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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃœNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS


Giorgio de Chirico (1888 – 1978), Ritratto [premonitore] di Guillaume Apollinaire, 1914, Öl und Kohle auf Leinwand, 81,5 x,65 cm (Ausschnitt), Centre Pompidou, Paris, Musée national d‘art moderne / Centre de création industrielle, Ankauf 1975, Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Adam Rzepka, © 2016, ProLitteris, Zurich

Paul Klee und die Surrealisten 18.11.16 – 12.03.17

www.zpk.org

Dalí Miró Mag r Pica itte sso Max Erns Man t Ray ...


SOMMAIRE INHALT CONTENTS éVéNEMENT 8 - 11

150 ans Montreux Gymnastique

FESTIVAL 34 -35

Vitrofestival Romont

artistes 21 33

Pascale Simonet Marie Azzalini-Hiroz

MUSéES 12 - 13 14 - 19 20 22 - 25 26 - 27 28 - 32 36 37 38 - 41

Musée Suisse du Jeu Musée Ariana Cacy Zentrum Paul Klee Collection de l’art brut Mudac Musée Rath Musée Jenisch Musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds 42 - 43 Kunstmuseum Bern 44 - 45 Musée de l’Elysée 46 - 47 Musées - Vaud 48 - 49 Musées - Bâle, Berne, Neuchâtel Fribourg, Valais, Genève rivierart

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Bientôt à MONTREUX! BHARATI 2

DANS LE PALAIS DES ILLUSIONS

18 FÉV. 2017 20H

Un voyage envoûtant au pays du Gange, des saris colorés et de Bollywood. Avec plus de 55 artistes sur scène, comédiens, chanteurs, danseurs, musiciens, acrobates. Une explosion de rythmes et de couleurs!

IE LA C O M É D M U SI C A LE N º 1 SU R D O B LLYWOO

PIANO SEVEN

LE SPECTACLE DES 30 ANS

CO N C E R T NEL EXCEPTION D ’A D IE U

10 MARS 2017 20H

L’une des plus prestigieuses formations suisses tire sa révérence. Emmené par François Lindemann, Piano Seven recevra spécialement un trio à cordes et Pascal Auberson pour un concert mêlant musique classique, jazz et tango.

NICOLAS DE FLÜE

ORATORIO d’Arthur HONEGGER

AV E C 16 0 S C H O R IS TE

23 MARS 2017 20H

Le spectacle des 600 ans de Nicolas de Flüe. Avec, entre autres, le choeur Pro Arte de Lausanne et le Choeur de Chambre de l’Université de Fribourg ainsi que la Concordia de Fribourg. Direction: Pascal Mayer.

ACAPPELLA

PURE VOICES - PURE GOSPEL

25 MARS 2017 20H

Du gospel dans la plus pure tradition en exclusivité européenne! Sur scène, 7 chanteurs parmi lesquels les fondateurs d’Acappella. Des voix pures, sans instrument ni bande-son. A l’initiative de la librairie chrétienne La Clef de Sol pour ses 30 ans.

U N IQ U E D ATE NE EUROPÉEN

MESSMER

INTEMPOREL

29 AVRIL 2017 20H Il est l’un des meilleurs hypnotiseurs de tous les temps. Son spectacle attire les foules mais chaque soir est différent car sa matière première, c’est vous! Une expérience forte à ne pas manquer.

REINE POKOU

ORATORIO AFRICAIN DE JÉRÔME BERNEY

5 MAI 2017 20H

La rencontre entre jazz, classique et rythmes africains. Composé par Jérôme Berney (compositeur de la Fête des Vignerons 2019) sur le texte de Véronique Tadjo, avec 250 choristes dont le

C R É ATI O N E E X C LU SI V

chœur d’Oratorio de Montreux sous la direction d’Yves Bugnon.

AUDITORIUM STRAVINSKI 2M2C LOC. WWW.LASAISON.CH

MONTREUX

L’agenda complet des spectacles sur www.lasaison.ch. Retrouvez-nous aussi sur

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et

+41 (0) 21 962 21 19

WWW.FNAC.CH

Avec les transports publics, accès facile et sans-souci au spectacle. Infos: www.vmcv.ch


Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Il y a bientôt 2000 ans, l’auteur latin Juvénal écrivait déjà: «mens sana in corpore sano», «un esprit sain dans un corps sain». Plus près de nous, l’historien et pédagogue Pierre de Coubertin, grand militant pour l’introduction du sport dans les établissements scolaires en France, mais plus connu du grand public en tant que rénovateur des Jeux olympiques modernes et fondateur du Comité international olympique, a transformé les propos de Juvénal en : «mens fervida in corpore lacertoso», à savoir «un esprit ardent dans un corps musclé». A travers le temps, corps et esprit restent ainsi les deux éléments reconnus du binôme. Rivierart, votre magazine d’art et de culture se doit de faire une place à ces deux composantes indissociables de tout être humain. Rivierart se réjouit ainsi d’ouvrir l’année commémorative des 150 ans de la section montreusienne de la Fédération Suisse de Gymnastique - le plus ancien club sportif de Montreux - qui verra se dérouler de nombreuses manifestations tout au long de 2017.

Vor fast 2.000 Jahren schrieb der lateinische Autor Juvenal bereits: „mens sana in corpore sano“, „ein gesunder Geist in einem gesunden Körper“. Vor nicht allzu langer Zeit hat der Historiker und Pädagoge Pierre de Coubertin, ein großer Streiter für die Einführung des Schulsports in Frankreich, der Öffentlichkeit allerdings besser bekannt als Erneuerer der modernen Olympischen Spiele und Gründer des Internationalen Olympischen Komitees, die Worte von Juvenal abgewandelt in: „mens fervida in corpore lacertoso“ nämlich „ein feuriger Geist in einem muskulösen Körper“. Im Laufe der Zeit bleiben Körper und Geist also die beiden anerkannten Elemente eines Binoms. Rivierart, ihr Kunst- und Kulturmagazin, bietet einen Platz für diese zwei untrennbaren Bestandteile eines jeden Menschen. Rivierart freut sich also das denkwürdige Jahr des 150. Jubiläums der Montreux Sektion des Schweizerischen Turnverbandes - des ältesten Sportvereins in Montreux - zu eröffnen, ein Jahr das zahlreiche Veranstaltungen erleben wird.

Nearly 2,000 years ago, the Latin author Juvénal wrote: “mens sana in corpore sano”, a sound mind in a sound body. More recently, the historian and educator Pierre de Coubertin, a great activist for the introduction of sport in French schools, but better known to the general public as a reformer of the modern Olympics and founder of the International Olympic Committee, transformed the words of Juvénal into “mens fervida in corpore lacertoso”, meaning an overflowing mind in a muscular body. Over time, body and mind have remained the two interwoven elements that comprise a thriving human. Rivierart, your art and culture magazine, intentionally gives service to these two inseparable human components. Rivierart is pleased to open the 150th year of the Swiss Federation of Gymnastics’ Montreux section - the oldest sports club in Montreux – which will host numerous events throughout 2017.

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L’invité de Rivierart Yves Depallens Président du Comité d’Organisation de “150 ans Montreux Gymnastique” Präsident des Organisationskomitee von “150 ans Montreux Gymnastique” President of the “150 ans Montreux Gymnastique” Organising committee

photo ©Kevin Bigler / Pixhit

Je n’avais pas conscience à l’âge de 7 ans, lorsque j’ai commencé la gymnastique artistique, que le club de Montreux était déjà plus que centenaire et que plusieurs générations avaient transmis année après année la passion de la gymnastique. Je n’avais pas non plus conscience que d’illustres montreusiens avaient contribué au développement de la gymnastique mondiale. Je m’entraînais juste plusieurs fois par semaine dans l’optique de m’améliorer, motivé par les plus grands ou les plus talentueux du club sans vraiment réaliser ce que représentait l’élite de la gymnastique. La flamme s’est allumée dans mes yeux un jour d’été 1981, lorsque la gym de Montreux s’est vu octroyer le gala du centenaire de la Fédération Internationale de Gymnastique, en admirant les étoiles qui s’étaient déplacées pour l’occasion. Elle s’est ensuite embrasée pour se transformer en passion, tout d’abord comme gymnaste en compétition, ensuite comme membre dévoué au sein du club, puis comme organisateur de compétitions internationales de gymnastique et enfin comme professionnel dans le monde du sport. Elle brûle encore ! Puissent l’ensemble des événements qui vont être organisés dans le cadre des 150 ans de Montreux Gymnastique en vue de commémorer le passé, promouvoir la gymnastique, faire vibrer la population, transmettre cette passion aux suivants et entretenir la flamme !

Als ich im Alter von 7 das Kunstturnen begann, war mir nicht bewusst, dass der Club von Montreux schon mehr als ein Jahrhundert existierte und dass bereits mehrere Generationen Jahr für Jahr die Leidenschaft für die Gymnastik weitergegeben hatten. Mir war auch nicht bewusst, dass berühmte Einwohner von Montreux zur weltweiten Entwicklung der Gymnastik beigetragen hatten. Ich trainierte nur mehrmals pro Woche, um mich zu verbessern, von den Grössten oder Talentiertesten des Klubs motiviert, ohne wirklich zu realisieren, was die Elite der Gymnastik bedeutete. Eine Flamme erhellte meine Augen eines Sommertages in 1981, als die Montreux Gymnastik die Gala des hundertjährigen Jubiläums des Internationalen Turnverbandes ausgerichtet durfte und ich die Stars, die zu diesem Anlass gekommen waren, bewundern konnte. Diese Flamme ist danach aufgeglüht, um sich in eine Leidenschaft zu verwandeln, zunächst als Wettbewerbsturner, dann als treues Mitglied des Klubs, als Veranstalter internationaler Gymnastikwettbewerbe und schliesslich als Fachmann der Sportwelt. Und sie brennt noch! Mögen die Veranstaltungen, die im Rahmen des 150. Jubiläums der Montreux Gymnastik organisiert werden, der Vergangenheit denken, dazu beitragen, die Gymnastik befördern, die Bevölkerung mitreissen, diese Leidenschaft an den Nächsten übertragen und die Flamme am Brennen halten!

Yves Depallens

Yves Depallens

I wasn’t aware at the age of 7 when I started artistic gymnastics that the Montreux club was already more than one hundred years old and that several generations had passed down the passion for gymnastics year after year. I wasn’t aware either that famous natives of Montreux had helped to develop world gymnastics. I was just training several times a week with a view to improving, motivated by the oldest or the most talented members of the club without really realising what the elite of gymnastics represented. The flame took hold in my eyes one summer’s day in 1981, when the Montreux gym was given the centenary gala of the International Gymnastics Federation, admiring the stars who travelled for the occasion. It was then set alight to transform into a passion, first of all as a competitive gymnast then as a devoted member within the club, then as an organiser of international gymnastic competitions and finally as a professional in the world of sport. And the flame is still burning! Let’s take inspiration from all of the events that are to be organised in the framework of the 150th anniversary of Montreux Gymnastics in view of commemorating the past, promoting gymnastics, thrilling the population, passing on this passion to the next generation and keeping the flame alive! Yves Depallens

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150e de la FSG MONTREUX Des affiches entre tradition et modernité Montreux - SWITZERLAND Créée en 1867, la section montreusienne de la Fédération Suisse de Gymnastique fête cette année ses 150 ans d’existence. En vue de célébrer dignement cet important anniversaire, le plus ancien club sportif de Montreux a décidé d’organiser 12 événements tout au long de l’année 2017. Afin de renforcer le lien entre ces derniers, le Comité d’organisation du 150ème a également fait réaliser 12 affiches, soit une par événement. A la fin du XIXème siècle, le tourisme se développe fortement en Suisse. De ce fait, dès les années 1880, apparaissent de nombreuses affiches destinées à la promotion de diverses destinations.

Die 1867 gegründete Montreux Sektion des Schweizerischen Turnverbandes feiert dieses Jahr ihr 150-jähriges Bestehen. Um dieses wichtige Jubiläum würdig zu feiern, beschloss der älteste Sportverein in Montreux während des Jahres 2017 zwölf Veranstaltungen zu organisieren. Um die Verbindung zwischen ihnen zu stärken, hat das Organisationskomitee ebenfalls zwölf Plakate, eines für jede Veranstaltung, entwerfen lassen. Am Ende des 19. Jahrhunderts entwickelt sich der Tourismus in der Schweiz stark. Aufgrund dieser Tatsache erscheinen ab den 1880er Jahren zahlreiche Plakate, die verschiedene Reiseziele fördern.

Artiste inconnu, affiche pour le Chemin de Fer Funiculaire Territet - Mont-Fleuri, ca. 1900, © Archives de Montreux ICOA02 - 01 - 01, Nr1231, Biregg Verlag AG, CH 6003 Luzern

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Created in 1867, the Montreux section of the Swiss Gymnastics Federation will celebrate its 150-year anniversary. In view of celebrating this important anniversary with dignity, Montreux’s oldest sports club decided to organise 12 events throughout 2017. To reinforce this link between the latter, the 150th anniversary Organising Committee also had 12 posters made, in other words, one per event. At the end of the 19th century, tourism was developing a great deal in Switzerland. Because of this, a number of posters appeared from the 1880’s intended to promote various destinations.

Emile Cardinaux, Plakat für SBB-CFF, 1928, © Archives de Montreux ICOA02 - 01 - 02, Plakatsammlung des Kunstgewerbemuseums Zürich, Nr 1262 Verlag, Photoglob AG, 8045 Zürich


Affiche promouvant Montreux et la Fête des Narcisses avec un visuel très proche de l’affiche pour la Fête des Narcisses de 1923, © Archives de Montreux ICOA02 - 01 - 03, Lith. Säuberlin 8, Pfeiffer SA Vevey

Au départ, les affiches sont toujours plus ou moins conçues de la même manière, à savoir une association de plusieurs images autour d’un motif central. Une carte géographique ou un horaire de train ou de bateau complètent souvent le tout. Dès le début du XXème siècle, à la suite d’un concours organisé en 1903 par les Chemins de fer fédéraux, en vue de concevoir leurs premières affiches, cellesci vont beaucoup évoluer. Elles se distinguent désormais par leur composition et leurs motifs. Un paysage unique remplace l’association d’images. Les sites touristiques deviennent véritablement les sujets de l’affiche. Tout est mis en œuvre pour donner une vision idyllique et hors du temps au moyen d’une image-symbole. Ceci justifie l’utilisation du paysage emblématique de la région montreusienne – les Dents du Midi, la baie de Montreux, le Château de Chillon – qui figure sur bon nombre d’affiches promouvant la Riviera tant dans le domaine de l’hôtellerie, des chemins de fers, du tourisme que des événements.

Affiche pour la Fête Cantonale des musiques vaudoises qui a eu lieu les 25 et 26 juin 1904 à Montreux, © Archives de Montreux ICOA02 - 01 - 04, A. Campiche, Clarens

Zunächst werden die Plakate mehr oder weniger in der gleichen Art und Weise gestaltet, nämlich eine Kombination aus mehreren Bildern um ein zentrales Motiv. Eine Landkarte oder ein Zug- oder Bootfahrplan ergänzen oft das ganze. Seit Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts und ausgelöst durch einen 1903 von den Bundeseisenbahnen organisierten Wettbewerb, um ihre ersten Plakate zu entwerfen, entwickeln sich diese um Vieles weiter. Sie unterscheiden sich durch ihre Zusammenstellung und Motive. Eine einzige Landschaft ersetzt die Kombination von Bildern. Die Sehenswürdigkeiten werden zum zentralen Thema. Alles wird getan, um eine idyllische und zeitlose Vision mit starker Bild-Symbolik zu vermitteln. Dies rechtfertigt die Verwendung der symbolträchtigen Landschaft der Region Montreux - die Dents du Midi, die Bucht von Montreux, das Schloss Chillon, die auf vielen Plakaten erscheinen und dadurch die Riviera sowohl im Gebiet des Gastgewerbes, der Eisenbahnen, des Tourismus als auch der Veranstaltungen fördern.

To begin with, the posters were always more or less designed in the same way, namely several images associated around a central motif. A geographical map or a train or boat time often rounded things off. From the beginning of the 20th century, following a competition organised in 1903 by the federal railways in view of designing their first posters, these would evolve considerably. They are now distinguished by their composition and their motifs. A unique landscape replaces the association of images. The tourist sites truly become the subjects of the poster. Every effort is made to give an idyllic timeless vision by means of an image-symbol. This justifies using the symbolic landscape of the Montreux Region – the Dents du Midi, Montreux Bay, Chillon Castle – which feature on many posters promoting the Riviera both in the hotel industry, railway, tourism and events.

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Ainsi lorsqu’il s’est agi de créer la série des 12 affiches promouvant ces 12 événements, le Comité d’organisation du 150ème a souhaité conserver l’esprit des affiches anciennes tout en les mettant au goût du jour. Il ne s’agissait pas de rompre avec le passé mais au contraire de s’en inspirer pour créer une nouvelle série d’affiches dont la ligne contemporaine s’appuierait sur le passé, s’inscrivant ainsi entre tradition et modernité. Le graphiste qui a élaboré cette série de nouvelles affiches a donc puisé son inspiration dans les affiches datant des années 20 et 30, en particulier dans celle de la fête cantonale vaudoise de gymnastique de 1923 qui a servi de base à sa réflexion. Elles utilisent toutes la représentation du paysage emblématique de Montreux. Ce paysage sert également de base à cette nouvelle série d’affiches. Il est composé d’un soleil, des Dents du Midi et d’une ligne d’horizon formée par le lac qui tient l’affiche et permet de faire ressortir le texte. Afin d’apporter une touche de modernité à une illustration qui se veut réaliste, le graphiste a stylisé ce paysage en utilisant de formes géométriques.

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Als es um die Erstellung der zwölf Plakate für die zwölf Veranstaltungen ging, hat sich das Organisationskomitee des 150. Jubiläums entschieden, den Geist der alten Plakate zu bewahren, sie aber gleichzeitig dem heutigen Geschmack anzupassen. Es sollte nicht mit der Vergangenheit gebrochen werden, sondern man wollte sich davon inspirieren lassen, um eine neue Plakatreihe zu kreieren, deren gegenwärtige Linie auf der Vergangenheit aufbaut und die sich dadurch zwischen Tradition und Modernität einschreibt. Der Grafiker, der die Reihe entworfen hat, schöpfte seine Inspiration aus den Plakaten der 20er und 30er Jahre und insbesondere aus denjenigen des Waadtländers Turnfestes von 1923, welche auch die Darstellung der ikonischen Landschaft von Montreux nutzen. Diese Landschaft dient auch als Grundlage für die neue Serie von Plakaten. Sie besteht aus einer Sonne, den Dents du Midi und eine durch den See gebildete Horizontlinie, die dem Plakat Halt gibt und den Text hervorbringt. Um der Illustration, die realistisch wirken soll, einen modernen Touch zu verpassen, hat der Grafiker die Landschaft anhand geometrischer Formen stilisiert

So when it came to creating the series of 12 posters promoting these 12 events, the 150th anniversary Organising committee wanted to keep the spirit of the old posters while updating them. This didn’t involve breaking with the past but on the contrary taking inspiration from it to create a new series of posters whose contemporary design is based on the past, thus falling somewhere between tradition and modernity. The graphic designer who developed this series of new posters thus took his inspiration from the posters dating back to the 20’s and 30’s, in particular from that of the 1923 Vaud gymnastics cantonal festival which was used as a starting point for his thinking process. They all use the representation of Montreux’s symbolic landscape. This landscape is also used as a starting point for this new series of posters. It is made up of a sun, the Dents du Midi and a skyline formed by the lake that holds the poster together and makes the text stand out. To provide a touch of modernity to an illustration that aims to be realistic, the graphic designer stylised this landscape by using geometric shapes.


La précision requise par les sports acrobatiques a guidé le graphiste dans son choix chromatique ainsi que dans sa tentative de rendre le rythme et le mouvement. Toute cette recherche est également visible au travers de la typographie. Un dernier défi consistait à créer un visuel commun pour les 12 affiches. Elles devaient conserver leur identité propre mais en même temps s’intégrer dans une série dont le dénominateur commun est le 150ème anniversaire de la section montreusienne de la Fédération Suisse de Gymnastique.

Die von akrobatischen Sportarten erforderte Präzision führte den Grafiker in seiner Farbwahl und in seinem Versuch, den Rhythmus und die Bewegung wiederzugeben. Diese Suche ist ebenfalls in der Typographie sichtbar. Eine letzte Herausforderung bestand darin, einen gemeinsamen Stil für die zwölf Plakate zu erstellen. Sie sollten ihre eigene Identität bewahren, sich aber gleichzeitig in eine Serie integrieren, deren gemeinsamer Nenner das 150. Jubiläumsjahr der Montreux Sektion des Schweizerischen Turnverbandes ist.

The precision required by acrobatic sports guided the graphic designer in his chromatic choice as well as in his attempt to give rhythm and movement. All of this research is also visible through the typography. A final challenge consisted in creating a shared visual for the 12 posters. They had to keep their own identity but at the same time fit into a series whose common denominator is the 150th anniversary of the Montreux section of the Swiss Gymnastics Federation.

150e de la FSG MONTREUX Journées vaudoises gymnastique artistique, Salle omnisports du Pierrier Montreux, 29 & 30 avril 2017 Journée commémorative fondation Montreux Gymnastique, Montreux Music Convention Center, 8 juin 2017 Championnats vaudois de gymnastique de sociétés, Salle omnisports du Pierrier Montreux, 17 juin 2017 Montreux Acrobaties, Centre-ville de Montreux, 23 & 24 septembre 2017 Natalis Show gymnique international, Salle omnisports du Pierrier Montreux, 18 novembre 2017 plus d’informations - weitere informationen - more information

www.montreux-gymnastique.ch

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musée suisse du jeu So British! jusqu’au 2 juillet 2017 La Tour-de-peilz - SWITZERLAND Le musée suisse du jeu présente « So British ! », une exposition qui invite le visiteur à découvrir la richesse de la culture ludique britannique. La Grande-Bretagne entretient des liens forts avec la Riviera vaudoise depuis longtemps. En effet, si dès la fin du XIXème siècle, la Suisse accueille des voyageurs venus de toute l’Europe, la Riviera semble être une destination prisée des anglais. Au fil des ans, leur communauté s’est fortement développée notamment au travers de la création de clubs sportifs, tels que par exemple le club de Tennis de Montreux autrefois le « Montreux Lawn Tennis Club », fondé par les frères White en 1890 ou encore le Golf Club Montreux fondé le 27 septembre 1890.

Das Schweizerische Spielmuseum präsentiert „So British!„, eine Ausstellung, die den Besucher einlädt, den Reichtum der britischen Spielkultur zu entdecken. Großbritannien hat seit Langem starke Verbindungen mit der Schweizer Riviera. Seit dem Ende des 19. Jahrhunderts, als die Schweiz beginnt, Reisende aus ganz Europa zu empfangen, scheint speziell die Riviera ein beliebtes Ziel für die Engländer zu sein. Im Laufe der Jahre hat sich ihre Gemeinschaft besonders durch die Schaffung von Sportvereinen etabliert, wie zum Beispiel der Montreux Tennis Club ehemals „Montreux Lawn Tennis Club“, der 1890 von den White Brüdern gegründet wurde oder der Montreux Golf Club, gegründet am 27. September 1890.

The Swiss museum of games presents “So British!”, an exhibition that invites the visitor to discover the richness of the British game culture. Great Britain has long held strong links with the Vaud Riviera. Indeed, from the end of the 19th century Switzerland welcomed travellers from all over Europe, the Riviera being a destination especially appreciated by the English. Over the years their community has grown strongly, notably through the creation of sports clubs, such as the Montreux Tennis Club formerly known as the “Montreux Lawn Tennis Club”, founded by the White brothers in 1890, and the Montreux Golf Club founded on September 27th, 1890. Petits Chevaux, Ed. Jaques of London, 1914-1920

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L’exposition débute par la présentation des jeux les plus répandus et emblématiques de la culture ludique britannique - le Cluedo, le Mastermind ou encore le Reversi – et se prolonge en plongeant le visiteur dans des ambiances variées. Il découvrira ainsi une ville industrielle datant de l’époque de la reine Victoria, un pub éphémère - «Ye Olde Castle» - où il aura l’occasion de tester de nombreux jeux (Darts, Shove ha’penny, Table skittles, Ringing the bull, Cribbage) ou encore une salle consacrée à l’Inde et à sa grande tradition des jeux. C’est en effet au travers de la Grande-Bretagne que de nombreux jeux découverts en Inde ont été introduits en Europe et font aujourd’hui partie de notre propre culture du jeu. L’exposition présente également l’importance de la tradition des courses de chevaux et des paris ainsi que de nombreux jeux sportifs très populaires, tels que le tennis, le football, le rugby, le golf, le croquet ou le cricket qui viennent tous de GrandeBretagne. Le visiteur pourra découvrir ces divers jeux sportifs connus de tous dans la galerie, dont le mur est pour l’occasion recouvert d’un gazon synthétique géant. Die Ausstellung beginnt mit der Präsentation der beliebtesten und typischsten Spiele der britischen Spielkultur – Cluedo, Mastermind oder Reversi – und wird weitergeführt, indem sie den Besucher in verschiedenen Atmosphären eintauchen lässt. So wird er eine Industriestadt aus der Zeit von Königin Victoria entdecken, einen temporären Pub - „Ye Olde Castle“ - wo er die Möglichkeit hat, zahlreiche Spiele zu testen (Darts, Shove ha’penny, Table skittles, Ringing the bull, Cribbage) oder noch einen Saal, der Indien und seiner grossen Spieletradition gewidmet ist. Es ist in der Tat Großbritannien zu verdanken, dass viele indische Spiele in Europa eingeführt wurden und heute zu unserer eigenen Kultur des Spieles gehören. Die Ausstellung zeigt auch die Bedeutung der Tradition von Pferderennen und Wetten, sowie zahlreiche beliebte Sportspiele, wie zum Beispiel Tennis, Football, Rugby, Golf, Krocket oder Cricket, die alle aus Grossbritannien stammen. Der Besucher wird diese verschiedenen Sportspiele in der Galerie entdecken können, deren Mauer für diesen Anlass mit einem riesigen Kunstrasen bedeckt wurden.

«Je suis Vaudoise. Avec RythmoInvest, je booste ma prévoyance et j’investis en toute confiance.» Agences de Vevey, Montreux, Chexbres et Blonay François Cardinaux Agent général Rue du Simplon 45 1800 Vevey T 021 925 33 00 vaudoise.ch

The exhibition begins with the presentation of the most popular and emblematic games of the British game culture - Cluedo, Mastermind and Reversi – and goes on by immersing the visitor in various environments. So shall they discover an industrial city dating back to the time of Queen Victoria, an ephemeral pub - “Ye Olde Castle” – where there is an opportunity to test many games (Darts, Shove ha’penny, Table skittles, Ringing the Bull, Cribbage) and a room devoted to India and its great tradition of games. It is indeed through Great Britain that many games discovered in India have been introduced in to Europe and are now part of our own culture of games. The exhibition also presents the importance of the tradition of horse racing and betting, as well as many very popular sports games such as tennis, football, rugby, golf, croquet and cricket, all of which come from Great Britain. The visitor will be able to re-discover these well-known sports in the gallery, the wall of which has been recovered with giant synthetic turf for the occasion.

musée suisse du jeu - agenda Sans inscription, entrée libre 16 février 2017 à18h30 en français - Ulrich Schädler – William Fulke: un professeur de Cambridge créateur de jeux 23 mars 2017 à18h30 en anglais - James Masters – Beer and not just Skittles. A Cross-Section of Pub Games in Britain 11 mai 2017 à18h30 en anglais - Adrian Seville – English Moral Race Games of the 19th century - The French Connection 22 juin 2017 à 18h30 en anglais - Edward Copisarow – The Occidental Tourist: How Pachisi became Ludo

Là où vous êtes.

Les dimanches 26 février, 26 mars, 30 avril, 28 mai, 25 juin, à 14h30 Visites guidées – sans inscription - Prix d’entrée au musée cONTACT ET HORAIRES PAGE 46

www.museedujeu.ch rivierart

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Musée ariana Fang Lijun - Espaces interdits jusqu’au 2 avril 2017 genève - SWITZERLAND Fang Lijun (Chine, 1963) est l’un des artistes majeurs de l’avant-garde contemporaine chinoise. Surtout connu pour ses œuvres graphiques réalistes, dans lesquelles il se met en scène, l’artiste développe depuis quelques années à Jingdezhen, berceau de la porcelaine, des recherches qui remettent en question et font évoluer son travail de sculpture, moins connu mais tout aussi remarquable que sa peinture. Organisée en étroite collaboration et avec le soutien de la galerie Art & Public I Cabinet PH, cette exposition est principalement axée sur le volet céramique, complété par des œuvres graphiques de l’artiste.

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Fang Lijun (China, 1963) gehört zu den herausragenden Vertretern der gegenwärtigen chinesischen Avantgarde und ist vor allem für seine realistischen grafischen Arbeiten bekannt, in denen er sich selbst in Szene setzt. Seit einigen Jahren sucht und erprobt er neue Wege in Jingdezhen, der Wiege des Porzellans, und hinterfragt dabei seine Arbeit an Skulpturen, die weniger bekannt, aber nicht weniger beachtlich ist als seine Malerei. Die Ausstellung entstand in enger Zusammenarbeit und mit der Unterstützung der Galerie Art & Public I Cabinet PH und konzentriert sich schwerpunktmässig auf Keramikarbeiten des Künstlers, die durch grafische Werke ergänzt werden.

Fang Lijun (China, 1963) is one of the major artists of the Chinese contemporary avant-garde. Best known for his realistic graphic works that feature portraits of himself, the artist has been conducting research over the past few years in Jingdezhen, the cradle of porcelain, that challenges and develops his sculptural work, less well-known but just as remarkable as his painting. Organized with the support of and in close cooperation with the gallery Art & Public I Cabinet PH, this exhibition focuses primarily on the ceramics, supplemented by graphic works by the artist.


photo page de gauche - Fang Lijun (Chine, 1963), 08.09.2013, Porcelaine, 142 x 116 x 80 cm, Collection particulière, Photo : Studio Fang Lijun photo page de droite - Fang Lijun (Chine, 1963), 02.09.2013, Porcelaine, 145 x 118 x 78 cm, Photo : Studio Fang Lijun

Fang Lijun (Chine, 1963) appartient à la première génération d’artistes chinois indépendants qui se sont regroupés en communauté au Yuanmingyuan dans les faubourgs de Pékin. Fang s’est imposé de manière fulgurante, dès le début des années 1990, comme figure de proue du mouvement baptisé Réalisme cynique. Ses œuvres sont exposées en Chine et dans le monde entier, sa cote ne cesse d’évoluer et il est bien représenté dans bon nombre de collections privées et publiques d’importance dans le champ de l’art contemporain. Son travail graphique est fondé sur l’autoportrait; ses dessins, gravures et peintures sont peuplés de personnages au crâne rasé clonés à l’infini, grimaçant dans un cri silencieux ou nageant dans - ou contre ? - le courant. Il associe sa propre image aux voyous et repris de justice de son pays, les liumang au crâne rasé.

Fang Lijun (China, 1963) gehört der ersten Generation von unabhängigen chinesischen Künstlern an, die sich in den Vororten Beijings zur Yuanmingyuan-Gemeinschaft zusammenfanden. Bereits Anfang der 1990er Jahre avancierte Fang Lijun zum unbestrittenen Aushängeschild der als «Zynischer Realismus» bekannten Kunstrichtung. Seine Arbeiten werden in China und in der ganzen Welt ausgestellt, sein Bekanntheitsgrad steigt stetig, und seine Werke sind in zahlreichen bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen zeitgenössischer Kunst gut vertreten. Ausgangspunkt des grafischen Schaffens von Fang Lijun sind Selbstporträts. Seine Zeichnungen, Gravuren und Gemälde sind mit glatzköpfigen, ins Unendliche geklonten Figuren angefüllt, die in einem stummen Schrei verharren oder mit dem Strom - oder auch gegen ihn - schwimmen. Er leiht Gaunern und ehemaligen Strafgefangenen seines Landes, kahlrasierten Liumang, sein eigenes Gesicht.

Fang Lijun (China, 1963) belongs to the first generation of independent Chinese artists who formed a community in the Old Summer Palace (Yuanming Yuan) in the suburbs of Beijing. Fang Lijun shot to fame in the early 1990s as a pioneer of the movement known as Cynical Realism. His works are exhibited in China and throughout the world. In addition, there is a growing demand for his work on the art market and he is well represented in many important private and public collections in the field of contemporary art. His graphic work is based on the self-portrait; his drawings, engravings and paintings are populated by endlessly cloned characters with shaved heads, their faces contorted in a silent scream, or swimming in - or against (?) - the current. He associates his own image with those of his country’s thugs and petty criminals, the Liumang with shaved heads. rivierart

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Photo de gauche - Fang Lijun (Chine, 1963), Milieu de l’automne, 2012, Encre sur papier, 68.7 x 48.2 cm, Photo : Studio Fang Lijun Photo de droite - Fang Lijun (Chine, 1963), Eté 2015, Encre sur papier, 135,9 x 68,8 cm, Photo : Studio Fang Lijun

Selon le galeriste et collectionneur genevois Pierre Huber, « ses personnages semblent éprouver des émotions telles que la résignation, l’indifférence, la colère, mais aussi le désir de survivre et de faire face aux conflits qui agitent une société de masse. Son travail reflète ce qu’il ressent comme la passivité d’une société chinoise qui avance comme dans un rêve vers un inconnu suspendu entre ciel, nuages, montagnes et eau, une sorte d’idéal rêvé, tout à la fois parfait et naïf, beau et absurde ». La démarche artistique de ce lettré des temps modernes est toutefois habitée d’un profond respect pour la tradition et les techniques anciennes qu’il maîtrise parfaitement. L’artiste recherche constamment le point critique, situé à la frontière entre perfection et destruction; il interroge le vide, la translucidité, la lumière ou la fragilité. Fang Lijun s’exprime également avec brio dans la tridimensionnalité. La formation première de Fang Lijun, on l’oublie souvent, est la céramique.

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„Seine Figuren scheinen durch Resignation, Gleichgültigkeit und Wut, aber auch Überlebensdrang, sowie durch den Wunsch geprägt zu sein, sich den Konflikten einer Massengesellschaft zu stellen“, meint der Genfer Sammler und Galerist Pierre Huber und fügt an: «Sein Schaffen ist die Darstellung dessen, was er als die Passivität einer chinesischen Gesellschaft empfindet, die sich wie im Traum auf ein Unbekanntes hin bewegt, das zwischen Himmel, Wolken, Bergen und Wasser schwebt – eine Art erträumtes Ideal, das gleichermassen vollkommen und naiv, schön und absurd ist.» In den Arbeiten dieses Gelehrten der Moderne steckt jedoch auch eine tiefe Achtung vor der Tradition und für althergebrachte Techniken, die er tadellos beherrscht. Der Künstler befindet sich auf der ständigen Suche nach dem kritischen Punkt an der Grenze zwischen Vollkommenheit und Zerstörung. Er erforscht die Leere, die Lichtdurchlässigkeit, das Licht oder die Zerbrechlichkeit. Fang Lijun absolvierte seine Erstausbildung im Bereich der Keramik - was oftmals vergessen wird - und besitzt deshalb auch ein Talent für dreidimensionale Werke.

According to the Geneva gallery owner and collector Pierre Huber, “The people he represents appear to be experiencing emotions such as resignation, indifference and anger, as well as the desire to survive and deal with the conflicts of a mass society. In his work, he mirrors what he sees as the passivity of a Chinese society moving forwards trancelike towards the unknown, suspended between sky, clouds, mountains and water, a sort of ideal vision, at the same time perfect and naïve, beautiful and absurd.” Yet the artistic approach of this scholar of modern times is characterised by a profound respect for traditions and ancient techniques, which he masters perfectly. The artist is constantly seeking the critical point between perfection and destruction; he examines empty space, translucency, light and fragility. Fang Lijun also expresses himself brilliantly in three-dimensionality. His first area of study, as is often forgotten, was ceramics.


Depuis quelques années, il renoue avec ce médium à Jingdezhen, le célèbre centre de la porcelaine en Chine. Ses sculptures tranchent radicalement avec ses œuvres graphiques. Composées de diaphanes briques de porcelaine – plus récemment d’arêtes de briques seulement ! -, empilées dans une géométrie rigoureuse, les sculptures modulaires poussent le matériau dans ses extrêmes limites. Le feu du four joue un rôle primordial dans le processus. Il déforme, déchire et fait ployer l’agencement strict des briques avant de les figer dans un souffle dont on ne sait s’il est empreint de vie ou de mort. La force expressive des modules, qu’ils soient de taille monumentale ou qu’ils tiennent dans le creux de la main, est impressionnante.

Seit einigen Jahren findet er in Jingdezhen, der berühmten Porzellan-Hauptstadt Chinas, nach und nach zu dieser Materie zurück. Seine Skulpturen stehen in einem radikalen Kontrast zu seinem grafischen Werk. Die modularen Objekte bestehen aus durchscheinenden Porzellanziegeln - derzeit nur aus Ziegelkanten! -, die streng geometrisch aufgebaut sind und die Grenzen der Materie bis ins Letzte ausreizen. Hierbei spielt der Brennvorgang eine entscheidende Rolle: Er verformt und verzerrt die strenge Anordnung der Ziegel, lässt sie zusammensacken und fixiert sie zuletzt in einem Hauch, von dem offen bleibt, ob er Leben oder Tod bringt. Ob es sich um monumentale Objekte oder um handgrosse Module handelt, alle besitzen eine durchwegs hohe Ausdruckskraft.

In recent years, he has returned to this medium in Jingdezhen, the famous centre of porcelain manufacture in China. His sculptures contrast sharply with his graphic works. Composed of diaphanous porcelain bricks – and more recently just edges of bricks! - stacked with rigorous geometry, the modular sculptures push the material to its absolute limits. Firing plays a key role in the process. It causes the strict arrangement of the bricks to distort, tear apart and sag, before setting them with a life-giving or fatal blast of air. The expressive force of the modules, whether monumental in size or small enough to fit in the palm of your hand, is impressive. Fang Lijun (Chine, 1963), 2016, Porcelaine, 110 x 115 x 100 cm, Photo : Studio Fang Lijun

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Ces murs de briques si délicats, fermés ou ouverts, parfois violemment tourmentés, évoquent-ils la Grande Muraille, la Cité interdite, représententils une forme de prison intérieure ou encore une subtile critique politique ? Le travail céramique de Fang Lijun, qu’il développe parallèlement à son travail graphique, est encore peu connu. Avec lui, l’artiste n’hésite pas à prendre des risques en s’éloignant du monde figuratif qui l’a rendu célèbre. Il explore la porcelaine, ce matériau ancestral d’une grande exigence technique, avec rigueur, passion et originalité, comme un nouveau moyen d’expression. Comme il l’affirme, «j’affectionne de développer le même thème par le truchement de différents langages, comme différents statuts de ma propre vie; je suis ouvert à toute forme de création, sans aucune restriction».

Stellen diese so brüchig wirkenden, geschlossenen oder offenen, manchmal beinahe einstürzenden Ziegelwände die Grosse Mauer, die Verbotene Stadt, eine Art inneres Gefängnis oder etwa eine subtile politische Kritik dar? Das Keramikschaffen, das Fang Lijun parallel zu seiner grafischen Tätigkeit entwickelt, ist bislang wenig bekannt. Hier geht der Künstler allerdings Risiken ein und verlässt die figurative Welt, mit der er berühmt wurde. Er erkundet den uralten, technisch höchst anspruchsvollen Werkstoff Porzellan mit Konsequenz, Leidenschaft und Originalität und nutzt ihn als neues Ausdrucksmittel. Der Künstler meint dazu: „Ich liebe es, eine Thematik auf unterschiedlichen Wegen anzugehen, als wären es unterschiedliche Seinszustände meines Lebens. Ich bin bedingungslos offen für jegliche Form der Kreativität.“

Fang Lijun (Chine, 1963), 2013, Porcelaine, 50 x 55 x 38.5 cm, Collection particulière, Photo : Studio Fang Lijun

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Could these very delicate and sometimes highly tortuous, open or closed walls of bricks be a reference to the Great Wall of China, the Forbidden City, or represent a kind of inner prison or a subtle form of political criticism? Fang Lijun’s sculptural work, which he develops in parallel to his graphic work, is still little known. In it, the artist is not afraid of taking risks by moving away from the figurative universe that made him famous. He explores porcelain, that ancient material characterised by great technical difficulty, with rigour, passion and originality, as a new means of expression. As he affirms: “I like to develop the same theme through a range of expressive means, like different states of my own life. As you’ve seen in my studio, I’m completely free and open to any form of creation.”


Fang Lijun (Chine, 1963), 28.08.2013, Porcelaine, 147 x 99 x 97 cm, photo : Studio Fang Lijun

Grâce aux relations privilégiées de Pierre Huber, grand spécialiste de la scène artistique chinoise contemporaine, avec Fang Lijun, le Musée Ariana a le grand plaisir et l’honneur d’accueillir cet artiste d’exception dans ses espaces. Si les sculptures céramiques constituent la majeure partie de la présentation, des œuvres graphiques témoignent en contrepoint, dans un dialogue interdisciplinaire fascinant, de la profondeur expressive de l’artiste.

Pierre Huber pflegt als ausgewiesener Spezialist für die chinesische Kunstszene der Gegenwart enge Beziehungen zu Fang Lijun. Ihm ist es zu verdanken, dass das Musée Ariana den anerkannten Künstler ausstellen darf. Bei den meisten präsentierten Werken handelt es sich um Keramikskulpturen. Die als Kontrast dienenden grafischen Arbeiten lassen einen faszinierenden interdisziplinären Dialog entstehen und vermitteln die Ausdruckstiefe des Künstlers.

Thanks to the special relationship between Pierre Huber, a leading expert on the Chinese contemporary art scene, and Fang Lijun, the Musée Ariana is very pleased and honoured to be able to welcome this exceptional artist to its gallery spaces. The exhibition may focus on the ceramic sculptures, yet, as a counterpoint and in a fascinating interdisciplinary dialogue, selected graphic works testify to the artist’s depth of expression.

22-23.04.2017

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cacy « Liquid days » - Franziska Furter du 28 janvier au 2 avril 2017 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Artiste bâloise vivant principalement à Berlin, Franziska Furter a bénéficié d’une résidence de plusieurs mois au Japon au printemps 2015. De retour en Suisse, elle présente une exposition personnelle au CACY, nourrie de ses expériences d’Extrême-Orient. On y reconnaît son univers noir et blanc, graphique, précis, poétique, développé de manière tout à fait exceptionnelle – aérienne – pour cet espace d’exposition atypique. Liquid Days fait suite aux expositions solo de Bernard Voïta («Le Jardin d’Omar», 2013), de Karim Noureldin («Keliuaisikiqs», 2014) et d’Elisabeth Llach («Totchic», 2016).

Die Basler Künstlerin Franziska Furter, die hauptsächlich in Berlin lebt, hat im Frühjahr 2015 von einem längeren Artist-in-Residence Aufenthalt in Japan profitieren können. Zurück in der Schweiz präsentiert sie eine Einzelausstellung im CACY, die von ihren Erfahrungen im Fernen Osten genährt wird. Man erkennt ihr Schwarz-Weiß-Universum, grafisch, präzis, poetisch, das auf ganz aussergewöhnliche Weise entwickelt ist – luftig – für diesen sehr atypischen Ausstellungsort. Liquid days folgt den Einzelausstellungen von Bernard Voïta („The Garden of Omar“, 2013), Karim Noureldin („Keliuaisikiqs“, 2014) und Elisabeth Llach („Totchic“, 2016).

Basel artist residing mainly in Berlin, Franziska Furter benefited from a residency of several months in Japan in the spring of 2015. Back in Switzerland, she presents a personal exhibition at the CACY, nourished by her experiences in the Far East. Recognizable is her black and white world, graphic, precise and poetic, developed in a completely exceptional way - aerial - for this atypical exhibition space. Liquid Days follows the solo exhibitions of Bernard Voïta (“Le Jardin d’Omar”, 2013), Karim Noureldin (“Keliuaisikiqs”, 2014) and Elisabeth Llach (“Totchic”, 2016). Photo de gauche - corona V, 2012, ink on paper, 151x125,5cm Photo de droite - corona VI, 2012, ink on paper, 151x125,5cm

centre d’art contemporain d’yverdon-les-bains « Liquid days » - Franziska Furter - jusqu’au 2 avril 2017 - vernissage le 28 janvier dès 17h00 « Liquid days » - Franziska Furter - bis zum 2. APRIL 2017 - eröffnung am 28. januar, ab 17.00 uhr « Liquid days » - Franziska Furter - until APRIL 2nd 2017 - Opening on january 28th from 5pm. cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Pascale Simonet Pascale Simonet expose à la Galerie Les Trois Soleils du 4 au 26 mars 2017 La galerie est ouverte du jeudi au dimanche de 14h à 18h. Route de la Corniche 27 - 1098 Epesses - Suisse Contact galerie - Madame Colette Monnier 078 841 69 66 contact artiste : www.pascale-simonet.fr pacsimonet@gmail.com + 33 (0)6 80 66 54 06 page Facebook

Graphie 215, Monotype par estampage sur bois gravé, 80 x 80, 2016 Pascale Simonet vit et travaille depuis toujours dans la région parisienne. Ses estampes à la peinture ou à l’encre racontent dans une « abstraction narrative » notre histoire humaine. Au travers d’un rapport maîtrisé du construit et du hasard elle transmet l’ambivalence de la pensée passée au filtre de l’émotion.

Pascale Simonet lebt und arbeitet schon immer in der Pariser Region. Ihre Drucke in Farbe oder Tinte erzählen in einer „narrativen Abstraktion“ die Geschichte der Menschheit. Durch eine vom Gebauten und vom Zufall beherrschte Beziehung vermittelt sie durch das Filtern der Emotion die Ambivalenz des vergangenen Denkens.

Pascale Simonet has always lived and worked in the region of Paris. Her painting or ink prints tell our human history in a “narrative abstraction”. Through a mastered relationship between construct and fate, she transmits the ambivalence of past thought through a filter of emotion.

Graphie 214, Monotype par estampage et encre sur papier Wenzhou marouflé sur toile, diptyque 50 x100, 2015

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zentrum paul klee Paul Klee et les surréalistes jusqu’au 12 mars 2017 bern - SWITZERLAND «Paul Klee et les surréalistes» met en lumière, pour la première fois, les relations fascinantes et surprenantes de Paul Klee avec les artistes surréalistes. Plus de 250 pièces provenant de musées internationaux ont été rassemblées à cette occasion, notamment plusieurs oeuvres majeures de Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, René Magritte, Max Ernst, Alberto Giacometti ainsi que Joan Miró et Man Ray. La longue liste des auteurs, artistes et éditeurs inspirés par Paul Klee dans le Paris des années 1920 et 1930, qui ont écrit sur lui ou entretenu une correspondance avec lui forme rien moins que le gratin du Surréalisme.

„Paul Klee und die Surrealisten“ thematisiert zum ersten Mal die faszinierende und überraschende Beziehung zwischen Paul Klee und den Surrealisten. Für die Ausstellung wurden über 250 Werke aus internationalen Museen zusammengeführt, darunter zahlreiche Hauptwerke des Surrealismus, von Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Alberto Giacometti sowie von René Magritte, Joan Miró und Man Ray. Die Liste der Autoren, Künstler und Verleger, die im Paris der 1920er und 1930er Jahre von Klee inspiriert wurden, über ihn schrieben oder mit ihm korrespondierten, liest sich wie ein Auszug aus dem Who is Who des Surrealismus.

‘Paul Klee and the Surrealists’ provides the first opportunity ever to explore some of the fascinating and surprising relationships between Paul Klee and Surrealist artists. The show features more than 250 loans from major international museums. On display will be several chief works by Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Alberto Giacometti as well as René Magritte, Joan Miró and Man Ray. In 1920s and 1930s Paris, a great many authors, artists and publishers were inspired by Paul Klee. They either wrote and published articles and books about him, or corresponded with him. The list reads like an excerpt from the Who is Who of Surrealism.

Paul Klee (1879 - 1940), Der Blick des Ahriman, 1920, 148 Aquarell und Deckfarbe auf Papier auf Karton, 12,5 x 20,5 cm, Privatsammlung

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Paul Klee (1879 - 1940), Marionetten (bunt auf schwarz), 1930, 202 Ölfarbe auf Karton; originale Rahmenleisten, 32 x 30,5 cm, Kunsthaus Zürich, Schenkung Erna und Curt Burgauer

Deux éléments surprennent: que Klee ait pu devenir, en pleine période d’après-guerre, un chef de file des surréalistes malgré sa nationalité allemande et que ses œuvres comptent parmi les plus vendues dans les années 1920. Le Surréalisme a émergé en France et a trouvé son expression aussi bien dans la littérature que dans la peinture, la photographie ou le cinéma. Ce mouvement aspirait à l’instauration d’un art libre, révolutionnaire et indépendant. Les surréalistes, qui tiraient leur inspiration de l’onirique, du surréaliste et de l’inconscient, ont reconnu en Paul Klee un magicien de l’univers pictural et un semblable précurseur. Aux débuts du mouvement surréaliste, ce sont les poètes et écrivains qui ont pris Paul Klee comme exemple d’une peinture surréaliste encore à inventer. «C’est à Weimar que fleurit une plante qui ressemble à la dent de sorcière» écrit Louis Aragon en mai 1922 sur le peintre dans le magazine Littérature qu’il publie avec André Breton et Philippe Soupault. Antonin Artaud le désigne en 1923 comme un « peintre mental » et Robert Desnos lui attribue la capacité d’«apprendre la peinture aux aveugles». La visite de la première exposition consacrée à Paul Klee, en 1925 à Paris, s’est révélée une véritable initiation artistique pour les peintres surréalistes André Masson et Joan Miró. L’imagination de Paul Klee était considérée comme sans limite. Il soignait son image de peintre détaché du monde, ce qu’il exprime magnifiquement ainsi : «ici-bas, je suis insaisissable». La relation avec les Surréalistes n’a pas été unilatérale pour autant: ceux-ci lui ont donné d’importantes impulsions et, malgré sa réserve face à leurs tentatives de récupération, Klee se considérait comme un de leurs frères d’esprit.

Joan Miró (1893 - 1983), Personnages dans la nuit, 1944, Öl auf Leinwand, 16,1 x 17,7 cm Kunstmuseum Basel, Schenkung Dr. Charles F. Leuthardt, Riehen 1980, © Successió Miró / 2016, ProLitteris, Zurich

Dass er als deutscher Künstler in der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg für die Surrealisten zum Orientierungspunkt werden konnte, ist ebenso erstaunlich wie die Tatsache, dass Klee Ende der zwanziger Jahre in Paris zu den meist verkauften Künstlern zählte. Die in Frankreich entstandene Bewegung des Surrealismus, die ihren Ausdruck in der Literatur, Malerei, Fotografie und Film fand, strebte nach der Erschaffung einer freien, revolutionären und unabhängigen Kunst. In Paul Klee erkannten die Surrealisten, die ihre Inspiration in der Hinwendung zum Traumhaften, Surrealen und Unbewussten fanden, einen Bildzauberer und kongenialen Vorläufer. In den ersten Jahren der surrealistischen Bewegung waren es die Literaten und Dichter, die Klee als Vorbild einer noch zu erfindenden surrealistischen Malerei propagierten. „In Weimar blüht eine Pflanze, die einem Hexenzahn gleicht“, schreibt Louis Aragon im Mai 1922 über Klee in der von ihm, Andre Breton und Philippe Soupault herausgegebenen Zeitschrift Littérature. Antonin Artaud bezeichnete ihn 1923 als „peintre mental“, und Robert Desnos sprach Klee die Fähigkeit zu, „den Blinden die Malerei zu lehren“. Der Besuch der ersten Paul Klee-Ausstellung, die 1925 in Paris stattfand, wurde für die surrealistischen Maler Andre Masson und Joan Miro zum künstlerischen Initiationserlebnis. Paul Klees Fantasie galt als grenzenlos. Er pflegte ein Image als weltabgewandter Künstler, was der von ihm verfasste Satz „diesseitig bin ich gar nicht fassbar“ auf wunderbare Weise ausdrückt. Die Beziehung verlief aber nicht einseitig: Klee empfing seinerseits von den Surrealisten wichtige Impulse und war trotz seiner Zurückhaltung gegenüber ihren Vereinnahmungsversuchen ein Geistesverwandter.

The fact that Klee, a German citizen, became a beacon to Surrealists after World War I is as surprising as Klee being among the best-selling visual artists in late 1920s Paris. The Surrealist movement sprang up in France and found its expression in literature and the visual arts: painting, photography and film. Surrealists endeavoured to create liberated, revolutionary and autonomous works inspired by dreams, surreal events and the unconscious. They recognised a congenial precursor in visual magician, Paul Klee. In the early years of Surrealism, it were poets and other literary figures who upheld Klee as an exemplar of Surrealist painting – a genre, however, that had yet to be invented. In the May 1992 edition of the journal Littérature, edited by Louis Aragon, André Breton and Philippe Soupault, Aragon published this note about Klee: “It is in Weimar that a plant flowers which resembles the tooth of a sorceress.” In 1923, Antonin Artaud described Klee as a “peintre mental”, while Robert Desnos is said to have ascribed to him the ability to “teach the blind to draw”. The visit of Surrealist painters, André Masson and Joan Miró, to the first Klee exhibition held in Paris in 1925 would prove to be their artistic initiation. Paul Klee’s imagination was seen to have no limits. He cultivated his image as an unworldly artist, a notion beautifully expressed in his statement, “I cannot be grasped in the here and now” . Nevertheless, this was not an one-way relationship. In his turn, Klee received significant impulses from the Surrealists and, despite his rejection of their attempts of appropriation, was in fact a kindred spirit.

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Présenter et étudier les rapports que Paul Klee entretenait avec les Surréalistes, faire s’exprimer une nouvelle fois, près de 100 ans plus tard, leur potentiel artistique, tel est le défi que relève le Zentrum Paul Klee en organisant l’exposition «Paul Klee et les Surréalistes» et en éditant le catalogue correspondant. Ce dernier réunit un grand nombre de chefs d’œuvre surréalistes présents à Berne pour la première fois, par exemple «Ritratto (premonitore) di Guillaume Apollinaire» de Giorgio de Chirico, «La vache spectrale» de Salvador Dalí ou la sculpture «Table» d’Alberto Giacometti. Des thèmes tels que: l’«écriture automatique» – ou comme le peintre le qualifie lui-même «l’automatisme psychique», le monde comme rêve, espaces surréels et architectures imaginaires, masques et portraits surréels ou le mystère des objets éclairent les relations réciproques entre Paul Klee et les Surréalistes.

Die Beziehungen zwischen Paul Klee und den Surrealisten umfassend zu präsentieren und zu erforschen und ihr künstlerisches Potential fast hundert Jahre später erneut zum Leben zu erwecken, das hat sich das Zentrum Paul Klee mit der Ausstellung „Paul Klee und die Surrealisten“ und dem dazugehörigen Katalog zum Ziel gesetzt. Gezeigt wird eine Vielzahl surrealistischer Hauptwerke, von denen der Grossteil zum ersten Mal in Bern zu sehen sein wird, darunter Giorgio de Chiricos „Ritratto (premonitore) di Guillaume Apollinaire“, „La vache spectrale“ von Salvador Dali oder die Skulptur „Table“ von Alberto Giacometti. Die facettenreiche Wechselwirkung zwischen Paul Klee und den Surrealisten wird in sieben thematischen Sektionen nachgezeichnet: ausgehend von der „écriture automatique“ - oder mit den Worten Klees „dem psychischen Automatismus“ - über den Traum, den imaginären oder surrealen Raum, die surrealen Porträts und Masken bis hin zum Geheimnis der Objekte.

Both in the exhibition, “Paul Klee and the Surrealists”, and in the accompanying catalogue, Zentrum Paul Klee endeavours to explore and present the relationships between Klee and Surrealist artists, and to reawaken the artistic potential of Surrealism almost a century on. Many of the Surrealist chief works are on display in the Swiss capital city for the very first time. Among them are Giorgio de Chirico’s “(Premonitory) Portrait of Guillaume Apollinaire” – “Ritratto (premonitore) di Guillaume Apollinaire”, “The spectral cow” by Salvador Dalí, and “Table”, a sculpture by Alberto Giacometti. Seven thematic sections trace various aspects in the relationship between Klee and the Surrealists, from “écriture automatique” – Klee’s term being “psychic automatism” – to the mystery of objects, by way of dreams, surrealist masks and portraits, and space in its surreal or imaginary manifestations.

photo page de gauche - Salvador Dalí (1904 - 1989), La vache spectrale, 1928, Öl auf Sperrholz, 50 x 64,5 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Ankauf des Staats 1974, Zuteilung 1974, Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jean-Claude Planchet, © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí / 2016, ProLitteris, Zurich page de droite, photo de gauche - Alberto Giacometti (1901 - 1966), Homme et Femme, 1928 - 1929, Bronze, 40 x 40 x 16,5 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Schenkung 1984, Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Droits réservés, © Succession Alberto Giacometti / 2016, ProLitteris, Zurich page de droite, photo de droite - Max Ernst (1891 - 1976), Jardin gobe-avions, 1935, Öl auf Leinwand, 54 x 74 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Schenkung 1982, Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Philippe Migeat, © 2016, ProLitteris, Zurich

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L’exposition est organisée autour de trois éléments : Eros et la sexualité, la fragmentation et l’instrumentalisation du corps qui en découle et le royaume miraculeux de l’«Histoire naturelle», une faune et une flore imaginaires, qui lient Klee aux Surréalistes, et plus particulièrement à Max Ernst. Cette exposition est réalisée avec la participation exceptionnelle du Centre Pompidou à Paris, qui a prêté plus de 60 œuvres au Zentrum Paul Klee. D’autres principaux ouvrages proviennent de musées internationaux, dont le Museum of Modern Art, New York, le musée Guggenheim, New York, la collection Menil, Houston, le Philadelphia Museum of Modern Art, la Pinakothek der Moderne, Munich, le Kunstmuseum Bâle, la fondation Beyeler Riehen/Bâle, le Kunsthaus Zürich et de collectionneurs de poids.

Den Höhepunkt dieser thematischen Begegnung bilden drei zentrale Felder: Eros und Sexualität und die damit zusammenhängende Fragmentierung und Instrumentalisierung des Körpers sowie das wundersame Reich der „Histoire naturelle“, der imaginären Pflanzen- und Tierwelten, die Klee mit den Surrealisten, allen voran mit Max Ernst, verbindet. Die Ausstellung wurde durch die enge Zusammenarbeit mit dem Centre Pompidou in Paris möglich, das dem Zentrum Paul Klee über 60 Werke zur Verfügung stellt. Weitere Werke dieser umfassenden Schau stammen aus bedeutenden internationalen Museen. Darunter das Museum of Modern Art, New York, das Guggenheim Museum, New York, die Menil Collection, Houston, das Philadelphia Museum of Modem Art, die Pinakothek der Moderne, München, das Kunstmuseum Basel, die Fondation Beyeler, Riehen/Basel, und das Kunsthaus Zürich sowie bedeutende Sammler.

These thematic encounters culminate in three focal areas: firstly, eros and sexuality, which is closely associated with the fragmentation and instrumentalisation of the human body, followed, thirdly, by the magical and imaginary realms of plants and animals in the “the natural history” that provided so many points of contact between Klee and his Surrealist colleagues, especially Max Ernst. The exhibition would have been impossible to realise without the cooperation of the Centre Pompidou in Paris, which loaned over sixty of their works of art. Several works were loaned from other major international museums, including the Museum of Modern Art New York, the Guggenheim Museum New York City, the Menil Collection Houston, the Philadelphia Museum of Modern Art, the Pinakothek der Moderne in Munich, the Kunstmuseum Basel, Fondation Beyeler Riehen/Basel, the Kunsthaus Zürich and several significant private collectors.

Zentrum pauL klee MUSIQUE - Dimanche 12 mars 2017, 17h00 Concert - Mikhail Rudy, piano - Brigitte Fossey, lecture « Merci, Paul Klee » FILMS du 8 janvier au 12 mars 2017 Classiques du surréalisme et programme sur le Marquis de Sade. Le cinéma REX diffuse des films de Luis Buñuel, Man Ray, Philip Kaufman, Roman Polanski, etc. - www.rexbern.ch MÉDIATION D’ART - Visites guidées - les mardis, de 12h00 à 13h00 à la découverte de l’exposition - Visites guidées - les Samedis à 15h00 et dimanches à 13h30 Visites guidées en langues étrangères (français, anglais, italien) sur www.zpk.org matinées en famille - jusqu’au 12 mars 2017 - les Dimanches, de 10h30 à 11h45 Exposition et atelier du Kindermuseum Creaviva, pour toute la famille Visite littéraire - Dimanche 5 février et Dimanche 26 février 2017 à 15h00 Compte-rendus de rêves - Lecture par Michaela Wendt de textes sur les œuvres exposées. Visite guidée Pour personnes aveugles ou malvoyantes - Dimanche 12 février 2017 à 15h00 Description détaillée de tableaux et/ou objets à toucher Paul Klee et les surréalistes - jusqu’au 12 mars 2017 - Paul Klee und die Surrealisten - bis zum 12. märz 2017 Paul Klee and the Surrealists - until 12th march 2017 pour plus d’informations - für weitere informationen - for more information

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collection de l’art brut Eugen Gabritschevsky jusqu’au 19 février 2017 LAUSANNE - SWITZERLAND A l’occasion des 40 ans de la Collection de l’Art Brut, le musée présente l’œuvre méconnue d’Eugen Gabritschevsky (1893-1979), un créateur russe dont la reconnaissance s’est d’abord faite par l’entremise de Jean Dubuffet. Dès 1950, ce dernier intègre les travaux de Gabritschevsky à sa collection d’Art Brut. Au total, l’exposition rassemble 145 œuvres accompagnées de photographies, d’écrits de Gabritschevsky et de documents d’archives. Eugen Gabritschevsky est né à Moscou.

Anlässlich des 40-jährigen Bestehens der Collection de l’Art Brut zeigt das Museum das kaum bekannte Werk von Eugen Gabritschevsky (1893–1979), einem russischen Künstler, der dank Jean Dubuffet erste Anerkennung fand. 1950 nahm dieser Arbeiten Gabritschevskys in seine Art-Brut-Sammlung auf. Insgesamt sind 145 Werke zu sehen, zu denen Fotografien, Schriften von Gabritschevsky und Archivdokumente hinzukommen. Eugen Gabritschevsky kam in Moskau zur Welt.

sans titre, vers 1938, Gouache sur papier, 26 x 33 cm, Photo : Caroline Smyrliadis, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne

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Marking its fortieth anniversary, the Collection de l’Art Brut is showing the little known oeuvre of Eugen Gabritschevsky (1893-1979). This Russian creator’s works first met the public eye thanks to their integration by Jean Dubuffet into his personal Art Brut collection, as of 1950. Featuring 145 of Gabritschevsky’s pieces, the show also includes photographs, texts by his pen and archival documents.


photo de gauche - sans titre, s.d., Gouache sur papier plié, 31 x 20 cm, Photo : AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne photo de droite - sans titre, 1939, Mine de plomb, 20 x 30 cm, Photo : AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne

Fils d’un célèbre bactériologiste, il fait aussi des études de biologie, se spécialisant dans la génétique, et rédige plusieurs articles remarqués dans les milieux scientifiques. Par la suite, l’étudiant est invité à poursuivre ses recherches à la Columbia University de New York, avant de travailler en 1926 à l’Institut Pasteur, à Paris. A l’amorce d’un parcours scientifique de haut niveau, le brillant chercheur doit mettre un terme à ses travaux, en raison de son état de santé. En 1931, il est interné à l’hôpital psychiatrique de Haar près de Munich, où il vit près de cinquante ans, jusqu’à sa mort. Pendant plus de quarante ans, Eugen Gabritschevsky s’adonne à la création artistique, réalisant quelque cinq mille peintures et dessins. Il travaille sur des feuilles de papier récupérées au rebut ainsi que sur des pages de calendrier et des circulaires administratives. Il met en œuvre plusieurs techniques aléatoires : il étale de l’aquarelle et de la gouache au pinceau ou au doigt, puis intervient avec un chiffon ou une éponge, faisant surgir des formes suggestives. Il réhausse ensuite ces émergences au pinceau, donnant naissance à des figures anthropomorphes monstrueuses, à des scènes de théâtre fantastiques, ou à des animaux étranges sur fond de paysages énigmatiques. Eugen Gabritschevsky expérimente également d’autres méthodes – le grattage, les empreintes d’éléments végétaux, le tachisme ou encore le pliage – qui laissent apparaître des éléments inattendus. Cette exposition rétrospective présente l’ensemble des facettes de cette production incontournable et complexe.

Als Sohn eines berühmten Bakteriologen studierte er ebenfalls Biologie, spezialisierte sich auf die Genetik und verfasste mehrere Artikel, die in wissenschaftlichen Kreisen Aufsehen erregten. Später wurde er eingeladen, seine Forschungen an der Columbia University in New York fortzusetzen, bevor er 1926 am Pasteur-Institut in Paris arbeitete. Vor einer wissenschaftlichen Karriere von hohem Niveau stehend, musste der brillante Forscher allerdings aufgrund seines Gesundheitszustands seine Arbeit aufgeben. 1931 wurde er in die psychiatrische Klinik Haar bei München eingewiesen, in der er fast fünfzig Jahre bis zu seinem Tod lebte. Mehr als 40 Jahre lang war Eugen Gabritschevsky künstlerisch tätig und schuf etwa 5000 Gemälde und Zeichnungen. Als Träger benutzte er Altpapier, Kalenderblätter und Seiten von Verwaltungsrundschreiben. Der Künstler setzte willkürlich mehrere Techniken ein: So breitete er Aquarellfarbe oder Gouache mit dem Pinsel oder Finger aus, um dann mit einem Lappen oder Schwamm suggestive Formen zu gestalten. Anschliessend bearbeitete er diese Erscheinungen mit ein paar Pinselstrichen, so dass monsterartige anthropomorphe Figuren, fantastische Theaterszenen und sonderbare Tiere vor dem Hintergrund mysteriöser Landschaften entstanden. Zudem experimentierte er mit weiteren Verfahren – Grattage, Abdruck pflanzlicher Elemente, Tachismus und Falttechnik –, die unerwartete Wirkungen hervorbringen. Die Retrospektive präsentiert sämtliche Facetten dieser bedeutsamen, komplexen Produktion.

The son of a renowned bacteriologist, this creator was born in Moscow. After studies in biology and then specialization in genetics, he went on to publish several articles that were well-received in scientific circles. Thereupon, Columbia University (NY) invited Eugen to pursue his research with them; and, in 1926, he set off to pursue his work at the Institut Pasteur in Paris. While thusly on the threshold of a brilliant scientific career, health problems put an end to his plans. He was committed to the Eglfing-Haar Psychiatric Hospital near Munich in 1931; here he would remain some fifty years, until his death. Eugen Gabritschevsky devoted himself to artistic creation for over forty years, producing a total of some five thousand paintings and drawings. These he carried out on scrap paper and the backs of calendar pages and official circulars, resorting randomly to watercolor and gouache which he applied by brush or finger and then—using a rag or a sponge— shaped into suggestive forms. He would heighten the resulting outlines by brush to spawn monstrous hominoid figures, fantasy world stage scenes and bizarre animals in enigmatic landscapes. He also was wont to experiment other work methods, including scraping, plant element imprints, Tachism and pliage, inviting surprising elements to spring forth. This show treats viewers to the multiple facets of this creator’s major and complex production.

COLLECTION DE L’ART BRUT

Eugen Gabritschevsky - jusqu’au 19 février 2017 - Henriette Zéphir DU 3 FéVRIER AU 30 AVRIL 2017 Eugen Gabritschevsky - BIS ZUM 19. FEBRUAR 2017 - Henriette Zéphir - vom 3. FEBRUAR bis zum 30. APRIL 2017 Eugen Gabritschevsky - UNTIL FEBRUARY 19TH, 2017- Henriette Zéphir - FROM FEBRUARY 3RD to APRIL 30TH 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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mudac Carte blanche à David Bielander PAUSE Lausanne - Aldo Bakker du 08 février au 30 avril 2017 LAUSANNE - SWITZERLAND Créateur suisse établi à Munich, David Bielander traduit en bijoux les objets de notre quotidien. Les éléments d’une chaise deviennent ainsi un collier de saucisses, des punaises de bureau les écailles d’une carpe koï, des capuchons de briquet des insectes volants. Sa pratique témoigne d’une intense attention aux objets et aux matériaux: l’artiste dit ainsi ne faire que «révéler» ce qui est déjà là – la saucisse dans la chaise, l’écaille dans la punaise – et en quelque sorte «écouter» les formes contenues dans les choses. De nombreux animaux peuplent l’univers de David Bielander. Serpents, cochons, éléphants, limaces ou crevettes: ils ne l’intéressent pas tant pour leur symbolique mais davantage pour la reconnaissance immédiate qu’ils provoquent chez le spectateur.

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Der in München lebende, Schweizer Künstler David Bielander verwandelt Alltagsgegenstände in Schmuck. So werden die Einzelteile eines Stuhls zu einem Würstchencollier, Reißnägel zu Schuppen eines Kois, Einwegfeuerzeug-Kappen zu fliegenden Insekten. Seine Arbeitsweise zeugt von einer ausgeprägten Sensibilität für Gegenstände und Materialien: Nach eigenen Worten besteht seine Tätigkeit in nichts anderem als in der „Offenbarung“ dessen, was schon da ist - das Würstchen im Stuhl, die Schuppe im Reißnagel - also gewissermaßen in der „Aufmerksamkeit“ für die Formen, die in den Dingen verborgen sind. Zahlreiche Tiere bevölkern die Welt von David Bielander: Schlangen, Schweine, Elefanten, Nacktschnecken oder Garnelen: Dabei ist es weniger ihre Symbolik, die ihn fasziniert, sondern vielmehr der unmittelbare Erkennungseffekt, den sie beim Betrachter auslösen.

The Swiss designer living in Munich, David Bielander translates everyday objects into jewellery. The elements of a chair are thus transformed into a sausage necklace, drawing pins into the scales of a koi carp and disposable lighter hoods into flying insects. Bielander’s practice shows a close attention to objects and materials alike: the artist talks of only “revealing” that which is already there – the sausage in the chair, the scale in the drawing pin – and in some way “listening” to the forms contained within things. David Bielander’s world is inhabited by numerous animal figures: snakes, pigs, elephants, slugs or prawns. The jewellery maker is less interested in their symbolism than in their immediate familiarity to the viewer. photo à gauhe - Scampi, 2007, Bracelet, argent cuivré, élastiques, Photo © Simon Bielander photo à droite - Garlic, 2009, Pendentif, argent, Photo © Simon Bielander


Par l’ambivalence et le jeu, c’est au moment où elles sont portées que ses créations s’activent véritablement: les broches-limaces semblent ramper vers les décolletés, les serpents onduler sur les nuques… Parfois complexes ou de taille inhabituelle, ce sont néanmoins des bijoux à part entière, qui sont conçus pour être portés; ils sont le plus souvent fabriqués en petite série, parfois en tirage illimité. Elève du bijoutier suisse Otto Künzli dont il a hérité une forte approche conceptuelle, David Bielander utilise les matériaux de manière à la fois extrêmement précise et très libre. Il joue des textures et des couleurs pour obtenir les effets d’illusion provoqués par ses pièces. Terme souvent utilisé pour désigner sa pratique, l’illusion n’est cependant pas une fin en soi, mais correspond plutôt à une forme d’humour qui initie à la fois un dialogue et une réflexion. Au mudac, David Bielander présente l’ensemble de son travail depuis 1996. Placée à l’entrée de l’exposition, une étrange machine interactive donne le ton: elle produit un petit anneau de fumée que le visiteur enferme dans un étui acheté à l’accueil du musée et qu’il emporte avec lui. Entre illusion et croyance impossible à vérifier sans risquer de laisser disparaître l’anneau, cette pièce témoigne des multiples niveaux de lecture de ses œuvres. Un peu plus loin, c’est au maître de la peinture allégorique et portraitiste du 16e siècle Giuseppe Arcimboldo qu’il rend hommage. Reprenant le principe du portrait par assemblage d’objets, en collaboration avec le photographe bâlois Simon Bielander, il compose son visage avec des photographies de ses créations ; les bijoux réels sont quant à eux exposés dans le même espace. Sobald seine Kreationen getragen werden, entwickeln sie durch ihre Ambivalenz und unsere Phantasie ein anderes Leben: Die Nacktschnecken-Broschen kriechen förmlich in Richtung Dekolleté, die Schlangen ringeln sich um den Nacken... Trotz der Komplexität oder ungewöhnlichen Größe der Einzelstücke handelt es sich um echten Schmuck, entworfen, um getragen zu werden. Die Stücke werden meist in kleinen Serien hergestellt, manchmal sogar in unlimitierter Auflage. Als Student des Schweizer Schmuckkünstlers Otto Künzli, mit dem er einen aussagekräftigen konzeptuellen Ansatz teilt, verarbeitet David Bielander die Materialien mit äußerster Präzision und absoluter Freiheit zugleich. Er spielt mit Farbe und Beschaffenheit um die Illusionswirkung seiner Schmuckstücke zu erreichen. Allerdings ist die Illusion, obwohl der Begriff häufig zur Umschreibung seiner Arbeitsweise bemüht wird, nicht Selbstzweck, sondern sie entspricht vielmehr einer Art des Humors, die sowohl den Dialog als auch die persönliche Auseinandersetzung anregt. Im mudac präsentiert David Bielander eine Werkschau seiner Arbeit seit 1996. Eine merkwürdige interaktive Maschine am Eingang stimmt auf die Ausstellung ein: Sie produziert einen perfekt ausgeformten, kleinen Ring aus Rauch, den der Besucher selber in ein käuflich erworbenes Säckchen verpackt und mitnehmen kann. Das Erleben der Diskrepanz zwischen dem, was wir sehen und dem was wir wissen (dessen Versicherung jedoch unmöglich ist, ohne die Zerstörung des Rings zu riskieren) veranschaulicht die vielfältigen Betrachtungsebenen in seinem Werk. Ein paar Schritte davon entfernt würdigt er den Meister der allegorischen Malerei des 16. Jahrhunderts, Giuseppe Arcimboldo. Indem er das Prinzip des AssemblagePortraits aufgreift, stellt er – gemeinsam mit dem Basler Fotografen Simon Bielander - aus Fotografien seiner Stücke ein Selbstportrait zusammen. Die tatsächlichen Schmuckstücke werden im selben Raum auch separat ausgestellt. As a result of this ambivalence and playfulness, when his pieces are worn, they truly come to life: his slug pins launch a slithering attack on the neckline, the snake necklace writhes around the throat… Although complex or unusual in size, his pieces are nonetheless intended entirely as jewellery, designed to be worn; moreover, they are generally fabricated in small series and sometimes as unlimited editions. A student of the Swiss jewellery maker Otto Künzli, with whom he shares some of his strongly conceptual approach, David Bielander’s use of materials is both extremely precise and very free. He plays with textures and colours, obtaining the illusory effect his pieces provoke. Although the term is often used to describe his practice, illusion is actually not an end in itself; it is more a form of humour which prompts both dialogue and reflection. At mudac, David Bielander presents a show of his work since 1996. The tone is set by a strange interactive machine at the entrance of the exhibition: it creates a little, perfectly formed smoke ring, which the visitor catches in a sealed bag, bought at the reception of the museum. Between illusion and faith – you cannot verify it without risking the smoke blowing away – this piece bears witness to the multiple levels on which his work can be read. A little further on, he pays homage to Giuseppe Arcimboldo, the 16th century portraitist and master of allegorical painting. Referring to the principle of portraiture through a collection of objects, in collaboration with photographer Simon Bielander he composes his own face from pictures of his creations; the actual works, meanwhile, are displayed in the same space.

photo du haut - Perlensau, 2003, Broche, perles, or, Photo © Simon Bielander photo du milieu - Thonet 01-03 (Wienerle, Frankfurter, Weisswurst), 2009,Collier, bois cintré, Photo © David Bielander photo du bas - David Bielander, Sachet de velours contenant un anneau de fumée, 2013, mudac

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Une nouvelle série de pièces appelée «Carton» questionne directement les notions de valeur habituellement attachées aux matériaux du bijou. Rejouant des formes bricolées de l’enfance ou du système D, des bracelets et des couronnes en carton ondulé agrafé sont en réalité fabriquées par lui en or ou en argent patiné. Contrefaçons à contre-courant, cette série se décline encore dans des objets mimant les emballages en papier kraft utilisés pour la boulangerie ou pour cacher des bouteilles d’alcool en public – manière de dire, une fois encore, le décalage et le questionnement suscités par les créations de David Bielander.

Eine neue Reihe aus Schmuckstücken, die Wellpappe Arbeiten, hinterfragt direkt die Wertvorstellungen, die gewöhnlich mit Schmuckmaterialien verknüpft werden. In Anlehnung an Bastelmethoden aus der Kindheit oder aus der Zeitschrift Système D baut David Bielander Armreifen und Kronen aus zusammengehefteter Wellpappe, die in Wirklichkeit aus Gold oder Silber sind. Diese Reihe aus Fälschungen in umgekehrter Richtung umfasst außerdem Papiertüten, wie sie zum Verpacken von Backwaren oder zum Verstecken von Alkoholflaschen in der Öffentlichkeit verwendet werden. Ein weiteres Beispiel für die Hinterfragung von Wahrheiten in den Arbeiten von David Bielander.

A new series entitled “Cardboard” directly questions the notions of value generally ascribed to jewellery materials. Playing on the shapes of a child’s craft project or System D, bracelets or crowns in stapled corrugated cardboard are in reality made by him from patinated gold or silver. This series of countercurrent counterfeits continues with objects mimicking brown paper bags – yet another way of citing the displacement and questioning sparked by David Bielander’s creations. photo en haut, à gauche - Cardboard (Heart), 2016, Bracelet, or, Photo © Dirk Eisel photo en haut à droite - Cardboard (Crown), 2015, Couronne ou collier, or, Photo © Dirk Eisel photo en bas - Cardboard, or, Photo © Dirk Eisel

MUDAC Carte blanche à David Bielander - du 8 février au 30 avril 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER - du 8 février au 30 avril 2017 Carte blanche für David Bielander - vom 8. FEBRUAR bis zum 30. APRIL 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER vom 8. FEBRUAR bis zum 30. APRIL 2017 Carte blanche to David Bielander - FROM FEBRUARY 8th to APRIL 30TH 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER - FROM FEBRUARY 8th to APRIL 30TH 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Designer autodidacte, Aldo Bakker (NL, 1971) a développé au cours des trente dernières années une œuvre radicale, animée par une recherche patiente et appliquée sur la forme, au vocabulaire très personnel et souvent inclassable, tournant le dos tant au fonctionnalisme qu’au post-modernisme ou à tout autre mouvement ou tendance. Présenté pour la première fois en Suisse, son travail sera mis en scène comme dans un paysage figé, dont la conception et la réalisation seront assurées par son studio. Une première étape du projet ayant déjà eu lieu au CID – Centre d’Innovation et de Design au Grand Hornu (Belgique) début 2016, l’exposition lausannoise sera pensée en adéquation avec l’environnement particulier du musée. Tous les objets d’Aldo Bakker nous semblent à première vue étrangement familiers; ils nous rappellent des choses que nous avons déjà vues ou utilisées, comme s’ils étaient les archétypes de la culture matérielle qui nous entoure. Une fois passée cette première impression, d’autres questions surgissent. Quelle force a créé ces formes? Un autre choix de couleur aurait-il pu rendre justice à cet objet bien précis? Pourquoi certaines formes suggèrent-elles une utilité fonctionnelle (verser, boire, s’asseoir) alors que l’essence des objets se situe clairement au-delà de leurs qualités pratiques? Cela a-t-il du sens de se demander si ces objets doivent être considérés comme de l’art ou du design? Ils semblent souvent habités d’une personnalité, d’un caractère propre, comme s’il s’agissait de créatures autonomes. Souvent pétris d’une seule matière (céramique, verre, bois, cuivre), ils dessinent des formes organiques, amicales, proches du pictogramme. Pivot, 2014, Courtesy Karakter 2014 © Aldo Bakker, Photo © Erik & Petra Hesmerg

In den letzten dreißig Jahren schuf Aldo Bakker (NL, 1971) als autodidaktischer Designer ein kompromissloses Werk, das von einer geduldigen und sorgfältigen Recherchearbeit an der Form lebt, und dessen Sprache in kein Schema passt. Es wendet sich nicht nur von jeglichem Funktionalismus und Postmodernismus ab, sondern bleibt generell von allen Zeitströmungen und Trends unberührt. Nachdem das Projekt bereits Anfang 2016 am CID - Centre d’Innovation et de Design in Le Grand Hornu (Belgien) sein Debüt gegeben hat, möchte die Ausstellung in Lausanne mit der besonderen Umgebung des Museums harmonieren. Deshalb entwirft und verwirklicht das Studio des Designers für dessen erstmalige Präsentation in der Schweiz eine individuelle Kulisse, vor der sein Werk einer eiserstarrten Landschaft gleich in Szene gesetzt wird. Alle Objekte von Aldo Bakker erscheinen uns auf den ersten Blick seltsam vertraut. Sie erinnern uns an Dinge, die wir schon gesehen oder verwendet haben, so als handele es sich um Archetypen der Gegenstandskultur, die uns umgibt. Wenn dieser erste Eindruck nachlässt, tauchen andere Fragen auf. Welche Kraft steht hinter diesen Formen? Wäre eine andere Farbauswahl genau diesem Gegenstand besser gerecht geworden? Warum suggerieren bestimmte Formen einen funktionalen Zweck (eingießen, trinken, sich setzen), während das Wesen der Gegenstände eindeutig außerhalb ihrer praktischen Eigenschaften liegt? Macht es Sinn, sich zu fragen, ob diese Gegenstände als Kunst oder als Design betrachtet werden müssen? Oft scheinen sie eine Persönlichkeit zu besitzen, einen eigenen Charakter, so als handele es sich um autonome Geschöpfe. Meist sind sie aus einem einzigen Material geschaffen (Keramik, Glas, Holz, Kupfer) und nehmen gefällige, organische Formen an, die an das Piktogramm erinnern.

Over the last thirty years, self-taught designer Aldo Bakker (NL, 1971) has built up a radical body of work. It is driven by painstaking and applied research into form, and is very personal and often unclassifiable in its stylistic vocabulary. He has turned his back on functionalism and post-modernism alike, and is not aligned with any other movement or trend. This will be the first time that his work is exhibited in Switzerland; it will be staged as if in a fixed landscape, with his studio involved in guaranteeing its concept and realisation. The first phase of this project was held at CID – the Centre for Innovation and Design – at Grand Hornu (Belgium) in early 2016; the Lausanne exhibition will be designed with the museum’s unique setting in mind. All of Bakker’s objects seem strangely familiar at first sight; they remind us of things we have seen or used before, almost as if they are the archetypes of the material culture that surrounds us. But immediately after this initial sense of recognition the questioning starts. What force created these shapes? Could any other choice of colour have done justice to this single object? Why do some shapes suggest a functional purpose (pouring, drinking, sitting down) when the essence of the objects clearly lies beyond their practical qualities? Does it make sense to ask whether these objects should be seen as art or design? They often seem to be inhabited by a personality, a character of their own, as if they were autonomous creatures. Often shaped by a single material (ceramics, glass, wood, copper), they sketch out friendly and organic forms, almost pictograms.

Soy Pourer, 2010, Courtesy Thomas Eyck 2010 © Aldo Bakker, Photo © Erik & Petra Hesmerg

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Pour apprendre à les connaître, nous devons faire une pause. Prendre notre temps. Pour entrer en résonnance avec eux, nous devons laisser de côté nos préjugés et écouter les histoires qu’ils nous racontent, nous interroger et mettre nos préférences esthétiques personnelles à l’épreuve. Bien qu’Aldo Bakker ait produit un large panel d’objets – des pièces uniques et des éditions limitées, mais aussi des créations pour des entreprises renommées comme Karakter ou Georg Jensen (DN), Puiforcat et Sèvres (FR), Swarovski (AU) –, l’impact réel de son œuvre n’est pas lié aux quantités produites. La qualité des objets qu’il a dessinés et façonnés, redessinés et re-façonnés encore et encore, réside avant tout dans la façon dont ils changent notre perception de l’ordinaire. Aldo Bakker. Pause/Lausanne illustre sa subtile maîtrise de l’extra-ordinaire. Non par le biais de l’extravagance, mais à travers la finesse et la précision absolue de l’exécution. Depuis ses seize ans, âge où il s’est essayé pour la première fois au dessin, Bakker a opté pour une position indépendante. Fils des designers Gijs Bakker et Emmy Van Leersum, il a baigné toute sa vie dans un univers créatif volontiers pionnier voire transgressif. Il s’est d’ailleurs formé dans un atelier de bijouterie avant de poursuivre son apprentissage en autodidacte, repartant littéralement de zéro. C’est devenu la marque de fabrique de son approche créative: chercher la difficulté, creuser plus profondément lorsque les résultats ne correspondent pas à la forme essentielle qu’il veut saisir. Cette façon de faire implique de travailler en étroite collaboration avec des artisans (menuisiers, orfèvres, maîtres laqueurs Urushi et autres), qui impriment leur savoir-faire et leur sensibilité à la griffe si particulière du designer. L’exposition Aldo Bakker. Pause/Lausanne n’invite pas seulement le visiteur à ralentir et à voir, elle crée aussi un cadre unique qui permet à Aldo Bakker d’évaluer, comparer et combiner des objets qui ont souvent mis des années à mûrir avant de quitter son atelier. Pas étonnant dès lors que Bakker et son équipe aient saisi cette occasion de concevoir eux-mêmes la scénographie de l’exposition, ne laissant aucun détail au hasard.

Um ihr Geheimnis zu ergründen, müssen wir innehalten. Uns Zeit nehmen. Um mit ihnen in Dialog zu treten, müssen wir unsere Voreingenommenheit überwinden und uns auf die Geschichten einlassen, die sie zu erzählen haben, uns selbst hinterfragen und unsere ästhetischen Vorlieben auf die Probe stellen. Obwohl Aldo Bakker eine große Bandbreite an Gegenständen geschaffen hat - Unikate und limitierte Ausgaben, aber auch Objekte für namhafte Marken wie Karakter oder Georg Jensen (DN), Puiforcat und Sèvres (FR) -, ist die tatsächliche Wirkung seines Werkes unabhängig von seiner Quantität. Die Qualität der Gegenstände, die er entworfen und geformt, immer und immer wieder neu entworfen und neu geformt hat, besteht vor allem in ihrer Kraft, unsere Wahrnehmung des Alltäglichen zu verändern. Aldo Bakker. Pause/Lausanne veranschaulicht seine unaufdringliche Beherrschung des NichtAlltäglichen. Nicht durch Extravaganz, sondern durch Spitzfindigkeit und absolute Präzision in der Ausführung. Bereits mit 16 Jahren, als Bakker sich erstmals an der Kunst des Zeichnens versuchte, wählte er eine unabhängige Perspektive. Als Sohn der Designer Gijs Bakker und Emmy Van Leersum war er sein ganzes Leben lang von einer kreativen Welt umgeben, die den Pioniergeist bis zum Tabubruch förderte. Zunächst absolvierte er eine Ausbildung in einem Juwelieratelier, bevor er buchstäblich bei Null anfing und seinen Werdegang als Autodidakt fortsetzte. Die Suche nach der Herausforderung, das Schürfen in der Tiefe, bis es ihm gelingt, das Wesen dessen zu erfassen, was er ausdrücken möchte, wurden zum Markenzeichen seines kreativen Schaffens. Diese Art der Kunst setzt eine enge Zusammenarbeit mit Kunsthandwerkern (Schlossern, Goldschmieden, Urushi-Lackierern und anderen) voraus, die die individuelle Note des Designers mit ihrem Fachwissen und ihrer Sensibilität bereichern. Die Ausstellung Aldo Bakker. Pause/Lausanne lädt den Besucher nicht nur zum Innehalten und Betrachten ein, sondern sie schafft gleichzeitig einen einzigartigen Rahmen, der es Aldo Bakker ermöglicht, Gegenstände, die oft erst nach jahrelanger Entwicklung sein Atelier verlassen haben, einzuschätzen, zu vergleichen und miteinander zu kombinieren. Deshalb ist es nicht verwunderlich, dass Bakker und sein Team diese Gelegenheit ergriffen, die Ausstellung selbst in Szene zu setzen und bis ins kleinste Detail dem Zufall zu entziehen.

To get to know them we will have to stand still. Invest time. Pause. To echo with them we will have to let go of our preconceptions and listen to the stories they tell us, search for relevant questions, and put our personal aesthetic preferences to the test. Although Aldo Bakker has been producing a wide range of objects – one-offs and limited editions next to working for renowned companies like Karakter and Georg Jensen (DN), Puiforcat and Sèvres (FR) and Swarovski (AU) – the actual impact of his oeuvre is not related to numbers. The quality of the works he has drawn and crafted, re-drawn and re-crafted over and over again should first be understood for the way they change our perception of the ordinary. Aldo Bakker. Pause/ Lausanne demonstrates his subtle mastery of the extra-ordinary. Not by being outrageous but through subtlety and absolute precision of execution. Ever since the age of sixteen, when he made his first attempts at drawing, Bakker has chosen an independent position. The son of designers Gijs Bakker and Emmy Van Leersum, he has spent his life immersed in a creative world with a pioneering, even transgressive, spirit. He initially trained in a jeweller’s workshop before starting literally from scratch, teaching himself a new career. It became the trademark of his creative approach: finding out the hard way, digging deeper when the results did not match the essential form he wanted to capture. This process involves close collaborations with craftsmen (carpenters, silver smiths, urushi masters and others), who add their expertise and sensibility to Aldo Baker’s distinct creative signature. Aldo Bakker. Pause/Lausanne not only invites the visitor to slow down and see, the exhibition also creates a unique setting for Aldo Bakker to evaluate, compare and combine objects that often took years to mature before they left the studio. No wonder that Bakker and his team grabbed the opportunity to design the choreography of the exhibition themselves, leaving not the slightest detail to chance.

MUDAC Carte blanche à David Bielander - du 8 février au 30 avril 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER - du 8 février au 30 avril 2017 Carte blanche für David Bielander - vom 8. FEBRUAR bis zum 30. APRIL 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER vom 8. FEBRUAR bis zum 30. APRIL 2017 Carte blanche to David Bielander - FROM FEBRUARY 8th to APRIL 30TH 2017 PAUSE Lausanne - ALDO BAKKER - FROM FEBRUARY 8th to APRIL 30TH 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Marie Azzalini-Hiroz mah@terrecoloree.ch +41 79 858 41 55 www.terrecoloree.ch

Mes créations tendent vers un langage universel, par la recherche d’harmonie entre matières, couleurs, volumes et mouvements. Mes thèmes favoris sont philosophiques; les liens entre l’homme et la spiritualité m’interpellent. Par un simple mouvement peut-on raconter une histoire? Huile, pigments organiques et minéraux, insertions diverses de matières naturelles inspirent ma créativité mieux que des paroles. Durch ihre Suche nach Harmonie zwischen Materialien, Farben, Volumen und Bewegungen neigen die Kreationen von Marie Hiroz zu einer universellen Sprache. Die Lieblingsthemen der Künstlerin sind philosophisch; sie beschäftigen sich mit den Verbindungen zwischen den Menschen und der Spiritualität. Kann man durch eine einfache Bewegung eine Geschichte erzählen? Öl, organische und mineralische Pigmente, sowie das Einfügen verschiedener natürlicher Materialien inspirieren ihre Kreativität mehr als Worte. Marie Hiroz’s creations tend towards a universal language, through the search for harmony between materials, colors, volumes and movements. The favorite themes of the artist are philosophical; the links between man and spirituality challenge her. Can you tell a story with a simple movement? Oil, organic and mineral pigments, various inserts of natural materials inspire her creativity better than words.

Photo du haut - «Vacuité», huile, pigments naturels, papier japonais, toile de jute, 60 x 60 cm Photo du bas - «Vol de l’Ange», huile, pigments naturels, papier japonais, toile de jute, 60 x 60 cm rivierart

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vitrofestival ROMONT 22 -23 avril 2017 romont - SWITZERLAND Après quatre éditions très réussies depuis 2009, le rendez-vous bisannuel du Vitrofestival Romont est devenu incontournable aussi bien pour les passionnés du verre que pour le grand public. Il réunit non seulement les acteurs pour la promotion du verre mais aussi le monde verrier professionnel suisse et étranger. Le programme de cette 5e édition se déroulera sur deux jours et permettra de belles rencontres et découvertes entre professionnels et amateurs. Toutes les activités du week-end sont réunies dans un périmètre restreint autour du musée afin de favoriser l’esprit de partage et de fête. Pour cette nouvelle édition, le Musée du papier peint à Mézières s’associe au Vitrofestival.

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Nach vier sehr erfolgreichen Auflagen seit 2009 ist das Vitrofestival Romont zu einem unverzichtbaren Treffpunkt geworden. Es bringt nicht nur die Vertreter der Glaskunst sondern auch die Welt der nationalen und internationalen GlasspezialistInnen zusammen. Die 5. Auflage dieses Festivals findet an zwei Tagen statt und ermöglicht es, sowohl Neues zu entdecken als auch die Begegnung zwischen Profis und Glasliebhabern zu pflegen. Das Festival findet in einem kleinen Umkreis um das Schloss Romont mit dem Vitromusée statt, mit dem Ziel, ein Gefühl der Gemeinsamkeit und eine Fest-Stimmung zu fördern. Am diesjährigen Festival schliesst sich das Tapetenmuseum in Mezières den Festivitäten an.

After already four “Festival editions”, the bi-annual Vitrofestival Romont has developed into a key event for everyone interested in the arts of glass or glasspainting but also for a large public. Following its launch in 2009, the subsequent successes of 2011, 2013 and 2015 have established the Festival as a recognised meeting point for all lovers of the glass crafts, including promoters and professionals from both Switzerland and abroad. The 5th Vitrofestival is programmed over two days, and is designed to promote contact and an interchange of ideas at all these different levels. The weekend’s activities will all take place within a confined area around the Museum, to encourage a friendly and festive atmosphere. The Wallpaper Museum Mézières will take part in this 5th Festival.


La grande richesse du programme permettra à chacun de trouver plusieurs centres d’intérêt et de curiosité: un marché verrier, des démonstrations, une galerie, une exposition, des conférences, des ateliers pour enfants, une visite de l’entreprise Vetrotech et un Vitrobistro. Le marché verrier est, avec la galerie, le point d’orgue du week-end. Il est situé sur la place (sous des tentes) et dans des salles de l’Hôtel de Ville. La galerie est l’occasion de faire découvrir au public la grande diversité des arts du verre contemporain. Le Vitromusée, en collaboration avec le Musée du papier peint de Mézières organise son exposition d’été sur les arts du verre contemporain en lien avec le Vitrofestival. L’exposition ouvrira ses portes le samedi de la manifestation. Wir hoffen, dass das breite Angebot allen Teilnehmenden und Besuchern Interessantes zu bieten hat: ein Glasmarkt, Vorführungen, eine Galerie, eine Ausstellung, Vorträge, Kinderatelier, das Besuch von Vetrotech und ein Vitrobistro. Der Glasmarkt ist, zusammen mit der Galerie, der Schwerpunkt des Wochenendes und befindet sich auf dem Ratshausplatz (unter einem Zelt) und in den Räumen des Rathauses. Die Galerie gibt dem Publikum die Gelegenheit, die grosse Vielfalt der zeitgenössischen Glaskunst zu entdecken. Das Vitromusée in Zusammenarbeit mit dem Tapetenmuseum in Mézières wird seine Sommerausstellung der zeitgenössischen Glaskunst widmen. Die Ausstellung wird am Samstag des Vitrofestivals eröffnet. A wide-ranging programme has been drawn up, to enable everyone at the event to encounter appealing or intriguing objects and experiences: a glass market, demonstrations, a gallery, exhibitions, conferences, workshops for children, the visit of the Vetrotech glass factory and a Vitrobistro. The glass market, along with the gallery, forms the heart and soul of the festival. The gallery provides an opportunity for glass artists to present their recent work in the castle courtyard and surrounding area, and for the public to discover the great diversity of contemporary glass art. The Vitromusée and the Wallpaper Museum Mézières are organizing their summer exhibition on contemporary glass art in connection with the Vitrofestival. The exhibition will open on Saturday, 22nd April 2017.

VITROFESTIVAL Le programme détaillé du Vitrofestival sera mis à disposition sur le site internet Das detaillierte Programmheft des Vitrofestivals steht online zur freien Verfügung The detailed programme will be available on the festival’s website www.vitrofestival.ch rivierart

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Musée rath Le retour des ténèbres jusqu’au 19 mars 2017 Genève - SWITZERLAND Une créature monstrueuse faite de main d’homme, un vampire aristocrate et des ténèbres qui engloutissent la terre. Les trois récits imaginés à Cologny durant l’été 1816 par Mary Shelley (1797-1851), John Polidori (1795-1821) et Lord Byron (1788-1824) trouvent leur inspiration dans la littérature de terreur née en Grande-Bretagne dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et dans les conditions météorologiques apocalyptiques de cette année-là. Les hideuses progénitures de Mary Shelley et John Polidori en particulier marquent le début d’un gothique moderne et vont avoir une nombreuse descendance. L’exposition, grâce à un riche ensemble d’œuvres allant du XVIIIe au XXIe siècle, propose un regard sur ce genre littéraire et artistique qui met en lumière la part d’ombre de l’humanité.

Ein von Menschenhand geschaffenes Monster, ein adliger Vampir und eine Finsternis, in der die Welt versinkt. Die drei Erzählungen, die im Sommer 1816 von Mary Shelley (1797–1851), John Polidori (1795–1821) und Lord Byron (1788–1824) in Cologny erdacht wurden, sind von der Schauerliteratur, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Grossbritannien aufkam, und von den apokalyptischen Wetterbedingungen jenes Jahrs geprägt. Vor allem die abstossenden Geschöpfe von Mary Shelley und John Polidori markieren den Beginn einer modernen Gotik und finden zahlreiche Nachbildungen. Dank einer reichen Auswahl an Werken, aus dem 18. bis 21. Jahrhundert, gewährt die Ausstellung einen Blick auf dieses literarische und künstlerische Genre, das die Schattenseite der Menschheit ins Licht rückt.

A monstrous creature made by human hands, an aristocratic vampire and darkness falling upon the earth. The three narratives imagined in Cologny during the summer of 1816 by Mary Shelley (1797–1851), John Polidori (1795–1821), and Lord Byron (1788–1824) were inspired by the literature of terror which had emerged during the second half of the eighteenth century in Great Britain, and the apocalyptic weather conditions in the year of their creation. The hideous progeny of Mary Shelley and John Polidori in particular mark the beginnings of a modern gothic fiction that continues to resonate and influence. Thanks to a rich selection of works spanning the centuries from the eighteenth to the twenty-first, the exhibition offers a perspective on this artistic and literary genre, and shines a light on the dark side of humanity.

Caspar Wolf, Suisse, 1735-1783, Gewitter und Blitzschlag am unteren Grindelwaldgletscher, vers 1774-1775, Huile sur toile, 54 x 82 cm, © Aarau, Aargauer Kunsthaus, inv. 242, Photo : Brigitt Lattmann

Cycle de peintures murales provenant du château de Cruet (Savoie), début du XIVe siècle. Le coucher nuptial de Charlemagne, panneau 5, Peinture sur enduit sec avec liant organique. Haut. 197 x larg. variable de 130 à 450 cm. © Musée Savoisien - Musée d’histoire et des cultures de la Savoie (dépôt), Chambéry. Photo : MAH, Sandra Pointet

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Musée jenisch Rien que pour vos yeux jusqu’au 26 février 2017 vevey - SWITZERLAND Bonnard, Carrière, Corot, Guerchin, Laurencin, Millet, Steinlen, Soutter, Vallotton: pour parer aux frimas de l’hiver, le Musée Jenisch propose une ode revigorante au trait et à la virtuosité de la main, affirmant haut et fort son amour du dessin. Au travers d’une sélection des plus belles pages de ses collections, l’institution veveysanne invite le spectateur à plonger dans la richesse et la diversité de ces feuilles, dont une grande part est ici montrée pour la première fois au public. De la Renaissance italienne à la première moitié du XXe siècle, l’exposition aborde ainsi les grands noms de l’histoire de l’art par le biais du dessin. Elle s’accompagne d’un film produit tout spécialement pour l’occasion, réalisé par Lila Ribi.

Bonnard, Carrière, Corot, Guerchin, Laurencin, Millet, Steinlen, Soutter, Vallotton: um sich gegen die winterliche Kälte zu wappnen, lässt das Musée Jenisch eine stärkende Ode an den Zeichenstift und die Virtuosität der Hand erklingen und gibt so seiner Liebe zur Zeichenkunst einen klangvollen Ausdruck. Mit einer Auswahl der schönsten Blätter aus seiner Sammlung lädt das Museum das Publikum ein, sich in die Fülle und Vielfalt dieser Arbeiten zu vertiefen, die zu einem grossen Teil erstmals öffentlich zu sehen sind. Die Schau, die Zeichnungen bedeutender Künstlerinnen und Künstler von der italienischen Renaissance bis in die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts vereint, wird von einem Film begleitet, den Lila Ribi eigens für diese Schau geschaffen hat.

Bonnard, Carrière, Corot, Guerchin, Laurencin, Millet, Steinlen, Soutter, Vallotton: to ward off the winter chills, the Musée Jenisch offers an invigorating ode to line and draughtsmanship and affirms its love for the art of drawing. The museum presents a selection of the finest images from their collections, many of which are receiving their first public showing, and invite visitors to immerse themselves in their richness and diversity. From the Italian Renaissance to the first half of the 20th century, the exhibition explores the great names of art history through the medium of drawing. It is accompanied by a film specially produced for the occasion by Lila Ribi.

photo de gauche - Giovanni Francesco Barbieri, dit Guerchin (Cento 1591-1666 Bologne), Deux anges les bras levés, non daté, Plume, encres brune et grise, lavis brun et gris sur papier vergé gris-beige, 176, x 197 mm © Musée Jenisch Vevey photo en haut à droite - Antonio d’Enrico, dit Tanzio da Varallo, (Riale d’Alagna vers 1575/1580 - vers 1628-1629 Varallo), attribué à Étude pour la figure d’Ève dans la fresque «Adam et Ève chassés du paradis» (recto), XVIIe siècle, Sanguine sur papier vergé, beige clair filigrané, 156 × 129 mm, Musée Jenisch Vevey, legs anonyme © Musée Jenisch Vevey, Photo: Julien Gremaud, Vevey photo en bas à droite - Jean-François Millet (Gruchy (hameau de Gévrille)1814-1875 Barbizon), Deux études de pied gauche, probablement pour «Le Vigneron» (recto), vers 1869-1870, Crayon noir sur papier vélin beige, 122 × 196 mm, Musée Jenisch Vevey, legs anonyme © Musée Jenisch Vevey, Photo: Julien Gremaud, Vevey

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musée DES BEAUX-ARTS Saison soviétique jusqu’au 30 avril 2017 LA CHAUX-DE-FONDS - SWITZERLAND Pour son exposition phare de l’année, «L’Utopie au quotidien. Objets soviétiques 1953-1991», le musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds saisit l’occasion de deux anniversaires qui marquent symboliquement le début et la fin de l’épopée soviétique, le centenaire de la révolution russe de 1917 et les 25 ans de la chute de l’Union soviétique en 1991. L’exposition se propose de prendre au sérieux l’idée d’une véritable «civilisation soviétique» singulière et cohérente, qui, après les années de transition de l’entre-deux-guerres, a trouvé sa réalisation la plus complète pendant les quatre décennies qui ont suivi la mort de Staline. Pour donner à la fois une idée d’ensemble de son système de valeurs et un aperçu vivant des conséquences pratiques souvent étonnantes de cette tentative généralisée de réalisation d’une utopie, elle mettra en valeur des objets usuels, à la fois très spécifiques et longtemps universellement répandus dans tout l’espace soviétique, bien que nombre d’entre eux soient aujourd’hui devenus fort rares.

Für seine Ausstellung des Jahres, „Die Utopie im Alltag. Sowjetgegenstände 1953-1991“, nimmt das Kunstmuseum La Chaux-de-Fonds die beiden Jubiläen zum Anlass, welche den Beginn und das Ende der sowjetischen Geschichte markieren - den hundertsten Jahrestag der Oktoberrevolution in 1917 und den 25. Jahrestag des Untergangs der Sowjetunion in 1991. Die Ausstellung nimmt sich der Idee einer eigenständigen und kohärenten „sowjetischen Zivilisation“ an. Eine Zivilisation, welche nach der bewegten Zwischenkriegszeit in den vier Jahrzehnten nach Stalins Tod ihre umfassendste Ausprägung fand. Die Ausstellung versucht, einen Überblick über das Wertesystem zu vermitteln und gleichzeitig einen lebendigen Einblick in die -+ oftmals erstaunlichen - praktischen Auswirkungen dieses umfassenden Versuches zu geben, eine Utopie Wirklichkeit werden zu lassen. Sie präsentiert Alltagsgegenstände, die sehr spezifisch und in der ganzen Sowjetunion weit verbreitet waren, heute jedoch zum Teil bereits Seltenheitswert geniessen.

Radio « Zvezda-54 » / « Etoile 54 », 1954–1960, plastique, métal, Musée d’ethnographie de Genève / photographie, J. Watts

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For its principal exhibition of the year, “Utopia in everyday life. Soviet Objects 1953-1991”, the Museum of Fine Arts of La Chaux-de-Fonds has seized upon two anniversaries, the events of which symbolically mark the beginning and the end of the Soviet era, the centenary of the Russian Revolution of 1917 and the 25th anniversary of the fall of the Soviet Union in 1991. The exhibition presents the idea of a singular and coherent “Soviet civilization” which, after the transitional years of the interwar period, found its most complete realisation during the four decades after Stalin’s death. To give both an overall idea of the system of values as well as a vivid insight into the often astonishing practical consequences of the large scale attempt at creating a utopia, it will highlight common objects both at the same time very specific and also universally found throughout the Soviet space, although many are rare today.

Boîte de poudre dentifrice « Enfantine », années 1960, papier, carton, Musée d’ethnographie de Genève


photo en haut à gauche - Le Livre de la cuisine saine et savoureuse, éditions de 1954 et de 1965, Moscou, collection privée / photographie P. Bohrer / MBA photo en haut à droite - Mascotte « Micha » des Jeux olympiques de Moscou, 1980, peluche, plastique, tissu, collection Joël Rappan / photographie P. Bohrer / MBA photo en bas à gauche - Poupée « hôtesse de l’air », années 1970, plastique, collection privée / photographie P. Bohrer / MBA photo en bas à droite - Divers numéros de journaux (« Pravda », « Vetchernyaya Moskva ») consacrés à la conquête du cosmos, années 1960, collection privée / photographie P. Bohrer /MBA

Pour dresser un panorama aussi large que possible du système de valeurs ainsi que des divers aspects pratiques de la vie soviétique, les objets seront répartis en huit sections consacrées à des thématiques qui traversent l’ensemble de la période soviétique: les étapes de la vie et leurs rituels, le logement et la quête du nécessaire dans une société de pénurie, les occasions publiques ou privées de faire la fête, le travail, le rapport aux loisirs, les motifs de fierté et le rapport aux autres. Des sections consacrées aux cadres de vie (habitat et styles d’architectures) et à l’histoire du design en URSS compléteront cette présentation d’environ 500 objets.

Um ein möglichst breites Panorama des Wertesystems und der praktischen Aspekte sowjetischen Lebens zu zeichnen, werden die Ausstellungsobjekte in acht thematische Sektionen gegliedert, die die gesamte sowjetische Periode behandeln: die grossen Etappen des Lebens und deren Rituale, das Wohnungswesen und die Suche nach dem Notwendigen in einer unterversorgten Gesellschaft, das Feiern von öffentlichen oder privaten Anlässen, die Arbeit, das Verhältnis zur Freizeit, das Motiv des Stolzes und das Verhältnis zu den Anderen. Bereiche zum Lebensraum (Wohnen und Architekturstile) und zur Designgeschichte der UdSSR ergänzen die rund 500 ausgestellten Objekte.

In order to give us as great an insight as possible to the value system as well as the various practical aspects of the Soviet life, the objects will be divided into eight sections devoted to themes that cross the whole Soviet period: stages of life and their rituals, housing and the quest for the necessary in a society of shortage, public or private celebratory events, work, relationship with leisure, motivations for pride and relationship to others. Sections devoted to the living environment (habitat and architectural styles) and the history of design in the USSR will complete this presentation of about 500 objects.

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Robe de soirée. Moscou, URSS, années 1950. Tulle multicouches avec applique contrastée en broderie. Provient de la garde-robe de l’actrice Alla Parfaniak (1923-2009). Fondation Alexandre Vassiliev

L’exposition dans l’exposition : « Soviet glamour. La haute-couture en URSS ». Conçue spécialement pour l’occasion, cette exposition trouvera tout naturellement sa place au coeur du parcours de l’exposition L’Utopie au quotidien, à laquelle elle apportera un complément bienvenu. En proposant un panorama de 40 ans de haute-couture soviétique, à travers une riche sélection de vêtements et d’accessoires des années 1950 à la fin de l’URSS, elle apportera une autre dimension à l’exposition principale. Les objets présentés proviendront tous de la remarquable collection d’Alexandre Vassiliev, célèbre historien de la mode, créateur de costumes, décorateur d’intérieur et de théâtre, et également animateur d’émissions télévisuelles, conférencier et écrivain. Sa collection consacrée à la mode russe et européenne comporte plus de 50’000 objets datant du XVIIe siècle à nos jours.

Robe de cocktail à manches chauve-souris. Moscou, URSS, fin des années 1980. Peluche extensible. Provient de la garde-robe de l’actrice Lioudmila Gourchenko (19352011). Fondation Alexandre Vassiliev

Die Ausstellung in der Ausstellung : „Sowjet Glamour. Haute Couture in der UdSSR“. Diese speziell für diesen Anlass konzipierte Ausstellung, findet ganz natürlich ihren Platz im Rahmen der Ausstellung „Die Utopie im Alltag.“, welche sie in willkommener Weise ergänzt. Durch das Bereitstellen einer Übersicht von 40 Jahren Sowjet Couture und durch die reiche Auswahl an Kleidung und Accessoires aus den 1950er Jahren bis zum Ende der UdSSR eröffnet sie der Hauptausstellung eine weitere Dimension. Alle Objekte stammen aus der bemerkenswerten Sammlung von Alexander Vassiliev, einem berühmten Modehistoriker, Kostümdesigner, Innen- und Theaterdekorateur und auch Moderator von Fernsehprogrammen, Redner und Schriftsteller. Seine der russischen und europäischen Mode gewidmete Sammlung umfasst mehr als 50.000 Objekte aus dem siebzehnten Jahrhundert bis zur Gegenwart.

An exhibition within the exhibition: “Soviet glamor. Haute-couture in the USSR”. Designed especially for the occasion, this exhibition will naturally be found at the heart of the exhibition “L’Utopie au quotidien” (Everyday Utopia) bringing a welcome complement to it. Offering a panorama of 40 years of Soviet Hautecouture, through a rich selection of clothing and accessories from the 1950s to the end of the USSR, it will bring another dimension to the main exhibition. The objects presented will all come from the remarkable collection of Alexandre Vassiliev, famous fashion historian, costume designer, interior and theatre designer, and also television host lecturer and writer. His collection, devoted to Russian and European fashion, features more than 50,000 objects from the 17th century to the present day.

musée des beaux-arts de la chaux-de-fonds L’Utopie au quotidien. Objets soviétiques - Soviet glamour - Vladimir Sokolaev - jusqu’au 30 AVRIL 2017 Die Utopie im Alltag. Sowjetgegenstände - Sowjet Glamour - Vladimir Sokolaev - bis zum 30. APRIL 2017 Everyday Utopia. Soviet Objects - Soviet glamor - Vladimir Sokolaev - until APRIL 30TH 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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Vladimir Sokolaev. Reporter de l’ordinaire En parallèle à l’exposition principale, le musée des Beaux-arts de la Chauxde-Fonds présente l’exposition « Vladimir Sokolaev. Reporter de l’ordinaire ». À la fin des années 1970, à Novokuznetsk, ville industrielle et minière sibérienne d’un demi-million d’habitants, trois jeunes photographes amateurs créent le groupe de photographie créative TRIVA et se lancent dans un projet de documentation du quotidien soviétique. À côté de travaux de commande officiels, ils accumulent des photographies parfaitement impubliables, où ils appliquent à des scènes de la vie ordinaire une esthétique de l’instant décisif hostile à toute idée de retouche ou de mise en scène. Rapidement interdit, le groupe parvient à sauver une partie de ses archives, qui devront attendre plus de trente ans pour être enfin présentées à un large public. Exposées pour la première fois en Suisse, les photographies de Vladimir Sokolaev (1952-2016) portent un regard toujours humain et souvent teinté d’humour sur une réalité quotidienne au goût âpre, restée hors champ de la photographie russe de l’époque. Vladimir Sokolaev. Reporter des Gewöhnlichen Parallel zur Hauptausstellung präsentiert das Kunstmuseum La Chauxde-Fonds die Ausstellung „Vladimir Sokolaev. Reporter des Gewöhnlichen“. Ende der 1970er Jahre in Nowokusnezk, einer sibirischen Industrie-und Bergbaustadt von einer halben Million Einwohner, haben drei junge Amateurfotografen die Gruppe TRIVA gegründet und begeben sich auf eine Projektdokumentation des Sowjetalltags. Neben offiziellen Bestellarbeiten häufen sie vollkommen unveröffentlichbare Fotografien an, für die sie in Szenen des alltäglichen Lebens die Ästhetik des entscheidenden Augenblickes anwenden, der gegen jede Idee der Bearbeitung oder Inszenierung ist. Schnell verboten, gelingt es der Gruppe dennoch, einen Teil ihrer Archive zu retten, die nach über dreissig Jahren Warten schliesslich einem breiten Publikum vorgestellt werden können. Die zum ersten Mal in der Schweiz ausgestellten Fotografien von Vladimir Sokolaev (1952-2016) tragen einen Blick, der die tägliche raue Realität, die ausserhalb des Blickfeldes der damaligen russischen Fotografie blieb, nach wie vor menschlich und oft mit Humor färbt. Vladimir Sokolaev. Reporter of the Ordinary Alongside the main exhibition, the Museum of Fine Arts of La Chaux-deFonds presents the exhibition “Vladimir Sokolaev. Reporter of the Ordinary”. In the late 1970s in Novokuznetsk, a Siberian industrial and mining town of half a million inhabitants, three young amateur photographers created the creative photography group TRIVA and embarked on a documentary project of Soviet everyday life. Alongside official works, they accumulate completely unpublishable photographs in which they apply to scenes of ordinary life an aesthetic of the decisive moment hostile to any idea of retouching or staging. Quickly forbidden, the group managed to save a part of these archives which waited more than thirty years to be finally presented to the public. Exhibited for the first time in Switzerland, Vladimir Sokolaev’s photographs (1952-2016) always carry a human aspect often tinged with humor depicting what was a daily bitter reality, setting it apart from the Russian photography of the time. photo du haut - Vladimir Sokolaev (1952-2016), Arrosage de la piste de glace du stade « Mettalourgue », Novokouznetsk, 11.02.1984. Tirage contemporain, agence Soiuz, Collection de la famille de l’artiste 2ème photo depuis le haut - Vladimir Sokolaev (1952-2016), Groupe d’enfants en promenade. Maison de l’enfant No2, Novokouznetsk, 7.06.1981. Tirage contemporain, agence Soiuz, Collection de la famille de l’artiste 3ème photo depuis le haut - Vladimir Sokolaev (1952-2016), Gâteaux pour carnaval, place Mayakovski, Novokouznetsk, 1976. Tirage contemporain, agence Soiuz, Collection de la famille de l’artiste photo du bas - Vladimir Sokolaev (1952-2016), Réparation de voiture au milieu de l’avenue Kourako, Novokouznetsk, 13.10.1981. Tirage contemporain, agence Soiuz, Collection de la famille de l’artiste

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Kunstmuseum Bern Terry Fox. Elemental Gestures du 10 mars au 5 juin 2017 Bern - SWITZERLAND Dans cette exposition individuelle, le Kunstmuseum Bern nous fait redécouvrir la variété de l’oeuvre de Terry Fox (1943–2008), à travers vidéos, photos, dessins et objets. Ce performeur et artiste conceptuel américain, qui utilise aussi le son, est ce qu’on appelle un «artist’s artist», un artiste essentiellement connu des milieux artistiques entre les années 70 et 90. Son travail cherche à fondre l’art et la vie, comme cela se faisait à l’époque, et à créer des gestes élémentaires. Terry Fox s’est en effet éloigné assez vite des formes artistiques traditionnelles comme la peinture.

Das Kunstmuseum Bern entdeckt in dieser Einzelausstellung, das vielfältige Werk von Terry Fox (1943–2008), der aus Videos, Fotos, Zeichnungen und Objekten besteht. Der amerikanische Performance-, Klang- und Konzeptkünstler gilt als sogenannter artist’s artist, als Künstler, der zwischen den 1970er und 1990er Jahren vor allem in Künstlerkreisen bekannt wurde. Mit seiner Arbeit ist der Anspruch verbunden, Kunst mit dem Leben zu verschmelzen, wie es in jener Zeit üblich war und in elementare Gesten zu giessen. So wandte sich Terry Fox früh von traditionellen Kunstformen wie der Malerei ab.

The Kunstmuseum Bern is exploring the videos, photos, drawings, and objects of the highly diverse oeuvre of Terry Fox (1943–2008) in a solo exhibition. Terry Fox was an American performance, sound, and conceptual artist. He was more what is known as an artists’ artist, that is, an artist who was primarily a big name in artists’ circles during the 70s and 90s. As was popular in art at the time, Terry Fox strived to conflate art and life in his work, achieving this synthesis in the shape of elementary gestures. Consequently he very early abandoned traditional forms of art such as painting.

photo de gauche - Terry Fox, Locus Harmonium, Furk’art 1990. Performance auf dem Weg zwischen Furkapass und Sidelengletscher, © Foto: Urs Fischer

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Stattdessen begann er, Alltagssituationen als Aktionen der Kunst zu inszenieren und im Rahmen von Performances immer häufiger auch seinen Körper einzusetzen. In seinen Werken beschäftigten ihn persönliche Erfahrungen und seine eigene unmittelbare Lebenswahrnehmung. Eine wichtige Rolle spielte dabei das Labyrinth in der Kathedrale von Chartres. Terry Fox entdeckte es während einer Reise 1971. In den folgenden elf Jahren setzte er sich intensiv damit auseinander. Er deutete es metaphorisch als seinen eigenen, von Krankheit geprägten Lebensweg. Der Pfad des Labyrinths führt zwar sicher ins Zentrum, ist aber so gewunden, dass man den Überblick verliert. Diese Schwierigkeiten verarbeitete Terry Fox in seinen Arbeiten. So befasste er sich mit komplexen Textanordnungen und Geheimcodes. Ab Mitte der 1970er Jahre nutzte er Räume als Resonanzkörper für seine Klangperformances, indem er Klaviersaiten von Wand zu Wand spannte und beeinflusste damit auch die europäische Klangkunstbewegung. Terry Fox war aber auch von den Werken Adolf Wölflis und Robert Walsers fasziniert. Auch daran knüpft die Ausstellung. Den Auftakt bildet eine Aktion von Terry Fox an der Furk’Art 1990, zu der er eine Performance und eine Installation beisteuerte. Die Ausstellung versammelt die mediale Bandbreite an Werken von Terry Fox und versucht, seinem thematischen Universum näher zu kommen. Instead he began to stage everyday situations as art performances and within this framework increasingly resorted to implementing his own body as part of the work. In his art he explored personal experiences and his own spontaneous perception of life. The labyrinth in Chartres Cathedral played a key role in his work. He chanced upon it while traveling in 1971 and intensively perused its relevance over the next eleven years. For him it was a metaphor for his own path in life, which overshadowed by sickness - while paths through a labyrinth inevitably lead to its center, there are so many twists and turns that we lose track of the course we have taken. It is adversities such as these that Terry Fox scrutinizes in his work and which make complex text arrangements and secret codes so intriguing to the artist. From the mid-70s, Terry Fox utilized space as a resonance chamber for his sound performances by spanning piano strings from wall to wall. With this approach he made a profound impact on sound art in Europe. Additionally the work of Adolf Wölfli and Robert Walser fascinated him. The exhibition also explores this facet of his work. The show commences with a performance staged by Terry Fox at Furk’Art 1990, where he also presented an installation. The exhibition comprises a selection that represents the wide scope in Terry Fox’s use of media in his art and seeks to comprehend the scope and meanings of his thematic universe.

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Il a commencé à transformer les situations du quotidien en mises en scène artistiques et à utiliser de plus en plus souvent son propre corps pour faire des performances. Son oeuvre s’inspirait de ses expériences personnelles et de sa perception directe de l’existence. Le labyrinthe de la cathédrale de Chartres a par exemple joué un rôle important. Il l’a découvert lors d’un voyage en 1971 et l’idée ne l’a plus quitté pendant les onze années suivantes. Il y voyait une métaphore de son propre parcours, marqué par la maladie. Les tracés du labyrinthe mènent certes au centre, mais ses sinuosités empêchent toute vue d’ensemble et nous font perdre tout recul. Ce sont ces difficultés dont s’est emparé Terry Fox dans ses travaux. Il s’est arrêté sur des dispositions de textes complexes et des codes secrets. A partir du milieu des années 70, il a utilisé les pièces comme des caisses de résonance pour ses performances sonores, en tendant des cordes de piano d’un mur à l’autre, influençant ainsi la mouvance de l’art sonore. Mais Terry Fox était aussi fasciné par les oeuvres d’Adolf Wölfli et Robert Walser, que l’exposition présente également. L’exposition commence par une intervention de Terry Fox dans le cadre du projet Furk’Art en 1990, auquel il participa avec une performance et une installation. Elle regroupe ensuite des oeuvres de Terry Fox sur toute une palette de supports et tente de cerner son univers thématique.

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musée DE l’élysée Sans limite. Photographies de montagne jusqu’au 30 avril 2017 Lausanne - SWITZERLAND L’exposition Sans limite. Photographies de montagne, la première du genre, part du constat que la photographie a inventé le paysage de montagne en le révélant aux yeux du monde. La photographie est héritière d’une certaine idée de la montagne et du sublime, intimement liée au romantisme pictural. Jusqu’au 19e siècle, la montagne était considérée comme « le territoire de Dieu », lieu maudit et fantasmé, où nul ne pouvait se rendre. Les pionniers de la photographie en montagne ont permis de découvrir les sommets jamais atteints auparavant.

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Die Ausstellung Grenzenlose Gipfel. Gebirgsfotografien, basiert auf der Feststellung, dass die Fotografie die Gebirgslandschaft erst erfand, indem sie sie der Welt zugänglich machte. Die Fotografie steht in der Tradition einer ganz bestimmten Vorstellung des Berges und des Erhabenen, welche eng mit der Malerei der Romantik verbunden ist. Das Gebirge galt bis ins 19. Jahrhundert hinein als „Hoheitsgebiet Gottes“ - ein unheilvoller, fantasiebeladener Ort, der für alle unerreichbar war. Erst mit den Pionieren der Gebirgsfotografie wurde der Anblick nie zuvor erklommener Gipfel möglich.

The exhibition No vertical limit. Mountain photography, the first of its kind, is based on the premise that photography invented the mountain landscape by revealing it to the eyes of the world. Photography is heir to a certain idea of the mountains and of the sublime, closely linked to pictorial romanticism. Until the 19th century, the mountain was considered to be “God’s country”, a cursed and surreal place, inaccessible to man. The pioneers of mountain photography revealed summits that had not yet been conquered. Aurore Bagarry, Glacier du Tour, vue prise près du refuge Albert 1er 2012 © Aurore Bagarry, courtoisie Galerie Sit Down, Collection du Musée de l’Elysée


Avec près de 300 tirages exposés, Daniel Girardin, commissaire de l’exposition et conservateur en chef au musée, met à l’honneur des tirages de toutes les époques, et souligne : « Les montagnes, et plus particulièrement les Alpes d’Europe, sont le point fort des collections du Musée de l’Elysée. Parmi les trésors des collections exposés, il y a des plaques de Gabriel Lippmann, des tirages de René Burri, Emile Gos, Francis Frith, Adolphe Braun et William Donkin. Et aussi des contemporains comme Balthasar Burkhard, Matthieu Gafsou, Pierre Vallet ou Iris Hutegger. » L’exposition s’articule autour de quatre approches de la photographie de montagne: la photographie scientifique, qui présente de nombreux tirages de glaciers et a permis l’étude des roches et la documentation visuelle de la géologie; la photographie touristique qui, dès 1860, facilite la vente de centaines de tirages aux touristes; la photographie d’alpinisme qui dévoile des paysages de montagnes inaccessibles et pour finir la photographie artistique. Ces quatre directions s’associent au fur et à mesure que le visiteur avance dans l’exposition. L’exposition met en évidence les stratégies formelles qu’utilisent les photographes afin de présenter la montagne: l’horizontalité, la verticalité, la frontalité et la contre-plongée ou vue aérienne. L’exposition met également en valeur les techniques prisées par les photographes: les grands formats au 19e siècle, les panoramas, les photographies stéréoscopiques et les très grands formats numériques contemporains.

Mit knapp 300 Exponaten hat Daniel Girardin, Kurator der Ausstellung und Konservator am Museum, Fotografien aller Epochen zusammengestellt und erklärt: „Berge - und ganz speziell die Alpen - sind ein Sammlungsschwerpunkt des Musée de l’Elysée. Zu den hier präsentierten Schätzen aus der Sammlung gehören Abzüge von Gabriel Lippmann, René Burri, Emile Gos, Francis Frith, Adolphe Braun und William Donkin. Hinzu kommen Zeitgenossen wie Balthasar Burkhard, Matthieu Gafsou, Pierre Vallet und Iris Hutegger.“ Die Ausstellung gliedert sich in vier unterschiedliche Richtungen der Gebirgsfotografie: die Wissenschaftsfotografie, mit zahlreichen Gletscheraufnahmen für Gesteinsstudien sowie geologischen Bilddokumentationen; die Tourismusfotografie, die seit 1860 den Verkauf hundertfach abgezogener Fotografien an Touristen begünstigt; die Bergsteigerfotografie, die erstmals für Ansichten unerreichbarer Gebirgslandschaften sorgte und zuletzt die künstlerische Fotografie. Beim Gang durch die Ausstellung verbinden sich diese vier Stränge zunehmend. Die Ausstellung verdeutlicht – mit horizontalen, vertikalen, oder frontalen sowie aus der Froschoder der Vogelperspektive aufgenommenen Ansichten – die gestalterischen Konzepte der Fotografen für die Gebirgsdarstellung. Darüber hinaus beleuchtet die Schau mit den Grossformaten des 19. Jahrhunderts, mit Panoramen, Stereofotografien und den ausgesprochen grossen Digitalbildern der heutigen Zeit auch die bevorzugt verwendeten fotografischen Techniken.

With almost 300 prints on view, three quarters of which are from the Musée de l’Elysée’s collections, Daniel Girardin, chief curator at the museum and curator of the exhibition, gives pride of place to prints from every period, including many contemporary works. “The mountains and especially the European Alps are the strong point of the Musée de l’Elysée’s collections. Among the treasures form the collections exhibited here, there are plaques by Gabriel Lippmann, prints by René Burri, Emile Gos, Francis Frith, Adolphe Braun and William Donkin, as well as by contemporaries such as Balthasar Burkhard, Matthieu Gafsou, Pierre Vallet and Iris Hutegger.” The exhibition is organized around four approaches to mountain photography: scientific photography, with many prints of glaciers which helped studying rocks and became a visual documentation of geology; travel photography, which facilitated the sale of hundreds of prints to tourists as of the 1860s; mountaineering photography, revealing inaccessible mountain landscapes and fineart photography. These four approaches come together as the visitor moves through the exhibition. The exhibition reveals the formal strategies used by photographers to present the mountain: horizontality, verticality, frontality and low-angle shots or aerial views. The exhibition also highlights the techniques used by photographers: the large formats of the 19th century, panoramas, stereoscopic photographs and the very large digital formats used today.

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ? Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle. Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui ! Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch rivierart

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h


LE Musée MUSéE Olympique OLYMPIQUE Le Quai d’Ouchy d’Ouchy 11 ,, CH CH -1006 -1006 Lausanne Lausanne Quai Tél :: +41 +41 (0) (0) 21 21 621 621 65 65 11 11 Tél info.museum@olympic.org info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee www.olympic.org/musee mai au au 14 14 octobre, octobre, ouvert ouvert tous tous les les jours jours du 11erer mai du de 9h 9h àà 18h 18h -- du du 15 15 octobre octobre au au 30 30 avril, avril, ouvert ouvert de du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 18h, 18h, fermé fermé du janvier le lundi. lundi. Fermé Fermé le le 25 25 décembre décembre et et le le 11erer janvier le COLLECTION DE DE L’ART L’ART BRUT BRUT COLLECTION Av. des des Bergières Bergières 11, 11, CH CH -- 1004 1004 Lausanne Lausanne Av. Tél :: 021 021 315 315 25 25 70 70 Fax :: 021 021 315 315 25 25 71 71 Tél Fax art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h, 18h, ouvert ouvert du les jours jours fériés, fériés, fermé fermé les les 24, 24, 25 25 décembre décembre et et les le 11erer janvier janvier Ouvert Ouvert le le lundi lundi en en juillet juillet et et août. août. le Entrée libre libre le le premier premier samedi samedi du du mois. mois. Entrée

MUSéE DE DE L’ELYSEE L’ELYSEE MUSÉE Avenue de de l’Elysée l’Elysée 18, 18, CH CH -- 1014 1014 Lausanne Lausanne Avenue Tél :: 021 021 316 316 99 99 11 11 Fax :: 021 021 316 316 99 99 12 12 Tél Fax www.elysee.ch www.elysee.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h 18h du fermé le le lundi, lundi, sauf sauf les les jours jours fériés fériés fermé

MUSéE de DE design DESIGN et ET d’arts D’ARTS appliqués APPLIQUéS musée CONTEMPORAINS contemporains Place de de la la cathédrale cathédrale 6, 6, CH CH -- 1005 1005 Lausanne Lausanne place Tél :: +41 +41 21 21 315 315 25 25 27 27 Fax Fax :: +41 +41 21 21 315 315 25 25 39 39 Tél www.mudac.ch www.mudac.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h 18h du ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août août ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et

ESPACE Ballon BALLON Espace Chemin des des Ballons Ballons 2, 2, CH CH -- 1660 1660 Château-d’Oex Château-d’Oex Chemin Tél :: +41 +41 (0)78 (0)78 723 723 78 78 33 33 Tél info@espace-ballon.ch info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 14h 14h àà 17h 17h Ouvert Novembre :: Fermeture Fermeture annuelle annuelle Novembre

MUSéE DU DU VIEUX VIEUX PAYS-D’ENHAUT PAYS-D’ENHAUT MUSÉE Grand Rue Rue 107, 107, CH CH -- 1660 1660 Château-d’Oex Château-d’Oex Grand Conservateur :Jean-Frédéric :Jean-Frédéric Henchoz Henchoz Conservateur Tél : 026 924 65 20 Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi mardi au au dimanche, dimanche, de de 14h 14h àà 17h 17h du fermeture annuelle annuelle durant durant le le mois mois de de fermeture novembre. novembre.

MUSéE DES DES MINÉRAUX MINéRAUX ET ET DES DES FOSSILES FOSSILES MUSÉE Bâtiment communal communal de de Rougemont Rougemont Bâtiment Rougemont Tourisme Tourisme Rougemont Rte de de la la Croisette Croisette 16 16 -- 1659 1659 Rougemont Rougemont Rte Tél :: 026 026 925 925 11 11 66 66 Fax :: 026 026 925 925 11 11 67 67 Tél Fax info@rougemont.ch info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch www.chateau-doex.ch du lundi lundi au au vendredi vendredi de de 8h30 8h30 àà 12h 12h et et de de 14h 14h du 17h30 ;; samedi samedi de de 10h 10h àà 12h 12h àà 17h30

MAISON d’Ailleurs D’AILLEURS Maison Musée de de la la science-fiction, science-fiction, de de l’utopie l’utopie et et Musée des voyages voyages extraordinaires extraordinaires des Place Pestalozzi Pestalozzi 14, 14, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Place Tél: +41 +41 24 24 425 425 64 64 38 38 Fax: Fax: +41 +41 24 24 425 425 65 65 75 75 Tél: maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi mardi au au vendredi vendredi de de 14h 14h àà 18h 18h ;; samedi, samedi, du dimanche et et jours jours fériés fériés de de 11h 11h àà 18h 18h dimanche

CENTRE d’art D’ART contemporain CONTEMPORAIN Centre Place Pestalozzi, Pestalozzi, CP649, CP649, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Place Tél: +41 +41 24 24 423 423 63 63 80 80 Fax:+41 Fax:+41 24 24 423 423 63 63 82 82 Tél: www.centre-art-yverdon.ch www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi mercredi au au dimanche dimanche de de 12h 12h à18h à18h (fer(ferdu mé entre entre les les expositions) expositions) mé

MUSéED’YVERDON D’YVERDONET ETRÉGI RéGIO ON, N,ARCHÉOLOGI ARCHéOLOGIEE& &HI HISSTOI TOIRREE MUSÉE

Le Château, Château, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Le Tél: +41 +41 24 24 425 425 93 93 10 10 Tél: info@musee-yverdon-region.ch info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin juin àà sept, sept, du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de de 11h àà 17h; 17h; d’oct d’oct àà mai mai de de 13h 13h àà 17h; 17h; Ouvert Ouvert 11h les lundis lundis fériés. fériés. les

la revue suisse des amateurs d’art et de culture rivier aart

LECARREFOUR CARREFOURDES DESARTISTES ARTISTES LE DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

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FONDATION DE DE L’HERMITAGE L’HERMITAGE FONDATION route du du Signal Signal 2, 2, route CH -- 1000 1000 Lausanne Lausanne 88 Bellevaux Bellevaux CH Tél :+41 :+41 (0)21 (0)21 320 320 50 50 01 01 Tél Fax :: +41 +41 (0)21 (0)21 320 320 50 50 71 71 Fax info@fondation-hermitage.ch info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 18h; 18h; jeudi jeudi du jusqu’à 21h, 21h, (fermé (fermé entre entre les les expositions expositions temtemjusqu’à poraires) poraires)

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

N 9 août - septembre - octobre 2013 - CHF 10.-

1 an - 4 numéros - chf 40.7/5/2013 3:10:43 PM

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NEuCHÂTEL NEUCHÂTEL

MUSéE Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds MUSéEDES DESBEAUX-ARTS BEAUX-ARTSLA LACHAUX-DE-FONDS CHAUX-DE-FONDS Rue Ruedes desMusées Musées33 33--2300 2300La LaChaux-de-Fonds Chaux-de-Fonds Tel. Tel. +41 +41 (0)32 (0)32 967 967 60 60 77 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du www.mbac.ch mardi au de 10h àà 17h. Le du mardi au dimanche à 17h. Le mumardi au dimanche dimanche dede 10h10h 17h. Le musée musée est lelelundi lundi Pentesée est ouvert le de lundi de Pâques, lundi de estouvert ouvert lundi dePâques, Pâques, lundide de Pentecôte. lele lundi, les 25 côte. Fermé FerméFermé lundi, le 1er 1er janvier, janvier, les 24, 24,les 25 Pentecôte. le le lundi, le 1er janvier, et 24, 25décembre et 31 décembre et 31 31 décembre

MUSéE Musée des beaux-arts le locle MUSéE DES DES BEAUX-ARTS BEAUX-ARTS LE LE LOCLE LOCLE Marie-Anne-Calame Marie-Anne-Calame66--2400 2400Le LeLocle Locle Tel. Tel. +41 +41 (0)32 (0)32 933 933 89 89 50 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch mbal@ne.ch www.mbal.ch du du mercredi mercredi au au vendredi vendredi de de 12h30 12h30 àà 17h, 17h, samedi samediet etdimanche dimanchede de11h 11hàà17h. 17h.Le Lemusée musée est estouvert ouvertlelelundi lundide dePâques, Pâques,lundi lundide dePentePenteer côte, côte, jeudi jeudi de de l’Ascension, l’Ascension, 11ererer août août et et Jeûne Jeûne er fédéral. janvier. fédéral. Fermé Fermé lele 25 25 décembre décembre et et 11erererjanvier.

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KUNSTMUSEUM kunstMuseum bern KUNSTMUSEUM BERN BERN Hodlerstrasse Hodlerstrasse 8–12, 8–12, CH CH -- 3000 3000 Bern Bern 77 Tel Tel::+41 +4131 31328 32809 0944 44 info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch lele mardi mardi de de 10h 10h àà 21h; 21h; du du mercredi mercredi au au didimanche manche de de 10h 10h àà 17h, 17h, fermé fermé lele lundi lundi

NATURHISTORISCHES NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM DER DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER BURGERGEMEINDE BERN DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE MUSEED’HISTOIRE D’HISTOIRENATURELLE NATURELLE MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL NATURALHISTORY HISTORYMUSEUM MUSEUM NATURAL HISTORY MUSEUM NATURAL HISTORY MUSEUM

NATURHISTORISCHES Naturhistorisches museum bern NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM BERN BERN Bernastrasse Bernastrasse 15, 15, CH CH -- 3005 3005 Bern Bern Tel Tel :: 031 031 350 350 71 71 11 11 lundi lundide de14h 14hàà17h; 17h;mardi, mardi,jeudi jeudiet etvendredi vendredide de 9h 9h àà 17h; 17h; mercredi mercredi de de 9h 9h àà 18h; 18h; lele week-end week-end de de10h 10hàà17h. 17h.Fermé Ferméles lesjours joursfériés. fériés.

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l’éditeur. del’éditeur. modificationde demodification réservede sousréserve valablesous Offrevalable l’éditeur. de Offre modification de réserve sous valable Offre

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BERNISCHES Bernisches Historisches Museum BERNISCHES HISTORISCHES HISTORISCHES MUSEUM MUSEUM Helvetiaplatz Helvetiaplatz 5,5, CH CH -- 3005 3005 Bern Bern Tel. Tel. +41 +41 31 31 350 350 77 77 11 11 info@bhm.ch www.bhm.ch info@bhm.ch www.bhm.ch du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 17h 17h

Tél. Tél. :: 022 022 308 308 08 08 08 08 // Fax Fax :: 022 022 308 308 08 08 59 59 E-mail E-mail :: abonne@dynapresse.ch abonne@dynapresse.ch // www.dynapresse.ch www.dynapresse.ch

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FONDATION fONDATION FONDATION BEYELER BEYELER Baselstrasse Baselstrasse101 101-- CH-4125 CH-4125Riehen Riehen//Basel Basel Tel. Tel. +41 +41 -- (0)61 (0)61 -- 645 645 97 97 00 00 info@fondationbeyeler.ch info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous Tous les les jours jours de de 10h 10h àà 18h, 18h, lele mercredi mercredi de de 10 10 hhàà20 20h.h.Le Lemusée muséeest estouvert ouvertleledimanche dimancheet et les les jours jours fériés. fériés.

MUSéE MUSÉE MUSéE SUISSE SUISSE DE DE LA LA MARIONNETTE MARIONNETTE Derrières-les-Jardins Derrières-les-Jardins 2,2, CP CP 556, 556, 1701 1701 Fribourg Fribourg Tél. info@marionnette.ch Tél.::026 026322 32285 8513 13 info@marionnette.ch www.marionnette.ch www.marionnette.ch du du mercredi mercredi au au dimanche dimanche de de 10h00 10h00 àà 17h00 17h00 fermé fermélundi-mardi lundi-mardi(sauf (saufvisites visitesguidées) guidées)et et252526 26 décembre décembre

FRI FRI ART ART Petites-Rames Petites-Rames22, 22,CH CH--1701 1701Fribourg Fribourg Tél Tél :: 026 026 323 323 23 23 51 51 Fax Fax :: 026 026 323 323 15 15 34 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi mercredi au au vendredi vendredi de de 12h 12h àà 18h 18h ;; samedi samedi et et dimanche dimanche de de 14h 14h àà 17h; 17h; entrée entrée libre libre lele jeudi fermé entre entre les les exposiexposijeudi de de 18h 18h àà 20h. 20h. ((fermé tions tions temporaires) temporaires)

MUS MUSéÉéEE GUTENBERG GUTENBERG Tél Tél :: 026 026 347 347 38 38 28 28 info@gutenbergmuseum.ch info@gutenbergmuseum.ch www.museegutenberg.ch www.museegutenberg.ch mercredi, mercredi, vendredi, vendredi, samedi samedi de de 11h 11h àà 18h; 18h; jeudi jeudi de de 11h 11h àà 20h, 20h, dimanche dimanche de de 10h 10h àà 17h 17h


VALAIS VITROMUSEE ROMONT – Musée Suisse du Vitrail et des arts du verre Au Château, CH – 1680 Romont Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Fax : + 41 (0)26 652 49 17 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h

Musée du Papier peint Au Château - 1684 Mézières Tél : +41 26 652 06 90 info@museepapierpeint.ch www.museepapierpeint.ch début avril - fin octobre: jeudi à dimanche de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg Tél. : 026 305 89 00 Fax : 026 305 89 30 museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn ouvert tous les jours de 14h à 18h fermeture annuelle: 1er janv. et 25 déc. Entrée libre

TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tél : 026 921 30 10 Fax : 026 921 30 09 info@tibetmuseum.ch www.tibetmuseum.ch de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h à 18h; de Novembre à Pâques du mardi au vendredi de13h à 17h; samedi et dimanche de11h à 18h - lundi fermé

Musée gruérien Rue de la Condémine 25, 1630 Bulle Tél : 026 916 10 10 info@musee-gruerien.ch www.musee-gruerien.ch octobre à mai: du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h, samedi de 10 à17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h - juin à septembre: du mardi au samedi de 10h à 17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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N° 23 / 2017, Février - Mars - Avril parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

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Rivierart n23 02 2017