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Š Esclusa / Brodsky


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06

ENTREVISTAS Paz Errรกruriz


17 25

NOMBRE PROPIO Jerónimo Álvarez

LATINOAMÉRICA Esclusa / Brodsky

45 53

COMODÍN Fotosíntesis

SANGRE FRESCA Alessia Pederzoli

65 79

EL MUNDO ALREDEDOR Dulce X Negra

LA PIEZA Dora Maar

© Paz Erráruriz De la serie INFARTO DEL ALMA


Paz

ERRARUR


| ENTREVISTA | 7

Os acercamos al trabajo de la fotógrafa chilena Paz Errázuriz a través de una selección de fotos, nuestra habitual batería de preguntas y una entrevista exclusiva ¿Cómo empezó en este oficio?

¿Tiene una óptica favorita?

Me acerqué a la fotografía cuando pude optar libremente a ella producto de una larga obsesión y de haber pasado por otros estudios y profesiones. En otras palabras, llego adulta a la fotografía.

No tengo ideas fijas con este tema, creo que improviso la mayoría de las veces dependiendo del sujeto y de la situación.

¿Se acuerda de cuál fue su primera cámara? Mi primera cámara fue una Exacta de Alemania oriental ¿La primera foto o fotógrafo que le impresionó? La primera foto que me impresionó fue una que tomó mi padre para mi primera comunión y le faltaba la parte de arriba de mi cabeza.

De la serie EL INFARTO DEL ALMA

RIZ

El primer fotógrafo que me impresionó fue Sergio Larraín, chileno. ¿La última foto o el último fotógrafo que le ha hecho sentir lo mismo? Todos los días vemos fotos y fotógrafos/ as magníficos, estamos en la era de la imagen por excelencia, así y todo hay imágenes que nos sorprenden como la de Maria Friberg ilustrando un ensayo de Chantal Pontbriand en el libro Mutaciones. (ParisPhoto 2011). ¿Con qué cámara suele disparar? Le da igual una que otra Uso cámara Nikon 35mm y Bronica 4,5x6mm pero lo que más uso es 35mm.

¿Horizontal o vertical? Es muy variable, es una decisión que a veces depende del referente más que de mi. ¿Qué prefiere disparar a tiempo y hacer lo que esperaba o no llegar a tiempo y sorprenderse? Disparar a tiempo es lo que me preocupa, en general los temas de mis ensayos fotográficos requieren algo de urgencia -o será rapidez?- para mi ya que a veces son situaciones difíciles de captar y por lo tanto de repetir. La sorpresa viene después de la toma, cuando reviso mi trabajo ¿Reencuadra las fotos? He tenido una actitud muy purista, mis fotos están en la toma, es en ese momento cuando encuadro o compongo, en contadas ocasiones reencuadro alguna foto. ¿Cómo se ha adaptado al mundo digital? Me costó muchísimo, y durante bastante tiempo mi producción fotográfica disminuyó notoriamente. Pero ya estoy adaptada a lo digital aunque mi relación


con ello es otra a la que tenía con lo análogo. De hecho incorporé el color a mi trabajo algo que antes me resultaba conflictivo. Me sentía perturbada con el color ya que le daba a la imagen una dosis de realidad que no me era posible de asumir. ¿Digital o químico? ¿Por qué? Prácticamente no uso película debido a la dificultad para adquirir estos materiales en Chile.

¿Retoca las imágenes? ¿Con que software? Uso photoshop. ¿Cómo ve el panorama a día de hoy? El panorama es tan infinito para la fotografía de hoy que me causa vértigo. Pienso que yo utilizo una parte mínima de las posibilidades que se ofrece hoy para este medio. Sin embargo este mínimo lo he

hecho mío y me refugio en él. Usted estudio educación en el Cambridge Institute of Education, Inglaterra en 1966, y educación en la Universidad Católica de Chile en 1972. Parece que el círculo se ha cerrado y después de que la vida diera muchas vueltas ha acabado por fin enseñando fotografía en la universidad. Después de todo, ¿está usted más cómoda delante de sus alumnos o detrás de la cámara?


Son algunos los alumnos con los que me siento cómoda, es ante aquellos que buscan la fotografía en sí, su espíritu o los que reconocen tener a la fotografía como herramienta de búsqueda, algo así como un detector de vida. No me siento cómoda cuando los alumnos solamente quieren aprender de técnicas. Podría decir que estoy mucho más cómoda detrás de la cámara. Me produce un gran placer hacer fotografías. En su biografía suele constar como fotógrafa autodidacta. ¿Tuvo alguien que le ayudara a entender los procesos básicos de la fotografía? ¿Leía libros, revistas de técnica o fue un proceso de prueba y error? Soy autodidacta y aprendí el revelado con amigos, con libros y sobretodo mirando libros sobre fotógrafos que me atraían. Pero el aprendizaje no se detiene y sigo aprendiendo tanto de los jóvenes como de los consagrados.

De la serie LA MANZANA DE ADÁN

Después de años trabajando como fotógrafa, de ser una de las fundadoras de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI), en el año 93 estudia en unos talleres de fotografía en el ICP de Nueva York. ¿Pensaba que su formación estaba incompleta?, ¿necesitaba nuevos estímulos? Siempre he sentido que me falta muchísimo por aprender, he tenido grandes complejos por no saber suficiente de técnicas fotográficas pero por otro lado he tenido mucho apuro por realizar ciertos temas que se me escapaban si no los realizaba en ese momento. Siempre se necesitan estímulos y hay que estar lista para aprender todo lo que se necesita. Al ICP fui a hacer un curso de copiado en el laboratorio, algo que requería una mirada muy delicada y ahí tuve la oportunidad de hacer este curso con R. Tice. Fue la primera vez que asistí a un curso, algo excelente.

Pero cuando yo comencé a hacer fotografía no existía la posibilidad de estudiar y simplemente no tuve esa oportunidad. Los estímulos los busca y los encuentra uno misma. Fue una de las fundadoras de la AFI en un momento en el que su país llevaba viviendo la pesadilla de la dictadura desde hacía ocho años. Viendo algunas de esas fotografías me parecen imágenes muy potentes y muy valientes. ¿Cómo lograban sortear la censura? ¿Quedaron imágenes inéditas por la autocensura? Las estrategias se aprenden casi por instinto, el sortear y esquivar situaciones peligrosas se aprendió en la calle. Pero la fotografía puede tener un lenguaje indirecto que puede eludir lecturas burdas como las de una dictadura. Así nos permitieron trabajar las metáforas. La censura fue dura con el fotoperiodismo y han quedado cientos de imágenes inéditas. Esto ha hecho que todavía estemos contando nuestra historia, 30 años después. En la historia de la fotografía han ido muy de la mano siempre la literatura y la fotografía (Joan Colom/Camilo José Cela con “Izas, rabizas y colipoteras”, James Agee/Walker Evans con “Elogiemos ahora a hombres famosos” Frank/ Kerouac con “Los americanos”, etc) ¿cómo y porqué surge su colaboración con Diamela Eltit en “El infarto del alma” o la de Claudia Donoso en “La manzana de Adán”? El libro La Manzana de Adán es un proyecto que yo comencé trabajando solitariamente por más de un año y tuve la necesidad de pedirle a Claudia Donoso que colaborara conmigo ya que yo no me sentí capaz de hacer las entrevistas y las fotos al mismo tiempo. Después continuamos trabajando en conjunto y eso nos ayudó mucho para sortear la represión y la censura durante la dictadura militar.


De la serie LOS NÓMADAS DEL MAR

“Siempre se necesitan estímulos y hay que estar lista para aprender todo lo que se necesita.

En el caso del Infarto del Alma con Diamela Eltit fue un proyecto que también partió con mi fotografía y desde ahí pensamos en conjunto en realizar un libro. Fue diferente al caso anterior ya que en este caso cada una aportó lo suyo, sin ilustrarnos la una a la otra sino que caminar por la misma vía, pero cada una en su línea.. Siempre nos mantuvimos en estrecha comunicación por fax, ella en México y yo en Chile. Sus trabajos despiden un olor a paciencia. Detrás de ellos se nota que hubo mucho tiempo, mucho cariño, un contacto personal casi familiar. ¿Elige usted los temas que van a acabar ocupando una parte importante de su vida o cree en cambio que los temas la eligen a usted?


De la serie EL INFARTO DEL ALMA

Mis trabajos me han tomado siempre muchísimo tiempo y el motivo por un lado es que puede que hayan requerido ese tiempo y por otro lado que me era muy difícil financiarlos. (Mi fotografía mades del Mar- N trabajos a veces requieren bastante investigaciun fot y por otro lado que me era muy dificil íaía nunca era aceptada hasta que en 1987 obtuve la beca JS Guggenheim, primera vez que daban esta beca a un fotógrafo en Chile. Con este apoyo tuve más libertad para mis proyectos.) Los temas de mis trabajos la mayoría de las veces requieren bastante investigación, lectura, búsqueda, sondeo –como el caso de Los Nómades del Mar por nombrar alguno- y desde luego paciencia. Pero existe un sentimiento de cercanía, una alianza donde el contacto personal es parte primordial. No podría hacerlo de otra manera. La dificultad que

tengo para terminar un proyecto, siempre ha sido problemático ya que son despedidas complicadas, con muchos sentimientos cruzados. La manera en la que sus modelos dejan su condición para convertirse en personas, la manera en la que sus gestos y sus miradas despiden complicidad me da la sensación de que tiene una manera particular de acercarse a ellos. ¿Cómo lo hace? En mi trabajo hay “un continuo”, podría llamarlo también variaciones sobre un mismo tema. Pequeños capítulos que apuntan casi siempre a lo mismo. Son espacios cerrados, “marginales”, de minorías. Uno aprende a transitar por mundos que son más cercanos de lo que se imaginaba, es como si siempre hubiese conocido el camino.


12 | ENTREVISTA |

Como mujer estoy subordinada a un espacio determinado que me resulta natural explorar: lo marginal. Una necesidad de desatar amarras. Con mis fotografías construyo también mi propia historia. Otra cosa que me encanta es como trata lo extraordinario como ordinario. Me imagino que simplemente es su manera de pensar, ¿es así o tiene otra explicación? La búsqueda del ser humano se puede realizar dentro de cualquier ámbito , pero reconozco que lo chileno tiene que ver con el desgarro y la precariedad, no debemos olvidarnos y reaccionar urgentemente ante la realidad que somos finis terra. Pienso que solamente estar consciente de donde estamos y lo que somos nos hace ser de una determinada manera. Ha experimentado con el video en su trabajo “El sacrificio”. ¿Fue porque la fotografía no era suficiente para mostrar lo que quería mostrar? En muchos momentos he sentido la necesidad del audio y la única manera que encontré fue hacer videos, así y todo en El Sacrificio no hay una sola palabra. En mi segundo video –junto a la poeta Malú Urrio-

la- “La Luz que me Ciega” el audio tiene gran importancia, así como también lo tiene la fotografía. Con los avances de las nuevas cámaras digitales hay gente que utiliza la imagen fija combinada con sonido directo para conseguir contar una historia más en profundidad (véase el excelente trabajo multimedia de Bombay Flying Club). ¿Se ve utilizando esta técnica en un futuro en vez del video? Me encantaría probar esta técnica, no la conozco pero veo que está hecha para mí. ¿Tiene algún proyecto pensado para el futuro? Tengo varios proyectos inconclusos e inéditos. Quisiera trabajar en ellos y sobretodo aplicar esta nueva técnica de que me acabo de enterar. Rescatar el tiempo y así tratar de armar mi historia, mi origen. Finalmente, la fotografía ha sido para mi como un cuaderno de apuntes, una bitácora de viaje. Trabajar sobre el otro es trabajar sobre uno misma, por eso siento que al apoderarme de esa imagen que me es como una espejo, voy construyendo mi autorretrato

De la serie LOS NÓ


ÓMADAS DEL MAR


De la serie EL INFARTO DEL ALMA


De la serie LA MANZANA DE ADÁN


| NOMBRE PROPIO | 17

Jerónimo

ÁLVAREZ

Gente Corriente

Madrid, 1973 Vive en Madrid. Se siente un apasionado de la fotografía. Cuando no hace sesiones de encargo (portadas musicales, editoriales de revista o campañas de publicidad) se refugia en sus proyectos personales viajando cámara en mano. Es un incondicional de la fotografía americana: los retratos de Richard Avedon, el universo oscuro de Diane Arbus o la mirada viajera de Sthepen Shore. Le gustan la música, el cine y la carretera casi tanto como su trabajo, por lo que procura introducirlas en sus sesiones siempre que puede. Piensa que todo aquel que coge una cámara debe mirar por ella como si de un transmisor análogo a sus tripas, corazón y cabeza se tratara.


| NOMBRE PROPIO | 19


Gente Corriente Somos lo que la gente crees que somos, lo que rozamos. Soy lo que es la gente que está a un metro cuadrado de mis pies, soy una figura dentro de un metro cúbico, que flota entre mi gente. Soy ellos; me destacan sobre el fondo gris. Soy mi padre, mi primo, al que a veces no conozco del todo. También estoy hecho de aquella amiga que tuve de ayudante y luego siguió siendo amiga; soy mi abuela que no era tri-go-lim-pio pero la tuve que querer, soy mi prima y el amigo que fue personaje antes de amigo y la vida se lo llevó por delante, y viceversa. Soy la saliva de ella y los goles compartidos; soy sus maletas en mi coche y la foto que te hice. Soy Nuria, hermana y colega, soy mi antiguo cuñado, lleno de carisma, diferente a mí pero fiel, y también una ex que no reaparecerá ya más. Soy otra ex y algo de anTón al que veo como él no es y se queja. Soy la familia oficial, la políticamente incorrecta también, aquella gente de Barcelona, aquellos días en Almería, la vida en Madrid, rebosadora. Soy las cuñadas a la vez cercanas a la vez lejanas, soy gente como mi hermano; como los pájaros en la cabeza de mi hermano Javi, soy mi madre, tu madre, su madre. Esto es lo que tengo y es lo que espero conservar


| NOMBRE PROPIO | 23

“Soy la familia oficial, la políticamente incorrecta también, aquella gente de Barcelona, aquellos días en Almería, la vida en Madrid, rebosadora. ”


| LATINOAMÉRICA | 25

Esclusa Brodsky Correspondencias Dos fotógrafos, Manel Esclusa (Barcelona, 1952) y Marcelo Brodsky (Buenos Aires, 1954) han desarrollado a lo largo de varios meses una peculiar correspondencia, basada en el intercambio de imágenes. Un diálogo trenzado con una gramática compartida, que prescinde voluntariamente de las palabras y se concentra en las propiedades de la fotografía para estimular la mente del espectador, del mismo modo que lo puede hacer la música. En cierto sentido, recuperan el concepto de “equivalencias” acuñado por Alfred Stieglitz en los años veinte para dar título a una de sus series, en donde el sujeto fotografiado desplaza su significado hacia un territorio semántico cuya naturaleza se asemeja a la poesía.


26 | LATINOAMÉRICA |

Brodsky fue discípulo de Esclusa, uno de los autores referenciales de la fotografía española, durante su exilio en Barcelona a comienzos de la década de los 80 y recupera, 15 años después, aquella relación proteica mediante un epistolario visual que rinde homenaje a la poderosa influencia creativa de su maestro. A pesar de haber desarrollado trayectorias fotográficas divergentes – Marcelo se ha concentrado en la memoria colectiva de los argentinos y las consecuencias de la dictadura militar- ambos exploran en este proyecto una comunicación no verbal que trasciende el mero intercambio de información documental. Para ello utilizan elementos de fuerte carga metafórica como el agua y el tiempo. El agua como símbolo de transmutabilidad, un recurso que nos permite reflexionar sobre la inaprensible realidad y el paso del tiempo a través del débil rastro que dejan las impredecibles contingencias vitales. Conceptos de difícil representación que encuentran en la fotografía un soporte adecuado a esa fragilidad icónica y a su potencial simbólico. En un momento en que la comunicación es sinónimo de inmediatez, Esclusa y Brodsky apuestan por ralentizarla, facilitando el poso de las ideas; una actitud casi melancólica, que rememora el lapso temporal que mediaba entre la toma de una imagen y su contemplación una vez completado el proceso de revelado. La fotografía y las nuevas tecnologías puestas al servicio de una tradición ancestral: el intercambio epistolar entre un maestro y su discípulo Alejandro Castellote


| LATINOAMÉRICA | 29


| LATINOAMÉRICA | 35


| LATINOAMÉRICA | 41


FOTOSÍNTESIS

CLOROFILA El mundo de la fotografía ha cambiado radicalmente desde hace una década y ha acabado con muchos negocios que giraban a su alrededor. Charlamos con José Luis Cano de Fotosíntesis para que nos cuente cómo ha vivido estos años y cómo ha cambiado su modelo de negocio.


| COMODÍN | 45

Yo creo que todos podemos observar que el mundo ha cambiado, y con él la fotografía. Desde finales del siglo XX la evolución tecnológica ha afectado a toda la sociedad y, por supuesto, a la fotografía. Este hecho nos ha llevado, con respecto a Fotosíntesis, a inventarnos y reinventarnos constantemente en base a los principios con los que comenzamos, calidad y servicio. Para ello siempre hemos buscado la colaboración con los mejores profesionales. Ahora que el mundo se escribe en códigos binarios hemos seguido con la misma idea, lo único que ha cambiado son los medios de producción. Seguimos formándonos, investigando, desarrollando y ofreciendo lo mejor de nosotros para facilitar el trabajo a los amantes de la fotografía. El negocio ahora ofrece opciones impensables hace unos años para el medio fotográfico. Para explicar esta situación he de comentar que una cosa es la imagen fotográfica y otra el uso que se hace de ella. Y es en este aspecto del uso de las imágenes dónde han cambiado sustancialmente las cosas. En el momento actual, las fotografías se pueden

aplicar de forma muy sencilla a la decoración, al interiorismo, la arquitectura, la moda, etc. El poder comunicativo del medio ha dado un salto, y ahora, gracias a los nuevos sistemas de impresión, estamos produciendo objetos fotográficos capaces de cambiar las sensaciones de cualquier espacio, generar obras de arte de una plasticidad exquisita, e incluso las fotografías pueden ser aplicadas en joyas o artículos de alta costura. Desde nuestro punto de vista, la fotografía como tal no ha cambiado; lo que sí ha cambiado es su aplicación y sus usos. Nuestro negocio sigue con los mismos principios con los que comenzó, calidad, servicio e investigación, y eso es lo que cuenta. Muchos fotógrafos os conocemos desde hace más de veinte años. Vuestro laboratorio era un lugar de encuentro de profesionales y un sitio donde siempre surgían ideas nuevas y relaciones tanto de trabajo como de amistad. ¿Crees que la fotografía ha sufrido con el aislamiento que sufrimos los fotógrafos de la era digital?


“Quisiera que quedara claro que entendemos que la fotografía, como medio de comunicación, es independiente de la tecnología que se utilice para crearla, lo importante es comprenderla y conocerla a fondo”.

Yo creo que todos podemos observar que el mundo ha cambiado, y con él la fotografía. Desde finales del siglo XX la evolución tecnológica ha afectado a toda la sociedad y, por supuesto, a la fotografía. Este hecho nos ha llevado, con respecto a Fotosíntesis, a inventarnos y reinventarnos constantemente en base a los principios con los que comenzamos, calidad y servicio. Para ello siempre hemos buscado la colaboración con los mejores profesionales. Ahora que el mundo se escribe en códigos binarios hemos seguido con la misma idea, lo único que ha cambiado son los medios de producción. Seguimos formándonos, investigando, desarrollando y ofreciendo lo mejor de nosotros para facilitar el trabajo a los amantes de la fotografía.


El negocio ahora ofrece opciones impensables hace unos años para el medio fotográfico. Para explicar esta situación he de comentar que una cosa es la imagen fotográfica y otra el uso que se hace de ella. Y es en este aspecto del uso de las imágenes dónde han cambiado sustancialmente las cosas. En el momento actual, las fotografías se pueden aplicar de forma muy sencilla a la decoración, al interiorismo, la arquitectura, la moda, etc. El poder comunicativo del medio ha dado un salto, y ahora, gracias a los nuevos sistemas de impresión, estamos produciendo objetos fotográficos capaces de cambiar las sensaciones de cualquier espacio, generar obras de arte de una plasticidad exquisita, e incluso las fotografías pueden ser aplicadas en joyas o artículos de alta costura. Desde nuestro punto de vista, la fotografía como tal no ha cambiado; lo que sí ha cambiado es su aplicación y sus usos. Nuestro negocio sigue con los mismos principios con los que comenzó, calidad, servicio e investigación, y eso es lo que cuenta. Muchos fotógrafos os conocemos desde hace más de veinte años. Vuestro laboratorio era un lugar de encuentro de profesionales y un sitio donde siempre surgían ideas nuevas y relaciones tanto de trabajo como de amistad. ¿Crees que la fotografía ha sufrido con el aislamiento que sufrimos los fotógrafos de la era digital? Tienes mucha razón en lo que comentas. Sí que notamos que se ha producido un cierto aislamiento, sobre todo en el espacio profesional entre fotógrafos y medios de comunicación. Parece que con el medio digital todos pueden ser grandes fotógrafos, pero en realidad lo que buscan los medios son personas que funcionen como “hombres orquesta” y que les resuelvan las noticias o los catálogos aunque la calidad sea mala y se aleje de lo que se considera un trabajo profesional. Esta es una situación que yo creo que necesita un poco de tiempo para arreglarse. Sin embargo,

he de decirte que ese espacio de encuentro entre profesionales sigue existiendo. Hoy, nosotros lo llamamos Clorofila Digital. Hemos creado un Showroom de innovación en impresión digital ideal para mostrar todas las novedades y para la reunión entre profesionales. Por otra parte, Clorofila Digital tiene un blog que intenta mantener una comunicación fluida con los amantes de la fotografía. En estos momentos la comunicación web y las redes sociales son foros en los que participamos activamente ya que resultan de gran utilidad para el intercambio de ideas y conocimiento. Los cambios que ha traído la era digital se presagiaban buenos pero claramente a la fotografía le ha hecho mucho daño. Vosotros os habéis ido adaptando a los tiempos. Cuéntanos un poco cómo ha sido el cambio progresivo que habéis sufrido. La adaptación consiste en ser flexibles, en evolucionar o morir en el intento. Y eso es lo que hacemos en Fotosíntesis, investigar y desarrollar nuevos productos y nuevas aplicaciones de las imágenes. En realidad para nosotros ha sido un cambio bastante natural. Si los medios de producción cambian, nosotros tenemos que estar a la vanguardia porque nuestros clientes nos lo van a exigir. Así que conforme la tecnología avanzaba, nosotros invertíamos en conocimiento y tecnología para dar salida a los ficheros digitales que nos traían nuestros clientes. Poco a poco la demanda de procesados químicos fue disminuyendo y, gracias a que tenemos un amplio bagaje en el conocimiento de las necesidades de la fotografía, hemos podido adaptarnos a las nuevas exigencias. Quisiera que quedara claro que entendemos que la fotografía, como medio de comunicación, es independiente de la tecnología que se utilice para crearla, lo importante es comprenderla y conocerla a fondo.


Crees realmente que alguna vez la calidad del digital se acercará al de la diapositiva o del negativo. Son tecnologías muy distintas y aportan ventajas y limitaciones diferentes. Fíjate, como calidad de imagen en cuanto a nitidez, un daguerrotipo no tiene competidores, es una placa de plata completa donde una amalgama de micropartículas de plata y mercurio forman la imagen. Sería lo que llamamos tono continuo por excelencia. Y ese sistema de producción de fotografías hace más de 150 años que quedó en desuso. Si queremos calidad de imagen, por qué no cogemos una placa de 20X24 cómo los fotógrafos de estudio de principios del siglo XX. No, eso no es lo que necesitamos. El medio fotográfico ha estado en constante evolución tecnológica desde su invención, y en cada momento los profesionales, ya fueran fotógrafos o laboratorios, debían y deben aportar lo mejor de sí mismos para conseguir los mejores resultados. En este sentido, te puedo asegurar que en Fotosíntesis somos capaces de obtener los mejores resul-

tados de cualquier imagen digital. Otra cosa es que a algunas personas les resulte más atractiva la impronta que ofrece una buena transparencia de medio formato, ahí respetamos los gustos de cada uno. Pero eso sí, en cuanto a calidad de imagen con los sistemas de impresión actuales y el conocimiento de nuestros técnicos no hay duda. Además somos el único laboratorio que garantiza la calidad de sus productos con su sello de calidad Art I+D+I. Desde tu experto punto de vista ¿crees que los nuevos papeles son comparables a los antiguos? Como ya he comentado, cada tecnología aporta sus particularidades a la fotografía. Actualmente tenemos papeles de altísima calidad que son utilizados con tecnologías de impresión que son capaces de producir imágenes que rozan la perfección. Insisto, siempre que los operarios sean, cuando menos, curiosos a la hora de producir las fotografías.


Pero es más, aunque tal vez los matices no sean iguales a los que se obtenían con la imagen analógica, ahora se puede imprimir con gran calidad sobre multitud de papeles diferentes, en multitud de soportes rígidos o flexibles, y en infinidad de soportes textiles, plásticos, metálicos, etc, etc. En nuestra labor de comunicación estamos haciendo grandes esfuerzos para que cualquier persona sepa, y pueda entender, cómo imprimir sus fotografías con la máxima calidad en todo tipo de soportes. Respondiendo a tu pregunta, los papeles analógicos son muy distintos a los papeles de impresión digital, eso no quiere decir ni que sean mejores ni peores, simplemente son diferentes. No crees que en fotografía a pasado como con la música, que nos han vendido la moto de que lo digital era lo mejor pero que estamos a años luz de conseguir la calidad que ya teníamos en un principio. Es posible que tengas razón. Si analizamos la evolución histórica de la tecnología fotográfica podemos pensar que cada vez se ha ido a buscar más la inmediatez y la máxima producción en contraposición a la calidad de imagen. Anterior a la era digital se estandarizó la utilización del negativo de 35mm, que sustituyó a las cámaras de medio formato, y estas a las cámaras de gran formato… Para entender esta evolución hay que tener en cuenta la capacidad de adaptación de la visión humana. Nuestros ojos son capaces de unir puntos separados para formar una línea visual, siempre teniendo en cuenta la distancia de visionado. Y eso es lo que ha aprovechado la industria, sacrificando esa excelencia de calidad de imagen en función de una operatividad más alta. Para responderte a esta pregunta tengo que plantear dos premisas indiscutibles.

Primero, el mundo actual es un mundo digital; el dinero es digital, la música es digital, la televisión es digital, la prensa es digital, la comunicación es digital… Segundo, la industria para vender sus productos siempre va a alabar las bondades y omitir las limitaciones. Personalmente soy un hombre analógico, ya me ha cogido mayor la ola digital, pero tengo claro que mi esfuerzo y el de mi empresa es el de trabajar para solventar las limitaciones de la tecnología, utilicemos una u otra, e investigar para obtener siempre la máxima calidad. La Kodak se hunde, Ilford cierra fábricas… ¿Estamos ante el fin de la fotografía fotoquímica? Muy posiblemente grandes áreas de la fotografía analógica dejarán de ser rentables y entonces irán quedándose en el olvido. De todas maneras, actualmente hay muchos fotógrafos que siguen haciendo daguerrotipos, colodión húmedo, cianotipias, albúminas, y muchas otras formas de fotografía analógica que hace mucho tiempo que quedaron obsoletas, pero que en ciertos ámbitos siguen siendo operativas. En cualquier caso, los que lo tienen más difícil son las grandes industrias, pero para los usuarios particulares, amantes de la fotografía analógica siempre habrá un espacio, aunque sea un poco más reducido. ¿Seguís teniendo clientes que os piden revelados E-6 ó C-41? Cada vez menos, por supuesto, pero todavía hay personas a las que, por una razón u otra, les interesa seguir trabajando con diapositivas o negativos, sobre todo de medio formato y gran formato. Supongo que será en busca de lo que ya hemos comentado antes con respecto a la calidad de imagen. Aunque luego se suelen escáner esas imágenes.


Nosotros ofrecemos el servicio de revelado, pero ya no es como antes, el volumen ha bajado mucho. Antes eran cientos de carretes a diario, ahora solo revelamos un par de días por semana.

la decoración. Sin olvidarme de la impresión textil que es muy demandada para generar imágenes de fáciles de utilizar para multitud de usos, como colchas, tapices, wallcovering, montaje de exposiciones, etc.

¿Qué productos son los que tienen más salida en vuestro laboratorio hoy en día?

Sin embargo si he de mencionar un producto estrella, estas son nuestras cajas de luz. Son imágenes translucidas y retroilumidas con leds. Las fabricamos en todos las formas y tamaños, redondas, triangulares, apaisadas, cuadradas. Imagínate la sensación de una diapositiva de dos metros por dos metros, por ejemplo. Los acabados de las cajas de luz son de muchos tipos, pero en cualquier caso la sensación que aporta este tipo de imágenes es de gran elegancia visual.

La impresión lightjet y revelado químico de papeles de color, lo que se viene a llamar c-print, sigue teniendo mucha salida. También las impresiones inkjet de tintas pigmentadas sobre papeles fineart. Como cada vez las imágenes son más grandes solemos montar estas fotografías sobre composite de aluminio y metacrilato, o en marcos específicos para uso con fotografías. Hay otros productos como la impresión directa sobre soportes rígidos que está teniendo muy buena acogida sobre todo por su fácil aplicación para el interiorismo y

Te adelanto que a partir del 15 de septiembre mostraremos las últimas novedades en el Showroom de Clorofila Digital dónde podréis ver de cerca todos los productos y, por supuesto, conversar sobre todos las cuestiones que surjan


| SANGRE FRESCA | 53

ALESSIA

PEDERZOLI


Alessia Pederzoli, Bologna (I), 1987, vive y trabaja en Madrid. Actualmente está cursando 5º curso de la Licenciatura de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid desde 2007, ha realizado un Máster en diseño Gráfico, video y Web con especialidad en dirección de arte, en CICE (Madrid) 2009/ 2010. Forma parte de un grupo de investigación “BBAA cuestión de genero” en la Faculta de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente es becaria en el Departamento de dibujo II de la UCM, en el ámbito de fotografía.


| SANGRE FRESCA | 57


58 | SANGRE FRESCA |

Alter Ego A veces nos cuesta realizarnos fotografías y mostrar nuestra parte más íntima y personal, en esta serie se pretende conseguir esa búsqueda incesante del yo, por medio de una serie de autorretratos de carácter surrealista. En estas fotografías se desarrolla un estudio del espacio personal, en esos lugares que están ahí pero que no les damos importancia y son ahora los protagonistas tomando una gran importancia escenográfica, en las imágenes se muestra cierta incertidumbre gracias a la descontextualización de la figura humana camuflada e integrada en la escena como si de un objeto más se tratase. Me gusta dotar a la escena un tono misterioso, jugar con los espacios interiores y exteriores, dotarlos de vacío para mostrar la soledad del ser humano. El paso de lo diurno a lo nocturno es lo que me permite dar ese punctum a la imagen, todo ello es lo que me permite buscar ese lugar inadecuado. Como diría R.Barthes sobre la fotografía; “es ese azar que en ella me despunta”, “Surge de la escena como una flecha que viene a clavarse”. El punctum “puede llenar toda la foto” (….) aunque “muy a menudo sólo es un detalle” que deviene algo proustiano: es algo íntimo y a menudo innombrable”


De la serie HIJOS


| EL MUNDO ALREDEDOR | 65

REVISTA

DULCEXNEGRA Desde que empezamos esta aventura llamada Ojos Rojos hemos incluido un banner con un enlace a una revista que nos parece imprescindible por su calidad tanto en su ilustración fotográfica y pictórica, como por su variedad de textos. Algunos me imagino que habréis curioseado y encontrado esta pequeña joya. Hablamos con el responsable de esta excelente publicación, el fotógrafo argentino Marcos Adandía Hola Marcos, ¿qué te impulso a empezar Dulce X Negra? El hecho de comenzar con la revista está relacionado a la necesidad de compartir con las personas una mirada sobre la vida. Con los matices que cada autor pudiera aportar. Así confié en ir descubriendo en cada número, una parte de un pensamiento. Confié en que en el transcurso del tiempo se iría construyendo una trama, cada revista una palabra, tal vez una frase, y al final, si hacemos bien las cosas, habrá quedado expresado un pensamiento. Habremos generado un espacio que tenga sentido, en donde recrear posiciones, puntos de vista, respecto de las cuestiones importantes de la vida. Al menos desde nuestro sentir.


Nos puedes contar de donde viene este nombre tan singular El nombre de la revista pertenece a un poema de la poeta y cantante Patti Smith. Jesús murió por los pecados de alguien pero no por los mí­os revuelta en una olla de ladrones un comodí­n en la manga espeso corazón de piedra mis pecados son mí­os, grabo en mi palma una dulce X negra Adán no me embrujó abrazo a Eva y asumo toda responsabilidad por cada bolsillo que he robado vil y hábil cada canción de Johnny Ace con la que me he divertido mucho antes de que la iglesia lo diera por bueno y limpio Así­pues, Cristo te digo adiós echándote esta noche yo mismo puedo encenderme la luz y la oscuridad también está bien te colgaron por mi hermano pero conmigo no te pases tu muerte fue por los pecados de alguien pero no por los mí­os Juramento - Patti Smith De la serie MADRES


De la serie DIANA


La revista lleva una propuesta que incluye ensayo, poesía, memoria e ilustración. ¿Nos puedes explicar lo de memoria? Creo que la memoria es parte de nuestra existencia y por lo tanto de nuestro entendimiento, es parte de la relación que establecemos con todas las cosas. En la mayoría de los casos inconsciente. Forma parte de lo que llamamos Integridad, está en todo lo que existe. En nosotros, en el aire, en el agua, en las plantas, en las piedras y así en todo lo que es naturaleza y vida. Si tenemos presente este valor, esta noción, es posible que logremos ponerlo de manifiesto con una dirección determinada en lo que hagamos. Y en este caso con una intencionalidad, tratándose de la revista, en lo que mostramos. Digo direccionada por que ponerse de manifiesto se pone siempre, pero muchas veces no se sabe ni por que se hacen las cosas. Pero si intentamos establecer una conexión en lo sutil entre los trabajos que mostramos y referir de alguna manera a la memoria de quienes somos y para que estamos, podremos aportar algo desde nuestro trabajo. La memoria puede remontarse a la relación con el agua, el aire, la tierra o el fuego. Parecen conceptos vagos, pero nuestros antepasados sabían como hacerlo y aún hoy nuestra gente de la tierra sabe como hacerlo. Recordar el poder de la vida en el espacio del amor y la verdad. Y en un concepto más formal y contemporáneo si se quiere, recordar sucesos de la vida pública o privada. La memoria puede determinar el comportamiento de alguien hoy, sujeto a hechos vividos por algún ancestro, aún sin ser conscientes de aquellos hechos del pasado. O signar las conductas de las sociedades a la luz de la historia. De historias pasadas que modelan el presente. Por ejemplo, querramos o no asumir la verdad de que hombres y mujeres de tiempos recientes han dejado la vida luchando por la justicia y la libertad o simplemente por ser distintos a lo que se pretende establecer desde el poder formal. Pues eso existió, y existirá siempre en la memoria de nuestra Madre Tierra. Y debemos hacer algo con ello. En América, como se le llama ahora, han muerto más de setenta millones de vidas a manos de la conquista. Setenta millones, te lo puedes imaginar?. Como podríamos pensar que semejante aberración quedaría allí y nada más. Eso hoy es memoria y lo será por siempre. Como lo es cualquier guerra. Y si no hacemos algo con los errores del pasado, quedarán allí pudriéndose en la sombra de la desmemoria y la ignorancia, repitiéndose y pudriendo nuestros comportamientos y acciones presentes y futuras. Durante las dictaduras de la década del 70 en América, han torturado y asesinado a mujeres,

niños, ancianos y todo lo que se presentara como riesgoso a los intereses de una minoría del poder. Y esto sucede todo el tiempo en todo el mundo. Pues tener presente esto, pienso que de algún modo es recordar el valor de la vida “la principal de todas las memorias”. Recordar “ re – cordar ” es retomar la cuerda que nos une al origen de la vida, eso es la memoria. Pues en el hecho de hacer la revista, intentamos tomar trabajos que posean la cualidad de portar el valor de la memoria como característica sutil, y digo sutil por que la mayoría de las veces no es explícito. Una vez que disponemos de ellos, humildemente intentamos realizar un tejido que dé dirección al propósito de honrar la vida. En este mismo número de Ojos Rojos le pregunto a Paz Errázuriz por la relación entre literatura y fotografía. ¿Por qué piensas que se atraen de esa manera? Aquí definitivamente incursionamos en una materia que le pertenece al misterio. Como en casi todo lo que refiere a la expresión. Claro que no cualquier literatura podría relacionarse con cualquier imagen y acercarse a alguna de las formas de la verdad. En lo personal gusto de la literatura que se representa en mí con imágenes y de las imágenes que me remiten a alguna de las formas de la poesía. En mi experiencia el sentido de un texto o de una imagen lo determina la emoción, no es un ejercicio intelectual, aunque en una segunda lectura o mirada podría presentarse el espacio del intelecto o las ideas. Siento que en la experiencia de leer o de mirar se nos puede presentar ese momento, ese línea indescriptible que transponerla significa comenzar a imaginar, comenzar a ser libres, el lugar de las infinitas posibilidades, donde se amplían los horizontes de nuestros sentimientos, allí habita la emoción, no se pueden distinguir los por que ? y los para que ?. Si fuéramos más allá, podría decir que aquel espacio de la emoción está determinado por la presencia de energía espiritual. Y aquí entramos en territorios que le pertenecen al misterio, como el amor mismo o la felicidad. Tal vez la literatura y la fotografía se atraigan por amor. Por que se necesitan. Por que se complementan, por que lo que le sobra a una le falta a la otra. Como entre las personas. Imagino que en algún caso se tenderán puentes para poder llegar a una fiesta y en otros para poder salvarnos del hambre. En todos los casos es necesidad.


De la serie HIJOS


Lo primero que nos sorprende al tener la revista en las manos es la calidad tan elevada que tiene tanto en fotografía como en ensayo,ilustración, etc. Ya en el primer número aparecen nombres como John Berger, Fontcuberta o Boccanera. En los siguientes por mencionar solo a algunos, encontramos a Eduardo Galeano, Hervé Guibert, Daido Moriyama,Plossu, Baylón, Tarkovsky, Allesandra Sanguinetti,Adriana Lestido, Minor White, Max Pam, Alix… ¿Cómo consigues embarcar a todos estos maestros en Dulce X Negra? Habría que preguntarle a ellos. Imagino que cada quien aceptará participar por distintas razones. Pero de todos modos, en todos los casos nos presentamos con la verdad respecto de nuestros pensares y sentires en relación a nuestro tiempo y a nuestra gente. Con lo que hay en nuestro corazón. E imagino que en algún punto, en la mayoría de los casos existirá una empatía con dichos intereses. Es posible que todo nuestro trabajo esté atravesado por una línea ideológica que se derrama sobre aquel tejido del que hablábamos antes. Que se manifiesta sobre todo de manera sutil, emocional y en la mayoría de los casos, no discursiva. Este podría ser un punto de unidad en lo que hacemos y que quizá muchos de estos maestros compartan. O simplemente reconocer que en ocasiones nos encontramos con maestros que además son bellas personas, generosas, que no dudan a la hora de tender la mano y abrir las puertas de su casa, de su corazón y de su familia a un hermano, como el caso de Bernard Plossu a quien admiro y respeto y de quien hemos recibido mucha ayuda y generosidad. Confiamos en el corazón de las personas. También nos gusta mucho la mezcla de grandes maestros con jóvenes promesas y la absoluta internacionalidad de los colaboradores. ¿Cómo elijes a los participantes de la revista? ¿Recibes propuestas de fotógrafos o estás abierta a ellas? Ambas cosas, pero fundamentalmente estamos abiertos a lo que suceda en cada caso. Tratamos de trabajar con la mayor libertad posible. Claro que somos quienes somos y sentimos como sentimos y de eso no podemos escapar. Intentamos al menos ser profundamente respetuosos tanto con los jóvenes como con los maestros.

En la revista aparecen textos e imágenes de autores ya fallecidos (Guibert, White, Curtis). La gestión de estos trabajos debe ser más complicada. ¿Cómo accedes a los permisos o derechos? Son gestiones muy distintas entre sí, a veces muy laboriosas, de una búsqueda intensa por el deseo de publicar a tal autor, llegar a su familia, a quienes tienen los derechos de publicación etc. y otras veces se nos presentan delante de los ojos, casi como un presente del destino.


Cómo editor de una revista que se publica en Argentina ¿Crees que hay, en estos momentos, un boom en la fotografía latinoamericana o crees en cambio que simplemente en Europa y en España nos estamos volviendo a fijar en algo que existe desde siempre?

hay mucha gente haciendo fotografía, ligado esto al cambio en la tecnología y la facilidad en el abordaje técnico, digo que sí y que tal vez este proceso se esté dando en todo el mundo. Luego habría que ver que de todo esto está inmerso en la cultura del consumo, el esteticismo y la superficialidad y que no.

He visto que en cada tiempo, nunca han sido muchos los autores que han hablado en profundidad Depende a lo que llamemos boom, imagino que para de las cosas, o han mirado, tratándose de la fotocada quien este término tendrá un distinto senti- grafía. Sólo que a mi entender , esta idea puede ser do. A mi no me gusta. Pero si el significado es que trasladada a cualquier forma de expresión. No sé si podría asumir posiciones de esa naturaleza.

De la serie TRÍPTICO


Es verdad que en ocasiones los tiempos en las sociedades, determinados por ciertos razgos culturales o económicos inciden en la expresión de las personas, en tal o cual región. Habría que ver hoy que el mundo está absolutamente interrelacionado, condicionando y entrelazando las acciones de aquí y de allá que ocurre. El gran mercado de las artes tiene sede en el primer mundo, ( como se le llama ), allí están los dineros y por lo tanto muchas de las tendencias allí nacen. Todo es fácil de ver y conocer inmediatamente. Y puesto que en el capitalismo, el sistema en el cual nos toca vivir, tiene por reglas excluyentes la ley de la oferta y la demanda. Así van las cosas. Esta realidad puede trasladarse a la producción de cualquier arte o disciplina masivamente, pero no puede condicionar el hecho de que siempre nazcan autores y obras genuinas y verdaderas, que emocionan y dan sentido. Ya que por suerte la verdadera libertad no tiene precio. Tal vez se trate de un instinto de supervivencia. Ahora bien, por otro lado no dejo de ver que Latinoamérica está atravesando un momento especial, en donde es posible sentir Esperanza, y razones para augurar buenos tiempos. Y por otro lado los países desarrollados atraviesan una de sus peores crisis, en donde desde luego también se pone en juego la Esperanza, pero en sentido contrario. En ambos casos habría que ver que pasa. Pero alguna vez se lo he leído a Berger y así lo siento, en cuanto a que definitivamente la Esperanza recuerda en nosotros la cercanía de la vida, del nacimiento y de la creación. Alumbra. Boom, no veo. La revista es semestral y se publica desde 2005. ¿Cómo compatibilizas tu trabajo como fotógrafo (también presente en la revista) con el de editor? Nunca he dejado de hacer fotos. Pero definitivamente mi trabajo fotográfico personal ha quedado relegado al hecho de hacer la revista. La forma de compatibilizar es que hay en el laboratorio carpetas de negativos y contactos de los últimos diez años esperándome.

De la serie MADRES


De todos modos siempre voy tratando de hallar los momentos de encontrarme conmigo, en el silencio y en la intimidad de mis posibilidades. A ahí delante veo caminos que ya caminaré, espejos que ya miraré y un territorio lleno de incertidumbres. Me consuelo pensando que el tiempo es necesario y que bien utilizado significa crecimiento y que todo va a estar bien. Hay un momento para cada propósito en la vida. Y como decía Don Manuel Alvarez Bravo, “Hay tiempo”. ¿Hay alguna manera de que nuestros lectores puedan comprar la revista en papel?. En la web solo podemos encontrar una versión reducida de la revista y creemos que vale la pena tener el contenido completo. No trabajamos con suscripción. Pero si algún lector nos escribe pidiendo revistas, arreglamos como hacer las cosas y le enviamos las revistas contra un depósito bancario. Y luego cuando entren en www.dulcexnegra. com.ar hay un item que dice puntos de ventas en el menú que te lleva a todos los sitios en donde se vende la revista. En Madrid entiendo que hay algunos números a la venta en la librería de “ La Fábrica, Verónica 13, y en la librería Panta Rhei Hernán Cortés 7. ¿Nos puedes adelantar algo del contenido del próximo número? Aún está en manos del misterio

Las imágenes que ilustran este reportaje pertenecen a varias series realizadas por Marcos Adandía. Las fotos de la serie MADRES, pertenecen a un ensayo más extenso sobre las madres de los desaparecidos por razones políticas en Argentina. Las fotos de la serie HIJOS, forman parte de un ensayo sobre los hijos de los desaparecidos por razones políticas en Argentina. Las fotos de la serie DIANA, relatan la vida de un travesti que falleció de sida durante el tiempo en que se realizó este reportaje. Este último ensayo podréis verlo ampliado en la revista número 7 de Dulce X Negra. Los TRÍPTICOS pertenecen a un ensayo sobre el día de muertos en México, están realizadas en su mayoría en el desierto del norte de México.

De la serie MADRES


| LA PIEZA | 79

DORA MAAR En la historia de la fotografía las grandes desconocidas han sido ellas: las fotógrafas. Desde los inicios tuvieron un papel esencial en el desarrollo del arte fotográfico, no podemos olvidar nombres como Anna Atkins, Constance Mundy (esposa de Talbot), Geneviéve Elizabeth Francart (casada con Disderi), Margaret Bourke-White, Louise Dahl-Wolfe, Gerda Taro y un largo etcétera. Sin embargo siempre quedaron en un discreto plano en una disciplina que quizás en sus orígenes era considerada eminentemente masculina y no se les otorgó en su tiempo el reconocimiento merecido. La autora de la pieza que ocupa este artículo es la artista Théodora Markovic, más conocida como Dora Maar (Tours, 1907-París, 1997) que ha conseguido la atención de los grandes coleccionistas con su obra “Retrato de perfil con cristales y sombrero” subastada en Londres en Bloomsbury Auctions el pasado mes de mayo, con un precio de salida 5.000 libras se convirtió en la protagonista del evento alcanzando la inesperada cantidad de 68.000 libras. La fotografía, gelatina de plata formato 28,6×21,8cm data de 1920, años del inicio del surrealismo en los que experimenta con procesos y técnicas, trabajando sobre el negativo y superponiendo fotogramas buscando en objetos cotidianos sus formas ocultas. No es la primera vez que una de sus obras obtiene una cifra tan elevada ya que en el 2006 en Sotheby´s Nueva York se vendió en 180.000 dólares “Pere Ubu” (1936) tiraje al gelatino bromuro de plata inspirado en un personaje de Albert Jarry alusivo a la figura de un despiadado dictador que terminaría convirtiéndose en icono del movimiento surrealista. La autora, la enigmática Dora Maar hija de padre yugoslavo y madre francesa, vivió de los 3 a los 19 años en Argentina. En 1926 regresó a Paris donde estudio en la Academie Lothe allí conoció a Cartier-Bresson que le aconsejo cambiar su nombre por otro más corto y sonoro; continuó sus estudios de fotografía en la École de Photographie de la Ville de París. En sus primeros trabajos fotográficos produjo una extensa obra que incluía montajes, desnudos, paisajes y fotografías de escenas callejeras. Compartió cuarto oscuro con Brassai el cual la convenció de escoger la fotografía como carrera antes que la pintura. Su fuerte vinculación con el surrealismo con figuras como André Breton y Man Ray la convertirían en parte activista. En el año 1934 viaja a Barcelona donde realiza un interesante trabajo fotográfico de la vida de la ciudad años antes del inicio de la Guerra. Dora Maar fue fotógrafa, pintora y poeta, pero más famosa por ser musa y amante de Picasso. Lo conoció en París en 1936 e iniciaron una relación amorosa que duraría diez años. Periodo muy fructífero artísticamente para ambos, documentó fotográficamente la serie del pintor trabajando en su obra Guernica. La ruptura sentimental con Picasso dicen que la precipito a la locura, el aislamiento y misticismo “después de Picasso solo Dios”, momento en que se retira de la fotografía y se centra en la pintura. Sin duda Dora fue una mujer y artista fuera de lo común que la hemos llegado a conocer através de los retratos de Man Ray y de Picasso (una treintena de oleos) cuya vida, propia de un argumento de novela la llevo a acabar inmersa en el mundo onírico y fantasmal de sus propias fotografías. Murió con 90 años dejando un legado artístico bajo la sombra de un genio Bárbara Mur



Revista OjosRojos 3