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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Enter Shikari (Londres) @ Rubén Navarro

EDITORIAL Por extraño que parezca, Enter Shikari nunca habían protagonizado la portada de RockZone. De ahí que cuando escuchamos su nuevo álbum The Spark, en el que el cuarteto inglés ha dado un vuelco importante a su sonido, pensáramos que había llegado el momento de darles ese reconocimiento. Además, en la charla que mantuvimos tratamos un montón de temas que están a la orden del día, desde la salud mental de las estrellas de rock hasta las consecuencias que puede tener el Brexit en su carrera. Junto a ellos encontrarás a otros artistas que nos chiflan como Propagandhi, Hot Water Music, Satyricon o La Maravillosa Orquesta Del Alcohol. Enjoy!


SUMARIO

Nยบ 140

9 / INTERFERENCIAS

22 / NOTHING MORE

28 / ESTIRPE

32 / HOT WATER MUSIC

40 / ALL TIME LOW

50 / PROPAGANDHI

44 / LA M.O.D.A.

58 / ENTER SHIKARI


66 / DISCO DEL MES

68 / CRÍTICAS

96 / MYRKUR

100 / SATYRICON

106 / AUGUST BURNS RED

112 / ALTARAGE

116 / EN DIRECTO

124 / DE GIRA + AGENDA


INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ AMFEST 2017 EL AMFEST LLEGA A SU SEXTA EDICIÓN CON MÁS FUERZA QUE NUNCA. LOS DÍAS 26, 27 Y 28 DE OCTUBRE LA [2] DE APOLO EN BARCELONA ACOGERÁ UN ELENCO DE GRUPOS QUE ABARCAN DESDE EL POST ROCK HASTA EL HARDCORE.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

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aciendo un trabajo de hormiguita, los organizadores del AMFest han ido consolidando este festival de formato pequeño como una de las propuestas musicales más atractivas de cada temporada. Si bien el rock instrumental, en el cual se especializó en sus inicios, sigue siendo la base de la oferta, este año la apertura estilística es más evidente que nunca. Así, repartidos en tres jornadas encontraremos bandas de distintos continentes y géneros con la calidad y el riesgo como hilo conductor. La fiesta empezará el jueves 26 de octubre con las actuaciones de los japoneses Lite y su potente math rock, los australianos Sleepmakewaves, con un post rock elegante y con texturas electronicas, y los barceloneses Degraey, con un post metal heredero de Carontte. El viernes 27 será el turno de Playback Maracas, el dúo de Mataró con una desenfra-

nada mezcla de electrónica y psicodelia, la pianista catalana Marina Herlop, una de las apuestas del festival y protegidas de James Rhodes; una doble ración de fuerza sueca a cargo de PG.Lost y Truckfighters, y los irlandeses And So I Watch You From Afar, cuya último disco encontrarás reseñado en este mismo número. Para echar el resto, el sábado 28 tendrá como gran protagonista la cantera local con el post rock de Blak, el hardcore eléctrico de The Wax, la psicodelia indie de The Last 3 Lines, la electrónica The Suicide Of Western Culture y el indie rock de Mourn. La guinda del pastel la pondrán los británicos My Vitriol, una de las promesas de los 90 que vuelven para recuperar el tiempo perdido. El precio de los abonos es de 65 euros (más gastos de distribución) y de 23 euros (más gastos) para días sueltos. Para no perdérselo.

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LO PEOR DE MÍ_ SILENCIO

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esde hace ya bastante tiempo, y en este final de septiembre, todavía más, es frecuente que en nuestra redacción se hable de política. Por mucho que nos guste la música, afortunadamente en nuestras vidas también hay lugar para otros intereses y, dado el clima actual, es casi imposible que no salga el tema. Sobre todo cuando durante días tienes el ruido de un helicóptero de fondo. En nuestra equipo hay todo tipo de posturas respecto al referéndum de autodeterminación: los que votarían sí, los que votarían no, los que les gustaría votar, pero en otras condiciones, y algunos que no votaría en ningún caso. Cada uno se expresa con sus argumentos, a veces de manera apasionada, muchas otras con cachondeo, pero siempre con el respeto que exige el que, por encima de todo, seamos amigos y deseemos

seguir siéndolo. Ese mismo respeto es el que sentimos hacia nuestros lectores y, por eso, al menos yo, tenía bastantes dudas sobre si como revista debíamos pronunciarnos o no públicamente ante algunas de las actuaciones que han tomado el Gobierno para impedir la votación del 1 de octubre. Finalmente no lo hemos hecho. No es un silencio cómplice, ni un silencio cobarde, es simplemente un silencio. Sabíamos que dijéramos lo que dijéramos, podía generar una polémica que, sinceramente, no nos apetecía abrir. Una cosa es poder debatir cara a cara, y la otra hacerlo a través de las redes sociales, donde los matices y las intenciones casi siempre se pierden. Sabemos que la gente acude a nosotros por la música y así queremos que siga siendo. Pase lo que pase. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

Nuestro querido Andrew W.K. ha anunciado la publicación de un nuevo álbum para el próximo 2 de marzo. Hacía ocho años que el músico no editaba material nuevo. Por lo que ha explicado, su sonido seguirá la línea de su inolvidable debut de 2001 I Get Wet. Justo lo que necesitamos.

Gene Simmons vuelve a dar la nota poniendo a la venta The Vault, una colección de diez discos de material en solitario. ¿Su precio? 2.000 dólares de nada. Además, por la modesta cantidad de 50.000 dólares, Simmons en persona te la traerá a tu casa. ¿Habrá algún imbécil que los pague?

La inocente figura de Piolín se ha convertido en el símbolo del mal rollo que hemos vivido en las dos últimas semanas. Y es que, al más allá de las ideas que tenga cada uno, tener un barco amarrado en tu ciudad con miles de policías dentro, lejos de dar seguridad, produce el efecto contrario.

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ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDAN FO FOTOS: DR

ETERNAS PALABRAS - LOS POEMAS INÉDITOS Johnny Cash (SEXTO PISO)

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da hasta vergüenza reconocerlo en público: en mi vida he escuchado una canción de Johnny Cash. Es lo que tiene ser un hardcore kid convencido, pero conforme vas cumpliendo años te llaman la atención cosas que no lo hacían cuando tenías 20. Por eso, desde hace un par de años siento curiosidad por la figura y el mito que rodea a El Hombre de Negro y he decidido empezar mi particular acercamiento a través de las palabras que dejó escritas. Eternas Palabras es un libro que recoge 41 poemas inéditos que, hasta ahora, estaban dispersados entre los montones de papeles con apuntes dejados por la leyenda norteamericana tras su muerte en 2003 (John Carter Cash, hijo del cantante, reconoce en el prólogo que sus padres jamás tiraban nada porque todas las cosas constituían un tesoro). A destacar los poemas que llevan por título ‘Tierra Oscura

Y Sangrienta’, ‘No Hagáis Una Película Sobre Mí’, ‘Los Heridos Ambulantes’, ‘No Te Lleves La Pistola A La Ciudad’, ‘Pongámosle Música’ o ‘Bazofia’. En ‘Para Siempre’, el Cash poeta escribe: “Me dices que moriré/Nada de mi nombre quedará/Pero los árboles que he plantado/Aún son jóvenes/Las canciones que canto/Aún seguirán cantándose”. Estas líneas las escribió Johnny Cash poco antes de morir, pero entonces ya sabía que, gracias a sus composiciones, se había convertido en inmortal. JF

MI SILENCIO HABLA DE TI Holden Centeno, ilustrado por Jose Luis Algar

C (AGUILAR)

on muchas reticencias, al final decidí coger este libro para reseñarlo. Temía que fuera una pastelada y que utilizara un lenguaje demasiado pueril dirigido a un público, digamos, poco maduro. Pero esta historia me atrapó desde el principio como si yo fuera uno de esos millennials que sigue el blog de Holden Centeno. El relato se resumiría, brevemente, así: un tipo que trabaja en una discográfica sueña con escribir un buen libro, pero la tristeza de su vida cotidiana le invade de tal manera que le gustaría convertirse en un pez. Hasta que conoce a la 12

chica adecuada, este friki valora el silencio por encima de todo: “Necesito silencio mental. Desconectarme. O que alguien sea capaz de hacerlo por mí y calmarme, darme paz, porque si te dan eso tienes el resto: amor, alegría, vida y, por supuesto, la impactante sensación de que nunca morirás”. Las páginas de Mi Silencio Habla De Ti están impregnadas de referencias literarias, cinematográficas y, sobre todo, musicales, que son las que más cercanas pueden resultar a nuestros lectores. Lagartija Nick, Mumford And Sons, Oasis, Él Mató A Un Policía Motorizado, Bob Dylan, Vetusta Morla, Vampire Weekend… La presente edición, además, está embellecida por las ilustraciones de Jose Luis Algar, cuyo estilo me recuerda mucho al de Paula Bonet. Si tuviera que calificar este libro en términos musicales, diría que está entre lo emo y lo indie. JF


LO MEJOR DE [AUTOR

CAZAFANTASMAS/

FAMOSO] Manuel Álvarez

TORTUGAS NINJA VV. AA.

(FOSTER)

(FANDOGAMIA)

Si conoces la famosa tira cómica viralizada en redes sociales que reza “Ni machismo ni feminismo, CUBISMO”, este libro te presenta gran parte del trabajo de este autor que practica el humor absurdo e irreverente con sus punzadas justas de mala leche para que no todo resulte amable. El tomo recopila varias tiras sueltas y los trabajos No Lo Pillo y Esto No Es Un Cómic, donde funcionan muy bien los gags por acumulación y sus personajes recurrentes ‘serializados’ a lo largo de todas sus páginas. Vas a soltar unas cuantas buenas carcajadas con muchas de sus coñas. SG

El segundo tomo que publica Fandogamia con el nuevo material de Cazafantasmas es el cruce con las Tortugas Ninja, y es un completo placer culpable. Pocas veces vas a leer un tebeo que evoca los mejores momentos de tu infancia y que te deja una sonrisa boba en la cara a cada página que pasas. Las Tortugas viajan por accidente a un universo paralelo donde se encontrarán con nuestros cazadores de ectoplasmas favoritos y juntos deberán acabar con un enemigo que éstas se han traído desde su dimensión. Lleno de guiños a lo clásico, vas a disfrutarlo como un enano. SG

CURSO DE CÓMIC: FIZ

PÁJARO BURLÓN:

EL NIÑO MÁS PUER-

INTEGRAL VV. AA.

CO DEL MUNDO Kiko da Silva (DIBBUKS)

Si tenéis chavales por casa o sois los tio/s favoritos de alguna futura promesa comiquera, este pequeño curso en formato cómic es un regalo ideal para acercar sus conceptos básicos. Kiko da Silva usa su personaje FIZ para dar continuidad a los materiales de los que consta esta aproximación al duro y hermoso trabajo de hacer cómics: historia del medio, técnicas, estilos, materiales, recursos y consejos ofrecidos con mucho humor y con unas páginas estupendas llenas de gags y ejemplos muy prácticos. SG

GIRLS UND PANZER VV. AA . (ECC)

La marcianada más divertida del mes le corresponde a esta adaptación del anime homónimo que cuenta en Japón con varias series, novelas y película. Protagonizado sólo por mujeres, se nos presenta un mundo donde las chavalas son entrenadas en el arte del combate sobre tanques de la II Guerra Mundial para combatir contra otros institutos en ligas nacionales. Tan loco como suena. Y bien divertida que resulta la combinación. El primer tomo nos muestra a los personajes, nos da unas cuantas batallas bien resultonas y prepara el terreno para lo que se nos viene encima. SG

SHANGRI-LA Mathieu Bablet (DIBBUKS)

(PANINI)

Estupendo tomo con todo el material publicado en la serie dedicada a Pájaro Burlón de Agentes De S.H.I.E.L.D., con cabecera propia por primera vez. Muy divertida y con un dibujo excelente, las virtudes de este trabajo radican en las reflexiones que la guionista lanza sobre ‘cómo debería ser’ una colección de espías protagonizada por una mujer (y todo el mundo de hombres que la rodea). Si ya el tema es muy atractivo y necesario, su tríptico final ‘Mi Agenda Feminista’ causó las iras de los más retrógrados. Indispensable. SG

Llevaba años deseando leer una obra de sci-fi que tratase temas sociopolíticos, filosóficos y ambientales en formato álbum con la claridad y potencia con la que lo hace este trabajo. En un futuro lejano donde la humanidad vive recluida en una estación espacial propiedad de una multinacional surge un movimiento de resistencia contra este sistema perfecto. Un trabajo hijo del siglo XXI, de sus revueltas culturales y políticas, deudor de los grandes escritores de la literatura distópica del XX. Espectacular. SG 13


DE CINE_ CON KIKO VEGA MOTHER!

POR LA GLORIA DE MI MADRE

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or una vez en su carrera, el director de Réquiem Por Un Sueño, The Fountain, Black Swan o Noé aprovecha lo ridículo de su planteamiento -detalle marca de la casa- y su ambiciosa pomposidad para ir, por fin, de frente con todo sin atenerse a las consecuencias. Sin apenas acompañamiento musical y siempre con la cámara encima de sus actores, todos ellos a un nivel gigantesco, Aronofsky se apoya en la malsana fotografía de Matthew Libatique, eterno compañero de aventuras del realizador neoyor-

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quino, para ofrecer el más envenenado de sus productos. Mother! es una película de la que se está hablando mucho, y casi siempre mal. Advertir que se trata de una nueva semilla diabólica, cuando el propio director ha estado encantado de trollear el detalle con un póster que lo dice todo, es quedarse mucho más arriba de la superficie. La nueva hipérbole de Darren Aronofsky cuenta con el mejor papel en la trayectoria de Jennifer Lawrence, actual musa y amante del director desde que comenzase el rodaje. La actriz está bien cubierta por un Javier Bardem que arriesga y va de menos a más, que es de lo que va realmente la cosa. En realidad estamos ante una montaña rusa que termina en vómito, y eso, pese a quien pese, significa que el viaje ha sido salvaje. Que quieras o no volver ya depende de cómo te levantes mañana.

WIND RIVER

EL SILENCIO DE LA NIEVE

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ras dos aproximaciones cada vez más certeras, Taylor Sheridan entrega su obra maestra. Bienvenidos a Wind River: un Fargo donde no hay sitio para el sentido del humor (o casi). Wind River, para empezar, regala a Jeremy Renner la mejor interpretación de su carrera. Su Cory Lambert, un veterano rastreador del Servicio de Pesca y Vida Silvestre que ayuda al FBI en la investigación del asesinato de una joven nativa, es uno de los personajes más poderosos y comedidos de la temporada. El FBI vuelve a tener nombre de mujer, como la Emily Blunt de Sicario o la mismísima Clarice Starling. En este caso es la siempre fascinante Elizabeth Olsen la encargada de intentar ejercer la ley en un lugar que le resulta completamente ajeno y está lejos de recibirla con los brazos abiertos. El único dispuesto a ello será su compañero de aventuras en las películas

de Los Vengadores. Wind River empieza a lo grande, tirando de panorámica y demostrando que el camino no será fácil. En la primera secuencia de la película (tras un fabuloso y aterrador prólogo) asistimos a una jornada de trabajo del protagonista que sobrecogerá a más de un espectador, pero luchar contra la depredación es lo que tiene: nadie dijo que fuera a ser fácil. Las pisadas de la superficie conducen hacia una investigación criminal con un ‘detective del terreno’ como protagonista, pero es también un doloroso grito de desesperación de aquellos a quienes se les ha arrebatado todo y que siguen olvidados en una caseta y casi sepultados bajo la tormenta. Wind River también es la historia de un depredador total acechando, sobrevolando presas, carroña viviente que debe ser erradicada. Sí, también es un extraordinario thriller de venganza. A partir de ahí, un desfile de amargura, remordimientos, familias destrozadas, tormentas de nieve y rastros que seguir por las montañas heladas que desembocará, como por arte de magia, en el thriller más intenso de la temporada gracias a una maniobra de guión absolutamente magistral.


TOI’S IN THE ATTIC MIS PROBLEMAS CON EL MERCH

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ola! Ya estamos en otoño y toca hacer cambio de vestuario. ‘¿Pero qué dice esta loca? ¡Que esto no es Vogue!’, pensarán algunos. Bueno, matizo, hay que guardar las camisas cantosas hawaianas y los pantalones cortos, porque empieza a refrescar. No sé cómo será vuestro fondo de armario, aunque creo que muchos coincidimos con un elevado número de camisetas y sudaderas de pelis y grupos. Ya hablé por aquí de que estoy a favor de que el merchandising rockero se pueda encontrar en muchas tiendas mainstream, también me gusta rebuscar por internet, y ahora mismo, tal y como están las cosas en cuanto a bajas ventas musicales, intento comprar directamente a los grupos, ya sea en sus conciertos, ya sea online, pero a veces es complicado por varios motivos. Por un lado hay grupos muy mal asesorados

a la hora de poner precio a sus productos durante las giras. Por ejemplo, no es lógico vender camisetas a 30 ó 35 euros, cuando uno ha pagado ya lo suyo por su entrada, como en el caso de grandes bandas –prefiero no poner nombres-. Por otra parte, y esto me revienta, grupos cuyos precios vía web son asequibles, pero meten clavadas desorbitadas en los gastos de envío. Finalmente, el pésimo servicio de envío de algunos combos, que pueden tardar dos y tres meses en enviar tu pedido, tras estar insistiendo en ello durante mucho tiempo. Esto me está pasando ahora mismo. La excusa es lo mejor: “Tengo millones de cosas que hacer, y un gato que requiere mi atención constante”. No me digáis que no es para mandarle a tomar por culo y seguir comprando camisetas piratonas. (TOI BROWNSTONE)


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ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es The Age Of Quarrel de Cro-Mags. Pese a que el mundo vive en permanente estado de confusión y caos, en lo que se refiere a la industria musical vivimos en una época de hachas enterradas, treguas declaradas y de apretones de mano. Los conflictos en el rock ya son cosa del pasado, y eso es principalmente porque el dinero hace que dejes las diferencias de lado. Axl y Slash están tocando juntos de nuevo; Mustaine haciendo jams con Metallica; David Lee Roth de vuelta con Eddie; Ozzy con Black Sabbath. Todas esas uniones son bienvenidas y estoy feliz de que hayan pasado mientras las podemos disfrutar, pero siendo alguien al que le 18

gustan los platos sucios y posicionarse en uno de los bandos, ¿qué nos queda? Cro-Mags de Nueva York fueron unos de los fundadores de la New York Hardcore Scene (junto con Agnostic Front, Murphy’s Law y Sick Of It All) y más tarde de la escena crossover que mezclaba el punk rock con el speed metal. Ellos también impusieron la ética de los Hare Krishna en su música, algo que nunca pude imaginar que pasara en un entorno punk rock. Los dos personajes principales en la historia de la banda son el bajista y fundador Harley Flanagan y el vocalista John Joseph. Ambos tipos son carismáticos, habladores, autores y han llevado el nombre de la banda de manera separada en diferentes ocasiones. También NO se llevan bien. Incluso a día de hoy, los dos hacen comentarios negativos el uno del otro en las redes sociales. A pesar de que es una pena que ambos no puedan trabajar juntos, es refrescante ver cómo todavía hay conflictos vivitos y coleando en el mundo del rock. El único componente que

ha aparecido en cada uno de sus cinco discos es el bajista, y a veces vocalista (Best Wishes & Revenge), Harley Flanagan. Pero todo el mundo está de acuerdo en que su álbum de debut de 1986, The Age Of Quarrel, es el mejor y más reverenciado. Es prácticamente perfecto. Editado hace 31 años, puedo afirmar de manera contundente que no hay una sola mala canción en él. Y es esa casi perfección lo que ha hecho que, tantos años después, siga siendo un clásico y continúe atrayendo a tantas nuevas generaciones de punk rockers y metalheads. A pesar de que Before The Quarrel, el álbum que contenía las demos de The Age..., sea aún mejor, yo no

crecí con él, así que… De esta serie de álbumes de los que me gusta escribir, normalmente selecciono algunas canciones como destacadas para reafirmar lo bueno que es el trabajo escogido, pero con The Age Of Quarrel, ¿¡qué puta canción escoges cuando todas son jodidamente buenas!? Y con cada post en las redes sociales, ya sea por Harley o John, en los que se meten entre ellos, parece irónico que el álbum por el que son más conocidos se llame The Age Of Quarrel. En palabras de su propia canción ‘World Peace’... “World peace can’t be done/It just can’t exist/ World peace can’t be done/ Ananrchy’s a mess”. Hasta el mes que viene, DANKO JONES


FOTO: FRANK DÍAZ @FRANKPARCHIS

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> ATENTOESQUIVO INTERPRETAN ‘CELDA HOMICIDA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

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n activo desde 2012, Atentoesquivo publicaban el pasado abril su segundo álbum Mundo Animal (Blind Records). Dado que sus integrantes, Jose Lama (voz), Jona Gómez (guitarra), Ismael García (bajo) y Matteo Breschi (batería), no son unos críos, son muy realistas a la hora de valorar la repercusión que hasta ahora ha tenido. “Hoy en día hay que esperar poco si no quieres deprimirte. Pero estamos contentos”, dice Jona. “Todo es muy lento, muy lento, pero hemos dado un pasito más”. Aun así, Jose se muestra optimista y percibe un mayor interés hacia su propuesta. “También hay que tener en cuenta que con el primero (Melodías De Un Temporal, 2014 -ndr.) no tuvimos promoción y fue totalmente autogestionado. Tienes poca difusión y los conciertos son un poco deprimentes porque la gente no acude a la llamada de lo que tú esperas. Pero ahora parece que la cosa ha tomado otro rumbo”. Desde un punto de vista artístico, Jose explica que tras cambiar de

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batería, la banda es ahora más homogénea. “Antes había un pequeño desequilibrio porque no todo el mundo iba en la misma dirección. Ahora lo hemos logrado y creo que para una banda es lo más decisivo”. Sin ningún tipo de problema, la banda reconoce que se encuentra en la frontera entre el rock y el pop, aunque en Mundo Animal, la balanza se ha decantado del lado del primero. “No vamos de rockeros por la vida, y tampoco somos unos poperos en toda regla”, explica Jose. “Pero desde la llegada de Ismael hay que reconocer que hemos tomado una dirección más rockera. Sobre todo la base rítmica es más contundente. Pero los arreglos de guitarra siguen teniendo más brillo y un colorido más pop, y ésa es la combinación de Atentoesquivo”. Sobre sus influencias, Jose cuenta que vienen de lugares que tampoco son tan dispares. “Cuando éramos chavales a todos nos gustaba el heavy. Nos gusta el rock’n’roll más clásico, nos gusta el grunge, nos gusta el jazz, el blues… No compar-

timos todos los grupos, pero hay una línea que lo vertebra todo que sí tenemos en común, que es la educación musical. La parte más pop tiene que ver con Jona o conmigo”. Para el guitarrista, un elemento clave en su sonido es la voz de su compañero. “Por mucho que quieras llevarlo hacia un estilo, la voz marca mucho. Jose es una voz más de los 80 y ha bebido mucho de cantantes de esa época como Santiago Auserón. Eran grupos que tenían una consistencia”. Hablando del cambio en el panorama nacional, les comentamos que el lugar de los grupos de pop rock de los 80 lo ocupan las bandas, ahora llamadas indies, mientras que el de las folcklóricas lo ocupan los derivados de Operación Triunfo. “No hay un término medio”, señala Jose. “Estamos ubicados en un territorio que ha quedado casi desierto. A veces nos lo planteamos, por qué nosotros no somos un grupo indie, pero evidentemente no somos lo otro. Estamos en un lugar en el que no es fácil asentarse y que te hagan caso”.


NOTHING MORE

NOTHING MORE SON TODAVÍA UNA BANDA POCO CONOCIDA POR ESTOS LARES, PERO EN ESTADOS UNIDOS YA LLEVAN UNOS CUANTOS AÑOS ASOMANDO LA CABEZA. CON SU NUEVO ÁLBUM THE STORIES WE TELL OURSELVES ESPERAN SEGUIR AMPLIANDO SU RADIO DE ACCIÓN. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR


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ONNY HAWKINS, VOCALISTA DE NOTHING MORE, SE ENCUENTRA

conduciendo hacia Nashville cuando recibe la llamada de RockZone. Si bien nos advierte de que le avisemos por si la cobertura falla en algún momento, lo que no esperamos ninguna de las dos partes es que a los pocos segundos entre, como por arte de magia, Jason Black de Hot Water Music, esperando la llamada de otro medio para hacer otra entrevista. Un cruce inesperado de líneas que hace que todos nos partamos de risa. Dejando de lado esta anécdota, Hawkins tiene otros motivos para estar de buen humor. The Stories We Tell Ourselves

(Better Noise) sigue aportando argumentos para considerar a Nothing More como una de las bandas con más chispa del rock y metal alternativo estadounidense. Si los comparamos con algunos de sus competidores en las listas, como Disturbed o Five Finger Death Punch, la banda de San Antonio, Texas, que completan Mark Vollelunga (guitarra), Daniel Oliver (bajo) y Ben Anderson (batería), se muestra bastante más arriesgada, incluyendo una tendencia más progresiva sin renunciar a facturar estribillos adictivos. Charlando con Hawkins queda claro que tienen grandes ambiciones, pero también que tiene una visión más artística y profunda que la media.


“QUEREMOS ASEGURARNOS DE QUE NUESTRAS CANCIONES SIGAN VIGENTES DURANTE MUCHO TIEMPO, DE QUE TENDRÁN UN RECORRIDO, Y PARA CONSEGUIRLO NECESITAMOS COCINARLAS A FUEGO LENTO” JONNY HAWKINS En pocos días se publica vuestro nuevo álbum, pero ya habéis lanzado varios adelantos. ¿Qué reacción estáis teniendo hasta el momento? JONNY HAWKINS “Las dos prime-

ras canciones que lanzamos eran bastante distintas, así que esperaba que algunos de nuestros fans se quedaran un poco desconcertados, pero sé que una vez escuchen el disco entero, les gustará”. Con el anterior disco homónimo iniciasteis una nueva etapa... ¿El nuevo es el segundo capítulo?

“Sí, totalmente. Si llamamos el anterior álbum Nothing More es porque para nosotros era un nuevo comienzo. Tanto el sonido como la formación era lo que llevábamos buscando desde hacía tiempo. Iniciamos una nueva era y este nuevo disco profundiza más en todos esos aspectos”. Aun así, os habéis tomado bastante tiempo en hacerlo. ¿Teníais

muy distintas. Queremos asegurarnos de que nuestras canciones sigan vigentes durante mucho tiempo, de que tendrán un recorrido, y para conseguirlo necesitamos cocinarlas a fuego lento”. Giráis tanto que parte del disco lo habéis grabado en la carretera, ¿no?

“Así es. Lo hicimos principalmente porque nos ofrecieron una gira a la que no queríamos decir que no. Disturbed nos invitaron a girar con ellos por Estados Unidos y era una gran oportunidad, así que la tomamos, aunque sabíamos que era el momento de entrar a grabar el nuevo trabajo. Así que intentamos aprovechar ambas cosas y montamos un estudio en la parte trasera de nuestro autobús. También llevábamos un equipo portátil para que pudiésemos grabar en los camerinos; Mark grabó gran parte de las guitarras ahí. No es algo que hagamos normalmente, pero queríamos avanzar y acabó funcionando muy bien”.

dudas de hacia dónde tirar?

“En general, somos una banda que se suele tomar bastante tiempo entre obras. Nos inspiran muchos los acontecimientos que suceden en nuestra vida, sobre todo a mí. A veces necesito que las cosas se aclaren antes de que me sienta inspirado para escribir sobre ello. Si nos precipitáramos, las canciones saldrían

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Has mencionado a Disturbed, y habéis girado con otras bandas de metal como Hellyeah. Sin embargo, yo no os veo como una banda de metal...

“Mucha gente nos llama ‘metal alternativo’ porque nuestra primera canción conocida fue ‘This Is The Time (Ballast)’, que tenía un sonido

más duro, pero en general nunca nos hemos considerado una banda de metal, aunque tengamos influencias metal. Creo que tenemos otras mucho más fuertes del progresivo o, en general, de los grandes compositores sin importar el género. Nuestros tres últimos discos han estado muy enfocados a las canciones, a las letras y las melodías, más que a una parte de guitarra o de batería, que es en lo que se centra más el metal normalmente”. Durante seis años fuiste el batería del grupo. ¿Cómo fue para ti la transición de pasar a ser el cantante y el frontman? ¿Estás más feliz con tu papel actual?

“En general sí. Estoy más contento porque siento que tengo una mayor influencia en la música, que es algo que siempre había deseado cuando era el batería. Eso me llevó bastantes problemas con el cantante que teníamos entonces. De todos modos, echo un poco de menos tocar la batería porque es muy divertido dar golpes a algo y llamarlo música (risas). Lo peor de ser el cantante es que no puedo trasnochar demasiado y pegarme muchas fiestas porque afectan mi voz, y es un instrumento mucho más delicado cuando estás de gira que una batería. Me provoca bastante ansiedad estar tan pendiente de mi voz”. ¿Crees que musical y conceptualmente la banda refleja básicamente tu punto de vista, o sigue siendo algo colectivo?

“Siempre ha sido algo colectivo y lo sigue siendo, sobre todo entre Mark y yo. Pero ahora me siento mucho


NOTHING MORE

más libre y con más potencial para explorar mi visión con más fuerza. Cuando las palabras salen de tu boca, las canciones se convierten en algo mucho más personal”. Escuchando las letras, parece que has pasado por un momento complicado. ¿Estás ahora mejor que cuando escribiste el disco?

“(Risas) Sí, gracias por preguntar. El año pasado fue duro para mí. Pasé por un gran cambio porque me divorcié de mi mujer, con la que llevaba ocho años. La conocí el día que mi madre murió, así que había una historia muy especial con ella. Fue un año doloroso, pero también siento que maduré mucho. Ahora estoy mucho mejor y siento mucha ilusión y pasión por lo que estamos haciendo”. Lo cierto es que una ruptura siempre es difícil y puede dejarte muy tocada la autoestima... ¿Cómo la recuperaste?

“Tienes toda la razón. Sentí muchas cosas que nunca había sentido y no sabía muy bien cómo procesarlas. Sinceramente, para mí la manera de superarlo fue como siempre lo he hecho en los últimos diez años en momentos dolorosos. No veo el dolor como algo negativo, aunque me haga sentir mal o incómodo, sino como una motivación para avanzar o cambiar algo. Me metí a fondo a ver vídeos de YouTube sobre psicología, terapia de pareja, y a hablar con gente que había pasado por un divorcio o gente que está en una relación de lo más sana, y les planteé un montón de preguntas. Usé todo eso como motivación. Y también

fui mucho al gimnasio, cada día iba una hora u hora y media para tener un cuerpo más fuerte. Sabía que, si conseguía tener un cuerpo sano, no sólo me encontraría mejor por los químicos naturales que se generan, sino que me subiría la autoestima. Son reacciones muy primarias, pero funcionan y te aclaran la mente. Trabajé en todas esas áreas y me lo tomé como una oportunidad para mejorar mi vida. Si mirara atrás y viera que todo ese dolor no hubiera servido para nada, entonces me sentiría derrotado y muy triste. El dolor es inevitable, pero qué hacer con él es nuestra elección”. Aunque estoy de acuerdo en los beneficios mentales que puede tener ir al gimnasio, ¿no crees

creo que hay aspectos muy primitivos sobre el cuerpo que no podemos desestimar. Sólo puedo hablar por mí, porque cada persona es distinta, pero los años en que dejé de ir al gimnasio y sólo estaba centrado en la música, me sentía mucho más débil que ahora. En los dos últimos años he invertido más tiempo en fortalecer mi cuerpo y eso ha desbloqueado algo en mi autoestima. Si lo piensas, la sociedad moderna es algo muy reciente. Durante miles de años, o los que fueran, tener un cuerpo fuerte equivalía a estar más seguro, así que algo de eso se ha quedado grabado en nuestro cerebro. A mí desde luego me ha funcionado, no sé si lo hará en otros. Quizá es una falsa ilusión de seguridad, pero a mí me ha servido”.

que en cierta manera también es una trampa que la autoestima

Volviendo al nuevo disco, ¿sien-

y la apariencia física estén tan

tes que hay alguna canción en la

relacionadas? Quizá seguir los

que hayáis hecho algo revolucio-

estereotipos de belleza no sea

nario para Nothing More?

tan saludable.

“Creo que ‘Don’t Stop’ fue un experimento para nosotros. La música nos emocionaba mucho, pero no acababa de encontrar la voz adecuada. Así que al final pensé en hacer algo totalmente distinto y buscar un enfoque más parecido a James Brown o Prince, con esa actitud. Nunca

“¡Ah! Eso es interesante. Es un arma de doble filo. Tienes razón en que caer en los estereotipos no es bueno. La presión social sobre el aspecto que debe tener un hombre o una mujer es algo con lo que hay que estar alerta. Pero al mismo tiempo,

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“NO VEO EL DOLOR COMO ALGO NEGATIVO, AUNQUE ME HAGA SENTIR MAL O INCÓMODO, SINO COMO UNA MOTIVACIÓN PARA AVANZAR O CAMBIAR ALGO” JONNY HAWKINS había cantado así antes, así que es algo totalmente nuevo. Y también ‘Go To War’ es algo nuevo por el aire irlandés, folkie… Mi padre solía escuchar mucha música celta, así que supongo que me vino de ahí”. La popularidad del grupo no ha parado de crecer, pero hoy en día parece que los grupos de rock tienen un techo. ¿Qué ten-

escucha metal o rock. También ‘Still In Love’ podría gustar a fans del pop. Pero siempre seremos una banda que tenga sustancia y que resulte atractiva para nuestros primeros fans. No queremos ser una banda que no puedas reconocer si nos has seguido desde el principio. Seguiremos creciendo y ampliando nuestro radio de acción, pero conservando lo que somos”.

dría que pasar para que Nothing More lo superaran?

Por ahora no hemos tenido la

“Creo que este disco nos puede llevar a mucha más gente. Hay varias canciones que tienen ese potencial fuera de nuestro género. ‘Just Say When’ es un tema acústico, algo que de nuevo nunca habíamos hecho antes porque no me sentía confiado por cantar tan desnudo, y que podría gustar a gente que nunca

oportunidad de veros en directo,

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pero hemos oído grandes cosas sobre él. ¿Cómo es?

“Déjame decirte que España es un lugar al que hace mucho tiempo que queremos ir y estamos tristes por no haberlo conseguido todavía. La prima de Mark vive allí y nos habla maravillas, así que está entre

nuestros objetivos, pero tenemos que encontrar la manera de hacer que funcione. Espero que con este disco lo consigamos. En cuanto al show en sí puedo decirte que es muy energético y con mucho más de lo que ofrecemos en los discos. Se parece más a un espectáculo de Las Vegas tipo Blue Man Group. No sólo tocamos, sino que actuamos. Tenemos unas estructuras que ha construido Daniel, nuestro bajista, que nos permite tocar un bajo tres personas a la vez y sacar sonidos que nunca has escuchado, o mezclar la percusión con la guitarra como si fuera la mesa de un DJ… cosas así. Mola mucho, de verdad”.


ESTIRPE

EL PRÓXIMO 7 DE OCTUBRE, ESTIRPE OFRECERÁN EN LA SALA JOY ESLAVA DE MADRID UN CONCIERTO MUY ESPECIAL BAUTIZADO COMO FIN DE TRAYECTO, QUE DARÁ PIE A UNA SERIE DE CONCIERTOS DE DESPEDIDA. ¿PERO SE TRATA REALMENTE DE UN PUNTO FINAL? CONTACTAMOS CON ELLOS PARA AVERIGUARLO. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: CHARLY CALDERÓN


E

L PASADO 30 DE ENERO, LOS CORDOBESES ESTIRPE COLGABAN UN

comunicado en su página web en el que anunciaban un parón indefinido. “Necesitamos volver a casa a curarnos las heridas, a reposar y pensar, cada uno por separado y sin proyectos definidos, con el único objetivo de purificarnos por dentro, reflexionar y demostrarnos a nosotros mismos que tenemos todavía mucho que decir y hacer, ya sea juntos o por separado, pero siempre mirando adelante”. Que este año se hayan cumplido veinte de la publicación de su primer álbum Ídolos De Papel, podía hacer pensar que los dos miembros fundadores, Mart (voz) y Loren Gómez (guitarra), y sus actuales compañeros, Paco Record Jr (bajo) y Miguel Fuentes (batería), querían aprovechar esa efeméride para despedirse. También se especuló si el cáncer que le diagnosticaron a Mart en 2014 y que, afortunadamente superó, podría tener algo que ver. Pero como cualquier decisión difícil en la vida, no es consecuencia de un solo factor. Aunque, si algo nos queda claro de nuestra charla con el vocalista, es que la han tomado más pensando en el futuro que en el pasado. Es una buena noticia hablar contigo, pero no sé si lo es el motivo por el que hablamos. ¿Cómo afrontas esta despedida del grupo y lo que venga? MART “A todo se le puede sacar

algo bueno. Nosotros hemos vivido muchísimas cosas buenas y algunas también malas porque es ley de vida. Tantos años dan para mucho. Esta gira que haremos de despedida es por la decisión de descansar un tiem-

po. La banda necesita un descanso y es un momento de madurar. Con tantos años de movimiento, al final te das cuenta de que necesitas parar, coger perspectiva y ver lo que has hecho bien y lo que has hecho mal. Es un paso importante, pero a la vez un poco triste”. Es que lo de Fin de Trayecto suena como muy tajante, pero por lo que dices, no es que se acabe el grupo para siempre.

“Es un parón. Un fin tajante no es, pero sí es verdad que vamos a estar un tiempo fuera de circulación y a proyectarnos hacia otros lados”. ¿Los problemas de salud que tuviste hace un tiempo han tenido algo que ver en la decisión?

“No tienen nada que ver. En estos últimos años hemos pasado por momentos que eran para superarse. Las bajas que sufrimos en la banda hace años ya te hacían plantear si debías continuar, y luego con la enfermedad, son historias que te hacen obsesionarte un poco con el rollo de superarse. A mí cuando me tocó esta enfermedad estuve dos años sin poder hacer cosas con la banda o dar conciertos, pero éramos todos una piña. Una vez estamos en un punto en que todo ha pasado y que ninguna de esas opciones negativas nos ha hecho abandonar el proyecto y estamos viviendo de nuevo la tranquilidad de las aguas, es cuando nos damos cuenta de que parar nos va a ayudar mucho para reflexionar. A veces a lo que te lleva la inercia no es tan positivo como se pueda creer. Parar es inteligente”. A veces hay grupos que tiran la toalla si no consiguen lo que

buscan a la primera y otros que siguen y siguen, aunque no tengan nada que ofrecer. Parece que es muy difícil que una banda decida parar, precisamente para reevaluar lo que ha hecho.

“En nuestro caso siempre hemos sido muy libres de elección, tanto musical como con los pasos que había que dar. Yo sigo componiendo muchísimo y en la banda hay creatividad y nos quedan cosas por decir, pero cuando Loren, el guitarrista al que conozco desde pequeño, me propuso hacer un descanso, yo lo vi muy claro. Hay bandas que se repiten porque encuentran una fórmula que les funciona, pero yo soy más de evolucionar de disco a disco. Intentar seguir aprendiendo. Siempre con el hilo conductor del rock, bebemos de muchos sitios, hay una amplitud de gamas y colores increíbles. Creo que Estirpe suena difícil para muchos porque no es etiquetable y para otros es una delicia porque hay mucha variedad musical”. Desde luego no se os puede acusar de inmovilistas. Cada álbum es distinto y, aun siendo una banda de metal alternativo, habéis integrado elementos variados desde el reggae hasta el pop.

“Yo no concibo que la música crezca de una manera que no sea paralela a mi vida. Yo crezco cada tres, cuatro años y algo aprendes y te modifica las conductas, para mejor o para peor. No concibo las bandas que cada año sacan el mismo producto, porque en algún punto la persona madura y evoluciona. Entiendo que hay gente que se acomoda porque encuentra una fórmula con la que vivir bien, pero yo soy de los que prefiere malvivir de 29


“A VECES A LO QUE TE LLEVA LA INERCIA NO ES TAN POSITIVO COMO SE PUEDA CREER. PARAR ES INTELIGENTE” MART

la música, pero haciendo lo que me gusta. Y de momento, no me va tan mal (risas)”.

hoy. Si escuchas el primer disco se nota que desde la técnica musical al sonido se ha mejorado”.

Entiendo que el repertorio de es-

¿Cuándo fue la última vez que

tos conciertos de despedida va

escuchaste vuestro primer ál-

a ser un repaso a toda vuestra

bum Ídolos De Papel?

carrera... ¿Pero va a haber algu-

“(Risas) Pues no hace mucho. Como estamos preparando el repertorio, lo escuché. A veces he pensado que no estaría mal sacar una reedición, pero con cómo haríamos el disco hoy en día. Está muy bien que esté ahí, pero con una producción actual resultaría interesante escucharlo”.

na parte acústica o algo así?

“Tenemos repertorio para regalar (risas). Será muy variado, pero no vamos a meter acústico también porque preferimos que del primer minuto hasta el final sea muy intenso. Hacer un acústico implicaría perder algo de tiempo. Pero tocaremos todos los palos, desde el punto más duro al más sensible”.

¿Pero te sigues viendo reflejado en ese trabajo o lo ves como

Empezaste de muy joven…

una versión tuya pasadísima?

“Sí, sí. El primer disco está compuesto con 15, 16 años. Creo que es muy temprano, tendríamos que habernos esperado un poco más. No éramos un grupo de los que aquí se entendiera muy fácilmente, a lo mejor en otro país se hubiera tratado de otra manera. Pero quizá haberlo sacado tan pronto sea el culpable de lo que Estirpe es

“(Risas) Lo veo como una versión mía muy pasada. Éramos muy noveles. Creo que le ha pasado a muchas bandas. Te pones en manos de los que crees tú que entienden y justamente no son las mejores manos. Yo, que he ejercido de productor, si me llama una banda le hago plantearse muchas cosas. El haber estado muchos años

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en la música, de haberme equivocado, de haber estado con gente que me ha fallado, me da cierta ventaja para aconsejar a las bandas nuevas, incluso de que yo no sea su productor. No hay que ser egoísta en ese aspecto”. ¿Y te ves reflejado en algún grupo nuevo?

“Sí que me he cruzado con algunos amigos que son seguidores de la banda y que venían con unos proyectos musicales que, con los años, se han puesto a hacer un rock muy sinfónico, muy variado, arriesgado, con muchas melodías… Cosas que nosotros llevamos haciendo muchos años. No quiero decir que seamos los únicos, porque hay muchas bandas a nivel internacional que nos enseñan, pero sí nos han comentado que somos un punto de inspiración. Que te escuchen y otras personas desarrollen su propio instinto musical es increíble”.


HOT WATER MUSIC


HOT WATER MUSIC PERTENECEN A ESA ESTIRPE DE BANDAS PARA LAS QUE TRES ACORDES Y LA VERDAD ES MATERIAL MÁS QUE SUFICIENTE PARA ESCRIBIR UNA BUENA CANCIÓN DE PUNK ROCK. EN SU NUEVO ÁLBUM TRAS CINCO AÑOS DE SILENCIO, LIGHT IT UP, VUELVEN CON UNAS CUANTAS BAJO EL BRAZO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

A

CHRIS WOLLARD ES IMPOSIBLE NO COGERLE CARIÑO HABIENDO

hablado tan sólo un par de minutos con él por teléfono. Cuando le escuchas reírse o te pregunta dónde vives y recuerda la última vez que estuvo por España, puedes sentir que no lo hace por mero compromiso para quedar bien, sino porque es así de cercano. Una sencillez de la que siempre ha hecho gala junto a Chuck Ragan, Jason Black y George Rebelo, sus compañeros en Hot Water Music desde que en 1993 decidieran juntarse para formar un grupo de punk rock en su Gainesville natal. El motivo de la llamada no es otro que la publicación del octavo trabajo de la banda, Light It Up (Rise). Es el primero en un lustro desde que regresasen a la actividad con Exister tras reactivarse en 2008. Antes de eso, Hot Water Music se habían labrado una reputación como una de las formaciones más intensas y honestas a medio camino entre el punk rock de toda la vida y el post hardcore. Su separación tras haber firmado obras tan notables como A Flight And A Crash o Caution fue breve, pero ese lapso de tiempo hizo que su nombre comenzase a ser reconocido más allá de su base de fieles seguidores. Su regreso discográfico en 2012 fue celebrado por todo lo alto e incluso publicaciones como Rolling Stone se hicieron eco

de ello. Ahora, y después de otro largo periodo de inactividad en el que cada uno de sus componentes ha aprovechado para cubrir sus inquietudes musicales con otros proyectos paralelos, estos cuatro viejos amigos están listos para volver a encender la llama.

También durante vuestro hiato, muchas bandas más jóvenes como The Gaslight Anthem, Against Me! o Red City Radio empezaron a reivindicaros como una influencia. Sé que sois gente muy humilde, pero ¿no sentiste algo de orgullo, aunque sólo fuese un poquito?

Con vuestro anterior trabajo,

Exister, recibisteis críticas excelentes incluso de gente que antes de que os separaseis nunca os había prestado mucha atención. ¿Os sorprendió encontraros con semejante recibimiento después de tanto tiempo? CHRIS WOLLARD “(Risas) Bueno,

tengo que decirte que no me gusta mucho leer críticas. Creo que es un poco peligroso. Puedes caer en la trampa e intentar contentar a todo el mundo en lugar de hacer lo que a ti realmente te llena. Tanto si lees una buena reseña como una mala, eso es algo que se queda en tu cabeza y puede acabar teniendo una influencia en cómo trabajas. Así que prefiero no leerlas. Puede ser realmente tóxico si te dedicas a la música. Lo que sí sé es que cuando estuvimos haciendo la última gira había muchos nuevos seguidores y que cuando tocábamos las nuevas canciones parecían encajar muy bien con las antiguas. La gente se lo pasaba genial. Pero en cuanto a las críticas... prefiero tenerlas lejos (risas)”.

“(Risas) Bueno, también es algo muy humilde por parte de quien lo dice, porque yo también soy un fan. Yo también tengo influencias, al igual que todo el mundo. Cuando me dicen algo así mi reacción es ‘Oh, ¿te gusta lo que hago? Entonces deberías escuchar a Brian Baker tocar la guitarra o comprarte algún viejo disco de los Wipers, porque de ahí es de donde lo saqué’ (Risas). Ésas son mis influencias. Lo que quiero decir es que yo aprendí de la gente que estuvo ahí antes que yo. Se trata de establecer una conexión, no de pensar quién está encima de un escenario, porque todos estamos juntos dentro de la sala. Todos estamos compartiendo esto, aprendiendo y hablando juntos. Es un poco raro que la gente me diga que soy una influencia para ellos. Es como ‘Oh, bueno... vale’ (Risas)”. Es bueno que sepáis verlo de esa manera... Ya sabes que algunos músicos, una vez llegan a cierto nivel de éxito, empiezan a creerse que son unos genios y comienzan a comportarse como 33


verdaderos capullos.

“Sí, suele ocurrir. Son gajes del oficio (risas). Tienes que tener cuidado con eso, porque es algo que te puede ocurrir con cualquier otro aspecto de tu vida. Si alguien te dice un millón de veces lo genial que eres, eso puede agrandar tu ego. Para mí eso no tiene sentido. Es sólo música. No creo que la gente cree música, sino que la va descubriendo. El ego es muy peligroso si quieres llegar a ser un artista. La empatía siempre es más importante que el ego si quieres crear arte. Te permite entender mejor a los demás. Es algo que todos hemos visto y cuando vas creciendo puedes acabar aprendiendo de gente muy diferente. Cuando éramos más jóvenes, nosotros aprendimos de otras bandas de Gainesville que llevaban más tiempo que nosotros. No me refiero a cómo tocar o a escribir canciones, sino a cómo comportarnos y lidiar con esta vida tan loca. Hemos sido muy afortunados de tener gente de la que aprender y que nos mantuviese con los pies en el suelo”. Hablando de egos, después de la presentación de Exister, cada uno habéis seguido haciendo música por vuestra cuenta. Chuck tiene su carrera en solitario, George estuvo tocando con The Bouncing Souls, Jason sacó un disco con Unwed, tú hiciste lo propio con The Ship Thieves... ¿Cuán de importante es tener un espacio fuera de Hot Water?

“Todos intentamos mantenernos ocupados haciendo música. Es algo que está en nuestra sangre. Pero no es tan simple como que aproveche-

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mos las temporadas que estamos sin tocar con el grupo. Yo siempre he tenido dos bandas funcionando al mismo tiempo y nunca he tenido que parar con una para empezar a trabajar con la otra. Tú estás aprendiendo constantemente, de manera que quieres descubrir más y tocar otras cosas. Algunas veces estoy más interesado en un tipo de pensamientos que tal vez no encajen del todo con lo que quiero hacer en Hot Water Music. Entonces me digo: ‘OK, voy a hacer un disco más suave’. Es parte del proceso de escribir cada día. Todos los días estás trabajando en algo y al final acabas con mucha música diferente que es consecuencia de tocar con gente distinta. No es algo de ida y vuelta, sino que siempre está sucediendo”. Hablemos de Light It Up. Es el primer disco que producís por cuenta propia desde vuestro debut Fuel For The Hate Game. ¿Por qué habéis optado por eso?

“Me encanta trabajar con Bill Stevenson al igual que con su socio Jason Livermore. Grabar Exister con ellos fue una de las mejores experiencias que he tenido jamás tocando música. He estado escuchando a Bill tocar la batería toda mi vida, así que hacer algo juntos fue increíble. Pero al mismo tiempo quieres seguir creando un entorno que resulte fresco. Nosotros procuramos no hacer lo mismo una y otra vez. Hemos trabajado con Walter Schreifels y Brian McTernan como productores también. Hemos aprendido mucho de todos ellos y queríamos seguir mejorando en ello, tener ideas más claras al respecto del mismo modo que estábamos

haciendo con nuestros otros grupos. El álbum de The Ship Thieves lo producimos nosotros mismos, por lo que vas adquiriendo conocimientos cuando estás ejerciendo como productor. A la hora de afrontar este disco pensamos que tendríamos la suficiente experiencia para poder manejarlo por nuestra cuenta y cuanto más los pensábamos, más ganas teníamos de aceptar el reto, de desafiarnos a nosotros mismos. Cuanto más hablábamos de ello, más divertido nos parecía. Si lo hubiéramos grabado con Bill Stevenson lo habríamos pasado genial y hubiera sido fantástico, pero esta vez todos queríamos hacer otro tipo de álbum. Si vamos a seguir haciendo esto queremos ser nosotros mismos. Queríamos tener una fotografía lo más real de lo que somos y no ponerle el filtro de otra persona. También grabamos aquí, en Gainesville. El estudio está a tan sólo un par de calles de mi casa, así que fue una manera agradable y cómoda de hacerlo”. ¿Y cómo os fue? ¿Resultó ser tan complejo como esperabais?

“En realidad no. Cuando escribes un disco, el principio siempre es muy parecido. Sabemos que vamos a sacar un álbum entero, como entre diez o trece canciones más o menos, por lo que escribimos tanto como podemos. Cuando empezamos a hacer demos, solemos tener unas veinte o así. Independientemente de que las terminemos o no, ésas son nuestras veinte favoritas de las que hemos estado trabajando. Mientras intentas acabar de darles


“EL EGO ES MUY PELIGROSO SI QUIERES LLEGAR A SER UN ARTISTA. LA EMPATÍA SIEMPRE ES MÁS IMPORTANTE QUE EL EGO SI QUIERES CREAR ARTE. TE PERMITE ENTENDER MEJOR A LOS DEMÁS” CHRIS WOLLARD

forma, empiezas a darte cuenta de una forma natural de cuáles son las que de verdad funcionan o con las que mejor te lo pasas tocando. Entonces eliges las siete u ocho que más te gustan y te vas haciendo una idea de lo que acabará siendo el disco. Procuras conseguir hacer que encajen y finalizarlo. Eso es lo que hacíamos cuando teníamos un productor y sin él hicimos exactamente lo mismo. Para mí la figura del productor es muy buena porque tienes a alguien externo que no ha estado trabajando tantas horas en el proyecto. Antes solíamos poner tanto esfuerzo en ello que al final se acababa convirtiendo en nuestro hijo. Era como ‘¡No toques a mi bebé!’ (Risas). Y un productor tiene los oídos más frescos, en plan: ‘Te entiendo, tío. Pero escúchame porque si no puede que acabes cagándola un poco’ (Risas). Te sientes tan cercano que no eres capaz de verlo”.

Tanto a nivel de sonido como de canciones, me ha parecido un disco muchísimo más crudo y punk que Exister. Como una vuelta a vuestros comienzos pero con la experiencia acumulada. ¿Era ésa vuestra intención?

“En parte sí. Teníamos claro que no queríamos hacer un disco tan pulido como lo fue Exister. Me gustan ese tipo de álbumes, que tienen un sonido más limpio, y los disfruto mucho. Pero no creo que Hot Water Music sea un grupo que suene así. Pienso que somos una banda algo más tosca. Cuando tocamos en directo lo hacemos rápido, cometemos errores y cambiamos algunas cosas. No es algo perfecto y nunca hemos querido ser así. Una vez teníamos claro que lo íbamos a hacer por nuestra cuenta, lo siguiente antes de ni siquiera empezar fue preguntarnos: ‘OK, ¿cuál es nuestra visión? ¿Qué es lo que queremos mostrar?’. Todos

estuvimos de acuerdo en que queríamos hacer las canciones todo lo buenas que pudiesen llegar a ser, pero también estábamos abiertos a incluir algunas meteduras de pata. Puede que suene raro, pero algunas veces me gustan ese tipo de cosas. Cuando escucho discos antiguos de punk rock, la guitarra principal siempre está colgando de un hilo, y me gusta poder escuchar eso. No es como si grabases el mismo solo de guitarra por décima vez y consiguieses hacerlo perfecto finalmente, sino que lo estás grabando mientras todo está ocurriendo antes incluso de entender qué es lo que está pasando. Eso hace que el sonido resulte más peligroso e impredecible. Mientras escribíamos las canciones hablamos de poder permitirnos sonar más crudos y vimos que eso encajaba con lo que estábamos componiendo. Ahora vivimos en un mundo muy diferente al de hace dos años.

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Hay un clima de tensión, muchos acontecimientos sociales... y todo eso empieza a introducirse dentro de lo que haces. Me siento más cabreado y tengo diferentes preocupaciones en mi cabeza, y por eso quiero que estas canciones suenen como si estuvieran fuera de control porque es el sentimiento que hay detrás. Todo eso va cogiendo más forma según vas trabajando en ello. Nunca sabes la clase de disco que vas a hacer hasta que está totalmente acabado. Piensas que va a salir de una manera y acaba resultando de otra diferente. La verdad es que fue muy liberador y una manera muy divertida de trabajar”.

música. Hay muchas ideas extrañas en este álbum. Hay mucha tensión, muerte, violencia... No me gusta explicarle a la gente de una manera precisa de qué va cada canción porque se trata más de ver la idea general que forman todas ellas y decir: ‘Ésta es nuestra vida ahora mismo,

tan fantástico. El poder coger las ideas de alguien y convertirlas en algo así”.

las cosas en las que estamos pensando, lo que leemos en las noticias, lo que nuestras familias y amigos están pasando’. Creo que hay mucha frustración en este álbum y eso es algo que la gente puede sentir. Me siento frustrado y no sé qué hacer con toda esta energía. ¿A quién le grito? ¿Cómo hago que las cosas cambien? Todo eso hace que al final entres en un estado de combustión. Y eso es lo que hace a Scott Sinclair un pintor

muy temprana, con apenas 20

Hablando de asuntos un poco más personales, hace un par de años Chuck Ragan fue padre. Tú en cambio lo fuiste a una edad

Esa agresividad que comentas está presente en la portada de

Light It Up, con esa casa ardiendo en llamas. ¿Qué es lo que queríais transmitir con todo esto además de las letras? ¿Tiene el disco algún hilo conductor?

“Bueno, primero debo decir que cuando trabajamos con Scott Sinclair, quien se ha encargado de hacer el artwork de casi todos nuestros discos, solemos compartir las ideas y letras que tenemos en ese momento. Él tiene el absoluto control visual sobre cómo acaba siendo. Tú puedes preguntarme por el significado de cada uno de los dibujos que ha hecho para nosotros y yo te responderé: ‘Hay un tipo con los brazos cortados. ¿Qué demonios voy a saber yo lo que quiere decir?’ (Risas). Pero ésa es su interpretación de lo que hacemos. Es muy complicado de explicar lo que dibuja un pintor porque es su visión. Aun así, creo que encajan muy bien con nuestra

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años. ¿Cómo fue para ti el tener un hijo y estar en un grupo de punk rock girando por todo el mundo siendo tan joven?

“Sí, yo tenía 20 años y su madre 19. Éramos muy jóvenes. Fue difícil. Creo que sólo hay algo de lo que me he arrepentido en toda mi vida y es el no haber estado ahí tanto como debería. Tus hijos se hacen mayores y no te ven tan a menudo. Ése ha


sido un remordimiento con el que he tenido que vivir, al igual que mi hijo y mi familia. Y es duro. Ésa es una la razones por las que ya no suelo salir tanto de gira como lo hacía antes porque supone mucho sacrificio. Pero por otro lado, no sé qué otra elección tenía. Puede sonar ex-

mundo. Si hay un mundo ahí afuera esperando para que yo pueda verlo, quiero asegurarme de que sea así y poder luchar por este sueño loco que es vivir para la música. Me hubiera encantado que mi familia estuviese ahí conmigo, pero nunca me encontré en un momento en el que

mientras algo importante estaba ocurriendo en casa. Si pudiera cambiar algo de mi vida, hubiera sido eso, pero al mismo tiempo, no sé si hubiera sido capaz de hacerlo. Probablemente hubiera girado menos, pero seguiría escribiendo canciones tanto como pudiese. Como te digo, es algo muy complicado, tío. El rock’n’roll nunca olvida (risas)”. Supongo que al final es algo a lo que se tienen que enfrentar la gran mayoría de formaciones que se pasan años y años en la carretera...

“AHORA VIVIMOS EN UN MUNDO MUY DIFERENTE AL DE HACE DOS AÑOS. HAY UN CLIMA DE TENSIÓN, MUCHOS ACONTECIMIENTOS SOCIALES... Y TODO ESO EMPIEZA A INTRODUCIRSE DENTRO DE LO QUE HACES” CHRIS WOLLARD

traño, pero ésta ha sido mi pasión durante toda mi vida. Me siento obligado a hacerlo. No me levanto por las mañanas y pienso: ‘Oh, debería coger mi guitarra’. Simplemente me levanto y la cojo. Así es como el mundo cobra sentido para mí: tocando la guitarra y cantando canciones estúpidas (risas). Supongo que tiene que ver por el modo en el que me crié, pero a esa edad sentía que debía salir ahí afuera y conquistar el

pensase si debería parar. Tal vez sí pensar en dejar de girar o regresar a casa durante un tiempo y recargar las baterías, pero nunca en dejar de tocar música. Desde que tenía 7 años ése siempre ha sido mi objetivo. Y es más duro de lo que nadie se pueda llegar a imaginar. He tenido un montón de conversaciones difíciles a lo largo de los años. Lo siento por no haber estado aquí. Me arrepiento de haber estado en Australia

“Sí, todo el mundo tiene esposa e hijos. Sientes esa presión que te hace daño. Cuando tenía 20 años, sólo conocía a un amigo que tuviese un hijo. No había nadie a quien acudir para pedir consejo, salvo a mis padres. Ahora conozco a un montón de gente que toca en grupos y tienen una familia y responsabilidades. Es más fácil hablar porque todos hemos pasado por cosas similares. Pero por aquel entonces, cuando era más joven, nadie de mi pandilla tenía un niño. Cuando estaba en Europa, llamaba a casa y siempre había problemas. No había nadie con quien pudiese hablar de ello porque era un concepto desconocido para todos. Ésa es la peor parte de estar en un grupo. Es como alistarte en la Marina y trabajar en un submarino: no vas a ver a nadie. Llegas al puerto y a la mañana siguiente ya te has marchado. Y eso es algo brutal. Es muy complicado que tu familia lo entienda porque ellos no son tan apasionados como tú. Siempre me han apoyado mucho, pero no lo sienten igual que yo. Mi padre

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y yo solíamos discutir mucho. Durante muchos años no dejó de decirme: ‘Vas a dejar ese estúpido grupo y vas a venir a trabajar conmigo a la fábrica’. Y yo le decía que no podía hacer eso. Se pasó muchos años sin hablarme. Es difícil de afrontar algo así. No se lo deseo ni a mi peor enemigo”. “MI PADRE SE PASÓ MUCHOS AÑOS SIN HABLARME. ES DIFÍCIL DE AFRONTAR ALGO ASÍ. NO SE LO DESEO NI A

En vuestra ciudad, Gainesville, se celebra uno de los festivales más singulares dentro del punk rock, The Fest, en el que sois habituales año tras año. ¿Qué

MI PEOR ENEMIGO”

supone para vosotros el ser anfitriones de un evento así?

“Me recuerda mucho a cómo eran antes los festivales en comparación a cómo son en la actualidad, sobre todo en Europa. Ahora los festivales son algo gigantesco en todo el mundo. Pero en los 90, cuando empezamos a girar, estaba el Festival de Cleveland, el de Michigan, el de Rhode Island, el de Atlanta... No tenían nombre. Todos estaban organizados por gente local y tenía un verdadero espíritu underground. No había grandes cabezas de cartel, ni decenas de miles de personas... todos los festivales eran así. Había todo tipo de grupos: metal, pop, acústicos, punk, hardcore... Y todos tocaban juntos porque eran bandas pequeñas. Todo el mundo estaba involucrado de manera directa dentro de la escena. Eran festivales más locales. Y nosotros solíamos tener otro igual aquí, que era el Festival de Gainesville. No había organización alguna, ni seguridad, ni nadie responsable... No había nada, sólo los grupos (risas). Y eso estuvo funcionando durante mucho años, hasta

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CHRIS WOLLARD

que Tony Weinbender, que es quien monta The Fest ahora, vino aquí. Solíamos hacer conciertos con él cuando vivía en Virginia y nos hicimos amigos de su grupo. En un momento dado algunos de ellos se mudaron a Gainesville y empezaron a hacer un festival para grupos de instituto, igual que hacían allí. Es una manera de seguir conectado a esas raíces. Hay algunas bandas grandes, pero nada comparado a lo que hay en los festivales de Europa. The Cure no van a tocar aquí, ¿sabes lo que te quiero decir? (Risas) Aquí los grupos más grandes son Against Me! o Naked Raygun, así que sigue siendo música underground. La entrada no cuesta mucho dinero, pero Tony se asegura de que hasta las bandas más pequeñas tengan pasta para la gasolina. Son casi 300 grupos tocando durante tres días. Nadie ha oído hablar de la gran mayoría de ellos. Y principalmente está centrado en eso. No hay grandes

sponsors, sólo algunos patrocinadores, pero únicamente los necesarios para mantenerlo funcionando”. ¿Tenéis ya planes de venir a Europa el año que viene?

“Bueno, ahora mismo sólo nos centramos en tocar los fines de semana. Así es como vamos a hacer casi toda esta gira. No tenemos un agenda en la que vayamos a estar fuera cinco semanas seguidas del tirón. Ya no hacemos eso. En abril creo que haremos un festival en Europa y dos o tres shows más en salas, y volveremos a casa. Pero estamos intentando mantener abierta la posibilidad de regresar a Europa a finales de verano, lo cual tendremos que estudiar porque es dentro de un año casi y es un poco complicado de organizar ahora mismo (risas)”.


ALL TIME LOW

JÓVENES ETERNAMENTE


ALL TIME LOW SE HAN CONCEDIDO UN SÉPTIMO TRABAJO DE RETROSPECCIÓN, DE EXPERIMENTAR CON NUEVOS SONIDOS Y DE LIBERARSE A LA HORA DE COMPONER ALGUNAS DE LAS LETRAS MÁS CRUDAS DE SU DISCOGRAFÍA. ¿NO ERA TODO ESTO EL SECRETO PARA LA JUVENTUD ETERNA? TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

A

LL TIME LOW HAN CRECIDO. AQUELLOS ADOLESCENTES QUE

comenzaron su carrera en Maryland en 2003 están a punto de cumplir los 30, algo que el propio Alex Gaskarth me señala entre risas cuando le menciono la palabra ‘madurez’. Para él es algo tan evidente como inevitable, y también uno de los temas que explora en el último disco de la banda, Last Young Renegade (Fueled By Ramen), publicado en junio de este mismo año. Este trabajo no pretende ser su crisis de los 30. No quieren preguntarse por el futuro, no tiene un planteamiento existencial. El séptimo álbum de All Time Low es un viaje hacia el pasado que ellos identifican con la nostalgia. Como un Marty McFly en su Delorean, Gaskarth vuelve a tener 6 años y a estar sentado frente al televisor, impactado por las muertes de George Michael, Prince y David Bowie, y por la atmósfera de la serie Stranger Things, pero, sobre todo, vuelve para repasar los últimos años en la banda. “Es un trabajo en el que miramos muy hacia atrás en el tiempo, en nuestras experiencias pasadas y lo que hemos vivido en los últimos diez años”, explica el cantante, guitarrista y principal compositor del grupo. “Ahora somos más mayores, tenemos más cosas en las

que pensar y sobre las que escribir, y hay muchas reflexiones en el disco a lo largo de los años. Esto también se extiende a la parte instrumental”. Con la coproducción de Colin Brittain, que ha trabajado con grandes nombres como 5 Seconds Of Summer o Avicii, y Blake Harnage, que te sonará por PVRIS, se han dejado guiar hacia un plano más oscuro, donde los sintetizadores y los teclados cobran más peso que nunca antes en su discografía y tantean nuevas texturas con guitarras más sutiles. “En las canciones queríamos capturar sonidos de otras eras”, apunta Gaskarth. “Puedes reconocer cosas de las décadas de los 80 y principios de los 90. Aunque las letras reflejan nuestra intención bastante bien, la música también consigue traducir esto mismo”. Desde el primer momento Last Young Renegade se creó para ser una liberación. Durante la gira de su anterior LP Future Hearts en 2015, la banda decidió comenzar a trabajar nuevas canciones en secreto, buscando nada más que libertad de creación. “Escribir sin tener esa presión desde fuera te hace sentir bastante libre”, señala. “Es una buena manera de empezar el álbum, escribir sin expectativas u opiniones externas. Todo eso fue muy bueno para que pudiéramos contar la historia del disco, poder salir de mi zona de confort y componer sin pensar para 41


“SI TE ABURRES HACIENDO UN DISCO, REFLEJARÁS ESO. NOSOTROS LO HEMOS PASADO BIEN Y HEMOS QUERIDO MOSTRAR QUIÉNES SOMOS” ALEX GASKARTH qué lo estaba haciendo”. Esto les permitió experimentar, y Gaskarth lo contrasta. “Hemos intentado probar cosas nuevas, como pedales y teclados que nunca habíamos probado. Hemos tratado de mantenernos entretenidos en el estudio. Éste es nuestro séptimo disco, así que tienes que ingeniártelas para seguir frescos y no quedarte estancado. Si te aburres haciendo un disco, reflejarás eso. Nosotros lo hemos pasado bien y hemos querido mostrar quiénes somos”, y sentencia con un “dejaremos que los fans decidan”. Es consciente de que este es el álbum más diferente que All Time Low ha publicado hasta la fecha, y que difiere mucho del estilo al que tenían acostumbrados a sus seguidores, que vienen del pop punk de sus primeros años y el rock alternativo. Me responde que nunca se han sentido estancados en su etapa anterior, e insiste en la idea de que quieren “pasarlo bien, tanto si estamos componiendo como grabando. Siempre estamos abiertos a probar cosas nuevas, nunca nos aburrimos haciendo un disco. No me importa cómo suena si me siento bien con ello y me hace subirme al escenario”. Pero ni siquiera ellos mismos esperaban que sonara tan distinto ni que fuera conceptual. “No era la idea en principio, creo que surgió de repente”, apunta. “Nos dimos cuenta a mitad del proceso, cuando algunas canciones no parecían encajar en el álbum y otras sí lo hacían. Ésas que sí encajaban estaban relacionadas y

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parecían contar una historia”. Recuerda que así fue como apareció el Last Young Renegade, nombre que le da al protagonista del disco. “Queríamos tener una historia que construyera un álbum completo, así que creamos a este personaje que pierde la felicidad y todas las cosas que le hacen feliz, y trata de encontrarse a sí mismo. Cuando descubrimos que estábamos contando una historia quisimos continuarla para ver cómo acababa, y fue entonces cuando compusimos ‘Ground Control’ y ‘Dark Side Of Your Room’”, temas que, efectivamente, finalizan el álbum junto a ‘Afterglow’. Ese personaje no es sólo el punto de unión entre las canciones, también es el elemento que utiliza Gaskarth para narrar sus emociones y experiencias personales desde una perspectiva diferente a la primera persona, que le sirve como canal a través del cual poder entregar toda esa carga sentimental al público, pero principalmente como parte de esa liberación. “Escribir una canción y compartirla con el mundo es una manera de sacar ciertas cosas desde dentro de uno mismo, de descargar ese peso de mis hombros. Algunas de esas cosas que aparecen en el álbum nos han pasado como banda o a mí particularmente, y esto es una vía para terminar con ello definitivamente. A veces parece que ya las has superado, pero siguen apareciendo en tu día a día”. Me dice que cada obra parece un capítulo diferente en sus vidas.

Uno de esos capítulos celebra en 2017 su décimo aniversario. So Wrong, It’s Right ha cumplido este mes diez años, y es uno de los álbumes más emblemáticos de la banda. “Es interesante porque, aunque yo ahora no escribiría esas canciones, siguen siendo muy importantes para lo que All Time Low es, para lo que significamos y el cómo hemos llegado hasta aquí”, expone Gaskarth. “De ese disco seguimos tocando bastantes canciones en directo y es una parte trascendental en los conciertos”. De hecho, han programado varios conciertos en Estados Unidos a final de año donde lo tocarán al completo. Aquí tendremos dos fechas dentro de su gira europea, el 19 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona y un día más tarde en el Palacio Vistalegre de Madrid. Para ellos la banda promete un setlist de casi dos horas de duración y confiesa que les encanta tocar tanto, como hacerlo en España. “Hay una energía especial, los fans son muy apasionados, y siempre lo pasamos genial allí. Estamos muy contentos además con las bandas que nos acompañan, tocamos con Creeper, que son extraordinarios, y los conciertos serán geniales. Los fans españoles son muy especiales para nosotros”. Y como definición de ‘fan apasionado’ me cuenta que una de las últimas veces que tocaron aquí, “los fans se enteraron de que estábamos almorzando en un restaurante. Cuando nos dimos cuenta ya había alrededor


de cien personas al otro lado de la acera”. All Time Low visitarán nuestro país como cierre de sus fechas en Europa y tras un tour por Estados Unidos y Australia en el que no les ha podido ir mejor. “Las nuevas canciones han funcionado muy bien”, asegura Gaskarth. “Una de las cosas que más nos emocionaban de salir de gira era poder trabajar como queríamos. Añadimos mucha dinámica a los conciertos y los temas nuevos aportan muchas subidas y bajadas en el set. Este álbum es una parte muy importante del tour”. Aunque la banda mira hacia su pasado con su nuevo disco, le pido a Alex Gaskarth que mire hacia el futuro. “Sólo queremos seguir creciendo. Siempre hemos tenido mucha suerte como banda, pudiendo girar alrededor del mundo, y nos gustaría que eso siguiera, país por país. Para nosotros ha sido alucinante escucharnos en la radio de Estados Unidos, y queremos extender eso a todos los lugares posibles. Queremos tocar en sitios más grandes y, de hecho, ya lo estamos haciendo en este tour. Creo que ahora estamos en la dirección correcta para todo ello”. Esta entrevista me hace ver en él una dualidad de dos caracteres, como si pudiera ser Wendy y Peter Pan al mismo tiempo. Ahora Last Young Renegade me suena a una reconciliación entre el Gaskarth que acepta que ya es un adulto y el niño perdido que lleva dentro.


LA M.O.D.A.

IR SE PARA

VOLVER


A LO LARGO DE 2017, LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL RECORRIERON MILES DE KILÓMETROS BUSCANDO LA INSPIRACIÓN PARA SU TERCER ÁLBUM. IMPREGNADOS DE NUEVOS SONIDOS Y COLORES, AL FINAL, LA ENCONTRARON EN SU ENTORNO MÁS CERCANO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

H

ACE UN AÑO, L A MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL

cerraban la larga y exitosa gira de su segundo disco La Primavera Del Invierno con un concierto en la sala Joy Eslava de Madrid con todas las entradas agotadas. En un principio, la idea del grupo de Burgos era tomarse un buen descanso tras haber estado cinco años sin parar. La publicación del disco en directo Todavía No Ha Salido La Luna debía regalarles un poco más de tiempo, pero la cabra tira al monte, y en diciembre ya empezaron a quedar esporádicamente para ir perfilando algunas ideas. En enero, y ya con la determinación de volver a poner la máquina en marcha, se fueron a los estudios de Juan Blas (Minor Empires, Nothink) en Madrid para grabar algunas maquetas. Una primera piedra a la que irían añadiendo más buscando la inspiración fuera de nuestras fronteras en los siguientes meses. En febrero, David Ruiz (voz, guitarra) se instaló durante unas semanas en Edimburgo, donde recibiría la visita de varios miembros del grupo. A raíz de su estancia allí, y de empaparse de la música local, el embrión del nuevo disco empezó a tomar una dirección clara. Al mes siguiente decidieron encerrarse en una casa en Frías, un pueblo de Burgos, dándole vueltas a los temas.

En esa concentración ya no estaba el guitarrista Adán Ruiz, quien a principios de año había decidido salir de la exigente dinámica que supone estar en una banda tan activa como ésta. Para un grupo tan familiar como el suyo, cualquier baja es significativa, pero con la incorporación de Nacho Mur, lograron sobreponerse. En abril habría otro viaje a Berlín y en mayo cruzaron el Atlántico para volar a México y ofrecer algunas actuaciones en la calle. Una experiencia corta, pero intensa. Si bien David explica que no ha habido una influencia directa de la música latinoamericana, las recomendaciones literarias que recibieron allí fueron nuevos ingredientes para añadir a la receta. Ya en las puertas del verano, el grupo siguió haciendo maquetas y en julio se pusieron en manos de Santi Garcia para grabar el álbum entre los estudios de Cal Pau y Ultramarinos Costa Brava. Con más tiempo que nunca, La Maravillosa Orquesta Del Alcohol darían forma a Salvavida (De Las Balas Perdidas) (PRMVR), un tercer álbum en el que han escarbado más que nunca en sus raíces musicales autóctonas y, a la vez, incorporando influencias de la música popular de diferentes países europeos, desde la chanson francesa a los fados portugueses. En la integración de estos dos mundos 45


también ha sido clave el músico burgalés Diego Galaz, quien ha ejercido de coproductor. Este mes, la banda que completan Alvar de Pablo (saxo, clarinete), Caleb Melguizo (batería), Joselito Maravillas (acordeón), Jorge Juan Mariscal (bajo) y Jacobo Naya (teclados), ofrecerá una serie de conciertos acústicos por toda la Península, antes de arrancar con la gira oficial de presentación. Y teniendo en cuenta que ya han agotado las entradas para dos conciertos en La Riviera de Madrid en noviembre, y con una tercera fecha ya a la venta, parece que las ganas de emborracharse con sus temas son más fuertes que nunca. Hace un año anunciabais que os ibais a tomar un descanso, pero de eso más bien poco, no habéis parado... DAVID RUIZ “Sí (risas). El descanso

fue un poco en noviembre y diciembre, que preparamos el disco en directo, pero no tocábamos. Luego ha sido curro, pero ha sido más llevadero porque nos lo hemos tomado con calma. No había la necesidad de tener que hacer un disco y sacarlo ya para poder hacer la siguiente gira. Ese paroncillo nos volvió a despertar la curiosidad, y poder estar uno solo en casa, sin tener que ensayar y salir a tocar los fines de semana, te daba tiempo para escuchar música o leer. Fue un poco como volver al principio del grupo, cuando todo era mucho más pausado. Un día cogía la guitarra y sacaba algo, y luego quizás en otros 15 días, no salía nada. Ha habido poco descanso, pero mentalmente el proceso no ha sido agotador”.

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Han pasado dos años desde La

Primavera Del Invierno, pero habéis tocado muchísimo y habéis dado un gran salto en cuanto al número de seguidores. No sé si habéis tenido tiempo de asimilarlo y disfrutarlo.

“Ese parón era necesario porque a veces te metes en una inercia en la que va girando la rueda y al final ya no sabes si tú controlas el movimiento o no. Cuando empezamos la banda el que te llamaran o cerrar un bolo en Bilbao era como un triunfo increíble, pero el hecho de que haya ido creciendo tan poco a poco hace que no te des cuenta. Seguramente no ha habido tiempo para valorar que has tocado en ese festival o que has tocado a 600 kilómetros de casa y la peña cantaba los temas. Quizá el segundo disco fue muy rápido respecto al primero, pero también porque nos apeteció y no teníamos ningún compromiso discográfico. Quizá el segundo disco fue una huida hacia adelante porque estábamos en un punto personal en el que no queríamos parar. Fue como la excusa para no tener que enfrentarnos a nuestro día a día o a nuestra vida. Así que este parón era necesario, pero también hubo un vacío. Queríamos descansar, pero te levantas un lunes en tu casa, y cuando ya llevas 15 días, te cuesta un poco. Y eso que no somos una banda que gire nueve meses al año, ahí el golpe tiene que ser bestial. Todo tu círculo de relaciones sociales se dedica a sus trabajos con horarios normales y tienes que acoplarte a eso cuando llevas cuatro años sin estar en ninguna historia. Pero el parón ha servido para descansar la cabeza y pillar ganas. No

es que se hubieran perdido, pero corríamos el riesgo de quemarnos. Y también hemos pillado perspectiva y lo valoramos todo mucho más. Nada se hace por rutina. Creo que es la grabación que más hemos disfrutado porque hemos sido más conscientes de todo. Nunca sabes si va a haber otro disco u otra gira porque el público se ha cansado o porque pierdes la motivación, algo que le ha pasado a gente muy grande que nunca te imaginarías. Ha venido bien para pillar todo esto con las ganas que se merece”. Puede quedar un poco cursi decirlo, pero pareces una persona con mucha vida interior, pero que a la vez necesita estar siempre en movimiento. Es como contradictorio, ir fuera para encontrar lo que tienes dentro.

“Con esa frase la has clavado. El otro día me di cuenta de que eso es lo que hemos hecho en este disco. Parecía que nos habíamos ido muy lejos a buscar respuestas o la inspiración, pero luego hemos acabado haciendo un álbum que tiene más que ver que nunca con nuestra tierra o con el paisaje en el que nos hemos criado. Y cuando hablo de paisaje, no es sólo de la orografía, sino de las gentes que viven aquí, a las costumbres, a la música. Igual sí que hay contradicciones en cómo somos, en la música, en lo que hacemos… Igual es que necesitas estar en constante movimiento y no darte ni un minuto de respiro para no enfrentarte a lo que tienes dentro. Igual tiene que ver con ese carácter, o esa inquietud, porque no quieres dejar pasar las cosas y que se está


Hablando del uso de instrumentos más locales, ¿crees que es el disco más folk, en el sentido de

LA M.O.D.A.

escapando el agua entre los dedos”.

folklórico?

“Igual por lo que la gente entiende como folk, no, porque le viene a la mente un tío con la guitarrita y un sombrero, pero folklore, entendido como música popular, sin duda. Ya no sólo por el de aquí, por el castellano o de la Península, porque la influencia más que de nombres ha venido de ritmos y del trabajo de percusiones o instrumentos que nunca habíamos visto. Por ejemplo, el single ‘La Inmensidad’ empieza con un pandero cuadrado que nunca se nos hubiera imaginado meter en un tema. Pero como te decía, también hay de música popular francesa. Primero empezamos descubriendo a Noir Désir, que hacen rock como de toda la vida, pero nos llamó mucho la atención la manera de recitar en francés y la entonación. Y a partir de ahí empezamos a descubrir la chanson y la música popular del siglo pasado, Georges Brassens… Fue como ver la luz en un momento en el que necesitábamos encontrar cosas nuevas. El clarinete también ha sido muy importante, porque Alvar, el saxofonista, ha pillado el clarinete y lo ha metido en la mitad de temas. Es una novedad guapa y eso lo hemos pillado de la música francesa. Escuchamos mucha música instrumental de acordeón y clarinete. Para mí en el disco hay un poco de todo, hay alguno un poco country, algún ritmo de vals, otros que son como los de siempre, alguna que puede sonar

medio pop… pero, en general, es el disco en el que la música popular europea ha tenido más influencia”. Háblame de la labor de Diego Galaz y cómo se ha repartido la tarea con Santi Garcia.

“Ellos ya se conocían de haber trabajado en el disco anterior. Diego sólo hizo las veces de arreglista en aquél, pero en éste queríamos juntar los dos mundos. Aunque luego tienen bastantes cosas en común, a priori Diego controla más de música popular, de instrumentos de cuerda, de arreglista. Ha estado con nosotros los meses de preproducción y nos ha ayudado a definir las líneas estéticas del disco. A partir de ahí entró Santi. Se vino a Burgos a algunos ensayos y a revisar los temas, y lo que nos mola de él es su capacidad para inventarse cosas, sonidos, arreglos que salen de la nada y también cómo graba, cómo coloca los micros, cómo mezcla… una visión, vamos a decir, opuesta a la de Diego. Queda muy bonito dicho en el papel, pero también tiene sus riesgos. Es como una película con dos directores. Pero ha funcionado muy bien y han sabido ceder muy bien, sabiendo lo que el grupo quería. Y en las cosas que no sabíamos, que

todavía son muchas, han sabido dirigirnos muy bien. Por ejemplo, el tema ‘Océano’, cuando vino Santi, sólo teníamos la mitad, pero nos dijo que no nos preocupáramos que en el estudio saldría algo. Y apareció por allí Marc Clos, que conocía de Nueva Vulcano, montó los timbales, el vibráfono, y flipamos. Son contribuciones que son gracias a Santi. Yo creo que ha salido la cosa bien”. Me gusta que no os queráis desligar de ese espíritu de músicos de calle. ¿Tenéis la voluntad de mantenerlo, aunque el grupo siga creciendo? ¿Lo veis como la esencia de la banda?

“Sí, es uno de los rasgos que nos gustaría no perder nunca y que más nos motivan. El plan al principio era irnos en mayo por Europa a tocar los temas nuevos en la calle, lo que pasa es que salió lo de México, para que pillaran ese espíritu. También es verdad que el grupo tiene otras dimensiones, pero nos motiva mucho hacer algo espontáneo que se pueda tocar en la calle y tener el público a medio metro. Ese espíritu libre de tocar lo que te dé la gana porque no tienes que responder ante nadie. Nos gusta ese punto nómada que siempre hemos querido tener, aunque sea muy difícil tener ese estilo

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“PARECÍA QUE NOS HABÍAMOS IDO MUY LEJOS A BUSCAR RESPUESTAS O LA INSPIRACIÓN, PERO LUEGO HEMOS ACABADO HACIENDO UN DISCO QUE TIENE MÁS QUE VER QUE NUNCA CON NUESTRA TIERRA O CON EL PAISAJE EN EL QUE NOS HEMOS CRIADO” DAVID RUIZ

de vida en una ciudad de menos de 200.000 habitantes en España. Pero si se percibe desde fuera, me gusta, porque también hemos escuchado muchas frikadas balcánicas”. Siempre has cuidado mucho las letras... Que en la última gira pudieras comprobar que muchí48

sima gente las canta, ¿te ha influenciado de alguna manera?

“No lo había pensado hasta ahora (risas). Sinceramente, creo que no. Es como un plus que la gente las cante. Pero diría que en este disco son incluso más enrevesadas o hay más cantidad de letras. Hemos intentado poner el listón más arriba y es uno de los pila-

res del grupo porque queríamos decir más cosas que nunca”. No lo decía tanto de que fueran estribillos facilones para que sean cantados, sino del sentimiento que te pueda provocar ver tus palabras en boca de gente que no eres tú.


sar. Si la gente lo recibe como suyo, perfecto”. ¿Te cuesta acordarte de ellas? No debe ser fácil con la cantidad de palabras que usas...

“Me da mucha presión y tensión en directo. En coña le digo a Caleb que me gustaría ser batería porque estás ahí detrás sentado y tranquilito. Creo que el mayor miedo que tengo es que me quede en blanco o me equivoque en una frase. Luego, todo es más natural que eso y si un día te equivocas en una palabra, una gente ni se da cuenta y otra se ríe y lo toma como una anécdota, pero a mí es una de las cosas que más me quita el sueño”.

el exceso de preocupación o responsabilidad. Supongo que tiene que ver con querer que todo esté bajo control. Y eso es imposible. Tienes que ser autocrítico y ver en qué puedes mejorar para llegar a ser feliz. Esto es muy bonito y te da momentos de felicidad, pero hay otros que no te los permites tener. No sé si es por el carácter o el ambiente en el que nos hemos criado, pero parece que, si estás 100% feliz, entonces es que algo estás haciendo mal o no te lo mereces. Estamos educados en que, cuanto más se trabaje y más se sufra, todo mejor”. Igual es naturaleza humana, pero las cosas que te salen sin esfuerzo las valoras menos, pero en realidad eso es lo que

Esta última pregunta es un

describe el talento. Supongo

poco de psicólogo, pero ¿qué

que, haciendo canciones, algu-

cualidades de tu carácter crees

nas te habrán salido muy fácil-

que te han ayudado a tirar la

mente y habrás dudado si real-

banda hacia adelante y cuáles

mente eran buenas.

crees que necesitas mejorar o

“Eso es. Cuando algo no te cuesta muchísimo esfuerzo es que no será tan bueno. En realidad, es una putada, pero supongo que hay que ir aprendiendo. Supongo que a medida que van saliendo las cosas bien, vas pillando confianza. Pero a veces parece que uno intenta boicotearse a sí mismo. Al final, de lo que habla el disco es que cada uno tiene sus propios demonios, o llámalo piedras, y lo que intentamos, en nuestro caso, es purgarlos a través de la música”.

cambiar para disfrutar en plenitud con lo que haces?

“Eso claro que lo tienes presente. No sé si es responsabilidad, pero claro que pesa. Te hace sentir que la gente las lee, las entiende y las siente. Pero para bien o para mal, no me ha condicionado. Siempre hemos invertido mucho tiempo en las letras, pero esta vez creo que nos hemos acercado más que nunca a lo que queríamos expre-

“Joder, qué cabrón eres (risas). Las cualidades que te hacen tirar hacia adelante, y que comparto con mis compañeros, son la pasión por la música. Estemos en un grupo o no, creo que vamos a estar toda la vida unidos a la música como oyentes. Ésa es la fundamental, porque todo lo demás queda atrás. Si el día de mañana me voy a morir, no voy a pensar en el número de entradas que vendimos o dónde tocamos, al final son sensaciones más sencillas como subirte a tocar con tus amigos o la primera vez que escribes una canción que te mola. Y cosas del carácter que noto que me frenan a llegar a esa plenitud que dices pueden ser la impaciencia o

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PROPAGANDHI

LA VOZ DE LA CONCIENCIA


UN NUEVO DISCO DE PROPAGANDHI SIEMPRE ES UNA MUY BUENA NOTICIA, Y PARA CELEBRAR LA SALIDA DE VICTORY LAP, DECIDIMOS ENCARGARLE A UNO DE SUS MAYORES FANS, Y BUEN AMIGO, QUE LES ENTREVISTARA. DANI LLAMAS DE G.A.S. DRUMMERS SE PONE AL OTRO LADO DEL MICRO PARA CONVERSAR CON CHRIS HANNAH. TEXTO: DANI LLAMAS FOTOS: AVRINDER DHILLON

E

N LOS CINCO AÑOS TR ANSCURRIDOS DESDE QU E PROPAGANDHI

publicaron su anterior álbum Failed States, el mundo se ha polarizado todavía más. No volveremos a enumerar la lista de situaciones y personajes que lo han provocado por no resultar cansinos, pero resulta evidente que una voz como el grupo canadiense resulta de lo más necesaria. Desde que publicaran su segundo álbum Less Talk More Rock en 1996, Propagandhi han utilizado su atómica mezcla de skate punk y metal técnico como ariete para derribar prejuicios y dar visibilidad a causas como el veganismo, el anticapitalismo, el antifascismo o la lucha por los derechos sociales. Gracias a su música y a su activismo, el grupo que en la actualidad forman Chris Hannah (voz, guitarra), Jord Samlesky (batería, voz), Todd Kowalski (bajo, voz) y Sulynn Hago (guitarra) se ha convertido en sinónimo de integridad, mientras otros coetáneos han preferido suavizar su mensaje para capitalizar la popularidad del punk rock. Dicho esto, Victory Lap (Epitaph) no es un disco tan agrio, ni en sonido, ni en contenido, como pudiera esperarse del clima ambiental, y es que según Chris Hannah, es más importante servir de amplificador de otras voces que que el mundo escuche a otro hombre blanco quejarse. 51


Hola Chris, ¿qué tal os ha ido este fin de semana en Québec?

la transformación hacia el punk corporativo se ha completado”.

CHRIS HANNAH “Hubo bastan-

te controversia antes de tocar allí. Lo esponsorizaba una emisora de radio y mucha gente pensaba que no era una buena emisora. Así que investigué un poco. No sé mucho francés, pero sí lo suficiente para ver que tenían una línea pro fascista. O más bien eran anti refugiados, anti inmigrantes, estaban en contra de algunos activistas que conocemos en Canadá... Llegó al punto en que, a dos días de ir allí, tuvimos que decirle al festival que tenía que elegir entre tener ese sponsor o tenernos a nosotros. Por suerte, pasaron del sponsor y fuimos a tocar”. Cada vez parece más imposible imaginarse un festival, incluso muchos conciertos, sin estar asociados a la imagen corporativa de cualquier marca...

“Es duro porque las cosas han cambiado mucho en los últimos veinte años. En los viejos tiempos rechazábamos tocar en cualquier lugar donde hubiera un sponsor porque creíamos que nuestro público no debía ser el objetivo de los anunciantes, pero ahora simplemente somos selectivos y analizamos caso por caso. Si es algo muy claro, simplemente no vamos a tocar. En los 90 muchos grupos estaban interesados más en el dinero que en construir un modelo en el que los festivales pudieran sobrevivir sin los sponsors, pero ahora la gente sólo se lo cuestiona si nosotros vamos a tocar (risas). El idealismo de principios de los 90 sigue en los sótanos. Es sólo ahí donde existe,

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Sois una banda que expandís vuestros horizontes creativos en cada disco. Siempre nos dais algo nuevo. ¿No habría sido mucho más sencillo y cómodo para vosotros haber explotado la fórmula creativa de vuestros dos primeros discos y seguir viviendo de las rentas, tal y como hacen muchas bandas que conocemos? Cuéntanos un poco sobre cómo se ha gestado este

Victoy Lap.

“Parte del problema es que somos muy amateurs a la hora de llevar un negocio. Nunca hemos entendido el axioma de ‘proteger la marca’. En primer lugar, no lo hacemos porque no sé si somos capaces de hacerlo. Tú tienes esa experiencia. Tus inquietudes creativas evolucionan un poco, porque sacamos discos cada cuatro años, y pasan muchas cosas en cuatro años: tu manera de tocar la guitarra, lo que escuchas, tu voz cambia un poco, incluso cambias un poco tu equipo, tu micrófono... Todo eso se va acumulando y al final el álbum acaba sonando muy distinto. Incluso el contenido es muy distinto. Para este disco específicamente, es curioso porque varia gente, como tú, nos ha comentado el aspecto melódico y me pregunto si es por el contraste con Failed Sta tes, que era una obra fría y oscura. No sólo lo eran las canciones, también lo fue la grabación y nuestro estado mental... todo contribuyó a ello. Incluso la portada. El dibujo de Todd era frío y desolado. No fue consciente, simplemente pasó. Y en

este disco pasó lo mismo. Lo único que hice conscientemente era que no quería darle muchas vueltas a las canciones. Teníamos cuatro canciones hechas y el plan era ir grabando más en los siguientes nueve meses y le dije a Jord ‘A la mierda. El primer riff que suene bien, eso es la canción. Las primeras palabras que salgan de mi boca, eso es la letra’. Fue imposible porque estamos demasiado acostumbrados a trabajar mucho los temas, pero creo que algo de eso se quedó. Hizo que las canciones fueran mucho más divertidas, que no supiéramos hacia dónde íbamos y que nos sorprendieran una vez estaban terminadas. Creo que en el transcurso de ese periodo algunos de los riffs se volvieron menos oscuros, no sé”. La verdad es que este álbum suena muchísimo más espontáneo, natural, menos sobreproducido que Failed States. Se parece mucho más a como sonáis en directo.

“Sí. Hablando de las cosas que se fueron acumulando en esta interpretación del disco, hubo pequeñas cosas como ‘no voy a tocar con una pantalla con altavoces V30’, que es lo que he usado durante años. O ‘voy a usar Greenback, no Marshall’, así que el tono de guitarra era un poco más brillante. O ‘voy a usar un condensador U47’, con lo que las voces también eran más brillantes. Con Jord usamos un kit diferente con un toque distinto. Así que ahora que la gente me lo dice, y lo he vuelto a escuchar, me doy cuenta que el disco suena un poco más vivo que el anterior”.


“HE LLEGADO A UN PUNTO EN MI VIDA EN EL QUE CREO QUE LA CIVILIZACIÓN EN SÍ MISMA ES UN PROBLEMA” CHRIS HANNAH

Para mí, Propagandhi sois como mis Fugazi. He aprendido mucho sobre movimientos políticos, y he conocido a muchos autores desde Chomsky hasta John Stoltemberg. En vuestros discos, siempre habéis puesto luz sobre muchas temáticas, o ideas. ¿Cuáles serían estas temáticas en este nuevo álbum?

“No sé si lo pensamos en términos de temáticas. Quizá algunos asuntos o acontecimientos son los que nos inspiran, son impresiones que sacamos de nuestras almas, pero comparándolo con la percepción que se tiene de que cada disco tiene un ideario, este álbum, para mí, es sobre dejar que la banda sea simplemente

una banda y usar nuestras vidas, nuestros conciertos o redes sociales como un conducto para que se escuchen otras voces marginadas en lugar de pontificar sobre todo. Mucha gente está cansada de que un hombre blanco se queje sobre esto o aquéllo y yo me siento igual. Estoy cansado de mí mismo. No es que no tenga nada que decir, pero creo que hay críticas o ideas más interesantes viniendo de gente que está en los márgenes. Quizá mi trabajo es que la gente conozca estas voces. Viendo los acontecimientos, me gusta dar visibilidad al movimiento Black Lives Matter o el movimiento de Resistencia Indígena, aquí en Norteamérica, que es un resurgimiento contra el

colonialismo y que está siendo muy activo contra la construcción de tuberías para extraer petróleo. Es una locura que se siga extrayendo cuando es lo último que deberíamos hacer. La mayoría de la resistencia es gente de color. He llegado a un punto en mi vida en el que creo que la civilización en sí misma es un problema. La gente que resiste es la que viene de unas culturas en las que no aniquilaban su entorno, antes de que llegara mi gente, los blancos europeos. Creo que tienen ideas interesantes que podrían salvar los restos de lo que queda”. Por ejemplo en ‘Compy/Resist’.

“Sí, ésa está inspirada en cómo perci-

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bo lo que es ser un negro americano, o un indígena, o cualquier persona de color, en un estado supremacista blanco. El tema en particular me vino después de encontrar un viejo artículo de Christopher Hitchens. Es tan bestia que, incluso mentes consideradas progresistas como él, son racistas. Su punto de vista no es infrecuente, al revés: es el dominante en la gente blanca. Así que imaginar qué puedes hacer en esa situación si eres una persona de color es muy difícil, porque estás jodido hagas lo que hagas”.

habitual. Es mi visión de la sociedad humana contrapuesta con la de los animales no humanos. Supongo que estoy en un punto de mi vida en el que estoy más interesado en mirar atrás y preguntarme ‘¿Cómo he llegado aquí? ¿Por qué me siento tan aislado?’. Eso es más interesante que escribir una soflama política cuando tienes 22 años y dices ‘voy a escribir sobre este tema’ (Risas)”. Bueno, y ¿cómo os encontráis en este momento justo antes de que salga el disco y a punto de empezar la gira de presenta-

Y otra cosa a la que nos tenías

ción? Cuéntame también qué tal

acostumbrados, al menos en el

se está adaptando vuestra nue-

pasado, es a narrar historias

va guitarrista, Sulynn Hago.

reales de tu vida, en primera

“La respuesta hacia las dos primeras canciones que hemos publicado ha sido muy buena. Parece que la gente está con ganas y yo tengo ganas de que escuchen el resto del disco porque creo que les va a gustar. Ahora mismo es una tortura esperar a que salga. Tengo muchas ganas de tocar estos nuevos temas. Pero ha sido un poco locura, porque Sulynn tuvo que quedarse en Nueva York por el huracán, pero no sabíamos si su casa en Tampa estaría en pie. No sabíamos si podría venirse de gira o si tendría que quedarse allí para reconstruirla. Obviamente nuestra primera preocupación era que su familia y sus amigos estuviesen bien, pero no sabíamos qué iba a ocurrir. Por surte, los daños en su casa no fueron demasiados y en un par de semanas vendrá aquí para ensayar. Lo necesitamos porque no hemos tocado muchos de los nuevos temas todavía. Es divertido tocar con ella. Está

persona. Parece que ahora lo retomas en alguna canción del disco, pienso exactamente en ‘Lower Order (A Good Laugh)’.

“Esa canción en particular... Creo que todas las personas sienten la necesidad de explicar por qué son como son. Anécdotas de tu pasado, de tu infancia... Es como decir ‘Atención, eso ha estado ahí desde hace tiempo y quiero que lo sepáis’. En Failed States no había canciones específicas sobre relaciones entre animales humanos y no humanos y la gente lo notó, y antes de este disco pensé que quizá ya lo había dicho todo sobre ese tema, pero luego pensé ‘bueno, voy a cabrear a unos cuantos que creen que ya se ha terminado’ (Risas). Así que empecé a escribir las letras y lo primero que me salió fueron recuerdos de mi infancia en una comunidad rural en la que cazar, pescar, poner trampas, ser cruel con los animales y consumir carne, era lo

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totalmente comprometida con su instrumento, pero no tiene ese rollo raro y ambicioso de algunos músicos que te tiran para atrás. Es una de los nuestros. Encaja de maravilla”. Joder, es que parece que lleva en el grupo toda la vida...

“Supongo que era fan del grupo antes de unirse a nosotros, así que conocía nuestro rollo. Desde el primer email que mandó parecía una persona muy interesante. Todd, Jord y yo somos personas muy distintas, pero hay algo que nos une y con Sulynn es lo mismo. Si viviera aquí, sería increíble”.


“EL IDEALISMO DE PRINCIPIOS DE LOS 90 SIGUE EN LOS SÓTANOS. ES SÓLO AHÍ DONDE EXISTE, LA TRANSFORMACIÓN HACIA EL PUNK CORPORATIVO SE HA COMPLETADO” CHRIS HANNAH

Eres consciente de lo difícil que se están poniendo las cosas para que los músicos extranjeros podamos girar en los Estados Unidos, ¿verdad?

“No sé si conoces la historia del tío de Peter & The Test Tube Babies. Le deportaron de Estados Unidos después de preguntarle lo que pensaba de Donald Trump. Mintió y luego vieron un vídeo en internet en el que se metía con él y no le dejaron entrar. ¡Es una locura! En nuestro caso es más una cuestión de papeleo. Nunca hemos tenido problemas en la frontera por cuestiones políticas. El problema es la pasta que cuesta. Jord

tuvo que pagar 6.000 jodidos dólares por los visados. ¿Cómo pueden los grupos girar? Nosotros podemos si todos los conciertos van bien, pero te hace pensar si no es algo premeditado porque la gente del arte suele ser crítica con Donald Trump. Parece ser algo dirigido, mantener a los artistas fuera de América a través de visados prohibitivos”. ¿Qué significa Victory Lap, exac-

algo tan obvio como el clima político o la absurdidad de la civilización contra la naturaleza, pero otras miro la portada y pienso que describe nuestras vidas personales de los últimos cinco años, una montaña rusa en el océano. Estamos en esa edad en la que no sabemos lo que puede pasar. Si Jord se rompe el codo o la rodilla, o si perdemos una de nuestras voces, ¿se habrá terminado todo? (Risas)”.

tamente?

“Es todo lo que quieras que signifique viendo la portada. Depende de a qué hora me lo preguntes te diría una cosa u otra (risas). A veces es

¿Cómo es vuestra relación con Epitaph?

“Con el álbum anterior no recuerdo que hubiera mucha coordinación

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con el sello. Quizá todavía no tenían claro qué clase de banda éramos, pero ahora me recuerda mucho a cuando estábamos en Fat Wreck. Hemos desarrollado una relación jovial con el equipo, ni que sea a través de internet, y parece que están muy motivados con el nuevo disco. Están haciendo un buen trabajo”. Vosotros teníais un sello antes de que todo hiciera definitivamente ‘crack ’ en la industria... ¿Cómo ves hoy en día el panorama de la industria?

“Estamos en un momento con menos tiempo y energía que cuando teníamos un sello. Entonces no tenía hijos y podía estar levantado a las dos de la mañana grabando a otro grupo o diseñándoles un anuncio, y 56

al mismo tiempo, estar trabajando en nuestras canciones. Podía hacer lo que me diera la gana 24 horas al día, siete días a la semana. Pero ahora no tengo tiempo. Así que, en ese sentido, en esta edad avanzada (risas), nos va bien estar en un sello. Nosotros autogestionamos todos los asuntos internos y de negocios, lo cual es parte del problema de tiempo. Pero para un grupo joven, si tienes motivación y tiempo, no le veo sentido estar en un sello. Todo eso del streaming supongo que tiene cosas buenas y malas. El mayor problema es no tener ni idea de lo que, a nivel económico, vas a recibir a cambio. He renunciado a intentar entenderlo porque no tengo tiempo. Bandas como la nuestra o la tuya, llevamos suficiente tiempo

como para que el cambio nos afecte porque la gente lleva siguiéndonos desde hace mucho, pero no puedo imaginarme siendo un grupo nuevo ahora mismo”. Por último, Chris, recomiéndanos algo de música.

“Déjame pensar. ¿Conoces el grupo 40 Watt Sun? Yo no los conocía hasta hace tres semanas. No me gusta el disco entero, pero la primera canción son 16 minutos en plan triste que me dejó alucinado. Me los recomendó un amigo y me recordó a cuando era joven y escuchaba una canción una y otra vez”.


ENTER SHIKARI

BUSCANDO UNA NUEVA CONEXIÓN EN THE SPARK , EL FLAMANTE NUEVO ÁLBUM DE ENTER SHIKARI, EL CUARTETO BRITÁNICO SIMPLIFICA SU ESQUIZOFRÉNICA FÓRMULA MUSICAL PARA CENTRARSE EN COMPOSICIONES MUCHO MÁS MELÓDICAS Y DIRECTAS CON AIRES BRITPOP. PERO ESTA NUEVA DIRECCIÓN, LEJOS DE SER FRUTO DE UN MOMENTO DE LUCIDEZ, SURGIÓ DEL PERIODO MÁS OSCURO VIVIDO POR SU VOCALISTA ROU REYNOLDS. TEXTO: JORDI MEYA/RUBÉN NAVARRO FOTOS: DR/RUBÉN NAVARRO (DIRECTO)


P

OR DESGRACIA, LOS PROBLEMAS MENTALES DE LOS

músicos están a la orden del día. Los trágicos suicidios de Chris Cornell y Chester Bennington, y más recientemente, el anuncio de Frank Carter, el exlíder de Gallows, ahora con The Rattlesnakes, de suspender su gira europea junto a Papa Roach aludiendo a una depresión, han puesto sobre la mesa un asunto que afecta también a muchos de sus seguidores. Rou Reynolds, vocalista de Enter Shikari, no es ajeno a la espiral negativa en la que uno puede entrar cuando algo no funciona bien en el cerebro. Durante años había sufrido ataques de pánico de manera ocasional, pero en verano de 2015, el agotamiento y el estrés acumulado tras años de estar de gira y la mezcla de ansiolíticos y drogas recreativas que consumía para tirar adelante, hicieron que su cuerpo dijera basta. A tres meses de severo insomnio -con semanas enteras sin dormir- se le sumaron la muerte de sus dos últimos abuelos vivos y la ruptura con su pareja tras siete años de relación. Decir que Reynolds estaba tocando fondo es quedarse corto. Por si todo eso fuera poco, en el mundo exterior las cosas no iban mucho mejor: el Brexit, el auge de Donald Trump, los ataques terroristas o los recortes sociales sólo hacían que invitarle al pesimismo. Felizmente, el cantante encontró en la música el vehículo perfecto para canalizar todos sus malos pensamientos. La chispa, ‘the spark’ en inglés, como metáfora de la creatividad y de un nuevo comienzo, acabaría dando título al

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quinto álbum de la banda que completan Rory Clewlow (guitarra), Chris Batten (bajo) y Rob Rolfe (batería). Con la ayuda del productor David Kosten (Everything Everything, Bat For Lashes), Enter Shikari emprenderían un nuevo enfoque en su sonido. Si desde que publicaran su debut Take To The Skies hace una década, el grupo se había caracterizado por meter en la coctelera estilos tan variados como el hardcore, el drum’n’bass o el dubstep en una misma canción, ahora optarían por simplificarlo todo y recoger influencias de varias décadas de la mejor música británica, desde David Bowie pasando por Pink Floyd, Joy Division, Blur o The Prodigy. El pasado 31 de julio, Enter Shikari anunciaban el lanzamiento de The Spark (PIAS), en un concierto privado en la pequeña sala The Bordeline de Londres al que RockZone tuvo la suerte de ser invitado. Además de escuchar por primera vez algunos de los nuevos temas en directo como ‘Take My Country Back’ o ‘Live Outside’, pudimos charlar con sus componentes sobre este cambio de orientación, los problemas de su vocalista y la relevancia del grupo en un mundo en constante transformación. Habéis mantenido la grabación del disco muy en secreto, ¿no? ¿Ha sido por algún motivo? RORY CLEWLOW “Parece que es

un poco más emocionante cuando nadie sabe lo que estás haciendo. Demasiados grupos están dando información todos los días en las redes sociales y nos parecía interesante enfocarlo de manera distinta:

no decir nada hasta que el disco estuviera terminado”. CHRIS BATTEN “A veces parece que la emoción va decayendo a medida que vas dando información, y nosotros queríamos todo lo contrario”. ¿Cómo fue la composición de los nuevos temas? RORY “Normalmente Rou es el

compositor principal. Suele llegar con un disco duro lleno de ideas. A veces es sólo un estribillo o sólo un riff y otras son canciones casi completas. Así que empezamos a repasarlo todo y vamos escogiendo lo que más nos gusta y vamos construyendo los temas. Vamos desarrollándolo todo hasta que empezamos a grabar”. CHRIS “Tenía bastantes piezas que iban en una nueva dirección y nos pareció muy interesante”. Rou, el disco surgió después de un momento difícil para ti. ¿Ves una relación directa entre eso y la nueva dirección musical? ROU REYNOLDS “Éste es el primer

disco en el que tenía una visión clara de lo que quería hacer. Antes, escribíamos la música, hacíamos las canciones e íbamos creando el disco a medida que lo hacíamos. Musicalmente fue un disco fácil de hacer, el acto físico en sí de tocarlo fue fácil, pero las letras fueron todo lo contrario. Fue muy duro. Creo que con nosotros siempre hay la expectativa de que reflejemos la situación actual del mundo, que hagamos un comentario social, y más teniendo en cuenta lo que hemos vivido estos últimos años en los que no han parado de pasar cosas. Era muy difícil,


“EN 2016 VIVÍ, POSIBLEMENTE, EL AÑO MÁS DURO DE MI VIDA Y, EN CIERTA MANERA, HABÍA UN PARALELISMO ENTRE MI VIDA PERSONAL Y LO QUE OCURRÍA EN EL MUNDO. ASÍ QUE DECIDÍ ESCRIBIR SOBRE AMBAS COSAS” ROU REYNOLDS

distanciarse un poco, analizarlo y poder expresarlo de una manera que tuviera sentido. En 2016 viví, posiblemente, el año más duro de mi vida y, en cierta manera, había un paralelismo entre mi vida personal y lo que ocurría en el mundo. Así que decidí escribir sobre ambas cosas. Pero quería hacerlo con esperanza, así que The Spark es como la luz al final del túnel. Es una nueva conexión que surge después de un tiempo de adversidad”. ¿Por qué has decidido ser tan abierto a la hora de explicar tus ataques de pánico, tus adicciones? ¿Lo ves como una manera de ayudar a otra gente que

pueda estar pasando por lo mismo, o más bien forma parte de tu terapia? ROU “Creo que un poco las dos

cosas. Creo que se espera que las estrellas del rock, o los personajes públicos en general, sean personas muy seguras, muy satisfechas con su vida. Creo que es una imagen poco humana y poco honesta. Lo que siempre ha sido esencial para nosotros es hacer música honesta con letras honestas. Eso va antes que nada, así que me parecía correcto hacerlo público. Si hablo de ello en Twitter es interesante porque puede generar un debate y concienciar a la gente sobre los problemas mentales, pero por otra parte, es casi un

acto egoísta porque te pone en contacto con gente que ha pasado por lo mismo. Creo que es una ayuda en ambas direcciones”. ¿Los demás erais conscientes de sus problemas? ¿Cómo intentasteis ayudarle como amigos y compañeros? RORY “Sí, éramos conscientes. Bá-

sicamente era ansiedad. La salud mental es un asunto muy importante, así que intentamos apoyarle y darle todo el tiempo que necesitara”. ¿Habéis pasado por algo así? RORY “La verdad es que no. Co-

nozco a mucha gente que sí, pero cuando no lo has vivido en tus

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propias carnes, a veces es difícil de entender”. Sin duda los suicidios de Chris Cornell y Chester Bennington también han puesto sobre la

a los jóvenes. Hay esta idea de que los hombres tienen que ser fuertes, que no pueden mostrarse débiles. Esta manera de estructurar la sociedad es equivocada y el índice de suicidios es la prueba”.

mesa el tema de la salud mental, pero por otra parte, no sé si

Por las veces que hemos estado

para algunos de sus fans que es-

con vosotros, parece que Rob

tén pasando por una depresión

y Chris son más extrovertidos,

puede ser negativo. En plan, ‘si

mientras que Rory y tú sois más

ellos dos, que lo tenían todo, no

reservados. ¿Crees que, a la

pudieron superarlo, cómo voy a

hora de consumir drogas, quizá

poder yo’.

para ellos el efecto o la inten-

ROU “Sí, es duro. Lo que hay que

ción sea distinta? Quizá ellos

entender es que ellos dos estaban en una posición muy inusual, muy poco natural. No puedo ni imaginar la presión que sentían. Yo hago su mismo trabajo, pero ellos dos eran dos grandes estrellas mundiales. No sabemos lo que pasaba por sus cabezas y lo único que podemos hacer es educar a la gente para que no tenga miedo de expresar lo que siente. Tiene que ser muy difícil para sus compañeros de grupo y sus amigos pensar que no pudieron ayudarles. Pero si no te abres, la gente no puede ayudarte. Desde luego no compro la idea de que suicidarse es de cobardes o un acto egoísta. Una depresión te consume y te arrebata cualquier tipo de lógica. Te quita el pensamiento racional. Es una tragedia y lo único que puedes hacer es animar a cualquiera que esté pasando por eso a que hable con su familia o con los servicios médicos. Tienes que abrirte. La sociedad debería ser más tolerante. En el Reino Unido la primera causa de muerte en los varones menores de 14 años es el suicidio. Creo que la cultura tiene mucho que ver con eso. Tenemos que cuestionarnos cómo educamos

las toman para divertirse y tú

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lo hacías más para evadirte de otros problemas. ROU “Sí, puede ser. Básicamente yo

las tomaba para sentirme seguro o para desbloquear mi ansiedad. Cuando haces este trabajo, la gente espera que constantemente seas interesante, simpático, pero salvaje a la vez. Esperan que seas una estrella del rock. No es que sea una persona solitaria, pero quizá soy más sensible o más tranquilo. Por eso muchas veces tomaba alcohol o drogas, pero mi metabolismo es todo lo contrario al de una estrella del rock (risas), así que no me sentaban muy bien. Soy una persona extraña para estar en esta posición. Pero no soy el único. Hemos girado con muchos grupos con los que nos hemos hecho amigos y he descubierto que, especialmente los cantantes, sufrimos de lo mismo. Del frontman se espera que sea el líder, pero la mayoría somos más bien tímidos. Y en general, la creatividad proviene de un lado oscuro. Es una mezcla interesante (risas)”. ¿Creéis que, musicalmente, os

habías puesto en una especie de trampa? Lo digo porque la gente también esperaba que mezclasteis muchos estilos y ofrecierais algo rompedor en cada disco. ROU “No. Creo que somos bastante

buenos a la hora de ignorar esa especie de expectativas, al menos de manera consciente... supongo que inconscientemente es otra cosa e intentemos agradar a la gente sin saberlo. Al final queremos hacer la música que queremos hacer y además, no hay la presión de un sello ni nada de eso. Como te decía, tenía una visión de cómo quería que sonara el disco y eso implicaba dar un paso adelante. Veremos cómo se acepta (risas)”. El álbum es más pop. RORY “Sí. La música en los discos

anteriores era muy variada, a veces era heavy, otras melódica, otras muy loca… Pero después de la gira que hicimos por pabellones, nos dimos cuenta de que nuestra música podía llegar a mucha más gente y decidimos centrarnos en hacer algo más estructurado, más melódico, sin renunciar a ser distintos”. CHRIS “Creo que simplemente nos centramos en escribir las mejores canciones posibles sin preocuparnos por ir hacia los límites de cada espectro”. Una de las cosas que más nos ha sorprendido es el registro grave en el que cantas en algunos temas, Rou, y que recuerda a David Bowie. ¿Su muerte te influyó de alguna manera? ROU “Sí (risas). Es de locos que lo

menciones. Su muerte tuvo una gran influencia. Siempre me ha


“TENEMOS QUE CUESTIONARNOS CÓMO EDUCAMOS A LOS JÓVENES. HAY ESTA IDEA DE QUE LOS HOMBRES TIENEN QUE SER FUERTES, QUE NO PUEDEN MOSTRARSE DÉBILES. ESTA MANERA DE ESTRUCTURAR LA SOCIEDAD ES EQUIVOCADA Y EL ÍNDICE DE SUICIDIOS ES LA PRUEBA” ROU REYNOLDS

costado aceptarme como cantante. Cuando estás en una banda punk, no piensas tanto en un cantante técnico, pero en los últimos años he ido ganando confianza en mis habilidades. La muerte de Bowie fue curiosa… Mi compañero de piso y yo nos descargamos un karaoke online en casa para montar una fiesta en su homenaje, un ‘Bowie-oke’, pero como la licencia gratis duraba dos semanas, estuve cantando yo solo temas de David Bowie durante ese tiempo. Así que me encontré utilizando sus distintos registros, desde el tono más grave de barítono hasta el falsete. Para mí fue como un aprendizaje. Como te decía, viniendo de bandas punk o de post hardcore, estás acostumbrado a que siempre tienes que cantar en el registro más agudo o alto posible para que se te oiga. De ahí es de donde

se interpreta que viene la pasión. ¡Pero es una absoluta mentira! (Risas) Creo que puedes transmitir mucha pasión cantando de otras maneras. Así que, efectivamente, en este disco he utilizado registros mucho más amplios que en otros trabajos”.

¿Y hay algún artista nuevo que os haya influenciado? RORY “The Rhythm Method nos

pre habíamos sabido que tenía esa variedad de registros, aunque no los hubiera explotado. Creo que fue más una cuestión de confianza por su parte”.

gustan mucho”. CHRIS “Pero muchas de las influencias en este disco vienen de los 70 y los 80. Recuerdo que hace años, cuando hicimos el primer disco, Rou me dijo que no le gustaba la música vieja. Y yo le dije ‘¿No te gusta nada viejo?’ y me dijo ‘No’ (Risas). ¡Y mira cómo han cambiado las cosas! (Risas)”. ROU “Sí, ahora me flipan los sintetizadores antiguos (risas)”.

Otra influencia puede que sean

¿Creéis que tener influencias

Blur. ¿Sois muy fans suyos?

tan británicas puede haber sido

ROU “Sí, sí, desde luego. De nuevo,

un hándicap a la hora de llegar

es interesante que los menciones. Creo que Blur tuvieron una gran influencia en este álbum. El britpop en general”.

al público americano?

¿Os sorprendió a los demás? RORY “No del todo, porque siem-

ROU “Puede ser. Por ejemplo, el

sello en América nos pidió si podíamos cambiar el título de ‘Anaesthe63


sist’ porque allí utilizan la palabra ‘anaestheologist’. No se daban cuenta de lo mal que encajaría con el ritmo de la canción (risas). Hay muchas cosas tanto en las letras como en la música que posiblemente no resulten muy atractivas allí. También creo que el mercado allí está tan saturado y estructurado, incluso en el mundo alternativo, que cuando llega una banda como la nuestra que ofrece tanta diversidad, necesita un poco más de esfuerzo por parte del oyente. No puedes simplemente tener nuestra música de fondo. Todo el mundo puede oír, los perros pueden oír, pero los humanos tenemos la habilidad de escuchar (risas). Creo que mucha música no exige ser escuchada, pero la nuestra sí. Nos encanta que sea así. No es que seamos una banda vanguardista, tenemos una gran sensibilidad pop, 64

pero es un poco más exigente de lo normal y requiere que la gente use su lóbulo frontal (risas)”. A pesar de lo personal que es el disco, una canción como ‘Take My Country Back’ tiene un contenido político. Cuando haces temas así, ¿es porque crees que

RORY “Es difícil de decir. Supongo

que complicará las cosas a la hora de girar por Europa. Probablemente hará que sea más caro. Pero haremos lo que tengamos que hacer para seguir tocando. Supongo que son problemas que tendrá que solucionar nuestro tour manager, más que nosotros (risas)”.

pueden tener un impacto efectivo o más bien por expresar lo

Visto cómo están las cosas, Rou,

que tienes dentro?

¿te parece que estamos conde-

ROU “No creo que puedas cambiar

nados a repetir los mismos ci-

el mundo con una canción, lo veo más como combustible para que las cosas cambien. Puedes lograr que quizá la gente piense en un asunto determinado o se interese, al menos. La música tiene un gran poder emotivo y afecta a las personas. Puede lograr que la gente cambie”.

clos históricos una y otra vez?

¿Creéis que el Brexit afectará vuestra carrera?

ROU “A veces lo parece. Es frus-

trante porque sería deseable que la gente aprendiera de los errores del pasado. Creo que la gente piensa en la historia como una asignatura de la escuela, no se trata con el suficiente respeto. Creo que la historia y la filosofía deberían ser vistos como mecanismos de defensa para no cometer los mismos errores. Creo


que, si se le diera ese enfoque, se le prestaría mucha más atención”.

mismo y conectar con otra gente”.

canciones viejas”.

Cambiando de tema, hace unos

Aunque habéis tenido bastante

Al final, la historia es el resul-

meses hicisteis una gira de déci-

éxito, ¿sentís que estáis suficien-

tado de la conducta humana.

mo aniversario de vuestro debut

temente valorados?

Cada vez que alguien nace tiene

Take To The Skies. Siendo una

ROU “La verdad es que a veces

el mismo potencial para come-

banda que siempre mira hacia

ter los mismos errores que sus

adelante, ¿cómo os sentisteis

antecesores.

tocando tantos temas antiguos?

ROU “Desde luego. Es un punto de

CHRIS “Fue interesante revisitar

vista muy interesante. La educación es básica en ese aspecto. Aquí, en Gran Bretaña, no se dedican suficientes recursos a la educación. Es frustrante”.

esas canciones. Todavía es un disco divertido de tocar, pero me hizo dar cuenta de lo mucho que hemos evolucionado. Creo que la esencia es la misma, pero todo lo demás ha cambiado”. ROU “Al principio me daba un poco de miedo, precisamente por eso: pensaba que igual, después de unos cuantos conciertos, sería aburrido tocar un álbum entero. Pero fue interesante. En primer lugar, porque había bastantes temas que no habíamos tocado en mucho tiempo, igual nueve años. Y en segundo, porque cada noche era una celebración de todo lo que hemos conseguido y lo lejos que hemos llegado desde entonces. Creo que nos dio mucha confianza a la hora de terminar el nuevo álbum”. RORY “Estábamos un poco nerviosos porque no sabíamos si todos los temas iban a funcionar en directo. Justo antes de empezar la gira, empecé a sentirme un poco extraño, nostálgico, pero cuando empezamos a tocar se me pasó. La respuesta de la gente fue muy buena y creo que los temas todavía aguantan muy bien”. CHRIS “Fue extraño porque estábamos en el estudio grabando nueva música, y al mismo tiempo, programando para poder tocar las

pienso que sí y otras todo lo contrario (risas). A veces me frustra porque hay mucha gente que no nos entiende o a la que no le importamos una mierda (risas), pero otras muchas, pienso en la inmensa suerte que tenemos por haber llegado tan lejos. Conocemos a un montón de grupos y amigos que apenas pueden girar o no tienen tantos fans como nosotros, así que tenemos esa suerte. Creo que en general la gente aprecia que seamos honestos, diversos y progresivos… Como te decía antes, nuestra música no es la más fácil del mundo y la gente tienes sus vidas, ¿sabes? Creo que el que te hagan caso, especialmente cuando ofreces algo que no es fácil, es de valorar. Hay mucha gente que sólo busca música para relajarse y no quieren pensar en nada más, y esto está bien, pero creo que para ser fan nuestro tienes que buscar otras cosas”.

Este disco es un poco como un medicamento para niños. Tienen un sabor agradable, pero busca un impacto profundo. ROU “Sí, sí (risas). Es un álbum con

muchos niveles. Creo que es lo bueno del pop alternativo. Puedes escribir letras que tengan significado, no chorradas. Lo que intentamos es hacer música que pueda llegar al máximo de gente posible, pero que a la vez, trate de cosas reales con las que las personas tienen que lidiar. Hay muchos estudios que dicen que la literatura ayuda a que los humanos seamos más empáticos, hace que estemos más abiertos a otras opiniones y podamos vernos reflejados en situaciones por las que pasan otras personas, entender mejor a las personas. Creo que la música pop debe tomar el relevo en ese sentido. Todo el mundo puede escuchar música y sentir los sentimientos de otra persona de una manera muy inmediata. Seguramente de manera más inmediata que la literatura. Así que, aunque no lo parezca, la música pop es importante para animarte a ser tú

¿Qué es lo más difícil para seguir siendo relevante? RORY “Creo que, si nos esforzára-

mos en ser relevantes, se perdería la naturalidad y eso haría que no lo fuésemos. Para ofrecer algo nuevo tienes que ser muy intuitivo, así que lo mejor es no pensar demasiado (risas)”.

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DISCO DEL MES

U MIRROR REAPER (PROFOUND LORE) FUNERAL DOOM METAL

90

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na hora, 23 minutos y 15 segundos de canción para sentar cátedra en el funeral doom. Para crear el álbum por el que, seguramente, a partir de ahora deban medirse el resto de obras del estilo y, por extensión, las próximas de Bell Witch. El catálogo de Profound Lore suele ser pura magia, como la misma portada de este trabajo, pero esta vez Bell Witch han ido demasiado lejos… y todo ello con un recurso que no es nuevo, el del único corte que ocupe todo el

BELL WITCH

metraje, pues desde Sleep pasando por Ea o nuestros propios PYLAR que lo hemos ido disfrutando, pero en términos funeral, nunca exhibiendo tamaño dominio del lenguaje, la pausa e incluso el silencio. Todo ello si buscas ensanchar el alma, claro, evadirte hacia otros planos alejados del insoportable materialismo del ser humano contemporáneo, porque como seas de los que acude a la música para distraerse, en busca de diez temas con gancho popero, posiblemente lo tuyo sea Arch Enemy y no

esta proeza americana. Con una producción y mezcla del experimentado Billy Anderson (Swans, Sleep, Neurosis), Bell Witch nos sumen en un sueño profundo, tan traicionero como placentero, del que no sobra ni un instante, y ahí precisamente resida uno de los mayores logros de un lanzamiento tan ambicioso. Con todo el tiempo del mundo, y devastados por la pérdida de su exmiembro Adrian Guerra, del que incluso han incluido voces recuperadas de la grabación de su anterior


obra, el dúo de Seattle, ahora completado por el batería Jesse Shreibman, desgrana lenta, muy lentamente, un desgarrador muestrario de parajes y riffs que se nos antojan alta poesía dentro del axioma hermético ‘So Above, So Below’, ese opuesto que sólo se completa con su contrario y que, irremediablemente, nos conduce a la dicotomía existente entre la vida y la muerte. Y es que, de pronto, cualquier percusión ha ido difuminándose hasta desaparecer por completo y no te has dado ni cuenta, y utilizando voces limpias de una forma mucho más elegante y sutil que Ahab, los

vuelve el funeral doom, así es como vislumbras esa hermosa luz al fondo de una agreste caverna. En varios momentos te sorprenderás a ti mismo con los brazos abiertos en tu habitación, totalmente absorto, preso y dominado por la terrible emoción que Bell Witch han sabido plasmar en su tercer largo. Y es que, por raro que parezca, Mirror Reaper se hace corto, llegas a desear que este meditabundo portal hacia otras dimensiones no se cierre nunca, que nada te prive de escuchar eternamente esta sacra eucaristía. Sacra, sí, porque en su recta final vas a tener la sensación de estar presenciando algo divino, de encontrarte ante

“TE SORPRENDERÁS A TI MISMO TOTALMENTE ABSORTO, PRESO Y DOMINADO POR LA TERRIBLE EMOCIÓN QUE BELL WITCH HAN SABIDO PLASMAR EN SU TERCER LARGO”

estadounidenses te elevan hacia placeres difíciles de explicar. Todo ello con la inestimable ayuda de Erik Moggridge, quien regresa puntualmente al combo para ofrecer un órgano que, realmente, es el arma secreta de este panteón musical, de este mantra ambiental. Si no me creen, esperen a oír ese réquiem hacia la hora y 7 minutos, ese teclado en solitario a modo de campanadas que anuncian una liberadora defunción, un corazón apagado que de pronto despierta lleno de desazón y melancolía. Y así es como

un canto casi gregoriano, bastante alejado de cualquier coordenada que pueda asociarse al metal. El bajista y cantante Dylan Desmond, junto a su nuevo escudero Shreibman, han escrutado hasta lo más profundo de su ser para entregar lo más grande de sus existencias. Si ya caíste rendido ante ellos con el fantástico Four Phantoms, agárrate porque aún no has visto nada. Una obra para cerrar los ojos y volar, y volar, y volar… Un soberbio homenaje a la vida contemplativa. PAU NAVARRA


BALA

HAS DE SABER... Anxela Baltar (voz, guitarra), Violeta Mosquera (voz, batería) PRODUCIDO POR: Santi Garcia AFINES A: Nirvana, L7, METZ PÁGINA WEB: www.somosbala.com FORMACIÓN:

FOTO: LEO LÓPEZ


D LUME (MATAPADRE) PUNK ROCK, GRUNGE

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esde hace ya varios años que podemos presumir de tener grupos capaces de facturar obras a la altura de cualquier cosa que venga de fuera, independientemente de la procedencia geográfica o del género. Y aun así, de vez en cuando un servidor sigue encontrándose con sorpresas de lo más agradables. La penúltima de ellas es la que las gallegas Anxela Baltar y Violeta Mosquera pusieron en marcha hace tan sólo un par años con la publicación de Human Flesh. Un artefacto en el que se bastaban de la suma de guitarra + batería para hacer ruido. Mucho ruido. No es casualidad por tanto que para su segundo

‘largo’ (es un decir, teniendo en cuenta que sus discos apenas sobrepasan los 20 minutos) hayan acudido a todo un experto en esto de poner el volumen al 11 como Santi Garcia. Grabado en los Cal Pau Recordings, Lume consigue maximizar todos los aspectos que conocíamos hasta ahora de estas dos chicas. Desde la opresiva apertura de ‘Colmillos’, apreciamos que el sonido está más definido pero es igual de asfixiante y abrasivo, con Anxela y Violeta berreando delante de nuestras narices mientras nos acribillan a decibelios. ‘Upside Down’ retoma el inglés de su debut a base de punk rock, al igual que en la

desenfadada ‘Vives’. Y es que aquí se mezclan tanto la lengua de Shakespeare como el castellano, y hasta el gallego en ‘Vitamina’, uno de los cortes que mejor podrían representar su propuesta. Porque además de velocidad y mala leche, también hay espacio para pasajes más oscuros y tétricos (la intro vocal de ‘Luces’ acojona) sin que por ello los altavoces dejen de escupir fuego. Hasta se destapan con algún riffaco stoner como en ‘Omertá’ (el break pre estribillo pondrá a prueba tus cervicales) y el agónico final de ‘Humo’. No se dejen engañar por sus jóvenes rostros... Estas chicas tienen mucho peligro. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... ANXELA BALTAR Tengo entendido que vuestro primer álbum, Human Flesh, lo grabasteis en apenas un día. ¿Ha sucedido igual a la hora de registrar Lume o ha sido un proceso más cuidado?

“Para el segundo disco el proceso fue bastante distinto: salimos de nuestro entorno, de nuestro día a día, para encerrarnos y dedicarnos en cuerpo y alma a la grabación. Igualmente fue un proceso breve y sin ningún tipo de preproducción, pero desde luego más elaborado que el primero. Duró unos cinco días. Los dos primeros los pasamos en Cal Pau grabando baterías y el resto en Ultramarinos Costa Brava con guitarras y voces. Todo fue muy rápido y fluido. Curramos muy cómodas. Un lujo”. En líneas generales, Lume pa-

rece una versión más definida de vuestro sonido, pero conservando la inmediatez y crudeza que os caracteriza. ¿Era un poco lo que pretendíais?

“No creas que teníamos grandes pretensiones, no solemos tenerlas, hacemos simplemente lo que nos sale en cada momento. Pero sí veo claramente que es un álbum más personal y definido. El primero lo grabamos cuando apenas llevábamos tres meses con el grupo y aún no sabíamos muy bien hacia dónde tirar ni qué hacer”. También os habéis abierto a escribir algunas letras en castellano, e incluso hay una en gallego. ¿Crees que en el futuro acabaréis descartando por completo el inglés?

“A mí personalmente no me importaría nada. Fui yo quien insistió desde el principio en probar a cantar en castellano y gallego porque me parece más real y sincero. Me siento más cómoda. Me gusta mucha música en inglés, obviamente, pero para cantar yo prefiero hacerlo en mis idiomas. Tengo la impresión de que me expreso mejor así”. Tanto con los discos como en los conciertos, sois de decir mucho en muy poco tiempo... ¿Es parte de vuestra filosofía?

“Sí, creo que es algo que nos define. Nos gustan las canciones cortas, los discos cortos, los shows cortos… pero que sean intensos. Siempre nos dicen que ‘el concierto/disco se ha hecho corto’, y me gusta. El día que me digan que se ha hecho largo me retiro”. (GONZALO PUEBLA)

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Diablo, Manson no suena como una caricatura de sí mismo, aunque sospecho que hace tiempo que ni siquiera él se toma muy en serio. El riff inicial de ‘Revelation 12’ tiene suficiente poderío para reclamar tu atención, ‘WE KNOW WHERE YOU MARILYN MANSON FUCKING LIVE’ es un Heaven Upside Down puñetazo en toda regla y (LOMA VISTA/MUSIC AS USUAL) ‘SAY10’ también desprende ROCK INDUSTRIAL la energía decadente de sus mejores canciones. Pese a eso, mis temas favoritos 70 son los dos que mejor podrían haber encajado en The Pale Emperor. on su anterior álbum Hablo de ‘KILL4ME’, un The Pale Emperor, pegadizo single a base Marilyn Manson de romanticismo gótico parecía iniciar una nueva y sonido ochentero, y la etapa en la que quería garajera ‘Heaven Upside reposicionarse como una Down’. Menos inspirado versión más adulta de él se muestra en ‘Tattoed In mismo, más introspectiva Reverse’, con su toque glam, y menos efectista. El hecho la balada siniestra ‘Threats de que Tyler Bates, su Of Romance’ o ‘JESUS principal colaborador en CRISIS’, un escupitajo al que aquel disco, repitiera en le falta un poco de bilis. En su nueva obra presagiaba su mayor parte, Manson una línea continuista, pero lo confía todo al poder con su décimo álbum seductor de su voz, pero Manson ha querido volver no es suficiente para salvar a despistarnos. Ese blues piezas más ambiciosas vicioso que tan bien facturó como la excesivamente hace un par de años, ha larga ‘Saturnalia’. En quedado en un segundo definitiva, un disco irregular, plano en favor de un sonido pero, como la propia carrera más agresivo e industrial que remite a sus días de del artista, difícil de ignorar. gloria. Gracias a Dios, o al JORDI MEYA

C

70

con la misma producción muy cuidada de Blake Harnage, que hace que lo más desgarrador y violento siga siendo elegante. No, el disco no sugiere cambios, pero sí una exploración dentro un sonido que ya han hecho propio y que afianzan con este LP. El otro PVRIS lado del álbum son las letras. All We Know From Si antes ya eran oscuras Heaven, All We Need inspiradas por los propios From Hell fantasmas de la cantante, (RISE) ahora podríamos hablar más ROCK ALTERNATIVO, POP bien de demonios, mucho más tenebrosos y tangentes. 80 Así se unen un instrumental más contundente y una lírica que cobra vida propia, ienvenidos a la una fusión entre música continuación y letras que en este disco de White Noise. parece un ejercicio de Los segundos discos se transcripción perfecta entre enfrentan a la cuestión ambas. Cierto es que tanta de hacer lo mismo que contundencia también se en el primero o algo traduce en mayor rigidez completamente distinto, respecto a su predecesor; y entre ambas opciones pero todo lo que le cuesta PVRIS han escogido la entrar termina mereciendo calle de en medio: la de la pena. All We Know From la evolución discreta. Lo Heaven, All We Need From que sí han hecho ha sido Hell es todo un viaje a través potenciar todo lo que les de la depresión vivida por caracterizaba en el debut. Lynn Gunn, que muestra Lynn Gunn juega más con más de infierno que de cielo. unas voces que lo mismo Incluso aunque este trabajo suenan delicadas que y el sonido de PVRIS siempre duras, los sintetizadores se parezca respirar luz dentro escuchan más presentes y los guitarrazos y la batería esas sombras. se notan más crudos. Eso sí, RO SÁNCHEZ

B


LA SELECCIÓN

THE UNFINISHED SYMPATHY It’s A Crush! (BCORE) ROCK

75

A

lo largo de la pasada década, The Unfinished Sympathy dejaron uno de los mejores legados del rock nacional. Cinco discos y un sinfín de canciones geniales que los posicionaban como todo un valor seguro y que su separación elevó a la categoría de banda de culto. Han tenido que pasar unos cuantos años para que Eric Fuentes decidiese aparcar su no menos brillante trayectoria en solitario y volver a reunir al combo que le dio a conocer. Tras un tiempo de rodaje sobre los escenarios en el que demostraron un estado de forma envidiable, tocaba el siempre peliagudo momento de sacar el disco de retorno. It’s A Crush!, lejos de marcar un nuevo rumbo en su carrera, más bien supone una síntesis de ella misma. A lo largo de once canciones, los barceloneses visitan todos los palos de su catálogo. ‘Narcotic Fiancee’ y ‘Night Shift’ bien podrían haber formado parte del controvertido We Push You Pull por

su tendencia más bailable, mientras que las inmediatas ‘Christen Me’ y ‘The Welfare State’ nos recuerdan a sus comienzos más punk rock. Y, cómo no, tampoco faltan esos singles redondos que Fuentes nunca ha dejado de escribir. A buen seguro que ‘Goobye/Hello’, ‘Sentimental Shock’, ‘Sensual Tension’ o ‘Loveshake’ no desentonarán entre los clásicos. Y aunque hay que apuntar que el nivel queda un tanto lejos de sus mejores obras, la sensación de reencontrarnos durante media hora con una de nuestras bandas predilectas es todo un motivo de celebración. GONZALO PUEBLA


G SLEEPING WITH SIRENS Gossip (WARNER) ROCK ALTERNATIVO, POP

70

ossip, el quinto álbum de Sleeping With Sirens, se abre con Kellin Quinn cantando a capella sobre unas palmas: “Tengo algo nuevo, tengo un nuevo swing, haré que te caigas de rodillas, haré que tu corazón cante”. Una declaración de intenciones que indica por dónde van los tiros en el resto de temas. Efectivamente, los de Florida siguen mutando su sonido, alejándose a pasos agigantados del post hardcore de sus inicios para convertirse en una banda de pop rock, con el objetivo de acabar actuando en pabellones en un futuro cercano. Teniendo una voz tan característica como la de Quinn en sus filas -tan aguda que tendrás locos a los perros de tu vecindario cuando pongas el disco a todo volumen-, es difícil que vayas a confundirlos con otro grupo, pero lo

S LA M.O.D.A.

Salvavida (De Las Balas Perdidas) (PRMVR) FOLK ROCK

80

72

i algún día los chicos de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol decidiesen colgar los instrumentos, podrían ganarse la vida como magos. Primero porque nuevamente tras otra gira de casi dos años por toda España y parte del extranjero, nos hicieron creer que se iban a tomar un largo periodo de descanso cuando en realidad han estado preparando un nuevo trabajo en la sombra. Y segundo, porque como los mejores ilusionistas, Salvavida (De Las Balas Perdidas) esconde varios trucos capaces de ponerte el vello de punta. Como vemos en la inicial ‘Mil

cierto es que en el camino han ido perdiendo algo de su personalidad. Una balada como ‘I Need To Know’ o el medio tiempo ‘Hole In My Heart’ podrían formar parte del último trabajo de All Time Low, mientras que la chulesca ‘Cheers’, con algunos efectos dándole una pátina electrónica, hubiera colado en el de You Me At Six. A pesar de eso, el quinteto no se ha olvidado de escribir melodías que

se te meten en el cerebro en un par de escuchas. La hímnica ‘Legends’, con unos coros dispuestos a ser cantados en masa en sus conciertos, la chispa pop punk de ‘Closer’ o las guitarreras ‘Empire To The Ashes’ y ‘The Chase’ son argumentos suficientes para que Sleeping With Sirens sigan adelante con su plan de dominación mundial.

Demonios’, el trote del acordeón de Joselito Maravillas y la voz rota de David Ruiz siguen siendo la base sobre la que se sostiene la banda, al igual que ‘La Inmensidad’, un corte con mucho feeling marca de la casa. Pero según van pasando las canciones iremos descubriendo que La M.O.D.A. se rebela contra el acomodamiento. Bien por ellos. Por ejemplo, aquí las segundas voces son un recurso bien presente y los arreglos de Diego Galaz, con instrumentos del folklore castellano, cobran una importancia vital. Es algo que queda reflejado en ‘Océano’, una de las canciones

más desgarradoras que hayan escrito, con una letra incendiaria y un David poniendo su voz al límite hasta que el tema se transforma en un pasaje tenebroso con theremin incluido. La crítica ‘Himno Nacional’ o la extravagante ‘Los Locos Son Ellos’ también incluyen sonoridades hasta hora inéditas. Pero tampoco se han olvidado de su parte más festiva como en ‘La Vieja Banda’, que nos recuerda a sus inicios más canallas cuando cantaban en inglés, o el nuevo himno que es ‘Héroes Del Sábado’. Y es que esta orquesta sigue siendo una maravilla.

DAVID GARCELL

GONZALO PUEBLA


THE BLACK DAHLIA MURDER Nightbringers (METAL BLADE) MELODIC DEATH METAL

70

P

ara seros sincero, hoy en día un nuevo álbum de The Black Dahlia Murder no me produce ninguna excitación. Sí, es un placer visual incomparable el perderte por otra impresionante portada de Necrolord, pero más allá de eso, tras ocho discos, considero que los de Michigan han exprimido del todo su fórmula y que, al parecer, pocos nuevos matices están dispuestos a introducir en ella. Si bien sus primeros álbumes siguen siendo objeto de culto y seguramente en Ritual o Everblack tocaron techo en cuanto a grandeza

metálica, en Nightbringers asistimos a un riguroso y autocomplaciente ejercicio de su propio estilo. Han incorporado a Brandon Ellis (Arsis, exCannabis Corpse), un guitarrista de sólo 24 años, pero no parece que esto haya variado un ápice su hoja de ruta. En su nueva obra encontramos virguerías como ‘Matriarch’, toda ella una excepcional reverencia al mástil, o ‘Jars’, un tornado con aires hooligans, o ‘Nightbringers’, que sabe aportar la pausa necesaria tras el vendaval inicial y presenta un recurso emotivo a descubrir, pero aunque la risueña ‘Kings Of The Nightworld’, la épica ‘Catacomb Hecatomb’ o una ‘The Lonely Deceased’ bastante Amon Amarth en la línea de bajo desprendan la indiscutible calidad de siempre, de verdad, como no seas un fan acérrimo, pensarás que esto ya lo has escuchado en demasiadas ocasiones. Técnica impoluta, solos de aúpa, velocidad de vértigo… ¡Es que en avasallante melodeath nadie les gana! Pero complicado tachar de memorable alguno de estos temas. PAU NAVARRA

AND SO I WATCH YOU FROM AFAR The Endless Shimmering

(SARGENT HOUSE) POST ROCK

80

E

l interminable resplandor. Curioso título para uno de los discos más oscuros y violentos de And So I Watch You From Afar. Y es que The Endless Shimmering es un trabajo eminentemente visceral, casi instintivo. Arranca con la fuerza casi sobrenatural de la autoreferencial ‘Three Triangles’ (entiendo el título como un guiño a su logo), ‘A Slow Unfolding Of Wings’ y ‘Terrors Of Pleasure’, tres piezas marca de la casa que nos devuelven a los ASIWYFA evocadores y rotundos de Gangs, su disco

más redondo hasta la fecha. Todo este derroche de energía y virtuosismo instrumental bien entendido fue capturado en directo en Machines With Magnets (Battle, Deer Tick, The Body), unos estudios situados en Rhode Island, Estados Unidos. Allí el cuarteto de post rock instrumental de Belfast se quedó encerrado (literalmente) por una fuerte nevada durante nueve días, según han explicado, y grabaron del tirón nueve de los 30 temas que tenían preparados. La banda ha desterrado radicalmente las (tan discutidas) partes vocales de su propuesta, presentes en el festivo All Hail Bright Futures y Heirs, y sólo se relajan un poco en el tema que da nombre al disco, una pieza delicada y preciosista en los primeros compases que salta por los aires en la parte final, loca y épica a partes iguales como ‘Mullally’ y ‘Chrysalism’, dos trallazos emocionantes que el combo reserva muy inteligentemente para el cierre. En nada estarán presentándolo por aquí. LUIS BENAVIDES


THE BRONX V

(ATO) PUNK ROCK

78

A

pesar de que en los últimos tiempos hayan estado más centrados en su alter ego mariachi, cuando el quinto álbum de The Bronx se abre sin coger prisioneros con ‘Night Drop At The Glue Factory’, tienes la certeza que a la banda de Los Ángeles no se le ha olvidado cómo hacer punk rock. Ni los cuatro años transcurridos desde su último disco, ni la pérdida de su batería Jorma Vik -ha sido sustituido por David Hidalgo Jr. de Social Distortion-, les han pasado factura y el grupo muestra la explosividad de su directo en fieros

74

cortes como ‘Stranger Danger’ o ‘Sore Throat’. De igual manera, es difícil permanecer impasible cuando te arrollan con la apocalíptica ‘Fill The Tanks’ o la urgencia de ‘Broken Arrows’. Pero situados estratégicamente, encontramos otros temas donde sacan esa vena más rockanrolera que habían dejado aflorar en su anterior trabajo. En ‘Side Effects’, ‘Cordless Kids’ o ‘Kingsize’ se nota que la banda se encuentra la mar de cómoda en esta faceta y que Matt Caughtran, además de gritar, le apetece por igual sacarse de la manga fantásticas melodías. La producción del veterano Rob Schnapf (Beck, Saves The Day), muy orgánica y con aroma a amplificador de válvulas, encaja como un guante con esos riffs setenteros de ‘Channels Islands’ y ‘Two Birds’ que disponen los guitarristas Joby J. Ford y Ken Home, quienes también incorporan algunos toques clásicos que remiten a The Who. Lo que está claro es que, tiren para un lado o para otro, The Bronx sigue siendo una banda de puta madre. JORDI MEYA

TENPEL

Culto A Mí (THE BRAVES) ROCK

80

D

emasiado tiempo llevábamos sin tener noticias de Tenpel. A la exitosa gira de Ciclos le siguió un periodo de inactividad de varios años en el que los madrileños han sufrido para mantener el barco a flote, una vez más con varios cambios en sus filas. Pero lejos de tirar la toalla, han sido capaces de sacar el orgullo y reflejar todas esas últimas vivencias en un cuarto disco que vuelve a sorprender con otro cambio de sonido, el enésimo de su carrera. Grabado en Scots Records, Diego Gila ha sabido darles una producción diferente, más orgánica y real, ajustándose a lo que

piden las nuevas canciones. O lo que es lo mismo, pura droga sin adulterar. Puede que a alguno le cueste de primeras acostumbrarse a unas tonalidades tan crudas, pero a poco que insista irá descubriendo detalles como el enorme trabajo a las guitarras de Raúl Fernández y el recién incorporado Jacobo Caballero, con el que de alguna forma suplen la baja a los teclados de Óscar Martín ‘Mosz’. Esto se traduce en el que probablemente sea el trabajo más rockero y rabioso que hayan firmado, como bien reflejan ‘Deplata’, ‘Un Año’ y ‘Ohm’, en la que participa Emilio Sánchez de Tao Te Kin. Otra aparición que no podía faltar era la de Jaime Ladrón De Guevara de Catorce y De La Cuna A La Tumba en la más oscura y reflexiva ‘Decreto Grey’. Pero si tuviera que quedarme con dos canciones, éstas serían ‘Manual De Autoayuda’ y ‘Felices Inadaptados’, con un Kantz inmenso como siempre a las voces, y que por su brillante componente melódico se posicionan como futuros clásicos de su cancionero. Bienvenidos de nuevo, se os echaba de menos. GONZALO PUEBLA


CALIGULA´S HORSE

IMPLORE

GRAVE PLEASURES

¡YA A LA VENTA!

¡YA A LA VENTA!

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¡Vuelven los maestros del progresivo australiano!

¡Grindcore con raíces españoles mezclado con un crush oscuro, turbio y blasfemo! ARGH!

¡La revolución en el post punk y gothic rock del siglo XXI se llama GRAVE PLEASURES! ¡Vuelve a los momentos más oscuros de los 80! ¡Con influencias de Depeche Mode, Killing Joke y The Sisters Of Mercy!

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ÓSSERP

Al Meu Pas S’Alça La Mort (VARIOS SELLOS) GRINDCORE, DEATH METAL

90

Q

ue el debut de Ósserp, Sang I Sutge, fuese nuestro Disco Nacional del Año en 2015 no fue ninguna frivolidad que nos marcamos los que hacemos esta revista. Pese al carácter minoritario del álbum, ¡un disco de metal extremo cantado en catalán!, había en esas canciones un algo extra que demostraba que Ósserp eran una banda con ese algo intangible que los hacía especiales. Una vez escuchado el siempre crucial segundo trabajo, podemos decir que Ósserp no nos dejaron en mal lugar. No sería justo justo para

76

Sang I Sutge decir ahora que es un disco menor si lo comparamos con Al Meu Pas S’Alça La Mort (A Mi Paso Se Alza La Muerte en castellano), el título de esta colección de metralla, pero el paso dado por el quinteto de Barcelona no se puede pasar por alto. El gran mérito de Ósserp está en lo bien que se saben mover en las diferentes aguas dentro de los sonidos extremos. Bien es cierto que si oímos la inicial ‘Entre Regnes’ nos encontramos death sueco casi de manual, pero es cuando se ponen pícaros y juguetones donde esto alcanza su esplendor. Ya sea en los bien metidos pasajes black en ‘Caça Furtiva’, los giros de ‘El Culte’, lo bien que se les da el crust a los señores en ‘Amb El Cap Ben Alt´ -dos cantantes como la copa de un pino siempre ayuda lo suyo-, y hasta salen victoriosos en las experimentaciones dignas de un Merzbow, como vemos en esa apabullante ‘El Buit’, que cierra una obra con la que ir con la cabeza bien alta por la vida. En la carrera para el álbum del año de nuevo. RICHARD ROYUELA

PARADISE LOST Medusa

(NUCLEAR BLAST) DOOM METAL

80

P

arece casi surrealista pensar que hace veinte años Paradise Lost editaban One Second, un álbum no exento de polémica entre sus seguidores por su orientación más comercial y un sonido más cercano a Depeche Mode que a Black Sabbath. Es muy posible que muchos de los fans que tenían entonces, al menos los más intransigentes, decidieran dejar de escucharles para siempre, y aunque sé que las posibilidades de que algunos de ellos sean lectores de nuestra revista son casi nulas, me encantaría ver su reacción si, animados por esta reseña, se decidieran a

darle una oportunidad a su decimoquinto disco. Ya hace al menos un par de álbumes que Paradise Lost iniciaron una especie de camino de regreso hacia sus orígenes, y Medusa podría interpretarse como la culminación de ese proceso. La banda ha hecho, simple y llanamente, un disco de doom. Oscuro, agónico, lento. Los riffs de ‘Fearless Sky’, ‘The Longest Winter’ o ‘Symbolic Virtue’ se arrastran como una avalancha de barro sobre un trabajo muy contenido de Waltteri Väyrynen, su nuevo batería y también miembro de Vallenfyre, la otra banda de Greg Mackintosh. Tengo pocas dudas de que el guitarrista ha sido el mayor instigador en llevarlos a esta dirección más dura que les ha reconciliado con su pasado, pero hay que destacar que esto no hubiera sido posible sin que Nick Holmes se hubiese convencido de recuperar su registro gutural. El vocalista está espléndido, y cuando incorpora algún pasaje más melódico acercándose al rock gótico en ‘Blood And Chaos’, no desentona para nada. JORDI MEYA


METZ

Strange Peace (SUB POP) INDIE ROCK

85

U

na vez más METZ recuperan y ponen al día el espíritu de los noventas, y lo hacen desde un sello clave para entender el nacimiento y auge del grunge como es Sub Pop. El presente Strange Peace está a la altura de los dos anteriores trabajos de la banda y ofrece otra buena ración de himnos ruidosos. A destacar, las salvajes ‘Cellophane’, ‘Drained Lake’, ‘Common Trash’, ‘Dig A Hole’ y ‘Raw Materials’, cinco cortes con el sello inconfundible del power trio canadiense, despachados con una velocidad endiablada y una energía contagiosa. Merece la pena destacar que Strange Peace

74 78

es el primer largo de la banda con un productor estrella como Steve Albini, pero también debo decir que la personalidad de la banda pesa más y sus nuevos temas siguen la senda de los incluidos en los geniales I y II. Sólo en un par de ocasiones, concretamente en ‘Lost In The Blank City’ (una suerte de sludge industrial que recuerda a los Melvins) y la aburrida ‘Sink’, la banda se sale del camino esperado o marcado por sus trabajos previos. La elección de Albini no es casual. La manera de trabajar y entender la música del líder de los legendarios Shellac, el ingeniero de sonido de obras maestras como In Utero de Nirvana o Goat de Jesus Lizard, encaja a la perfección con la crudeza y visceralidad que caracterizan a METZ. Mentiría si dijera que este tercer trabajo de Alex, Chris y Hayden es el mejor de su carrera, porque su discografía es insuperable, pero tengo muy claro que este Strange Peace debería ser un imprescindible para los amantes del rock alternativo más abrasivo e intenso. LUIS BENAVIDES

THE LURKING FEAR Out Of The Voiceless Grave (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

82

E

s admirable cómo está afrontando la madurez la plana mayor del death metal. En especial, quien debería tener ya una estatua en cada plaza es Tomas Lindberg, un todoterreno de la tralla al que poco le importa hacerse una gira por okupas con una banda crust como ser el principal reclamo de un festival con At The Gates. Tompa es un héroe, así de claro, y todo lo que no tiene de agraciado físicamente lo tiene en inquietud musical. Lo más cómodo para él sería vivir del grupo que le dio un nombre, pero como su cabeza nunca para, ahora nos sorprende con este combo de colegas… ¡Pero menudos unos! The

Lurking Fear está formado por miembros de Disfear, Bombs Of Hades, God Macabre, Tormented… y Adrian Erlandsson a la batería, claro, porque si no, no habría banda sueca que se precie. Como bien nos contaba en su entrevista del mes pasado, estos músicos pretenden continuar con lo que han despachado todos estos años, pero aproximándolo a la actualidad. Es una idea también presente en Firespawn o el último trabajo de Entrails y que debemos aplaudir, porque nadie puede negar que esto suene old school, pero al mismo tiempo, sin ser un clon de los 90. La urgencia con la que ataca Out Of The Voiceless Grave es una declaración de intenciones, destacando especialmente las labores más punks que le recuerdo a Erlandsson, quien golpea hasta atropellado en ‘Teeth Of The Dark Plains’ o disparos en la cara como ‘The Starving Gods Of Old’ o ‘Winged Death’. Lo mejor de Göteborg y Estocolmo lo encontramos en ‘Upon Black Winds’ o ‘With Death Engraved In Their Bones’… es decir, rudeza y riffazos por doquier. PAU NAVARRA


BEATSTEAKS Yours

(WARNER) POP ROCK

60

A

pesar de que ya hace unos cuantos años que no les vemos el pelo por aquí, Beatsteaks continúan manteniendo su estatus de banda grande en Alemania, donde son capaces de liderar grandes festivales y llenar arenas. Algo a lo que sin duda ha contribuido el giro hacia sonidos cada vez más indie y pop, convirtiéndoles en una grupo accesible para todo tipo de públicos aunque todavía sean capaces mantener cierta frescura. Por desgracia, no es el caso de esta obra, en la que despachan 21 nuevas canciones de golpe y porrazo sin anestesia. Supongo que para ellos

será toda una muestra de genialidad creativa, pero enfrentarse a la hora larga que dura este Yours se hace muy cuesta arriba incluso para el más acérrimo fan. Porque a pesar de insistir en esa línea más mainstream y la variedad de registros de los que hacen gala, lo que más se echa en falta son esos singles redondos que antes sabían fabricar como rosquillas. ‘Hate To Love’, ‘I Do’, ‘Attack And Decay’ o ‘Summertime’ se posicionan claramente en el paquete de cortes destinados a sonar en las radiofórmulas germanas, y sin ser necesariamente malas, sí es verdad que es una faceta suya que empieza a cansar. Otras como ‘Filthy Crime’, ‘Velosolex’ y ‘Sucker Punch’ apestan a rellenazo, cuando no directamente a broma. Al final consiguen nivelar un poco la balanza mediante la inmediatez que recuerda a sus inicios en ‘Break Down’, ‘Gap’, ‘Mrs. Right’ o la muy Oasis ‘Fever’. Como suele suceder en discos así, de haber elegido las diez mejores, el empacho habría resultado menos indigesto. GONZALO PUEBLA

LEPROUS Malina

(INSIDEOUT MUSIC) ROCK PROGRESIVO

70

C

on Malina he vuelto a experimentar las sensaciones que me llevé con Affinity de Haken. ¿Es un mal disco? ¡En absoluto! ¿Lo escucharía hasta la saciedad? Seguramente no. A parte de eso, lo único que tienen en común es que son los discos más accesibles de ambos grupos hasta el momento. Malina lo pondrías en una reunión de amigos que escuchan ‘de todo’ sin que nadie se escandalizase . Parece que la madurez de Leprous les ha llevado a trabajar sonidos más orgánicos y puros, más rock y menos metal. Sin abusar de arreglos digitales ni mucha parafernalia, pero con unas

guitarras más limpias que acompañan a la versión más pop de Einar. No obstante, en su búsqueda de afianzar un sonido propio, nos topamos con esa elegante sonoridad que ya se encuentra en otras bandas como Soen o Agent Fresco. Sólo hay que prestar atención a temas como ‘Bonneville’ o el primer single ‘From The Flame’ para darse cuenta de ello. A su vez, los noruegos mantienen su melancolía recurrente que, aunque durante la primera mitad del álbum desprende luminosidad, nos acaba conduciendo a un estado más sombrío hasta llegar al dramático ‘The Last Milestone’. Por el camino nos sorprenden fusionando diferentes estilos como electrónica, djent o incluso pasajes de cuerdas, tal y como ocurre en canciones como ‘Stuck’, ‘Mirage’ o ‘Coma’. Probablemente ‘Malina’, dando nombre al álbum, sea la que todavía conserva la naturaleza de los discos que le preceden. Pero si Leprous quieren abrir una puerta más grande, para bien o para mal, puede que este trabajo sea la llave. ALBA RODRIGO


DOWNTOWN LOSERS

HAS DE SABER... Alber Solo (voz, guitarra), Dolphin Riot (batería) PRODUCIDO POR: Downtown Losers AFINES A: RL Burnside, Screaming Jay Hawkins, Kyuss PÁGINA WEB: downtownlosers.bandcamp.com FORMACIÓN:


S ONE HORSE TOWN APOCALYPSE (AUTOEDITADO) BLUES ROCK

70

u propuesta es a simple vista tan minimalista que parece sencilla, pero no os engañéis. No es nada fácil meterse en los arcaicos sonidos del blues más primigenio y salir airosos del intento. Alber Solo y Dolphin Riot, dos músicos más que experimentados, se han zambullido sin miedo en ese mundo tan oscuro y demoníaco añadiendo su pasión por las pedaleras a tope de fuzz y no se han cortado a la hora de incluir todo lo que les ha venido en gana siempre que les apeteciera y encajara con el concepto. No es un

disco fácil, has de estar algo versado no ya tan sólo en el blues del Delta, sino también entender que Screamin’ Jay Hawkins es uno de los personajes más especiales que nunca haya dado el rock’n’roll y que gente como John Coltrane, The Stooges o Count Basie pateaban culos bajo la misma premisa aunque musicalmente unos y otros tuvieran poco que ver. Todo ese mundo descrito está ahí, en el voluptuoso ritmo de ‘Vulture Drunkeness Blues’, en el infeccioso riff de ‘Angry Ginger Woman Wanted’, en el añejo sabor de ‘I Will Be Eaten By The

Wolves’, en el aire luminoso de ‘You Should Have Seen The Sings’ o en las tinieblas de ‘Unless You Do Blues’. Les queda camino por recorrer, al fin y al cabo entraron en el estudio por diversión, tan sólo para grabar unos cuantos bocetos que tenían en mente, y casi sin querer les salió un álbum entero. Como carta de presentación raya a gran altura, pero ahora que han conseguido sorprender a más de uno, tendrán que refrendar esas buenas sensaciones solidificando un proyecto que podría tener mucho futuro. ANDRÉS MARTÍNEZ

HABLAMOS CON... DOLPHIN RIOT ¿Cuándo se forman Downtown Losers?

“Tenía unas cuantas canciones y muchas ganas de grabarlas con Alber. Así que decidimos ir al estudio de Miguel, cerca de Avilés, a disfrutar del proceso y desconectar del resto. Es un buen amigo y nos entendemos a la perfección con él. El resultado final nos gustó mucho y nos animamos a fabricar unos CD. Después Marco de Ghost Highway Recordings lo sacó en vinilo y aquí estamos, intentando hacer blues con el fuzz a trapo”. Creo que lo grabasteis de una manera muy rápida y de forma totalmente analógica.

“Fue muy rápido, sí, cinco días en total incluyendo voces. Grabamos las baterías y algunas guitarras en cinta, 100% analógico, en una MCI de época, cuya compresión es muy especial y te traslada a otra década. Luego Pro Tools agiliza mucho todo sin apenas afectar al sonido. Miguel es uno de los

pocos sabios que quedan por aquí, capacitado para estar al volante en una grabación así. Con tanto aparato analógico y la intención de pasarlo todo por el fuzz, hay muchos factores a tener en cuenta para no convertirlo todo en una bola de graves, bufidos y saturación sin sentido. Después mezcló y masterizó en analógico. Los mixes eran imposibles de rectificar, de hecho los soplidos en ‘I Will Be Eaten By The Wolves’ parecen un efecto y en realidad son una consecuencia (risas). ¡Nos gustó trabajar así!”. En principio la banda sois Alber y tú, pero Miguel Herrero, que es quien ha mezclado y masterizado, también ha tenido mucho peso, ¿no?.

“Sí, Miguel es esencial para el sonido del álbum. Tomó muchas decisiones pensado en la mezcla desde el principio y yo le di carta blanca porque estaba realmente implicado, y añadió su experiencia como músico y productor,

consiguiendo que todas las ideas que surgían quedasen ensambladas de manera armónica”. Igual estoy loco, pero percibo influencias de 13th Floor Elevators, Son House, Screamin’ Jay Hawkins, Kyuss...

“La verdad es que 13th Floor Elevators no se me hubieran pasado por la cabeza (risas), pero me gustan, podría ser. Yo creo que todo lo que encuentras en un disco como oyente, enriquece la escucha, añades tu propio bagaje cultural y eso es lo cojonudo de descubrir bandas nuevas. Son House es, sin ninguna duda, mi músico de blues favorito. ‘Unless You Do’ es un guiño a Screamin’ Jay Hawkins. ¡No estás loco! (Risas) Elmore James, RL Burnside y Mississippi Fred McDowell también han sido grandes influencias. Lo de Kyuss me lo dicen bastante, pero yo no lo hubiese imaginado nunca, tío. No estaba en mi cabeza, aunque es una banda que adoro”. (ANDRÉS MARTÍNEZ) 81


C AKERCOCKE

Reinassance In Extremis (PEACEVILLE) BLACKENED DEATH METAL

78

uando las noticias de un nuevo álbum de Akercocke ya parecía que traspasaban el umbral del rumor, reconozco que pensé que su regreso era innecesario –en cierta manera, aún lo pienso- y que tenían mucho a perder y poco a ganar. Desde la edición de aquel ya lejano primer álbum en 1999, el ahora cuarteto londinense se convirtió en una de las formaciones más peculiares y de más calidad dentro de un metal extremo que empezaba a dar sus primeras muestras de saturación. Un personal blackened death metal al cual se le fueron añadiendo con el paso de los años unos estrambóticos giros progresivos, unidos al ocultismo de sus letras, una imagen peculiar y una discografía donde sobraba muy poquito material, convirtió a Akercocke en una de esas bandas que

A THE WAR ON DRUGS A Deeper Understanding (ATLANTIC) INDIE ROCK

83

82

Adam Granduciel le llegó el momento de recoger todo lo bueno que había estado sembrado con la publicación de Lost In The Dream. No fueron precisamente pocas las publicaciones que encumbraron su lanzamiento como uno de los más destacados de 2014 provocando de manera inesperada que The War On Drugs se posicionasen en lo más alto del panorama indie internacional. Es por ello que su continuación se ha visto rodeada de una expectación mediática digna de las grandes estrellas. Y lo mejor de todo es que el resultado ha

son punto y aparte dentro de su escena. Por ello intentar emular todos esos logros diez años después tenía un gran componente de riesgo… aunque el riesgo es algo que lo que siempre parecen haber convivido muy bien. Quizás han optado por el camino más inteligente en este Renaissance In Extremis, que es el de hacer un disco de estilo. Sin asumir riesgos, han dado lo mejor de sí en

lo que saben hacer bien. Pero ahí es donde está la duda. ¿Era necesario? Difícil decir que no cuando disfrutas cada uno de los minutos de esta hora de música, pero al mismo tiempo nada hubiese pasado de no existir un álbum como éste. Que cada uno escoja su posición. De momento seremos positivos y veremos el lado bueno de las cosas.

estado más que a la altura. Si bien hay que apuntar que A Deeper Understanding carece de esa aura de misticismo shoegaze que envolvía a su predecesor, en su lugar encontramos una producción mucho más definida y orientada al gran público. De hecho, el inicio de ‘Up All Night’ dejará a la mayoría en fuera de juego con esas bases programadas. Pero a la que le sigue esa majestuosidad llamada ‘Pain’ (una de esas canciones perfectas que sólo se escriben cada cierto tiempo), el resto del disco resulta ser apabullante hasta que acaba. En ‘Holding On’, ‘Nothing To Find’ e ‘In Chains’ nos recuerdan que

hubo una época en los 80 en la que Bruce Springsteen y Dire Straits dominaban las ondas sin que lo comercial estuviese reñido con la calidad. De hecho, la etapa más ochentera de Bob Dylan es otra de las principales influencias aquí. La bella tormenta eléctrica de ‘Stangest Thing’ o el viaje de ida y vuelta de ‘Thinking Of A Place’ (¿Hace cuanto que Wilco no graban un tema así?) dejan claro que aquí Granduciel está tocado por una barita mágica. Y si no, escuchen el cierre a lo Dylan que es ‘You Don’t Have To Go’, poniendo la guinda a uno de los álbumes de la temporada.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA


ALTER BRIDGE

Live At The 02 Arena + Rarities (NAPALM) HARD ROCK

80

M

uchas veces un disco en directo no es más que una excusa de un sello discográfico para sacar más pasta a los seguidores de un grupo, pero por suerte, no es el caso del primer directo de Alter Bridge. Tras cinco álbumes y 13 años de actividad, iba tocando algo para rememorar sus grandes puestas en escena... Y es que te pueden gustar más o menos, pero si tienes la suerte de poder ir a uno de sus conciertos sin duda saldrás respetándoles algo más. Han jugado bien

sus cartas, y con un público entregado en su última gira a su paso por Londres, registran este directo donde tanto Mark Tremonti como Myles Kennedy demuestran sus dotes para el negocio del rock’n’roll: carisma y talento a raudales. No faltan grandes composiciones como ‘Cry Of Achilles’ o ‘Addicted To Pain’, incluso baladas como ‘Watch Over You’, pero sobre todo teniendo cuidado de cubrir todo su catálogo desde ‘One Day Remains’ hasta la actualidad. Las once canciones que presentan como rarezas e inéditos no se quedan atrás, y más que descartes de otras sesiones de grabación podrían tener voz propia como un álbum con todas las de la ley en su discografía, si sólo sonasen coherentes reunidas en el mismo lanzamiento. Un gran trabajo de diseño, sonido y empaque conjunto, cumple su función a la perfección: trasladarte al concierto si es que ya los has visto en vivo, o hacerte ver que vale la pena pagar por una entrada suya cuando vuelvan a pasar cerca tuyo. JORGE FRETES

ESKIMO CALLBOY The Scene

(CENTURY MEDIA) ELECTROCORE

60

P

ocas bandas representan mejor que Eskimo Callboy la irreconciliable brecha que separa la nueva escuela metálica de la de toda la vida. Para cualquier pureta lo sencillo sería coger The Scene y lanzarlo a la basura, pero ir sumando años también debería implicar el intentar entender a los jóvenes, y así ver que, más allá de música, lo que estos alemanes evidencian es el cambio radical en el paradigma sociocultural que hemos vivido en los últimos tiempos. Mejor o peor que el que había imperado, pero tan real

como el equipo de Zidane. De una generación que no ha recibido ni un bofetón se puede esperar la parodia tontorrona como mucho, pero sobre todo exceso, productos prefabricados y satisfacción instantánea. Eskimo Callboy, vamos. Estamos ante chiquillos sobreinformados de chorradas, cuya existencia depende de una pantalla, y en consecuencia sus temas están sobreproducidos con cientos de líneas y ruiditos molestándote a cada segundo. ¿Un chaval explorando discos enteros, sin picotear singles de todos los palos? Jamás, y por eso pasamos de Attila al electropop más vendible en ‘MC Thunder’ o ‘Banshee’, incluso Fronz canta en ‘The Scene’, y luego los Marilyn Manson o Rammstein más asequibles en ‘VIP’, para más tarde descargar perreo en ‘Rooftop’ como en esas sesionacas donde a Suicide Silence les sigue Skrillex. Por supuesto no puede faltar Justin Bieber en ‘Frances’, porque si en el siglo XXI no eres ecléctico, no eres nada. Currado, pero no apto para mayores de 20 años. PAU NAVARRA


I IMPLORE Subjugate

(CENTURY MEDIA) GRINDCORE, DEATH METAL

84

mplore han dado un salto cualitativo enorme entre Depopulation, su primer álbum, y Subjugate. ¿Qué ha ocurrido en estos dos años? En primer lugar, la unión musical del guitarrista Petro con Gabbo, voz, bajista y líder del combo internacional. Luego, un montón de giras que les han ayudado a asentarse y tomar conciencia de que necesitaban un discurso propio. Para terminar, el EP Thanatos, en el que sabiamente se dejaron aconsejar en materia de sonido por Dani de Ósserp, por ejemplo. Para ser claros, de banda con discretos resultados en el estudio pero con brutales directos, Implore han pasado a ser un grupo con lanzamientos tan remarcables como Subjugate y unos conciertos que sólo pueden ir a más al cerrar un line-up sólido. Creer en sus posibilidades les ha hecho romper con

C KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD Sketches Of Brunswick East (FLIGHTLESS) ROCK EXPERIMENTAL, JAZZ

70

86

uando aún estamos asimilando el reciente Murders Of The Universe, King Gizzard & The Lizard Wizard no se detienen en su propósito de lanzar cinco nuevas referencias antes de que finalice el año. En el tercer capítulo que ve la luz en los últimos ocho meses, la banda vuelve a hacer un arriesgado y sorprendente quiebro en un ejercicio que demuestra una vez más que estamos ante una formación completamente inclasificable. Sketches Of Brunswick East supone una alianza junto a Alex Brettin, principal cabecilla de Mild High Club, en la que los King

el ABC del grindcore y ampliar miras, claro, y es por eso que en su nueva obra encontramos torpedos grind como ‘Loathe’ o ‘Totalitarian’, por supuesto, pero también hardcore del más extremo en ‘Paradox’ o ‘Disconnected From Ourselves’, una ‘Patterns To Follow’ con clara vocación de himno punk, aunque pasada por su filtro sangriento, o un lapso ambiental como ‘Ecocide’. Empalman cañonazos entre una producción

abrasiva y dañina como pocas, y es que cerrar con ‘Untouchable Pyramid’ y ‘Gazing Beyond’ es como una ejecución, pero es que antes ya habíamos sufrido un corte algo Cattle Decapitation como ‘Technology A Justification For Killing’ o ‘Cult Of El’, que viene a ser como pasar la mili pero en menos de 2 minutos y medio. Piensa en Nails, Rotten Sound, Nasum o Maruta, y añade algo de death sueco. Bravo chicos.

Gizzard se adentran en las sonoridades del jazz más libre y experimental, lo cual supone una importante reducción del nivel de locura al que nos suelen someter. No significa esto que nos encontremos ante un trabajo más previsible, pero sí con un tempo más relajado y, por qué no decirlo, placentero de escuchar. Las insinuantes líneas de bajo ganan la partida a las guitarras, así como los teclados y numerosos arreglos exóticos, como flautas, que iremos encontrando. Incluso hay ciertas partes (‘D-Day’, ‘The Book’) que nos recuerdan a las

que ya escuchamos en Flying Microtonal Banana, continuando su peculiar tradición de hacer referencia a obras anteriores. Y es que da la sensación de que el álbum hace honor a su título, siendo la mayoría de cortes retazos de canciones a las que se echa en falta una mayor concreción y cohesión. Puede que funcione para tenerlo de fondo en casa durante alguna reunión entre amigos y quedar como el trendy de la pandilla, pero creo que acudiré a algún otro de sus álbumes cuando me apetezca escucharlos de verdad.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA


ABLE BAKER FOX Visions

(ARCTIC RODEO RECORDINGS) POST HARDCORE

80

D

e las cenizas de bandas de indie rock y post hardcore como Small Brown Bike, The Casket Lottery o Coalesce surgió en 2008 una banda a tener muy en cuenta como Able Baker Fox, cuyo largo debut llevaba por título Voices. Casi una década después publican el presente Visions, también a través del sello europeo Arctic Rodeo Recordings, hogar de leyendas en activo del emocore y post hardcore como Adam Rubenstein (Chamberlain), Jonah Matranga (Far y ahora también en Camorra), Matt Pryor (The Get Up Kids) y J. Robbins. Precisamente

el líder de Jawbox fue el encargado de producir y grabar este segundo trabajo en su cuartel, The Magpie Cage Recording Studio, situado en Baltimore. El sonido de la banda en Visions, coeditado por No Sleep Records, entronca con los 90 y más concretamente con la escena de Washington D.C.. Esta querencia hardcore de la formación liderada por Nathan Ellis, cantante y guitarra de The Casket Lottery, es evidente en cortes como la musculosa ‘Pennies On The Dollar’, la angustiosa ‘Free Flowers’ y ‘Painted Shell’ (con ese bajo inicial tan Fugazi). Sus formas pueden recordar a los Cave In más accesibles de Antenna (‘Sins Of Dad’ es un ejercicio impecable de post hardcore para todos los públicos) y a los infravalorados Sparta, sobre todo en algunos estribillos con coros celestiales (mis favoritas ‘Drift’, ‘Dead Canaries’ y ‘Lady Ghost’). Si alguna vez te ha interesado alguno de los nombres citados, prepárate para disfrutar. Lo mejor: ni un solo tema de relleno. Muy recomendable. LUIS BENAVIDES

SETBACKS

Oceans Apart (MORNING WOOD) HARDCORE MELÓDICO

75

S

etbacks está formado por Aaron Goulding a las voces, Sean Houseman y Andy Constantinou a las guitarras, Heath Rowley al bajo y Juan de Lange a la batería. Puede que estos nombres no digan nada a muchos de vosotros, pero si cito las bandas de las que provienen alguno puede acordarse: Pridebowl, Lowprofile, Wiseheimer, Delayed y Still Thinking. Además, estos cinco tipos proceden de lugares tan alejados entre sí como San Diego (Estados Unidos), Londres (Europa), Durban (Suráfrica) y Nueva Gales del Sur (Australia); es decir, de cuatro continentes distintos. Eso explica el

título de su debut, Oceans Away, y que tengan una brújula como logo de la banda. En 2015 empezaron a enviarse sus primeras ideas y a compartir archivos por email, Skype y Dropbox y, escuchando el resultado final de Oceans Apart, lo cierto es que no parece que este quinteto esté separado por varios océanos. En efecto, Setbacks lanzan 14 canciones de hardcore melódico brillante gracias a exprimir los dos elementos que hicieron grande a este estilo durante los 90: una velocidad rítmica endiablada y unas melodías vocales difíciles de olvidar. Los temas geniales no tardan en salir: ‘Absent Minded’, ‘Stand By Me’ (con ese toque emo), ‘Don’t Bully Me’, ‘Victory’, ‘Oceans Apart’… Sólo me sobra algún solo de guitarra (como el que estropea la buena ‘No Regrets’) y ‘Zenith’, con una intro que parece sacada de un disco de heavy garrulo. No me sobran, por el contrario, las bonitas notas de piano con las que acaba un álbum que hace bueno aquello de que la música no entiende de fronteras. JORDIAN FO


COMEBACK KID Outsider

(NUCLEAR BLAST) HARDCORE

80

E

ntre visita y visita al Resu y el enésimo tour por medio planeta, Comeback Kid han sacado tiempo para grabar un nuevo trabajo. Si en Die Knowing fueron capaces de volcar toda la energía de sus conciertos al estudio haciendo especial hincapié en su vertiente más burra, para su sexto álbum los de Winnipeg han optado por diversificar algo más su sonido. Para su debut en Nuclear Blast, esta vez el apartado melódico ha tenido mucho más peso en las composiciones, como muestran ‘Surrender Control’ y ‘Somewhere Somehow’. Ambas con un Andrew Neufeld vomitando

82 88

bilis y mala hostia como suele ser habitual, pero con dos de los estribillos más claros y certeros que hayan escrito en toda su carrera. Incluso se puede apreciar un aire más happy en ‘Consumed The Vision’, donde Chris Cresswell de The Flatliners les echa un cable a las voces, o la fugaz ‘Hell Of A Scene’, sin que por ello el grupo deje de repartir estopa. En el lado opuesto, ‘Livid, I’m Prime’ se destapa con unos riffs que casi rozan el thrash metal, así como en ‘Absolute’, en la que predomina el tono más metalero con otro cameo de lujo a cargo de Devin Townsend. Y si eres de los más puretas, tranquilo que en ‘Outrage (Fresh Face, Stale Cause)’ y ‘Throw That Stone’ se encargan de asegurar su parcela dentro del hardcore con unos coros y gang vocals marca de la casa que encenderán cualquier pit. Todo ello forma un disco de lo más variado y diverso. Porque con semejante exhibición de fuerza bruta, los canadienses demuestran una vez más que poquitos les hacen frente tras tantos años en la brecha. GONZALO PUEBLA

GUN

Favourite Pleasures (CLOBURN MUSIC/MUSIC AS USUAL) ROCK

75

L

os rockeros escoceses Gun tuvieron su momento de gloria a principios de los 90. Su excelente debut, Taking On The World, los hizo muy populares en España, al que siguió un notable Gallus (1992), y un también interesante Swagger (1994). Con su cuarto álbum, 0141 632 6326 (1997), se pasaron al pop y la banda se separó. No volvieron a reunirse hasta 2008, y lo harían sin su vocalista Mark Rankin. Sería el bajista Dante Gizzi (hermano del guitarrista fundador Giuliano Gizzi) quien se ocuparía de sustituirlo, y su retorno

se plasmó con el álbum Break The Silence (2012), al que seguiría Frantic (2015) y ahora este Favourite Pleasures. Si admitimos que su tiempo de gloria ya pasó, tenemos que reconocer sin embargo que este nuevo trabajo de diez cortes (14 en la versión deluxe, que incluye una versión del ‘(You Gotta) Fight For You Right (To Party)’ de los tristemente desaparecidos Beastie Boys) tiene chicha. Empezando con un póker de lujo: ‘She Knows’, ‘Here’s Where I Am’, ‘Favourite Pleasures’ y ‘Take Me Down’ no dan tregua y entregan ráfagas de frenético rock bailable. Con ‘Silent Lovers’ tiran de britpop convincente, mientras ‘Black Heart’ vuelve a la carga con riffs blueseros. No falta el medio tiempo ‘Without You In My Life’ ni la guitarra inicial a lo U2 de ‘Tragic Heroes’, que por cierto, es otro temazo, característicos en sus trabajos. Cierra el disco la correcta balada ‘Boy Who Fooled The World’ dejando un buen sabor. Gun han vuelto para quedarse, y esperemos que pronto vuelvan a pasarse por aquí para presentarlo. HUGO DE COMINGES


DECREPIT BIRTH Axis Mundi

(AGONIA/NUCLEAR BLAST) TECHNICAL DEATH METAL

77

N

ada más y nada menos que siete años han tenido que pasar para que Decrepit Birth nos entreguen el siguiente capítulo de su historia musical. Siete largos años que he de reconocer que, a la primera escucha, no encontré justificados (grave error, el mío), pero que con las siguientes y reiteradas del trabajo, ha acabado por atraparme muchísimo. Polarity fue un álbum mucho más emocional que entraba a la primera, mientras que este Axis Mundi, quizá el nombre del álbum ya nos lo avisaba, necesita de una mayor profundización en

sus entrañas. Un camino al mundo celestial que sólo los persistentes podrán recorrer a golpe de blast beat, sweep picking y melodías evocadoras. Tanto estilísticamente como en producción, el plástico sigue la estela que dejó su anterior trabajo: instrumentos muy bien definidos y apretados, baterías con un tratamiento moderno y un mastering muy compacto que deja la dinámica sólo en manos de la composición. ¡Y qué composición! Precisamente en el uso de las dinámicas mediante los instrumentos y las secciones vocales reside la fuerza de esta obra. Es una fórmula que pocos dominan como los americanos, herederos de la escena técnica de Florida, y que explotan mediante esas melodías tan características saturadas a base de delays y un trabajo rítmico excelente por parte de Sam Paulicelli. En definitiva, es un álbum con muchísimo groove, técnica, un sonido de escándalo y muchos detalles que no paran de aparecer. He de acabar haciendo una mención especial a la portada de Dean Seagrave. ABEL VALDELVIRA

ANAL HARD Alta Gama (CRUZADE) HARDCORE

80

A

principios de los 80 no había escenas locales de hardcore punk en Estados Unidos. No fue hasta que Black Flag empezaron a girar por su país que, poco tiempo después de que tocaran en una población, allí mismo florecerían los primeros grupos y una incipiente escena local. El mapa de Norteamérica se iba llenando de manchas conforme se iban consolidando las escenas de cada región; Black Flag nunca tocaron en España, pero si hiciéramos la analogía del mapa, veríamos que hay una mancha sobre la pequeña localidad costera de El Masnou. Sin

duda, después de más de 15 años en esto, Anal Hard es la banda que más ha contribuido a poner al Masnou en el mapa de la escena hardcore estatal. Alta Gama es su cuarto LP y, con él, estos veteranos del mundillo (o perros viejos, como se autodenominan en la primera canción que suena en el vinilo) pretenden seguir estampando su conocido logo del ancla allí donde les permitan tocar y desfasar. De las diez canciones que acaban de parir, cinco son buenas (‘Perros Viejos’, ‘Ramonet’, ‘Lujo Y Confort’, ‘Defekación Post-Mortem’, ‘A Lo Hecho, Techo’) y las otras cinco, muy buenas: ‘Barcelona ’92’, ‘Licking Ass Club’, ‘Reptilian Maintenance’ (Ojo al videoclip que han hecho), ‘Tus Frías Puñaladas’ (Lo más parecido a una balada que han escrito nunca) y ‘Animales’. Sé que no me va a hacer ni caso, pero aconsejaría a Rubio, el cantante de Anal Hard, que dejara los guturales y que metiera más ladridos de perro rabioso en plan ‘¡Ough! ¡Ough!’. Les sentaría de lujo. JORDIAN FO 89


THE WIZARDS

Full Moon In Scorpio (FIGHTER) HEAVY ROCK

85

P

or mucho que se empeñen en colgarles la etiqueta de ‘occult rock’, lo de The Wizards es otro rollo. El bagaje previo en formaciones de punk rock de varios de sus componentes es algo que ha hecho mella en la actitud de los bilbaínos: ir a saco desde el primer minuto. Lo suyo no son los devaneos con la psicodelia y sí la caña sin compasión. Full Moon In Scorpio lo deja bien claro desde que nos da la bienvenida con ‘Avidya’ y las guitarras de Felipe y Jorge se estrellan en nuestros morros gracias a la poderosa producción de Dean Rispler. En ‘Calliope (Cosmic

74 90

Revelations)’, Ian Mason se convierte en absoluto protagonista gracias a un despliegue vocal soberbio con obvias reminiscencias a héroes como Danzig o Ian Astbury, algo que se convertirá en la tónica general del álbum. ‘Leave The Past Behind’ rinde tributo al mejor rock pesado de los 70 vía Black Sabbath y Deep Purple para que, a continuación, ‘Halftones To Eternity’ nos ponga a hacer headbanging como posesos. Porque no es sólo que esta gente sea una máquina de fabricar riffs, sino que además saben qué hacer con ellos, como en ‘Stardust’ y ‘Who Are You, Mr. Gurdjieff?’, ambas con unos coros de los que Ian saca partido. ¿Y qué decir de ‘When We Were Gods’? Pues que es el cierre soñado para un trabajo así. Al contrario que su debut, esto ya no es un primer aviso sino toda una realidad con la que The Wizards colocan el listón muy alto. Si eres de los de alzar los cuernos y cantar hasta quedarte afónico para después refrescar la garganta con cerveza fría, este disco está hecho para ti. Pura magia. GONZALO PUEBLA

KHMER

Larga Sombra (VARIOS SELLOS) BLACK METAL, CRUST

75

D

e un tiempo a esta parte, varias han sido las voces que me han recomendado la música de Khmer. Sobre todo recuerdo a mi querido Berse de los toledanos, y por desgracia extintos, Rhesus: ‘Pau, escucha a esta gente, en serio, que te van a flipar’. Así que me interesé por ellos, me pasé por su Facebook, con un seguimiento bastante bestia para tratarse de una banda tan underground, y así comprendí que si no había oído antes de este cuarteto es porque se ha centrado en el exterior, contando ya con tours por Estados Unidos, Japón y Europa. Para traerlos a

las páginas de RockZone esperé algo más, quise reseñar una obra un poco más memorable, algo como Larga Sombra, su primer álbum de estudio. Lo que aquí encontramos es una mezcla muy consistente y personal de black (esos rasgados de Mario C. Vaises, las guitarras y distorsión de ‘A Este Lado De La Luna’ o ‘Soledad’) con un espíritu muy punk y libertario, en el sentido de hacer lo que les da la gana a cada momento. El colmo de esta volatilidad lo encontramos en un corte como ‘El Ardor De La Crueldad’, que empieza alocado a lo Converge para, en su segunda parte, lanzarse a por un death melódico que, con su castellano, nos puede remitir fácilmente a Sound Of Silence. Lo más destacable es que muchas veces su lírica, entre oscura y romántica, se vuelve optimista gracias a un trato instrumental poco usual. A Larga Sombra podemos achacarle que tan sólo son 24 minutos, contando además con dos temas instrumentales, pero no se puede negar que Khmer tienen algo especial. PAU NAVARRA


BRANT BJORK Europe ‘16 (NAPALM) STONER ROCK

80

C

asi veinte años ha tardado Brant Bjork en sacar su primer disco en directo (al menos oficial) desde que empezase su carrera en solitario en 1999. Batería y compositor en Kyuss, en Vista Chino, batería de Fu Manchu y multiinstrumentista en mil encarnaciones más, sin duda se trata de uno de los padrinos del stoner y el rock desértico. Eso queda claro desde la misma portada de este nuevo lanzamiento. Este directo captura 85 minutos en doce canciones grabadas en su última gira europea, presentando a la vez sus dos últimos lanzamientos para Napalm Records y acompañado de

92

su actual banda The Low Desert Punk Band. ¿Es un disco forzado? Puede que sí, dado que el propio Bjork había comentado que Tao Of The Devil sería su último lanzamiento con su actual sello, dando a entender que un trabajo en vivo era obligatorio para acabar un contrato de tres álbumes. Obligatorio o no, este directo no hace más que demostrar el buen estado de forma del talento de pelo rizado, groove y bandana. Desde la inicial ‘Buddha Time (Everything Fine)’ pasando por ‘Freaks Of Nature’ o ‘Humble Pie’ nos damos cuenta de que Bjork sigue entregando un trozo de su alma cada noche, y no hace de este juego algo robótico ni programado. Sus refuerzos siguen la misma tónica, y la batería de Ryan Güt simplemente suena mágica y consistente durante todo el set. Con el vocalista invitado Sean Wheeler y una producción que no esconde errores sino que los aprovecha a su favor, y demuestra que los músicos son humanos, tenemos un disco potente a pesar de reflejar sólo una cara (la más reciente) de una leyenda. JORGE FRETES

INHEAVEN Inheaven (PIAS) ROCK ALTERNATIVO

75

P

ocas bandas debutantes han recibido tan buenas críticas y tan rápidamente como Inheaven, un cuarteto del sur de Londres. La propuesta musical de los primerizos Inheaven, uno de los grupos que apuntan a ser la revelación de 2017, resulta tan familiar como pegadiza. El mayor mérito de la banda liderada por el guitarrista James Taylor y la bajista Chloe Little, ambos ejerecen a su vez de cantantes, es su facilidad para combinar con gracia y frescura elementos muy manidos del grunge, del britpop y del shoegaze noventeros. Un claro ejemplo de la habilidad

de Inheaven para tomar prestadas cosas de aquí y de allá con excelentes resultados es el potente adelanto ‘Treats’, lanzado con un revelador videoclip repleto de guiños al ‘Burn Baby Burn’ de Ash, ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana y ‘Doll Parts’ de Hole. Grabado en los estudios Rockfield por Tom Dalgety (Royal Blood, The Maccabees), ‘Inheaven’ también evoca por momentos a The Pixies (la línea de bajo de la inicial ‘Baby’s Alright’ lleva el sello de Kim Deal), a los primeros Arcade Fire (las voces celestiales de ‘Real Love’) y a los mejores Smashing Pumpkins (el riff de ‘Vultures’), por citar sólo tres de las referencias más obvias de esta formación con dos muy buenas voces, una fórmula que utilizan los también británicos The Subways y Blood Red Shoes. La carrera meteórica del cuarteto de moda, que llamó la atención del sello del mismísimo Julian Casablancas de The Strokes, justo acaba de empezar. Les seguiremos la pista. Atrápales ahora que todavía estás a tiempo. LUIS BENAVIDES


BEING AS AN OCEAN

Waiting For The Morning To Come (AUTOEDITADO) POST HARDCORE

50

L

as cosas olían mal cuando este álbum debería haber sido lanzado en junio y ni el sello Equal Vision, ni la banda, dijeron nada cuando llegamos a ese mes. Poco después Being As An Ocean rompieron contrato, decidieron lanzarse como una banda independiente, y el resto es lo que podemos encontrar en este demasiado ambicioso Waiting For The Morning To Come. No es posible que hasta cuatro canciones de las diez sean simples transiciones que cambian completamente

74 94

el estado de humor en el que nos sumergen por momentos, y ni siquiera la característica voz de Joel Quartuccio salva el juego. Si se los conocía por su faceta melódica, aquí han decidido explotar esa cara al máximo, tanto que hasta las guitarras se quedan muy atrás en la mezcla, y Michael McGough tiene mucho más protagonismo en las voces limpias. ¿El resultado? Unos Being As An Ocean más rockeros, que no están mal, pero que no aportan nada nuevo con este cambio. El disco falla en muchos momentos, como en la totalmente innecesaria ‘Suddenly, I Was Alone’ en sus 5 minutos instrumentales. La banda sigue sonando a sí misma en otros trayectos, pero es la mezcla de contrastes tan grandes lo que hace que falle en donde intenta destacar. Un disco que claramente se deja escuchar, pero también mucho menos atmosférico y memorable. Como si de un álbum de caras B se tratase, esperemos que sólo sea un resbalón en una carrera que aún no ha terminado de despuntar. JORGE FRETES

LOS CORONAS

Señales De Humo (TRITONE) ROCK INSTRUMENTAL

78

N

uestra banda de surf rock más internacional está de vuelta con nuevo LP bajo el brazo. Aunque, a decir verdad, ya hace mucho tiempo que a Los Coronas semejante etiqueta se les quedó demasiado pequeña para intentar definirles. Su personal manera de cabalgar sobre las olas y las notas alcanzó nuevos terrenos en su anterior Adiós Sancho, y para esta aventura han estirado su sonido todavía más si cabe. Registrado una vez más en el desierto de Tucson bajo la supervisión de Craig Schumacher, en Señales De Humo el mítico grupo de Malasaña vuelve a tirar de ingenio a lo largo de

17 cortes en los que cabe absolutamente de todo. Desde la ya típica tonada de spaghetti western (‘Drama West’) con la trompeta de Yevhen Riechkalov en primer plano haciéndose un hueco entre las Fender de David Krahe y Fernando Pardo, hasta el rock’n’roll de toda la vida (‘Lady Rolla’). Entre medias, Los Coronas se dedican a visitar distintos lugares del mundo recogiendo influencias tan diversas como la rumba catalana en ‘A Tope A Amor Y Lujo’, el toque exótico de ‘Pincho Moruno’, los ritmos africanos con ‘ Essaouira’, la música balcánica en ‘7+6’, el desenfreno discotequero de ‘La Fiebre’ o la joya de la corona (nunca mejor dicho) que es ‘Tres Culturas’, donde consiguen mezclar con pasmosa fluidez el flamenco, el mariachi y el vals. Si añadimos colaboraciones como la de Orkesta Mendoza y Jairo Zavala de Depedro, no cabe duda de que nos encontramos ante la obra más ambiciosa de los madrileños hasta la fecha. Crucemos los dedos para que la rumorología falle con respecto a que podría tratarse de la última. Esto no puede acabar aquí. GONZALO PUEBLA


UFOMAMMUT 8

(NEUROT RECORDINGS) DOOM METAL, STONER

85

A

ún tenemos incrustado en el cerebro el excelente directo de los italianos Ufomammut en esta pasada edición del Resurrection Fest. Pero sus directos, al igual que sus discos, no pueden entenderse escuchando sólo una canción: hay que trabajárselos. Quizás la mejor manera de describirlos es como una banda que necesita su tiempo y atención para poder descifrar sus encantos. 8 presenta cambios, y es que en este álbum deciden poner los riffs al frente y dejar las atmósferas en un segundo

término. Ése es el cambio más significativo de todos, y es que han decidido acortar bastante sus pasajes ambientales en favor de un groove más fluido y directo. Que ‘Babel’ y ‘Psyrcle’ no os engañen, porque aunque el disco empieza lento y pesado, la producción hace que haya mucha más luz aquí que en sus más recientes referencias, también aflorando así el lado más sludge de la banda. Aunque los gritos siguen muy presentes, es de aplaudir que Ufomammut intenten un acercamiento vocal ligeramente diferente como se puede apreciar en piezas como ‘Warsheep’. No es su mejor lanzamiento ni pretende serlo, pero si empuja a sus integrantes a probar algo diferente se agradece, porque en el intento no pierden su identidad en el trayecto. Las estructuras de las canciones cogen una fortaleza desmesurada, que en puntos como en ‘Zodiac’ los acercan hasta el metal más sureño. Si su objetivo era intentar conseguir el riff más pesado de su cosecha, lo han conseguido. JORGE FRETES

LEGENDARY SHACK SHAKERS After You’ve Gone (LAST CHANCE) PSYCHOBILLY SUREÑO

77

N

o le debe haber resultado nada sencillo al Coronel J.D. Wilkes mantener a flote la nave de Th’ Legendary Shack Shakers en los últimos tiempos. Las constantes entradas y salidas en la formación, entre ellas la de su lugarteniente, el contrabajista Mark Robertson, le han terminado convirtiendo en el único miembro original de la banda. A pesar de todo ello, la bestia de Kentucky no ha detenido su actividad en directo, y encima está de vuelta con un nuevo plástico. Y no sólo eso, pues nos atrevemos a afirmar que se trata de lo mejor que han facturado en años. Después de un par de álbumes en

los que su descacharrante psychobilly había reducido considerablemente las revoluciones, Wilkes parece haber encontrado el punto idóneo en el que convergen la furia desquiciada de sus tres primeras obras y el tono más tradicional de su etapa reciente. Sin llegar a los niveles de Cockadoodledon’t o Pandelirium, piezas como ‘Curse Of The Cajun Queen’, ‘Long Legs’, ‘Frankenstein’s Mother’, ‘Get Outta My Brain’ y ‘Single Boy’ nos devuelven a esa licuadora infernal capaz de mezclar rockabilly con rock sureño, blues, country, punk y música de saloon en plenitud de facultades. No sólo eso, puesto que ahora, cuando les da por quitar el pie del acelerador, son capaces de bordarlo en cortes tan geniales como el irresistible boogie de ‘War Whoop (Chief Paduke’s Revenge)’ o el acertadísimo toque New Orleans de ‘(Sing) A Worried Song’, del que se beneficia un Coronel que sabe cómo hacer la canción completamente suya. Una más que sensible mejora que ya iba siendo necesaria. GONZALO PUEBLA


MYRKUR

PRINCESA DE LA OSCURIDAD


LA IRRUPCIÓN DE MYRKUR EN LA ESCENA EXTREMA NO HA ESTADO EXENTA DE POLÉMICA. ¿SE TRATA DE UNA ARTISTA DE VERDAD O DE UN SIMPLE PRODUCTO? CON SU NUEVO DISCO MARERIDT, LA DANESA INTENTA DESPEJAR LAS DUDAS. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

H

ACE YA UNOS TRES AÑOS QUE MYRKUR,

alias de la multiinstrumentista danesa Amalie Bruun, salió a la palestra, atrayendo todos los focos de la crítica. Una fuerte campaña publicitaria buscó desesperadamente la atención de los amantes de los sonidos extremos, y del black metal en concreto. Con el cebo echado, y escondiendo su identidad en primera instancia, Bruun explotó su EP hasta plantarse con su primer disco M. Pero pese a estar respaldada por músicos de la talla de Nergal (Behemoth) y Kristoffer Rygg (Ulver) entre otros, su black metal lavado con suavizante no pareció estar a la altura de las expectativas. De modo que con la imagen de abanderada de dicho género desmontada, el contraataque promocional apeló a que lo importante era la presencia de una mujer en una escena dominada por hombres. La suma de todo generó, por un lado, el acercamiento de un nuevo público, más joven y también más femenino, quien a través de ella y de otras bandas, como puedan ser Deafheaven, han encontrado una puerta hacia un género que desconocían. Pero en paralelo, también atrajo una gran horda de detractores que se cebaron con ella hasta la saciedad. Sin ir más lejos, la propia Amalie denunció las constantes amenazas de muerte y mensajes de odio que recibía, lo que provocó

incluso su ausencia en redes sociales por un tiempo. Polémicas aparte, la duda entre si Myrkur es una artista que se ha hecho a sí misma o simplemente se trata de un producto per se es un enigma que ha rondado en mi cabeza cada vez que me he cruzado con su obra. Con el lanzamiento de su segundo disco, Mareridt (Relapse), será interesante analizar si continúa con la misma fórmula o, verdaderamente, tiene algo que brilla. Un voto a su favor es que para esta ocasión ha colaborado en dos temas con Chelsea Wolfe, una de las artistas femeninas más sublimes y consolidadas del folk más oscuro. Sin embargo, pese a que con Mareridt nos abre su lado más íntimo, en nuestra conversación se mostró soberbia y con una apatía difícil de quebrar. Será que su black metal es cuestión de actitud.

Mareridt significa ‘pesadilla’, y por lo que he leído, se trata del concepto que mejor define el álbum, ya que las composiciones están basadas en tus pesadillas más profundas. ¿Qué puedes decirnos sobre ellas?

“Bueno, siempre he tenido pesadillas, terror nocturno y parálisis del sueño, desde que era una niña, y nunca he sido capaz de lidiar con ello realmente. Tiempo después estuve yendo a terapia junguiana, un tipo de estudio con conceptos de Jung, análisis de los sueños y de nuestro lado oscuro. Así que después de eso intenté escribir sobre estas pesadillas para intentar escapar de ellas. El disco está basado en las que he tenido durante los dos últimos años. Las más recientes, básicamente”. ¿Y te resultó difícil escribir sobre todo ello?

muy emocionada”.

“¡No, para nada! Lo cierto es que fue extremadamente fácil, porque es una especie de estímulo para nuestro subconsciente el hecho de volver a ese mundo y tratar de ponerle orden y sentido”.

¿Qué reacción esperas de tus

Entonces, para darle un orden

fans y de tus no tan fans?

compositivo, ¿empezaste por las

“En realidad no tengo ningún tipo de expectativas, es simplemente un álbum diferente y sería difícil de decir. El tiempo nos lo dirá”.

letras o por la música?

Primero de todo, muchas gracias por tu tiempo. ¿Estás emocionada con el lanzamiento de

Mareridt? MYRKUR “Sí, por supuesto, estoy

Me ha llamado la atención que

“Bueno, en este álbum en particular empecé por las letras, porque se trataba de trabajar con lo que escribía cuando me despertaba de una pesadilla”. 97


He podido escuchar varias veces el disco y me ha parecido que tiene un aire más folk que el anterior. Viendo lo que me estás contando, quizás ese sonido tenga que ver con que se trata de un trabajo mucho más íntimo. ¿Consideras que nos dejas ver un poquito más de ti misma?

“Sí... se podría decir que sí porque... es raro, porque todo viene del subconsciente. Es material intangible, personal y, al final, así es como los sueños son. Por eso creo que es bastante directo y honesto en su esencia”. Una de las cosas más esperadas de este disco es tu colaboración con Chelsea Wolfe. ¿Cómo ha sido trabajar con ella?

“Ha sido muy bonito. Nos conocimos y empezamos a ser amigas desde hace un tiempo. Después de ese tiempo empezamos a barajar la idea de escribir algo juntas y de que debía ir a verla a California. Así que ha sido muy natural”. ¿Pero ha sido una adaptación de su estilo al tuyo, o al revés?

“Ah, no, ha sido una colaboración que finalmente está en mi disco. ‘Funeral’ y ‘Kvindelil’ están escritas por mí. Pero escribimos juntas varias ideas, así que tiene un poco de las dos al final”. En una entrevista reciente dijiste

“nunca he dicho que sea una artista que haga black metal”. Entonces, ¿cómo te describes a ti misma?

“Nunca hago eso, se lo dejo a otras

98

personas. Simplemente me preocupo de escribir y tocar mis canciones”.

Ya... bueno, siguiendo con tu nuevo disco... ¿Cuál crees que es la canción que más representa el

¿Pero crees que la gente está

álbum?

demasiado obsesionada con eti-

“Son todas muy, muy diferentes, así que no creo que haya alguna que pueda ser la más representativa, sólo puedo decir que mi favorita es ‘The Serpent’, pero tampoco sé si representa al álbum en sí”.

quetar a los artistas en géneros musicales?

“Quizás, no sé, creo que no conozco a nadie que haga eso. Quizás es algo que sólo se ve en redes sociales. La verdad es que no tengo ninguna experiencia personal con gente que haga eso, seguramente sólo lo hacen los críticos musicales”.

¿Y por qué es tu favorita?

“Porque es un tipo de canción que durante muchos años he deseado que


“SIEMPRE HE TENIDO PESADILLAS, TERROR NOCTURNO Y PARÁLISIS DEL SUEÑO, DESDE QUE ERA UNA NIÑA, Y NUNCA HE SIDO CAPAZ DE LIDIAR CON ELLO REALMENTE” MYRKUR

existiera, pero no lo hacía. Así que decidí escribirla yo misma y, la verdad, estoy muy emocionada de haberlo hecho y muy orgullosa con el resultado”.

un placer para mí girar con ellos”. Sí, de hecho la primera vez que estuviste por Europa fue con

“¡Sí, claro que lo hice! El público de esas ciudades fue muy acogedor y fueron buenos conciertos... o eso creo (risas)”.

Deafheaven en un tour que aforEn noviembre vas a empezar la

tunadamente pasó por España.

¿Crees que Mareridt, o quizás un

gira europea con Sólstafir. ¿Qué

¿Cómo recuerdas esa gira?

tercer álbum, podría ser la cata-

esperas encontrarte en esta gira?

“Sí, además la gira empezó en Barcelona y Madrid. La verdad es que la recuerdo con mucho cariño”.

pulta final para verte encabezan-

“¿Qué espero de la gira? Sinceramente, no lo sé. Será un placer volver a girar y tocar por Europa otra vez, ya que sólo he hecho una gira. Me encantan Sólstafir y me parecen unos chicos muy majos. Será todo

do un tour?

“¡Ése es el plan, claro! (Risas)”.

¿Pudiste sentir el cariño y el apoyo del público de España entonces?

99


SATYRICON

EXPRESIONISMO

NÓRDICO

TRAS CASI TRES AÑOS DE ESPERA, EL LANZAMIENTO DEL ÚLTIMO TRABAJO DE SATYRICON VA MÁS ALLÁ DE UNA EXCELENTE NOTICIA A NIVEL MUSICAL PARA LOS FANS DEL BLACK METAL. DEEP CALLETH UPON DEEP ES PRÁCTICAMENTE LA RESURRECCIÓN DE LA BANDA, DESPUÉS DE QUE LA ENFERMEDAD DE SATYR, SU LÍDER Y ALMA MATER, NOS HICIESE TEMER LO PEOR. TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: DR


C

UALQUIERA QUE SE ATREVA A MENCIONAR el nombre

de Satyricon en una conversación entre amantes del black metal, sabe que se arriesga a obtener por respuesta una sonrisilla displicente por parte de alguno de sus contertulios. O, como mínimo, tendrá que aguantar cierta actitud condescendiente seguida de la frase “A mí sólo me interesan sus primeros discos, lo demás me parece una mierda”. Es cierto que el dúo noruego formado por el multidisciplinar Sigurd ‘Satyr’ Wongraven, a cargo de las voces, guitarra, teclados y bajo, y Kjetil-Vidar ‘Frost’ Haraldstad a la batería, ha evolucionado mucho. Desde sus inicios en los años 90 con Dark Medieval Times, pasando por Nemesis Divina, considerada como una de las obras fundamentales dentro del género, su épica y mística sonoridad se ha ido transformando con la llegada del nuevo milenio. A partir de ahí, son los trabajos como Volcano o Now, Diabolical los que se encargan de definir un nuevo estilo mucho más cercano al black’n’roll. Para bien o para mal, estamos ante una banda atípica en la escena, a la que nadie podrá acusar de haberse estancado musicalmente.


Precisamente por ello, la publicación de su último y noveno trabajo, Deep Calleth Upon Deep (Napalm Records), llega cargada de expectativas. Si a esto le sumamos que se trata del primer álbum después de que a Satyr le detectaran un tumor cerebral a finales de 2015, contra el que ha estado batallando, la excitación está más que justificada. La idea de dejar una obra magna como legado, en caso de que no consiguiera salir adelante, es el elemento cohesionador que ofrece un sentido especial a este nuevo disco. Una obra distinta, introspectiva y compleja, cargada de melancolía e influencias de otros estilos, pero que también representa una evolución lógica si tenemos en cuenta los últimos trabajos de Satyricon. Afortunadamente, parece que el futuro de la banda no corre peligro por ahora, así que aprovechamos la oportunidad para que Frost nos desvele los entresijos de Deep Calleth Upon Deep. Para empezar, me gustaría felicitarte por el nuevo álbum. Me ha gustado tanto que llevo varios días escuchándolo en bucle. FROST “Me alegro de escuchar eso”. Antes de escucharlo, leí los comentarios de Satyr en el comunicado de prensa comentando

“EN SATYRICON QUEREMOS EVOLUCIONAR CONSTANTEMENTE, INCORPORAR NUEVOS ELEMENTOS. Y QUEREMOS QUE LA GENTE HAGA ESTE VIAJE CON NOSOTROS Y SE SIENTA INSPIRADA” FROST

“Personalmente lo encuentro muy distinto al anterior. Tiene un espíritu muy distinto. Creo que es un álbum que muestra a Satyricon como una banda que toca muy bien y que tiene muy buenas canciones. Eso es lo que queríamos hacer y por eso estoy muy contento con este disco. Creo que eso es más importante que si es distinto no”.

que se trataba de un álbum

Del Dr. Caligari.

“No tengo una opinión sobre eso, pero sí es un disco expresionista” Me refiero a que es un trabajo muy elegante, poético e incluso teatral, pero al mismo tiempo, está repleto de oscuridad y asusta. Lo he relacionado inmediatamente con la portada del disco que habéis elegido con la obra

totalmente diferente, pero debo

En cierto modo, me recuerda a

de Munch. ¿Es ésa la atmósfera

confesarte que no me resulta

una banda sonora de película

que buscabais?

radicalmente distinto, sino que

de terror antigua. Como si es-

lo concibo como un paso ade-

tuviera pensada para una pelí-

lante después de vuestro álbum

cula expresionista muda como

homónimo Satyricon.

puede ser Fausto o El Gabinete

“Sí, es justo lo que buscábamos. Satyr tiene muchos amigos artistas y fue a través suyo como profundizamos en la obra de Munch. Yo

102


a su enfermedad. Yo podía ver la lucha interna por la que estaba pasando. En el disco también hay elementos de consuelo. Sin duda todo esto tuvo una influencia en las composiciones”. Con todos los medios y vuestros fans tan centrados en mostrar apoyo a Satyr durante esos momentos tan difíciles, ¿cómo has manejado tú la situación? Es que tengo la sensación de que eres de esas personas que se sienten mejor alejadas de la exposición pública.

“Sí, es así como soy personalmente. Soy más introvertido. No me gusta demasiado tener la atención de los medios (risas). Pero supongo que es una muestra del interés que despierta la banda y de que los fans se preocupan por nosotros”. Por cierto, ¿cómo se encuentra Satyr?

nunca había visto ese dibujo, pero tuvimos la suerte de encontrarlo en un libro que recogía su obra y vimos que encajaba muy bien con el contenido del disco. Nos dijimos ‘tiene que ser la portada’. Es un disco muy profundo y dinámico, como una danza entre la vida y la muerte. Es simple y directo en estilo, pero muy elegante, y ese dibujo lo refleja perfectamente”.

la orquesta en vuestro álbum

Live At The Opera?

“Sí. Trabajar con el coro hizo posible que conociéramos a esa gente y poder añadir nuevas texturas y capas a nuestras canciones. Nos abrió las posibilidades en cuanto a las composiciones. Creo que enriquece el álbum y le da profundidad, le añade un elemento dramático”.

“Parece que está bien, a pesar de su enfermedad. No pensaba que fuera capaz de hacer un disco así. Creo que es una muestra de su determinación, porque trabajó muy duro. Hubo momentos en los que acababa agotado”. En tu caso, tienes una carrera bastante larga como músico, has colaborado con múltiples bandas y eres un batería muy respetado, pero ¿cuál crees que es tu

Entiendo que para Satyr este

mayor logro?

En el disco encontramos una

álbum está profundamente co-

especie de arreglos orientales y

nectado con la terrible experien-

también múltiples coros. ¿La idea

cia de su enfermedad, pero ¿qué

de mezclar ese tipo de sonidos

significa para ti?

surgió después de trabajar con

“Para mí también está conectado

“Supongo, o espero, que sea haberme convertido en un músico mejor. Con más registros, más dinámico. Cuando empecé, aprendí los principios técnicos más básicos, y tampo-

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co era el tío más creativo. Creo que me costaba escucharme como parte de la banda. Con los años he mejorado mucho en ese aspecto y, seguramente, mi mayor logro ha sido sentirme parte de una canción, de la música. He aprendido cuándo tengo que ser una parte más dominante o mantenerme más al fondo. Creo que eso es lo principal. Estoy contento por haber evolucionado” ¿Cómo te las arreglas para combinar tu trabajo en Satyricon y también en 1349?

“A veces es un poco difícil, pero ahora mismo estoy totalmente centrado en Satyricon. Cuando la agenda lo permita volveré a hacer algo con 1349”. Ambas formaciones tienen estilos de percusión distintos. ¿En directo disfrutas más tocando blast

beats rapidísimos o te sientes cómodo con los medio tiempos?

“Para mí disfrutar tocando no tiene que ver con eso, no pienso así. No me importa si es un estilo u otro, disfruto tocando los dos. No es una cuestión de velocidad”.

“Tengo que decir que, por suerte, mi experiencia ha cambiado completamente. Los fans del metal de hoy en día han madurado. Creo que la gente entiende mejor la música que hace unas décadas. Quizá la gente era cerrada o conservadora porque no la entendía. En mi opinión es muy infantil pensar que la música debería ser de una manera determinada y que no debería cambiar. Es como un niño que no quiere más que comer un tipo de alimento. Pero hay muchos alimentos distintos, y cuanto más los pruebas, más te gustan. Creo que en el black metal se ha intentado explorar nuevos territorios. Siempre ha sido algo extremo y debería seguir siendo así, pero tan importante es conocer las raíces como ir más allá. Si no lo hace, acabará muriendo. Lo más importante es sentir pasión por lo que haces. En Satyricon queremos evolucionar constantemente, incorporar nuevos elementos. Y queremos que la gente haga este viaje con nosotros y se sienta inspirada. Estamos muy felices con eso”. Como grupo vendéis un montón

El black metal y muchos fans

de merchandising. Incluso tenéis

del metal extremo no están

vuestra propia marca de vino,

particularmente abiertos a los

que me encanta probar. ¿Te

cambios. Muchos arrastran esa

preocupa que eso pueda deva-

idea de que los primeros álbu-

luar el lado artístico de vuestro

mes de sus bandas favoritas

trabajo?

son los únicos que importan o

“No, para nada. Siempre hemos sido muy conscientes de que todo lo que hacíamos tenía que tener una visión artística, incluso haciendo vino. Nos hemos metido mucho en todo el proceso y hemos querido aprender sobre ello con mucha pasión. Creo

que, si se vuelven populares o no se ciñen a su estilo, están traicionando su esencia. ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Crees que todavía hay significado en las palabras ‘trve metal’?

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que, si lo haces con este enfoque, no tiene que suponer ningún problema para la banda”. Esta pregunta es un poco rara… He leído que estudiaste Matemáticas, así que me preguntaba si creas tus patrones rítmicos en base a ellas.

“No, nunca he pensado en integrar las matemáticas a mi manera de tocar (risas). Son mundos separados. Cuando empecé a tocar lo único que quería era expresar intensidad o liberar la violencia que pudiera sentir dentro. Nunca me preocupé


“ESTAR CON UN TÍO COMO PHIL ANSELMO TAMBIÉN FUE INSPIRADOR. ES UN HOMBRE COMPLEJO, PERO ENTABLAMOS UNA AMISTAD QUE AÚN SE MANTIENE A DÍA DE HOY” FROST

por tener una gran técnica o incorporar las matemáticas y hacer algo muy complejo como un fin en sí mismo. Quizá en el futuro encuentre una manera para incorporar esas dos disciplinas y que tenga sentido, pero por ahora no lo veo”. ¿Y te consideras un poquito

nerd?

“No, no. Siempre fui un bicho raro, pero nunca fui un nerd. Supongo que me sentía solo a veces. Cuando me hice mayor y empecé a tocar, vi que había espacio para las dos cosas. No ha sido un problema”.

Este octubre estaréis de gira por España. Hace muchos años fuisteis teloneros de Pantera aquí. ¿Qué recuerdas de aquella gira?

“Sí, creo que fue en el 2000. Fue muy divertido e interesante. Aprendimos mucho sobre ser músicos en gira de manera profesional. En ese momento estar con Pantera nos inspiró mucho. Ni yo ni Satyr éramos grandes fans de Pantera, pero en esa gira desarrollamos un gran respeto por ellos como banda de directo y su manera tan eficiente de tocar. Eran una gran banda en

directo. Estar con un tío como Phil Anselmo también fue inspirador. Es un hombre complejo, pero entablamos una amistad que aún se mantiene a día de hoy. Era un personaje interesante y todavía lo es. Tiene un sentido del humor peculiar y es un gran observador. Es una persona fascinante para tener cerca. Tengo un gran recuerdo de esa gira. A él le encantaba Satyricon y eso creó un territorio común”.

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DEFENSORES DE LA FE A PESAR DE HABERSE QUERIDO DISTANCIAR DE LA ESCENA METALCORE, AUGUST BURNS RED SE HAN ACABADO CONVIRTIENDO EN UNO DE LOS GRANDES BALUARTES DEL ESTILO. Y CON SU NUEVO DISCO PHANTOM ANTHEM , ESTÁ CLARO QUE VAN A SEGUIR SIÉNDOLO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR


AUGUST BURNS RED

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UANDO EL PRÓXIMO 6 DE OCTUBRE SE PUBLIQUE PHANTOM ANTHEM

(Fearless), el octavo álbum de August Burns Red, sus seguidores se encontrarán con un trabajo en el que la banda de Lancaster recupera su carácter más agresivo. Después de haber experimentado en sus dos últimos trabajos Rescue & Restore y Found In Far Away Places con influencias progresivas o latinas, o de incluso grabar un disco de villancicos, el quinteto formado por Jake Luhrs (voz), JB Brubaker (guitarra), Brent Rambler (guitarra), Dustin Davidson (bajo, teclados) y Matt Greiner (batería) ha tirado

por su vertiente más metalera con las guitarras como grandes protagonistas. Desde que empezaran su carrera en 2003, el grupo ha conseguido no pocos logros como entrar en el top 10 de las listas de ventas en Estados Unidos o ser nominado a los Grammys, además de haberle pasado la mano por la cara a la mayoría de grupos con los que han compartido escenario. En marzo nos visitarán para presentar su nueva obra junto a Heaven Shall Burn, Whitechapel e In Hearts Wake. Será una nueva oportunidad para disfrutar de su impecable directo, pero antes, charlamos con su guitarrista y letrista Brent Rambler, un tipo de lo más afable y con las ideas claras.


“NO ES QUE NOS VEAMOS COMO LOS ÚNICOS PORTADORES DE LA BANDERA DEL METALCORE, PERO AL FINAL ES LA MÚSICA QUE NOS GUSTA HACER” BRENT RAMBLER

Me ha sorprendido la dirección

Como guitarrista me imagino

A principios de año, hicisteis

más cañera y técnica que ha-

que lo pasaste de miedo gra-

una gira de décimo aniversario

béis tomado en Phantom

bando un disco así de técnico.

de vuestro segundo disco Mes-

Anthem. ¿De dónde surgió tan-

Pero sé sincero, ¿cuánto de lo

sengers. ¿Crees que tocar un

ta rabia?

que oímos son tomas reales?

álbum antiguo pudo tener su

BRENT RAMBLER “Tienes razón en

¿O utilizáis mucho el corta y

influencia a la hora de recupe-

tu descripción (risas). No fue algo premeditado. En el disco anterior exploramos otras sonoridades, así que entiendo que pueda sorprender esta cara más agresiva del grupo. Seguramente alguien esperaba que fuéramos a experimentar todavía más, pero no sé, nos salió así. Cuando empezamos un disco, obviamente, queremos que suene a August Burns Red, pero nunca hay un plan. Lo que sale es lo que sale. En este álbum hemos usado acordes mayores, pero también muchos acordes menores, y eso creo que le da un tono más oscuro”.

pega para construir las pistas?

rar vuestro sonido más duro?

“Diría que hoy en día para la mayoría de grupos es una combinación de ambas cosas. Grabamos un montón de tomas y eso lleva tiempo. Esta vez teníamos reservados dos meses de estudio, así que era tiempo suficiente para grabar buenas tomas en lugar de confiarlo todo a la tecnología, pero aun así, la necesitas para que todo suene lo más preciso posible. Creo en la actualidad, la gente está acostumbrada a escuchar un sonido súper nítido, y si sacaras un disco que no lo tuviera no acabaría de gustar”.

“Pues no, porque cuando hicimos esa gira ya teníamos casi todo el disco escrito. Entramos en el estudio justo al terminar esa gira, pero el 90% ya estaba compuesto”.

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Entiendo. ¿Cómo fue la experiencia de esa gira, por eso?

“Fue divertido. Había canciones que nunca habíamos tocado en directo. Hace diez años solíamos girar abriendo para otras bandas, así que tocábamos con un tiempo limitado, quizá 30 minutos, y nunca llegamos a tocar todos los temas. Es un disco


viejo, pero tocar todos esos temas hizo que nos resultara algo fresco. Normalmente sueles tocar tus temas más populares, así que una gira como ésta nos dio la oportunidad de tocar temas más oscuros, por llamarlos de alguna manera, pero que los fans quieren escuchar. Estas giras de aniversario son algo muy popular ahora mismo y creo que lo seguirán siendo porque cada banda tiene un disco que es el preferido de los fans y todos ellos están encantados con poder escuchar todos los temas de principio a fin. De todos modos, después de los 42 minutos que duraba el álbum, salíamos y hacíamos otro set con temas de otros trabajos”.

os inspiraron en vuestros inicios?

“La primera banda de metal que me gustó fue Poison The Well. Me encantaba The Opposite Of December, era un disco fantástico. Era un álbum muy agresivo, pero con mucha melodía. Cuando empezamos a girar, escuchábamos mucho a Darkest Hour. Era cuando Kris Norris todavía estaba en el grupo y su trabajo con la guitarra era increíble. Era capaz de ser muy cañero y técnico, pero era fácil de escuchar. Ahora escuchamos mucho a Between The Buried And Me, que también son muy melódicos. Paul (Waggoner) es uno de nuestros guitarristas favoritos y por eso le invitamos a tocar un solo en el nuevo disco”.

do como Bring Me The Horizon. Se han transformado prácticamente en otro grupo. Creo que con la incorporación de Jordan (Fish) han logrado un nuevo sonido que mola mucho. No es que nos veamos como los únicos portadores de la bandera del metalcore, pero al final es la música que nos gusta hacer. Tenemos nuestro propio sonido, nuestro hueco en el que nos sentimos cómodos, y tenemos una base de fans muy fiel que nos ha permitido llegar hasta aquí. No creo que cambiemos drásticamente y decepcionenos a toda esa gente”. Por cierto, me encantó el vídeo de ‘Invisible Enemy’, donde el grupo aparece transformado en

Realmente, estas giras de ani-

Siempre habéis intentado dis-

unas marionetas. ¿Es una metá-

versario están muy de moda,

tanciaros del metalcore y con

fora sobre cómo algunas bandas

pero ¿no crees que está rozan-

los dos últimos discos, lo conse-

son marionetas o simplemente

do lo ridículo? Lo puedo enten-

guisteis. Pero este álbum casi

una idea graciosa?

der en bandas más clásicas,

parece una reivindicación del

pero me cuesta entender que

metalcore old school, ahora

bandas como la vuestra lo ha-

que tantas bandas cada vez se

gan cuando todavía tenéis co-

han ido suavizando más.

sas nuevas por ofrecer.

“Es cierto que muchas bandas se han vuelto más pop. Creo que el metalcore se quedó estancado durante un tiempo y hay un gran número de grupos que se han ido quedando en el camino. Supongo que no hace falta mucho tiempo para que una banda se dé cuenta de que lo que hace no les llena. Creo que ha habido una limpieza. Ahora tienes una banda como Parkway Drive, que siguen siendo cañeros, pero han tomado una dirección más accesible y lo han hecho genial, la verdad. Son muy pegadizos, pero siguen siendo metal. Luego tienes otras que han cambiado completamente su soni-

“No, no es ninguna metáfora (risas). La idea fue de Sam Halleen, una persona que trabaja en Fearless Records, pero también dirige vídeos. Teníamos que hacer uno, pero teníamos muchos problemas de agenda. No encontrábamos a un director que estuviera libre en las fechas que nosotros podíamos, y entonces Sam nos comentó que tenía una idea que hacía mucho tiempo había querido hacer con otro grupo y que quizá solucionaría el problema. Y nos contó lo de hacer el vídeo con marionetas. Al principio fuimos un poco reacios, porque hace años hicimos un vídeo de animación con figuras de arcilla para el tema ‘Marianas Trench’ y no salió como nos hubiera gustado. De hecho, nunca lo llegamos a lanzar y fue una pérdida

“Es cierto que muchos grupos lo hacen por la pasta, pero tienes que darte cuenta de que hay bandas que quizá no han tenido mucha actividad desde hace tiempo y es un buen reclamo. De todos modos, no todas las giras de aniversario funcionan. Creo que para hacerlo tienes que ser una banda relevante que la gente siga escuchando en la actualidad”. Una de las señas de vuestro estilo es la combinación de riffs y líneas melódicas con las guitarras. ¿Qué guitarristas o bandas

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“CREO QUE NO PUEDES ECHARLE TODAS LAS CULPAS A LA RELIGIÓN, AUNQUE TRISTEMENTE TIENE ALGO QUE VER. PERO SON VERSIONES RADICALES DE LA RELIGIÓN, PORQUE EN REALIDAD TODAS LAS RELIGIONES BUSCAN LA PAZ” BRENT RAMBLER de dinero para todos. Pero Sam empezó a mostrarnos cómo serían las marionetas, ¡y molaban mucho! La verdad es que ha quedado fantástico. Los detalles están súper cuidados y, por ejemplo, los instrumentos son casi clavados a los que usamos”. A pesar de ser el guitarrista, eres el encargado de escribir las letras, algo no demasiado frecuente ya que suele ser tarea de can-

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tantes. ¿Cómo es el proceso desde que las escribes hasta que Jake las acaba cantando?

“Normalmente o bien me ocurre algo, o veo algo, o alguien me cuenta algo que me inspira a escribir inmediatamente. Creo mucho en la espontaneidad a la hora de escribir. Para mí no funciona el sentarme y decir ‘OK, voy a escribir una letra’. Tiene que haber una emoción que me empuje a hacerlo, así que

estoy escribiendo continuamente. Para este disco tenía como unas 30 letras en bruto que luego convertí en 18 que realmente me gustaban. Y luego Jake las leyó y escogió las doce que más le gustaban. Pero Matt también había escrito algunas que estaban muy bien, así que Jake fue cogiendo de unas y de otras en base a lo que la música de cada canción le sugería o le encajaba mejor con las melodías”.


tener las melodías presentes.

“No, sólo escribo. Como si escribiera poesía, supongo. Es a posteriori que lo encajamos todo. A veces podemos cambiar una parte de la música y otras podemos cambiar alguna palabra o frase para que encaje con el patrón de Jake”.

AUGUST BRUNS RED

Por lo que dices, escribes sin

‘Hero Of The Half Truth’ habla sobre la posverdad. Hasta ahora no os habíais metido demasiado en este tipo de temáticas.

“Esa canción habla sin tapujos sobre el clima político en nuestro país, y también en otros. Hay mucha división, mucha rabia y pocas ganas de trabajar juntos. Hay políticos dispuestos a decir cualquier cosa con tal de ocupar el poder. La verdad ha perdido valor porque se manipula de cualquiera manera. Es una pena. Todos deberíamos centrarnos en cuidar los unos de los otros. Creo que la gente está demasiado centrada en sus propios intereses. Pero al final de la canción intento mandar un mensaje de unión, es la única manera de encontrar la paz. Tiene que haber diálogo y respeto por todas partes”. ¿Crees que este clima tan tenso quizá haya marcado el sonido más agresivo del disco?

“No sabría decirte si ha tenido una influencia en la música, pero desde luego las letras son más serias. Otra canción como ‘Quake’ me vino por Boko Haram. Es un asunto del que apenas se habla en Estados Unidos, pero hay gente sufriendo en Nigeria, en Siria, en muchos países. Pasan cosas horribles que no vemos en

televisión pero a las que debemos prestar atención. Pero también hablo de otras cosas. La canción ‘Generations’ habla sobre que, si quieres cambiar las cosas, el primer paso es empezar por uno mismo. Creo que hemos cubierto muchas emociones en este disco”. Por desgracia, hace unas semanas vivimos un atentado en Barcelona. Nunca habéis ocultado que sois una banda cristiana, así que ¿cómo te sientes cuando la gente señala a la religión como la culpable de muchos de los conflictos que vivimos?

“Creo que no puedes echarle todas las culpas a la religión, aunque tristemente tiene algo que ver. Pero son versiones radicales de la religión, porque en realidad todas las religiones buscan la paz. Creo que mucha gente retuerce y manipula los textos religiosos para su propio interés. Y no hablo sólo de casos de violencia, sino en otras situaciones. Por ejemplo, en Estados Unidos ahora el matrimonio homosexual es legal, pero antes no lo era y mucha gente se aferraba a la religión para no conceder ese derecho. Las religiones no deberían ser algo violento y que atente contra nadie. Es muy triste”.

Para acabar con algo menos serio, ¿tenéis alguna relación oculta con la banda Galactic Empire? Lo digo porque les hicimos una entrevista y mencionaron a August Burns Red como su grupo favorito.

“(Risas) Carson (Slovak), el bajista, y Grant (McFarland), el batería, son quienes graban nuestros discos. Así que esa relación oculta es que somos colegas (risas). Son una banda súper divertida y musicalmente son increíbles. Tienen un directo que es la hostia y tocan súper bien. Es increíble ver a tipos disfrazados de Star Wars dándolo todo”. ¿No os habéis planteado girar juntos?

“Podríamos hacerlo, pero siendo ellos dos productores, no tienen demasiado tiempo para poder girar. Y los otros miembros tienen familia y trabajo, así que tampoco les resulta fácil. Pero nos encantaría hacer algunos conciertos juntos, aunque creo que prefieren tocar en Comic Con que hacer una gira con nosotros (risas)”.

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ALTARAGE

EL TERROR SIN ROSTRO NO DEBERÍA SORPRENDERNOS QUE UNA BANDA TAN HERMÉTICA Y GENUINAMENTE UNDERGROUND COMO ALTARAGE HAYA FICHADO POR UN SELLO TAN ABIERTO ÚLTIMAMENTE COMO SEASON OF MIST: AL FIN Y AL CABO, TODA LA HUMANIDAD SE ENCAMINA HACIA EL MISMO DESTINO. LA OSCURIDAD SE MATERIALIZA AHORA EN FORMA DE ENDINGHENT, EL SEGUNDO ÁLBUM DE LOS BILBAÍNOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

112

E

L SISTEMA NO DESEA que

pienses demasiado en tu fin, en el abismo sin respuestas al que todos nos enfrentaremos. Aceptar la propia muerte a una edad demasiado temprana, que es imposible dejar de estar sujeto a la entropía, de generalizarse en Occidente a través de una sociedad que podríamos situar entre el nihilismo, el budismo y el estoicismo, generaría tal cataclismo económico que todos sus esfuerzos se centran, sobre todo, en agasajarte con conceptos tan vacuos


como ‘el Bien y el Mal’, el ‘para siempre’, la ‘libertad’, la ‘eterna juventud’ o el ‘por los siglos de los siglos’. La moda dejaría de tener sentido, ya no digamos la industria cosmética y el dogma religioso, las farmacéuticas y el entretenimiento cederían su trono, los poderosos no tendrían a quién mandar a sus mataderos terrestres tras invocar ideales marchitos. Ese castillo de naipes se derrumbaría al relativizar cualquier concepto humano y llegar, finalmente, a la gran verdad, al pavoroso e inabarca-

ble vacío cósmico, a todo aquello para lo que nunca hallaremos explicación. Al ocaso de la ética y la moralidad arbitraria, del miope punto de vista humano. De vuelta a nuestro plano, todo llevaría a la temida lógica pura, a romper con la tiranía del ‘yo’ para caer en un término tan denostado como el ‘nosotros’, y así, demoler el culto a la personalidad, al ego, para alcanzar cumbres, fines, percepciones, mucho más altas durante el poco tiempo que nos ha sido dado. Altarage parecen haber llegado a esta conclusión. Terrible para casi toda la sociedad, la única para otros pocos. Renegando del individuo, sirviendo sólo a un medio y un mensaje que les ha sido dado, los vascos nos arrojan a un nuevo agujero negro forjado a base de pesadilla y tiniebla tras haber roto moldes con su primer disco NIHL. De Incantation a Portal, de Portal a una nueva escuela que ha desollado el death metal hasta llegar a otro estadio de locura. Y de entre todos sus acólitos destacan Altarage, quienes esculpen ahora Endinghent para que te sirva de epitafio. Sin nombres, sin caras reconocibles, sólo la espantosa y seca realidad de su portavoz oficial moviéndose entre las sombras. Lo ponéis complicado para que se sepa, pero según mis cálculos,

blicando directamente en Season Of Mist… Por estos lares, lo vuestro es casi de récord.

“El concepto se puso en marcha hace tiempo, pero no está claro cuándo realmente. Todo lo que ha llegado después nos ha pillado por sorpresa, ya que no había planes de ningún tipo más allá de grabar lo que teníamos entre manos”. Aunque vuestras identidades permanecen ocultas, sé que algunos de vosotros sois veteranos de la escena bilbaína, gente experimentada que no entró virgen en esta banda, precisamente… Supongo que todo ese conocimiento previo, todos esos contactos acumulados, también explican vuestra envidiable posición hoy en día, ¿no?

“Creo que te confundes ya que, a pesar de la experiencia, hemos empezado absolutamente de cero y no ha habido prisa, ni la hay, por llegar a ningún sitio. Los años acumulados sirven para tenerlo todo claro y no perder el tiempo”. ¿Cómo se dio lo de Season Of Mist? ¿Les mandasteis una demo como todo el mundo u os vinieron a buscar por la gran respuesta que obtuvo NIHL?

“Realmente fue algo casual. Pudimos plantar NIHL delante de su puerta y dejarlo actuar”.

os formasteis hará sólo tres o cuatro años… En este breve lapso

A veces me hace un poco de gra-

de tiempo vuestro ascenso ha

cia cuando todo el mundo entona

sido meteórico, agotando tiradas

lo mal que anda la música, que

del debut NIHL, que ya salió con

ya no se venden discos y tal…

sellos de referencia en el under-

Pero en el metal extremo, aun-

ground extremo como Doomen-

que se hagan tiradas acordes a

tia o Iron Bonehead, y ahora pu-

un público muy reducido, la ver113


“LA BANDA HA EXISTIDO SIEMPRE, PERO NUESTROS NOMBRES Y ROSTROS CARECEN DE PROTAGONISMO AQUÍ”

dad es que se vende y la gente es muy devota del material original. Parecemos vivir en una bur-

Nuestra mera presencia aquí es un enigma. Todo eso y más es lo que alimenta este artefacto bizarro”.

buja aparte, con nuestros pro-

Endinghent te va trepanando, te va sumergiendo en ese torbellino denso e irrespirable de imágenes esquizoides y demoníacas, don-

pios códigos e incluso anomalías

¿Sois como seres atemporales, la

de disonancias como las de ‘Rift’

en cuanto al consumo cultural…

banda existía ya desde antes de

sólo te preparan para ese viaje

“Totalmente. Vivimos en otro mundo, aunque quejas siempre habrá por cualquier cosa”.

los tiempos? Quizá por eso esa

sin billete de retorno que ejempli-

imagen de antiguo culto sin ros-

fica ‘Weighteer’, por citar alguna

tro, del que no se conoce princi-

de las maldades finales. ¿Con

pio, y que ha logrado subyugar

qué mentalidad afrontasteis la

¿Qué alimenta vuestra música?

las identidades de cada uno, in-

creación de estas canciones?

Sé que sois militantes concienzu-

trascendentes para lograr vues-

dos del nihilismo más exacerba-

tros fines, por otro lado.

do, pero me gustaría que me

“¡Claro! La banda ha existido siempre, pero nuestros nombres y rostros carecen de protagonismo aquí. Tener que responder sobre encarnaciones pasadas hubiese restado importancia a la actualidad que nos ocupa”.

“Endinghent es un viaje por las aguas fecales de la existencia. Hay una mano que no te deja sacar la cabeza para poder respirar y te obliga a tragar y tragar sin poder hacer nada para evitarlo. Luego te das cuenta de que no hay esperanza y de que esa luz que ves al final del túnel es sólo una ilusión, y real-

ampliaras toda esa filosofía que ansía barrerlo todo para lograr un pozo infinito de pura nada.

“Llega un momento de tu existencia en el que te haces preguntas, te cuestionas absolutamente todo. 114


bién a Altarage. ¿Estás de acuer-

que apuestan por algo más telú-

do conmigo, conocíais ya a estas

rico y de connotación religiosa,

Igual en esta nueva obra hay

bandas, o por el contrario, crees

casos de Void Meditation Cult,

más variedad compositiva; man-

que vuestro sello tiene la razón?

Batushka, Schammasch, Profana-

dan los blasts del inframundo,

“Las labores de promoción de los sellos poco tienen que ver con lo que piense el grupo, en la mayoría de los casos. No creo que seamos innovadores, aunque desde el principio estuvo claro que no íbamos a recorrer las sendas más transitadas. Personalmente, no me identifico con la gran mayoría de bandas que nombras, quizá se deba a las raíces que tenga cada uno, porque las nuestras creo que están muy alejadas de todo eso y más cercanas a construir canciones, más como bloques monolíticos que como una sucesión de riffs envueltos en efectos. Por otro lado, creo que tienes razón en que Portal han servido de inspiración y han abierto los ojos a muchos a la hora de acometer nuevas aventuras, pero en nuestro caso también lo han hecho nombres como Atheist, Sunn O)), Morbid Angel o Godflesh. De todas maneras, me sorprende que los australianos estén en boca de todo el mundo cuando son una banda realmente difícil…”.

tica, Cult Of Fire o, de nuevo, Por-

mente es el final”.

pero también hay ciertos parones de inescrutable penumbra… Aunque, hijo mío, visto lo visto, casi que prefiero que sólo le deis a la velocidad… Menudo mal cuerpo se le queda a uno cuando bajáis el pistón…

“Cada disco tiene una personalidad distinta. Habrá gente que espere escuchar una fotocopia, otro NIHL, así que lo tendrán que pinchar de nuevo porque Endinghent va por otros derroteros… la base es inamovible pero sus ramificaciones son variadas”. Las guitarras de este nuevo trabajo son de una negrura casi corpórea, como un ente que te engulle previo largo tormento. No he encontrado muchos detalles acerca de la grabación, pero sé que un tal Javi Félez anduvo por ahí… Un tipo que trabaja habitualmente con Teitanblood era perfecto para estos menes-

tal. Cuando tomasteis la decisión de presentaros así ante el público, ¿simplemente seguisteis vuestro instinto sin saber que existía toda esta corriente o, al revés, erais muy conscientes de ello?

“Cuando decidimos llevar nuestra propuesta al directo quisimos eliminar el elemento ‘humano’, por así decirlo, y dar protagonismo a la música, no vender una estética. Evidentemente tienes que estar en el escenario físicamente para tocar y elegimos la imagen, o ‘anti imagen’, más bien, que creímos correcta, casi como un mal necesario. Y no, no teníamos constancia de tanto culto a la capucha, realmente”. Parece que sólo se os pueda ver en festivales, en el próximo Catalonia Extreme Winter o el genial Netherlands Deathfest, ni más ni menos… ¿Forma parte de una estrategia planeada desde el mismo grupo? ¿No os interesa salir de gira como las demás

teres, ¿no? Siguiendo un poco con el papel

bandas por alguna razón que

de abogado del diablo, otro

desconozcamos?

Sin ánimo de ofender, a Season

tema que quería sacar es el que

Of Mist le gusta presentaros

hace referencia a las formaciones

como a unos innovadores, pero

extremas de enmascarados, tan

la verdad es que un disco como

en auge últimamente… Así, a

Seepia, que ya data de 2003,

bote pronto, se me ocurren un

nos impactó a todos por igual.

montón de grupos actuales que

Portal nos mostraron una forma

han recurrido al pasamontañas

truculenta y bestialmente oscura

para hacer más atractiva y enig-

“Como he dicho antes, no tenemos ningún plan o estrategia, lo importante es seguir creando y avanzar; todo lo que vaya llegando es bienvenido, siempre que sea para bien. De momento tenemos esas fechas atadas pero se irán confirmando más, tanto festivales como giras”.

de retorcer el death metal, y creo

mática su propuesta, como el

que abrieron el camino a combos

tipo detrás de Midnight, Mgła,

como Chthe’ilist, Mitochondrion,

The Ominous Circle, Uada o Kos-

Abyssal, Antediluvian y, sí, tam-

mokrator, y ya no digamos los

“Distintos medios para el mismo fin”.

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FOO FIGHTERS 16 DE SEPTIEMBRE DE 2017 SALA BARTS, BARCELONA

TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: XAVIER MERCADÉ

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L

a sensación de euforia al acabar el ‘secret show’ de Foo Fighters en Barcelona era indescriptible. Alguna habrá, pero todavía no he encontrado una sola opinión en contra de las casi tres horas de concierto que ofrecieron en la sala Barts para presentar su recién salido Concrete And Gold. La exclusividad del evento -apenas mil invitados tuvimos el enorme privilegio de estar allí- obviamente jugó a favor de esa catarata de voces favorables, pero detrás de eso hay mucho más. Muchos tachan al Dave Grohl de 2017 de pesado que está en todas partes, que no hay documental que no cuente con su presencia, que a la que puede se apunta a cualquier sarao y, para ponérselo más de cara a sus detractores, parece que está perdiendo su mojo compositivo, ya que los dos últimos discos de Foo Fighers evidencian una alarmante falta de hits. Pero si Foo Fighters son ahora mismo la banda de rock contemporáneo más popular, no

puede ser por casualidad, y noches como ésta explican en buena parte el porqué de su éxito. Grohl lo único que ha hecho es rodearse de unos buenos colegas que le han sabido seguir el juego -pasan los años, pero el resto de la banda, quizás con la excepción de Taylor Hawkins, sigue en un más que competente segundo plano, sin que les duela no tener más protagonismo- y dar rienda suelta al music nerd que lleva dentro. Foo Fighters bien podían haber venido a Barcelona y cumplir el expediente. Si hubiesen tocado la mayoría de temas de Concrete And Gold y un par de sus hits más gordos, seguro que todo el mundo hubiese dado igualmente su noche de sábado por bien empleada, pero no, la banda tenía ganas de guerra. Grohl salió ya amenazando: “Ésta va a ser una noche muy larga”, soltó nada más pisar el escenario, y tras empezar con ‘I’ll Stick Around’, ‘All My Life’ y ‘Learning To Fly’, a nadie le quedó duda de que no estaba bromeando. A partir de ahí, la catarsis

colectiva. Más allá de la inmensa colección de singles (‘The Pretender’, ‘Walk’, ‘Monkey Wrench’, ‘Best Of You’, ‘Everlong’…) o la expresión de satisfacción que no desaparece ni un segundo de las caras de los seis componentes, destaca por encima de todo el dominio del tempo que tiene el exNirvana. Estar tres horas en un escenario y que después de ellas no puedas pensar en un momento de bajón, requiere algo más que tener buenos temas –y más cuando has tocado unos cuantos de un disco que había salido tan sólo un día antes-; básicamente hay que nacer para ello. La destreza con la que sabe combinar su extenso repertorio o esos momentos de local de ensayo tocando pedazos de clásicos del rock –“Podríamos pasarnos así toda la noche”, soltó en un momento de éxtasis-, son los que hacen que una noche en la que hay concierto de Foo Fighters sea una noche siempre especial. Más Foo Fighters es lo que necesita el rock ahora mismo. 117


THE ROLLING STONES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2017 ESTADI OLÍMPIC LLUÍS COMPANYS, BARCELONA

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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N

o sé muy bien qué espera cierta gente de un concierto de The Rolling Stones en 2017, pero apelar a que simplemente se trata de un ejercicio de nostalgia me parece una tontería. Lo es, claro que sí, pero digo yo que después de 50 años de carrera se lo han ganado de sobras. El repertorio que ofrecieron en su retorno a Barcelona, después de diez años de ausencia, fue un auténtico evangelio para los creyentes en el rock’n’roll. Pocos grupos poseen un catálogo tan rico, y muchos de sus clásicos valen más que las carreras enteras de bastantes grupos. En esta gira bautizada como No Filter, y que, como siempre, se especula que puede ser la última, los Stones presentan un escenario espectacular, pero aparca otros trucos efectistas del pasado como muñecas hinchables o pirotecnia por doquier. Es un acierto: el protagonismo recae

exclusivamente en la música (el sonido fue per-fec-to) y en cuatro gigantescas pantallas verticales que permiten ver cada uno de sus movimientos, así como las arrugas esculpidas en sus caras. Es como si, finalmente, la banda hubiera aceptado lo que son: venerables ancianos que siguen disfrutando tocando rock y blues (las versiones de ‘Just Your Fool’ y ‘Ride ‘Em On Down’ de su último trabajo Blue & Lonesome sonaron deliciosas) sin, casi, ni importarles que tengan a 50.000 personas delante. Es verdad que, en general, los tempos de las canciones sonaron más lentos, pero diría que casi ayuda a situarlas en la categoría de música clásica a la que ya pertenecen. Durante las dos horas y diez que duró el espectáculo, vimos a un Mick Jagger con su voz y carisma intactos, a un Ron Wood, que sigue con su papel de gamberro, a un impecable y sólido Charlie Watts, y a un Keith Richards, más

apagado y mermado físicamente, pero al que le basta quedarse él solo sonriendo, antes de interpretar ‘Happy’ y ‘Sleeping Away’, para que el estadio se venga abajo. No me convenció que escogieran ‘Sympathy For The Devil’ como primer tema, pero me alucinó poder escuchar ‘Under My Thumb’ (muy bien vestida por el piano de Chuck Leavell), una potentísima ‘Rocks Off’, ‘Paint It Black’, ‘Midnight Rambler’, una muy funky ‘Miss You’ (el minuto de gloria del bajista Darryl Jones), o ‘Street Fighting Man’ que dio pie una recta final de vértigo con ‘Start Me Up’, ‘Brown Sugar’ y ‘Jumpin’ Jack Flash’. El bis con ‘Gimme Shelter’, quizá menos incendiaria que otras veces pero vibrante al fin y al cabo, y el riff eterno de ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’ pusieron la guinda a un gran, gran concierto. Si tiene que ser el último que les vea, yo sí me doy por satisfecho. 119


INTERPOL 8 DE SEPTIEMBRE DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTOS: ERIC ALTIMIS

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IT’S NOT NOT

A

pesar de la desgraciada coincidencia con el concierto de Band Of Horses de esa misma noche en el Apolo, Interpol vendieron todas las entradas para su bolo en Razzmatazz. Una expectación perfectamente comprensible, y es que, si exceptuamos ese segundo show para unos pocos privilegiados que dieron en el Primavera Sound 2015, hacía bastante que no se los podía ver por Barcelona en sala pequeña. En 2010 les pudimos disfrutar en el Sant Jordi Club, en 2008 en el festival Summercase, y si no me he descontado, habría que tirar hasta el show en Apolo de 2003 o el inicial en Bikini de 2002 para encontrar un concierto similar de la banda en la Condal. Como si completaran un círculo, volvían para tocar el mismo disco que 15 años atrás: su debut Turn On The Bright Lights, al que han sacado de gira de aniversario. Una magnífica oportunidad para disfrutar en las distancias cortas de

uno de los grandes álbums del rock independiente norteamericano de principios de siglo. Y la ocasión juntó a seguidores de la banda desde sus inicios, y a otros más jóvenes que tenían ante sí una oportunidad inédita. Tras el histriónico concierto de unos It’s Not Not desbocados (especialmente su vocalista, Joel, que estuvo casi más rato entre el público que sobre el escenario), los neoyorquinos salieron en formato quinteto. Como es habitual en ellos, elegantemente vestidos con camisa y/o americana. Comandados por Paul Banks (su voz fue de menos a más) y el guitarra solista Daniel Kessler (¡Qué bailes y qué clase tiene!), completaban el quinteto Sam Fogarino a la batería, Brad Truax al bajo y Brandon Curtis a los teclados. ‘Untitled’ inició el repaso al disco, canción por canción y en el mismo orden. ‘Obstacle 1’ provocó las primeras muestras de júbilo, que también se repitieron en ‘PDA’, ‘Say Hello To The Angels’

o ‘Stella Was A Diver And She Was Always Down’. Otro clásico del ADN Interpol, los juegos de luces, acentuaba el poder evocador de unas canciones que tiñen la electricidad en tonos oscuros para devolvértela en espasmos internos de emoción. El cuerpo central del show acabó con un descarte del álbum que se ha publicado en la edición especial del 15 aniversario, ‘Specialist’. En los bises nos esperábamos una sucesión imparable de hits de todos los demás discos, pero se centraron en Antics (salvo ‘Lights’, que fue la única concesión a su disco homónimo): cayeron ‘Slow Hands’, ‘Not Even Jail’, ‘Take You On A Cruise’ y, para cerrar entre saltos y a grito pelado, ‘Evil’. Y aunque nos fuimos de allí con el subidón de las grandes noches, hay que admitir que nos faltaron ‘C’mere’, ‘Narc’, ‘Next Exit’... y también temas de Our Love To Admire como ‘The Heinrich Maneuver’ o ‘Pionner To The Falls’. ¿Se los estarán guardando para una gira del décimo aniversario? 121


BAND OF HORSES 8 DE SEPTIEMBRE DE 2017 SALA APOLO, BARCELONA

TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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LA

Q

ue se hubieran agotado las entradas con bastante antelación, era la prueba del hambre que había en Barcelona por volver a ver a Band Of Horses después de su última actuación en la misma Apolo hacía seis años. Si bien habían participado hacía tres en el festival Cruïlla, es evidente que donde de verdad se disfruta de un grupo como ellos es en una sala. Se notaba en el ambiente esa electricidad de las noches especiales, pero ¿estaría el grupo a la altura de las expectativas después de la salida del guitarrista Tyler Ramsey y el bajista Bill Reynolds el pasado mayo? La respuesta, en unas líneas. Pero antes, no quiero dejar de comentar la actuación de L.A. que se presentaba en formato de one man show con Luis Alberto Segura armado simplemente con una única guitarra acústica, que según comentó era de Ben Bridwell, el ahora aún más líder de Band Of Horses. Siempre es inteligente tener en cuenta al público para el

que vas a tocar y quizá por eso el mallorquín optó por centrarse en los temas de sus dos anteriores álbumes Dualize y From The City To The Ocean Side, en lugar del reciente King Of Beasts. Las melodías y entonaciones más cercanas al americana encajaron perfectamente con el tono de la noche. De lo más ameno. Por su parte, Band Of Horses sí confiaron en su última obra Why Are You Ok para iniciar su concierto, sonando de salida ‘Dull Times/The Moon’, ‘Hag’ y ‘Throw My Muses’, con una inesperada versión de ‘Can’t Hardy Wait’ de The Replacements entre medio. Entre que no son sus mejores canciones y que la voz de Bridwell estaba tan tapada que me vinieron ganas de estrangular al técnico de sonido, el arranque fue un poco anti climático. Por suerte, la recuperación de ‘St. Augustine’, el bonito tema que cerraba su debut Everything All The Time y la siempre emocionante ‘No One’s Gonna

Love You’ ayudaron a que volviera a meterme en bolo, aunque me hizo ver que quizá los problemas de voz no eran culpa del técnico, sino del cantante que parecía algo afónico. Las animadas ‘Islands On The Coast’ y ‘NW Apt.’ sirvieron para demostrar que cuando se pone, la banda también puede transmitir energía. Sin habernos dado cuenta, el concierto ya había cruzado su ecuador y la banda sacó su faceta más campestre con ‘The General Specific’ y unos coros magníficos. Con mínimas pausas, el grupo fue alternando temas antiguos como ‘The Great Salt Lake’ o ‘Weed Party’ con otros nuevos como ‘Solemn Oath o ‘In A Drawer’. Mis favoritas llegarían al final con ‘Older’, cantada por el guitarrista y teclista Ryan Monroe, la siempre bienvenida ‘Laredo’, y en el bis las imprescindibles ‘Is There A Ghost’ y ‘The Funeral’. No fue un concierto perfecto, pero estos renovados Band Of Horses convencieron. 123


DE GIRA

THE SLACKERS

1 DE NOVIEMBRE SALA APOLO (BARCELONA) 2 DE NOVIEMBRE 16 TONELADAS (VALENCIA) 3 y 4 DE NOVIEMBRE GRUTA 77 (MADRID)

H

abéis estado unas cuantas veces en España…

DAVE HILLYARD (saxofón) “Sí,

al menos una docena. En Madrid suelo ir al mismo hotel y ya conozco varios sitios de tapas que me gustan mucho. Después de tantos años de girar te acabas familiarizando con las ciudades y haces amigos en muchos sitios. A veces tengo más contacto con ellos que con los amigos que tengo en casa. Es un poco triste, pero es verdad (risas)”.

ese momento. Tenía una mezcla de muchos elementos distintos, como una buena salsa o un buen estofado. Pero cuando sacas un disco siempre estás pensando en lo siguiente, y este año reeditamos Red Light y decidimos tocarlo en la gira, alternándolo con otro disco, Peculiar. En Madrid, como tocamos dos noches, haremos uno entero en cada concierto, aunque sonarán otros temas también. Está bien revisar tus discos antiguos, pero ahora ya estamos pensando en componer material nuevo (risas). Somos así”.

El año pasado publicasteis

(risas). Pero creo que tiene buenas canciones. La cara B del álbum es prácticamente todo reggae. Así que estamos tocando mucho reggae. Creo que es un disco introvertido, lo-fi, oscuro, íntimo, así que es diferente a muchos de los álbumes que estaban saliendo en esa época, que eran muy animados”. ¿Qué vínculo tiene con Peculiar?

“Bueno, Peculiar es nuestro trabajo más político, así que parecía adecuado tocarlo en este momento. Y además, salió hace diez años, así que es como celebrar dos aniversarios en uno”.

un disco homónimo; sin

Hace veinte años que salió Red

embargo en esta gira no venís

Light. ¿Te sigue pareciendo

a presentarlo. ¿No quedasteis

vigente?

Aunque llevas en la banda

contentos con él?

“Me suena un poco anticuado (risas). Creo que lo haríamos mejor ahora, espero haber mejorado con el saxo

desde siempre, no fuiste uno de

“No es eso. Creo que The Slackers reflejaba el sonido de la banda en

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los fundadores. ¿Qué recuerdas de cuando te uniste a ellos?


“Dejé de tocar durante un año. Entre el 92 y el 93. No pensaba que iba a estar en el grupo durante el resto de mi vida. Pero desde el primer ensayo vi que Vic (Ruggiero) era muy bueno. Era otra época. Nueva York es casi irreconocible para mí (risas). Supongo que todas las ciudades cambian, pero lo de allí ha sido brutal”. En los conciertos de ska o soul, siempre parece que la sección de vientos es la que mejor se lo pasa. ¿Es realmente así?

“(Risas) Nunca me ha interesado tocar otro instrumento, así que no soy objetivo. Toqué un poco el piano, pero nunca me lo tomé en serio. El saxofón ha sido mi obsesión desde que lo descubrí en los 80. Cuando tocas ska o reggae se trata de encontrar las partes adecuadas, no tocar porque sí, así que es muy agradecido. No te lo voy a negar, lo pasamos muy bien (risas)”. En los 90, la escena punk y la ska estaban muy unidas. Vosotros mismos editasteis muchos discos con Hellcat Records, el sello de Tim Armstrong, y tocasteis con Rancid. ¿Crees que ahora los públicos se han vuelto a separar?

AGENDA OCTUBRE ADICTS 11 Vitoria, 12 Madrid, 13 Girona AIRBOURNE 3 Valencia, 4 Murcia, 6 Málaga, 7 Sevilla ALTER BRIDGE 26 Barcelona, 27 Madrid ANATHEMA 12 Madrid, 13 Barcelona BLOOD INCANTATION 15 Madrid, 16 Barcelona DIRKSCHNEIDER 18 Madrid, 19 Barcelona, 20 Murcia, 23 Bilbao FIREWIND 12 Barcelona, 13 Valencia, 14 Pozal de Gallinas, 15 Vigo GALACTIC EMPIRE 3 Madrid GOAT GIRL 5 Valencia, 6 Barcelona, 7 Zaragoza HARAKIRI FOR THE SKY 19 Barcelona, 20 Granada, 22 Madrid HARD-ONS 18 Barcelona, 19 Madrid, 20 Donosti HAREM SCAREM 27 Barcelona, 28 Madrid

“No lo creo. Tocamos en el festival Punk Rock Bowling y el Rebellion Festival y nos resulta divertido porque el público es un poco mayor, así que hay gente que nos vio en los 90. A veces te preguntas si encajarás con grupos más duros como Anti-Nowhere League o Cock Sparrer, pero luego sales y la gente lo pasa en grande. Muchos músicos punks son fans del reggae, así que la conexión sigue existiendo. Hay una camaradería entre las bandas. Quizá lo que pasa es que, paradójicamente, hay una oferta tan brutal, que mucha gente sólo escucha cientos de bandas de un mismo estilo y pasa de escuchar otros”.

IGORRR 7 Barcelona, 8 Madrid

Tú eres primordialmente un músico de jazz,

ONSLAUGHT + ARTILLERY 9 Zaragoza, 12 Barcelona, 13 Vitoria

¿cómo valoras el nivel de los músicos del punk?

“Creo que Matt Freeman de Rancid toca el bajo como el mejor. Siempre me ha impresionado mucho. Creo que hay muchos músicos punks que podrían tocar otros estilos. La verdad es que, si te tiras dos años tocando cada noche, acabas mejorando muchísimo. Por eso ves a guitarristas que pasan del punk al metal. Pero al final, en el punk se trata de tocar como un equipo, de cómo encaja todo, y no tanto de lo bueno que eres”. (JORDI MEYA)

IN HEARTS WAKE 19 Barcelona, 20 Madrid KADAVAR 21 Madrid, 22 Barcelona LIV SIN 11 Vitoria, 12 Reus, 13 Alcalá de Henares, 14 Pozal de Gallinas, 15 Oviedo, 17 A Coruña, 18 Vigo, 19 Madrid, 20 Valencia, 21 Zaragoza, 22 Barcelona LORDS OF ALTAMONT 23 Barcelona, 24 Valencia, 25 Zaragoza, 26 Madrid, 27 Valladolid, 28 Bilbao MAYHEM 11 Bilbao, 12 Madrid, 14 Barcelona

PAPA ROACH 14 Barcelona, 15 Madrid PHIL CAMPBELL 14 Madrid, 16 Bilbao SATYRICON 4 Madrid, 5 Barcelona SOEN 18 Barcelona, 19 Madrid TODAY IS THE DAY 11 Madrid, 12 Bilbao, 15 Barcelona


RockZone 140