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The13th AÑO: 3

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NÚMERO 34

UNA R E VISTA IMA GINARIA

JOEL GION

THE WEDDING PRESENT THE STARGAZER LILIES | DEAD GURUS | ELECTRIC FLOOR PALE DÏAN | DANIEL JONES MARTY WILLSON-PIPER | ALL THAT MUSICALS | MUCHO MÁS...


STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Noelia Rodriguez.

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com

http://www.instagram.com/revistathe13th

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.


EDITORIAL

Febrero, 2017

Y luego de un mes de "descanso", aunque realmente estuvimos trabajando en el número especial de loa mejor del 2016, también hemos editado nuestro tercer compilado bajo el nombre de una de nuestra secciones, "Pura Melomanía", del cual nos ocuparemos en un próximo número. Pueden descargarlo directamente desde nuestro bandcamp: https://revistathe13th.bandcamp.com/ Entrando ya en nuestro nuevo número, tenemos muchas entrevistas, The Brian Jonestown Massacre vuelve a estar presente, pero esta vez por la presencia de Joel Gion, quien habló con nosotros de su nuevo álbum solista a editarse en Marzo. David Gedge de The Wedding Presente también accedió a ser entrevistado por nosotros, en la cual nos cuenta de muchas cosas y de su último álbum, Going, Going... También hemos presenciado los shows de The Stargazer Lilies y Pale Dïan, a quienes hemos entrevistado para este número. Pero no se acaban las entrevistas también presentamos a una banda llamada Dead Gurus y también a Electric Floor. Y asistimos a un show íntimo y acústico con Marty Willson-Piper y la experiencia fue tan bella que saldrá una cobertura especial de su estadía en Buenos Aires próximamente. El Departamento de Cine se ha encargado de algunos musicales y el de Literatura, entre escritos, se ha encargado de Clive Barker. Además les contamos que parte del staff de la Revista se encuentra trabajando en un nuevo Ciclo anual de actividades artísticas, pero de eso ya les hablaremos mejor en el próximo número. Ahora disfruten de este nuevo número.

REVISTA THE 13TH


ÍNDICE ¡SÓLO ESTAMOS A UN DÍA! Entrevista a John Ceparano (The Stargazer Lilies) por Benjamín York...............................................................................06

BAND ON THE ROAD Entrevista a Daniel Jones por Bernardo Jiménez Mesa.....................................................................................................10 ¡ESTAMOS BIEN ARRIBA! Entrevista a Jason Edmonds de Dead Gurus por Benjamín York.......................................................................................16 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Pablo Müllner............................................................................................................22 UN AÑO MUY OCUPADO Entrevista a David Gedge de The Wedding Present por Diego Centurión ......................................................................26 Entrevista TheENCONTRARÁ Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 LA GENTEaTE Entrevista a Pale Dian por Benjamín York..........................................................................................................................30 ¡NO SABÍA QUE LO TENÍA EN MÍ! Entrevista a Joel Gion de The Brian Jonestown Massacre por Diego Centurión...............................................................34 ES UN EXTRAÑO CRISOL DE GÉNEROS MUSICALES Entrevista con Emanuele Chiareli (Electric Floor) por Benjamin York ............................................................................... 38 MUSIC CORNER “EL LEGADO DE UN GRANDE” Por Alex Bretto. ...........................................................................................................44 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA BEAUTIFUL AND ALONE por Gabo Rojo. ......................................................................................................................48 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA SEXO, MUERTE Y BRILLO DE ESTRELLAS: Libros de Sangre (Volúmenes I, II y III), de Clive Barker................................. 58 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL COMPLOT por Pablo Ravale.....................................................................................................................................63 ESTOY PARA QUE NO ME VEAS por Valeria Pomidoro................................................................................................64 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................68 EN CONCIERTO DREAM POP Y SHOEGAZE CON SELLO PROPIO SHOWCASE CASA DEL PUENTE por Marina Cimerelli. Fotografías: Nazarena Talice...................................................72 EL VERDADERO MAGO ENTRE LOS ESPÍRITUS MARTY WILLSON-PIPER & OLIVIA DIBOWSKI por Noelia Rodriguez. Fotografías: Nazarena Talice.............................80


RESCATE CINÉFILO ALL THAT MUSICALS....................................................................................................................................................90

WHAT A GLORIOUS FEELING! por Jimena Patiño......................................................................................................92 FOSSE HACE AL CINE BAILAR por Nicolás Ponisio ...................................................................................................95 CÁNTAME TU VIDA por Nicolás Ponisio .....................................................................................................................97 30 MINUTOS INOLVIDABLES por José Luis Lemos .....................................................................................................99 OSCURIDAD MUSICAL por Nicolás Ponisio ..............................................................................................................102

WE CAN BE HEROES, JUST FOR ONE DAY! por Jimena Patiño...............................................................................104

ÁMAME MENOS PERO ÁMAME MÁS TIEMPO por Jimena Patiño..........................................................................107 LO QUE FUE Y YA NO PUEDE VOLVER A SER por Nicolás Ponisio ...........................................................................110 EL ESCRITOR SERIAL

ASH VS EVIL DEAD (TEMPORADA 2) - SECUELA A PURO GROOVY por Nicolás Ponisio.......................................113

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................116 PURA MELOMANÍA ATREVESANDO (INFINITAMENTE) EL LADO SALVAJE The Doors - The Doors (1967) Por Pablo Müllner.........................................................................................................124 CUANDO LO CELESTIAL ESTÁ EN LO SUBTERRÁNEO David Bowie – Low (1977) por Alejandro Cenizacromada...........................................................................................125 THE THREE LITTLE PIGS EN BATTERSEA Pink Floyd - Animals (1977) Por César León .................................................................................................................127 LAS REINAS DE LA OPORTUNIDAD The Runaways - Queens Of Noise (1977) por Benjamín York .......................................................................................128 THE FIRST CHAPTER: MAÑANA NUNCA SE SABE... The Mission - The First Chapter (1987) por Darío Daire ...............................................................................................129 “TAREAPARAELHOGAR” Daft Punk - Homework (1997) por Alex Bretto .............................................................................................................130 EN ROJO, PERO SIN DEMASIADA SANGRE The Stranglers - Written In Red (1997) por Pablo Müllner ...........................................................................................131 LAS PUERTAS COMENZARON A ABRIRSE The Crüxshadows - Dreamcypher (2007) por Diego Centurión ...................................................................................132 HACEDORES DEL MITO Skinny Puppy - Mythmaker (2007) por Pablo Müllner ..................................................................................................133 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? ALAN PARSONS PROJECT – GAUDI & (SAGRADADA) SANGRÍA CLÁSICA The Alan Parsons Project - Gaudi (1987) Por Maxx Wilda ............................................................................................135 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................136 DERECHO DE PISO

ORQUÍDEA - BELLEZA FLORAL por Benjamín York...................................................................................................148


[ Entrevista a John Ceparano (The Stargazer Lilies) por Benjamín York. Fotografías: Nazarena Talice ]

¡SÓLO ESTAMOS A UN DÍA!

En medio de la Gira Latinoamericana, en donde hubo dos fechas en Argentina, una en Buenos Aires, el 24 en Niceto y luego en Mar del Plata, nos comunicamos con John Ceparano y

¿Cuánto tiempo se tardó en preparar las canciones de tu primer álbum We Are The Dreamers, 2103? Dos años.

pudimos hacerle esta entrevista, previa al primer show en Buenos Aires. Así que acomódense y pongan de fondo algo de esta banda y disfruten.

En junio del año pasado lanzaron su segundo álbum, "Door To The Sun". ¿Qué crees que cambió entre los dos álbumes? El primer disco suena más leve y shoegaze, el nuevo álbum es

Hola chicos, gracias por aceptar esta entrevista en medio del

un poco más psicológico y con un sonido mayor.

Tour Latinoamericano. Para comenzar esta entrevista, quiero ir al principio o antes de The Stargazer Lilies. ¿Por qué termina Soundpool? ¿Y qué hizo que nacieran The Stargazer Lilies? Kim (Field) y yo queríamos hacer algo más despojado. Soun-

Si tuviera que definir su música, sólo con palabras. ¿Cómo lo expresarías? Muy sincero y sentido. Flower Power Trio es otro término que usamos. También me gusta el término "rock ambiente" para describirnos.

dpool era una pieza de cinco integrantes y Kim estaba tocando el sintetizador. Kim necesitaba un nuevo desafío así que aprendió a tocar el bajo. Yo necesitaba la guitarra para dominar la mezcla por lo que se convirtió en un power trío. Queríamos hacer algo que fuera un poco más orientado al rock y dominado por la gui-

¿Qué pasa si tienes que marcar tus influencias más notorias en las canciones? My Bloody Valentine y Pink Floyd son quizás dos de las bandas más conocidas que nos han influenciado.

tarra. Menos miembros en la banda pero un sonido más grande. ¿Qué expectativas tiene sobre esta gira latinoamericana? ¿De dónde nació el nombre de la banda? Nuestra buena amiga Jennifer visitaba nuestra casa y notó

El tour ya ha superado nuestras mejores expectativas y ¡sólo estamos a un día!

flores en nuestra mesa de comedor. Ella preguntó si las flores eran Stargazer Lilies... Nunca he oído hablar de eso, pero pensé

¿Qué planes tiene para después de esta gira?

¡wow, sería un gran nombre de la banda!

Trabajar en material nuevo.

¿Qué diferencias se encuentran entre las dos bandas? Ambas bandas son shoegaze, pero The Stargazer Lilies es

Por nuestra parte valoramos su disposición a responder y le agradecemos mucho, y estaremos presenciando el concierto en

más orientado al rock de guitarra y una banda de tres integran-

Buenos Aires.

tes, y Soundpool era una banda de cinco y más sintetizador, más

¡¡Increíble!!

orientado al Synth-Dance.

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[ Entrevista a Daniel Jones por Bernardo Jiménez Mesa. Fotografías: Ishtar Astaré. ]

BAND ON THE ROAD


En este viaje (en éste y en aquél)... En nuestro pasado y el efí-

llamaba Sentencia, y era una banda de metal. Y después hubo

mero presente... La carretera toma giros inesperados, y cambios

una que se llamaba Enchiladas Atómicas que se convertiría en

de dirección muy planeados, que a su vez nos sacuden de re-

Danny Dodge, ahí arrancamos y fue un periodo de exploración

pente para recordarnos que “planes, no hay planes”... y que nos

tal vez. Yo venía de oír mucho Punk.

engañamos al creer que conducimos, pues la carretera misma es quien conduce nuestro destino. Y es así, en la carretera (in-

Es que ese es el punto que yo quería abordar: Tu tocabas muy

hóspita, desolada, o inspiradora y llena de luz) donde escribe su

Punk, es algo que está muy en ti, pero a la vez, algo que creo que

diario quien en estas páginas nos acompaña relatando historias

caracteriza a todos los proyectos de los que has hecho parte es,

de mil viajes... y de uno solo, al final...

en menor o mayor cuantía, una dosis de Psicodelia...

Para la Revista The 13th es un placer presentarles (a quienes

Sí...y no sé por qué… (Risas). Tal vez la banda que me conec-

aún no lo conocen) a TWO WAY ANALOG, y su espíritu men-

tó con ese lado, es Pixies. A mí Pixies me cambió la manera de

tor: Daniel Jones, desde Colombia.

ver la música. En el año 89 los escuché por primera vez y eso me hizo abrir la cabeza, como una droga extraña que te lleva a

Para aquellos que no conocen la carrera y la música de Daniel

tocar de otra manera

Jones, ¿qué podríamos contarles sobre tus inicios? Un saludo a todos nuestros hermanos. Yo arranque de niño.

Recuerdo ahora que Danny Dodge era una banda muy muy

Desde que me acuerdo he querido hacer música y el primer

joven que muchos recordarán como la banda que abrió, literal-

disco que me inspiró a tocar guitarra fue “Please, Please Me”

mente, la primera edición del festival Rock Al Parque (el festi-

de The Beatles...

val gratuito más grande de Latinoamérica, que sigue vigente y creciendo al día de hoy). Danny Dodge era una banda punk...

¿Por influencia de alguien en particular?

Sí, era interesante. Gugiyo, el baterista, y yo teníamos influen-

Estaba en Gales -mi familia es de Gales, en Gran Bretaña, y

cias muy parecidas. Crecimos oyendo más o menos lo mis-

estábamos en un sitio donde vendían el disco y yo lo vi ahí y le

mo, tal vez yo me fui después más por el punk y él más hacia

decía a mi padre "yo, quiero ese disco", pero mi papá detestaba

el Grunge...

los Beatles, curiosamente. Él me dijo "¿Por qué los Beatles?" y yo le respondí "No sé, quiero oír eso". Entonces me lo compró y al escucharlo fue como ver la luz; fue una revelación de lo que quería hacer en mi vida...

Cuando dices que te fuiste más por las bandas de los 70s, no sólo te referías a bandas como Black Sabbaath, sino... The Clash!, amo The Clash, es otra banda que me cambió la música....mi manera de ver la música. Algo mucho más direc-

¿Y empezaste a ahondar más en la obra de The Beatles?

to, concreto, sencillo, al grano...Y al venir de una educación mu-

Sí, pero más que ahondar en The Beatles pasé rápido a escu-

sical innata o empírica, donde amo la música clásica y quería

char Black Sabbath...fue un salto muy dramático

ser, no virtuoso, pero quería llegar a una calidad de interpretación muy alta...

Lo es, pero también es consecuente Es consecuente y con los años uno lo entiende más, cuando la banda favorita de Ozzy Osbourne era The Beatles...

Y lo has hecho siempre Daniel, sobre todo en cuanto a la escucha y el color...Pero ya que lo mencionas (has mencionado a la música clásica) y hablando de tus inicios: Qué relación hay

¿Empezaste a explorar entonces otras bandas de esa época? El nombre obvio que viene a mi cabeza es Rolling Stones, pero...

entre la música clásica, tus padres, tu comienzo en la música... ¿Qué pasa ahí?

¿otras bandas de esa generación (60s y comienzos de los 70s)?

Sí. La música clásica es realmente la cuna. Mi madre es músi-

Yo pasé muy rápido a las bandas setenteras: Black Sabbath,

ca clásica. Yo crecí, desde el vientre, escuchando Clásica, música

Pink Floyd...

gitana (Flamenco en particular, que mi papá ama) y ¡las bandas sonoras de James Bond!...Y en mis guitarras se ve esa influencia

Quienes te conocimos desde hace mucho tiempo aquí en

(James Bond), es curioso (risas)

Colombia, lo hicimos con Danny Dodge. ¿Fue ésta realmente tu primera banda? La verdad es que tuve una banda antes de Danny Dodge. Se

¡Ahora todo tiene sentido!... Es el secreto revelado (risas) Y escuchar a mi madre cantar Opera (cuando lo hacía lloraba)


y cuando tocaba guitarra tocaba era música gitana (ambas mú-

mos el color y atmosfera que nos ha afectado (para bien) y por

sicas de gran complejidad interpretativa). Pero cuando escuche

otro hay un miedo de uno tal vez repetir o imitar. La búsqueda

The Clash y entré en la onda Punk, esto me hizo ver también

del color es también la búsqueda de la originalidad

como se puede interpretar la música desde otro punto de vista.

Exacto. Cuando tenía 12 años pude comprar mi primera gui-

El dar un mensaje mucho más concreto...y a la edad que tenía

tarra. Nunca he tomado clases y cuando mis padres vieron que

entonces...Te hace ver la música desde otro lugar...

podía hacerlo por mí mismo, entendieron que era mi camino. Y un amigo de mi padre que era un baterista increíble me escuchó

¿Qué pasaba cuando empezaste a tocar y tus papás veían que

y me dijo ¡Vamos a tocar! Yo tenía unos 14 años. Escuchábamos

seguías ese camino? ¿Te apoyaron o al venir ellos de una escue-

vinilos y tocábamos juntos. Y en aquel momento yo escuchaba

la musical muy distinta no les interesaba o no les llamaba la

mucho metal, y fue el quien me llevo a escuchar otras cosas.

atención lo que hacías? Ese es un punto interesante porque ellos vieron que yo tenía

Para quienes en otros países, no hayan escuchado la música

la música, desde niño, y mi madre no quería que yo me frustra-

anterior, pre - Two Way Analog. ¿Dónde pueden encontrar la

ra como ella. Yo quería tocar piano y nunca me dieron un pia-

música de Danny Dodge, la música de las demás bandas?

no, ni clases. No me apoyaron desde ese punto de vista pero si

Yo he tratado de subir a soundcloud la música que hemos

me apoyaron en mi intención de hacer música. Hoy en día me

hecho con amigos en el pasado y que para mí tiene relevancia,

preguntan cada vez que hablo con ellos ¿Cómo va la música?

como Danny Dodge, Orbita Cascabel, Bombalacrán, Munn...

De niño yo todo lo que quería era una guitarra eléctrica. Yo to-

En Youtube también se puede encontrar. Danny Dodge fue una

caba con una acústica que había pertenecido a mi madre, pero

banda más punk, en los noventas; Bombalacrán tenía influen-

yo quería una eléctrica. Uno de niño, escuchando rock, quiere

cias más The Clash, más Reggae y punk, con vientos. Fue una

tocar eléctrica. Uno busca el color de lo que lo inspira.

banda que gustaba mucho y tenía potencial, pero en el mismo momento en que todo empezaba a encajar, miramos todos a

Es una búsqueda ambivalente y compleja: por un lado busca-

otro lado, y de ahí salió “Orbita Cascabel” que fue como irse de


la playa a Marte. ¿Se consiguen aún estos dos álbumes, físicamente? Me fascinaba esta banda. Las dos veces que los vi ensayar -y

Si, aún están disponibles ambos.

esto te lo he dicho en el pasado- pensé - Esta es la primera banda de Colombia que me encanta-

¿Cuándo tendremos el placer de tener el tercer álbum?

Ahí nos encontramos todos como músicos, fue el momento

Por el cambio de la industria, los músicos estamos en ese

donde cada uno entendió y desarrolló su sonido en cada instru-

dilema, entre sacar un cd, si vale la pena; o sacar canciones

mento y tratamos de hacerlo lo más sencillo posible, pero crean-

(singles). Nosotros sacamos un sencillo recientemente llamado

do la atmosfera que buscábamos.

“Caught In the Middle”. Yo quisiera esta vez sacar varios sencillos antes de sacar el álbum.

¿Después de Orbita Cascabel llega Two Way Analog? Si, con Orbita grabamos un disco pero después del primer

El álbum como formato, por las dinámicas de escucha ac-

concierto nos robaron todos los equipos. No se perdieron las

tuales, se ha roto, se ha fragmentado. La cohesión y estructura,

cintas, afortunadamente, pero finalmente el álbum, aunque fue

como álbum, no se respeta más, ni en la escucha ni en la manera

mezclado, nunca fue editado.

como se comparte. Es un momento para revalorar el formato... Yo pensé lo mismo. Ir grabando y sacando canciones. Hay

Bueno, así llegamos a TWA, y el próximo álbum, que es el motivo principal de esta entrevista Cuando se terminó Orbita, armé otra que se llamaba Munn, donde volví a cantar. Ahí entendí que las bandas son muy frá-

una con video inclusive (Caught In The Middle). Hoy en día creo que hay que enamorar a la gente con canciones y si ya la gente siente que esas 10 o 12 canciones les gustan, ahí si pensar en prensar un cd o vinilo.

giles y suelen terminar en divorcio. Con Two Way Analog quise hacer un proyecto propio (para que perdurara en el tiempo).

Entre el segundo álbum y este tercero que aún se está gestando, median unos cuantos años. ¿Qué pasa con Two Way Analog

¿La formación, en los tres álbumes de la banda, es distinta?

en ese ínterin, en ese lapso?

Sí, el primer álbum lo hice yo solo. Me ayudo sólo un amigo

En el 2010 me voy a vivir a Londres con Two Way Analog (re-

con una parte de la percusión. Es un álbum mucho más intros-

formando la banda allá). Toque con diferentes bandas allá tam-

pectivo, acústico. El primer álbum fue editado en el 2005 (Mu-

bién y eso me hizo conocer músicos, lugares para tocar y em-

sic and Songs for the Road); el segundo es del 2009 (Misterio,

pezar a componer de nuevo también. De hecho, Caught In The

Aventura & Romance).

Middle, la canción que recientemente estrenamos, yo la hice en


el 2012 en Londres.

lograr de aquí en adelante con tu música? A veces me siento un poco bipolar con la música. Por un lado

Daniel, en este momento de tu vida, si miras hacia atrás ¿Qué

me gustaría con estas nuevas canciones, y en vivo, poder lograr

tan difícil? ¿Qué tan gratificante ha sido este viaje? ¿Qué le dirías

un show más visual, algo más elaborado. Eso en lo más inme-

a los chicos que comienzan ahora en la música? y teniendo pre-

diato (presente) y a futuro, debido a que me he reconectado con

sente que en tu música el viajar es un tema recurrente ¿Cómo

el punk (risas)... no sé si armar un proyecto paralelo a TWA. He

ha sido el viaje de Daniel Jones en la música?

estado tocando versiones de Social Distortion, The Clash, Leo-

Nunca me arrepiento de haber escogido la música, a pesar de

nard Cohen, Jhonny Cash... todas versiones muy punk. De ahí

todas las cosas que uno pueda haber sentido que sacrificó por

han salido ideas de nuevas canciones. Eso ha estado ahí siem-

la música y creo que lo que se sacrificó no le llega a los pies a

pre y me gustaría subirme a un escenario y tocar esto sin mayor

la satisfacción que uno puede sentir cuando uno está haciendo

elaboración, solo...1, 2, 3, 4... y ¡salió! (risas)

música. Y si alguien está entrando a ese mundo y en serio siente que lo quiere hacer... ¡Hágalo!, contra viento y marea. Como les contaba mi madre me apoyo porque ella misma tal vez no tuvo la rebeldía para hacerlo. Así que les diría -sean rebeldes...hagan música-, porque para ser músico toca ser rebelde.

Daniel, ¿hay algo que quisieras agregar antes de finalizar esta entrevista? Un placer haber logrado esta entrevista; y aunque no me gusta mucho hablar de mí, a veces hacerlo es importante. Lo más importante de todo esto es que (quienes nos leen) escuchen la

¿Qué viene para Two Way Analog a futuro? ¿Qué quisieras

música y espero les guste. Gracias.


[ Entrevista a Jason Edmonds de Dead Gurus por Benjamín York Traducción: Rodrigo Debernardis ]

¡ESTAMOS BIEN ARRIBA!


Muchas gracias por aceptar esta entrevista Comencemos con el nombre de la banda. ¿Por qué Dead Gurus? El concepto acerca de los Gurus en el pasado es que ellos podían viajar a otras dimensiones; pero también eran capaces de volver aquí a observar y lograr que ciertas cosas ocurran. Así que cuida tu karma, o algo así… De acuerdo a las gacetillas de prensa, Dead Gurus comenzó como un proyecto solista. ¿Cómo se unió a la banda el resto de los miembros? Son viejos amigos de la escena musical de Minneapolis. Bennett y Cole vienen de la banda Daughters of the Sun, y antes estuvieron en Dreamweapon (no la banda portuguesa del mismo nombre). Nadie rasguea la guitarra como Bennett, y donde quiera que Bennett vaya, usualmente allí irá Cole, quien ahora está en el bajo pero es un músico que puede tocar bastante bien casi cualquier instrumento. Ryan Garben es un chico de Iowa que estuvo en una banda llamada Wet Hair. Es un gran baterista.

He estado escuchando el largo track que grabaron para “Drone Not Drones”. ¿Es eso una improvisación o es una canción con nombre? “Drone Not Drones” es una colecta anual aquí en Minneapolis que se realiza para recaudar dinero para los “Médicos Sin Fronteras”. 25 horas de marcha con gran cantidad de músicos que realizan sets de 30 minutos, yendo y viniendo sin parar. Lo que hicimos el año pasado se basa en el canto para la Diosa Hindú del Canto y la Ciencia, Saraswati. “Acid Bench”, vuestro álbum debut, será lanzado el 17 febrero de este año. ¿Cómo se sienten con el resultado final? Nos ha gustado. Es todo un viaje, por cierto. Saldrá en una edición muy limitada en vinilo color blanco con tonos esfumados en negro. Asegúrate de entrar en Wrong Way Records y conseguir rápido una copia antes de que sea demasiado tarde. Lo que siento cuando escucho Acid Bench es un mantra sonoro envolvente que me hipnotiza con cada acorde. Energizante e introspectivo a la vez, con mucho poder. ¿Es lo que buscaron con la banda?

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Bueno, es lo que sucede con la música. Es subjetivo el efecto. Quise que el disco fuera directo al punto

sin vacilaciones, como, ¡hey…aquí viene el impacto, súbete a él o quítate del camino!

NOS GUSTARÍA QUE NOS DIJERAN ALGO DE CADA CANCIÓN. TRACK POR TRACK

Vibrations Cruzando el Valle de la Murte en una van durante un eclipse solar.

Mistress X Esa chica que no puedes aguantarte las ganas de volver a verla.

Serpent Fire Aquí viene, El Niño de la Luna.

Celestial Fuzz El amor verdadero te encontrará finalmente.

Song for Saraswati Homenaje a la Diosa de la Música.

Starlight Sisters Dos mejores amigas estudiando las estrellas en el desierto.

Black Silk Ella tiene la Llave Mágica.

Todo el disco es un viaje que tiene un principio, y también un final; al menos es lo que yo pude percibir. ¿Fue algo pre-establecido al concebir el álbum? Soy de los que creen que es posible despertar vibraciones y expandir conciencias a través del ruido blanco y el acople, algo similar al concepto de los binaural beats, si sabes a lo que me refiero. Así que, quizás Acid Bench sea un álbum de meditación para las personas a las que les gustan las guitarras. El pasado diciembre entrevistamos a Sean Laffan de Psychoactiv. Mirando los videos que él ha hecho de la banda, ¿crees que éstos encajan con la idea de Dead Gurus? No conozco a Sean ni nunca he hablado con él

acerca de cuál es mi visión. Son su interpretación y yo trato de tener una mente abierta. El tipo está allí haciendo lo suyo a su manera. No me gusta controlar ni restringir lo que hacen los fans con los videos, prefiero darles libertad para que hagan lo que quieran. Para finalizar, ¿cuáles son los planes en este 2017? Daremos una fiesta de lanzamiento del disco en St. Paul MN, en el Turf Club el 8 de marzo. Estamos programando una gira por Europa para septiembre que espero pueda extenderse a los Estados Unidos y también hemos comenzado con las grabaciones de nuestro próximo álbum que saldrá en primavera. ¡Estamos bien arriba!


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TRES POR UNO


Steven Wilson - The Raven Who Refused To Sing CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Con una simpleza que reboza de una hermosa ternura, el videoclip de The Raven that Refused to Sing de Steven Wilson se atreve a entablar una conversación visual acerca de la mortalidad, los lazos formados en vida y los miedos que a ésta la rodean. Con una oscuridad presente pero lejos de ser aterradora, y quien vincule siempre a una con la otra está llanamente equivocado, la animación del videoclip es una caricia que nos acerca a aceptar la soledad y la mortalidad como meros conceptos. Como mera apreciación que no siempre implica algo malo o finito. La historia de un anciano que perdió a su hermana a temprana edad y cómo el hombre interpreta la llegada de un cuervo como materialización de su espíritu se atreve a poner en duda lo conocido a su alrededor. Así como en un principio una espesa negrura se aproxima a él de manera invasiva, se presenta como simple forma de percepción, del personaje y nuestra. El temor infundado a la vida en solitario o a la muerte como punto final, se expresan en el video con la belleza con la cual habría que abrazar y entender dichos conceptos. La artesanía animada de los personajes y sus escenarios logran crear con inmediatez una fuerte empatía con el personaje y los sentimientos de éste, acrecentados por la bella melodía de Steven Wilson. Algo que mejora la experiencia de uno como espectador, logrando que lo toque de cerca con intensidad en esos pocos más de 7 minutos y medio de duración que tiene el video. El aislamiento y los temores que habitan en la cabaña del anciano y en la cercanía del bosque son víctimas de la equivocación humana. Lo que se dice un problema de percepción que se halla reflejado en ese cuervo enjaulado, del cual si nos posicionamos en su lugar lo único que veremos tras las rejas es el

fatigado rostro del anciano. Una vez entendido ello, solo queda el reencuentro de los hermanos y la posibilidad de entender que no hay principio ni fin. Un estado perpetuo de sorpresa que invite a no temer a lo desconocido, sino a querer adentrarse placenteramente en ello.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Desde hace rato Steven Wilson tiene la “mala costumbre” de inspirarse en libros e historias para trabajar en la composición de sus discos. Fue sumamente notable con Fear Of A Blank Planet de su ex-banda Porcupine Tree, el cual nació producto de Lunar Park de Bret Easton Ellis (autor también de Menos que cero y Psicópata americano). Con Hand. Cannot. Erase. sucedió un poco lo mismo, ya que después de leer acerca de la historia de Joyce Carol Vincent, una mujer que fue murió a finales de 2003 pero durante dos años nadie se preguntó por qué había desaparecido, decidió componer el disco bajo esa temática. Sin embargo, el álbum y la canción más notablemente inspiradas por un libro fue el “The Raven That Refused To Sing” (El cuervo que se rehusó a cantar), pieza artística excelsa basada en el mítico cuento/poema de Edgar Allan Poe “El cuervo”. Si bien la historia de esta canción difiere un poco de la del texto de Poe, podría decirse que tanto una como otra responden al mismo espíritu trágico y tenebroso. En el tema de Wilson, en tanto, nos encontramos con la historia de un individuo que siendo joven perdió a su amada hermana menor («Hermana, te perdí / cuando aún eras una niña / Pero te necesito ahora / y necesito nuestra anti-


gua vida») y que durante años vivió aquejado por esa pena («Tengo miedo de despertar / Tengo miedo a amar» o «Sólo porque soy débil / puedes robar mis sueños / Puedes… irrumpir en mi cabeza / y puedes… poner tu canción ahí en su lugar / Por favor, ven a mí / Por favor / quédate conmigo / Por favor / Por favor, canta / Por favor, quédate»), hasta que un día descubre cómo contactar con el fantasma de la chica: por vía de un cuervo, un heraldo de la muerte, que le hace llegar mensajes desde el más allá, cantando («Canta para mí, cuervo / la extraño mucho / Canta para mí, Lily / Te extraño mucho»). Triste, emotiva, oscura, profunda… Nada que, en definitiva, no sea Steven Wilson. Una obra de arte hecha y derecha. Una canción para volver a escucharla cien veces y no dejar de sentir ganas de llorar de placer.

MÚSICA [ por Pablo Müllner ]

El productor e ingeniero de audio, Steven Wilson es un autodidacta cantando y tocando guitarra y teclados, y aunque su estilo es generalmente definido como rock progresivo, él prefiere evitar dicha etiqueta. Steven fusiona influencias del cine y la literatura en un sonido que él define como rock conceptual. Sus territorios musicales son extremadamente dispares, abarcando la psicodelia o la música ambiental, pasando por la electrónica, el pop, y llegando hasta el metal extremo. “The Raven who refused to sing”, “el tema más hermoso que he compuesto”, en sencillas palabras del propio Wilson, sin embargo, no se dirige hacia ninguno de esos extremos: es más bien una fusión de estilos bucólicos, elegantes

y fundamentalmente, melancólicos. Grabado en los estudios EastWest de Hollywood, se nota en su factura la mano y el oído de un colaborador ilustre, Alan Parsons, el mismo que tuvo a su cargo piezas históricas como El lado oscuro de la luna. En “The Raven” nos encontramos desde el principio en un terreno sutil: la larga introducción de piano de Adam Holzman nos transporta a un escenario rural, helado, nevado, hacia un tiempo sin tiempo desde donde una historia comienza a ser contada con parsimonia: la del anciano y el cuervo, que se le aparece como presagio de su hora. Podríamos hablar incluso de pop barroco o art folk, ya que Theo Travis aporta el particular trino de su flauta dándole a la melodía del piano un natural crescendo, sin sobresaltos, superponiéndose y jugando entre el doloroso arrullo de la voz de Steven Wilson y sus silencios. Aquí las voces, fantasmales y sobregrabadas, cumplen el expresivo rol de un instrumento más. Las inflexiones de Steven configuran el lamento creciente por ese canto (el del cuervo) que nunca sucede. La guitarra acústica de Guthrie Govan y el bajo de Nick Beggs se presentan más tarde sin interferir demasiado en el tejido de la trama argumental y sonora. Como comentara en un reportaje, Wilson le pidió con un poco de incomodidad a su prodigioso guitarrista que tocara solo tres notas de guitarra, a lo que Guthrie contestó sin inconvenientes: “son las tres notas necesarias para romper corazones”. Promediando la composición una exacta sesión de cuerdas, arreglada por Dave Stewart se va imponiendo a la mezcla, sin sofocarla, junto con la urgente batería de Marco Minnemann hasta alcanzar una pico dramático y de brillo sonoro al que se van sumando el órgano Hammond de Holzman, el Mellotron del propio Wilson, reverberaciones de guitarras eléctricas varias, y algunos vientos y percusiones. Hacia el final, otra vez la desnuda melancolía del piano, como las pisadas en la nieve, que desaparecen.


27 [ Entrevista a Entrevista a David Gedge de The Wedding Present por Diego Centurión ]

UN AÑO MUY OCUPADO El 2 de diciembre de 2016 la legendaria banda de Leeds, The Wedding Present, ha editado un nuevo álbum llamado “Going Going” y accedimos a hablar con David Gedge quien además de ser el vocalista y autor de sus canciones es el que ha permanecido al frente de la banda desde sus inicios en la década de los ochenta. Antes de comenzar, quisiera darle las gracias por tomarse el tiempo para contestar estas preguntas. ¡No hay problema, Diego!

creo que ha resistido bastante bien la prueba del tiempo. En ese momento habíamos tenido un par de cambios de alineación y los nuevos miembros, Simon Cleave [guitarra] y Jayne Lockey [bajo], eran ambos de un poco más experimental. Y creo que se puede escuchar, en los arreglos y grabaciones, el sonido de una banda probando algunas ideas nuevas. Además, Jayne fue el primer miembro femenino de tiempo completo de la banda por lo que nos divertimos mucho experimentando con intercambios vocales de hombres y mujeres. Fue realmente el primer álbum totalmente auto producido...

1985. El año en que todo nació. ¿Qué recuerdas de esos primeros días de la banda? ¿Cuáles fueron algunos de sus mayores retos en ese entonces en comparación con ahora? Fue un momento estimulante. Nadie sabía acerca de The Wedding Present y no teníamos dinero... pero teníamos un montón de canciones que estábamos emocionados por tocar y grabar y ¡una abundancia de entusiasmo! Supongo que el mayor desafío era sobrevivir financieramente, hasta que atrajimos suficiente interés y apoyo para lograr lo que habíamos planeado hacer. Nos habíamos lanzado de lleno a la banda para que ninguno de nosotros realmente tuviera tiempo, o, francamente, la inclinación de ganar dinero de otras fuentes. Así que... ¡Tuvimos que hacer sacrificios!

No podemos pasar por alto el hecho de que Cinerama llegó más tarde también, y que este proyecto coexiste con The Wedding Present. ¿Combinas ambas bandas en el momento de componer o es Cinerama todavía una válvula de escape, por así decirlo? Todavía es un proyecto separado, pero supongo que los límites no son tan estrictos como solían serlos. Creo que Cinerama ahora influye a menudo en The Wedding Present tanto como The Wedding Present influyó, por ejemplo, en el tercer álbum de Cinerama, “Torino”. Dicho esto, el lanzamiento más reciente de Cinerama fue una re-imaginación del álbum “Valentina” de The Wedding Present... ¡y en la versión Cinerama absolutamente nada suena como el original!

Aunque su discografía es bastante extensa, el año pasado fue el vigésimo aniversario de Saturnalia. ¿Qué recuerdas de ese álbum? ¿Y cómo lo ves hoy, veinte años después de su lanzamiento? Siempre he pensado que Saturnalia fue uno de nuestros álbumes más interesantes. En realidad, es uno de los lanzamientos menos conocidos, pero

Saltando hacia el presente, el álbum actual Wedding Present album Going, Going... acaba de lanzar en Happy Happy Birthday To Me Records. ¿Cómo te sientes acerca de estas grabaciones? ¿Es un asunto más personal para usted que sus grabaciones anteriores? Seguro. Creo que es uno de los tres álbumes más


personales... junto con “George Best” y “Take Fountain”. Está basado en un tipo de viaje por carretera que tomé en los Estados Unidos hace un par de años... conducir a través de veinte estados de Maine a California... y por lo que solo hace que se sienta más real para mí, antes incluso de pensar en las letras.

Nunca tengo ninguna expectativa para nuestros lanzamientos. Lo dije hace muchos años, ja, ja. He estado encantado con la recepción que ha recibido, sin embargo, debo decir. En nuestros tours de 2017 estamos obviamente planeando un set que se basa en Going, Going... ¡pero obviamente no vamos a ignorar el catálogo, por supuesto!

Pedirle que entre en este disco pista por pista sería demasiado, pero ¿qué canciones le gusta más de este álbum? Creo que 'Rachel' es una gran canción pop - ¡si digo yo mismo! - pero no es realmente indicativo del álbum, así que no estoy seguro si diría que es la canción que más me gusta. La idea detrás de Going, Going... fue para dar lugar a pequeñas sorpresas durante el "viaje", por así decirlo; a veces se asientan al pasado y a veces no tienen relación con nada que hayamos hecho antes. Por lo tanto, ¡si no suena demasiado pretencioso!, casi siento que debe ser considerado como un conjunto de música en lugar de una colección de canciones.

"Marc Riley Sessions Volume 1" ha sido editado. ¿Qué nos puede decir sobre esto? The Wedding Present siempre ha tenido una buena relación con la BBC y, en particular, con el célebre presentador, John Peel, quien, lamentablemente, falleció en 2004. Grabamos varias sesiones para su programa a lo largo de los años. Básicamente... apareces en un estudio de la BBC y haces cuatro o cinco pistas que se graban en vivo y luego se mezclan allí. Con grabaciones como esa, definitivamente se puede escuchar una "urgencia" en la pista. Durante la última década Marc Riley, supongo, tomó la batuta de Peel y por eso hemos grabado varias sesiones para su show. Este es el primer volumen de una serie de lanzamientos de esas sesiones.

¿Cuánto tiempo te tomó escribir estas canciones? ¡Un largo tiempo! Era un proyecto extenso y quería asegurarme de que todo se hiciera como se suponía que se debía hacer... las letras, la melodía, los arreglos, las grabaciones, la mezcla, los videos... incluso los formatos y el packaging. ¡Trabajé más duro en este lanzamiento que en cualquier otro! ¿Cómo describirías el sonido de este álbum? Creo que la fuerza de Going, Going... es en parte a lo variado que suena y en parte a cuántas ideas están realmente en él. Algunos de los sonidos más pesados que la banda ha grabado se acoplan a arreglos más ligeros –casi, casi cinematográficos-, pero no creo que ninguno de ellos suene particularmente fuera de lugar. También es, con suerte, un disco que paga a varias escucha. Cuanto más familiar se vuelve con la grabación, más notará. ¡Bueno, esa es la idea, de todos modos! ¿Cuáles son sus expectativas para este lanzamiento? ¿Cómo encajará eso en los próximos tours que anunció para 2017?

¿Qué te espera en 2017? Bueno, estamos de gira por América del Norte en abril, con el acto de apertura de Colleen Green realmente estoy esperando eso. Y luego también estamos planeando regresar a Australia y Nueva Zelanda en julio. Y tenemos algunos festivales para tocar en Europa. 2017 también ve el trigésimo aniversario de la edición de “George Best” y por eso hemos organizado conciertos donde tocaremos ese álbum en vivo... ¡por última vez! También estamos literalmente en medio de la grabación de un nuevo EP para un sello llamado “El Segell Del Primavera” - que está asociado con el festival Primavera Sound en Barcelona - y nos han pedido que participemos en el lanzamiento de eso, también. También tengo mi propio festival, “At The Edge Of The Sea”, en agosto como de costumbre... y continúo el trabajo en mi serie autobiográfica de la historieta “Tales From The Wedding Present”... Así que yo diría que va a ser un año muy ocupado... ¡pero siempre lo son!


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[ Entrevista a Pale Dian por Benjamín York Fotografías: Nazarena Talice ]

LA GENTE TE ENCONTRARÁ

Aprovechando que junto a The Stargazer Lilies la banda se han presentado en Buenos Aires el pasado mes de enero (ver “En Concierto”) nos hemos comunicado con la banda de Austin, Texas, en medio de su gira Latinoamericana y hablamos de dicha Gira y lo que hasta ese momento sería su primer show en Buenos Aires. Ruth Ellen Smith, Derek Kutzer y Nicholas Volpe han respondido amablemente nuestras preguntas, así que los invito a leerla.

¿Conocían algunas de las bandas de este Tour? Nicholas: ¡Sí! Hicimos un largo y extenso tour con Stargazer Lilies en julio de 2016 y nos hicimos muy buenos amigos. También tocamos un show con Altocamet en Dallas en la misma excursión y ¡lo pasamos genial!

¿Cómo y cuándo nació el nombre de la banda? Ruth: A finales de 2015, me ocurrió el nombre Pale Dian. Es una referencia tanto a la luna como a las parpadeantes llamas de la luz.

Actualmente la red está invadida por nuevas bandas. Las posibilidades técnicas en casa hacen que todos puedan subir su música a Internet. Lo que hacemos el trabajo de encontrar nuevas bandas, nos resulta más fácil, pero al mismo tiempo, difícil debido al número de proyectos que hay. Usted, ¿cómo ve este tema del gran flujo de información? ¿Es complicado para las nuevas bandas encontrar oyentes desconocidos? Derek: Es difícil. Tanto se ha democratizado más con la tecnología actual. Pero he descubierto que el camino hacia el éxito sigue estando en manos de la voluntad y determinación de una banda. Nunca es un movimiento equivocado para entrar en el espacio de práctica y reservar algunos espectáculos. ¡Si haces esto con talento y unidad, la gente te encontrará! ¡Lo prometo!

¿Estás de gira en América Latina, cómo se están sintiendo por estos lugares? Derek: ¡Vaya! Es impresionante. Es precioso, la gente es agradable como agradable puede ser, y ¡la comida es increíble! Nicholas: Todo el mundo es muy acogedor y cool y ¡el paisaje es precioso! Pronto llegan a la Argentina. ¿Cuáles son tus expectativas? Derek: Siempre he querido venir a Argentina y al sur de Sudamérica. ¡Sé que con Altocamet y Casa Del Puente estaremos en buenas manos!

¿Cuáles son sus influencias? Derek: Julee Cruise y Dale Cooper

Gracias por la Entrevista.


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[ Entrevista a Joel Gion de The Brian Jonestown Massacre por Diego Centurión ]

¡NO SABÍA QUE LO TENÍA EN MÍ! Hace poco estuvimos entrevistando a Anton Newcombe y volvemos con otro integrante de la banda The Brian Jonestown Massacre, quienes dicho sea de paso están por lanzar nuevo álbum. Pero eso será tema para otro tema. Joel Gion es el panderetista de la banda quien tiene su propia visión de la música y acaba de lanzar un adelanto de su segundo álbum homónimo a editarse en la primavera europea, el single “Tomorrow” viene a proseguir la carrera de Joel que entre singles ha editado en el 2014, su álbum debut “Apple Bonkers”. En una charla distendida nos habló de música, la banda y hasta de política. Así que disfruten de la charla. Un flashback. Hace veinte años entró en The Brian Jonestown Massacre. ¿Cómo ve esas décadas? ¡Si estuviera allí y lo recordara entonces no estaba realmente allí, hombre! No, pero en serio entonces no había manera de saber que todavía seríamos tan fuertes. Solíamos obtener actitud de la escena Mod local de San Francisco para no ser bastante tradicional de "1960" - ¿dónde están ahora? Todos se rindieron y somos la misma gente que siempre fuimos. Caminamos como si habláramos y supongo que es por eso que todavía estamos por aquí. Hablemos un poco de tu primer álbum, Apple Bonkers. ¿Por qué has tardado tanto en comenzar un camino paralelo a The Brian Jonestown Massacre, un espacio propio donde plasmar tus ideas? Durante años me divertí tocando la música de Anton. Luego pasó por una fase de música electrónica de baile, hace unos 10 años, lo cual no fue esa la

razón por la que me uní a la banda, así que empecé a hacer mis propios discos. Por suerte, estos días está haciendo de nuevo de su mejor música, pero ahora también he sido ido por mi propio camino. ¿Cuánto tiempo le ha llevado a escribir el material para este álbum? ¿O lo escribió especialmente para Apple Bonkers? Escribo y grabo entre los deberes de The Brian Jonestown Massacre. A pesar del éxito de la banda, no escribí las canciones así que todavía soy bastante pobre. No puedo grabar por semanas hasta que lleguen los registros. Has lanzado "Tomorrow", el primer single de tu segundo álbum. ¿Su segundo trabajo será llamado "Joel Gion"? Háblanos de esta grabación. ¡Tienes razón! Es auto titulado porque este disco es más una representación de lo que soy ahora en lugar de donde he venido en esta vida. El primer álbum fue para "establecer el escenario", por así decirlo. Es inevitable ignorar las noticias políticas de tu país. Y sabiendo que lo político-social es muy importante en el arte. ¿Cómo ves esta era Trump que comienza? Creo que es trabajo de un artista hablar de los tiempos en que viven. Yo no predico o no quiero parecer tan arrogante, pero cuando algo horriblemente malo está ocurriendo debes decir algo. Mi nuevo single "Tomorrow" está diciendo algo. The Brian Jonestown Massacre estará de Gira en marzo y han estado en Buenos Aires y Chile el año pasado. ¿Qué nos puedes contar de tu paso por esta

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parte del mundo? Fue tan maravilloso y me estaba divirtiendo mucho, así que apenas puedo recordarlo. Eso es una señal de un buen momento. Sólo estuvimos allí por unos pocos días, lo cual fue una pena. Pero me quedé en Buenos Aires unos días después de nuestros espectáculos. Es una ciudad tan hermosa. ¡Y algunas tiendas de discos bastante bueno! Maravilloso. Ojalá pudiera pasar mucho tiempo en Sudamérica. ¿Cómo fue grabar este nuevo trabajo perteneciendo a una banda que no se queda quieta? Bueno porque Anton vive ahora en Berlín y vivo en San Francisco, así que no estamos juntos para hacer música. Es la razón principal por la que empecé a escribir mis propias cosas. Me alegro de haberlo hecho ¡No sabía que lo tenía en mí! ¿Qué planes tienes como parte de The Brian Jonestown Massacre y con tu carrera solista?

Todo el mundo es feliz si hago ambos. Acabo de poner BJM primero, porque no voy a dejar de hacerlo mientras pueda trabajar en solitario al alrededor de la banda. Funciona bien. Tener la oportunidad, y después de haber oído "Hecho 67", ¿Qué nos puedes contar del nuevo álbum de The Brian Jonestown Massacre, que saldrá en días? ¡Es el segundo álbum en pocos meses! Anton está escribiendo sin parar ahora, espero que nos mantendrá ocupados y viajando este año. ¡Quiero ver más de América del Sur! Agradecemos mucho el tiempo que has utilizado para contestar nuestras preguntas. Ojalá pudiéramos hablar para septiembre u octubre, para el 20 aniversario del álbum "Give It Back!". “Give It Back!” (1997). ¡Vamos a hacerlo!


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[ Entrevista con Emanuele Chiareli (Electric Floor) por Benjamin York Traducción: Rodrigo Debernardis ]

ES UN EXTRAÑO CRISOL DE GÉNEROS MUSICALES Emanuele Chiareli ha estado presente en nuestras páginas en el número especial de Bavid Bowie, ahora su banda, Electric Floor, lanzará un EP llamado “Fader” bajo el sello Vipchoyo Sound Factory, el próximo 6 de marzo. Un poco de esto y mucho de la banda hemos hablado y para nosotros siempre es un placer mostrar bandas nuevas de Italia, un país que siempre nos trae nuevas propuestas interesantes. Hola Emanuele. Primero que nada, gracias por participar de nuestro pasado número especial dedicado a David Bowie, y aprovecho para preguntarte qué sientes hoy al respecto, cuando ya ha pasado más de un año de su muerte. Aún no me ha afectado que el Duque Blanco haya fallecido. Quizás sea porque él ha hecho historia en el mundo de la música y sus canciones perdurarán por siempre. Black Star fue su regalo especial. Es una pieza musical realmente creativa y bizarra. Una gran obra de arte que suena diferente cada día. ¿Cómo eligieron el nombre de la banda? Cuando escogimos el nombre pensamos en esa sensación que uno tiene cuando toca en vivo. Es como sentir electricidad desde abajo, en el piso. ¿Quién o qué ha influenciado vuestra música? En nuestro sonido puedes encontrar varias influencias, pero sin dudas nos inspiramos en el shoegaze y post-punk de los 90s, el new wave de los 80s y la música electrónica. Es un extraño crisol de géneros musicales. Usualmente son etiquetados como shoegaze y synthgaze. ¿Cómo explicarías el sonido de Electric Floor

con tus propias palabras? Nos encanta la idea de crear una enorme sugestión sonora con grandes cantidades de reverb y superposición de capas de música electrónica. ¿Qué diferencias encuentras entre los dos primeros álbumes de la banda y este nuevo EP “Fader” que acaba de salir? Electric Floor nació en 2009 con otra formación y la mayoría de nuestras canciones eran en italiano. Luego hubo un drástico cambio de integrantes en 2014 y eso trajo muchos cambios a nuestro sonido. Las programaciones y sintetizadores fueron reemplazados por una batería y donde había dos guitarras ahora solo está la mía. Es divertido experimentar algo nuevo. Los sintetizadores hacen de nuestro sonido algo más “internacional” y las canciones en inglés lo hacen grandioso. ¿Cómo ves hoy la escena musical en Italia con bandas como Stella Diana, Weird, Be Forest y Novanta? entre otros. ¿Se conocen o se ven seguido entre ustedes? Si, conozco a alguna de ellas. Ciertamente Stella Diana es una de las mejores bandas shoegaze de Italia. Somos muy buenos amigos y ha sido un placer haber podido trabajar con ellos. También me gusta mucho Novanta, pero me gustaría agregar a grandes bandas como Clustersun, Rev Rev Rev, In Her Eye, Il Ragazzo Del Novantanove y Kimono Lights. Has dicho por allí que “Bluedive” (primer single del EP “Fader”) surgió durante un período bastante malo de la banda. ¿Puedes contarnos más acerca de ello? Se trata de un asunto privado que ya hemos resuelto.

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La fecha de lanzamiento para el EP es Marzo. ¿Esperan editar algo más durante este 2017? Quién sabe. Por ahora estamos enfocados en este disco y los próximos conciertos. ¿Estarán de gira? ¿Cuáles son los planes para este año? Si, en principio tocaremos en varias ciudades de Italia, y luego esperamos poder hacerlo afuera. Muchas gracias por tu tiempo Gracias a ti por contactarnos. Fue un verdadero placer responder sus preguntas. Facebook ► www.facebook.com/electricfloor Bandcamp ► www.electricfloor.bandcamp.com Twitter ► www.twitter.com/Electric_Floor Instagram ► @electricfloor Soundcloud ► www.soundcloud.com/electricfloor Label ► www.vipchoyo.it Management ► electricfloor300@gmail.com


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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: “EL LEGADO DE UN GRANDE”


GEORGE MICHAEL: 1963-2016 Cuando se trata de realizar un retrato de una trayectoria tan

gerar, ya que la gira mundial hasta incluyó China y los convirtió

nutrida de acontecimientos notablemente variados y extremos

en la primer banda pop occidental que tocaba en el país comu-

como los referidos a la carrera de George Michael, muchas his-

nista), lejos estaba George de llegar a la cúspide de su potencial.

torias no llegan a ser de público conocimiento. Iniciemos enton-

En 1985 George Michael cantaría en Live Aid por primera vez

ces una recorrida distinta, resaltando algunos hechos menos co-

junto a su ídolo Elton John, casualmente el tema que años des-

nocidos que enriquecen lo que ya todos saben de la vida de este

pués ambos convertirían en hit mundial: “Don’t Let The Sun

fenómeno de la música.

Go Down On Me”, y todo lo que tocaba George era convertido en oro. Wham! cerraría el año con otro hit #1, “I´m Your Man”.

Nacido el 25 de junio de 1963 en Londres bajo el nombre de Georgios Kyriacos Panayiotou, el pequeño George siempre tuvo

Lo que comenzaba a no cerrar de Wham! era la gran dispari-

afición por la música y su sueño era triunfar y ser famoso. La

dad entre George Michael y Andrew Ridgely como artistas. Eran

parte más conocida de sus inicios es que hacia el año 1985 el dúo

amigos y habían recorrido todas las penurias del inicio junto,

Wham!, que conformó junto a su amigo del colegio Andrey Ri-

pero George picaba en punta y Andrew lo seguía cada vez más

dgely, conquistaba el mundo con un hit imposible de no bailar

lejos. Todo llevaría a cerrar la etapa Wham! para que George si-

llamado “Wake Me Up Before You Go-Go”, y al mismo tiempo

guiera el camino que el destino le había asignado. Vendrían los

una de las mejores baladas de la historia (sino la mejor) llama-

años dorados de George, los años de “Faith” (1987-1988), los

da “Careless Whisper”. Lo menos conocido es el camino a ve-

rankings a sus pies, los premios Grammys y cualquier otro pre-

ces tortuoso que los integrantes de Wham! iniciaron unos años

mio que imaginen, la fama mundial asfixiante.

antes de poder decir “The World is Ours!”.

Con el talento intacto pero agotado del manoseo, llegaría su segundo álbum solista “Listen Without Prejudice”, tal vez su

Parecía que lo único que les esperaba era el fracaso, y hasta el

mejor disco, donde a través del clásico “Freedom” le pedía a sus

mismo padre de George había pronosticado que en la música

fans que entiendan por qué ya no quería exponerse tanto. Su

no había futuro para él… Pero tras 2 singles lanzados fallidos, el

imagen desapareció de sus videos, y aún así, “Freedom” quedó

éxito los bendijo en 1982 gracias al single “Young Guns (Go For

como un ícono de su carrera al incluir a los supermodelos de

It)” que llegó al #3 en Inglaterra y a partir de ahí, cuatro Top 10

la época Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista,

singles y un álbum #1, “Fantastic”. Todo era gloria para George y

Tatjana Patitz y Christy Turlington. Ah, como si fuera poco, era

Andrew… al menos en apariencia. Ya que sofocados por un con-

dirigido por David Fincher.

trato que les pagaba miseria, lo único que deseaban ambos era desligarse de Innervision. George recordaría años después que

En su primer biografía oficial lanzada en el año 1991 “Bare”

“Careless Whisper” fue compuesta en el asiento de un colecti-

escrita junto a Tony Parsons, George dedica varios capítulos a

vo cuando se dirigía a su trabajo de pinchadiscos en un restau-

describir los inicios de Wham! y a hacer una autocrítica por la

rante, sin tener idea de la dimensión de lo que estaba creando.

imagen de macho recio que vendió con “Faith”, para terminar

Y que si hubiera sido lanzado bajo el sello Innervision, tal vez

diciendo que ahora estaba siendo auténtico. ¿Por qué entonces

nunca hubieran podido romper esa cadena. Curioso que tuvie-

nunca habló George de su homosexualidad en este libro? Pro-

ron la maqueta del tema en sus manos pero nadie se dio cuenta

bablemente no quería frustrar a sus millones de admiradoras.

de lo que eso valía.

Se vería forzado a reconocerlo tras el episodio del baño de Los

Voy a ser honesto: “Fantastic” me parece un álbum malo y

Angeles en 1998, donde fue arrestado por "realizar actos obsce-

anacrónico aún para su época. Gracioso y bailable, pero defi-

nos". George diría que no podía soportar más ocultarle su sexua-

nitivamente liviano, nada que genere pasión como lo que ven-

lidad a la gente, y la importancia del hecho reviste en que desde

dría luego.

ese momento se convertiría en un referente para la comunidad LGBT. Pocos sabían entonces que “Jesus To A Child” era una

Si bien la edición del segundo álbum de Wham! “Make It Big”

emotiva dedicatoria a su fallecido novio brasilero Anselmo, que

colocó al dúo en la cima de los rankings y del mundo (sin exa-

murió de SIDA en 1993. Su vocación de donar volvió a quedar


en evidencia aquí: entregó todas las regalías de la venta del sin-

había colaborado en Live Aid y en los temas “Nikita” y “Wrap

gle a la ONG Childline. También participaría en otros proyectos

Her Up” en 1985, volvería a ponerse de manifiesto con el lan-

benéficos como el “Red, Hot + Dance” que recaudó fondo para

zamiento de “Don’t Let The Sun Go Down On Me” en vivo. El

la investigación sobre el SIDA, para el cuál donó temas inédi-

single fue #1 en ambos lados del Atlántico y todo lo recaudado

tos que reservaba para un próximo disco, entre ellos su Top 10

fue donado a distintas organizaciones de caridad.

hit “Too Funky”.

George se destacó la noche del tributo a Freddy Mercury, el

Pero no solo donó para combatir el flagelo del HIV: ya en los

20 de abril de 1992 en Wembley, con una actuación impresio-

80’s, Wham! había participado en los proyectos Band Aid y Live

nante que captó la atención del mundo entero y que dejó abier-

Aid para recolectar fondos contra el hambre en Etiopía, y tam-

ta la posibilidad que George fuera reemplazante de Freddy en

bién donó las ganancias de su exitosísimo single “Last Christ-

Queen (algo que finalmente no sucedió).

mas”, que llegó al #2 en la Navidad de 1984. Casualmente, el #1

En 1996 se editaría su álbum “Older”, que fue #1 en varios

esa semana sería un single en el que también participó George

países europeos y en UK obtuvo un record: George se convertía

Michael “Do They Know It’s Christmas?” por Band Aid.

en el primer artista en lograr 6 singles que llegaron al Top 3. El

En días posteriores a su fallecimiento, distintas organizaciones británicas como Macmillan Cancer Support, Childline (ya

último de ellos fue “You Have Been Loved”, tema que dedicaría a su querida amiga Lady Di tras su fallecimiento.

mencionada) o Terrence Higgins Trust (que ayuda a las víctimas del SIDA) volvieron a destacar los generosos aportes de George en vida.

Creo no equivocarme al afirmar que el mercado británico es mucho más gay friendly que el norteamericano. Una prueba más de ello es que tras el episodio que destapó la sexualidad de

La década del noventa mostraría otros pasajes sobresalientes

George Michael, nunca más volvió a rankear ni uno solo de sus

en la vida del cantante. La amistad con Elton John, con quien ya

singles en USA. Tal vez tampoco fue bien recibida por los nor-


teamericanos la mofa que hizo de sus instituciones a través del

phonica” editado en 2014 y que también fue #1 en UK. En esta

video del tema “Outside” (donde parodiaba su propio arresto

gira George cantaría principalmente temas de “Patience” y de

en el baño de Beverly Hills) o la burla al presidente George W.

su álbum de covers “Songs From The Last Century” (1999). Se-

Bush en el video de “Shoot The Dog” (2002). Como sea, Geor-

ría una despedida digna de George, con temas donde se destaca

ge Michael pasaría a ser en la década del 2000 una leyenda ya

su imponente voz, acompañada de cuidadosos arreglos orques-

consagrada que pasaba cada vez menos tiempo en el estudio y

tales. Para disfrutar en un palco del Royal Albert Hall vestido

más tiempo alimentando a la prensa amarilla inglesa debido a

de frac.

sus problemas relacionados con drogas. Sin embargo, su último full álbum de estudio “Patience”

Pensar que George sacó una prórroga antes de acceder a la

(2004) tendría un altísimo nivel y recibiría una vez más el gui-

inmortalidad no es exagerado. En 2011 contrajo una neumonía

ño de la crítica especializada. George regala en esta obra su lado

que lo empujó al borde de la muerte, y de donde se alimentaron

más íntimo y vuelca en él pasiones personales y recuerdos va-

rumores de que el cantante padecía SIDA. En ésta experiencia

rios, que complementaría en el 2005 con la edición del docu-

se inspiró el que sería el último single de George “White Light”,

mental “A Different Story” con la participación de Mariah Ca-

estrenado en el cierre de los JJOO de Londres 2012. Paciente-

rey, Elton John, Sting y Noel Gallagher entre otros. Hasta el

mente, los fans pedían otro disco, y parecía que el sueño iba a ser

mismo Boy George, que durante años había criticado a George

realidad: circularon hacia fines de 2016 noticias sobre un nuevo

por no develar sus preferencias sexuales, dejó atrás sus rencores

álbum que George estaría comenzando a grabar…

y participó en el documental. Pero no hubo tiempo. “Maybe we should all be praying for En 2006 se publicó un nuevo compilado llamado “Twenty

time” nos cantó una vez, tal vez en forma premonitoria. Nos

Five” que incluía algunos temas nuevos y una participación de

hubiera encantado que su tiempo nunca se termine, pero los

Paul McCartney. Sería acompañado con una gran gira llama-

grande también se van. Su legado es enorme: su voz acendrada,

da “25 Live Tour” que culminaría en 2008 y abarcó casi toda

su creatividad, su talento, su bonhomía. Su ser todo.

Europa y América del Norte. Pero su última gira sería en 2011: “Symphonica Tour”, que daría lugar a su último álbum “Sym-

Sempiterno, inefable, único: gracias George, nunca te olvidaremos.

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[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 5: BEAUTIFUL AND ALONE Cuando trabajaba en secundaria tuve un alumno que levitaba. Realmente levitaba. Podía suspenderse en el aire unos pocos milímetros por unos segundos. Obviamente toda la clase trataba de adivinar cuál era el truco, pero no lo había. También podía mantener una botella en una posición inclinada por unos segundos como si fuese la Torre de Pisa. “Es increíble,” le dije. “Deberías subirlo a Youtube.” “¿Para qué? Ya está lleno de boludos haciendo lo mismo.” Una de las formas en que un artista puede ser relevante es si es absolutamente único. Como Nico. En un momento votada entre las diez mujeres más bellas del planeta, Christa Paffgen, alias Nico, abandonó una vida de lujo y glamour para adentrarse en una de arte y miseria, y en este sentido es una inspiración para todos nosotros. Inmortalizada en la historia del Rock gracias a los tres temas que cantó para The Velvet Underground, en realidad esto fue apenas el primer paso en la carrera de Nico, quien se terminaría convirtiendo en una de las artistas más shockeantemente individuales habidas y por haber. No contenta con que su disco debut Chelsea Girls (adorado por músicos como Morrissey y Peter Hook) haya contado con composiciones que músicos de la talla de Bob Dylan, Jackson Browne, Lou Reed y John Cale le prepararon específicamente para ella, Nico decidió seguir el consejo de su amante Jim Morrison y componer sus propios temas. Siendo Nico, lo hizo de la forma menos ortodoxa posible: comprando y aprendiendo a tocar un armónium, una especie de órgano de iglesia Indio.

Los resultados fueron algo completamente inesperado, y que incluso hoy día se alejan de cualquier concepción que uno podría llegar a tener de la Música Pop. Olvídense de The Cure y de los Banshees: ESTO es la verdadera música Gótica. Las composiciones de Nico provienen de una tradición Europea-medieval completamente ajena a lo que la radio e incluso la música alternativa nos tiene acostumbrados. Su poesía es concisa y violenta. She sings from a deathly country. “Al otro lado de mi ventana / Un demonio está bailando / Interpretando una parodia crucial / Un demonio está bailando / Gritando y lanzando sus brazos al aire / No hay nadie / Todos han desaparecido / Cuando el juego va a empezar / No hay nadie / Y ningún ruido los ha declarado desaparecidos.” Acompañada solamente por la viola de John Cale, Nico interpreta esta austera genialidad titulada “No One is There” en su disco debut como compositora, The Marble Index (1968.) Cale, seguramente una de las pocas personas que realmente entendieron la visión artística de Nico (además de compartir en cierta forma su tradición Europea externa al Pop,) pasaría a ser su productor de cabecera. Sus aportes, sin embargo, fueron una espada de doble filo: Cale siempre tuvo la tendencia de aislar las melodías vocales de Nico (ya lo suficientemente difíciles) del resto de la musicalización, en ocasiones volviéndola ya demasiado disonante e inaccesible sin necesidad. Según Cale, “Nico venía y me cantaba las canciones en su armónium, y luego tratábamos de separar la voz del armónium lo más posible. A continuación yo le agregaba más partes, pero lo importante era que ninguna de las partes estuviese relacionada con lo que vino antes, cosa que generaba distintas partes


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individuales flotando a lo largo del tema. Finalmente sacábamos el armónium, y quedaba esta especie de miasma de todos los cambios que ocurrieron.” Aun así, tanto Marble Index como su sucesor Desertshore (1970) son obras de Arte con “A” mayúscula, y ampliamente recomendables para cualquiera que crea que ya lo ha escuchado todo. En el medio de la ambience gótica, tienen incluso lugar para “Afraid,” una de las canciones más desagarradoramente bellas que se hayan escuchado, y que resume en poquísimas palabras la esencia misma de Nico como persona y artista: “Deja de saber o de decir o de ver o de ser tú mismo / Haz tuya la voluntad de otro / Eres hermosa y estás sóla.” El último disco de esta especie de trilogía, oportunamente titulado The End (1974), es aún mejor. El contenido es, como siempre, tremendamente oscuro y cargando, pero los elementos disonantes están minimizados, generando como resulta-

de Cale, los arreglos e instrumentación son ricos y las estructuras de las canciones son más tradicionales, sin por esto quitarle personalidad al delivery vocal y la poesía de Nico (como si tal cosa fuera posible.) “Vegas” suena casi como su heredera Siouxsie Sioux en Peepshow, mientras que “Sixty-Forty” es una de sus canciones más hermosamente melódicas (donde sin embargo logra insertar líneas como “You can hear the hell bells praying” o “in those tears are carved inside your brain.”) El álbum cierra con una versión del clásico de la Velvet “I’m Waiting for the Man,” bastante apropiado teniendo en cuenta la creciente adicción de Nico y el destino final de Quillinchini. Nico editaría un último disco, Camera Obscura, en 1985 antes de morir en 1988 tras caerse de su bicicleta en Ibiza. Uno de los temas destacados del disco es una deliciosa versión del estándar “My Funny Valentine,” que en manos de Nico termina encapsulando simultáneamente toda la belleza y tris-

do algunas de sus composiciones más notables. “You Forgot to Answer” es una balada de piano donde Nico, acompañada por una cadente guitarra de John Manzanera y espeluznantes sonidos de sintetizador del mismo Brian Eno, parece cantarnos desde el mismo fin del mundo, desde el mismo fin de todo: “No pareces estar escuchando / No pareces estar escuchando / La marea alta se lo está llevando todo / Y tú te olvidas de responder.” El disco termina con una tortuosa versión del tortuoso tema de Jim Morrison que da nombre al disco, luego seguido por un “cover” del Himno Nacional de Alemania, que en este contexto suena como un fénix renaciendo de las cenizas. The End fue editado por la prestigiosa Island Records, que supuestamente incluyó en la primera edición un sticker que rezaba “¿Para qué suicidarte si podés escuchar a Nico?” El álbum, dada su misma naturaleza, no fue un éxito comercial, y Nico pasó el resto de los setentas deambulando por Europa brindando ocasionales shows con su acompañante musical/ amante Lutz Graf-Ulbrich y hundiéndose cada vez más en su adicción a la heroína. Su carrera remontó a principios de los 80s con un nuevo álbum, The Drama of Exile (1981,) donde estuvo acompañada por una banda de Rock por primera vez desde la Velvet. Las circunstancias de su grabación fueron turbulentas y terminaron desembocando en una trifulca monetaria con la discográfica que terminó de hundir en la heroína a su productor, Philippe Quillinchini, quien murió en 1983. A pesar de esto, es por lejos el trabajo más accesible de Nico, y lo más cercano que ha hecho a un disco Pop. Lejos ya de la disonancia Minimalista

teza del amor. Estas líneas de “My Funny Valentine” bien podrían resumir la esencia su música: “Your looks are laughable / unphotographable / yet you're my favourite work of art” Nico nunca fue muy valorada en vida pero su legado perdura. El documental Nico Icon y las recientemente editadas memorias de Lutz Graf-Ulbrich, Nico: In the Shadow of the Moon Goddess sirven para adentrarse más en la interesantísima vida de este enigma hecho cantante. Por otro lado, la banda Soundwalk Collective acaba de lanzar Killer Road, un tributo Ambient a Nico y su fatídico último viaje en bicicleta, con poemas de la artista recitados nada más y nada menos que por Patti Smith. Al artista verdaderamente único siempre le llegará su momento, en vida o tras ella.

Para feedback o comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail. com o www.facebook.com/gaborojo67 Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos “It Takes a Thief” de Thievery Corporation y “Double Cut” de Moebius y Beerbohm Fuentes: Hook, Peter (2012) Unknown Pleasures: Inside Joy Division. Simon & Schuster. Hoskyns, Barney (2015) Liner notes de la redición del disco Music for a New Society de John Cale. Domino Records. Rojo, Gabriel (2017) Canciones, Sonidos y lo que Sigue (segunda edición)


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[ "Libros de Sangre (Volúmenes I, II y III)" de Clive Barker por Pablo Ravale ]

SEXO, MUERTE Y BRILLO DE ESTRELLAS Lejos queda ya la mítica frase «He visto el futuro del terror y su nombre es Clive Barker», que pronunciara hace un par de décadas Stephen King. Barker es, fue y será, por derecho propio, uno de los renovadores del género y uno de sus cultivadores más geniales. Sin embargo, este escritor, director de cine y artista visual, ha tenido más que la habilidad de construir unos textos poderosísimos, de una fuerza arrolladora, con unas visiones deslumbrantes y un preciso sentido del tempo narrativo y la concisión del relato, ha sido, sin lugar a dudas, todo un arquitecto de la carne. Ya que con su pluma corta, desgarra, tritura, parte y moldea piel, tejido, músculo y hueso, dotando a los personajes de sus relatos de formas tan grotescas como bellas, algo así como esculturas vivas que se ríen del surrealismo pero que tampoco es que abrazan las leyes de la lógica. No por ello Barker cae en el burdo relato gore carente de originalidad ni gusto donde las vísceras vuelan de un lado para otro buscando la arcada fácil del lector. Sus historias hablan por si solas, mezclando lo sobrenatural con la a veces más dura realidad, desgarrando la fina línea que separa el amor y la pasión violenta Los cuentos de Libros de Sangre (Volúmenes I, II y III) son 16 historias que han creado desde un comienzo el germen que más tarde crecería hasta convertirse en clásicos del género del terror, invadiendo bastos campos que no se quedan en la literatura, sino también cine, videojuegos e incluso juguetes

para adultos. “El libro de sangre”, como no, es la primera puerta que atravesamos en este peculiar y retorcido pasaje del terror. Un relato que a su vez funciona como introducción y nexo de lo que leeremos posteriormente y que demuestra que la fragilidad o resistencia del ser humano depende de su fuerza de voluntad ante los peores acontecimientos. Atípica historia que une a los vivos, a los muertos y a los Otros en una orgía de dolor e incertidumbre. “El tren de la carne de medianoche” es quizás uno de los relatos más conocidos de los que aquí se recopilan. Esto se debe a la modesta versión cinematográfica que, protagonizada por Bradley Cooper y Vinnie Jones adapta los hechos acontecidos en la trama. No obstante, pese a que el salvajismo de la historia original se mantiene aunque nunca la imagen dada alcance las atrocidades que pueda generar la imaginación, la película no trasmite el simbolismo y el lado más profundo que Barker impregna en él. Historia de apariencia sencilla pero donde la carne adquiere significados casi divinos. No nos va a hacer falta esperar demasiado tiempo para descubrir el lado más hilarante de Barker, y es que descubrir los problemas de un demonio menor que tiene que sacar de quicio a un hombre sencillo y aparentemente inmune a cualquier tipo de percance sólo podía contarse con altas dosis de humor negro. “El charlatán y Jack” es otro de esos relatos adaptado a multitud de formatos (televisión, cómic, etc.) y que seguramente plantó la semilla para su fu-


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tura novela Demonio de Libro, siendo este cuento corto incluso mejor. Las imágenes macabras, a la par de sugerentes, son otros de los ingredientes que definen la literatura de terror de Clive Barker. “El blues de la sangre de cerdo” se convierte en una de las mejores referencias que le definen. Una composición en clave de historia de fantasmas que va más allá de lo que esta sencilla descripción puede llegar a explicar y donde el lector es partícipe, poniendo su imaginación al límite y evocando los horrores que su atmósfera angustiosa esconde, imágenes o frases que por sí solas y, sin poder evitarlo, contaminan nuestra ente y acrecentan la repulsión hacia todo lo que nos rodea. Con “Sexo, muerte y brillo de estrellas”, Barker cambia sutilmente de registro, ofreciéndonos, en un aparente homenaje y por amor al teatro, una historia que bien podría representar el perfil de cuento gótico de terror más clásico, donde la vida y la muerte unen lazos en una representación que se torna bella sobre el escenario, pero macabra en las mentes de los espectadores. La mutilación de la carne queda aparcada por un momento para, en esta ocasión, ser el espíritu y el amor (por una persona, por un oficio, por fama) el que sea puesto a prueba. “En las colinas, las ciudades” es ese relato que sin llegar a eclipsar a los demás textos que le acompañan, termina siendo una constante en el recuerdo de cualquier lector de los Libros de Sangre. Entre la fantasía inexplicable y el terror indescriptible, estamos ante uno de los mejores trabajos de imaginación de Clive Barker. Una historia cuyo demoledor apartado visual describe escenas y secuencias que superan cualquier sensación descrita en la lectura de un relato y lo eleva a la categoría de experiencia que se vive, se sufre y se adora. Si tuviera que elegir un relato favorito entre los que se incluyen en el tomo, éste tendría muchas posibilidades de ser el elegido. El segundo volumen de los Libros lo inaugura un relato que bien podría ser un ensayo. “Terror” explora la mente humana en busca de los límites a los que puede ser expuesta al miedo antes de romperse. Una historia ficticia que invita a reflexionar ante un

tema muy real expuesto por personajes vivos, creíbles y con altas dosis de terror psicológico. No es de extrañar que la historia engendrara, tiempo después, su versión cinematográfica bajo el nombre Dread. Resulta curioso ver cómo un argumento que roza la comedia como es el de “El acontecimiento del Infierno” puede ser tomado tan en serio que en ocasiones resulta escalofriante y cómo un tema tan trillado como es la eterna lucha entre Cielo e Infierno se convierte, gracias a la pluma de Barker, en un alarde de ingenio y buen hacer. Una historia tan sencilla como efectiva e impredecible. “Jacquelines Ess: sus últimas voluntades y testamento” supone el reencuentro de Barker con el terror cuya materia prima es la tan moldeable carne. El maestro del terror hace realidad en este relato uno de nuestros sueños prohibidos a la par de favoritos. También una de nuestras peores pesadillas, según se mire y desde que extremo se haga, lo convierte en una habilidad sobrenatural que cambiará la vida de su protagonista y nuestra manera de interpretar la violencia y la muerte. Extraña, deliciosa, grotesca e incluso tierna. “Las pieles de los padres” comete el error de pretender introducir muchísimo en muy poco espacio. Tiene algo de western, de road movie e, incluso, cierto reclamo al horror cósmico que autores como Lovecraft trajeron de otro mundo. Sin embargo, el resultado es un cóctel tan abundante que termina rebosando por los bordes y, en consecuencia, perdiendo buena parte del encanto. La historia es francamente buena, pero quizá hubieran hecho falta unas cuantas páginas más de contenido para llegar a impactar como otros cuentos del autor. En “Los nuevos crímenes de la calle Morgue” Clive Barker rinde homenaje a uno de los pilares fundamentales de la literatura de terror y misterio, Edgar Allan Poe. Un relato de intriga e inquietud que respeta la atmósfera creada por el homenajeado y el tono macabro del que rinde culto. “Hijo del celuloide” estrena el tercer volumen de los Libros de Sangre, un relato que bebe directamente de las bases de las historias de casas encantadas


pero llevado a un extremo que sólo puede estar representado por una partitura escrita por Barker, dando como resultado un chocante contraste entre su macabro comienzo y un desenlace casi psicodélico. Pero hablando de celuloide, otro relato que terminó pasando a este formato con, admitámoslo, irregulares resultados, es “Cabezacruda Rex”. No obstante, el relato en sí no defrauda, ofreciendo al lector un festival gore lleno de muerte y destrucción, donde el género slasher alcanza en su brutalidad niveles casi obscenos. “Confesiones de la mortaja (De un pornógrafo)” ofrece un relato de venganza con toques de humor terriblemente maleducados, una de esas sucesiones de situaciones totalmente imprevisibles, llenas de violencia, personajes tan sucios por dentro que no cuesta imaginar que sean de verdad y ciertas dosis de ingredientes recogidos directamente del surrealismo y la parodia. Reírte primero, aguantar la bilis por la repugnancia después, de eso trata esto. En “Chivos expiatorios” exploramos un mundo extraño pero a la vez reconocible dentro de las historias de miedo. El mar y las islas misteriosas siempre han sido un pozo de secretos y terrores, ya lo demos-

tró William Hope Hodgson con sus relatos, y Barker no va a ser menos. Introduce leyendas, fantasmas y una buena dosis de casquería en un breve homenaje a las historias de marineros y folclore marítimo. El tercer volumen de los Libros finaliza con “Restos humanos” donde esta vez nos ofrece su particular visión del mito del doppelgänger fusionado, en cierta manera, con las leyendas de los golems. Historia muy interesante, con fuerte reivindicación sexual y que, sorprendentemente, es fácil imaginar en una versión cinematográfica. Lamentablemente, pese a que muchos de los textos aquí recogidos han visto cumplido ese destino, en esta ocasión no tenemos esa suerte. En resumidas cuentas, Libros de Sangre no sólo recopila parte del mejor trabajo del autor, sino que buena parte de estos cuentos suponen algunas de las piezas esenciales del monumento que hoy es la literatura de terror, una estructura que no sería lo que es sin la gran obra de uno de los más influyentes maestros del género en la actualidad como es Clive Barker. Una obra esencial para conocer el lado más grotesco y a la vez sentimental del miedo.

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CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE


El Complot por Pablo Ravale

Según William S. Burroughs, en El almuerzo desnudo, el virus humano (que sería una célula deteriorada llevando una existencia parasitaria a partir de algún tipo de Célula Madre) es la imagen rota de otra especie que avanza minuto a minuto como los síntomas de la pobreza, el odio, la guerra, la delincuencia, la corrupción, la burocracia y la locura. Aunque de ser aislado y tratado, este bichito bien podría desaparecer para siempre de la faz de la Tierra. ¿Por qué creen, acaso, que algunos de los más grandes genocidas (Adolf Hitler, por citar un ejemplo), o incluso los fundamentalistas musulmanes, buscaron –si es que aún no siguen buscando– borrar del mapa poblaciones enteras de un solo plumazo? Eso es porque ellos sospechaban de la teoría del Complot. ¿Qué es el Complot? Bueno, como todos sabemos la realidad es tan sólo un cuento. En tanto, ELLOS, han colocado un poderoso dispositivo de transmisión en la mente de todos los seres humanos y mediante ese ingenioso procedimiento transmiten sus órdenes a cualquier hora del día. El dispositivo básico es el lenguaje, la transmisión es la Cultura. Pero, ¿cuáles serían esos programas que transmiten incesantemente? La respuesta es: de todo un poco, ya que se trata de que las personas se queden quietas, de que no se sacudan, ni brillen, ni estallen, ni ardan, como supernovas orgasmeando en tecknicolor. ¿Y quiénes son ELLOS? No hay información muy precisa, pero se infiere que están por ahí, adueñándose de los habitantes de este mundo. Cualquiera que haya terremoteado su cerebro sabe que cuando la transmisión se corta no hay más ni cielos celestes ni pisos duros, ni dos más dos sumando cuatro. En ese lado, cuando alguien entra y nos pregunta «¿Cómo estás?», uno comprende enseguida que las palabras no son en realidad palabras, ni los sonidos sonidos, ni las imágenes imágenes, sino, por el contrario, tamtames del alma interceptados por señales cerradas. De este modo, lo obvio es que no existimos; somos tan sólo el producto de una imaginería siniestra que nos va dibujando sobre la pantalla de la Nada. Ese dibujo, sin embargo, no es libre; los programadores lo han establecido fijando desde modas o formas de cojer, a maneras de hablar, pensar y hasta caminar. O sea que todos consistiríamos en un dibujo netamente estricto, gobernado por leyes invisibles; y éste debe incluir desde nuestros estados de ánimo, al olor que emana de nuestros pedos.


Estoy para que no me veas por Valeria Pomidoro Indiferente es aquel que presta atención cuando menos lo necesita. Es el que vende todos tus lamentos por risas. Riego mi jardín de la nostalgia. Riego inconstancias. Te debo una, me debés tantas. Dispongo de un tiempo largo para morir. Tomo lo que tomo y lo manoseo. Mi vida de adicciones, así se podría llamar. Repetidas veces pregunté lo mismo, varias personas fueron encuestadas, varias respuestas fueron dadas. Y la duda. La duda, me mantiene viva. Como no saber a dónde queda el baño. Entregué demasiado y sin embargo, soy tacaña. Vi mucho y sin embargo, digo haber visto nada. Mis rencores no son tus perdones. Perdonar es, meramente, un formulismo. Yo no soy capaz de fórmulas. Riego mi jardín de heridas, son tantas que ya no alcanza el brazo. Y cada uno de ustedes, es una. Y algunos de ustedes las hacen más profundas. Y cuando estoy sola, pienso que soy una de muchas y cuando no, pienso que todo funciona demasiado lento. La v.i.d.a. es quemarse lentamente y por eso queda así la piel a los ochenta. Quemaduras de tantos grados. Vueltas impuras de auxilio. Es divertido morirse de vez en cuando. No estoy sola, ni mal acompañada, pero tengo tripas que se pudren y hablan en el suspiro de mi boca. Y lo que resta es caminar. Ahora controlo mis palabras. Guiño guiño, llanto. Empecé con un jardín, todo se está marchitando. Fui joven en algún momento, y quise mantenerme ahí un tiempo largo. A esta edad, es sólo un capricho. Capricho de vida, vida de capricho. Ya me conocieron así, traten de no joderme.


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HIDDEN TRACK


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EN CONCIERTO


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[ Por Marina Cimerelli. Fotografías: Nazarena Talice. ]

DREAM POP Y SHOEGAZE CON SELLO PROPIO

Showcase Casa del Puente enNiceto, Buenos Aires, 24 de Erero de 2017.

El ciclo Martes Indiegentes de Niceto Club ya es un imperdible para todo amante del indie que se precie de tal. Fiel a su propuesta innovadora y ecléctica, el pasado 24 de Enero ofició de anfitrión al reconocido sello marplatense Casa Del Puente Discos, que celebró su 15avo aniversario con un showcase de verano dedicado a la escena shoegaze y dreampop. La oferta sonora, más que completa, estuvo compuesta por cinco reconocidas bandas locales: Niños del Parque, Asalto al Parque Zoológico, Riel, Sobrenadar y los ya legendarios Altocamet, mientras que el plato fuerte de la noche lo brindaron los estadounidenses The Stargazer Lilies y Pale Dïan. Con los dos escenarios de Niceto Club funcionando y un público entusiasta, ávido de sonidos atmosféricos y guitarras ruidosas, la jornada ganó en dinámica e intensidad, si es que le hacía falta más aún. Pale Dïan, oriundos de Texas y con su álbum debut “Narrow Birth” bajo el brazo, son la nueva promesa del sello y en ésta, su primera visita a nuestro país, pudo comprobarse por qué. Con la bandera del dream pop bien alta, embebieron al público en un auténtico licor de ensoñación ruidosa y melodías gráciles. La voz de Ruth Ellen funcionó como un instrumento más dentro de un todo armónico y contundente en el que cualquiera desearía perderse, mientras el bajo marcaba el camino. La iluminación del escenario, en tanto, hizo lo suyo para no romper con semejante magia.

Por su parte, los Stargazer Lilies vienen de Pensilvania y ya tienen dos discos editados: “We Are The Dreamers”, en 2013, y su último trabajo, “Door To The Sun “, que salió a la venta en Junio del 2016. Se trata del nuevo proyecto de Kim Field y John Cep, ambos ex Soundpool, que en esta vuelta siguen apostando al shoegaze al tiempo que le suman elementos de rock psicodélico con tintes pinkfloydeanos, una batería de corte minimalista de la mano de Tammy Hirata, y un guitarrista que se despacha a su gusto sobre las canciones. Teniendo en cuenta semejante combo, del show en vivo no podía esperarse menos. El “We just want to say FUCK TRUMP” pronunciado por Kim Field marcó un antes y un después. La psicodelia planteada en su último disco estuvo muy presente en el escenario y vaya si hubo momentos para el ensueño y la contemplación sonora. Eso sí: cada vez que John Cep decidía cabalgar lejos con su guitarra, era mejor agarrarse fuerte. La voz de vampiresa naif de Kim Field y los certeros golpes de Tammy Hirata en la batería, completaron la experiencia, convirtiendo el cierre de la fecha una verdadera celebración espacial. Así, en su primera visita a nuestro país, tanto Pale Dïan como The Stargazer Lilies dejaron su marca y demostraron no sólo que la llama del dream pop y el shoegaze sigue ardiendo con fuerza, sino que aún quedan muchos sonidos nuevos por disfrutar.


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EL VERDADERO MAGO ENTRE LOS ESPÍRITUS

Marty Willson-Piper y Olivia Dibowski, en Emergente Bar, 10 de Febrero de 2016 [ Por Noelia Fernandez. Fotografías: Nazarena Talice ]


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I am certain of a thousand things I know nothing of a million more The silence will eventually ring Just listen, just listen… (Marty Willson-Piper. “Listen/Space”) A las veinte treinta en punto de ese viernes algo lluvioso me

ya que hay poco tiempo y luego viene otra banda. Se preocupa

acerqué, ansiosa, a la puerta de El Emergente que, tal y como

por hacer que todos le entiendan cuando habla. Hace grandes

lo imaginaba antes de llegar, aún estaba cerrada casi herméti-

esfuerzos por expresarse en español y, en pleno show, pregun-

camente. Me siento en un escalón para leer el diario cuando, a

ta al público las palabras que no conoce. Quiere saber cuántos

los pocos minutos, en un inesperado momento, el pesado por-

de los que colman el lugar entienden inglés. Concluye, luego de

tón se abrió por apenas unos segundos, suficientes, sin embar-

quejarse por las complejidades y absurdos de la gramática espa-

go, para que esta cronista pudiera reconocer, de espaldas, al

ñola, que “sobre” es una palabra muy importante que no debe

héroe de la guitarra, Marty Willson Piper, quien discutía aca-

olvidar, y todo el salón le festeja la salida. Asegura que el inglés

loradamente con el sonidista. Así comenzó, abruptamente, la

es más fácil que el español, a lo que yo le respondo “nooo” a viva

brecha entre la realidad del diario y la noche que me esperaba.

voz, en lo que sería el comienzo de un amistoso, espontáneo y

Sin embargo, temí, en aquel momento, que esa realidad me

divertido intercambio entre el público y el músico a lo largo del

empujara nuevamente al vacío y dejara trunco el deseo que me

corto show. Olivia, mientras tanto, permanece erguida y silen-

había perseguido durante décadas. Al percibir que, tras cerrar la

ciosa. Es que habla a través de su violín, una pieza original del

puerta nuevamente, la discusión continuaba, los pocos que está-

siglo XVIII que parece, casi, formar parte de su esbelta figura.

bamos allí nos preguntamos si, debido a este altercado, el concier-

Ni bien suenan las primeras notas arpegiadas de “Wa-

to íntimo de Marty y su fiel acompañante, la violinista alemana

ter” me largo a llorar, sola, sentada a la mesa frente al esce-

Olivia Dibowski, seguiría en pie. Me imaginé tomando amarga-

nario, escondida. Es que ese momento me lo había imagina-

mente el colectivo otra vez para volver, decepcionada, con el alma

do miles de veces, pero nadie me había podido convencer de

vacía, a casa. Pero cuando el lugar se abrió definitivamente a las

que alguna vez sucedería. La legendaria Takamine acústica de

21 –esta vez, para hacer ingresar al público- se disiparon todos

12 cuerdas –clásico instrumento dentro del equipamiento de

los temores. Yo me tranquilicé y, al mismo tiempo, me llené de

Marty que aún no puedo creer estar viendo en vivo y en direc-

ansiedad (¿más todavía?). Allí, sobre el alto escenario del oscuro

to- suena penetrante, poderosa y profunda como una catarata,

bar Emergente, vi afinando su guitarra a mi héroe, el legendario

como si se tratara de dos guitarras sonando al unísono; efec-

Marty Willson Piper, ex integrante de bandas como All About

to típico y muy eficaz de las guitarras con cuerdas duplicadas.

Eve, The Church y The Saints; creador, además, del original dúo

Marty anuncia que la próxima canción es de una de sus ban-

Noctorum, y artífice de una hermosa y prolífica carrera solista.

das favoritas: Big Star. Le interesa saber cuántos la conocen.

La gente se apura por acomodarse en el lugar; algunos se jun-

Quiere compartir con el mundo su música favorita. El proyecto

tan de pie alrededor de las mesas, dos chicas darks caminan sobre

enciclopédico que él mismo creó, In Deep Music Archive, fue

altísimos tacos buscando lugar donde ubicarse. Marty les pide

pensado, justamente, con dicho objetivo. Pero la parca respues-

que se sienten porque, según dice, no es sano estar parado sobre

ta que recibe por parte del público lo decepciona, y entonces no

esos zapatos. Pide, también, enfáticamente, que los que están ha-

duda en conminar enfáticamente a los presentes a comprar dis-

blando al fondo se callen; que hagan silencio “sólo por una hora.

cos de Big Star al día siguiente, “a las diez”, cuando abren las dis-

¿Qué cosa tan importante tenés que decir mientras un músico

querías de Buenos Aires. La gente, por supuesto, estalla en una

está tocando?” –expresa en inglés con una irritación que se re-

carcajada de tantas, como si el concierto íntimo se convirtiera,

vela, enseguida, como un estado pasajero, pero que al comienzo

frecuentemente, entre tema y tema, en una suerte de stand up.

del concierto Marty arrastra de la prueba de sonido fallida a cau-

Cuando, a minutos de comenzado el show, esta cronista pide, a

sa de la inoperancia y el desinterés del técnico; un verdadero clá-

los gritos, ¡¡¡“You whisper!!!”; una de las canciones que integran el

sico al que los músicos porteños estamos casi acostumbrados.

precioso segundo álbum solista de Marty –Art Attack-, él reprende

Mientras el público va entrando (“¿más personas afuera?” –in-

graciosamente mi impaciencia y asegura que así es como se com-

terroga, como puede, en castellano), Marty prepara las cuerdas.

portan los fans del heavy metal. Todos nos reímos nuevamente.

Está ansioso por tocar todas las canciones que tiene preparadas,

Al rato, Olivia me mira y sonríe cómplice desde el escena-


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rio; me señala con el dedo la lista de temas que está pegada

ambos es inmediata y total, y él se encarga de elogiar amorosa-

en el piso y, con un gesto silencioso, me avisa que esa can-

mente a su compañera comentando con los presentes cuánto

ción tan deseada (¡pero si es apenas una de las que me atre-

admira su belleza y su talento como música. “Tiene una gran

vo a pedir, venciendo sólo temporalmente la vergüenza y

facilidad para aprender las canciones” –dice; destacando su don

tirando momentáneamente por la borda mi afán de no inva-

natural para interpretar y adaptar al violín los clásicos solos de

dir!) es la próxima. “¿Dónde está la Metallica fan?” –pregun-

guitarra que, por ejemplo, en los discos de The Church, tocaba

ta Marty siguiendo la broma comenzada un rato antes. Le-

Peter Koppes, o el mismo Marty, quien esta noche se encarga

vanto las dos manos: “Aquí!” –grito siguiéndole el chiste. Él,

de la parte más rítmica. Pero, sobre todo, el elogio del anfitrión

entonces, cuenta una historia imaginaria sobre el título de la

apunta a la extraordinaria e integral comprensión, por parte de

canción –siempre sin dejar de mofarse de mi ansiedad- para

Olivia, de la música que tocan. La dama luce un hermoso vestido

concluir que, en realidad, terminó titulándola “You whisper”.

de noche, comprado en Buenos Aires esa misma tarde –según

Mientras tocan la canción, creo percibir desde abajo del es-

el propio Marty cuenta en otro de sus entusiastas comentarios

cenario que Marty casi no aparta la vista de mí, como si de ese

durante el show. Yo misma me encargué, luego, de ponde-

modo quisiera y pudiera llegar a saber en qué consiste todo lo

rar el atuendo cuando saludé a la violinista. Ella, sin embar-

invisible que me está pasando, lo que estoy sintiendo y pensan-

go, se quejaba de que era “demasiado largo para bailar tango”.

do mientras suena en vivo esa canción que tantas veces disfru-

Llega, entonces, el momento más esperado por muchos de

té y tarareé en mi soledad durante los últimos veinticinco años.

los que están entre el público. Los primeros acordes de “Un-

Más tarde, durante la amena e interesante charla que compar-

der the Milky Way hacen su aparición, pero Marty se detie-

timos en un bar cercano él diría, sobre sí mismo y su expe-

ne abruptamente y amenaza –siempre bromeando junto al

riencia de melómano empedernido: “la música me atraviesa el

público- con no tocarlo. Sin embargo, el superclásico de The

alma”. Me doy cuenta de que esa descripción visceral podría

Church –tan clásico que, incluso, integró la banda sonora de

definirme también a mí, y que es lo que, -por la manera en que

la película Donnie Darko y es, muchas veces, e injustamen-

creo ver que él me mira desde arriba- mi cara no deja de trans-

te, la única canción que el público conoce- retoma el camino

parentar, por mucho que yo me resista o intente disimular…

y se desliza sin pausas ni nuevas bromas pesadas junto con

Es como si así, sin palabras, quisiera decirme: “¿ves que ha-

las voces del público que corean el archiconocido estribillo. El

bía que tener paciencia? Acá tenés lo que pedías”. Igual, qui-

excelente solo de harmónica que ofrece la versión en estudio

zás es sólo parte de la ensoñación en la que estoy inmersa gra-

es brillantemente interpretado por las cuerdas de Olivia, que

cias a las cuerdas de los instrumentos y la típica voz cascada de

también improvisa sobre el final, donde originalmente Ko-

mi héroe. Así transcurren mi mente, mi corazón y hasta mi

ppes tocaba un oscuro y sombrío paseo de palanca Fender.

cuerpo mientras suenan las versiones más cálidas de clásicos

Se acerca el final. El show es –o se nos hace- extremadamen-

de The Church como “Tristesse” e, inclusive, “Into my hands”,

te corto a todos. ¡No puede ser! ¿Sólo una hora? Era cierto, en-

ante cuyo anuncio se oye un amplio suspiro en el público. Cla-

tonces… Lo bueno dura poco. Naturalmente, los niños de es-

ro; soy yo, que no logro contener la emoción de poder escu-

cuela protestamos y pataleamos, pero el maestro Marty aclara

char esa obra perfecta de Remote Luxury. El público también

que más no se puede porque viene la otra banda… Y prome-

se extasía, ahora sí callado ante el despliegue de las canciones.

te un nuevo show para los próximos días, lo cual es, por su-

El set continúa con “After eight”, la melancólica “Ugly

puesto, celebrado por todos. “Vengan. Puedo tocar otras can-

and cruel”, "High as kite" y “Chromium”, otro clásico de

ciones; ¡tengo muchas!” –propone, como si fuese un vendedor

The Church que integra After everything now this, álbum

tratando de encajarnos un producto que no es bueno a sim-

que, según comenta Marty, no compró nadie. Desde el pú-

ple vista… ¡Y como si hiciera falta convencer a alguien de

blico varios lo contradecimos orgullosos -“yo lo tengo!”. Se

volver a vivir tan inolvidable e increíble experiencia! Obvia-

pone a contar cuántos somos los que levantamos la mano,

mente, ante el anuncio, nos retiramos más o menos tranqui-

como si fuera una clase del colegio. “Cinco”-retruca divertido.

los. Una interesante, cálida y entretenida charla con Marty y

Durante el show, los músicos se miran y se besan como dos

Olivia nos esperaba en la puerta del lugar y un bar cercano.

adolescentes entre tema y tema. El gesto se siente y se ve des-

Pasadas las 2 de la mañana, y habiéndome despedido de la

de abajo del escenario como una felicitación, como un agrade-

adorable pareja y de todos los que tuvimos el privilegio de com-

cimiento, o quizás como un mutuo premio al trabajo bien rea-

partir esa noche con ambos, me subí al colectivo, -que tardó

lizado o al placer compartido por la música. La conexión entre

como cuarenta minutos en venir- preguntándome todavía si lo


que había vivido era cierto. Me pongo los auriculares. Gold Afternoon Fix suena de principio a fin. La misma voz cascada de hace un rato canta lo más rockero del álbum; “Russian autumn heart”. Miro por la ventanilla y veo en una esquina a un loco tocando algo de los Beatles con una Rickenbaker réplica igual a una que Marty perdió en un robo. Concluyo que sí; lo que durante tantos años había esperado, sucedió de verdad esa noche. Y sonrío satisfecha al entender que la realidad no es (sólo) lo que cuenta el diario.

No tengo sueño. Ni bien llego a casa, me siento a escribir.

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RESCATE CINÉFILO


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ALL THAT MUSICALS Con el estreno de esa maravilla cinematográfica que resultó ser La La Land (Damien Chazelle, 2016) los musicales, olvidados por la mayoría de la gente, han vuelto a estar en boca (y pasos de baile) de todos. Si bien el film nominado a 14 nominaciones en los Oscars da cuenta de que se trata de un género muerto, es imposible darse a la nostalgia y pensar en las grandes joyas que el cine ha sabido tener dentro de este colorido género. Es por ello que en esta ocasión, decidimos repasar algunos de los más hermosos musicales de la historia del cine. Desde lo más clásico, allí se pueden encontrar a Gene Kelly o Bob Fosse, pasando por el aburdo y la celebración del blues de mano de John Landis o el drama duro de la sufrida Björk con Lars von Trier, hasta la referencia pura que rodea a grandes amores como los de Ewan McGregor y Nicole Kidman en Moulin Rouge! o, más recientemente, el de Ryan Gosling y Emma Stone en La La Land. Todos musicales que han sabido marcar un punto en la historia y que al día de hoy siguen siendo celebrados a pesar de muchos los hayan olvidado. Es innegable que el musical es un género muerto, pero es trabajo nuestro el revivirlo en las siguientes épocas para que tanto nosotros como los lectores puedan disfrutar con ello el tiempo que sea que dure la pieza a bailar.


WHAT A GLORIOUS FEELING! [ Por Jimena Patiño ]

¿Adivinen que estoy cantando a viva voz aunque no esté lloviendo ni yo bailando? Si ´Singin in the Rain… generalmente me pongo las bandas sonoras de los films para escribir y entonar pero esta vez me distrae tanto que estoy a punto de estallar escribiendo la letra de la canción, claro que es probable que yo quede más parecida a Alex De Large en la Naranja Mecánica que a Gene Kelly. Calificada como “El mejor musical de la historia del cine” por la gente de Cahiers du cinema la vara para esta película está puesta muy alta. Recuerdo cuando esa calificación solía molestarme porque ¿Entonces que son los musicales magistrales de Busby Berkeley o Vicente Minnelli? Sin embargo, con el tiempo aprendí que sí: es uno de los mejores musicales que retrata la historia del cine y eso es indiscutible. Es “La noche americana” de los musicales de la MGM: un musical escrito especialmente para el cine por Betty Comdem y Adolph Green… no una adaptación de alguna obra de Broadway y sobre todo autorreferencial como pocos suelen serlo.

Cantando bajo la lluvia recicla el cancionero de los musicales de la MGM de los años treinta sobre todo. "Singin in the Rain" era la canción que representaba al estudio y en aquellos tiempos de denuncias sobre comunismo, había que ser simplemente un valiente por intentar realizar un film feliz en los que los sueños y el amor prevalecen ante las dificultades y la maquinaria de Hollywood. Si bien es cierto que la maquinaria tiende a volverse escapista con tramas más artificiosas cada vez que las épocas se ponen más agrias desde tiempos inmemorables, esta cinta es como la respuesta de Hollywood al mal tiempo buena cara. En ese entonces no había mejor cara que la de mi amado y nunca del todo reconocido por su talento para hacer de todo: Gene Kelly, para encarnar al protagonista del film, Don Lockwood y una nueva cara para lanzar al mundo lleno de luces de neón: Debbie Reynolds como la ingenua y debutante Kathy Selden. La cinta no es ligera, de hecho la comedia es irónica y cargada de humoradas acidas en relación al ma-


nejo de los grandes estudios y sus estrellas. Está ambientada en los años veinte, más precisamente 1927. En ese momento, las estrellas de cine mudo lo eran todo y Don lockwood con Lina Lamont interpretada por Jane Hagen eran el equivalente a Rodolfo Valentino y Greta Garbo del momento. El comienzo de la cinta se los muestra en una noche de estreno en el apogeo de sus carreras, plagadas de mentiras ocultas para encandilar con revistas del corazón a los fanáticos (¿Acaso eso cambio en algo?). Cuando Don escapa de sus desquiciados fans (piruetas sin dobles de riesgo de por medio) aterriza en el auto de la desprevenida Kathy quien le reconoce y juega a hacerse la superada diciendo una de las frases con la que los críticos repudiaban al cine relegándolo como un arte menor: "son solo sombras en una pantalla ¿A dónde están las grandes líneas de la historia del teatro?" Las líneas están a punto de llegar cuando en la fiesta de uno de los productores se presenta un experimento: el primer metraje de fílmico con sonido. Desde ese momento la industria del cine cambia, como lo cuenta el musical, de la noche a la mañana. Pero no les contare más de la historia del film, solo diré que es mucho más emocionante que ese plagio de película que fue la francesa L' artiste. La historia del cine la ha convertido en un clásico indiscutido pero cuando uno (como yo) está habituado a verla un par de veces al año va comprendiendo y

sumergiéndose en cada detalle técnico. Los momentos autorreferenciales son la gloria. Nos muestran un Hollywood en todo su apogeo. Las secuencias musicales son brillantes, pero es un hecho conocido que la principal escena musical que da nombre al film con Kelly bailando bajo una mezcla de agua y leche para que fotografíe mejor la lluvia, por poco no existe y fue la insistencia de Kelly a Stanley Donen quien logró colar la secuencia a último momento. ¿Se imaginan "Cantando bajo la lluvia" sin musical para la canción que le da nombre al film? Por suerte la historia del cine tampoco lo hizo. Donnald O´connor que hace de Cosmo Brown, sidekick y compañero de chanzas y de la vida de Don quien tiene una de las secuencias musicales más cargadas de comicidad y piruetas de todo el film. "Make Them Laugh" se vuelve toda una declaración de principios en la que desde tiempos inmemoriales nos recuerda que hacer llorar es mucho más recordado por la posteridad pero que una buena comedia, con un gag en el momento justo son un bálsamo para la vida. Todo eso nos recuerda que además de tener una trama romántica (La de Don y Kathy), la película posee una trama cómica en la que Lina Lamont no puede lidiar con el nuevo sistema sonoro con su peculiar voz. Jean Hagen no cantará pero se hace un lugar en la historia del cine .Lo gracioso es que se trata de

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su voz real la que dobla a Lina Lamont, no la voz de Debbie Reynolds como nos hace creer la trama. El timing de Jean Hagen es espectacular: es adorable, malvada malcriada y una victima del sistema y de los avances tecnológicos. Con el tiempo aprendes a quererla y odiarla al mismo momento porque su actuación es memorable. Otro de sus grandes momentos es el musical encadenado llamado Broadway Melody con la aparición de la fabulosa Cyd Charise, la dueña de las piernas más caras de la historia del cine (como cuenta la leyenda). Una de las bailarinas más excelsas del medio. Todo esto sucede porque cuentan las malas lenguas que la pobre Debbie la pasó como la muerte con su contraparte. Gene Kelly era despiadado con ella y por más que la entrenara como un soldado durante tres meses y que juntos pudieran sacar un musical como “Good Morning” (mi favorito) ella no sabía bailar nada, según la rutilante estrella que estaba disgustado que le hubieran puesto una "princi-

piante” de contraparte ¡Díganme si eso ya no es una telenovela dentro de una película! El odio no se observa en pantalla, ambos tienen una química genial que engañaría al más iluso y refinado de los críticos. Esta película lanzó a Debbie al estrellato y a Gene Kelly a la estratósfera. La fotografía como ocurre en los clásicos es de rutilante tecnicolor y si bien el formato de pantalla no es cinemascope (lo cual es una pena) el formato cuadrado nos recuerda a las pelis de antaño. Sobre todo en los momentos en los que las parodias a esas películas históricas románticas de héroes, espadachines temerarios del mudo toma la pantalla. Pocas veces van a tener la oportunidad de observar un musical tan perfecto que deje lucir a tantas estrellas. Cantando bajo la lluvia hay uno solo y si les confieso que no van a poder reprimir ese sentimiento glorioso de revivir una época de antaño con un despliegue impresionante que subyuga todo el cinismo de los tiempos modernos.


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FOSSE HACE AL CINE BAILAR [ Por Nicolás Ponisio ]

Seducción, poder y desasosiego es el trío que entra en juego en la historia de Cabaret. Cual amantes sexuales, los tres se conocerán por completo entre encuentros, roces y la química que los pondrá en el centro de atención, bajo las luces del espectáculo. El film de Bob Fosse inicia con un silencio abismal mientras los créditos iniciales aparecen en pantalla. Con la primera escena del film, y ya dentro del Cabaret situado en la Berlín de 1931, luces, música y mujeres se abren camino poderosamente irrumpiendo con esplendor y celebrando la vida estruendosamente. Dentro del Cabaret, la alegría resuena acompañada de la música, las mujeres y el alcohol. Fuera, el silencio solo es interrumpido por los problemas de la vida cotidiana y el paso estremecedor de los soldados nazis que irán haciéndose escuchar con mayor vehemencia en su auge. Tanto dentro como fuera del Kit Kat Club, el ritmo de la historia se mantiene en constante movimiento en una relación intrínseca que mantiene el mundo del espectáculo nocturno, en una suerte de espacio

atemporal, con la realidad política y social del exterior. La historia de estos dos jóvenes extranjeros, la chica americana de cabaret Sally (Liza Minnelli) con deseos de convertirse en una gran actriz y el británico estudiante de Cambridge Bryan (Michael York) son hijos de diferentes nacionalidades dentro de lo que es, al igual que su relación, un territorio extranjero. La relación de ellos, en principio como una amistad que se va intensificando en un hermoso romance, tiene el encanto justo para forjar empatía con el público, pero es el conjunto de seducción femenina y ternura infantil que se hallan dentro de Sally lo que hace que Minnelli opaque a su coprotagonista y se termine robando el show junto al corazón de su audiencia. Los personajes fuertes del film son el de Sally y el del maestro de ceremonias (Joel Grey) quienes, tanto en conjunto como por separado, unifican los distintos tonos del film y hacen gala de su talento con la provocación nacida de sus movimientos coreográficos (las piernas de la Minnelli recorriendo tablas y


sillas son para derretirse) y el humor físico perteneciente a los bailes más histriónicos. El director construye constantemente una estructura de conjuntos (pueden ser dúos o tríos) para que funcionen en los aspectos más importantes del film. Así como lo hace desde la trama romántica hasta las performances musicales, también lo logra entre las problemáticas sociales y el trabajo en el cabaret. La variación narrativa entre uno y otro se relación como reflejos entre sí, analogías que pueden situar en un mismo nivel los conflictos románticos o la violencia del régimen fascista con los momentos musicales. El tono gris y dramático que conforma a uno se traslada con ritmo festivo y humor en el otro. Incluso una seducción más fuerte y peligrosa que la sexual, la referida al poder del dinero, se ve expresada de la mejor forma en uno de los mejores momentos del film con la

canción Money, Money. En los períodos de grandes conflictos algo que siempre ha servido como escape momentáneo de la realidad es el cine, y al parecer el cabaret también, claro está. Fosse transmite perfectamente ese clima escapista que su mundo musical ofrece y que la realidad del afuera siempre está dispuesta a cohibirlo, incluso por más romances y buenos momentos que la vida lejos de las tablas pueda ofrecer. Un agente externo (lo extraño, lo extranjero una vez más) que hace depositar los pies en la tierra. Una tierra en conflicto(s). El director comprende esto y permite que, por poco tiempo que sea, uno pueda ser parte de ese mundo de hermosas mujeres, hermosos músicos y hermosas canciones. El dinero hará al mundo girar pero es Bob Fosse quien hace al cine bailar y brillar.


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CÁNTAME TU VIDA [ Por Nicolás Ponisio ]

Bob Fosse, artista de la comedia musical, desplegaría su mejor obra y repaso total de su vida (sin saberlo del todo) en All That Jazz (1979), un film que tiene gran relación con el género musical pero del cual se aleja cuando es necesario para hallar fortaleza en el contenido dramático. Factor que, irónicamente, irá presentando la pérdida de fortaleza del protagonista Joe Gideon (Roy Scheider en una suerte de clon de Fosse). No todo es jazz en el film y sin embargo es todo donde el director (el verdadero y el ficcional) dejan su vida, literalmente. El film se encuentra divido en tres espacios donde Gideon siempre es el centro de atención, constantemente alabado y criticado bajo las luces del mundo del espectáculo. El laboral, donde en el teatro practica los ensayos de su nuevo show al mismo tiempo que lidia con su ex mujer Audrey (Leland Palmer) y la sala de edición donde se desvive por finalizar su

más reciente film, el hogar donde está más presente para mantener relaciones con sus amantes que para estar realmente con su hija Michelle (Erzsebet Foldi) o su novia Kate (Anne Reinking) y por último aquel donde Gideon observa y dialoga sobre su vida acompañado por Angelique (Jessica Lange), la seductora representación del ángel de la muerte. La exaltación, los abusos y el frenetismo imparable de una vida colmada de inspiración pero vacía de experimentar aquellos verdaderos momentos de placer (dejando de lado lo carnal), todos elementos de espacios que se traducen en imágenes de un montaje enérgico acompañado por música de Vivaldi. La pérdida de la vida dentro de un arte con más de una. All That Jazz evita en la mayor parte de su desarrollo las grandes puestas de los clásicos musicales de cine o inclusive de Broadway, tan conocidos por el autor, para permitir dar lugar no tanto a la presen-


cia del artista en ascenso sino al paralelo opuesto que supone su vida en descenso. Con la sutileza de los detalles y la acumulación de sucesos en una vida donde el artista se marchita pero la obra lograda brilla ante el público, Fosse presenta arte y vida, dándole una mirada individual a cada uno y uniéndolos totalmente en lo que es dejar la vida sobre el escenario. Fosse logra tocar con humanidad las vivencias del personaje, sin pretensión en un mundo donde está llena de ella (y algo que, hablando de lo mismo pero sin sutileza de discurso o sentimiento empático, no supo lograr Iñárritu con su Birdman). El director dota de elementos autobiográficos al film no solo contando el ataque cardíaco que sufrió durante los ensayos de Chicago, sino también creando su propio fatídico y premonitorio final que años más tardes se

cumpliría. La forma en que reúne lo musical, ahora sí con el despliegue de Broadway, junto al climax dramático que acerca al protagonista a la muerte es la conglomeración de toda una carrera (en cuanto a Fosse) y todo un desarrollo de acciones y errores (en cuanto a Gideon). Gustavo Cerati, otro artista que se fue antes de tiempo, supo decir en unos de sus temas: “Poder decir adiós, es crecer”. Personaje y director se despedían en un acto final con todo el esplendor de las grandes producciones y a la vez que se acercaban a la compañía de la bella Angelique, crecían junto al film todavía mucho más. Uno que, a pesar de los años, con cada visionado y cada nueva despedida continúa creciendo al igual que el hombre detrás de la obra. Los clásicos nunca mueren, sus creadores tampoco.


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30 MINUTOS INOLVIDABLES [ Por José Luis Lemos ]

Recuerdo perfectamente la primera vez que vi The Blues Brothers (John Landis, 1980). A comienzos de los noventa, y en plena crisis energética, los canales de aire argentinos comenzaban su transmisión al mediodía y culminaban antes de la medianoche, con muchos cortes esporádicos en el medio que variaban según la zona en la que uno vivía…con lo cual era bastante común ver programas o películas de forma incompleta. Ese verano, canal 13 anunciaba un “estreno absoluto”: Los hermanos caradura -tal el título subnormal que le pusieron en Latinoamérica, para competir con el igual de subnormal “Granujas a todo ritmo” que se les ocurrió a los españoles- lo cual da una idea bastante acertada del tiempo que se tomaban los canales en estrenar un film. “Los hermanos caradura” podrá sonar una idiotez ahora que somos gente grande y preferimos decir “los Blues brothers”, pero para un chico de once años que ve una propaganda de la película en cuestión y se percata de que hay decenas de autos chocándose, persecuciones y piruetas inverosímiles,

el título es lo de menos. Desde los ojos de alguien que había crecido viendo una y otra vez Used Cars (Robert Zemeckis, 1980) y simulando escenas de la película con autos de juguete, esta prometía ser la mejor película del universo. Por lo que, rogando que la crisis energética no me prive de ese gran espectáculo, esperé ansioso el día de la transmisión. Lunes, como correspondía a los grandes estrenos de “El mundo del espectáculo”. El avance, sin embargo, era algo engañoso. Lo que aparentaba ser uno de esos films de carretera de finales de los setenta que se centraban en destruir todo aquello que tenga cuatro ruedas, era en realidad una comedia musical diseñada especialmente para el lucimiento de Jake y Elwood (John Belushi y Dan Aykroyd respectivamente), dos personajes nacidos dentro de Saturday Night Live que luego dieron el salto al disco con ese hit inmortal que es Everybody Needs Somebod. A su vez, la trama del film -que hacía gala de un humor absurdo muy propio del programa que vio nacer a comediantes como Chevy


Chase, Mike Myers y Will Ferrell - era tan solo una excusa para hilvanar una serie de números musicales que homenajeaban a la crema y nata de la música negra de los sesenta, con Ray Charles, James Brown y Aretha Franklin a la cabeza. Quizás John Landis tuvo en cuenta, a la hora de realizar este film, a toda esa generación de jóvenes que, como yo, disfrutaban viendo la destrucción sistemática de todo lo que tenga cuatro ruedas. Era una buena manera de protegerse ante un posible fracaso comercial. Después de todo, ¿era rentable un film cuyo verdadero fin es homenajear a la música negra de los sesenta? ¿Cómo podría ser un éxito de taquilla un argumento centrado en dos hermanos que para salvar de la ruina a un orfanato deciden rearmar su banda de soul y rythm n’ blues? La respuesta de Landis fue crear una de las escenas de persecución más fastuosas que se hayan visto en la pantalla grande, con setenta autos estrellándose en una orgía de destrucción inaudita que desafía las leyes de gravedad. Un exceso a tono con el caos que rodeó la filmación, con un Landis aprovechando al extremo la libertad (y el dinero) que le daba el estudio tras su éxito con Animal House, y con un Belushi aspiran-

do toneladas de cocaína -que iban incluidas en el presupuesto del film- y casi siempre alcoholizado. El día del estreno llegó. Lamentablemente, llegó el mismo día en que un corte de luz programado dejó el televisor apagado hasta las 23:45, mucho después de que a Jake y a Elwood les hayan encomendado una misión divina. Esos 30 minutos restantes, sin embargo, fueron suficientes para que Los hermanos caradura (mi niño interior me pide que lo escriba así) se queden en mi cabeza por mucho tiempo, relatando a todo aquel que tuviera la paciencia de escucharme las escenas increíbles que habían pasado ante mis ojos. A saber: ¡La princesa Leia disparando una ametralladora!! ¡Decenas y decenas de coches de policía chocando a la vez! ¡Un auto saltando de un puente a punto de cerrarse! ¡Un montón de nazis cayendo a las aguas de un río! ¡Un auto que se queda casi suspendido en el aire! ¡Una persecución dentro de un shopping!¡Un montón de militares cercando a los héroes con un tanque incluido! Nótese que en mis relatos está ausente cualquier referencia musical, ya que la única escena de ese estilo que pude presenciar es la de los créditos finales, cuando Jake y Elwood tocan Jailhouse Rock en la prisión. De to-


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dos modos, dudo que le hubiese hablado a mis amigos de las virtudes musicales de Aretha Franklin y John Lee Hooker. The Blues Brothers sigue siendo, hasta el día de hoy, uno de los mejores films (si no el mejor) que haya salido de Saturday Night Live. En parte es porque el humor extravagante va de la mano de una intención sincera de homenajear un estilo musical con corazón de melómano, pero también por su vocación subversiva de hacer añicos todo atisbo de autoridad, literalmente, y su burla despiadada del fascismo en todas sus expresiones. Sin dejar de lado, claro está, la increíble puesta en escena orquestada

por un John Landis en su apogeo artístico -potenciada en la versión extendida de 148 minutos- cuando aún se perfilaba como un posible competidor de Steven Spielberg. Quien, además de hacer un cameo en la escena final del film, intentó hacer su propia comedia destructiva junto a Belushi y Aykroyd en 1941, un desastre comercial donde los críticos probaron ser más destructivos que su film. Landis, en tanto, comenzaba a filmar su siguiente obra de culto, Un hombre lobo americano en Londres, con el que volvió a deslumbrar a aquel niño de 11 años… y esta vez sin cortes de luz.


OSCURIDAD MUSICAL [ Por Nicolás Ponisio ]

Mientras que Selma (Björk) marca el compás de su vida cantando y bailando en la oscuridad, el espectador la acompaña observando todo lo que ella no puede ver debido a la progresiva ceguera que padece. Es tan solo cuestión de darle tiempo al desarrollo de la trama para que, en una situación similar, se nos dificulte ver las imágenes en pantalla pero a causa de las lágrimas que nublan nuestra vista. Lars von Trier, conocido por poner mujeres fuertes en roles protagónicos y hacerlas atravesar un espiral de sufrimiento, toma la experiencia de vida de Selma para golpear y abrazar los sentimientos de manera musical. La grisácea vida de Selma, una inmigrante checoslovaca en Estados Unidos, se desarrolla entre su dura labor en una fábrica metalúrgica, su ceguera cada vez más invasiva y la crianza de su hijo que, de no poder reunir el dinero para la operación, sufrirá su misma suerte en la vista. Doloroso y pesimista a niveles ascendentes, el film posee un gran corazón dentro de la ternura naif de Selma y el cariño de sus amigos como su enamorado Jeff (Peter Stormare) y su compañera de trabajo y obra musical Kathy (Catherine Deneuve). La relación con ellos y

la dulce inocencia de la protagonista nos posiciona empáticamente en su historia trasladando sus pesares a nuestro cuerpo expectante. Es interesante como el director realiza una interacción perfecta entre el tratamiento dramático del film y los pasajes musicales que éste contiene. El género musical, usualmente optimista con grandes dosis de comicidad y despliegue coreográfico, aquí es utilizado con una gran ironía respecto a lo que acontece narrativamente en paralelo. La música es el único medio donde Selma puede escapar de su realidad, así como el cine muchas veces también ha llegado a ocupar ese lugar. Las canciones compuestas e interpretadas por Björk son llevadas a la pantalla con una fotografía de fuertes tonos, que entran en contraste con el tratamiento más apagado que destaca en la realidad del film. Los momentos musicales resaltan los colores al igual que la música lo hace con ese mundo de ilusión que es la mente de Selma. La cámara, siempre en movimiento y acercándose lo más posible a los personajes, dota al film de un constante estado de intimidad, de cercanía para con el calvario de Selma. Cuando uno es quien se acerca


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demasiado al personaje, a la historia, difícil es luego alejarse. El film comienza con una obertura musical y a medida que las notas crecen en intensidad también lo hacen las coloridas pinturas que aparecen en pantalla. Todo el color y esplendor pictórico dará paso a una pantalla en blanco, a la nada misma a la vez que la música se va desvaneciendo. Resumen gráfico de la historia a contar que nos ubica como espectadores en un lugar de posición elevada ante

la protagonista, ya que podemos presenciar en su totalidad aquello que ella solamente puede hacerlo dentro de su mente. Pero eso también conlleva ser parte de la experiencia completa, vivir y sufrirlo todo aún cuando la historia ya ha culminado. A Selma nunca le gustaron los finales, por eso es que siempre que veía un film musical se marchaba de la sala durante la penúltima canción. Para nosotros eso es imposible y nos quedamos con ella hasta el mismísimo final.


WE CAN BE HEROES, JUST FOR ONE DAY! [ Por Jimena Patiño ]

Cuando encontrás la película de tu vida, esa que mágicamente se vuelve “tu favorita número 1”, el mundo se resignifica porque entonces te pones a comparar cada maldito musical que ves y se hizo después del 2001 con esta joya que cada día se vuelve más bella e inigualable. Pasaron 16 años y yo sigo encontrando referencias ocultas de otras películas antiguas y cada vez que la vuelvo a ver me encuentro con un micro detalle que no había contemplado antes. ¿Soy yo o Ewan McGregor cada día actúa mejor de Christian? ¿Es Nicole Kidman una autentica cortesana digna de un cuadro de Toulouse? ¿No es simplemente fabuloso que David Bowie haya podido grabar Nature Boy con Massive Attack para la banda sonora comercial? La historia del arte la recordará como el musical más bello de la historia más reciente del nuevo milenio. Ok, tal vez exagero un poco... o no, solo la historia lo dirá. El relato es una adaptación velada de La dama de las camelias, entre sus fuentes podemos encontrar millones de referencias y es que Moulin Rouge es un

remix que samplea toda la historia del cine y la cultura pop del siglo XX para apropiarla a su colorida y musical trama. Capas y capas de referencias sobre más capas de referencias. Quizás eso hiciera que los críticos no supieran que hacer con ella y los Oscars no reconocieran su verdadera grandeza. La historia comienza con un telón que se abre y anuncia grandilocuentemente a los cuatro vientos que “vas a ver un padre y señor musical” aparece el logo de la Twentieth Century Fox y luego nos metemos de cabeza en una historia gris y triste: Un personaje canta Nature Boy en una azotea… esa enigmática canción que narra la historia de un chico y lo que aprendió de la vida: Lo más grande que aprenderás es a amar y ser amado… pero eso aún no lo dice. Aparece entonces este escritor deprimido y cabizbajo interpretado por Ewan Mcgregor, Christian, quien nos narrará una historia sobre un tiempo y un lugar muy colorido: El Moulin Rouge. La vorágine colorida y feliz entonces toma lugar,


haciéndonos olvidar como un mal chiste que todo este colorido solo va a terminar de una manera: trágicamente. Christian un joven artista británico que viene a la ciudad luz para escribir sobre el amor, la verdad y la belleza se encuentra con una troupé de artistas bohemios que casualmente, están escribiendo un musical para el Moulin Rouge. Es usual que un musical a menudo trate sobre un show musical que va a crearse, una película que va a rodarse, un backstage de una obra mayor. Lo vimos en Cantando Bajo la Lluvia y en muchos otros como The Band Wagon, en ese caso, Moulin no se va a saltar esa tradición al mismo tiempo que va actuar como una caja china en la que los intereses artísticos de un grupo se contraponen a los criterios creativos de un “mecenas” o “patrón de las artes”. ¡Y ustedes que solo creían se trataba de un amor prohibido! ¡Ingenuos!. Una obra dentro de una obra dentro de una obra… encantador y como si eso no fuera interesante, tenemos el amor que surge entre la cortesana y el escritor pobre, porque esta es una historia sobre “el amor conquistando todos los obstáculos” y créanme que van a ser muchos y melodramáticos. La fotografía de Donald M. McAlpine es completamente artificiosa. En ese sentido Moulin usa todas las técnicas digitales de composición digital y postproducción para crear decorados que superan con gloriosos tonos saturados en rojos azules y verdes la grandeza de viejos musicales. Cada escenografía es

un collage bien pensado. Un fragmento imaginario de la Belle Epoque reconstruido en la magia de un estudio y con la ayuda de una computadora. Su belleza y artificiosidad harían llorar a Vincente Minnelli. Baz Lurhmann se luce como genio creativo detrás de cada movimiento de cámara detrás de cada coreografía. Su esposa, Catherine Martin, detrás de cada vestido y arte y Craig Armstrong en la partitura. Todos juntos son visualmente inseparables. Lo peor es que si escuchamos a sus críticos que dicen “no es más que un videoclip de canciones conocidas” se olvidan que el film también da espacio a lo innovador cuando Christian decide componerles una canción a los amantes. "Come What May" es tan pegadiza y épica como lo son todas las demás creaciones y mashups que el film realiza. La labor sonora es magistral. Nicole Kidman brilla como el diamante resplandeciente del cabaret. Su interpretación está a la altura de las grandes divas de antaño, e incluso se anima a apropiarse de "Diamonds are a girl best friends" de Marilyn y hacerla “La canción de Satine” su pelirroja y voluptuosa cortesana. Además de unos protagonistas fantásticos, la película está llena de un reparto de secundarios magnífico entre los que se luce John Leguizamo, quien ya había colaborado con Baz en la icónica Romeo + Julieta y ahora destaca como Toulouse Lautrec y Harold Ziddler interpretado por Jim Broadbent que se convierte en el padre fundador de ese nuevo con-

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cepto musical que será objeto, el Moulin Rouge. La historia comienza a tornarse sombría cuando el amor da lugar a los celos y los celos a la enfermedad. Les dije que aquí se venía a sufrir. El momento más desgarrador en el que los más fuertes suelen comenzar a quebrarse en pedacitos (sí, hablo de mí) es cuando comienza a sonar la versión Moulin de "Show Must Go On" de Queen. Creo que pueden escuchar mi llanto y mi corazón desprenderse cada vez que Nicole Kidman canta frente al espejo “my make up may be flicking but my smile still stays on”. Quizás sea porque se me viene a la mente quién la compuso y el estado de Freddie al escribir esa maravillosa pieza... no lo sé, pero de esa nostalgia y del conocimiento del espectador de la cultura pop se aprovecha magistralmente este film para su contenido dramático. El momento más épico que todos aman recordar y que quizás refleje el espíritu desenfadado de la película que pone al mismo nivel manifestaciones artísticas como la opera junto con Madonna y David

Bowie pasando por el colmo del artificio: quizás sea el "Elefant Love Medley", en donde a partir de fragmentos de algunas de las mejores canciones de la historia pop, Christian y Satine se cantan los pros y los contras de su amor. Es una escena magistral que te lleva desde el interior del Moulin pasando por los tejados y la cima del elefante, el que curiosamente si existió en el Moulin real. Pierdo mi objetividad hablando de los films que me gustan pero con Moulin la pierdo totalmente. Fue muy difícil tener que escribir todos los motivos por la cual la considero una joya. Lo peor de todo es que sé que tanta fantasía y melodramas no son aptos para todo el mundo y eso es una tragedia pero estoy segura que si no suscitara las discusiones y objeciones que la película aún suicita no la querría ni la mitad de la que la quiero. Hagan justicia poética, miren Moulin Rouge. Una historia sobre un lugar, una época. Sobre la verdad, la belleza pero por sobre todas las cosas una historia de amor, un amor que vivirá para siempre gracias a la magia de cine.


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ÁMAME MENOS PERO ÁMAME MÁS TIEMPO [ Por Jimena Patiño ]

Con esa frase contundente cierra este fabuloso film francés dirigido magistralmente por Christophe Honoré, que bebe directamente de las aguas de Jacques Demy y lo más acido de la posmodernidad. Les chansons d'amour es un film que si le quitamos sus momentos musicales aún nos quedaría un film interesante de cine independiente francés pero simplemente sin sus canciones se nos dificultaría entender lo esencial: los sentimientos de sus protagonistas. La película comienza con un trío de amantes, bueno en realidad con un noviazgo largo que devino en un trio. Protagonizado por Ludivine sagnier, Louis Garrel y Clothilde Esme en el papel de Julie, Ismaël y Alice. Los momentos musicales no se hacen esperar. Con canciones hermosas y muy plagadas de ironías amargas y recriminaciones, escritas por el genio colaborador del director, Alex Beaupain, son una oda al desamor, o bueno, a las penas de amor. Louis Garrel se apodera de su personaje y se luce haciéndolo memorable y seductor. Después de todo parece

un ganador con esas dos muchachas en la relación, pero luego el film da un giro inesperado a lo Psicosis de Alfred Hitchcock y la historia sigue igual de musical pero se transforma en otra… historia de amor. Pero volvamos al trio inicial. Una de las mejores canciones de las muchas que goza esa parte de relato es la que se llama “Je n’aimé que toi” (“Solo te amo a ti”) en donde a lo pimpinelas, el trio protagonista se refriega en la cara lo hedonista y celosa que su relación es realmente. Que ramera por acá, Que bastardo por allá, que soy el puente que los dos cruzan por acullá… imposible no reírse con ese inusitado cuadro musical que para variar no habla con dulzura desmedida e idealismo sobre el amor y el sexo. La coreografía naturalista es tan detallada: Ismaël con su bufanda con los colores de la bandera francesa, Julie con su bello tapado color crema y Alice toda hípster y castaña intercambiando lugares en una calle parisina antes de ir a un concierto en un bar. Si eso no es amor de juventud no sé qué puede serlo…Oh esperen, aunque nos


olvidemos por culpa de las canciones, esta historia acaba mal. Para variar a lo hollywoodense, es un musical en lo que no todo es color de rosa pero el drama surge tan inesperado y naturalista que solo logra que te atornilles a la pantalla hasta que se termina el viaje de nuestro inusitado héroe. No voy a exagerar, es mi film favorito de Louis Garrel. De hecho comencé un grupo de Facebook para que venga a visitarnos alguna vez en la vida de nuestras vidas cinéfilas, junto con una amiga; e inspirada por el tono del film y nuestro amor por los musicales, con otras amigas escribimos un guion de un musical y le dedicamos uno de los personajes especialmente a él. Sí lo sé, tanto fanatismo es lamentable, pero expongo mis patéticos intentos solo para que vean de lo que es capaz el cine cuando está bien realizado: inspirar sueños locos. Casi diez años después y aún estoy insistiendo en reseñas sobre la belleza cinematográfica de esta cinta. Christophe Honoré ha dirigido otras películas y otros musicales muy bellos pero Les chansons irrumpió en Cannes y lo más importante en el corazón de sus muchos fanáticos como un verdadero

bálsamo entre tanta historia de amor yanqui. Grégoire Leprince-Ringuet se roba la otra mitad del film con su frescura y su encanto juvenil. De a poco el drama lleva nuevamente a una historia de amor e Ismaël debe sobreponerse a la melancolía y el dolor. Este film está dedicado a todas esas personas que creen que no importa el sexo y el credo, que la atracción es posible porque se ama a un ideal a una persona… ¿Qué quiero decir con esto? Homofóbicos abstenerse y si encima odian que les canten en francés…bueno está definitivamente no es su película. Honoré se luce con un film escrito por él mismo, que apela a unos ideales jugados, al tiempo que homenajea el clasicismo sin apelar a la nostalgia de los films de los cincuenta. Se trata de un musical contemporáneo y actual (bueno actual hace diez años pre Tinder y tantas otras cosas). Demás está decir que el título del mismo funciona como una ironía y como una realidad, esas complejidades duales van a luchar durante todo el film, después de todo no es un musical americano y los franceses simplemente aman sus historias de amor ácidas y basadas en el existencialismo y yo las amo


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porque simplemente a ellos les cae perfecto. ¿Estamos listos para lidiar con la muerte? Y la peor ¿Estamos listos para lidiar con el amor cuando lo encontramos? Con esto no quiero decirles que van a ver una película de terror, van a ver un musical en donde los personajes no parecen seres bidimensionales sino complejos y desarrollados. A veces hedonistas y a veces melancólicos. Personajes que ocultan secretos (como el de Chiara Mastroianni) y que solamente parecen resplandecer cuando cantan sus emociones lastimeras a viva voz acompañados por orquestas invisibles en las calles parisinas. El film hace de París su decorado y a diferencia de otros musicales el tratamiento es realista, el único artificio dramático son las canciones: en ese sentido no van a ver grandes bailes coreográficos y puestas enloquecedoras. El tratamiento de los movimientos de cámara podrían pasar desapercibidos y pensados para otro tipo de film, si simplemente no fueran tan acordes como cuando Garrel entona la intimista "Ma mémoire sale" con su amante. Este es un mu-

sical que es la antítesis de Moulin Rouge, por poner un caso extremo. De hecho tiene más guiños a Una femme est una femme de Godard que al estilo musical de Jacques Demy. NO utiliza música en los diálogos como en los Paraguas de Chebourgo, sino que las canciones son de un estilo más pop, más chanson francesa contemporánea que comienza y termina. Quizás nos recuerde un poco a Todos te dicen te quiero, pero esta cinta carece del intelectualismo que reviste ese musical alejado de Woody Allen. Les chanson no aleja sino que sumerge al espectador y hace que se preocupe por el destino de su protagonista. Cada canción te acerca más a la resolución y al cambio. Una película para aquellos que quieren ver algo que está en medio camino y concilia las opciones del musical realista vs el artificio del canto y un film dramático demostrando que se puede amar al dios de los musicales sin perder al demonio de la verosimilitud. Una oda para el amor a la francesa, libre y descarnado.


LO QUE FUE Y YA NO PUEDE VOLVER A SER [ Por Nicolás Ponisio ]

El romance se perdió, los musicales pertenecen al pasado. No se deje engañar por el despliegue técnico, las coreografías y la musicalidad de la que hace gala La La Land, incluso en aquellos momentos que no son musicales. Damien Chazelle envuelve en primera instancia a su tercer largometraje con todo el encanto y pomposidad perteneciente al Hollywood clásico donde el género brilló. Pero las intenciones del director no yacen en contar/cantar una historia romántica a la vieja escuela. Lo hace de esta manera para dar cuenta de un género y un estilo hermoso, puramente cinematográfico, al que hoy en día es imposible volver. Al igual que lo hacía con Whiplash, Chazelle se interesa por la vida artística y el esfuerzo que ello conlleva para alcanzar el éxito. Como si se posicionara tanto encima como por debajo del escenario, el film recupera la magia de los viejos días haciéndolo parecer fácil de lograr. Mientras que por dentro de los colores, los planos secuencias y la sincronía

de reloj, se encuentre esta historia de amor entre Sebastian (Ryan Gosling) y Mia (Emma Stone) que no solo funciona como elemento seductor del film, sino también como esa apuesta a perseguir el sueño artístico. Con Whiplash, el director hacía un uso poco realista de la presencia de J.K. Simmons (el colmo del docente abusivo) pero con un marcado tono realista que permitía hacer sufrir al público en la piel del protagonista. En su nuevo film, se dan unos “opuestos similares” contando una historia hiperrealista en la forma más artificial posible gracias al tono de los musicales y la sobrecargada estética que enamora tanto como sus personajes. El artificio en pos de iluminar la verdad termina alejando al film de la categoría musical cuando se vuelve consciente el hecho de que perseguir los sueños conlleva perder algo de la magia y el romance que toda primera instancia de una relación (o de este film) tiene. El personaje de Gosling, en la búsqueda pasional


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de su deseo, exclama que renacerá de las cenizas como el ave fénix. Con una fuerza del metalenguaje en gran parte del metraje, La La Land hace visible su intención dialéctica demostrando que aquello que Sebastian expresa es lo que en parte hace el film con el género. Desde su secuencia inicial -quizás, de manera provocativa, la más artificial de todas-, hasta el carisma y timing de los protagonistas.

lismo artificial tanto juntos como por separados, remarcado notoriamente en la mitad del metraje para que no quepan dudas de que no se trata de una experiencia cinematográfica, sino de dos. Ambas llenas de posibilidades y encanto artístico, pero con un choque frente a la realidad que demuestre que todo lo que haya maravillado al espectador se quedará con éste a pesar de que ya no esté allí.

Y es que la pareja conformada por Gosling y Stone –tercera vez que se relacionan juntos en pantallaaportan un balance perfecto a la historia. En este tipo de films la belleza y el carisma lo son todo, y estos chicos lo tienen de sobra. Si bien él no se destaca mucho al cantar y lo mismo ocurre con ella al bailar, entra en juego la regla de los opuestos complementarios donde la falta de uno se convierte en el talento del otro.

La La Land es como ese gran amor fugaz que todos en algún momento han tenido. Se conocen, se enamoran y viven su relación en un período corto pero altamente intensificado por la pasión con la que expresan su amor. Y a pesar de haberse terminado con la rapidez de un pestañeo, dejando corazones rotos, ese amor se queda con uno por siempre. “Te amaré por siempre” se dicen uno al otro Sebastian y Mia. Ese amor perdura en la pantalla tiempo después de haber finalizado la trama. Lo mismo ocurre con el musical, es imposible volver a esa época dorada, ya pasó y no volverá por más que Damien Chazelle la reviva fugazmente. Pero eso no quita que se pueda quedar como el recuerdo de un viejo amor. Se queda con nosotros, los tontos que soñamos.

En otros de los tantos usos del metalenguaje a los que recurre el film, las ideas del romanticismo y la nostalgia están muy presentes, manteniendo una relación de pareja que los une y distancia a la vez. De igual manera, se permiten coexistir en ese rea-


EL ESCRITOR SERIAL


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ASH VS EVIL DEAD, TEMPORADA 2: SECUELA A PURO GROOVY [ Nicolás Ponisio ]

En 1987 Sam Raimi llevaba a los cines Evil Dead 2, y más allá de que el título sugería ser una continuación del film de 1981, supuso ser no solo una mejoría más cómica y sangrienta que la primera sino que también fue una reinterpretación de esa terrorífica estadía en la cabaña del bosque. Emulando en parte esa fórmula, la segunda temporada de Ash vs Evil Dead no se anda con rodeos y apuesta fuerte a superar a la temporada del año anterior. Por supuesto, lo hace y lo logra sin guardarse nada, arremetiendo con todo el gore, el humor y el despliegue visual que la vuelve parte de la familia de las buenas secuelas. Este segundo año lo encuentra a Ash (Bruce Campbell), nuestro antihéroe favorito, disfrutando de la buena vida en Jacksonville junto a sus aliados en la lucha contra el mal, Pablo (Ray Santiago) y Kelly (Dana DeLorenzo). Obviamente, para bien de

la serie, los problemas no tardan en volver y las criaturas salidas del Necronomicón vuelven a traer problemas, haciendo que el grupo de amigos una fuerzas con la letal Ruby (Lucy Lawless). Si bien cada episodio pone en riesgo de peligro a la tríada protagónica, y con ello se dan distintos enfrentamientos y personajes dispuestos como carne de cañón, es la constante originalidad la que mantiene la frescura a la orden del día. El uso que hace de distintos elementos y subgéneros dentro del horror es lo que permite que el show no se vuelva repetitivo sino todo lo contrario. Es así como logran desarrollar una trama sin demasiados puntos bajos ni la sensación de la típica narrativa chicle que estira más de la cuenta todo lo que el material puede ofrecer. Renovándose episo-


dio tras episodio, a veces de mejor manera y otras no tanta, la serie sorprende donde sea que sitúe a sus personajes. Sea desde su carácter más bizarro y asqueroso –Ash introduciéndose en un cadáver y estando cara a cara… o a pene frente a él-, desde el homenaje al horror clásico –el Oldsmobile Delta de Ash y Raimi poseído al mejor estilo Christine-, o incluso haciendo uso del ya sobreexplotado revival de los ochenta, pero sabiendo hacerlo con la ironía que a los otros productos les falta. Teléfono para Stranger Things. La inclusión de nuevos, y no tan nuevos, personajes permite explorar más a fondo tanto el gag físico para el que sirve Ash, como también para relacionarse con el machismo, el egoísmo y los comentarios siempre políticamente incorrectos que vuelven a su personaje tan entrañable… aunque nos sintamos culpables por ello. El padre de Ash (Lee Majors) o su viejo amigo Chet (Ted Raimi quien también vuelven en la forma de la poseída Henrietta), pese a tener una breve participación complementan a mayores rasgos el humor negro tan propio de la serie. Al igual que mencionaba que la secuela de Evil Dead reinterpretaba a su predecesora, esta tempo-

rada hace algo similar con los films utilizando el regreso de personajes clásicos, por allí anda la fallecida hermana de Ash, Cheryl (Ellen Sandweiss) o incluso adelantándose a los hechos de la primera entrega lo cual transforma a la historia de alguna forma en una precuela. Todo siempre manteniendo la bizarrada y los litros de sangre en plena ebullición. Ash vs Evil Dead dota a los episodios de cambios y subtramas constantes con el fin de no aburrir o dejar de sorprender al espectador. Recargado de delirio terrorífico, la serie es un exceso que desborda siempre en el mejor sentido de la palabra. Algo difícil teniendo en cuenta de que se trata de una continuación de una historia que se viene contando desde principios de los ochenta. La clave del éxito yace en mantener una realización simil a cómo sería si Sam Raimi estuviera detrás de las cámaras y al epicentro que se roba cada momento en escena que es Bruce Campbell. Siempre correctamente incorrecto. Gracias a ello la efectividad siempre se halla renovada, sin lograr que nos cansemos de pasar cuantas veces queramos una estadía en la vieja cabaña.


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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/


ros) Juan Manuel Lascano (Batería y co-

día, Mariana Manzanares nos dijo que la

ros) y Charly Acconcia (co productor

versión original dura 12 minutos y prime-

junta a la banda más aportes en percu-

ramente el álbum saldrá por MusicMedia

siones) el Ep contiene 4 canciones don-

Records (un sello independiente de dis-

de destacamos por comparación a sus tra-

tribución digital) y más adelante una edi-

bajos anteriores Ysla (2012) y “Nómade

ción en vinilo.

(2014) un mayor uso de sintetizadores y secuencias, el trío siempre potente y meticuloso en el armado de las canciones y las melodías se muestra inquieto en la búsqueda de nuevas sonoridades. El lanDesde Perú

zamiento de “#A” fue acompañado por

El 5 de febrero conocimos “Limonada”

el video del tema que da comienzo al Ep

un nuevo single del prolífico y multifacé-

“Una pena en el páramo” y es un mon-

tico artista peruano Chico Unicornio en

taje hecho por Rama con imágenes del

colaboración con la argentina Paula Gar-

mediometraje “Las 77 páginas” realiza-

3- El grupo que se define desde su pá-

cía (Sobrenadar) en la voz. El formato que

do por Diego Arandojo y Mauro Savarino

gina de facebook como de Pop de Coti-

eligieron para darlo a conocer es en un

que trata de conspiraciones y un futuro

llón / Dark Pop / Dark Cabaret Deseo y

video realizado durante la primera visi-

cataclismo natural, temas que también se

Muerte integrado por Ligia Berg y Emi-

ta de Sobrenadar a Lima en el contexto

ven reflejados en las letras de este Ep que

liano Herrera acaba de lanzar un nuevo

de las fechas organizadas por los sellos

nos gustó mucho al igual que el video que

video que parece ser una bisagra en su

Buh Records y Casa del Puente Discos

pueden ver en su canal de youtube. Se

carrera si tenemos en cuenta la presen-

en Perú. "Limonada" fue grabada des-

puede escuchar por Spotify y Bandcamp

tación del mismo que hacen en su pági-

de Lima y Chaco, respectivamente. Am-

na “Nos vamos despidiendo de a poqui-

bos fueron participantes de Red Bull Mu-

to de 'Desde la Multitud' con este, uno

sic Academy. El video dirigido por Chico

de los últimos videos sobre este período.

Unicornio & Daggiana Madrid muestra

Nos abrimos de a poco a nuevos sonidos

el paisaje de la playa "La Herradura" en

e imágenes”. El tema elegido es "Tiempo

el distrito de Chorrillos así como la inte-

Sagrado", que pertenece a su disco "Des-

racción de personajes oníricos que jue-

de la Multitud" (2015). Escrito y dirigido

gan con los objetos y elementos de ma-

por la misma Ligia, cuenta con las partici-

nera simbólica generando más que una narración, una secuencia poética"

paciones de Antú Martín en cámara y las 2- Recibimos un track llamado Better Us del trío electro pop West Horses

actuaciones de Daniela Malatesta, Mailen Victoria y Malvina.

formado por Pablo Mat: Piano Rhodes Moog. Leandro Castillo: Guitarra eléctrica - TR 8 y Mariana Manzanares: Voces - Fx. El tema es el primer corte de lo que será su primer álbum que estiman estará listo para el mes que viene., grabado en Diciembre 2016 en Estudio Orión de Pablo Rabinovich. El tema que les compartiTres de Argentina

mos es una versión corta editada para las

Tres bandas legendarias anuncian nuevo álbum y lanzan single

1- Ya se puede escuchar “#A” el Ep del

radios de excelente factura con un beat

trío de ROCK Atlante formado por Rama

electrónico muy bailable, muy buenos

1 -Depeche Mode lanzó el viernes 3 de

Voz, Guitarras, Sintetizadores y progra-

arreglos instrumentales y una voz que

febrero un nuevo Single “Where’s The

maciones) Germán Lentino. (Bajo y co-

se pasea por la pista con una buena melo-

Revolution” que es el primer adelanto de


su nuevo álbum "Spirit" a editarse el 17 de

películas que todavía no han sido soña-

marzo próximo por Columbia Records Se

das". Muy en el estilo de This Mortal Coil,

sabe también que el arte de "Spirit" estu-

viene teniendo en sus canciones distintos

vo a cargo de Anton Corbijn y que tam-

invitados.

bién está trabajando en las visuales de los

Ahora este 17 de febrero lanzará un

shows y en los videos.

nuevo single con la colaboración de la vocalista Mimi Page. Gracias: Shauna McLarnon El sello Británico Cherry Red Records conocido por publicar re-ediciones de otras discográficas anunció que firmaron con The Residents para un nuevo álbum "The Ghost Of Hope" , aquí les compartimos la tapa, será lanzado el 24 de mar-

2- El nuevo álbum de Blondie tiene

zo y que también han adquirido el exten-

nombre “Pollinator” y fecha de salida

so catálogo del grupo que se remonta a

para el 5 de mayo. Este es su undécimo re-

más de cuatro décadas a quienes sin ocul-

Dos compilados tributos con muy

gistro, a 40 años de su homónimo primer

tar su felicidad describen de esta manera

buen nivel. Consideramos que estos tra-

LP y el sucesor de “Ghosts of Download”

“Alternativamente visto como una banda

bajos son muy importantes para el desa-

(2014).Se trata de un álbum colaborati-

de rock, un colectivo de artes y un espíri-

rrollo de nuevas bandas y por eso lo apo-

vo donde participaron en la composición

tu, Los Residentes han sido considerados

yamos.

Sia, Charli XCX, Dev Hynes, Dave Sitek

como iconos en el mundo de la música

1 - Ya hemos hablado del trabajo in-

(TV en la Radio), los Strokes 'Nick Valen-

experimental durante más de cuarenta

cansable del blog brasilero The Blog That

si y Johnny Marr. Además cuenta con la

años. Además de su trabajo pionero en

Celebrates Itself. Y ha arrancado el año

interpretación Laurie Anderson y Joan

las áreas de trance, fusión mundial, mú-

con un nuevo álbum tributo a una de las

Jett en algunas canciones. El primer ade-

sica electrónica, punk, industrial y loun-

bandas que marcó la dirección del shoe-

lanto es “Fun” escrita por Sitek, Stein y

ge, el grupo también ha sido acreditado

gaze, My Bloody Valentine. Bajo el nom-

Harry. Un tema bailable a lo Blondie, la

como uno de los creadores de arte de per-

bre de Forever and Again se realizaron

magia mantiene su poder.

formance y video musical. The Ghost Of

25 versiones de canciones de la legenda-

Hope está disponible para pre-ordenar en

ria banda.

Edición Limitada 12 "Vinilo y CD ahora. Find out more here”

2 - El pasado 6 de febrero Lo-Fi Records un sello de la provincia argentina de Cór3- Wire cumple 40 años de carrera y lo

doba ha lanzado "No tan bueno Pero Di-

celebra con la edición de un nuevo álbum

ferentes (Un tributo a Galaxie 500)". En-

"Silver/Lead" que será su decimoquinto

El prestigioso productor John Fryer

tre las bandas participante hay de varios

trabajo de estudio. La fecha de salida será

(This Mortal Coil, Depeche Mode, Coc-

sellos amigos, Polvo Bureau Fuego Ami-

el 31 de marzo, fecha que se conmemora

teau Twins, AR Kane, entre otros) tiene

go Discos Discos Laptra y algunas de las

los cuarenta años de su primer concierto.

un nuevo proyecto llamado Black Needle

bandas participantes son: La venganza de

El álbum de diez canciones tiene su ade-

Noise que viene editando singles desde

Cheetara, Koyi, Entidad animada, Las Li-

lanto "Short Elevated Period".

el 2015 Según él "Es la música para las

gas Menores y Niño elefante

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PURA MELOMANIA


ATREVESANDO (INFINITAMENTE) EL LADO SALVAJE The Doors - The Doors (1967) [ Pablo Müllner ]

El álbum debut de Jim Morrison y su banda ha sido una inspiración infinita tanto para otros músicos (incluso más allá de la escena del rock y el pop, ejerciendo su influencia sobre el jazz más ácido y experimental) como también para críticos y escritores. Se han escrito innumerables reseñas y hasta ensayos completos, se lo ha analizado desde todos los ángulos. Sin embargo parece ser una fuente de tinta inagotable: todos tenemos algo para decir, o al menos queremos decir algo sobre este disco enorme. Quisiera hacer algunos apuntes históricos sobre este monolito de la cultura pop, pero sobre todo dedicarme a atravesar brevemente el lado menos explorado, quizá el “otro lado” como le gustaba llamarlo al Gurú de los Excesos, Mr. Mojo Risin. En 1965, Morrison y Ray Manzarek se conocieron en la escuela de teatro y cine de UCLA, en Venice Beach y comenzaron a tocar con los hermanos de Manzarek. El último en llegar fue el baterista John Densmore y en ese momento se bautizó a la nueva banda a partir de una cita del libro de Aldous Huxley, sobre sus experiencias con la mezcalina, “The Doors of Perception” (Las Puertas de la percepción): “Cuando las puertas de la percepción se abran las personas verán las cosas tal y cual lo son: infinitas…” Una cita hermética que tiene mucho que ver con el primer sencillo de The Doors: “Break on Through (The Other Side)” (Atraviesa el otro lado). En ese primer corte Jim vocifera: “Vos sabés que el día destruye a la noche/ La noche, la noche divide el día. Traté de escapar/ Traté de esconderme…” No está muy lejos de querer traducir en palabras sencillas lo que puede suceder en la conciencia de un místico al derribar los límites de la lógica mundana y explorar los confines de su propia mente hasta alcanzar un estado de iluminación. El álbum homónimo que le seguiría sería grabado en seis días en un equipo de cuatro canales, con un sonido bastante fiel al de la banda en vivo, a excepción de algunos pocos trucos de estudio. El más notable de ellos: la superposición de dos grabaciones para crear el sonido épico del largo número de cierre: “The End”.

Pero volvamos al inicio: “Atraviesa el otro lado”. Este sencillo no fue en absoluto un gran éxito para la banda, aunque marcó todo el camino que iba a recorrer el sonido y la lírica de The Doors, imitados hasta el hartazgo y muchas veces reducidos hasta la caricatura (el mejor ejemplo de esto último es la inefable película de Oliver Stone, con un Val Kilmer jugando de un Morrison que no desentonaría demasiado en la comedia de gags Top Secret). Más allá de toda banalización o vaciamiento cultural perpetrado contra esta banda, este disco desde sus acordes iniciales hasta los finales, e incluso hasta el día de hoy, conserva su crudeza y vitalidad como materiales irreductibles. Se trata nada más y nada menos que de un momento real y puro donde el arte popular logra transmitir un mensaje contracultural a las masas de una manera nueva, original, poniendo en cuestionamiento los valores de realidad que maneja el establishment. Y al mismo tiempo la música logra trascender esa rebeldía para indagar sobre la experiencia mística del sonido. The Doors filosofa desde el sonido, casi como lo hacen algunos gurués musicales de La India. Citando a Pandit Ravi Shankar, maestro indio del sitar: “El propósito más elevado de la música es desvelar la esencia del universo que ella refleja. Así, a través de ella, uno puede llegar a Dios.” Mucho de ese propósito había en Morrison y su banda, por más que la iluminación fuese buscada a través del alcohol, del sexo y de las drogas. Para Jim esos eran los portales hacía la experiencia de un “más allá” y serían explicados con precisión en “Light my fire”. Paradójicamente “Fire” es un hit co-


mercial y un himno contracultural en una sola pista – tan solo un ejemplo de dos extremos que se tocan, como tantos otros en la vida y la carrera de Los Doors. Prueba de esa capacidad de asimilar opuestos y de su ductilidad musical son los covers elegidos para acompañar el material original: “Alabama Song” de Bertold Brecht y Kurt Weill, canción compuesta para la ópera “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny” y “Back Door Man” de Willy Nelson, un blues popularizado por Howlin´ Wolf. Y finalmente, amigos: El Fin. “Cada vez que lo escucho significa algo distinto para mí. Comenzó como una simple canción de adiós para una chica, pero ahora también veo que podría ser el adiós a una especie de inocencia infantil. A veces el dolor es demasiado, inclu-

so intolerable, pero eso no lo hace algo siniestro, o necesariamente peligroso. La gente le teme a la muerte más que al dolor, y es extraño porque la vida lastima mucho más que la muerte. La muerte en realidad es el fin del dolor, por eso creo que es como un amigo”, confesaba Morrison en uno de sus reportajes, apropósito del verso: “Mi único amigo: el final.” Con más desapego también comentaba que la letra era “lo suficientemente compleja y universal como para ser interpretada como “el fin” de cualquier otra cosa que uno quisiera.” Esa ambigüedad lírica, en medio del ominoso panorama de fines de los ’60, le dio a Francis Ford Coppola una banda de sonido perfecta para Apocalypse Now. Así, en el imaginario popular, The End quedaría para siempre asociada a la épica de la guerra y su estela de muerte.

CUANDO LO CELESTIAL ESTÁ EN LO SUBTERRÁNEO David Bowie - Low (1977) [ Alejandro Cenizacromada ]

EBerlín se convirtió en la ciudad donde David Bowie se encontró consigo mismo. Era el momento de un alto en el camino, y tras los excesos de las sesiones de discos legendarios como Young américans (1975) influenciado por el funk en algo que el mismo denominó como sonido Plastic soul y del delirante Station to station (1976), Bowie necesitaba retomar el control, pues según sus propias palabras había adquirido una fuerte adicción a la cocaína y no recordaba con claridad los momentos de las sesiones de Station to station. Low era una manera de asumir la música de una forma modesta y sin pretensiones, pero también de libertad creativa. Low como nombre para un álbum era la forma de mantener un bajo perfil, como empezar de ceros. Con la ayuda de su gran amigo (casi hermano) Tony Visconti y del gran maestro y padre de la música Ambient, Brian Eno, comenzó a construir la primera parte de lo que se denominó la trilogía de Berlín. Curiosamente todo comenzó en Francia en el castillo de Herouville cerca de París. La producción final y mezclas se harían en los estudios Hansa en Berlín. David Bowie empezó a retomar el control de sí mismo y paradójicamente en esa etapa de limpieza logró una de sus obra más alucinadas. Iggy Pop fue otro de sus amigos que puso mano en este maravi-

lloso álbum, poniendo voces en la canción “What in the world”. Brian Eno empezó por sugerirle que las canciones no necesariamente necesitaban contar una historia, que podían emplear un lenguaje más abstracto, como imágenes hechas sonido. David siempre se caracterizó por ser un artista abierto, que miraba mucho más allá de lo que otros podían ver y con humildad aceptó el consejo de Eno. Según palabras del propio Eno años más tarde, su labor en el disco fue más preponderante de lo que se cree: él, como un pintor creando oníricos paisajes, y David Bowie como el actor que se desenvuelve en esos escenarios. En Berlín, Bowie se sintió atraído por Kraftwerk y todo lo que tenía que ver con el Krautrock. De hecho se comenta que para su celebrado álbum poste-

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rior “Heroes” él deseaba tocar con músicos de la banda NEU! El sintetizador se convirtió en el instrumento preponderante en toda la obra sobre todo en canciones como “Warzawa”, en la cual deseó plasmar la dureza de la ciudad de Varsovia, la cual lo había impresionado y le terminó incorporando voces de tipo tribal. La bellísima “Art Decade” es más apacible, impregnada de un ambiente bastante solemne en su sonido y que busca angustiosamente el lado humano entre los implacables muros de concreto. La música de “Low” es el reflejo de una época en la que Bowie era un asiduo visitante de museos en Suiza y Alemania. Se dejó permear por la música clásica y volcó su pasión por pintar. Otro dato importante es que muchas de las piezas del álbum “Low” fueron temas que compuso para la banda sonora de la película “The man who fell the earth” de 1969, la cual protagonizó como el extraterrestre Thomas Newton. La música que compuso plasmaba el pensamiento de Newton, pero estos temas fueron rechazados en su momento por la productora. “Sound and visión”, la canción elegida como sencillo es un manifiesto de búsqueda de ese sonido en ese lugar azul, donde hay un completo silencio en un absoluto estado de liberación. La influencia funk que había desarrollado en canciones como “Fame” o “Golden Years” se hace presente de manera febril en esta bella canción. De hecho a manera de curiosa anécdota se cuenta que Moby llamó en el programa Live by Request en 2002 para pedir que David Bowie interpretara una emotiva versión de Sound and Vision. Para no nivelar las cargas y no desconcertar al oyente con el cambio radical de sonido del álbum “Low” comienza con “Speed of life” que tiene esa dosis de ese so-

nido de discos de la época de más psicodelia en la obra de Bowie, solo que más repetitivo y minimalista. “Weeping Wall” habla sobre el muro de Berlin y cabalga sobre un riff de sintetizador como hecho de cristal sobre el que aparecen guitarras tratadas y Bowie limitándose a usar su voz como un instrumento en pequeñas partes corales. Las canciones que tienen un poco de ese sonido que uno conoció en temas como” Ziggy Stardust”, es en “Always crashing in the same car” y “Be my wife”, solo que con una fuerte presencia de electrónica psicodélica. Aunque estamos conversando sobre uno de los discos esenciales dentro de la discografía no solo de Bowie sino del rock en general, en su momento la disquera RCA tuvo una negativa reacción hacia el disco, incluso el manager de David Bowie en aquel momento quiso impedir su lanzamiento. A costa de todo pronóstico “Low“ tuvo un mayor éxito que su álbum predecesor “Station to station”. Años más tarde el prestigioso compositor y padre del minimalismo Phillip Glass alabó “Low” como una obra maestra y la capacidad compositiva de David Bowie. Otro músico que es importante mencionar en la grabación de esta obra maestra fue el guitarrista puertorriqueño Carlos Alomar quien se convertiría en un reconocido productor (Soda Stereo), y que ya había trabajado en discos anteriores de Bowie. La carátula del disco es una foto tomada de la película “The Man who fell the earth”. Cincuenta años de un disco que aún sigue siendo indescifrable en su belleza, tal vez una de las claves de la magia sea esa búsqueda interior en la persona de David Robert Jones. Cuando lo aparentemente


The three little pigs en Battersea

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Pink Floyd – Animals (1977) [ César León ]

En los momentos que escribo este artículo. Un Orwelliano mundo ha hecho metástasis, fascismo descarado en la televisión, en internet, y en general en nuestra realidad, gracias al líder supremo que todo lo ve y que fue votado por millones de ignorantes dispuestos a entregar a sus derechos a cambio de falsas promesas de bienestar. Hace cuarenta años en una Inglaterra en crisis que le llevaría a años después a optar por ese demonio con figura de señora antipática y decisiones peores llamada Margaret, Pink Floyd tomaba como referencia a la novela de George Orwell –– no hablo en este momento de 1984–– “Animal Farm” (Rebelión en la granja), esa bella pero siniestra alegoría que reduce nuestra sociedad en 3 actores: perros, cerdos y ovejas. 1977. Tiempos males se avistan en la Gran Bretaña, el punk explota y bandas como Pink Floyd, Yes, ELP parecieran alejadas de la realidad que el punk golpea o simplemente describe. El Rock sinfónico o progresivo parece tan alejado de las calles que la desechada juventud lo rechaza por su intelectualidad y sofisticación. Son los momentos de Rotten y cía. De canciones de 3 minutos con malas palabras sencillos acordes y directas frases. Animals con sus canciones de casi 20 minutos y su aparente complejidad parece ser eso que odia la clase obrera y sin embargo. Ahora que lo miro, encuentro que posiblemente es el álbum más a anarquista que Pink Floyd produjo. El disco tiene apenas 5 cortes de los cuales 3 canciones son el 95% del disco los otros dos son simples introducciones y epílogo de un par de minutos que preparan y concluyen lo que se viene. Extensas composiciones donde Gilmour y Waters se alternan en los 2 lados del vinilo y en la brillantez de su concepción musical “Dogs” es GIlmour en el sentido más amplio: contundentes solos de guitarra lanzados por el buen David desde su Fender. Es una taciturna composición de 17 minutos donde se alternan las rítmicas guitarras acústicas, los melancólicos y atmosféricos teclados de Wright y muchos cambios de ritmo marcados por el gran Mason. Waters no parece asomar sino hasta después de la mitad de la canción cuando recibe el testigo y reemplaza con su

hiriente voz a Gilmour. Dogs –los Perros–– en la obra de Orwell, es la especie dedicada a cuidar que el sistema opere sin problemas, la policía y las instituciones de seguridad. En el Animals se refiere más a los antipáticos hombres de negocios que hacen su trabajo sin importar que el mundo arda. “Pigs” comienza con teclados de Wright que parecieran extractados de una película de ciencia ficción. Durante 10 minutos de blues industrial espacial, con guitarras rítmicas y un bajo marcando cada compás donde Waters va arrojando las más hirientes y frases a esa clase que representan los cerdos, que serían la clase dominante. Los políticos y su asquerosa tarea manipuladora, todo para terminar en un clímax traído gracias al punteo de Gilmour que uno llega a pedir que nunca termine “Sheep” concluye las 3 partes de esta obra magna de la música. Hay allí algo de jazz mezclado con un sonido industrial traído gracias a la secuencia del bajo que contrasta con la libertad del órgano Hammond. Pareciera ser una canción etérea pero de un momento a otro explota el ritmo de Mason y la voz de Waters. “Animals” es tal vez el álbum de Pink Floyd donde hay más variedad rítmica. En una misma canción se acelera se ralentiza se vuelve a acelerar para dar variedad a los extensos cortes. La evolución en Sheep es permanente son muchas canciones en una, muchas melodías. Muchos momentos para definir a las ovejas ––que vendríamos siendo nosotros. El tonto rebaño dejándose llevar por el valle de la desesperanza hasta que algo pasa y Waters anuncia que parece que los perros por fin han muerto... ¿Esperanza?


¿Revolución? Animals es Pink Floyd para seguidores avanzados. No tiene estructura con cortes que quepan en la radio, No hay baladas o cortes que lo puedan volver un éxito comercial como los hay en “The Dark side”, “Wish you were here” o el mismo “The wall”. Es un álbum para los más pacientes. Sin ser tan experimental como Ummagumma trae a un Pink Floyd muy progresivo, bien diferente a sus álbumes previos y posteriores. Aquí vemos un Floyd en donde Waters empieza a asomarse como el director de la orquesta, pero donde aún Gilmour

es una fuerte contraparte. “Animals” no es un álbum para comenzar a escuchar a PF pero sus letras le dan la actualidad que en el momento político y la encrucijada social que vivimos lo hacen vital. Como curiosidades Dogs fue compuesta originalmente con diferente título letra e intención para “Wish you were here” bajo el nombre "You Gotta Be Crazy" que se ajustaba más al homenaje al gran Syd Barret que es ese álbum. Así mismo Sheep originalmente se tituló “Raving and drooling” Ambas pueden escucharse en la edición especial de “Wish you were here”.

Las Reinas de la Oportunidad The Runaways - Queens of Noise (1977) [ Benjamín York ]

Segundo álbum de The Runaways, y el álbum que las insertó en la corriente del punk rock sin proponérselo. Luego de su homónimo debut editado unos meses antes, la banda vuelve con un nuevo trabajo que no deja de ser un disco de hard rock con fuertes influencias, sobre todo vocales, del glam rock de bandas como Suzi Quatro, Sweet o Queen. Este sería el álbum más exitoso en loa charts de la banda. La última grabación de la formación más conocida de la banda, Cherie Currie, voz; Joan Jett, guitarra y voz; Lita Ford, guitarra; Jackie Fox, bajo y Sandy West, batería. La idea principal en este trabajo de la banda fue grabar las bases en vivo y juntas, West, Fox y Jett. Y luego se agregaron los solos, los riffes y las voces, eso hizo que el combo sea explosivo para una época en donde no había alguna banda estrictamente de mujeres, luego vendrían las The Slits, The Bangles, o hasta L7. Pero la inserción dentro de la cultura del punk rock se debió simplemente al compartir escenario con varias bandas de la escena como Ramones, Blondie y The Dead Boys, pero también eran cercanas a los círculos de las bandas inglesas como The Damned, Generaxion X y The Sex Pistols. Apoyado por una gran cantidad de conciertos a sala llena, incluso fueron de Gira a Japón para presentar este disco y fueron sorprendidas por la recepción de la banda en tierras niponas, se armó tal conmo-

ción que se lo llegó a comparar con la “Beatlemanía”, el álbum que vendría después de este es de esa gira, “Live in Japan" con grabaciones de dos conciertos registrados el 5 y 12 de junio de ese año. En medio de esa gira perderían a su bajista y luego a su cantante principal (Jackie Fox y Cherie Currie). Y la banda ya no sería la misma. El álbum es una descarga de hard rock y glam rock y una actitud desafiante en cada track. Las canciones se llenan de crudeza y de poderío que era muy fácil mezclarse en lo visceral del punk. Escuchar el solo de Lita Ford en la última canción “Johnny Guitar” es mostrar que la ductilidad técnica tenía que ver más con el glam rock que con el punk rock. Un álbum que técnicamente es superior a su antecesor y que está más elaborado, los riffs son los que hicieron que la banda sea lo que es hoy, a más de cuarenta años


de su nacimiento como banda, tienen el respeto de una generación que perdonó a pocas bandas (el punk), y muchas ellas del movimiento "creado" por Marc Bolan y su amigo David Bowie.

Un poco más de treinta y cinco minutos de muy buenos riffes y canciones que han quedado en el recuerdo por ser Las Reinas de la Oportunidad de estar en el lugar y el momento justo.

THE FIRST CHAPTER Mañana Nunca Se Sabe… The Mission – The First Chapter (1987) [ Darío Daire ]

El año 1986 The Mission UK publica su legendario álbum debut Gods Own Medicine, bajo el sello Phonogram, comenzando la que sería una gran etapa -hoy clásicade Wayne Hussey y compañía. Sin duda aquel disco portaba los elementos esenciales del sonido de la banda: una base bajo/batería poderosa, capaz de encarar con firmeza la más noble herencia de Led Zeppelin; guitarras prolijamente trabajadas destacándose siempre las 12 cuerdas, así como los arpegios de estilo arábigos, el dulce brillo del chorus, la dimensión infinita del e-bow y los rasgueos heroicos; la atmósfera gótica de los arreglos y el grave y rasposo registro vocal de Hussey, así como también la producción del ya experimentado Tim Palmer (quien no lo haya hecho favor revisar su discografía!), quien no sólo tiene el mérito de venir produciendo a la banda desde hace tiempo, sino también de bancarse a sus integrantes, alcohol y drogas mediante. Gods Own Medicine sin duda presentó a la banda ante la escena europea y norteamericana y posicionó su panorama discográfico en muy buena ruta. Pero hubo historia antes. Y es precisamente a ésta a la que la banda le (se) rinde homenaje con su segundo álbum de índole recopilatorio, The First Chapter en 1987. Este disco agrupa fundamentalmente los trabajos previos al debut, convertidos en clásicos de culto para sus primeros seguidores y aquellos que en algún momento supieron del grupo por alguna de sus primeras canciones. Básicamente reúne sus dos primeros singles independientes “I” (“Serpent’s Kiss” - “Wake (RSV)” - “Naked And Savage”) y “II” (“Like A Hurricane” - “Garden Of Delight” - “Over The Hills And Far Away” - “The Cristal Ocean”), más versiones extendidas y algunos covers grabados por la misma época y que formaron parte de la búsqueda de identidad necesaria en todo inicio. Es un hecho que para

muchos que seguimos a la banda desde países más alejados y carentes de información, este disco generó algo de confusión en cuanto a su calidad de “segundo” álbum. Pocos eran los que sabían o entendían que éste disco, publicado después de Gods Own Medicine, contenía material de antes, lo que permitía a su vez entender la sonoridad y el sentido de aquellas canciones reunidas. Partiendo por su calidad de producción de audio, que a pesar de ya contar con Tim Palmer a cargo, es notoriamente más plana y tosca, sobretodo en lo referente a las canciones de los primeros singles “I” y “II”, totalmente auto-producidos, además de lo minimalista y más austero de sus composiciones y arreglos. Muy distante de lo que se escucha en Gods…, y a toda una era de distancia de Children (1988) y su pretensión mitológica y su profunda raíz Zeppeliana (cómo no, con John Paul Jones produciendo). Y es que toda aquella primera etapa de búsqueda y ajuste, de decantamiento y relectura del oscurantismo gótico tras salir de Sisters Of Mercy -habiendo tenido incluso impasses legales con Andrew Eldritch por causa del primer intento de nombre de la banda, The Sisterhood-, se hacen notar con orgullo en The First Chapter. Probablemente sea lo más noble de la discografía de la banda, que nos presenta su etapa tal vez más fresca e inocente, sus homenajes a Patti Smith

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(Dancing Harefoot), Neil Young (Like A Hurricane) y hasta a The Beatles (la gran versión de Tomorrow Never Knows incluida en la versión U.S.). Sin duda la inspiración se sostuvo en salir a recoger influencias. Y también en no echar el pasado por la borda, puesto que las referencias a Sisters son patentes. “Garden Of Delight” fue una canción de Hussey escrita para Sisters (tuvo una versión cantada por Eldritch), que es traída de vuelta en esta primera etapa de Mission. “Serpent’s Kiss” fue el primer single promocional que incluyó videoclip, que además de ser un clásico indiscutido es probablemente el Santo Grial y la madre del éxito de la banda. “Wake (RSV)” es por su parte “la gótica” del disco, la que ya va anunciando el perfil épico que irá adquiriendo la banda. The First Chapter es un disco que salda deudas con aquellos primeros missionaires que creyeron en el potencial de la banda y su proyección. Y a la vez es un disco

que suma y pone al día a los nuevos. Y probablemente también sea un disco de cierre de una etapa, de un primer capítulo que, junto con God’s Own Medicine es sólo la antesala para comenzar a proyectarse como una banda de las grandes (comercialmente hablando), potencial que sin duda tuvo The Mission, pero que no logró alcanzar nunca (por quizá qué misteriosos motivos). Lo cierto es que ese capítulo forma parte de toda aquella etapa gloriosa que la banda (Hussey más toda una lista de músicos que han pasado), han tenido que volver a revisitar una y otra vez después de alcanzar un disco sublime con el tremendo e irrepetible Carved In Sand (1990), el último de toda esa era con la formación clásica Hussey - Adams - Hinkler - Brown, para luego comenzar a caer algo en picada. Quizá por algo en The First Chapter incluyeron “Tomorrow Never Knows…”. El mañana puede estar lleno de mucho retorno al ayer.

“tAreApaRaElhOgAr” Daft Punk – Homework (1997) [ Alex Bretto ]

“¿Qué es todo ese ruido infernal???”, fue el comentario enardecido de mi madre cuando en aquel verano de 1997 pasó por la puerta de mi habitación y fue invadida por “Rock n’ Roll”, uno de los tracks de mi entonces recién adquirido álbum debut de Daft Punk. Hasta yo tenía que reconocer en aquel momento que aquello podía resultar algo perturbador, pero por otro lado, hipnótico y atrapante. ¿De qué se trataba todo esto? La movida electrónica que había estallado a mediados de los 90’s en Europa fue el caldo de cultivo ideal para que surgiera este estilo conocido como french house, que combinaba el house y el funk y se enriqueció con el uso progresivo de filtros en sus pistas, y cuyo máximo exponente es el dúo Daft Punk. Thomas Bangalter y GuyManuel de Homem-Christo son sus integrantes, compañeros del secundario y fans de los Beach Boys y los Rolling Stones (difícilmente uno podría imaginar estas influencias). Antes de que Daft Punk firmara contrato con Virgin

Records en septiembre de 1996, ya habían logrado notoriedad con su primer éxito “Da Funk” grabado en mayo de 1995. Despertaron la atención de Tom Rowlands y Ed Simons (The Chemical Brothers), que en ese momento hacían estragos en los clubs bailables londinenses. Ellos empezaron a utilizar algunas pistas de Daft Punk en sus DJ sets y simultáneamente les encargaron una remezcla para su single “Life Is Sweet”. “Da Funk” fue relanzado en 1996 y con la ayuda de un video (dirigido por Spike Jonze) protagonizado por un hombre-perro que vaga por la noche neoyorkina es-


cuchando un stereo portátil, el suceso se extendió a todo el mundo. Fue Top 10 en Francia e Inglaterra, y #1 en el chart de Dance Play norteamericano. Con este antecedente, fue editado “Homework” el 20 de enero de 1997 en el Reino Unido. Curiosamente, se trataba de un conjunto de pistas pensadas inicialmente para editarse como singles de difusión, las que terminaron configurando un álbum que fue concebido originalmente para el formato vinilo. Es básicamente un conjunto de distintos estilos de electro donde se combinan géneros como house, acid house y techno, salpicados con toques de funk (un estilo que en el futuro marcaría posteriores producciones del dúo). El inolvidable caballito de batalla del disco sería su segundo single “Around The World”, que reiteró la performance de “Da Funk” en USA y además fue un worldwide hit que logra repetir un total de 144 veces el título de la canción en la versión del álbum y aún así, no agotar. El logrado video dirigido por Michel Gondry muestra una

serie de robots, atletas, nadadoras, calaveras y momias bailando en una plataforma circular, y lo curioso es que cada grupo representa un instrumento de los que suenan en la pista. Magistral. Otros singles del disco fueron “Burnin” y “Revolution 909”, pero la lista de temas irresistiblemente bailables incluye también otros como “Phoenix”, “Alive” o “Fresh”. Reconocido como uno de los álbumes de house más influyentes de la década del 90, “Homework” se trata de 73 minutos arrolladores y sin descanso, como solían ser los discos electrónicos de aquellos años y subsiguientes: fue una década que dejó grandes producciones como “Second Toughest Of The Infants” de Underworld, “Dig Your Own Hole” de Chemical Brothers o “Decksandrumsandrockandroll” de Propellerheads. Solo por mencionar algunos: discazos todos. Pero tal vez, a la cabeza del género y de la época, se encuentre el debut de Daft Punk.

En Rojo, Pero Sin Demasiada Sangre The Strangles - Written in Red (1997) [ Pablo Müllner ]

Written in Red ya desde su título parece estar avisando de un error resaltado con marcador rojo, o un saldo negativo en la cuenta. Otro dato de “color”: es el disco número trece de The Stranglers, y supersticiones de lado, luego de tres décadas de grabaciones de estudios la banda parece acusar cierto hastío. Falta sangre, quizá. Algo falta. La fundamental pérdida es insoslayable: la formación de 1997 ya no cuenta con una pieza fundamental, el cantante y guitarrista Hugh Cornwell, quien en 1990 iniciaba su carrera solista. Esta tercera encarnación de The Stranglers, lo pone al vocalista Paul Roberts en la difícil tarea de reemplazar a Cornwell, pero también al bajista Jean Jacques Burnel, quien durante veinte años también cantó parte de los temas de cada disco. Stranglers había saltado a la notoriedad a fines de los 70 al ritmo de la escena punk británica pero supo reinventarse cada década. La banda siempre salió favorecida gracias a su sana dosis de misantropía, nunca comprometiéndose del todo con ninguna escena. En sus

orígenes fue una banda de garaje a la inglesa, es decir una banda de “pub rock”, pero no por ello del todo cuadrada, al contrario, con aires de arrogante elegancia y algo de “art rock”. En los ochenta supo subirse justo a tiempo a la new wave, y más tarde vestirse de rock alternativo, en los noventa. Eso sin nunca perder su esencia, sabiendo sobre todo mirar hacia adentro y ser original desde las limitaciones de cuarteto aumentado por un

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tecladista, Dave Greenfield, que incluso se torna preponderante en sus momentos más introspectivos. Dream pop, introspección,: esa parece ser la clave para Written in Red, de principio a fin. Desde el onírico número de apertura, “Valley of the birds”, pasando por el único single “In heaven she walks”, el muy correcto cover del clásico sesentero de The Lovin´ Spoonful, “Summer in the city”, y hasta el cierre de “Wonderful Land” (Tierra Maravillosa), que suena algo cansado y que precisa-

mente no entraña ninguna maravilla. En balance: un disco que se sostiene por la corrección y el gran oficio de sus músicos, pero que sin grandes composiciones como “Strange Little Girl” o “Always the Sun” deja una sensación de vacío. Sin embargo, expertos en el arte de reinventarse, los Stranglers se recompondrán de este posible punto bajo y llegarán vitales al día de hoy, entrando en su quinta década de vida. Antes de que Daft Punk firmara contrato con Virgin

Las Puertas Comenzaron A Abrirse The Crüxshadows - Dreamcypher (2007) [ Diego Centurión ]

Si no conocen a The Crüxshadows les cuento un poco, es una banda que su cerebro es Rogue, quien compone y dirige los destinos de la banda. La formación es muy cambiante y el único miembro oficial es su frontman. Su música viene en sintonía con la de Clan of Xymox, aunque Crüxshadows tiende más a las pistas de baile, que sus pares de Holanda. Las canciones van desde un sonido synthpop con fuertes reminiscencias a los años ochenta, y con una mezcla singular del New Wave y el Darkwave. "Quiero cambiar el mundo con la música, quiero que la gente pueda encontrar la esperanza en sí mismos. Quiero que sepan que cualquier cosa es posible si lo creen y siguen adelante. Creo que la música tiene el poder de inspirar y mover a la gente a hacer las cosas sorprendentes ", dijo Rogue en una entrevista acerca de la banda. Dreamcypher es el álbum que le sigue a "Ethernaut" (2003). Precedido por el exitoso single "Sophia" que los hizo debutar en el chart de Billboard, y directo al primer puesto el año anterior a la salida de este trabajo. Según cuentan las estadísticas destronando a la marketinera Beyonce. Algo similar pasó con su segundo single "Birthday" que también escaló alto en los rankings, meses más tarde de este lanzamiento. Este álbum tal vez es el más exitoso a nivel ventas y rankings, tanto en EEUU. como en Europa. Tiene el aliciente de que para la banda fue un momento especial, ya que Rogue y Jessica Lackey se han casado ese año en una ceremonia muy particular, como no era de esperar que sea de otra manera. Algunos cambios en la forma-

ción acentuaron este quiebre en la banda, haciendo que el sonido sea más bailable pero más profundo. "No lo podía creer, las puertas comenzaron a abrirse. Era como si no se podía ignorar más, después de una década y media parecía estar recibiendo un poco de respeto.", recuerda Rogue. Dreamcypher es un álbum de catorce tracks entre los que destacan los dos singles mencionados antes (“Sophia” y “Birthday”), pero también podemos encontrar bellas canciones como la profunda y delicada “Eye of The Storm” o “Memorare”, las enérgicas y bailables “Windbringer”, “Defender”, “Elissa” o “Solus”, que son las que destacan de este gran álbum de Crüxshadows. La mezcla de instrumentos tan delicados como los violines y las posibilidades interminables de los samplers es una de las más interesantes características de la banda. Aunque verlos en vivo con el despliegue de bailarines le suma un atractivo adicional a las presentaciones de la banda. La formación que registró este gran álbum fue: Rogue (voz, violín y programaciones), Cassandra Luger (gui-


tarra), JoHanna Moresco (violín) y Rachel McDonnell (teclados y violín).

Para aquellos que gustan de la indumentaria de látex o para aquellos que gustan de la buena música, si se quiere, SynthGoth.

Hacedores Del Mito Skinny Puppy - Mythmaker (2007) [ Pablo Müllner ]

Si bien nunca alcanzó los niveles de popularidad de Nine Inch Nails o Ministry, Skinny Puppy es una banda pionera del género industrial. Devenidos dúo tras la muerte por sobredosis de Dwayne Goettel, Nivek Ogre (voz y teclados) y el multi-instrumentista cEvin Key, para Mythmaker incorporaron a Mark Walk (ex Ruby) con quien ya habían colaborado en el supergrupo industrial de los ´90 Pigface. Mythmaker es el opus 11° de estos canadienses amantes del ruido maquinal de estudio, y como es de esperarse luego de dos décadas de atormentar los oídos de una audiencia de culto, éste es el sonido de una banda que se ha sabido aggiornar y refinar, sin por ello aburguesarse. En un reportaje apropósito de la edición del álbum, Ogre comentaba que hay algo del rock industrial que puede ser asociado a lo militar, pero ellos preferían siempre pararse del lado contrario: la psicodelia, la experimentación. De la misma manera sus letras constantemente oscilan entre la defensa de causas políticas (ecología, derechos de los animales, anti belicismo) y un método de escritura emparentado con el fluir de la conciencia. Si existe una buena etiqueta para el sonido electro de Skinny Puppy, quizás esa sea “Glitch”, un subgénero de la electronica que aglutina en su paleta todo aquello que pueda ser considerado un “malfuncionamiento” o “error”, desde el zumbido de una radio averiada hasta un software infectado. El mejor ejemplo de esto es el track “Jaher”, que puede sonar al oído pesadillesco y al mismo

tiempo relajante. Por lo demás Mythmaker balancea el sonido crudo de la banda en vivo con espacios más meditativos y ambient. Entre los momentos más rockeros, se destacan PolitkiL y Ugli, incluida en la banda de sonido de la quinta entrega de Saw, el juego del miedo. Pero si se puede señalar un track que capture la esencia del disco en términos compositivos es el genial “Haze”, que parece una épica metalera de los países nórdicos, solo que remixada por alguna sofisticada banda electrónica francesa. “Haze” amenaza con estallar en caos pero en lugar de cumplir su ultimátum se detiene en el detalle de las terminaciones y el sombreado, mientras la voz de Ogre sonando un poco a ogro, un poco a robot susurra: “We globalize the others lies/ We sanctified the great disguise” (Nosotros globalizamos las mentiras de los otros/ Nosotros santificamos el gran disfraz.) Quizá así sea como se erigen los verdaderos mitos.

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¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Alan Parsons Project – Gaudi & (Sagradada) Sangría Clásica The Alan Parsons Project - Gaudi (1987) [ Maxx Wilda ]

Es difícil encontrar combinaciones lógicas cuando los elementos son complejos. En esos casos, los elementos más incompatibles en apariencia pueden llevar a un posible éxito. Me prepararé una refrescante Sagrada Sangría Clásica (limones, naranjas, ron, azúcar y una botella de un tinto seco) para escuchar GaudiK, el décimo trabajo de estudio de Alan ParsonsProject. Inspirado en el famosísimo arquitecto catalán, este disco comienza con La Sagrada Familia, una intro referente a la creación arquitectónica, esta pequeña obra de arte épica-opero-progresiva cantada por John Miles (coros de Woolfson y Rainbow, la trilogía Parsosn) tiene todo el tinte del synthpop de los 80s y la fuerza necesaria para no pasar desapercibida, ni en su tiempo. Extrañamente, nunca fue un single. Luego de casi 9 minutos, con la voz de Lenny Zakatek, Too Late suena a un track de Kenny Loggins con el swing de Billy Ocean (hablando de elementos), muy cinematográfico, predecible, casi monótono. En Closer to Heaven, podemos escuchar a Eric Woolfson en una moderna balada que muchos recordarán de algún momento melancólico de Miami Vice (no es el único track de este disco presente en la obra de Michael Mann), que se ajusta perfectamente a ambos géneros. “Dando vuelta el disco”, Standing on Higher Ground, con la voz de Geoff Barradale y coros de Chris Rainbow, un perfecto uptempo acorde con la época, toques de hits orquestales y solos para ir cabeza al viento con unos wayfarer (blancos en lo posible) sintiendo la frescura en la cara, tal como el efecto de mi Sangría. Money Talks, otro presente en los soundtracks de Crockett y Tubbs, más rockero, más sexy, más salvaje, el techo, Sonny y Rico en uno. Penúltima parada para Inside Looking

Out, más “alanparsonesco”, balada, estampa, para cerrar los ojos, pequeños detalles (como Gaudi) que hacen diferente algo que podría no serlo cuando se lo ve de lejos. Y llega el final con Paseo de Gracia, instrumental, con todo el sello de Alan Parsons. Pasión flamenca junto a una formula progresiva, vuelven los elementos que se creen inmiscibles para formar un todo apretado, complejo, digno para pintar a un Edward James Olmos, expresivo pero no elocuente, fuerte pero sensible. Sorprendentemente, a pesar de su título, no es un álbum conceptual, parecen canciones sueltas, buenas pero sueltas, ese fue un buen fin para el principio de un impase en la discografía de Alan Parsons. Un disco disfrutable, recomendable, tanto como la Sangria. Salud!


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Suicidal Tendencies | World Gone Mad Label: Suicidal Records Fecha de Lanzamiento: 30 de Septiembre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Mike Muir y su bestia Suicidal Tendencies están de regreso después de tres años y con una nueva formación. Sólo lo sigue acompañando desde inicios de 2000 el brillante guitarrista Dean Pleasants (que, al igual que el propio Muir, es un ex-miembro de Infectious Grooves), y al que se suman Jeff Pogan como segunda guitarra y Ra Díaz en bajo. Sin embargo, el plato fuerte fue la notica a principios de año cuando se supo que Dave Lombardo (ex -Slayer, Grip Inc. y Fantômas) se uniría al ejercito de Cyco Miko para sus shows en vivo, y finalmente entró al estudio para grabar la continuación de su anterior regreso al rodeo, 13 (2013). Este nuevo capítulo suicida fue bautizado como World Gone Mad y presenta la misma línea musical de siempre, fusionando el punk, el trash-metal, el rap y el funk, coronado con el sello compositivo y vocal de su carismático líder. Mucha velocidad, excelentes y desquiciados solos de guitarra, un bajo que, como es costumbre en el estilo, posee una presencia y un despliegue técnico magnifico. Y qué decir de Lombardo… Impecable trabajo de este animal de los tambores y los palillos, que se acopla a la perfección al estilo de la banda, el cual no le es muy ajeno ni distante. El disco posee una muy buena producción a cargo del mismo Mike Muir. La portada quedo nuevamente en manos del dibujante Mark Geltch, esta vez en plan más caricaturesco. “Clap Like Ozzy” (innegable homenaje al Madman más famoso) es un furioso torbellino hardcore-trash, que arrasa con todo lo que se atreva a cruzarse en su camino. La dupla guitarrera Pleasants-Pogan es una maquinaria infernal de riff e intricados solos que se une a la veloz percusión de Lombardo y al palpitante fraseo del bajo de Díaz. Un comienzo excelente y con la energía a tope… Muir, por cierto, brillante como siempre. Las guitarras ganan mucha fuerza y peso en la cañera “The New Degeneration”. La misma arranca a paso lento pero dirigido por un denso

riff hasta el minuto 2:18 en que entra un solo de guitarra que abre camino para una explosión violenta y acelerada de thrash-metal de vieja escuela. De esta manera, se van fusionando riff y solos en forma continúa sin respiro mientras Cyco Miko escupe frases filosas con su furia y tono característico. Tema intenso y de gran nivel técnico. “Living For Life” tiene un inicio muy relajado pero que desencadenara en otra frenética descarga de punk que sólo se ve interrumpida por unos breaks en donde el maestro Lombardo realiza mini solos de batería, además de meter doble bombo a troche moche. Sigue siendo para destacar el trabajo de la dupla guitarrera tanto en la fuerza como en la calidad de sus abundantes solos. El final… calmo y sereno. “Get Your Fight On!” comienza engañosamente como una delicada balada donde Muir susurra muy suavemente acompañado por sutiles melodías. Pero al llegar al minuto 1:35 las guitarras explotan y la voz se endurece montándose en una furiosa descarga de riff y punteos. Un sólido corte de puro metal mostrando como siempre la versatilidad de Mike y su sequito de buenos músicos del que siempre supo rodearse. Con “World Gone Mad” nos metemos por un camino donde se cruzan el rap y el trash. Mucha presencia del bajo marcando el ritmo, tranquilo pero danzante, que gana fuerza en los estribillos donde las guitarras se endurecen. Corte ideal para mover pies y sacudir la cabeza al son de su hipnótico tempo. “Happy Never After” es un corte con un riff muy lineal y repetitivo que se ve adornado por los sabrosos solos que Pleasants va apareciendo a lo


largo de su recorrido. La percusión también es muy básica en comparación con lo que se lleva escuchado hasta ese punto. Pero cuando parece que la pista está por finalizar sufre un drástico giro de 180º en el minuto 3:50. La velocidad se apodera del corte volviéndose todo más sólido y rabioso, y Lombardo arremete con fuerza en sus golpes y mucho doble bombo en una frenética carrera metálica hasta finalizar abruptamente. Adrenalina pura y desenfrenada es “One Finger Salute”, esencia punk con letra frontal y desinhibida que se lleva todo por delante en su vertiginosa carrera. Excelente él solo de Pleasants en su parte media, equilibrando técnica y sentimiento al mejor estilo Suicidal. ¡Corte que ínsita al más salvaje de los pogos! Pero uno de los cortes más heavys del álbum es, sin duda, “Damage Control”. Riffs robustos, una percusión compacta y poderosa acompañado por un bajo actuando como muro de sonido. Un trabajo tanto en la sección rítmica como en los solos por parte de la dupla Pleasants-Pogan dan forma a una pieza de auténtico metal añejo con un toque punk único. Metiéndonos en el tramo final del álbum, “The Struggle Is Real” es una violenta metralla de menos de tres minutos donde colisionan el punk, el rap y el metal, y que te quema la cabeza antes de

que llegue a su fin. Por su parte, “Still Dying To Live” es una balada con una estructura muy constante a lo largo de su extenso recorrido donde Cyco Miko deja de lado su alocada vocalización para susurrar tímidamente mientras es acompañado por buenos y melódicos arreglos de guitarra. Pero como es de esperar a partir del minuto 5:30 todo se va al carajo, los delicados arreglos desaparecen para abrirle paso a un riff con energía salvaje y retomar la calma hacia el final. El telón de esta obra baja con “This World”, tema perteneciente a su anterior placa pero que en esta oportunidad es interpretado en un plan más acústico, relajado e intimista. En definitiva, es “World Gone Mad” un trabajo enérgico que no dará respiro un solo segundo, es caña pura corte tras corte donde cada uno de sus miembros brilla con luz propia en sus respectivos puestos. Merito principal obviamente al motor de la banda, el incombustible Mike Muir, que en cada una de las encarnaciones de Suicidal siempre supo rodearse de músicos de altísimo nivel. Esta no sería la excepción, dando así, como resultado final, un disco que dejara más que satisfecho a los fans de toda la vida de una banda de puta madre. Arrollador.

Hope Sandoval & The Warm Inventions | Until The Hunter Label: Tendril Tales Fecha de Lanzamiento: 04 de Noviembre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Hope Sandoval es una de esas voces que me da gusto haber conocido… Si bien, buena parte de sus mejores momentos pertenecen al legado de Mazzy Star (aquel hermoso proyecto, cruza de folk-rock y dream pop, junto al guitarrista David Roback), la angelina también supo brillar con su proyecto en solitario, Hope Sandoval & The Warm Inventions, aunque de forma más esporádica. Primero porque se trataba de una propuesta menos obvia y más profunda; más personal. Y segundo, porque tuvieron que transcurrir ocho años entre el debut y el segundo disco. Así pues, y a un ritmo similar, llega su tercer álbum, justo después de tres de que Mazzy Star resucitara del olvido. A estas alturas, si alguien especula

sobre la trascendencia que pueda tener Until The Hunter, que se quede con los datos de que Hope ya tiene 50 pirulos y lo único que pretende con él es experimentar y enriquecerse como artista. A no espe-

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rar menos entonces de una artista que elige de compañero de viaje a Colm O’Ciosoig (baterista de My Bloody Valentine) y que huyó a un lugar tan de alejado como peculiar (Martello Tower, una torre ovalada, en Irlanda, que se erige al borde del Atlántico y en donde, cuentan, ella encontró la sonoridad que buscaba: “un eco místico”). En realidad, todo lo que hay en Until The Hunter resulta tan familiar como la voz de Hope, sólo que el punto diferencial se encuentra en los pequeños detalles, los arreglos, la combinación y el uso de instrumentos inusuales e incluso reinventados. Ahí entra la figura de Michael Masley, músico colaborador que conocieron tocando en una estación y que ha sido clave a la hora de experimentar y encontrar la atmósfera deseada. Los resultados de este ejercicio se pueden apreciar a primera instancia: “Into The Trees” lo deja al descubierto, no sólo por el órgano celestial que se apodera de la canción, sino por la dimensión que adquiere. Una canción que se antoja infinita, como la voz de Hope, desvaneciéndose continuamente y reapareciendo como un espíritu inquieto. Con “The

Peasant”, en cambio, recuperamos a la Hope de toda la vida, en su clásico folk-rock psicodélico. Por suerte, el disco no pierde de vista la línea inicial planteada y “A Wonderful Seed” se preocupa de sonar como quería, mística… con cada nota avanzando libremente como medusa en medio del océano. Más allá de que algunos puedan decir que las canciones, llegadas a cierto punto, rozan el tedio –fruto del carácter reposado y hasta lánguido–, hay temas como “Day Disguise”, “Treasure” y “The Hiking Song”, en los que la armonía es indiscutiblemente deliciosa. A todo esto, se le agrega la colaboración estrella de Kurt Vile en “Let Me Get There”, suite cándida como pocas en la que ambos artistas cantar acompañados de una guitarra virtuosa, una genialidad. Resumiendo, es un Until The Hunter un trabajo en el que hay mar para bucear durante largo rato y en el que por más que te sumerjas, el agua casi siempre está igual de cristalina. Escucharlo es hacer contacto con ese paraíso de las profundidades oníricas, siempre esculpido por la voz y el talento de una artista enorme.

Jean michel Jarre | Oxygene 3 Label: Columbia/Sony Music Fecha de Lanzamiento: 2 de Diciembre de 2016

[ Por Gabo Rojo ]

Con sólo ver la foto de la contratapa de Oxygen 3, resulta evidente que Jean Michel Jarre, a sus 68 años, luce mejor que nunca. ¿Y por qué no debería? Acaba de revitalizar una carrera que ya era épica. Tras la enormemente contemporánea y artísticamente exitosa aventura de Electronica 1 y 2, Jarre “vuelve a sus orígenes” con su tercer disco en un año y medio, grabado en el espíritu de su mítico Oxygene para celebrar su 40 aniversario. El “padrino de la electrónica” se autoimpuso grabar esta nueva odisea instrumental en seis semanas para emular al disco original y “evitar pensar demasiado.” Tanto las liner notes (“paso más tiempo con sintetizadores que con seres humanos (…) cada uno tiene su propio carácter (…) dependiendo del día, los amo o los odio”)

como los nombres de los instrumentos que utiliza (“Electric Mistress,” “Cognosphere,” “Small Stone,” “Micro Monsta”) son desopilantes. Resulta evidente que Jarre se está divirtiendo, y como consecuencia la música es fluida, simultáneamente elaborada y minimalista, abstracta y hermosa. Es el sonido de un genio en su hogar.


Gee-M Y Dynamo | Ximer

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Label: Gee-M y Dynamo Self-released Fecha de Lanzamiento: 24 de Diciembre de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

¡Un EP de rock electrónico experimental! ¿Qué tiene de distintivo? Varias cosas. Para empezar, estos muchachos tienen un dominio notable tanto de la programación como de los instrumentos orgánicos. En segundo lugar, si bien fanáticos de Radiohead (se escuchan hasta samples de “In Limbo” en el quinto tema) y aparentemente inspirados por los crípticos trabajos solistas de Thom Yorke, son capaces de evocar mucha más emoción que sus ídolos. La intro del EP es una especie de versión intencionalmente más bella del “Electric Counterpoint” de Steve Reich (grabado en el 2014 por Johnny Greenwood,) y como bonus track se incluye un cover del tema inédito de Radiohead “Lift” que tiene más sangre que todo A Moon Shaped Pool junto. En “Groovie!” suenan aparentemente jocosos; se trata de una danza Drum’n’Bass de la muerte capaz de sacudir esqueletos mucho más que cualquier abstracción de Aphex Twin. En tercer lugar, el disco cuenta con la voz de Agus Mónaco en dos temas, implacablemente recitando poesía Slam Houllebecquesca que expone las crisis existenciales del siglo XXI y quizás dejan entrever el significado total de este mayormente mis-

terioso disco (el segundo tema se llama “Wake up (for Shadow.)” ¿Quién es Shadow? ¿Por qué duerme? No se sabe, y con esas guitarras incendiarias tampoco es estrictamente necesario descifrarlo.) Finalmente, justo cuando la obra está por terminar irrumpe inesperadamente una versión de “I’m not over you,” gema escondida del catálogo de R.E.M. con la que el multiinstrumentalista Ger Minuz está benévolamente obsesionado. Es un torbellino cargado de emoción para un EP cargado de sorpresas. Se puede bajar en germinuz.bandcamp.com. Es gratis, pero merecería no serlo.

Entidad Animada | Otro Lugar Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 09 de Enero de 2017 [ Por Diego Centurión ]

Ya no es la primera vez que hablamos de esta banda argentina, tampoco es la primera vez que un título le sienta de manera perfecta a una sensación causada por una publicación. Entidad Animada recrea la sensación de estar en otro lugar al escuchar este nuevo trabajo de nueve canciones. Desde el track que abre el álbum "Estreno" hasta el cierre "Sueño Tangible" uno se siente dentro de un espiral cósmico, y a cada minuto que pasa, nos vamos sumergiendo en mundos oníricos fantásticos. Por momentos más psicodélicos y elípticos y en otros más internos y reflexivos, pero siempre con

una fulguración sensible y calma. Levedad, liviandad y lealtad, podrían ser palabras


que encierran a "Otro lugar"; Levedad de las llanuras brumosas que se pueden esperar en el álbum es la tónica de este trabajo. Liviandad de los paisajes descritos sonoramente y líricamente es una clave fundamental en esta nueva grabación de Entidad Animada. Lealtad a su sonoridad, la banda no necesita expandir su sonido a nue-

vas propuestas, ya que este sueño mezclado con una sensación espacial, es lo que uno espera escuchar y dejarse llevar. Un nuevo trabajo de Entidad Animada. Alegría para los que gustamos de su música. Otro sello irrefutable que los sonidos hablan mucho más que las etiquetas.

The Flaming Lips | Oczy Mlody Label: Warner Bros. Records Fecha de Lanzamiento: 13 de Enero de 2017

[ Por Gabo Rojo ]

Una de las bandas más extrañas del mundo está de vuelta con una versión menos terrorífica de The Terror (su disco anterior.) Lejos están ya la perfección Pop de sus aclamados Soft Bulletin y Yoshimi y también el caos sonoro de Embryonic y Heady Fwends. Sí se mantienen las armonías vocales psicodélicas, los ecos Floydianos, las letras metafísicas y la preocupación por las preguntas esenciales (el sentido de la vida, el significado del cosmos.) La bella “The Castle” es el tema que quizás encapsula mejor la postura del disco: es un regreso nocturno a los lugares de “Yoshimi Battles the Pink Robots” bajo la más trágica mirada del adulto, quien aún tiene la suficiente sensibilidad como para elegir presentar la naturaleza humana bajo el halo de cuento de hadas (en otro de los temas, el adulto busca “hadas, brujas y hechiceros para matar,” su bala rebota cegándolo y las mágicas criaturas le otorgan ojos nuevos.) Si en otros momentos los contenidos parecen más hilarantes, uno no debe equivocarse: la banda se los toma absolutamente en serio. Esto no podría quedar más claro que en el tema “There Should be Unicorns,” donde al final de la canción

la letra (“Deberían haber unicornios de los de ojos púrpuras, no de los verdes”) es épicamente recitada por Reggie Watts cual poesía Shakespeariana. El interés lírico es sostenido por la destreza musical: “Listening to the Frogs with Demon Eyes” entrelaza el pop nocturno que define al álbum con secciones de oscuro folk, mientras que “Almost Home” logra sonar como un viaje trascendental a base de una primitiva caja rítmica. Oczy Mlody concluye en una nota positiva con un tema en el que Miley Cyrus anuncia la inminente llegada de “Jesús y las naves espaciales,” algo bastante apropiado para un disco que comenzó con las palabras “kill your rock n roll, motherfucking hip-hop sound.”


Miazma | Walk The Wire

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Label:Gothic Music Records Fecha de Lanzamiento: 14 de Enero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Hemos presentado en un número anterior un single de esta banda Sueca, en realidad es un proyecto ideado y realizado por Kristian Olofsson. Y acaba de lanzar su álbum debut, si bien había lanzado un compilado de trabajos anteriores en 2014, llamado “Miazma”, se puede decir que este es su álbum debut, “Walk The Wire”. Este trabajo de diez canciones nos sumerge en el oscuro mundo abierto por The Sisters of Mercy y no se aparta de las preindicaciones establecidas por Andrew Eldritch hace más de treinta años. Miazma es una nueva propuesta de la legión de bandas europeas que siguen el camino guiado por los Sisters. Guitarras distorsionadas, arpegiadas, teclados y un bajo muy marcado, y la voz tiene el tinte del que originó todo, Andrew. Pero lo bueno de muchas de estas bandas es que además de mantener viva la llama del Gothic Rock puro, es que muchas veces sus canciones son muy buenas. Miazma es uno de estos casos en donde conocemos

la sonoridad, conocemos las formas, pero las canciones tienen un sentido propio y están muy bien logradas y entretiene al escucha, a los puristas del Gothic Rock, y las comparaciones son obvias y se vienen haciendo desde los años noventa, es hora de disfrutar los nuevos álbumes y dejar esa insistencia en comparar siempre y etiquetar detrás de alguna banda. Un espacio más que merecido para este nuevo álbum en nuestras oscuras almas.

Ulrich Schnauss & Jonas Munk | Passage Label: Azure Vista Records Fecha de Lanzamiento: 20 de Enero de 2017 [ Por Diego Centurión ]

Hablar de un Nuevo trabajo de Ulrich Schnauss (Engineers) es detenerse en una nube colorida y dejar que el viento nos lleve a su antojo. Si bien esta es junto al músico dinamarqués Jonas Munk, con quien ya ha trabajado en un álbum anterior llamado “Epic” del 2010. Este segundo trabajo del dúo viene a desarrollar la idea sonora que mostraron en su primer trabajo, y a profundizarlo. Desde el track de apertura “Amaris” hasta el décimo primer y último track “"Coastal Path", el oyente quedará sumergido en un mundo de imágenes oníricas fabulosas, por momentos etéreas y en otros vertiginosos. Pero

siempre con una delicadeza electrónica y la sensación de estar en un bello sueño. Un álbum que en 50 minutos de duración nos plantea un viaje tan mágico y ambiental que nos costará no darle play de nuevo.


The Stompcrash | Swear By The Moon Label: Trisol Fecha de Lanzamiento: 20 de Enero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Cuarto álbum en estudio de la banda de Milán (Italia). Luego de tres años y dos singles adelantos “Mirrors” (2015) y “Twisted Souls” (2016) llega el álbum “Swear By The Moon”. En él nos encontramos con una banda que ha depurado mucho su sonido, mucho más prolijo y bien producido. El cambio de sello, de “Swiss Dark Nights” a “Trisol” ha mostrado un crecimiento y esto se nota en este trabajo, canciones como "My Tied Bride", "Plague Doctor", "Love is the Deepest Sea", "High Seas" y sin dejar de lado a los dos primeros singles "Mirrors" y "Twisted

Souls", contribuyen a que el álbum sea uno de los mejores de The Stompcrash, sino el mejor. Puro Gothic Rock con alto grado de oscuridad.

The Stargazer Lilies | Part Time Punks Sessions Label: Casa del Puente Discos Fecha de Lanzamiento: 24 de Enero de 2017 [ Por Diego Centurión ]

El sello argentino Casa del Puente Discos fue el encargado de traer en enero a la banda a Buenos Aires (ver el registro del concierto en este número). Y aprovechando esta llegada ha lanzado este álbum que es una mezcla de dos grabaciones realizadas en Bedrock Studio en Los Ángeles. La primera parte que va del track 01 al 06 fueron grabados en marzo del 2014, y desde el track 07 al 09 en Junio del 2016. Y entre una grabación y otra la banda ha cambiado a su baterista, en la primera grabación fue Pete Seeba y en la segunda Tammy Hirata, quien es su actual baterista. Los dos primeros tracks “Sunday Is Monday At Midnight” y “Fukitol” habían sido lanzados como singles en el 2012, pero estas “nuevas” versiones suenan mucho más cálidas y etéreas que sus anteriores versiones. “Endless Days” es simplemente una canción suspendida en una nube con un gusto a las canciones etéreas de Lush, pero con un ambiente más lánguido y resplandeciente. “We

Are The Dreamers” es una versión diferente a la que abre el álbum del mismo nombre (editado en 2013), esta versión es mucho más cristalina. “How We Lost”, "Space Jam", "Golden Key", "When With You" y "Bathed In Blue" completan esta hermosa entrega de la banda de Pensilvania. Un trabajo que reúne tracks que han quedado en el tiempo, esperando que sus autores J Cep y K Field decidan mostrarlos al mundo. Y complacidos que estamos los que disfrutamos de un etéreo shoegaze, cristalino y bellísimo.


Moon Duo | Occult Architecture Vol. 1

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Label: Sacred Bones Records Fecha de Lanzamiento: 3 de Febrero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Nuevo trabajo de los Moon Duo, grabado como trío por Ripley Johnson, Sanae Yamada y John Jeffrey. El álbum es electrónicamente psicodélico, por momentos nos sentiremos en la ruta de Suicide, o en otros más cercanos al Stoner rock, pero siempre en planteado con salvaje vertiginosidad y una calidad exquisita. Siete intensos tracks en 47 minutos de adrenalina elíptica, en donde nos iremos moviendo acorde a los ritmos impuestos por la banda. “The Death Set” abre con un ritmo a lo Black Rebel Motorcycle Club o The Black Angels, duro y rutero. “Cold Fear” nos trae a la memoria algo del krautrock mezclado con Suicide, intenso y casi monocromático. “Creepin'” rozando el stoner rock, dura psicodelia. "Cross-Town Fade" nuevamente el Suicide de Alan Vega y Martin Rev, constante y enérgético. "Cult Of Moloch" oscuro stoner rock con un phaser

que sobrevuela la sucia galaxia. "ill Of The Devil" sonido ochentero, el más pop del álbum, encantador. "White Rose", el cierre extenso pero bien vertiginoso, la sensación de una ruta al frente es imborrable a lo largo de todo el track. Moon Duo haya grabado tal vez el mejor disco de su carrera, no se pierdan la oportunidad de escucharlo, al menos una vez.

SPC ECO | Undeer My Skin (EP) Label: ELaB Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Febrero de 2017 [ Por Diego Centurión ]

La excusa de este lanzamiento es la utilización del track “Under My Skin” en la serie de MYV “Teen Wolf”, exactamente en el episodio número 7 de la sexta temporada llamado "Heartless" emitido el 10 de enero. Esto sorprendió a Rose Berlín, la cantante del dúo que forma con su padre Dean García. A tal punto que dijo: “Fue fantástico despertar y escuchar lo que había sucedido con la sincronización de Teen Wolf. Under My Skin está muy cerca de mi corazón y el de mi papá, así que no podría haber sido una pista mejor para que algo así sucediera”. El EP se completa con cuatro tracks que pertenecen al álbum "Dark Matter" (2015), ellos son "Under My Skin", "Meteor", "Creep In The Shadows", "Let It Be

Always" y en último lugar el track "Found" que pertenece al álbum “Sirens and Satellites” (2013). Nada nuevo pero maravillosa compilación, ya que están puestos en un orden que hipnotiza. Una gran oportunidad para aquellos que aún no descubrieron a una de las mejores bandas del drem pop electrónico.


Ryan Adams | Prisioner Label: Pax Am / Blue Tone Fecha de Lanzamiento: 17 de Febrero de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

En algún punto de nuestras vidas nos hemos sentido prisioneros. De un entorno profesional, de un affaire romántico, o incluso también de un mero deseo. Ese amplio concepto es el que centrará la temática de Prisoner, nuevo disco de estudio de Ryan Adams. Después del homónimo y delicioso “Ryan Adams” (2014), el prolífico cantante, multiinstrumentista y compositor de Jacksonville, regresa con un álbum más en la línea de su celebrado Love Is Hell (2004). El disco posee canciones que se hallan sumidas en ese devastador estado post-divorcio que atravesó recientemente el músico, y que se eleva, de a ratos, a alturas casi religiosas con pinceladas de órgano góspel que paralizan los riffs de Americana típicos de Ryan. Escuchar Prisoner de

un tirón, es decir, como un todo y no deteniéndonos de canción por canción, es presenciar el momento en el que una relación se destruye para siempre… Es la banda de sonido de una escena de boda pero en reversa, como si fuera el videoclip de “November Rain” de los Guns, pero yendo directo a la tragedia. Desconsolador.

THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE X 3 (SINGLES) [ Por Benjamín York ]

Groove Is In The Heart (Single) Label: A Recordings Fecha de Lanzamiento: 13 de Enero de 2017

El nuevo álbum de la banda saldrá el 24 de Febrero bajo el nombre “Don’t Get Lost”. Para adelantar ese álbum han decidido editar tres singles, “Groove Is In The Heart” es el primero. Además de la canción que le da nombre al single se encuentra como lado B la canción “Throbbing Gristle” que se encuentra entre las canciones del nuevo álbum. “Groove Is In The Heart” es una hipnótica y envolvente canción, con un ritmo sicodélico con mucho Groove y, al igual que en el lado B “Throbbing Gristle” canta Tess Parks como invitada. Y mientras que el primero Anton y Tess alternan las voces, en el segundo Parks canta todo el track con su voz, por momentos

nos recuerda a Hope Sandoval. La voz de Tess parece salida de un suspiro matutino, cansado y brumoso. Dos tracks muy disfrutables.


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Open Minds Now Close (Single) Label: A Recordings Fecha de Lanzamiento: 27 de Enero de 2017

Es el segundo single adelanto del nuevo álbum. Con Dan Alliare como invitado en batería en el primer track “Open Minds Now Close”, que también abrirá “Don´t Get Lost”, un envolvente y vibrante viaje de ocho minutos, como atravesar un caleidoscopio por el centro mientras gira mecánicamente. “Melody’s Actual Echo Chamber” es el segundo track y acá bajamos los decibeles y la vertiginosidad, pero no perdemos el groove. EN este track participan como invitados Ryan Van Kriedt y, nuevamente, Dan Alliare, una versión diferente a la que estará en el álbum. “Oppna Sinnen Stangs Nu” es una versión en sueco de “Open Minds Now Close” Con Jocke de

“Les Big Byrd” como cantante invitado, este track no está en el nuevo álbum.

Open Minds Now Close (Single) Label: A Recordings Fecha de Lanzamiento: 10 de Febrero de 2017

El tercer single de lo que va a ser el nuevo álbum. “Dropping Bombs On The Sun (UFO Paycheck)“ vuelve a tener como invitada a Tess Parks en voz, la canción tiene un aire más espacial a los anteriores tracks de los otros singles. Muy Spiritualized y la voz de Tess cae como anillo al dedo para contribuir al efecto lánguido y sin fronteras de los teclados hipnóticos. Y el lado B “Geldenes Herz Menz” tiene como invitado a Pete Fraser (The Pogues, New Young Pony Club) en saxo. Este track también se encuentra en el álbum y pareciera ser una canción con un toque jazzístico pero con mucho ambiente espacial.

No podemos no nombrar que en enero salió por video la canción “Fact 67” con Tim Burgess como invitado, que también está en el nuevo álbum.


DERECHO DE PISO

SUPERFICIAL LA LIBERTAD DE EXPERIMENTAR

[ Por Benjamín York ]

En el 2012 nace una idea como una extensión del deseo de experimentación de Federico Schmidt. Primero fue un juego junto a Rodrigo Martín, cantante de Juana La Loca. Un experimento de una tarde que dio una canción. Una semana después otra más pero ese impulso quedó archivado. En el 2014 Federico decide retomar esa idea y crea Superficial para expandir esa creación sin fronteras ni parámetros distintos a la experimentación. Entra a un estudio para registrar una versión instrumental de la canción de Daniel Johnston, "Honey I Sure Miss You", la cual se edita como single con una de las primeras canciones. 2015 lanza su primer EP homónimo en donde se plasma una idea de viaje a través de sonidos que mezclan lo etéreo con lo ambiental. Ese mismo año participa en un split junto a la banda Oak Coma y en el 2016, juntos realizan un single en donde podemos encontrar una versión de " Catch The Breeze" de Slowdive. En el pasado enero del 2017 edita su segundo EP llamado "Montevideo", un trabajo de cuatro canciones en donde se refuerza la idea de la experimentación. Superficial es algo más que música experimental, es una propuesta que nos invita a un viaje en donde lo etéreo se funde con lo experimental más sutil, llevándonos lentamente a un mundo en donde lo onírico y lo relajante es la banda de sonido ideal para un atardecer frente a alguna inmensidad, como el mar.

Sus redes sociales son: https://www.facebook.com/supperficial/ https://supperficial.bandcamp.com/ https://soundcloud.com/superficial-3

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The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA


Revista The 13th Número 34