Revista The 13th Número 65

AÑO: 7 | NÚMERO 65

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

THE WOLFHOUNDS THE ASTEROID N°4 - NAX - LUNAR TWIN A SHORELINE DREAM - CHELO LARES WASHED OUT - CHILLAN LAS BESTIAS - SPC ECO - BOSQUES HELL BOULEVARD - ANTON BARBEAU - WINTER - RESPLANDOR AQUELLA TAPA - DE TIEMPO Y LETRA - MUSIC CORNER - INDIE SOUNDSCAPES QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR - EXPEDIENTES DD - ESPACIO BOOMBOX

STAFF

Septiembre 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Ariel Tenorio

Diego Centurión.

Benjamín York

PORTADA

Diego Centurión

Diego Centurión

Fernando Rivera Rodríguez

Dave Franklin

Flavio Gabriel Aza Franco Doglioli Maxx Wild Rubén Torres Jefe de Departamento de Literatura:

Pepe Navarro

Franco Doglioli.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 65 EN LA MÚSICA CREEMOS Muchos dicen "en Dios creemos" nosotros decimos "en la música creemos".

En estos tiempos de locura las canciones fueron, son y serán el único refugio para las almas atormentadas por la incertidumbre de estos tiempos.

La música no se detuvo y se adaptó rápido al este nuevo mundo.

Nuevos lanzamientos, entrevistas y conciertos es la cura a nuestras ansiedades y temores.

Nosotros hemos trabajado mucho para poder ofrecerles un nuevo número de nuestr mejor manera de informarlos y entretenerlos: Entrevistas, artículos, poesía y reseñas de discos.

Y como en la música creemos...

Bienvenidos al número 65 de la Revista The 13th...

Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

AQUELLA TAPA

LUNAR TWIN

DISCOS

06 10

20 WASHED OUT MUSIC CORNER: GEORGE MICHAEL

CHELO LARES

44

EXPEDIENTES DD INDIE SOUNDSCAPES WINTER RESPLANDOR

THE ASTEROID N°4

VAN KLEEMEN

DE TIEMPO Y LETRA FRANCO DOGLIOLI

NAX

A SHORELINE DREAM

40

59 64

BOSQUES

FEDE PALOMBA

88

CHILLAN LAS BESTIAS

52 58

72 ESPACIO BOMBOOX

THE WOLFHOUNDS

30

16

80

82

83 86

94 96

106

SPC ECO

120

HELL BOULEVARD

ANTON BARBEAU

102 116 130

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

NEW ORDER

TECHNIQUE AND BEACH PARADISE 1989… se iba cerrando lo que a mi parecer fue la década más prolífica y ecléctica musicalmente hablando. Se editaba Technique, que les llevó un año a los New Order en estudio en las Baleares, cerrando una década y un poquito más de generación musical tan importante que hasta el día de hoy encontramos vestigios… inclusive en mí. Desde la tapa hasta el último compás tuvo un efecto en mi forma de percibir la música, disfrutarla y eventualmente crearla. Volviendo a la tapa, me inspira a crear el Beach Paradise (todo en partes iguales (una medida) y es este orden, sin mezclar para ver el efecto final… granadina, piña colada, Ron saborizado con coco, jugo de ananá y Blue curaçao), dulce, fresco y tan visualmente atractivo como para alegrar cualquier alma. Tensión de hihat y bassline mortal para Fine Time, acídico TB 303, sintes y samples … Ibiza encuentra a Manchester y explota mi cabeza (como en aquel momento), de fondo el dulce y demoledor bajo de Peter (Hook). ¿Cómo no sucumbir ante esto? ¿Cómo entender que mundos diferentes se pueden encontrar? Si hay que romper… se rompe! Aparece All The Way, post punk que no quiere ser The Cure, sonido clásico de NO, simple, directo, pegadizo y con un lema que he tomado propio desde el momento que lo escuché ”It takes years to find the nerve, to be apart from what you’ve done; To find the truth inside yourself and not depend on anyone”, siempre a por todo! Love Less, otra marca registrada, melosa, hermosa y tristona pero no menos bailable, casi como un pre-dance para continuar con la bomba de Round & Round. Tiene todo lo que tiene que tener (es demasiado personal este disco, si pudieran verme re escuchándolo para escribir la columna lo entenderían), si hiciera una lista de elementos presentes, parecería un caos, perfectamente ordenados es uno de los tracks más representativos y bailables de NO, 10 tragos más por favor! Guilty Partner, un Bernard (Summer) autoreferencial por una relación rota e irreparable, la más oscura, casi desgarradora por momentos, el llanto de esa hermosa (guitarra) acústica y el sinte del final completan lo que para mí es la esencia de NO, el balance perfecto, la rudeza delicada, la alegre melancolía, el amargo dulzor de

las vivencias terrenales. Run, otra marca registrada de NO, pero con un dato, John Denver los demandó por el solo de guitarra (Leaving on a Jet Plane) llegando a un arreglo, fuera de eso el track es una joya, Peter sostiene cualquier cosa con su personalísimo estilo. Y ahora sí, Mr. Disco, mi favorito! Marcó mi gusto y creación musical para siempre, impecablemente programada, los sonidos y elementos (algunos muy de la época) impresionantemente balanceados y los cortes y cambios tan originales que no han perdido ninguna vigencia. Un melodic-dance (me lo inventé) para escuchar con el corazón roto y disfrutar de esa balanceada dualidad que antes mencionaba. Vanishing Point, no se queda atrás en mis favoritos, casi buscando una fórmula de intro como Blue Monday alcanza una evolución de la mencionada, más climática, la melodía vocal en un punto máximo (Bien Bernard) y más palatable en su completitud; la letra sigue impactándome hasta el día de hoy. El cierre del disco con Dream Attack es un resumen, un track moderno, NO queda en medio de los mundos que más le gustan, que más me gustan, lo orgánico y lo electrónico se encuentran, coquetean, bailan juntos, se aparean y dan lugar a esto… New Order. Habiendo hablado poco del cocktail (casi una excusa hoy y referenciando a las Baleares, donde esto se gestó) pruébenlo y escuchen esta joya que ha envejecido para ser más moderna que lo moderno. ¡Salud!

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

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Hay tapas de discos que me recuerdan a determinadas estaciones del año “Escript of de bridge” de The Chamaleons sin dudas me transporta al invierno, desde su portada podemos observar cierta melancolía y un aire de ensoñación, la imagen que ilustra el disco es un dibujo con una estética surrealista, figuras que se mezclan y se desvanecen en el aire, una imagen etérea y helada. Acentuada por una paleta de colores fríos, el blanco está muy presente en la composición haciendo referencia a la nieve, quizás el elemento que más remite al invierno/ otoño sea el árbol seco, pero también la del puente en perspectiva que nos lleva más allá del lugar en el que se encuentran estos espectros flotantes. El rostro de un niño llorando que se encuentra en el centro de la imagen atrae nuestra mirada, quizás por los ojos vidriosos cargados de expresividad, muy bien logrados por el dibujante, también la manera en que las lágrimas parecen formar un surco sobre el rostro, logra un gran efecto visual confundiendo figura y fondo. El trabajo es una imagen muy cargada de simbolismo, la idea de la niñez perdida se encuentra presente en varias de las letras de las canciones, también vemos unos niños jugando en una colina cerca de un monumento fálico. La composición se divide en cuatro partes bien marcadas en forma de cruz, como queriendo mostrar cuatro lugares importantes unidas al medio por el rostro del niño que nos mira de manera compasiva.

La obra que ilustra el disco es un dibujo a lápiz de su guitarrista Reg Smithies un artista multifacético que se encargó de diseñar todas sus portadas, cabe destacar la de su segundo álbum What does anything mean? Basically. También es un diseño que siempre me gusto.

El disco refleja muy bien su época 1983, cargado de un aire claustrofóbico, con un grave bien marcado por el bajo y la voz de Mark Burguess, cortado por los agudos juguetones de las guitarras de Red y Dave Fielding, quien además toca teclados. La batería constante y de sonido seco característico del post punk sostiene muy bien todo el disco. Si bien casi toda la placa mantiene el mismo estilo, como una obra conceptual desde que arranca con el épico “Don´t fall” En el segundo tema se animan a un homenaje a John Lennon “Here Today” con una letra muy emotiva y un bello trabajo de guitarras, al final lo enganchan magistralmente con un sonido de caño corrugado de electricidad bajando un instante la intensidad con el comienzo de “Monkeyland” hasta que vuelve a estallar en su estribillo una letra cargada de desesperación y soledad, relata cómo se sentía la banda en su pequeña localidad de Middleton, cuando soñaban con conquistar el mundo. Seguidamente sobresalen con “Second skin” la canción que logro sacarlos de aquella pequeña localidad, un tema que fue bastante difundido en las radios, creo haber escuchado por primera vez el tema en el recordado programa “Domingo, Maldito Domingo” de Juan Di Natale, que luego pasaría a llamarse “Sábado Maldito” Considerado por muchos fans y critica como su mejor composición, una canción con una melodía emotiva, comienza con unos teclados a modo de cuerdas celestiales que van dando paso a las guitarras que desarrollan un hermoso riff luego de la primera estrofa casi replicando la melodía de teclados del comienzo y que se repite a lo largo del tema, además del bello trabajo sonoro cuenta con una poesía profunda y sugerente.

“Mi vida entera pasó ante mis ojos Pesé, lo que dicen es verdad Me he despojado de mi piel y mi disfraz Si esto es de lo que están hechos los sueños No es de extrañar que sienta que estoy flotando en el aire”

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También se destacan “Pleasure and pain” “Up the down escalator” que recuerdan por momentos al Echo and the bunnymen de la primera época y “Thursdays Chilld” que relata el tema de dejar atrás la niñez, nuevamente aquel niño eterno, que se niega a abandonar su infancia, nos interpela tristemente desde la portada, cual Peter Pan en clave post punk rabioso.

Finalmente cierran con un tema cargado de emotividad “View from the Hill” que relata los viajes de ácido de Mark en la colina Tandle Hill de su pequeña localidad desde donde se puede ver Manchester, sin dudas un gran cierre para un disco poco conocido pero fundamental de los dorados años ochenta.

Si bien la banda nunca llego a tener el éxito masivo que tuvieron varios de sus contemporáneos, lograron edificar un sonido con voz propia y ser un referente para muchas bandas posteriores. Sobre todo, por sus dos primeros discos, que al día de hoy podemos considerar imprescindibles en la música independiente. Muchas de las llamadas bandas de Post Punk Revival como Interpol o Editors suelen mencionarlos como uno de sus mayores referentes. Y a lo mejor ese sea el verdadero poder camaleónico, estar presentes y vigentes sin que muchos puedan notarlo, así que, si todavía no los has escuchado, hazlo, nunca es tarde para conocer a The Chamaleons.

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[ Reseña de "Washed Out - Purple Noon (2020) " por Ruben Torres. ]

ASEGURANDO EL VIAJE

Washed Out - Purple Noon Label: Sub Pop Fecha de Lanzamiento: 07 de Agosto de 2020

Ernest Greene es el hombre detrás del increíble proyecto de nombre: Washed Out. Después de tres años vuelve atrapar los sonidos en un disco bellísimo de principio a fin, diez canciones de extraordinaria factura con el sello del artista de Giorgia bajo el género Chillwave.

El cuarto de estudio se titula: Purple Noon.

Y la verdad es que mucho de lo que refleja la portada del álbum demuestra lo que escucharemos, bajo la apacible mirada de Ernest contemplándonos y detrás de él, un atardecer de sueños, con los hermosos colores púrpuras y rosados y llegarán los sonidos un poco dominando nuestros sentidos con cálidos sintetizadores y dulces letras mostrando algo de los que sucede con nosotros en diferentes momentos de nuestra vida...

El disco en si suena cambiante, melancólico y Washed Out quedará con muchas obras dignas para de algún modo reafirmar la historia del pop más reciente como lo es el chillwave donde washed out es ya un clásico...

En palabras del autor el disco "está cercano a lo conceptual y narra en forma ordenada la historia de la ruptura de una pareja desde el comienzo hasta el corte final" Musicalmente Purple Noon es una álbum apasionado y estamos convencidos de que al escuchar este álbum sentiremos que podremos transportarnos al sitio que tengamos en mente.

Porque para eso hace música Washed Out, para asegurar el viaje...

Otra joya del músico norteamericano que ya había sacado un lugar entre los músicos a escuchar con (within and without)...y ahora lo vuelve hacer con Purple Noon.

Recomendamos y celebramos...

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El Programa de la Revista The 13th

www.facebook.com/tranmisionesoceanicas/ www.instagram.com/transmisionesoceanicas/

Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 12 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

TRATAMOS DE SER MUY PERFECCIONISTAS [ Entrevista a Bryce Boudreau y Christopher Murphy de Lunar Twin por Diego Centurión y Rubén Torres.

Traducción: Bernardo Jimenez Mesa ]

Hacía tiempo que no sabíamos de ellos. En una charla extensa con el dúo Lunar Twin que pronto podrán escucharla por medio de un nuevo programa a estrenarse en estas semanas por indie Go Radio.

Lunar Twin acaba de lanzar un nuevo álbum llamado "Ghost Moon Ritual" y sobre esto y su pasado hemos charlado en esta entrevista.

Antes de comenzar con las preguntas, queremos agradecerles por esta oportunidad de chatear con Lunar Twin.

Ambos seguimos su música durante varios años.

Y la primera pregunta es sobre este momento de cuarentena. ¿Cómo están pasando estos momentos?

Bryce: Donde vivo en Hawai, la cuarentena se está levantando lentamente. Y la gente está tratando de regresar a algún tipo de normalidad. Esas personas que ves usando una máscara cuando vas a una tienda y ciertos negocios todavía no están abiertos como bares. Ese tipo de cosas. Sí, son tiempos bastante locos, seguro que es así en Argentina y en cualquier otro lugar todo es ligeramente diferente.

Christopher: Ha sido difícil para todos nosotros, creo. Pero esto nos ha permitido quedarnos en casa y trabajar en nuestra música, mezclar, y de alguna manera disfrutar otros aspectos de la vida.

Esperemos salir de esto pronto, pero hasta entonces, podemos disfrutar el tiempo que tenemos ahora con nuestras familias y hacer cosas, que quizás no hubiéramos tenido tiempo para hacer.

Bryce: Bueno, esa es una decisión que nos costó y nos llevó tiempo tomar.

Muchos de nuestros conocidos se quedaron sin trabajo, gente llena de miedo, muchos negocios cerraron, y todo esto nos llevó a pensar si este era el momento apropiado para hacer un lanzamiento, pero veníamos trabajando en esto por tres años, ya habíamos incumplido fechas límite que nos habíamos puesto y estábamos atrasados en este lanzamiento por más de un año. Mucha gente había pagado por adelantado este álbum y al final nos dimos cuenta que, no importa lo que pase, la vida continua y para cerrar este capítulo debíamos hacer este lanzamiento ahora que ya todo estaba finalizado y por eso decidimos lanzarlo.

Christopher: Sí, definitivamente no estaba planeado y pensamos mucho en lanzarlo más tarde, pero como dijo Bryce, estaba todo finalizado y listo para ser lanzado y era hora de mostrar lo que habíamos logrado y esperamos que la gente lo disfrute.

Creo que "Night Tides" salió en 2017 y "Ghost Moon..." este año. ¿Qué pasó en tres años?

Bryce: Bueno, cuando finalizamos "Night Decides lanzar tu nuevo álbum, "Ghost Tides" no era nuestra intención que nos Moon Ritual" justo en la etapa de cua- llevara tres años finalizar el nuevo álbum, rentena. ¿Esta situación ha afectado pero de nuevo las circunstancias exteralgo? nas en el mundo nos influyeron y después

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nos dimos cuenta que habían pasado tres años. Tratamos de hacer un disco mejor que el anterior, si nos íbamos a tomar el trabajo de hacer otro disco, tenía que ser mejor que el anterior y eso nos llevó más tiempo. Esperamos que a la gente le guste mucho y que el próximo no nos lleve tres años.

Christopher: Sí, supongo que muchas cosas han cambiado en estos tres años para Bryce y para mí. Tuvimos hijos y las cosas definitivamente son diferentes.

Ambos perdimos amigos en este tiempo, pero… es la vida y como dijo Bryce: no era nuestra intención tomarnos tres años, pero creo que hemos puesto un gran esfuerzo en este álbum, tratamos de ser muy perfeccionistas y es nuestro primer álbum de larga duración y eso nos tiene muy contentos.

Volviendo a la banda no podemos olvidar ese trabajo de 2014 que fue su EP homónimo. ¿Qué diferencias encuentras entre el primer EP "Lunar Twin", "Night Tides" y "Ghost Moon Ritual"?

Bryce: Bueno, primero que todo debo decir que somos afortunados de poder continuar haciendo esto. El 2014 ya parece como mil años atrás. Ese primer trabajo fue muy especial, de hecho trabajé en la impresión del master y fue el primer trabajo que publiqué, así que siempre tendrá un lugar especial para mí, pero creo que sus puntos más brillantes son Champagne y Sirens, las cuales son el resultado de una vida entera de trabajo acumulado dentro de 5 minutos de música. Espero a la gente le siga gustando ese trabajo. Las diferencias con Night Tides son que en ese segundo trabajo tuvimos que trabajar mucho más duro para crear el material y eso nos llevó a otra dirección y Ghost Moon Ritual es algo totalmente diferente: nos llevó tres años... mil días... Quienes lo escuchen serán quienes puedan decir si es

así.

Christopher: Este EP creo que es espontaneo y me gusta. No pasamos mucho tiempo desarrollándolo pero el resultado final fue lo que esperábamos. Era la primera vez que creaba música con solo una persona más. Yo solía estar en bandas con 6 o 7 personas más. En una banda éramos 10, así que me encanto poder tener más control y más espacio para expresarme creativamente, y agradezco que Bryce quisiera ser parte de esto. Él y yo tenemos muy buena conexión. Hemos hecho mucha música que me encanta a través de estos 10 años que llevamos de conocernos. Respecto a los álbumes, los vamos desarrollando conforme pasa el tiempo, pero cada vez se hacen más grandes y largos. También el equipo con el que cuento es ahora mejor de lo que era al principio y eso cambia un poco las cosas. Cuando tienes un nuevo sintetizador, una nueva máquina de ritmos o una nueva guitarra. Logras diferentes y nuevos sonidos y timbres con estas herramientas. Eso también ha influido en los cambios que han habido a través de nuestra discografía: el tener diferentes equipos, experimentar y divertirse con ellos. ME halaga que Bryce quiera hacer música conmigo y espero que la gente la disfrute.

Volviendo al primer EP. ¿Hay algo de ese trabajo que grabarías de nuevo?

Bryce: Conocí a Chris a través de una banda llamada Red Beanies. Yo conoci a Chris a través de la banda The Red Beannies, una de las mejores bandas de la historia, deberían todos buscar acerca de ellos e Internet, pueden buscar en REST 30 RECORDS y escuchen su material nuevo. Bueno, así fue como conocí a Chris y como empezamos a construir el primer EP de Lunar Twin, algo que de otra manera no se hubiera dado, afortunadamente conocía a The Red Beannies y por

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ellos llegue a Chris.

Christopher: De aquel primer trabajo no creo que re-grabaría nada. Supongo que cada álbum me recuerda un periodo específico de mi vida, los amigos que tenía, la gente que conocía, donde vivían ese momento, así que es lindo escuchar y recordar donde estaba en aquel entonces "Ghost Moon Ritual" es un hermoso álbum de 13 canciones. Como lo llamo, es un disco nocturno. Es un álbum en el que puede dejarse caer en un sillón, con la luz apagada, y dejarse llevar por un viaje sensual y profundo. ¿Por qué el nom-

bre del álbum?

Bryce: Muchas gracias, aprecio lo que dices sobre él. A nosotros nos gusta mucho y de hecho me sorprende que haya terminado teniendo 13 cortes. Comenzamos con una o dos canciones y poco a poco se fue armando. Definitivamente esta grabación es como un viaje. Quisiera pensar que todos nuestros álbumes lo son, pero este en especial, al ser el más largo.

Creo que tiene muchas texturas diferentes. Chris realmente busco hasta el fondo en su bolsa de sorpresas y de ahí sacó mucho material.

Ghost Moon Ritual es realmente un homenaje a muchas ideas y conceptos, pero uno de ellos es la religión del baile fantasma, también conocido como el Culto del Peyote, el cual fue un movimiento aquí en los Estados Unidos (hacía el año 1890.

Era un movimiento indígena que nació como un ritual debido a una necesidad espiritual. Tiene muchos significados y supongo que todo esto convierte a este trabajo en un álbum conceptual. Espero no sonar pretensioso con esto, pero se trata del desierto, del re-nacer, de la muerte, del nacimiento...todo eso...Se trata de migrar, de atravesar el desierto en la noche, dejar tu hogar e irte muy lejos, ser un desconocido...Todos esos conceptos que se unen.

Christopher: Creo que la mayoría de música se disfruta mejor con las luces pagadas, con audífonos y así puedes sumergir mejor en ella, pero al música ambiental en particular es mucho más disfrutable de esa manera, ya que tienes muchas capas sonoras, texturas, muchos sonidos interactuando unos con otros, pero lo que realmente siento que es un álbum para escuchar en audífonos, sumergir en tu mente y viajar.

La foto de portada parece ser, en cierto modo, un paisaje lunar. Un espejis-

mo. Y cuando lo vi, pensé en una forma de buscar un paisaje lunar, tranquilo y misterioso, en nuestro propio mundo.

Un lugar para esconderte y reconocerte a ti mismo. Cuéntanos sobre la idea de la portada y quién la hizo.

Bryce: Me encanta que les haya gustado y que hayan sentido esa conexión, porque de igual manera lo sentí la primera vez que la vi. No necesariamente como un paisaje lunar, pero algo así estaba en mi mente cuando pensaba en cómo se vería este álbum y como se sentiría caminar a través de las historias de este álbum. Es una fotografía infrarroja del desierto MOJAVE en California y el Joshua Tree. Un lugar muy legendario. La fotografía fue tomada por alguien que vive en Tennessee. Él se llama Steve Siegler, un fotógrafo profesional y profesor de universidad. Ya había visto su trabajo en Internet y lo quise contactar. Le conté quien era yo y le pregunte si de pronto podíamos usar su trabajo y él nos respondió muy amablemente diciéndonos que tenía la voluntad para hacerlo, así que, no pude ser mejor, porque esa es imagen perfecta para el álbum.

El nivel técnico de este álbum es muy alto, han aprendido mucho para este álbum. Porque este trabajo en las canciones es muy sutil y exquisito.

Bryce: eres muy amable y aprecio lo que dices, pero... Chris es muy técnico en cambio yo soy un espíritu más crudo.

Puse mucho amor en este trabajo aunque gran parte de lo que hice en el mismo es improvisación. De alguna manera seguimos un camino más libre y menos estructurado, esperando que entre más profundo en el subconsciente. Nos alegra mucho les haya gustado.

Volviendo al nuevo álbum. Estaba pensando en esta posibilidad de grabar un disco desde la distancia. Eres una banda que hace todo a distancia. ¿Cómo es trabajar así?

Bryce: Al comienzo era diferente, se sentía como algo más experimental. Con el pasar de los años, entre más lo haces, lo más que se torna en algo como...estar en habitaciones diferentes, o en casas solo separadas por una calle, ya no es algo en lo que pensemos mucho, aún si la otra persona está en verdad a 2000 0 3000 millas de distancia. Es algo que comenzamos a hacer por necesidad y al día de Christopher: Si, siento que he aprendido hoy, seguimos haciendo. un montón haciendo nuestros álbumes.

Es al combinación de toda mi experiencia Christopher: Definitivamente es diferenhaciendo música, trabajando con amigos, te, comparado a los otros proyectos en aprendiendo de otros músicos...Creo que los que he hecho parte, pero está bien. todos aprendemos los unos de los otros Es algo muy natural ahora y nos permite y me siento agradecido por haber encon- trabajar de acuerdo a nuestros horarios trado gente en mi vida de la cual he podi- personales. Yo tengo hijos y otras obligado aprender. ciones, por lo que esto me permite grabar

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por las noches. A veces me quedo trabajando hasta altas horas de la madrugada en un tema, mientras que de otra manera estaría supeditado a los horarios de los demás, así que esta manera de trabajar es mucho más flexible en ese respecto.

Nos conocemos gracias a Shauna McLarnon. ¿Estás haciendo la prensa hoy o estás pensando en contratar a alguien para la prensa?

Bryce: Shauna es increíble, ella está trabajando para clientes muy grandes: gente como John Robb de los Membranes y David J (ex-Bauhaus/Love and Rockets/ Poptone), Kristen Hersh de Throwing Muses, Martin Willson Piper de The Church... es un catálogo impresionante de artistas. No hemos trabajado con ella desde que estábamos en Electric Dream Records quienes pagaban por sus servicios. Ella es una mujer increíble. Su compañía Shameless Promotion es fantástica y si tuviéramos los recursos financieros, desde luego estaríamos trabajando con ella.

Christopher: Si, ella ha sido maravillosa cuando nos ha promocionado. Ha hecho muy buenos contactos a través de los años y nos ha ayudado mucho. En este momento no estamos en una posición (económica) para poder contratarla, pero eventualmente lo haremos a futuro.

Una vez más, apreciamos que ambos estén del otro lado. Es un verdadero placer para nosotros. "Ghost Moon Ritual" es el álbum con más canciones. ¿Cómo fue el trabajo de elegir las canciones? ¿Has dejado alguno fuera del álbum?

Bryce: Definitivamente quedaron bocetos fuera del álbum, puede que aparezcan en un futuro o no, no lo sé aún.

Christopher: Si, teníamos muchos demos y algunos de ellos llegaron a quedar casi terminados, solo que al final sentimos que no funcionaban muy bien con el concepto del álbum. Puede que terminemos usándolos más adelante, de pronto aparezcan como lados B o los trabajemos de nuevo

Obviamente estaremos atentos a las nuevas publicaciones por venir.

Para continuar, me gustaría saber cómo son las respuestas de los fanáticos, las nuevas reseñas de álbumes.

Bryce: Bueno, muchas gracias por estar pendientes, lo valoramos mucho. Ha habido mucha gente en Bs.As, La Plata, y en Italia, Grecia, Alemania, Suiza, Australia, entre otros… nos hace muy felices saber que nos escuchan y comparten nuestra obra y esperamos lo sigan haciendo. No ha sido fácil últimamente poder realizar entrevistas, con toda la locura que se vive en el mundo, las revueltas raciales, la pandemia por el Covid-19 y demás. Si les gusta la música y este disco, compártanlo. Muchas gracias ¡Gracias Chicos!

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: GEORGE MICHAEL – “LISTEN WITHOUT PREJUDICE” RECUPERANDO EL ALMA

Hablar de un álbum clásico como “Listen Without Prejudice” implica un análisis de la complejidad de un ser como el de su autor, que recién con el paso de los años puede ser abordado en toda su dimensión, tras hacernos conscientes del significado personal que el mismo tuvo en el devenir del tiempo bajo su propia mirada. A lo que vamos: no se trata simplemente de un reconocimiento tácito del nivel compositivo y la capacidad de enamorar de uno de los mejores artistas de la década del 80 en cuanto a lo que música pop refiere, sino de la trascendencia existencial de su lírica y el contenido reflexivo de la misma.

Quien escribe estas líneas supo identificarse con George Michael por el tránsito de etapas de la vida en las que supimos coincidir, y por eso mucho de lo aquí volcado se interpreta desde lo netamente emocional. Porque eso fue George Michael: un ser tan rico en tantos sentidos, que como tantos otros artistas transitó de la cima del mundo a una cenagosa cloaca, expuesto a la mirada de un periodismo fagocitador que nunca pretendió entenderlo aunque sí exponerlo. Pero que por otro lado, siguió sus instintos a fondo hasta el punto de mostrarse en carne viva, lograr sus sueños, y darse cuenta que los mismos eran simples placebos frente a lo que realmente más deseaba su existencia atormentada, que era un poco de paz.

Por eso esta parte de su historia comienza con un astro brillando en el firmamento, una figura pública que vivía más que de su talento, de la imagen que había formado en derredor al mismo. Hablamos de los años de “Faith”, un disco icónico para aquella generación, su mayor éxito a nivel mundial y que lo había llevado al frenesí de una gira exterminadora. En aquella década dorada la industria supo esculpir grandes tótems: Michael Jackson, Madonna, Prince… y George Michael iba de la mano con ellos. Y la gira de “Fai-

th” iba en consonancia con ese nivel de artista. Por eso fue que pese a que George adoraba cantar y había nacido para eso, el aislante proceso de la gira se convirtió en un aniquilamiento mental que la convirtió en una experiencia miserable, especialmente por un detalle: se le había detectado un quiste muy grande al final de la garganta que requería operación inmediata. Cancelación de fechas, operación, y un descanso para recuperación por recomendación médica que nunca se cumplió.

La demanda era bestial, y George ni siquiera pudo dejar de hablar en el post operatorio. La recuperación fue rápida, ya que lo que seguía era la fase de 46 fechas en vivo en territorio norteamericano. Y ahí fue. Tenía 25 años, era joven y era pura energía. Pero la procesión va por dentro.

Todo aquel desgaste nos colocó de pronto ante un George que reniega de las luminarias, que critica a todo aquello que lo incrustó en el firmamento como uno de los pop golden boys de la maquinaria industrial. Asqueado, este George escribe en líricas como “Praying For Time”, que la caridad es un traje que se usa dos veces al año y que la gente se aferra a las cosas que le vendieron. No quiere ya saber de este sistema perverso y parece suplicar con la clásica frase “Paren el mundo que me quiero bajar”. Solo que ahora es él mis-

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mo uno de los engranajes fundamentales de la rueda. Por eso quema sus banderas: por eso incinera en pantalla los íconos que nutrieron su fama. Y lo clama de ex profeso en ese símbolo de su nueva producción que es “Freedom 90” (así titulada para diferenciarla del single “Freedom” que supo sacar con Wham!), segundo corte del álbum al que homenajeamos hoy: “May not be what you want from me / it’s just the way it's got to be”.

“Listen Without Prejudice Vol.1”, el álbum en cuestión, es el segundo solista de George Michael, editado hace ya 30 años, el 3 de septiembre de 1990.

Desde el título se advertía que esto no sería lo mismo que “Faith”, y verdaderamente fue un giro radical respecto a todo lo que había hecho George hasta entonces. Y al ser tan sorpresivo e inesperado, los resultados fueron ambiguos. En USA fue considerado una decepción, siendo que “Faith” había sido el álbum mejor vendido de 1988

en ese país. Mientras “Faith” permaneció durante 87 semanas en el Billboard Chart, “LWP” solo permaneció un total de 42 semanas. Contrariamente a lo sucedido en Estados Unidos, el disco fue un enorme suceso en el Reino Unido, superando en ventas a “Faith”, cortando un total de 5 singles, y ganando el Brit Award 1991 al Mejor Álbum Británico.

Si bien la calidad de las composiciones puede considerarse tan buena o mejor que la de “Faith”, había un factor fundamental que saltaba a la vista en este lanzamiento en comparación a lo precedente, y tenía que ver con la imagen de George Michael como sex symbol de aquellos años (en los que aún no había reconocido ser homosexual): no se hicieron prácticamente videos promocionales para esta placa, y en aquellos que se hicieron no mostraba la cara el cantante. Dijo George en aquel entonces: “Cierta etapa de mi carrera se acaba ahora. En el futuro no pretendo mostrarme de la misma for-

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ma en la que lo he venido haciendo”.

George estaba diciendo y haciendo todo lo contrario de lo que un experto en marketing recomendaría luego de un blockbuster como “Faith”. En adición, la decisión anunciada de alejarse de la música dance hasta el futuro lanzamiento de “Listen Without Prejudice Vol.2” tampoco ayudó, aunque el único track netamente house bailable del disco que acababa de sacar fue uno de sus máximos logros en dicho campo.

Toda una nueva declaratoria de intenciones surge desde el minuto uno, con el tema de apertura y primer single “Praying For Time”. Fuertemente comprometida, esta canción es una sólida crítica a la sociedad de los tiempos actuales (ya que no ha perdido ni un gramo de vigencia). Tal vez incluso, es una letra que se adelanta a su tiempo, ya que lejos de mejorar como sociedad hemos empeorado. La desesperanza alcanza su pico al dar por sentado que la última carta se juega en manos de un Dios que ya ha dejado de tenernos en cuenta. “And it’s hard to love, there’s so much to hate / Hanging on to hope when there is no hope to speak of”, se lamenta George en esta letra de su autoría que dio origen a una balada acústica con una oscura y sombría reflexión sobre las injusticias y miserias humanas. Fue aclamada por los críticos y llegaría al #1 en Norteamérica pese a ser promocionado solo por un lyric video al estilo del de “Sign ‘o’ The Times” de Prince.

“Freedom 90” es el himno a la libertad del que hablamos antes. George mantuvo su palabra de alejar su imagen de los videoclips, pero no por eso se privó de dar forma a uno de los mejores videos de aquel año. El inicio de este proyecto tuvo que ver con la portada de la revista “Vogue” de enero de 1990, donde aparecieron juntas 5 su-

permodelos de la época: Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington, y Cindy Crawford.

Con la intención de revertir su relación como artista con la cámara (y decidido a no aparecer él), George llamó a las 5 modelos y les pidió que protagonicen el video de la canción “Freedom 90”, aunque fuera poco habitual en aquellos años que modelos de ese renombre aparecieran en videos musicales.

Para completar algo que ya era un éxito de movida, convocó al director David Fincher, que tenía ya experiencia en videoclips al haber trabajado con artistas del nivel de Sting, Paula Abdul, Billy Idol o Madonna (incluyendo el multipremiado “Vogue” de la diva).

Aquí es donde George destruye 3 íconos concernientes a la era “Faith”: la rocola, la guitarra y la campera de cuero. De este modo, George se separa de todo aquello que lo había llevado a convertirse en el prototipo de heteromacho sex symbol: “I was every little hungry schoolgirl's pride and joy / And I guess it was enough for me”, proclama a modo de corte con aquella época. Pero eso no era todo lo que quería decir: confesaría George en el año 2004 que al finalizar la gira de Faith, estaba absolutamente seguro que era gay, pero aún no estaba preparado para contarlo al mundo y quería hacerlo con algún tipo de dignidad. Por eso, creyó que un buen primer paso era deconstruyendo toda la imagen creada para “Faith”.

Siguiendo la línea propuesta por la letra de “Freedom 90”, George renueva sus ya consabidos votos y devoción incondicional hacia Stevie Wonder, y nuevamente realiza un cover del niño prodigio al interpretar “They Won’t Go When I Go”, en este caso prácticamente acapella y con el solo acompañamiento de un piano, donde George

conmueve con su registro vocal, y que en este caso empalma con la idea principal de su disco: probablemente no me entiendan y no sean capaces de seguirme, pero al menos no me prejuzguen sin escucharme. “Listen Without Prejudice Vol.1” es un álbum en su generalidad acústico y embebido en góspel y bossa-nova: “They Won’t Go When I Go” es lo que mejor representa aquel góspel en el que George ya había incursionado en su creación “If Your Were My Woman”, y “Heal The Pain” es el mejor representante aquí del sentimiento de George hacia aquella música popular brasilera derivada de la samba e influida por el jazz. Una balada amorosa acústica y contemplativa que ofició de 4º single en UK. Machacando la idea del cambio, el tercer single del álbum “Waiting For That Day” insiste sobre el propósito de decir adiós a los estúpidos errores que has cometido, y George se replantea su propio futuro a partir del cuestionamiento de cómo tomará la gente esta vuelta de página. Pero además, se pregunta si él mismo será capaz de resurgir de las cenizas: “Some of us will change their lives, some of us still have nothing to show / Nothing baby but memories”, exponien-

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do las heridas y el dolor que él mismo se auto infligió. Es una canción delicada cuyo ritmo y acordes se asemejan a los de “You Can’t Always Get What You Want” de Los Rolling Stones, e incluso repitiendo hacia el final el título de dicha canción. Encaja perfecta y es digna representante de un álbum dedicado en gran parte a baladas y melodías folk del estilo de otras en este disco como “Something To Save” o “Waiting (reprise)”. Todo busca redondear la idea de George de manifestarse a partir de una obra introspectiva que refleja un estado de ánimo cambiante. Por ejemplo, por primera vez George escribía en “Mother’s Pride” una letra sobre la tragedia de una madre que ve partir a su hijo hacia la guerra para morir en tierras lejanas: este track recibió considerable atención en Estados Unidos durante la Guerra del Golfo y fue una suerte de himno para las tropas.

Si bien “Freedom 90” es el momento dance por excelencia del disco, la fresca y renovadora “Soul Free” con su aire Motown e inspirada en Soul II Soul viene a inyectar una dosis de positivismo al ánimo general, buscando aquí George la bendición de sus seguidores, trazando un puente de comprensión en busca de redimir sus conflictos internos.

Nos dejamos casi para el final esa pequeña e inquietante creación superior plagada de remordimiento y reflexión llamada “Cowboys And Angels”, que se aferra al jazz-pop que George supo ya regalarnos en “Kissing A Fool”. Son 7:15 minutos que comienzan con un solo de piano que irá generando un clima envolvente para desembocar en un ritmo sostenido por una sólida línea de bajo, dando contexto a una de las pocas historias de amor de este álbum. George contaría en 2004 que se trataba de un triángulo amoroso histé-

rico del cual el mismo fue parte: él estaba enamorado de un hombre que jamás podría poseer, al mismo tiempo que una amiga mujer estaba enamorada de él, sabiendo que nunca podría tenerlo. Una historia de cómo a veces nos aferramos sin razón a aquello que nos es inalcanzable.

Y finalmente, el cierre del álbum, con la autoreferencial “Waiting (Reprise)” y una sentida despedida al George Michael que alguna vez fue, al que se le hicieron realidad sus sueños carnales pero se le vació el alma, y sella toda esta experiencia mostrándose desnudo con un potente y a la vez orgulloso “Here I am”. ¿Y qué pasó con “Listen Without Prejudice Vol.2”? Nunca salió: George se embarcó en un juicio contra Sony Music Entertainment alegando daños y perjuicios de la compañía por no dar la adecuada promoción al disco, presuntamente como castigo a la decisión de George de no utilizar su imagen para promocionarlo. Como consecuencia, “LWP 2” nunca vió la luz, pero no por eso dejamos de conocer parte del excelente material que iba a componerlo.

El proyecto benéfico “Red, Hot + Dance” (1992), que recaudó fondos para la investigación sobre el SIDA, dio el espacio a George para otra de sus actividades filantrópicas: donó 3 temas inéditos que hubiesen sido parte de “LWP 2”, entre ellos su Top 10 hit “Too Funky”.

“Listen Without Prejudice Vol.1” fue relanzado en 2017 (meses después de la muerte de George), y su versión expandida incluía (además del aclamado “MTV Unplugged” de 1996), los temas donados a The Red Hot Organization.

En su libro autobiográfico “Bare” (co-escrito con Tony Parsons) dice

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George respecto a los años de “Faith”: “A veces sentía que yo era un fraude… que algún día todo el mundo se iba a dar cuenta y que se llevarían todo, que mi mundo se iba a quedar sin el piso. Ese sentimiento ya desapareció”. Este George renovado encaró un proyecto que lo hizo sentirse libre y más auténtico.

Faltaba aún un largo trecho por recorrer, muchas historias por confesar y muchos altibajos en la vida del artista, pero aquí empezaba. Enriquecido por estas cuestiones personales, “Listen Without Prejudice Vol.1” conforma una innegable obra maestra, considerada hoy en día uno de los mejores álbumes en la carrera de George Michael.

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[ Reseña de “de “Chillan Las Bestias - Casi Farsante” por Benjamín York. ]

MELANCOLÍA A FLOR DE PIEL

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Chillan Las Bestias – Casi Farsante Label: Bizarro Records Fecha de Lanzamiento: 21 de agosto de 2020

No hay en el mundo bandas como Chillan Las Bestias. Eso puedo afirmarlo.

Una banda que fusione un post-punk con aires melancólicos bien de este lado del mundo, esas ciudades tan reflejadas a cada lado del Rio de la Plata, Montevideo/Buenos Aires - Buenos Aires/Montevideo”. Ese sentimiento arrabalero tanguero bañado de suciedad moral de ciudades portuarias, en donde se puede sentir la bruma invernal húmeda y asesina, la podemos encontrar como un fantasma que sobrevuela las diez canciones de este tercer álbum de la banda, impregnándolas de crudeza, poesía, paisajes sombríos pero conocidos, existenciales pero tan nuestros, tanta culpabilidad disfrazada de santidad y solemnidad. Sonidos que nos llevan de paseo por las tormentosas poesías de Pedro Dalton, el poeta cantor (entre otras actividades), que va en el sendero de los poetas que conocen el fango y los oscuros rincones del alma que muy pocos se atreven a abrir sus puertas.

El sonido conseguido por la banda llega a un punto álgido en su carrera, después de algunas escuchas atentas uno empieza a descubrir sutilezas que demuestran el crecimiento de un sexteto que viene dando forma a un sonido tan particular como exclusivo. El piano suena tan amoldado a la voz de Pedro, teniendo un momento cumbre en “Hábito al Piano”, la guitarra acompaña sin buscar protagonismo, pero tiene sus pasajes tan delicados como firmes, el bajo tiene una marcada presencia marcando junto a la batería un dúo ajustado y formando un matrimonio difícil de separar, la batería suena muy trabajada, utilizando escobillas para crear climas perfectos y cuando necesita intensidad vuelve a los palillos tradicionales, amoldando en su energía la potencia singular la banda, sin apelar a clichés de una banda con sonido oscuro y tormentoso. El violín tal vez sea el instrumento que más aparece en escena a lo largo del álbum, lo cual incrementa el ánimo nostálgico del sonido de la banda, desangrándose en cada canción y aportándole una cuota importante de disonancia, creadas de una manera tan exquisita que resulta imposible de no introducirse en el mundo Chillan Las Bestias. Pero tenemos momentos de acción como en “Un dedo tapa al Sol”, “CaBa”, “La Vía”, “Casi Farsante”, “El Porrazo” y “Sin Casco”, en donde es imposible que el cuerpo no practique movimientos espásticos cargados de energía primitiva. Y en el resto de las canciones la banda nos va desarmando en nuestros propios fantasmas.

Hablar de Chillan Las Bestias no es simple, ante la primera escucha uno relaciona (algo que la mente tiene que hacer para convertir algo desconocido en conocido) con bandas como Nick Cave and The Bad Seeds o The Triffids, pero al empezar a darle escucha a las canciones se va desvaneciendo esas impresiones y empieza a florar la verdadera identidad de Chillan Las Bestias. ¿Y cuál es esa identidad? Una banda que sabe bien lo que hacer canciones que no tienen un marco de moda o tiempo, son atemporales, las canciones habla de cosas tan oscuras como la vida misma, no hablan de falsas bellezas, es más, hablan bellamente de escenas cotidianas o nos cuentan pequeños momentos que la gran mayoría no ven. Las letras se vuelven intimistas. Pero también la banda tiene su momento en el instrumental en “Un Lujo” y la verdad es que un lujo poder dejarse llevar por esta pista que nos hipnotiza, enseguida me hizo volar hasta 1987 y sentirme dentro de la banda sonora de “El Cielo Sobre Berlín” o “Las Alas del Deseo” de Wim Wenders. (Dato: hay batería electrónica, lo cual nos dice que la banda está dando un paso más allá en las estructuras sonoras).

“Casi Farsante” llega a cerrar una trilogía que se completa con “Chillan Las Bestias” (2013), “Chillan Las Bestias II” (2017). Y la portada una vez más a cargo de Pedro Dalton, mostrando su otra faceta artística, el dibujo. Un Cuervo vestido de etiqueta, cerrando una trilogía de animales humanizada, Primero la vaca como un carnicero, en el segundo un mono vestido. Pero también en estos tres discos la banda pone una paleta de sonidos como base para lo que vendrá, lo cual puede ser un desafío para la banda, pero si hay algo que esta banda supo sobrellevar son los desafíos, por más duros que sean y salieron airosos y fortalecidos.

En resumen, Chillan Las Bestias es imposible de esquivar si el post-punk es lo tuyo, pero atento… no es para cualquier cultor del género, Chillan Las Bestias dista mucho del estereotipo de banda post-punk, puede ser mucho más duro y sin poses, sin actitudes prefabricadas, y estéticas majestuosas o híper pensadas… Chillan Las Bestias es lo que ves en los shows y en sus discos… una banda sin rodeos pero con mucho vuelo poético, no sólo desde sus letras sino también desde su sonoridad.

Chillan Las Bestias llevan la melancolía a flor de piel, dejáte florecer.

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[ Entrevista a Chelo por Diego Centuriรณn. ]

CHELO LARES: LA VANGUARDIA MUSICAL SIEMPRE ESTร PRESENTE EN LA CONTRACULTURA

En este 2020 uno de los discos que yo esperaba era el de Chelo Lares, lanzado a fines de agosto por Fuego Amigo Discos, un disco intenso y vibrante, una travesía sonora que nos conduce a un camino por momentos sombríos pero con una gran paleta de colores que vibra de adentro hacia afuera, abarcando nuestros oídos, atravesándonos y marcándonos ante la primera escucha. Algo que Chelo sabe muy bien cómo hacer, ese krautrock lisérgico con tintes de psicodelia por momentos folk.

Pero para hablar de sus diez años de carrera decidí hablar con Lares y este es el resultado.

Hola Chelo, gracias por aceptar realizar esta entrevista y para empezar con esta entrevista, ¿cómo te trató estos meses de cuarentena?

Hola Diego, ¿cómo andas?, la verdad que en principio, mi vida no cambio mucho, soy bastante ermitaño y trabajo desde mi casa. Con el pasar de los meses se fue haciendo largo, extraño mucho tocar en vivo, juntarme con amigos, ir a bares o comer en alguna pizzería del centro, trato de respetar bastante la cuarentena, por momentos se hace difícil, pero la música siempre es un modo de escape. También dedico mucho tiempo a cocinar y un poco a la jardinería.

Cuarentena que no hizo que tu música se detenga… pero de esto hablaremos en un rato… Me gustaría ir al principio de todo… ¿Cómo llegás a la música?

En mi casa siempre se escuchó música de todo tipo, mi viejo es fanático del jazz, es bien old school, era músico de más joven, tocaba el saxo y el clarinete. Mi hermana en su adolescencia escuchaba mucho rock y también música alternativa, que de a poco me fue llegando, también ella se

encargó de llevarme a ver a los Ratones Paranoicos a obras cuando yo tenía 14 años, fue una tremenda experiencia, una mezcla de miedo, locura y placer.

Algo se fue gestando dentro mío en ese entonces.

Empecé mi primer proyecto musical a los veintitantos, junto a mi novia de aquel entonces, un dúo de folk, se llamaba Chaufan. Tocamos en vivo varias veces, y grabamos algunas canciones. Esa experiencia me alcanzó para saber que me quería dedicar a la música para siempre, entonces ahí surgió la idea de hacer mi proyecto solista, en principio dedicado al folk y la canción, yo me había hecho muy fanático de todo el folk y el blues tradicional yankee, usaba guitarras acústicas, armónica, mandolina, slide y trataba de replicarlo a mi manera, con un sonido más crudo, más indie.

Creo que ahí se fue generando un estilo propio.

Justo te iba a preguntar sobre el EP “El Chelo” que ya tiene diez años… no sé si te pusiste a pensar que pasó una década de ese primer lanzamiento. ¿Qué recordás de esa época?

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Sí, es una locura, una década… En ese entonces yo sentía que era el momento indicado para grabar un disco, tenía varias canciones que venía tocando en vivo, entonces decidí empezar a construir un primitivo home estudio, con lo básico, una computadora, una placa de sonido y un micrófono.

Nunca se me cruzo la idea de ir a un estudio, era demasiado inseguro con mi música, demasiado pasional y sensible, tampoco tenía el dinero, necesitaba poder hacerlo yo, hacerlo a mi gusto, a mi tiempo, sin darme cuenta me estaba transformando. Investigué todo lo necesario para aprender como grabarme, como lograr una mezcla digna, y me aventuré impulsivamente.

Ahora a la distancia, le tengo mucho afecto a ese disco, es muy visceral y urgente, fueron momentos muy lindos,

realmente me estaba sumergiendo en la música de lleno, era la semilla de lo que es mi relación actual con la producción musical, fue una experiencia fundamental y necesaria.

A lo largo de tus producciones discográficas podemos marcar algunos puntos de giro en el sonido, tenemos un comienzo folk, después pasasalspacerock,luegotesumergís en el space rock más sicodélico y en las últimas producciones ya estás más krautrock sin dejar la psicodelia. ¿Cómo ves vos la evolución de tu música disco a disco?

En primer lugar soy melómano, me paso el día escuchando discos, investigando, descubriendo, leyendo…

Esto me mantiene en movimiento,

renueva constantemente el amor que siento por la música, es algo sagrado para mí, la respiro. Todo esto se traduce a través de mis dedos al componer.

Diferentes momentos, diferentes géneros musicales. La psicodelia para mí es fundamental, me gusta que el oyente pueda viajar conmigo, sentir lo que yo siento cuando grabo o toco en vivo mi material, es el lenguaje que elijo a la hora de crear, es un modo de vida.

Y hablando de crear, de poner los dedos al componer… más allá de la guitarra, ¿utilizas otros elementos de composición como computadoras o samplers?

No, en general la mayoría de mis canciones las compongo con guitarra eléctrica y/o acústica. Pero en mi

nuevo disco, 9 volts, la mayoría de los temas fueron creados a partir de un Korg Monotribe, un sintetizador analógico bien primitivo, es la primera vez que las canciones no salen de una guitarra. Estoy abierto a todo tipo de tecnologías, aunque tengo predilección por el sonido analógico.

Bueno un poco a eso quería llegar, tienes un nuevo álbum llamado “9 volts”. En donde el krautrock se hace de cuerpo presente. Contános sobre este nuevo trabajo.

Bueno, como te decía, las canciones de “9 volts” surgen a partir de la experimentación con un sintetizador analógico que adquirí hace algunos meses. Me encerré en mi estudio hogareño, y me sumergí de lleno en el sonido de este instrumento, investigué

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compartimos el amor por la música y la autogestión, hemos pasado ¡noches geniales! A mí me parece un sello clave en la movida independiente de Buenos Aires, siempre creando y difundiendo, es increíble cómo trabajan estos chicos, sin dudas son verdaderos guerreros del indie. Me hicieron sentir muy cómodo desde el primer momento, están en todos los detalles, eso me encanta, porque yo trabajo de la misma forma, sin descanso, siempre pensando en lo que se viene, en el siguiente disco, en el próximo recital, en la futura banda.

A esta nueva experiencia le Sin dudas para mí es un gran paso. sumamos el apoyo del nuevo sello Fuego Amigo Discos. ¿Cómo fue Y Mirando en retrospectiva tus discográficas, llegar a FAD y cómo te resultó la publicaciones forma de trabajar de ellos, que es ¿Crees que estás en el momento un grupo de gente súper laboriosa más fructífero de tu música, es decir donde amplias desde lo sonoro y y ordenada a la hora de trabajar?

A Los chicos de Fuego Amigo también desde la composición? los conozco hace un buen tiempo, Me gustaría creer que sí, ya son las posibilidades que tenía, y como podía encajar en mi música, lo llevé hasta el límite. El resultado está en las canciones, queda clara mi predilección por la escena alemana de los 70s. Fue una hermosa experiencia, mi estudio se transformó en una especie de laboratorio, lleno de cables, pedales, instrumentos de percusión, guitarras, me dediqué a mezclar los sonidos, todo fue encajando de forma natural, estoy muy contento con el resultado y ya pienso en grabar de nuevo.

muchos años de grabar y tocar en vivo, toda esa actividad se va transformando en experiencia. Mi universo musical se fue expandiendo, no solo en cuanto a géneros, también en técnicas de grabación y producción artesanales.

A pesar de estar volcado de lleno en la música experimental y psicodélica, todavía sigo componiendo canciones de folk y blues regularmente, a modo de ejercicio espiritual. Es un camino largo y sinuoso, una forma de vida alternativa, ¡quizás lo mejor está por venir!

No podemos dejar pasar por alto que nos conocimos por otro proyecto llamado “Flores de Sinaloa” pero sé que también tenés un dúo con el baterista Matías Rivara. ¿Tendremos alguna grabación de ese dúo?

Las Flores siempre estarán presentes en mi corazón. Pasamos momentos

geniales juntos, creamos música tremenda, fue una gran experiencia, pude dar rienda suelta a mi lado más rockero. Seguro que vamos a volver a escuchar hablar de Flores de Sinaloa.

Con Mati hay una conexión musical muy fuerte, tocamos juntos hace mucho tiempo, eso fue generando una especie de lenguaje propio. Cada recital de Chelo + Fausto es una locura, apenas suena el primer acorde, se empieza a desplegar una red musical infinita, que es muy difícil de detener, realmente para mi es una experiencia única, mántrica, muy intensa. Es como una maquinaria aceitada, un tren, un viaje a Mar del Plata en 2 horas y media.

Sí, tenemos planeado grabar material, la cuarentena nos complicó un poco las cosas, pero ya vamos a encontrar la forma, sin dudas es algo que espero ansioso, a veces mi proyecto se vuelve un tanto solitario.

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Y pensando en “9 Volts” ya has lanzado un video que fue el single adelanto del álbum. ¿Tienes pensado en otro video próximamente?

La verdad por el momento no, pero ¿quién sabe?

Si tuvieras que recomendar por dónde empezar a escuchar tu música a nuestros lectores que no conocen a Chelo lares ¿Por dónde recomendarías que inicien el camino?

Quizás elegiría “el verdadero viaje es el retorno”, es un disco de canciones que me encanta y creo que resume muy bien mi búsqueda musical. ¿Dónde pueden seguirte y encontrar tu música?

Pueden encontrarme en las redes, Instagram y Facebook, y mi música en Spotify, Youtube y bandcamp.

Para terminar y agradeciéndote la posibilidad de realizar esta entrevista.

Te dejo este espacio para que le digas lo que quieras a nuestros lectores…

Gracias a vos por el espacio y el interés.

La vanguardia musical siempre está presente en la contracultura.

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[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

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Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición.

Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos.

Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad.

O hasta que las existencias se agoten.

PARPADEO. Siguen las lluvias en el pasillo de esta casa. El solo hecho de imaginar este corredor de asco y herencia familiar me hace sentir un vacío en el estómago que concatena un olor a desinfectante barato y a sábanas con extraños símbolos y números escritos con marcadores.

Claves que solo entienden algunas personas, que circulan con un aire petulante y de superioridad por sus dominios. Son generalmente números y letras, ante los cuales me sostengo de pié por minutos enteros, tratando de descifrarlos, asociando ideas, elaborando fórmulas matemáticas absurdas que a su vez asocio con notas musicales.

Ah! Las notas musicales que siempre aparecen por defecto. Caprichosamente, deciden con tajante convicción que esto debe ser así. De este lado, el de los mortales receptores, nos queda solo asentir e incorporar dicho material sonoro automáticamente en una especie de edición cinematográfica a nuestra visión.

Por supuesto que es inútil. Siempre fui un obelisco de inutilidad para las matemáticas. Cuando solía vivir en otra parte de la tierra ajena y mis sentidos no necesitaban calibración alguna, llegué a pensar que había un componente de mi cuerpo asociado a esa ciencia, que me había sido negado. Por supuesto, en el medio de ese optimismo falso y de papel que se tiene a corta edad, pensé que esa falencia había sido suplida con un enorme talento para otra cosa. Que aún no descubro. Y es que algunas cosas toman su tiempo. Así, vamos dando forma a nuestra personalidad, a fuerza de despertar en nuestra hernia moral, reflejarnos en los ojos de los demás, y sobre todo acatar órdenes, regulaciones, normas y preceptos. Se trunca nuestra imagen, nuestra imaginación se vuelve una meseta infértil, y estamos listos para abandonar este plano y despertar en otro. Así sucesivamente.

Un breve corte de imagen y estoy en un viaje de descubrimiento sin moverme.

Un punto fijo en la distancia, me ayuda como referencia. Enormes universos se abren ante mis ojos, colores vívidos y brillantes que me hacen extender mis brazos para cubrir mis ojos. Soy testigo de algunas escenas hermosas y otras dantescas. La historia pasa a mi lado. En esta misión, soy el cronista que viaja en el tiempo y espacio. Nada me asombra, nada me detiene.

Y me pierdo. Caigo en mi propia trampa, pierdo el control y me creo una historia que no es real. Los números, la base de todo, bailan en una danza siniestra alrededor de mi cuerpo, que a esta altura, flota y se mueve en espiral.

Entro en pánico.

Y parpadeo. Inconscientemente. Es la señal para que todo esto cese. Para que nuevamente pueda moverme y recupere el control. Doy un paso con demasiado ímpetu. Cambia la luz del semáforo de verde a rojo, señal inequívoca de que debo retroceder.

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[ Por Fernando Rivera Rodríguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: WINTER RESPLANDOR

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La Evolución y La Revolucíón Del Dream-Pop Reseña de “Winter - Endless Space (Between You & I)”

Algunos artistas o bandas nuevas, dentro de la Escena Indie, están haciendo una gran carrera para ser reconocidos por una audiencia importante después de haber lanzado muchos álbumes y EPs con una variedad de estilos encontrando su sello propio e identidad. Los sonidos y las melodías son más sofisticadas que los anteriores esfuerzos incorporando muchos detalles y efectos en su Música porque quieren ofrecer lo mejor aprovechando las nuevas tecnologías.

De repente, después de algunos años de hacer Música, en algunos EPS y LPS, y poniendo toda su experiencia y conocimiento crean una obra madura que podría significar una progresión natural o evolución. A partir de esto pueden llamar la atención de un gran productor y los medios y pasar de un sello pequeño a uno más grande que pueda hacerlos muy conocidos como una buena elección para escuchar y comprar sus discos alrededor del mundo. Este es un sueño hecho realidad para cualquier artista.

Un gran ejemplo de este proceso es la banda WINTER la cual tuve el placer de descubrir a través de su tercer y nuevo álbum titulado "Endless Space (Between You & I) (2020 - BAR NONE RECORDS). Ellos nos ofrecen increíbles canciones Dream-Pop y etéreas con una destacada producción

y una notable elaboración que incluye detallados efectos sónicos, Ambient, Música Experimental, Shoegaze y Psychedelia... ¡muy asombroso!

Escuchando su discografía previa "Endless Space (Between You & I)" (2020) es su mejor álbum hasta el día de hoy llevando el estilo Dream-Pop hacia un nivel superior de autenticidad y gran forma fusionándolo con muchas sorpresas. La líder detrás del proyecto WINTER es la carismática y talentosa cantante y compositora SAMIRA WINTER nacida en Brasil y establecida en Los Ángeles, USA. Ella tiene una prolífica carrera de muchos álbumes y EPs y tal vez es ahora el momento de que ella sea mejor conocida por su nuevo y radiante Dream-Pop LP que es imprescindible!.

Me fascina y lo recomiendo bastante.

WINTER, como banda, comenzó a crear Música en el año 2012 con "Daydreaming", un gran EP Indie y Dream-Pop seguido del "Summer Singles" EP (2013) y su gran debut en LP "Supreme Blue Dream" (2015).

Después de muchos sencillos y EPS, WINTER grabó "Ethereality" (2018), su segundo álbum con críticas favorables. Finalmente aparecieron los EPs "Infinite Summer" y "Hazy" del 2019 como un fantástico preludio hacia el increíble álbum y obra maestra "Endless Space (Between You & I)"

(2019) lleno de evocadoras y brillantes canciones Dream-Pop. La canción que he elegido para ser parte de este artículo es la mismo que dá el título al disco.

Ahora describiré cada uno de los temas que componen este maravilloso álbum: LADO A: 1."BetweenYou&I"esunaintroducción fabulosa a la mejor canción del álbum con muchas efectos de cintas al revés y Noise-Rock. Resaltan las influencias de MY BLOODY VALENTINE y su EP atemporal "Tremolo" (1991) donde crearon vínculos entre canciones... ¡increíble!

2. "Endless Space (Between You & I)" es el tema principal del disco donde podemos sentir el potencial y el talento de WINTER en su máxima expresión con muchos detalles y texturas. Las melodías, los sonidos y la voz de Samira crean una atmósfera impresionante y nos podemos sumergir en un mundo surrealista de belleza y alegría.

Como en un rompecabezas han puesto cada pieza en el lugar correcto y han concebido un tema sensacional que de seguro será parte de las mejores canciones de los 2000.

COCTEAU TWINS y SWALLOW son geniales influencias pero también MY BLOODY VALENTINE, BROADCAST, MELODY´S ECHO CHAMBER, STILL CORNERS y muchas otras grandes bandas. WINTER ha sido muy sabio y visionario para reinterpretar estas bandas con su propia esencia dando un sentimiento contemporáneo y creando un aura brillante de puro Dream-Pop a la perfección... ¡un triunfo alucinante!

3. Muy provocativa y pegadiza es la optimista y alegre melodía "Here I Am Existing". Ellos nos muestran otro camino de su encantadora Música con

un toque más Psicodélico y un sonido más calmado... ¡simplemente brillante!

4. "Healing" continúa el estilo del tema anterior pero es más corto, melódico y Pop. Definitivamente COCTEAU TWINS es una profunda influencia sonora y vocal y podemos descubrir muchas melodías en un mundo de bienaventuranza.

5. La Minimalista y Experimental "In The Z Plane" actúa como un interludio para la canción posterior. Las voces están envueltas en capas para sentir un efecto diferente y es una balada suave con un aire Bossa Nova... ¡Precioso!

6. "Say" es una de mis canciones favoritas del nuevo disco de WINTER. Empieza con una melodía espacial y ambiental y luego explota en el territorio de la Electrónica y la Vanguardia dando mucho carácter a la canción de una manera asombrosa. Podemos sentir el estilo Lounge de STEREOLAB, una de mis bandas favoritas... ¡increíble!

LADO B: 1. Comenzamos el lado B con "Bem No Fundo", otra de mis hermosas y seleccionadas pistas. Esta vez Samira canta en Portugués y su voz se combina a la perfección con la colaboración vocal de DINHO ALMEIDA. Juntos crean una hermosa melodía Psicodélica con mucha luz.

2. Nuevamente podemos disfrutar de la gran voz de Samira en el excelente tema "Constellation". Un alegre y suave tema lleno de diversión y efectos aleatorios que aparecen a lo largo la canción. También una brillante y difusa guitarra significa una adición inteligente hacia el final.

3. "Memória Colorida" es una romántica y magnífica canción de amor, cantada una vez más en Portugués. A la mitad el tema se transforma inteligentemente en una

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canción Shoegaze. Inmediatamente me viene a la mente la gran influencia de SWALLOW y la atractiva voz de LOUISE TREHY, la frontwoman... ¡dos pulgares arriba!

4. "Wherever You Are" es realmente fabulosa y otra de mis mejores elecciones. Puedo definirla como un viaje encantador a una nueva dimensión llena de mucho SpaceRock y elementos experimentales.

Apreciemos el intenso y oscuro solo de guitarra con una vibra emocionante...

DAVID BOWIE o BRIAN ENO junto a COCTEAU TWINS... ¡extraordinaria!

5. Llegamos al final de este álbum con una melodía de otro mundo titulada "Pure Magician". Es el cierre fascinante,

soñador, ruidoso, Experimental y Psicodélico de este magnífico álbum.

La voz de Samira es muy espiritual influenciada por BILINDA BUTCHER de MY BLOODY VALENTINE...como el título dice: ¡es pura magia!

Escuchen el increíble álbum "Endless Space (Between You & I)" (2020) de WINTER y si tienen la oportunidad compren el disco. Es una obra maestra de Dream-Pop y disfrutarán las deslumbrantes canciones por siempre!. Muchas gracias por leer, escuchar y ver el impresionante video. ¡¡¡Un fuerte abrazo y cuídense mucho mis amigos!!!

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Sorprendentes Texturas Shoegaze e Increíbles Paisajes Sonoros Desde Lima, Perú.

Reseña de “Resplandor - Pleamar" (2020)” SAINT MARIE RECORDS, reedición en vinilo doble) (2019 - AUTOMATIC ENTERTAINMENT, reedición en CD

El renacimiento del Shoegaze se ha convertido en un verdadero fenómeno en todo el mundo en estos días con grupos maravillosos reinterpretando el Shoegaze y el Noise-Rock de formas muy variadas y complejas contribuyendo con su propia y única visión. Al final de los años 90 y comenzando el nuevo milenio ha habido una progresión de bandas que han dado continuidad a estos grandes estilos y todos los días podemos ver cómo la escena Indie se revitaliza y fortalece.

Estoy muy emocionado y orgulloso de presentar a una genial banda, siendo una de las pioneras, en difundir su amor y pasión por el género Shoegaze.

Ellos son la impresionante banda RESPLANDOR, muy bien conocida en todo el mundo, y siento más orgullo aún de que provienen de Lima, Perú, mi querido país. El estilo principal que cultivan es el Shoegaze pero también muestran su afinidad hacia el DreamPop, Indie-Pop, Ambient y Electrónica.

RESPLANDOR fue fundada en 1996 por el gran Músico ANTONIO ZELADA y se presentaron en vivo en el icónico Club BAUHAUS en 1997 ubicado en Miraflores, Lima-Perú con un gran éxito y, lamentablemente, hoy ya no existe.

El DJ residente, en ese tiempo, fue Eduardo Lenti, excelente escritor de Música Indie y un gran amigo. Él ahora es DJ del reconocido Club Nébula en Miraflores, Lima-Perú nuevamente y muy cerca de mi casa.

El primer EP auto editado de la banda fue "Sol De Hiel" ("Gall Sun") en 1998. Luego, en el año 2000, grabaron el encantador álbum debut "Elipse" ("Ellipse") y muchas de las canciones fueron incluidas en varias compilaciones de sellos Musicales como el increíble single "En Tus Alas" incluido en la colección "Picnic Basket"

para SHELFLIFE RECORDS. Las nuevas canciones comenzaron a llamar la atención en Europa y el sello alemán ALISON RECORDS los fichó para grabar "Ámbar" (2002), su segundo sobresaliente álbum con críticas favorables. Un año después estuvieron de gira en Estados Unidos presentando el nuevo álbum... ¡¡¡increíble!!!

Las influencias de la banda son muchas y las más representativas son: SLOWDIVE, MY BLOODY VALENTINE, COCTEAU TWINS, CHAPTERHOUSE, LILYS, SEEFEEL, WINDY & CARL, SWALLOW, PALE SAINTS, LUSH, etc.

En 2005 lanzaron una versión de "The Killing Moon" de ECHO & THE BUNNYMEN la cual apareció en el álbum tributo "Play The Game", para la discográfica LUNAR DISCOS de España y el mismo año reeditaron "Elipse" con dos bonus tracks y videos distribuido por TONEVENDOR. El siguiente gran paso en su carrera fue el lanzamiento de su último álbum "Pleamar" (2008 - AUTOMATIC ENTERTAINMENT) producido y mezclado por ROBIN GUTHRIE, el mítico guitarrista de la extraordinaria y legendaria banda COCTEAU TWINS, ¡¡¡un gran honor!!! Robin escuchó a la banda y le gustó mucho, así que decidió trabajar con ellos.

El resultado fue un brillante álbum con el sello Shoegaze y etéreo de Robin convirtiéndose en su mejor álbum hasta la fecha con un sonido más pulido y refinado como nunca antes. Gracias a esto RESPLANDOR es reconocida como una gran banda en todo el mundo. Pronto hablaré sobre el álbum, con más detalle, y la nuevo reedición de "Pleamar" en doble vinilo y CD. Los miembros actuales de RESPLANDOR son el frontman

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ANTONIO ZELADA en voces, guitarras y programación, TATIANA BALABURKINA en teclados y coros proveniente de Rusia), JOERI GYDÉ en el bajo nacido en Bélgica y miembro de la banda COLOUR KANE. Actualmente la banda se encuentra establecida en Holanda. Cuando tocan en vivo en Lima colaboran DARKO SARIC en los teclados (él también tiene una sólida carrera como productor y compositor de la gran banda Peruana INDIGO).

HENRY GATES en el bajo eléctrico y CHRISTOPHER FARFÁN en la batería.

Los ex-miembros de RESPLANDOR fueron LUIS RODRÍGUEZ en las guitarras y el E-bow, WILMER RUIZ PEREA en los teclados, ARACELLI FERNÁNDEZ en voces, BETTINE SOLF en voces y en el bajo eléctrico, ROCCO FLORES ONETTO, en teclados e Ingeniero asistente, LUCÍA VIVANCO (YUSHIMI), en violín y bajo y CARLOS MARIÑO en batería.

Volviendo al excelente álbum "Pleamar"(2008)hubomuchosMúsicos

invitados como ANDREW PRINZ y ANA BRETON de MAHOGANY. Andrew es el líder y Ana ya no pertenece al grupo.

A su vez ella fue miembro de DEAD LEAF ECHO. También participó SCOTT CORTEZ de LOVESLIESCRUSHING. Hoy RESPLANDOR es parte del sello SAINT MARIE RECORDS junto a bandas como MAHOGANY, PIANO MAGIC, WHIMSICAL, THE EMERALD DOWN, JEFF RUNNINGS, ELIKA, SCARLET YOUTH, etc.

El álbum abre con "Solar", una exquisita introducción melancólica con voces volátiles y texturas ambientales.

La triunfante "Downfall" viene después y es mi elección como tema principal para este artículo que describiré luego.

Una pieza más alegre es "Raindrops" con guitarras ágiles para dar paso a "Breathe", una de mis pistas favoritas con capas de guitarra más rápidas y una energía impresionante. Después viene el turno de "Oeste" que sigue el mismo camino.

"Boreal" es completamente diferente porque es más Experimental y Foto: Tomás Tyburec

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Minimalista... ¡¡¡Música para sentir!!!

Continuamos con "Pleamar", la canción que da nombre al álbum, con un Ambiente Neo-Progresivo y PostRock en donde la batería crea un aura deslumbrante. La ternura, belleza y romanticismo de "Whisper" nos cautiva de una manera sorprendente, un número que me gusta bastante.

Vamos más profundo para entrar a la nostálgica, abstracta e introspectiva "Twilight" en donde podemos apreciar la magia y el encanto de la excelente producción de ROBIN GUTHRIE. Una buena noticia es que SAINT MARIE RECORDS ha reeditado y remasterizado "Pleamar" (2020) incluyendo cuatro remixes exclusivos: "Breathe" y "Twilight", remezclados por IAN CATT, productor de THE FIELD MICE, TREMBLING BLUE STARS, SAINT ETIENNE, etc. y "Bocanada (Faraway Whispers From The Sea)" y "Pleamar (Wherever You Are)" remezcladas por DARKO SARIC. Ahora la reedición está agotada pero si quieren una copia pueden suscribirse en el enlace que publicaré más adelante en los comentarios.

Ahora es el momento de darles mi apreciación sobre los bonus tracks incluidos para esta versión de lujo en vinilo doble. Los remixes de "Breathe" y "Twilight" de IAN CATT son radiantes con una fuerte base electrónica y un sonido más accesible, ¡¡¡simplemente increíble!!! DARKO SARIC nos muestra un concepto diferente con un sentimiento más Experimental y Vanguardista en sus fantásticas remezclas "Bocanada (Faraway Whispers From The Sea)" y "Pleamar" (Wherever You Are)".

De otro lado, AUTOMATIC ENTERTAINMENT ha reeditado la versión en CD incluyendo el bonus track "Pleamar (Wherever You Are)" remezclado por DARKO SARIC. Esta es una versión limitada de solo 200 copias y el Arte del CD es diferente. Lo pueden comprar en el Bandcamp de RESPLANDOR: Definitivamente "Downfall" es una canción majestuosa y la más destacada del álbum "Pleamar". Es una verdadera pieza Shoegaze, contemporánea e innovadora, que representa cuán lejos puede llegar RESPLANDOR mostrando todo su potencial y visión

Foto: Heinz Brossolat

artística para crear una obra maestra adelantada a su tiempo. Es una de las mejores canciones de los años 2000 dando un nuevo enfoque al estilo Shoegaze con muchas capas de guitarra, efectos de sonido y una espectacular melodía mezclada con la encantadora y etérea voz de ANTONIO ZELADA. Desde las primeras notas, este glorioso tema es una experiencia inmersiva que nos lleva a un mundo etéreo de agradables y nostálgicos paisajes sonoros que crecen cada vez más a medida que la canción continúa hasta el final con fabulosos coros que le dan un toque especial.

Es un lujo que artistas invitados como ANDREW PRINZ, líder de MAHOGANY, ANA BRETON que fue parte de MAHOGANY y DEAD LEAF ECHO y finalmente SCOTT CORTEZ, líder de LOVESLIESCRUSHING,

hayan participado en los coros. De esta manera "Downfall" es mucho más especial... ¡¡¡una verdadera delicia!!!

El video del tema es sensacional y está dirigido por el Peruano PERCY CÉSPEDEZ, nominado en el 2010 a un Grammy Latino.

Es muy significativo mencionar a AUTOMATIC ENTERTAINMENT, la granproductoraPeruanaindependiente y sello discográfico, propiedad de ANTONIO ZELADA y actualmente con sede en Rotterdam, Holanda, por su gran entusiasmo y espíritu libre haciendo que la escena Musical Indie crezca mucho más en Lima con la llegada de nuevas bandas y grupos legendarios de todo el mundo.

AUTOMATIC ENTERTAINMENT ha traído a Lima a grandes artistas como THE OCEAN BLUE, ROBIN GUTHRIE, THE JESUS & MARY CHAIN, THE HOUSE OF LOVE, THE RADIO

DEPT., MAHOGANY, ASOBI SEKSU, AIRIEL, ELIKA, ANDY FLETCHER (DEPECHE MODE), PETER HOOK (NEW ORDER), ANDY ROURKE (THE SMITHS), WARREN DEFEVER (HIS NAME IS ALIVE), MARK GARDENER (RIDE), ULRICH SCHNAUSS, LOVESLIESCRUSHING, MEN WITHOUT HATS, etc.

Sorprendente que RESPLANDOR haya compartido el escenario con todos ellos y también hayan sido la banda soporte de otros icónicos artistas de diferentes sellos como THE CURE y SLOWDIVE. No olviden comprar sus boletos para el AUTOMATIC SHOW FEST II el 10 de abril del 2010 en Rotterdam, NL. en donde tocarán excelentes bandas en vivo como BLANKENBERGE (Rusia), PUMUKY (ESPAÑA), DEATH BY AUDIO (Holanda) y RESPLANDOR (Perú).

Muchas gracias a ANTONIO ZELADA y a todo el personal de AUTOMATIC ENTERTAINMENTcomoGUILLERMO MELGAREJO por darme la oportunidad de escribir sobre "Pleamar", mi álbum favorito de RESPLANDOR. No se olviden de escuchar la hermosa canción "Downfall" y de suscribirse al sello SAINT MARIE RECORDS si desean una copia del genial vinilo doble de "Pleamar" el cual incluye cuatro bonus tracks. Si les interesa la reedición en CD pueden comprarla en el Bandcamp de RESPLANDOR. Mis mejores deseos y muchas gracias a mis queridos amigos y a toda la gente y coleccionistas comprometidos con la fascinante Música Indie. Escuchen el tema y lean el artículo... ¡¡¡Saludos!!!

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[ Entrevista a Eric Harms de The Asteroid Nº4 por Diego Centurión.

Fotografías: Kari Devereaux. ]

FUERA DE ESTE MUNDO: THE ASTEROID N°4 EN SU NUEVO LP

El nombre de la banda me parece estelar, y si escuchamos su música la sensación de flotar en universos psicodélicos aumenta y esa invitación a expandir nuestros sentidos se hace más real. Con más de dos décadas de trayectoria, acaban de lanzar su décimo álbum llamado "Northern Songs" y sobre esto y la banda hablaremos.

Desde California les presento a The Asteroid N°4.

Hola chicos gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Y para comenzar me gustaría saber ¿cómo sobrellevan está pandemia que ha cambiado el rumbo de este 2020?

Bueno, ha sido difícil por decir algo, pero estamos aprovechando esta oportunidad para enfocarnos en escribir y grabar, solo tenemos al tiempo de nuestro lado en este momento. Sin medios para tocar en vivo en el futuro previsible, sentimos que lo mejor que podemos hacer es sacar tanta música como sea posible, y si, cuando llegue el momento en que podamos tocar de nuevo, podemos esperar tener una gran cantidad de música, de nuevas canciones que podremos compartir con nuestro público.

Cuéntenos acerca del nombre de la banda que los relaciona con la astronomía.

El nombre del grupo se remonta a mediados de los 90 en honor a una de nuestras mayores influencias, Spacemen 3. Nuestra música proviene de un lugar etéreo, y Vesta, la estrella más brillante del universo, es un buen hogar.

Y pensando en Vesta y lo espacial, creo que su música tiene mucho de esto, psicodelia espacial. ¿Ustedes cuánto creen que ha cambiado su

música en estos años?

Hemos cambiado mucho durante los más de 20 años que llevamos haciendo esto. Pero para los últimos 4 álbumes, creo que estamos en un lugar que podemos llamar nuestro, donde no estamos tratando de ser otra persona, estamos usando nuestras influencias como colores en la imagen final. Cuando empezamos, Pink Floyd era nuestra hoja de ruta principal.

“Introducing”... fue el resultado. Luego, después de ganar algo de notoriedad en la escena neo-psych / shoegaze, donde se supone que debes hacer un gran seguimiento, hicimos un giro a la derecha fallido tratando de hacer algo inspirado en Kinks, luego otro después de eso en música country. . Esos dos no son buenos y debes ignorarlos y deberían desaparecer.

No hace falta decir que las cosas se vinieron abajo después de eso, y nos tomamos un pequeño descanso.

Recogiendo las piezas un tiempo después, encontramos un espacio en una antigua cervecería abandonada en Filadelfia donde terminamos grabando “An Amazing Dream”. A partir de ese momento, el propósito de nuestro viaje fue tratar de ser más fieles a quienes somos y no intentar ser algo que no somos. Nuestra trayectoria desde “An Amazing…” ha sido un camino bastante directo para darnos cuenta de lo que

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escuchas en Northern Songs.

Ustedes empezaron este proyecto hace más de dos décadas, ¿cómo es tener un proyecto tanto tiempo?

Si bien es cierto que pasaron muchos músicos en estos años, han mantenido una estructura.

Hemos tenido tantos altibajos a lo largo de los años, tantos miembros de la banda que han ido y venido.

Hemos pasado por muchos momentos difíciles de manera creativa, personal y relacionada con la banda / giras, y no puedo decir que no hayamos dicho "Ya terminé, renuncio" más de un puñado de veces. Pero retrocedemos, nos tomamos un descanso y pronto volvemos a hacerlo, porque esto es una pasión para nosotros, y cuando las cosas van bien, es realmente divertido, y eso es lo que nos mantiene en marcha.

Si no es divertido, no queremos hacerlo.

Actuar es como una droga, siempre estás buscando el próximo máximo y conectar con una audiencia es una de las mejores sensaciones del mundo.

Realmente extrañamos tocar en vivo y hacer giras, y extrañamos la conexión con la audiencia. De eso se trata.

En 1998 editan el primer álbum… ¿Qué sienten que cambió en ustedes en tantos años a la hora de grabar?

El cambio ha sido un tema constante en la historia de la banda y creo que ha sidosaludable.Hemosperdidolacuenta de cuántos miembros han pasado por la alineación y, estilísticamente, hemos probado muchas cosas diferentes.

Pero, en última instancia, cuando nos damos cuenta de quiénes somos, nos hemos ceñido a ello y siempre elegiremos entre una variedad de

influencias en cada álbum. The Bryds, Ride, Slowdive, Spacemen 3, Beatles, Floyd y Kinks siempre formarán parte de quienes somos. Pero no queremos imitarlos, porque ¿qué divertido es eso? Hacer versiones de canciones es genial, hay mucho que aprender y lo hacemos a menudo. Pero hay tantas bandas "psicodélicas" hoy en día que solo tienen ciertos niveles de influencia a los que pueden recurrir, y todo suena igual. No hay longevidad en eso.

Su carrera es tan extensa que es difícil abarcarla en una sola entrevista, pero si tuvieran que guiar a los lectores que aún no conocen a The Asteroid N°4, ¿por qué disco deberían empezar a conocerlos?

An Amazing Dream o These Flowers on un buen comienzo para saber quiénes somos hoy. Amazing Dream suena como "nosotros". “Introducing”... seguimos siendo nosotros, pero

hemos aprendido tanto desde ese álbum que siento que no es realmente representativo de quiénes somos hoy.

Todavía tocamos varias canciones de ese álbum, así como algunos sencillos de esa época como “90 Colors” que salió como un 7” antes de que se lanzara Introducing…. Collide fue una buena progresión, pero creo que con Northern Songs realmente hemos alcanzado nuestro ritmo. ¿Cómo es hacer un lanzamiento discográfico en este extraño momento?

Es absolutamente extraño, y es una pena que no podamos hacer una gira para apoyar el álbum. Pero creo que tienes que verlo como otra era extraña en la historia de la música y aceptar y desafiar. Como cuando no había Internet y teníamos que hacer nuestras relaciones públicas por fax, y realmente tenías que hacer llamadas

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telefónicas para que la gente de la radio tocara tus canciones. No va a ser así para siempre; saldremos de esto en algún momento. Solo tenemos que cumplir con lo que tenemos, que es principalmente tiempo, y las oportunidades que se nos brindan y estamos creando, para adaptarnos.

Estoy pensando en estos tiempos difíciles que nos toca vivir y si bien el mundo virtual se está moviendo, gran parte del mundo real parece haberse detenido. ¿Cómo llevan adelante un plan de difusión del nuevo trabajo sin los conciertos y las giras?

Durante este tiempo nuestro objetivo es ensayar, grabar y lanzar tanta música como sea posible. Tenemos un estudio aquí en San Rafael y lo hemos equipado con una cámara de video montada en planes para hacer algunos conciertos virtuales. Lanzar nueva música será absolutamente necesario para mantenerse a flote. Entendemos que no vamos a vender una gran cantidad de álbumes por adelantado, pero una vez que esté disponible, estará ahí para siempre. La gente lo encontrará cuando nos presenten a través de otro artista, amigos, radio por Internet, YouTube, etc. Ya es bastante difícil ser relevante porque Internet está lleno de mucho ruido, pero siento que la continuidad y la persistencia son la clave para vadeando las aguas de esta tormenta y manteniéndonos en contacto con nuestra audiencia actual y potencial. ¿Qué diferencias encuentras entre el álbum anterior "Collide" (2018) y "Northern Songs" (2020)?

Collide grabamos en un estudio que debería ser un museo de equipos de grabación. El lugar tenía todos los

amplificadores Fender que puedas imaginar, una increíble consola Calrec, todos los compresores antiguos, ecualizadores, preamplificadores de micrófono, micrófonos, efectos, teclados que puedas imaginar. Fue un poco abrumador, ya que nunca habíamos trabajado con mucho de ese equipo antes, de forma práctica.

Grabé, mezclé y mastericé Northern Songs, y la extensión de mi equipo fue 2 clones Neumann U87 que construí, 11 pre-clones de micrófono API 312 que construí, nuestra máquina de cinta de 16 pistas de 1” y ProTools con algunos complementos agradables, pero sin engranaje fuera de borda.

Lo que me faltaba de equipo, podía intentar igualarlo sonoramente debido a la experiencia que tuvimos en ese estudio con Collide. También hicimos todo para Northern Songs en nuestro estudio, lo que nos dio el tiempo que necesitábamos para trabajar, en lugar de pagar el tiempo de estudio en el horario del estudio. En nuestro estudio podemos tener un horario semanal, por lo que podemos continuar con una idea que está fresca en nuestras cabezas. Con Collide, solo pudimos trabajar en él tal vez de 2 a 4 días al mes, con lo que podíamos pagar.

Entonces, aunque regresar con oídos frescos puede ser beneficioso, perder esa vibra que podría haber tenido la última vez es un lastre.

En cuanto a las canciones, son bastante similares; los vemos como una "colección" de canciones, un enfoque en el que nos hemos centrado desde 2014. Nuestro cantante principal y compañero fundador de A4, Scott (yo soy el otro miembro fundador que todavía está en el grupo) dice que podrían haber sido uno LP doble largo.

Pero suenan bastante diferentes, al menos para nosotros. También

tuvimos un quinto miembro con nosotros para Collide, por lo que tuvo un efecto en el proceso de escritura.

Northern Songs está más en la línea de nuestra composición genética y se enfoca más en el shoegaze del Reino Unido y el pop de ensueño de finales de los 80 y principios de los 90 en los que crecimos cuando estábamos en nuestra adolescencia y principios de los 20. Creemos que es la mejor representación hasta ahora de quiénes somos como músicos.

Y ya hablando del álbum, ¿Cómo fue el proceso de escritura y de grabación de este nuevo álbum?

Fue agradable, ya que todos trajimos canciones a la mesa y todos tenemos nuestros procesos diferentes. Al tener 3 compositores en el grupo, Scott, nuestro bajista Matty y yo, siempre hay diferentes formas en que las cosas salen a la luz.

Al igual que con cualquier banda,

algo se unirá en el ensayo. “Paint it Green” fue traído por Matty, era una línea de guitarra que estaba tocando en un ensayo y lo convertimos en una canción. Tiene un disco en solitario con otra versión de la canción que es completamente diferente. Yo mismo, por lo general, grabo todo en casa, guitarra, bajo, teclas junto con un simple bucle de caja de ritmos. Haré todos los arreglos, y lo traeré para que todos lo escuchen, y para que Scott tenga algo que lo inspire para la letra y la melodía. Las canciones generalmente cambian una vez que todos los demás aportan sus ideas, lo cual es increíble.

Mi idea se transforma en algo que nunca hubiera pensado hacer. En el enfoque de Scott, se le ocurrirá una idea acústica con una melodía, la incorporará, improvisaremos y construiremos la estructura. Una vez que tengamos una estructura, comenzaremos con una grabación de demostración para que podamos

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arreglar las cosas, arreglar los arreglos, sacar cosas, hacer espacio, agregar armonías y otra instrumentación. Una vez que sentimos que estamos listos, tocaremos el récord de verdad. ¡Pero a veces las demos funcionan!

“Northern Songs” se ha lanzado por Little Cloud Records / Cardinal Fuzz, cuéntenos ¿cómo es trabajar con estas compañías discográficas?

Creo que ha sido una de las mejores experiencias, ya que normalmente soy yo el que se comunica con la etiqueta con la que estamos trabajando. Trabajar en asociación entre estos chicos, creo que es la mejor manera de lanzar un álbum, ya que Little Cloud está en los Estados Unidos y Cardinal Fuzz está en el Reino Unido.

El solo hecho de tener las dos ubicaciones para enviar registros a los fanáticos es una ventaja, porque enviar un LP desde San Francisco al Reino

Unido puede ser astronómicamente caro. Northern Songs cuesta 25 U$S, y enviarlo al Reino Unido cuesta U$S 26, más los impuestos de importación del Reino Unido que tengan que pagar para recibir la mercancía. Estos muchachos también están dividiendo los costos, por lo que es más fácil tomar decisiones y hacer un producto de mayor calidad.

Pero el solo hecho de tener un equipo detrás de usted que esté realmente interesado en lo que está haciendo hace que sea mucho más fácil para nosotros hacer lo que tenemos que hacer. Todos tenemos que hacer sacrificios, y si una parte del rompecabezas no coopera, entonces realmente derriba la moral.

Tiene que ser que todos los sistemas funcionen, avancen, especialmente con lo difícil que es lanzar y promover la música en estos días. Mike (LC) y Dave (CF) tampoco podrían ser dos

personas más agradables para trabajar. Es muy reconfortante trabajar con personas entusiastas, honestas, organizadas y motivadas. ¿Cómo sigue el plan en lo que queda de este extraño 2020?

Como he dicho en el tema continuo de esta entrevista, nuestro objetivo es escribir, grabar y ensayar tanto como sea posible. Estamos tratando de mantener una perspectiva positiva de las cosas, pero con la situación en nuestro país, es bastante difícil ver la luz al final del túnel, especialmente con la gente que conduce el tren aquí. Con suerte, las cosas cambian para mejor el 3 de noviembre, estoy seguro de que no habrá una solución a la crisis de Covid, pero espero ver un cambio en la guardia que nos ayude a volver a estar juntos, dar un mejor ejemplo para todos en todo el mundo que lo observan y ayudarnos a encontrar una solución para sacarnos de la cuarentena.

Para terminar y agradeciendo esta oportunidad de hacerles estas preguntas… ¿Quieren decir algo que yo no les haya preguntado?

Solo esperamos que todos disfruten de Northern Songs tanto como nosotros al hacerlo. ¡Esperamos que algún día, después de que todo este lío de Covid se haya limpiado, podamos venir y actuar para ustedes en América del Sur! ¡Gracias por darnos la oportunidad de charlar contigo!

Gracias Chicos… ¡Salud! A4

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[ Reseña de "Bosques – Mutaciones” por Benjamín York ]

ACORDES ESPACIALES

Bosques – Mutaciones Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 20 de Agosto de 2020 A decir verdad siempre sentí cierta fascinación por Bosques, realmente fue mi puerta de entrada al mundo de Fuego Amigo Discos. Recuerdo haberlos descubiertos y sentir que Jason Pierce (Specimen 3 – Spiritualized) había aprendido el castellano y que se había mudado a Argentina. Podrá sonar exagerado, pero ese era mi sentimiento en esos días que escuchaba "Eomaia Nam” (2012) por primera vez, y después el camino siguió y mi fascinación aumentaba. Lo cierto es que el tiempo pasó, ellos se esfumaron como habían llegado, fantasmalmente, y fueron apareciendo nuevos proyectos, pero siempre esperaba ese regreso de la banda. Ese momento llegó el año pasado con “Cómo sanar de lo monstruoso: Música para Nosferatu”, una viaje sensorial a través del oscuro manto de la película “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens” (1922) de Friedrich Wilhelm Murnau, en el marco del Festival de Cine Independiente Festifreak N°11 en el CC Pasaje Dardo Rocha, La Plata, Argentina.

Pero acaban de lanzar un nuevo trabajo que recopila cuatro reversiones que se encuentran en discos tributos. Un EP de canciones realizadas a lo largo de la última década, re-mezcladas por BOSQUES y masterizadas por José 'El Peta' D'Agostino en Moloko Estudio, Agosto 2020.

Nos encontramos con “Cambia” que es una reversión de "Changer" de Stereolab, que aparece en "Acordes Químicos Homenaje Argentino a Stereolab" editado por Fuego Amigo Discos, 2015.

A continuación “Godiva”, que es una reversión de "Lady Godiva's Operation" compuesta originalmente por Lou Reed. Grabada en el 2015.

Luego llega “Tomate el tiempo” una reversión de "Take your time" compuesta originalmente por Jason Pierce, que aparece en "Jugando con Fuego Homenaje Latinoamericano a Spacemen 3 / Spectrum / Spiritualized" por Pleroma Discos, 2013.

Y por último llega “Fue es Será”, que es una reversión de "Hey Man" compuesta originalmente por Peter Kember & Jason Pierce. Esta canción aparece en "Jugando con Fuego Homenaje Latinoamericano a Spacemen 3 / Spectrum / Spiritualized", pero bajo el nombre de "Los Cuerpos", editado por Pleroma Discos, 2013.

En resumen, ¿algo nuevo? No. Pero qué lindo es sentarse y dejarse llevar por estas reversiones llenas de acordes espaciales que nos invaden la mente y nos hacen volar.

Pueden encontrarlo en: https://bosques.bandcamp.com/album/mutaciones-ep http://fuegoamigodiscos.com.ar/

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[ Por Flavio Gabriel Aza. ]

ESPACIO

Fede Palomba

LlĂŠvame volando a la luna: el cohete artĂ­stico de Fede Palomba

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Hoy nuestro viaje musical nos hace aterrizar en el planeta de Fede Palomba, artista independiente emergente.

Vivimos una época en la que la introspección parece ser un lugar común entre los y las artistas. Lógicamente, siempre se llega a una conclusión diferente, pero el camino de la auto exploración parece repetirse. En algunos casos decepciona la cáscara estética rebosante en frivolidad y la vacuidad del mensaje con la que se abordan estas cuestiones tan íntimas y sinceras. Otras veces, descubrimos autores elocuentes, sensibles y que saben apropiarse de un idioma propio para conectar con las audiencias y construir nuevos mundos.

No es ningún secreto que las redes sociales y sus formatos, modelan en algún punto el cómo vemos el universo, qué cosas nos interesan mostrar y ver, y de qué manera nos presentamos en sociedad. Por eso, yo llamaría a esta nueva moda musical, “música selfie”.

Pero no me malinterpreten, no quiero hoy juzgar esta incipiente actitud, tampoco generalizar ni mucho menos buscar su origen. Será tema de otro artículo ver si estamos perdiendo la fascinación por los otros, si ya no nos interesa tanto lo que nos rodea físicamente o si es tanto el disgusto por el afuera, que nos estamos refugiando en nuestros interiores.

El motivo que me convoca a escribir estas líneas es el de presentar a Fede Palomba y a su música. Soy fanático de las metáforas para expresar etiquetas musicales, y lo de Fede es similar a caminar de madrugada en un barrio en la luna. Este artista, que reside en Villa Ballester, forma parte del colectivo artístico y Sello Casa U, escudería que está creciendo y brindando deliciosos frutos.

Para Fede, este 2020 es testigo del lanzamiento de su nueva estética sonora, que queda condensada en el EP “Wachin Espacial”. Según sus propias palabras, los dos tracks que conforman esta placa lo presenta “más verborrágico y empezando a experimentar más con teclados”. Mientras en su predecesor, “Supergermen” del 2017, el cantautor evocaba algún paisaje del conurbano inmerso en algo así como una niebla de ensueño y shoegaze, en el flamante “Wachín Espacial” el imaginario sideral, con sintetizadores y teclados, es protagonista.

Le gusta pensar a sus canciones como manifestaciones de observaciones cotidianas. “Lo cotidiano tiene a pasar inadvertido, pero hay mucha información ahí, porque uno sigue una misma línea y hay que ver qué hay detrás de eso”, afirma.

Actualmente se encuentra produciendo su próximo EP, que promete afianzar su identidad musical. Según nos contó en alguna oportunidad Fede, cada producción está siendo concebida desde la intimidad del sello Casa U, con una dinámica de grabación que ha evolucionado a pasos agigantados desde antes de lanzar “Wachín Espacial”. Al mirar la estela de este metafórico cohete artístico, vemos rastros en una dirección DiY pero con objetivo una destinación distante a la del lo-fi. Pareciera que Fede Palomba busca crear una nave propia, impulsado por el sentimiento de que ninguna otra lo va a llevar a donde su cabeza apunta.

Próxima destinación, vaya uno a saber. ¿Fecha de llegada? Pronto, total nadie nos apura y lo interesante es el camino. Por ahora, podemos seguir a Fede Palomba en todas sus redes sociales y a Casa U también para enterarnos de todas las novedades y no perdernos de ningún eslabón en esta gran cadena artística.

85 Escuchalo en: Spotify: https://open.spotify.com/artist/4bQE1AnZUY5KGrDanxlIf0?si=4xxl3UMsToGRE563bExyDQ Bandcamp: https://fedepalomba.bandcamp.com/ youtube: https://www.youtube.com/channel/UCy_ZHO3u21c4Y9cppOILkSA Seguilo en: https://www.facebook.com/fedepalomba.musica/ https://www.instagram.com/fedepalomba/

VAN KLIMEN: BLUES FUTURISTA Y UN DESPLIEGE SORPRENDENTE DE ARTILLERÍA PESADA

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No sé qué piensan ustedes, pero sospecho que, al momento de disponerse a leer esta nota, tienen la misma necesidad que yo de encontrar algo nuevo que los haga levantar.

Suelo encontrarme con esa emoción incontenible que produce un nuevo descubrimiento, distintiva del melómano. Al escuchar un disco, un tema, un artista que me saca de atávicos espacios mentales y me lleva a una geografía diferente, sin la necesidad de moverme de mi sillón, muchas veces escribo – y esta es una de ella. La poesía, por su lado, tiene también esa cualidad a mi entender: la de encender una chispa en la audiencia mediante cadencias, silencios, combinaciones minuciosamente planeadas de palabras y figuras retóricas calculadas con sapiencia.

Cuando estos contenidos se revisten con una estética atractiva, se hace muy sencillo para quien redacta estas líneas compartir y transmitir (o al menos intentarlo) alguna emoción.

Hoy quiero poner las miradas sobre Van Klimen, artista que hilvana su obra con detenimiento y parsimonia. Su entidad se siente cual ciborg: algo humana, algo electrónica. Hablamos de un músico y poeta oriundo de San Martín, provincia de Buenos Aires, que ha emprendido en este año hostil, su carrera como solista. Ha lanzado por el momento un disco y dos simples.

A raíz del flamante track “Tanques”, avizoramos el lanzamiento de un nuevo álbum en el horizonte, del que conocemos el nombre: “Sueño Androide” ¡Se manifiesta la metáfora que cual quimera esbozada en el inicio de este mismo párrafo!

Este ritmo frenético del autor, cuyo nombre real es Iván Melink, ha dejado ya huellas claras, en un recorrido que visitó locaciones propias del post-punk, la electrónica experimental, el indie de guitarras y beats oníricos e incluso el dance.

Van Klimen forma parte de Casa U, colectivo artístico prominente y prolífico, que anda de parabienes con una amplia variedad de estrenos emocionantes que no se resignan a simples pastiches o lugares comunes.

“Hiperreal”, álbum lanzado en el abril pasado, nos propone un viaje en cinco canciones en clave pop digital, con hermosas y profundas letras y músicas directas. No nos ofrece ningún platillo insulso, rechaza algunos clichés y fórmulas en pos de derribar paradigmas y con desfachatez nos sumerge en un mar de lucidez. Acerca de este EP dice Juan Forche (artista de Temperley): “La hiperrealidad es una interpretación descompensada del entorno, a diferencia de esta definición, este disco “Hiperreal” es una muestra de la alquimia justa de samples, poesía, sofisticación y profundidad. Un vuelo que se caza de primera, segunda y tercer mano y te sumerge en la mente de Van Klimen, alter ego de Iván Melink, un buceo en la incapacidad de distinguir la realidad de la fantasía”.

“Salir afuera” es el nombre del simple que le siguió, cuan deseo popular en estos tiempos, quizás una redundancia léxica o licencia coloquial. En este tema, Van Klimen ciertamente nos ofrece un vistazo a su manera de transitar algunos anhelos en este distópico presente, con la irreverencia habitual sentada sobre un bidet.

THE WOLFHOUNDS: DE LONDRES RESURGE CON UN ÁLBUM ESTELAR: UNA CHARLA SINCERA

[ Entrevista a David Callahan de The Wolfhounds por Dave Franklin.

Fotografías: Helen Golding y David Janes. ]

Los Wolfhounds han ido en contra del adagio de F. Scott Fitzgerald de que no hay un segundo acto. ¿Qué hay de diferente entre ser una banda y hacer música en el siglo XXI de la experiencia de lo mismo en los 80?

En realidad, somos "banda interrumpida"; nunca nos quedamos sin ideas la primera vez, solo tiempo y dinero. Hay muchas formas en las que hacer música es mucho más fácil en el siglo XXI. Las guitarras decentes son más baratas (aunque las antiguas son escandalosamente caras, por supuesto), hay una gama ilimitada de instrumentos extraños disponibles en eBay, puedes hacer todas tus grabaciones y arreglos preliminares en tu computadora portátil y sobregrabar en línea. Seguimos utilizando un estudio caro para mezclar, pero ni siquiera eso es del todo necesario. Los recorridos también se pueden organizar simplemente mediante mensajes y los lugares a menudo tienen su propio backline y, como a menudo disfrutamos tocando algo ad hoc, esto significa que nos hemos convertido en un equipo compacto y delgado capaz de actuar en casi cualquier lugar. En el lado negativo, no podemos holgazanear en el paro soñando con estrategias. Sin embargo, Internet ha multiplicado por diez la accesibilidad.

La banda parece haber vuelto más animada que nunca. ¿Dice esto más sobre ustedes como personas o más sobre el mundo en el que se encuentran ahora?

Somos siempre la suma total de lo que el mundo nos está lanzando y, siendo personas pequeñas impotentes, solo podemos defendernos con nuestras opiniones melódicas y ruidosas.

Me encantaría escribir himnos que enviaran a la gente a las barricadas pero, en el mejor de los casos, es

probable que permitamos que la gente se desahogue y continúe.

Sin embargo, lo mejor que pueden hacer las personas de todo el mundo es relacionarse entre sí y hay pocas formas mejores de transmitirlo que las intensas emociones de la música.

La música siempre ha encendido mis sinapsis con ideas, por lo general creando escenarios "¿y si?" En mi mente en lugar de influencias directas, por lo que sería imposible continuar cualquier esfuerzo creativo sin estar "encendido". Pero, sí, el mundo tal como es ciertamente exige una respuesta musical feroz y activa. Estamos tan cerca de tener la capacidad de resolver muchos de los problemas del mundo y tan lejos como los animales de hacerlo.

Nunca ha tenido reparos en expresar sus opiniones. Qué difícil es ser una banda con motivaciones políticas en un mundo muy arraigado y dividido. ¿Esto agrega más leña al fuego o lo hace más cauteloso al acercarse?

Bueno, eso no significa que mantenga todas mis opiniones anteriores: he cometido errores de juventud tanto como cualquier otra persona. Sientes cómo te sientes ese día. En realidad, no diría que estemos motivados políticamente pero, hoy, la pura estupidez cínica y venal y el despecho de muchas personas con influencia y plataformasesenervanteypreocupante a partes iguales. Creo en la libertad de expresión de todo corazón, pero soy consciente de lo cínica y partidista que es la mayoría de las personas que se llaman a sí mismas "libertarias".

Entonces, uso lo que espero sea "precaución inteligente". Hay algunas pruebas de límites escondidas en algunas de las canciones (por ejemplo, The Comedians y Across The River Of Death en el último LP), pero

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espero que nuestra audiencia sea lo suficientemente inteligente como para ver a dónde nos dirigimos. No creo en la 'objetividad del arte' que me parece una forma perezosa y cobarde de no tener un punto de vista moral y evitar la compasión, como el hombre torpe e inapropiado que hace comentarios ofensivos y luego dice "solo bromea". .

Sin embargo, parte del interés proviene de poder hablar con las voces de otras personas con cuyas opiniones quizás no estés de acuerdo y no con las tuyas, lo cual es divertido. El problema es que la gente siempre piensa que estás expresando tus propios puntos de vista; en realidad, cantar y escribir es actuar en lugar de una autoexpresión sin matices.

Puedes decir mucho sobre las personas por la compañía que mantienen y el hecho de que Stewart Lee escribió tus notas de portada y te pidió que tocara cuando seleccionó All Tomorrow’s Parties dice mucho. ¿Qué significa tener a alguien como

él de tu lado?

Stewart nos ha estado escuchando (y ha sido rechazado de nuestros conciertos por ser demasiado joven) casi desde que empezamos. Sería una pena que no fuera muy bueno, pero algunos de los programas que le he visto actuar en los últimos años han sido algunos de los mejores y más originales programas de comedia que he visto (y vi a Bill Hicks en su primera visita al Reino Unido). Entonces, nuestra música es para todos, incluso si no la entienden, pero siempre es genial cuando a alguien cuyo trabajo disfrutas también le gusta el tuyo. Stew se parece un poco a mí en cierto modo, ya que también es un difusor cultural: siempre recomiendo música nueva (y libros) en línea a otros, y estoy seguro de que a muchos de ellos no necesariamente les gusta lo que lo hacemos, pero me encanta dar a conocer las buenas noticias, lo que sea. Particularmente hoy en día, donde estás inundado de nueva música e información y me imagino que si a alguien le gusta lo que

hacemos, existe la posibilidad de que probablemente le guste lo que estoy escuchando.

ATP fue genial, ¡pudimos jugar con Roky Erikson ferrchrissakes! - pero todavía no nos han pagado (aunque eso no es culpa de Stew).

Y hablando de sonido, hay un sonido más duro en el corazón de tu música en estos días, ¿es solo una evolución natural o una decisión más consciente?

Siempre hemos sido fanáticos del final más crudo y duro de la música, así como de una buena melodía, y tratamos de combinar los dos, ¡incluso funciona ocasionalmente!Peropartedelaventaja de ser siempre underground significa que podemos experimentar más que si fuéramos, digamos, una importante banda de indie-pop aprobada por American Apparel. Si queremos un fagot en una canción o forjar un híbrido musical imaginario de Asia Central / Inglaterra, lo haremos. Ayuda poder grabar bien de manera mucho más

rápida y económica; esto significa que tenemos la opción de tener una canción grabada en un iPhone junto a otra con una gran producción digital, o ambas en la misma canción. Tenemos la suficiente confianza en nuestras propias habilidades para saber que siempre sonará como nosotros. En lo que respecta a las influencias, somos un poco como un río: las fábricas y las granjas van y vienen en la orilla, agregando todo tipo de contaminación, pero seguimos fluyendo pase lo que pase. ¿Y qué sigue para The Wolfhounds?

Bueno, Covid ha puesto fin a nuestros planes para una gira británica adecuada en octubre, aunque estamos tratando de reprogramar para la primavera del próximo año. Sin embargo, el bloqueo ha significado que ha habido un poco menos de presión para ganarme la vida durante un tiempo y he estado preparando muchos demos y otras grabaciones,algunasparaWolfhounds, otras para mi LP en solitario (solo estoy

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reservando el cuarteto de cuerdas en un estudio por fin, habiéndolo planeado durante años) e incluso algunos dispositivos electrónicos al estilo Moonshake que deberían aparecer en algún momento. Estoy seguro de que Andy, nuestro guitarrista, también traerá algunas cosas buenas a la mesa. ¡Será bueno quitarse las máscaras y ensayar en algún momento!

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DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor.

Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre.

Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura.

Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina.

Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento.

No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación.

Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre.

Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura.

Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

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Este nuevo número de RevistaThe13Th me atrapa solitario.

Reflejo de ese estado compartido en tal océano de restricciones y aún sin horizontes. Solo es mi voz la que llega hoy a ustedes, a través de un breve texto, entre ensayo y confesión, sobre la incertidumbre.

Y dos sonetos de mi autoría, uno sobre la muerte y otro sobre cierta oveja negra.

“De tiempo y letra” en esta oportunidad huele a lobo estepario.

Espero, disfruten de su contenido.

FRANCO DOGLIOLI

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SER O NO SER EN LA INCERTIDUMBRE Que la incertidumbre, entendida como la ausencia de certezas a las cuales aferrarnos, se ha convertido en una presencia constante en nuestras vidas, ya no es noticia.

Desde la mirada terapéutica y/o vivencial hablamos de la incertidumbre como oportunidad para asumir desafíos y promover cambios. Teniendo en cuenta esta perspectiva, hace poco escribí acerca de la incertidumbre lo siguiente: Como seres humanos tendemos a querer controlar todo lo que nos rodea y a tener certeza del sentido de nuestros actos y nuestras maneras de relacionarnos. Cuando esto no ocurre, comenzamos usualmente a experimentar agobio, tristeza, miedo, ansiedad y ha sentirnos estresados al desconocer como gestionar dichos estados. Allí aparece la incertidumbre.

Muy presente en estos tiempos que corren.

Por esta tendencia innata a controlar todo, intentamos reducir el margen de lo incierto anticipándonos hacia el futuro con nuestros pensamientos; sin prestar atención al presente. Colmándonos de hipótesis premonitorias construidas a partir de nuestras creencias, vivencias y temores.

La incertidumbre no trabajada nos hace perder foco acerca del aquí y ahora. Pensando solo en aquello que preocupa y que no está sucediendo en este momento. Generando desconfianza y falta de seguridad en nuestras capacidades para resolver lo que sea necesario.

Lo primero y más importante es comprender que la incertidumbre es un sentimiento de desasosiego (una emoción que perdura más en el tiempo), y es importante aprender a gestionarla. ¿Cómo? Aceptando su presencia para después escuchar que tiene para decirnos.

Asombrarnos, explorar, investigar, preguntar y crear son capacidades inherentes al ser humano, y la incertidumbre suele actuar como una fuerza impulsora de las mismas.”

Certidumbre igual a zona segura. Incertidumbre igual a posibilidad.

Como profesional de la salud sigo de acuerdo con lo expresado y afirmo que es muy efectivo entender a toda emoción como positiva porque ayudan a autorregularnos y podemos aprender de ellas.

No obstante, después de tanto tiempo sin saber hacia donde vamos en relación al Coronavirus y a sus nefastas consecuencias socioeconómicas, al ver a diario lo que está sucediendo, sintiéndome muchas veces agobiado

y sonriendo cada vez menos, recurro entonces a la escritura, como forma más amplia y profunda de expresar lo que incomoda.

El escritor que me habita me ha ayudado a sobrellevar mi existencia por entero. Si no pudiese escribir no sé que sería hoy de mi. Un rastro ya borrado seguramente…

Por lo tanto, para distanciarme de esa tendencia actual a alcanzar como sociedad ese estado de felicidad forzada como única alternativa, agrego que toda emoción es positiva porque primero, debemos vibrar y darle sitio a la sombra que la acompaña, sobretodo cuando dicha emoción viene vestida de enfado, temor o tristeza. Ser primero la sombra para poder apreciar la luz cuando comienza a aparecer.

El sol se distingue gracias a la oscuridad sideral que lo sostiene.

El ser humano es mucho más que la mera necesidad de “sentirse bien”.

Es paradójico que se busque ese estado de plenitud desde una mirada parcial y reduccionista de lo que somos. ¿Y qué somos? Un misterio. Y la incertidumbre es una de sus tantas máscaras que hemos de aceptar para crecer desde ella.

Por ello, más allá de buscar recetas inmediatas para que no “duela tanto” lo que estamos viviendo, propongo, por el contrario, acudir a la filosofía y a la literatura. Dándole lugar a ese dolor que sentimos, sumergiéndonos en aquello que las grandes mentes han expresado sobre lo incierto. Lo que hoy nos pasa, no es nuevo. El mundo ya ha vivido escenarios de virus, pestes y pandemias. Y mucho se pudo pudieron reflexionar al respecto, en épocas, tal vez, con menos distracciones.

Esperando que podamos transitar lo que nos queda por delante de la mejor manera posible, aprendiendo lo necesario como especie, les digo hasta pronto, dejándoles a continuación algunas reflexiones célebres sobre la incertidumbre: “Examinen fragmentos de pseudociencia y encontrarán un manto de protección, un pulgar que chupar, unas faldas a las que agarrarse. Y, ¿qué ofrecemos nosotros a cambio? ¡Incertidumbre! ¡Inseguridad!” Isaac Asimov. “¿Por qué asustarse? ¿Por qué dudar? ¿Acaso porque se ignore lo que hay allá, porque no vuelve, o más bien porque es propio de nuestra naturaleza suponer que todo es confuso y tinieblas en lo desconocido?

Goethe.

“Es la incertidumbre lo que le encanta a uno, todo se hace maravilloso en la bruma.” Fiódor Dostoievski.

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ELLA De nuevo la muerte sobre mi drama.

Terror a futuros bosquejos. Diva de la cruenta hoz, compuerta de mi vida... ¿Por qué cuando estoy enfermo, tú sanas?

La existencia es un ir hacia lo inerte... siendo la corriente algo incontrolable.

Ignorar tu presencia es imposible.

Condicionas cada acto. Tu fuerte es derrotar al creyente. Eso duele.

Los impulsos degradados a heridas.

Lámeme, cuídame, soy tu comida.

Te huelo como sólo un prisionero huele.

Soy la joven y desecha figura, ínfima, frente a tu desenvoltura.

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OVEJA NEGRA Despierta día y camina ignorándome.

Convertido en noctámbulo paseante nada puedo aportar. Sólo encerrándome en las sombras, tal vez, logre extrañarte.

Consecuencia soy de ritos paganos.

Influjo siniestro, justo castigo.

Déjame, festín para los arcanos, clavado en este pellejo mendigo.

Entre un ángel blasfemando por pánico; y un diablo reacio a tragar inocentes, no vislumbro diferencias coherentes.

Incapaz de avivar el gen adámico, rechazo día tu inefable ofrenda; y anochecido insisto siendo prenda.

[ Reseña de "SPC ECO – Sept Soundtrack" por Benjamín York. ]

UN SANO RITUAL

SPC ECO – Sept Soundtrack Label: ELab Records Fecha de Lanzamiento: 01 de Septiembre de 2020

Como todos los primeros de cada mes, tenemos nueva publicación de SPC ECO. Y la verdad es que esto se ha convertido en un san ritual, todos los días 1 de cada mes de este 2020, es una fija pasar por el bandcamp de la banda y esperar el nuevo lanzamiento. Religiosamente todos los meses me encuentro con algo nuevo y el sentarme a escuchar el nuevo grupo de canciones que nos obsequian (porque pueden descargarlo gratuitamente) es un viaje que, si bien sabemos de qué se puede tratar, siempre nos sorprende. Y vaya si nos sorprende con otro trabajo de casi una hora y media de duración. Estamos ante una banda que debe tener tanto material en sus archivos, que es tan prolífica y cuidadosa ante cada lanzamiento que nunca baja la calidad sonora como compositiva. Si bien esta nueva entrega es material que ya tenían y que lo habían utilizado en muestras de arte de Rose Berlin, siempre es un deleite encontrar estas gemas sonoras que son un bálsamo para estos días convulsionados en el planeta.

Cada track tiene la explicación realizada por la banda: “Can You Feel The World Soundtrack presenta varias piezas de diseño de sonido y extractos que Rose y yo hemos grabado a lo largo de los años, previamente utilizados para las numerosas exposiciones e instalaciones de Rose.

La lista de canciones que aparecen en secuencia es Catch The Moon - Can You Feel The Noise - Light Bursting - Just Don't Know - Too Sick To Carry On. Lo vemos como la banda sonora de una película que nos gustaría hacer para 2020.

Esta grabación se puede escuchar como una pieza completa o pistas individuales, la elección es tuya. Ideal para pintar, escribir o para sumergirse en un mundo de su propia creación.”

Como cada trabajo este está dedicado a alguien, en este caso, como ellos mismos dicen: “Dedicado al mundo y a todas las especies que lo componen.”

“Feel The World - Soundtrack” es el que abre el trabajo y es un cautivante track de 55 minutos, en donde, entre escenas de la vida cotidiana y canciones que van apareciendo nos van llevandoaunambientedesprovistodetiempoypreocupaciones, sólo hay que sentarse cómodo, auriculares (es importante), cerrar los ojos y dejarse guiar por los sonidos.

“Catch The Moon” empieza con una profunda secuencia que se nos va apoderando de los sentidos a medida que las voces de Rose aparecen como gemas casi fantasmales.

“Can You Feel The Noise” va en el camino del anterior track, recuerden que están pensadas como una seguidilla.

Las secuencias tienen tanta profundidad que la voz de Berlín suenan celestiales y, a la vez, etéreamente fantasmal.

“Light Bursting” es una brillante canción, que nos ilumina luego de las dos canciones anteriores, todo acá parece brillar y las guitarras estridentes son una nueva ventana que abre hacia el resplandor matinal.

“Just Don’t Know” si hay algo que caracteriza a la banda, más allá de la ingeniería sonora que hay detrás de las canciones (secuencias, ritmos calmos pero hipnóticos) es las impurezas de la cristalina voz de Rose, que siempre nos cautiva y nos hechiza. Y en esta canción no es la excepción.

“Too Sick To Carry On” es el cierre perfecto para un delicado trabajo, una canción delicada y armoniosa, con la voz de Berlín bien suspendida de la base creada por un marco sonoro sutil, que acompaña y sirve de colchón para que la quebradiza voz juegue entre la nebulosa sonora, entre la cápsula sonora que Dean le ha creado.

Creo que queda más que claro que es una invitación para sumergirse en un soundtrack que despejará tus preocupaciones por un largo rato. Y como siempre, mientras disfrutamos de este nuevo trabajo, ya nos preparamos para el sano ritual de esperar lo que nos traerán el primero de octubre. Claro… si no nos sorprenden antes de tiempo.

[ Entrevista a Nicolรกs Castello de Nax por Diego Centuriรณn. ]

EL DISCO TIENE UN SIGNIFICADO MUY GRANDE EMOCIONALMENTE PARA Mร

Es cierto que con Nax tenemos una relación amistosa hace varios años, siempre que hay novedades tratamos de estar atentos y charlar con Nicolás Castello para que nos mantenga al día con sus publicaciones. Hace unos meses la banda ha lanzado su primer álbum llamado “Congelado”. Editado de manera independiente y con todo el esfuerzo que eso conlleva.

De su álbum debut y del mantenerse independiente charlamos con Nicolás en esta entrevista en exclusiva.

Hola Nicolás tanto tiempo, hace tiempo que no nos contactamos con vos y para empezar con esta entrevista, ¿cómo te trató estos meses de cuarentena? ¡Hola Diego! ¿Cómo estás? Buenos, sobre cómo me trató la cuarentena, fue todo bien raro. Bastante surrealista, bien loco. Pero ahí estamos, básicamente tratando de aprovechar el tiempo para hacer música y llevar adelante los proyectos creativos.

Has estado activo en este tiempo.

Contánossobreloslivesytuparticipación en el Festival DKFM. Lindo que lo menciones. Nax estuvo activo todo este tiempo, lanzando material y participando, por ejemplo, de este festival que mencionas de DKFM, llamado "Dreamgaze Worldwide", en donde hubo grupos increíbles, que si no chequearon esos festivales, obsérvenlos porque están muy buenos, hay grupos con presentaciones súper creativas, de grupos de todo el mundo y para esas personas que dicen que ya está todo hecho, bueno pueden chequear eso.

También durante todo este tiempo, desde la cuenta de Instagram de Nax, hubo varios "lives", un montón de pequeños recitales acústicos, en formato de streaming, en donde reversioné las canciones del disco que salió, y cada tanto quizás hago un cover o alguna canción antigua (Viejas canciones de Nax) por ejemplo han estado sonando en algunas transmisiones que pueden encontrar en Instagram, que van a seguir, de

hecho muy pronto va a haber uno nuevo, y se vienen sesiones de videos nuevas para otras plataformas, que van a suceder ahora dentro de poco.

Bueno no podemos olvidarnos o dejarlo pasar, el disco "Congelado" que salió en plena cuarentena. Contános como fue lanzar un disco independiente bajo una cuarentena como la que tenemos Gracias por mencionarlo el disco "Congelado", salió en maro de este año.

Tan sólo unos días antes del comienzo de la cuarentena. Y sí fue raro, incluso si lo ves de afuera parece casi irónico el nombre en el contexto que ocurrió, pero obviamente y sin duda, no fue algo planeado de ese modo, nadie se esperaba todo esto. Fue raro, aunque no tan raro porque los lanzamientos anteriores de Nax, ya eran lanzamientos digitales. En donde la gran importancia es que pueden encontrar las canciones en cualquier plataforma, al menos en las más importantes, entonces en ese sentido no cambió en nada. Lo que acentuó la cuarentena no tuvo un profundo impacto en como Nax lanza cosas y como eso se relaciona con el resto del mundo. Creo que se entiende lo que quiero decir. El disco fue muy bien recibido, tuvo un montón de críticas muy positivas en general y muchos comentarios lindos, mucha gente opinando al respecto, muchos medios independientes mencionándolo y escribiendo algunas palabras incluso sobre el mismo, como Revista The 13th u otros

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medios que han contribuido a la difusión del disco, lo cual me pone súper contento. Algo más que me gustaría agregar a cómo influyó la cuarentena sobre el lanzamiento, quizás no influyó en el método de lanzamiento, pero sí seguro influyó en el otro sentido, del receptor, como la gente lo escuchó, el asunto de la cuarentena la gente se vio forzada, acá y en todo el mundo, a pasar más tiempo en sus casas y de ese mismo modo, eso acentuó que muchas personas hayan consumido más música, más cine, más arte, por los métodos que sean posibles, ya sea en línea o si tenés algo archivado. Otros medios que quiero destacar fueron el programa Transmisiones Oceánicas, que ya ha pasado cosas de Nax y están siempre ahí haciendo el aguante, ayudando a la difusión, eso siempre es un gran detalle como que alegra la vida de los músicos.

Creo ver en la repercusión del disco "Congelado" que es el que más repercusión tuvo en la historia de Nax. ¿Me equivoco?

Sí, sin duda, fue el más importante y el más bien recibido y quizás incluso el más difundido, y podría seguir enumerando un par de cosas más. Sí, sin duda, creo que este disco fue importante.

Recuerdo la última entrevista y hablabas de un archivo de canciones que tenés, de donde sacás canciones y las terminás y las rearmás. ¿Cómo fue la selección de las diez canciones que forman "Congelado"?

Linda Pregunta. Hay dos cosas ahí.

Una es esto como lo llamás "Archivo de Canciones", tengo como un especie de colección (por llamarlo de alguna manera), de composiciones que fui guardando desde hace mucho tiempo y básicamente llegué a 100 composiciones, al menos tituladas como proyectos, o cosas que dije bueno esto hay que conservarlo de algún modo, me sirve o me interesa. Esas son como alrededor de 100 canciones o quizás más, no lo sé... que son básicamente canciones que no salieron o

quedaron maquetas de cosas, algunas están buenas, otras no tanto, hay algunas cosas muy bonitas, pero bueno en fin... eso es uno de los asuntos.

Hablemos un poco de las canciones.

El disco tiene como dos partes, creo que algo ya lo hemos hablado, y en el segundo tramo el sonido The Cure se filtra de manera hermosa.

Si, puede ser que tenga dos partes, aunque también pienso que está todo bastante bien integrado, como que desde que empieza hasta que termina hay como fluctuaciones en el tiempo por ejemplo, en donde hay canciones lentas y rápidas, ni siquiera voy a hablar de canciones sino de segmentos, porque dentro de las canciones también hay segmentos o partes, en donde quizás dentro de una canción rápida hay partes lentas o viceversa. Entonces en ese sentido creo que está todo bastante homogéneo, el sonido también es bastante homogéneo, no hay tanto cambio de género musical, ni nada similar.

Pero entiendo a qué te referís con las dos partes, la primer parte empieza mezcladas con canciones en general más rápidas y la segunda parte del disco, en general, tiene a ser un poco más lenta. Calculo que te referís más bien a eso. Lo del sonido The Cure, una de las grandes influencias de Nax fue siempre The Cure, y creo que la influencia que tuvo sobre nuestro sonido se filtró de un modo tan profundo que... ya está... jajaja. Creo que esa es la mejor forma de explicarlo, para mí todo suena un poco a eso y a otras cosas quizás también, pero sí, te entiendo. Fijate que ya en las primeras canciones ya hay presencia de chorus y efectos muy similares que fueron muy usados por The Cure, o sea que a pesar de las canciones rápidas los sonidos ya tienen un sonido tienen una reminiscencia quizás a eso, o incluso también podemos hablar de influencias de Joy Division, algunos medios compraron a Nax como influenciados por The Smiths, por Cocteau Twins, Slowdive y otros grandes grupos, que le encantan a Nax.

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Sos un persona que le dedica mucho tiempo a lo sonoro, a la estructura sonora digo. ¿Cuánto tiempo tuviste con la grabación de "Congelado"? porque como dijiste antes las canciones ya las pensaste para el disco Bueno, me alegro que alguien lo haya notado.

Sí, soy una persona que le dedica mucho tiempo a lo sonoro. Me considero alguien que estudia el sonido y que, obviamente, lo manipula, lo trabaja... también hago otras cosas con el sonido. Trato de utilizar el sonido como método de expresión, esa es la mejor explicación. Con "Congelado" fue un año y tres meses, contado con cronómetro. Fue demasiado tiempo, podría haber sido resuelto en un poco menos de tiempo, pero fue lo que fue y también cumplió las expectativas, así que tuvo un comienzo y un fin y eso fue importante, estaría bueno mencionar que en el disco participaron Nicolás Garimano y Jonathan Sansone, ambos aportando su arte en el disco.

Y también quiero agregar que muchas de estas canciones fueron compuestas un tiempo antes o en general siempre, no todas, pero algunas comparten un escenario de fondo, que

es que fueron compuestas probablemente en una guitarra acústica, muchas de ellas nacen así, en una guitarra acústica con una melodía y la letra, y en general en lo que respecta al formato canción, las más "cancioneras", por llamarlo de algún modo, en general son las que inicialmente fueron compuestas de esta manera. Que es un método de ver si algo funciona, si una canción en guitarra acústica es bonita, va a ser una canción bonita casi de otro cualquier modo. Y si ya en una guitarra acústica ya pensás que no es una gran canción probablemente nunca sea una gran canción. Creo que fue Bob Dylan el que dijo, "Para hacer una canción muy buena hay que hacer 100 malas", o algo así.

Y eso se nota en los lives que hiciste, que con una guitarra acústica podes recrear muy bien las canciones.

Claro creo que cualquiera de estas canciones se puede tocar tranquilamente con una guitarra acústica. Tranquilamente se puede reproducir de ese modo, sacando algunas secciones, algún final, por ejemplo el de "Kria" o el comienzo de "Hechos de Agua", donde hay unos acoples, sacando

esas pequeños segmentos, se pueden tocar, todo el tiempo hay una armonía latente en las canciones, casi todo el tiempo.

Algunos medios mencionaron esto del formato de "canción pop" de las canciones y como vos decís, en los lives, siempre se notó bastante. Porque como dije al principio se puede tocar todo el disco con una guitarra acústica o un ukelele, o lo que sea.

filmado y será transmitido en directo ese día.

Hace muy poco salió un teaser de la canción "Repetidor", muy pronto van a venir otros teasers más, vamos a considerar la posibilidad de hacer algo para los "Lados B", no es certero pero parece ser una linda idea.

Los teasers son algo que existen y hay que agradecer que existen, de ahí en más si viene un video lo agradeceremos y recibiremos con mucho cariño, pero no es algo certero. Me Unos meses después lanzas "Congelado gusta esta idea de pequeños videos, con Lados B". ¿Estas son del baúl de archivos? pequeños fragmentos y me parece una linda No, como te había dicho antes esas idea para comenzar. Si luego sale un video canciones eran parte del disco en un principio largo, de hecho hay ideas, hay un proyecto e iban a ser parte del disco, pero con el tiempo para esa canción, la idea es que salga un empecé a sentir que no llegaban a la altura video clip de esa canción, pero como dije de las otras y la cantidad de canciones me antes no es algo seguro, es un proyecto, parecía importante, y diez era un muy buen vamos a ver qué pasa. número y ya trece me parecía un número bastante excesivo. Además sentía que no Volvamos al disco. aportaban algo nuevo al disco, a pesar de Hay músicos que no escuchan por un que en cierto modo sí lo hacen, pero no en un tiempo lo que han terminado de grabar, tal "modo oficial". De hecho esas tres canciones vez por un cansancio mental y emocional fueron compuestas especialmente para el arrastrado del proceso de grabación. ¿Cuál disco, pero bueno terminaron no entrando. fue tu reacción cuando lo terminaste?

En ese sentido no lo sufrí, estuvo re bueno, Ahorapensandoenlasdospublicaciones. incluso lo sigo disfrutando, lo cual también Podemos pensar que Congelado (disco) me sorprende bastante, porque como decís, con varios videos y "Congelado Lados en general, uno se hastía o se cansa de B" aún sin ninguno (si no me equivoco) escucharlo tantas de veces, de trabajarlo en ¿Tendremos algún video? el tiempo, si realmente se puede convertir en Oh está bueno que lo menciones. Sí una pesadilla. La reacción fue re linda, fue "Congelado" tiene algunos videos, es re buena, lo disfruté mucho, básicamente verdad, los "Lados B" aún no. Pero por otro porque después de ser masterizado se lado, hay otros videos que están viniendo en escucha distinto y bueno, durante mucho camino, algunos tienen que ver, y ya han sido tiempo largo "lo probé" y traté de escuchar publicados, sobre el cover de Sexores que va en distintos dispositivos, siempre lo difruté a salir este año, este año ellos cumplen 10 mucho y lo sigo haciendo, cada tanto lo años de carrera y van a lanzar un disco con escucho, estoy muy orgulloso de lo logrado covers de otros grupos haciendo canciones y muy agradecido también. Al mismo de ellos, entonces va a salir una canción tiempo, algunas canciones tienen una carga de Nax haciendo un cover de Sexores, esa emocional bastante fuerte y no son canciones canción tiene algunos videos. y hay una que quiera estar escuchando todo el tiempo, sesión de videos de Nax, que debería salir en porque representan algo muy importante para un Festival llamado "Independencia Sónica", mí o algo muy especial, o algo muy delicado, que se estrenaría a fines de septiembre. El de e ese sentido, quizás conceptualmente, Sexores ya tiene unos teasers y el otro ya fue el disco tiene un significado muy grande

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emocionalmente para mí, entonces es como que tiene que tener su momento y su lugar para ser escuchado.

Y si pensamos en el proceso... ¿qué fue lo que más te llevó tiempo?

Creo que lo que llevó más tiempo en el proceso fue el muy extendido período de grabación y posteriormente el tiempo de mezcla, ambos procesos fueron bastante largos. No la primera etapa, la de pre producción, decir qué canciones son y cómo van a ser... esa parte se resolvió rápido, como te conté antes. Pero el proceso de grabación fue bastante extenso, fue una especie de búsqueda, fui buscando sonidos, probando pequeñas alteraciones de los sonidos, quizás al grabar una guitarra o una voz hay algunos pequeños detalles que hacen mucha diferencia con respecto a lo musical. Entonces algunos arreglos fueron muy buscados, probé muchas opciones hasta el resultado final que tiene otra percepción. En ese sentido fue una búsqueda bastante extendida. Con respecto a la mezcla fue más una cuestión de prolijidad y de espacialidad sonora, una cuestión de balancear las cosas y que todo tenga que ver con todo al mismo tiempo. Porque hay un hilo conductor muy presente en cómo está mezclado, en todo está mezclado en un modo muy parejo y en ese sentido, ceo que si lo chequeás bien de corrido te vas a dar cuenta que las cosas suelen tener su lugar muy característico y está muy buscado. Creo que a lo largo del disco eso se nota y se siente.

Luego de eso, los otros procesos, fueron relativamente más rápidos, el tema de hacer un arte de tapa y buscarle un orden y luego la masterización, que fue hecha por Christian Bocón, quien hizo un mastering muy lindo.

Esos procesos fueron relativamente rápidos al igual que las subidas de las canciones a las plataformas y todo eso, eso no fue tan largo, comparado con el proceso de grabación y de mezcla. Lo último que me gustaría agregar es que parece una pérdida de tiempo no lo fue nunca. En el concepto de búsqueda fue una

ganancia en la búsqueda, de haber buscado y encontrado.

Más o menos ¿desde cuándo venís trabajando en el disco?

Creo que ese disco fue soñado y deseado durante muchos años. Lo soñé durante muchos años me parece. Fuera de eso, como te dije, cronométricamente fue un año y tres meses, pero antes de eso ya lo venía imaginando, probablemente ya me había acercado al este resultado, me he acercado bastante, pero éste es el resultado final.

Y si pensamos en todo el proceso de pensar o soñar hasta llevarlo a cabo y terminarlo. Es una vida, y ahora que salió y que tiene vida propia, ¿Ya te planteás dar vuelta la página y volver a preparar un nuevo trabajo? ¿O aún pensás hacer rodar más a Congelado?

En ese sentido hace un tiempo que ya empecé a componer un par de cosas nuevas y ya hay como 15 demos de canciones nuevas.

Al igual que como te conté antes, hay un cover en camino, un remix de Dani Mari, artista de Nueva York, hizo cosas con Nico Beatastic de Shore Dive Records. Fui invitado a hacer un remix hace tiempo y va a salir el año que viene, pero bueno en eso estoy trabajando en Espectral. Hay nuevas músicas en camino y sin duda podemos esperar que haya más discos de Nax, con suerte, algunos dirían con la ayuda de Dios o si Dios quiere, algunos dirían eso.

Si bien Nax no es una banda que toque todos los fines de semana. ¿Se extraña preparar un show en vivo?

Sí, como vos decís, se extraña sin duda, son buenos recuerdos del pasado, estuvo bueno aprovechar todo eso en su momento mientras duró. Al mismo tiempo, pienso que el sistema en ese sentido es injusto, esto puede ser quizás para una charla en otro momento, pero el sistema de los recitales y los eventos en vivo, siempre me parece que hay una

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cierta clase de injusticia, una cierta serie de factores que hagan que tocar en vivo sea algo complicado, por decirlo de algún modo benevolente. Entonces también creo que esto que ocurrió, como que hizo un reseteo y está corrigiendo parte de esa injusticia que ocurría antes, ahora todos tenemos las mismas posibilidades. Más allá que hay locales en donde toquen grupos en vivo, que te ofrecen sus servicios en streaming para que vos vayas y puedas realizar tu show y sea transmitido en streaming... Sí, se extraña, pero también un poco de justicia en otro sentido, ahora todos tenemos las mismas posibilidades. Pero conservo recuerdos muy bonitos con fechas con Nax, con mis amigos, hasta incluso me trae un poco nostalgia, con Nax y un montón de grupos amigos con los que hemos tocado. Un montón de recuerdos muy bonitos.

Sos una persona que escucha mucha música. ¿Qué estás escuchando últimamente, que te haya sorprendido o que lo sigas escuchando?

El mundo afuera de la música no es el mundo en el que quiero vivir, sin duda. Cosas que anduve escuchando y que recomiendo mucho, el nuevo disco de The Churchhill Garden, el nuevo de Whimsical, el nuevo material de Luncil, Sexores, canciones de Echodrone, Postcards, Laveda, Backwards Charms , también estuve trabajando junto a otros artistas y escuchando mucho su música en la cual trabajé como Luis Matínez, María Salomé Jury y Joaquín Karpinsky y su proyecto Gold Under The Mud.

hacer cosas con otros sellos y otros artistas y eso incluye a No Me Escucho Records, Shore Dive records, y a un proyecto de un señor llamado Alexander de Alemania que tiene un proyecto llamado Blackjack illuminist Records, también he trabajado con un señor llamado Jason Lamoreaux, quien tiene un sello llamado Somewherecold Records, en donde hay una canción de Nax que fue parte de un compilado muy lindo.

Siempre hay ganas de colaborar con otros sellos y otros artistas, y siempre se siente lindo hacerlo, entonces "¿Por qué no hacerlo?".

Con respecto a vender tu propia música, pienso que siempre tenés que ser verdadero y sincero con vos mismo, tu música te tiene que gustar y la tenés que sentir propia y un montón de otras cosas más. No es vender por vender, como si hicieras jabones o lo que sea, es otra cosa, pero el hecho de vender es algo matemático, el hecho artístico es otro asunto, y cuando más podes separar el hecho artístico del comercial, siempre es mejor, porque no se trata del dinero la música, bueno quizás para algunas personas sí, obviamente, para las grandes compañías o los "grandes artistas". Pero nunca es impulso primario.

Bueno y con todo este tiempo de encierro, eso también ayuda a que pueda disponer del tiempo completo a difundir el disco, a enviar mensajes e invitaciones, correos electrónicos, y a producir imágenes y todas esas cosas que hacen los artistas independientes cuando hacen un lanzamiento, o simplemente cuando crean algo. Sobre todo cuando salió el disco el tiempo de cuarentena fue de gran ayuda para disponer de un montón de tiempo, a difundir y a trabajar en la salida del disco, por decirlo de algún modo. Porque no sólo hay que trabajar cuando hacés el disco sino que después viene todo un trabajo de promoción y difusión que es necesario.

Ahora pensando en estos días, semanas, meses de encierro... ¿Cambió en algo tu mirada sobre la Independencia musical?

Lo digo pensando en tu trabajo de "vender" tu propia música...

Creo que crecí y aprendí un montón de cosas y estuvo muy bueno por eso. Aún así, Para terminar y agradeciéndote por como siempre, tengo ganas de colaborar con permitirnos hacerte estás preguntas, y todas las personas que pueda, eso incluye recomendando "Congelado", nos gustaría

que cierres está entrevista diciéndole lo que vos quieras a nuestros lectores. Y de paso danos los lugares donde seguir a Nax. En primero lugar te agradezco mucho Diego por la entrevista, fuiste muy amable como siempre y con todo el trabajo que hacés por amor al arte y por difundir música independiente y por un montón de otras cosas que vos hacés, que son súper valiosas y brillan como algo muy preciado. Agradezco, obviamente a todos los lectores y toda la gente que ha ayudado en el proceso, en la historia del grupo, y no mucho más, que se cuiden mucho y que traten de atravesar este año complicado lo mejor que se pueda.

Pueden escuchar y encontrar la música de Nax en todas las formas digitales, elijan su plataforma preferida y tipeen en su teclado o celular, NAX, y búsquennos en Spotify, Deezer, Bandcamp, YouTube, iTunes, Amazon, etc., etc... ¡Gracias Nico!

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[ Reseña de “Hell Boulevard – Not Sorry” por Benjamín York. ]

EN SINTONÍA CON EL DEMONIO

Hell Boulevard – Not Sorry Label: NoCut Entertainment Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre de 2020

En la línea de bandas como Lord Of The Lost o The 69 Eyes, la banda con sede en Suiza, Hell Boulevard están de regreso con su tercer álbum, "Not Sorry".

Fundada en 2014 por el vocalista italiano Matteo VDiva Fabbiani y Von Marengo (guitarra, voz), ambos sobrevivientes de la ruptura de la banda suiza Lost Area, se les unen Jan Hangman en la batería y Raul Sánchez en el bajo.

En sus anteriores álbumes, "Inferno" (2016) y "In Black We Trust" (2018), la banda fue buscando su propia identidad sonora, que lograron encontrar enseguida, pero en este tercer trabajo se escucha una producción más intensa, con ese gothic rock mezclado con tintes de new metal y la pomposidad de bandas del metal gothic, pero con una intensidad que desparrama en sus 12 canciones de este nuevo álbum.

Sonoramente Hell Boulevard juega entre el new metal de bandas como Orgy, el casi Gothic Rock de bandas como The 69 Eyes, hasta Mono Inc., estribillos simples, pegadizos y potentes. La voz de Matteo se mueve entre el estilo de Jyrki Linnankivi de 69 Eyes pero también se vuelve profunda como la de Ashton Nyte, la belleza de la voz conseguida en las baladas “You Had Me at Fuck Off” o “Lilies and Roses” son cautivantes y ya escuchar esas melodías vale la pena este álbum. Pero claro el resto de las canciones son mazazos en nuestros oídos que en vez de calmarnos nos energizan.

“Not Sorry” no es un álbum más, es un disco que está en sintonía con el Demonio, un viaje potente a tierras en donde el Diablo suele estar presente, pero nosotros vamos de la mano de un demonio llamado “Hell Boulevard”.

[ Entrevista a Ryan Policky de A Shoreline Dream por Diego Centuriรณn. ]

A SHORELINE DREAM: EL CONTRASTE ENTRE SUEร O Y VIGILIA

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No es la primera vez que nos conectamos con la banda de Denver, Colorado, para conocer sus novedades. En 2016 tuvimos nuestra primera entrevista y desde allí hemos estado atentos a las novedades de A Shoreline Dream. La excusa es el lanzamiento de un nuevo álbum llamado "Melting" bajo su propio sello Latenight Weeknight Records en agosto, y esta es la excusa que tenemos para contactarlos nuevamente para averiguar qué hay en su nuevo álbum.

Link a entrevistas anteriores: https://issuu.com/revistathe13th/docs/n26-th13th https://issuu.com/revistathe13th/docs/the_13th_n-30

¡Hola Ryan!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista y para empezar no podemos dejar de preguntar ¿cómo están transitando esta pandemia que tiene detenido al mundo real, ya que el virtual se sigue moviendo?

Este ha sido uno de los momentos más aislados y confusos desde que estaba en el útero. ¡Seriamente! No solo he perdido la cabeza en numerosas ocasiones, sino que también he encontrado a muchos de mis amigos que se mudan, conflictos de todo tipo que de alguna manera surgen a diestra y siniestra, y un equilibrio nulo entre trabajo y vida personal. Siempre pensé que una pandemia era algo de la década de 1800... y estoy seguro de que mucha gente diría lo mismo, pero fue un gran impacto tener que vivir una en los tiempos tecnológicos actuales. No puedo decir mucho más que apesta. Es entretenimiento destruido, y el entretenimiento es mi objetivo principal.

Todavía me estoy adaptando y tratando de averiguar qué podría suceder después... especialmente con lo absolutamente terrible que es el mundo social y político aquí en los Estados Unidos. Pero bueno, ¡al menos nos dio tiempo para finalmente terminar nuestro álbum!

Han editado un nuevo álbum, ¿Cómo es lanzar un nuevo trabajo en medio de este raro mundo, en donde no pueden apoyarlo con shows en vivo?

En mi opinión, es más que arriesgado, pero lo hicimos de todos modos. Con toda la atención puesta en los viejos dictadores multimillonarios, las noticias sin parar y la confusión por el virus, junto con una falta general de comprensión de cómo promover algo, ha sido todo un desafío. Más que nunca, literalmente no hay forma de mantener ningún tipo de ingreso en este mundo como artista, a menos que ya lo haya logrado. Solía pensar que era tan fácil a mediados de la década de 2000, cuando de alguna manera aterrizamos en cada publicación de sueños y espacio social que podíamos pensar, pero ahora... wow. La gente ni siquiera compra música. Ni siquiera quieren transmitir tu música a menos que seas Taylor Swift. No sé, estoy siendo un poco pesimista, pero nos esforzamos por difundir la música que amamos hacer independientemente, incluso si solo quiebra el banco... lo que hizo hace muchos años.

Desde el EP “Waitout” del 2018 no hemos tenido muchas noticias de la banda, sí de proyectos paralelos, ¿pueden contarnos

sobre lo que han estado haciendo?

Ha sido interesante. En ese momento éramos un trío, pero ahora volvemos a ser dos, así que ha sido otra ola difícil de atravesar. Sin embargo, cuando Erik y yo nos sentamos y escribimos, siempre se convierte en magia… al menos para nuestros oídos. Comenzamos a jugar con algunas ideas a fines de 2019, pero una vez más, tan pronto como este monstruo malvado aterrizó, comenzamos a derribar esas barreras anteriores que nos impedían terminar un álbum, y escribimos toda la maldita cosa en unos pocos meses, y lo grabamos sobre la marcha, como nos encanta hacerlo.

escribimos de noviembre a abril. Sé que siempre prometimos encadenar los singles que habíamos lanzado, pero simplemente no se sentía bien y queríamos que sucediera de manera orgánica, en lugar de intentar combinar un montón de estilos de producción diferentes. Estoy muy feliz de haber tomado esa ruta y sé que Erik diría lo mismo.

¿Qué virtudes encuentran en “Melting” que no hay en sus anteriores trabajos?

Consistencia de principio a fin. Yo diría que tuvimos eso con “Avoiding the Consequences” y “Recollections of Memory”, pero personalmente diría que este tiene esa cohesión en el tono y la vibra que simplemente He leído que el álbum se ha escrito se gelifica. Es contar historias a través de bastante rápido ¿Cuánto tiempo tardaron la música, al igual que Avoiding ... y me en componerlo y cómo fue el momento de complacen esos resultados. Fue realmente la grabación? crudo y cada momento coincide con el período Jaja, sigo adelantándome a tus preguntas. de tiempo en el que estamos. A veces siento Como mencioné, fue súper rápido. Lo que casi estábamos prediciendo el futuro en escribimos y lo grabamos tal como lo algunas de las canciones.

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Particularmente me encanta el tratamiento que le dan al sonido de las guitarras, ¿les ha llevado tiempo conseguir esas capas en el estudio?

Soy más que un perfeccionista cuando se trata de tono, y la guitarra es nuestro tono. Se necesita patear tu propio trasero para que las cosas suenen bien. Esta vez nos sentamos con una intención en mente en cuanto al sonido y el espacio de cómo se desarrollaría el álbum. Antes de comenzar a escribir / grabar, ajustamos nuestro entorno, las herramientas que estábamos usando para capturarlo y los amplificadores que usamos para que todo

se sintiera bien. No es perfecto, como nunca lo es nada, pero estamos seguros de que nos gustan las cualidades espaciales que resuenan a lo largo de "Melting".

Hay muchas influencias que muchos siempre le han atribuido a la banda, pero particularmente en esta obra he escuchado un marcado acento vocal a lo Daniel Ash. No quiero preguntar sobre sus influencias, pero ¿qué escucharon mientras escribían el álbum?

Por lo general, me cierro a otra música mientras grabo, ya que simplemente no tengo

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tiempo para desviar mi atención de la tarea que tengo frente a mí, pero de hecho siempre tengo influencias del pasado que simplemente están arraigadas en la electricidad en mi cerebro. Dead Can Dance, Tears for Fears y sorprendentemente The Smashing Pumpkins en los últimos tiempos realmente me han empujado. ¿Qué nos pueden decir sobre sus sentimientos sobre este álbum? ¿Qué impresiones nos pueden contar que les ha dejado “Melting”?

Mis sentimientos por este están por todos lados, algo así como mi estado emocional general en este momento. Este álbum necesitaba hacerlo para mantenerme cuerdo y seguir adelante. Ha sido una vida muy dura los últimos años, y este era el soplo de aire fresco que necesitaba para aclarar las pesadillas que soportaba.

Con esta pandemia ¿Qué ha cambiado en sus planes de promoción del álbum?

Todo. Aparte de tratar de obtener soporte por radio y soporte en línea, todavía estamos buscando la respuesta. Pensamos que estaba tratando de que los servicios de transmisión se dieran cuenta, pero eso no era cierto. Luego intentamos enfocarnos en las redes sociales,

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y ese lugar está más que abarrotado, por lo que estamos probando diferentes enfoques, como hacer un montón de videos para la mayoría de las canciones, debutando en algunos de nuestros lugares favoritos como DKFM. , que tradicionalmente no hubiéramos hecho antes. ¿Una estación en línea para debutar un video musical? Extraño, pero dijimos, ¿por qué no intentarlo? Es un panorama difícil, y no poder compartir la música en vivo es más que devastador. Seguiremos buscando oportunidades, pero no tenemos un plan de juego real más que hacer más videos y posiblemente más música nuevamente pronto. ¿Cuáles son los planes, si hay alguno, para lo que queda del 2020?

Videos musicales, tratar de mantenerme a flote financieramente como mi trabajo diario normal de producción de videos también ha tenido un gran éxito, y tratar de mantenerme cuerdo y lo más libre de estrés posible. Estas olas se pueden atravesar, pero se necesitará una paleta bastante grande para que realmente suceda.

Para terminar y agradecerles una vez más la posibilidad de poder realizar estas preguntas. ¿Quieres decirles algo a nuestros lectores? ¡Estás más que increíble y ha sido un placer hacer una entrevista! En cuanto a los lectores, esperamos que nos escuchen. No nos importa si es Spotify o iTunes o incluso posiblemente la versión en vinilo que esperamos sea lo suficientemente pre-venta como para que sea posible. ¡Visite www.ashorelinedream.com y le agradecemos su apoyo! ¡Gracias Ryan!

http://madwaspradio.com/

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Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Reseña de "Anton Barbeau – Manbird" por Benjamín York. ]

CUANDO LA PSICODELIA SE HACE ELEGANCIA POP

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Anton Barbeau – Manbird Label: Gare du Nord (UK) / Beehive Sound (US) Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre de 2020

En los tiempos que corren lanzar un álbum doble puede ser una tarea dificultosa, aunque también tediosa para el oyente, 25 canciones para estos días es algo arriesgado como poco frecuente. Pero acá hay alguien que se atreve a eso y mucho más, Anton Barbeau. Alguien que se atreve a un lanzamiento de este tipo tiene que tener una carrera que lo respalde, y Anton tiene pergaminos suficientes para avalar este respaldo, y casi 30 años de su primer lanzamiento “Anton Barbeau And The Joy Boys (2) ‎– The Horse's Tongue” de 1992 y su nuevo álbum es su número 30 en su discografía. Asociados muchas veces a músicos de la talla de Robyn Hitchcock, XTC o Julian Cope, entre otros.

Manbird es una extenso álbum, como dijimos antes, pero la genialidad de Anton, es que desde el primer track, la que titula al álbum “Manbird” hasta el último track “Space Force”, nos va envolviendo en un mundo irreal y vamos quedando atrapados en las canciones como una presa inmóvil en una telaraña a merced de Barbeau, y difícilmente podamos o queramos zafar de la trampa, y probablemente nos quedemos en su locura sonora hasta el final, extasiados de sonidos que van desde la psicodélia, pasando por el pop, a veces un hardcore perdido “Featherweight”, o paisajes de música clásica como en el medio de “Cowboy John Meets Greensleeves”, siempre sabremos que a cada final de canción, no sabemos lo que nos espera.

La portada del álbum nos muestra a Anton en un nido flotando en un río a la deriva, y la imagen no es elegida al azar, Manbird se trata de un disco autobiográfico, que trata sobre dejar el nido, viajar por el mundo y encontrar un hogar. Fue escrito en Berlín y California y el título proviene de la película “Lady Bird” (2017).

Y este trabajo es un viaje en donde la psicodélia se hace Elegancia pop.

The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A