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En portada Love Of Lesbian Fotografías cortesía Ximena y Sergio


www. revi s ta k ua d ro.co m

/ COLABORADORES /

A ld o Fra n co @aldofravila

Arturo J. F lo re s

B e n ja mín D í a z

@ a r turoe l e dito r

@queesoa z u l

co nta c to @ revi s ta k ua d ro.co m t . 5 5 2 9 7 8 -3 7 5 0

B re n d a Va ld e r ra b a n o @brenda_ vaa

E mi li o Sa n d ova l

Carlo s Val le

@em iliod ru nk i d

@ c va l l e sitj a

i s s uu/revi s ta k ua d ro

E r i c d e l Rey @ericdelrey

Javier Jarq uín

Ja y Ro s

@jay ros d j

@ j a rq z

fa ceb o o k /revi s ta k ua d ro m x Ma . Jos é Sá n c he z

@m ajirow_

Mariana Velasco

Ma r tí n Va rg a s @m arti nv.l op

@ a g i rl m e ta b oy

t wi t ter/revi s ta k ua d ro Ve rón i ca De La Mora @pollinskaya

i n s ta g ra m /revi s ta k ua d ro

Directora General / Laura Romero Editor en Jefe / Javier Jarquín Jefa de Información / Ma. José Sánchez Editores Web / Aldo Franco Dora Méndez Martín Vargas Arte & Diseño / Ivana Castro TheJavisCEffect Fotografía / Brenda Arriaga Medios & Prensa / Benjamín Díaz Relaciones Públicas / Carlos Saín José Curda Departamento Legal / Carlos Valle Sitja Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 2978-3750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 37 ‘SONITUS: LA CIENCIA DE HACER MÚSICA’ ABR - MAY 2021


/ C A R TA D E L E D I T O R / I S S U E N O. 3 6 P O R J AV I E R J A R Q U Í N @ j a r q z

A un año de que el mundo que conocíamos cambiará casi en su totalidad, poco a poco parece que volvemos a una “normalidad”... llena de nuevos protocolos, dudas, pero con la esperanza de que todo vuelva a ser como antes… o lo más parecido. En todos estos meses de encapsulamiento, hemos sido testigos de cómo la ciencia ha sido uno de los pilares principales no solo de las noticias, sino también para el combate de esta pandemia. Hemos aprendido a valorarla y darle esa importancia, pues aunque no lo parezca, siempre está presente en todo momento: en temas de salud, de innovación y hasta en la propia música. ¿Existe la ciencia en la música? Esta ha sido la pregunta con la que hemos dado inicio a la planeación de este nuevo número de Revista Kuadro. El abanico de respuestas a esta pregunta es tan grande, que nos ha dado para poder compartirles nuestro dossier central llamado: SonItus: la ciencia de la música. En donde podrán encontrar desde músicos que son científicos, hasta el impacto de la misma en nuestro cerebro, el saber por qué nos gusta o porque no. Todo un deleite y de gran aporte. Nos honra mucho tener en portada a una de las agrupaciones más top de España en los últimos 20 años, así como de las bandas más reconocidas en el indie rock en español, nos referimos por supuesto al cuarteto de Barcelona: Love Of Lesbian. Tuvimos en exclusiva una charla con Santi y compañía, previa a la salida de su material V.E.H.N., donde nos contaron no solo de este nuevo trabajo, sino también de su recorrido, su vínculo con México y más. ¡Imperdible! En nuestros interiores también podrán encontrar nuestras entrevistas con una banda de culto como lo es Mogwai, además del dúo Midnight Generation, PAHUA, el nuevo proyecto de Pau Sotomayor y las rimas de AQUIHAYAQUIHA. Nuestro edición #37 viene cargada de ciencia, así como de recomendaciones musicales, nuevos proyectos, reseñas de discos y las secciones habituales de casa, como lo son Puerta De Entrada, con nuevos proyectos por detonar, La Kolumna, por la fina pluma de Arturo Flores y una sección para los gustosos de la música electrónica en Kuadro Beat, por mencionar solo unas. Agradecimiento especial a todas las áreas de nuestro equipo de trabajo, que sin ellos no hubiera sido posible esta edición y este proyecto no podría mantenerse a flote. A nuestros partners y aliados, con quienes seguimos generando para revivir a una industria que está en medio de una crisis. A nuestros seguidores y lectores que por 10 años, seguimos siendo su mejor opción para descubrir y llegar a más música y a sus artistas favoritos. Disfruten de la edición #37, qué es y ha sido creada para ustedes, ¡bienvenidos!


DOSSIER / DOSSIER /

‘SONITUS: LA CIENCIA DE LA M Ú S I C A’

pag 05-15

/ Entrevistas /

/ Entrevistas /

pag 19/21

pag 25/27

/ La Kolumna /

pag 22

/ Kapturados /

pag 17/41

pag 28

LOVE OF LESBIAN pag 30

/ KUADRO / B E AT

pag 37

/ PDE /

pag 35

/ Kuadro de Honor /

pag 38


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P O R C A R L O S VA L L E / A R T E P O R T H E J AV I S C E F F E C T

LA MÚSICA: ENTRE LA CIENCIA Y EL ARTE Aunque pareciera que parten de puntos contrarios -la razón y el corazón-, a lo largo de la historia la música y la ciencia han tratado de derribar el débil muro que las separa Parece sencillo a primera vista hacer una distinción entre arte apenas va a cumplir un siglo contra los milenios de las otras. y ciencia. Automáticamente uno piensa en lo hermoso contra lo Pareciera también que la arquitectura la podríamos poner con exacto. La capacidad de abstracción contra la de concentración. Lo la música en este ámbito. Solo que la arquitectura no necesita que nace del interior de alguien contra la explicación del universo. la estética para funcionar. Puede ser perfectamente normal si le Basta revisar las ideas de otros más versados en el arte de pensar, por quitamos su esencia artística. El Vaticano seguiría sirviendo aún ejemplo Oscar Wilde, quien decía que todo arte es completamente sin las columnas de Bernini. inútil. Algo que no es tan complicado de entender, podríamos vivir La música es el único puente entre ambas, es la única que necesita perfectamente sin leer “El retrato de Dorian Gray”, ver el arte de que un método científico tenga alma. Las progresiones, tiempos, Botticelli o escuchar a Bach y Wagner. staccatos, notas, y demás tienen una función y un porqué. Incluso Muchos dirían que sí, solo que no es vivir, que eso es sobrevivir. Es la improvisación lleva una estructura de cómo se tiene que hacer. ahí es donde radica la importancia del arte, la estética y la belleza. La escuela de música de Berklee tiene una clase de improvisación. Un punto muy importante para esto es el cómo nace todo y cuál es Es algo que suena contra-intuitivo, pero es la razón por la cual la finalidad. Por eso es importante revisar por completo la cita de al día de hoy Jimi Hendrix sigue sonando fresco. Es algo que los Wilde y no sólo ese pedazo que se hizo famoso: jazzistas han entendido desde siempre. Siempre está el cliché que “Podemos perdonar a un hombre por hacer algo útil siempre que no lo que toca le sale desde el corazón. Estos lo tienen conectado al lo admire. La única excusa para hacer algo inútil cerebro. Hay que saber hacerlo. es que uno lo admire intensamente. Todo arte es La mejor prueba de esto es Pollock, el mayor completamente inútil”. anarquista de todos los tiempos con su técnica El valor que se le asigna personalmente parece particular que tiene muchos más detractores -El arte es «yo»; la ser suficiente para seguir con la distinción de que amantes. Su éxito no dejaba a nadie c i e n c i a e s « n o s o t ro s ».arte contra ciencia. Ya le preguntamos a un indiferente. Sobre todo en esos que decían que su Claude Bernardescritor irlandés, ahora un científico francés hijo lo podía hacer mejor. Pero ese expresionismo nos dice: El Arte es «yo»; la Ciencia es «nosotros».abstracto del S. XX sigue chocando con el S. XIX, Claude Bernard. XVIII, XVII, XVI, y así. Parece tener mucho sentido. A cada persona el Ahora, la música tiene ya géneros arte le conecta de manera diferente. Por eso La Mona Lisa es la obra contemporáneos como el Math Rock, que literal se basa en hacer más famosa de la historia. No porque sea técnicamente el mejor canciones a través de matemáticas para obtener ritmos complejos, trabajo, sino porque a cada quien le dice algo diferente, pasando ritmos sincopados y con otra estructura, digamos menos sencilla por opiniones diametralmente opuestas. que la música tradicional. Lo podemos ver en forma con King La música es diferente. Este arte nos hace sentir que dicha Crimson, pasando por Phish, hasta llegar a Omar Rodriguezdistinción no existe y es superflua. De entre las siete bellas artes López, nombrando a los más sonados de un género que no es el es la única que podemos poner en las dos categorías, es la única más popular. que necesita verdadera inspiración en usar el método científico. La Esa es la belleza y la precisión que por un lado, tenemos a Tool escultura es mucho más técnica -sin demeritar esa complejidadutilizando a la serie de Fibonacci para hacer canciones, pero desde que método científico. Wagner decía que era un peligro llevar las matemáticas tan a La pintura puede ser abstracta, improvisada, como nos enseñó el fondo en la música, sobre todo el metrónomo y como no quería ser S. XX. Incluso hasta vacía dirían con cinismo los que la vean en el esclavo del mismo, fue Tannhäuser su última obra en usarlo. Solo S. XXI. Misma definición se le puede poner a la danza que puede nos queda suponer entonces que la música es el puente entre lo ser completamente improvisada. El cine sigue siendo muy reciente, sublime y lo exacto. Lo que une a la razón con el alma.

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CURAR CON MÚSICA: TRATAMIENTOS ANALIZADOS ( Y ANALIZADOS) EN LA CIENCIA Se debe entender a la música como un elemento auxiliar; no “cura” por sí sola publicada en agosto de 2020; encontró que “las actividades musicales Es común adjudicar un poder a la música. La medición del tiempo, pueden contribuir a la prevención del deterioro cognitivo debido al la condensación de un recuerdo, el olvido de otro: siempre se le ha envejecimiento”. Para ello, se estudió (en un grupo de 28 personas con 60 buscado un sentido más profundo a esta expresión. Ello no escapa a su o más años, en un estado de salud óptimo) el efecto de instrumentos de capacidad curativa; al menos a nivel personal, es usual contar con una, percusión e improvisación musical, donde se le pidió a los participantes o varias canciones, para mejorar nuestro ánimo. crear y seguir patrones rítmicos por medio de instrumentos de Pero lejos de estas percepciones, en la práctica médica y disciplinas percusión y actividades grupales de canto. afines, la música sí es considerada como una suerte de tratamiento. Es Algo a rescatar de este enfoque es que se presenta alternativas a los necesario decir que esta afirmación tiene muchas condiciones a tomar medicamentos ya existentes; lo que podría aminorar el consumo de en cuenta: en primer lugar, los resultados de estudios clínicos persiguen fármacos y hacer del mejoramiento de la calidad de vida algo no tan resultados concretos y, por tanto, la elección de la música tiene caro para los pacientes. características en especial. Mientras hay unos estudios que utilizan La musicoterapia una pieza de música clásica otros recurren a creaciones sonoras de En primer lugar, no debe entenderse a la práctica de la musicoterapia frecuencias altas o bajas. dentro del ramo de la medicina alternativa. De hecho es resultado de un Por otro lado, sería impreciso decir que la música alivia por sí misma. El trabajo multidisciplinario donde convergen tanto estudio “Aplicación de la musicoterapia receptiva la terapia como la psicología. La diferencia crucial en medicina interna y cardiología”, publicado en en este enfoque es el tratamiento para ciertos agosto de 2001 en la revista Arquivos Brasileiros -D o l o r m u s c u l a r, e s t ré s , padecimientos relacionados con la salud mental. de Cardiologia, sugiere que la musicoterapia puede ansiedad, calidad de Por lo que no es posible tratar otras enfermedades aplicarse como una intervención auxiliar. “La sueño y capacidades como gripe o dolor de estómago. música no ‘cura’ eficazmente por sí misma; cognitivas son algunos En el estudio “Efectos de la reducción del estrés su impacto terapéutico es el resultado de una padecimientos tratados basada en la atención plena (REBAP) combinada aplicación profesional sistemática”, explica por la músicacon musicoterapia (MT) sobre el dolor, la en sus conclusiones. ansiedad y la calidad del sueño en pacientes con Pero para ser más concretos hay dos enfoques que se osteosarcoma”, publicado en mayo de 2019 aporta han estudiado de la música en razón de ser un medio que la música puede influir en la disminución de ciertos padecimientos de curación: la música en la medicina y la ya mencionada musicoterapia. recurrentes en personas con este cáncer en específico; asociado con La música en la medicina la hinchazón y aflicción en huesos y articulaciones. Sin embargo, la Como ya se ha mencionado arriba, la música debe ser entendida igual publicación hace especial énfasis en los resultados a partir de su que una medida auxiliar en ciertos tratamientos. Es usual que se combinación con un sistema de meditación conocido como REBAP emplee como medida tranquilizante. Sin embargo, desde hace algunos (MBSR, en inglés). años se ha empleado en el desarrollo de métodos preventivos. Un Por último, el artículo publicado en enero de 2021 titulado “Modulación estudio realizado por la University of Utah Health en 2018 encontró del estado de ánimo a través de estímulos musicales activantes. Un que la música activa áreas en el cerebro de pacientes con Alzheimer diseño experimental con adultos jóvenes” encontró que piezas llamadas y que, por tanto, esta enfermedad no pudo afectar. Aunque fue una como “estimulantes” pueden influir en el cambio de humor, ánimo o muestra muy pequeña y harían falta estudios al respecto, esto da reacción emocional a situaciones traumáticas. Estas piezas tienen una luz a encontrar tratamientos que logran aliviar la ansiedad en “modos armónicos mayores, tempo acelerado, timbre estridente, ritmo personas con este padecimiento y hacer manejables algunos síntomas. con subdivisiones temporales, dinámica y/o forma que rompe con la Otra investigación titulada “Efectos de la improvisación musical expectativa del oyente”. como intervención cognitiva y motora para los adultos mayores”,

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LOS CIENTÍFICOS LOCOS Y LA MÚSICA QUE SALIÓ DE ELLOS El desarrollo tecnológico y el contexto histórico han fungido para la creación de nuevos géneros musicales.

o tiene contacto íntimo con los sintetizadores, sin importar su nivel de La música, como cualquier elemento de la vida humana, está comercialización. Incluso Bob Moog, ingeniero creador de la famosa directamente relacionada con el desarrollo tecnológico, científico de la marca que lleva su apellido, fue un amigo cercano de Scott y lo ha época y el lugar geográfico de donde se produce. Es decir, no podríamos mencionado como una de sus mayores influencias. esperar que el hip hop surgiera hasta que el ambiente tecno científico Durante esa misma época, justo en el albor de la década de 1950, Leo fuera el propicio y los instrumentos musicales necesarios estuvieran en Fender lanzó sus primeros modelos de guitarras eléctricas de cuerpo su punto de desarrollo ideal para ese género en específico. sólido, conocidos como la “Broadcaster” y la “Esquire”; modelos que, De la misma forma la ciencia y el desarrollo tecnológico tienen un luego por problemas con el nombre, adoptaron el de Telecaster como impacto directo en el sonido de la música, pues surgen herramientas las conocemos actualmente. que propician unas u otras paletas de color sónicas. Sería imposible Esta guitarra es considerada la primera de cuerpo sólido en ser imaginar a una Annie Clark en otra época pues ella es maestra en el exitosa comercialmente y gracias a esta popularidad llegó a las uso de los efectos de guitarra modernos. manos de Chuck Berry, quien grabó con una de estas su primer éxito En el criterio de este escritor de artículos hay dos momentos clave en la llamado “Maybellene”. También, según algunas investigaciones de los historia de la música que han sucedido gracias al desarrollo científico y especialistas, es una de las primeras grabaciones de rock; pero de lo tecnológico, momentos decisivos de los que aún vemos repercusión en que sí se está seguro es que es la primer canción la vida musical moderna. Ambos son en la década grabada con una guitarra de este estilo, lo cual de 1950; con el trabajo seminal de Raymond Scott cambió el sonido del género para siempre y lo en pro de la concepción y creación de la música -Sería imposible transformó en lo que ahora conocemos. electrónica. Asimismo, la salida comercial de la imaginar a Annie Es imperativo reconocer, subrayar el valor científico Fender Telecaster, pues al ser la primera guitarra Clark en otra época: y el avance tecnológico que esto significó en su eléctrica popular de cuerpo sólido cambió el ella es maestra en el momento; pues no sólo es un producto que una sonido de un incipiente rock’n’roll. uso de los efectos de compañía puso en venta y fue exitoso, sino que Raymond Scott fue un músico e ingeniero guitarra modernostambién es un artefacto de valor evolutivo, una estadounidense que empezó a ser prolífico desde pieza cargada de investigación y experimentación principios de la década de 1930. Su carrera estuvo científica. cimentada en el jazz y el swing. Poco a poco se fue También es cierto que las guitarras eléctricas ya llevaban algún tiempo haciendo de un nombre en el mundo de la música gracias a su talento de vida en el mundo, pero este momento significó el perfeccionamiento y originalidad. Esta búsqueda de innovar lo llevó a explorar terrenos de un instrumento que ha acompañado a la humanidad desde hace lejanos de su zona de confort y eventualmente aterrizar en el desarrollo siglos. Significó el pináculo en el desarrollo de un sonido que cambió de instrumentos musicales más cercanos a una computadora primitiva la historia que hasta la fecha está grabado indeleble en la memoria que, incluso, a lo que es un sintetizador moderno. Ya para la década cultural del mundo. de 1950, en su camino desarrolló diversos aparatos que le permitieron Esos dos momentos demuestran que la ciencia, el desarrollo grabar un par de discos completamente de música electrónica. Esto tecnológico, la incansable búsqueda por llevar el sonido y el arte a mucho antes de cualquier canción de Kraftwerk. nuevas fronteras han moldeado la música. Siempre habrá algún Este momento histórico fue un parteaguas, pues permitió comprender científico loco trabajando en un nuevo instrumento musical que vio la música desde un ángulo completamente diferente. Sentó las bases en sueños o innovadoras formas para captar, procesar y manipular el de lo que escuchamos hasta estos días, pues el desarrollo de sonidos sonido que brindarán novedosas herramientas para la creatividad de sintéticos no se ha detenido y hasta la fecha es parte fundamental los músicos, productores e ingenieros de sonido. de la estética sónica de la música que consumimos de manera cotidiana. Y no sólo hablo de la comercial, pues todo género ha tenido

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¿POR QUÉ NOS GUSTA LA MÚSICA? La música no sólo se consolida como un objeto digno de estudiar, sino que entre las diferentes ciencias se abre un debate sobre qué es lo que define nuestra percepción musical.

ni predicciones, no entendemos nada, todo es incierto y eso no Darle play y disfrutar una canción. Así de simple se da por sentado que nos gusta, cuando la música es muy simple nos pasa lo contrario, la apreciación musical existe per se y pensar lo contrario sería pensar podemos predecirlo completamente todo y no tiene nada que sea de más. Sin embargo, cada vez son más frecuentes las investigaciones sorpresivo y al final eso también nos acaba aburriendo”, explica, que tienen como objeto de estudio al arte más universal. Revista Kuadro como si el cerebro fuera una especie de máquina predictiva que se conversó con dos investigadores de diferentes áreas de conocimiento para siente atraída por dar sentido a la música. tratar de desentrañar las incógnitas detrás de nuestro delirio musical. Una percepción cultural Placer, sorpresa e incertidumbre “La mayor parte de la investigación en comportamiento humano, La respuesta placentera a la música “es una característica incluyendo los estudios de psicología, asume que todos los humanos prácticamente humana”, dice Ernest Mas-Herrero, neurocientífico compartimos los mismos procesos cognitivos y afectivos, que cognitivo del Instituto de Neurociencia de la Universidad de son en parte los que determinan nuestros gustos. Pero esto no es Barcelona. Él ha centrado gran parte de sus pesquisas en estudiar necesariamente cierto”, dice Eduardo A. Undurraga, investigador y cómo es que el cerebro traduce la música en placer y qué partes de ese doctor en Políticas Sociales por la Brandeis University. órgano están involucradas. Ese debate lo llevó, a través del laboratorio de Josh McDermott de Junto con otros colegas, el investigador comparó los placeres causados MIT, a investigar cómo es que el entorno cultural por la comida y la música. Los resultados del influye en la manera en que percibimos la música. metaanálisis demostraron que una canción activa El estudio comparó la percepción musical entre el circuito de recompensas del cerebro, al igual -“ E s l a v i e j a d i s c u s i ó n poblaciones ampliamente y relativamente que un estímulo biológico, como los alimentos. entre naturaleza y c u l t u r a . Yo d i r í a q u e n o aisladas de la cultura occidental (los Tsimane’ de “Lo que se ha utilizado siempre como modelo para es una o la otra, sino la Amazonía Boliviana). entender el placer es la comida, porque es algo que ambas simultáneamente “En general, las combinaciones consonantes son compartimos con todos los otros organismos, por las que determinan percibidas como agradables o placenteras y las eso hacemos esta comparación entre la música y nuestra experiencia disonantes como desagradables”, explica. Sin este otro estímulo”, pero se podría extender hacía m u s i c a l ”embargo, esta respuesta “es aprendida a través de otros, como el sexo. la exposición a sistemas musicales específicos, y Pero, ¿qué activa al circuito de recompensa? por lo tanto, es una respuesta mediada por la cultura. Los participantes Sorpresa e incertidumbre. La música “llega a la corteza auditiva, que con exposición a la música occidental prefieren acordes consonantes y es la que se encarga de codificar las señales acústicas y de hacer un los Tsimane’ no muestran preferencia alguna”, revelaron los resultados. análisis más fino de lo que estamos oyendo. Esa corteza auditiva a la El papel que juega la cultura podría llegar a niveles sorprendentes. Un vez se conecta con otras áreas frontales y esa interacción se encarga estudio liderado por la investigadora Malinda McPherson sugiere que de identificar los patrones que existen”, lo cual nos hace generar en el cuerpo humano existen mecanismos de percepción universales, expectativas y predicciones que al ser “rotas” por los cambios de pero los resultados también indican que estas restricciones fisiológicas armonía, melodía e incluso de volumen provocan en el cerebro una “interactúan con influencias específicas de la cultura para producir señal de sorpresa que activaría el circuito de recompensa. fenómenos musicales importantes como la consonancia”. La incógnita no ha sido resuelta por completo. Aunque se logró ubicar “Es la vieja discusión entre naturaleza y cultura. Yo diría que no es una las áreas corporales implicadas, aún se desconoce qué es lo que tiene o la otra, sino ambas simultáneamente las que determinan nuestra la música que las hace activarse de esa forma. experiencia musical. Pero la cultura sin duda juega un rol dominante “Se cree que lo que es importante es la complejidad que tiene la en nuestra respuesta estética a la música”, concluye Undurraga. música y el equilibrio entre la incertidumbre y la sorpresa que genera. Cuando es muy compleja no podemos generar expectativas

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EL ARTE DE LA TORTURA MUSICAL

La exposición al sonido continuo y a niveles insoportables y dañinos para la salud, provocan un efecto desorientador y abrumador

Oficialmente en 2003 la música dejó de usarse como parte de He de comenzar aclarando que siempre he hablado sobre la música interrogatorios o método de tortura para prisioneros, sin embargo, dentro del espectro de lo socialmente aceptado como bello. También los responsables afirmaron que la música no era utilizada con fines como agente de cambio, como lenguaje, incluso como inspiración o de tortura sino con fines ambientales para impedir la comunicación catalizador; sin embargo, hablar de ella también implica tocar su entre prisioneros y que los decibeles utilizados no superaban a los que lado oscuro. genera un concierto de rock. Mentiras, claro está. Sin importar el género, la música siempre ha generado distintas Canciones de Dr. Dre, Eminem, Britney Spears, REM, Rage Against reacciones en nuestro cerebro que estimulan la producción de hormonas The Machine, Metallica, Aerosmith, hasta los temas de Plaza Sésamo así como la creación de asociaciones neurológicas y conductuales que y Barney y sus amigos, fueron parte de este soundtrack del terror, como decantan en la creación de recuerdos que no siempre son gratos. Para lo menciona Ruhal Ahmed, quien describió su experiencia al periódico no irnos tan lejos, podríamos partir de una práctica muy común: poner inglés The Guardian de la siguiente forma: como alarma tu canción favorita. La tortura a través de la música es “Lo experimenté -que tocaran música- en muchas ocasiones. Podía algo real y es usada para castigar tanto a criminales de guerra como ser golpeado, eso no es un problema. Una vez que aceptas ir al cuarto para realizar ataques dentro del mismo contexto bélico. de interrogación y ser golpeado, está bien porque puedes prepararte Todos reconocemos “Highway to Hell” de AC/DC porque es parte de mentalmente pero cuando eres torturado la memoria colectiva debido a su aparición en cientos de películas psicológicamente, simplemente no puedes. Te y series, no se diga en la programación habitual hace sentir como si te fueras a volver loco, da de Universal Stereo. No obstante, este éxito ha mucho miedo. Después de un tiempo ya no oyes sido utilizado en la base militar de Guantánamo las letras, solo escuchas un ritmo muy fuerte.” para torturar a cientos de prisioneros, entre ellos -No-touch torture, un La historia de la no-touch torture no es corta, los que fueron detenidos en Afganistán después método que no deja nos lleva a los pasajes de la historia más oscuros de los atentados del 11 de septiembre en 2001, cicatrices físicas sino como los campos de concentración nazi hasta la por tal motivo esta prisión se ha convertido en emocionalesdictadura de Pinochet en Chile. En este último uno de los casos más reconocidos en cuanto a caso existen testimonios fiables pero es poca este tipo de tortura moderna se refiere: uno que la documentación de los mismos debido a las no deja cicatrices físicas, sino emocionales. inconsistencias dentro de la tipificación de la tortura bajo las leyes Dentro de los testimonios de las personas que lograron salir de chilenas; y más aún en una época política hostil. Guantánamo y sobrevivir a la “Guerra contra el terror”, está el de El Tribunal Europeo de Derechos Humanos y el Comité contra la Mohamed al Qahtani, quien fue sometido a la escucha de diversas Tortura de las Naciones Unidas han dictado resoluciones para evitar canciones de Christina Aguilera para denigrar sus creencias religiosas esta práctica. Sin embargo, la propia y cruel “naturaleza humana” ya que ciertas expresiones musicales como las de esta diva del pop, son de prevalecer vencedor utiliza la evocadora naturaleza de la música consideradas irrespetuosas; esto de acuerdo el Comité de las Fuerzas para convertirla en una herramienta más efectiva; una que resulte Armadas Estadounidenses de 2008. mejor que golpear y más eficaz a la hora de destruir la mente en Los elementos constantes para hacer de la música una tortura cuestión de días. es el volumen y el tiempo. La exposición al sonido continuo y a Pensar a la música como arma debería cambiar mucho la perspectiva niveles insoportables y dañinos para la salud provocan un efecto de quien la crea y la reproduce, ¿has imaginado que alguna de tus desorientador y abrumador, todo esto aunado a otro tipo de torturas canciones favoritas es el infierno para alguien más? Probablemente sí pensadas por expertos en psicología para desgastar mente y cuerpo y, como puedes ver, muy seguramente no es reggaetón. sin violar, aparentemente, las leyes; que incluyen encierro, privación de la luz y amagar extremidades del cuerpo.

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NO ESCOJAS ENTRE MÚSICA Y CIENCIA, HAZ LAS DOS Hay quienes abandonaron la ciencia por la música, quienes lo hicieron al revés, y de plano quienes no pudieron separarlas.

La música y la ciencia están más cerca de lo que podríamos Rockman así como ideó una manera de enchufar sus auriculares, al pensar, aunque para muchos tengan la pinta de ser profesiones mismo tiempo que le permitía agregar efectos para la guitarra. completamente separadas por aquello de “la mente creativa” y “la La ciencia es uno de los elementos básicos para la concepción y mente lógica” -la realidad es que necesitas ambos lados para ambas creación de los instrumentos musicales como lo acabamos de ver, disciplinas-, y esto queda claro para muchas personas alrededor del pero hay uno en especial que me llama muchísimo la atención: el mundo, que no solo son increíbles músicos, sino también científicos theremin. Este fue uno de los primeros instrumentos musicales excepcionales. electrónicos que existieron y es especialmente interesante porque se El claro ejemplo de esto es Brian May, conocidísimo por ser guitarrista toca sin tocar nada, por más raro que suene. de Queen, y quien en sus ratos libres es nada más y nada menos que Las dos antenas metálicas que tienen detectan el movimiento de astrofísico. No solo es que haya acabado una carrera, sino que incluso las manos para controlar la frecuencia y amplitud; estas señales hizo un doctorado, así que oficialmente lo podemos llamar Dr. May. eléctricas se amplifican y de ahí nace su sonido tan distintivo. Por allá de los noventas, dos bandas de pop rock saltaron a la vista Fue creado por Lev Serguéyevich Termén, quien se graduó del del mundo, D:Ream y Dare, ambos, proyectos de Brian Cox, quien conservatorio de música de San Petersburgo en 1916 y luego de comenzó sus estudios en física al mismo tiempo que creaba música. la facultad de matemáticas y física en 1917. Su conocimiento en Aunque ninguna de estas dos bandas sigue sistemas inalámbricos sentó las bases para existiendo, Brian tomó el papel de científico crear este instrumento y convertirse en el primer y obtuvo un doctorado en física de partículas thereminista. Hasta cierto punto para tocar de muy alta energía. De ahí en adelante se el theremin de manera correcta, es necesario -Separar al arte de la ha dedicado a la investigación y divulgación entender la ciencia detrás de su creación así que ciencia es negar las científica en el Reino Unido. Al que le pasó justo de alguna forma, aquellos que lo tocan, tienen bases del fundamento lo contrario, fue a Milo Aukerman, vocalista de la una pizca de científicos. matemático del sonidobanda de pop punk, Descendents, quien a pesar Esto no sólo se trata de los músicos que tienen una de juntar su carrera musical y la investigación en carrera científica, ya que se puede experimentar bioquímica, al pasar los años decidió enfocarse con la ciencia y llegar a grandes inventos y completamente en Descendents, ya que ahí sonidos. Una banda que está creando -muchatenía una estabilidad y libertad creativa que en la investigación no música a base de la experimentación es King Gizzard & The Lizard tenía. En varias entrevistas ha dicho que fue la decisión correcta, y Wizard. Por ejemplo, su disco KG fue hecho para entender y escuchar está feliz de poder hacer de la música su forma de vida. la música de otra manera: usando microtonos. Aunque esto no es Hay que tomar en cuenta que no solo se pueden llevar como carreras nuevo -de hecho es común en la música griega, turca y árabe-, todos separadas, la unión es mucho más fácil de lo que pensamos, por los integrantes de la banda consiguieron instrumentos modificados ejemplo, el caso de Tom Scholz, guitarrista de la banda de rock, para afinación microtonal. La inclinación de la banda por entender Boston. Tom creció con un interés muy marcado por la ingeniería y su el sonido y sus variaciones tiene una base bastante científica y nos vida lo llevó a estudiar ingeniería mecánica en el Instituto Tecnológico ayuda a darnos cuenta que la música no sólo es un acto creativo de Massachusetts. Aunque se dedicó a esto un buen rato, no dejó de -como si naciera de la inspiración divina- sino que también es un lado sus conocimientos en piano, guitarra, bajo y batería, así que proceso intrincadamente mapeado. Separar al arte de la ciencia es tomó todo eso y montó su propio estudio de grabación donde produjo negar las bases del fundamento matemático del sonido y sobretodo, su primer demo. Aun ya como músico, la ciencia seguía siendo desconocer la capacidad de los humanos de crear piezas musicales -o parte fundamental de su vida, e inventó el amplificador de guitarra instrumentos- a través de una metodología comprobable.

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N AT H Y P E LU S O por Ma. José Sánchez


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KAROL G por Sharon Mont

DA N I E L A S PA L L A por Alejandro Servín


E N T R E V I S TA C O N A Q U I H AYA Q U I H AY

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ISSUE NO. 37

POR VERÓNICA DE LA MORA FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

A Q U I H AYA Q U I H AY Rompiendo fronteras desde el under

Aquihayaquihay no es una banda convencional. El quinteto radicado en Monterrey ha generado un cambio en el rumbo de la música tanto en el panorama nacional como internacional al romper con la etiqueta tradicional de lo que es una boyband, ¿cómo? Jugando con diferentes géneros entre el R&B, Trap y Hip Hop hasta impulsar su propio movimiento, el M-Pop. “Nosotros queríamos hacer música que nos gustará a nosotros mismos, por eso siempre hemos tratado de mezclar estos sonidos que hemos escuchado desde nuestra infancia, como la música del rock, las baladas y combinarlo con este mundo globalizado, como lo es el internet y géneros americanos, así como de otros países como el Hip Hop y el R&B; así es como nace esta nueva forma de crear música que se llama M-Pop”. Desde sus comienzos en 2016, el grupo conformado por Jay Lee, Nequer, Phynx, Zizzy y Nehly mostraban este intercambio de ideas y sonidos al venir de proyectos independientes que poco a poco cimentaron la identidad sonora de la banda. Como primer acercamiento con el público lanzaron el álbum: Dropout (2019), en el que la banda explora diferentes temáticas, teniendo como línea principal el amor propio. En los últimos años el papel del Internet ha impactado de manera importante en el desarrollo de la música a nivel global, esta herramienta permitió que los integrantes del grupo se conocieran y a la par ha logrado una interacción más cercana con sus fans: “Realmente esa es nuestra base. Nosotros nos conocimos en internet, por Soundcloud; conecté con mucha gente de

México y al final me terminó llevando hacía Aquihayaquihay, entonces el Internet es muy importante para nosotros, nos ha conectado y nos conecta con nuestros fans de una forma mucho más cercana”. Como el “Ying” y el “Yang”, Aquihayaquihay presentan en este 2021 los EP’s: :) y :(, los cuales se desarrollan en torno al concepto de la dualidad, entendido como un elemento presente para cada uno de los integrantes de la banda y en la música del grupo. Estos materiales se realizaron durante la pandemia y más allá de presentar polos opuestos entre la tristeza y la felicidad, ambos complementan la visión del quinteto acerca de sí mismos: “Siempre ha estado en nosotros, en la banda, en cada uno y también en la forma de pensar. Creo que era obvio que en algún momento hiciéramos esto, ya teníamos una idea muy similar que se acercaba a la teoría del Ying y el Yang, luego fuimos desarrollando y hablando sobre cómo queríamos plasmarlo visualmente y dijimos: “Ahí están nuestros logos, vamos a separarlos”. Por otra parte, cada EP está cargado de la energía del grupo donde el romance y el desamor se encuentran en diferentes canciones como: “Actitud”, “Ya No Es Igual” o “Muack”, mostrando los diferentes estados ánimo de Aquihayaquihay durante la producción de los tracks: “Creo que la gente pudo encontrar su canción feliz dentro del EP y su canción triste en específico porque hablan de diferentes formas de sentirte dentro de estos moods y ese es el mejor regalo que nos llevamos; poder acompañarlos en el día a día”.

Desde el año pasado, el grupo ha causado revuelo al llamar la atención de Steve Aoki y el sello Dim Mak en Fuego, esto los convirtió en la primera banda latina en firmar junto al DJ estadounidense dentro de la línea de artistas cuya propuesta ha impactado el panorama underground mundial: “Ha sido un cambio de 360°. Queremos poner orgullosos a la gente de México, de Latinoamérica y poder abrir más puertas, porque eso ha hecho que gente como Steve Aoki, Dim Mak en Fuego o quizá más disqueras o artistas puedan voltear a México y decir: “Hey, está pasando esto, aparte del regional mexicano, de los corridos tumbados o el reggaetón, hay muchas cosas y queremos que se expanda todavía más”. Revista Kuadro: El movimiento que están impulsando, el M-Pop es algo con lo que mucha gente ha conectado. Es interesante cómo se han roto las fronteras dentro de la música y pensar que alguien en otra parte del mundo pueda seguir el género… Aquihayaquihay: Nosotros le llamamos M-Pop porque queremos que sea de México pero es algo que está pasando culturalmente no sólo en la música, también en el arte, en la moda. Ya hay mezclas de muchas cosas, literalmente esta cultura se trata de colaborar, es lo que estamos buscando en nuestra música. Como un grupo joven que ha sido firme en sus convicciones y en la búsqueda de sonidos que resuene con el público, Aquihayaquihay más allá de ser una anti boyband demuestran que el cambio en la música suena a Mexican Pop.


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-Más allá de ser una anti boyband demuestran que el cambio en la música suena a Mexican Pop


E N T R E V I S TA C O N PA H UA

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P O R E M I L I O S A N D O VA L F O T O C O R T E S Í A D E L A A R T I S TA

Redescubrir el tiempo libre para darle vida a

PA H UA

A inicios del 2020 los hermanos Sotomayor lanzaron Orígenes, uno de sus mejores trabajos publicados hasta el momento. Sin embargo, por mala suerte, la promoción de este disco se vio afectada por la pandemia mundial de la que todos estamos siendo testigos. “Para Sotomayor, todo esto de la pandemia fue súper frustrante, cancelamos todos nuestros shows y eso nos dio para abajo porque la gente no captó tanto el lanzamiento de Orígenes y fue un álbum en el que pusimos todo de nosotros. Pienso que quizá deberíamos re lanzarlo para que la gente tenga acceso a él”. Pero bien dicen por ahí que “no hay mal que por bien no venga” y todo este bajón por la cancelación de los shows en vivo y el pobre recibimiento de Orígenes, ayudó a que Paulina (re) descubriera el tiempo libre y le diera vida a Pahua. “Durante este encierro me enfrenté a mucho tiempo libre y no sabía bien cómo utilizarlo. Me compré un nuevo controlador MIDI, un sintetizador, y todos los días me puse a escribir algo, a pensar en melodías. Me planteé nuevos conceptos sobre la vulnerabilidad, el conformismo y hasta el amor propio que nos tenemos cada uno. Ya tenía clara la idea de lo que quería escribir y quería hacerlo con beats. Y de pronto ya tenía 20 o 22 canciones y dije, ahora qué hago, no quiero meterlo a un disco duro y que se quede olvidado”. Todo este proceso de confinamiento, hizo que Pahua fuera agarrando forma, y aunque esta no era la primera vez de Paulina haciendo canciones, en esta ocasión estaba creando

algo que quizá no iba del todo con el sonido de Sotomayor. Es por eso que, viviendo toda esta exploración, nació este proyecto.

experiencias son muy bonitas, pero también de esto aprendí que debemos adaptarnos, y al final las cosas salen por que salen”.

“Tenía que sacar esas canciones. Sí, eran muy distintas y la gente me conoce por hacer música latinoamericana, pero a veces todos tienen destellos distintos, ¿no?, ya sabes, ciclos diferentes y a mí esto me ha enseñado muchísimo como artista, me ha enseñado mucho de mí misma. Sí puedo hacer armonías y melodías bonitas”.

Pahua es una palabra Náhuatl, y significa fruta dulce. Con esto en mente, Paulina decidió plasmar en todo el concepto del disco, en las letras y melodías, el cómo después de varios años de esfuerzo, ahora puede disfrutar de los frutos de su trabajo, mostrando también la naturaleza y a la mujer desde un punto muy poético.

La “nueva normalidad” nos obliga a adaptarnos poco a poco y, en medida de lo posible, reincorporarnos a nuestras vidas. La industria musical no es la excepción, es por eso que, como el show debe continuar, Paulina se las arregló y se adaptó a nuevas formas de trabajo para poder sacar este disco titulado Ofrenda.

“Yo quería mostrar que soy una mujer mexicana y que en México tenemos una cultura indígena súper fuerte. También quería mostrar que soy una persona que intenta visualizar a la mujer no solo en el aspecto emocional, si no en el aspecto físico, en cómo nos percibimos, cómo nos queremos, todo esto quería acompañarlo de la naturaleza, porque tenemos que hacer más conciencia de lo que nos mantiene con bien”.

“Las canciones las pre produje en mi estudio, y ya después busqué a Ramón Pérez Prieto, para que me ayudara a pasar todos estos beats digitales al mundo orgánico e irle dando forma. Hicimos el trabajo a través de Zoom, tuvimos muchas llamadas. También llamé a un amigo que es bajista y tiene un estudio en Londres y le pedí que me ayudara con unas líneas de bajo. Yo se las mandaba en MIDI y él las replicaba. Nos conectábamos a Zoom y nos transferíamos datos en tiempo real. Fue un proceso en el cual aprendí mucho como nueva herramienta, pero no hay como estar en un estudio con personas. Recuerdo que con Orígenes fuimos a Puerto Rico, al estudio de Visitante, de Calle 13, y todo era risas y anécdotas, todas esas

Por último, Paulina dejó en claro que este es un proyecto alterno y personal. El proyecto con su hermano, Raúl, sigue en pie, y para levantar el ánimo de todos los seguidores de Sotomayor, dijo lo siguiente. “Estamos trabajando ya en nuevo material, no hemos tenido tanto tiempo porque Raúl ahorita está produciendo a muchos artistas, eso está muy padre porque le está entrando un poco a todo, está produciendo Rap, R&B y cosas latinas muy padres. Cuando se puede, nos rebotamos algunas ideas y eso está chido, espero que tengamos música nueva de Sotomayor, aunque sea a finales de este 2021”.


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-Ofrenda un disco debut lleno de dulzor, naturaleza y esencia femenina mexicana-


MOGWAI A S THE LOV E S CON TINUOU S

TA S H S U LTA N A TERRA FIRMA Por: Bre n d a Va l d e rrá b a n o

Por: Carl o s Val l e

FOO FIGHTERS M E DIC I N E AT MI DN IG H T Po r : Ca rl o s Va lle

A los Foo Fighters, a Dave Grohl los alcanzó la edad. Algo normal e inevitable, parece que solo Tom Brady está exento de esto, porque también a Mick Jagger ya lo alcanzó (que tampoco es tan grave en su caso). Esa frescura que siempre se escuchaba en su música, parece que se quedó con su juventud en el pasado. Esto no es una crítica, es resaltar un hecho. Este disco es para que aprendamos a darle una nueva escucha a los Foo Fighters. Parece que el chiste de que es el Phil Collins del rock... ya no es un chiste, ahora Grohl está más preocupado por las melodías y las letras. Todavía tiene por ahí un par de guitarrazos y tamborazos, pero no es lo mismo. Más Springsteen y menos Cobain. Igual tiene un par de joyas que se van a sumar a su catálogo recurrente. Particularmente la que le da nombre al disco, casi una balada, pero oscura y densa. “Shame Shame” y “No son of Mine” contemplan el podio. Por el contrario “Holding the Poison” es un feo resbalón. Antes del homenaje a los Beatles en “Chasing Birds”. Buen disco a secas con una nueva perspectiva de la banda.

Hacer una reseña de Mogwai se ha convertido en algo hasta cierto punto repetitivo, porque cada nuevo álbum es hablar del talento que tiene esta banda escocesa con cada trabajo que nos dan. Entonces para hacerlo diferente nos vamos a enfocar en una canción, el track que cierra el disco “Is What I Want to Do Mum”. Una épica de más de 7 minutos, una canción que va in crescendo hasta terminar abruptamente. Va creciendo con todas las capas de música que le van poniendo, hasta terminar delicadamente poco a poco hasta terminar en silencio. Te transporta por todo un carrusel de sensaciones. Una de las mejores piezas de la banda. Lo cual ya es mucho decir sobre todo cuando eres el referente incuestionable de un género. Es la manera perfecta de cerrar tu décimo trabajo. Tal longevidad es un reconocimiento aparte. La única crítica, no será el mejor disco para escuchar en la pandemia, todo encerrado escuchando cómo todo va creciendo y explotando, lleno de capas y matices. Hace falta salir del encierro para apreciarlo.

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD L .W. Po r: MJ S ánchez

Los King Gizzard & The Lizard Wizzard son una de las bandas más productivas que conozco. Con L.W. se completan diecisiete discos en los casi once años de carrera que tienen como proyecto. A estas alturas ya no sé si estoy sorprendida por su capacidad de producción o porque la experimentación microtonal que iniciaron con Flying Microtonal Banana por fin alcanzó el punto exacto y más creativo tras algunos años de giras y el lanzamiento de K.G. El disco comienza con “If Not Now, Then When?” el sencillo que abre el umbral con los elementos que son familiares en las canciones de KG&LW pero con un giro inesperado en la voz de Stu Mackenzie acompañada con funk de las guitarras. Si bien los sonidos que hacen una fuerte remembranza a la música tradicional de oriente son fuertes se mezclan perfectamente con el doom al que estamos acostumbrados a escuchar de los australianos en canciones como “Ataraxia” y “See Me” que bellamente preparan el final épico -y microtonal- con “K.G.L.W.”

I S S U E N O . 3 7 ‘ S O N I T U S : L A C I E N C I A D E L A M Ú S I C A’

Si algo nos ha enseñado Tash Sultana es que la música tiene un efecto curativo, algo que se te va directo al alma y limpia los recuerdos. En Terra Firma, esta artista australiana viene a demostrar lo mucho que ha crecido a nivel musical y personal. No solo se trata de la armonía entre todos los instrumentos que llega a usar (especialmente la guitarra, teclados, percusiones y bajo), sino que las letras van más allá de lo superficial y tocan todo a su paso. Durante las 14 canciones, podemos escuchar una gran variedad de géneros; desde jazz, R&B y soul, hasta el rock alternativo que Tash Sultana hace distintivo gracias al sonido tan característico de su guitarra, sin embargo, la parte central del disco es muy similar (sin contar solo espléndido en “Coma”). Sin duda, “Musk”, la canción inicial, es una muestra instrumental de todo lo que podremos encontrar más adelante, aparte de que para este disco colabora con Josh Cashman en “Dream my Life Away” y Jerome Farah en “Willow Tree”.


I S S U E N O . 3 7 ‘ S O N I T U S : L A C I E N C I A D E L A M Ú S I C A’

WEEZER OK HU M A N Po r : Ma r i a n a Ve la s co

El último año sin duda ha sido de introspección para la mayoría de los seres humanos, y sería apropiado remarcar la que ha conseguido Weezer con su más reciente álbum Ok Human salido en enero. Rivers Cuomo y compañía nos han dado uno de los mejores discos de su carrera en tan solo media hora, pues en 12 tracks muestran una faceta totalmente nueva al incluir violines y chelo de una forma no tradicional pero muy característica de la banda, ya que no pierden la alegría y toque divertido que siempre han tenido al mantener a estos instrumentos con notas cortas y bastante dinámicas entre beats concretos de batería y algunos arreglos elegantes de piano. Entre líricas, Rivers habla de nuestra interacción con la tecnología y claro, el tema del confinamiento y algo que va muy ligado a ello: la ansiedad y la depresión, entre este y otros factores que pueden provocar ambos trastornos, aunque irónicamente, esta grandiosa producción es algo que nos ayuda a sobrellevar los tiempos difíciles con sus ritmos contagiosos.

LOVE OF LESBIAN V. E . H. N. Love of Lesbian es de esas bandas que te gustan o no, es ilícito reconocer el proceso creativo, el sonido de la banda y el inigualable tono de voz de Santi Balmes. Esta banda llega a ser inconfundible como poco equiparable a las de cualquier otra banda del panorama actual, para bien o para mal. Cinco años después de su última entrega, el viaje sonoro de Love Of Lesbian ha regresado con  “V.E.H.N.”, un trabajo más introspectivo y todavía más maduro, en el que se obvian las rutas coloristas trazadas en  “El poeta Halley”, para volver a conectar con el tempo pausado y el aura mística del inmediatamente anterior, el doble de “La Noche Eterna. Los Días No Vividos”. Es posible que la apariencia de uniformidad y la arriesgada escasez de estribillos coreables de  “V.E.H.N.”  obliguen a darle algo más de tiempo para que todo su potencial salga a la superficie. “V.E.H.N.”  es un antídoto sanador, un viaje reflexivo y una cuenta atrás hacia el prometido reencuentro con la música en directo.

ZOÉ SK R Por A l d o Fra n co

C TA N G A N A E L M ADR IL E ÑO Po r Javi er Jarquí n

Antón Álvarez ha sacado uno de sus álbumes más virtuosos de su proyecto musical llamado C Tangana. El Madrileño nos lleva por todo un viaje musical de 43 minutos, en donde la fusión de estilos, las colaboraciones y los sonidos españoles, dominan y son el pilar de este material. C Tangana dejó un poco de lado en este disco el hip hop y los sonidos del trap son más discretos, para envolverse de lleno en sus raíces españolas. Flamenco, guitarras y más de 15 colaboraciones que van desde Gypsy Kings, Kiko Veneno, Jorge Drexler, por mencionar solo algunos. Un material que nos deja en claro lo versátil en ritmos que puede ser C Tangana, pues a lo largo de los 14 tracks que conforman este álbum, lo podemos escuchar cantar en diversos estilos y bien acoplado a sus invitados. El Madrileño es un trabajo alejado del reggaeton y del trap, un recorrido por la música e historia española, que nos deja en claro que a Antón no le da miedo el experimentar y cambiar la fórmula. El resultado al escuchar este disco, es agradable la mezcla de sonidos, probablemente entre sus mejores trabajos, sino es que el mejor álbum del español.

Lo que fue, lo que es y lo que será Zoé. Eso es Sonidos de Karmática Resonancia, el séptimo álbum de estudio en el que la agrupación se desprendió de su productor de cabecera Phil Vinall y apostó por una nueva forma de grabar bajo el oído de Craig Silvey, con quien tuvo un primer acercamiento en Aztlán (2018). El cambio se siente en cuanto técnica, pero musicalmente y líricamente el disco es totalmente Zoé: sus influencias, su pasado y su futuro; un sonido inconfundible del cual sus propios integrantes presumen. Con una larga entrega de sencillos que duró casi un año, este material no sorprendió en su estreno total el pasado 15 de abril, fecha para la que ya habíamos escuchado la mitad de las canciones, sin embargo, el disco sí se percibe como una pieza única y bien construida. Pero si hay algo que realmente maravilla y vale la pena destacar es una joya en letras chiquitas: Sergio Acosta como la mente detrás de lo que quizás son las dos mejores piezas de SKR y de las mejores del grupo: “El Duelo” y “Tepoztlán”


E N T R E V I S TA C O N M I D N I G H T G E N E R AT I O N

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POR VERÓNICA DE LA MORA FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

MIDNIGHT G E N E R AT I O N ¿Se puede bailar funk en pandemia?

Al escuchar la música de Midnight Generation es fácil transportarnos a ese ambiente de fiesta y luces donde la vibra del Groove se mezcla con el ritmo funky para invitarnos a “abrir” la pista de baile (incluso en medio del escenario de pandemia). Revista fue el tuvieron

Kuadro: ¿Recuerdan cuál primer acercamiento que a estos ritmos funky?

Fernando Mares: Desde morritos, yo en lo personal bailaba las canciones de Michael Jackson, siempre estuvieron esos discos. Teníamos algo de Earth, Wind and Fire, de los Bee Gees y mi papá es medio rockero así que nos ponía a Pink Floyd. Pero me hizo más click esa música cuando crecí, por ahí de los veinte y dije: “Esto es lo que más me gusta”. Influyó directamente en lo que hacemos. En los últimos años hemos escuchado a una serie de artistas y bandas que han generado un revival de diferentes géneros musicales, el dueto conformado por los hermanos Mares (Fernando y Mauricio) ha dejado claro que lo suyo es hacer música donde converge la electrónica y el pop junto a una gran influencia de los setentas y ochentas, que los han acompañado hasta su más reciente álbum: Odyssey, que fue lanzado en medio de la cuarentena. A diferencia de su primer disco: Funk your Bones (2016), el cual estaba cargado de energía y fuerza en beats; en Odyssey encontramos una nueva faceta del grupo en la cual el sonido y letras rondan por diferentes estados de ánimo sin perder el espíritu del Groove: “Creo que también agarra un poquito del feeling de la cuarentena. El álbum tiene distintas

facetas, hay canciones muy relajadas, con una vibra más emocional, y otras que son las tradicionales que hacemos, hipsteronas y con ritmos movidos. Definitivamente impactó”. Tal y como lo menciona el grupo, este material se convierte en un recorrido que renueva el mood de cuarentena para darnos estas vibras fiesteras así como melodías románticas que acrecientan las emociones dentro de esta Odisea Retro-Pop presentada desde el año pasado en tracks como: “Boogie Therapy”, “Impala 1985” o “Together”. De mismo modo, Odyssey adquiere nuevos aires este 2021 en un compilado de remixes en el que colaboraron artistas como: Capyac, Glass Cristina, Luc de la Croixx y Plano junto a Midnight Generation, destacando que la mayoría de los proyectos han sido cercanos a la banda. Entre los cambios que se han generado dentro del mundo de la música durante pandemia ha sido el aumento del consumo en plataformas streaming, aunque inesperadamente el auge en los formatos físicos como el vinil o el cassette también se ha vuelto una realidad, siendo el caso del último lanzamiento de la banda con un estreno en ambos modelos: “Nosotros hicimos el vinil porque personalmente somos fans, pero hay una afición despertándose y se ha vuelto algo más significativo. Es importante que regrese, en estas épocas donde la música es caduca en un segundo; un vinil te ha sentir que lo tendrás forever y de alguna forma mantienen el sentimiento por esa música cuando la escuchaste.”

Por otra parte, la escena musical en México ha cambiado de manera radical en los últimos años, cada propuesta se nutre de diferentes géneros entre los que se destacan estos ritmos donde el vibe del Groove poco a poco han tomado protagonismo: “Cada vez escuchas más bandas que se animan a tocar con estos géneros o hacer combinaciones con esta música funky o disco. A nosotros nos gusta porque la verdad solamente un género crece cuando hay muchas bandas que lo están tocando. Si ahorita está muy fuerte géneros como el pop o el urbano; quizá nosotros (los que hacemos Groove) tenemos que unirnos y jalar más gente a hacer nuestra música para fortalecer el género, más que una competencia.” A pesar de estar en medio de estos tiempos “pandémicos” donde los antros y bares se mantienen cerrados, la vibra y el ritmo del funk prevalece y una de las preguntas que no podía faltar tanto para la banda como para ti lector, es: ¿Se puede bailar Funk en pandemia? Mauricio Mares: Yo creo que es más vital en estos tiempos que antes, ahorita que estás encerrado creo que es una buena idea poner un disco, y hasta bailarlo en la regadera. Fernando Mares: Una vez que conoces lo bueno, no te puedes acostumbrar a lo que estos tiempos llaman, yo creo que al principio de la pandemia muchos artistas decían: “No voy a sacar música porque los clubes no están abiertos” pero hemos tenido que acostumbrarnos a este tipo de vida. Uno no sabe cuándo va hacer la próxima pandemia o problema mundial, entonces hay que disfrutarlo.


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-El revival de la fiesta, el funk y el groove -


E N T R E V I S TA C O N M O G WA I

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P O R C A R L O S VA L L E FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

M O G W A I Diez discos después y los amores continúan El mundo sigue girando... con todo mundo encerrado. Entonces las entrevistas presenciales siguen siendo un mito y seguimos usando Zoom 24/7. En esta ocasión, desde el otro lado del Atlántico, estaba Stuart Braithwaite, líder, fundador y “vocalista” de Mogwai, la multi premiada y aclamada banda de culto lanza su décimo álbum. A días del lanzamiento de Stuart Braithwaite, platicamos de eso, cómo sobrevivir al matrimonio que es una banda, fútbol, el futuro y el Celtic -el equipo de sus amores- y lo que se viene. Revista Kuadro: Hola Stuart ¿cómo estás? ¿Desde dónde te comunicas? Stuart Braithwaite: Desde mi casa en Glasgow, esperando la vacuna como todos RK: Ya escuchamos As the Loves Continues, pero cuéntanos un poco más... SB: Sí, este álbum más rico en sonido, es un gran compendio en música lo que hicimos para este trabajo… Solo hay una en el álbum que tiene voz, pero es una de las principales parte de la canción y lo que refleja en el material, por eso es importante para nosotros. RK: ¿Qué tan diferente es hacer una canción instrumental a una con letra? SB: El proceso no es tan diferente, pensamos sólo en ocasiones independiente de eso, aunque si es más complicado escribir las letras. Tal vez la falta de costumbre a las demás. RK: Este es su décimo álbum, ¿te imaginaste llegando tan lejos con esto? SB: Para nada, éramos muy jóvenes y solo teníamos la capacidad cuando empezamos de ver por semanas, tal

vez meses. Jamás pensamos en los años y décadas que estamos aquí. RK: ¿Cómo se siente la etiqueta de la mejor banda de Post Rock? SB: Es una etiqueta chingona, estoy feliz con cualquier etiqueta que incluya “lo mejor de”. RK: Que sigue siendo una etiqueta rara y siguen surgiendo del querer etiquetar géneros... SB: Está bien no pero es algo que a han dicho, como esa necesidad de

es mi primera opción lo largo de los años nos fan lo entiendo más, categorizar la música.

la

capacidad

de

hacer

un

score...

SB: No fue complicado para nosotros, nunca va a reemplazar los álbumes de rock, pero sí nos encantaría hacer más scores, es una experiencia que queremos hacer otra vez. RK: Más porque Trent Reznor está poniendo de moda a las bandas para esto... SB: Hay muchos músicos que hacen y están haciendo un gran trabajo y si tuviéramos la oportunidad nos encantaría hacer más. RK: ¿Cómo es después de

la vida de la banda 30 años juntos?

SB: Con todo esto, todavía no tenemos una agenda definida, queremos tocar y hacer más música, tenemos que mantenernos ocupados.

SB: Es más fácil porque sabemos lo que hacemos y estamos más cómodos con lo que queremos hacer, es más fácil concentrarse cuando eres más viejo y puedes usar mejor tu tiempo.

RK: ¿Ya tienen alguna fecha programada?

RK: ¿Es más sencillo hacer álbumes?

SB: Todavía esperando a que

SB: No sé si fácil, pero estar en una banda es más sencillo, con todo lo que nos conocemos es más fácil tomar decisiones. manejar todas las emociones y todo lo que pasó.

RK: ¿Qué les espera para este 2021?

no, seguimos las cosas abran.

RK: Personalmente no soy fan de los show en stream, le falta el feeling que tiene un show en vivo... SB: Sí, queremos tocar conciertos reales, por eso no hemos hecho algo así tampoco. RK: ¿Cómo fue hacer el score del documental de Zinedine Zidane, siendo tan fans del fútbol? (Stuart Braithwaite, es un fan hardcore del Celtic). SB: Para empezar fue nuestro primer trabajo en un film, lo cual disfrutamos bastante, tuvimos una experiencia muy agradable. La gente aún lo ve y poder musicalizar a una leyenda con la vida que ha tenido es muy gratificante para nosotros. RK:

No

todas

las

bandas

tendrían

RK: Porque son una banda muy constante, solo dos cambios reales en la alineación... SB: Es más difícil convivir fuera de lo musical con la banda, pero en la música, cada quien sabe lo que quiere hacer, es la ventaja de la vejez que no nos enojamos como cuando éramos jóvenes y por eso creo que hemos estado tanto tiempo juntos sin problemas. RK: ¿Por qué este álbum es diferente? SB: Es más cálido en el sonido que salió, con todo el proceso y lo que resultó. Si alguien fuera a escuchar por primera vez un disco de Mogwai... me gustaría que fuera este. Estoy muy orgulloso de este disco.


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-“Si alguien fuera a escuchar por primera vez un disco de Mogwai... me gustaría que fuera este”-


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‘ S O N I T U S : L A C I E N C I A D E L A M Ú S I C A’

Durante su participación en La Voz Kids, Belinda lució una falda estampada con la portada del disco “Fear of the dark”, de Iron Maiden. Boom. Con la misma rabia con la que la Black Metal Mafia incendió 52 iglesias en la Europa de los 90, los die-hard fans del heavy arremetieron contra la cantante. En su parecer, Belinda no era digna de llevar encima la imagen de Eddie The Head debido a su historia como cantante de pop. El episodio sirvió también para que uno que otro desperdicio de ser humano vomitara públicamente sus prejuicios sexistas. Belinda tuvo que salir a callarle la boca a uno de esos “mansplainers”. Más allá de que la cantante ha hecho público que le gusta el rock, el sentido de pertenencia que distingue a estos fans, su reclamo de un “derecho a utilizar una prenda de ropa”, resulta irrisorio y absurdo. La misma pataleta que hemos visto hacer a “los dueños de las escrituras” del punk, el hardcore, el hip hop y el rock en su amplitud. Sobre todo porque al día siguiente Phil Anselmo compartió en sus redes sociales una fotografía en la que aparece junto a LaTavia Marie Roberson. El calvo vocalista escribió que LaTavia siempre había querido ir a un concierto de metal y que él la invitó a presenciar el ensayo general del streaming que The Illegals ofrecería como homenaje a Pantera. ¿Y luego? ¿Por qué uno de los cantantes más representativos del Groove Metal no se burló públicamente de que la ex Destiny’s Child escribiera un “asistir a un concierto de metal” en su bucket list? ¿Por qué no le reclamó: “dime tres canciones de Pantera, poser”? Tal vez porque ese tipo de telarañas e impedimentos neuronales sólo existen en las cabezas de algunos pseudo amantes de la música. En mi pretérito preparatoriano milité brevemente como “gritante” (lo que hacía yo no era cantar) de una banda de metal. Se llamaba Utopía. Teníamos una canción que se llamaba “Hijo de papi”, autoría de nuestro

guitarrista, en la que se expresaba nuestro desprecio a los “mirreyes” del presente. Puede sonar inmaduro. Pero en realidad, el tema criticaba la prepotencia de ciertos individuos a quienes una cartera bien abultada les parecía dar derecho a tratar a los demás como trapeador. Recuerdo que una vez Juan, el compositor del track, dijo al micrófono: “recuerda que lo fresa no está en la ropa, sino en la cabeza”. Ya nadie usa esa palabra. Pero el mensaje no deberíamos olvidarlo. Si Belinda pudiera o no participar en Jeopardy con el tema “bandas de metal” es asunto que no debería justificar que se le agreda. Ni a ella ni a ningún otro artista. Señores dueños y guardianes del rock: recuerden que como Lester Bangs lo dijo desde hace ya muchos años, los grupos ya son marcas. No en vano hay camisetas de Megadeth, Metallica, Joy Division y Nirvana en tiendas de Shasa, Bershka y Pull and Bear. Además, seguro Steve Harris estaría feliz de que una artista juvenil con el arrastre de Belinda les haga un comercial de ese tamaño. A lo que más aspira un músico, igual que los guerreros vikingos, es a que su legado permanezca y su nombre se siga pronunciado por toda la eternidad. Al día siguiente de que la imagen de Belinda llevando la portada de “The number of the Beast” en su calceta izquierda, hablé con un vocero de la marca No Name Studio, la marca que diseñó el outfit que Belinda utilizó en la televisión. No Name Studio es una marca mexicana que ha vestido a celebridades como Lady Gaga, Gwen Stefani y Jay Balvin, entre otros. Me contó mi fuente que a Belinda no le regalan las prendas. A ella le gusta comprarlas, para apoyar. ¿Cuántos de quienes tanto se indignaron por su ropa podrían decir que nunca han buscado anotarse en la lista para no pagar cuando toca una banda mexicana de metal? Lo heavy no está en la ropa, sino en las acciones.


POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO CORTESÍA XIMENA Y SERGIO


E N T R E V I S TA C O N L OV E O F L E S B I A N

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POR BENJAMÍN DÍAZ FOTO CORTESÍA XIMENA Y SERGIO

Santi Balmes, Jordi Roig, Joan Ramón Planell y Oriol Bonet, empezaron a tocar en 1997 y a lo largo de un poco más de dos décadas han demostrado que la unión de una banda, es como un ente que explora más allá de lo evidente. Hacer giras, discos, videos y unas inmensas giras en Europa y Latinoamérica, es lo que les ha dado la fuerza necesaria para hacer disco tras disco, que se correlaciona el uno con el otro y que expresa siempre un tópico puntual e incluso una relación como en 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna). A razón de lo anterior, tuve la oportunidad de una charla íntima con una banda que desmenuza sus entrañas y derraman palabras mientras toman café. “Nunca te das cuenta de las cosas, hasta que punto puedes interferir o marcar la vida de la gente. Algo que como Love of Lesbian tenemos muy claro, es que una de las cosas que nos ayuda a tomar pasos, es que siempre que miramos atrás es sentir orgullo y no vergüenza de lo que hacemos. Todo y nada define el presente. Lo que deja el legado es importante -y más-, saber que vamos viendo hacía el futuro, incluso así no nos arrepentiremos de nada.” Expresa Julián. ¿Ponerle fin? ¿Seguir o retroceder? Una luz destellante emerge de uno. Una luz que puede ser cálida o fría y que te lleva a un destino que nos hace repetir remembranzas. Es como una fuerza que el destino nos tiene deparado a cada uno de nosotros en este mundo efímero. Love of Lesbian creó su propio universo en el cual se van perdiendo, pero juntos, el uno con el otro mientras sus fans entrelazan entre cosmos inmensurables, ¿te sientes orgulloso de lo que eres hoy día?, ¿has hecho lo suficiente para ti?, ¿te celebras a diario? “Los Love of Lesbian de hace más de veinte años sin duda alguna sí estarían orgullosos de esos jóvenes desvergonzados que éramos hace mucho. Quizá se sorprenderían de la seriedad que ha tomado todo. Poco a poco hemos ido buscando de manera inconsciente en una

entidad que trascendiera a nosotros mismos. Al final de lo que es Love of Lesbian, creemos que es otro miembro de la banda, que a veces puede hacer que los integrantes tengamos una idea diferente al ente que es Love of Lesbian. A partir de ahí, hubo un cambio en ver que la suma de las partes es muy superior a cada uno como ente individual, y ha sido como una especie de adquirir conciencia. Como parte del todo a todo lo individual; ese viaje es sumamente bonito”, expresa Santi. A veces hay que aceptar que somos alguien en un plano terrenal prestado y Love of Lesbian despertó para romper su final. En menos de diez años han creado monumentos que traspasaron su natal Cataluña, en España y llegaron a Latinoamérica, continente sediento de su poesía y de su arte. Particularmente, México ha sido una punta de lanza que impulsó aún más su visibilidad y que llegaron a tocar donde menos lo esperaban. Desde un Caradura a un Lunario del Auditorio. Años después llenarían un Auditorio Nacional. Un parpadeo que abrazó su humanidad y que siempre tendrán el recuerdo impregnado en su vida. “Lo bonito de México es que no había una expectativa clara, sino era responder a un llamado del cual el público nos hacía diciendo “vengan”, “México los espera”, “acá se sentirán bien recibidos”, y finalmente en el 2013 recibimos invitación del Vive Latino y así días después acabamos en un Caradura, pero siempre con ganas de recibir aire fresco. El Caradura ha sido un show increíble y sudoroso. La pasamos muy bien y desde ese momento, lo que ha venido de México ha crecido, por lo tanto, lo que hemos recibido desde el primer día es mucho cariño, abrazos y amistad. Hemos hecho cosas que jamás creíamos íbamos a hacer e incluso en España.” narró Ori. Desde Microscopic Movies, álbum en inglés y que trajo de la mano a otros dos en ese mismo idioma, su trabajo discográfico se ha caracterizado por ser conversaciones entre los miembros de la banda, sin

embargo, con Viaje Épico Hacia la Nada su último material ha sido un reencuentro consigo mismos y con sus más fieles fans. Viaje Épico Hacia la Nada, nos echa de menos y miente sobre el engaño. Un disco con doce canciones que fueron la carta de presentación y de separación de El Poeta Halley, disco anterior y que tiene más de cuatro años en nuestras vidas. No es por menospreciar discos, cada uno está bien planeado y hecho. Cada uno aporta y Santi, la cabeza de la banda, adopta creando melodías chorreantes de colores. Cuando les pregunté que me dijeran una palabra por cada una de las canciones que componen V.É.H.L.N. Obtuve un destello de la noche más clara que puede o habrá existido. No les duele. No les pesa. Sonríen al hablar de su disco. Un nuevo bebé que ha nacido y que quieren presumir con cada persona que sonríe al ver a una persona nueva. “Estamos con el niño en la incubadora que aún no puede ver nadie, pero que ya está fuera. Estábamos ansiosos depresivos. Con lo cual, los planes los podíamos retrasar unos meses, pero no más. Lo queríamos mostrar ahora porque la lírica iba muy a la par con la situación actual y por eso queríamos anclarlo a esta época, porque realmente en un año ya no tendrían sentido varias canciones que tiene el disco” expresa de nuevo Santi. Love of Lesbian demuestra que los años no pasan en vano. No te rompes en el camino y si lo haces, siempre tendrás compañeros, amigos o pareja que te ayuden a levantarte. Love of Lesbian existe gracias a la unión de varios amigos que creyeron y que se divertían en sus casas al jugar a ser una banda. Como espectadores o protagonistas de sus propias vidas, Santi y compañía siguen viviendo, amando y creando para seguir su propio camino. Hoy son lo que son y cuando se ven a sí mismos dentro de un estudio componiendo o en un escenario ante más de cuatro mil personas, solo les queda sonreír. Una sonrisa que les deja una comisura en sus labios. Una comisura marcada después de la sonrisa.


FLY N X

O el hacer música de tiempo completo P O R M A R T Í N VA R G A S / F O T O I VA N N A A Z A M A R

/ P U E R TA D E E N T R A DA / ISSUE NO. 37 ‘SONITUS:LA CIENCIA DE LA MÚ’


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En cada canción hecha por Flynx no es posible encontrar un factor común; y si es el caso, seguramente se trata de la sorpresa. En el mejor de los sentidos escribo esto: al principio de cualquier camino creativo es habitual casarse con una idea (en esta cuestión, un sonido). Esto no ocurre con las primeras creaciones de este productor e ingeniero musical originario de la Ciudad de México pero ahora radicado en Estados Unidos. Aunque es posible encontrar apenas algunos temas en su perfil en Spotify, “Alma solar” y “Love we share” se desprenden como dos hojas que necesitaban dejar el árbol. Una en español y otra en inglés; ambas canciones logran confundir al escucha. “¿Estoy escuchando a la misma persona”? Es ese mismo sentir de cuando un creador musical puede llevar sin chistar a quien le escucha por entre géneros porque, al final y desde el principio, la expresión es lo cuenta. Hablé con Flynx por medio de una videollamada, con una hora de diferencia por los husos horarios entre Tornillo, Texas y la CDMX, en una tarde un poco menos fría de lo que nos permitía el impredecible clima de febrero. Sobre Felipe Para Felipe Castañeda, su nombre real, la música es sinónimo de jornada. El hecho de ser productor musical lo llevó a cambiar su estilo de vida. Para perseguir su sueño se mudó a San Francisco para estudiar en Pyramind, centro educativo especializado en producción musical. Por ello tuvo que dejar México, a su familia pero también a una banda: Seasuns, con quienes grabó un EP. Ahora y desde hace un tiempo trabaja en el mítico Sonic Ranch, un estudio que tiene en su haber tanto a Portugal. The Man como a Enrique Bunbury; a Fiona Apple y a Natalia Lafourcade. Pero quizá lo que más llama la atención del complejo es su enorme extensión e infraestructura. Felipe explica que el modelo de trabajo en Sonic Ranch es muy estandarizado: el talento llega con músicos que ya saben qué hacer, un productor y, por mucho, un representante. Además, es usual buscar este lugar por la calma y el aislamiento que procura: es muy parecido a un retiro espiritual. Él, por su parte, ha trabajado directamente con Tei Shi, The Vaccines y Chad Copelin, por mencionar algunos.

“A veces, la rutina de trabajo es tan ardua que, por ejemplo, puedes empezar a las 11 de la mañana y terminar a la 1 de la madrugada del día siguiente”. Entre preparar la sesión para otros proyectos y transitar por ese sinuoso camino de la producción musical y sus menesteres, hay semanas en que Felipe no piensa en Flynx. Ese es un proyecto que le ha dado oportunidad de expresarse de manera más sincera. Sin embargo confiesa: “hay muchas recompensas aunque sea muy absorbente”. Flynx: contraste, humano y emotivo Cuando es momento de hablar de la música hecha por y para sí, entonces es mejor charlar con Flynx. La elección de ese nombre no tiene un significado más allá de la cadencia y el orden de las letras juntas. Se asoma cierto parecido con su nombre real pero este seudónimo le ha ayudado a materializar un sueño pendiente. Él busca las palabras en el aire: en medio de ese estudio iluminado por luz tenue y cálida con acabados de madera, entre consolas y bocinas. A lo lejos y a un extremo apenas se percibe un monitor donde un complicado programa de edición de sonido es manipulado. En el par de canciones arriba mencionadas fueron producto de una colaboración y ahora ese tema es el que lo ha mantenido pensativo. “Creo que, en realidad, la colaboración es un tributo a la amistad y por eso es importante”. Flynx considera que la idea de un músico todopoderoso es poco funcional y para hacer una buena canción se necesita de no muchos elementos. Además, contar con un poco de ayuda puede aportar una segunda opinión y esto siempre es útil (o necesario, si se quiere). Una colaboración de la que solo podemos dar el nombre, “Release”, será lo próximo en este proyecto y saldrá antes de que termine marzo. Aunque no hay un plan de lanzamiento, sí hay otras rolas pendientes. Un plan a mediano plazo, antes de finalizar 2021, es la publicación de un EP. Mientras tanto, Flynx quiere seguir expandiendo sus habilidades de productor; seguir puliendo el vehículo donde mejor expresa sus ideas y que, en sus palabras, busca ofrecer creaciones llenas de contraste, de una manera muy humana y de contenido emotivo. Es ampliamente recomendable seguirle en redes sociales para saber de los próximos estrenos. Facebook: @flynxmusic, Twitter: @iamflynx e Instagram: @i.am.flynx.


FOTO J A Q U E L I N E E M A R T I N E Z


37 / K UA D R O B E AT / ISSUE NO. 37 ‘ S O N I T U S : L A C I E N C I A D E H A C E R M Ú S I C A’

NFT P O R J AY R O S

Ahogándonos en un océano de “arte”

Aunque no existe una definición concisa sobre qué es el arte, de forma general se le llama así a toda actividad realizada por el ser humano con el propósito de expresar una idea, o una emoción. Es por ello que toda música es considerada arte aunque tú insistas en llamarla basura. Sin embargo, es muy claro que el botón de “siguiente” es vital hoy en día en plataformas de streaming como Spotify, Apple Music, Deezer o cualquiera que utilices, pues, gracias al nivel tecnológico que hemos alcanzado, cualquier persona puede ser un músico capaz de inundarnos de su “arte”. Por supuesto, esto no es reciente. Desde finales de la década de 1990 e inicios del 2000, la creación de música estuvo al acceso de toda aquella persona capaz de comprar una computadora y un software como Ableton Live o Reason. Y desde esos años comenzó la inundación. La tecnología eliminó a los “profesionales” de la industria y permitió que cualquiera pudiera crear “arte”, sin necesidad de décadas de estudios. Que increíble, pero igualmente peligroso. Y la tecnología siguió evolucionando y la creación de música se puso al alcance de cualquiera con un smartphone y la marea de “arte” siguió aumentando. Una marea en la que es muy divertido nadar por momentos, pues nos ha

traído olas de creatividad que hace décadas no habríamos sido capaces de imaginar. Pero, con cada ola viene el peligro de ahogarse. Esa nueva ola se llama NFT, Non Fungible Token, y por fin le quitó a los sellos discográficos la habilidad de hacerse multimillonarios profanando a los artistas y vulnerando a los fans, con contratos abusivos, regalías diminutas y precios de mercancías exorbitantes, dando el poder a los músicos de, ellos mismos, profanar y abusar de los fans, sin necesidad de un intermediario. Porque, seamos honestos, los mercados de NFTs se saturaron en cuestión de semanas de “arte”, mucho “arte”, a precios exorbitantes. Y aunque hay mercancía muy interesante, como el nuevo disco de la banda Kings Of Leon o nuevo material de DJs como Clarian, Disclosure, Richie Hawtin o 3LAU, también hay mucho material sin valor alguno para los propios creadores, que la gente está comprando por simple FOMO, la ansiedad de perderse el momento. Y no soy yo quien le da valor nulo a esas creaciones, son los propios artistas quienes están preguntando en sus redes sociales: “Si pongo tal cosa en NFT, ¿pagarían por ello?”. La clásica pregunta que le haces al de los fierros viejos cuando estás por tirar algo a la basura, pero te

das cuenta que tiene valor para alguien. ¿Ves como sí es un mar de basura?, perdón, un mar de “arte”. Todo esto dará como resultado, en la industria musical, que esa canción o álbum que tantos meses llevas produciendo, una vez publicados se pierdan en un océano de basura. Basura puesta a la venta por algún artista que, tras ser abusado por sellos discográficos por décadas, finalmente decidió probar suerte en solitario con lo primero que encontró en su viejo disco duro o con algún track producido en cinco minutos sólo para subirse al tren. Justo hace una década el documental “PressPlayPause” nos advertía sobre la belleza y los posibles horrores de darle poder creativo a cada ser humano con el avance de la tecnología. Sin embargo, estoy casi seguro que ni los productores de dicho filme imaginaban que el público estaría dispuesto a pagar millones por algo no tangible, en la época del desempleo, a mitad de una pandemia. En fin, la hipotenusa. Pero, vayamos a lo más importante, si pongo este texto en un mercado de NFTs, ¿pagarías por él? Te incluyo la versión original de mi curriculum, el cual no me ha conseguido entrevistas de trabajo en dos años, pero igualmente es arte.


El proyecto de Revista Kuadro cumple 10 años este 2021, mismos que han sido complicados y difíciles como todo proyecto que empieza desde cero. El hecho de seguir aquí escribiendo estas líneas dicen que vamos en buen camino. Por eso este año en el Kuadro de Honor serán discos que cumplen 10 años, que empezaron igual que nosotros. La elegida para empezar es Björk, una pionera y visionaria con su Biophilia. No vamos a decir que es su mejor álbum -que sí puede ser- pero si vamos a afirmar que es su disco más revolucionario y adelantado. Llevó al término álbum conceptual más allá de la música y lo llevó a terrenos inexplorados. Todo empezó con el activismo de la islandesa, una figura que el 99% de las veces queda opacada por sus excentricidades. Algo que también le podemos atribuir a toda Islandia. En 2005 su crisis financiera sufrió todo un paradigma a raíz de una crisis económica devastadora que cambió al país de una manera fundamental en cómo se manejaban, política, social, económica y ecológicamente. De esta última Björk estaba a la cabeza, con su activismo que dio como resultado Biophilia. Ponerle etiqueta de experimental suena a pleonasmo aquí. Por lo menos como siempre, nunca sonó como a nada que estaba en los charts de la época. A pesar que, sonoramente por pasajes, es el menos complejo para lo que estamos diciendo pero con una razón de ser como en “Crystalline” donde tenemos que escuchar como los cristales surgen de la música en todos lados y por eso va acompañado de un delicado ritmo, sencillo. Claro, todo hasta la explosión del final como conquista de la ansiedad. Después tenemos “Dark Matter” una canción con letras balbuceadas, la manera de la cantante de entender a la materia oscura. Brillante o demente, pero ciertamente no indiferente, al final siempre que un artista da su explicación de como funcionan las cosas, pocos están a de acuerdo. Aquí no saben si están de acuerdo. Este el otro tema que hizo con este disco, como se lo presenta al mundo. Desde el empaque, si Spotify y Youtube han masacrado a las portadas de los álbumes, al empaque hace muchísimo lo enviaron al vacío. Para mayor contexto, cuando los Grammy eran relevantes tenían un premio para esta categoría. Todavía lo entregan, pero los Grammy ya no son relevantes. Ya estaba la versión digital junto con la física, pero la versión deluxe venía con 10 diapasones diferentes, cada uno con el tono de cada canción del disco. Obviamente cada uno seriado y personalizado. Algo que evidentemente no era para todos, ya que se vendía en 500 libras. Además contaba con 11 apps diferentes, una por cada canción más la app principal del disco, con juegos, actividades y otras experiencias como ensayos y karokes. Tal vez aquí la experiencia menos pulida de todas, donde se reconoce más el esfuerzo que el resultado si somos honestos. De los hechos por los cuales la islandesa no ha dejado de ser pionera desde su debut, de como se ha reinventado cada vez que ha tenido la oportunidad y estando a la vanguardia. 10 años de este disco para volver revisar desde 2021 y seguir siendo asombrados. / KUADRO DE HONOR / ISSUE NO. 37

P O R C A R L O S VA L L E

‘ S O N I T U S : L A C I E N C I A D E L A M Ú S I C A’


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DORIAN por Edwin López


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S I LV E R R O S E por Alejandro Servín

G I R L U LT R A por Alejandro Servín


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Revista Kuadro No. 37  

Sonitus: La Ciencia De La Música

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