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Año 01•Núm.04•Junio 09•$10 Pesos

WOODY ALLEN En gerundio

P. 6

Locos por el

AJEDREZ y las

MATEMáTICAS P. 8

¿Quién diablos era

B.TRAVEN? P. 12


CARTA EDITORIAL JUNIO, 2009

“El hecho de que el cerebro destine la mayor parte de su actividad a la autopercepción, sugiere la idea de que la inteligencia guarda relación con la buena memoria, sólo quien dispone de una extraordinaria capacidad para almacenar datos puede dar a su cerebro la oportunidad de reelaborar internamente la información. De hecho, un gran número de investigadores han demostrado que todos los niños superdotados estudiados por ellos disponían de una memoria extraordinaria, y lo mismo ocurre entre los jugadores de ajedrez, los matemáticos, los compositores y los virtuosos del violín. […] Howard Gardner resume la investigación en este ámbito (The Mind´s New Science, 1985) mediante la distinción entre las siguientes formas de inteligencia, la inteligencia personal (la capacidad para comprender a otras personas); la inteligencia corporal-cinestésica (la capacidad para coordinar los movimientos); la inteligencia lingüística; la inteligencia lógico-matemática; la inteligencia espacial (la capacidad para componer imágenes virtuales de objetos y manipularlos en la imaginación) y la inteligencia musical.” 1

“La gloria de una obra (famosa o no) está en su propio ser análogo de la felicidad, y es un milagro deseable. En cambio, para el creador, ser atrapado como objeto (supuestamente milagroso) en la jaula de la fama es una pérdida de libertad indeseable, una lamentable confusión.” 2

Lee+ No. 4. Tema: Genio y locura. 1. Fragmentos enlazados del capítulo IV. INTELIGENCIA, TALENTO Y CREATIVIDAD del libro La cultura. Todo lo que hay que saber. Dietrich Schwanitz. Taurus. 2. El secreto de la fama en El secreto de la fama. Gabriel Zaid. LUMEN, 2009.

EN PORTADA

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Woody Allen, 26 de abril, 1972.


DIRECTORIO

ÍNDICE CINE

FICCIONES DEL LECTOR

El guión de Wes Anderson y Noah Baumbach

LA VIDA ACUÁTICA

P.5

EL ÁRBOL DE DURAZNO Manuel Manero

ESTE MES

PARA NO OLVIDAR

EN PORTADA

MARIO BENEDETTI

WOODY ALLEN EN GERUNDIO Peter Gwillim

María Martínez

P.6

Leonora Milán

Paco. H. Acevedo ¿QUIéN DIABLOS ERA

B.TRAVEN?

Luis Hernández Galván

Por Javier Moro

Notas de paso

P.18

P.20

P.22

Karen Chacek

P.16

RECOMENDACIONES Gandhi LOS + VENDIDOS P.25 PARA VER Y OÍR P.26

Frase Napalm, P. 4 • Introduzca su Texto, P. 10 • El canto del cisne, P.14 • Epitafio, P.12 La Letra, P.17 • Con Nostalgia, P.13 • El Concepto, P. 21

Envía tus comentarios a leemas@gandhi.com.mx

Directora Comercial Verónica Flores Becerril veronica@ambarcomunica.com.mx

PEQUEÑO GRAN UNIVERSO EL INCREÍBLE NIÑO COMELIBROS P.28

POCA PRIVACIDAD Entrevista a GUADALUPE NETTEL

manu@ambarcomunica.com.mx

P.12

Fabrizio Mejía Madrid

Editora en Jefe Brenda Barrón Aguilar Director de Arte y Diseño Manuel Muguira Casanova

ARTE ¿ARTECH?

yara@ambarcomunica.com.mx

brenda@ambarcomunica.com.mx

ALTO VOLTAJE KRAFTWERK

LOCOS POR EL AJEDREZ Y LAS MATEMÁTICAS P.8

P.15

Directora Editorial Yara Vidal

Ventas Rafael Rodríguez Mario Parrao

(55) 5524 6580 (55) 4437 9765

Consejo editorial Alberto Achar Jorge Lebedev Alberto Chimal Luis Inclán Editor responsable: Editorial Ámbar Comunica, S.A. de C.V. Avenida Coyoacán 1874-501. Colonia Del Vallle. C.P. 03100, México D.F. Información: 5524 65 80. contacto@ ambarcomunica.com.mx Presidenta: Yara Sánchez De La Barquera Vidal. Administración: Héctor Valdéz. Ventas Publicidad: Verónica Flores, Cel. 04455 32 27 74 99 Tel. 44 37 97 65. Correo electrónico: veronica@ambarcomunica. com.mx Distribución: Librerías Gandhi. Tiraje: 50 mil. © Lee+ es una publicación mensual producida por Editorial Ámbar Comunica, S.A. de C.V. para Librerías Gandhi. Editores responsables: Yara Sánchez De La Barquera Vidal, Brenda Barrón Aguilar, Manuel Muguira Casanova. Certificado de Licitud de Título EN TRÁMITE, Certificado de Licitud de Contenido EN TRÁMITE, expedidos en la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas de la Secretaría de Gobernación. Registro Postal EN TRÁMITE. Reserva de uso de título EN TRÁMITE. ISSN EN TRÁMITE. Preprensa e impresión: Impresora Transcontinental de México. Democracias 116. Colonia San Miguel Amantla. Azcapotzalco. C.P. 02700, México D.F. La presentación y disposición en conjunto y de cada página de Lee+ son propiedad del editor. Derechos reservados © Editorial Ámbar Comunica S.A. de C.V. Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa e indirecta, por cualquier medio o procedimiento, del contenido de la presente obra, sin contar con la autorización previa, expresa y por escrito del editor, en términos de la legislación autoral y, en su caso, de los tratados internacionales aplicables, la persona que infrinja esta disposición se hará acreedora a las sanciones correspondientes. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Hecho en México.


CINE

Todo empieza en una página escrita, los guiones cinematográficos también son literatura. El guión de Wes Anderson y Noah Baumbach

LA VIDA ACUÁTICA

En “Vida Acuática” (In The Life Aquatic with Steve Zissou), el director Wes Anderson mezcla actores de primera línea (como Angelica Houston, Cate Blanchett, Willem Dafoe) con un escenario lleno de saturación de color y exotismo marino. Steve Zissou, es un oceanógrafo excéntrico que quiere vengarse del “tiburón jaguar” que se comió a su compañero Esteban. El personaje de Steve (Bill Murray) es un homenaje -un tanto especial- a Jacques-Yves Cousteau. Espera reírte –aunque no es una comedia– espera lo absurdo, lo bizarro, todo pintado en colores surrealistas que intentan alejarse de la verdad de un documental tipo Cousteau, así es el trabajo de Wes Anderson, siempre sorprendente y honesto.

Steve Zissou (Voz en off) La Península Oubyamywe. Una región remota y fascinante, aunada a una vida marina extraordinaria. Escogimos estas aguas misteriosas como el próximo destino del Belafonte. Alistándonos para el viaje… Los miembros del Equipo Zissou se juntaron en mi observatorio oceanográfico… Aquí en la Isla Pescespada. Iba a ser nuestra aventura más ambiciosa hasta la fecha… Y al final una trágica. Nuestro equipo estaba conformado por: Esteban du Plantier, Chófer… Nuestro estadista mayor, mi colega más cercano por mucho tiempo. Klaus Daimler, Ingeniero calmado, tranquilo, alemán; Vikram Ray, Camarógrafo nacido en el Ganges; Bobby Ogata, submarinista;

Nota de paso LOS INQUEBRANTABLES Woody Allen

Renzo Pietro, editor de sonido; Vladimir Wolodarsky, físico, compositor de nuestra música original; Anne-Marie Sakowitz, guionista; Pele dos Santos, experto de seguridad; Eleanor Zissou, mi esposa, vice presidenta de la Sociedad Zissou. También invitamos a siete estudiantes de ciencia marina de de la Universidad del Norte de Alaska… Para acompañarnos como internos sin paga a cambio de créditos curriculares. Octubre. Esteban y yo exploramos el arrecife azul que está más allá de la península. Un pargo fluorescente se aparece inesperadamente en las profundidades, extremadamente raro para esta zona.

Frase Napalm

“Hoy en día la fidelidad sólo se ve en los equipos de sonido.” Woody Allen, director de cine, guionista, actor, músico y escritor estadounidense, (1935).


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EN PORTADA

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en gerundio


Lee+ Peter Gwillin • petergwillim21@hotmail.com

Dicen que los genios se nos van pronto. Aparecen, reformulan, cambian, desmienten, nos adelantan el futuro, dictan rutas, tendencias, perspectivas, nuevas vías, contextualizan, descontextualizan, logran el reconocimiento —o nadie los toma en cuenta— y mueren. Pero Woody Allen se ha sabido escapar incluso de esta categoría desde que en 1952 comenzaron a publicar sus chistes en los periódicos neoyorkinos; tenía entonces 16 años y no quería que sus compañeros vieran su nombre en los diarios, por lo que se cambió el nombre a Woody Allen (antes Allan Stewart Konigsberg) buscando un pseudónimo que sonara desenfadado y “apropiado para una persona divertida”, en sus propias palabras. Desde entonces, el prolífico, multifacético e incansable escritor/guionista/director/productor ha seguido emitiendo ideas brillantes, hilaridades intelectuales y críticas puntuales cargadas de tan refinado humor que rayan en la exquisitez. “Yo no hablaría de genio, pero sí es cierto que a veces se me vienen destellos de inspiración. Por algún motivo se me ocurren ideas cómicas”, comentaría en una de las intermitentes charlas que ha sostenido con Eric Lax desde hace más de 36 años y que ahora publica Random House Mondadori bajo el sello Lumen en “Conversaciones con Woody Allen”. Para muchos este neoyorkino originario del barrio de Brooklyn es una bocanada de aire fresco, que con sapiencia se ha convertido en un referente dentro de la mediocridad circundante. El Sr. Allen se sigue moviendo, parece que nunca descansa. Toca el clarinete, se desplaza a la infamia de la sección de chismes de Cosmopolitan por haberse casado con su hija adoptiva (con quien dice sostiene la mejor relación de su vida) y últimamente es noticia por haber logrado un acuerdo de 5 millones de dólares con la firma de ropa American Apparel que usó una imagen de Allen en su película Annie Hall para publicidad sin su consentimiento (la demanda interpuesta por Allen era originalmente de 10 mdd pero accedió a un acuerdo fuera de la corte para no llegar a los tribunales, y es, según él mismo Allen ha dicho “la suma más importante jamás pagada en Nueva York en el marco de una demanda por derecho a la privacidad”). Su figura delgaducha y nerdiana ha transitado por distintos escenarios, de la ovación de pie después de la presentación de alguna de sus cintas, a un lapso de poca respuesta por parte del público; de experimentos cinematográficos que dejan a la audiencia a medio camino entre la carcajada y el abucheo, a un siempre espectacular regreso con cuatro premios oscares incluidos; de musa en musa -Scarlet Johansson ahora ocupa el turno- y en un incansable proceso creativo en el que va tejiendo historias en las que intervienen por igual nostalgias del pasado, referencias a los grandes directores y músicos del siglo XX; traumas y complejos de una sociedad dependiente del psicoanálisis, complejidades inherentes al amor y otras conductas interpersonales igualmente destructivas; comedias con tintes del Teatro Clásico Griego, ladronzuelos medio brutos, escritores con problemas de inspiración; hipocondrías desesperantes, narraciones de la idealizada Nueva York, escenas absurdas que rayan en el surrealismo y triángulos amorosos protagonizados por ese tipo de mujeres que Allen sabe retratar muy bien: dulces pero neuróticas, cínicas pero tímidas, despeinadas pero sumamente atractivas. ¿Cómo definir entonces a un incesante personaje que dispara a discreción los más variados géneros? La pregunta es ociosa por insalvable, sin embargo, he aquí algunos aspectos que ayudarán a dibujar más claramente la personalidad del artista. Cuando se estrenó Manhattan (1979), Allen no asistió ni al estreno ni a la posterior fiesta en el Museo de Arte Americano, en lugar de eso tomó el primer vuelo a París. “Por eso la gente piensa que soy distante, estirado o arrogante… no se trata de nada de eso. No es arrogancia, sino más bien falta de alegría. No me hace ilusión… En cambio París sí me hacía ilusión”, dijo en su momento. A la fecha sigue escribiendo a mano, para después mecanografiarlo en su vieja Olympia: “Lo escribo a máquina porque nadie entiende mi letra. Luego lo repaso

otra vez y como la mayoría de las veces lo destrozo tengo que volver a mecanografiarlo”. A través de su carrera ha empleado distintas herramientas visuales a las que recurre para enriquecer sus ya de por sí trabajados guiones, en Annie Hall empleó diversas técnicas cinematográficas, como la división de pantalla, el desdoblamiento de los personajes y la subtitulación de los pensamientos íntimos de los personajes que distan mucho de lo que dicen en voz alta. Siempre proclive al humor y a la comedia -géneros que se toma muy en serio-, parece preferir el drama: “El humor es algo complicadísimo y resulta muy difícil llegar a verdades generalizadas al respecto. Creo que en la comedia, al igual que en una partida de ajedrez o un partido de beisbol, entran en juego mil y un elementos psicológicos conocidos y desconocidos. Es más profundo de lo que uno cree. Cuesta más hacer una comedia que una obra seria. Y tampoco hay duda de que la comedia tiene menos valor que un drama”. Su filmografía siempre se enfrenta a la crítica aguda, reservada sólo para aquellos que ya han demostrado más de una vez lo grandes que pueden llegar a ser, aunque esto no suponga del todo una carga para el cineasta, o al menos no lo ha demostrado así, a diferencia de su personaje Zelig (tan deseoso de ser aceptado que puede adoptar la apariencia de quien se le ponga enfrente), Woody Allen parece haberse comprometido muy poco con los ordenamientos de la industria o con la tendencia del mercado, comenzando por tratar de bajar del pedestal su propia figura. En un momento de su vida comentó “Estaba pensando en escribir un relato titulado: ¿Cómo he durado tanto? Llevo trabajando desde los 16 y me pregunté cómo había durado todo este tiempo. Por ejemplo: ¿Quién es mi público? Nunca fueron colegialas, no son ni votantes republicanos, ni la mayoría de los estadounidenses. Tampoco son intelectuales; podría señalar un montón de ellos que nunca han apoyado mi trabajo. Nunca he ganado una fortuna, siempre he exigido tener un control artístico total de mis películas, y siempre lo he tenido. Hubo un tipo interesado en financiar una película mía que me escribió diciendo que respetaba todas mis libertades a la hora de trabajar y que estaría dispuesto a darme una cantidad de dinero equis -que se quedaba un tanto corta-, y que lo único que exigía era una sinopsis de cinco páginas. Le escribimos un correo electrónico respondiéndole que yo no escribía sinopsis de cinco páginas ni para mí. Ni siquiera de una sola página. Nunca he pasado a quienquiera que haya financiado una película mía más de tres o cuatro líneas a fin de aplacar sus temores más elementales: que es en color, que es actual… Vamos, que no puede haber nada más irracional.” Para sus bandas sonoras recurre casi de manera exclusiva al jazz y a los clásicos americanos de 1900 a 1950, usados incluso para la futurista “El Dormilón”(1973), de la que explica “no quiero recurrir a esa música de sintetizadores Moog estereotipada que se utiliza normalmente para ambientar entornos futuristas”. Del mismo modo en que algunas de sus cintas se podrían considerar sucesoras de la comedia de los hermanos Marx, el estilo del falso documental de su cinta Toma el Dinero y corre (1969) abrió el espacio para lo que hoy se conoce como Mockumentary (contracción de mock y documentary “broma” y “documental”) con This is Spinal Tap -dirigida por Rob Reiner- como ejemplo representativo. Y al mismo tiempo nunca ha dejado de escribir los más variados textos creando escuela en la línea de cuentos humorísticos como los que se pueden encontrar en la estupenda compilación “Pura Anarquía” de Tusquets Editores o en otro tomo no menos divertido “Cuentos sin Plumas” de Maxi Tusquets. Estamos pues frente a un coloso del texto, ya sea literario o cinematográfico, que en sus ratos libres se va de gira europea para tocar a gusto el clarinete, cría a sus dos hijas, responde entrevistas -algunas, no todas-; dicta conferencias, camina por el Upper West Side con un bagel en la mano, cuestiona a la política de su país, ve mucho cine, contesta cartas, se niega a responder otras más; va al psicoanalista, hace castings a una fila de actores que esperan algún día trabajar para él como quien espera la llegada del Mesías. En fin, Woody Allen es un creativo en gerundio (escribiendo, dirigiendo, contando, haciendo reír, tocando el clarinete, haciendo stand up comedy), cosa que a estas alturas del partido sólo nos resta agradecer.+

CUENTOS SIN PLUMAS Woody Allen Maxi Tusquets

PURA ANARQUÍA Woody Allen Tusquets

CONVERSACIONES CON WOODY ALLEN Eric Lax LUMEN




ESTE MES

LA TABLA DE FLANDES Arturo Pérez-Reverte ALFAGUARA

NOVELA DE AJEDREZ Stefan Zweig ACANTILADO

Latinstock/Corbis

BOBBY FISCHER SE FUE A LA GUERRA David Edmonds y John Eidinow DEBATE

Bobby Fischer


Paco. H. Acevedo • ferenzisten@hotmail.com “No me atrevo a decir que hay una relación directa entre las matemáticas y la locura, pero no hay duda de que los grandes matemáticos sufren características maniáticas, delirios y síntomas de esquizofrenia”. John Nash, Premio Nobel de Economía 1994 El año 1492 fue fundamental por mucho de cuanto sucedió y por las graves implicaciones de algunos de los eventos de ese año. Por ejemplo, la mayoría de las personas que tienen instrucción académica básica conoce que ese fue el año del primer viaje de Cristóbal Colón, menos gente sabe que el 2 de enero tal como se acordó en noviembre de 1491 los musulmanes entregaron la capital de su estado, Granada, a los reyes católicos (entre otras, ésta es la causa de que los restos de Fernando de Aragón e Isabel de Castilla están en la catedral de esta ciudad) y menos conocido es el hecho de que el 31 de marzo fueron expulsados los judíos de España. Aún más, la mayoría de las personas, inclusive aquellas que poseen altos grados académicos y que no son especialistas en letras, ignoran un evento especialmente importante para el desarrollo de la lengua española; ese mismo año, el humanista Antonio de Nebrija, publicó la primera gramática de una lengua vernácula europea. Nebrija, que había sido testigo de la entrega de Granada, tuvo la idea de que la lengua además de la religión contribuiría a consolidar la unidad del reino. Su obra, que es el devenir de la imprenta de tipos móviles, explica usos, define reglas y procura que se eviten variaciones en la escritura; en buena medida es la precursora de otras gramáticas. Más que datos aislados, estos hechos permiten concluir que en la segunda mitad del siglo XV existe un ambiente de crisis, cambio y oportunidad, que perfilan a España como la metrópoli del mundo.

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Es en este entorno de cambio que el español Ramírez de Lucena incorporó una modificación al milenario juego del Ajedrez; propuso que en una única tirada, dos piezas pudiesen ser movidas al mismo tiempo (una sola vez a lo largo del juego y bajo condiciones específicas). El enroque, como se conoce técnicamente, es importante por varias causas, a saber: le otorgó enorme variabilidad a las aperturas del juego, considérese que en 1492 habían pasado 18 siglos desde que los militares persas llevaran al tablero de juego la disposición de las tropas

de Alejandro Magno, una modificación fundamental registrada en la historia del juego y, hasta ahora, no ha habido otro cambio perdurable y general en sus reglas. Por cierto, para nadie debe ser una sorpresa la idea común de que jugar bien al Ajedrez es sinónimo de inteligencia; asimismo, también es verdad que a lo largo del tiempo este juego ha sido considerado como la representación típica de la estrategia en una confrontación militar y, por ello, probablemente, es y ha sido la delicia de muchos destacados mandatarios. Según los especialistas, la siguiente irrupción trascendente en la historia del juego fue la aparición de Bobby Fischer, un genio del Ajedrez nacido en 1943 en Chicago, que se convertiría en uno de los maestros internacionales más jóvenes de la historia moderna y cuyas concepciones (no únicamente en el Ajedrez) y acciones de vida fueron el dolor de cabeza de diversos gobiernos y también lo conducirán hacia el final de sus días al aislamiento casi total. Es importante entender a Fischer en el contexto de la Guerra Fría y la necesidad de los gobiernos inmiscuidos en dicha confrontación de usarlo como símbolo y/o medio de propaganda; por supuesto que no se puede pasar por alto el hecho de que es el único occidental capaz de arrebatarles el campeonato mundial a los soviéticos. Tómese en cuenta que mientras en la Unión Soviética el estado invierte recursos en la formación y preparación de nuevos talentos, en las escuelas el Ajedrez es una materia curricular y los grandes maestros reciben exenciones de impuestos, en EUA no hay ni por mucho una estructura semejante; por ello Fischer –un autodidacta– destaca aún más. Algunos datos permiten acercarnos a este personaje. En 1965 se realiza el torneo Capablanca en Cuba; sin embargo, el gobierno de los EUA le prohíbe viajar a la isla, él decide jugar vía télex no sin antes hacerle saber a Fidel Castro que su participación en el torneo no representa un apoyo al gobierno socialista. En 1970, cuando cuenta con 27 años, en un torneo contra los grandes campeones soviéticos, en el hotel donde se hospedan dialoga con Vasiukov y le narra de “memoria” una partida que este gran maestro ganó en el año 55. Para disputar el campeonato mundial contra Boris Spassky en 1972, en las eliminatorias celebradas dos años antes en Buenos Aires se enfrenta con Larsen y Tiamov y los vence 6-0 a cada uno, a Petrosian no le gana tan holgadamente pero lo apabulla. Le gana a Spassky y conserva el campeonato mundial durante tres años, pierde sin jugar contra Anatoly Karpov y no vuelve a participar en torneos oficiales; su negativa a jugar se funda en el hecho de que tal como se contabilizaban las partidas empatadas, más tarde


o más temprano, los soviéticos volverán a ganar el campeonato del mundo, Fischer considera que esto demuestra que los soviéticos son unos tramposos. De la forma de jugar de Bobby Fischer se dice que es extraordinariamente sorprendente por imaginativa, por ejemplo, cuando a los 12 años de edad vence a Donald Byrne (gran maestro internacional), los espectadores suponen que quien abandona es Fischer cuando en realidad el gran maestro es quien está convencido de que será aniquilado prematuramente. Fischer declara que él nunca memoriza las jugadas, que aprende y comprende las ideas detrás de las jugadas; su libro, Mis mejores 60 partidas (publicado en 1969) según los que saben, es un compendio de partidas cuyo común denominador es lo impredecible y aún hoy es un objeto de estudio. Desde la perspectiva de quien escribe, la aportación más importante de Fischer es el Ajedrez Aleatorio (FischeRandom, en inglés) que tal como la aportación de Ramírez de Lucena constituye una verdadera novedad que permite una mayor gama de posibilidades de apertura del juego y cuya idea consiste en sortear las posiciones de las piezas de base (con algunas restricciones). Fischer fue subversivo dentro y fuera de los tableros; el gobierno de EUA gira una orden de aprehensión en su contra por jugar en una exhibición en Yugoslavia cuando existía un veto contra esa nación, en otro momento –prófugo aún– declarará que George Bush es un retrasado mental. La vida de Fischer se parece a la de Luzhin de la dramática novela de Vladimir Nabokov (La defensa Luzhin) y también se encuentra más o menos bien documentada en la película En busca de Fischer (que está basada en el libro del mismo título cuyo autor es el periodista Fred Waitzin). El drama de Fischer, como el de otros destacados personajes, radica en que una vez que el juicio sobre ellos es tal que resultan ser o parecer excesivamente independientes en el pensar y/o en el actuar, más tarde o más temprano, los individuos terminan aislados de sus comunidades; de hecho, la sensación de soledad es más profunda cuando las personas se sienten incomprendidas. En el caso de Fischer, además, se le consideró un autócrata del Ajedrez y en algún momento, no sin cierto fundamento, desarrolló paranoias con relación a que el gobierno de los EUA lo perseguía; no se puede olvidar que Fischer conminó al gobierno de Islandia a que cerrase las bases militares norteamericanas de su territorio, inclusive recomendó que en caso necesario les enviaran cartas con ántrax para que los yanquis entendiesen. Mientras Fischer se mantenía prófugo de la justicia, hacía declaraciones muy

provocadoras y era el centro de algunos escándalos personales, Theodore Kaczynski, un matemático de Harvard que destacó desde sus épocas de estudiante, que fue profesor de la Universidad de California, en Berkeley, vivía aislado en una cabaña en las montañas de Montana (EUA). Kaczynski publicó artículos sobresalientes sobre funciones y propiedades de frontera de dichas funciones, era considerado como uno de los matemáticos más prometedores de la segunda mitad del siglo XX y se aseguraba que su coeficiente intelectual era de 170 (una persona normal tiene un coeficiente de 100 puntos y se supone que sólo dos de cada 100 personas tiene un coeficiente entre 130 y 140). Al mismo tiempo, se dice de él que era un individuo incapaz de tolerar sus errores, solitario, excesivamente tímido, perseverante y meticuloso, estaba obsesionado por su salud y por las posibles fuentes de infección. Este ermitaño, conocido como el “Unabomber”, que conjeturaba sobre la pérdida de la libertad de los individuos en un mundo demasiado tecnificado, decidió matar a extraños enviando cartas con explosivos. Asesinó a tres e hirió a otras 22 personas y fue condenado a cadena perpetua sin derecho a conmutársele dicha pena. En algún momento, antes de ser atrapado, declaró que dejaría de enviar misivas explosivas si el New York Times o el Washington Post publicaban un escrito. En español este documento se conoce como “Manifiesto Unabomber” y se puede acceder a él en Internet; entre otras cosas afirma que “La libertad significa tener poder; no el poder de controlar a otros pero sí poder para controlar las circunstancias de la propia vida”. Su decisión de recluirse en las montañas, aislado durante más de 20 años, está relacionado con la búsqueda de la libertad que, según él, la sociedad tecno-científica cada vez restringe más a los individuos. En más de un sentido Kaczynski tuvo razón pues le tocó el periodo donde los derechos civiles de los norteamericanos fueron mermados como en ningún otro momento de la historia de ese país. Aquí Fischer y él coinciden en su opinión sobre el estado de cosas durante los gobiernos neoconservadores yanquis, se conoce que el ajedrecista intentó renunciar a la nacionalidad norteamericana porque consideraba que los EUA de ese momento eran peores que la Alemania de los nazis. Existen otros dos ejemplos de destacados matemáticos que padecieron de graves paranoias que los conducirían a la muerte y a la reclusión en clínicas para enfermos mentales, nos referimos a Georg Cantor y Kurt Gödel, sin embargo sus historias merecen un espacio propio… Lo cierto es que a Fischer, al propio Nash y a los otros tres parece que el epígrafe les describe bastante bien.+

Nota de paso

Introduzca su Texto Así traduce Google.com Por siempre Poe, por siempre Poe El poema clásico “El cuervo” (The Raven) hizo al norteamericano Edgar Allan Poe un poeta famoso, incluso la gente lo empezó a llamar El cuervo. El poema fue reimpreso rápidamente y hasta parodiado. Lamentablemente el poema le dio renombre pero no lo hizo rico: “No tengo dinero. Soy tan pobre como nunca, excepto no soy pobre de esperanza, que de ninguna manera es financiable”.

POESÍA COMPLETA Edgar Allan Poe HIPERIÓN

A manera de experimento, introdujimos al traductor de Google.com una parte del poema “El cuervo” , exactamente como fue publicado por el Richmond Weekly Examiner, en septiembre 25 de 1849.

THE RAVEN

Then this ebony bird beguiling my sad fancy into smiling, By the grave and stern decorum of the countenance it wore, “Though thy crest be shorn and shaven, thou,” I said, “art sure no craven, Ghastly grim and ancient Raven wandering from the Nightly shore — Tell me what thy lordly name is on the Night’s Plutonian shore!” Quoth the Raven “Nevermore.” Much I marvelled this ungainly fowl to hear discourse so plainly, Though its answer little meaning — little relevancy bore; For we cannot help agreeing that no living human being Ever yet was blessed with seeing bird above his chamber door — Bird or beast upon the sculptured bust above his chamber door, With such name as “Nevermore.”

TRADUCCIÓN

Entonces este pájaro de ébano comedia triste de lujo en mi sonrisa, Por el grave y severo decoro del rostro que llevaba, “Aunque tu cresta ser esquilados y afeitada, tú”, le dije, “el arte que no cobarde, Sombría y terrible antiguo Raven errantes de la noche en tierra -Dime lo que tu nombre es señorial en la noche de Plutonian tierra! “ Quoth el Raven “Nevermore.” Mucho he maravillado esta ave torpe para escuchar el discurso de manera clara, Aunque su respuesta poco sentido - poco tenía relevancia; Para no podemos aceptar que ningún ser humano vivo Nunca fue bendecido con ver a las aves por encima de la puerta -Pájaro o bestia en el busto esculpido encima de la puerta, Con ese nombre como “Nevermore”.


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12

ESTE MES

¿Quién diablos era

Fabrizio Mejía Madrid • faber13@prodigy.net.mx

BrunoTraven fumando

Los que trataron de desenmascarar el “secreto” de Traven cometieron siempre el mismo error: asumir que el escritor conocía su propia identidad. En su última casa en la Ciudad de México, Traven conservaba los papeles de identidad de un herrero bávaro nacido en 1882, de un almirante del ejército prusiano, de su amigo Anton Räderscheidt, y de un tal Götz Ohly, junto con un libro sobre la aristocracia de Gotha en el que había subrayado varios apellidos como buscándose alguno. No recordar quién era nunca pareció un juego divertido: cuando en julio de 1948 el periodista Luis Spota descubre que el afanador de un hotel en Acapulco es el para entonces famoso novelista B. Traven, el escritor le envía una carta breve: “Si usted continúa en su empeño, me mataré”. Y, cuando en 1963, el periodista Gerd Heidemann Stern publica en Alemania la hipótesis de que Traven es Marut, el escritor sufre un ataque de ceguera nerviosa y, tras reponerse, quema casi todos sus archivos en la chimenea. A su primera mujer, Elfriede Zielke, le había dicho que, parido en un barco cerca de San Francisco, no tenía padre y que su madre se había suicidado cuando él era “un niño de diez o doce años”. A su esposa mexicana, Rosa Elena Luján, le confesó: “Viajé mucho con mi madre que era actriz. Estuvimos en China, India, Australia, Indochina y Mazatlán. Cuando muera, te autorizo que digas que B. Traven y Ret Marut fueron la misma persona”. Por su parte, el fotógrafo Gabriel Figueroa aseguraba que Traven le confesó ser el hijo ilegítimo de Emil Rathenau (un industrial multimillonario, padre del ministro de Relaciones Exteriores de la República de Weimar) con una actriz irlandesa, acaso una broma que Traven inventó a partir de la historia de Bavaria: en 1848, Luis I abdica por seguir a la actriz Lola Montez, una irlandesa. Pero Traven nunca repitió la misma versión a dos personas, ni siquiera a las personas que llevaban sus huellas por el mundo: sus mujeres, sus amigos, sus parientes. De hecho cuando la hija que tuvo con Elfriede, Irene, le escribió preguntándole si él era su padre, B. Traven la negó, quizás temblando de pavor (junio, 1948): “Es increíble la cantidad de artimañas que la gente usa para acercarse a las personas que tienen un nombre. Usted es la novena hija ilegítima en busca de un padre que me ha escrito”. Lo que Traven tiene claro al llegar a México no es su nombre ni su nacionalidad; como trabajador en Tampico y mesero en Acapulco se llamará “Törsvan, el Noruego” y, mientras John Houston filma en 1947 El Tesoro de la Sierra Madre, se hará pasar por un “representante del Señor Traven”, llamado Hal Croves, quien fingía tener largas conversaciones telefónicas con su representado, intervenía en el guión, y cobraba 100 dólares a la semana. La certeza es la idea que tiene sobre México: “Ahí se considera falta de tacto, de hecho, insultante preguntarle a alguien sobre su identidad, su ocupación, sus orígenes, sus planes”.

Nota de paso

Epitafio

REALIDAD DEL ALMA Jung LOSADA

Escrito en su tumba en Küsnacht, Suiza.

“Invocado o no invocado, el Señor está presente”. Carl Gustav Jung, médico psiquiatra y psicólogo suizo (1875-1961).


EL TESORO DE LA SIERRA MADRE B. Traven ACANTILADO

MACARIO B. Traven SELECTOR

CANASTA DE CUENTOS MEXICANOS B. Traven SELECTOR

Llamándose ahora Mister Törsvan, B. Traven conoce a Federico Marín, cuñado de Diego Rivera, quien le presenta a Augusto César Sandino en Tampico. La conversación con Sandino versa sobre el trabajo arduo de los petroleros y Traven piensa que es un buen arranque: pide empleo en El Águila Oil Company y en la Huaxteca Petroleum. Ambas lo rechazan. No obstante, se quedó en Tampico seis años. Sus personajes, creados desde una choza que comparte con tres pizcadores, habitan el territorio donde se oponen la “civilización” y la “autenticidad”: El Wobbly, Los pizcadores de algodón, El tesoro de la Sierra Madre, La rosa blanca (que, cuando se llevó a la pantalla, en 1961, fue censurada supuestamente porque la esposa del Presidente Alemán, Christian Martell, salía desnuda, y no por su ingenua aunque consistente oposición al despojo de tierras que implicó la explotación del petróleo). En la Ciudad de México, Traven vive en el Hotel Pánuco en Ayuntamiento pero recibe cartas a nombre del “Profesor Albert Williams” en Isabel La Católica #17. En la calle Francisco Zarco, donde dormían Tina Modotti y Edward Weston, recibe cartas a nombre de “Mr. Traven”. De hecho, es ahí donde Weston le da clases de fotografía para que pueda formar parte de la expedición arqueológica de Enrique Juan Palacios a Chiapas. La expedición comenzó como una “campaña contra la langosta” (mayo de 1926) y se transformó en un levantamiento arqueológico. Palacios recuerda a su “fotógrafo noruego”, Törsvan, quien “se separó con uno de nuestros indios guía, Vitorino Trinidad, en San Cristóbal de Las Casas, para internarse bajo su riesgo en la selva”. Traven regresará a Chiapas todos los años entre 1927 y 1931. Con su nuevo guía, Amador Paniagua, se quedará en la finca de Enrique Bulnes en San José El Real y ahí escribirá la mayor parte de sus novelas de la caoba: La Carreta, Gobierno (sobre la rebelión indígena que estalló el 1 de enero de 1929), La Troza, La rebelión de los colgados, y El General en la Selva. En los cuarentas, Traven se refugió en Acapulco con una mujer, María de la Luz Martínez, dueña de El Parque Cachú, un restorán en Pie de la Cuesta y Traven trabajaba ahí como mesero. Fue el periodista Luis Spota quien le descubrió ahí en julio de 1948 y, un mes después, publicó su hallazgo en la revista Mañana. Como respuesta, Traven le envió una carta al periodista sellada en Londres. En ella le decía que todo era un error y que él residía en Gran Bretaña. Spota, desconfiado, mandó analizar el papel de la carta y el laboratorio del IPN descubrió no sólo que era de factura mexicana, sino también que la máquina de escribir utilizada era el mismo modelo que Spota había visto en el cuarto del mesero de Acapulco. Fue entonces que Traven recurrió al último recurso: “Si continúa, me mataré”. El territorio de B. Traven es una invención basada en el anonimato, en la elevación de su falta de identidad montada en una espiral de nombres y vidas que debía conducir a la nada, pero que le llevó a descubrir la publicidad: “El secreto es lo que le da a un hombre esa sombra de misterio que es esencial para tener poder sobre el promedio de la gente”. Las cartas de gente que cree conocerlo llegan a la Ciudad de México por decenas. En 1959 dos hermanos, Ivana y Martín, identifican una foto de Hal Craves —el disfraz que Traven usó para vigilar las filmaciones de sus novelas— como la de su hermano Franz. Nacido en 1883, Franz se había ido a América en 1910 y regresado para alistarse en el frente ruso durante la Primera Guerra Mundial. Desde entonces y hasta que los hermanos vieron la foto de Craves, su desaparición no había tenido una “explicación satisfactoria”. El 21 de junio de 1968, desde Yugoslavia, un hombre le avisa: “ Usted es el hijo del Conde Blagay del Castillo Bostani y de

Nota de paso

El Fabulouso Fred es un colorido recuerdo de 1980. Hecho en Japón por Mego Corporation, el juego electrónico contaba con 10 diferentes actividades como: órgano electrónico, máquina musical, juego de memoria, baseball, ruleta, entre otros. Cualquiera lo podía jugar en el coche o en el parque. Sabemos que era fabuloso pero, ¿por qué se llamaba Fred?

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Con Nostalgia


Margareta Travnik de la villa de Veliko Mlacevo”. En octubre de ese año, una carta de dos frases fechada en Dortmund debió sacarle una sonrisa al escritor: “Yo soy B. Traven. Envíen un agente para que me informe sobre todo”. La Sociedad de los Traven se expandió incluso en México. El director de cine, Chano Urueta, aseguró frente a la Asociación de Autores y Compositores de México que él había escrito El Tesoro de la Sierra Madre y reclamó un porcentaje de las ganancias. Pero no sólo era por el dinero. Un ejército de no-autores sentían que sus experiencias en la selva, los campos petroleros, o el mar estaban puestas en papel por un autor sin rostro, sus intimidades plagiadas por él. Ewald Hess, un abogado alemán residente en Chiapas le escribió: “Usted escribió ya los libros que yo hubiera querido escribir” y la viuda de un aduanero de Mecklenburg, llamado August Bibeljé, aseguró: “He descubierto en sus novelas todo tipo de detalles de la vida de mi esposo”. En los años de fama, todo mundo quería ser Traven pero, después de su muerte, el miércoles 26 de marzo de 1969 a las 5:50, Traven se convierte en el familiar desaparecido de cientos de familias europeas: una mujer de Danzig cree que es su tío “que se hizo a la mar para nunca volver”. En 1969, un hombre le escribe a la viuda desde Berlín: “Su desaparecido esposo era mi hermano”. Y, desde Hamburgo, una mujer reclama: “Su esposo me dejó en el altar para irse en un barco hace 37 años. Fue gracias a sus cartas, que coinciden con la sintaxis de El barco de la muerte, que lo descubrí”. Los gestos de B. Traven en México están llenos de una ambigua voluntad de borrarse y, al mismo tiempo, de ser reconocido. Vivir irreconocible le lleva a inventar a su representante, Hal Croves, que negocia la venta de sus novelas al cine y de su cuento, “Macario”. Pero, cuando su traductor en Knopf, Bernard Smith, le avisa que lo visitará en el otoño de 1936, Traven desaparece. No obstante, hace que la Señora Martínez le entregue al visitante 35 cuartillas de sugerencias turísticas. Smith y su esposa siguieron las indicaciones y, más tarde dijeron que, durante el viaje, “sentimos una extraña sensación de que Traven nos siguió durante toda la semana para vigilarnos”. En su deseo de reconocimiento, Traven experimenta una verdadera compulsión por escribir cartas a todos aquellos que creen haber descubierto su “secreto”, siempre exaltando la fama mundial y gran calidad literaria de los textos cuya autoría niega. De hecho, en sus últimos años, sordo e insomne, publica Aslan Norval, una novela de amor entre un anciano y una mujer “elegante” que recuerda mucho a su vida con Rosa Elena Luján. Como la crítica no lo atiende, con el nombre de Hal Croves, Traven escribe al Excélsior: “No es el estilo de Traven. En mi opinión no debería de circular con su nombre”. Sin embargo, toda su caligrafía de desaparecer como persona para existir como escritor tenía como negación la escritura de cartas. Una de ellas lo precipita a la sombra de recuerdos oscuros de alguien que tiene muy pocas claves para saber su identidad. La escribe el 10 de abril de 1935 y su destino es la Biblioteca del Congreso de los EU. El sobre contiene un programa de mano de una ópera presentada en 1840. En la carta habla de una de las actrices de la Royal Prussian Privileged Co. Se refiere a ella como “Frau von Sternwaldt, un miembro de la nobleza prusiana”. La actriz era conocida como Josephine Stephanie, viuda de Ludwig von Sternwaldt (1812-1883), su familia tenía una rama danesa, como Traven aseguraba de él mismo, y dos hermanos nacidos en 1819 y 1825 “perdidos en América”. Los tíos de éstos, Jürgen von Warnstedt y Charlotte, vivieron en la zona fronteriza entre Alemania y Dinamarca, cerca de Lübeck, en un pueblo llamado Traventhal. Muy cerca de ahí, está el pueblo Marutendorf. Probablemente el programa de mano de la ópera no era más que una pista que llevaba a los nombres geográficos de donde B. Traven había tomado dos de sus nombres de escritor, no a los apellidos de su familia, que no conocía. Al enviar la carta lo que estaba reconociendo era que su identidad no podía ser más que un juego de palabras. Lo imagino de noche, metiendo la carta y el programa en el sobre, con una tristeza seca. Después, se queda dormido mientras los nombres le dan vueltas tras los párpados. Está extraviado.+

Nota de paso

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO Oscar Wilde EDIMAT

El canto del cisne

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¿Qué dijeron antes de morir?

“Muero como he vivido, por encima de mis posibilidades.” Oscar Wilde, escritor irlandés (1854-1900)


FICCIONES DEL LECTOR

Envíanos tu texto a leemas@gandhi.com.mx Todos los escritos deberán tener una extensión de no más de 850 palabras y no menos de 700. Fuente: Arial, tamaño de fuente: 9 y 11 de espaciado interlineado. Asegúrate de escribir tu nombre completo y un número telefónico al que podamos contactarte.

Mi padre solía preparar en un rapto de alquimia e invención secreta una mermelada de durazno que él llamaba jactanciosa y fastuosamente: “Mermelada del Príncipe”. Incluso había diseñado una modesta etiqueta en la que, a manera de un gesto infantil, asomaba el garabato de un príncipe parecido al legendario dibujo que ostenta la portada del libro El principito de Antoine de Saint-Exupéry. Orgullosamente, el árbol de durazno se hallaba en el jardín de su oficina en Polanco, en donde mi padre pasaba largas horas entregado a los caprichos y a las pasiones de su trabajo; ahí recolectaba los mejores frutos de la cosecha (que pronto se encontrarían en la apreciada confitura) para luego llevarlos a su laboratorio privado, a ese fantástico taller en el que recelosamente los transformaría en su potaje prodigioso, en su elixir frutal y complaciente. Hoy los restos de ese árbol, o más bien una parte de él, yacen en mi patio. El árbol ya mermado y confinado en una mezquina maceta -plantado en una parcela indigna y claustrofóbica después de que en otros tiempos sus raíces tocaron la gloria del fondo de la tierra y bebieron la silenciosa agua nocturna de la ciudad- todavía engendra esos nobles, tiernos y codiciados retoños. Ahora lo recuerdo (a mi padre) insolente y vanidoso, untando su espléndida fórmula, su metódica creación sobre una hogaza de pan, mirándonos impávidos e incrédulos, pero no por ello menos dignos y merecedores de disfrutar su admirable obra, su ingenio de alta confección; pletórico de orgullo y de alegría de que estemos, su mujer y sus dos hijos junto a él, disfrutando su dulce doméstico. Este día 25 de abril se cumplen cinco años de su muerte, un lustro dicho de manera elegante y oficial. Y el duraznero me mira, me ensaya y me confronta. Entonces me di cuenta que lo que me pedía era estar cerca del mago, del artífice, cerca de él. Lo que me llevó a arrancarle el fruto más maduro para llevarlo próximo a sus cenizas. Me subí al coche con el durazno en el bolsillo y me dirigí al centro; caminé un rato, repasé las bromas que acostumbraba hacer mi padre y sus hazañas. Lo recuerdo como el capitán temerario de un barco de náufragos aventureros, un filibustero errante buscando el oro en un cofre, o siguiendo la pista al diamante perdido en alguna parte del Amazonas, en medio de la jungla, donde es imposible colarse, río abajo con delfines rosados danzado en espiral. He dejado el fruto frente a la catedral. No soy religioso pero sí creo en los misterios y en las almas. Tal vez alguien pasó y lo pateó, o quizá alguna persona lo vio reluciente en el piso, flamante como la piel de un vientre joven y después de limpiarlo lo llevó a su boca sin saber que años atrás ese mismo fruto había sido un manjar familiar, un pretexto para estar todos juntos a la mesa disfrutando de la comida hecha en casa con amor. Qué mejor homenaje que ese. Te quiero mucho papá. FIN. A mi padre.

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Manuel Manero


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POCA PRIVACIDAD

Entrevista a

GUADALUPE

NETTEL

PÉTALOS Y OTRAS HISTORIAS INCÓMODAS Guadalupe Nettel ANAGRAMA

EL HUÉSPED Guadalupe Nettel ANAGRAMA


Lee+

Por Javier Moro

javierandroide@hotmail.com Guadalupe Nettel (México, 1973) probablemente sea la escritora mexicana joven que mayor revuelo ha creado en el mundo literario mexicano. Con dos libros publicados, la novela El Huésped (Anagrama, 2006) y el libro de cuentos Pétalos (Anagrama, 2008) se ha abierto un lugar muy importante dentro de la joven literatura latinoamericana; prueba de ello es que forma parte del especial grupo Bogotá 39, que reúne a los mejores 39 escritores de la literatura hispánica menores de 39 años. Guadalupe Nettel regresó recientemente a México después de una larga estancia en Europa (Francia primero y Barcelona después). Nettel posee una figura etérea, es de hablar pausado y dulce. Lee+ tuvo la fortuna de hablar con ella sobre los dos libros que causaron un temblor silencioso en la República de las letras mexicanas, y que le valieron ser considerada ya -unánimemente- como una de las escritoras más interesantes de la generación nacida en los años setentas.

L+: Cuéntanos un poco sobre el libro de Pétalos, ¿Te llevo mucho tiempo hacerlo? ¿Sientes alguna transformación respecto de tu primer libro, El Huésped, una novela, también publicada por Anagrama? G.N.: Pues para mucha gente yo creo que sí le puede parecer muy largo el proceso de creación de estos libros; con El Huésped me tardé casi diez años en hacer la visión final y con Pétalos, que es un libro de cuentos conformado por seis historias, escritos en diferentes épocas, la mayoría de ellos son posteriores al El Huésped, pero hay un par que no, y son textos que me tomaron mucho tiempo trabajar y pulir para retomar la historia. Por ejemplo, hay un cuento aquí (Pétalos) que se llama “Transpersiana”, que yo considero posterior a El Huésped, porque realmente la versión final la terminé hace dos o tres años, pero yo escribí el ancestro de este cuento en 1993, entonces sí se ha modificado mucho y hay gente que no notaría que es el mismo cuento; pero sí procuro trabajar mucho los textos de ficción, sobre todo hasta que me convenzan. L+: Quiero preguntarte sobre el tema de la cotidianidad que impregna tu obra, porque tus cuentos parecen ver la realidad con un pequeño grado de distorsión que los hacen no ser textos exactamente realistas, pero tampoco exactamente fantásticos. G.N.: A mí siempre me gustaron los cuentos y las historias fantásticas, pero ese tipo de fantasía que no entra dentro de la categoría de la ciencia ficción o de lo maravilloso, sino historias que se quedan un poco en el umbral. Yo definitivamente veo la vida de esa forma. Creo que la vida está completamente impregnada de magia y de universo, elementos que la ciencia y la gente que se considera muy racional no quiere voltear a ver, pero que están ahí . L+: ¿Leíste mucha literatura fantástica cuando eras niña? G.N.: Sí, de niña leí definitivamente mucha literatura fantástica y todavía leo cosas así. Uno de los autores que me gusta mucho y que seguramente conocen todos es Haruki Murakami, hay un libro suyo que se llama La Crónica del Pájaro que da cuerda al Mundo que para mí es una especie de Biblia del relato fantástico contemporáneo, y en donde se ve justamente este umbral y la influencia de estas dos dimensiones que se rozan constantemente. JM.- ¿Qué escritores latinoamericanos te gustan o con los cuáles sientes más afinidad? GN.- Mario Bellatin me gusta mucho como escritor y como persona, de sus libros prefiero Salón de Belleza y Flores; también me gusta mucho Rodrigo Fresán, y hay una escritora argentina que no es nada conocida que acabo de leer; se llama Aurora Venturini, tiene como 80 años y una prosa divertidísima.

L+: ¿Qué tan preocupada te encuentras con respecto a la estructura dentro de tus cuentos? G.N.: Me preocupo mucho y atribuyo esto a que buena parte de mi educación se dio dentro del sistema francés, un sistema absolutamente “cartesiano” en donde siempre tienes las coordenadas “X” o “Y”, y todo el tiempo te enseñan a estructurar un texto o tu pensamiento de una manera -incluso- bastante chata, pero también creo que un texto sin estructura se cae, lo que sí es que me interesa menos que se vea esa estructura de lo que me importa que se noten los cambios internos en las historias y en los personajes; lo que trato es que la estructura sea un andamio fuerte, o que no forzosamente muestre su cara. Ahora hay autores francófonos que buscan que la estructura sea lo primero que se ve, lo respeto mucho y me gusta, pero tampoco es algo que me interese. L+: Hablemos de Pétalos, seis historias distintas que tocan la cotidianidad, la realidad, pero vistas a través de un cristal distorsionado ¿Cuál es el punto en común en estas historias? G.N.: Bueno, creo que el punto en común es sobre todo la idea de una propuesta de belleza distinta a la que nos venden los medios de comunicación, los comerciales, las películas. Es la idea de que la belleza es única en cada ser humano; de la misma manera en que una obra de arte es única e irrepetible, los seres humanos también somos únicos e irrepetibles y no nos queremos dar cuenta de que en eso, precisamente en ese detalle radica toda nuestra fuerza, toda nuestra belleza. Entonces estos seis cuentos se encuentran en sus personajes, en sus manías, tics, que además es algo que todo el mundo tiene peor, que de alguna manera queremos ocultar a los ojos ajenos. Justo hay una modelo que se arranca el pelo, pero se lo arranca desde la raíz para que nadie se de cuenta (“Bezoar”). En “Bonsái” hay un hombre que se identifica con un cactus porque se da cuenta de que siempre pone barreras y se aleja de los demás. Entonces, sí creo que lo que une a estos seis cuentos es esta idea de la belleza como única e irrepetible. L+: Ahora que mencionas esta idea de la belleza, que me parece fantástica, también me llama la atención la idea que aparece en el cuento “Bonsái”, eso de serle fiel a tu naturaleza. G.N.: Pues sí, es que justamente muchas veces somos infieles a eso que somos o muchas veces ni siquiera vemos cómo somos en realidad. Tratamos de ocultar a esa persona. Esto también creo que es algo muy importante para un escritor, porque muchas veces estamos tratando de copiar el estilo de alguien más, aunque no haya vivido en la misma época o no haya vivido las mismas circunstancias que nosotros, sin detenernos a preguntar ¿quién soy yo y qué es lo que me hace único e irrepetible? Y cuando encontramos estas características que nos determinan, tenemos una fuerza increíble para ser fieles a nosotros mismos y crear de una manera más natural.+

Nota de paso

La Letra Voy a salir a caminar solito sentarme en un parque a fumar un porrito y mirar a las palomas comer el pan que la gente les tira! y reprimir el instinto asesino delante de un mimo o de un clown hoy estoy down violento, down radikal pero tengo aprendido el papel principal yo soy un loco que se dio cuenta que el tiempo es muy poco Fragmento de la canción Loco de Andrés Calamaro.


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PARA NO OLVIDAR

el poeta que desmentirá a la muerte Pasatiempo Cuando éramos niños los viejos tenían como treinta un charco era un océano la muerte lisa y llana no existía. Luego cuando muchachos los viejos eran gente de cuarenta un estanque un océano la muerte solamente una palabra. Ya cuando nos casamos los ancianos estaban en cincuenta un lago era un océano la muerte era la muerte de los otros. Latinstock/Corbis

Ahora veteranos ya le dimos alcance a la verdad el océano es por fin el océano pero la muerte empieza a ser la nuestra.

María Martínez • aurinegra@hotmail.com Hoy las letras están tristes y lloran en silencio. Se ha ido un grande de la literatura hispanoamericana. Mario Benedetti fue sin duda uno de los escritores uruguayos más conocidos en el mundo. Quizás porque su mensaje tenía un aliento universal que, aunque evocaba frecuentemente lugares y vivencias propias de Montevideo, ciudad de sus amores, trascendía ese espacio hasta volverse comprensible a todos. Su estilo sencillo pudo ser aprehendido por personas de distintas razas y diferentes condiciones. Lo asequible de su obra no le quitó profundidad ni rigor; ni mucho menos belleza. Esa notable virtud de volver para todos inteligible su mensaje no fue la única que lo distinguió. Es claro que su escritura siempre desbordó el ámbito geográfico inicial, hasta volver al autor por varios decenios en uno de los más traducidos y leídos en todas partes del mundo. Montevideano y universal, Benedetti volvió operante, como pocos, el aforismo proveniente de Tolstoi: “Pinta tu aldea y pintarás el mundo”. La sencillez que siempre caracterizó las palabras y la propia vida del uruguayo, contribuirá también a volverlo inmortal. Cuenta un periodista uruguayo (Gabriel Pereyra, del diario El Observador) que en el tiempo en que junto con otros muchachos acabados de salir de la adolescencia, escribían en un ignoto semanario de escasa circulación y corta vida, Mario Benedetti, que regresaba del exilio provisto de una larga y sólida fama internacional, aceptó sin más trámite la propuesta de someterse a una entrevista en el modesto lugar donde el semanario funcionaba. Cuando el primero de los entrevistadores llegó, el escritor ya estaba ahí, esperando sentado. Durante el transcurso de la plática, el único grabador disponible en la redacción se descompuso. Benedetti se retiró prometiendo volver muy pronto. Regresó con un grabador de considerables dimensiones, prestado por una hermana suya que vivía cerca de allí. La entrevista continuó entonces y finalmente se publicó sin contratiempos.

Nacido en 1920 en Paso de los Toros, departamento de Tacuarembó, vivió sucesivamente en la ciudad de este último nombre, en Montevideo y en Buenos Aires, donde fue a dar por un corto lapso, cuando la dictadura militar se instaló en su país, en 1973. También recorrió por el mismo motivo más tarde otros destinos, entre los que destacan, puesto que vivió un largo tiempo en ellos, España y Cuba. Como escritor formó parte de la que en el Uruguay se ha llamado “la generación del 45”, pues fue en torno a ese año (1945) que entraron en escena un grupo de escritores que habrían de destacarse en los decenios posteriores. Ese florecimiento expresaba un momento culminante en la cultura y en el prestigio institucional del país, cuya democracia parecía inexpugnable y cuya enseñanza pública y gratuita, abrumadoramente preferida por la población de entonces, mostraba la vocación igualitaria y democrática como un dato de la identidad nacional. Fue otro notable escritor, Juan Carlos Onetti, quien encabezó, en cierto modo, y sin duda constituyó un punto de referencia para la mencionada generación literaria. De esta generación del 45 formó parte, entre otros muchos, la recientemente desaparecida poetisa Idea Vilariño, una mujer dotada a un tiempo de talento y hermosura, quien fue reconocida como una voz excepcional en la literatura del Uruguay y de América Latina, pese a los muchos esfuerzos que hizo en vida para pasar inadvertida. Benedetti se abrió camino, pues, entre otros muchos autores de valor. Brilló a partir de sus treinta y tantos años, y siguió brillando por los más de cincuenta que pasaron desde entonces. Aunque él mismo decía que nadie se ocupó en leer su primer libro, semejante resultado no lo amilanó ciertamente. Trabajador incansable y hombre convencido de su vocación, su perfil de novelista se consolidó con “La Tregua” y más adelante con “Gracias por el fuego”, por citar algunos de sus trabajos más conocidos. Sobresalió también en el cuento: en este género, “Montevideanos” es tal vez su compilación consagratoria. Su gran amor, la poesía, cuyo fruto se halla hoy más o menos ordenado en varios volúmenes, habría de depararle por cierto alguna de las


mayores satisfacciones que un escritor pueda recibir: muchas de sus páginas están incorporadas al patrimonio literario -e incluso espiritual- propio de varias generaciones, de modo especial en el mundo de habla hispana. Siguen leyéndolas los jóvenes de hoy, tal como lo hicieron sus padres; siguen recitándolas los enamorados y siguen cantándolas o declamándolas los juglares populares, desde los más famosos hasta cantores y recitadores anónimos en los pueblos y lugares varios de países cercanos o distantes. El poeta recordó alguna vez, con esa naturalidad con que describía los episodios de su vida como si fueran cosas que le pasaban regularmente a cualquiera, que, hallándose en Guadalajara, un joven que lo había reconocido en la calle lo detuvo, no para pedirle un autógrafo, como había supuesto el escritor, sino para contarle algo. El hombre le relató que, en una época difícil de su vida, sintiéndose abatido, había decidido suicidarse. En tales circunstancias, un amigo que advirtió su melancolía y su angustia, lo exhortó a pensar en las muchas cosas que la vida podría depararle aún y, para estimularlo, le prestó un volumen de “Inventario”, recomendándole su lectura. El proyectado suicida comenzó a leer aquellos versos trabajosamente, como correspondía a su predisposición psicológica de entonces, pero no pudo dejarlo sino hasta acabar la lectura. Para el tiempo con la plática con Benedetti, el relator de la historia estaba convencido de que se moriría sí, pero cuando le tocara: la poesía de su interlocutor circunstancial lo había disuadido en el momento preciso. El 17 de mayo de 2009, el Montevideo gris donde residía y que fuera telón de fondo de la mayor parte de su copiosa obra que tanto nos cautivó, haciéndole honor a las letras de quien tanto lo merecía, lo despidió con tristeza, apagado, como a él le gustaba contarlo. Algunos de sus amigos compartieron estas reflexiones: “Siento envidia por los jóvenes que todavía están por conocerlo”. -Daniel Viglietti. “Soy enemigo de la inflación para hablar y me parece que el dolor se dice callando”.- Eduardo Galeano. “Son muchas las razones que nos llevan a la lectura de Benedetti. Tal vez la principal sea precisamente: que el poeta se ha convertido en voz de su propio pueblo. O sea, en poeta universal”. -José Saramago.

Ojala por algún lado lo esté esperando Troilo*, para recibirlo a donde vaya, con el sonido de su bandoneón que el poeta tanto quería. Y ojalá también, algún día, cuando sea veterana, pueda entender mejor, en su propia voz, esto de los adioses y bienvenidas.+

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*Troilo: músico argentino bandoneonista, compositor y director de orquesta

ANTOLOGÍA POÉTICA Mario Benedetti ALFAGUARA

GRACIAS POR EL FUEGO Mario Benedetti ALFAGUARA

LA TREGUA Mario Benedetti ALFAGUARA

ANDAMIOS Mario Benedetti SUMA


ALTO VOLTAJE LITERARIO

Latinstock/Corbis

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Leonora Milán • leos@ibero909.fm En esta década, y desde finales de la anterior –en paralelo a la música compuesta principalmente por guitarrazos– ha existido una corriente alternativa que sustituye los instrumentos tradicionales por computadoras y sintetizadores. Creativamente se le ha denominado “música electrónica” y desde entonces ha salido y entrado del mainstream (es decir, de esa música que todo el mundo escucha, que todo el mundo conoce, y que toda estación de radio que se precie de ser “popular” tendrá dentro de su programación) en repetidas ocasiones. La historia de este género no puede ser trazada sin mencionar actos legendarios como Neu!, Can, Faust, y otros más actuales, como Underworld, DJ Shadow, Daft Punk, Air, The Orb, y podríamos seguir. Sin embargo, hay un acto de especial importancia para el desarrollo de la música electrónica y que continúa vigente a casi 40 años de su formación: Kraftwerk (del alemán “central eléctrica”). Provenientes de Dusseldorf, Alemania, estos pioneros del género musical cibernético han sido influencia para prácticamente todos los proyectos electrónicos de las décadas siguientes; y no sólo en el ámbito musical, los espectaculares visuales que la banda alemana presenta en sus shows en vivo han sentado el precedente para que la música electrónica se acompañe de un elemento visual igualmente poderoso que el contenido auditivo.

TRANS EUROPE EXPRESS Kraftwerk

COMPUTER WORLD Kraftwerk


Las razones de la importancia de Kraftwerk en el ámbito electrónico son varias. La primera es la composición misma de sus temas. Su música está construida a partir de melodías pegajosas y ritmos repetitivos, con escasas pero fundamentales líricas, que es la base sobre la que se han construido cientos de canciones electrónicas a partir de la década de los ochenta. Por otro lado, Kraftwerk es una banda-concepto; cada uno de sus discos aborda un tema particular que lo define y lo conduce. Por ejemplo, Radioactivity, de 1975, gira alrededor de dos interpretaciones posibles del término “radioactividad”: el del poder de las ondas radiofónicas y la importancia de la energía atómica. The Man-Machine (1978) es un álbum igualmente conceptual que analiza la relación del ser humano con las máquinas y que sentó las bases para que, de ahí en adelante, a la banda se la viera de otro modo: ya no sólo como humanos, sino como humanosrobots. Esto no se debe únicamente al concepto de este álbum, sino que depende directamente de los beats minimalistas y repetitivos de sus canciones y a las voces distorsionadas que los acompañan. Lo que nos lleva a tocar un último punto que no puede dejarse de lado cuando se habla de Kraftwerk y de cómo han influenciado a músicos de nuevas generaciones: la estética propia del grupo. Ellos son –por decirlo de alguna manera– elegantes. Pero no piensen en smokings o en ropa de diseñador: piensen en trajes setenteros con corbatas delgadas y peinado relamido con raya de lado. Es decir, muchachitos buenos, de esos que le caen bien a las mamás de sus novias pero que nunca van a figurar en los círculos sociales más populares. Son, en resumen, unos geeks. Un geek, de acuerdo con el diccionario Merriam-Webster es “una persona peculiar o rara, especialmente parecen estar obsesionados con una o más cosas, incluyendo las relacionadas con lo intelectual, los aparatos electrónicos, etcétera”. Ellos cumplen al pie de la letra con lo establecido en esta definición. Evidentemente, los geeks no están al tanto de la moda, y Kraftwerk tampoco. Para hacerles justicia, no siempre utilizaron trajes setenteros, pero lo que le siguió a esa parte de su look fue más digno todavía de un geek: uniformes. Conservaron las corbatas angostas y camisas de un mismo color (generalmente rojo), para tiempo después irrumpir enfundados en brillantes trajes robóticos negros de cuello alto. Esa idea de uniformarse ha prevalecido en el género electrónico; por citar un ejemplo, los franceses de Daft Punk salen al escenario disfrazados de robots. ¿Casualidad? Difícilmente.

México ha tenido el gusto de presenciar más de una vez el acto en vivo de estos robots alemanes; hace apenas unos meses abrieron el concierto en la Ciudad de México de Radiohead, quienes por supuesto cuentan a Kraftwerk dentro de su vasta lista de influencias. El que un grupo de la importancia de Radiohead haya seleccionado al cuarteto teutón como banda telonera para la gira de uno de sus discos más importantes (In Rainbows) a pesar de que no han producido música original en años ni han modificado radicalmente su show desde hace ya varias giras, ratifica que Kraftwerk sigue siendo un referente obligado en la música actual y en todo proyecto que tenga componentes electrónicos (o que dentro de sus influencias haya figuras de la música electrónica). Tal vez la decisión de Radiohead al elegirlos como teloneros es un indicador del interés de la banda británica por lograr que su público joven entre en contacto con los padres de un movimiento que ha impactado la vida de todo aficionado musical. O quizá, ya pensándolo mejor, más bien es que Kraftwerk sigue educando y ve a Radiohead como un alumno sobresaliente que de premio se los merece abriéndoles la fiesta para enseñarles a sus jóvenes devotos los orígenes de la música electrónica, en donde Kraftwerk es, por mucho, el punto de partida. +

RADIOHEAD In Rainbows

Nota de paso

El Concepto El texto que explica todo gran proyecto.

Quadrophenia (1979) Ópera Rock de Pete Townshend.

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Pete Townshend -el guitarrista de la legendaria banda The Who- conquistó por segunda vez el mundo de la Ópera Rock en 1979 con un álbum doble y una película: Quadrophenia, en la que cuenta la historia de unos adolescentes mod en constante pelea con los rockeros. Townshend revisitó las raíces de The Who con los mods: adolescentes de clase trabajadora de los años sesenta que se distinguieron por su ropa fashionista; escuchaban soul, ska, y R&B, y no salían a la calle sin anfetaminas y siempre montados en sus motocicletas Vespa o Lambretta. Townshend combinó todo lo anterior para formar una historia basada en el concepto de la personalidad cuádruple (de allí el nombre Quadrophenia) de un chico mod llamado Jimmy. De esta manera ejemplificó los cuatro conflictivos temperamentos que conforman a los Who.


ARTE

www.atari-noise.com

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Luis Hernández Galván • luishernandezgalvan@gmail.com Entonces ¿qué es el arte geek? O mejor dicho: ¿es geek? Desde que el arte es conocido como tal y no solamente como una “expresión rupestre” ha sido geek por naturaleza. Giotto (Pintor, escultor y arquitecto, máximo exponente del Renacimiento Italiano), al usar la perspectiva y romper de ese modo con los cánones planos bizantinos, fue un creador que usó métodos revolucionarios en su expresión artística; el hombre ya no estaba supeditado a Dios, sino que el hombre, en perspectiva -una técnica absolutamente nueva de mirar las cosas desde y hacia un punto de fuga- era el centro del universo: absolutamente renacentista y antropocéntrico. En nuestra contemporaneidad, donde la tecnología crece de manera exponencial, está claro como el arte, la ciencia y la tecnología forman parte de un mismo continuum; y hablar de Bellas Artes supeditadas a un particular uso de la técnica o tecnología es absolutamente inútil. Por lo que no es ilógico pensar que en algún punto ­ a partir de los años setenta, artistas de distintas escuelas del mundo empezaron a manifestar su predilección por los videojuegos, validándolos incluso como un medio de expresión artística. Ejemplos como el trabajo de Joan Leandre y sus manipulaciones de simuladores de vuelo, donde los despoja de todo sentido para llegar a una estética puramente minimalista y absolutamente sobrecogedora. Leandre usa estos simuladores de realidad y los revierte de tal manera que dicha pseudo realidad se convierte en un medio capaz de generar ilusiones y poética. http://www.projectgentili.com/exhibition_images.php?id=24 En el caso de uno de las primeras modificaciones artísticas a un juego de video: SOD, producido por la dupla JODI (Joan Heemskerk y Dirk Paesmans), usan el motor del juego de Wolfenstein 3D, despojándolo de todas sus texturas, mediante un trabajo de deconstrucción; el espacio se muestra de una manera en la que aparentemente no tiene sentido: el jugador va recorriendo el laberíntico escenario sin ser auxiliado por los elementos visuales presentes en el juego original. http://sod.jodi.org/ Una de las modificaciones a un sistema de juego que divierten mucho es la del Parangaricutiri (creado por Anne-Marie Schleiner), que tiene como promesa básica al virus de la epilepsia. Se trata de un patch (o parche) para el juego de Quake en el que la artista trata de recrear ese ambiente de colores rápidamente cambiantes dentro de un juego de video (el mismo que mandó a varios niños japoneses al hospital debido a la epilepsia que les causó ver un capítulo de la famosa serie Pokemon), mediante el uso de texturas animadas. Cabe aclarar que ningún niño ha sido dañado desde que este patch salió a la


Circuit bending o Dobleces de Circuitos Los chicos que crecimos llenos de juguetes más o menos tecnológicos siempre hemos tratado de encontrar maneras en las cuales, a través de un cambio de alambres, podamos dar una nueva vida a nuestros aparatos. Así es como el programador Arcángel Constantini re-alambreó (re-wired) el sistema del Atari para que una vez insertados distintos cartuchos, se genere cierta interferencia que culmine en “ruido”. http:// www.atari-noise.com/ En otra instancia, Mark Hoekstra (q.e.p.d.) convirtió dos viejas computadoras Mac SE/30 en visualizadores de audio. http://geektechnique. org/projectlab/707/how-to-make-mac-se30-audiovisualizers

de Eduardo y su familia. http://www.ekac.org/ gfpbunny.html#gfpbunnyanchor. El más reciente proyecto de este artista es una combinación de su propio ADN en una petunia creada gracias a la biología molecular. http://www.ekac.org/nat. hist.enig.html Por su parte, Oron Catts, Lonat Zurr y Guy BenAry han venido desarrollando Victimless leather (El cuero sin víctimas), con el que tratan de aportar una nueva visión a la necesidad humana de vestirse, muchas veces con pieles de animales muertos. Para ello crean un tejido semi-vivo (sin funciones cerebrales, claro está) a partir de células inmortalizadas en un cultivo soportado por un polímero biodegradable. http://www. tca.uwa.edu.au/ +

Realidad Mixta La realidad mixta o aumentada, dependiendo del autor, surge de la combinatoria de los mundos reales y virtuales en una misma realidad presencial, generalmente lograda a través de una interfaz de hardware como lentes de visión aumentada, computadoras, o recientemente teléfonos celulares; esta yuxtaposición trata de complementar ambas realidades, a veces exhibiendo factores que se ocultan a simple vista o usando la ciudad como medio de expresión o campo de juegos, o acciones.

TRON Steven Lisberger DISNEY

Es en tal tónica que Julian Oliver crea LevelHead, un juego que se centra en la memoria espacial del usuario. Usando como interfaz un cubo que es captado por una webcam y al cual se le mira a través de la pantalla de una computadora. El jugador va guiando mediante la inclinación de dicho cubo a un personaje que atraviesa varios cuartos en los cuales tiene que encontrar la salida para llegar al siguiente nivel. http://julianoliver.com/levelhead GPS Tron, desarrollado por el colectivo datenmafia, es un juego que sigue las reglas de los lightcycles (o motos de luz) de la película Tron, donde básicamente el propio movimiento genera trazos en un plano, que no pueden ser traspasados y es la misión de cada jugador no dejarse acorralar. Los jugadores empiezan en distintos puntos de la ciudad y mediante tecnología GPS (Global Positioning System) van dibujando su trayectoria en tiempo real, tanto en su teléfono como en el de sus competidores. Sobra decir que gana el que acorrale a los demás. http://gps-tron.datenmafia.org/?page_id=2

Eduard Kac and Alba, el conejo fluorescente. Fotografía de Chrystelle Fontaine.

Bioarte

El año 2000 vio la luz Alba, una obra transgénica del artista Eduardo Kac. Al recombinar un gen fluorescente de una especie de medusa con un conejo albino nace Alba (el conejo), que es capaz de brillar en destellos amarillos-verdosos bajo la luz apropiada, de otra forma parece un conejo blanco. Alba desde entonces se convirtió en la mascota

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Quizá la última frontera, o al menos una gran posibilidad de exploración artística, subyace en los seres vivos: desde bacterias y microbios, hasta animales complejos han sido lienzo fértil de la creación artística contemporánea, mediante la problematización de las fronteras entre ciencia, arte y legalidad.


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LOS + VENDIDOs 1 2 3

El Novelón de La Ser Editorial Ser Editorial Ser Disfruta de esta colección de clásicos universales que deleitará a toda la familia. Conoce a Ana Karenina, El Doctor Shivago y El Egipcio.

Luna nueva Stephenie Meyer ALFAGUARA Para quienes se fascinaron con la lectura de Crepúsculo, la fantástica historia de amor entre una adolescente y un vampiro, llega la segunda parte de la novela titulada Luna nueva. Isabella Swan, joven inteligente, temperamental y valiente, se juega todo por su amor hacia Edward y no le importa ni perder su alma.

El viaje del elefante José Saramago ALFAGUARA A mediados del siglo XVI el Rey Juan III ofrece a su primo, el archiduque Maximiliano de Austria, un elefante asiático. La novela cuenta el viaje épico de ese elefante llamado Salomón que tuvo que recorrer Europa por caprichos reales y absurdas estrategias.

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ECLIPSE Stephenie Meyer ALFAGUARA

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Amanecer Stephenie Meyer ALFAGUARA

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LA HUESPED Stephenie Meyer SUMA DE LETRAS

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Crepúsculo Stephenie Meyer ALFAGUARA

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El niño con el pijama de rayas John Boyne SALAMANDRA

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El Lector Bernhard Schlink ANAGRAMA

Parte de la saga de Stephenie Meyer, este libro es la tercera parte de la historia entre Bella y Edward.

Stephenie Meyer ha creado una revolución y gran expectación con todos sus libros, después de Crepúsculo, Luna nueva y Eclipse llega Amanecer, toda una locura para los adolescentes.

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Melanie Stryder se niega a desaparecer. La Tierra ha sido invadida por criaturas que han tomado el control de las mentes de los humanos en los que se hospedan, dejando los cuerpos intactos, y la mayor parte de la humanidad ha sucumbido.

Stephenie Meyer presenta en Crepúsculo una rica fusión de romances e intrigas sin igual. Entre obsesiones y enamoramientos transcurre como agua su narrativa entretenida y de notable creación.

Embárcate en la aventura y acompaña a Bruno -un niño de nueve años- cuando se muda con su familia a una casa junto a una cerca. Cabe aclarar que este libro no es sólo para adultos; también lo pueden leer niños a partir de los trece años de edad.

Una joven encuentra al perfecto amante en la Alemania Nazi. Su adolescente enamorado será su lector predilecto para que le lea novelas y poesía durante un tiempo en que los dos recordarán como edénico.

El Testamento Maya Steve Alten GRIJALBO MONDADORI El 21 de diciembre de 2012 es el día en que termina el calendario Maya. A los largo de los siglos los científicos han créido que este dato era simplemente curiosidad histórica pero después de muchas investigaciones, diversos arqueólogos creen que podría revelar el funesto destino de la humanidad.


PARA VER Y OÍR DVD

LOS NIÑOS DE MORELIA Dir. Juan Pablo Villaseñor DISTRIBUIDOR. ARTE 7 En 1937 llegaron a la ciudad de Morelia 456 niños españoles. Venían con una maleta en la mano y la promesa de regresar con sus padres en cuanto terminara la guerra civil, misma que pensaban, ganaría la causa republicana.

LA SOMBRA DEL CAUDILLO Dir. Julio Bracho DISTRIBUIDOR. CINE, VIDEO Y T.V. Basada en la novela del mismo nombre, La Sombra del Caudillo es un filme que encierra una polémica y reveladora historia, la cual provocó un beto de 30 años y toda una leyenda detrás de su primera exhibición oficial en 1990.

SONATA DE OTOÑO Dir. Ingmar Bergman DISTRIBUIDOR. CINE, VIDEO Y T.V. Charlotte Andergast (Ingrid Bergman), decide visitar a su hija Eva (Liv Ullman). La felicidad del encuentro terminará cuando Charlotte coincida, en casa de Eva, con su otra hija Helena (Lena Nyman), quien padece una enfermedad degenerativa.

LAS MIL Y UNA NOCHES Dir. Pier Paolo Pasolini DISTRIBUIDOR. CINE, VIDEO Y T.V. El genial y polémico Pier Paolo Pasolini, nos ofrece esta exitosa cinta, ganadora del gran premio del jurado en el Festival de Cannes Francia, Pasolini narra la búsqueda que emprende un joven tras los pasos de su amada, una bella esclava de la cual fue separado al ser víctima de un engaño.

LOS VUELCOS DEL CORAZÓN Dir. Mitl Valdez DISTRIBUIDOR. ZAFRA VIDEO Es un melodrama social basado en el cuento “Resurrección sin vida” de José Revueltas, que revela las contradicciones cotidianas de los comunistas que lucharon por su causa en el México de los años cuarenta.

LA PASIÓN DE MARÍA ELENA Dir. Mercedes Moncada Rodríguez DISTRIBUIDOR. ZAFRA VIDEO El hijo de María Elena —mujer rarámuri de la Sierra Tarahumara— muere atropellado por una mujer blanca que logra deslindarse de su responsabilidad. María Elena no cumple con el papel convencional que la comunidad espera de ella y la muerte del hijo activa el detonante que la hace dejar su grupo para irse a vivir a la cuidad de Chihuahua.

VARIOS ¡Salsa! SONY MUSIC Dentro de toda la gama que Putumayo ha puesto a disposición del público a lo largo de varios años, esta entrega de salsa es uno de sus mejores exponentes.

DEPECHE MODE Sounds of the Universe WEA Una de las bandas más representativas del tecno y por ende, es una leyenda en sí misma; sin fallar en su estilo y calidad, el combo inglés está listo para una nueva gira mundial.

ROSANA A las buenas y a las malas UNIVERSAL MUSIC Con una base de fans establecida gracias a su talento y estilo, Rosana ofrece un disco lleno de sentimiento y buenas canciones que serán la delicia de sus escuchas.

DIANA KRALL Quiet nights UNIVERSAL MUSIC Una verdadera delicia es el escuchar clásicos del bossa nova con la voz de la jazzista canadiense más exitosa de la última década.

VARIOS Classical 2009 EMI Music Como cada año, esta recopilación cuenta con lo mejor de la música clásica y llega para satisfacer a un público que esta ávido de escuchar buena música.

BRUCE SPRINGSTEEN Working on a dream SONY MUSIC ENTERTAINMENT Uno de los grandes representantes del rock americano sigue como fiel estandarte del mismo, sin falsas etiquetas y alejado de las modas; sin duda el llamado “Jefe” sigue y seguirá siendo el gran ícono del rock americano.

CD


CÓMIC Agujero negro, Charles Burns. Ediciones La Cúpula.

Bernardo Fernández Bef • bef@besamemucho.com.mx En un suburbio de Seattle en los años 70, una curiosa epidemia venérea azota a los jóvenes de la preparatoria local. Pero a diferencia de los padecimientos de transmisión sexuales comunes, los síntomas de esta enfermedad son extrañas deformidades corporales que van convirtiendo a aquel que las adquiere en una especie de freak de circo. A lo largo de casi 300 páginas asistimos a un pastiche donde se funden las estéticas de los cómics de terror de los años 50, las road movies, las historias de adolescentes al estilo de Pregúntale a Alicia y las cintas de terror de la década de finales de los 70 e inicios de los 80, en la vena de Halloween y Viernes 13. Inquietante novela gráfica —es decir, historia de largo aliento narrada en forma de cómic o historieta— escrita y dibujada por Charles Burns, ilustrador nacido en Washington, D.C. en 1955 y quien ha tenido una importante carrera en el ámbito del mundo editorial (entre otras cosas, se le ha comisionado en varias ocasiones la portada de la prestigiosa revista The New Yorker, distinción reservada a los más prestigiosos grafistas). A diferencia de las novelas gráficas comunes, normalmente compilaciones de cómics de superhéroes, Burns apuesta por una historia inquietante que difícilmente hubieran publicado Marvel o DC, las famosas editoriales de historietas. A cambio de ello, la edición norteamericana del libro fue distribuida directamente en librerías, lejos de las tiendas especializadas en historietas, donde logró encontrar un público receptivo diferente de los lectores comunes del medio pictográfico.+


PEQUEÑO GRAN

UNIVERSO s,

novela

Pero las co sas entonc es empezaro n a poners e complica

taba n a c n Le e omer c e

clas toda : bros i l e d

EL INCREÍBLE NIÑO COMELIBROS Oliver Jeffers FCE

Más bien empezaro n a poner se m

uy,

muy mal.

Enrique y sin du comía demasiado da demas iado rápi do.

Die_Cut

, arios s, n o i c a dic y atl s e u q lmana

a

a.com

Enrique probó una palabra, después una oración completa, luego una página y al final se comió todo el libro. Probó novelas, diccionarios y hasta libros de matemáticas. Los de pasta roja eran sus preferidos creyó que comiendo libros se convertiría en la persona más lista del mundo. En un principio todo iba bien, hasta que luego de tanto comer se empachó de libros y…

. , mer nte io co ide d . acc a me ca.. por ibro la bo i s l ca un oa lo sel go, lue l sue levár l Mas ó de r de om a t g e lu iqu en Enr Pero

, omas r b e os d r b i l toria s i h e d libros

lo rió... ab

rojos s o l Pero s . su eran eferidos pr

cas.

temáti a m e d y hasta

Selección de Karen Chacek • klagarto@hotmail.com

Para padres y maestros

Las recomendaciones de esta sección incluyen libros de gran calidad literaria que a su vez pueden emplearse como herramientas para promover la discusión y asimilación de diversos conceptos.

Palabras clave del mes:

PERSONALIDAD • RESPETO • AUTOESTIMA • INDIVIDUALIDAD • DIFERENCIA


LAS AVENTURAS DE MAX Y SU OJO SUBMARINO Cuando Max se sacó el ojo del agujero, lo mandó a explorar

adas.

el mundo. Con él pudo ver lo que ven las arañas y los gatos, incluso se asomó al interior de su propia cabeza. Viajó por las aguas sucias de las cañerías y llegó hasta el fondo del mar. Hoy Max lleva puesto un ojo de vidrio, y eso en realidad le importa un pepino. (Si este retrato te parece algo extraño… ¡Espérate a leer los retratos de su familia!)

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Las Aventuras de Max y su Ojo Submarino Poemas de Luigi Amara Ilustrados por Jonathan Farr

EL OSO QUE NO LO ERA

PEQUEÑA MANCHA Pequeña Mancha no era un

El oso buscó una cueva en

círculo, ni un cuadrado, tampoco

el bosque donde hibernar

un triángulo, un rectángulo, o un

durante el invierno. Durmió

rombo… era diferente. Ninguna

hasta llegada la primavera y

de las figuras geométricas quería

cuando despertó, algo extraño

jugar con ella. Ni siquiera sabían

había sucedido; el mundo a su

cómo hacerlo. Entonces Pequeña

alrededor ya no era el mismo: en

Mancha les mostró su gran

vez de bosque había una fábrica

secreto…

y a él nadie le creía que era un oso, sino un hombre tonto, sin afeitar y con un abrigo de pieles. El oso que no lo era Frank Tashlin Alfaguara

Pequeña Mancha Lionel Le Néouanic Castillo


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TUS COMENTARIOS

Los comentarios aquí publicados se recibieron durante el mes de mayo de 2009. Gracias por escribirnos. Hola, hoy fui a la Librería Gandhi Mauricio Achar y me obsequiaron la revista, en general me pareció buena, con buen contenido y lectura fluida. Sólo tengo el anuncio de una errata. En el artículo “Steve Jobs” debe decir Cupertino, y no Supertino. Muchas gracias por esta buena revista, me encanta el formato. Raúl Mendoza. “El Roulo” Que tal, mi nombre es Rodolfo Wender, hace poco entré a su página para ver si encontraba unos discos y bajé su revista. Quiero extender mis felicitaciones, el diseño, la información y el formato son perfectos, espero con ansia el siguiente número. Rodolfo Wender Hola, me dieron la revista Lee+ y me encantó que hayan puesto de portada al magnífico Steve Jobs, sin duda un hombre que estrecho la brecha entre tecnología y diseño. Karla López, Tijuana B.C. ¡Hola! una muy buena idea la de la publicación Lee+. ¿Creen que podrían subir todos los números para descargarlos? No alcancé a ver el número 1 y sólo encontré la liga del segundo. Pero creo que sería mejor que se beneficiaran todos los usuarios. Axel Álvarez

Muy interesante el artículo sobre el e-book, aunque concuerdo con el autor: “decir que la lectura está en riesgo, sería como afirmar que la cultura misma lo está”. Larga vida al libro. Alejandra Salázar, Mérida Yucatán

Amigos de Lee+: me gusta mucho su revista, es muy accesible y destaca de las demás revistas. Me gustó mucho su texto de artefactos de poder y el diseño sobre todo. Sofía Carrasco, Puebla. Como siempre Gandhi a la vanguardia, excelente revista, excelente contenido, excelente diseño. Es cero pretenciosa y va al grano. Me gustaría que hablaran de Marcel Duchamp. Eric Oropeza

Envíanos tus comentarios a leemas@gandhi.com.mx con tu nombre completo y especificando tu ciudad. Los comentarios podrán ser editados o abreviados por necesidades de espacio y claridad.

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Me encantó la entrevista de Adam Rex, es muy divertida y llego a interesarme a tal punto, que ya hasta me compré el libro, obviooo en Gandhi de Miguel Ángel. Mariana Ganem

Nota de paso

Qué se ve en el mundo Kraftwerk es una silla de cartón creada por el diseñador Tom de Vrieze. La silla cuenta con 4mm de grosor y está llena de espuma de poliuterano. El nombre surge del uso de cartón y papel kraft. En palabras de su creador: “Primero intenté trabajar con estructuras internas, sin usar la espuma, pero los diseños eran muy difíciles para el constructor. Estoy de acuerdo en que no es muy amigable para el ambiente, específicamente por la espuma, pero es más resistente y fuerte que otras sillas de cartón.” http://www.tovdesign.com


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Profile for Revista Lee+ de Librerías Gandhi

04_Genio y locura  

“El hecho de que el cerebro destine la mayor parte de su actividad a la autopercepción, sugiere la idea de que la inteligencia guarda relaci...

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