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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Interrupters (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Es curioso ver cómo detrás de los creadores de música alegre y animada, o al menos ésa es la idea generalizada que se tiene sobre el punk pop, se esconden historias personales bastante duras. Posiblemente tenga más que ver con haber conocido el éxito cuando todavía se es muy joven (a cualquiera se le podría ir la olla si se convirtiese en rico y famoso a un edad temprana) que con la música en sí, pero no por ello deja de llamar la atención. Merece la pena leer detenidamente la entrevista de portada con Deryck Whibley, el líder de Sum 41, donde habla sin tapujos por la grave situación que vivió como consecuencia de su alcoholismo. Por suerte todo aquello ha quedado atrás, y como muestra su nuevo álbum, todavía le quedan grandes canciones por escribir. Enjoy!


SUMARIO

Nยบ 129

7 / INTERFERENCIAS

24 / JIMMY EAT WORLD

30 / THRICE

34 / OPETH

40 / SUM 41

48 / RED FANG

54 / DAWN OF THE MAYA

60 / THE SOULBREAKER COMPANY


66 / TOUCHÉ AMORÉ

72 / DISCO DEL MES

74 / CRÍTICAS

104 / AIRBOURNE

108 /

118 / THE INTERRUPTERS

EAGLES OF DEATH METAL

122 / EN DIRECTO

132 / DE GIRA + AGENDA


THEWONDERYEARSBAND.COM

TINYMOVINGPARTS.COM


INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ MARILYN MANSON MARILYN MANSON HA ANUNCIADO LA PUBLICACIÓN DE SU DÉCIMO ÁLBUM DE ESTUDIO PARA EL PRÓXIMO FEBRERO. TITULADO SAY10, EL CONTROVERTIDO MÚSICO PROMETE UN DISCO MÁS VIOLENTO Y CON PUNTOS EN COMÚN CON DOS DE SUS DISCOS MÁS CÉLEBRES.

Y

a sabemos que Marilyn Manson es un maestro a la hora de crear grandes expectativas en los medios cada vez que tiene a punto un nuevo trabajo. La experiencia nos dice que éstas no siempre se cumplen, pero aun así el reciente anuncio de su nuevo álbum, SAY10, que se pronuncia igual que ‘Satán’ en inglés, nos ha despertado bastante interés. Primero porque en su disco anterior, The Pale Emperor, denotó una notable mejoría con lo que venía haciendo últimamente, y segundo porque las declaraciones que ha hecho al respecto nos suenan bien a los oídos. “No se parece en casi nada a The Pale Emperor”, dijo en una entrevista a Rolling Stone. “La gente que ha escuchado los nuevos temas dicen que les recuerda a sus partes favoritas de Antichrist Superstar y Mechanical Animals, pero con un enfoque nuevo y diferente”. Así mismo añadió que por alguna razón “era bastante violento en su naturaleza” y que la gente quedaría sorprendida con el resultado. A pesar de esas referencias a sus dos discos de mayor éxito, en

otra entrevista con la web de Dazed, Manson puntualizó que su intención no era volver atrás. “Todo acaba siendo un círculo cerrado y se convierte, sin canibalizar tu trabajo del pasado, en una misma cosa, que al final eras tú”, y añadió que los nuevos temas tendrán “toda la pasión y pompa melódica de Bowie, pero también todo el desprecio por las reglas de Ministry y todas las bandas que me influyeron en el primer álbum que hice”. SAY10 fue compuesto entre Manson y Tyler Bates, su colaborador en el disco anterior y autor de la banda sonora de la serie Salem, en la que el músico tendrá un papel en su nueva temporada. Usando como banda al propio Bates como guitarrista, Twiggy Ramirez al bajo y Gil Sharone a la batería, se grabó en los tres meses anteriores a su gira por Estados Unidos junto a Slipknot. “Estoy un poco más ansioso de lo normal, así que se hizo muy rápidamente, pero es de lejos la obra más temática y compleja que he hecho”. En unos meses, saldremos de dudas.

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LO PEOR DE MÍ_ ¿MALO PARA EL MUNDO, BUENO PARA EL ARTE?

C

omo a cualquier persona con dos dedos de frente, un personaje como Donald Trump me asusta. Que un tipo racista, misógino, impulsivo, demagógico, populista, inculto y mentiroso pueda llegar a ser presidente de la primera potencia del mundo plantea un futuro de lo más incierto para el devenir del planeta. Su gran ventaja, aparte de su carisma, es que su oponente, Hillary Clinton, tampoco despierta ninguna simpatía entre un gran sector del electorado norteamericano, así que el hartazgo generalizado con los políticos puede jugar a su favor. En un par de meses veremos cuál es el resultado, pero el único punto positivo que le veo a la hipótesis de que Trump salga elegido es la cantidad de juego que puede dar en el mundo del arte. Si en la era Reagan nacieron algunos de los mejores grupos de punk de la historia, no me extrañaría que la era Trump tuviese un efecto similar. Su simple candidatura ya ha empezado a inspirar a grupos como Municipal Waste o Brujeria. Llamadme mal pensado, pero no me sorprendería que Fat Mike votase a Trump simplemente para poder dedicarle el siguiente disco de NoFx. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@loserjorge Hacía como diez años que NoFx no me hacían esperar un disco suyo con expectación. Gran tema. @jmdelosreyes Dudaba, pero definitivamente y me alegro por ello, @Korn han vuelto. ‘Rotting In Vain’ lo demuestra. @AdrEgea No es el sonido que esperas de Green Day, pero convence conforme la escuchas. ¡Impaciente esperando el 7 de octubre! #StillBreathing @victoriafenoll Disfrutar así de Biffy Clyro es un lujazo. ¡Y punto! @Dany_RHCP Y de hoy sólo me queda dar las gracias a @RockZone por darme la oportunidad de vivir una experiencia como la de hoy. @NosonPatatas Sinceramente creía que la sala Cats se iba a quedar grande para Pierce The Veil, y resulta que queda poco para que agoten entradas.

Con Simon Neil de Biffy Clyro en Madrid. Para mi sorpresa, el trío escocés lo primero que hizo al terminar su acústico fue bajarse al público y atender todas y cada una de las peticiones del público, sin dejar a nadie descontento. Mi mayor sorpresa ha sido comprobar que a pesar de su fama, son las estrellas con los pies más pegados al suelo que se haya podido ver. (JOSÉ MANUEL)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER Hoy quiero aprovechar este espacio para hablar sobre una de mis bandas favoritas, King 810, que acaban de sacar su segundo trabajo a la luz. Conocí a estos americanos de gira por Europa, y os puedo asegurar que, gracias a ellos, las horas y horas de furgoneta se me hicieron más amenas hablando sobre Corea del Norte. Antes que nada debo destacar que muchas de las letras fueron escritas en prisión, ya que el cantante David Gunn ha sido detenido en numerosas ocasiones, llegando a ser disparado y apuñalado. La introducción del disco, ‘Heavy Lies The Crown’, es la invitación al mundo demente de David, mientras nos pone en situación de una música que hablará sobre la pobreza y la violencia de una forma que uno nunca se puede imaginar. David vive tanto lo que canta que, en ocasiones, creo que podemos llegar a sentir su saliva salpicándonos en la cara. La desesperación y la locura hace de King 810 algo muy especial, tal y como muestran en sus grotescos videoclips a los que deberíais echar un vistazo AHORA. El disco es una balanza entre algo brutalmente pesado y a la vez delicadamente suave, con temas a modo de interludios acústicos que no dejan de ser oscuros. Incluso cuando David Gunn susurra sigue siendo atemorizador y brutal, y eso es algo que no pueden hacer todas las bandas de metal. Bienvenidos a la música más asesina que os podáis imaginar, bienvenidos al mundo de King 810. (MARIUS TIBERIAN)

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PISANDO FUERTE_ ÀNTEROS FORMACIÓN: Cándido (voz, guitarra), Víctor (guitarra), Endika (guitarra), Mau (bajo), Oscar (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Toundra, Viva Belgrado, Minor Empires

Fotos: Rosario López

PRESENTAN: Lunas (Aloud Music/Pundonor)

“EL INICIO HA SIDO COMPLICADO. HAY POCA DISPONIBILIDAD Y MIEMBROS QUE ESTÁN EN OTRAS CIUDADES, POR LO QUE NO PODEMOS FUNCIONAR COMO UN GRUPO AL USO” VÍCTOR


Q

ué hacen un andaluz, un madrileño, un catalán, un vasco y un italiano en un local de ensayo? Podría empezar esta entrevista con un chiste malo, muy malo, pero estos Ànteros facturan un post rock gritón de calidad que debemos tomarnos muy en serio. Por si no te has enterado todavía, en las filas de esta banda afincada en Barcelona militan miembros y exmiembros de Viva Belgrado, Minor Empires, Toundra, Syberia y Krilin, entre otras. Y no llevan mal las comparaciones, inevitables por otra parte. “Es algo a lo que damos la importancia justa. Lo complicado, creo, son las expectativas que se generan. Aunque es bonito que se acuerden de ti y valoren tanto lo que has hecho en el pasado, como lo que estás haciendo ahora”, explica el guitarra Víctor García-Tapia, principal instigador de este supergrupo. “Escuchar la palabra ‘supergrupo’ le hace entrar al que no viene de ninguna banda”, responde, en alusión al bueno de Mau, el bajista, sin antecedentes musicales conocidos. Siguiendo con las puñeteras comparaciones, sería muy injusto definir Ànteros como la suma de la épica de Toundra y la poesía descarnada de Viva Belgrado, por citar dos de los puntos fuertes de su primera referencia. Para empezar, porque los otros tres músicos

aportan y mucho a la propuesta. “Las preferencias musicales de cada uno de nosotros son muy variadas. Además, cada uno sonamos a nosotros mismos y es algo que no nos hemos preocupado de esconder. Si estamos los que estamos es por quiénes somos individualmente y las ganas que teníamos de ver qué saldría de esta unión”. Como era de esperar, el parto de los cinco temas que conforman su primera referencia, Lunas, no ha sido sencillo. La distancia puede pesar mucho, pero ellos tienen muy claro que Ànteros es un grupo de amigos y no permitirán que se convierta en un foco de preocupaciones. “El inicio del grupo ha sido complicado, algo que ya intuíamos. Hay poca disponibilidad y miembros que están en otras ciudades, como Cándido, por lo que no podemos funcionar como un grupo al uso”, continúa Víctor, quien habla de ensayos “intensivos” cada vez que el cantante y guitarra de Viva Belgrado pisa la capital catalana. Los cinco han parido Lunas, un EP presentación formado por cinco temas. Cada tema lleva el nombre de una luna y la fecha en la que fue descubierta. “Víctor tenía claro que el interludio se llamaría ‘Luna’ y a mí me gusta trabajar las canciones en torno a un concepto e intentar darles unidad”, recuerda Cándido, encargado de las letras

de los temas. “Estas letras se hicieron prácticamente a la vez que las de Ulises (el nuevo trabajo de Viva Belgrado -ndr.) y necesitaba dar con una premisa que me ayudara a escribir paralelamente. En un principio quería basarme vagamente en las historias mitológicas de los nombres de cada una de las lunas, y aunque investigué sobre ellas buscando algo de inspiración, finalmente acabaron siendo algo completamente desvinculado”, reconoce. La grabación del disco fue en 7 Barbas, en Barcelona, un sitio de absoluta confianza para Víctor, su segunda casa. “Fue increíble poder volver a trabajar con Sergio Picón. Es de las personas más íntegras que conocemos y estamos seguros de que el karma le va devolviendo todo lo bueno que hace por la gente que le rodea”, comenta el guitarra. Precisamente, el sello discográfico de Picón, Aloud Music, coedita junto a Pundonor Records la versión vinilo de Lunas, que también ha sido planchado en CD. En vista de la buena acogida de los temas, las copias podrían volar. “El feedback ha sido bueno, sobre todo si tenemos en cuenta que en internet es más fácil ver rajadas que elogios. Estamos contentos con lo que hemos leído, así como los datos del pre-order y la expectación que hemos notado ante nuestros primeros conciertos”, explica Víctor, quien recuerda con especial cariño el primero, en la fiesta organizada por el webzine musical Keep An Open Mind. “Tenía mucho sentido estrenarnos con ellos, ya que Biken, uno de los organizadores, nos ha apoyado desde el primer día”. (LUIS BENAVIDES)

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ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

THE HEPATITIS BATHTUB AND OTHER STORIES NOFX

(DA CAPO PRESS)

D

emasiado ha tardado en llegar, pero, tirando del tópico más trillado, la espe-

ra realmente ha valido la pena. Cualquiera que haya seguido la carrera de

NoFx, aunque haya sido de reojo, sabrá que pocas bandas tan

poca autocensura. Pese a un primer capítulo demoledor donde

disfuncionales, pero a la vez honestas consigo mismas, existen

Fat Mike se recrea en una historia bondage con una embaraza-

en el rock. Ahí probablemente radica la clave de la grandeza

da, en contra de lo que se puede uno imaginar, Mike no es el

de esta obra. En muchos momentos se te queda la boca abierta

gran protagonista. Por mucho que cueste creer, durante muchos

ante cualquiera de sus locuras, pero por otro lado, tienes la (casi)

años él fue la parte más cabal de la banda, siendo la brutal

completa seguridad de que lo que estás leyendo es verídico, con

drogadicción de Smelly la parte más impactante. Nada queda

lo que el sensacionalismo queda apartado. La estructura del libro

en el tintero: éxito, dinero, relaciones intergrupales, drogas, sexo,

es idónea. Los diferentes componentes de la banda van alter-

amor… y todo ello bajo un tono, en muchos casos, sombrío y

nando los capítulos escritos en primera persona, y ahí es donde

deprimente. Que nadie espere un libro humorístico, pero sí el que

cada uno va explicando sus experiencias personales con muy

será uno de los más clásicos sobre una banda de rock.

RR

IN-EDIT - MADE IN BARCELONA Toni Castarnado (COMANEGRA)

A

unque su expansión por

año- sabe del ambiente especial que se genera durante esos once

el resto de la geografía

días. En esta lujosa edición –coordinada al detalle por Toni Castar-

empieza a estar conso-

nado- se hace, no sólo un extenso repaso a la historia del festival

lidada –con ediciones en Bilbao,

con sus múltiples anécdotas, entrevistas a todos los involucrados en

Valencia y Madrid, además de otras

que el evento vaya creciendo año tras año, el inevitable recuerdo

ediciones en países como Chile o

a Alberto Pascual, fundador del festival… sino que 50 periodistas,

Brasil-, el festival In-Edit es un nombre

entre los que hay unos cuantos que escriben en estas páginas, di-

asociado principalmente a Barcelona. Uno de esos acontecimien-

seccionan documentales tan míticos como Some Kind Of Monster,

tos ineludibles que transcurren entre finales de octubre y principios

I’m Your Man, Let’s Get Lost o About A Son, que han pasado por

de noviembre, y que nadie, con un mínimo interés por la música,

la pantalla del In-Edit. Esta obra no sólo es un recuerdo práctica-

osa perderse. Para los que no lo conozcan, In-Edit es un festival

mente inevitable para todos aquellos que disfrutan el festival año

de cine documental musical que se celebra en Barcelona desde

a año, sino que también es una agradable visita a las entrañas de

hace 14 años, y que todo el que haya asistido a alguna de sus

un evento y la prueba fehaciente de que todos los sueños pueden

proyecciones –una media de 40 filmaciones suelen exhibirse cada

hacerse realidad, por muy locos que parezcan.

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RR


UN TREN LLAMADO AMOR

Garth Ennis y Mark Dos Santos (PANINI/EVOLUTION COMICS)

La comedia no le es ajena a Ennis, y aunque su carrera siempre estará asociada a Predicador y Punisher, tanto en aquéllas como en infinidad de otros trabajos ha dado buena muestra de su particular y grotesco sentido del humor. En esta serie se desmadra por completo ofreciendo una historia romántica coral con tipos de medio pelo, asesinos a sueldo e infinidad de barrabasadas sólo para adultos, zoofilia incluida. Ilustrado por un talentoso Dos Santos que aporta con su estilo cartoon el toque de plasticidad cómica que necesita, en verdad, la crudeza de este relato. Una lectura muy satisfactoria. SG

PAPER GIRLS VV. AA.

(PLANETA CÓMIC)

La nostalgia por los 80 pega fuerte desde hace tiempo. Cine y series hacen caja con ello. Paper Girls se encuadra dentro de este subgénero con sus propias señas de identidad y es justo decir que se adelantó por varios meses a la reciente Stranger Things con el rollo bicis, (exagerada) nostalgia y cosas asombrosas. Un grupo de repartidoras de periódicos se ven envueltas en un extraño suceso que desemboca en un aún más sorprendente ‘continuará’. La serie es abierta en Estados Unidos y por fin despega su publicación en nuestro país. SG

DE MUERTE VV. AA. (GP)

MANUAL DEL PAJILLERO Riad Sattouf (LA CÚPULA)

Álbum colectivo en el que 23 autores y autoras ofrecen 13 relatos centrados en la figura de la Muerte y su relación con la vida y la sociedad. El volumen presenta gran variedad de estilos y a creadores con distintas trayectorias, siendo para algunos su debut en este formato. La gran calidad de sus historias y el acabado gráfico de las mismas ya le bastan para incluirlo en la lista de buenos proyectos y, sin desmerecer todo su contenido, materiales como la crítica Destination: Mars, la desternillante Cómo Ser Humano Otra Vez o la histórica Murió Madrid son motivo suficiente para hacerse con un ejemplar. SG

SUPERLÓPEZ: GRAN AUTÉNTICO VIDENTE... Jan

Cualquiera podrá identificarse con este divertidísimo tebeo que retrata la adolescencia de forma tan cruel como cómica. ¿Pajillero salido y acomplejado? Te vas a ver reflejado. ¿Fuiste el malote de la clase? Riad tiene páginas dedicadas para ti. Roza de forma tangencial la relación de las mujeres con los chicos de su edad y la comicidad con la que trata todos los estereotipos convierten a este cómic en una lectura tan sucia como entretenida. Las miserias de la sexualidad adolescente, los complejos y miedos reflejados en una serie de lugares comunes que por unos minutos te devolverán a aquellos aterradores años. SG

WW75:

75 AÑOS DE

WONDER WOMAN

VV. AA. (ECC)

(EDICIONES B)

Para su nueva historia, Superlópez se ve envuelto en una historia turbia de falsos videntes y curanderos sin escrúpulos. Luisa, capaz de todo con tal de casarse con Juan, cae ante las artimañas del profesor Aruspice, el curandero en cuestión, pero para arreglar la situación, y desenmascarar el entuerto, está nuestro superhéroe favorito. Pese a que Jan sigue con el piloto automático a la hora de facturar sus historias, Gran Auténtico Vidente Curandero tiene los mínimos elementos que los fans de Superlópez necesitan para disfrutar de una nueva aventura. RR

El cumpleaños de la Princesa Amazona por suerte no ha pasado desapercibido (tal vez por tener en breve su propio film y ser lo más destacado de la pasada BvS). Este tomo no sólo incluye su primera aparición, sino que recorre todas las etapas que ha tenido el personaje en casi un siglo de vida. A destacar el material que recupera a la Diana espía, el homenaje a la serie clásica de televisión o la historia que incluye de Action Comics donde se explora su relación con Supermán, sin olvidar la etapa post Crisis En Tierras Infinitas. SG 13


DE CINE_ CON KIKO VEGA GERNIKA

BLAIR WITCH

LA DESTRUCCIÓN CLÁSICA

T

ras diez años alejado de los cines, Koldo Serra ha tenido tiempo para depurar más si cabe su exquisito gusto a la hora de planificar y dotar a las imágenes de sus trabajos de la mayor claridad posible. Nada nuevo bajo el sol si tenemos en cuenta su debut, la notable Bosque De Sombras, uno de los títulos referentes de esa nueva generación que apuntaba a dominar nuestro cine y que por unas razones o por otras (creo que el público es el principal problema), ha dejado a los Vigalondo, Cobeaga o Serra en autores de

LA CASA SIN BARRER

culto en lugar de ‘directores que mandan en España’. También es posible que el guión de la peli no sea el más adecuado (Barney Cohen: Viernes 13: Cuarta Parte, Thundercats, Masters Del Universo y Sabrina: Cosas De Brujas), pero Gernika es un gran ejemplo de la grandeza del cine y sus imágenes, y la cámara de Serra, su maestría y elegancia beben de un cine del que rara vez se hace en España: el viejo cine clásico. Perfectamente ejecutada, técnicamente impecable, Gernika, no digo que no, necesitaba un guión algo más trabajado. El tercer acto, la propaganda animada y muchas de las virguerías de la peli serían misión imposible sin los cada vez más presentes User T38. Dejan un buen sabor de boca a un espectador acostumbrado a que nuestro cine cada vez sea más un reflejo de otras cosas que se hacen en otros sitios, sí, pero otras cosas que se hacen ahora y no hace medio siglo.

S

upongo que es un defecto. Me refiero a madurar. A crecer. A perder según qué miedos. O puede que simplemente Blair Witch no sea una buena película. Adam Wingard llamó la atención de todo el mundo con la estupenda A Horrible Way To Die, un ejemplo de cómo el cine de autor mumblecore podía provocar escalofríos y revolver cuerpo y alma. Supo jugar sobre seguro con Tú Eres El Siguiente, un cachondo slasher lleno de posibilidades donde supo jugar con ese humor negro que ha ido apoderándose del resto de su obra y que explotó mejor que nunca en la excelente The Guest, con permiso de la forma horrible de morir, su trabajo más equilibrado. Siempre escudado en Simon Barrett, guionista de confianza, hace cosa de un año anunciaban una nueva colaboración en forma de found footage que llevaría por título The Woods. No necesitábamos más para comenzar a salivar.

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Cuando hace unas semanas se oficializó que estábamos ante una secuela directa de la peli que lo empezó todo, The Blair Witch Project, no nos cabía el corazón en el pecho. Todo ese hype, todas esas ganas de regresar al bosque del misterio cámara en mano, además del paso del tiempo y el constante avance (no siempre hacia adelante) de género y subgénero, terminan por jugar una mala pasada a Blair Witch, una secuela que parece adoptar su nombre a última hora, cuando ya no quedaba más remedio. El hilo que conecta las dos películas es puro secuelismo de toda la vida, y hasta ahí nada que objetar a la trama: el hermanito de la protagonista de la peli original decide volver al bosque para averiguar qué ha pasado. Como digo, secuela pura y dura que no tendría nada de malo hasta que uno regresa con pelos en los huevos y curado de espantos. Una vez allí, se repite paso a paso todo lo que sucedía hace veinte años, pero perdiendo toda la espontaneidad de aquélla en favor de una tecnología que, además, es completamente inútil. Nuevas ideas, cámaras y posibilidades para rodar una vez más la misma historia, abusando del susto de sonido donde antes no había, haciendo más lastimosa la oportunidad perdida al utilizar un par de ideas argumentales muy interesantes.


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TOI’S IN THE ATTIC STOP ACOSO

A

loha! ¿Qué tal la vuelta al cole? No os quejéis, que ahora viene otro otoño calentito con buena programación de conciertos. Precisamente quería hablaros de algo que he leído últimamente en los medios y que me ha cabreado mucho, y es precisamente el acoso a chicas en shows. No pretendo soltar un discurso moralizador, pero si ya día a día nos bombardean con denuncias por incidentes de este tipo, creando a las mujeres una sensación de inseguridad brutal a la hora de salir a la calle, no quiero ni contaros ya cuando el acoso se localiza en nuestro oasis musical. Si lo pensáis bien es un milagro que un grupo atraiga a cientos o a miles de personas a un recinto. Hablamos de gente de diversa condición y educación, y que al final nos movemos por lo que nos sugiere la música, o por lo menos en la mayor

parte de ocasiones. Es por eso que siempre estará el gritón de turno que da por saco al grupo, el bocazas que no para de hablar con su colega, la parejita que se hace arrumacos, y algún ligón ocasional. De ahí a que un cabrón intimidador moleste y agobie a una chica, la diferencia es enorme, y pasa más frecuentemente de lo que pensamos. Si alguna de vosotras os encontráis en una situación incómoda no deberíais dudar en pedir ayuda a quien sea. Si los demás sois testigos de un momento así, por favor, haced algo por evitarlo. Que no tenga que ser noticia ni el asalto a una persona, ni que el cantante de un grupo de renombre tenga que parar un set ante algo así. Vamos a conciertos para disfrutar y olvidarnos del mundo exterior, no para joder, ni para que nos amarguen la vida. (TOI BROWNSTONE)


E

ste mes el disco escogido para incluirlo en mi Hall Of Fame es Cats And Dogs de Royal Trux. Si alguna vez ha existido una banda que haya sido una puerta abierta al consumo de drogas ésa ha sido Royal Trux, el dúo low-fi compuesto por Neil Hagerty y Jennifer Herema. Durante sus algo más de trece años de trayectoria, fueron capaces de editar diez álbumes de estudio, y todo entre su bien publicitada adicción a la heroína. En un giro afortunado de los eventos, el grupo se vio envuelto en aquella locura post Nevermind, por lo que una multinacional les puso un millón de dólares en el bolsillo para ficharlos. Su contrato con Virgin tan sólo trajo un par de discos con poco éxito comercial y, además, justo des18

pués de eso editaron en 1993 el mejor álbum de su carrera, Cats And Dogs, en Drag City Records. Mientras su material hasta Cats And Dogs había sido un atractivo caos experimental, éste supo capturar ese maravilloso periodo transicional para la posteridad. El álbum contenía una mezcla de canciones con estructura normal y preciosas melodías lisérgicas, que se añadían a su ya de por sí sonido impregnado de heroína. Con el tiempo su sonido evolucionó hacia un rock’n’roll a lo Rolling Stones, Faces y The Stooges con discos como Accelerator, Thank You y Pound For Pound, pero es en Cats And Dogs donde alcanzaron su cima. Canciones como ‘The Flag’ o ‘Hot And Cold Skulls’ mostraron sus capacidades para tocar rock’n’roll y avisaron de lo que vendría más adelante, y en temas más calmados como ‘Turn Of The Century’, ‘The Spectre’, ‘Let’s Get Lost’ y ‘Up To Sleeve’ dejaban claro que bajo esa nebulosa de drogadicción eran capaces de componer canciones bien hechas. A pesar de ello, toda-

vía había canciones salvajes como ‘Friends’ y ‘Driving In That Car’ que contentaban a esos fans que los habían estado apoyando en discos como Twin Infinitives de 1990. He de decir que soy fan de gran parte de su discografía. Puedo apreciar el exceso experimental de sus inicios, con ese feedback distorsionado y esas reverbs salvajes, pero, por supuesto, también adoro cuando Jennifer Herema pilla su micro y se transforma en una mezcla entre Mick Jagger e Iggy Pop, tan sólo que diez veces más cool. Cumpliendo el tercer requisito de ‘sexo, drogas y rock’n’roll’, la música de Royal Trux, por alguna ma-

ravillosa razón, ha sido de las mejores bandas sonoras para una noche de sexo y desenfreno. Prueba a poner Cats And Dogs en el estéreo y verás la furgo ponerse a rockear de manera instantánea. Cuando leo eso tan manido de lo que la gente llama bandas ‘influyentes’, rara vez veo el nombre de Royal Trux. Nunca buscaron el estrellato y siempre estuvieron destinados a estar bajo el radar, pero quizás ha llegado el momento de empezar a citar el nombre de Royal Trux como una de las mejores formaciones de rock’n’roll de la historia. Dicho queda. Hasta el mes que viene, DANKO JONES


TOUCHÉ AMORÉ AVAILABLE NOW

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LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> CÁLIDO HOME INTERPRETAN ‘CRASH OVER ME’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

P

uede que algunos conozcáis a Cálido Home por Vulpes Vulpes, su debut de 2013, por haberles visto en directo, o incluso por la maravillosa versión de Queens Of The Stone Age que hicieron para nuestro Bipolar Sessions Vol. 2 en 2015. Si es así, ya sabréis que estamos ante uno de los mejores dúos de folk, o como le llaman ellos ‘motherfolker’, de nuestro país. El día después de haber presentado su segundo disco Tones And Shapes (BCore) en el Mercat de la Música Viva de Vic, Anna Andreu y Eduard Pagès, sus dos integrantes, visitaban nuestra redacción para contarnos unas cuantas cosas sobre la creación del mismo. Lo primero que cabe destacar es que fue grabado totalmente en directo, en la platea del teatro Cal Eric en Guissona, Lleida, dándole un aire más íntimo y cercano que el primero. “Los temas en sí los trabajamos de manera parecida al anterior, aunque quizá queríamos que fuera un poco más luminoso”, cuenta

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Eduard. “El cambio de sonido ha venido por el sitio donde lo grabamos porque ya le da la reverb natural y de madera seca, y por haberlo hecho en directo. Joan (Pons), como productor, nos recomendó que no tocásemos tan fuerte, que dejáramos que la canción se explicase por sí misma”. “Yo creo que ha sido una cuestión de seguridad”, añade Anna. “Estamos muy contentos con cómo quedó Vulpes Vulpes, pero no sé si me hubiera atrevido a grabarlo en directo. Ahora hemos encontrado otros recursos que no sean meter caña”. El ambiente rural del que se impregnaron durante las dos semanas que duró la grabación también tuvo que ver. “Cuanto más industrial es el ambiente más macarra e intensa se vuelve la gente. Allí todo era mucho más relajado”, explica Eduard. Pese a ello, el productor Joan Pons (quien se ha labrado una fructífera carrera como El Petit De Cal Eril en la escena catalana) impuso ciertas normas antes de empezar la grabación, como por

ejemplo prohibirles hacer más de cinco tomas de una misma canción. “Decía las cosas con mucha elocuencia, pero te sonaban bien”, recuerda Anna. “Si pinchas muchas veces un tema, puede que lo acabes ejecutando bien, pero lo has mecanizado, no estás interpretando. Al principio nos parecía una movida, pero luego vimos que los temas iban saliendo. Nos puso una presión buena, porque él veía claro que éramos capaces de poder grabar en directo”. “Además te lo explica como músico y autor de canciones, no como técnico de sonido”, apunta su compañero. “Es muy exigente, pero es muy majo”. Si su debut presentaba influencias básicamente anglosajonas, Tones And Shapes destila aires más mediterráneos, aunque paradójicamente las letras son exclusivamente en inglés. “No por cantar en inglés somos un grupo de americana. De hecho, es seguramente el género que menos escuchamos actualmente”, concluye Andreu.


JIMMY EAT WORLD

ESPACIO EN BLANCO POR MUCHOS AÑOS QUE PASEN, JIMMY EAT WORLD SIGUEN SIENDO INCAPACES DE DESPRENDERSE DE LA IMAGEN DE CHICOS BUENOS Y FORMALES QUE SIEMPRE LES HA ACOMPAÑADO. NI EL HECHO DE QUE LA MAYOR ESTRELLA DEL POP ACTUAL LES HAGA UN GUIÑO PARECE AFECTARLES LO MÁS MÍNIMO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR


ESDE QUE SE CORONARAN con artefactos tan fantásticos como Bleed American y Futures, que llegaron a marcar a unos cuantos jóvenes de todo el mundo hace más de una década, Jimmy Eat World han sido capaces de seguir escribiendo buenas canciones, pero daba la sensación de que su papel dentro del panorama musical era cada vez más intranscendente. En sus últimos trabajos de estudio la banda de Mesa, Arizona, había entrado en una fase un tanto autocomplaciente, en la que se encontraban demasiado cómodos dentro de su sonido más convencional entre el pop rock y el emo que les vio nacer. Pero parece que esa dinámica va a cambiar a raíz de su noveno disco, Integrity Blues (RCA), en el que Jim Adkins (voz, guitarra), Tom Linton (guitarra), Rick Burch (bajo) y Zach Lind (batería) han optado por agitar un poquito las cosas. En lugar de seguir grabando en su propio estudio, esta vez acudieron al productor Justin Meldal Johnsen,

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quien les ha ayudado a dotar sus nuevas composiciones de unas sonoridades más espaciosas y arriesgadas, recordando por momentos a las que fueron capaces de alcanzar en Futures. Un álbum que a buen seguro acabará por sorprender de una manera u otra a sus seguidores más acérrimos. Con el fin de intentar saber algo más del proceso de creación de su nueva criatura, conseguimos concretar una cita con Jim y Tom dentro del marco del DCode Festival a comienzos del pasado mes de septiembre, donde a pesar de tocar a primerísima hora de la tarde bajo un sol de justicia, triunfaron por todo lo alto gracias a su batería de hits tras más de una década de ausencia en los escenarios españoles. Sin embargo, y a pesar de mostrarse de lo más simpáticos en todo momento, los chicos hicieron gala de su fama de sosetes a la hora de hacer entrevistas. Al menos cuando les preguntamos sobre su amistad con Taylor Swift parecieron animarse algo más. 25


Lo primero de todo, me gustaría decir que es una enorme alegría que volváis a tocar en España, y más concretamente en Madrid después de tantísimo tiempo. ¿Cómo os sentís hoy? JIM ADKINS “Muy contentos. Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que tocamos aquí. Creo que fue en 2005 con Green Day, si mal no recuerdo”. Exactamente. ¿Todavía os acordáis de lo que pasó aquel día? (Durante aquel concierto, Tom Linton se desmayó a las dos canciones, cayendo al foso y obligando a cancelar inmediatamente su actuación -ndr.). TOM LINTON “Sí, claro (risas)”. ¿Qué fue realmente lo que te sucedió? TOM “Bueno, supongo que estaba exhausto ese día. Hacía mucho calor y combinado con que había dormido poco, creo que eso fue lo que hizo que me desmayara”. Desde entonces nunca habíais vuelto a tocar por aquí. No sé si también para vosotros suponía una cuenta pendiente con el público de Madrid... ¿O tal vez sois un poco supersticiosos con estas cosas? JIM “(Risas) No, en realidad no tiene nada que ver con eso. Es sólo que muchas veces solemos movernos en un circuito de ciudades muy específico. Y España siempre se quedaba fuera. La verdad es que no sé por qué hemos tardado tanto tiempo en volver. Pero estamos encantados de tocar de nuevo aquí”. 26

TOM “Sí, en realidad no es que hubiese ningún motivo en especial. Simplemente no había sucedido hasta ahora”. Bueno, pasemos a hablar del próximo álbum que saldrá en octubre, Integrity Blues. Mi primera impresión al escucharlo fue que era muy diferente respecto a cualquiera de vuestros tres anteriores discos. Creo que esta vez os habéis arriesgado a jugar más con vuestro sonido... ¿Cómo lo describiríais en vuestras propias palabras? JIM “Estoy de acuerdo con que es muy diferente en comparación a los últimos álbumes que hemos hecho. Como dices, creo que tiene un sonido un poco más arriesgado y abierto. A lo largo de los años hemos ido acumulando un montón de equipo, por lo que decidimos construir un estudio propio en nuestra casa, en Arizona. Es donde ensayamos e hicimos los dos últimos discos. Bueno, con Damage hicimos algo parecido, trabajamos mucho en nuestro estudio antes de ir a grabarlo. En cualquier caso, entre Chase This Light y Damage trabajamos mucho por nuestra propia cuenta allí. Y nos sentimos muy orgullosos de lo que hicimos, pero queríamos probar algo distinto. Y pensamos que eso significaba tener que salir de nuestra zona de confort, grabar un álbum de un modo diferente. Trabajar con alguien completamente nuevo y tener un apoyo externo”. TOM “Hemos pasado mucho tiempo trabajando en el estudio. Creo que fueron unos tres meses. Nunca antes habíamos pasado tanto tiempo grabando un disco”.

El álbum ha sido producido por Justin Meldal Johnsen, quien imagino que ha tenido mucho que ver con cómo ha terminado sonando. Echando un vistazo a su currículum veo que ha trabajado con artistas de todo tipo. Desde Nine Inch Nails o The Mars Volta hasta Beck, Garbage... ¿Qué es lo que os atraía de él a la hora de elegirle para hacer este álbum? JIM “Simplemente queríamos probar con alguien que nos aportase ideas nuevas. Él estaba muy contento cuando le dijimos que queríamos probar algo diferente, retarnos a nosotros mismos y no sentirnos cómodos con un sonido que nos resultase familiar. Creo que lo hizo realmente bien, hizo muchas aportaciones interesantes. Es muy apasionado sobre las cosas que le gustan. Como has dicho, él ha trabajado en álbumes muy diferentes en cuanto a sonido. Tiene mucha experiencia”. Quizás la canción que más va a sorprender a vuestros fans, en mi opinión, es ‘Pass The Baby’. Empieza con un ritmo electrónico, luego hay una especie de puente instrumental y acaba con un riff que parece salido de un grupo de stoner o de Metallica, incluso (risas). ¿Cómo creasteis esta especie de Frankenstein? JIM “Esa canción habla sobre la manipulación y cómo puede hacer que cualquier pequeño objetivo que tengas se convierta en algo engañoso y se vuelva contra ti de manera impredecible. Era un concepto que sentíamos que era muy difícil de llevar a una canción. Esta vez decidimos que teníamos


“‘THE MIDDLE’ SALIÓ HACE 15 AÑOS MÁS O MENOS, EN 2001. QUE LA GENTE SIGA SIENDO CAPAZ DE CONECTAR CON ESA CANCIÓN ES UN GRAN CUMPLIDO PARA NOSOTROS COMO MÚSICOS. DE HECHO, CREO QUE TAYLOR SWIFT DECÍA QUE LA SOLÍA ESCUCHAR ANTES DE SALIR DE FIESTA CON SUS AMIGAS”

JIM ADKINS que llevarlo a cabo de cualquiera manera y que funcionase. Pero sí, es un tema bastante raro viniendo de nosotros (risas)”. En cuanto a las letras, da la impresión de que esta vez te has centrado en sensaciones más íntimas y personales, mientras que quizás en Damage tratabas más los sentimientos que se experimentan durante una relación. ¿Era lo que pretendías esta vez, escribir desde otra perspectiva? JIM “Sí, es cierto. Pienso que Damage fue un buen trabajo que hablaba sobre los problemas, y en cambio Integrity Blues trata más sobre las soluciones. Me preguntaba: ‘¿Que hay detrás de todo eso? Cuando tienes un problema, ¿cuál es la raíz de todo ello?’. Así que sí, este disco es más como una reflexión personal”. En general, las vibraciones que me transmite este disco

son parecidas a las de Futures. No digo que sea un trabajo tan oscuro, pero creo que es lo más cercano al estilo de ese álbum que habéis hecho en muchísimo tiempo. ¿Cómo lo veis vosotros? JIM “Sí, creo que ambos, Futures e Integrity Blues, son muy similares porque tienen un sonido más abierto. Algunas veces piensas que las canciones saldrán más beneficiadas si las haces de una manera muy directa, pero en otras sientes que necesitan más espacio para respirar. Y sentíamos que el material que teníamos para Integrity Blues necesitaba algo de ese estilo, así que fuimos a por ello”. Quizás sí es cierto que el sonido esta vez está más producido y es menos orgánico que en otras ocasiones. JIM “Uno siempre intenta avanzar como artista y hacer cosas nuevas, y algunas veces eso significa reaccionar al contrario de lo que hiciste la última

vez. Damage fue un trabajo muy directo, sin tonterías, y quizás eso ha hecho que esta vez hayamos estado más dispuestos a explorar otros caminos como reacción a lo que hicimos anteriormente”. En 2014 hicisteis una gira conmemorativa por el décimo aniversario de Futures. ¿Por qué ese disco en concreto? ¿Qué supuso para vosotros? TOM “Había muchos fans que nos pedían que hiciéramos una gira tocándolo entero. Pero, ¿por qué es especial para nosotros? No sabría decírtelo (risas)”. JIM “Mucha gente nos lo pedía, así que lo hicimos”. Por otra parte, el año pasado, Jim, estuviste haciendo una gira acústica en solitario, la cual sí pudimos ver por aquí. ¿Qué balance haces de todo aquello? ¿Tienes intención de seguir trabajando de la misma 27


del pop y es realmente buena, pero para ello tienes que tener un concierto que sea realmente espectacular. Te guste más o menos su estilo, te sientes impresionado por todo lo que está consiguiendo”.

“PIENSO QUE DAMAGE FUE UN BUEN TRABAJO QUE HABLABA SOBRE LOS PROBLEMAS, Y EN CAMBIO INTEGRITY BLUES TRATA MÁS SOBRE LAS SOLUCIONES”

JIM ADKINS

manera, sacando singles de vez en cuando? JIM “Fue muy divertido porque estaba haciendo algo diferente. Seguro que continuaré trabajando en ello en el futuro, pero ahora mismo estoy muy emocionado con el nuevo álbum. Es lo único en lo que pienso. Pero fue divertido, conocí a muchísima gente y toqué en sitios donde no había estado desde hace mucho tiempo. Estuvo muy bien”. Para ir terminando, quería preguntaros por el anuncio que grabó Taylor Swift para Apple hace unos meses en el que salía haciendo un playback de vuestra canción ‘The Middle’. Lo curioso es que a través de eso, parece que mucha gente os ha descubierto o que hay un interés renovado por el grupo, quizás porque hasta que no apareció alguien como Taylor Swift hablando de vosotros, no se habían mo-

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lestado en escucharos antes. ¿Qué os pareció? JIM “Fue una locura (risas). Ella realmente es una gran estrella. Es muy halagador por su parte. ‘The Middle’ salió hace 15 años más o menos, en 2001. Que la gente siga siendo capaz de conectar con esa canción es un gran cumplido para nosotros como músicos. De hecho, creo que Taylor decía que la solía escuchar antes de salir de fiesta con sus amigas. Así que es genial (risas)”. Además, saliste a tocar con ella cuando dio un concierto en Arizona hace unos años. ¿Cómo fue conocerla y ver todo lo que rodea a una estrella de su nivel? JIM “Fue increíble. Es muy inteligente y profesional... pero sigue siendo una niña (risas). Aun así, tiene la cabeza muy bien amueblada. Y hace un muy buen trabajo. El espectáculo que lleva es una locura. Está dentro del mundo

Personalmente, no he escuchado mucho de ella más allá de los singles, pero sí me gustó la revisión que hizo Ryan Adams de 1989. ¿Lo habéis escuchado? JIM “Sí, mola mucho”. TOM “Me encanta la versión que hace de ‘Blank Space’. Es muy buena, en serio”. ¿Y os imagináis por ejemplo a Taylor Swift llevando a su terreno algunas de vuestras canciones? JIM “Oh, no lo sé, tío. Eso sería una locura. Pero la animamos a hacerlo de todos modos (risas)”. ¿Nos haréis esperar mucho para poder veros de nuevo en directo? Esta vez, a ser posible, en una sala y no en un festival... JIM “No, definitivamente esta vez no tendréis que esperar tanto. Seguramente nos veamos el año que viene y haremos nuestro propio concierto de rock. Tocar hoy a las cinco de la tarde es un poco raro. Supongo que será en plan ‘hola a todos. ¿Os acordáis de nosotros?’. (Risas) Volveremos más tarde con toda la cena. Esto es sólo el aperitivo”.


THRICE

VUELTA AL HOGAR

NOS HA COSTADO LO NUESTRO, PERO POR FIN HEMOS PODIDO ENTREVISTAR A THRICE A PROPÓSITO DE TO BE EVERYWHERE IS TO BE NOWHERE, EL ÁLBUM CON EL QUE HAN PUESTO FIN A UN PERIODO DE CINCO AÑOS DE SILENCIO. SU FRONTMAN DUSTIN KENSRUE NOS EXPLICÓ CÓMO SE SIENTE DE NUEVO EN CASA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


ESDE QUE EN MAYO Thrice publicaran su magnífico disco de retorno To Be Everywhere Is To Be Nowhere que andábamos detrás de poder entrevistarles, pero el silencio de su discográfica hacia todas nuestras peticiones hacía prácticamente imposible acceder a ellos. Por suerte, una gestión de Rubén Navarro, que tuvo la suerte de verles en su último concierto en Londres, propició que a principios de septiembre recibiera inesperadamente un mensaje en el que su agente de prensa nos decía ‘¿Os va bien entrevistar a Dustin Kensrue de aquí a diez minutos?’. Como para decir que no. Thrice fueron una de las bandas más avanzadas de toda la generación de la llamada ‘segunda ola del emo’ a principios de la década pasada, si bien ellos no encajaban del todo en esa etiqueta. De sus inicios post hardcore con acento metálico a su fase más experimental a partir del álbum Wheissu (2005) hasta al acercamiento al rock alternativo de sus últimas obras, el cuarteto de Irvine, California, nunca dejó de evolucionar. Pero después de 13 años y ocho discos de estudio, Dustin Kensrue (voz, guitarra) decidió en 2012, tras terminar la gira de Major/Minor, que era el momento de tomarse un descanso y dedicarse en cuerpo y alma a su familia y su vocación religiosa, aceptando el puesto de director musical en la iglesia Mars Hill en Bellevue, Washington. Aunque él mismo se esforzó en dejar claro que no se trataba de una ruptura sino de un simple hiato, sus propios compañeros no tenían claro si algún día volverían a reunirse. El guitarrista Teppei Teranishi abandonó la música para centrarse también en su familia, mientras que el bajista Eddie Breckenridge

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se unió temporalmente a Angels & Airwaves y Knapsack, y su hermano Riley siguió tocando la batería con el grupo de grindcore Puig Destroyer (no confundir con Pig Destroyer). En octubre de 2014 Dustin dimitía de su puesto como consecuencia de una polémica con el pastor Mark Discroll, aunque nunca se ha aclarado del todo que pasó, y volvía a su California natal. Posiblemente todo esto precipitó que a principios de 2015 Thrice anunciaran su presencia en varios festivales de Estados Unidos. La cosa no quedó ahí y en noviembre harían oficial que estaban grabando un nuevo álbum que aparecería al año siguiente. To Be Everywhere Is To Be Nowhere (Vagrant) ha colmado todas las expectativas creadas y, como nos asegura Dustin, esto es sólo el principio de lo que tiene que venir en esta nueva etapa. A través de la carta que escribiste y por lo que dijeron los demás, quedó bastante claro que la decisión de poner a Thrice en la nevera en 2012 fue cosa tuya. ¿Fuiste también tú el responsable de que os volvierais a juntar? DUSTIN KENSRUE “Diría que sí. Ya que fui el primero en plantear que nos tomáramos un descanso, veía lógico que también fuera yo quien iniciara las conversaciones para volver”. ¿Y qué es lo que te motivó? “De manera muy general, simplemente echaba de menos hacer música con estos tíos. Sabía que eso iba a suceder desde el primer momento, pero aun así creía que era una buena idea dejarlo durante un tiempo. Mi vida había pasado por algunos cambios, pero ahora

mis hijos han crecido y sabía que no sería tan traumático el que yo saliera de gira con el grupo. Y por otra parte me había liberado de otros compromisos, así que empecé a pensar más en ello hasta que me decidí a decírselo a los demás”. Durante el tiempo que estuvisteis separados, ¿fuiste capaz de olvidarte de Thrice o seguía siendo algo que tenías muy presente? “Bueno, no pensaba en ello todos los días, y me gustó hacer música en otros ambientes, con otra gente, pero, como te decía, había momentos en los que echaba mucho de menos tocar con Thrice”. ¿Seguías componiendo temas para la banda por si algún día os juntabais? “Escribí algunas partes que guardé por si eso ocurría, pero normalmente no termino ninguna canción a menos que sepa exactamente para qué la voy a usar o hay una fecha de entrega. Siempre voy componiendo cosas sueltas y las catalogo en función de para qué quiero usarlas en el futuro”. ¿Cómo os sentisteis el primer día que volvisteis a tocar los cuatro juntos? “Creo que fue a finales de 2014 cuando empezamos a hablar sobre reactivar la banda y Tappei vino una semana y salimos a cenar todos juntos con nuestras mujeres. Y al día siguiente quedamos para tocar y ver cómo sonaba, y la verdad es que nos divertimos mucho. Fue una experiencia muy positiva y decidimos seguir adelante”. ¿Sonasteis bien desde el pri31


mer momento u os costó un poco llegar al nivel que teníais cuando lo dejasteis? “Creo que hemos girado tanto que es difícil que se nos olvide. Es bastante instantáneo. Aunque Tappei mencionó que tenía que ponerse las pilas porque no había cogido una guitarra en mucho tiempo... Pero es un músico tan fenomenal que creo que exageró un poco (risas)”. No sé si después de cuatro años de haber establecido una rutina familiar te sentiste un poco culpable por volver a romperla para dedicarte a Thrice. “Creo que parte de lo positivo de la ruptura fue nos dio perspectiva sobre cómo hacíamos las cosas y cómo podíamos cambiarlas a mejor. Una de las decisiones más importantes fue que no giraríamos más de tres semanas seguidas. Y es algo que queremos mantener en el futuro. Creo que va a ser algo muy saludable para que el grupo tenga una larga vida. Vamos a intentar volver a Europa el año que viene y ya estamos empezando a pensar en el próximo disco. La idea es ponernos en ello más en serio a finales de este año y principios del próximo”. Por lo que he leído, trabajasteis los temas del nuevo álbum sin estar juntos. ¿Era la primera vez que lo hacíais así? “Creo que hemos dado una impresión un poco errónea sobre el proceso compositivo porque todo el mundo piensa que lo hicimos como has descrito. Pero hubo una gran parte que salió de tocar todos juntos en el estudio. Tappei venía dos semanas desde Washington y aprovechábamos para tocar todos 32

juntos, y luego se marchaba y trabajábamos por separado, y luego volvía para otras dos semanas y así hasta el final. Creo que fue una buena manera porque evitó que el proceso se volviera monótono. Cuando estás en el estudio cada día durante mucho tiempo puedes acabar funcionando con el piloto automático, pero de esta manera todo resultaba más fresco cada vez que nos juntábamos. Pero sí es cierto que en este disco trabajamos más por separado compartiendo archivos como nunca antes. Nos ayudó a que todos estuviéramos muy preparados antes de entrar a grabar, aunque de todos modos acabamos cambiando bastantes partes una vez en el estudio”. Todos trabajasteis en proyectos distintos durante la ruptura. ¿Crees que han tenido alguna influencia en el disco? “No lo sé. Creo que siempre nos han gustado cosas distintas, y realmente nunca sabes lo que va a salir cuando nos juntamos. A veces traes ideas que piensas que funcionarán y no lo hacen, pero también hay ideas que desde el principio sabes que no son para Thrice. Así que todo se complementa, porque lo que haces fuera del grupo te ayuda a llenar ese vacío que tendrías si sólo te dedicaras a una cosa”. Estuviste muy involucrado con la iglesia Mars Hill trabajando como director musical en las ceremonias. ¿Qué aprendiste durante ese tiempo? “La verdad es que prefiero no hablar de nada relacionado con eso. Es un asunto bastante complicado y sería difícil contarlo en una entrevista. Así que si no te importa, hablemos de otra cosa”.

OK. En los últimos años publicaste un par de discos de música religiosa. ¿Cómo afrontaste el hecho de volver a escribir música secular dirigida a un público distinto? “Supongo que no me cuesta demasiado porque lo importante es la finalidad de la música. Eso te marca un poco los parámetros. La música de Thrice es más abierta porque no hay un propósito detrás más allá de hacer música en sí. Pero si escribes un himno religioso tienes que ajustarte a su función. La mayoría de himnos tienen el propósito de que la gente cante junta y saque un mensaje. Tienes que tener en cuenta la métrica, el rango de voz, el mensaje tiene que ser más directo y conciso... Así que lo que lo diferencia es más el propósito que lo que yo pueda pensar o creer porque sigo siendo la misma persona haga una cosa u otra”. Diría que las letras de este disco miran más a los problemas del mundo exterior y no tanto hacia dentro, comparado con obras anteriores. ¿Estás de acuerdo? “Sí, es posible. Si ves las cosas que pasan en el mundo es bastante inevitable. Creo que ha sido algo bastante cíclico. En algunos discos hemos tocado algún tema más político, como en The Artist In The Ambulance, mientras que en otros no, pero creo que va relacionado con los acontecimientos. Quizá en este disco decidí de manera más consciente ser un observador y escribir sobre las cosas que veía. Estamos enfrente de algunos asuntos muy oscuros y pesados, y nuestra música tiende a ser oscura y pesada, así que encaja bien (risas). Siempre estoy buscando sobre qué puedo escribir que


“HEMOS SIDO LOS MISMOS CUATRO MIEMBROS DESDE EL PRINCIPIO Y NO CREO QUE PUDIÉRAMOS FUNCIONAR SI FALTARA UNO. DESDE LUEGO HEMOS TENIDO NUESTROS PROPIOS CONFLICTOS Y DRAMAS, PERO CREO QUE LOS HEMOS SOLUCIONADO COMO UNA FAMILIA” DUSTIN KENSRUE

encaje con la energía o el ambiente de una canción. Esta vez resultaron ser temas más políticos y sociales”. Una de las cosas que más me han llamado la atención son tus interpretaciones vocales. ¿Te sientes más seguro? “Desde luego siento que no he parado de crecer como vocalista. Estoy bastante orgulloso de mi voz en todo lo que hemos hecho desde Vheissu, pero cada vez he ido ganando más confianza y entendiendo mejor cómo funciona mi voz y qué puedo hacer con ella. Estoy muy contento con lo que he hecho en este álbum”. ¿Hasta qué punto vuestro propio legado marcó el nivel de lo que queríais conseguir con el nuevo álbum? ¿Era una losa u os sentías, en cier-

ta manera, liberados? “La relación entre el nuevo disco y los anteriores es interesante porque al tener un poco más de tiempo, la dinámica cambió. Creo que nuestros discos siempre eran una reacción al que habíamos hecho antes. Hasta ahora grabábamos un álbum, salíamos de gira, y a la hora de plantear el siguiente queríamos hacer algo distinto para no aburrirnos. En esta ocasión pudimos ser menos reactivos y creo que lo que hicimos es juntar un montón de elementos que sabemos utilizar bien y darles un enfoque más fresco”. Todas las bandas de vuestra generación habéis tenido carreras un poco disfuncionales. ¿Crees que fue porque era un periodo especialmente confuso con la irrupción de internet

en la industria musical? “Me resulta difícil compararnos con otros grupos (risas). Creo que nos sentimos afortunados de haber salido en un momento junto a otras bandas a las que respetamos. En nuestro caso hemos sido los mismos cuatro miembros desde el principio y no creo que pudiéramos funcionar si faltara uno. Desde luego hemos tenido nuestros propios conflictos y dramas, pero creo que los hemos solucionado como una familia. Son cosas en las que tienes que trabajar, pero nunca hemos vivido algo en plan ‘me largo’. Es como una familia, no puedes dejar de ser parte de ella, tienes que solucionar los problemas como sea”.

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OPETH

MAGIA BLANCA


TODO PARECE INDICAR QUE LOS OPETH DEATH METALEROS SE FUERON PARA NO VOLVER. PERO AUNQUE ESO PUEDA IRRITAR A ALGUNOS DE SUS ANTIGUOS FANS, LOS SUECOS PREFIEREN SEGUIR SU PROPIO CAMINO. EN SORCERESS VUELVEN A HACER MAGIA. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

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N LA PORTADA del duodécimo álbum de Opeth vemos el dibujo de un pavo real mostrando sus coloridas plumas encima de un montón de restos humanos. ¿Podría tratarse de una metáfora sobre cómo se siente el grupo respecto al resto de la escena metálica? Conociendo el particular sentido del humor de su líder Mikael Åkerfeldt, todo es posible. No es que sea especialmente engreído, pero como viene repitiendo desde hace años, se siente particularmente incómodo con las etiquetas, ya sea el death metal o el rock progresivo, y tampoco le resulta fácil soltar elogios respecto a otras bandas contemporáneas. Quizá por ese motivo el sueco y sus compañeros Fredrik Åkesson (guitarra),

Martín Méndez (bajo), Joakim Svalberg (teclados) y Martin Axenrot (batería) siguen buscando la inspiración en grupos que hace tiempo que desaparecieron -cuanto más oscuros sean, mejor- y sonidos surgidos varias décadas atrás. Los surcos de Sorceress (Moderbolaget/Nuclear Blast) vuelven a descubrirnos largas composiciones con una gran riqueza de arreglos y variedad de instrumentos, pero con un elemento más pesado respecto a sus trabajos anteriores y, sorprendentemente, más accesible. Hablador, pero dejando algunas incógnitas en el camino, Mikael Åkerfeldt dejó claro a lo largo de nuestra charla que es un personaje único e inconformista. Adjetivos que bien podríamos aplicar a Opeth.


En las primeras entrevistas que Fredrik Åkesson hizo tras la grabación del nuevo álbum, dijo que Sorceress era un disco bastante pesado y oscuro, que lo es... Pero, conociendo a los fans de Opeth, ¿no crees que fue añadir bastante presión a la banda? Esos comentarios podían llevar a una mala interpretación: una vuelta al death metal. MIKAEL ÅKERFELDT “No somos una banda complaciente, nunca lo hemos sido. Yo lo veo de esta manera: cuidamos a los fans haciendo música desafiante, música que desafíe nuestras propias intenciones iniciales, y principalmente música que no repita algo que hayamos hecho en el pasado. ¿Para qué volver a grabar el mismo disco? Coincido en que es un álbum más oscuro, así como también nostálgico, y si tienes en cuenta Heritage y Pale Communion, te darás cuenta de que Sorceress es un disco mucho más pesado, pero sin tener que volver al death metal. Hay muchas otras maneras de llegar a sonar pesado sin tener que recurrir a un estilo. Nunca volvemos a ser la banda que fuimos antes aunque haya elementos reconocibles en todos nuestros discos”. Otra de las cosas que la gente estaba esperando, quizás motivada por el adelanto del tema ‘Sorceress’, era el regreso de las voces guturales. Es algo que finalmente no ocurre en el álbum, aunque hay pasajes donde la voz sí que se presenta más agresiva que en Pale Communion. “Lo siento por la gente que esperaba

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guturales, pero no es la banda que somos ahora. No es algo que haya dejado de hacer por un motivo específico, es simplemente que la música que estamos haciendo no pide guturales. Si quisiese podría hacer ese tipo de voz, pero no hubo en Sorceress ningún momento donde pensase que hubiese encajado. No es ningún problema en mi voz; en directo cantamos las canciones de nuestro antiguo repertorio donde tenemos guturales y todo está en su lugar, pero lo pesado de nuestros últimos discos y en particular de este nuevo Sorceress pasa más por un enfoque instrumental que vocal. Estoy contento de cómo ha resultado, no descarto que volvamos a utilizar ese tipo de voces en otro momento, pero a la hora de componer simplemente no he visto aún el momento de volver a encajarlas en la música”. Es cierto que el disco, en cierto modo, es muy instrumental, tiene muchos paisajes así, empezando por la primera ‘Persephone’, que incluso tiene aires latinos con esa guitarra acústica y una voz femenina. “Es una intro que nos encanta, queríamos que tuviese un toque español o mexicano... Martín Méndez la llamaba ‘Pepe’ todo el rato (risas). Al principio sólo eran palabras, un spoken word. Entonces decidí crear una melodía bastante simple para acompañarla. Para algunos tiene algo de Ennio Morricone, para mí es una encantadora introducción hacia el mundo de hechiceras que es este álbum. No conocía la historia de Perséfone, pero cuando leí sobre ella y Hades entendí que era el título perfecto para la intro-

ducción. Además, creo que le sienta de maravilla a la atmósfera de todo el álbum. Tiene algo de místico y macabro a la vez”. Siguiendo con el tema de las voces, en canciones como ‘Chrysalis’ pareces un vocalista de heavy metal con unos giros bastante interesantes, y luego en otras como ‘Sorceress 2’ prácticamente haces falsete. ¿Te aburre de alguna manera cantar siempre con un mismo tono? “Es gracioso que lo digas, porque sí fue un reto que me puse en Sorceress. Las voces en ‘Sorceress 2’ son todas mías, y es una canción que escribimos bastante pronto, creo que la tercera.


“NUNCA VOLVEMOS A SER LA BANDA QUE FUIMOS ANTES AUNQUE HAYA ELEMENTOS RECONOCIBLES EN TODOS NUESTROS DISCOS” MIKAEL ÅKERFELDT

Quería que tuviese un toque del primer disco de Led Zeppelin, y creo que lo conseguimos. ‘Chrysalis’ es básicamente una canción de metal, es dura, pero tiene unos giros vocales muy inesperados. Lo que me encanta de esa canción es el duelo entre la guitarra de Fredrik y los teclados de Joakim. En este trabajo he intentado hacer cosas con la voz que quizás no había explorado lo suficiente en otras ocasiones. No quería algo predecible, no quería que la gente adivinase cómo iba a acabar la melodía o hacia dónde iría la progresión vocal. La intención era sorprender”. Quizás sea algo atrevido decirlo, porque no es la norma general en vuestros discos,

pero éste tiene bastantes ganchos melódicos. Al contrario de otros lanzamientos, hay canciones pegadizas como ‘Will O The Wisp’ o ‘The Wilde Flowers’. “Yo también lo creo, pero son cosas que han ido surgiendo de esa manera. Hemos hecho arreglos que son casi imperceptibles, pero están allí. Por ejemplo, el arreglo de arpas en ‘The Wilde Flowers’. Están ahí, pero tienes que prestar mucha atención para escucharlas. En esa canción quisimos ponerle un toque de Queen instrumentalmente hablando, justo antes del gran solo de guitarra. ‘Will O The Wisp’ se mueve más bien por la melodía vocal que le hemos puesto, puede parecer una canción muy feliz o positiva, pero

en realidad tiene una letra muy oscura. Queríamos jugar con ese contraste, pero también con la simpleza y belleza de canciones como ésta. Estoy muy contento con el arreglo de guitarra. Pero tienes razón, creo que habrá gente que encuentre momentos pegadizos en las canciones de Sorceress”. Has vuelto a usar los estudios Rockfield de Gales, donde ya grabasteis Pale Communion y donde también grabaron bandas tan grandes como Queen, Black Sabbath o Rush. ¿Es en realidad un estudio tan mítico o simplemente querías aprovechar todo el potencial que quizás no le habías sacado con la grabación del anterior disco? “Si te digo la verdad, en cuanto a equipo, no es un estudio muy diferente al resto de los que te puedes encontrar por ahí. Lo mejor de grabar en Rockfield Studios es el lugar en sí, porque aquello es básicamente una granja en medio del campo. En total estuvimos allí doce días y nos lo tomamos como unas vacaciones, aunque estuviéramos grabando el disco. Algunas de nuestras bandas favoritas hicieron discos muy interesantes entre esas cuatro paredes, y creo que fue en parte debido al ambiente de relax y comodidad que se respira allí. Estás totalmente aislado del mundo y puedes centrarte sólo en una cosa: grabar. Quizás volvamos a usar los estudios, quién sabe”. Mucho se ha hablado de tu rol en Opeth... Ser el frontman no tiene que ser fácil, pero más de una vez se te ha otorgado

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gratuitamente el rol de dictador. Al menos en cuanto a composición, hasta ahora ha sido así... ¿Ha sido también el caso de Sorceress? ¿Es el método que mejor funciona? “Alguien tiene que ser el malo de la película, y no tengo problema en serlo. Compongo el 70% del material de la banda yo solo. Ha vuelto a ser así en Sorceress, y si eso me convierte en un dictador, pues lo soy. Opeth es mi banda, llevamos funcionando así un tiempo, pero tampoco quiere decir que sea el único que aporte ideas. Por ejemplo Fredrik me vino un día con una idea, que luego se convirtió en la canción ‘Strange Brew’ de este álbum. No fue algo que se me ocurrió a mí, fue idea suya y yo hice los arreglos para convertirla en una de las canciones más pesadas del álbum. Al principio era como una versión malévola de ‘Dazed And Confused’ de Led Zeppelin, pero en ese momento estaba bastante sumergido en la música del disco Disraeli Gears de Cream. Esa canción tiene mucho de Cream, y se llama así por ellos. Estaba tan metido que hasta intenté conseguir el mismo sonido de guitarra que ellos (risas). Pero volviendo al tema, no me veo personalmente como un dictador o un tirano, aunque muchos pueden verme de esa manera. Soy el que trae las ideas originales de la mayoría de las canciones de Opeth, y cada uno aporta su toque personal. En alguna ocasión le he dicho a alguno de los demás cómo tocar una línea de bajo, de guitarra o de batería, pero porque tenía bastante claro cómo debería continuar la canción... pero sin su aportación no existiría Opeth”.

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Steven Wilson vuelve a colaborar en la mezcla del disco, algo con lo que ya todos contamos. Se os vio bastante compenetrados en el último festival Be Prog! My Friend de Barcelona, y todo el mundo quiere saber si alguna vez verá la luz una nueva colaboración como la de Storm Corrosion. “Conozco a Steven desde hace muchos años. Me atrajo la idea de este joven músico haciendo música muy interesante como la de Porcupine Tree, y acabó produciendo nuestro disco Blackwater Park. Lo que ocurrió es que en 2010 estábamos intentando explorar diferentes facetas más allá de la música progresiva, y se unieron todos los factores para que grabásemos ese disco de Storm Corrosion. Fue una gran experiencia. ¿Si han surgido conversaciones sobre hacerlo de nuevo? Por supuesto. Creo que Steven y yo somos dos personas bastante inquietas en ese sentido, pero si no ha ocurrido hasta el momento es por un motivo. A día de hoy somos dos personas mucho más ocupadas que entonces, pero el motivo real es simplemente que no es el momento correcto. Quizás estemos trabajando en algo juntos, quizás lancemos algo en el futuro…”.

como un disco doble. En ese momento el sello no lo vio correcto y os obligó a lanzarlo como dos discos separados... ¿Te arrepientes de alguna decisión que hayas tomado en el pasado en cuanto al rumbo profesional de Opeth? Por ejemplo, algún contrato discográfico que no salió bien. “La inocencia y diversas situaciones nos hicieron tomar decisiones que finalmente no fueron del todo acertadas, pero llevamos ya varios años con el control total de todas nuestras creaciones, y, como decías, Sorceress ya sale bajo nuestro propio sello. En el pasado no pudimos hacerlo todo de la manera que queríamos, y uno de los ejemplos es Deliverance & Damnation. Martin y yo estamos muy contentos de poder lanzarlo finalmente como habíamos pensado originalmente, como un único disco doble ya que fue grabado al mismo tiempo. De la mezcla también se encarga Steven (Wilson) en Damnation, mientras que en Deliverance tenemos a Bruce Soord a los mandos. Miro atrás y pienso que esos momentos fueron bastante frustrantes para la banda, pero ahora lo haremos de manera correcta. Ese disco doble nos ha llevado un proceso de 15 años en total”.

El nuevo álbum lo habéis publicado a través de vuestro propio sello Moderbolaget Records con un acuerdo de licencia con Nuclear Blast. Ahora os podéis tomar la venganza de lanzar Deliverance y Damnation como queríais originalmente... O sea,

Entre reediciones y demás, al menos el concierto que vimos de Opeth en Barcelona este año tuvo un set de canciones clásicas de la banda, imagino que de manera obligatoria. ¿No te gustaría meter más canciones de los últimos tres discos en él?


“Definitivamente yo lo haría de esa manera. Por supuesto que en el set me hubiera gustado meter más canciones de Heritage o de Pale Communion, pero también se dio el caso de que llevábamos mucho tiempo sin tocar antes del concierto en el Be Prog!, y por eso también nos apetecía hacer un repertorio con canciones antiguas que conocemos más a fondo porque las llevamos tocando mucho tiempo. De todas maneras hubo alguna sorpresa, alguna canción antigua que no tocamos mucho en directo. En esta nueva gira vamos a renovar el set, sin contar con los conciertos especiales y temáticos que tenemos planeados. Queremos tocar al menos tres canciones de Sorceress en esta gira, son canciones que pensamos que pueden funcionar bastante bien en directo. Planeamos los conciertos dependiendo del contexto en el que nos toque actuar. También tienes que tener en cuenta que por mucho material nuevo que queramos tocar, los fans siempre responden mejor con las clásicas”. ¿Es cierto eso de que una de las exigencias de Opeth para tocar allí fue tener a Magma en el cartel? Imagino que es una manera de agradecer a bandas que siguen en activo el haber sido una influencia máxima para Opeth... “Magma es una banda que me fascina, siempre lo ha hecho, y siempre que hemos podido ayudar a bandas a las cuales apreciamos lo hemos hecho. No es el primer caso, también hemos llevado de gira a otros grupos.

“ALGUIEN TIENE QUE SER EL MALO DE LA PELÍCULA, Y NO TENGO PROBLEMA EN SERLO. COMPONGO EL 70% DEL MATERIAL DE LA BANDA YO SOLO. HA VUELTO A SER ASÍ EN SORCERESS, Y SI ESO ME CONVIERTE EN UN DICTADOR, PUES LO SOY” MIKAEL ÅKERFELDT

Magma son un acto internacional que se merecen mucho respeto, una lástima que no puedan interpretar un set más largo en los festivales. Les pasó lo mismo en Hellfest”. Como curiosidad personal, ¿escuchaste el último disco de Bloodbath? Ya sé que el death metal no es una de tus preferencias, pero al tratarse de un proyecto en el que formaste parte con amigos quizás hayas tenido curiosidad por ver lo que hicieron. Nick Holmes lo ha tenido difícil para reemplazarte, y fue muy criticado.

“Martin (Axenrot) me puso el disco y lo escuché. La verdad es que me gustó bastante, no escucho mucho metal extremo actualmente pero me sentí atraído por el disco de Bloodbath. Es un disco genial y creo que Nick hace un trabajo estupendo. Es un acercamiento diferente, lógicamente no tenemos la misma voz, pero creo que hizo un mejor trabajo que el que yo hubiese hecho en ese álbum. Él tiene ahora mismo la pasión por ese tipo de música de la que yo carezco”.

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SUM 41

EN 2014 LA CARRERA DE SUM 41 ESTUVO A PUNTO DE IRSE AL TRASTE POR COMPLETO CUANDO SU CANTANTE DERYCK WHIBLEY SE ENCONTRÓ A POCOS PASOS DE LA MUERTE DEBIDO A SUS PROBLEMAS CON EL ALCOHOL. SIN PRETENDERLO, EL TREMENDO SUSTO QUE SE LLEVARON LES SUPUSO UN NUEVO IMPULSO PARA REGRESAR CON SU TRABAJO MÁS CONTUNDENTE EN AÑOS. NOS DESPLAZAMOS HASTA PARÍS PARA ENCONTRARNOS CARA A CARA CON ELLOS EN EXCLUSIVA, Y TAMBIÉN PARA SER TESTIGOS EN DIRECTO DE SU PARTICULAR RESURRECCIÓN. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR


UALQUIERA QUE haya seguido esta publicación desde los tiempos en que nos llamábamos RockSound, recordará con cierto cariño la época en la que el combo canadiense irrumpió con fuerza en la escena punk pop con un disco tan descaradamente veraniego como All Killer No Filler, allá por 2001. Gracias a singles tan efectivos como ‘Fat Lip’, ‘Motivation’ o ‘In Too Deep’, consiguieron auparse en las listas de ventas de todo el mundo. Quizás algunos no viesen nada en ellos más allá de una banda para adolescentes con guitarras, pero éstos se llevarían una sorpresa con el camino que tomaron en sus dos siguientes entregas, Does This Look Infected? y Chuck. En un momento crucial en el que formaciones como Green Day o Blink-182 se estaban viendo obligadas a madurar a marchas forzadas para no quedarse atrás, Sum 41 supieron responder endureciendo su sonido de manera brillante sin perder ni un ápice de la actitud juvenil y descarada de la que siempre han hecho gala. Sin embargo, la salida de su guitarra solista, Dave Baksh, estancó su evolución en los álbumes que les siguieron, Underclass Hero y Scream Bloody Murder, aunque nada de ello hizo que su popularidad se resintiese, tal y como pudimos comprobar en 2011 cuando giraron por nuestro país llenando algunos de los recintos más grandes de aquella gira. Fue una vez acabado el ciclo de presentación de su sexto álbum cuando su líder Deryck Whibley comenzó a experimentar serios problemas de salud debido a su adicción al alcohol. Tal fue así que en mayo de 2014 publicó en la web del

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grupo unas fotos en las que se le veía en la cama de un hospital extremadamente demacrado. En el texto que acompañaba la publicación, Deryck explicaba que había sufrido una insuficiencia renal tras haberse excedido con la bebida y que se encontraba en proceso de rehabilitación. Aunque el propio cantante reconocía que ya había empezado a trabajar en algunas ideas para el próximo disco del grupo, aún resultaba una incógnita saber en qué estado se encontraría cuando Sum 41 regresasen a escena. Finalmente, a comienzos de este año, el combo volvía a la carretera con fuerzas renovadas tras reclutar a Frank Zummo (que viene a sustituir a su batería de toda la vida Steve Jocz, una vez éste abandonase la banda en 2013) y la celebradísima reincorporación de Baksh, que junto al bajista Dave McCaslin y al también guitarra Tom Thacker configuran la actual formación. Como ya pudimos comprobar en el último Groezrock, el ahora quinteto parece haber recuperado cierta agresividad que abandonaron antaño gracias a la pegada que les permite jugar con tres guitarras. Un hecho que pudimos presenciar otra vez el pasado mes de agosto cuando su nueva discográfica, Hopeless Records, nos invitó a París como único medio español para ver su actuación en la última jornada del festival Rock En Seine, donde compartían escenario con bandas tan dispares como Blues Pills, Editors o su buen amigo Iggy Pop. Tras la rueda de prensa que ofrecieron ante los medios, poder entrevistar a solas a Deryck durante unos minutos y saber de primera mano por todo lo que ha pasado en este tiempo no deja de asombrarme, ya no sólo por el mero

hecho de que siga con vida, sino de que sea capaz de salir a un escenario delante de más de 40.000 personas y que éstas enloquezcan con sus canciones tal y como hicieron minutos antes de nuestro encuentro. Poco menos que un milagro que el propio Whibley nos adelantó que, si todo va bien, podremos ver el año que viene por nuestros país cuando vengan a presentar su nuevo trabajo 13 Voices, con el que recuperan su faceta más metalera y contundente. Acabáis de dar el último concierto de esta gira europea antes de que el nuevo álbum salga en octubre. ¿Cómo os sentís ahora mismo? Os vi hace unos meses en el Groezrock y creo que estuvisteis bien, pero hoy ha sido bestial. DERYCK WHIBLEY “¡Gracias! Recuerdo cuando estuvimos en el Groezrock y creo que me sentí un poco decepcionado. No porque piense que nuestra actuación fuese mala, sino porque no estábamos de gira. No habíamos hecho muchos conciertos antes de aquél, simplemente volamos hasta allí para esa actuación, pero aún no habíamos tocado mucho todos juntos. Ahora que llevamos todo el verano haciéndolo, estamos más rodados y nos sentimos como una verdadera banda de directo”. Perfecto. Quisiera comenzar la entrevista yendo de atrás hacia adelante según han ido ocurriendo ciertos acontecimientos a lo largo de estos últimos años en vuestra carrera, comenzando por el final de


“AHORA MISMO PESO 72 KILOS, CUANDO SALÍ DEL HOSPITAL ESTABA EN 60 Y CUANDO ME SACARON TODO EL ALCOHOL DE MI CUERPO SÓLO 48. ESTABA REALMENTE MUY DÉBIL. ERA UN SACO DE HUESOS” DERYCK WHIBLEY

la gira de Screaming Bloody Murder, a finales de 2012. ¿Cómo os sentíais en ese momento? ¿Por aquel entonces ya tenías algo pensado de cara a un nuevo disco? DERYCK “En realidad dejamos de girar a principios de 2013. Pero no, no entraba en nuestros planes el empezar a preparar un nuevo álbum tan rápido. Ya habíamos tenido mucho trabajo durante los tres años que estuvimos girando. Fue un tour muy largo. La verdad es que estábamos bastante cansados y quemados, por lo que no teníamos pensado entrar en el estudio inmediatamente. Ni siquiera sabía cuándo me gustaría volver a hacerlo en aquel instante. Yo al menos me encontraba así, y creo que todos los demás también estaban cansados

después de tantísimo tiempo de gira”. Precisamente poco después fue cuando empezaron a salir a la luz tus problemas con el alcohol. En 2013 aparecieron unas fotos en las que se veía que habías ganado muchísimo peso y estabas fuera de forma. ¿Qué era lo que te sucedía en aquel momento? DERYCK “Simplemente estaba bebiendo demasiado y no me estaba cuidando nada. En realidad no es que hubiera engordado, sino que estaba hinchado por culpa del alcohol. Cuando dejé de beber perdí un montón de peso. De hecho, en el hospital tuvieron que drenarme para sacarme todo el líquido que tenía dentro. Me abrieron el estómago y lo sacaron todo. Así

que pasé de estar hinchado a pesar 8 kilos menos en tan sólo una hora al día siguiente. Ahora mismo peso 72 kilos, cuando salí del hospital estaba en 60 y cuando me sacaron todo el alcohol de mi cuerpo sólo 48. Estaba realmente muy débil. Era un saco de huesos”. Como bien dices, en la primavera de 2014 estuviste más de un mes hospitalizado. ¿Qué se te pasó por la cabeza cuando los médicos te dijeron que podrías morir si seguías bebiendo? DERYCK “Exacto, por eso ahora bebo esto (me muestra el botellín de cerveza sin alcohol que le acaban de traer -ndr.). ¿Ves? 0% de alcohol (risas). Siendo sinceros, debo reconocer que

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fue un alivio cuando los doctores me dijeron que no podía beber más. No pensé ‘Oh, no seré capaz de dejar el alcohol’. En realidad no quería seguir haciéndolo, estaba harto de ello”.

soportar ningún peso. No podía levantarme porque el dolor era terrible. No podía tener ningún tipo de contacto físico con nada. Estuve realmente jodido”.

¿Cuánto tiempo te llevó la rehabilitación? DERYCK “Bueno, depende de lo que estemos hablando. Fui capaz de permanecer sobrio muy rápido. Ésa fue la parte fácil. Pero luego había otras dos cosas, que eran mis pies y mis piernas. Mis pies tardaron como casi dos años en recuperarse por completo y las piernas uno. Pasó un año y medio hasta que fui capaz de caminar de nuevo por mi cuenta. En ese momento, pensaba que nunca me iba a recuperar. Era una verdadera batalla el seguir luchando y avanzando sin saber si realmente llegaría a mejorar. Hubo un punto de inflexión en el que podía haber vuelto a caer en la bebida y dejar que todo se desmoronase. Pero tenía que seguir si quería volver a dar conciertos, grabar un disco y estar de nuevo con el grupo”.

Las fotos que publicaste desde la cama del hospital fueron muy duras de ver. ¿Por qué decidiste exponerte de una manera tan abierta ante el público? DERYCK “Porque yo ya sabía que iba a cantar sobre ello de todas maneras. Quiero decir, siempre he sido muy abierto con mi vida y he estado en el ojo público. Ya habían salido esas fotos en las que estaba hinchado por el alcohol. Todo el mundo las vio, así que la gente ya había visto mi peor cara. Para mí esas fotos donde se veía que había engordado tanto eran peores que las de estar en la cama del hospital”.

¿Llegaste a pensar en que tal vez no serías capaz de volver a tocar en directo? DERYCK “Hubo momentos en los que sí llegue a pensar que no sería capaz de hacerlo. Durante mucho tiempo ni los médicos ni yo lo sabíamos. Nadie tenía ningún tipo de respuesta para decirme sí podría volver a hacer todo esto de nuevo. No sabían si los daños nerviosos que sufría en los pies iban a ser permanentes o si tan siquiera podría volver a caminar con normalidad otra vez. Durante muchísimo tiempo ni podía apoyar los pies en el suelo dado que no podía 44

Pero quizás podrías no haber hecho nada y nadie se hubiera enterado de lo que pasó... DERYCK “Sí, pero en realidad todo el mundo ya sabía que yo estaba tocando fondo. La principal razón por la que lo hice fue por lo sorprendente que me pareció que alguien de mi edad pudiera haber llegado a ese punto. Yo pensaba que eso era algo que no ocurriría hasta después de años y años bebiendo, quizás cuando tuviese 50 ó 60 años... pero no cuando tuviese 33. No pensaba que eso pudiera pasarme tan pronto. Así que creí que la gente debería saber esto también, porque probablemente haya mucha gente que no se dé cuenta de que se están haciendo daño”. No sé si alguien del resto de

la banda ha llegado a experimentar algo similar. Ya conocemos todos lo peligroso que puede llegar a ser salir de gira cuando hay alcohol de por medio... ¿Supuso un toque de atención para los demás? JASON McCASLIN “Bueno, lo cierto es que todos salíamos ir mucho de fiesta al principio, en los primeros años del grupo. Y beber cuando estás en la carretera suele ser algo muy común para matar el tiempo. Imagino que lo que le ocurrió a Deryck fue una cosa personal que nada tiene que ver con lo que hacemos los demás en nuestras vidas. Pero sí, de alguna manera fue una llamada de atención porque nunca quieres ver a tu mejor amigo pasar por algo así. Fue duro verle en la cama del hospital, hablando de que casi podía haber perdido la vida. Supongo que eso puede ayudar a que cambie la perspectiva con la que vemos este tipo de cosas”. Imagino que una vez te recuperaste, todo aquello debió de suponerte una gran fuente de inspiración a la hora de encarar el nuevo álbum... DERYCK “Absolutamente. Al principio no tenía muy claro sobre lo que quería escribir, pero poco después me di cuenta de que únicamente estaba escribiendo sobre mi viaje y mi batalla por recuperarme. Pensé que quizás estaba escribiendo demasiado sobre ello, pero al mismo tiempo era algo que me representaba al 100% y todo por lo que había tenido que pasar. Cada uno de nuestros discos es como un foto concreta de mí mismo y de dónde me encuentro en ese momento. Algunas veces puede ser más heavy y duro, y otras


más suave”. ¿Y cómo fue para ti componer sobrio por primera vez? DERYCK “Lo odiaba (risas). Primero porque era algo nuevo, así que no sabía qué esperar. Tenía miedo de que no supiese escribir canciones sin haber bebido antes. Al principio no me salía nada, no fui capaz de escribir nada en mucho tiempo. En cuanto a la diferencia que suponía, en realidad no es que antes escribiese canciones mientras estaba borracho. Eso nunca fue así. Pero durante el proceso de grabar un disco, solía empezar a trabajar a la una del mediodía hasta las diez o las once de la noche, y una vez terminaba salía con los amigos, iba a los bares o hacía cualquier cosa para estar de fiesta toda la noche. Entonces llegaba a casa a las cuatro de la madrugada, me despertaba a las once y comenzaba a trabajar de nuevo. De modo que de todo eso podía sacar un boceto con lo que escribir. En cambio, durante la grabación del nuevo disco solía acabar en el estudio sobre la medianoche y me iba a ver una película o cualquier otra cosa. Y sin embargo no podía dejar de darle vueltas a las canciones. No había escapatoria. Intentaba acostarme en la cama, cerraba los ojos y seguía escuchando las canciones en mi cabeza. En cambio, si bebes, eso se te pasa antes (risas). Así que ésa es la diferencia. No podía dejar de pensar en ello”. Supongo que de ahí sale el título del disco... DERYCK “Sí, eso es. El título representa todo el caos y ruido que tenía en la cabeza mientras estábamos haciendo la grabación. El haber pasado por

“NO PODÍA TENER NINGÚN TIPO DE CONTACTO FÍSICO CON NADA. ESTUVE REALMENTE JODIDO” DERYCK WHIBLEY el hospital, la recuperación, el intentar volver a ser de nuevo una persona normal, hacer un álbum... hacer todo eso por primera vez completamente sobrio hizo que me sintiera inseguro y que siempre tuviese un montón de dudas en la cabeza. Como si hubiese 13 voces gritándome al mismo tiempo. Era como una especie de esquizofrenia, y eso mismo es lo que quiere representar el título”. Cambiando de tema, una noticia que fue celebrada por todos vuestros seguidores fue el regreso de Dave a la banda. ¿Cómo se produjo vuestro acercamiento? DAVE BAKSH “La verdad es que me siento genial. Estar de vuelta en el grupo y ser parte del proceso de hacer un álbum fue refrescante para mí. Lo cierto es que cuando escuché el anterior disco, Scream Bloody Murder, me sentí tan celoso de ellos que quise volver (risas)”.

Con la reincorporación de Dave ahora sois tres guitarristas en el grupo. Dado que también eres el productor del disco, ¿de qué manera intentaste encajar las piezas dentro del sonido? Porque una banda con tres guitarras no es muy común en un grupo de punk rock, sino que es más para gente como Iron Maiden... DERYCK “(Risas) Así es, pero ya sabes que nos encanta el metal. Siempre ha habido influencias de esa música en nuestras canciones. La manera en la que suelen funcionar las cosas cuando hay tres guitarristas en la misma banda es que hay dos que son los que hacen lo verdaderamente importante: los solos, los riffs, los arreglos y todo eso... Entonces lo que yo hago es únicamente tocar los acordes para así poder dar un apoyo y llenar los espacios. No tengo nada que ver con lo que hacen Dave o Tom, así que en ese sentido, como productor no me 45


“CADA UNO DE NUESTROS DISCOS ES COMO UN FOTO CONCRETA DE MÍ MISMO Y DE DÓNDE ME ENCUENTRO EN ESE MOMENTO. ALGUNAS VECES PUEDE SER MÁS HEAVY Y DURO, Y OTRAS MÁS SUAVE” DERYCK WHIBLEY ed? como con Chuck demostramos que para nada era así y que podíamos rockear duro de verdad”.

resultó muy complicado hacer que todos tuviéramos nuestro espacio. Lo que sí ha cambiado es la dinámica cuando estamos sobre el escenario ahora. En los discos anteriores siempre había muchas secciones de guitarras y voces, y ahora siendo cinco componentes podemos tocarlas todas en directo”. Lo cierto es que cuando aparecisteis en la escena punk pop parecía que vuestra parte más influenciada por el heavy metal era un poco como una broma. Me refiero a la parodia que hicisteis con ‘Pain For

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Pleasure’, por ejemplo... DERYCK “Bueno, siempre ha habido elementos divertidos en torno al metal... Pero en realidad siempre nos han gustado ese tipo de bandas. No es que quisiéramos ridiculizarlas o reírnos de ellas”. JASON “De hecho, diría que Does This Look Infected? fue un disco clave y crucial en nuestra carrera. All Killer No Filler supuso un gran impacto para la gente porque éramos un grupo nuevo que acababa de aparecer y quizás algunos se pensaban que éramos unos críos que estábamos todo el rato de fiesta y haciendo vídeos de coña. Pero luego tanto con Does This Look Infect-

También en 13 Voices debuta vuestro nuevo batería Frank Zummo. ¿Cómo ha sido para ti el grabar y estar de gira con la banda por primera vez? FRANK ZUMMO “En ambos casos ha sido increíble. El proceso de grabación nos llevó casi un año y medio, hicimos muchísima preproducción. Fue una muy buena manera de ir acoplándonos los unos a los otros, trabajar y escribir juntos... Y girar con ellos es fantástico. Los fans se han mostrado muy entusiasmados y agradecidos en todos los festivales donde hemos estado. Apenas llevo unos nueve meses tocando con ellos, pero son casi como unos hermanos para mí. Está siendo muy divertido”. Otra banda como Blink-182 con la que coincidisteis en vuestros inicios también han sacado este año su particular vuelta a las raíces. ¿Habéis escuchado California? ¿Qué os ha parecido? DERYCK “No lo he escuchado aún. Obviamente sí he podido oír el single.


Pero me siento feliz por ellos, creo que es genial que estén de vuelta”. Un cambio significativo que se ha producido con 13 Voices es que, tras estar toda la vida en Island, habéis fichado por Hopeless Records. ¿Qué pasó para que decidierais marcharos? DERYCK “Sí, y estoy muy contento de ello. Con Island al final tuvimos algunos problemas. Lo que pasó es que con nuestros cuatro primeros discos, Half Hour Of Power, All Killer No Filler, Does This Look Infected? y Chuck, Island nos parecía la mejor discográfica del mundo. Eran geniales. Pero cuando acabamos el ciclo de Chuck, toda la gente que trabajaba allí se fue, porque Atlantic la había comprado y se habían convertido en otra división, y bueno... ya sabes cómo funcionan estas cosas. Entró gente nueva cuando sacamos Underclass Hero y Scream Bloody Murder, y esos dos discos fueron horribles para nosotros. No sabían trabajar bien con nosotros. Ellos sólo querían música pop, no les gustaba nada Scream Bloody Murder. Así que les pedimos que nos dejasen marchar y así lo hicieron”. Visto desde fuera, puede parecer un movimiento extraño el pasar de una multinacional a una independiente. ¿Qué era lo que buscabais en un sello como Hopeless? DERYCK “Hopeless siempre ha tenido una actitud muy buena desde que empezaron. Conocemos a la gente que trabaja allí desde hace tiempo y siempre han mostrado mucho entusiasmo. Y no sólo eso, sino que saben lo

que están haciendo y lo han demostrado a lo largo de los años. Tienen bandas que nos gustan como The Used y cosas así. Vimos lo que habían sido capaces de hacer con ellos y con una banda de nuestro estilo, así que tenía bastante sentido que ficháramos por ellos. Si quieres estar en una gran discográfica ahora mismo, lo único de lo que se preocuparán es de que te conviertas en una banda de pop. Así que no hay espacio para ti si estás en un grupo de rock, a no ser que tengas algún elemento potencialmente pop en tu música. Y nosotros no somos así”. Me llama la atención que comentes esto porque precisamente hace un par de días estaba con un amigo hablando sobre el nuevo single de Green Day. Él me comentaba que no le terminaba de gustar, pero que le parecía bien porque así al menos sonaría algo de música con guitarras de verdad en la radio en lugar de algo creado mediante un ordenador. DERYCK “Yo creo que la música rock va a volver a lo grande dentro de muy poco. Porque es algo real y la gente empieza a estar harta de la música pop. Es todo un ciclo, siempre ha pasado así. Fíjate en toda la basura que había en los 80 y justo después aparecieron Nirvana, Pearl Jam y todo el rock que surgió durante los 90. Ahora quizás se lleve más el rap que el pop, pero pienso que el rock volverá. Como hemos hablado antes, Blink-182 y Green Day tienen discos nuevos, también Metallica... y todos ellos son álbumes con guitarras. Cuando empezamos a hacer este disco, todos nos

decían ‘ya no suenan guitarras en la radio, ya no es algo popular’. Así que les dije: ‘¿Sabéis qué? Voy a traer a Dave de vuelta y vamos a tener tres guitarristas’ (Risas)”. También este verano habéis estado en el Warped Tour ejerciendo como cabezas de cartel. ¿Crees que todo esto hará que alguna gente que os dejó de lado con los últimos discos reconecte de nuevo con vosotros? DERYCK “No creo que se trate de reconectar con parte de nuestro público. Nosotros hacemos las cosas con las que nos sentimos a gusto. Todo se trata de lo que sientes. Es como lo que te comentaba antes sobre producir, sólo me fío de lo que me dice el instinto. Si me siento bien, sé que todo irá bien. Así es como ha funcionado siempre”. La última vez que estuvisteis en España en 2011 fue un éxito sorprendente. ¿Podemos esperar que nos visiteis de nuevo el año que viene? DERYCK “Vamos a volver cuando empiece el nuevo año. Será en enero o febrero. Ahora mismo estamos cerrando la próxima gira europea. No sé decirte cuántas fechas habrá, pero España estará en ese tour. Lo anunciaremos dentro de poco. Hemos estado mucho tiempo alejados de la carretera y después de todo lo que he pasado, esto es lo único que me importa ahora mismo”.

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RED FANG

ENTRE FANTASMAS


HACE TRES AÑOS, RED FANG LOGRARON ROMPER LA BARRERA DEL UNDERGROUND Y COLOCARSE EN LA PRIMERA LÍNEA DEL STONER ROCK CON PODEROSOS RIFFS Y UNA ACTITUD DESENFADADA. AHORA TOCA PASAR LA REVÁLIDA CON SU NUEVO ÁLBUM ONLY GHOSTS. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

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EJOS DE TOMARSE un descanso, tras el éxito de su anterior trabajo Whales And Leeches y un extenso tour mundial, que pudimos disfrutar en varias ocasiones en salas y festivales, los de Pórtland volvieron a encerrarse en un estudio para grabar su cuarto álbum, Only Ghosts (Relapse). En esta ocasión acudieron a Ross Robinson, conocido por trabajar con At The Drive-In, Slipknot o Cancer Bats, y por la presión a la que somete a los grupos. Es algo que pronto descubrieron Aaron Beam (voz, bajo), Bryan Giles (voz, guitarra), David Sullivan (guitarra) y Josh Sherman (batería). Sus esperanzas de poder disfrutar de la playa que había enfrente del estudio de Robinson en Venice Beach pronto se esfumaron al tener que cumplir el estricto régimen de trabajo al que les sometió el productor. Sin embargo, el esfuerzo mereció la pena y su nuevo álbum satisfará a quienes estaban hambrientos de nuevas canciones. Hablamos con Bryan, un tipo simpático, con los pies en el suelo, que es plenamente consciente de que Red Fang nunca cambiarán el mundo, pero al menos sí tratarán de que sea más entretenido.

BRYAN GILES “Lo más importante es haber llegado a sacar un cuarto álbum, y que sigamos siendo una banda. Estoy muy contento porque sigo disfrutando mucho componiendo y grabando con mis compañeros. Ya hemos cumplido diez años como grupo y de verdad, es genial que podamos seguir siendo creativos. Creo que este disco es un buen reflejo del momento en el que nos encontramos a nivel creativo. Sí, estoy muy orgulloso de Only Ghosts, y lo único que espero es que a la gente le guste”.

Only Ghosts es ya vuestro cuarto álbum. ¿Lo veis como un hito teniendo en cuenta lo que cuesta tirar un grupo adelante?

Ya habéis lanzado el single ‘Flies’, que se mantiene en el estilo de Red Fang al que nos tenéis acostumbrados. Es potente, agresivo, y en

Cuéntamos un poco acerca del título... ¿A qué fantasmas os referís? “Pensamos en un montón de títulos y quizás éste me cuadraba más porque hace referencia a bastante contenido del disco. Cosas que tienen que ver con la imaginación, o con cosas que sucedieron en el pasado que de alguna manera han afectado a nuestro presente. No dejan de ser cosas pasadas, y no me refiero a que nos afecten en nuestro día a día a nivel físico, pero sí que nos han marcado en un plano más emocional. Para nosotros es como un mantra que repite ‘no te ralles por esto, son sólo fantasmas’”.

definitiva, muy rockero. Pero escuchando todo el álbum, se percibe la presencia de riffs más repetitivos, que enganchan, como por ejemplo en ‘Cut It Short’ o ‘The Deep’. ¿Cómo presentarías este disco a nuestros lectores? “Pues les diría que el álbum en realidad no contiene singles propiamente dichos, no creo que haya hits, por decirlo de alguna manera, pero sí lo veo como un todo. Todas las canciones se complementan entre sí, y espero que la gente sepa apreciarlo como si fuera un viaje. Tiene muchos elementos pop, por supuesto rock, y también tomamos algo de inspiración de películas de terror. Yo al menos creo que puede ser una experiencia divertida”. Revisando las fechas de lanzamiento de vuestros anteriores trabajos, da la sensación de que esta vez ha costado un poco más sacar Only Ghosts. ¿El motivo tuvo que ver con vuestra prioridad de girar, o quizás porque la composición de temas fue más compleja que en anteriores ocasiones? “Pues creo que por un poco de todo. Con nuestro anterior disco, Whales And Leeches, nos sentimos un poco más presionados, interna y externamente, a la hora de sacarlo. Podría decirse que ahora mismo sacar un 49


disco cada dos años sería el patrón de tiempo que muchos entienden como lógico. Así que nos apresuramos demasiado a la hora de componer y trabajar en él. No me entiendas mal, estoy orgulloso de ese trabajo, y creo que ha funcionado bastante bien, pero si te soy sincero, no tengo la sensación de que ninguno de nosotros disfrutáramos plenamente al hacerlo. Tan pronto lo sacamos decidimos que aquello no podía repetirse y que nos íbamos a tomar nuestro tiempo cuando decidiéramos empezar con el siguiente. Y esto llevó a que nos centráramos tanto en girar, porque no podíamos sacar mucho más del disco, excepto tocar en directo. Después de una larga gira realmente necesitábamos relajarnos y dedicarnos a nuestras cosas. No somos un grupo con la capacidad de componer mientras estamos de gira, necesitamos hacerlo sin distracciones. Es verdad que nos insistieron en que debíamos empezar a componer antes, pero esta vez decidimos hacerlo más tranquilamente y nos quitamos esa presión. No creo que las canciones sean más complejas, de hecho creo que son más sencillas (risas)”.

pena para ellos”.

Tal y como funciona el mercado ahora mismo, con una necesidad de consumir inmediata y efímera, tomaros tres años para sacar un disco es un poco arriesgado. “Sí, lo creo de verdad. Parece que si no editas cosas con frecuencia la gente se olvida rápidamente de ti, pero creo que tenemos fans muy entregados, y tengo la esperanza de que la espera haya merecido la

En esta ocasión habéis trabajado con Ross Robinson como productor y con Joe Barresi en las mezclas. ¿Qué buscabais cuando los contratasteis, o qué esperabais mejorar con ellos? “Queríamos probar algo totalmente distinto. Estaba muy contento con el trabajo de Chris Funk en los dos últimos discos, pero queríamos algo diferente. Hablamos con varios

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colegas que habían grabado anteriormente con Ross, Cancer Bats por ejemplo, y los comentarios eran muy entusiastas. Todos nos decían que teníamos que trabajar con él, porque su forma de grabar es extraordinaria y muy particular. Y es cierto. Es muy intenso, y a la vez tiene una forma de ser que hizo que disfrutáramos mucho. Al principio me sentía un poco intimidado, pero fue muy enriquecedor buscar un nuevo enfoque. En cuanto a Joe Barresi, ya lo conocía por haberse encargado


comer y salíamos de ahí al aire libre era como una sensación utópica (risas), viendo una playa espectacular y a la gente disfrutando. Aaron hacía la broma de comparar el lugar donde estábamos con el ambiente que nosotros vivíamos, totalmente opuesto. Al principio estábamos encantados con la idea. Pensábamos que íbamos a poder nadar en el océano, disfrutar del sol y pasar unos días súper divertidos, pero la realidad es que estuvimos más de un mes trabajando muy duro, muy concentrados y pasando muchas horas encerrados. Así es la vida (risas). Bueno, al menos pude disfrutar de varias puestas de sol, que eran preciosas”.

“SOMOS UNA PANDA DE IDIOTAS, Y NO PRETENDEMOS IR DE MODELITOS O EN PLAN YNGWIE MALMSTEEN, LO ÚNICO QUE QUEREMOS ES QUE LA GENTE SE LO PASE BIEN” BRYAN GILES

de la mezcla de uno de mis discos favoritos. Así que tenía confianza plena en que sacarían lo mejor de nosotros, y así fue. Hicieron un magnífico trabajo”. Así que no sólo cumplieron con vuestras expectativas, sino que además las superaron. “Sí, totalmente”. Estuvisteis grabando en el estudio de Ross, en Venice, California. Hace poco leí que

Aaron se quejaba de trabajar teniendo la playa al lado. ¿Demasiado trabajo en el estudio y demasiada diversión en la calle, quizás? “Es que era terrible. Estábamos en un cubículo diminuto pasando muchísimo calor. Es un estudio casero en el sótano de su casa. No parábamos de sudar, y teníamos unas ventanas pequeñitas por las que podíamos ver la playa y el ambiente exterior. Pasábamos unas doce horas ahí encerrados cada día. Cuando parábamos a

Uno de los aspectos que más habéis destacado de Ross es su objetivo de enfocaros hacia lo que queréis aportar al mundo con vuestra música. Esto queda muy bien y es incluso muy profundo, pero ¿a qué os referís? ¿Qué queréis aportar? “Es cierto que en el estudio nos hizo mucho centrarnos en esto. Lo que queríamos compartir en realidad es nuestro sentimiento y que, con suerte, la gente pueda identificarse con él. No tenemos intención alguna de dar discursos acerca de nada, ni de cambiar el mundo, simplemente mostrar nuestros sentimientos a través de la música que hacemos, y que la gente empatice con ellos. El arte en general es algo que puede compartirse a través de su propio lenguaje. La palabra sería trascendental. Y me siento optimista respecto a ello”. Hemos podido ver los episo51


RED FANG dios de grabación, y la sensación es que fue todo muy intenso, sobre todo por la fuerza e insistencia de Ross. “Ross es un tío muy intenso a todos los niveles. El significado de todo para él es súper importante. Su filosofía es que si vas a grabar algo, debes saber por qué lo estás haciendo. Así que tuvimos un montón de charlas y discusiones, algunas bastante incómodas, sobre todo acerca de quiénes éramos, de dónde veníamos y por qué lo estábamos haciendo. No se puede decir que nos presionara mucho porque creo que él daba de sí mismo igual o incluso más que nosotros. De alguna manera nos sentíamos como en deuda con él, por su energía e intensidad emocional”. Tengo una curiosidad. ¿Por casualidad Aaron no habrá tomado lecciones de canto? A lo mejor ha mejorado su voz de forma natural, todo puede ser... Pero noto una mejora. “¿Aaron? ¿Crees realmente que ha mejorado? (Risas) Es verdad que tanto Aaron como yo hace tiempo tomamos clases de canto en Pórtland durante dos meses. Nuestro profesor es cantante profesional de ópera clásica, y la verdad es que nos resultó muy útil, porque hay un montón de cosas que 52

si no te enseñan no las sabes. Seguimos utilizando algunas de las técnicas que aprendimos, y nos han servido, porque ninguno hemos perdido la voz. Para empezar, sabemos que no se puede dar el 100% siempre, porque si lo das, te quedas sin voz enseguida. No nos consideramos cantantes ni nos planteábamos cantar hasta que formamos Red Fang. Alguien tenía que hacerlo y nos tocó, pero con el paso del tiempo reconozco que cada vez lo disfrutamos más. Conocemos nuestras voces muchísimo más ahora, igual que nuestras limitaciones, y nos sentimos más cómodos. Bueno, quizás es posible que Aaron haya mejorado más que yo”. Hace unos días se estrenó el vídeo de ‘Shadows’, un divertido homenaje a la película Depredador. Vuestro tour manager no parece demasiado contento porque de nuevo hay cerveza, pringados, y lo peor de todo: no sale Schwarzenegger. A estas alturas, ¿no crees que debería estar acostumbrado? “Es que es un capullo, ¡claro que tendría que saberlo! Para empezar no debería haber ido a ver el vídeo, pero se empeñó”.

La cerveza es una constante en vuestros vídeos, eso sí es verdad. “Te juro que no sé por qué siempre pasa lo mismo. El primer vídeo ya estaba centrado en la cerveza, y la verdad es que es un buen recurso sobre el que construir una historia. Intentamos no volver a repetir, pero es que... ¡Siempre funciona bien! Somos una panda de idiotas, y no pretendemos ir de modelitos o en plan Yngwie Malmsteen, lo único que queremos es que la gente se lo pase bien”. ¿No os gustaría ser esponsorizados por una marca de cerveza? “¡Eso sería genial! No tendrás algún contacto, ¿verdad? No nos iría nada mal (risas)”. Siento no poder ayudarte con eso. El disco sale ahora en octubre y se ha confirmado gira europea con Torche, pero esta vez no venís a visitarnos. ¿Tenemos que echarle la culpa a vuestros mánagers o es que preferís venir cuando el disco esté más asentado? “¡Es verdad, es una pena! Hemos cambiado de agente y las fechas que hay confirmadas son las que han conseguido. Confiamos en ellos y en su trabajo, y esperamos poder ir a España pronto. Siempre que hemos estado lo hemos pasado genial, y el público es my entusiasta. No os preocupéis, que volveremos”.


DAWN OF THE MAYA

EN LOS HOMBROS

DEL GIGANTE


HA SIDO UN EMBARAZO DE CUATRO AÑOS, PERO POR FIN EL 20 DE OCTUBRE DAWN OF THE MAYA DARÁN A LUZ A SU NUEVO RETOÑO. DESDE SU PROPIO NOMBRE, COLOSSAL, SUGIERE QUE ESTAMOS ANTE ALGO GRANDE, Y LA MEJOR NOTICIA ES QUE, UNA VEZ LO ESCUCHES, ESO ES JUSTO LO QUE PENSARÁS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A

L IGUAL QUE LA FELICIDAD, la ilusión no hay que buscarla fuera, sino dentro de uno mismo. En eso Dawn Of The Maya tienen mucho terreno ganado respecto a otras bandas. Igor (voz), Garci (guitarra), Eneko (bajo), Marta (teclados) y Marcos (batería) son expertos en automotivarse para intentar mejorar disco a disco, concierto a concierto, aunque todavía sigan siendo una banda pequeña en términos comerciales. Su cuarto trabajo, Colossal (autoeditado), es otro ejemplo de ese espíritu de superación y presenta su colección de canciones más redondas hasta la fecha.

Liberados del aire conceptual de anteriores obras o renunciando a ser los más duros del barrio, los de Pamplona han hecho un disco accesible, incorporado más melodías que nunca, pero para nada facilón. Grabado entre San Sebastián, Madrid y Pamplona bajo la supervisión de un especialista como Alex Cappa, Colossal está lleno de detalles, con sonidos de guitarras distintos en cada canción y con los teclados integrándose de manera más orgánica. Y por supuesto, los baterías volverán a quedarse con la boca abierta con la labor realizada por Marcos.


Es triste que todavía tengamos que escribir cosas como éstas, pero si Colossal viniera firmado por una banda guiri, nadie dudaría en decir que Dawn Of The Maya están en las puertas del éxito o que temas como ‘Under The Tree Of Wonders’, ‘The Great Awakening’ o ‘Ancient Light’ serán hits seguros. Ojalá nos equivoquemos y el publico de aquí reconozca de una vez el esfuerzo realizado y los apoye como se merecen. ¿Qué es lo que más os ha llenado haciendo el nuevo álbum? GARCI “Ha sido un disco que nos costó bastante de componer, le dimos muchas vueltas a todo y desechamos mil ideas. Pero por lo menos yo, y creo que el resto también, estamos muy satisfechos con el resultado final”. ENEKO “Buscábamos salirnos del molde del metalcore, sobre todo del nacional”. GARCI “Sí, lo teníamos muy fácil para repetir lo anterior y hacer temas que sabíamos que iban a funcionar, pero la satisfacción viene porque hemos arriesgado bastante compositivamente, a la hora de grabarlo, con los diseños...”. ENEKO “Hemos descartado más por no quedarnos en lo de siempre que por hacer algo loco. Para nosotros hacer algo loco no es hacer algo difícil, sino hacer partes que suenen casi pop, con melodías fáciles. Pero a la vez hacer eso es difícil en este género”. GARCI “Siempre nos ha parecido que estábamos fuera del metal estatal, y con este disco creo que nos hemos salido aún más”.

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Me hace gracia que los dos os hayáis referido al metalcore nacional o el metal estatal, porque en realidad los grupos de fuera sí que se están acercando a otros estilos como el pop o el post rock. ENEKO “Sí, sobre todo en Inglaterra. Nos gustan muchos grupos ingleses y supongo que aunque no sea de manera consciente, también te influye”. GARCI “Yo creo que en Dawn Of The Maya es algo natural desde el principio porque Eneko y yo venimos de tocar en grupos de punk rock mucho más lights. Tocábamos en ellos porque nos gustaba ese estilo y nos sigue gustando. Esa inquietud mucho más melódica siempre la intentamos plasmar en nuestros temas”.

Habrá quien diga que cuando los grupos de metal se acercan al pop es porque quieren vender más. ENEKO “En este país hagas lo que hagas no vas a vender nada”. GARCI “Entre vender poquísimo o vender muy poco, no creo que cambie mucho. Las cifras están ahí. Hacemos lo que nos da la gana. Si quisiésemos vender haríamos reguetón o cualquier otra cosa”. Aquí igual sí, ¿pero para vender fuera? ENEKO “Eso siempre se busca, pero no creo que hayamos transformado el estilo de música con ese fin. Si hubiésemos hecho un disco de death metal también intentaríamos venderlo fuera”.


“SIEMPRE NOS HA PARECIDO QUE ESTÁBAMOS FUERA DEL METAL ESTATAL, Y CON ESTE DISCO CREO QUE NOS HEMOS SALIDO AÚN MÁS” GARCI

GARCI “Lo hemos hecho simplemente porque es lo que nos apetecía. Todo lo que pueda venir, bienvenido sea, intentaremos explotarlo al máximo, pero en ningún caso hemos compuesto nada para que funcione mejor, porque igualmente no va a funcionar”.

libertad total puede convertirse en anarquía, y para convencer al resto de que algo va a funcionar necesitas muchas discusiones”. ENEKO “Sí, pero todos teníamos claro que la meta era hacer algo más melódico”.

¿Habéis sido vosotros dos los impulsores de este rumbo musical y habéis empujado al resto? GARCI “No. Todos teníamos claro cuando nos pusimos a componer que habría libertad total para opinar y hacer lo que te diese la gana. Quizá por eso nos ha costado tanto, porque a veces era un caos. Igual alguien pensaba en una cosa y el otro estaba en las antípodas. Esa

Me ha chocado mucho que hayan pasado casi cuatro años desde la edición de The Truth Is In Front Of You. Cuatro años es mucho tiempo, pero a la vez no tengo la sensación de que haya sido tanto porque no habéis parado de hacer cosas. ¿A vosotros se os ha hecho largo este periodo entre disco y disco? GARCI “Al final es lo que dices. No

ha sido sacar un disco, hacer una gira y parar a componer. En 2014 sacamos el deluxe con tres temas nuevos y no hemos parado”. ENEKO “A nosotros nos ha pasado muy rápido también, como si hubiesen sido dos años en lugar de cuatro”. GARCI “Pero igualmente teníamos muchas ganas de volver a sacar un trabajo completo”. Y si tiramos aún más atrás, cuando empezasteis el grupo, erais casi unos críos... ¿Pero no tenéis la sensación de que mucha gente os sigue viendo como ‘esos chavales que hacen metalcore’ cuando en realidad ya sois más mayores que gran parte de vuestro público? GARCI “Sí tenemos esa sensación. Hace poco leíamos una crónica de un concierto y ponía ‘la jovencísima banda Dawn Of The Maya’. Este año cumplimos diez años como banda. Algunos ya tienen 30 años y el más pequeño tiene 27. Tenemos amigos que tocan en un grupo y tienen 18 años, eso sí es una banda joven”. ENEKO “Lo que pasa es que en este país hay las cuatro o cinco bandas de siempre y el resto somos ‘jóvenes’ o ‘promesas’, y nunca pasas de ahí”. Quizá también porque el estilo se asocia mucho al público joven. GARCI “Sí, supongo que el hacer un metal más moderno o actual puede dar esa imagen de jóvenes. Bueno, también está bien. Siempre es un halago que te vean joven (risas)”. Y vuestros padres, novias,

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amigos... ¿Os toman cada vez por más locos por seguir adelante con el grupo? ENEKO “Hay de todo. Pero como ya somos mayores hemos pasado un proceso de selección de gente tóxica y los que están con nosotros ya nos conocen. Aunque piensen que estamos locos, nos apoyan porque saben que somos así. Hace diez años igual si que la gente pasaría de ti, pero ahora, la que queda, te apoya”. GARCI “Mucho de nuestro círculo en Pamplona es gente de la música o del arte, así que están igual o más locos que nosotros”. De todo lo que habéis hecho en los últimos años, ¿qué es aquello que os quedará para siempre en la memoria? ENEKO “Para mí lo mejor es girar por ahí. La gira que hicimos de 13 días por España en la caravana, todos a una, estuvo genial. Ver que llegas un lunes a Murcia y hay 60 personas te reconforta mogollón, para mí girar es lo mío”. GARCI “Haber tocado tres veces en el Resurrection Fest es algo brutal. Haber ido a París también, y salir fuera es algo que queremos hacer más. Pero igual Marcos y yo somos más de estudio, disfrutamos mucho. Y The Truth... fue el primer disco que hicimos a nivel profesional y el tenerlo en la mano y ver que todas esas paranoias de las que hablábamos se habían hecho realidad... para mí ése es el momento”. Me imagino que os gustaría repetir la experiencia de la caravana, ¿pero estar dos semanas encerrados con alguien tan intenso como Igor no es

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como para cortarse las venas? (Risas). ENEKO “Con Igor y con cualquier persona. Es verdad que Igor es un poco guindilla...”. GARCI “Hay que intentar canalizar esa intensidad hacia lo bueno. Cuando está contento es muy intenso en su felicidad y cuando se enfanda es muy intenso en su mala hostia. Si consigues canalizar esa intensidad en positivo es un gran compañero para viajar”. ¿Y si no? GARCI “Te alejas dos horitas hasta que se le pase y luego ya vuelves (risas)”. La grabación de Colossal ha sido bastante compleja a nivel logístico, ya que se ha hecho en tres estudios distintos. ¿Lo teníais todo bien planificado o ha sido un poco caótico? GARCI “Estaba bastante bien organizado. Las decisiones que hemos tomado siempre han sido mirando que el disco tuviese la máxima calidad posible, pero la logística también ha influido. Por ejemplo, las baterías se grabaron en los estudios Mecca de San Sebastián, que suena espectacular, pero que además lo tenemos cerca de casa. Marcos se graba el disco en un día, así que aunque sea un estudio que cuesta dinero, merecía la pena porque no había que ir a Madrid, dormíamos en casa... era más cómodo. Todo ha funcionado muy bien y el disco suena muy bien. Alex Cappa, que es quien toma todas esas decisiones, dice que es el mejor álbum que ha grabado”. Eso dice mucho.

GARCI “Si lo dice Cappa, va a misa (risas)”. Por cierto, he alucinado que dijeras que Marcos grabó todo el disco en un solo día. GARCI “Siempre lo hace. Hay temas que los graba a la primera toma. Y cuenta que es un día en el que hay que montar, microfonear... así que en realidad lo hace en cuatro, cinco horas tocando”. ENEKO “Marcos parece que nos haga sombra al resto, y es verdad, pero es que encima de tocar bien, la clava. Sin trampa ni cartón”. Si estuvierais todos a su nivel, en cinco días grababais el disco (risas). ¿Del resto qué es lo que os ha llevado más tiempo? GARCI “Las guitarras siempre es lo que lleva más tiempo, porque siendo uno solo hay que doblarlo todo y es bastante laborioso. También en este disco hemos trabajado más los sintes y las voces melódicas. Hay muchas armonías, muchos juegos y ha llevado bastante tiempo preparar los arreglos”. En parte me alegro por Marta, porque de la misma manera que decís que Marcos os hace sombra a todos, a veces también parece que ella esté ahí, pero no se notaba. ENEKO “Sí, en este álbum tiene más protagonismo. Marta ha hecho mucho trabajo, pero en general todos nos hemos fijado más en cada instrumento. Todos nos hemos fijado en la guitarra, en el bajo, en los sintes...”. Supongo que Igor podría


“EN ESTE PAÍS HAY LAS CUATRO O CINCO BANDAS DE SIEMPRE Y EL RESTO SOMOS ‘JÓVENES’ O ‘PROMESAS’, Y NUNCA PASAS DE AHÍ” ENEKO

contarlo mejor, pero ¿cuál es la paranoia principal de este álbum? Porque en cada uno parece que haya una... GARCI “La paranoia principal es que no hay paranoias. Y es una paranoia gigante porque viniendo de los discos anteriores, que eran muy rebuscados en cuanto a temática y cada canción iba entrelazada, en éste cada una va por libre. Sólo queríamos hacer temazos”. ENEKO “Exacto. Al revés que antes, en éste queríamos que cada canción fuera una experiencia diferente a la siguiente”. GARCI “En el disco anterior casi se hacía raro escuchar un tema suelto, tenía que escucharse entero. En cam-

bio en éste cada uno funciona autónomamente, eso también se refleja en la portada con las barras, dando importancia a cada tema por separado”. Es muy admirable la dedicación y profesionalidad que le ponéis a todo lo que hacéis. Más teniendo en cuenta que, como decíais antes, se vende poquísimo. El seguir teniendo esta motivación por seguir haciendo cosas, ¿cuesta de mantener, hay momentos en los que os venís abajo? GARCI “Hay momentos de todo, pero para mí la principal razón por la que seguimos motivados es que intentamos hacer las cosas al máximo

nivel. Igual un grupo saca un disco y luego no se preocupa por moverlo o cuidar los detalles, pero nosotros perderíamos la motivación si no hiciésemos justamente eso. Es algo que necesitamos hacer. Si no estuviésemos satisfechos al 100%, perderíamos la motivación”. ENEKO “Si sacas un disco y ya está, y esperas en casa a que vengan los fans, naturalmente eso no ocurre. Y eso es lo que desmotiva”. GARCI “La motivación es el proceso, y la satisfacción viene por saber que has dado el máximo”.

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THE SOULBREAKER COMPANY

POR PRIMERA VEZ EN SU CARRERA LA MAQUINARIA DE THE SOULBREAKER COMPANY SE HA VISTO OBLIGADA A SUSTITUIR LAS PIEZAS DE UN ENGRANAJE QUE PARECÍA PERFECTO. PARA NUESTRA FORTUNA, EL NUEVO PLÁSTICO DE LOS DE VITORIA DEJA CLARO QUE, A PESAR DE LOS CAMBIOS, SIGUEN RODANDO A PLENA POTENCIA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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A SABEMOS todos que nada en esta vida dura para siempre, y mucho menos en el mundillo de la música. Pero no por ser más conscientes de ello podemos evitar sentir cierta tristeza cuando las cosas llegan a su fin. La historia de The Soulbreaker Company ni mucho menos acaba aquí, afortunadamente, pero sí la de que hasta ahora había sido la alineación titular a lo largo de más de una década formada por Jony Moreno (voz), Asier Fernández (guitarra), Daniel Triñanes (guitarra), Andoni Ortiz


evolución, la quinta referencia de la Compañía vuelve a hacer gala de un manejo magistral de todos los recursos estilísticos que han ido acumulando con el tiempo, cada vez más alejados de cualquier etiqueta. Una obra que nos sirvió de excusa para entablar conversación con su siempre amable guitarrista Asier y así conocer el estado actual de la banda.

(batería), Oscar Gil (teclados) y Jose Javier Manzanedo (bajo). Estos dos últimos, por circunstancias personales, tomaron la decisión de abandonar la nave una vez finalizada la gira de presentación de Graceless. Lejos de desfallecer, los de Vitoria han rearmado sus filas con las incorporaciones de Illán Arribas y Javier Arteaga para dar salida a La Lucha (Alone), un nuevo artefacto que se une a una discografía impecable y con un nivel al alcance de muy pocas formaciones de su estilo. Siempre en constante

A diferencia de Graceless, esta vez habéis tardado mucho menos en publicar un nuevo trabajo. ¿Salieron las cosas más fluidas o es que sentíais una necesidad de recuperar un poco el tiempo perdido? ASIER FERNÁNDEZ “Quizás un poco de las dos cosas. También nosotros, a la hora de tener trabajos y familia, tenemos que buscar unas fechas en las que todos podamos organizarnos y a veces es un poco complicado porque se puede retrasar todo unos cuantos meses. Tenemos que encontrar días que podamos cogernos libres o que coincidan con vacaciones para poder ir a grabar. Por un lado es eso. Es algo que puede hacer que todo se retrase incluso seis meses o un año entero. Quizás eso ocurrió con el anterior álbum, donde todo costó un poco más. También hay que tener en cuenta los cambios en la formación, ya que cada vez se estaba haciendo un poco más complicado el ir a un ritmo que nosotros considerábamos que fuera aceptable para el grupo. Así que sí es verdad que en esta ocasión todo ha ido más fluido. Decidimos desde hace tiempo coger el estudio para que las cosas no se terminasen alargando. A veces las circunstancias te lo impiden, pero sí que esta vez queríamos hacer el proceso mucho más rápido”.

“CREO QUE ÉSTE ES NUESTRO ÁLBUM MÁS VARIADO EN ESE SENTIDO, DONDE SE PUEDEN AUNAR LAS DIFERENTES INFLUENCIAS Y ESTILOS QUE HEMOS IDO TOCANDO” ASIER FERNÁNDEZ

Por tercera vez habéis vuelto a salir al extranjero para registrar el disco además de las mezclas y la masterización. Grabasteis en los Toy Box de Bristol con Stef Hambrook el pasado mes de diciembre. Después las mezclas con Tim Green, y finalmente se hizo cargo de la masterización Noel Summerville. ¿Qué es lo que os hizo decantaros por cada uno de los responsables en las distintas facetas de la producción? ¿Qué buscabais en cada uno de ellos? “En realidad todo esto es más accidental de lo que parece. Con los anteriores discos siempre habíamos grabado y mezclado en el mismo sitio. Esta vez queríamos probar a hacer la mezcla en los Castle Of Doom de Escocia, ya que mucha de la gente que había grabado en Toy Box luego hacía la mezcla allí. Por ejemplo, Mogwai lo suelen hacer así, y como nos molan bastante sus discos, quisimos probar por primera vez a hacer eso: grabar primero en un sitio y mezclar luego en otro. Por desgracia no pudo ser, ya que al final nosotros nos tenemos que amoldar a un presupuesto, y los Louder Studios 61


“SIEMPRE ESPERAS CON CIERTO NERVIOSISMO LA RESPUESTA DEL PÚBLICO, PERO IMAGINO QUE COMO CUALQUIER ESCRITOR O UN ARQUITECTO. SIEMPRE ESPERAS QUE A LA GENTE LE GUSTE EL RESULTADO” ASIER FERNÁNDEZ

con Tim Green en Estados Unidos nos salían bastante mejor de precio en comparación. Nos gustaba mucho lo que había grabado con Comets On Fire, Earthless o incluso cosas más heavies como Wolves In The Throne Room. Luego la masterización siempre la hacemos con Noel básicamente porque los estudios ingleses suelen trabajar con él”. Siguiendo un poco por ahí, el sonido ha vuelto a cambiar como soléis hacer en todos vuestros álbumes... siempre va enfocado de una manera diferente. En este caso, aprecio una producción quizás más saturada, más sucia. ¿Partíais ya de esa idea cuando fuisteis a grabar a Bristol? “Sí, queríamos buscar algo más guarro por así decirlo. Graceless lo grabamos con Liam Watson en Londres, que había trabajado con The White Stripes y cosas así. Digamos que su estudio era más garajero, y que él metió bastante mano y, bueno... salió quizás un sonido más diferente de lo que esperábamos. Su rollo es más sesentas y nosotros queríamos buscar algo más sucio, así que esta vez lo teníamos más claro. 62

En Bristol teníamos un estudio en el que podíamos hablar más con la gente que trabaja allí para conseguir lo que queríamos, mientras que en el anterior disco nos quedamos un poco a medias de lo que pretendíamos. Aun así, creo que Graceless suena de puta madre, pero sí es verdad que no quedamos del todo contentos”. La verdad es que siempre he sentido cierta fascinación por cómo ha ido cambiando vuestro sonido. A lo largo de vuestra discografía habéis mantenido una línea muy coherente con vuestra evolución, pero cada obra llevaba un rollo diferente. El debut era tal vez más genérico de rock sureño, The Pink Alchemist tenía muchos arreglos de vientos y metales más propios del soul, Itaca se abría a la psicodelia... No sé si mirándolo en retrospectiva encuentras positivo que siempre le deis una variante a cada lanzamiento. “Sí, para nosotros lo hace todo más natural. Aunque hace mogollón que no escucho los primeros álbumes, pero sí que es verdad que desde el principio siempre nos ha gustado desde Lynyrd Skynyrd hasta Aerosmith, pero a la vez escuchábamos mucho a Monster Magnet y a Kyuss de cuando éramos más chavales. Black Sabbath, Hawkwind... Digamos que ha ido de una manera muy natural encontrando el sonido donde todos nos sentíamos más a gusto. En el nuevo tienes temas como ‘Black Wool Yan’ o ‘La Lucha’, que siguen ese rollo más setentas, pero a la vez sigue habiendo toques de soul. Yo creo que poco a poco vamos fluyen-

do hacía lo que es nuestro propio sonido”. Precisamente tal vez éste sea vuestro trabajo más variado, donde se pueden encontrar sonidos que resumen un poco todas esas etapas que habéis experimentado. ¿Era vuestra intención esta vez? Quizás no intentar reinventar lo que hacéis, sino el ser capaces de condensarlo todo en un solo disco. “Sí, es bastante como tú dices. Es curioso porque sí que creo que es cierto que éste es nuestro álbum más variado en ese sentido, donde se pueden aunar las diferentes influencias y estilos que hemos ido tocando. Pero también pienso que es el más compacto y ahí sí que fue una intención nuestra. Es nuestro primer vinilo simple, todos los anteriores habían sido dobles, así que sí había el propósito de hacer un álbum tendiendo más hacia los 40 minutos que a los 70. Creo que ha quedado bastante guay en ese sentido. Es variado, pero a la vez es mucho más disco que los anteriores. Eso sí que era más premeditado esta vez. De hecho, hay dos temas que se han quedado fuera que en principio podrían haber entrado tranquilamente y que ya les daremos salida más adelante, pero nuestra idea era hacer una álbum parecido a los que se hacían en los 70, de 40 ó 45 minutos”. Mencionabas anteriormente los cambios que habéis tenido en la formación. Tanto Oscar como Jose han dejado la banda. No sé si me puedes explicar los motivos de cada uno. “En ambos casos es por la misma ra-


zón. Al final tienes familia y, bueno... Nosotros con el anterior disco ya habíamos visto que de alguna manera bajamos un poco el ritmo. Somos seis personas en el grupo, tienes que buscar conciertos, incluso había problemas para las grabaciones... Con Graceless se dilató todo un poco y la grabación no fue todo lo fluida y agradable que debería haber sido. Entonces planteamos unos mínimos, porque nosotros no somos profesionales, pero sí que nos apasiona esto y creemos que el grupo tiene que poder dar un cierto número de conciertos al año y que las grabaciones se puedan hacer en unos tiempos marcados. Y ellos no podían adaptarse a ese ritmo. Pero sin más problemas. Somos colegas desde

el principio y lo seguimos siendo, pero digamos que no querían involucrarse tanto y cada vez se les hacía más complicado. Incluso Oscar ya había parado de hacer conciertos, aunque volvió para la grabación. Fue su última colaboración. Cada vez es todo más difícil, pero bueno, nosotros nos apañamos bien. A partir de ahora empezamos una nueva etapa en la que queremos tocar más”. ¿Y quiénes son los encargados de ocupar sus puestos ahora? ¿De dónde vienen? “El bajo en el disco lo grabó Tom Mihailovski, aunque ahora nuestro nuevo bajista es Illán Arribas. Es asturiano y llevaba ya un tiempo en Vitoria tocan-

do en un grupo que hace un rollo Pink Floyd, Black Sabbath, Soundgarden. Acaba de entrar justo ahora en la banda. De los teclados se encarga Javier Arteaga, que ya hizo la gira anterior supliendo a Oscar en algunos conciertos. Es bastante más mayor que nosotros, lleva tocando toda la vida y es hermano de uno de los fundadores de Cicatriz. Antes tocaba con The FreeTangas, un dúo de teclado y batería bastante curioso y trallero. La verdad es que estamos encantados con ellos, tenemos muy buen rollo”. Pero cuando suceden cosas como ésta, en las que un miembro de la banda decide retirarse por causas que son la 63


vida propia, el hacerse mayor, tener hijos... ¿Eso te hace replantearte ciertos aspectos? “Bueno, sí que es verdad que hubo un punto así. No por los que seguimos, pero sí que es evidente que cuando hay dos personas que deciden dejarlo, pues es una pena porque llevas toda la vida juntos. Pero bueno, ellos querían disfrutar de otras cosas y ver la vida de otra manera. Pero también te digo que Andoni, el batería, tiene dos críos, igual que Dani. O sea que quizás sí hubo ese punto de inflexión, pero los que nos quedamos lo teníamos muy claro. Se hablaron las cosas y decidimos tirar para adelante con Illán y Javi”. Sin embargo, no sé si seguís sintiendo la misma ilusión que en vuestros comienzos cada vez que sacáis un disco. Me refiero más bien a la recepción que pueda llegar a tener. Tal vez cuando eres más joven tiendes a fantasear aunque sea un poco, pero luego cuando llevas ya un tiempo ves que las cosas funcionan de otra manera, al menos aquí en España. “Pues te diría que parecido. Quizás fantaseas menos, eres más realista que cuando tenías 18 años y ves las cosas de otra manera. Pero ese punto de ilusión claro que está siempre, al igual que los nervios. Tú haces un trabajo para llegar a la gente. Ahora que estamos empezando a presentarlo, con los adelantos, los primeros conciertos... pues siempre esperas con cierto nerviosismo la respuesta del público, pero imagino que como cualquier escritor o 64

un arquitecto. Siempre esperas que a la gente le guste el resultado”. Por otro lado, tengo la sensación de que últimamente, aunque sea de una manera muy underground, está empezando a crearse una escena, aunque no me gusta llamarla así, de bandas que comulgáis dentro de un mismo ideario. Hablo de Arenna, Bourbon, Atavismo, The Soul Jacket, Cordura... con las que hay cierto hermanamiento. No sé si lo ves del mismo modo, o es simplemente algo que siempre ha estado ahí y quizás ahora es más visible, incluso para el público,

aunque sea, como ya digo, a una escala muy pequeña. “Es posible. Yo también creo que cada vez hay más. Cuando nosotros empezamos justo lo dejaban Mermaid, también estaban Electric Riders, Viaje A 800... Quizás había menos y ahora sí que se nota que van saliendo más. También hoy en día te puedes promocionar tú mismo con internet. Sí que es verdad que con muchos de esos grupos hablamos, quedamos para tocar juntos cuando vamos a sus zonas. Lo guay encima es que además somos bastante diferentes, creo yo. Hay un punto en común que es quizás que nos movemos todos un poco por debajo, pero a la vez somos distintos. También está el hecho


nos a tope con Itaca. De la gira que hicimos tocando Animals tenemos algo grabado, así que es posible que algún día lo saquemos”. ¿Sentís que ese álbum es especial para vosotros? Mucha gente lo considera como vuestra obra cumbre. ¿Cómo lo veis desde dentro? “Sí que es certo que Itaca supuso un cambio brusco respecto a The Pink Alchemist en cuanto a nivel, creo yo. Supone subir un par de escalones por encima y quizás por eso sorprendió. Graceless, en cambio, quizás es más pesimista u oscuro, o así lo veo yo. Creo que el tiempo hace que se aprecien de manera diferente, pero sí que es cierto que Itaca supone un punto de inflexión bastante importante en nuestra discografía. Es un cambio de golpe hacia algo más serio. Sin duda es donde se terminaron de asentar todas las piezas del grupo”.

de que solemos colaborar entre nosotros. De hecho, Txus de Arenna está en el álbum nuevo haciendo coros. Bourbon son también colegas, igual que Atavismo. También está Melange en Madrid, donde está Adrián de RIP KC, que acaban de salir ahora. Quizás es más incluso colegueo que el que tengamos un sonido en común, y eso lo hace más bonito también”. Cambiando de tema, al igual que la mini gira que hicisteis interpretando íntegramente Animals de Pink Floyd, hace poco disteis un concierto especial en el Cosmic Fest tocando Itaca entero. ¿Cómo surgió la idea de hacerlo? No sé si

lo habíais llegado a hacer al completo anteriormente alguna vez... “Pues no, en la gira de aquel disco creo que se quedó un tema fuera, ‘Sandstorm’, la última. La cosa es que esto nos pilló justo volviendo de grabar, con lo cual sólo teníamos los temas nuevos ensayados y no era nuestra idea meterlos en ese concierto, y a parte justo cambiábamos la formación, aunque aquí tocó Oscar, y ya entraba Illán. De alguna manera teníamos que aprendernos un setlist, así que hablamos con Mikel, que era quien organiza el festival. Ya que Illán iba a tener que aprenderse los temas antiguos y nosotros volver a repasarlos después de haber grabado, decidimos poner-

Ya estáis confirmando varias fechas por la Península. ¿Intentareis volver a salir esta vez de gira por Europa? “Con Graceless es verdad que nos quedamos con la ganas, por lo que te decía antes: empezábamos a tener esos pequeños conflictos para saber cómo avanzar y no tuvimos demasiado tiempo para planificarlo. La idea ahora es todo lo contrario. De aquí a diciembre tenemos todo cerrado, seguiremos después por Galicia y Andalucía, que creo que las tenemos pendientes, y para Semana Santa la idea es salir fuera, sí”.

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TOUCHÉ AMORÉ

A ESTE PASO PARECE IMPOSIBLE QUE TOUCHÉ AMORÉ PUEDAN PUBLICAR UN MAL DISCO. STAGE FOUR, CON EL QUE DEBUTAN EN EL SELLO EPITAPH, VUELVE A SER EL MEJOR ARGUMENTO CONTRA AQUÉLLOS QUE DEFIENDEN QUE YA NO SE HACE BUENA MÚSICA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


ECIR QUE Stage Four, el cuarto álbum de Touché Amoré, es el más personal que han hecho no sería justo. Al fin y al cabo, todos sus discos lo son. La única diferencia es que en esta ocasión Jeremy Bolm ha tenido que manejar un material más sensible. Hace dos años, su madre falleció a los 69 años enferma de cáncer, y eso llevó al vocalista no sólo a lidiar con sus propios sentimientos, sino también a intentar atar algunos cabos sueltos sobre la vida de su progenitora (en los 70 se mudó de un pueblo de Nebraska a Hollywood) sobre los que nunca se había preocupado, o atrevido, a preguntar. Cada canción está llena de detalles autobiográficos: desde el sentimiento de culpa por no haber estado con ella en el momento de fallecer a la soledad que sintió al ir a limpiar la casa

donde ella vivía. Pero lejos de esa pornografía emocional con la que a menudo nos encontramos en las redes sociales, las letras de Bolm aparecen sin ningún tipo de impostura y despiertan una total empatía en el oyente. Si a eso le añades que sus compañeros Nick Steinhardt (guitarra), Clayton Stevens (guitarra), Tyler Kyrby (bajo) y Elliot Babin (batería) han sabido crear, junto al productor Brad Wood (Sunny Day Real Estate, Smashing Pumpkins), una banda sonora sugerente en la que siguen expandiendo su hardcore con matices de shoegaze y post punk, sólo podemos concluir que estamos ante uno de los mejores discos del año. Aunque la conexión telefónica fue realmente mala, fue un placer poder volver a charlar con el cantante de uno de los grupos más fiables que existen hoy en día.


“CUANDO ESTÁS LLEGANDO AL FINAL DE LA VEINTENA O CUMPLES 30, LA GENTE DE TU ENTORNO Tengo que felicitarte no sólo por Stage Four, sino por la increíble racha que lleváis. No es fácil encontrar bandas que saquen discos brillantes uno tras otro. JEREMY BOLM “Oh, muchas gracias. Intentamos no cagarla (risas). Creo que con cada álbum aprendemos algo nuevo y me estimula mucho saber que vamos mejorando”.

EMPIEZA A MORIR. CREO QUE ES ALGO QUE TODOS EXPERIMENTAMOS, TAMBIÉN NUESTROS FANS” JEREMY BOLM

De nuevo, en este trabajo vuelves a abrirte en canal y te expones totalmente. ¿Nunca te has planteado escribir algo de ficción? “La verdad es que no. Siempre escribo de manera personal, no sabría hacerlo de otra manera”. Pero supongo que hacer todo un álbum en torno a la muerte de tu madre no te resultaría fácil... ¿Cuándo decidiste que ése iba a ser el eje principal del disco? “No hubo un momento concreto en el que me lo planteara. No creo que hubiera podido escribir sobre otra cosa porque esto es lo que me ha tocado vivir y en lo que más he pensado desde que hicimos el último disco. No hubiera sido honesto hablar de otra cosa”. En el álbum se nota un cierto sentimiento de culpa. Como cuentas en ‘Eight Seconds’, tu madre falleció la noche de Halloween mientras tú estabas dando un concierto en Florida. ¿Lo has superado? “No lo sé. Todo el mundo te dice que no podrías haber hecho nada y

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que tú tienes que hacer tu vida, que es lo que ella habría querido. Pero no es tan fácil”. En el disco anterior Is Survived By también hablabas sobre tu propia mortalidad y te cuestionabas el legado que ibas a dejar. ¿Piensas mucho en la muerte? “Cuando estás llegando al final de la veintena o cumples 30, la gente de tu entorno empieza a morir. Creo que es algo que todos experimenta-

mos, también nuestros fans. No es que esté pensando constantemente en ello, pero forma parte de la vida y creo que te ayuda a pensar sobre qué quieres hacer con la tuya. Al final debería servir para que todos nos demos cuenta de que nuestra misión es hacer que el mundo sea un lugar mejor”. ¿Y sientes que lo estás haciendo con vuestra música? “No lo sé, de verdad, pero no creo que tenga tanto que ver con


todo caso es más la música la que me sugiere una emoción concreta, que no al revés... Pero de algún modo funciona”. Es llamativo tu nuevo registro vocal en temas como ‘Benediction’ o ‘Skyscraper’. ¿Cómo encontraste esa nueva voz? “El año pasado hicimos dos versiones, ‘Lounge Act’ de Nirvana y ‘Available’ de The National, y como eran canciones de otros artistas intenté adaptarme un poco a su estilo. Fue la primera vez que canté en ese tono más grave y la verdad es que me gustó cómo quedaba. A la hora de hacer el nuevo disco simplemente lo incorporé porque encajaba muy bien con la música”. ¿Conoces a la banda francesa Gojira? “Sí, me suenan”.

tu profesión, que también, sino con pequeños detalles del día a día. Por ejemplo, aguantarle la puerta a una persona mayor, o decir simplemente ‘gracias’. Son cosas que podría parecer que todo el mundo hace, pero en realidad no es así. Para mí son estas pequeñas acciones, que cuestan muy poco pero hacen la vida de los demás mucho más agradable, las que importan”. Cuéntame, ¿cómo es el proceso de unir tus letras con la

música de los demás miembros? ¿Cómo lo articuláis? “Antes de empezar con un disco y de que me ponga con las letras, siempre les pido que manden cuatro o cinco canciones. Me ayuda a tener una idea un poco general de hacia dónde irá el álbum, y a partir de ahí, intento ver en cuáles puedo expresar mejor lo que quiero. Yo también les cuento un poco cuál es mi idea, o de lo que quiero hablar, así que nos influimos mutuamente pero no de una manera explícita. En

Su último álbum Magma también trata sobre la muerte de la madre de los dos hermanos del grupo. “Oh, vaya. Lo escucharé”. Es curioso que una banda de metal como ellos y una de hardcore como vosotros hayáis publicado dos discos con una temática parecida... No es habitual que los grupos de música, digamos agresiva, tiendan a hablar de asuntos tan íntimos o familiares, a menos que hayan sufrido abusos o experiencias traumáticas. Vuestra perspectiva

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es mucho más natural, más humana... “Mis discos favoritos siempre han sido los que han conectado conmigo a ese nivel. Yo crecí escuchando metal, me encantaban Sepultura, Metallica o Slayer... pero lo que me hizo interesarme por el indie rock o el folk es que descubrí canciones hermosas con las que podía identificarme a un nivel muy íntimo. En la música agresiva tienes la rabia, la furia y la pasión, y si a eso le añades un trasfondo personal, creo que es la combinación perfecta. Es catártico, lo tienes todo en uno. Muchas de mis bandas favoritas de hardcore como American Nightmare o Modern Life Is War hablan de cosas muy personales”. Uno de los aspectos más interesantes del álbum es cómo te preguntas el pasado de tu madre. Supongo que es un signo de madurez ver a tus padres como personas normales, con sus miedos, defectos, sueños y frustraciones, y no como las figuras idealizadas que ves cuando eres un niño. “Desde luego es un signo de madurez, pero cuando lo descubres da bastante miedo. Gran parte de hacerse mayor consiste en entender y aceptar tal como son las personas con las que creciste. Descubrir los errores y tropiezos que cometieron tus padres, y que creías incapaces de cometer, es importante porque tienen mucho que ver con tu propio desarrollo y con el proceso de aprender sobre ti mismo y el mundo que te rodea. Por eso creo que es importan-

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te hacer preguntas a tus padres, que te expliquen realmente cómo son, antes de que sea demasiado tarde y te quedes sin respuestas. Si logro inspirar a que la gente haga eso, me daré por muy satisfecho”. Habéis vuelto a grabar con Brad Wood. ¿Cómo ha cambiado vuestra relación comparado con cuando hicisteis Is Survived By? “Quedamos muy contentos con su trabajo, pero cuando hicimos el disco anterior, no nos conocíamos de nada. Nos gustaban los discos que había hecho, pero no éramos amigos. En cambio ahora es un colega más. Podemos hacernos bromas y todo es mucho más relajado. Hay más confianza y sabemos que existe un respeto mutuo, por lo que si a alguien no le gustaba algo, podíamos decirlo sin problema. Quizás en el trabajo anterior todos estábamos más cohibidos. Es como cualquier relación. Pero quisimos volver a él porque sabíamos que podíamos llegar más lejos que si hubiéramos vuelto a empezar de cero con un productor nuevo. Además Brad fue un muy buen amigo cuando perdí a mi madre, así que entendía muy bien de dónde había surgido el nuevo material”. El vídeo de ‘Palm Dreams’ es un homenaje a Mulholland Drive de David Lynch. ¿Es tu película favorita suya? “Para serte sincero, fue idea del director. Le gusta mucho David Lynch y a nosotros también es un director que nos gusta, así que le dimos rienda suelta para que hiciese lo que

quisiera. Me gusta Mulholland Drive, pero no sé si es mi favorita. De todos modos, cuando vimos el resultado final del vídeo nos gustó”. ¿Disfrutas haciendo vídeos y otras cosas que no son estrictamente musicales? “No (risas). Me siento bastante incómodo delante de una cámara fingiendo que soy yo mismo. No me gusta ni hacer vídeos, ni sesiones de fotos, pero supongo que es un mal necesario cuando estás en un grupo. Dicho esto, me gustó hacer el vídeo de ‘Skyscraper’. Fue una idea mía en la que colaboré con el director. Se hizo todo en una toma y es una historia muy personal, así que no me sentí como si estuviera haciendo un vídeo musical, sino más un proyecto artístico. Lo que más nos gusta de estar en el grupo es hacer música y tocar en directo. Podría vivir sin todo el resto (risas)”. Supongo que mucha gente asume que, porque seas músico o cantante, también tienes que ser un buen actor o un buen modelo... “(Risas) Exacto. Pero nosotros seguimos siendo sólo cinco tipos raritos de Los Ángeles (risas)”. ¿Cómo fue la transición de Deathwish a Epitaph? ¿Qué motivó el cambio? “Fue una transición muy fácil. En Epitaph trabaja mucha gente que son fans de Touché desde hace muchos años y que han venido a vernos muchas veces, así que ya les conocíamos. Sabíamos que nos sentiríamos muy cómodos trabajando


“EN LA MÚSICA AGRESIVA TIENES LA RABIA, LA FURIA Y LA PASIÓN, Y SI A ESO LE AÑADES UN TRASFONDO PERSONAL, CREO QUE ES LA COMBINACIÓN PERFECTA. ES CATÁRTICO, LO TIENES TODO EN UNO” JEREMY BOLM

con este equipo. Después dos discos y un montón de EPs con Deathwish, nos apetecía probar algo nuevo. Además, las oficinas de Epitaph están como a una milla de donde vivimos, así que eso también ayuda porque no estás tratando con alguien que está al otro lado del país. No es que sea imprescindible, porque tampoco es que estemos todo el día en sus oficinas, pero está bien saber que si necesitamos algo podemos ir allí. En cuanto a Deathwish, personalmente tengo una relación muy estrecha con ellos. No hubo ningún mal rollo, todo está bien. El mismo Jacob Bannon, uno de los dueños de Deathwish, edita los discos de Converge, su grupo, con Epitaph, así que todo queda en familia. Y mi sello discográfico sigue estando en Deathwish, así que sigo trabajando

con ellos constantemente. Nos apoyamos mutuamente”. ¿Has tenido ya ‘la charla’ con Brett Gurewitz? Muchos grupos hablan de él como un mentor. “(Risas) Cuando le conocimos nos sentamos con él y hablamos, claro. Es un tío muy dulce y nos apoya muchísimo. La semana pasada hicimos una exposición aquí en Los Ángeles con todas las fotos y piezas originales del diseño del disco, y Brett vino y compró un par. Fue todo un detalle”. El año pasado también fuisteis noticia porque habíais fichado por Roc Nation, la empresa de management de Jay Z. ¿Cómo ocurrió?

“Para ser totalmente transparente con la situación, lo que pasó es que nuestro maravilloso mánager recibió una oferta de esa empresa, y se nos llevó con él. Así que simplemente tuvimos la suerte de tener a un mánager que ahora trabaja para Roc Nation, pero no es como alguna gente asume, que Jay Z anda buscando grupos de punk y hardcore... Aunque es divertido que la gente piense que fue Jay Z quien nos fichó, así que dejamos que lo crean (risas)”. Pero todavía no habéis salido de fiesta con Jay Z... “No, ni siquiera le hemos conocido (risas)”.

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DISCO DEL MES

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Revolution Radio (WARNER) ROCK

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pesar de su imagen de eternos adolescentes, los tres componentes de Green Day ya son unos respetables cuarentones. Han vivido tanto que hasta han podido disfrutar de un éxito masivo... ¡Dos veces! Primero en 1994 con Dookie, y una década más tarde con American Idiot, el trío de Oakland se posicionó como una de las mayores bandas del planeta. Pero como cualquier artista que haya tenido una carrera longeva, Green Day tampoco se han escapado de pasar por algunos momentos bajos; aunque ahora cueste creerlo, en la gira del semi acústico e incomprendido Warning actuaron en una sala de apenas mil personas en Barcelona. De igual manera,

GREEN DAY

la edición en 2012 de tres discos correlativos, ¡Uno!, ¡Dos! y ¡Tré!, también fue un proyecto tan ambicioso como suicida a nivel comercial. Lanzar tanto material de golpe no fue una buena idea y resultó confuso, incluso, para sus fans. Para rematarlo, su publicación coincidió con una grave crisis personal de Billie Joe Armstrong derivada de sus problemas de adicción. El cantante y guitarrista tuvo que ser ingresado en un centro de rehabilitación y se cancelaron todos sus conciertos hasta nuevo aviso. Armstrong se recuperó, y como pudimos comprobar en su triunfal actuación el Bilbao BBK Live al año siguiente, la banda volvió a un gran nivel. Parecía el momento ideal para que regresaran lo antes posible al

estudio e intentaran relanzar, una vez más, su carrera, pero desgraciadamente el grupo tuvo que enfrentarse a nuevos problemas médicos. Tanto la esposa del bajista Mike Dirnt, como Jason White, su guitarrista en directo y cuarto miembro no oficial, padecieron cáncer y todos sus planes se pusieron en stand by. No fue hasta finales de 2015, con ambos recuperados, que el trío pudo concentrarse en su próximo disco. Grabado en su propio estudio por ellos mismos y sin que ni siquiera su propia discográfica tuviera noticia de ello, Revolution Radio es su primer álbum en 15 años sin un gran concepto detrás ni fanfarria extra; son simplemente doce nuevas


canciones y punto. En cierta manera es un alivio y, a priori, ayuda a enfrentarse a él con más ganas. Dicho esto, esperar que Green Day grabaran otro Dookie o Insomniac hubiera sido demasiado bonito, y eso queda claro desde que suena el primer tema. ‘Somewhere Now’ arranca como una balada con sólo la voz de Billie y una guitarra que, de pronto, se convierte en una pieza con arrebatos guitarreros a lo The Who parecidos a los que hicieron en 21st Century Breakdown, un álbum con el que éste guarda bastantes similitudes. A continuación llega ‘Bang Bang’, lo más cañero del álbum, en el que Armstrong

The Wall’, un tema de puro power pop ideal para hacer palmas, al igual que un poco después ‘Youngblood’, dedicada a la esposa de Armstrong. Entre medio encontramos ‘Still Breathing’, el que apunta a ser el hitazo de este disco. Un tema que podrían haber facturado Foo Fighters con un estribillo realmente adictivo, aunque, la verdad, no hacía falta que lo repitieran tantas veces. ‘Troubled Times’ pasa sin pena ni gloria y ‘Forever Now’ nos devuelve a esos Green Day fans de las óperas rock con un tema de 7 minutos en el que entrelazan algunas buenas melodías, recuperando en su parte final la de la inicial

“ESPERAR QUE GREEN DAY GRABARAN OTRO DOOKIE O INSOMNIAC HUBIERA SIDO DEMASIADO BONITO” se mete en la mente de uno de esos psicópatas armados que provocan matanzas en Estados Unidos. Atención a lo que hace Tré Cool a la batería justo antes del último estribillo. ¡Me flipa! El tercer corte, ‘Revolution Radio’, inspirado por las protestas contra el racismo policial, es quizá el tema con un estribillo más genuinamente Green Day, junto a ‘Too Dumb To Die’, con esa gran frase “Give me cherry bombs and gasoline!”. La cosa baja un poco con ‘Say Goodbye’ y su melodía sesentera y ‘Outlaws’, una balada guitarrera demasiado previsible, pero la diversión vuelve con ‘Bouncing Off

‘Somewhere Now’. Está bien, pero a estas alturas tampoco sorprende. El telón se baja con ‘Ordinary World’, una bonita balada acústica al estilo de ‘Good Riddance (Time Of Your Life)’ que también es el tema central de la película del mismo título que protagoniza Armstrong. Revolution Radio es un buen disco -aunque me siguen molestando algunos efectos de voz y de producción innecesarios cuya única función es hacerlos sonar ‘modernos’-, pero constata que aquellos Green Day más punk, frescos e irreverentes se fueron para no volver. Cuanto antes lo aceptemos, mejor. JORDI MEYA


FAITH NO MORE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Mike Patton (voz), Billy Gould (bajo),

Roddy Bottum (teclados), Mike Bordin (batería), Jon Hudson (guitarra) PRODUCIDO POR: Andy Wallace (KFAD...),

Roli Mosimann y Billy Gould (AOTY) AFINES A: Mr. Bungle, Primus, System Of A Down PÁGINA WEB: www.fnm.com


S

King For A Day... Album Of The Year (SLASH/RHINO) METAL ALTERNATIVO, ROCK EXPERIMENTAL

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i bien 2015 fue el año de Faith No More, en éste la banda se encuentra prácticamente inactiva, por lo que nos tendremos que conformar con las reediciones de los dos últimos discos antes de su separación. Hablar sobre King For A Day... Fool For A Lifetime siempre está sujeto a entablar una discusión, puesto que unos lo perciben como el principio del fin de Faith No More, marcado además por la ausencia de Jim Martin, y sin embargo para otros éste fue el álbum a través del cual accedieron al grupo. Un disco notable que deja clara su decisión de dejar atrás una etapa, y que con temas como ‘Ricochet’, ‘The Gentle

Art Of Making Enemies’ o ‘Evidence’ dan cuenta de la amalgama compositiva en la que se encontraban. Como siempre, dentro de las reediciones lo interesante está en los extras, y éstos merecen la pena. Desde una pequeña entrevista a la banda, en la que se repasa su discografía y que resulta bastante interesante, a versiones de GG Allin, ‘I Wanna F**k Myself’, o la genial ‘I Started A Joke’ de los Bee Gees, que se publicaron como distintas caras B de ‘Ricochet’. Curiosas versiones en español y portugués de la sensual ‘Evidence’ y, cómo no, dos de los grandes singles del disco, ‘Digging The Grave’ y ‘The Gentle Art Of Making

Enemies’ en directo. En palabras de Roddy Bottum, Album Of The Year fue un disco en el que trataron de volver a sus orígenes en un sentido técnico, pues se responsabilizaron de la producción. Un disco un tanto melancólico, atmosférico en momentos como ‘Stripsearch’, más oscuro y tal vez más disperso, que aun así cuenta con maravillas como ‘Last Cup Of Sorrow’ y ‘Ashes To Ashes’. A diferencia de las otras reediciones, los extras, que constan de material que acompañaba a los singles, remezclas y algún tema en directo, como curiosidad no están mal, pero no aportan nada excepcional. TOI BROWNSTONE

HABLAMOS CON... RODDY BOTTUM King For A Day... es un disco en el que no estuviste demasiado involucrado. ¿Cómo te sentiste al escuchar el resultado final? “Fue un capítulo necesario para el grupo y un tiempo muy extraño para mí. Nuestras vidas tomaron giros inesperados e inevitables. No me siento demasiado conectado a ese disco. Cuando lo escuché hubo cosas que me sorprendieron y otras que me parecieron extrañas. Pero la gente del grupo son algunos de mis mejores amigos, así que siento aprecio por lo que hicieron y, al fin y al cabo, sigue siendo un disco de Faith No More”. Fue vuestro primer disco sin Jim Martin. ¿Os costó adaptaros a tener a un nuevo guitarrista, Trey Spruance? “Trey tiene mucho talento y fue muy fácil

trabajar con él. Lo difícil fue romper los hábitos a los que estábamos acostumbrados. Aunque Jim Martin era alguien difícil, nos habíamos habituado a trabajar de esa manera. A veces es más difícil crear con alguien que te dice sí a todo que con alguien que es contrario a todo. Para nosotros era normal discutir y romper cosas y, de repente, nos encontramos con alguien que estaba de acuerdo en todo”. Al final Trey estuvo poco tiempo en el grupo y la gira la hizo Dean Menta. ¿Qué pasó? “Lo principal fue que no quería girar. Para nosotros fue un shock porque dábamos por entendido que si entraba en el grupo no era sólo para grabar discos. Pero nos dijo que tenía sus motivos personales, aunque nunca nos los contó. Así que tuvimos que buscar a otro”.

Pero para Album Of The Year fichasteis a Jon Hudson. “Dean era muy bueno recreando partes ya creadas, pero para componer se necesita a alguien especial. Nos quedó claro después de la gira de King For A Day... que Dean no era la persona. Jon era más un compositor y entendía nuestro sonido”. Album Of The Year fue vuestro último disco antes de separaros. ¿Sabías que iba a serlo? “En realidad no. Teníamos un contrato por el que teníamos que hacer un disco más después de ése. Y quizá hubiera tenido sentido hacerlo porque hubiéramos ganado más dinero, pero llegamos a un punto en el que todos estábamos hartos de lo que estábamos haciendo y queríamos hacer otras cosas”. (JORDI MEYA)

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VIVA BELGRADO Ulises (ALOUD MUSIC/VARIOS SELLOS)

POST HARDCORE

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S

eguro que los hay, pero pese a ser un referente de la literatura del siglo XX, todavía no conozco a nadie que haya sido capaz de terminar el Ulises de James Joyce una vez empezado. Será un clásico, pero es un tostón. Es un peligro que el Ulises de Viva Belgrado no corre. Desde que arranca con las explosivas ‘Calathea’y ‘Pleidades/ Pasaportes’, su segundo álbum te atrapa y no te suelta hasta que termina con una joya como ‘Ravenala’. Puede que su contenido sea emocionalmente denso, pero, en comparación a su debut Flores, Carne, las letras son

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más literales, algo que ayuda a una mayor conexión, y musicalmente es también más luminoso, con ecos de Envy, La Dispute o Toundra, y una producción brillante de Santi Garcia. Cándido Gálvez, con su particular estilo recitado y arrebatos gritados, nos hace de guía en este viaje, tan geográfico como sentimental, vivido en los dos últimos años, mientras las guitarras de Pedro Ruiz ponen los acentos, las comas y los puntos con una expresividad magistral. Aunque puedan repelerles términos como ‘popularidad’ o ‘comercialidad’ o todo lo que huela a industria, los cordobeses no se han privado de hacer un trabajo más accesible, simplemente porque les ha salido así. Una señal de madurez con la que Viva Belgrado han creado una obra que es prosa y poesía al mismo tiempo y que te agita al corazón. Su post hardcore, especialmente cuando se ponen más duros, no está hecho para todos los oídos, pero estoy convencido de que Ulises les va a llevar muy lejos. Incluso más de lo que les gustaría. JORDI MEYA

ADAY TO REMEMBER

Bad Vibrations (EPITAPH)

HARDCORE, PUNK POP

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A

Day To Remember siempre han presumido de ser una banda con un pie en el hardcore y otro en el punk pop, pero en sus últimos discos parecía que la balanza se había decantado del lado más melódico y accesible de su música, hasta el punto que pareciese que metían algún breakdown para que no se dijese que se habían vendido totalmente. Con lo bien que les ha ido comercialmente, hubiese sido hasta normal que siguiesen por ese camino. Por eso, el simple hecho de que en su sexto disco se hayan atrevido a poner la marcha atrás merece ser

valorado positivamente. Los dos primeros temas, ‘Bad Vibrations’ con un aire semejante a sus amigos The Ghost Inside, y ‘Paranoia’, capaz de generar un cicrcle pit en apenas segundos y un estribillo de lo más pegadizo, ya nos dejan claras sus intenciones de ofrecer algo con más punch. Y si bien ‘Naivety’ es skate punk, con un coro muy Millencolin, en ‘Exposed’, nos encontramos a un Jeremy McKinnon cantando en su registro más duro y unas guitarras con influencias djent. Y así va discurriendo el resto del álbum, con temas tirando a metaleros como ‘Reassemble’ con otros de puro punk pop (‘We Got This’, ‘Same About You’) y algunos donde combinan a la vez ambas facetas: ‘Bullfight’ y ‘Justified’ podrían parecer bastante poperas de entrada, pero la primera tiene un puente de puro viking metal, y la segunda un breakdown que hará saltar los sismógrafos. En definitiva, un álbum bien equilibrado, lleno de buenas canciones y que debería reenganchar a quienes se habían olvidado de ellos desde Homesick. DAVID GARCELL


LA SELECCIÓN

JARDÍN DE LA CROIX Circadia

(ALOUD MUSIC/LAR GRAVACIÓNS)

ROCK PROGRESIVO INSTRUMENTAL

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L

a asociación entre Jardín De La Croix y el sello Aloud era casi inevitable: los madrileños llevan desde 2006 perfeccionando el arte del rock instrumental; y el sello barcelonés es uno de los que más dedicación le ha puesto en hacer llegar este estilo al público de nuestro país. La labor de ambos no ha caído en saco roto, y Circadia, su cuarto trabajo, y con el que debutan en Aloud, parece llegar en el momento propenso para que su propuesta tenga más aceptación. Si bien la complejidad siempre ha acompañado las composiciones del cuarteto, con el tiempo han ido ganando en melodía y ahora mismo destacan por saber crear pequeñas sinfonías cósmicas en las que siempre hay un hilo de luz al que poder seguir. Teniendo en cuenta lo imprevisibles que son sus temas - sabes cómo empiezan pero nunca cómo acabarán- se agradece encontrarte con líneas de guitarra o teclados que te atrapan sin que

apenas te des cuenta. Son precisamente los teclados de Ander Carballo los que han ido adquiriendo un mayor protagonismo y aquí llevan la voz cantante desde el primer tema ‘Seventeen Years To Hatch An Invasion’, aunque sería injusto destacar a nadie porque todas las piezas son imprescindibles. Tanto Pablo Rodríguez a la guitarra, Nacho Hernández al bajo como Isarel Arias a la batería vuelan a gran altura y se deslizan cómodamente entre el progresivo clásico y el post rock en temas como ‘Green Architect’ o ‘Trail From Alaska’. Y puede su faceta más metálica haya perdido presencia, pero como demuestran en la parte central de ‘Intermareals’ cuando se ponen, se ponen. JORDI MEYA


C

AGAINST ME!

Shape Shift With Me (TOTAL TREBLE/XTRA MILE)

PUNK ROCK

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on Laura Jane Grace convertida en un icono de la lucha por los derechos de los transexuales podría parecer que Against Me! habían quedado en un segundo plano. Pero aquí está el séptimo álbum de la banda para recordarnos que, aunque en muchas de sus apariciones públicas apenas se hable de música, ésta sigue siendo el mejor vehículo para expresar sus ideas. Después de años de bastante inestabilidad interna en la formación, Laura Jane por fin está respaldada por unos compañeros tan eficientes como fieles y, según ella misma ha comentado, eso se ha notado en una mayor colaboración en el proceso de composición. Sus vivencias y observaciones siguen marcando el tono crudo de las letras, en este caso haciendo especial

C

JIMMY EAT WORLD Integrity Blues (RCA/SONY)

POP ROCK

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omentaba Jim Adkins que el año sabático que realizaron Jimmy Eat World en 2015 fue la mejor decisión que podían haber tomado. Seguramente aquello le hizo ver con cierta perspectiva que la banda de Arizona debía salirse un poco de la zona de confort en la que se habían asentado en sus últimos trabajos. Y si bien Integrity Blues no es un álbum rupturista por completo o que vaya a marcar un antes y un después en su carrera, sí que ofrece elementos ligeramente novedosos con los que refrescar su propuesta. La inicial ‘You With Me’ nos da ciertas pistas. Se abre

hincapié en las relaciones amorosas desde su nueva condición, pero musicalmente nos encontramos a un grupo con más ganas de jugar que en el anterior Transgender Dysphoria Blues. ‘ProVision L-3’, un alegato contra la política de vigilancia sobre los ciudadanos, es un pepinazo punk rockero, ‘Delicate, Petite & Other Things I’ll Never Be’ es un medio tiempo sustentando sobre un ritmo bailable; ‘Crash’ nos presenta un rock’n’roll con toques

glam, mientras que ‘Haunting, Haunted, Haunts’ tiene esa cadencia más punk folk de sus inicios, y ’12:03’ o ‘333’ tiran por caminos más melódicos de New Wave o White Crosses. Cualquiera que haya seguido al grupo disfrutará de esta mayor variedad, pero el que Laura Jane pueda escribir desde una perspectiva distinta a la de cualquier otra banda de punk rock sigue siendo, hoy por hoy, su mayor ventaja.

de manera sosegada, con las guitarras y la batería ganando más espacio y sin ser tan obvias, pero con un estribillo que les hace reconocibles de inmediato. Por esa senda, aunque de manera más inmediata, estarían el acertado single ‘Sure And Certain’ o la adictiva ‘Through’. Pero es ‘Pass The Baby’ la que terminará cogiendo por sorpresa a todo el mundo gracias al oscuro ritmo electrónico con el que se abre, dando paso a un sugerente puente instrumental y culminando con un poderosísimo riff. ‘Get Right’, muy en la onda de Futures,

continúa con el pulso rockero hasta que aparece la balada acústica rompecorazones ‘The End Is Beatiuful’, que es 100% marca de la casa. En ‘Integrity Blues’ Adkins se atreve con un tema orquestal a capela antes de que cierren con la épica ‘Pol Roger’. En definitiva, un trabajo valiente por momentos y muy necesario a estas alturas para darle nueva vida a unos Jimmy Eat World que empezaban a mostrarse excesivamente conservadores. Confiemos en que esta vez se animen a presentarlo como se merece por nuestro país.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA


ALTER BRIDGE The Last Hero (NAPALM)

HARD ROCK

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A

lter Bridge lo tenían difícil para superar su anterior Fortress, un disco que finalmente les había dado un sonido propio, mas allá de su pasado en otras formaciones (Creed) o su presente en diferentes proyectos bajo la sombra de otros músicos (principalmente Myles Kennedy con Slash). Lo que pasa es que, en su quinto álbum, la tarea de una banda ya no es tanto superar su anterior entrega, sino simplemente mantener el nivel. Eso es lo que hacen Alter Bridge en The Last Hero, manteniendo todos los elementos reconocibles de la banda pero ahora bajo un

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discurso social que apunta no sólo hacia los líderes mundiales y el calentamiento global, sino también hacia ese sentimiento de unidad y quizás patriotismo tan característico de su tierra natal. Si en lo lírico puede ser un arma de doble filo, en lo meramente musical no se andan con tonterías: el duelo de guitarras entre Kennedy y Mark Tremonti sigue feroz y rampante, con la sección rítmica de Brian Marshall en el bajo y Scott Phillips a la batería siguiéndoles por detrás (incluso en la mezcla). Estribillos accesibles y melodías pegadizas bajo el manto de una poderosa maquinaria instrumental complicada pero reconocible. Alter Bridge sigue sabiendo equilibrar muy bien las dinámicas para no sonar repetitivos, con temas como ‘Poison In Your Veins’ que nos trasladan hasta su disco debut y el momento más coherente en cuanto a innovación creativa. The Last Hero queda quizás detrás de Fortress, pero por el simple hecho de no distanciarse demasiado en estos tres años que separan disco y disco. JORGE FRETES

GHOST

Popestar (SPINEFARM)

ROCK

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ue Ghost se encuentran en un momento dulce es una obviedad. Sus fans no paran de crecer día a día y la fascinación que generan estos músicos ya no tan anónimos (recientemente se ha desvelado que la exbajista de White Zombie, Sean Yseult, se ha incorporado a la banda en su actual gira americana) va a más en todo el mundo. Como ya hicieron entre sus dos álbumes anteriores, los suecos han publicado un EP para saciar la sed de quienes ya tienen gastado su último trabajo Meliora. Al igual que en ese también recomendable If You Have Ghost de 2013, las versiones vuelven a

ser las protagonistas. En Popestar encontramos a Ghost acudiendo a bandas como Echo & The Bunnymen (‘Nocturnal Me’), Simian Mobile Disco (‘I Believe’), Eurythmics (‘Missionary Man’) e Imperiet (‘Bible’). Como siempre sus elecciones son peculiares y parecen más guiadas por los títulos de connotaciones religiosas afines a su imaginería que por motivos musicales, pero eso, si cabe, le añade un interés extra. Recomiendo escuchar los temas originales, en especial si no los conoces como era mi caso con el de Imperiet, grupo de post punk sueco que no había oído en mi vida, para valorar de verdad su capacidad para llevar a su terreno composiciones ajenas. Como guinda tenemos una canción propia inédita, ‘Square Hammer’, que es un auténtico hitazo con un estribillo AOR que se te quedará pegado en la cabeza. Si esto es una indicación de por dónde piensa tirar la banda en el futuro, nos esperan grandes sorpresas. JORDI MEYA


TAKING BACK SUNDAY Tidal Wave (HOPELESS)

ROCK

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ocos grupos han pasado por tantos altibajos como Taking Back Sunday. Su carrera es prácticamente un manual de todo lo que NO hay que hacer, pero a pesar de ello el grupo de Long Island ha ido tirando adelante, y aunque tienen discos mejores (Louder Now) y peores (New Again), siempre han sido capaces de firmar algunas canciones de mérito. Su séptimo trabajo, tercero desde que se reuniera la formación original en 2010, no es una excepción y, es más, lo situaría por encima de su media. Tidal Wave venía precedido por comentarios

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de que estilísticamente iban a acercase al americana con influencias de Tom Petty y Ryan Adams, pero a la hora de la verdad, aunque hay algunos dejes sutiles, esto sigue sonando a Taking Back Sunday. La primera mitad del álbum es realmente impecable, con un temazo detrás de otro. ‘Death Wolf’ es un fogonazo de energía con un estribillo muy reconocible, la punkarra ‘Tidal Wave’ suena como si The Clash hubieran nacido en Estados Unidos, ‘You Can’t Look Back’ casa un pegadizo beat de los primeros Heartbreakers de Tom Petty con un final más épico, ‘Fences’ es una pequeña maravilla pop y en ‘All Excess’ aparece esa interacción vocal entre Adam Lazzara y el vocalista John Nolan que tanto nos gusta. La balada intimista ‘I Felt It Too’ marca un punto de inflexión y la segunda parte del disco resulta menos memorable, con abundancia de medio tiempos, pero aun así depara momentos agradables como ‘We Don’t Go In There’. JORDI MEYA

SABATON

The Last Stand (NUCLEAR BLAST)

HEAVY METAL, POWER METAL

50

N

adie hubiera imaginado jamás que Sabaton se convertirían algún día en esa banda que ocupará el lugar de las leyendas del heavy en los estadios. Ahora bien, una cosa es esa enorme popularidad que no para de crecer, y otra muy diferente la calidad de sus álbumes actuales… De hecho, debo reconocer que mi primera reacción ante The Last Stand fue la risa incontenible. No me podía creer que hubieran lanzado algo tan deficiente, aunque con sucesivas escuchas alguna cosita le rasqué. ‘Sparta’ rememora ese burdo derroche de testosterona ciclada que fue

300, pero si tienes paciencia encuentras la esencia del grupo. ‘Last Dying Breath’ no puede ser más previsible, y en ella ya chocamos con uno de los grandes errores de este trabajo: han compuesto pensando en el directo, pero se les ha ido la mano con los teclados y las orquestaciones, por lo que el resultado es muy cargante. ‘Blood Of Bannockburn’ es una porquería donde sólo faltan los Teletubbies saludando con la manita, y ‘Diary Of An Unknown Soldier’, una intro que descoloca. Por el contrario, ‘The Lost Battalion’, que empieza siendo una especie de versión borrega del ‘Blood Red Skies’ de Judas Priest, luego arranca algunos de los mejores momentos del plástico. ‘Rorke’s Drift’ es 100% Sabaton, nada que objetar, pero es también por ‘Winged Hussars’ y ‘Hill 3234’, con homenaje a ‘Creeping Death’ incluido, que este álbum aprueba por los pelos. Desde Attero Dominatus cada nueva obra suya ha sido un poco más mala, así que imagino que con el próximo disco ya alcanzaremos cotas infames. PAU NAVARRA


HELLIONS

Opera Oblivia (UNFD)

POPCORE

78

E

n 2014 los protagonistas de esta reseña debutaban con Die Young, y sólo un año después publicaban Indian Summer. Ahora, estos jóvenes australianos lanzan Opera Oblivia, su primera ópera rock. Casi nada. Estos Hellions son unos valientes, y quizás quieren correr demasiado, pero me quito el sombrero por el nivel y la originalidad del presente trabajo. Estructurado como una obra de teatro cargada de guitarras contundentes, Opera Oblivia arranca muy bien con el coro épico de ‘24’, algo así como la continuación de viejos

temas como ‘22’ y ‘23’, encargados de cerrar sus dos trabajos previos. La banda se despide en esta ocasión, cómo no, con ‘25’, un derroche de grandilocuencia, para cantar a pleno pulmón. Entre uno y otro, encontramos piezas súper efectivas, que no facilonas, como ‘Quality Of Life’, con una estrofa encabronada que deriva en un estribillo luminoso, y ‘Thresher’, la canción de amor del disco, un combinado de guitarras dulces y letras amargas. Salvando las distancias, los de Sydney han parido su particular Three Cheers For Sweet Revenge, el disco que encumbró a My Chemical Romance, pero con mucho de hardcore moderno y nada de emo. Y es que Opera Oblivia tiene poco de lamento y mucho de poderío, actitud positiva y celebración. Hellions son muy dados a incluir colaboraciones y este álbum no podía ser menos. Así, aquí participan miembros de bandas colegas como Northlane, Ocean Grove y Heroes For Hire. Una fiesta colectiva para una escena en pleno auge. LUIS BENAVIDES

CROBOT

Welcome To Fat City (NUCLEAR BLAST)

HARD ROCK, PSICODELIA

85

H

as visto a Crobot en directo? Si no has tenido la oportunidad, la próxima vez que se acerquen por aquí no te pierdas la increíble montaña rusa y el circo que montan estos tipos encima de un escenario. Es justamente lo que encontrábamos en su disco debut, y ahora tenían la difícil tarea de sobrevivir a las altas expectativas en su segunda ofrenda. Hay que decir que no se han distanciado mucho del hard rock setentero por el cual se hicieron un nombre al poco de formarse, pero han sabido aplicar los cambios necesarios para

no estrellarse antes de despegar. En este álbum quizás el cambio más notorio sea la aplicación de capas de psicodelia sobre su divertido groove rock, donde la guitarra de Bishop tiene más efectos (si cabe) y donde la voz de Brandon Yeagley se ha relajado algo sin perder fuelle. Estaba claro que no podían ir a tanta velocidad como en su debut, y sin perder la identidad han sabido crear una obra magnífica que suena gruesa, suena a festival de verano, y suena a pasárselo bien mientras la sección rítmica de los hermanos Jake (bajo) y Paul Figueroa (batería) sigue tan consistente como siempre. Canciones como ‘Plague Of The Mammoth’ o ‘Blood On The Snow’ siguen los patrones de estructura del blues que presentaban en su primer álbum, pero van poco a poco añadiendo su toque personal para distanciarse del resto de bandas de su liga. Muchos fallan al intentar retener la gloria de una ópera prima impactante, pero no es el caso de estas cuatro bestias venidas de Pennsylvania. JORGE FRETES

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SET IT OFF

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Cody Carson (voz, piano, guitarra), Dan Clermont

(guitarra), Zach DeWall (bajo), Max Danziger (batería) PRODUCIDO POR: Brandon Paddock, Erik Ron y Mike Green AFINES A: Mr. The Summer Set, Against The Current, All Time Low PÁGINA WEB: www.setitoffband.com


C

Upside Down (EQUAL VISION/RUDE) POP ROCK

50

ómo cambian los tiempos. Hace no tantos años hubiera sido impensable que una banda como Set It Off editara sus trabajos en un sello de hardcore como Equal Vision, actuaran en el Warped Tour o aparecieran en portadas de revistas, supuestamente, de rock. Pero aquí el que no corre vuela, y si los gustos de las nuevas generaciones tienden a ser cada vez más cercanos al pop, pues habrá que adaptarse. Desde que Fall Out Boy se reunieran en 2013 y volvieran a petarlo incorporando elementos del hip hop y el R&B a su sonido punk pop, un montón de bandas vieron un filón y decidieron

seguir sus pasos. La evolución de Set It Off ha sido fulgurante y en su tercer disco cuesta incluso pensar en ellos como un grupo surgido de esa misma escena. Ya avisaron en el anterior Duality y en éste todavía han ido más lejos a la hora de lanzarse a los brazos del mainstream. De hecho, Upside Down guarda bastantes paralelismos con el álbum en solitario que lanzó Patrick Stump durante el hiato de Fall Out Boy. Al igual que aquél, en muchos momentos parece que el principal objetivo del vocalista Cody Carson sea revivir el espíritu de Michael Jackson, como en ‘Uncontainable’, ‘Admit It’ o ‘Upside Down’, donde aparece una

simpática sección de vientos. Y me parece muy bien reivindicar a una de las mayores figuras del pop de los 80, pero no tanto que en otros temas como ‘Want’ o ‘Diamond Girl’ acaben sonando tan horteras como Billy Ocean o Lionel Richie. Reconozco que la bailonga ‘Tug Of War’ o la hip hopera ‘Hypnotized’ (muy rollo Eminem) me han animado a marcarme unos pasos, que el single ‘Something New’, escrita a medias con Alex de All Time Low, es pegadizo, pero en general todo me resulta demasiado empalagoso. Puestos a escuchar pop, me quedo de calle con Taylor Swift. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... CODY CARSON En este disco os habéis abierto a muchas influencias del pop, el hip hop, el R&B... ¿Queríais ampliar vuestro sonido? “No era que lo hubiéramos planteado de antemano, pero en nuestro primer álbum Cinematic tiramos por un rollo más orquestal y nos sonaba un poco forzado, así que en el siguiente Duality dejamos salir muchas otras influencias y en éste aún fuimos más lejos. Si queríamos hacer un tema que sonase a Michael Jackson y Tower Of Power, lo hacíamos; si queríamos otro que sonase a pop de los 90 y R&B, también, si queríamos rapear también lo probábamos. Si el resultado no nos gustaba, no lo usábamos, pero eso no nos frenó a probar nuevas cosas. Siempre me había gustado rapear e improvisar, ésta fue mi oportunidad de probarlo”.

Boy por haber abierto la escena al mundo del pop? “Todo el del mundo. Fall Out Boy fueron los pioneros. Cuando hicieron ese disco, Save Rock’N’Roll, es lo que trataban de decir. No se trataba de hacer un disco de rock, sino de decir que si las bandas de rock quieren sobrevivir tienen que tomar riesgos y salirse del esquema de guitarra, bajo y batería. Abrieron los ojos a mucha gente”. ¿Cómo te ha influido este nuevo sonido al hacer las letras? “Siempre voy a tener un poco de rabia, porque creo que es bueno sacarla (risas). Pero en este álbum he escrito muchas más canciones alegres simplemente porque estoy más feliz. Fue divertido escribir canciones más positivas, pero es difícil que no suenen como una chorrada. Fue un desafío”.

¿Qué crédito les das a Fall Out

Supongo que tienes motivos

para estar contento, pero ¿es tu vida tal como la imaginaste al empezar el grupo? “Como cualquier adolescente, pensaba que me comería el mundo desde el primer momento (risas). Pero debido a esa ambición resultó duro porque no teníamos a nadie que nos guiara. Si pudiera volver atrás posiblemente no hubiera editado nuestro primer EP grabado exclusivamente con Garageband, ni hubiera pedido a un amigo que me hiciera un logo y unas fotos gratis. Nuestras primeras giras nos las montamos nosotros. Pero éramos muy inexpertos y cometimos muchos errores. Realmente no empezamos a avanzar hasta que tuvimos un equipo detrás. Así que ha sido más duro de lo que pensaba, pero nunca hemos dejado de progresar”. (JORDI MEYA) 85


D

DOWSING Okay

(ASIAN MAN)

INDIE ROCK, EMO

79

owsing han sido encasillados en la onda emo de Modern Baseball, Tiny Moving Parts y You Blew It!. Y siendo de la ciudad de Chicago muchos han visto en estos prometedores muchachos el relevo a los grandes estandartes de la segunda ola emo, encabezada a principios de los 90 por los fugaces pero influyentes Cap’n Jazz y American Football, sin olvidar a los maestros The Promise Ring, siempre a un paso del indie mainstream. Como éstos últimos, Dowsing se han caracterizado por combinar con gracia el desgarro emo y la pegada del indie rock. En este nuevo largo, Okay, el primero para el sello californiano Asian Man Records, se desmarcan un poco sacando a relucir su lado más enérgico y aguerrido. También hay

P

NICK CAVE & THE BAD SEEDS Skeleton Tree

(BAD SEED LTD./POPSTOCK!)

ROCK

79

86

ocas cosas en esta vida deben ser peores que la tragedia de tener que enterrar a un hijo. En el caso de Nick Cave, cuando el año pasado se supo la noticia de que su hijo Arthur, de tan sólo 15 años, había fallecido tras caer desde un acantilado, todos supimos, y más en un artista que sabe como pocos traducir el dolor en forma de canciones, que acabaría afectando a su próximo material. A pesar del durísimo golpe, Cave ha conseguido sacar adelante un álbum que, por circunstancias obvias, debe ser analizado desde un ángulo distinto del

detalles, muchos, propios del llamado ‘emo revival’, empezando por unas letras intimistas pero irónicas (‘I’m Sorry, You’re Great’ y ‘Finally Ghost’, un tema 100% The Get Up Kids) y los gritos descarnados (en ‘Grunge For Life’ se dejan las gargantas), pero predomina una actitud más bien echada para adelante, más punk rock, en buena parte del disco (en ‘Wasted On Hate’ y ‘Feeling Better’ su cantante podría

pasar por un Chuck Ragan con veinte años menos). Así, no parecen muy preocupados por coger ningún relevo. Van por libre y juraría que no piensan ceñirse a los cánones de ningún movimiento revivalista, un concepto que seguramente sólo está en la cabeza de cuatro nostálgicos, críticos musicales y otros juntaletras. Etiquetas y géneros al margen, tienen madera. Y muy buena.

habitual. A ello sin duda ayudará el visionado de One More Time With Feeling, documental dirigido por Andrew Dominik, que no sólo aborda el proceso de composición de este Skeleton Tree, sino también los efectos de semejante pérdida en la familia de Nick, así como en el resto de componentes de los Bad Seeds. Nos encontramos ante una obra sobria e instrumentalmente minimalista hasta el extremo, siendo Warren Ellis, la mano derecha del australiano en estos últimos años, el que se encarga de poner el lienzo en forma de oscuros sintetizadores (sobrecogedora

la atmósfera lúgubre que consigue en ‘Jesus Alone’), con coros y arreglos de cuerda muy puntuales, para que así Cave pueda sentarse al piano y dejar sangrar sus heridas. No hay búsqueda de redención, simplemente el luto de un hombre que se encuentra desolado ante lo que se tiene que enfrentar. “Nothing really matters when the one you love is gone”, canta en ‘I Need You’ con su voz casi a punto de quebrarse. Puede que no sea el mejor de sus últimos álbumes, pero sin duda estamos ante un disco tan necesario como vital.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA


SPANISH TO UR 2016

31 DE OCTUBRE - MADRID (SALA CATS) 1 DE NOVIEMBRE - VALENCIA (SALA MOON) 2 DE NOVIEMBRE - BARCELONA (R AZZMATAZZ 2) A LA VENTA EN www.ENTRADIUM.COM

NUEVO ÁLBUM ‘MISADVENTURES’ A L A VENTA EL 13 DE MAYO EN FEA RLESS RECORDS


THIS WILD LIFE Low Tides (EPITAPH)

INDIE POP, EMO

75

A

estas alturas la historia de This Wild Life es ya bien conocida: dos baterías que dejan sus grupos de punk pop para formar un dúo acústico y que gracias a una versión de Bring Me The Horizon colgada en YouTube se convierten en un fenómeno viral. La cosa podría haber quedado en una simple anécdota, pero gracias al tesón de Kevin Jordan y Anthony Del Grosso y a su olfato para escribir buenas canciones su historia continúa. Low Tides es su segundo álbum después de la gran respuesta hacia su debut Clouded (2014), y

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como era de esperar, el dúo californiano ha decidido abrir un poco su abanico sonoro y ha incorporado una mayor variedad de efectos de guitarra, percusiones y otros recursos de estudio. El salto más significativo lo encontramos en ‘Falling Down’, el tema más expansivo que por su base y coros los acerca a esos grupos de indie mainstream que tanto triunfan ahora, léase Imagine Dragons o Bastille. Pese a ello, el núcleo siguen siendo unas letras confesionales sobre asuntos del corazón (estos chicos se merecen una cita en First Dates) y la susurrante voz de Jordan, consiguiendo un sentido de continuidad pese a los cambios. Más que por destacar en temas concretos (aunque ‘Hit The Reset’, ‘Pull Me Out’ o ‘Change My Sheets’ sobresalen), Low Tides triunfa por crear una atmósfera balsámica que te va ganando poco a poco y te sitúa en un oasis sonoro donde relajarte. Será interesante ver cómo se traslada todo esto en sus próximos conciertos por aquí. MARC LÓPEZ

THE PENNY COCKS

Fake Gold & Broken Teeth (BCORE)

PUNK ROCK

85

A

costumbrados como estamos a recibir notas de prensa rimbombantes, en las que parece que tenemos delante a los nuevos salvadores del rock o que nos hablan de mezclas de estilos imposibles que luego nada tienen que ver con la realidad, destaca sobremanera lo que The Penny Cocks dicen de ellos mismos en la presentación de este segundo álbum: “The Jam en lo melódico, Cockney Rejects en lo bruto y Stiff Little Fingers en el sonido”. Así es como se autodefine el cuarteto, y lo cierto es que, pese a que también destilan un delicioso

aroma a pub rock y al glam de la escuela Slade, pocas bandas saben definir con tan buena puntería a lo que se dedican. Fake Gold & Broken Teeth confirma de manera definitiva todo lo bueno que habían ido creando Penny Cocks en su primer álbum y en sus dos EPs previos, y es que, al fin y al cabo, algunas de las mejores canciones de este disco, como ‘C’mon Gypsy!’ o ‘I Need A Job’, ya las habíamos podido escuchar en los citados EPs. A grupos como Penny Cocks no hay que pedirles que reinventen la rueda. Ellos son buenos haciéndola girar y da gusto ver cómo saben hacer discos que podrían haber sido compuestos hace 30 años, pero dándole el toque contemporáneo necesario para que suenen bien hoy en día. Añadan a eso un gusto privilegiado para las versiones -parece que un clásico del folk inglés como ‘Battle Of Wine’ se creara para que un día la hiciesen suya-, y el resultado global es el tener una de las bandas más exquisitas que ahora mismo existen por aquí. RICHARD ROYUELA


27 DE OCTUBRE - MOBY DICK (MADRID) 28 DE OCTUBRE - EL SIELU (MANRESA) 29 DE OCTUBRE - RAZZMATAZZ 3 (BARCELONA) ENTRADAS A LA VENTA EN: WWW.COONCERT.COM


B

SCHAMMASCH Triangle (PROSTHETIC)

BLACK METAL

87

asta con abrir la boquita para cagarla. Si el pasado año Swallow The Sun se atrevieron con un triple álbum, una iniciativa que dudaba mucho que volviera a repetirse en un futuro próximo, pues van los suizos Schammasch y nos presentan ahora Triangle, otra obra morrocotuda de igual longitud. Lo suyo tiene más delito aún, pues ya su segundo trabajo fue doble… ¿A qué aspiran? ¿¡Qué harán cuando vayan por su octavo álbum!? Bien, no nos avancemos y centrémonos en este lanzamiento, que como imaginarán tiene mucho por ofrecer… Para empezar, debemos ensalzar el tremendo esfuerzo artístico y conceptual que hay detrás de esta obra, donde la geometría y el misticismo juegan un papel primordial, conjugando además perfectamente con el black metal chamanístico

B

KING MUD

Victory Motel Sessions (ALIVE NATURAL SOUND)

BLUES ROCK

70

90

ajo el apelativo de King Mud se esconden Freddy J IV, el pelirrojo barbudo de Left Hand Cruiser, y Van Campbell, el troglodita aporreador de tambores de los Black Diamond Heavies. Ambas bandas han llevado el blues a sus más cenagosas raíces y ahora dos de sus miembros (ayudados por el guitarrista de Radio Moscow, Parker Griggs) se unen en unas sesiones que duraron menos de una semana y donde registraron este disco con aroma a punk blues primigenio, de ése tan sucio y grasiento que parece estar registrado en una cabaña

de la banda. En efecto, su nuevo álbum es equilátero, y viendo la extraordinaria lista de músicos y estudios externos que han ayudado a llevar a cabo esta empresa, no debe de haber sido fácil alcanzar esa perfección. ¡Hasta han clavado la duración de cada CD con unos nada casuales 33 minutos y medio! Nos encontramos ante 16 canciones reales y sin relleno, y que por muy complicado que parezca, captan nuestra

atención de principio a fin. La primera parte, The Process Of Dying, incide en la vertiente más rápida y atmosférica de su black, mientras que Metaflesh ahonda en su vena más trascendental y vaporosa, aunque tampoco abandone del todo los blasts. Para terminar, The Supernal Clear Light Of The Void se lanza directamente al ambient y la música étnica. Lo de ‘Satori’ y ‘Metanoia’ roza lo divino.

perdida en los pantanos de Louisiana. En realidad, lo grabaron en un pequeño estudio de Glendale donde pasaban horas tocando para descansar tan sólo unos instantes en un motel cercano que ha dado nombre a la grabación. Esto es música real, sin artificios ni grandes producciones, casi que ni contaron con ingenieros; tan sólo dos músicos pasándoselo en grande tocando algo de música mientras ingerían buenas cantidades de cerveza y bourbon, y nada más. En temas como ‘Arthur’s Hooked’, ‘Rat Tune’, ‘Blood River’ o ‘Suzy’s Cookies’ están los espíritus de Muddy

Waters, Lightin’ Hopkins y John Lee Hooker, pero también la arrogancia punk de hacer justo lo que les da la gana, sin ningún tipo de presión ni por supuesto, la preocupación de tener la más mínima repercusión. Al parecer conforme pasaban los días se pasaban por allí amiguetes como Patrick French, que incluyó su armónica en alguna tonada o el bajista Jaxon Lee, y por lo que cuentan, aquello era una fiesta. Hubiera estado bien un DVD adicional para que nos hubieran hecho partícipes de lo que, seguro, fue una grabación realmente curiosa.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ


JOYCE MANOR Cody (EPITAPH)

INDIE ROCK, PUNK POP

80

H

ay bandas que, sin saber muy bien por qué, te caen simpáticas. Es el caso de los californianos Joyce Manor, quienes desde su primer álbum homónimo en 2011 me encandilaron por su naturalidad y brillantez a la hora de hacer canciones redondas que apenas sobrepasaban el minuto. Con el tiempo, la mayoría de sus temas han ido ganando en duración -de otra manera podrían haber caído en una caricatura de sí mismos-, pero siguen teniendo un ojo clínico para coger una idea de lo más simple y convertirla en una

pequeña joya. Cody, su cuarto álbum, nos presenta otra decena de viñetas sobre situaciones cotidianas (sentirse solo aun estando en un bar lleno de gente, darse cuenta de que la vida no es tan fácil como te habían contado, escribir una canción para una chica…) con estribillos tan ingeniosos como el de su primer single ‘Fake I.D.’, donde Barry Johnson canta “What do you think about Kanye West? I think that he’s great, I think he’s the best” y se queda tan ancho. La producción austera de Rob Schnapf (Elliot Smith, Guided By Voices) contribuye a resaltar ese aire de banda amateur que tanto encaja con su personalidad nerdie. Pero no te equivoques, porque no muchos grupos están capacitados para ofrecer lindezas como ‘Over Before It Began’, ‘Last You Heard Me’, ‘Eighteen’ o la acústica ‘Do You Really Want To Get Better’, donde condensan el espíritu melódico de Saves The Day, Weezer, Pavement o Smoking Popes. De momento, siguen sin cagarla. JORDI MEYA

CUERNO

Rec Comtal (DISCOS MACARRAS)

DOOM METAL

68

D

e una banda con peña de Tort y Lords Of Bukkake sólo puedes esperar doom metal, pero en su primer álbum tras cuatro demos, Cuerno lo exploran a través de un prisma algo distinto al de esas formaciones. Al menos en los dos cortes iniciales… Aunque obviamente nos encontramos ante dilatadas canciones a paso de tortuga, un manto de melancolía y tristeza cubre ese dúo, cuando no se tornan hasta bucólicos, como en el caso de ‘Adamea’. Así pues, la opresión máxima o la perforación ruidosa no son para nada su objetivo, cuidando un sonido de

guitarra muy bien logrado por Javi Félez en sus Moontower Studios. Como siempre, Michel se muestra como un claro dominador de este tipo de ritmos del inframundo, dando otra lección de soltura en unas baterías grabadas por David Trillo en los Top Music. Igualmente, ‘Caught’ ya aporta algo más de tortura a este trabajo, convulsionándose en la cama como un moribundo en sus últimas horas, aunque luego se arranque con algo más de ritmo y clasicismo en su segunda mitad. Para finalizar, y como dejábamos intuir, los casi cinco minutos de ‘Brain Decay’ sí explotan su vena más extrema y desesperada, contando incluso con Xavi Álvarez de Tort para que esparza miseria y perdición al micro. Aunque hayan ido yendo y viniendo desde que se fundaran en 2006, ya les vale a Cuerno entregar sólo tres canciones siendo éste su debut en largo… Con una más este disco habría ganado varios enteros. Cosas del doom barcelonés, supongo, y de fumar porros como si no hubiera un mañana. PAU NAVARRA

91


WOVEN HAND Star Treatment (SARGENT HOUSE)

ROCK, FOLK

78

F

iel a su cita bianual, el reverendo Dave Eugene Edwards regresa para ofrecernos un nuevo sermón, el octavo al frente de Woven Hand. En esta ocasión, parece que ha procurado canalizar la energía de sus dos anteriores entregas con el fin de aunarlas con la faceta más folk y la profundidad espiritual que siempre ha caracterizado su obra. Así pues encontraremos piezas contundentes como ‘Come Brave’, con la que Star Treatment se inicia con un ritmo trotón e insistente. Menos rotundas pero igual de incisivas se muestran ‘The

82 92

Hired Hand’ o una ‘Crystal Palace’ que serían los temas más accesibles que nos vamos a encontrar a lo largo del álbum. Porque a partir de aquí, Dave nos propone un viaje que va desde recuperar sus raíces más tradicionales en ‘Golden Blossoms’ y ‘Crook And Fail’, donde asoman unos interesantes arreglos de aroma oriental, hasta pasajes de corte envolvente y psicodélico en ‘Swaying Reed’, que te sumerge en un caluroso desierto imaginario. Por momentos incluso es capaz de unir ambas facetas, como en la bella ‘The Quiver’, con un minuto final que es pura tempestad, la amenazadora ‘Five By Five’, y sobre todo, el tótem que consigue construir en ‘All Your Waves’, una especie de canción-ritual de 8 minutos que acaba con un estruendoso final de guitarras arenosas. Aunque rebaja las pulsaciones respecto al tremendísimo Refractory Obdurate, estamos ante otra buena muestra de una de las mentes más peculiares e inquietas del panorama actual. GONZALO PUEBLA

PYLAR

PYEDRA (ALONE)

DOOM METAL EXPERIMENTAL

72

F

ue tal la conmoción que el pasado año me causó He Venydo A Reclamar My Trono que las primeras tomas de contacto con PYEDRA me dejaron frío. Con PYLAR veníamos de escuchar su EP La Gran Obra, publicado este mismo marzo, pero como es obvio hay que comparar este nuevo disco con su anterior largo. De inicio choca su propuesta algo más terrenal y mundana para ser ellos, seguramente lo demandaba la temática del álbum, pero aunque el doom siempre se había atisbado en sus rituales, quizá no tanto como los guitarrones que te saludan en

‘Menga’. Y de hecho, éstos ya no se van, gobernando con mano de hierro en una pulcra grabación realizada por el Maestro Alquímico en La Mina y un mastering a cargo de Mario G. Alberni. El citado tema inicial y ‘Megalitos’ transitan entre contradicciones, pues riffs más lentos que una lista de espera para transplantes de corazón quieren convertir las canciones en un mantra, pero las constantes invocaciones y fricciones con varios instrumentos van despertándote de ese trance. Así, ni entramos en una caverna impenetrable ni en una majadería a lo John Zorn, aunque siempre alucinemos con el batería Gamaheo, especialmente en ‘Menhir’. PYLAR consiguen volver a ser sinónimo de grandeza con ‘Meteoros’, un magma épico que crece y crece. Querida entidad telúrica, yo me recluiría un tiempo bajo las enseñanzas de la Diosa Madre, no sea que tanta prisa por publicar nuevo material queme demasiado pronto ese valioso maná que amenaza con convertiros en religión organizada. PAU NAVARRA


COLUMBUS

Spring Forever (UNFD)

PUNK POP

74

T

umbados en el césped, cogidos de la mano, bajo un bonito cielo estrellado. Y entonces cae el primer beso. Llega el amor, pero desaparece semanas después. Los jovencísimos Columbus no hace mucho que han pasado por esto y nos lo explican abiertamente en Spring Forever, un buen ejercicio de punk pop llorica y agridulce, un disco hecho por y para post adolescentes en plena fase de descubrimiento donde también se tocan temas como el aprendizaje y la muerte de seres queridos. Spring Forever es el primer

largo de unos australianos con ganas de hacerse escuchar lejos de la tierra de los canguros después de llamar la atención de la prensa especializada de su país con sus dos primeros EPs. Se dieron a conocer con un título explícito como Sad Songs And Sing-Alongs en 2013, y dos años después publicaron otro EP, Home Remedy. Producido por Jay Maas (Title Fight, State Champs, Polar Bear Club), Spring Forever está formado por doce canciones musicalmente sencillas, concebidas originalmente con la guitarra acústica de Alex Moses (aunque sólo ‘Nervous Wreck’, justo en el ecuador del disco, aparece en esa versión primeriza y desenchufada). Completan esta prometedora banda de Brisbane el batería Daniel Seymour y el bajista Ben Paynter, con permiso de Moses, auténticos responsables del músculo y el empuje de temas radicalmente melancólicos como la emotiva ‘Raindrop’, ‘Broken Glass’, ‘Replace Me’ y ‘Absent’, cuatro de los mejores cortes del disco. LUIS BENAVIDES

SPOON

Gimme Fiction (Deluxe Reissue) (MATADOR)

INDIE ROCK

80

L

as reediciones son una de las armas que todavía tienen las discográficas para intentar conseguir ventas de discos apuntando a una doble dirección: para los que no tengan ese disco en cuestión, es una buena oportunidad de conseguirlo con material extra. Y precisamente ese material extra es el señuelo para que los fans de la banda que en su día ya se compraron ese álbum, vuelvan a hacerlo. En el caso que nos ocupa, el décimo aniversario de Gimme Fiction era una buena excusa para reeditar

el quinto disco de Spoon. Para ello, Howie Weinberg remasterizó las grabaciones originales, se añadieron doce demos inéditas, otras nueve canciones extras para descargar digitalmente y un extenso e interesante libreto donde los miembros de la banda y personas de su entorno explican los entresijos de la grabación (algo siempre atractivo para los fans). Y en la edición en vinilo, se añade también un póster. Sea como sea, por mucho envoltorio que le pongas, lo importante es siempre el contenido. Y en este caso, Gimme Fiction iba sobrado de ese talento que tiene la banda de Austin. Ahí están esas canciones indie rock infalibles que Britt Daniel y los suyos llevan haciendo desde mediados de los 90. En ese caso hablamos de ‘The Two Sides Of Monsieur Valentine’, ‘Sister Jack’ (versionada al piano en el disco de demos) o ‘I Summon You’… Todas ellas tienen ese sabor clásico y directo que entra igual de bien hoy que diez años atrás. IGNASI TRAPERO 93


HIMURA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Luismi (batería), Edu (bajo), Natxo (guitarra),

Mario (voz) PRODUCIDO POR: Himura AFINES A: Nasum, Napalm Death, Looking For An Answer PÁGINA WEB: www.facebook.com/himuragrind

Foto: Nines Esteso


N

Exterminio (VARIOS SELLOS) GRINDCORE

75

i pastizales invertidos en estudios, ni hábiles metáforas para maquillar un poco su duro mensaje, ni ninguna distracción que les desvíe de su único cometido: cargar contra toda la apestosa mugre que nos asfixia día a día de la mano de toneladas de tralla. Himura son gente sencilla, a la que le gusta llamar a las cosas por su nombre, sin filigranas, y se mantienen fieles a ello durante todo este álbum. Empezando por su nombre, Exterminio, y pasando por títulos de canción que no dejan mucho lugar a la imagi-

nación, como ‘Traidor’, ‘Represión’, ‘Bioterror’, ‘Totalitario’ o ‘Lobotomía’, lo cierto es que las letras tampoco es que sean poesía barroca, que digamos. Escupidas con todo el odio del mundo desde la atroz garganta de Mario, vas a desear que las cosas vayan a mejor sólo para que los zaragozanos no tengan tantos motivos para aplastarte la cabeza con su grindcore. Cabe destacar que sus temas presentan matices, aunque todo se mueva entre ese pandemonio de graves y bronca, y por ejemplo ‘Hambre’ o ‘Autómatas’ cuentan con una breve intro antes

de que te caiga encima todo el peso de su furia, o ‘Juegos De Guerra’ y ‘Jaulas De Tortura’ saben bien cómo chafarte con guitarras obesas. De la misma forma, con la enfermiza ‘Bioterror’, ‘Ríos De Muerte’, ‘Deshonra’, ‘1312’, ‘Crudo’, ‘Trance’ y un largo etcétera, Himura demuestran que en cuestión de hostiazos van más que sobrados, siendo ésta su especialidad. Desde luego no estamos ante una producción apta para todos los públicos, pero quien disfrute del grind más metalizado se lo va a pasar teta con Exterminio. PAU NAVARRA

HABLAMOS CON... NATXO Y MARIO Veinte temas, 31 minutos. No sois un grupo al que le guste andarse por las ramas con florituras, la verdad. “Nos salen así, no nos gusta alargar por alargar. Incluso en ocasiones recortamos temas porque se nos hacen largos”. Para vosotros, ¿sólo hay un tipo de grindcore? Quiero decir, ¿sólo os interesa su clásica zurraspa y pasáis de experimentaciones y demás? “Para nada, tenemos muchas influencias death, hardcore, thrash… y de hecho, a los más puretas del género no les encaja nuestra música con lo que se considera grind. Nuestras canciones tienen muchos contrastes y partes más metaleras, y no sólo blast a saco”. Sin duda la producción es bastante agreste y austera... ¿Obedece a una filosofía DIY o ése era vuestro objetivo, lograr un sonido, digamos, tan a la

vieja usanza? “Si el sonido es crudo es porque lo que buscamos en todo momento es que el disco suene como lo hacemos nosotros, queremos que el que lo oiga tenga una referencia de lo que se va a encontrar si nos ve en directo. En cuanto a lo del DIY que decías, totalmente, lo hacemos todo nosotros con nuestros medios y con gente que comparte nuestra filosofía”. En los últimos años el punk y el core han perdido bastante de su espíritu contestatario. No pasa en el grindcore, pero sí en los demás estilos… Y si se es crítico, no es con saña o de forma violenta, musicalmente hablando. ¿Qué opináis sobre ello? “Sí y no. Siempre han estado las dos vertientes, aunque está claro que el hardcore en general se ha desviado mucho de ese espíritu. En cuanto al grind, hay muchos géneros que se

engloban en el estilo que realmente no tienen nada que ver con eso y ahí sí que echamos de menos esa actitud”. Sé que Mario es un vegano militante, pero ello no se traslada del todo a sus letras. Más bien cargan sin medias tintas contra el consumismo, el fanatismo y la inmoralidad de nuestro mundo actual. ¿Es ahí donde todos los del grupo confluís ideológicamente? “Al final las letras reflejan la filosofía de la banda, y tampoco es nuestro objetivo convertirnos en el estandarte del veganismo. Las letras hablan de cosas cotidianas que nos afectan a todos, especismo incluido”. Si tuvierais ante vosotros un botón rojo que al pulsarlo aniquilara a toda la humanidad, ¿qué haríais? “Pulsarlo dos veces por si la primera falla…”. (PAU NAVARRA)

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CHIXDIGGIT! 2012

(FAT WRECK)

PUNK POP

75

C

uesta pensar en dos bandas de planteamientos más antagónicos que Chixdiggit! y Rush, más allá de que ambas formaciones sean canadienses. No por ello no puede existir gente que sea fan de ambas bandas –un servidor sin ir más lejos-, y viendo el tributo que le han hecho en este nuevo trabajo –parodiando/homenajeando la portada de 2112- es probable que los propios Chixdiggit! sean fans del trío canadiense más famoso de la historia. Llevando el chiste todavía más lejos, 2012 se compone de una sola canción divida en varias partes justo como Rush

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hicieron en su mencionado álbum. Y hasta aquí las comparaciones. Todavía no ha llegado el momento en que la música de Rush haya influenciado al cuarteto de Calgary y lo que podemos encontrar en estos 24 minutos de música es puro punk pop, de ése que llevan facturando impecablemente desde hace ya unos cuantos años. Pese a que ‘2012’, la canción, es un tema de 24 minutos, ésta está claramente definida en 23 partes y cada una de ellas lleva el nombre de las paradas que hicieron durante su gira de 2012. Efectivamente, estamos ante un disco conceptual. Por fortuna aquí no tenemos a un pretencioso compositor intentando crear la obra de su vida, sino a una banda con ganas de pasarlo bien y explicar pequeñas historias de lo que es la vida en la carretera de una banda de punk rock. Un aplauso para bandas como Chixdiggit!, que siguen creando punk ultramelódico sin más pretensión que la de hacernos pasar un buen rato. RICHARD ROYUELA

SODOM

Decision Day (SPV/STEAMHAMMER)

THRASH METAL

62

N

o se puede negar que un tema como ‘In Retribution’ tiene la suficiente mala uva y pegada como para captarte al instante, pero ‘Rolling Thunder’, aunque para nada sea deficiente, transita por unos territorios no tan recomendables y deja algo de mal sabor de boca. ‘Decision Day’ es rápida, aunque no muy inspirada, y las buenas intenciones de la oscurilla ‘Caligula’ tampoco acaban de explotar, sobre todo por un estribillo de lo más hortera. ‘Who Is God?’ aporta algo de brío aunque no mata, pero por su parte el medio tiempo ‘Strange Lost

World’ parece dominado por un influjo apocalíptico bastante atractivo. Con un título que recuerda a sus tiempos más remotos, ‘Vaginal Born Evil’, Sodom empiezan a tomarle el pulso a este Decision Day, y desde luego ayuda que justo después venga ‘Belligerence’ pisando sin remilgos el pedal de la caña. ‘Blood Lions’ tampoco se anda con rodeos y se reivindica entre las mejores del pack, y una ‘Sacred Warpath’ de aires Kreator (¡Intolerable!) ayuda a continuar con esta recta ascendente para despedir el disco con una diabólica oda al headbanging como ‘Refused To Die’. De esta forma, en Decision Day encontramos medianías, temas potables y también cortes agradables para todo aquel aficionado al thrash teutón, pero con lo que menos comulgo es con esta pedazo de producción que para nada asocio con los germanos, unos históricos reyes de lo sucio. En resumen, que lo nuevo de Sodom tiene un pase, pero antes me voy directo a Tapping The Vein y menos hostias. PAU NAVARRA


BRANT BJORK Tao Of The Devil (NAPALM)

STONER ROCK

85

T

ao Of The Devil es el segundo lanzamiento de Brant Bjork respaldado por la banda The Low Desert Punk Band, pero la leyenda del desierto lleva ya la friolera de 17 álbumes, eso sin contar sus diversas apariciones en discos de otros artistas. Desde los que grabó como miembro fundador de Kyuss a Fu Manchu pasando por The Desert Sessions de Josh Homme, es imposible que no hayas escuchado hablar de él si lo que te gusta es el stoner rock. Pero aunque parezca sorprendente, en este nuevo álbum seguimos descubriendo nuevas facetas del carismático músico

californiano que hace años dejó de centrarse exclusivamente en su faceta de batería para convertirse en un cantautor completo. Más centrado en el stoner y el funk que en influencias más lisérgicas como en el anterior Black Power Flower de 2014, Bjork nos entierra en la arena del desierto desde su single ‘The Gree Heen’ manteniendo esa aura de tranquilidad y flow espacial. La novedad que introduce es la del batería Ryan Güt, principalmente notoria en los arreglos de canciones como ‘Stackt’ o ‘Humble Pie’, donde se denota una complicidad mayor en un disco donde nada es mejor que la suma de sus partes. Brant sorprende en el sentido de que decide abrazar el blues más cercano al hard rock de los 70 sin detenerse en los lamentos, sino pasar directamente al toque soul con tono apaciguador. Con mucho fuzz y mano izquierda, es el mismo hombre de pelo rizado que vuelve a darle una vuelta de tuerca a lo que sabe hacer mejor. Le ha salido la jugada redonda. JORGE FRETES

BREA

Deep Water (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

75

D

etrás de Brea encontramos cuatro argentinos que se conocieron en Barcelona. Dos años después de su primera referencia, un EP homónimo con cinco temas de rock alternativo en mayúsculas y acento stoner, el cuarteto presenta su primer largo, Deep Water. Destapan el disco con ‘1984’, un guiño a la obra de George Orwell y un correcto ejercicio de hard rock grungerizado. ¿Alguien se acuerda de Puddle Of Mudd y Nickelback, por ejemplo? Su vena más crítica, por cierto, reaparece en ‘You’re Next’, donde

hablan de imperialismo y esclavismo moderno, entre otras cosas. Musicalmente el disco gana muchos enteros a partir del segundo corte, ‘Black Sheep’, uno de mis temas favoritos, pues se aproximan a la energía contagiosa de los punk rockers The Bronx. Su cantante y guitarra, Manuel Cortes, se sale en este tema, rugiendo como el mejor Mark Arm, como si se hubiera tragado un pedal de distorsión. Su simpatía por el stoner rock de los 2000 es evidente en la machacona y por momentos alucinógena ‘Cuervos’, un auténtico viaje al desierto, mientras el medio tiempo ‘Deep Water’ les acerca al blues rock, con unos punteos delicados sobre una base rítmica hipnótica. Entre los mejores momentos del disco también se encuentra el inicio de ‘Hold The Wheel’, con ese juego de guitarras y esos incesantes redobles de batería que me recuerdan a ‘Bridge Burning’ de Foo Fighters, y ‘Night Twist’, recuperada de su primer EP, un tema muy canalla y pegadizo. LUIS BENAVIDES 97


BEN HARPER & THE INNOCENT CRIMINALS Call It What It Is (STAX/CAROLINE)

ROCK, BLUES

65

N

ueve años después de su anterior disco juntos, y siete desde el final de su última gira, Ben Harper y The Innocent Criminals vuelven a unirse: Michael Ward a la guitarra, Juan Nelson al bajo, Jason Yates en los teclados, y Leon Mobley y Oliver Charles en percusión y batería respectivamente, acompañan al aclamado músico. Como decía Harper en una entrevista en El País, “sepárate de alguien y sabrás lo que de verdad significaba para ti”. Y deben representar bastante para el artista californiano, por el deseo expreso de estar

82 98

juntos diez años más. De la mano habían grabado Burn To Shine (1999) y Lifeline (2007), y en 2015 se volvieron a juntar para hacer una gira mundial y grabar este disco. Un álbum donde Harper refleja sus muchas caras estilísticas: arranca con el rock de ‘When Sex Was Dirty’, y va pasando por las baladas acústicas (‘Deeper And Deeper’, ‘Goodbye To You’…), el blues de ‘All That Has Grown’ o de la reivindicativa ‘Call It What It Is’ (“Llámalo como es: asesinato”, referido a las muertes de jóvenes afroamericanos a manos de la policía estadounidense), el reggae de ‘Finding Our Way’, el soul de ‘Bones’… con la clara intención de no seguir modas, sino más bien marcarlas. Probablemente no consiga grandes revoluciones con este disco, pero está claro que es un notable ejecutor de registros múltiples. Desde luego sus seguidores apreciarán volver a escuchar su voz y guitarra acompañadas de los mejores socios posibles. La unión hace la fuerza. IGNASI TRAPERO

FURIOUS PEOPLE

X Years: 2005-2015 (PUNK MACHINE)

PUNK ROCK’N’ROLL

80

C

astellón es tierra abonada para el punk rock. La lista de grupos que han brotado allí sería demasiado larga para incluirla aquí, y Furious People ya llevan más de diez años engrosándola. X Years es un LP de autohomenaje más que merecido que recoge 14 de los mejores temas de su trayectoria: desde los más recientes que aparecieron en el compartido con Llunatiks hasta los más antiguos. De las canciones que no había escuchado hasta ahora, ‘You Are Your Only God’, ‘Furious People Style’ y ‘Sangre De Mi Sangre’ (con llanto de

bebé al final y todo) son con las que más ha vibrado mi cuerpo, mientras que las conocidas (‘Reaction!!!’, ‘Round&Round’, ‘Furia Latina’, ‘That’s Life’) suenan de miedo en vinilo. ¿Qué me dices? ¿Que no conocías a Furious People? ¿Y tú te jactas por ahí de que te gusta el rock escandinavo? Pues vas a flipar con este quinteto de Castellón, porque son la mezcla perfecta entre Gluecifer, Hellacopters y las bandas de punk rock surgidas de La Plana en los años 90 como Shock Treatment. Además, Mr. Furious es un frontman de mucho cuidado, con ese vacileo en la forma de cantar tan propio del rock’n’roll más canalla, lo haga en inglés o en castellano. Una curiosidad: el sello que lo edita, Punk Machine de Valencia, también acaba de cumplir una década de existencia y justamente la misma que la banda (2005-2015). Después de tantos años en la carretera, el high energy rock’n’roll de esta gente está mejor engrasado que nunca. Ahora es tu turno. JORDIAN FO


PROFANATICA

The Curling Flame Of Blasphemy (HELLS HEADBANGERS)

BLACK METAL

70

Q

uién les iba a decir a Profanatica que, 26 años después de su creación, iban a vivir ahora su mayor momento de ‘popularidad’. Seguro que ni cuando Paul Ledney decidió resucitar en 2001 a una banda que llevaba nueve años muerta jamás imaginó que algún día peña de todo el planeta esperaría con ganas sus nuevas obras. Y como hay gente para todo, aquí estamos, con The Curling Flame Of Blasphemy torturando nuestro reproductor, un cuarto largo que desde luego aporta toda la dosis de marranez, porculación y cerdismo que

esperas de estos pioneros del black estadounidense. Basta con que su inaceptable aparato rítmico eche a andar para que veas claro que no hay redención posible para ellos, que nunca cambiarán. Y eso por no hablar de esa voz infrahumana, esa murga infecta que sólo puede calificarse de molesta. La truculencia es lo suyo, y en efecto, ponen tu aguante al límite con tanta sordidez. De hecho, un empalagoso sentimiento de monotonía te invade con las primeras escuchas de este álbum, pero si concentras bien la oreja, te sorprendes, no sin angustia, que de hecho estamos ante un trabajo hasta demasiado variado para tratarse de ellos. Son sólo 36 minutos de disco, pero tan lacerante producción hacen del recorrido un suplicio. Te pones a contar momentos que sobresalgan entre la mugre y aparecen ‘Magic & Muhr’, ‘Host Over Cup’, ‘Yahweh Rejected’ o ‘Bleed Heavenly Kingdom’, pero lo que más pirulón pone es un diabólico y reiterativo final como el de ‘Curling Flame’. Apestosamente molones. PAU NAVARRA

HIEROPHANT Mass Grave (SEASON OF MIST)

DEATH METAL

85

S

iempre que descubro una banda nueva juego a adivinar de qué país vienen. Hay muchas veces que acierto, y otras que me sorprendo. ‘Juraría que son de Estocolmo’, me digo mientras escucho unas guitarras podridas que bien podrían estar grabadas directamente con el mítico Boss HM-2. Pero no, esa rabia, esa actitud y ese sonido Sunlight han salido de una región del norte de Italia para destrozarte los oídos. Si buscas innovación o propuestas vanguardistas éste no es tu disco, pero si lo que buscas es ese regusto

a los 90, esa actitud de la vieja escuela o ese chute de adrenalina que te metía la escuela de Estocolmo, Mass Grave es tu álbum del año. Hierophant han plasmado toda su experiencia y capacidad compositiva en este cuarto trabajo consiguiendo un disco denso, con melodías ocultas bajo el muro sónico y secciones monolíticas acompañadas con riffs veloces llenos de blast beats aportando un efecto de dinamismo que hace que la media hora de duración de la obra se te pase de un plumazo. Es un álbum en que una canción sola podría llevarte a engaño. Es una obra global, como si fuera un solo corte, en el que hasta el artwork (creado por Paolo Girardi) define completamente el concepto del trabajo y es, sencilla y llanamente, brillante. Es un álbum muy redondo que hará las delicias de los seguidores del metal extremo de principios de los 90 tanto por su sonido y composición como por su actitud y mala leche. ABEL VALDELVIRA 99


H

HAMMERFALL Built To Last (NAPALM)

POWER METAL

72

ammerFall, como cualquier otra banda veterana de power que no esté relacionada directa o indirectamente con Kai Hansen, están padeciendo un acuciado declive en los últimos tiempos. Eso en términos de popularidad, por supuesto… Como prueba más fehaciente sólo hay que ver con quién están publicando sus discos ahora, cuando durante años fueron el buque insignia de Nuclear Blast. En lo que a música se refiere, la cosa cambia. Desde su anterior (r)Evolution se confirma una notoria mejoría que este Built To Last prolonga, aunque falta saber si el mundo metálico vuelve a estar interesado en estos sonidos. Los suecos ni se han reinventado ni han firmado los dos mejores trabajos de su carrera, nada

A

DRIVE-BY TRUCKERS American Band (ATO)

ROCK AMERICANO

81

100

pesar de las constantes idas y venidas de miembros en la formación, Drive-By Truckers han conseguido llegar a las dos décadas de existencia asentados como todo unos clásicos del rock tradicional americano. Si bien es cierto que la época dorada, cuando Jason Isbell todavía militaba en sus filas, queda ya muy lejos, los de Athens siguen empeñados en demostrar que son una banda vigente y aún con mucha vida por delante. Prueba de ello es que en su undécimo álbum, American Band, han optado por prescindir de

de eso. En el primer caso realizaron una encomiable vuelta a las raíces, y en el que nos ocupa, su décimo álbum ya, nos encontramos ante un entretenido manual de estilo con todo lo mucho que han aportado durante su trayectoria. Quizá la mayor novedad sea el registro grave de Joacim Cans en algunas partes de ‘New Breed’, pero lo que está claro es que cualquier acérrimo quedará saciado con tres cancionacas de vocación

hímnica como ‘Hammer High’, ‘Stormbreaker’ y ‘Built To Last’, sus topicazos guerreros (‘The Sacred Vow’) o la velocidad de la inspiradísima ‘Dethrone And Defy’ o ‘The Star Of Home’. La corriente actual no les es favorable, tampoco lo era cuando aparecieron, pero HammerFall siempre han luchado por sus principios contra viento y marea. Built To Last… si es que el título ya lo dice todo.

las habituales ilustraciones de Wes Freed, tratar una temática mucho más actual y social en sus letras (la violencia racial y el circo de la carrera presidencial están muy presentes) y en general, hacer un disco más sencillo y concreto de lo que nos tienen acostumbrados. Lo que no ha cambiado es la manera en la que se desenvuelven por un estilo en el que son unos auténticos maestros, con la dupla formada por Mike Cooley y Patterson Hood funcionando a las mil maravillas y complementándose el uno al otro. Por un lado, es Cooley el que se encarga

de aportar los cortes más rockeros, casos de ‘Ramon Casiano’, ‘Surrender Under Protest’ o ‘Kinky Hypocrite’, donde se pegan un festín de guitarrazos. En cambio, Hood se encarga de firmar las canciones más reposadas, introspectivas y, por qué no decirlo también, las mejores de todo el conjunto, con un tridente final formado por ‘Ever South’, ‘What It Means’ y ‘Baggage’ que terminan por redondear la que podría ser su mejor obra desde Brighter Than Creation’s Dark. Como ya he dicho al principio, unos absolutos clásicos de nuestros días.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA


MOOSE BLOOD Blush

(HOPELESS)

PUNK POP, EMO

80

M

oose Blood son un cuarteto de Canterbury, Inglaterra, pero por lo escuchado en su segundo trabajo bien podrían proceder del otro lado del charco. De hecho, el álbum fue grabado en Los Ángeles con un productor de allí, Beau Burcell (guitarrista de Saosin), y su música destila influencias de bandas americanas por todos lados. Sin embargo, quizá porque proceden de una cultura distinta o tienen menos ambiciones, estos jóvenes evitan caer en ese exceso de ‘popificación’ y trucos facilones en los que

incurren tantos grupos de su misma escena. Hay algo intangible en sus canciones que los hace más reales y cercanos: cuando Eddy Brewerton te habla sobre sus problemas, te lo crees. Esa honestidad combinada con unas melodías que se acercan a Blink-182 y una instrumentación refinada al estilo de Jimmy Eat World, da como resultado una fórmula ganadora. Si su primer álbum I’ll Keep You In Mind, From Time To Time tendía más hacia el emo de Brand New, en éste se han destapado como grandes creadores de canciones con gancho. ‘Pastel’, ‘Honey’, ‘Knuckles’, ‘Glow’ o ‘Cheek’ son luminosos artefactos de punk pop para masajear tus tímpanos, si bien quedan equilibrados por temas como ‘Sway’ o las introspectivas ‘Shimmer’ o ‘Spring’, donde muestran una cara más madura. A base de escuchar Blush desde que salió en agosto, Moose Blood se han convertido en una de mis nuevas bandas favoritas. Seguro que si les das una oportunidad, también acaban siéndolo para ti. DAVID GARCELL

INFANT ANNIHILATOR

The Elysian Grandeval Galèriarch (AUTOEDITADO)

TECHNICAL BRUTAL DEATHCORE

40

I

nfant Annihilator son un claro reflejo de la sociedad occidental actual. La tecnología lo inunda todo, y estamos tan pendientes de ella que nos aislamos voluntariamente en las pantallitas, olvidándonos de lo orgánico, de la escasa humanidad que aún nos queda. Visto lo visto, nos tendremos que ir acostumbrando a las bandas ‘de internet’, ésas que no ensayan en un local, y en este caso, que ni siquiera hacen shows. Los ingleses cuentan con un gran seguimiento y con esta nueva obra la chavalada se ha vuelto loca,

aunque no es de extrañar. Es totalmente comprensible que los críos del core más duro lo flipen con estos blasts inmensos al mil, con tamaña sucesión de aberrantes guturales y rasgados, pero me toca ser el borde que le suelta al niño que los Reyes son los padres… Porque siento decirlo, pero este álbum no existe. Cualquier persona con unos mínimos conocimientos sobre producción musical os dirá que a base de eternos copiar y pegar está mamado sonar lo más experimental y técnico del planeta. Por mucho playthrough que cuelgues, si no lo tienes que defender en vivo, ¿qué te frena a meter tropecientas mil capas y guitarras, a trucar cada uno de los sonidos? Y ojo, que tengo que reconocer que me he divertido en ciertos momentos, sobre todo cuando se nota más que aquí hay peña vinculada a Black Tongue y el doomcore más ominoso, pero algo tan artificial y sintético debe ser penalizado. Yo quiero músicos, no autómatas. El Pokémon GO del deathcore. PAU NAVARRA

101


T

THE AMITTY AFFLICTION This Could Be Heartbreak (ROADRUNNER)

METALCORE

30

he Amitty Affliction ejemplifican a la perfección lo que a día de hoy una gran parte del público entiende como metalcore. Pero como pasó con el emo, quizá deberíamos ir pensando otra etiqueta, porque aquí poco queda de la idea original, en este caso la de fusionar metal y hardcore. En su lugar lo que tenemos son un montón de grupos que utilizan algunos rasgos propios del género (las voces gritadas, los breakdowns…), pero en realidad lo que les tira es hacer temas de pop. Casi como si estuviera establecido por contrato, los australianos se empeñan en meter un estribillo ultramelódico en cada canción para que el bajista y guaperas oficial del grupo, Ahren Stringer, se luzca. Es un error en el que también cayeron

S

BLOOD CEREMONY Lord Of Misrule (RISE ABOVE)

OCCULT ROCK

80

102

eparando el grano de la paja en eso que entendemos como occult rock, está más que claro que este cuarteto canadiense es de lo mejor que ha salido bajo tan atractiva etiqueta. A pesar de que su omnipresente flauta nos pueda traer los obvios recuerdos de Jethro Tull y de que los riffs le deban mucho al cancionero de Iommi y compañía, su propuesta es totalmente original a la par que fresca. Y lo es porque tienen dos talentos dentro del grupo que comen aparte. Sus nombres, Alia O’Brien y Sean Kennedy. La primera es poseedora de

Killswitch Engage, pero al menos en su caso mostraban más recursos. En cambio The Amitty Affliction tienen marcado a fuego el guión y no se mueven de él ni un milímetro. Todos los temas siguen exactamente la misma estructura, con exactamente la misma cadencia, lo que hace que desde que suena el primer tema ‘I Bring The Weather With Me’ hasta que termina el último ‘Blood In My Mouth’ tengas la sensación

de que no ha pasado nada. Siendo éste su quinto álbum, The Amitty Affliction deberían plantearse seriamente buscar nuevas ideas, porque está claro que la única que tenían, por mucho éxito que les haya comportado, está más que gastada. Aunque si eres fan incondicional del grupo o del metalcore más ñoño es posible que todavía te queden tragaderas para más.

una voz maravillosamente perturbadora, sus arreglos vocales están trabajados hasta el más mínimo detalle, por no hablar de las macabras sinfonías que consigue con sus órganos, melotrones o wurlitzers varios y de su efectiva flauta travesera. El segundo, además de ser el ideólogo de toda la filosofía satánica de la banda a través de sus excelentes textos, consigue exprimir su Gibson de manera exquisita. No sólo se trata de saturar su sonido hasta el infinito; las armonías vocales de la bruja Alia deben ser acompañadas por texturas

a veces más agresivas y en ocasiones más elegantes. ‘The Devil’s Widow’ sería un buen ejemplo de cómo componer un tema de hard rock retro sonando más fresco y actual que muchos de los jovenzuelos que exhiben sus Vans y sus modernas y molonas bermudas. Y no creáis que es éste un disco de un tema... Escucha esa perla titulada ‘Loreley’, donde se acercan a los terrenos de Ghost, o esa maravilla de pop psicodélico que han llamado ‘Flower Phantoms’. Pura crema. Cuarto disco y cuarto acierto en el puto centro.

DAVID GARCELL

ANDRÉS MARTÍNEZ


ZEROBYTE

IX Degrees Of Human Decline (AUTOEDITADO)

MATH METAL

78

S

é que a más de uno se le atraganta la comida cuando oye términos como ‘prog’ o ‘djent’ dentro de un mundo, a menudo, tan cerrado como el metal. Pero por suerte el éxito masivo de muchas bandas encasilladas dentro del género hace que hasta en un país tan obtuso y cuadriculado como el nuestro aparezcan grupos con la calidad de Zerobyte. Después de un prometedor EP editado en 2013 los de Inca nos presentan su debut discográfico cuidado al máximo y con una soberbia masterización a cargo de Hay Zeelen (Sepultura,

Satyricon, por nombrar sólo algunos). Y estos nueve pasos del declive humano nos hablan del peligro de nuestra dependencia de la ciencia y la tecnología, bases de nuestra ¿civilización? y que con su uso y, sobre todo, abuso, nos pueden llevar a nuestra extinción. Arrancando con ‘Emulating Gods’ nos describen a golpe (literalmente) de riff y ritmos sincopados nuestro empeño en autodestruirnos y llegar al fin de nuestros días como especie. Evidentemente para ellos no existen estructuras de canciones simples, pero los baleares consiguen que todo parezca más accesible y fácil. Ojo, no es una escucha sencilla, pero una vez te dejas atrapar por la atmósfera, puedes disfrutar de cortes brutales como ‘Edge Of Sanity’, ‘Spherical Implotion’ o ‘Free Runner’, llenos de riffs cortantes, una base rítmica aplastante, una voz capaz de desangrarte los oídos y donde apreciaremos la influencia de Meshuggah, reyes del género, pero también de otros como Mnemic o incluso Fear Factory. En definitiva, un muy buen debut. KARLES SASTRE

ALLEGAEON Proponent For Sentience (METAL BLADE)

TECHNICAL MELODIC DEATH METAL

80

E

n la música moderna hay un concepto curioso que dice que la música debe entrarte a la primera… Si esta premisa va contigo, puedes dejar de leer justo aquí. Hay cinco nerds en Forth Collins, Colorado, que no lo ven así y hacen todo lo contrarío. Esta cuarta entrega de Allegaeon ha llevado al extremo lo que venían haciendo en sus anteriores trabajos, pero añadiendo más elementos a la ecuación. El concepto tanto lírico como musical del álbum es complejo. Es una historia de ciencia ficción con una moraleja misantrópica acompañada

con una banda sonora llena de matices, melodías, progresiones, ritmos y técnica, mucha técnica. Entre tanto, mantienen esos momentos llenos de groove propios de la escena americana con incluso algún estribillo coreable, y eso es lo que nos salva del derrame cerebral antes del cuarto tema. Su música se ha visto reforzada con la incorporación de Riley McShane a las voces, que presenta unos registros muy buenos en muchas facetas y que culminan con la versión de Rush al final del álbum. El quinteto mezcla muy bien las tendencias actuales con un amor por el legado de lo clásico, y así, cuando consigues comprender todo lo que te proponen, no puedes si no rendirte a ellos. En el terreno de la producción se agradece que se hayan distanciado del sonido artificial que muchas formaciones de su estilo proponen, aunque cuando muchos elementos se superponen la mezcla pierde claridad. Mi mamá ya me avisó de que no se puede tener todo. ABEL VALDELVIRA

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AIRBOURNE

PURA ELECTRICIDAD LOS AUSTRALIANOS AIRBOURNE VIVEN POR Y PARA EL ROCK’N’ROLL. SU CUARTO ÁLBUM BREAKIN’ OUTTA HELL VUELVE A SER EL MEJOR ANTÍDOTO CONTRA LA RUTINA Y EL ABURRIMIENTO. ¡QUE SIGA LA FIESTA! TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


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OCOS GRUPOS pueden presumir de haber tenido en sus inicios la bendición de uno de los mayores iconos que ha dado el rock. Pero Airbourne contaron con la presencia de Lemmy de Motörhead en el videoclip de ‘Runnin’ Wild’, tema de su primer disco de mismo título. Fue la introducción perfecta para que el mundo descubriera la música del cuarteto formado por Joel O’Keefe (voz, guitarra), David Roads (guitarra), Justin Street (bajo) y Ryan O’Keefe (batería). Ahora ellos le han rendido su homenaje póstumo en el tema que cierra su último disco Breakin’ Outta Hell (Roadrunner). Titulado ‘It’s All For Rock’N’Roll’, describe perfectamente la filosofía de un grupo que no ha parado de ganar fans, sobre todo, por la increíble energía de sus directos. La misma de la que podremos volver a disfrutar los próximos 5 de diciembre en Bilbao (Santana 27), 6 en Madrid (La Riviera) y 7 en Barcelona (Razzmatazz). Precisamente empezamos hablando con su líder sobre sus locuras en el escenario. He tenido la oportunidad de veros tanto en salas como en festivales, y especialmente tú, siempre lo das todo. ¿Cómo te sientes después de un concierto? JOEL O’KEEFE “Estoy totalmente agotado, pero todos lo estamos. Encaramos cada concierto como si fuera el último. Si acaba el bolo y todavía te queda algo de energía, te sientes mal porque significa que podrías haber dado más. Siempre lo damos todo, es la úni-

ca manera de hacerlo. El público está tan animado que te alimentas de su energía. Es lo mismo que cuando te tomas un Red Bull, sientes un subidón. Y eso es lo que te da el público. Puedes estar hecho polvo al día siguiente, pero cuando vuelves al escenario, el público vuelve a alimentarte”. Además te gustan las acrobacias, ya sea escalar la torre de sonido, colgarte por el techo de las salas… ¿Alguna vez has pensado ‘¿Y ahora cómo bajo de aquí?’? “Sí, claro (risas). Una vez tocamos en Donington, y escalé hasta arriba de todo, donde están colgadas las luces. Y mientras iba subiendo pensaba ‘¿Qué coño estoy haciendo?’. No soy un escalador profesional, y llevaba la guitarra colgando. Pero ya estaba a la mitad y no sabía cómo bajar, así que seguí subiendo, hice el solo de guitarra, y seguí subiendo. Y entonces nos cortaron el sonido y se armó una batalla campal en el público. Estaba acojonado pero me encantó ver aquello desde ahí arriba. Fue muy rock’n’roll”. Debes tener una póliza de seguro muy alta… “¡No hay ninguna empresa que quiera asegurarme! (Risas)”. Para una banda como vosotros, con un sonido tan establecido, ¿cuál fue el mayor reto a la hora de empezar Breakin’ Outta Hell? “Supongo que intentar mantener tu música fresca, que parezca nueva aunque sean sólo cuatro acordes. No es demasiado difícil porque tenemos muchas ideas, pero por ejemplo en este disco tenemos una canción que se 105


“SEGUIREMOS HACIENDO ESTA MÚSICA MIENTRAS QUEDE GASOLINA EN EL DEPÓSITO, Y CUANDO NO QUEDE MÁS, NOS MEAREMOS EN EL DEPÓSITO Y HAREMOS QUE EL MOTOR SIGA FUNCIONANDO. CREO QUE TENEMOS SUFICIENTE ALCOHOL EN NUESTRO PIS COMO PARA HACER QUE MARCHE” JOEL O’KEEFE llama ‘Thin The Blood’ y teníamos tres o cuatro temas muy parecidos, así que los descartamos y nos quedamos sólo con ésa”. Así que tenéis mucho material sobrante… “Sí, casi siempre estamos componiendo. Pero hay muchos temas que ves que no acaban de funcionar, así que muchas veces utilizamos partes concretas que nos gustan y las usamos en otros. Es como utilizar piezas de un coche para hacer que funcione otro”. Vuestras canciones tienen un tono básicamente festivo, pero me imagino que como cualquier ser humano también pasáis por vuestros momentos bajos. ¿Cómo lo hacéis para mantener ese nivel de excitación y energía en vuestra música? “Siempre pensamos en la energía del directo. Básicamente si vienes a un concierto de Airbourne, vas a pasarlo bien, y siempre tenemos eso en la cabeza: cómo se sentirá el público y cómo nos sentiremos nosotros tocando. Así que siempre escribimos con el directo en la cabeza”. ¿Ves vuestros discos simplemente como una manera de

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ampliar el repertorio de los bolos? “Supongo que sí. Pero también son para que los pongas un viernes o un sábado por la noche, básicamente cuando quieras pasarlo bien. Es quienes somos. Es lo que es el rock’n’roll”. ¿Alguna vez te ha tentado la idea de escribir sobre temas más serios o una balada? “No, no. Ya hay muchas bandas que hacen eso. Nosotros queremos hacer rock’n’roll. Sería como darle un ladrillo a un cirujano para que te operase; no funcionaría”. Grabasteis este disco con Bob Marlette, quien ya produjo vuestro primer álbum. ¿Qué os hizo volver a él? “Tuvimos una gran relación con él en Runnin’ Wild y cuando llegó el momento de hacer el disco nuevo pensamos que molaría volver a trabajar con él. En aquel momento éramos una banda muy joven y no sabíamos muy bien cómo hacer las cosas, pero ahora tenemos mucha más experiencia, así que Bob podía sacarnos mucho más jugo. Le llamamos y le preguntamos si le apetecía venir a Australia, y le encantó la idea. Es un gran tipo y fue bueno poder aprender algunos trucos más”.

¿Qué ventajas y desventajas tiene grabar en casa? Porque éste es el primer disco que no grabáis en Estados Unidos... “Siempre habíamos querido grabar en Australia. Uno de los motivos principales es que las guitarras suenan mejor en Australia por el voltaje de la electricidad. Los amplificadores son entes vivos y por alguna razón las válvulas reaccionan mejor con la electricidad de aquí. Los amplis Marshall están fabricados en Inglaterra, así que cuando los usas en Estados Unidos tienes que modificarlos porque el voltaje es distinto. Siguen sonando muy bien, no me malinterpretes, pero cuando grabas un álbum todo está bajo el microscopio y cualquier detalle cuenta. Así que en ese aspecto pudimos conseguir ese sonido de guitarra tan característico del rock australiano como Rose Tattoo, los primeros AC/DC o The Angels. Era algo que buscábamos desde el principio”. ¿Crees entonces que la electricidad es la responsable de que haya tantas buenas bandas de rock en Australia? “¡Sí! La electricidad y el hecho de que vivimos al revés (risas). Si miras la historia de la música, el Reino Unido tenía a los Beatles, los Stones, Hendrix (sic), y Estados Unidos a Elvis y el blues, y Australia tomó las partes más simples de cada uno y le dio su propio sabor al rock’n’roll”. Cuéntame un poco cuál es el ambiente en el estudio. ¿Trabajáis con un horario estricto o si estáis inspirados os podéis tirar toda la noche grabando? “En ningún estudio del mundo verás


AIRBOURNE

que es posible que de aquí a dos años pueda volver con ellos. A Angus le encanta tocar y no creo que nada pueda pararle. Hagan lo que hagan les deseo suerte”.

que tengan un reloj en la pared. Cuando estás trabajando en algo de manera muy intensa sin darte cuenta pueden pasar 17 ó 18 horas del tirón. Estás totalmente inmerso en ello. Es como un agujero negro, y el tiempo se distorsiona, nunca sabes cuándo vas a salir de ahí. A veces puedes pasarte horas con una parte de guitarra, es como una ciencia... Por eso necesitas a gente como Bob Marlette para que te ayude”.

el secreto? “Cuando empezamos en 2004, 2005 todos nos mudamos de Warrnambool a Melbourne y vivimos juntos en una misma casa. Nunca habíamos vivido juntos antes, pero en esos tres años nos unimos muchísimo. Aprendimos a cómo convivir, lo cual es algo básico para poder salir de gira. Así que cuando finalmente nos subimos en un autobús, estábamos totalmente acostumbrados a compartir un espacio”.

¿Cuál fue el tema al que dedicasteis más horas? “Déjame pensar. Algunos salieron muy fácilmente y otros fueron más complicados... ‘Never Been Rocked Liked This’, que fue una putada por la afinación de las guitarras. Nos costó muchísimo. Te juro que estuvimos ocho horas para conseguir una buena toma. No había manera de que sonase bien porque hacía mucho calor y se desafinaba. Tuvimos que poner el aire acondicionado a tope. Cuando mezclas calor, frío y cuerdas de guitarra es una pesadilla”.

‘It’s All For Rock’N’Roll’ está dedicado a Lemmy… “Sí, pero no es sólo un tributo a Lemmy, sino también a Bon Scott, Keith Moon… tipos que de verdad amaban el rock’n’roll. Es un himno para todos los que han dado su vida por el rock”.

Aunque a vosotros os va bastante bien, hoy en día resulta poco habitual que un grupo logre mantener intacta la misma formación. ¿Cuál ha sido

¿Cómo te sientes respecto a la situación actual de AC/DC? Brian Johnson parece que no podrá volver, Cliff Williams ha anunciado que se retira… ¿Crees que deberían dejarlo? “Todo depende de lo que quiera Angus (Young). Ya veremos lo que pasa, pero todo es posible. Quizá descansen dos años y luego vuelvan todos juntos para hacer una gira de despedida. Ya veremos. Por lo que he oído Brian está mejorando, así

Tu nombre sonó como posible sustituto de Brian Johnson. ¿Hubo algún contacto o fue sólo un rumor? “No, no hubo ningún contacto. Si lo hubiera habido habría sido un honor. Lo primero que hubiera hecho sería llamar a Brian Johnson para preguntarle si le parecía bien y si me podía dar algún consejo porque es un trabajo duro”. ¿Qué te ha parecido Axl? “No tuve oportunidad de ver ningún concierto, pero todo el mundo dice que ha estado cantando muy bien”. En cualquier caso, está claro que AC/DC se retirarán de aquí a dos, cinco o diez años. ¿Crees que Airbourne es la banda que mejor puede mantener vivo su espíritu? “Siempre hemos sido grandes fans de las bandas con las que crecimos, Iron Maiden, AC/DC, Motörhead, Status Quo… Todas ellas se han mantenido fieles a lo que son y nosotros también somos así. Seguiremos haciendo esta música mientras quede gasolina en el depósito, y cuando no quede más, nos mearemos en el depósito y haremos que el motor siga funcionando. Creo que tenemos suficiente alcohol en nuestro pis como para hacer que marche (risas)”.

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EAGLES OF DEATH METAL


EL 13 DE NOVIEMBRE DE 2015 PASARÁ A LA HISTORIA COMO UNO DE LOS DÍAS MÁS OSCUROS DEL ROCK’N’ROLL. EN ESA FECHA UNOS TERRORISTAS IRRUMPIERON EN LA SALA BATACLAN DE PARÍS MIENTRAS ACTUABAN EAGLES OF DEATH METAL Y ASESINARON A 89 DE SUS FANS. JESSE HUGHES Y SUS COMPAÑEROS DE BANDA SOBREVIVIERON A LA PESADILLA, Y CUATRO MESES DESPUÉS YA ESTABAN DE NUEVO EN LA CARRETERA PRESENTANDO SU ÚLTIMO DISCO ZIPPER DOWN. COMO COMPROBAMOS DURANTE NUESTRO ENCUENTRO EN BARCELONA, EL SHOW DEBE CONTINUAR… TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO


IENTRAS ME acercaba para mi entrevista con Jesse Hughes, me llamó la atención ver a bastantes Mossos d’Esquadra vigilando la calle que lleva a la sala Apolo de Barcelona. También había un furgón y más policías cerca del autobús de gira de Eagles Of Death Metal. Dada la trágica circunstancia que vivieron es totalmente comprensible que el grupo pida la presencia de tantos agentes y, para ser sincera, hizo que me sintiera más segura. Después del ataque hubiera sido fácil para ellos simplemente tirar la toalla y dejar de girar. De hecho, Jesse me contaría más tarde que si no hubiera sido por la invitación personal de Bono para que Eagles Of Death Metal se unieran a U2 en su concierto de París menos de un mes después del atentado y por su incondicional apoyo, eso es justo lo que habrían hecho. Ha sido un placer tenerlos otra vez en España, especialmente después de que cancelaran, de nuevo, sus conciertos el pasado marzo debido a que Jesse se desgarró el tendón de un dedo. Antes de la entrevista me habían advertido de que no hiciera ninguna pregunta sobre los ataques de París, cuestiones políticas o el control de armas, algo comprensible teniendo en cuenta que algunas de las declaraciones de Jesse en los meses posteriores al atentado suscitaron bastante polémica. Lo que no podía esperarme es lo que estaba a punto de vivir durantes las siguientes ocho horas: pude compartir unas cervezas con Jesse en su autobús durante las cuales se abrió a hablar de los ‘temas prohibidos’, escuchar algunas versiones y maquetas del próximo disco del grupo, hacer una sesión de fotos en la terraza de la sala, naturalmente ver su concierto, y asitir a la afterparty en la que Jesse me descubrió 110

el Tubi 60, una bebida israelí con ingredientes secretos que, os garantizo, es muy potente . Hacía muchísimo tiempo que no lo pasaba tan bien en un concierto. Jesse es la viva encarnación del rock’n’roll, además de un verdadero amor y un anfitrión perfecto. ¿Cómo estás? JESSE HUGHES “¡Estoy fenomenal!”. ¿Y tu dedo? “Curado. El tendón se me rompió justo aquí y se me despegó desde la uña, así que toda la parte del dedo se caía hacía adelante. Tuvieron que abrirlo, ponerle un clavo, estirar el tendón y volver a pegarlo. Tuve que llevar un aparato que me aguantara el dedo en una posición concreta”. Vaya... ¿Cómo te lo hiciste? “Estaba preparando una manta en el sofá para mi hijo, perdí el equilibrio y me caí”. Debido a eso tuvisteis que cancelar vuestro concierto aquí, así que bienvenidos. ¿Cómo ha ido la gira hasta ahora? “Ha sido una de nuestras mejores giras en tiempo, y lo necesitábamos. Ya sabes… las cosas están volviendo a la normalidad. Nuestra política es tirar adelante y rockear, dar amor y divertirnos. Y por el momento está dando sus frutos. Básicamente estar cachondo. Estar cachondo, nena, ésa es mi nueva norma”. Zipper Down apareció en octubre del año pasado, pero habían pasado siete años desde el anterior. ¿Fue tu álbum en solitario Honkey Kong el principal motivo de tanta demora? “Sí, sí. Hice lo de Boots Electric,

y luego Josh (Homme) estuvo con Queens Of The Stone Age. Cuando al principio la gente nos preguntaba por qué habíamos tardado tanto, ni siquiera nos habíamos dado cuenta de que hubiera pasado tanto tiempo. No nos lo parecía. Joshua y yo nunca lo miramos desde el punto de vista del tiempo. Siempre es a tiempo. Sea cuando sea. Mi padre nunca aparecía a una hora concreta, siempre lo hacía a tiempo. Así es como yo lo veo. Estoy aquí, ¡justo a tiempo, nena!”. De hecho algunas canciones de Zipper Down son del disco de Boots Electric. ¿Por qué decidisteis volverlas a grabar? “Fue cosa de Josh. Él quería esas canciones. Estaba cabreado de que las hubiera usado en Honkey Kong. Y la verdad es que me gustó escucharlas de manera distinta a como las había hecho con Money Mark”. Porque Boots Electric tiene un toque más electrónico… “Me gusta George Clinton. Quiero ser George Clinton, así que cuando hago Boots Electric quiero ser George Clinton, pero al estilo blanco. De hecho tengo un apodo mexicano que es un poco raro. Es ‘Llanta Blanca’. O ‘Tío blanco con mucha alma’. Es lo que significa en verdad”. ¿Así que él es tu mayor inspiración? “Sí, George Clinton. Cuando me gradué de la universidad mi abuela me dio 35.000 dólares para que arrancara mi vida. Creo que su intención era que me comprara una casa, pero me gasté cada centavo y 5.000 dólares más en seguir a Parliament en su gira de reunión. Es lo primero que hice de verdad y lo mejor que he hecho nun-


ca. Fue la mejor aventura. Estaba solo, sin ningún amigo, e iba de ciudad en ciudad en un autobús Greyhound. Al cabo de un tiempo empezaron a llamarme ‘pequeño chico blanco’ o ‘copo de nieve’. Era divertido”. ¿Habrá otro disco de Boots Electric en solitario en el futuro? “Sí, claro. Voy a grabarlo tan pronto como acabe esta gira. Y luego empezaremos otro disco de Eagles. No sé cuál saldrá primero, pero vamos a grabar los dos”. ¿Cuánto tiempo estuvisteis trabajando en Zipper Down? “Como un año, pero yo siempre escribo todos los temas por adelantado. Siempre estoy componiendo, así que las canciones están hechas. Si lo miras como una caja de juguetes, Josh la coge y dice ‘me gusta ésta, ésta y ésta’, y ésas son las que trabajamos con Eagles. Eso es lo que nos hace iguales, yo escribo los temas y Josh los escoge, y eso se convierte en un trabajo de equipo y llegamos a un 50/50 sin tener que componer los temas juntos. Además soy muy egocéntrico, y soy el único al que confiaría escribir todos los temas. Así es como funciona”. ¿O sea que Josh no escribe nada, ni letras? “No. La única letra que ha escrito es una sobre yo masturbándome, lo cual es muy raro. Es la canción ‘Solo Flights’ de Heart On. Fue en plan ‘estás escribiendo una canción sobre mí haciéndome una paja. ¿Qué tienes en la cabeza?’ (Risas)”. El grupo sois básicamente Josh y tú. ¿Hay algún instrumento que Josh no pueda tocar?

“QUIERO QUE STEVIE WONDER ME PRODUZCA MI PRÓXIMO DISCO EN SOLITARIO. ÉSE ES MI SUEÑO” JESSE HUGHES “No puede tocar la flauta. En el primer disco yo toqué casi todas las baterías… es un pequeño secreto. En el segundo también. En el tercero, yo toqué la mitad y Josh el resto. Joshua es un hombre con muchos sombreros, pero todos lo somos, tenemos que serlo. Yo puedo tocar la mayoría de instrumentos en el estudio, especialmente los vientos y cosas así. Soy un flautista experimentado, así que eso va muy bien en muchas ocasiones (risas). Él no puede tocar la flauta y yo la quería en el disco (risas)”. Los dois parecéis tener un gran sentido del humor. ¿Cómo es un día en el estudio? “La mayoría del tiempo todo el mundo está ocupado buscando dónde estamos Joshua y y yo. Durante la grabación de este disco yo estaba fabricando explosivos en casa, algo súper divertido... Así que los llevaba

al estudio y Joshua y yo nos íbamos a las colinas de Burbank y los hacíamos estallar. ¡Fue jodidamente increíble! (Risas) Hubo un día que hicimos estallar un dron y cayó en una instalación del Departamente de Seguridad Nacional. ¡La leche! (Risas) Sólo queríamos ver qué pasaría si hubiera un ataque de drones, ya sabes”. ¿Y qué pasó? ¿Tuviteis problemas? “No. Vinieron y nos pegaron una charla, claro, pero resultó que uno de los tíos era un fan nuestro, así que todo fue bien. Y creo que ya sabían lo que íbamos a hacer, eso nos pareció”. Me encanta la portada del álbum. Es divertidísima. Para mí es como un homenaje a las portadas del metal de los 80. ¡No puedes hacer algo más rock’n’roll que eso! 111


“DURANTE LA GRABACIÓN DE ESTE DISCO YO ESTABA FABRICANDO EXPLOSIVOS EN CASA, ALGO SÚPER DIVERTIDO... ASÍ QUE LOS LLEVABA AL ESTUDIO Y JOSHUA Y YO NOS ÍBAMOS A LAS COLINAS DE BURBANK Y LOS HACÍAMOS ESTALLAR. ¡FUE JODIDAMENTE INCREÍBLE!” JESSE HUGHES

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“Me encanta que lo digas. Es como la otra cara de Death By Sexy, que era el culo de una chica. La verdad es que los pechos son de una chica que se llama Monica, y es una de las tías más guapas que he visto en mi vida y quería verla desnuda. Así que fue mi manera de conseguirlo. Es increíble las cosas que nos inventamos por amor, ¿no? (Risas)”. Pero no es la misma chica que en Death By Sexy. “El culo de Death By Sexy es de Gena. Mi madre hizo la fotografía porque no paraba de decirle que quería una portada que fuera como una mezcla de Sticky Fingers, Too Fast For Love y Lover Boy. Una noche, Gena y mi madre estaban haciendo la cena y Gena llevaba unos vaqueros muy chulos, y mi madre le dijo ‘Gena, haz unos cuernos con la mano en el culo’. Así que sacó una pequeña cámara e hizo la foto. Fue perfecto”. ¿La vida es mejor con la cremallera bajada? “Sí, sí lo es, querida. Zipper Down es también una frase que usaban los Boy Scouts para decir ‘ahora silencio’, significaba bajar la cremallera de las tiendas de campaña. En jerga del desierto significa ‘tranquilízate’. Además es más fácil ver tetas. Perdona, quería decir artísticamente (risas)”. Quiere decir que es vuestro disco más caliente… “Este disco es como John Holmes (uno de los actores porno más famosos de la historia –ndr.), pero con una polla más grande. Eso es lo que creo (risas)”. Juliette Lewis canta en el disco. ¿Cómo fue trabajar con ella? 114

“La amo. Es una rockera de verdad que además es actriz. Así es como lo veo. Mucha gente la ve como una actriz que canta, pero yo lo veo al revés. Es muy auténtica y tiene mucho corazón. Ama el rock’n’roll. Es un encanto”. En vuestros álbumes habéis tenido invitados muy interesantes. ¿Cuál sería tu colaboración soñada que aún no se haya producido? “Stevie Wonder. Quiero que me produzca mi próximo disco en solitario. Ése es mi sueño. Y también me gustaría que Dr. Dre me produjera un disco o André 3000, eso sería increíble”. Soy una gran fan de Duran Duran y de la música de los 80 en general. Como hicisteis una versión suya de ‘Save A Prayer’, quería preguntarte si eras fan del pop de esa época también. “Vi a Duran Duran en esa gira y fue jodidamente brutal. Y las chicas estaban como locas. Creo que son de los mejores compositores que conozco y muy majos también. Son gente maravillosa. Siempre había querido grabar esa canción y tenía un puñado de maquetas que había hecho en mi casa con diferentes versiones. Josh me dijo ‘si vas en serio, hagámoslo’. Me encanta hacer versiones, sobre todo las que se supone que no debería hacer”. He oído que también has he-

cho una versión de ‘Careless Whisper’ de George Michael. “Sí, es una de mis canciones favoritas. Te la pondré cuando acabe con las entrevistas”. ¡Gracias! ¿Hay alguna posibilidad de que hagáis un álbum sólo de versiones? “¡Sí! Estoy intentando hacerlo. Quiero meter una de Morrissey y otras versiones raras, todas de los 80. Soy producto de esa década, ¿sabes? La cocaína nunca fluirá como lo hizo en los 80, querida. La cocaína provocó que se hiciera muy buena música y muy buenas películas. Tienes que darle crédito. Simon Le Bon en persona me dijo que ‘Save A Prayer’ se hizo gracias a la cocaína. Pero a mí no me gusta, prefiero el speed”. Vuestra canción ‘I Love You All The Time’ fue versionada por varios artistas para recaudar fondos para la Sweet Stuff Foundation. Me gustó mucho la versión que hizo Chelsea Wolfe. ¿Cuál es tu favorita?


“AL MENOS VI MORIR A 18 PERSONAS… LES DISPARARON ENFRENTE DE MÍ Y NO PUDE HACER NADA… NADA” JESSE HUGHES

“La de Imagine Dragons. Me encanta su disco. Y también hubo un par de escuelas que hicieron versiones. Si vas a YouTube hay un par de universidades que hicieron versiones en plan orquesta de rock”. Vi el vídeo que hicieron Sinner Sinners. Mola mucho. Incluso estuviste en el estudio con ellos grabando la versión. “Sí, es una de mis favoritas. Son muy amigos míos y creo que son una banda de rock increíble. Nos encanta girar con ellos. Fue fácil para mí ir a ese estudio histórico, Valentine Studio, y trabajar con uno de mis mejores amigos. Soy vanidoso, créeme, me encanta hacer esa mierda”. ¿Cuál fue la inspiración para el tema ‘The Reverend’? “Soy un bautista del Sur de corazón”. Tengo entendido que te ordenaste como cura. “Sí, lo soy. Pero ahora mismo soy un católico devoto. Me lo tomo muy en serio. Soy un cura católico”.

¿De verdad? Pensaba que eras bautista… “Me bautizaron como católico porque mi padre lo es. Pero cuando mis padres se divorciaron, fui a vivir con mi madre, que es una bautista del Sur. Así que crecí con la cultura de la Convención Baustista del Sur. Pero cuando cumplí los 24 decidí que me gustaba más la pompa de la iglesia católica. Y la iglesia católica me ofreció la oportunidad de tener un ministerio. Querían a toda costa que se dejara de hablar de los abusos a menores. Harían lo que fuera. Básicamente activaron una campaña de relaciones públicas con artistas que creían cercanos a la causa católica. Y en un principio me ofrecieron ser reverendo. Y dije ‘No. Quiero ir al seminario y tomar los votos’. Y dijeron ‘vale’”. ¿Cómo es posible? Los católicos son muy estrictos. “Lo son, pero no lo son. Por eso puedes confesarte. Es la mejor salida. La iglesia católica miente todo el tiempo. Es una gran mentira. Pero creo en la salvación. Creo que una vez te has salvado, estás salvado para siempre. Creo en la fe. Personalmente soy más un fraile al estilo franciscano. De hecho, soy un cura franciscano. Tomé los votos de San Mateo y los votos de San Francisco. Y soy un fraile al que permiten no tomar el voto de celibato”.

Me cuesta creerlo. “Pero lo imaginé. Todo sale de mi imaginación, pero hago que se haga realidad. Les dije lo que quería y estuve un mes en un seminario de la diócesis de Los Ángeles”. ¿Y ahí es donde te vino la inspiración para ‘The Reverend’? “En parte sí. ‘The Reverend’ es sobre todo acerca de El Flautista De Hamelín. Es sobre gente que no puede bailar y aparece el reverendo. El título viene de una de mis guitarras que se llama The Reverend. Es un fabricante de guitarras… Lo que necesitas es un reverendo para meterte un poco de boogie”. ¿Quién es tu mayor inspiración ahora mismo? “Mmm… Roy Buchanan. Es un guitarrista increíble de los 70 que acabo de descubrir. Me está inspirando mucho. Luego te pondré algunas canciones suyas. Tú y yo vamos a sentarnos, tomar una cerveza y escuchar un poco de música. ¿Trato hecho?”. ¡Claro! ¿Cuál es el regalo más loco que te ha hecho un fan? “Literalmente me golpearon en la cara con un gran consolador. Moló mucho (risas). Podría haber sido mejor, pero fue increíble. Y una vez tanto hombres como mujeres me tiraron su ropa interior en el escenario. Supongo que les gusto por igual (risas)”. ¿Te verías girando con Steel Panther? Sería una pasada. “Amo a esos tíos. Son amigos míos. 115


Creo que sería una gran gira. Tienen un talento increíble. Son la hostia”. RAS TERMINAR la entrevista, Jesse insistió en que me quedara hasta que terminara el resto de entrevistas para seguir hablando. Una hora después, me llevó al autobús de gira donde tomamos algunas cervezas y me puso algunas de las versiones de las que me había hablado, la de George Michael, la de Morrissey y un par de Queens Of The Stone Age. También me dejó escuchar algunas maquetas del próximo disco de Eagles Of Death Metal. Mientras las escuchábamos, Jesse empezó a hablar de lo ocurrido en París. Le dije que no tenía por qué hacerlo porque sabía que era algo doloroso y que no quería que pasara por eso, pero insistió. Supongo que era importante para él. “Al menos vi morir a 18 personas… Les dispararon enfrente de mí y no pude hacer nada… nada”. Podía escuchar el dolor en su voz. “Pero”, continuó, “si hubiera tenido una pistola hubiera podido salvarles”. Fue muy impactante escucharle relatar todo aquello. Ni siquiera puedo imaginar lo que debió ser estar ahí. A continuación Jesse abrió su maleta y sacó unos pantalones manchados. “Éstos son los vaqueros que llevé esa noche. ¿Lo ves? Todo eso es sangre. Los he lavado y lavado, pero no se va”. Sus ojos estaban llenos de tristeza y le pregunté que por qué no se deshacía de ellos. “Llevo estos pantalones como un recordatorio… es terapéutico para mí”. Al cabo de un rato, dejamos la oscuridad atrás y hablamos de cosas más animadas. Siguió poniéndome más música de su ecléctica colección y me enseñó algunos souvenirs que ha ido comprando durante la gira, 116

como un gran abridor de madera con forma de pene que compró en Italia y unas plumas de jefe indio. Le pregunté si se las podía poner para las fotos. “¡Claro! Lo que quieras”, me dijo. Así que salimos del autobús y fuimos a la terraza de la sala donde nos encontramos con el resto de la banda y algunos fans franceses, supervivientes del atentado de Bataclan, a quienes habían invitado. Una de las chicas me contó que estaba justo enfrente de la valla del escenario cuando empezaron los disparos y que no tuvo donde escapar. La valla era demasiado alta como para saltarla y no había nadie de seguridad para ayudarles. Me contó que

el amigo que iba con ella recibió un disparo en los pulmones, pero sobrevivió. Todavía sigue recuperándose. Pude comprobar el increíble coraje y apoyo que comparten los fans y la banda y su amor por el rock’n’roll. Sólo puedo que admirarles. Eagles Of Death Metal fueron súper amables con todo el mundo y después del concierto hubo más cerveza, whisky y Tubi 60. Sí, Jesse, ahora conozco el poder del Tubi 60. Por suerte, tenía el fin de semana para recuperarme.


EODM 9 DE SEPTIEMBRE DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: ÓSCAR FERNÁNDEZ

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n una entrevista a su paso por Barcelona, Jesse Hughes, líder de Eagles Of Death Metal, comentaba que actualmente hasta la peor mamada es buena. Lo cual deja claro que la proyección de la banda desde lo sucedido en la sala Bataclan de París en noviembre de 2015 ha sido importante. Con unas medidas de seguridad poco habituales para una sala como Apolo (imagino que por protocolo o por petición de la banda), Eagles Of Death Metal por fin actuaron en Catalunya tras dos cancelaciones anteriores. La expectación que se había ido generando se plasmó en un sold out, aunque cabe destacar que el aforo se limitó más que en otras ocasiones. Con ganas de crear una auténtica fiesta, la formación -como es habitual sin Josh Homme pero con toda una leyenda como Dave Catching de earthlings? a la guitarra- saltó

a escena despojada de ningún complejo. Para muestra, la intro que dio inicio al show, la mismísima ‘Soy Minero’ de Antonio Molina despertando como mínimo la sonrisa de todos y preparándonos para una celebración de boogie rock que arrancó con uno de sus clásicos, ‘I Only Want You’. Jesse Hughes, sabedor de su nuevo estatus, ejerció de líder absoluto, dominó la escena con su verborrea de predicador y de aprendiz de Little Richard, y con una pose sexual que gustó al público femenino (durante ‘Oh Girl’ le llovieron sujetadores que le acompañaron para el resto del show, besó efusivamente a chicas en las primeras filas, etc.) y al masculino (bromeando con un consolador). Estas ganas de montar una buena fiesta fueron en detrimento de la propuesta musical, que se vio recortada por los parones entre temas para soltar discursos, bromas, etc.

La banda centró su set en su último trabajo, Zipper Down, del que sonaron hasta un total de seis temas, destacando la emotiva ‘I Love You All The Time’, donde hizo aparición una bandera francesa como único recuerdo de la noche del desgraciado atentado. También hubo tiempo para las influencias del grupo con una cover muy bien interpretada de ‘Save A Prayer’ de Duran Duran y otra menos inspirada de ‘Moonage Daydream’ de Bowie. Con la juerga ya por todo lo alto, remataron con un ‘Speaking In Tongues’ llevado hasta el infinito con solos y con un Hughes en el palco de la sala y una posterior invasión controlada de personal al escenario. Sin duda un show donde el espectáculo prima sobre la propuesta musical y que abre algunos interrogantes cuando, de aquí a unos cuantos años, pierdan ese aura especial del que ahora disfrutan. 117


THE INTERRUPTERS

REVOLUCIÓN EN STEREO SI EN TODOS LOS FESTIVALES SIEMPRE HAY UN GRUPO REVELACIÓN, SIN NINGÚN TIPO DE DUDAS THE INTERRUPTERS OCUPARON ESE PUESTO EN LA ÚLTIMA EDICIÓN DEL GASTEIZ CALLING. JUSTO DESPUÉS DE ACABAR SU CONCIERTO, PILLAMOS A LA NUEVA BANDA FAVORITA DE TIM ARMSTRONG PARA INTENTAR CONOCERLES UN POCO MÁS A FONDO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR/ERIC ALTIMIS (DIRECTO)

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XPLICAR LA HISTORIA de The Interrupters sería imposible sin mencionar al líder de Rancid. Hace apenas cuatro años que Aimee Allen decidió unir fuerzas junto al trío formado por los hermanos Bivona (Kevin a la guitarra, Justin al bajo y Jesse a la batería) para dar vida a The Interrupters. Afincados en Los Ángeles, su inmediata propuesta (un híbrido entre Rancid y The Distillers en clave de ska) no tardó demasiado en llamar la atención de, precisamente, Tim Armstrong. Tan


al día siguiente en Barcelona en el Rocksound. Tras haber puesto patas arriba a primerísima hora de la tarde el Iradier Arena, decidimos encontrarnos en el backstage del festival para volver a traerles a las páginas de nuestra revista. Por desgracia, la entrega de la banda fue tal que a Aimee apenas le quedaba voz, por lo que fue Kevin quien se encargó de atendernos.

prendado quedó de ellos que no dudó en ficharles como banda de apoyo para su proyecto en solitario Tim Timebomb And Friends, así como producir y editar su primer largo bajo el paraguas de su disquera Hellcat y hasta coescribir un par de temas. Una jugada que se ha vuelto a repetir en Say It Out Loud, uno de los trabajos que más hemos disfrutado este pasado verano y que a principios de septiembre vinieron a presentar en su primera incursión peninsular dentro del Gasteiz Calling vitoriano y

Acabáis de dar vuestro primer concierto en España y nos habéis hecho bailar y sudar de lo lindo... ¿Son todas vuestras actuaciones así? KEVIN BIVONA “Bueno, cada concierto es un poco diferente. Cuando tocamos en salas se nos hace incluso más complicado. Hoy por ejemplo ha estado bien tocar con el techo abierto para que así entrase el sol, aunque hiciese algo de calor. Pero todas nuestras actuaciones suelen ser diferentes, nunca sabemos qué esperar. Venir hoy a tocar por primera vez en el País Vasco, en Vitoria-Gasteiz, ha sido increíble. Habíamos visto que había un cartel lleno de bandas buenísimas y nosotros tocábamos justo al comienzo, por lo que asumimos que no habría mucha gente cuando saliésemos. Pero tío, la pista ha estado llena y la energía ha sido fantástica. Sé que mañana en Barcelona tocaremos en una sala muy pequeña, para menos de 200 personas. Eso nos gusta. Creo que tendré que darme una buena ducha después del concierto (risas)”. Explícame cómo vuestro camino, el tuyo y el de tus hermanos, acabó cruzándose

con el de Aimee. “Nosotros tres estábamos en otro grupo antes de empezar The Interrupters y Aimee había estado grabando discos y girando como artista en solitario durante mucho tiempo. En 2009, nuestra banda estaba en la misma gira con ella. Nos conocimos y nos hicimos amigos. A mí me encanta trabajar en el estudio escribiendo canciones, así que le propusimos que podríamos hacer algunos temas juntos y tal vez hacer un álbum. Al principio iba a ser un disco de ella sola. Yo estaba coproduciendo y también escribiendo las canciones con Aimee y entonces llamé a mis hermanos gemelos para que tocaran en el disco. Rápidamente tuvimos la sensación de que éramos una banda de verdad. Así que Aimee decidió que quería estar en un grupo, no quería continuar como artista en solitario. Tim Armstrong también estaba colaborando en el álbum y nos ayudó a darnos cuenta de que esto era lo que de verdad queríamos hacer”. ¿Y qué tipo de música hacía Aimee antes de formar el grupo? ¿Estaba ya familiarizada con la escena punk rock? “Ella siempre ha estado moviéndose alrededor del rock’n’roll, también la música reggae... Los cuatro crecimos tocando en grupos de punk rock y también en muchas bandas de otros estilos diferentes, porque es algo que forma parte de ser músico. Creo que todos nos sentimos atraídos por diferentes géneros, pero el punk es algo con lo que crecimos y con lo que siempre hemos estado relacionados. Cuando eres joven y vas por primera vez a un concierto de punk rock, eso 119


“CUANDO ERES JOVEN Y VAS POR PRIMERA VEZ A UN CONCIERTO DE PUNK ROCK, ESO LO ES TODO PARA TI” KEVIN BIVONA

lo es todo para ti. Si tocas música, según vas madurando también quieres experimentar y probar otras cosas, pero de alguna manera siempre acabas permaneciendo fiel a ese background al que perteneces”. ¿Os costó mucho dar con vuestro sonido o surgió de una manera muy fluida? “No pensamos mucho en la dirección en la que queríamos ir. Simplemente decidimos que queríamos tocar ska punk y empezamos a escribir canciones. Cuando fuimos al estudio a grabar, no teníamos ni idea de cómo acabaría sonando el disco exactamente hasta que estuviese acabado. Y cuando lo terminamos fue como ‘bueno, supongo que sonamos así’. Yo hacía una progresión de acordes, trabajábamos en la canción juntos, con la guitarra acústica, ha120

cíamos las letras y al día siguiente íbamos a grabar al estudio. Pero no tenía en mente que yo soy un chico y Aimee una chica, por lo que yo escribía las canciones inconscientemente para que fuesen cantadas por una voz masculina. Y cuando llegaba el momento de grabar las voces, por ejemplo en el estribillo de ‘A Friend Like Me’, nos dimos cuenta de que cantaba en un tono muy bajo. Pero Tim Armstrong, que estaba ahí produciendo, dijo: ‘Sí, puede que suene muy bajo, pero queda genial’. (Risas) Así que fuimos descubriendo nuestro propio sonido a partir de ahí, poco a poco, como si fueran pequeños accidentes durante la grabación. Fue muy natural”. Cuéntame un poco cómo surgió vuestra relación con Tim Armstrong. ¿Quién descubrió

a quién? “Todos en el grupo amamos a Rancid desde que éramos pequeños. Cuando tenía 18 años estuve girando con Transplants como teclista. Un amigo mío conocía a alguien que trabajaba con ellos y me dijo que estaban buscando alguien que tocase el teclado. Les dieron mi número, nos conocimos y me fui con ellos. He crecido trabajando mucho en estudios de grabación porque mi padre era ingeniero de sonido. Grabé a muchos grupos amigos sus primeras maquetas durante los fines de semana y cosas así. Desde entonces he estado colaborando con Tim en muchos proyectos a lo largo de los años, tanto antes como después de que formásemos The Interrupters. Por ejemplo, el disco que hizo con Jimmy Cliff, los Transplants, también en el último álbum de Rancid. Siempre estamos trabajando juntos en el estudio”. Aparte de ficharos para su discográfica, Hellcat, también ha colaborado produciendo vuestros dos álbumes. Supongo que para vosotros Tim es como una especie de padrino o algo así... “Más que un padrino, nosotros lo consideramos un hermano mayor. Es nuestro mentor”. ¿Y cuál ha sido el mejor consejo que os ha dado? “Lo mejor que nos ha dicho es que hagamos las cosas de manera natu-


ral y que no pensemos demasiado. A veces te pasas mucho tiempo dándole vueltas a la cabeza sobre qué pensará esta persona sobre esto o qué sucederá si hacemos aquello. Pero tienes que permanecer fiel a tu instinto y hacer lo que es mejor para ti. Creo que ése es el mejor consejo que nos ha dado”. ¿Y cómo es trabajar con Tim? ¿Suele ser uno de esos productores que se lo toman todo con mucha tranquilidad o por el contrario os mete mucha caña a la hora de trabajar? “No, tío. Es muy divertido. Nos lo pasamos muy bien grabando. Lo guay de él como productor es que, primero, él está en un grupo, es músico y compositor. Por lo que, básicamente, cuando entramos en el estudio, es como si fuese el quinto miembro de la banda. Siempre nos estamos lanzando ideas. Lo segundo es que cuando las cosas se vuelven un poco tensas o estamos trabajando demasiado, pasamos a otra cosa para así mantener las buenas vibraciones y que siga siendo divertido. Creo que eso se puede notar cuando escuchas nuestra música. Nuestros discos no suenan como algo que esté excesivamente pensado. No quiero decir que no nos importe o que no trabajemos duro en ello, porque lo hacemos, pero a nuestra manera”. En vuestro nuevo álbum, Say It Out Loud, seguís basando vuestra propuesta en el ska, pero también hay más canciones que son puro punk rock. ¿Era algo deliberado que queríais conseguir en este trabajo, ser más diversos y poder ir

en diferentes direcciones? “Pienso que es simplemente la evolución respecto a nuestro debut. En el primer disco teníamos ‘Take Back The Power’, que era muy diferente al resto de canciones. Así que cuando empezamos a escribir temas nuevos pensamos: ‘Intentemos hacer algo parecido, pero más rápido’. Ahora tenemos un par de referencias más. Con Say It Out Loud teníamos un montón de canciones con las que estábamos contentos, así que las metimos todas en el disco. Por ejemplo, ‘Control’ la grabamos para el primer disco, pero no terminaba de encajar con la línea que llevaban las otras canciones. Así que la guardamos para el siguiente y creo que ahora ha encontrado su lugar en el nuevo álbum. También sacamos un 7” con ‘Babylon’ y ‘Jenny Drinks’ hace un año y medio. No sabíamos si las incluiríamos, pero cuando terminamos el disco, buscamos un orden y una secuencia en la que pudieran funcionar. Sólo hicimos unas 500 copias de ese single, por lo que mucha gente no había escuchado esas canciones. Creo que ahora nos conocemos mucho mejor como grupo dado que hemos dado más conciertos, pasamos más tiempo juntos y sabemos qué es lo que nos gusta”. También en vuestras canciones hay un contraste muy interesante. Vuestras letras suelen hablar sobre problemas sociales como la violencia doméstica, por poner un ejemplo... pero al mismo tiempo la música que hacéis es como una invitación a bailar y pasarlo bien. “Sin duda es un gran contraste.

Como he dicho antes, crecimos divirtiéndonos en los conciertos, pero cuando escribes una canción, tienes que hacerlo sobre algo que te apasione de verdad. Pero al mismo tiempo sólo somos un grupo de música, no somos políticos. Solamente queremos hacer música divertida y hacerte bailar. Y si te gustamos y miras nuestras letras, quizás abras los ojos y empieces a darte cuenta de cosas en las que nunca antes te habías parado a pensar. O incluso si no estás de acuerdo, creo que nuestras canciones tienen un mensaje positivo, de unidad, amor, familia... Para nosotros es importante escribir sobre las cosas que nos importan, pero también saber disfrutar. Si las letras son duras, la música debe ser más relajada”. Tú eres el mayor de los tres hermanos. Supongo que deben preguntártelo mucho en las entrevistas, pero ¿cómo es estar de gira con dos gemelos? ¿No hay momentos en los que tienes que controlarles un poquito? “Para nada. Son muy tranquilos y tímidos. A veces tengo que animarles para que hablen algo en los conciertos (risas). Pero nos llevamos muy bien. Creo que lo importante en cualquier grupo es, seas familia o no, saber respetar el espacio de cada uno y, al mismo tiempo, preocuparte por los demás. Cuando tenemos alguna discusión por el grupo, lo resolvemos igual que si fuese una situación familiar, así que es genial”.

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PENNYWISE

GASTEIZ CALLING 3 DE SEPTIEMBRE DE 2016 IRADIER ARENA, VITORIA TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ALEX BELZA

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THE INTERRUPTERS

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i ya el año pasado la irrupción del Gasteiz Calling en el circuito festivalero supuso una enorme alegría para quienes nos chifla el punk rock y el hardcore de la vieja escuela, éste no ha sido menos ya que el evento ha superado por completo su debut, tanto en la calidad de las bandas ofertadas como en la asistencia de público. Y es que pocos planes resultan más apetecibles como acercarse hasta una ciudad tan acogedora como Vitoria, degustar unos cuantos pintxos por el Casco Viejo y disfrutar de algunos de nuestros grupos favoritos. Viendo el éxito que está adquiriendo, quizás no resultaría descabellado pensar que para el próximo año la organización se anime a sumar una jornada más, convirtiéndolo así en una especie de Azkena en clave punk. Pero primero hablemos de lo que aconteció en esta edición...

Los encargados de la siempre poco agradable tarea de abrir fuego fueron nuestros queridísimos G.A.S. Drummers. A las cuatro de la tarde vieron a la gente comenzando a entrar poco a poco en el recinto con un calor inmenso, y también sufrirían las consecuencias de ser la primera banda del festival, con el consiguiente sonido que todavía no estaba ajustado del todo. Aun así, los gaditanos ya tienen el culo pelado de verse en este tipo de situaciones y gracias a sus temas más recientes como ‘Blind’, ‘Phoenix’ y ‘We Got The Light’, convencieron a los que se habían animado a hacer acto de presencia a una hora tan temprana. Lo de The Interrupters fue bien distinto. Ya con la pista más llena y con bastante público muy joven, la formación californiana no pudo tener mejor acogida en su primer concierto en nuestro país. Desde que arrancaron

con ‘A Friend Like Me’ nos pusieron a bailar, poguear y sudar de lo lindo con uno de los mejores sonidos que llegamos a disfrutar a lo largo del día. ‘By My Side’, ‘She Got Arrested’ y ‘On A Turntable’ funcionaron de maravilla combinadas con otras de su debut, casos de ‘This Is The New Sound’, ‘Easy On You’ o ‘Family’, pero es en himnos como ‘Take Back The Power’ o ‘Loyal’ donde dan la sensación de que pueden convertirse en un grupo muy grande de aquí a unos años. Apostamos por ellos como la revelación del festival, pues cumplieron con creces de manera inmejorable. En la previa había estallado la polémica sobre la ideología homófoba que promovían AntiNowhere League en relación a la letra de ‘The Day The World Turned Gay’. Parece que con el tiempo los ingleses han escarmentado y a parte 123


SIXX AM

LENDAKARIS MUERTOS de descargar su street punk gamberro con una sonora ‘So What?’, finalizaron su setlist sacando a pasear una bandera arcoíris por el escenario con la intención de dejar zanjado el asunto. Los que no ofrecieron tregua fueron unos Lendakaris Muertos que salieron a por todas. Con una actitud kamikaze y escupitajos del calibre de ‘Cómeme La Franja De Gaza’, ‘Drogopropulsado’, ‘Veteranos De La Kale Borroka’ u ‘Oso Panda’, consiguieron desatar los primeros circle pits de la tarde. A su lado unos históricos del hardcore underground como Youth Brigade parecieron mucho más comedidos, aunque supieron dar toda una lección de cómo se juega a esto e igualmente incitaron al stage diving continuo de la 124

mano de clásicos de su repertorio como ‘Violence’, ‘Spies For Life’ o ‘Fight To Unite’. Un hecho que provocó que más de un asistente especialmente motivado se metiese algún buen hostiazo contra la pista. Los grandes nombres del cartel empezaban a hacer acto de presencia y sin duda el de Ignite era de los que más ganas teníamos de presenciar. Sin embargo, ofrecieron un concierto completamente deslucido. Principalmente por la ausencia de su guitarrista Brian Balchack, lo que les hizo perder bastante punch en muchos instantes, como ‘My Judgement Day’ u ‘Oh No Not Again’. Tampoco ayudó que estando tan justos de tiempo se desmarcasen bajando la pulsaciones con una irreconocible ‘Slowdown’ y la

IGNITE acústica ‘Better Days’. Y es que por mucho que les haya costado sacar un nuevo álbum, siguen apostando por las canciones de Our Darkest Days como sus principales armas en directo, algo que, si ya les has visto un par de veces, les resta unos cuantos puntos en lo que a interés se refiere. Hasta Zoli, que una vez más estuvo soberbio a las voces, parecía un tanto desganado en su forma de cantar. Menos mal que la cover de ‘Sunday Bloody Sunday’ de U2 y una final ‘Bleeding’ son capaces de salvar un mal día. Por su parte, Gorilla Biscuits dieron otra ración de hardcore neoyorquino con buen sonido y muchísima clase. Con Walter Schreifels a la guitarra y CIV ejerciendo de perfecto maestro de ceremonias, no tardaron en conseguir


COCK SPARRER una rápida comunión con el público. Su mítico Start Today fue interpretado casi íntegramente con ‘New Direction’, ‘Stand Still’, ‘Competion’ o su versión de ‘Minor Threat’ como puntos álgidos. ¡Hasta el solo de armónica en ‘Start Today’ quedó de lujo! La presión en las primeras fila comenzaba a notarse y eso sólo podía significar que los cabezas de cartel estaban a punto de asaltar el escenario. Con un sonido algo embarullado al principio, Pennywise despegaron con ‘Fight Til You Die’, ‘Can’t Belive It’ y ‘My Own Country’ para irse poniendo a tono poco a poco. La acústica fue mejorando y según iban pasando los clásicos (‘Homesick’, ‘Peaceful Day’, ‘Same Old Story’) más acabamos disfrutando. Al contrario que en su

anterior visita en 2013, ahora a Jim Lindberg se le nota más integrado de nuevo en la formación y, sobre todo, motivado. Sigo echando en falta que toquen menos versiones (esta vez cayeron ‘Blitzkrieg Bop’ de los Ramones, ‘Do What You Want’ de Bad Religion y la inevitable ‘Stand By Me’) y recuperen algunos cortes de sus últimos discos que tienen tan abandonados. Pero si consiguen atacar con semejante convicción ‘Society’, ‘The World’ y ‘Fuck Authority’, parece un mal menor. No hubo ningún guiño a Zoli para que saliese a cantar algún tema de All Or Nothing, aunque el ‘Bro Hymn’ final con Lindberg bajando al foso para unirse con la audiencia es de los más épicos que les hemos visto. Para muchos era una oportunidad

única de ver a Cock Sparrer, más teniendo en cuenta que es una banda que se prodiga poquísimo sobre los escenarios y desde luego se notaba por las vestimentas que se veían entre los asistentes. A pesar de una media de edad de unos 60 años y otros más de 40 de trayectoría, nada impidió que estos ‘chavales’ del East End de Londres triunfasen por todo lo alto en el Gasteiz Calling. Desde que empezaron a disparar con ‘Riot Squad’ y ‘Working’, aquello se convirtió en un estadio de fútbol con bengalas incluidas. Himno tras himno, cántico tras cántico, supieron transmitir el mejor espíritu hooligan con ‘What It’s Look To Be Old’, ‘Because You’re Young’, ‘Where Are They Now’ o el cierre con ‘England Belongs To Me’, que les 125


TURBONEGRO

coronó como los absolutos vencedores de la cita. Una vez finalizados Cock Sparrer, no fueron pocos los que optaron por la retirada, pero aún quedaba una bala en la recámara para quienes prefirieron quedarse. De repente, un telón con una estampa nocturna de una ciudad apareció y de un oscuro callejón surgieron seis extrañas criaturas con la intención de pervertirnos un poquito más a esas horas de la madrugada. Con la incorporación de un nuevo teclista, lo 126

que ofrecieron Turbonegro no fue muy diferente a lo que les hemos visto desde que Tony Sylvester se hizo con el micrófono, aunque sí incluyeron una inesperada ‘City Of Satan’ que reprodujeron con la máxima fidelidad. Sus dos nuevos singles, ‘Hot For Nietzsche’ y ‘Special Education’, sonaron de lujo y también colaboraron en renovar un poquito un repertorio ganador como suele ser habitual (‘You Give Me Worms’, ‘Wasted Again’, ‘Fuck The World’, ‘Turbonegro Must Be

Destroyed’, ‘Blow Me (Like The Wind)’). Mención especial para un Euroboy que volvió a rayar a un nivel estelar a las seis cuerdas. Y a pesar de que se vieron obligados a prescindir de dos trallazos como ‘Get It On’ y ‘I Got Erection’, el himno ‘The Age Of Pamparius’ nos sentó de maravilla como despedida de esta edición. Ya afianzado como una realidad, el Gasteiz Calling debería plantearse dar un paso más adelante de cara al próximo año. Sea como sea, esperamos repetir para contarlo.


BORN OF OSIRIS

SUMERIAN ALLIANCE 21 DE SEPTIEMBRE DE 2016 SALA SALAMANDRA L’HOSPITALET DE LLOBREGAT TEXTO: JOAQUÍN ALBERO FOTOS: ERIC ALTIMIS

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VEIL OF MAYA

U

nos instantes después de entrar a la sala empezaron a sonar Volumes, lo que indicaba que me había perdido a Black Crown Initiate. Una pena que, por suerte, apaciguaría el bolazo de Born Of Osiris dentro del tramo europeo de este Sumarian Alliance 2016. Volumes arrancaron su actuación con el público un poco frío, por lo que la banda decidió tomar medidas desde el inicio de su segundo tema incitando a los asistentes a liarla. Se notaba que no querían resignarse al papel de teloneros y la verdad es que sonaron bastante mejor que en su anterior concierto en Razzmatazz 3. Aquel día no me di cuenta de que los dos vocalistas cantaban exactamente igual, pero sí en esta ocasión, es curioso… Las guitarras de ocho cuerdas le daban mucho rollito a los temas, que sonaban efectivos y contundentes, aunque de vez en cuando uno de los cantantes seguía tratando de que nadie perdiese el hilo del show soltando algún que otro “Barselona”. En la penúltima canción se unió a la fiesta el cantante de Veil Of Maya. La cosa se calentaba y llegaría a su

apoteosis con ‘Wormholes’, tema en el que el cantante (que parecía Carlos Jean en delgado) animó al público a saltar como locos. Ahí la gente estalló y Volumes consiguieron poner el broche a una más que correcta actuación. Tras media horita de rap ambiental, Backstreet Boys, Die Antwoord y demás basura que no pintaba nada, se apagaron las luces y apareció Okubo, el guitarrista de Veil Of Maya, con un peinado a lo Neymar y su guitarra morada, seguido del bajista y el cantante. Parecían tener aún más ganas de armarla que sus predecesores, pero la gente volvía a empezar calmada y tocaba currárselo… Personalmente este concierto se me hizo largo, Veil Of Maya tienen un sonido muy característico, apoyado en los riffs de Okubo, pero considero que sobra tanta voz melódica. De hecho, hasta me recordaron un poco a Periphery. Finalizaron el set con ‘Mikasa’, tema en el que todos hicieron un extraño baile. Cuando iban a marcharse del escenario, un chaval de unos 12 años subió para abrazar al cantante. Fue la nota tierna...

Tras otro interludio aparecieron Born Of Osiris, dejando claro quién mandaba ahí desde el minuto cero, con el sonido brutal y la calidad impecable que les caracteriza. Pese a que de vez en cuando el guitarrista desaparecía para solucionar algunos problemas técnicos, el ritmo de la actuación no se resentía porque hay tablas y porque sencillamente son muy buenos, qué coño. Poco a poco iban cayendo los temazos y la gente, en perfecta sintonía, se mostraba cada vez más animada, y si no que se lo digan a Volumes, con su guitarrista entre el público dándolo todo y su cantante disfrutando y saliendo a interpretar un tema junto a Born Of Osiris… Un show directo y potente que se remató con ‘Machine’ con todo el público pidiendo un bis. Se animaron a tocar una más, la ocasión lo requería, y cerraron con ‘Follow The Signs’, un buen colofón para una noche en la que la que gente, incluso Amaro, no podía dar más de sí. Aunque si les hubiesen dejado seguro que la fiesta habría durado más... lástima. 129


GRAVEYARD 10 DE SEPTIEMBRE DE 2016 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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BALMOG

M

ás que la presentación en casa de su nueva obra por parte de Graveyard, lo del sábado 10 de septiembre fue una celebración. Una celebración de todo nuestro metal extremo de la vieja escuela, que por fin ha asumido la mayoría de edad y no sólo aspira a hacer las cosas bien, sino que las realiza de una forma que se sitúa muy por encima de lo que nunca soñamos. ¿Para qué obsesionarse con el Resu o el Rock Fest si podemos tocar en el Summer Breeze, el Obscene Extreme, el Party.San o incluso algunos en el Maryland Deathfest? ¿Para qué pagar por salir en revistuchas si nos vienen a buscar las mejores publicaciones del planeta? Con un trabajo concienzudo y un álbum como …For Thine Is The Darkness, los protagonistas de la noche nos mostraron cómo están conquistando el death metal de fuera de nuestras fronteras, y sus invitados tampoco es que se quedaran muy atrás. Ered fueron los encargados de dar el pistoletazo de salida, y de qué manera

nos cortaron en dos con su blackened death de aires escandinavos. Era mi tercera vez con ellos este año y os puedo asegurar que en tan breve lapso de tiempo han ido a mejor en cada nuevo envite. Si te ciñes a un discarral como Night Of Eternal Doom es normal que firmes un bolazo, y si le añades una ‘Crawling Through The Fog’ de tu reciente split con Balmog, entonces ya es la hostia. En todos los sentidos, los barceloneses han crecido una barbaridad en los últimos tiempos, y no parece que hayan alcanzado su tope. Y ya que hablamos de Balmog, lo suyo tampoco tuvo nombre, aunque ya estemos más que acostumbrados a que los gallegos nos dejen con la boca abierta. Con esa aura que despiertan sin necesidad de sobreactuar ni hacer el payaso, nos enchufaron sus negros salmos para hacer de su último Svmma Fide un himno hacia todo lo maligno. Son la mejor banda de black metal que ha tenido nunca este país. Me confieso tan fan de Balmog que

ya me pensaba que estaba todo el pescado vendido esa noche, pero por suerte Graveyard me pegaron tamaño puntapié en la boca que no puedo más que acreditarlos como justos vencedores de su fiesta. Desde que abrieran con ‘With Fear And Thirst’ hasta la última nota de su show vimos a la banda dándolo todo, perfectamente engrasada tras regresar recientemente de su enésimo periplo internacional. Esta vez, ni uno iba más pasado que el resto, ni el otro se mostraba demasiado estático… No, nada de eso. Graveyard iban a una, con un sonido perfecto para su moho de tintes suecos y un headbanging desbocado que no cesó ni un segundo. Intercambiando golpes de su reciente plástico con otros más pretéritos como ‘One With The Dead’, pusieron la sala Bóveda patas arriba. En la mejor descarga que les recuerdo, por fin Graveyard nos mostraron por qué están encandilando a Europa. Una velada gordísima. Una victoria mayúscula. 131


DE GIRA

PAIN

28 DE OCTUBRE RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) 29 DE OCTUBRE CHANGÓ (MADRID) 1 DE NOVIEMBRE STAGE LIVE (BILBAO)

E

n la portada de Coming Home, tu nuevo álbum, sale una astronauta con cara triste, como esperando volver a casa. ¿Es así como te sientes cuando estás en la carretera? PETER TÄGTGREN (voz, varios instrumentos) “Eso lo dejo para que la gente lo interprete como quiera. Para mí es una pieza de arte muy guay. Era una idea que me rondaba por la cabeza desde hace tiempo, y que viene a significar hacer el contrario de lo que, se supone, debes hacer”. En esta gira vas a llevar de

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batería a tu hijo Sebastian de 17 años. ¿No te da respeto llevarte a tu propio hijo de gira con todo lo que conlleva? “No. Mucha gente me dice lo mismo, e incluso personas de mi entorno más cercano no están muy de acuerdo con que haya tomado esta decisión, pero yo creo que no habrá ningún problema y que todo saldrá bien. Durante las giras nos dedicamos a tocar y no hay tanto lugar para el desmadre como podría imaginarse la gente”. Hablando del álbum, puede que éste sea el disco de PAIN

más variado estilísticamente, y eso es bastante decir en una banda como ésta. Tenemos desde piezas con orquesta a canciones heavies directas y simples como el single ‘Call Me’. ¿Tienes algún tipo de objetivo cuando empiezas a componer un álbum? “No. La mayoría de canciones suelen nacer muchas veces de errores o simplemente por casualidad. Empiezas a tocar sin un objetivo una guitarra acústica y sobre eso empiezo a construir una canción. Ésa suele ser la manera en como se construyen las canciones. Muy pocas veces empie-


AGENDA OCTUBRE za sobre una idea concreta que tengo en la cabeza”. Siempre estás intercambiando tus proyectos ya sea como músico en Hypocrisy o Lindemann, o bien como productor. ¿Hasta qué punto los proyectos en los que has trabajado más recientemente te afectan a la hora de crear música? “Bueno, podríamos decir que todo y nada me influencia. No tiene que ser necesariamente algo en lo que haya trabajado recientemente. Mi pasado está ahí y siempre te pueden venir cosas a la cabeza, pero también puede ser una imagen de televisión o algo que escuche en la radio. Todo puede servir en un momento determinado”. ¿Hay algún momento en que pienses ‘bien, voy a ponerme a hacer un disco de PAIN o de Hypocrisy’? “No especialmente. A veces lo marcan las circunstancias. PAIN es mi proyecto personal, así que es más fácil que haya disposición porque no dependo de otras personas. Ahora mismo no parece haber mucho movimiento alrededor de Hypocrisy y Till está muy ocupado con Rammstein como para pensar en Lindemann”.

BEHEMOTH 26 MADRID, 27 BARCELONA BLACK OATH 23 ZARAGOZA, 24 BARCELONA BLUES PILLS + KADAVAR 25 MADRID, 26 BARCELONA THE CHEMICAL BROTHERS 27 MADRID, 28 BARCELONA DARK FUNERAL 21 MADRID, 22 L’HOSPITALET DE LLOBREGAT DEATH 6 BARCELONA, 7 SAN SEBASTIÁN, 8 VITORIA, 9 ZARAGOZA DYNAZTY 6 BARCELONA, 8 VILLAVA, 9 MADRID, 11 SANTIAGO DE COMPOSTELA ELECTRIC MARY 6 ZARAGOZA, 7 MADRID, 8 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 13 GIJÓN, 14-15 VITORIA, 16 BARCELONA ENSLAVED 30 BARCELONA, 31 MADRID EQUILIBRIUM 8 MADRID, 9 BARCELONA FU MANCHU 6 MADRID, 7 BARCELONA GET DEAD 15 BARCELONA, 16 CASTELLÓN, 17 MADRID, 18 MÁLAGA, 19 SEVILLA, 21 OVIEDO, 22 ORDIZIA JOE LYNN TURNER 7 CALELLA, 8 PAMPLONA, 9 MADRID, 11 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 12 OVIEDO KATATONIA 12 BARCELONA, 13 SEVILLA, 15 MADRID

Tienes fama de ser muy perfeccionista. ¿Cómo manejas la situación de tener la responsabilidad total en un disco como músico y como productor sin volverte loco? “Supongo que aprendes a llevarlo. Me suele llevar una semana de media el hacer un tema, y mientras estoy en ello no puedo dejarlo de lado. El tiempo pasa a ser algo secundario”. Pero en algún momento has de dar por finalizada la grabación de un disco o una canción... “Ése es un momento terrible. Lo paso especialmente mal en la mezcla. La mezcla es una puta pesadilla porque es la última parte del proceso de una canción y ya estás al límite, pero por otra parte es lo que la gente va a escuchar en sus casas. Normalmente siempre tengo que atrasar los plazos de entrega porque no suelo llegar. Sin ir más lejos, tenía que entregar este disco a principios de junio y no pude hacerlo hasta mediados de julio. No puedo evitarlo”. (RICHARD ROYUELA)

LES BUTCHERETTES 11 MADRID, 12 BARCELONA MANLIFTINGBANNER 14 CASTELLÓN, 15 BARCELONA THE MISSION 14 MADRID, 15 VALENCIA, 16 BARCELONA NIGHT BEATS 7 BARCELONA, 8 MADRID NOT ON TOUR 27 VALENCIA, 28 CASTELLÓN, 29 BARCELONA, 30 VIDRERES, 31 BILBAO NOTHING 5 BARCELONA, 6 MADRID, 9 ZARAGOZA PAUL GILBERT 24 BARCELONA, 25 MADRID PIERCE THE VEIL 30 MADRID RAGING FYAH & STICK FIGURE 10 MADRID, 12 BARCELONA RED HOT CHILI PEPPERS 1-2 BARCELONA SUICIDAL ANGELS + CRISIX 11 MADRID, 13 MURCIA, 14 L’HOSPITALET DE LLOBREGAT THIS WILD LIFE 27 MADRID, 28 MANRESA, 29 BARCELONA TWIN PEAKS 13 MADRID, 14 BILBAO WHILE SHE SLEEPS 27 BILBAO, 28 MADRID, 29 BARCELONA


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