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Sexta edici贸n

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Editorial Director Ejecutivo: Gabriel Sánchez. Editora: Susana González. Directora Gráfica: Silvia Monagas. Corrección: Mario Morenza Publicidad y Mercadeo: Soleinny Rodríguez Jefe de Redacción: Nayelí Rojas. Coordinación arte diferente. Valentina Prieto. Redactores: Gabriel Sánchez. Mario Morenza Noelia Depaoli Jesús Pinto. Samuel Nexans. María Ramos Susana González. Valentina Prieto. Nayelí Rojas. Rosmely Mireles. Stéphani Serrano. Kotty Ashanty. Fotografía: Enzo Sebastiani. Silvia Monagas. Alex López. Diseño Gráfico. Silvia Monagas Audiovisuales: CajaNegraFilms. Sclamotion Jesús Pinto. Ilustración: Hernan Ruíz Silvia Monagas

Llengando a la sexta edición recordamos que este es el principio de la labor que comenzó Muheve hace un año. En nuestro primer aniversario tenemos como principal fin insistir en el verdadero significado de nuestra revista y labor: somos y existimos para crear un espacio donde puedan encontrarse todos los talentos musicales del país. Porque la música es capaz de desempeñarse como el papel individual y modelador en la sociedad y la persona, es lo que llena ese abismo que separa al pensamiento de lo que existe al permitirnos idenficarnos y, a la vez diferenciarnos de todos. Porque aquí no existe esa idea de que la música académica solo es capaz de desarrollarse en los estratos altos, y que sin importar que ejecutes a Bethoven también bailarás salsa, merengue o brincarás con el rock o el ska, sin olvidar, que cantarás melodías románticas o de impacto social en géneros como reggae o hip hop. Somos Venezuela; somos arte y la música es el hilo que nos une. No somos puristas, no somos el típico personaje sentado en un sillón mullido mientras escuchamos como nuestro iPod o Mp3 selecciona de forma aleatoria lo que suena. Somos de los que brincan en un toque, de los que dicen “shh…” en un concierto a quien saca un celular, es decir; de la generación que se toma la música en serio por lo que es: una experiencia, un arte, además de aceptar su carácter moldeable, progresista que poco a poco se convierte en algo nuevo sin olvidar sus raíces y sistemas. Entendemos que además aquí en el país ningún género puede desvincularse totalmente del otro, porque no experimentamos una “polifonía” sino una “hetereofonía” que varia y se ve afectada por el dinero, los medios polarizados y parcializados, el amiguismo y la falta de respeto por su mismo producto. El apoyo no viene por la etiqueta venezolana sino porque lo que ocurre merece ser representado, porque somos nuestra música y ella no conoce límites, sin contar que es buena, por supuesto. Muheve #6 trae a Los sordos en la portada, ellos al igual que las anteriores, Tunacka, Cindy López, Stereovenus, Mingo y Guasacaca Zon, son exponentes en sus géneros con un largo camino que recorrer y prueba de que el talento venezolano no contiene límites de ningún tipo. Si le damos la oportunidad a nuestros oídos de escuchar, a nuestros cuerpos de saltar y a nuestra mente de conocer la movida musical nacional, los talentos dejarán de ser menospreciados y, particularmente, disfrutaremos más de nuestra mezcla cultural. ¡Ah! Y no debemos olvidar que Venezuela no es Caracas, es Maracaibo, Valencia, Coro, Pto Fijo, Los Teques, Cabimas… y tantas otras ciudades como gente y géneros musicales tenemos.


Índice Curiosidades musicales Reseña internacional: REM Artista nuevo internacional: Jimmy Trigger Reseña nacional: Mr Swing and the Bongo Clan Gonzalo Micó Los polaroid Los sordos Audiofoníaca Rap: Canserbero Blush Magenta Fabby Olano Sincrónica Música y Vídeo Cuento Crónica

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10 12 16 20 26 28 32 34 38 42 46 56


Curiosidades musicales

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Las personas siempre han querido dejar plasmadas sus huellas para la posteridad. En la música, la grabación acústica como almacenamiento de información sonora se remonta a casi finales del siglo XIX y no fue hasta que Thomas Alva Edison en 1876, aproximadamente, creó un aparato llamado fonógrafo, que transforma la presión sonora (acústica) en electromecánica, que se logró este objetivo posteriormente, en 1935 se inventa el magnetógrafo, que permitía grabar sobre cintas magnéticas y luego con el magnetógrafo multipista, creado con múltiples colaboradores entre ellos el guitarrista Les Paul, se le dio paso al disco “Sgt Pepper`s Lonly Hearts Club Band” de “The Beatles” que fue el primer disco grabado en cuatro pistas por separado en el 67. Por Samuel Nexans

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REM – Lo importante está en los detalles

Por Jesús A. Pinto

Provenientes de Athens, Georgia; REM inició siendo un cuarteto y terminó siendo un trío, su nombre fue elegido por Michael Stipe, su icónico cantante, aleatoriamente en un diccionario y sencillamente son las siglas para Rapid Eye Movement. REM no cuenta una historia de talento ilimitado, luchas incesantes por lograr reconocimiento o míticos legados. Comenzaron como casi cualquier banda; es decir, un grupo de entusiastas decididos a pasar un buen tiempo haciendo música que eventualmente tomó una dimensión mayor. Lo verdaderamente interesante de este cuarteto son precisamente los detalles durante sus años de existencia.

En 1980 Michael Stipe frecuentaba la discotienda, donde Peter Buck (guitarrista) trabajaba, y descubrieron un interés común por bandas como “Television” y “The Velvet Underground”. La banda se crea por iniciativa de ambos y se completa la alineación con los compañeros universitarios Mike Mills y Bill Berry. La inmediata fama local que generaron en aquellos años fue debido a las radios universitarias. Pronto fundarían la movida de bandas alternativas haciendo giras en una van, con un presupuesto de 2 dólares diarios. En 1981 lanzaron de manera independiente su primer sencillo “Radio Free Europe”, que no sólo generó críticas positivas, sino que agotó todas las existencias. Desde ese momento hasta 1987 REM se convirtió en una banda de culto. Esta era vio nacer sus álbumes “Murmur” (1983), “Reckoning” (1984), “Fables Of The Reconstruction” (1985) y “Lifes Rich Pageant” (1986); todos grabados con un contrato de IRS Records una vez que rechazaron a la titánica RCA Records. La característica fundamental de esta época es que la banda se negó a utilizar los populares sintetizadores de moda para poder darle un matiz atemporal a su música. Sin embargo, a pesar de las críticas positivas a nivel general y la aceptación de los medios especializados, las ventas de sus álbumes nunca superaban las


expectativas deseadas. La tensión de este ambiente hizo particularmente difícil la grabación de “Fables of the reconstruction” al punto de llevar a la banda a una abrupta separación. 1987 trae una serie de cambios situacionales y emocionales en la banda. Con el lanzamiento de “Document”, la banda no sólo alcanza una autoconfianza mayor, (especialmente Stipe) sino que se involucra líricamente en la situación sociopolítica de su nación. Además de esto, el álbum es desafiante e impulsa a la banda a la popularidad masiva, se cotizó en las carteleras y llegó a ser catalogada como la mejor banda de Rock & Roll de los Estados Unidos. Tras esto, migraron a Warner Bros quienes enmendaron los errores de IRS y les otorgaron el apoyo publicitario y distributivo necesario para proyectarse internacionalmente, especialmente en Europa, donde la banda no había tenido éxito comercial. Las bases estaban sentadas para iniciar el periodo más exitoso de la banda que vio nacer a 3 álbumes que incluían instrumentaciones ajenas al rock, como el uso de mandolinas: “Green” (1988) que fue promovido con una gira sin precedentes; “Out Of Time” (1991) ganador de 3 Grammys, contiene los sencillos más difundidos de la banda (“Losing my religion” y “Shiny happy people”). Finalmente el sombrío “Automatic For The People” (1992), es posiblemente su trabajo más notorio sólo por el tema “Everybody Hurts”. A pesar del éxito masivo, “Out of time” y “Automatic for the people” no fueron promovidos con giras debido al delicado estado de Salud de Stipe que incluso hizo pensar -falsamente- que padecía de VIH. La banda ya había alcanzado la consagración y con esto, comenzó a perder lentamente su inercia y su popularidad de modo que eventualmente volvió a sus orígenes como banda de culto. En 1994 lanzarían el álbum retrospectivo “Monster”, que fue acompañado de una gira mucho mayor que la de “Green”, ésta fue tan intensa que Stipe, Berry y Mills tuvieron que ser hospitalizados por diferentes condiciones durante esos años.

En 1996 REM fue parte del contrato discográfico más exorbitante hasta la fecha. En esa ocasión Warner Brothers desenfundó 80 millones de dólares para la grabación de “New adventures in HiFi”, álbum relativamente poco trascendental. El escenario para las bandas alternativas en estos años estaba en declive, pero aún así REM estaba en una posición afortunada, especialmente en Europa. Tomando en cuenta esto, en 1997 el baterista Bill Berry decidió retirarse de la banda y dio su bendición al resto de los miembros para que continuaran sin él. A partir de ese momento la banda fue oficialmente un trio asistido de muchos músicos contratados para giras y grabaciones. Bajo esta atmósfera confusa nace “Up” (1998), otro álbum con poca fuerza en las carteleras del cuyo sencillo más notorio fue “Daysleeper”. La actividad de la banda comenzó a hacerse más pasiva, en el año 1999 compusieron la banda sonora para la película biográfica de Andy Kaufman llamada “Man in the moon” basada en una canción del álbum “Automatic for the people”. “Reveal” fue el sucesor de “Up” en 2001, sin embargo compartió su lúgubre destino. De él se desprendió el tema “Imitation of life” que se hizo llamativa gracias a peculiar video que incluía técnicas de looping, paneos de escenas y reproducciones invertidas. A continuación siguieron 3 álbumes: Around The Sun (2003), Accelerate (2008) y Collapse Into Now (2011). Éstos tuvieron una mejor suerte, alcanzando buenos posicionamientos en las carteleras sin ser necesariamente éxitos masivos. Esta etapa terminal de REM incluye reuniones del cuarteto original, lanzamientos de diversos álbumes recopilatorios y la merecida inclusión en el Rock And Roll Hall Of Fame en 2007. Tras cumplir 31 años, en septiembre de 2011, la banda comunicó oficialmente que, a pesar de ser una decisión difícil, la banda llegaría su fin. Sin rencillas ni conflictos, la decisión está basada en culminar su historia con dignidad, antes de permitir que el olvido la erosionara. De este modo, la banda que muchos citan como influencia y que bautizó la escena alternativa cede el puesto para las futuras generaciones, los nuevos circuitos y las nuevas movidas.


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Jimmy Trigger, poesía y rock. Por Susana González. Desde Irlanda, Jimmy Trigger, cantante nos cuenta de sus proyectos actuales y pasados. Las características que hacen que su historia y música se encuentren llenas de variedad y madurez vienen de cierta experiencia adquirida con varios músicos y muchos viajes por todo el mundo, calificándose a sí mismo como un viajero. Comprendiendo la música como su principal creencia y abrazando la esperanza como su lucha constante por la felicidad tiene su página en Facebook “P.M.M.A” (positive mental motherf**ker attitude), es decir; actitud mental positiva “motherf**ker”. Actualmente está en Censura! de Europe y Switchpin en Denver.

RM: ¿Es la poesía una parte importante de tu vida? ¿Nos recomiendas a algún poeta? JT: La poesía se convirtió en una parte enorme de mi vida cotidiana. Siempre escribo música para la gente, pero la poesía se convirtió en algo sólo para mí, podría mucho más y poner a prueba mi imaginación. Tengo un montón de poemas en línea pero no es algo que la gente asocie conmigo, ¡Ja! No me veo como el tipo poeta, supongo... “Nunca juzgues un libro...”En cuanto a poeta, no tengo un favorito. Disfruto de una buena cita de alguien, pero no recuerdo los nombres porque mi memoria es terrible, lo cual es raro teniendo en cuenta que soy un cantante... Tantas letras, ¡Maldita sea!, ¡Ja ja!

RM: Teniendo tu cuerpo lleno de arte, nos puedes decir ¿Cuál el significado de tus tatuajes?

RM: Cuéntanos sobre tus proyectos: “Itchy trigger finger” and “Pain and Progress”. JT: ITF fue mi primer intento de una banda seria, empezamos como una banda de rock, que pasó a ser, metal, prog y luego, entonces, Dios sabe qué. Fue divertido mientras duró sus 6 años, pero nunca volveré a formar una banda con mis amigos, es difícil separar eso de los egos, a veces. No por no decir que no soy amigo de los músicos con los quienes toco ahora, pero siempre prevalecen mis intenciones de ser profesional en primer lugar, los amigos más tarde. “Pain and Progress” fue uno de mis mejores momentos, pude escribir con alguien a quien yo admiraba mucho, Mark Hunt, de una banda llamada Medication, Mark, la cual formó junto a Rob Trujillo (Metallica), Roy Mayorga (Stone Sour) Logan Mader (Machine Head) y Whit Crane (Ugly Kid Joe). Así que cuando me llegó la oportunidad para mí de escribir con él, la aproveché. Una experiencia increíble, una persona maravillosa, y ahora; un amigo

RM: ¿Dónde te imaginas en 5 años?

R: Siendo feliz... Yo no querría otra cosa

JT: Al igual que la música, hace muchos años me encontré con un escape o una forma de descargar energía al hacerme tatuajes. Para hacer la historia corta, es un documento de mi vida ahora, bueno, malo o indiferente, creo que es bueno recordar, ya que hace lo que tú eres, y si esos recuerdos están en tu cara todos los días, eso se olvida. Tengo un profundo significado para todos... excepto para uno en mi pierna, un Batman, que es simplemente ¡Genial!

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El ska en Venezuela y Latinoamérica se ha caracterizado por su fusión de sonidos latinos, el tradicional two tone y otros géneros como el jazz y el soul. Agrupaciones como Desorden Público, King Changó, Bigmandrake (antes Sin sospechas), Palmeras Kanibales, Skabiosis, entre otras, se han encargado de dejar claro que en Venezuela sí hay espíritu de rude boys y de rude girls, que en la calle está nuestro talento nacional, moviendo el esqueleto al sonido del mejor ska, en un ambiente de amor y respeto. Se dice que la zona más ruda de Venezuela es la popular parroquia caraqueña de Caricuao (o Skaricuao como suelen llamarle), pero el ska

jazz nace en la ciudad musical de Venezuela, Barquisimeto en el estado Lara, en las manos de los Mr. Swing & The Bongo Clan, pioneros nacionales de dicho género.

Mr. Swing & The Bongo Clan es una agrupación formada en 1998 en Barquisimeto, tomando como base musical el ska-jazz, estilo que va desde las bases de la música jamaiquina como lo es el reggae, el ska, el mento y el rocksteady, entrelazándose al mismo tiempo con la sonoridad y libertad del Jazz. La banda va desde las raíces del ska tradicional y clásico, profundizándose sobre las bases del jazz en una onda más Instrumental. Mr. Swing & The Bongo Clan es considerada como una de las mejores bandas y más representativa del ska jazz en Latinoamérica, obteniendo una gran aceptación por parte del público nacional e internacional.

Formación: Aprendiendo a crecer y caminos de piedras

de Barquisimeto a todo el mundo. Por Kotty Ashanty

En el año 2004, dos de los integrantes fundadores de la banda, César Salas (Trombón) y Andrés Mendoza (Saxo), salen a hacer vida fuera del país (España y USA respectivamente), por lo que se incorporan Obeed Rodríguez, trombonista profesional de gran trayectoria, y Donny Vargas, quien se hace cargo del saxo alto. En el 2006 llega un nuevo integrante a la formación de estos talentosos músicos. Se trata de una chica tocando la trompeta como los ángeles de swing o los duros del swing de los Ángeles, una mujer que le terminó de dar la presencia que necesitaban los ya virtuosos

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del ska. Su nombre es Norbelys Lameda, mejor conocida como “La Beba”, quien deja en claro lo fundamental de la mujer en dicho género a escala mundial. Otras personas también han hecho vida en esta agrupacion, como la bella y talentosa Ana Carina Peraza, que por los inicios de la agrupación los acompañó con su voz. De esta amistad salió el tema “Summertime” en el disco “Ska-jazz Venezolano” del año 2009. En la actualidad Mr. Swing & the Bongo Clan está formada por Miguel Tortoza (trompeta y fiscorno), Jhonny Castro (piano y teclado), Kevin Castro (batería), Carlos García (bajo), Theny Valero (guitarra y voz), Donny Vargas (saxo alto), Cesar Salas (trombón), Norbeliz Lameda (trompeta) e Ivan Cordero (saxo tenor).

Discografía a lo swing! Esos señores del Ska tienen en carrera dos discos, ambos bien cargados de una energía única. Son como esos sonidos que te levantan en la mañana con una bella sonrisa y ganas de darle duro a la vida, te dan unas ganas terribles de bailar, saltar, disfrutar y gozar como un ser libre. El primer disco o EP data del año 2001, con solo siete pero muy robustos y movidos temas titulados “In One Session”. El nombre nace ya que sus primeros 4 temas fueron grabados en una sola sesión en el estudio Sonograba de Barquisimeto. Los otros tres temas se grabaron durante un concierto en el inolvidable local caraqueño Toma Uno Pub, ubicado en Las Mercedes. Destaca en ese disco el tema “Andrés suelto en Hollywood”, un swing bien sabrosón y trabajado, con matices de un excelente jazz y, aun mejor, ska. El primer disco oficial y segunda producción que llevan a cuesta se llama “Ska-jazz venezolano”, haciendo referencia a su nacionalidad, la identidad de dicho sonido y la magia que encierran en sus composiciones. Data del año 2009 y como tema promocional presentaron el tema “El Bar”, un ska swing que no se deja llevar tan fácil si no se está preparado para un sonido tan imponente, pero si no estás preparado igual lo vas a gozar con mucha sorpresa.

Skunk Diskak vol.2 International Reggaemartxaska (España), Ska Box 2 (Colombia), Venezuela Ska 2, banana fanzine 5 (República Checa), Resto Pollo Rico 3” (Francia), VenezuelaDemo 29, en otros compilados internacionales y nacionales.

¿Y al ruedo Rude qué? Mr. Swing & the Bongo Clan ha compartido escena con la mayoría de las bandas más importantes de la movida musical venezolana. Entre los conciertos más resaltantes en los que han participado sobresalen: tributos a Bob Marley; Social Latín, I Festival Movilnet, X Festival Internacional de la Oralidad, I Festival latinoamericano de Música Urbana, 1er Ska Party 2004 Tributo a Skatalites, Ferias de Barquisimeto: SKANKIN en la concha acústica donde alternaron con los padres del ska The Skatalites. Además, en su trayectoria, han logrado tocar en una buena cantidad de lugares de varias ciudades del país, como en el teatro Juárez de Barquisimeto (En diferentes ocasiones), La Bronka Club de Caracas en 2003 (Donde el presentador de la noche fue nada más y nada menos que Horacio Blanco, vocalista y líder de Desorden Publico), plaza La Castellana de Caracas en julio del 2008, Toma Uno Pub de Las Mercedes en el 2001, entre otros lugares. Además de recorrer varias ciudades del país y del extranjero han compartido tarima junto a 5ta Avenida Ska-Jazz, AbabaJah, Desorden Público, Zion, Chuchuguaza, The Skatalites, entre otras agrupación de la movida Ska y Reggae nacional Sin duda alguna estos son los padres del Ska Jazz nacional, abriendo el camino para agrupaciones como Skamaleon, Skaracas Jazz Ensamble (Primera big band de este genero en el país), 5ta Avenida Ska Jazz, Big Landin Orquesta, entre otras agrupaciones más que están pateando duro la calle. Gracias Mr. Swing & The Bongo Clan y al ruedo el Swing!

Mr. Swing ha sido incluído en varios compilados nacionales e internacionales, en los que destacan el 11


El maes

Gonza Por Gabriel Alberto Sรกnchez 12


“Creo que el que actúa debe enseñar y el que enseña debe actuar”, estas palabras del maestro del jazz y de la guitarra, nos cuentan un poco acerca de lo que representa la música dentro de su vida. Gonzalo Micó que hoy cuenta con 13 producciones discográficas, la última denominada “Trío 20-10” del año 2010, tiene una extraordinaria trayectoria dentro del escenario musical venezolano, su dedicación a la guitarra lo hizo consolidarse como el máximo exponente de la guitarra del jazz en Venezuela, además de haber sido el primer guitarrista en producir un disco de jazz en el país. Al ser una persona tan complicada y multifacética que se reparte entre conciertos, clases en el Iudem y la creación musical, tuvimos muchas preguntas e interés en conocer su carrera profesional.

RM: ¿Cuáles han sido los cambios más significativos que ha tenido la música que haces? GM: El escritor y crítico Alejandro Bruzual opina que mi música puede separarse en tres claras etapas: Primero una etapa de “Mainstream” en técnica y repertorio (Discos: Cinemascope, Be-Jazz- Artes y Gonzalo Micó), una segunda influenciada por el caribe; inclusión de instrumentos de percusión, Steel Pan, entre otros (Discos: Virtualmente, Caribbean Colors y Untitled Dreams) y una tercera influenciada por la música del guitarrista gitano Django Reinhardt. Además yo agregaría una cuarta de regreso al “Mainstrean Jazz”, mi más reciente disco “Trío 20-10” y el que estoy grabando actualmente interpretando música de Duke Ellington.

RM: ¿Qué te motivó a ser guitarrista?

RM: ¿La música es tu vida?

GM: No sé con exactitud, en principio yo no me veía como guitarrista sino alguien a quien le gustaba tocar la guitarra. La guitarra tenía como una magia que me envolvía.

GM: Sí, mi vida es la música, hago tres cosas para vivir: escribo (composiciones, arreglos...) enseño (Música, guitarra...) y toco mi instrumento...

RM: ¿Conservas tu primera guitarra?

RM: ¿En qué consiste la evolución de un músico?

GM: La primera acústica sí, no la primera eléctrica. Siempre que he salido de algún instrumento he terminado arrepentido, pero eso no me pasa más...

GM: Todo músico es una individualidad, por eso creo que todos van en direcciones distintas, unos hacia la composición, otros hacia la producción y, algunos, hacia la interpretación.

RM: ¿Tocas otros instrumentos?

RM: ¿Qué te inspira en la composición?

GM: Hace algo más de diez años toqué en dos festivales de Jazz en las Antillas y me enamoré del mágico sonido del Steel Pan, luego decidí adquirir un Double Tenor para aprender a escribir para él y desde entonces lo toco como instrumento complementario, pero la guitarra sigue siendo el centro de mi vida.

GM: Pienso que no existe un método único para la composición y eso que se llama inspiración es la idea inicial, el desarrollo de esta, en sí es el trabajo del compositor.

stro

alo Micó

RM: ¿Qué nos puedes contar de tu experiencia en Guitar Institute of Technology? GM: El G.I.T. fue una gran escuela, de por sí el compartir con algunos de los más grandes guitarristas de la época ya es una fuente de inspiración, pero lo más importante fue que aprendí a estudiar...

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RM: ¿Cuáles otras influencias acompañan al jazz en tu música? GM: La mayor influencia en mi música y en mi vida es mi maestro Joe Diorio, de él aprendí el ideal del virtuosismo y sobre todo la belleza y el romanticismo de la guitarra.

RM ¿Cuáles reflexiones deben estar siempre presentes a la hora de hacer música? GM: La música es una manera de comunicar... sin necesidad de usar las palabras, pero sobre todo es una forma de arte.

RM ¿Cómo incide tu labor de profesor en tu música? GM: Creo que el que actúa debe enseñar y el que enseña debe actuar. Enseñar te pone en contacto con nuevas realidades y nuevas necesidades. En la mayoría de los casos son mis estudiantes quienes me enseñan a mí...

RM: ¿Qué opinión le merece la trayectoria del jazz en Venezuela? GM: El Jazz en la actualidad en Venezuela está alcanzando un nivel de madurez que lo está llevando al desarrollo de un lenguaje propio. Soy muy optimista...

RM: Recomiéndanos un artista o banda emergente. GM: Hay muchos jóvenes desarrollando su música y sus proyectos que merecen ser mencionados, sin embargo, yo nombraría al joven pianista Antonio Mazzei.

RM: ¿Cuáles son sus próximos proyectos? GM: Como nuevos proyectos, quiero seguir estudiando mi instrumento y ser mejor músico, y me gustaría editar mi “próximo” disco dedicado a la música de Duke Ellington.

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“(…) el pasado de mi ejecución coincide con el Presente de mi audición, y en esta coincidencia se ve Abolido el comentario: no queda ya sino la música” Barthes por Barthes. Roland Barthes.

La casualidad y la curiosidad me abofetearon con esta banda: el shock no fue tanto el imprevisto de la sorpresa sino más bien la impresión de encontrar una banda con un sonido tan sólido, seguro y vintage cuando apenas están dando sus primeros pasos dentro de la música en el país. Las influencias estéticas y musicales son muy obvias, desde el nombre hasta el sonido del teclado, todo esto que nos permite vislumbrar a los lejos un Fito Páez y un Charlie García en las notas de un blues y rock ‘n’ roll de décadas pasadas, en canciones de chicos de esta época.

RM: ¿Quiénes integran a Los Polaroid? Diego Urdaneta (piano y voz), Luis Aguero (guitarras), Carlos Jiménez (teclados), Manuel Bueno (bajo), Ángel Hernández (percusión).

RM: ¿Qué influencia la música de Los Polaroid? (Musical y líricamente) LP: Musicalmente: las armonías de los años 60’ 70’ 80’. Tratamos de mezclar esos acordes, melodías, clichés con las influencias personales de cada miembro. Líricamente depende de cada canción; casi siempre sale la música primero que la letra y entonces partimos de ahí, de lo que nos haga sentir la música hacemos la letra.

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Fotografía por Enzo Verlezza

RM: Describe el sonido de la banda. ¿De qué color crees que sería? LP: El sonido de la banda es bastante flexible, podemos tocar desde algún blues típico o pasar por las semillas del jazz y mezclarlo con el rock. Siempre me ha sonado a Morado nuestra música.

RM: Háblenme del Ep: ¿Cómo fue el proceso de composición de las canciones? La experiencia de su primera grabación formal. ¿Cuáles son sus expectativas sobre el lanzamiento? LP: Yo, Diego, llegué a todos con las primeras ideas de los temas del EP, fuimos haciéndoles arreglos, cambios, etc.; hasta llegar a las versiones que escuchas ahora. La grabación nos hizo madurar como banda, nunca habíamos grabado nada formalmente, solo maquetas caseras. Desde buscar instrumentos adecuados para grabar, hacer nuevos arreglos, ir viendo como evolucionaban las canciones y salían ideas en caliente, aprender a oír opiniones distintas, tomar decisiones, dormir en el estudio, muchas cajas de cigarro, cervezas, etc. Después de oír el producto final quedamos bastante satisfechos, y esperamos q la gente también lo esté. Hasta el día de hoy van 1300 y algo de descargas en 5 meses que lleva activa la pagina para descargar el EP. Ha llegado a muchos lugares que no conocíamos y esperamos que poco a poco más gente lo oiga

los polaroid la vieja escuela en el presente. Por Valentina Prieto.

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RM: ¿Quién fue el encargado del arte del EP? LP: Eugenio Rivas artista plástico de Maracaibo

RM: ¿Cómo es el escenario musical en Maracaibo? LP: En Maracaibo hay buena música de sobra, hay muchas bandas haciendo cosas muy finas que deberían de tener más exposición y atención por parte de los medios. Las cosas que se andan haciendo aquí no deberían pasar desapercibidas. Poco a poco la movida musical va creciendo, hay muchas bandas emergentes y bandas establecidas que se están poniendo las pilas de nuevo, todo esto va de la mano al boom que esta teniendo el rock venezolano en Latinoamérica y el mundo. Hace poco leí que Charly Alberti comentaba que en Venezuela se estaba haciendo música para dar ejemplo a Latinoamérica. Palabras sabias.

RM: ¿Cómo vieron el terreno musical en Caracas? LP: Nos sorprendió mucho la receptividad de la gente para serte sinceros. No esperábamos que fuera tanta gente al toque y nos gustó mucho. Allá la gente parece más pendiente y comprometida con la causa del rock nacional. Kudos.

RM: Según Uds., ¿Qué está pasando con la escena musical en Venezuela? LP: Está pasando que poco a poco vamos queriendo más lo nuestro, está resurgiendo el nacionalismo perdido. Tiene que ver todo, la situación política del país, el boom de las redes sociales, el talento innegable de muchos artistas/deportistas venezolanos. Es imposible no ver un patrón en esto, la vinotinto nos hizo darnos cuenta de eso. Tenía mucho tiempo sin ver a un país tan unido como cuando llegamos a semifinal en la Copa América; esa semana se respiraba otro aire en Venezuela, todos jalábamos para el mismo lado sin importar colores o partidos. 18


Nos dolió como nunca saborear la gloria y que nos la quitaran de la boca, pero cumplió su cometido: unió a un país que hace tiempo necesitaba una excusa para salir a la calle y gritar que somos venezolanos. Eso va en paralelo con la música y el poder de las redes, ahora estamos preocupados por saber que anda pasando en la escena musical venezolana, que grupos andan tocando y que música están haciendo. Eso no pasaba hace 5 o 6 años, las redes ayudan a llegar mucho más rápido a lugares donde hace nada te costaba 2, 3 ó 4 años de carrera llegar. Ahora con un tweet hablas directamente con algún promotor, bar, fan, etc.

RM: Banda favorita actual de Venezuela. LP: Charliepapa, Petrula, Los Crema Paraíso.

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FotografĂ­a por Silvia Monagas / Sclamotion

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la oreja muda de la música venezolana Por Susana González

Músicos de profesión, simplemente porque tienen la vocación, lo hacen con amor. Se levantan temprano, trabajan y se acuestan tarde como cualquier otra persona en una oficina, pero su trabajo los llena, les gusta y es lo que más quieren. “Los Sordos” son un cuarteto musical venezolano, compuesto por Levy Riccetti (piano y voz), Daniel Arocha (bajo), Rey Rodriguez (batería), Héctor Castillo (guitarra), que nace en septiembre de 2009. Luego de componer y ensayar para sacar “B-52”, su primer sencillo, realizaron una gira por Chile, la cual les permitió darse a conocer y conseguir grabar su primer disco: “Volumen 0”. En septiembre de este año Los Sordos realizaron el Showcase de este primer disco, el cual también se encuentra disponible en la web de la página www.lossordos.com. Tienen un sonido joven pero también la experiencia de composición necesaria para no sonar aburridos, sino contrariamente, muy divertidos. Con viajes, oportunidades, grabaciones, y además mucho amor por su música, los chicos esperan un 2012 bastante movido. Como la gira los ayudó y gracias al apoyo de Ada Odreman y Luis Peña, han apostado por pasos seguros. “Sacrificar, trabajar” son parte importante de su música y reconocen que “a veces sale un toque que no es tan bueno, pero al final cuando te montas en la tarima, con 100 o 200, siempre dar lo mejor de sí para que la gente pueda quedarse enganchada”. Entre la piscina, toddys y tés calientes logramos preguntarle esas cosas que llenan de curiosidad a muchos que los escuchan.

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RM: ¿Por qué el nombre de Los Sordos? LS: Más que un nombre es una filosofía que decidimos tener, porque hemos tenido muchas críticas de mucha gente que nos decía: “Para que suene más comercial este tema necesita este recurso”, “Cuando graben deben incluir este instrumento” y a veces las críticas no eran tan constructivas. Por todo esto lo que nosotros decidimos fue hacernos oídos sordos de tanto volumen y críticas y confiar más en nuestra manera, apostando a nosotros y a nuestro concepto.

RM: ¿El nombre del disco parte del mismo principio? LS: No, con el nombre del disco queríamos hacer algo diferente, ya una banda de música con el nombre “Los sordos” tiene bastante ironía y todo el diseño y concepto es bastante irónico, por eso partimos por la idea de unir unos pies, de una mujer en un piano y después continuando por esa línea, terminamos llamándolo “Volumen 0” y también tiene su toque de ironía.

RM: Cuando los escuché por primera vez a mí me pareció que eran muy jóvenes, pero realmente son músicos con experiencia profesional, es decir, no son unos niños, ¿Cómo lograron hacer ese sonido tan fresco pero a la vez tan maduro? LS: El hecho de poder grabar el disco, entre comillas, tarde, que el menor de nosotros tenía 28 años, eso te da la posibilidad de poder usar lo que aprendiste y saber ir hacia el sonido fresco. Capaz cuando comienzas con una banda te olvidas de lo comercial, de lo que le gusta a la gente, y tratas de demostrar tu esencia, como quieres probar que tocas bien el instrumento y meter muchas notas y arreglos. Lo que termina pasando es que la música se va complicando y ese es un problema que nos traíamos de hace muchos años hasta que decidimos volver al principio y hacer las cosas sencillas.

RM: ¿Hay alguna musa detrás de todas estás letras de amor? LS: Cada historia, cada canción tiene su musa, a veces es algo personal o historias de otras personas. Cuando compuse el disco (Levy Riccetti) estaba con alguien y quizá eso tuvo que ver, pero las musas son quizá todas las mujeres que puedan estar escuchando la música, o que puedan vivir una historia que pueda ser contada a través de una canción. 23


RM: ¿Le cantas específicamente a las mujeres? LS: Bueno hay muchas mujeres en las historias, pero no creo que sea específicamente a las mujeres sino a los sentimientos que pueden nacer producto de una relación con una mujer. Pero también en relación a la esencia del amor en sí, despecho, no tanto como por una mujer, sino una historia robada de un momento, la viste y te identificaste.

RM: ¿Creen que hubo una evolución desde su primer single “B52” a su producto final de punto y aparte? LS: Nosotros comenzamos a trabajar en “B-52” antes de tener la idea de grabar un disco, empezamos componiendo y teníamos este tema que nos parecía bastante interesante, entonces lo mandamos a todos lados y eso fue lo que nos abrió las puertas. Nos escuchó un productor que se interesó y fue de ese tema que partió toda la idea del disco aunque incluso el tema cambió, fue madurando. También tenemos que comentar que ese tema no nació siendo pop-rock sino música electrónica, y por ahí hay una maquetica de cómo sonaba antes.

RM: De acuerdo con ustedes, ¿cuál es el género que tocan? LS: Cada vez que nos hacen esa pregunta yo me quedo pensando que voy a responder (Rey Rodríguez), si es pop, o rock, entonces terminé decidiendo o pensando que la música que hacemos es música en español, rock en español con un poquito de ingredientes: un poco de electrónico, toques de blues, de pop, pero en definitiva rock en español. 24


RM: ¿Cuál es la influencia principal de cada uno, en su música?

RM: ¿Su música tuvo alguna influencia por haber sido grabada en Chile?

Rey Rodríguez: Me gusta todo tipo de música, de verdad que me gusta mucho el reggae, el rock en español, de sudamérica: Gustavo Cerati, Fito Paéz, Bob Marley, también me gusta mucho la música indie, y creo que entre tantas mezclas vamos consiguiendo cada uno su sonido.

LS: Claro, claro, partiendo porque el productor es chileno, y ha trabajado toda su vida con música del sur, de allá de Chile y Argentina. También el hecho de estar allá de compartir con músicos allá y compartir tarima, estuvimos en nuestro momento de mayor creación y eso influyó muchísimo en que el disco suene bastante Sureño.

Héctor Castillo: La mía data más de formas clásicas dentro del género del rock, del blues, del funk, del jazz, del soul, soy la nota blusera y vintange, de la banda y por ser guitarrista mi mayor influencia son otros guitarristas que son mis héroes como: Jimmy Hendrix, Eric Clapton, BB King, Albert Collins, tantos que no podría terminar de decirlos. Levy Ricceti: En mi caso, cuando comencé con la banda estaba muy influenciado con la música de Coldplay, desde la primera vez que los escuché, desde “Yellow” en adelante, quedé impactado por esa forma de hacer música, esa balada inglesa rock, porque al final siempre decimos que nos parecemos a Coldplay pero no parece mucho, pero de ahí salió la idea.

RM: ¿Piensan que es muy diferente la movida musical de Chile a la Venezolana? LS: En Chile hay muy buena infraestructura para las bandas y el estado apoya los proyectos de los mismos chilenos pero sí he visto que se les hace mucho más difícil a las bandas de allá salir que a muchas bandas de hoy en día de aquí, algunas llegan a Paraguay pero no llegan aquí arriba. Quizá no tenemos la infraestructura que tienen allá pero sí tenemos el talento.

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AU DI FO NÍA CA:

El beat de

Caracas Vol. I: NTSFRSH Por Valentina Prieto.

“El amateur (…) conduce una y otra vez su goce (amator: que ama y ama otra vez); No es para nada héroe (de la creación, de la hazaña)” Barthes por Barthes. Roland Barthes. La música comienza a partir de una sola nota, un sonido que se repite y combina, que se desenvuelve y crece; un beat que hace eco en la piel. Caracas está llena de beats, buenos y malos: el tráfico, la lluvia, la camionetita y su salsa, el murmullo de la gente en una fiesta, el hielo en el cuba libre; pero algunas veces también hay beat en las personas, en su imagen, en su swag. Si a eso le sumamos una computadora, unas bermudas tropicalosas y una sonrisa pícara, podemos hablar seguros de los chicos de NTSFRSH. Not So Fresh –NTSFRSH- es el blog de música de Diamantero (Daniel Esteban) y FLYBVCK (Eduardo Hernández); un dúo muy a lo Batman y Robin que maneja una disquera de música online de día (COCOBASS) y saltan en una tarima poniendo música electrónica postmoderna de noche. Recuerdo que la primera vez que los escuché fue en una de las concurridas fiestas del colectivo Bink –al que también pertenecen- y no podía dejar de bailar su particular sonido tropicalelectrónico. NTSFRSH no te hace sentir que estás en Ibiza pero sí en una Latinoamérica muy cool, demostrando que puedes hacer cosas creativamente geniales proyectando tu propia realidad. Los NTSFRSH forman parte de una escena pequeña que poco a poco se está abriendo camino combinando tan solo ritmos pegajosos, líneas graciosas dentro de las canciones y swag, mucho swag. ¿Qué puede esperar cuando vayas a un toque de estos chicos? Sudar. Bailarás hasta que se te cansen los pies y mucho más luego de eso, pensando ¿qué clase de música es ésta? No estamos hablando de los típicos DJs aburridos, de platos y caras serias sino de dos chicos muy únicos que verás bailando –y hasta desnudándose- mientras mezclan en frente de ti música popularosa con beats electrónicos que hacen de toda la experiencia algo muy divertido y cool. Síguelos en Twitter @diamantero @FLYBVCK @NTSFRSH y escucha un poco de su música aquí: http://soundcloud.com/bink_colectivo/ntsfrsh-rescaten-a-las

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Canserbero el demonio del pozo Por: María Gabriela Ramos

Para los griegos solo había un destino absoluto e inamovible; la muerte. Por lo tanto, para ellos era básico comprender el funcionamiento de la “vida en el más allá”, colocando para las desdichadas almas, las cuales iban todas al infierno (O mejor dicho Hades), un guardían en la puerta. Las almas que reposaban estaban en un estado de desdicha, olvidando poco a poco quienes eran, por eso tenían que encontrar, si decidían escapar, algo intimidante que no les permitiera salir del Hades; ese algo era el Can Cerbero (“Can” significaba perro, así que; perro Cerbero). Este perro tenía tres cabezas, para algunos más de 100, serpientes en su espalda y era implacable con quienes trataran de entrar o salir del inframundo. A sus 23 años Tyrone Gonzalez es un digno representante del Hip Hop en Venezuela, estudiante de derecho amante de la comida italiana, y una persona con una personalidad bien definida. Se ha presentado en casi  todos los estados de Venezuela así como también en Colombia, México y España. Ha realizado Featurings con lomalocorita de RD, Rapsuskley de España, Randy de cuba, Rekeson, Ardilla (QEPD), Realengos, Basyco, Mcklopedia y Bencina, Baroni, Rev357, Comando57, Blackamikase, Mackolo. Sus producciones han sido obra de los beatmakers  Afromak, Gbeck y Kpu. Acá todo sobre su álbum “Vida”. 28


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RM: ¿Por qué decides llamar a tu primer álbum “Vida”? C: Estaba reciente el terremoto de Chile y Haití me atormentaba recordar que para morir solo hace falta vivir, admito que sentí paranoia al pensar que un terremoto matase a Kpú y a mí en plena grabación quedando sepultado nuestro trabajo. Pero en realidad le pusimos vida porque habíamos dejado la vida ahí metafóricamente, o al menos eso sentíamos.

C: Pudo haber sido el aleteo de una simple mariposa en el Atlántico. RM: ¿A dónde quieres llegar con tu música? C: Al corazón que me lo permita. RM: ¿Qué opinas del rap en Venezuela? C: Está como el fútbol en Venezuela, creciendo y con hambre de respeto. Aunque con demasiado por recorrer aun. RM: ¿Cuáles han sido tus influencias musicales?

RM: “Pensando en ti” ¿Qué te motivo a escribirla? ¿Sigues pensando en ella? C: Una chama que amaba, lo arruiné y no me perdonó. ¿Por qué lo arruine si la amaba? Vaya usted a saber. A veces me lo pregunto cuando pienso en ella. RM: Hablame de “Jeremias 17-5” C: Si hablo de la arrogancia seguramente algunos creerán que es para ellos. Imagino que por ego, ya que sienten que todos están pensando en ellos. Al mismo tiempo chismosos especulan, imagino que para sentirse importantes al hablar con propiedad de temas en los que obviamente no pueden tener más que especulaciones. Sucede que no he escrito una “Tiradera”. Todos hemos sentido que hemos sido traicionados alguna vez, obvio hubo situaciones que me inspiraron, pero el tema no tiene nombre y apellido, de hecho cuando lo escribía solo pensaba que el que lo escuche se desahogue. Seguramente muchos de los que me han traicionado creyeron o creen que el tema es para ellos. Imagino que por ego, ya que sienten que todos están pensando en ellos. RM: ¿Etiquetarías tu música como rap consciente? C: No, de hecho trato de no etiquetar mi música. RM: ¿Al decir que te gusta ser diferente y te gusta llevar la contraria, te refieres a eso como algo natural o predispuesto? C: Me refiero a que creo que se debe pensar diferente, de lo contrario todos obtendríamos los mismos resultados. ¿No crees? RM: ¿Qué te llevo a hacer rap?

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C: Rock, jazz, blues, soul, salsa, boleros, libros, situaciones y experiencias múltiples. RM: ¿Qué proyectos tienes para el 2012? C: Muerte (CD) Solo pienso en eso. RM: ¿Dónde te ves dentro de 7 años como Canserbero? C: No tengo idea. Me intriga pensar en el futuro, es una sensación similar a cuando vas a hacer el amor con una persona con quien nunca has hecho el amor, te intriga y emociona pero no sabes cómo será. RM: Un mensaje para los jóvenes que quieren hacer rap C: Vean el Rap como un ave, no como un esclavo, no hay patrones, no hay reglas, preocúpense más por hacer arte y menos por debatir qué y quién es “real”.


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Blush Magenta

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chicas en acción Por Rosmely Mireles

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Estas cuatro chicas valencianas traen una propuesta muy energética con la fusión de dos géneros como el pop y el rock, la banda empieza por iniciativa de Yngrid Álvarez (guitarra) quien venía de un proyecto anterior llamado “Mística”. Luego en el Conservatorio de Música de Carabobo se unieron Yessica Vera (bajo) y a Bárbara Baldirio (voz) y finalmente se suma Yude Ruiz (batería). Juntas vienen a demostrar su talento y gracia en escena. El

año pasado ganaron el 6to Festival de Rock 100% Venezolano y ahora preparan su primera producción discográfica llamada “Caras, flashes, fashion show” conozcamos un poco mas de los que nos traen.

RM: ¿Cómo fue el proceso de creación de Blush Magenta?

RM: ¿Cuáles son sus influencias musicales?

BM: Blush Magenta empieza por iniciativa mía (Yngrid Álvarez) venía de un proyecto anterior llamado Mística también agrupación de puras chicas. Durante mis estudios en el Conservatorio de Música de Carabobo conocí a Yessica Vera (bajista) y a Barbará Baldirio (cantante) en esta institución a finales del 2008 y les propuse empezar un proyecto musical de puras chicas. Más adelante, se suma Yude Ruiz (baterista) a quien contactamos Yessica y yo por una red social y comenzamos los primeros ensayos a principios del 2009, consolidándonos como banda cerca del mes de Febrero de 2009.

BM: Las influencias son muy amplias, ya que cada integrante escucha géneros distintos del rock, entre otras corrientes musicales. Por ejemplo, a Yessica le gusta más lo classico, el blues, el jazz, funk y algo punk. A Yude le encanta el punk, es su influencia principal. A Bárbara, le gusta el indie, el twist, jazz, rock and roll. Y a mí (Yngrid Álvarez), el metal, hard rock, rock an’ roll. Entonces en muy amplio nuestro repertorio de influencias y es la fusión de todas nuestras ideas e influencias el resultado de nuestra música, por lo que no podríamos decir que estilo somos dentro del rock, solo somos rock.


RM: Cuéntennos un poco sobre su experiencia al ser las ganadoras del 6to Festival de Rock 100% Venezolano. BM: Realmente fue una sorpresa para nosotras el ganar este festival, no lo esperábamos para nada, por supuesto fue una experiencia increíble, era la tarima más grande y con más público en que nos habíamos montado hasta el momento, dimos el todo por el todo. Es un logro para nosotras porque eso demuestra que lo estamos haciendo bien y tal vez no ganemos tanto respeto como las bandas de hombres que han ganado el festival pero sabemos que no somos la costumbre por lo que hay que darle tiempo a la gente.

RM: Cuéntennos sobre la producción de su primer disco “Caras, Flashes, Fashion Show”. BM: Este sería nuestro disco debut, ya está listo, lo grabamos en la ciudad de Caracas bajo la producción de Arturo Banus quien, desde que nos vio en el 2010 en el Hard Rock Café de Caracas, quiso ayudarnos y trabajar con nosotras como nuestro productor. Este disco contiene 10 tracks, los cuales representan toda nuestra evolución y búsqueda de un sonido propio, como también todo un año de trabajo y esfuerzo. Con este disco entramos en una nueva etapa como banda y en un nuevo nivel de madurez musical. Pronto anunciaremos el debut del disco, también se viene un video clip, el cual también está listo.

RM: ¿Cómo ha sido la respuesta del público con su propuesta? BM: Hemos tenido mucha receptividad, cada presentación ha tenido respuestas variables en el público, en un principio la gente nos veía subir a la tarima como que “vamos a ver que van a hacer estas niñitas que parece que son pura pinta” y terminaban aplaudiéndonos y acercándose a nosotras (Eso nos ha pasado mucho). A medida que ha pasado el tiempo hemos ganado mucho más respeto y también muchísimos seguidores.

RM: ¿Creen que ha evolucionado la movida musical en Venezuela?

RM: ¿Tienen alguna frase o lema que las identifique? BM: Siempre decimos “Así es el rock” para justificar cualquier cosa buena o mala que nos pasa (risas) y también “Así mismo es” cuando sentimos que el público está muy animado.

RM: ¿Qué quieren lograr con su música? BM: Éxito y siempre en las canciones difundir un mensaje consciente con mucho rock an’ roll y fusión de otros estilos, queremos que la gente nos escuche porque somos buenas y únicas.

BM: Actualmente ha crecido el apoyo a la movida, he incluso muchos artistas han salido últimamente a representar el país. Tenemos a Vinilovesus, la Vida Boheme, Caramelos de Cianuro, Amigos invisibles, Desorden Público, entre otros, que han logrado cruzar fronteras, yo sí creo que los músicos venezolanos tenemos mucho potencial y que ojalá el apoyo de instituciones, organizadores, productoras y del público siga creciendo.

RM: ¿Algún mensaje que quieran dar a sus seguidores? BM: Cada quien tiene su estilo musical y cada quien se destaca porque está haciendo la diferencia, si las bandas saben que hacen la diferencia musicalmente también deben hacerla en cuestiones de respeto, exigir respeto por parte de los grandes y pequeños organizadores y así la movida evoluciona.

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El canto popular de Fabby Olano. Por Susana González.

foto por: Nicolás Serrano

Con preparación, dedicación, compromiso, disciplina, entre otras cosas, la cantautora Fabby Olano tiene ya en la escena musical 12 años. Un constante aprendizaje y estudio ha logrado convertir su lírica en una voz conocida, con una imagen particular al enfocarse en el género de la música venezolana e infantil. El canto es para ella su forma de definirse, más que una profesión.

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Actualmente, está grabando su primer CD, el cual se compone de 13 temas de los cuales 12 son de su autoría. Con la producción musical de Edwin Arellano, trabajo duro y un grupo de colaboradores con quienes ha desarrollado una gran amistad ha logrado llevar a cabo esta empresa, que a muchos músicos puede tomarles toda una vida. Ella no es capaz de limitarse solo al canto, ya que al involucrarse de forma activa con el género venezolano y el infantil, demuestra no solo ser una persona multifacética, sino de voluntad admirable. Sumergiéndonos en su mundo y música quisimos interrogarla con lo siguiente.

RM: Al ser solista, has podido desarrollar fácilmente conexiones con otros músicos invitados pero ¿Tienes a algunos talentos a quienes consideres parte de tu familia? FO: He disfrutado muchísimo de la compañía de diversos músicos al cantar. He profundizado musicalmente y como seres humanos, con unos más que con otros. Sin embargo creo que al momento de hacer música nos unimos con un mismo fin, nos ponemos de acuerdo, aclaramos dudas y tratamos de hacer lo mejor posible para que todo salga bien. ¡Eso hace un núcleo familiar! O por lo menos sería lo ideal. Entonces, he pasado por varias familias.

RM: Desde tus primeras entonaciones en tu infancia hasta ahora ¿Cuál ha sido tu mayor aprendizaje en el ámbito musical? FO: Recuerdo que desde pequeña tenía claro que quería ser cantante. Durante el recorrido me descubrí haciendo canciones. Luego decido estudiar, descubro cosas por trabajar y es cuando me digo “El talento nunca es suficiente”. Tal como se titula el libro de John Maxwell. Creo mucho en que la suerte es el resultado de estar preparado para cuando llegue el momento oportuno. ¿Qué más he aprendido? A estudiar con disciplina, a tenerme paciencia mientras lo hago, a respetar mis tiempos de aprendizajes, a valorar lo que hago. Trabajo a largo plazo.

RM: ¿Tú acercamiento a la música infantil fue desde joven o es algo que adquiriste con el paso del tiempo y la experiencia? FO: Todo partió de la necesidad que tuve de adquirir repertorio infantil novedoso mientras trabajaba para algunas escuelas en la urbanización Paraíso, entre ellas E.B “San Vicente”. Como ya venía componiendo desde chica fue relativamente fácil para mí hacer un repertorio musical infantil. De hecho por cuatro años estuve más concentrada en

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la elaboración de canciones para niños y eso hizo que tuviese un buen número de temas infantiles. Además contaba con la maravillosa oportunidad de probar con ellos sus formas, sus melodías y su utilidad. De hecho, una vez me sucedió que mientras daba la clase de música mi mente inició la creación de una melodía para una pieza infantil y terminé haciendo la canción en la clase de música. Ese día dejé de enseñar las figuras musicales por enseñarles, sin querer, cómo se puede hacer una canción. Al final terminaron todos cantando el tema. Fue lindo. Y bueno, de este andar tengo dos proyectos, uno por replicar y otro por terminar de grabar. El primero lo elaboré con una colega Heidy Lovera, juntas tenemos un nuevo cancionero escolar y esperamos que muy pronto pueda ser replicado masivamente y que pueda llegar a muchas escuelas y el segundo es una serie de cuentos y cantos para niños que hago con una fabulosa cuentacuentos Laura Montilla. Nos llamamos Ritmocuentos.

RM: Al representarte únicamente con tu voz y ser independiente, ¿Qué es lo primero que piensas a la hora de componer? FO: Pienso única y exclusivamente en lo que está sucediendo en ese momento: La creación de una nueva canción.

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RM: Entre tantas andanzas, años y compañeros, ¿Tienes alguna anécdota graciosa que compartir? FO: Sí. Bueno, no sé si será tan graciosa ésta, pero lo que sí fue: ¡Curiosa! Precisamente sucedió cuando vine a Caracas a representar al estado Carabobo en un Festival de Canto. Lo que me sucedió no lo comprendí en ese momento, pero con el tiempo entre mis lecturas lo descubrí. Según Daniel Goleman en el libro de; La Inteligencia Emocional lo que me ocurrió se llama: Estado de Flujo, que quiere decir: Estar concentrada en la tarea y perder la conciencia de uno mismo, dejando al olvido las posibles preocupaciones. Ahora les cuento: Resulta que a punto de culminar el tema con el que participaba, los músicos que me acompañaban hicieron un corte o parada programada para que yo en él respirara y luego retomase la frase final que culminaría la canción. Terminé con ellos en el corte y el público se ha parado como locos a aplaudir, gritar y luego me quedé detenida en el tiempo-espacio, sí así es, todo absolutamente todo comencé a verlo en cámara lenta como en las escenas de las películas de los cines. Todo muuuuy lento, la gente con sus movimientos corporales, los aplausos y gritos, labios y articulaciones al hablar. Comencé a detallar todo en el público, los cambios de colores. Los sonidos eran imprecisos también ralentizados y así fui paseándome con la mirada hasta que


encontré la cara de mi profesora haciéndome unos gestos angustiados y moviendo de brazos agitados como diciendo sigue, sigue. Yo no lograba comprender qué pasaba hasta que de repente la velocidad cambió a rápida y volví en mí, escuché el tremolar del cuatro y fue cuando dije: ¡Dios! No he terminado la canción. Acto seguido respiré, hice la frase final y pom pom, terminé la canción. El público siguió aplaudiendo. Seguro que lo sucedido ocurrió en unos cortos segundos pero ese momento fue eterno para mí y cómico.

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Sincrónica rock y pura vida.

Por Susana González.

Hace diez años la movida musical no solo era diferente sino, en muchos aspectos, primitiva a lo que es actualmente, esta afirmación parte de la evolución ocurrida a través de las redes sociales, la masificación del internet, las redes sociales, entre otras cosas. Viendo todo este proceso, en todas sus expresiones, nació la banda Sincrónica, quienes no solo vivieron enviar mensajes de texto a sus amigos para notificarles de un toque, sino además lograron colocar su primer vídeo en rotación en el antiguo canal Puma Tv, llegando el día de hoy a finalmente sacar su primer disco. Luego de tantos años son capaces de reconocer que aun no están sincronizados, pero que sí, son una familia y que justamente la mezcla de todos esos aspectos les permite no volverse aburridos. Con un sonido claramente influenciado por el punk y el rock n’ roll, letras irreverentes y una madurez musical adquirida por el paso de los años, Nacho Zavarce en el bajo, Miguel Torres en la batería y Cesar Herrera con voz y guitarra crearon “Todo lo que no sabes” bajo la producción de Diego Márquez (Ex-Zapato 3). Su principal meta es masificar su material, componer, grabar, y montarse en tarima. Con estos ideales quisimos sacarle todo y más para los fanáticos y aquellos que aun son nuevos en su música.

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RM: ¿Están tan sincronizados como lo dice su nombre? CH: En verdad esa es la parte más difícil de apegarnos a nuestro nombre, aun falta sincronizarnos, pero vamos cerca.

RM: Cuéntanos un poco sobre la experiencia de pasar 10 años en tarimas. C: Hemos vivido muchas experiencias, malas y buenas como todo. Nacimos (la banda) cuando existía la moda “new metal” y todo estaba minado de bandas de ese estilo, tuvimos que lidiar con públicos de todo tipo, en verdad siempre ha sido divertido, nunca dejamos de tocar, grabar, crear. Hemos compartido con muchas bandas que lamentablemente la mayoría ya no están, también hemos conocido a mucha gente; plásticas y no plásticas, en este medio se ve de todo, pero lo más importante es que aun seguimos tocando nuestros instrumentos y queremos seguir en eso.

RM: De todos los toques que han tenido ¿Cuál creen que haya sido la experiencia más memorable? C: Personalmente, uno que tuvimos la oportunidad de compartir con Candy 66 por el 2004, en el arroyito, teníamos par de años formados y nos tocó lidiar en un evento de 1000 personas. Personalmente, estaba asustado, no estaba preparado para eso, pero así es el rock, tocamos y salimos vivo de esa.

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RM: Viajando al 2005, ¿Cómo fue esa experiencia de ver su vídeo en Puma Tv? claro, ¿de producirlo y elegir el tema? C: Fue el primer encuentro musical que tuvimos con Diego Márquez, grabamos el tema “Artificial” con la idea de hacer el video, en verdad estábamos maquinando esa idea desde hace un buen rato, queríamos aprovechar la súper oportunidad que ofrecía el canal musical a muchas bandas. El video lo grabamos con los recursos más económicos posibles, algo casero y lo apoyaron bastante en el canal, nos empujó a otro nivel, y era un video que se veía en todo el país por ese canal.

RM: Entre tantas tarimas que han pisado ¿Qué sintieron de especial en “Diablitos Experience” “Concierto aniversario de Unión Rock Show 2010” y “Por el Medio de la Calle”, siendo todos estos tan grandes y masivos? C: En todos por ser conciertos masivos, tuvimos y tenemos muchas expectativas, ya que siempre estará mucha gente nueva viendo a la banda, en verdad tratamos de dejar todo, mucha energía. Somos autocríticos y tener la oportunidad de estar en festivales de ese tipo, te da oportunidad de llegarle a mucha más gente, que se engranen con la banda.

RM: ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con una leyenda como Diego Márquez? C: Para grabar el disco con Diego, ya teníamos como que la idea de cómo era trabajar con él, tuvimos la oportunidad de hacerlo anteriormente. Todo se reduce a un absoluto respeto, lo admiro como músico y productor, ha grabado y producido algunos de los mejores discos de rock que se han hecho en Venezuela, y ya por ese hecho sabes que tiene un peso y un nivel de exigencia que a la final de todo te hará mejor músico, simplemente una escuela.

RM: ¿Es posible dedicarse solo a lo que te gusta, la música, y más nada? C: Nada es imposible, pero en este caso siempre existen limitantes, a lo que música se refiere en nuestro país es un poco complicado, porque si nos vamos a dedicar a la música… es simplemente porque queremos vivir de eso y que nos de ingresos suficiente para no hacer mas nada en la vida, sería lo ideal, pero es difícil. Nacho: Claro, es posible, pero como todo en la vida, hay que ser paciente.

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CD’s nacionales e importados. Franelas nacionales e importadas. Memorabilia. Centro San Ignacio, nivel Jardín, sector Hollywood, local H123. acantus@gmail.com Telf: 0212-2642826 @acantusmusic

CD’s nacionales Atkinson / La banda Atkinson / Mota Foca Alterna Banda Anger In Aerea / Indeleble Aria / Yellow bick road Aditus / En concierto en este país Aditus / Grandes Exitos Arian / Sin mirar atras Americania Amigos Invisibles / Not so commercial LAI / Super Pop Venezuela LAI / En una noche tan linda como esta Banana Voladora Babylon Motorhome / En vivo en la GANYA Babylon Motorhome / Como cumbia Bacalo Man / Sabaneano Carlos Angola / Rompecabezas ContraLuz Charlie Dur / IcedTears Fuera de la Burbuja Azul / Maquina de planeta Los Chevy Nova / Musica en vara Los Chevy Nova / Estamos en yopo Cero Uno / Atari amor Circo Vulkano / La vida es Los Domingues Chaos Avatar / Morning Star Electrocirkus /Grandes Exitos Dame Pa Matala / Teleficcion Disaster Prpphets / Human Revolver Divina Ciencia / Brillando Duplex / Carne y hueso Desorden Publico / Estrellas del Caos Desorden Publico DJ Afro / Free 3 Dueños & Judy Buendia / Lujos y detalles Elfreak / EP 1 Electric Graden / En este valle Electrotribal

Feedback / En esta Tierra Felix Martin / Bizarre Rejection Frontera Sur Famsloop / 4 JP Felce Greasy Grapes / At the back of the hill Intemperia / The mothman prophecies Interzona / Tecnicas mixtas y medidas varias Jimmy Flamante Jose Alejandro Delgado / A pedal y bomba Jungla Boulevard Julia / Combo tropical contemporaneo Kreils Kati Fernandes / Soy como soy Kannabis / no comemos guerra KRE / El radio esta en la cocina La Veronika Los Beat 3 / En vivo Los Elfos / Navidad Los Pixel / Cuanto cuesta La Candida Virgen / Power of pain La Misma Gente / Somos todos Los Mentas / U E Letelier / Cosas finas Los Crema Paraiso Luz Verde / En llamas La Leche / 45 Le Merm / Deep chill sessions Maserrati2lts / Colores e ideas Marcelo Toutin / Carne de manzana MCKOLPEDIA / Super lirica Monsalve / Mecha Mojo Pojo PI Xperience Miguel Noya / Ballrooms of the moon Ninah Mars / This how we pray Palmeras Kanibales / La ruta Overhate Operador / El eje del mal

Nonus Aequilibrium Panacea / Incursion Pablo Menodoza / Mi destiny Pacifica / .22 Primera Edicion / Tiempo de actuar Petrulla / Oracion poliglota para salvar al mundo Repe Rigel Mitxelena / Atlantique Rigel Mitxelena / Música de pelicula Rigel Mitxelena / Bartoks room Salpachino Saliva / Cuenta hasta diez Spindola / Return of the red dragon Ricochet Santa Salsa Sincronica Sotos Blues Band Sibelius / Classical tendencies Sibelius / For the passion of music Santos Viejos Spiteri Primera Edicion / Tiempo de actuar Solares / Loft Still Dot Supersonicos Subsonus / Grandes razones fuertes acciones Tabako Tapuruna Tri Bop / volumen 1 Trino Mora Ulyses Hadjis Umbra Vytas Brenner / Hermanos Vytas Brenner / La Ofrenda Zapato 3 / Grandes exitos Zion / Promised land FNB varios volumenes Venezuela Pop & Rock Tributo Lo Fi a Sentimiento Muerto

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La música y el Vídeo clip. Por Susana González.

Pensando en el mundo como un gran ser globalizado, siendo cada país dependiente el uno del otro hasta el punto en el cual la comunicación es admisible ignorando las barreras ideomáticas, necesitamos buscar esos puntos comunes por los cuales nos entendemos. Siempre ha estado de boca en boca decir que la risa es el lenguaje del alma, pero también se ha afirmado esto en relación a la música, siendo ésta una herramienta básica en la actualidad para la globalización, la sociedad y la moda modernas. Ya no solo nos encargamos de escuchar o presenciar la música en vivo, sino que con la creación del canal Mtv, y su primera transmición el 1 de agosto de 1981, con el vídeo “Video Killed the Radio Stars” de los Buggles; cambió la forma de ver la música moderna. Actualmente la industria no solo se compone de conciertos, grabaciones y giras, sino que además consta de pre y pos producción audiovisual; donde no solo la imagen y la fotografía son básicas para el éxito, sino que con el paso de los años se han establecido estándares y distintas modas para cada uno de los períodos musicales. Hoy en día cada artista de la cultura pop tiene al menos un vídeo por albúm e, incluso, aquellos artistas conocidos por fanaticadas de culto también tienen vídeos en sus repertorios. Históricamente hablando la evolución del vídeo musical puede buscarse a finales del siglo XIX, cuando en los bailes se proyectaban imágenes, las cuales tenían como fin una catarsis más elaborada que también “entrara por el ojo”. Más tarde, con la creación de los vídeos y películas como tal, ocurre que las primeras proyecciones cinematográficas podían acompañarse solo de música, sin diálogos, solo melodías que pudieran llevar al espectador por el suspenso, alegría o romance de la historia. No pareciera que fuera por casualidad que “Fantasía” el film de Walt Disney de 1940, solo tuviese la música Igor Stravinsky, sincronizada de tal forma, que ambas obras (visual y musical) se complementan la una a la otra. Luego la revolución cultural, aquella de los 60’, introdujo uno de los cambios más importantes en la música, donde las estrellas y su público no volvieron nunca más a volver a ser como en el pasado. La aparición de programas de televisión donde las bandas se presentaban en vivo y las ordas de adolescentes histéricos que cantaban sus canciones como himnos llegaron y aun no tienen planeado irse de la consciencia mundial. Los primeros vídeos con la intención de promocionar la música comenzaron en ésta década y hoy en día son la base de la industria existente. Una buena toma puede significar todo un vídeo, al igual que una buena historia, una mujer hermosa, una excelente escenografía, una gran edición y, hasta en muchos casos, una buena canción. La industria audiovisual se encuentra limitada por lo que ve el ojo más que por aquello que escucha la persona, pero a diferencia de lo que ocurría en los inicios de la industria, las exigencias aumentan así mismo como la facilidad para realizar trabajos de mediana calidad. La gran dependiencia que tenía la industria del vídeo de los canales de televisión desapareció cuando en el 2005 apareció la dirección de www.youtube.com, donde ahora se alojan los vídeos musicales de todos los artistas, muchos de los cuales los dirigen primero allí antes que a cualquier cadena televisiva. Siendo la situación de Venezuela una bastante particular, al no tener ningún canal dispuesto a la difusión de vídeos, los artistas venezolanos recurren al internet, realizando a través de la red la difusión necesaria, en muchos casos, obviando producciones elaboradas y limitándose solo a creación sencilla. Muchas veces ocurre que la falta de recurso reta y, a la vez, sirve de detonante en la creación de vídeos capaces de romper paradigmas, comenzar tendencias y popularizar al artista. El vídeo musical se ha convertido en una necesidad y placer del músico, el melómano y todo aquel que disfrute del placer visual, donde la catársis y el conocimiento musical son capaces de unirse en el campo de la imaginación musical.

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FotografĂ­a por Silvia Monagas / Sclamotion

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DEBAJO DE LA CAMA

por: Mario Morenza

Hoy me castigaron y me fui a dormir sin cenar. Mi madre es una desnaturalizada. Ya mi piel no resiente. Mis quejas a mi padrastro son infructuosas. Mejor me callo la boca. Mejor no pienso. A veces creo que mi madre y padrastro tienen poderes telepáticos y escuchan lo que se mueve dentro de mi cabeza. A mi hermano lo botaron de casa. Una pelea es una pelea. Siempre habrá más testigos que luchadores, sin importar que estos testigos sean oculares o auditivos. En peleas de marido y mujer, ya saben. Lo dijo a cada rato mi abuela, cuando la visitamos en San Fernando. Pues, mi hermano, se metió y salió con la peor parte. Un pómulo semi quebrado, una costilla un octavo quebrada, y otra quebrada completamente. Se la reconstruyeron en el Periférico. Quebrada con mi bate de béisbol. Mi padrastro hizo swing directo a las costillas de mi hermano. Sentí el chasqueo de sus huesos como una ramita de cedro que se parte. El dolor no le dejó fuerzas para gritar. Y fue el comienzo de los tiempos del terror en casa. Terrores que, sin embargo, me ayudarían a suprimir los antiguos, como otra capa sensorial del miedo. Mi hermano se metió a defender a mi mamá. Mi padrastro quería hacerle cosas y mi mamá que no, que no. Mi padrastro estaba borracho, con ese olor que hace ladrar a los perros del bloque como clamando la desaprobación de ese aroma o exigiendo lamer un poco de la piel que lo emana. Mi madre, casi al instante, se enfureció con mi hermano. En vez de buscar toallas para secarle la sangre, buscó una toalla mojada, fría y húmeda para darle latigazos dignos de la esclavitud colonial y decirle vete, un vete que sonaba a entidad acreditada del infierno. Su espalda quedó amoratada. Y mi hermano ni levantó la mano para evitar toallazos. Ni levantó la vista para establecer un reto de miradas. Se mantuvo quietecito, como si el aire tenso de la atmósfera fuera a causarle arañazos y llagas. Ni siquiera levantó la mirada para instalar un canal, un diálogo visual con inclinaciones edipianas por la flagelación de su espalda. Mientras, mi padrastro fue directo al baño. Orinó, como siempre, con la puerta abierta. Tal vez piensa que orinar es como lavarse las manos, que uno no necesita cerrar la puerta y pasar llave. La cascada orgánica duró un minuto, suficiente para llenar tres y media botellas de cerveza. Mamá culpó a mi hermano por inmiscuirse en su vida, por no pagar la luz a tiempo, por siempre olvidar bajar la palanca del inodoro y por hacer que peleasen ella y padrastro meón. Sé que mi hermano no permitió escapar ni una lágrima, las mantuvo presas en esa especie de cárcel con pestañas que hacían las veces de barrotes infranqueables. Y tampoco lo oí soltar ninguna tras las sábanas, tras la cobija que lo ocultaban de las noches, tras las almohadas que abrazaba como el cuerpo de una mujer que adereza, que amortigua, que alivia su contacto con la agria atmósfera del A-2. Esa noche no se ocultó. Sábanas y cobijas momificaron sus movimientos y clausuraron cualquier resquicio de ventilación, como si no quisiera que se colara ningún aire profanado en su madriguera de edredones. El comienzo de los tiempos de terror en casa ya estaban declarados.

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Yo, a diferencia de mi hermano, que se atapuza de varias capas textiles sobre él, desde los cuatro años he tenido la maña de no quedarme dormido con partes de mi cuerpo que excedan los límites de mi cama y queden colgando. Debajo de mi cama había monstruos. Esperpentos que te jalaban desde su guarida para asustarte. Así me traumatizaron con historias de miedo. A veces movían cosas. Mi hermano, al entrar a la habitación, llamó a su amiga por el celular. Una amiga muy bonita, con ganchitos en el pelo. Siempre mi hermano me sacaba a pasear con ella y veía cómo nos compraba dulces y ganchitos para ella. Salíamos los lunes, y veíamos películas a las seis. Los viernes y los sábados, también iban (y es posible que aún lo sigan haciendo) al cine pero no me llevaban. Veían películas censura B. Y aún no cumplo los doce. Me faltan seis años para cumplir los doce. Estoy en toda la mitad del camino. Si multiplicara cada día de mi vida, cada segundo de mi vida, cada año de mi vida por dos, ya pudiera ver películas policíacas y en las que tipos le pegan a sus esposas. Igual, padrastro pone a veces películas censura XXX, que es como darle tres vueltas al abecedario. No entiendo por qué las puede ver. Si uno tarda doce años en pasar de la A a la B y seis para la C, las películas XXX pueden verla aquellos con una edad superior a los cuatrocientos sesenta y ocho años. Sólo Cristóbal Colón y los nacidos en la Era colonial que daban latigazos. Mi hermano le dijo a su amiga: Tuve un problema en casa, me tengo que ir de aquí, si no, habrá un muerto. Pensé que se refería a que lo matarían a él, mi padrastro, claro, a punta de batazos. Pero cuando vi que, de las entrañas de su gaveta de ropas amuñuñadas, sacó una pistolota que atrapó el haz de luz de un carro, que al dispararlo hacia mis ojos y enceguecerlos de inmediato, supe quien se volvería a quedar sin marido otra vez. Me voy, Pablo, me voy. Cuando pasen cosas como éstas, métete debajo de la cama y me llamas al siguiente día si es de noche, y en la noche si aún es de día. Cuando hables conmigo, no lo hagas muy alto. Tuveunproblemaencasametengoqueirdeaquísinohabráunmuerto. La frase de mi hermano se movía en mi cabeza como un tren que se desliza por los rieles de una montaña rusa. Tuveunproblemaencasametengoqueirdeaquísinohabráunmuerto. Temí que mi madre y padrastro pudieran sentir esas palabras con sus poderes telepáticos. Mi esperanza se alimentaba con el estado agitado de la atmósfera y que ésta desviara estos sonidos hacia otra parte, que los vertiera por alguna ventana, por alguna cañería. De este modo, el tren se iba a extraviar. De ese día hasta hoy, ha pasado un mes. Soy un mes más viejo y me faltan cuatro meses para los siete años. El consejo de mi hermano en la génesis de la era del miedo, lo asumí con valentía. A la semana, mi padrastro puso una de esas películas a todo volumen. Mi mamá con los mismos gritos. Con los mismos gritos y muchos no. Y muchas quejas. La cama de ellos empezó a martillar la pared. Mi mamá gritaba fuerte. Mi padrastro también, pero articulaba palabras, decía: Así es que te gusta que te den, por detrás. Y la llamaba perra, la llamaba perra una y cien veces más. Yo pensé en buscar un arma en la gaveta de mi hermano. Desde luego, estaba vacía. El consejo de mi hermano se me disparó por la cabeza, y empezó a rebotar en la paredes del cráneo. Sentí como la cabeza me latía por dentro. Me metí debajo de la cama. Miedos anteriores eran eclipsados. Pero, al contrario de lo que me pasaba cuando niño, o cuando más niño, no podía por nada en el mundo sacar mis extremidades más allá de las faldas de mi cama. Todo era igual. Todo estaba al revés, pero igual. Telefonear a mi hermano no podía. A mamá se le olvidó pagar el teléfono. Padrastro enfureció. Debajo de la cama, el techo es la misma cama y es como si te cayera encima el mundo, te sientes en un ataúd, como en el ataúd de El Museo de los Niños. Ahora los monstruos estaban sueltos por la casa. Cuando escucho a mamá gritar fuerte, siento toallazos en la espalda que me hacen crecer un año. Dentro de un par de semanas podré ir con mi hermano y su amiga a ver películas censura B. Le contaré todo lo que ha pasado después que acaricie en el cabello preñado de ganchitos tres veces a su amiga.

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FotografĂ­a por Silvia Monagas / Sclamotion

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x100 mĂşsica hecha en venezuela

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ยกOJO! MIRA QUE

A SANTA TAMBIร‰N

LE GUSTA

TENER

SU BUENA DOSIS DE

MUHEVE. 56


ilustraci贸n Hernan Ru铆z www.nansu.com.ve


Todas las bocas azules: Crónica de diez días en Cuba.

por Noelia Depaoli

En el avión lo tenía muy claro. Lo primero que haría al llegar a La Habana sería encender un tabaco “Cohíba” con un billete de cien dólares. Por supuesto, si todo salía bien. Básicamente, la idea era disfrutar lo más posible mi estadía en un país comunista. La historia del niño feo y todo lo demás Llegué al “José Martí II” a las doce de la noche. Estaba sudada, casi pierdo el vuelo y mi cámara se había perdido en algún lugar entre Guarenas y Caracas. Ya me habían advertido de lo que debía llevar a Cuba para congraciarme con los nativos: Chocolate. Para tal fin, dejé una bolsa de chocolate en mi bolsito de mano y al momento de ser chequeada por una chica de la aduana cubana, me dispuse a ofrecer el chocolate. –Aquí tiene rico chocolate venezolano.- dije, con mi cara que denotaba una superioridad diplomática arrolladora–No podemos aceptar eso. –Pero, pero es solo chocolate – tartamudee al descubrir que mis planes de conquistar la isla estaban por esfumarse–No podemos aceptarlo, bienvenida a Cuba.- dijo, mientras sellaba mi visa turista con odio inusitado. “No podemos aceptarlo…” lo que la cubana quiso decir en realidad, después de cierta reflexión antropológica fue: No queremos tus tentaciones ni tus sobornos baratos. Ese fue el análisis que compartí con mi compañera de viaje, mientras nos tomábamos unos mojitos en El Vedado. Mi compañera que digería el humo de su tabaco como si tragara un huevo entero me dio la razón, añadió dos o tres elementos más al análisis y sorbía de su trago sin demasiado entusiasmo. La calles del Vedado eran recorridas con pasión por la gente de la capital, ya que por ahí se juntan muchos de los centros nocturnos frecuentados por los locales de la isla, luego están los otros centros nocturnos (los más finos) ubicados, en su mayoría, en La Habana Vieja. Pero esos están dolarizados y los nativos no pueden pagarlos. ¿Es esa mi venganza sociológica contra la cubana de la aduana que despreció lo que, probablemente sea, el mejor chocolate del mundo? ¿Será esa su manera de reivindicar su identidad nacional? De pronto dejé de sentir odio por la emisaria del comunismo y me sentí mal por ella. ¡Otro mojito por favor! 58


Ya iba por mi tercer trago, cuando vemos entrar a una personita que no pasaba del metro cincuenta. Ojos pequeños y nariz enorme. Pasó seguro y rápido. Mi compañera hizo que no lo vió, pero para mi fue como un milagro. Hagamos cultura con las uñas, se nos quedan incrustadas las ganas bajo la piel. Luego encendamos unas velas para secarnos como camarones sobre una balsa. ¡Ah, qué linda la Habana! –Mira, este encuentro lo hacemos con las uñas – Me dice el anfitrión de un programa de radio– ¿Y por qué no gastan el dinero en algo más importante entonces? ¬– ¿Y la cultura no te parece importante? –Imprescindible. No obstante, creo que si me ponen a escoger entre una invitación a comer y una ida al teatro, me quedo con la invitación a comer; es cuestión de gustos. Esa pregunta me remontó a mis tiempos de tesis de grado, cuando hablaba del consumo cultural y como los ciudadanos consumen los bienes de la industria cultural más por el valor simbólico que por el utilitario. En Holguín la gente es harta consumidora cultural: La ciudad de los parques y los poetas. Ahí mismo conocí a una poetisa de nombre sugerente. Leímos casi todo su libro y a las doce de la noche, estábamos con otro poeta recostados en una azotea, bebiendo “Curaçao Azul” comprado con los últimos tres dólares que me quedaban. Tenía unas ganas enormes de fumar marihuana…marihuana comunista. Pero mis compañeros no tenían (Ni dinero, ni contactos) y tuve que conformarme con leer poesía desesperada mientras me emborrachaba ante la mirada reflexiva del Che. –Algún día saldremos de aquí. – Me dice, uno de los poetas– ¡Ah! Mi estrella distante, por supuesto que saldrás – le dije, sin la más mínima esperanzaLa poetisa se había alejado. El poeta tomó mi rostro entre sus manos y me besó. Pensé mucho en los camarones y también en Caracas. Ambos teníamos las bocas azules. Ya no me quedaban los cien dólares ni el tabaco.

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Revista Muheve sexta edición  

6ta edición de la revista digital bimestral de la música hecha en Venezuela

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