RockZone 111 - 02/2015

DOVE R,VI VABE L GRADO,DAYL I GHT ,NARCO,T HECROWN,SPI DE RS,SI XX:A. M.

T O U ND R A E X P L O S I O N E SC E L E S T I A L E S

+ P AP AROACH

ANGE L USAP AT RI DA NAP AL M DE AT H VE NOM RI S EOFT HENORT HS T AR T ORCHE

RESUL T ADOS 2014: NUEST ROS L ECT ORESVOT AN

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Marilyn Manson (DR)

EDITORIAL Hace justo un año, coincidiendo con nuestro número 100, decíamos adiós al papel y nos lanzábamos exclusivamente al mundo digital. Aunque sabíamos que era la decisión correcta, mentiríamos si no dijéramos que teníamos algo de miedo y sentíamos un vértigo considerable. Bueno, en realidad estábamos cagaos... Por suerte, tenemos unos lectores increíbles que nos han seguido apoyando y, además, gracias al nuevo formato se han multiplicado exponencialmente. Así que sólo nos queda daros las gracias por permitirnos seguir adelante y desear que nos sigáis acompañando durante mucho tiempo. Ah, y a los pocos que se frotaban las manos pensando que este salto iba a suponer nuestra desaparición… Enjoy!

SUMARIO

nยบ 111

9 / INTERFERENCIAS

24 / PAPA ROACH

36 / TOUNDRA

46 / VENOM

64 / DOVER

68 / VOTACIONES 2014

100 / NAPALM DEATH

107 / DAYLIGHT

28 / VIVA BELGRADO

32 / TORCHE

50 / RISE OF THE NORTHSTAR

58 / ANGELUS APATRIDA

72 / DISCO DEL MES

74 / CRíTICAS

111 / EN DIRECTO

120 / DE GIRA

SUMARIO

nº 111

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

122 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48.

4º 1ª B. 08005 Barcelona.

Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Guinovart.

Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén.

Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak).

Foto de portada: DR

new del mes_FOO FIGHTERS DAVE GROHL CELEBRÓ SU 46 ANIVERSARIO CON UN CONCIERTO EN EL FÓRUM DE LOS ÁNGELES ACOMPAÑADO DE SU BANDA Y UN MONTÓN DE INVITADOS. ASÍ DA GUSTO CUMPLIR AÑOS…

T

e imaginas celebrar tu cumpleaños rodeado de 17.000 personas y acompañado por algunos de tus ídolos musicales? Pues justo ése es el homenaje que se dio Dave Grohl el pasado 10 de enero en el Fórum de Los Ángeles. Lo que se había anunciado unos pocos días antes como una actuación de calentamiento para la gira de Foo Fighters acabó convirtiéndose en un concierto histórico en el que las sorpresas se iban sucediendo sin que los asistentes tuvieran tiempo de asimilar lo que estaban viendo. El primero de ellos llegó nada más el grupo se subió al escenario, situado en medio de la pista... ni más ni menos que Paul Stanley de Kiss para interpretar ‘Detroit Rock City’ y ‘Do You Love Me’, que curiosamente en su momento habían versionado Nirvana. Luego los Foos interpretarían ‘All My Life’, ‘Rope’, ‘The Pretender’ y ‘My Hero’ antes de que Slash y Tenacious D dieran paso a una lluvia de globos, animaran al público a cantar ‘Happy Brithday’ al anfitrión y lo remataran con versiones de ‘Tie Your Mother Down’ de Queen e ‘Inmigrant Song’ de Led Zeppelin, en la que Jack Black se salió con la voz. La cerveza y las botellas de champagne no paraban de correr

encima de las tablas, dándole un verdadero aire de fiesta a la noche. A ella se sumó Alice Cooper para interpretar sus clásicos ‘School’s Out’ y ‘I’m Eighteen’, y un poco más tarde Nick Oliveri en una versión de ‘Two Headed Dog’ de Roky Ericsson. El barbudo Zakk Wylde añadiría poderío a las versiones de ‘N.I.B.’ y ‘Fairies Wears Boots’ de Black Sabbath, con Grohl tocando el bajo, mientras que Perry Farrell de Jane’s Addiction dejaría oír su peculiar voz en ‘Mountain Song’, pero fallaría al no acordarse de la letra de una improvisada ‘Miss You’ de los Rolling Stones. Trombone Shorty, uno de los protagonistas del episodio de Sonic Highways dedicado a Nueva Orleáns, protagonizó una espectacular jam jazzera entre ‘This Is A Call’ y ‘Best Of You’, antes de que David Lee Roth se hiciera con el mando para cantar dos espectaculares cañonazos de Van Halen: ‘Panama’ y ‘Ain’t Talking ‘Bout Love’. La noche llegaba a su fin, pero todavía le quedaba un as en la manga: Lemmy. El líder de Motörhead, junto a Slash y Zakk Wylde, pusieron el broche de oro con ‘Let It Rock’ de Chuck Berry. 33 temas a lo largo de tres horas y media que esperemos podamos ver algún día, al menos, en DVD.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ CRÍA CUERVOS

M

alas noticias para los fans de los Black Crowes. Hace un par de semanas el guitarrista Rich Robinson comunicaba oficialmente que la banda ponía fin a su carrera después de 25 años. No es la primera vez que el grupo de Georgia cesa su actividad, ya lo hicieron en 2002 y luego en 2010, aunque en ese caso el anunciado “hiato indefinido” sólo duró un par de años y eso permitió verles de nuevo en el Azkena Rock Festival.

Sin embargo, esta vez la cosa huele un poco peor. Y es que según cuenta Rich, la ruptura ha venido motivada por la pretensión de su hermano y vocalista Chris Robinson de hacerse con el control de la propiedad del nombre de la banda y de relegar al batería y miembro fundador Steve Gorman a la categoría de simple asalariado. Si la relación entre los dos hermanos siempre ha sido mágica en lo musical, pero tensa en lo personal, esta demanda de Chris ha sido la gota que ha colmado el vaso y la ha roto definitivamente. Quizá no haya que dramatizar, pero recordemos que la misma situación instigada por parte de Axl Rose es la que provocó la salida de Slash de Guns N’ Roses… Y por ahora ni ha vuelto, ni se le espera. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@Goomorillo23 Para el 99% de lectores y redactores de @RockZone la lista de discos del año comienza por el segundo puesto (Weezer), el 1% es Pau Navarra. :) @berritxarrak #DDPB entre los mejores discos de 2014 según @RockZone, ¡¡gracias!! @TronoDeSangre @RockZone también han hecho su lista de lo mejor del año, ¡y han puesto nuestro LP en el puesto número 13! ¡Gracias! @Biznaga77 @RockZone nos pone en el número 3 en su lista de lo mejor del año. @LuisMejia Se ve que está muy bueno el último número de @RockZone, llegando a casa lo revisaré. @leurii ¡¡Gracias @RockZone por la maravillosa entrevista a @FrankIero y toda la revista en general!! @abyzombie Soy afortunada porque me puedo leer la @RockZone en clase y vosotros no. @themaineEs The Maine sacarán su quinto disco #AmericanCandy en primavera. Un albúm más positivo y menos introspectivo. ¡Lo esperamos con ganas!

10

El pasado 15 de enero tuve la suerte de conocer a Gerard Way en la fecha de su concierto en Madrid. No voy a mentir, iba con la idea de ver al cantante de My Chemical Romance, ya que no me hacía mucha gracia su nuevo trabajo en solitario, pero esto cambió después del concierto. Gerard me sorprendió de buena manera. Algo tímido, pero una gran persona. ¡Muchas gracias por todo, RockZone! ¡Fue un día inolvidable! :) (Christian Ibargoyen) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF A veces buscar inspiración para escribir esta columna esa una tarea de lo más difícil. ‘¿En quién carajos me voy a cagar hoy?’ es una de las preguntas más recurrentes a la hora de ser un puñetero cenizo. Así que voy a cambiar de pregunta para ver si me inspiro... Por ejemplo: ¿En quién carajos me voy a cagar en su puta madre hoy? ¡¡Pues mira qué fácil ha sido!! Recuerdo acordarme de la madre de un madero que hace poco me puso una multa sin ni siquiera pararme el coche.

Me la mandó a casa, así tal cual. Si es que ya no puede ir uno hoy tranquilo sin tener los tres ojos abiertos por si por mala suerte infringes la ley sin darte cuen. A ver si ahora que este año hay mazo de elecciones, algún político panfletero de éstos que está tan de moda actualmente se le ocurre quitar policías y funcionarios varios para ahorrarnos unos euros a los ciudadanos. Eso sí que sería una bajada de impuestos y no lo que dice Rajoy que hace... Si algún partido incluye esta medida en su programa político, lo voto fijo. A los demás, que la sigan chupando. Pau Navarra, cabrón, ¡a ti sí que te deberían multar por poner en una lista de número 1 a Mayhem!

(ASSAF LASZEWICKI)

PEACE AT ALL COSTS ยกYA A LA VENTA! El segundo trabajo de este quinteto de hard rock alternativo de Las Vegas.

Producido por David Bottrill (TOOL, MUSE, STAINED, STONE SOUR).

Disponible en LP NEGRO, CD JEWELCASE y en DIGITAL.

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JUGGERNAUT: Alpha/Omega ยกYa a la venta!

Un album conceptual que deja sin palabras.

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INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra DAGLA

EL APUNTADOR

TUFI MEME

Animal

Obsolescencia Programada

(AUTOEDITADO)

(AUTOEDITADO)

(AUTOEDITADO)

Con esta primera demo, la banda de stoner rock Dagla se presenta en sociedad desde A Coruña. Sonoridades profundas y graves te asaltan antes de que ‘Huye Mientras Puedas’ despegue del todo, dejando claro que Kyuss, Black Sabbath y, en definitiva, los de siempre, son lo que más pone a estos gallegos. ‘Mi Ángel De La Guarda’ tiene más ritmo, incluso puede mostrar que Red Fang o Clutch son formaciones a las que recurren frecuentemente en sus ratos libres, aunque quizá su letra es un poco demasiado pueril. ‘Ritual’ es la más setentera del pack, sólo le falta un grito de Ozzy en sus primeros compases, y entre su pesadez ácida y un cambio de ritmo muy rockero llegamos a ‘Sombras’ y ‘Viuda Negra’, la primera rápida y algo psicótica en ciertos riffs, y la última devolviéndonos a los Dagla más oscurillos, conocedores de en qué lenguaje musical se mueven mejor, aunque de nuevo los textos son bastante tópicos, una asignatura pendiente que seguro resolverán en próximos envites. El sonido es el correcto, la actitud también, se marcan solos a tener en cuenta, así que con un par o tres de retoques aquí tenemos a un grupo la mar de solvente. Buen stoner macerado con licor café.

Una caja de cartón atada con cuerda y hojas de árbol entre fotos de Polaroid que hacen sus veces de información del disco, con el tracklist, datos de contacto y demás. Esta bendita bizarrada cumple como artwork para que El Apuntador nos haga llegar cuatro temas de su primer álbum Animal, obra que tú si puedes escuchar enteramente en el Bandcamp de la formación catalana. Establecidos entre Sant Cugat del Vallès, Rubí y La Floresta, este quinteto hace alarde de gran sentido del humor en sus redes sociales, pero lo cierto es que, para definirlo de alguna forma, su punk rock con post hardcore ruidoso es bastante serio. Muy a tener en cuenta, vamos. Nunca hago mención a las lenguas con las que se expresan los combos, pero el alternar catalán y castellano le da a este grupo una personalidad especial. Y si os comento que este trabajo ha sido producido, mezclado y masterizado en los Ultramarinos Costa Brava por los hermanos Santi y Víctor Garcia ya os podéis imaginar que no estamos hablando de un producto defectuoso precisamente… Que la etérea ‘Animal’ tenga poco que ver con la agreste ‘Normalidad’, por ejemplo, es una de las grandes bazas de este conjunto. Buena gente, notable arte.

El elemento fundamental para que se dé Obsolescencia Programada seguro que ha sido la hierba, el porro de toda la vida. Varios, muchos, incluso diría, y no lo esconden. ‘Trolebús En Flor’ ya es raruna, pero ‘Behind The Musgo’, con Bob surfeando con clase en su batería y entre blandiblub, le da un aire al tema aún más psicotrópico, con la slide y las voces de Mario enviándote definitivamente a Marte. ‘Lady Leño’ es aún más esquizoide, como una conversación entre Julio Cortázar y Dalí bajo el agua, ahondando en los samplers de lectura política, el discurso con enjundia y, ahora sí, en la distorsión y la potencia claramente stoner, para que ‘Caracoles, Ajo, Fiesta’ vuelva a terrenos más cercanos a la psicodelia, entre ecos y discursos grabados. El solo de Al, cómo peta, está muy inspirado en Jimi Hendrix, eso no lo pueden negar. Tras varios avisos, el corte casi acaba a la brava pese al fade, hecho que remarca el espíritu transgresor de esta nube politoxicómana.

Smoke Signals Illustration pone todo su talento en el artwork y el packaging para que música y apartado visual caminen de la mano. Un trabajo más que interesante y que en apenas 16 minutos reserva un torrente de sorpresas.

https://dagla.bandcamp.com/album/demo-2014

http://elapuntador.bandcamp.com

http://tufimeme.bandcamp.com

Achanta!!!

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INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_TEARS IN RAIN “Tool y A Perfect Circle sí que han sido más influyentes, pero intentamos utilizar su influencia más como un conocimiento y recurso que como un camino a seguir”

FORMACIÓN: James Vieco (guitarra, voz), Antonio León (bajo, voz), Diogo Santos (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Tool, Jeff Buckley, Soundgarden PRESENTAN: Stop To Reache (Dirty Road Productions) FOTO: Paula Latimori (fromearthtoelcielo.com)

S

upe de ellos por primera vez tras una conversación con Rodrigo, el bajista de Saturna. Acababan de fichar a un nuevo cantante que ya tenía una banda llamada Tears In Rain. “Cuando puedas deberías ir a verlos en directo, seguro que te gustarán”. Viniendo de una persona con la que comparto gustos al 100% me tomé aquella frase al pie de la letra y aproveché una noche que compartían escenario con The Soulbreaker Company para tener mi primera toma de contacto. Tengo que decir que me impresionaron. Después de la edición de un fantástico EP, cuando leas estas líneas acabarán de lanzar al mundo su nuevo álbum Stop To Reache. Era el momento idóneo para que nos explicaran unas cuantas cosas sobre ellos, y ante melómanos como ellos era evidente que había que empezar hablando de música e influencias: “El soul y la música negra son determinantes para nosotros. Otis Redding, Sam Cooke, James Brown, Sam & Dave y también otros como Joe Cocker o Paul Rodgers, en concreto Jeff Buckley ayudó mucho a Jimmy a sincronizar el soul blanco con el negro y a poder jugar con las melodías, pero son muchas las cosas que nos influyen como Pink Floyd, Sigur Rós, King Crimson, Explosions In The Sky y en el plano escénico y conceptual, todo confluye en The Doors”. Pero aquí no

acaba la cosa, la conversación continúa y empezamos a entender su especial y enorme riqueza estilística: “A través de bandas como Tool o músicos como Ravi Shankar, Trilok Gurtu y obviamente los Beatles hemos ido incorporando patrones y escalas de música oriental, hindú y folk a nuestra forma de componer y entender la música. En concreto Tool y A Perfect Circle sí que han sido más influyentes, pero intentamos utilizar su influencia más como un conocimiento y recurso que como un camino a seguir”. Los tres músicos que forman la banda, Jimmy (guitarra y voz), Diogo (batería) y Antonio (guitarra) tienen un amplio currículum habiendo pasado por multitud de proyectos, bandas de heavy psych, screamo, hardcore, funk, prog rock… comprometidos con toda manifestación artística que les motive son como monstruos voraces que comparten su talento con otras manifestaciones que conviene destacar: “Jimmy, además de cantar también en Saturna, toca junto a Antonio en una banda de versiones donde dan rienda suelta a su amor por el soul, el rock y el psych, también compone, graba y mezcla todos los instrumentos de su proyecto en solitario Jim And The Devil y la banda sonora de la serie documental Love Strip, que todavía no ha sido editada. ¡El tío es insaciable! Antonio por su parte también

toca en Red y escribe novelas y relatos, y luego Diogo toca en otras bandas como Tú No Existes”. Stop The Reache es un disco del que hablaremos en su día, pero que ya adelantamos que no es de escucha fácil. El mismo tesón y cariño que han puesto ellos en la composición y grabación de estas excelsas canciones ha de poner el oyente a la hora de sumergirse en una grabación que ha de degustarse con calma, tiempo y atención. De todas maneras, no tienen ningún miedo de que el oyente pueda sentirse abrumado por tal avalancha de música real... “A día de hoy no tememos por estas cuestiones, creemos que Dios los cría y ellos se juntan. Quizás para un tipo de público que busca la caña por la caña, una actitud estrictamente rockera o que va a un concierto sólo a mover la cabeza pues definitivamente nosotros no somos su banda. Hoy en día tenemos demasiada accesibilidad e inmediatez, constantemente se están produciendo cosas buenas, hay talento y hay medios, pero es difícil pararse a disfrutar de todo ello. Además, hoy todo lo movemos a nivel de internet, que es una arma increíble pero de doble filo por el exceso de información que contiene. No hay prioridades, se consumen a un ritmo vertiginoso las emociones, las experiencias, las creaciones, y es un baremo jodido de acostumbrarse que sean los ‘me gusta’ de tu página de Facebook los que definan la calidad de tu trabajo. Definitivamente, estamos cambiando cantidad por calidad y tenemos que tener mucho cuidado con eso. Igualmente, las personas abiertas y receptivas al final hacen todos esos procesos por sí mismos y serán capaces de valorar y vibrar con nuestra música”.

(ANDRÉS MARTÍNEZ)

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INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

DANIEL JOHNSTON POR DANIEL JOHNSTON Daniel Johnston (SEXTO PISO)

L

a primera vez que vi

cias son Picasso,

los dibujos de Daniel

Jack Kirby, Dalí,

Johnston sin conocer

Robert Crumb y

a la persona pensé que se

todos los cómics

trataba de un niño de 10

que han pasado

años obsesionado con los

por sus manos.

monstruitos y los superhé-

Con

todo

este

roes. Después me informé sobre su carrera como cantautor, de

bagaje en la cabeza, este inadaptado se ponía a dibujar a

la célebre anécdota de la camiseta de Kurt Cobain, del exce-

menudo para exorcizar sus propios demonios interiores. De he-

lente documental The Devil And Daniel Johnston, exposiciones

cho, la lucha entre el bien y el mal y la obsesión con matar a

hasta en Barcelona y de su trastorno bipolar. Ahora la editorial

Satán son temas recurrentes de sus obras. “Daniel Johnston es

Sexto Piso recopila más de 150 láminas (a partir de 1975 has-

como un Sancho Panza que se ha divorciado de Don Quijote

ta la actualidad) y varias fotos íntimas en un volumen de gran

porque ha entendido la vacuidad y la inutilidad de semejante

formato y tapas duras. Los dibujos de Dan Johnston, como fir-

personaje”, dice Philippe Vergne en un lúcido ensayo sobre el

ma la mayoría de ellos, son caóticos, coloridos, grotescos, de

artista outsider, aunque más emotivas aún son las palabras del

ética DIY y de regusto pop; no en vano sus principales influen-

epílogo firmado por su propio padre.

JF

LA VIDA MUERTA Martín Sotelo (ALFABIA)

U

del

de una atmósfera gris, opresiva y depresiva; por si no fuera

destape venida

suficiente con estos elementos narrativos este escritor nacido en

a menos que se

Toledo juega con los recuerdos de la infancia que no se bo-

prostituye para sobrevivir,

rran, con una pistola y con una huida romántico-desesperada

un doctor adicto a las dro-

en plan road movie. “Ambos compartían el mismo olor, cada

gas con deseos (auto)des-

vez más familiar: un olor a suavizante de lavandería, a sábanas

tructivos, un humilde barque-

de hotel, a fritangas, gasolina y neumáticos, que los desconoci-

ro aficionado a la literatura,

dos con quienes se cruzaban sí eran capaces de percibir y de

un comercial de la industria

catalogar como el olor de los que viajan sin rumbo, el olor de

farmacéutica bastante modosito en apariencia, la mujer del al-

los fugados, de los parias que se salen del redil para marchar

calde con un pasado turbio y con un bombo sin identificar; ésta

a su aire, sin deberes ni jefes ni familias”. Puesto que toda vida

es la galería de personajes que nos expone Martín Sotelo en

merece ser vivida, el oxímoron del título nos hace reflexionar

su segunda novela. Las vidas de todos ellos se van cruzando

desde la misma portada sobre las existencias vacías y el tiem-

a lo largo de las páginas de La Vida Muerta, un libro cargado

po perdido.

16

na

musa

JF

LOS OTROS SUPERHÉROES José Fonollosa

(ANILLO DE SIRIO/GRAPA!)

José Fonollosa inicia el año con la tercera entrega de cinco de su serie de superhéroes creada para el sello editorial Grapa!. Tras el buen resultado gráfico que mostró en Los Vengatas (2012) ahora prueba suerte con un grupo de personajes propio, que bebe sin cortarse de la tradición del tebeo humorístico patrio estilo Superlópez (y más directamente, El Supergrupo) pero con capacidad suficiente para entretener y mantenerse en pie por sí solo. Con una factura excelente, uno termina pidiendo más. SG

ANDERGRAÜN 6/MEINSTRÎM VV. AA.

(AUTOEDITADO)

Uno de los fanzines a los que más cariño profeso, que este año sale editado separando sus contenidos. Andergraün 6 ofrece una historia compleja y referencial de superhéroes con todos los personajes presentados a lo largo de los años en sus páginas. Para no olvidar el resto de materiales, el resto de historias que no son de corte americano se editan dentro de Meinstrîm, dando así lugar a un segundo fanzine igual de eficaz que el primero. Buen hacer, material de primera y calidad indudable en ambos tebeos. SG

HAARMANN EL CARNICERO DE HANNOVER, UN ASESINO EN SERIE Peer Meter y Isabel Kreitz (LA CÚPULA)

Reedición en rústica de la novela gráfica dedicada al asesino de Hannover, uno de los episodios más truculentos vividos en la constante crisis en la que navegó la República de Weimar en la Alemania de entreguerras.

Ilustrado con detalle, reconstruye el suceso a partir de los cuadernos registrados del juicio y de documentación policial. Una novela negra que, aun con las licencias que se toma, nos acerca a un momento macabro de una época que nos parece lejana. SG

DRAGON BALL SD Naho Ohishi y Akira Toriyama

(PLANETA DE AGOSTINI)

De todos los productos licenciados de la serie superventas Dragon Ball, el que más extrañeza puede darnos pero a la vez lo hace ofreciendo algo encantador y novedoso es este manga supervisado por el propio autor e ilustrado por la mangaka Naho Ohishi que, en formato parodia superdeformed, repasa la aventura de Son Goky y cía desde el principio, a todo color y a ritmo frenético de gag constante. El amor por la obra original se percibe en cada viñeta, y por ello es fácil conectar y enamorarse de este trabajo. SG

LOS CUADERNOS DE DARWIN

ROCKETO: VIAJE AL MAR OCULTO

(YERMO)

(ALETA)

Runberg y Ocaña

Tomo integral que recopila los tres álnumes aparecidos en Francia entre 2010 y 2012. Ilustrado por el madrileño Eduardo Ocaña, quien ha desarrollado su carrera fuera de nuestras fronteras, y guionizado por Sylvain Runberg, en la actualidad serializando Millenium, los tres episodios ofrecen un arco completo en el que Charles Darwin debe atender unos misteriosos asesinatos cometidos por una especie animal desconocida. De corte puramente BD, el toque oscuro y macabro le da el nivel de morbo necesario. SG

Frank Espinosa y Marie Taylor

El primer volumen de las aventuras de Rocketo es todo un canto al estilo de animación y aventuras clásico, con un aire buscado a los relatos de viajes fantásticos de Julio Verne y con un elevado componente de fantasía y ciencia ficción que ayudan a completar el trabajo. Fran Espinosa, ilustrador para Disney y Warner Bros, da rienda suelta a toda su libertad creativa para ofrecer un viaje alucinante donde el uso de las formas, color y narrativa deslumbra en cada página como sólo los buenos artesanos del lápiz saben hacerlo. SG 17

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA JOHN WICK

NIGHTCRAWLER

La hostia inesperada

R

ecordar cuánto disfrutaste Commando siendo un crío no es la más común de las sensaciones últimamente en una sala de cine. Pues John Wick es todo eso y mucho más: es la cara de tu madre cuando pusiste el VHS de The Killer un domingo por la tarde o el fruto del amor etílico de una orgía donde participan todas esas películas que se hicieron entonces, pero que hace mucho que desaparecieron del mapa.

Es un regreso a la acción sin complejos, a la que se molestaba en reinventarse constantemente creando nuevas formas de dar una hostia o a la que lo último que le preocupaba era el número de balas o los litros de sangre en la pantalla. Todo esto, atención, se ha conseguido a través de un tío que escribe guiones para el lucimiento de Dolph Lundgren, a un especialista de acción que rueda su primera película y a una de las protagonistas de 18

El freelance del pánico

Mujeres Desesperadas, que pone la pasta. Era imposible ver venir algo con tanta fuerza, la verdad, con esos mimbres.

Si además añadimos a la receta a Keanu Reeves, estrella empeñada en no apagarse, la sorpresa es aún mayor. Con un refrescante aire de cómic macarra ultraviolento, uno de esos que sólo pueden imaginar un Garth Ennis o Mark Millar en forma, la película rompe con la realidad (si es que había realidad en algún momento) y nos sitúa en un mundo paralelo donde sólo hay lugar para asesinos y agentes dobles o triples devolviendo favores... No hay trampa ni cartón en John Wick: un hombre que lo pierde todo y que es presionado hasta reventar decide vengarse de todos aquellos que se lo arrebataron.

Sobre el papel, otra más de venganzas. Pero no. The Equalizer podría entrar en ese saco de cine impersonal con piloto automático. John Wick es La Venganza. Coreografías que parecen salidas del cine asiático más elegante, múltiples cráneos agujereados, dislocados o fracturados y un sentido de la guasa muy subterráneo pero que, sí amigos, se refleja en un guión ejemplar. Mira que los Golan-Globus eran majos, pero habrían podido matar por una peli como John Wick. Desde aquí animo a los distribuidores españoles a que se den mucha prisa o ganará internet.

de una de las comedias dramáticas en clave de thriller más sorprendentes de la pasada temporada (han pasado más de tres meses desde que tuve la suerte de ver la película), a

P

ues con un poco de El Ojo Público y un poco de El Fotógrafo Del Pánico, sólo hace falta añadir unas pinceladas de Telecinco para conseguir la maldad hecha imagen.

Nightcrawler es el nuevo acierto de Jake Gyllenhaal, que lleva unos años haciendo las cosas tan bien como Leo, pero con mucho menos bombo.

Aquí también ejerce de productor para el debut de Dan Gilroy (hay otros dos Gilroy más en los créditos: Tony como productor y John en la edición), y por fin los españoles podrán disfrutar

partir del 30 de enero.

La película moderniza puntos que parecían inmodernizables, como Network, para seguir repartiendo estopa a los medios de comunicación, al igual que en la reciente Perdida, pero sin ese barniz de benevolencia irreal o surrealista que utilizaba Fincher en su película. Nightcrawler es cine puro, nocturno y alevoso. También tiene algo de cine vampírico, porque su personaje principal, Louis Bloom (insisto: extraordinario Gyllenhaal), viene a alimentarse de la sangre que le ofrece la noche.

Una peli necesaria que pone sobre la mesa la ausencia de escrúpulos o dignidad de la televisión más agresiva, que paga por el dolor ajeno y te lo ponen delante del plato de sopa. Y el mejor James Newton Howard desde El Protegido.

DE CULTO_MURO

HARD ROCK RISING BARCELONA

DISCO BÁSICO: Telón De Acero (1988) FORMACIÓN: Silver (voz), Julito (bajo), Largo (guitarra), Lapi (batería)

AFINES A: Overkill, Accept, Exciter

N

o tienen el reconocimiento de los clásicos del heavy patrio como Barón Rojo u Obús, pero cualquiera que conozca un poco a fondo todo lo que se coció en la Península durante los 80 sabe que pocas bandas estatales supieron llevar mejor la bandera del heavy metal como Muro. En cierta manera siguen siendo un pequeño secreto a descubrir por mucha gente, y por eso nos congratula que Beat Generation haya hecho justicia reeditando en vinilo sus dos primeros álbumes, Acero Y Sangre (1987) y Telón De Acero (1988).

Formados en 1984, los primeros pasos de Muro fueron como una versión patria de Manowar –llevaban su mismo rollo estético, pese a que musicalmente carecían de su rollo épico-. Pero es unos meses después cuando la verdadera historia de Muro empieza con la entrada del vocalista Silver.

Las pieles se envían a tomar viento para dar paso a una imagen 100% heavy con cuero, tachas y un discurso musical entre el power metal yanqui y el speed. Algo similar a Overkill, para entendernos. Heavy metal en estado puro, que como bien definió una vez mi

colega Marcos, “ser heavy es que te guste Muro”.

En 1987 llega su primer álbum Acero Y Sangre grabado en directo, con un sonido crudo, y que transmitía a la perfección lo que eran Muro. ‘Traidor’ o ‘Juega Fuerte’ daban muestras de su poderío y la versión de ‘Fast As A Shark’ de Accept mostraba por dónde iban los tiros. Pero lo mejor estaba por llegar, y eso fue su segundo Telón De Acero, un monumental trabajo de power thrash, que no tiene ningún problema en estar en el podio de los mejores discos de heavy metal hechos en España. Pese a que las perspectivas eran buenas y empezaron a tener un nombre fuera de aquí, siempre tuvieron una inestabilidad que no les ayudó a estar donde merecían. A pesar de cambios de formación, separaciones, reuniones, Muro nunca hicieron un disco malo y cuando parecía que los teníamos de vuelta, escuchen El Cuarto Jinete (2013), Silver ha dicho que se va por motivos personales, iniciando la banda una nueva etapa con la vocalista femenina Rocksa.

Sea lo que sea que nos depare su futuro, ¡este Muro no se cae! (RICHARD ROYUELA)

2015 marca la quinta edición de Battle Of The Bands organizada por Hard Rock Rising, la competición de bandas más amplia de alcance local ya que se realiza en todas las ciudades del mundo que cuentan con un Hard Rock Cafe.

Este año el aliciente es que la

banda ganadora tocará en el festival Hard Rock Rising que por primera vez se celebrará en nuestro país, en concreto en el Parc del Fòrum de Barcelona los próximos 24 y 25 de julio, y que contará con la presencia de importantes artistas internacionales en su cartel.

EL BLOG DE THOMMAN

Musikhaus Thomman, el mayor comercio de Europa dedicado a artículos musicales, ha lanzado su propio blog online. En t.blog encontrarás noticias de actualidad, historias interesantes y mucha información sobre lo que se cuece dentro de este gran almacén musical. El blogger y guitarrista Pablo, que trabajó durante muchos años en

el call center de Thomman, es el responsable de su edición en castellano. Los usuarios pueden involucrarse activamente comentando los artículos o sugiriendo abordar sus temas deseados. Y además, también anuncian numerosos concursos con premios exclusivos. Compruébalo en www. thommann.de/blog/es 19

TOI’S IN THE ATTIC LOS GURÚS

P

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odría parecer que tengo mucha jeta haciendo esta confesión en un medio de prensa musical en el cual colaboro, pero es que no puedo más y lo tengo que soltar: ODIO A LOS PUTOS GURÚS. Vivimos en un momento en el que cualquier individuo puede crear su propia plataforma de divulgación, ya sea de forma más trabajada a través de un blog, o compartiendo a través de las distintas redes sociales, por lo que resulta cada vez más complicado transmitir pasión hacia un grupo o un disco sin caer en la pesadez y la imposición, y en ocasiones, hasta en la pedantería. Las historia era distinta hace bastantes años, cuando el acceso a información y a nuevo material era infinitamente menor, y por tanto eran necesarios unos referentes que se dedicaban a descubrir tendencias y a ‘contagiarnos’ de su sapiencia musical, plenamente conscientes de que nos estaban imponiendo unos gustos totalmente subjetivos y que nosotros éramos sus seguidores incondicionales.

Pero, claro, la información es

poder, ellos eran unos privilegiados y nosotros unos pringados dispuestos a engullir todo lo que nos echaran. Ahora mismo la figura del gurú carece de todo sentido cuando el usuario tiene el mundo a sus pies a golpe de un simple click, con una oferta totalmente abrumadora, pero aun así sigue siendo posible encontrarnos con algún imbécil con delirios de grandeza que va sentando cátedra y categorizando si algo es bueno o una mierda con unos prejuicios y unos razonamientos de niñato de 15 años. Y encima sin tener gracia ni carisma, en un intento de imitación barata de los gurús de antaño. ¿Quién coño les concedió la verdad absoluta? ¿Lemmy?

Ya hace mucho tiempo qué dejé de ir a misa y no estoy de humor para que ahora me impongan qué debo escuchar, pero siempre estaré receptiva a una recomendación humilde y entusiasta, y además encantada, porque si no ahora no estaría flipando a tope con Mariachi El Bronx. ¡Ándale güey!

(TOI BROWNSTONE)

TV EYE BLACK M I RROR NAVI DEÑO

N

o sé en qué periódico o blog leí el titular “Black Mirror podrá arruinarte las navidades”, o alguna frase similar.

Para servidor las navidades están ya más que arruinadas, y cree que a no ser que seas un crío del primer mundo, un dipsómano con el pecado capital de la gula o un publicista que ha conseguido colar su idea en la campaña de la marca en que trabaja, si las disfrutas, o eres John Waters o un cínico.

La cuestión es que la serie británica y distópica Black Mirror, que suele tratar de la tecnología y la ausencia de comunicación humana con desiguales resultados, que lleva dos temporadas y cuyos capítulos no tienen un hilo narrativo, anunció que iban a sacar un capítulo especial en Saturnalia, como llama a esas fechas acertadamente Sheldon Cooper. La gran sorpresa es que iban a contar con el protagonista de Mad Men, el hombre que da cara al sociópata de Don Draper, personaje al que bastantes cretinos admiran.

Y ha sido un acierto. No el factor de contratar al actor Jon Hamm, simplemente correcto, sino el capítulo en sí, porque

trata las navidades como cualquier otro día cualquiera en el que nieva o haya una festividad.

Utiliza el blanco como esa ausencia de toda humanidad. El capítulo sigue las variantes que han hecho famosa a la serie y, en un momento dado, cae de nuevo en el error de intentar horrorizarnos con una medida de tiempo como castigo, como si fuera una pesadilla robada a un Borges de serie B. Y juega con el concepto que, si os acordáis, hablamos con Omar de The Mars Volta, ahora en Antemasque: la anulación del individuo por culpa de la tecnología. En realidad no es la tecnología en sí lo que es terrible, sino el mal uso generalizado que hacemos de la misma.

Un cuchillo puede servir para comer o para matar, en un símil más terrenal. El factor de bloquear de las redes sociales extrapolado al exterior de las mismas, la manipulación de la que somos objeto día tras día, y algún que otro tema más son los que tratan el notable (bajo) que supone el último esfuerzo de Charlie Broker, creador e ideólogo de la serie.

(IGNACIO REYO)

ba en plena ascensión para construir un nuevo proyecto junto a sus colegas de toda

E

ste mes el elegido para mí Hall Of Fame es Making Enemies Is Good de Backyard Babies. ‘¿Por qué alguien iba a abandonar The Hellacopters?’, me dije a mí mismo mirando el póster del que era el segundo álbum de Backyard Babies, Total 13. La banda tenía en su formación al guitarrista Dregen, que justo había dejado a The Hellacopters. De hecho, Backyard Babies había sido la primera banda de Dregen antes de que se formaran The Hellacopters. A pesar de que éstos estaban ya en su tercer álbum, Backyard Babies ya tenían un EP y un LP bajo el brazo también.

Mientras Dregen había decidido abandonar una banda de la que todo el mundo estaba hablando, y que esta22

la vida, muy poca gente hubiese tenido el valor de hacer una cosa así, pero muy pocos tenían la confianza y el carisma que Dregen tenía.

Cuando acabamos tocando con The Hellacopers en el que fue su debut en Estados Unidos, en el CMJ Music Festival de 1998, poco antes de la salida de su tercer álbum, Grande Rock, la fila que había para entrar daba la vuelta a todo el club. A mitad de su show un amigo se me acercó y me dijo “Echo de menos a su componente clave”. Se refería a Dregen.

Habiendo visto tan sólo la foto de la contraportada de Suppershitty To The Max y el póster de Total 13, no sabía muy bien a qué se refería.

Saltando al 2001, en el tercer concierto de nuestra primera gira europea, acabamos en el Malmo City Festival abriendo para Backyard Babies. Era mi oportunidad para comprobar si pasaban mi filtro. Tardé tres minutos en entenderlo todo.

Ahí estaba, pensando en

que la decisión de Dregen, aun siendo muy loable, había sido un mal paso, para darme cuenta al momento de que eso era lo mejor que podía haber hecho. Ahí estaban Backyard Babies, dando una furiosa lección de rock ‘n’ roll.

Sencillamente estaban on fire.

Una semanas más tarde nos encontramos nosotros mismos compartiendo bus con Backyard Babies a través de Europa, haciéndoles de teloneros en la gira de presentación de su tercer disco Making Enemies Is Good. No nos conocíamos hasta ese momento y, de golpe, ahí estábamos, seis semanas compartiendo intimidad en un apestado autobús de gira Lo que podía haber sido la peor experiencia de mi vida se convirtió probablemente en el mejor tour que nunca hemos hecho. La camaradería que se estableció en

esa gira con Backyard Babies continúa hasta el día de hoy.

Dregen recientemente volvió a la primera línea con su álbum de debut, titulado simplemente Dregen, con JC y un servidor haciendo de artistas invitados en una canción, y parece que están mirando de hacer una gira de reunión este verano.

Acabé escuchando Making Enemies Is Good en directo más de 40 veces y me es imposible oír temas como ‘I Love To Roll’, ‘Star War’, ‘The Clash’ o ‘The Kids Are Right’ sin regresar a 2001, cuando estaba lejos de casa girando con aquella banda a la que solía mirar en un póster en la ya cerrada Full Blast, la tienda de punk rock de Toronto.

Quién me iba a decir que nuestro viaje juntos no había hecho más que comenzar.

Hasta el mes que viene, DANKO JONES

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone.

A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> CARMEN 113 INTERPRETAN ‘Los últimos días’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

Q

uizá algunos recuerden a Carmen 113, el grupo de Girona formado a finales de los 90 y que a principios de la pasada década hizo sus pinitos con un metal alternativo y melódico. Pero la verdad es que les habíamos perdido la pista hasta que la pasada primavera reaparecían con Mecanismos De Defensa, un tercer álbum editado por su propio sello, 113Records, en el que muestran un sonido totalmente distinto más cercano al pop indie de Vetusta Morla o Izal.

“Siempre hemos estado en tierra de nadie. Al principio alguna de las primeras críticas nos decían que éramos un grupo de pop metal, y creo que tenían razón ya que el pop siempre ha estado presente en nuestras canciones”, explica el vocalista Jaume Nadal sobre su evolución. “Antes éramos cuatro componentes y ahora somos seis, eso hace que haya más instrumentos y capas para jugar. Al entrar nuevos componentes que aportan canciones, hace que todo se llene de aire nuevo y por tanto de un estilo nuevo”. Desde

2013, Jaume está acompañado por Rafa Gallardo (batería, coros) Alfredo Moreno (guitarra) Jordi Jiménez (guitarra) Albert Casellas (teclados) y Roger Tor (bajo). Con tantos cambios, cabe preguntarse si incluso se plantearon empezar desde cero con otro nombre.

“Nos planteamos muchas opciones, incluso ésa, pero evolucionar es lo que nos divierte como grupo y al final quisimos continuar con el mismo nombre.

Carmen113 es una marca que hemos cuidado durante muchos años y que nos ha traído muchas cosas buenas.

Intentamos hacer simplemente música que nos motive, por encima de sus etiquetas”. La jugada parece haberles salido bien y Jaume se muestra muy satisfecho con la respuesta que han obtenido en los últimos meses. “Con Mecanismos De Defensa hemos llegado a mucha mas gente que con los discos anteriores. Les está gustando y nos dicen que por alguna extraña razón, tienen que escuchar el disco del tirón.

En los conciertos cada vez viene más gente y sentimos que hemos encendido la mecha para poder crecer con los

discos que vendrán”. Tal como podréis ver en el vídeo grabado en nuestra redacción, Carmen 113 se encuentran totalmente cómodos tocando en acústico y por ello han reeditado su última obra con cuatro temas extras en ese formato. “Nos sentimos muy cómodos, es un formato muy agradecido, en el que hemos re versionado la canciones para adaptarlas. La verdad es que nos ha encantado poder tener dos versiones de un mismo disco, la gente puede venir a los dos conciertos y disfrutarlo como dos conciertos distintos”. Pese a haber iniciado esta nueva etapa, Carmen 113 no reniegan en absoluto de lo que habían hecho anteriormente y reconocen que fue entonces cuando aprendieron todo lo que les ha llevado hasta aquí. “Aprendimos que esto es una carrera de fondo y que el trabajo bien hecho no siempre lleva reconocimiento, pero sí mucha satisfacción. Aprendimos que la música es nuestro estilo de vida, y que directa o indirectamente somos muy afortunados de dedicarnos a ella. ¡Somos pobres, pero muy felices!”.

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15 años después de debutar con el multiplatino Infest, Papa Roach todavía siguen buscando nuevas formas para sorprender a su público y a ellos mismos. En F.E.A.R. se aventuran con incorporar más electrónica a su habitual mezcla de metal y hip hop. Texto: Jordi meya Fotos: DR

PAPA ROACH

U

no pensaría que después de pasar dos años presentando su último disco The Connection, lo último que querrían Jacoby Shaddix (voz), Jerry Horton (guitarra), Tony Palermo (batería) y 24

¿¿QUIÉN DIJO MIEDO? Tobin Esperance (bajo) es irse a vivir juntos para componer un nuevo trabajo. Pero al igual que cuando grabaron su quinto álbum The Paramour Sessions en 2006, Papa Roach decidieron que nada mejor que centrarse ex-

clusivamente en su música para lograr un buen resultado. Esta vez en lugar de Los Ángeles escogieron Las Vegas, ciudad donde los productores Kevin y Kane Churco, padre e hijo, tienen su estudio The Hideout. Con ellos dieron

más lejos. Además también contaron con la participación de la vocalista Maria Brink de In This Moment en ‘Gravity’ y del rapero y colaborador de Eminem Royce da 5’9” en ‘Warriors’. De todo ello hablamos con su guitarrista.

“Lo que tienen que hacer las bandas de rock es salir y tocar para conectar con la gente en lugar de promocionarse tanto en Internet. Sé por experiencia que cuando tocas en directo y conectas, Esa energía NO es comparable a nada” JERRY HORTON

forma a F.E.A.R. (Eleven Seven Music), un disco en el que los californianos vuelven a sacar brillo a su pegadiza fórmula a base de frotarla con elementos electrónicos. Ya lo hicieron en The Connection, pero aquí han ido incluso

Tengo entendido que fuisteis al estudio sin nada de material preparado. ¿Entrasteis con miedo? ¿Es de esa situación de donde viene el título del disco?

JERRY HORTON “No, pero podría serlo (risas). El título salió de la canción ‘Face Everything And Rise’.

Lo decidimos al final del proceso porque entendíamos que resumía el sentimiento del disco. Queríamos hacer algo nuevo. Por eso fuimos a un sitio donde nunca habíamos grabado, con nuevos productores, y compusimos desde cero. Más que miedo, nos sentimos liberados”. ¿Por qué elegisteis ir a Las Vegas para grabar? ¿No hay demasiadas distracciones allí para una banda como la vuestra?

“Escogimos a nuestros productores Kevin y Kane Churco y ellos tiene el estudio en Las Vegas. Hubiésemos preferido que vinieran a Sacramento, donde tenemos nuestro estudio, pero no les era posible. Así que alquilamos una casa y vivimos los cuatro juntos. El estudio no estaba en la calle principal donde están la mayoría de casinos, sino a unos diez minutos. Así que en realidad no vivimos esa parte de Las Vegas. Estuvimos centrados en escribir y grabar el disco. Trabajábamos en las canciones en casa durante el día e íbamos

al estudio por la noche para grabar.

Una vez nos acostumbramos a su manera de trabajar fue muy fácil que el álbum tomara forma”. ¿Trabajan de manera muy distinta padre e hijo?

“Trabajan parecido pero de manera distinta a otros productores. No teníamos una sala donde grabar todos juntos, así que lo creamos todo en un ordenador con Pro Tools. Incluso los ritmos de batería los programamos en el ordenador. Normalmente grabábamos primero la guitarra, luego el bajo, las voces, y finalmente las baterías. Lo cual es al revés de lo que habitualmente veníamos haciendo en otros discos. La parte buena es que Tony, cuando ya estaba todo hecho, podía ver qué huecos tenía y ser mucho más creativo con la batería, algo que normalmente no tiene la oportunidad de hacer. Al tener la pista de voz terminada, sabía exactamente dónde podía meter un acento. Suena genial porque se nota que se divirtió tocando, y esa energía se transmite en la música”.

Es curioso que decidierais vivir todos juntos, pero a la hora de grabar lo hicierais por separado.

“Sí, lo es. Básicamente creamos juntos, pero luego cada uno tenía su propia misión para el trabajo. Como he dicho, cuando nos adaptamos a ese método todo fue muy fluido”.

En esta obra habéis ido más lejos que nunca con los arreglos electrónicos... ¿Es algo que decidisteis también en el estudio o ya teníais esa idea de antes?

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“Habíamos pensado en ello. En el último disco ya lo hicimos y nos gustó mucho el sonido que conseguimos, así que queríamos ir un paso más allá”.

El EDM es muy popular ahora mismo y ves a un montón de artistas de pop, indie o rock incorporando esos elementos a su música. ¿Crees que es inevitable hacerlo para llegar al público actual?

“No lo creo, pero la razón principal por la que lo hicimos es que normalmente cuando grabamos las guitarras, hay pistas añadidas con melodías o armonías, pero todo acaba mezclándose. Así que queríamos mantener esas armonías pero que sobresaliesen más. Que le dieran al disco una textura diferente y que fuera más dinámico. Pero hay muchas bandas que simplemente tocan instrumentos convencionales y también molan mucho, aunque en nuestro caso estructuramos los temas de una manera que, aunque no sonasen esas pistas en directo, funcionarían igual de bien. Seguimos siendo una banda de rock. Para nosotros son como la cereza en el pastel”. ¿Crees que hoy en día es más duro para una banda de rock sonar en la radio o tener repercusión que cuando empezasteis?

“Creo que es más duro para todo el mundo, hagas el estilo que hagas.

Internet ha hecho la música más accesible para todo el mundo, pero muchos grupos quedan dispersos o perdidos entre tanta oferta. Cuesta mucho hacerte notar. Al final todo depende mucho del boca oreja. Lo 26

que tienen que hacer las bandas de rock es salir y tocar para conectar con la gente en lugar de promocionarse tanto en internet. Sé por experiencia que cuando tocas en directo y conectas, esa energía no es comparable a nada”.

Obviamente, con los años la franja de edad de vuestro público se ha ampliado. ¿Crees que os ha enriquecido de alguna manera?

“Creo que sí. Es algo que nos obliga a cambiar y a evolucionar. No todos los fans quieren lo mismo y algunos desearían que no cambiases nunca, pero si quieren pueden volver a escuchar Infest tantas veces como quieran. Ese disco sigue ahí.

Nosotros admiramos a grupos que ofrecen algo nuevo sin renunciar a lo que son. Esa combinación es lo que te hace interesante y también es lo que lo evita que te aburras.

Creo que ahora los fans son un poco más abiertos que antes. De todos modos, con cada disco perdemos algunos fans y ganamos otros. Es inevitable. Pero al final tenemos que hacer lo que nos hace felices, y si lo somos, posiblemente la mayoría de fans también lo sean”.

profunda y no simplemente piensen ‘esta canción mola’. Mucha gente nos ha dicho que nuestras canciones les han ayudado en momentos difíciles, y eso es impagable”.

¿Cuál crees que es el elemento constante a lo largo de los ocho discos de Papa Roach?

“Creo que lo que nos define es tener un buen groove, un buen ritmo y un buen riff que enganche. Y también que Jacoby siempre escribe sobre su vida, es muy honesto. Creo que sus letras tienen mucho que ver con la conexión que conseguimos. Ayudan a que cuando la gente escucha nuestros temas la conexión sea mucho más

A través de las letras y también por entrevistas, Jacoby transmite ser una persona bastante inestable. ¿Cómo os afecta eso al resto del grupo?

“No creo que sea necesariamente inestable. Ahora lleva tres años sobrio.

Ha tenido sus adicciones, pero ahora está al 100%. En el pasado el alcohol y las drogas le desestabilizaban mucho, pero ahora está más tranquilo. En este disco volvió a revisitar su pasado

“No creo que Jacoby sea necesariamente inestable.

Ahora lleva tres años sobrio. Ha tenido sus adicciones, pero ahora está al 100%” JERRY HORTON no bebo ni tomo nada. Puedo salir y pasarlo bien igualmente y no me importa que otra gente beba. Todo el mundo es feliz a su manera”.

y a hablar sobre cosas que sucedieron hace muchos años. Usó las letras como una terapia. Por un lado nadie quiere airear los trapos sucios, pero él sabe que haciéndolo ayuda a mucha gente que está pasando por lo mismo.

Jacoby sabe que es reconfortante para ellos y por eso sigue escribiendo sobre esas situaciones, aunque ya las haya superado. En el pasado no siempre fue fácil estar a su lado, pero lo ha superado”.

Y para ti, siendo straight edge, supongo que aún sería más complicado...

“No te creas. No hago bandera de ser straight edge, simplemente es que

¿Cómo se involucró Maria Brink de In This Moment en el tema ‘Gravity’?

“Hacía años que queríamos una voz femenina en uno de nuestros temas, pero no sabíamos con quién hacerlo. Hace dos años giramos con In This Moment e hicimos muy buena relación. Resultó que estábamos grabando en el estudio al mismo tiempo, así que era una oportunidad perfecta. Fue sólo cuestión de escoger dónde podía encajar mejor y todos coincidimos en que era en ‘Gravity’. Fue muy fácil”.

Ahora se cumplen 15 años de la publicación de Infest. ¿Qué recuerdo guardas de aquella época?

“Por un lado fue como si nos hubiera tocado un premio y nos cogió por sorpresa, pero al mismo tiempo habíamos visto a bandas como Korn o Deftones tocar en clubes y luego explotar, así

que pensamos que simplemente quizá era nuestro turno. Lo que pasa es que tuvimos un éxito mayor que todos ellos.

No nos dimos cuenta de lo que nos había ocurrido hasta bastante después. Hicimos el Warped Tour, al cual habíamos acudido como fans, salimos de gira con Korn, tocamos en la fiesta de Nochevieja en Times Square, en Nueva York… un montón de cosas locas. Tengo un muy buen recuerdo de todo aquello”.

Supongo que adaptarse a ese nivel de éxito es difícil, pero también tiene que serlo cuando los focos se centran en otro y tú pasas a ser una banda más...

“Sí, eso es también complicado. La discográfica consideró el segundo disco Lovehatetragedy un fracaso. Además, el sello estaba en venta, así que fue una época muy convulsa, de mucha incertidumbre. Teníamos mucha ansiedad porque no sabíamos si podríamos seguir siendo una banda o si seríamos víctimas de esa situación. Pero lo superamos y descubrimos que podíamos hacerlo sin ellos. Seguir adelante no depende del sello en el que estemos, sino de nosotros mismos. Eso es lo más importante que aprendimos y lo que nos ha permitido sobrevivir”.

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VIVA BELGRADO Desde Córdoba irrumpen con fuerza con su excelente debut Flores, Carne. Música hermosa y descarnada a partes iguales rellena un trabajo de intensidad incontestable. Texto: David Garcell Fotos: DR usto antes del día de Navidad, los cordobeses Viva Belgrado recibían un regalo muy especial. El sello japonés Tokyo Jupiter Records editaba oficialmente su álbum de debut Flores, Carne, después de que ya hubiera hecho lo mismo en 2013 con un recopilatorio que recogía su primera demo y el EP El Invierno. El álbum, producido por el maestro Santi Garcia, ha sido coeditado además por hasta doce sellos dis28

tintos en distintas partes del mundo.

Para Cándido Gálvez (guitarra, voz), Pedro Ruiz (guitarra), Ángel Madueño (bajo) y Álvaro Moreno (batería) este lanzamiento debería suponer un empuje importante para hacer llegar su música a más gente. Aunque para ellos no sea una prioridad, lo cierto es que hay un montón de fans de bandas como Toundra, La Dispute, Touché Amoré o Envy que seguro disfrutarían con su interesante fusión de post rock,

screamo y spoken word. Ilusionados y modestos, Viva Belgrado tienen ahora por delante un año lleno de carretera, con fechas en abril por Europa.

En primer lugar quería felicitaros por Flores, Carne. Lo escuchamos tarde en la redacción, cuando ya teníamos hecha la lista de lo mejor del año, pero podría haber entrado sin problemas. ¿Estáis contentos con

cómo os ha quedado?

CÁNDIDO GÁLVEZ “¡Gracias! No podemos quejarnos con la acogida que está teniendo, pero solemos ser bastante críticos con nuestro trabajo.

Teníamos claro que a nivel de sonido sería difícil que sonara mal tras pasar por las manos de Santi García, aunque hay muchas cosas bajo nuestra responsabilidad que cambiaríamos: desde letras a arreglos o incluso el sonido puntual de algunos instrumentos.

Supongo que es imposible que todo quede como lo imaginas en tu cabeza, y más cuando tienes un número limitado de días en el estudio”.

Lleváis juntos cuatro años más o menos; sin embargo el álbum muestra una gran claridad de ideas y recursos. ¿Teníais experiencias previas en otros grupos? ”Pedro y yo empezamos a mandarnos ideas por internet en verano de 2011, pero hasta otoño no comenzamos a ensayar los cuatro en un local. Todos hemos tocado en otros grupos, de hecho creo que todos empezamos montando el clásico grupo con compañeros de clase antes siquiera de saber tocar un instrumento. Pero no ha sido hasta Viva Belgrado que hemos empezado a hacernos con equipo más o menos decente y salir a tocar fuera”.

Así de primeras ni Córdoba, ni Andalucía en general, tiene demasiada tradición en el hardcore. ¿Estáis en contacto con otros grupos? ¿Empieza a crearse una escena?

“En realidad por Córdoba ha habido grupos que se han movido por esas ramas como Sperm, Goblins, La Amenaza Amarilla… Y en Jerez están

G.A.S. Drummers, que son míticos, o Truth Through Fight, que aunque lo acaban de dejar han estado activos bastantes años y han acabado formando Minority Of One. No sé si soy quién para juzgar si se está creando una escena, pero sí noto que hay más grupos cercanos al hardcore y sobre todo al tipo de ideas relacionadas con la autogestión que el hardcore puede implicar. Nosotros por ejemplo somos muy fans de La Parade y Shonen Bat”.

Comparado con los dos EPs anteriores, la voz ha adquirido más protagonismo. De todos modos es fácil visualizar los temas cantados funcionando también en plan instrumental. ¿Es en el fondo Viva Belgrado una banda instrumental o de post rock con cantante?

“Definitivamente ha ido adquiriendo más importancia con el tiempo y seguramente se deba a que cuando empezamos la banda no estaba muy seguro de mi capacidad como cantante. Según he ido cogiendo confianza le hemos ido dando más espacio y ahora me parece primordial y precisamente el aspecto que más nos puede diferenciar de otras bandas. También es cierto que los temas pueden imaginarse fácilmente sin voz, de hecho a la hora de componer, la instrumentación llega siempre antes que las letras. Tal vez el hecho de que no repitamos estructuras y sigamos patrones progresivos también tenga algo que ver. Sobre el papel de la voz, lo que solemos incorporar en un tema se basa en la sensación que nos transmite. En ese sentido, supongo que la usamos para transmitir lo que no somos capaces con los instrumentos y creemos que hace crecer la canción”.

“Solemos decir que hacemos canciones porque tenemos demasiadas preguntas y muy pocas respuestas” CÁNDIDO GÁLVEZ

Lo cierto es que el contraste entre la belleza de la música y la agresividad de la voz funciona muy bien. ¿Fue ése el registro que salió de primeras o probasteis otros?

“Creo que en la demo y en El Invierno no explotamos tanto ese tipo de composiciones. Para el disco no fue algo intencionado, fue saliendo así y nos percatamos cuando teníamos casi la totalidad de los temas hechos. De todas formas creo que sigue habiendo canciones más oscuras como ‘Höstsonaten’ o ‘La Reina Pálida’”.

Me imagino que el meter más voces es porque queréis contar o expresar algo. ¿Qué se esconde en las letras de Flores, Carne?

“Esta vez hemos intentado rebajar la carga metafórica y ser algo más explícitos, aunque sin salirnos demasiado de nuestra línea. Tal vez por eso haya acabado habiendo más texto. En general tienen mucho que ver con lidiar con la pérdida y el dolor, pero depende de cada canción. Desde luego si hay algo que no se esconde tras las letras son respuestas o verdades absolutas. Solemos decir que hacemos canciones porque tenemos demasiadas preguntas y muy pocas respuestas”.

Obviamente hay un montón de grupos post hardcore con influencias post rock, de hecho 29

“Odiamos la pose y la actitud de artista por encima del público” CÁNDIDO GÁLVEZ

últimamente incluso diría que se está abusando un poco de la mezcla. ¿Os gusta en particular ese estilo o precisamente vuestro reto es hacer algo más personal?

“Creo que se puede ver a la legua que somos muy fans de algunas de esas bandas, pero aunque suene a cliché, nos gusta prácticamente de todo. De cualquier modo, es cierto que cuando algo se pone de moda salen muchas bandas con influencias similares. Supongo que es inevitable y es algo con lo que tendremos que lidiar, pero me gusta pensar que al mismo tiempo obliga a los grupos a superarse”. ¿Y os gusta el revival del emo noventero? No sé si por edad vivisteis los 90 de primera mano…

“Tenemos 23-24 años, así que todo el emo de los 90 lo hemos descubierto después. Yo personalmente soy muy fan de grupos de esta hornada como Joyce Manor, Sundials o Annabel, por no dar ejemplos obvios como Touché 30

Amoré, The World Is, etc.”.

Tanto el CD recopilatorio como Flores, Carne lo ha editado un sello en Japón. ¿Cómo os descubrieron? ¿Habéis intentado mover el disco con algún sello de aquí?

“Realmente no tiene mucho misterio.

Simplemente nos escribieron un email tras la salida de El Invierno comentándonos que estaban interesados en sacar un recopilatorio de las dos primeras referencias. A raíz de la salida del disco nos han salido oportunidades de hacer cosas con algún sello de aquí, pero de momento estamos cómodos con la autogestión. De todas formas, la edición en vinilo está coeditada por doce sellos de ocho países, uno de ellos Walking Is Still Honest, de Lucena, que también la está coordinando”.

Supongo que trabajando con Santi Garcia se aprende mucho. ¿Qué os llevasteis de la experiencia?

“Desde luego aprendimos bastante,

desde técnica a la hora de grabar y editar audio a trucos a la hora de tocar en directo. Es un tío que ha aprendido por sí mismo, que lleva currando día a día durante muchos años en lo mismo y no ha perdido la pasión por ello. Y a pesar de haber producido muchos de los discos más importantes del Estado, tiene los pies en el suelo y una humildad brutal. Su pasión se contagia y se nota mucho en el resultado de lo que hace. Yo me quedo con eso: trabajo diario y pasión”. ¿Y a partir de aquí qué? ¿Tenéis intención de llegar a más público con todo lo que implica o para vosotros el objetivo principal es hacer vuestra música y punto?

“Tocar y viajar todo lo posible y seguir currando al mayor ritmo que podamos.

El objetivo es sin duda pasarlo bien y hacer la música que nos apetezca hacer, sin ninguna pretensión. No queremos llegar a más público a toda costa.

Creo que somos una banda muy llana y transparente en ese sentido, intentamos responder a todo lo que nos llega y nos gusta invitar a la gente a que se acerque a tomar algo y charlar después de los conciertos. Odiamos la pose y la actitud de artista por encima del público. De cualquier modo, si se diera el casual de que la banda creciera mucho, lo cual es ridículo haciendo la música que hacemos, estoy seguro de que cometeríamos muchos errores de los que iríamos aprendiendo por el camino, pero hay valores que no nos planteamos perder”.

TORCHE

En 2008 Torche sorprendían al mundo con su segundo trabajo Meanderthal, en el que unían sludge y melodías más propias de Foo Fighters. Sin embargo, en Restarter el grupo reinicia su sonido para teñirlo de negro. Texto: Toi Brownstone Fotos: DR

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os norteamericanos Torche vuelven a la carga con su cuarto disco de estudio, Restarter (Relapse), que se publicará el 23 de febrero. Lejos quedan los arcoiris del magnífico Harmonicraft. Le han dado la vuelta a la tortilla y ahora se meten en terrenos más inhóspitos y oscuros.

Máquinas que se rebelan, esclavitud, libertad y lucha son algunos temas que tratan a lo largo de los diez cortes que conforman un álbum definitivamente más pesado y sonoramente abrumador. Olvidada la agria salida del guitarrista Juan Montoya a finales de 2008 y consolidados de nuevo como cuarteto -Steve Brooks (voz, guitarra), Jonathan Nuñez (bajo), Andrew Elstner (guitarra), Rick Smith (batería)- Torche nos visitarán el 8 de mayo en Barcelona (Rocksound Bar), el 9 en Madrid (Boite Live!) y el 11 en Bilbao (Kafe Antzokia).

Tras haber terminado su gira con Clutch, Jonathan se encontraba descansando en una cabaña en los bosques, así que nuestra charla acerca de Restarter resultó de lo más relajada.

Jonathan, ¿podrías describir en qué consiste Restarter?

JONATHAN NUÑEZ “Honestamente, cuando nos ponemos a escribir canciones para un nuevo disco, como ya sabes todo el mundo tiene más o menos una idea de lo que quiere hacer, especialmente cuando has terminado de hacer giras tocando canciones del disco anterior, y sabes qué tipo de temas te encajan mejor, sean más rápidas o más lentas, o con un sonido más pesado. Además, estamos continuamente descubriendo a bandas nuevas y nuevos sonidos, y al final a la hora de componer nuevo

material todo esto queda reflejado.

Harmonicraft tenía canciones más alegres y melódicas y más rápidas, con un sonido más sludge, pero con Restarter las canciones son más simples, el sonido es más gordo y es bastante más duro. Claro que tiene algunas canciones con energía, pero en general es bastante más oscuro.

No es que tengamos que reiniciar nada, pero sí nos apetecía dejar de componer lo mismo que hace años.

Hay influencias y estilos nuevos que queríamos experimentar”.

Como bien sabes y has comentado, es inevitable referenciar Restarter con vuestro anterior disco Harmonicraft. Estoy de acuerdo contigo en que este último es más oscuro y más pesado, y en cuanto a sonido, mucho más saturado. ¿Buscabais este cambio?

“Sí, a mí me encantó, porque es el sonido con el que estamos trabajando por lo menos desde hace un año y medio en vivo. Ha sido un proceso de cambio que ha llevado su tiempo, poco a poco hemos ido cambiando amplificadores, pedales, el volumen… de todo. Creo que este álbum definitivamente ha captado estos cambios de manera muy fiel, todo suena mucho más grande y saturado, y también más directo”. ¿Y crees que vuestros seguidores están preparados para este cambio? ¿Qué reacción crees que van a tener?

“Creo que sí están preparados, y que cuando escuchen el disco va a gustar a la mayoría. Desde el primer momento en que empiezas a escucharlo, tiene tal fuerza que te das cuenta al

“No es que tengamos que reiniciar nada, pero sí nos apetecía dejar de componer lo mismo que hace años”

JONATHAN NUÑEZ

momento de que es completamente diferente a Harmonicraft. Ya están dos singles en internet, ‘Annihilation Affair’ y ‘Minions’, y la impresión que hemos tenido es que a la gente le ha gustado lo que ha escuchado, e inmediatamente todo el mundo ha destacado el cambio en el sonido. Esto a mí particularmente me da mucha satisfacción porque me esforcé mucho en conseguir este sonido trabajando con equipo nuevo, y poniendo los micrófonos en cierta posición, por ponerte ejemplos. Cuando empiezas en un punto y terminas consiguiendo lo que tenías en la cabeza, grabando, mezclando y creando el disco hasta su formato físico, dejando tu marca en cada paso, y notas que la gente aprecia el producto final y es receptiva, esto es lo que a mí me hace feliz”. ¿Podríamos hablar de un punto de inflexión hacia este estilo más oscuro y pesado en el que os sentís cómodos, o vais a seguir explorando?

“Nosotros somos un grupo que siempre vamos a estar haciendo cosas diferentes y no vamos a parar de experimentar. Sónicamente tratamos cosas distintas, pero no forzamos que esto pase, surge de manera muy orgánica. Por ejemplo, si escuchas un 7” que sacamos en 2012, Harmonslaught, puedes empezar a intuir este cambio, con canciones más oscuras.

Nos gustó mucho tocarlas en vivo y ver la respuesta positiva de la gente”.

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La elección de ‘Annihilation Affair’ como comienzo de Restarter y primer single oficial resulta muy acertada como prueba de este cambio.

“Sí, tienes razón. No hace falta ni escuchar medio tema para darte cuenta de que lo que va a seguir a continuación va a ser muy diferente. Tiene mucha fuerza”.

Por ejemplo las guitarras y las baterías de ‘Barrier Hammer’ son atronadoras, el ritmo mucho más lento y pesado. En ‘Believe It’ o ‘Minions’ creáis como un muro sonoro que resulta abrumador, tan saturado y sofocante… “¡Sí, sí! (Risas) Ésa era la idea. La fuerza en el sonido, en el tiempo y el ritmo, da a los temas mucha... ¿Gordura? No sé cómo expresarlo. El sonido es más redondo y más entrelazado. Es muy retorcido, pero a la vez es muy suave, pero en el buen sentido. Es como una nube que te engancha y es 34

tan poderosa que lo único que puedes hacer es parar y escuchar”.

Quería también preguntarte por ‘Minions’. Me ha llamado mucho la atención el título.

“La idea del artwork del disco tiene que ver bastante con este tema, y ha habido mucha gente involucrada en esto, y tiene que ver con la imposición de la tecnología en nuestras vidas.

Ahora mismo estamos dejando de hacer cosas por nosotros mismos, y son máquinas o aplicaciones las que sirven como sustitutos y se encargan de hacer algunos trabajos. Cada vez estamos más desconectados y hacemos menos cosas de las que solíamos hacer. Es muy fácil pensar que, como en la película Terminator, un día las máquinas se van a rebelar contra el ser humano, o que pueden quedar fuera de nuestro control. Ésta es la idea del artwork, y de la canción. Ahora vas por la calle y sólo ves gente atenta a su teléfono sin darse cuenta de lo que sucede alrededor. Parece que nos hemos convertido

en ovejas, y estamos controladas en todo momento. ¿Qué es lo primero que haces cuando te levantas? Echas un vistazo al teléfono o te vas directo al ordenador. Somos esclavos de la tecnología”.

Como decías antes también hay cabida para temas más cañeros como ‘Loose Men’ o ‘Blasted’, que son muy melódicos y tienen mucha energía.

“No podemos escribir un álbum lineal, en el que todas las canciones suenan igual. Es muy aburrido para la gente y sobre todo para nosotros. Dentro de nuestro estilo tenemos distintos patrones a la hora de componer. Para mí lo que hace un disco completo es que haya canciones más fuertes, más suaves, más lentas o más rápidas, más tristes o más alegres. Que haya variedad. Un disco define una personalidad, en este caso la identidad de un grupo. Las personas tenemos cambios de humor, y distintas actitudes y características, y creo que un disco debe reflejar eso”.

Las letras de ‘Restarter’, canción que da título a vuestro álbum y que cumple como cierre, no podrían ser más concisas: “Our leaders are done with conversations”. Parece un eslogan.

“En los países hay unos dirigentes cuyo trabajo es discutir decisiones en diferentes áreas y que cuyas medidas pueden afectar de distinta manera a muchas personas. Dependiendo del gobierno las cosas pueden estar demasiado descontroladas o a veces excesivamente controladas, que tampoco es bueno. De la manera en que yo lo veo en esta canción, en este caso son las máquinas las que nos gobiernan.

Como si se hubieran unido contra nosotros, una vez han sido tan perfeccionadas, y ya no nos necesitan, puesto que tienen total autonomía. Cuando los que tienen el poder han llegado a una decisión, esto no tiene marcha atrás”.

Si no me equivoco, Steve vive en California y vosotros residís en Florida. Teniendo en cuenta la distancia, ¿cómo os habéis organizado para este nuevo disco? ¿Componéis y tomáis decisiones en casa y luego os juntáis para perfeccionar los temas y entrar en el estudio o tenéis algún otro método?

“Habitualmente escribimos cuando estamos todos juntos en mi estudio.

Podemos llevar ideas de casa, pero normalmente hacemos el grueso de trabajo allí. Por primera vez llevé ‘Loose Men’, que la compuse en casa con bases rítmicas creadas por ordenador.

Unas veces compongo yo, otras Steve, otras canciones las componemos entre todos... Trabajamos muy bien juntos.

Cuando nos juntamos estamos dos

“¿Qué es lo primero que haces cuando te levantas? Echas un vistazo al teléfono o te vas directo al ordenador.

Somos esclavos de la tecnología” JONATHAN NUÑEZ

semanas trabajando sin parar. Nos juntamos en noviembre de 2013 un par de semanas, y luego otra vez en enero. Cuando nos juntamos esta segunda vez ya entramos a grabar directamente. El proceso de este disco fue mucho más rápido que con Harmonicraft, pero así es como nos gusta trabajar. De todas maneras, ya sabes que nos reunimos para ir grabando EPs, y estamos unos cuatro días también sin parar. Es un trabajo de grupo totalmente”.

Me has comentado que estás muy orgulloso del sonido obtenido después de un trabajo muy minucioso por tu parte, pero ¿hay algo más de este disco que haga que te sientas particularmente orgulloso?

“Este álbum me encanta porque es muy honesto y refleja mucho nuestro directo. No metemos cien cosas que luego serán imposibles de reproducir en vivo.

También me encanta el artwork. Santos hizo un trabajo increíble”.

Ahora que lo comentas, habéis sacado una edición limitada en vinilo que es glow in the dark. Me parece brutal. ¿Cómo surgió esta idea?

“Cuando estábamos barajando ideas para esto volvió a surgir esta idea que teníamos desde hacía muchos años.

Queríamos hacer algo atractivo para los fans. Cuando nos dijeron que era posible trabajar esta idea fue como un sueño hecho realidad. El resultado ha sido espectacular. No lo he visto físicamente pero sí las fotos, y de verdad que ha quedado increíble. No sé si todavía quedan disponibles copias en pre-order, pero no durarán mucho”.

Precisamente ayer vi que se han vendido ya todas. “¡Guau! Pues no me extraña, la verdad, porque merece mucho la pena”.

Habéis empezado el año girando con Clutch y Lionize, y visitaréis Europa en primavera. ¿Qué más planes tenéis para 2015?

“Terminamos el tour con Clutch, que ha funcionado como un adelanto de Restarter, en el que hemos podido presentar algunos temas nuevos y ver las reacciones de los asistentes, que han sido muy positivas. En mayo vamos a Europa, que nos apetece un montón.

Tenemos también pensado sacar algún otro EP más adelante, pero de momento estaremos girando por Estados Unidos y Europa y luego ya iremos viendo. Cuanto más giremos mejor.

Nos gusta tocar, conocer a gente y movernos. Para nosotros el resultado de un buen trabajo en estudio es tocar en vivo. Tenemos muchas ganas de ir a España. Nos gusta cómo vivís allí la música. El ritmo, la energía y la fiesta, son muy contagiosos. Esperamos que os guste el disco, ofreceros unos buenos conciertos en mayo y poder disfrutar con vosotros”.

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TOUNDRA

EN BUSCA DEL ORO ROJO

HACE SIETE AÑOS, CUANDO LOS MADRILEÑOS TOUNDRA ECHARON A ANDAR, NADIE EN SU SANO JUICIO HUBIERA PODIDO IMAGINAR QUE UN GRUPO INSTRUMENTAL COMO ELLOS LLEGARÍA TAN LEJOS. YA NO SÓLO POR PUBLICAR TRES DISCOS QUE SE ENCUENTRAN ENTRE LO MEJOR QUE SE HA HECHO EN NUESTRAS FRONTERAS EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS, SINO POR SER CAPACES DE LLEGAR A UN PÚBLICO DE LO MÁS DIVERSO Y YA DE PASO, ASOMAR LA CABEZA POR EUROPA. SU ESPERADÍSIMO IV VIENE A CONFIRMAR QUE AÚN ESTÁN LEJOS DE TOCAR TECHO. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

U

no de los varios recuerdos imborrables durante mi época universitaria fue el momento en el que conocí a Alberto Tocados. Fue en la facultad de Biblioteconomía y Documentación a finales de 2007. Su banda de por aquel entonces, Nacen De Las Cenizas, acababa de separarse, pero él ya había empezado a tramar su siguiente proyecto musical. “Estoy montando un grupo de post rock junto a otros tres del grupo y un amigo más.

Pero no vamos a tener cantante, será todo instrumental”, me confesó mientras pensaba para mí mismo que no podía existir una cosa más aburrida e insulsa que un grupo sin voces. Cosas de la edad, ya me entendéis... El caso es que pocas semanas después, mientras hablábamos por Messenger, me pasó el MySpace (¿Alguien se acuerda de estas cosas todavía?) de la nueva criatura engendrada junto a sus compañeros que habían decidido bautizar como Toundra. En mi vida me habría molestado en prestarle atención a algo así, pero lo cierto es que esa primera demo de tres temas me voló la cabeza. De la misma manera que lo hicieron cuando les vi dar su primer concierto en Barracudas, donde pude asistir a la prueba de sonido y conocer en persona a Esteban Girón (guitarra), Víctor García-Tapia (guitarra) y Guillermo (batería). Aquella noche teloneaban a los portugueses More Than A Thousand y me atrevería a decir que nadie de los que asistimos a ese bolo apenas recuerda su paso por el escenario. Toundra literalmente les barrieron.

La universidad se acabó y Alberto y servidor tomamos cada uno nuestro propio camino. Aun así, siempre que 38

podía me acercaba a verles tocar y a saludarles. Fue entonces cuando Álex Pérez sustituyó a Guille en la batería, entraron a formar parte de Aloud y gracias a sus siguientes trabajos, (II) y (III), llegaron más lejos de lo que nadie hubiera pensado jamás. No es sólo que el salto cualitativo fuera patente en cada nueva entrega, es que su público no paraba de crecer. De repente era habitual verles tanto en el cartel del Primavera Sound como en el del Resurrection Fest, lo que da una idea del espectro tan variado que han sido capaces de abarcar. O incluso llenar salas cada vez más grandes como la Joy Eslava y que todavía haya gente que se quede fuera. Y eso que estamos hablando de un grupo de rock instrumental, no lo olvidemos...

Han pasado siete años desde aquel día en el que pude escuchar esas primeras canciones y ahora mismo estoy de camino hacia el barrio de Malasaña. Esta tarde de finales de noviembre he quedado para entrevistar en la Cuervo Store a Esteban y a Macón, guitarrista de El Páramo y Adrift, quien desde hace más de un año ocupa el lugar dejado por Víctor a la seis cuerdas. Pero éste no es el único cambio que han tenido que afrontar Toundra de cara a la grabación de IV. Su fichaje por Superball, filial del poderoso sello de metal Century Media, les coloca en una posición inmejorable para abrirse camino en la escena internacional, algo que ellos mismos ya se han encargado de hacer con un par de giras por Europa. Es el primer punto que tocamos en una distendida charla que se alarga durante casi una hora entre botellines de cerveza y algún cigarrillo.

Acabáis de regresar de vues-

tra segunda gira europea. ¿Qué tal ha ido el asunto?

ESTEBAN “Hemos salido cinco veces en total, y ésta como gira larga era la segunda. Ha ido muy bien, porque en las otras estábamos presentando el disco y en ésta habíamos parado de tocar durante casi un año. No sabíamos si nos estábamos quedando oxidados (risas), pero no, para nada”.

MACÓN “Además te das cuenta de que la gente de fuera, al igual que aquí, te está esperando. No Erasmus, sino gente de allí. La primera gira igual, salvo en Berlín, donde quizás el 50% de la sala, que estuvo repleta, unas 150 personas quedándose gente fuera, sí que podían ser Erasmus o que están allí por la crisis. Pero en ésta, salvo en Praga, no nos hemos cruzado con ningún español. No hemos ido a ciudades grandes, pensando más para la siguiente, entonces a lo mejor ahí hay más ambiente autóctono”.

ESTEBAN “Todo el mundo nos preguntaba por el nuevo disco”.

MACÓN “De hecho en Colonia, el grupo con el que tocamos, que me vais a matar pero no me acuerdo de cómo se llamaba ahora mismo, se enteraron de que estábamos de gira y llamaron al promotor porque querían tocar con nosotros. Se hicieron 120 kilómetros o así”.

ESTEBAN “La sensación era que la gente ya se conocía la discografía del grupo. Nos preguntaban si íbamos a tocar tal canción o la otra. Sabían que habíamos firmado por Century Media y que el disco salía en enero, que volveríamos en febrero...”.

MACÓN “La única ciudad donde repetimos respecto a la anterior gira fue en Siegen, y se ha notado. Con la sala repleta y gente que nos había visto antes que se habían traído a sus

amigos porque les habían dicho que tenían que vernos”.

ESTEBAN “Hubo un tío que nos había visto la primera vez y en esta ocasión no podía venir porque tenía que hacer de babysitter, pero vino a la prueba de sonido para pillar merchandising. Lo que pasa aquí en España que vas a Alicante o a Murcia y hay tantas personas, con el siguiente disco vuelves y multiplicas el público por dos o más, allí nos hemos dado cuenta de que también pasa”.

Y a nivel de salas, ¿qué os habéis encontrado? Muchos grupos de aquí cuando salen fuera flipan con lo atrasados que estamos en ese sentido, incluso tocando en clubes más pequeños.

MACÓN “Yo no sé si llamarlo atraso, pero sí que hay un trato diferente para con el músico que aquí no tenemos.

Allí las salas están hechas para los conciertos, aquí están hechas para los garitos. Tocas y te vas corriendo

porque luego empieza la discoteca.

En Europa, hasta en las casas okupas, que en realidad son centros culturales, tienes un trato excelente. En la mayoría de las salas puedes quedarte a dormir, te dan cena... Creo que hay mucho más respeto al músico fuera que aquí en España”.

ESTEBAN “También en España hemos tocado en muchísimos sitios que nos han flipado y nos han tratado también muy bien en la inmensa mayoría.

No hay que desmerecer eso tampoco.

Pero la diferencia es lo que dice Macón: allí está hecho para que toques y la preocupación de la gente de la sala y de los promotores es que estés a gusto, que hagas tu prueba en condiciones, que descargues el equipo sin prisas... Incluso cuando te piden recoger te lo piden no en plan ‘a las doce tienes que recoger y no te quiero ver más por la sala’, sino ‘oye chicos, id recogiendo y luego nos tomamos algo aquí’”.

Pasando ya a hablar de IV,

¿el tema de la composición cómo ha ido? ¿Ha sido tan tortuoso como el anterior, donde casi os separáis?

ESTEBAN “Mira, la mejor prueba de que ha ido bien es que yo personalmente estoy deseando hacer otro. No quiero decir que antes fuese culpa de Víctor, ni mucho menos, pero esta vez ha ido todo súper fluido. De hecho, nos hemos sorprendido cuando lo acabamos. No nos hemos peleado, ha salido todo muy rodado”.

MACÓN “Sacábamos una idea, iba saliendo, y de repente teníamos un tema hecho. A lo mejor la presión que tenían ellos en el tercer disco después de un gran álbum como (II) supongo que les influyó bastante. En este cuarto, al entrar yo, al ser algo nuevo, las cosas iban saliendo muy sencillas”.

ESTEBAN “Dejas más libertad a la otra persona. Cuando ya llevas tres discos te conoces perfectamente y sabes por dónde va a tirar cada uno.

Con Macón fue que teníamos un 25% de la composición que estaba virgen, 39

TOUNDRA que teníamos que explorar y explotar.

Eso te da mucho aire a la hora de componer. Eran en plan: ‘Tenemos este arpegio. A ver qué te sacas’. Y se ponía a tocar en plan David Gilmour, Pink Floyd (risas). Con él es muy fácil”.

MACÓN “También influye mucho que yo me fuera de gira con ellos antes de grabar y así ya conocía el grupo desde dentro. Saberme las canciones, cómo es el concepto y cómo lo desarrollan... Y fue súper sencillo. Sabía qué es lo que querían, lo que quería yo...”.

ESTEBAN “Qué recursos explotábamos más o menos. Y bueno, al final él ha entrado en el grupo, pero también nos hemos hecho amigos. Lo más importante es que encaje la personalidad, el estar a gusto para trabajar. Ha sido paralelo el ir creando el disco y la amistad”.

MACÓN “Al final en un grupo tienes que tomar muchas decisiones. Todo es una decisión, desde qué día ensayas, que hay que ir a tocar aquí o no sé dónde. Y si encima hay un trato personal de puta madre, las decisiones es que salen solas”.

ESTEBAN “De hecho, cuando vuelves a Madrid y un fin de semana que no tenías nada, quedas con él en tu rato de ocio. O quedamos para comer. Él vive al lado de mi trabajo y en 40

repente hace en tres minutos lo que yo en 45”.

ese rato quedamos con las guitarras para comer rápido e ir componiendo”. ¿Pero eso no es ya un poco obsesivo?

MACÓN “No, porque es mucho más cómodo. Aparte de que no es presión porque te gusta tocar la guitarra. A mí me gusta tocar con él, porque es muy completo tocando y me da una amplitud para poder meter lo que me salga de las narices. A mí es que me flipa porque te hace un acorde que te mete cinco notas y dices ‘Joder, ya está hecha la nota. Ahora sólo me falta a mi meter la paja’ (Risas)”.

ESTEBAN “Esto lo dices de cara a la prensa (risas)”.

MACÓN “Es que es muy sencillo componer contigo. Cuando quedaba con él, se ponía a hacer un arpegio de lo más simple, pero como lo rellena todo es que puedo hacer todas las melodías que me dé la gana”.

ESTEBAN “Y de hecho, a mí no me gusta eso. No me gusta estar soleando y a él sí. Así que nos hemos llevado bien por eso. Porque quizás yo puedo llevar un poquito más de ideas al local porque también tengo más tiempo libre que él, que está en tres grupos. A él le gusta más lo inmediato. A mí me gusta más estar en casa e ir haciendo cositas y él de

Mi primera impresión del álbum es que para el oyente va a ser mucho más complicado pillarlo de inicio que cualquiera de los anteriores. Sin cambiar mucho, lo veo más complejo, más rebuscado.

MACÓN “El público ya está educado al rock instrumental que hacemos.

Ahora es darle una vuelta de tuerca más, porque para hacer lo mismo te quedas en casa. La gente ya entiende lo que es Toundra; pues ahora que la música les vaya dirigiendo un poco más hacia otro lado. Muchas bandas que nos gustan no son de una primera escucha. A nosotros nos gusta que cada vez que escuches el disco descubras algo, y es lo que hemos intentado hacer esta vez”.

ESTEBAN “Aparte del cambio de que haya entrado Macón, también hay que tener en cuenta que no es lo mismo escribir canciones con 19-21 años que teníamos cuando empezamos que ahora con 26-27. No sólo por la edad y todo lo que has escuchado y evolucionado, sino porque también tienes que tener en cuenta el camino que has recorrido ya. No puedes volver a hacer canciones basándote en los mismos recursos como músico de los anteriores discos. Con (III) tuvimos claro que no podíamos repetir lo que usamos en (II) y que tan bien habían funcionado. Teníamos que hacer otra cosa diferente, y con éste igual. Suena muy a tópico entre los músicos el que nos gustan los discos que necesitan muchas escuchas o que este disco de Toundra las necesite para que lo descubras y lo disfrutes del todo. Eso es un tópico, pero creo

que era lo que necesitábamos nosotros ahora: el encerrarnos y hacer música un pelín más complicada, porque si no nos aburriríamos”.

Lo que más me ha llamado la atención, aunque tampoco es que sea una sorpresa viniendo de Santi Garcia, es el sonido a nivel de producción.

Me parece una auténtica pasada. Cuando firmasteis con Century Media supongo que ni os plantearon nada de trabajar con tal productor ni lo pensasteis...

MACÓN “Tanto Century Media como Superball en ningún momento nos han dirigido nada. Nos han dejado completa libertad”.

ESTEBAN “Nos preguntaban: ‘¿Qué tenéis pensado para la portada?’. Pues con Chelsea Greene. ‘¿La producción?’. Con Santi. Nunca ha habido nada. Hemos hablado con Paco Fernández, que aparte de trabajar en Century Media es nuestro mánager, y le íbamos contando cómo iba el proceso. Pero desde un primer momento teníamos claro que el disco iba a ser grabado exactamente igual que el anterior, salvo que nos fuimos a hacer las baterías fuera”.

MACÓN “Aquí en Madrid grabamos las guitarras y el bajo con Carlos Santos. La diferencia con respecto al anterior es que las baterías se han grabado en Barcelona, en Vilafranca del Penedès, que creo que ése ha sido el elemento clave. Se ha grabado, con nuestro particular tributo a Led Zeppelin, buscando ese sonido natural”.

ESTEBAN “Santi ha usado la colocación de los micros exactamente igual que lo hacía John Bonham”.

Supongo que un poco como en ‘When The Levee Breaks’, que leí que la batería estaba grabada en una casa grande al lado de las escaleras, que es lo que he visto en algunas fotos de la grabación, ¿no?

ESTEBAN “Exacto. Los cables bajaban por las escaleras, sí”.

MACÓN “Una batería es algo súper orgánico. Si tú pones el micro donde das el golpe, evidentemente suena guay. Pero si tú escuchas una batería en el local de ensayo, lo que recibes es el rebote, el espacio, todo el aire de la habitación. Eso es lo que queríamos nosotros, que la batería tuviese su cuerpo, y eso es lo que Santi ha conseguido”.

ESTEBAN “Nos llamó y dijo: ‘Sé el estudio donde vais a grabar las baterías y cómo lo vamos a hacer’, incluso antes de que lo comentásemos. Aparte el cabrón te habla como si ya supiese que vas a hacer con él el siguiente disco, lo da por hecho (risas). Es lo bueno que tienen Santi y Carlos, del que no hablamos tanto pero también es importante para nosotros. Nos conocen personalmente, musicalmente, y están muy involucrados. Las ganas que tenemos como grupo las tienen ellos igual. Se mojan”.

MACÓN “Ellos lo que hacen es lo que a ti te gusta, dejarlo grabado”.

ESTEBAN “Carlos ya sabe en qué orden tiene que grabar a cada uno del grupo”.

En cuanto a la portada, ¿qué es lo que simboliza el concepto de los zorros? En el disco también se pueden escuchar sonidos relacionados con la naturaleza...

ESTEBAN “De eso también había

“Víctor se fue por razones personales, que son sÓlo suyas y respetamos.

Seguimos teniendo muy buena relación con él. Fue un palo pero no por nada que le tengamos que reprochar, sino porque es un amigo con el que estÁs todos los días hablando por una cuestión que es un grupo, y de repente eso se rompe” ESTEBAN un poco en (I). Te voy a ser totalmente sincero: todo esto empezó porque teníamos el disco verde, que era el primero, la portada marrón-amarillo el segundo, la azul el tercero, y nos faltaba el rojo. Buscábamos elementos, porque también IV cierra, o creemos que va a ser el último con esta numeración. El siguiente no se va a llamar Houses Of The Holy (risas)”.

MACÓN “Se va a llamar Casitas Sagradas (risas)”.

ESEBAN “Y a partir de ahí, el buscar el rojo, el animal del zorro, el fuego...

Le vas dando vueltas varias semanas.

Llegamos a descubrir la importancia del zorro en la mitología japonesa, el Kitsune. También el cuidado por la naturaleza”.

MACÓN “A raíz del color rojo y asociarlo con los animales, ya se buscó una forma de transmitirlo a través de toda la historia del dios Kitsune, el zorro que se convierte en humano, protector del bosque... Luego intentamos encajarlo. Como no tenemos letras, con la música y el artwork pretendemos contar todo eso. Luego que 41

“El hecho de fichar por Century Media ayuda a que tu nombre esté en muchos sitios y pueda llevar tu música mucho más lejos, Aunque hoy en día, con Internet, quien tenga ganas de conocer grupos no le hace falta tener un sello internacional” MACÓN

cada uno se haga su paja mental y su historia”.

ESTEBAN “Es como dar los ingredientes para que tú evoques algo, que va a ser todo relacionado en la misma dirección porque te hemos dado ciertas indicaciones, pero no es nada explícito. No es un disco conceptual”.

MACÓN “El ser humano es algo que también queríamos marcar desde el principio. Queríamos hacer un poco de hincapié en ello, que también da un poquito de asco en un momento dado. Y entonces a través de estas fábulas japonesas le dimos ese sentido”.

ESTEBAN “Y de repente llega Alberto estando de gira y nos pone La Princesa Mononoke y dices: ‘Coño, si es la misma puta historia’ (Risas). De hecho, vamos a sacar un videoclip que lo une todo. Te cuenta una historia de principio a fin que une todas las ideas que te estamos explicando. Es lo que queríamos, darle al disco un algo más, que no sean simplemente canciones seguidas y unirlo con el diseño. Eso ya lo hemos hecho. Las guerras, los 42

viajes, las religiones, la oscuridad y la muerte, etc. No hemos querido ser pretenciosos, sino que es algo que ha salido poco a poco”.

Toca hablar del cambio de guitarras. Lo primero, ¿cómo recibisteis que Víctor dejase Toundra?

ESTEBAN “En ese momento fue algo repentino. Me acuerdo que llamé a Álex: ‘Oye, que Víctor se va’. Y me dice: ‘No jodas’. Luego echando la vista atrás ves cosas, señales que se iban viendo. Yo lo he hablado con él.

Seguimos siendo muy amigos. Víctor se fue por razones personales, que son sólo suyas y respetamos. Seguimos teniendo muy buena relación con él.

Fue un palo pero no por nada que le tengamos que reprochar, sino porque es un amigo con el que estás todos los días hablando por una cuestión que es un grupo, y de repente eso se rompe.

Deja de ser tu compañero de grupo y tienes que cuidar esa amistad sin ese vínculo tan fuerte de por medio. Ahora

vive en Barcelona, le vi hace un mes y está mejor que nunca. Me alegro que haya tomado esa decisión. Y con Macón no podemos estar más contentos, salvo que no le gusta conducir”.

MACÓN “Prefiero dormir (risas)”.

Y en cuanto a estilo, ¿qué diferencias habéis notado con el cambio?

ESTEBAN “Para ponerte en situación: Yo quedo un día con Álex para comer, nos volvemos al trabajo cada uno y me dice ‘¿Quedamos luego para dar una vuelta y tal?’, y le digo ‘no, tío.

Me voy a casa a tocar la guitarra que Macón toca muy bien y le tengo que pillar’. Es muy creativo. Entonces esto te pone en una situación en la que tienes que estar a la altura, aparte de que con cada persona que tocas es diferente. Es un tío al que le gusta mucho solear, no le gusta hacer acordes y que ya lleva tantos años tocando, que conoce muy bien el instrumento hasta como para meter acoples y ruidos con los pedales. Eso te da una

libertad dentro de un grupo en el que no hay cantante, que hay mogollón de partes que tienes que unir...”. ¿Cómo y cuándo surge el interés de Century Media?

ESTEBAN “Nosotros estábamos muy a gusto en Aloud. Siempre hemos llevado su bandera allá por donde hemos tocado y seguimos haciéndolo.

Somos muy amigos de ellos. Seguimos compartiendo la inmensa mayoría de la filosofía con la que trabaja el sello.

Y bueno, de repente nos llega Paco con una oferta de contrato discográfico. Quedamos todos, nos lo enseña y luego quedamos con nuestra anterior discográfica, con Sergio Picón. Y simplemente le ponemos sobre la mesa esta oferta igual que antes habíamos tenido otras y nos dice que nos vayamos, nos recomienda que cojamos esa oferta. Seguramente con todo el dolor porque es amigo y porque deja de ser una figura importante como sello, mánager y técnico de sonido que era.

Pero él, viendo que se nos presentaba una oportunidad de crecimiento, nos dijo que lo teníamos que coger y que él iba a seguir con Aloud, que es su modo de vida y su motivación. Yo lo he hablado con Sergio y lo que dice es que cuando hicimos la primera gira por Europa, él ya vio que había un crecimiento de interés por la banda, que podía llegar algo así y que estaba allí para que creciésemos. Tenemos todo su apoyo y creo que está contento de que hayamos grabado otro disco y que sigamos adelante”.

Y el tema de las descargas gratuitas, que los discos estén a 10 euros al igual que las entradas de los conciertos... ¿Todo eso va a seguir igual?

¿Os costó mucho convencer a Century Media de esto?

ESTEBAN “No, no fue complicado.

De hecho, somos unos pesados con eso”.

MACÓN “Salvo lo de las descargas, eso ha sido imposible. Cuando fichamos por ellos ya veíamos que no nos lo iban a permitir, pero sí que esté en streaming, por lo que en el fondo es lo mismo. Y luego las descargas el día después de que salga el disco o dos días antes lo vas a tener filtrado.

De cara a la gente sí que queda a lo mejor muy de puta madre que pongas descargas directas, pero el que quiera bajárselo lo va a hacer igualmente”.

ESTEBAN “Yo ayer me descargué un disco de Century Media (risas)”.

MACÓN “El tema más importante es lo que dices: las entradas de los conciertos y que todo sea asequible en ese aspecto. Y tenemos total libertad porque eso lo llevamos a través de nuestro management y les metemos mucha caña en ese sentido de seguir respetándolo porque lo consideramos parte esencial de la banda, el que puedas permitirte pagar un concierto”.

ESTEBAN “Aparte de que yo creo que entradas a 10-12 euros ya está bien. Yo no quiero cobrarle 18 euros a la gente porque no creo que mi concierto valga eso. 10-12 por una hora y veinte escuchándonos está bien”.

MACÓN “La idea que tenemos ahora para las presentaciones es entrada con vinilo a un precio bastante interesante. Es doble vinilo, CD y entrada.

Lo hemos ajustado al máximo”.

ESTEBAN “Nos estamos arriesgando a perder mucha pasta. De hecho, lo que ganamos por entrada con esto es bastante menos que un euro”.

¿Hablasteis con la gente de Angelus Apatrida para pedirles consejo? No sé si les conocéis personalmente...

MACÓN “Ahora les conocemos a raíz de todo esto. Yo con Adrift alguna vez hemos coincido en algún concierto, pero así de relación no ha sido hasta ahora”.

ESTEBAN “Yo lo hablé con Gorka de Berri Txarrak. Le mandé un mail preguntándole y me contestó que se alegraba de que hubiésemos fichado y todavía no lo habíamos hecho.

Pero bueno, preguntas no por desconfianza, más bien por compartir”. ¿Y con todo esto no empezáis a pensar que España se os está quedando un poco pequeña ya a estas alturas?

MACÓN “Aquí nos queda mucho recorrido todavía. El hecho de fichar por Century Media ayuda a que tu nombre esté en muchos sitios y pueda llevar tu música mucho más lejos, aunque hoy en día con internet quien tenga ganas de conocer grupos no le hace falta tener un sello internacional”.

ESTEBAN “Creo que con esto pueden pasar dos cosas: quizás recorremos menos España, o quizás mucho más. Cuando empezamos el grupo vinieron 80 personas cuando presentamos el primer disco en la sala Taboo, y a mí me pareció la hostia. Cuando metes 200, pues ves que la cosa va creciendo. Pero no hay por qué ponerse esos objetivos.

Simplemente ir trabajando y hacer esto un poco más importante en tu vida personal”.

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venom

Bienvenidos al Infierno

“Somos black metal, somos Venom, y por eso tenemos que seguir haciendo lo que inventamos.

Es la única responsabilidad que tenemos” Cronos

Para unos son una de las bandas más influyentes del metal. Para otros nunca fueron poco más que un chiste. Lo que está claro es que Venom nunca han dejado indiferente a nadie. Ni siquiera a sus propios fans.

C

onrad ‘Cronos’ Lant es el mejor embajador que puedan tener Venom.

Por algo el cantante y bajista es el único miembro fundador que todavía aguanta en la formación, si bien entre 1987 y 1995 estuvo fuera coincidiendo con las horas más bajas del grupo. Cronos habla de Venom en los mismos términos de quienes otorgan al trío de Newcastle un estatus legendario como creadores de todo el metal extremo contemporáneo gracias a sus dos primeros discos, Welcome To Hell y Black Metal. Incluso utiliza citas literales que aparecen en la biografía de la página web del grupo. Pero parece que, justo a sus 52 años, Cronos quiera reivindicarse ante todos aquellos que han cuestionado desde la pobre técnica de sus inicios o su imagen hasta su legitimidad para seguir usando el nombre del grupo en el siglo XXI. Puede que el tono triunfalista que utiliza durante la entrevista choque un poco, pero en parte se lo puede permitir a tenor de lo escuchado en su nuevo álbum, From The Very Depths (Spinefarm Records). Repitiendo la misma formación que grabó el anterior Fallen Angels, con Stuart ‘Rage’ Dixon a la guitarra y Danny ‘Danté’ Needham a la batería, Cronos y Venom tienen veneno para rato.

Hola Cronos, ¿dónde estás?

CRONOS “En el infierno. ¿Dónde estás tú?”.

Ah, OK. Yo en Barcelona.

Háblame un poco sobre el origen de From The Very Depths.

“Siempre estamos trabajando en nuevas canciones. No nos sentamos y decimos ‘vamos a escribir un nuevo disco’. Estamos tonteando con ideas constantemente. Creo que es mejor así porque si lo escribes todo durante el mismo tiempo, todos los temas acaban sonando igual. Como músico no puedes apretar un botón y escribir una canción. No somos máquinas, así que vas teniendo ideas sobre riffs, letras, ritmos de batería, que luego puedes utilizar. Para mí crear forma parte de mi día a día. Te levantas, cagas, haces una canción, comes un poco, follas, y te vas a dormir. Ésa es mi vida”.

Ahora que Rage y Danté han estado en el grupo varios años, ¿ayuda? “¡Por supuesto! La gente dice que ésta es la segunda formación clásica del grupo, así que tener una buena banda ayuda mucho. En el pasado ha habido demasiada gente que entraba en el grupo por las razones equivocadas. Había gente que se pensaba que se haría rica, otros que querían ser famosos, pero de lo que no sé da cuenta esa gente es que éste es un trabajo duro, y si no te esfuerzas, ¿cómo esperas conseguir algo? Los músicos odiamos decir que esto es un trabajo, pero es un jodido trabajo. No sé por qué la gente es tan reacia a hablar en esos términos,

Texto: Jordi meya Fotos: DR

pero esto es un negocio y si no trabajas bien, no ganarás dinero. La gente que no sabe dónde se mete sólo crea tensiones, y eso es malo para la música. Durante años preguntaba a otros miembros si tenían alguna idea para nuevas canciones y la respuesta siempre era ‘no, no, no’. Y al final acababa componiendo yo todo el álbum, mientras lo demás pasaban el tiempo con sus novias. Para Fallen Angels, Rage y Danté aportaron muchas cosas. Obviamente se sentían inseguros porque Venom tiene un gran legado, pero les dije ‘mirad, cuando pusimos la banda de nuevo en activo en 2009 para una gira por Sudamérica y Europa teníais que tocar las canciones que otra gente había escrito, pero ahora tenéis la oportunidad de contribuir con vuestras ideas. Y después de cuatro años, ya sabéis cómo hacerlo. Yo soy el productor, yo sé lo que es Venom, así que dadme vuestras ideas y si me gustan, las usaremos, y si no, pues no’. Y la realidad es que tuvieron ideas jodidamente buenas”.

Y lo mismo ocurrió con From The Very Depths…

“Sí, pero esta vez no tuve que soltarles ningún rollo, porque ya habían ganado esa confianza semana tras semana, mes tras mes. Fallen Angels gustó mucho y los temas funcionaron muy bien. No quiero que intenten imitar a otros músicos o que finjan que son un miembro antiguo. Para mí Rage es el guitarrista de Venom y Danté es el batería de Venom. Pero 47

“Metallica, Slayer o Exodus estaban influenciados por Venom, pero para mí no estaban por debajo, sino a mi lado. Éramos hermanos” Cronos

al final son los fans los que juzgan, así que tienen que ganárselos a ellos también. Y ellos dos los han hecho.

Tienen confianza, son creativos, son atrevidos… Yo no quiero subirme a un escenario y aburrirme tocando lo de siempre. Yo quiero tocar temas que son difíciles, que son terroríficos.

Y quiero tocar con gente que sienta lo mismo, que tenga hambre, ganas de luchar. Espero que esta formación perdure durante diez, 15 años, porque creo que haremos cosas maravillosas juntos”. ¿Y el legado de Venom te ha llegado a asustar a ti mismo?

“No, no. Yo no sé cómo escribir una canción de Venom. Simplemente escribo una canción nueva. Y tengo muchas canciones que nunca han visto la luz porque no encajaban en 48

Venom. No puedo dejar que el pasado me asuste. Para mí el legado es un mapa. Si anuncias chocolatinas, fabrica chocolatinas, ¿sabes? Somos black metal, somos Venom, y por eso tenemos que seguir haciendo lo que inventamos. Es la única responsabilidad que tenemos. Yo sé todo lo que quería cuando empezamos.

Quería más cuero que Judas Priest, ser más heavies que Motörhead, ser más satánicos que Black Sabbath, más ruidosos que Kiss. Si cuando termino un disco de Venom no cumple esos requisitos, entonces tenemos un problema. Así que mi relación con nuestro legado es hacer un disco mejor que el anterior. Para mí fue genial estar el año pasado en Bélgica y que viniera un chico y me dijera ‘soy un gran fan del grupo, pero tengo que pedirte disculpas porque no me

gusta el disco Black Metal’. Y le dije ‘no hay problema, no tiene por qué gustarte todo lo que hacemos’. Y me respondió ‘pero me gusta más Fallen Angels’. Y para mí eso es fantástico.

Un grupo debería ser cada vez mejor. No quiero que la gente mire sólo el pasado. Hay muchos fans a los que no les gusta Welcome To Hell, pero les gusta Black Metal. Ahora hay chavales en la primera fila que gritan para que toquemos temas recientes como ‘Pedal To The Metal’, ‘Antechrist’, ‘Hammerhead’, y para mí eso es un triunfo”. ¿Se te hace extraño tener fans que no habían ni nacido cuando publicasteis vuestro primer disco?

“Sí y no. Ahora formamos parte de la generación internet. Muchos de los

nuevos fans son muy inteligentes y muy atrevidos. Cuando Venom empezamos a tener problemas con los cambios de formación, mucha gente decía que estábamos acabados. Y lo entiendo porque algunos cambios no fueron muy buenos. Pero ahora que el grupo toca más rápido que nunca y suena más compacto, los fans nuevos nos respetan mucho. Ahora son los fans nuevos los que les dicen a los antiguos que dicen ‘oh, yo sigo a Venom desde 1981’ que se vayan a la mierda. No quieren escucharles decir que ya no somos tan buenos como antes. Un día vi una gran discusión entre un fan joven y otro viejo. Y el joven le decía ‘no puedes decir que eres un fan desde 1981 porque sólo te gusta el grupo hasta 1985, cuando se separó la formación original. Así que sólo fuiste fan durante cuatro años. Pero yo les sigo desde Resurrection, que salió en el 2000. Así que he sido fan durante 15 años’. Me pareció un argumento fantástico y tenía toda la razón. ¡Este chaval no había ni nacido en 1981!

Los viejos fans que quieren escuchar los dos primeros discos pueden seguir haciéndolo, pero que dejen a los nuevos fans tranquilos. Ahora tenemos más gente en los conciertos que nunca y vendemos más discos que nunca. Eso me dice que los fans nuevos son mayoría. Por eso toco lo que ellos me piden”.

Siempre se ha situado a Venom en el cruce entre el punk y el metal. ¿Crees que seguís en ese punto? “¿No se nota en la música? Venom somos punk y Venom somos metal. Ahí es donde empezamos porque el metal se estaba ablandando. Cruzamos punk y metal y creamos el black metal.

Hicimos esta música porque el rock era una mierda a finales de los 70.

Había perdido su dirección, no ofrecía nada nuevo. Pero nosotros influenciamos a Metallica, a Slayer, a Exodus, a Testament, y se creó una nueva forma de música. Llámalo black metal, thrash metal, speed metal, death metal... nosotros le pusimos una inyección. Pero no voy por ahí diciendo ‘yo creé esto o yo creé lo otro’. No soy yo quien tiene que decirlo. Pero Venom fuimos un catalizador. Nosotros pusimos la chispa a algo que ya existía. Mucha gente estaba cabreada con el rock, todo el mundo estaba esperando esa pequeña idea para poder empezar a crear algo excitante. Nosotros no creamos a Metallica o Slayer, ellos estaban ahí esperando esa chispa.

Nosotros les dimos la confianza para hacerlo por su cuenta. A nadie le gustan los cambios, a todo el mundo le gusta lo fácil, lo cómodo... La gente nos decía que éramos sólo ruido, que no era música, que no podían leer el logo... En 1981 era jodidamente duro estar en Venom porque nadie nos aceptaba. Motörhead eran la banda más dura y nadie quería arrebatarles la corona. Black Sabbath eran los más satánicos y nadie quería ir más allá. Todo el mundo quería que todo siguiera igual, pero llegamos Venom y lo cambiamos todo”.

Habiendo tenido a Metallica de teloneros, ¿cómo te sentiste cuando se convirtieron en la banda de metal más grande de la historia? ¿Sentiste que su éxito era también un poco tuyo?

“Una vez Venom abrimos la puerta, todo el mundo quiso bandas más duras y más rápidas. Metallica, Slayer

o Exodus estaban influenciados por Venom, pero para mí no estaban por debajo, sino a mi lado. Éramos hermanos. Estábamos pateando el culo de Iron Maiden, Judas Priest, Kiss, Rush... ¡Les pateábamos sus culos! A mí no me importa quién se hizo más famoso porque todos estábamos en el mismo bando”.

Se acaba el tiempo, pero creo que tienes una anécdota bastante buena sobre un concierto que hicisteis con Black Flag en 1985... ¿Podrías contarla?

“Sí, sólo hicimos un concierto con ellos. Lo que pasó es que la madre de Henry Rollins llamó a nuestro management y dijo: ‘Tengo entendido que Venom girarán por Estados Unidos. Cuando toquen en New Jersey, ¿podrían tener a Black Flag de teloneros?’. Y dijimos ‘no, no es posible’, porque ya teníamos a Slayer y Exodus. Y entonces casi se puso a llorar y dijo que Black Flag eran grandes fans del metal y de Venom y que tenían un montón de seguidores en Estados Unidos. Y al final dijimos que bueno, sólo porque nos divertía que hubiera llamado su madre. El caso es que abrieron el concierto, pero no había nadie en el local. Tocaron para ellos. Nos partimos de risa porque Henry Rollins se creía que eran los Sex Pistols, pero ahí no había nadie.

Era muy triste. Estaban en el backstage y los echamos. Su música nos pareció horrible. No se les mencionó ni en una sola crítica porque no había nadie. Para mí Henry Rollins no es un músico”.

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RISE OF THE NORTHSTAR

Sin un álbum en las calles y ya héroes del hardcore.

Seguramente, nadie como

R ISE OF THE NORTHSTAR para ejemplificar mejor el cambio de paradigma cultural que ha producido el estallido de internet. Con al fin Welcame emergiendo de los suburbios de Tokio, hablamos con una banda mucho más simpática, entusiasta y freak de lo que pueda parecer al principio. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

EL P U Ñ O D E L A ESTRE L L A DEL NORT E

RISE OF THE NORTHSTAR

M

ÁS VALE VENDER CAMISETAS QUE NADA’, es lo que deben de pensar la mayoría de grupos que les ha tocado padecer la nula venta de álbumes de los 2000 y estar condenados a girar eternamente para poder pagarse un modesto piso de alquiler. Se puede llevar bien o se puede llevar mal, pero el caso es que, o te resignas, o te adaptas a la nueva coyuntura sociocultural que ha traído internet, o no hace falta ni que salgas de tu local de ensayo. La red y sus descargas lo han cambiado todo, y desde luego, han llegado para quedarse. Que nos lo digan a RockZone…

Hay quien sigue creyendo que estamos en los 90 y va de hostia mayúscula a hostiazo de campeonato, y en cambio, hay toda una nueva generación de bandas que ya ha nacido con esta realidad bajo el brazo. YouTube por Grammys, Facebook en vez de escándalos públicos en hoteles, Impericon por los Morrisound Recording. De entre ellas destacan los franceses Rise Of The Northstar, quienes han invadido con su merch cualquier evento hardcore al que puedas acudir actualmente, y quienes han sabido vender como nadie su imagen para despuntar

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entre una escena sobresaturada sin siquiera debutar con un largo. Pero como siempre, todo llega a su fin…

A Vithia (voz), Eva-B (guitarra), Air One (guitarra), Fabulous Fab (bajo) y Hokuto No Kev (batería) les ha llegado la hora de demostrar que lo suyo no es sólo fachada y un par de EPs, y con Welcame, su primer álbum editado bajo Nuclear Blast y su propia disquera Repression Records, han salido victoriosos con esa mezcla explosiva de NYHC, beatdown, thrash, crossover y rap metal. Con un montón de preguntas en el aire y antes de que unos repugnantes ataques terroristas sacudieran la ciudad del amor iniciamos una charla mucho más agradable de lo que su pose machocore pueda dejar entrever. ¡Rise Of The Northstar habéis vivido un gran éxito con sólo dos EPs! ¿Cómo lo explicas?

HOKUTO NO KEV “Probablemente porque brindamos algo único en esta escena metal. Con diferentes códigos. Mezclamos metal, hardcore, thrash, hip hop y subcultura japonesa, y creo que eso no se había hecho nunca antes”.

Nacisteis en los 90, ¿así que

por qué tardar tantos años en publicar vuestro primer álbum? ¿Fue eso necesario para forjar vuestra propia personalidad?

“Rise Of The Northstar nacieron en los 90, pero lo que ocurrió en nuestra juventud define lo que la banda es hoy en día, y todos crecimos durante esos 90. Durante esa época todos estuvimos viendo violento anime japonés como Akira o Hokuto No Ken (aquí El Puño De La Estrella Del Norte –ndr.) y al mismo tiempo estábamos escuchando bandas como Sepultura, Machine Head, Suicidal Tendencies o Wu-Tang Clan. Ahí es donde nuestra mezcla nace, es por eso que podemos decir que Rise Of The Northstar nació en los 90, somos herederos de esa década. ¡Necesitamos todo este tiempo antes de grabar nuestro primer disco porque nos gusta ponernos a prueba! Teníamos muchas cosas que probar… Escucha nuestro primer EP, Tokyo Assault…

Hay una canción llamada ‘Rookies’, y va sobre nosotros, ¡somos novatos, principiantes! Fíjate en Demonstrating My Saiya Style, todo está en el nombre… Ese CD se hizo para demostrar lo que podíamos hacer. Actualmente muchos álbumes se escriben rápido y cuando los escuchas sólo te gustan unas pocas canciones… Eso no está mal cuando se ha alcanzado el estatus de Metallica, ¡pero no cuando te impones retos! Nosotros preferimos hacer un EP de cinco canciones que sean cinco hits a editar un álbum con sólo cinco temas buenos. ¡Por ahora gracias a esos EPs hemos sido capaces de recorrer el mundo, nos hicimos más profesionales y ganamos el dinero suficiente como para hacer el disco con la calidad con la que queríamos hacerlo!”.

De hecho, Demonstrating My Saiya Style entró en el Top 3 de Amazon, habéis vendido más de 5.000 copias de los EPs y vuestros videoclips cuentan con millones de clicks en YouTube… ¿Cómo vivisteis esto desde una posición DIY con vuestro propio sello, Repression Records?

“Es el resultado de años de duro y desinteresado trabajo por la banda. Con todo el esfuerzo que hicimos, todos los sacrificios, todo el dinero gastado, si ese EP y los vídeos no hubieran funcionado, creo que lo habríamos dejado.

Afortunadamente, en la medida que podemos, consideramos nuestros resultados como éxitos, y estamos orgullosos de ello”.

Finalmente, la discográfica metal más importante del mundo, Nuclear Blast, os ofreció un contrato de licencia global… ¿Cómo recuerdas cuando Nuclear os llamaron?

Están apostando muy fuerte por vosotros…

“Fue este verano, cuando estábamos tocando en el festival Summer Breeze de Alemania. Markus Staiger, el presidente de Nuclear Blast, estaba allí y vio nuestro show al completo. Más tarde nos reunimos con él en el área para artistas y nos dijo que había quedado realmente impresionado, estaba realmente entusiasmado. Pocos días después nos ofreció un contrato que no podíamos rechazar. Lo que nos hace sentir absolutamente orgullosos es que el jefe de Nuclear decidiera ficharnos tras una actuación en directo, no después de oír el CD. Estamos realmente orgullosos de ello porque tú puedes engañar todo lo que quieras

durante una grabación en CD, pero no durante una descarga en directo, ¿sabes? Antes de que conociéramos a Nuclear Blast teníamos en mente realizar este álbum por nosotros mismos tal como habíamos hecho con los dos EPs anteriores, pero es demasiado trabajo, somos músicos, no debemos gastar nuestro tiempo pensando en quién debe distribuir el nuevo disco en cada país y negociar contratos… Sólo tenemos que pensar en hacer buena música, eso es todo, ¡ése es nuestro trabajo! Ahora, gracias a Nuclear Blast, sabemos que el álbum estará disponible en todo el mundo, y ésa es la única cosa que queremos para nuestros fans”.

En mi ciudad, Barcelona, es muy extraño no ver una gorra, una camiseta o una sudadera de Rise Of The Northstar en un bolo hardcore. ¿Piensas que vuestra imaginería nipona y el merch han jugado otro importante rol en vuestro éxito internacional? “¡Guay! (Risas) España es hoy por hoy nuestra mayor base de fans en Europa junto a Francia y Alemania, y estoy bastante seguro de que nuestro universo japonés juega un papel importante en nuestro éxito en España… Y eso es porque lo entendéis, el manga y el anime son también populares en tu país. Los chicos españoles entienden nuestros códigos”.

‘Samurai Spirit’, ‘Dressed All In Black’, ‘Again And Again’ o ‘Tyson’ son canciones para rompernos la cara en el pit. ¿Escribís los temas pensando en esos términos? ¿Qué elementos elegís para firmar te-

“Brindamos algo único en esta escena metal. Con diferentes códigos. Mezclamos metal, hardcore, thrash, hip hop y subcultura japonesa, y creo que eso no se había hecho nunca antes” HOKUTO NO KEV

mas con tanto gancho?

“Por supuesto, muchas de nuestras canciones están compuestas para el directo, que es nuestro objetivo final, ¡tocarlas en vivo y hacer que todos los culos se muevan! No importa si quieren hacer mosh, saltar, hacer headbanging, stage diving… ¡Queremos ver a una multitud poderosa para así crear música energética con la que alimentarla!”.

‘Welcame (Furyo State Of Mind)’ es un tema totalmente Rise Of The Northstar, un gran ejemplo de lo que podemos esperar de vuestra propuesta, pero… ¿Es su constante silbato algo así como un homenaje al ‘Jump Around’ de House Of Pain?

“Es un tributo al hip hop de los 90.

Este tipo de silbido es muy típico de esa era, y siempre nos gusta jugar con nuestras referencias, en nuestra música, en nuestras fotos, en nuestros vídeos… En todo momento hay muchas referencias a nuestras influencias y universo”. ¿Y por qué precisamente una versión del ‘Simon Says’ de Pharoahe Monch?

“La idea era hacer una cover original.

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“Nada va a cambiar mientras esta escena esté llena de maricones, mientras esté llena de bandas con el culo abierto preparadas para hacer lo que cualquier medio, sello o promotor les pida para conseguir sus cinco minutos de gloria” HOKUTO NO KEV

A menudo oímos a una banda de metal haciendo una versión de una canción metal, y no nos queríamos ver en ese punto a nosotros mismos.

Es por esta razón que hemos querido transformar un tema hip hop en uno metal. Esta canción es un clásico del hip hop de los 90, y lo que es interesante es que el loop fue creado por un japonés para una vieja peli de Godzilla. Los 90, hip hop, metal, Japón… ¿Lo pillas?”. ¿Qué me puedes contar de la grabación? ¿Quién fue el productor?

“Grabamos las guitarras nosotros mismos y para las baterías y voces fuimos al estudio Sainte Marthe, en París. Luego fue mezclado y masterizado en Estados Unidos por Zeuss, 54

quien ha trabajado con Hatebreed o Emmure. Estuvimos discutiendo acerca de diez grandes productores y por razones artísticas elegimos a Zeuss.

Nos encanta cómo las bandas suenan pesadas con él, pensamos que encajaría con Rise Of The Northstar.

Zeuss realmente entendió nuestras necesidades y se mostró muy motivado con nuestro proyecto. Estamos totalmente satisfechos con el trabajo que hizo, ¡tenemos el sonido gordo americano que esperábamos!”.

Desde luego, Welcame es un paso enorme si comparas su sonido y producción con Demonstrating My Saiya Style… Supongo que lo ves igual, ¿pero cuál es para ti la principal mejora en el nuevo

álbum?

“Welcame es la evolución de Demonstrating My Saiya Style pero más potente, ¡como una transformación saiyajin (lo que hacen Son Goku y compañía en Bola De Dragón –ndr.)!

Más metal, más partes thrash, más solos, más trucos del hip hop, más grooves… Demonstrating My Saiya Style fue una demostración de lo que sería nuestro primer disco, pero por primera vez realmente trabajamos muy duro en el sonido al recurrir a alguien como Zeuss”.

Sois una brutal combinación de beatdown hardcore, rap y thrash, ¿pero en qué proporciones mezcláis vuestros tres elementos básicos?

“No tengo ni puta idea (risas). Es

un proceso natural, a decir verdad no pensamos mucho en ello… Nos encanta la pesadez del hardcore, la energía del thrash metal y el groove del hip hop, ¡y todos son parte del ADN de la banda!”.

Ya… Aun así, todo el mundo habla de Terror, Agnostic Front, Madball, NYHC en general, Biohazard, Rage Against The Machine o Slayer para explicar vuestro sonido, pero, desde tu perspectiva, ¿qué influencia obvia nadie comenta nunca?

“Sí, ¡la gente suele olvidar la más importante! Rookies, Slam Dunk, Dragon Ball Z, Saint Seiya (aquí Los Caballeros Del Zodíaco –ndr.), Vagabond… ¡Éstas son todas las influencias que han hecho que Rise Of The Northstar suenen diferentes al resto de bandas!”.

París es una ciudad extremadamente multicultural… ¿No crees que haya podido jugar algún papel a la hora de moldear vuestro sonido?

“No, yo no lo creo. Si quieres entender qué es Rise Of The Northstar mejor deberías empezar tu búsqueda en los suburbios de Tokio”. ¿Y recuerdas tu primer contacto con el manga y el anime? ¿Cuál fue tu primer cómic?

“Fue en los 80 con el anime de Dragon Ball, Saint Seiya y Hokuto No Ken. ¡Era simplemente increíble! ¡Era tan violento! No era mono y divertido como Disney o los otros dibujos de esa época…”. ¿Qué lecciones filosóficas has extraído de los cómics japo-

neses? ¿Qué obras o películas puedes recomendarme?

“Los mangas que más nos gustan son shonen manga y especialmente nos encanta aquellos sobre furyo. ‘Furyo’ es la palabra japonesa utilizada para un delincuente juvenil. Los furyos son malos en la escuela, se pelean entre ellos, se rebelan contra el mundo adulto… Pero hay algo más detrás de esta palabra. Si lees algunos shonen manga verás que los furyos viven sus vidas con sus propias normas, omitiendo el mundo que hay alrededor de ellos. Corren por sus vidas como ellos quieren, ¡no como a la sociedad en la que viven les gustaría! Ya sabes que en Japón la sociedad mete una enorme presión sobre los jóvenes para entrar en escuelas de grado superior, tener un buen trabajo, y de lo contrario no se te tiene en consideración y tu honor está en entredicho… Pero los furyos deciden no ser arrastrados por eso, ellos no dan una mierda de lo que la sociedad espera, ellos controlan sus vidas. Eso es lo que hacemos con esta banda, ya que desde el inicio Rise Of The Northstar ha estado en contra de todos los códigos establecidos en esta escena estrecha de miras. ¡Éste es el furyostyle! Mantenerte siguiendo a tu corazón y a tus convicciones diga lo que diga la gente. No damos una mierda sobre cómo se supone que debemos trabajar, tenemos nuestras propias reglas alimentadas por nuestros propios sueños. Somos furyos por naturaleza, y si quieres entender muchos de nuestros códigos te recomiendo GTO (Great Teacher Onizuka –ndr.), Worst, Rookies, Slam Dunk, Rokudenashi Blues o ver la peli Crows Zero”.

Esto tiene mucho que ver con

mi próxima pregunta… Y es que, en general, los músicos actuales piensan que para ser exitosos deben pagar para entrar en grandes giras internacionales, pero en 2013, Rise Of The Northstar demostraron que eso no es necesario cancelando su participación en el Never Say Die! Tour. ¿Cómo recuerdas la toma de esa decisión? ¿Consideras que las bandas contemporáneas no tienen orgullo?

“Bueno, el problema con esa gira fue que teníamos que pagar más dinero por estar en el autobús de la gira que el que nos pagaban por tocar… Lo que terminó significando que teníamos que pagar por tocar. Eso era simplemente imposible para nosotros, va en contra de nuestra ética. No tuvimos otra opción que cancelar el tour, sabíamos que no podíamos tocar sabiendo que estábamos pagando por estar en el escenario. Todas las bandas que aceptan ese tipo de condiciones compran su notoriedad, todo es falso. Y generalmente son las que se atreven a hablar de integridad…

No voy a decir que no tienen orgullo, pero realmente no creo en sus bandas si ellos piensan que aceptar esas condiciones de mierda es su única opción de girar. No tienen respeto por su trabajo. Pero nada va a cambiar mientras esta escena esté llena de maricones, mientras esté llena de bandas con el culo abierto preparadas para hacer lo que cualquier medio, sello o promotor les pida para conseguir sus cinco minutos de gloria”. ¿Y cuál es vuestro nivel de popularidad en Japón? ¿Qué ocurre cuando tocáis allí?

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“Es difícil de decir si somos populares o no… Creo que lo somos, ya que giramos allí como cabezas de cartel dos veces sólo con EPs. La principal diferencia con Europa es que los japoneses entienden todo acerca de nuestro universo. Todos los fans que hemos conocido allí están totalmente locos, ¡son fanáticos! Siempre vienen a nuestros shows con toneladas de regalos, ¡es una locura! ¡Incluso algunas personas nos escriben cartas para disculparse por no poder asistir al concierto! Es el país donde la gente más nos para en las calles, tiendas o restaurantes para hacerse unas fotos con nosotros. Creo que nos hicimos más populares después de lanzar la canción ‘Phoenix’. Como todo el mundo sabe, en marzo de 2011 Japón fue golpeado por un gran tsunami y luego ocurrió la catástrofe de Fukushima. Estuvimos realmente afectados por estos acontecimientos, porque Japón es una razón para estar en la banda. Veíamos las noticias todos los días y era como si Japón estuviera condenada y, al mismo tiempo, también nuestros sueños. Nos preguntamos ‘¿Qué podemos hacer? Lo único que tenemos es un grupo… ¿Cómo podemos ayudar a la gente con la música?’. Y es por eso 56

que decidimos crear una canción exclusiva llamada ‘Phoenix’ para vender y recolectar dinero para la Cruz Roja japonesa. Y entonces decidimos hacer un videoclip para hacer esta campaña más grande. Mucha gente compró la canción en nuestro Bandcamp y nos permitió dar dinero a la Cruz Roja.

Les estamos realmente agradecidos a todos. Para poner fin a la campaña, un año después del desastre, nos fuimos de gira por Japón y le pedimos a nuestro promotor tocar en Fukushima.

En ese tiempo cada banda extranjera había cancelado sus shows allí por el riesgo de radioactividad, así que fuimos la única formación de fuera tocando en esa área. ¡Realmente queríamos tocar para ellos! Y créeme, fue el concierto más emotivo y auténtico que hayamos hecho jamás”.

Hablando de festivales, habéis tocado dos veces seguidas en nuestro Resurrection Fest… ¿Qué recuerdos guardas? ¿Vais a volver este verano?

“Sí, hemos tocado allí dos veces, y justo después de la primera vez vimos crecer rápidamente nuestra popularidad en España. Recibimos más y más apoyo de los fans españoles, la gente dijo que fuimos algo así como la revelación del festival, ¡fue un verdadero honor, fue realmente impresionante!

Y de esa forma nos invitaron para la siguiente edición. No vamos a tocar este año, no queremos forzar a la peña del Resurrection, pero vamos a girar por España, por supuesto, vamos a defender nuestro nuevo álbum este febrero con Madball y Strife. ¡Nos vemos allí!”.

Vaya… Por otro lado, ¿cuál es vuestro nivel en Francia? ¿Tocáis para grandes audiencias?

“Francia es una de nuestras mayores bases de fans en Europa, pero extrañamente no hemos tocado mucho por ahí… Estamos planeando tocar mucho más en Francia este 2015 delante de grandes audiencias, ¡empezando por el Hellfest!”.

¿Y vais a tocar con gakurans en el próximo tour o vais a renovar vuestra imagen para iniciar un nuevo capítulo en vuestra carrera? “¡Nos vemos en febrero! (Risas)”.

Todo está hecho y todo está por hacer. Así podría resumirse la mentalidad de Angelus Apatrida. A pesar de haber puesto una pica en Europa, la banda de Albacete sabe que no puede dormirse en los laureles.

Texto: Jordi Meya Fotos: DR

La verdad está ahí fuera 40

S

ANGELUS APATRIDA

i el secreto para no caerse de una bicicleta es no dejar de pedalear, para que una banda avance es imprescindible tirar adelante pase lo que pase.

Así lo han venido demostrando los albaceteños Angelus Apatrida desde que en 2006 publicaron su debut Evil Unleashed hasta convertirse en uno de los referentes para la escena metal estatal, y así lo demostraron una vez más el pasado verano. A pesar de un accidente sufrido por el guitarrista David G. Álvarez, la banda no se arrugó y no faltó a ninguno de los festivales que tenía programados como el Hellfest o el Resurrection Fest. La estampa de verle tocar en una silla de ruedas, mientras sus compañeros Guillermo Izquierdo (voz, guitarra), José Izquierdo (bajo) y Víctor Valera (batería) disparaban sus letales ráfagas de thrash metal puso de manifiesto el compromiso que tienen con su música y su público. Pero no todo han sido contratiempos desde la salida de The Call en 2011. En estos tres años, el grupo volvió a recorrerse Europa, viajó por primera vez a Japón, reeditó sus dos primeros álbumes y ha encontrado el tiempo y la inspiración para facturar un discazo como Hidden Evolution (Century Media). De nuevo producido por el portugués Daniel Cardoso, su quinto trabajo debería reafirmar su imparable trayectoria y llevarlos todavía más lejos. Dos semanas antes de sus primeros conciertos de presentación en Madrid, Barcelona y Valencia hablamos con Guillermo sobre esta emocionante nueva etapa que ahora inician.

Hoy en día parece, en gran parte por la continua exposición en las redes sociales y lo mucho que se gira, que los grupos siempre estáis muy activos. No da la sensación de que haya un break entre disco y disco, sino que es todo una línea continua. ¿Desde dentro se vive igual?

GUILLERMO IZQUIERDO “En 2014 sí notamos un parón. A lo mejor el público no lo ha notado tanto porque la máquina de promo nunca para. A día de hoy es un poco peligroso dejar que los fans se olviden de ti. Siempre tienes que recordarles que estás haciendo cosas. Pero para nosotros no es lo mismo estar tocando todos los fines de semana o ir de gira por Europa que tocar de uvas a peras y centrarte en componer. Pero el tiempo pasa volando. Hay gente que dice ‘¿Otro disco ya?’, pero es que han pasado casi tres años desde que salió The Call. De aquí nada volvemos a Europa y otra vez los festivales de verano. El tiempo va volando”. ¿Qué valoración hacéis de todo el ciclo de The Call? ¿Se cumplieron vuestras expectativas?

“Sí. Por pequeños que hayan sido siempre sentimos que estamos dando pasos adelante. A veces es más lento, otras es más rápido, pero el primer año de la salida del disco durante 2012, 2013, todo fue bastante rápido y dimos pasos bastante agigantados. Luego es cierto que en 2014 la actividad del grupo bajó un poco, pero es

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normal porque ya llevábamos dos años a saco y nos centramos más en preparar el nuevo disco. Pero en general lo veo como una etapa ascendente más que nos ha preparado para el lanzamiento de Hidden Evolution”. ¿Es fácil valorar lo que vas consiguiendo o estás tan inmerso en ello que cuesta hacerlo? Igual ahora iros a Europa ya lo veis como normal, pero hace diez años os hubieseis flipado.

“Por supuesto que no es como la primera vez que vas a salir a Europa, lo tienes asimilado como parte de tu trabajo, es como tenemos que funcionar.

Estamos en un sello que por mucho amor al metal que tenga, necesita hacer pasta, y si te sacan un disco tienes que salir a tocar y promocionarlo. Pero siempre te hace ilusión saber a qué salas vas a volver, a que sitios nuevos irás, con qué bandas tocarás… Ahora vamos a ir a tocar con un paquete cojonudo a sitios como Serbia, Hungría, Polonia, Bosnia, lugares en los que nunca hemos estado, y estamos ilusionados. Y también con volver a España, intentar volver a Japón, ir por fin a Estados Unidos o Sudamérica si sale la oportunidad… Así que ilusión no nos falta. No podemos pensar que todo está hecho, ni siquiera aquí en España. No puedes relajarte. Siempre tienes que ofrecer un poco más”. ¿Hasta qué punto crees que depende de vosotros poder pasar de nivel y llenar un día salas como La Riviera o Razzmatazz? ¿Es una cuestión de trabajo o para un grupo como vosotros hay un techo natural en un país como España que 60

no se puede romper?

“No sé si hay un techo, ¿pero por qué no podemos plantearnos llenar un día esas salas? Puede suceder. Pero tampoco es algo con lo que te acuestes y levantes pensando. Las cosas están como están y hacemos una música que no es mainstream. Es normal que a no todo el mundo que le gusta el rock y el metal le llame la atención Angelus Apatrida. Hay gente que no nos ha escuchado todavía, por prejuicios o por la etiqueta ‘thrash metal’, que quizá le molaríamos. Pero no nos quita el sueño. Lo que buscamos es seguir tocando y sacando discos, que es nuestro trabajo. Tener continuidad. Si llega un día en que llenamos una Riviera, o como Warcry, que hicieron dos fechas seguidas, sería la hostia. Pero si no sucede, tampoco nos quita el sueño”. ¿Vuestras familias se lo creen más o siguen pensando que es algo que ya se os pasará?

“No, para nada. Desde el principio hemos tenido muchísima suerte de que nos apoyaran. Que si es lo queríamos hacer, que adelante. Nunca ha habido ningún comentario en plan ‘no vais a hacer nada con vuestra vida’ o ‘ya se ha acabado la broma’. En mi caso y en el de mi hermano nuestros padres están súper orgullosos y saben que es un trabajo como cualquier otro. Ven que es nuestra vocación y funciona.

Nos apoyaron desde que éramos una banda maquetera, y ahora también.

Además, ahora mismo qué me va a decir mi padre con 31 años que tengo… Pero todo lo contrario. Desde hace tiempo que no hay marcha atrás.

Empezamos muy jóvenes, con 15 años, pero ya hará unos cinco que dejamos de currar en trabajos normales porque no era compatible. Es muy

sacrificado, muy jodido, todos los meses tienes que estar inventando cómo sacar la pasta que te falta para llegar a fin de mes, pero tal como está la situación en España tampoco le vemos ninguna diferencia con haber seguido trabajando y haber acabado en el paro. Lo compaginamos dando clases de guitarra, de batería y cuando hay meses de bajón, pues siempre tienes a tu familia o a tus amigos para que te dejen 200 euros y ya se los devuelves cuando va mejor. Así nos vamos manteniendo, pero siempre hemos tenido apoyo incondicional”.

El año pasado hicisteis una gira en torno a la reedición de vuestros dos primeros discos.

En mi crítica de Hidden Evolution me preguntaba si el haber tocado ese material más antiguo había tenido alguna influencia en el nuevo. ¿Hay algo de eso o no?

“Yo creo que no. Nunca nos habíamos olvidado de esos temas, forman parte de ti. Puede que lleves seis años sin tocar un tema, pero te lo sabes. No creo que haya tenido influencia. Sí que es cierto que hay más melodía y es algo más clásico, pero quizá es más por las circunstancias, por lo que escuchas, pero no creo que la reedición haya tenido que ver”.

Cualquier banda de thrash metal siempre llega un punto en el que se encuentra con la dicotomía de tener que evolucionar y abrirse o seguir atada a un estilo. ¿Sentís que habéis llegado a ese punto?

“Sí, pero es algo en lo que no pensamos. Confías en ti mismo y sabes que si haces algo que te convence puede

“No hay que tener complejos a la hora de componer. Si quiero poner un estribillo súper melódico y luego una parte a todo Hostia, pues voy a hacerlo. Me gusta ese contraste” GUILLERMO IZQUIERDO

que convenza a los demás. Ésa es la fórmula para saber que no te estás repitiendo o copiando una canción que ya funcionó. Todo lo contrario. A mí ahora me rechina que los chavales que tienen la palabra ‘thrash’ en la boca sólo hacen que ir más rápido y repiten cada vez más la palabra ‘mosh’ en las letras. A veces me da la sensación de que se está convirtiendo en un thrash metal para niños. Me parto el culo cuando dicen que Angelus Apatrida repite clichés y somos una banda revival, porque hay muchísimos grupos que sólo hacen que repetir riffs. Lo que pasa que ellos son guays porque son mucho más jóvenes, son de Escandinavia o son de América… Igual el primer disco está muy chulo, pero ¿qué vas a hacer en tu tercer disco? Nosotros pasamos completamente de eso. Somos un grupo de heavy metal, además con J y con B, de los de toda la vida. Somos más thrash, claro que sí, pero nos

complace más hacer la música que nos llena. No es todo velocidad. Naturalmente en cada disco se va complicando, pero es porque queremos superar el anterior. Con The Call dimos un gran paso, pero estoy segurísimo de que hemos vuelto a hacerlo”.

Supongo que parte del secreto es saber darte cuenta que, aunque técnicamente puedas hacer cosas más complejas, a veces la simplicidad es la mejor opción.

“Sí, y eso se ha dado en este disco.

Siempre lo hemos hecho. La base rítmica suele ser bastante simple. Depende de la mentalidad que tengas. No es lo mismo un chaval que haya nacido en los 90 donde todo va tan rápido que quizás los que nacimos en los 80 y empezamos a escuchar música que tenían riffs más contundentes, pero sin mil notas por segundo, aunque tam-

bién podamos hacerlo. Esas cosas se te quedan. No hay que tener complejos a la hora de componer. Si quiero poner un estribillo súper melódico y luego una parte a todo hostia, pues voy a hacerlo. Me gusta ese contraste”.

A mí me ha encantado el estribillo de ‘Wanderers Forever’, que es precisamente como muy heavy...

“A decir verdad para mí fue uno de los temas que más desapercibidos pasaban al principio, pero cuanto más lo escuchaba más veía que podía convertirse en un himno. Esa canción salió de dos partes distintas. Empezó a rodar cuando se me ocurrió la melodía de voz del estribillo con ese rollo épico.

Nos moló mogollón. A lo mejor otro grupo diría que es demasiado heavy y no va a cuadrar, pero para nosotros están implícitas todas las influencias de lo que hemos escuchado toda la vida.

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“Yo últimamente no cojo la bici por si me caigo y me rompo una mano. No me puedo arriesgar porque nuestro cuerpo es nuestra herramienta de trabajo” GUILLERMO IZQUIERDO

Era muy pegadizo y fue como un subidón de adrenalina también por lo que cuenta la letra. Paco de Century me ha estado ayudando mogollón con las letras, para darme ideas, y me dijo ‘¿Por qué no haces una canción que hable de vosotros, de girar, de haber estado tomándote un puto café delante del monte Fuji y esas cosas que molan un montón?’. Es como la inyección de buen rollo dentro del disco. Así que habla de nosotros, vagabundos en la carretera, prácticamente sin familia, sin una raíz estable, pero es la vida que has tenido la suerte de poder elegir”.

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Varias letras del disco giran en torno a teorías conspirativas. ¿Desde cuándo te interesa el tema?

“Desde que he tenido un poco más de uso de razón y de entender un poco la política, lo que pasa en tu país. Siempre me ha interesado desde pequeño la astronomía, el universo, los extraterrestres, las pirámides… Y tanto en el colegio como en el instituto era el típico grano en el culo que siempre preguntaba cuándo íbamos a estudiar la Guerra Civil, la Transición… Siempre me preguntaba por qué durante seis cursos siempre nos

quedábamos en antes de la Primera República. O por qué un profesor que se supone que tiene que educar nunca hablaba de la dictadura o del golpe de estado. A mí mis padres y mis abuelos me contaban unas cosas que yo luego no veía en los libros.

Y ahora lo ves. Le preguntas a un chaval de 14 años quién era Franco y no tiene ni puta idea. Están consiguiendo que la gente vea una bandera de la República y piense que son comunistas malos. Se ha creado una sociedad para que no haga preguntas y todo sea ‘viva España’ y se ha acabado. La gente lee una noticia en internet y la mayoría sólo se quedan con el titular. Los medios de comunicación siempre barren para casa y no es lo mismo lo que te cuente ABC que Público, El País o El Mundo. El 11-S, la guerra de Irak… Los talibanes fueron un invento de los americanos para luchar contra los rusos y ahora son el enemigo público número uno. Lo que pasó con Bin Laden es más cutre que el final de Los Serrano (risas). Lo encuentran, lo matan y lo tiran al mar, ¿y de verdad ahí acaba todo? O lo que ha ocurrido ahora mismo en París. No es que sea un conspiranoico, pero intento ser más prudente y no creerme lo primero que te cuentan. A veces las cosas no son tan blancas o negras. No es que vaya a montar un Wikileaks, pero todo eso son cosas que me parecen interesantes y por eso decidimos titular el disco así y comentar ese tipo de situaciones”. ¿En algún momento te pasa por la cabeza que estás creando un disco mejor que el que hayan grabado Megadeth en los últimos 15 años?

“No, esas cosas ni me las planteo.

Por mi parte tanto como músico como por fan sería irresponsable (risas). Jamás he pensado nada de eso. Cada grupo es cada grupo y cuando uno ha tenido influencia sobre ti, aunque saquen la mierda de siempre, son como algo intocable. No me puedo comparar con eso. Hay que tener un poco de respeto. Nunca miro lo que haga el vecino. Ya no con bandas como Metallica o Megadeth, sino con bandas con las que estás compitiendo sanamente. Nosotros nos dedicamos a lo nuestro y punto”.

También te quería preguntar sobre cómo vivisteis el accidente de David en mayo. ¿Insistió él en seguir tocando? ¿Cómo gestionasteis una situación tan complicada?

“Buff… fue un poco bizarro, un poco putada. Recuerdo que me estaba tomando una caña con un colega y me llamó y lo primero que me dijo fue ‘No te asustes, pero…’, y ya me asusté. Nos contó la historia de lo que había pasado y enseguida nos calmó. Nos dijo que ya estaba en el hospital, que tenía una fractura pero que le habían dicho que se iba a recuperar en relativo poco tiempo. Al principio intentamos no darle vueltas, no machacar y apoyarle. Fuimos al hospital a Valencia y le dijimos que lo que necesitaba era descansar y que ya veríamos lo que hacíamos con los conciertos que nos quedaban. El cirujano le dijo que se olvidase de tocar al cabo de un mes, que era cuando teníamos el Hellfest. Y fue él mismo quien nos dijo que no iba a llegar y que era una puta locura cancelarlo, y que prefería que cogiésemos a alguien de mucha confianza para sustituirle. Él mismo eligió a Ekaitz

(Garmendia, de Extinction y Legen Beltza –ndr.) y en cuestión de dos semanas ya tenía el setlist preparado.

Lo teníamos como as en la manga por si era necesario. Pero la operación de David fue muy guay y dijo que no le importaba tocar en silla de ruedas, y a nosotros nos pareció cojonudo. Y lo hizo con un par de huevos. Al final todo fue de puta madre y él está sin ninguna secuela”.

Ver ese nivel de compromiso tiene que unir mucho…

“Sí, claro. Nosotros somos como hermanos. Les conozco desde hace más de la mitad de mi vida. Llega un momento en el que sabes lo que el otro está pensando. Todos pensamos lo mismo. Cuando David dijo que había pensado en Ekaitz para el Hellfest nosotros también lo habíamos pensado... Son tantos años que es normal”.

La vida es muy frágil para todos, pero para una banda que planificáis la agenda con tanta antelación, cualquier tontería como una gripe o romperte un dedo te puede complicar mucho las cosas. “¿Me lo dices o me lo cuentas? Hace tres días casi me corto un dedo con la puerta de la calle. Tuve un accidente en casa… y todo lo que me estás diciendo se te pasa por la cabeza.

La puerta de la calle pesa como 900 kilos y calculé mal y el dedo corazón de la mano izquierda me lo machaqué. Pensaba que me había roto el dedo y se iba la mierda la gira de enero, la gira europea… Ya estaba pensando en llegar al hospital y llamar a alguien para que tocara la guitarra en los conciertos. Ya estaba haciendo cálculos. Pero tuve la

suerte que en urgencias me hicieron una radiografía y me dijeron que no tenía ni fisura. Ahora tengo que hacer reposo porque tengo el dedo como una polla, pero hoy tenemos ensayo y a ver cómo sale. Pero esas cosas ocurren. Hace años hice bolos con gripe y fiebre, pero ahora vas conociendo más tu cuerpo y cómo reaccionar.

Y hay métodos para salvar un bolo, pero siempre estás expuesto. Tienes que tener cuidado con los accidentes caseros. Yo últimamente no cojo la bici por si me caigo y me rompo una mano. No me puedo arriesgar porque nuestro cuerpo es nuestra herramienta de trabajo. Y aquí no hay ni baja ni paro, así que hay que tener mucho cuidado”.

De todos modos, a nivel mental, ¿cómo se lleva todo este estrés para luego tocar en el Hellfest media hora a las diez de la mañana? ¿Compensa?

“Por supuesto que sí, pero si David nos hubiera dicho que lo canceláramos, lo hubiéramos hecho. Decir que no compensa ir a tocar allí sería una irresponsabilidad. La oportunidad que nos dieron de tocar a las diez y media durante 30 minutos la comparo a la que nos dieron de abrir el Viña Rock antes de sacar el primer disco. Recuerdo que entonces nos dijeron ‘tenéis 20 minutos, aprovechadlos’. Y por supuesto que vale la pena. A raíz de eso salieron otras cosas, y gracias al Hellfest han salido otras cosas. Joder, están ahí todos los grandes en el cartel y aunque tu nombre esté en pequeñito, está ahí.

Lo volvería a hacer sin duda”.

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Después de varios años de haber desconcertado a todos sus fans con el electrónico Follow The City Lights y el étnico I Ka Kené, Dover han vuelto a recuperar las guitarras en su nuevo álbum Complications. ¿Habrá reconciliación? Texto: Jordi Meya Fotos: DR

DOVER

uizá los lectores más jóvenes no lo recuerden, pero a finales de los 90 Dover se convirtieron en un fenómeno incomparable; ni antes ni después de ellos se ha vivido algo similar. Su álbum Devil 64

Came To Me (1997) vendió la friolera de 800.000 copias en un país donde los grupos nacionales de rock, y que encima canten en inglés, suelen tener poco porvenir. Las vidas de sus componentes, y también del sello Subterfuge, cambiarían para siempre. Pero en rea-

lidad nada es para siempre, y el idilio entre la banda madrileña y su público fue perdiendo intensidad a medida que el grupo intentaba investigar con nuevos sonidos. Su último trabajo I Ka Kené en 2010 fue masacrado sin piedad y visto como un intento desespera-

Antúnez (batería) el gusanillo por volver un poco a sus orígenes. Aun así, Complications (Octubre/Sony) no es un disco revival, y lejos del aroma a grunge de sus primeros años, apuesta por un sonido eléctrico pero limpio en el que brillan con fuerza las melodías.

Si servirá para que los fans desencantados con sus últimas obras vuelvan a engancharse a ellos está por ver, pero desde luego a la banda le resultará mucho más fácil defenderlo.

Con este disco volvéis a un sonido de guitarras más clásico. ¿Ves ahora la última etapa como un paréntesis o para vosotros todo forma parte de una misma evolución?

CRISTINA LLANOS “Para nosotros es parte del camino. No lo vimos como un paréntesis ni nada excepcional. Es parte de nuestra carrera musical, sin más. Entendemos que sonaba diferente y que hubiera a quien le encajara y a quien no, pero para nosotros era parte de nuestro proceso natural creativo. Nunca frenaremos ni forzaremos nada dentro de ese proceso”.

do de venderse al mainstream.

Sin embargo, la gira en 2013 para conmemorar su veinte aniversario, en la que interpretaron Devil Came To Me entero, despertó en Cristina Llanos (voz, guitarra), Amparo Llanos (guitarra), Samuel Titos (bajo) y Jesús

Pero, por ejemplo a la hora de empezar con el nuevo disco, ¿debatisteis sobre qué dirección tomar o es algo tan natural como ir al local y ver lo que sale?

“Teníamos un poco claro que como veníamos de hacer la gira de aniversario de Devil Came To Me estábamos todos en hacer un disco de rock. La verdad es que no somos de sentarnos y decidir ‘vamos a hacer un disco de rock’, pero empezamos a traer canciones y de manera natural tiraban por ahí, porque era donde estábamos.

“No nos planteamos qué es lo que la gente quiere de Dover, porque si la gente quisiera una cosa y nosotros otra, no podríamos hacerla” CRISTINA LLANOS

Hacía tiempo que no tocábamos rock y nos volvía a apetecer”.

En la gira de aniversario, a parte de sentiros a gusto vosotros, no sé si la reacción del público os hizo ver que eso es lo que la gente de verdad quiere de Dover.

“No nos planteamos qué es lo que la gente quiere de Dover, porque si la gente quisiera una cosa y nosotros otra, no podríamos hacerla. Por eso durante años no lo hicimos. Era evidente que la gente quería que hiciéramos rock, pero como a nosotros no nos apetecía, no lo hicimos. No se puede forzar. Te volverías loco. Lo que pasa es que ahora sí coincidía que nos apetecía y la gente lo quería, así que fenomenal”.

El disco suena muy vitalista y entra a la primera. ¿Coincide con un momento también feliz a nivel personal?

“La verdad es que fue un disco muy fácil de hacer. Salía solo. A diario salían temas. A mí nunca me había costado tan poco componer. Sí que tenía esa sensación de tranquilidad, de estar conectados. Así que ha sido muy positivo. Nunca habíamos hecho un disco tan rápido en nuestra carrera”.

Igual también en la misma 65

“LOS DISCOS SALEN PORQUE ESTÁS INSPIRADO, NO POR TU GRADO DE CONOCIMIENTO DE UN ESTILO” CRISTINA LLANOS grabación pasar de un terreno que no dominas a otro que te es más familiar ayuda…

“No lo creo. Al final las canciones o funcionan o no funcionan. El abriguito que les pongas luego para salir a la calle te lo puedes saber de memoria, pero si la canción no funciona, no hay nada que hacer con ella. Cuando hicimos Follow The City Lights era un disco de rock, pero no funcionaba.

Y no había manera por mucho que supiéramos. De hecho, creo que sabíamos tanto cómo hacerlo que era aburrido. No estaban las canciones que tenían que estar. Así que los discos salen porque estás inspirado, no por tu grado de conocimiento. De fuera puedo entender que se llegue a esas conclusiones, pero desde dentro no es así. Ahí está la magia y lo que asusta a cualquier compositor, que no tienes el truco. Cuando te llegan no sabes ni por qué, por eso lo llaman inspiración.

No es algo que puedas controlar”. ¿En algún momento has pensado que igual no te saldrían más canciones?

“Uno siempre puede pensarlo cuando acaba una muy buena canción. Pero nunca sacaríamos un disco zurullo con ni media melodía que nos pareciera un rollo infumable. Si pasara eso, nos quedaríamos en casa. Todos los compositores del mundo tienen ese miedo, pero creo que a nosotras nunca nos ha pasado de quedarnos secos o de ponernos a hacer un disco y que no saliera nada. Nos pasó un poco cuando empezamos Follow The City Lights, pero enseguida tomó otro rumbo y fue emocionante y divertido. Lo importante 66

es no perder los papeles y seguir. Lo peor que se podría hacer es forzarse”.

Aunque has reiterado que no había un plan, ¿últimamente has escuchado más rock?

“Cuando nos pusimos a hacer este disco sí me apeteció volver a recuperar algunos álbumes. Por ejemplo a The Cars. Para mí fueron una inspiración fuerte en este trabajo. Que luego a lo mejor la gente lo oye y dice ‘pues tiene una onda Weezer’, pero es que Weezer estaban muy influenciados por The Cars. Aunque al tener un sonido más duro puede que recuerde a Weezer...”.

Justo esta mañana cuando he escuchado ‘Too Late’ he pensado en The Cars.

“Pues me das una alegría. A veces cuento una inspiración a la prensa y no lo ven por ningún lado. Pero cuando sí lo ven, me gusta porque quiere decir que has logrado filtrar lo que querías”.

Es que aunque supongo que la gente asociará este disco con los primeros, aquí la distorsión está mucho más controlada y tu voz es más limpia.

“Claro, claro. No hemos intentado imitarnos a nosotros hace once años.

Es como cuando no quieres crecer y quieres salir de fiesta y tus colegas están casados (risas). No puede ser”.

Otro punto es que podrías tocar Complications entero y el concierto se aguantaría.

“Muchas gracias. La verdad es que

estamos muy contentos. La gente por supuesto quiere oír éxitos del pasado y nosotros queremos tocarlos, pero si puedes tocar mucho de un disco nuevo es mucho mejor. Nosotros siempre intentamos meter muchos temas nuevos, pero tampoco tocar dos horas porque me parece totalmente infumable (risas)”.

Antes hablábamos de vuestro segundo álbum Devil Came To Me, y la realidad es que desde entonces no ha habido otra formación de aquí que haya conseguido un éxito parecido...

“Esas cosas son tan, tan excepcionales, que si le pasa a alguien, no vuelve a pasarle a otro en mucho tiempo.

Nosotros cantábamos en inglés, que acuérdate, era una cosa rara. Es como que le toque la lotería a alguien de tu barrio, pues igual tienen que pasar 30 años para que le toque a otro. Es una cuestión de probabilidades”. ¿Pero vuestro sentimiento es que os tocó la lotería?

“Absolutamente. Era consciente entonces y lo soy ahora de que me estaban salvando la vida. Literalmente. Que mi vida iba a ser una cosa no especialmente boyante, porque yo trabajaba en la tienda de mi madre y no se me daba especialmente bien tampoco (risas). Y de repente fue un giro salvaje y pensé ‘me he librado por los pelos’.

Así que, efectivamente, fue como la lotería”.

RESULTADos

2014 La voz de los lectores

SI ALGO QUEDA CLARO EN LOS RESULTADOS DE VUESTRAS VOTACIONES ES QUE TENÍAIS MUCHO HAMBRE DE SLIPKNOT. EL GRUPO DE IOWA HA COPADO LA PRIMERA POSICIÓN HASTA EN CINCO CATEGORÍAS, INCLUIDAS LAS DE MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL Y MEJOR DISCO. MASTODON TAMBIÉN HAN QUEDADO MUY BIEN SITUADOS Y CON UN MERECIDO PREMIO AL BATERÍA BRANN DaiLOR COMO MEJOR INSTRUMENTISTA. EN EL APARTADO NACIONAL, TAMPOCO SORPRENDE QUE BERRI TXARRAK HAYAN OBTENIDO UN GRAN RECONOCIMIENTO CON SU TRIPLE DENBORA DA POLIGRAFO BAKARRA. COMO DIRÍA AQUELLA, ÉSTOS SON LOS DATOS, SUYAS SON LAS CONCLUSIONES.

MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL

MEJOR DISCO INTERNACIONAL

1.

2.

3.

4.

5.

SLIPKNOT MASTODON FOO FIGHTERS WEEZER ARCHITECTS

1. .5: THE GRAY CHAPTER (SLIPKNOT) 2. LOST FOREVER // LOST TOGETHER (ARCHITECTS) 3. ONCE MORE ‘ROUND THE SUN (MASTODON) 4. TRANSGENDER DYSPHORIA BLUES (AGAINST ME!) 5. EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END (WEEZER)

MEJOR ARTISTA NACIONAL

MEJOR DISCO NACIONAL 1. DENBORA DA POLIGRAFO BAKARRA (BERRI TXARRAK) 2. MINOR EMPIRES (MINOR EMPIRES)

1.

2.

3.

4.

5.

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BERRI TXARRAK MINOR EMPIRES VITA IMANA HORN OF THE RHINO ERIC FUENTES

3. OCEANIDAE (VITA IMANA) 4. ROOMS (COHEN) 5. THOSE HORRORS WITHER (FOSCOR)

MEJOR ARTISTA EN DIRECTO

MEJOR PORTADA DE DISCO

1. MASTODON 2. NINE INCH NAILS 3. RED FANG 4. MACHINE HEAD 5. BERRI TXARRAK

1. ONCE MORE ‘ROUND THE SUN (MASTODON) 2. SONIC HIGHWAYS (FOO FIGHTERS) 3. TRANSGENDER DYSPHORIA BLUES (AGAINST ME!) 4. EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END (WEEZER) 5. WAR ETERNAL (ARCH ENEMY)

MEJOR CANCIÓN

CANCIÓN INSOPORTABLE

1. ‘THE MOTHERLOAD’ – MASTODON 2. ‘THE DEVIL AND I’ – SLIPKNOT 3. ‘DROWN’ – BRING ME THE HORIZON 4. ‘BROKEN CROSS’ – ARCHITECTS 5. ‘LITTLE MONSTER’ – ROYAL BLOOD

1. ‘HAPPY’ – PHARRELL WILLIAMS 2. ‘BAILANDO’ – ENRIQUE IGLESIAS 3. ‘POR FIN’ – PABLO ALBORÁN 4. ‘DIAMONDS’ – RIHANNA 5. ‘SUMMER’ – CALVIN HARRIS

MEJOR CANTANTE

MEJOR INSTRUMENTISTA

1. COREY TAYLOR (SLIPKNOT) 2. TIM McILRATH (RISE AGAINST) 3. RIVERS CUOMO (WEEZER) 4. MYLES KENNEDY (SLASH) 5. SAM CARTER (ARCHITECTS)

1. BRANN DAILOR (MASTODON) 2. DAVE GROHL (FOO FIGHTERS) 3. MARK TREMONTI (ALTER BRIDGE) 4. JACK WHITE 5. RIVERS CUOMO (WEEZER)

69

RESULTADos

2014 La voz de los lectores

MEJOR DVD

MEJOR FESTIVAL

1. THROUGH THE NEVER (METALLICA)

1. RESURRECTION FEST

2. AS THE PALACES BURN (LAMB OF GOD) 3. CHILE ON HELL (ANTHRAX)

2. PRIMAVERA SOUND

4. ROCK FOR THE RISING SUN (AEROSMITH)

3. HELLFEST

5. LIVE FROM BRIXTON & BEYOND (ASKING ALEXANDRIA)

4. GROEZROCK 5. BILBAO BBK LIVE

MEJOR VIDEOCLIP 1. ‘THE DEVIL AND I’ (SLIPKNOT) 2. ‘THE MOTHERLOAD’ (MASTODON) 3. ‘TRAGEDY + TIME’ (RISE AGAINST) 4. ‘THE LAST GARRISON’ (ENTER SHIKARI) 5. ‘BACK TO THE SHACK’ (WEEZER)

MEJOR NÚMERO DE ROCKZONE 1. 108 (PORTADA SLIPKNOT) 2. 109 (PORTADA BERRI TXARRAK) 3. 105 (PORTADA RISE AGAINST) 4. 101 (PORTADA ARCHITECTS) 5. ESPECIAL THE BIPOLAR SESSIONS #1

MEJOR PELÍCULA MEJOR VIDEOJUEGO 1. THE WITCHER 3 2. THE LEGEND OF ZELDA 3. DESTINY 4. METAL GEAR SOLID V: THE PHANTOM PAIN 5. ASSASSIN’S CREED UNITY

70

1. GUARDIANES DE LA GALAXIA 2. INTERSTELLAR 3. EL LOBO DE WALL STREET 4. EL GRAN HOTEL BUDAPEST 5. HER

MEJOR LIBRO O CÓMIC

MEJOR PROGRAMA/SERIE DE TV

1. LOS JUEGOS DEL HAMBRE (SUZANNE COLLINS) 2. AFTER (ANNA TODD) 3. FÚTBOL (SANTIAGO GARCÍA Y PABLO RÍOS) 4. EL CORREDOR DEL LABERINTO (JAMES DASHNER) 5. SANDMAN: OBERTURA (NEIL GAINMAN Y J.H. WILLIAMS)

1. THE BIG BANG THEORY 2. TRUE DETECTIVE 3. SONIC HIGHWAYS 4. THE WALKING DEAD 5. APM?

LO MEJOR DE 2015 SERá...

1. NUEVO DISCO DE TOOL 2. RESURRECTION FEST 3. AC/DC EN DIRECTO 4. NUEVO DISCO DE BRING ME THE HORIZON 5. NUEVO DISCO DE CANCER BATS

EL TIMO DE 2014 HA SIDO...

1. LOS POLÍTICOS 2. EL CASO BÁRCENAS 3. EL PP 4. EL DISCO DE U2 5. SONIC HIGHWAYS (FOO FIGHTERS)

MÚSICO AL QUE TE GUSTARÍA CONOCER 1- DAVE GROHL (FOO FIGHTERS) 2- JOSH HOMME (QOTSA) 3- SIMON NEIL (BIFFY CLYRO) 4- COREY TAYLOR (SLIPKNOT)

MÚSICO AL QUE LE DARÍAS UNA COLLEJA

5- JOEY CAPE (LAGWAGON)

GRUPO QUE DEBERÍA SEPARSE 1. FALL OUT BOY 2. LINKIN PARK

1- MATT BELLAMY (MUSE) 2- DAVE GROHL (FOO FIGHTERS) 3- MARILYN MANSON 4- JARED LETO (30 SECONDS TO MARS) 5- RONNIE RADKE (FALLING IN REVERSE)

3. MUSE 4. THE SMASHING PUMPKINS 5. IN FLAMES

GRUPO QUE DEBERÍA REUNIRSE 1. THRICE 2. RAGE AGAINST THE MACHINE 3. MY CHEMICAL ROMANCE 4. PANTERA 5. THE MARS VOLTA

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DISCO DEL MES

E The Pale Emperor (HELL, ETC./COOKING VINYL) BLUES GÓTICO

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n los últimos años Marilyn Manson se había ganado a pulso que el público le viese como a una caricatura de sí mismo.

Discos cada vez más anodinos como Eat Me, Drink Me (2007), The High End Of Low (2009) o Born Villain (2012) y unos directos en los que se le veía en muy baja forma y actuando con el piloto automático hacían sospechar que sus incursiones en el mundo dramático con papeles secundarios en series como Californication o Sons Of Anarchy, más que un capricho, eran intentos de buscarse una po-

MARILYN MANSON

sible salida profesional. Pero la irrelevancia del autoproclamado Anticristo tiene tanto que ver con él, como con la evolución de la sociedad que le rodea. Quizá cuando se dio a conocer a mediados de los 90 bastaba una figura actualizada de Alice Cooper, más sangrienta y sexual, para asustar a las mentes más conservadoras. Pero en una época en la que podemos ver decapitaciones en los telediarios y cualquier crío tiene acceso a toda la pornografía del mundo desde su móvil, alguien como Marilyn Manson ya no asusta… ni siquiera

provoca. ¿Quién puede temer al hombre del saco cuando el mundo real es mucho más terrorífico?

Se dice que es imposible hacer las cosas como siempre y esperar un resultado distinto, y por eso Manson ha recurrido a un nuevo colaborador, el productor y compositor de bandas sonoras Tyler Bates.

Es él quien consta como autor de toda la música del disco y quien ha introducido ese elemento blues al que Manson tanto se ha referido en las entrevistas. Es una pena que Bates no se haya atrevido a deshacerse del todo

de algunos tics industriales y metálicos del pasado porque cuanto más lo aleja de ellos, mejor funciona su asociación.

Porque si bien la bailable ‘Deep Six’ resuelve con solvencia su papel de single dirigido a sus antiguos fans, resulta bastante menos interesante que la brillante y sexy ‘Third Day Of A Seven Day Binge’ o la pantanosa ‘Odds Of Even’.

The Pale Emperor tiene sus carencias, algunos temas podrían decir lo mismo en menos tiempo, y varias buenas ideas se repiten constantemente, pero el enfoque minimalista de Bates con las bases rítmicas y los fraseos simples de guitarra también dejan más espacio para que la voz de Manson suene mucho más cercana y

“Matamos a desconocidos para no matar a quienes amamos”, canta en la inicial ‘Killing Strangers’. Una frase que podemos enlazar tanto con la confesión que le hizo su padre de que en Vietnam fue “una máquina de matar” como con los asesinos adolescentes de Columbine a los que se les atribuyó absurdamente su influencia. Más tarde, en la electrizante ‘The Mephistopheles Of Los Angeles’ empieza diciendo “No sé si puedo abrirme más, ya me he abierto lo suficiente. No sé si puedo abrirme, no soy un regalo de cumpleaños”.

Por la fragilidad que transmite, es algo que te imaginas más diciéndole tumbado en un diván a su psicólogo que gritándolo desde un púlpito en el escenario del Hellfest.

“necesitaba reinventarse una vez más y AQUÍ se atisba el primer paso de una transformación que merece nuestra atención” se entienda cada una de sus palabras. Manson siempre ha sido astuto para jugar con el lenguaje, siendo mejor como creador de eslóganes que como narrador, y aunque aquí no renuncia a esa fórmula, al menos parece ceder el protagonismo más a la persona que al personaje. La muerte y el infierno siempre han estado presentes en su obra, pero el fallecimiento por demencia de su madre, Barbara Warner, invita a pensar que le ha llevado a un estado de introspección donde, de verdad, ha tenido que enfrentarse a sus demonios.

Si Manson quería seguir teniendo un futuro como músico necesitaba reinventarse una vez más y en The Pale Emperor se atisba el primer paso de una transformación que, como mínimo, merece nuestra atención. Si juega bien sus cartas, Manson hasta podría convertirse en una versión post apocalíptica de Nick Cave. Desde luego, eso suena bastante más sugerente que la idea de verle con 60 años intentando no perder el equilibrio montado en zancos y cantando ‘Sweet Dreams’ con absoluta desgana.

JORDI MEYA

críticas HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Johan Lindstrand (voz), Marko Tervonen (guitarra), Robin

Sörgvist (guitarra), Magnus Olsfelt (bajo), Henrik Axelsson (batería) PRODUCIDO POR: The Crown AFINES A: Legion Of The Damned, At The Gates, The Haunted PÁGINA WEB: www.thecrownofficial.com

THE CROWN

T

Death Is Not Dead (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

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he Crown nunca han tenido el mismo reconocimiento que muchos de sus paisanos pero, a lo tonto, los suecos ya llevan 25 años de carrera y Death Is Not Dead supone su noveno álbum de estudio. El disco presenta algunas novedades importantes. La primera es la reincorporación del vocalista original Johan Lindstrand, quien ya se ausentó entre 2001 y 2002 siendo sustituido por Tomas Lindberg de At The Gates, y entre 2004 y 2011, mientras se centró en la banda One Man Army And The Undead Quartet. La segunda es el debut del guitarra solista Robin Sörqvist, quien sustituye a Marcus Sunesson.

Y la tercera es que ha sido el guitarrista Marko Tervonen el

encargado de grabar las baterías tras la marcha de Janne Saarenpää, y la verdad es que su trabajo es encomiable.

Cinco años después de publicar Doomsday King, en el que se acercaron a un sonido más thrash, Death Is Not Dead, como reivindican en el título, supone un retorno al death, si bien se nota que el grupo también tenía ganas de probar cosas distintas. Así, tras una intro instrumental, ‘Reign’, y una demoledora ‘Headhunter’ en la que queda claro que el rugido de Johan no ha perdido nada de fuerza, aparece ‘Iblis Bane’, en la que inteligentemente se apropian de la melodía de un pasaje de Carmina Burana para darle un tono más hímnico y dramático.

Más adelante también repiten

la jugada en ‘Herd Of Swine’, donde de manera más sutil cuelan unas notas de la ópera Carmen. De igual manera sorprende la inclusión, como cuarto tema, de una versión de ‘Eternal’ de Paradise Lost, que comparado con el resto de sus propias composiciones acaba siendo uno de los momentos más accesibles del álbum, o la instrumental ‘Meduseld’, en la que suenan acústicas y violines. Pero si algo hay que agradecerles es que The Crown no se han dejado arrastrar por la corriente más melódica del género, y la mayoría de cortes, y en especial en su segunda mitad, temas como ‘Horrid Ways’, ‘Ride To Ruin’ o ‘Godeater’ resultan realmente devastadores.

JORDI MEYA

HABLAMOS CON... MARKO TERVONEN ¿Cómo afectó la vuelta de Johan a la banda en el proceso para hacer este disco?

“Lo hizo de muchas maneras. Fue un poco como volver al pasado. Doomsday King se convirtió en un disco muy especial por muchas razones. Desde el principio iba a ser un disco para otro proyecto llamado Doberman, iba a ser una obra de thrash metal. Lo que pasó es que Magnus escribió todo el álbum y en ese momento estaba muy obsesionado con el thrash. Pero esta vez escribimos Death Is Not Dead como solíamos hacerlo, mano a mano entre Magnus y yo. Eso significa que tienes las partes melódicas, las partes pesadas… Johan es uno de mis mejores amigos, estamos muy sincronizados y tenerle involucrado hizo que fuera muy fácil. Creo que ayudó a crear un disco mucho más completo. Tenerle en la banda fue una buena inyección creativa”.

Aunque sea tu amigo, ¿no te gustaría que se aclarase de una

vez y decidiese si quiere estar en el grupo o no? “(Risas) Creo que ahora ya lo tiene decidido. Cuando íbamos a hacer Doomsday King ya le pedimos a Johan que volviera, pero en ese momento no lo veía claro y estaba involucrado con One Man Army. Ahora cuando volvimos a pedírselo ya había parado con One Man Army y dijo que iba a comprometerse con The Crown hasta que se jubile (risas), así que ha vuelto en serio”. Éste es también el primer disco que grabáis con Robin Sörgvist. ¿Qué aportó?

“Robin nos aportó lo que siempre habíamos buscado en un solista. Cuando se incorporó todo el material ya estaba compuesto, así que su misión era añadir ese punto extra con sus solos. Robin es un viejo amigo nuestro. Le conozco desde los 15 años y había tocado en una banda de death metal, Impious, habíamos estado las dos bandas en Metal Blade… De hecho, es el primo de mi

exmujer (risas). Así que la transición fue muy fácil. Es muy buen tío. Creo que sabe más de música que el resto juntos (risas)”.

En el tema ‘Iblis Bane’ habéis fusilado un fragmento de Carmina Burana.

“Sí, directamente robamos la melodía de ‘O Fortuna’ de Carl Off. Fue totalmente intencionado (risas). Todo el mundo del metal ha escuchado alguna vez ‘O Fortuna’. Es la mejor intro para un grupo (risas). Pero por alguna razón nunca se había integrado en una canción. Magnus tuvo la idea de hacerlo y ha quedado genial. No nos avergonzamos del robo (risas)”.

Y además no tenéis que pagar royalties…

“Exacto, es gratis (risas). La realidad es que tampoco somos unos grandes expertos en música clásica. Nos gustan más las bandas sonoras o música más contemporánea”.

(JORDI MEYA)

75

críticas

TITLE FIGHT Hyperview (ANTI-) INDIE ROCK

70

A

pesar de todo el hype que ha venido rodeando a Title Fight (el que hayan firmado por ANTI-, el hermano cool de Epitaph, es significativo) como una de las formaciones más válidas del revival emo, nada de eso parece haber afectado al cuarteto de Pennsylvania. Puede que sus trabajos cada vez tengan más repercusión y que vaya más gente a sus conciertos, pero cuando escuchas Hyperview tienes la sensación de que hubiesen grabado exactamente el mismo disco aunque todavía fuesen un grupo que no ha salido nunca de su local y ésta fuera su primera demo.

76

Y que conste que lo digo como un elogio. Si en su segundo álbum Floral Green (2012) ya se desmarcaron un poco de su energético debut bajando la marcha e introduciendo algunas piezas más ambientales, en Hyperview, de nuevo producido por Will Yip, la transición se ha completado.

Difícilmente veremos a sus fans haciendo stage diving cuando en directo suenen temas como ‘Murder Your Memory’ o ‘Your Pain Is Mine’, en los que la voz de Ned Russin aparece difuminada en vaporosas guitarras que incitan más a sentarse y a escuchar que al mosh. Utilizando más de un truco de las bandas de shoegaze (las melodías arrastradas, esos pedales Flanger…), sustituyendo los riffs por arpegios y desahuciando sus rasgos más punk, Title Fight han construido un álbum que se cuece a fuego lento, pero que ofrece momentos de alta sensibilidad como ‘Rose Of Sharon’, ‘Dizzy’ o ‘Trace Me Onto You’. Un buen compañero de viaje para el Keep You de Pianos Become The Teeth.

JORDI MEYA

STAINED BLOOD Hadal

(BLOOD FIRE DEATH) DEATH METAL MELÓDICO

85

S

eré soez, pero es que no sé decirlo de otra manera: Stained Blood me la ponen gorda.

Con su primer trabajo de estudio, One Last Warning, ya me quedé prendado de su estilo, muy parecido al death metal melódico de The Black Dahlia Murder, sólo que con pequeños toques deathcoreros. Me sorprendía porque no lo había oído en España y me enorgullecía que tuviéramos un grupo así en el territorio nacional. Pero con ese primer disco se acabó esa etapa de la banda, pues su nuevo álbum rezuma Stained Blood de cabo a

rabo, es la versión 2.0 de la banda. Hadal, como se llama está composición de nueve temas, una intro y un interludio, ha evolucionado a un blackened melodic death metal (toma etiqueta para el nene y la nena) sin mamonadas, más rápido y enérgico que su antecesor y con una gran dosis de oscuridad de la buena, o mejor dicho, de la que a mí me gusta. Una alianza entre las melodías del death metal y las disonancias del black metal. Lo que desde luego me ha quedado claro es que los blast beats son para Salva como el aire para el resto de mortales: sin ellos no puede vivir. También podemos escuchar una clara evolución en los guturales de Rou, que juega mucho con las dobles voces, lanzando a la par el agudo chirriante y el grave del averno, y en los que se aprecia un mayor cuidado en su producción.

Un quinteto que ha venido desde las profundidades del abismo, de hadal, el lugar más remoto del planeta Tierra, para que les acompañemos en este épico viaje.

FER DÍEZ

LA SELECCIÓN

DANKO JONES Fire Music (BAD TASTE)

ROCK, PUNK ROCK

75

E

l incombustible Mango Kid, después de 18 años de carrera, vuelve a la carga con su duodécimo disco de estudio. Como bien reza el título, Fire Music es otra colección de temas incendiarios, muy enérgicos y combativos. A estas alturas el de Toronto no se plantea experimentar, sino centrarse en lo que mejor se le da, que es hacer rock agresivo y cabreado, de ése que hace que te entren ganas de coger televisores y tirarlos por la ventana. Bien sea por la contribución de su nuevo batería, Rich Knox, un tipo para el que Jones sólo tiene palabras de elogio, o por la figura de Glenn Danzig como inspiración principal a la hora de componer, este nuevo álbum cuenta con rasgos distintivos respecto a trabajos anteriores. Canciones como ‘The Twisting Knife’, un ejercicio compositivo cercano a las murder ballads según el propio artista, ‘Gonna Be A Fight Tonight’ o ‘Body

Bags’ son auténticas declaraciones de guerra que incluyen coros al más puro estilo de los Misfits, dándoles mayor frescura y energía si cabe, pero tampoco se olvida de sus marcas de la casa con ‘Live Forever’ y sobre todo ‘Do You Wanna Rock’, prácticamente fraseado y bien cargado de cencerro, que hace recordar la época dorada de Born A Lion. El colofón a toda esta descarga de adrenalina la pone ‘She Ain’t Coming Home’, que se acerca a un estilo más folk punk, cuyo desarrollo in crescendo alcanza un punto épico que termina colmando las expectativas que cualquiera podamos tener de un disco de Danko Jones: una intensa dosis de punk rock directa a la cara.

TOI BROWNSTONE

cr í ticas

MOONSPELL Extinct (NAPALM)

GOTHIC METAL

60

E

s complicado analizar con frialdad la carrera de la banda más importante que haya tenido Portugal. Pese a compartir cierta naturaleza, para los fans el black y el gothic son casi irreconciliables, y para bien o para mal, con Extinct los lusos vienen a reivindicar que en los Moonspell del 2015 pesa más el gothic de Omega White que la demonología de Alpha Noir, las dos caras de su anterior disco.

Y eso no necesariamente debe traducirse en un déficit de calidad, porque ahí simplemente entran los gustos de cada uno, aunque si te van sus dos versiones, mejor que mejor.

Dicho esto, ‘Breathe (Until We Are No More)’ y la más acertada ‘Extinct’ abren su nuevo álbum como si de unos Paradise Lost

S 36 CRAZYFISTS Time And Trauma (SPINEFARM)

METALCORE

74

78

ería espinoso opinar sobre la relevancia que puede llegar a tener a día de hoy que un grupo como 36 Crazyfists saque un nuevo disco cuando su momento de máximo reconocimiento con A Snow Capped Romance y Rest Inside The Flames queda ya algo lejano y un estilo como el metalcore parece condenado al estancamiento. Pero en defensa de los de Alaska hay que apuntar que siempre supieron diferenciarse del resto de aquella primera oleada de principios de siglo con un sonido que, si bien no era rompedor,

descafeinados se trataran, con un desaforado apartado sinfónico muy complicado de reproducir en vivo sin recurrir al tongo. En ‘Medusalem’ parecen unos Tiamat o Type O Negative mezclados con el exotismo de Orphaned Land, y con ‘Domina’ suenan demasiado asequibles, como en ‘The Last Of Us’, donde se disfrazan de unos To/Die/ For con Fernando Ribeiro a las voces. Evidentemente, no

todo son problemas y con ‘Malignia’ o ‘Funeral Bloom’ consiguen hacer aflorar la clase que atesoran, aunque sigan echándose en falta más trazas de su propia personalidad. Que ahora una banda clásica te recuerde a tantos otros combos no puede ser bueno, pues ‘La Baphomette’ es la demostración plausible de que no hace falta que se fijen en nadie.

mostraba algo más de personalidad que la mayoría gracias en gran parte a sus influencias provenientes del post hardcore y las melodías de su vocalista, Brock Lindow. Está claro que Time And Trauma, su sexta entrega tras cinco años de parón, tampoco va a cambiar el panorama, pero se agradece que se hayan mantenido impermeables a influencias externas o a subirse al carro de lo que se lleva ahora. Así pues, pocas variantes encontraremos en ‘11.24.11’, ‘Also Am I’ o ‘Sorrow Sings’, con un riff sencillísimo pero cargado de intención, donde las

partes gritadas se combinan con otras más limpias.

Especialmente parece que la parte más melódica de la banda es la que se impone en esta ocasión y tanto en las más inmediatas (‘Lightless’, ‘Swing The Noose’) como cuando reducen un par de marchas (en ‘Translator’ por momentos parecen disfrazarse de Deftones y en la final ‘Marrow’ cuentan con una colaboración femenina a las voces), es cuando mejor rinden. Entre tanta oferta clónica dentro del metalcore, álbumes como éste son bien recibidos.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

SEETHER

Isolate And Medicate (SPINEFARM)

ROCK ALTERNATIVO

70

E

l título del nuevo trabajo de Seether, Isolate And Medicate, me ha hecho pensar en un tema (y disco) de Mudhoney.

Porque cuando el seminal cuarteto de Seattle gritaba aquello de “Touch me, I’m sick” a finales de los 80, poco podían imaginar que su rock garajero y ultradistorsionado sería rebautizado unos años después como grunge, un bendito virus que se extendió, se popularizó y se replicó hasta decir basta. Los sudafricanos Seether no existirían sin Nirvana y Alice in Chains, dos de las bandas más

carismáticas de los 90, y no podemos culparles por ello. Su propuesta puede sonar algo anacrónica en 2015, pero también dice mucho de la personalidad (o terquedad) de Shaun Morgan y compañía, fieles a un sonido casi 15 años después de sus inicios. A su manera, Seether comienzan con este trabajo una nueva etapa después de cerrar la anterior con un recopilatorio de ‘grandes éxitos’ y rarezas prescindibles. No esperéis un cambio radical ni nada parecido. Con Isolate And Medicate recuperan su lado más depresivo, con un acabado quizás más sucio y bruto. Basta con leer títulos tan explícitos como ‘See You At The Bottom’, ‘My Disaster’, ‘Suffer It All’, ‘Watch Me Drown’, ‘Nobody Praying For Me’… Algo me dice que los pobres Seether tienen el partido perdido sin bajar del autobús. Va, escuchad su nuevo trabajo y luego opináis. Que ahora es muy fácil renegar del post grunge, pero tampoco son Nickelback.

LUIS BENAVIDES

57

críticas

FALL OUT BOY

American Beauty/ American Psycho (ISLAND/UNIVERSAL) POP

57

L

as cifras dicen que el de Fall Out Boy es uno de los retornos más exitosos que hemos visto en los últimos años. En Estados Unidos sus nuevas canciones se cuelan en el Top 40, siguen llenando grandes recintos y, al contrario que Blink-182, por ejemplo, parecen haber conseguido llegar a una nueva generación de fans.

Pero comercio y arte no siempre van de la mano, y en este segundo disco post reunión encontramos mucho de lo primero y poco de lo segundo. No me cabe ninguna duda de que American Beauty/

80

American Psycho será un nuevo éxito; de hecho el single ‘Centuries’ ya se ha convertido en uno de sus mayores hits, pero da un poco de pena pensar que Fall Out Boy se han olvidado totalmente de sus orígenes.

Siempre fueron poperos, claro, pero al menos sonaban como una banda.

En cambio aquí todo suena tan elaborado, producido y facturado para la radio, que podría haber sido grabado por una máquina y no se notaría la diferencia.

En directo van a tener que usar un montón de pistas pregrabadas para intentar reproducir los beats hip hoperos, teclados, samplers, coros y vientos que encontramos a lo largo del álbum, en definitiva todos los tics del pop moderno que utilizan desde Bruno Mars a Maroon 5. Desde luego, si no le haces ascos al pop sin complejos y te gusta bailar, encontrarás en ‘Novocaine’, ‘Uma Thurman’ (con un ingenioso sampler de la sintonía de Los Munsters) o ‘Irresistible’ motivos de júbilo, pero si lo que buscas es otro ‘Saturday’ o ‘Dead On Arrival’, olvídate.

JORDI MEYA

MODERN BASEBALL

You’re Gonna Miss It All (RUN FOR COVER) POP PUNK

87

S

e lleva gestando desde hace pocos años un nuevo movimiento en la escena del pop punk y el emo, que va ganando adeptos gracias a bandas como The Front Bottoms, The Smith Street Band o los que encabezan esta reseña, Modern Baseball. Viniendo también de la escuela del DIY, dos de los miembros producen el disco, pero se han cubierto las espaldas en la mezcla gracias a Jon Low (The National, The War On Drugs), dándoles un salto de calidad en el sonido respecto

a su anterior Sports. Con este segundo largo, sacado el año pasado y del que nos teníamos que hacer eco, se presentan firmes candidatos a ser la próxima banda favorita de muchos amantes del género. Durante la casi media hora de duración nos invitan a ser partícipes de sus pensamientos e historias de desamor adolescente, con notables dosis de sinceridad en cada letra, como presumen sus amigos y padrinos de escena, The Wonder Years, aderezado por supuesto de contagiosas melodías.

Muchos se sorprenderán del idéntico registro vocal que tienen los dos cantantes principales, Brendan Lukens y Jake Ewald, que bajo esa voz dejada y de toque aniñado, se reparten la composición de la mitad de los cortes del álbum. Desde que salgan con la directa ‘Fine, Great’ y su odio a pensar en el futuro, comenzarán a desplegar, con esa misma crudeza, temazos como ‘Broken Cash Machine’, ‘Rock Bottom’, ‘Apartment’ y la sorprendente ‘The Old Gospel Choir’. Habrá que seguirles de cerca.

ALEJANDRO LOZANO

VENOM

From The Very Depths (SPINEFARM) HEAVY METAL

73

P

lantaron la semilla del black metal, pero por mucho que se diga, pese a tan definitivo título de álbum, estilísticamente su carrera ha transitado por unos derroteros muy alejados del corpse paint y la quema de iglesias. Leyendo la entrevista que aparece en este número parece que ni el mismísimo Cronos se dé cuenta a veces, pero en From The Very Depths Venom vuelven a revolcarse por ese ruidoso speed metal muy deudor de Motörhead y la NWOBHM que les vio nacer, sacando pecho otra vez por ser los más

crestudos de toda esa mítica generación en la macarra ‘Long Haired Punks’ y otros temas a tope de guarrería sónica. Pisan el acelerador con ganas en ‘The Death Of Rock N Roll’ o ‘Grinding Teeth’, pero en ‘Smoke’ o sobre todo ‘Temptation’ los de Newcastle le cogen el gusto a los ritmos entrecortados y a la canalla distorsión de guitarra de Rage, un recurso que vienen utilizando asiduamente desde Resurrection. El trío se muestra muy inspirado en temas como ‘Stigmata Satanas’, ‘Evil Law’ o ‘Mephistopheles’, conocedor de todo aquello que deben contener sus álbumes para no traicionar a su legado, aunque también se puede apreciar que no todos los cortes brillan. Las rajonas que esperan otro Welcome To Hell en 2015 ya tenían su review terminada desde mucho antes de que Spinefarm les mandara el CD de promo, así que si sólo la voz de Cronos ya te la pone como un ciprés, ni lo dudes.

Mala hierba nunca muere.

PAU NAVARRA

si en New Brigade me topé con una banda caótica y urgente, pero en todo momento excitante, en su tercer disco los de Copenhague han perdido frescura y su propuesta resulta incluso monótona. Por si fuera poco, la omnipresente ICEAGE voz de Elias B. Ronnenfelt Plowing Into The (cada vez más arrastrada, Field Of Love (MATADOR/POPSTOCK!) por cierto) eclipsa casi INDIE PUNK totalmente la instrumentación de sus compañeros. En 55 canciones como ‘Against The Moon’ Iceage baja tanto el l primer síntoma de pistón que cuesta recuperar que algo podría no la intensidad, aunque en funcionar correctamente ‘Glassy Eyed, Dormant And en el nuevo disco de Iceage Veiled’ y ‘Simony’ recuperen es su duración total: 48 algo del nervio de antaño. minutos. Busco su debut y En serio, no sé qué le ha compruebo que, con el mismo pasado a este joven cuarteto número de canciones (doce), de Dinamarca... Tal vez les el CD dura 24 minutos, es molestase que les encasillaran decir, la mitad que Plowing bajo la etiqueta del hardcore Into The Field Of Love. El punk y ahora pretendan pulir segundo síntoma lo encuentro su propuesta para lograr en el libreto: aparte de tocar un sonido (y un público) el bajo, la guitarra y la más sofisticado, o quizás el batería, los cuatro daneses espíritu indie punk siempre también se atreven ahora estuvo ahí y algunos nos con la viola, la mandolina, empeñamos en encontrar otra el piano y la trompeta. La cosa distinta. Sea como sea, confirmación de mi decepción una desilusión. llega con la música misma: JORDI FORÉS

E

81

críticas

NARCO HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Vikingo M.D. (voz), Distorsión Morales (voz), Diablero Díaz (guitarra),

Abogado Del Diablo (DJ), Amnésico (bajo), Manipulador (batería) PRODUCIDO POR: Narco AFINES A: Brujeria, Soziedad Alkoholika, Hora Zulu PÁGINA WEB: www.losnarco.com

RECOMENDADO POR:

Q Dios Te Odia (AUTOEDITADO)

RAP METAL, CROSSOVER

84

ué podemos decir de los Narco que no sepamos ya…

Firmes en el camino hacia su 20 aniversario y tras su anterior propuesta sonora en forma de covers, Versiones Para No Dormir, disparan a la diana con su más reciente trabajo Dios Te Odia, una propuesta incendiaria que conserva intacta la actitud macarrónica y gamberra de lo que fueron sus míticos primeros discos. Con una increíble autoproducción, que demuestra una técnica intachable y un sonido más depurado si cabe, continúan por la senda de un estilo ab-

solutamente propio. Hablamos de un espíritu puramente callejero, kinki, que relata su cruda realidad y que vuelca en sus canciones una lección de saber cómo moverse por terrenos barriobajeros transmitiendo que duermen con una oreja y ojo abiertos. La apisonadora sevillana propone una serie de temas con una contundencia sublime que denotan una madurez y una evolución técnica que se plasma a la perfección a la hora de enfrentarse a las cuchilladas en forma de temas que contiene este Dios Te Odia. Sangrantes declaraciones de intención como

‘Satanízate’, ‘Carnicería En La Romería’ o ‘Chispazo’ son la confirmación de que la banda sigue fiel a sus principios y con ‘Por El Estrecho’ o ‘Asesinato, Alcohol Y Ácido’ demuestran la buena salud en la que se encuentran, ya que innovan y no les da miedo ofrecer propuestas sónicas renovadas…

Machetazos como ‘Lo Peor Del Barrio’ junto a los electrónicos elementos dub de ‘Caballo Loco’ hacen que, en nuestra isla sonora con bandera de color negro, no paremos de bailarlos… Os esperamos en www.rtve.es/banderanegra RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... VIKINGO M.D. En vuestro último trabajo de versiones había mucha variedad, desde Prodigy a Eskorbuto. ¿Os ha influenciado de alguna manera en el nuevo álbum?

“No. Eso era una selección de los temas en los que logramos ponernos de acuerdo. Se quedaron muchos temas fuera. Elegimos sin ningún prejuicio, de 7 Notas 7 Colores a Sodom. Nos divertimos muchísimo y en los conciertos tuvo una respuesta que te cagas. No cantar siempre tus temas es muy divertido, rompe la rutina del grupo”.

El título del nuevo disco es muy contundente.

“Nosotros no creemos en dioses, pero la gente de a pie lo está pasando cada vez peor. Son tiempos muy convulsos con una crisis galopante que va a más, aunque digan lo contrario. Dios Te Odia significa que se está maltratando a la gente que tienen menos. Dios Te Odia es el clima que se respira ahora mismo”.

Es un clima propicio para la vuelta de Narco...

“Nosotros somos combativos y nos cagamos en los muertos de lo que no nos gusta. Eso nos caracteriza. Estos tiempos hacen que tengas más rabia contenida y ganas de protestar y denunciar lo que está pasando. Aunque seamos un grano en el culo para mucha gente, desde la música se pueden cambiar cosas. Hay mucha gente que se identifica con lo que dices y eso nos hace muy fuertes”. ¿Cuándo os pusisteis a trabajar en Dios Te Odia?

“Este disco se estuvo gestando sin prisa pero sin pausa durante todo el año pasado. Lo hicimos en el local, componiendo todos juntos la música, las letras... y compaginándolo con la gira de las versiones. Ya tocaba hacer un disco nuevo de estudio, porque entre lo que hicimos con Reincidentes, las remezclas y después lo de las versiones, ya tocaba hacer algo nuevo. Y estamos

muy contentos con el resultado. Ahora estamos con muchas ganas. Cada vez que lanzas algo nuevo tienes ganas de llevarlo al escenario y de hacerlo llegar a la gente porque es un soplo de aire fresco. Después de tener que cantar lo de siempre te da vidilla, te da ganas. Es una inyección de adrenalina”.

Aunque ahora estáis en un buen momento, también pasasteis vuestra crisis...

“Nosotros nos consideramos una familia. Llevamos juntos desde los 90 y el único integrante que entró más tarde fue Curro. Estoy muy contento porque lo pasamos de puta madre escribiendo los dos las letras. Tuvimos nuestras rencillas cuando lo dejamos. Fue un tiempo chungo en que nos secuestraron los discos, no podíamos venderlos, la denuncia de la cofradía, y terminamos peleados.

Lo dejamos dos años, pero desde que volvimos en 2008 con Curro estamos con más ganas si cabe”.

(JORDI MEYA)

83

cr í ticas

AGORAPHOBIA Dirty Little Things (DOTBEAT)

ROCK

60

M

uchas veces uno se acerca a la música de manera instintiva, por una portada, por el nombre de un disco, por la estética de sus componentes… y había algo que no me cuadraba cuando me topé de morros con este EP en la redacción de RockZone: la portada del álbum o la tipografía del nombre del grupo me remitían a rock o a garaje, pero la foto promocional de la nota de prensa parecía de una banda femenina de pop folk naïf. En el segundo 6 de poner el disco, las dudas se fueron a tomar por culo: tocaba coger la chupa de cuero, las pinturas de guerra y salir a quemar la noche en sucios garitos. Agoraphobia son un quinteto de veinteañeras compañeras de instituto en Boiro, A Coruña, especialistas en ganar concursos musicales (como

R

HANDGUNS Life Lessons (PURE NOISE)

PUNK POP

65

84

ecuerdo perfectamente el bolo de los Handguns en Barcelona con los Wonder Years. Su punk pop acelerado me pareció del montón, pero supieron compensar esas carencias musicales con muchos brincos y toneladas de energía. Eran terriblemente jóvenes, disfrutaban encima del escenario y sabían contagiar su pasión. ¿Qué más les podía pedir? El otro día me llevé de la redacción su último disco, Life Lessons.

Me apetecía seguirles la pista y ver cómo habían progresado desde entonces.

el de una conocida marca telefónica de color rojo, en el que se impusieron entre 800 bandas). Tras tocar en el Monkey Week y unos cuantos festivales más en giras con nombres que lo dicen todo (‘Show Us Your Boobs, Man’), se van a ir al SXSW de Austin a defender su propuesta: y aunque su nombre se inspire en la canción de Incubus, el EP supura rock clásico, garaje, blues, algo de surf y cierto aire también a bandas

como las francesas Plasticines o a las riot grrrls noventeras, si bien las letras cabalgan sobre los tópicos temas de noche, sexo (‘Lapdog’, ‘Phrases For Pulling’), soledad (‘Song 4’), chicas malas (‘Wicked Girls Are Happy Ladies’, ‘Dark Soul And Black Memories’) o referentes cinematográficos (‘Pat Garret And Billy The Kid’, ‘Night Of The Living Dead’). Habrá que seguirlas atentamente… si se dejan.

Debo apuntar que desde su fundación han renovado al 100% su formación y ya no queda ningún miembro original. Desconozco cuántos quedan de los que tocaron en el bolo en mi ciudad. En cualquier caso, lo primero que constaté al darle al play es cierta repetición respecto a sus primeros temas, incluidos en Angst, publicado por Pure Noise Records en 2012. Incluso las dos portadas son prácticamente idénticas, con otros tonos pero la misma casa. A su favor, el disco comienza de maravilla con la velocísima ‘Anvil’ y la potente ‘Sleep

Deprived’. En mi favorita, ‘Highway Robbery’, aceleran ligeramente el ritmo con una batería a piñón y rinden homenaje a la carretera, la misma que les ha visto crecer en los últimos cuatro años. En el minuto que dura ‘I Can’t Relate’ también cantan en primera persona y recuerdan a los mejores Four Year Strong, pero con menos gracia. Una propuesta tan melódica como la suya sólo puede medirse por el número de estribillos memorables, y los suyos no llegan ni a la categoría de tarareables.

Como mucho, entretenidos.

IGNASI TRAPERO

LUIS BENAVIDES

BENIGHTED

Brutalive The Sick (SEASON OF MIST)

BRUTAL DEATH METAL

85

S

u Carnivore Sublime fue uno de los mejores trabajos extremos de 2014, y para rubricarlo y encima celebrar el 15 aniversario de su debut, Benighted han decidido lanzar Brutalive The Sick, su primer directo en CD con DVD. Grabado en casa, en el Sylak Open Air francés el 9 de agosto del pasado año, ya se pueden imaginar el despiporre… La banda se muestra en un estado de forma excelso, su brutal death roza la proeza, y es que ante temas como ‘Let The Blood Spill Between My

Broken Teeth’, ‘X2Y’, ‘Prey’, ‘Fritzl’ o ‘Carnivore Sublime’ uno sólo puede bajarse los pantalones, los calzoncillos, y esperar con temor su fálico y justo castigo. Aparte de su increíble nivel de ejecución y técnica, insondable belicosidad y sorprendente imaginación para tratarse de este estilo musical, lo que realmente hace grande a esta formación es su vocalista Julien Truchan, un asesino en masa del micro que, a diferencia de muchísimos cantantes brutal, sí consigue plasmar en vivo todo su increíble arsenal de alaridos guturales, histéricos, rasgados y pig squeals de tocino mutilado. Season Of Mist sólo nos ha facilitado el audio, pero oyendo esta atrocidad de 57 minutos uno casi puede ver al bueno de Julien descalzo dejándose la vida en estos 13 cortes en directo. Escuchar ‘Noise’ o ‘Asylum Cave’ es darse cuenta de la enormidad de esta banda. Un acto vil y sin explicación. Puro amor por la carnicería. La puta bomba.

PAU NAVARRA

OCTOBER PEOPLE Love Is Colder Than Death (RUMBLE)

POST PUNK

78

A

bril es el mes más cruel”, decía T. S. Eliot aludiendo a la fragilidad de una estación que se sitúa entre la vida y la muerte. Este cuarteto de los madriles seguramente añadirían: ‘Octubre también’, como posiblemente también pensó Ray Bradbury al escribir los cuentos recopilados en The October Country, obra en la cual se inspiraron para su nombre. No se trata esto de un preámbulo gratuito sino más bien significativo y necesario para entender el proyecto musical de October People. Invocando inevitablemente a los grandes Joy Division o Pulp, son

capaces de recrear una atmósfera que nos envuelve hasta sumarnos, sin quererlo, al estadio desorientado y fantasmagórico del mundo onírico. Con la voz de Giovanni Pandone que no puede no sentirse lejana, recibimos de su música uno de esos ecos nostálgicos que observan cómo toda forma sólida de presencia se escurre entre sus dedos. Tal nostalgia es recreada con la poesía de unas letras que dejan de lado lo coherente para que rompa una ola emotiva que acabe por teñirnos una oscura soledad (“We’re always at war with ourselves aren’t we?”), fomentada a la vez por la incapacidad de comprender del todo el sentido de sus canciones.

Este carácter ambiguo pero sombrío es la índole de su música, pues ya en su debut nos mostraban el terreno del cual no se moverían en Love Is Colder Than Death. Una paradoja que apreciamos aquí, ya que el mismo proceso de introspección consigue ser compartido aunque desbordando todo intento de definición, como sucede con la buena música.

ANDREA GENOVART

85

cr í ticas

DZ DEATHRAYS Black Rat (PIAS)

ROCK

77

M

e han dado 1.450 caracteres para daros mi opinión acerca del segundo disco de DZ Deathrays y he decidido hacer una buena inmersión. Por eso escribo esto a las doce de la noche, con un volumen generoso y unos buenos auriculares.

No son manías de plumilla.

La banda ha aconsejado en varias entrevistas escuchar este trabajo por la noche.

Poca broma. Black Rat es, por encima de todo, nocturno, gamberro y lascivo. “Camino de noche para encontrar el mejor sitio para estar, el mejor sitio para empezar.

No es aquí”, cantan estos eternos insatisfechos en ‘Nightwalking’. La noche y, sobre todo, las historias que se suceden dentro y fuera de los pubs inspiran buena parte del disco de los australianos.

En la cachonda ‘Reflective

M

RX BANDITS

Gemini, Her Majesty (MASH DOWN BABYLON/INGROOVES)

ROCK ALTERNATIVO

80

86

uchos dábamos por desaparecidos a los geniales RX Bandits, esos virtuosos de Orange County que tanto nos hicieron disfrutar hace un tiempo con el inclasificable e inspirador Mandala. Han pasado casi seis años y la banda liderada por Matt Embree, el único miembro original junto al batería Christopher Tsagakis, nos regala su disco más pop hasta la fecha. Ni ska refinado a toda pastilla como en sus inicios, cuando eran una banda recurrente en los Warped Tour, ni el rock exuberante con arrebatos

Skull’ narran un ligue de barra, en una onda similar al hit ‘Gina Works At Hearts’, dedicado a una chavala muy facilona faltada de cariño.

En su anterior y exitoso Bloodstreams, aupado por el mismísimo Pitchforck, Shane Parson y Simon Ridley crearon una bestia enérgica y visceral.

Dos años después entregan otra imponente colección de piezas de post punk salvajes pero con un sonido bastante

más cuidado, menos primitivo y afilado, firmado por el productor Burke Reid. En general, podrían pasar por los primos rebeldes de otro dúo como Blood Red Shoes o como compañeros de juerga de Pulled Apart By Horses, sobre todo en temas como ‘Less Out Of Sync’ u ‘Ocean Exploder’, donde abundan gritos enfermizos y zarpazos a las seis cuerdas.

de la escuela marsvoltiana de su segunda etapa.

Producido por Jason Cupp (Maps & Atlases, Birthmark), el presente Gemini, Her Majesty contiene temas muy resultones como ‘Ruby Cumulous’ con un arranque intrigante muy Thrice –por momentos parece que canta el mismísimo Dustin Kensrue- que evoluciona hacia los sonidos más espirituales y casi tribales de los reivindicables Bedouin Soundclash. En ‘Wide Open’ -con un puente muy Police, por cierto- harían palidecer a los rompelistas Maroon 5. Por no hablar del estribillo ultrapegadizo de

‘Stargazer’ y la sensual ‘Fire To The Ocean’, donde me recuerdan a los ingleses Don Broco pero con un rollo más math rock. Pero ya sabéis, la cabra tira al monte y en la segunda parte del disco la banda, completada desde hace más de una década por el bajista Joseph Troy y el guitarrista Steve Choi, no puede evitar complicarse la vida y hacer un alarde de habilidades con temas mucho más sesudos y técnicos como ‘2G2’ o ‘Future, Buddy’ y recuperar la irreverencia de antaño en la divertida ‘Penguin Marlin Brando’.

LUIS BENAVIDES

LUIS BENAVIDES

TORCHE Restarter (RELAPSE)

STONER, SLUDGE

77

L

levando su cuarto álbum de estudio un título como Restarter, hubiera podido parecer que Torche quisieran dar algún giro a su música. Pero las razones para que hayan decidido llamarlo así deben ser otras muy distintas, ya que con sólo escuchar apenas unos segundos de su nuevo plástico dejan bien claro que no se han movido mucho de sus coordenadas. Tanto el primer guantazo sónico que sueltan para darnos la bienvenida, ‘Annihilation Affair’, como el alegre trotar de ‘Bishop In Arms’ que le sigue a continuación, muestran que

todo sigue en su sitio: riffacos gordos y gruesos cargados de decibelios, acoples y todo un arsenal de pedales de distorsión con los que poner a prueba nuestros tímpanos.

En la parte central apuestan por su vertiente más directa y hasta podríamos decir que happy (‘Loose Man’, ‘Blasted’), con la que han que conseguido distinguirse del resto de bandas dentro de su escena. Para el final han optado por reservar su lado más pesado y denso, destacando una ‘Barrier Hammer’ ensordecedora cuyo puente es puro ruidismo llevado al extremo, y también ‘Restarter’, con su final en bucle de aires psicodélicos con los que clausuran el álbum. Nada nuevo bajo el sol, vaya. En definitiva, un buen disco viniendo de los de Miami, aunque un pelín por debajo de lo que nos habían mostrado hasta ahora en anteriores referencias. De cara al futuro se agradecería que pensasen realmente en ir renovando ideas si no quieren quedarse estancados en la reiteración.

GONZALO PUEBLA

TENPEL

Todo Gira Y Vuelve (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO, DVD

75

T

enpel es una de las bandas más activas que conozco: aparte de sus álbumes y EPs, siguen grabando videoclips e informan continuamente al personal a través de las redes sociales. Con este bagaje, lo último que ha llegado a la redacción es Todo Gira Y Vuelve, un DVD que recoge el directo de esta banda madrileña en la sala Arena. Ese día el bolo de Tenpel arrancaba con el emo rock de ‘Kharma’ y, a partir de ahí, su repertorio es impecable: ‘La Verdadera Historia’, ‘Espigadores’, ‘Salvaje’, ‘Y Pide Perdón’,

‘Vita-cora’, la siempre especial ‘Redimelancolía’ y otros siete temas más hasta despedirse de sus compadres y hermanos con la poderosa ‘Pegaso’. Al escucharlas no entiendo por qué esta banda de Madrid no empieza ya a alcanzar las cotas de popularidad de Sôber o, como mínimo, de Uzzhuaïa; su rock potente a la par que melódico estimula al oyente y, por si fuera poco, los teclados añaden una dosis extra de emotividad al asunto. Acepto que, excepto el cantante Kantz, el resto de miembros se mantienen demasiado estáticos sobre el escenario, pero es indiscutible que las proyecciones de fondo añaden espectacularidad a su directo. La pena es que las imágenes nos muestren a un público que, a pesar de llenar la sala, tampoco es que decidieran moverse mucho ante la descarga musical. El DVD se completa con la sección Tenpel En Detalle, donde el grupo responde a un cuestionario personal que, en ocasiones, resulta hasta indiscreto.

JORDI FORÉS

87

cr í ticas

MARDUK

Frontschwein (CENTURY MEDIA)

BLACK METAL

78

F

uego e infinita munición; la guitarra afilada de Morgan perforándote en ‘Frontschwein’. Da igual si es Fredrik Widigs o cualquier otro el que se sienta tras los parches; el tanque Marduk te pasará por encima sin contemplaciones. Bajan las revoluciones en ‘The Blond Beast’; aquí es Mortuus quien se te mete en la cabeza con su voz destrozada, narrando masacres bélicas y episodios históricos que, tras tantos años, aún escuecen en esta Europa tejida a base de baños de sangre.

Como si fueran los mejores estrategas a campo abierto,

88

declaran la guerra y firman armisticios a cada tema que pasa, concatenando canciones a toda pastilla como la feroz ‘Afrika’ con el logrado medio tiempo ‘Wartheland’, o luego la real metralleta de ‘Rope Of Regret’ con la serpenteante ‘Between The Wolf-Packs’.

En ésta encima te tocan la fibra… Toman las playas de Normandía a paso lento con ‘Nebelwerfer’, pero pronto se les acaba la compasión con ‘Falaise: Cauldron Of Blood’… ¡Y aún quedan cortes por explorar como el largo y abrasivo ‘Doomsday Elite’ y ‘503’! Su nueva obra les ha quedado de lo más equilibrada y variada, y por si fuera poco, se guardan ‘Thousand-Fold Death’ para el final, un último balazo para ajusticiarte. Frontschwein no es otro Serpent Sermon, un anterior álbum que cuanto más escuchas más sensacional te parece, pero si eres fan de los suecos, disfrutarás como siempre.

Tan beligerante… tan Marduk.

PAU NAVARRA

MAN OVERBOARD Passing Ends (RUDE)

POP PUNK

65

D

espués de publicar sus dos últimos largos vía Rise Records, Man Overboard han vuelto a la actualidad discográfica de la mano de Rude Records con un sorprendente EP formado por cinco temas donde predominan las guitarras acústicas y un estado de ánimo entre la nostalgia y la depresión. Tranquilos, que una flor no hace verano. Son y serán unos punk poperos de libro, en la onda de los primeros Four Year Strong y The Wonder Years, con mucho nervio y melodías

saltarinas, pero mucho me temo que necesitaban parir algo como Passing Ends. Necesitaban sacar y compartir unas experiencias recientes que llevaban en sus adentros. Me refiero al último corte, ‘For Vince’, inspirada en el fallecimiento del padre del cantante y guitarra, Nick Bruzzese. “You suddendly aren’t there. Still don’t understand why. We just need some more time.

Not ready for goodbye but I knew it was coming”. Esto canta y casi llora el bueno de Nick para cerrar este personalísimo trabajo. Y por ahí van los tiros del resto del disco, con otros tres temas corta-venas como la lograda ‘Stood Up’ y una autoversión en acústico de ‘Secret Pain’, el trallazo que abría su tercer largo. Grabado por la propia banda en su local y mezclado y masterizado por Will Yip (Circa Survive, Title Fight), Passing Ends suena a exorcismo; un punto y seguido necesario para pasar página y volver con el espíritu y la fuerza de siempre.

LUIS BENAVIDES

LED ZEPPELIN IV

(ATLANTIC) HARD ROCK

89

E

l cuarto disco de Led Zeppelin es un referente obligatorio en la historia del rock. Un absoluto clásico entre los clásicos. Su problema, que nada tiene que ver con la calidad de las composiciones, radica en lo radiados y quemados que están muchos de sus temas, empezando por ‘Black Dog’, terminando por ‘Stairway To Heaven’, y pasando por ‘Rock And Roll’. La sobreexposición de ellos en detrimento del resto de su discografía ha provocado un efecto negativo que hace que en ocasiones ‘despreciemos’ la grandeza de esta gran obra.

Remezclada y producida por el propio Jimmy Page, el sello Atlantic nos ofrece una nueva aproximación a estos ocho temas, no sólo en su estado final, sino también a través de una serie de tomas inéditas registradas durante el período de grabación del disco.

Así se incluyen magníficas versiones alternativas de ‘Misty Mountain Hop’ y ‘When The Levee Breaks’, ésta mucho más oscura que la original, con las baterías de Bonzo aún más pesadas, y armónicas desafiantes, y el cuidadoso trabajo de las mandolinas y las guitarras queda aún más constatado en las mezclas de ‘The Battle Of Evermore’ y ‘Going To California’, ambas grabadas en Headly Grange. Pero por supuesto la guinda del pastel la pone ‘Stairway To Heaven’, siempre imponente y abrumadora. Si bien es complicado darle la vuelta a un disco tan redondo en la actualidad, lo cierto es que es un gustazo poder disfrutar de unas grabaciones que muestran una base compositiva tan compleja desde el primer instante.

TOI BROWNSTONE

LED ZEPPELIN

Houses Of The Holy (ATLANTIC) HARD ROCK

90

M

enuda papeleta tener que escribir acerca de un disco del que, tras más de 40 años, ya se ha dicho y analizado todo. ¿Qué se puede añadir a un disco que supuso un punto de inflexión y una reinvención de una de las bandas más legendarias de la historia del rock? Muy poca cosa. Después de cuatro discos impecables, los británicos decidieron ir a por más, experimentar no sólo con sonidos y estilos, sino también aplicar nuevas técnicas de producción. Sin embargo, poder escuchar esta reedición de Houses Of The Holy es uno de esos

pequeños grandes placeres que hacen que la pasión por la música recupere todo el sentido. Si el disco publicado en su día es excelente, aún más increíble resulta el material adicional que se incluye, que permite implicarnos de lleno en la esencia del álbum. Lejos de la impecable masterización a la que estamos acostumbrados se presentan las distintas grabaciones de los temas en un período de trabajo en progreso, dejando de lado todos esos avances técnicos para centrarse en la composición y la ejecución de los temas.

Así pues nos enfrentamos a mezclas básicas de ‘Dancing Days’ o ‘No Quarter’ con los teclados a un nivel superior al que resultaron finalmente, o ‘The Song Remains The Same’ con dobles guitarras, y la ausencia de las pistas de voz de Robert Plant en ‘Over The Hills And Far Away’, que ayudan a comprender y admirar la calidad y la evolución de la labor de Page. Una disección de Houses Of The Holy como si de una lección de anatomía se tratara.

TOI BROWNSTONE 89

críticas

SIXX: A.M. HAS DE SABER...

FORMACIÓN: James Michael (voz), DJ Ashba (guitarra), Nikki Sixx (bajo), Jeff Fab (batería) PRODUCIDO POR: James Michael AFINES A: Mötley Crüe, Beautiful Creatures, Halestorm PÁGINA WEB: www.sixxammusic.com

P

Modern Vintage (ELEVEN SEVEN MUSIC) MELODIC HARD ROCK

60

arece un poco absurdo que Nikki Sixx haya lanzado el tercer álbum de su proyecto paralelo Sixx: A.M. justo cuando todas las miradas están centradas en la gira de despedida de Mötley Crüe, que culminará el 31 de diciembre con un histórico concierto en Los Ángeles. Quizá a partir de entonces, su asociación con el cantante y productor James Michael y DJ Ashba, guitarrista de Guns N’ Roses, adquiera una mayor entidad, pero por ahora es difícil verla como algo más que un pasatiempo. Y más o menos es lo que transmite Modern Vintage al presentarse como un disco sin pretensiones que no busca más que entretener

al oyente con una versión actualizada de aquellos discos de hard rock que hicieron millonario a Sixx en los 80. Desde luego, el registro vocal de Michael parece surgido directamente de esa época con su tendencia a la épica, así como la libertad con la que Asha despliega su arsenal de recursos en sendos solos.

El álbum cuenta con algunas canciones resultonas como la triunfalista ‘Stars’ que abre el álbum, la festiva ‘Gotta Get It Right’ de aires glam, el medio tiempo ‘Relief’, con un estribillo que gustará a los fans del AOR, la discotequera ‘Relief’ o ‘Before It’s Over’, una mezcla de country y música vodevil con arreglos de viento

que recuerda a aquellas excentricidades con las que Queen sorprendían en sus discos. Sin embargo, en otros patinan un poco, como el experimento con guitarras medio flamencas de ‘Get Ya Some’, el acercamiento a Marilyn Manson de ‘Let’s Go’ o una innecesaria versión del clásico ‘Drive’ de The Cars con aires pseudogóticos. En realidad el problema radica en su intención de vestir de modernidad mediante una producción llena de efectos un estilo que funciona mejor cuanto más cerca se mantiene de su esencia. En ese sentido, y pese a que todo el mundo se los tome a chiste, Steel Panther tienen las ideas bastante más claras.

JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JAMES MICHAEL El título resume perfectamente vuestras intenciones: coger influencias del rock clásico y darles un sonido contemporáneo.

“Sí. Ése fue el objetivo principal para este disco. Nuestro primer disco, The Heroin Diaries Soundtrack, era obviamente un complemento al libro The Heroin Diaries, así que teníamos que adaptarnos a su contenido. Y con This Is Gonna Hurt también nos basamos en unas fotografías. Esta vez no había ningún elemento periférico para inspirarnos. Queríamos revelar quiénes éramos y para eso volvimos a escuchar un montón de discos y artistas que nos habían influenciado cuando empezamos. Escuchamos a Queen, David Bowie, T. Rex, Elton John…

Todos ellos habían despertado nuestra imaginación cuando éramos críos.

Así que este disco es una celebración de toda esa música y no esconde sus influencias”.

¿Es el glam de los 70 tu época favorita del rock?

“Creo que sí. A los tres nos encanta mucha música distinta, pero ese pop rock de los 70 es lo que nos inspiró a todos. Obviamente de más mayor descubres otros estilos que te emocionan, pero llevamos muy dentro la música de esa era”. ¿De ahí también el tono más festivo del disco?

“Es una buena manera de verlo. De todos modos, si te fijas en las letras siguen siendo profundas y tratan temas dolorosos. Eso ha sido una constante en Sixx: A.M.. Nos gusta el contraste entre la belleza y la oscuridad”. ¿Por qué habéis incluido una versión de ‘Drive’ de The Cars?

“Sabíamos que queríamos incluir una versión en nuestro tercer disco.

Barajamos un par de posibilidades, pero la gran decisión la tomamos porque ‘Drive’ fue un tema que inspiró a toda una generación. Tuvo un

gran impacto en su momento. Parece una canción de amor pero si te fijas en la letra, ves que es muy triste y dolorosa, pero ofrece esperanza. Así que encajaba en el concepto de Sixx: A.M.. Fue muy fácil llevarla a nuestro terreno”.

Supongo que lo más complicado para este grupo es lograr que los tres estéis juntos en el mismo lugar...

“Sí, has dado en el clavo. Por eso tardamos dos años en hacer este disco. Podríamos componer usando la tecnología, pero preferimos escribir cuando estamos los tres juntos. Es cuando sale la magia y trabajamos de manera muy rápida. Somos muy buenos amigos y nos encanta pasar tiempo juntos a pesar de lo ocupados que estamos... Pero sí , es complicado tanto para componer como para salir de gira.

De la misma forma, cuando Nikki deje Mötley será nuestro momento propicio”.

(JORDI MEYA)

91

críticas

COLT 45

The Tide Is Turning (VISIBLE NOISE)

ROCK ALTERNATIVO

72

D

aros una vuelta por la red de redes y comprobaréis que hay muchas bandas de rock con el original nombre de Colt 45, el primer cartucho con vaina de metal que gastaban los pistoleros más rápidos del lejano Oeste. Los autores del presente trabajo, The Tide Is Turning, no son los más cañeros, tampoco los que tienen más seguidores en Facebook… Pero esto último podría cambiar en los próximos meses. Estos Colt 45 están acumulando muy buenas críticas en revistas especializadas de su país como Rock Sound, Kerrang! y Big Cheese con la continuación de su debut Coughing Up Confessions. En los últimos meses, además, se han paseado por un sinfín de escenarios con bandas con éxito y afines como Blitz Kids, Lower Than Atlantis y Young

H

CABEZAFUEGO Camina Conmigo (FOLC/HAPPY PLACE) POP

70

92

e seguido y admirado la carrera de Iñigo Cabezafuego desde siempre.

Ya fuera con sus psicodélicos pasos como bajista de los nunca suficientemente reivindicados Mermaid o con sus aventuras campestres en Bizardunak. Me acerqué hasta Pamplona para verlo tocar con Royal Canal y de inolvidable se puede catalogar su psicótica aventura como vocalista de Basque Country Pharaons. Y lo mejor es que el hiperactivo músico siempre ha sido capaz de ofrecer cosas interesantes, originales y, en muchos casos, rompedoras, siempre

Guns. Neil, Gareth y Adam están en esa misma onda punk rock de radiofórmula que tanto gozan los teenagers de Gran Bretaña.

Ellos también bordean peligrosamente el pop en el single ‘OK’ y ’I Thought I Knew Best’, por poner solamente dos ejemplos, y sólo me convencen de verdad cuando ceden el micrófono a su cantante y atacan las guitarras sin miedo, con nervio. Es entonces cuando

me recuerdan, salvando las distancias, a los mismísimos Jawbreaker del Dear You. Ojalá tuvieran más temas como ‘595’, ‘Found My Home’ y ‘Lessons Must Be Learned’. O como el último corte, ‘Crutches’, donde flirtean prematuramente con el AOR, con un estribillo al más puro estilo Manic Street Preachers. Veremos por dónde tiran en el próximo estos inglesitos.

transitando por el más puro underground. Ahora se lanza en solitario a tumba abierta, bajo su propio nombre, y de nuevo nos sorprende con un exquisito trabajo que seguro descolocará a algunos, a pesar de que si te molestas en darle escuchas no deja de ser como una especie de resumen de su larga y prolífica carrera.

Con mucho poso pop, nuestro hombre ha recurrido a su agenda de colegas (por aquí desfilan gentes de Atom Rhumba, Nacho Vegas o el mismo Chechu Brainloster de Green Manalishi) para parir un luminoso álbum de canciones que a pesar de su vocación pop, no dejan

de poseer esa personalidad retorcida y extraña que Cabezafuego siempre ha exhibido. ‘Camina Conmigo’ es un lisérgico viaje en ácido con unas afiladas guitarras psicotrópicas que te eleva hasta el infinito. El acordeón y el irónico texto de ‘Resaca De Un Bohemio’ nos recuerda su pasado en Bizardunak, pero los bellos arpegios de guitarra y su preciosa cadencia pop la convierten en una delicatesen a lo Big Star, al igual que ‘Meteoritos’, una delicia de sabor sixties que te envuelve y te atrapa con ese teclado vintage y su irresistible melodía.

LUIS BENAVIDES

ANDRÉS MARTÍNEZ

HATE

Crvsade:Zero (NAPALM)

BLACKENED DEATH METAL

60

P

arece que los veteranos Hate no han gestionado muy bien la resaca de crear un álbum tan acertado como su anterior Solarflesh: A Gospel Of Radiant Divinity.

Si aquella obra fue redonda, logrando aunar cada uno de sus temas en un todo de lo más negro y atractivo, en su nuevo Crvsade:Zero pecan de mostrar una personalidad mínima. En su Polonia natal siempre han vivido a la sombra de Behemoth, su honda influencia ha sido y sigue siendo difícilmente disimulable, pero de ahí a parecer un refrito hay un mundo, y a eso es justo a lo

que huele su noveno álbum.

Encima, a lo Manowar, nos ofrecen una intro de la intro con ‘Vox Dei (A Call From Beyond)’ y ‘Lord, Make Me An Instrument Of Thy Wrath!’… Vaya tela, pero volviendo a lo que decíamos, prueben a pinchar ‘Leviathan’, ‘Hate Is The Law’ o ‘Crusade Zero’ y verán de qué les hablo, por muy placenteros que pueda resultar semejantes torbellinos. Su nuevo batería Pavulon demuestra ser un gran fichaje, pero el cantante y guitarra Adam The First Sinner cada día se parece más a Nergal con su timbre, y por todo lo comentado, más canciones como ‘Valley Of Darkness’ no aportan demasiados argumentos a su favor. Por muy bien que ejecuten estos cortes y por mucho que nos guste ‘Death Liberator’, es cruel hablar de Hate como los hermanos pobres de Behemoth, pero si se empecinan en fusilarles, no nos queda más remedio. Ni en China conseguirían mejor sucedáneo.

PAU NAVARRA

THE MOUSTACHE The Moustache Wasn’t There (EL SUSTO)

ELECTROROCK

68

E

s difícil definir el género musical que nos presentan este dúo residente en Berlín. De hecho, cualquier pretensión de encasillar The Moustache no haría justicia a estas once canciones. Parece, pues, que el título The Moustache Wasn’t There les es más que apropiado: no han estado, desde su aparición, en ningún sitio fijo, ya que si algo los caracteriza es la constante renovación. Sí encontramos piezas de una fuerte base electrónica –de claras influencias berlinesas– como son ‘No Lo Vi’ o ‘Lonely’, que protagonizan esas entradas de madrugada

como lo vienen haciendo La Casa Azul, se vislumbra el eco de un ska punk en ‘Religious Thing’, ‘They Will’ o un ‘Son Song’ que suelta un guiño al garaje rock de Johnny Thunders. En efecto, precipitarse a situar estos canarios en la línea pop-disco de una mezcla que lleva la huella de una nueva era encabezada por Metronomy, FM Belfast y Los Niños Mutantes en el panorama español sería un acto de superficialidad que obviaría la experimentación que se encuentra hasta en unas letras que no comparten el mismo idioma. Aun así, quien ya los conozca por su primer Boton Elemental percibe su tendencia progresiva a diluir la voz mediante una presencia mayor de lo electrónico, construyendo así unos ritmos dance mucho más bailables que te contagian su euforia. Es por eso que la frescura del goce que logran, además de hablar por sí sola, se sube donde reside todo moustache: en las barbas de los más grandes de la escena electrorock.

ANDREA GENOVART 93

críticas

NUNNERY

A Guide To Survive (CRUZADE) HARDCORE

82

E

xpongo mi teoría sobre Nunnery a quien le pueda interesar sobre el porqué una banda con tres discazos como bagaje musical no está llenando salas por todo el país y embarcándose en giras internacionales. La más importante creo que es que el grupo de Terrassa siempre ha estado más interesado en hacer música que en venderla. Por otra parte, la madurez compositiva les llegó cuando sus miembros eran ya veteranos y, por tanto, supongo que cuesta más sacrificar ciertas cosas por el grupo que cuando eres un chaval. La tercera

94

causa que planteo es que sus canciones no contienen estribillos fáciles de recordar y, en consecuencia, no se convierten en himnos que se graben en la memoria del oyente; es más, el título de cada composición nunca aparece en la letra correspondiente. A pesar de eso, la carrera de Nunnery es impecable y elogiable, siendo A Guide To Survive su trabajo más reciente. Se trata un EP en el que los de Terrassa se muestran más directos que nunca (cinco puñaladas en poco más de diez minutos); los Snapcase de la escena hardcore estatal (su influencia queda patente sobre todo en ‘After Death’) se destapan con una rabia y una furia inusitadas en temas como ‘Feed The Fire’. El CD se cierra con una advertencia, ‘The World Is Not Yours’, un navajazo que se asemeja a lo que nos tenían acostumbrados tanto en sonido como en duración (es el único que supera los dos minutos 30 segundos).

Militando ahora en Cruzade Records, esta banda sigue escribiendo su propio destino.

JORDI FORÉS

CARACH ANGREN This Is No Fairytale (SEASON OF MIST) SYMPHONIC BLACK METAL

62

R

ecorrerse cualquier escenario posible cual Fantasmas de la Ópera y con un violinista tocando de espaldas al público no pasó desapercibido, y tras revelarse como uno de los mayores valores que haya dado el black sinfónico en muchos años con el aclamado Where The Corpses Sink Forever, aunque desde su debut Lammendam Carach Angren ya demostraran que tenían mucho por aportar, tocaba rematar la faena con un discazo. Bajo mi punto de vista, no lo han conseguido, y eso se debe a una razón bien simple: han caído en

la vieja trampa que suele convertir a demasiados álbumes del estilo en auténticos bodrios, y ésa no es otra que superar la línea de la sobreproducción y pasarse de barrocos.

En efecto, con precisión quirúrgica, a todo trapo y con mil y un giros discurren estos nueve capítulos de su nueva siniestra historia de apariciones y brujería, pero no por meter dos millones de líneas orquestales por tema va a ser mejor el resultado final. De hecho, This Is No Fairytale no es creíble, parece que al teclista Ardek le hayan crecido tantas extremidades como a la diosa Durga, y aunque sus nuevos cortes estén muy por encima de la media y hasta en ‘Dreaming Of A Nightmare In Eden’ parezca que estemos ante unos Mercyful Fate del siglo XXI, este disco es una decepción por caer desde el principio en un error de principiantes.

Los holandeses demuestran que musicalmente pueden hacer lo que quieran, así que les perdonamos tan cargante artefacto.

PAU NAVARRA

INGESTED

The Architect Of Extinction (CENTURY MEDIA) BRUTAL DEATH METAL

74

L

os fans del brutal death y el deathcore más tremebundo lo tienen fácil con Ingested: lo flipan. Con un sonido depurado pese a notarse que son una banda que ha mamado y mucho del slam más porcino, los tres álbumes que hasta ahora han publicado les han valido para labrarse una gran reputación y codearse con los más grandes del estilo sobre los escenarios. La batería de Lyn Jeffs está en todas partes, es masiva, te consume, mientras las capas sobrepuestas del vocalista Jason Evans te humillan

en todo momento, como debe ser. Laberintos de la depravación como ‘Endless Despondency’, la dolorosa ‘The Heirs To Mankind’s Atrocities’ o ‘I, Despoiler’ son un buen ejemplo de lo que los ingleses pueden hacerle a tu condición humana en apenas 41 minutos, mandando al garete tu moral con guitarrazos ladinos.

Eso sí, donde la cagan y mucho es con ‘Penance’, un interludio instrumental que, con su luminosidad, nada tiene que ver con las ideas pérfidas que afloran en el resto de cortes. ¡Parece obra de los vomitivos Dream Theater! Suerte que ahí llegan rápidamente ‘A Nightmare Incarnate’ o ‘Extinction Event’ para poner las cosas en su sitio… El disco puede parecer algo monótono para los oídos menos entrenados, pero con ese delicioso hedor a Devourment embargando sutilmente la obra… Mmm… Qué gustirrinín… Si te van los sonidos expuestos, Ingested tienen varias razones para llevarte a su cámara de torturas.

PAU NAVARRA

EXPø

Blind Spots (LAST EXIT) POP ROCK

70

C

on su primer CD Blind Spots, los integrantes de EXPø nos ofrecen once temas conseguidos de un modo tan fluido que parece que se conozcan de toda la vida. Influidos por Kings Of Leon o Band Of Horses, se suman a un pop rock melódico altamente compenetrado. Con un inglés que impide reconocer las raíces francesas, Anthony nos libra al compás de ritmos pop que dialogan con un folk suficientemente reconducido para poder ser bailable. De claras resonancias a la música norteamericana y británica, se les encasilla satisfactoriamente en una tradición que bebe

del britpop que tanto legado nos ha dejado. Si en ‘Dangerous’ asistimos a unos coros energéticos, en ‘Life In The Polar Cicle’ nos desviamos hacia una vertiente más psicodélica que se sitúa entre el eco a lo que hay de siniestro de algunos temas de The Animals y una electrónica que invita a lo introspectivo.

Puede que el patrón general que los justifique como tales resida en la presencia de una batería tan representativa en ‘Estocolmo’, que marca el ritmo de conjunto, a la vez tan compartido por unos referentes musicales con los que consiguen dialogar de tú a tú. Matices como los descritos refuerzan que la sensación del resultado final sea innegable: se revisten de esa generación de los 90 hasta asumirlo en su propia piel. La sencillez es un grado cualitativo difícil de conseguir, pero el cuarteto la posee en el ritmo de unas canciones que dialogan con los más grandes representantes de un registro musical que, desde que apareció, se resiste al olvido.

Y esto es EXPø, un homenaje con su propia fiesta.

ANDREA GENOVART

95

críticas

SPIDERS HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Ann-Sofie Hoyles (voz, harmónica),

John Hoyles (guitarra), Matteo Gambacorta (bajo), Ricard Harryson (batería) PRODUCIDO POR: Mattias Glavá AFINES A: Imperial State Electric, Deep Purple, Janis Joplin PÁGINA WEB: www.wearespiders.com

A

Shake Electric (SPINEFARM) HARD ROCK

70

veces da la sensación de que en Escandinavia, y en Suecia en particular, el rock de los 70 forma parte de la educación escolar.

Es increíble la cantidad, y la calidad, de bandas que surgen de esa zona siguiendo los preceptos de la música de cuatro décadas atrás. Spiders, procedentes de Göteborg, ya dejaron claro en su debut Flash Point, editado en 2012, que no tenían ninguna intención de sonar ni actuar como una banda del siglo XXI. Imagino que si fuera por ellos su música sólo estaría disponible en vinilo, pues desde la misma estética de la portada al sonido vintage potenciado desde la producción de Mattias Glavá

(Dungen), Spiders buscan transportarte a una época donde no existían ni Pro Tools, ni Autotune, y todo era exclusivamente analógico.

En este segundo álbum el cuarteto sube algunos peldaños tanto a la hora de hacer canciones como de presentarlas. Shake Electric suena más rico, con más arreglos y con la sugerente voz de la cantante Ann-Sofie Hoyles mejor integrada en el conjunto. Spiders saben que ella es su mejor baza y aquí han sabido cómo potenciarla usando diferentes registros. No hay mejor ejemplo de ello que el tema ‘Hard Times’, una balada soul en la que Ann-Sofie canta desde el corazón bien acompañada por los punteos de su hermano John,

exguitarrista de Witchcraft.

Su pasado se nota en el riff de la inicial ‘Mad Dog’, muy de la escuela Sabbath y con una ambientación más oscura, o la agresiva ‘Control’. También hay algún deje de proto punk en ‘Only Your Skin’, pero en general, el tono del álbum es más melódico con referentes como T. Rex, Joan Jett o los Heart de los 70 en ‘Shake Electric’, con un fantástico arranque de harmónica al final, ‘Bleeding Heart’, ‘Lonely Nights’ o ‘Back On The Streets’, con una parte central donde suena un cencerro y un riff que son puro Kiss. Si en su próximo trabajo se aliasen con Nicke Andersson, podrían saltar chispas.

DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... RICARD HARRYSON ¿Estáis contentos con lo que conseguisteis gracias a Flash Point?

“Sí, estamos muy contentos. No sabíamos qué esperar cuando grabamos el disco. Supongo que es lo que pasa cada vez que grabas algo...

Pero pudimos girar mucho gracias a él y vivimos una época fantástica.

Tuvimos la oportunidad de compartir escenario con bandas como Metallica, Kvelertak o Graveyard. ¿Qué más se puede pedir?”. ¿Con qué ánimo afrontasteis la grabación de Shake Electric?

“Siempre aspiramos a ir más lejos, y eso es el principal objetivo en todo lo que hacemos. Debes hacerlo si quieres que siga siendo estimulante, tanto para ti como para la gente maravillosa que viene a nuestros conciertos y escucha nuestra música. Todos los miembros

estuvimos más implicados en la composición y nos centramos en hacer un disco más dinámico, con coros y piano”.

Diría que el disco es más diverso y también más clásico y melódico que el primero. ¿Queríais hacer un álbum atemporal?

“Sí, es lo que siempre queremos.

Queremos que la música suene a Spiders sin encasillarla en un estilo concreto. Hacemos canciones inspirados por todo tipo de música”.

En la voz de Ann-Sofie escucho ecos de Grace Slick, Ann Wilson, Janis Joplin... ¿Son sus mayores influencias? “¡Todas las que has dicho son cantantes increíbles! También añadiría algunas cantantes soul como Tina Turner o Nina Simone”.

De hecho, ‘Hard Times’ es una

balada soul... ¿Cómo surgió?

“Escuchamos mucha música soul. John vino con este riff y jugamos con él en el local de ensayo. Y el resultado es lo que escuchas en el disco”. ¿Quién dijo en el estudio ‘necesitamos más cencerro’? “(Risas) Fue Bruce Dickinson”.

Parece que os gusta mucho España y recientemente hicisteis una gira de once fechas, lo cual es inusual en bandas internacionales. ¿Se ha convertido este país en vuestro segundo hogar? “¡Oh sí! ¡Nos encanta España! La gente es maravillosa y le encanta el rock’n’roll. Nos encanta que una misma noche puedas hablar sobre los Dictators con una mujer de 60 años y una chica de 20. Siempre lo pasamos genial y esta vez no fue diferente”.

(DAVID GARCELL)

97

cr í ticas

CODE mut

(AGONIA) PROGRESSIVE POST ROCK

76

Y

finalmente Code se ganaron mi respeto.

Purista como me considero, enemigo acérrimo del progresivo y de la experimentación forzada, y menos en el black metal, parece que para su cuarta obra los ingleses han comprendido que para qué seguir insultándonos, para qué mezclarse con cavernícolas para desarrollar lo que siempre han dejado entrever en sus álbumes pero nunca antes se habían atrevido a mostrar de forma tan clara: el post rock, el prog elitista, el alejamiento absoluto del metal

98

extremo sin importar las consecuencias. Y la jugada les saldrá bien, palabra.

Con mut pujarán rápido por entrar en la vanguardia de esta moda, saldrán de los cinturones de balas para abrazar las camisas de leñador con la cabeza bien alta, y sobre todo, con oscuridad y temas rebuscados, curiosamente malsanos, tensos, livianos a la par que suicidas, con esas buenísimas canciones que siempre han presentado, pero que a mí personalmente, por pura cabezonería, me daba grima defender, dar a conocer en RockZone.

Aunque este disco, por lento, no sea para todos los momentos, si se sacan el antifaz, entonces sí. Si al fin han realizado un examen de conciencia y han descubierto que Immortal les importa una mierda, que nos estaban engañando, yo les doy la mano y les digo ‘de puta madre, chavales, gracias por reconocerlo’.

La total ruptura que tantas bandas black quisieran hacer y tan pocas tienen huevos a realizar.

PAU NAVARRA

VV. AA.

Algo Salvaje (MUNSTER) BEAT, PSICODELIA

90

E

ra una cuestión de tiempo que tuviéramos en nuestras manos lo que podemos considerar la versión patria de los celebrados recopilatorios Nuggets, que tan influyentes han acabado siendo en el pop y rock contemporáneo.

Este bonito artefacto compuesto por 28 canciones lleva en su propio título toda su declaración de intenciones: Algo Salvaje - Untamed 60s Beat And Garage Nuggets From Spain Vol 1. Un trabajo arqueológico de primera división, y aunque no es la primera vez que se intentan recoger esta clase de canciones, sí que es la

vez que se realiza con más rigor y conocimientos de causa. Los textos de Vicente Fabuel son excepcionales, y podemos disfrutar de una colección de canciones encerradas inmerecidamente en el olvido. Seguramente ajenos, al menos en su mayoría, a lo que se cocía en el otro lado del Atlántico, llama la atención las ganas que tenían los jóvenes músicos de salirse de los cánones de lo convencional en una situación que no daba pie a ello. ¡Y lo bien que supieron hacerlo!

Editadas en su mayoría por sellos independientes o en su defecto, como lanzamientos menores de las grandes compañías, aquí encontraremos psicodelia de la mejor, proto hard rock, versiones imposibles –Tomcats vs Lola Flores-, beat que podría mirar de tú a tú a la British Invasion y por encima de todo, talento, mucho talento, captado dentro de un álbum que por desgracia se sabrá apreciar mucho más fuera que dentro de nuestras fronteras. Ya sabemos, la eterna cantinela de siempre... Toda una delicia.

RICHARD ROYUELA

LIQUID MEAT

In Meat We Trust (AUTOEDITADO) CROSSOVER

84

E

n un mercado discográfico, el alemán, donde la variedad en el mainstream no es precisamente lo que abunde, siendo el metal gótico, sinfónico, machacón o directamente hortera lo que predomina, se agradece que surjan con potencia grupos que apuesten por otro tipo de sonidos, de características, de intenciones a final de cuentas. No es que no exista en el circuito germano bandas distintas, es que apenas se les da una oportunidad a un nivel internacional, salvando excepciones. En este caso hablamos de Liquid Meat, un

trío combativo y social que incorpora una amalgama de estilos en éste, su tercer y, se podría decir perfectamente, disco de confirmación. Los de Munich se han sacado de la manga un álbum que tan pronto te noquea con inicios ramonianos como te traslada al crossover de los 90, con una pátina de metal, sin ser éste el estilo predominante a lo largo de las canciones. Una voz que remite más a Lemmy que al heavy heterodoxo, guitarras que mutan de la agresividad a los fraseos más de croosover, y una sección rítmica demoledora que sustenta el combo.

Producido por uno de los más prestigiosos productores, el hombre que fue ingeniero de discos de los Rolling Stones y T. Rex o produjo Dehumanizer de Black Sabbath, da un sonido orgánico y natural a la naturaleza inherente de Liquid Meat. Esperemos que ésta sea ya su formación definitiva y nos sigan sorprendiendo con álbumes tan recomendables como In Meat We Trust.

TCN

Segar I Batre (AUTOEDITADO) PUNK ROCK

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S

i ser punk significa hacer lo que te dé la gana, el Guàrdia, el Quimet, el Morenu y el Koya son los más punks de toda Catalunya. Porque, a grandes rasgos, TCN tocan punk rock’n’roll, pero no se les cae la cara de vergüenza al meter ritmos de música bakalao en ‘Cançons D’Una Nota’, poner una voz socarrona en temas como ‘Foc De Camp’, incluir en el CD dos canciones country (o de montaña, según se mire) como ‘Boletaires’ y ‘Mossa Catalana’, dedicarle un corte a la ‘Moreneta’ y destrozar de una manera

cachonda ‘How Deep Is Your Love’ de Bee Gees (rebautizada como ‘Llocs Per Fer L’amor’) y ‘Rebel With A Cause’ de The Wipers. Segar I Batre es el tercer trabajo de esta banda de Sant Feliu de Codines, Barcelona, y ha sido cocinado a fuego lento en una masía, como le gusta a la gente de campo, bien lejos de la ciudad y de sus peligrosos barrios. Fijo que estos punks de payés se van de farra habitualmente con FP, The Anti-Patiks, Zombi Pujol, Autodestrucció y I’M a liarla parda por la Catalunya Central. Otro elemento a destacar de este disco son las bonitas ilustraciones de Josep Rodés que, bajo una apariencia bastante infantil, ponen de manifiesto las filias sanguinarias y pirómanas de TCN. Por cierto, esta gente también está detrás de la productora independiente IncívicZone, así que estate atento a la agenda de conciertos porque muy pronto pueden tocar cerca de tu casa y no te los deberías perder por nada del mundo.

JORDI FORÉS

CARLOS SAWA

99

Tan acostumbrados estamos a mirarnos el ombligo que no nos damos cuenta de la dantesca pesadilla en la que vive sumida el 80% de la población mundial. Esclavismo contemporáneo, violaciones de mujeres en masa, fundamentalismo religioso, niños soldado, pobreza extrema… Suerte que, por muchos años que pasen, ahí están Barney Greenway y sus NAPALM DEATH para seguir alzando la voz. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

“Los políticos utilizan los recursos públicos para incrementar el beneficio propio en una estafa que acentúa la diferencia. Se están traicionando a ellos y a la gente en general, es una traición entre ricos y pobres, haciendo que ese grado de separación sea más grande que nunca”

S EL ETNOCENTRISMO UN MAL muy común en las potencias occidentales.

Vale que el paro, los recortes en sanidad, educación y cultura, el nacionalcatolicismo reciclado, los incontables desahucios, el bipartidismo despótico, el retorno del chabolismo o la cada día menos clara separación de poderes son dramáticos cánceres que erradicar si queremos lograr una sociedad más justa e igualitaria, pero si uno es pragmático y de entre toda esta inmundicia es capaz de sacar una lección histórica, verá que nunca en Europa se ha vivido mejor que ahora, por mucha tormenta económica, latrocinio político y viles retrocesos que estemos sufriendo actualmente. Para darse cuenta de ello, basta con charlar con un abuelo sobre la misa a punta de pistola que debió seguir en un campo de concentración franquista pasada la Guerra Civil, ver un reportaje sobre la ‘justicia’ machista que se imparte en Irán o Afganistán, donde las mujeres pueden ser condenadas a morir lapidadas al ‘cometer adulterio’ tras una violación, o que les quemen la cara con ácido en Paquistán

cuando a su marido le viene en gana, o sin ir más lejos, ser forzadas por un autocar entero sin castigo alguno en la India. Ver en qué condiciones trabajan en Bangladesh para que podamos lucir esas zapatillas tan molonas, con qué impunidad Boko Haram secuestra y ‘casa’ a más de 200 niñas con los asesinos que nutren sus filas, o elimina a 2.000 personas en una ciudad nigeriana; cómo nos importa un pimiento que el ébola siegue la vida de miles de personas hasta el día en que llega a Madrid, y así podríamos continuar con una larga y horripilante ristra de atrocidades que, fuera de nuestras fronteras de bienestar consumista, parece no tener fin, y es que a veces parece que sólo nos surja la vena solidaria cuando el fundamentalismo golpea con cobardía el corazón del Viejo Continente. Bajo nuestro prisma, desgraciadísima hecatombe en París, es algo que por supuesto no admite discusión, pero trágicamente, el pan nuestro de cada día en Bagdad, Ciudad Juárez o la Franja de Gaza.

Mark ‘Barney’ Greenway, cantante de Napalm Death desde 1989, nunca pierde de vista 101

la podredumbre que acecha en su natal Inglaterra, pero desde luego va mucho más allá de Europa a la hora de diseccionar y denunciar los males que se empecinan en hacer de este mundo el peor lugar imaginable. Junto a Shane Embury (bajo), Mitch Harris (guitarra) y Danny Herrera (batería) forma Napalm Death desde hace muchísimos años, pero el paso del tiempo nunca ha propiciado que se relaje y deje de ser el altavoz de denuncia que la banda pionera del grindcore siempre ha sido. Apex Predator – Easy Meat, bajo la influencia de Century Media, es su enésima reprimenda a un sistema terroríficamente desigual que, si alguna vez ha tenido algo de humano, desde luego hace mucho, mucho que se le olvidó.

Bueno, antes que nada, ¿qué ocurre con Mitch? ¿Crees que podrá superar sus problemas y volver a Napalm en un futuro próximo?

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BARNEY GREENWAY “Bueno, no es algo que venga de nuevo al equipo, nos tendremos que levantar…

(Titubea y mide sus palabras –ndr.) Es algo que necesita solucionar, que tampoco se hubiera expandido si no fuera por la naturaleza de su profesión. No soy pesimista ante ello”.

ciamos el expolio que produce el capitalismo a través de este álbum usando como catalizador el desastre que ocurrió hace un par de años atrás en Rana Plaza, Bangladesh, mostrando esa cara de la moneda como punto de partida. Tratamos de meternos ahí dentro y éste es el resultado”.

Yendo ya hacia vuestro nuevo material, como siempre, música dura para tiempos duros, pues ésta es vuestra responsabilidad hacia vuestros fans y el mundo desde hace un montón de años… Así que Apex Predator es un nuevo paso para luchar contra nuestra inhumana realidad, ¿verdad?

“Cierto, va sobre la manufactura y las condiciones de la manufacturación en los grandes negocios y las grandes compañías de alrededor del mundo, que son realmente horribles, es terrible cómo están yendo las cosas… Eviden-

Los políticos, los bancos y las corporaciones nos están robando el futuro, y están más fuertes que nunca… ¿Cómo explicas la situación actual, en la sociedad occidental y en el resto de planeta? ¿Cómo han podido obtener más poder que nunca?

“Sí, es realmente extraño porque despojan de más recursos públicos desde los últimos dos años, estás en lo correcto, los políticos los utilizan para incrementar el beneficio propio en una estafa que acentúa la diferencia. Se están traicionando a ellos y a la gente en general, es una traición entre ricos

“Hemos sido muy fanáticos de esos sonidos del crust a lo largo de los años, lo hemos usado de una forma experimental sin pensar si íbamos hacia el punk o si estábamos en una mezcla de metal con punk rock’n’roll o cualquier otra influencia del área punk”

y pobres, haciendo que ese grado de separación sea más grande que nunca. Eso es muy raro, pero espero que cambie y que al final la gente se levante, aunque no te sé decir por qué ocurre”.

En muchos lugares del globo la población está sufriendo guerras en su forma tradicional, con armas, tanques, violaciones y balas, pero aquí, en Occidente, estamos ante una nueva forma de realizar conflictos… La guerra económica, la violencia a través de la dictadura del dinero o los rescates de la Unión Europea.

“Sí, sí, por supuesto, estoy de acuerdo. Es cierto que todo el mundo está sufriendo de una forma u otra, ya sea por violencia física o por la supresión económica. Son tiempos extraños, son momentos realmente duros de los que quejarse como todos los demás, claro. Supongo que podremos salir de una forma colectiva para resistir esa supresión, es tiempo de arreglarlo, de hacer algo mientras la alternativa esté en nuestras manos y no todo esté perdido”. ¿Consideras que la situación

puede mejorar en un período no muy lejano? “(Suspira largamente –ndr.) Cómo decirlo ahora mismo… Creo que hay muchos puntos, muchas materias que ganar que van mal, que debemos aprender muchas lecciones en Occidente para crear una cadena de algo.

Pienso que todas las religiones que están campando por África y Oriente Medio son, realmente, muy problemáticas, porque claman por una vertiente muy ilógica en facciones de gente actuando en el nombre de textos metodológicos. Mueren de una forma muy enfermiza… Eso es muy peligroso si se convierte en un poder de control, y eso no es bueno para nadie, opino yo”.

Por otro lado, eres una persona optimista… ¡No puedo entenderlo!

“Trato de ser realista en verdad. Trato de ser optimista pero desde una forma de ser realista también. Creo que es algo espinoso, hablando en general”.

Ya, ¿pero cómo explicas la paradoja entre vuestra música extrema y tus letras?

“Bueno, eso es lo que escribo, la gente suele decir que es una forma reconocible de hacer que nuestros ataques

masivos sean reales viendo la música que hacemos, ésa es mi responsabilidad. Es lo que es, y sí, por supuesto, me centro en la música que hay detrás, en lo que la banda escogió, y escogimos expresar nuestra furia de una forma extrema, con una ciencia extrema. Supongo que trato de lograr esto cuando le pongo letra directamente a los álbumes, y luego lo que la gente encuentra en ellas… Imagino que trato de describir lo que nos rodea y que la gente lo comprenda cuando estoy chillando al micrófono, aunque eso es más difícil, lo sé… (Risas)”.

En su último álbum los hermanos Igor y Max Cavalera también tienen un tema llamado ‘Apex Predator’, así que me pregunto qué significa…

“Bien, ‘apex predator’ es un término evolutivo, es cuando algo está situado en la cima de la cadena alimenticia, como por ejemplo el león en la sabana o el tiburón en el mar, pero en este contexto, el apex predator son las corporaciones multinacionales y cómo ellos explotan a la mano de obra, algunas veces con engaños brutales, como a animales, y el Easy Meat viene por los trabajadores que tienen en la palma de la mano. Ésa es la diferencia entre ambas cosas y básicamente la explicación de su significado”. Ésa es también la explicación para vuestra nueva portada, claro… Es muy chocante.

“Exacto, el envase de supermercado es un símbolo de la barata, repugnante producción de comida industrializada. A menudo es tóxica, ya desde el animal a veces, es algo a tener en cuenta… Pero sí, es algo en lo que

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“Seguiremos dirigiéndonos a la humanidad de forma extrema porque eso es lo que somos, pero no queremos ser prisioneros del pasado. Eso es jodidamente aburrido, sería muy obvio y vago por nuestra parte” profundizar, aunque las palabras podrían ser baratos, asquerosos paquetes de comida de supermercado, todo de forma simbólica (risas)”. ¿Puede haber una revolución sin violencia?

“Personalmente no creo que sea la forma correcta, pero no puedo entender lo que mucha gente hace algunas veces. Me muestro crítico ante ello en general porque personalmente opino que perpetuar la violencia es algo que ocurre una vez tras otra, tras otra, y otra… Y por supuesto, la violencia no es compatible con alcanzar la igualdad y el respeto a la vida, si realmente piensas en ello. Así que creo que es erróneo; una revolución no violenta si te gusta, hay que cambiar el chip”.

Ahora sí, entrando ya del todo en vuestra nueva obra, el tema ‘Apex Predator – Easy Meat’ suena muy oscuro e industrial, casi como un guiño a Fudge Tunnel o Godflesh, ¿no?

“Oh no, no… Por supuesto tiene los elementos que has identificado, elementos que están ahí desde hace tiempo, pero personalmente hay más de bandas punk como Swans, Killing Joke, My Bloody Valentine o incluso Joy Division, si realmente nos ponemos en el post punk o los grupos oscuros.

No obligatoriamente de Godflesh, o quizá Godflesh sean una formación 104

oscura… Son elementos del grupo que de vez en cuando sacamos a la luz. Pero sí, es tétrica en verdad…”.

Con su melodía, ‘Metaphorically Screw You’ o ‘How The Years Condemn’ están explotando vuestra vena punk rock de una forma poco usual…

“Para ser honesto hemos evolucionado con esos elementos, nunca hemos dicho que no estuvieran ahí.

Hemos sido muy fanáticos de esos sonidos del crust a lo largo de los años, lo hemos usado de una forma experimental sin pensar si íbamos hacia el punk o si estábamos en una mezcla de metal con punk rock’n’roll o cualquier otra influencia del área punk. Realmente todo eso no es muy diferente, pienso que el sonido del nuevo álbum tiene un punto extra de agresividad en su producción, o que hemos combinado la parte áspera con nuestro enfoque tradicional”.

Con ‘Stubborn Stains’ o ‘Cesspits’ habéis aportado nuevas ideas a través de disonancias… ¿Las escribisteis así conscientemente? “¿Sabes? De nuevo debemos ir fuera sin ningún problema aunque eso no sea nada alejado de la banda. Es una mezcla en el punto de nuestra progresión, es combinar aún más para

mezclar los elementos juntos para hallar un ángulo distinto. Lo que oyes es un toque adicional”.

Debo decir que ‘Dear Slum Landlord…’ sí es una auténtica sorpresa. ¿Qué me puedes contar de ella? ¿Cómo recuerdas su creación y por qué de-

un lenguaje melódico. Lo compusimos y vimos que le iba muy bien. De esta manera, fue algo así como un accidente, no algo en lo que Mitch estuviera pensando cuando compuso la música, no es que se centrara en eso en ese momento”.

‘Hierarchies’ por ejemplo es un tema muy melódico…

“Es melódica, pero es melódica de una forma muy oscura, de una forma muy disonante. Si escuchas las guitarras verás que son muy crujientes, en ésta y en otras canciones”.

cidisteis hacer un tema así?

“En realidad de nuevo debo decir que está muy influenciada por Swans y cosas así de negras. Su origen está en introducir imágenes a través de la música. Al principio Mitch trajo la música pero no dijo nada más, y le añadimos la intro y luego la letra porque me dio una buena idea, darle al tema

No tienes problemas en hablar de PiL, Killing Joke o Swans como influencias actuales de la banda… ¿Crees que la escena metal o grindcore es cerrada de mente en ese aspecto?

“No, no, claro que no… No estoy cerrado a ninguna escena, creo que cualquier persona puede sacar alguna lección de ellas. Miro hacia afuera para eso, pero sí que hay alguna gente cerrada en ese aspecto. Pero creo que lo principal es lo que haces, y lo que hacemos actualmente también tiene de otros grupos, estamos muy influenciados por otros en este álbum. Seguiremos dirigiéndonos a la humanidad de forma extrema porque eso es lo que somos, pero no queremos ser prisioneros del pasado. Eso es jodidamente aburrido, sería muy obvio y vago por nuestra parte. Sería una estafa para la banda y también no escucharla, ése es el punto, eso es lo que opino más allá de ser agresivos”.

hardcore Hatebreed por Europa, Norteamérica, Latinoamérica… ¿Cómo fue vuestra relación? ¿Te interesa su música?

“Hatebreed son buenos chicos, realmente lo son, y mucha gente se fijó en la banda, aunque esta música no es para todo el mundo. Para serte honesto, ir de gira con ellos fue positivo para Napalm porque en esos conciertos no tocábamos para la misma gente todo el tiempo, aunque también hubiera mucho público de Napalm ahí, por supuesto. Pero tocar con Hatebreed es hacerlo para una audiencia diferente… Hay que considerar las cosas de las que Napalm habla en sus letras para que más gente tenga posibilidad de entenderlas, porque son para la humanidad, para todos.

Si lo consideras, es una cosa buena tocar, hacer de banda de apoyo para alguien fuera de tu escena. Hay gente que lo entendió, otra no comprendió que no lo hiciéramos solos como hace tanto tiempo que hacemos”.

Tras 15 álbumes y más de 30 años después, ¿podemos esperar discos y shows de Napalm Death para siempre?

“Bueno, ‘para siempre’ es mucho tiempo, pero ya llevamos veinte, 30 años y no puedo hablarte de ello o hacerte una predicción, pero nada es imposible. En la banda somos cuarentones y seguimos haciendo discos, seguimos tocando en directo, y queremos seguir hasta que podamos, supongo. Sólo seguiremos mientras podamos dar el 100% de la banda, no el 50% de ella (risas)”.

Girasteis durante un montón de meses con los titanes del 105

DAYLIGHT

Q

ue el nuevo disco de Daylight se titule One More Fight tiene todo el sentido del mundo. Desde hace diez años la banda liderada por los hermanos Olek y Wojtek Burek lleva empeñada en llevar su música al público que potencialmente podría disfrutar de su pegadizo pop punk cercano a All Time Low y Good Charlotte. Una tarea nada fácil teniendo en cuenta que ninguna otra banda estatal ha conseguido por el momento triunfar con este estilo. Pese a ello, el grupo ha conseguido hitos importantes como girar por buena parte de Europa, Ru106

sia, China y Japón, donde también se han editado sus discos. Ahora tienen entre ceja y ceja hacer sus pinitos en Estados Unidos, y teniendo en cuenta lo cabezotas que son, vaya usted a saber si lo consiguen.

El título de su nuevo disco también resume la actitud que ha tenido el grupo en el último año y medio a raíz de la marcha de su antiguo cantante. Los dos gemelos, junto al inseparable batería Víctor Vera, decidieron encerrarse en el local para componer nuevo material y ensayar a muerte hasta asegurarse de que Olek y Wojtek estaban preparados para asumir el reto. Con

la suma del guitarrista Albert Domènech, la nueva formación ya estaba completa para irse a Italia y grabar su nuevo trabajo junto al productor Andrea Fusini. Una vez terminado One More Fight, en el que suenan mejor que nunca, la banda barcelonesa tomó la decisión de hacer Daylight razón de vida.

En esta amigable charla mantenida en nuestra redacción, el grupo expone con claridad sus objetivos y advierte a sus haters, que no son pocos, que no conseguirán rendirles. ¿Podríais explicar un poco

¿Es un suicidIo tener en España un grupo de pop punk en inglés?

Probablemente sí, pero los barceloneses Daylight están dispuestos a morir intentándolo.

Texto: Jordi Meya Fotos: Throughthelenses

cómo habéis vivido los cambios que se han producido en el grupo?

OLEK “Ha sido una época muy turbulenta. Somos una banda que intentamos girar al máximo y hacer muchas cosas, y eso es imposible con una persona que no te sigue el ritmo y te hace de freno. Así que decidimos cambiar de cantante y empezamos a mirar opciones. Pero al final mi hermano y yo decidimos tirar de la parte vocal. Y creo que hemos acertado, ¿no?”.

WOJTEK “Ha sido difícil porque cuando llevas ocho años con el mismo cantante y ya tienes el grupo de cole-

gas hecho, da un poco de miedo, de daño, y no sabes muy bien hacia dónde tirar. Pero nos encerramos los tres en el local, a tocar más que nunca, y decidimos seguir adelante. En lugar de terminar con Daylight y tirar cada uno por su lado, decidimos que esto no se había terminado. Nos hemos unido más y también incorporamos a nuestro amigo Albert para tirar adelante”. ¿Durante este tiempo de transición ya ibais componiendo para el nuevo disco?

OLEK “Somos un grupo que siempre está componiendo. Ya sea en casa, en

el local… Llegó un momento que nos dijimos que teníamos que componer un nuevo disco y empezar esta nueva etapa. Estuvimos como un año y medio componiendo todo el material con el que luego nos fuimos al estudio, 20 temas en total”.

VÍCTOR “También hay que decir que mucha gente se creía que nos dedicábamos 100% a la música, pero no era verdad. Fuera del local teníamos que sacarnos la carrera, trabajar… es ahora cuando hemos decidido apostar por esto como máxima prioridad. Así que en este tiempo entre disco y disco, además de componer, también hemos aprovechado para solventar todos los asuntos externos al grupo. No han sido cuatro años en blanco”. ¿Creéis que la única manera de hacer algo con el grupo es dedicarse exclusivamente a él?

WOJTEK “No garantiza nada, pero te da más oportunidades. Nosotros queremos ser un grupo que gire lo máximo posible y si te sale una gira por Europa o por España, no puedes compaginarlo con nada. Si tienes un trabajo no puedes decir ‘me voy veinte días por ahí y ya volveré’”.

OLEK “Y también es la manera de poder dedicarle horas al local. Ahora que hemos hecho el Kickstarter para la gira hemos estado cada día en el local trabajando. Es básico”.

Mucha gente tiene un grupo como vía de escape del trabajo, de los estudios… Una vez se convierte en tu trabajo, ¿cómo se lleva?

OLEK “Nuestro amor por la música es incondicional. No es una vía de escape. Si pudiera dedicarme toda mi 107

DAYLIGHT

Así que también nos odian por allá (risas)”.

vida a esto, yo firmaba ahora mismo.

Es la diferencia a tener un grupo como hobby o como nosotros, que nos dedicamos realmente a esto y tenemos unas metas muy claras, ni que sean a corto plazo”. ¿Qué metas tenéis en estos momentos?

OLEK “Una de ellas es ir a Estados Unidos. En España no hay nada que hacer con la música que hacemos.

Tenemos que tirar para allí, Inglaterra, Europa o Asia, como hemos hecho ya”. ¿Y se puede hacer desde aquí u os tendríais que ir a vivir a Estados Unidos?

WOJTEK “Hay unas palabras que me impactaron muchísimo que nos dijo Andrew Wade, productor de A Day To Remember, que trabajó en dos canciones del disco. Nos envió un mail diciendo que si fuésemos americanos ya estaríamos girando por ahí, habríamos fichado por una multi… Es el hándicap de ser un grupo español, catalán, europeo… Tenemos que trabajar desde aquí hacia el mundo. Yo creo que en un mundo global no hace falta irse a vivir allí. Económicamente 108

es poco viable y si eres una banda que se mueve se pueden hacer cosas desde aquí. Ya hemos demostrado que no nos da miedo ir a girar a la otra punta del mundo”.

Entremedio también tuvisteis un litigio con el grupo americano Daylight. ¿Qué pasó?

OLEK “Nosotros tenemos el nombre registrado casi desde que empezamos y sabíamos que existían estos Daylight que también iban haciendo cosas.

Ellos sabían que existíamos pero tiraron adelante pensando que como eran americanos no pasaría nada”.

WOJTEK “Pero nuestro nombre también está registrado en Estados Unidos y era nuestra manera de protegernos.

Llevamos más tiempo que ellos. No hubo pleito, ni denuncia, pero una vez comprobaron el registro de marcas se dieron cuenta de que el nombre lo tenían unos españoles. Hay algunos fans suyos que se lo han tomado como un ataque, pero en realidad nuestra defensa fue muy pasiva. No actuamos contra ellos ni nada. También hay una banda alemana de hardcore que se llama Daylight e incluso nos planteamos hacer una gira juntos. Pero al final también se han cambiado el nombre.

Albert, ¿cómo fue tu entrada en el grupo? ¿Ya sabías dónde te metías?

ALBERT “No lo tenía muy claro (risas). La historia es que cuando ocurrió lo del otro cantante ya tenían la gira cerrada por China. Yo conocía a los gemelos, a Víctor no, pero empezamos a charlar y me dijeron que tenían un gran marrón. Empecé a mover hilos y al final decidí incorporarme como parche temporal. Esto era en 2012 y todavía no tenían muy claro qué hacer con la banda. Pero luego decidieron cantar ellos, ponerse a componer, y entre pizzas y cervezas, Víctor me dijo ‘¡Necesito que vengas, que no puedo con los gemelos!’ (Risas)”.

VÍCTOR “¡Es que es importante! A la hora de salir de gira tienes que llevarte bien. Necesitas a alguien que sea compatible. A lo mejor coges a un guitarrista de puta madre pero es un imbécil. Pero con Albert siempre nos hemos entendido muy bien y estamos encantados con él”.

WOJTEK “Como ha dicho Olek antes, es una cuestión de compromiso.

Albert ha tenido los huevos de dejar el trabajo y dedicarse a Daylight. Puede que sea una decisión muy equivocada, pero la agradecemos (risas)”.

Vosotros dos, desde que os conozco, siempre lo habéis tenido súper claro, pero me imagino que el resto piensan que estáis zumbados.

ALBERT “Es así. Yo soy psicólogo y puedo corroborar que lo están (risas)”.

WOJTEK “Estamos zumbados. Si utilizásemos las neuronas haría tiempo que habríamos abandonado el barco

y nos hubiésemos dedicado a otras mil cosas más útiles. Pero la música se hace con el corazón y por eso seguimos aquí. Somos muy cabezotas”.

VÍCTOR “Yo dejé el trabajo y al día siguiente ya estábamos volando a Italia para grabar el disco. La cosa va rápida, no te puedes despistar ni un momento. Es nuestro sueño y estamos muy felices de dedicarnos a esto”.

Antes decíais que en España no hay nada qué hacer. ¿Tan claro lo tenéis?

WOJTEK “Aquí hay un problema de base. No conozco a ningún grupo nacional de este estilo que haya metido 500 personas, pero vienen bandas internacionales como Fall Out Boy, Sum 41 o Blink-182 y llenan los recintos. Así que público hay, lo que pasa que no presta atención a las bandas locales, empezando por los medios.

Hay mucho odio, muchas envidias, pero el público está ahí. Quizá los grupos estamos haciendo las cosas muy mal, pero hay bandas de muchísima calidad”.

Pero en otros estilos no pasa lo mismo.

ALBERT “Aquí tiene mucho más tirón el pop rock, el metal, el indie… Pero yo nunca he visto un grupo de nuestro estilo que haya llenado un Palau Sant Jordi. Igual tendríamos que hacer ‘punketón’ a partir de ahora (risas)”.

OLEK “Y no sé hasta qué punto es cuestión de promoción. Nosotros picamos a todas las puertas, hemos salido en medios grandes, pero tampoco te ayuda a dar el paso definitivo”. ¿Pero notáis que el trabajo de estos diez años da frutos?

VÍCTOR “Con este disco sí. Yo creo

“Quizá por hacer pop punk hay bandas más hardcore o metal que te miran por encima del hombro, Pero en realidad estamos todos en una misma escena” OLEK que hemos subido de nivel y además puede gustar a todos los públicos. Hay temas más rápidos que pueden gustar a los hardcoretas, otros más pop, incluso uno rapeado… Así que no nos encasillamos en un solo estilo. Aunque se nos etiquete como pop punk, somos gente muy abierta de mente”.

OLEK “Esto es una carrera de fondo.

No aspiramos a pegar un pelotazo.

Lo que sube muy rápido, baja igual de rápido. Nosotros vamos haciendo paso a paso. Creo que en estos diez años hemos ganado la credibilidad de que la gente vea que vamos en serio”.

Musicalmente One More Fight es un poco más maduro.

WOJTEK “Hemos intentado hacer un disco más rockero”.

Ya no es tan happy happy…

OLEK “Pero en este país lo que falta es más happy happy. Parece que todo el mundo haya tenido una infancia durísima. No hay nada malo en ser feliz”.

WOJTEK “Yo creo que es un disco con el que la gente nos puede tomar más en serio. Hemos intentado ser más variados. Hay desde los Daylight más teenager a unos Daylight nuevos, que son los que sorprenden”.

365 días al año y para que te identifiques con un grupo tiene que mostrar diferentes facetas de tu existencia. Si no es un poco limitado.

OLEK “En este disco hay temas que son más de bajón. Hemos tenido problemas y eso también se nota en el disco. Hemos intentado ser más sinceros”. ¿Creéis que por eso se os critica tanto? ¿Os consideráis un blanco fácil?

OLEK “Yo no lo entiendo. Somos un grupo que nos llevamos bien con todo el mundo, pero hay bandas que no te devuelven el mismo feedback.

Tampoco puedes caer bien a todo el mundo. A nosotros se nos ha puesto bajo la lupa por mil cosas. Hemos oídos mil historias sobre nosotros. Una vez leímos que habíamos ido a Italia en yate. Pero nosotros sabemos desde dentro todo el trabajo que lleva grabar un disco, ir de gira… No entendemos las actitudes de cierta gente”.

VÍCTOR “Nosotros aceptamos todo lo que se diga, bueno y malo. Lo que es seguro es que las críticas no nos hundirán. Nos consideramos buena gente”.

OLEK “En España hay muchos grupos con los que nos llevamos bien. Quizá por hacer pop punk hay bandas más hardcore o metal que te miran por encima del hombro, pero en realidad estamos todos en una misma escena.

Por eso tocamos con Dawn Of The Maya. Podemos ser igual de amigos de Hyde Abbey que de Puk2. Entre todos tenemos que hacer crecer la escena rock y apoyarnos”.

Es que la gente no está feliz 109

EN DIRECTO

GERARD WAY 16 de enero de 2015 Sala Apolo, Barcelona Texto: Jordi Pons FotoS: Nadia Natario

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o tiene que ser sencillo pasar de llenar pabellones a actuar en una sala como Apolo y ni de lejos completar el aforo.

Ya no tanto por una simple cuestión numérica o de negocio, sino por la sensación de que los fans que tenías quizá lo eran de una marca y no tanto de lo que hacías. Y eso que Gerard Way ha partido con ventaja respecto a sus excompañeros de My Chemical Romance por ser el cantante y cara visible del grupo, pero a la hora de la verdad emprender una nueva carrera en estos tiempos no resulta fácil para nadie.

Lo curioso es que por edad, el público que asistió no es muy diferente al que tenían My Chemical. Es decir, que Way se ha hecho más viejo (no se le nota en la cara, pero sí en una prominente barriga), pero sus fans siguen siendo en gran parte adolescentes con cierta tendencia al grito histérico. Algo que se hizo patente cuando James Dewees (el teclista de The Get Up Kids y que

también ha girado con New Found Glory y MCR) apareció en el escenario vestido de marinerito y ofreció unos pocos temas de su proyecto Reggie And The Full Effect. Con una actitud de vuelta de todo, dedicó el mismo tiempo a soltar bromas sin gracia que a cantar sobre las pistas que llevaba grabadas en un portátil. Suerte que al menos se largó pronto del escenario.

Aunque luego volvería como miembro de The Hormones, la banda que acompaña a Way en esta gira. Fueron ellos los encargados de iniciar los primeros compases de ‘The Bureau’, el tema a modo de intro que también abre su debut Hesitant Alien, antes de que saliera Way con el pelo teñido de rubio, vestido con traje, americana y corbata, y una camisa rosa. Para animar la cosa recurrirían a dos de sus temas más pegadizos, ‘Action Cat’, ‘Zero Zero’, la popera ‘Millions’ y la guitarrera ‘Juarez’. No puede decirse que la banda sonara mal, ni que Way

no cantara bien, pero este arranque fue suficiente para ver que el concierto no acabaría de despegar. Faltaba más implicación, más nervio, más energía. Nadie encima del escenario parecía estar disfrutando de verdad y su reinterpretación del glam y el britpop en ‘Get The Gang Together’ o una ‘No Shows’ apostillada por una regulera versión de ‘Snakedriver’ de The Jesus And Mary Chain se quedó a medias.

Los discursitos de Way sobre lo difícil que tiene que ser ser una chica joven hoy en día, de apoyo a los transexuales y sobre las enfermedades mentales sonaron demasiado calculados; no lo sé, pero sospecho que repite lo mismo noche tras noche. Prometió volver pronto presentando su segundo disco (en el bis interpretó un tema nuevo, ‘Don’t Try’, nada memorable), pero tampoco me sorprendería que no volviésemos a verle hasta que se reúnan My Chemical Romance. Visto lo visto, no resulta tan descabellado.

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THE QUIREBOYS 13 de Enero de 2015 La [2], Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Carles RodrĂ­guez

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ocos planes se me antojan tan estupendos para romper la sosez de enero y dar el pistoletazo de salida a la temporada de conciertos 2015 como asistir a una nueva cita con The Quireboys.

Lástima que el día programado fuera un martes, porque los viejos rockeros londinenses encarnan a la perfección el concepto de fiesta, y tanto su actitud como sus setlists arrastran a todos por su paso, siendo harto complicado volver a casa de una pieza. Las visitas de los ingleses vienen siendo frecuentes en los últimos años, y en esta ocasión lo hacían con la excusa de tocar unos temas de su último trabajo Black Eyed Sons, publicado en junio de 2014, aunque en realidad todos esperábamos una dosis de clásicos que por supuesto

nos dieron. Si se tratara de cualquier otra banda tacharíamos sus repertorios de repetitivos y previsibles, pero en este caso parece que son infalibles, puesto que la sala, casi hasta la bandera, estaba llena de un público entusiasmado que alzaba su cerveza coreando ‘7 O’clock’ y ‘There She Goes Again’.

Si hay algo que crea expectación de esta banda, además de ese halo de peculiaridad que recuerda a Spinal Tap por sus circunstancias insólitas, es sin duda su carismático líder, Spike. El cantante ha nacido para beber, cantar y disfrutar del rock sobre un escenario.

Y es obligatorio dedicarle unas frases.

De todas las veces que he visto a The Quireboys en directo, apostaría algo gordo al afirmar que nunca lo había visto tan borracho. En los momentos en

los que se dirigía al público, que fueron muchos, apenas vocalizaba, perdía el micro en las canciones hasta que lo ajustó al pie con ¡cinta americana!, y cuando presentaba temas como ‘What Do You Want From Me’ o ‘Stubborn Kinda Heart’ de su nuevo disco, tenía que preguntar el título del mismo porque ni lo recordaba. Lejos de parecer patético, resultaba encantador, sobre todo cuando atacaba de forma natural ‘Mona Lisa Smile’ y ‘I Don’t Love You Anymore’. Al margen de las excentricidades de Spike, huelga decir que la formación, con los guitarristas Paul Guerin y Guy Griffin a la cabeza, se encontraba en espléndida forma. ¿Qué puede ir mal cuando un concierto termina con un tema como ‘Sex Party’? El madrugón del miércoles, nada más.

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MORBID ANGEL

EINDHOVEN METAL MEETING

12 Y 13 DE DICIEMBRE DE 2014 EFFENAAR, EINDHOVEN (HOLANDA) Texto Y Fotos: Eduard Tuset

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triptykon

L

legaba diciembre y tocaba poner punto final a 2014, pero antes de todo tocaba también asistir al último festival metalero del año.

El Eindhoven Metal Meeting ya lleva unos cuantos años celebrándose y se ha ido convirtiendo en uno de los festivales indoor europeos con más solera, llegando esta vez a colgar el cartel de sold out la semana antes. Después de llegar al hotel y dejar los trastos y tras una buena comida nos trasladamos al Effenaar, el recinto donde el festival se iba a celebrar, y que se compone de una pequeña sala donde está el escenario menor, y de una gran sala en el nivel superior para que las bandas más importantes toquen allí.

Una vez cogido el pase de fotos fuimos directamente a ver a los locales Funeral Whore, que con el death metal de su primer disco Step Into Damnation fueron un buen aperitivo para lo que sucedería esa tarde. Salto hacia la sala grande para ver qué tal esos Cripper y su vocalista femenina Britta ‘Elchkuh’ Görtz, que con su cuarto álbum Hyëna se

van ganando poco a poco a la gente, aunque eso de tocar tan temprano en la sala más grande hizo que el público todavía no hubiese entrado al recinto o aún estuviese mirando merchandising. Luego ya tocaba uno de los platos fuertes del escenario District 19. Morbus Chron entraron y arrasaron hasta el punto en que un servidor, fan total de su primer álbum Sleepers In The Rifts, empezó a comprender esta nueva oleada de sonidos con un toque más progresivo dentro de la parte compositiva del death metal.

Su segundo disco Sweven es de ésos que has de escuchar más de una vez para que te guste y entre, ya que todo el sonido primitivo y anterior del estilo de Nihilist se ha ido sustituyendo por una amalgama más compleja dentro del death. En directo es una continua explosión de luces rojas y movimientos entre sombras, con temas nuevos como ‘Towards A Dark Sky’ tan veloces como efectivos. Aquí por primera vez en todo el día se comprobó que la District 19 se quedaba pequeña para

según qué grupos, y que o llegabas antes o se taponaba la entrada al recinto para ver el show, y tenías que hacer malabarismos o subir al segundo piso para ver algo en condiciones.

Turno para Carach Angren y su black metal sinfónico que sonaba muy bien.

Adelantaron ‘There’s No Place Like Home’, un tema de su próximo nuevo álbum, pero de los que poco más puedo opinar ya que coincidían con Attic, y personalmente tenía muchas ganas de ver a estos alemanes adoradores de Mercyful Fate. Escenario con velas y calaveras perfectamente preparado para la ocasión, con ganas de escuchar ese discazo llamado The Invocation y esperando la épica de temas como ‘Join The Coven’ o ‘Ghost Of The Orphanage’, pero desgraciadamente se quedó en eso, en una espera, ya que el concierto fue muy justo y la banda y su cantante Meister Cagliostro no llegan en directo donde sí lo hacen en estudio; una verdadera lástima. Espero poder volver a verles otra vez para decir que eso fue tan sólo 115

ASPHYX

MORBUS CHRON una mala tarde. Turno para ver en el escenario al gran Martin van Drunen, el cual se pasó todo el festival viendo a grupos y charlando con sus amigos.

Mucha ganas de ver a Asphyx, pues es una de esas bandas de death metal que nunca decepcionan y que siempre han estado allí sin rendirse. Enumerar el setlist de la noche con temas como ‘Vermin’, con el que empezaron el show, o bien ‘Last One Of Earth’, ‘The Rack’ o ‘Scorbutics’ ya da una idea del gran concierto que debería de haber sido si no fuera porque el técnico de sonido no acertó ni una. Sinceramente, no sé la razón de por qué el técnico de At The Gates sonorizó su concierto, pero lo hizo muy mal, tanto que la guitarra de Paul Baayens no se oía bien en ningún momento y únicamente la voz de Martin se escuchaba dignamente. Una verdadera lástima. Llegó el momento de escoger qué iba a ver y fotografiar ya que empezaban los solapamientos de grupos y los descartados fueron Urfaust (y me supo muy mal...) y Sinister, TERROR 116

los cuales ya había visto hace poco.

Los elegidos fueron Triptykon y At The Gates. Tom G. Warrior ha logrado que su segundo álbum Melana Chasmata esté en todas las listas del mejor metal de 2014, y no es para menos, ya que su doom death metal es completamente atronador, y cómo no, en el Eindhoven Metal Meeting fueron la mejor banda del viernes. Empezar un show con ‘Procreation (Of The Wicked)’ de Celtic Frost fue un pequeño orgasmo para muchos, que continuó cuando sonó también ‘Circle Of The Tyrants’ con Tomas Lindberg de At The Gates a la voz y se prolongó al escuchar un servidor por primera vez en directo ‘Messiah’ de Hellhammer, que dejó al público más death metalero con la nuca destrozada. Por supuesto también sonaron temas de Triptykon como ‘Goetia’, ‘Tree Of Suffocating Souls’, ‘Altar Of Deceit’ y ‘The Prolonging’, que empalmó con ‘The Winter’ de Celtic Frost. Sin palabras después de un brillante bolo. Me quedé con muchas

ganas de volver a verlos y que toquen mucho más tiempo como cabezas de cartel en alguna próxima gira.

Breve descanso y turno para que At The Gates descargasen con una precisión perfecta su show (con el mismo técnico de sonido que Asphyx...). Con la intro en castellano llamada ‘El Altar Del Dios Desconocido’ empezó el bolo, seguida de ‘Death Of The Labyrinth’ de su nuevo At War With Reality. De su obra maestra Slaughter Of The Soul no se olvidaron y lógicamente fue el tema que siguió en un setlist donde esos dos discos se iban alternando. El final de show fue épico y dedicado a todos los fans del death metal (el festival de hecho era una homenaje a ese género) con ‘Blinded By Fear’, donde el desmadre del público fue enorme, ‘Kingdom Come’ y ‘The Night Eternal’, que daría pasó a una de las más majestuosas actuaciones que vi en todo el pasado 2014. Sí, hablo de los irlandeses Primordial, una banda difícil de ver en nuestro país, aunque los proyectos

AT THE GATES

paralelos de Alan Averill como Twilight Of The Gods o Dread Sovereign sí que han pasado hace poco por nuestras salas. Su nuevo disco Where Greater Man Have Fallen es una oda a la épica dentro del metal y ha llegado a todos los sitios posibles como uno de los discos más destacados del año pasado.

Su directo es poderío en estado puro ya sea con temas como ‘Gods To The Godless’ como con la impresionante ‘Empire Falls’, con la que cerraban su bolo e hicieron cantar a todo el público.

Su puesta en escena es simple pero efectiva, ya que Alan Averill es un actor transmitiendo un personaje, un cantante expresando su más profundo ser hacia el público, en definitiva uno de los mejores frontmen que el heavy metal puede tener hoy en día. Un fin de noche perfecto para que muchos lo continuaran en el Dynamo Club y vieran cómo Sabina Classen de Holy Moses reclamaba ser la verdadera reina del metal. Al día siguiente lo demostró.

HOLY MOSES

E

l sábado era el segundo día del festival y empezó con Miasmal, Origin, Exhumed y Aborted, pero aprovechando que hacía menos de una semana que habían pasado por Barcelona, vimos otras bandas mucho más difíciles de ver por nuestra escena. El primero que vi en la District 19 fue el de Thanatos, que presentaban su sexto álbum Global Purification. El vocalista Sthepen Gebédi es una constante dentro del death metal holandés, y tanto en su banda como en Hail Of Bullets lo muestra. Empezaron exactamente con el tema homónimo de su último disco para pasar a ‘Outward Of The Inward’ de su clásico debut Emerging From The Netherworlds, y del mismo disco sacaron ‘War’, tema que cerró el show después de unos intensos 40 minutos donde, esta vez sí, se escuchó con claridad al excelente guitarrista Paul Baayens. Tiempo para Sabina Classen, la mejor frontwoman dentro del mundo del metal extremo, y, como ella bien recordaba, también la

primera. Enfundada en su viejo chaleco parcheado, que según ella lleva desde su primer concierto, empezó con ‘Def Con II’ y ‘Master Of Disaster’ para pasar a su gran éxito de 1987, ‘Finished With The Dogs’. Increíble la voz, agresividad y clase de esta mujer sobre el escenario, dándolo todo y dejando a muchas bandas actuales del estilo Arch Enemy como meras aprendices de Holy Moses. Llevan más de 30 años de carrera y eso da para mucho, así que con ‘SSP’, ‘Current Of Death’ y una buena versión de Dead Kennedys, ‘Too Drunk To Fuck’, en la que Sabina saltó al público, acabaron por demostrar en qué buena forma se conserva.

Bajando rápido las peligrosas escaleras que unían las dos salas para ver por primera vez a los black metaleros Valkyrja. Y sí, lo de las escaleras necesita una explicación, porque acceder a esa sala era complicado si la gente iba un poco cargada de alcohol o resbalaba, ya que las esquinas de metal más la cerveza esparcida 117

PRIMORDIAL

hacían peligroso ese descenso a mucha gente… incluso vimos cómo una pobre chica se abrió la cabeza. Pero bueno, como éste no fue nuestro caso pudimos ver a Valkyrja en plenas condiciones perdiéndonos, eso sí, a Thyrfing y el gran concierto que hicieron. Valkyrja celebran su décimo aniversario como banda y con tres discos a sus espaldas demuestran que son una de las apuestas más serias de la Suecia black metalera actual. Un perfecto show de tachuelas, sin luz y sólo con flashes hizo disfrutar a todo el público de una perfecta actuación que dejó con ganas de mucho más a toda la prole más extrema de la sala. Ellos dieron paso a una de la actuaciones más esperadas en el mundo underground, la de los suizos Bölzer, que con sólo dos EPs han logrado cautivar a medio mundo y dejar sin aliento a todos lo que estaban en esa pequeña sala. Bajo una luz violeta donde sólo se apreciaban las sombras y sus figuras, el cantante y guitarra KzR y el batería HzR hicieron enmudecer al público con los temas de Aura y Soma. Sin pausa TERROR 118

tocaron tema tras tema, únicamente soltando un pequeño “gracias” al final de su show, como si fuesen unos chicos tímidos preocupados exclusivamente por tocar y hacer una actuación perfecta, algo que sin duda lograron. Ya sea de día o de noche, la luz que transmite esta banda es poderosa, y puede llegar a los sitios más oscuros. Los que podáis verlos este mismo febrero en la Península no os los perdáis.

Curiosidad es lo que me llevó a ver un rato a Cruachan y a su peculiar mezcla de folk y black metal con vestiduras irlandesas, ya que recordaba haber hecho la review de su segundo disco hace ya 14 años. Su directo funciona, pero esa mezcla y herencia quizás del battle metal actual, en actitud y otros rasgos, no es para mí, al igual que Ensiferum, los cuales seguro que harían un buen show en el Large Stage, pero que sin dosis de vodka no puedo aguantarlos más de dos temas seguidos.

Por eso esperamos y gozamos con Unleashed, los cuales no necesitan ningún tipo de aditivo para conseguir

que conectes con ellos o con su vocalista Johnny Hedlund. ‘Blood Of Lies’, ‘Triumph Of Genocide’, ‘The Longships Are Coming’ y muchas más cayeron, así como la no habitual ‘The Avenger’ que ellos mismos dijeron que no tocaban desde hacía mucho tiempo. El colofón con ‘If They Had Eyes’ y la eterna ‘Death Metal Victory’, que creo que a medida que pasan los años se alarga cada vez más en directo, hicieron que Unleashed volviesen a reinar por una noche en la primera división del death metal sueco.

Este día también coincidían muchos más conciertos: una lástima perderse a clásicos como Xentrix o a los deliciosos The Vision Bleak, pero es lo que toca en un festival. La macarrada del día se la llevaron los canadienses Blasphemy, que con dos discos sacados al principio de los 90 se han convertido en una de las enseñas de la movida metalera canadiense (con todos los respetos a Voivod) y han influenciado a bandas de todo el mundo. Era una ocasión única para verlos en vivo y no la desaprovechó nadie del festival,

IN SOLITUDE

reventando la sala pequeña del Effenaar. Tocaron casi la totalidad de Fallen Angel Of Doom y Gods Of War, enfundados en los trajes de batalla, con pinchos, munición y mala leche sacada también de la rabia de todos sus temas.

Escuchar ese inicio de bolo con ‘War Command’ y ‘Blasphemous Attack’ junto a temas como ‘Demoniac’ debería ser obligatorio para todo fan del metal más extremo.

Después de esa destrucción masiva, cambio de concepto para celebrar el 20 aniversario del Covenant de Morbid Angel en el Large Stage. David Vincent y Trey Azagthoth se daban la mano amistosamente antes de empezar el show y se pusieron a tocar los diez temas de su exitoso disco haciendo un completo homenaje a esa maravilla de 1993. Tim Yeung no es Pete Sandoval, pero es un excelente batería y se fundió completamente para hacer todo el concierto al 100%. No se olvidaron de temas clásicos como ‘Where The Slime Live’, esa gran ‘Immortal Rites’ de su primer disco Altars Of Madness,

UNLEASHED

‘Bill Ur-sag’ o ‘Fall From Grace’ de su segunda obra maestra Blessed Are The Sick, con la que cerraron su set con un sonido perfecto y una actitud profesional que dejó sin palabras a toda la gente e hizo que nadie se acordara de ese último esperpento que sacaron hace tres años. A veces es bueno que según qué bandas reivindiquen sus antiguas obras y se olviden de hacer marcianadas.

Faltaba muy poco para acabar el festival y las fuerza ya fallaban, y no sé el porqué de la disminución de gente en los dos últimos shows, por encima del 60%. Una verdadera lástima. Los parches de One Tail, One Head se pueden ver en la mayoría de gente que sólo va a bolos de black o extremo, y quería saber por qué ya que nunca les había visto en directo. Y ahora lo entiendo: luces rojas y black metal puro y duro. Estos chicos, con sólo dos EPs sacados en 2011, también han conseguido resurgir toda esa herencia del black más primitivo al que bandas más conocidas como Watain han ido renunciando poco a poco. Un

show intenso y con las primeras filas entregadas y agradecidas por verlos tocar. Un placer para los gustos más duros. Para acabar In Solitude dieron el mejor concierto que les he visto frente a una escasa audiencia, demostrando que son una gran banda. Lástima que de su segundo disco sólo sonara ‘To Her Darkness’, ya que tiene temas míticos que creo que se deberían tocar en todos sus bolos, pero los 50 minutos de show no daban para más y casi todos fueron sacados de su último Sister a excepción de ‘Witches Sabbath’. Pelle Ahman continúa siendo un perfecto líder y sabe cuándo ceder su protagonismo al bajista Gottfird Ahman, que hace que surja la magia en el escenario durante muchos momentos situándose a tocar ante la primera fila del público. Gran final de noche que se alargó por el bar The Jack, con la reunión de amigos habituales para acabar ese día como se debía. Ahora tocará esperar al próximo festival para largarse de este país y disfrutar de bandas que raramente se pueden ver por aquí.

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DE GIRA

TRICKY

12 DE FEBRERO SALA APOLO (BARCELONA) 14 DE FEBRERO SALA SALOMÉ (VALENCIA) 15 DE FEBRERO TEATRO BARCELÓ (MADRID)

T

ricky se dio a conocer al mundo en 1991 rapeando en Blue Lines, el aclamadísimo debut de Massive Attack. Pero fue cuatro años más tarde, cuando lanzó su primer disco en solitario, que se consagró como uno de los artistas más interesantes de los 90. En Maxinquaye presentaba una fascinante y oscura mezcla de hip hop, dub, soul y electrónica que contribuyó a llevar el llamado trip hop a nuevas cotas de popularidad. Pero uno no puede vivir del pasado, y veinte años más tarde, el músico de Bristol ocupa un papel secundario, o tercia-

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rio, dentro de la escena británica. Sus últimos trabajos han pasado bastante desapercibidos y él mismo tampoco parece esforzarse mucho en promocionarlos. Su décimo álbum, Adrian Thaws (su verdadero nombre), aparecía el pasado septiembre, de nuevo sin generar demasiado ruido. Grabado en su propio estudio de Londres, a donde volvió después de vivir durante unos años en París, cuenta con las colaboraciones de Nneka, Mykki Blanco, Oh Land, Blue Daisy, e incluso de su hija de 19 años, Silver Tongue. “Hizo toda la producción y las voces ella misma”,

nos cuenta un Tricky a quien cuesta arrancarle las palabras. “Lo hizo sin mi ayuda. Esa canción muestra todo su talento”.

Si analizamos sus discos, y su carrera en general, veremos que la única constante es su ansia por cambiar.

“Ahora mismo tengo libertad absoluta para hacer lo que quiera. No estoy controlado por ninguna discográfica.

Puedo grabar música y editarla. Estoy en un gran momento”. El músico ha reconocido que no es algo que haga a propósito pero que es una influencia directa de su infancia, en la que vivió

AGENDA FEBRERO con diferentes familiares y cada dos años cambiaba de casa. Lo que a otras personas supondría un trauma, para él se convirtió en una necesidad para inspirarse y evolucionar.

A pesar de que su nuevo álbum tenga como título su nombre real, Tricky desestima la idea de que se trate de un disco más personal o en el que se haya desnudado más.

“Es más una manera de decir que se trata de otra cara de mí. Como decía, siempre estoy cambiado y puedo hacer muchos tipos diferentes de música”. El disco también incluye un par de versiones, ‘Gangster Chronichles’ de London Posse y ‘Silly Games’ de Janet Kay, pero Tricky tampoco parece muy interesado en informarnos acerca de cómo encajan contextualizadas con sus propias composiciones.

“Son canciones que crecí escuchando. Son grandes canciones”, dice sin más.

Tricky también ha mantenido un pie en el mundo del rock. Recordemos que en 2003 llegó a actuar junto a Metallica y Evanescence en el festival Doctor Music Day de Barcelona, y que en su disco Blowback colaboró con varios miembros de Red Hot Chili Peppers y Ed Kowalczyk de Live. En la actualidad ese interés lo encontramos en el tema ‘Keep Me In You Shake’, donde utiliza un sampler de ‘Heaven Beside You’ de Alice In Chains. Pero de nuevo, Tricky no está dispuesto a darnos información sobre ello, y sobre su conexión con el rock sólo nos dice: “Me gustan bastante The Dirty Harris, una banda británica. También he estado trabajando con algunos raperos en Moscú”. OK, perfecto.

Tampoco se muestra nada colaborador cuando le preguntamos sobre su actual relación con Massive Attack.

Se dice que el grupo ya está preparando un nuevo disco y le preguntamos si sería posible que volviera a trabajar con ellos. Su respuesta en este caso es un demoledor “sin comentarios”.

Ya que este mes vamos a tenerle actuando en tres de nuestras ciudades, optamos por preguntarle sobre qué podemos esperar de sus conciertos y con qué músicos vendrá acompañado. “Tengo una nueva vocalista llamada Ajeya, es medio francesa”, responde. “Hemos grabado una versión en francés de ‘Nicotine Love’ y algunos temas nuevos. Mola mucho y es algo diferente. Creo que le va a dar un aire fresco a mis actuaciones”. Pues sí, esperemos que le dé el aire y que encima de un escenario se muestre más despierto que respondiendo entrevistas.

(JORDI MEYA)

THE AFGHAN WIGS 21 Barcelona AMON AMARTH 6 Bilbao, 7 Barcelona, 8 Madrid, 12 Santiago de Compostela ASA 26 Barcelona BETRAYING THE MARTYRS 11 Madrid, 12 Barcelona BÖLZER 9 Barcelona THE BREW 4 Burgos, 5 Gijón, 6 Valencia, 7 Lleida, 8 Cartagena, 10 Albacete, 11 Madrid, 12 Zaragoza, 13 Salt, 14 Reus, 16 León, 17 Ourense, 18 Vigo, 19 A Coruña, 20 Valladolid, 21 Ponferrada BRIGITTE 10 Barcelona CULT OF YOUTH 26 San SebastiÁn, 27 Madrid, 28 Barcelona DEWOLFF 26 Barcelona, 27 Zaragoza, 28 Burlada DROPKICK MURPHYS 16 Madrid, 17 Barcelona ELUVEITIE 3 Bilbao, 6 Zaragoza FISH 16 Barcelona, 17 Madrid FROTH 19 Sopelana, 20 Alicante, 21 Madrid, 22 Pamplona, 23 Barcelona GEORGE EZRA 13 Barcelona, 14 Madrid HAMMERFALL 1 Bilbao HIDROGENESSE 27 Barcelona, 28 Madrid JEFF SCOTT SOTO 12 Madrid, 13 Barcelona KATY PERRY 16 Barcelona LED ZEPT 3 Madrid, 7 Vigo, 8 León, 24 Madrid, 25 Málaga, 27 A Coruña, 28 Vitoria MADBALL 23 Murcia, 24 Madrid, 25 Málaga, 27 a coruña, 28 vitoria, 1 de marzo barcelona MODENA CITY RAMBLERS 6 Barcelona, 7 Madrid, 8 Valencia NIGHT DEMON 16 San SebastiÁn, 17 Ciudad Real, 18 JaÉn, 24 A Coruña, 25 CÁceres, 26 Estepona, 27 Murcia, 28 Vitoria PAPERHEAD 6 Bilbao, 7 Madrid, 8 Alcalá de Henares, 9 Zaragoza ROBERT TEPPER 7 Madrid SCOTT BRADLEE & POSMODERN JUKEBOX 23 Madrid, 24 Barcelona SIMPLE MINDS 9 Madrid SONS OF BILL 25 Bilbao, 26 Valencia, 27 Madrid, 28 Zaragoza SPARANZA 24 Cartagena, 25 CÓrdoba, 26 AlmÀssera, 27 Madrid, 28 Ourense STONE RIVER 1 Torredembarra, 3 Estepona, 4 Ourense, 5 A Coruña, 6 Cangas Do Morrazo, 7 Castrillón, 8 León VALLENFYRE 1 Vitoria, 4 Oviedo, 5 A Coruña VOODOO CIRCLE 12 Madrid, 13 Zaragoza, 14 San SebastiÁn, 15 Gijón

ÚLTIMAS PREGUNTAS

MATT KELLY (DROPKICK MURPHYS)

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Los norteamericanos Dropkick Murphys estarán tocando el 16 de febrero en La Riviera de Madrid y el 17 en la sala Razzmatazz de Barcelona, las mismas salas que ya han puesto patas arriba en sus anteriores visitas. Aunque su último trabajo, Signed And Sealed In Blood, apareció en enero de 2013, su batería Matt Kelly nos da A entender que ya están trabajando en uno NUEVO. Ojalá que no tarden en terminarlo.

Texto: Jordi Pons FotoS: DR

¿La última vez que te sentiste muy vago?

“Ayer por la mañana, cuando no encontré el momento para afeitarme”.

cerdo, ensalada de col, puré de patatas e hice una salsa barbacoa casera. Tuvimos una agradable cena con nuestros vecinos”.

¿La última vez que has visto un gran concierto?

“Hace unas semanas vi a Agnostic Front en Boston. Hicieron un set excelente”.

¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías?

“Hoy le he aguantado la puerta a un desconocido”.

¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya?

“Hoy mismo. Me encantaría poder haber escrito una canción tan buena como ‘Poolhall Richard’ de los Faces. Una canción increíble, y es asombroso cómo la estrofa y el estribillo son prácticamente idénticos, excepto porque el estribillo está medio tono por encima que la estrofa. Genial”.

¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo?

“La semana pasada cuando tuve que comprar neumáticos nuevos para mi coche. ¡Vaya robo!”.

¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado?

“Hoy mismo cuando, mientras estábamos componiendo con la banda, he sugerido subir medio tono un estribillo.

Curioso (risas)”. ¿La última vez que infringiste la ley?

“Bueno, si te lo dijese estaría admitiendo el delito, ¿no?”.

¿La última vez que lloraste?

“Cuando estábamos tocando en California y mi mujer tuvo que sacrificar a nuestro perro. No estaba ahí y tuve que verlo todo por FaceTime. Lloré durante días”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado?

“Esta mañana cuando me desperté y planifiqué mi día. Tengo una mujer a la que quiero, un hijo maravilloso, una casa, un buen coche y puedo trabajar haciendo música con un grupo de personas con mucho talento. Son cosas que no puedes dar por descontadas”.

¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros?

“Ayer mientras estábamos componiendo. Probablemente es la primera vez que he querido hacerlo en, por lo menos, diez años”.

¿La última vez que te impresionó una película?

“No sabría decirte, la verdad”.

¿La última vez que añoraste estar en tu casa?

“La última vez que estuvimos de gira, estaba en FaceTime hablando con mi mujer y mi hijo pequeño, y éste me reconoció e intentó meterse dentro del ordenador para abrazarme”.

¿La última vez que alguien te dijo que te quería?

“Ayer por la noche me lo dijo mi mujer antes de acostarnos”.

¿La última vez que has disfrutado de una buena comida?

“El fin de semana pasado cociné ternera y chuletas de

¿La última vez que pensaste que eras un genio?

“Cuando era muy pequeño y supe contar hasta mil”.

¿La última vez que pensaste que Dropkick Murphys eran el mejor grupo del mundo?

“En 1997 en el Rathskeller de Boston. Era la primera vez que veía al grupo en directo. Unos meses después estaba tocando con ellos”.

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