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Luis Ricaurte Trabajos 2000-2007


PARA ESCRIBIR POEMAS

Luis Ricaurte

Para un poema un idiota sin pies, atado de manos Un perdedor, siempre confuso y para colmo hijo de dios El alma pura el corazón de hierro, su soledad, desamor por siempre Ese es el fin de todo idiota sumergido en rimas El abismo de su falsa soledad un ridículo beso Para un tonto un poema de amor y lágrimas La mano fría, los labios fríos, el pensamiento lejano Tortura pare ellos, solapados masturbantes, miserables lectores -¡Oh cuanto dolor alberga mi esperanza! - Exclama un parido por el asma de un verso lujuria, organos por siempre, bacanales sin dueño, alcohol y algo de tu carne a eso no se atreve el oidor de métricas de matemáticos esfuerzos por completar la frase una puñalada por la espalda, una estafa sin misericordia son mucho pedir para esa estirpe llorones y entre la nagua de mamá, pelo a pelo dibujan el pubis ya cansado pero hambriento y flojo se entrega a su dolor de nuevo. P.D. Se me olvidaba, el silencio su alimento, como el estiércol mortecino para el perro.

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Fichas Tecnicas / Opus Senectus 2004

PÁGINA 8 Nombre: De la serie Opus Senectus Técnica: Xerigrafía y esgrafiado sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 100 x 40 cm. Año: 2004

PÁGINA 16/ 23 y 25 TAPETES Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Impresión Digital sobre vinil Medidas: 120 x 180 cm. Año: 2004

PÁGINA 9 Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Xerigrafía y esgrafiado sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 45 x 45 cm. Año: 2004

PÁGINA 26 Y 27 Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Xerigrafía sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 50 x 100 cm. Año: 2004

PÁGINA 10 TAPETES Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Xerigrafía sobre Vinil Medidas: 200 x 200 cm. Año: 2004

PÁGINA 28 Exposición “Opus senectus” Galería Debora Arango, Embajada de Colombia en México. Año: 2004

PÁGINA 11 Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Xerigrafía lámina de zinc galvanizada Medidas: 90 x 90 cm. Año: 2004

PÁGINA 29 Para las dos fotos: Exposición “Opus Senectus” Museo de Arte Moderno de Cali, La tertulia. Colombia Año: 2006

PÁGINA 12 TAPETES Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Xerigrafía sobre Vinil Medidas: 120 x 200 cm. Año: 2004

Instalación Bolsas llenas de arena Técnica: Termotransfer sobre lienzo Medidas: 20 x 30 cm. Año: 2006

PÁGINA 14 Y 15 Nombre: De la serie Opus senectus Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 45 x 45 cm. Año: 2004 Luis Ricaurte

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Opus Senectus Las imágenes son modificadas a partir de los soportes resignificándolas, la frialdad de la lámina y las posibilidades del piso como forma de mostrarlas permite redimensionar el núcleo temático de la muestra.

Los retos de la postura estética seplantean desde el reconocimiento de las diversas visiones a las que se tiene acceso, ya sea por medio de la historia de la mirada, del pensamiento, las ideas y las tecnologías, somos un cúmulo de discursos articulados a través del tiempo.

Las piezas se muestran como objetos artísticos, los tapetes que por su naturaleza deben ser pisados permiten la interacción del observador con toda la obra, convirtiéndose en una forma de apropiamiento del espacio y los contenidos, desacralizando la obra misma al invadir el espacio y permitir cambiar los horizontes de contemplación de las obras.

En estos momentos en que incuestionablemente se tiene que mostrar la postura ideológica ante los demás y hacerla valer mediante una ética discursiva, Luis Ricaurte plantea y fija su postura ante las ideas contemporáneas a partir de imágenes en distintas técnicas que reflejan sus puntos de vista sobre una constante latinoamericana: la pobreza, el abandono, la explotación en el subempleo, la falta de valor a las vivencias de los viejos y su desesperación por la supervivencia, todas ellas reflejadas como cicatrices en sus rostros.

Ricaurte también nos invita a diversificar las posibilidades como espectadores al hacernos partícipes de los intercambios de códigos y acervos visuales y así refrescar la historia de la mirada replanteado las formas de contener y fijar las imágenes. De esta forma una mirada contemporánea revisa un cúmulo de preocupaciones relacionadas con controversias tradicionales como el espacio, la forma y la manera en que se aborda, a partir de una temática de gran controversia contemporánea: los abuelos y las visiones sobre ellos.

Así, el dibujo, la serigrafía, el bruñido sobre lámina de zinc y en vinilo, contienen imágenes desdibujadas y claras de viejos utilizando uno de los elementos más antiguos en las artes plásticas como parte de su discurso: el retrato.

Jaime Abraham Tamayo Gómez

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individual como un estado de soledad límite del “arrojado ahí” con su nombre y apellido: por su aspecto social como una desatención de salud pública, una gráfica como lastre o enfermedad para el crecimiento de los estados.

Opus Senectus: La otredad convaleciente “Nosotros hemos acabado con el pasado,

A partir de veinticinco piezas bidimensionales en las que pequeños dibujos habitan holgadamente planchas de zinc galvanizada on canvas que ha funcionado como un hábitat de reglas más o

pero el pasado no ha acabado con nosotros.” En Magnolia, de Paúl Thomas Anderson.

El determinismo fatal y su dolor, el absurdo de la existencia o la muerte, pero pudiera afirmarse que —quizá por la dificultad de decirla con toda su magnitud evocadora— el tema de la ancianidad y la crudeza que en ella se encierra no constituye un conflicto de uso común en el mercado del arte. Pareciera que nuestra modernidad absoluta –ese deseo añorado por Rimbaud que ahora quisiéramos desandar—, lejos de interesarse por la “sabiduría” —digamos por un ápice de experiencia octogenaria, de senectud iluminada— ha querido ver más caros ciertos adjetivos en los tiempos de la flecha. A decir de algunos: la rapidez de la lozanía, la eficiencia que asegura el dinamismo juvenil. Así las cosas, la supremacía es el objetivo exigido por una sociedad vertida cada vez más en el presente —con la ambición por combustible—, y la memoria asimilada en los hombres “de edad” no significa poco menos que un añadido inútil a las pasiones del hombre. Pues en suma, este conjunto de categóricas preposiciones pudiera conducir el recorrido por Opus senectus, última entrega del artista Luis Ricaurte (Pasto – Nariño, Colombia, 1964): analizar la vejez en el pueblo latinoamericano, concibiéndola no como un estadio natural de lo humano —la antesala al inminente deceso en la vida de un hombre—, sino como una forma particular de habitar el mundo: por su aspecto Luis Ricaurte

menos controladas a lo largo de la historia, se impone la frialdad de un soporte metálico que termina por semejar la atmósfera mortecina de las planchas en los anfiteatros públicos, el acero inoxidable de su añejo mobiliario. Ahí es que los pequeños retratos a lápiz de Ricaurte, rostros arrugados, viejos —no decanos sino más bien decrépitos— una vez internados en el geriátrico personal del artista serán abandonados a su suerte sin titubeo alguno: realistas, expresionistas, rodeados por un “aire” de metal —y las zonas de metal descubiertas no trabajadas por Ricaurte no significan un silencio sino un grito de sentido— estos rostros no tienen más que subsistir —sobrevivir— en tal espacio delegado para encarnar su dolor: reforzados en su mensaje con títulos como Pensión Honorífica, Madrugar al ISSTE, Como las gallinas, uno al lado del otro se suceden los distintos rictus, los ceños, los tajos en el rostro por una vida rodeada de muerte. Además, como un seguimiento de su interés por laintervención del espacio público —actitud mostrada desde la exposición A ras de piso tiempo atrás—, Ricaurte presenta alrededor de 20 tapetes impresos con la imagen de varios ancianos fotografiados por su lente. A diferencia de los tapetes de aquella serie —cuyo sentido se 12


centraba en desmitificar la obra de arte situádola a ras de piso para ser pisoteada por las multitudes en corredores públicos—, debe sumarse a esta nueva entrega “horizontal” una inquietante sensación: la de saberse el espectador como el último proceso en la molienda de los seres ahí figurados, reconocerse no tanto como observador sino como ejecutante de una marcha que pudiera escudriñar el sentido de aquella locución latina de ars longa vita brevis, el arte es largo la vida breve: aunque gradualmente los tapetes pudieran irse deteriorando con el paso del tiempo, quizá los rostros que soportan —de humanos con la bota en el cuello sin metáfora alguna— permanecerán en el mundo un tiempo más, incluso mucho después que termine la vida de su creador y de sus caminantes. Muchas pisadas (…)

José Antonio Calera – Grobet Curador

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Fichas Tecnicas / Aras de Piso 2003

PÁGINA 33 TAPETES Nombre: De la serie A ras de piso Técnica: Impresión digital sobre vinil Medidas: 120 x 180 cm. Año: 2002 PÁGINA 37 Exposición “A ras de piso” Museo Erasto Cortéz (MUTEC), Puebla . México Año: 2004 PÁGINA 41 TAPETES Nombre: De la serie A ras de piso Técnica: Impresión digital sobre vinil Medidas: 120 x 180 cm. Año: 2002 PÁGINAS 42 Y 43 Exposición “ A ras de piso” Zócalo de la Ciudad de México. México Año: 2003 PÁGINA 45 Exposición “ A ras de piso” Centro Cultural COMFENALCO, Cali. Colombia Año: 2005


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A RAS DE PISO

No es sólo la irreverencia del pisoteo de obras maestras. Cuenta “el dislocamiento del eje visual”, destacado por uno de los comentaristas, como una manera distorsionada de ver. La transgresión resultante desacraliza al arte, al eurocentrismo, y al dominio de una ideología de la visión determinante para imponer sensaciones y sentimientos. Ricaurte pasea alrededor de los pasillos construidos con sus reproducciones comprobando como la gente común las pisa sin más, mientras los cultos le dan la vuelta, las observan y tímidamente y volteando para todos lados, adelantan un pie, para posarlo por un instante en el rostro de una menina de Velázquez o en las manos a punto de tocarse de Miguel Angel. Una gran metáfora cultural es vivida por los participantes al descubrir la ironía como recurso de alerta estético por la vía de la crítica del arte despojado del valor eterno y universal, gracias al acto convocado por Ricaurte desde Nuestra América emergente y subversiva. Alberto Hijar Serrano

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a diversidad de propuestas visuales a lo largo de la historia es lo que de diferentes formas a condicionado la formación de los imaginarios, el acceso visual a los diferentes eventos que se susitan en el mundo se han convertido en condicionantes para entenderlo, o bien configurarlo, los más media, se han convertido en los que dictan las tendencias de opinion a partir de su enfoque, y mas de las veces con una intención maniquea, pretextando una supuesta, función social del propio medio. Sin embargo habrá que decir que no es nada nuevo ya que siempre desde que la civilización se inició como tal, se a tratado de hacer que el colectivo asuma una sola cosmogonía, entiéndase como las formas de prefigurar el origen y destino, y el lugar de los seres y las cosas en el universo, mediante taxonomías deribadas de un discurso, legítimo o no, pero existente.

El arte como hasta ahora es metáfora, que busca lo verdadero, entendido esto como la correlación entre lo imaginario y lo tangible, lo sensible y lo conceptual, el mayor y el mejor de los discursos que el hombre a esgrimido.

Produccto de una necesidad inreducctible del hombre por hacir su mundo y el transcurrir de su existencia, antídoto contra la muerte y refugio del tifón vivencial o el estallido de la fiesta. Se dice que no hay nada nuevo bajo el sol, que sólo basta leer la Iliada y la Odisea, para entender la configuración del imaginario Occidental, la Biblia que convierte en alegoría, el mundo judío cristiano y éste a su vez en la representación del relato original. Luis Ricaurte

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De esta manera es como las imágenes se han convertido en evocasiones de las ideas, simulacros, que han configurado lo tangible en el mundo del entendimiento humano.

podido preservar el patrimonio de la memoria, lo que tambien los hace elementos indispensables, para que la posibilidad del disfrute del arte se lleve acabo.

Habrá también que asumir sus consecuencias, entre ellas el ejercicio de quienes detectan el poder ya sea económico, o político del poder a traves de estas imágenes, mediante el control, en los museos, galerías y todos los espacios en donde el arte tiene abrigo, consecuencia de mezenasgos y colecciones estatales y particulares, propiedad de los dueños de los recursos económicos necesarios, para especular, y así hacer con las piezas que designen que su patrimonio se engroce, o sirva para reafirmar las ideologías políticas de quienes sustentan el control del estado.

Lo antes relatado condiciona a los autores contemporáneos a la utilización de soportes, formatos, posturas, materiales y un sin número de elementos que históricamente se han desarrollado para la creación artística, esto obliga afortunadamente a los que buscan hacer arte adentrarse a nuevos derroteros desde la narrativa en su lenguaje visual hasta la utilización de materiales diversos que la tecnología suministra, como lo son los software y hardware que permiten hasta la tridimensionalidad virtual. Las formas comunicativas contemporaneas nos obliga a permanecer inmersos en una forma de multimedia, para dar soporte a las nuevas dinámicas vivenciales. Los medios que nos han hecho sujetos a una sobreexposición, al bombardeo de imágenes mercadológicas.

Cosas que en muchas ocasiones, nada tienen que ver con el verdadero valor estético de la obra y sí sobre cosas como la unicidad de la obra, la firma, asi como a quienes perteneció el objeto en cuestión, elementos que la mercadotecnia ha sobrevalorado. Así, la historia del arte en mucho seha convertido en la justificadora de estas situaciones, nos guste o no, la designación de mucho de lo que miramos como arte es una imposición desde el discurso del poder. Estas políticas, costumbres o procesos de la validación del arte, han sacralizado imágenes, que hoy nos significan, los absolutos en el arte, obras que los museos convierten en emblematicas, al grado de ser patrimonio exclusivo sin posibilidad de prestamo. Sin embargo habrá que entender que sin la intromision de estos fenomenos tampoco se hubíese 35

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El uso de tapetes como contenedores de imágenes significativas, es en el medio oriente una de las formas utilizadas tanto religiosa como cotidianamente, para expresar sus formas mas elevadas de expresion artística, y asi se convierten en los contenedores de anhelos, augurios, deseos, sueños y miedos.

Las cuales se han convertido en todo un lenguaje con sus dinámicas como es el invadir el espacio urbano, la grandilocuencia de sus formatos, y la efectividad de el mensaje implícito o explícito en las imágenes. Estos elementos que han sido asimilados por algunos artistas contemporáneos que han sabido llevar sus propuestas conceptuales a los nuevos medios de producción artística, y así hacen suyos los lenguajes de la mercadotécnia, convirtiendo su lugar de expresión los espacios públicos, interviniendo así la cotidianidad, e interumpiendo así, la boragine de mensajes de consumo en masa, para convertir esas imágenes en elementos de contemplación y reflexión.

Alberto Hijar Serrano

Luis Ricaurte es uno de los artistas contemporáneos, que han sabido dar cauce a sus conceptos creativos, por medio de los elementos tecnológicos existentes, sin dejar de hacer valer su excelente conocimientode las técnicas tradicionales, haciendo uso de ellos a través del dibujo, integrándolo a su proceso creativo, mediante obras desarrolladas en grafito y papel, utilizando estas como originales mecánicos, para ser parte de los elementos que por medio de la tecnología seran reprografías en vinil, que contendran las imágenes propuestas. La obra de Ricaurte, en cuanto a la propuesta conceptual, va mas allá de utilizar como soporte y espacio de expresión el suelo, que ya en si mismo representa un elemento de reflexión sobre las formas de presentación de la obra artística, en el occidente y romper con las formas significativas de sacralización del arte, que presentan las imágenes de forma frontal tradicionalmente, en donde el observador se encuentra subyugado y la museografía se empeña en crear templos o retablos para la veneración a las imágenes contenidas en los muros de los museos. Luis Ricaurte

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I

La duda persiste: ¿Autorretrato del mismo Leonardo o retrato de su madre Caterina?, que tenía los ojos verdeazules, la Mona Lisa los tiene marrón. La versión más conocida dicta que de vuelta a Florencia y siendo afamado en Italia, crea su obra más notable: Mona Lisa o Gioconda (1503-06, hoy se conserva en el Museo Louvre). La efigie representa a Lisa Gherardini, casada con Bartolomeo del Giocondo, mujer nacida en 1479. La obra de Leonardo que tardó cuatro años en nacer, fue adquirida por Francisco I por 12.000 francos.

A ras de piso

Leonardo nace en Vinci, Italia, el 15 de Abril de 1452. Fue pintor, escultor, arquitecto e ingeniero; el talento más mudable del Renacimiento Italiano. También incursionó en la biología, fisiología, hidráulica, aeronáutica, física, filosofía, geometría, botánica, moda, invención de juegos de salón y de utensilios de cocina, cartografía, óptica, diseño de jardines, decorado de interiores, urbanismo, fundición... Hace su testamento el 23 de Abril de 1519, encomienda su alma a Dios y deja todo su trabajo científico y artístico a su alumno Francesco Melzi. Muere en Amboise el 2 de Mayo de 1519, a la edad de 67 años. Una vez afirmó que: “Verdaderamente el hombre es el rey de las bestias, pues su brutalidad sobrepasa la de aquellos. Vivimos por la muerte de otros: ¡Todos somos cementerios!” Giorgio Vasari dijo cuando vio la Mona Lisa: “Fijando la mirada en la garganta podría jurarse que le late el pulso”.

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II

“Huye de esos estudios cuyo resultado muere con el que los hace.” Leonardo

Justo después de medio milenio nos decimos postmodernos ¿ante qué?, ¿ante quién… El arte entendido como idea compleja donde intervienen estructuras de mercado y hacia su factura por objetos entre comerciantes, creadores y compradores, no dista de los interdictos del Renacimiento. Por burgueses comerciantes florentinos o empresarios transnacionales de la globalización, el dictado ante la pregunta ¿Qué es arte? parte de las mismas crisis de validación, declinación del pensamiento dogmático o racional-cientificista y cuestionamiento de paradigmas: la obra-fetiche elevada a icono de la mirada masificada. Para el artista colombiano Luis Ricaurte eso es la dama de la gran sonrisa. Una reprografía de sí misma. Un chantaje de la mirada que se caricaturiza ante el espejo. Transgrediendo con la acostumbrada posición en que se “debe mirar el arte”, se nos vuelca a ras de piso para preguntar al transeúnte por la estética, la muerte del arte o el futuro de las imágenes sacralizadas hoy en playeras, servilletas o protectores de pantalla a la otra realidad vitual. Las suelas de nuestros zapatos por encima del mito, no pretenden dar respuesta a lo inenarrable, lo inefable, sólo nos enseñan a pasar de estar “debajo” al “arriba” de una pregunta, con sus máscaras, frente al espejo. Ivan Leroy

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“El agua que tocas en la superficie de un río es la última de la que pasó y la primera de la que viene, así el instante presente” Leonardo da Vinci. Hay que entender la vocación del ojo, iracundo sirviente de la mirada. Nadie nos enseñó a mirar y ahora estamos pagando las consecuencias. La imagen en su más estricto sentido posmoderno es todo aquello suceptible a ser ultrajado por los dos principales criterios de la fugacidad espacial: el vértice (lo vertical) y el horizonte (lo horizontal), cuando entre esos dos valores existen muchos más rincones estéticos. En el pasado la estética del piso era planteada en función de las perspectivas mediáticas y no en cuanto al simple acto de voltear a ver hacia abajo. El piso, como el agua, es uno de los más fértiles terrenos del potencial onírico. Hasta las formas abstractas que armamos en nuestro imaginario mental buscan una propuesta, al menos referencialmente, platafórmica.

Luis Ricaurte

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Luis Ricaurte tiene claras dos cosas: que el arte es un sendero caminable para quien se conoce a sí mismo, y que el piso es finalmente el soporte primigenio de todas las manifestaciones artísticas. Hoy el autor se enfrenta de cara a dos enemigos de la inspiración y la epifanía, está retando con los principios de la elementalidad al paradigma por un lado, y a la verticalidad por el otro. Pero a mi juicio, lo interesante de su ejercicio estético es la parte de en medio, es decir, los pasos que el espectador regala a sus obras cuando, como los pisos de Pompeya, disfruta atravesarlos sobre la sinceridad de sus pies.

Luis Ramaggio

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Fichas Tecnicas / Kal/ Ku/ lo por no grafiar 2006 PÁGINA 48 Exposición “Kal/ KU/ Lo por no grafiar ” Centro Cultural Casa de los Olivera, Buenos Aires. Argentina Año:2006

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 40 x 40 cm. Año: 2006

PÁGINA 49 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 25 x 200 cms. Año: 2006

PÁGINA 58 Kal/ Ku / Lo por no grafiar Fotogramas de video. PÁGINA 59 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 180 cm. Año: 2006

PÁGINAS 50 Y 51 Exposición “Kal/ KU/ Lo por no grafiar ” Centro Cultural Casa de los Olivera, Buenos Aires. Argentina Año:2006

PÁGINA 60 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 180 cm. Año: 2006

PÁGINAS 52 Y 53 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 240 x 90 cms. Año: 2006

PÁGINA 61 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 160 cm. Año: 2006

PÁGINA 54 Exposición Kal/ KU/ Lo por no grafiar Transporte Colectivo Metro, México D.F. México Año:2006 PÁGINA 55 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 30 x 30 cm. Año: 2006

PÁGINA 62 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 50 cm. Año: 2006

PÁGINA 56 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafia Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 35 x 35 cm. Año: 2006

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 90 cm. Año: 2006 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 180 cm. Año: 2006

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 35 x 35 cm. Año: 2006

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Impresión digital sobre vinil. Medidas: 90 x 180 cm. Año: 2006

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 40 x 40 cm. Año: 2006

PÁGINA 63 FOTOGRAFIA DIGITAL

Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 40 x 40 cm. Año: 2006 PAGINA 57 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 35 x 35 cm. C/U Año: 2006 Luis Ricaurte

PÁGINAS 64 Y 65 Nombre: De la serie Kal/ Ku / Lo por no grafiar Técnica: Termotransfer sobre lámina de zinc galvanizada. Medidas: 30 x 30 cm. Año: 2006

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I “La mano es un instrumento, pero como es el instrumento primero también es la directora y empleadora de los demás instrumentos. Pues como no ha sido constituida para un uso particular, es capaz en todos los usos: así pues puede compararse con justicia al alma, que como dijo el filósofo, no es en hecho, pero en potencia y habilidad, es todo...(las manos) son los vicarios o sustitutos o sufragáneas del habla, las intérpretes del lenguaje secreto de nuestros orgullos silenciosos, mostrándoles a los demás con pocas letras como si de jeroglíficos se tratara, cuáles son los pensamientos más profundos de nuestros corazones...” Andreas Laurentius, 1615

El lenguaje corporal como escultura

II Los mexicanos hablamos con las manos. Nos expresamos mejor mediante el chiste, el piropo, el insulto o el gesto corporal y si un turista llega a la ciudad capital, será recibido con improperios o una felicitación desmesurada, sin adivinar en que consisten esos innumerables intercambios de señas manuales. Y se percatará de que no es un lenguaje para sordomudos, al contrario son retruécanos del ingenio popular. Las manos discuten, contestan y regresan al calor del debate callejero. En México una señal de agradecimiento en Italia es interpretada como un severo insulto. La parte más divertida son algunos de los nombres que reciben esas señas: mocos, caracolitos, huevos designan partes relacionadas con el sexo masculino, al igual que mostrar el dedo, éste sea probablemente la más universal de las señales, pero los insultos a la madre o el gesto que indica la pregunta ¿cuánto ofrece de dinero? son realmente locales. Comprender este vocabulario le permite al extranjero deambular con ciertas armas por un país

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singular con un lenguaje corporal muy rico.


III Kal – Kulo, la nueva serie gráfica de Luis Ricaurte consiste en trasladar las señas obscenas de México a un soporte gráfico. Podemos dividirla en dos preocupaciones formales, la primera descansa en la exageración de la sinécdoque mediante el trabajo de la fotografía digital y la segunda consiste en investigar las cualidades escultóricas del grabado. Luis Ricaurte ha estado explorando las diferentes técnicas del grabado, tanto tradicionales como digitales y ha extendido las posibilidades de los soportes para mostrar las capacidades expresivas del medio.

IV Pero Kal – Kulo se inscribe en una nueva categoría, la serie si bien tiene un soporte bidimensional se trata en realidad de esculturas que esperan su acomodo en el espacio. Montadas en acrílicos transparentes y exhibidas en vitrinas o ventanas, la serie muestra su masa corpórea a plenitud. Si usted se siente ofendido por los gestos, está leyendo adecuadamente las intenciones de los mexicanos. La otra parte de la serie devuelve al medio la nobleza que tiene al mezclar las fotografías digitales sobre fondos que sugieren maderas en hojas de gran formato. Aquí el cuerpo nos recuerda su protagonismo en la tradición cultural de Occidente desde Miguel Angel y sus Esclavos hasta el cinema verité de Jim Jarmusch. Luis Ricaurte exalta la belleza del cuerpo mediante las sinécdoques obscenas del cuerpo como lo hicieran los graffiteros romanos a comienzos del Imperio en el siglo I d.c. Carlos Aranda Márquez

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Por No Grafiar “Quien este libre de culpa que tire la primera piedra.” Libro de Mateo

Hoy en día nuestro mundo se convierte en imágenes que convocan y se colocan como formas manifiestas de nuestro tiempo y circunstancia, una señal cobra sentido cuando hay quien le da una intención y uso, de este modo se integran al lenguaje muchas formas peculiares de expresar. La mano como herramienta de comunicación y el gesto como transmisor de sentido se ejemplifican en la señal universal de sentido fálico en forma abrupta pero, sin embargo, no menos auténtica y eficaz. Lo obsceno como signo de nuestro tiempo se convierte en un cliché, los mega-anuncios, que nulifican la identidad de los espacios, el close-up, la exposición continua a

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imágenes y formas mórbidas han desensibilizado al receptor haciendo casi imperceptible la línea en donde la ofensa y el saludo se confunden en una señal que vemos y expresamos ahora sin un sentido determinado. Cabe mencionar que las posibilidades del lenguaje se han ampliado, una señal se convierte en muchas al articularse, quizás sea una de las formas comunicativas en donde lo orgánico determina el sentido y por eso su eficacia en la comunicación. Son un referente antropológico y étnico, un dedo levantado o una mano contraída en sí misma, es un signo ante los otros que dice de donde vengo y quien soy, quizá el significado sea un elemento a discutirse circunstancialmente. Ricaurte nos obliga a mirar sus imágenes que magnifica y distorsiona acentuando el sentido, obligándonos como espectadores a hacer una réplica a su gesto, y entrando en su reto sin sentirlo y responder. Nadie está obligado a sentirse a gusto con las imágenes, sin embargo no podemos decir que no apela a nuestro entendimiento, quizá lo que nos incomoda es que precisamente es un lenguaje en donde lo que se expresa va mas allá de lo que deseamos y queremos entender y saber de nosotros y los otros.

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Fichas Técnicas / Erotika 2006

PÁGINAS 70, 71, 72 y 74 “EROTIKA” Fotografía digital Año: 2006

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En la excitación cómplice entre la mirada y la lectura, sabe ya nuestro cuerpo que escribir es el episodio ritual que sólo la mujer y el

Epílogo del catálogo y libro de arte

hombre se han preocupado por construir en la nobleza de su memoria al ser conscientes

La Erótika,

de los demás. La Erótika nos llevó por el camino donde escribir poesía es acto elevado

escrito por Ivan Leroy

para los demás. Amar conlleva amar a la humanidad en el

  «La respuesta al deseo erótico -así como al deseo, quizá más humano (menos físico), de la poesía y del éxtasis (pero ¿acaso existe una diferencia verdaderamente aprehensible entre la poesía y el erotismo, o entre el erotismo y el éxtasis?)- es, por el contrario, un fin.»

otro, hacer el amor es saberse vivo por el otro, en un ritual que es poético en tanto implica la entrega y la pérdida. El acto erótico es acto de creación. Esta legión de poetas y fotógrafos así lo testimonian, muérdase los labios el lector ya incitado por el libro que entre las manos palpita su deseo. No se espere

Georges Bataille

algo a cambio (dar todo de sí, también afirma egoísta la pupila dilatada por el estallido y la desconstrucción de la identidad, el tiempo y el espacio), no esperar. La lectura, La Erótika y la acción son actos sagrados (consagrados, malditos) y no cambiarios. Deletrear vocablos son cuerpos que se demandan caricias, cúmplase ahora el sentido mismo de la afirmación de la vida como autocondena ante la sinsalvación:

Luis Ricaurte

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La poética erótica y sus imágenes nos enseñan que todo lo que afirma la vida es erótico y poético al mismo tiempo. En el poema erótico, hombres Cuando un hombre entra

y mujeres silvestres nos consumimos heroicos,

en una mujer,

nos ponemos en juego; la conciencia del que intenta

  como el oleaje que muerde la orilla,

deletrear y deletrearse como en el acto erótico

una y otra vez,

cuando los cuerpos en el desfiladero de sus deseos,

  y la mujer abre la boca de placer

arde -palabras más, palabras menos- para decirse lo

  y sus dientes brillan

indecible en el más claro de los entendidos frente

como el alfabeto,

a la incomprensión. La poesía erótica no quiere

   Logos aparece ordeñando una estrella,

comunicar, no quiere provocar en el lector nada,

y el hombre

no quiere nada porque ya lo ha tenido todo y

dentro de la mujer

nada le falta. El hombre y la mujer somos seres en

hace un nudo,

falta, la condición humana se caracteriza por sus

para que nunca más estén separados  

faltas. Y porque no podemos escapar a la muerte y a los límites, la vida se desborda por el deseo.

   (A. S., p. 193)

El deseo de quebrantar, transgredir, sobrepasar... La incompletitud nos hace sabernos mutilados en busca de la completitud, la belleza humana como diálogo de los cuerpos es la búsqueda tentativa que nos hace humanos y por eso nombramos las cosas y les otorgamos sentido para sabernos en la apariencia de un orden que cambia en armonía acorde con nuestros deseos porque es el impulso y el movimiento de nuestra condición humana.         Es el deseo quien nos hace humanos y la muerte es no desear. Tanto en el proceso creativo de un poema, como en el acto amoroso, sucede que por un instante nos sentimos completos, arriba la ilusión de la completitud, el espejismo del deseo saciado, sucede también que entonces sentimos que estamos completos y que ya no hay nada por desear. La muerte pequeña nos atrapa, la muerte se apodera de nuestra apariencia, la experiencia incontenible de sabernos vivos aquí y ahora y hasta en la hora de nuestro simulacro 67

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Luis Ricaurte

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de muerte. Amén -la muerte misma. La Erótika y

diendo por cultura el largo, diverso y complejo

muerte dialogan en un mismo camino que se

proceso que ha elaborado la criatura humana,

construye a partir del deseo: “Hemos dicho

desde sus comienzos para dominar, transformar y

palabras,/ palabras para despertar muertos,

guiar el instinto primitivo.” (Cristina Peri Rossi).

/ palabras para hacer un fuego,/ palabras donde

La pluma hambrienta sabe de su condición de

poder sentarnos/ y sonreír.” (Luis Cernuda).

lucha a muerte contra el vacío y la nada, le resta

No somos sus víctimas, somos sus inmolados:

reinventar el silencio:

condenados y resurrectos que repiten como eslabones la cadena de sus carismas; el de mirar y mirarse,

 En mareas inalcanzables de palabras

el de nombrar y tenerse en un nombre, el de

y suspiros en plazas de cemento

desear y saberse deseo del otro que es deseado

 en el silencio de tus calles cansadas de héroes,

a la vez. Es el laberinto de los deseos que habita

me pierdo y en tu sueño de horas de espera en

la poesía, que habla al oído, que se dice en la

las

cara del amante y que estalla ante la desnudez

esquinas para ir a la ciudad de la nada

de los cuerpos. Es el poema quien observa cómo

                      (N. B., p. 43)

los amantes redescubren la carne para goce del

       

otro.

La pluma se duele de sus miserias, sabe que no

        El poema que no es materia aún sabe que

ha de salvarse, es religión atea, descabezada en

devendrá en objeto. Cada roce entre piel y vellos

angustia, vértigo en el exceso de su consciencia.

reveladores dicta el verso. El tiempo entre beso y

La pluma es hombre, sabe del hombre, “quiere

otro marca su puntuación.

saber sobre sí mismo, pero sabe también que al

Los ojos abiertos que se cierran como oraciones

no haber ya trascendencia alguna a la cual recurrir,

en lamentos, la boca en gemido que se aprieta,

sin sujeto pleno e inamovible que dé respuesta a

blanco y nudillos activos confundidos con la

dicha pregunta, tal hombre se convierte en una

estructura ósea en dolor y sed, son prosodia que

`súplica sin respuesta´, en una interrogación

invita a la estrofa a la que obligan a gemir en cada

constante por saber”, como afirma Leticia Flores

acento; descanso y se descarga intervocálica que

Farfán.

se limpia la saliva, resbala por la consonante y las

        La pluma hombre se apodera del hombre y

cesuras. Así los cuerpos son hemistiquios ebrios,

le arranca su poema de las células de su tinta, se

yacen en la sábana de epítetos, desfallecen en

revela contra sus límites y detona el poema en

la onomatopeya y los yambos porque no saben al

cada cuerpo. Se afirma en sus fluidos que ya son

fin, que son la tinta más cierta en las yemas del

su historia. La pluma busca su otra pluma. Los

poeta.

cuerpos avanzan, descargan sus tintas en sábanas como

La pluma se cansa pero no se vacía. “El erotismo

hojas de papel, como arrozales en el campo de

es a la sexualidad lo que la gastronomía al hambre:

una lucha que decide la vida y sólo la vida en el

el triunfo de la cultura sobre el instinto, enten-

hambre de los cuerpos. 69

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Fichas Técnicas / LooKumi 2007 PÁGINAS 77 / 83 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: fotografía digital. Año: 2007

PAGINAS 95 Exposición “LooKumi” Pasaje de Artes, Buenos Aires. Argentina Técnica: Lásergrfía: pirograbado láser sobre papel crepe y lámina de zinc Medidas: 100 x 100 cm. Año: 2007

PÁGINA 84 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: Dibujo y fotografía digital. Año: 2007

PÁGINAS 96 Exposición “LooKumi” Pasaje de Artes, Buenos Aires. Argentina Año:2007

PÁGINAS 85/91 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: Dibujo digital. Año: 2007

PÁGINAS 97, 98, 99 Exposición “LooKumi” Pasaje de Artes, Buenos Aires. Argentina Año:2007

PÁGINAS 92 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: Lásergrfía fotoxilografía láser sobre papel. Medidas: 48 x 240 cm. Año: 2007

Título: De la serie LooKumi Técnica: Pirograbado láser, en papel sobre lámina de zinc Medidas: 2.40 mts. X 1.80 mts. Año: 2007

PÁGINAS 93 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: Lásergrafía fotoxilografía láser sobre papel. Medidas: 48 x 240 cm. Año: 2007 Nombre: De la serie LooKumi Técnica: Lásergrafía fotoxilografía láser sobre papel. Medidas: 60 x 150 cm. Año: 2007 PÁGINAS 94 Exposición “LooKumi” Pasaje de Artes, Buenos Aires. Argentina Técnica: Lásergrfía fotoxilografía láser sobre lienzo. Medidas: 48 x 1600 cm. Año: 2007 Luis Ricaurte

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Ósculo Oscuro A Ochún Ochún moriyeyeo obiñrí oro abebeoún ní kolala ke, Iya mí koyuoson Yéyé kari, guañarí gañasí ogale guase Aña. Agó. En la representación del cuerpo humano, de diversas formas y por supuesto estilos en Occidente, el desnudo ocupa un lugar de gloria y esplendor para el quehacer artístico; sin embargo, las lecturas desde el poder y sus cánones de la belleza, permean y soterran el perjuicio racial hasta la estética de otras latitudes. La representación de la esposa en el Cantar de los cantares se ve oculta y usurpada por la idea de la sensualidad mística en una virgen blanca. Sabemos que el Cantar de los cantares es una pieza poética dedicada a la reina de Saba, mujer de piel oscura que arrebata al poeta bíblico a quien la cultura judeocristiana eleva en su relato al hombre más sabio sobre la tierra, presa de su pasión y lo convierte sencillamente en hombre. La mujer de oscuro talante se transforma en un objeto de deseo, ahora mítico, de Salomón, quizá su gran tesoro. Un ejemplo de la fascinación por las culturas de ébano es, por supuesto, la presencia de las culturas africanas en América y la forma en que representaron las fuerzas de la naturaleza mediante sus dioses que sincretizaron con los santos accidentales dándole vida a la Santería y el Palo Mayombe. Así, las lenguas Lucumi o Yorúbá son fuente en rezos e invocaciones para pedir la bendición de sus santos y muertos. La sensualidad es uno de los atributos de Ochun de quien se dice Orisha Mayor: dueña de las aguas dulces, de los ríos y manantiales. Orisha de la femineidad, el sensualismo, la memoria y el amor. Diosa de la miel, el oro, la cerveza y del dinero. Quizá el mayor atributo de las negritudes sea la exuberancia en todos los sentidos desde su genotipo, cercanía y congruencia con la naturaleza hasta su gusto por las joyas y los colores. Luis Ricaurte no disfraza su fascinación ancestral por la tercera raíz, cultura forma de expresión que se sustenta como primera en la integración de su obra. La sensualidad de las formas femeninas con las posibilidades de su trazo y los recursos técnicos dentro del grabado, el lenticular y la video proyección, crean un discurso con base en las dinámicas dentro de la gráfica y por supuesto los nuevos límites de la xilografía gracias a sus búsquedas y encuentros. Su pasión por lo afrocaribeño determina su diálogo con lo otro en la construcción de un imaginario de mismidades con origen mistico-terreno en lo sensual poético. La supremacía de los resultados discurre ya en una poética intercultural donde la mirada mítica y el orden digital se afirman en el eros. Luis Ricaurte

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LooKumi

Recorrido hacia el interior de la seducción

Lucumi es un apellido muy común en el Pacífico colombiano, que se ha mantenido de generación en generación, desde los primeros africanos que llegaron a América como esclavos. Los Lucumi son una familia perteneciente a los Yorúbà, quienes han habitado desde siempre la región de Nigeria. La cultura mestiza de América, se ha tejido entre los sonidos de África remota, el colorido del territorio perdido, su visión libertaria, la manera en las relaciones familiares que se extienden más que la familia nuclear, la inserción de sus representaciones religiosas y míticas, entre otras. Todos estos elementos hacen parte de las diferentes herencias que tenemos incluyendo los pueblos indígenas y europeos. La mirada soterrada del blanco que no es capaz de aceptar su fascinación por los exuberantes cuerpos de la raza negra y que a la vez denomina como kich la estética del negro, sus maneras de vestir, y de decorar su casa. Los coloridos y estampados modelos se perciben escandalosos entre el panorama gris del glamour europeo, ednocentrista… Es sobre todo esto que Ricaurte se pregunta y nos muestra cuerpos desnudos, primigenios, en movimiento. Luis Ricaurte

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Pero lo que aquí se remarca es la manera como desde la seducción, la herencia de los pueblos africanos se ha sumergido en el tejido de la cultura mestiza. Un homenaje y una manera de recordarnos, de apelar a nuestra memoria ancestral y hacernos espejo de lo humanos que somos todos. Esta obra se trata de una penetración en lo primigenio y una crítica al racismo persistente con el que seguimos viéndonos los terrícolas. Una penetración que es un camino, un recorrido a través de las imágenes desarrolladas con tecnología para culminar en grabado, técnica antigua, expuesta a los pies del caminante que será seducido, por cuerpos Locumi, grandiosos y bellos.

María Calleguerrero

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Lookumi y el deleite del dibujo Contrario a lo que parezca esta intervención artística para sitio específico del Mtro. Luis Ricaurte Lookumi es un neologismo que entabla un diálogo singular entre obra y espectador. Para empezar, desmonta nuestra idea más común de que la obra pueda verse de izquierda a derecha o que vayamos viendo las piezas en los muros, una a una como capítulos de un libro. Lookumi es un estado de ánimo ante el cual nos integramos como partes actuantes de un discurso visual o nos regresamos a la Avenida Libertador a disfrutar nuestra vida cotidiana. Lookumi traduce algunas preocupaciones formales del siglo XVII, como el trampantojo y la anamorfosis en soportes electrónicos y videográficos. Usando técnicas contemporáneas, su tema universal es menos obvio de lo que podemos percibir en una primera visita porque el desnudo femenino no es la preocupación central del artista, para Luis los ejes de la pieza son la percepción de lo que el ojo decide ver y el deleite del dibujo para expresar una noción sensual y material del mundo. Aquí

entran

en

juego

otros elementos importantes de la

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pieza: música sugiere

la que

mantras

de danza tribal o intervenciones sonoras que permiten conducir el dibujopor otros medios, de manera que podríamos estar atra pados en una nueva experiencia voluptuosa. El pasaje urbano permite crear un claustro erótico, un corredor de sensaciones vislumbradas pero que Luis Ricaurte solamente esboza o sugiere para que el espectador coloque ahí en los huecos de la imaginación su historia personal. Lookumi es un recorrido de una parte fundamental de la historia del arte de nuestro continente. Ahí están las formulaciones del barroco religioso latinoamericano transformadas en una capilla laica de placeres visuales y sonoras. El temor a la sensualidad femenina se trasmuta en una acción artística que se coloca a mitad de camino entre el club nocturno y un cierto momento pop novedoso por sus giros en el espacio. No hay a dónde ir, solamente se puede avanzar hacia adelante y gozar.

Carlos Aranda Márquez 81

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Fichas Técnicas / Buen Día 2004

PAGINAS 107 Mural “Buen Día”, Homenaje a Gabriel García Márquez, Palacio Nacional de Bellas Artes, Ciudad de México. México Técnica: Impresión Digital sobre tela Medidas: 800 x 400 cm. Año: 2004

Luis Ricaurte

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La Gran Cena

Luis Ricaurte

La obra y la desgracia de ser “comprendida” en forma desmedida lleva al desprecio la idea inicial, su valor creativo termina como una noticia de farándula dominical, llena de escándalo. Cuando nos disponemos a recrear en el trabajo del lenguaje, la esencia de una obra termina por rendirse a la idea otra que conduce al mito, de esta manera termina siendo el intento desmejorado de lo sagrado. La importancia de la obra de Luis Ricaurte “Buen Día” radica en su trabajo por amenizar una gran cena como lectura de Cien años de soledad en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, se discute en la intertextualidad de otra realidad más allá de un simple papel subordinado a las estructuras protocolarias o de quien a manera de intruso desgasta al anfitrión con críticas incisivas. “Buen Día” rescata la pregunta básica por el tiempo, nos lleva directamente a la reinvención mítica del génesis, a las interrogantes por el cosmos. ¿De dónde partimos? y ¿por qué llegamos aquí?, a una realidad del espacio entorno al inmenso panorama del infinito, a un mar de deterioro en el ilimitado minuto de la nada, a la “vieja juventud” como si sólo fuésemos el HOY fundidos en el pasado.

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Ricaurte no responde a algo, más bien pregunta, si en realidad eso que llamamos realismo mágico, no es otro eslogan más para definir nuestra naturaleza inconforme a una sociedad americana llena de sueños perpetuos disfrazados con magia, o ¿el artificio para reunirnos entorno a un falso prototipo surrealista? Un “realismo” es ya una magia de maravillas, por eso no se podría hacer mejor cuestionamiento en estos días a una idea tan colonizadora como la imagen fotográfica construida digitalmente de un párvulo en su mayor desnudes con la mirada tuerta sobre un engranaje sin fin y el rumbo significado en un tacómetro de automóvil. No hay mejor reclamo a esa realidad-magia, que la confusión generada por una impresión digitalizada, medio que la publicidad somete a sus anchas para fines de consumo y que Ricaurte utiliza e instala dentro de un recinto reservado a la consagración del muralismo oficial, ¿es o no un pasado lo que admiramos hoy?, es o no la gran pregunta que el Maestro García Márquez hace y seguirá haciendo pese a la soledad del triunfo en cien años. Buen Día -dice Ricaurte-, ¡imagino para todos!, como si fuese la única relación con la obra de Márquez, pese al pasado y el peso de la ley, el coronel Aureliano tenía siempre buenos ratos y puede ser que sin lugar a dudas, el único momento feliz de esta América, está en el retiro y las pensiones recibidas por una militancia ineficaz premiada, una autoridad sin méritos, una nómina estatal, una guerra entre hermanos con subsidio. “Buen Día” es la frase exacta para no cargarse de culpas y procrear de manera sana al otro con una estrella en la frente y una gorra en la mano. Ivan Leroy

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Fichas Técnicas / Prothesis 2002

PÁGINAS 110 Y 111 Arte objeto Planos de la serie “Prothesis” Año:2002 PÁGINAS 112 y 113 Arte Objeto Nombre: Prothesis Técnica: Cartón corrugado, alambre y lámina de zinc galvanizada Medidas: 40 x 40 cm. Año: 2002 PÁGINAS 114 y 115 Nombre: De la serie Prothesis Técnica: Madera y lámina de zinc galvanizada Medidas: 180x100 cm. Año: 2004 Exposición “Prothesis” Alianza Francesa, Ciudad de México. México Año:2004


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Prótesis y Desencanto Siempre pensamos en redimir las buenas acciones de los hombres tratando de exaltar los buenos ingenios y éstos los tomamos como los buenos instrumentos construidos, pero no necesariamente suelen ser los más benéficos y de eso se trata la obra de Luis Eduardo Ricaurte. Prótesis y desencanto es una metáfora de la imaginación perversa, de aquel ingenio desmedido y de la apuesta al desarrollo. Cómo no sentirse atraído a la reflexión sobre la máquina, sobre la prótesis clínica, que sin lugar a dudas nos libera y al mismo tiempo nos esclaviza, dándonos en principio una luz redimidora y excavándonos día con día nuestra propia cordura?. Es un juego de tensiones y así lo muestra Ricaurte, es esa pugna entre lo blando y lo macizo, entre lo cálido y lo frío, juntándose de forma viable sólo mediante una fórmula mecánica: tensores, amarres, enclaves, soportes, ejes y torniquetes; es una manera simple y sutil

Luis Ricaurte

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de llevarnos al complejo mundo del dolor aplicado, del funcional mundo de los horrores. No se puede decir que su empeĂąo por construir esta obra sea en una venganza con el cuerpo. Ricaurte nos remite a la carne, pero no para rechazarla, sino para sumergirnos en esa dualidad eterna entre las capacidades y las desventajas, la mĂĄquina como capacidad del hombre y al mismo tiempo el DĂŠdalo perverso.

Paolo Dominguez

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¿Qué hay detrás de lo que nuestros sentidos perciben? Para Luis Ricaurte parece haber una estructura esquelética soportando la morfología de nuestra comprensión. En el caso objetivo de la esencia humana, los sentidos aportan poco al sustento teórico, no hay implemento sustancial que impida la cadencia natural de lo ausente, apenas la imaginación alienta la esperanza de quien busca saciar su sed de ontologías en la pureza del alma, y para quien consume los fragmentos del valor numérico Luis Ricaurte también ofrece una disertación esquemática: Prothesis.

Luis Ramaggio

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Fichas Técnicas / Prometeo 2006

PÁGINAS 118 Nombre: De la serie Prometeo Técnica: Xerigrafía sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 90 x 30 cm. Año: 2006 PÁGINAS 119 Nombre: De la serie Prometeo Técnica: Xerigrafía sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 140 x 180 cm. Año: 2006 PÁGINAS 120 Nombre: De la serie Prometeo Técnica: Xerigrafía sobre lámina de zinc galvanizada Medidas: 90 x 25 cm. Año: 2006

Luis Ricaurte

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La perfección tecnológica y el fuego el bienestar, se muestran derruidas, difuminadas y fragmentadas, acometidas por medio de las intervenciones de esmeril, que rompe la imagen o fragmenta esa apariencia de realidad.

La reflexión entorno a las ideas formadas en un pasado, que gracias a una manera optimista de construirlo y de múltiples formas reduccionistas del mundo, nos llevan a un sinnúmero de promesas incumplidas dentro de este maravilloso futuro prometido para todos los que se ajusten a los ideales de progreso capitalista.

Esgrime un discurso en donde cuestiona significativamente los llamados “discursos panacéicos” en donde la vida se resuelve con la tecnología, despojándola de lo humano, como si al montarla en soportes de lámina galvanizada se les preparara para una disección, proponiendo poéticamente hacer una crítica argumental a los metamensajes del utilitarismo tecnológico, de lo que “nos sirve”, de la manera en que se determinan los desusos y la vigencia de los discursos estéticos.

Las formas en las que se difundió y las razones del por qué de los famosos beneficios del conocimiento, todavía son discutibles, pero sin lugar a dudas una de estas ideas materializada es el Volkswagen, automóvil producto del ingenio alemán, de enfriamiento por aceite, bajo consumo de combustible, fácil manejo y en los últimos años de económico costo. La promesa de la retórica discursiva de los regimenes autoritarios hecho realidad: el auto del pueblo.

El autor nos invita a compartir más interrogantes que respuestas, a cuestionar la idea de progreso y por supuesto de bienestar, y a saber que la perfección tecnológica hoy es inexistente.

Así como Prometeo dio el fuego a los hombres como promesa del bienestar y el progreso, el auto es dado al pueblo para hacer realidad la misma promesa.

Jaime Abraham Tamayo Gómez.

Ricaurte hace un ejercicio reflexivo en tanto las formas simbólicas, reconstruyendo una metáfora en donde la exposición de la entraña, del sujeto-objeto prometéico portador de las grandes promesas de los discursos retóricos del progreso y

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Fichas Técnicas / AXIS MUNDI 2006

Instalación AXIS MUNDI ¿SUBIENDO O BAJANDO?, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina Técnica: Grfica digital y foto xerigrfía sobre vinil adhesivo. Medidas: 67 mts.2. Año:2006

Luis Ricaurte

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¿Subiendo o bajando? Piedra de sol (fragmento) Los otros todos que nosotros somos—, soy otro cuando soy, los actos míos son más míos si son también de todos, para que pueda ser he de ser otro, salir de mí, buscarme entre los otros, los otros que no son si yo no existo, los otros que me dan plena existencia, no soy, no hay yo, siempre somos nosotros, la vida es otra, siempre allá, más lejos, fuera de ti, de mí, siempre horizonte, vida que nos desvive y enajena, que nos inventa un rostro y lo desgasta, hambre de ser, oh muerte, pan de todos. “

Octavio Paz.

Luis Ricaurte

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La presente propuesta de Luis Ricaurte tiene como objetivo intervenir de manera visual en la arquitectura del Centro Cultural Recoleta. La obra muestra una serie de planos superpuestos de sujetos que componen un entramado suspendido en una vacuidad con cierta sensación de ascensión o aparente verticalidad. Quizá una de las formas en que se integra la alteridad como imagen sea la de los espejos o reflejos de alguien o algo que no es y tampoco está, imagen de la ausencia y presencia del otro, correspondencias y afirmaciones del ser, negación de estar y sin embargo paradójicamente su reafirmación En la construcción de los discursos visuales de la última decada existe una evidente crítica a la contemporaneidad, la cual no es tan obvia en esta obra de Ricaurte, habrá que mirar con mayor detenimiento su postura frente a una contruccion artistica, dado que la presencia de estas figuras simples e hipercontemporáneas esgrimen la necesidad de asumir nuestra vanal cotidianidad como algo que nos constituye y a lo que estamos condenados. Lo simple como respuesta a lo complejo ha sido el metodo con el cual se ha contruido el mundo, el hombre en su axis mundi se ha convertido en el sujeto y objeto de todas la reflexiones, La complejidad , diversidad de formas, así como la inclusión son el método con que este mundo se ha construido, bajo la poética de los que cuestionan, si pero que de diversas formas proponen y construyen un mundo en donde el hombre se convierta en el objeto y sujeto de la reflexión, en esta insistente permanencia del hombre como Axis Mundi se encuentren las preguntas que configuraron las busquedas del siglo pasado en cuanto a nuestra presencia individual y colectiva. ¿qué somos, qué hacemos y en dónde estamos? Hoy frente a la sociedad narcisista, que gusta de mirarse y hacer halagos a sí misma y en más de una ocasión se mira con autocomplacencia. Ricaurte no lo es, se suscribe como uno de los autores más complejos en su discurso, quizá lo mas inquietante en su obra es una de sus preguntas que deja abierta, ¿a dónde vamos? o en esta ocasión ¿bajamos o subimos? Jaime Tamayo

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Fichas TĂŠcnicas / OLME-K 2005-2006 PAGINA 138 Serie de video Olme- K (3 videos) Fotogramas videos


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“Transcurrir” “Una cosa no puede ser ella misma y su contrario, en el mismo aspecto y almismo tiempo.” Heraclito de Efeso Mirar el río hecho de tiempo y agua y recordar que el tiempo es otro río, saber que nos perdemos como el río y que los rostros pasan como el agua. Sentir que la vigilia es otro sueño que sueña no soñar y que la muerte que teme nuestra carne es esa muerte de cada noche, que se llama sueño. (Fragmento Arte Poetica)

Estelas

Luis Ricaurte

Jorge Luis Borges

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Las formas en que se han construido las metáforas sobre

La manera en que Ricaurte somete la imagen mediante la

el devenir del tiempo o el transcurrir de la existencia se

tecnología y la convierte en metáfora compleja, nos en-

materializan de diferentes formas, una de las más anti-

frenta como espectadores a mirar con detenimiento a la

guas es la metáfora del agua y la erosión de la piedra;

que probablemente es una de las imágenes más develadoras

sin embargo quienes las utilizaban, en principio tenían

de este tiempo: el hombre frente a si mismo y a su vez ante

un horizonte paradigmático muy diferente al contem-

su representación fija en el tiempo.

poráneo. La inexistencia de la retención de la imagen dinámica y la simultaneidad en las formas comunicati-

“Un espejo de humo, un reflejo de obsidiana, el fondo de

vas, así como la posibilidad de la dinamización de los

un poso y el brillo del río”.

planos visuales han ocasionado que las construcciones metafóricas que ahora presenciamos sean paradóji-

Constructor de metáforas en donde los elementos a los que

camente más complejas. La fragmentación del cono-

se enfrenta como pensamiento el hombre, dejan de ser

cimiento y del ser humano como objeto de estudio y la

necesariamente angustiantes, la petrificación dinámica de

reflexión desde los colectivos referenciales en la que se

la imagen convierten al tiempo en un elemento más inte-

encuentra inserto tanto el creador como el receptor de

grado a las formas y de este modo resultó irónicamente

estas imágenes, al igual que los elementos culturales

sometido por medio de una repetición y su puesta en juego

en que se creó la pieza, serían poco menos que impens-

como concepto no estático y a la vez cíclico, en un simple

ables para los presocráticos.

efecto más de la percepción.

Ricaurte se enfrenta a los retos de su momento: la per-

Así, los elementos primarios como el reflejo, el agua, el

cepción del tiempo, la fragmentación del ser, las posibil-

tiempo logran integrarse en una serie de imágenes, en

idades de las herramientas tecnológicas, la ampliación

donde el personaje se disuelve y a la vez se erige como el-

del horizonte cultural, la simultaneidad del tiempo

emento contenedor y detonador de sí mismo y por esto en

real en los medios comunicativos,

metáfora de todos y negación de sí mismo, a su vez alucina

la dinamización de la imagen y su manipulación a través

nuestro irrepetible tiempo.

de medios informáticos. Esto ha conducido inexorablemente a la construcción de sus metáforas dentro de

Jaime Tamayo

nuevos límites y contextos.

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Fichas Técnicas / Gráfica Contemporania 2005- 2007

PAGINA 150 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 60 cms. Año: 2006

PAGINA 143 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 40 cms. Año: 2007

Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 40 x 40 cms. Año: 2006

PAGINA 144 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 60 cms. Año: 2006

Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 30 cms. Año: 2006

PAGINA 145 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 60 x 40 cms. Año: 2006

PAGINA 151 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 30 cms. Año: 2006

PAGINA 146 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 40 x 40 cms. Año: 2006

Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 40 x 60 cms. Año: 2006

PAGINA 148 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 40 x 40 cms. Año: 2006

PAGINA 152 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 30 x 60 cms. Año: 2006

PAGINA 149 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 20 x 20 cms. Año: 2006

Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 60 x 40 cms. Año: 2006 PAGINA 154 Técnica: Lásergrafía: fotoxilografía Medidas: 20 x 30 cms. Año: 2007

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I. Impulsado por el artista colombiano radicado en México Luis Ricaurte, el Taller de Experimentación Gráfica estará situado en una zona anómala para la cultura como lo es la colonia Doctores del Distrito Federal, sin embargo, hay que recordar el exitoso experimento realizado por el equipo del curador y crítico Conrado Tostado cuando dirigía el Museo de la Ciudad de México hace cuatro años, pues con su programa de exposiciones a partir de los barrios realizó un efectivo trabajo de sensibilización y luego exhibición con la

Nace una técnica

gente de ese barrio bravo de la capital. Así pues, el Taller

Y se gesta el Taller de Experimentación Gráfica Por: Fernando Galvez

de Gráfica Experimental se suma a una serie de proyectos de diversa índole que en los últimos años han sacado la cultura de las zonas que tradicionalmente conocemos como culturales en el D.F., pienso por poner dos ejemplos distantes, en la Fundación Jumex y en el Faro de Oriente de Iztapalapa, ambos muy certeros cada uno en su vertiente, por lo que es sano iniciar este taller creando una isla cultural en una zona que no sea la Condesa, la Roma, el Centro, San Ángel, Chapultepec o Coyoacán, que parecieran ser las únicas zonas culturales o con demanda cultural, cuando estamos hablando de una de las ciudades más grandes del planeta, misma que hacia su interior sólo está reproduciendo el modelo centralista del país entero, lo cual es una aberración. Así pues, ya la ubicación del espacio me parece una

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propuesta experimental, misma que debiera

paisaje, además de distintos colores. El equi-

multiplicarse. Por supuesto que no olvido que el

po de Graphic Studio, acostumbrados a los

Taller de la Gráfica Popular (TGP) tiene ya mu-

retos técnicos que les lanzan los creadores,

chos años asentado también en la colonia Doctores,

se propuso desarrollar un método de trabajo

desgraciadamente el taller llegó a esta zona

específico para solucionar los requerimientos

de la ciudad ya en una época desdibujada de

de la pieza, por lo que finalmente Deli Sacil-

su actividad y cuando los grandes maestros,

otto inventó la técnica aludida, pero en cuya

como Leopoldo Méndez, habían o muerto o lo

implementación participaron Eric Vontillius,

habían abandonado. Sin embargo, es por lo

Tom Pruitt, Allan Holubeck y Geroge Holzer.

menos un precedente simbólico importante,

Dejo a continuación que sea Vontillius, quien

si pensamos que el TGP ha sido uno de los

con sus propias palabras nos resuma el pro-

talleres más significativos para la historia del

ceso de realización de esta obra y por ende

grabado en México.

la invención de la técnica: “ El intrincado

Es de suma relevancia señalar que al tiempo

diseño de la vista del Valle de Cidrón requirió

que el espacio abre sus puertas, aporta ya

de diversos efectos de dibujo y pintura en

desde su fundación una propuesta técnica in-

18 bloques de madera. Los problemas que

novadora, dándole así sentido a su nombre. Se

se presentaron –las dificultades de regis-

trata ni más ni menos que de la evolución de

tro, sutilezas de línea y deslavado, los de-

la técnica conocida como xilografía fotográ-

talles complicados y el enorme volumen del

fica, hacia el campo de la tecnología digital

tallado—incitaron a la invención de un mé-

y laser. Pero vayamos por partes para que se

todo fotográfico para la xilografía. Pearlstein

entienda en que consiste esta nueva dimensión

pudo hacer su dibujo modelo (y los dibujos

gráfica que Luis Ricaurte ha ideado. Podemos situar el nacimiento de la xilografía fotográfica por medio del heliorelieve en el taller de Tampa Florida conocido como Graphic Studio. Ahí, en 1989, el artista Philip Pearlstein llegó en 1989 con la idea de realizar una compleja obra xilográfica de generosas dimensiones (102x302cm). Se trataba de una vista del Valle de Cidrón en Jerusalem, para la cual requería trasladar una fotografía hacia la plancha de madera y después intervenirla dibujísticamente e incidiendo en la plancha, para generar diversas texturas en la tierra, los árboles y las construcciones del Luis Ricaurte

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en registro para todos los bloques sucesivos)

el proceso con intenciones artísticas, incidi-

sobre Mylar, un medio transparente. Expusi-

endo en ocasiones la madera, jugando con la

mos los dibujos sobre película fotosensible

composición de la imagen fotográfica en la

y después tallamos los bloques por medio

pantalla de la computadora y aprovechando

de un limpiador de chorro de arena (mejor

la nueva tecnología. Impresas sin embargo

conocido como sand blast. nota del autor).

en una prensa tradicional. El resultado es un

El artista completó el proceso, utilizando

híbrido entre xilografía tradicional, foto y

una ruleta manual en algunas de las partes

una tecnología reciente. Es asombroso con-

de los bloques. Se entintaron las superficies

statar cómo la tecnología se desarrolla tan

y se imprimieron.” En los años sucesivos a

vertiginosamente en la actualidad, que una

esta invención gráfica, importantes artistas

técnica inventada hace apenas quince años

de varias partes del mundo la han trabajado

puede ser reconfigurada por un creador aten-

en Graphic Studio, por citar unos nombres

to a los adelantos tecnológicos.

menciono a Sandro Chia, Roy Lichenstein, Jime Dine y Jürgen Patenheimer. Ahora, Luis

Cabe recordar que el Taller de Experiment-

Ricaurte decidió experimentar este pro-

ación Gráfica tendrá espacio también para la

ceso con el sustituto laser del sand blast y

xilografía tradicional y el grabado en metal

saltarse el proceso fotográfico tradicional,

en sus distintas vertientes, junto con vídeo y

trabajando con fotografía digital. La herra-

gráfica digital. Contará así mismo con espa-

mienta tecnológica es utilizada para realizar

cio para cuatro residentes, ya sea del extran-

imágenes comerciales destinadas al mundo

jero o del interior de la República.

de la publicidad, pero él se propuso trabajar

II.

Las obras Nombraremos esta técnica con el largo pero preciso nombre de “xilografía fotográfica digital y laser”, misma que ha producido ya notables imágenes de la autoría de Ricaurte, las que en su resolución ya señalan las amplias posibilidades expresivas y estéticas de este nuevo proceso para la estampa. En gran parte de los trabajos realizados hasta ahora, el artista ha decidido obviar su utilización de la madera, dejando que las vetas flamígeras, 131

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las líneas dibujadas como por arado, los nudos como miradas ojerosas y concéntricas, generen una textura, un fondo donde las imágenes fotográficas flotan o se integran. Buscando las posibilidades del nuevo medio, Ricaurte ha bloqueado algunas franjas o zonas de la madera en ciertos trabajos, generando gruesas líneas blancas que fragmentan la imagen pero refrescan la composición. En otras piezas, se ha abocado a trabajar a partir del negtivo de la imagen, haciendo que la presencia humana se vuelva fantasmal en medio de la noche de tinta negra, aprovechando otra vez el rayado de la tabla para simular que la figura irradia en su cualidad inasible. Una solución atinadísima es aquella en que aparece una vista nocturna y callejera con un rostro en primer plano, es capturada con un barrido fotográfico muy simple de realizar con las cámaras digitales, pero cuyas cualidades expresivas encajan perfectamente con las líneas horizontales de esta plancha y que se vuelve aún más misteriosa, gracias al nudo de la madera que casi desde el centro de la composición pareciera una gran ojo que vislumbra y levita en la imagen. Así también hay ya obras de grandes dimensiones realizadas con dos, tres y hasta cuatro planchas de madera para configurar una sola aunque recortada estampa. De hecho, la obra más relevante del conjunto, es quizá una estampa gris, realizada en cuatro partes, misma que por su fragmentación invitó al grabador ha trabajar a partir de un conjunto de fotografías de manos que se superponen, se tocan, se cruzan, se agarran, señalan, se abre y generan en conjunto una compleja trama de piel y dedos y uñas, deformdos o trabajadas además con el photoshop para reforzar el discurso y expresividad de esta enigmática pero efectiva imagen. Hasta el momento, Ricaurte se ha abocado a realizar propuestas monocromáticas, pero se abre la posibilidad de que se puedan realizar trabajos en diversos colores y por lo pronto, estas obras iniciales apuntan a que en breve tendremos una de las exposiciones más destacadas e interesantes de este artista, quien está próximo a concretar una muestra en el Centro Cultural Recoleta, de Buenos Aires, importante espacio vanguardista de Sudamérica que en noviembre cumple 25 años de existencia.

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Fichas Técnicas / Flair play 2006

PÁGINA 162 a 165 Nombre: De la serie Flair Play Técnica: Lásergrafía: Pirograbado sobre papel crepe y lámina de zinc galvanizada Medidas: 35 x 35 cm. Año: 2006

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Fichas Técnicas / A mis espaldas 2006

PÁGINA 168 a 173 Fotografía digital Nombre: De la serie A mis espaldas Técnica: Impresión digital sobre vinil fotográfico. Medidas: 80 x 60 cm. Año: 2006

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Luis Eduardo Ricaurte Villota

Nace en Pasto-Nariño, Colombia 1964

Estudios

Universidad de Illinois, The Division of Fine Arts.Illinois, Estados Unidos. Maestro en Artes Plásticas, Instituto Departamental de Bellas Artes. Tesis Mención Honorífica Universidad del Valle Cali-Valle, Colombia. Especialista en Filosofía del Lenguaje Cali-Valle, Colombia. Maestría en Historia del Arte, Universidad Autónoma de México D.F. México

Exposiciones Individuales 1994 “Human Scheme”, Mangel Gallery. Philadelphia, Estados Unidos. 1996 “Autopsia Prematura”, Sala Alterna de Instituto Departamental de Bellas Artes. Cali, Colombia 1998 “Life style on my own style”, Casa Vision 15, New York, Estados Unidos 1999 “Un Banquete de Boca para mis Amigos” Instituto Tecnológico de Monterrey Estado de México 2001 “View Of Machine” Casa Visión 15 New York, Estados Unidos. 2002 “A ras de Piso” Universidad del Valle de México. México D.F. 2002 “Prótesis y desencanto” Galería Espartaco Madrid, España 2003 “A ras de Piso” 11 Octubre, Zócalo de La Ciudad de México tercera Feria del libro. México D.F. 2003 “A ras de Piso” 28 de Octubre IAGO y Calles Aledañas. Oaxaca, México 2004 “Prótesis” 24 de marzo ATRIO México DF 2004 “Opus Senectus” 17 de junio Galería Debora Arango México D.F. 2004 “A ras de Piso” 28 de Agosto Museo Taller Erasto Cortéz “MUTEC”. Puebla, México 2004 “Buen día” 8 de noviembre Mural en el Palacio de Bellas Artes, México D.F. 2005 “A ras de Piso” 16 de abril Centro Cultural COMFENALCO. Cali Colombia. 2005 “Opus Senectus” 5 de marzo Espacio Temporal METRO Pino Suárez México D.F.

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Exposiciones Colectivas 1988 1992 1996 1997 1997

“Cartón y Papel”, Sala Beethoven Cali, Colombia “Marginal Acts of Body”, Mangel Gallery Philadelphia, Estados Unidos. III Salón de Octubre Cali- Colombia. “Día de muertos”, Centro Cultural Reyes Heroles D.F., México. “Colombia” Semana Cultural de Colombia en México Centro Cultural Alicia Santillana de Guajardo 1998 “Nueve Artistas Colombianos en México” Tecnológico de Monterrey, Campus Estado de México. 1998 “Presencia del Arte Latinoamericano” Primera Feria Latinoamericana Iztacalco- México D.F. 1999 “México en la mira de los Artistas Colombianos”, Museo de la Ciudad de México. México D.F. 2000 IV Corredor Nacional de la Gráfica, Gráfica Latinoamericana Sala Cultural Ollin Yoliztli D.F., México. 2000 Festival del Caribe Veracruz Muestra de Arte contemporáneo de Colombia, Sala Oriente del IVEC. Veracruz. 2002 “Nuevas vías de expresión”, Alianza Francesa Polanco D.F., México. 2002 “Transterrados ”, Museo de la Ciudad de México Centro de la Ciudad. D.F., México. 2004 “4 artistas Colombia México” estación del METRO Bellas Artes Mexico D.F. 2004 “Maestros de la grafica Colombia México” estación de METRO Copilcol Mexico D.F. 2004“Comida Caliente” estación del METRO Chabacano México D.F. 2004 “Colombia sobre papel” estación del METRO Guerrero México D.F. 2004 “Primer Salon de Artistas Plásticos Colombianos en México” Casa FRISAC Bosque de Tlalpan .México D.F.

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