CON SU IMPARABLE ASCENSO DENTRO DE LA ESCENA METÁLICA. LIDERADA POR LA PODEROSA TATIANA SHMAILYUK, LA BANDA UCRANIANA HA IDO SUPERANDO CADA UNO DE LOS OBSTÁCULOS QUE TENÍA POR DELANTE. Y COMO NOS CUENTA ELLA MISMA, NO ERAN PRECISAMENTE POCOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: TEMENTIY PRONOV


E

N APENAS SEIS AÑOS, JINJER HAN PASADO DE DAR SU PRIMER CONCIERTO

fuera de las fronteras de su país a estar realizando su segunda gira por Estados Unidos, esta vez como cabezas de cartel. Es desde una parada en Indianápolis que su vocalista Tatiana Shmailyuk nos atiende muy amablemente para explicarnos el camino recorrido hasta ahora y compartir sus sensaciones sobre todo lo que está viviendo. Formados en 2009 originalmente con un cantante masculino, fue con la entrada de Tatiana al año siguiente que la banda empezó a ganar notoriedad a nivel local. Tras dos discos publicados por un sello ucraniano, su tercer trabajo King Of Everything fue lanzado a nivel internacional por Napalm Records y ahí la bola empezó a rodar a toda velocidad. Giras junto a Arch Enemy, Cradle Of Filth o Soilwork y su presencia en todos los festivales de renombre han puesto a Jinjer en boca de todo el mundo hasta crear una gran expectación antes de la salida de su último trabajo Macro (Napalm Records), publicado el 25 de octubre. Un álbum que ha recibido todo tipo de alabanzas gracias a su imaginativo y ecléctico gusto para combinar elementos del groove metal y el progresivo con toques de extremo. “Están llamados a liderar el metal de la próxima década”, sentenciaba Pau Navarra en la crítica del disco el mes pasado. Una trayectoria singular, todavía más meritoria teniendo en cuenta el lugar de origen de la banda y las condiciones adversas que tuvieron 46

que afrontar. Si para cualquier grupo ya es difícil tirar adelante, imaginad hacerlo en un país exsoviético como Ucrania, donde la escena metal era marginal o que una mujer llevara tatuajes provocaba miradas de desaprobación. Por si fuera poco, el conflicto armado entre el ejército ucraniano, los opositores al gobierno y los rebeldes pro-rusos obligaron a que en 2014 los cuatro componentes del grupo, que completan el guitarrista Roman Ibramkhalilov, el bajista Eugene Abdukhanov y el batería Vlad Ulasevich, dejaran Horlivka, su ciudad natal en la provincia de Donetsk, para irse a Lviv, cerca de la frontera polaca, a más de 1.200 kilómetros de distancia. Por desgracia, allí las condiciones tampoco eran mucho mejores, con frecuentes cortes en los suministros de agua y electricidad. De ahí que poco después decidieran trasladarse a la capital Kiev, si bien desde entonces han pasado más tiempo en la carretera que en casa. Y viendo su intenso itinerario, que los llevará el 10 de diciembre a Murcia (Garaje Beat Club), el 11 a Madrid (Mon) y el 12 a Barcelona (Salamandra), no parece que eso vaya a cambiar a medio plazo. Creciste en una época en que

do?’. De inmediato me volví una fan del rock. Mi padre era un gran seguidor de los Beatles y de rock’n’roll antiguo, pero mi hermano fue el que realmente me introdujo en la música. No era fácil conseguir música occidental, pero gracias a Dios con la caída de la Unión Soviética llegó MTV. Entonces no emitían 24 horas al día, pero era un buen canal para descubrir música. Mi padre me enseñó a grabar música de la tele a un cassette. Me hacía cintas con los grupos que me gustaban. No tuve acceso a internet hasta que tuve 19 ó 20 años, así que hasta entonces tenía que buscar otras maneras de descubrirla”. ¿Cuál fue el primer grupo que realmente te enganchó?

“Creo que fue Nirvana. Tenía como 9 años y me alucinaron. Tuvieron un gran impacto. Les escuchaba sin parar”. ¿Cómo recuerdas tu infancia bajo el régimen soviético?

“Era muy pequeña cuando todo aquello colapsó, así que no tengo un recuerdo especial. Pero en el fondo la mentalidad soviética se ha mantenido viva en muchas personas. Todavía hay mucha gente conservadora y reacia a los cambios”.

todavía no existía internet, así que me imagino que el acceso a

¿Y cómo fueron tus primeros

bandas europeas o americanas

pasos para convertirte en can-

en Ucrania no era fácil. ¿Cuán-

tante? ¿Lo tenías claro?

do empezaste a interesarte por

“Mi madre me dice que desde muy pequeña me gustaba cantar y gritar (risas). Cuando tenía unos 8 años hice algunas clases y me uní a un coro. Pero después de Nirvana me enamoré de The Offspring. Me

el rock y el metal? TATIANA SHMAYLUK “Mi herma-

no mayor trajo algunos discos de rock de bandas rusas cuando era una niña y pensé ‘¿Qué es este soni-


“NO TUVE ACCESO A INTERNET HASTA QUE TUVE 19 Ó 20 AÑOS, ASÍ QUE HASTA ENTONCES TENÍA QUE BUSCAR OTRAS MANERAS DE DESCUBRIR MÚSICA” TATIANA SHMAYLUK enganché al punk rock. Creo que era la mayor fan de The Offspring (risas). Me pasaba horas sentada escuchando sus discos imaginando que yo era músico y estaba en el escenario. Soñaba con eso cada noche. Mi primera banda fue con mis compañeros de escuela y algunos amigos suyos. Hacíamos rock alternativo. Intentábamos ser como Guano Apes, no sé si los recuerdas. Su cantante Sandra Nasić me inspiró mucho. Su voz me inspiró a cantar

en un registro más agresivo. Y a los 15 años también descubrí a Otep. No podía creerme que una chica pudiera cantar así”. ¿Cuál fue tu primer contacto con Jinjer? ¿Cómo llegaste a convertirte en su vocalista? ¿Te ofreciste tú?

“Después de mi primera banda, estuve como en cinco distintas. Cuando conocí a Roman y Dmitriy, nuestro antiguo guitarrista, todavía no exis-

tían Jinjer. Simplemente nos conocíamos porque todos éramos músicos jóvenes. Formamos un grupo, no recuerdo ni el nombre, por el que pasaron muchos músicos. Hacíamos un rollo más nu metal. Luego nos separamos y yo me fui a otro grupo y ellos empezaron Jinjer. Cuando Maks (Fatullayev, su primer vocalista –ndr.) dejó el país y se fue a Estados Unidos, me pidieron si podía ayudarles en un concierto, como algo puntual… Pero al final me quedé (risas)”. 47


“EN UCRANIA LA GENTE ES DURA, NO PUEDES MOSTRARTE DÉBIL. SUPONGO QUE ES UNA CUESTIÓN DE SUPERVIVENCIA” TATIANA SHMAYLUK

Jinjer empezasteis más como un grupo de metalcore, luego pasasteis a un rollo más groove

estaba en una banda de reggae y ska. Hacíamos muchas versiones. Me encanta el reggae”.

y ahora estáis en una onda más progresiva. ¿Es éste el sonido

Si te soy sincero, apenas conoz-

que andabais buscando, o vues-

co grupos de Ucrania. ¿Sois la

tra voluntad es seguir cambian-

única banda operando a este

do en cada disco?

nivel o existe una escena emer-

“Creo que nuestro destino es probar todos los sonidos imaginables (risas). No queremos quedarnos estancados. Queremos seguir mezclando estilos y géneros. Es lo que siempre he querido desde el principio”.

gente?

En ‘Judgement (& Punishment)’ hay incluso reggae.

“Sí, justo antes de entrar en Jinjer 48

“No hay una escena metal. Hay bastantes bandas, pero la mayoría se centran sólo en el mercado ucraniano. Dan conciertos, graban discos y vídeos, pero no salen del país. Ahora en la gira europea vamos a llevarnos a Space Of Variations junto a The Agonist para darlos a conocer. Son una banda genial”.

¿Qué os empujó a vosotros a intentar salir de Ucrania?

“Que no hubiera una escena metal (risas). Nunca la hubo y sabíamos que nunca seríamos populares haciendo nuestra música. Queríamos darla a conocer al resto del mundo, por eso cantamos en inglés. Sabíamos que Ucrania no era para nosotros. Como cualquier otra formación queríamos un reconocimiento global. O al menos intentarlo”. ¿Dónde fue vuestro primer concierto fuera de Ucrania?

“Hicimos una gira muy pequeña en Rumanía. Fue en 2013. Fue un paso pequeño, pero importante”.


siquiera intentarlo porque pien-

“Sí, pero la realidad es que no teníamos nada que perder. No queríamos conformarnos con la vida que teníamos. Pero nunca pensamos en dejarlo porque veíamos que iban sucediendo cosas. Nuestra mentalidad siempre ha sido la de tirar adelante. Creo que también tiene algo que ver con el carácter de nuestro país. En Ucrania la gente es dura, no puedes mostrarte débil. Supongo que es una cuestión de supervivencia”.

incómoda, pero otras me siento como si estuviera flotando, como si estuviera bailando sin que nadie me mirara. Depende de la atmósfera que se crea en el concierto. Hay veces que eres tú la que tienes que crear la atmósfera adecuada, pero hay otras en la que es el público la que la crea para ti. Su energía es tan fuerte que te lo hace todo muy fácil. Al final es un intercambio de energía. En algún concierto das mucha energía y no obtienes ninguna respuesta, pero lo mágico es cuando fluye en ambas direcciones”.

Uno de los aspectos que más

¿Has notado un cambio en el

atrae de la banda es tu versati-

público respecto al hecho de

lidad vocal. ¿Cómo decides en

que seas mujer? ¿Hay un ma-

qué estilo vas a cantar?

yor respeto?

“Los chicos son los que componen la música. Graban una maqueta, me la mandan y me dan un tiempo para que la vaya analizando y trabajando. Intento que la música me inspire según el sentimiento que me despierta. Y entonces me pongo a escribir las letras. Aunque también hay veces que primero trabajo la parte vocal y luego encajo las letras. Otras veces voy al estudio y simplemente improviso. Me gusta probarlo todo. Nadie sabe cómo van a sonar las voces al final, ni siquiera yo (risas)”.

“Intento no pensar en ello. Pero incluso hace sólo un año he escuchado gritos del tipo ‘enséñame el culo’. Recuerdo que en Rumanía me gritaban que les enseñara las tetas. Lo gritaban todos juntos y yo no entendía lo que decían, pero luego le pregunté a un amigo mío que me explicara qué decían. Y me dijo ‘No te va a gustar’. Pero le insistí y me dijo que querían que les enseñara las tetas. Me quedé boquiabierta. Pero por suerte ahora ya no ocurre”.

sas que es imposible.

Y seis años después estáis por segunda vez en Estados Unidos.

“Sí, sí. Seis años es muy poco tiempo para haber llegado tan lejos. Pero no dejan de ser seis años (risas). Recuerdo tocar para veinte personas. Era duro, pero era divertido. Aprendimos mucho. Pudimos ver el mundo. Podría haber estado haciendo música en casa y nunca hubiera visto todos los países en los que hemos tocado”. Siempre admiro la determinación de los grupos que teniéndolo todo en contra, logran romper esas limitaciones. Lo más fácil es tirar la toalla o ni

Unos meses antes de publicar

Macro sacasteis el EP Micro. Además de voz, también tienes

¿Están conectados de algún

una gran presencia escénica.

modo?

¿Te fue fácil sentirte cómoda en

“Están ligeramente conectados a nivel de letras porque tomé algunas frases de las canciones de Micro y las puse en nuevas canciones de Macro. Así que están interrelacionadas, pero no hay un concepto general que englobe ambos trabajos”.

el papel de frontwoman?

“Todavía necesitaré más tiempo para sentirme cómoda. Me sigo poniendo nerviosa antes de actuar. En el fondo soy una persona tímida… Aunque encima del escenario parezca invencible, soy tan frágil como cualquiera. Lo que la gente ve en el escenario es sólo una parte de mí. A veces me siento muy

¿Te apetecía hablar de situaciones en particular o son más 49


en una banda de metal.

“Siempre me han apoyado mucho y están orgullosos de mí. Lo único que les preocupa es ver que tenemos tantos conciertos. Siempre me dicen que me cuide y que tenga cuidado. Pero creo que están felices por mí”. ¿Y tú eres feliz? El éxito para un grupo no siempre significa que sus miembros lo sean.

“Así es. Lo que me ocurre ahora es que, si quiero descansar de girar, a la que estoy dos días en casa empiezo a aburrirme y ya quiero volver a la carretera. Para serte sincera me gustaría que las giras no fueran tan largas, dos meses seguidos es demasiado. Pero es ahora o nunca. Tenemos que hacerlo”. Al menos ahora sabes que la gente os quiere ver… En Barcelobien pensamientos más generales que te vienen a la cabeza?

“Normalmente me inspiro en mis propias experiencias. Por ejemplo, la canción ‘Home Back’ habla sobre cuando visité a mis padres en mi ciudad natal, que ahora vuelve a ser una zona de guerra. ‘Retrospection’ también habla de la infancia de mis padres. A veces tengo sueños y también pesadillas sobre eso. Cada noche sueño algo sobre mi país o mis padres, llevo un año así”. ¿Hay algo de política en vuestras canciones?

“No, intentamos mantenernos al margen de la política. Creo que los problemas del mundo no son una cuestión política. Es algo más grande, es un problema de la humanidad. Así que prefiero no hablar sobre eso. 50

Prefiero hablar sobre la paz en el mundo”. Pero una canción como ‘On The Top’ podría ser vista como una canción política. Hablas sobre cómo la codicia afecta las relaciones humanas.

“Bueno, trata sobre esa sensación de tener que ir subiendo una escalera que nunca acaba, crecer a toda costa sin tener en cuenta las consecuencias. Pero no creo que tenga que explicar mis letras. Son bastante explícitas. No son difíciles de entender. Hay algunas metáforas, pero creo que el mensaje está claro”. ¿Qué opinión tienen tus padres sobre la vida que has elegido? Me imagino que no imaginaban que su hija se ganaría la vida

na se ha trasladado vuestro concierto a una sala más grande.

“¡Sí! Siempre es agradable saber que hay expectación por vernos. Me gusta tocar para el mayor número de gente posible. Especialmente en España porque la gente es cálida y cariñosa. Están locos, pero en el buen sentido”. ¿Es muy distinto el público en Ucrania?

“No, también están locos (risas). Creo que la gente que viene a vernos es muy parecida en todas partes porque comparten una misma idea. La música une a la gente, no la divide”.


DISCO DEL MES

SERPENT

Foto: Carolina álvarez

L Lluna Roja (VARIOS SELLOS) POST HARDCORE

8

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a aparición de la primera referencia de Serpent generó bastante revuelo en la escena underground catalana. Dos viejos conocidos, miembros y exmiembros de bandas tan respetadas, y sobre todo respetables, como Cinder, Col·lapse y The Gundown, estaban detrás de este nuevo proyecto. Lo más excitante era su planteamiento, un post hardcore que no estaba ni está precisamente de moda, deudor de los seminales Drive Like Jehu y Hot Snakes, con letras en catalán. En esa maqueta homónima, publicada en el 2017, se hizo evidente la devoción de Sergi ‘Beni’ Bertran y Eric Altimis por el sonido de San Diego, y también quedó

claro que eran unos alumnos aventajados de John Reis, Rick Froberg y compañía. La verdadera prueba de fuego llega ahora, con la banda completa y rodada en una buena pila de salas y pequeños festivales. Lluna Roja es el auténtico debut del ahora cuarteto y hace buenos todos los elogios recibidos hasta la fecha, que no son pocos. Las influencias siguen ahí, pero asimiladas y actualizadas. El título viene de un concepto del primer adelanto, ‘Un Dia Normal’, entre la necesidad de tregua y la sed de venganza, un corte encabronado con un estribillo glorioso. Esa crítica social, ese hartazgo, también prende la mecha de otros cortes explosivos como mis favoritos ‘Aquest Món Et

Trencarà El Cor’ y ‘Mata’m (Sóc Pobre)’. Grabado en EM Estudi, el primer largo de Serpent -coeditado por Bcore, La Agonía de Vivir, Pífia Records, Navalla y Saltamarges- es un auténtico bloque de hormigón en el mejor de los sentidos. Compacto, sin fisuras y, sin embargo, con muchos detalles alucinantes para los que se atreven a pegar bien la oreja. Con todo, entre los mejores momentos de este disco añadiría ‘Gel’, un ejercido de emo punk muy pegadizo, y los casi cinco minutos de la descarnada ‘Sants Inocents’, un medio tiempo con escalofriantes cambios de intensidad que rezuma dolor. La banda sonora de lo que nos está pasando. LUIS BENAVIDES


OF MICE & MEN HAS DE SABER... FORMACIÓN: Aaron

Pauley (voz, bajo), Phil Manasala (guitarra), Alan Ashby (guitarra), Valentino Arteaga (batería) PRODUCIDO POR: Joshn Wilbur AFINES A: We Came As Romans, Miss May I, Killswitch Engage PÁGINA WEB: www.ofmiceandmenofficial.com


N Earthandsky (RISE) METALCORE

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o hubiera sido una gran sorpresa si en 2016 con la marcha de Austin Carlile, motivada por sus graves problemas de salud, la carrera de Of Mice & Men hubiese llegado a su punto final o, como mínimo, hubiera quedado congelada durante un tiempo. Pero el paso al frente dado por el bajista Aaron Pauley, quien ya se ocupaba de las segundas voces antes, para convertirse en el frontman del grupo les ha permitido seguir adelante como si nada. Si bien es cierto que su estatus ha bajado algún peldaño respecto al que tenían en su última etapa con Carlile, la realidad es que este segundo álbum con su

actual formación demuestra que el grupo se siente con fuerzas para remontar posiciones, aunque con un enfoque distinto. Si con su último disco con Carlile parecían encaminados a convertirse en una banda de nu metal, con influencias de Linkin Park y Korn, con su anterior Defy y, todavía más, con Earthandsky, la banda californiana recupera su esencia metalcore endureciendo el sonido con guiños al thrash y el metal clásico. Algo que también apunta su decisión de fichar a Josh Wilbur (Lamb Of God, Gojira) para producirlo. El álbum suena enorme, destacando un gran sonido de batería en el que hay espacio a blasbeats y riffs cortantes. Los mejores

momentos llegan cuando más se acercan al extremo caso de ‘Mushroom Cloud’ o ‘How To Survive’ con Pauley tirando de guterales y con las que el grupo podría compartir escenario con cualquier banda de metal contemporánea sin sentirse acomplejado. Hay concesiones las melodías, claro, pero su peso no es tan fundamental. En esa categoría destacan ‘As We Suffocate’, ‘Taste Of Regret’ o ‘Deceiver/Decieved’ con cierto aroma a Trivium. Cabe destacar la apertura con ‘Gravedancer’ con una línea de guitarra de toques exóticos. Un buen disco que debería afianzarles y dejar atrás el forzado bache. DAVID GARCELL

BONUS TRACK CON... AARON PAULEY Hace unos meses tuviste que cancelar un concierto y fuiste hospitalizado. ¿Cómo te encuentras?

“Gracias por preguntar. Está todo bien. Sólo fue un susto”. Me alegra oír eso. Todo el mundo está de acuerdo en que el nuevo disco es lo más duro que habéis grabado. ¿Tenéis ahora el sonido que siempre habías querido?

“Para nosotros cada disco es distinto. Para éste queríamos hacer algo cañero, rápido y agresivo que funcionara bien en directo. Tiene mucha energía y el motivo es que nos inspiró interactuar con los fans en la anterior gira”. Es curioso porque el último disco que grabasteis con Austin, Cold World, parecía ir en la dirección contraria...

“Creo que Cold World se escribió en unas circunstancias difíciles por la salud de Austin. Ahora las cosas han cambiado. Todos estamos sanos y teníamos la fuerza para hacer un disco más duro”. ¿Cómo fue trabajar con Josh Wilbur?

“Fue genial porque te transmite entusiasmo constantemente. Escuchaba lo que estábamos creando y nos animaba a ir al límite. A veces en el estudio es fácil estar tan concentrado que te olvidas de escuchar lo que estás haciendo desde la perspectiva de un fan. Y eso es lo que nos proporcionó Josh”. ¿Os gusta ir al estudio con todo preparado o preferís dejar cosas abiertas a la espontaneidad?

“A mí me gusta ir al estudio con todo preparado entre un 50 y un 70%. El resto creo que es bueno dejarlo abierto

para que el productor pueda meter mano. Si vas con todo cerrado al 100% es fácil que se convierta en una lucha entre la banda y el productor. Es mejor dejar espacio para que sucedan cosas. Es algo que aprendí hace tiempo. Es como pintar. Si tienes todo el lienzo lleno de pintura es difícil que alguien pueda colaborar contigo”. Sois de Vacaville, el mismo pueblo que Papa Roach. ¿Verlos crecer tanto fue una motivación para vosotros?

“Cuando tenía 11, 12 años era amigo del hermano pequeño de Jacoby Shaddix. Nuestras familias iban a la misma iglesia. Les vi tocar varias veces antes de que tuvieran un contrato. Desde luego fue una inspiración para mí. Vi que era un sueño alcanzable, que yo también podía cambiar el mundo”. (JORDI MEYA)

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JIMMY EAT WORLD Surviving (RCA/SONY) ROCK

7

V

iendo la cara todavía imberbe de Jim Adkins cuesta creer que Jimmy Eat World lleven 25 años de carrera a sus espaldas. Pero escuchando Surviving, su décimo álbum ya, queda claro que como banda, pero sobre todo como personas, han entrado en la madurez. En sus letras, Adkins se muestra como alguien que por fin le ha pillado el truco a la vida, dejando atrás demonios, complejos y depresiones del pasado. Una reafirmación vital (quizá de ahí el título del disco), no exenta de nostalgia, que también se traduce en lo musical, con alguna novedad y abundantes guiños a las diferentes facetas

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mostradas en su catálogo. El disco empieza con la propia ‘Surviving’ con un riff de guitarra insólitamente rockero y ‘Criminal Energy’ con un elaborado trabajo de las guitarras y un estribillo más melódico. Entre las dos acaban formando uno de los arranques más potentes de su discografía y sugieren que quizá la banda está dispuesta a darle un poco más de caña de la que venían ofreciendo últimamente.Pero ya sabemos que Jimmy Eat World son los buenos de la clase y a la segunda cerveza necesitan parar, no sea que la cosa se les vaya de las manos. Es ahí cuando empiezan a asomar temas más poperos como ‘Delivery’, la modernilla ‘555’ o ‘One Mil’ que coge la dinámica del grunge light de finales de los 90. Por suerte para ellos, haciendo este tipo de temas más comerciales también son bastante cracks. En las pegadizas ‘Lover Never’ y ‘All The Way (Stay)’ nos encontramos con esos temas de pop rock que tan bien les salen y para el final nos dejan las más experimentales ‘Recommit’ y ‘Congratulations’, que no acaba de llevarte a ningún lado. Como sus últimos trabajos, gusta pero no acaba de rematar la faena. JORDI MEYA

CULT OF LUNA A Dawn To Fear (METAL BLADE) POST METAL

8

S

i pienso en alguna banda que continúe manteniendo el nivel disco tras disco, seguro que Cult of Luna sería de las primeras que me vendrían a la cabeza. Seis años han pasado desde la punta de lanza que supuso Vertikal, y desde entonces hemos podido disfrutar de varios discos en directo y del enigmático Mariner, su proyecto junto a Julie Christmas. Algunos se sentirán decepcionados por no encontrarla de nuevo entre sus filas, aunque personalmente creo que han tomado una difícil pero buena decisión para que el grupo fluya con naturalidad.

A Dawn To Fear supera todas mis expectativas con nota. Un álbum hipnótico rebosante de voces desgarradas, distorsiones y ritmos machacones. Parece que los suecos retoman su sonido más pesado en la línea de sus joyas Salvation y Somewhere Along The Highway, conservando su identidad con ese equilibrio perfecto entre oscuridad y luz, entre densidad y delicadeza. Cualquiera de los ocho temas que lo conforman son dignos de mención para ilustrar la mezcla de rabia contenida y melancolía manifiesta que construyen como un muro sonoro inquebrantable. De hecho, que hayan rebajado los ruidos electrónicos en pro de otorgarle más vivacidad al órgano consigue captar mucho mejor la esencia de su sludge atmosférico. Prueba de ello es ‘Lights On The Hill’, llena de amalgamas y cambios de ritmo. Casi sin darte cuenta el recorrido llega a su fin con ‘The Fall’, una barbaridad en la que fundirse entre espasmos. En definitiva, un buen candidato para ser el disco del año. ALBA RODRIGO


BABYMETAL

Metal Galaxy (BMD FOX) K-METAL

7

M

etal Galaxy bien podría ser el primer disco concebido a través de la inteligencia artificial. Es tal el batiburrillo de ideas, procedentes de los más variopintos estilos, y tan extraordinariamente mecánica su ejecución que cuesta imaginar que detrás de su creación haya seres de carne y hueso. El tercer álbum del ahora dúo japonés lleva todavía más lejos ese concepto original con el que irrumpieron hace cinco años en la escena con el mismo impacto y sutileza que Godzilla entrando en Tokio. En sus 14 piezas, Su-metal, Moametal y todo su séquito de músicos, compositores y productores,

dan rienda suelta a todas sus obsesiones, fantasías y locuras capaces de asombrarte, divertirte o irritarte dependiendo del momento en que las escuches. Desde luego recomiendo escucharlo una actitud abierta y no tomarse nada de esto demasiado en serio. Canciones como ‘Da Da Dance’, ‘Elevator Girl’, ‘Pa Pa Ya!!’ o ‘Distorsion’ (con Alissa White-Gluz de Arch Enemy como invitada), con estribillos que parecen sacados de dibujos animados, son tan pegadizas que es posible que acabes soñando con ellas. El ritmo es trepidante y desconcertante. Pasas de estar en Bollywood con ‘Shanti Shanti Shanti’ a un ridículo pastiche de folk metal con la complicidad de Joakim Brodén de Sabaton en ‘Oh! Majinai’, a ‘Night Night Burn’ que podría ser un tema de Camela o Las Ketchup, a ‘In The Name Of’, donde parecen haberse inspirado en los Sepultura de Roots, a una balada ñoñísima como ‘Shine’. Todo es tan absurdo y over the top que llegas a preguntarte, ¿realmente existen Babymetal o son sólo el sueño de un androide aficionado al metal y el anime? DAVID GARCELL

WILLIAM DUVALL One Alone (DVL) ROCK ACÚSTICO, GRUNGE

6

D

esde que ingresase en los reformados Alice In Chains, somos muchos los que demandamos una mayor participación de William DuVall en el apartado compositivo de los de Seattle. Quienes sepan de sus andanzas en su anterior grupo, los altamente recomendables Comes With The Fall, serán plenamente conscientes de que el talento que atesora DuVall da para mucho más que el verse relegado a interpretar noche tras noche el repertorio antiguo y un par de aportaciones por disco. Es por eso mismo que One Alone, su debut con firma propia, pinta a oportunidad perdida para

reclamar algo más de peso. En lugar de encontrarnos un puñado de canciones totalmente nuevas, la primera referencia de DuVall en solitario se nutre en su mayoría de temas ya conocidos de su anterior formación. Tampoco ayuda el que se haya decidido por un formato tan sencillo y desnudo, sin contar con el apoyo de una banda que aportase algo más de color al conjunto. Como cantante y guitarrista cumple más que de sobras, pero termina haciéndose un tanto reiterativo. Aún con todo, en muchos momentos salen a la luz esas influencias de compañeros de generación como los tristemente desaparecidos Chris Cornell (‘The Veil Of All My Fears’), Jeff Buckley (‘White Hot’, ‘Chains Around My Heart’) y obviamente Alice In Chains, como en ‘So Cruel’ y ‘Smoke And Mirrors’, que podrían haber estado en aquel inolvidable MTV Unplugged. Pero sabiendo lo que es capaz de hacer, esto se queda un tanto a medias. Habrá que seguir confiando en que Jerry Cantrell le dé más cancha en la siguiente ocasión para que veamos de verdad todo lo que DuVall es capaz de dar. GONZALO PUEBLA


ALCEST

Spiritual Instinct (NUCLEAR BLAST) BLACKGAZE

7

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uienes extrañaban el sonido más metal de Alcest van a adorar este nuevo trabajo porque, sin dar muchos rodeos, podemos decir que es un disco más agresivo. Los franceses se dieron a conocer por aplicar un tono más claro y casi shoegaze al black metal, y aunque el contraste sigue ahí, en este nuevo Spiritual Instinct se centran más en el aspecto crudo de su sonido. Sorprende desde el principio, con un acercamiento más sucio que, combinado con lo folk de su habitual sonido y un pequeño coqueteo con la electrónica, hace que todo suene más fresco en lo que atañe exclusivamente

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a su discografía. Ese aspecto casi meditativo de sus canciones vuelve a hacer aquí que todo confluya tan bien, como cánticos repetitivos que no siempre entran a la primera pero que desde el minuto uno nos dejan claro que estamos ante algo muy bien estructurado. Otra cosa de la que nos damos cuenta en este disco es que han dejado el gancho fácil de lado, en el anterior Kodama lanzaban canciones que conectaban más rápidamente con el oyente casual y se podían calificar de singles ‘redondos’, pero aquí vuelven a intentar seducir con una escucha completa que tenga un significado como un todo. Estamos lejos de que su blackgaze sofocante se convierta en un prototipo, y aquí haciendo guiños al pasado intentan alejarse de cualquier fórmula. Si te emocionaste por la oscuridad de los primeros adelantos lo más seguro es que acabes enganchado con el resultado completo. Demanda mucho de uno, pero, una vez empezado, este viaje oscuro no dejarás de descubrir en él cosas nuevas. JORGE FRETES

DESERT SESSIONS Vols. 11 & 12

(MATADOR/POPSTOCK!) ROCK

5

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compañado de músicos como Les Claypool (Primus), Stella Mozgawa (Warpaint), Carla Azar (Autolux, Jack White) o Matt Sweeney, Josh Homme nos invita, 16 años después de las últimas Desert Sessions, durante algo más de media hora a averiguar cómo debe ser pasar una semana con él charlando, bebiendo, comiendo setas y cogiendo un instrumento de vez en cuando. El disco se inicia con ‘Move Together’, con un irreconocible Billy F. Gibbons de ZZ Top cantando como si fuera el propio Homme y que combina a unos Steely Dan triposos haciendo funk y salpicaduras

de potencia a lo QOTSA. Le sigue ‘Noses in Roses Forever’, uno de los dos temas en lo que Homme se encarga de la voz principal, que no habría desencajado en Like Clockwork…. ‘Far East’ es una instrumental de influencia marroquí y psicodélica. El primer volumen lo cierra ‘If You Run’ una balada acústica country con la voz Libby Grace bastante bonita, pero que tampoco emociona del todo. El inferior volumen 12 se abre con ‘Crucifire’, un tema rockerillo sin mucha miga con Mike Kerr de Royal Blood. Aún más intrascedente es ‘Chic Tweetz’. Por suerte la cosa remonta en los dos últimos temas. Jake Shears de Scissor Sisters le saca brillo a ‘Something You Can’t See’ en un tema pop esotérico a lo Fletwood Mac. Homme se reserva el protagonismo en la final ‘Easier Said Than Done’, una nana en la que vuelve a sacar su lado más Bowie, pero que a estas alturas ya no sorprende. Veremos si, como ha ocurrido otras veces, alguno de los temas de las Desert Sessions acaba en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, pero, sinceramente, yo le aconsejaría que empezase de cero JORDI MEYA


BARBARIAN SWORDS Totemic Anal Turbofucker

(THIRD-I-REX/FAIR WARNING) BLACK METAL, PUNK

9

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uando Barbarian Swords se asomaron al mundo lo hicieron con un objetivo claro: ser la banda más extrema del planeta. Esa pretensión puede parecer fácil, pero no lo es, porque el grupo, además de no hacer ningún tipo de concesión, nos ofreció lo que al fin y al cabo interesa: buenas canciones. La bilis que supuraban y el odio visceral hacia toda la humanidad la convirtieron en himnos de metal incandescente que bebía de las fuentes del black más belicoso, del doom más fúnebre y del punk más cafre. Eran unos lunáticos peligrosos

y esa locura la impregnaban en su música, así de sencillo. Pensaba que lo tenían complicado para superar la excelencia de Worms, pero a veces soy un bocazas y el quinteto catalán me ha dado una buena patada en los dientes con Totemic Anal Turbolover, un artefacto más dañino, más sucio y más podrido que su anterior largo. El cambio de registro ha sido brutal: la velocidad les ha poseído y lo que nos ofrecen esta vez son 25 minutos de puro infierno donde el punk más mugriento y el black más colérico son los protagonistas totales. Y es que, escuchando ‘Be The War’, te das cuenta que, cuando se trata de componer odas de metal extremo para ir a la batalla, no hay nadie como ellos. ‘Pig Crap Shitty Christ’ te golpea y desaparece en un minuto de absoluta demencia, y el tema título es insultantemente blasfemo. Seguramente estemos ante el disco más obsceno y perturbador del año, pues escuchándolo me han venido a la mente Blasphemy, Marduk o Impaled Nazarene, pero estos tipos además de odio, inquina y rabia, también tienen talento y personalidad. Imprescindibles. ANDRÉS MARTÍNEZ

THIRD EYE BLIND Screamer

(MEGA COLLIDER) ROCK

6

T

odos los fans de Third Eye Blind, o de Stephan Jenkins que viene a ser lo mismo, están de acuerdo en que es una banda que merecería tener mucho más prestigio y relevancia de la que tiene; a día de hoy prácticamente considerado un grupo de nostalgia gracias a sus primeros hits. Su influencia en lo que fue la escena emo es innegable y da la impresión que cualquier banda posterior metida en el rock mainstream ha tomado cosas del talento de Jenkins. Pero su difícil carácter (Jimmy Eat World han sido los últimos en rajar tras una gira conjunta) y la poca consistencia que

la banda ha tenido en estos últimos años, ha hecho que el papel de Third Eye Blind se haya ido relegando cada vez más. Como hemos ido viendo en los últimos y menos populares trabajos de su discografía, caso del anterior Dopamine, es admirable el esfuerzo de Jenkins por hacer que el nombre de Third Eye Blind suene actual y no como una banda recreándose en viejas glorias… aun con el riesgo de que a veces se le vaya de las manos. Es en el single ‘Screamer’ –un curiosa colaboración junto a Alexis Krauss de Sleigh Bells- donde mejor se fusionan los Third Eye Blind del pasado y del futuro, al igual que temas como ‘The Kids Are Coming’ o ‘Ways’ donde los fans de la banda podrán recrearse en la grandeza de Jenkins, pero, ¡ay! experimentos trap como ‘2X Tigers’ o temas insulsos caso de ‘Turn Me On’ hacen que el álbum acabe pecando de demasiada irregularidad. Eso sí, uno sigue teniendo la sensación de que Jenkisn un día puede acabar clavando otra obra maestra si de verdad se lo propone. De él depende. RICHARD ROYUELA


L AIRBOURNE Boneshaker (SPINEFARM) HARD ROCK

6

o primero que hay que saber de los australianos Airbourne es que empezaron siendo una banda de pub cervecero y que lo que los ha llevado a convertirse en el monstruo que son a día de hoy ha sido siempre su actitud, unida a una imagen cool y algo gamberra. No son los mejores músicos, Y sin duda alguna no son los más originales, pero lo que hacen divierte y mucho. Llevan así varios discos y les funciona, por eso sería de ingenuos pensar en que en este Boneshaker iban a intentar cambiar algo de esa fórmula que les permite girar por todo el mundo e ir escalando posiciones en los festivales. Los riffs de estas 10 canciones los hemos escuchado tantas veces en otras bandas de las escuela AC/DC que todo nos resulta familiar en su quinto álbum. Ni siquiera haberlo grabado en Nashville con

S THE MUFFS No Holiday

(OMNIVORE RECORDINGS) PUNK POP

7

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e hace difícil escuchar No Holiday, el séptimo y disco final de The Muffs, sin tener constantemente en la cabeza que ésta es la última vez que escucharemos la voz de Kim Shattuck. Tristemente, la rubia frontwoman del trío californiano falleció apenas dos semanas antes de la publicación del álbum tras sufrir dos años de ELA. Escuchando No Holiday te rompe el corazón pensar que Kim, que en ningún momento hizo pública su enfermedad, era consciente de que éste sería su testamento musical. Quizá por eso decidió recuperar temas que había compuesto

el productor country Dave Cobb les ha hecho variar ni un ápice. Las letras pueden ser tan tontas como para matar todas las células de nuestro cerebro con cada frase, pero creando himnos que no pararás de corear con el puño en alto… porque decirlo es muy fácil, pero crear cosas tan infecciosas como esa ‘Sex To Go’ no tanto. Lo que te dan Airbourne es un poco de la fiesta y glamour del rock n´roll que no habrás vivido en los 80 porque o

eras un crío o aún no habías ni nacido. Y si los viviste los siendo adolescente, te devolverán a esa magia tan simplista y efectiva. Si los hermanos O’Keefe siguen haciendo un disco tan predecible es porque hay mercado para él, y con Boneshaker sólo siguen aumentando la lista de temas para sus directos, que es donde realmente está la acción. Nada nuevo bajo el sol, pero que siga corriendo la cerveza.

entre 1991 y 2017 y que habían quedado fuera de sus anteriores discos para darles, por fin, salida. Según ha contado el batería Roy McDonald su estado había degenerado tanto en el último año, que él y el bajista Ronnie Barnett tuvieron que grabar sus pistas sobre maquetas acústicas caseras, algo que se hace evidente en temas ‘Happier Just Being With You’, ‘Too Awake’, ‘Insane’, ‘The Kids Have Gone Away’, ante la imposibilidad de que su compañera pudiera tocar la guitarra o ni siquiera hablar. A lo largo del álbum nos encontramos todo aquello que nos gusta del grupo, desde la urgencia

más punk de ‘Down, Down, Down’ a la inocencia pop de ‘No Holiday’ o ‘Sick Of This Old World’, y momentos más íntimos como ‘The Best’ o ‘Sky’ que nos acercan más que nunca al corazón de su compositora. Aunque siendo honestos pocas de estas 18 canciones rivalizan con las de sus tres primeros e imprescindibles discos y que, quizá sugestionado por las circunstancias, parece que a la voz de Kim le falte la garra que antaño imprimía para afilar sus bonitas melodías, No Holiday debe valorarse más como un regalo que como un disco ‘normal’; eso sí un regalo muy agridulce. Forever Kim.

JORGE FRETES

JORDI MEYA


está empezando a convertirse en un pequeño problema. Cualquiera que haya seguido sus pasos habrá percibido el enorme salto conceptual entre Sometimes y Bring Me Your Love (las dos primeras obras con las que se dio a conocer), y lo que ha venido después. Si en sus inicios era un cantautor CITY AND COLOUR que expresaba sus penas con pocos recursos, su evolución A Pill For Loneliness le ha llevado a convertirse (STILL) en un compositor de bonitas ROCK canciones arregladas al calor de una banda al completo. 6 En ese sentido, A Pill For Loneliness vuelve a ser un muestrario de su particular i la intermitente libro de estilo. No se puede reunión de negar que piezas como Alexisonfire es ‘Strangers’, la reverberizada capaz de alejar a Dallas ‘Astronaut’, el tono oscuro de Green de su máxima ‘Mountain Of Madness’, o prioridad. Resulta curioso una ‘The Wars Years’ donde que, con el paso del tiempo, su rango vocal es capaz lo que en su día empezó de llenar todo el espectro, siendo un mero proyecto en sean malos temas. Están solitario para dar salida a bien interpretados, suenan una serie de canciones que perfectos y Green sigue no tenían cabida en su banda cantando como los ángeles. madre, haya terminado Pero al mismo tiempo, todo convirtiéndose en la principal resulta demasiado previsible. ocupación del canadiense. E insisto, no estamos ante un Así pues, City And Colour mal álbum, pero no puedo llega a su sexto trabajo evitar pensar que antes de estudio como un marca conseguía transmitir mucho completamente establecida más con mucho menos. y diría que tranquilamente acomodada. Y esto último GONZALO PUEBLA

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TOXIC HOLOCAUST

Primal Future: 2019 (EONE) THRASH METAL, SPEED METAL

7

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oel Grind nos debía un álbum desde hace seis años. Ha estado liado en mil historias y, sobre todo, ejerciendo de productor, pero ya era hora de que volviera a aquello por lo que todos le conocemos: Toxic Holocaust. Sin más promoción que una portada, un listado de temas y un single circulando por las redes en pleno agosto, Primal Future: 2019 se abre paso entre nosotros para repartir estopa. ‘Chemical Warlords’ se trinca varios litros de cerveza para celebrar un pacto de sangre entre Motörhead y Venom,

pero tampoco hay que menospreciar la presencia de los Running Wild más antiguos y speed en esos estribillos. Mucho del Kill ‘Em All de Metallica veo yo en esta obra, ya no digamos de Midnight… ‘Black Out The Code’ confirma un inicio de disco fulgurante a cuchillada limpia. Muy black thrash. Riffeo guapo en ‘New World Beyond’ para que dancen las melenas, que se rompan la cara los punkis con ‘Deafened By The Roar’, y ‘Time’s Edge’ mantiene el listón alto con esas guitarras juguetonas a cien por hora. En la segunda mitad del trabajo ya surgen algunas dudas, aunque bien pocas, tampoco se alarmen… Joel se deja la garganta en ‘Primal Future’, pero lo cierto es que este tema no mata, y de relleno podría calificar ‘Controlled By Fear’ y casi que ‘Cybernetic War’ si no tuviera esa parte tan Maiden. ‘Iron Cage’ rockea que da gusto y en ‘Aftermath’ vuelven las peleas callejeras, así que nos queda un disco la mar de digno, con nuevas gamberradas y fiel representante de la fórmula Holocaust. PAU NAVARRA


CORDURA

Ruta Suicida (MONOS SOBRE RUEDAS/ THREE WITCHES) ROCK

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unca han acaparado grandes titulares ni portadas, pero como quien no quiere la cosa, Cordura llevan ya la friolera de dos décadas en esto al pie del cañón. Los bilbaínos son una de esas formaciones que injustamente se suelen pasar por alto, pero que siempre están ahí. Cuesta pensar en que algo pueda cambiar a nivel de repercusión para ellos, pero con su participación en el pasado Resurrection Fest y el auge de la escena del rock psicodélico en nuestro país, parece que Ruta Suicida llega justo en el momento idóneo para que se les empiece a reconocer un poquito. Su álbum de

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hace cuatro años, El Mal Ya Está Hecho, abrió una nueva etapa en la que dejaban que la psicodelia y el space rock se colasen en su música. Por supuesto, Ruta Suicida no sólo prosigue por esa vertiente, sino que la abraza aún con más fuerza. El uso de los teclados se ha tornado en fundamental, como demuestra la introducción de ‘Ruta Suicida’, a la que le sigue un riff entrecortado a lo Monster Magnet. En ‘Hipernova’ vuelven a reclamar protagonismo al igual que en ‘Salto De Fe’, con un cambio de rumbo hacia la mitad que es de lo mejor del álbum. Tampoco les tiembla el pulso a la hora de adentrarse en pasajes más complejos, como esa monstruosidad titulada ‘Columnas De Humo’ que te va zarandeando hasta culminar en una outro acústica. Y aunque la evolución es más que evidente, Cordura siguen siendo reconocibles al 100%, incluso desprendiendo su habitual crudeza en la más directa ‘Plan Maestro’. Que llegados a un sexto disco hayan firmado uno de sus mejores trabajos, lo dice todo. GONZALO PUEBLA

GOO GOO DOLLS Miracle Pill (WARNER) ROCK

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sí a lo tonto ya han pasado más de dos décadas desde que Goo Goo Dolls entraran en el mundo mainstream gracias al éxito de discos como A Boy Named Goo y sobre todo Dizzy Up The Girl, con la omnipresente ‘Iris’, una de esas baladas que marcan época. Que Goo Goo Dolls viven del rédito de esos días es evidente pero, a diferencia de otros, todavía pueden girar en recintos con un aforo respetable y su nombre sigue estando presente. El que sigan siendo un grupo relevante y con seguimiento se basa en que no han dejado de grabar discos con un

nivel más que aceptable y, en algunos casos, hasta notable. Si Bon Jovi fuese un tipo inteligente ficharía a su amigo John Reznik para que le ayudara a confeccionar nuevas composiciones y dejara de aburrir al mundo como lleva haciendo desde hace demasiado tiempo. ¿Os es que no podrían ser ‘Indestructible’ o ‘Lights’ buenos temas para el de New Jersey? Miracle Pill, su decimosegundo trabajo en estudio ya, es otro gran álbum a añadir en su discografía. Desde luego la garra de sus inicios se ha perdido por completo, pero lo han compensado con unas composiciones más adultas, calmadas y con gancho. Son la perfecta definición de lo que es el modern rock adulto y aunque daríamos lo que fuese por volver a tener otro Dizzy Up The Girl en nuestras manos, no podemos engañarnos: tanto Goo Goo Dolls como nosotros nos hemos hecho mayores, pero si eso significa tener canciones como ‘Fearless’, ‘Money Fame And Fortune’ o esa ‘Think It Over’ que cierra el álbum con cierta épica, pues bienvenida sea la madurez RICHARD ROYUELA


NICK CAVE AND THE BAD SEEDS Ghosteen

(BAD SEED LTD) CANTAUTOR, AMBIENT

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uando en 2016 Nick Cave publicó Skeleton Tree, aquél se presentaba como un álbum necesario. El trágico fallecimiento de uno de sus hijos en un accidente justo un año antes y sus posteriores consecuencias debían quedar reflejadas a modo de testimonio musical. Lo que no esperábamos es que pasado un tiempo prudencial nos encontraríamos con un Cave aún más dañado. Hay golpes vitales que son imposibles de cicatrizar. Por supuesto, esto vuelve a quedar recogido en las composiciones del nuevo e inesperado Ghosteen, anunciado con apenas una semana de antelación

respecto a su aparición. Partiendo de lo sembrado en su antecesor, el australiano ha llevado aún más lejos lo mostrado tres años atrás. O mejor dicho, ha reducido su minimalismo casi al extremo. Por enésima vez, la labor de Warren Ellis en los arreglos resulta fundamental para arropar la apesadumbrada voz de Cave. No busquen guitarras, baterías o arreglos de cuerda porque no los encontrarán. Apenas unos teclados ambientales, el piano y un destacamento de coros son las armas empleadas para enfrentarse a estas nuevas canciones. A no ser que uno de sea de piedra, resultará imposible no conmoverse ante las sobrecogedoras melodías de ‘Waiting For You’ y ‘Sun Forest’, el tono góspel en la neo futurista ‘Galleon Ship’ o el mantra espectral de ‘Leviathan’. Si aún queda aliento, las finales ‘Ghosteen’ y ‘Hollywood’ acabarán por arrebatárnoslo gracias a una frágil tensión de las que te dejan clavado en la butaca. Encarar la hora y pico de Ghosteen no es tarea sencilla. Requiere de una predisposición anímica acorde, pero sin duda el reto merece la pena. GONZALO PUEBLA

MAYHEM Daemon

(CENTURY MEDIA) BLACK METAL

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ntiendo la euforia que Daemon, el sexto álbum de Mayhem, pueda haber desatado en ciertos sectores. Por experimentales o raros que fueran, yo siempre he disfrutado de todos sus capítulos sin excepción, pero no nos engañemos: De Mysteriis Dom Sathanas es lo más grande que han grabado nunca, jamás se superará, y a estas alturas su leyenda está por encima de la música o la propia banda, incluso. Un cuarto de siglo después, es precisamente a su mítico debut a lo que nos remite su nuevo disco. Desde que ‘The Dying False King’ entra a cuchillo es imposible escapar de esa influencia, sobre todo por el bajo tan

subido de Necrobutcher y un Attila Csihar majestuoso, al que parece que revivir a Tormentor le haya recordado las mil y una voces que es capaz de plasmar. ‘Agenda Ignis’ avisa de que nunca dejarán de ser retorcidos, pero al llegar a ‘Malum’ el espíritu de De Mysteriis vuelve a azuzar brutalmente. Casi parece un descarte… Más guiños en la buenísima ‘Falsified And Hated’, que se te enrolla en el cuello cual serpiente descendiendo hacia Eva, o en la maléfica ‘Aeon Daemonium’. Dos cortes para enmarcar, y la carrera endiablada de ‘Worthless Abominations Destroyed’ tampoco decepciona. La sensación de obra coral se apuntala con una ‘Daemon Spawn’ que ayuda a un todo, Daemon, que se ve fortalecido por esa ambientación auténticamente insalubre. Hay quien lleva eones esperando este álbum… que lo disfrute, tanto como cualquiera que siempre haya prestado sus orejas a Mayhem sin condiciones previas. Tras un cierre como ‘Invoke The Oath’ tengo claro que tenemos a un nuevo genio, y se llama Teloch. PAU NAVARRA


T LEPROUS Pitfalls

(INSIDE OUT) ROCK PROGRESIVO

7

odas las bandas antes que ellos han seguido el mismo camino, sino piensa en Opeth, Riverside, o Anathema. Todas esas bandas que empezaron haciendo metal progresivo han tirado por el camino correcto: no han repetido fórmula y realmente han sido fieles a la etiqueta prog al progresar en su sonido, aunque eso conlleve ciertas consecuencias. No se puede acusar a Leprous de no haber avisado de este cambio, y en el anterior Malina ya nos lo dejaban bien claro con canciones más ambientales que recibieron fuertes críticas en su momento. A pesar de todo resistieron el fuerte chaparrón. Aquí Leprous se deshacen elegantemente de casi todo el metal para desvelar su identidad real, y el resultado aun siendo exquisito te hace una pregunta inevitable: ¿Esta versión de Leprous

S WILCO

Ode To Joy (DBPM) FOLK ROCK, INDIE

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in necesidad de disparar las alarmas, hacía tiempo que algo no terminaba de funcionar en el campamento Wilco. No nos referimos a sus conciertos, donde siguen siendo un grupo con una fiabilidad a prueba de bombas, sino a los últimos álbumes que habían publicado. Tanto Star Wars como Schmilco parecían colecciones de retazos inacabados, faltos de la consistencia que acostumbran en sus discos. Por suerte, Jeff Tweedy se ha dejado de tonterías y, esta vez sí, nos trae devuelta a unos Wilco dispuestos a silenciar las peores sospechas de sus

funciona para ti tan bien como lo hacía la anterior? Si crees que no, al menos estas canciones tienen un argumento poderoso para hacerte creer que aun no siendo metal tienen un atractivo muy fuerte para quienes ya los seguían antes. En las primeras canciones de Pitfalls dejan caer unos arreglos más melódicos, casi orquestales, y sobre todo muy accesibles ¿Recuerdas cuando Steven Wilson se acercó demasiado al pop en To The

Bone? Pues puedes esperar lo mismo de este álbum, pero aunque el ataque técnico haya disminuido, el cambio ha ganado en emoción y dinámica. El falsete del vocalista Einar Solberg está más presente que nunca, no hay rastro de guturales, y eso le permite desarrollar mucho más color sobre la ansiedad y depresión que le ha causado parir estas canciones. Leprous no van a volver a ser los mismos, pero quizá sea para bien.

seguidores. Justo cuando empezábamos a temer que los de Chicago iban a entrar en esa peligrosa franja de edad adulta lanzando discos por pura autocomplacencia, van y se desmarcan con un Ode To Joy que les vuelve a situar en el lugar que merecen dentro del panorama actual. Como si de el amanecer de un nuevo día se tratase (‘Bright Leaves’), poco a poco se van desperezando a gracias unos ritmos percusivos sin tener que alzar la voz (‘One & A Half Stars’, ‘Quiet Amplifier’). Nels Cline por fin se ha decidido a salir a escena con su guitarra y vuelve a estar brillante

en ‘Hold Me Anyway’ y la caótica ‘We Were Lucky’. Experimentación y tradición a partes iguales y bien equilibradas. Junto a Tweedy, es la piedra angular de una banda que vuelve a disparar en el centro de la diana cuando se trata de hacer canciones redondas como ‘Everyone Hides’, ‘White Wooden Cross’ y una ‘Love Is Everywhere (Beware)’ que es de las piezas más bonitas que han firmado en bastante tiempo. Tal y como nos saludaron, se despiden con ‘An Empty Corner’ para reafirmar que, cuando quieren, todavía pueden darnos muchas alegrías.

JORGE FRETES

GONZALO PUEBLA


KADAVAR

For The Dead Travel Fast (NUCLEAR BLAST) HARD ROCK

7

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a iba siendo hora de que Kadavar se decidiesen por arriesgar un poco y variar una propuesta tan inmovilista como la suya. El hard rock que venían practicando empezó a dar claros síntomas de agotamiento en Rough Times y parece que los berlineses se han percatado de ello. Tampoco es que se hayan ido muy lejos a buscar inspiración, dado que For The Dead Travel Fast sigue sonando a esa ola retro 70’s de la que son abanderados, pero sí se aprecia un esfuerzo por darle otro enfoque. Uno más oscuro y tenebroso que

les aproxima aún más si cabe a esos Black Sabbath primigenios de los que tanto han tomado prestado. La dupla inaugural formada por ‘The End’ y ‘The Devil’s Master’ da buena cuenta de ello con una atmósfera lúgubre a la par que épica hasta ahora casi inédita en su discurso. Por ahí continúan profundizando con ‘Children Of The Night’ y ‘Dancing With The Dead’ dejando espacio para las melodías, la psicodelia pasada de rosca en ‘Demons In My Mind’, la melancolía fúnebre que transmite una pieza como ‘Saturnales’, o los siete minutos de puro doom bien ejecutado de ‘Long Forgotten Song’. Recursos que no son sorprendentes, pero sí más interesantes que estar machacando el mismo riff constantemente de principio a fin como nos tienen acostumbrados. De hecho, los cortes que van en esa dirección como ‘Evil Forces’ y ‘Poison’, son los que menos aportan al global. Dista de ser un álbum perfecto, pero puede que For The Dead Travel Fast signifique un punto de inflexión de cara al futuro para la banda germana. GONZALO PUEBLA

HELLOWEEN

United Alive In Madrid (NUCLEAR BLAST) POWER METAL

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o no estuve ahí, pero si empezaron con ‘Halloween’ es que fue una sobrada del copón. Ya saben… el 9 de diciembre de 2017, en el WiZink Center de Madrid, tuvo lugar una cita histórica con Helloween: fecha única de los teutones en nuestro país junto a Michael Kiske y Kai Hansen tras mil años de desencuentros. Recaló el Pumpkins United, vaya, y la cosa se desmadró. No hemos podido acceder a los DVDs que compilan esta actuación, la del Wacken y la de Sao Paulo, pero sí al triple CD que ofrece todo el

bolo de la capital. Y bueno, en muchos momentos es como para mear y no echar gota, sinceramente. Cuando arranca ‘Dr. Stein’ tienes que chillar, así de sencillo, y luego viene ‘I’m Alive’… Y madre mía, es que hay que ser cabrón. Pero también hay bajona, lo siento. ‘If I Could Fly’ mola, ‘Are You Metal?’, bueno, la peña la disfruta, pero ‘Perfect Gentleman’, ‘Forever And One’, ‘Power’… Es imposible que puedan luchar contra la puta gloria bendita de ‘Rise And Fall’, ‘How Many Tears’, la perfección de ‘Eagle Fly Free’, ‘A Tale That Wasn’t Right’, la inigualable nobleza de ‘Keeper Of The Seven Keys’ o ‘Future World’. Recta final más allá de la apoteosis para un set ligeramente irregular, que puede que se me haya hecho largo al no venir acompañado de imágenes, pero en cualquier caso, un empache de Helloween que viene a demostrar, otra vez, que los Keepers están entre lo mejor que se haya grabado nunca. Si eres fan a muerte, corre a por cuatro copias como mínimo, porque esto lo vas a rayar. PAU NAVARRA


MARK LANEGAN Somebody’s Knocking (HEAVENLY/PIAS) ROCK

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esde que decidió retomar su carrera en solitario en la presente década, Mark Lanegan nos ha dado una de cal y otra de arena. Ha entregado discos de excelente factura (Blues Funeral) y otros que se podrían situar entre lo más prescindible de su catálogo (Phantom Radio). Todos ellos siempre transitando por producciones más modernas y cercanas a ese interés en la la electrónica que tanto parecer entusiasmar al ex-Screaming Trees en la actualidad. Gargoyle parecía haber encontrado un justo punto de acuerdo entre su pasado y el presente, pero es aquí cuando aparece un

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Somebody’s Knocking que decididamente mira hacía adelante. Aunque Lanegan ha tenido en mente las influencias de New Order o Depeche Mode, se ha preocupado por darle al disco cierto punch rockero como se puede apreciar en ‘Disbelief Suspension’, ‘Stitch Up’ y ‘Gazing From The Shore’. El problema es que no todo el álbum está al mismo nivel. Mientras que en ‘Paper Hat’ (¿soy el único al que le recuerda a su etapa con Soulsavers?) y ‘Two Bells Ringing At Once’ sigue haciendo valer su timbre grave y rocoso, en otras como ‘Dark Disco Jag’, ‘Name And Number’ o ‘War Horse’ se echan en falta matices más cálidos entre tantos teclados y ritmos procesados. La pieza central, ‘Penthouse High’, vendría a ser la hermana gemela de aquella ‘Ode To Sad Disco’, pero con una dosis menor de inspiración. Está claro que Lanegan va a la suya, sin preocuparse de las nuevas tendencias o de revisitar sus raíces. Pero me temo que en esta ocasión se ha pasado de frenada con un trabajo irregular. Confiemos en que su musa vuelva llamarle pronto. GONZALO PUEBLA

MOTÖHEAD

Overkill/Bomber (BMG) HARD ROCK

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ú que lees esto y yo, no estaremos en este mundo, pero seguirán existiendo reediciones de Motörhead. Es así. El nombre de la banda ya ha alcanzado el estatus de clásico –en el sentido más grande de la palabra- y eso unido a una base de fans dispuestos a partirse la cara por tan mítico emblema, hace que la extensa discografía del trío vaya a exprimirse hasta el límite. Sin ir más lejos, tanto Overkill como Bomber, dos de los trabajos más icónicos de la banda editados ambos en 1979 (hoy en día parece ciencia ficción que una banda editara dos discos clásicos de estudio

en el espacio de siete meses), ya han sido objeto de buenas reediciones en el pasado, pero aquí los tenemos de nuevo, previo lavado de cara, celebrando su 40 aniversario. Poco que decir respecto a dos discos repletos de enormes canciones como ‘Overkill’ ‘Stay Clean’ ‘No Class’ ‘Bomber’ ‘Stone Deaf Forever’… Dos discos que captan a una banda en total estado de gracia y escribiendo auténtica historia del rock de más alto voltaje. Las reediciones han sido tratado con mimo, disponibles en todas las maneras y formatos que os podáis imaginar, incluyendo un librito de 40 páginas con fotos inéditas. El gran caramelo está en los extras con dos conciertos inéditos hasta el momento, ambos fechados en el 1979, y, de nuevo, mostrándonos a la formación clásica de Lemmy, Phil Taylor y Eddie Clarke en su máxima expresión. En cierta manera, un nuevo sacacuartos, pero hay que reconocer que ya nos gustaría que la mayoría de rediciones estuvieran tratadas con este mimo. Justo lo que Lemmy se merece y hubiese deseado. RICHARD ROYUELA


TEITANBLOOD

The Baneful Choir (NORMA EVANGELIUM DIABOLI) BLACK DEATH

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entro del extremísimo metal extremo, este país tiene dos bandas que reinan sin oposición a nivel mundial: una es Wormed, y la otra es Teitanblood. Mientras los primeros no han creado escuela porque es imposible que otras personas consigan replicar su majadería matemática, los autores de The Baneful Choir son constantemente reivindicados como principal influencia dentro del black death. Los primeros 8 minutos del tercer álbum del ahora cuarteto son para entrar en situación: ‘Rapture Below’ tira de abominable ambientación para que ‘Black Vertebrae’ dé paso al exterminio, pero

no es hasta ‘Leprous Fire’ que este volcán entra en erupción. Te va a explotar la cebolla, y aún más con ‘Ungodly Others’. A su manera, ¿¡están Teitanblood rockeando!? Infausta canción repleta de voces abisales y solos criminales, nunca me habían reventado las cervicales así. Otra paliza desde otros planos con ‘Inhuman Utterings’ para entrar en otra fase del álbum, la del pavor entre unos lapsos que ni Amaka Hahina. Comprendo a quien sólo desee chicharra metálica, pero a su vez, no asimilo que este terror auditivo no les cause placer, menos si ‘The Baneful Choir’ es lo que aguarda al otro lado del río Estigia, expandiéndose y expandiéndose. ‘Sunken Stars’ y ‘Verdict Of The Dead’, más sacadas de chorra apocalípticas. Igual hay quien le flipe más Death, Seven Chalices o incluso el EP Accursed Skin, pero de verdad, yo ante esta obra me sigo imaginando una clase magistral del siglo XIX, con Teitanblood dictando sentencia en el centro del aula y todas las demás bandas black death apuntado… cuando no copiando. PAU NAVARRA

TOMMY AND JUNE s/t

(FAT WRECK) FOLK

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i hacemos caso a las historias que cuenta Fat Mike, Tommy es un judío de Israel y June es un árabe de origen iraní que vive actualmente en Colombia. Ninguno de los dos se comía un rosco con sus respectivas bandas, así que el bueno de Mike, quien los conoció por separado en sus giras con NoFx, pensó que tenían talento y que podría ser una buena idea juntarlos para hacer un dúo. Después de una semana en el estudio, el resultado son diez canciones producidas por el líder de NoFx, que duran unos 20 minutos en total. El debut de Tommy y June tiene un sonido lo-fi, casero, un cierto aire tristón

y melancólico, y un espíritu folk que remiten a los inicios del ahora anciano Bob Dylan. Estamos, pues, ante un disco de ejecución mayoritariamente acústica, aunque algunas composiciones sean algo más animadas (‘Ghost Of Paris’, ‘Mary Unfaithful’) e incluso ‘Black Maze’ me recuerde a una de esas buenas piezas firmadas por los añorados No Use For A Name. Las diez canciones compuestas por este dúo de tan exótico origen suenan amables para cualquier oído, pero tampoco son brillantes; de hecho, para relajarme con algún álbum acústico prefiero los publicados por la pareja formada por Tony Sly y Joey Cape. En cuanto a las letras, resultan interesantes las declaraciones que hace Tommy en los textos de ‘Adulthood’ (“I’m still a punk inside, I’ll never hide the rage”) o ‘Young Man Bones’ (“Heart of a punk with a SoCal sound”). Podrán ser punks de corazón, pero la música distorsionada y rabiosa se la dejaron olvidada en Israel y Colombia. Una pena. JORDIAN FO


FOXHALL STACKS The Coming Collapse (DISCHORD) POWER POP

8

L

a leyenda de Brian Baker sigue creciendo. Después de marcar a varias generaciones con bandas de hardcore y punk como Minor Threat, Dag Nasty y Bad Religion, el venerado guitarrista ahora ha formado una banda de power pop con aires clásicos en la que toca el bajo. Sus compañeros en Foxhall Stacks no son mancos precisamente y hablar de dream team resulta casi obligado. Le acompañan en esta aventura ni más ni menos que Bill Barbot, guitarrista de Jawbox y Burning Airlines, que se erige aquí como un gran cantante, hasta ahora a la sombra del gran J. Robbin,

82 68

y el batería de Government Issue y Wool, Pete Moffett. Después de una suerte de adelanto de dos temas en forma de EP de presentación titulado con mucha guasa Copy Of A Copy Of A Copy Of A Copy, el cuarteto afincado en Washington que completa el guitarrista Jim Spellman, miembro de Velocity Girl, nos regala otros ocho temas irresistibles. Estos padrinos del hardcore y el post hardcore, arquitectos del sonido DC en los 80, sorprenderán a más de uno con esta vuelta a las raíces que es The Coming Collapse, un disco de pop de guitarras agradablemente familiar y luminoso claramente influenciado por bandas como Cheap Trick, Big Star, The Posies e incluso los Ramones de Too Tough To Die. El disco, como no podía ser de otra manera, ha visto la luz a través de Dischord, la segunda casa de estos veteranos músicos que aquí transmiten buen rollo a toneladas. Sólo ellos saben si esto tendrá más recorrido o quedará a la posteridad como un mero divertimento de cuatro viejos amigos LUIS BENAVIDES

ALERTA

Tú Decides El Final (BLOOD FIRE DEATH) METAL

8

E

scribo estas palabras un día que debería ser un lunes cualquiera del calendario, pero coincide que es 14 de octubre de 2019 y que el Tribunal Supremo acaba de hacer pública la sentencia por el juicio del proceso catalán. Qué casualidad que la canción que abre Tú Decides El Final de Alerta se titule precisamente ‘Injusticia’. Con el paso de los años (y ya son 22 de carrera) y de los discos, el quinteto de Durango cada vez suena más metálico y poco queda de core en su propuesta musical, pero su actitud y sus textos comprometidos y críticos

sin duda mantienen intacto el espíritu hardcore de la banda. Y si en la reseña de su anterior Siempre Más Fuertes (2011) calificaba su música de brutal hardcore emparentándolos con otros grupos nacionales como Ownfight, Oppugno y Ofensiva, para su quinto LP los vizcaínos endurecen aún más su descarga aunque la llenen de coros para poder engorilar también a otra parroquia que no sea exclusivamente la metalhead. Ahora las referencias serían más acertadas si las dirigimos hacia los Escuela De Odio más metálicos, los Habeas Corpus del disco Justicia, los Anal Hard menos pornográficos y escatológicos y los Después De Todo con su punto melódico. En Tú Decides El Final el sonido es perfecto: contundente y cañero a más no poder pero donde se aprecian debidamente las voces y cada uno de los matices instrumentales. Algún oyente puede que eche en falta alguna canción más (son sólo siete), pero la ración de rabia sonora y de realidad lírica que han recibido mis oídos es más que suficiente. JORDIAN FO


THE APPLESEED CAST

The Fleeting Light Of Impermanence (GRAVEFACE) POST ROCK

7

C

uando empieza a sonar ‘Chaotic Waves’, el primer corte del nuevo album de The Appleseed Cast, con esos punteos tan repetitivos como abismales, sabes que la espera mereció la pena. Y es que seis largos años han pasado desde aquel Illumination Ritual; y desde el mismo sello independiente, Graveface, ha visto la luz el presente The Fleeting Light Of Impermanece, otro fascinante ejercicio de post rock emotivo. El título hace referencia, de manera poética, a la fragil existencia o, en otras palabras, la

tiranía de la impernanencia. Esa idea, la de la aterradora obsolescencia, aparece en la tremendista ‘Time The Destroyer’, un gigantesco bucle del que es imposible escapar en sus más de seis minutos, con capas y capas de sintetizadores y guitarras, y en mi favorita ‘Last Words And Final Celebrations’, encargada de poner el broche al noveno disco de los de Lawrence. En conjunto, se trata de un aviso a navegantes. Nada ni nadie, incluida la formación liderada por Chris Crisci, el único superviviente de la formación original, escapará. Por eso mismo, disfrutemos estos 8 nuevos temas como si fueran los últimos. Aquí hay material de mucha calidad, a ratos experimental, con un sonido orgánico y una reverberación muy natural, como en la esperanzadora ‘Collision’, con un estribillo brillante que destaca entre tanta oscuridad, y ‘The Journey’, una verdadera odisea espacial que hará las delicias de los seguidores más exigentes de esta formación con más de 20 años de trayectoria y que, sin duda, abrieron un camino por el que muchos han transitado. LUIS BENAVIDES

SWANS

Leaving Meaning. (YOUNG GOD) ROCK EXPERIMENTAL

5

C

uando Swans se reformaron en 2010 su música se convirtió en mucho menos peligrosa. Antes eran una banda feroz, más que muchas de heavy metal, y que tras utilizar paletas del gótico o del industrial se volvieron intocables. En este nuevo Leaving Meaning. siguen por el camino de incorporar influencias folk con melodía que al final del día hace que sea más fácil respetarlos por lo que hacen que realmente disfrutar sin concesiones de su música. Pensábamos que el cambio que Michael Gira planteaba en la grabación de este nuevo disco nos daría un aire fresco, y es

que en lugar de grabarlo con una banda como tal, se sirvió de la ayuda de músicos ajenos a Swans que eligió personalmente como el guitarrista Kristof Hahn, el bajista Yoyo Röhm y el batería Larry Mullins. Pero aun cambiando el método el resultado ha sido el mismo. Se podría decir que estas canciones van a medio camino entre una balada y un sonido drone, como si el mismísimo diablo estuviese enamorado y le gustase el folk como en ‘Sunfucker’. Texturas acústicas donde la percusión queda en un segundo plano y donde la voz de Gira se ve a ratos arropada por coros místicos o sonidos de risas, caso de ‘Amnesia’. Gira siempre ha intentado provocar una reacción que trascienda el lenguaje, y aquí se ha quedado en un ritual de americana que nos deja ver que es un músico muy inteligente, pero no por ello el resultado acaba siendo redondo. Las canciones parecen paradojas entre sí, y cuando más parece llegar a algo centrado, más torpe se vuelve su manera de componer. JORGE FRETES


TIGER ARMY

LA MIRADA DEL TIGRE NICK 13, EL LÍDER DE TIGER ARMY, ES UN HOMBRE ATRAPADO ENTRE EL RESPETO POR LA MÚSICA DEL PASADO Y EL DESEO DE NO QUEDARSE ESTANCADO. CON RETROFUTURE , EL SEXTO ÁLBUM DEL TRÍO CALIFORNIANO, INTENTAN RESOLVER EL ENTUERTO UNA VEZ MÁS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


D

ESPUÉS DE UNOS CUANTOS AÑOS DE LETARGO, Tiger Army

volvieron a rugir con la aparición de su quinto álbum en 2016. Si bien la repercusión de V no fue la esperada, eso no desanimó a Nick 13 y sus compañeros Djordje Stijepovic (contrabajo) y Mike Fasano (batería) a la hora de volver a intentarlo con Retrofuture (Rise), un disco que supera al anterior y que reafirma que seguir clasificando a Tiger Army simplemente como una banda de psychobilly es no hacerles justicia. En sus canciones encontramos una fuerte influencia del rock’n’roll de los 50 y punk rock, pero también del surf, el lounge, el pop o el post punk de los 80. Un enfoque nada purista que les ha permitido construir una carrera que ya supera las dos décadas. Una pena que en todo este tiempo todavía no hayan visitado nuestro país, aunque después de charlar con Nick 13 queda claro que ganas no le faltan. Tengo entendido que practicas la meditación trascendental. Muchos artistas dicen que les ayuda en el proceso creativo. ¿Es tu caso? NICK 13 “Por desgracia no la prac-

tico tanto como antes. Es como todo. Como hacer ejercicio; aunque sepas que es beneficioso, te acabas poniendo excusas para no hacerlo. Pero desde luego, cuando empecé a practicarla hace once años, sí me ayudó a nivel creativo”.


¿Y por qué has parado? ¿Sólo

¿Cuánto dominas el español?

hecho, no publicasteis un nuevo

por pereza?

¿Sabes hablarlo o sólo te apren-

disco hasta 2016. ¿Te planteas-

“Bueno, ya sabes, estás ocupado en otras cosas, y lo vas dejando. Tengo la idea de volver a hacerlo, pero tengo que encontrar el momento. Supongo que estoy en esa fase de la gente que está apuntada a un gimnasio, pero no va (risas)”.

des lo que cantas y ya está?

te romper el grupo y dedicarte

“Sé muchas palabras, pero nunca diría que sé hablarlo (risas). En Los Ángeles obviamente hay mucha gente que lo habla y si estoy cerca de gente que lo habla, empiezo a entenderlo. Cuando hicimos la gira por Sudamérica acabé entendiendo casi todo lo que decían. Me arrepiento de no haberlo estudiado más en la escuela, pero tuve un profesor muy bueno el primer año y con él aprendí la pronunciación. Pero cuando grabo una canción en español, siempre tengo a un amigo que lo domina para que me corrija si es necesario”.

sólo a tu carrera?

¿Qué hay de retro y qué hay de futurista en Retrofuture?

“La parte retro vendría por el equipo vintage que hemos usado, por los instrumentos, por el tipo de grabación y, naturalmente, nuestras influencias que vienen del rock’n’roll clásico. Pero nuestra intención no era hacer una simple fotocopia de lo hecho en el pasado, sino imaginar cómo sonaría una banda de ese tipo en el futuro, también usando lo que la tecnología nos permite hacer. Ése es el juego que me propuse en este disco”.

Tendríais que venir a tocar aquí para practicar.

tra carrera, ¿no?

“Sí, es una pena que nunca hayamos tocado en España, siempre hemos querido hacerlo. Por desgracia, nuestra próxima gira europea en noviembre sólo pasa por Reino Unido, Alemania y Austria. Espero que podamos ir algún día”.

“Sí, supongo que sí. Nunca he querido seguir una tendencia, sino crearla”.

Aunque siempre se os ha metido

Pero en realidad es un poco lo que lleváis haciendo toda vues-

en el saco de psychobilly, en reaComo en trabajos anteriores,

lidad ya hace años que habéis

Retrofuture tiene 13 canciones,

tomado otro camino. ¿Te moles-

se abre con un tema instrumen-

tan ese tipo de etiquetas?

tal, hay un tema en español

“Bueno, no lo comparto, pero lo entiendo. Supongo que con una mirada superficial. Nuestra estética y algunos de nuestros temas pueden llevar a esa conclusión, pero quien nos sigue más de cerca sabe que no estamos cerrados a un solo sonido”.

como ‘Mi Amor La Luna’… Es como si todos tuvieran una misma estructura.

“Me gusta que los discos sean como un viaje, que fluyan y tengan una narrativa. Supongo que mantener esa estructura me facilita saber qué piezas necesito para conseguirlo. No es una norma que me autoimponga, sino más bien una elección que me sirve de guía”. 72

A partir de 2008 la actividad de la banda bajó muchísimo y sacaste tu álbum en solitario de orientación más country. De

“No, siempre supe que el grupo seguiría. Con el cuarto álbum hicimos una gira muy larga, de casi dos años. Luego me puse a trabajar en mi disco que salió en 2011, pero cada año al menos dábamos un par de conciertos con Tiger Army, excepto en 2014. Creo que esos años me ayudaron a encontrar una nueva perspectiva. Disfruté mucho tocando solo y sumergiéndome en una nueva escena musical. Pero a partir de 2014 empecé de nuevo a componer para Tiger Army, lo que pasa es no soy muy rápido haciéndolo, me lleva al menos un año. En 2015 estuvimos grabando y V salió al año siguiente. Aunque pudiera parecer lo contrario, la banda siempre estaba ahí”. ¿Te sentiste cómodo en la escena country?

“Sí, fue refrescante meterme en una experiencia musical diferente después de haber hecho cuatro discos con Tiger Army y girando tanto. Pasé mucho tiempo en Nashville. Creo que viví los últimos coletazos del viejo Nashville, ahora ha cambiado mucho. Vi muchos conciertos en el Ole Grand Opry. Aunque por desgracia muchos de los artistas veteranos han fallecido en los últimos diez años, pude ver algunas leyendas de los 50 y los 60 que grabaron mis discos de country favoritos. Aprendí mucho viendo tocar a esos músicos y muchas tradiciones del country que no forman parte del mundo del rock o del punk que nunca había experimentado. Y también hay cosas del rock’n’roll de los 50 que sólo se han


“AUNQUE PUDIERA PARECER LO CONTRARIO, LA BANDA SIEMPRE ESTABA AHÍ” NICK 13

preservado dentro del country. Así que fue muy interesante. Creo que me hizo crecer como músico, como compositor, como cantante, y eso me ha ayudado a encontrar nuevas vías de inspiración para Tiger Army”. Supongo que es una generalización, pero la idea extendida es que una gran parte del público country en Estados Unidos es muy conservador. ¿Te supuso algún problema viniendo del punk rock?

“Supongo que es verdad hasta cierto punto, pero te aseguro que hay mucha gente del punk rock a la que le ha acabado gustando el country. Creo que el punk y el country de los 50 y los 60 tienen en común que son crudos, increíblemente sinceros, son auténticos… y esas cualidades pueden resultar atractivas a cualquiera”. Centrándonos en el punk, uno de los grupos que os han influen-

ciado son los Misfits. ¿Algún día pensaste que los verías llenando estadios o sitios como el Madison Square Garden como están haciendo ahora?

“Sí y no. No quiero decir que preveía que llenarían el Madison Square Garden, pero creo que el grupo sentía cierta amargura por no haber tenido antes el reconocimiento que creen que merecían a finales de los 70. Pasaron cinco años antes de que consiguieran su primer contrato, por ejemplo. Puedo entender que sintieran eso. Pero a la vez creo que eran unos adelantados a su tiempo. Pasó lo mismo con los Ramones y otras bandas que ahora son consideradas legendarias. Los Ramones deberían haber sido la banda más grande del planeta, pero fueron prácticamente un grupo underground durante toda su existencia. Lo que he observado con los Misfits es que cada año tenían más fans. Durante los 80, los 90, los 2000 nunca dejaron de ganar fans, porque cuando la gente

descubría sus grabaciones y esas canciones tan buenas, se rendía a ellos. Así que aunque no podía imaginar lo que está ocurriendo, no puedo decir que sea una sorpresa”. Además de la música, también enseñaron la importancia de tener un buen logo. No sé si es algo que tuviste en cuenta para el de Tiger Army.

“Sí, es divertido porque cuando empezamos Tiger Army tener un logo no era algo demasiado importante. A mí me inspiraron mucho los logos clásicos de Black Flag, de Dead Kennedys. Me gustaba la idea de tener un elemento visual que representara la música y las letras, algo que pudieras grafitear en una pared o tatuarte. Para mí era importante. Ahora es algo muy popular y todos los grupos tienen su logo, aunque la mayoría son muy genéricos”. Un grupo con el que siempre habéis tenido mucha afinidad es 73


de manera natural, pero aprendí a hacerlo”. Antes decías que los Misfits sentían cierta amargura… ¿Alguna vez la has sentido con Tiger Army?

“PREFIERO ESTAR EN EL UNDERGROUND, HACIENDO LO QUE QUIERO COMO QUIERO. PARA MÍ ESO ES MUY IMPORTANTE” NICK 13 AFI. Aunque sonáis diferentes, tenéis perspectivas parecidas. ¿Os inspiráis mutuamente?

“Bueno, crecimos en la misma ciudad, una ciudad muy pequeña. No había espacio para que hubiera escenas distintas. En una ciudad grande puede haber una escena punk, una escena gótica, una escena rockabilly, una straight edge… En la nuestra quizá éramos 15 personas a las que nos interesaba la música underground, así que nos juntábamos todos, aunque tuviéramos gustos distintos. Y también creo que todos escuchábamos un espectro amplio de música. Escuchábamos post punk, dark wave, The Cure, Joy Division, Bauhaus, punk, hardcore… Yo escuchaba a los Beatles, The Ventures… Creo que todo eso nos animó a ser eclécticos. A nadie le gustaba la música que hacíamos en nuestra ciudad, así que la idea de tener éxito estaba totalmente descartada. Lo hacíamos porque nos gustaba y punto. Montábamos conciertos y no venía nadie (risas), con suerte 25 personas. Con Jade (Puget, guitarrista de AFI – 74

ndr.) tuvimos una banda juntos de adolescentes y compartimos habitación en la universidad antes de que se uniera a AFI, así que siempre ha habido una relación muy cercana que creo que se ha trasladado a los sonidos de ambas bandas hasta el día de hoy”. No sabía que habías vivido con Jade. Es curioso porque los dos parecéis bastante introvertidos, pero os habéis acabado ganado la vida haciendo música y tocando en público.

“Sí, es irónico porque, tienes razón, soy bastante introvertido. Mucho de mi amor por la música se desarrolló porque no tenía muchos amigos y en mi ciudad no había mucho que hacer. La ciudad más cercana era San Francisco, que está a dos horas en coche, así que no era fácil. Pasé muchas horas en mi habitación escuchando música, tocando la guitarra, haciendo canciones, y esa soledad me hizo quien soy. Así que es raro que me dedique a algo que implique interactuar tanto en público. No es algo que me saliera

“Creo que puedes verlo de dos maneras. Algunas veces he pensado que la prensa underground debería habernos hecho más caso, pero al mismo tiempo hemos tenido el reconocimiento de los fans. Allá donde vayamos del mundo hay fans que han conectado de manera muy profunda con nuestra música y eso lo aprecio muchísimo. Nuestro primer disco salió hace veinte años y conozco a muchos músicos con talento que no han podido ganarse la vida. Así que si alguna vez siento amargura, me acuerdo de eso y me siento muy agradecido. Hay grupos que la prensa alaba y dos años después han desaparecido, así que intento no olvidar lo importante que es llevar dos décadas tocando por todo el mundo”. Y en el fondo, cuando un grupo tiene un hit o un disco muy vendedor, también acaba siendo un arma de doble filo. Tú has podido hacer tu música sin esa presión.

“Cuando estuvimos un poco más cerca del mainstream allá por 2007 no fue algo que me gustara especialmente. Prefiero estar en el underground, haciendo lo que quiero como quiero. Para mí eso es muy importante. Y supongo que por eso me siento orgulloso de todos nuestros discos. En todos ellos hay honestidad”.


LE CYGNE NOIR

EN LA SOMBRA ¿QUIÉN ES LE CYGNE NOIR? ¿QUIÉN SE ESCONDE DETRÁS DE ESE NOMBRE ARTÍSTICO? ¿CUÁLES SON SUS MOTIVACIONES? ¿QUÉ INFLUENCIA TIENEN EN SU MÚSICA LAS PELÍCULAS DE ZOMBIES? PREGUNTAS QUE INTENTAMOS RESPONDER CONTACTANDO CON ESTE MISTERIOSO PERSONAJE. TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DR

76

U

N AFAMADO TIPO DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA se constru-

ye un alter ego y saca un álbum de los que no deja indiferente a nadie, con un público más joven del que se presupone a un disco de rock con toques progresivos casi instrumental. Como si, en vez de Goblin, unos Muse con cierto halo a Elton John o Bowie en algunas canciones hicieran las bandas sonoras de un aprendiz avanzado de Dario Argento salido de Gran Bretaña. Eso es lo que nos


chista, Mary Whitehouse, empezó una campaña para censurar bastantes películas. Unas 80. Así que me pasé las vacaciones de verano viendo títulos como Zombie Creeping Flesh, House By The Cemetery, Driller Killer, The Evil Dead, Suspiria, y la lista continúa. La música de esas películas me gustaba. Hace tres años, un amigo estaba escribiendo una peli de zombis y me preguntó si me interesaba componer la música. Finalmente no terminó la película, pero yo sí el disco”. ¿Sigues viendo pelis de zombis? Te recomiendo Pontypool, es una manera muy sugerente de acercarse al género, muy filosófica. ¿Cuáles son tus favoritas?

ofrece Le Cygne Noir en su sorprendente debut Shadow Of A Breaking Ball. Bienvenidos a la banda sonora de un nuevo estertor del planeta Tierra de manos de los comecerebros.

“Suena bien, la apunto. La verdad es que no soy fan de ninguna peli posterior a 1985… Admiro lo que han realizado artistas brillantes con el maquillaje y el FX como Tom Savini. El CGI no… Así que… digamos que he visto bastante Dawn Of The Dead, la mayoría serían de Dario Argento, pero mi favorita es The Living Dead At Manchester Morgue. Cosas como The Walking Dead las he visto un poco… los zombis reales no andan así, y la historia termina siendo demasiado repetitiva. Es divertida para un rato, pero no es lo mío”. Vayamos al álbum. Me recuerda a grupos actuales como Porcu-

Tampoco creo que haya escuchado muchos grupos progresivos mainstream. No suelo escuchar esa música en general. ‘Hocus Pocus’ de Focus, eso estaba muy bien. Y Goblin, ellos fueron la banda sonora de mi juventud. Tengo una gran caja de Deep Purple, y me encantan las bandas más heavies con prominencia por los teclados, pero no me pidas que te las mencione…”. ¿Por qué un disco instrumental, excepto algún tema?

“Cuando me pongo a escuchar música, no me paro en las letras. Escucho la música. Las letras son los problemas de otra gente, normalmente sobre la pérdida o una novia. Hay un millón de canciones sobre esos temas, así que por qué añadir más. Las tres canciones con letra del disco, si contamos ‘Walking In The Shadow Of A Wrecking Ball’, lo que quería crear era un viaje. Es difícil cuando la gente escoge canciones individuales en Spotify, creo que es un disco que se escucha de principio a fin, probablemente drogado. La premisa principal que trato en ‘No Return’ es algo real. Este planeta está jodido, y estamos dejando que pase. Las letras en ‘Lungs’ son sobre una mujer a la que su marido se le ha vuelto zombi y quiere que vuelva a ella, mientras él sigue intentando morderla. Así que hay una canción con un mensaje de verdad y otra tonta para que te asustes (risas)”.

Es tu primer álbum, y es casi todo

pine Tree o Muse, e inspirado

instrumental y conceptual. Según

por otras bandas de progresivo.

Me gustaría volver a lo del pla-

he leído va sobre el fin del mun-

¿Qué bandas te han marcado de

neta, pero lo primero… me gusta

do por una horda de zombis.

ese estilo?

entender las letras, aun tenien-

LE CYGNE NOIR “Cuando era un

“No quisiera parecer deshonesto… podría empezar a enumerar nombres de bandas, pero seré sincero: jamás he escuchado Porcupine Tree.

do en cuenta que la voz es un

crío mi hermano mayor, Richard, coleccionaba películas de terror censuradas. En 1982 una activista dere-

instrumento. Sabes a lo que me refiero. Puedes escribir una gran letra a lo Oscar Wilde, que como 77


“TENGO ESPERANZA EN QUE LA HUMANIDAD SE UNA PARA EL CAMBIO, PERO ESO CREO QUE SÓLO SE DARÁ EN UN CASO DE TRASCENDENCIA MUNDIAL Y CON MUCHAS PÉRDIDAS HUMANAS” LE CYGNE NOIR la voz no me transmita nada, no escucharé más la canción.

“Desde luego, considero la voz un instrumento. El 99% de la gente se agarra a la letra como una forma de evasión o de consuelo. No lo niego. Cantar no es algo que me venga naturalmente… No es el lugar donde empiezo a componer música o canciones. Justo he escrito una canción que va contra todo lo que estoy diciendo, es triste y profunda, y saldrá este año, con letra. Pero a veces la vida te manda algo y mi reacción

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artística no es algo que pueda controlar. Personalmente considero más divertido escuchar música sin voces. ¡Creo que mi cerebro es un poco diferente! (Risas)”.

No les importa nada más, ni siquiera sus hijos… y diría que incluso nosotros lo destruimos, quizá sin saber lo muchísimo que nos controlan. Nuestros desayunos, nuestros cigarros, nuestras

Antes de adentrarme en las can-

ropas, hasta las organizaciones

ciones cantadas, hablemos de

no gubernamentales en algunos

‘No Return’ y su mensaje.

casos… Hasta nos dejan verlo en

Es obvio que nuestro planeta

series de éxito como Mr. Robot.

está siendo destruido por lob-

La cuestión es… cuál crees que

bies, empresas y personas egoís-

sería la solución idónea para em-

tas que sólo quieren más y más

pezar a cambiar el mundo.

dinero, sociópatas en definitiva.

“Para que el cambio climático se de-


tenga, o incluso sea reversible, todos los países deberían de dejar de utilizar los combustibles que usan. Por desgracia no hay consenso a nivel global sobre eso. Incluso los países emergentes siguen nuestro camino, y dan igual las ayudas tecnológicas que se les proporcione desde países más desarrollados. Para cuando los hijos de tus hijos crezcan, se encontrarán un mundo muy diferente. Puede que suene exagerado o dramático, pero el tiempo del cambio es ahora. Tristemente, tal y como está la política, creo que el cambio llegará demasiado tarde. Tengo esperanza en que la humanidad se una para el cambio, pero eso creo que sólo se dará en un caso de trascendencia mundial y con muchas pérdidas humanas. Mientras tanto, el mundo observa cómo el Amazonas arde y las capas de hielo se están derritiendo. ¡Ojalá tuviera una varita mágica!”. Las dos canciones que están canónicamente cantadas, me recuerdan a una especie de temas de Elton John o incluso de Bowie en clave de ciencia ficción, pero con una producción moderna.

“‘Lungs’ es un poco Elton John. Lo escuché bastante de niño, básicamente admiraba su forma de tocar. Bowie no es alguien que conozca demasiado. Compré Blackstar, pero no he escuchado su discografía aparte de los grandes éxitos. Necesito comprar un disco clásico de Bowie. ¿Alguna sugerencia?”. Te recomendaría Ziggy Stardust

And The Spiders Of Mars para empezar. Blackstar es un dis-

co muy depresivo, casi un réquiem… no es precisamente un álbum para iniciarse en Bowie.

“Sí, Blackstar es muy reflexivo. No diría depresivo. A pesar de explorar su situación vital en ese instante, es una gran manera de terminar. Es como que la chispa creativa de Bowie nunca le abandonó. Las creaciones de muro de sonido le sientan bien. Algunas personas creen que es de locos no haber escuchado el álbum que mencionas, pero si tengo tiempo haré un descanso para escucharlo. Seguramente lo he hecho a través de otra gente que ha versionado sus canciones durante estos años, pero no de forma apropiada”. El videoclip del single, ‘No Re-

un instrumentista de estudio estupendo con un estilo único. Puedes escuchar sus solos de guitarra en ‘Everybody Wants To Rule The World’ de Tears For Fears y en ‘Rock DJ’ de Robbie Williams. Fui a Los Ángeles a los estudios de Glen Campbell con su hijo, Cal. Cal está genial tocando las baterías y algunos bajos. Solía trabajar con Jimmy Webb y soy amigo de sus hijos, The Web Brothers, así que es genial tener una nueva generación de Campbell y Web en el disco. Julianne Regan de All About Eve me fascinó cuando oí sus voces para ‘No Return’. Le envié sus partes y me mandó bastante más. Mucha de esta gente vive cerca de mí en Bath, Inglaterra, así que fue genial añadir esos amigos. ¡Soy un tipo con suerte!”.

turn’, es increíble. ¿Cómo fue posible que pudieras tocar

La última pregunta… qué pianis-

en un sitio tan mítico como el

tas o gente que toque el teclado

Shepherd’s Bush Empire sin na-

han sido tus favoritos del rock.

die, totalmente vacío?

“Empecé escuchando a Floyd Cramer, una canción llamada ‘Hang On’ que tenía en un single de 7” que cogí de la colección de mi madre de crío. Es un rock’n’roll adecuado. Jerry Lee Lewis fue un pionero, alguien a quien observé y escuché. Jon Lord de Deep Purple, Elton John, Ray Manzarek de The Doors, Richard Tandy de la ELO. Hay que comprender que un piano no es tan sexy como una guitarra, y no puedes follar con los pianos como los guitarristas lo hacen con sus guitarras, así que cualquiera que haga que un piano parezca un instrumento sexy de rock’n’ roll tiene mi aprobación… no precisamente Rick Wakeman”.

“Tuve mucha suerte. Tengo algunos amigos que trabajaban ahí y me consiguieron el local durante cinco horas. Como no dan conciertos cada noche de la semana, fue posible. El piano que destrozo, que era perfectamente bueno y pagué por él, vino con la idea de lo que hablamos. Tenemos un planeta perfecto, ¿por qué destrozarlo?”. ¿Cómo elegiste quién colaboró en el disco?

“Como toco y escribo al piano, tuve algunos amigos que me ayudaron a realizar el resto. Pregunté a amigos que conocía de hace años, gente que conozco. Pensé en las partes en que podían encajar. Neil Taylor tocó la mayoría de guitarras del disco. Es

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THE BLACKJAW

UNA DÉCADA BAJO LA INFLUENCIA


HA SIDO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS CUANDO SU NOMBRE HA COMENZADO A SONAR CON FUERZA, PERO LA REALIDAD ES QUE THE BLACKJAW YA LLEVAN DIEZ PATEANDO ESCENARIOS. UNA CIFRA REMARCABLE QUE, ADEMÁS DE SERVIRLES PARA ECHAR LA VISTA ATRÁS, HAN QUERIDO CELEBRAR CON UN NUEVO DISCO. ¿QUIÉN DIJO QUE CUALQUIER TIEMPO PASADO SIEMPRE FUE MEJOR? TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ESTHER GALVÄN

A

UNQUE ES ALGO MÁS ESPACIOSO QUE LA MAYORÍA DE LOS QUE HE

VISITADO, cuando entro en el local

de ensayo de The Blackjaw me sorprende pensar que hace unas semanas atrás fuesen capaces de meter ahí dentro a casi una veintena de personas. El motivo no era otro que celebrar sus diez años de vida con un pequeño concierto al que fueron invitados un selecto grupo de amigos que han ido encontrándose a lo largo del camino. De hecho, su primera actuación fue justamente en este mismo lugar y con la misma excusa: pasar un buen rato y divertirse. Pero Germán Picazo (voz, guitarra), Eduardo Velasco (voz, guitarra), Carlos ‘Kala’ De Frutos (bajo) y Guillermo Pedro-Viejo (batería) no son unos nostálgicos. En lugar de hacer la típica gira de aniversario repasando su carrera, han preferido que este 2019 sea el año en el que vea la luz Burn The Artisan (Bartolini/Incendiaria/White Russian), su cuarto álbum de estudio. Dispuestos a poner toda la carne en el asador, esta vez se fueron hasta los Ultramarinos de Sant Feliu de Guíxols para grabar bajo las órdenes de Santi Garcia la que es sin lugar a dudas la colección de temas más completa que hayan entregado hasta ahora. Otro paso adelante en una carrera a la que todavía le quedan muchos capítulos por escribir. Diez años de The Blackjaw. ¿Se

os han pasado rápido? GUILLERMO PEDRO-VIEJO “Es una

mezcla de rápido y también de decir ‘joder, la hostia de tiempo que ha pasado’ (Risas)”. EDUARDO VELASCO “Yo lo comparo sobre todo con el momento en el que empezamos aquí en el local, que estaba recién reformado. Ahora ves la cantidad de cosas que hay, el equipo que tenemos... Visto así, parece que ha pasado bastante tiempo, pero luego como grupo ves que hemos sacado cuatro discos y ha sido todo muy rápido”. GERMÁN PICAZO “Hay recuerdos que los tienes muy recientes como, por ejemplo, de un concierto que crees que diste hace dos años y en realidad fue hace cinco. Lo que sí es verdad es lo de las relaciones. Yo mido cosas de mi vida en función del grupo, en plan ‘¿Cuándo conocí a esta persona? ¿Estaba ya con The Blackjaw? Pues entonces ya han pasado diez años’”. A parte de más mayores, ¿cómo os veis a día de hoy respecto a cuando empezasteis? ¿Qué creéis que es lo que más ha cambiado? EDUARDO “Yo creo que el grupo es

algo que te va arrastrando. Con cada disco que sacas te autoimpones más el hacer las cosas mejor, pero debido a que tienes otras muchas prioridades en tu vida, también se complica. Antes nos importaba una mierda ir a tocar a cualquier lado con el coche a lo loco.

Daba igual cuanta pasta nos dejásemos porque sabíamos que valdría la pena. Ahora te tienes que organizar mejor con tu vida y con el grupo, porque es un parte que no quieres dejar de lado. Al final muchas bandas terminan cediendo a las circunstancias de la vida, la rutina... y acaba ocurriendo que lo dejan”. GERMÁN “Es todo organización. Al principio veníamos a ensayar aquí, nos llamaban para tocar, no nos daban ni un duro, nos metíamos en un coche de cinco plazas con todo el equipo... que a día de hoy no nos acordamos de cómo lo hacíamos. Supongo que teníamos más flexibilidad (risas). Dormíamos en la playa, te daban 20 euros por tocar y te parecía la leche...”. CARLOS ‘KALA’ DE FRUTOS “También como ahora tenemos menos tiempo, lo aprovechamos más. Ya no hacemos muchos fines de semana de dar dos conciertos fuera, porque sabemos que a la segunda fecha vamos a llegar hechos mierda. Que nos lo seguimos planteando si está guay, pero hay que pillar días libres, luego al siguiente ir a currar...”. GUILLERMO “Con los discos pasaba igual. El primero lo hicimos en apenas tres meses y Burn The Artisan ha tardado un año en salir porque lo hemos ido haciendo a plazos: primero esto, luego lo otro... Hemos ido con más tiempo de antelación”. EDUARDO “Está claro que con las grabaciones ahora tenemos menos tiempo. Para Undertow nos tiramos un 81


“NOS FIJAMOS EN LOS SUGUS O G.A.S. DRUMMERS, QUE LLEVAN VEINTE AÑOS. OJALÁ LLEGUE UN MOMENTO EN EL QUE LA GENTE NOS VEA IGUAL QUE A ELLOS” EDUARDO VELASCO mes viviendo en Westline prácticamente. El disco nuevo lo hicimos en semana y media”. Yo como espectador que ha seguido prácticamente toda vuestra carrera, creo que ahora mismo estáis en un nivel que no es, por ejemplo, el de unos Crim, que pueden petar cualquier garito de España y giran por el extranjero, pero sí que habéis encontrado cierta estabilidad de sacar discos con regularidad, tocar mucho... Una zona media, digamos, que es algo que otros grupos no logran alcanzar. ¿Lo veis como vuestro mayor logro? GUILLERMO “Es que en realidad

no hay tantas bandas que lleven diez años, donde sigan los mismos miembros y que todos sean colegas. Como dices, lo importante es la estabilidad. A lo mejor no podemos hacernos una gira de un mes entero, pero somos 82

constantes. De hecho, cuando estamos meses que no damos ningún concierto porque estamos preparando la grabación, nos rayamos mazo”. GERMÁN “Mismamente este año ha sido el que menos hemos tocado. Nuestro plan fue plantearnos hacer otro disco o darnos un break. Al final decidimos hacer otro álbum, pero dándonos el tiempo que hiciese falta, preparándolo bien... Eso conllevaba durante un tiempo parar los conciertos, aunque nos han ofrecido muchas cosas, sobre todo aquí en Madrid”. EDUARDO “Al final todo es cuestión de perspectiva. Desde el primer momento hemos sabido qué es lo que queríamos hacer con el grupo. Creo que en diez años no ha cambiado la idea de no volvernos locos ni aspirar a llegar a lo más alto, sino dedicarle el tiempo que tenemos y dar lo mejor que podamos. Nunca hemos sido de los de decir ‘vamos a meternos en 20.000 giras, vamos a invertir el dinero en

esto...’. Sabemos que vamos a seguir teniendo nuestras vidas, con nuestros trabajos, y el poco tiempo del que dispongamos vamos a ir tirando con ello lo mejor posible. Hay gente que no tiene ni un EP y ya se hacen 25 fechas, pero al poco tiempo acaban dejándolo porque no dan más de sí. Nosotros no tenemos ninguna aspiración más allá de vivir experiencias y salir a tocar por ahí como el grupo de colegas de toda la vida que somos”. GERMÁN “Hemos visto muchas bandas que vienen y se van, con las que hemos tocado y que eran muy buenas. Pero es un mundillo muy duro y necesitas constancia y pasión para aguantar tanto tiempo. Esto es una carrera de fondo. Por otro lado, después de diez años hay cosas que son más fáciles. Hemos accedido a tocar con grupos en tan solo dos clicks. Con un cuarto disco todo es más sencillo pero también más complicado, porque tu vida también lo es”.


Por otra parte, aunque sea en un círculo muy pequeño, ya hay grupos que empiezan a mencionaros como una influencia, caso de Skylines. ¿Os da vértigo veros como unos veteranos de la escena siendo aún jóvenes? EDUARDO “A mí me fliparía que

algún día nos dijesen que somos veteranos del punk rock. Nos fijamos en los Sugus o G.A.S. Drummers, que llevan veinte años. Ojalá llegue un momento en el que la gente nos vea igual que a ellos. Lo gracioso es que todavía hay medios que hablan de nosotros como joven promesa (risas)”. GERMÁN “Recuerdo que cuando empezamos conocimos a los Sugus y de alguna manera nos acogieron y siempre nos han apoyado un montón. Undertow lo sacaron en vinilo con su sello, Torreznetes. Y son peña que van a su ritmo pero siguen ahí después de un montón de años. Para ellos somos como unos cachorros, pero luego para gente como Skylines somos como sus papás (risas). Es bonito que haya ese salto generacional, aunque luego no sea del todo cierto porque hemos tocado con los dos y sin problema. Yo sueño con hacer un concierto cuando tengamos 50 tacos”. Metiéndonos ya de lleno en Burn

The Artisan, habéis decidido cambiar los Westline Studios de Juan Blas para iros a Ultramarinos con

de Nothink o los discos de The Unfinished Sympathy y pensaba que estarían grabados fuera. Cuando ves que es gente de aquí, alucinas. Además, cuando se lo comentamos, Santi ya nos dijo que le apetecía mucho hacer algo con nosotros”. KALA “Efectivamente, para nosotros ha sido un salto. Hay mogollón de discazos que se han grabado en Ultramarinos. Yo llegué allí pensando que tendrían montada la puta NASA (risas), pero la realidad es que este hombre es un maquinón, un poco como un artesano. No necesita tener un equipo bestial, sino que con un par de pedales te saca un sonido que alucinas. Lo mismo yo tengo esos pedales y no he dado con ese sonido en mi vida, pero él sabe que tocando aquí y allá, lo saca. Eso son muchas horas de vuelo y se ve”. GUILLERMO “Muchos productores lo que suelen hacer es grabarte como lo hacen ellos siempre. Y Santi seguramente lo hace así también, pero con él es como si la cosa fluyese sola. Luego es verdad que a lo mejor no tiene mil guitarras en el estudio, pero si tiene seis, todas son brutales”. EDUARDO “Aparte de que, a pesar de toda la repercusión que pueda tener su estudio y que conoce a todo el mundo, es un tío humilde. Se ha forjado a sí mismo. Por no hablar de Borja, que es uno de los mejores ayudantes que hemos visto en la vida”.

Santi Garcia. Siendo un tío que

lugar a la improvisación? GERMÁN “Llevábamos muchas ideas

en la cabeza. Para Burn The Artisan ha sido la primera vez que hemos hecho demos. Lo teníamos ya muy pensado. Quizás la gente no lo aprecie pero, por ejemplo, hemos cambiado la afinación. Nos hemos quitado medio tono más grave. Ahora estamos en mi bemol, que es mejor para las voces, suena más oscuro... Y como el disco también va por ese rollo, lo vimos guay. Podemos tocar los temas antiguos y funciona”. EDUARDO “La estructura de las voces también ha cambiado. Hay sólo dos o tres capas. Se nota la diferencia entre una más melódica y otra con más presencia. Le dimos mucha importancia a las melodías, queríamos que los estribillos destacasen más”. GUILLERMO “Antes quizás estábamos más obsesionados con el tocar muy crudo, igual que como lo hacemos en directo. Fue lo que hicimos con Men Of Prey y nos gustó, pero creo que se quedó un tanto cojo, a pesar de que era justo lo que queríamos. Esta vez decidimos dejarnos de medias tintas y sacar lo mejor que pudiésemos. Tampoco en plan sobreproducirnos, pero si despreocuparnos del cómo íbamos a llevarlo luego a los conciertos, como por ejemplo la voz de Momo en ‘At The Bottom Of The Barrel’. No nos hemos limitado tanto y hemos dejado que Santi hiciese lo que le diese la gana. Y claro, el tío sabe y mucho”.

ha grabado los mejores discos de

Ya nos hablasteis de la graba-

rock en las últimas dos décadas

ción en el diario que publicamos

En cuanto a lo musical, hay can-

de este país, no sé si os lo tomas-

en nuestra web. Escuchando el

ciones que siguen sonando a lo

teis como un reto.

resultado, me atrevería a decir

que siempre habéis hecho, pero

GERMÁN “Siempre han sido unos

que es el álbum más cuidado en

otras como ‘Three On A Match’ o

estudios que hemos tenido como referencia. Recuerdo que cuando era un chaval me ponía en casa el Spotlights

cuanto ha sonido que habéis rea-

‘Bodies’ son de lo más diferente

lizado. ¿Fuisteis con los deberes

que habéis escrito nunca. Parece

hechos y todo bien atado o hubo

que a cada disco os quitáis más 83


“CUANDO EMPIEZAS QUIERES HACER MUCHO RUIDO Y SER EL MÁS PUNK ROCKER DEL BARRIO, PERO AL FINAL ACABA SIENDO UN POCO ABURRIDO” GERMÁN PICAZO corsés, aunque manteniendo una coherencia dentro del sonido por el que os movéis. EDUARDO “Es verdad que hay mu-

chos grupos que tienen sus clichés. Nosotros también ha habido veces que nos hemos limitado a querer hacerlo lo más punk rock posible y siempre acabamos subiendo el volumen. Pero por ejemplo, ‘Three On A Match’ Germán quería plasmarla de otra manera, en plan medio tiempo, con más sonoridad, que fuese más dulce a la hora de escucharla... Queríamos probar cosas nuevas, no que todo fuese tralla”. GUILLERMO “Normalmente nos suele salir al revés. Antes nos salían temas muy cañeros y había que forzar para componer algo más lento. Esta vez teníamos todo el disco cerrado y el último tema en entrar fue ‘AFAB’, y fue un poco por justamente lo contrario; nos faltaba un tema más rápido y directo”. GERMÁN “Cuando empiezas quieres hacer mucho ruido y ser el más punk

84

rocker del barrio, pero al final acaba siendo un poco aburrido. Por ejemplo, un día llegó Edu con ‘Bodies’, nos lo tocó y dijimos: ‘Adelante’. Ha salido de una manera muy natural. Además, la grabamos directamente a pelo. Ayuda a oxigenar un poco el disco y que cambien las texturas. Es algo que hacen muchos grupos que nos flipan como Against Me! o The Lawrence Arms. Nosotros nos movemos muy cómodos en el terreno del punk y el rock, a toda caña, meter cuatro voces... Eso es lo que nos sale fácil cuando estamos en el local, pero a la hora de salirnos de esos registros es donde tenemos que currar de verdad”. Para la edición habéis contado por primera vez con el apoyo de un sello extranjero como White Russian. ¿Es un primer paso para asomar la cabeza por Europa? GERMÁN “White Russian es una dis-

cográfica holandesa y nos mola bas-

tante. Para este disco hemos mandado un montonazo de emails de una manera bestial. Y a pesar de que al final sólo ha salido White Russian, sí que es verdad que hemos tenido muy buena respuesta. Otras veces hemos hecho lo mismo y no nos contestaba ni Dios, pero esta vez hemos recibido mensajes de discográficas que lo mismo sólo sacan tres álbumes al año porque son muy pequeñas, pero nos decían que les había gustado mucho. El feedback que hemos recibido ha sido brutal”. KALA “Lo de salir fuera es una cuenta pendiente que tenemos. Al final todos los grupos tienen sueños. Uno de los nuestros era tocar en el Resu y se hizo realidad. Pues ahora queremos cumplir el de tocar en el extranjero. Lo estamos empezando a mover para 2020”.


BAD WOLVES

NACIONES UNIDAS BAD WOLVES SE CONVIRTIERON EN UNO DE LOS GRUPOS REVELACIÓN DEL AÑO PASADO. PERO CON LA PUBLICACIÓN DE SU SEGUNDO ÁLBUM N.A.T.I.O.N., QUIEREN DEMOSTRAR QUE SON MUCHO MÁS QUE ‘EL GRUPO DE LA VERSIÓN DE ‘ZOMBIE’’. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


C

ON LA EXPERIENCIA GANADA POR SUS MIEMBROS en grupos

como God Forbid, In This Moment o Divine Heresy, y el apadrinamiento de Five Finger Death Punch -algo lógico teniendo en cuenta que el guitarrista Zoltan Bathory es su mánager-, Bad Wolves partían con bastante ventaja respecto a cualquier grupo que empiece cuando se juntaron en 2017. Pero probablemente ni ellos mismos podían esperar todo lo que vendría a raíz de la publicación de su versión de ‘Zombie’ de The Cranberries en enero de 2018. La súbita muerte de Dolores O’Riordan tres días antes del lanzamiento –de hecho, el plan era que la cantante irlandesa hubiera participado en la versión- hizo que la canción adquiriera una nueva dimensión y la propulsó hasta lo más alto de las listas -en la actualidad, ya lleva más de 269 millones de reproducciones en YouTube- e impulsó la salida de su debut Disobey cuatro meses más tarde. Visto el éxito, hubiera sido previsible que Tommy Vext (voz), Doc Coyle (guitarra), Chris Cain (guitarra), Kyle Konkiel (bajo) y John Boecklin (batería) hubieran tenido la tentación de repetir la jugada en su segundo álbum; sin embargo, en N.A.T.I.O.N. (Eleven Seven) sólo encontramos canciones propias. Eso sí, no faltan algunos temas muy comerciales diseñados para seguir su romance con un público que no debe disfrutar tanto con su vertiente más metal. Charlamos con su locuaz vocalista para descubrir cómo se plantean este segundo capítulo en su corta, pero feliz, historia. La actividad del grupo ha sido muy intensa desde que publicasteis Disobey el año pasado. 88

¿Cómo resumirías lo que has vivido desde entones?

cansado, estresado o con jet lag, cuando estás ahí, estás viviendo tu sueño”.

TOMMY VEXT “Buff… En 2018 hici-

mos como 200 conciertos. Pero íbamos teniendo algunos huecos de una o dos semanas libres en las que íbamos trabajando en nueva música. Cuando volví de Europa el otoño pasado de girar con Three Days Grace fui directamente al estudio aquí, en Los Ángeles. Me tuve que pillar un hotel porque no tenía a donde ir. John y yo tuvimos que dejar nuestros apartamentos porque no podíamos pagar el alquiler mientras estábamos de gira. En el estudio escribí cuatro canciones. Luego nos fuimos de gira con Five Finger Death Punch y Breaking Benjamim, luego fuimos a Canadá con Three Days Grace y en Navidad volvimos a casa, en teoría, para descansar. Pero enero era el único mes que nos quedaba para poder grabar, así que Doc y Cliff grabaron en sus estudios caseros, John grabó en Las Vegas, así que cada uno trabajó por su cuenta, y luego nos fuimos a Australia con Nickelback, y no terminamos el disco hasta marzo. Nunca paramos de trabajar. Todos hemos estado en grupos antes, así que sabemos lo que es esto. ¡Y nos encanta!”.

Me ha sorprendido que dijeses que no podías permitirte pagar el alquiler. Sois una de las nuevas bandas que más éxito ha tenido el año pasado. ¿Tan mal están las cosas?

“Bueno, la cuestión es que todos tenemos experiencia en otros grupos. Sabemos lo importante que es no malgastar el dinero. ¿Para qué vas a tener un apartamento si nunca estás en casa?”. Ya... ¿Qué influencia tuvo el éxito del primer álbum en la creación de N.A.T.I.O.N.?

“Creo que este disco es una versión más madura de nuestro debut. Haber dado tantos conciertos y habiendo tocado con otros grupos hemos podido ver de primera mano qué es lo que emociona a la gente. Somos una banda muy versátil y podemos hacer distintos tipos de canciones. Tenemos temas más duros, otros más suaves y melódicos, pero creo que nuestra madurez como compositores es gracias al público”. En Estados Unidos habéis tenido

¿No te explota la cabeza? Sólo

mucha difusión en la radio. Sois

de escuchar tu calendario ya es-

de los pocos grupos de rock me-

toy agotado.

tal que ha tenido ese apoyo. ¿Tu-

“(Risas) John siempre dice que cuando está en el estudio es cuando más feliz está. Y en parte yo soy igual. Me gusta girar, pero no me gusta estar tanto tiempo fuera de casa. A veces hemos estado cuatro o cinco meses fuera de casa. Por suerte, somos todos amigos y sabemos hacer que esto funcione. Los 45 ó 60 minutos que estamos en el escenario te rejuvenecen. Aunque estés

visteis la tentación de escribir los nuevos temas pensando en eso?

“La realidad es que antes de que nos pincharan ya hacíamos temas así. Los tíos del grupo no tenían la oportunidad de escribir temas melódicos en sus anteriores bandas, y cuando yo entré como cantante se dieron cuenta de que podían hacerlo. A mí me encantan grupos como Alice In Chains, Nirvana,


“HEMOS VISTO MORIR A DEMASIADOS HÉROES. CREO QUE YA NADIE GLORIFICA LAS DROGAS” TOMMY VEXT

Nine Inch Nails, Soundgarden, City & Colour, Tool, y juntos podíamos explorar ese lado más alternativo. Me encantan Slipknot, Gojira, Lamb Of God, Meshuggah, Code Orange, pero con este grupo podemos hacer de todo. A la radio le gustan temas más rock melódico y a nosotros nos gusta hacerlos”. No hay duda de que vuestra versión de ‘Zombie’ tuvo mucho que ver con vuestro ascenso. ¿Pensasteis en grabar otra versión para este disco?

“En los últimos cuatro años he grabado como nueve versiones por mi cuenta. A veces voy al estudio y me inspiro cantando canciones de otra gente. Hablamos sobre ello, pero no le veíamos mucho sentido. Queríamos centrarnos en nuestras canciones y mejorar como compositores. Queremos que la gente recuerde nuestras canciones. Igual un día sacaremos un EP de versiones o las colgaremos en

nuestro canal de YouTube, pero por ahora no hemos tenido tiempo”. Habéis titulado el álbum

N.A.T.I.O.N. escrito como un acrónimo. ¿Qué significa?

“Tiene un significado, pero no hemos querido hacerlo público. Es algo muy personal relacionado con nuestras experiencias. Pero también puede entenderse como la nación de Bad Wolves, que son nuestros fans. Vemos a muchos fans que se tatúan nuestro logo o un autógrafo, para nosotros ellos forman parte de nuestra nación. Además, el grupo tiene un mensaje en favor de la salud mental, contra los suicidios y las adicciones. Creemos que es muy importante que las bandas creen un sentimiento de comunidad con sus seguidores. Cuando yo era un crío e iba a ver a Pantera, ya no me sentía tan solo. Si vas a hacer la compra y ves a alguien con una camiseta del mismo grupo ya no te sientes tan solo. Mucha gente sufre en soledad y

aunque la tecnología hace más fácil que conectemos unos con otros, cada vez hay más gente que se suicida o que sufre de depresión o que está enganchada a los opiáceos. Es algo global. Y eso pasa porque la gente se siente desconectada”. Tú has vivido muy de cerca esos problemas. ¿Crees que te han ayudado a ser un mejor artista?

“No lo sé. Ni siquiera me veo como un artista. Simplemente me gusta cantar. Todas esas experiencias me han ayudado a comunicarme con otra gente y ayudarla. Para mí eso es lo que he sacado de positivo. Pero no creo que tengas que ser un adicto para llegar a ser un gran artista. Mis héroes eran adictos a las drogas y era una señal extraña que recibir. Pero creo que las cosas han cambiado. Hemos visto morir a demasiados héroes. Creo que ya nadie glorifica las drogas. Creo que la música tiene que mandar un mensaje positivo. Por eso el rock no desaparece 89


“UNA VEZ CAMBIÉ MI VIDA, LAS OPORTUNIDADES EMPEZARON A LLEGAR” TOMMY VEXT

nunca, porque la música pop no tiene un mensaje. Puede que el rock no sea tan popular en el mainstream, pero los festivales y los conciertos siguen estando llenos”.

y queremos aprovecharla para que las cosas cambien”. ¿Crees que hubieses sido capaz de gestionar lo que estás viviendo ahora con 19 ó 20 años?

De todos modos, hemos visto morir a muchos músicos por culpa de las drogas, pero también muere mucha gente anónima. A veces parece que sea un gran problema en el mundo de la música, pero es extensible a cualquier sector.

“De eso trata la canción ‘Sober’. No sólo trata del adicto, sino de cómo afecta a sus familiares y amigos. Como dices es un problema mucho más grande. Cada día muere gente de sobredosis, es sólo que no nos enteramos. Para mí fue vital encontrar a gente que me ayudara, y por eso ahora quiero ayudar a otra gente. Por eso me gusta ver cómo hemos creado una comunidad en nuestros fans que se ayudan unos a otros. Tenemos una plataforma

90

“Seguramente no. A esa edad, bueno, un poco más tarde, con 22 años, me fui de gira por todo el mundo con Divine Heresy. Tenía problemas con el alcohol y nos peleábamos continuamente. Al final nos separamos. Por suerte, Bad Wolves llegó en un momento de mi vida en el que estaba listo. Una vez cambié mi vida, las oportunidades empezaron a llegar. Ni siquiera tenía pensado volver a la música, pero la música vino a mí”. Acabemos con algo más ligero. Hace unas semanas vi una foto tuya con Jacoby Shadixx de Papa Roach y el actor Josh Brolin en un concierto. ¿Cuál es la historia de esa foto? ¿Es Thanos un metalhead?

“(Risas) Es una historia muy curiosa. Conocí a Josh hará unos siete años en una organización que ayudaba a los sintecho. Ni siquiera sabía que era actor. Él es de Venice y yo he vivido ahí unos 13 años. Josh había estado en un grupo de punk rock cuando era un chaval y conocía a los tíos de Snot con los que yo también canté. Pero para mí era un amigo más. Íbamos al gimnasio juntos y quedábamos para comer y simplemente pensaba que era un tío muy popular en el barrio porque todo el mundo le saludaba, pero no tenía ni idea y eso que he visto pelis en las que sale como The Goonies o No Es País Para Viejos (risas). Pasó como un año antes de que me enterase de quién era (risas). Ahora somos grandes amigos y nos presentó en el concierto que dimos con Papa Roach en Los Ángeles. Es un gran tipo”.


LACUNA COIL

NO MIRES ATRÁS


CON LOS VEINTE AÑOS DE CARRERA YA SUPERADOS, LACUNA COIL SE ENCUENTRAN EN UNO DE LOS MOMENTOS MÁS ESTABLES DE SU TRAYECTORIA. ATRÁS QUEDARON LAS HUIDAS DE COMPONENTES, DISCOS FALLIDOS BUSCANDO UN PÚBLICO MAINSTREAM O HACER VER A LA COMUNIDAD METÁLICA QUE UNA BANDA ITALIANA PODÍA SER BUENA Y TRIUNFAR EN TODO EL PLANETA. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

S

EGURAMENTE SU NOVENO ÁLBUM DE ESTUDIO BLACK ANIMA (Century

Media) refleja la estabilidad que Lacuna Coil vive actualmente. Nos encontramos con una banda serena, segura de sí misma y que ha sabido reponerse de la huida de esa media formación con la que consiguieron unos niveles de éxito que nunca podían haber esperado. Delirium fue un primer y acertado paso en esta nueva etapa que se ha consolidado con este nuevo trabajo. Así que tanto Cristina Scabbia (voz), nuestro interlocutor Andrea Ferro (voz) y el bajista Marco Coti, a los que hay que añadir a Diego ‘Didi’ Cavalotti (guitarra) y Richard Meiz (batería), que acaban de ser reconocidos como miembros oficiales del grupo, saben que su andadura está ya a prueba de bombas. Y es que hay algo en Lacuna Coil que transmite. Son una banda que cae bien y que transpira honestidad, cosas no muy frecuentes hoy en día en la industria musical.

decidieron dejarlo, creo que ese fue el disco que marcó la transición entre los viejos y nuevos Lacuna Coil y Delirium fue ya una primer paso para nosotros. Además fue un disco bastante exitoso y eso ya nos puso en la dirección correcta. Black Anima es la confirmación de la senda abierta con ese álbum y de la dirección que queremos tomar. La nueva formación ha sido importante, pero no olvidemos que siempre hemos sido Cristina, Marco y yo quien hemos llevado desde hace mucho tiempo el peso compositivo en la formación, siempre con algunas aportaciones de los otros componentes claro, así que en ese aspecto tampoco han cambiado mucho las cosas. Creo que la diferencia está en el estado de ánimo que tiene ahora mismo el grupo y en la libertad de hacer lo que queremos”. Como hemos dicho Delirium fue un disco que funcionó muy bien y que los fans aceptaron con los brazos abiertos. ¿Esa clase de elementos externos, que no se pueden controlar, son impor-

¿Crees que Black Anima es el

tantes para vosotros de cara a

primer álbum real de lo que

tener confianza en vuestros fu-

podemos considerar la segunda

turos movimientos?

etapa de Lacuna Coil?

“Desde luego Delirium nos dio mucha confianza. No dejaba de ser un reto para la banda y no teníamos ninguna garantía de que la gente fuese a estar de nuestro lado. Para nosotros siempre es importante refrescar un poco nuestro sonido disco a

ANDREA FERRO “Pienso que

Delirium ya se puede considerar como el primer paso dentro de este nuevo capítulo de la banda. Broken Crown Halo cerró definitivamente una etapa en la banda cuando Cristiano y Cris

disco para no caer en el aburrimiento, y pienso que, eso que lo hacemos en primer término para nosotros, los fans también lo acaban aceptando porque ven sinceridad en lo que hacemos. Pese a tener nuestro sonido, no estamos estancados siempre en una misma fórmula. Creo que este álbum es un poco más variado en cuanto a canciones de lo que era Delirium, que nos enseñó a no tener miedo a dejarnos llevar. Cuando eres joven siempre eres más cuidadoso a la hora de dar ciertos pasos y te lo piensas todo más; creo que esa fase ya la hemos pasado”. Lo que parece evidente es que la banda se siente muy cómoda tocando material más heavy.

“Bueno, hay algo de eso. Después de Karmacode, que fue el punto álgido de nuestra primera etapa como banda, tomamos un camino que seguramente no fue el mejor para nosotros con Shallow Life. Aunque alguna de las canciones de ese disco como ‘Spellbound’ tuvo éxito, creo que en ese álbum intentamos probar algunas cosas de las que no estábamos totalmente convencidos y que no eran adecuadas para nosotros. Luego vino Dark Adrenaline, que nos volvía a poner más en línea de lo que somos nosotros, siendo un disco más heavy. Creo que en ese momento entendimos que ése es el tipo de material que más nos gusta tocar y mejor sabemos hacer. Es importante 93


en este punto de nuestra carrera saber dónde pertenecemos y dónde nos gusta estar”.

simple a la hora de encarar un álbum o simplemente tomar cualquier decisión en lo que respecta a Lacuna Coil?

Supongo que es lógico hacer lo que hicisteis en Shallow Life. La banda se estaba haciendo grande en Estados Unidos y es humano intentar dar un paso más allá cogiendo un productor como Don Gilmore para seguir creciendo en un mercado tan importante, aunque eso signifique comprometer algo lo que te gusta. Son cosas que es mucho más fácil verlas cuando han pasado.

“Totalmente, y ahora se ha visto que aquél no fue el paso adecuado para nosotros. Trabajar con alguien como Don es arriesgado, porque es gente que tiene mucha experiencia y es fácil dejarse llevar por sus sugerencias en vez de mantenerte firme en lo que quieres y perder un poco tu objetivo. Luego volvimos a trabajar con él en Dark Adrenaline y ahí sí que supimos encontrar un balance perfecto entre las dos partes, cosa que no paso en Shallow Life. No estábamos acostumbrados a trabajar con un productor como él. Y he de decir que aprendimos un montón grabando con Don, especialmente trabajando en las melodías vocales o en las letras. Sabe leer muy bien lo que necesitan las composiciones y lo que le puede llegar a la gente”. Antes has dicho que el núcleo de la banda sois los tres que estáis ahora, pero supongo que no es lo mismo estar en una banda tres que seis. ¿El estar ahora los tres ha facilitado las cosas en que todo sea más

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“Siempre ha sido un poco así, ya que éramos los mismos tres en la primera demo que los que estamos ahora. Evidentemente todo el que está en una banda acaba aportando cosas porque de eso se trata, y aunque nosotros tres siempre fuimos los que marcamos la pauta, todo el mundo tuvo su importancia en el crecimiento del grupo. En los últimos tiempos las cosas ya estaban cambiando, ya que el resto de componentes se empezaban a sentir más apartados de la música y todo lo que esto supone a nivel de vida, especialmente en lo referente a las giras. Su implicación en la banda era cada vez menor. Entiendo las razones por las que se fueron, porque después de tantos años acabas por cansarte de hacer lo mismo y quieres probar otras cosas en la vida, especialmente si estás casado y tienes hijos. Así que entendíamos que su implicación fuese cada vez menor en los últimos discos y de esas manera fue como el grupo se fue convirtiendo en un trío”.

manera, pero como he dicho para el próximo puede que colaboremos con alguien. Hay veces que funcionas muy bien haciéndolo tú todo y otras que te quedas clavado y necesitas que otras personas te den un punto de vista diferente”. ¿Crees que Black Anima se puede considerar un ejercicio de estilo de lo que es Lacuna Coil? Un buen álbum para mostrar a quien no conozca de qué va esta banda. De hecho, el primer single, ‘Layers Of Time’, representa vuestra faceta más dura y ‘Reckless’ esa parte más melódica de la que no podéis escapar.

“Yo, como uno de los autores del disco, diría que son necesarios cinco o seis temas para hacerse una idea completa de lo que podemos hacer, pero esas dos definitivamente representan los dos extremos que hay en el álbum y también a nosotros como banda. Pero también hay cosas como ‘Save Me’ que nos llevan a la parte más old school del grupo… en general hay muchas cosas que son representativas de lo que es Lacuna Coil”.

Marco incluso produce los discos

He de decir que me encanta

en estos momentos, parece que

‘The End Is All I Can See’… Lo

ahora os sentís muy a gusto ha-

más Lacuna Coil que nunca ha-

ciendo todo vosotros mismos…

béis hecho.

“Sí, desde luego, pero tampoco es que estemos en contra de trabajar con productores. Si en el futuro encontramos a alguien con el que haya una conexión adecuada para hacerlo, no estaremos en contra de ello. Pero ahora mismo, teniendo en cuenta cómo estamos y lo que buscamos, estamos bien trabajando de esta

“(Risas) Oh, es una de mis favoritas también y muestra nuestra faceta más introspectiva, otra cosa muy característica de nosotros”. Esta vez no habéis ni hecho versiones extras como bonus

tracks. Todo es Lacuna Coil al 100%.


“CADA VEZ NOS GUSTA TRABAJAR MÁS BAJO UN CONCEPTO Y DESARROLLAR EL DISCO A PARTIR DE AHÍ” ANDREA FERRO “Sí, sí que grabamos algunas. De hecho hicimos unas cinco o seis de una larga lista que teníamos, pero pensamos que teníamos las suficientes buenas canciones nuestras, que no era necesario poner ninguna en el disco, ni como extra. Quizás las saquemos más adelante, pero de momento no lo contemplamos”.

ta, pero no funcionó (risas). En definitiva cosas con las que crecimos, que nos gustan… Duran Duran era otra de las bandas. De momento están ahí en forma de demo”. El concepto del álbum va de profundizar en las emociones más oscuras de la mente. ¿Cómo surgió esta idea? Por

Por curiosidad, ¿qué tipo de

otro lado, siendo vuestro no-

versiones teníais en mente?

veno álbum, debe de costar no

“Te puedo hablar de grupos: The Cure, Nirvana, Lana Del Rey, cosas de los 80, incluso alguna cosa de rap a la que queríamos darle la vuel-

repetirse a la hora de buscar una línea conceptual.

“Cuanto más crecemos como banda, y en cierta manera también como

personas, más necesitamos sacar un disco que muestre las cosas en su totalidad, no una simple colección de canciones que ponemos juntas y ya está. Cada vez nos gusta trabajar más bajo un concepto y desarrollar el disco a partir de ahí. Así que lo que hicimos fue ver lo que habían sido nuestras vidas durante los tres años que han pasado desde Delirium y todos las experiencias por las que hemos pasado, algunas de las cuales no han sido nada agradables, ya que hemos perdido gente de nuestra familia, amigos… estamos en un punto donde empiezas a ir a más

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“LA SOCIEDAD ES MÁS COMPLICADA AHORA DE LO QUE LO ERA HACE 40 Ó 50 AÑOS” ANDREA FERRO


funerales que bodas. Es un tiempo de cambio en nuestras vidas, donde tienes que enfrentarte y gestionar la desaparición de personas muy cercanas a ti. Cosas que se convierten en parte de tu vida, mientras tienes que seguir con ella como si nada pasara. Hay que dejar de lado la pena y seguir adelante. Es una manera de hacerte fuerte y recordar a esa gente de otra manera. Para nosotros era importante poner todos esos sentimientos en nuestra música. Necesitamos hablar de cosas que nos atañen, que pertenecen a nuestras vidas, ya me es imposible escribir cosas de rebelión juvenil, sencillamente porque ya no estoy allí. También leí un libro llamado The Physics Of Angels donde hay dos personas muy diferentes entre sí que te dan su visión de los ángeles. Uno es un religioso y el otro un científico, y era muy interesante ver ese contraste sobre un mismo tema. Eso me dio la idea de crear un libro imaginario propio donde explicar todas estas experiencias, nuestros contactos con el alma, la parte espiritual, aceptar la negatividad y, en definitiva, hacernos más fuertes”.

tiempo del mundo y tienes que ser más cuidadoso con las cosas que haces o las decisiones que tomas. La sociedad es más complicada ahora de lo que lo era hace 40 ó 50 años. Las reglas del mundo están cambiando, la comunicación… hasta los niños lo tienen más complicado ahora. Cuando nosotros éramos niños, simplemente pillábamos la pelota y nos poníamos a jugar a fútbol todo el día, sin teléfonos, sin nadie que estuviese preocupado por nosotros. Todo el mundo estaba más relajado. Ahora si un niño no te contesta en 10 minutos piensas ya en lo peor (risas). La vida desde luego era más simple para todos, no quiero decir que mejor, pero sí más sencilla”.

nunca y han conectado con un público muy joven. ¿Crees que

go que cuando empezasteis,

eso os puede pasar a vosotros?

durar dos décadas y tener una

“Sí, por qué no (risas). Nosotros siempre hemos sido más populares en sitios como el Reino Unido, América o Australia. Por alguna razón siempre hemos conectado con esos mercados más alejados de lo que, se supone, son los nuestros, pero lo cierto es que en estos últimos años también hemos crecido en algunos territorios europeos, así que ojalá que esto pase. Hemos tocado en todos los sitios del mundo menos en África”.

carrera internacional no era algo que estuviese en vuestros objetivos. Italia, al igual que España, no eran países en los que una banda se pudiese plantear salir mucho más lejos de

do tienes 20 años nunca piensas

aspecto?

en que la edad adulta vaya a

“Puede ser, pero aún sigo pensando que no es fácil para países como Italia, España, Grecia… incluso Francia. Hay excepciones como puede ser ahora Gojira, que están funcionando muy bien en Estados Unidos, pero no es como Alemania o Suecia que tienen bandas funcionando a nivel global, constantemente, desde los 80. En Italia hay una banda como Fleshgod Apocalypse que lo están haciendo muy bien a nivel mundial

Además, visto cómo está el mundo, seguramente nuestro yo adolescente nunca pensó en ver uno como éste. ¿Son estas reflexiones parte de lo que queréis transmitir en Black Anima?

“Bueno, es evidente que te das cuenta de que ya no tienes todo el

Arch Enemy o Amon Amarth

tros 20 como formación. Supon-

roto muchas barreras en ese

a formar parte de tu día a día.

nes de vuestra generación como

El año pasado celebrasteis vues-

Bueno, hay una realidad: cuan-

sas como la muerte empiecen

Llama la atención que formacio-

están teniendo más éxito que

su país. ¿Consideras que habéis

ser tan complicada y que co-

ahora mismo. Quizás en una escena más underground, pero están girando por todos sitios. Somos amigos y cambiamos ideas sobre cómo podemos mejorar las cosas… me gustaría ver más ejemplos como éste, pero no es fácil porque no somos escenas consolidadas o con tradición. Lo que es curioso es que empezamos a ver a algún padre que viene con sus hijos. Dicen que nos solían escuchar cuando iban al instituto y que ahora se han enganchado de nuevo con sus hijos. Es algo que esperamos que vaya sucediendo más y más”.

Bueno, no creo que nadie haya tocado en África…

“También es verdad (risas)”.

97


GRAVEYARD

EN LAS MONTAÑAS DE LA LOCURA MENUDO REVUELO HAN ARMADO GRAVEYARD CON HOLD BACK THE DAWN… ENCOMENDÁNDOSE A SHUB NIGGURATH, LOS CATALANES HAN CONQUISTADO LA PRENSA INTERNACIONAL Y LLEVADO SU DEATH TODAVÍA MÁS LEJOS, VISITANDO NUEVOS PAÍSES Y CONFIRMANDO MÁS FESTIVALES AÚN. CUANDO TODA TU VIDA SE BASA EN EL METAL, AL FINAL LLEGA LA RECOMPENSA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR


E

S POSIBLE QUE ÉSTA SEA UNA DE LAS ENTREVISTAS más blandas que

haya realizado en mi vida, pero es que, en serio, no se me ocurre demasiado por criticarles a nuestros Graveyard. De hecho, creo que son el modelo perfecto a seguir en cuanto a realismo con cómo está el panorama hoy en día, extremo y no tan extremo, diría, y lo que puede dar de sí el público y la carretera. Fechas, las justas y más certeras, y sin caer en el lameculismo, una red de contactos internacionales que, de todo corazón, te ayuda a abrir muchas puertas. Las más importantes y esenciales, a decir verdad… Pero de nada serviría todo esto si no fueras capaz de publicar un álbum como Hold Back The Dawn (War Anthem Records). Una unánime ola de grandes críticas ha sacudido muchísimos medios de todo el mundo a raíz de su publicación, y ya sólo los necios, los tipejos muertos de envidia, se atre-

ven a preguntarse por qué esta formación está presente en los principales eventos de su estilo. Su cuarto largo es un señor álbum, se mueve con maestría por todo aquello que esperas del death de la vieja escuela mientras intenta aportar algo que sea único y perdurable en el tiempo, y es por eso que mantuvimos esta larga charla con su principal artífice y guitarra, Javi. El músico y productor insistió en que pasáramos de identificarle con su apellido, pero todas y todos debéis saber ya que nos encontramos ante Javi Félez… Un tipo que también toca en Balmog, Teitanblood o Körgull The Exterminator, además de ser el arquitecto sónico de tantísimos álbumes que año a año nos chiflan. Una voz autorizada siempre a tener en cuenta, la de Javi, que inesperadamente contó con el refuerzo de Julkarn. El testimonio del bajista y cantante de estudio no hizo más que enriquecer el resultado.


Tengo la sensación de que con

...For Thine Is The Darkness se inició un camino de no retorno para Graveyard que Hold Back

The Dawn viene a refrendar. Pese a nunca desmarcaros del death metal, la banda tiene una personalidad propia y se va a esforzar en demostrarlo en cada nuevo lanzamiento.

buscábamos: seguir sonando a death metal clásico pero sin estar anclado a ningún subgénero e intentando por todos los medios posibles añadir esa pizca de originalidad o diversidad que evite que nos comparen con nadie. En este disco hay death metal, pero hay black también, mucho doom, toneladas de heavy metal y dramatismo en cantidades considerables”.

factor importante: nuestra música iba haciéndose cada vez más compleja, no diría técnica pero sí más musical, más de detalle y matiz… Eso, con un muro de guitarras HM2, es inviable. Lo intentamos en The Sea Grave y es obvio que no acabó de convencernos… hay infinidad de detalles que ante tal muralla de distorsión y reverb ni se aprecian”.

Sí, hay quien trató vuestras pri-

Ya que hablamos del sonido,

meras obras con cierto desdén

creo que el del nuevo trabajo es

al considerar que tomaban pres-

una virguería. Lejano pero vivo,

tado demasiado del sonido sue-

de la vieja escuela, con la voz

co. Cabe destacar que cuando

de Julkarn emergiendo como un

empezasteis todavía no existía

verdadero horror lovecraftiano,

ese revival, ¿pero crees que esas

pero a la vez pulcro y potente.

voces críticas te ayudaron, en

Imagino que le has echado más

cierta manera y compositivamen-

horas que un reloj, y que la elec-

te hablando, a desmarcarte de

ción de Dan Lowndes de Reso-

eso? ¿Que los Graveyard actua-

nance Sound Studio tampoco es

les son, en parte, una reacción

casual…

positiva a todas esas opiniones?

JAVI “No te creas, éste ha sido proba-

JAVI “No hay voz más crítica con

blemente el disco más rápido de hacer de todos, y mira que dejamos sitio para la improvisación en el estudio. Se grabó todo en siete u ocho días y se mezcló en tres más. No tiene mucho misterio. Con …For Thine Is The Darkness nos pasamos de seco, intentábamos recrear la sonoridad del desierto pero creo que no acabó de funcionar del todo, sonaba muy aséptico y plano. Para Hold Back The Dawn intenté traer de nuevo la reverb al frente, pero sin pasarnos tanto como en The Sea Grave, que era literalmente un mar de reverb. Obviamente con cada nueva producción tenemos más claro cómo queremos sonar, es algo que lleva tiempo pulir e ir perfilando”.

JAVI FÉLEZ “Yo también lo veo así.

One With The Dead y The Sea Grave eran discos que venían de una época en la que el terreno del death metal de corte sueco no estaba tan trillado y sobresaturado. Funcionaron tan bien y se vendieron de muerte porque no éramos tantas las bandas haciendo aquello y había una generación, o puede que hasta dos chavales muy jóvenes, que no habían vivido los viejos días de Entombed, Dismember, Carnage y demás bandas noventeras. Cuando percibimos que la escena empezaba a estar saturada de ese tipo de bandas, optamos por dar un giro y salir de ahí. Además, ¿qué gracia tiene utilizar una y otra vez la fórmula de otros? ¿Cuántos discos puedes sacar de ese palo sin acabar siendo ridículo? Con dos ya basta, no hay necesidad de más. Con …For Thine Is The Darkness nos percatamos de que estábamos empezando a sacar riffs demasiado parecidos a los de los dos primeros discos, era un sinsentido. No vale eso de hacer el mismo riff y cambiarle una nota, no al menos para nosotros. …For Thine Is The Darkness intentó acaparar otras escenas, épocas, sonidos, tipología de fraseos… Aunque creo que nos quedamos a medias. Salvo tres o cuatro temas, el resto, a día de hoy, los modificaría bastante. Sin embargo, con Hold Back The Dawn creo que hemos dado plenamente con lo que 100

Graveyard que la nuestra. Como bien dices, en 2007 no había tal revival, era inexistente. Creo que la cosa no explotó hasta el 2012 o así, que es cuando empezamos a plantearnos el giro sutil de estilo. Por supuesto, en torno a esa fecha, ver cómo nos metían en el mismo saco que una banda que acababa de sacar su primera demo no nos hizo mucha gracia. Pero es lógico, somos una banda pequeña, no todo el mundo nos conoce ni conoce nuestra trayectoria. Cambiamos porque estábamos aburridos ya de tocar ese tipo de riffs de cuatro quintas. ¿O acaso crees que no les pasó lo mismo a Dismember o Entombed? Sin ánimo de quererme comparar con esos titanes, ambos cambiaron de estilo tras un par de discos; es normal, no da mucho más de sí el género. Además hay otro

Uno de los detalles que más me han gustado es ese cuidado en las guitarras, múltiples y de


“CUANDO PERCIBIMOS QUE LA ESCENA EMPEZABA A ESTAR SATURADA DE ESE TIPO DE BANDAS, OPTAMOS POR DAR UN GIRO Y SALIR DE AHÍ” JAVI FÉLEZ

gran riqueza según el tema, los

perspectiva”.

grandes solos, al igual que esos

espectacular, sobre todo las voces demoníacas que hay colocadas en el estribillo y la parte heavy”.

sutiles teclados que aparecen

Tralla no falta en cortes como

con tanto acierto… Creo que este

‘Winds Like Daggers’, ‘The Shri-

disco está de lo más meditado,

ke’ u ‘O Beast I Fear Thy Name’,

Lo cierto es que ‘Hurled Unto

pero como me digas que todo

pero personalmente me han lla-

Damnation’ me tiene enamora-

salió por instinto durante las gra-

mado más la atención canciones

do, creo que es la mejor canción

baciones me matas (risas).

como ‘Madre De La Noche’ y su

que habéis hecho nunca. Ese

JAVI “Sin ánimo de parecer un flipa-

toque heavy metal. Es en esos

coro limpio que te ilumina, ese

do te diré que todo eso está hecho en el estudio improvisando. Gusi y yo nos tiramos seis meses practicando las bases, es decir, guitarra rítmica y batería. El resto, bajo, solista, melodías, arreglos de teclado y guitarra, capas de efectos, lo hicimos en el estudio sobre la marcha con aportaciones de todos. Nos dejamos un par de días al final y metimos todo eso. Muchas de esas ideas estaban en mi cabeza pero no aparecían en las demos o preproducciones, o si aparecían eran únicamente guías. A día de hoy me fío mucho de la espontaneidad del estudio. Si grabo algo y me gusta como suena, lo dejo, no lo toco. Escuchar y modificar mil veces algo no lo va a mejorar, probablemente tu oreja se harte y pierdas la

cortes donde he notado un ma-

giro tan épico que te obliga a

yor esfuerzo del grupo.

alzar el puño… ¡Cuéntame cómo

JAVI “Ese tema lo hizo Carlos, nues-

salió este temazo, por favor!

tro guitarra. Nos lo presentó en plan ‘creo que se me ha ido la olla con la parte heavy metal, si no os mola la quitamos’. Yo de primeras creí que sería un shock para mucha gente y sin embargo es de las que más ha gustado, precisamente por esa parte central y final del tema. No es ningún secreto que todos somos unos flipados del heavy metal clásico y siempre, desde el primer día, Graveyard ha tenido mucho de ello, pero creo que nunca se nos había ido tanto la olla. Mención especial merece la línea vocal de Fiar en esa canción, que la hizo él. Creo que le dio un punch especial al tema

JAVI “¡Ésa es mía! (Risas) Lo creas o

no, no daba un duro por ella. Tocarla tantas veces en el local solos Gusi y yo era un coñazo. No fue hasta que metimos absolutamente de todo en el tema y nos llegaron las colaboraciones de Michael de Atlantean Kodex, Alex de Black Oath y Felipe de Procession, Nifelheim y Deströyer 666 que la cosa no empezó a tomar forma. Luego ya se nos fue la mano con los solos, arreglos, melodías, teclados… Y acabó quedando un tema bastante molón. En cada álbum hemos intentado siempre meter un tema doomero épico de ese estilo… ya sabes, nuestro eterno tributo 101


a Candlemass. Podría hacer ocho discos de ese palo… ¡De hecho, no lo descarto!”.

Fiar cantando en el videoclip de ‘Winds Like Daggers’… Sigues grabando los discos y Fiar encargándose del directo, ¿verdad?

La citada ‘Madre De La Noche’

Tampoco era cuestión de arrinco-

tiene un título en castellano,

nar al chaval en vuestro primer

¿pero cantáis luego en nuestra

lanzamiento de esas característi-

lengua realmente? No he sabido

cas… (Risas).

descifrarlo… (Risas).

JULKARN “Bueno, hay varios motivos

JULKARN “No, la letra está escrita

para eso. El primero y más obvio es que Fiar es infinitamente mejor frontman que yo, ahí no hay discusión. El segundo es que un videoclip tiene como función mostrar la parte visual de una banda, y visualmente nosotros somos cinco miembros con Fiar al frente. Sería confuso hacer un videoclip en el que saliese yo cantando porque no coincidiría con lo que mostramos luego en el escenario. Fiar es miembro de pleno derecho de Graveyard y, en realidad, casi es como si fuese el cantante de sesión para las grabaciones. El que se curra toda la parte visual y litúrgica de la voz en directo es él, así que es lógico que le corresponda hacerlo también en videoclips. Bueno, en el videoclip, el único que tenemos…”.

principalmente en inglés, aunque sí que incluye partes en castellano. Dado que toda la temática de la canción gira en torno al Palo Mayombe y ciertas formas de vudú, nos pareció buena idea combinar ambos idiomas junto con expresiones rituales de esos cultos”. Ya que llegamos a este punto, éste es el tercer capítulo de vuestra tetralogía basada en el universo literario de Lovecraft. ¿En qué bicharraco se centra esta vez y qué nos contáis? ¿Podéis avanzarme algo del próximo envite, a nivel temático? JULKARN “Esta vez nos centramos en

la figura de Shub Niggurath, la Cabra Negra con las Mil Crías y todo su contexto: los bosques, los pantanos, el Bayou, los cultos ancestrales de África, el sur profundo de Estados Unidos y todas estas cosas. Siempre intentamos trabajar en la música y las letras a partir de una especie de paisaje mental que nos ayude a ubicarnos en la atmósfera que queremos recrear. En realidad es un proceso casi cinematográfico, estamos cada uno en su casa trabajando en la música, las letras o el aspecto gráfico y mentalmente casi estamos viendo una peli. Eso ayuda muchísimo”. Causó cierta confusión ver a 102

bido a sus problemas de salud ya no pueda tocar en directo con el grupo y se limite a componer únicamente. Alex de Black Oath es un caso parecido, hemos compartido cartel juntos y coincidido en varios festis europeos a lo largo de los años. Cabe decir que nos flipa en exceso su banda, recientemente difunta, una lástima… A Felipe lo conocí yo hace diez años o así en un Hell’s Pleasure, creo que todavía no se había mudado a Suecia. Si no recuerdo mal, éramos colegas de correspondencia y desde entonces siempre que hemos coincidido con él, ya sea con Procession, Nifelheim junto a los gemelos, que tienen telita también, o Deströyer 666, otra panda de tíos sanos, pues se ha liado parda. Creo que sus voces entraban a la perfección en ‘Hurled Unto Damnation’, que no es más que el mismo rollo sonoro que llevan Procession o Black Oath, aunque algo más durillo y con voz gutural, claro”. El disco está arrasando en las

reviews… Esto siempre le llena el pecho a uno, ¿no? (Risas).

Hold Back The Dawn cuenta con

JAVI “Las reseñas están siendo

numerosas colaboraciones, algo

mucho mejores que las del anterior trabajo, aunque siempre hemos sido bastante mimados por la prensa; es lo que tiene fundirlos a charlas y birras a todos en los backstage de media Europa (risas). Supongo que saben apreciar cuando una banda intenta hacer algo diferente en vez de repetir la misma fórmula una y otra vez, algo que sólo les suele funcionar a muy poquitas bandas, y casi ninguna de ellas de metal extremo. ¿A alguien le interesa remotamente el último disco de Grave o Deicide? Creo que esos trabajos aburren hasta a las ovejas…”.

que ya habéis comentado antes un poco por encima, pero en vez de aburrir a la gente enumerándolas yo, me gustaría que, a grandes rasgos, me las contarais. ¿Cómo se dieron y qué buscabais en cada músico? JAVI “Básicamente a los ya citados

hay que sumarle Eloi de Vidres A La Sang, que metió algunas voces en un par de temas. Michael de Atlantean Kodex es colega nuestro, hemos coincidido en varios festivales con él y siempre cae una buena charla y un tráiler de birras. Es una putada que de-


¿Y qué tal fue vuestro último tour europeo con los finlandeses Corpsessed? ¿Notasteis aún más interés en Graveyard? JULKARN “Pues fue a la vez una ma-

ravilla y un infierno. Nos lo pasamos genial, tanto con la gente de Lie In Ruins y Corpsessed como con el tour manager, los diferentes promotores, público, etcétera, pero tío, el palizón de carretera, fronteras, controles policiales, comida de gasolinera y sobre todo cargar y descargar trastos ha estado a punto de acabar con nosotros. De hecho, hay por ahí un Ampeg de bajo con un cabezal 8x10 al que no le pegué fuego de milagro... 100 kilos de puto ampli... En cualquier caso una gira siempre es una experiencia positiva para nosotros ya que nos permite aprender de nuestros errores y conocernos más como banda y en lo personal. Siempre sacamos algo positivo. Sí que notamos interés en Graveyard, por supuesto, no sabría asegurarte si más, pero desde luego notamos una respuesta positiva por parte del público. Lo que está claro es que el día que dejemos de notar esa respuesta, dejará de merecer la pena salir a tocar por ahí”. Lo cierto es que Graveyard se ha convertido en una banda habitual en los festivales internacionales de corte extremo, donde realmente gozáis de gran popularidad. Siempre habéis tenido claro que en ahí fuera estaba vuestro público potencial, pero imagino que el que vayáis a participar en el próximo Maryland Deathfest incluso ha sobrepasado vuestras expectativas ya… JULKARN “Piensa que nosotros

somos ante todo metaleros y fans.

“SIEMPRE INTENTAMOS TRABAJAR EN LA MÚSICA Y LAS LETRAS A PARTIR DE UNA ESPECIE DE PAISAJE MENTAL QUE NOS AYUDE A UBICARNOS EN LA ATMÓSFERA QUE QUEREMOS RECREAR” JULKARN

Desde nuestro punto de vista, que nos llamen para tocar en un sitio y nos regalen una caja de cervezas ya sobrepasa nuestras expectativas... De ahí en adelante ya es todo pura fantasía. También está el factor de que nosotros tenemos unas ilusiones bastante limitadas porque sabemos cómo funcionan las cosas y lo realmente complicado que es abrirse un hueco, de manera que cualquier cosa que conseguimos o que nos llega nos sabe casi como una palmada en la espalda de Lemmy. Pero no por nada, sino porque lo normal y lo habitual es comerte una mierda y por eso cada cosa buena que nos pasa nos la tomamos como algo que se sale de lo normal, algo especial”.

Supongo que la receta para alcanzar ciertos techos es no tenerlos y, sobre todo, trabajar como un cabrón. De igual forma, ¿no os seguís sorprendiendo de todo lo logrado? JAVI “Realmente no los tenemos. He-

mos tocado en muchos festivales pero casi todos de corte underground. Ahora, cuando te llaman de Download, Summer Breeze o uno muy tocho del que nos llamaron hace unos días, pues empiezas a creer que quizá la cosa es más grande de lo que realmente uno cree. O no, yo qué sé. Me es muy difícil valorar la relevancia que tiene esta banda, pues varía en función de mil factores y sobre todo depende de con quién te compares. Yo siempre 103


digo que para mí donde está ahora mismo Graveyard ya me está bien. Sacar discos cada tres o cuatro años, hacer algunos bolos muy puntuales en España, una gira nacional o europea cada par de años y tres o cuatro festivales al año, no necesito más. A partir de ahí, lo que sea que venga, bienvenido sea. Soy consciente de que una música como la nuestra no tiene un gran recorrido comercial, menos aún siendo españoles y menos aún habiendo aparecido en los 2000… y no llevar capuchas, ni hacer rituales ni vender motos y humo… Con éstas, estar donde estamos ya me parece más de lo que habría soñado hace doce años, así que bienvenido sea lo que tenga que venir. Y si ya no crecemos más, pues bien, también me está bien. Nos lo pasamos teta operando al nivel al que estamos ahora sin tener que poner pasta de nuestro bolsillo y teniendo siempre cosas chulas en el horizonte”. Muchas formaciones de extremo estatal os tienen ahora mismo como un faro que muestra cómo hacer las cosas. ¿Cómo te hace sentir eso y qué les dirías? JAVI “Algunas sí, otras tengo cons-

tancia de que nos odian porque no entienden que sin poner un duro, siendo una panda de tíos feos cuarentones, haciendo metal feo vetusto y habiendo grabado un mísero videoclip en doce años, hayamos hecho mucho más que ellos con sus decenas de miles de euros, su equipazo de primera división, sus siete videoclips y sus 50.000 followers. Mira, a día de hoy todas esas cifras no significan nada. La prueba la tienes ahí fuera: bandas infladas artificialmente que se

104

“IR POR TU CUENTA HACIENDO TU PROPIA GUERRA EN UN PAÍS COMO ÉSTE ES DIFÍCIL QUE LLEVE A NINGÚN LADO” JAVI FELEZ

creen poco menos que Arch Enemy, autoeditadas, y que salen por ahí a tocar y no meten ni diez personas. La correlación entre inversión y resultado se ha roto, invertir un pastizal ya no te garantiza nada. Luego imagino que habrá algunas bandas, sobre todo formaciones amigas, que sí nos vean como tú dices como un faro, podría ser. A menudo gente me pregunta sobre cosas relativas a festivales, giras, contactos, movidas con pillar vuelos y llevar instrumentos… Si puedo ser de ayuda no tengo absolutamente ningún problema en echar una mano con lo que pueda. Yo soy de la opinión de que todos estamos en el mismo barco y de que ayudar a los demás repercute positivamente en nuestra banda

también. Ir por tu cuenta haciendo tu propia guerra en un país como éste es difícil que lleve a ningún lado”. Ya… Cambiando de asunto, también imagino que regentar un estudio de grabación ayuda a sacar todo tipo de rarezas, pero lo vuestro con los splits empieza a ser una barbaridad… ¿Tenéis ya otros en mente? JAVI “Qué va, no hay ninguno en el

horizonte y espero que de una vez por todas podamos controlar ese tema. Hasta hace no mucho decíamos que sí a todo, pero a día de hoy las cosas ya no son así. Rara vez tenemos temas descartados de otras sesiones de grabación como sí teníamos antes, pues


se nota a leguas. Tenemos un disco de rollo heavy metal 80’s hecho como hace siete años, pero nunca doy con el cantante adecuado y me cuesta horrores sacar tiempo para acabarlo bien. A ver si ahora que Graveyard va a aflojar una temporada puedo ponerme con ello. Creo que Julkarn y Carlos también andan currando en un proyecto de heavy metal bastante clásico”. Lo tuyo es una dedicación absoluta al metal, y no en bandas de poca monta precisamente… Ya para terminar, y para que la peña lo flipe, cuéntanos en cuántos proyectos andas metido y en qué momento se encuentran, si es que no mueres en el intento. JAVI “A ver, bandas operativas al

llevamos varios discos conceptuales editados. Además, llegados a este punto, ¿qué sentido tiene editar dos splits por año? Más allá de la gracia de seguir la estela de bandas como Agathocles o Sabbat, ninguno. El formato 7” vivió un buen momento hará cosa de una década, pero a día de hoy me da la sensación de que está bastante muerto. Casi siempre acaban en los splits temas de relleno, sobrantes de otras sesiones, versiones, temas en directo con sonido infame… Salvo que tengamos algo realmente guapo que poner en él, no creo que editemos ningún otro split”. Es curioso porque como decíamos, eres un tipo con un impor-

tante poso de heavy clásico, y sin embargo nunca te he visto embarcado en una banda de esas características… JAVI “Bueno, empecé tocando en

una banda de versiones de heavy metal clásico hará como 25 años, pero sí es cierto que nunca me he lanzado… me da mucho respeto. Quiero decir que, tocando música extrema, bajada de afinación… las impurezas de ejecución se camuflan bastante bien. Ahora, afinados en mi, con poquita distorsión y tocando hard rock, heavy metal, ahí sale todo a la luz y queda patente que eres un guitarrista bastante montonero (risas). Para tocar esos estilos hay que ser un puto crack. Para tocarlos bien, me refiero… si no,

100%, a día de hoy estoy en Graveyard, Balmog y Körgull The Exterminator. Lux Divina estamos parados actualmente y mi andadura con el excantante de Voivod (Eric Forrest –ndr.) en E-Force Performing Voivod ha concluido, aunque no descarto que pudiéramos retomarla en el futuro. Luego tenemos a Teitanblood, que no deja de ser música de estudio, igual que Of Darkness o Apologoethia, por ejemplo. Con Krossfyre tenemos un segundo trabajo a medio grabar pero no sé muy bien en qué punto está ahora mismo, algo que también pasa con Wolfhead, cuyo segundo trabajo lleva años cociéndose pero está parado actualmente. Seguramente me deje algo… son demasiados frentes (risas)”.

105


DANKO’S HALL OF FAME

E

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es To Hell With The Devil de Stryper. 1986 fue un gran año para la música heavy. El pop rock lo pagó caro cuando Slippery When Wet de Bon Jovi vendió 12 millones de copias. Metallica se solidificaron como la mejor banda de metal desde Black Sabbath con Master Of Puppets. Van Halen debutaron con su nuevo cantante, Sammy Hagar, con 5150, mientras David Lee Roth lo hacía en solitario con Eat’em And Smile. Aerosmith colaboraron con Run D.M.C. para reanimar su carrera con ‘Walk THis Way’ y Beastie Boys fundieron los ritmos de Led Zeppelin con la música rap en Licensed To Ill. Mientras tanto Slayer sacaron su disco más salvaje y diabólico hasta la fecha, Reign In Blood, y Stryper la banda de rock cristiano más grande que ha existido nunca, editaban su disco más exitoso hasta la fecha, To Hell With The Devil. Nunca he entendido como la gente puede ser tan cerrada de mente en lo que respecta a la música. La música es un reflejo de lo diversos que somos como raza humana y a través de la diversidad, deberíamos apreciar todo sobre ella. Así que tras soltar este preámbulo hippie, ya puedo decir que amo Stryper. Sí, son maravillosos. No soy cristiano, pero tengo dos oídos que aman el rock y Stryper son buenos haciendo eso. 106

Todavía siguen activos y haciendo muy buenos, pero mi favorito es To Hell With The Devil. Admito que parte por lo que amo la música rock, es por su sensación de novedad. Personalidades más grande que la vida, con peinados más grandes que la vida, tocando música más grande que la vida y si encima lo adornas con trucos como maquillaje, escupir fuego, motos o arrancar cabezas a los pájaros, soy vuestro humilde fan. Lo que Stryper ofrecían era nuevo para mí, tirando Biblias al público y proclamando su amor por Jesucristo por encima de unos riffs inmaculados. Era el polo opuesto de lo que Ozzy y Alice Cooper hacían, y lo veía como algo atrevido y divertido al mismo tiempo. No dejes que el tema de las Biblias te cause rechazo. Stryper era realmente heavies y podían competir con cualquiera. El vocalista/guitarrista, Michael Sweet lideraba ese ataque negro y amarillo con la voz más elegante a este lado del heavy. Desde luego que adoraba a Dennis DeYoung de Styx y seguro que tenían canciones que deberían/podrían haber sido canciones de Styx, pero con Oz Fox a la guitarra, un músico infravalorado y su hermano Robert Sweet (que tocaba la batería de lado en el escenario), Stryper eran una autentica fuerza del rock n’ roll, te interesara o no su mensaje. Afortunadamente para ellos, América está en consonancia con el cristianismo

y su audiencia estaba casi construida. Tuvieron problemas para dar el salto a otro tipo de público, pero To Hell With The Devil ayudó a solventar ese problema, al menos durante un tiempo. Su toque cristiano fue acogido con algo de escepticismo y el éxito que tuvieron fue equiparable a la cantidad de risas y burlas que generaron. Pero nada es más indiscutible que la música. Por supuesto, el tema título, resume el espíritu del disco pero, aparte del mensaje, la canción es todo un mega himno de hard rock de aquellos tiempos. ‘Calling On’ you seguía el disco, mi canción favorita de todo el álbum y primer single. A pesar de que el tema es un producto de su tiempo, aguanta el paso del tiempo sin ningún problema. Otras canciones como ‘The Way’ o ‘More Than A Man’, con un aire Maiden, los riffs más poperos de ‘Holding On’ y ‘Rockin’ The World’ y las influencias Styx de ‘Honestly’ y ‘All Of Me’, mostraban que Stryper cubrían muchas bases musicales, mientras mantenían a su base cristiana feliz con las letras. Como he dicho antes, Stryper siguen rockeando a día de hoy, editando discos. De hecho su último álbum, God Damn Evil, es un salmo metálico, más duro de lo que cualquiera de sus contemporáneos, cristianos o seculares, podrían hacer. Quizás, al final, esos rezos hayan servido de algo. ¡Hasta el mes que viene!


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