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MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

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editorial

Para no desentonar con la edición, nos plagiamos de varios sitios de Internet algunas rolas que, en mayor o menor grado, deben su creación a otras. Existen varios videos en YouTube para que hasta la persona menos hábil en cazar fusiles se saque un diez en este examen. Escribe en la línea el nombre de la banda y la canción que fueron más que inspiración para estos plagios, y elige a tu campeón.

Representantes en el interior de la República Aguascalientes :: Lic.Blanca A. Jiménez blancaajr@hotmail.com Puebla :: Ricardo Cartas Figueroa ricardocartas@revistamarvin.com :: José Antonio Flores Cabrera joseantonio@revistamarvin.com Tijuana Radioglobal :: Jesús Antonio Lopez Rojo jesus@revistamarvin.com :: Manuel Cabrera manuel@revistamarvin.com Pachuca :: Nayely Olvera nayely@revistamarvin.com Consejo Editorial Monterrey :: Marisol Argüelles, Gabriela Fenton, Roberto :: Nicolás Chapa Garza, Camilo Lara, Eliana Pasáran, Nacho nicolas@revistamarvin.com Rettally, Jaime Romandía, Joselo Rangel, Carlos Verástegui. Imprenta

Marvin TV: :: Pedro Velasco pedro@lphantfilms.com :: Pablo Segovia pablo@lphantfilms.com

julio-agosto/2010

Pearl Jam “Given to Fly” Elastica “Connection” Offspring “Why Don’t You Get a Job” Soda Stereo “Zoom” RHCP “Dani California” Nirvana “Come As You Are” Panda “El Vaticano” Panda “Oro” Panda “!Hola!” Panda “Muñeca” Jet “Are You Gonna Be My Girl” Greenday “Warning” Maná “Labios compartidos” Greenday “Boulevard Of Broken Dreams” Seguramente has detectado plagios más descarados, visita nuestra sección Más, Más, Más en marvin.com.mx para compartirnos los tuyos. Vicente Jáuregui Fe de erratas: en nuestra edición pasada borramos accidentalmente el crédito de la entrevista al colectivo canadiense Broken Social Scene. Una disculpa a Juan Carlos Hidalgo y Edgar Chávez, autores del mismo. Como para sonrojarnos aún más, en la página 65 escribimos Servia en lugar de Serbia. Sin palabras.

quiénes somos Pedro Salinas Originario de San Luis Potosí, fan de comer, chelear, ir al baño y dormir. Me gusta el rock and roll, las chicas y tocar con la banda.

Bruno El recién graduado — sin honores, y de puro panzazo— de la "Escuelita para perros Condesa". Es un guardián y vigilante de raza salchicha, que no disfruta de la presencia de los extraños, ya que le caen mal. Su pequeño tamaño no le impide brindarnos seguridad ante cualquier amenaza, sino pregúntenle al cartero, al que nos cuida los coches, al mensajero, a los ganadores que vienen por sus pases y premios, o a cualquier incauto que nos visite.


índice

marvin.com.mx

música

Marvin TV:

18 La Bien Querida de España.

The Fiery Furnaces

20 Delorean. Estallando las pistas de baile. 22 El despertar místico–espiritual de Adanowsky.

Panóptica Orchestra

24 Eric el Niño. La revolución tiene que ser divertida.

esencia marvin:

26 Holly Miranda y la librería privada de los magos.

Visita esta sección y descubre fotos, videos y todo lo relacionado con el ciclo Esencia Marvin en El Imperial.

28 Department of Eagles. Arpegios de nostaligia y alcances terapéuticos. 30 Sleigh Bells. Caos y belleza para musicalizar al mundo. 32 M.I.A. We all born free. 34 The National y el lado terrible del amor. 36 Después de Nine Inch Nails: How To Destroy Angels.

48 en portada Chemical Brothers. cine

Más Más Más:

Rastro Sonoro De géneros musicales, artistas y obras que vale la pena revisitar. Lazy Cobra. Un breve paseo por el mundo del diseño, la ilustración y la pintura.

50 EL SÓTANO Guerrilleros de sala de espera. 52 Guía de cine veraniego 2010. 56 Dennis Hopper. Réquiem por el último de los malditos. 58 Lost. Perdidos para encontrarse.

arte 60 Historias del Alicia.

de fondo 38 Plagio Vs Influencia: gloria de unos infierno de otros.

¡Dios mío qué hago!

Conciertos, exposiciones, funciones de cine y demás eventos en nuestra agenda. síguenos en twitter

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de culto 62 Plagios musicales. La Ley y el desorden. 66 La eterna invención del hilo negro.

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68 Plagio: nada se crea, todo se transforma.

ademÁs 8 Buenas Nuevas. Noticias de música, cine y arte. 14 Estilo Tendencias actuales. 16 Gadgets Lo último en tecnología. Reseñas Música 70 Cine 75 Libros 76 Cómics 77 Gamer 78 Links79 80 El Pilón Laura I. Gómez.

Una vez que hayas leido y disfrutado el contenido de esta edición, no me tires, mejor aprovecha mi papel reciclable, rólame o comienza a coleccionarme.M


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música

Esencia Marvin: Panóptica Orchestra + Kay de NSM PSM

El primer semestre de este 2010 se ha ido como agua entre los dedos. Afortunadamente la música no ha parado de sonar en estos seis meses, y como ya es costumbre, celebramos una más de las ya famosas fiestas Esencia Marvin en el Club Imperial. En esta ocasión el cartel se integró con un par de dignos representantes de la escena electrónica nacional, ambos con el don de hipnotizar a una audiencia (por difícil que esta sea) de cualquier parte del mundo. El acto principal corrió a cargo de Roberto Mendoza y su Panóptica Orchestra, quien hizo de la pista del Imperial una extensión de la ciudad de Tijuana. A pesar de que NPO se presentó en modalidad de DJ Set, el tijuanense logró conectarse perfectamente con los asistentes a tal grado que mantuvo a todo el público moviendo los pies. El set se compuso, en su mayoría, por los tracks que integran su nueva producción discográfica titulada Panóptica Orchestra, la cual está por salir a la venta. Panóptica Orchestra dejó al público del Imperial con ganas de más, y el encargado de cerrar la noche de manera magistral fue Kay, integrante de NSM PSM, quien ofreció un vibrante DJ set que prendió a la audiencia hasta altas horas de la madrugada. Sin lugar a dudas, la Esencia Marvin del pasado miércoles 2 de julio fue una excelente manera de despedir la primera mitad de este año para iniciar con todo el segundo semestre de 2010.


música

Club el Imperial. Segundo aniversario Las noches del 19 y 20 de mayo, el Club Imperial festejó dos años de vida con un artista sorpresa: El Rey del rock and roll, Elvis Presley, fue personificado por un imitador que nos remontó a los años dorados de este género. Muy buenas interpretaciones de rolas como “Suspicious Minds”, “I Can’t Help Falling In Love With You” o “Johnny B. Good” de Chuck Berry, así como una generosa barra libre anticipaban una noche con toneladas de rock. Después de 24 meses de fiesta sin tregua. el Imperial se ha convertido en todo un referente para enterarse de las mejores propuestas musicales nacionales –e incluso varias internacionales– con un buen sonido, inigualable ambiente, y todo bajo una decoración vintage que nos remonta a algún cabaret parisino. Ojalá que este lugar tan importante para la escena del rock se mantenga como un semillero de talentos… ¡Larga vida al Imperial!

La importancia de los netlabels hoy en día Texto: Daniel Patlán | LifeBoxset.com • LifeBoxset.com no es un netlabel, pero es una gran referencia musical. Está más que comprobado que las nuevas tecnologías ayudan sobre manera a poder compartir y lograr que la música llegue a lugares impensables, y una de estas herramientas son, sin duda, los netlabels. Los netlabels son disqueras por Internet cuya principal diferencia respecto a una disquera tradicional radica en que apoyan al cien por ciento las descargas gratuitas, ayudadas de la licencia Creative Commons. Actualmente, los netlabels son una alternativa para que las bandas independientes puedan destacar dentro de la escena musical local e incluso internacional. A pesar de que para hacer un netlabel sólo se necesita un website, hace falta la continuidad, y para ello se necesita que haya gente trabajandoen sintonía, escuchando demos, buscando bandas, creando boletines de prensa, etc. Sin embargo, el talón de Aquiles de un netlabel es su misma política: al no cobrar por el servicio, es necesario tener otra fuente de ingresos que permita seguir realizando el trabajo, y la situación implica un peligro permanente. Lo anterior no quiere decir que los netlabels estén extintos, en México hay algunos que siguen activos a pesar de todas las carencias antes mencionadas: Poni Republic, Nimbo, Mandorla, Umor Rex, entre otras. Grandes propuestas han salido de esos barrios virtuales, grandes bandas le deben mucho a los netlabels, pues son de las pocas cosas que honesta y sinceramente apoyan a las escenas musicales del mundo.

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música

Inspirando a través del Rock Rock&LOVE es un movimiento de personas que busca inspirar a otras a cambiar su forma de pensar a través del poder del Rock y la belleza del LOVE. El colectivo está conformado por talentos con amplia experiencia en la comunicación, de manera que bandas, artistas, voluntarios, ONG, sponsors y empresas, se unen con la finalidad de realizar proyectos de desarrollo en México y en el mundo, aplicando los conceptos “100% para caridad” y “just by asking”. A su vez, Rock&LOVE desarrolló una innovadora manera de recaudar fondos al utilizar de manera armónica el entretenimiento, la publicidad, el marketing, la comunicación y la música, con el objetivo de ayudar a las causas más necesitadas en México y en el mundo. La misión es lograr que la gente vuelva a creer en las organizaciones sin fines de lucro dirigiendo el 100% del dinero de los donantes hacia proyectos de países no desarrollados, y mostrando pruebas (videos, fotos y multimedia) en tiempo real. En Rock&LOVE se busca llevar y alentar una vida más ética y equilibrada con el medio ambiente y el entorno social que nos rodea. Bandas como Los Amigos Invisibles, Los Liquits, Los músicos de José, Sour Soul, Shenan, Beat Buffet, Simplifires entre muchos otros, ya se han unido al movimiento y apoyan de una manera activa e invaluable al movimiento. El día 21 de julio, Rock&LOVE se presentará oficialmente ante los medios mexicanos con happenings, bandas invitadas y varias sorpresas. La cita será en un casino de la ciudad de gran prestigio. Estaremos anunciando en nuestro sitio web el lugar exacto de la presentación y regalaremos boletos para que asistas. visita www.marvin.com.mx

¿Buscas ser un rockstar? Bacardi B Live A&R La escena del rock nacional se ha convertido en un ecosistema viciado por muchos factores, en donde pareciera que ahora todo mundo quiere ser estrella de rock. Peor aún, las convocatorias para participar en eventos que buscan descubrir nuevos talentos crecen rápidamente, pero no siempre con la garantía de que el organizador de cada uno de estos eventos tiene la posibilidad real de lanzar propuestas al estrellato. Ante este panorama, Bacardi lanza “B Live A&R”, en alianza con Universal Music México, presenta una convocatoria dirigida a las bandas de rock que desean convertirse en rockstars. Además de buscar las propuestas musicales más interesantes, el objetivo es encontrar las mejores historias que demuestren todo lo que un grupo está dispuesto a hacer con tal de ser los próximos rockstars de México. El ganador obtendrá la producción de un disco, un videoclip; además del diseño y costeo de un plan de marketing. Dicho certamen va dirigido a los exponentes que nunca han firmado con alguna disquera transnacional. Sin embargo, pueden ser aceptados aquellos artistas que hayan lanzado un disco con alguna disquera independiente. Para conocer las bases y las etapas de este concurso, visita:

www.bacardiexperience.com.mx


cine

Stones in Exile: Los Rolling en Francia En la pasada edición del festival de cine de Cannes se estrenó a nivel mundial Stones in, un documental con escenas inéditas de los Rolling durante su auto–exilio en Francia, país donde rentaron una casa para grabar el Exile on Main Street, uno de sus discos más representativos. En ese lapso la banda se entregó a los excesos y el álbum fue logrado después de largas y caóticas sesiones, que finalmente plasmaron canciones criticadas por los medios, pero que finalmente hicieron mella en sus fans. Bajo la dirección de Stephen Kijak, uno de los mayores atributos de este documental son las imágenes inéditas la banda, así como las entrevistas con Don Was, Jack White o Martin Scorsese.

Gravity:

Alfonso Cuarón y Robert Downey Jr.

Naco es chido

El falso documental de Botellita de Jerez

Naco es chido Director: Sergio Arau Reparto: Armando Vega-Gil, Sergio Arau, Francisco Barrios, Yareli Arizmendi Guión: Sergio Arau, Tihui Arau, Francisco Barrios, Armando Vega-Gil Fotografía: Gerardo Barroso

Por fin y justo cuando arranca el mundial de Sudáfrica se estrena Naco es chido, el falso documental sobre la falsa historia de la Botellita de Jerez. La cinta dirigida por Sergio Arau muestra cómo estos guacarockers se han tomado muy poco en serio a sí mismos desde sus primeros días a inicios de los 80. Adelantados a su época, los botellos se convirtieron en una banda de culto cuando el chilango clase mediero asumió con orgullo que ser naco es chido. Este falso documental es recomendable no sólo para los fans de la banda, sino para todo el público cansado de tanto cine dizque cómico que, lejos de ser gracioso, sólo nos deja indignados. Además, nos muestra con un tono mordaz que el verdadero sentido del humor, jamás estará peleado con la inteligencia TXT:: Vicente Jáuregui.

Hace un rato que no sabíamos nada sobre Gravity, la nueva película de Alfonso Cuarón. En marzo se anunció que Robert Downey Jr. firmó un contrato para protagonizarla, y ahora se revelan nuevos detalles del film. En declaraciones recientes publicadas en el sitio web oficial de la peli se comentó que “Gravity es el próximo Avatar en términos de ambición. Hay muchos objetivos visualmente impresionantes e innovadores para este proyecto. Toda la película se hará aquí en Framestore. En efecto, la película será como Avatar con el 60% de animación CG y el resto una combinación de CG híbridos con la acción, elementos vivos”. ¿Será?

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arte

Barcelona en Vértigo Galería Se aproxima el verano y con él dos exposiciones nos llegan desde Barcelona. La primera es “Hombres de musgo, hiedra venenosa” de la ilustradora Carmen Segovia, que nos presenta una serie de dibujos y objetos que develan los rincones más obscuros de un patio imaginario. Por otra parte está “Pintoresco puntiagudo” de Pau Masiques, una muestra que cuestiona los límites que hay entre el grabado, la ilustración y la escultura. En ese tenor, confluyen aquí tanto el expresionismo de principios del siglo pasado, el imaginario religioso, los cómics y el grabado popular.

Comex Series

Arte, música, arquitectura, diseño, moda El pasado 14 de junio, Grupo Comex presentó al público el proyecto Comex Series, una iniciativa interdisciplinaria en la que Brian Eno (músico), Eva Vale (artista plástica), Michel Rojkind (arquitecto), Héctor Esrawe (diseñador industrial) y Macario Jimenez hicieron una selección personal de colores de la paleta de Comex en una serie de trípticos que serán exhibidos en restaurantes, hoteles y otros espacios de las ciudades de México, Guadalajara y Monterrey.

Somos/Soy

Muestra fotográfica Internacional de retrato TXT:: Christian de la Huerta. SOMOS/SOY se originó en Monterrey a través de una convocatoria por Internet. Su propósito es mostrar identidades, diversidad humana, mundos personales y colectivos con 55 piezas pertenecientes a fotógrafos de Argentina, España, Venezuela, México, El Salvador, Perú, Colombia, Estados Unidos, Portugal, Grecia, Cuba, Chile, España y Bolivia. La organización y difusión de la muestra está a cargo de Ruth Rodríguez, fotógrafa y promotora de las artes. En lo que va del año, la muestra se exhibió en Saltillo, Coahuila, y durante los meses de junio y julio estará presentándose en la ciudad del Cerro de la Silla para posteriormente trasladarse a Guadalajara, Veracruz y la Ciudad de México. Se tienen planes para visitar Argentina, Colombia, Perú y Venezuela. El proyecto puede previsualizarse en somosysoyfotografía.com. Para mayores informes favor de contactarse a través de los correos contacto@somosysoyfotografia.com y/o somosysoy@gmail.com

Ambas exposiciones serán exhibidas del 23 de junio al 11 de agosto Vértigo Galería Colima 23-A. Roma Norte www.vertigogaleria.com

100 x 100 cómic:

homenaje de autor a autor TXT:: Juan Carlos Hidalgo. La Alhóndiga de Bilbao es un espacio recién restaurado que apenas se suma a la oferta cultural, ya sea entendida como una aportación del país vasco o del estado español. En cualquier caso, hasta finales de agosto ofrece una magna exposición que bien merece ser retomada para este número de Marvin, ya que para su comisario Antonio Altarriba (Premio Nacional del Cómic de Cataluña y premios a la Mejor obra y guión en la última edición del Salón del Cómic de Barcelona por El arte de volar), se trata “parodias subversivas”, “recreaciones cómplices” e “interesantes diálogos”. En la exposición 100 x 100 Cómic se exhiben 50 originales de las grandes figuras históricas del llamado Noveno arte, y creadores de personajes tan conocidos como Dick Tracy, Mortaledo y Filemón, The Spirit y Asterix, junto a las correspondientes versiones –unas más respetuosas que otras– realizadas por seis vascos, nueve del resto de España y 35 extranjeros. Cada uno de los “interpretes” tomarón como referencia una viñeta original de uno de sus maestros para inspirarse y crear una nueva obra. De este modo, se ha conseguido dar cita en un mismo espacio a los grandes nombres del cómic con las nuevas promesas, en un intercambio que propicia desde guiños y complicidades hasta subversiones e irreverencias. De manera paralela, se llevaron a cabo las III Jornadas AlhóndigaKomik, que en esta edición abordaron tres importantes tendencias del cómic: aventura, manga y superhéroes.


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L A B S e r i e s Cuida

tu piel

Power Brightening Serum Reduce la aparición de manchas oscuras, unifica el tono de la piel para brindar un aspecto más joven y sano. P o w e r P r o t e c t o r SP F 5 0 Loción de protección solar de uso diario para aclarar y prevenir decoloraciones de la piel, además de que empareja el tono y la textura de la piel.

Reebok ZigTech

La bebida energética para los pies

Sin dejar atrás la línea de diversión tanto dentro como fuera del gimnasio, el equipo de Innovación Avanzada de Reebok liderado por el ex–ingeniero de la NASA, Bill McInnis, lanza al mercado: ZigTech de Reebok. La nueva tecnología ZigTech reduce el desgaste de los músculos de la pierna hasta en un 20%, lo que permite entrenar más duro por más tiempo, lo cual se convierte literal en “una bebida energética para los pies”. La suela en forma de zigzag absorbe el impacto del golpe del talón y manda una ola de energía a lo largo del calzado, impulsando al atleta hacia adelante con cada paso, lo cual hace de ZigTech, el nuevo estándar de calzado único en su clase, para correr y entrenar de manera segura, con el mayor rendimiento posible. “El calzado es perfecto para mí y mis necesidades – es atrevido y me da ese empuje extra para ser capaz de trabajar al máximo”. Thierry Henry (futbolista)


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Circolo

de Nescafé Dolce Gusto

La gama de máquinas Nescafé Dolce Gusto siempre ha destacado debido a sus excéntricos y coloridos diseños que han dado un nuevo aire y estilo al mundo de las cafeteras. Sus diseños han logrado trascender el espacio habitual en el que se les ubicaba, la cocina, para poder ser colocadas en cualquier parte del hogar u oficina como otro articulo ornamental.  Ahora les presentamos la cafetera Circolo de Nescafé Dolce Gusto, la cual fue ganadora del Premio Internacional de Diseño IF2010 “Al Diseño de Producto” por su impresionante y moderno diseño, lleno de estética y sofisticación. Sin lugar a dudas un excelente electrodoméstico que hará más divertida la actividad de preparar y servirse café.

Llegó el

i1 de

Nextel

Desarrollado por Motorola, se trata del primer smartphone con Conexión Directa® (radio digital) y plataforma Android™ en el mercado mexicano. Su función recuerda las últimas 6 aplicaciones utilizadas con sólo presionar una tecla además de permitir disfrutar las ventajas que ofrece la conexión directa simultáneamente. La experiencia multimedia se complementa con una cámara de 5 megapíxeles con funciones de etiquetado geográfico y tomas panorámicas, reproductor MP3 y 8GB de memoria expansible. También incluye Facebook® precargado y el innovador sistema de escritura, SWYPE, que hace más fácil la experiencia de ingresar texto.

INTEL

R e g r e s a a Cl a s e s c o n l a m e j o r c o m p u t a d o r a

Intel te ayuda a escoger mejor tu equipo de acuerdo a tus necesidades, y entre sus opciones hay la básica, multitareas, divertida o exigente. Escucha música mientras chateas y haces tu tarea, reproduce video con excelente nitidez y audio a nivel profesional. Con la familia Intel Core puedes escoger el equipo ideal. Define tu siguiente equipo e infórmate en www.miproximapc.com

Xpod

de Sony

El nuevo autoestéreo DSX-S100 es el primero con una bandeja inteligente para conectar tu reproductor de audio portátil al USB interno, de manera que te olvidarás de cables y podrás disfrutar muchas horas de música. Su bandeja es compatible con Walkman, Ipod y memorias USB, y cuenta con un dispositivo de alerta que indica si el reproductor aún está adentro del auto cuando el motor se apaga Además, cuenta con tecnología ZAPPIN para buscar las canciones sin quitar la vista del camino.


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LA BIEN QUERIDA DE ESPAnA TXT:: Tony Romay. FOT:: cortesía Elephant Records

Entonces llevas poco tiempo en esto. Si, el disco salió el año pasado y la maqueta hace dos años, o sea que en la música llevo tres años. Como te comentaba, no tenía ninguna pretensión, era totalmente inocente, yo estaba como en una burbuja, feliz. Entonces Elefant Records me fichó y me preguntó quién quería que me produjera el disco, yo les dije que David Rodriguez, de los Beef y La Estrella de David, pensé que como lo que hace él es tan opuesto a lo que hago yo, juntándonos podría salir algo muy padre, muy diferente, por eso Romancero quedó tan especial, yo creo. ¿Quién toca en Romancero aparte de ti? Toca David (Rodríguez), que además hace los arreglos, también contamos con gente increíble como la Orquesta Árabe de Barcelona, que nos hizo los arreglos árabes, y gente del flamenco y del jazz. El disco es pop pero tiene esos toques que lo hacen especial y diferente a todo el pop que se escucha.

Ana Fernández–Villaverde, alias La Bien Querida, es una artista española que comenzó en la pintura, y que gracias a los consejos de sus amigos músicos, entre ellos J de Los Planetas y el Señor Chinarro, compuso y grabó un disco llamado Romancero que llamó la atención de los medios españoles, causando que algunos lo catalogaran como el mejor disco de 2009. Como parte del nacimiento de Elefant Records México, el sello decidió que este fuera su primer lanzamiento en nuestro país, y como parte del festejo, vinieron a presentarlo abriendo un par de conciertos a Julieta Venegas, y tocando en El Imperial y en el Centro Cultural España, lugar donde pudimos platicar con ella después de su show. Eres pintora, ¿cómo tomaste la decisión de dedicarte también a la música, cómo surgió La Bien Querida? Pues fue una cosa totalmente natural sin ninguna pretensión de nada. Me apetecía aprender a tocar la guitarra, me la compré, empecé a tocar y al mismo tiempo a componer, tenía amigos músicos que me apoyaron un montón y que me animaron, también eso influyó. Subí una maqueta a MySpace, ni siquiera la envié a alguna disquera, ellas vinieron a mí. Eso también es suerte. Mucha, la suerte existe, claro. Y aparte ayudó el hecho de tener esa clase de amigos. ¿Hubo alguien en especial que te impulsara a hacer esto? Sí, un amigo mío de Los Planetas, J. Cuando vio que tenía cualidades me dijo que se me daba muy bien esto, que siguiera haciendo canciones, que están muy bonitas, que hiciéramos algo. Entonces sentí el apoyo de J, que es una persona muy conocida en España, y el Señor Chinarro también me apoyó un montón, al principio fue así, hace dos años. Ellos tienen muchos fans y eso ayudó a darme a conocer.

Para pintar te inspiras en ciertas cosas, ¿para hacer música te inspiras en las mismas o viene de otro lado? Es lo mismo, yo me inspiro en mi propia vida, en mis experiencias como mujer y las cosas que me pasan, pero lo que hay que tener en cuenta es que una canción es una canción, y la vida es la vida, en las canciones dices cosas que igual en la vida no te atreverías a decir, es como un alter ego, ahí lo sacas, pero yo no soy como las canciones, no soy tan blanda (risas), todo lo contrario, pero ahí lo saco y eso está muy bien como vía de escape. ¿Compones mucho? Si, compongo mucho. ¿Cómo vas con tu segundo disco? Ya estamos grabándolo. Yo creo que saldrá a finales de este año o principios del próximo. Como Elefant ya está asentado aquí en México, saldrá al mismo tiempo que en España. Con el disco pasado no sucedió esto. Eso es una gran ventaja para ti, el que Elefant ahora esté en México y acerque el disco a la gente. Claro, es una ventaja, de por sí ya con Internet es increíble. El otro día en El Imperial, la gente se sabía las canciones, me entraron ganas de llorar de emoción, no me lo podía creer, es precioso. ¿Cómo has asimilado este éxito? Con los pies en la tierra y sabiendo que puedes tener mucho éxito, pero que el siguiente disco igual a la gente ya no le gusta, vivimos en una época de consumo y lo nuevo gusta muchísimo, trato de asimilar eso para no llevarme el chasco. Tampoco te vas por una moda. No, para nada. Voy a hacer el disco que yo quiero hacer, pienso en mí, en lo que a mí me gusta, no pienso en los demás, no le puedes gustar a todo el mundo y haré algo que yo sepa defender. M


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Delorean Estallando las pistas de baile

TXT:: Guillermo Aguilar. FOT:: NachoAlegre

Existe un cuarteto de vascos que está haciendo estallar las pistas de baile en todo el mundo. Han pasado diez años y Delorean no deja de cambiar y de sorprender. Platicamos con Ekhi (bajo/voz) e Igor (batería) sobre su reciente visita a la Ciudad de México y la presentación del nuevo álbum Subiza, editado por Arts&Crafts. ¿Qué tal el concierto en la Ciudad de México? I: ¡Muy bien! Como Ekhi y yo estábamos enfermos, fuimos de poco a mucho. Ver a toda la gente tan prendida nos contagió y lo dimos todo. E: Fue un concierto en el que te das cuenta que aunque tú estés bajón, toda la gente te puede levantar. Con el mal sonido y lo mal que estábamos tocando yo pensaba que nos iban a sacar a palos, pero parece que no. Tienes que estar a la altura del público, fue un buen concierto. ¿Por qué cantan en inglés? ¿Nunca pensaron cantar en euskera? I: Cuando teníamos 14 años sí que teníamos grupos de punk en euskera. E: No tengo ningún problema en cantar en euskera o en castellano, pero Delorean ya se ha constituido así, entonces no tendría mucho sentido hacer una canción en otro idioma. La metamorfosis sonora de Delorean en cada cosa que edita es impresionante. I: Yo creo que si pones todos los discos en línea ves que es la misma banda que va evolucionando, en el primero pues se manifiesta de una manera muy ñoña, en el siguiente es más post–punk, en Into the plateau es más techno y el último es más house baleárico. En diez años creces tanto como persona, como musicalmente. E: Cuando tienes dieciséis años y empiezas en un grupo no sabes muy bien qué quieres hacer. No sabíamos que íbamos a estar diez años tocando música. ¿Qué escuchaba Delorean cuando eran adolescentes? I: Mucho punk y hardcore, cosas que ahora no pasan el test del tiempo, cosas que igual con catorce te parecían súper buenas, tú las pones ahora y dices: “esto es malísimo”.

¿Qué cosa explica el sonido de Subiza? I: Sobretodo la composición, y que hemos aprendido a utilizar la computadora. E: Ser capaces de producir el álbum como si fuéramos un productor de house, de techno o de dubstep que se sienta delante del ordenador y compone la música, que es como lo hemos hecho, Eso sí que es un factor determinante para explicar el sonido de hoy en día. Chris Coady participó a distancia en este disco I: Él hizo la mezcla, fue difícil porque en lugar de hacerlo por quince días lo hicimos durante tres meses y sólo lo podíamos hacerlo a distancia. Cuando él estaba trabajando de día, era de noche en España, entonces en un streaming ponía la música mientras estábamos hablando con él “oye sube esto, baja esto”. E: Chris Coady es un ingeniero de sonido muy bueno, hizo algo que no hubiéramos podido alcanzar por nosotros mismos. Ha hecho que todo suene muy grande, le da un feeling analógico y un cuerpo muy potente al sonido. Estamos muy orgullosos de haber trabajado con él. I: Es un ingeniero de verdad, a la altura de Champions League. Si pudieran viajar al pasado, ¿a qué momento de la historia lo harían y qué cosa cambiarían? I: Yo viajaría al partido de vuelta de la Champions de este año para dar por válido el gol. E: ¿Cuál? I: El Barça-Inter. E: O al partido de semifinales del Chelsea hace dos años cuando Iniesta marcó en el minuto noventa y tres, para estar ahí. ¿Y si pudieran viajar al futuro, cómo sonaría Delorean? I: Es algo que ni nosotros sabemos. Siempre queremos aprender nuevas cosas, aplicar técnicas nuevas que hemos aprendido y hacer algo diferente, por lo tanto no creo que hagamos un disco igual que Subiza porque artísticamente sería aburrido para nosotros. M


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El despertar mistico-espiritual de

Adanowsky TXT:: Alan De Aquino. FOT:: EMI Music.

Hace unos años, cuando salió el disco debut de Adanowsky con el personaje de “El Ídolo”, tuve la oportunidad de entrevistarlo. Ahora nos volvemos a encontrar para platicar de su nuevo disco, el cual firma bajo el nombre de "Amador". Para mi sorpresa, me topé con un artista más consolidado, con menos dudas, cada vez más aterrizado en el mundo de la música, pero siempre con bastante inquietud creativa. Adanowsky es una persona con la que de inmediato haces click, es un tipo realmente agradable con el que puedes platicar horas, y en esos minutos abarcar al mundo entero. Si algo le he respetado desde que lo conocí, es la honestidad con la que se desenvuelve como individuo. Es curioso que el personaje de este nuevo disco es totalmente contrario al de “El ídolo”, con un tempo mucho más lento que invita a la intimidad, a la obscuridad, como él mismo comenta más adelante. Cabe mencionar que Adanowsky tocó todos los instrumentos, además de componer y producir junto con Rob –compositor de la banda francesa Phoenix–. Otra curiosidad es la colaboración de Devendra Banhart en la canción “You Are The One”, la cual viene perfecta ya que el álbum entero apunta hacia un folk setentero. Esto es lo que me platicó Adanowsky del nuevo proyecto y algunos que vienen. Platícame un poco de este nuevo material Adanowsky: Este nuevo proyecto es de "Amador". Hoy es el primer día que lo anuncio a todo el mundo; se trata de un personaje romántico, obscuro, místico, obsesionado con el amor. El disco habla de sentimientos profundos, de búsqueda interior, de alguien que quiere dejar la obscuridad. Es un ser más emocional, el ídolo era más sensual. Trato de tocar temas espirituales sin caer en el new age estúpido, de ir hacia algo más profundo, de mostrar la raíz mexicana que es la espiritualidad... aquí se perdió un poco la espiritualidad, México es un país muy místico, entonces intenté conectarme un poco con eso. ¿Crees que el hilo conductor hacia ese lado místico es el amor? Sí, lo místico puede ser sexual, intelectual, corporal. Cuando hablo de emocional no sólo me refiero a un álbum de corazón, pues éste pasa por varias sensaciones. Ahora ya no me escondo, decidí no hacer ninguna concesión. Cuando compuse el disco decidí no hacer canciones para la radio, canciones para que le gusten a la gente, para vender, me enfoqué en la obra pura. El primer disco lo hice porque quería existir, pero como ya existía, tuve la oportunidad de expresar algo mío, sincero, así que no me importa si éste no se vende, si no pasa en la radio. No quisieron producirme en Francia porque todo está en español, entonces lo hice yo

solo, con mi dinero, sin que me importara nada. Lo produje con Rob y con Noah Georgeson (productor y músico de Devendra Banhart), que son personas súper humanas con quienes dejamos lo comercial de lado. ¿Qué le pasó a "El Ídolo"? Tuve que matar a "El Ídolo" porque me hubiera quedado encerrado toda mi vida en ese personaje, y un día la gente hubiera dejado de seguirlo, y yo no quería eso, así que tuve que matarlo para pasar a otra cosa y ser libre. ¿Cuántos personajes viven en ti? Millones… en realidad soy un personaje entero que se divierte y que hace creer a la gente que soy varios, pero en realidad soy uno. ¿Cuál es la aportación de "Amador"? Todo artista debería hacer una obra para cambiar al mundo, no es que sea como un dictador que quiera invadir el planeta, pero quisiera aportar algo, no con un mensaje estúpido como los cantantes mainstream. Quiero llevar a la gente otros pensamientos diferentes a los reales, quiero que entren en otro nivel. Cuando hablo de amor no digo “amor ohh me dejaste”, hablo del amor más allá de la carne, del espíritu puro con amor infinito. ¿De qué tipo de espiritualidad hablas? Estamos angustiados por esa realidad que es el dinero, los edificios, las calles, el cemento, los árboles que ni siquiera crecieron ahí, que


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Trato de tocar temas espirituales sin caer en el new age estúpido

Me da la impresión que es un disco para la intimidad. Es para hacer el amor, es muy sexual, bueno más sensual que sexual. Tengo amigos a quienes les di el disco y me dijeron, “cogí escuchando tu voz” y yo dije: "¿qué?" ¿Y fue mejor? Y fue mejor (risas). ¿Qué tanto trabajo te dio tocar todos los instrumentos? Yo no quería tocar todos los instrumentos, fue Rob quien me dijo que hiciera un disco estilo McCartney, donde tú haces todo. Me dijo que sería muy armonioso y tendría mi sensibilidad. Así que primero grabé voz, guitarra, bajo, batería y fue genial, lo quiero hacer más.

plantamos, buscamos una forma de vida que no es natural. Estamos angustiados por el sistema de la sociedad, de lo que construyó el hombre, ese es el error que cometió, el dinero es una enfermedad. Yo hablo de algo más humano. ¿Cómo sientes que la gente te ha recibido? De mejor en mejor, hay gente que me destruye, me dicen pretencioso, pero yo jugaba con los medios, con “El ídolo” era sólo un juego. Estoy sorprendido de cómo me reciben aquí, me doy cuenta de que no hay que tratar de ser alguien, sino sacar lo realmente verdadero, no importa si hablo del alcoholismo de mi madre o de la muerte de mi hermano, soy yo y no tengo miedo a decir quién soy, si me critican, qué me importa, a ellos les molesta, a mí no. En la gira pasada ¿qué artistas fueron de los que más aprendiste? De Rob por supuesto. Fue un encuentro maravilloso, fue una armonía total; Devendra Banhart se volvió un gran amigo, un primo muy simpático; Money Mark de los Beastie Boys, es un tipazo, me dio amistad. ¿El estilo de este disco le viene mejor a lo que quieres decir? Es un disco que salió así, no pensé en los tempos, no pensé en qué hacer, sólo hice canciones, el disco funciona pero en vivo era un problema para mí. Entonces busqué la solución para que en vivo sea mas rock. La solución fue agregar a un guitarrista más.

¿Cómo es tu relación con Devendra? Siento que son muy parecidos. A Devendra lo conocí porque una amiga me hizo escucharlo y me enamoré de su música. Compré todos sus discos y me encantó, tenemos las mismas influencias. Conseguí su mail y le escribí, le envié dos maquetas, le dije que eran dos canciones que no estaban terminadas, pero le comenté que quería hacer algo con él. También le envié fotos y links para que viera quién soy. Me respondió tres días después diciendo: “me encanta, soy fan, ¡qué letras!, tenemos que hacer algo juntos. Ven a Los Ángeles”. Fui y compusimos una canción en su casa. ¿Con quién te gustaría colaborar? Depende del disco, me gustaría colaborar con Jack White, con Daft Punk, con Prince. ¿Y quién te gustaría que te hablara para colaborar? Fleet Foxes. Edward Sharp. ¿Qué más te gustaría hacer aparte de la música? Me gusta dirigir mis videos, quiero escribir y dirigir una película… escribo obras de teatro, cuentos, poesía; siempre escribo, pero mi meta es hacer una película… será como a los 35 años. La otra vez me comentabas que cuando escribes llamas a los espíritus… Sí, sí, cuando era niño teníamos un cuarto donde todo era violeta, la alfombra, mi ropa, todo, y meditábamos ahí, entonces la meditación se me quedó. Medito y llamo a mis espíritus para que me posean. M


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E R IC E L N IN O

L A R E V O L U C Io N T I E N E Q U E S E R D I V E R T I D A TXT:: Humberto Polar.

El concepto de lo underground se confunde con mediocridad. Yo me quiero ir de ahí porque hoy, en 2010, si vas a un evento de hip hop las condiciones son las mismas que en el año 98: un audio feo, un flyer feo, lugares feos…


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Eric El Niño, un referente del hip hop mexicano, habla sobre la revolución, la felicidad, lo que odia de los raperos y su nuevo disco Yeah Boy. ¿Cuál es la diferencia esencial entre este nuevo disco que lanzas este mes y tus trabajos anteriores? Eric El Niño: Los discos anteriores eran más personales, más clavados, como mucho más emocionales. Con Yeah Boy pretendí divertirme y hacer que quien lo escuche se divierta. Es un disco bastante lúdico. No tiene una línea musical muy definida. De pronto hay tracks muy orgánicos y otros muy electrónicos. Trabajé con productores muy buenos de varias partes del mundo. De pronto mis otros discos eran… muy clavados. Es que estaba más joven. ¿A qué te refieres con ”clavados”? (Pausa larga) Como con más sufrimiento, más tirado al dolor que a la felicidad. Cuando te concentras tanto en el sufrimiento, te revuelcas en él una y otra vez y así puedes pasar semanas hundido para conseguir una letra. Al final eso no está “chido”, porque puedes malgastar un año de tu vida por tratar de hacer un disco. Yo pienso que al final el arte no necesariamente tiene que ser triste. He reflexionado mucho sobre esto. He reflexionado que en Latinoamérica el arte o es triste o es hostil. La música independiente es como muy contestataria y no tiene por qué ser así, necesariamente. ¿Quiere decir que ya no tienes nada contra lo que puedas protestar? No, quiere decir que quiero protestar de otra manera. Ya el hecho de hacer música, producirla y financiarla yo solo en la totalidad de mi proyecto, es un acto revolucionario, desde mi punto de vista. Prefiero demostrar con hechos que con palabras. Parece que has tomado una decisión en tu carrera, que te aleja un poco de la escena de la que has sido parte tan importante. ¿Qué te molesta tanto del hip hop en México? El problema de la escena en México es que la gente que la conforma no ha evolucionado, la mayoría no quiere que se trabaje a un nivel más profesional. Profesional implica un gran esfuerzo de parte de todos. El concepto de lo underground se confunde con mediocridad. Yo me quiero ir de ahí porque hoy, en 2010, si vas a un evento de hip hop las condiciones son las mismas que en el año 98: un audio feo, un flyer feo, lugares feos… Tiene que ver con a dónde pertenece el hip hop en México, clase media baja, y en ese sentido dicen no se puede pedir más. Pero lo que rechazo es que para mí el hip hop es superación. En EUA, a pesar de que el hip hop nació del ghetto siempre hubo ganas de salir de allí, y es lo que hace que desde esa época hasta ahora el rap tenga buena calidad en el audio, en los shows… eso en México no se ha entendido. Por eso quiero alejarme de esa escena tan hostil. Si de por sí en México existe el pedo de que nadie quiere que el de al lado progrese, en el hip hop esto se eleva al cuadrado. Pelear con eso es muy difícil. Personalmente me divierto mucho más en lugares donde no hay raperos sino gente común y corriente que gusta de escuchar buena música, que baila, oye, aprende y absorbe, y luego compra un disco y vuelve a un show de rap.

En ese sentido la hostilidad que mencionas “protege” al rap de alcanzar a mayor cantidad de gente. Hay una pugna abierta: el hip hop como vehículo de comunicación mucho más amplio, o la expresión de resistencia de un grupo minoritario. ¿Hay algo de malo con el hip hop masivo? No, de hecho está muy bien que exista el hip hop a nivel masivo. El hip hop es un estado mental universal. Gente de todo el mundo lo escucha y yo, por ejemplo, siempre he estado de acuerdo en que exista 50 Cent, Jay-Z o Lil’ Wayne. De entrada me gusta mucho su rap, estéticamente es muy bueno, rapean muy cabrón, y por otro lado a nosotros como independientes nos ayuda muchísimo que ellos existan porque es la manera de que la gente común y corriente descubre el hip hop, ¿sabes? Prendiendo MTV ven 50 Cent, pero luego goooglean “hip hop de México” y dan con nosostros, entonces los famosos juegan a nuestro favor muy cabrón, nos ayudan. Y además su música está “chida”, es música para bailar y divertirse. 50 Cent, por ejemplo, aunque se ha desviado un poco de lo que es el gansta rap, al menos mantiene la esencia del hip hop neoyorquino, que era fiesta. Fiesta y un mensaje, muy similar a la salsa. ¿Qué tipo de mensaje? Los bloc parties nacieron porque a los negros y a los latinos no los dejaban entrar a clubes populares, por eso empezaron a crear sus fiestas. Inicialmente las canciones hablaban de mujeres y de fiesta, nada más. Cuando el hip hop va a L.A. se empieza a hacer más fuerte aquello de hablar en contra de las drogas, de las armas y de las pandillas… ¿A favor o en contra? En contra. Si escuchas a pioneros del gansta rap como NWA, dicen “no está ‘chido’ drogarse, es de idiotas”. Ya después, por algún motivo, el gansta rap cambió y se volvió a favor de las pandillas… Pues la idea general es que el rap tiende a ser una apología del machismo, del hedonismo y de fracturarle las costillas a quien no te caiga bien… En NY estaban muy conscientes de los problemas de pandillas que eran muy serios en la época del crack. Afrika Bambaata proponía que la mejor manera de pelear era bailando breakdance o rapeando o viendo quién tenía el mejor soundsystem. Esa competencia era limpia, no tenía por qué terminar en balazos. Pero el sistema mismo corrompe esas buenas intenciones. ¿Qué quisieras que venga para ti? ¿La música marca tu vida? La música me define como persona, porque el arte es lo que nos da la condición de seres humanos. Crear es algo bien “chido”. Voy a seguir haciendo rap, ahorita saco este disco y ya estoy bien puesto para conseguir beats, hablando con gente que produce para hacer un disco que quiero sacar en 2011 por las mismas fechas. La verdad es que más allá de eso no sé… voy a ser papá, quizás tengo que conseguir un trabajo estable, vivir lo mejor que pueda de la música y seguir haciendo rap. Siento que va a haber un gran cambio en mi rap… el siguiente disco quiero que sea de gansta rap, pero del que se hacía al inicio. Quizás me vaya un poco más a lo social, pero siempre con ese toque ácido que tengo. Quiero que sea divertido. Para mí, la revolución tiene que ser divertida, no con este pensamiento bélico de que todo es una lucha contra el sistema. Creo que estando feliz haces mucho más. M

www.myspace.com/ericelnino


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Holly

Miranda

y la libreria privada de los magos TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: cortesía XL Recordings/ Sebastian Mlynarski.

Se dice que hay libros que poseen propiedades mágicas, que de hecho son compendios de conjuros, hechizos y encantamientos. Cada pueblo posee su propio manual de artes ocultas, ya sean del lado luminoso o maligno. De sus páginas brotan los secretos para enamorar, hacer llover u obtener una confesión del enemigo, entre otras muchas opciones. Enrique Vila–Matas narró, por ejemplo, la existencia de un libro que asesinaba a sus lectores. Se ha contado también acerca de textos que no son sino puerta de entrada a otras dimensiones –este casi debía de ser el anhelo del escritor–. Hay algunos escritos beatnicks que aun huelen a Ayahuasca y nos elevan. En la tradición de los poetas místicos se buscaba que la lectura de ciertas estrofas los condujera a la revelación y les permitiera entrar en contacto directo con la divinidad.


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En fin, se ha escrito mucho sobre los poderes místicos y mágicos de ciertos libros, pero pocas veces se le atribuyen a los discos las mismas capacidades. Quizá la experiencia psicodélica ata a ciertos álbumes históricos –pensemos en algunos de los Beatles, Jefferson Airplane, The Grateful dead y Pink Floyd– al consumo de estimulantes para maximizar la experiencia sensible. En el plano religioso, quizá a los creyentes les funcionen los cantos gregorianos; y a los gitanos el cante jondo. Pero si nos trasladamos a oriente y tomamos al canto Qawwali, que tiene en Nusrat Fateh Ali Khan a su figura más reconocible, podemos hallar una serie de artistas que suelen abrir las puertas de la percepción y el espíritu mediante su música. Un don o recurso que ya muchos quisieran.

Aunque ella se dice influida por damas de la vieja guardia, como Nina Simone y Aretha Franklin, lo cierto es que el resultado habita en los mismos alucinados parajes de Bat for Lashes, mismo reino donde Björk es algo así como la bruja blanca. Por ello no viene mal que una chica traté de construir su propio laberinto mágico, así se halle instalada en pleno corazón de Brooklyn. Suena bien que se intente dotar a este vecindario de las cualidades que permitan a una compositora reunir su “librería privada para magos” y encantadores de almas. Se agradece de entrada la intención de Holly Miranda, sabedora de que la tesitura de su voz le permite soltar serpenteantes figuras sonoras que se fugan de su garganta. Ella es como una sílfide de Williamsburg que ha ido macerando lentamente sus bebedizos auditivos. Lleva más de una década bregando en la música. Primero con The Jealous Girlfriends, el proyecto que tenía con Alex Lipsen, otro druida del sonido y colaborador de otros habituales del rumbo, como TV On The Radio, Son Volt y Yeah Yeah Yeahs. Ya en solitario, sus encantamientos comenzaron con el autoeditado High Above The City (2001), que de tan limitado se volvió invisible, y posteriormente con un EP titulado Sleep On Fire, puesto a volar a mediados del año pasado.

Mientras componía nuevo material tuvo oportunidad de irse de gira con The Antlers, The XX y Tegan and Sara. Lentamente, se fue recomendando entre gritos y susurros del boca a boca, hasta que Kanye West destapó en su blog que se trataba de un sorprendente acto a seguir. Y en Magician´s Private Library (Xl Recordings, 10) concentró la esencia destilada de sus haceres y capacidades. Una voz mitológica arropada por una especie de dream–pop de nuevo cuño, cuyos brumosos paisajes auditivos han sido todavía más enmarañados por ese chamán de la urbe de hierro que es Dave Sitek (TV On The Radio), en compañía de Katrina Ford de Celebration. Como en los ancestrales ritos irlandeses que dieron origen a la ciudad, primero se rinde tributo a la naturaleza; es por ello que el disco abre con “Forest Green Oh Forest Green”, que, además de hacer un llamamiento para profundizar en lo que vendrá, posee una parte final puesta al revés; una rareza que acerca a Holly al sonido de esas medusas gemelas conocidas como Coco Rosie. Nativa de Detroit, abandonó la casa materna a los 16 años. Avisó que se iba unas semanas a visitar a su hermana a Nueva York y no ha vuelto a Michigan para quedarse desde entonces. Aunque ha repetido que canta desde que tiene uso de razón, se nota que ha escuchado a detalle la obra de otra sacerdotisa mayor del hechizamiento por medio de la voz: Hope Sandoval. Como puede corroborarse en un video registrado para La blogotheque por Vincent Moon. La librería privada de los magos es una obra brumosa, enigmática, quizá para entrar en su onda haya que hacerle caso al segundo corte, “Joints”, para luego seguir el consejo de “Everytime I Go To Sleep”. Así nuestra percepción puede divagar entre la visión y el sueño, dimensiones desde las que las imágenes caen en cascada y alimentan la experiencia. Aunque ella se dice influida por damas de la vieja guardia, como Nina Simone y Aretha Franklin, lo cierto es que el resultado habita en los mismos alucinados parajes de Bat for Lashes, mismo reino donde Björk es algo así como la bruja blanca. Un disco lleno de olas envolventes, de ida y vuelta llevado por una voz ondulante. Trabajo artesanal al servicio de un pop etéreo que deviene en absoluta contemporaneidad. M


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Department

o f Ea g l e s Arpegios de nostalgiA y alcances terapeuticos

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía de 4AD

Desde hace décadas, los rockstars se han obstinado por vestir los outfits más provocativos, ignorando por completo la venganza de los nerds. Sin embargo, la imagen hipotética de Axl Rose bajándole el sándwich a Rivers Cuomo de Weezer fue suspendida cuando éste compuso “Undonde, The Sweater Song”, una rola convertida en himno por aquellos músicos que gustan del poco glamour y optan por subir al escenario con anteojos y suéter de rombos. Si a finales de los 70 el movimiento punk demostró que era posible tocar sin ser un gran músico, para el vocalista de Weezer el rock no estaba peleado con el college, y en ambos casos, algunos estereotipos fueron derrumbados. No toda la música tiene por qué originarse en sitios tan cliché como son un garage o un almacén industrial, también las habitaciones universitarias pueden propiciar interesantes experimentos musicales.


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The winged bear

Recién llegado el nuevo milenio, Fred Nicolaus y Daniel Rossen compartían un cuarto que la Universidad de Nueva York les dio al azar. Muy a la mexicana, el par decidió matar el aburrimiento con unos programas piratas y un micrófono prestado que usaron para registrar la evolución de una colección de samples que entre ambos transformaron en canciones. El resultado fue The Cold Nose, un disco que les generó algunos fans, así como reseñas en el San Francisco Bay Guardian y en el London Times. A propósito de esta grabación, Daniel ha comentado que no debería ser tomada tan en serio, ya que las canciones fueron escritas cuando la barba aún ni les cubría las mejillas, además de que desde entonces sus gustos han cambiado demasiado.

baterista de Grizzly Bear respectivamente; y aunque pueden trazarse varios paralelismos entre ambas bandas, sobre todo por el manejo de las armonías vocales, Department es un bocado mucho más difícil de digerir. Si hay coqueteos con el pop, éstos son de ambiciones barrocas; su aproximación al folk no es con acordes de peluquero, sino con arpegios y armonías cercanas a un jazz ensoñador; las intenciones experimentales alcanzan tonalidades épicas y, por sobre todas las cosas, sus composiciones nunca rozan lo predecible.

Para sentirse como en casa dentro de este peculiar departamento, quizá un track como “No One Does It Like You” ayude a preparar una cálida bienvenida, ya que sintetiza muy bien la esencia de la banda: al no escatimar en reverberancia es una rola que sugiere paisajes celestiales, equilibrados mediante Apenas iba arrancando la cosa elementos orquestales y texturas cuando en 2004 Daniel cambió de animal y se unió a Grizzly Bear como Como el disco intimista que es (...), se de suficiente gracia. Pero con este guitarrista, compositor y vocalista recomienda escucharlo solo, a puerta disco se requieren al menos un par secundario. Afortunadamente, ambos cerrada y sin ninguna otra actividad de escuchas para que su abigarrado demostraron ser buenos nerds y en el qué hacer en el transcurso… contenido se expanda gradualmente (si sueles descartar los discos que ínter acogieron las virtudes del e–mail no entran a la primera, quizá este para chambear con una “pedacera” de fragmentos que cada uno iba componiendo en sus ratos libres: Dani álbum sea un manjar difícil de tragar sin sentir su pesadez), pues su trabajaba en las canciones cuando no tenía fechas con Grizzly Bear, mientras melancolía tiene esa irresistible lindura de un atardecer en tonalidades Fred cumplía una jornada laboral de 9-5 que no le impedía llegar a casa para sepia. Como el disco intimista que es (Daniel ha señalado que las escribir y grabar ideas. Con todo y a pesar de la distancia, en esta serie de canciones eran demasiado personales para formar parte de Grizzly intercambios epistolares se jugaban los primeros trazos de In Ear Park, un Bear), se recomienda escucharlo solo, a puerta cerrada y sin ninguna disco cocinado a fuego lento (pasaron cuatro años en el proceso) mientras otra actividad qué hacer en el transcurso… después de todo, la elegía es varias cosas pasaban alrededor: el padre de Daniel murió y ello inspiró varias un lamento que demanda introspección. letras del disco –incluso la canción homónima al título del disco es una Por el momento la banda no se encuentra grabando un nuevo disco, referencia al parque donde Mr. Rossen y su retoño solían jugar–. En ese sentido, el proceso de composición sirvió como una suerte de pero el 20 de julio lanzarán Archive 2003–2006 a través de American catarsis para lidiar con los oscuros sentimientos aflorados a raíz del Dust, una serie de composiciones anteriores al lanzamiento de In Ear Park que permiten intuir cómo construyeron el sonido de lánguido deceso paterno. y espacial de ese álbum. La mitad de los tracks son “Practice Room Por fortuna, no fue un tratamiento que rayase en la obviedad, ni que Sketches” (esbozos del salón de ensayos N. de R.), grabados en salas de terminara como un mero paño de lágrimas cursilón. En todo caso, práctica musical en la Universidad de Nueva York, y el resto proviene lo que se gestó fue un ánimo de nostalgia lírica aterrizado en un de las “January Sessions” (sesiones de enero N. de R.) que grabaron en epitafio sonoro difícil de catalogar. Apadrinados por la legendaria 4AD septiembre de 2006. Con todos los conciertos que ahora hay en México, –disquera que rara vez firma actos poco propositivos– Department no sería descabellado que una banda tan poco valorada por acá pudiera of Eagles es una banda digna de estar en el mismo catálogo que presentarse en los siguientes meses. Sobra decir que se trataría de un Cocteau Twins, Pixies, Dead Can Dance o Blonde Readhead. In Ear show imperdible. M Park fue grabado con la ayuda Chris Taylor y Christopher Bea, bajista y


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M.I.A.

We all born free TXT:: Pedro Salinas. FOT:: Arturo Lara.

Perspectiva

Su imagen extravagante y la música inminentemente pegajosa contrastaba con un mensaje de impacto político y social. Quien escuchara atentamente, podía descrifrar que los ruidos de balazos o la repetición de temas de guerra tenía un propósito más noble que la venta de discos. M.I.A. conisguió tomar una propuesta musical interesante que resalta del mundo pop para transmitir un mensaje de alerta, siempre a favor del pobre, el oprimido, del migrante, del refugiado, de la minoría. Mucho antes de convertirse en madre y esposa de un multimillonario, forjó su visión durante la niñez al enfrentarse a muchos entornos duros y conflictivos. Su padre fue un activista político importante en el conflicto de independencia de Sri Lanka, motivo por el cual su familia tuvo que vivir primero en India y después en Reino Unido en calidad de refugiados políticos. De ahí que su nombre de escenario signifique missing in action: desaparecida en combate. De acuerdo a cierto crítico, M.I.A. impacta por ser en esencia diametralmente opuesta a la cultura estadounidense, en un mundo en el que no se necesita crear discursos aburridos para incitar el activismo. Hip hopera, diseñadora, artista visual, fundadora de su propia disquera (N.E.E.T.) y varios etcéteras más, Mathangi “Maya” Arulpragasam, lucha desde varias trincheras, ya sea coordinando proyectos altruistas en África, dando una declaración polémica en los medios, mostrando imágenes perturbadoras en su sitio web o componiendo un álbum controversial. Desde que el mixtape de 2004 Piracy Founds Terrorism comenzara a circular, M.I.A. se ha mantenido a la vanguardia de la escena mundial. Con su nuevo material, la reina del electro-hip hop está de regreso.


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Está bien agregar elementos nuevos a tus ideas, a tu existencia... Existirán más puentes construidos entre el primer mundo y el que está en vías de desarrollo. M . I . A .

“XXXO” contrasta por completo con "Born Free". El track, fácilmente podría convertirse en un éxito de la radio al contar con líneas melódicas más suaves, acompañadas de sintetizadores y armonías vocales muy apegadas al pop. Al tratarse de un tema para las pistas de baile, confunde y hace dudar al respecto del estilo musical por el que se inclinará en su nuevo álbum. Sin embargo, una línea común puede entenderse en todas las canciones. Los primeros dos sencillos, "Space Oddissey" y el resto de los tracks contienen letras que hacen referencias a las redes sociales, la persecusión y el terrorismo. El tema general quizá sea el poder de opresión que existe en los medios y la red, en contraste con la potencial liberación que podría traerle a la gente.

Arular y Kala

Nacida libre

Su primer álbum lleva por título el nombre de su padre, y fue tan bien recibido que le abrió las puertas del mainstream, además de llevarle a festivales tan importantes como Coachella y Glastonbury. El segundo lleva el nombre de su madre y trajo consigo el reconocimiento de la crítica internacional. Sus tres exitosos sencillos, entre ellos, "Paper Planes", le bastaron para posicionarse como una de las artistas más importantes y propositivas. "Paper Planes" sigue siendo su canción más popular hasta la fecha. La canción samplea la clásica "Straigth to Hell" de The Clash y fue infinitamente mezclada, tocada y comentada desde su lanzamiento. Ambos discos son directos, con letras explícitas de alto contenido político, combinaciones sonoras potentes, ritmos folclóricos mezclados con beats duros y agresivos. Son producto del multiculturalismo en el que M.I.A. se crió, pero más aún, se vuelven un híbrido cultural e ideológico que consiguió saltar fronteras.

/\/\/\Y/\

Su tercer álbum de estudio se titula simplemente MAYA (/\/\/\Y/\). En él existe un evidente cambio en el estilo y concepto con respecto a sus producciones anteriores. Según M.I.A., su nuevo disco está inspirado en el Internet y se refiere a él como "esquizofrénico". Los cambios se notan desde la parte estética. Ya circula una muy buena serie de imágenes 3D y la renovación de su sitio MySpace. Incluso en su apariencia se muestra ligeramente menos cargada de maquillaje e indumentaria. Sin embargo, se burla una vez más de la industria al lanzar una de las portadas más espantosas en la historia de la música. Se ve su rostro cubierto por barras de reproductor de YouTube, en respuesta a la censura del video de su primer sencillo en el sitio. La medida, un tanto exagerada por parte de la compañía, sirvió de gran medio publicitario a la artista: la misma imagen fue usada en una campaña de espectaculares que desplegó M.I.A. en el Reino Unido en el marco de las elecciones, justo cuando se censuró el video (en esa campaña se leía la palabra "Respect"). En la parte musical, las canciones mantienen la fuerza que imprime su toque personal, mezcladas con esa actitud punk que tan bien le queda, pero con variaciones en la experimentación. Es el caso de "Born Free", el primer corte del disco, que salió a la luz acompañado de un video crudo y controversial con referencias genocidas de gran carga social, se muestran escenas explícitas y violentas contra minorías de varios países del mundo, lo que hace pensar que fue totalmente concebido para la censura directa. Fue dirigido por Romain Gavras, quien ya había ocasionado polémica con el video "Stress" de Justice.

M.I.A. es impredecible. Como típica chica de barrio hace lo que le pega en gana cuando le da la gana. Ha dejado claro que es fanática de causar polémica y entrarle al escándalo en cuanto ve una buena oportunidad. Por ejemplo, provocó especulaciones sobre su retiro (festival Bonaroo, 2008), criticó abiertamente al gobierno de Sri Lanka y las políticas de Norteamérica y emitió declaraciones en contra de Lady Gaga y muchos otros íconos pop. Recientemente, en una acción muy a su estilo se vengó de una reportera que la entrevistó para el New York Times publicando su teléfono vía Twitter, ya que no le gustó la edición de la entrevista. M.I.A. se convirtió en una afrenta constante contra lo establecido, lo políticamente correcto o socialmente aceptado. Incluso contra los cánones estéticos sajones. Las prendas que usa pudieron haber sido obtenidas lo mismo en un tianguis del centro de la Ciudad de México que en un mercado de ropa usada en Liberia. La rabia que expresa puede ser la misma que siente un niño soldado en Darfur o la familia de un extremista religioso en Iraq. Su salto a la fama confundió a los fans que la vieron de pronto codearse con la crema y nata de la industria gabacha. No es un fenómeno extraño ver a cualquier chico de un ghetto en Brooklyn volverse un rapero millonario con una esposa trofeo después de un exitoso álbum de hip hop. Sin embargo, M.I.A. consigue mantenerse entre los dos mundos con una intención tan noble y auténtica como lo es hacerse escuchar como artista. Desde una de sus escenografías, un mensaje oculto en uno de sus videos o el colorido extremo de su imagen, que parece extraído de un filme hollywoodense, ella sigue representando una suerte de santa redentora del tercer mundo: una extremadamente cool. M Si te gustó  Arular, escucha: Peaches, I Feel Cream. Ideal para un fin de copas entre chicas liberales, ya borrachas. Rye Rye, Go! Pop! Bang! Indispensable a la hora del booty shaking con la banda del barrio. El primer álbum de la protegida de M.I.A. está esperando su lanzamiento. Si te gustó  Kala, escucha: Beastie Boys, Ill Communication. Recomendable para fondear tus peleas callejeras o misiones de sabotaje. Santigold, Santogold. Dependiendo de la rola es el momento, compruébelo ud. mismo.


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T h e N at io n a l y el lado terrible del amor TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Keith Klenowski.

Cada vez que regreso al Almuerzo desnudo de William Burroughs se de sobra que puedo apoyarme en el narrador para incursionar en su universo delirante; de igual manera, agradezco que Dante se auxilie de Virgilio en su descenso al infierno –la mejor parte de La divina comedia– para hacer más fluida e interesante nuestra incursión por los círculos del Averno.


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Mientras más repito el tercer disco de The National más me convenzo de que High Violet (4AD, 2010) es una especie de “manual de uso” a través del cual, el cantante Matt Berninger y compañía, nos explican cómo transitar por la vida –sin erradicar los miedos– y dan pistas para movernos por la experiencia existencial mediante sus canciones. Y no es que la música sea menos interesante, todo lo contrario, pero este asunto no se explica sin las letras, en las que hombres –músicos de oficio– se vuelven mayores y tratan de explicarnos su mundo, el modo en que lo habitan, y cómo es que ciertas experiencias límite los sacuda de raíz: no es fácil formar una familia y menos ser padre, ya que corres el riesgo de quedar atrapado en la paranoia del mundo actual (“Afraid of Anyone”).

El gran reto al que se enfrenta The National consiste en saber lidiar con el éxito y el circuito más comercial sin perder por ello probidad y honestidad; en cómo pasar de ser una banda para lugares pequeños al rock de estadio, pero sin extraviarse como Coldplay o The Killers. Hasta la fecha han conservado un cuidado casi poético de sus letras, así como en la fortaleza de sus composiciones, algo que se ha ido desarrollando progresivamente entre grabaciones, del inicial Alligator (05) hasta llegar a este. High Violet termina de afirmarse también por las aportaciones de sus invitados. Allí están Sufjan Stevens en “Afraid Of Everyone”, Richie Reed Parry (miembro de Arcade Fire) y un Justin Vernon (persona tras Bon Iver) encargado de sumar su peculiar estilo a “Vanderlyle Crybaby Geeks”.

Estamos ante un disco para mucho tiempo, no se trata de un exabrupto coyuntural, sino de la consolidación definitiva de la agrupación. Hasta antes de la aparición de su tercer larga duración, esta banda de Cincinnati afincada en Brooklyn ya mostraba grandes hechuras y sensibilidad; tan es así que a la postre se remontaría a alturas inalcanzables para Interpol, pero ubicadas en un plano más abajo de éxito mediático y de ventas –aunque con todo para explotar en el momento adecuado–. Por vez primera han coincidido crítica y ventas, pues la primera no deja de conmoverse con esos 11 temas, mientras que los interesados los han llevado a la parte alta de las listas de ventas norteamericanas, desplazando más de 50 mil copias en siete días; todo un logro si consideramos que su anterior disco, Boxer (07), sólo llegó al top 68 en aquel país. Me parece que High Violet se destaca por el manejo de las emociones con relación a la intensidad de cada tema. No es ya una banda que se desborde sin control, sino una que dosifica su fuerza y energía, que entiende cuándo desatar su incandescencia y cuándo apaciguarse. A fin de cuentas, no deja de ser un rock sobrio con insuflos de pop al que han dotado de arreglos orquestales que todavía le dan mayor robustez. Y es que siguiendo con las coincidencias literarias, una canción como “Terrible Love” en lo particular, pero también el contexto general del disco, me remiten a los textos de Jonathan Franzen, que como su novela Las correcciones, oculta debajo de escenarios comunes y aparentemente apacibles, una carga pesada de culpas, pesares y remordimientos.

De nuevo detrás de la consola de grabación sentaron a Peter Katis, con lo que queda de manifiesto de dónde procedía buena parte de la grandeza del Turn on the Bright Lights de Interpol. A fin de cuentas coincido con quienes comparan la elegancia e inspiración lírica de The National con las hechuras de Tindersticks y Lambchop; claro que aquí no hay sitio para reminiscencias ancestrales; se trata de un disco que es toda actualidad. Ante un panorama completamente oscuro, aun en el imperio de la penumbra aparece un rayo de luz que lo ilumina todo, aunque sea durante un instante. Aciertan quienes dicen que más que por la innovación, la banda apuesta por la perfección, es decir, por alcanzar la forma más pura para su arte. Han completado lo que en el futuro será entendido como una trilogía, ya que hay elementos comunes en cada uno que apuntalan una personalidad como grupo, algo que se percibe no sólo en la sección rítmica –muy bien llevada por Bryan Devendorf– sino en la estructura final de las canciones –incluidos allí los arreglos–. No olvidemos pues que estamos ante un disco para mucho tiempo, no se trata de un exabrupto coyuntural, sino de la consolidación definitiva de la agrupación. Han editado una obra con toda la pátina de un autor consumado, en el que se dejan ver las heridas tras de la batalla, los tallones de la existencia y que ha encontrado además la manera de seguir adelante, aun cuando se tenga la certeza de que el amor es un peligro intoxicante y expansivo. M


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D e s p u E s d e N i n e In c h N a i l s :

H ow T o De s t r oy An g e l s TXT:: Mildred Pérez. FOT:: Rob Sheridan.

Trent Reznor anunció el año pasado que ya era hora de "desaparecer a Nine Inch Nails por un tiempo". Por un lado, parecía normal que llegara el final de una banda que celebraba 20 años de existencia. Pero por otro, nunca creí que Reznor dejaría de crear o producir música. No encajaba ese abrupto final para un músico tan prolífico que desde su álbum debut Pretty Hate Machine (1989), ofrecía un producto musical extremadamente auténtico y sensible, con una fuerte carga emocional que se manifestaba en canciones tristes, otras sensuales y algunas con letras agresivas, pero honestas. Los furiosos riffs de guitarra eran un sello distintivo y el sonido industrial de la banda la aislaba del montón, además de que el nombre Nine Inch Nails era bastante particular.

La innovación y el rompimiento de paradigmas ha sido algo característico de Trent (recordemos que fue de los primeros en regalar su música a través de Internet), y a lo largo de esos 20 años lanzó varios discos, como el emblemático The Downward Spiral (1994), exponente importantísimo del rock industrial de los 90; The Fragile (1999), disco doble con el que reapareció NIN después de una larga ausencia, causada por problemas de adicciones y una de las más fuertes crisis existenciales de Trent; así como The Slip (2008), último álbum de NIN hasta el momento. Ningún disco de NIN carece de calidad, pero a decir verdad, muchas veces me pregunté si algún día cambiaría radicalmente el sonido de la banda.


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La última presentación de NIN en México fue un show impactante, en el que se tocaron éxitos de distintos álbumes —mismos que muchos asistentes desconocían, pues la mayoría estaba ahí por poser y no por ser fan de la banda headliner— y se hicieron maravillas visuales gracias a ese interés que Reznor siempre ha tenido por la más novedosa y alta tecnología. Y luego llegó ese anuncio a través de nin.com, en el que Trent anunciaba el inevitable y necesario final de NIN, que se celebraría con una serie de conciertos en algunos países de Estados Unidos junto a Jane's Addiction­. Meses después de la noticia, en octubre 17 de 2009, Reznor se casó con Mariqueen Maandig (ex-vocalista de la banda West Indian Girl). Nunca creí que ese día llegaría, pero así fue, y parece que Trent encontró una luz al final del oscuro túnel que era su vida, después de desintoxicarse y de (odio decirlo) enamorarse de dicha mujer, que ahora es su esposa.

HDA

No ha pasado ni un año de la boda y Trent ya tiene un nuevo proyecto: How To Destroy Angels (HDA). El nombre de este trío compuesto por los recién casados y Atticus Ross (músico y productor inglés que lleva varios años colaborando con Reznor) rinde homenaje al dúo industrial Coil, que lanzó un EP con ese mismo nombre a principios de los 80. De hecho, Reznor contactó a Peter Christopherson, el único miembro de Coil que aún vive, y le pidió permiso para usar el título de aquel EP como nombre de su nueva banda. Las cosas no pudieron salir mejor, pues además de obtener luz verde, es muy probable, según comentó Reznor, que Christopherson contribuya próximamente con How To Destroy Angels.

¿Qué podría brindar un poco de luz al oscuro mundo de Trent Reznor? ¿Una mujer? Quizá. Para darse a conocer, HDA lanzó en junio un EP homónimo de manera gratuita a través de howtodestroyangels.com. Seis canciones componen esta carta de presentación que, a pesar de ser breve, nos da una idea bastante clara de lo que el matrimonio está creando. Jamás imaginé que una mujer cantaría con Trent, así que oír la voz de Mariqueen Maandig en el primer tema "The Space In Between", me hizo pensar que quizá escucharía algo muy distinto a Nine Inch Nails. Sin embargo, el aura oscura de Reznor está presente desde el inicio, y en los coros sus inconfundibles gritos dicen entre líneas: aquí sigo, aquí estoy todavía detrás de todo. Musicalmente How To Destroy Angels suena muy parecido a Nine Inch Nails. Era de esperarse, pero según declaró Reznor a través del Facebook de HDA, desea que poco a poco esto vaya cambiando para que HDA encuentre su propia identidad. Asimismo, Mariqueen afirmó que ella es quien se encarga de las letras de las canciones, por lo que deduzco que HDA es un nuevo proyecto de Trent, en el que su esposa tiene la fortuna de cantar y expresar una que otra de sus emociones. Aun así, temas como "Parasite" llevan todo el estandarte de NIN, tanto en la música como en las letras, de manera que Reznor seguramente supervisa ambas.

La voz de Mariqueen se lleva bien con la música de Reznor y esto se aprecia mucho en "Fur Lined", probablemente la mejor canción del EP. Nuevamente, las composiciones recuerdan a los últimos discos de NIN, como The Slip, pero con la voz de una chica. Los desgarradores riffs de guitarra, característicos de NIN, confirman la esencia del creador de temas como "Mr. Self Destruct", pero la dulce voz de Mariqueen da la sensación de esa luz al final del túnel, de ese oscuro pasaje que durante tantos años parecía una espiral sin salida para Michael Trent Reznor. "The Believers", primer sencillo, une las voces de marido y mujer, y juntos claman "nosotros somos los que aún creemos". ¿En qué? Quién sabe, pero al menos Reznor ha encontrado una esperanza. En HDA ya no oímos frases recriminatorias como las que abundan en temas como "Piggy", "The Day The World Went Away" o "I Do Not Want This". Quizá la desintoxicación y el amor han sido la cura para este prolífico y furioso músico, no lo sé. Y aunque en el EP debut de HDA no pude encontrar una rola con la que se defina la identidad de este nuevo proyecto de Reznor, sí es evidente que con HDA se sosiega un poco esa furia y confusión que transmitía Reznor con NIN, quizá porque ahora (¡por fin!) ya es feliz y puede mostrar otra cara de la esencia nine-inch-nailesca que por fortuna aquí prevalece. Hoy, HDA suena a NIN, sólo que ahora canta una chica, y aunque estoy segura que sabremos mucho más de esta banda, a menos que un repentino divorcio arruine los planes, creo que siempre tendremos la certeza de que escucharemos música fina, con rasgos industriales y riffs de guitarras que para los oídos resultan exquisitos, aunque sean como navajas. *Buena noticia: A pesar de lo anunciado el año pasado, Trent Reznor aseguró en recientes declaraciones que el proyecto NIN "no está muerto" y que está por trabajar en "material que será muy diferente" al sonido previo de NIN. Así que a esperar sentados, yo mientras tanto estaré comiéndome las uñas. M


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La palabra “plagio” proviene del latín plagiare: “Vender fraudulentamente el esclavo del prójimo como propio”. Hoy quien dice esclavo dice canción, novela, estudio académico o frase sentenciosa, fuera de contexto y sin citar. Así lo dicta, al menos, la legislación vigente sobre Propiedad Intelectual. En la era pre–Internet, el peligro consistía en que alguien secuestrara a nuestra esclava y la vendiera a hurtadillas; ahora, lo que nos preocupa es que la violen sistemáticamente sin que recibamos retribución a cambio. Esta es una etimología plausible para el concepto "descargas ilegales." Con motivo de este artículo, he tecleado en Google "Camilo José Cela libros gratis". No es que quisiera releer La Colmena — como la varicela, hay males que sólo se atraviesan una vez en la vida— pero estaba pensando que el Nobel español murió con un caso de plagio sobreseído y sin que aún el eMule repartiera PDFs de sus obras.

unir en un mismo artefacto el palo y el trapo por una parte, y las ruedas y la maleta por otra. Ante esto cabe preguntarse razonablemente: ¿le corresponde algún tipo de propiedad intelectual al inventor de la fregona y al inventor de la maleta de ruedas? (…) Eso que acabo de describir y que permite discutir, cuando no negar, la propiedad intelectual, no ocurre sólo con esos inventos, sino que es la forma que tiene la humanidad de acercarse al proceso de creación. (…) Chirría escuchar a algunos creadores hablar de su propiedad dañada por la piratería informática”.

Estas declaraciones ejemplifican un fallo conceptual muy común —el confundir “patente” con “derechos de autor”— y otro más original que podemos atribuirle al señor Rodríguez Ibarra con cierta exclusividad: su presuposición de la influencia como plagio. Dudo mucho que este caballero haya leído a T.S. Eliot; los políticos españoles Siete años más tarde, las cosas han cambiado ostensiblemente. En 2009 no se caracterizan por su intelectualidad —tuvimos una ministra de un juez retomó la querella y encontró en La Cruz de San Andrés, ganadora cultura que confundió a Saramago con una señora de nombre Sara y del Premio Planeta, indicios más que probables de un delito contra la apellido Mago—. Sin duda, a este señor le habría escandalizado el Propiedad Intelectual; asimismo, resulta hoy muy sencillo obtener la autor de The Waste Land —ese colosal collage intertextual que, sin versión digitalizada de sus títulos más famosos sin pagar nada por duda, cuesta equiparar con una maleta de ruedas o una fregona— ellos. Parece justicia poética, pero evidencia un proceso evolutivo: de muchas y muy diversas formas; después de todo, más que el poeta Ezra Pound, él es nuestro primero mutó etimológicamente el gran copión, quien predicaba la término, ahora cambian los modos originalidad del poeta cuando de plagio. Precisamente, una nueva Una nueva moda que está más confirma éste la inmortalidad moda que está extendiendo Internet extendiendo Internet es la de sus antiguos, y quien sin es la de obviar las fuentes. La cita duda, nunca mereció cobrar por desenfadada no se lleva bien con la de obviar las fuentes. La cita los derechos de su obra; hubiera nota a pie de página. Como vivimos desenfadada no se lleva bien tenido que compartirlos con una un neo–romanticismo —uno de con la nota a pie de página. horda de poetas muertos, pobres mal gusto, con saga Crepúsculo en y/o furiosos, desde el primer lugar de Lord Byron— de nuevo se escribano de la Biblia, hasta reivindica eso de acortar distancias entre el autor y el pueblo, escribir posts de literatura que reproduzcan el Dante, Shakespeare —cuyo Hamlet es una versión tan cercana al tono conversacional de un bar de tapas a media tarde. Y si entre cerveza original de Thomas Kyd que hoy despertaría juicios y demandas— y y cerveza nos apropiamos de algo ajeno y no abrimos un inciso para sus contemporáneos simbolistas. precisar las fuentes; ergo es de mal gusto hacerlo en Internet, el medio Dice Rodríguez Ybarra que “la propiedad intelectual es discutible e más democrático del momento. incluso se puede negar desde una concepción de izquierdas", aunque Pero en España, si existe un enemigo sin duda es la SGAE (Sociedad agrega, muy condescendientemente, que "por juntar palabras que no General de Autores y Editores). No sorprende demasiado que esa entidad son nuestras o por unir imágenes que tampoco lo son" sí se podría provoque náuseas. Los medios nos bombardean a diario con notas cobrar "algún tipo de remuneración." Bueno, esto es de agradecer, extravagantes sobre derechos millonarios cobrados a la banda en un ya que, aunque los autores llevemos décadas viviendo del aire, bautizo, interferencias en galas benéficas o actos de folclor popular que últimamente se ha vuelto éste muy difícil de respirar. El amor al arte, involucran algún texto abreviado de Lope de Vega. Como la SGAE es el la musa homérica que nos guía y nos hace meros catalizadores de la enemigo, todo cuanto ella representa ha de ser eliminado. También inspiración divina —otro argumento clásico sobre por qué la obra no los derechos de autor como derecho; un clamor popular que comenzó pertenece al poeta: éste es sólo instrumento de la palabra de Dios— ha alimentando los foros de los periódicos más populistas y que ahora es dejado de costearnos los nutrientes esenciales. Sin embargo, nuestro respaldado por figuras de la opinión pública, siendo uno de los casos ego sigue en buena forma. Después de todo, nos sabemos especiales; más llamativos el del expresidente de la comunidad extremeña, el señor cómo no si este oficio es el único cuya remuneración hay políticos que se Rodríguez Ibarra que en el diario El País publicó las siguientes reflexiones: atreven a cuestionar. Cómo no si nuestro producto es tan abstracto que “Hubo alguien que inventó la fregona –N. de R. equivalente al trapeador– lo mismo se equipara con una fregona que con un bálsamo espiritual. (…) y también existió alguien que inventó la maleta de dos ruedas. Disfrutemos de los poetas copiones y dejemos que los políticos legislen, Ambos inventos vinieron precedidos de otras cuatro genialidades: para que de nuevo sea posible en nuestro mundo que Charlotte Brontë algunos inventaron el palo, otros el trapo, otros la rueda y otros la maleta. venda los derechos definitivos de su Jane Eyre por diez libras. Free market, La ocurrencia del de la fregona y del de la maleta de ruedas consistió en señores. Otro legado Romántico, como los vampiros. M


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TXT:: Erick Estrada. FOT:: cortesía de EMI.

Puede sonar a lugar común, pero se trata de una sirena que suena a toda caña para anunciar algo que muy pocos músicos de finales del siglo XX consiguieron, y que además ellos han prolongado hasta esta primera década del XXI: un juego perfecto, una discografía sin tropezones. Podría ser cliché pero lo han conseguido un par de músicos que no se mueven en el escenario como tales. Son una dupla de pinchadiscos que tampoco se comportan como ello. Son dos pero suenan a un pelotón descomunal y erotizado. Son los Chemical Brothers. Lo recordamos, está en nuestros genes. Comenzaron con otro nombre, los Dust Brothers, mismo que nunca pareció acomodarles no sólo por la demanda que casi les cae encima, sino porque lo que se veía a futuro desde aquel ya lejano 1993 no era nada polvoso, excepto por los discos de hip hop y vinilos de todo tipo que se amontonaban en sus cuartos y que de vez en cuando sonaban tan alto pero tan disfrazados como ese primer sencillo, “Song to the Siren”, que sí que hablaba de lo que ocurriría con su carrera. En ese despegar de la música electrónica de fines del siglo XX muchos se fueron con el canto fácil; muchos DJ’s y otros tantos músicos pensaron que los ritmos tendían a simplificarse y que la gente los devoraría en las pistas de baile, así, desangelados. Por una razón que hasta ahora pocos se aventuran a explicar, Tom Rowlands y Ed Simons no siguieron ese camino y le cantaron un adiós a las sirenas que convocaban a los demás. Ellos nutrían sus cabezas con hip hop y el rock duro, con marimbas y Beatles, con sonidos industriales de la britania sintetizada, que en esos años presumía un regreso a las guitarras de glorias pasadas que se transformarían en supernovas de champaña.


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Ellos nutrían sus cabezas con hip hop y el rock duro, con marimbas y Beatles, con sonidos industriales de la britania sintetizada, que en esos años presumía un regreso a las guitarras de glorias pasadas que se transformarían en supernovas de champaña.


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Estos muchachos adoraban la sensación de la dinamita en los oídos y dejando atrás el polvoso nombre, explotaron con Chemical Beats y el resto, práctica y metafóricamente, es historia, la que arrancó en las grandes ligas con Exit Planet Dust. “La vida era dulce”, como ese sencillo del 95 con loops que parecían ir en reversa, voces borrachas y semi distorsionadas, con gritos suaves y guitarras a lo Stone Roses, pero edificando ritmos que al final se perdían entre tantos cables como nos muestra el video de la rola. Y sí, en medio de un manicomio de influencias (desde los ya mencionados Beatles hasta Elvis Presley y Carl Cox, pasando por todo lo que sonó en The Hacienda), todo lo que escuchaban cuajaba, tarde o temprano, en una de las canciones de estos hermanos del alma. Si algo ha distinguido y marcado su carrera, es que tirando al lado contrario del resto de los autores de electrónica han cambiado esa definición. Cuando ésta se masculinizaba en ritmos duros y graves provocando más el boxeo que el baile compartido, ellos empezaron a dar la vuelta y a inyectar alma a sus loops y a sus voces, cada vez más presentes. Injertaban alma (soul) a una música a la que muchos tachaban de mecánica y, peor, de mecanizante. El secreto, ahora se ve a la distancia, era muy sencillo: no dejar afuera nada de lo que te gusta y los dos Chemical Brothers siempre se distinguieron, desde sus años escolares, por un afán explorador que poco después otros investigadores y pioneros del mestizaje musical como Fat Boy Slim les reconocerían y, dicen algunos, imitarían con un leve giro. Los Chemical Brothers cambiaron la manera de hacer música por un entendimiento natural y sencillo, pero revolucionario de la misma. No negándose a nada, no sacando nada del costal, aceptando tanto al soul como al reggae, al funk y a la psicodelia (cosas que los clasistas de la música nocturna aún no pueden comprender) sus piezas eran a la vez un catálogo ecléctico, a veces parchado, de gustos, propuestas y, por supuesto, una muestra materializada en notas y bemoles de un siglo XX que ya desfallecía, así como un dibujo claro de la eterna lluvia de información que terminaría por convertirse en la característica de esta primera década del siglo XXI. Signo de los tiempos, el arte verdadero nunca pasa de moda y lo que estos muchachos hacían no solamente vivía al día, sino que de alguna manera provocaba que entre sudores y pasos de baile que remitían al dorado nacimiento de la electrónica rave, el rock y el funk, el gospel y las arias se unieran en canto unísono, alrededor de teclados y samplers para hacernos ver el futuro mientras nuestros tímpanos vibraban como estrellas empapadas en MDMA. Era el futuro medido en beats por minuto.


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La materia no se crea ni se destruye, sólo se transforma y los Chemical Brothers le ha dado la vuelta al catálogo para entregar este año un nuevo disco, Further, que si seguimos la línea metafórica de los nombres de sus discos anteriores (Dig Your Own Hole, Surrender, Come With Us, Push the Button y We Are the Night) nos devuelve al punto de partida, aquél en el que todo se reunía en un amasijo primigenio para convertirse en signo de sus tiempos, y en anuncio de lo que vendría. Further cumple la promesa del “somos la noche y nos empuja más adelante”, demostrando de nuevo que el entendimiento que los Chemical tienen sobre la MISMA música que nosotros escuchamos es completamente diferente, que no oyen lo mismo que nosotros, que no digieren por los mismos conductos lo que el mundo fabrica en pentagramas, que no ven los mismos colores al mismo tiempo. Further puede convertirse en una muestra de la década que viene. Ya con sus voces armoniosas contrapuestas al famoso sonido de la sirena, podemos ver esa demostración de optimismo bestial hacia un futuro que todos nos empeñamos en pintar oscuro. Pero cuidado, la música de los Chemical nunca ha pecado de optimista sino que, probablemente al contrario y con el peligro de sonar redundante, festeja la celebración, se mueve a lo más negro (en cuestión de raza) de cada uno de nosotros, nos lleva al origen y nos convierte en hedonistas. Eso, en un contexto descuidado y superficial puede ser considerado optimista y es casi seguro que no sea el plan de estos dos muchachos. Los nuevos ritmos nos llevan otra vez a ese soul y a ese funk, pero ahora el sonido es galvanizado. No extraña que las voces de, digamos, “Horse Power”, suenen negras, africanas, donde estos dos ya habían confirmado que todo había comenzado. Los Chemical Brothers declararon el nacimiento de una nueva manera de hacer bailar, luego anunciaron un amasiato largo y feliz (que de hecho sigue vigente) entre el rock y la electrónica, una fórmula que hasta ahora los festivales especializados reproducen y celebran. Hoy, con esos resquicios de TNT en los oídos que lo han escuchado todo, un caballo relincha a través de un vocoder para entregarse después a una lluvia ácida de loops que suenan a requinto. ¿Hacia allá vamos? ¿De allá venimos? Es probable que solamente nos quede confiar en ellos. La música de la noche nunca había sonado como cuando estos dos llegaron y nunca lo ha vuelto a hacer de la misma manera. La portada de Further es una mujer sumergiéndose en un océano donde no se ve nada, justo como vivimos en estos momentos. Pero en el océano donde no se ve nada nos toca abrir los oídos, escuchar, y es probale que el canto que en un principio era de las sirenas, ahora sea el de una ballena que nos devore y nos muestre una luz que nunca habíamos apreciado, miles de kilómetros adelante. M


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Si algo ha distinguido y marcado su carrera, es que tirando al lado contrario del resto de los autores de electr贸nica han cambiado esa definici贸n.


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El cine es un abrumador campo de batalla en el que la trinchera es una oficina de producción, y los asaltos que se libran a diario se dan en decenas de juntas con todo tipo de funcionarios, desde empresarios del sector privado hasta burócratas del sector público, pasando por dependencias gubernamentales, todo con el fin de conseguir apoyos en especie o permisos de filmación. Cuando llega el día de rodaje, fuera de contingencias imprevistas, la guerra está ganada o perdida de antemano, y lo que acaba sucediendo en el set es más bien una fiesta, una celebración de tintes dionisiacos. La gran lucha la libran el productor y el equipo de producción mientras que el resto se ocupa de organizar el guateque creativo. Hay productores legendarios: Carlo Ponti, Dino de Laurentis, Georges de Beauregard o Marin Karmitz, maestros que han dejado tras de sí filmografías imprescindibles además de extensas. En general, estos no incurrieron en la dirección, sino que se abocaron de lleno durante el curso de su vida activa a lograr las condiciones materiales necesarias para la producción y la post–producción de una película. (Karmitz dirigió un puñado de cintas al inicio de su carrera, pero abandonó el oficio a temprana edad.) El caso de Stanley Kubrick es excepcional: Spatracus fue la única cinta que llevó a cabo sin injerencia en el aspecto de producción. De ahí en adelante jamás filmó sin completo control, es decir, produjo sus propias películas, una posición que sin duda requirió tiempo –de 1962 a 1999 filmó sólo ocho–. Fue un gran director pero también un excelente productor: unió calidad cinematográfica con éxito de taquilla, la fórmula necesaria para que Warner Bros. accediera a su total autoridad en torno a presupuestos cada vez más altos para cintas que se salen de temáticas convencionales para entrar en terrenos decididamente extravagantes. A partir de 1960 no rodó un pie de película sin un dominio cabal del presupuesto. Regresemos entonces a la sala de espera. Para llegar ahí, al verdadero campo de batalla, se debe llevar a cabo un puntual trabajo de escritorio desde la oficina de producción. Quizá es necesario enviar cientos de correos electrónicos para alcanzar una audiencia con uno de los funcionarios que toman decisiones, aunque en ocasiones se presenta

la duda de si el individuo en cuestión está en realidad en una posición de poder que le permita dar luz verde al proyecto o si, por el contrario, es sólo un empleado menor que le hará perder el tiempo al guerrillero. El ejecutivo tiene que asistir a su puesto de trabajo de las nueve de la mañana a las seis de la tarde, así que una junta a mitad de mañana con un cineasta viene bien para romper la rutina. Al productor no le alcanzan las horas de un día para buscar dinero en cualquier rincón del orbe, pero de cualquier forma, aunque sospeche que aquel encuentro no dejará frutos, se presenta, “no vaya a ser”. La lucha toma años. En paralelo está esa especie de purgatorio cinematográfico que representa la carpeta de financiamiento, que difiere de la carpeta de producción. La primera se hace con cierto disgusto pero con esperanza, en un intento por convencer a un posible inversionista para que conceda los fondos gestionados, ya sean públicos o privados, y aunque el guerrillero espera que al tiempo del estreno no sólo recupere la inversión sino que salga con creces del ruedo, la experiencia le dice que la probabilidad de que con trabajos recupere lo gastado en copias y publicidad es muy alta. Sin embargo, la película debe hacerse y para eso hay que buscar financiamiento: cualquier artilugio es bienvenido, no hay reglas. La carpeta de producción, en cambio, es una herramienta vital para el rodaje, cada esfuerzo es fundamental, mientras que gran parte del trabajo que requiere la carpeta de financiamiento no se verá traducido en la pantalla, y en ese sentido es fútil. Le podrá servir al funcionario externo para ponderar el proyecto y aprobarlo, y si es así habrá cumplido su función, pero está tan alejada del cinematógrafo como sólo un reporte financiero puede estarlo, y los conocimientos, la dedicación y el trabajo que requiere armarla se yerguen como lápidas de hierro vertical. Así, el productor sobresale de entre todo el que participa en una película. Conseguir los medios para que una cinta se lleve a cabo en una industria en la que la gran mayoría de los proyectos no llegan siquiera a recuperar la inversión es un esfuerzo titánico. Cuando estos individuos están pensando en el cinematógrafo como un arte y no como otra forma arriesgada de hacer dinero –ahí está Jerry Bruckheimer en el otro extremo–, su compromiso es mayúsculo: una obra de arte en sí misma. TXT:: JP Riveroll. M


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2010 TXT:: Erick Estrada.

El verano tiene un aura especial. Antes de que uno entre en los círculos mercantilistas de temporadas y oleadas de propuestas de viajes a crédito, siendo niño el verano significa calor, albercas y vacaciones. Nada de profesores ni compañeros que nos caen mal. No hay nada que hacer y después de corretear toda la mañana, de vez en cuando nos llevan al cine y nos compran palomitas. ¿Qué hay que ver? Normalmente hay mucho aunque hay veranos que simplemente no encontremos nada. La única desventaja de que el verano sea la temporada de estrenos grandes, multimillonarios y de evasión, es que otras películas se ven disminuídas, si no es que desplazadas de las salas de exhibición. Esas películas menos escandalosas suelen esperar a que éstas grandes desaparezcan, así que cuando llegue ese momento revisaremos aquella oferta. Mientras tanto, julio y agosto están encima. Enciendan el aire acondicionado y éntrenle a...

Toy Story 3D Es sin lugar a dudas el estreno para niños más esperado por los adultos. Si hacen cuentas verán que la primera se estrenó en 1995. Es decir que si alguien la vió a los 10, hoy tiene un cerebro de una persona de 25 años. Si a eso le agregan que la tecnología avanza más o menos tres veces más rápido que el resto del mundo y que en su momento Toy Story utilizó tecnología de punta, esta vez estamos frente a una verdaera maravilla no solamente en cuestión visual, sino generacional y hasta delante de un fenómeno sociológico. El impacto de la cinta alcanzará desde la nostalgia hasta la memoria aún tierna de aquellos niños que vean por primera vez una película animada por computadora en 3D y sobre todo, tan bien escrita. Material completo y significativo del siglo XXI.

El origen Una que de verdad no quieren perderse. Christopher Nolan –el director– es uno de los pocos que pueden persumir el haberse integrado a la gran industria de Hollywood y conservar todas sus entradas, hasta ahora, sin hit ni error: juego perfecto. Tiene proyectos más personales como Memento (del 2000) o Insomnia (2002) y otros que se ha ganado porque los productores confían en él y claro, porque algo de él también tendrán (como Batman inicia y El caballero de la noche). Éste, El origen, está a la mitad, con todo el apoyo de la gran maquinaria pero narrando una historia que él mismo escribió desde sus entrañas y con sus propias ideas. Curioso que sean las ideas y los sueños la materia prima de esta novela negra con aderezo de ciencia ficción oscura y algo de acción metafísica. Suena complicado, pero al recordar Memento no hay nada más que hacer sino confiar en la habilidad de este pitcher de altísimos vuelos. La cosa pinta tan bien que a partir de lo que se ha visto hasta ahora (todo se ha mantenido en un secreto gigantesco), nadie puede decir si de verdad hay buenos y malos.


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TXT:: Paola Del Castillo.

Salt Espías que nunca saben para quién trabajan. Personalidades mezcladas. Pasados confusos y muchas pistolas y corretizas. Suena a que ya vimos la película, pero hay varias cosas que a este casi–Bourne–casi–McClane lo hacen algo diferente. Primero es el director, Phillip Noyce, de quien tuvimos la suerte de ver Juegos de patriotas y Peligro inminente. La otra es Liev Schreiber que nos cae muy bien. La tercera y contundente es Angelina Jolie, de quien no necesitamos decir nada más.

El último maestro del aire El regreso del aclamado M. Night Shyamalan que al parecer se olvida un poco de sus finales retorcidos y de sus historias de hadas encerradas en albercas, para fabricar una película de aventuras que, eso sí, tiene seguidores fieles y fieros seguidores a lo largo y ancho del mundo. Desde que se lanzó el avance de la película comenzaron las opiniones y aunque nadie se ha quejado de lo que se ha visto, las expectativas se han disparado como los precios de la gasolina: cada mes suben un poco, y el siguiente otro tanto. Sin embargo, la historia (que pinta para ser todo lo épico que ella misma se lo permita), justifica que esas expectativas se inflen. Es una especie de Señor de los anillos en cruza amigable con Hellboy 2 y un poco de Jackie Chan rejuvenecido. No suena nada mal para una tarde de 35 grados afuera de la sala de cine.

Shrek para siempre Hay otra propuesta animada y llega nada menos que de la primer competencia que pudo tener Pixar: Dreamworks. Éste es un caso más o menos contrario a Toy Story 3D, pues dirigido al público adulto, el concepto Shrek pegó más en el universo infantil. No es que sea inferior o superior a las demás, se trata simplemente de un fenómeno atribuíble al mundo de las hadas. ¿Hace cuánto no ven una? ¿Las extrañan? ¿Alguien echa de menos a sus libros infantiles con brujas malas y príncipes azules? El asunto es que los escritores se decidieron por clausurar el mundo Shrek en esta cuarta película y aunque terminaron haciendo cuentos como los que criticaron cuando el rollo Shrek arrancó, la cosa no es tan temible como ustedes podrían pensar. También viene en 3D y si la ven en inglés, con un reparto gigantesco haciendo voces.


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Eclipse La tercera parte de los vampiros vegetarianos también tiene su lugar este verano, pero, ¿qué quieren que les diga? Los fans ya saben lo que pasa. Aquellos que no han leído el libro se enterarán del rollo al día siguiente del estreno (los fans suelen comentarlo en voz alta); y aquellos a los que no les interesa un mundo en el que los vampiros no beben sangre y los hombres lobo se transforman como Superman en una cabina de teléfono, pues simplemente nos tiene sin cuidado.

Mi villano favorito Simplemente impresionante. No es gratuito que ésta sea la tercera oferta animada de estos dos meses y que también esté trabajada en 3D, y que al lado de Toy Story, sea un garbanzo de a libra. Un villanazo de repente se enfrenta a su propio lado rosa al mismo tiempo que cree necesario derrotar a otro supervillano que le roba puntos y popularidad. Sé que suena extravagante, pero igual de extravagantes eran La era del hielo y Horton y El mundo de los Quién, de quien el buen Chris Melendandri fue artífice más como productor que como director. El señor Melendadri reúne el equipo, pone la lana y supervisa la calidad de las empresas de animación que ha fundado siempre en busca de trabajar con la vanguardia a nivel humano y técnico. La historia es de Sergio Pablos, un español que también tiene su carrera en la animación y que aquí anotó un gol de los buenos. Curioso que en este caso no se mencione a los directores, pero a veces el trabajo se hace al revés y aquí, éstos son los nombres que valen.


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Dennis Hopper

(1936-2010)

RE q u i e m p o r e l U l t i m o d e l o s m a l d i t o s


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En el clímax

Frank Booth es el líder de una camarilla de facinerosos al servicio de los poderes de un pueblito de la Norteamérica profunda. Lleva a un jovenzuelo al que han apañado por meter sus narices en los negocios sucios de la localidad. Deciden que conozca una casa non santa en la que el anfitrión es un gay sibarita al que obligan a interpretar un rock and roll oldie: “Candy Colored Clown” de Roy Orbison. Mientras suena la canción se suben a los autos y viajan hasta el solar industrial donde se apean. Bajan algunas meretrices, los hampones, la víctima y una bellísima Isabella Rosellini, en el papel de una mujer a la que han secuestrado marido e hijo. En una danza macabra, le ponen una golpiza de magnas proporciones. Dejan tirado al improvisado detective y la melodramática balada llega a su fin. He allí un personaje maligno en verdad, que inunda la pantalla con su karma mientras los espectadores creemos que es toda verdad la historia. David Lynch nos entregó en Terciopelo Azul una de las mejores películas de los ochenta y sublimó el aura maligna de un actor de leyenda: Dennis Hopper.

Intro tardía

Quise escribir esta nota al menos un par de meses antes y en estricta primera persona, pero no pude. En ese momento, Dennis se moría y algo en mis entrañas me hacía sentir mal. Asistió muy disminuido a recibir su estrella en el paseo hollywoodense. Lo llevaban en una silla de ruedas y la energía volcánica que siempre emanó casi se extinguía en una ceremonia políticamente correcta. El destino y sus bromas macabras confluyen para despedir al último maldito del cine norteamericano –al menos de la época dorada– antes que sucumba ante el infierno digital. Contracultura sobre ruedas ¿Cuántos de los presentes en aquel boulevard angelino recordarían que Hopper, junto a Jack Nicholson y Henry Fonda pusieron de cabeza a la conservadora nación WASP (White, Anglo–saxon, Protestant) con Easy Rider? Aquella película narraba el modo de vida alternativo de los jóvenes motociclistas y su relación con todo tipo de tribus hippies. Hacia el final, los grupos conservadores se imponían violentamente sobre los disidentes de los valores tradicionales. El propio Hopper recuerda el entorno: “Los 60 ya casi habían terminado cuando se estrenó Easy Rider. Pero Hollywood no había asumido nunca la década, sus comunas, las drogas, el amor libre, el ácido. Todavía estaban haciendo películas como Problemas de alcoba. La gente joven dejó de ir al cine. Iban a los autocines, love–ins, en Golden Gate Park con 80 mil personas tomando ácido. Finalmente, en Easy Rider, se vieron a sí mismos. Fue un momento increíble, pero eso es todo lo que fue: un momento”.

El nacimiento de un Gigante

Actualmente pocos recuerdan que su debut ingresó de golpe a la lista de filmes inmortales. Impresionó al público por primera vez con sus interpretaciones en Rebelde sin causa (1955) y Gigante (1956) al lado de James Dean. En Lo que sé, un texto que escribió como una versión sintética de sus memorias se remontaba a aquel momento: “Cuando filmé Rebelde sin causa, venía de interpretar Shakespeare en el viejo Globe Theater de San Diego. Tenía 18 años y creía que era el mejor

actor del mundo. Y entonces vi a James Dean. Fue el mejor actor que vi jamás. Estaba tan avanzado... Yo estaba haciendo lecturas de líneas y gestos, y él vivía en el momento. Yo quería saber qué era eso que él hacía. Y me dijo: ‘Simplemente haz las cosas, no las muestres. Fuma el cigarrillo, no actúes como si fumaras un cigarrillo. Tomate el trago, no hagas como que tomas el trago’. De alguna manera todo empezó ahí. Una vez Jimmy Dean sacó una navaja y amenazó con asesinar al director. Yo imité su estilo en el arte y en la vida. Me metió en bastantes problemas”. El arte de la vida y viceversa Nació en Dodge City, en el llamado Dust Bowl –debido a las tormentas de arena– en un ambiente rural. Luego se mudó a estudiar teatro a San Diego e intervino en diversos montajes de La Jolla Playhouse. Fue el director Nicholas Ray quien le dio la oportunidad de aparecer en la gran pantalla, en 1954, ofreciéndole un papel en el western de culto Johnny Guitar. Hopper comenzó a pintar de niño y a tomar fotos en 1961, después de que le regalaran una cámara Nikon de 35mm por su cumpleaños. Su obra ha dado la vuelta al mundo y refleja tanto su obsesión por el arte como su existencia convulsa y problemática: “A pesar de todas las drogas que consumí, yo fui en realidad un alcohólico. En serio: sólo tomaba cocaína para poder ponerme sobrio y seguir tomando. Mis últimos cinco años de bebida fueron una pesadilla. Me tomaba dos litros de ron, 28 cervezas por día, y tres gramos de coca para poder seguir andando. Y creía que me estaba yendo bien sólo porque no estaba arrastrándome borracho por el suelo”.

Herencia de celuloide

Hopper actuó en cientos de películas entre las que se encuentran Apocalypse Now (1979), Hoosiers (1986), True Romance (1993), Basquiat (1997), Elegy (2008) y la serie de TV Crash (2008). Acerca de la naturaleza de sus personajes acotó: “Cuando hice Terciopelo azul acababa de salir de rehabilitación, llevaba sobrio menos de un mes. Entonces hice ese papel, y de ahí pasé a interpretar un papel de alcohólico en Hoosiers, y luego hice de dealer en River’s Edge. Esas fueron mis tres primeras películas estando sobrio. Llamé a David Lynch y le dije: ‘Hiciste lo correcto al elegirme, porque yo soy Frank Booth’ ”.

This is the end

Poco antes de morir debido a un cáncer de próstata se divorció de Victoria, su quinta esposa con quien llevaba catorce años casado y muchos años sobrio. Actor, director, guionista y pintor, como fotógrafo logró algunas imágenes memorables. Hopper documentó a gente como Andy Warhol durante su primer espectáculo en la Costa Oeste, a Paul Newman en el estudio, y a Martin Luther King durante la "Marcha por los Derechos Civiles", desde Selma hasta Montgomery, Alabama. Dennis fue un ícono siempre reacio a serlo; su vida misma ejemplifica todo un proceso histórico de transformación y revuelta cultural. Aunque jamás olvidó sus orígenes ni careció de una sincera humildad: “Soy tan sólo un chico de clase media que creció en una granja en Dodge City, con abuelos que sembraban trigo. Para mí la pintura, la actuación, la dirección y la fotografía eran todo parte de la experiencia de ser un artista. Hice mi dinero de esa manera. Y me divertí un poco. No ha sido una mala vida”. M


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Alicia en el espejo

Historias sobre 15 anos de rock

TXT:: Vicente Jáuregui.

Para nadie es nuevo que la historia de los foros para tocar rock en nuestro país es sumamente triste. Desde la represión echeverrista se anticipaba que todo antro, bar, café o club que guardara relación con el rock, habría de atenerse a las consecuencias de enfrentar a vecinos, “autoridades”, managers, y por supuesto, los vicios que toda iniciativa administrativa conlleva. La voluntad necesaria para mantener un sitio para tocar es tal, que en este momento sólo el Multiforo Alicia puede jactarse de haber resistido las dificultades victoriosamente. Entrevistamos a Teresa López Flamarique, quien hizo una gran investigación en Alicia en el Espejo, Historias del Multiforo Cultural Alicia, un libro que conmemora 15 años de cultura, autogestión, autonomía y decenas de bandas que, sin la heroicidad del Alicia, hoy contarían una historia mucho menos afortunada.

hop. También habla sobre las mujeres rockeras y la producción de Grabaciones Alicia en estos años. Otro punto importante es toda la parte gráfica del Alicia, sus carteles, tanto de eventos como de denuncia, que ya forman parte del imaginario del DF. Y, por último, la parte solidaria y militante del Alicia: su apoyo a diferentes movimientos sociales y su modelo autogestivo. Para ello he entrevistado a músicos, a los alicios, como se conoce a toda la gente que trabaja y hace posible el foro, a mánagers y algunas personas conocedoras del espacio. En total, hice cerca de sesenta entrevistas. En el libro, la historia del Alicia está hilada por la historia de Alicia, una chava que va los fines de semana al foro a divertirse y escuchar música. Voy contando su historia a través de los tatuajes que se va a haciendo y de sus experiencias en el foro. Es un joven que encuentra en el foro un espacio de libertad, donde verse a sí misma –de ahí el título del libro– y encontrarse. Creo que lo que le sucede a Alicia en el libro, le pasa a muchos chavos y chavas que acuden al lugar. Algo importante es que es un librodisco, trae un CD con 23 rolas de otras tantos discos producidos por Edixiones Alicia. También trae un cartel y otras sorpresas, además de que es un libro ilustrado con un gran número de carteles del foro y algunas fotografías. Andrés Ramírez, autor de muchos de los carteles del Alicia, hizo un gran trabajo de edición.

Eres del País Vasco, ¿cómo terminaste escribiendo un libro sobre las historias del Alicia? T.L.: Yo llegué a México en marzo de 2001. A los pocos días de estar en la ciudad, una amiga me llevó a conocer el foro y te puedo decir que desde que lo vi, me enamoré del lugar. Desde entonces he seguido muy de cerca su evolución. Más de una vez, con Nacho Pineda y otros amigos habíamos comentado la necesidad de hacer un libro sobre el Alicia. El foro va a cumplir 15 años en diciembre, es un espacio importantísimo en la ciudad y aunque se han escrito algunas cosas, no había un libro que recogiera su historia y trascendencia. En agosto de 2008 me dieron un año sabático en la UNAM, donde trabajo, y me animé a hacerlo.

¿Cuáles crees que sean las mayores virtudes del Alicia, y qué características lo hacen un foro distinto a los otros que hay en el DF? El Alicia vino a cambiar la escena musical mexicana. Primero en el trato a las bandas: desde el inicio se paga a las bandas un porcentaje de la entrada y se les apoyó con la difusión de los eventos. Esto rompe con una dinámica en la que las bandas tenían que pagar por tocar o vender boletos, si no les quitaban parte de su equipo. Ahora con la crisis se está retrocediendo: los espacios vuelven a hacer conciertos sin cover para que acuda la gente y las bandas no cobran. Otro punto importantísimo del Alicia es su apoyo a bandas no conocidos. Muchos de los grupos que entrevisté la primera vez que se subieron al escenario fue en el Alicia. El foro es un verdadero invernadero musical, en el que han nacido y crecido muchas bandas y nuevos sonidos. El rock mexicano sería otro sin el Alicia. Además el Alicia es un modelo de autogestión y autonomía. No solo no recibe apoyo del Gobierno, sino que ha sobrevivido a sus numerosos y continuos ataques: dos clausuras, hostigamiento, etc. Es un referente cultural en la ciudad y para muchos grupos que vienen de fuera. A diferencia de otros espacios de la ciudad no persigue la máxima ganancia y es un espacio comprometido y preocupado por lo que sucede en el país.

¿Cómo sintetizarías el contenido del libro para quien no tiene idea de lo que trata? El libro recoge los orígenes del foro y una breve semblanza de algunos de los movimientos musicales que han encontrado un gran impulso en el Alicia como el ska, el surf, el happy punk, los rupestres y el hip

¿Por qué crees que los lugares para tocar rock son tan efímeros? Por un lado, cada vez es mayor el control y regulación por parte de las autoridades. Cada vez es más difícil abrir un espacio. Por otra parte, el respeto de éstos por parte del Gobierno de la ciudad sería un balón de oxígeno, pero no tiene una visión cultural de izquierdas. M


TXT:: Arthur Alan Gore.

Señores del jurado: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si. No hay vuelta de hoja. Absolu tamente toda la música que a partir de estas siete notas, conocemos se creó como toda la literatura se ha escrito con las 26 letras el alfabeto. que conforman Sin embargo, la originali dad radica en el cómo se aco moden esas notas. Dice otro que “dos cabezas piensan mej conocido refrán or que una”; no obstante, en la historia de la música se casos en los que “dos cabezas han documentado piensan como si fueran una . Lo peor de todo, es que se tra no necesariamente tenían com ta de cabezas que o objetivo colaborar en equ ipo. Es aquí donde entra en plagiar, que de acuerdo con juego el verbo el Diccionario de la Real Aca demia de la Lengua, se define en lo sustancial obras ajen como “copiar as, dándolas como propias. El imparable desarrollo de las nuevas tecnologías y su aplicación a la produc favorecido el brote de cad ción musical ha a vez más acusaciones de pla gio, ya que hoy en día la personas tienen una comput mayoría de las adora en casa y con ella, acce den a un banco de informaci que nuestros abuelos no ten ón mundial al ían posibilidad. Esto es: si a alguien se le ocurre fusila el que coloquialmente nos rse (verbo con referimos a los casos de pla gio) al último éxito de un garage porque piensa que en grupo griego de Tlaquepaque nadie lo conoce, más vale que se lo piense dos tendremos un vecino con más veces. Siempre tiempo que cosas que hacer y una insaciable curiosida todo aquello que existe baj d por googlear o el sol. No soy músico, aclaro, pero sí melómano. No puedo distin guir si una canción está escr cual tonalidad; mucho men ita en tal o os me siento capacitado par a señalar con el dedo a est colgarle el calificativo de e u otro artista y plagiario, pero debo confes ar que para la realización realicé una extensa búsque de este artículo da en YouTube, en donde exi sten cientos de videos, sub en los que se documentan dece idos por usuarios, nas de acusaciones -no compro badas- de bandas que clonan Zoé, por ejemplo, se les señala canciones. A como fusiles de The Cure y The Strokes, lo mismo que a Day, The Police y Oasis. Maná de Green Sin embargo, sí vale la pen a hacer una aclaración. Com o sujeto que se gana la vid dar de teclazos, oséase, de a a costar de escribir, sé que existe alg o conocido como el Modelo que se analiza quiénes son de Greimas, en el los actantes de una histor ia y en la que se les encomi desarrollar: el héroe que enda un papel a quiere algo en beneficio de alguien y en perjuicio de todas las historias escrita otro. Visto así, s son iguales y los elemen tos que las revisten son aqu vuelven únicas y originale ellos que las s. Para explicarlo con ejem plos: así como Frodo busca regresa a casa y Luke Skywal un anillo, ET ker quiere dominar a La Fue rza. Aclarado lo anterior ¿exist e la posibilidad de que alg uno de los casos de plagio deban únicamente a coincid en la música se encias en el esqueleto que habita bajo la piel de las sus elementos ornamentales canciones, aunque sean otros? No lo sé. Ustede s, apreciables Señores del sobre los casos aquí presen Jurado decidan tados. Hay más, pero estos son los más famosos.


-CASO I- DEL flaquito suicida Acusado: Enrique Bunbury Presunto plagiado: Pedro Casariego Los hechos: En el más reciente disco del ex cantante de Héroes del Silen cio, Hellville de Luxe (que es, además, sospe chosamente parecido al de Rob Zombie, Hellbilly de Luxe) se incluyen las fras es: "Lucharé contra todos los que diga n lo que yo digo” y Veo misterios en algu nas mujeres y detectives en los hombres de hoy", en la rola "El hombre delgado que no flaqueará jamás", atribuidas al poeta madrileño Pedro Casariego, famoso por haberse suicidado a los 37 años y que se hacía llamar "El Hombre Delgado que no Flaqueará". Alegato en su defensa: En un comunica do de prensa, Bunbury escribió: "A lo largo de la historia de la música popu lar, grandes y desconocidos escritore s de canciones han realizado prácticas similares recogiendo frases de cancione s tradicionales y realizando nuevas y muy diferentes creaciones. El folk , el blues, el country está impregnado de esa costumbre". XXXXXXX -CASO II- del gorila en la pista Acusado: Gorillaz Presunto plagiado: Eddy Grant Los hechos: El DJ dice que la banda anim ada copió, nota por nota, su tema "Tim e Warp" para dar vida a "Stylo", uno de los temas de "Plastic Beach", el más reciente disco de estudio del grupo creado por Damo n Albarn. Alegato en su defensa: Se abstiene.

XXXXXXX -CASO III- del osito ratero Acusado: Panda Presunto plagiado: My Chemical Romance (entre una lista que incluye a Green day, Fall out Boy, Smashing Pumpkins y otro s más) Los hechos: Una revista mexicana, adem ás de varios blogs en Internet, señalaro n las coincidencias que existían entre las canciones de los regiomontanos y algunos grupos extranjeros, al colmo de pare cer traducciones una de las otras. "Thes e hands stained red/ from the times that I’ve killed you and then/ we can wash down this engagement ring/ with poison and kerosene", escribe My Chemical Romance, mientras que Panda cantó: “"Estas mano s de rojo están manchadas/ por todas las veces que yo en mi sueños/ te he asesinado con tanta pasión/ enjuagaremos aquellas veces que dijiste que me amabas/ un poco de veneno y aguarrás". Alegato en su defensa: "Fue coincidencia", dijo una vez el baterista. Se cuenta que Panda ha tenido que pagar multas mill onarias por estas acusaciones.

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-CASO IV- de abracadabra... crédito Acusado: Mägo de Oz Presunto plagiado: Fernando Ubiergo Los hechos: La banda española grabó el tema "Cuando agosto era 21", original del cantautor chileno, y la rebautizó como "Para ella". Alegato en su defensa: Txus Di Fellatio, el baterista, primero dijo que el tema había llegado a él sin que se conociera su autor original, pero después argumentó que el crédito original no salió debido a un error tipográfico. El chiste es que Mägo tuvo que relanzar su disco y ofrecer una disculpa pública.

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-CASO V- de sus avaras majestades Acusado: The Verve Presunto plagiado: The Rolling Stones Los hechos: En 1998, The Verve grabó "Bittersweet Symphony". En él usó algunos acordes de "The Last Time", tema de los Stones, pero ellos alegaron que eran muchos más acordes de los permitidos. Alegato en su defensa: En realidad no se defendieron, pero el grupo comandado por Richard Ascroft tuvo que ceder el 100% de los derechos de su mayor éxito al grupo más longevo de la historia.

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-CASO VI- de la vida no vale nada Acusado: Coldplay Presunto plagiado: Joe Satriani y The Creaky Boards Los hechos: El virtuoso guitarrista acusó a la banda inglesa de que su tema "Viva la Vida" se parecía demasiado a su canción instrumental "If I Could Fly", pero por si no fuera poco, el grupo Creaky Boards acusó a Chris Martin y compañía de que la misma rola se parece a "The Songs I didn't Write", autoría de la banda indie americana. Aleganto en su defensa: Martin dijo: "Todos son chismes, todos los días se inventan mentiras sobre nosotros desde que somos famosos".

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TXT:: Erick Estrada.

El hilo negro se ha inventado tantas veces que el sindica to de creativos debe parecer una tienda de estambres con el mejor surtido. Las ideas novedosas salpica n la tabla de surfear de agencias de publicidad y abotagan los cerebros de productores, guionistas y directo res en la industria del cine -subrayamos la palabra industria-. Es ella, la gran maquinaria, la que impulsa a la gente a “inspirarse” en otros para repetir éxitos o duplicar taquillas con productos simila res. Ahora, no siempre es así. Existen otros mañosos que venden a los productores el mismo dulce en otra envoltura. Hay quienes promueven el plagio (descarado o velado) y hay quienes (velada o descaradamente) venden ideas plagiadas. Para hacer trabajo enciclopédico veamos que robarse ideas

Del mismo director Es la categoría más saludable porque a veces es el autor quien anuncia la nueva versión de sus trabajos anteriores. Hitchcock acudió a este apartado para filmar de nuevo "El hombre que sabía demasiado" de 1934. Lo que dijo en 1956 antes de presentar la misma historia con ligeras variantes fue que la primera la había hecho un director inexperto, y tenía razón, con todo y que la segunda no tiene a Peter Lorre en el reparto. De la misma historia Aprovechando que Hitchcock sigue cerca mencionamos a aquellos que filman una historia ya contada. Unos lo llaman “homenaje, otros “nueva versión, como si repitieran una receta de cocina. Eso pensó Gus Van Sant en el que quizá sea su peor tropiezo, la segunda versión de "Psicosis". Filmó el mismo guión con los mismos diálogos, los mismos encuadres con los mismos movimientos de cámara, usando la misma utilería (el cráneo humano del final, por ejemplo); además se defendió diciendo que copiar a Hitchcock haría de su película un éxito. No ocurrió. Para usar los mismos diálogos en versiones propositivas, habría que revalorar el “plagio” de los parlamentos de "Romeo y Julieta" de Baz Luhrmann para su versión de 1996. Esa historia tiene más de 20 versiones distintas alrededor del mundo y todas dudaron usar el texto íntegro de Shakespeare.

para una película tiene sus características.

Otra historia multi-versionada es "Los miserables", que cuenta a grandes rasgos con seis francesas, tres de Estados Unidos, una de Italia y una de Rusia. Eso sí, ni Shakespeare ni Victor Hugo escribieron sus obras pensando en el cine. Otras que han tomado la misma historia y se han vuelto a filmar: "King Kong", "Sabrina" (Billy Wilder contra Sydney Pollack); "La mosca" (nos quedamos con la de Cronenberg, a pesar de que en la de Neumann sale Vincent Price); "Cabo de miedo", Scorsese vs J. Lee Thompson (en ambas Robert Mitchum en papeles diferentes); y "El padre de la novia" (Spencer Tracy contra Steve Martin). De la misma inspiración Hay autores que alegan inspiración cuando en realidad se cimentan en otros que tuvieron éxito; el ejemplo ideal es Alejandro Amenábar. Existe por ahí una novela de Henry James que se llama "Un giro de tuerca" y que en 1961 se adaptó al cine bajo el nombre "Posesión satánica" (The Innocents) dirigida por Jack Clayton y que luego, fusilándose circunstancias, estética, escenarios y algo de la historia, Amenábar firmó como director y guionista llamándola "Los otros". Compárenlas.


Un caso feliz es "Tira a mam á del tren", genial comedia de Danny DeVito que , citando fuentes, no sólo la menciona en el título de su película sino que nos enseña partes de "Ex traños en el tren" (de Hitchcock) para dejar clar o que toma partes de ella para actualizarlas y cambiar el tono de un thriller monumental, a una comedia extravagante. "Lolita" de Kubrick es un clásico, pero Adrian Lyne se atrevió a filmarla de nuevo sin las ansias copia–pega de Gus Van Sant, lo que le hizo llamar a Stephen Schiff para debuta rlo como guionista. La segunda "Lolita" está en la historia no sólo como una pésima segunda versión sino como una de las peores adaptaciones de la lit eratura al cine. Del mismo deja vú ¿Y los que se inspiran en sí mismos? Lo niegan rotundamente pretendien do transformar el autofusil en estilo. En México está Carlos Reygadas que repite la for ma de sus filmes ad infinitum; lo peor es que lo hace en sus proyectos y en aquellos en los que se le relaciona: "Sangre", "El árbol", "Los bastardos" y demás, arrastrando en la corriente a otros directo res que, en un cómodo deja vú, fotografían, encuad ran y “narran” como él. Un caso menos obvio pero igu almente triste, el de M. Night Shyamalan, que cua ndo vio que“"Un giro de tuerca" le sumaba seguidores, ha querido repetirlo cuantas veces ha podido al fin al de sus historias. Desde "El sexto sentido" lo ha querido hacer en "Señales", "La aldea", y con men os intensidad en "El fin de los tiempos". De la pereza de leer subtítulo s A muchos no les gusta leer subtítulos y ese es el pretexto que últimamen te dan los gringos para copiar películas de otros países. En las versiones gringas usan qui zá al mismo director y cambian al reparto para que el espectador vea caras familiares y, lo más importante, tenga una película en su idioma.

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En esa categoría entran toda s las cintas de terror que estos años han copiado de Japón, Hong Kong, Corea y claro, títulos más vie jos que quizá no son recordados como copias gracias a un buen trabajo de mercado. "Las aventuras de Priscila, la reina el desierto" (Australia) se convirtió en "Reyes o reynas"; "Nikita" (Francia) se transformó en "Point of No Return"; "Tres hombres y una cuna" (Francia) se convirtió en "Tres hombre s y un bebé"; "La jaula de las locas" (Francia) termin ó en "La jaula de los pájaros"; "Hachiko" (Japón) fue transformada en "Siempre a tu lado", y así pod ríamos seguir hasta llegar a "Mentiras verdadera s" de James Cameron, de quien se dice se fusiló (y no le avisó a nadie) "La totale!", película francesa de Claude Zidi.

De la coincidencia El fusil involuntario. Los viajes a Cuernavaca han sido fuente de comedias en el cine mexicano, melodr amas y tragedias, pero existe el caso de 3 que encajan aquí a la perfección. El debut como director de Gael García Bernal se llamó "Déficit", un drama que narraba lo ocurrido a un grupo de chilangos poderos os que deciden pasar un fin de semana fuera de la ciudad, situación en extremo parecida a la cinta "El reventón", dirigida por Archibaldo Burns, pero no sabemos si García Bernal vio la película de Bur ns. El caso se hace más curioso con el estreno de otr a mexicana, "Juegos inocentes" de Adolfo Martín ez Orzynski que cuenta las trágicas consecuencias de un viaje a Cuernavaca hecho por un grupo de chilan gos burgueses. ¿Quién le copió a quién? No hemos dich o nada parecido. Sólo remataremos con un dato cier to: "Juegos inocentes" comenzó a rodarse antes que "Déficit", pero ambas son de este siglo, y "El revent ón" es de 1977. M


TXT:: Regina Zamorano Licea. En su texto "The ectasy of Influence: A plagiaris m", el escritor Jonathan creaciones y las épocas Lethem retoma la idea de dialogan entre sí, por que las lo tanto, todas participa una especie de obra col n en una continuidad ectiva que surge del bag creativa, aje cultural compartid nadie puede presumir o por una sociedad. Así de ser totalmente origin , nada ni al, porque, como reza la crea, nada se destruye, máxima de Lavoisier, “"N todo se transforma". Fra ada se se que , por cierto, el famoso Anaxágoras, el filósofo químico le tomó presta griego. da a En la época del Renaci miento estaba bien vis to que los pupilos de los habilidades copiando los grandes pintores ejerci cuadros de sus maestros taran sus hasta definir su propio Marcantonio Raimondi estilo. El problema fue nunca definió el suyo. Su obra se compone casi que en los trabajos de Albert exclusivamente de gra Dürer y Raphael. A pes bad os bas ado ar s de ello, los grabados de Rai el Met de Nueva York, y "El juicio de Paris", mondi están expuestos que reproduce tal cual en sirvió a su vez de inspir un cuadro desaparecido ación para algunas obr de Raphael, as maestras de la histor déjeuner sur l´herbe" ia del arte. Una de ell de Manet, pieza clave as es "Le del imp resionismo que se apropi en el pasto a la derech a de la composición. En ó de las figuras sentad tanto la parte izquierda as héroe griego rodeado de de "El juicio", donde apa tres mujeres, fue reinte rece el rpretada por Rubens, en "Cinco bañistas". Finalm "Paris", y luego por Céz ente, Picasso “se robó” est anne, en e último cuadro para cre d´Avignon", pintura pre ar su famosa "Les Demois cursora del cubismo. elles

------- ZONA DE EVIDENCIA Art Rogers

------Jeff Koons

Fairey Shepard Le déjeuner sur l´herbe de Manet

Marcantonio Raimondi


Pero no todos los intercambios de influencia s son así de productivos, ni terminan en finales tan felices como la creación de una nueva estética. Hay casos mucho más mediocres.

demandó al mismo Richard Prince, quien utili zó sin permiso 22 fotografías que el francés había realizado en el marco de un estudio etnográfic o sobre los rastafaris. Prince les agregó algun os brochazos, un poco de porno y voilà, las expus o bajo el título "Canal Zone". Modestia aparte, Princ e argumentó que su“retoque no afectó en nada el valor de las piezas, al contrario, aumentó su precio y mejoró las de Cariou, carentes de personalid ad.

Bajo el argumento de que el arte contemporá neo es un chiste local, el artista estadounidense Micha el Mandiberg subió las fotos que Sherrie Levin e le tomó en 1979 a las fotos tomadas por Walker Evans en 1936. Así, en las páginas web AfterSherrieLevine.co m y AferWalkerEvans.com, Michael ofrece descar gar Otro figurón que causó escándalo es Jeff Koons, las imágenes en alta resolución junto con un quien se echó al cuello una batalla legal en 1992 por certificado de autenticidad para que impri mas robarse la foto "Puppies" de Art Rogers y convertirla y enmarques una verdadera obra de arte de… en una escultura titulada "A String of Puppies", de ¡Mandiberg! ¿Plagio? No, Appropriation Art, una la cual vendió -oh, colmo de la ironía- tres copias en sub–rama del Pop Art que, al caer en malas manos, 367 mil dólares cada una. El superestrel la Koons hizo convierte la fina línea que separa el pillaje de la lo posible por defenderse explicando que se trataba fama en un puente de cuatro carriles. de una parodia, original en sí misma, pero no logró convencer a los jueces. Las cosas le salieron mejor en Son varios los artistas que han tomado ese atajo, 2006, cuando le ganó a la fotógrafa Andre a Blanch, Roy Lichtenstein no sólo homenajeó el estil o de quien alegaba que Koons le había tranzado una de sus los cómics, los copió casi exactos, incluida su obra fotos publicada en la revista Allure. Koons admitió más famosa "Whaam!" (1963), que es prácticamente una que había usado la imagen para su obra Niagara. réplica de una ilustración aparecida un año antes Para sorpresa de todos, el jurado le dio la razón al en el número 89 de la historieta "All-American Men considerar que el artista la había trans formado lo of War". suficiente para crear una obra propia. Del otro lado del Atlántico también se cuece n habas, Glenn Brown, artista inglés finalista al premio Turner en 2000 por su obra "The Loves of the Shepherds", presentó una pintura idéntica a la ilustración de Tony Roberts realizada en 1974 para la portada de la novela "Double Star". Otro estadounidense, Richard Prince, comen zó su carrera artística “refotografiando” anunc ios de relojes y plumas que salían en la revista Time, donde trabajaba, pero en los ochenta saltó al estre llato cuando le tomó fotos a los comerciales de Marlb oro para crear una serie conocida como "Cowboys". Una de estas “refotografías” fue la mejor vendida en la historia al recaudar más de un millón de dólar es en una subasta de Christie's en 2005. Nada mal para alguien que ha declarado nunca haber puesto un pie en un cuarto oscuro. Sin embargo, estos artistas que se “apropian” de las creaciones de otros para, según ellos, cuestionar los estereotipos de la sociedad no siempre terminan bien parados. El año pasado, el fotógrafo Patrick Cario u

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Sin embargo, el rey del plagio contemporáneo es, sin duda, Fairey Shepard, street artist ameri cano que se ha hecho famoso (y rico, claro) con obras que simplemente “refritean” un sinfín de imáge nes de propaganda, desde publicaciones nazis hasta anuncios. Actualmente, Fairey enfrenta una demanda de la AP por apropiarse de un retra to de Obama con el cual realizó el cartel "HOPE ", utilizado en la campaña presidencial. Como vemos con todos estos ejemplos, tristement e el arte contemporáneo vuelve a morderse la cola. Mientras los artistas del Renacimiento se quema ban las pestañas reproduciendo las obras maest ras, en la actualidad las habilidades técnicas de los “creadores” pueden reducirse a apretar el dispa rador de una cámara frente a la obra (artística o no) de alguien más o manipular las imágenes cread as por otros. Aunque es innegable que en cierta medid a el plagio es la base de todo el arte como decía Picas so: “Los buenos artistas copian. Los grandes roban , es muy diferente arrebatarle una chispa de inspi ración a un genio que fusilarse un anuncio de cigarros. M


reseñas música 3x1

80 70

Junip

Faithless

Scissor Sisters

Rope and Summit EP

The Dance

Night Work

★★★

★★★

★★★

Desde hace algún tiempo que el sueco de ascendencia argentina José González trae entre manos el proyecto de una banda. Su nombre es Junip y a través de ella consigue proyectar su sombrío estilo con el apoyo de más instrumentos. Sin ir más lejos, “Rope and Summit” aparece con la esencia de esta entrega de cuatro canciones. Se trata de una pieza que va creciendo con los elementos básicos de una fuga, en la que cada ejecutante se suma conforme avanza la composición. Básicamente, Junip representa para González una nueva trinchera en la que si bien su voz y su guitarra se distinguen, el resto de los músicos diseñan un ambiente que produce chispas en medio de esa oscuridad a la que el cantautor nos ha acostumbrado desde sus inicios. Lo maleable de su voz se hace evidente a lo largo de este viaje corto pero sustancioso. Es así que mientras “Far Away” se acerca a la frontera con el rock progresivo, “At The Doors” y “Loops” lo hacen gracias a la sustancia de un folk vitaminado con toques eléctricos. TXT:: Benjamín Acosta.

Viejos conocidos nuestros. Durante más de una década, lejos de consolidarse como un pretencioso paradigma de la música electrónica, Faithless se ha concentrado en edificar un estilo. En The Dance permanece su hipnótico sello, incluso con esa sensación de la noche eterna. Esta entrega es indudablemente un terreno fértil para el encuentro de los cuerpos y todos los humores que se desprendan al dejarse llevar por once cortes electrizantes. De hecho, un tema como “Feel Me” aparece como una clara referencia a la energía que el baile despierta cuando es motivada por los impulsos sonoros idóneos. La estética se inclina hacia el reggae y el dub con “Crazy Bal’Heads”, mientras que “Feeling Good” y “North Star” representan el marco ideal para la voz de la encantadora Dido. Es así como el trío conformado por Maxi Jazz, Sister Bliss y Rollo invitan a otros colegas como Dougy Mandagi de The Temper Trap (“Comin Around”). Entre el house y el trip hop, Faithless parece no envejecer todavía. TXT:: B.A.

La ambigüedad siempre ha sido para este grupo neoyorquino uno de los bastiones de su divertimento. En ese sentido, no es casualidad que para esta portada hayan elegido una imagen tomada por el mítico Robert Mapplethorpe. En Night Work se respira más de ese ambiente discotequero, de ese glamour desvergonzado y excesivo que seduce, tal como resulta “Fire With Fire” y su ritmo machacante y turbio. Pero también abren la ventana hacia rincones poco iluminados como “Invisible Light”, con la que decidieron cerrar este disco. El francés Stuart Price estuvo encargado de colocar los últimos detalles para esta tercera producción que representa la piedra angular en el futuro de un grupo que en algún momento se tornó inestable. Una carga generosa de beats para el desfogue, para esos momentos camaleónicos e impredecibles, es lo que contiene este álbum. “Running Out” , “Something Like This” y “Skin Tight” musicalizan la furia de la fiesta, la esencia de las horas antes del amanecer… pero con altibajos incluidos. TXT:: B.A.

José González: Veneer. Un disco que Incluye “Crosses”, su obra maestra. Joy Division: Unknown Pleasures. En “At The Doors” de Junip se ha filtrado el espíritu de Ian Curtis. Bob Dylan: Highway 61 Revisited. La célebre vuelta de tuerca al folk tradicional.

Massive Attack: Mezzanine. Un clásico del trip hop. UNKLE: Where Did the Night Fall. Formas para reinventarse con algunos invitados de por medio. Chemical Brothers: Further. Cuando el ideal de la perfección busca caminos alternos.

Kylie Minogue: Aphrodite. Cachondería para ser disfrutada sin cuestionamientos. Mika: Life in Cartoon Motion. Agudeza vocal sobre una base de ritmos que contagian. Fischerspooner: #1. Cuando la ironía parece estrellarse de frente con el erotismo.

Teme Shet

PIAS Recordings

Downtown


Kisses The Depreciation Guild The Like

The Heart of the Nightlife Independiente

Spirit Youth Release Me Downtown ★★★

Cuarteto femenino tan sexy como aguerrido. Quizás la fascinación que despierta ver y escuchar a un grupo de mujeres con la actitud necesaria sea un asunto inagotable. Desde Los Ángeles, este conjunto debutó en 2006 con Are You Thinking What I’m Thinking? Más allá del enganche visual, The Like sabe entregar un rock directo influenciado por el pop de los años sesenta. Una especie de caramelo con relleno picante: letras de reivindicación amorosa, pero también acerca de rompimientos con la mano en la cintura. Con el apoyo de Mark Ronson en la producción, Release Me suena fresco y contundente, divertido y no tan simple. “Fair Game” incluye un teclado juguetón que se enreda con las figuras que dispara la batería. Por su parte, “He’s Not A Boy” evita ocultar sus reminiscencias de rock and roll. En esta ocasión, The Like podrá decepcionar a algunos por bajar su nivel de potencia, pero a otros interesará por su ganancia en términos melódicos. TXT:: B.A..

CSS: Cansei de Ser Sexy. Sensualidad combinada con la energía y el humor negro. Rilo Kiley: Under the Blacklight. También de L.A. y con la figura central de Jenny Lewis. Dum Dum Girls: I Will Be. Sonoridad básica inmersa en suciedad deliberada.

Kanine Records ★★★★

Al escuchar “Dream About Me” el tiempo se detiene para recordarnos un género que se creía extinto. Sin dudarlo pensamos en las distorsiones de My Bloody Valentine, o en la discreción con la que Cocteau Twins conseguía canalizar su estridencia angelical. La cuna de The Depreciation Guild es Brooklyn –lugar que se ha convertido en el semillero de tendencias– y su sonido se enlaza con esos contrastes generados por la belleza del ruido. Dream pop de estupenda manufactura que puede constatarse en piezas como “Crucify You” y “November”, donde la androginia vocal de Kurt Feldman está en armonía con cada tema de este segundo álbum, cuya inspiración ha superado a su debut In Her Gentle Jaws de 2009. Se trata de un disco cuyos trazos marcarán con nostalgia pura a los treintañeros, al tiempo de significar el redescubrimiento de una estética que nos remite a bandas como The Bolshoi y The Chameleons. Un disco que se disuelve de forma exquisita en las últimas dos décadas. TXT:: B.A.

Chapterhouse: Whirlpool. Todo un clásico –además de one hit wonder– del shoegaze. The Radio Dept.: Clinging to a Scheme. Canciones escritas para esos momentos que alcanzan la eternidad. Mew: Frengers. El toque celestial que distingue la melancolía nórdica.

★★★★

El disco debut de este grupo de no–ingleses es un ejemplo de buen pop, un tanto obscuro, que recuerda a los sonidos de la música disco y el french touch, pero con una voz a la Morrissey y el plus de guitarras afiladas y bajos tipo New Order (aunque por momentos un poco funky y hasta con cierto aire soul) que le dan un toque sofisticado al disco. Y aclaré que no son ingleses porque su sonido evoca a esas bandas new romantics que no se dan tan fácil en Estados Unidos. Pero sí, el dueto integrado por Jesse & Joy, perdón, por Jesse y Zinzi, es originario de "Lost Angeles" (así dice su biografía) y han realizado un gran disco. El primer sencillo del grupo, también disponible en vinil, se titula “Bermuda” y es una inolvidable canción bailable. Pero el disco tiene más buenos momentos, como “People Can Do The Most Amazing Things” que suena como si Ian Curtis siguiera vivo y hubiera superado su época depresiva. “Lovers” es otra buena canción que recuerda las armonías de Aztec Camera, pero con los ritmos de Everything But The Girl. Un disco ideal si quieres bailar sin dejar de sentirte triste. TXT:: Alejandro Mancilla.

Pulp: His and Hers. Sonidos disco vintage mezclados con un pop raro, y con la voz de crooner de Jarvis Cocker. The Organ: Grab That Gun. El único disco de esta efímera banda post–punk canadiense que tiene influencias de The Smiths sin llegar a ser un clon. Modjo: Modjo. Una referencia a bandas setenteras como Chic y las cajas de ritmos que seguramente compraron en la misma venta de garage de sus vecinos, otrora fans de Jean Michel Jarré.

reseñas música 3x1

71


reseñas música 3x1

80 72

The New Pornographers

Woods

Tracey Thorn

Together Matador

★★★★

Cuando las distintas agrupaciones canadienses hacen coincidir la aparición de sus producciones, de inmediato se disipa cualquier duda de que aquel país de América del Norte es una potencia planetaria de la música. Y es que allí está Broken Social Scene y ya no tarda Arcade Fire; mientras ello ocurre, el colectivo coordinado por Carl Newman, Neko Case y Dan Bejar regresa en la mejor forma posible para hacer ver que Challengers fue una obra de transición. A sabiendas de su gran poder melódico, enfocaron sus energías en sonar cohesionados como nunca antes y agregar detalles a los arreglos (chelos en “Moves”, o alientos de The Dap Kings, banda de Sharaon Jones). Además destaca la aportación de los invitados: Annie Clark (St Vincent) toca la guitarra en “My Shepherd”, Will Sheff de Okkervil River, canta en “Moves”, y Zach Condon –el geniecillo tras Beirut– sopla su trompeta en “A Bite Out of My Bed”. Cada cosa brilla, relumbra; hay empatía total en un disco lleno de las mejores canciones que fueron capaces de hacer, entre las que se deslinda “Crash Years” con todo y chiflido contagioso y su referencia a “You” de George Harrison, junto a “Silver Jenny Dollar”, transcurriendo a media velocidad pero pletórica de belleza. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

The New Pornographers: Twin Cinema. Probablemente su cúspide musical más alta. Neko Case: Fox Confessor Brings the Flood. Una de las espléndidas grabaciones de una deidad de fuego. The Rural Alberta Advantage: Hometowns. Canadienses para descubrir.

At Echo Lake Woodist

Love and Its opposite Merge/Virgin ★★★

★★★★

¿Quién hubiera dicho que al folk le llegaría una gran capacidad imaginativa durante el siglo XXI? Muchos años se le veía como a una pieza de museo anquilosada y polvorienta. De repente se vino una andanada de seguidores que lo llenó de posibilidades hasta convertirlo en una nueva pero añeja vanguardia. Jeremy Earl y Christian Deroeck eligieron para esta segunda entrega enfatizar sus gustos y obsesiones: el low fi, las grabaciones en casete y la deformación de las tomas originales. Por eso en el disco hay pasajes saturados, cantos de aves, riffs torcidos y hasta martillazos. Se nota su sensibilidad old fashion, desde el arte (salido de la fijación de Jeremy por los ojos) a los formatos (existe en LP, CD y casete). Con sus hechuras raras obtienen excelentes dividendos, como en las brevísimas “Mornin’ Time” y “I Was Gone”, además de la impactante “Time Fading Lines” (que nos evoca a Bon Iver). Woods deja en claro que abrevando del pasado se puede torcer al presente y hacer un guiño al futuro. TXT:: J. C.H.

The Bowerbirds: Hymns for a Dark Horse. Tomar de la naturaleza sus sonidos y fundirlos con la música de raíz. Grizzly Bear: Veckatimest. En material de un folk oxigenado y propositivo esto es lo más. Laura Gibson & Ethan Rose: Bridge Carols. Paisajes sonoros cuasi land art en un experimento silvestre y bucólico.

¿En qué momento los lectores de Marvin se convertirán en adultos contemporáneos? ¿Cuántos de ellos ya lo son? De cualquier manera, Tracey Thorn alcanzó con Everything But the Girl la necesaria celebridad para seguir siendo conocida, aun cuando se ha manejado con bajo perfil durante los últimos años. Y es que no ha regresado con un disco banal y de mero entretenimiento (como la mayoría de la música concebida para “adultos”), todo lo contrario, ha puesto el dedo en la llaga sobre los años cuarenta, las relaciones sentimentales y la supuesta madurez. Este disco duele y cala, así las melodías sean radiantes. El disco va a la yugular sin miramientos. En “Oh, the Divorces” se pregunta: “¿Y quién es el siguiente?”. En “Come on Home to Me” habla de las segundas oportunidades, “Singles Bar” es devastadora, y en “Kentish town”, se habla del retorno al barrio en el que se habitó con un viejo amor. Aunque el ritmo sea festivo, aquí el asunto es trágico. Un tercer disco impecablemente logrado, coherente y que golpea con contundencia a quien vaya por su cuarta década. TXT:: J.C.H.

Caribou: Swim. Aunque la gente se queda con la parte fiestera, también habla de su pasado divorcio. La Bien Querida: Romancero. Otra mujer que hace cera y pabilo de los conflictos amorosos. Everything but the Girl: Idlewild. La obra cumbre en versión LP de la pareja nativa de Hull en Inglaterra.


Sleigh Bells

Urrusti

La Habitación Roja

Treats

Beliefs EP

★★★★

★★★★

Disco debut de Derek Miller y Alexis Krauss, el dueto neoyorkino del que toda la crítica especializada está hablando desde fines del año pasado. Con “Crown on the Ground” –una estridente, pero melodiosa canción pop– y otros cuantos tracks circulando en la “supercarretera de la información” (¡ay, güey!) los Sleigh Bells se convirtieron en el tema de conversación hipster por excelencia en 2009, junto con The xx, jj y todos los demás proyectos de dos letras de los que nosotros mortales todavía no nos enteramos. Tanto escándalo hicieron estos chavales que se conocieron en un café, que llegaron hasta oídos de M.I.A. quien decidió firmarlos en N.E.E.T. (cuánto pinche acrónimo), su nueva disquera. Producido por el mismo Miller, Treats es ruidoso. La inocente voz de Alexis juguetea sobre distorsiones y cajas de ritmos durante poco más de media hora. Once “trackcitos” que hacen parecer a la transgresión de géneros algo tan cotidiano como tirarse un pedo. Se trata de una nueva definición de noise pop según varios hipsters que no se aburren de alabarlos en sus blogs. En pocas palabras, el disco está bueno para pasar el rato o para clavarse escuchándolo, si es que usted es uno de esos. “el d1eg0”.

En Beliefs, Urrusti tuvo que ser su propio productor, instrumentista y corista. Cada una de las canciones que componen este, su primer EP como solista, fue grabada en las condiciones más precarias y austeras, aunque el resultado sea una producción impecable que no deja de sorprender por sus detalles y matices. “Silence”, el track abridor, da una pista de lo que será el disco: una sobredosis de melancolía. Desde los primeros acordes de banjo, el folk que reverbera en todo el álbum se empieza a develar. “Snow” es una bella narración que destila tristeza, la voz de Urrusti refleja lo mismo desesperación que dulzura. Su habilidad para hacer que el teclado, su voz y la guitarra formen una espiral ascendente resulta de lo más embriagadora. “Thanks to You” es el momento más optimista del disco, una canción romántica y contagiosa que remite a M. Ward. “Beliefs” es un himno a la derrota. A pesar de que el tono de esta canción es definitivamente gris, algo en ella es atrayente y esperanzador. Así llega “Vergil”, una pieza llena de sensualidad y cariño que cierra el disco con arreglos de cuerdas y juegos de voces inspiradores. Beliefs es un trabajo acústico concentrado en el amor, el erotismo y el desamor, que a pesar de su brevedad tendrá un efecto duradero. TXT:: Sofía Téllez.

M.I.A.: Arular. El debut de Sleigh puede llegar a recordar por momentos al de su madrina. Crystal Castles: Crystal Castles. Este dueto de Brooklyn comparte con el dúo de Toronto el gusto por las melodías que se esconden detrás del ruido. The xx: XX. Son el equivalente 2010 de la banda más over–hypeada de 2009.

M. Ward: Post–War. El mejor disco de M. Ward, concentra sus canciones más emblemáticas por su profundidad y paradójica ligereza pop. My Morning Jacket: Z. Disco que marcó el matrimonio perfecto entre el rock y el country para esta banda. Adrian Belew: The Acoustic. Un gran artista como Belew, muchas veces no necesita más que una guitarra para demostrar lo que es capaz de lograr.

N.E.E.T.

Indepentiente

Universal

Mushroom Pillow ★★★

Los eternos nostálgicos de Valencia ya cuentan con una nueva placa. En Universal, la banda pretende conquistar galaxias lejanas con su ya conocido talento para los himnos de rock. Producido por el legendario Steve Albini, este disco refrenda la intención de la banda por dar un salto importante hacia los grandes escenarios y los grandes formatos. ¿El resultado? Un disco que se debate entre lo épico y el lugar común del drama adolescente. Los ganchos pop a la REM en la etapa del college están ahí, los arreglos grandilocuentes también, pero quizá falta un poco de personalidad propia. Sin embargo, Universal no deja de ser un disco disfrutable y, valga la redundancia, universal. Pop épico de fina manufactura, quizá si le hubieran subido un poco a los watts este disco sería sin duda el parteaguas que la banda espera que sea. Disco a disco, la Madre Patria nos enseña cómo llevar a buen cauce las influencias anglosajonas del rock and roll. TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”.

Los Planetas: Unidad de desplazamiento. Pop español atmosférico. La Bien Querida: Romancero. Pop español romántico. Sunday Drivers: Tiny Telephone. Pop español buena onda.

reseñas música 3x1

73


reseñas música 3x1

80 74

Slash

The Chemical Brothers

The Gaslight Anthem

Slash

Further

American Slang

★★★★★

★★★★★

★★★

“Take down to the Paradise City”. El coro no resulta extraño para quien esté familiarizado con Guns N' Roses. Pues bien, el primer disco oficialmente como solista del guitarro (los anteriores no cuentan, pues iban firmados por su banda Slash’s Snakepit) representa eso: la Ciudad Paraíso de quienes añoran el rock n’ roll tocado con los instrumentos básicos, sin exploraciones electrónicas ni rebuscados y aburridos coqueteos experimentales. Puritito hard que sin embargo suena fresco, sin referencias a la vieja escuela. Cada uno de los invitados al álbum hace justicia a las seis cuerdas de Saul Hudson –nombre de pila de Slash–, que consiguió lucirse plenamente con todos los sonidos que pudo sacarle a su guitarra. “Ghost”, con Ian Astbury, tiene que ver con el post–punk; “Beautiful Dangerous” con Fergie, es la más sexy del disco; “Bury the Dead”, con Ozzy, parece soundtrack de cinta de horror y “Doctor Alibi”, con Lemmy Kilmister, nos obliga a sacudir la cabeza hasta que se nos desprenda. Con la curvilínea militante de Black Eyed Peas y los MC’s de Cypress Hill, Slash grabó una versión interesante de “Paradise City”, uno de los dos bonus tracks que el disco incluye para su edición latinoamericana. TXT:: Arthur Alan Gore.

Tom Rowlands y Ed Simons, mejor conocidos bajo el nombre de The Chemical Brothers, son sin lugar a dudas los reyes de esa cosa que es conocida como “música electrónica”. Este que es su último disco es una verdadera genialidad, una prueba fehaciente de que el tiempo no hace de las suyas con sus ideas musicales. Ocho canciones son las que componen Further, mismas que conjugadas y reproducidas en estricto orden numérico hacen parecer de este disco un lienzo que se usó para trazar algún paisaje. Cada canción va compenetrada con la que le antecede, logrando una fluidez natural del disco, mismo que cuando menos lo esperas, ya se ha acabado. Rowlands y Simons han decidido acompañar cada pieza con un filme correspondiente, mismos que serán dirigidos y creados por Adam Smith y Marcus Lyal, para después agregarlos en un paquete que se venderá en tiendas y que incluirá DVD + CD. En Further se encuentra la psicodelia que tanto ha caracterizado el trabajo anterior de la dupla –véase The Test y Out Of Control–-; así como el techno con sabor a rave que han hecho de este proyecto uno de los básicos para entender los beats alrededor del mundo. Tracks recomendados: TODOS, sin duda no hay uno que no resulte increíble. TXT:: “El Jergas”.

Muchas son las comparaciones a las que son sometidas The Gaslight Anthem ante el evidente estilo musical que comparten con Bruce Springsteen, y no es para menos: ambos hablan de la vida vista desde los ojos de los estratos sociales populares, y los dos suenan típicamente americanos, de la costa este para ser precisos. De hecho, en la portada del disco sobresale el puente de Brooklyn como símbolo de sus orígenes. The Gaslight Anthem se formó en Nueva Jersey, a escasos minutos de Nueva York, ciudad que citan a menudo en sus canciones, y a pesar de que nunca he viajado a La Gran Manzana, me puedo imaginar que American Slang es la banda sonora para recorrer sus calles. Tiene en su interior piezas sumamente digeribles y placenteras, transpiran en cada nota el lenguaje hablado por "El Jefe" Springsteen. El aviso de que eran una banda para tomarse en cuenta fue The ‘59 Sound, su segundo disco que salió a finales de 2008, y ahora con su tercera entrega dejan en claro que su música no es arriesgada, ni dejarán bocas abiertas al por mayor: su gran atributo es mantenerse fieles a un género dejando en segundo plano a los críticos y sus juicios. Tracks recomendados: “Stay Lucky”, “Bring It On" y "Orphans”. TXT:: “El Jergas”.

Guns N’ Roses: Chinese Democracy. Uno desea volver a escuchar a los Guns de la primera plana. Dave Grohl: Probot. El ex–baterista de Nirvana hizo lo mismo que Slash: reunir a sus cantantes favoritos. Avantasia: The Metal Opera. Si bien se trata de una ópera rock, en la actualidad y luego de varios discos es vista como una súper banda.

Simian Mobile Disco: Temporary Pleasure. Segundo disco de estudio de este par de músicos. Cuenta con colaboraciones interesantes. Flying Lotus: Cosmogramma. Último y gran disco de este artista originario de California. Etienne De Crecy: Hope. Este referente de la electrónica francesa tiene un nuevo EP.

Bruce Springsteen: Born In The USA. A mi parecer, el gran disco de El Jefe, una crítica a su país. Sublime. Against Me!: New Wave. Sigue siendo la costa este. Florida. The Hold Steady: Stay Positive. Cuarto álbum de estos muchachos de Brooklyn.

Music Brokers

Parlophone

Side One Dummy


dvd de culto El Inspector Bellamy

Los hombres que no amaban a las mujeres

Charly García

El concierto subacuático

Badlands Dirección: Terrence Malick Reparto: Martin Sheen, Sissy Spacek, Warren Oates Guión: Terrence Malick País: EUA Año: 1973 La primera cinta de un director aún menos productivo que Kubrick o Tarkovsky. Admirada por la crítica, pero inicialmente ignorada por el público, Badlands contiene la poética de su creador en estado puro, la semilla de la que florecerá una obra mínima y genial. Bajo la premisa del amor incomprendido entre una tímida joven sobreprotegida y un hombre mundano que no tomará una negativa como respuesta, esta road movie típicamente estadounidense se abre paso con el ímpetu que otorga la valentía y el desecho de la cobardía intrínseca a la sociedad contemporánea. Un cine clásico desprovisto de efectismo; una pareja inmersa en la dicotomía entre el amor y el odio, la creación y la destrucción. Una cinta fundacional que dada su fina estructura formal, podría proyectarse hoy en cualquier festival sin delatar su edad. Antes estaban They Live By Night y Bonnie and Clyde; True Romance y Natural Born Killers vinieron después, creando en conjunto una mitología alrededor de la pareja en constante escapatoria, envuelta en la tormenta. Y a todos los persigue la ley. TXT:: JP Riveroll.

Sony Music Revitalizado, incluso cachetón, luce Charly García en este DVD grabado en vivo, en el estadio Veles, de Bs.As. El concierto subacuático viene acompañado de un CD, y ambos demuestran la calidad de Ave Fénix del cantautor. En el disco se interpretan canciones que lo han acompañado toda su carrera, además de una nueva titulada “Deberías saber por qué”. En “Rezo por vos”, hace un gran dueto con Spinetta. Un aguacero acosa sin tregua toda la presentación, lo que da tonos épicos y título a la misma. “Quería tocar bajo el agua ¿no?”, se pregunta en voz alta el rehabilitado bonaerense. La calidad visual (HD) y auditiva de esta entrega doble es excelente. La dicción no es el fuerte de Charly, pero eso ya es sabido por sus seguidores y el DVD incluye subtítulos para quien no conozca sus canciones. Su reciente gira se resume en esta entrega: misma energía de un puño cerrado en lo alto; idéntica la alegría de ver una vez más a ese monstruo multicéfalo; y todo el rock. TXT:: Everest Landa.

Director: Claude Chabrol Reparto: Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Jacques Gamblin, Vahina Giocante Guión: Claude Chabrol y Odile Barski País: Francia Año: 2009 El inspector Bellamy (Gérard Depardieu) odia hacer viajes, pero muy a su pesar se encuentra de vacaciones en el sur de Francia con su mujer (Marie Bunuel). Ahí, la indeseable aparición del hermanastro menor del inspector, un tipo alcohólico con muchos conflictos internos, además de la irrupción de un extraño fugitivo que se presenta ante Bellamy para exigir protección, aderezan esta comedia negra. Las actuaciones de Gérard Depardieu y Marie Bunuel son magníficas, el guión cuenta con excelentes diálogos y, como dato curioso, el actor que personifica al confeso asesino (Jacques Gamblin) también encarna otros dos personajes. La trama está plagada de ambigüedades que al final te dejan reflexionando sobre la historia de este legendario director de la nouvelle vague, como haciendo honor al epílogo que reza: “Siempre hay otra historia. Hay más de lo que los ojos pueden captar”.

Dirección: Niels Arden Oplev Guión: Rasmus Heisterberg, Nicolaj Arcel, Stieg Larsson (novela) Reparto: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre País: Suecia, Dinamarca, Alemania Año: 2009 Basada en la novela homónima de Stieg Larsson (primera parte de la Trilogía Millennium), está película fue pre estrenada el 25 de febrero de 2009, en Skelleftehamn, ciudad natal del escritor, y ha sido la película escandinava más exitosa de los últimos años, con 1,8 millones de espectadores apenas un mes después de su estreno. La película nos remonta 40 años atrás hacia una reunión familiar en una isla donde la joven Harriet Vanger desapareció sin dejar rastro. Aunque nadie encuentra el cuerpo, su tío vive convencido de que fue asesinada por alguien de su propia familia, así que decide contratar a dos personas para que investiguen el caso. Los elegidos son un periodista frustrado que responde al nombre de Mikael Blomkvist, y una hacker muy problemática llamada Lisbeth Salander. Ambos descubrirán que el secreto del clan Vanger es más oscuro de lo que parece.

reseñas CINE

75


reseñas libros 3x1

80 76

¡Mio Cid! Orgullo y Prejuicio y Zombis 44 escritores de la literatura universal El fondo del cielo

Jane Austen y Seth Grahame-Smith

Antonio Orejudo, Luisgé Martín y Rafael Reig

Ed. Umbriel

Jesús Marchamalo y Damián Flores

Es verdad que escritores como Italo Calvino, Borges y Chesterton insistían en la necesidad –y obligación– de leer y releer a los clásicos, pero también dieron pie a la posibilidad de una reescritura, una práctica que a estas alturas de la historia alcanza un nivel similar al de las intervenciones en el campo de las artes plásticas. He aquí una intromisión polémica pero pertinente y hasta disfrutable. Basta con plantear la transformación de la primera –y bien conocida– frase de Orgullo y Prejuicio: “Es una verdad universalmente reconocida que todo hombre soltero, poseedor de una gran fortuna, necesita esposa”. En la actual versión puede leerse: “Es una verdad universalmente reconocida que un zombi con cerebro necesita más cerebros”. Donde antes había paisajes bucólicos y amores victorianos, ahora hay zombies putrefactos. Las dulces hermanitas Bennet acá son ágiles ninjas que se debaten entre asuntos pasionales y acabar con estos entes caníbales. En 1813 todo transcurría entre desplantes sociales y penas de amor, ahora se anexa La plaga de los innombrables que convierte a la gente en estos depredadores ambulantes. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Si algo se debe agradecer no sólo a las personas, sino también a los libros, es su generosidad y su modestia. Y es que está obra realizada entre un crítico y un caricaturista posee un manejo del lenguaje tan accesible, que no hueco, que se disfruta como si fuera el más exquisito de los postres. No se trata de biografías exhaustivas sino de perfiles que denotan ciertas manías, obsesiones o preocupaciones de entre un conjunto seleccionado con tan buen criterio, que resulta una apuesta infalible. Por sus páginas pasan las siluetas de Camus, Baudelaire, Truman Capote, Faulkner, Pessoa y Joyce, hasta completar las casi cuatro decenas y media que anticipa el título. Varias de las semblanzas recogen las vicisitudes sufridas por esta pléyade de grandes escritores. No faltan infancias desgraciadas, pobreza, deudas, enfermedades, amores furtivos y todo tipo de capítulos existenciales de gente que decidió vivir bailando sobre el filo de la navaja. Aquí el placer de la lectura se filtra en cada uno de los breves fragmentos de que está compuesto este tratado rebosante de vitalidad y sapiencia. TXT:: J.C.H.

Jane Austen: Orgullo y Prejuicio. Tener en cuenta al clásico es un punto de partida fundamental. Max Brooks: Guerra Mundial Z. Un extraño mal regresa a los muertos de su tumba. Manuel Loureiro: Apocalipsis Z. Una historia que surgió primero en un blog. Un abogado gallego da cuenta de las noticias de la infección zombi a través de su diario.

Ed. Siruela

Jesús Marchamalo: La tienda de las palabras. Otra incursión del autor por esta editorial, que parece proceder de otra era por la belleza de sus obras. Jesús Marchamalo y Damián Flores: 39 escritores y medio. Primera incursión juntos; dedicada a autores españoles y latinoamericanos. Jesús Marchamalo: Tocar los libros. ¿Cómo comportarse antes esos objetos? Reflexiones y recomendaciones para iniciarse en esta filia.

451 Editores

Una de las primeras iniciativas de esta editorial española fue incursionar, a través de la colección Re, en proyectos que partiendo del homenaje y la versión se constituyeran en una especie de remakes o reescrituras –alguna idea hay de que la literatura se transmite como un virus hereditario–. Su primera aproximación fue a tres bandas, e implicó enfrentarse al clásico que inaugura las letras castellanas para convertirlo en una novela como tal, pero dividida en tres partes: Cantar del destierro (Antonio Orejudo), el Cid parte a la conquista de las galaxias. Un robot Nokia-Niña le explica en Burgos que nadie le dará posada. Cantar de las bodas de las hijas del Cid (Luisgé Martín), un conferenciante acomete la defensa a ultranza del Cid, su gallardía y su heroísmo. Cantar de la Afrenta de Corpes (Rafael Reig) ¿Qué hace una película sobre juicios al final de un texto que debería acabar en batalla? Además de la actualización misma, pasan del verso a la prosa –lo que fue todo un reto–. Se dice que no tuvieron miedo a la hora de enfrentarse a semejante gigante y que a la postre consiguieron lo que los enemigos del Cid nunca lograron: descabalgar al héroe para que pruebe el polvo. Este Cid es otro cantar. TXT:: J.C.H.

Rafael Reig: Manual de literatura para caníbales. Un ensayo–novela 100% libresca que incluye a un familia que por generaciones intenta escribir la obra maestra definitiva. Antonio Orejudo: Reconstrucción. Tercera novela; ésta de núcleo religioso y plantada en el siglo XVI desde una óptica del XXI. Luisgé Martín: Los amores confiados. Los celos convertidos en miedos extremos y amenazando corroerlo todo.


c贸mic

77


reseñas GAMER

78

Nintendo 3DS: Portabilidad en tres dimensiones

TXT:: Carlos Gutiérrez.

El E3 Electronic Entertainment Expo 2010 que recién terminó, tuvo como uno de los protagonistas más importantes el anuncio de la nueva consola de Nintendo. Se trata de la Nintendo 3DS. A simple vista, el diseño es prácticamente el mismo de la Nintendo DSi, pero los observadores notarán que la parte exterior cuenta con dos cámaras –para sacar fotos estereoscópicas– y la pantalla superior es más grande con 3.5 pulgadas en diagonal. ¡Ah! pero la sorpresa llega al mirarla y ver gráficas en 3D sin necesidad de lentes o accesorios adicionales. Aunque la consola estará disponible hasta 2011, los demos que logramos ver y jugar nos sorprendieron gratamente con visuales que se salían de la pantalla y nos dejaban una clara idea de la profundidad. No podemos dejar de pensar en el 3DS y un sinfín de proyectos que estaremos viendo dentro de no mucho, en una consola portátil. Sabías qué... La Nintendo 3DS es capaz de desplegar películas en 3D, especialmente diseñadas para la consola. Actualmente tienen acuerdos con Disney, Warner Bros., Paramount, entre otros.

Kinect para Xbox 360: Control sin controles Microsoft quiere que a partir de noviembre manejes los videojuegos sin necesidad de controles. Kinect para Xbox 360, es un accesorio que será compatible con todos los modelos de Xbox 360. La idea es que a través del cuerpo se pueda interactuar con mundos virtuales, sin la necesidad de controles o periféricos como lo venimos haciendo desde que se inventó el Atari. Durante el E3 2010, en Los Ángeles, pudimos jugar una gran variedad de juegos que van desde lo infantil, lo familiar y hasta recibimos clases de baile. La interactividad que logra Kinect no tiene precedente y estamos seguros que, junto con el 3D, será el futuro de los videojuegos. Algo nos quedó claro: nos divertimos como niños e hicimos un gran ridículo pegándole al vacío y agitando nuestro cuerpo. Sabías qué... ElKinect modoanteriormente de un jugadorsecontará llamaba conProject 29 misiones, Natal ydeel las nombre cualesoficial solamente fue revelado 16 seránenindispensables un show previo paraalelE3jugador. 2010, en Aunque dondelaelmayoría Cirque de Soleil las misiones dio un se espectáculo llevan a cabo muycon peculiar los humanos e interesante. Terran, algunas pocas será con los Protoss. En el modo multi–jugador en línea, se podrá elegir cualquiera de las tres razas.


TXT:: “El Jergas”.

Polkadot Idioma: italiano

The Big Caption Idioma: inglés

La Lonchería Idioma: español

www.polkadot.it

thebigcaption.com

laloncheria.com

Fotografía, música, arte, moda, ilustración, diseño de interiores y más en este blog que es realizado desde Italia. Atendiendo al buen gusto desde 2006.

Hostess With The Mostess Idioma: inglés

Este es uno de mis blogs favoritos. Lo descubrí no hace más de un mes. El motivo principal de The Big Caption es captar la esencia vital de una fotografía y expresarla a través de una frase, valiéndose de lindas fuentes tipográficas para hacerlo. Humor para escapar de la oficina.

Política, sarcasmo y desacato. La Lonchería tiene un gran menú que ofrecer para aquellos que gustan de noticias recetadas con un enfoque menos conservador.

Fashion Served Idioma: inglés

Mad Mamacitas

www.fashionserved.com

madmamacitas.blogspot.com

Idioma: español

www.hostesswiththemostess.com

Un sitio para aquellos que gustan de la organización de eventos sociales. Aquí les darán consejos, recetas e instrucciones para que su evento sea memorable, se trate de una boda, un baby shower, un cumpleaños o una sencilla comida en casa.

Una plataforma que reúne portafolios de modistas de distintas nacionalidades y orígenes. Para aquellos que gusten de la moda y sus variantes, fotografía y maquillaje por nombrar algunas. Es parte de la red de Behance, y que realiza el mismo esfuerzo de Fashion Served en el ámbito del diseñador gráfico.

Un blogspot para los animosos de celebrar el cuerpo femenino. Jimena Sánchez y Hanna Sotelo están a cargo de Mad Mamacitas, de fotografiar a las modelos, de la dirección de arte, y básicamente de hacer una gran oda a la belleza de la mujer. Gracias a ellas por la dedicación.

Descubre otros sitios de interés en nuestra sección Más más más. Visita www.marvin.com.mx

reseñas links

79


80

Laura I. Gomez Representante de Twitter en Latinoamerica ¿Cuántas personas laboran actualmente en Twitter y cómo se distribuyen a nivel mundial? Somos 180 empleados. 50% ingenieros y el resto es personal distribuido en áreas como Recursos Humanos, Publicidad, Internacional, Legal, etc. ¿Cómo fue tu acercamiento con Twitter? Mi entrada a Twitter fue casual. Vi un anuncio en el sitio para alguien que hablara portugués, español e inglés. Me llamaron y fui entrevistada, quizá mi experiencia previa al haber trabajado en Google fue un factor decisivo. Sin embargo, más que por la experiencia, creo que trabajo en Twitter por ser positiva, una característica fundamental de la gente que trabaja en este sitio.

M

ás que un servicio de microbloging, Twitter se ha convertido hoy en un canal de información en donde cualquier idea (no mayor a 140 caracteres) circula sin restricciones para ser difundida a una inmensa cantidad de receptores. En el caso de Latinoamérica, y particularmente de México, el impacto social de Twitter ha cobrado una fuerza significativa y en ascenso. Es una plataforma con más de cien mil aplicaciones integrada por cerca de 5 millones de usuarios que, en tiempo real, generan una interminable comunicación. En este marco, la visita de Laura I. Gómez, nos sirvió como referencia para conocer la postura de este poderoso canal con respecto a lo que ha generado en nuestro país y el resto del mundo.

¿Cuál es el papel de México en Twitter? México es uno de nuestros mercados estratégicos. Sabemos que este es un país activo en número de twits. Como mexicana me siento muy orgullosa cada vez que veo el acelerado crecimiento de usuarios en Twitter. Además, como país hemos llevado a cabo una actividad muy orgánica desde diciembre del año pasado con #internetnecesario. A partir de ese momento hemos abarcado información de música, política, deportes, etc. Posteriormente se llevaron algunos escándalos en medios de comunicación a Twitter y generaron debate. ¿Cuál es la postura de Twitter al ser una plataforma de comunicación de eventos sociales de gran magnitud? Podríamos decir que Twitter comenzó realmente su actividad de lleno cuando en 2008, el fotógrafo James Karl fue arrestado por sacar una fotografía mientras cubría una protesta en Egipto, la Embajada de Estados Unidos supo inmediatamente de este caso y abogó para sacar de la cárcel a este periodista. A partir de ese momento la gente se enteró de su actividad. Posteriormente se dieron acontecimientos a nivel internacional como manifestaciones, desastres naturales, aconteceres políticos sobre los que no generamos postura alguna. Simplemente brindamos un espacio. Twitter es una plataforma de más de cien mil aplicaciones con más de 5 millones de usuarios en el mundo. Las opiniones siempre existen y Twitter es información disponible, ya sea opinión o no. Es cuestión de los mismos usuarios clasificar esta información. ¿Por qué crees que Twitter se está convirtiendo en una herramienta de comunicación por excelencia sobre algunas otras? La gran ventaja de Twitter es la disponibilidad, puedes acceder a ella en cualquier lugar y en cualquier momento. Es una red de información motorizada por los mismos usuarios en tiempo real. M



Revista Marvin 83:: Plagio