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The13th AÑO: 4 | NÚMERO 40

UNA R E VISTA IMA GINARIA

THE BOLSHOI - DANIEL LAND FLOU! - DAVE WESLEY - 68CREEP TULIPOMANIA - NUVEM LEOPARDO SALVIA | VIVA ELÁSTICO | LA SUMA DE TODOS LOS TIEMPOS MERCIFUL NUNS | ASH CODE | BTB | CHILLAN LAS BESTIAS TROPICA OBSCURA | LATINO AMERICA SONIDOS QUE PERMANECEN


STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Benjamín York

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Jairo Mansur

Pablo Ravale

Julieta Curdi.

Jefe de Departamento de Cine:

Max Wilda

Nicolás Ponisio.

Rodrigo Debernardis

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Diego Centurión y ARMS.

Pablo Ravale.

Marina Cimerilli

Jefe de Departamento de Música:

Pablo Müllner

[ Fotografía ]

Diego Centurión

Patricia Claudia Fiori

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Jefe de Departamento de Colombia:

Marina Cimerilli. [ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez COLABORAN EN ESTE NÚMERO Brenda Nemerovsky (fotografía en Mind- Pop), Camilo Alfonso, The Shadow, Alejandra Anastasia, Mike Pougounas, Jorge Cárdenas , Enrique Tamayo, Elvis Stagnaro, Billy Te Quiero, Christhian Sangreycenizas Chavero.

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.


EDITORIAL Septiembre 2017 Siempre estuvo el sueño de llegar al número 10, luego tuvimos el número 20, el 30 y ahora llegamos al Número 40. Si nos ponemos a mirar para atrás y vemos los músicos que han pasado por nuestras páginas no queda otra que sentirnos orgullosos de lo hecho y asumimos el compromiso de seguir en este camino que emprendimos desde aquel abril del 2013. En gran parte de América del Sur llegamos con la primavera, en otras partes de Latinoamérica llegamos con el otoño,Pero Llegamos... Para éste número no realizamos nada espectacular, ya que pensamos que la mejor manera de festejar estos números publicados es trabajar como siempre. En el terreno de las entrevistas tenemos mucho material, las bandas nuevas como 68creeps, Tulipomania, descubrimos a Dave Wesley, los recuerdos con The Bolshoi, las bandas argentinas como Salvia, La Suma de Todos Los Tiempos, Viva Elástico y los brasi-argentinos de Nuvem Leopardo y los paraguayos de FLOU!. En la Mirada de los Otros tenemos a la escena del dark-gótico de Latinoamérica que le pone la mirada al último trabajo de Merciful Nuns – A-U-M. Abordamos una retrospectiva dentro de la columna “Music Corner” referida al BAD de Michael Jackson. Tropicalia Obscura nos trae una visión del Festival Ruido Mutuo. Una reflexión sobre la crisis de las ediciones en la sección de “Latino America Sonidos que Permanecen”. En la rama de Literatura empezamos en este número con escritores invitados que nos ceden algún poema o texto, en este número y abriendo el fuego presentamos a Franco Doglioni. En tema cine una interesante trabajo llamado “A Través del Espejo” en donde confrontan el animé vs Hollywood, y en el Escritor Serial tenemos la nueva serie The Defenders. Asistimos a los conciertos psicodélicos en Lado B Niceto Club y a la presentación de Ash Code en Requiem Club y Mind-pop en Kirie Club. Presentamos dos proyectos que tal vez sean nuevos para ustedes, pero que ya tienen años de trayectoria, BTB y Chillan Las Bestias. Sólo nos queda decirles que disfruten de este nuevo número… nosotros… ya estamos trabajando en el próximo.

REVISTA THE 13TH


ÍNDICE ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Rob Roy Depeche Mode - Some Great Reward (1984) por Maxx Wild...........................................................................06 NOS GUSTA MANTENER EL CONTROL DE LAS COSAS Entrevista a Guillermo Gayo de FLOU por Diego Centurión.............................................................................................08 LA RELACIÓN ENTRE MATEMÁTICAS Y MÚSICA Entrevista a Dave Wesley por Benjamín York.....................................................................................................................14 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Diego Centurión.......................................................................................................20 LA EXPERIENCIA NUVEM LEOPARDO Entrevista a Marcel Willou de Nuvem Leopardo por Pablo Müllner..................................................................................26 ES DEFINITIVAMENTE UNA EVOLUCIÓN Entrevista a Patrick Casey de 68creep por Benjamín York.................................................................................................32 ESTA ERA DORADA DE MISTERIO Y SOLEDAD Entrevista a Tulipomania por Pablo Müllner......................................................................................................................38 LOS FEDERICOS SON UNA BENDICIÓN Entrevista a Pepe Salvia por Diego Centurión...................................................................................................................44 LOS MEJORES TIEMPOS (ESTÁN HECHOS DE SUEÑOS) Entrevista a La Suma De Todos Los Tiempos por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster...........................................52 UN TIEMPO DE LIBERACIÓN Entrevista a Daniel Land por Diego Centurión..................................................................................................................58 ¡VIVA ELÁSTICO ES UNA BANDA QUE YO LA VOY A TENER HASTA QUE ME MUERA! Entrevista a Ale Schuster de Viva Elástico por Marina Cimerilli.........................................................................................66 TROPICA OBSCURA FESTIVAL RUIDO MUTUO O LA IMPERFECCIÓN DE LAS MÁQUINAS por César León...............................................72 LA MIRADA DE LOS OTROS MERCIFUL NUNS - A-U-M (2017) .....................................................................................................................................78 DESCUBRIENDO LA MAGIA Entrevista a Paul Clark de The Bolshoi por Rodrigo Debernardis......................................................................................84 MUSIC CORNER MICHAEL JACKSON - ¿EL NEGRO MALO? Por Alex Bretto. ..........................................................................................90 Entrevista a Rudy Tambala PALABRAS EN LA ARENA(A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 MAPA DE FUGA HACIA UNA REALIDAD ALUCINADA: Ciclonopedia (Complicidad con materiales anónimos) de Reza Negarestani por Pablo Ravale.................................... 96 ESCRITOR INVITADO: Franco Doglioli - Sexta Temporada................................................................................................................................ 99 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE LA ARENA DE LAS CIRCUNSTANCIAS por Pablo Ravale...............................................................................................101


HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................104 EN CONCIERTO NOCHE ALUCINÓGENA Lado B Niceto Club por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster............................................................................. 108 NUEVOS COLDWAVE AIRES EN BUENOS AIRES Ash code en Requiem / Hadrian Juarez (Gothic BA.) Por Maxx Wild. Fotografías: Lily Moonster............................... 114 “ALGO ESTÁ GESTÁNDOSE A LA PAR…” Mind Pop - Droopy Brun - Matilda por Pablo Müllner. Fotografías: Brenda Nemerovsky............................................ 120 LATINO AMERICA SONIDOS QUE PERMANECEN ESPECIAL: EDICIONES EN CD - ¿Crisis o resistencia de los formatos? por Jairo Mansur .............................................126 RESCATE CINÉFILO A TRAVÉS DEL ESPEJO - ANIMÉ VS HOLLYWOOD….............................................................................................132

KEEP YOUR ELECTRIC EYE ON ME por Jimena Patiño.............................................................................................134

HACKER DE LA MENTE… Y NO HABLO DE CARLÍN por Nicolás Ponisio................................................................136 HERE WE ARE NOW, ENTRETAIN US! por Jimena Patiño ........................................................................................138 BAILANDO POR UNA PESADILLA por Nicolás Ponisio ............................................................................................140 SPICE UP YOUR LIFE por Jimena Patiño ...................................................................................................................142 SIGUE GIRANDO por Nicolás Ponisio .......................................................................................................................144 EL ESCRITOR SERIAL

THE DEFENDERS - We can be heroes together… just for one time por Nicolás Ponisio..........................................146

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................150 PURA MELOMANÍA LA PROFUNDA BONDAD DE LOS VEGETALES, Y OTRAS MORALEJAS SÓNICAS. The Beach Boys – Smiley Smiley (1967) por Gabo Rojo...............................................................................................156 TARDÍA VICTORIA DEL POP SOBRE EL ROCK AND ROLL Iggy Pop - Lust for Life (1977) Por Benjamín York ..........157 MADRE TIERRA, HERMANO SOL Y HERMANA LUNA Love and Rockets - Earth, Sun, Moon (1987) por Diego Centurión ............................................................................161 OSCURA BELLEZA The Doors - Strange Days (1967) por Pablo Ravale .......................................................................162 MULTITUDES EN EL SUBTERRÁNEO Depeche Mode – Music For The Masses (1987) por Alejandro Cenizacromada .........................................................165 UN TRIUNFAL “HASTA LUEGO” Ministry - The Last Sucker (2007) por Pablo Ravale .................................................167 UNA FABULA AGRIDULCE The verve - Urban Hymns (1997) por Alex Bretto .............................................................170 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................172 DERECHO DE PISO BTB - HABLANDO EL IDIOMA DE LAS MÁQUINAS por Benjamín York......................................................................186 CHILLAN LASBESTIAS - EL OSCURO SOUNDTRACK RIOPLATENSE por Diego Centurión........................................188 SOBRE LA PORTADA EL GRAN ARQUITECTO..............................................................................................................................................190


¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild


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Rob Roy Depeche Mode - Some Great Reward (1984)

Cuan grato para mi es tener que hacer una reseña de este, el cuarto álbum de estudio de DM. Como es menester últimamente, debo decidir un acompañante “espirituoso” para esta tarea. Nada mejor que un clásico para un clásico, el ganador es Rob Roy, variante del Manhattan. Comienza Something to Do, mientras el whiskey (escocés, por eso es una variante), el vermouth (dulce) y las gotas de bitter, dan vida a este compañero. Este inicio de 161bpm, marcadamente industrial (rezago de los discos anteriores y en armonía con el arte de tapa) deviene en un constante frenesí sostenido hasta el final en donde los samples cortan perfectamente la monotonía arpégica (cómo me gusta inventar términos). Disfrutando ya del sabor, llega Lie to Me, armonías vocales, un Dave (no necesito poner apellidos) llevando a sonidos lo que Martin entiende del engaño, samples, Yamaha DX7, minimalista. El inconfundible sello industrial de People are People me retrotrae a la primera vez que escuche este tema (casualmente el primero que escuché de DM y el que los hizo cruzar el Atlántico) y el sentimiento está intacto, sigue sorprendiendo ese juego vocal (inspirado en el doowoop clásico, dicho por Martin) que transporta y da una vuelta de tuerca al sabor óxido industrial, de la misma manera que las notas del vermouth cambian el retrogusto en mi paladar ¡esto hay que bailarlo! It Doesn't Matter, baja las revoluciones con un simple y hasta casi “tontin” tema de amor, me da tiempo para recargar y esperar por Stories of Old. Intro con tensión para un tema “synthpopero". Una buena elección hubiera sido saltearlo e ir directo a Somebody, ya que como It Doesn't Matter, Martin toma la voz principal para expresar su costado suave, solo acompañado de piano y algún otro efecto por detrás, el tema transmite la melancolía por la que todo corazón enamorado ha pasado. ¡Ahora sí! Master and Servant, era lo que necesitaba para arrancar y cortar con lo anterior, la dualidad de Martin se siente presente, pasamos al sado, complejo y sensual, este tema tiene lo necesario para ser un sello de esta época de DM, crudo, efectero, diferente para esos tiempos. Tercer cocktail y suena If You Want, más electro que los demás y más en línea a lo que Alan haría por su cuenta. Quienes saben de cocktelería seguramente estarán corrigiendo la forma en que preparé mis Rob Roys, ya que le falta algo… la cereza al marraschino! Bueno, no tenía… pero Blasphemous Rumours concluye este clásico álbum a manera de esa cereza. La letra más desafiante de todas, casi les vale una suerte de censura que tras reiteradas explicaciones por parte del grupo se convirtió en una marca indiscutible de la banda. Musicalmente es impecable, sumado al extraño final, en donde esa inhalación (¿o exhalación?) cierra unos 40 minutos en los que DM comenzaba fuertemente a diferenciarse en todo sentido a lo presente en los 80s y marcando su esencia, la cual va más allá de lo musical. ¡Salud!


[ Entrevista a Guillermo Gayo de FLOU por Diego Cneturiรณn. ]

NOS GUSTA MANTENER EL CONTROL DE LAS COSAS


A veces estamos tan inmersos en la rutina de lamúsica argentina que nos cuesta ponernos a mirar más allá de las fronteras, si bien acá tenemos bastante espacio para la música de Latinoamérica, Paraguay es un país del cual poco conocemos, sólo cuando empezamos y aún éramos fanzine (Junio 2013) entrevistamos a Deliverans. Ahora tenemos la posibilidad de hablar con los chicos de FLOU y de conocer a este cuarteto formado por Walter Cabrera (Voz y Guitarra), Bruno Ferreiro (Guitarra), Federico Wagener (Bajo) y Guillermo Gayo (Batería). Ellos se han formado en 1997, así que están cumpliendo sus primeros 20 años de existencia.

Hola Chicos, gracias por concedernos esta entrevista y perdón por el desconocimiento, me avergüenza.Trataré de hacer una breve reseña sobre su vida como banda en preguntas por álbumes para después ir al presente. Para empezar, ¿por qué el nombre de la banda? Como siempre a la hora de elegir hay muchas opciones, en principio el nombre fue “Flow” pero a la hora de registrar vimos que habían algunas bandas con ese nombre, seguimos buscando y pensamos al ser una banda que hace música en castellano llamarnos “Flou” era una opción interesante, al buscar su significado en el diccionario nos pareció que iba acorde a la música que hacemos y decidimos llamarnos Flou. Veinte años desde el inicio ¿Cómo fue ese inicio, cómo nace la banda y cómo se consolidan hasta la grabación de “Despertar” (2000)? Éramos amigos de distintas partes Walter, Ariel y Bruno se conocían de patinar juntos, ellos comenzaron con la banda faltaba alguien que toque el bajo y Bruno conocía a Fede del colegio y bueno se formó la banda, primero componiendo canciones y una vez llegado a una cantidad de canciones aptas para salir a tocar, comenzamos a tocar donde se podía fuimos de a poco haciendo camino y juntando gente, en el 2.000 ya con un puñado de canciones creímos necesario grabar un material para poder promocionar nuestra música en las radios y también para que la gente pueda llevarse a su casa el material y escucharlo no solamente en vivo Para el segundo álbum “Ataraxia” (2003) cambian la formación de la banda, pierden un integrante pero no lo reemplazan, ¿Cómo cambió esto en la estructura de la banda?

Al comienzo fue un poco raro, teníamos dos guitarras y justo antes de entrar a estudio tomamos esa difícil decisión, tener que adaptar esas canciones a una guitarra, más a parte seguir la banda sin la presencia de un amigo fue difícil pero al final fue beneficioso para la banda. Y después de eso ya las composiciones fueron distintas, la banda fue tomando otro rumbo. El segundo cambio en la formación sucede 2006, cuando estaban grabando el tercer álbum, “Tácito” (2006). Pero esto ¿Cómo afectó a la banda? (Aunque por los resultados hasta hoy se puede decir que encontraron la formación ideal) Si tal cual, cambiar un integrante siempre es triste, por un lado es un amigo que deja de hacer contigo algo que soñabas y hay un tiempo de luto que se pasa, pero la entrada de Guille a la banda trajo frescura, fuerza y unión y fue muy beneficioso para la banda tanto en lo musical como en lo humano. 2007, hace diez años, se cruzan con la otra banda que hemos entrevistado, Deliverans. Personal (Backtones), Copa América 2007, El Festival homenaje a Luis “Laucha” Arce (Deliverans), los shows en varios países de Latinoamérica y el Primer “FLOU Rock Fest”. Y como un enlace a esos diez años, les pregunto ¿Un 2007 para no olvidar no? En serio si, el 2007 fue un año increíble un año atrás habíamos sacado tácito y en el 2007 la gente ya lo había digerido bien al disco y salimos a tocar mucho por todo el país, es como la banda se ganó su luga y respetor en la escena, la canción “A tu lado” fue número uno en la Rock & Pop de Paraguay y bueno a parte de eso comenzamos una relación laboral con la gente de Personal, tocamos en el Pilsen Rock uno de los festi-

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vales más grandes de Paraguay estuvimos por Bolivia y tocamos en Santa Fe Argentina con una de nuestras bandas referentes de Argentina “La Cruda” y también como decís comenzamos con lo que es el FRF, un año de no olvidar jaja Un salto al 2010 donde lanzan “Tanto y Nada” y si hay algo que me llama la atención es que se mantuvieron independientes. ¿Este álbum fue el gran golpe y el que los posicionó como la banda más grande de Paraguay? Creemos que con Tácito en realidad la banda se hace masiva, con Tanto y Nada había que reafirmar eso, nos costó mucho llegar a las canciones que creíamos iban a hacer que el disco sea sólido en la propuesta y de que guste a la gente, por suerte tuvo una excelente aceptación en el público. Con respecto a hacernos independientes ya desde Tácito nos dimos cuenta que no era necesario estar en un sello para lograr lo que queríamos, y por ese motivo decidimos ser independientes, hasta hoy lo seguimos siendo, tenemos el control de todo y manejamos nuestros tiempos,

eso no tiene precio. Desde 2010 hasta la llegada del último álbum hasta ahora mucho ha pasado. Cuéntenos que anduvieron haciendo como banda y personalmente. Si nos tomamos un largo tiempo entre esos dos discos, entre medio sacamos un DVD Instantáneas es una sesión de estudio de 14 temas racopilando canciones de todos los discos y del cual se desprende el corte “Ella uso mi cabeza como un revolver” de Soda Stereo, era una versión que queríamos hacer y nos dimos ese gusto. En lo personal, varios miembros de la banda se casaron tuvieron hijos y bueno eso hizo que se demore un poco la creación de Universo Inverso. 2015 llega “Universo Inverso” y acá se nota un cambio desde la estética. ¿Cómo logran mantener la llama viva después de tantos años? Bueno, son muchos años que estamos en esto y si tenes razón hay momentos que cuesta mantener esa llama, pero creo que el amor que tenemos a la músi-


ca y la gente que nos sigue hace dese hace años y los años que llevamos juntos que hacen que más que amigos ya seamos familia, todo eso hace de que esa llama se mantenga viva. Desde el principio fueron una banda que apostaron a la autogestión y aún lo siguen haciendo. ¿Cómo se lleva a cabo esta empresa de la autogestión? Cuando comenzamos en Paraguay, para tocar uno tenía que armar sus fechas no habían productoras que te las hagan, el poco dinero que juntábamos lo guardábamos para una próxima fecha y luego ese poco para grabar el demo y así nos fuimos acostumbrando a ser nosotros los gestores de nuestras realizaciones tanto de shows como de discos, somos muy responsables y serios en esas cosas y nos metemos tanto que cuesta que otra persona lo haga, cada miembro tiene su responsabilidad, no nos gusta dejar que terceros hagan lo que litros podemos hacer y nos gusta mantener el control de las cosas. Y con seriedad y responsabilidad logramos esa autogestión que por suerte nos resulta bien a nosotros.

11 Estarán tocando en Buenos Aires próximamente, cuéntenos ¿cuándo y dónde? Tocamos como invitados de los Eruca Sativa este viernes 8 de setiembre en el Auditorio Sur de Temperley ¿Hay planes de una nueva grabación? Estamos comenzando a maquetear cosas calculamos que para el año que viene entraríamos a estudio para un nuevo álbum ¿Cuáles son los próximos planes? El más cercano es la realización del Flou Rock Fest en su 7ma edición esto va a ser en noviembre de este año y ya después de eso enfocarnos de nuevo al disco, a girar por nuestro país e intentar volver a la Argentina y México


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[ Entrevista a Dave Wesley por Benjamín York ]

LA RELACIÓN ENTRE MATEMÁTICAS Y MÚSICA


Es apasionante meterse en terrenos desconocidos y descubrir universos tan desafiantes a todo lo establecido. Es interesante pararse frente a una figura desconocida por mí, y hundirse en las profundidades más oscuras de un músico que viene haciendo su trabajo de manera tan prolífica como incesantemente. Es inquietante pensar que existe mucha música que no se conoce y que puede quedar escondida como perlas en un océano de nuevas bandas y nuevas publicaciones. Por suerte nos han dado a conocer la música de Dave y no dudamos en hacer una entrevista para conocer a este músico. Hola Dave, gracias por darnos la oportunidad de realizar esta entrevista. Para empezar con las preguntas… ¿Cómo llega la música y cuándo empiezas a experimentar con ella? Crecí en una familia artística y musical. Mi madre es pintora y mi padre logró algo de notoriedad (USA) como músico de jazz, así que la música fue una gran parte de mi infancia. Tenía una estereofonía cuadrafónica asesina y una colección de discos diversos. Tomé una de sus guitarras cuando tenía cinco años y nunca la dejé. Comencé muy joven (en 6° grado), estaba en muchas bandas de covers y de rock originales de los mediados de los años 70’s hasta los primeros años de los 90’s. Empecé a escribir y grabar música muy temprano y siempre me incliné hacia más improvisación, música atípica y música experimental. Construí un estudio de grabación analógico a principios de los años 90’s y produje muchos de mis discos y de otros artistas. A medida que la tecnología de grabación digital y muestreo evolucionó, lo abracé y desarrollé una pasión por la música electrónica. También construí un sitio web cooperativo de artistas underground (alojado en mi sótano) en 1998 llamado Sursumcorda. Esa experiencia me llevó a trabajar en red con músicos y artistas de todo el mundo y me expuso a una gran cantidad de música experimental DIY, que me influyó mucho.

A finales de 2000, el sitio web se manifestó como un lugar de música de Minneapolis, llamado "Sursumcorda". Tuvimos una habitación para música en vivo y una habitación para DJs, que fue mi primera exposición de mundo real a la cultura de DJ. Yo estaba enganchado y comencé a producir música electrónica casi exclusivamente a partir de entonces... Sursumcorda ha vivido para convertirse en un par de sellos discográficos, una compañía de software, y un reinicio del sitio web original. Has remixado una canción para Philip Glass. Cuéntanos sobre eso. A mediados de los años 2000, estaba enviando mis primeras demos de música electrónica a las etiquetas europeas. Uno de los propietarios de las etiquetas me remitió a un productor (Marcos Romero) en mi ciudad natal (Minneapolis) que tenía gustos y estilo similares. Nos unimos, como éramos los únicos tipos que sabíamos estar en la producción de techno minimal en ese momento. Ambos fuimos influenciados por música minimal iterativa (Philip Glass, Steve Reich, Brian Eno, etc). Terminó curando una compilación de remixes de Philip Glass para Orange Mountain Music y me invitó a enviar un remix. Ambos fuimos invitados a la fiesta de lanzamiento de discos en Nueva York donde toqué uno de mis primeros sets de DJ... que probablemente fue bastante malo, en retrospectiva. He leído que trabajas bajo distintos nombres, Dave Wesley (ambient dub techno), Existente (ambient), Xerography (dark cinematic techno), y The Mayhem Lecture Series (experimental y grabaciones de campo). También has tenido tiempo para trabajar con Casey Borchert en The Push, y tus incursiones con guitarra en TV Crush. Cada nombre para una experiencia distinta, ¿de qué manera escribes las canciones, primero piensas para qué proyecto escribirás o escribes y luego eliges bajo qué nombre editarlo? Un solo artista que produce bajo alias diferentes es común en el mundo de DJ / música de danza, con cada alias que representa un diver-

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so género o estilo de la producción. Viniendo del mundo de la banda de rock, abracé la frescura y la cultura del relativo anonimato de los productores de música y DJs de la naciente escena del dance, donde el foco estaba en la música más que en las personalidades que producían la música. Eso, por supuesto, ha cambiado mucho, ya que la escena electrónica dominante ha regresado en gran medida a un escenario centrado en la personalidad. Pero, estoy arraigado en la tradición anterior de grandes etiquetas como el Basic Channel, Chain Reaction, echospace, ECM, etc. que todavía inspiran mi estilo y enfoque... donde una fuerte y enfocada identidad de sello, a través de la curación y el diseño, cultiva una comunidad comprometida de devotos, que se comprometen con todos los lanzamientos del sello, independientemente de los artistas individuales que

producen los lanzamientos. A medida que mis intereses evolucionan, y con la colaboración con otros, tiene sentido para mí desarrollar alias. Los lanzamientos de Dave Wesley tienen cierto estilo "post-dub-techno" consistente, mientras que mis otros alias encarnan mi producción más experimental, política y de género ambiental. Mi proceso de escritura y producción siempre está evolucionando. A veces empiezo con las grabaciones de campo y encontré el sonido y otras veces voy a empezar con un tambor. Estoy trabajando constantemente... haciendo algo todos los días. No siempre sé en qué dirección se dirigirá una pista al comenzar y, a menudo, produzco algo casi hasta la terminación y cambio de géneros durante la mezcla final o el mastering como el momento me inspira. Veo la creación de ideas, la mezcla y el dominio (todas


las etapas de la producción) como un proceso y, para mí, cada etapa es un juego justo para la anarquía creativa. Literalmente tengo miles de pistas iniciadas y en diferentes etapas de producción, así que parte de mi proceso es tamizar a través de archivos, descongelar ideas y encontrar motivos que me motiven en el momento. Las pistas que llegan a la conclusión tienen su propia agenda y literalmente exigen mi tiempo y atención. Dejo que la improvisación y la sincronicidad guíen mi proceso (no el álbum de The Police). Una vez que una pista se ha completado, a menudo lo uso como una semilla para las variaciones para redondear un EP. El artista visual orientado al proceso es mi productividad y guías de proceso (es decir, Gerhard Richter, Steve Keene, etc.). También he leído que basas tus composiciones en los principios de la Geometría Sagrada, que también se ha utilizado para edificios sagrados como catedrales y otros lugares sagrados. ¿Puedes explicar cómo aplicas este principio a tus composiciones? A través de libros y traducciones de textos antiguos, etc., fui expuesto a la idea de “La Flor de la Vida”, “Los Sólidos Platónicos”, la “Geometría Sagrada” y la relación entre matemáticas y música. Una campana se disparó en mi cabeza. La mente estaba volada. Todo me hizo sentido intuitivo y me vi obligado a usar esos conceptos como base para producir arte y música. Después de algunas investigaciones y estudios más profundos, generé una matriz de combinaciones de tempo, clave y afinación que han sincronizado y las relaciones elegantes a las características geométricas orgánicas objetivas y subjetivas de nuestro sistema solar y forma humana. He estado utilizando esa matriz (con cierto realce y variación) como un contexto restrictivo para mi producción musical durante más de una década. Los conceptos de limitación ritual e intencional de las posibilidades creativas también están conectados a enfoques de arte orientados al proceso (es decir, el KLF), que me motivan y han mejorado mucho mi productividad artística.

Recientemente estrenó un nuevo single "Laranja Swadhisthana 67_5 - EPv1", un viaje épico a través de sonidos mántricos. Háblanos de este trabajo. Mi familia y yo nos mudamos de Minneapolis a Portugal, hace unos años, lo que ha sido una gran movida para nosotros. La creación de mi estudio en un lugar / contexto completamente diferente no sólo cambió los sonidos técnicos de mi espacio de producción, sino que también alteró grandemente mi espacio de cabeza. Eso, combinado con la inmersión cultural y lingüística portuguesa, ha estimulado un cambio en mis producciones a un enfoque más personal de narración: incorporar las experiencias de rutina diaria en pistas, utilizando sonidos encontrados, grabaciones de campo, lengua portuguesa e intención... un enfoque no muy diferente al indígena tribal y música folclórica americana vintage. Laranja Swadhisthana 67_5 es un gran ejemplo de lo anterior. La canción fue influenciada literalmente por las vibraciones africanas en las calles de Lisboa y los beats tribales deconstruidos que emanan de Lisboa única y críticamente apreciada por el sello Principe Records. Grabaciones de sonidos callejeros y mi amor por los ritmos tribales actuaron como el ADN de este single. Arctic Dub (Sursumcorda) es el sello que laza tus obras y sabemos que hay otro sello Records Sursumcorda. ¿Qué artistas están en los sellos? Arctic Dub se centra exclusivamente en nuestra única marca de música post-dub-techno, experimental y electrónica. Tenemos varios lanzamientos de productores (más allá de los míos y mis alias) de todo el mundo (y ahora más de Portugal), incluyendo DeepWoods, Positronics, Augen, ocp, Subset, Fragoso, Echonaut y más. Sursumcorda Recordings está en el reciente reinicio del sitio web y es sede de la cooperativa de artistas de finales de los años noventa. La sello actualmente tiene lanzamientos de la banda totalmente únicas como Tulipomania (Filadelfia, PA) y estamos planeando EP de compilación en vinilo y lanzamientos de descubrimientos globales subterráneos. Estamos trabajando con el

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gran Vaughan Oliver (4AD) para nuestro diseño gráfico para la etiqueta y los lanzamientos. En cuanto a sus actuaciones en directo, ¿cómo se producen sus espectáculos? Me imagino que los elementos visuales juegan un papel importante. También, háblanos de tus eventos de streaming en vivo. Recientemente hemos lanzado un concepto experimental de interpretación en directo llamado Arctic Dub Continuum Live, que es, curiosamente, una especie de concepto de improvisación de variedades. La música electrónica en vivo suele ser un DJ con algunos elementos visuales, un PA en vivo (Live Performance Artist) con computadoras portátiles o artistas que usan electrónica modular para un conjunto de ruidos. Estamos desarrollando una estructura de performances que combinen elementos de cada uno de los anteriores junto con música en vivo, grabaciones de campo, arte sonoro, arte visual e interpretaciones vocales (experiencias atípicas de la escena electrónica) mezcladas como un conjunto de DJs

continuos. Invitamos a por lo menos un espectáculo especial para cada entrega. Los visuales son una parte integral de este concepto e incluimos diseñadores gráficos y artistas. Hemos debutado Arctic Dub Continuum Live en Facebook Live. Hemos producido varias entregas y estamos planeando programas frecuentes (semanales) de transmisión de video en vivo. También estamos ensayando y estableciendo para traer este concepto a vivir lugares y espacios de arte. Casey Borchert y yo (como The Push) realizamos este concepto el pasado fin de semana como parte de un evento de galería de arte, en Porto, Portugal, y resonó con los asistentes. ¿Qué planes tiene para el resto de 2017? El resto de 2017 queremos lanzar al menos un EP por mes y refinar nuestro concepto de las performances Arctic Dub Continuum Live. También estamos curando pistas para la versión 4 de nuestra serie de compilación. V4 se centrará un poco más en la música atípica y selecciones experimentales.


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TRES POR UNO

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN - SABRINA


CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Unos pasos repiquetean sobre el suelo de un inundado baño, el cual supura moho y humedad en cada rincón. Los pasos pertenecen a una desdichada criatura, un demonio taurino que se prueba distintos labiales frente al espejo. Mientras lo hace, el desolado tema de la banda berlinesa Einstürzende Neubauten resuena completando la triste atmósfera que rodea al ser y que se exterioriza en el ambiente de ese baño público. La idea del distinto, el inadaptado, el olvidado por la sociedad encuentra su territorio en ese baño despojado de toda higiene. Los tubos de luces con fallas eléctricas resplandecen dicho entorno que supone el infierno personal de quien no conoce más que ello en el mundo. La negra realidad y el deseo de ser otro mientras que el espejo devuelve como reflejo la única verdad: el aceptarse uno mismo y ceder ante lo inevitable. Al mismo tiempo que las lágrimas brotan de los ojos de este ser, el agua lo hace de las paredes y cañerías de ese baño derruido. Embargado de dolor, su tristeza inunda aún más ese remoto lugar despojado de todo cariño, pero colmado de lo que acrecienta ese sentimiento de desolación: la humanidad. Porque el espacio escogido para ambientar este video será un baño público, pero lo que verdaderamente se trata es del mundo tal como lo conocemos, centrado en cuatro paredes. Y el reflejo de este ser deforme, el rostro que observamos día a día.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Cuenta la leyenda que Nick Cave estaba de gira por Amsterdam con The Birthday Party, y al encender la tele en el hotel se encontró con una actuación de Einstürzende Neubauten. Más adelante, afirmaría que la música le pareció fúnebre, y su primera impresión de Blixa fue la de alguien completamente destruido («Nunca había visto a nadie que pareciera tan enfermo»). Cave describió los gritos de Bargeld como «Sonidos que esperarías oír procedentes de gatos estrangulados o niños moribundos».Una tarjeta de presentación impecable que le valió a Blixa una oferta inmediata para formar parte de la banda de acompañamiento de Cave: los Bad Seeds. Cuando Cave le vio

tocar la guitarra no tuvo duda alguna de que iba a encargarle ese instrumento en la banda, y es que a pesar de su gusto por el ruidismo y la minimalidad, Blixa siempre fue un virtuoso capaz de arrancar a una guitarra sonidos que nadie había obtenido antes. Así las cosas, que Einstürzende Neubauten es un grupo atípico al que no todo el mundo puede entender es algo que nos ha quedado patente a lo largo de sus dos décadas de presencia en el panorama musical europeo. Atrás quedan años de experimentación descabellada y en el 2000 nos encontramos con unos EN reinventados. Dark, experimental, ambient, post-industrial, Silence Is Sexy, el octavo disco de los alemanes, es toda una caja de pandora, pero más que nada una experiencia sonora disfrutable. Ya con “Sabrina”, la canción que trataremos hoy, nos encontramos con unos Einstürzende abiertos, sinceros y sencillos, con el foco puesto más en las melodías y buscando reflejar muy bien las emociones que intentan transmitir. Porque resulta que un día cuando leés en voz alta la frase descriptiva de alguno de todos esos pensamientos psicópatas que suelen colarse entre el resto de las reflexiones cotidianas («No es el rojo del sol moribundo / La sorprendente mancha matinal en las sábanas / No es el rojo del que sangramos»), y pensás que lo mejor es la represión («El rojo de Cabernet Sauvignon / Un mundo de rubí todo en vano»); entonces te decís «¡La boca se me haga a un lado!» y, efectivamente, la boca se te hace a un lado («No es ese rojo, no es ese rojo…»). Contra todos los pronósticos, los parámetros de la biología y las leyes de la física, la boca se te sale de la cara. Ahí, porque si hay algo que a las bocas emancipadas les encanta hacer es hablar («No es dorado como la famosa ducha de Zeus / No viene, en absoluto, de arriba / Está a la intemperie, pero no lo roban / No es ese dorado / No es dorado como la memoria / O la edad del mismo nombre«), entablás la siguiente conversación: vos y tu boca, en incómodo diálogo («Desearía que ese fuera tu color / Tu color, desearía»; «Es tan negro como un cuadro de Malevitch / La fría caldera a la que miramos fijo / La nota alta en una escala futura / Es una noche sin estrellas de un cuento invernal / Va bien con vos / Es ese negro… / Desearía que fuera tu color»). En efecto, “Sabrina” es un tema absolutamente me-


morable, para escucharlo debajo de un haz de luz roja, y con una letra que es el vivo ejemplo de la poesía dadaísta de Bargeld; la cual sólo puede paladearse como la mejor copa de un delicioso Cabernet Sauvignon.

MÚSICA: [ por Diego Centurión ]

La verdad es que pensar en algo que decir de Einstürzende Neubauten no me cuesta pero siempre pensando en que al que le pueda hablar los conoce. Ahora… si no conocés a la banda de Blixa Bargeld ahí ya estamos ante una empresa mucho más complicada. Porque explicar a la banda alemana es tan difícil como explicar la música, la manera más simple y no del todo cómoda para hacerle justicia es catalogarla de experimental industrial, pero como dije, nos quedamos cortos en esa simple explicación. Para el 2000 la banda cumplía sus veinte años de vida y se lanzaron en un tour "20th Anniversary Tour", que los ocupó desde el 27 de marzo al 23 de mayo, y exactamente en la fecha de su cierre editan “Silence is Sexy” su octavo álbum de estudio. “Sabrina” es la canción que abre el álbum y si bien el álbum no tuvo singles, esta canción tuvo un vid-

eo (que es el que hoy nos compete). Se puede decir que es el single del álbum. Sabrina es en términos sonoros una canción extraña para Einstürzende Neubauten, pero realmente si lo comparamos con sus trabajos más emblemáticos de la primera época. Estos veinte años de vida, lanzan esta canción que encuentra a la banda mucho más oscura y más profunda, un sonido más reconocible en el bajo y la percusión, y las guitarras, pero fundido con sonidos industriales, muy al fondo. Pero lo que lleva la canción es la voz hipnótica de Blixa Bargeld, que nos va seduciendo en cada frase, mientras que el fondo instrumental va en aumento, cargando el clima de corrosión y de un sentimiento claustrofóbico. Elegancia sin perder la sonoridad típica de la banda, sin perder el sentido del arte y la excelencia que una artista como Blixa siempre nos ofrece. Bargeld vocalmente expresivo, susurrando, como contando un secreto al oídodel oyente que va cayendo en la trampa silenciosa que nos deja en modo stand-by, para que el próximo track “Silence Is Sexy” nos sorprenda. Pero esa, es ya otra historia. Sabrina es un track de fácil escucha para aquellos que no conocen a la banda, pero está muy alejado de lo que puede ser el sonido más corrosivo e industrial de Einstürzende Neubauten. Pero este tipo de canciones a las que podemos agregar “Blume” o “Stella Maris”, por nombrar algunas, en donde la búsqueda va por lo artístico más calmo.


[ Entrevista a Marcel Willou de Nuvem Leopardo. Por Pablo Müllner ]

LA EXPERIENCIA NUVEM LEOPARDO


Nuvem Leopardo es esencialmente el proyecto musical de Marcel Willou, cantante y prodigioso guitarrista de origen brasilero. Con apenas dos años en el ruedo, y dos discos grabados: “Revolver Mercurio” (2015), y el reciente “Quintessencia” (2017), Nuvem Leopardo ha logrado consolidar un sonido personal y novedoso, que encuentra sus orígenes en la psicodelia sesentera, pero que se extiende hasta el presente del indie y no reniega de sus raíces más tropicales. Sin embargo, para conocer la “Experiencia Nuvem Leopardo” es necesario escucharlos tocar en vivo. Y eso hicimos. Acompañado por el bajo de Florencia López y Roberto Figueroa (Knei), en batería, en el marco de la Noche Psicodelia que tuvo lugar en Niceto Lado B (03/08), Nuvem Leopardo fue un sorprendente despliegue de fuerza salvaje y elegancia. Luz y oscuridad. Energía desbordante y contem-

través del sonido un montón de emociones. Para mi gusto las mejores bandas, de los sesenta, y de todos los tiempos son las que encuentran un perfecto balance entre lo Apolíneo y lo Dionisíaco.

plación pacífica. En entrevista con Revista The 13th, Marcel nos habló de todos los extremos en apariencia contradictorios que se unen un Nuvem Leopardo. Estoy altamente influenciado por la cultura psicodélica, la vieja y la nueva. Mi deseo es dirigir una alma eléctrica hacia los límites de mi cuerpo como música y manifestando estas visiones traer mensajes como encantos, abriendo y limpiando los ojos y las puertas, y con ello sanarme a mí mismo y posiblemente a otros”. Ese parece ser el “manifiesto” de la banda, Marcel. Al mismo tiempo, parece que la verdadera esencia de la banda sea la de tocar en vivo para una audiencia. Los álbumes siempre son la primera parte de nuestra victoria, pero tocar en vivo, manifestar nuestra música de ese modo es llevarla a un nivel superior.

The Dandelion, Jacco Gardner, Togare, Boogarins y Terceiro Olho de Marte, todos ellos comparten una manera similiar de hacer música con nosotros.

Durante al menos las dos últimas décadas las bandas nuevas estaban comprometidas solo con expresar sus emociones a través de la música, de dejar en claro de que no había mensaje más allá de lo musical. ¿Es posible que la banda, al estilo de las bandas sesentosas, encuentre en la música un vehículo para expresar algo trascendente como sucede con la filosofía o el misticismo, o en otras artes donde el mensaje es fundamental? Sí, totalmente. Pero yo creo que esas bandas de los sesenta estaban también enfocadas en transmitir a

¿Crees que es un caso aislado, la Experiencia Nuvem Leopardo? O ¿te identificas en una “escena” de artistas o por lo menos un grupo de bandas que comparten una sensibilidad similar respecto de lo musical? Sí, seguro. Especialmente con la forma en que producimos nuestra música y el modo contemporáneo de hacerlo. Grabamos y producimos nosotros mismos en nuestras computadoras y siempre lo hacemos así. En nuestros estudios no tenemos límites y tocar en vivo es una adaptación a esa manera de hacer música. Ejemplos hay por todos lados: desde la nueva escena psicodélica, hay bandas como Tame Impala, Pond,

¿Sentís que puede existir una nueva revolución musical como lo fueron el movimiento hippie en los sesenta o la revolución punk de los setenta? ¿O al menos crees que esa sea una buena forma de mirar hacia adelante? ¿Cómo influenciaron esas vanguardias a Nuvem Leopardo? Sí, absolutamente. Lo siento más y más, es como si la Era de Acuario finalmente estuviera llegando: los movimientos contraculturales enfrentando tiempos de opresión. Este tipo de vanguardias tiene una gran influencia en Nuvem Leopardo y siempre nos han guiado a través de sus aciertos, pero además con sus errores y puntos flojos, que tratamos de evitar en lo posible. En la antigüedad la “quintaescencia” era un quinto elemento, una especie de energía que surgía de la naturaleza y todo lo vivo, pero que no podía ser atrapada. ¿Qué significa “Quintessencia” para Nuvem Leopardo? Hace referencia a Aristóteles y también habla de “Quintessencia” como materia oscura y como su propiedad más atractiva es el dinamismo. Como interactúa con otras materias y evoluciona con el tiempo. El Sello Hermético de luz, la síntesis de la alquimia. El

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disco trata de sintetizar todo eso en su concepto.

parte de la mitología privada de la banda.

El álbum realmente suena vivo, lleno de energía y filoso. ¿Eso fue parte del plan de grabación o surgió espontáneamente en el proceso? ¿Es posible que experimentar a la banda en vivo tenga que ver con atrapar algo de esa “quintessencia”? Fue parte del plan transmitir ese sentimiento que florece. Sí, definitivamente, la vibración de la banda en vivo trata de ir más profundo en el concepto que presentan las versiones grabadas.

“Revolver Mercurio” está a dos años de distancia de “Quintessencia”, y suena ya bastante diferente. Probablemente sea porque las canciones eran más largar y más rockeras. Alguien lo describió como una cruza de los Beatles con Black Sabbath, con la referencia obligada a Os Mutantes. ¿Crees que el sonido “evoluciona” o tan solo “cambia”? ¿Tiene que ver con los cambios en la formación de banda o con tocar en vivo? ¿Crees que la banda está en constante transformación? Creo que Quintessencia está más basado en el formato canción, y es más vibrante y solar. Nuestro sonido evolucionó, pero mantuvo algunas características del concepto Revolver Mercurio, ¿lo notaste? En el momento en el que grabé Revolver Mercurio la banda era un proyecto solista mío. Quintessencia todavía contiene solamente mis composiciones, pero fue arreglado más como una banda propiamente dicha. Y sí, estamos en infinita metamorfosis.

“A Nuvem Leopardo nasce em flor, da serpente, semente, ácida e persistente/ Forte e valente, nunca morrerá!” (Una nube leopardo nace en flor, de la serpiente, de la semilla, ácida y persistente, fuerte y valiente, nunca morirá!) Esa es parte de la letra de “A Nuvem Leopardo” canción que forma parte del último disco. Parece algo más que una letra que suena bien, parece parte de una experiencia mística, ¿podés explicarnos algo de estas visiones? La canción “A Nuvem Leopardo” es un lema para la banda, que primero fue un poema que escribí mientras componía algunas canciones de Quintessencia en Brasil, durante el verano de 2015/2016. Y sí, es

Los vi tocar en el concierto del 03/08 en Niceto Lado B con un grupo de buenas bandas, como Los Ácidos y Hurrican Heart Attacks. Fue una noche fabulosa. Escribí una reseña del concierto y


en tu caso destaqué lo apasionado, incendiario de tu entrega, Marcel. Más allá de tu virtuosismo, parece que realmente entraras en un trance. Al mismo tiempo noté que Florencia, la bajista, hace un balance con tu crudeza, aportando un distanciamiento, muy cool, muy femenino. Me recordaron mucho del aspecto “Ying/Yang” que expone el dúo de masculino/femenino en el rock como sucede con The Cramps o The White Stripes. ¿Lo notaste? Mientras toco en vivo realmente entro en estados de trance y mi entrega viene puramente de mi alma. No había reparado en el contrapunto del que hablabas en la reseña, pero me parece que tiene mucho sentido. En términos de localización son una banda Argentina, pero por razones obvias (Marcel Willou es brasilero) todas tus letras son el portugués brasilero. Creo que el lenguaje extranjero ayuda a que la audiencia entre en el viaje sonoro más fácil… ¿Pero cómo lo sentís vos? ¿Nos contarías brevemente como empezó todo? ¿Pensaste en cantar algo en español en el futuro? El proyecto comenzó en Brasil y es parte del concepto que yo cante en mi lenguaje nativo, no importa donde esté situado. Cuando escucho bandas francesas, por ejemplo, que es un idioma que no hablo, a veces me es más fácil meterme en su viaje, antes que pres-

tar atención a lo que las letras dicen. Es más sencillo bucear en el sonido y luego busco el significado de las letras de esas bandas que me hicieron viajar y es algo extraordinario, las letras son compatibles, comparten esa vibración. Quizá grabaría algo aislado en español, como hicieron Os Mutantes con “El Justiciero”, por ejemplo. Ya mencionamos a Os Mutantes, The Beatles, Black Sabbath, agregaría a Jimi Hendrix y a Tame Impala y hay un montón de nombres que se me cruzan de artistas que comparten algunas similitudes sonoras… Pero ¿podés mencionar artistas que te influencien aunque no tengan tanto que ver con el sonido de la banda? Creo que serían Ravi Shankar, Ludwig Van Beethoven, John Coltrane, Miles Davis, Jupiter Maça, Tim Maia, Fela Cuti, The Night Beats, Dungen, Connan Mockasin, Nicolas Jaar, The Velvet Underground, Country Joe and the Fish, The Kinks, The Seeds, The Dandelion, Acid Bath, Knei, Pescado Rabioso y El Kinto, entre algunos otros. ¿Podés contarnos algo del futuro cercano de la banda? Estamos empezando a grabar un nuevo álbum y hay una gira a punto ser anunciada…

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[ Entrevista Patrick Casey de 68creep por Benjamín York. Traducción: Rodrigo Debernardis. ]

ES DEFINITIVAMENTE UNA EVOLUCIÓN


Siempre tratamos de darle un espacio a las bandas nuevas y 68creep es una banda de Brooklyn que está por lanzar su álbum debut este 22 de septiembre bajo el nombre de "Goodnight, Sweet Betty", bajo el sello Kiss/Kill/Repeat. La banda se une en una situación casi sacada de una película de David Lynch, al cual ellos lo tienen como una fuente de inspiración constante y hasta seguramente soñarán recurrentemente que el propio Lynch le dirija un video, ¿será cierto, será una ilusión mía? Será cuestión de preguntarles a ellos a ver qué responden. Pero más allá de Lynch vamos a hablar de su historia, de sus comienzos y su futuro. ¡Hola 68creep! Gracias por responder nuestras preguntas. ¡Claro! Gracias por invitarme Para empezar vamos a ese episodio que une al gen de la banda, a John McRandle y Patrick Casey, ese casual encuentro que desencadena en la formación de la banda. ¿Cuándo fue y cómo? Bueno, John y yo trabajábamos en la misma agencia de publicidad en Nueva York, pero no nos conocíamos. Él es director artístico y yo copista. La agencia nos seleccionó a ambos para una campaña de venta de medicamentos para esquizofrénicos. Esto incluía producir videos que creaban una realidad virtual de las voces, las alucinaciones e incluso los olores que los pacientes con esquizofrenia experimentaban. Cuando conocí a John, pensé que era un tipo bastante extraño. Quizás él creyó lo mismo de mí. Y comenzamos a pensar que, justamente por aquella razón, la agencia nos había juntado para aquel proyecto. He leído de su atracción por el trabajo de David Lynch ¿qué tan importante es los ambientes que logra David en sus trabajos para ustedes? Porque si leemos las etiquetas que ponen para describir su música en bandcamp, ustedes ponen el nombre del cineasta. Es un desafío tartar de escribir música heavy sin caer en ciertos clichés. David Lynch consigue un balance perfecto, manteniendo las cosas heavys y oscuras, pero también maravillosamente extrañas, incómodas y por supuesto, pavorosas. Su obra es una especie de mensaje irónico, lo cual es difícil de hacer y algo

a lo que aspiramos llegar. Es bueno tener inspiración cinéfila, y no solamente musical. Siempre que estamos bloqueados creativamente me pregunto: “¿Qué haría David?” ¿Cómo se une el resto de la banda, Colyn Hunt y Kimberly Seewald? Conocí a nuestra bajista Colin hace 12 años. Fue durante mi primera semana en NY. Estábamos bailando rock n roll de los 60s y 70s en un bar y rápidamente nos hicimos amigos cuando ella me advirtió que una chica con quien yo había entablado una reciente amistad era…un poco peligrosa. ¡Y no en el buen sentido! Una vez estábamos en el departamento de Colin y ella agarró un bajo y tocó una tremenda versión de “I Want You Back” de los Jackson 5. ¡Ni siquiera sabía que tocaba, me voló la cabeza! Terminó la canción y me dijo, “Es la única que sé…” Años más tarde decidí que la quería en mi nueva banda. Aunque sea, sólo para tener una amiga a mi lado. ¡Pero ella aún sabía solamente esa canción! Así que pensé que, por los primeros seis meses, cuando tocáramos en vivo, ella haría sólo la mímica, como si estuviera tocando realmente el bajo, mostrando sobre el escenario únicamente su imagen cool. Ni siquiera enchufaría el bajo. Con suerte, luego de ese tiempo, ella sería capaz de aprender y eventualmente tocar esas canciones, pero de verdad. Entonces, ¿qué es lo que hace? Vino al primer ensayo y embocó todas las canciones del set. Al finalizar se inclinó sobre mí y susurró: “Simplemente puse stickers en el mango de mi bajo que me mostraban dónde iban las notas que debía tocar” Ella había estado ensayando en secreto durante las últimas dos semanas y amaba esas canciones. Aquel fue un día muy bueno. A veces pienso que las líneas en Taxi Driver sobre “una contradicción andante” son la mejor descripción acerca de nuestra cantante Kim. Generalmente ella es de hablar en un tono bajo y es una persona extremadamente fácil para trabajar. No tiene demasiado interés en auto-promocionarse ni en cosas como las redes sociales. Definitivamente no es el tipo de cantante diva que mucha gente podría esperar. Kim además tiene una clase diferente de miedo escénico. Con ella, ¡es literal! Prefiere los conciertos sin ningún tipo de escenario, donde la banda toque al nivel del piso, con los fans a nuestra altura. Ella va desde un tono suave hasta algo apenas audible en los po-

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cos momentos en los que usa su vocecita en escena. Pero cuando esta chica abre su boca para cantar, la fuerza puede tirarte contra la pared del fondo. A otros cantantes con los probamos al principio, nuestro sonido los tapaba, como tragándoselos, Realmente no tenían oportunidad, incluso cuando la banda bajaba el ritmo. Pero Kim encajó perfectamente. Ella es tan potente como nosotros. Junto con el poder de su garganta también es capaz de cantar suave y delicadamente cuando las canciones así lo requieren.

tras más lo pensábamos, más trabajoso se nos hacía encontrar un nombre que describiera nuestra música. Cuando comenzamos muchas de nuestras canciones estaban en tempo 6/8, y el ritmo era pesado con riffs, como si algo reptara (creep), por lo que 68creep fue el nombre elegido y problema resuelto.

¿Qué significa el nombre de la banda y cómo surge? Bueno, es básicamente una broma interna. Hace tiempo, escuchamos una conversación en un bar de Brooklin. Una chica le estaba contando a su amiga acerca de los frustrante que era su vida sexual. Le estaba describiendo alguno de los movimientos de su

"The Rumors Are True" se edita en mayo de 2016. Es el primer trabajo, el primer EP. Si bien no pasó mucho tiempo desde ese lanzamiento, ¿qué recuerdan de esa primera grabación? Casi todos mis recuerdos son acerca de las canciones en sí, que fueron de las primeras que escribí. El primer track, “Kiss or Kill” abre con un lindo beat de estilo tribal y algunos enfermos y misteriosos sonidos de guitarra y acordeón. ¡La intro suena como una especie de marcha de la muerte en la jungla! Esa canción tiene lo que a John le gusta llamar “un nacimiento difícil”.

novio. Supongo que él no podía encontrar la posición, así que, en el medio de la cuestión ella le preguntó: “¿Qué diablos estás haciendo?” y él dijo: “¿Qué te sucede?, es un 69”, a lo que ella exhalando contestó: “No tanto. ¡Parece más un 68, deforme! No podíamos parar de reírnos. Se convirtió en una frase que usábamos en la banda para divertirnos. Y más tarde, cuando llegó el momento de ponerle nombre al grupo, mien-

No fue fácil de aprender ni de grabar, pero finalmente lo logramos. Luego de la intro, la canción comienza a sonar un poco como a un carrousel demencial, lo que explica un poco la relación que inspiró la letra, un poco de cielo e infierno. Es sobre mí y una exnovia. Ella vivió en Rusia hasta los 5 años y su padre era dueño de un circo, así que tuvo una gran educación. Supongo que el sonido “no tan calesita” de esa canción podría en-


cajar como banda de sonido de nuestro tiempo juntos. Otra canción que me viene a la mente de aquel primer EP es “Nobody Home”. Tiene una buena línea circular de bajo y versos como “Adoro la locura, mientras tú alimentas la máquina”. Describe a gente con creencias muy tradicionales que se sienten atraídas hacia ti por puro entretenimiento. Lo cual termina haciéndote sentir como un mono en un zoológico. Creen en ser en el cielo que esparce ira sobre los inadaptados que no encajan en los estructurados roles de la sociedad. Pueden gastar su tiempo arrodillándose a esa especie de dios, pero como dice la canción: “no hay nadie en casa”. Luego está “Pet”, que era una de las favoritas de la banda. Tiene unos fuertes y pesados cimientos. Un riff de guitarra en mid-tempo sobre el que podrías construirle una casa arriba. Pero luego transmuta en un coro dulce y etéreo. Creo que tiene, por lejos, la letra que más me gusta, ¡pero no creo que pueda repetir

sonido de Lykke Li y el sentimiento de Beach House. Y mirando un poco hacias atrás, un poco de 45 Grave y The Cramps. Quizás algo de la época “Love” de The Cult y Cocteau Twins. Es un poco difícil de determinar ya que creo ninguna de esas bandas hayan influenciado fuertemente nuestro sonido. Pero estoy seguro de que lo han hecho de alguna manera subconsciente. Definitivamente nos esforzamos por conseguir cierta atmósfera y sonido. La idea es crear un ambiente. No siempre sabes qué te está influenciando directamente. Desde que soy baterista y no toco ningún otro instrumento, escribo canciones tarareando y cantándole las partes a nuestro guitarrista. John es asombroso en su capacidad para interpretar los “sonidos de mi cabeza”. Es extraño tener al baterista como compositor principal de la banda, y es una manera un poco rara de componer, pero ¡Hey!, es nuestra manera, así que le damos para adelante.

nada de ella aquí! Podemos hablar mucho de sus influencias, y en cada canción podemos tender a situarnos en distintos nombres de bandas, de hecho en el nuevo trabajo hay algunos covers. Pero para ustedes, ¿cuáles son las influencias mejores plasmadas en su sonido? Realmente me gusta lo que hace Dead Weather. Y por supuesto, David Lynch. Algo de The Kills. Me gusta el

¿Qué hizo la banda desde la salida de "The Rumors Are True" hasta la grabación del primer álbum? ¡Muchísimos shows! Tocamos en algunos lugares grandes en donde éramos conocidos y la rompimos. Pero estábamos cohibidos por la enorme respuesta de la gente. En aquel momento, la adulación ante ciertas canciones era una especie de shock al principio. Pero honestamente, los shows más interesantes de aquella época eran en los pequeños bares, don-

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de nos encantaba tocar. Dicho esto, también siempre hubo lugares arruinados, verdaderos agujeros de ratas en donde uno terminaba riendo y preguntándose: “¡¿ok, quién nos metió aquí?!” La respuesta a eso era Tracey, nuestra manager, que nos hizo tocar en un club hoy ya difunto en el lado oeste de Manhattan. El lugar apestaba terriblemente a orina aunque, irónicamente, el baño olía genial, pero lo mejor de todo fue que tuve que tocar detrás de una pared de Plexiglass, que era el espacio reservado para ubicar (¿castigar?) a los bateristas demasiado ruidosos. Estaba completamente separado del resto de la banda. ¡Estaba solo allí! Mis compañeros se aseguraron de que nadie golpeara el vidrio o me alimentara. ¿Cuándo empezaron a grabar "Goodnight, Sweet Betty" y cuánto tiempo les llevó esa grabación? Creo que comenzamos a grabar aproximadamente seis meses antes de la fecha de lanzamiento. Pero también estábamos tocando, dándole forma a las canciones, así que la grabación no nos llevó tanto. Kiss/Kill/Repeat Records sabe cómo nos gusta trabajar, así que nos dejaron hacerlo de la manera que no-

sotros quisimos. Nos gusta lograr un sonido cohesivo. Somos bastante de la vieja escuela. No usamos ProTools. Tenemos que realizar la toma completa o volverla a hacer. No tiene que ser perfecta, pero la energía y el sentimiento tienen que encajar con la canción. Luego, por supuesto, como siempre ¡la empapamos de reverb! Hoy, a punto de lanzar el primer álbum. ¿Ustedes qué diferencias encuentran entre "The Rumors Are True" y "Goodnight, Sweet Betty"? ¡Somos más espeluznantes! Mayormente ha sido una evolución. Algunas de las canciones de “The Rumors Are True” las escribí en bandas anteriores, con diferentes formaciones, antes de formar 68creep. Así que todo lo que hay en “Goodnight, Sweet Betty” fue escrito por Creep, para Creep y nadie más que Creep. Claramente he leído que el título del álbum proviene de “Mulholland Drive” (2001) de Lynch. ¿Qué nos pueden contar de este trabajo y porqué el nombre del álbum? John y Colyn son verdaderos fanáticos del Twin Peaks


original, y yo de Wild at Heart y Blue Velvet. Pero esa línea de Mulholland Drive creo que encaja mejor en el álbum. Es de una escena grandiosa de la película. Pero además, hay algo pacífico, sexy, oscuro, y quizás lo que es más importante, final, en él. Es un recordatorio de que nada es permanente. Todo cambia. Todo muere. Pero eso puede ser algo para celebrar. Creo que nuestra música hace eso. El álbum trae dos remixes, ¿Por qué no han lanzado las versiones originales de esas canciones, "Sarina Said" y "Watch You Fall"? Esas dos canciones no son remixes en realidad. Simplemente fueron grabadas en una sesión diferente en la Finca Bushwick, como la llamamos en broma. Así que decidimos incluirlas en la lista de canciones. No hay fincas en Bushwick, Brooklyn (al menos por el momento, pero estoy seguro de que no tardarán en aparecer) Lo que si había era un horrible, pequeño y estrecho espacio de grabación en el que apenas cabíamos. Pero a quién le importa cuando eso te da ese hermoso, oscuro y retorcido sonido que estás buscando. ¡Gracias Finca Bushwick! ¿Qué planes tiene la banda en este 2017? Vamos a dar un par de grandes conciertos cerca de Nueva York, pero sobre todo trabajaremos en nuestro próximo disco, por lo cual estamos bastante an-

siosos. Estamos agregando algunos oscuros y misteriosos teclados a la mezcla. Las canciones tienen enormes riffs, y son más rápidas en general, pero aún conservan el estilo 68creep. Es definitivamente una evolución desde “Goodnight, Sweet Betty”. Creo que a los fans de aquel disco les va a gustar este rumbo. A los amigos que han escuchado este nuevo material les encanta decir que ¡va a levantar a los muertos! ¡Suena bien para nosotros! ¿Por qué dirían ustedes que los lectores deben escuchar 68creep? Vuestros oyentes son bastante curiosos acerca de la nueva música indie. Así que, si algo de lo que nosotros hacemos suena intrigante, definitivamente deberían darnos una oportunidad. Me encanta escuchar la interpretación de los fans de nuestras canciones. Siempre es una toma diferente, es tan cool para mí. El arte es interactivo y cobra su propia vida dependiendo de cómo las personas interpretan lo que ven o escuchan. Para mí, esa interacción es la mejor parte de crear algo. Y la mejor parte de estar en esta banda. Para terminar la entrevista y agradeciéndoles el tiempo brindado, les dejo este espacio para que digan lo que quieran. ¡Sacúdannos! ¡Nos encantaría oír de ustedes!

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[ Entrevista a Tulipomania por Pablo Müllner ]

ESTA ERA DORADA DE MISTERIO Y SOLEDAD


Tulipomania no es fácil de etiquetar. Su página oficial cita a una crítica que los describe como “cult synths punks”, y quizá eso nos dé una idea de cómo suenan. Pero es solo una primera impresión. La propuesta musical y visual de la banda se enfoca en los detalles mínimos. Ellos se tomaron las cosas con lentitud, pero con seriedad desde su debut 15 años atrás, hasta “This Gilded Age” (Esta Era Dorada, 2016). Son músicos que aún creen que “menos es más” y que dan un lugar importante al misterio y a las preguntas sin una sola respuesta, esas que te hacen pensar más. Desde el nombre mismo de la banda. (Tulipomania se refiere a un hecho histórico: la euforia por los tulipanes que tuve lugar en los Países Bajos en el Sigo XVII, conocida como la primera alucinación de masas y locura de multitudes.) Una sola cosa sabemos con certeza: Tulipomania son Tom Murray (voces,

dad es inevitable, es parte del mundo en que vivimos. La historia nos recuerda el presente, con sonidos que parecen los coros de canciones folclóricas que vuelven con sus versos actualizados y con nuevos solos y melodías tocadas sobre viejas estructuras con nuevos instrumentos, recién inventados. Y esa canción continua para siempre, ese esperamos….

bajo, batería), Chery Gelover (sintetizadores, coros), con la colaboración de Mitch Smith (guitarra, coros) para esta “era de oro” que suena nocturna, enigmática, a veces desesperanzada, pero siempre encantadora. Como sus propias respuestas…

co, claro. Y es más que decir que la banda tiene un sonido muy cinematográfico, también me sugiere un argumento retorcido, fuera de lo convencional. ¿Cómo nace un tema de Tulipomania? Primero que nada, es un cumplido. ¿Tal vez no sea casual que David Lynch y los miembros de la banda hemos vivido y estudiado arte en Philadelphia? Tal vez haya algo en el aire en Philadelphia… Podemos decir que no compartirnos un sonido o estilo “Philadelphia”, si es que eso existe. Los paisajes sonoros de pesadilla en las películas de Lynch son fantásticos. Además compartimos una conexión con Lynch a través del artista que hizo la tapa de nuestro último disco, Vaughan Oliver, él también colaboró como el arte visual cuando Lynch empezó a hacer su música. Tenemos suerte de estar haciendo lo mismo. The Quay Brothers también estudiaron arte en Philadelphia y son una fuente de inspiración para Vaughan y para nosotros.

Hay un cuento de Mark Twain de 1873, The Gilded Age: A tale of today (Le Edad de Oro: Un cuento de Hoy), que narra serios problemas sociales escondidos bajo una apariencia de abundancia. En el presente “This Gilded Age”, el disco, no puede ser interpretado fuera del contexto de la Era Trump que debe ser un buen incentivo para escribir música oscura y compleja. Me da la idea de que ya desde el título el que escucha debe esperar múltiples capas de sonido y significado… Mark Twain fue uno de los artistas que hizo grande a América. The Gilded Age: A Tale of Today, fue una obra relevante en 1873, y tristemente, sigue siéndolo. Hablando de sátiras, Stephen Colbert y John Oliver (aunque no sea Americano) continuaron hacienda grande a América, en nuestra opinión. Somos músicos, al menos eso esperamos, interesados en explorar la complejidad musical y lírica, solo en la medida que nos resulte excitante e interesante. No hacemos las cosas complejas intencionalmente, pero creemos que la compleji-

Después de escuchar el último LP en su Bandcamp, me empecé a preguntar a qué me sonaba similar, por esta cuestión lógica de necesitar relacionar las cosas nuevas con las que uno ya conoce, pero como banda (¡realmente sorprende que sean de Philadelphia!) no me sonaban Americanos para nada. Pero encontré un artista Americano que me despertaba una sensibilidad parecida, y ese era David Lynch, su trabajo cinematográfi-

A veces el trabajo de una banda puede ser malinterpretado para alguien que escucha/mira desde afuera. Creen que existe una “escena” al menos un grupo contemporáneo de bandas americanas independientes del que se sienten parte? O ¿sienten que su trabajo es más que nada parte de un aislamiento? No hay para nada una escena. Philadelphia tiene mucha suerte de tener a MAGNET, una revista de mú-

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sica que tiene base aquí. Ellos han sido un apoyo para un montón de músicos de la región y también para artistas y bandas más grandes. Es difícil imaginarse como suena o como se ve la música de Philadelphia, sin dudas nuestra música y nuestros films son creados en un estado de aislamiento. Nuestra música se gesta a partir de la batería y los teclados, la mitad de las veces. La mitad de las canciones tienen primero una letra, y luego hacemos que la música trabaje en función de esas letras. La otra mitad de las veces creamos letras que vayan de acuerdo con música que ya hemos compuesto, o las cambiamos para ajustarla la música. Escribimos la música partiendo del bajo y los teclados, o de la batería y los teclados. Todos los demás arreglos son incorporados luego de grabar las voces por lo general. El nombre del disco también aparece en la letra

de la canción “So what are you looking at?”, es un letra que suena desesperada, con una sensación de “no tengo nada que perder”. Entonces aquello de la “Edad de Oro” se vuelve más irónico. Pero lo que más me impacto fue el aire latino de la melodía, tiene un fuerte elemento español, creo. Me recordo bastante al lamento flamenco. ¿Reconocen esa influencia? Sí, “This Gilded Age” está tomado de un verso de la canción. Es absolutamente intencional que tanto la canción como el album se llamen “ESTA Edad de Oro”. No nos referimos a una era pasada. Incluso cuando esa canción y otras canciones del disco fueron escritas antes de la situación política actual, era claro para nosotros hacia donde estaban yendo las cosas. Creo que estamos en ese mismo trayecto desde los 80´s seguramente. Y creemos que es difícil no reconocer que estamos andando un camino bastante oscuro.


Estamos influenciados por mucha música, hay mucha música que amamos, y obviamente admitimos la influencia de la música Española. Por ejemplo, sabemos que Leonard Cohen dice que toda su música es la evolución de unas lecciones de guitarra que recibió de un guitarrista de Flamenco. Para nosotros la cita o la referencia no es intencional, pero cuando amas algo es inevitable que influencie tus elecciones estéticas. Además Mitch Smith toca la guitarra en el álbum, y él está muy influenciado por la música española y sus estilos de guitarra. Él tocó en “So what are you looking at?” y seguramente usó esa influencia, estamos de acuerdo. El arte de tapa del disco es una obra Vaughan Oliver, que es el hombre detrás de un montón de icónicas portadas del sello 4AD. Es muy poderoso y bello, y también bastante intrigante: parecería un rollo de gasa, usado y descartado. Puedo imaginarme un muerto que se ha levantado, una figura tipo Frankenstein que ha emergido de ahí, pero es mi interpretación. ¿Pueden contarme cómo ha sido trabajar con Oliver? El trabajo que hizo para la tapa del disco, así como para los sencillos y el poster es fantástico. Trabajar con Vaughan Oliver fue una experiencia maravillosa. El crea sus imágenes luego de escuchar la música, respondiendo al estado de ánimo que despiertan en él las canciones. Se dedica a leer las letras, no duda en hacernos preguntas. Cuando trabajamos con otros artistas visuales tratamos de imponer nuestra opinión. Pero con Vaughan le dimos el tiempo y el espacio que deseaba. ¿Para qué trabajar con un gran artista si vas a ponerle límites a su creatividad? ¡Nos sentimos muy afortunados de que él quisiera trabajar con nosotros! Y nos encantó tanto el proceso como el resultado. Es un tipo muy inteligente y tiene un sentido del humor muy afilado, y fue una gran oportunidad conocerlo y trabajar con él. Creemos tener sensibilidades muy parecidas. Giramos un poco en torno a la oscuridad –a falta de una mejor definición- en la música y el arte, y al mismo tiempo preferimos a la gente con sentido del humor. Vaughan es un gran “Contador de historias” y es un placer compartir tiempo con él. Es muy enfocado y ejecutivo y al mismo tiempo mantiene un costado divertido y desafectado.

Hay también mucha cohesión entre el imaginario del arte de tapa y el trabajo para los videos para algunas canciones: “Hold On”, “Shooting off the Set” and “Don´t Be So Sure”, este último parece realmente una pintura abstracta en movimiento. Todos esos pequeños cortos formaron parte de varios festivales, lo cual debe ser una gran forma de conseguir atención para la banda también. ¿Cuán importante es el aspecto visual para ustedes? Todos somos directores, hacemos animación y somos artistas visuales, además de músicos y compositores. Todo sucede a la vez para nosotros y cada disciplina influencia e interactúa con la otra. Nos encantaría poder hacer un video por cada canción que sacamos. Si solo se tratase de tiempo, creo que lo haríamos. Estamos tratando de hacer un video para cada video de “This Gilded Age”. Completamos animaciones para más de la mitad de las canciones, así que tal vez cumplamos el objetivo esta vez. Nos encantan los festivales de cine y animación, y es una emoción cuando formamos parte de ellos. Tenemos el honor de participar de algunos festivales internaciones fabulosos. Para nosotros, lo visual y lo musical están integrados y son inseparables. The Whispering Campaign fue su trabajo anterior, en 2011. El nombre también referencia un hecho historico, también da mucho que pensar. Pude escuchar algo del disco online. El sencillo “Rumble Thud” es excelente y tiene un hermoso video. Pero es mucho más pulido que el resto del album, que parece más crispado. ¿Qué pasó entre esos dos discos? Cinco años puede decirse que es mucho tiempo… El tiempo corre rápido y se aleja de uno. Estuvimos haciendo films y animaciones por un largo periodo y no podemos darnos cuenta el tiempo que pasó entre los dos discos. Es siempre un esfuerzo empezar y terminar: las canciones, los discos, los films… Creemos que empezaremos a editar sencillos con más regularidad antes que esperar a tener una colección de canciones completas y compiladas en un álbum. Siempre hay temas que empezamos y que nunca editamos o ni siquiera terminamos y esos procesos llevan a largas demoras si estás esperando terminar un álbum. Ni siquiera recordamos cuando Rum-

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ble Thud fue grabado, creo que incluso antes de esos temas de los que hablamos. Nos gustaría editar canciones y videos cada uno pocos meses. Eso sería un buen plan, movernos hacia adelante. Nos alegra que te haya gustado Rumble Thud… ¡Gracias! Su perfil como banda en Internet es bastante misterioso. Leí que tienen dos albumes más, pero no pude encontrar mucho con posterioridad a The Whispering Campaign… En realidad supe que su album debut es de 2003 y lleva el nombre de la banda. ¿Pueden comentarnos algo de sus orígenes? Editamos cuatro álbumes, una cantidad de sencillos y un EP. El primer album lleva el nombre de la banda y salió en 2003. Creo que un EP fue editado poco después del debut. Sacamos nuestro Segundo álbum Anamorphic alrededor de 2008. The Whispering Campaign in 2011, y This Gilded Age, el año pasado. Tuvimos una serie de cambios en nuestra formación como banda. Grabamos con tres bateristas distintos y varios guitarristas en los diferentes discos. Cambiar la gente con la que trabajas y desarrollar nuevas relaciones lleva tiempo y compenetración. Encontrar gente con agendas y estéticas compatibles lleva muchas demoras. Nosotros –Cheryl Gelover y Tom Murray, somos el núcleo de Tulipomania. Tom tocó el bajo en casi todo lo

que grabamos y guitarra en dos de los álbumes. En el último disco Tom tocó el bajo y la batería. Trabajamos con Mitch Smith en guitarra para el último álbum. También hacemos nuestros propios videos. Nos encantaría trabajar con otras personas más seguidos pero el tiempo se comprime y se generan retrasos cuando se agrega gente a la mezcla. En resumen: ¿Creen que ser una banda de rock independiente en America durante esta edad de oro de la Era Trump es algo vital? ¿Es un buen lugar donde estar, o tener el extraño privilegio de ser parte estos tiempos? No lo sabemos con certeza…. No estamos seguros de que este preciso momento sea tan aislado como nos gustaría creer. Creemos que siempre hubo y siempre habrá buenos tiempos para hacer arte y comentar acerca de la cultura en la uno nació, eso le da forma a tu existencia. Pero a veces es difícil verlo como un privilegio, tal vez el privilegio sea la vida misma, y hacer algo con ella y con el mundo que te toca vivir es todo lo que puedes hacer. ¿Pueden contarlo algo sobre el futuro cercano? ¿Algún plan de visitar América del Sur quizá? ¡Ojalá así fuera! Esperamos tocar allí en algún mo-


mento. Nos encantaría. No tenemos ningún plan agendado pero les haremos saber ni bien lo sepamos. Gracias por tomarse tiempo de hablar con nosotros.

Apreciamos mucho la perspectiva y las preguntas reflexivas que han hecho respecto de nuestra música y nuestros films. ¡Muchas Gracias!

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[ Entrevista a Pepe Salvia por Diego Centuriรณn ]

LOS FEDERICOS SON UNA BENDICIร“N


A veces la palabra POP/ROCK es temida por muchas bandas, como si eso fuese una cruz que marca una enfermedad de la cual todos nos embebemos muchas más veces de la que creemos. Pepe Salvia lleva adelante esta banda que se completa con Seba Rubin, Juampi Mandelman, Martín López Cuesta, Alejo Provvidente y Manuel García Sessa. Todos juntos bajo el nombre de Salvia y los Federicos. A principios del 2017 lanzaron su segundo álbum llamado “Seis”, a menos de un año de su debut “Subhits”. La elegancia de este segundo álbum cargado con imaginativas letras que esconden en acordes simples la belleza de lo simple. Nos comunicamos con Pepe para conocer la banda y hablar de la simpleza, que en cierta manera, es lo primordial. Hola Pepe. Gracias por responder esta entrevista. Vamos a empezar por el principio. ¿Cómo y cuándo nace Salvia y Los Federicos? Nace a partir de una propuesta solista, llevaba muchos años componiendo y tocando en casa después de la separación de Los Martes, mi banda anterior. Un día exploté de deseo de grabar y salir a tocar, me estaba ahogando en una pila de canciones que pedían salir a la luz y mostrarse. En ese momento pedí ayuda a mis amigos, a Juanito Moro (rockero verdadero de pura cepa) y a Gabriel Lichtmann (con él estábamos filmando la película Como Ganar Enemigos) Juanito me aconsejó sobre los pasos y Gabi me presentó a Seba Rubín. Seba es el productor del disco y la banda es Rubín y Los subtitulados completa, ellos acababan de grabar “MAS” y venían muy afilados juntos. Le presenté unas 15 canciones a Seba y elegimos esas 6 que tienen que ver con nuestro gusto en común. El disco quedó listo y era el momento de presentarlo, ahí llegan Los Federicos. Por eso creo que para conocer la banda SALVIA Y LOS FEDERICOS hay que escuchar el vivo. La estética del vivo es un poco diferente a la del disco. Todo parte de una necesidad y un proyecto personal pero la personalidad actual es totalmente de banda.

¿Quiénes son los Federicos? LOS FEDERICOS son una bendición del cielo. Ante la desesperación de la soledad de haber terminado el disco y tener que presentarlo, mi amiga y profesora de canto, Carolina Roisimblit, me presentó a Lucas Capitelli (músico de la ostia, guitarrista y compositor) Cuando nos juntamos nos encontramos con gustos musicales muy similares. Si bien Lucas tiene un amplio espectro de géneros musicales que sabe interpretar muy bien, los gustos rockeros y poperos son muy parecidos a los míos. Nos gustan los clásico, Jeff Line, Harrison, Joni Michel, Los Beatles, Los Travelling Wilburys, Lennon, Paul, etc., etc. Pero también le encontramos el gusto a Los Killers y toda la banda ama a Los Wilco. Al ver que podíamos disfrutar los mismos gustos musicales, Lucas, se puso a armar la banda que hoy se completa con Martín Ameconi (genio del teclado que tiene una banda fabulosa, Martín Ameconi y Los Pulpos), la hermosa bajista Pato Episcopo (de NARF ROCK entre otro montón de participaciones en diferentes bandas) el baterista que amo, Tony Hurtado (artista excepcional, compone, canta, toca todos los instrumentos. Pueden verlo en Antonio Hurtado en https://youtu.be/thwA3jqb7xY y después me cuentan) Completamos la banda Lucas, que es el capitán del barco, y yo, los dos con las guitarras. La sexta Federico es Julieta Sanchez que saca fotos, filma y coordina todo lo complicado. Lo hermoso y fascinante de esta banda es la arrolladora actividad de los integrantes. Todos los días alguno tiene novedades artísticas o de Los Pickles (la excelente banda Beatle) o Ameconi que tiene un lío amoroso a la tres de la mañana y a las 5am ya está mandando la canción compuesta y grabada de la experiencia de las tres. O Tony que manda lo que compuso para una amiga artista plástica, etc., etc. El grupo de wathsapp es un archivo multimedia de cosas interesantísimas. Los Federicos son una bendición. ¿Qué influencias puedes decirnos que se desnudan en tus canciones? Esta pregunta te la puedo responder de manera diferente todas las veces que me la preguntes. En estos días estoy charlando mucho con Lu-

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cas acerca de la composición de canciones. Nos mandamos material que encontramos de músicos que reflexionan sobre esto y una de mis últimas conclusiones es que me formé en una ciudad de compositores de canciones, Junín. De ahí son Manuel, Víctor Eduardo de Estelares. Para muestra, sobra un botón. Intuyo, pienso, o se me da el capricho de creer que en esos lugares, en nuestras infancias, las canciones tenían mucha importancia. Tanto ir al cine como poner un disco era una experiencia artística contundente. En mi caso, todos los fines de semana iba al cine y veía algún tipo de espectáculo musical en vivo, y te estoy hablando de cuando tenía 4 años, no a los 16. Creo que toda esa experiencia de haber visto a Sandro, a Sergio Denis, a Favio, a Los Iracundos, a músicos de cuartetos como Gaitan. Eleuterio Pigliapoco (yo sé que estas cosas no son políticamente correctas para responder en una entrevista de este tipo pero me chupa un h.) pero también a Serú Giran y a todas y cada una de las bandas de rock que volvieron en el 84 y giraron por el país. Quiero decir, la influencias son esas. Me encanta Wilco, me gusta Radiohead, me gustan todos los clásicos del rock, pero lo que sale al momento de componer es esa ensalada de flash backs que siguen rebotando en mi alma desde hace tantos años. La intensidad del espectáculo en vivo antes que la mediatización de la experiencia. Yo vi a Charly Garcia pateando las teclas del piano en el 81 mientras cantaban Popotitos, cualquier video clip al lado de eso es un chiste. Es como comparar la filmación del cumpleaños de 15 de mi prima con una película de Ettore Scola o de Kubrick. Para poner negro sobre blanco, la influencia en la composiciones es algo más abstracto y profundo que un estilo o una forma, es una intensidad en la experiencia, un reconocimiento del impulso vital, algo intangible que tengo que reconocer al momento de estar haciendo algo que, si no aparece, por más linda que parezca la melodía, va a parar a la basura. Sabemos tu carrera en el cine, pero no vamos a entrar en ese terreno, en todo caso deberían estar los chicos de cine de la Revista

para eso. Pero por las letras son todos como cortometrajes, en las letras hay muchas imágenes cinematográficas. ¿Qué hacés primero, la música o la letra? Los momentos más sorprendentes de componer una canción son cuando voy haciendo una melodía y diciendo lo que se me viene a la cabeza, hay dos o tres palabras, entre 200, que dicen lo mismo que la música. De ahí me agarro para el trabajo más racional de darle sentido a la letra, esto es siempre posterior a la melodía. Los casos más duros son cuando esas dos o tres palabras no aparecen rápido, puedo tardar meses tratando de descifrar que quiere decir una melodía y cuál sería su expresión “literaria”. Tengo melodías desde hace mas de 20 años que están esperando que yo me dé cuenta que es lo que quieren decir. Las veces que he forzado este proceso las consecuencias fueron nefastas. Muchas canciones que me dan vergüenza por la estupidez de sus letras (no es que haya letras estúpidas, hay letras forzadas a entrar en lugares que no les pertenecen) Con respecto a lo cinematográfico que pueda haber en las canciones, te diría que no tengo mucha conciencia del asunto. Pero sí sé que soy uno y soy esa mezcla. Todo el día conviven en mí las dos cosas. Un cosa interrumpe la otra, viendo una película puedo hacer el inside de la letra de una canción, o escuchando música se me puede ocurrir algo de alguna escena. Ahora mismo, mientras estoy tratando de reflexionar sobre lo que me preguntás y ser lo más sincero posible al respecto, me interrumpieron con llamados y mensajes que tienen que ver con las películas. Es un todo, una superposición de cosas que me llegan, y creo que es lo mismo cuando las devuelvo. Mirando la poesía de las letras tienen mucho de melancolía, si bien hay partes en que el optimismo gana terreno, pero no son en muchas partes. ¿Eres un poco o bastante obsesivo con las letras? Soy insoportable con las letras. No estoy conforme con la mayoría de las mías. Detesto a otros compositores que no le dan importancia a las letras. Somos un país con grandes letristas, mu-


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chas, muchísimas, canciones maravillosas. Desde Gardel y Lepera para acá, la vara es muy alta, Por supuesto que no creo para nada haber alcanzado un nivel de expresión y personalidad que valga la pena. Hace falta un coraje arrollador para eso. Hay que bancársela mucho, como Fito Paez, que es “muy” Fito Paez. Pero no compongo porque crea que valga la pena, compongo porque no lo puedo evitar. En menos de un año han lanzado dos trabajos, “Subhits” y “Seis”. Hablemos un poco de Subhits. ¿Cómo fue el período de composición y grabación del primer disco? Subhits es una especie de “grandes éxitos” de un período de unos cuantos años posteriores a la separación de Los Martes. Quedaron guardadas unas bases, que habíamos grabado en Circo Beat, durante unos 4 años. Me acuerdo que con mi amigo Silvio Falasconi (cantante hoy de los Nunca Vistos y otro juninense respetuoso de las canciones) que era el cantante de Los Martes, dijimos, agarremos los mejores temas que tenemos y volvamos a grabarlos en Circo Beat, llegamos a grabar las bases durante todo un día sábado y eso fue lo último que hicimos. Para mí era una tortura tener ese material sepultado en un cajón. Todas las canciones las había compuesto yo y era importante para mí que se terminaran. Así que pasado el duelo de la ruptura de la banda me puse en campaña para terminar ese material. Volví a grabar algunas guitarras, corregí algunas letras y sumé a Jorge Chikiar en los teclados y a Seba Rubín en los coros. Los dos terminaron de darme una mano enorme en la producción de ese disco. Así que Subhits lo compuse pensando las canciones para una banda. Las bases están grabadas en vivo y creo que el disco tiene esa energía. Pero sobre eso se monta la soledad con la que lo tuve que terminar y cantar, porque las canciones no estaban pensadas para que las cantara yo. Eran de una banda donde yo solo tocaba la guitarra y componía. Si querés, y profundizando la respuesta a la pregunta anterior, esa soledad con que terminé el disco tiene que ver con la composición de co-

sas cargadas de melancolía. Y el poder hacerlo realidad con el optimismo que gana terreno. ¿Qué satisfacción y qué decepción te trajo el primer álbum? Tener un disco terminado es siempre una satisfacción. Amo hacer discos. Amo el proceso de componer tratando de no hacer ruido para no despertar a nadie hasta la mezcla de ese material en el estudio. Me gusta todo. Podría hacerlo constantemente. No podría hablar de decepción, quizás haya sido una decepción en el pasado, pero ya no. Me refiero al hecho de ponerle toneladas de amor a un trabajo y que después no le importe a nadie, o le importe a poca gente. Pero no es una decepción, es algo que pude convertir en fortaleza. Hay veces que pasamos con Lucas horas intercambiando opiniones acerca de la producción de alguna canción, a veces con mucha vehemencia, y en un momento alguno de los dos toma conciencia y verbaliza el hecho de que a nadie más que a nosotros dos nos importa eso. Son momentos de una gran comunión entre los dos. Somos pocos pero creemos en los que hacemos. Y no lo digo en el sentido de que creemos que lo que hacemos es bueno aunque el mundo no se dé cuenta. Simplemente creemos que lo que hacemos hay que hacerlo. Llegamos a “Seis”, si bien muchos hablan de un EP, al tener 6 canciones es un mini álbum, más que un EP. ¿Vos como lo considerás y qué me podés decir de la escritura de las canciones? Lo considero un disco, sin dudas. Sobre todo porque entiendo un disco como un grupo de canciones que a su vez forman todo, que crean un universo particular que las incluye. Un EP no es eso. Un EP es la muestra de una parte de una banda. Las seis canciones de SEIS las elegimos con Seba Rubín porque formaban ese universo. Evaluamos muchas canciones para ese disco y quedaron afuera porque no eran de ese disco. Seba siempre dice que su trabajo como productor de ese disco empezó descartando canciones.


Mirá, ahora estamos preparando un nuevo disco que producimos con Lucas, tiene 20 canciones, ¡sí, 20! No lo considero más disco que SEIS por eso. Cada disco tiene sus tiempos y sus canciones. Lo importante es que tenga una identidad y forme su universo particular.

Te pido un Track by Track. Cuéntanos algo de cada track. Huracán Lo que puede una sonrisa amorosa en una playa en Brasil después de días de tormentas y peleas. El MI rasgueado siempre te hace salir del túnel. Felicidad El movimiento y la búsqueda constante como método de energía vital. No es el fin, es el camino. El pedal en RE constante que tracciona hacia adelante. Sábado La extrañeza de no reconocerse en uno. La ciudad como constructora de soledades. La contradicción de estar solo entre un montón de gente. Como un semitono con el de al lado. Aislamiento hasta el próximo MI. Las Penas Tema raro. “A mí nunca se me hubiera ocurrido una melodía así” me dijo Seba Rubín. Supongo que a mí tampoco. No recuerdo bien como salió. Quizás quise hacer algo con aires centroamericanos y salió eso. Es un método de composición tratar de imitar algo que uno no puede hacer. Algo sale y se puede usar. Tuve que hacer 200km desde Buenos Aires hasta Membrillar pensando en el tema hasta que salió “las penas siempre se van” Discos Otra canción de encierro como sábado pero por elección. Dame dos millones de riffs en vinilo y no necesito nada más. A mí me salvaron los discos. En una habitación de 3x3 tenía mil discos, y los escuchaba a todos. Cada Vez Pasé varias décadas para exorcizar este sentimiento. Cuando tenía 4 años me quedé solo en un campo esperando que me vinieran a buscar. Mis padres se atrasaron y oscureció. No tenía miedo. Sentía el vacío de todo el universo dentro mío. Creo que esa melodía merecía una mejor letra.

¿Qué cosa que les trajo este álbum con respecto al álbum debut? Fueron dos experiencias muy diferentes, Subhists se armó de retazos de avances y retrocesos, de ir emparchando lo que había quedado y SEIS es un disco pensado con estrategia estética

y productiva. Seba Rubín tiene mucha experiencia en grabación de discos y todos los músicos venían de trabajar mucho juntos, eso simplificó el proceso. Seis es un disco más profesional, está pensado de esa manera, tantas semanas de ensayo, tantos días y horas de grabación, tanto de

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mezcla….Subhits fue un caos en ese sentido Los dos resultados me gustan. Estoy conforme con los dos discos. Pero mucho más me entusiasma el que viene. El pop rock es un estilo bastardeado por mucha gente, y en realidad todos en algún momento ponen un disco que es pop rock. ¿Vos cómo te llevás con las etiquetas que suelen ponerse las bandas? (muchas veces el periodismo aporta mucho a esa confusión) Ufff, no entiendo mucho de etiquetas, cada vez hay más, a veces siento que hay que ponerse a estudiar para entender todo eso. Creo que todos podemos identificar que es una canción. Creo que podemos entender los que es una actitud que tiene que ver con el rock. No pienso mucho más que eso. Me encanta el tango, me encanta el folclore, muchos estilos. Hay algo de sinceridad rockera en todas las canciones sinceras del mundo. Es lo único que me importa. Que haya un ser humano que abra su corazón y me cuente en una canción sincera sus experiencias y sus sentimientos. Es la única posibilidad que tenemos de

no caer en el abismo de la soledad. Contarnos cosas a través de la música, el cine, la pintura….. ¿Qué planes tienen para este año? El plan casi excluyente para este año es grabar el disco de 20 canciones. Si todo va bien, en noviembre entramos al estudio. Bueno quiero agradecerte por darnos la posibilidad de esta entrevista. Y te dejamos este espacio para que les digas a nuestros lectores lo que tengas ganas. Les agradezco mucho a ustedes. Se nota compromiso y respeto en cada una de las preguntas. Las preguntas hablan mucho de la persona que las hace. Hay una exposición en hacer las preguntas, tanto como en responderlas. En esta entrevista se nota la ganas de querer saber, de interesarse por nuestro trabajo y no, como otras veces suele suceder con muchos, que mandan preguntas porque tienen que llenar un espacio y viven de eso. Muchas gracias.


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[ Entrevista a Enrique Gil Navarro y Diego Litwiller de La Suma De Todos Los Tiempos por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster ]

LOS MEJORES TIEMPOS (ESTÁN HECHOS DE SUEÑOS)


Los muchachos de La Suma de Todos los Tiempos son, ante todo gente sencilla, de barrio. Quizá ese dato no llame la atención en otro tipo de banda de barrio. Aunque ellos lo sean, precisamente de Parque Patricios, no son la típica banda barrial. Tienen muchas ambiciones artísticas. Muchas de ellas cristalizadas en sus tres discos. Con un sonido que es un calidoscopio de influencias y que al mismo tiempo han ido puliendo como una piedra preciosa. Caos y Armonía. Violencia e introspección. Psicodélicos. Shoegazers. Dream Pop. Post-punk. No reniegan de ningún estilo o género, pero tratan de alejarse de las fórmulas o sonar genéricos. Tienen un mística y una poéticas propias, que sí tiene mucho del barrio, de Parque Patricios, pero como si éste fuera el escenario de un sueño, del despegue hacia una historia surrealista que puede terminar en el cosmos, o en un pequeño universo donde se encuentra “la suma de todos los tiempos”. Con esa misma naturalidad y mirada poética, Enrique Gil Navarro (voz y guitarra) y Diego Litwiller (guitarra) me reciben sin estar pendientes de los horarios y se ponen a charlar mientras invitan mate. (Peta D’Agostino, bajo, y Fernando Turenne, batería, son la otra mitad de la banda, que por razones de agenda no pueden estar presentes). Entre las preguntas que traigo preparadas, Enrique y Diego me cuentan algunas anécdotas que quizá explican mejor quiénes son y quién es la banda. Por ejemplo, que han editado en cassettes todos sus álbumes, y que el formato les despierta mucho afecto, dado que los retrotrae a la época donde a través de un cassette, igual que los VHS, les permitía conocer bandas raras, que no sonaban en ningún lado. En otro momento, comentamos la noticia de que una banda perdiera mitad de su audiencia en una fecha organizada por un municipio. Al parecer la gente se fue del lugar enojada porque antes de tocar los músicos preguntaron: “¿Dónde está Santiago Maldonado?”. Enrique me dice: “Qué se yo… es mejor no tener público, que tener un público de fascistas.” Se ríe, y con total tranquilidad, sigue fumando. Ante todo, felicitaciones por el nuevo disco “El futuro para siempre”, suena maravillosamente bien. Es sencillo y complejo a la vez. Y

en contraposición con sus dos discos anteriores parece mucho más “diurno”. Como si estuviera compuesto exclusivamente con el día en la mente y quizá también en el espíritu. Enrique: Gracias. Puede ser. Es más optimista desde la lírica, es decir, las letras y desde la melodía también me parece que también lo es. Igual creo que no termina de ser del todo alegre. Tiene algo de contradictorio al mismo tiempo. Pero en términos generales, sí, es más positivo. Diego: Sí. La intención de Enrique, que es quién compone toda la lírica de la banda, era llevarlo a una energía positiva. ¿Cómo fue el proceso de composición y grabación? ¿Y cuánto tuvo de responsabilidad la participación de Estanislao López como ingeniero de sonido y productor? Enrique: La composición en su mayor parte fue anterior a la grabación. La mayoría de los temas tenía la melodía principal y la voz ya armado. Lo que es arreglos y bases rítmicas la hicimos entre todos. A diferencia de discos anteriores que cada uno pensó más sus instrumentos. En este todos aportamos nuestras ideas de producción artística. Fuimos a la casa Estan(islao Lopéz), que tiene allí un estudio de grabación y él nos ayudó a poner todo eso en su lugar. Ahí terminamos los temas. Incorporamos las batas, los bajos, los arreglos. Las letras son pequeños bloques de palabras que arrastran muchos significados, eso las hace importantes más allá de ser breves y se repiten casi con una insistencia de mantra. Mucho de lo que dicen a veces se repite: “No tengas miedo” “Todo va a estar bien” “Nos vamos a perder”. Parece también una apuesta a ese “futuro para siempre”, y más que la idea de la alegría sin reflexión, parece la conciencia de que hay que saber hacer algo bueno con el tiempo. Enrique: El título del disco tenía que tener algo de lo que tenían las letras, de ese optimismo. “El futuro para siempre” tiene eso, un optimismo pero quizá no en el aquí y ahora. Pero sí en el futuro. En un proceso de construcción de algo mejor para los que vienen atrás nuestro. Pero también la idea de disfrutar del camino a ese futuro. En cuanto a las letras “Perderse” no me parece que

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tenga un sentido negativo, sino en la posibilidad del perderse como en un viaje y encontrar lugares que uno no imaginaba, sorprenderse con eso. Buscaba también la contraposición: que no suene a algo decididamente bueno, o malo. O lindo, o feo. Sino el jugar con la multiplicidad de los significados. El enfocarse en la escala de grises y no tanto en el blanco o en el negro, o en la recta que está formada por una infinita cantidad de puntos que unen dos puntos. Estaba pensando que el título tiene mucho que ver con el nombre de la banda y quizá no casualmente tiene algo de filosófico, metafísico. Me recuerda un poco a la figura de El Aleph de Borges. ¿Existe algo así como una idea mítica a desarrollar en sus mentes, digo tanto desde lo narrativa de las letras como desde el sonido de las guitarras? Enrique: Nos gustó el hecho de que sonara a un concepto teórico, un fragmento de un libro de física o un comentario sobre los récords en Cien metros llanos de los Juegos Olímpicos. Pero al mismo tiempo me inspiró Kurt Cobain, que pensó

en el nombre “Nirvana”, un término místico. Porque que la música tiene algo religioso, tanto el escucharla, el hacerla como estar compartiéndola con todos en un escenario. Pero me gustó que uniese esos dos extremos el que parece bien una definición científica, y el lado más místico. “La suma de todos los tiempos” está presente también en el estilo: resuenan muchos “tiempos de la historia”. Por momentos me remiten a la psicodelia sesentosa más oscura, The Velvet Underground, también a Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, y más cerca, encontré coincidencias con Suarez. Me parece que toman un poco de “las mejores cosechas”: la escena sónica, el shoegazer, el low fi, el grunge, y también se preocupan por mantener un estilo bastante “depurado”, casi un “no estilo”, una “no actitud rocker”, desafectada. Enrique: Me interesa no estar pegados a un género. Tiene que ver con las inquietudes que tenemos nosotros ahora, que en el momento de componer se cristalizan. Nos pasa que no somos


fanáticos de algo muy particular, sino que nos interesan muchas cosas. Y a la vez, me interesa que nos concentremos en las diferencias, más que en los puntos que tenemos en común. En el disco se pueden encontrar desde arreglos medio de cuambia, “orientales”, percusiones que por ahí no tienen tanto de que ver con el rock o el pop, hasta elementos por ahí más clásicos. Pero para mí el juego es desarticular los géneros. Él nombre de la banda implica un poco eso: sumar todo lo que nos rodea. Quizá los anteriores discos sí eran “más de género”, pero ahora nos interesa más trabajar más de esta manera. Aunque por otro lado, escucho a The Ramones que casi siempre sonaron parecido, y me encantan. Diego: En los otros discos fuimos influenciados por la lista de bandas que nombras. Trabajamos más conscientemente en este disco. Quisimos incorporar algo folclórico. En el momento en que componíamos, descubrimos un banda chilena Maifersoni, que tienen un disco Maiferland (Acto de Amor), ellos incorporaban música más andina

y nos gustó mucho, y nos abrió posibilidades de componer y hacer cosas nuevas. Shoegazer, quiere decir literalmente “alguien que se mira los zapatos” quizá habla de introspección y quizá también de timidez. Aunque también puede ser una verdadera actitud frente al público y a la hora de subirse a un escenario. A la vez el sonido expresa mucha introspección y un interior bastante “recargado” a veces diría “atormentado”. ¿Lo sienten como una forma de ser, un estado de ánimo o solo un recurso poético? Diego: El estilo tiene algo de ensueño, psicodelia, un estado medio místico. Me gusta eso en la música: que genere un estado medio alterado, místico, lisérgico. También creo que la actitud tuvo que ver con un quiebre en la pose de la “estrella de rock”, que no tiene nada que ver con la música. Enrique: Me acuerdo de haber leído por Internet, cuando intentaba encontrar el origen del tér-

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mino que a los shoegazers le decían así por la cantidad de pedales que utilizaban en sus guitarras, sobre el escenario. Y estaban por eso mirándose todo el tiempo los pies. Pero quizá sí, seamos medio introvertidos sobre el escenario y entonces nos escondemos detrás del sonido, por así decirlo. Pero no es algo que sea premeditado, es la forma en que sentimos la música en ese momento y ese lugar. Y hay un gran contraste entre la violencia que por momentos tiene la música, con nuestra actitud que es bastante tranquila. Los discos anteriores, particularmente en los temas finales hay mucho de eso, esas zapadas de distorsión casi épicas en “Infinito punto rojo” y “Lo que hay detrás de las ventanas”, suena a un estado de tormenta que se resiste a disiparse. En cambio para el final de “El futuro” el cierre es redondo y contundente. Y casi como en todo el disco hay un clima de mayor extroversión y conexión con el afuera. Diego: Bueno, en realidad el último tema “El futuro” es también un tema largo. Lo que quizá cambió en este último cambio la influencia de Estanislao que limpio mucho el sonido, antes teníamos más caos, más efectos. Y puso todos elementos en lugares más identificables, compuso un cuadro sonoro más prolijo. ¿Cómo trasladamos esto en vivo? En vivo estamos tratando también de respetar las mismas sensaciones del disco, ese sonido. Reflejar el espíritu del disco. Rosario, la cantante de Suarez, dice que Parque Patricios tiene una poética particular, su caos, esas vidrieras de los comercios abarrotadas de objetos, un barroquismo casi natural. Veo muy presente el barrio en el disco. ¿Es así? ¿Está Parque Patricios como escenario natural de “El futuro para siempre”? Enrique: Los elementos del barrio seguro se filtran. Los cuatros vivimos ahí. Compartimos espacios en Parque Patricios. Yo había pensado, un poco ciertos escenarios, con ciertos personajes, que compusieran una historia, para ayudarme a escribir la letra. No sé en qué tiempo, en todos, quizá en el pasado, hay cosas de mi infan-

cia, y también del presente, futuro se fusionan: “la suma de todos los tiempos”, otra vez. Pero nunca la idea fue hacer una mención explícita a Parque Patricios, sino que se fueran incorporando sus elementos un poco inconscientemente. El bajista Peta D’Agostino es un reconocido productor de la escena indie, ¿Cómo es trabajar con él y compartir el tiempo como banda? ¿Otros de ustedes tienen además sus proyectos paralelos? Diego: Es buenísimo compartir con Peta. Tiene mucha pasión por la música, muchos años de trabajo, mucha experiencia. Él entró a la banda en la época del segundo disco y aportó un montón. En las largas jornadas de grabación él está en su salsa. Y sí, tenemos proyectos paralelos, yo formo parte de otras dos bandas Playa Grande y Rodrigo Armando. Y los proyectos se van acomodando en el tiempo. Todo encuentra su lugar, aunque no quede mucho tiempo para hacer otras cosas. Enrique: Me parece además que todos somos un poco productores en la banda. Desde el lado artístico, de los arreglos. Peta nos ayudó a definir un sonido. Pero el encajó bien en la banda porque todos tenemos inquietudes por el lado de producir artísticamente. El Peta también toca en dos bandas, Srta. Trueno Negro y Koyi, y acaba de grabar un disco solista bajo el nombre de Excolorado. Pero todo se va acomodando armoniosamente. ¿Quieren comentarnos algo de lo les depara el futuro cercano? Diego: Tenemos el proyecto de grabar un video más. Ya tenemos un video para “En el Parque”. Tenemos amigos que trabajan en el cine. Así que la idea es grabar un video para “Adonde lleguemos”, hacer algo más narrativo seguramente. Y vamos a hacer una presentación más del disco antes de fin de año. Y seguramente, para octubre viajemos a Uruguay y estemos tocando por ahí. Enrique: Sí, seguramente estemos abocados a estos dos proyectos, grabar el video y viajar a Uruguay a tocar. Cerrando el año seguramente armemos una fecha junto con Estanislao.

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[ Entrevista a Daniel Land por Diego Centuriรณn ]

UN TIEMPO DE LIBERACIร“N


59 Tal vez muchas veces no nos demos cuenta del paso del tiempo hasta que nos dicen algo que nos hace caer en la realidad del paso de los años. Y es aún más muy difícil cuando algo de ese recuerdo es tan fresco. Hoy hablamos estrictamente de un trabajo de hace diez años, “Voss” de Daniel Land & The Modern Painters. Un EP que tiene un sonido tan actual que no nos demuestra el paso del tiempo. Nos comunicamos con Daniel Land para hablar de este trabajo pero también de su presente y el futuro de la banda.

nero que amaba, y realmente mapeando los territorios (o "Límites", Risas) de los sonidos que me gustaron. Hay algunas razones simbólicas por las que pensé que era apropiado también, probablemente ha pasado demasiado tiempo para reconstruirlas adecuadamente, pero en general, tiene que ver con la relación a largo plazo que yo estaba en el momento - pero eso fue lo esencial. Pero también, me gustó la apariencia y el sonido de la misma - 'Voss' es una palabra bonita, una palabra inusual, y bastante memorable. Creo que es un buen nombre para un primer EP.

¡Hola Daniel! Gracias por concedernos esta entrevista. ¡Gracias por invitarme! Es bueno hablar contigo otra vez.

Es el debut discográfico. ¿Cómo lo escuchas como el trabajo de presentación de la banda? Creo que el disco podría haber sido mucho mejor producido. Realmente en ese momento estaba apren-

¿Qué piensas cuando te digo que ya han pasado diez años de “Voss”? Bueno, es curioso que lo menciones, porque estaba en mi diario también. Soy bastante extraño con las citas, siempre tengo una idea de lo que estaba haciendo hace dos, tres, diez años. Todo ese tiempo, el otoño de 2007, fue un momento muy memorable para mí, y ha estado en mi mente mucho recientemente. Yo había estado jugando con la idea de hacer algo para conmemorar el décimo aniversario de 'Voss'. ¡Pero yo no creo que nadie lo recuerde o se preocupe! (Risas). Es extraño - por un lado, no puedo creer que sea de diez años. Por otra parte, parece mucho más de diez años. Tal vez porque mi vida ha cambiado tanto en la última década. ¿Por qué el nombre Voss? Como muchos de mis títulos de pista o álbum, es una referencia literaria. En este caso, se refiere a la novela de 1957 del escritor australiano Patrick White, que es uno de mis novelistas favoritos. Voss" es una novela encantadora, muy simbólica que trata sobre todo de la expedición de Johann Ulrich Voss en 1845 al corazón de Australia. Lo leí unos dos meses antes de trabajar en este EP, y supongo que me sentía como si estuviera en una especie de exploración de mi propia, musicalmente hablando - trabajando en este gé-

diendo sobre la grabación, y no estoy muy contento con cómo suena el disco. Pero me trae recuerdos de un momento realmente feliz, inspirado en mi vida. Recuerdo que cuando terminó el EP, mi compañero de banda Graeme Meikle y yo estábamos escuchándolo, sonriendo, abrazándonos y diciendo: "¡Suena como un disco!" Estábamos muy contentos de haber terminado, lanzado, y haber comenzado con nuestras carreras musicales. ¿Recuerdas tu sensación al estar grabando estas canciones? Se sentía como un tiempo de liberación. Yo había empezado a escribir canciones con Graeme alrededor de cinco años antes de que 'Voss' fuera lanzado, y un par de años más tarde cuando Oisin Scarlett se unió a nosotros, fue cuando las cosas realmente empezaron a ser serias - pero todos éramos guitarristas, y realmente nos esforzamos por conseguir una banda "adecuada" junto con un baterista y bajista decente. Todo ese tiempo en mi vida, a mediados de los veinte años, fue bastante frustrante. Estaba lleno de ideas y confiado en las canciones que estaba escribiendo con Graeme, pero no tenía forma de liberarlas o realizarlas. Fue sólo cuando vi un DJ Set de Ulrich Schnauss en The Big Chill en agosto de 2007 que me di cuenta de que ya había una subcultura significativa de


las bandas shoegaze y dream-pop, lanzando música a pequeña escala, haciendo conciertos juntos, compartiendo música en Myspace y generalmente apoyando los esfuerzos de cada uno. Y eso cambió todo para mí. Decir que mis ojos estaban abiertos, sería un eufemismo. ¡Yo estaba radicalizado! No podía creer que, bajo mi nariz, se había desarrollado una escena que tal vez aceptaría el tipo de música que ya había esta-

vida. En retrospectiva creo que las cosas probablemente fueron un poco más amargo-dulce de lo que estoy dejando; Yo estaba en una relación a largo plazo que estaba empezando a volverse amarga, y creo que algo de la sensación de esa situación estaba empezando a arrastrarse a mis canciones. Pero, en general, estaba muy feliz: había estado deseando hacer música durante años y años, y la sensación de que

do haciendo en privado durante años y años. Puso un cohete debajo de mí. Estaba tan excitado que, en un mes, había escrito y grabado todos los tracks de 'Voss' aparte de una pista - 'The Magic In My Head', que fue escrito tres años antes.

las cosas empezaban a tener éxito era muy validativa y satisfactoria. No podía creer cuántas personas compraron el EP, de todo el mundo - fue encantador, y siempre estuve muy agradecido de haber encontrado una audiencia.

El clima creado en éste, como en todos tus trabajos, es de calma... Si te acuerdas ¿Cómo estabas tú en el período de escritura de las canciones? Fue un tiempo maravilloso en mi vida. Me sentía tan inspirado y descubría todas esas nuevas bandas cuya música amaba, como Sway, Airiel, Mahogany, Auburn Lull y Fleeting Joys, y yo también me estaba haciendo amigo de Ulrich Schnauss, quien me apoyó mucho y me dio mucho estímulo. Fue un gran momento en mi

Hay tres canciones de este EP que terminaron en el primer álbum "Love Songs for the Chemical Generation". ¿Las has vuelto a grabar para el álbum? No fueron re-grabados como tales, pero 'Locust' y 'The Magic In My Head' fueron remezclados para el primer álbum. Aunque eran remixes muy secundarios, en realidad. Con estas canciones, hay tantos efectos en las guitarras, capturadas en la etapa de grabación, que las opciones para remixar son bastante estrechas.


Hicimos reemplazar las baterías en 'The Magic In My Head'; las baterías originales provienen de una caja de ritmos muy retro-sonora, y nunca fui feliz con ella. Creo que es uno de mis peores momentos grabados, en realidad. La gente como Beach House puede escapar con el uso de las máquinas de ritmos retro porque se ajusta a su sonido, pero en esta versión, siempre sonaba un poco ordinaria para mí. Creo que para las versiones del álbum, básicamente solo he arreglado las cosas, he puesto una percusión extra, pero nada demasiado severo. Y por supuesto, la versión del álbum de 'Within The Boundaries' fue la versión utilizada en el single de 2008, mezclado por Ulrich Schnauss y Mark Peters. Esa le había hecho mucho más: usó elementos de la grabación de 'Voss', pero volví a tocar el bajo, las congas y las voces, y Ulrich y Mark tocaron batería, teclados y otros instrumentos.

en ese momento... ¿Cambiarías algo de lo hecho en "Voss"? La producción. Sirvió para su propósito, pero realmente estaba aprendiendo a medida que avanzaba. Yo estaba usando instrumentos muy baratos, no tenía acceso a las baterías reales, o buenas muestras de baterías. He tenido diez años de experiencia en la producción desde 'Voss', y actualmente tengo una Maestría en Producción de Grabación, así que la producción en esto parece un poco... pintoresca, digamos. Ha pasado mucho tiempo desde que lo he escuchado. Pero la gente realmente parecía responder a esa grabación, así que no lo descarto de ninguna manera. De todos modos, los fabricantes de música pueden ser un poco narcisistas sobre la producción - la mayoría de los oyentes no se dan cuenta de que mucho o, si lo hacen, realmente no importa. O encuentran material de low-fi encantador. Se trata de las canciones, en

Si tuvieras la posibilidad de modificar algo de la grabación... Si pudieras viajar en el tiempo y estar

última instancia, y creo que hay algunas buenas canciones en este EP.

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¿Te puedo pedir un “track by track” del EP? Within The Boundaries Esta fue la primera canción que hice para el EP, que quería algo grande e impresionante, y ¡creo que llegué a mitad de camino! Yo estaba tan inspirado cuando hice esto, toqué todos los instrumentos, y creo que todo fue escrito y grabado en dos días. De hecho, yo estaba tan “metido” que llamé a mi trabajo y me tomé un día por enfermedad, ¡sólo para poder seguir trabajando en ello! (Risas). Me gusta cómo se estructura la canción, hay una larga repetición de esta secuencia de acordes al principio, luego un puente, y luego las voces entran, pero solo por treinta segundos más o menos. No es realmente una canción en ningún sentido convencional - es más un instrumental con un poco de canto en él. Pero fue genial tocarla en vivo, y abrimos nuestros shows con ella durante muchos años. The Magic In My Head Esta es la única pista que precede al EP. Se remonta a principios de 2004, aunque era sólo un demo y nunca fue lanzado. La versión 'Voss' es una grabación nueva. Creo que estaba apuntando para algo como los Cocteau Twins “Crushed” con este. Siempre he pensado que era una de mis mejores secuencias de acordes, y fue una de las cosas más shoegaze que jamás había escrito, por lo que tenía sentido incluirlo en el EP. Locust No sé de dónde vino este. Era otra maravilla de dos días, empecé a trabajar en ella un sábado por la mañana, y el domingo por la noche estaba todo hecho, incluyendo la mezcla. Siempre agradecí la ayuda de Graeme con esta canción; Tenía dos melodías vocales para el verso, y no podía decidir cuál era el mejor. Fue su idea usar uno para el primer verso, y otro para el segundo verso, que le da a la canción una bonita forma no convencional. Éste era otro favorito en vivo, lo tocamos por años, y ahora todavía gozo el tocarlo. Whippersnapper Todo el crédito de ésta va a Oisin Scarlett - como he dicho arriba, uno de los


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tres guitarristas de los Painters, y el otro colaborador clave en la banda en ese momento. Esto vino de una improvisación que hizo Oisin. Estábamos en mi estudio de casa grabando sus partes de guitarra para otra canción, y mientras yo estaba montando los micrófonos, él estaba zapando lejos con su guitarra. Terminé capturando cinco minutos, sin su conocimiento - lo único que hice fue editarlo, mantener los mejores bits, aplicar algunos tratamientos, y sonaba encantador - y un buen enlace a la siguiente canción. Es todo el trabajo de Oisin, aunque en realidad, todo lo que hice fue mezclar los bordes. Lostening ¿No es "Perdición" una palabra encantadora? Es un baúl de viaje (Portmanteau). Lo inventé, o debo decir que tropecé con él, cuando estaba diciendo algo más. No tenía idea de lo que significaba en ese momento, aunque desde entonces he tenido algunas teorías. Hay algunos sonidos divertidos allí - las campanas de la iglesia al principio y el final eran de la iglesia justo fuera de mi casa. Viví frente a una gran iglesia y cementerio y todas mis grabaciones entre 2007 y 2012 fueron grabadas allí. Las campanas parecían encajar en el estado de ánimo de la pieza que se basaba sobre todo en una idea melódica que tenía en 2006, pero no había terminado. Es gracioso - se puede escuchar oír algunas voces al final de la misma, ¡que en realidad viene a través de mi captura de bajo! Tenía un bajo muy fretless barato y un domingo por la mañana estaba grabando con él, y me di cuenta de que estaba recogiendo el sonido de una voz - cuando subí la ganancia, me di cuenta de que era el vicario en la Iglesia, al otro lado de la carretera, usando un micrófono de radio para hacer su servicio de domingo, y el bajo lo estaba registrando. Siempre me gustan los momentos accidentales como ese, así que se quedó. Boundaries (reprise) Estaba interesado en las canciones “reprise”, versiones alternativas. He lanzado esta versión de 'Within The Boundaries' al final del EP. En retrospectiva, creo que fue una idea tonta, un poco innecesaria. No agrega nada al EP, el EP debería haber terminado con las campanas al final de 'Lostening'.


Hace unos días has relanzado "A single Man". Y en ese registro se encuentra "Locust". ¿Le tienes un cariño especial a la canción? Sí, creo que es probablemente una de mis mejores canciones. Es tan simple: solo cuatro acordes, no hay nada que hacer. Pero fue muy inspirado, y pasó muy rápido. Las canciones que vienen rápidamente son las que parecen favorecer. ¿Qué otra canción no puedes eliminar de tus favoritas? Cambia todo el tiempo. Pero me encantan las pistas de Voss que terminaron en el primer álbum. Y luego 'Glitterball', 'Benjamin's Room' y 'Love Lies Bleeding' del primer álbum. Oh, y “Off Your Face Again”, que es en su mayoría el trabajo de Graeme. “Eyes Wide Shut”, “Echo & Narcissus”, “Sleeping With The Past” del segundo álbum. “New York Boogie-Woogie” y un par de otros de “In Love With A Ghost”, mi reciente álbum. Hay canciones de las que me olvido, así que de vez en cuando algo mío aparecerá aleatoriamente en mi iPod y me sorprenderé de nuevo. Es difícil elegir entre ellos sin embargo. ¿Actualmente qué estás haciendo? ¿Preparas música nueva para The Modern Painters o para tu carrera solista? The Modern Painters llegaron a un final natural hace cinco años, me mudé a Londres y los otros miembros de la banda tenían otros planes y compromisos, por lo que parecía un buen momento para terminar las cosas. Todavía me gustaría hacer otro disco con esos chicos aunque si la situación lo permitía. Como un buen álbum de "banda" fuerte que refleja el sonido más estridente de los pintores en vivo. Eso probablemente no es muy probable cuando vivimos en ciudades diferentes, pero nunca digamos nunca.

Por ahora estoy haciendo música como solista con la ayuda de mi nueva banda, y eso ha sido muy agradable. Me encantan los chicos con los que estoy trabajando y estoy muy contento de cómo van las cosas. En los últimos años he estado escribiendo mucho con mis compañeros de banda Gary Bruce y Brin Coleman y eso ha ido muy bien. Estoy deseando más de eso, y también conseguir que los otros miembros de la banda también participen. ¿Qué planes tienes para lo que queda del 2017 y el 2018? Casi he terminado un nuevo disco en solitario que estoy muy contento, de hecho creo que es probablemente lo mejor que he hecho desde el primer álbum de Painters. Es un regreso al sonido de dream-pop / shoegaze de los primeros discos de Painters, pero con voces más fuertes y melódicas. No puedo esperar para liberarlo, pero tengo que terminarlo primero - ¡así que eso es lo que estoy haciendo con el resto de mi año! Tengo ocho pistas hechas, pero quiero otras cinco o así, para hacer un álbum y un EP también. Tal vez incluso dos álbumes, porque tengo alrededor de treinta ideas de canciones en el camino en el momento, y la mayoría de ellas me parecen muy buenas, lo que no siempre sucede. Es maravilloso -como alguien que a veces tiene dificultades para escribir- ha tenido esta explosión realmente inesperada de creatividad a mediados de los cuarenta años. ¡Creo que 2018 va a ser un año muy ocupado! Es un honor haber realizado esta entrevista. Te admiro mucho y gracias por tu música. Muchas gracias, pero el honor es todo mío. ¡Gracias por todo su apoyo durante estos años, significa mucho! Y, por supuesto, saluda a tu gato por mí...


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[ Entrevista a Alejandro Schuster de Viva Elรกstico por Marina Cimerilli ]

VIVA ELรSTICO ES UNA BANDA QUE YO LA VOY A TENER HASTA QUE ME MUERA!


La primera obviedad que surge tras escuchar cualquier canción de Viva Elástico, es que se trata de una banda que nunca se quedaría sin historias para contar. Y la segunda cosa obvia es que su frontman, guitarrista y compositor, Alejandro Schuster, tiene las vísceras puestas en cada sílaba que entona. Quizá a eso, y otro tanto a la sensibilidad generacional que irradia su poética, se deba el impacto que tuvo el disco homónimo (editado en 2009) de estos oriundos de Longchamps dentro de la escena independiente, y el haber dejado la vara tan alta resultó otro incentivo para superarse. Agua sal y fiebre (2012), su segundo trabajo, formalizó el compromiso con la sofisticación pop y el sonido hi-fi, mientras que 2017 los encuentra dando todavía un paso más, con formación renovada y el reciente lanzamiento de No Es Privado, su jugoso tercer álbum, que sintetiza lo propuesto en los anteriores al tiempo que abre nuevos caminos sonoros. La vena post-punk sigue intacta, el arrojo rockero sube un escalón, y el romanticismo agridulce que se transformó en su marca registrada desde el comienzo, alcanza un nuevo clímax. “¡¿Cómo se podrá hacer un hit?!”, ironizaba Sergio Pángaro en una letra escrita allá por 2003. En el caso de Viva Elástico, esta pregunta encuentra respuesta sin siquiera llegar a formularse; funciona más bien como un instinto, despierto desde el día uno: melodías adictivas, canciones que quiebran en el momento exacto y estribillos que obligan a aprendérselos de memoria. Y hoy, lejos de caer en la redundancia, demuestran que hay cuerda para rato. Antes de su show del Sábado 23 en el marco del Festival Emergente -que celebra sus 10 años-, Alejandro Schuster compartió algunas reflexiones en torno a esta nueva etapa, en un mano a mano con The 13th. Pasaron 8 años desde aquel potente debut homónimo, y Viva Elástico no sólo ha sabido mantenerse en pie como proyecto, sino que además fue madurando su sonido y afir-

mando su modo de encarar la canción. ¿De qué manera creés que refleja “No Es Privado” esas vicisitudes y esa evolución? Para empezar, es un disco que resume un poco la carrera del grupo, sintetiza el poder de las guitarras y de la canción; sólo que esta vez sugiere cierta experimentación extra, que le da esa cuota personal y de modernidad. Más que una evolución del sonido, se trata de una especie de revolución sonora adentro nuestro, porque cambiamos muchas actitudes para tocar. Quisimos hacer un disco más arriesgado y ruidoso, con elementos más noise, y tratamos de no controlar tanto todo; que sea un poco más relajado. El universo poético de V.E se inscribe en el aquí y el ahora: todo pasa rápido, sólo importan los momentos… y en medio de todo eso está el amor -siempre ligado a su contracara, el desamor- que lo atraviesa todo. ¿De qué te nutrís para componer, y cómo vivís ese proceso? ¿Lo disfrutás, o lo padecés? En realidad me nutro, disfruto y padezco; todo a la vez. Porque es un proceso que está ligado a la existencia, a la realidad misma o a la observación de ella. Para escribir me manejo a partir de la intuición; pienso cuando termino las cosas, pero en los procesos soy más intuitivo y me funciona bien. La intuición es lo que más me interesa de la parte creativa, eso es lo más mágico. Y sí; el amor está siempre presente, como así también la salud, el dinero, y miles de cosas… pero es un universo muy adecuado para las canciones que suelo componer. También hay cierto romanticismo en los acordes que uso. Aunque no todas las letras son de amor, en realidad… algunas tienen una estética más plástica, como “Complejo Adolescente” o "Vuelve", que es una que me gusta mucho y habla de algo que nunca puedo explicar; una situación de observación personal hacia algo, o el hecho de tildarse; como un reseteo. O como esa sensación de tener un déjà vu, por ejemplo. Y las que sí son de amor, ¿hablan siempre de historias tuyas? Algunas sí, pero no escribo sobre hechos rea-

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les; esa parte de la creatividad no me gusta: reformular una situación ya sucedida y encontrarle una vuelta para volver a contarla, no me divierte mucho; prefiero ver películas biográficas o autobiográficas. Pero sí hay situaciones descritas que claramente son de todos, porque también es un tipo de lenguaje bastante universal. En lo personal, si tuvieras que elegir sólo una canción de este nuevo trabajo para que sea la que llegue a más gente, como una suerte de emisaria, ¿cuál elegirías y por qué? Creo que "Todos los problemas" es la que más me está gustando, porque es la más sintética del disco. La letra es muy sencilla y me parece que es una canción alegre, me transmite algo primaveral, este momento que está por venir ahora. De hecho, más para el verano va a salir un video de esta canción. ¿Cómo surgió trabajar con Leo Ramella, y cuál fue su aporte desde la producción? Justo estábamos conectándonos bastante y ya habíamos trabajado juntos; nos masterizó el primer disco, y colaboró en la distribución de las canciones así que se dio de forma espontánea. Nos llevamos bien en la selección de instrumentos, en los sonidos de la batería, qué platillos utilizar, qué tipo de sonidos queríamos…así que se dio bastante natural. Ya después estábamos todo el tiempo en conexión, hablábamos por teléfono todos los días, y así. Desde la producción su aporte consistió en grabar excesivamente, mucha cantidad de sonido, y al momento de la edición, elegir muy sabiamente y a criterio; siendo muy minimalista. Eso hace que suene muy orgánico y tenga mucha vida. Hay cosas que no están controladas, ni yo sé qué debe estar sonando ahí; porque se pierde un poco el control de tanto que se graba, de tantas capas… de repente ya no sabés ni qué es lo que quedó, y eso está buenísimo: la sorpresa. Con las baterías hizo una gran cantidad de loops, por ejemplo… con ritmos de bajo también hizo loops. Está bastante trabajada esa parte. Como productor estuvo presente todo el tiempo. Hasta con la actitud de utilizar autotune, que

ahora se usa muchísimo de modo blando; no usamos nada de eso y grabamos con micrófonos de los 50's, 70's, micrófonos analógicos. El primer disco fue el impacto en la escena independiente, y hacerse un lugar dentro del circuito. ¿Qué extrañás, si es que extrañás algo, de aquella etapa inicial? No se extraña nada; lo vivimos muy en tiempo real. No hay nada que extrañar porque todo eso viene con nosotros y siempre hay más cosas, no nos está faltando nada de esa época. Siempre sumamos, y todas esas cosas que estaban quedan impregnadas. Quizás sí extrañamos la falta de responsabilidades, ser pequeños y vivir una fantasía que está muy lejos de la realidad, eso sí se extraña. Bueno, a los treinta ya lo ves de otra manera y estamos más enfocados. Pero todo es para adelante. ¿Qué lugar ocupa hoy V.E dentro de la escena musical? ¿Condice con lo que proyectaban cuando empezaron? Ningún comienzo es igual que el avance de las cosas, porque el comienzo es como una planta de expectativas; como el surgir de una vida. Es la energía pura y está vacío de contextos; nace en la fantasía. Cuando uno empieza algo nunca ve las cosas negativas y nunca hay ningún problema, porque la fortaleza de lo nuevo es mucho más grande. Quiero decir, lo que es más fuerte es la trascendencia; la situación de llevar algo adelante y mantenerlo. Por eso nada condice con el comienzo. Y si se trata de qué lugar ocupamos, la verdad que nunca me importó; no me interesa, sinceramente. No tengo esa linealidad estética de pertenecer a algo, no formo parte de nada absolutamente como banda. Pero a la vez, somos una banda trasversal que se unifica estéticamente con un montón de otras bandas, porque podemos tocar tanto con los Ratones Paranoicos como con El Mató, con Leo García o con Utopians, que ahora vamos a tocar en Córdoba. O con el Perro Diablo, que son muy amigos… no levantamos ninguna bandera de nada. “Lo importante ahora es que el fin de sema-


na tocamos de nuevo”, decías en una entrevista para Rolling Stone hace algunos años. ¿Hoy, qué es lo importante? Lo importante es estar vivo, antes que nada; porque van pasando un montón de cosas al formar parte de una banda como la que tenemos, que es muy intensa, y lo vivimos muy a flor de piel. Para nosotros es como nuestra verdad. Estoy en contra de esos que dicen "Yo hago música porque me expreso como ser humano y necesito comunicar"; eso para mí es una farsa, porque esto no se expresa; uno genera belleza desde no la hay, es algo que sale absolutamente de la nada y el sentimiento es único; no se estudia en la escuela, no lo aprendí en ningún lado, no me lo enseñaron mis padres, no me lo enseñó nadie; pero es algo en lo que estoy inmerso y es como un rayo de luz... lo importante de la vida es que exista eso, y que no haya explicación. La música

es un sentimiento y Viva Elástico es una banda que yo la voy a tener hasta que me muera, porque es un sentido de existencia. Sí, seguramente, tenga un disco solista y demás, pero es algo que es no abandonable. Es más complicado de lo que parece, porque esa intensidad lleva a una cierta destrucción, porque sabemos que las cosas no duran para siempre, pero a su vez el estado de bienestar de una persona que compone canciones es creer que esto dura toda la vida. Lo importante de hoy es seguir adelante y que el 23 de Septiembre tenemos que romperla en El Emergente, y estamos armando un show que nos sorprende porque invitamos a un guitarrista a tocar una canción, yo voy a ir con un megáfono, cosa que nunca hicimos, vamos también con una guitarra acústica, además de las eléctricas. Y es eso: dar el paso adelante. La vida se vive el día a día, la música se vive de esa manera.

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TROPICA OBSCURA


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[ Por César León ]

FESTIVAL RUIDO MUTUO O LA IMPERFECCIÓN DE LAS MÁQUINAS


Las reglas eran simples: trae tu equipamiento musical electrónico análogo y muestra lo que haces... Y lo que parecería una apuesta arriesgada se convirtió en 8 horas continuas de experimentación donde los Moogs, Arturias, Rolands, Nord, Korgs y modulares se dieron cita. Alejándose del formato computador lanza clips o aún más del mundo del Dj convencional, Ruido mutuo fue un primer encuentro con mucha exploración. Allí convivieron el noise con el electro, con el acid y hasta el dance. Pero todo con un carácter más jazzístico que solo permiten las máquinas análogas. Donde no hay la partitura, ni dictadura de piano roll o del grid en la pantalla. Aquí todo era improvisación, loopeo en vivo y superposición de melodías y ritmos sucediéndose uno a otro a partir de sonido generado por máquinas pero intervenidos por humanización de la composición al aire.

Ruido Mutuo es una apuesta de esas que alivian la monotonía y facilismo de la escena musical. Nace como iniciativa de Jorge Grajales –Oscil, Mostros– que junto a su Kit de Volcas suena como un cohete lanzando los cortas secuencias que sus juguetes proveen. La premisa era sencilla pero los resultados fueron bien heterogéneos. Cada artista fiel a su estilo y a las limitaciones del formato libremente experimentaba mientras los asistentes observábamos sus performances. Los setups no eran sencillos; decenas de cables que sincronizaban los dispares cacharros que posiblemente llevaban años encerrados en la comodidad de su estudio. Eso fue lo interesante, Sacar a todo este espectro sonoro muchas veces por primera vez y enfrentarlo a un auditorio expectante... Recuerdo cuando José Marulanda –Felina Spank– iba a presentarse en solitario y habiendo dejado el midi que sincroniza su Roland y su drum-machi-

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ne pasó a “control manual” y le dio un toque aún más humano a su sonido, de esa pequeña imperfección delo análogo es que trataba el festival, donde la métrica originada por las máquinas no es tan exacta como la computacional . La noche tuvo extremos como el de “Sonique” – y su dance pop antecediendo a las artistas “Lixiviada + Borderlnexxx” y su improvisación con circuitbending completamente abstracta. Cercanas más al noise y a una estructura experimental. La lista fue larga: Oscil y su techno progresivo, Sergio Soler y los beeps salidos de su máquina experimental,

la síntesis sonora de “Noise”, el house minimalista de El3ktrovvolf, El trance espacial de “Inclubs” Algunos más que me perdí. Esperemos que la apuesta se repita pronto pues le da un aire a la agotada escena musical electrónica. Para destacar la producción impecable gracias a buenos equipos y un venue decente–para un evento que se sabía por su naturaleza poco comercial el riesgo es mayúsculo– la posibilidad de escuchar el streaming –el video no funcionó tan bien– y el carácter artístico y experimental tanto de los artistas y la mente abierta del auditorio que aunque reducido era el suficiente.


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EN LA MIRADA DE LOS OTROS


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Hoy: Merciful Nuns - A-U-M (2017)


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Merciful Nuns - A-U-M

Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 07 de Abril de 2017 Como venimos haciendo desde hace un par de números anteriores, en esta sección nos hemos propuesto elegir un nuevo álbum de una de las bandas que elevan bien alta la bandera del Gothic Rock, si se quiere más clásico, Merciful Nuns. Para esta nueva entrega de "En La Mirada de los Otros" nos propusimos hacer un relevamiento de las opiniones de varias personalidades de la escena gótica de Latinoamérica. Así que la dinámica fue asignarle a cada artista o banda un track del álbum para que desarrolle sus sensaciones. Y este es el resultado...

Camilo Alfonso

The Shadow

Alejandra Anastasia

(Bat Beat)

(DJ. – Sombras Post Punk )

Colombia

Colombia

Mike Pougounas

Jorge Cárdenas

Elvis Stagnaro

(New Zero God )

(Suspiria Radio)

(Perlas Tus Ojos)

Grecia

(Colombia)

Enrique Tamayo (Titania) México

Billy Te Quiero (Budapest Post Punk) Argentina

Argentina

Christhian Sangreycenizas Chavero (Revista Dark y Editorial Sangre y Cenizas) México


A-U-M CAMILO ALFONSO (DJ. - Spiritual Bat)

El track inicial que abre el álbum cuyo título es homónimo al mismo posee el carácter introductorio de gran calidad a la cual nos vienen acostumbrando los alemanes, arrancamos con unos minutos iniciales muy atmosféricos que van en crecimiento y acompañados de sonidos que evocan una suerte de ritual o iniciación, hasta que aparece la batería, poco después seguido de la guitarra enérgica y la potente voz de Artaud Seth, esta canción nos va llevando en un instante, de una meditación a un momento mucho más animado, pero el cual apenas es la puerta de un gran trabajo que estamos por descubrir y que apenas estaremos cruzando cuando terminan estos primeros cinco minutos.

BEYOND NIRVANA THE SHADOW

Segundo track del ábum. Después de que el track “A-U-M” nos introduzca de lleno en este nuevo trabajo, lega el rock gótico clásico de Beyond Nirvana. El comienzo pareciera como el golpe repetido del dedo sobre el micrófono y luego con una percusión tribal que se utiliza como para marcar el tiempo acompañado por los teclados que lo hacen más épico, mientras la voz de Artaud Seth comienza en tono iniciático, para que luego la percusión tribal se empieza a mezclar con las baterías para arrancar con el ritmo y el bajo de Jawa que suena amplio, sólido y arrollador. Hacia el primer puente aparece la guitarra de Jon que amplía el sonido y lo hace más nebulosamente oscuro y tormentoso. Esta es una clara demostración de que Merciul Nuns es una de las más grandes bandas del rock gótico tradicional desde hace al menos siete años, siempre dándonos un poco más de profundidad y deleite sonoro en cada nuevo álbum. Y Beyond Nirvana es una muestra que se puede hacer un exquisito rock gótico clásico sin tener que repetir o copiar fórmulas añejas y gastadas.

ETERNAL DECAY

ALEJANDRA ANASTASIA (DJ. – Sombras Post Punk)

Eternal decay rompe un poco el paradigma sonoro de Merciful Nuns. El uso de sintetizadores, el sonido revival de las guitarras, y la melancolía que transmite la letra, nos permite ver desde un espectro más amplio las influencias musicales y la amplia capacidad creativa de sus miembros. En esta canción se puede apreciar la similaridad de los sonidos del revival underground que ha sido un gran protagonista en los últimos años. Al escuchar esta canción, pensé inmediatamente en bandas como Principe Valiente y O. children, quienes han logrado reinventar los sonidos alternativos actuales mezclando varias corrientes musicales nacidas en los últimos 30 años, como el post punk, el synthpop, el shoegaze y el dreampop. Sin duda, Merciful nuns demuestra con esta canción su versatilidad y su lado más alternativo.


CREMATION MIKE POUGOUNAS (New Zero God)

“Cremation” is a haunting tune about sacrifice. I wasn’t expecting to hear a rhythm that could make my feet dance so I was pleasantly surprised. In a nightmarish soundscape of bodies burning, with Artaud Seth spitting one word after the other, describing this macabre scenery, “Cremation” shines like a dark jewel in the ashes begging to be played once more… "Cremación" es una melodía inquietante sobre el sacrificio. No esperaba escuchar un ritmo que pudiera hacer que mis pies bailaran así que me sorprendió gratamente. En un paisaje sonoro de pesadilla de cuerpos ardiendo, con Artaud Seth escupiendo una palabra tras otra, describiendo este macabro paisaje, "Cremación" brilla como una joya oscura en las cenizas pidiendo que se reproduzca una vez más...

KUNDALINI EXPRESS JORGE CÁRDENAS (Suspiria Radio)

El último álbum de la alemana Merciful Nuns tiene una estructura dicotómica, algo habitual en la banda, compuesto por lado A fuerte y explosivo como Cremation o bailable como Eternal Decay, con sonidos dirigidos a mover el cuerpo, por lo que no es de extrañar que sean los temas más reproducidos en Spotify; y un lado B reflexivo, profundo y trágico que inicia con Kundalini Express, la canción que nos ocupa en esta reseña. Antecedida por susurros, Kundalini Express inicia con un compás de batería lento y tranquilo que se repetirá una y otra vez hasta el final; una base rítmica que antes de caer en la seducción que producen los momentos eufóricos de la canción prefiere irse, perderse en el silencio. Quizás sea esta la clave para escuchar el resto del álbum, una recomendación que nos indica que para captar el sentido de lo que viene sólo puede ser posible mediante un perderse en el silencio y una predisposición a dejarse decir algo al oído: un susurro. Que, si lo pensamos, es una atmosfera apenas necesaria para dejarse decir algo de canciones que buscan hablarle al espíritu humano. Continuando con los aspectos sonoros, a la batería la acompaña una melodía de guitarra repetitiva y hermosa que va de lo agudo a lo grave, que sigue a pie de la letra las lecciones del pospunk: encontrar en los sonidos monótonos una posibilidad para expresar con mayor emotividad una idea. Siempre he pensado que la modernidad y la posmodernidad se metaforizan con la ruptura del punk; antes del pospunk lo monótono se transformaba en dogmático, con la llegada de Joy Division y The Cure se hizo ontológico. La euforia en esta canción no se traduce en la típica exaltación estridente y llena de alegría sino en notas largas que destilan el misterio que empezarán a abrirse paso con los sonidos densos que le seguirán a Kundalini Express. Dicho así, pareciera que se trata de la canción que articula ambos lados del álbum, al menos esa es la sensación de deja cuando se lo escucha todo de corrido. Sin embargo, ¿es esa la intención del autor? En realidad, lo que quiere decir el autor poco importa. Una canción no se limita a lo que el músico quiere expresar porque siempre en el momento mismo en que es publicada deja de ser su propiedad; al divagar por el mundo, va despertando sensaciones y significando momentos que su autor

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nunca imaginó, y su sentido no le será dado por su creador, sino por cada una de las personas que al escucharla la hicieron para si. Para terminar, quiero dejar patente un absurdo, por más palabras que utilice para escribir esta reseña será imposible transmitir lo que quiere decir, por un motivo obvio, pero que por esa misma obviedad no nos damos cuenta: el lenguaje de la música no es el lenguaje de la palabra, son incompatibles. La palabra no puede comprender al sonido, y en ese sentido, no puede explicarlo, por lo que cualquier intento de reseña no será más que palabrería.

DISCLOSURE ELVIS STAGNARO (PerlasTus Ojos)

Tremendo disco de Merciful Nuns, en donde se mantiene su característico sonido gótico pero con matices darkwave. Me toca hablar de "disclosure" una canción en donde se perciben distintas atmosferas sonoras, por momentos oscura y potente, y por otro suave y armónico. Artaud (su vocalista) logra con sus melodías inquietantes (al mejor estilo Sister of Mercy) mantener cautivo al oyente en su imploración por salir de los pensamientos negativos (que habitan en cada uno de nosotros) e ir hacia la luz.

ENRIQUE TAMAYO (Titania)

La primera vez que escuché esta canción fue justo para hacer esta reseña, no sabía bien qué esperar pues, aunque me gusta bastante Merciful Nuns, no soy un fan declarado. Sin embargo pensé, esta condición podía asegurar la imparcialidad de mi crítica. Como bajista, lo primero que me agradó fue el bajeo de Jawa Seth. Siempre me han gustado sus líneas melódicas, son sencillas pero contundentes: al servicio de la canción, sin afán de sobresalir innecesariamente. Junto con la secuencia de batería y las atmósferas, conforman una base sólida. La guitarra de Jón, de igual forma, aporta a la canción lo necesario, sus acordes son limpios, de un aire ochentero. Y, finalmente, la voz profunda de Artaud Seth que, a veces melancólica y a veces agresiva, aporta diversos matices a la letra logrando una interpretación casi teatral. El estilo de la canción me gustó mucho, aunque conserva toda la esencia oscura de los años ochenta, tiene una cadencia fresca, alejada de viejos patrones. Inicia planteando una atmosfera que evoluciona poco a poco sin dejar de subir más que para permitirse un par de respiros necesarios para después retomar con una melodía atrayente y pegajosa, un muy buen trabajo de Merciful Nuns Sin duda la sencillez de Discloser esconde una instrumentación bien trabajada en donde cada cosa ocupa su justo lugar, ningún instrumento sobresale demasiado, sino que la conjunción de melodías construye una armonía con un equilibrio que en verdad es muy difícil de lograr. Una grata y muy recomendable canción.


LIGHTWAVES

BILLY TE QUIERO (Budapest Post Punk)

No sé si fue Borges, Kafka o los dos, el asunto es que alguno dijo que hay que alcanzar un punto desde el cual el regreso es imposible, o desde el cual no se regresa igual, o ya no se es el mismo (sobrado ejemplo: pensá en Ulises y su regreso a Itaca ). Volver al lugar de partida, buscar dentro de uno, alcanzar la tan preciada y difícil introspección en materia de arte y compartir un poco esa agonía del yo resulta un espectáculo digno de apreciar y aún más si ese espectáculo consiste en la profunda y plena belleza de cerrar los ojos, dejarse llevar, sosegado, calmo, alzando un poco la mano para volver a poner repeat y generar ese clima perfecto de un día que no es y del cual el regreso es imposible.

LOST CHORD OF THE SUN CHRISTHIAN SANGREYCENIZAS CHAVERO (Revista Dark y Editorial Sangre y Cenizas)

Desde la entraña del todo, allá, muy debajo, va creciendo el octavo canto del séptimo álbum, es una pieza que anquilosa la psique, con aparentes cinco minutos finalizará el disco, como si cerrara la puerta y después, largos minutos de sólo silencio, hasta la llamada del cuerno, del caracol, la ritual y primigenia evocación, aunada a la prédica. El señor, un lord, desgrana con potente y profunda voz la atadura al sol. Sí, la primera referencia será The Sisters of Mercy, por lo obvio del nombre, Merciful Nuns, luego estarán las atmósferas, temas y fetiches que recordarán a Fields of the Nephilim, pero en esta piza el bajo no podrá más que delatar el retorno a “Driven Like Snow” del Floodland. Si el bajo nos retorna de una introducción digna de Dead Can Dance, la guitarra logrará invocar a The Cult y varias bandas gloriosas más, pero sabiendo que ellos, los que suenan, son otros, las Monjas misericordiosas, alemanes que recrean un profundo y duro sonido del rock gótico. Es necesario escuchar esta pieza, una y otra vez, se apodera del alma y la estruja. AUM, el álbum, trascenderá, dará frutos, tétricos, pero los dará.

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DESCUBRIENDO LA MAGIA


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Hoy: The Bolshoi - Lindy's Party (1987) Entrevista a Paul Clark de The Bolshoi por Rodrigo Debernardis


CREO QUE TODO RESULTÓ DE LA MEJOR MANERA Se cumplen 30 años de la edición de Lindy’s Party el último álbum de The Bolshoi, un álbum que los trajo a Latinoamérica y puso a la banda en un lugar al cuál no estaban acostumbrados y luego desparecieron y nunca más se han vuelto a reunir. Uno de esos discos que varios hemos disfrutado muchísimo y ahora nos hemos puesto en contacto con su tecladista, Paul Clark, para que él nos cuente sus experiencias en aquellos 1987. ¿En retrospectiva, cómo ves el disco hoy, a 30 años de su edición? Wow, ¿30 años? Supongo que el sólo hecho de que todavía lo sigan poniendo ya es un logro en sí mismo. Tuve la oportunidad hace poco de volverlo a escuchar después de mucho tiempo y creo que se sostiene realmente bien. En retrospectiva, fue una buena idea producir el álbum nosotros mismos. Todo el proceso fue muy satisfactorio y nos dio la oportunidad de hacerlo a nuestro modo, pero también tuvimos un pequeño listado de productores que creo podrían haber logrado un mayor suceso comercial y no se pudo, pero al final creo que todo resultó bastante bien. ¿Cuáles eran tus expectativas personales con respecto a la banda en aquel momento?

Recuerdo que definitivamente estábamos buscando un mayor sonido y presencia. Estábamos shockeados por el éxito de “Sunday Morning” y “Away” en Brasil y Argentina y creo que quisimos subirnos al envión que esas canciones nos habían creado, pero hubo un cambio en el paisaje musical de UK y de USA por aquellos tiempos nos encontramos con el hecho de ser considerados una banda alternativa. Nosotros sólo queríamos hacer música genial sin ser catalogados como dentro de un género u otro. En Lindy’s Party ¿lograron el sonido que querían? ¿Pudieron capturar el espíritu de la banda en aquellos días? Éramos bastante criticados por no capturar en nuestros discos la energía que generábamos en los conciertos. Muchas veces era como dos bandas diferentes, y Lindy`s Party fue posiblemente una manera de enfocarnos más en lo musical y no tanto en los valores de producción. Es un acto de equilibrio para una banda que giraba muchísimo. ¿Por qué decidieron producir ustedes mismos el disco? ¿Cuáles creen que fueron las ventajas y desventajas de aquella decisión? Fundamentalmente no éramos capaces de trabajar


con los productores que nosotros queríamos, así que producir el disco nosotros mismos fue la mejor opción. Pudimos grabar en un estudio residencial gracias al ahorro que nos significó no tener que contratar un productor y esto nos dio la libertad que creo que necesitábamos para hacerlo a nuestra manera, teniendo más

control sobre el sonido y ña manera en la que creíamos que nuestra música debía ser tratada. Como mencioné anteriormente creo que fue la elección correcta, pero quién sabe, quizás faltaron los aportes de producción que la gente de marketing necesitaba para que llegáramos a una mayor audiencia.

Me gustaría que nos cuentes algo sobre cada track. Un track by track. Como con la mayoría de las canciones, Trevor llegaba con un boceto del tema a nuestra sala de ensayos en Greenwich, Londres, la cual tenía unos enormes ventanales que daban al Río Thames. Tomábamos la idea general y luego procedíamos a tocarla una y otra vez, agregando partes mientras observábamos navegar a los barcos y botes.

Luego de un par de giras por USA escuchando las FM de rock, sentimos que sería bueno producir algo que encajara allí, además de que fuera divertido de tocar en vivo. Como casi todas las canciones de Lindy’s Party, esta podría haber sido una muy popular, pero como mencionaba antes, los tiempos estaban cambiando y la industria parecía estar buscando algo diferente.

AUNTIE JEAN Como con la mayor parte de las canciones de Lindy’s Party, Auntie Jean fue construida con un show en vivo en mente. Era grande y poderosa e insinuaba la dirección en la que creíamos que debíamos movernos desde la perspectiva de un concierto. Arrogante y confiada. PLEASE No teniendo una cámara o un micrófono que lo registrara, no recuerdo exactamente cómo surgió esta canción, pero estoy bastante seguro que fuimos Nick (Chown, bajista) quienes llegamos con nuestras respectivas partes y eso se convirtió eventualmente en la base del track. Recuerdo que insistí bastante en sostener repetidamente la nota que precede al solo de guitarra, creyendo que eso le aportaría al sonido un elemento electrónico mucho mayor. CRACK IN SMILE Las letras de Trevor, como en la mayoría de las veces, determinaron hacia dónde necesitaba ir esta canción. Es un track bastante oscuro, así que no hay por qué tratar de echar luz sobre las cosas porque sí nomás. SWINGS AND ROUNDABOUTS Nada resalta realmente con respecto a la creación de esta canción. SHE DON'T KNOW

T.V. MAN El esquema original de Trevor de esta canción estaba bastante definido, así que todo lo que tuvimos que hacer fue agregar las partes para que todo estuviera como debía. Me encantó cómo quedó el arreglo de cuerdas y también el video resultó muy bueno. CAN YOU BELIEVE IT Esta tenía que ver con un extraño hecho sobre el solíamos divertirnos mucho, aunque no recuerdo exactamente cuál era. Y como casi siempre, las letras de Trevor dictaban el rumbo. RAINY DAY En la misma línea que She Don’t Know y con las mismas posibles motivaciones que hicieron que sonara de la manera en que lo hizo. BARROWLANDS Trevor y Mark Sayer Wade, nuestro ingeniero, trabajaron juntos en ésta usando un sampler Fairlight. Un Trevor Tanner clásico. LINDY'S PARTY Uno de mis tracks favoritos de The Bolshoi y uno de los que estoy particularmente orgulloso. Mi único recuerdo real es que yo era el encargado de encontrarle un final a la canción. Los muchachos se fueron a un pub y a mí me surgió algo. Me sentí bastante aliviado cuando me di cuenta de que les había gustado lo que hice.

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Recién lanzado Lindy’s Party visitaron Sudamérica. Varios de nosotros recordamos aquellos grandes conciertos. ¿Cómo fue aquella experiencia? Nos voló la cabeza y nos dio la muestra de lo que era estar a un nivel diferente al que estábamos acostumbrados. Grandes conciertos y audiencias, shows en TV y muchas entrevistas nos hicieron sentir de repente como si fuésemos tan grandes como The Cult u otros compañeros de sello, pero en realidad todavía nos faltaba un largo camino para llegar.

Quién sabe. Al final, creo que todo resultó de la mejor manera.

¿Pensaron en hacer algo especial para la conmemoración de estos 30 años desde ese lanzamiento?

¿Qué estás haciendo actualmente y cuáles son tus planes para el futuro? La música en la que estuve trabajando durante y

Personalmente me hubiera encantado hacer algunos shows, quizás uno o dos festivales y grabar algo nuevo, pero Trevor y yo vivimos el sitios diametralmente opuestos de USA (Él en el sudeste y yo al noroeste), Jan (Kalicki, baterista) está en Los Angeles y Nick en Londres, y no hay nadie en el medio que organice y haga que las cosas sucedan. Al mismo tiempo me alegra que lo hayamos hecho en su momento y que quede como está, en lo que a The Bolshoi concierne.

después de Lindy’s Party ha sido recientemente editada como “Granbretan”, lo cual fue muy gratificante. Estuvo archivado en una caja de cassettes de cuatro pistas por, literalmente, décadas y finalmente vio la luz. Un disco con nuevas canciones está actualmente en progreso, mezclado por Mick Glossop, quien produjo nuestro disco “Friends”, de The Bolshoi, y con quien estoy muy feliz de volver a trabajar. Luego está Staccatta, un proyecto en el que espero poder trabajar con mis viejos amigos Paul Statham (B Movie, Peter Murphy) y Simon Hinkler (The Mission)

¿Qué crees que provocó el final de la banda? ¿Piensas que fué un proceso lógico o que ustedes podrían haber hecho algo más? Es fácil poner excusas. Quizás la escena alternativa de la que éramos parte llegó a su fin. Quizás no trabajamos lo suficientemente duro para hacer mejores canciones o seguir de gira. Pusimos todo nuestro esfuerzo, eso es seguro, pero las cosas se estancaron. Quisimos trabajar con un sello más grande cuando tal vez debimos haber continuado con Beggars, editando más música en lugar de tratar de cambiar de compañía. Después de Lindy`s Party, estuve mucho tiempo trabajando en mi propia música, que no tenía nada que ver con lo que hacíamos en la banda, y quizás debí haberme dedicado a nuevo material para Bolshoi.

En todos estos años, ¿pensaron alguna vez en volver a reunir The Bolshoi? ¿Siguen en contacto con los otros miembros de la banda? Hablo con Trevor de vez en cuando, charlamos de esto y aquello. También he estado en contacto con Nick y Jan, aunque no de manera regular. Dudo mucho que pueda darse una reunión de toda la banda a esta altura, pero de nuevo, quién sabe.

¿Qué significa The Bolshoi en tu vida? The Bolshoi es una parte muy especial de mi vida, que me abrió un futuro que es, por supuesto, muy diferente al que hubiera sido de no haber formado parte de la banda. Vivo en Seattle en vez de Londres o Leeds, lo que no hubiera sucedido de no haber estado de gira y conocer así a mi esposa. Por otra parte, sin The Bolshoi quizás me hubiese enfocado más en mi música solista y tendría hoy un galpón lleno de sintetizadores y estaría tocando en festivales todo el tiempo, aunque también dudo de esto. Una gran cantidad de piezas mágicas se unieron en los 80s y culminaron en lo que hoy es mi realidad, estando en el lugar y el momento adecuados, y por todo eso estoy eternamente agradecido y honrado


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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: MICHAEL JACKSON: ¿EL NEGRO MALO?


Había una vez un muchachito de raza negra llamado Michael Joseph que tenía ocho hermanos que sabían cantar como él (o capaz que no tan bien, pero no importa), y un padre que los explotaba y maltrataba. De hecho, el fuerte complejo que arrastró por años Michael con su nariz venía de las mofas de su padre, que le atribuía al pequeño una nariz gorda (Michael se ocuparía durante sus años de transformación de afinarla y respingarla). Obediente y sumiso al mandato paterno, formó con sus hermanos un grupo llamado The Jackson Brothers (más conocido en el futuro como The Jackson 5), uno de los primeros grupos de cantantes negros antes de que existieran The Temptations o The Four Tops. Esos fueron los primeros pasos de Michael Jackson, un fenómeno que ni él, ni su padre ni sus hermanos podrían haber predicho.

(el paso de baile que supo inmortalizar). Otro hito fue el lanzamiento del video musical para promocionar el single “Thriller”, donde se homenajea al género de películas de terror de zombies, y que se considera al día de hoy el video musical visto por mayor cantidad de gente, además de hacerse con el premio Grammy al mejor video y consagrar a Jackson como una suerte de Dios: nadie bailaba como él.

20 años después del debut con The Jackson 5, era espeluznante el éxito alcanzado por “Thriller”, el disco más vendido de la historia tanto en Estados Unidos como a nivel mundial. El mundo había caído rendido a los pies de Michael Jackson y todos los records le pertenecían: 8 premios Grammy, otros tantos American Music Awards y un total de 37 semanas en el número 1 del Billboard Chart, además de llegar a la cima en casi todos los países del planeta en donde se elaborara un ranking. En diciembre de 2015, “Thriller” certificó 30 discos multiplatino por sus ventas en Estados Unidos y contribuyó a demoler cualquier barrera racial que existiera contra un artista negro en un país históricamente racista.

bajando desde “Off The Wall”: el irremplazable Quincy Jones, y decimos irremplazable porque, curiosamente, co-produjo los reconocidos como mejores discos del mítico “Negro Blanco”. La trilogía “Off The Wall”/”Thriller”/”Bad” marcó a fuego la década del 80 y consolidó a Michael como el indiscutido Rey del Pop.

Estos años de gloria le valieron a Jackson el apodo de “Rey del Pop”, apelativo que fue construyendo desde noviembre de 1982, cuando fue editado “Thriller”, hasta digamos 1985 con la edición del single “We Are The World”, canción de carácter humanitario co-escrita con Lionel Richie y producida por Quincy Jones (de quien hablaremos en breve). Durante ese lapso se produjeron algunos hitos inolvidables en la historia la música pop. Uno de ellos fue el festejo del 25° Aniversario del sello Motown, que hizo estallar la “jacksonmanía” cuando un Michael vestido con una chaqueta negra con lentejuelas y un guante blanco con diamantes, cantó y bailó “Billie Jean” ante los ojos deslumbrados del mundo, que sucumbió ante su “moonwalk”

Por eso, tras un éxito tan masivo y abrumador, Michael Jackson pensó que su siguiente trabajo debería tener un perfil más bajo, más íntimo... Jajaja, mentira! Jacko redobló la apuesta y preparó un disco que apuntaba a conquistar cualquier lugar del universo al que su imagen aun no hubiera llegado. Y lo hizo con una producción mucho más funk y dance que su predecesor, y en algunos aspectos más experimental, pero usando al mismo co-productor con el que ya venía tra-

Estamos en estos días festejando el 30° aniversario de la publicación de “Bad”, que fue lanzado el 31 de agosto de 1987. Si algo le faltó conquistar a Michael Jackson con “Thriller”, “Bad” saldó todas las cuentas pendientes. El single más “flojo” fue el que sirvió de adelanto “I Just Can’t Stop Loving You” a dúo con Siedah Garrett, que por más que hubiera sido la canción más espantosa de la historia, era un hit obligado ante la voraz expectativa que generaba la sola mención de “lo nuevo de Michael Jackson”. Tras ese adelanto, lo que siguió fue un mazazo tras otro. El single “Bad” es hoy recordado como un ícono pop de los 80´s, especialmente por su video dirigido por Martin Scorsese y co-protagonizado por Jacko y Wesley Snipes. Michael se autoproclamaba malo…pero lo que empezábamos a notar, es que ya no era tan negro! Luego vendrían “The Way You Make Me Feel”, “Man In The Mirror” y “Dirty Diana” (en total, cinco números uno consecutivos en el American Top 40). Mientras tanto, en Disneyworld se exhibía en forma exclusiva su cortometraje “Captain Eo”, y para fines de 1988, se estrenaría en los cines de todo el mundo la película “Moonwalker”,


una antología musical donde más que una narración continua, se concatenaban una serie de videos cortos inspirados por las canciones de “Bad”. Incluidos los que en aquellos momentos serían sus temas de difusión en USA (“Smooth Criminal”) y en UK (“Leave Me Alone”, que solo se encontraba en la versión CD de “Bad”). El álbum llegaría a cortar 9 singles, o sea que casi todos los temas del disco (salvo 2) serían singles. Este noveno corte contaría en su video con un despilfarro de estrellas del momento, entre las que se encontraban Brigitte Nielsen, Whoopi Goldberg, Jackie Collins, Steven Spielberg, Debbie Gibson, David Copperfield, Dan Aykroyd y John Travolta entre muchísimos otros. Serían esos sus años dorados. Si bien su siguiente álbum “Dangerous” tuvo una acogida impresionante a nivel mundial y su primer corte “Black Or White” se

Jean” o “Smooth Criminal” continuaban omnipresentes ahora en “Who Is It”. Y las guitarras rockeras de “Beat It” o “Dirty Diana” ahora estaban en manos de Slash en la rola “Give In To Me”. Muchas fórmulas exitosas se repitieron una y otra vez. Los escándalos de su vida personal aplacarían la estrella de Michael Jackson hacia fines de los 90’s y 00’s, pero nunca lograrían apagarla. Para el momento de su trágica e inesperada muerte, el “Negro Blanco” estaba preparando un regreso triunfal con la gira “This Is It” que iniciaría en julio de 2009. Pero implacable, la muerte encontró a Jackson el 25 de junio, pocos días antes del lanzamiento de un tour que prometía ser histórico. Sus últimos años no fueron fáciles tras recibir acusaciones de abuso de menores, y su imagen cayó notablemente, siendo incluso objeto de bromas y ridiculizaciones de todo tipo.

convertiría en todo un acontecimiento en lo que al video musical refiere (algo a lo que Jackson ya nos tenía acostumbrados), el sonido ya era otro y la influencia que supieron tener sus predecesores no fue la misma. Pero sí desfilaron muchos invitados relevantes, especialmente en los videos que promocionaron el álbum. Es destacable que Michael ya no era el negro malo del disco anterior, sino mas bien un ser algo blanquecino y bueno que se preocupaba no solo por los niños hambrientos sino ahora también por las ballenas. Pero los personajes oscuros e introspectivos de tinte mafioso, misterioso y suburbano como los vistos en “Billie

El legado de Michael Jackson fue más allá de todo esto. Si bien en los juicios por abuso fue declarado inocente, la opinión pública siempre dejó abierta la duda sobre dicha cuestión. Lo cierto es que en muchos aspectos, nos referimos a una persona muy sufrida, introvertida y acomplejada. Podemos permitirnos bromear con sus cirugías, el cambio de su color de piel y los múltiples desatinos de su vida privada… Pero tras su partida y con el paso de los años, la balanza se sigue inclinando cada vez más hacia el lado de sus logros, su influencia y su carisma sin igual. Fue una pena perderlo con tan solo 50 años.


PALABRAS EN LA ARENA


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[ “Ciclonopedia [Complicidad con materiales anónimos]” de Reza Negarestani por Pablo Ravale ]

MAPA DE FUGA HACIA UNA REALIDAD ALUCINADA


Una joven estudiante estadounidense llega a Estambul; su objetivo es encontrarse con un enigmático y esquivo personaje al que ha conocido por internet del que ni siquiera conoce el nombre, solo sabremos que emplea como pseudónimo una inicial en forma de serpiente “que resulta impronunciable en inglés”. Una vez allí sus planes se tuercen cuando el susodicho no acude a la cita pactada. En contrapartida, una caja aparece en la habitación de su hotel: en ella hay un manuscrito caótico repleto de notas, de citas y de dibujos hechos a bolígrafo, firmado por un tal Reza Negarestani. El manuscrito lleva por título Ciclonopedia. Perdida en su destino y en la lectura de su extraño descubrimiento, los días de su viaje se consumen entre pesquisas infructuosas hasta que llega la hora de volver, momento en que decide llevarse consigo el manuscrito, que tratará de publicar en su país. A partir de este punto podemos empezar a abandonar la seguridad que nos ofrece la literatura habitual, porque una vez que pasamos la página y nos adentramos propiamente en Ciclonopedia [Complicidad con materiales anónimos], ya el índice nos anticipa el desmadre intelectual que vamos a recorrer: “arqueología bacteriana”, “petropunkismo”, “teratología meteorológica”, “guerra blanca e hipercamuflaje”, “infernoingeniería”, “esquizotrategias para la apertura y para la insurgencia”; una tabla de contenidos ante la cual se puede esbozar una sonrisa o ir planificando la retirada. Si optamos por la primera opción y decidimos lanzarnos de cabeza al oleoso grimorio creado por el auténtico Reza Negarestani, el filósofo iraní de carne y hueso residente en Los Ángeles y no su alter ego ficcional –esta duplicidad se debe a que la narrativa del libro emplea la fórmula de manuscrito encontrado–, nos sumergiremos en una densa masa de información descabellada con apariencia de verdad en la que cada paso supondrá un estimulante esfuerzo: tendremos que vencer la resistencia de las páginas y también de

nuestra confort mental. Decíamos que lo oportuno es lanzarse de cabeza porque aquí ocurre como al enfrentarnos a una piscina helada: cuanto más rápida sea la inmersión, antes nos aclimataremos a la nueva realidad. En esta realidad ciclonopédica de Negarestani, conoceremos el trabajo del supuesto doctor Hamid Parsani: antiguo profesor de la universidad de Teherán, arqueólogo, investigador de colapsos oculturales mesopotámicos –la “o” de ocultural es por “ocultismo”– y especialista en Oriente Medio y matemáticas arcaicas, con un parecido más que razonable con el árabe loco lovecraftiano Abdul Alhazred. La semejanza de Ciclonopedia con El Necronomicón tampoco es de extrañar. A través de sus textos descubriremos magias decimales (como la Qábala, la Esquizomática o la Tic-xenotación), la Cruz de Akht («… una reliquia sentiente con la habilidad de comprender numéricamente todas las tendencias y acontecimientos incongruentes, contradictorios o inconsistentes de la Tierra»), la leyenda del cadáver putrefacto del Sol (enterrado y del que fluyen llamas negras), o los demonios inorgánicos (como el cubo de Hellraiser de Clive Barker, la espada Frostmourne en Warcraft 3, la lámpara de Aladino o el Santo Sudario). Y todo en un planeta concebido como una máquina secretora de petróleo («el lubricante de todas las narraciones de la Tierra», «El Cuerpo Negro del Sol», «jugo de cadáver de hidrocarburo», «… el Enemigo Antiguo […] que acecha persistentemente en los mares muertos mesopotámicos»). Llegados a este punto no debería hacer falta mencionar que en este ensayo de teoría-ficción de Negarestani el humor juega un papel fundamental: «Según la teoría clásica de los combustibles sólidos […], la formación del petróleo como entidad telúrica se explica por unas condiciones de presión y calor muy elevados, falta de oxígeno, estratificación de materiales y aislamiento absoluto, es decir, el típico caso edípico freudiano».

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En Ciclonopedia se parodian desde las cadenas de revelaciones asombrosas tipo El código Da Vinci, hasta el lenguaje académico, al mismo tiempo que se deslizan fragmentos del análisis real que fluye bajo la epidermis del relato, erupciones de verdades espesas sobre la historia de un Oriente Medio omnipresente, protagonista en el libro de todos los terrores a los que nos expone el iraní. Un Oriente Medio cuyas formaciones políticas son «… un enmarañado caos de movimientos verticales y en tirabuzón, un ciclón armado con una instrumentalidad taladradora y extractora; […] un ciclón y una perforadora de crudo dedicados a extraer inauditas formaciones de poder». Negarestani define otra hipotética –o no tanto– zona fronteriza, la hiperstición, una ficción que se hace real a sí misma y de esta manera termina insertándose en la realidad como un elemento cotidiano más, sin que ya nadie sospeche ni advierta su inconsistencia. Agentes hipersticionadores pueden ser los

medios de comunicación, los representantes políticos o cualquiera de nosotros en un momento dado. Resulta sorprendente que la tendencia actual a asumir ideas endebles como verdades conviva con la desconfianza generalizada hacia la clase política, por ejemplo. Lo que parecería un ejercicio exagerado de escepticismo no lo es: cuesta entender por qué ciertas verdades no tienen una buena acogida y sin embargo tantas mentiras son abrazadas por las masas. Quizás en Ciclonopedia y en su teoría de las hipersticiones, Negarestani nos haya ofrecido la respuesta, pese a que inmerso en la lectura y luchando por no comenzar a aceptar como posibles algunas de las teorías más demenciales del autor, uno acabe dudando incluso de su propia existencia, contemplando si el nombre Reza Negarestani no será un otro pseudónimo más dentro de este libro encerrado en un manuscrito dentro de un libro. Uno ya no sabe qué creer.


ESCRITOR INVITADO: FRANCO DOGLIOLI


SEXTA TEMPORADA Hoy tardó en reponerse de su anomalía. Agazapado a mi lado, con sus ojos fijos de abismo convocado. Un gemido, un estornudo, baba, mocos. Le es imposible recuperar cierto equilibrio si yo no estoy presente. Ese terror, sensato, primitivo, disminuye al surcar con mi mano derecha, lentamente, su pelambre grasienta. Antes, al menos, solíamos sentarnos en el banco de algún camposanto, a la hora del crepúsculo. Pero ahora, aquí estamos, abajo, aislados, sin aseo ni barrera moral, sin querer ni poder separar lo simio de los sentimientos serios. Y el deseo de llenar nuestros huecos produciendo efectos endonarcóticos. De la sublevación al acto brutal, sólo un peldaño. La carne se ha habituado. Pide. Exige. Voluntad descendida a compulsión muscular. Ya no latimos para otra cosa.


CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE


LA ARENA DE LAS CIRCUNSTANCIAS por Pablo Ravale

Las reflexiones más asombrosas, las frases más poderosas que iluminan las conversaciones como los rayos en un bosque, los encuentros más relevantes y las expresiones poéticas que no son interceptadas por las cadenas asociativas nacen del entramado vital de las charlas de todos los hombres del planeta en cada momento. No puedo demostrarlo técnicamente, pero apuesto a que ninguno de mis compañeros de primaria y secundaria obtuvo en la escuela un aprendizaje o un conocimiento como el que yo conseguí sumergiéndome en conversaciones y situaciones aquí y allá. Enviar al niño al colegio no tiene nada que ver con aprender o saber. Al adentrarse en esa nefasta institución que es la educativa el niño se siente progresivamente dominado por el “a-maestra-miento” del espíritu, esa castración aberrante de las travesuras, ese inculcamiento criminal de la disciplina. Conocer la extensión del Río Diarrea es una excusa para, a través de las distancias, alejarte del mundo. Cualquier disciplina, cualquier acatamiento incluso del orden familiar significa un deterioro grave en la vitalidad. La función de la escuela es asesinar la niñez. Como todos, cursé mis estudios y un día me tocó envejecer para siempre; algo en mí se endureció y me preparó para aceptar el mundo de to-

das las perversas propuestas que después, efectivamente, ocurrieron. Nunca más la vida volvió a ser la de antes. Ahí comprendí que un niño hasta los tres o cuatro años es eterno, puede haber vivido un milenio que para él es igual... Los reglamentos del tiempo no le llegan hasta que adquiere los códigos del lenguaje. Ya han transcurrido casi treinta años desde que aprendí a leer. En mi caso fue muy simple, sólo tuve que mirar detenidamente esos escuerzos negros que son las letras y un día, sorpresivamente, la maldita brujería me saltó a la cabeza como una araña rabiosa. Ese escuadrón militar que son las palabras es una orden de sometimiento innominado. Es un látigo golpeando continuamente en el lomo de la insensatez. El fuego de las palabras dichas incendia el aire de las conversaciones. El hielo de la palabra escrita congela los cerebros en esa actitud mezquina de la lectura. La palabra escrita jamás se modifica a sí misma. Lo peor de todo es que trata de no equivocarse: como un asesino que escapa del detective, la escritura va tapando continuamente sus errores donde el mayor arte consiste justamente en el error. La palabra escrita miente porque no habla y sin embargo cuenta arrastrándote a la locura abismal de tu propia mente.


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El arte es una coquetería instalada en el código genético para entretener a un pobre mono usurpado. La cultura es una biblioteca histérica coleccionado recuerdos de una no-vida portentosa. Un indio cagando en el corazón del Mato Grosso es una imagen vital que ningún cuadro de Van Gogh podría siquiera retratar. Ningún film de David Lynch podría estremecerme tanto como la paranoia de mis propias pesadillas. Ningún recital de rock tiene más magia que una charla profunda en la mesa de un bar. De cualquier forma, en todos los períodos insoportables de mi vida, cuando tuve que deambular por los laberintos de espejos en que consiste la existencia de los adultos, cada vez que quería desaparecer del mundo, ocultarme de los designios del mañana, revivir el candor de los momentos maravillosos de la niñez, me refugié en la lectura. Viví gran parte de mi adolescencia encerrado en la cárcel de cuatro paredes de la lectura. Como tenía una inmensa capacidad para asimilar conceptos y palabras, me fui deglutiendo montones de libros, pero apenas un puñados de títulos consiguieron hacerme flotar realmente por sobre la miseria de mis días. Apenas algunos autores no eran unos vanidosos literatos sino unos va-

lientes exploradores que buscaban más allá de lo que ya sabían. La mayor parte de los libros transitan por las pulcras autopistas de la civilización, una cantidad bastante menor se interna en los bosques donde circulan leyendas y fantasías, y solamente un puñado de textos se sumerge en la selvas de las frondosidades y nos hace sentir la presencia exuberante y peligrosa de aquello que crece y se manifiesta lejos de las ciudades del pensamiento racional. Afortunadamente, la vida me arrancó de esas prisiones literarias y me arrojó sobre la arena de las circunstancias. La muerte de mi padre, las mujeres, la soledad, las depresiones, los viajes a la montaña, los amigos perdidos en el tiempo, la fascinación por lo esotérico, la aparición de mis afecciones crónicas, algunas cojidas, cualquiera de esas historias o marcas de vida vale la quema de la biblioteca de Alejandría. Si el destino me prometiera todavía algunos misterios explorables, me convertiría sin dudarlo en un hombre de las cavernas con tal de vivir más y tramar menos. Lo diré mil veces de ser necesario: es mucho más interesante hablar que pensar, preguntar que responderse, experimentar que deducir.


HIDDEN TRACK


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Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com


EN CONCIERTO


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NOCHE ALUCINÓGENA Tan Frío El Verano, Nuvem Leopardo, Flores de Sinaola, Los Ácidos y Hurricane Heart Attacks. Set electrónico de The Bristol Soundsystem en El Lado B de Niceto Club, 03 de Agosto de 2017 [ por Pablo Müllner`. FOTOgrafías: Lily Moonster ]


La noche del jueves 3 de agosto Lado B de Niceto Vega se parecía a una escena de una película inédita de David Lynch. Eran apenas las 10 y pico de la noche y los primeros acólitos hiper abrigados y con las caras frías se acercaban a la barra para pedir algún trago que ayudara a entrar en calor. Mientras tanto –y luego durante cada banda- el set electrónico de The Bristol Soundsystem ayudaba a ir subiendo de a poco la temperatura hasta un clima más cálido con sofisticadas bases jazzísticas y momentos bien acid rock, casi sin esfuerzo el encargado de las consolas nos inducía a en un trance donde nos envolvían los neones azules de The Roadhouse de Twin Peaks (rebautizado The Bang Bang Bar en la nueva temporada). La última mezcla incluía el ya clásico psicodélico de Blondie “Rapture”, donde la dulce voz de Debbie Harry recita exactamente lo que iba a suceder: una hipnosis colectiva en la pista de baile. ¡Silencio! ¿No hay banda?... Y de repente una corriente helada recorrió a todo el auditorio al ingresar Tan Frío el Verano, dándonos a todos los presentes

la necesidad de pedir alguna bebida blanca y seguir muy de cerca el show como quien espía ocultándose entre sus propias manos la escena más gore de una refinada película de terror. De hecho las imágenes que proyectaba el VJ durante el set TFEV, tenían mucho de “found footage” o “snuff movie”, esos videos caseros que se encuentran en VHS en la escena del crimen. Los cinco miembros de la banda vestidos con una suerte de uniforme y máscaras con picos de ave, se veían realmente como amenazantes figuras sacadas de algún espantoso sueño infantil. La música de Tan Frío El Verano puede emparentarse mucho con ese clima de pesadilla y con lo más innovador del género industrial, el glitch, sin caer en ningún momento en un sonido “genérico”. Por el contrario, la música de la banda suena a un viaje interior torturado, un viaje con ayahuasca que equivoca el rumbo y nos conduce a un estado de sobresalto y paranoia sin fin. Aunque entre los martillazos y las ruinas electrónicas se vislumbran melodías bellas y melancólicas que resuenan como el “lado B” de la psicodelia. Sería injusto reducir a solo eso el set de Tan Frio El Verano, que estu-

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vo compuesto en gran parte por el sorprendente “Otoño” (LP, 2015) y el single “Vuelven los muertos” editado este año. Enseguida Nuvem Leopardo subió a la escena para desplegar toda su paleta de colores y energía psicodélica. o. El formato de power trío con Roberto Figueroa en batería, Florencia Lopez en bajo y Marcel Wilou en guitarra y voz, mezcla lo mejor del pasado y el presente, y que pronostica mucho futuro. El set fue corto pero caluroso, a pesar del frio, y nos hizo viajar como por un túnel en la mente, proyectándonos sonoramente imágenes de los sesenta, el rock clásico, la lisérgica y el flower power. Nada de nostalgia ni posturas forzadas. El viaje temporal que propone Nuvem Leopardo es más bien por un camino lateral, una realidad paralela donde la frescura y el ímpetu del pasado se encuentran con un estilo muy despojado y urbano, y una ejecución que tiene la contundencia y la inmediatez del nuevo rock. Si de alguna manera no podemos obviar nombres como Os Mutantes, sobretodo porque Marcel canta sus letras en portugués brasilero,

tampoco podemos dejar de pensar en otros nombres como White Stripes (o The Cramps) por esa forma en que Marcel y Florencia fusionan lo masculino y lo femenino en el escenario con el sonido y actitud. Son una especie de Ying Yang que estalla en colores, él como un líder devocional y un guitar héroe, ella con la sensualidad y el distanciamiento de una femme fatale al estilo Poisin Ivy. En sus manos y en las no menos prodigiosas del baterista, brillaron muchos de los temas de “Quintaessencia”: “Revolucao Interior”, “Pitanga”, “Flor Dourada 666”, “Irreal” y “Verao Violeta nuclear” (de Revolver Mercurio, EP de 2015) que sintetiza muy bien el espíritu que transmite la banda en vivo. Luego de un breve impasse electrónico, arrancó el set de Flores de Sinaloa. Arrancó con una zapada psicodélica justamente llamada “Llamador de almas”. La banda que lidera Vicente Batalla, es un viaje a un ritmo lento, envolvente y progresivo. No sé con exactitud qué cualidades deben tener las flores de Sinaloa, México, pero me imagino que si la banda conoce ese estado


(de intoxicación) les habrá traído muchas imágenes de viajes por el desierto. A veces viajes plácidos, ruteros, con un andar confiado y miras de ver el agua en algún momento en su horizonte. Por ejemplo, el caso de la refinada “Síndromes de otro lugar”. Otras veces, nos propone un viaje más tortuoso, como quien se ha perdido y solo se encuentra con vegetación árida y un constante espejismo hacia adelante, como es el caso de la estremecedora “Esos Ojos”. En todo caso, hay elementos comunes melodías que se despliegan con parsimonia, y el sonido que erigiéndose en un crescendo sutil que sin advertencia nos encuentra hundidos en su encanto. Los teclados son La percusión siempre parece un hilo narrativo conductor, sibilante y sigilosa como una serpiente de cascabel al costado de la ruta. No sonó extraño ni forzado que Hurricane Heart Attacks, mejor dicho Jota Humada (también guitarrista) cantara las letras de sus temas en perfecto inglés y con una encantadora entonación nasal. Los Hurricane son verdaderos caballeros ingleses que desplegaron en el escenario un ac-

titud sumamente elegante pero parco, casi shoegazer, mucha sobriedad y estilo en la vestimenta, pero sobre todo una conjunción de guitarras que levantó una pared de sonido sobre las cabezas del público sobre la que fueron proyectado sus colores lisérgicos. Se notó bien que este grupo de muchachos tiene mucho aprendido y aprehendido del rock inglés. De todas las mejores cosechas parece nutrirse el sonido Hurricane: desde el purismo de The Byrds pasando por Jesus and Mary Chain, Happy Mondays hasta el primer Oasis y el stoner rock de Spiritualized. El tema Tangerine es el ejemplo perfecto de lo que Hurricane es sobre el escenario: ácido y potente, y con un interior dulzón. Hay tanta armonía que mientras los escucha y va entrando en su universo uno relaja sus oídos y siente que ese intricando y rugiente trabajo de guitarras es en realidad una única diáfana melodía. Signal, un solo ejemplo su último disco “Incredible Machine”, suena exactamente como el título: como una increíble máquina, como algún tipo de nueva tecnología que puede causar una onda expansiva de ataques cardíacos en la au-

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diencia. “Fake Gold” un single de reciente edición es casi perfecto, excepto por su título, en realidad se trata de un verdadero tesoro escondido. Eran más de las dos de la mañana y el público ya tenía los indicadores (de rock y de psicodelia) muy altos en sus barómetros neuronales. Los encargados de cerrar la noche supieron estar a la altura de las circunstancias. Los Ácidos trajeron a la escena mucho de su último disco de 2016, “Los Ácidos”, donde la temática de “el viaje” parece estar presente en todas sus acepciones. Desde la perfección casi pop de la hermosa canción “Viajes”, hasta la psicodelia rockera rabiosa de “Al Otro Lado”. Pasando por “Paseo”, un delicioso híbrido entre rock rutero y rock espacial. Hasta la oscuridad de “Blusas” que parece un verdadero mash up entre un rock furioso y un tema de synthpop, y de paso que muestra la amplitud de re-

gistro del cantante (y guitarrista) Miguel Piermarini. “Perfume Fantasma” trajo exactamente eso: un aire a inciensos o pachuli que nos recuerda a los años sesenta en su profundidad y textura pero que vibra con la energía del presente. “Empatía de Cristal” fue un cierra de proporciones épicas, con el agudo de los sintetizadores moog a cargo de Santiago Gentile, en su máximo esplendor. El crescendo musical nos llevó al clímax de una explosión final con un hongo nuclear incluido y todo. Un poco como en ese capítulo de Twin Peaks que muestran una explosión en el medio del desierto de México. Una explosión nuclear que aparentemente crea una nueva forma de vida. Un poco así, terminado el trance de Los Ácidos, volvemos estar en el mismo lado (el Lado B, Niceto Club) pero todas las cosas han cambiado de algún modo. Todo se percibe un poco mejor.


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Nuevos Coldwave aires en Buenos Aires ash code - balbanera - Hadrian Juarez (Gothic BA.) en rEquiem club, 23 de Agosto de 2017

[ por Maxx Wild. FOTOgrafĂ­as: Lily Moonster ]


En una templada noche de agosto el trio italiano Ash Code, se presenta en el mítico Requiem traídos por el legendario Hadrian Juarez (Gothic BA). Le pregunté a Hadrian, como se comenzó a gestar al venida de los Ash Code… “El proceso para traer a Ash Code comenzó a fines del año pasado. Es una banda muy nueva (se formó en el 2014) y desde el comienzo, al descubrir sus videos en Youtube, no solo me atrajo su música (moderna, potente y con reminiscencias a los clásicos del darkwave) sino también la calidad y lo cuidado de su imagen como concepto general… un promotor de Perú me contactó para ver si estaba interesado en traerlos a la Argentina, y todo comenzó a cerrar”. En palabras de los Ash Code: “Somos de Nápoles así que estábamos interesados en visitar la ciudad de Maradona y fuimos al estadio de la Bombonera y fue genial!. Sabíamos que la escena es fuerte allí por lo que nos espera un concierto muy caliente...” La velada la abrió el dúo Balvanera, coldwave del nuestro, lindas melodías y una muy buena voz para abrir con “Martir”. Ajustadísima performance con puntos altos como en “Desesperación” para

culminar con “Diciembre” dejando al público listo para el show principal. Con una interesante intro y luego de disparar unas visuales, el show comienza! Bien arriba, para un público impaciente y no muy movedizo. Los napolitanos saben de qué viene esto! Lo hacen bien, como si hiciera años. El histrionismo no es marca registrada de este tipo de géneros y lo llevan casi al pie de la letra, algunas miradas cruzadas, sensuales bailes de Claudia (Nottebella), dan el marco estético a lluvia de temas (19, con el bis incluido) que no decepcionan. “Creo que Ash Code es una de las cinco bandas nuevas más importantes de la escena oscura mundial (las otras serían She Past Away, Lebanon Hanover, Selofan y Drab Majesty). En cuanto a comparaciones con bandas clásicas, aunque estas siempre son odiosas, no puedo dejar de negar que para mí son los nuevos Clan of Xymox”, comenta Hadrian. Y le doy la derecha, los arreglos en los sintes son atractivamente actuales, las bases, simples pero poderosas y la suma de un bajo de seis cuerdas (tocado en momentos como una guitarra) completa un cuadro muy agiornado para un estilo que tiene más

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de 30 años. La respuesta del público es buena, podría ser mejor, esa es siempre mi apreciación personal, siendo alguien que se para en ambos lados del escenario. Desde del otro lado del escenario comentan: “No es fácil organizar conciertos durante la semana y estaba previsto para un miércoles. La respuesta fue grandiosa y ha sido uno de lo más hermosos concierto del tour. Incluso el "Meet & Greet" organizado el día antrior fue interesante, conocimos a un montón de nuevos fans, en Argentina la gente parece realmente comprender nuestra música”. La poderosa voz de Alessandro (Belluccio) a la altura de los exponentes del género, llena perfectamente los espacios y no cansa. Claudia también canta y lo hace muy bien! me quedé con ganas de escucharla un poco más. Adriano (Belluccio) no desperdicia el uso del Fender VI y con furia punk por momentos, completa un panorama sonoro del que no queda más que disfrutar. Les pregunté por sus influencias, no sólo musicales sino para un vivo : “Durante años nos quedamos impresionados por la actitud vivo de NIN y Cold Cave. Ya que somos

una banda Electrowave tocamos con secuencias electrónicas pero intentamos tocar "en vivo" tanto como sea posible y ser enérgicos en el escenario. Esperamos haber tenido éxito...” Ya lo creo muchachos! La temperatura llega al máximo con temas como el clásico “Oblivion”, el nuevo “Icy Cold” y “Dry your eyes”, con el que cerraron el show para luego volver (camiseta del Diego inlcuida) con un bis no menos poderoso. Un recital redondo, sin decepciones y que me dejó satisfecho al momento de la vuelta. Charlando con Hadrian del momento actual de la escena goth-dark, me comenta “ la escena está bastante más chica que hace 10 años, y creo que, lamentablemente a mi parecer, solo motorizada por las fiestas, que tampoco son tantas. Falta un circuito de bandas nacionales, que toquen y que el público tenga interés de ver... la gente conoce más a los organizadores y DJs que a los músicos locales, y eso no está bueno. Antes los recitales y fiestas eran los puntos de encuentro de la gente del ambiente, y ahora todo se redujo a un contacto virtual y cotilleos de todo tipo. Como


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punto positivo creo que dentro de todo (obviamente hay excepciones) estamos en un momento de relativa paz entre los organizadores, hace unos años era todo una tremenda lucha de egos que indudablemente, llevó al estado actual de las cosas”. En mi opinión, creo que se necesita más presencia de bandas y de público, pero bueno es

un momento raro en todo sentido, por suerte el esfuerzo de algunos es deleite de otros, en este caso los que pudimos ver a Ash Code por primera (y espero que no última) en Argentina. Y en opinión de los Ash Code: “Han sido dos días inolvidables de música y cultura, esperamos regresar muy pronto”.


SETLIST: 01- INTRO 02- NITE RITE 03- CRUCIFIED 04- EMPTY ROOM 05- TIDE 06- RIVERS 07- UNNECESSARY SONGS 08- POSTHUMAN 09- OBLIVION 10- I CANT ESCAPE MYSELF 11- ICY COLD 12- WANT 13- FRAGMENTS 14- DRAMA 15- DRY YOUR EYES // 16 IT’S TIME TO FACE THE ABYSS 17 TRY TO BE ME 18 WAVES WITH NO SHORES 19 LAST STOP


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ALGO ESTÁ GESTÁNDOSE A LA PAR… mind pop - droopy brun - matilda en kirie music club, 16 de septiembre de 2017

[ por Pablo Müllner. FOTOgrafías: Brenda Nemerovsky ]


El Kirie Music Club de San Telmo, ubicado en Bolívar, casi a la altura de Independencia, es a primera vista uno de esos bares para sentarse cómodamente en ronda a tomar cervezas artesanales –o alguna bebida más fuerte- y comer algo, entre trago y trago. Pero por suerte, hay noches que es también mucho más que eso. En su sótano, un lugar realmente espacioso y agradable que te hace olvidar por completo que estás bajo tierra, suelen tocar bandas de todos los estilos y para todos los gustos. El sábado 16/09, por ejemplo, tuvo lugar la tercera entrega del MindPOP. Este exclusivo mini-fest tuvo en su carta, una mezcla ecléctica de sabores-sonidos. Una buena oportunidad para comprobar que el “pop electrónico” NO “suena todo igual”, como suelen insistir neciamente sus detractores. Solo hacía falta dejar de lado los prejuicios, hacerse de un buen trago, un buen asiento, abrir los oídos y escuchar. Tres formas muy distintas de abordar un mismo género. En el transcurso de la noche, la mezcla haría su efecto. Y el buen escucha, finalmente sería inducido a bajar la guardia y bailar, como un autómata desprogramado. Pasadas las doce, arrancó el primer set a cargo del dúo G+L. G+L son Gaby Dvenir (voz y guitarra) y Leo Moscardo (teclados, samplers), un dúo de músicos que más allá de ser bastante novel, se le nota mucho oficio sobre el escenario. Durante poco menos de una hora presentaron su EP debut “Eterno”. Lo suyo es más un sonido tecnorock que pop. Si bien confluyen y fluyen muchas melodías espaciosas, gentiles, por momento espaciales, se nota que son rockers haciendo pop electrónico. Se los percibe camaleónicos, pero al mismo tiempo con nada que ocultar. Así sus influencias por momentos son bien claras, y no por eso su sonido se torna en la derivación de otra cosa. Gustavo Cerati, es un “espíritu” que circula por el sonido del dúo con cierta insistencia. Aunque el Cerati que más resuena es el solista, el más glam, el de Bocanada por ejemplo, cuyo sonido era como un prisma, que proyectaba a muchos otros. En el terreno del homenaje, el cantante logra emular la dicción perfecta y el tono nasal de Gustavo en “Piel” cuando entona: “Ecos de

un amor, ángeles perdidos… solo caigo y vuelvo a caer.” Aunque musicalmente suena más cercano a Depeche Mode, como no pensar en él. Promediando el set el dúo invitó a la escena a la vocalista Giselle Ferlót para darle más sustancia misterio y seducción, cosa que sucedió particularmente durante el cover de “Yendo de la cama al living”. El momento culminante, “Ángel Solar”, un tema recientemente lanzado como sencillo, pone en evidencia que a pesar del revestimiento electrónico G+L tiene una sensibilidad cristalina, casi acústica. La atmósfera había quedado levitando gracias a la energía astral de G+L. Y Droopy Brun, otro dúo, formado por Droopy electro (voz y teclados) y Zyko Brun (bajo y coros), supo tomar la posta y llevar esa vibración a su territorio. Estamos hablando de un tecnopop mucho más ácido, bailable, sí, pero con unos bordes ásperos, con mucho de espíritu punk rock. Droopy Brun presentaron gran parte de “Actitud”, firmado por Droopy Electro, como solista, y lo hicieron con dosis extras de Actitud. Droopy Electro se mueve con total soltura en el rol de showman, que está en algún lugar entre la postura de un MC de hip hop y la de un punk de la primera generación: Actitud, es un tema clave, claro, pero más aún lo es otro: “Revancha”, que parece una cruza de New Order con un hip hop bien electrónico: “Si perdiste hoy… ¡Revancha!”. Suena convocante como “hey ho, let go!”, y sencillo y contundente, como una hojita de afeitar. “Luna de miel” es todo cuanto debe ser un cover. Un ejercicio de apropiación, respetuoso e insolente a la vez. Tiene toda la impronta personal que hace falta para que en el tema original resuenen partes de Droopy Brun, cada vez que uno oiga el clásico de Virus. Como el audio del reportaje que samplean con mucho sentido del pop donde Susana Giménez le dice a Federico (Moura): “los chicos no quieren otra cosa que… Virus!”. (Quizá, y lo esperamos sinceramente: algún tema de Droopy Brun sea el motivo de un gran homenaje electropop dentro de 30 y tantos años. Después de todo de ese constante “autoreciclaje” se tratan los Sueños Electro.) Para el final, de nuevo al estado inicial de levitar con “Le-

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vitar”, tema recientemente editado como sencillo, que suena complejo y originalísimo con sus percusiones circulares y la voz de Droopy entre el falsete soul y letras recitadas. Disco Music de última generación. Eran más de las dos cuando tomó el escenario Matilda… El tercer dúo de la noche: los rosarinos Juan Manuel Godoy (voz) y Ignacio Molinos (guitarras, programaciones). Otra vez, una nueva manera de abordar lo electrónico. Matilda tiene una larga y prestigiosa carrera de quince años y cinco LPs, pero siempre mantiene algo del misterio inicial, el de un artista al que estamos constantemente (re)descubriendo. Igual que su sonido que tiene algo de inmediatamente cálido, prístino, pero también un espacio de oscuridad y redefinición constante. Quizá por ese contrapunto entre frescura y misterio nos recuerda a Matilda, el personaje de Natalie Portman, en El Asesino de Luc Besson. Así su set tuvo mucho de nuevo, principalmente concentrado en el material de su último, excelente, álbum “El río y su continuidad” del año pasado. Aunque también tuvo espacio para temas de anterior cosecha, entre los que particularmente brilló: “La prueba y el error”, que sin perder el minimalismo del sonido de estudio, en vivo sonó mucho más energético y decidido. Quizá este es elemento sorprendente de Matilda

sobre el escenario: una ejecución más contundente y una actitud desacartonada, en particular desde el frontman Juan Manuel, que aporta mucho carisma y unos pasos de baile muy originales entre el mimo, Jamiroquai y algo de autómata Kraftwerk. “El río y su continuidad”, tanto el álbum, como el tema del mismo nombre, parece el resultado musical de la cruza directa de la tecnología con la naturaleza. Un sonido hipnótico de máquinas y guitarra acústica se fusiona con pájaros salvajes, y por momentos alcanza profundidades dub, sin perder nunca las orillas de la canción. Hay mucho de esa humedad selvática y flora exuberante en su performance en escena, y en la camisa del cantante. Pero al mismo tiempo, la voz nos lleva a un territorio más mental y urbano como en la balada, a la Soft Cell , “Sartre en la TV”: “yo soy siempre lo que quiero, lo que puedo, lo que niego, lo que ves… Lo que vendrá, lo será de mí, de ti”. Puro existencialismo pop. “A las canciones de amor”, es una dedicatoria afilada contra los lugares comunes y las frases hechas de la canción de amor, y quizá también del amor: “cuantas veces más vas a replicar, homogeneizar y delimitar una manera de amar”. Ellos buscan algo más. Ese estado de insatisfacción es lo que parece empujar todo el tiempo la música de Matilda: es el misterio que los pone a andar.


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Como canta Juan Manuel, en el hit “Un amor”, sobre el cierre de la noche: “Es el fin, la libertad, un nuevo comenzar, algo muere y algo está gestándose a la par…” Y con esa idea filosófica sobre el

movimiento del tiempo nos vamos en un estado bastante reflexivo, pero habiendo dejado nuestras huellas sobre la pista de baile. ¡Será hasta la próxima, amigos!


LATINO AMERICA SONIDOS QUE PERMANECEN Por Jairo Mansur


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Especial: Ediciones en CD, ¿Crisis o resistencia de los formatos? Hoy por hoy se puede hablar de una crisis del formato físico, y como extensión una crisis del CD. Tecnológicamente frente al formato digital el CD es obsoleto y para las nuevas generaciones un objeto que ya no tiene el impacto cultural como llego a tener para la generación de los 90s y comienzos del 2000. Sin embargo, entre los formatos físicos actuales es aun el más usado y en cierto modo el que aún guarda un sentido “oficial”. Antes de continuar cabe aclarar que esta entrega se centrará en las ediciones en CD prensadas y manufacturadas en fabrica las cuales tienen varias ventajas evidentes: calidad superior de sonido al ser usado un master específico para todas las copias, mayor durabilidad de la copia y mayor calidad del formato. Las desventajas son los altos costos sumado que se deben hacer siempre en grandes cantidades lo que representa para las bandas pequeñas o independientes un problema, problema que ha sido resuelto generalmente con el uso del CDr (un CD común grabado y prensado manualmente en casa). EL CDr ha tenido durante bastante tiempo un fuerte impacto en la cultura independiente latino americano, son muchos los sellos que se han dedicado a este y sin embargo de ello hablaremos a fondo en una próxima entrega en preparación. De cualquier manera, tanto el CD como el CDr representan aun un valor de resistencia hacia lo digital que, aunque tenga marcadas bondades y ventajas representaría con su éxito la pérdida de un objeto material importante que más allá del valor económico tiene un valor marcadamente histórico y cultural. El ascenso de las plataformas digitales y la mayor facilidad en la portabilidad de la música han ido disminuyendo fuertemente la venta de CDs, recayendo este en los últimos años como un baluarte de los sellos independientes para los cuales la edición física es el único motivo de existencia impulsando con ello una cultura de compra basado no en lo económico sino en lo cultural y estético. Para esto el CD ha cambiado estéticamente, la “caja de plástico” ha sido remplazada en muchos casos por materiales más económicos y "maleables" que permiten explotar de mejor manera las formas, colores y texturas. Los sellos y bandas buscan constantemente ofrecer un producto que tanto visual como materialmente resulte atractivo y se convierta en una extensión de la música, un complemento de la obra sonora en lo material. Son comunes también los "ítems" extra, posters, stickers, folletos y otras cosas buscan complementar y expandir la experiencia del CD como formato. En esta entrega reunimos algunos lanzamientos que, en gran parte, hemos reseñado durante el año en nuestro sitio. Además, buscamos seleccionar discos interesantes visual y materialmente de muchos de los sellos que nos parecen explotan de mejor manera este formato:


Adelaida - Paraíso (Sello Mescalina) Lanzado a principios de este año por Sello Mescalina, "Paraíso" continua la ascendente carrera de la banda de Valparaíso Adelaida; es sin dudas uno de sus discos más maduros musicalmente y el que ha tenido mayor exposición internacional. La banda lo ha presentado durante el 2017 en Chile y también en su primera gira europea consolidándolos como uno de los proyectos chilenos más comprometidos con su trabajo y su sonido.

La Suma de Todos los Tiempos - El Futuro para Siempre (Casa del Puente Discos) En su tercer disco esta banda argentina ha logrado congeniar su pasión por las melodías distorsionadas y su evidente inclinación hacia las canciones. La producción y grabación lograron capturar a La Suma de Todos los Tiempos en su mejor momento creativo, la edición física estuvo a cargo del renombrado sello argentino Casa del Puente Discos.

Liquidarlo Celuloide - Superfricción (Buh Records) En este caso se reúnen tanto una banda con una prominente carrera (Liquidarlo Celuloide) como un sello con una larga e importante trayectoria (Buh Records), ambos han trabajado juntos durante bastante tiempo y han crecido cada uno en su campo, este nuevo disco llamado "Superfricción" nos muestra una banda ya madura musicalmente que sabe explotar sus cualidades, pero no estancarse en lo conocido.

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Gorduratrans - Paroxismos (Balaclava Records) Para su segundo disco la banda carioca Gorduratrans se unió a Balaclava Records, sello de Sao Paulo fundado por Fernando Dotta and Rafael Farah en el 2012. Tras un gran disco debut su nuevo trabajo "Paroxismos" no ha hecho más que confirmar su calidad musical y creativa, ahí donde en su primer disco eran dispersos aquí son precisos y profundos. La edición física refleja junto con el excelente arte de Nathalia Rocha la inmediatez musical de las canciones.

Pyramides- Vacíos y Variables (Fuego Amigo Discos) Aunque el lado fuerte de Fuego Amigo Discos es el CDr (y de eso hablaremos en detalle en la próxima entrega que preparamos) suelen hacer ediciones en CD. Este año lanzaron "Vacios y Variables" el flamante nuevo trabajo de la banda argentina Pyramides la cual sabe en este trabajo darle una vuelta de tuerca a ese sonido Post Punk llevándolo a un terreno y color personal.

Necio Records Posiblemente uno de los sellos con más crecimiento durante el último año, Necio Records ha hecho varias ediciones interesantes en CD este año que cuentan con un genial trabajo de edición y vienen siempre acompañados de excelentes posters y stickers. Dos de las más recientes han sido el debut de la banda peruana "Satánicos Marihuanos" y el disco de la banda argentina Knei "Juventud en la gran ciudad"(ambos en la foto), sin embargo, tienen previstas para salir en breve varios CDs más. Recomendamos para conocer mejor sobre Necio Records leer nuestra entrevista con ellos hecha hace unos meses.


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RESCATE CINÉFILO


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A TRAVÉS DEL ESPEJO: ANIMÉ VS HOLLYWOOD


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En esta ocasión, abordamos el cine desde dos continentes con grandes diferencias culturales y artísticas. Sabido es que la genialidad del cine asiático, principalmente de la animación japonesa, ha sido intentada de emular por parte de las manos maquiavélicas de Hollywood. Es por ello que aquí les traemos tres films de animé, analizados por Jimena Patiño y tres films estadounidenses, analizados por Nicolás Ponisio. Cual casa de los espejos, cada film japonés tendrá su reflejo, su contraparte desde el otro continente. A veces grandes obras ambas, el original y el film que tomó sus influencias. Otras veces grandes obras que solo empequeñecen más el intento fallido de quien intentó lograr lo mismo. Adéntrense con nosotros en este viaje a través del espejo…


KEEP YOUR ELECTRIC EYE ON ME [ Por Jimena Patiño ]

Tengo que comenzar confesando que creía que la había visto. Estaba segura que en mi etapa “Miro todo el animé del planeta” cuando tenía que ir al puesto de comics y comprar VHS de fansubs, había visto Ghost in the Shell… pero no. MI procesador mental tomó la decisión de que lo había visto y lo tachó de su lista de películas de animé y ovas en VHS. De haberlo visto hubiera recordado por un nanosegundo ese descarado afano de código binario y conectores en la nuca de parte de los Wachowski, pero también hubiera recordado ese otro descarado afano a Blade Runner de parte del film. (Me refiero al libro más que a la película, aunque la película podría ser también… dejo la duda picando). Me gusta el Sci Fi cuando la va de tecnología computarizada y androides, humanoides y toda la ensalada. Me gusta ver cómo pintan el futuro esas películas. Distópico usualmente porque plantear una utopía, simplemente aburriría y sería un sinsentido en la actualidad. Cuando a ese combo imaginativo, se le suma la animación, sa-

bemos que el cielo es el límite. Sobre todo en la época en la que esta película fue concebida. La película parte de la base de que la computación avanzó muchísimo pero que las naciones siguen siendo una realidad y ellas controlan las leyes en cada estado. No importa que la red sea más amplia y vasta. Completamente verosímil hasta el día de hoy, si me lo preguntan. Mamoru Oshii logra darle una atmosfera melancólica a tanto robot con alma o sin ella de lo que retrata esta historia. Los planos de la enorme ciudad futurista lloviendo a mares todo el tiempo y con un coro de música de fondo son completamente poéticos y no son gratuitos, sino que le dan un tono a la película de filosófica y momentos para que el espectador respire a lo zen y piense “¡Que carajos está pasando!”. La escena de apertura antes de los créditos es de una acción fantástica y te llena de hype para que sigas mirando todo lo demás. La mejor manera de presentar un personaje es en bolas como a la Mayor… mentira es una broma, la mejor manera de presentar un personaje es a través de


su modo de actuar. La Mayor Motoko Kusanagi se arroja de cabeza a su misión, desnuda pero enfundada en armas y protectores térmicos. Hay pocas escenas que se te graban en la memoria y la puesta de las cámaras cuando ella se “zambulle” a la misión es simplemente memorable, épica y descriptiva al mismo tiempo. El film es muy corto en duración por lo que las tramas paralelas se desarrollan en un abrir y cerrar de ojos. La persecución del camión de basura la podía haber usado Luc Beson pero sin dudas el concepto de implantar recuerdos falsos que usa The Matrix acá tiene su proto-desarrollo. Los cuerpos están tan computarizados que es fácil para un misterioso hacker acceder a ellos por teléfono. (¡Hello Dial- up era!), lo que demuestra que algunos conceptos han quedado un poco obsoletos, pero no por eso menos interesantes. La historia no profundiza demasiado en los personajes. Son bastante estereotipados, el compañero fiel de la mayor, Batou y el ex policía sin actualizaciones en su cuerpo que prefiere todo lo viejo, porque es “old School”. La película en si es producto de los noventa, y su paranoia con el desarrollo y la deshumanización del mundo cibernético. (¡Oh si hubieran conocido Instagram, Facebook y Youtube!). Los hackers como siempre desde hace tres décadas se prueban como los personajes más cool de todo el espectro digital, pero ¿Qué pasa cuando tu hacker es un programa que se cree está vivo? ¡Ahí te quiero ver! La simpleza con la que el Pupet Master (el hacker) reflexiona sobre las cosas profundas metafísicas y filosóficas te hace sentir un boludo.

Realmente si no eras fóbico de todo lo que confías en la tecnología, te invito a que explores las implicancias de un futuro dentro de doce años. ¿Qué vamos a comprometer en doce años si ya nuestra vida privada no existe sin el bendito teléfono? Y es ahí en donde Ghost in the Shell se sigue erigiendo como relevante y actual pese a todo. Luego de un razonamiento entre la Mayor y esa nueva inteligencia, magistralmente ubicado en las ruinas de un museo en la parte vieja de la ciudad en donde se observan un tronco de árbol con la evolución, el final se vuelve sorpresivo. Gritamos, despotricamos, pero de los últimos veinte minutos la estructura del film es un crescendo de filosofía imposible y violencia. ¿Es ese el futuro de la humanidad? El amor de Batou por su compañera es tan grande que supera todas las barreras de la política y el mero servicio a una causa gubernamental. ¿Es el amor de Batou acaso el medio final por el cual la nueva carne se abre paso hacia el mundo? La piedad da lugar a la creación, una nueva carne combinación de máquinas y mentes humanas finalmente se abre camino a la ciudad con los ojos de una niña pequeña. El plano final parece arrancado del mago de Oz con una ciudad color esmeralda, pues no nos olvidemos que el verde es vida y el verde es esperanza. Ghost in the Shell termina con un final abierto a todas las posibilidades de un mundo nuevo y se prueba como un film finalmente esperanzador. ¿Esperanzador para el hombre o para las máquinas? Quizás para ambos, quizás…

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HACKER DE LA MENTE… Y NO HABLO DE CARLÍN [ Por Nicolás Ponisio ]

Lo que llevaron a cabo los, por entonces hermanos, Wachowski con The Matrix fue más que un evento revolucionario en el blockbuster de acción. Dieron forma a la Parábola de fin de siglo, con una multiplicidad de elementos de la contemporaneidad pero también de épocas anteriores. La idea central es que el mundo tal cual lo conocemos no existe, está programado de manera virtual, y por más que nuestros sentidos confirmen su existencia, hay un submundo dominado por máquinas (el mundo real), en donde los humanos no son más que una fuente de energía para el normal funcionamiento del mismo. El viaje hacia la madriguera del conejo nos deposita como espectadores en la piel de Neo (Keanu Reeves), el trayecto del hombre corriente que un dia despierta y da cuenta de su lugar en el universo que lo rodea. El mundo ficticio (la Matrix en cuestión) existe para distraer a los seres humanos de su destino real: la esclavitud y hegemonía de las máquinas. Destino que, paradoja de por medio, podemos ver cumplirse diariamente en la cotidianeidad opresora de la sociedad que conocemos. El film interpela al espectador otorgándo-

le el conocimiento, o al menos las herramientas para obtenerlo, de que el futuro es hoy. Como punto de partida, es destacable como desde el guión y la puesta en escena, la película va construyendo ambos mundos y a la vez, vamos conociendo a los diferentes personajes (los “buenos” y los “malos”). La maestría de la construcción narrativa funciona a la par de lo que se construye de manera visual. El film despliega un conocimiento absoluto tras otro por medio de las voces de sus personajes, siendo Morfeo (Lawrence Fishburne), la oráculo (Gloria Foster) y el némesis por excelencia que es Mr. Smith (Hugo Weaving), los grandes portadores del tono discursivo de la historia. Una avalancha de conocimientos existencialistas fluyen de manera natural entre la utilización de los elementos propios del género de acción, y la implementación del CGI trabajado de forma excelente. La fuerza intelectual del film coexiste con la destreza fílmica y traduce esas preguntas elementales de la condición humana al lenguaje posmoderno. Se sirve de los términos cibernéticos -placer para el nerd de las compu-


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tadoras- en conjunto del género de acción para lograr un alcance global propio del blockbuster. Y es, a través de ello, que unifica contenido con marketing y construye un mundo tan único y complejo como el nuestro. Si se puede describir de una manera simplista a The Matrix, sería calificar a esta obra como innovadora, por donde sea que se la mire. Cada aspecto y construcción planteada abre la mente del espectador. Sea por medio del intelecto como por el simple placer de ver grandes secuencias de acción. Sin necesidad de

optar por una pastilla determinada o de movilizarse a través de conexiones telefónicas, los Wachowski ofrecen un despertar dentro de este mundo binario. Una idea que termina creciendo cada vez más dentro de nuestra mente y que sobrepasa a la experiencia del entretenimiento. El temblor causado por los tiroteos de seguro resuenen, pero la madurez intelectual ofrecida por el film seguirán resonando de por vida en nuestro interior.


HERE WE ARE NOW, ENTRETAIN US! [ Por Jimena Patiño ]

La primera vez que vi Pefect Blue me dije "¿y por qué carajos se llama Perfect blue?, yo la llamaría bloody red…de tan sanguinaria que es" mi teoría es que se llama así por un estado de melancolía permanente. Como un estado: “perfectamente depresivo” y Mima, la protagonista, es como que vive en un estado, no sé si depresivo, pero muy complicado mental y físicamente. Es como que la alegría que dice experimentar en los sets o el escenario no tiene congruencia en su soledad total. Si no me gusta pensar otro paralelo que es el siguiente: ¿Será el azul perfecto el azul Klein? Me gusta comparar el estado enloquecido de Mima con el de este pintor francés que solamente buscaba un azul perfecto y se envenenó con los químicos y murió prematuramente pero logró su cometido y ahora hay un azul perfecto que lleva su nombre. ¿Acaso Kon sabía de esto? No lo sé, pero tanta enajenación le calza perfectamente a la película. Ahora con esto que dije pareciera como si la película fuera un bodrio dramático y depresivo pero en realidad está obra de Satoshi Kon, es un perfecto slasher. Una película de terror verdaderamente inquietante e incómodo. Los niveles dramáticos de Mima son impresionantes y por un segundo nos olvidamos que se trata de una maldita animación. ¡Yo creo que grandes

actrices no superan la expresividad de esta animación! Pese a que Darren Aronofsky intentó emularlo casi cuadro a cuadro, no puede ni por asomo, superar los diferentes niveles de esto. La historia comienza plana, ingenua. El tono es ligero. Mima es una pop star juvenil (alguien dijo complejo de chica Disney convertida en prostituta, digo ¿mujer objeto sexual?) que desea convertirse en actriz. Para eso acepta un rol en una serie de suspenso (que yo podría apostar está inspirada en Jodie Foster y El silencio de los inocentes) de la tv japonesa. Paralelo a esto, es muy gracioso como introducen en esta época, los lejanos 1994 (ríanse pero Kon era un visionario) el concepto de página web y blog personal (falso) de un artista llamado "la habitación de Mima". Si pensamos en todas las cuentas falsas de Twitter de personas que pretenden ser famosos actualmente, notaremos que la locura que plantea Kon no estaba lejos de la realidad. El personaje del stalker, es un tipo desagradable y creepy que tiene más de un propósito además de ser rarito y estar detrás de la actriz todo el tiempo. Hay un momento en el que la historia comienza a quebrarse del todo y es cuando Mima accede a rodar una violación en una escena de la serie de suspenso.


Esa escena jode tanto en 1994 como el día de hoy. Y acá quiero plantarme un rato en el exigido mundo de las actrices y sus personajes torturados. Luego de casos como el de María Schneider y la escena de El último tango en París o de Vivien Leigh en un tranvía llamado deseo (¡Que raro, Marlon Brando de chongo violento en ambas!) te hacen replantear cuales son los límites que el amor al arte deja que toleres en una interpretación. Por eso Perfect Blue es brillante, porque Mima es mentalmente una niña que vive todo ese destape como una corrupción de su cuerpo y sus ideales, es entonces cuando la psicosis de ella se dispara. Paralelo a ese psicodrama brillante, se vive una trama de asesinatos y es cuando el film se enrarece hasta límites insospechados con elipsis temporales que hacen maravillas de la puesta en escena. Cuando todas las tramas convergen la película se vuelve un espejo de múltiples facetas. Un espejo roto que hace que

guntes si lo que viste es una cosa o si es la otra que sigue después de eso. En eso me recuerda al intento medio fallido de la película Identity (2003) creo que ambas acepciones son válidas. Me gusta pensar que si te gusta la conspiranoia, la película termina como el culo; pero si estás un poco más positivo y menos conspirativo, la historia se explica de una manera satisfactoria. (Esto es: Mima triunfa en su carrera y puede reconstruir su vida… y es real). No sé si kon tiene tanta fe en el poder curativo del arte tanto como en el poder alienante del mismo. No voy a exagerar en considerarlo uno de los genios más grandes de la animación de las últimas décadas. Es una pena no poder saber cómo su carrera hubiera seguido con su prematura muerte pero creo que la obra que nos legó es tan compleja (no sólo en realización sino también argumental e iconográficamente) que solamente deseas que la vida te dé la oportunidad de

el espectador quiera pegarse en la cabeza buscando entender. ¿Qué cornos está pasando acá? ¿Cuantos locos hay? ¿Cuantas tramas paralelas? ¿Cuál es la realidad? Hay una escena en un hospital que hace que te pre-

encontrarte con más realizadores así más a menudo. Kon fue un genio y es una pena que no se lo tenga tanto en cuenta hoy en día que vivimos tan alienados con la tecnología.

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BAILANDO POR UNA PESADILLA [ Por Nicolás Ponisio ]

Locura y frustración. Esos son dos de los ejes donde se cimienta Black Swan. Una obra que se construye ligada a la destrucción. La destrucción de uno mismo en pos de la creación. En el relato/ballet del lago de los cisnes, Odette es la princesa que por un hechizo es convertida en cisne. En Black Swan es la pesadilla convertida en maravilla. El film de Aronofsky, al igual que los personajes, mantiene una danza constante que exterioriza los sentimientos y la pasión de Nina (Natalie Portman), su protagonista. El empeño por ser la mejor no solo traspasa los límites en la escuela de danza a la que asiste o en la relación que mantiene con su madre. También va más allá de la pantalla tomando prestado el cuerpo del espectador para utilizarlo como recipiente sensorial de la propia Nina. Cada visión que la atormenta, cada cambio corporal que sufre y cada crisis frenética que se le presenta (¿se le presenta?) deja marcas tanto en su piel como en el espectador que solo puede reaccionar ante ello con una extrema intranquilidad. Mientras que las sensaciones producidas incitan a querer escapar del infierno personal de la protagonis-

ta, la precisión técnica de Aronofsky y la locura actoral de Portman obligan a aferrarse al hermoso horror que nos ofrecen. Porque Black Swan no es para nada un film dramático, si hay que etiquetarlo en un género en particular, lo primero que se le cruzaría a cualquiera por la cabeza es catalogarlo bajo el género de terror. Los temores de la protagonista, la figura del cisne negro (ese ser sombrío que toma la forma de gemela malvada y que se erige sobre ella como el peso de la obra) y la inclusión de personajes como la figura materna (símbolo opresivo y terrorífico) invaden todo su entorno. Y cuando ellos no están en juego, la cámara lo estará en su lugar. Antes se hizo referencia al uso de la misma como parte de la danza. Si bien puede arreglárselas por si solas para mostrar su destreza como solista, en ocasiones necesita una pareja y esa es la utilización de los espejos como símbolo. Duales, fragmentarios, distorsionados. Duplican la imagen de Nina y la transforman y en ocasiones hasta la reflejan de manera infinita. No hay escape de la imagen que devuelve la mirada. Ni siquiera haciéndola añicos. Si devuelve la mira, también devolverá la violencia co-


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metida hacia ella. El protagonista de Whiplash (Damien Chazelle, 2014) era empujado hacia el límite con tal de ser el mejor. El abuso físico y mental por parte de su profesor era el factor de incentivo. Nina también tiene a aquellos que la obligan a exigirse ser la mejor. Desde la frustración de la madre que busca en su hija el éxito artístico que ella no tuvo en su juventud, hasta en el profesor frustrado por no poder sacar todo el potencial

que ve en ella. Esos elementos están allí presentes pero no por ellos es que la joven bailarina se convierte en lo que es. Todo el empuje que necesita para destacarse y la pasión (reprimida en un comienzo) vuelan por ella y gracias a ella. En Whiplash hay un abusador y alguien que permite ser abusado. En Black Swan ambos aspectos, al igual que el cisne blanco y el negro, conviven en Nina, mientras que el horror y la fascinación lo hacen en el film.


SPICE UP YOUR LIFE [ Por Jimena Patiño ]

Quise releer lo que había escrito a los trompicones en el blog de maratón de cine que me armé hace años y realmente lo único que hago, en ese post bastante incomprensible, es despotricar el por qué Inception se estrenó en todas las salas y Paprika solamente en el Bafici del 2007 (si no le calculo mal). Está bien enojarse pero solamente digo dos boludeces obvias de un film que merece más y por eso estoy aquí para enmendar ese escrito vomitivo y escueto con uno mejor. Son realmente pocas las veces que podemos hablar sobre un film tan interesante como este de ese director maravilloso y visualmente enloquecido que fue Satoshi Kon, quisiera creer que no por nada “mad house” (La casa loca) es la productora responsable de este delirio audiovisual. Paprika es el nombre de una muchachita pelirroja y juvenil. Una muchachita que se mete en los sueños de las personas y los ayuda a analizarlos, tratando de comprender los conflictos que las atormentan. Paprika… no existe en el mundo de la realidad. El modo en que los personajes de que el detective Kogawa y Paprika son presentados es a través de una escena onírica que hace que nuestros ojos duden de todo lo que los rodea. El detective está traumado por un caso o algo más que desconoce y ella surfea por

los sueños como una nadadora olímpica. En ese instante se mezclan escenas de películas (gran referencia a Roman Holiday y The greatest Show on Earth, que aprecio con todo mi corazón) y los miedos del detective. Los títulos de apertura nos muestran a esta muchacha recorriendo la ciudad como un espíritu intangible, una manifestación inconsciente pero claro ¿Quién es Paprika realmente? Eso se aclarará (no sé, realmente estoy dudándolo por culpa de una escena y me lo pregunto de verdad si queda claro algo en todo esto) a medida que la trama avanza y se complejiza. Querer describir el mundo de los sueños ha sido el objetivo primordial de la máquina de hacer sueños realidad…. El cine. El intento de Paprika por abordar lo onírico es realmente avasallante. Literalmente los sueños, la simbología, la iconografía desborda la pantalla, tomando la forma de un desfile sin igual. Un misterioso villano está usando un dispositivo (Mini DC) que permite navegar los sueños de los pacientes de una sala de psicoterapia de un hospital o conglomerado extraño que investiga los sueños. Los sueños comienzan a invadir a los vivos que están despiertos rompiendo la barrera del REM y el dormir. Aquí es cuando se nos presenta al equipo de científicos en-


cargados de pergeñar dicho mecanismo. Un grupo de científicos bastante humanizados a diferencia de lo que se suele ver en las películas futuristas. Tokita es un genio encerrado en el cuerpo de un obeso mórbido que no puede dejar de comer y es bastante inmaduro en relación a “las repercusiones” posibles y los malos usos de su propio invento. ¿Son los científicos los únicos responsables de no prever que su invento puede ser usado para el mal? Es la pregunta eterna. Para mi Satoshi Kon se ubica del lado que no juzga a los científicos por su labor sino por su moral como personas. Marca una distancia entre aquellos que trabajan con códigos y aquellos que son pura ambición desmedida. Como si quisiera mostrar la diferencia entre los que crean y los que se venden. La trama es casi una excusa: un enemigo que invade, bien podría ser la descripción del Puppet Master en Ghost in the Shell. Lo que verdaderamente impor-

el cartel con “The end” (*Guiño, recuérdenlo si la ven, porque es uno de mis momentos favoritos del film*) Creo que mi personaje favorito es el detective Kogawa, porque ahí entran mis propios mambos personales. Yo no leí la novela, pero me voy a aventurar a que ese personaje tan parecido a Lemy Caution de Godard en Alphaville, es la propia mirada del realizador: cuando se sienta en una sala de cine a hablar de cine con Paprika, el amor con el que esa animación refleja por el arte y todo, simplemente me da escalofríos rememorarla, porque algo que solamente el cine animado puede concebir hable así del cine me hace pensar que es reflejo de la mente que le concibió. Y creo que el detective ama a Paprika porque al igual que las películas - que él dice que no ama- ella pertenece a un mundo de ficción, y por eso es su mujer ideal. Un dato para romperles el corazón si es que no tienen un celular en su lugar, es el siguiente dato de color

ta en esta película es el vuelo que el realizador le da a una novela que existe desde 1993. A diferencia de Inception que arbitrariamente le impone tres niveles al sueño…Paprika no tiene límites. Los sueños son realmente gracias a la animación una cosa INCREIBLE que haría sentir orgullo a Freud. La última media hora vos no comprendes en el sueño de que soñador te hallás. ¿Qué significa todo ese bombardeo de imágenes? y lo peor de todo, el malvado es un poco degenerado con la doctora Atsuko que es una capa que se refugia a ella misma tras el rostro de Paprika. Por lo que tus niveles de odio como espectador y de incertidumbre están disparados al máximo y solamente queres que los buenos ganen y aparezca

con el que quiero cerrar esta nota: la última nota que Paprika le deja a Kogawa le recomienda que vaya al cine a ver “Dreaming Kids”, que es una película muy buena. Al final lo vemos al detective reconciliado con el cine comprando un ticket para ver dicha película de la que vemos un poster con niños de espalda corriendo hacia una playa. La cruel realidad es que ese proyecto iba a ser el próximo de Satoshi Kon, pero el destino quiso que su vida se truncara antes de completarlo y sin embargo, como Paprika de algún modo existe dentro de esa magia que el cine nos permite perdurar. Como un sueño, adentro de un sueño, adentro de otro sueño.

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SIGUE GIRANDO [ Por Nicolás Ponisio ]

Lo que Inception de Christopher Nolan gana con gran imaginación visual lo pierde con un enrevesado y, por momentos, pobre guión. Lo que parte de una idea en apariencia compleja lo es aún más con las idas y vueltas que sufre el relato. En la primera hora del film, Nolan se toma el tiempo para (sobre) explicar la estructura y reglas de su universo. Esto por momentos no ayuda a avanzar a la historia ya que dichas reglas serán repetidas en más de una ocasión a través de diálogos y ejemplos visuales (cuando Nolan recuerda que se trata de cine y no “Lecciones del viajero de sueños, vol. 1”) en un claro ejemplo de subestimar la capacidad comprensiva del espectador. Sin duda alguna el director inglés crea un universo único con secuencias de gran deslumbramiento visual (y con poco uso del CGI, lo cual siempre se le agradece), tales como la ciudad elevándose, el tren que irrumpe en la calle o el hotel giratorio. Pero así como crea sus reglas, también las destruye contradiciéndolas u olvidándose de ellas en función de dos factores:

el poder llevar a cabo con éxito la misión de sus protagonistas y el desfile de las diversas y excelentemente logradas escenas de acción. En ese último factor el film cumple más que bien y quizás solo llega a disgustar desde el lado musical. La banda sonora de Hans Zimmer puede saturar al no prescindir de ella prácticamente en ningún momento del film y al repetir siempre la misma, o simil, composición musical… lo cual hace también con la trilogía de Batman. ¿Estilo o falta de ideas? En definitiva, Inception es un film que sorprende mucho en un primer visionado, que atrae a simple vista pero que si nos detenemos a mirarlo con mayor atención vemos las grietas y fallas de un guión que peca de pretencioso. El recorrido es sumamente disfrutable, más que nada visualmente y la aventura del entretenimiento. El agrado del film reside en ello. El cine es arte del engaño y Nolan hace uso de ello… Después de todo, ¿quién puede culparlo? Que el trompo siga girando.


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EL ESCRITOR SERIAL


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THE DEFENDERS We can be heroes together… just for one time. [ Nicolás Ponisio ]

La espera terminó. El evento que cuatro series venían anticipando, y preparando el terreno desde 2015, finalmente arribó a la pantalla de Netflix. El súper equipo de justicieros, conformado por Daredevil (Charlie Cox), Jessica Jones (Krysten Ritter), Luke Cage (Mike Colter) y Iron Fist (Finn Jones) unen sus fuerzas para luchar a un enemigo en común: The Hand, la organización criminal milenaria liderara por Alexandra (Sigourney Weaver). La nueva producción de Marvel y Netflix demuestra en sus ocho episodios (cinco menos a los que nos tienen acostumbrados) que la unión muchas veces no hace a la fuerza… ni a las series. Es interesante como la serie inicia con ritmo que va trazando de a poco los arcos de cada uno de los protagonistas y cómo poco a poco la red de narrativas se vuelve una sola poniendo a los cuatro héroes en conjunto. Al mismo tiempo, va estableciendo el lugar e importancia que tienen los secundarios, o sidekicks,

como la oficial Misty Knight (Simone Missick), la ninja Colleen Wing (Jessica Henwick), la enfermera Claire Temple (Rosario Dawson) y el abogado y eterno amigo Foggy Nelson (Elden Henson). Algunos con mayor participación que otros, pero todos ellos saben cumplir en pos del desarrollo y conclusión de la trama. Eso es algo que logra quitar a los personajes secundarios del mero rol de acompañante, para despegarse de ello y demostrar que los héroes y salvadores no son solo aquellos que se disfrazan o cuentan con habilidades especiales. Son tan Defenders como el equipo principal. Allí, la unión de diferentes componentes, de personajes venidos de ambientes y entornos distintos, funciona a la perfección. Algo que con las estrellas principales ocurre de manera un tanto más desprolija y no del todo efectiva. Al contrario de lo que ocurría en la primera Avengers, el trabajo en equipo y las animosidades nacidas entre los inte-


grantes no respiran mucho del espíritu comiquero. Son más bien personajes entrelazados como excusa y la necesidad de ponerlos en conjunto, más que por una búsqueda de transmitir el heroísmo y la elección de enfrentar a ese mal. Mientras que los cuatro en conjunto no funcionan en su totalidad, lo hacen en la división de dúos. Las duplas conformadas entre Daredevil y Jessica y por otro lado Luke y Iron Fist, si bien estos últimos nunca terminan de funcionar del todo bien, ni juntos ni separados. Pero es el carisma y la química que mantienen entre sí el diablo de Hell’s Kitchen y la súper Joan Jett, lo que le brinda a la serie uno de sus mayores aciertos y el mejor resultado de la decisión de ponerlos juntos. Mientras que ella sigue su espíritu heroico y detectivesco en pos de resolver un caso desaparición, el abogado no vidente intenta mantenerse al margen de esa vida. Haciendo el bien a través de la justicia legal pero aún sufriendo los eventos que lo llevaron a retirarse como Daredevil y perder a Elektra (Elodie Yung), su gran amor. Es así como todo lo que tiene que ver con estos personajes tan distintos y parecidos a la vez, recordemos que Jessica también lleva sobre sus hombros el caos y los traumas provocados por Killgrave (David Tennant), le dan frescura e intensidad a su relación y a la serie en sí. De manera individual, todo el pasado tortuoso y el dilema de Matt Murdock en cuanto a cómo proceder en su vida de justiciero encuen-

tran un enfoque mucho más protagónico que el del resto de los integrantes. Lo que podría considerarse como un desbalance en la historia, de los cuales sufre muchos en el uso del tiempo y su estética, termina siendo un tratamiento que sube mucho el nivel del producto. The Hand es una organización que tiene como propósito adquirir la inmortalidad. Sus alianzas criminales no son más que formas para acceder a recursos que les permita continuar con su tratamiento de longevidad y poder regresar a la ciudad mística de K’un-Lun. Claramente, este nivel de planeamiento villanístico no contiene un peso de interés, sobre todo cuando lo que corre peligro detrás de ello es la salvación de la ciudad de Nueva York. Algo ya demás trillado y que denota cierta pereza en la escritura de un guión que no puede ofrecer algo más determinado e inteligente como peligro máximo. Pero vale destacar que todo punto de unión que posee el enemigo con Daredevil es lo que permite que la serie persevere en su desarrollo. Demuestra que la mejor construcción en cuanto a personaje y trasfondo es la que lo tiene a Matt como foco de atención. Incluso la serie pareciera demostrar tener cierta preferencia y tratamiento diferenciado cuando de éste personaje se trata. Una impronta cinematográfica funciona como la atmósfera que lo rodea, apartándose notoriamente del resto de la apariencia más televisiva que sufre The Defenders. Una


149 edición que posee transiciones con vistas de la ciudad o música de rap que ingresa en momentos de acción importantes, son elementos que desentonan mucho con el contenido de las escenas. Pero es Daredevil quien salva el día, y a The Defenders, con la lucha de querer apartarse de su antigua vida y a la vez el llamado del deber para salvar la ciudad que ama enfrentándose al regreso de Elektra, su dolorosa pérdida. Un arco del personaje que le debe mucho a la influencia de Elektra Lives Again y Daredevil Born Again, dos obras máximas de Frank Miller, y que aquí son tratados con el respeto que el material y su autor realmente merecen. Mientras que lo mencionado da lo mejor de sí, son otros también los elementos que le restan mucho a la historia. Factores que no tiran por el suelo lo construido, ni el interés del espectador, pero que afectan de manera considerable, demuestran una gran irregularidad en la construcción de la historia. Como el hecho de poner a Iron Fist como centro del conflicto, cuando en realidad el personaje no cuenta con una intención o trasfondo demasiado importante como para

justificar su importancia en el relato. La presencia de Alexandra también es constructora en gran parte de la presencia del enemigo con la excelencia de su actriz y el conflicto interno de su personaje que teme a la muerte. Pero la misma es desaprovechada cuando se decide ponerle fin de forma abrupta a su lugar en la trama. Ambos ejemplos son elementos que mejor trabajados dotarían a la serie de una relevancia mayor de la que termina logrando en su totalidad. The Defenders termina siendo un producto que cumple con lo justo pero que no ha sabido apostar a la magnitud de la que podrían haber sacado provecho. Mientras que los secundarios funcionan perfectamente, los personajes protagónicos no lo logran tanto. Demostrando que si bien la serie logra mantenerse de pie, con unos cuantos golpes recibidos, la mejor elección de ahora en más sería hacer que los personajes continúen sus caminos en solitario (con alguna excepción ya mencionada). Y sobre todo, seguir apostando a Daredevil como el personaje que tiene el liderazgo y la habilidad para salvarnos a todos. A Netflix incluido.


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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/


tista que lleva 22 años de carrera y si-

lanto de su nuevo álbum anunciado

gue mostrando su arte como en este

para el 14 de Septiembre que saldrá

caso con la canción "Trainer".

por el sello OWSLA. Su música siempre inquietante y tan electrónica como orgánica es acompañada por un video no menos inquietante dirigido por Allie Avital - Director sobre un concepto de Nicole se lo dejamos aquí abajo con una gran recomendación para que lo vean y les contamos que ya hubo un

Dean Hurley, el supervisor de soni-

Ummagma lanzará ‘LCD’ el 22 de

do y música de Twin Peaks, ha lanza-

Septiembre a través de Label Obscu-

do un álbum que se llama “Anthology

ra (digital, cassette) y Somewherecold

Resource Vol. 1: △△” y que le compar-

Records (CD), aunque también pue-

timos aquí abajo. El álbum que por el

den ordenarlo en Bandcamp. El remix

momento se encuentra disponible di-

de la canción "Lama" lo realizó el gran

gitalmente está compuesto por versio-

Robin Guthrie.

nes alternas y originales de música in-

El video fue dirigido por Dimitry Uziel

cidental y diseño de sonido de la nueva

y producido por Coisas Que Pairamcon

temporada de la serie.

la actuación de Ka Uziel y el propio Di-

Hurley ha coescrito y producido cua-

mitry.

tro de los LPS de Lynch, por otro lado

adelanto previo, un video sobre el tema "Blanket Me".

Después de veinte años Airiel tiene un vídeo oficial.

los que seguimos la serie leímos en los

"Molten Young Lovers", Un doble

créditos que aparece el propio Lynch

LP que saldrá por Shelflife Records el

como el encargado de diseño de so-

próximo 13 de Octubre. El segundo ál-

nido lo que nos lleva a pensar que se

bum de la banda tuvo un single ade-

trata de otra colaboración entre estas

lanto en el 2016 "Cloudburst". Y ahora

dos personas que admiramos tanto y

nos traen "This Is Permanent" y sobre

no se dejen engañar por la etiqueta de

la filmación dicen:

música incidental y diseño de sonido,

Hope Sandoval and the Warm In-

"La pasamos genial filmando esto.

en realidad estamos ante la presen-

ventions regresa con un nuevo single,

Una loca combinación de lentes de ojo

cia de un álbum de una gran calidad

"Sleep".

de pez y cámaras de seguridad, con

envolvente y seductora música experimental. https://deanhurley.bandcamp.com/ album/anthology-resource-vol-1

Éste es el adelanto de "Son of a Lady" un EP que se lanzará el próxi-

bombillas de Edison y televisores extraños."

mo 15 de septiembre a través de Pledge Music.

El 15 de septiembre se lanzará "Savage: Songs From A Broken World" el nuevo trabajo de Gary Numan y veNatfatina es un proyecto originado

La banda de Los Ángeles liderada

nimos mostrando sus adelantos a cada

en Colombia por Natalia Miranda Gior-

por Nicole Miglis (voz, piano y flauta)

semana, para empezar ésta, lanza

gi, hoy viviendo en California. Una ar-

Hundred Waters lanzó en video ade-

este audio "And It All Began With You".


153

Ya dimos cuenta de un próximo doble lanzamiento de la banda de Los An-

Flaming Lips lanzó el video sobre el

geles Luna esperado para el 22 de sep-

tema "Almost Home (Blisko Domu)" de

tiembre que consta de un LP de covers

su último álbum 'Oczy Mlody. No se tra-

llamado “A Sentimental Education” y un

ta de un clip o de una presentación en

EP instrumental con el nombre de “A

Tal cual lo dijeran en un posteo en su

vivo, en esta ocasión eligieron hacer un

Place of Greater Safety”. Dos nombres

página de facebook que compartimos

corto con los elementos que podemos

muy explícitos que nos hablan a las cla-

hace un par de semanas SPC ECO ya

ver habitualmente es sus fantásticos vi-

ras donde se encuentran parados los

subió un nuevo álbum a su Bandcamp

deos tan coloridos como provocativos,

miembros de la banda. Tras el video

de nombre “Calm” y es el sucesor de

inferimos que fue producido y dirigido

sobre el tema One Together de Flee-

“Under My Skin” un Ep de Febrero de

por ellos mismos pues no incluye ficha

twood Mac del LP, hoy conocimos del

este año.

técnica y se lo puede ver a Moby en el

mismo un nuevo video sobre el tema

Todas las canciones escritas por

Fire in Cairo de The Cure, dirigido por

Rose Berlin Garcia y Dean Garcia ex-

Keven McAlester quien dice que la can-

cepto “Waking Up Again” un punto muy

ción es la banda sonora de un pelícu-

alto de sonido shoegazer y “Pearls”una

la sobre la protagonista del video Rose

canción en tono dream pop Escrito por

McGowany.

Rose Berlin Dean Garcia y Jarek Les-

papel de un viajero espacial.

kiewicz. Producido grabado y mezclado por Garcia. Es un disco que en los primeros temas nos recuerda a Curve sobre todo

Cults, es una banda de New York

por el uso que le dan a las guitarras

con Madeline Follin y Brian Oblivion

de Jarek Leskiewicz y Perry Pelonero,

como cabezas creativas, han lanza-

más preponderantes que en los traba-

do dos temas adelanto de lo que será

jos anteriores del dúo y más noise has-

su tercer álbum “Offerring” con fecha

ta el tema 5 incluido, de a poco el ál-

de salida para el 6 de Octubre por Sin-

bum se va hacia un sonido calmo con

derlyn. Seguramente con mucha pa-

toques Dream Pop y Trip Hop que ma-

ciencia fueron armando este disco que

La preciosa banda My Favourite

nejan muy bien con preponderancia de

nos llega a cuatro años de su antece-

Things acaba de lanzar el tercer single

teclados siempre claro está con la voz

sor Static (2013), un disco que no tuvo

del álbum "Fly I Will, Because I Can",

de Rose llevando el timón.

la contundencia y las luces de su ex-

el video del track "Some Things Stay the Same (Stay a Little While)" fue dirigido por Hiroshi Shafer. La banda de

celente debut Cults (2011) pero a juzDe momento se trata de una edición digital y la portada es de Rose Berlin.

gar por los adelantos. El tiempo que se tomaron fue muy bien utilizado y tan-

Brooklyn es liderada por Dorothea Ta-

Lo recomendamos fervientemen-

to “Offerring” su primer corte como “I

chler y su último trabajo lo pueden en-

te como toda su discografía a la que

Took Your Picture” son muy sólidas con

contrar en su bandcamp.

pueden acceder desde su bandcamp.

climas muy bien logrados que nos su-

https://spceco.bandcamp.com/album/

mergen en las canciones que pueden

calm

escuchar por spotify

https://myfavouritethings.bandcamp.com/album/fly-i-will-because-ican


PURA MELOMANIA


LA PROFUNDA BONDAD DE LOS VEGETALES, Y OTRAS MORALEJAS SÓNICAS The Beach Boys – Smiley Smiley (1967) [ Gabo Rojo ]

En la escena musical actual, resulta impensable que un disco que contenga “Good Vibrations” y “Heroes and Villains” pueda llegar a ser visto como un fracaso. Pero en 1967, tras el lanzamiento de Pet Sounds y “Good Vibrations” como single y la expectativa generada por los rumores entre connoisseurs de que Brian Wilson estaba a punto de producir su obra maestra, nada podría haber resultado más desconcertante para el público que Smiley Smile. El beneficio de la perspectiva nos permite apreciarlo por su estética proto-Ambient y por marcar el inicio del período Minimalista de Brian Wilson. Hay mucho para rescatar en este disco además de las indiscutibles “Heroes and Villains” (un cabaret Western psicodélico, el atisbo más cercano de lo que iba a ser Smile) y “Good Vibrations” (la innovadora “sinfonía de bolsillo” que sería el último #1 de los Beach Boys hasta 1988). La versión de “Wonderful” aquí incluida hace honor a su nombre, con Carl casi susurrando la espectacular letra (“never known as a non-believer…”) del colaborador lírico de Brian para este proyecto, Van Dyke Parks. “Vegetables” es otro de esos ejemplos de “felicidad en-

capsulada en 120 segundos” tan propios de los Beach Boys (aunque claramente más influenciado por narcóticos.) E incluso en canciones menores como “Little Pad”, las armonías son sencillamente de otro mundo. La naturaleza fragmentada del álbum, así como sus colores y texturas, recuerdan al posterior y universalmente celebrado Another Green World de Brian Eno. Incluso en sus aparentes traspiés, los Beach Boys alteran el curso de la música indefecitiblemente.


TARDÍA VICTORIA DEL POP SOBRE EL ROCK AND ROLL Iggy Pop – Lust For Life (1977) [ Benjamín York ]

Antes de empezar busquen el disco, en donde quieran… CD, vinilo, cassette (ahora que está de moda de nuevo), mp3, o alguna plataforma virtual… los espero… vayan… Ahora denle “Play” y dejen llevarse por el sonido y este texto… Partamos de la base que el título de esta reseña es más una broma que una realidad, y es un juego con el hecho de que Lust for Life de Pop fue opacado comercialmente por la muerte del Rey del Rock And Roll, Elvis Presley. Y la razón, por más extraña que hoy nos parezca, se debe a que la compañía discográfica RCA abandonó la promoción y apoyo del álbum Lust for Life para dedicarse a reeditar material del Rey del Rock and Roll. Pero con el tiempo la calidad del álbum hizo que las críticas lo pongan en el lugar que se merece. Entonces Iggy Pop tuvo una tardía victoria sobre el Rock and Roll, sobre el Rey. Pero con esto no quiero abrir un debate. Segundo trabajo como solista de Iggy Pop, después de The Idiot de abril de ese mismo año. Como todos sabemos este álbum pertenece a ese período conocido como La Trilogía Berlinesa. Claro, estamos hablando de David Bowie. Y mucho tiene que ver el ex-Ziggy Stardust con este año de la Iguana. Después de su álbum debut producido por Bowie y de la gira de presentación de ese álbum, ambos ya tenían pensado entrar al estudio para escribir un nuevo álbum. Como todos sabemos que 1977 fue un año explosivo para la música, explotó el Punk Rock en Inglaterra y en el mundo, pero mientras eso pasaba los grandes artistas estaban en busca de hacer algo nuevo. Un Bowie post Glam buscaba en Berlín un nuevo rumbo a su carrera. Recuerdo una artículo que Iván Mirabal de Iguana Lovers escribió para el especial de David

Bowie que hizo The 13th, llamado "Leche y Cocaína" en donde describía este periodo en que ambos trabajaron juntos. Recomiendo leerlo. "Somos chicos buenos, no tomamos drogas desde hace por lo menos tres horas" Pero volviendo a Iggy Pop después de The Idiot y de la gira, volvió a encerrarse en el estudio bajo la dirección de Bowie y tal fue el aporte de David al álbum que se escucha al Duque Blanco en varios coros y se ve su firma en muchas de las canciones. Se dice que fue una competencia de tiempo completo, casi dormían en el estudio, Bowie con un desmedido impulso creativo que Iggy le despertaba, e Iggy pensando y tratando de que el disco no suene muy a Bowie. ¿El resultado? Tal vez uno de los mejores álbumes de Mr. Pop. Mientras en Inglaterra explotaba el punk, el padrino de esa criatura se encerraba con una de las figuras que había influenciado a gran parte de esa rebeldía antisistema. Este álbum traería uno de los himnos que

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marcaría a fuego la actitud de una auténtica y visceral postura punk. Lust for Life. Que sin lugar a dudas selló la actitud de un hombre que fue punk antes de que se creará el punk. Hablar del álbum Lust For Life es abrirnos a un mundo tumultuoso, vibrante, perdido, insano, descontrolado, pero de gran ingenio y belleza, creativo e irrepetible. Para el álbum David vuelve a traer a Carlos Alomar, quien ya venía de participar en The Idiot. Pero en esta grabación se incorporan los hermanos Tony y Hunt Sales (años después formarían Tin Machine con Bowie). La anécdota cuenta que David le hizo escuchar la canción “Lust For Life” y le dijo a Reeves Gabrels “acá está la base que necesitamos”. La producción sería de Iggy y David, utilizando el seudónimo de The Bewlay Bros (nombre de la última canción de Hunky Dory). James Osterberg había editado su debut muy absorbido por las ideas sonoras que su amigo David estaba experimentando, por eso The Idiot es un álbum que en su esencia es mucho más Bowie que Iggy. Pero en éste Lust For Life, Pop se hace de un disco más rockero y más salvaje, más cercano, si se quiere, a los Stooges. Si bien este periodo fue muy convulsivo para los dos, el disco se escribió, se grabó y se mezcló en sólo ocho días. Y lo cual le valió poder repartirse el resto del dinero adelantado por la compañía. Aunque esa idea primaria de ir a Berlín para alejarse de los excesos y el consumo de drogas fue un rotundo fracaso. Según palabras de Ángela Bowie: "creo que llamarlo decadente es demasiado suave, malgastaron el tiempo y dinero; se pasaron todo el tiempo discutiendo sobre quién se iba a tirar a la drag queen más guapa". Si bien la decadencia que describe Angela dio como resultado cinco grandes álbumes (la trilogía berlinesa de Bowie y los dos primeros álbumes de Iggy) la competencia existió en todos los niveles. Como dije antes uno por crear y el otro por no querer perder el control. Se cuenta que ambos dormían muy pocas horas y que Iggy trataba de despertarse siempre antes que David para que no estuviera haciendo cosas sin la mirada de Pop. Por eso Iggy comentó:

"Mira, Bowie es un tipo muy rápido... me di cuenta de que tenía que ser más rápido que él, de lo contrario ¿de quién sería el álbum?" El tracklist es bien rico y bien variado, podemos escribir mucho acerca de cada tracks pero trataré de transcribir lo que más pueda sin ser aburrido, trataré de contarles un poco la historia de cada track o de la mayoría. El disco abre con la canción que titula al álbum, y que es una de las canciones más representativas de Iggy Pop a lo largo de su larga trayectoria como solista (podríamos agregarle otro track de este álbum, "Cold Metal", "Home", "Candy", entre varias otras canciones que podemos mencionar). Volviendo a la canción Lust For Life. La canción es estrictamente el himno de Iggy Pop, que encierra toda la rebeldía genuina de un nuevo y renovado Iggy que en 1977 fue devuelto a las grandes ligas en el plano musical, obviamente todo el crédito de esta redención se lo lleva su amigo Bowie. David fue el encargado de escribir la música (si bien no aparece en los créditos de la canción "Are You Gonna Be My Girl” de la banda Jet) y Pop de la letra. Indudablemente está canción tiene más que ver con los Stooges, ya que es visceral, potente e intimidatoria, sobre todo si se lo pudiera ver a la iguana ejecutarlo en vivo y en directo. En el año que el punk explotaba Iggy le ponía el acento de la experiencia. Antes de escribir me puse a investigar un poco más sobre cada canción y leí que ciertas similitudes a la canción podemos encontrarlas en canciones anteriores como por ejemplo la introducción del bajo y la batería se puede escuchar en The Supremes - You Can't Hurry Love (1966) o “Martha And The Vandellas - I'm Ready For Love (1966). O también Incredible Bongo Band - Let There Be Drums (1973). Y así como mencionamos a Jet podemos mencionar también a Travis con su ritmo similar en “Selfish Jean” (2007). Obviamente la canción tomó otra dimensión al ser utilizada para la banda Sonora de “Trainspotting” (1996) y vuelve en su remix de The Prodigy en este 2017 en la banda sonora de “T2. Trainspotting”. En cuanto a la letra William S. Burroughs aparece desde el principio:


“Aquí está Johnny Yen otra vez, con el licor y las drogas”… Johnny Yen era un personaje del libro de Burroughs, “The ticket that explodes” (1962) La canción fue compuesta por David (se dice que en un ukelele) según dichos de Iggy en una entrevista en 2013 ellos veían la transmisión de las fuerzas armadas y una vez a la semana pasaban a Starsky & Hutch (serie de los años 70's) y se había convertido en una especie de ritual. Y que cuando terminaba la transmisión se veía la imagen de una torre de comunicación con un bip, bip, bip de código morse. Bowie tomó el ukelele y lo tocó y ahí nació la música. Cuarenta años y sigue siendo una canción que da ganas de saltar. “Vivir en un apartamento en Berlín con Bowie y sus amigos era interesante. ¿Quién hizo las tareas domésticas? Bueno, me parece recordar que alguna vez pasé la aspiradora. El gran evento de la semana era en la noche del jueves. Cualquier persona que todavía estuviera viva y capaz de arrastrase hasta el sofá, hacía lo posible por poner el canal dónde programaban Starsky y Hutch.” "Sixteen" me hace recordar a canciones de los Stooges como "Penetration". Sucia, cruda, descontrolada, desafiante, con esos riffs entrecortados y repetitivos lo cual hace que el ritmo sea vibrante y enérgico.

La voz de Iggy tiene la vibra desafiante y arrogante de los Stooges. Esta canción fue compuesta íntegra por Pop y se nota. “"Some Weird Sin"” es una canción escrita por Iggy (letra) y Bowie (música). El bajo distorsionado de Sales en el comienzo destaca y atrás se escucha el arpegio de Alomar, luego el bajo es potente en el fondo de las guitarras que con riffs tajantes van dándole un ambiente rockero pero apocalíptico con la voz de Iggy salvaje y hablando de estar al límite de lo permitido. “The Passenger” sea tal vez otras de las canciones emblemáticas de Iggy Pop. Escrita por Ricky Gardiner. La historia cuenta que tanto Bowie como Iggy lo invitaron a grabar como músico sesionista, al menos eso pensó Ricky. Cuando llegó el momento ambos le preguntaron si había traído algo para usar, recordó esa proyección se acordes que había estado tocando sin importancia en su jardín un día de ocio. Y esos acordes fueron los que desataron esta gran canción. El texto de la canción está basada en un poema de Jim Morrison, viejo amigo de Iggy y que Pop la escribió viajando en el S-Bahn (el subte de Berlín). Alguna vez la describió como el solitario y nómade espíritu de un vagabundo punky. Aunque he leído también que la atribuyen al vampirismo cultural de David. Está canción tuvo una renovación cuando Siouxsie and The Banshees la versionó en su álbum Through The Looking Glass (1987). Y para una de las bandas sonoras de Batman la versionó Michael Hutchence (INXS).

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"Tonight" sin lugar a dudas mucha gente se la atribuye a David Bowie, sacada del álbum del mismo nombre. Como ha pasado con China Girl del anterior álbum de Iggy, The Idiot. Pero Tonight en realidad es una canción que nació para Lust For Life. Y obviamente mucho influyó David en esta canción y apenas arranca en esos coros escuchamos la voz de Bowie. Una canción pop que le sienta muy bien a Iggy en ese registro de crooner. Y la letra aborda la muerte de un amor por sobredosis. "Success" abre el lado B si estás en el vinilo. Y acá nos encontramos con otros coros Bowieanos. Es un rock tradicional con toques a los Stones o al Ziggy Stardust. En la guitarra parecería estar el mismísimo Mick Ronson. Paradójicamente este fue el único single y en su lado B tenía a The Passenger. La letra ha-

"Jesús... this is Iggy"… “No sabía lo que estaba haciendo, no quise hacerlo, pero lo hice, me disparé… ¡Mamá me disparé!”

bla de lo absurdo y divertido que puede ser tener éxito. Si uno escucha un rato la guitarra puede hacernos recordar a “All Young Dudes”. El final con las palmas es simplemente contagioso. ¿Se imaginan a Iggy en esa época cantando un blues? Bueno "Turn Blue" es un ácido blues en donde Iggy nos habla del abuso de la heroína, y fue escrita en uno de los peores momentos de Iggy en su adicción. Pero más allá de esto, es una canción escrita en 1975, en uno de los intentos de rescatar a Iggy por parte de David. La sesión fue un desastre y la canción fue coescrita entre ambos y Warren Peace, quien venía trabajando con Bowie desde Aladdin Sane (1973) hasta Station to Station (1976) y estaba presente en esas sesiones. La sesión sería para registrar dos canciones, una nueva versión de "Sell Your Love" de los Stooges y, como lado B, “Moving On”, que fue el nombre que tuvo "Turn Blue". La sesión culminó con Iggy yéndose del estudio y ni volviendo más. Obviamente fue retomada para este álbum y David logró una de las mejores performance vocal de Pop en su carrera. Escuchar esta mezcla de crooner con voz en un tono casi de confesión, y de repente saltar cuasi James Brown en Please, Please, Please... con esos gritos desgarradores pidiendo auxilio. Y luego vuelve al tono oscuro y confesionario, para saltar a la adrenalínica y espasmódica inflexión típica de Iggy, mezcla de ironía intoxicada con espasmos de locura.

ciendo a medida que avanza y que casi sin sutilezas nos acerca al rock más crudo y áspero de esos años de Iggy en la banda que lo hizo conocido. "Fall In Love With Me" es el track que cierra este gran Lust For Life. Para esta canción se dice que la banda cambió de instrumentos, rotaron. Tony Sales toca la guitarra, Hunt Sales el bajo y Ricky Gardiner la batería. Una canción que nació de una zapada de la banda e Iggy escribió la letra para su novia Esther Friedmann, quien era fotógrafa de esa relación de Bowie e Iggy con Berlín. Pero musicalmente está más orientado a un descontrolado pop, con un aire pesadillesco sobre todo en algunas guitarras y el teclado, aunque este a veces parezca un poco a go go. Es como subirse a un caballo y llevarse llevar por el galope y sentir esa adrenalina y ese ir y venir del viento en la cara.

La estructura de la canción va dejándose llevar por la voz de Iggy, y, si bien pasa a un segundo plano por la soberbia interpretación de la iguana, la sonoridad es bien sólida y precisa, el piano es simplemente una belleza (aunque hay que prestarle mucha atención). Los coros son otra frutilla en este postre, comandado por Bowie hace que se realce y se refuerce la voz de Iggy. Nos vamos acercando al final y "Neighborhood Threat" es el paso previo a culminar este gran álbum. Sonoramente podemos encontrar algo de los Stooges como del glam Bowieano. Una canción que va cre-

Para terminar puedo decir que sin lugar a dudas es el mejor trabajo de un Iggy inspirado, si bien a lo largo de su carrera ha hecho muy buenos discos, Lust for life tiene algo que ningún otro tuvo, un David inspiradísimo y una banda tremenda que respaldo el frenesí berlinesco de estas dos criaturas que abusaban del exceso pero que haciendo su trabajo, su música, fueron y serán inigualables. Disfrutar de este álbum es disfrutar de un período cargado de excesos y locura, pero con un esplendor creativo único e irrepetible. Ahora pongan “Play” de nuevo.


MADRE TIERRA, HERMANO SOL Y HERMANA LUNA Love and Rockets - Earth, Sun, Moon (1987) [ Diego Centurión ]

Hablar de una banda como Love and Rockets es ponerme la piel que llevaba en ese 1987, con mucha música disponible en mi colección, y la frescura de un adolescente que compraba los casetes en lugares "non santos" pero que todos acudíamos casi religiosamente los domingos a la mañana, antes de la una del mediodía porque se cerraba esa feria clandestina. Empezamos con un poco de rigor histórico. Tercer álbum de la banda de los ex Bauhaus, Daniel Ash, David J y Kevin Haskins. Luego de su "Express" de 1986 el éxito los abrazaba, pero sería todavía mayor con el lanzamiento de este "Earth, Sun, Moon" en 1987, ya que llegaría su primer gran éxito en EEUU. El single "No new tale to tell". Particularmente es uno de mis álbumes preferidos de la banda. Si bien Love and Rockets es una banda que siempre ha editado trabajos impecables y sin repetirse. Cada álbum es una joya, aunque muy poco valorada por la prensa, como que siempre se la trató como una banda menor (siempre a la sombra de Bauhaus). Pero la banda ha tenido un desempeño exquisito dentro de los estudios en donde le haya tocado registrar sus álbumes. Siempre traté de pensar un álbum como una unidad y no tanto como parte de una discografía, aunque a veces esto último sirve para enmarcar un cambio o una continuación. En este caso su pasado me sirve para aclarar que si esperan otro "Express" no lo encontrarán. Aunque el comienzo sea con la contundente "Mirror People" la cual nos lleva a un oscuro y claustrofóbico pasillo angosto en donde todo parecería ser apocalíptico. La apocalíptica y ruidosa "Mirror People". Y por más que pensemos en unos L&R muy estruendosos entre el shoegaze y el noise, tenemos

oscuridad en esos semitonos distorsionados, y en ese bajo tan potente y presente de David J., que es una lanza que va llevando la canción desde la sólida estructura del siempre perfeccionista Kevin Hasking y su ritmo incesable. La batería suena gigante, sumado al bajo forman la base para que la guitarra de Daniel Ash se encargue de darle el toque diferente. Ya que Daniel no es un guitarrista convencional, su técnica es siempre única e irrepetible. Por momentos oscura, por momentos histérica, por momentos filosa. Un comienzo de álbum intenso. Pero en "The Light" es otro golpe oscuro pero en éste track empieza uno de los condimentos básicos de este álbum, la guitarra acústica. Es un fantástico track, que contrasta con el anterior, oscuro, enigmático, denso, cargado de negrura. Empieza con un mar de reberverancias y acoples, y el bajo haciendo una base distorsionada. Este mar de caos guitarrístico perdura toda la canción, pero cuando entra la voz y el ritmo aparece una acústica.

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Desde "Welcome Tomorrow" empieza un disco que ilumina la oscuridad de los dos primeros tracks. Si bien tenemos canciones que no pierden la oscuridad y la armonía dark, lo hacen con una sonoridad más dulce, o más luminosa que los anteriores trabajos. Hay momentos que las canciones toman una vuelo que suena totalmente de estos días. También tenemos canciones como "No New Tell to Tell", "Rain Bird" o la maravillosa "The Telephone Is Empty", que siempre me recordaron a The Beatles. Pero también tenemos un rock and

roll en "Lazy". Y el resto que no mencioné son tan bellas que valen la pena escuchar todo el disco y pensar en cuantas bandas podemos encontrar hoy con esa mezcla de guitarra acústica y banda. "Earth, Sun, Moon" es la muestra de cómo un álbum, sin ser la consecuencia de un tiempo específico, transforma su mirada sobre la música, reinventándose pero sin traicionarse. Como dije al principio Love and Rockets muta en cada álbum y ésta versión es exquisita.

OSCURA BELLEZA The Doors - Strange Days (1967) [ Pablo Ravale ]

Tan sólo cinco meses después de saltar al estrellato con su álbum debut, los Doors se metieron nuevamente al estudio de grabación para grabar Strange Days. Bien dice el refrán que una banda tiene toda su vida para hacer su primer disco, y sólo seis meses para hacer el segundo. Pero bueno, aquí los Doors demuestran que no eran una banda más, unos “one hit wonders”, lanzando un disco casi igual de genial que su predecesor. Realmente me sorprende lo prolífico que eran los grupos de aquella época: ¡dos obras maestras en el mismo año! Claro que el álbum debut había sido grabado en agosto del 66 y publicado en enero del 67, con la psicodelia prácticamente en pañales, por lo que The Doors, si bien tiene muchos elementos que podrían considerarse psicodélicos, es básicamente un álbum de blues-rock, con sus toques de pop y jazz. Aquí, en cambio, estamos en pleno 1967, en el apogeo de la psicodelia y el flower power. Fíjense que hasta los Rolling Stones se volvieron psicodélicos por esos tiempos. Por lo tanto, los Doors se suben de-

finitivamente a la psicodelia en Strange Days. Pero no es que copian lo que se hacía por el momento: al contrario, el sonido de la banda sigue siendo único e irrepetible. En esencia, Strange Days sigue siendo pop, con canciones de 2 o 3 minutos con grandes melodías, sólo que la forma de tocar ese pop se hace más


psicodélica y oscura. Es decir, in dejar de tener el típico toque Doors: la guitarra de Robby Krieger sigue en gran forma, John Densmore sigue teniendo ese toque jazzístico y sutil, Ray Manzarek sigue aportando sus embriagadores pianos y sus órganos psicodélicos, y Jim Morrison sigue cantando de manera sexual y oscura letras extrañas y místicas. Entonces, el estilo cambió, pero a la vez sigue siendo el mismo estilo original con el sello Doors. Hay mucha gente que considera a este disco superior al debut. Si yo tuviera que elegir uno, quizás elegiría el primero, pero veo fácilmente por qué la masa elije así: el sonido de Strange Days es más seductor. Es difícil de explicar, más bien se tiene que sentir. Es realmente increíble como lo que en el fondo son simples canciones pop pueden ser transformadas en una experiencia tan fascinante, tan subyugante, que transporte a lugares tan mágicos y delirantes. La mar-

personajes grotescos: todo el disco expresa esa sensación de “no formar parte”, de ser un extraño, demostrando una vez más la pluma exquisita de Morrison. Con semejantes elogios, es obvio que la mayoría se incline por éste antes de su predecesor. Para mí, sin embargo, el anterior era más largo, poseía más clásicos, y éste tiene más relleno. En otras palabras, las canciones de The Doors son superiores. El disco abre con una misteriosa melodía de órgano que indica lo que será la atmósfera del álbum: “Strange Days” para ponernos a tono con lo que será y una pieza sombría, mágica, sobrecogedora, con una melodía hipnótica. Luego viene “You're Lost Little Girl”, que abre con un escalofriante riff de bajo para luego deslizarse por una atmósfera realmente maligna, una melodía triste y líneas de guitarra absolutamente brillantes, incluyendo un fantástico solo muy melancólico. La letra es es-

cha carnavalesca de Strange Days, el bajo (cortesía del sesionista Douglas Lubahn) de “You're Lost Little Girl”, el increíble órgano de “Unhappy Girl”, los efectos tenebrosos de “I Can't See Your Face In My Mind”, todos esos pequeños matices a simple oída parecen inofensivos, pero esconden sentimientos terroríficos, siniestros y demenciales. Las letras, claro, ayudan a eso, con un estilo extrañamente existencialistas. Muchas de las canciones parecen ocultar sentimientos de incomodidad, como si Jim se sintiera excluido y aislado por la sociedad, y hablan de la tristeza y la soledad de las personas “distintas”. No es casualidad aquella genial tapa con esos

calofriante y repetitiva (mántrica), con Jim hablándole a una chica y reiterándole todo el tiempo que está perdida. La única canción que no cumple con la atmósfera general del disco es “Love Me Two Times”, pero por suerte sigue siendo excelente. Cuenta con uno de los mejores riffs que jamás haya oído, irresistible, pegadizo y potente y un perfecto solo de un piano imitando a un clavicordio en el medio. La tensión va subiendo subrepticiamente y sobre el final, sin darnos cuenta, el caos está desatado con el falso clavicordio martillando las notas y un Jim totalmente desatado gritando frenéticamente.

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A continuación llega uno de mis temas predilectos, “Unhappy Girl”. ¿Qué es lo que lo hace perfecto? Es intangible. Veamos, ésta es una canción de… ¿surf-pop? Podría haber sido tocada tranquilamente como un típico beat de la primera mitad de los 60. Y los tipos agarran esa cosa tan inocente y la transforman en una experiencia sádica, escabrosa, oscura. No sé qué es: tal vez la melodía, tan irresistiblemente pop, esconde algún detalle infernal; quizás sea ese órgano tan psicodélico, tan gótico; o podrían ser las líneas de guitarra de Krieger, caribeñas, alegres, pero también sombrías. Hasta aquí el álbum era perfecto, pero luego empiezan los divagues. “Horse Latitudes” es vilmente odiada por casi todos, pero en realidad yo no creo que sea tan terrible. Se trata de un poema de Jim sobre caballos ahógandose, enmarcado en efectos de “terror” y psicodélicos. Cierto es que quita fluidez, pero

sobre el final también bastante aterradores y bizarros. La letra vuelve al tema de la gente extraña, con una melancolía infinita, y es realmente brillante: «People are strange / When you're a stranger / Faces look ugly / When you're alone / Women seem wicked / When you're unwanted / Streets are uneven / When you're down...When you're strange / Faces come out of the rain / When you're strange / No one remembers your name». Luego llegan dos temas de relleno pero que siguen siendo buenos. “My Eyes Have Seen You”, con un gran riff de guitarra, y “I Can't See Your Face In My Mind”, una balada que se hace algo larga, nunca termina de explotar y no posee muchos atributos más allá de su sensacional atmósfera con una letra algo triste, sus escabrosas marimbas y sus líneas punzantes y oscuras de guitarra eléctrica. El disco termina con otra suite extensa al igual

para mí, funciona de alguna forma. Es un simple experimento que logra recrear una atmósfera caótica, y además dura un minuto y medio. Es relleno, pero es decente. Me encanta el contraste que genera el final de “Horse Latitudes” y la aparición tan inmaculada y limpia del piano que inicia “Moonlight Drive”. Es ésta realmente una canción genial, con un gran piano de Ray, las mismas geniales líneas de guitarra playeras de “Unhappy Girl” y una melodía encantadora. Iniciando la segunda mitad del disco tenemos otro clásico con “People Are Strange”, otra gema pop con la mejor melodía del álbum, irresistible, pegadiza y sensual, pero nuevamente tenemos una atmósfera algo extraña y oscura, con líneas de guitarra adictivas, un piano siniestramente colorido y unos coros

que el disco debut, sólo que esta vez es más animada. “When The Music's Over” comienza con una melodía de órgano similar al de “Soul Kitchen”, con un estribillo enloquecido y genial y una gran ejecución de Densmore en la batería. Luego un solo distorsionado de guitarra antecede a la sección del medio, similar a la de “The End”, con los instrumentos que se van callando de a poco hasta que queda solamente un sombrío órgano y un bajo también siniestro. Todo parece diluirse hasta que, de repente, Jim grita NOW! y los instrumentos arremeten de la nada furiosos acompañando sus escandalosos gritos de «Save us! Jesus!». En resumidas cuentas, Strange Days es una obra maestra, cuya increíble atmósfera y originalidad lo hacen una escucha obligada.


MULTITUDES EN EL SUBTERRÁNEO Depeche Mode – Music For The Masses (1987) [ Alejandro Cenizacromada ]

Depeche Mode me empezó a inquietar cuando estaba a punto de cumplir los quince años. El bombazo en 1990 con Violator me hizo ir a la tienda y comprar mi primer disco. Obviamente quedé fascinado con el álbum de la austera rosa sobre el fondo negro, pero me di cuenta con tristeza que no estaba la canción que más me inquietaba, Strangelove. En la radio solían pasar la versión corta del remix hecho por Tim Simenon llamado High Jack, o en su defecto el Pain Mix de Phil Harding. En otra emisora una noche de año nuevo de 1991 como una especie de epifanía espiritual, descubrí la versión del Music for the Masses. Me impactó la atmósfera de los sintes, todo como en una especie de ambiente lleno de niebla y un beat menos bailable y más cadencioso al de los remixes. Fui a la tienda de discos y averigüé el nombre del álbum donde venía y compré la edición mexicana en vinilo que llegaba por encar go. Con tan mala suerte que cuando la adquirí, en la ansiedad por llegar a casa para escucharlo, el vinilo se me salió de la funda y se estrelló contra el césped estropeando la primera canción Never let me down again. Igual tuve que disfrutar lo que quedó del vinilo hasta que nuevamente compre el cassette importado de Norteamérica meses después. Esa fue mi atropellada experiencia para adquirir el álbum Music for the masses de 1987. El disco en cuestión me inquietó mucho porque yo tuve que conocer a Depeche Mode de atrás hacia adelante, no conocía sus primeros álbumes de carácter más experimental. Era la época en que los rockeros colombianos estaban obnubilados por el Hard Rock tipo Bon Jovi o Guns N Roses, lo cual me parecía cool, pero dentro de mí sabía que no era lo mío. Cuando en temas como Strangelove descubrí esos ruiditos raros

que eran como arreglos en la canción, todo ese rollo de los samplers me fascinó. Me inquietó la idea de que en la música electrónica uno podía desarrollar o personalizar un sonido que no existía en los instrumentos tradicionales. Para Depeche Mode fue un salto significativo cambiar el productor que habían sido Gareth Jones y Daniel Miller en los discos anteriores. De Berlín se fueron a Francia por ende la atmósfera industrial de pasadas aventuras se difuminó un poco y contrataron al productor Dave Bascombe quien trabajó también con Tears for fears. El intro de Never let me down again llegó como un error de programación que se disparó por accidente durante las sesiones y quedaron encantados con el resultado, algo que Alan Wilder definió como “accidentes afortunados”. Never let me down se convirtió en una canción obligada con el tiempo en los conciertos de DM en esa ceremonia sobre la amistad incondicional en la cual Dave hace que el público agite los brazos como si fuesen espigas de trigo al viento. Ese fue el primer paso entre la comunión Rock electrónica en la historia de la banda; si bien los Devo

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fueron los pioneros en la combinación de Rock y sintetizadores, Depeche le aportó el lado espiritual a esta historia. The things you said es una balada que se mueve sobre una secuencia de sintes, más minimal, pero no menos profunda que los temas realizados para Black Celebration en la voz de Martin Gore. Un reclamo ante la falta de honestidad en las relaciones interpersonales que cobra mucha fuerza con el dramatismo en la voz del compositor de DM. Se siente una fuerte influencia de Kraftwerk en la composición desde mi punto de vista. Strangelove, con su introducción de sonidos de grillos, una brillante secuencia rítmica, la atmósfera nocturna en los pads de los sintetizadores y para mí, la canción donde Dave Gahan suena a Dave Gahan en toda su belleza. Había sido un problema grabarla porque en el single aparece más dance (por así decirlo), pero tenía dificultad llevarla al terreno del concierto. Así que la dejaron en manos del jefe Daniel Miller para resolverla con la mezcla que se escucha en el álbum donde gana en profundidad e introspección. La defino como una frase de Milan Kundera en la insoportable levedad del ser: el cinismo en el amor, en un mundo donde todo está permitido y por lo tanto todo está perdonado de antemano. Sacred es un tema de corte mucho más gótico sin pretensiones, una canción excelsa. De esas joyas oscuras en toda la discografía de DM que terminan siendo un preciado tesoro para los fans. Evoca a los primeros Xymox o The Sisters of Mercy. Little 15 es para mí una canción que termina siendo como la consecuencia de la obsesión sexual de A Question of Time del Black Celebration, pero también puede significar la no aceptación del paso de los años. Un tema lúgubre curiosamente lanzado como sencillo a pesar de lo experimental y anti comercial que es. Su base es una secuencia tomada de una especie de acordeón tétrico, acompañada de una melodía nostálgica de piano donde sirven de marco para la hermosa voz de Dave Gahan. Behind the Wheel es sobre el control y la sumisión ante la figura femenina. Un baile exquisito y oscuro, synthpop mas synth que pop. Va al punto con el juego de voces de Martin y Dave, se le suma una guita-

rra que aunque solo lanza pequeños riffs tiene mucha presencia en la canción. La secuencia electrónica sobre la que cabalga la pieza es minimalista pero contundente. Se dice que Martin la compuso en parte porque no sabía conducir. Recomendable el cover que aparece como B Side en el sencillo de Behind the Wheel llamado Route 66, de William Troup y que haría famoso el trio del gran Nat King Cole. Sobre todo el remix de Beatsmasters. I want you now debería ser otro clásico, aún recuerdo que sin ser single, la ponían mucho en 104.9 FM hace años en Colombia. La voz de Martin haciendo una especie de canto gregoriano sobre el deseo, le daba un aura sublime a la pieza que parte de samplers de gemidos sexuales sacados de una película porno según el productor Dave Bascombe. Un acordeón al que solo abrían y cerraban el fuelle sin presionar una sola nota y una síntesis apropiada para el sentimiento de la canción aplicada a la electrónica ambiental. De lo mejor de DM. Bastante sugestiva también la versión en guitarra hecha por Martin en posteriores recitales. To have and to hold el tema más industrial del disco que arranca en el final de I want you now, con una grabación de radio hablada en ruso y unas percusiones lentas, oscuras y llenas de óxido con una letra que reflexiona sobre el valor de lo que se tiene y lo que se pierde. En este track es importante apreciar la versión llamada Spanish taster que venía como B Side del sencillo de never let me down again. Fue incluida en posteriores reediciones de Music for the masses y permite apreciar como Martin Gore concebía la canción. La versión de To have and to hold del álbum MFM está concebida por Alan Wilder. Nothing es Rock en formato Kraftwerkriano. ¿Qué esperas? ¿A que el mundo haga por ti todo lo que tú no puedes hacer? Leyes del karma, leyes de la compensación. Más extrovertida que los otros temas según yo, muy poderosa,muy cool. Pimpf es una de las perlas negras de toda la discografía de Depeche. Influenciados por Philip Glass. El nombre parte de una organización nazi que se educaba a los niños que se convertirían en miembros de las juventudes Hitlerianas. Un piano minimalis-


167 ta al que van sumándose diferentes instrumentos en un aire apocalíptico, como un ritual de primavera de Stravinsky pero puesto con lupa para desencadenar toda su magnificencia hasta quedar súbitamente en un silencio atronador. Music for the masses es un álbum inmune al tiempo y las modas está ubicado en un lugar diferente tanto toda la obra de los de Basildon y por ende de toda la

movida synthpop Europea. La gran virtud del disco fue que en álbumes como Construction time again habían muchos recursos, mucho samplers, mucho sonidos. Aquí supieron crear una excelsa pieza partiendo de menos elementos como unos Joy Division sintéticos. Treinta años y los parlantes en ese bello atardecer resuenan con más fuerza.


UN TRIUNFAL “HASTA LUEGO” Ministry - TheLast Sucker (2007) [ Pablo Ravale ]

Todo lo que tiene un principio tiene un final, y en 2007 le tocó a Ministry rematar la trilogía anti-George W. Bush con The Last Sucker. En este caso, el título (y la ilustración interna del álbum) es una parodia de La última cena de Leonardo Da Vinci (vamos, The Last Supper). En este trabajo tenemos una labor muy completa y fiel a lo que nos encontramos en el Houses Of The Molé y –sobre sobre todo– en el Rio Grande Blood, pues se sigue apreciando esa fuerza y velocidad propias del metal. Esas trazas thrash que ya nos topábamos antes siguen ahí, al igual que los típicos arreglos mega-industriales que siempre nos brinda el tío Al Jourgensen en sus obras. La realización de este disco supone el final de una etapa de Ministry, una muerte clínica que duró desde 2008 hasta el 2011 cuando se reunieron para sacar a la luz el Relapse de 2012. Tal vez la palabra “muerte” suene un poco fuerte, pero después de escuchar este discazo la cosa no es para menos. ¡Que potencia, damas y caballeros! Menudo despliegue de originalidad, texturas y riffs. Y con respecto a la voz de Jourgensen, hay que decir que en este trabajo intenta mostrar mayor versatilidad en sus registros y efectos para disfrute del oyente. Abre “Let's Go” en un ambiente urbano mientras unas guitarras adictivas y veloces van surgiendo y envolviéndonos en la magia de la monotonía. Excelentes solos (impresionantes Mike Scaccia y Tommy Victor), excelentes letras... todo marcha sobre rieles. “Watch Yourself” sale puramente Ministry, con adornos industriales a trochemoche y una batería y guitarras mecánicas a más no poder. La temática aborda la violación de la privacidad e intimidad de los ciudadanos por parte del gobierno estadounidese de entonces. Y la tormenta no se detiene: “Life Is Good” nos narra la

demencia de un soldado que ha pasado años en la guerra de Irak y tiene la mente trastornada por toda la violencia que ha visto. Instrumentalmente tiene ligeros detalles arábicos y unos riffs oscuros que acompañan la letra con bastante sobriedad. Seguimos en la brecha. “The Dick Song” surge estridente y thrasher-lentorra, con unas guitarras y un bajo graves (te extrañamos Paul Raven) y crujientes. Esta vez la guillotina le cae al vicepresidente ex Dick Cheney, el cual fue muy criticado por su incondicional apoyo a la guerra de Irak y otros escándalos como disparar a un compañero accidentalmente en una cacería. La canción está muy lograda; es dura, cañera y tiene arreglos muy acertados, muy en la misma línea que la siguiente, la homónima del álbum: “The Last Sucker”. Con esta canción tenemos un juego de guitarras impresionante y un desarrollo correctísimo. Estupenda letra sobre Bush, ridiculizando toda su vida y personalidad. Uno de los momentos más altos del disco. “No Glory” comienza 100% Marilyn Manson has


169 ta que gana velocidad, recuperando la típica potencia riffera de Ministry. Excelente línea de batería (por cierto, programada en todos los temas); machaca salvajemente. Una joya total a nivel instrumental, puro thrash industrial con coros memorables. “Death & Destruction” sigue los derroteros de “No Glory”, con una batería todavía más rompedora (si cabe) y unos riffazos fuera de control, pisando el acelerador hasta el límite impensado. El octavo corte es “Roadhouse Blues”, una versión del clásico de The Doors que es realmente violenta y veloz, atrozmente distorsionada y salvaje. A penas se puede distinguir un momento en que Jourgensen canta en plan Morrison (no es la primera vez en su discografía, se nota su fanatismo hacia los de Los Ángeles). Otro trallazo despiadado repleto de virtuo-

envolvente y un punteo casi bluesero; eso sí, tirando del pedal para darle más sonido a Ministry. Y la segunda parte, muestra un cambio de sonido muy obvio, luciendo unas guitarras más cercanas al rockabill pero aplicándose de modo muy ambiental (dada su monotonía y calma). Los detalles más reseñables son la aparición de una grabación de un discurso de Dwight Eisenhower en el que se despide del poder advirtiendo sobre los problemas que traerá en el futuro la industria bélica (la cual fue determinante a la hora de entablar guerra contra Irak en el mandato de Bush). Un final apoteósico para un disco que pocos ratos de respiro nos ha brindado. Si algo queda claro tras este tornado de distorsión es la indiscutible calidad de las composiciones de Ministry, así como sus mensajes “protesta” y la dura sátira contra el sistema que dominaba el país

sismo y feeling industrial. “Die In A Crash” es una canción cantada a dúo por el tío Al y Burton C.Bell de Fear Factory. Un corte emotivo, fiestero y muy completo que nos deja ante la traca final: “End Of All Days” (parte uno y dos). La primera comienza cruda y fanfarrona, con una distorsión

por aquel entonces. Un triunfal “hasta luego” de los dioses indiscutidos del metal industrial. Con un nivel instrumental muy superior al que solían hacer gala, sólo equiparable a la genialidad del Psalm 69 o el Rio Grande Blood.


UNA FABULA AGRIDULCE The verve - Urban Hymns (1997) [ Alex Bretto ]

Cuando Oasis reinaba sobre Inglaterra, cualquier cosa que salía de la boca o la escritura de Noel Gallagher merecía como mínimo un análisis detallado. Y que pudo ser mayor espaldarazo para Richard Ashcroft que recibir una dedicatoria dentro del disco que hacía furor en 1995, “(What’s The Story) Morning Glory?”. La referencia corresponde a la canción “Cast No Shadow”, y dice Noel que cuando se la cantó por primera vez, Richard se emocionó al borde de las lágrimas. Oasis había sido telonero de The Verve en 1994 y dos años después habían pasado al frente. Lamentablemente The Verve no estaba pasando por su mejor momento a nivel humano, pese a las críticas positivas y el apoyo de los fans. Tras la publicación de su segundo álbum “A Northern Soul” (la canción que da título al disco sería una devolución de gentilezas de Richard Ashcroft a Noel Gallagher), la banda se separaría por tres meses. Ashcroft se dio cuenta que no podían desperdiciar la oportunidad que se les estaba presentando: el sonido del cual habían sido en parte precursores, estaba arrasando en Gran Bretaña y la ola parecía no detenerse. Por ese motivo se esmeró en volver a unir a la banda, pero la negativa de Nick McCabe pareció ser terminante. Ni lerdo ni perezoso, Richard juntó a lo que quedaba del grupo e incorporó a Simon Tong en reemplazo de Nick en la guitarra. En el medio de la grabación del siguiente álbum, McCabe volvió a sumarse al grupo sin que Tong se retirara, y así dieron forma entre todos (junto a Simon Jones en bajo y Peter Salisbury en batería) a su obra “Urban Hymns”. El 16 de junio de 1997 saldría como adelanto el hit que le representó a The Verve un éxito sin precedentes y que alcanzó ambos lados del Atlántico: la inmor-

tal “Bitter Sweet Symphony” sigue siendo hoy en día una de esas melodías que puede agradar a cualquier oído y que el paso del tiempo no desgasta. La controversia que generó tampoco había tenido semejanzas: el riff en el que estaba basada “Bitter Sweet Symphony” provenía de uno muy similar del tema “The Last Time” de The Rolling Stones (1965). Si bien se había solicitado permiso para su uso, los poseedores de los derechos entendieron que se había ejercido un abuso y la cuestión llegó a la corte. Finalmente, aunque la canción había sido escrita por Richard Ashcroft en su totalidad, se dispuso que los créditos se compartieran con Mick Jagger y Keith Richards. Todo esto resultó anecdótico a la hora de medir las puertas que este sencillo abrió para The Verve. El siguiente corte, la conmovedora e intensa “The Drugs Don’t Work”, fue el primer hit #1 de The Verve en el chart británico, lanzado unos días antes de que el nuevo álbum viera la luz. Con estos antecedentes, “Urban Hymns” se mantuvo en la cima del UK chart durante 12 semanas. El


disco es extraordinario desde su inicio. Abriendo con “Bitter Sweet Symphony”, las expectativas son inmejorables, y de hecho, los primeros 4 temas conforman una de las más sobresalientes aperturas en la historia del rock alternativo. El segundo track es la balada mid-tempo “Sonnet” y con una estructura de base similar a “The Drugs Don’t Work” en cuanto al uso de guitarra acústica y eléctrica, y la presencia de una sección de cuerdas (principalmente de violines). Una canción bellísima. A continuación, una rola asombrosa y bien cargada de un poder eléctrico rockero que la primera vez que escuché me trajo reminiscencias a Ozzy Osbourne: la hipnótica y saturada “The Rolling People”. Y para cerrar el cuarteto de bienvenida, la ya conocida “Drugs Don’t Work”: un clásico instantáneo. El disco no puede evitar tener una ligera caída luego de este despliegue, pero la misma es insignificante siendo que el paisaje sonoro se expande en diver-

rre que nos brinda “Come On”, palpitante y empapada de esas guitarras rockeras que tan bien supo imprimir The Verve. Era el disco que conjugaba a la perfección todo el sonido que habían luchado por conseguir desde los mismos inicios como grupo. Y el reconocimiento no fue mezquino, ya que en 1998 The Verve se alzó con los dos premios mayores en los Brit Awards: Mejor Grupo Británico y Mejor Álbum (venciendo a pesos pesados del momento como Oasis y Radiohead), y la bienvenida al mercado norteamericano incluyendo una nominación al Grammy para “Bitter Sweet Symphony”. Pero la banda no pudo soportar el trajín del éxito masivo, y sobrevino la separación por segunda vez. Richard Ashcroft se embarcó en su primer álbum solista, y Simon Jones junto a Simon Tong formaron un supergrupo llamado The Shining en compañía de John Squire (ex guitarrista de The Stone Roses). The

sos momentos como “Weeping Willow”, “One Day” o el tercer single “Lucky Man”, alcanzando picos notables que nos permiten llegar intactos el magnífico cie-

Verve tardaría 8 años en volver a juntarse para grabar “Forth”, un digno sucesor del hoy clásico “Urban Hymns” que cumple 20 años este 29 de septiembre.

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LOS OJOS | Los Ojos Label: Analog Love Records Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo de 2017 El revival de la música psicodelia y el garage rock también está presente en las bandas de habla hispana, Los Ojos es uno de los casos, justamente en este mes se estará realizando el "Zaragoza Psych Fest V" con bandas como los argentinos Hurricane Heart Attacks, los zaragozanos de My Expansive Awareness y obviamente Los Ojos. La presentación de esta banda de Zaragoza (España) en su bandcamp dice: "Los Ojos es garage y sol; ruido y agua fresca. Nuestra música se mira y se escucha con todas las partes del cuerpo."

El cuarteto formado por Bertrand (voz y guitarra), José (voz y guitarra), Violeta (bajo) y Manuel (batería) lanzaron este EP debut de cuatro canciones. Este trabajo de presentación empieza con la canción "Hace Tiempo" que se puede pensar como un vals alucinógeno que nos mete en un espiral de colores sin fin. "Floating Doors" es una de las que más me gustan de las cuatro, ácida, corrosiva, potente y enérgica, para adentrarse en la noche en la oscuridad de un ruta con las únicas luces de los faroles de nuestro auto, ver la línea- guía del asfalto tambalearse de un lado a otro del centro del bólido. "La Navaja de tu Cielo" es la que nos sumerge en un caleidoscopio

fluorescente al mejor estilo Allah-Las. "Mind Control" cierre este prometedor debut de una manera categórica, si la banda es Neo psicodélica este es la canción más perfecta del álbum, directa, con mucho fuzz y reverb, lisérgica, con mucho acople al final, la canción dura un poco más de un minuto y medio, después el final es puro caos, del mejor. Impactante EP, a veces creo que pocas canciones nos deja con ganas de más y eso está bien.

PRONG | Zero Days Label: Steamhammer Fecha de Lanzamiento: 28 de Julio de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Nuevo disco de Prong. Tommy Victor vuelve a la carga con el quinto álbum tras el regreso de la banda – cuarto si no contamos el disco de versiones Songs From The Black Hole, de 2015–, allá en 2012. Nada menos que cinco álbumes en cinco años del prolífico cantante y guitarrista neoyorkino, toda una leyenda que también se desempeña como colaborador de Danzig y que ha formado parte de Ministry (por si alguien en el universo del Metal no lo sabía). Sin embargo, con este Zero Days, ¿qué podemos esperar? Sin duda, calidad.


175 La producción es gordísima (cortesía de Chris Collier y el propio Victor). Ya con el primer tema, “However It May End”, se despachan una buena dosis de mala leche con un Trash/Groove aplastante que te prepara para lo que viene a continuación. “Zero Days” es un corte donde se dan la mano con una naturalidad y gusto pasmosos otra vez el Thrash pero ahora con el Hardcore, aunque aderezado todo con tintes melódicos. Simplemente, genial. En la tríada que arman “Off The Grid”, “Divide And Conquer” y “Forced Into Tolerance”, o, mismo en “Blood Out Of Stone” y “Rulers Of The Colective”, la maquinaria no se detiene, y la sucesión de afiladísimos riffs y dobles bombos, se llevan puesto todo lo que se cruzan (monolítica la base rítmica a cargo de

Mike Longworth en bajo y el latino Art Cruz en batería). Con respecto a las voces, Victor, como siempre, está genial, sirviéndose tanto de los tonos agresivos como de los armónicos, mientas canta con auténtica pasión, transmitiendo toda la rabia en letras que escupen mensajes acerca de la mierda que es la vida de las sociedades modernas. Y es que Prong saben cómo tomar lo mejor de varios estilos (Trash, Groove, Hardcore, Crossover), hacerlo suyo, crear temas originales, salirse con la suya y dejarte con los tímpanos zumbando. Un trabajo entretenido de principio a fin, aplastante, pulcro y coherente, todo un acierto. 13 temas y ninguno de relleno. Para chuparse los dedos en una degustación de buen Metal.

THISQUIETARMY | Democracy Of Dust Label: Midira Records Fecha de Lanzamiento: 28 de Julio de 2017

Thisquietarmy es un proyecto de Eric Quach, quien viene trabajando en él desde hace más de diez años, editando álbumes y EPs. Este año ha lanzado dos álbumes bajo distintos sellos Métamorphose (en febrero) y Thank U For Smoking (en mayo). Según la información oficial: "Democracy Of Dust fue grabado durante una residencia en Sao Paulo, Brasil en el verano de 2016 utilizando varios sintetizadores en Dissenso Studio, luego se desarrolló con guitarras en Berlín en la primavera de 2016 y finalizado en Montreal en el verano de 2017.” El álbum se enmarca en lo que se denomina drone y soundscapes, son capas de sintetizadores y guitarras creando climas variados, en algunos momentos podemos pensar que roza el krautrock y en otros el dreampop/shoegaze. Pero siempre con una efectividad y una elegancia que relaja y va hundiéndonos en

un mundo onírico con capas y capas de efectos alucinógenos. Loops, sintetizadores, efectos de guitarras muy procesadas, van creando submundos dentro de un mismo track y por medio de la repetición vamos quedando atrapados en un espiral sonoro que nos transporta a planicies desconocidas. Un mantra encantador. Escuchar con luces apagadas y sentir las vibraciones de nuestro cuerpo.


DEAD CROSS | Dead Cross Label: Ipecac Recordings Fecha de Lanzamiento: 31 de Julio de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Siempre miré con un poco de desconfianza a este tipo de formaciones: Las Superbandas. Normalmente, integradas por músicos que sienten empatía entre sí o que en cierto momento no tienen demasiado que decir, y aúnan fuerzas para parir trabajos habitualmente pretenciosos, aburridos e innecesarios. No es el caso de Dead Cross; bofetada en la cara de la mano de dos grandes del Metal como son Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Maldoror, Fantômas, Lovage, Tomahawk, Peeping Tom, Nevermen) y Dave Lombardo (Slayer, Grip Inc., Testament, Fantômas, Suicidal Tendencies); y de un tal Justin Pearson, conocido fundamentalmente por liderar a los excéntricos y frenéticos The Locust. El impactante nombre de la banda nace un día de camino al ensayo, cuando Lombardo y compañía se topan con uno de esos puntos negros a las afueras de Los Angeles donde han muerto un gran número de conductores, y ¡voila!: Dead Cross has born. Decir también que Patton se convierte en el nuevo vocalista de la formación estadounidense tras la marcha de Gabe Serbian (también en The Locust, y otras bandas como Cattle Decapitation), que considera que no está preparado para los compromisos que piense afrontar la banda tras la grabación de su primer trabajo. Finalmente, las partes vocales son grabadas por un Patton en estado de gracia, que reescribió todas las letras desde cero. ¿El resultado? 27 minutos de histrionismo compulsivo y hermosa arrogancia hardcore. La mezcla perfecta entre Punk y Metal. Aunque la definición se quedaría corta sino citamos ingredientes como el Trash más clásico, el Crossover de formaciones legendarias como Suicidal Tendencies o el Rock Alternativo más genuino. Unas veces es más Faith no More, otras Slayer y otras The Locust. En todo caso, el coctail es preciso, acertado, natural; convirtiendo este breve trabajo en uno de esos discos que pones una y otra vez. Altamente recomendado en esos momentos en los que uno necesita ser zarandeado. Decantarse por uno

u otro tema es burdo ejercicio, ya que desde el azote inicial de “Seizure And Desist”, y continuando con la paranoica “Idiopathic”, el torbellino que supone esta colección de 10 temas es orgásmico. Mención aparte es la espectacular versión de “Bela Lugosi’s Dead” de Bauhaus, en la que Dead Cross llegan a sonar como un híbrido de Sisters Of Mercy con Killing Joke. Espeluznantemente impactantes. Músicos curtidos rindiendo pleitesía a esos sonidos que extirparon el acné de sus feas caras cuando la pretenciosidad no existía y tan sólo la música con actitud importaba. El mítico Ross Robinson (Korn, Sepultura, Limp Bizkit, Soulfly, Amen, Machine Head, Slipknot, Glassjaw, At The Drive-In, The Cure) se encarga de producir un artefacto que desde ya cualquier otro entendido de las mesas de consolas podría haber hecho sonar contundente, pero que a manos de él se vuelve sencillamente atronador. Cualquier amante de la música debería acercarse a un trabajo que consigue que vuelvas a enamorarte de aquellos sonidos que hicieron que quieras revolear cosas o armar tu propia banda. Si después de finalizar la escucha de la destructiva y épica “Church Of The Motherfuckers” no sentís la necesidad de hacer sonar de nuevo este disco, deberías revisar tu equipo, tus auriculares o directamente acercarte a tu otorrinolaringólogo más cercano.


STEVEN WILSON | To The Bone Label: Caroline International Fecha de Lanzamiento: 18 de Agosto de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Reseñar este disco va a ser una tarea de lo más compleja. No por el álbum en sí mismo, sino por tener que contener en este artículo todas las sensaciones que desde hace días me viene generado tras las reiteradas escuchas. Para empezar, diré que si Steven Wilson hubiera nacido en la década del 40 o 50, hubiera sido todo un referente de la música progresiva en los 60 o los 70, pero lamentablemente recayó en este siglo donde todo es vertiginoso, con esto de la tecnología, la falta de creatividad y criticar cuando un artista quiere innovar y mostrar algo nuevo. El caso es que nadie debería escandalizarse porque el ex líder de Porcupine Tree se ponga a hacer esta música pop a estas alturas. ¿Acaso no habíamos oído sus colaboraciones con Aviv Geffen en Blackfield o Tim Bowness en No-Man? ¿Acaso Porcupine Tree no tiene docenas de canciones si no poperas, sí casi poperas? Wilson siempre ha dicho que le encanta tanto Bowie, Electric Light Orchestra y Prince como mismo Pink Floyd, King Crimson y Rush. Él es así de ecléctico en sus gustos musicales y con este nuevo álbum ha querido rendir cuentas con ello sin sentirse obligado a conceder otro deseo cumplido a sus seguidores de rock progresivo. To The Bone es entonces un cambio estilístico que no toma desprevenido al verdadero seguidor de Wilson. Este es su disco de pop progresivo, al mejor estilo Peter Gabriel, elaborado como los buenos orfebres, con mano y pulso que sólo los más grandes poseen. No es, por supuesto, la única referencia al genial músico británico y ex de Genesis que encontraremos en To The Bone. El propio Wilson ha admitido que el trabajo actual es un homenaje a los discos pop que le fascinaron en su juventud, tales como el So del mencionado Gabriel, el Hounds Of Love de Kate Bush, el Seeds Of Love de Tears For Fears, y el Color Of Spring de Talk Talk.

El tema homónimo “To The Bone” abre de manera maravillosa, con un aire muy wilsoniano donde nos podemos dar cuenta que las guitarras con efectos van a rescatar el valor de la harmónica a lo largo de todo el tema y donde la voz de Wilson es 100% cristalina (lo menciono, porque en otros temas, Wilson ha explorado tonos muy distintos a los que nos tiene acostumbrados). La aparición de la cantante israelí Ninet Tayeb al lado de Wilson da un color bastante sesentero sobre esas guitarras más funk. Una canción muy suya y a la altura de las expectativas. “Nowhere Now” es la primera muestra de que Wilson entrará más veces por la puerta intima que por la ruidosa y extrovertida. Muy buena ejecución por parte de su banda, integrada por músicos de primer nivel –como el omnipresente bajista Nick Begg, los baterías Jeremy Stacey (Echo & The Bunnymen, Noel Gallagher, King Crimson actuales) y Craig Blundell (ex Pendragon), el guitarrista checo David Kollar, o su ya fijo tecladista Adam Holzman–. Después tenemos un tema que dará la vuelta al mundo, si no lo está haciendo ya, “Pariah”. Ninet Tayeb y Wilson mano a mano, el primer video en el estudio de grabación de Wilson fue para esta canción. No me gustaría llamarla balada, pero es una palabra que se aproxima bastante para poder transmitir el sentimiento de la

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canción. Un tema que rezuma tristeza y desesperación con un Wilson muy lineal pero con una Ninet dando muchísimo cuerpo; quedando así una mezcla única. Una pieza hermosísima digna de ponerse al límite del volumen que toleran tus oídos. Le siguen los siete minutos de “Refuge” toda una oda a la cruda realidad de las sociedades modernas; la crisis mundial alrededor del refugiado. Una canción que comienza con muchísima dureza y agonía lírica que no desaparecerá en todo el tema ni siquiera con los sintetizadores más volátiles y que te estremecerán cuando juega la harmónica de Mark Felthman y el solo de guitarra. Es una canción tremendamente impactante donde todo encaja. Volvemos al juego al que nos tiene más acostumbrado Wilson con “The Same Asylum As Before”, sólo que esta vez, tenemos la primera muestra de esas voces de Wilson a las que no nos tiene acostumbrado. Sin embargo, ahí están esas guitarras acústicas que tanto le gustan, los sonidos eléctricos en las estrofas, la extravagancia y creatividad compositiva de un genio que no tiene límites, un estribillo tremendamente cañero que alimenta el hambre de Porcupine Tree. “Permanating” es una muestra total de funkpop. Una voz muy aguda al estilo ABBA por momentos, una batería apenas cambiante, unos teclados fiesteros. Un tema que da color y ritmo a To The Bone. A continuación, le unen otro tema más interludio que tema, “Blank Tapes”. La voz de Wilson, una guitarra muy limpia, un piano, la voz de Ninet otra vez mano a mano… y el tema se acaba. “People How Eat Darkness” empieza como la muestra de pop británico que falta en las influen-

cias de Wilson del disco, pero pronto se transforma en toda una suite progresiva al mejor estilo Wilson. De esta manera se deja de lado ese tramo del disco donde Wilson explora otros puntos de vista. “Detonation” es lo más cercano a su pasado en solitario. Un tema tremendamente cambiante que viaja por todos los momentos que puede ofrecer una canción de 10 minutos. Influencias electrónica a lo Depeche Mode, guitarras limpias y sonidos distorsionados. La estrofa es estribillo y el estribillo es estrofa, el guión no está escrito, sólo unos apuntes simples ejercen de línea argumental constante, influencias funky de los 60 americanos, guitarras que protagonizan pasajes al estilo trompetas de jazz. Toda una auténtica detonación musical. Una nueva invitada sale a la palestra con “Song OF I”, Sophie Hunger, una suiza afincada en Londres que se dedica al pop y al jazz, compositora de música de películas, capaz de cantar en cinco idiomas, una de esas personalidad que Wilson sabe descubrir y acoger para crear una unión productiva. Un tema tremendamente oscuro, muy cadente y lúgubre a lo Dead Can Dance. El disco acaba con “Song Of The Unborn”, donde vuelven a estar esas voces angelicales que utilizó en sus anteriores discos resultado de un coro de niños. Un tema en la línea de The Raven That Refused To Sing, con un estribillo melódico que explota hacia el final. En resumen, se puede decir que con To The Bone, Steven Wilson ha logrado ofrecer una paleta más amplia de sonoridades y unas más simples y concisas, sin significar que sean intrascendentes. Sobresaliente. Uno de los discos del año.


DANIEL LAND | A Single man Label: danielland bandcamp Fecha de Lanzamiento: 19 de Agosto de 2017 Nosotros hemos entrevistado a Daniel Land en un número anterior, y en este; la verdad es que nos encanta su música. Hace unos días ha relanzado un trabajo del 2013, "A Single Man", que reúne versiones de sus canciones e inéditos en versiones en donde la dulzura de su voz y su guitarra bastan para desnudar la belleza de las composiciones. Según Daniel, son grabaciones del período 2012-2014 y es en gran parte la manera en que él se presentó en vivo en ese período. Esto podría parecer que es un trabajo que simplemente recopila versiones en vivo u out-takes, pero este trabajo fue pensado y grabado para lanzarse así. Canciones de su banda The New Painters como “Echo

está disponible. A diferencia de la primera edición que

& Narcissus”, “Sleeping With The Past”, “The Sweetest Lover”, “Lostening” o “Locust” toman un Nuevo vuelo, etéreo y delicado. Pero también tenemos algunos tracks inéditos como "Cinderella City", "Limerick", "Amsterdam", "Drowning Song" o "Fragments Shored (Lundy Island)" que le aportan el color de lo desconocido. Si bien este trabajo fue realizado en el 2013, recién

se vendía en los shows, falta el track 1 que era una versión de la canción de Red House Painters “Mistress”, y no fue agregada porque nunca fue masterizada… pero si quieren escuchar la hermosa versión búsquenla en YouTube… no se arrepentirán. Háganse de un poco menos de 50 minutos y déjense llevar por esta maravilla.

OULU SPACE JAM COLLECTIVE | Harvest Sage Label: ouluspacejamcollective.bandcamp Fecha de Lanzamiento: 19 de Agosto de 2017 Hay bandas que experimentan en directo y esas jams muchas veces no quedan registradas, y esos momentos de lucidez creativa desaparece para los que no presencian ese momento y para los que lo han presenciado es un recuerdo efímero que sólo queda una impresión de lo vivido. Por suerte los finlandeses de Oulu Space Jam Collective registra mucho de esos conciertos y uno tiene la posibilidad de conocerlos en su mejor estado, en estado puro, en vivo. La banda acaba de lanzar este álbum en vivoregistrado en el Oulu Arts Night, el 17 de agosto pasado y consta de dos tracks, el primero llamado "Side A: A Pastoral Paradise" que se extiende una hora y dos minutos; y el segundo track llamado "Lado B: Before The Cataclysm", que se extiende un hora y diez minutos. ¡¡¡Dirán es un montón!!! Si te gusta la experimentación lisérgica con alta dosis de psicodelia instrumental, de

arreglos con sonidos de cítaras, batería, bajo, guitarras mántricas y sonidos de flautas y otros instrumentos, no podes de pegarte un viaje con esta banda, que te llevará y a los cinco minutos no podrás quitarlos ya que estarás tan metido en su ritmo que no podrás pensar en buscar el Stop, ni la Pausa. Altamente adictivo.

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SPC ECO | Calm Label: SPC ECO Self-released Fecha de Lanzamiento: 22 de Agosto de 2017 [ Por Darío Martínez ]

“Calm” es el nombre del nuevo álbum de SPC ECO, el sucesor de “Under My Skin” un Ep de Febrero de este año. Todas las canciones fueron escritas por Rose Berlin (voz) y Dean Garcia (bajo y programaciones) excepto “Waking Up Again” un punto muy alto del disco de sonido shoegazer y “Pearls”una canción en tono dream pop Escrito por Rose Berlin Dean Garcia y Jarek Leskiewicz. Producido grabado y mezclado por Garcia. En los primeros temas Calm nos recuerda a Curve (una banda emblemática de los 90 liderada por Garcia) sobre todo por el plano preponderante que le dan a las guitarras de Jarek Leskiewicz y Perry Pelonero que habían quedado un poco de lado en los trabajos anteriores a favor de las programaciones electrónicas. Es un disco en tono shoagazer/noise hasta el tema 5 incluido y de a poco el álbum vira a un sonido calmo con toques Dream Pop y Trip Hop dos estilos que manejan muy pero muy bien con preponderancia de teclados siempre claro está con la bellísima y expresiva voz de Rose llevando el timón de las

doce canciones de las que esta compuesto Calm, Un álbum impecable todo meticulosamente cuidado y pasado por el filtro de SPC ECO un dúo de mucha personalidad formado por padre e hija. De momento se trata de una edición digital y la portada es de Rose Berlin. Editad o por ELaB Records Lo recomend amos fervientemente como toda su discografía a la que pueden acceder desde su bandcamp

HAMMOCK | Mysterium Label: Hammock Music Fecha de Lanzamiento: 25 de Agosto de 2017 [ Por Darío Martínez ]

“Mysterium” es el nombre del nuevo y octavo álbum de Hammock el dúo de Nashville formado por los compositores y productores Marc Byrd y Andrew Thompson en el año 2003. El disco Contiene once temas los cuales empezaron a grabarse durante el comienzo de la enfermedad que desembocara en la muerte del sobrino de Marc Byrd “Clark Kern” a quien fue dedicado el disco. Byrd: "la pérdida de mi sobrino es profunda." Cuando algo así sucede, a veces el silencio es la mejor respuesta, porque no

sabes qué decir cuando alguien está experimen-


181 tando tanto dolor. Misterium sigue la línea de sus trabajos anteriores enmarcados en el Post Rock donde confluyen el ambient, el shoegazaer y el rock espacial en la línea de Sigur Ros y Spiritualized. Los temas se van armando en distintos tonos clásicos modernos como los que vimos este año en ediciones del sello 4AD (Bing & Ruth y el cuarteto Sufjan Stevens, Bryce Dessner, Nico Muhly, James McAlister) Las composiciones se van orquestando alrededor de sus guitarras pero el elemento coral y clásico que ya venían usando desde sus comienzos aquí tienen más peso y toman relevancia las participaciones de Budapest

Art Choir, Ólafur Arnalds, Peter Katis y el dúo A Winged Victory for the Sullen aportando una enorme cantidad de recursos y matices sonoros a un disco lento que busca momentos de eternidad entre silencio y silencio cargados de emotividad y belleza. Misterium fue lanzado en forma independiente por Hammockmusic, el arte de tapa es de Pete Schulte y una mención aparte para Andrew Thompson quien hizo una serie de 6 videos de los 11 temas que trae el disco que se pueden ver en el canal de yuotube. Si estas dispuesto a sumergirte en una búsqueda personal y misteriosa este disco puede ser el indicado.

SUPERFICIAL | La Conquista del Tiempo Label: supperficial.bandcamp.com Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto de 2017 Álbum dedicado “A la memoria de David Bowie”. Así reza el epígrafe en su bandcamp en donde pueden descargar o escuchar este nuevo trabajo del proyecto de Federico Schmid. En este trabajo se presenta en banda junto a Andrés García en Bajo y Marcelo Gil en Batería. Aquellos que conozcan sus dos trabajos anteriores se encontrarán con un cambio estructural en su sonido. Aquello enunciado en sus anteriores trabajos "Superficial" (2015) y "Montevideo" (2017), en donde el ambient era más la especialidad de la casa, o ese dreampop casi nebuloso que fantaseaba con el ambient instrumental. En "La Conquista del Tiempo" retoman lo insinuado en el track "Oak Coma" de su anterior trabajo "Montevideo", ese sonido de guitarras más shoegze, aunque en este nuevo trabajo ya se perciba más el modo canción y un sonido más shoegaze, mucho más shoegaze. Pensando en su discografìa es un paso insinuado que se veía venir, las cuatro canciones que componen este trabajo despliegan esos momentos de lucidez sónica que siempre mantuvo como sello distintivo este proyecto de Federico. Canciones como "Bosque Estelar" o "Atemporal" rompen con la rutina

de la ambientación esperada dela banda, aunque algo de ella la encontramos en "Dentro de tus ojos" (que pareciera basarse en la secuencia de acordes de "Creep" de Radiohead), con efectos de reversa sobre los acordes de una simple guitarra que arpegia. Y para cerrar este EP "Paisaje Escarlata" nos trae un pop elegante. ¿Inesperado paso de Superficial? Tal vez sí, pero no equivocado. Es una reinvención de Superficial. Paso arriesgado pero tal vez necesario para evolucionar y no quedarse en la zona de confort.


COSAQUITOS EN GLOBO | Humanum Label: 4toC: Rec Fecha de Lanzamiento: 31 de Agosto de 2017 Los Cosaquitos vuelven con su cuarto álbum, Humanum. Luego del sorprendente Asimétricos el paso a seguir era todo un enigma para los que seguimos a la banda. ¿Qué esperar en su próximo trabajo? ¿Una lógica repetición de lo que funcionó y dio tanto rédito o un paso arriesgado hacia vaya a saber a dónde? Voy a ser sincero, yo esperaba el segundo camino, el de romper con lo establecido. Y cuando me llegó el álbum lo escuché inmediatamente con las ansias de sacarme la duda del camino que los chicos han tomado. Y sí han buscado el camino más difícil y el más inquietante, salir de la zona de confort. Arriesgada jugada para una banda que se viene afianzando dentro de la escena local del synth pop y el electro pop. Ahora hablando estrictamente de Humanum nos encontramos con un disco maduro, pensado, desde su inicio con “Cruzando el Puente”, algo es diferente en Cosaquitos, mucho más afianzados y seguros de lo que buscan sonoramente. No falta los ritmos como en canciones como en “Cristal”, “Humanum”, “Raíz”, “About Love”, “Ver más Cerca” (definitivamente el hit del álbum) o “Viaje a Través del Tiempo”, es decir que el dúo no pierde su esencia bailable. Pero el dúo está más afianzado y juega más con la tecnología y los es-

pacios sonoros más cargados de secuencias y crea muchos climas más profundos en las canciones, librándose un poco de la humanidad que les dio una guitarra por ejemplo en Asimétricos. Humanum es un álbum con una excelente producción, a cargo de Sebastián Cordovés y una marcada tendencia hacia lo estético, marca registrada de la banda. Una búsqueda que los encuentra más oscuros y más synth, la voz de Maru Pardo Saguier suena perfecta y sincronizada con esta nueva ornamentación musical. Un dúo que crece a cada álbum, apostando al camino menos probable y menos cómodo. Sin lugar a dudas el trabajo más compacto de la banda.

AMERICAN ANYMEN | Flag Burner Label: americananymen.bandcamp.com Fecha de Lanzamiento: 15 de Septiembre de 2017

De este colectivo musical ya hemos presentado los dos EPs anteriores a éste, Start My Center (2016) y Oui (2016). Existen desde 1999 y tienen muchos trabajos en su haber. Su post punk que celebra a bandas como los primeros Wire o PIL. En estos tres tracks "Flag Burner", "Presidente 2" y "Late To The Party" se encargan de hacer una crítica sin ningún prurito sobre la gestión de Trump. Si no conocen a la banda es el momento y el EP ideal para hacerlo.


PARADISE LOST | Medusa

Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 01 de Septiembre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

De sobra es conocida la particular y progresiva vuelta a las raíces que hicieron Paradise Lost desde In Requiem (2005) hasta nuestros días, desprendiéndose de los amagos electrónicos con los que casi se sentenciaron de muerte y volviendo paulatinamente al Doom Metal que les ha definido casi toda su carrera. La intensidad y dureza de este doom ha ido in crescendo desde entonces y llegó a un punto culminante hace un par de años con The Plague Within (2015), donde recuperaron también su esencia Death haciendo gala de las voces guturales que habían dejado de lado por más de veinte años. Quizá sea la vez que Paradise Lost menos han arriesgado y menos nos han sorprendido. No obstante, las fortalezas de Medusa son prácticamente las mismas que han hecho exitosa esta vuelta a las raíces y regresión en su carrera. En este punto de su carrera, Paradise Lost tienen más claro que nunca qué clase de banda son y dónde son más fuertes. Los riffs doom marca de la casa siguen sonando sólidos y contundentes, forjando canciones efectivas que, pese a su pesadez, entran con mucha fluidez, y Nick Holmes funciona de la mejor manera como frontman, encontrándose más cómodo que antes en los registros guturales y equilibrándolos bien con su faceta más melódica cuando la canción lo requiere. Es incuestionable la calidad de piezas como la inicial “Fearless Sky”, “The Longest Winter”, “Blood & Chaos” o “Until The Grave”. El nuevo viejo sonido de Medusa logra establecer y con-

solidar a una banda veteranísima en un nivel de infalibilidad impensable en cualquier otra banda con los mismos años a sus espadas. Aún así, los riffs en Medusa van un paso más adelante de la dirección de Death-Doom que el último álbum. No siguen haciendo la misma puta cosa, siguen adelante y logran expresar algo nuevo. En vez de tener muchas orquestales como en el Tragic Idol (2012), tenemos aquí un álbum donde las guitarras y las voces manejan y lo hacen con experiencia, gracia y mucha sabiduría. El color púrpura del fondo te dice mucho sobre el álbum. El disco es muy multitonal y llega a todos lados. ¿Qué más agregar? Medusa es redondo, conciso, monolítico. Un álbum perfecto para Paradise Lost: te agarra desde el comienzo hasta el fin y no te deja respirar.

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ARCADE FIRE | Everything Now [ Por Gabo Rojo ]

Label: Sonovox Records Fecha de Lanzamiento: 28 de Julio de 2017 No es fácil convertir a Abba en una pesadilla, pero los millennials de Arcade Fire lo han logrado. En Everything Now, la música Disco se convierte en una distopia existencialista de padres ausentes y el vacío generado por un mundo sobrecargado de contenido. Esta yuxtaposición de género musical y contenido lírico es novedosa, refrescante y sobre todo bailable, lo cual nunca puede ser algo malo. ¿O sí? La noche no ofrece ni respiro ni refugio (como plantea el tema “Signs of Life”), pero el baile sí. Y el hecho de que podamos bailar un tema que presenta un perfil tan

apasionada. Es justamente la pasión lo que salva a “Everything Now”: musicalmente, cae muchísimo a

acertadamente tétrico de nuestra generación como “Creature Comfort” dice más acerca de nosotros que cualquier contenido lírico explícito – y, en general, aquí es bastante explícito. ¿Seguirá siendo relevante la crítica social presentada en este disco dentro de un par de años? Por nuestro bien, ojalá que no. Pero sus ritmos podrán seguir moviendo nuestro esqueleto, eso seguro. Otra cosa que no es fácil es confiar en Arcade Fire. Son una banda extraña que saca un disco bueno, desaparece por años y luego regresa de forma siempre un poco más extraña. Pero su producción, guste más o guste menos, siempre es de calidad y nunca es des-

partir del quinto tema y repunta recién con el perturbante tour-de-force de “Put Your Money On Me” y la devastadora balada “We Don’t Deserve Love”, donde el Pedal Steel del invitado de lujo Daniel Lanois apenas alcanza para endulzar las líneas más duras del disco (“The ones you love always leave you alone / It’s always the Christ-types you’re waiting on”). A pesar de la pobre sección del medio del álbum, no se puede decir que la banda no esté comprometida con lo que está diciendo y que no le ponga ganas en todo momento. Y si es la pasión lo que salva al disco, quizás sea también la pasión lo que nos salve a nosotros de los problemas generacionales que plantea.


Icaro Dante | Alina Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 15 de Septiembre de 2017

Icaro Dante siempre me ha resultado un artista muy completo, más allá de lo sonoro, suele hacerse cargo de todo el arte de sus álbumes, que son obras de arte, algunas fotografías y pinturas. Además él suele tener todo el concepto de sus videos y trabaja siempre en todos los detalles que otros artistas suelen dejarlo en manos de otros, tal vez por desconocimiento o simplemente por trabajar con otras personas. Icaro mantiene todo bajo su control, lo que demuestra sus grandes dotes de artista multiacético. Después de un período desde el 2015, salida de su último single "La Enemiga", regresa con un nuevo single "Alina", grabado en el mes de Agosto en los estudios DDR. Un cambio de rumbo en su sonido me ha despertadoel interés en lo que viene, "Alina" es la primera canción de una nueva forma de lanzamiento que adopta Dante, singles, singles y más singles... tal vez luego terminen en un álbum. Si bien esta es una modalidad nueva de lanzamientos que está poniéndose en práctica, nos deja con ganas de más y eso es lo bueno. Antes hablaba de un cambio, pues sí, Icaro Dante ahora es una banda, con un sonido que se inclina y se recuesta sobre guitarras uriosas pero extensas,

cercanas al shoegaze, aunque tiene un sabor a New Order que hace que la canción sea reconocible sonoramente pero a la vez desconocida,porque esa impresión sonora desaparece gracias a la gran genialidad del track "Alina". Un nuevo rumbo con el sello distintivo de Icaro Dante, un rumbo que irá trayendo perlas en un mar de novedades en el futuro. Un salto de crecimiento, un salirse de la banquina y buscar nuevos caminos. Nuevos retos. Una salida huidiza de la zona de confort.

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DERECHO DE PISO

BTB HABLANDO EL IDIOMA DE LAS MÁQUINAS


187 [ Por Benjamín York ]

Proyecto solista de Franco Colombo, músico y productor de Buenos Aires, Argentina. Colombo actualmente se encuentra abocado a Reflection proyecto con Franco Doglioli. BTB nace en 1999 colaborando para el sello argentino Fuga Discos dirigido por Luis Marte; produce música sensible y emocional desde ya hace varios años en el mundo de la electrónica. Sus producciones son complejas, IDM (Música Inteligente Bailable). Editó tres discos por el reconocido sello inglés Boltfish Recordings como así también más de 10 ediciones para sellos como Electrosound (Rusia), Enough (Portugal) y Another Chance (España). En BTB podemos encontrarnos con beats electrónicos, atmósferas claustrofóbicas y ambientaciones como bandas sonoras, ritmos industriales, si hay algo que caracteriza a BYB es que un trabajo no tiene nada que ver con el anterior. Es un misterio cada trabajo que se escucha. Y eso es lo que lo hace más interesante este proyecto. Obviamente es un proyecto para escucharlo a oscuras o con algún televisor enfocando a una pared (para que se vean los destellos sobre la pared y no la imagen). La actualidad de BYB es que está trabajando en material nuevo, después del 2012 que fue su último trabajo, “Love, hate and pain”. El nuevo álbum tiene nombre, “WAYCU” y Franco nos adelanta que está “focalizado en un nuevo concepto con arraigada influencia latinoamericana tanto sonora, utilizando medios electrónicos y acústicos, como en lo visual, mediante mixturas abstractas generadas en tiempo real”. Pueden seguir a BTB en: www.facebook.com/btbzonear btbzonear.bandcamp.com


DERECHO DE PISO

CHILLAN LAS BESTIAS EL OSCURO SOUNDTRACK RIOPLATENSE


189 [ Por Diego Centurión ]

La mezcla perfecta de climas rioplatenses (melancolía, neblina y humedad) con la oscuridad de bandas como los Bad Seeds de Nick Cave (algo que ellos no ocultan sino que lo llevan con orgullo como un estandarte de bendición). Agreguémosle una instrumentación que evoca una sensación dulce derrotismo, que en donde hay desesperación y deseos insanos, Chillan las Bestias encuentran poesía sublime. En donde se refugian las almas perdidas, castigadas, deformadas por el calvario de amores no correspondidos o abandonados, Chillan las Bestias se alzan como el bastión de resistencia para recobrar la confianza y mirar hacia adelante. Chillan las Bestias es un proyecto centrado en ambas orillas del Río de la Plata desde el año 2012. Un nexo más que territorial entre Montevideo y Buenos Aires, el sabor de aguas contaminadas lo llevan en la sangre, el cruce entre ambas ciudades hace que la banda pierda un poco la identidad de ambas ciudades y cree su propia identidad, tal vez más cargada de la melancolía tanguera y del submundo de realidades prohibidas. ¿Suena a prohibido? ¿Suena provocativo? No, suena a Chillan las Bestias. Formados por tres integrantes de la extinta banda Ángela Tullida, un ex-miembro del proyecto de Roberto Pettinato llamado Pessi-mystics y el mítico cantante de la banda uruguaya Buenos Muchachos. La banda tiene dos álbumes, el primero disco salió a la luz por el sello Argentino Scatter Records, "Chillan las Bestias” (2014) y el segundo "Chillan las Bestias II” (2017), editado bajo el sello Bizarro, en Uruguay. En el mes de Julio del 2017, la banda pierde al guitarrista y fundador de la banda, Marcelo Chiachiare tras una larga enfermedad. Un mes después, la banda gana en el premio Graffiti por mejor disco de rock alternativo, el premio más importante de la música en Uruguay, en un claro reconocimiento a la pequeña pero nutrida trayectoria de este combo rioplatense. Actualmente se encuentran grabando su tercer disco. Chillan las Bestias: Pedro Dalton: Voz y letras. Franco Varise: Piano. Pablo P. Ferrajuolo: Bajo. José Navarro: Batería. Marcos Camisani: Violín. Marcelo Chiachiare: Guitarra (2012-2017) Pueden seguir a Chillan Las Bestias en: https://www.facebook.com/daltonylostullidos/ https://chillanlasbestias.bandcamp.com/ https://open.spotify.com/artist/3TQS2oMnVzYwYvbRhqSl1k


SOBRE LA PORTADA EL GRAN ARQUITECTO

Redes Sociales del artista: http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

Año: 2011 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 60 cms de diámetro.


ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

El Gran Arquitecto es la primera obra del período Alquimia, que es un período en colaboración con la artista plástica Carla Lentini. Y tiene varias perspectivas esta obra, pero ahora voy a hablar desde la perspectiva Junguiana, ¿por qué Junguiana? Porque Jung tiene que ver con el dos, con los opuestos, con la energía que se da entre esos dos extremos y la compensación que se genera entre ellos. Esta unión, esta matriz energética, de empezar a crear justamente entre dos (Carla y yo) tuvo un primer momento, podemos ver que hay un sólo animal, un sólo ser. Y uno habla del dos, tenemos dos opuestos que están en pugna y que pugnan por prevalecer pero también en estar en equilibrio, porque el equilibrio es lo que nos garantiza a nosotros el éxito en la vida. Lo primero que podemos ver en la obra es que no está solamente el uno, sino que está el dos. Por ejemplo: la escuadra y el compás, y en el medio generarían este uno que tiene que ver con el equilibrio, esto tiene que ver con la realidad psíquica. Por ejemplo: introversión y extroversión. Buscan siempre ese equilibrio porque si uno vive solamente para el mundo interior no se manifiestan los demás y terminan en un fracaso, si uno vive solamente para el afuera terminamos en una respuesta maníaca y terminamos siendo insoportables para los demás y no se logra nada tampoco, quedamos en una superficialidad. Por eso buscar compensar estos opuestos, donde se genera la energía y el éxito en la vida. Este cuadro tiene que ver con eso. También tenemos el cuatro en las monedas que están en los extremos que van compensando esta obra desde una manera estética pero también simbólica, por ejemplo dos monedas tienen dos animales(los extremos verticales) y las otras dos personas (los extremos horizontales).Que tienen que ver con la razón y la fuerza y por el otro lado lo que tiene que ver con la fe y la introspección. Después también tenemos como ciertas formas seudo-geométricas, con una cierta geometría, ya también lo que tiene que ver con la naturaleza, las hojas. Lo natural, el mundo de lo instintivo y de la razón. Y todo esto de hacer una lectura desde lo histórico que nos remite al presente es en lo que se basa Jung. Si ustedes lo escuchan en los reportajes que hay filmados o si leen sus libros, él se remite mucho a la historia, a la filosofía y a la mitología, y desde ahí va generando su percepción del hombre y como se percibe él como hombre. Y eso es muy importante tenerlo en cuenta en los fenómenos artísticos. Y esta charla me vino como inquietud esto que estamos haciendo con Carla, de que estamos los dos (femenino y masculino) generando estas nuevas obras, que no son más de uno que del otro, sino que son de los dos en la misma medida, buscamos un equilibrio cuando estamos pintando, pensando la obra, empezamos a hablar hasta que llegamos a un acuerdo a cómo tiene que ser la obra, en su justa medida nos podemos ver cada uno en la obra pero fusionados. Y genera un tercero. El tres (3), ese 3 que genera energía hacia adelante, que después se convertirá en un 4 y en un 5, y así vamos avanzando y paso a paso logramos manifestarnos de esta forma. Hasta la firma, este sello, tiene esa impronta de los dos, el círculo mandálico, es algo que yo me dedicaba mucho a hacer mandalas, y este círculo es un mandala nuestra firma. Y el mandala justamente, para Jung, es el que simboliza el arquetipo de la totalidad, el ser la totalidad en comunión y en armonía, el final de toda la obra. Citando un poco lo que es psicología alquimia: "El final de la Gran Obra". Ese círculo místico. Y desde esta obra lo que buscamos es poder manifestarnos y que se genere en los demás un rebote, que al verla haya un lugar desde la reflexión, desde lo intelectual, pero también desde lo afectivo, en los colores y en las figuras. Por ejemplo, si vemos los ojos podemos ver como cierta fuerza, cierta tirantez tal vez. Y lo que buscamos es que los demás puedan identificar en nuestras obras ciertas partes que tienen que ver con potencialidades ocultas y con el gusto estético. Así poder compartir nuestro mundo con los demás y que los demás puedan compartir eso que les pasa con nuestras obras y así generar desde el 1, el 2, el 3, 4 y llegar así a lo social, y luego poder compartir y generar una matriz solidaria entre todos… el arte de compartir.


The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA

Revista The 13th Nº 40  

The Bolshoi, Daniel Land, Flou!, Dave Wesley, 68Creep, Tulipomania, Nuvem Leopardo, Salvia, La Suma de Todos Los tiempos, Viva Elástico, Mer...

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