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AÑO: 5 | NÚMERO 46

THE 13th UN A R E V IS TA IM A GINA RIA

ANDI SEX GANG - SHRIEKBACK STELLA DIANA - STFU - TC&I THE BLUE HOUR - SEARMANAS JUVENILIA | HIROSHIMA DANDYS | NIÑOS ENVUELTOS NUESTROS AMIGOS ELÉCTRICOS | MAGIA MARVEL JOHN'S CHILDREN | ROBEN Y LOS NORUEGOS NO DEVOTION RECORDS | TRÓPICA OBSCURA | SONIDOS QUE PERMANECEN Y MÁS...


STAFF

DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Literatura ]

REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Pablo Ravale

Diego Centurión sobre un diseño de

Benjamín York

Franco Doglioli

Julieta Curdi.

Darío Martinez Diego Centurión

[ Departamento de Artes Visuales ]

TRADUCCIÓN

Gabo Rojo

Diego Centurión, ARMS.

Pablo Müllner

Maxx Wild

Pablo "Mambo" Rivas

Pablo Müllner PORTADA

Marianarchy Deadbilly

[ Fotografía ]

ARMS

Marina Cimerilli

Nazarena Talice

Jefe de Departamento de Colombia:

Jairo Mansur

Lily Moonster

César León

Marina Cimerilli.

Jefe de Departamento de Literatura:

[ Departamento de Colombia ] Alejandro Cenizacromada

Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música:

Bernardo Jiménez Mesa César León

Diego Centurión

Natalia Storm

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Octavio Gallo. Mario Lo Faro, Chelo Lares, Carmine Cestari, Pedro Damian, Clay Andrews, Fernando Blanco, Dandy Lee Strickland, Fer Carpenter, Steven Son Ranch Davidians, Martín Cajales, Kim Field, Guazuncho, Jason Wagers, Gardy Perez Ruiz, Manfredi Lamartina, Laura Iacuzio, Iván Mirabal, Rafael Conrado Bührer, Máximo Mario Lorda, Diego Valente, Nico Beatastic, Fernando Graneros, Norman Mac Loughlin, Andrey Portnykh. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

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twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.


EDITORIAL

Mayo - Junio 2018 Nos retrasamos un poco en editar este número. La información crece y nuevas ideas aparecen, en este número traemos varias novedades, ingresa un mundo nuevo a Revista The 13th, el mundo del Cómic , traemos dos secciones que ilustran este mundo, en primer lugar con la incorpración de Pablo "Mambo" Rivas abrimos "Nuestros Amigos Eléctricos", un espacio en donde nos meteremos en el mundo de pequeñas anécdotas sobre músicos y todo lo relacionado con los artistas que nos gustan. En segundo lugar nuestro Gabo Rojo cambia de rumbo y se dedica a dejarnos capítulos de un libro que está realizando llamado "Magia Marvel". "Música en el Baúl" es otro nuevo espacio en donde rescataremos bandas que han quedado en el olvido. En este número muchas personas del mundo de la música se encargan de darnos su parecer del fantástico disco de Spiritualized " Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space" (1997). Las entrevistas se apoderan de la escena y los artistas dominan esta edición.. Una edición que nos llena de orgullo y que nos abre algunas nuevas puertas y que trataremos de mantenerlas abiertas. ¡Gracias y disfruten!

REVISTA THE 13TH


ÍNDICE

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

MÚSICA EN EL BAÚL

10

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NUESTROS AMIGOS ELÉCTRICOS

STELLA DIANA

12

40

ANDI SEX GANG

STFU

16

SHRIEKBACK

24

46

MAGIA MARVEL

52

84

JUVENILIA

86

? TC&I

SEARMANAS

68

96

THE BLUE HOUR

EL RECOMENDADO

74

102

HIDDEN TRACK

106

HIROSHIMA DANDYS

112

NIÑOS ENVUELTOS


NETLABELS

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA

EN LA MIRADA

120

172

DE LOS OTROS

MUSIC CORNER

PURA MELOMANÍA

202

124

176

PALABRAS

142

EN LA ARENA

SONIDOS QUE PERMANECEN

180

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

TRÓPICA OBSCURA

156

ENTREPISOS RADIO

186

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¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild


Spsicho shot Talking Heads – Talking Heads 77 (1977) Cuando uno piensa en algún visionario, puede venir a la mente el nombre de Leonardo (Da Vinci), Julio (Verne) o Ray (Bradbury). ¿Qué es un visionario? Según la definición inicial: alguien que tiene o cree tener visiones o revelaciones sobrenaturales gracias a su creatividad, imaginación o conocimiento. En mi opinión es un constructor e influencia de las creaciones futuras; acaso ¿las creaciones no están teñidas de influencias pasadas? El futuro, ¿no está construido con conceptos aprendidos con anterioridad? Fuera de todo este palabrerío filosófico, yo veo a David Byrne como un visionario, alguien que con simpleza influenció e influencia en la música contemporánea como concepto completo (sonoro, visual, estético). Es así que elegí en esta ocasión a Talking Heads 77 (1977), el primer álbum de estudio de la banda homónima y para acompañarlo, una creación propia inspirada en uno de los temas y en un hilo conductor que es el moldeado de la percepción a través de la excitación de los sentidos (psicodelia). He aquí al Psycho Shot (absenta, ginebra y un toque de almíbar de vainilla), dulce, poderoso, engañoso… Todo comienza con Uh-Oh, Love Comes to Town, intro disco, pero con estructura de canción pop, bajos simples, teclados justos y riff nivel 1 para un inicio alegre. New Feeling, new wave! “It is...is a million...years ago, I hear music...and it sounds like bells, I feel like my head is high, I wish...I could meet...every one, Meet them all over again, Bring them up to my room, Meet them all over again, Everyone's up in my room”, me atrevo a poner toda la segunda estrofa, ya que es algo que muchas veces pasó por mi cabeza, todos esos nombres, personas, que vengan a mi cuarto, a mi época… Leonardo y Julio, bailando, escuchando este tema, tomando un PsychoShot y comiendo una tablita de achuras… seguro invitaríamos a David. Casi sin pausa aparece Tentative Decisions (recomiendo busquen la letra) con el clamor la de época pero con un alma más pop. Acto seguido Happy Day, más complejo en estructura, cuenta una historia… lleva a viajar, algunas sutilezas sonoras. Who Is It? Comienza el juego… el cambiar, climatizar, cortar decir y no decir. No Compassion, una estructura epica (a lo Beatle etapa psicodélica), no se puede para de saltar y bailar. The Book I Read va plasmando lo que serían los TH en los venideros años junto con el simpático Don't Worry About the Government (vida neoyorkina de finales de los 70s). First Week/Last Week...Carefree tan simple que desconcierta, tanto como su letra deja un preludio para la mejor de todas… Psycho Killer. Tan lograda esa intro que da la sensación de un asesino acercándose en puntas de pie, caricaturesco, es un tema punk pero con otro ritmo, imborrable, efectivo y visionario. Cierra Pulled Up, otro icono característico de la banda, lúdico y alegre… brindemos con otro Psycho Shot para esta inolvidable obra del post punk/new wave (único trabajo sin Brian Eno en la producción) de quienes debutaron en el CBGB teloneando a The Ramones, en ese momento junto a David, Chris (Frantz) y Tina (Weymouth), a los que se sumaría posteriormente Jerry Harrison. No olvidemos que lo que tenemos actualmente fue “visionado”, ¡Salud!

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[ Entrevista a Andi Sex Gang por Diego Centuriรณn ]

PROFETA SIN TIERRA


Como un profeta en una tierra oscura y que los años agiganta, creando una leyenda que roza verdades y mitos, Andi se levanta de sus propias cenizas demostrando que los años no han convertido ese afán en buscar en el arte la manera de explorar y hacer que su voz siga resonando ya hace más de treinta años de carrera. Preguntar a alguien con una carrera tan vasta y compleja para bordar en simples preguntas sobre sus trabajos podría resultar algo tedioso para quien responde y loa lectores pueden encontrar muchas de ellas en internet. Así que trataré de ir al fondo de la persona e indagar sobre su mirada del mundo y su mirada sobre el arte. Hola Andi, gracias por aceptar realizar esta entrevista y vamos a tratar de hablar un poco de todo. Para empezar por el principio de todo. Londres finales de la década del 70, el punk había revolucionado Inglaterra y el mundo. ¿Dónde te encontrabas cuando el punk estalla? Y ¿qué sentiste cuando se fue apagando tan rápido como explotó? Hola Diego, un placer conocerte y un placer hacer esta entrevista. Cuando el Punk explotó en el Reino Unido, yo vivía en Slough, mi lugar de nacimiento. En ese momentoera una ciudad industrial, cerca del aeropuerto de Heathrow y del famoso castillo de Windsor. Situado en las afueras de West London, el lugar parecía estar atrapado entre dos planos de existencia diferentes, un estado de limbo. Realmente no había mucha escena alternativa en Slough, y ciertamente tampoco entre mis compañeros de clase. Afortunadamente, tuve amigos mayores con los que solía colgar y me abrieron a la belleza y frescura de esta nueva música. Mis primeras exposiciones a esta nueva música fueron The Sex Pistols, Wire, The

Clash y Buzzcocks. Los Pistols y Wire fueron los dos que realmente se destacaron para mí. En cuanto a la desaparición de Punk y la creación de 'New Wave', supe entonces que la industria de la música había secuestrado la revolución, la había desinfectado y había tomado las riendas del control. Esto me hizo sentir increíblemente enojado e incluso más decidido a cambiar el Status Quo. He leído que tenías el nombre de la banda antes que "la banda". ¿Ya era una forma de buscar arte donde no lo había? Es decir sin músicos pero con una idea. Esta fue la forma en que algunos de nosotros hicimos cosas en ese momento. El nombre anterior que había usado antes Sex Gang Children, era Panic Button. Era un nombre de banda sin banda, solo yo. A menudo conseguir conciertos primero y luego encontrar músicos para hacer esos conciertos. Todo en un desenfoque frenético de energía creativa y determinación. Creo que para algunos de nosotros en aquel entonces y definitivamente hablando por mí, se trataba de una idea y el arte primero. La banda se convierte en el vehículo para la idea, luego la banda se convierte en esa idea. Evolución a través del arte y una visión realizada. Te puedes imaginar que todo ese movimiento acá llegó más tarde y la pregunta tiene que ver con la sensación que te produjo este shock que fue el punk. ¿Cuál era la sensación para un joven como tú en esos años? Sentí que era algo que obviamente era necesario. Simplemente no estaba seguro de si era el tipo correcto de cambio ya que la prensa y los medios de comunicación le dieron una visión muy sesgada y distorsionada al punk. Al vivir en Slough en ese momento, al principio solo estaba expuesto a los medios convenciona-

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les, que en el mejor de los casos no era informativo y, en el peor de los casos, simplemente una mierda. Necesitaba descubrir por mí mismo y asegurarme de que la música hablara bien y, al principio, algo así. De alguna manera sentí que este movimiento sería de corta duración, se extinguiría en un instante. Tenía que hacerlo. ¿Qué más podría hacer? Pero lo que seguiría a raíz de esa tormenta de fuego determinaría el futuro cultural de muchas generaciones por venir. Esto era más que una responsabilidad para los futuros artistas, era una vocación, un deber sagrado en la búsqueda del arte y la preservación de la cultura. La escritura estaba en la pared para aquellos de nosotros que estábamos dispuestos a leerla. Comienza la existencia de Sex Gang Children. Mirando y escuchando la escena de esos años, ustedes siempre fueron diferentes, siempre estaban un paso más allá en la experimentación sonora. ¿Eso lo notabas en ese momento?

Estaba al tanto de lo que se necesitaba, era consciente de lo que nos rodeaba en ese momento y de lo que teníamos que cambiar. Siempre tuve una fuerte sensación de lo que debería ser la banda. La constante que impulsaba todos estos sentimientos era la música, y la música estaba vinculada a esos sentimientos. Siempre fue sobre el hermoso desafío y sentí fuertemente, como todos lo hicimos, que nuestra música estaba lista para desafiar. A la hora de buscar nuevas formas de arte, tu carrera solista fue mucho más allá en la experimentación, incluso has realizado álbumes de spoken word, cosas que son difíciles de abordar "comercialmente hablando", pero tú te has lanzado en busca de algo que sea artístico más allá del éxito (que es lo que buscan la gran mayoría). ¿Crees que el arte es siempre estar al borde de lo esperado, por decirlo de una manera más obvia, de lo establecido? El arte es un espejo que a menudo no


deseamos examinar, pero a veces, debemos hacerlo. El arte siempre debe desafiar nuestras preconcepciones, pero también debe ser una experiencia agradable. El arte tiene que ser desafiante, porque el Status Quo establecido es una mierda que no se puede pulir. Sin embargo, antes de que el arte pueda desafiar, ¡primero TIENE que ser bueno!

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Actualmente hay un resurgimiento, más lavado, del post punk, y muchos intentar generar el mismo sonido de aquellos años. ¿Tú qué piensas de este revival que muchas veces termina siendo una copia? La gente debería crecer con sus influencias, y no tener que mirar hacia el pasado para saquear. Existe una gran diferencia. Realmente todo depende de cuál sea su motivación. Están los "fabricantes" y los "falsificadores". A los farsantes les diré esto, solo recuerden con música que no pueden mentir, sin importar cuánto lo intenten.

¿Qué rama del arte te falta incursionar y que aún no te atreves? He incursionado en algunas formas de arte, pero sin embargo, el arte del asesinato es algo en lo que siempre he sentido que sería muy bueno, pero de alguna manera, me alejé. Sin embargo, mi vida no ha terminado todavía. ¿Cómo ves el arte en general hoy? Podría ser mucho más emocionante, pero Podríamos hablar de discos específi- no lo es. Las artes han sido secuestradas cos se tu discografía, pero creo que ya por los niños ricos, tienen contactos y didebes estar aburrido de repetir lo mis- nero, pero carecen de ventaja. (Ver arrimo. Pero para aquellas personas que ba) “No se puede mentir con el arte”. Es lean esta entrevista y no conoce tu tra- el lenguaje de expresión intensa. Pero bajo. ¿Por dónde le indicarías ingresar bueno, todavía hay verdaderos artistas a tu mundo? por ahí hoy, solo tienes que buscarlos un Pregunta difícil. “Maybe Blind!” o “Madman poco más. In The Basket”.


La tecnología ha avanzado tanto que a veces supera toda expectativa de comunicar un trabajo artístico. Hoy para muchos artistas las redes sociales es el lugar en donde tienen que estar sí o sí para sentirse activos. Ya sea subiendo vídeos, un EP, una canción, una foto... algo que haga que sus fans no se olviden de ellos. Está es una apreciación que tengo yo de tanto hablar con artistas nuevos. ¿Tú cómo te llevas con la tecnología, tanto informáticas, como lo instrumental? Me encanta la nueva tecnología, ¿qué hay para no amar? La grabación se ha vuelto mucho más fácil de lograr y usar, y ahora es más rentable. Lo que significa que abre la oportunidad para que más personas creen su música en un formato físico y la saquen al mundo. ¡Fabuloso! ¿Yo? Me he adaptado amorosamente a eso. En algún momento u otro en el tiempo, tienes que aprender la destreza física de cómo transmitir tus ideas en un medio

físico, de lo contrario estarás a merced de personas menores que entienden la tecnología, pero carecen de ese sentido de la visión. Tomar nota. ¿Qué piensas cuando los artistas mencionan tus proyectos como influencia? Estoy profundamente honrado. ¿Actualmente estás presentando material nuevo, tienes pensado grabar algo nuevo? Sí, estoy lanzando mi nuevo proyecto 'Dada Degas' y trabajando en un nuevo álbum de Sex Gang Children para su lanzamiento en 2019. ¿Cuáles son tus planes en este año? ¡Trabajando en los nuevos álbumes! A finales de este año habrá espectáculos de SGC en Europa y EE.UU., dependiendo que las autoridades estadounidenses me permitan entrar.


Agradeciéndote está oportunidad de entrevistarte, te pregunto por los lugares a donde pueden seguirte o escuchar tu música. www.sexgangchildren.com www.andisexgang.com https://www.facebook.com/ SexGangChildrenOfficial/ https://www.facebook.com/ andisexgangofficial/ https://www.facebook.com/DadaDegas/ https://www.facebook.com/ LiberationLondon/

También en Spotify, Amazon, bandcamp, Soundcloud, música de Apple y las principales tiendas digitales. ¿Hay algo que quieras decir que yo no haya preguntado? Cuando me miro en la fría luz del día, me doy cuenta, solo soy un sicario de la ciudad del alma. Un placer haber realizado esta entrevista y esperemos que en un futuro cercano podamos hablar de tu nuevo trabajo. Muchas gracias Andi!

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[ Entrevista a Barry Andrews y Carl Marsh de Shriekback por Diego Centurión Fotografías: Howard Davidson, Fit For Moshing, Nick Wright y Karen Moskowitz. ]

UN JUEGO DE PALABRAS CON MUCHOS RUIDOS RAROS


Hay bandas que vienen haciendo su trabajo desde hace varias décadas y continúan buscando la manera de que su historia no llegue a su fin, y ¿de qué forma lo hacen? Editando nuevos álbumes, este es el caso de Shriekback. Una banda legendaria del post-punk liderado por Barry Andrews (XTC y League of Gentlemen) y Carl Marsh (Out On Blue Six), que desde hace tres décadas vienen trabajando duro y dejando un tendal de muy buenos discos. Hoy, su trabajo número 14 llegará a fines de mayo, "WhyAnything? Why This?" Hola Barry y Carl gracias por aceptar está entrevista y para empezar quiero que nos cuenten ¿de dónde nace el nombre de la banda? C: Según recuerdo, fue una sesión de lluvia de ideas con la alineación extendida original de la banda, que incluía a Dave Allen, la cantante Emma Burnham y el baterista Brian Nevill, todos sentados alrededor de ideas de formación libre, cortando pedazos de papel y lo que sea. Yo no estaba allí, estaba conduciendo haciendo un trabajo de jardinería, llamando para ver cómo estaba yendo, no había móviles entonces, por supuesto. Eventualmente inventaron a Shriekback, que, aunque un poco desgarbado, parece haber hecho el trabajo.

C: Siempre tuve fascinación por hacer discos, en lugar de escribir canciones, desde que escuché discos como “Rock On” de David Essex, con las diferentes reverberaciones y el bajo con delay, y me di cuenta de que, oye, no son solo unos pocos tipos en una habitación tocando el tono. Por supuesto, para justificar toda una vida de aburrimiento en los estudios de grabación, tienes que producir algo, por lo que los ruidos que surgen finalmente se convierten en algo más o menos parecido a una canción. Y me encanta estar inmerso y jugar con el lenguaje también, así que, mejor trabajo del mundo.

Ustedes, como yo, pertenecen a una época en donde todo se dificultaba más, las producciones, la promoción, la difusión y otros aspectos. Internet fue la herramienta que abrió el juego a un cambio en la industria discográfica, como así también en las formas de llegar a más gente. Todos tuvimos que acomodarnos a un cambio generacional y de costumbres. ¿Cómo fue el cambio de aquellos primeros años de la banda hasta estos días en donde todo se ha vuelto... por decirlo de alguna manera... inmediato y efímero? B: Bueno, no estaría de acuerdo en que haya hecho que todo sea más efímero, sin duda es más fluido y rápido. Creo que se trata de cambios y rotondas: es más barato y Con una extensa trayectoria y muchos más fácil hacer un álbum, en parte debido a discos publicados, ¿qué es lo que hoy la nueva tecnología, pero tampoco los guarlos sigue motivando para continuar escri- dianes de las compañías discográficas como biendo canciones? antes. Pero eso significa que hay muchos B: Me gustan las canciones, son una forma más registros, que son más difíciles de mode hacer un pequeño universo entero con sus netizar y que puede perderse fácilmente en el propias leyes, olores y colores. Me gusta el gran océano del Producto. Infernalmente difílugar extrañamente emocionante al que tie- cil lanzar nuevas cosas ahora, creo. nes que ir para extraerlos de tu cabeza. La colaboración con otras personas que agreC: Sí, las cosas ciertamente han cambiado ga estas otras cosas inesperadas que hacen desde los días en que grabar un disco involuque las espeluznantes cosas extra sucedan. craba un estudio que costaba £ 1,000 por día Como dijo Orson Welles, es el mejor juego de o algo así, lo que a su vez exigía endeudartrenes que un niño podría tener. se con un sello discográfico enteramente según sus términos. Eso es claramente un buen

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cambio. Cuando llegó Punk, se hizo aceptable grabar en estudios baratos de 8 pistas y lanzar material que mantenía todos los bordes ásperos; Sin embargo, la eliminación del filtro financiero significó que surgieron muchas más cosas: excelentes en términos de libertad artística, a veces no tan buenas en términos de calidad. Aunque, por supuesto, el sistema de grandes sellos / grandes presupuestos tampoco era una garantía de calidad. Así que, sí, como dice Barry, puedes ser independiente y tomarte el tiempo para hacer el disco que realmente deseas, pero también lo pueden hacer todos los demás, lo que parece significar que todos obtienen un trozo mucho más delgado del mismo pastel. Aún así, Internet significa que, si estás haciendo una mierda rara que solo les gustará a 400 personas en el mundo, al menos tienes la oportunidad de encontrar esas 400 personas... supongo. Es lo que es y, como dice Ian Malcolm de Geoff Goldblum en Jurassic Park, "La vida, encuen-

tra un camino". Seguramente esta será una pregunta que les han preguntado varias veces, si tuvieran que explicarle a una persona que nunca los escuchó, ¿Cómo explicaría el sonido de la banda? B: Suelo decir (si quiero evitar extender la conversación) "un juego de palabras con muchos ruidos raros", no totalmente inexactos, imaginables y razonablemente concretos. Apaga los em up por lo general. C: ¡Realmente no puedo mejorar eso! Excepto que el funk a veces existe bajo el agua y algunas veces en el espacio. ¿Cuánto crees que ha cambiado el sonido de la banda con los años? B: Tal vez menos de lo que uno podría imaginar: “Tench” (81) y “Why Anything? Why This?” (hace unas semanas) creo que hay bastantes similitudes. Ha habido divagaciones, por supuesto: la mayor plasticidad de “Go Bang”, las exploraciones de “World Mu-


sic of Naked Apes”. Entonces, supongo, la forma en que la paleta sónica se hace cada vez más grande con todos estos complementos de sonido nuevos y maravillosamente adictivos (estoy tratando de persuadirme de que necesito uno nuevo en este momento - Gravity de Heavyocity - vamos - permítamelo alguien maldita sea)

vertiginoso que darse cuenta de que en realidad he estado en el planeta durante 61 años. Demasiada puta compañera de perspectiva. C: Hola, sólo estamos calentando. He estado por 58 años, Shriekback por 37, si estamos haciendo 1981 Year Zero. Eso significa que Shriekback ha existido durante casi dos tercios de mi vida, lo que significa que de hecho tengo “demasiada puta perspectiva” o que no puedo tener perspectiva alguna. Prácticamente estamos en el territorio de los Rolling Stones en este punto.

C: Lo indefinible, el gen que hace que Shriekback suene diferente a cualquier otra cosa (estoy parcializado aquí, obviamente) probablemente no ha evolucionado tanto. Se ha manifestado de diferentes maneras, como usted señala, pero hay algo constante en el Hmmm, 37... buen nombre para una cannúcleo. '¿Qué es eso?', ¿Puedes preguntar ción ... razonablemente? No sé. ¿Quiénes los han influenciado musicalPensaba en el tiempo y recuerdo que mente? hace treinta años editaban su quinto álB: Toda la gente con la que he trabajado bum, "Go Bang!" (1988) ¿Qué sienten al probablemente sea más que cualquiera de pensar que un disco suyo ha sobrevivido los gigantes en grande: los chicos de XTC, treinta años? Restaurant for Dogs y, por supuesto, Barker B: Viejo, obviamente, aunque no es más Marsh y Allen me han influenciado.

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C: Bueno, sí, la bestia dentro de la cual he vivido por tanto tiempo me ha convertido en el hombre que soy hoy o me ha dejado cicatrices de por vida... elimínelo según corresponda. Aparte de eso, oh, T-Rex, John McLaughlin, Little Feat, The Velvet Underground, Soft Machine, Roxy Music, Nick Cave y la trinidad de Bowie, Eno y Fripp. Esto es algo fuera de lo común: casi seguro que obtendrías una lista diferente si mañana me preguntaras.

rompen al final... C: Eso es más o menos. Puede valer la pena señalar que los créditos de escritura se dividen por igual en todas las canciones, la primera vez que ha sucedido desde entonces, eh, Jam Science, creo.

¿Hay planes para una nueva grabación después de esto? ¿Qué otros planes tienes para el resto de 2018? ¿Tocarás algunos shows en vivo? Después de varios discos más y luego B: Sí, creo que vamos a ir un poco más del "Without Real String Or Fish" del 2015 lejos en esta avenida de actualidad, tocar a se viene el nuevo álbum, "Why Anything? la real mierda. Y muestra que planeamos haWhy This?". ¿Qué nos puedes contar de cerlo solo si podemos reinventarnos radicaleste trabajo? mente. Aunque tenemos un festival en agosB: Tiene muchos humanos vivos fibrilando to en Bélgica en el que somos radicalmente en tiempo real. Tiene un Troll en la portada. iguales. Cuesta £ 12 desde shriekback.com. C: Sí, todavía estamos luchando con el Live C: Es el álbum Shriekback más colaborati- Dilemma ... y creo que es justo decir que Live vo durante mucho tiempo, posiblemente nun- Dilemma ha ganado la primera ronda o dos ca. Más fácil, supongo, cuando solo hay tres se ha demostrado que es muy poco realista, colaboradores y no productores, sellos dis- por no decir ilusorio, pensar que estaríamos cográficos, etc. Ha sido muy divertido de ha- cargando alrededor del mundo con una bancer y estoy muy satisfecho con el resultado. da de 8 piezas. Live Dilemma tiene logística A veces he encontrado que esas dos cosas incontestable de su lado, pero es posible que pueden ser mutuamente exclusivo. podamos etiquetar con Radical Ideas. Todavía estoy entrenando para eso. En el single adelanto "And The Rain" poDisculpas a cualquier aficionado a la lucha demos ver un sonido que los acerca más ofendido por mi lanzamiento en esta metáfoal post punk de los Bad Seeds, pero en ra a medias sin ningún conocimiento real de el álbum podemos escuchar una mezcla tu deporte. más amplia de estilos. ¿Qué nos puedes contar del sonido de este álbum? Agradecemos el espacio que nos dieron B: Hay un sonido más general, tal vez por- para hacerle está entrevista y dejamos que Mart toca la batería en vivo en todas las este último espacio para que agreguen lo pistas, menos una, y eso tiende a dar sabor que nosotros no hemos preguntado. a la sopa. Las canciones están compuestas C: Actualmente, mi palabra favorita es 'ptarde la manera en que siempre las hemos te- migan'. nido: encuentra un groove, amplíala, acecha por un rato y luego regresa a la estación has¡¡¡Gracias!!! ta que se le salgan las tripas. Todos ellos se C: De nada, ¿no?.


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MÚSICA EN EL BAÚL


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La idea de este espacio ni es contar la historia paso a paso la historia de una banda, eso algo que pueden buscarlo en la web y leer los detalles de la vida del artista en cuestiĂłn. Nosotros queremos rescatar artistas que no han sido masivos y, de alguna forma, despertar en ustedes la curiosidad de que les interese y vayan en su bĂşsqueda. Hoy traemos el caso de la banda que nos lleva a los aĂąos 60's, John's Children.


[ Por Diego Centurión. ]

JOHN'S CHILDREN Jugando con el destino El caso de hoy es una banda llamada John's Children, banda que tuvo su periodo de vida intenso en la década del sesenta, si bien tuvo reencarnaciones en los noventa. Fue una banda de beat, mod rock, enumerada muchas veces como proto-punk y hasta como la primera banda Glam rock. Pero empecemos con la presentación. Surrey 1965 Chris Townson y Andy Ellison arman una banda llamada Clockwork Onions, luego cambian a The Few y luego a The Silence, banda que se unió Geoff McClelland y John Hewlett. Todo eso pasó en casi un año, estas idas y vueltas serán una constante en su corra y caótica primera existencia, de sólo tres años. A mediados de 1966 el baterista Townson se reúne con el mánager de The Yardbirds, Simon Napier-Bell (luego Marc Boland, Ultravox!), y éste presencia un concierto en Francia. Llegó a decir "positivamente es el peor grupo que he visto" y decide ser su manager. Hasta acá una historia de tantas que ha sucedido en el rock. Una banda que se pasó jugando con el destino.


El sonido de la banda era bastante pobre y hasta inconsistente. El peor de la banda era su bajista John Hewlett, y justamente era al que más protegió Napier-Bell en el comienzo de esta sociedad (Children-Napier-Bell) y temiendo que la banda lo despidiera, decide cambiar el nombre de la banda por John's Children (¡sí, por Hewlett!). Otra cosa que obliga a la banda es a vestirse de blanco y a utilizar el caos, la provocación y el escándalo como parte de su ADN, para "compensar" su ineptitud musical. Algo que la banda lo respeto a raja tabla. Sus conciertos se convirtieron en caóticos y en donde cualquier cosa podía suceder. Peleas entre los músicos, performances con más actitud "punk" que calidad musical, (aunque obvio la concepción del Punk aún no existía).

Napier consigue que la banda firme un contrato con Columbia Records (UK) (sello de los Yardbirds) y White Whale (EEUU), graban el primer single "Smashed Blocked/ Strange Affair" a finales de 1966. Pero el arriesgado manager no iba a tirar su apuesta a la mesa de los depredadores de la compañía discográfica para que destruyan a sus apoderados. Para ocultar la ineptitud de la banda llevó a Simon a contratar músicos cesionistas para la grabación. La canción "Smashed Blocked" sufre la censura en Inglaterra por alusiones al consumo de drogas y lo relanzan como "The Love I'd Thought I'd Found" en 1966. Y si bien no fue un éxito le alcanzópara conseguirla grabación del primer álbum. Pero Napier-Bell utilizó astutamente algunos gritos de la banda de sonora "A Hard Day's Night" para falsear una especulación con la cantidad de seguidores que tenía la banda en Inglaterra y, de alguna manera, promocionar como un suceso como los de Liverpool. Pero también para ocultar las limitaciones interpretativas de la banda. Pero todos esos artilugios engañosos no pudieron

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con el sector más puritano de los Estados Unidos, que censuraronal álbum por su nombre, "Orgasm" y porque en la portada había una foto de una mujer, lo cual para 1967 era algo perturbador y obsceno para una sociedad norteamericana. “Orgasm” quedó en el olvido hasta 1970, cuando el sello White Label decidió cambiar la portada. Con el álbum “guardado” por la compañía, se lanzó un segundo single "Just What You Want – Just What You'll Get" nuevamente apelando a músicos sesionistas (en el lado B, "But You're Mine" la guitarra la grabó Jeff Beck). Después de lanzar el single el guitarrista Geoff McClelland abandona la banda. Napier-Bell siempre estaba a la captura de nuevas figuras, y hacía tiempo que tenía entre sus artistas a un chico Mod que era muy conocido en el ambiente por su cuidado aspecto y su manera de pensar, quien después de hacerse llamar Toby Tyler, había realizado algunas canciones sin mucho éxito. Mark Feld era una personalidad sin haber hecho nada asombroso, sólo aparecer como modelo y en entrevistas sobre el movimiento Mod, del cual él se sentía un referente. Mark adopta el nombre final, Marc Bolan. Después de algunos intentos con otros representantes, en 1966, toca la puerta de Napier-Bell con una guitarra y le dice que él sería la una gran estrella y que necesitaba a alguien que hiciera los arreglos para serlo. Napier pensó rápidamente en qué banda lo ponía, en los Yardbirds o en John’s Children, la respuesta caía de madura, John’s Children necesitaba un compositor y un guitarrista, así que le cambió la guitarra acústica por una eléctrica. Bolan reemplaza a McClelland en marzo de 1966.


Napier-Bell decía: "Pensé que si poníamos esa voz rara y quejumbrosa de Marc detrás de la de Andy, el público y las compañías discográficas poco a poco irían acostumbrándose a ella, y tarde o temprano llegarían a aceptarla". Napier sabía que Mark le daría a la banda ese toque de aptitud compositiva el grupo carecía. Pero además Marc tenía un porte elegante, digno de sus andanzas cono personaje Mod en su ciudad natal, llegó a aparecer en diarios como uno de los más representativos de la cultura Mod.

Vega y su Suicide.

Actualmente John's Children es catalogada como parte del "freakbeat", donde se incluye a bandas como The Eyes o The Creation, que fueron como el caótico nexo entre el Mod y la Psicodelia. Siempre detrás del modelo a seguir, The Who. John's acentuó el caos de los Who, peleándose en el escenario o saltando directamente al público, mucho antes que Iggy Pop y sus Stogges o Alan

El primer single que editan bajo la composición de Bolan es "Desdemona", pero los problemas parecen ser la maldición de la banda, o la gracia, el nuevo single fue prohibido por la BBC por su línea en la letra "levanta tu falda y vuela". “Desdemona” fue publicada en el sello Track, propiedad de Kit Lambert, el famoso representante de The Who. En abril Napier consigue una gira por Alemania como soportes de The Who, los maestros en destrozar instrumentos en el escenario. ¿Pero piensan que esto le importó a John’s Children? La banda se encargó de alimentar toda su reputación destructiva y llevarla hasta lo más extremo posible. Entonces a las peleas fingidas le sumaron a Marc golpeando la guitarra con una cadena, Townson golpeando despiadadamente a los parches, Ellison y Hewett pretendiendo pelear, cápsulas de falsa sangre para crear más confusión, Ellison lanzándose al público enardecido y luego rompiendo almohadas y llenando el escenario de plumas. Pero no sólo la banda estaba creando caos, Napier se propuso conseguir el equipo de audio más alto (para eclipsar a The Who). En una de esas noches The Who tuvo que salir y comenzar el show con “My Generation” (que era su cierre perfecto) pero tal era la adrenalina que dejaba John’s Children que no podían, al menos, emparejar la energía dejada por los vandálicos soportes. Kit Lambert el representante de The Who, amenazó a la banda con expulsarlos de la gira si no bajaban el escándalo causado. Ellison recuerda: “Pero no podíamos parar, queríamos ver hasta dónde podíamos llevarlo”.

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Ludwigshafen fue el sumun, según Andy: “Este concierto realmente se salió de control después de unas pocas canciones. Los gritos, feedbacks y los tambores maníacos, Marc azotando su cadena en el escenario, Ellison saltó a la multitud de mil y comenzó a lanzar plumas alrededor. Algunos de la multitud intentaron pelear con él, pero logró volver al escenario donde él y el bajista entraron en una batalla fingida, repleta de cápsulas de sangre falsa para lograr el efecto. Esto pareció incendiar a la multitud que comenzó a tirar sillas por las ventanas y pelear en lo que rápidamente se convirtió en un disturbio a gran escala. Todo esto y los tambores seguían latiendo a toda velocidad, los feedbacks aún chirriaban. Mientras la multitud subía al escenario, los chicos escaparon del caos pero no después de que Chris fue asaltado por el 'Vikingo'. ¡Un gran hombre barbudo y corpulento que Chris pensó que iba a golpearlo pero que en cambio lo agarró en un abrazo de oso y le plantó un gran beso húmedo!” Casi no pudieron salir de Alemania, cuando estaban saliendo e iban por la ruta se cruzaron con la policía antidisturbios con sus carros hidrantes que iban a detener el caos originado por… John’s Children. Obviamente fueron mandados a casa luego de esta noche. Después de grabar el single "A Midsummer Night's Scene" Boland no acepta la forma de producción de Napier del single y abandona la banda, y forma el dúo e historia conocida, Tyrannosaurus Rex.


Pero la banda continúa… Townson deja la batería y pasa a la guitarra y para ocupar el banquillo entra Chris Colville. Graban un nuevo single "Go Go Girl", que es una composición de Bolan, que luego él mismo con su banda lo grabaría como "Mustang Ford”. Luego de un single más y una desastrosa gira por Alemania la banda termina separándose en 1968. Luego se formaron varios proyectos y bandas como Jet o Radio Stars. Durante los años 80’s el nombre de John’s Children volvió a sonar y la banda adoptó el mote “De Culto”, en 1982 quisieron rearmar la formación para salir a apoyar la reedición del álbum “Orgasm” bajo el nombre de “The Legendary Orgasm Album” por el sello Cherry Red Records. Pero no prosperó. Recién en 1992 se volvieron a juntar para un concierto

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La banda se vuelve a reformar en 1990, con una nueva formación Boz Boorer (el mismo de Morrissey) en guitarra y el ex Radio Stars Martin Gordon en bajo. En 1999, la banda lanzó un EP llamado “John’s Children” que contenía material nuevo y una nueva versión de "Sara Crazy Child". En 2000, la banda realizó una mini gira en Europa para promocionar el relanzamiento del único LP de Jet, interpretando a Jet, así como canciones de John's Children y Radio Stars. Durante esta gira, la banda grabó un álbum en vivo llamado “Music For The Herd Of Herring” lanzado en 2001. En 2006, John Hewlett y Trevor White se unieron nuevamente a Andy y Chris para grabar un sencillo titulado "Come On England". Para algunos shows después el bajo fue tocado por Phil King (ex Lush, The Jesus And Mary Chain) y en otros Andy Lewis (Paul Weller) con Andy Ellison tocando la guitarra y cantando. En 2008 Chris Townson fallece. La banda estaba con sesiones de grabación de lo que sería el segundo álbum oficial, que llegó en el 2011, “Black & White”, la formación que registró el álbum fue Andy Ellison, Chris Townson, Boz Boorer y Martin Gordon. El fallecimiento de Townson sentenció la historia de la banda. Si bien hubo algunos shows con una nueva formación, la banda hasta ahora no volvió a registrar nada nuevo. Lo que sí es seguro que ha dejado una huella en la historia que hoy nosotros rescatamos.


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[ Entrevista a Dario Torre de Stella Diana por Diego Centuriรณn. ]

SEGUIMOS NUESTRO CAMINO SIN PENSAR EN LAS MODAS


41 Stella Diana es una banda nacida en 1998 en Nápoles (Italia) y extrae su nombre de una canción napolitana del 1600. Para festejar sus veinte años de vida regresan con el sucesor de Nitocris (2016), renovados y más oníricos que nunca, nos comunicamos con la banda para conocer su actualidad y sus planes con este nuevo trabajo "57". Gracias chicos por aceptar está entrevista y retomando el camino abierto en el 2015 repasaremos estos últimos años y este nuevo álbum.

Allá por el 2015 tuvimos un primer acercamiento a ustedes. Hoy a tres años de esa entrevista volvemos a ustedes con la excusa de un nuevo álbum. Mucho ha pasado en estos tres años. "Nitocrisis" (2016), en donde no hemos podido tener una charla con ustedes y retomando un poco el hilo conductor de nuestra primera entrevista en donde nos prometían un nuevo álbum que fue "Nitocrisis", ¿qué sensación les ha dejado ese álbum? En primer lugar, muchas gracias por darnos la oportunidad de hablar con usted. Respondiendo a su pregunta, puedo decir que Nitocris representa el primer paso hacia la forma perfecta de tocar música que siempre pensamos. Ese álbum está muy cerca de la perfección, pero tiene, en post producción y también en fase de composición, algunas cosas que no me convencen. Sin embargo, al mismo tiempo, nos permitió expandir nuestra audiencia y hacer que las personas comprendan quiénes somos y creo que la portada es una de las más bellas que hemos hecho. ¿Se han puesto a pensar en que se conmemoran dos décadas de su nacimiento como Stella Diana? ¿Qué piensan al leer "20 años"? Sinceramente, nunca pensamos en el tiempo que pasa. Parece que empezamos ayer a interpretar a Marianne, nuestra primera canción. Miro hacia atrás y pienso en cuánto esfuerzo hemos hecho para llegar a donde estamos. 20 años son solo algunos ensayos más y algunos conciertos más. Nada más que esto. ¿En qué cambió Stella Diana en estos veinte años?

Seguramente tenemos mucha experiencia sobre el entorno musical y su dinámica, y aparte de esto, logramos nuestro propio lenguaje musical personal. Ahora sabemos exactamente cómo obtener una melodía efectiva, cómo puedo decir, podemos controlar nuestro sonido por completo. Personalmente, sé quién soy como artista. Estamos ante la salida del nuevo álbum. ¿Por qué el nombre del álbum? Es una buena pregunta, nadie me ha preguntado sobre el nombre del nuevo álbum. el título es simbólico cinco son nuestros álbumes oficiales, pero si también incluimos dos álbumes de producción propia, entonces hay siete. Aparte de esto, el número 5 representa el Pentágono, la estrella de cinco puntas, los cinco sentidos y el polymath. NÚMERO 7 son los siete planetas antiguos descubiertos por la astronomía antigua, la Menorah como la siete lámpara descrita en la Biblia, los Siete pecados capitales y también las siete virtudes, podemos continuar para siempre, pero nos gustaría que la gente descubriera por sí misma los significados ocultos de estos dos números. He leído que en el track "Iris" y en su video, mencionan que la perfección está representada por el número 3, y pensando también en el nombre del álbum, ¿están muy cabalísticos? Sí. Absolutamente. Enseño filosofía y estudié Cábala judía, esoterismo, numerología y religiones antiguas. Estoy de acuerdo con mi compatriota, el gran Giordano Bruno, quien dijo que los símbolos y los números son una parte fundamental del conocimiento. En la civilización occidental, el número tres es el substrato, la síntesis de dos


elementos que generan una tercera cosa perfecta. Si agrega 5 y 7, obtenemos 12, pero 1 y 2 son tres. Podríamos hablar de eso por horas. También he leído que las letras enfatizan la dificultad de la comunicación entre las personas. ¿Nos pueden explicar un poco este punto? Estoy seguro de que no hay un diálogo real entre las personas. No hay interpenetración y nadie se siente responsable por los de su clase. Siguiendo a Totality e Infinity por Levinas, tenemos la total responsabilidad por el otro Estamos en tiempos en donde todo es muy visual, las bandas suelen hacer muchos videos y manejar las redes sociales como fuente de exposición. ¿Ustedes cómo llevan esta parte de la exposición visual? Estos son los tiempos del arte "social". Todo

pasa por las redes sociales o plataformas particulares. tratamos de mantener nuestra integridad, los mismos ideales que teníamos cuando comenzamos. quiero decir que utilizamos la web para llegar a la mayor cantidad de gente posible aunque sabemos que entre ellos, hay pocas personas que realmente aman lo que hacemos. pero después de todo, ¿cómo podríamos vivir sin la web? gracias a la web que somos más considerados en el extranjero que en Italia y esto es hermoso. La apariencia lo es todo y de todos modos, en lo que a mí respecta, es algo que realmente me importa. creo que nuestra música es absolutamente elegante y por esta razón quiero, por ejemplo, una obra de arte para nuestros álbumes siempre de buen gusto y culto. En la entrevista anterior hablábamos de como cambiaron los tiempos, y desde esa entrevista hasta hoy el cambio aumentó, todo se


43 ha vuelto más efímero ¿Ustedes sienten esa aceleración de las costumbres sobre todo en la publicación de canciones? Como dije antes, seguimos nuestro camino sin pensar en las modas o lo que es más apreciado en este momento. Tenemos nuestro ritmo personal de vida y nuestra manera personal de componer y publicar. ¿Hubo cambios en la formación de la banda? Después de 5 años con Davide, un baterista muy riguroso y muy dedicado a la new wave, ahora tenemos a Giulio, un viejo amigo que es totalmente diferente: más dinámico con un estilo que golpea a nivel intestinal. Estamos muy felices.

¿Qué planes tienen ahora que han lanzado el álbum? La respuesta es obvia. Toca y toca tanto como sea posible. En todos lados. Para cerrar esta entrevista y agradeciendo la posibilidad de realizar esta entrevista, tienen este espacio para decirnos lo que no he preguntado y quieran contarnos. Nada que decir porque las preguntas fueron muy interesantes. Concluyendo con algo inútil: nuestro nombre se pronuncia de manera italiana. Stella está bien, pero Diana tiene una larga 'ī' y 'ā' ¡Gracias Stella Diana!


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[ Entrevista a Preston Maddox de STFU por Darío Martinez. Fotografías: C. Coffey, Bobby Talamine y Renee Gardinier. ]

TODO SE TRATA DEL RESULTADO FINAL


Profundamente ingleses, en algún lugar entre Primal Scream y Massive Attack, entre el Rock, la Psicodélia, la Música Electrónica, El Shoegazer y el Trip Hop se encuentra STFU. El proyecto música que llevan adelante Dean Garcia y Preston Madox. Recientemente han editado “Yum” que es el sucesor de “What We Want” (2016) y viene por dos. Yum 1 con las versiones originales y Yum 2 de remixes. ¿Nos puedes contar algo respecto del proceso de composición y de grabación? Dean trabaja en su estudio en Londres y yo trabajo en el mío en Austin, con partes transferidas a través de Internet (¡grite Wetransfer!). Las canciones comienzan con uno de nosotros enviando al otro un demo y luego va desde allí. Hago la parte vocal y luego Dean hace el primer arreglo, le envío algunas partes de instrumentos, y luego Dean trabaja y vuelve a trabajar la canción hasta que la termina. Muchas veces las cosas que creo que deberían pasar, son una o dos revisiones, así que me callo y lo dejo trabajar. Muy lejos de ambos enfoques, dejamos espacio creativo para que el otro trabaje y lo dejamos así. No creo que a ninguno de nosotros nos importe tener una cabeza sobre nuestro hombro. Todo se trata del resultado final, el proceso solo Escuchando el disco me sentí que sirve para ese propósito. estaban en algún lugar entre Primal Screem y Massive Attack, entre el ¿Las letras están antes o vienen Rock, la Psicodelia, la Música elec- después de la música? trónica, el Shoegazer y el Trip Hop. Las letras vienen después de la músi¿Se paran en algún lugar de esos ca, pero a menudo tengo una gran idea como para arrancar? en el álbum que termina dictando la diNo entramos en el proyecto con nin- rección del resto del disco o mi contriguna intención de ese tipo, solo busca- bución a él, aunque a menudo lo he mos la música y dejamos que las par- superado cuando el disco está termites se salgan donde puedan. Aunque nado. Para este disco, quería que las amo a Primal Scream y Massive Attack letras tuvieran un rebote rítmico para y puedo escuchar las similitudes. Creo ellos, lo que creo que logré realmente que podríamos usar más sonidos así en "Blind". Temáticamente, voy donde en nuestro mundo y felices de contri- me lleva la canción y no pienso demasiado en ello. No me limito de ninguna buir. ¡Hola Preston! Hace poco le hicimos la misma pregunta a Jarek Leskiewicz compañero de Dean en Blurred City Lights y en SPC ECO. ¿Cómo seleccionas las canciones para cada uno de los distintos proyectos? Dean es el centro de este universo en particular, todo vuelve a él, por lo que su estilo y habilidad siempre están presentes y es un hilo común. Con STFU, ambos aportamos los comienzos de las canciones a la mezcla, enviamos cosas de un lado a otro y luego eventualmente se convierte en una canción. Al final del proceso es difícil decir quién hizo qué, y realmente no nos importa a ninguno de los dos. Para simplificar las diferencias entre proyectos, digamos que Blurred City Lights está más desolado, SPC ECO es más exuberante y STFU es más cinético.

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manera, y cuando los dioses líricos me ¿Tienen previstos algunos Shows bendicen con algunas palabras para la o un video para llevar la música a un canción, tiendo a no preguntar. A ve- plano visual? ces, una hoja de papel en blanco es el Tocar shows es bastante dudoso, mejor libro de letras. todo depende de Dean y creo que va a ser difícil sacarlo de su estudio y volver He escuchado en el álbum al me- al escenario. Tocar un espectáculo es nos dos referencias a canciones de una cosa, pero las horas intermedias Curve. ¿Esto es así? son otra cosa completamente diferenObviamente amo a Curve, pero no te, y no puedes tener una sin la otra. pienso demasiado en ellos cuando es- Estamos planeando trabajar en un cortoy trabajando en esto. A veces, cuan- tometraje con música del disco, por lo do vuelvo, pienso que "podría haber que habrá algo de estímulo visual. sido una pista Curva", pero que muchas de ellas podrían haber sido. Ser El disco de remixes ustedes lo hiuna pista Curve tiene todo que ver con cieron en forma diferente a lo que la voz de Toni; Dean trabajando con lo suele hacer la mayoría, que le enella va a ser diferente a trabajar conmi- tregan las canciones para que otros go o con alguien más. Su estilo de can- los remixen. to me influyó en mis años formativos, ¿Cómo surgió la idea?, ¿Lo hiciepor lo que se mostrará independiente- ron entre los dos? mente de la intención, y estoy bastante Dean y Monti estaban muy involucontento con eso, me encanta su voz crados en el funcionamiento de los y estilo vocal. remixes, donde yo estaba más involucrado en el impulso hacia eso. Des-


de el principio quise que el nuevo disco estuviera más orientado al baile, y muchas de las canciones iniciales sí lo son, pero las pistas de YUM2 están prácticamente listas para el club o para la conducción vespertina de verano. Los registros para mí son una evolución de nuestros estilos combinados en una cosa singular en lugar de la suma de nuestra entrada. Al principio solo quería lanzar las pistas YUM2 como el disco oficial, pero a menudo me envuelven en las pistas más nuevas, independientemente de la calidad relativa, y creo que presentarlas una al lado de la otra era único y perfecto para esto. "Shadow (mezcla de nubes grandes)" fuera de YUM2 es uno de mis favoritos, pero realmente me gusta la primera versión, odiaría dejar uno en la bóveda sin ningún motivo. Otro punto a destacar es que los remixes realizados por otros artistas por regla general son una idea relativamente nueva, ya que en el día para un lanzamiento de un single tendrían dos o tres versiones diferentes del artista o del mismo grupo de producción, entonces tal vez otro artista llegando a lo largo. Este single de David Bowie que tengo tiene eso, algunas mezclas alternativas y luego un remix de Leftfield. ¿Qué planes tiene STFU para este 2018? El futuro de la banda es bastante inmediato en este momento; fotos de prensa, trabajo en video, etc. Imagino que haremos otro disco y, si lo hago a mi manera, estará aún más orientado al baile que el anterior, pero no entro en el proyecto con mucho en mente aparte de querer tener divertirse y hacer buena música. Todo en buen tiempo.

Nos pueden contar algo de lo que están haciendo o planes que tengan cada uno por su cuenta. Bloody Knives acaba de lanzar nuestro cuarto LP "White Light Black Moon" y todavía estamos en el ciclo de prensa con ese. Un par de videos nuevos están en proceso. Acabamos de terminar una gira por EE. UU., Reunimos algunas fechas más para EE. UU. Y estamos en camino de regreso al Reino Unido en octubre. Tenemos algunos lanzamientos sorpresa que saldrán en los próximos meses, y un proyecto de colaboración con otra banda que se está uniendo muy bien. Y, por supuesto, ya hemos empezado a demear el próximo disco, pero falta por lo menos un par de años. Agradeciéndote esta posibilidad de hacerte estas preguntas,te dejamos este último espacio para que nos digas lo que quieras para cerrar esta entrevista. Gracias por la entrevista a Darío y por cubrir nuestra música. Lanzar un disco en 2018 es como gritar al borde de un cañón; al principio el sonido es fuerte y escuchas algunos ecos que regresan, pero finalmente el momento es corto y no se puede saber quién lo escuchó, si es que alguien lo escuchó. Saber que las personas apoyan y escuchan es su propia recompensa, además de poder hacer la música en primer lugar, y estoy profundamente agradecido de que haya oportunidades como estas de compartir la música que hemos creado y de la apreciación y el respaldo de eso. Aclamaciones. ¡¡¡Gracias Preston!!!

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LA MAGIA MARVEL UNA HISTORIA INTEGRADA DE MARVEL COMICS Y SU RELEVANCIA LITERARIA.

Por Gabo Rojo INTRODUCCIÓN “Discúlpenme por emocionarme demasiado, pero no puedo evitarlo. Cuando hablás sobre algo genial, tenés que estar emocionado. Y la gracia de los comics es que sean emocionantes, ¿no?” -Glenn Dressler, lector, en el correo de Master of Kung Fu #111

Hace 20 años, en junio de 1998, leí un comic que me cambió la vida: el número 467 de Incredible Hulk. Era una historia increíblemente oscura con la cual el guionista Peter David cerraba sus 12 años ininterrumpidos escribiendo la colección. En el número anterior, la esposa de Hulk, Betty Banner, había fallecido. Este número contaba todo lo que ocurrió durante los años siguientes. Es una escena en particular la que se quedó grabada en mi mente: Hacia la mitad del número, el alter ego de Hulk, Bruce Banner, está encerrado en un manicomio. En una ilustración que abarca dos páginas, se lo ve rodeado de casi todos los personajes de Marvel, tanto sus ocasionales aliados como sus antagonistas, todos productos de su imaginación. Y Banner, sonriente en su locura, les recita: “’My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!’ Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away.” Se trata de las últimas líneas del poema “Ozymandias” de Percy Bysshe Shelley, escrito en 1817; un icónico poema del Romanticismo sobre la naturaleza efímera del poder. A los 13 años, yo no sabía esto-- francamente, ni siquiera entendía la muchas de las palabras. Pero hay algo en el poder de la escena y en la forma en que las palabras “the lone and level sands” reaparecían al final del número como título de la historia, que me fascinó inmediatamente.


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Éste no es el uso más famoso de “Ozymandias” dentro de un comic Marvel. El honor se lo lleva Avengers #57, de 1968 (exactamente 30 años antes), por Roy Thomas, que fue también el primer número en el que apareció la Visión, un personaje fundamental en el desarrollo de Marvel. Pero eso lo descubrí mucho más tarde. Fue el número de Hulk el que me marcó a una edad temprana, el que despertó una pasión por la poesía y por la intertextualidad que hoy me persigue más que nunca. En el 2011 incluso escribí una canción llamada “The Lone and Level Sands”, una transposición del personaje de Ozymandias a un contexto moderno, que incorpora también líneas de comics de Roy Thomas. Y todo esto comenzó gracias a un comic. Un comic que era un comic y algo más que un comic. A esto me refiero cuando digo “la Magia Marvel.” Y a medida que seguí leyendo y metiéndome más a fondo en la historia de Marvel, me di cuenta de que lo que tenía de especial Hulk #467 no fue una rareza, una genialidad aislada, sino más bien una norma dentro de la editorial. “La Magia Marvel” es una historia cronológica de estos momentos mágicos. Empieza con el primer número de Fantastic Four en 1961 y termina con la reciente maxiserie de The Vision, culminación de más de 50 años de temáticas e intertextos, y protagonizada apropiadamente por el androide que fue introducido dentro de la continuidad de Marvel al mismo tiempo que el poema de Shelley. Como dijo el autor Joss Whedon en su introducción a Earth-X (un comic moderno que ofrecía una historia integrada del Universo Marvel): “es volver a contemplar a las historias tontas de nuestra juventud bajo la hastiada mirada del adulto, y darse cuenta de lo que realmente son: verdades necesarias y eternas.”


HOY: LAS PESADILLAS LAS TENGO DESPIERTO. “Los personajes de Marvel parecían ser mucho, mucho más que líneas y palabras trazadas en papel. Vivían y respiraban. Parecían reales.” -John Byrne La característica esencial y distintiva del personaje marveliano se puede describir de esta manera: se trata de un individuo que sufre una transformación terrible que lo aísla del resto de sus pares a la vez que le otorga una visión más amplia del universo en el que habita. Se puede visualizar así:

(Fantastic Four Annual 5, 1967. Arte: Jack Kirby.)


55 Esta característica esencial ya se presenta claramente en el primer cómic de la “Era Marvel”: el número uno de Fantastic Four, publicado en noviembre de 1961. La premisa era la siguiente: en pleno auge de la paraonia nuclear de la Guerra Fría, el científico Reed Richards lidera una expedición clandestina al espacio exterior junto con su prometida Sue Storm, su yerno Johnny Storm y su amigo Ben Grimm. En el trayecto, son bombardeados por “rayos cósmicos” y caen de vuelta a la Tierra transformados con poderes bizarros: Sue puede volverse invisible, Reed estirar su cuerpo cual hombre de goma y Johnny puede prenderse fuego a sí mismo convirtiéndose en una antorcha humana. Para Ben, irónicamente (ya que había sido el único en advertirle a Reed del peligro de los rayos), la transformación sería mucho más trágica: el piloto se convierte en una monstruosa criatura rocosa. Apenas lo contempla, Sue exclama horrorizada: “¡Se ha convertido en --- en --una especie de cosa!” El apodo quedaría. De esta forma Marvel presentaba no sólo su futuro arquetipo superheróico, sino que también ofrecía un interesantísmo y altamente necesario giro copernicano a los comics de monstruos que proliferaban en la editorial en esa época: ahora el monstruo era el héroe. En la sinopsis original para el primer número de Fantastic Four, el escritor Stan Lee plantea a la Cosa básicamente como una bomba de tiempo a punto de convertirse en villano en cualquier momento. Sin embargo, el personaje pronto evolucionaría para convertirse en una maravillosa paradoja, un hombre sensible y auténtico atrapado en un exterior atemorizante y repulsivo. El autor John Byrne recuerda su primer encuentro con los 4 Fantásticos y el Universo Marvel a los ocho años de esta manera: “Encontrarme con ese cuarteto ahora famoso fue muy similar a conocer gente nueva. Si comparamos a esos primeros números de Fantastic Four con el trabajo que se

produce hoy día en la industria, y con los trabajos posteriores de sus mismos autores, ciertamente son algo crudos y simplistas. Sin embargo, resplandecían en el puesto de diarios como si cada palabra hubiese estado escrita en fuego, cada pincelada grabada en oro. Comparado con lo que ofrecían otras compañías más antiguas, Marvel nos entregaba historias que casi parecían brillar con una vitalidad interna enteramente propia.” Tras el éxito de los Cuatro Fantásticos, Marvel repetiría la fórmula del monstruocomo-héroe y la trasformación terrible todavía más explícitamente unos meses después, en mayo de 1962, con The Incredible Hulk. Bruce Banner, un científico “maricón” (en palabras de uno de los personajes secundarios), se convertía en una grotesca criatura impredecible tras una explosión de rayos gamma. El grado de angustia del personaje es notable. Por un lado, es constantemente perseguido por el ejército, liderado por el padre de la mujer que ama. Y lo que es más, en su encarnación original, la transformación siempre ocurría de noche, por lo que Banner construía un búnker acorazado donde se internaba todos los días antes de la medianoche. A las doce, su amigo Rick Jones cerraba la compuerta y luego quedaba toda la noche escuchando los desaforados intentos de Hulk por salir. Según el autor y editor Dennis O’Neil, “cuando Stan Lee me introdujo a Hulk, pensé: Este personaje nunca durará. El concepto es muy autolimitante (…) Eso fue en 1966 (…) Me equivoqué completamente. No es un concepto autolimitante sino uno que perdura y que probablemente nunca deje de ser relevante ya que refleja perfectamente una gran verdad acerca de nosotros los humanos: que todos somos dos criaturas. Una parte de nosotros es inteligente, refinada, compasiva, capaz de grandes obras de piedad, arte, matemáticas, religión; y otra parte es simplemente un enardecido, furioso


monstruo. La ironía es que el monstruo es tan humano como el lado gentil, e igualmente merecedor de compasión”. Entre Fantastic Four y Hulk, Stan Lee y Jack Kirby crearon a otro superhéroe más, el Hombre Hormiga (enero de 1962 en el número 27 de la revista Tales to Astonish). Se trataba de otro científico, Hank Pym, quien descubría un método para reducir su tamaño y diseñaba un casco entrañablemente gigante con el que podía comunicarse con las hormigas, utilizando ambos recursos para combatir al crimen. La tira nunca terminó de tener éxito. Según Jack Kirby, el problema era que los superhéroes se basan en cierta forma en fantastías de poder, y ciertamente nadie fantasea con ser muy muy muy pequeño y poder hablar con hormigas. Debido a esto, al poco tiempo le cambiarían los poderes y de publicación en el mejor cómic norteamericano de todos los tiempos. La editorial tenía tan poca fe en el personaje que decidió presentarlo en el último número de una revista a punto de ser cancelada. La primera página de Amazing Fantasy #15 ya nos resume la esencia de nuestro héroe con un dramatismo y economía envidiables e irrepetibles. Repudiado por sus compañeros de secundaria, el tímido y angustiado Peter Parker se reclina sobre una pared en la que proyecta ominosamente la sombra gigante de la transformación terrible que está por sufrir. Demostrando su famosa maestría de lapáginaconocho/nuevepaneles,Ditko resume la vida pre-transformación de Parker a la perfección en la siguiente página: criado felizmente por sus avenjentados tíos, querido y admirado por sus profesores, despreciado por sus pares (“¡Mandale saludos a los átomos!” le dice una jovencita mientras lo abandona cruelmente).

el nombre de Hombre Hormiga a Hombre Gigante, pero aun así no habría caso. Quizá la explicación de este primer fracaso se debía a que el personaje no correspondía al (inconsciente) patrón de la innovación Marvel: Pym ni sufría una transformación terrible ni se veía aislado del resto de la sociedad. Sin embargo, el personaje sería luego integrado a los Vengadores y gozaría de una larga e intrincada historia dentro del panteón de Marvel. Y luego, en agosto de 1962, Lee y el ilustrador Steve Ditko presentarían al mundo a uno de los más duraderos personajes de la cultura popular, el Asombroso Spiderman. Spiderman no sólo representaría un notable paso adelante en la concepción de la fórmula Marvel; la perfección de su desarrollo inicial convertiría a sus primeros cuatro años


57 Ya está todo listo para la transformación terrible: durante una exhibición de ciencia, una diminuta araña resulta accidentalmente bañada de radiación; una araña, según la caption, “a quien el destino le ha otorgado un breve pero protagónico papel en el drama que llamamos vida”. El insecto pica a Parker, quien poco a poco, y en secuencias altamente plausibles, va descubriendo que obtuvo poderes arácnidos: puede trepar las paredes y cuenta con la fuerza proporcional de una araña, lo cual le permite levantar 16 veces su propio peso. Su primera reacción, bastante naturalmente, es aprovechar estos poderes para ganar dinero y convertirse en una estrella mediática, para lo cual se diseña un atractivo traje y se bautiza como “Spider-man”. Desde un principio Peter utiliza su intelecto para complementar sus poderes, diseñando un fluido que le permite columpiarse cual tela de araña. Embriagado

por el primer atisbo de éxito en su vida, tras uno de sus shows Peter deja escapar a un criminal perseguido por un policía, cuando podía haberlo detenido fácilmente con sólo moverse. Ante la recriminación del agente, Parker contesta: “¡Estoy cansado de que me anden mandoneando! A partir de ahora nada más me voy a preocupar por el número uno-- ¡yo!”.

Unos días más tarde, Peter vuelve a su casa y se entera de que su querido tío Ben fue asesinado. Enfurecido, se pone su traje de Spiderman y arremete hacia el lugar donde la policía tiene cercado al criminal. Tras noquearlo, le quita la máscara y fatídicamente descubre que el asesino de su tío es el mismo hombre al que podía haber detenido unos días atrás. Tan shockeado está por esta revelación que Ditko memorablemente le dibuja ojos por sobre la máscara. Mientras camina derrotado por la noche, la caption reza: “Y una esbelta, silenciosa figura se desvanece lentamente dentro de la creciente oscuridad, consciente al fin de que en este mundo, un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Y así nace una leyenda y se añade un nuevo nombre al panteón de aquellos que hacen del mundo de la fantasía el reino más emocionante de todos.” Tan popular resultó esta épica historia que a los pocos meses se le otorgó a Spiderman su revista propia. Lanzado en marzo de 1963, el número uno de Amazing Spiderman es otra obra maestra de la subversión. Aun cargando con la culpa de la muerte de su tío, a Peter todavía no se le ocurre luchar contra el crimen; no sería consecuente con el realismo con el que se presenta al personaje. Lo que lo mueve en un inicio es la imperante necesidad de juntar dinero ahora que vive solo con su tía sin medios aparentes de mantenerse. Por un momento incluso se plantea usar sus poderes para simplemente robar el dinero, pero pronto lo descarta (“¿En qué estoy pensando? ¡No soy un criminal! ¡No soy un ladrón! ¡Y además, si me llegaran a arrestar, le rompería el corazón a mi tía!”). La solución natural, por ende, es volver a ganar dinero mediante


el mundo de la performance. El hecho de que necesita mantener secreto su nombre verdadero hace que el plan tenga sus contratiempos: en una hilarante secuencia que parece más propia del deconstruccionismo de los superhéroes de la edad moderna, Spidey intenta en vano que el banco le pague un cheque a su nombre. Las cosas empeoran cuando J. Jonah Jameson, editor del Daily Bugle (uno de los diarios más influyentes de la ciudad), inicia una implacable campaña pública contra Spiderman, acusándolo de ser una amenaza social y una mala influencia para la juventud. Debido a esto, ya nadie quiere contratarlo para actuar. Mientras contempla el lanzamiento de un cohete espacial, los instintos heroicos de Peter afloran por primera vez: cuando el cohete se descarrila, utiliza valientemente sus poderes para salvar al piloto, irónicamente el hijo de Jameson. Sus motivos son altruistas, pero naturalmente luego del rescate se regocija al pensar que ya no tendrá que preocuparse por ser considerado una amenaza pública y podrá volver a ganar dinero actuando. Cantó victoria demasiado pronto: Jameson no sólo lo sigue defenestrando públicamente, sino que ahora también lo acusa de haber saboteado el cohete. La primera historia termina con un Peter desesperado, contemplando sinceramente si su única opción es convertirse verdaderamente en la amenaza que todos (incluso su tía, altamente influenciada por los medios) creen que es. La segunda historia de la revista continúa con este tour-de-force: ¡Spiderman les demuestra sus poderes a los Cuatro Fantásticos (sí, viven en la misma ciudad, he aquí la magia del incipiente Universo Marvel) a modo de entrevista de trabajo para ver si lo contratan! Cuando se entera de que son una asociación sin fines de lucro, huye

despavorido (y también decepcionado de que hasta ellos desconfían de él). Tras una lucha contra su primer supervillano, el Camaleón, la historia termina como la primera, sugiriendo la posibilidad de que Spiderman realmente se convierta en amenaza. A esta altura ya queda claro que Spiderman es un personaje como ningún otro, tanto en niveles externos como profundos. En primer lugar, era la primera vez que un adolescente tan joven (le podemos dar a Peter 15, 16 años) era el superhéroe protagonista en vez de ser un compañero del héroe mayor a la Robin. En segundo lugar, la trama se centra más en los problemas diarios de Parker que en la lucha contra el mal (de las 24 páginas del número uno, el supervillano sólo aparece en seis). Lo que es más, el cast de personajes secundarios es mucho más rico que en cualquier otra revista de la época (las otras series de Marvel publicadas en paralelo con esta se manejan con apenas dos o tres personajes): la tía May, los bullies del colegio liderados por Flash Thompson, el staff del Daily Bugle… todos ellos tendrían un esperado lugar en cada historia a partir de ahora. La transformación de Peter no es traumática en un sentido físico (si bien Ditko siempre dibujaría a Spiderman en poses deliberadamente insectoides), pero termina de aislarlo del resto del mundo. Aquí tenemos a un tímido “alumno diez” de secundaria que sin embargo tiene una vida secreta más emocionante que la de cualquiera de


nosotros, la cual debe guardarse para sí mismo y por la que es combatido incesantemente. Como Peter Parker, es juzgado como un nerd que no mataría ni a una mosca; como Spiderman, es considerado una amenaza peligrosa: en ambas identidades Peter es reducido a estereotipos en los que no encaja y que de ninguna forma alcanzan a describirlo, percepciones que lo cohíben e impiden que se desarrolle sin obstáculos en cualquiera de sus álter egos. Es por esto que, particularmente en la etapa de Ditko, el personaje siempre estaría a un paso de perder la chaveta. En un giro brillante del segundo número, Peter descubre que se puede ganar la vida vendiéndole fotos de sí mismo como Spiderman a Jameson, quien las usaría para ilustar su imparable campaña anti-Spidey. superhéroes que Marvel estrenó durante La serie se llenaría de originales y coloridos estos meses. En Journey Into Mystery #83 supervillanos diseñados por Ditko (el Buitre, (agosto de 1962) debutó Thor. De vacaciones el Lagarto, el Sandman, Mysterio), pero el en Noruega, el doctor lisiado Donald Blake es verdadero villano de la serie es Jameson, atacado por Hombres de Piedra de Saturno oprimiendo a Peter en sus dos identidades: (¡!). Se refugia en una cueva donde encuentra en la civil, pagándole lo menos posible un bastón místico. Al golpearlo contra el por trabajo valioso; en la superheróica, suelo, se convierte en Thor, el Dios nórdico calumniando cualquiera de sus intentos de del trueno (o por lo menos en su versión hacer el bien. marvelita). ¿Cómo es esto posible? ¿Son La segunda historia del segundo número Thor y Blake personas diferentes? Estas son contiene el único traspié en toda la etapa cuestiones que se resolverían recién años de Ditko: Spidey lucha contra unos aliens más tarde. En los primeros números los que planeaban conquistar la Tierra pero, autores ni siquiera tenían bien en claro los tras luchar contra Spidey, deciden “nunca” poderes de Thor (en un número Kirby hace regresar dado que el planeta “ya va a estar que emane rayos de sus manos). De todas alerta”. Esta es una trama común en los formas, el personaje lograría perdurar. comics Marvel de la época, una rémora de Más consecuente con la premisa Marvel la era de los comics de monstruos, pero que resultó ser Iron Man, quien apareció por queda especialmente fuera de lugar dentro primera vez en Tales of Suspense #39 (marzo del realismo de Spider-man (tanto así que de 1963). El inventor multimillonario Tony Stark la historia fue “retconeada” años más tarde es herido de muerte en Vietnam y forzado a y se planteó que el ardid de los alienígenas diseñar un arma para los comunistas a cambio había sido una farsa orquestada para distraer de que lo mantengan vivo. Lo que Stark hace a la policía). Lo loable es que esta historia de en su lugar es contruir una armadura que a) 10 páginas haya sido el único paso en falso lo mantenga vivo y b) lo ayude a escapar. de la revista, cuando la mayoría de los otros De vuelta en USA, decide usar su invención comics de Marvel tardaron meses o incluso para combatir el crimen, pero esto no quita años en tomar vuelo. lo trágico de su transformación: necesita Véase, por ejemplo, el caso de los otros conectarse regularmente a una fuente de

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electricidad para mantenerse vivo, lo cual le impide llevar una vida normal y termina aislando más a un individuo que ya estaba lo suficientemente aislado del resto debido a, como explicó el escritor Daniel Knauf, su riqueza, su intelecto y su talento. En septiembre de 1963, Lee y Kirby lanzaron dos nuevos súper equipos: los Vengadores y los X-men. La sencilla premisa de la primera serie era juntar a los héroes Marvel del momento en una sola revista. La formación inicial, por lo tanto, consistió de Thor, Iron Man, el Hombre Hormiga, su compañera femenina la Avispa y Hulk. Nótese que Spiderman, el héroe más exitoso de Marvel, no fue incluido en el equipo por considerarse que funcionaba mejor en solitario. En sus primeras aventuras, los Vengadores resultaron ser más una especie de Liga de la Justicia disfuncional, peléndose todo el tiempo entre ellos y sobre todo con el irascible Hulk, quien no sólo abandonaría el grupo en el segundo número sino que lucharía contra ellos en el tercero. De los primeros números de Avengers, el más importante es el cuarto, donde Lee y Kirby reintroducen al Capitán América, el gran héroe Marvel de la Edad Dorada. Creado en 1941 por Kirby y Joe Simon, el Capi era el frágil Steve Rogers, quien tras someterse voluntariamente a un experimento gubernamental, se convierte en un “súper soldado”deperfecciónfísica.Ensuconcepción original, el Capi era un personaje lejos de la premisa de la Era Marvel: su transformación era positiva y le posibilitaba luchar por sus ideales y convertirse en un ídolo nacional. Pero para su reintroducción, Lee y Kirby le otorgan una vuelta de tuerca magistral: tras su última batalla de la Segunda Guerra Mundial, que culminó, nos enteramos aquí, en la muerte de su compañero Bucky (una suerte de Robin azul), el Capi había permanecido congelado en animación suspendida en el ártico. Los Vengadores lo encuentran y lo reviven 20 años más tarde: su guerra ha terminado, la

historia ha avanzado indefectiblemente sin su presencia, sus amigos y familiares están o muertos o avejentados. Steve se convierte en un hombre fuera de tiempo, lo cual siempre consistirá en un elemento aislante del resto de la gente (quienes sin embargo atesoran su regreso: en un panelbrillantemente humano de Avengers #4, un oficial se emociona tanto al ver al Capi vivo que pide disculpas por su momentáneo quiebre emocional). Los X-men, por otro lado, introducen el concepto de “mutante,” humanos que nacen con habilidades especiales que ebullecen durante la pubertad. La premisa Marvel, de esta forma, se lleva al paso siguiente: ahora ni siquiera es necesaria la transformación terrible, los mutantes ya directamente nacen aislados del resto de la sociedad. El conflicto entre héroes y villanos en la serie está planteado a la Martin Luther King vs. Malcolm X. El profesor Charles Xavier funda una escuela secreta donde entrena a jóvenes mutantes a perfeccionar sus habilidades para ayudar al mundo y fomentar la integración entre humanos y mutantes. Para su némesis, Magneto, dicha integración es imposible y la era del “homo superior” es inminente. La batalla filosófica entre ambos es llevada a cabo en el plano físico por los X-men (los estudiantes de Xavier) y la “hermandad de mutantes malvados”, los secuaces de Magneto. Entre estos últimos se encuentran el velocista Quicksilver y su hermana la Bruja Escarlata, una exótica belleza con el extraño poder de “alterar las probabilidades”. La trama de estos dos personajes terminaría siendo una de las más longevas del Universo Marvel. Como parte de su capítulo “Cómo Kirby cambió al superhéroe”, el crítico Charles Hatfeld ofrece una interesante visión sobre la premisa subyaciente de X-men: “Lo importante era que el conflicto entre lo X-men y los mutantes malvados definiría a la relación entre los mutantes y la humanidad.


61 En éste, la humanidad resultaba ser tanto piedra angular como víctima, así como en la mitología o en el género épico los humanos se hallaban en el medio de las trifulcas entre dioses. De esta forma, en la premisa de X-men había una promesa, una semilla de alcances míticos. Esto nunca había ocurrido antes en los comics: los supervillanos nunca habían jugado un rol tan fundamental en una serie, y los comics nunca se habían centrando en una “raza” de superseres que simplemente nacía con poderes únicos (…) A partir de esta simple idea fue surgiendo, gradual y sutilmente, una nueva forma de enfocar al superhéroe.” Aun así, pasarían más de quince años antes de que los X-men alcanzaran el potencial de esta premisa y se convirtieran en un fenómeno cultural, y Kirby terminó desarollando su “enfoque panteónico” del superhéroe no en este cómic sino en las series del Cuarto Mundo que realizó para DC en los 70s, y posteriormente en The Eternals tras su regeso a Marvel a fines de esa década. Amazing Spiderman, mientras tanto, seguía innovando en cada número. El tercero ofrece la novedad de que el villano derrota a Spiderman en pocas páginas, haciéndole replantearse la viabilidad de ser un superhéroe, mientras que el cuarto cierra con Peter planteándose si lo motiva más la fama y la aventura que ayudar a la gente. En abril de 1964 Marvel decide lanzar un nuevo héroe “en la tradición de Spiderman”, con tanta fe que le otorgan directamente su propia revista. Daredevil era el alter ego de Matt Murdock, un joven abogado que había quedado ciego tras salvar a un anciano de ser atropellado por un camión que cargaba sustancias químicas. Los químicos que lo cegaron y aislaron del mundo visible también le otorgaron “híper-sentidos”: Murdock podía oír, escuchar, sentir y oler a niveles tan avanzados que terminaban actuando como un “sentido radar” que en muchas formas

hasta superaba a la visión estándar. Es una idea extraña pero interesante para un superhéroe; aun así, la primera etapa de Daredevil sólo tuvo dos números realmente memorables. El primero narra su origen y está bellamente ilustrado por Bill Everett, uno de los grandes artistas de Marvel de la Edad Dorada. El séptimo es todavía mejor: tras un fallido intento de persuadir al irascible Namor, Príncipe Submarino de Atlantis (creación de Everett en los 40s, que había sido recientemente rescatada por Lee y Kirby en Fantastic Four), Daredevil se ve obligado a luchar contra él aun sabiendo que la diferencia entre sus poderes es abismal. Su valentía termina conmoviendo tanto al inherentemente noble Namor que éste decide dejar a la humanidad en paz… de momento. El número fue ilustrado por Wally Wood, una de las estrellas más prestigiosas de la industria en ese momento. Wood se quedaría en la serie unos números más, tras los cuales Daredevil se estancaría varios años en una meseta de mediocridad argumental (aunque no visual). En cambio, a partir del número siete, cada número de Amazing Spiderman es una obra maestra autocontenida. Al final de ese número, en una escena memorablemente humana, Peter entabla una relación con Betty Brant, la secretaria de Jameson, que sería desarrollada durante los dos años siguientes con una madurez notable y absolutamente por encima de la de cualquier otra trama en los comics tanto de la competencia como de la misma Marvel. Cada vez que la relación amenaza momentáneamente en convertirse en el melodrama similar al de las demás series, un giro inmediato la vuelve a encaminar. Al final del número nueve, Betty y Peter se pelean momentáneamente y éste último la deja dramáticamente. En los últimos paneles, sin embargo, ella corre para buscarlo y disculparse. Los problemas entre


los dos quedan irresueltos, pero apuestan por seguir juntos e intentar solucionarlos eventualmente. La caption final reza: “Y así, la pensativa y confundida pareja camina hacia el anochecer… cada uno luchando por encontrar las palabras correctas… cada uno sintiendo las primeras punzadas del sentimiento llamado amor.” En el número 11, Betty y su hermano Bennett son secuestrados por el Doctor Octopus. Spidey acude al rescate, pero durante la batalla Bennett resulta herido de muerte. Betty culpa a Spidey, lo cual es bastante irracional y trillado. Cualquier cómic de la época se hubiese quedado con esto, pero al final del mismo número Betty reconoce que Spidey no tuvo la culpa; sin embargo, la presencia del héroe le es intolerable porque le recuerda demasiado a su hermano (¡y justo cuando Peter le iba a confiar su identidad secreta!). Esto es entendible, y con el pasar de los números Betty va revisando su actitud hacia el arácnido. El problema entre Peter y Betty es más profundo. Dado que las conexiones entre su hermano y el mundo del hampa culminaron en su muerte, Betty quiere tener una vida tranquila lo más ajena al peligro posible. Básicamente, quiere que Peter sea el nerd afable y buenazo que todos creen que es. Pero es muy consciente de que que Peter alberga una secreta afición por el peligro; por más de que nunca se diga explícitamente, es como si supiera muy bien que él es Spiderman y que esa parte de su vida es completamente incompatible con lo que ella desea. La paroja es deliciosa: todos en la escuela aman (en especial el bully Flash Thompson), aman al emocionante Spiderman y detestan a Peter porque es aburrido y tímido; Betty lo quiere justamente por eso y no puede contemplar a su lado aventurero. Peter no puede terminar de ser feliz en ninguna de las dos facetas porque posee las dos (y más) a la vez. Su complejidad como individuo trasciende los

roles estrechos en la que gente que no lo entiende trata de encasillarlo. Comparado con todo esto, las relaciones amorosas en los otros comics de Marvel resultan intolerablemente culebrónicas, de una tortuosidad forzada en la que el protagonista nunca se le puede declarar a su amada por los motivos más infantiles. En Thor, Don Blake no le expresa sus sentimientos a la enfermera Jane Foster porque “ella (sob) nunca querría estar con un… lisiado”. En Daredevil, Matt Murdock no se le declara a Karen Page porque “ella (sob) nunca querría estar con un… ciego”. Lo peor es que Murdock sabe perfectamente que Karen lo ama porque sus sentidos híperdesarrollados le permiten escuchar que sus latidos se aceleran cada vez que lo ve, pero decide atribuirle esto a ridiculeces como “debe ser que está agitada por algo”. Lo peor es que estas tramas amorosas ocupan un rol central en dichas series, que cuentan con un número ínfimo de personajes de reparto, al contrario que el de Spiderman, que sigue añadiendo cada vez más (al considerable cast inicial se le suman Frederick Foswell, un criminal supuestamente arrepentido que ahora trabaja para el Daily Bugle, la Antorcha Humana de los 4 Fantásticos – que pasa a tomar un entrañable rol casi fijo en la serie de Spidey de forma que nunca se volvió a repetir – y su novia Doris). Si consideramos que todas estas series estaban escritas por la misma persona, Stan Lee, ¿cómo es esto posible? ¿Cómo puede ser que las tramas y los personajes de reparto sean tan ricos en Spiderman y tan pobres en el resto de las revistas? Para encontrar una posible explicación, debemos considerar el rol del ilustrador en el cómic de Marvel. La editorial fue famosa por instaurar el “Método Marvel” para realizar comics. Como tantos otros cimientos de la cultura popular, éste surgió por accidente: Stan Lee tenía demasiadas colecciones que escribir y por


63 eso empezó a delegar responsabilidades a los artistas. En vez de escribirles un guión detallado, simplemente pasó a otorgarles una idea general del argumento de un número en particular. El dibujante era luego libre de secuenciar y agregar elementos a la historia. Finalmente, Stan escribía los diálogos y textos una vez que ya tenía las ilustraciones. Podemos afirmar entonces que la superioridad argumentista de Spiderman se debe en gran parte al factor distintivo que esta serie tenía por sobre los demás: la presencia de Steve Ditko. Si bien es cierto que el resto de las series estaban a cargo del colosal genio de Jack Kirby, Kirby para esta época estaba saturado de trabajo. Sus esfuerzos se concentraban más que nada en Fantastic Four, la mejor de las series de Marvel después de Spiderman (aunque todavía faltaba para que llegara a su apogeo). Cada vez que salía una serie nueva, por pedido de Lee, Kirby realizaba los primeros números para “mostrarles el camino” a los artistas subsiguientes. Si las series no brillaban ni con la presencia de Kirby, tras su retirada las cosas por lo general empeoraban: el método Marvel requería no sólo buenos ilustradores sino artistas con inventiva y talento para secuenciar historias, y no todos estaban a la altura. Con el tiempo, las contribuciones de Lee a las historias se volverían cada vez más escasas (John Romita una vez declaró que “Stan nada más me daba un nombre y me decía que inventara algo. Durante los primeros años que trabajamos juntos simplemente me dejaba una nota en el escritorio diciendo cosas como ‘necesitamos a un personaje que se llame Rhino para el próximo número de Amazing’”). Otra peculiaridad de Ditko es que se entintaba a sí mismo, una rareza dentro del cómic Marvel de ese momento. A partir del número 25, Ditko empieza a recibir crédito como co-argumentista, otra rareza más que deja entrever que venía cumpliendo dicho rol

desde hacía bastante y sus contribuciones se habían vuelto tan significativas que ya no era posible negarle el crédito. Se puede ver claramente entonces que Ditko tenía control casi absoluto sobre la revista de Spiderman, el cómic más vendido de Marvel. Según el historiador Sean Howe, la relación entre Ditko y Lee se fue enrareciendo hasta tal punto que durante sus últimos meses en Marvel Ditko apenas transitaba las oficinas de la editorial; sólo aparecía una vez al mes con su número de Spiderman completo exceptuando los diálogos (aspecto sobre el que Lee siempre insistió en mantener el control). Bajo la tutela de Ditko, Amazing Spiderman se convirtió en un ejemplo icónico de entrenamiento popular pensante, innovador y subersivo. En la portada de número 10 se anuncia: “¡Entérate de por qué J. Jonah Jameson odia a Spiderman!” Si esto se desarrollara en una película de superhéroes contemporánea, la razón dada sería del cálibre siguiente: una araña picó a la abuelita de Jameson cuando era chico y por eso quedó traumatizado, etc. Lo que este comic de 1964 ofrece, en cambio, es algo mucho más profundo: “Durante toda mi vida sólo me interesó una cosa: ¡hacer dinero! Mientras que Spiderman arriesga su vida día tras día sin pensar en ninguna recompena. Si un hombre así es bueno… es un héroe… ¿entonces, qué soy yo? Mientras él viva, nunca podré respetarme a mí mismo. Spiderman representa todo lo que no soy: es valiente, poderoso y desinteresado. La verdad es que lo envidio. Yo, J. Jonah Jameson, millonario, líder civil, hombre del mundo… daría todo lo que tengo por ser el hombre que él es. Pero nunca podré alcanzar su nivel. Así que lo único que me queda es tratar de destruirlo, ya que, Dios me ayude… estoy celoso de él.” Aquí queda más latente que nunca la influencia de Ditko sobre la serie. Jameson odia a Spidey por sus virtudes, no sus


defectos, temática desarrollada ampliamente por la filósofa Ayn Rand, de la quien Ditko era acérrimo seguidor. En el épico primer anual de Spiderman, Peter pierde inexplicablemente sus poderes.

Éstos reaparecen durante la trama, tras lo cual Pete reflexiona que su problema no era físico sino “psicosomático” debido a la culpa que sentía por la muerte de su tío Ben (y sí, no es arriesgado aventurar que esta fue la

primera vez que la palabra “psicosomático” apareció en un cómic de superhéroes, y más aún siendo parte integral de la trama). En el apartado visual, Ditko torna a la lucha entre Spidey y los “Seis Siniestros” (un conjunto de sus enemigos más peligrosos) en un deleite para los ojos al inmortalizar cada uno de

los enfrentamientos en impactantes splashpages (páginas de una única ilustración) que no sólo están integradas en la trama sino que la llevan adelante. Si alguna vez se inaugura un museo dedicado al arte del cómic, es difícil pensar en algo más digno de ser incluido. Otra genialidad es el número 18, “The end


65 of Spiderman.” Peter debe cuidar a su enferma tía May, por la que se pasa todo el número evitando ser Spiderman para poder dedicarse a ella. En un momento, se cruza con el Sandman y se ve obligado a huir (“¡No me atrevo a enfrentarlo ahora! ¡No estoy preocupado por mí, pero si llego a perder, la tía May quedará sola sin nadie que se ocupe de ella!). El número es tan brillantemente inusual que en la caption final Stan Lee se ve forzado a tranquilizar a los lectores, prometiéndoles que en el número siguiente volverá a haber escenas de acción.

Otra genialidad es el número 18, “The end of Spiderman.” Peter debe cuidar a su enferma tía May, por la que se pasa todo el número evitando ser Spiderman para poder dedicarse a ella. En un momento, se cruza con el Sandman y se ve obligado a huir (“¡No me atrevo a enfrentarlo ahora! ¡No estoy preocupado por mí, pero si llego a perder, la tía May quedará


sola sin nadie que se ocupe de ella!). El número es tan brillantemente inusual que en la caption final Stan Lee se ve forzado a tranquilizar a los lectores, prometiéndoles que en el número siguiente volverá a haber escenas de acción. En el número 24, “Spiderman se vuelve loco,” un psiquiatra sale afirmando públicamente que Spiderman “es un hombre muy, muy enfermo. ¡Vive en un mundo de fantasía! Quiere ser una araña pero es un humano. Es sólo cuestión de tiempo para que su yo y su ello se confundan a tal punto que se olvide de quién es realmente… y en ese momento sufrirá un terrible colapso”. Al escuchar estas declaraciones, Peter, quien en la etapa de Ditko siempre está a un paso de la paranoia, se las cree. Al final todo resulta ser un ardid del villano Mysterio, pero esta revelación apenas sirve para amortiguar la tensión y angustia psicológica experimentadas durante la historia. El clímax de la etapa de Ditko, y el paso a la adultez de Spiderman, se da en la saga de tres partes que trancurre en los números 31 al 33. El 32 culmina con Spidey enterrado bajo toneladas de escombros, sin esperanza alguna de liberarse y llevarle a la tía May la medicina que le salvará la vida. En la inolvidable secuencia inicial de cinco páginas del número 33, el derrotado Peter empieza a reflexionar sobre su vida y sobre cómo salvarle la vida a su tía podría redimirlo de su responsabilidad en la muerte de su tío Ben. Poco a poco, empieza a levantar los escombros que lo atosigan, mientras los paneles del cómic se van volviendo cada vez más grandes, abandonando la claustrofia inicial hasta dar paso a la épica victoria (y aquí tenemos otra splash-page para el museo de comics). Los obstáculos que Peter superó aquí no sólo fueron físicos sino también psicológicos. Luego de esta experiencia, es un hombre cambiado. Ya en la universidad, una chica lo invita a una fiesta argumentando que quiere “que haya por lo menos un chico con cerebro entre todos los muchachos atléticos”. Peter rechaza la invitación, rehusando ser estereotipado una vez más como “nada más que un cerebrito”. A pesar de estas escenas memorables, tras el número 33 la serie pierde algo de moméntum.


67 La calidad sigue siendo buena pero se nota que Ditko ya estaba planeando irse de Marvel y que su corazón ya estaba en otra parte. Aun así, la escena final de su último número (el 38) es fulminante, y ofrece un cierre perfecto que permite leer a toda esta etapa en su totalidad como una obra de arte íntegra. Tras un día fatal, Peter apaga la televisión (donde Jameson una vez más sigue arremetiendo implacablemente contra su álter ego) complemente derrotado. Su tía le dice que hace bien, que mirar las noticias le puede traer pesadillas. El último panel consiste en el hastiado Peter subiendo las escaleras de espaldas al lector, declarando: “No creo que sea posible. Las pesadillas las tengo cuando estoy despierto.”

PROXIMO CAPITULO: "LO QUE ES SAGRADO"


GRANDES EXPECTATIVAS

[ Entrevista a Colin Moulding de TC&I por José Luis Lemos. Fotografías: Geoff Winn Laima Bite ]


Hace exactamente 40 años, un 20 de Enero de 1978, salía a la luz White Music, el primer álbum de estudio de una de las bandas más originales de la explosión punk. Sí, estamos hablando de XTC, el grupo liderado por Andy Partridge y Colin Moulding que, pese a ser encuadrado primero dentro del género punk y luego de la new wave, desde sus inicios se sacudió las etiquetas afirmando que ellos, simplemente, hacían música pop. Definición acertada, sí, pero que no llega a cubrir satisfactoriamente todo el espectro sonoro que cubrió la banda originaria de Swindon a lo largo de sus casi 30 años de carrera: post punk, ska, dub, psicodelia, folk, ritmos africanos, pop de cámara…todo visto desde un prisma inconfundiblemente británico, con arreglos tan intrincados como exquisitos. Tras el lanzamiento de Wasp star (Apple Venus vol 2, 2000), último álbum de estudio de la banda, poco se supo de sus integrantes, más allá de estar involucrados en proyectos paralelos y la supervisión de compilaciones y remasterizaciones. Pero mucho menos se supo de Colin Moulding, compositor de algunos de los más grandes éxitos de XTC como Making plans for Nigel, Generals and majors o King for a day, quien en cierto momento llegó a afirmar que había perdido interés por la música. Afortunadamente, la edición de Great aspirations -un EP con cuatro nuevas canciones- no solo lo encuentra revitalizado sino además en compañía de Terry Chambers, miembro fundador y baterista de XTC hasta 1982. Ocasión perfecta para charlar con Colin sobre este proyecto que demuestra que, tras años de silencio, no ha perdido ni un ápice de su talento para alumbrar gemas pop. ¡Hola Colin! Tomando en cuenta que Terry Chambers y vos no tocan juntos desde 1982, ¿como se dieron las cosas para que surja este proyecto? Terry volvió a Inglaterra luego de 34 años, y planeaba quedarse de manera permanente. Salimos una noche, y le pregunté si estaba interesado en tocar en un EP que tenía en mente. Él dijo que le encantaría y una cosa llevó a la otra…y antes de que lo supiéramos ya teníamos algo entre manos.

Este nuevo EP es un proyecto autogestionado, grabado en un garaje y sin la presión de una fecha límite. ¿Cuál es la diferencia entre el do it your self (“hacélo por vos mismo”) de los inicios punk y el actual? Bueno, no había DIY en aquellos tiempos. Estaba todo financiado por las discográficas y el proceso de grabación era muy caro por entonces. Además no sabía mucho sobre el aspecto técnico de las cosas. No es que ahora sepa mucho. Pero quizás al menos uno va a tener un disco que suene diferente.Quizás Antes de formar XTC con Andy, ustedes la industria está llena de gente que sabe deya tocaban juntos. ¿Es este nuevo pro- masiado sobre eso, y por eso nada cambia. yecto el final lógico de un ciclo o, por el Yo aprendí lo suficiente de mis errores. De hecho, uno no tiene la presión del “estudio contrario, un nuevo capítulo? Bueno, supongo que es un nuevo capítulo. caro” en la cabeza. Es un garaje, sí, pero tenCon Terry tocábamos juntos mucho antes de go algunos buenos equipos que fui tomando que XTC existiera. Pero lo más importante es de varios lugares, como los estudios donde que siempre nos llevamos bien, así que era grabábamos en aquellos tiempos, y que ahoinevitable reencontrarme con el apenas pu- ra ya no existen más. La revolución digital les serruchó el piso. siera un pie en suelo británico.

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En “Greatness”, hablás sobre la gente que uno admira, y las aspiraciones a llegar a igualarlos en algún momento. Sorprende que, además de músicos como Paul McCartney y Gershwin, también hay directores de cine. ¿El cine es otra de tus pasiones? Sí, amo el cine, especialmente los films viejos. La carátula del nuevo EP está inspirada en “Grandes expectativas”, la versión de 1940 de David Lean. Y el título también, por supuesto. Me encantan las sombras, la oscuridad de esos films, están llenos de misterio. Quizás todo proviene de los directores alemanes de los años 20. The lodger de Hitchcock, también…maravilloso film. Me gustan también los que hizo en su última etapa. Podría seguir hablando por siempre.

mejor modo. Cuando uno se vuelve viejo rechaza la melancolía.Trata sobre la muerte, sí, pero el sentimiento que se impone es el de la eternidad y el amor imperecedero. A uno no le gusta ser olvidado. Tal vez éste sea mi epitafio. A pesar de que les joda a todos, creo que seré enterrado. Es muerte, pero de un modo positivo, estoy seguro de que tiene ese componente optimista. Y los acordes son agridulces. Es el mejor modo de componer, porque es dulce pero también hay algo de tensión allí.

“Comrades of Pop” es una especie de advertencia para las nuevas generaciones que decidan dedicarse a la música. ¿Cuál crees que es la mejor forma de no caer en las trampas de la industria, además de no dejar que el dinero se interponga? Estoy indicando lo obvio en base a lo que En ‘Scatter Me’ hablás sobre la acepta- sé, pero creo que valía la pena mencionarlo. ción de la muerte, un tópico que ya habías Además quería mostrar mi afinidad con los abordado en las dos últimas canciones recién llegados a esta industria en la cual yo de ‘Skylarking’. Sin embargo, esta vez el también alguna vez fui nuevo.Poner mi bratono es más luminoso y optimista. ¿Cam- zo sobre los hombros de los nuevos artistas y bió mucho tu visión de la muerte desde decir “probablemente te pase esto, pero está entonces? todo bien, no te enredes demasiado con los Creo que estoy hablando al respectode un tipos que ponen el dinero y vas a salir de esto


relativamente indemne.” Sus alfombras están hechas de cabello humano! En cierto momento del documental Thisis pop, Andy Partridge hojea libros dedicados al rock y observa que en casi ninguno figura XTC. Hasta hace una década el panorama no había cambiado mucho, pero hoy es posible encontrarlos no solo en enciclopedias de rock sino también en listas de “mejores álbumes de le historia”. ¿Estos reconocimientos tardíos influyeron a la hora de volver a grabar material nuevo para este EP? En realidad no, es algo que tenía que sacar de mi sistema. Depende del material. Si uno

piensa que es bueno en lo que hace, entonces continúa. Si no hubiera pensado que esto es bueno, nunca habría salido a la luz. Pero sí, es bueno que estemos recibiendo algo de atención luego de tanto tiempo. Supongo (y espero) que este EP es solo la antesala de un álbum y que en algún momento piensan llevarlo a los escenarios. En tal caso, y dado que Terry y vos se encargaron de tocar la mayoría de los instrumentos en el disco, ¿tienen músicos en vista para sumar a la banda? No, no tengo material para un álbum y además demanda mucho de uno. Es emocionalmente agotador y lleva demasiado tiempo.

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Tengo 62 años. Las cosas tienen que darse rápido, porque no sabés cuanto te queda. Y cuando solo hay dos personas se hace más largo aún… Y sí, el plan es hacer algunos recitales, y traer a otros músicos. Cuántos vamos a ser y qué vamos a hacer es una pregunta que aún no puedo contestar. Quizás 10, quien sabe. Las giras mundiales se acabaron. He hecho varias y te destruyen el alma. Pero haremos algunos shows. Y también un montón de

canciones de XTC que nunca se han escuchado en una sala de conciertos. Muchas gracias por darnos la oportunidad de hablar con ustedes. Sepan que hay mucha gente acá en Argentina que desearía verlos en vivo, y esperamos que sea pronto. Ok José, el placer es mío. Quién sabe dónde terminaremos tocando. ¡Una vez tocamos en Venezuela, así que todo es posible!…


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[ Entrevista a The Blue Hour por Pablo Müllner ]

MOVIÉNDOSE A TRAVÉS DE UN CIELO FLORECIDO


Hoy es un día frío y lluvioso. Estuve pasando por algunos contratiempos toda esta semana, y me siento un poco mal por no haber tenido tiempo de sentarme a entregar mis preguntas para The Blue Hour. Pero en vez de apurarme y escribir mis preguntas de manera mecánica, enfocándome en fechas, proyectos, giras, me siento atraído a volver sobre el exquisito catálogo de la banda.La música del dúo de Seattle me marca un camino diferente. Me pone en un estado muy contemplativo y tan solo escucho, mientras miro caer la lluvia por mi ventana. Quemo un incienso de Ratnamala, y me dejo llevar más a través de sus melodías discordantes, sus espacios silenciosos y sus inusuales arreglos, sin siquiera advertir el paso de canción a canción, sino más bien como un único paisaje emocionalhipnótico y en su mayor parte, reconfortante. Reconfortante, pero nunca por ser liviano, la música de The Blue Houres un verdadero viaje… Un viaje interior, para ser más preciso, porque los poderes secretos de su música residen en confrontar al que escucha con su estado mental, e invitarlo a hacerse algunas preguntas trascendentes.Una pregunta se viene a mi mente tan fácil como respirar: “¿Cómo es posible que muchísima gente aún no conozca algo tan bueno como The Blue Hour?” Para aquellos que aún no hayan escuchado sobre ellos, The Blue Hour son Marselle Hodges en divinas y calidoscópicas voces, y Brian Hodges en casi todo otro instrumento que se oiga en la mezcla. Y sí, son una feliz pareja.

Hola, Marselle y Brian es un placer hacerles algunas preguntas sobre su música, tanto como escucharlos, saben estuve teniendo unos días bastante complicados y volverme a conectar con su música fue realmente reconfortante. ¿Cuán a menudo la gente les dice esto sobre su música? Marselle: ¡Wow! Primero que nada, me encantan estas preguntas. Me gusta que realmente se capte la esencia de lo que tratamos de hacer: una sincronización pacífica del espíritu. Yo también anduve bastante estresada. Pero cuando escribo y cuando canto me lleva a un lugar muy mágico, que tengo dentro. Siento que me pongo en contacto con una especie de espíritu que me eleva por sobre mis problemas cotidianos. Cuando surgen las letras y cuando escucho la melodía siento una corriente cálida de energía que recorre mi cuerpo, que me trae paz. Quisiera que los que nos escuchan sientan eso también, creo que el mundo necesita más de ese tipo de sentimientos. Brian: Nunca me canso de escuchar sobre como nuestra música trae sensaciones de

confort. Para mí eso significa que hemos hecho contacto, y eso es todo cuanto un artista espera. Hay un par de álbumes a los que vuelvo una y otra vez en busca de ese confort: “Thunder Perfect Mind” de Current 93 y “Filigree and Shadow” de This Mortal Coil. Esos dos discos me hablan directamente a mi alma, me transportan a otro mundo. Me puedo perder en las capas de instrumentación, la poesía de sus letras, el carácter de su voz. Cuando la música tiene ese efecto es que ha alcanzado una de las más altas metas del arte, y por eso nunca va a envejecer. Mi más grande esperanza es que nuestra música deje un legado de paz y belleza. ¡No dudo de que así sea, Brian! Pero también pensaba que no es tan obvio decir que la música de ustedes sea “reconfortante”, porque no es para nada “easy listening”, ni funcional a la meditación, exige una total atención, es muy barroca y compleja, pero al mismo tiempo se mete rápido en el inconsciente y de repente estás ahí. ¿Creen que se trata de una habilidad técnica, del uso

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de las melodías orientales o que hay una cuestión más metafísica que técnica? Marselle: Me encanta la música oriental y siempre me siento atraída a ella, pero no consideré nunca nuestra música como inspirada en Oriente. Quizá sea porque la música nos surge de manera muy orgánica. Escribo las letras en el estudio, que tiene una vista a un bosque de abedules. Escucho los tracks instrumentales y trato de ajustar mis palabras al ritmo mientras veo los arboles mecerse. Y así van surgiendo las melodías, con las armonías que imitan las capas del viento. Brian: Me alegra que hayas notado ese aspecto de nuestra música, en mi opinión es una de las cosas más importantes que podemos traer a un mundo que ya está suturado de muy buena música. Trato de escribir música que tenga profundidad, como un lago profundo.Un lago puede ser calmo en la superficie, pero al mismo tiempo rebalsar de vida y energía más abajo. Cuando compongo una canción trato de escribir lo que

yo llamo “eventos” en la mezcla: pequeños sonidos que aparecen aquí y allá, se mueven alrededor trayendo movimiento y vida a la música. Trato de capturar la textura y la experiencia: el suspiro de una ola relamiendo una playa rocosa, el staccato de una cacería de coyotes, el aleteo nervioso de las alas de un ruiseñor. Quiero que la canción respire, quiero escuchar el eco de esa respiración desde una orilla lejana. Una canción de Blue Hour debe generar el ambiente para soñar, con la voz de Marselle como el lugar del observador que sobrevuela y pasa por ahí. Siempre hay una motivación metafísica subyacente en The Blue Hour. La música es la primera de las artes. Es donde se combina nuestro imaginario con nuestro tono y naturaleza, es visualización y vibración. Transfiere mundos y emociones y experiencias de una mente a otra. No es otra cosa que magia. Cuando escuché por primera vez los nuevos singles “The Flowering Sky”


(El cielo florecido) y “Moving Forward” (Moviéndose hacia Adelante) ambos de 2018, sentí una conexión inmediata con la voz de Marselle, incluso sin entender totalmente las letras, sentí que era muy cercana a mí, como esos momentos donde algo nuevo te asalta como si ya formara parte tuya. Escribí algunos nombres que me vinieron: Kate Bush, 4AD, Secret Garden (una banda celta instrumental), 2046, la película de Wong Kar-Wai, el folklore japonés. ¿Se familiarizan con alguna de esas cosas, cuáles son sus influencias más personales? Marselle: Kate Bush, Nina Hagen, los primeros cantantes de 4AD, entre muchos otros, fueron enormes influencias. “The Flowering Sky” es una oda al regreso de la primavera con su promesa de luz tras un particularmente gris, oscuro, lluvioso invierno. Escribí “Moving Foward” para mí madre, quien falleció el año pasado. Creo que lo primero que me influenció de esos artistas fue como se conectaban con total crudeza con sus emociones a través de su música. Sinceramente espero que cada una de nuestras canciones haga contacto emocional con quienes nos escuchan de la manera más honesta. Brian: Mis influencias personales son una mezcla de música y literatura. Amo el Realismo Mágico, particularmente las piezas literarias que fusionan sutilmente lo mágico con lo cotidiano tan bien que uno casi no puede notarlo y de repente se encuentra en un mundo que ya no es el ordinario. Y amo la música que puede lograr ese mismo efecto, tomar sonidos familiares y subvertirlos completamente. Current 93 en mi opinión tiene una forma magistral de hacer eso. Dependo mucho de esa banda cuando necesito buscar formas de subvertir mis propias expectativas respecto de las cosas. Estoy muy influenciado por Nick Cave y Marc Almond, creo que son dos de los más logrados escritores de canciones narrativas. Por último, me saco el sombrero

frente a los Legendary Pink Dots y Coil por su sentido de anarquía electrónica: no deben existir reglas, solo resultados al componer música electrónica. Y dicho sea de paso, quedé fascinado durante años con Ghost, un grupo folk japonés con un aire muy sesentoso. Cuando sentí que la voz hechizante de Marselle tenía algo familiar con la de Kate Bush pensé que era esa forma de cantar que suena tan “Lejano Oriente” ¿Pasa algo parecido con los instrumentos? ¿Han usado instrumentos orientales o son los instrumentos propios que emulan esos sonidos? Brian: Con respecto a los instrumentos, nunca empiezo a componer una canción con un plan de cómo va a sonar ni que sonidos voy a usar. Empiezo tan solo usando un “loop” o tocando una progresión de notas en la guitarra o en un teclado y voy viendo a dónde me lleva. Una vez que siento que tengo una buena melodía, trato de darle su propia voz, agregando o borrando sonidos hasta que se enciende una sensación de “completitud”. Creo que esa sensación oriental que da nuestra música es porque mis preferencias son familiares pero extrañas, por ejemplo usar campanas y guitarras para tocar piezas compuestas con piano, porque tienen una manera de percutir y un tono muy parecidos pero al mismo tiempo resultan difícil de reconocer eso nos ayuda a crear ese efecto tan exótico. Es como un sueño donde todas las cosas están de cabeza. Todo es posible en la tierra de los sueños. Creo que es un lindo balance cuando la voz de Brain aparece cada tanto, ¿es una cuestión narrativa o una cuestión más sonora y de balance? Brian: Es en parte ambas cosas, en realidad. Durante mi hiato de siete años con la música me dediqué a escribir ficciones cortas. Mi amor por contar historias impactó en mi forma de escribir letras para las canciones, mis nuevas canciones empezaron a tener letras mucho

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más largas y ofrecer diferentes perspectivas. Por ejemplo “Falso Brillo de Luna” es una canción basada en un cuento que escribí antes, “Imitación de una luna, Imitación de una noche” que narra sobre ver a una persona literalmente convertirse en polvo. Las letras que compone Marselle son más espaciadas, sugerentes, se enfocan en símbolos, imaginarios, lugares. En lo personal soy un fan de su escritura porque abarca temas bien universales, e invitan al que escucha a compartir experiencias. También creo que cuando organizo una colección de canciones me inspiro en la forma de los primeros álbumes de Dead Can Dance. Soy un gran admirador de las canciones de Brendan Perry, de cómo dosifica y restringe en sus álbumes, esa suerte de “economización” hace que uno sienta esos álbumes tan especiales.

y “Moonsongs” (2016). Soy demasiado curioso, ¿puedo saber que ocurrió entre esos dos momentos? Brian: Tenés un buen ojo. Me tomé un largo recreo entre ambas manifestaciones de la banda. Entre 1998 y 2001, The Blue Hour editó dos discos con un sonido neofolk, etéreo, romántico: “Evensong” y “A Windless Path. En ese momento, yo también era tecladista y guitarrista en una banda goth psicoldélica, Black Atmosphere. Esos dos primeros álbumes fueron muy bien recibidos, y tuve la oportunidad de trabajar con increíbles músicos de la escena neofolk. Pero sin embargo, mi visión musical no estaba satisfecha, me sentía limitado como una sola persona, una sola voz, todo eso más las demandas de la vida cotidiana me forzaron a poner a dormirme a The Blue Hour por tiempo indefinido. La segunda manifestación de The Blue Hour es mucho más interesante. Marselle y yo nos conocimos como adolescentes en la calle, dormíamos en edificios abandonados, nos pasábamos las noches bailando en clubs de New Wave. Después de unos años nos perdimos de vista, pero veinte años luego nos reencontramos. Entonces me puse a escribir nueva música, para enseñarle el oficio a la hija de Marselle. Esa tarea se convirtió en “One More Mystery”, que tuvo la voz y las melodías de Marselle como nuevo elemento, conquistando la magia que yo deseaba para The Blue Hour.

No puedo dejar pasar el hecho que y hace un tiempo vengo entrevistando artistas con base en Seattle que hacen un pop muy barroco, muy onírico… ¿Ustedes sienten que hay una escena de Seattle, o que están haciendo lo suyo bastante en soledad? Marselle: Es gracioso que lo comentes. Hace bastante poco me puse en contacto con un par de bandas de Seatte a través de las redes y sentí un espíritu similar y una emoción parecida en su música. En particular Charlie Nieland y Static Shore. Si existen bandas similares estaríamos felices de conocerlos. Me gusta pensar que estamos conectados por una voz y un sonido divino que viene desde Washington, después de todo eso ya De vuelta al presente, este año editaron ha pasado, por ejemplo con el grunge. Y a dos hermosos singles… ¿Estas decir verdad, es alguno que pasa alrededor canciones preceden a un Nuevo álbum de todo el mundo. o al menos tienen plan de realizar más música este año? Además han editado Noté que hay un lapso en la discografía un video muy atmosférico para Moving de The Blue Hour: una primera etapa donde Foward. Los escenarios naturales y las parecía más una banda con Brian como capas de imágenes superpuestas son tan vocalista, y una segunda etapa donde cautivadores. ¿Podrían contarnos algo trabajan como dúo, en esta parte están del video? sus dos últimos discos “Always” (2017) Brian: Sí, tenemos un álbum por salir,

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muy pronto. Más sencillos y videos también, estamos planeando un video para una de las nuevas canciones. Y siempre estamos escribiendo, además cada tanto posteamos alguna canción inédita en nuestras canales de social media. Marselle: Como ya sabés, Moving Forward, es una canción sobre la perdida de una persona amada. Mi mamá y dos amigos muy cercanos murieron el pasado años. Moving Foward habla del esfuerzo por salir de ese lugar doloroso que es la pérdida. Es sobre las pequeñas cosas que te recuerdan esa ausencia, que te ponen otra vez a llorar sin consuelo. Es también una rabieta contra la gente que te dice cosas como “están en un

mejor lugar ahora” Como era un tema tan personal, decidí producir yo misma el video, lo filmé casi todo sola y lo edité en mi iPad. Está hecho con muchas capas: las aguas que se ven cuando uno sale de Seattle en ferry, un hermoso cementerio en un puerto histórico de la Península de Kitsap (Por Gamble), varias imágenes mías cantando la voz principal y los coros. Mi deseo era recrear un viaje visual de mi viaje emocional a través de una perdida tan extraordinaria. Hice una verdadera catarsis. ¿Cómo es tocar en vivo para The Blue Hour? Sus canciones están llenas de capas, son complejas, no debe ser sencillo


81 recrearlas en vivo. ¿Cómo lo hacen? ¿Están tocando en vivo actualmente? Marselle: Sí, tocar en vivo es todo un desafío con todas las sobregrabaciones de voces que tienen nuestras canciones. Pero para mí las capas son como parte del paisaje de cada canción. Si faltan la canción es otra cosa. Por eso estamos desarrollando la idea disparar tracks con sobregrabaciones de mi voz durante los próximos shows en vivo. Además pensamos en que haya videos de mí cantando ese conjunto de voces como sucede en los video de Moving Foward y Wheel and Web. Brian: Nuestra música es gentil y sugerente. Necesitamos un tiempo para apropiarnos del lugar y de la audiencia, para que la cosa resulte. Dicho esto, tocamos dos shows el año pasado. El primero fue en una galería de arte, donde tocamos en vivo sobre loops y usamos un video de apoyo visual. El segundo show fue un recital acústico muy desnudo, donde fuimos soportes de la banda neofolk In Gowan Ring. Fueron recitales muy distintos, pero ambos muy bien recibidos. Para cerrar: quería bromear con que Marselle podría ser la hermana gótica de Deva Premal, pero mejor no… Encontré una película que se llama “The Blue Hour”, que me pareció sorprendentemente afín espiritual con la banda: se trata en parte de una historia de fantasmas japonesa y un romance LGBT, así que es algo que tengo planeado ver inmediatamente. ¿Sabían algo sobre ese film? Marselle: ¡Ja! Tuve que buscar a Deva Premal… ¡Ahora quedé enganchada es una hermana bondadosa de verdad! Brian: Respecto de la película, escuché referencias frecuentes, pero nunca la vi. Originalmente elegí The Blue Hour (La Hora Azul o La Hora Triste) porque capturaba varias ideas que resonaban en mi cabeza. Se refiere al momento que cambia la luz y las cosas

adquieren una cualidad de otro mundo. La palabra “blue” es usaba para cosas que son objetadas moralmente, como las películas para adultos (“blue movies”). Y también era una forma de referencial “The Blue Angel”, la película de Marlene Dietrich. Deberíamos buscar bien esa otra película y ponerla entre la lista de referencias de la banda. ¿Hay alguna cuestión más respecto del futuro próximo de The Blue Hour que sea necesaria comentar antes de despedirnos? Marselle: Estamos trabajando en varios proyectos a la vez. Además de darle los toques finales al nuevo álbum, estuvimos escribiendo y grabando un álbum de canciones de cuna góticas (¿los bebés también necesitan buena música, no es cierto? Brian estuvo remixando para varias bandas, y lanzó un remix de una canción de John Fryer de Black Needle Noise en un single edición limitada. Estamos esperando recibir un remix de nuestro tema “One More Mystery”, hecho por Pieter Nooten, estamos más que ansiosos de escuchar su trabajo con nuestra canción luego de haber oído su álbum “Stem” en repetición constante. Por si eso fuera poco, estuvimos escribiendo música para films y televisión, lo cual fue muy divertido y excitante. Brian: Estoy muy emocionado de estar componiendo música para acompañar la lectura dramática de mi cuento “The Fey Hounds”. Es una oscura historia sobre las consecuencias de tratar de engañar a las hadas, que será editada como libro/CD con un arte increíble del mejicano Osiris Puerto. Esas son más que buenas razones para volver a hablar muy pronto, The Blue Hour, ¡muchas gracias! Marselle: Gracias a ustedes, fue un placer hablar y apreciamos mucho tus comentarios. ¡¡¡Somos grandes fans de Revista The 13th!!!


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HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com


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[ Entrevista a Dani, Kiko y Nazarena de Juvenilia por Diego Centurión. Fotografías: Anita Piñero. ]

LA OSCURA SEDUCCIÓN DE LA CANCIÓN


Hace un tiempo que en Argentina se está gestando un revival interesante del post punk, las formas de encarar este reavivamiento de un género, que ya tiene más de treinta años, se está dando de muchas maneras, regreso de artistas que han estado en la época, como así también bandas nuevas que retoman ese sonido para actualizarlo. Juvenilia es uno de esas nuevas bandas que se está haciendo camino a través de un océano de alternativas distractoras que puede ofrecer la web hoy en día, a base de una oscura seducción de la canción. Nos acercamos hasta su sala de ensayo y antes de que entren a hacer lo que más les gusta, tocar, pudimos charlar con la mayoría de sus integrantes. Bueno para empezar les pido que se presenten y que nos digan que tocan en la banda... K: Hola, Yo Soy Kiko y toco la guitarra. D: Yo soy Dani y canto.

dijimos hagamos una banda y empezamos así, sin saber muy bien qué estábamos haciendo, y después cuando fuimos a grabar y ahí arrancó el proyecto, empezamos a tocar mucho, Gaby (el batero) que es mi hermano, había grabado el EP, pero él seguía con sus ¿Quién o quiénes componen las canciones? proyectos personales. Es como que él y Kiko D: Todo arrancó como un proyecto de formaban parte desde el otro lado, cuando amigas y en paralelo intentar o empezar a dos de las chicas se fueron a vivir afuera, nos hacer algo, yo empecé a hacer canciones, planteamos buscar chicas nuevas o seguir me encerré y me puse a probar cosas y Kiko los que ya estábamos, entonces nos pareció me daba una mano con todo el tema de las más auténtico seguir los que ya estábamos maquetas, yo le iba pidiendo bases o cosas en este proyecto. Empezamos a tocar mucho, para que me lo vuelva tangible, porque yo le empezamos a grabar porque ya teníamos mandaba tarareos, cosas así, y también lo acumuladas muchas canciones. Y llegamos hacía con Gaby, mi hermano y hoy baterista a "Obras de Juventud". de la banda. También a él le mostraba cosas y ellos me daban las pistas y sobre ellas ¿Cuándo empezaste a armar esas empezamos a grabar las melodías y empecé primeras maquetas? a crear canciones. Después de tener algunas D: En 2009 empecé a hacer canciones y canciones grabamos un EP, "Juvenilia" cuando hicimos el EP ya tenía seis o siete (2013), y recién ahí la banda arranca como canciones, pero en el EP grabamos dos, tal, con la excusa de nombrar las canciones. ya después con la banda tocando salieron Salimos a tocar, en ese momento éramos otras canciones nuevas y en ese momento una formación de chicas y después los chicos entramos a grabar el disco. se incorporaron definitivamente en la banda. K: Esto debe ser en el 2014... Todas estas canciones, más allá de que D: El resto de los temas lo terminamos con se compusieron en su momento, se fueron él y el año pasado ya lo teníamos terminado. rehaciendo en los shows. Fue tomando la impronta de cada uno, cada uno va formando El sonido es New Wave, post-punk, también la canción, más allá de la canción ya aunque ustedes se pongan "nueva Ola"... exista. K: Si, eso fue también bastante adrede, pero sí, yo creo que el sonido, al menos ¿Cuándo empezó Juvenilia? de este disco, es bastante del post-punk D: Empezamos con Juli, que toca teclados, de los primeros ochenta. Cuando hoy se y otras amigas, nos juntábamos, salíamos, y habla de Post-Punk, todo el mundo habla de

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JoyDivision nada más, es algo que me llama un poco la atención, pero a la vez, está bueno porque hay un referente hiper popular. Pero no es el caso de lo que nosotros hacemos, me parece que nosotros vamos hacia otro lado, un poco más canción quizás... Lo que yo escuché es un sonido que se acerca más lo primero de KillingJoke, como que tienen una fuerza no es tan propia del post-punk que hoy abunda, si no de otro tipo de Post-Punk...

K: Si, puede ser... eso a nivel intensidad tiene que ver un poco de dónde venimos nosotros, Julieta y yo venimos de la escena punk, entonces nos empuja un poco la intensidad, yo lo relaciono un poco con eso, ahora que estamos tocando mucho y estamos buscando otra cosa, creo que hicimos el camino inverso y estamos sonando un poco más suave, menos volumen, menos intensidad... pero sí, va por ese lado. Sacan Obras de Juventud. Un 1° de enero, es como una marca muy fuerte empezar el


2018 con todo. ¿Fue adrede? D: Si, para cerca de octubre del año pasado teníamos listo al disco, tal vez un poco antes también. Nos quemaba un poco, lo queríamos sacar... pero también nos pareció mejor esperar a que termine el año... K: Es como una especie de rito, porque el EP también había salido un 1° de enero, entonces también decidimos continuar con ese propio ritual. Diciembre no es buen momento para editar un disco. También está esto de subir todo un primero de enero, pero sabíamos que iba a tardar cuatro o cinco meses hasta que empiece a llegar, a entenderse, a escucharse, porque siempre primero llegás a los cercanos pero después hasta que le llega al que le tiene que llegar, porque le va a gustar, porque le gusta el estilo... te lleva su medio año...

¿Ustedes se adhieren, no les gusta? D: Haber sacado un disco con 12 canciones y que esté en formato físico no es tan de este momento... en su momento habíamos pensado, ¿sacamos todos los temas o los dividimos?... estaba la duda porque ahora es más el tiempo de "sacás tres temas", lo subís... que en realidad es lo que parecería que funciona... pero la verdad en el momento en que decidimos sacar todo, es porque necesitábamos sacarlo. K: Había una necesidad de desprenderse... D: Si, porque ya hacía dos o tres años que estábamos con el disco. Y sí, tenemos eso de la vieja escuela... K: Hoy es medio anacrónico sacar un disco largo... porque no hay tiempo... yo todo eso lo entiendo. Pero esto de que se escuchen canciones es como del principio de la época He escuchado algunas entrevistas de las discográficas, que sacaban singles a ustedes... y hablaban de que son porque la gente quizás picaba en la radio y melómanos, y ustedes que son más de nada más, no estaba la cultura de escuchar la época de los ochenta tardíos... ¿Cómo un disco. Yo no sé hasta qué punto esto va ven este cambio de la manera de escuchar a seguir siendo así... soy un poco reticente a un disco? En tiempos de singles o EPs... esa idea... porque en un futuro entonces ¿no

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K: Daniela... D: por eso llevó tanto tiempo... (Risas)... igual todo lo hacemos nosotros, y lo bueno Si es raro, aparte todo el movimiento del es que teníamos unas fotos súper lindas, arte, por donde lo mires, está volviendo a que nos sacó una chica que saca de manera las raíces... analógica, Anita Piñero. Ella hizo unas fotos D: Si, claro... que ayudaron un montón, porque nosotros K: Por eso, a eso quería llegar... se está sabíamos que queríamos fotos analógicas volviendo a las raíces y también pasa esto para poder colorearlas a mano. que, a mí me parece que lo que hoy sucede, K: De hecho la tapa no fue buscada, fue es tan democrático grabar un disco y tan una foto que salió... sencillo, cualquiera técnicamente lo puede D: Fue una foto que estaba hecha, no es hacer bien, que suene bien y no sean esos que se dijo "vamos a hacer esta foto". demos viejos ochentosos, se puede hacer K: Apareció... y dijimos está buena para la un registro bueno con poco dinero, hay un tapa y quedó. océano de bandas que te invaden y quizás lo complicado sea saber de dónde recortar. (Llega Nazarena, la bajista) Esto de sacar un disco largo es raro, por D: Una foto de las que no fueron al libro... la época porque quizás la gente no esté entonces también ayudó un poco a lograr la acostumbrada a recibir 12 canciones, este idea esto que te decía de colorear y buscar un disco muy largo, 45 minutos de música... esos detalles. D: El disco además tiene la última canción K: Esto es evidente que denota la edad, de casi 8 minutos, es medio un capricho... ¿no? (risas)... yo no sé si una banda joven nos dimos el gusto de hacerlo. Además no hoy se fija en estas cosas. Esto es porque me parece que uno, como banda, tenga que nosotros tenemos muchos discos y nos gusta quedarse con las ganas de hacer algo para tocarlo, tenerlo, esta cosa de lo tangible, yo seguir un modelo que hay ahora... no sé si las bandas más nuevas se están K: Aparte con el EP ya se había hecho, fijando en eso. Creo que es como decís vos, y esto no tiene nada que ver con el EP, si quieren sacar un EP rápido, y salir a tocar y hubiésemos hecho esto de recortar las me parece bárbaro. canciones en varios EPs, también hubiese sido raro, porque esto es algo que hizo en un Por eso me pareció genial esta edición, momento y bueno hay que soltarlo y vamos es impecable todo... para adelante. D: Esto que te decía que también nos ayudó D: También la edición física ayudó a cerrar es el hecho de poder contar, o la libertad de un poco el concepto del disco. Con el sello que tener un libro con tantas hojas. sacó el disco, Inerme, tuvimos la posibilidad K: Igual es algo muy del sello, Inerme de poder hacer el disco como lo queríamos suele hacer ediciones muy cuidadas en lo hacer. Porque tiene muchas hojas, muchas estético, no es únicamente el nuestro, sino cosas, también pudimos hacer esto de que que las otras bandas que están en el sello haya muchas imágenes, y que estén todas también laburan eso, tal vez sea porque el las letras... sello también edita libros. D: Es gente de imprenta, eso ayudó también La edición tiene un libro con fotos y las a hacerlo de esta manera. letras... es difícil encontrar un disco que tenga un libro, una edición impecable. Y volviendo a las ediciones, al EP y al ¿Quién lo diseño? disco. ¿Qué diferencias hay entre esta se va a hacer más música? Es medio raro eso...


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nueva grabación y la anterior? K: Muchas... primero por ejemplo cuando se grabó el EP, las canciones la mayoría eran en inglés, salvo "Solíamos reírnos más", eran todas en inglés. Por ejemplo, "Aterrizar", que es la otra canción que está en el EP, se re grabó pero en castellano y eso fue un decisión que se fue tomando cuando ella empezó a tomar confianza con el idioma, porque es difícil ser una banda post-punk y cantar en castellano y que esté bueno. El inglés a nivel producción te ayuda un montón, la métrica del inglés son palabras cortitas, que es mucho más fácil armar una melodía o un ritmo. Como primer punto el idioma es un cambio muy importante. A nivel audio es una cuestión de conocimiento y de la experiencia propia del proyecto, esto fue un proceso largo en el que aprendimos un montón de cosas y en el medio de la búsqueda se imprimió esto. D: El EP lo grabamos con un teclado que era de principiante, que era el que teníamos. K: También, para "Obras de Juventud", grabamos en varios estudios, y los teclados lo hicimos en un estudio que es nada más

de eso, que tiene equipos viejos, como que nos dimos esos gustos. Y creo que terminó siendo una diferencia audible, que se nota en el disco. D: Y la forma de interpretar cada uno su instrumento también, en lo que es la voz, yo te hablo de eso porque es lo que hago, en el EP, si lo escuchás, está muy tímida, y en el álbum está más segura. Seguramente ayudó el entrenamiento de los recitales, antes estaba como empezando, si bien los chicos sí venían tocando hace un montón, esa era mi primera experiencia en una banda, entonces también eso hace, que me haya desarrollado. Bueno, el disco no lo grabó Nazarena. Ella entra después... ¿qué le aportó el sonido del bajo de Nazarena? D: Bueno en el vivo es un cambio importante, digamos, porque a las canciones ella le pone su impronta, o incluso hay determinados arreglos nuevos que ella le incorpora, y es notoria la diferencia para nosotros y a nivel show también...


Y escuché que vos te incorporaste y te dijeron que te aprendas unas canciones y vos te aprendiste todas las canciones (risas)... N: No, eso no es así... (risas)... no, me fueron pasando de a tres canciones, primero vine a ver un ensayo a conocerlo a escucharlos, después aprendí dos canciones, tres, después otras tres, así en poco tiempo tuvimos el disco entero, para tocarlo, yo traté de respetar lo máximo posible lo que está grabado, siempre que lo toco lo pienso así, pero cada uno tiene su manera de tocar y hay ciertos arreglos que sí, los hice yo para que se escuchen en vivo, que tal vez no estén en el disco, pero siempre siguiendo casi la misma línea porque la idea era presentar el disco lo mejor posible en el vivo, ir tocándolos hasta que salgan los más lindos... respetar la sonoridad, la forma de tocar el bajo en el post punk con púa, con cosas que por ahí yo no venía haciendo pero lo supe hacer en algún momento, pero venía tocando otras cosas entonces la púa ya es parte de mi mano...

N: Yo venía de tocar otra cosa, pero el post punk es lo que más me gusta, aunque me gusten otras cosas. Me pareció que tenía un poco más de libertad en este género que lo que venía haciendo antes. Me siento más cómoda tocando esto y venía queriendo hacer algo así. Y fue medio de casualidad todo. Y ¿Cómo llegan a conectarse? D: Yo le escribí a ella porque estoy en un grupo de Facebook, creo que de Peter Murphy, y ahí vi donde estaba tocando, me gustó, e investigando un poco vi que tenía un bajo en una foto... (Risas)... y yo le escribí y le dije que estábamos en la búsqueda de bajista, y ella nos contestó que ella nos había visto, eso fue una ventaja, igual no sé si lo que vio fue bueno o malo (risas)... todo fue como muy fluido muy rápido.

¿Cómo es el público en vivo de Juvenilia? D: Es bastante variado... N: A la gente le gusta bailar... cantan las canciones, es un público que va creciendo Y ¿cómo te ensamblaste a la banda?... de a poco... nosotros lo vemos desde arriba, ¿Cómo te sentís?... Creo que te vino como al menos yo veo eso, se disfruta por lo que anillo al dedo... se ve. K: Al revés... más que nada para nosotros... D: Por eso también le ponemos intensidad D: Sí, y además fue muy rápido el proceso... al show, que sea bastante rápido, baja en un K: Hubo un momento en que nos quedamos momento, después vuelve a subir, pero a la sin bajista y fue un momento raro... es ahí gente le gusta bailar, le gusta amucharse, la donde Nazarena apareció dentro de nuestro gente le gusta donde está la gente. universo. D: Por eso también no queríamos sacar el Hace poco hicieron una sesión. disco sin poder defenderlo en vivo. Cuéntenos de esto. K: El disco sale porque había una banda D: Fuimos al mismo estudio donde grabamos que lo podía defender. Para mí que haya el disco y grabamos cuatro canciones, y vino entrado Nazarena ayudó a terminar de unir un chico a filmarlo, entonces aprovechamos todas las partes, porque le tiene que gustar a para hacer una sesión en vivo, pero con la persona que lo toque. sonido de estudio y estamos cerrándolo para D: Aparte encontrar gente que le guste después editarlo. tocar el estilo hacemos, no es tan sencillo. K: La idea es sacar eso a mitad de Junio, Y tampoco es esto que te decía, que sea deberíamos tenerlo ya listo. Hicimos tres auténtico, que el que lo toque lo entienda, canciones del disco y también grabamos que le guste. Fue muy rápido el proceso y una versión de Legião Urbana. La idea tiene mucho aporte en el vivo, cerró perfecto. era tener algún material audio-visual, poco


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mejor del que tenemos de las grabaciones en vivo, con audio bien registrado y está quedando muy bueno. Espero que para mitad de Junio podamos soltarlo. Ahora que las pueden escuchar desde afuera de la banda. ¿Cómo suenan las canciones con dos integrantes nuevos, que no registraron el disco? D: Estamos muy contentos. Fue una sesión maratónica porque en un sólo día metimos todo, video-audio en unas horas y eso ayudó la fluidez que estamos teniendo nosotros a la hora de tocar, ensayar, y eso fue una de las razones por las cuales pudimos hacerlo. Estamos muy conformes cómo está quedando. Hace unos años que se ve un resurgimiento del postpunk en Argentina, ¿cómo lo ven ustedes? ¿Existe una escena post punk o es sólo un montón de bandas separadas? ¿Hay cierta unión o son como pequeñas islas? K:Para mí no hay una escena post-punk, pero si hay un montón de bandas, está todo como muy atomizado. Nosotros hemos compartido con varias. Pero también me parece que no hay escenas de algo, todos tocan con todos, y eso está buenísimo, por lo menos a nosotros nos divierte esto de mezclar lo nuestro, que es más oscuro, con una banda de rock and roll. Hace unas semanas atrás organizamos un ciclo "Buenos Aires Nueva Ola" y las bandas con las que tocábamos eran bien distintas. Es difícil para nosotros tocar y movernos porque es la

escena esa, no existe. Hay bandas tocando en La Plata, Capital y Gran Buenos Aires, en todos lados. Pero me parece que no hay una escena de esto, como si la hay de reggae o punk. Además es un estilo tan amplio que hay montón de estilos que podés incluir. Yo por lo menos no la veo. N: Yo digo que es una apertura. La gente está más abierta a juntarse con otros estilos y compartir fechas, incluso en el sello donde estamos hay varios estilos, entonces ya no es "nos encerramos en la escena de este tipo de música", hay que conectarse más y compartir. Lo que sí hay una escena autogestionada, eso seguro, y en esa escena están todos


los estilos de la música alternativa, Post- porque voy a poder ver a los dos bandas". punk, New Wave o Dreampop, no sé hay un N: Lo que pasó también es que nos escribían montón de banda hermosas de dreampop diciendo tiene que tocar ustedes. que están dando vueltas, y también están en K: No me acordaba de eso… pero eso esa escena. también debe haber sido lo que ayudó a que nos elijan. Eso fue antes que nos convoquen. Van a tocar con Killing Joke. ¿Cómo D: El día anterior vimos un montón de llegó esa oportunidad? comentarios... N: Si, es una alegría. K: Nos desayunamos con que viene Killing K: El productor del show me dijo, ¿Quieren Joke... "Ah mirá qué bueno"... y después nos tocar en el show? y le dije “Sí, obvio”. Ya nos enteramos que nosotros le vamos a abrir. habían invitado a tocar con una banda antes. D: Él lo que quería era pensar en lo artístico ¿Van a preparar algo especial para ese del show, que fue lo que nos dijo, quería show o es simplemente subirse y darlo pensar en la parte artística y no que toque mejor? cualquier banda. Entonces había pensado D: No lo pensamos todavía. Pero en nosotros. Por eso fue que nos llegó la siempre en todos los shows hacemos algo, invitación. pensamos bien la puesta, en los recitales nos N: si, aparte conoce a la banda y ya preocupamos mucho porque se escuche bien sabe como somos, entonces por ahí eligió y se vea bien. Ya pensaremos para ese show. llamarnos, supongo. ¿Son de tocar en cualquier lado o buscan (Llega Gaby) dónde hacerlo? Bueno contanos quien sos... D: Hemos tocado en todos lados... G: Soy Gabriel, baterista de la banda, ya N: Cuando nos invitan a las fechas, en estoy en la banda desde el 2013. general si podemos, vamos. Pero cuando organizamos nosotros sí, buscamos un poco ¿Cómo se ve la banda desde atrás? más la cuestión del sonido, cuánta gente G: Bien... muy prolija... puede ir. La vez pasada en el "Buenos Aires Nueva Ola" tenía que haber un espacio para Hablamos de KillingJoke. Cuando me una muestra de arte, para una feria de discos enteré que ustedes tocaban, dije:“y sí, no y libros… entonces de eso depende el lugar creo que haya otra banda que pueda tocar que busquemos para el tipo de shows que en esa noche”... vayamos a armar. Pero si nos invitan... vamos K: Es lo que me decía el productor del show, a todos lados. es difícil buscar una banda para ese estilo.De hecho están viniendo un montón de bandas ¿Qué queda del año? de esa época, hace un par de semanas tocó D: Seguramente vamos a hacer algún Gang of Four, era bastante apropiado que video, está en los planes. Tocar todo lo que toque Norma en ese show. Y que nosotros podamos. Tener una versión reducida, más toquemos con KillingJoke, me parece que electroacústica, para tocar en determinados sucede eso. Cuando él se puso a armarla eventos que nos piden que sea más pensó en nosotros, nos dijo “están laburando reducida... Y ver la posibilidad de arrancar con esto hace un montón”, y bueno, me con temas nuevos... parece que cuaja todo por todos lados. D: Un montón de amigos y de gente que nos ¿Tiene canciones nuevas? escribió, también diciendo, "Che qué bueno D: Así que hayamos armado todos juntos


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no, pero ya algo hay para empezar. Ahora que tenemos la sesión encaminada, lo que sigue es eso,pero tenemos un disco recién editado y tenemos ganas de salir y tocarlo mucho... de focalizar ahí... K: Si, creo que le falta bastante al disco, es un disco largo y creo que tenemos que seguir tocándolo un tiempo más. Ahora en una semana tocamos en un teatro muy lindo que se llama “Hasta Trilce” en Almagro. El sábado 9 de Junio y el lugar es muy lindo porque es un cine viejo, reformado teatro, con butacas de cine... No van a poder bailar...(Risas)... K: Si, es verdad... N: No pero se van a sumergir en el clima de introspección (risas) y melancolía y todo eso. (Risas) ¿Dónde pueden comprar el disco? K: El sello tiene su tienda propia en Av

Santa Fe 2450 - Local 100, en nuestros shows, en los que organiza Innerme, porque ellos mueven la feria con todo su catálogo. Y en las disquerías Union y difusión, Mercurio Disqueria, Siempre Acampa, OnFire Discos y Vegan Records Store. El disco está empezando a llegar al interior así que eso está buenísimo. D: Tocar en el interior está en los planes... tenemos muchas ganas, porque venimos tocando bastante en Capital y nos dan ganas de salir un poco más... Para terminar... quieren agregar algo... K: Creo que hablamos todo... D: Tal vez agregaría a esto de que nos preguntaste si hay una escena o no... Estamos tratando de generarla, por eso esto de "Buenos Aires Nueva Ola" es una excusa para juntar un poco esas bandas que están sueltas... y empezar a armar algo...


LA MÚSICA COMO RITUAL [ Entrevista a Niabi Aquena de Searmanas por Benjamín York. Fotografías: Marcos Morteia, Alice Teeple y Boris Gas. ]


Tuvimos el placer de tener el álbum debut del proyecto “Searmanas” que esconde a la productora Niabi Aquena. Proyecto que experimenta con sonidos electrónicos que nos llevan desde el ambient hasta el ruidismo controlado por medio de hardware, todo bajo algunas voces utilizadas no como letras de canciones sino como sonidos ritualescos, excepto en los dos singles adelanto “Undo” y “Sea”. En julio se lanzará el homónimo álbum debut bajo el sello Cleopatra Records. Nos adelantamos a esa edición y charlamos cono Niabi para empezar a palpitar la salida de su trabajo.

Hola Niabi y gracias por responder nuestras preguntas. Para empezar ¿cómo y cuándo nace la idea de Searmanas? Fue justo después del Día de San Valentín, 2016. En ese momento estaba empezando el proceso de salir de mi banda, al darme cuenta de que necesitaba mi propia forma de expresión que no estaba ligada a la ideología de otro. Fue un momento bastante deprimente para mí, no me gusta tanto el cambio, como sabía que en ese momento la situación en la que estaba con mi banda era tóxica y desalineada. Sentados con un par de amigos, me pidieron adjetivos para el tipo de sentimiento que quería abarcar. Seguí volviendo a la idea de la música como ritual / como ceremonia, el acto de crear con intención y gracia: sabía que quería expresar un sentimiento de reverencia y, si tenía suerte, trascendencia. Eso, para mí, es como se siente la música, al menos lo bueno, trascendente, y quería que mi nuevo proyecto en solitario se sintiera de esa manera, quería que la gente sintiera algo al escucharme, algo que no fuera irónico ni tonto, pero atemporal y con absoluta sinceridad. Por supuesto, "Rituals" y "Ceremony" ya eran nombres de bandas, así que tuve que ser creativa. Soy media irlandesa, así que mis amigos y yo buscamos la palabra gaélica para "Ceremonial" y aparece Searmanas. Tan pronto como lo vi frente a mí lo supe. Searmanas nació esa fría y triste noche después del día de San

Valentín 2016. Nacido por necesidad, deseo de mejorar, integridad y mucho dolor. Hemos tenido el adelanto del homónimo álbum debut, el single "Undo". ¿Por qué has elegido ese track como single presentación? La mayoría de mi álbum está compuesto por componentes electrónicos no vocalizados, a excepción de "Undo" y "SEA". "SEA" es mi próximo single que cae el 5 de junio. Quería presentarme con pistas que tienen palabras. Creo que la gente tiene un mejor momento relacionado con canciones con voz. "Undo" es lo que considero mi canción pop ambiental [jaja], es la más tradicional en términos de formato musical en el álbum. También es una pista increíblemente genuina. Presentando mi primer single que no oculté mi voz detrás de un montón de efectos, con letras tan honestas y crudas como pude, sentí que era una base importante para establecer no solo para mis oyentes, sino para mí misma. Tu experimentación sonora va más allá de los instrumentos clásicos, habiéndose formado como una pianista clásica. ¿Qué es lo que se ha despertado en tí para buscar nuevas estructuras sonoras? Empecé a producir música electrónica hace 10 años. En los años 90 y principios de los 00, me encontré gravitando hacia el techno y el house, yendo a raves en Washington DC / Baltimore. Fue un momento hermoso, también fue cuando descubrí la música ambiental.

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Antes de ir a raves hasta altas horas de la madrugada, estudiaba teoría musical, piano clásico y voz. Supongo que hubo una serie de circunstancias que me llevaron a querer comenzar a hacer mis propios paisajes sonoros electrónicos, la acción inicial, la número uno, comenzó conmigo colaborando vocalmente con músicos electrónicos. Trabajé en varios temas con diferentes productores hasta que decidí trabajar para aprender sobre los tecnicismos de la producción de música electrónica. Sabía que mi experiencia de años estudiando teoría musical era una buena base, y creía que podría hacerlo una vez que aprendiera las cuerdas. Había una escuela de música en Brooklyn que tenía clases para la producción de música electrónica y hago el salto aprendiendo los pormenores del programa Logic, que es lo

que uso para grabar hoy. Sin situarnos en comparaciones absurdas... ¿qué artista te ha guiado hacia esta dirección sonora? Sin pensarlo demasiado, definitivamente Aphex Twin. Sus "Selected Ambient Works 85-92" [ambos volúmenes] siguen siendo mis favoritos. Amo el techno y adoro la música ambiental. Él encarna a ambos, combinando los dos géneros con una magnífica complejidad mientras se es experimental, sin miedo y ruidoso. Definitivamente moriría para encontrarlo algún día. También estoy en completa adoración de Jóhann Jóhannsson, el compositor islandés. Él murió recientemente, febrero de este año. Lloré todo el día ese día. Era alguien a quien realmente admiraba y esperaba reunirme con él algún día para


poder decirle cuánto significaba para mí y qué impacto tuvo en mí como compositor. Me encanta cómo su música combina elementos orquestales tradicionales con la electrónica contemporánea.

duda era solo un recipiente para el mensaje. Siempre trabajo de noche, para disgusto de mi vecino de abajo: odio tener que usar auriculares para trabajar, es tan restrictivo, pero la noche es mi momento y cuando estoy más viva. Después del proceso de mezcla Pronto tendremos el álbum debut bajo el sello con Josh, llevé las canciones a Black Knoll Cleopatra Records. ¿Qué nos puedes contar Studio donde Rafael Anton Irisarri hizo un del proceso de escritura y de grabación? increíble master analógico del álbum. Hasta Grabé todo en mi apartamento de Brooklyn la mezcla y el masterizado del álbum, nadie con la excepción de las voces para "Undo", había tocado las pistas, excepto yo. Les grité que fue grabado en The Glass Wall por Joshua a Josh y Raf por ser socios increíbles en el Valleau. The Glass Wall es un estudio de viaje. grabación boutique y también donde mezclé el álbum. De hecho, algunas de las canciones ¿Tienes pensado realizar algún vídeo tardaron meses en descubrirse, mientras promocional de "Undo" o de otra canción? que otras fueron escritas literalmente en una ¡Sí! "Undo" tiene un video musical que sesión. Por ejemplo, "Page 1" fue escrita en se lanzará justo después del lanzamiento una noche, simplemente fluyó, realmente no del álbum el 6 de julio. El video está lleno sé si estuve allí, quiero decir, obviamente, pero de simbología Diosa y Pagana. Fue filmada la noche en que se escribió esa canción, sin en Río de Janeiro, mi director vive medio

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tiempo en Nueva York y medio tiempo en Brasil. Coqueteamos con la idea de rodar en Los Ángeles, pero dado el concepto de video, el hecho de que mi director es dueño de su propia cámara RED en Río y costos de producción baratos, Brasil se convirtió en el lugar donde terminamos los dos días de rodaje. El video explora el ciclo de la vida, el crecimiento, el dolor, la rendición de curación y el renacimiento. La importancia tanto universal como individual de la ceremonia, el orden, la comprensión, el crecimiento y el caos... espacio, tiempo y momento.

lanzamiento. Ya he estado escribiendo cuál será el próximo trabajo, simplemente no estoy segura de que si será un álbum completo o EP. El tiempo dirá. Manténganse al tanto…

¿Tienes ganas de decirnos algo que no haya preguntado? Cuando comencé el viaje de descubrir quién es Searmanas y los sonidos que la definen, decidí que quería utilizar todo el hardware, todo analógico, sin computadora para respaldarme mientras tocaba en vivo. No tener una computadora como red de seguridad fue liberador y tremendamente Perteneces a Brooklyn-based media aterrador, ya que nunca había actuado de esa collective CHASM. Cuéntanos qué es esto. manera. Hay tanta calidez en el análogo, una CHASM es una serie de eventos curada sensación y un sonido tan distintivos, estoy por mi amiga Julia Sinelnikova, también tan contenta de haber perseguido tercamente conocida como The Oracle. Julia es una la idea y nunca haber mirado hacia atrás. artista multimedia que crea estos ambientes Recientemente me encontré a mí misma estructurales soñadores y de otro mundo protagonizando el agujero de la síntesis de luz refractada, hologramas y video. El modular y obtuve mi primer caso. He estado colectivo CHASM abarca una muestra aprendiendo cómo dar forma al sonido de una de arte visual y sonido innovadores. He manera más orgánica y táctil, aprendiendo participado en varios de los eventos como cómo aplicar parches a las frecuencias para músico, agregando mis paisajes sónicos a formar sonidos completamente a medida. los entornos físicos creados. Es un montón Esta idea nació una vez que supe que de escucha, y hermosamente colaborativo. El estaría de gira. Tuve que encontrar la forma verdadero corazón de Brooklyn es CHASM. de mantener mi sonido utilizando menos ¿Qué planes tienes para este año? equipo de lo que suelo hacer cuando toco ¡Me voy de gira! El lanzamiento de mi álbum localmente. Así que estaré de gira solo con está sucediendo en Detroit, que, aunque no es mi maletín, mezclador y procesador vocal. mi estado natal, es muy emocionante. El mes Ha sido un desafío divertido descubrir cómo de julio estaré viajando por todos los Estados hacer que funcione de una manera un tanto Unidos tocando canciones de mi álbum en coherente. Lo que sucede con los modulares diferentes ciudades y pueblos. Mantente al es que es difícil recrear tus sonidos, nunca tanto conmigo en las redes sociales, publicaré es lo mismo, lo que puede ser frustrante mucho en Instagram. Una vez que regrese a pero también muy gratificante ya que hay un Brooklyn, estaré trabajando en mi próximo descubrimiento constante.


101 ¿Dónde podemos encontrar a Searmanas? ¡Los lugares habituales! Aquí hay algunos enlaces... https://twitter.com/searmanas https://www.instagram.com/searmanas/ https://www.facebook.com/searmanas/ https://open.spotify.com/ artist/2k94sp3GqPwAbv0IuaNAjk?si=YY3ccZuVTgeZjzP7GQf0Gg https://soundcloud.com/searmanas https://searmanas.bandcamp.com/releases https://itunes.apple.com/us/album/searmanas/1378526812


EL RECOMENDADO Roben y Los Noruegos


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[ por Diego Centuriรณn. ]

CUANDo LA CANCIร“N ES LO IMPORTANTE


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Roben y Los Noruegos nació como un proyecto solista del cantante, multi instrumentista y compositor Roben Couso quien, tras un viaje inspirador por las costas de Uruguay, dio forma a las canciones de “Las cosas tienen un lugar” su álbum debut. Se trata de diez tracks de folk rock sutiles e íntimos en los que la atmósfera ensoñada de los atardeceres en las playas uruguayas se cuela por todos lados. Un álbum rico en matices, con un sonido cristalino y orgánico en el que conviven guitarras acústicas, pianos y banjos poniendo el foco en bellas melodías que transmiten letras entre melancólicas y oníricas. En el disco participaron Rodra López (quién además grabó la placa en estudios Omni) en coros, bajo y Synthe, Nicolas Valsecchi en batería y Ariel Ronchi en bajo, Synthes y Coros. Éstos dos últimos músicos finalmente pasaron a formar parte de Los Noruegos, que establecidos como trío comenzaron a tocar asiduamente por el sur del gran Buenos Aires, Caba y Rosario entre otros lugares. Recientemente, la banda editó el video de “Distancia” el primer corte del disco y ya está planeando la grabación de un segundo álbum. Web: http://robenylosnoruegos.com/ Facebook: https://www.facebook.com/robencouso/ Sopotify: https://open.spotify.com/album/7l4nwY7bdHGSgMDtbbxnJA Twitter: https://twitter.com/robencouso YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCoPzuCnGOKt2IX-QQNtDuiQ


[ Entrevista a Hiroshima Dandys por Marina Cimerilli. Fotografías: Marina Cimerilli y Sebastían Pani ]

A LA CANCIÓN NO HAY CON QUÉ DARLE


Todo parece indicar que ser románticoya pasó de moda, pero eso poco les importa a los Hiroshima Dandys. Ellos están perdidamente enamorados de la canción, y nobleza obliga, se siguen haciendo cargo.Sus trabajos discográficos, siempre cargados de himnos electropop tan filosos como entrañables, son prueba de ello, y de lo poco que les preocupa a estos trescoquetos trovadores de la era nuclearsubirse al vertiginoso tren de las tendencias.Aunque su debilidad son los sonidos de los ´80, Pablo “Mambo” Rivas, Babi Dior y Flori Li no descartan explorar nuevos territorios, y en su reciente EP, grabado en conjunto con Niños Envueltos, se dieron el gusto no sólo de homenajear a la movida madrileña que marcó dicha época, sino de intercambiar versiones con sus colegas. “Inventar el paraíso” vio la luz este año víaSólo le pido a Dior, sello de la casa, y mientras la placa sigue conquistando corazones vía streaming, sus artífices no pierden el tiempo; ya están en el estudio grabando su próximo material, el sucesor de “El lugar favorito de lo horrendo”, y también tienen casi listo un disco de remixes.

Mambo, Hiroshima Dandys empezó como un proyecto tuyo. Tratándose de una propuesta tan personal, ¿te resultó difícil abrirlo a otras personas? Mambo: Creo que lo que me costó fue mostrar las canciones. Mi idea siempre fue tener una banda, pero claro; si no tenía nada, ¿de dónde iba a venir esa gente? Entonces cuando lo conocí a Nico (Babi Dior), que en ese momento tenía un proyecto que se llamaba "Diskette" y era muy afín,pensé que si hacía falta un guitarrista, tenía que ser él. No hubo mucha vuelta; íbamos para el mismo lado, así que o él se sumaba a mi proyecto, o yo al suyo, y lo mismo pasó con Flori; si bien no buscábamos tener tecladista e incluso nos parecía cómodo el hecho de que cuanto menos seamos mejor, en cuanto vimos que tocaba y cantaba, y que cantaba mejor que todos, dijimos ¡ya está!, Babi: y además ocupa poco espacio… (Risas) Mambo: Claro, y le gustan los teclados chiquitos. Cierra por todos lados. ¿Y no te cuesta cuando tus compañeros opinan sobre lo que hacés? Mambo: No, no hay mucho de eso... Babi: No, claro, porque terminamos haciendo lo que vos querés... (Risas) Mambo: Yo creo que hoy sigo siendo más abierto de lo que realmente soy. (Risas)

Entonces, ¿hoy se transformó en algo conjunto, o todavía sigue siendo tu proyecto? Mambo: Yo quiero creer que no, pero... Babi: Por respeto, yo siempre considero a Hiroshima Dandys como un proyecto de Mambo, pero en realidad es de todos. De hecho en este último disco, el tema “Cassidy” está compuesto por vos... Babi: Si, es una colaboración dentro de un disco de diez canciones, y además el tema le gustaba mucho a Mambo, desde antes. No entraba en lo que yo hacía, y siempre quedó ahí esperando, hasta ahora. Y vos, Flori, ¿Cómo llegaste? Flori: A mí me descubrieron (risas)... Mambo: Nosotros somos pareja desde antes de que ella empiece a tocar en la banda; a veces le pedía que cante coros o que me ayude a grabar alguna cosa; ella no tocaba ni cantaba, y a mí lo que me gustaba era justamente eso, que tenía una voz sin “yeites” de chica cantante, más limpia y más directa, sin mucha floritura; me parecía genial eso. Flori, ¿Tu disco solista surgió en ese contexto? Flori: Sí, lo hicimos enun domingo a la tarde y eso fue lo que salió; ahora tengo que volver a hacer otra cosa, porque el público me reclama...

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(Risas). A mí me pasa lo mismo que a él, esto de que me da vergüenza mostrar lo que hago, pero peor… ¿Y cuando tenés que tocar en vivo cómo hacés? Flori: Es terrible. Lo peor que me pasó en la vida (risas). Lo bueno de estar con ellos, es que me responsabiliza a hacerlo, y hacerlo bien; o lo mejor que pueda. Me obligan a enfrentarme con eso que es tan terrible para mí.Siempre antes de tocar estoy con cara de orto, no hablo con nadie. Babi: Encima una cosa es si sos músico, pero ella recién arrancaba y enseguida la hicimos tocar, cantar, todo… ¡hasta nos fuimos a Perú a tocar en el Lima Pop Fest! Mambo, vos tampoco eras músico antes de Hiroshima, ¿cómo te resulta subirte a un escenario, y además, siendo frontman? Mambo: Sí, también la paso mal. Sin embargo se te ve bastante seguro… Mambo: Es que hay que hacerlo. El primer sentimiento que tengo, es que es un quemo; ¿quién soy yo para subir ahí arriba?, pienso, Pero enseguida me digo “tan importante no sos; andá, can-

tá, y no hinchés las pelotas”. Le quitás dramatismo… Mambo: Exacto, hay que quitarle solemnidad. Antes tenía una idea más estricta de cómo tenían que ser las cosas: uno tenía que estar vestido de tal forma, bailar de tal forma, cantar de tal forma, y ahora, si eso se da, se da de pedo. Yo voy, hago lo que hago, y ya está. Si eso tiene algo que ver con mi idea primigenia de cómo tenían que ser las cosas, es suerte. Ahora ya está; soy más un borracho que canta karaoke en un casamiento que otra cosa. Y si hay algo de lo otro, es porque lo consumí de alguna forma. Babi: También pasa que planeamos mucho cómo va a ser, entonces cuando vamos, hacemos eso y ya está. Mambo: No tenemos eso de "en este tema tiene que pasar tal cosa", yo me acuerdo de Toto (cantante de Adicta), por ejemplo, que miraba videos de Queen o Morrissey; eso a mí hoy me parece una locura, ¿cómo voy a mirar un video para salir a tocar? Me parecía que eso para él estaba re bien, y para mí en un determinado momento quizás también: "Ahh, cuando yo tenga una banda voy a ser Peter Murphy"... Flori: Pero no te sale... (risas)


Mambo: ¡Y no tengo que ser Peter Murphy! Tu propia versión de Peter Murphy… Mambo: Sí, algo de eso. ¿Qué lugar sienten que ocupa hoy el tecno-pop como género? Mambo: Creo que hay un tecno-pop medio de nicho, que es el que hubo siempre desde los ochenta hasta ahora; más de género, más depechoso, más Camouflage... es el verdadero tecno-pop. Después, hay un montón de bandas de rock que usan los teclados que haya que usar en el momento, o que su sonido tiene una reminiscencia ochentas, mismo bandas que suenan ochentas, pero tampoco es tecno-pop, es un sonido. Una cosa son los instrumentos que se usen, pero como género es otra cosa. Tampoco creo que lo que hagamos nosotros sea tecno-pop... ¿Y cómo lo definirían? Mambo: Por ahí lo de indietronic está bien... Babi: Yo me siento más cerca del tecno pop que del indie, sin embargo nos asocian más al indie... que tampoco se sabe bien qué es. Flori: Para mí, siempre que nos preguntan, es pop electrónico; porque lo pienso desde la construcción de una canción. Mambo es fanático de hacer canciones. Mambo: La piedra sagrada está ahí, en la canción; como dice Ricardo Iorio: "En la simpleza está la canción". Si no hay canción, no hay una mierda. Hay un montón de cosas, no soy un cabeza de termo. Pero.... a la canción no hay con qué darle. Después lo demás es sonido, es moda, va, viene, pero lo inoxidable es eso. ¿Y de dónde vienen tus letras, Mambo? ¿Tu mirada es tal como la plasmás en las canciones, o en la vida real sos más optimista? Mambo: No, estoy más optimista en los últimos años; pero de lo peor que te puede pasar, está lo mejor que podés contar. Podría ser más pesimista, pero a diferencia del vivo, en las letras soy más de estudiar y trabajar lo que quiero decir. Flori: hay palabras que no le gustan y no pueden estar...

Mambo: Sí; soy de trabajarlas mucho. Aunque por ahí hay algunas que salen de un tirón y es genial eso, incluso tal vez haya cosas que parezcan estar dichas a la ligera, o alguna rima hasta calamaresca, que queda mal, y por ahí está puesta a propósito. Quizás se fue corrigiendo veinte veces y queda por algo.Suena ridículo; ¿pero quién va a decir "caramañola" en una letra? Bueno, pongo "caramañola" en una letra. Porque es una palabra que está buena. ¿Son de ir a ver bandas? Mambo: Sí. Chico Ninguno, siempre que se puede, Electrochongo también, Ex-Colorado… El otro día con los Niños Envueltos tocaba Señor Tomate, que en vivo es impagable, y ella (Poli) es una campeona, y es algo así como la anti front-woman… no hay nada pre-estudiado y eso es hermoso también. Vos, Mambo, siendo tan melómano, ¿te sentís tentado de armar otros proyectos? Mambo: Siempre pienso en eso... con Nico decíamos de hacer un disco con batería y bajo, con la bajista de Electrochongo y el baterista de Chillan las Bestias. Quizás canciones, pero con otra vuelta... Babi: Más en formato de banda, con batería... Mambo: Buscarle un sonido a la batería, que nos interese, pero es algo que lleva su tiempo. Flori: A todos nos gustan cosas distintas, pero sin embargo dentro de la banda no nos limitamos; no decimos “bueno, hacemos un género, y va a tener que ser esto". O sea que esta exploraciónen torno al formato se podría dar tranquilamente dentro de Hiroshima Dandys… Mambo: Claro... Flori: El disco anterior, sin ir más lejos, es bien distinto a lo que venían haciendo ellos, más rockero; otra onda que yo ni me imaginaba que podía salir, y ahora quizás vamos a volver más a lo electrónico; pero tampoco va a ser igual a lo que hicieron antes. Eso de que no podamos definir bien qué carajo somos, te da un poco la libertad de poder ser cualquier cosa. Lo que te pinta en ese

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momento, o lo que te emociona en ese momento. Babi: Yo sí soy así, de querer siempre tener otros proyectos, pero tengo la experiencia de que no llega a nada, porque son dos meses de emoción con algo y ya después a otra cosa... (risas) ¿Escuchan bandas nuevas? Babi: No, yo escucho mucho bolero; en casa escucho bolero. Todo el tiempo. Algún día voy a grabar un disco de boleros. Mambo: ¡Es que eso entraría también en Hiroshima! Yo creo que el disco que estamos grabando ahora, no sé porque, es medio soul; pero un soul muy Spandau...o Simply Red, que le gusta a él… fue yendo para ese lado y por ahí en otro momento no nos parecía que podía ir en esa dirección; pero si la canción va para ese lado, está perfecto. A mí el bolero también me encanta, igual que la bachata… en vivo tocábamos un tema que era una cumbia peruana electrónica… Babi: Lo que no haría es grabarlo con los instrumentos clásicos del género. Entonces están grabando un disco, el sucesor de “El lugar favorito de lo horrendo” Mambo: Ahora estamos sacando uno de remixes del último álbum; calculo que en un mes

o mes y medio sale.Sellama "Confort y desesperación", en sus tiendas amigas. Y el otro que se viene, aún no tiene nombre. El tiempo de ensayos y de no tocar en vivo lo invertimos en meterle al disco, y éste tal vez sea un poco más complejo porquenos exige otras cosas; la canción nos exige darle una vuelta, un arreglo, una cosa... no sé cuál será el resultado, pero ahí están las canciones, que te piden eso, ¡y dale! Babi: y lo estamos grabando más en conjunto con Peta D´agostino, que en el disco anterior cumplió la función de técnico de grabación, pero ahora es más productor. ¿Cómo surgió la idea de homenajear a la movida madrileña con el cover de “Para Ti”, de la banda Paraíso? Mambo: Creo que fue cuando tocamos en el festival Fuga Jurásica que Tonga, el cantante de los Niños Envueltos, había mencionado que querían grabar un cover de ese tema, y a ver si nos copábamos en grabar algo... Babi: Aparentemente nosotros también lo teníamos en mente... no sé si teníamos la idea... cuestión que en un momento estábamos en un EP con los Niños.


111 También remixaron un tema de ellos, y a su vez ellos versionan una canción de ustedes… Mambo: Lo del remix también viene de antes. Cuando escuché el último EP que habían grabado, le dije a Tonga que quería hacer un remix de ese tema; me había mandado las pistas, y como estábamos haciendo cosas juntos, propusieron hacer un cover de un tema nuestro, y terminó cerrando por todos lados. Aparte es una banda que nos gusta y somos amigos. Son gente hermosa, y son muy genios. El protagonista de su último video es nada menos que Luis Vitette Sellanes, uno de los cerebros del famoso “Robo del Siglo”. ¿Cómo se dio esacolaboración tan peculiar? Mambo: Ese fue el gran golpe que planeó Nico González y se le dio. Él, un tipazo. Flori: Lo hizo completamente de onda y se lo tomó muy en serio, se bancó un montón; co-

sas que sólo nosotros sabemos. ¡Yo no hubiera aguantado eso y estoy en la banda, imaginate él! Mambo: Pero también lo que tiene el tipo, y lo más lindo, es que es un laburante; cuando hubo que hacer algo el tipo se puso, lo hizo… ¡bueno, ha laburado más en seis meses que en toda la vida de uno!Se tuvo que poner un traje y estar diez horas al rayo del sol cavando un pozo, encima se había operado hacía poco de la vista... Babi: le dijeron que tenía que tener cuidado con la luz, que no le diera mucho en los ojos...le daba el sol directo y se la re bancó. Flori: Lloraba pobre, pero se secaba y seguía. Un titán. Mambo: El tipo estudio actuación y se notaba; se notaba que había estudio ahí, no es que era un cara rota. Es que él había estudiado teatro para el golpe, para que lo saque a la fama. Babi: Un sueño cumplido.


[ Entrevista a Tonga de Niños Envueltos por Diego Centurión. Fotografías: Diego Briatta y María Fernanda Lino. ]

CON LA INOCENCIA AL FILO DEL CUCHILLO


Hace tiempo que queremos tenerlos en nuestra revista a uno de los exponentes más interesantes del pop independiente de Buenos Aires, una banda de culto, amiga de muchas bandas que circulan dentro del under de Buenos Aires. Cada show es una fiesta que congrega tanto al público como a distintos músicos y bandas que, a veces, terminan coreando sus canciones, como si fuesen unos dinosaurios del Rock. Pero bien alejado está del denominado mundo del rock, Tonga se construye a sí mismo a base de canciones que tienen como base la inocencia al filo del cuchillo. Recientemente se ha unido a Hiroshima Dandys en un single que evoca la movida madrileña de principio de los ochenta, pero Tonga es esto, pura fantasía y canciones. Un personaje totalmente querible y fácilmente adorable. Encadenando la entrevista anterior con los Hiroshima Dandys que termina con preguntas sobre "Para Tí" empezamos por este single.

Para empezar vamos con el single que han editado recién junto a Hiroshima Dandys. ¿Cómo nace la idea de este trabajo? Veníamos hace tiempo con ganas de grabar una versión de "Para ti". En nuestra fantasía estaba la idea de cantarla a dueto con Mambo, pero no nos animábamos a preguntarle. A fines del año pasado Hiroshima tocó en el Museo de Ciencias Naturales y después del recital salió una charla sobre la movida madrileña provocada por nuestra versión en vivo de "El eterno femenino" de La Mode. Después de un rato les contamos que pensábamos grabar "para ti", y crease o no, resultó que ellos también estaban pensando en grabarla. Así que nos sorprendimos y decidimos grabarla entre las 2 bandas. Por lo visto te influenció la movida madrileña. ¿Qué otras bandas de esa movida te gustaría versionar? En general me gusta gran parte de la música independiente española. Me gustaría grabar alguna canción de La Prohibida y de Family. Pero respondiendo a tu pregunta, vamos a grabar El eterno femenino en el próximo disco y después ya no creo que grabemos otra cosa de esa movida. Aunque nos gusta mucho Berlanga, Los zombies, Radio Futura, Alaska, McNamara. Igualmente no creo que hayan influido tanto en la música que hacemos. Y las otras dos canciones del single ¿Cómo fue el proceso de elección de la canción de Niños y de Hiroshima? Ellos ya hace un tiempo nos habían dicho que querían hacer un remix de una canción nuestra.

Nos habíamos colgado en pasarles las pistas de la grabación, cosa que estuvo muy bien, porque pudimos sumarlo al EP. Y nosotros decidimos entre las canciones que más nos gustan de Hiroshima, estábamos entre El Interama, Ocho horas y La inundación. A mí las letras de Mambo son las que más me gustan del rock nacional actual. En su versión hay un seleccionado de amigos conocidos por nosotros, ¿cómo fue reunir a todos y la grabación, una fiesta? Sí, fue lo último que se grabó del EP y festejamos, estábamos contentos. Tenemos la fortuna de que gustamos de las bandas de nuestros amigos y es recíproco. Entonces sólo es cuestión de invitarlos a participar. Así se sumaron Los Darwin, Gente Conversando, El Gran Búfalo Blanco, Cariño, Yuli, Patagones Conector y Tomás Stagnaro, que también nos grabó y mezcló. Y ¿crees en el "Rock Nacional" como generador de ideas nuevas o crees que el llamado Rock Nacional pertenece a un pasado recalcitrante? Yo soy de pensar en las escenas más que en un "Rock Nacional". Me gusta saber que hay una movida musical que no se siente interpelada, ni identificada con los "Próceres" del rock nacional. Las palabras "Nacional" y "Rock" no me gustan. Pero a veces sirven para englobar toda la música que se hace dentro de un país. Y por ejemplo, poder decir que para mí Hiroshima tiene las mejores letras de la música argentina. Y hablando un poco de música ¿Cómo ves la movida indie en Argentina?

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Nos gusta Sr Tomate y algunas bandas más. Entramos estrictamente en Niños Envueltos. ¿Por qué el nombre? Lo tenemos desde el 2005, nos habían invitado a tocar en un festival en plaza de mayo y no teníamos nombre. En ese momento yo era muy fan del surrealismo de André Bretón. Lo leía mucho y trataba de vivir de esa forma. Así que el día antes del festival miré el cartel de la rotisería de la esquina de casa. Y le puse a la banda el nombre del menú del día, que era niños envueltos. Y desde ese festival ¿quiénes te acompañan

hasta hoy en la banda? Y ¿quiénes se unieron en la formación actual? Hubo cambios. En esa formación ya estaba Franchi, el guitarrista; y mi hermano Fede, que tocó la batería hasta el 2016. En el 2010 se sumó Nico en trompeta, que aún sigue en la banda. Y desde el año pasado se sumaron Paul y Naka, en batería y bajo. Y Yuli que toca percus o participa de diferentes formas. Si hay algo que caracteriza a Niños Envueltos, y el sello característico es la manera en que vos cantás. ¿Quién te influenció (si alguien lo hizo)? o ¿es algo natural que se dio así? Porque la sensación que tengo cada vez


que te escucho es que decís cosas terribles de manera dulce y como si estuvieses contando un cuento de hadas. Me cuesta saberlo porque no es algo que haya planificado. En un momento me salieron algunas canciones que ya venían cantadas de esta forma, es algo que disfruto hacer. Creo que un poco me influenció el Zorro Clemenceau de Los del bohio y algunos otros cantantes de cumbia. También siempre quise cantar como Donovan y Stuart Murdoch, pero son muy buenos, entonces termina saliendo algo diferente por la imposibilidad de imitarlos. También me gusta cómo interpreta Nacho Vegas sus canciones, creo que hay algo de él también. "El último casette del parque" (2013) fue el debut, y la verdad que el sonido de la banda ya estaba planteado en ese momento. ¿Qué ha cambiado para vos de ese primer álbum al EP del año pasado "Un negocio de alquiler de bombas"? La idea del segundo EP fue agrupar unas canciones que quisimos que suenen a pop barroco de los 60. Creo que nos pasó algo similar a lo

que te decía sobre mi forma de cantar. No podemos imitar a Left Banke o a The Zombies, pero en ese camino vamos encontrando algo diferente. Me gusta que pase eso, porque aparecen cosas nuevas y tampoco tendría sentido hacer un calco de algo. Y en esa búsqueda te hiciste un tiempo para el dúo "Yuli y Tonga". ¿En qué estado se encuentra ese proyecto? Con Yuli y Tonga tocamos mucho en vivo. Al principio hacíamos covers de Niños Envueltos, pero ahora ya tenemos un repertorio propio y en algún momento vamos a grabar algo. ¿Tienen pensado grabar pronto? Con Niños Envueltos tenemos 16 canciones y muchas ganas. La idea es grabar en junio, lo que nos está frenando es la cuestión económica, nos hace falta un mecenas. Ojalá podamos grabarlas todas. Estuvieron por Perú, contamos esa experiencia Fuimos a presentar "Un negocio de alquiler de

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bombas", que lo editó en CD "Colectivo Manifiesto", un sello de allá. Estuvimos 10 días. Tocamos en el Lima Popfest, que estuvo buenísimo y además terminamos tocando en 7 lugares más, porque nos iban invitando en el momento. Conocimos gente muy linda y nos recibieron con mucho cariño. Estamos viendo si podemos volver el año que viene. Perú es un país que suele recibir muy bien a las bandas argentinas. ¿Dónde más han tocado en el exterior? Sólo fuimos a Perú y varias veces a Montevideo. El año que viene la idea es ir a Chile. Y quizás a Paraguay pasando por Chaco, algo que íbamos a hacer este año pero al final no se dio. Las redes sociales suelen acercar a los músicos con público de otros países. ¿Qué aceptación crees que tiene Niños Envueltos en el resto de Latinoamérica? No somos una banda conocida. Pero por las reproducciones en Spotify o YouTube, o por comentarios que nos llegan, vemos que hay gente que escucha nuestras canciones.

Pensando en las redes sociales, ¿qué pensás de la descarga gratuita de discos? Nos gusta que la música se comparta y se difunda, sin que lo económico sea un impedimento. Volviendo a Niños Envueltos... ¿Qué planes hay para este 2018? Queremos grabar un disco largo que nos gustaría sacarlo este año. Después tenemos un par de viajes, creo que vamos a volver a Montevideo, ir por primera vez a Rosario y también una mini gira por la costa. Sería eso y seguir tocando seguido por acá cerca. Y para terminar ¿qué te gustaría agregar que no haya preguntado? Quisiera invitarlos a la presentación de "Inventar el Paraíso, el sábado 2 de junio en Espacio Cultural Mi Casa. El lugar queda en Agüero 787, por el abasto. Vamos a tocar junto a Hiroshima Dandys, Los Darwin y Gente Conversando. Y además Patagones Conector va a musicalizar en vinilo hasta bien tarde. La idea es festejar la salida del disco.


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NETLABELS EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK


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SIGLO XXI. Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de distribuir y comprar música, las grandes compañías se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan a tambalear… pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio. Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes sociales para promocionarse. Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable, más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y lanzan sus productos independientemente. Si sumamos esto último la cantidad aumenta considerablemente. En el Universo de los sellos independientes, o que tratan de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos especializados en estilos particulares de música y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”. Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos, con la idea de que el interesado busque y se entere de estos sellos o netlabels.


Hoy presentamos a la Netlabel:

NO DEVOTION RECORDS

Continuando con este Nuevo segmento en donde presentamos los sellos virtuales, hoy nos aprestamos a enseñarles un sello de Los Ángeles, California (EEUU.) llamado No Devotion Records. Fundado por Mario Alberto Cabada en el 2016, nacido en Sacramento y de la necesidad de conseguir una conexión personal con el arte. Este mejicano de nacimiento lleva una tarea prolífica y de gran calidad, con oficinas en Brasil y en Méjico, más allá de la sede central en Los Ángeles, California. Posee oficinas en la Ciudad de México En su facebook podemos leer un eslogan que habla por sí sólo: “Resucitando la distribución de la música el modo antiguo, utilizando la mano de la tecnología...” Pero como solemos hacer, nos enfocaremos en sus ediciones, en este caso las últimas de de este año, que son varias: Links: corundaproducciones@gmail.com nodevotionrecords@gmail.com http://nodevotionrecords.com/ https://www.facebook.com/Nodevotionrecords/ https://www.instagram.com/nodevotionrecords/ nodevotionrecords.bandcamp.com


Vox Humana - Dance To Dead (Anatomical Forms To Die) Origen: Veracruz (México) Fecha de lanzamiento: 11 de mayo de 2018 Vox Humana es un trío formado por Alí Beristain / Álvaro Urrutia / Paco Almazán.

The Blue Hour - The Flowering Sky Origen: Seattle, Washington (EEUU). Fecha de lanzamiento: 30 de abril de 2018 Dúo compuesto por Marselle Hodges y Brian Hodges.

Bulbo Project - Satan Aki Origen: Mérida (México). Fecha de lanzamiento: 14 de abril de 2018 Dúo compuesto por Sr+Freak 247 y Tom+Kaoz.

The Blue Hour - Moving Forward Origen: Seattle, Washington (EEUU). Fecha de lanzamiento: 27 de marzo de 2018 Dúo compuesto por Marselle Hodges y Brian Hodges. Con la participación de María Grig y Amy Denio.

Xorcist - Legion Origen: California (EEUU) Fecha de lanzamiento: 23 de marzo de 2018 Es un proyecto de Bat (Peter Stone).

Shagreen - Darkest Place Origen: Warsaw (Polonia) Fecha de lanzamiento: 05 de marzo de 2018 Es un proyecto de Natalia Gadzina.

Black Needle Noise - I Am You Origen: Los Angeles, California (EEUU) Fecha de lanzamiento: 20 de febrero de 2018 Es un proyecto del reconocido productor John Fryer. Participan Dr. Strangefryer, Bill Leeb Y Tara Busch.

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EN LA MIRADA DE LOS OTROS


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Hoy:

Spiritualized Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (1997)


Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space Label: Dedicated / Arista Fecha de Lanzamiento: 16 de Junio de 1997. Este espacio suele ser de reseña de un álbum entero de un artista o banda, en esta entrega nos dejamos llevar por los sonidos espaciales y lánguidos de, tal vez, uno de los mejores álbumes del space rock de la historia.

Track 01: "Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (I Can't Help Falling in Love)" POR MARIO LO FARO (CLUSTERSUN)

“La canción principal es un destacado de un álbum de destacados. Comienza un viaje de 69 minutos que refleja el dolor incesante y crudo de la angustia en detalle (después de la separación de Jason Pierce de la tecladista Kate Radley, cuya voz plana y casi robotizada introduce la canción), pero también a fines de los 90s post-rave estado de ánimo de abuso de drogas. "All I want in life’s a little bit of love to take the pain away", canta Pierce en su confesión más íntima y cotidiana, un aullido desesperado vestido con una suntuosa textura hecha de voces y órganos de varias capas, con un ambiente de ensueño. La canción está basada en la melodía de 300 años del Canon de Pachelbel y se desvanece en las líneas de Elvis Presley. "Wise Men say

POR CHELO LARES (FLORES DE SINALOA)

“Esta gema, que da apertura a uno de los discos más importantes del rock, es sin dudas un claro ejemplo del fuerte de Jason Pierce. Como un arquitecto del sonido, va desarrollando y construyendo esta pequeña pieza orquestal en clave gospel, las capas se van superponiendo y encastrando entre sí, la voz se regocija en la melancolía y la incertidumbre, reclama amor, y pide la ansiada tranquilidad. La obra llega a su clímax, está terminada, un gran monolito que parece no tener final, estamos todos flotando a la deriva y no sabemos a dónde nos dirigimos”. only fools rush in / But I can’t help falling in love with you": citas que agregan algo extraordinariamente especial a un hermosa canción.”

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Track 02: Come Together POR CARMINE CESTARI (CONDUCTOR DE PROGRAMA EN RADIO GBJ ALTERNATIVE ROCK WEB RADIO NETWORK)

“Come Together, una canción que creo, representa completamente la fábula de los Spiritualized, hay elementos de psicodélia, de alma de coral, de repetir el título como un himno real, de cantar al unísono con los fanáticos.

POR PEDRO DAMIAN (SHOEGAZER ALIVE)

Come Together fue el tercer single extraído de Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space, tercer álbum del Spiritualized - para mí el mejor de ellos. La música (que no tiene nada que ver con las homónimas de los Beatles y del Primal Scream) trae a Jason Pierce sumido en otro viaje psicodélico, con letra que sugiere el suicidio de un joven Johnny (¿sería una auto-referencia?), y un coro cantado exhaustivamente teniendo un arreglo con vientos al fondo que da una sensación de desesperación.


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Track 03: I Think I'm in Love POR CLAY ANDREWS (THE SPIRAL ELECTRIC)

"Trascendente" es un adjetivo que es un cliché cansado, excepto cuando se describe casi todas las canciones espiritualizadas, y esta canción es un excelente ejemplo. Las partes dispersas y en capas se unen en un surco irresistible que atrae al oyente a lo largo de su estela. La paciencia confiada del arreglo y la voz festiva con sus letras de punto / contrapunto lo hacen inconfundible, un sonido distintivo de elementos aparentemente dispares pero magistralmente combinados. Es uno de mis favoritos, como es el álbum, un verdadero clásico.

POR FERNANDO BLANCO (RUIDO BLANCO, VALLE DE MUÑECAS, 100% FILMS)

“Una canción circular con melodía a lo Tomorrow Never Knows, donde no se sabe cuál es el principio ni el final. Exquisitamente arreglado para que entre guitarras slide, bajo Dub, teclados en espiral, armónicas en son de blues, batería en acentuaciones inversas, se vaya construyendo el sentido de desorientación de un viaje de heroína (hoy me resulta un poco naif la letra, debo admitir) coronado por un crescendo de coros góspel, sección de vientos deudora de los Memphis horns de Stax y violines voladores. Con cada escucha aparecen nuevos detalles. ¡Ponéte los auriculares y a flotar!”.


TRACK 04: ALL OF MY THOUGHTS

POR DANDY LEE STRICKLAND (REVERENDS)

“Descubrir a Spiritualized cuando era un hombre joven fue una parte integral de mi desarrollo. Era fan de Spacemen 3 y Pure Phase y Laser Guided Melodies, y LAGWAFIS fue el álbum de transición para todos nosotros. Como todo un conocedor de Spaceman, "All of My Thoughts" siempre me pareció, con toda su belleza, el último de una era específica de Spiritualized que podría haber estado fácilmente en uno de los dos primeros álbumes. Es apropiado donde está en un conjunto perfecto de canciones, entre Think I'm in Love y Stay With Me. Una transición entre dos destinos en este viaje arremolinado e intemporal. Una canción que parecía definir la era de Sean Cook sin ser uno de los obvios "go-to". Es una canción que te encontrará.

Una de esas canciones. Una noche en particular en Portland, O hicimos una fila en la sala de convivencia gigante con sofás de buena voluntad y teníamos un Be-in. La música estaba al azar y no teníamos forma de saber qué iba a suceder a continuación. Los primeros segundos de Todos mis pensamientos fueron totalmente diferentes, fuera de contexto, al resto del disco. Recuerdo que el piano hacía cosquillas en nuestros sentidos y nos follaba mientras nos sentíamos atraídos por las palabras sentimentales e inmediatamente reconocibles de Jason. Oh, mierda! En ese momento los cuernos después de la resolución pueden ser el sonido más celestial y alegre que haya escuchado. El trabajo es una verdadera lección de dinámica para los rockeros espaciales. Bastante casi como una melodía de Motown antes de que explote una explosión de guitarra clásica; haciendo que el oyente se pregunte qué son estos pensamientos dulces y una vez dulces. Al igual que todo el disco, parece que Jason y la banda se enfrentan a algo jodido y encuentran comodidad y una salida en la música. Aquí, presentan lo dulce y lo trastornado, pero nunca en el aglomerado fabricado del día y la edad de 97. Al final del día siempre te alejas sintiéndote como si todo estuviera bien después de escuchar "Todos mis pensamientos" y todo de LAGWAFIS. Consuelo para todos los niños jodidos del mundo”.


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POR FER CARPENTER (TRÓPICO DE CÁNCER)

"la calma después de la tormenta", el tema cuatro del disco, la letra refleja tal cual la música, van a acompañados de una manera digna de ser filmada y que me sentía totalmente identificado, esa sensación que tiene uno cuando termina una relación y no pensar en uno, si no en la otra persona, sentirse que está perdido y de repente estallar sabiendo que uno no está viviendo su vida si no de recuerdos. De la misma manera que pasa con la letra pasa con la música, empieza con ese pianito de manera casi psicótico repitiéndose tal cual a como uno se come la cabeza pensando en algo sin solución y termina explotando en una catarsis sonora de armónicas y guitarras con toneladas de electrici“Recuerdo cuando salió este disco (la- dad acompañadas por una batería que roza dies...) como si fuera hoy. Lo acompañe a el free jazz más salvaje, para después repoDarío Martínez a comprarlo el mismo día que sar entre colchones de teclados y darte otra salió a la venta, y al verlo ya era algo que descarga eléctrica, donde parecen que los teníamos unas expectativas enormes, esa recuerdos estuvieran luchando en la cabecaja con prospecto médico, el cd en un blis- za de uno, mezclando todo tipo de melodías ter como si fuera una aspirina gigante que que van y vienen, para luego reposar nuedaba cosa abrirlo, era algo emocionante y vamente como si hubieras destruido media de una curiosidad insoportable que nos bolo casa después de un ataque de nervios y no la cabeza al segundo de darle play. queda más que juntar los pedazos mientras All of MyThoughts o como prefiero llamarla que sabes que todos los pensamientos son sobre la persona que extrañas”.


TRACK 05: STAY WITH ME POR STEVEN SON RANCH DAVIDIANS (THE STEVENSON RANCH DAVIDIANS)

“En la típica manera Espiritualizada, esta canción encantadora comienza de la manera más mínima posible, luego adquiere intensidad en su totalidad antes de terminar en una gloria hermosa y majestuosa. La canción comienza con un ruido ambiental muy agradable que supongo que es el secuenciador que se utilizó en todo el álbum, seguido de lo que suena como una parte de bajo que se reproduce muy alto en el diapasón para establecer el ritmo. A continuación, se introduce una parte de deslizamiento de guitarra simple pero cautivadora, estableciendo el tono de la canción y acompañando perfectamente las voces típicamente lánguidas de Jason Pierce. Esta es una canción a la que no le he prestado mucha atención en el pasado, un poco "profunda" en el álbum, pero seguramente tan buena como cualquier otra canción de uno de mis artistas musicales actuales favoritos”.

POR MARTÍN CAJALES (GENTE CONVERSANDO)

Spiritualized es una banda que me gusta bastante y que curiosamente me hace pensar en los discos que presté y jamás volvieron. (Si estás buscando Amazing Grace y de casualidad leés esto, no busques más porque lo tengo yo). Quédate conmigo, Amazing Grace. Pero la canción en cuestión es Stay With Me, que está en otro disco de Spiritualized llamado Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space. Pienso en los discos que nunca volverán y pienso también en lo solos que estamos en el espacio; en la poca importancia que este asunto tiene mientras pongo la canción en repeat incontables veces. Staywith me es un bolero narcótico. Una canción de amor simple pero llena de explosiones y de colores fríos. La aparición de los instrumentos y de los efectos es progresiva, en el buen sentido de la palabra. Es alegre y es sensual. La cuchara está helada pero se calienta poco a poco. La apuesta se va redoblando durante todo el tema y el pecho se me infla. ¿Estamos solos en el espacio? Quédate conmigo, Stay With Me. Quedáte 8 o 10 minutos más, porque siempre me gustaron las canciones largas.


TRACK 06: ELECTRICITY POR KIM FIELD (THE STARGAZER LILIES)

e-lec-tric-i-ty Un estado o sensación de excitación emocionante. "La atmósfera estaba cargada con una electricidad sexual peligrosa" Jason Pierce escribe “Driving fast down a one way street, Lord of loving you dance so neat, Baby try not to hit the sky, Baby try not to make me cry, I said electricty, Electricity, Electricity, Electricty, Turn it on” Electricidad La canción emana el clásico space-psychrock con sus hipnóticas guitarras drone, órgano, armónica, tambores estruendosos y su producción inmersiva. ¿De qué nos sirve a los fanáticos de la música el hecho de que somos adictos a lo que surge del viaje personal al infierno de un artista? "Ladies and Gentleman we are Floating in Space", una colección de historias de angustia insoportable, vida como artista, vida en el camino y orgías de drogas malévolas. NME nombró al álbum Ladies and Gentleman # 1 del año en 1997, arriba de “OK Computer” en el # 2. Un clásico instantáneo. “Electricity” pinta una imagen en una vista dolorosamente panorámica de lo que parece ser el viaje de ida al infierno de Pierce. Sin embargo, incluso veinte años después, no podemos tener suficiente de este lugar oscuro y peligroso.

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TRACK 07: HOME OF THE BRAVE POR JASON WAGERS (NOVA FLARES)

Las palabras que diría para ese álbum son: Innovador. Capas. Edificio. Bien compuesto. Espeluznante. Domar. Caótico. Cuando escuché por primera vez ese disco, me sentí MUY emotivo y agradecido por todas las personas en mi vida. Eso es lo que la introducción me hace sentir.

POR GUAZUNCHO (GUAZUNCHO)

“"Home Of the brave" es uno de esos temas que logran captar una esencia en pocos minutos. La esencia de los problemas que pasaba Jason por ese entonces o también la cura para esos problemas. Hay un sentimiento general que se aprecia desde la letra hasta la instrumentación. La repetición primero suave para después volverse más intensa es lo que para mi genera un paisaje de transición entre los temas del disco.”


TRACK 08: THE INDIVIDUAL POR MANFREDI LAMARTINA (NOVANTA)

"The individual" es una canción misteriosa e instrumental, muy ruidosa y muy ambiciosa. Me gusta porque esta pista puso el álbum completo en una perspectiva más vanguardista. Es una música desafiante y con visión de futuro: me gusta escucharla de noche, conducir en mi automóvil sin una dirección particular, solo lejos de cualquier cosa que me moleste.

POR GARDY PEREZ RUIZ (UN.REAL)

“The individual es la culminación de ese space gospel que Spiritualized nos llevaba predicando desde Lazer Guided Melodies y Electric Mainline. Unas bandas aprovechan los samplers y las guitarras para crear sus walls of noise, pero Jason Pierce lo hace orgánico. Secciones de vientos entrelazadas con guitarras disonantes y teclados abusando una nota. ¿Celestial? probablemente. Sin duda, el mejor disco de su año, seguido por Ok Computer de Radiohead. Spiritualized fue directo a la vena del desamor con este disco. The Individual es el ruido cuando nuestras cabezas no tienen respuestas y el corazón nos lo complica”.

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TRACK 09: BROKEN HEART POR LAURA IACUZIO (REV REV REV - KOOL THINGS MUSIC PROMOTIONS)

“Broken Heart es un viaje a las profundidades de la pena y la pérdida, pero suena tranquilo y etéreo. Con cuernos y cuerdas añadiendo épica a las voces desgarradoras y susurradas, la canción tiene una sensación de otro mundo que la hace levitar. Aunque la canción explora los mínimos extremos de la separación (el álbum completo es una especie de concepto sobre el amor y la pérdida), Pierce siempre ha negado que se refiera a su propia separación de Kate Radley. Y letras como "Aunque tengo un corazón roto / Estoy demasiado ocupado como para romperme el corazón" parecen distanciar al autor del tema de la canción, tratando de sacarle el máximo partido al concepto de la canción, pero dejando intacto el paisaje sonoro enrarecido y perfectamente consistente”.

POR IVÁN MIRABAL (IGUANA LOVERS)

Balada para un loco. Corazón Roto

1) Escuchando Spiritualized en el Belgrano Sur. Yendo de V Madero a Pompeya… 2) Cierro los ojos. La canción, me habla de redención, de súplica, de seguir adelante... aunque tengas el corazón roto. Es una canción clásica, en el sentido de un médico brujo, casi sinfónico. El dolor y el vacío posterior, que no se puede llenar con nada. Solo tiene que curarse. 3) Siempre que escucho Spiritualized, recuerdo el momento en que leí un artículo de Arthur C. Clarke, en una revista en los 70s. Yo tendría 7 u 8 años. En dicho artículo, él decía que para 1980 y pico, aproximadamente, la humanidad ya habría conquistado el Sistema Solar. Tendríamos bases en la Luna y Marte…Y me acuerdo también de cuando jugábamos a ser astronautas con mi hermano. Pero los gobiernos nunca estuvieron a la altura del sueño de Clarke, ni de los nuestros, obviamente. En fin, historia conocida. (Aunque tengo un sueño roto / Estoy demasiado ocupado para estar soñando contigo Hay muchas cosas que debo hacer / Señor, tengo un sueño roto) 4) Abro los ojos. Llego a Pompeya. La gente baja apurada. La canción es la misma, en me-


dio de la misma ciudad amarillenta, con personas durmiendo en las veredas. Extraño flotar en el espacio. Caminar en la gravedad cero… (Y estoy perdido todo el tiempo / Tengo que sacarte de mi mente Me han dicho que esto curará el tiempo dado / Señor, tengo un corazón roto) 5) Spiritualized. Sonidos de cosmonautas, devenidos en farmacéuticos del soul espacial. Drogadictos del gospel, de la redención cósmica. Distorsión. Free jazz, ambient noise, Dios y el Diablo, la Biblia y el Calefón. Amor. Drones. Vudú galáctico. Niños envejecidos dibujando el futuro de antaño…“Ladies and gentlemen…”, el remedio sin receta, y la realidad mi enfermedad. 6) (Y estoy llorando todo el tiempo / Tengo que mantenerlo cubierto con una sonrisa Y seguiré avanzando por un tiempo / Señor, tengo un corazón roto

TRACK 10: NO GOD ONLY RELIGION POR RAFAEL CONRADO BÜHRER (COISA SONORA)

Spacemen 3, el gran barato de sumergirse en el sonido de la banda es explorar las texturas sonoras y capas. La banda sigue una estructura experimental, a pesar de una cierta semejanza y ciertas sonoridades bien Brit Pop, que recuerdan Blur o Primal Scream. La banda en cuestión, "No god only religion", es un experimento con elementos sinfónicos y las cacofonías típicas de las bandas noise y shoegaze. El Spiritualized parece tener pensamientos y filosofías bien claras, que suelen estar presentes en los títulos y en las letras, pero aquí el ejercicio “Spiritualized es una banda de secta, de es sólo sensorial, la crítica del título queda personas apasionadas por un cierto tipo de en el campo más subjetivo, un hecho típico sonido, una cierta manera de ver la vida. de estos estetas de la música tan críticas y Fuera de estos círculos, difícilmente es una llenas de ironía, pero que detrás de todo el banda que funcionaría como, por ejemplo, escepticismo, cargan no sólo en el nombre, para grandes audiencias de oyentes más sino en toda la obra una latente espiritualidad casuales o medias. y sentimiento de comunión con cualquier loco Como el Slint y su banda hermana dispuesto a oírlos.”

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POR MÁXIMO MARIO LORDA (OTOÑO)

marcando un riff predominante (a lo que se le van sumando vientos), no parece adelantar lo eleva al tema a otro nivel: luego de un redoble exquisito, aparece el tremendo Groove que provocan el bajo y la batería. Sean Cook y Damon Reece me remiten a Reni y Mani, sólo que explotan al extremo lo que supo hacer tan bien Stone Roses desde la base rítmica. Y es gracias a esa base contundente que le permiten a Jason Pierce como a Kate Radley -así como los músicos invitadoscrear un caos absoluto: melodías que se cruzan, ideas que aparecen para luego caer debajo de otro astuto cambio inesperado, Cuandounoescucha"LadiesandGentlemen guitarras noise, vientos, cuerdas, etc. etc. We Are Floating in Space" sabe desde el etc. etc. Es cuando el tema alcanza su punto primer track que se va a encontrar con algo máximo, cuan piedra gigante que Sísifo épico, inusual, irreverente, irrespetuoso. debía acarrear montaña arriba hasta la cima, El track "No God Only Religion" en particular que cae dejando lugar a la siguiente canción, es todo eso junto. Ya la intro, con guitarras Cool Waves, provocando en Spiritualized la espaciales, campanas y unas cuerdas graves necesidad de volver a empezar. POR DIEGO VALENTE (DV PRENSA Y COMUNICACIÓN MUSICAL)

Uno de los momentos más volados de un disco voladísimo. Este verdadero monstruo deforme, instrumental de algo más de cuatro minutos es difícil de atrapar: una pizca de free jazz con vientos ambientales, mucha psicodelia, una extraña intro espacial y un bajo que remite al primer Roger Waters (cuando era el segundo de Syd Barrett y no el megalómano que llena estadios). De hecho, la principal referencia de “No God Only Religion” parece ser “Interstellar Overdrive” aquel tour de force que representaba el lado más experimental de Pink Floyd y partía en dos al aún insuperable “The Piper At The Gates of Dawn”. Jason Pierce radicaliza su propuesta en este track y avanza varios puestos en su extraña carrera espacial.


TRACK 11: COOL WAVES POR NICO BEATASTIC (BEATASTIC - XERESA)

“Una de mis canciones favoritas de Spiritualized, como estar en el útero. Las voces con el efecto de teléfono, las cuerdas dobladas por los vientos de bronce son sutiles pero cálidas. La disposición de la cuerda es mágica, los timbales. Nunca he creído en eso de que menos es más. Yo creo en más es más. Hay tantas cosas en esta canción, que siempre puedes descubrir cosas nuevas cuando la escuchas. Pero también es limpio y escaso, no parece estar superpoblado. Y las melodías son muy simples. Una influencia en lo que hago, sin la sensación de blues. Pero la forma en que se apilan las cosas y las contracorrientes en algunas pistas son una gran influencia”. POR FERNANDO GRANEROS (FUEGO AMIGO DISCOS)

“Aquí. El penúltimo mensaje. Cambio. Éste explorador espacial desnudo. Transmitiendo. Cambio. Devolviéndonos su mensaje desde un oscuro planeta. Lejos de nuestro alcance. Descubrió que no ha dejado al mundo, sino que el mundo lo ha dejado a él. Cambio. Pero vamos. "Si tenés que irte, es porque tenés que irte" ¿No? ... Cambio. Y sosteniendo su mano. Entre asteroides y un coro de voces del más allá. Cambio. Con delay. Con un final orquestado. Con la voz quebrada. Una ola fría. Por los tubos de aire. Las píldoras espaciales. Cambio. Y después. Como en aquellas constelaciones. Todo se apaga, todo se enciende. Como los controles. Que se apagan. Que se... Cambio... La cabina... Cambio. ... ... [Dormir]...”

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TRACK 12: COP SHOOT COP… POR NORMAN MAC LOUGHLIN (JACKSON SOUVENIRS Y EL ROBOT BAJO EL AGUA)

Sentimientos encontrados. Es un tema que tiene elementos que me gustan mucho, que maduraron bien. Por ejemplo, la voz de Jason tiene un sonido y una interpretación que me encantan. Coros mántricos, instrumentación repetitiva, loops en los cuales entro de cabeza. Por otro lado, hay cosas que me parece que envejecieron mal. Las partes ruidosas (noise), hace años las bancaba porque estaban bien, pero ahora las escucho y me dan ganas de que terminen un poco antes. Incluso con lo que no me termina de gustar, conceptualmente, dentro del todo del disco,

este tema es un broche de oro perfecto. Es ese momento hermoso en el que estás en un bar y van barriendo para cerrar, y mientras levantan las sillas de la mesa de al lado, en tu cabeza sigue rebotando todo lo que pasó antes y te gustó. O no. POR: ANDREY PORTNYKH (YOUR FRIENDS POLYMERS)

labras, esas serían: 1) inmersión; 2) terapia; 3) sinceridad.

Interesante trabajo, atmosférico y emocionalmente extendido. Te involucra profundamente. Cierto efecto penetrante, para escuchar enfocado. No podemos imaginar a nadie escuchando esta pieza como fondo mientras arregla o termina el papeleo. Subjetivamente hablando, la pista parece carecer de espíritu moderno, en la forma en que hay un sentimiento de canonicidad, que se remonta a los géneros clásicos del pasado. Sin embargo, esta podría ser la razón por la cual es tan apreciada por los fanáticos de Spiritualized. Si describir esta gran canción en solo 3 pa-


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PALABRAS EN LA ARENA


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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.


[ “UN HABITANTE DE CARCOSAS Y OTROS RELATOS DE TERROR” de Ambrose Bierce por Pablo Ravale ]

MALDADES Y CINISMO A PARTES IGUALES


Ambrose Bierce, periodista y escritor norteamericano, se ganó con todo merecimiento el sobrenombre de “Bitter Bierce” por su carácter duro y hosco, así como al profundo desprecio que sentía hacia sus semejantes, incluida su familia a la que abandonó a muy corta edad. Las experiencias duras en su vida no fueron pocas y de ahí se pueden extraer muchas de las ideas y sobre todo el tono filoso, rozando la crueldad, que podemos encontrar en muchos de los relatos reunidos en este volumen. Bierce vivió en primera persona la Guerra de Secesión Americana, de la que le quedaron no pocas secuelas. Trabajó en el ejército y sobrevivió a un matrimonio infeliz y a varios de sus hijos. Dedicado ya al periodismo y a la literatura, no le faltó el reconocimiento y a principios del siglo XX protagonizó una última aventura: unido al ejército de Pancho Villa en México desapareció sin dejar rastro, dejando así un misterio más a sus muchos admiradores, de entre los que destacan Robert W. Chambers y H. P. Lovecraft. El primero de ellos lo refleja en su libro más famoso, El Rey de Amarillo, otra de las principales referencias a las que se aferró creador y guionista de la serie televisiva True Detective. Y, por su parte, el genio de Providence dio buenas muestras de su admiración por Bierce en varios de las historias que conforman sus famosos Mitos de Cthulhu. En la recopilación de relatos cortos que la editorial Valdemar publica en su colección de bolsillo El Club Diógenes, tenemos una buena serie de ejemplos de lo mejor del estilo de Bierce: cuentos directos con un punto macabro que muchas veces se torna humor negrísimo, sobre todo en situaciones donde se mezcla una situación cotidiana, como por ejemplo una comida o un paseo entre gente de bien, con una narración terrorífica. Su manera cínica de retratar algunas costumbres de

la época, como la constante búsqueda del oro en los territorios del Oeste, hace que pese a lo horroroso de lo que se está contando uno no pueda reprimir una sonrisa. Con un total de dieciocho cuentos, Un habitante de Carcosa y otros relatos de terror te traslada a un mundo pesadillezco y extraño. Fantasmas y apariciones pueblan los relatos de Bierce, quien va desgranando maldades y cinismo a partes iguales para que nos recorra un escalofrío por la espalda. Ahorcados y amas de casa respetables, buscadores de oro y autómatas, serpientes y perros fantasmales, todos ellos confluyen en estas historias para que disfrutemos como niños. Niños malos, se entiende... Por otro lado, en muchas de las historias se puede apreciar una evolución del terror gótico más clásico –con seres indeseables, casas encantadas o espectros de ultratumba– hacia algo menos definido, como si no estuvieran claras las causas finales del infortunio de los protagonistas: ¿una imaginación desbocada, tal vez? ¿Un cuerpo enfebrecido? ¿Casualidades imposibles? O por el contrario, elementos sobrenaturales y terrores cósmicos que van más allá del entendimiento humano. Comenzamos con “Un habitante de Carcosa”, donde, precisamente, un caminante perdido en la noche se enfrenta a una revelación inesperada. Continuamos, entre otros con “La ventana entablada”, donde un aventurero pierde a su adorada esposa, y eso es sólo el comienzo; o “El maestro de Moxon”, donde hombre y autómata se enfrentan cara a cara. Entre los más relevantes se encuentran “El dedo corazón del pie derecho”, donde duelos y fantasmas se entremezclan sin pudor ninguno, y “Al otro lado de la pared”, con una historia de amor un tanto anormal, con ruidos misteriosos incluidos. En “El hombre que salía de la nariz”, los elementos misteriosos tan sólo son un eco casi irreconocible, centrándonos en

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una historia de amor y pérdida. Como decía antes, la prosa de Bierce es terriblemente dura, seca, y a la vez fluida y engalanada. Puede parecer imposible, pero lo es, y quien haya leído algo de él estará de acuerdo con esta afirmación. Hay algo de humor feroz, de regocijo ante la muerte y ante las desgracias de sus personajes. Su actitud de cronista, de no sentir piedad por lo que le sucede a sus protagonistas (excepto en muy pocos casos) hacen de su lectura una experiencia macabra y a la vez terriblemente adictiva. Vemos a hombres morir, ser atacados

por fantasmas o volverse locos con la íntima sensación de que al autor no le importa lo más mínimo; y eso, queridos míos, es una experiencia tan de extraña como interesante. Lo cierto es que he disfrutado mucho con la lectura de este libro, aunque ésta haya sido tan dilatada en el tiempo. Me quedo con su sentido del humor tan peculiar y su desarrollo narrativo tan marcado por el cinismo. Muy bueno lo de este muchacho, Bierce. Para descubrir, releer y recomendar.


FRANCO DOGLIOLI


DE CIRCO Corazones dibujaba (azules) en los paredones del loquero Con un pincelito robado de tu bolso (negro) de recuerdos Y con mis uĂąas (amarillas) AraĂąaba un mapa Sobre el cemento diablo Para recordar caminos hacia tu lunar (verde) cuando me lobotomizaban


CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE


ARMADA CARGADA por Pablo Ravale

La clase de lenguaje que hoy se habla es un ser muerto. Y cada vez que te cruzás con un muerto, que te echás un polvo con un muerto, que hablás con un muerto, el muerto te contagia su muerte interior… Por consiguiente, si te comportás como un ser vivo, enseguida te van a mirar. En cambio, si te comportás como un muerto, nadie te va a mirar. Antes ocurría que las conversaciones eran nidos subversivos de los cambios profundos que se iban a dar; eran paradero de ómnibus para partir hacia otra parte. Hoy, por el contrario, en una conversación el que habla es el tonto y el que escucha es el tipo inteligente. El mundo es un gorila que dejó de ser extraordinario cuando habló, y ojala yo pudiera no hablar más pero me es imposible. De esta manera, es entonces que escribo. Y escribir, para mí, es protegerme del caos, de ese caos, de mi propio caos, por sobre todas las cosas; escribir es jugar a calmar a Dios y luego mandarse al bar para encontrar al Diablo. ¿Cuándo nací? Quiero decir, ¿cuando desperté? No lo recuerdo. Tan sólo sé que soy como un niño envasado en una lata de conserva; que un día abrí los ojos y estaba dentro de esta jaula donde nunca hubo hombres ni mujeres, sino una nube tóxica de palabras. ¿Cómo no atemorizarme, cómo no ser a veces un poco paranoico y hasta sentir terror? El miedo puede equivocarse, el terror no. Cuando era niño el terror del mundo me hacía cagar de risa. La alegría y la tristeza me daban el mismo brillo. Sin embargo, nunca me sentí un ser humano... me sentía un extraterrestre (y aún hoy me siento así),

eso es lo más verdadero que puedo decir. Nunca pude convencerme de que pertenezco a esta especie, a esta raza tan nefasta. Para mal de peores, lo que puedo también afirmar es que lo hay de alienígena en mí son más que nada mis ojos: todo lo que mis ojos ven son mentira. Veo, por ejemplo, que la vida está basada en prohibiciones secretas inyectadas en nuestro código genético; que nos convertimos siempre en prisioneros de un calabozo invisible; que trabajamos esclavizando al alma con horarios fijos, bajo las órdenes de un tarado o un farsante, mientras el plan nos quita la belleza; que el éxtasis es vivir fuera de las cosas; que la angustia no tiene escape; que nos morimos sin saber para qué vivimos; que lo que en verdad aburre es este desfile de inteligentes espectros que visten sus frustraciones con los pensamientos de moda; que nos unen el azar y la necesidad; que la forma de vivir en la actualidad es besos con escafandras, ambiciones mediocres y el miedo cobarde de quien lleva un forro en el bolsillo de los deseos; que el arte nació ante el fracaso de la vida; que todo lo que es una manifestación de la cultura es el fracaso del hombre; que somos un sueño olvidado en el espejo del tiempo, flotando como fantasmas entre las preguntas de la carne abandonada; que cuando miro a una mujer comprendo la dolorosa incertidumbre del Cosmos; que los marginales, los locos, los violadores, son los que el Sistema expatrió por impuros; que la vida, como decía Nietzsche, es amar el peligro, y si tu vida no corre riesgo, la propia vida deja de amarte; que el hogar de origen


es el hospital del mundo en donde el dolor de la existencia intenta ser vanamente mitigado por los siniestros cariños que allí se gestan; que el Abismo goza cuando vos sufrís, porque vos querés comprender esa mierda del misterio y el tipo se deleita, porque vos sos la única cosa que él observa; que así como hay órganos que si los dejás de usar se atrofian, el órgano de la imaginación y el de la pasión se adormecen; que hoy no hay más que peste, y peste son todas las ramificaciones de los ejércitos de la moral que festejan cada tiro certero que aciertan en el corazón del extravío; que este mapa de vida que es la moral ciudadana es un fraude, que la voz del mapa te jura que el mundo son estas cuatro paredes que los ojos del mapa te dejan ver; que la gente no es gente, son palomas que cagan y duermen; que hay que planear una fuga; que heroico no es morir por algo, heroico es vivir este presente continuo; que un malvado es un tipo sin alma y el mundo se va desalmando y el dolor del mundo te obliga a desalmarte; que el peligro no es un gordo mafioso cruzando la calle, el peligro es un ruidito en medio de la noche chupando el silencio; que no podemos respetar las leyes, porque sobre la cama de las fantasías ajenas no podemos gozar; que siempre hay alguien que te observa, siempre hay alguien que observa a quien te observa y no hay nada ni nadie que no sea mirado; que el milagro es una fría lápida bajo la cual está enterrado lo maravilloso; que cualquier ideología es una traición que generalmente termina en una enfermedad; que dejás de ser libre cuando pretendés que lo que a vos te gusta, te dé plata y además concha o pija; que la

verdadera elegancia también necesita de esa navaja afilada que sos vos, dispuesto a cortar la cartulina congelada de esa mirada muerta que te persigue; que hoy sé, y no digo creo, que uno puede apasionarse sin caer en esa enfermedad catatónica del matrimonio; que el esfuerzo de seguir sosteniendo toda esta porquería deberíamos haberlo soltado en cuanto perdió su belleza o cuando dejamos de estremecernos; que en la calle también hay muchos hijos que te darán el amor que hoy crees dar y padres que te enseñarán cosas nuevas; que la mayoría de los intelectuales y los músicos son todos falsos profetas, máscaras del genio cubiertas de otro mundo; que cuando veo un niño llorar desconsoladamente nunca entiendo por qué no mato a su madre; que la máquina ha trascendido la materia y aspira a vivir en el espíritu; que cuando alguien está internado, a un psicólogo no le dice que es un extraterrestre, le dice «Ahora soy un pelotudo como usted, doctor»; que somos todos enemigos, un amigo es solamente un enemigo capturado; que las creencias no se respetan: se atacan, se violan y se destruyen; que las preguntas tienen inteligencia, y que todos los días te tenés que plantear tu lugar en el mundo y las preguntas hacen eso; que inevitablemente tenemos que bajar a nuestro propio infierno, y en ese descenso, y en nuestro estilo al bajar y al aceptar las sombras, es donde está lo mejor de nosotros; que en la rutina somos todos como indios bailando una danza vudú para sostener la brujería de la vida cotidiana; que la única manera de vivir con dignidad es levantar el ánimo como si fuera un arma cargada y apuntarle al mundo.


Desaparición de los Oráculos El último libro de Pablo Ravale

Puedes pedirlo por email a: p.ravale@yahoo.com


TROPICA OBSCURA


[ Entrevista a Benjamín Calais de Matik Matik por Bernardo Jiménez Mesa ]

CELEBRANDO LOS 10 AÑOS DE MATIK MATIK


En una edición pasada, tuvimos una nota sobre los 10 años de Matik Matik, el lugar de encuentro de las músicas experimentales en Colombia. En la presente edición les ofrecemos la entrevista que amablemente nos ha brindado Benjamín Calais, fundador y espíritu detrás de Matik Matik. A él, muchas gracias por esta entrevista y por estos 10 años de excelente música en Bogotá; y para quienes viven en, o visitan la capital de Colombia: ya saben, no pueden dejar de conocer este refugio, donde cada noche aguarda una muy buena sorpresa sonora. A continuación, la entrevista:

Benjamín ¿Por qué terminaste viviendo en Colombia y cómo nació la idea de Matik Matik? Terminé en Colombia por la propuesta de mi hermano Julien y de mi cuñada Diana Gómez para retomar la dirección de Matik. Matik nació de las ganas de mi hermano y su esposa de crear un espacio dedicado a las músicas experimentales en Bogotá, y al mismo tiempo de la necesidad de la ciudad de tener un tal lugar.

nos ha sorprendido y hemos admirado desde siempre la resiliencia y convicción como has manejado Matik Matik. Cuéntanos ¿cuáles han sido los momentos más difíciles como gestor cultural, a través de Matik Matik, y cómo has podido superarlos? Pues hay varios lados difíciles, pero el término “difícil” es todo relativo, porque saco tanta satisfacción de este lugar que no me molesta hacer concesiones. Primero, la poca asistencia en los conciertos de música experimental. Es nuestro desafío Después de tantos años viviendo en más grande, sabemos que es un mercado Colombia, y conociendo las dinámicas de los de nicho muy pequeño, que difícilmente se bares en Bogotá (los cuales rara vez existen sostiene. Nos toca variar la programación por más de 5 años, máximo) ¿Qué crees que para balancear un poco las cuentas. ha marcado la diferencia para que, después Entonces es aceptar una entrada mínima de de una década, Matik Matik siga existiendo, dinero para poder mantener el lugar en su vigente y más relevante que nunca antes? línea de programación óptima y para poder Por la particularidad de la programación seguir existiendo económicamente. Pero eso del lugar. Todavía es un espacio único en es una elección de vida. Siendo el único socio la ciudad. De que sepa, no hay ningún otro del espacio, yo asumo esa vida sin plata, pero lugar en el país que se dediqué tan seguido a con muchísima satisfacción personal. a promoción y a la difusión de las músicas de Ese balance plata/satisfacción, no lo vanguardia. Otro punto es la diversidad de su cambiaría para nada en el mundo. programación: si por un lado nos enfocamos Segundo, la policía. Molestan bastante, se al máximo en los conciertos de vanguardia, aprovechan de cualquier detalle para meter también ofrecemos conciertos de músicas presión sobre el lugar e intentar sacar plata. tradicionales, rock, punk, hip hop. Eso hace Supongo que eso es totalmente normal en un que no nos basemos en un solo público sino país como Colombia donde la corrupción es en varios nichos. cultura dominante y que no se puede hacer mucho al respeto. Así que aguantamos. A la mayoría de quienes vivimos en Bogotá,


En la lista infinita de artistas que han visitado Matik Matik, ¿cuáles podrían ser tus 5 recitales más recordados, y por qué? La lista de artistas que han tocado en Matik es muy extensa (más de 1800 conciertos en 10 años), tengo el lujo de poder programar solamente artistas que valen la pena escuchar y ver tocar, entonces me queda muy difícil elegir a unos mejores. Es como preguntar a unos papas cual hijo prefiere o más recuerda. Los quiero a todos, los recuerdo a todos por igual, y a ninguno en particular. Se parecería más a un recuerdo global que se traduce por mi felicidad del momento presente. Y por el momento estoy muy feliz con el montón de conciertos que se han dado en Matik. Pero para intentar contestar a tu pregunta ,5 definitivamente es demasiado poco. Mira más bien la programación de los 10 años de Matik que fue hecha con la intención de mostrar lo mejorcito que ha pasado en Matik.

con los mejores grupos que han pasado por la tarima. Redactando esa lista de los mejores grupos que habían iluminado el lugar con su música, me di cuenta de que iba a necesitar muchas semanas más de programación. Por eso se volvió una maratón de más de 6 semanas, con 80 grupos y más de 300 músicos. Además, TODOS los músicos sin excepción tocaron gratis para Matik. Es decir que donaron lo que por costumbre les corresponde de las entradas a un fondo que sirvió para mejorar las condiciones técnicas del espacio: consola, amplis, micrófonos etc. Quedé sumamente recargado de motivación viendo esa ola de cariño que tienen los músicos hacia el lugar. Me llenó de orgullo poder mostrar de esta forma al público lo que todos juntos habíamos logrado hacer en 10 años de acción cultural.

¿Qué planes tienes Benjamín, para Matik Matik, a futuro? ¿Cómo podrías explicar el concepto de Definitivamente, seguir con la actividad Matik Matik, a alguien que no lo conoce, base de Matik que son los conciertos. Me nunca ha escuchado de él, pero quisiera ir? queda claro el papel de Matik en esta ciudad: ¿Qué va a encontrar quien visita Matik Matik fomentar el desarrollo de las nuevas músicas cualquier día? en la ciudad, respaldar a los músicos ando La idea de Matik es básicamente intentar tienen iniciativas musicales arriesgadas, abrir sorprender al público con propuestas de la mente del publico con una oferta musical música en vivo cada vez más arriesgadas diversa y de buena calidad. y/o de muy alta calidad. Matik es un lugar Después, mi sueño sería de enfocar una tranquilo, descomplicado, familiar, donde la parte de Matik en la producción musical. música prevale ante todo. Ofrecer a unos músicos selectos un espacio Aconsejo venir cualquier día, y ver qué pasa. donde puedan pensar, estudiar, desarrollar Dejarse sorprender, venir sin prejuicios, al nuevas propuestas musicales. Yo veo la casa azar, correr el riesgo de que no nos guste el de Matik llena de instrumentos, parlantes, concierto... Todo eso favorece el pensamiento equipos de grabación, donde con calma, crítico, el conocimiento, la experiencia de la tiempo y dedicación podamos pensar los sorpresa, factores esenciales para apreciar extremos del concepto mismo de lo que es nuevas cosas. música. Sacar la música experimental de Matik Cuéntanos un poco ¿cómo fue esa maratón me encantaría también: conciertos gratuitos de conciertos de celebración de los 10 años al aire libre, en locaciones no pensadas de Matik Matik? específicamente para la música. Ir al Fue una gran celebración. A nivel personal, encuentro del gran público, sacudir las mentes una gran sorpresa. Pensaba celebrar los 10 ampliando la oferta música tan pobre que nos años de Matik con 1 semanita programada toca en el espacio público.


[ Por César León ]

FESTIVAL ANSIA


El 2017 fue un año de buenos conciertos, varios grandes decidieron darse una pasada por el sur del hemisferio, sin embargo no fue en los grandes escenarios donde se vivió para mí el mejor en vivo. Fue en un pequeño festival llamado Ansia dónde posiblemente vimos el mejor repertorio y la propuesta musical más interesante. Bandas como Stockhausen y Martial Canterel mostraron lo mejor del Post Punk y de la electrónica minimalista.

En una mágica noche donde incluso coincidieron como asistentes los Sigur Ros, pudimos disfrutar el enigmático sonido de estos dos proyectos bien disímiles. Stockhaussen es un proyecto de Angel Kauff producido en Ciudad de México y basado en el trabajo casi totalmente en solitario de su creador. Allí un tecno oscuro, simple y poderoso convergen, el mismo Ángel va lanzando secuencias rítmicas y ajustando armonías para después lanzar melancólicas melodías sintetizadas que acompañan su voz fría pero natural. Lastimosamente para este en vivo no se contó con la compañía de la voz femenina que le acompaña en algunos de sus lps y eps que matizan un poco y dan otra vida a las composiciones. Sin embargo no por eso el show dejé de ser menos interesante. Stockhaussen no inventa nada y sin embargo es bien original. Aunque algunos críticos colegas ponen en duda el papel del castellano en este tipo de música, para mí es algo incluso digno de elogiar. Sabemos que la métrica del español no ayuda a la hora de componer música y cuando se trata de melodías oscuras aún es más difícil. Sin embargo Stockhaussen logra que sus versos no suenen disonantes y olvide uno el factor idioma para permitirse gozar la música. Su performance en concierto limitado a un solo integrante remueve muchos detalles que en estudio enriquecen las composiciones y ahora más centrado en la parte rítmica la vivencia se transforma en algo más poderoso, más

disfrutable que reflexionable y aún así vale mucho la pena. Posiblemente esa mezcla de coldwave, synth pop nos lleva a viajes que alguna vez tomamos. Pero que no dejan de sorprendernos. Por otro lado Martial Canterel (más conocido por su lado más mainstream –si se puede decir así– Xeno & Oaklander) es el trabajo de Sean McBride que desde Nueva York lleva dos décadas dedicado a ser una de las insignias del minimal synth. Martial Canterel toma elementos fundacionales del coldwave y aunque su trabajo en estudio es vasto, es en el en vivo donde todo su potencial explota. La maestría manejando varias secuenciadores a la vez, construyendo progresivamente el track en tiempo real, es algo pocas veces repetible en la escena actual. Todo a esto sumado a la dificultad de su nuevo setup lleno de secuenciadores y sintes modulares que le agregan mucho factor aleatorio a al ejecución, lo que hace prácticamente cada concierto una experiencia irrepetible. Fueron varios los momentos cumbre de la noche pero posiblemente el mejor extracto pudo ser la ejecución de “3 days” de uno de sus álbumes clásicos “Refuge underneath”, que explora la composición electrónica con los sonidos más crudos, básicos y a la vez impactantes que se puedan lograr con este tipo de instrumentos. La voz de Sean es angustiosa. En ella noto – no me pregunten por qué– una reminiscencia a la voz de Robert Smith en el mítico 17


seconds. Esa voz quebrada y estas secuencias monotonales, remanentes de toda una era oculta por la bruma del tiempo y de la sombra de lo underground se dieron cita para revivir aunque fuera por una sola noche. Otras bandas participantes en este festival fueron Lust Era desde San Juan de Puerto Rico, MuGre de Bogotá, Los Últimos Romantikos y Teenage Rimbaud de Cali, Old Providence de Armenia. Pese a la dificultad de reunir público para eventos de este tipo en los momentos que escribo estas líneas se prepara la segunda versión con Bandas como Rakta y Human tetris. No pasó un año y la segunda versión de esta fiesta se nos viene allí estaremos cubriendo. Gracias al espacio que Asilo bar ha dispuesto para que estas cosas pasen. Esperemos siga sucediendo.


[ Por Alejandro Cenizacromada. FotografĂ­as: Natalia Storm. ]

VIVIENDO EN UN MUNDO MUERTO


Ya habíamos escrito hace unos meses del colectivo bogotano Tumba Villa, una organización que promueve artistas, cultura y eventos relacionados con la movida siniestra en Colombia. Inspirados por la consigna del D. I. Y (do it yourself) hágalo usted mismo.

Hace unos meses escribí sobre el evento realizado en Septiembre de 2017 llamado Brujas Violentas, un festival de bandas con reconocidos artistas de la movida underground nacional como Tumbas y los Malkavian. El concierto estuvo muy orientado hacia sonoridades como Dark Punk y Post punk. Hoy escribo sobre un nuevo evento realizado la noche del 7 de Abril de 2018, enfocado en un sonido mucho más gótico, más espectral. Un evento enfocado en una postura más existencial que llevó por nombre “Viviendo en un mundo muerto”. Para empezar dos días antes del evento el colectivo Tumba Villa estuvo invitado a un reconocido programa de la radio Universidad Nacional de Colombia del 98. 5 FM en Bogotá. Un programa llamado Ríos de Babilonia y que pertenece a la franja de rock de esta emisora. La fiesta empezó ahí porque una de las bandas invitadas tocó en vivo como abrebocas de lo que venía. La agrupación Mar Muerto, con una tremenda propuesta de Post punk con tintes Indie deleitaron a los oyentes con algo de sus canciones en formato acústico con la angelical voz de Laura María. Fue un programa bastante ameno, que incluyó canciones de las bandas que tocarían en “Viviendo en un mundo muerto”y obviamente integrantes de Tumba Villa hablaron de la razón de ser del colectivo. Para el día del evento el encargado de la selección musical de la noche fue Hvmanoide del colectivo Tumba Villa, que deleitó a la audiencia con canciones de artistas como: Parálisis permanente, Putilatex, X Mal

deutschland, Suspiria entre otros. Las bandas: Mar Muerto (Bogotá) h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . c o m / M a r Muerto-139826676693567/ Sadkó (Bogotá) https://tres-incendios-temporales. bandcamp.com/album/celeste-altamar La procesión de lo infinito (Medellín) https://laprocesiondeloinfinito.bandcamp. com/ 11 Desaparecidos (Bogotá) h t t p s : / / w w w . f a c e b o o k . com/11Desaparecidos/?ref=br_tf Antiflvx (Bogotá) https://antiflvx.bandcamp.com/ Mar Muerto nuevamente abrió la noche con un excelente set lleno de mucha energía, y por momentos algo de furia, creo yo fueron de lo más alternativo y rockero de la noche. Post punk con tintes indie y un gran cover del gran clásico de The Cure, la canción “A forest”. Sadkó es un proyecto bogotano de Dark wave synth pop formado por Alejandra Anastasia quien es también vocalista de la banda de post punk bogotana Sxmbrxs y el tecladista y programador Daniel Felipe Romero quien maneja el sello tres incendios temporales. Ellos presentaron material de


su EP Celeste/ Altamar con una propuesta muy heterogénea ya que los acompañó en el bajo y la voz de algunos temasun personaje que se hace llamar “Pasajero”, bastante reconocido en la escena underground bogotana por también promover este tipo de propuestas en Asilo, bar bogotano que ha sido muy importante para el crecimiento de toda esta movida independiente. Sadkó ha tenido una gran acogida con su EP en gran parte por la calidad de canciones como Astro (navegante). Tras Sadkó, llegó de Medellín un dúo que ha cobrado mucha fuerza ya que son de los pocos artistas que llevan la bandera del genuino sonido del Rock gótico en Colombia. La procesión de lo infinito está conformada por el multi instrumentista y cantante Ariosto quien hizo parte en el pasado de la banda Cefiro Nocte. Su compañera Eliana Nephtis pareja de Ariosto y vocalista principal brinda una poderosa fuerza escénica, una voz penetrante en temas envolventes como La era oscura y Naturaleza Muerta. Debo confesar que uno de mis temas favoritos de ellos es Inocencia. Ariosto aporta su profunda

voz de barítono en las canciones con una sublime manera de tocar la guitarra que por momentos me hace recordar el lado etéreo de artistas como Fields of the Nephilim. Se hicieron también tremendos covers de Lima 13 (consola mentum), Siouxsie ante Banshees (Israel) y silencio entre nosotros (Euroshima) con el apoyo en el bajo de Juan Rubio de la banda 11 Desaparecidos. La procesión de lo infinito para estos días está lanzando en CD su sencillo “La era oscura” a través del sello Gothic Records de Finlandia. 11 Desaparecidos es uno de los grupos más representativos de la escena Deathrock colombiana. Su música es aparte de un derroche de oscura energía una invitación a la conciencia social. Esa noche era algo especial porque celebraban sus 7 años de trayectoria (desde 2011) pero también brindaban un homenaje a su baterista Daniel Camilo Rodríguez, músico que lamentablemente falleció a finales de 2017 y quien fue una persona que ayudó mucho a construir escena no solo como baterista de 11 Desaparecidos sino también como guitarrista


en Prostitoys y Maldito finado, dos bandas bogotanas. En reemplazo de Daniel, estaba Andria VG haciendo un set impecable y muy emocionante más Ghio Castellanos en la afilada guitarra y Juan rubio en el bajo. La banda se presentó sin su vocalista fundador Rex. La cantanteAnna Marín quien hasta ahora era el único componente femenino de la banda fue la encargada de dirigir la ceremonia que a mi modo de ver adquirió un tono más punk, de alguna manera verlos en ese formato me trajo a la mente a grupos legendarios como 45 Grave. Clásicos de la banda como OMS (organización mundial de la salud), Daisy y mi favorita, Féretro de piel echaron fuego al pogo y al baile delirante. Un gran homenaje a un compañero de batallas que partió y una gran muestra de trayectoria. Y para cerrar la noche Antiflvx, un proyecto liderado por el incansableLeonardo Jaime, prolífico artista también responsable de Resistor, una de las bandas de EBM más importantes en Colombia. Tuvimos el privilegio de entrevistarlo hace más de un año en esta revista. Él es el frontman y compositor con sus letras reflexivas en la niebla. En las programaciones Camilo Alfonso disparando los beats, destruyendo,

reconstruyendo y retorciendo ondas sónicas en un pequeño coctel Dark wave synthpop que puso a bailar a todo el mundo para cerrar la noche. Apoyados por unas buenas proyecciones que engrandecían la puesta en escena de la banda, quedaron en la mente de los asistentes canciones como The Haze, el cover en español de The Model de Kraftwerk tomado de Aviador Dro, Multiverse y mi favorita de la noche, Againstallodds con el apoyo de la espectral guitarra de Ariosto de La procesión de lo infinito. Vale la pena mencionar el arte del flyer de “Viviendo en un mundo muerto” a cargo del diseñador gráfico Oscar Martínez, es hermoso como todos los que ha hecho para Tumba Villa (dibujos hechos a mano). El lugar LEDE muy bueno y con personal muy pendiente de que el sonido de las bandas estuviera perfecto. Un excelente lugar para buscar nuevas lecturas sonoras y culturales. Sin duda una organización impecable, nunca decepcionan. Siempre queda uno ala expectativa, esperemos a ver Tumba Villa con que va a salir en su próxima conspiración. https://www.facebook.com/Tumbavillagoth/


[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 14: LA TORRE DE LA CANCIÓN: DYLAN, U2 Y LA INTERTEXTUALIDAD El momento en que uno se vuelve consciente de la diferencia entre plagiar y robar es el momento en el que uno se convierte en un gran artista.


En su maravilloso libro Why Dylan Matters (2017), el profesor de literatura clásica Richard F. Thomas explora la forma en que Dylan canaliza y continúa con la tradición de los poetas romanos clásicos. La forma en que explica el fenómeno de la intertextualidad (lo que podríamos entender coloquialmente como “robo”) y su diferencia con el plagio es tan clara como convincente. Plagiar es hacer pasar algo ajeno como propio, y pretender que la audiencia no se dé cuenta. En cambio, en la intertextualidad el autor quiere que el oyente capte las referencias. Cuando lo hace, el contexto original se reactiva, enriqueciendo la interpretación de ambas obras. Equivale a una invocación. Como cuando uno ve Sunset Boulevard habiendo leído Salomé. Como ejemplo, Thomas menciona “Kingsport Town”, una canción que Dylan grabó en 1962 pero que permaneció inédita hasta 1991. Está basada en “Who’s Going to Shoe Your Pretty Little Feet?”, una canción de 1938 del ídolo temprano de Dylan, Woody Guthrie, cuya melodía a su vez puede rastrearse a la tradición folklórica Escocesa.


El patrón que usa Guthrie es una serie de preguntas, “en una secuencia que va desde lo inocente hasta lo práctico hasta lo seductor”: Who’s gonna shoe your pretty little feet? Who’s gonna glove your hand? Who’s gonna kiss your red ruby lips? Who’s gonna be your man? Dylan continúa con el patrón y con la sensación de anhelo y pérdida: Who’s a-gonna stroke your cold black hair And sandy-colored skin Who’s a-gonna kiss your Memphis lips When I’m out in the wind


Al leer las líneas de ambas canciones, me fue imposible no pensar en “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses?”, probablemente la canción más clasicista del iconoclástico álbum de U2 Achtung Baby. Casualmente o no, Acthung fue editado en 1991, el año en que “Kingsport Town” vio la luz en el boxset Bootleg Series Vols. 1-3 de Dylan. En un sentido formal, posiblemente sea la mejor canción del disco, con un contenido altamente poético y universal: Who’s gonna ride your wild horses? Who’s gonna drown in your blue sea? Who’s gonna taste your saltwater kisses? Who’s gonna take the place of me? En las tres canciones el narrador le está hablando a un amor perdido, preguntándole quién se encargará de hacer esas cosas cotidianas que los identificaban ahora que la relación terminó. El tono es cada vez más poético, como si la sensación de pérdida de la canción original se fuese intensificando a lo largo de las generaciones. La última línea del tema de U2, “¿quién tomará mi lugar?” sirve como resumen y remate de las tres piezas. A los 33 años, el haber podido rastrear el origen de esta canción que escuché por primera vez a los 17 hasta Dylan, Guthrie y el folk escocés (y quizás tenga raíces todavía más antiguas- ¿quién sabe?) hace que la valore todavía más. La intertextualidad la sitúa en un continuo, en una narrativa de la historia del arte, la humanidad y el amor (sentimiento que prevalece en las tres canciones citadas) --- la “Torre de la Canción” de la que hablaba Leonard Cohen. De esta manera, mientras más intertextualidad tenga una canción, más rico es su potencial; y rastrear su árbol genealógico es tan emocionante y revelador como hacerlo con el de una familia.


[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: VAN HALEN… O VAN HAGAR? CUMPLE 40 AÑOS EL ALBUM DEBUT DE VAN HALEN


La cosa es así: resulta muy difícil reemplazar a un cantante icónico en una banda de rock. En pocos casos se logró con éxito. Podemos mencionar el caso de AC/DC, que tras la muerte de Bon Scott recibe a Brian Johnson para acompañar a la banda en los años de su mayor éxito comercial. Por otro lado, pensemos en Marillion: cuando se va Fish y ocupa su lugar Steve Hogarth, ya no fue lo mismo. Existe un caso donde fue completamente imposible encontrar un reemplazo: Queen. Por supuesto que todas estas cuestiones dependen del oído del consumidor.

vale aclarar) titulado “1984”, que contiene el que sin dudas es el hit radial más conocido de Van Halen en la historia. Hablamos del inmortal “Jump”, curiosamente destacado por su línea de sintetizador que fue creada por un músico de la talla de Eddie, y que había sido compuesta ya en 1981 pero que por el rechazo de los demás miembros del grupo, aún no había sido lanzada. “1984” explotó en los charts y se mantuvo 5 semanas en el puesto #2 de USA solo porque un imbatible como “Thriller” de Michael Jackson no le permitió llegar a la cima.

Si hablamos de Van Halen, las aguas se dividen. Existen los fanáticos de “Diamond Dave”: tal apodo no puede más que representar lo valioso que era David Lee Roth para la banda en el momento en que se produce la ruptura, en 1985. Considerado uno de los mejores vocalistas de hard rock de todos los tiempos, Dave era además un notable frontman por su destacada presencia escénica: de esos que se mete al público en el bolsillo por más que todo el resto salga mal. Fueron 6 discos con Dave, algunos excelentes, otros muy buenos, ninguno malo. Si tenemos que quedarnos con alguno de esta primera época, hay dos grandes candidatos: el elegido por los metaleros es en general el primero, llamado simplemente “Van Halen” (que acaba de cumplir 40 años), y que de arranque mostró los puntos más fuertes del grupo. De la propia autoría, el clásico “Running With The Devil” exhibió el potencial compositivo de los cuatro miembros. De “You Really Got Me” quedó a la vista la habilidad para realizar un cover que sea hoy más recordado que la mismísima versión original de The Kinks. Y de “Eruption” saltó a la vista que estábamos en presencia de uno de los más virtuosos guitarristas de la era del rock, el mismísimo Eddie Van Halen.

La lucha de egos pudo más que cualquier razón esgrimida. Ya hablamos del gran Dave, pero no hemos tocado aún las cualidades del gran Eddie. Resulta que este muchacho dio nacimiento al shredding en el año 1978, dejando boquiabierto al mundo con su alto nivel de complejidad, técnica y velocidad al tocar la guitarra. Las principales influencias del joven Eddie fueron Eric Clapton y Jimmy Page: del primero heredó la precisión, del segundo tomó el salvajismo. Eddie Van Halen hizo pensar a quienes escuchaban sus grabaciones que eso no era real, que se trataba de puros efectos de sonido logrados en estudio. Pero al verlo en vivo, las multitudes rindieron culto al nuevo Dios. El toque personal que Eddie agregó a su precisión y rapidez fue el uso del tapping: tocaba la guitarra con ambas manos sobre el brazo del instrumento.

Y por supuesto, el otro elegido que disputa el trono es el multiplatino y disco de diamante en USA (como también lo fue el primer disco,

Así que en la competencia sobre quién la tenía más larga, él único perdedor fue Van Halen como grupo… ¿o no? Luego de las tensiones surgidas entre el guitarrista y el cantante durante el “1984 Tour”, Dave probó suerte con un par de singles solistas con los que no le fue nada mal en los charts: las remakes de “California Girls” (Beach Boys) y el clásico “Just A Gigolo” fueron sendos éxitos, y David Lee Roth le hizo pito catalán a sus ex compañeros de banda. No en vano tituló su primer disco solista editado en 1986 “Eat ‘Em and Smile” (“Cómetelos y sonríe”), una


clara dedicatoria a sus ex compañeros. La respuesta llegaría un par de años después. En el mismo año en que David Lee Roth lanzaba su primer full álbum solista, Van Halen lanzaba su nueva gran apuesta: el disco “5150” con su flamante vocalista Sammy Hagar. Sammy era un rockero menos llamativo que Dave, pero no por eso menos carismático. Había sido miembro co-fundador de la mítica banda de hard rock californiano Montrose en los años 70’s, y tras una interesante carrera solista, un amigo de Eddie que era mecánico de autos los presentó. Cuenta Sammy: “De no haber sido por mi Ferrari 512, nunca nos habríamos conocido”. La diosa fortuna quiso que Hagar fuera aprobado como nuevo cantante, y los fans le dieron un gran SI a “5150”… y a todos los álbumes que siguieron de Van Halen con Sammy Hagar: 4 de ellos fueron número 1 en EEUU. Era aquello que el Van Halen de Roth nunca había logrado…y los muchachos se acordaron de su ex compañero con sorna en la siguiente producción, a la que nombraron como un sentido homenaje a Dave: “OU812” (Una abreviatura de “Oh, You Ate One Too”… o sea “Oh, vos también te comiste una”). Disco que para col-

mo fue, a nivel singles, aún más popular que “5150”. Y para rematarla, los fanáticos rebautizaron a la banda (por lo menos por un tiempo) como Van Hagar, para diferenciarla de la etapa anterior. La realidad es que seguían extrañando a Dave. Del único del que nadie se acordó en este duelo fue de Gary Cherone, que fue vocalista de Van Halen (tras la partida de Hagar) en un solo disco editado en 1998, “Van Halen III”. Pero a nadie se le ocurrió nombrar a la banda como Van Cherone. Como sea, tanto Sammy Hagar como David Lee Roth volvieron eventualmente a Van Halen (Dave es actualmente el cantante de la banda). Y cuando en el año 2007 Van Halen fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, ambos cantantes fueron invitados. Pobre Gary Cherone, ninguneado… La respuesta a la pregunta del inicio sería, por lo tanto, un virtual empate. Tanto Dave como Sammy se encontrarán por siempre en el corazón de los seguidores de Van Halen. Pero si quieren divertirse, pueden entrar a https://www.facebook.com/VanHalen/ y ver a los fans de uno y otro sacándose chispas!


Por Jairo Mansur


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MARK KOZELEK: NUEVOS CAMINOS HACIA LA TRASCENDENCIA


Aunque de primera mano no lo parezca Mark Kozelek ha completado un proceso creativo importante con su disco homónimo lanzado el pasado 11 de mayo. Para entender mejor este proceso hay que retraerse al 2014 año en queapareció “Benji”, lanzado bajo su proyecto Sun Kil Moon, uno de los discos más aclamados de su carrera. “Benji” representó un éxito de crítica y público unánime, sus canciones profundamente personales se prestaron para análisis geográficos y generacionales que llevaron el disco a convertirse en un clásico prematuro. Aunque ya en ese disco el estilo musical de Kozelek estaba asentado en lo lirico, con letras largas y complejas evitando los recursos comunes de la música popular; sobresale una temática general en “Benji”: la muerte. Prácticamente en cada una de las canciones alguien muere, y en cada una de esas muertes se simboliza algo trascendente del ser humano. En “Clarissa”, por ejemplo, es la muerte de una de las primas de Kozelekque se quema al sacar la basura por la explosión de una lata de aerosol; en “Micheline” narra, entre muchas cosas, la historia de Brett, un amigo de adolescencia que tiene un aneurisma por tocar la guitarra en una posición extraña. Cada historia está llena de una trascendencia propia de lo común y lo mundano.

El éxito, inesperado tal vez, de Benji no cayó del todo bien en Kozelek. Mientras la prensa y el público esperaba en sus próximas canciones nuevas historias de trascendencia y profundidad, Kozelek se adentró en un proceso contrario que le valió críticas y sospechas de auto sabotaje. En vez de guardarse o tomarse un tiempo en los siguientes cuatro años lanzó todo lo que se le fue ocurriendo, desde discos como Sun Kil Moon,(“Universal Themes” en 2015 y el disco doble “Common as Light and Love Are Red Valleys of Blood” en 2017), múltiples colaboraciones (entre ellas un disco con Nicolás Pauls y otro con

Sean Yeaton) a incontables discos en vivo y covers. En estas canciones su estilo lirico se fue orientando hacia un ejercicio narrativo cercano a la escritura automática, o talvez a un “stream of conciusness”, donde las acciones más simples de su vida diaria se daban cita: desde leer un email, ir de compras o ver la televisión con su novia. Las letras se hicieron cada vez más largas, intrincadas y arrítmicas, algo que le valió cuestionamientos de muchos de sus fanáticos de su época en Red House Painters. Una buena prueba de ello fue su presentación hace un par de años en Buenos Aires donde el público se fue yendo

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ahuyentado por el extraño “rap” de Kozelek y su reticencia a tocar “clásicos”. El gran problema, en mi opinión, es que en esas nuevas canciones Kozelek hace una crítica profunda a la música moderna. Por una parte parece haber una presión alrededor de cantar sobre cosas “significativas”, una presión por manifestar clara y abiertamente posturas y posiciones políticas, sociales y sentimentales; por otra parte parece haber un lenguaje en el cual la música pop se expresa, una lengua que parece hablar claro y no decir mucho. Basta con escuchar muchas de las canciones exitosas en ingles de los últimos años, las cuales recurren constantemente a un inglés con un vocabulario pobre y limitado que de paso ajusta con sus formas los patrones rítmicos de lo musical.Todo esto merece un análisis aparte; sin embargo, no son pocos los que ven esta crisis impresa en la creciente ausencia de denuncia y contenido en géneros contestatarios como el hiphop o el rap. Kozelek con su estilo de componer se libera de esa sujeción al mensaje y a la forma. Las canciones en su más reciente disco homónimo llevan su estilo compositivo a un nivel que parecía imposible hace un tiempo. Si bien siguen ahondando en temáticas aparentemente vacías, Kozelek escribe sobre cosas tan simples como su fascinación por artistas como Ariel Pink, terminar de leer “The Moon is Down” de John Steinbeck o sus repetidos encuentros con fanáticos en situaciones extrañas,su práctica narrativa esta en otro nivel. Sus letras tienen una capacidad de saltar y unir épocas y lugares con una asombrosa coherencia. En muchos casos los temas parecen surgir de gérmenes pequeños para ir construyendo relatos monumentales; por ejemplo, la en apariencia irónica “The Mark Kozelek’s Museum” comienza con un recuerdo de Kozelek y una chica de Tallahassee entrando a la antigua casa de Jim Morrison en Florida donde cada uno se queda uno de los cristales de un candelabro como un recuer-

do del “momento y su mutuo amor por The Doors”. De ahí en adelante la canción va y vuelve entre estrofas, los patrones rítmicos de la guitarra de hecho marcan esos cambios, contando su vida actual, los recuerdos de esa chica y su temor hacia que pasara en el futuro. El mensaje final parece hablar de ese futuro tomando forma en un museo en el que habitarán los recuerdos y los objetos de la vida de Kozelek, desde el cristal n la casa de Jim Morrison a postales y recuerdos infantiles. Creo que cada canción merecería, por su extensión y profundidad, unas líneas aparte. Cada una se erige como un relato complejo donde su autor, un tipo gruñón de cincuenta años, reflexiona casi maniáticamente sobre cada evento que se le presenta. Hay muchos mensajes inscritos en esas historias: tanto en “Weed Whacker” como en “The Mark Kozelek’s Museum” es difícil no leer críticas a Spotify y la industria musical, aunqueen “This is my Town” parezca haber poca uniformidad justo hacia el final cuando aparece el relato del libro “The Moon is Down”, el concepto general alrededor de la pertenencia a un lugar y la identidad de lo nacional cobra otra dimensión. Escuchar discos como este requiere una atención de parte del escucha, una inmersión en las letras que va másallá del lenguaje y la música. Al igual que muchas grandes obras literarias su mensaje se esconde tras escenarios, narrativas y situaciones que van trasponiéndose una sobre otra y en su aparente vacío alcanzando de nuevo la trascendencia. “Mark Kozelek” fue grabado en medio de presentaciones en hoteles y estudios de grabación entre el 2017 y 2018 íntegramente por Mark Kozelek. El estilo de mezcla final favorece la inmediatez de esos espacios pequeños y anónimos. El lanzamiento fue hecho por el sello de Kozelek “Caldo Verde Records”.


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MOGWAI comparte un tema que formará parte del soundtrack del film "KIN"

Mogwai realizó la banda sonora de la nueva película de ciencia ficción KIN dirigida por Jonathan y Josh Baker que se estrena el 31 de agosto. Anteriormente habían hecho la música de la serie francesa "Returned" y para el documental “BeforetheFlood” (2017). El tema principal se puede escuchar en youtube y se llama “donuts”, un tema instrumental que lleva impreso el sello de la banda con climas bien marcados y profundamente evocativos con una melodía que se repite y va creciendo en intensidad a medida que pasa el tema de poco más de 6 minutos. La película basada en el corto “Bag Man” (2014) de los hermanos Baker y trata de un hombre recién liberado de la cárcel que se ve obligado a huir con su hermano menor adoptado, protegido por un arma antigua que han encontrado. Protagonizada por Jack Reynor, ZoëKravitz, CarrieCoon, Dennis Quaid y James Franco.


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BRIAN ENO & KEVIN SHIELDS. Doble lado A

Brian Eno y Kevin Shields lanzaron a la venta el pasado 21 de abril en el marco del Records Store Day (2018) 5000 copias de un vinilo de 12 " que contiene dos temas a través de Opal Records. El primer tema “Only Once Away My Son” lo conocimos en octubre del año pasado y el segundo “The Weight Of History” junto al lanzamiento de este doble lado A. Ambos músicos son verdaderos arquitectos o escultores del sonido haciendo uso de diversos procesos electrónicos, Eno a partir de sus teclados ha creado un universo ambient que deliberada y frecuentemente rosa el silencio y Kevin partiendo de su guitarra ha creado otro universo donde mediante el control transforma el ruido en complejas armonías. La unión de estos dos universos ha creado uno nuevo, de movimientos lentos pero continuos donde seguramente cada uno de nosotros unirá los puntos imaginarios de constelaciones creando nuestras propias melodías donde el ambient se transforma en ruido y viceversa, hipnótico, incluso en el uso de la voz en “The weigh of history” que es un vehículo más para sumergirnos en el sonido, igual pasa con la percusión inicial de “Only Once away My Son” que nos marca la velocidad en que se va a desarrollar el tema para ayudarnos a sumergirnos en él con un poco más de vértigo que el anterior. Cada tema dura apenas más de 9 minutos tiempo suficiente para presentarnos lo que puede ser el comienzo de una de las colaboraciones más interesantes de los últimos tiempos.


Nuevo proyecto de los HAMMOCK y su álbum debut Si nos siguen, sabrán que todo lo que venga del mundo Hammock nos despierta curiosidad que luego termina siendo admiración. Por si quedaba alguna duda de esa admiración que tenemos, ahora nos encontramos con esta nueva colaboración del dúo Marc Byrd y Andrew Thompson (Hammock) y el cantante Matthew Ryan. The Summer Kills es nombre de este nuevo proyecto que nos ofrece un álbum debut realmente encantador, en donde uno esperaría que los ambientes lánguidos y espaciales, con cierta calma se adueñen de los once tracks que contienen este "Last Night We Became Swans", pero no es así, al menos en parte, porque si bien podemos escuchar el característico sonar de Hammock, en canciones como "Collide" (por ejemplo) nos sorprende el ritmo de la batería que nos desprende del sonido esperado. O el dreampop de "Challenger vs Stars" es una de las joyas del álbum. Este álbum llevó siete años terminarlo, la explicación de Marc y Andrew es bastante elocuente: "La razón por la que hemos esperado tanto para darnos cuenta es principalmente por el hecho de que somos implacablemente testarudos" Ryan agrega: "Nos dedicamos a que fuera lo más perfecto posible" Deslumbra la manera tan dulce de generar canciones que tienen un halo de sabiduría y perfección. Colaboraron en el álbum Peter Katis en la mezcla del álbum, y el resultado: “Last Night We Became Swans” es simplemente mágico...


MANIAC MANTU cierra el círculo con "Momento Dado" su nueva producción. Maniac Mantu tiene su tercer disco y se llama “Momento Dado”. Salió hace unos días como el final de una trilogía que se completa con ARMOR (2011) y PÁRAMO CUARTAL (2012/2013). Tiene sentido a pesar de que el primero y éste último lo trabajó en soledad más invitados y el segundo fue grabado como banda. “Podría haberme despegado ya del proyecto Maniac Mantu, pero no me sentí cómodo firmando el álbum con otro nombre. Pero bueno. Capaz con esto ya le doy el cierre y lo próximo sale con nombre nuevo “ “Momento Dado”, si bien tiene invitados, Antü Filardi Sabín tomó las riendas y se hizo cargo de la grabación, mezcla, producción y mastering salvo en los temas 1, 2 y 3 masterizados por Dave Cooley en Elysian Masters en Los Ángeles, California. También está detrás de las voces, programaciones, máquinas de ritmos, guitarras y sintetizadores. “Este lo hice como el primero, sólo - con Agos en muchas guitarras y demás invitados. En cambio el segundo. "Páramo cuartal" fue con banda. “ Grabado en el 2017, todas las canciones fueron escritas por Antü y nos muestran un mayor poder de síntesis, la canción está ahí desnuda a diferencia de los trabajos anteriores donde había que encontrarla entre capas de sonidos y complejas armonías, un trabajo que hicimos con mucho gusto y lo recomiendo porque el premio seguro lo vale. En este caso las canciones se sostienen sobre una batería electrónica y colchones de sintetizadores, los bajos y las guitarras justas aportan belleza y justeza a una voz que denota un gran placer por cantar y por las melodías. Como invitados participan Agostina Tagliapietra, Damián Cubilla, Ignacio Molina, Tomás Gaudio, Rodrigo Ogando y Lucas Barbuzzi. La Foto y arte de tapa también son de Antü F. S con aportes de Rodrigo Ogando y la foto de la contratapa es de Agostina Tagliapietra. En vivo Antü sale empuñando una guitarra acústica generando un celebrado contraste con la sección electrónica y eléctrica, entre lo orgánico y lo sintético de la banda, sumando mucho incluso a lo visual que en el disco no se nota tanto pero ahí está. Tiene una probable presentación para finales de mes en la Ciudad de San Carlos de Bariloche pero dice que le falta ensayo, todavía no tiene armada una banda sólida y que está todo por hacer. “En principio hay una obra, como al principio con Armor” Momento dado lo pueden escuchar por Spotify y en el bandcamp encuentran la discografía completa.

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NAX y su nuevo single "Lo que susurran los astros" Nax, bajo la dirección de Nicolás Castello no se queda quieto. Un nuevo single llamado "Lo que susurran los Astros" con la participación de Nico Beatastic. Desde los primeros días de marzo tuvimos un remix de Nax, pero ahora regresa con un nuevo single “Lo que susurran los astros”. "La colaboración con Nico Beatastic empezó el año pasado cuando empecé a escuchar Xeresa y su otro proyecto Beatastic, ambos me gustaron mucho. Así que empecé a escribirme con él y al poco tiempo me invitó a colaborar en una canción de Xeresa, en la cual grabé voces, algunos sintetizadores y una guitarra. Esa canción todavía no está publicada, quizás la publique él en el transcurso de este año, probablemente en el segundo LP de Xeresa. Justo después de terminar mis partes para esa canción, le mostré un par de demos a Nico y el eligió uno. Sobre ese mismo demo él grabó y me envío un bajo y muchos pequeños loops de sintetizadores. Así que con todo eso fui construyendo "Lo que susurran los astros" Agregando la batería, voces, guitarras y sintetizadores. Ya casi al final él terminó sumándole esas voces en francés en las que menciona el título de la canción." Nico Beatastic: "No recuerdo, para serte sincero, pero hemos estado hablando durante un año y le pregunté hace un tiempo si quería hacer una canción conmigo para mi proyecto Xeresa. Para su canción hice las voces en francés y el bajo y algunos teclados. Creo que me envió un ritmo de batería y un riff de guitarra y le devolví el bajo y los teclados, y un rato después me envió un primer borrador de la canción y agregué mi voz". Para la segunda canción, "Engañaste al Sol", Castello parece saber bien lo que hace cuando se trata de explosión sonora al mejor estilo punk-gaze, esa mezcla de la velocidad del punk rock y el amplio espectro de fuzz guitarrístico del shoegaze. Sobre el track Nicolás nos cuenta: "El segundo track "Engañaste al sol" es una canción que me gusta mucho a pesar de seguir sintiendo que podría ser mejor. Es una canción más rápida con guitarras agresivas y un bajo que invita más a bailar. Quizás más adelante la siga trabajando\cambiando. Por ahora parecería ser que es lo que es"


Obviamente uno tiende a pensar en que esto es el comienzo de una cadenas de colaboraciones entre ambos y como ha dicho Nico Beatastic, Castello ya ha trabajado en una canción del próximo álbum de Xeresa, muy pronto a salir. ¿Pero esta puerta que se abre es pie a futuros trabajos? Nicolás Castello nos dice: "¡Seguramente sigamos colaborando! Es como un sello distintivo de su música hacer discos colaborando con cantantes, así que con suerte incluya esa primera canción que hicimos en su segundo disco para Xeresa. No creo que hagamos un split, pero si seguro seguiremos colaborando a la distancia" Nico dice: "No lo sé, él ha hecho una canción para mí, le he hecho una canción, veremos qué pasa después, estoy abierto a todo." A la espera de nuevos lanzamientos, sabemos que pronto llegará otra colaboración con otro músico extranjero, pero ante la pregunta de un nuevo álbum, le sugerimos si existe la idea de compilar los Singles en un álbum como hace unos años lo hizo Pixies con sus cuatro EPs de regreso, Nicolás Castello nos dijo: "Me encantan los Pixies. La idea del disco viene lenta, pero firme. Pensé en esa posibilidad, aun así sigo fantaseando con re-grabar todo desde cero, que como cualquiera se puede imaginar, serían varios meses de trabajo intenso. No descarto esa chance, pero también fantaseo con seguir sumando canciones nuevas. Si, sería el camino más largo y tedioso, pero con el que más fantaseo sin duda." En fin, nuevo single de Nax, dos nuevas canciones que se agregan al nuevo período del proyecto en donde abre el juego a nuevas sonoridades, sin perder la magia demostrada años anteriores, pero buscando nuevas fronteras sonoras y ampliando el abanico sónico, sin saber dónde acabará esta ampliación sonora. ¿Arriesgado? puede ser, pero las puertas que se van abriendo en este nuevo sendero son más que excitantes. Pueden escuchar el single y descargarlo desde: https://naxmusic.bandcamp.com/album/lo-que-susurran-los-astros-single

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CHELO de estos LARES El guitarrista de Flores de Sinaloa, Chelo Lares, tiene nuevo álbum "El Verdadero Viaje es el Retorno" y nos inunda con su folk espacial. Nuevo y quinto álbum de Chelo Lares, quien también intercala su mundo solista con el de guitarrista de Flores de Sinaloa. Su carrera como solista alberga los trabajos "El Chelo" EP (2010), "Bajo la influencia de la gravedad" (2014), "Slow Fire Gaucho" (2016) y "Born Alien" (2017), todos ellos se encuentran en su bandcamp (Al final de esta historia tienen el link para descargarse los discos gratis). Ahora edita su quinto álbum por Mínima Discos. Grabado por Chelo Lares: Voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica, bajo, teclas, armónica, flauta y percusión. El Flores de Sinaloa, Matias Rivara: Batería y percusión. Y Papo Nahabedian: Cello. En una charla que hemos tenido con Chelo nos dijo acerca de la formación que grabó el disco: "Mati viene tocando conmigo hace muchos años, tuvimos una banda llamada Los Feriados, y además el forma parte de mi banda solista junto a Miguel Canel, en el disco además colaboró Juan Pablo Nahabedian, también miembro de los feriados, en Cello. Le confié las baterías a Mati porque tenemos una conexión muy especial a la hora de hacer música, nos entendemos muy bien y el conoce mucho mis gustos". Y cuando le preguntamos acerca de ser parte de una banda y cómo administra los tiempos para cada proyecto nos dice: "Bueno, en la banda me dedico casi exclusivamente a los arreglos de guitarra eléctrica, las canciones las compone Vincent Van Fläuers, en alguna oportunidad hemos tocado canciones mías, pero esencialmente sólo me dedico a los arreglos y me desempeño como guitarrista". Este nuevo álbum de cinco tracks, nos envuelven en una atmósfera que difícilmente no nos sitúe en los profundos esquemas lisérgicos de Jason Pierce, pero también de Anton New-


combe de The Brian Jonestown Masacre. Pero con esta sola descripción nos quedamos en un pequeño porcentaje de "El Verdadero Viaje es el Retorno". En el primer track, "Espiritualizado" podemos percibir un acercamiento entre la armónica al spaghetti western de Ennio Morricone, pero desde el nombre ya nos dan pauta de que se podría tratar de un tributo, pensado o no. Sobre este track nos cuenta: "Soy un gran fan de Spacemen 3, Spiritualized y Spectrum, influyeron mucho en mí forma de hacer música, me abrieron la cabeza, fue un antes y un después. Cuando escuche por primera vez a Spacemen, supe que quería tocar space rock. El nombre del tema lo decidí a último momento, la canción está trabajada muy similar al estilo de Spiritualized, con muchas capas de sonido y arreglos y con cierto aire de gospel, me pareció divertido el nombre Espiritualizado, puede haber algo de tributo u homenaje". Otro momento a lo Pierce podemos escucharlo en el último track "Reversible". Este álbum marca un giro en la sonoridad de Chelo Lares, y con respecto a este cambio nos cuenta: "La principal diferencia, es que mi nuevo disco, tiene la instrumentación más cercana a lo que sería una banda, es decir, hay batería, bajo, guitarras, órganos y varios instrumentos más, para lo que fue necesario tener una mayor calidad en la grabación, mejores micrófonos, mejor interfaz, tuve que pedir prestados varios instrumentos, "El verdadero viaje es el retorno" es un disco más ambicioso, más trabajado en cuanto al sonido y la construcción de los temas, hay muchas capas y detalles y el reto fue hacer que todo suene y se aprecie. En cambio "Born Alien" se apoya más en el minimalismo, utilicé cajas de ritmos y técnicas de grabación lo- fi, tiene un carácter más íntimo e introspectivo, es un disco más simple a nivel grabación. Ambos discos están conectados de todas maneras, unidos por el blues y el folk psicodélico, los mantras, las texturas ambientales, creo que eso es lo que tienen en común". Las canciones fueron grabadas entre enero y febrero de este año, y mezclado durante marzo. Acerca del periodo de composición Lares nos cuenta: "En su mayoría fueron escritas de un tirón, salieron de una, en un tiempo muy breve, después a la hora de grabar el disco, compuse los arre-

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glos y demás instrumentos. Pero la mayoría de las canciones que compongo salen de una, muy pocas veces tengo que desarrollarlas o trabajarlas, siempre queda la primera impresión. Luego trabajo más en los arreglos y la instrumentación, ahí me tomo el tiempo. Pero las canciones surgen en su mayoría a partir de mi guitarra acústica, acá en casa". El álbum tiene una letanía que nos hace bajar los decibeles de la rutina diaria, introduciéndonos en un mundo de pseudo folk espacial, y digo "pseudo" no en tono despectivo, sino al contrario, sólo tiene un tinte folk y mucha ornamentación sonora que nos induce a un ambiente de calma y reposo mental. Hablando de un futuro cercano, Chelo nos cuenta: "Tengo pensado prácticamente un nuevo disco, que seguramente va a salir el año que viene, además en breve voy a participar en un tributo al sello nacional Mandioca, haciendo un cover de Manal. En cuanto al disco, en este momento me estoy dedicando a moverlo lo más que pueda, a la parte de prensa, con la ayuda de Minima Discos, todo esto siempre es un trabajo de hormiga, siempre me las arreglé por mi cuenta en todo, recitales, grabaciones, diseño, producción. En mi proyecto solista todo va a mi ritmo, a mis ganas, a veces muy rápido, a veces no tanto como quisiera". El álbum está disponible en digital/cassette en Minima Discos | Descarga gratis desde Bandcamp (https://chelorocks.bandcamp.com/) En definitiva, "El Verdadero Viaje es el Retorno" es una suerte de meditación sonora.


RIEL - Paseo Psicodélico Riel, el dúo formado por Mora Riel y Germán Loretti el pasado 30 de Mayo compartieron un EP de 4 canciones como un adelanto de lo que será su cuarto álbum que saldrá en la primera mitad del año que viene. "Paseo Psicodélico" es el sucesor de “Sueño eléctrico” (2016), en el medio hubo un single de un tema llamado “Monterrey” Grabado en Monterrey en el estudio de Buen Día Records durante el tour US/MX en Abril del 2017.

Grabado el 25, 26 y 27 de Abril de 2018 en el Estudio Fantasma de los Riel por Estanislao López y Riel. Mezclado y masterizado la primer semana de Mayo en Estudio Pirámide por Estanislao López. Producido por Estanislao López y Riel. Los Riel han sido editados por Casa del Puente Discos en Argentina y por Buen Día Records en México. “Paseo psicodélico” contiene cuatro canciones que remiten inmediatamente a Sonic Youth pero sin duda Riel ha conseguido hacerse un lugar destacado en este universo sónico que alguna vez dio a luz el recientemente desaparecido Glenn Branca y eso queda demostrado con la repercusión que logran con cada uno de sus discos y de sus show. Sostenida por la sólida base de batería que le brinda Germán, el espíritu punk se deja ver a través de la voz de Mora que canta melodías simples sobre los paisajes sónicos que ella misma crea con la guitarra, paisajes en movimiento vistos desde un auto que no va rápido que cuando acelera es porque se le va el pie, no hay apuro de llegar a ningún lado, lo importante es el viaje o más bien el paseo como ellos mismos proponen desde el título del EP que da nombre al primer tema “Paseo Psicodélico” el segundo tema es “Géminis” de una factura similar al primero en duración y con estructura de canción, el tercero es “Instrumen-

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tal” y como bien claro queda desde el nombre el tema es instrumental y es cuando aceleran por un momento que dura hasta el cuarto tema “Espacio Interior” donde vuelven a velocidad paseo y esta vez la voz de Mora recita un texto que relata un momento que no se define entre realidad y sueño, donde el tiempo es incierto, es una hermosa historia de amor, un viaje que emprenden dos personas por un mismo camino al espacio interior, un tema de 9 minutos, el más psicodélico del paseo. Próximas Fechas de Riel. 23 de Junio junto a las ligas menores en el CCK 14 de Julio junto a Pyramides en Finisterre Social Club, Merlo, Argentina Riel en la redes. Spotify: http://open.spotify.com/artist/4ys8P8... Bandcamp: http://riel.bandcamp.com/ Instagram: http://instagram.com/losriel FB: http://www.facebook.com/losriel


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DE CANCIÓN + BANDA


[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda". En el caso de hoy nos llenamos de colores y psicodelia del año 1969. Tal vez la banda que inició todo The Beatles, con su icónico álbum “Yellow Submarine”. La canción “Hey Bulldog” fue grabada durante la filmación del vídeo promocional de "Lady Madonna". La historia de la grabación de la canción, cuenta uno de los asistentes de la banda, Neil Aspinall: "Estábamos grabando "Hey Bulldog", cuando de repente apareció un equipo de filmación y de la nada empezaron a filmarnos. Creo que llegaron con la idea de utilizar algunas de esas tomas para algún registro. Pero fue por Neil Aspinall, donde me enteré que querían grabar a la banda trabajando de manera unida, como en los viejos tiempos". El ingeniero Geoff Emerick, otro de los protagonistas de ese día, quien siempre ha destacado al proceso de grabación de "Hey Bulldog" como uno de los últimos intentos de la banda para trabajar de manera unida . “Hey Bulldog” es el nombre que ha elegido un trío de garage rock oriunda de Manchester, Gran Bretaña, que lanzaron su EP debut “New York City Blues” en el 2007 y luego de más de diez años de existencia, en el pasado abril han lanzado un single llamado “Al Lupo”. Los Links a las bandas: The Beatles: http://www.thebeatles.com/ https://open.spotify.com/artist/3WrFJ7ztbogyGnTHbHJFl2 https://www.instagram.com/thebeatles/ https://twitter.com/thebeatles Hey Bulldog: http://www.hey-bulldog.com/ https://www.facebook.com/heybulldogmusic https://heybulldog.bandcamp.com/ https://www.youtube.com/user/heybulldogmusic/videos https://twitter.com/heybulldog https://www.instagram.com/heybulldogmusic/ https://open.spotify.com/artist/5OLxViZI8qMwA9VV3NzsKW#_=_


PURA MELOMANIA


THE ZOMBIES: “ODESSEY AND ORACLE:” 50 AÑOS THE ZOMBIES – Odessey and Oracle (1968) [ Octavio Gallo ]

Un disco hermoso por donde se lo mire. Los Zombies pasaron injustamente inadvertidos en su tiempo, pero luego los fanáticos del rock en general fueron revalorizando a la banda, y sobre todo a este disco que estoy revisando, Odessey And Oracle. En 1968 ya la psicodelia estaba en franco retroceso. Las principales bandas de la época dejaban de darle bola al mundo onírico y volvían un poco a las raíces con garaje rock, distorsión y blues cada vez más pesado. Los Zombies estaban por ahí metidos, olvidados y sin que nadie les prestara mucha atención, y sin que ellos tampoco prestaran mucha atención a los demás. Junto con bandas como The Left Banke o el Nirvana original, forman parte de toda una camada de bandas que, a finales de la década del 60, ensayaron un pop genuino, con influencias de los Beatles y, sobre todo, de Pet Sounds y de los Beach Boys, basándose más en órganos que en las guitarras eléctricas y dándole mucha prioridad a la melodía. Ninguno de estos grupos tuvo mucha trascendencia, algo que suena bastante injusto, porque sacaron obras de altísima calidad. El público de rock, que tantas veces se jacta de ser contracultural y auténtico, termina siendo, a veces, muy conservador, y cuando escucha la palabra “pop” le suena feo. Esta injusticia es la que, a la hora de hablar sobre quiénes fueron pioneros en la introducción de

elementos clásicos en el rock, se diga siempre Yes, King Crimson, Genesis o Queen, y casi nunca se hable de los coros, las orquestaciones o los oboes de los Zombies o de The Left Banke. De todas formas, en Odessey and Oracle, los Zombies nunca dejan de sonar como una banda con bajo, teclados y batería. Sí, el teclado reemplaza a la guitarra. Sin contar la introducción acústica de Maybe After He's Gone, prácticamente no existen, y si lo hacen, no ofrecen de ninguna manera riffs, solos o algo que se les parezca. Tomen la guitarra de Beechwood Park y verán de lo que hablo: acordes suaves, reposados y gentiles. El único instrumento protagónico aquí es el teclado (piano, órgano, mellotron) de Rod Argent, y sus arreglos son la definición perfecta de belleza. Cada sonido es una catara-


ta de melodía, disfrute y placer. Los pianos de A Rose For Emily o Brief Candles, el órgano etéreo de Beechwood Park, el órgano psicodélico de Time Of The Season, la melodía de piano estremecedora y emotiva de Hung Up On A Dream. ¿Hace falta agregar algo más? Sumémosle la voz preciosa de Colin Blunstone y un puñado de los coros más excelsos, delicados y etéreos jamás grabados, y el resultado es apabullante. Todo aquí suena celestial. Es pop, sí. Pero un pop con una enorme dosis extra de belleza, exuberancia y placer. Hay por acá y por allá algunos elementos que agregan versatilidad al conjunto: momentos tribales, canciones más explícitamente beatle con vientos, algunos mesurados solos psicodélicos y hasta acordeones. No obstante, a veces puede resultar monótona tanta exuberancia. La belleza desmedida a veces empalaga. Pero esto siempre será subjetivo. A mí en particular mucho no me importa, porque cada vez que vuelvo a Odessey and Oracle lo descubro de nuevo: música genuina, romántica y hermosa. El disco abre con Care Of Cell 44, una gema pop. Es liviana, sí, pero ¡ay! ¡Es tan irresistible! El sensacional riff de piano, el bajo su-

til repitiéndolo entre verso y verso, las deliciosas orquestas florecientes y sobre todo, la melodía. Es buena en los versos, pero lo mejor es el estribillo. Por un momento los instrumentos se callan y escuchamos unos coros cantando "Mmm bom, mmm bom, mmm bom mmm mmm bom". Y sin que nadie nos avise, llega el arrebatador estribillo, iluminándonos con su luz celestial. "¡Feels so good you're coming home soon!". Brillante. Pero aún más brillante es la canción que sigue, A Rose For Emily, una balada de piano tan hermosa, tan dulce, tan subyugante, que no puedo menos que llorar. La melodía que canta Colin es preciosa, y es de esas que parece que existieron siempre, que suenan casi obvias de lo hermosas que son. No obstante, nuevamente el estribillo se roba los flashes, con una entrada apabullante de los coros más etéreos que hayan sonado jamás. Para cortar con tanto romanticismo llega Maybe After He's Gone. A su favor la canción cuenta con otro estribillo perfecto y un puente melódico conmovedor y sublime, tan bello que no se puede describir con palabras (All the days and all the nights...). Beechwood Park introduce algo de variedad, con un riff sobrio y etéreo de bajo y ór-

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gano. La melodía y los coros son nuevamente preciosos, y el puente melódico de "Oh roads in my mind..." es nuevamente fantástico. La letra es hermosa, rememorando los antiguos veranos "dorados" en el Parque de Beechwood, donde "contaban las estrellas y dejaban que la brisa les bese el rostro". Brief Candles y Hung Up On A Dream son más de lo mismo: orquestaciones épicas, coros hermosos y estribillos sublimes y evocativos. Parece que este disco lo hicieron para dejarme sin adjetivos. El lado B comienza con la canción más distintiva del disco, Changes. Es algo monótona, y no tiene ningún gancho melódico atrapante (aunque tal vez esa especie de estribillo de "I knew her when summer was her crown" se pegue en tu mente). Sin embargo, las armonías vocales son bastante interesantes, y se agradece su innegable influencia africana: en particular, ese tipo de tambores siempre me sacan una sonrisa. I Want Her She Wants Me tampoco es tan remarcable, es simplemente un número pop juguetón con una linda melodía y un puen-

te algo más enérgico y arrebatador. Los coros, no obstante, elevan el nivel de la canción sustancialmente. Para recuperar el nivel brillante, nada mejor que This Will Be Our Year, la pieza más beatle de todo el disco, con unos vientos y un piano al estilo Penny Lane. La melodía es nuevamente sobrecogedora, los bronces son una novedosa y genial idea y el puente es nuevamente estremecedor (And I won't forget the way you held me up when I was down). La letra, nostálgica y optimista a la vez, tiene una imbricación especial con la melodía: parecen haber sido hechas la una para la otra. El resultado es una canción que ha crecido en mí con el tiempo: hoy en día, la reconozco no sólo como la mejor del disco, sino como una de las canciones que más me han llegado al alma en toda mi vida. No podría explicar muy bien por qué: ojalá que a alguno de los que está leyendo esto también le pase. Comentario al margen: he oído versiones de esta canción en Stereo que no tienen las trompetitas: pido encarecidamente que busquen la versión con trompetitas, porque esta


canción sin trompetitas es, como diría mi tío, “como chuparle la pija a un maniquí”. Después llega lo más extraño del disco, Butcher's Tale (Western Front 1914). Se trata de una pieza épica muy oscura y atípica para lo que venía siendo el álbum. El acompañamiento consta tan sólo de un acordeón, que escolta a Colin cantando de manera terrorífica y abrumadora. El estribillo es sensacional, ya que Colin sube el volumen y se pone a gritar de manera feroz "And I can't stop shaking / My hands won't stop shaking" para culminar todo en una súplica (I want to go home / Please let me go home). La letra escapa a los poemas de amor, y se trata de un poema anti-bélico algo forzado que, de todas formas, se agradece porque, qué sé yo, está bueno que haya canciones en contra de la guerra, ¿no? Pero después viene Friends Of Mine y tira toda la atmósfera oscura a los suelos con la que tal vez sea la pieza más ingenua y tonta que jamás haya oído. Un pop irresistiblemente juvenil con una melodía tonta y pegadiza, una letra simplísima sobre parejas que se quieren y sobre cómo el narrador esta feliz de ver a sus amigos amándose. La sección

final exclama "It feels so good to know two people so in love" y luego nombra a todas las parejas con nombres escolares. "Joyce and Terry / Paul and Molly / Liz and Brian / Joy and David / Kim and Maggie / June and Daffy / Jean and Jim / And Jim and Christine". No hago mayores comentarios porque soy una persona muy infantil, y obviamente estas estupideces me provocan mucha felicidad. El disco termina con el único tema de los Zombies que fue, más o menos, un éxito: Time Of The Season, un tema sencillamente genial. Abre con un riff de bajo algo funky y unas exclamaciones guturales irresistibles que derivan en una sección más pop (To take you in the sun to promise lands). Todo desemboca en un estribillo celestial, con una masa coral atípica y hasta espantosamente preciosa (It's the time of the season for loving!). Para rematar todo, el tema cuenta con unos solos realmente psicodélicos de órgano que desvanecen la canción. Pasamos así por funk, pop, coros celestiales y psicodelia jazzera en tan sólo 3 minutos y medio. Una de las canciones más originales, interesantes y hermosas de toda la década del 60.

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WE NEED TO TALK ABOUT GARBAGE GARBAGE - “VERSION 2.0” (1998) [ Alex Bretto ]

La Garbagemanía explotó en el año 1996, especialmente tras la edición del single “Stupid Girl”, pero no solo por un hit ganchero. En aquellas épocas donde aún no estaban definidas movidas como el Ñu Metal o la tribu Emo, ese espacio de rock alternativo con orientación post punk no tenía tan claros referentes y Garbage logró ubicarse en un nicho de mercado orientado a la gente que le gusta masoquearse con letras donde la realización es posible a través de la depresión. “I´m Only Happy When It Rains”, como reza una lírica de aquel famoso álbum debut. El productor Butch Vig, ahora devenido rockstar por haber formado su propia banda, no tuvo ganas de arriesgar demasiado y decidió permanecer en su zona de confort a la hora de dar el siguiente paso: letras que tiren para abajo, videos musicales con gran despliegue estético, y la redundancia en el pop alternativo (o sea, rock alternativo con melodías entradoras). El mismo Butch declaró que la idea de la banda no era reinventar su sonido. En el mientras tanto, la imagen de Shirley Manson había crecido a pasos agigantados en esos años y ya era toda una venerada diva oscura, de modo que su rol de front woman era otra garantía más de que el barco iría viento en popa. Por eso fue que “Push It” y su video multinominado a varios MTV Video Music Awards fue un acierto en todo sentido como adelanto del siguiente disco. Pasan allí cosas tan surrealistas como que Shirley entrega a sus novios

para ser asesinados: el primero de ellos por tres monjas sin rostro en un supermercado, el segundo (que tiene cabeza de bombilla de luz) por tres niños cuasi zombies en su propia casa, y otras extrañas escenas fellinescas. Las loas al sufrimiento cantaban nuevamente presente: “Sorry that I hurt you / please don’t ask me why / I want to see you happy / I want to see you shine”.Todo muy raro pero muy simpático… o siniestro, depende el ojo del consumidor. Suficiente para que el disco genere gran expectativa y que cuando fuera lanzado el 11 de mayo de 1998, debutara en el número 1 en Inglaterra. El nuevo álbum entraba en el género que podríamos llamar electronic rock (o Sci-fi pop, como ellos mismos patentaron), yuxtaponiendo la electrónica de la época con diversas interpolaciones de los Beach Boys y The Pretenders. La amalgama de irresisti-


bles melodías pop con el dolor y la frustración continuaban siendo la característica agridulce de Garbage. Esa doble cara está siempre presente desde las primeras líneas de “Temptation Waits”: “I tell you something / I am a Wolf but / I like to wear sheep’s clothing”. El disco es principalmente bailable, y los tres primeros tracks son un mazazo tras otro. El segundo single “I Think I´m Paranoid” fue un gran acierto: contiene un pegadizo riff de guitarra creado por Duke Erikson que anduvo muy bien con la voz ligeramente distorsionada de Shirley. Como dato curioso, “I Think I´m Paranoid” fue incluso lanzado comercialmente por BMG en Argentina. El single fue un éxito Top 10 en UK y número 1 en España. Y para completar el tridente de inicio, otro powerful single que es “When I Grow Up”, una divertida justificación a la vida irresponsable (y el tema más jocoso del disco). No existen momentos relajados en esta producción salvo el destacado cierre con “You Look So Fine” (tal como en el primer disco, se despiden con una balada), pero efectivamente se reducen los BPM en “Medication”, que logra un tono asfixiante con sus pesadas gui-

tarras para acompañar los lamentos claustrofóbicos de Shirley, quien bien podría estar dedicándole este tema a una institución psiquiátrica. Como ya dijimos sufrimos con alegría, trocando casi naturalmente a “Special”, una alegre experiencia de desapego respecto a la rola previamente descripta. Y así siguen los altibajos emocionales a lo largo de todo el disco, bien high en “Hammering In My Head” o creepy down en “The Trick Is To Keep Breathing”, para terminar… down, obviamente! Pero “You Look So Fine” es el perfecto espécimen que Garbage es capaz de engendrar: una sublime canción dolorosa donde su espina más prominente es la línea final: “Let’s pretend happy end”. No podíamos esperar otra cosa. “Version 2.0” no logró superar el éxito comercial del álbum debut de Garbage, pero le posibilitó a la banda un mayor crecimiento internacional y la conquista de nuevos fans. En pocas palabras: si una persona de las que dicen “yo escucho de todo” porque escucha FM comercial todo el día te preguntara “¿Qué me recomendás que escuche de Garbage?”, la respuesta más que obvia sería este disco.

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LA MEDICACIÓN EN SU MOMENTO JUSTO Spiritualized - Songs in A&E (2008) [ Benjamín York ]

El regreso de Jason Pierce al disco después de su "Amazing Grace" (2003). Al leer el título uno pensaría en canciones escritas en MI y en LA (las notas) pero el significado es mucho más profundo y tiene que ver con el período en que Jason estuvo hospitalizado en el 2005, en el Royal London Hospital, de hecho está dedicado al personal de dicho lugar. Entonces... ¿qué es A&E? algo tan simple y nada poético como "Accidentes y Emergencias" la sala en donde estuvo internado Pierce. Si bien este grupo de canciones J Spaceman ya las había escrito antes de su enfermedad, pero no se atrevía a terminarlo, pero al fin fue convencido de hacerlo por el director de cine Harmony Korine, para quien después hizo una banda sonora, "Mister Lonely" (2007). Pierce dice que este trabajo con Harmony le devolvió las ganas y la inspiración y fue el gran empujón para poder terminar este álbum. Tras la hospitalización se han disparado algunos mitos como que Jason estuvo un minuto muerto, lo cual Pierce desmiente. Lo cierto es que este álbum es mucho más relajado, aunque tenemos que pensar en algo más acústico, pero sin perder esa mística espacial. Sin lugar a dudas el segundo track (Sweet Talk) tiene un sonido de resurrección, cómo si Pierce se levantara entre los muertos, con un dejó de esperanza pero en el siguiente track (Death Take Your Finger) el escalofriante so-

nido del respirador automático es bien significativo del periodo en que Jason permaneció en el hospital. Dale escalofrío escuchar el inflarse de la bolsa que emana el aire, tal vez sea la mejor manera de exorcizar esa pesadilla (a la manera de Jason Pierce). Pero seguidamente nos devuelve a la vida con la stone "I Gotta Fire" y el alma vuelve al cuerpo con un poco de rock. Luego viaje, para mí una de las mejores canciones de la banda, "Soul on Fire", sublime, mezcla de ese acústico volador con ese coro gospel que nos eleva hasta el mismísimo Señor. Pero el viaje que nos propone J Spaceman tiene 18 estaciones, casi todas espaciales, pero tenemos algunas en que nos sacuden un poco, como en la mencionada "I Gotta Fire" o "Yeah Yeah", y algunas nos despiertan en medio de un caos sonoro (marca registrada de la casa) como en "You Lie You Cheat" en donde Pierce nos regala ese áci-


da y caótica pared de distorsiones y ambientes que mezclan la furia del garaje rock con la efervescencia de la psicodelia y el noise rock. No podemos dejar de lado a "Baby I'm Just A Fool" esa mezcla de folk que se va convirtiendo en una canción que roza el country rock y a medida que avanza crece en intensidad y se van agregando instrumentos. Y las capas se van sumando sobre la guitarra acústica que siempre está como base. Hacia el final entra la batería aplicándole la dosis de furia que tanta intensidad pedía, los

vientos y la guitarra eléctrica y los violines se empiezan a entremezclar produciendo lentamente un noise que se termina abruptamente. Fantástico. A partir de acá las canciones que restan nos ponen en un estado "Spiritualized", ese estado entre lo mántrico de un rezo y esa languidez del space rock que posee esas fulgurantes explosiones multicolores de liviandad casi religiosa, gospel, sagrada, de redención. "Songs Of A&E" es La Medicación en el Momento Justo.

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ERASURE | World Beyond Label: Mute / Ultrapop (en Argentina) Fecha de Lanzamiento: 09 de marzo de 2018 [ Por Gabo Rojo ]

you to the Sky” pasa a complementar a, como las describió Andy en los shows, “las canciones románticas” de la segunda mitad, donde tiene más sentido. Pero el atractivo principal del álbum es poder escuchar la voz de Andy Bell, uno de los cantantes más convincentes de todos los tiempos, volando por sobre los etéreos arreglos sin coros, sin overdubs, sin efectos, sin duplicaciones. “You show me there’s more tolife”, canta en “Sweet Summer Loving” – quizás le estaba cantando a su propio reflejo.

KINI | A Room of One's Own Label: The Sublunar Society Fecha de Lanzamiento: 06 de Abril de 2018

[ Por Diego Centurión ]

World Beyond no es lo que uno puede esperar de un disco orquestado (no hay orquesta) ni de un disco acústico (no hay guitarras). Se trata de una reinterpretación de World Be Gone, el fantástico disco del año pasado, arreglada y ejecutada por Echo Collective, una agrupación de Bruselas que “colabora y produce música que actúa como puente entre el clásico y el neoclásico” y en cuyos próximos shows en vivo harán Amnesiac de Radiohead. Suena como un proyecto complementario sólo para el interés de los fans más acérrimos, y lo sería si no fuese por el hecho de que el álbum es absolutamente excelente. Vince Clarke aquí no toca nada, pero se le acredita la “brillante idea”, y brillante es: violín, viola, cello, harpa, bajo, piano, xilofón y la voz de Andy Bell. World Be Gone es la forma en que estos temas sonaron para ser más fieles al sonido de Erasure, pero World Beyond es la forma en que estos temas suenan más fieles a sí mismos, a su sensación de pérdida de fe en un mundo cada vez más desenfrenado y simultánea valentía para volver a creer en el amor como salvación. Un pequeño cambio en el orden de los temas intensifica la pureza conceptual del álbum: aquí “Oh What a World” pasa a estar al principio, introduciendo estas temáticas a la perfección, mientras que “Love

La primera impresión al escuchar el álbum debut de la londinense Kini (Kini Echeverria-Valda) es que nos encontramos ante una mirada bjorkiana de la música más allá de la estructura de la canción convencional. Pero la descripción dejaría mucho del material (por no decir casi la totalidad de los tracks) si sólo nos ajustamos al track que abre el álbum, "Icaro" o si escuchamos "I Too Overflow". Porque el resto de las "canciones" van más por el lado experimental que el de canción convencional. Kini logra que el pasadizo por donde circula su música por momentos vea la luz, lo cual rehabilita el oído de aquel que no esté acostumbrado a paisajes sonoros oscuros y de poca


estructura tímbrica reconocibles como canción. Para aquellos oídos entrenados en este tipo de variaciones sonoras se encontrarán con una artista que demuele las estándares de la canción, arriesgándose a perder en ese camino a aquellos que no estén preparados para traspasar esa frontera que cada vez más nos quieren imponer. Kini ha lanzado su álbum debut y con él nos desayunamos una de las mejores y prometedoras cartas de presentaciones de este año.

mina siendo luminoso. Azar Paralelo es de esos grupos a los cuales hay que ponerle mucha atención, prometen muchas cosas buenas, y lo mejor es que han logrado imprimirle mucha personalidad a su sonido.

WIRE | Nine Sevens Label: Pinkflag Fecha de Lanzamiento: 21 de Abril de 2018 [ Por Benjamín York ]

AZAR PARALELO | Lucero Underground

Label: Anesthetize Records Fecha de Lanzamiento: 18 de Abril de 2018 [ Por Alejandro Cenizacromada ]

Azar paralelo es un cuarteto bogotano de Post punk, que con un sonido muy fresco por estos días está lanzando su primer sencillo llamado Lucero underground. Si bien la canción parte de esa movida gris, termina funcionando como un mantra con ese obstinado arpegio de guitarra que en su belleza te hipnotiza. Los teclados ayudan mucho a encender la hoguera del viaje, me hacen recordar las hermosas atmósferas del Roseclouds of holocaust de Death in June (que obviamente nada tiene que ver con esto). El diálogo entre la batería y el bajo encienden el reactor incitándonos a danzar. La letra muy linda por cierto puede significar muchas cosas, personalmente para mi es una invitación a tomar el cuesta más dura en la cual puedes encontrar las mejores recompensas. Un sendero oscuro que al final ter-

"Nine Sevens" es una compilación remasterizada especialmente para el "Record Store Day". Se trata de la primera de una serie de reediciones del catálogo de Wire de los años 70's. Este 7" Box Set es una colección grabada en el período 1977-1980 e incluye 6 singles lanzados originalmente en Harvest, uno originalmente lanzado en Rough Trade y otro sencillo grabado en 1980 que nunca fue lanzado en 7'. El noveno elemento es el EP regalado con las primeras impresiones del álbum 154. Los singles se lanzarán individualmente de forma digital después del Record Store Day, pero no se compilarán en un álbum de singles o de grandes éxitos. Esperaremos ansiosamente las otras ediciones de una de las bandas más interesantes que nació dentro del movimiento que cambió la historia (el punk) pero que dentro de post-punk de principios de los años 80´s dio grandes pasos.

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BRIAN ENO | Music For Installations Label: Opal / Universal Fecha de Lanzamiento: 04 de Mayo de 2018

[ Por Gabo Rojo ]

anécdotas de Eno (alguien en China le dice que la música está un poco fuerte y Eno piensa “éste es mi tipo de oyente”.) Posiblemente su lanzamiento más esencial en años – el sonido de una de las mentes más grandes del mundo del arte haciendo lo que hace mejor.

THE BLUE HERONS | All I Keep inside Label: Bandcamp Fecha de Lanzamiento: 10 de Mayo de 2018

[ Por Benjamín York ]

Me voy a duchar con el quinto disco de este boxset de 6 CDs, Making Space, de fondo. De repente escucho un tema tan, tan bello que tengo que salir del baño sin secarme para ver cómo se llama (es “New Moons”, una base cósmica pincelada por espaciosos rasgueos de guitarra eléctrica, que recuerda simultáneamente a la mítica “Ascent” del autor y a la espectacular “Supernova” de Mike Oldfield.) Realmente lo que menos esperaba de este box era que tuviese temas destacados. Hubiese sido perfectamente feliz con 6 horas de música inocua. Y ciertamente hay suficiente música Enocua, como es el caso de 77 Million Paintings, soundtrack de la muestra que se expuso aquí en Argentina en el CCK a fines del 2016, y básicamente una versión extendida del tema “Ikebukuro” del álbum The Shutov Assembly (1992). Pero en su totalidad, estos 6 discos parecen explorar toda posibilidad que el Ambient tiene para ofrecer: desde la belleza etérea (Lightness) y la austeridad (“I Dormienti”, más en el estilo de Neroli) hasta lo misterioso (“Surbahar Sleeping Music”) y lo sacrosanto (la apropiadamente titulada “Delightful Universe (seen from above))”. Algunas piezas de Making Space incluso tienen ritmo (!) El booklet de 64 páginas, generoso en texto, incluye la historia detrás de las obras y algunas maravillosas

Otro proyecto de Andy Jossie, a quien hemos descubierto hace poco bajo el nombre de The Churchill Gardens, en un single en el que participaba Krissy Vanderwoude de Whimsical. Quién también ha participado en el último single de The Churchhill Gardens hace un tiempo. Andy Jossi nos trae este track que es simplemente hermoso. Pero en esta canción la voz pertenece a Thierry Haliniak de My Raining Stars. El track es un brillante y luminosa canción que explota desde el inicio y se vuelve preciosa a medida que avanza, un dreampop que roza el shoegaze con maestría y sobre todo, con mucha elegancia. The Blue Herons es un proyecto en donde Andy despunta el vicio que también lo hace con The Churchhill Garden, aunque esta última tiene más una ambientación más dreaming. A The Blue Horons lo puedes escuchar en su bandcamp, y nosotros lo recomendamos.


ARCTIC MONKEYS | Tranquility Base Hotel & Casino Label: Sony Fecha de Lanzamiento: 11 de Mayo de 2018 [ Por Gabo Rojo ]

na como una secuela posmoderna de “Space Oddity” o “The Prettiest Star” de Bowie), Turner termina diciendo mucho sobre la sociedad actual, y, como queda claro en el cierre crooneado de “The Ultracheese”, la relevancia de la canción aún en un mundo tan desconectado y obsesionado con su pasado inmediato. Tranquility Base Hotel & Casino es un producto de nuestros tiempos, que sin embargo sólo puede ser verdaderamente disfrutado a la antigua: sentado frente al reproductor, leyendo las letras y concentrándose en el contenido de principio a fin.

AT THE GATES | To Drink From the Night Itself Label: Century Media Fecha de Lanzamiento: 18 de Mayo de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

“Yo solo quería ser uno de los Strokes” es la primera línea que canta Alex Turner en el disco. Si hay algún atisbo de sinceridad en esta declaración, evidentemente no cumplió su objetivo: el álbum no podría sonar más distinto a los Strokes. En su lugar, sus canciones barrocas a base de piano suenan más a Ziggy Stardust haciendo covers de Tom Waits en Marte. Es un sonido muy particular, y Turner lo utiliza para presentar, quizás por primera vez, su visión del mundo. Y la voz que decide emplear para presentarla es igualmente extraña: diatribas de un borracho exiliado en el espacio, nostálgico por un pasado que no es suyo, por un pasado que vio en la tele o leyó en libros de ciencia ficción clásica (“Quizás fui demasiado salvaje en los 70s”, canta el frontman nacido en 1986). La combinación termina siendo extrañamente relevante. En su distanciamiento espacial, expresión mediante lenguaje publicitario, referencias culturales anteriores a su época y apropiación de un sonido que ya era nostálgico en su concepción original (a veces el disco sue-

Nuevo disco de estudio de At the Gates y el segundo desde que la mítica banda sueca se reuniera allá por 2010. To Drink From the Night Itself viene a retomar la senda que a su vez continuó de Slaughter of the Soul (1995) el más que sólido y cumplidor At War with Reality (2014). De todos modos, la influencia de un disco como With Fear I Kiss the Burning Darkness (1993) se deja notar dentro de las melodías,

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mid-tempos y estructuras generales de la mayoría de las canciones. Cada faceta está mucho más desarrollada, matizada y diversa que en cualquier otra cosa que hayan hecho desde aquella primera mitad de los 90. Incluso temas que empiezan de una manera clásica, inevitablemente terminan evolucionando en algo más; ya sea “A Stare Bound in Stone”, que pasa a una segunda mitad temperamental y melódica, o “Palace of Lepers”, que rebota entre death estándar e interludios que están más próximos al trash de tintes progresivos. Las canciones más interesantes, sin embargo, son las que ahondan en una dirección más directa y agresiva (mención aparte son las dos hachas del recién llegado Jonas Stålhammar [ex-Bombs of Hades] y Martin Larsson, como mismo el bajo trepidante de Jonas Björler [también de The Haunted]). Temas como “Daggers of Black Haze” son el verdadero punto culminante del disco, el cual no parece bajar la guardia ni un solo segundo. To Drink From the Night Itself es, asimismo, un trabajo que evita caer en los facilismos atmosféricos tan propios del género (Death Metal Melódico), por lo que a nivel producción nos encontramos con un álbum de sonido más hosco, donde la sofisticación queda algo relegada por la intensidad (y si no presten atención a los tonos ásperos de la voz agónica de Tomas Lindberg [que ha hecho de las suyas en Lock Up y Nightrage], o la batería latosa del aporreador serial Adrian Erlandsson [ex-The Haunted, ex-Cradle of Filth, ex-Paradise Lost y ex-Vallenfyre]). Conclusión, To Drink From the Night Itself es una obra que puede seguir atenuando las fantasías (nuestras) de interminables repeticiones de Slaughter of the Soul con expectativas realistas de una banda que siempre tuvo más que ofrecer que ese disco. At the Gates regresa a la cúspide del lado creativo y profundiza en un conjunto de canciones más temperamental, matizado y diverso, que tiene más en común con sus primeros lanzamientos que con lo que todo el mundo siem-

pre parece recordar y esperar de ellos. En el proceso, es muy posible que hayan lanzado uno de los mejores discos de su carrera.

SOFT SCIENCE | Maps Label: Test Pattern Records Fecha de Lanzamiento: 01 de Junio de 2018 [ Por Benjamín York ]

Los californianos de Soft Science han lanzado su nuevo álbum "Maps". La banda formada por: Katie Haley, Matt y Ross Levine, Mason De Musey y... nos traen este paquete de diez canciones plagadas de sonoridades a lo My Bloody Valentine con grandes dosis de excelencia y canciones agitadas de distorsiones abiertas y para nada filosas, más bien, el shoegaze más puro y tradicional. Capas y capas de instrumentos conforman un exquisito álbum y una de esas gemas que tienen que estar en tus oídos. Pueden seguir a la banda en: https://twitter.com/softscienceband http://www.testpatternrecords.com/ h t t p s : / / w w w. y o u t u b e . c o m / u s e r / testpatternrecords1 https://testpatternrecords.bandcamp.com/ album/maps


MAZZY STAR | Still (EP) Label: Rhymes Of An Hour Records Fecha de Lanzamiento: 01 de Junio de 2018 [ Por Diego Centurión ]

mesmerismo, y la voz de Sandoval nos separa el alma del cuerpo. El track final, es una reversión del clásico de 1993, pero la versión es más mántrica y experimental, con órganos que nos llevan a los años de la psicodelia sesentera, pero la voz de Hope nos hace entrar en trance, y como dentro de un aquelarre nos encontramos siendo parte de una ceremonia Mazzystartiana. El dúo de David y Hope, más el aporte de la My Bloody valentine, Colm Ó Cíosóig, nos recuerdan que hace más de veinte años nació una banda que no ha cambiado el sonido, y que si hoy escuchamos toda su discografía, parecería que nada ha cambiado, porque nada ha cambiando en la manera de mostrase como únicos.

POPTONE | Poptone Nueva entrega de este dúo que ha regresado hace unos años y lo han hecho de manera exquisita, “Seasons Of Your Day” (2013). Still no es la excepción, tres canciones nuevas y una reversión de su clásico "So Tonight That I Might See - .ascension version" conforman este nuevo episodio en la vida de la banda. También es el primer trabajo del grupo desde la muerte de su elogiado baterista Keith Mitchell el año pasado. Este EP abre con la canción que hemos conocido en abril, la hermosa canción "Quiet, The Winter Harbor", donde el piano toma el control total de la instrumentación, pero como siempre el vuelo cansino y tímido de la voz de Hope Sandoval nos deleita de manera encantadora. "That Way Again" nos adormece dulcemente en ese fol soñador evocando a esos años en donde la banda estaba más activa discográficamente. Guitarra acústica, una eléctrica blusera y un ritmo simple y que marca el pulso de las tonalidades de la voz de Hope. "Still" nos lleva por el mismo sendero claroscuro que nos induce a sumergirnos en pensamientos introspectivos, la guitarra de David Roback hace lo que mejor sabe hacer hipnotizarnos, al mejor estilo del

Label: Cleopatra Records Fecha de Lanzamiento: 08 de Junio de 2018 [ Por Benjamín York ]

En el cierre de esta edición se ha lanzado este álbum debut. ¿Es un álbum debut?. Si quiesieran como sonarían hoy algunas canciones de Tones on Tail, Love and Rockets, tan sólo tienen que escuchar este álbum. La banda formada por Daniel Ash, Kevin Haskins y Diva Dompé. En nuestro próximo número nos explayaremos bastante sobre esta banda.

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The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA

Revista The 13th N° 46  

Andi Sex Gang, Shriekback, Stella Diana, STFU, TC&I, The Blue Hour, Searmanas. Juvenilia, Hiroshima Dandys, Niños Envueltos, Benjamín Calais...

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