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CARTA DEL EDITOR Así como los músicos mencionan que aún sienten nervios cada que inician un show, sin importar los años de experiencia que tengan en su ser, debo de confesarles que lo mismo sucede con los que nos dedicamos a escribirle al rock y sin importar que este sea nuestro número 21 siempre es un reto y placer, verlo concluido. Esta edición la hemos dedicado a aquellos que hacen girar al mundo del rock y de la música en general. Esas personas que nunca tienen el reflector encima o una playera con su nombre, mucho menos alguien que grite frenéticamente por ellos. Me refiero a todo el equipo de personas que son el soporte necesario para que el show se lleve a cabo y salga adelante, así como quienes se encargan de que la música fluya y llegue a todas partes. Sellos, staff, músicos de estudio y más. Para ésto, les hemos preparado un “Behind the Music” donde se internarán en el esqueleto de la industria musical, además de entrevistas con División Minúscula y con Damián Romero, cabeza de MUTEK. Échense un clavado a nuestras secciones, para complacer su apetito por beats, nuevas propuestas y lo mejor de los últimos meses. No se olviden de ir a nuestra web y redes, ahí los consentimos y tratamos re’bien. Estén muy atentos y sígannos de cerca, que Revista Kuadro se va a descontrolar… #RK5 - 2017

- JAVIER JARQUÍN -


fotografías cortesía de moderat por flavien prioreau Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011-090609421400. Número de certificado de licitud, titulo y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 21 Noviembre-Diciembre 2016.


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The 1975 Diego Vigueras

Megadeath Ricardo Ruelas


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Quique รvila

Peter Hook And The Light

She Wants Revenge Nancy Leรณn


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Los Fabulosos Cadillacs Ximena VArgas

Molotov Diego Vigueras


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Allison Nancy Leรณn

Garbage Ximena Vargas


Por Alan Palmer Foto cortesía de la banda

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putnik conformada por Jorge (batería), Rodrigo (bajo) y José (guitarra/voz), es una banda mexicana de punk rock, que últimamente ha tenido un gran éxito en muchos de los estados de la República Mexicana, y pudimos estar con ellos previo a su show del Lunario el 21 de agosto. En plática con ellos, hablaron, entre otrascosas, sobre la gira que han tenido para promocionar su más reciente álbum de estudio Gran Blanco.

“Grabar este álbum ha sido un proceso muy padre y muy rápido también. Estábamos este mismo año grabando el disco y para empezar, las letras ni siquiera habían estado escritas. Hace siete meses empezamos con este proyecto y ahora por fin lo vamos a presentar en el Lunario del Auditorio Nacional y estamos muy contentos.” - José Salazar Anteriormente, ellos ya se han presentado en grandes escenarios,

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como lo es el Zócalo Capitalino durante la Semana de las Juventudes y el Vive Latino, pero su pasada presentación el 21 de agosto en el Lunario les ponía la vara en alto, y previo a su show nos comentaron sobre los nervios e inquietudes que tenía el trío

“Que estemos nerviosos no quiere decir que no hagamos un gran show. Al contrario: preparamos algo que quedará genial.”


Hablando un poco más acerca del proceso creativo de Gran Blanco, la banda nos fue llevando al pasado, de entre sus anteriores discos, para ver la evolución que han logrado a través de sus más de doce años de carrera. Aunque, les costó trabajo poder llegar a un sonido que los caracteriza, Sputnik lo logró. No obstante tuvieron que pasar por un largo proceso para poder adaptarse ante las adversidades que se les iba presentando. Antes eran cuatro integrantes, y ahora son tres, sin embargo eso no quiere decir que su sonido decayera, al contrario, suenan mejor que nunca. “Jugamos mucho con las afinaciones de los instrumentos, ya que al ser ahora tres integrantes, muchas de las guitarras, bajos y baterías deben adaptarse para llenar los vacíos que puedan presentarse en la música. Sputnik es una banda muy melódica, en cuanto a voz, pero somos muy “rifferos”: no utilizamos muchos solos de guitarra y cosas así. Además, desde que formamos esta banda, nunca hicimos covers.”

Desde el primer día hicimos una rola, fea; pero era nuestra. Tocando un poco el tema de los covers, la agrupación, nos comentó que no les gusta hacerlos, pero no están cerrados a interpretar una canción que tenga un estilo muy marcado, (canciones de lo años 80) con el estilo de la banda. Después surgió el tema del consumo de la música hoy en día, pues se sabe que muchísimas bandas hoy actúan bajo sencillos y videos promocionales y se mueven por giras, presentando una sola canción. Es muy raro que una banda hoy en día haga un álbum en su totalidad. “A nosotros nos gusta hacer discos completos, estamos acostumbrados a hacer las cosas como se hacian antes, que los discos tengan algo que decir. Tanto en las letras como en la música. Que todo lleve una historia y una coherencia. Al fin y al cabo es una obra.” ”Con el uso de las plataformas para escuchar música, pueden

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funcionar los sencillos pero por un corto tiempo, a veces este tipo de cosas son los errores que tienen los artistas de hoy en dia: tener canciones que sean pasajeras, que no transmitan un mensaje o aporten algo.” Con Dead Poet Society y Deunoenuno como actos invitados en su pasada presentación, se llevó la presentación de Gran Blanco en el pequeño pero acogedor recinto de Reforma. Por si fuera poco, la banda nos adelantó que tienen planes de seguir con el tour de presentación del Gran Blanco alrededor de dos años. Incluso salir del país, hasta lo más que puedan. Todo en el mismo lapso. Asimismo planean sacar cuatro sencillos y que la gente se quede con un gran sabor de boca. No olvides seguir a Sputnik en sus redes sociales para las próximas noticias de sus presentaciones y sencillos.


de la banda / foto cortesĂ­a por Javier Soto

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Existe una premisa que dice “el orden de los factores no altera el resultado” y si lo trasladamos al nuevo disco de Monocordio, Pájaros y Cuchillos, es la forma factible de demostrar lo anterior. Para este nuevo material, la agrupación tuvo un cambio que lo convirtió en un power trío conformado por Fernando Rivera Calderón y los hermanos Alonso y José María Arreola, que durante un año y medio de gira por toda la república, los músicos probaron las canciones de su nuevo material antes de que éstas fueran oficialmente parte del disco, al respecto Alonso Arreola comenta: “Es un experimento, es algo que responde a la medida de dos cosas: una, los cambios radicales que han surgido en la propia industria que permiten una libertad muy diferente ¿no? Ya no es como antes, que el disco era más como una onda de laboratorio y luego lo presentas como sorpresivamente.” Durante 15 años el sonido de Monocordio ha mutado en diferentes formas debido a los cambios en los procesos creativos y sobre en la alineación en el grupo. Lograr que esta dualidad conceptual y sonora alcanzada en Pájaros y Cuchillos conviva de una forma natural resulta difícil de realizar pero, ¿podría ser el sonido definitivo de la banda? Alonso Arreola, ejemplifica esto con una fotografía:

“Quién sabe qué pase en seis meses o en seis años, podrás voltear y burlarte de ti o decir ¡Chin! me gustaba más cómo me veía antes. Hoy por hoy, sí creemos eso, es como el mejor estado en el que puede estar el grupo y que tenemos un gran disco en las manos. Estamos súper contentos de esta fotografía, el tiempo dirá cómo va variando esta semántica, por el momento –Pájaros y Cuchilloses un discazo para nosotros.”

Finalmente cuando te subes a un escenario y presentas un disco, ese disco no tiene lastres, no tiene ancla y es muchísimo más libre.”

Algo que ha logrado Monocordio es que ha rebasado la década de existencia y siguen presentes en la memoria colectiva pese a que no estrenan una canción cada semana.

Como músico, llegar a este punto de madurez y de comprensión, se ve reflejado en la música que producen ya que entienden la creación de una forma más pura y pasional, como señala Alonso Arreola: “La música no existe para que sea nuestra prostituta, no somos los padrotes de la música, no existe para servirle a nuestro monedero ni para pagar la renta en la medida en la que entendamos eso, podremos disfrutar más su propia creación, el trayecto hacia el escenario.”

“Tenemos una gran ventaja, es algo que nos viene valiendo madres, la vigencia es algo en lo que no pensamos, desde hace muchos años entendimos que al momento de estar componiendo, diseñando y ensayando, tiene que salir lo que sentimos primero, ya después haremos un esfuerzo para tender puentes.

Tal vez Monocordio llegó al punto de madurez ideal en la que comparten su música, su propia idea de belleza sin importar nada más que seguir en la búsqueda constante de la fórmula correcta, aquella que sin importar cuánto cambien los elementos siempre lleguen al mismo resultado: recordarnos que seguimos vivos.

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por María José Sánchez

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por Dora MĂŠndez

foto Rodrigo DĂ­az


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por Jaime Arenas

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Por Dora Mendez Ilustración Roberto “zepol”

Después de los escenarios, podríamos decir que el estudio de grabación es el segundo hogar de un músico, pues es aquí donde sucede toda la magia, donde todos los acordes y notas cobran vida. A lo largo de la historia nos podemos encontrar con estudios que hoy en día son legendarios, donde nacieron y evolucionaron las grandes estrellas que hoy conocemos. Aunque claro, el estudio no hace al músico, sino que los músicos han hecho que estos estudios hayan logrado sobresalir gracias al trabajo extraordinario que ha dejado huella a través de los años. Por lo que enlistaremos algunos de los más sobresalientes. Unos cuantos siguen en funcionamiento hoy en día y otros son ya monumentos históricos.


Atlantic Studios

Abbey Road Studios

Ubicado en la ciudad de Nueva York, éste fue el primer estudio en grabar estéreo, esto gracias al trabajo de Tom Dowd. Es un complejo de dos estudios que cuentan con equipo de calidad para la grabación.

Ubicado en Londres, éste fue el sitio donde The Beatles comenzó su historia, pues aquí grabaron la mayor parte de su discografía y gracias a esta banda, el estudio también se hizo famoso. En el 2010, trataron de vender el lugar, pero gracias al gobierno británico fue nombrado monumento histórico lo que impide cualquier transacción. Ahora sólo se utiliza para realizar grabaciones de cuerda.

Algunos artistas que han grabado: AC/DC, Ringo Starr, The Rolling Stones y Robert Plant.

Avatar Studio

Algunos artistas que han grabado: The Beatles, Iron Maiden, Oasis, Queen, Radiohead, Amy Winehouse y Pink Floyd.

Ubicado en Manhattan, este edificio era una planta de energía pero en 1977 fue reconstruido y adaptado en estudio de grabación. Tony Bongiovi y Bob Walters fueron los responsables de que esto fuera posible. En 1996 fue bautizado como Avatar Studio.

Sonic Ranch Fue fundado en 1989 por Tony Rancich. Ha sido testigo del nacimiento y crecimiento de múltiples artistas; éste se ubica en Texas y es un complejo con 5 estudios de grabación diseñados por Vicent Van Haaff. Además cuenta con 5 casas donde los artistas se hospedan cuando se encuentran grabando en los estudios.

Algunos artistas que han grabado: Arctic Monkeys, Aerosmith, The Clash, Kings of Leon, Sum 41, John Lennon, The Last Shadow Puppets.

Britannia Row Studios

Algunos artistas que han grabado: Yeah Yeah Yeahs, Jenny Lewis, Animal Colective, Enrique Bunbury, Zoé, Jumbo, Hello Seahorse!,

Estos estudios fueron construidos por Pink Floyd en el año de 1975, poco tiempo después del lanzamiento Wish You Were Here. Tiempo después Nick Mason se convirtió en el encargado de los estudios, ahora la dueña de estos es Kate Koumi.

Record Plant

Algunos artistas que han grabado: Pink Floyd, The Cult, Joy Division, Snow Patrol.

En un principio constaba de tres estudios, en diferentes sitios: Nueva York, Los Ángeles y Sausalito, California. El único que se mantiene en funcionamiento es el de Los Ángeles.

Estos son algunos de los más importantes y que han hecho historia dentro de la música, tal vez las próximas leyendas de la música estén por hacer lo suyo y darle fama a más estudios.

Algunos artistas que han grabado: Guns N’ Roses, John Lennon, The Eagles, KISS, Jimi Hendrix.

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Los sellos discográficos son esos colosos que juntan una gran maquinaria y con ella nos llevan melodías a nuestros oídos, algunos dirán que se encuentran en una etapa final; desahuciados por que la industria musical encontró diferentes formas de la distribución de los diversos materiales. Sin embargo, durante mucho tiempo fueron importantes dentro de la música, y aún pueden jactarse de ello. Estas transnacionales, con su poder, logran tener al alcanse de su mano estudios de grabación, productores y los mejores músicos de respaldo que se puedan imaginar. Así es como trabajaron durante muchos años y posiblemente lo seguirán haciendo por muchos más. Pilares fundamentales en la grabación y difusión de las nuevas placas discográficas de los diferentes artistas en el mundo que tuvieron la suerte o el talento de firmar contratos millonarios con estas empresas son, indiscutiblemente, bases en la historia de la música. Y hay que reconocerlo, la importancia del sector ha sido determinante para

que artistas de la talla de Queen, The Beatles, The Rolling Stones, entre otros, tengan la carrera y el reconocimiento en todo el mundo que actualmente gozan. Para entender el papel de los sellos discográficos en este texto es importante dejar atrás el romanticismo de lo que es el hacer música actualmente, la idea que tomaron numerosas bandas de indie a inicio del nuevo milenio fue una forma de ir poniendo en su lugar a este sector, sin embargo, no es algo que los preocupe. Sólo basta ver la cantidad de artistas y bandas que emergieron en ese lapso y ahora se encuentran respaldados por algún sello discográfico, al final te alineas. EMI Records, fue durante muchos años uno de los gigantes del sector, y con tentáculos en casi todas partes del mundo. En Europa tuvo la oportunidad de trabajar con The Beatles, ABBA, Deep Purple, David Bowie entre muchos más. Del lado Americano bandas y artistas como Elvis Presley, Los Ángeles Negros, El Gran Silencio,

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Plastilina Mosh y otros disfrutaron de lo maravilloso que puede ser trabajar con un sello de estas proporciones. Otro de los sellos mundialmente conocido es Universal Music, en él cualquier artista o banda que puedas imaginar tuvo la oportunidad de darse a conocer mundialmente o sólo en sus respectivos países, pero aun así lo que importaba es que te conocieran y que compraran tus discos. Existen otros más en el mercado como Warner Music, dentro de sus filas encontraras artistas como Alice Cooper, Andrés Calamaro, New Order entre muchos más. La idea es reconocer la labor que hacen estos gigantes de la industria musical para que podamos disfrutar de la música de nuestros artistas favoritos. Y como lo dijo Jonathan Delgado, presidente de la asociación del Disco Canario, no podemos olvidar que existen sellos porque existen músicos, y existen discos porque hay en las islas un talento creador que no se detiene aunque el ostracismo esté siempre a la vuelta de la esquina.


DE LOS

SELLOS DISCOGRรFICOS

NADIE SE PODRA LIBRAR Por Ivan Rova / Ilustraciรณn David Zavala

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Por MartĂ­n Vargas / IlustraciĂłn The Javis Contreras Effect

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MANAGERS,

Por Javier Jarquín

¿un mal necesario?

¿Recuerdan aquel dicho que dice: “Detrás cada gran hombre, existe una gran mujer”? Pues bueno, en el rock sucede lo mismo: “Detrás de cada gran banda, existe un gran manager”. Aunque bueno, no todos pueden presumir del adjetivo “gran”. Sabemos que los managers son aquellos individuos que son parte de una banda y aunque no toquen o aparezcan en escena, también comparten las mieles del rock. Desde las grandes fiestas con infinidad de lujos y excesos, hasta gozar de la amistad de aquellas estrellas del rock por las cuales morimos por su autógrafo o una foto. Pero, ¿qué más saben de ellos?, ¿conocen su función?, ¿saben dónde los podemos encontrar?, ¿son ellos quienes dirigen la trayectoria de las bandas?, ¿es neta que roban a los artistas? Seguramente éstas y más preguntas surgen al hablar de esta profesión. Así que nos daremos a la tarea de mostrarles este mundo de farándula y exigencias a la que pertenecen los representantes. La artista Irene Bauzá lo define muy bien para su público en Industria Musical: “La responsabilidad del representante es supervisar los negocios de un artista; aconsejarlo y asesorarlo en temas profesionales, planes a largo plazo y decisiones personales que puedan afectar a su carrera”. Palabras claras y sencillas a las que nuestros astros del rock jamás les harán caso y precisamente es aquí, cuando nuestro fiel manager tiene que entrar en acción. No es de sorprenderse que si Batman tuvo un Robin, los Beatles debían tener el suyo, así que el “quinto beatle” entró en acción y Brian Epstein no sólo ayudó a la consolidación del cuarteto británico como su representante, también su visión ayudó a renovar y transformar la industria musical. La ayuda y enfoque de los managers ha sido de gran utilidad para que muchos artistas hayan podido consolidar una trayectoria, pero éstos no siempre han estado desde

el inicio de su carrera y no por que no tuvieran suerte en encontrar un manager, sino porque hasta que exista un renombre y algo que vender (música), ellos aparecerán y harán “magia”. Gran parte de los representantes terminan siendo multitask, y se convierten desde el asistente personal, el sujeto que administra las finanzas hasta la persona que los arrastra de las fiestas a casa. Un buen manager tiene que contar con una buena visión para los negocios, excelente tacto para las relaciones y hambre de hacer dinero, si es que en verdad quiere llevar a la fama a sus socios musicales. Normalmente trabajan por comisiones que oscilan entre 20 a 30%, por lo que entre más hagan ganar dinero a los artistas ellos ganarán más. No sólo se trata de programar giras, conciertos, firmar contratos, consentir a sus estrellas y orientarlas para que lleguen a trascender, también tienen que tener el carácter y temperamento adecuado para lidiar con los ataques de grandeza, caprichos y hasta episodios de amoríos. A veces los artistas no entienden bien el rol de sus representan-

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tes, se les olvida que ellos son los jefes y confían ciegamente en sus managers, lo que a veces termina con demandas y saqueos a su fortuna. Aunque lo quieran evitar varios músicos, siempre será importante que cuenten con estas personas que se dediquen a los demás asuntos que requiere una banda de rock, para así ellos enfocarse únicamente en hacer música. Muchos quisieran tener a su lado a un Irving Azoff  que los hiciera tan míticos como los  Eagles, o quizás un Allen Klein  que en su momento servía a las satánicas majestades. El “Al Capone” del pop, Don Arden, también pudo domesticar a Ozzy Osburne y Black Sabbath  y muchos más han compartido las mieles del rock & roll. Pero, ¿qué se necesita para tener un manager de esa talla? Principalmente una gente de mucha confianza y de agilidad en los negocios. En otro de los factores importantes, que el artista sea quien decida el rumbo de su trayectoria y no dejarla en mano de sus managers. Es cierto, tienen muy mala fama los managers de estafadores pero son el mal necesario de músicos y de la industria musical.  


Ilustración Eduardo García


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sean del gusto de la mayoría de quienes lo escuchan. Sí, los tipos de Radiohead son unos genios.

por comprometerse, cuando para ellas lo único que importa es el amor y lo que éste significa, que va más allá de un papel. Con canciones como “100x”, muestran un lado más melancólico y sincero, que hace que el escucha se identifique en más de una ocasión con el material escrito por estas hermanas. Finalmente, con “Stop Desire” y “U-Turn” nos hacen mover un poco más el cuerpo y poner de buen humor hasta al más gruñón, usando toques ochenteros muy dinámicos. Siempre se agradece la honestidad de parte de un artista y más cuando el resultado de ésta es un álbum redondo, que captura su esencia de principio a fin. Muchas palmas a T & S.

El disco, sólo por mencionar algunas, contiene canciones como “Tinker Tailor Soldier Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, “Decks Dark”, “Day Dreaming” y “Present Tense”, con ellas nos muestran el lado oscuro de la nueva placa discográfica. Sonidos hipnóticos y lentos en todo su esplendor. También contiene composiciones como “The Numbers”, “Desert Island Disk” y “Burn The Witch”, que de alguna manera pareciera recordarnos los inicios de la banda. Y claro, como en todo disco hay canciones como “True Love Waits y “Glass Eyes” que acompañadas de violines y pianos de fondo que alimentan una atmósfera romántica. El nuevo disco no es mejor que Kid A, pero si algo gustó bastante fue la transparencia que transmite su sonido. Es como si realmente pudieras entender de alguna manera lo que la banda te está diciendo, suponemos que después de nueve discos, A Moon Shaped Pool parece ser la unión de todo ese aprendizaje.

LOVE YOU TO DEATH - TEGAN AND SARA Por Brenda Arriaga En junio pasado salió una de las producciones más esperadas en el rock pop, Love You To Death, de las hermanas Tegan y Sara Quin.

A MOON SHAPED POOL - RADIOHEAD

Después de 3 años sin lanzar ningún tipo de trabajo musical, las gemelas Quin decidieron salir por fin del estudio y regalarnos este nuevo disco. 10 canciones que reflejan su evolución a un pop más digerible y melodioso.

Hace unos meses recibímos a Thom Yorke y compañia en nuestro país, aunque hace dos meses la banda nos regaló, después de tanto misterio, A Moon Shaped Pool su nuevo álbum.

Aunque ya son conocidas como íconos del movimiento LGBTQ en todo el mundo, esta vez nos sorprendieron quitándose muchos tabús de encima al escribir sus canciones desde una perspectiva totalmente personal y usar términos femeninos en algunas de sus letras que, obviamente, están direccionadas a describir relaciones amorosas. Una de ellas es “Boyfriend”, la cual habla de una relación sentimental con una chica, quien decide esconderla por temor al qué dirán; también está “BWU”, un himno a la necesidad que tienen algunas personas

Por Stephania Carmona

Como era de esperarse, el disco tiene opiniones a favor y en contra, pero suponemos que es el precio a pagar cuando eres una de las bandas más famosas de los últimos años. A Moon Shaped Pool es un disco diferente, así como los otros ocho que la banda tiene en su repertorio. Cada uno con un sonido y temática diferente, que de alguna manera nos muestra la creatividad que poseen. De alguna manera, no sabemos cómo, Radiohead logra darle un toque distinto a sus obras, evitando que caigan en la monotonía y aún así, logra que

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HOLLOW BONES - RIVAL SOUNS Por Carlos Valle La banda elegida por Black Sabbath. Eso para nada es un pensamiento que da miedo, más cuando no eres una banda de metal, algo que a los puristas casi no asusta tampoco. Esta es la situación de Rivals Sons. Entonces, ¿qué hacen? Sacan su mejor disco. Montadas en esa ola que todos agradecemos de revivir ese hard rock setentero, cuando el sonido era más denso y menos chillante a diferencia de los ochentas. Así suenan ellos, sucios, potentes, traídos directamente de esa época. Pero esta última placa tiene algo diferente. Suena a que está hecha en este milenio. Todas las otras bandas, incluidos sus trabajos anteriores, suenan a que literalmente vienen y/o son de esa época.Este disco está más pulido, musical y técnicamente.


Logran quitarse ese sonido lo fi, pero sin perder esa agresividad que debe tener una banda así, con la potencia con la que tocan y suenan. Sin perderle el miedo a subirle a los amplificadores. Aunque lo negativo de esto, al subirse ya de manera definitivamente a las ligas mayores, apelando a esa demografía; tienen un par de baladitas intrascendentes que no rompen con la armonía (a pesar de que armonía suena aquí contradictorio). Pero ésas no les quitan el mérito a las demás, son un accidente, que le da más repertorio a la banda. Por lo que ya con este disco, su nombre en los festivales de años venideros, debería de ir cada vez más arriba.

THE GETAWAY - RHCP

MAGMA - GOJIRA Por Gerardo Carrillo Los gigantes franceses del metal progresivo, Gojira, vuelven con Magma, un poderoso álbum que ha sido del agrado tanto de los fans como de la crítica especializada. Gojira abre su nuevo material con “The Shooting Star”, un tema que se caracteriza, a diferencia de sus anteriores trabajos, por la inclusión de voces no guturales por parte de Joe, las cuales sirven de acompañamiento a un sonido hipnótico y a su vez atmosférico. Es algo inusual que se abra un álbum de Gojira con una canción de esta naturaleza, sin embargo, sirve como una especie de aviso de lo que nos espera en los siguientes 45 minutos; una experimentación de nuevos sonidos por parte de la banda. “Stranded” es el tema que podría ser más “comercial” de todo el disco, pudiendo atraer la atención de nuevos seguidores fácilmente, a diferencia de sus demás trabajos. Así como “Silveria”, “Stranded” fue lanzado como sencillo acompañado de un videoclip. En general Magma es uno de los mejores discos de la banda e incluso nos atrevemos a decir que es uno de los mejores discos de metal progresivo de los últimos años. Es, además, una pieza clave para Gojira, pues puede ser ese un parteaguas en la banda hacia una nueva dirección que, esperemos, será para bien.

CALIFORNIA - BLINK 182

Por Carlos Valle

Por Brenda Arriaga

Los Red Hot Chili Peppers lograr revitalizar su sonido, para seguir evolucionando. Después de muchos discos, dejaron a Rick Rubin para poner a Danger Mouse con los créditos de productor y es algo que se nota inmediatamente en el sonido. Arriesgando más a la hora de hacer canciones.

Después de Neighborhoods, el sexto disco de Blink 182, la banda vuelve a los escenarios globales con California, disco que, para resumir su contenido, es una mezcla perfecta entre la esencia de la banda y un pop punk fresco y actual.

Simplemente Elton John es parte del staff que integra este disco co-escribiendo una canción en la que toca el piano. Además de tener un cuarteto de cuerdas para los arreglos, que les da una nueva dimensión al sonido. Más profundo, más ecléctico, más oscuro. Se distancia un poco del disco pasado que sonaba más feliz. Este cambio de productor también libera más a Josh, que ya no tiene esa carga de suplir a John, en su papel de la banda, que era el encargado de crear todo el sonido para la banda. Sólo tiene que dedicarse a lo que le nazca sin la demás presión. Los demás es todo lo que se puede esperar de ellos musicalmente hablando. Flea sigue siendo implacable. Chad el ancla del bajista que también tiene tiempo para lucirse y Anthony tal vez sea el que ha perdido un poco de velocidad, que también parece ser apropósito, ya no necesita esa velocidad endiablada de hace 7 discos. Se siguen poniendo la vara muy alta, logrando evolucionar más su sonido. Cada disco cuenta con un sonido particular y éste no es la excepción. Aunque tal vez sea una desviación del camino por el que venían, en cada disco los hemos escuchado madurar, por lo que te das cuentas que ya no son los mismos chavitos que salían con un sólo un calcetín en “True Men Don´t Kill Coyotes”.

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Aunque llevan más de dos décadas en la escena musical, Blink siempre se han caracterizado por no cambiar su vibra juvenil e irreverente; este disco no es la excepción, ya que sus 16 canciones pueden ser disfrutadas por sus más fieles (y antiguos) seguidores, hasta por jóvenes en sus 15 años, ávidos por nueva música. Canciones como “Cynical”, “Kings of the Weekend” y “The Only Thing That Matters” nos devuelven a su famoso Dude Ranch o Take Off Your Pants And Jacket, punk rock puro con baterías estruendosas y dinámicas, mientras que su sencillo “Bored To Death” y “She’s Out Of Her Mind” tienen una melodía más suave pero igualmente incitante a mover la cabeza. Hay sorpresas como “Home Is Such a Lonely Place Without You”, balada suave y orgánica. Finalmente nos topamos con “Los Angeles”, “San Diego” y “California” que, con patrones de título similares, también convergen en los sonidos que las caracterizan, un rock más delicado pero nada carente de sentimiento; aquí la agrupación descarga toda la nostalgia que seguro más de uno tiene hacia estas ciudades americanas. Sonidos viejos, beats nuevos y mucha diversidad nos trae este nuevo disco de Blink 182; mientras que la salida de DeLonge entristeció a muchos, la llegada de Skiba trajo consigo un nuevo aire a la agrupación, junto con muchas sorpresas y lindos recuerdos. ¿Lo escucharemos en vivo pronto? Ojala que sí.


KUADRO KRISTIN CONTROL, CON TINTES OCHENTEROS

CHASE LONG BEACH CAUTIVARÁ TUS OIDOS

De la alineación de las guapas Dum Dum Girls, nace un alter ego que podrá interesarles a muchos de nuestros queridos lectores y melómanos: Kristin Control.

Con una esencia californiana llena de toques punk-rock, buenos riffs de guitarra y un ritmo clásico de este estilo musical, Chase Long Beach cautivó nuestros oídos. Esta alineación es originaria de Long Beach, California y fue formada en el 2002 por Karen Roberts, que en aquel entonces era la vocalista de la banda y el bajista Patrick Fiztgerald, que al paso del tiempo decide dejar al grupo.

Cuando sus nuevas ideas no tenían cabida en la ideología, estilo y sonido de las Dum Dum, Dee Dee (líder indiscutible de la agrupación) decidió crear un proyecto solista que se enfocara más en el synth pop, y no tardó mucho en sacar su nuevo disco: X-Communicate; viendo la luz el pasado 27 de mayo. por: Brenda Arriaga

por: Rodrigo Guerrero

Con tintes de pop, dance y soft rock que hacen alusión a lo que se escuchaba en los 80’s y 90’s, Kristin nos presenta una nueva cara que, si bien no es a lo que nos tenía acostumbrados, seguramente captará nuevas y jóvenes audiencias.

En el 2007 sacan a la venta su primer material que lleva por nombre LeBeC, este disco fue producido por Aaron Barret (integrante de la alineación Reel Big Fish). En el 2009 la alineación logra ser firmada por el sello discográfico Victory Record, con la cual consiguen grabar su segundo material titulado Gravity is What you make it. Para finalizar te recomendamos que escuches la canción “Where´s My Stick”, rola que tiene un excelente solo de guitarra y engloba el buen sonido de esta alineación.

De su álbum debut les recomendamos “X-Communicate”, “Skin Shed” y, para los más melancólicos, “What Is Love”.

EL SONIDO PURO DE CATFISH & THE BOTTLEMEN

SONIDOS NEOYORQUINOCS CON CLAP YOUR HANDS SAY YEAH

Si de música se trata, Europa siempre está a la vanguardia. Directamente de ahí, llega Catfish and The Bottlemen, una banda promesa del Reino Unido que comienza a hacer ruido en varias partes del orbe.

Somos muchos los fans de los sonidos neoyorquinos. Para todos esos fieles seguidores de la música que brota de las calles de Brooklyn, traemos una gran recomendación. Se trata de la banda liderada por Alec Ounsworth y que responde al nombre de Clap Your Hands Say Yeah.

Es una banda proveniente de Gales, conformada por Van McCann (Voz), Johnny “Bondy” Bond (Guitarra), Benji Blakeway (Bajo) y Bob Hall (Batería). A pesar de haberse formado en el 2010, fue hasta hace dos años cuando comenzaron a dejar de lado su afición por tocar covers de los Beatles y empezaron a grabar sus propias canciones, presentándonos su primer álbum de estudio The Balcony con canciones como “Kathleen” o “Cocoon” Con un rock alternativo puro en su totalidad, el sonido de la banda es un claro homenaje al garaje rock; guitarras e instrumentos simples pero estridentes, cargados de riffs que nos recuerdan el sonido inicial, energético y fresco de agrupaciones como Arctic Monkeys y The Libertines. Letras nostálgicas y energéticas adornan la música de Catfish and The Bottlemen, una banda que nos recuerda los inicios del rock alternativo y de la que probablemente escucharemos más en un futuro.

por: Stephania Carmona

El quinteto norteamericano formado en el 2004 cuenta un vasto repertorio musical. Cuatro álbumes de estudio y dos EP’s, es lo que podemos encontrar en su recorrido sobre los escenarios y reflectores.Una fuerte dosis llena de indie rock, es lo que retumba de sus amplificadores. Guitarras suaves y un sintetizador el encargado de crear atmósferas agradables que se acompañan con una base que nos incitan a bailar. “Yellow Country Teeth”, “The Skin Of My Yellow Country Teeth”, “Satan Said Dance”, algunas de sus canciones que fungen como su perfecta carta de presentación. Si ustedes quieren tener un playlist con actitud de fiesta y baile, entonces no puede faltar Clap Your Hans Say Yeah en su siguiente lista de reproducción.

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por: Javier Jarquín


Prince Rogers Nelson llegó al mundo para consolidarse como uno de los mejores exponentes del funk, remarcando el rock en un estilo sumamente delirante. Hijo de un pianista de jazz y bautizado en honor al grupo Prince Rogers Trio, en el que tocaba su padre. Prince compuso su primera canción, “Funk Machine”, cuando tenía sólo 7 años. Más tarde aprendería a tocar la guitarra eléctrica, hasta llegar a manejar una veintena de instrumentos diferentes. A los 17 años consiguió hacer unas maquetas, antes de que fuera descubierto por una multinacional con la que firmó un millonario contrato.

de

kuadro

por: Benjamín Díaz / ilustración: THEJAVIS CONTRERAS EFFECT

PRINCE, UNA ESTRELLA ÚNICA QUE SIEMPRE VESTIRÁ DE PÚRPURA

Dirty mind fue el primer éxito verdadero, inaugurando así la década dorada de su carrera, en donde mezclaba a la perfección funk, new wave, soul, rock y pop. En 1981 salió Controversy, un disco extraño y que fue el preámbulo de su más brillante álbum: 1999, un disco doble. Una obra maestra y sin duda, la que contiene su mejor canción: Purple Rain, mismo tema que hizo a Prince obtener el auge que todo músico quiere para su carrera musical. A lo largo de unas cuatro décadas, el cantante, compositor y multi-instrumentista pasó a ser una referencia para la innovación musical. Saltando de manera natural entre distintos estilos. ‘El Príncipe’ será consolidado como un andrógino, sexy y provocativo. Su imagen colorida y su música camaleónica hicieron de él aquel artista que es y seguirá en la mente de todo aquel que logre ser seducido por sus melodías tan potentes. Prince no murió, se ha convertido en una estrella única que siempre vestirá de púrpura.

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onor


por Alan De Aquino fotos cortesía de la banda

CELEST Y SU UNIVERSO DE SINTETIZADORES Celest es un proyecto integrado por Jerónimo Hill, Roderic Picard, Jerónimo Quintana y Florencia Quinteros, quienes ofrecen un sonido minimalista, que envuelve en melodías armónicas, y como su nombre lo indica, invitan al escucha a perderse en el universo de sintetizadores que abren una puerta sonora para un viaje intergaláctico, hipnótico e introspectivo. Cada uno de los integrantes tiene una trayectoria dentro del mundo de la música, han compartido conocimientos con grandes figuras de la escena del rock nacional, por ejemplo, colaboraron en el estudio con artistas como León Larregui, LeBaron, I Can Chase Dragons!, Disco Ruido, The Plastics Revolution, Ventilader y Phil Vinall, entre otros. Sin duda, Celest es una propuesta que estará dando mucho de qué hablar muy pronto, por eso les recomendamos que los escuchen cuanto antes, y se dejen seducir por la melancolía de sus canciones que harán que más de uno se sienta identificado y completamente envuelto en las atmósferas que ofrecen. Y qué mejor que hacerlo con su nuevo sencillo “Fantasmas” que engloba perfecto la esencia de la banda. Es una canción con elementos seductores, es un tema compuesto por Jerónimo Hill, que además dirigió el video, que complementa perfecto la simpleza y precisa la elegancia con la que está creada esta canción y engloba la estética y el sonido que quiere lograr esta banda.

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VAZIK

Veinte años de trayectoria está apunto de cumplir uno de los Dj’s y productores mexicanos más referentes de la escena electrónica nacional.

por: Javier Sánchez

Víctor Ezcurdia (Vazik), celebrará el próximo año dos décadas de dedicadas al beat, pero como todo buen músico, sus primeras intervenciones artísticas son con notas rockeras. Siendo más específico Víctor era metalero y tocaba la guitarra. La experimentación y ese sentido de curiosidad que todos tenemos por conocer cosas nuevas, lo llevaron a su primer rave en el 1994. Esa época dorada cuando se realizaban fiestas en la Arena México fue el parteaguas en su carrera musical, ya que a partir de ese momento se metió en el mundo de la electrónica y empezó con ese vicio nocivo para la cartera de coleccionar discos y viniles. Particularmente, Vazik ha llevado a ser un tanto más abierto a la música. Una muestra de ello, es la colección de música con la que cuenta, esto nos dice que es un productor muy versátil al cual no le gusta encasillarse en un género y simplemente decir que ama y disfruta lo que sabe hacer.

-LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y EL PÚBLICO SON UNIVERSALES PARA EL DJLa música electrónica y el público son universales, no existen fronteras ni idiomas, esto ha ayudado a Vazik para poder presentarse en las fiestas, clubs y festivales más importantes del mundo. Sonds of Earth es una de las productoras de nuestro país referentes en la escena, la apertura que les da a los nuevos talentos (como a Vazik) es fundamental para el éxito que ha logrado en este tiempo. Los detalles hacen la diferencia y hay veces que nos olvidamos de esas pequeñas cosas que crean momentos especiales y le dan sentido a nuestras vidas. Para el DJ el disfrutar de una buena cerveza, escuchar un buen vinil y el poder hacer bailar a su público, son cosas que significan mucho y suenan fuerte en su vida y se reflejan en sus beats.

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UN CAMINO DEL METAL AL BEAT


Devendra banhart

Guns & roses

por benjamin diaz / foto oscar villanueva

por CARLOS SAIN / foto KATARINA BENZOVA

Devendra Banhart llegó a la CDMX para presentar su nuevo y más reciente material de estudio Ape in Pink Marble, que salió este 2016. Su única presentación en esta metrópoli fue en el recinto la Condesa. Un show lleno de nostalgia y demasiado íntimo para presentarlo a sus fans.

Jóvenes ochenteros y noventeros se reunieron en el Palacio de los Deportes para presenciar por segunda vez en el año, el afamado reencuentro de Guns & Roses. Después de 24 años, Axl Rose, Slash y Duff Mckagan miembros de la banda original, regresaron al Domo de Cobre de la CDMX, lugar donde se presentaron por primera vez en México en el año 1992.

“Golden Girls” fue la canción que dio inicio a una noche entera, total y auténtica. Devendra regresó con un concepto pegándole a un tipo dios. Uno de los exponentes más importantes en un folk tan saboreable, llenó en su totalidad uno de los recintos más representativos de la CDMX, cerrando el año con broche de oro para muchos de sus espectadores.

Algunos criticaron el físico de Axl, otros a un Slash comprado, sin embargo, quedó demostrado en la presentación el talento y afinidad que le tienen hacía su música. El setlist que armaron se convirtió en un viaje a través de sus 31 años de trayectoria. Fue curioso escuchar a Slash y Duff interpretar “Mr.Browntone” y “Chinese Democracy”, ya que no fueron parte de esa etapa de Guns. Un par de covers y esos himnos como “Welcome to the Jungle”, “Paradise City” y “Sweet Child O’ Mine”, hicieron perfecta la velada.

“Saturday Night”, “Fancy Man”, “Seahorse” y “Brindo” fueron algunas de las canciones que sonaron en su repertorio. Un concierto largo de más de 20 melodías que nos sedujeron conforme se desarrolló el acto. “Lover” dio cierre a una noche redonda.

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BLACK SABBATH

AEROSMITH

por RICARDO RUELAS / foto WEB BLACK SABBATH

por CARLOS SAIN / foto XIMENA VARGAS

Todo lo bueno tiene que acabar. El punto final para la historia de Black Sabbath está por llegar, y en México fue la noche del 17 de noviembre, cuando se dio la última presentación de la banda en nuestro país, ante un Foro Sol abarrotado que fue testigo de una noche inolvidable.

En una noche fría en todos los aspectos, se llevó acabo el último concierto en México dentro de la gira de despedida Rock & Roll Rumble de Aerosmith.

Más de 60 mil almas que se dieron cita en el coloso, para decir adiós a quienes trajeran el heavy mental al planeta. Una risa “macabra” ejecutada por Ozzy Osbourne daba la indicación de que la noche que nadie quería que llegara, llegó. Osbourne, Geezer Butler, Tony Iommi y Tommy Clufetos fueron los encargados de volar la cabeza de sus fans con clásicos como “War Pigs”, “N.I.B.” y “Iron Man”, que por supuesto cada estrofa fue coreada por las más de 60 mil voces presentes. Nadie quería despedirse pero los acordes de “Paranoid” anunciaron el adiós definitivo. Dejaron sin garganta y al borde de las lágrimas a todos sus fans, pues jamás volveremos a escuchar ni presenciar un show de estas leyendas vivientes.

Un grito de: —¡Hola, México!—, anunciaba el preludio de la última vez que admiraríamos a los chicos malos de Boston. Joey Kramer, Tom Hamilton, Brand Whitford Jr, Joe “Fuckin” Perry y Steve Taylor, fueron los encargados de llevarnos en un viaje musical, donde los recuerdos salían a la par que cada uno de sus hits se hacían retumbar en la Arena Ciudad de México. Un escenario sencillo, lleno de diferentes amplificadores y tres pantallas fue más que suficiente, para el último vuelo por México de este bombardero que atacaba a su gente con éxitos como: “Toys In the Attic”, ”Love in An Elevator”, ”Cryin”, ”Eat the Rich”, “Last Child” y “Crazy”. Llegaba el final de este último concierto con “Sweet Emotion”. Steve mencionó: —gracias, México, por siempre estar aquí. Los queremos—.

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CULTURA PROFETICA

CORONA CAPITAL DIA 1

porJAVIER JARQUIN / foto LEX DIAZ WEB OFICIAL

por benjamin diaz / foto EMILIO SANDOVAL

Las noches llenas de reggae siempre son las mejores y acompañadas al ritmo caribeño de Cultura Profética, son aún mejores. El Pepsi Center fue el lugar predilecto para unirnos al festejo de los 20 años de los oriundos de San Juan, Puerto Rico.

El Festival Capital, es sin duda un pedacito de Coachella, Lollapalooza, Pitchfork y otros festivales más, que año con año evolucionan. Sus line-up son tremendos, con gran talento y con nuevas propuestas. Corona Capital entra en esta gran categoría, ya que en esta edición contó con grandes actos, como lo fue la presentación de The Killers, AIR y los míticos Pet Shop Boys, y que además de ellos, se presentaron propuestas nuevas y frescas como The Struts o Wild Beasts.

Festejo lleno de emociones, un recorrido por sus cinco discos de estudio de los puertoriqueños, así como sus nuevos singles como “Le da igual” y esos himnos que quedan tatuados en el soundtrack de nuestras vidas, como “Ilegal”. Un show de dos horas y media donde desfilaron entre nubes de humo la mayoría de sus éxitos.

El día uno del Corona Capital 2016 fue todo un éxito. Sin sol agotador, sin lluvia, sin retraso en los horarios y con un ambiente único (como ya es costumbre). Zonas de activación, un pequeño mercado para encontrar ropa, discos, food trucks y varias actividades, hacían completa la experiencia del festival.

20 años de que cambió Puerto Rico y lo supimos con “Bieke”. 20 años de cantarle a la sensualidad bajo un “Ritmo que pesa”. 20 años de generar una “Complicidad” con su público. 20 años de expandir la mente con su “Saca, prende y sorprende”. 20 años de música que nos endulza la vida.

Las bandas encargadas de engalanar el día fueron: Band of Horses, Courtney Barnett, Haim, Air, Animal Collective entre otros. ¡Gracias Festival Capital!

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CORONA CAPITAL DIA 2

THE WHO

por MARIA JOSE SANCHEZ / foto QUIQUE AVILA

por DIEGO VIGUERAS / foto CHINO LEMUS

Llegó el segundo día del Corona Capital 2016 y con él los actos de Lana del Rey, LCD Soundsystem, Kraftwerk, Mark Ronson vs. Kevin Parker, Grimes, Warpaint, entre otros.

Más vale tarde que nunca. Tuvieron que pasar 51 años desde la salida del disco debut My Generation de la banda londinense, y nueve desde aquel concierto cancelado en el Foro Sol en marzo del 2007, pero un 12 de octubre del 2016 pasará a la historia porque The Who se presentó por primera y tal vez, por última vez en el país.

Pese al frío intenso que se apoderó del festival durante el primer día, los guerreros fest jumpers arribaron a la curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez puntuales, mucho mejor abrigados y con toda la actitud para seguir con la fiesta.

Los boletos estaban agotados y el Palacio de los Deportes lució una entrada espectacular. Conforme fue avanzando el show, fueron soltando éxito tras éxito como “The Seeker”, “The Kids Are Alright”, pero siendo las más coreadas “My Generation”, “Who Are You” y “Behind Blue Eyes”.

La tarde comenzó muy tranquila, pocas personas se dejaban ver en los escenarios. Las sillas voladoras de Vans apenas comenzaban girar, souvenirs, chelas, cigarros, gente tirada al sol comiendo pizza; las actividades normales para calentar motores y recargar pila para disfrutar de un día lleno de música y baile.

La espera valió la pena, y a pesar de tener más de 51 años tocando como banda, la energía que mantienen todavía es increíble y se transmite al público.

Un día lleno de energía que contó con las presentaciones de Bleached, Yuck, Peter Bjorn an John, Eagles of Dead Metal, Wild Nothing y un espectacular cierre de esta edición a cargo de LCD Soundsystem nos dejó más que satisfechos. Una edición más del Corona Capital que deja en alto la vara del festival y de los organizadores.

No sabemos que depare el futuro de la banda, pero si este fue el primer y último concierto de The Who en México será un show que los 20mil asistentes nunca olvidarán y los que no pudieron asistir se arrepentirán toda la vida.

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por Carlos Valle

Qué chingón se siente cuando ves tu video oficial en la rotación de algún canal, o que tu sencillo esté en el top de las canciones más frecuentes de la radio, sin embargo, estos dos ejemplos anacrónicos sirven para expresar todo lo que nadie piensa de una banda. Demasiados pasos para llegar a ellos y ni siquiera tienen que ver con la banda. Sí, deben tener tantito talento, componer algo y tocar lo mejor posible. Esa es la única chamba real de la banda. Ya después, la producción y las masterización de las pistas y las maquetas, son lo que le va dar el sonido final a cada canción. Terminadas las canciones, hay que checar la maquila, distribución, asumiendo que no se tiene una disquera grande que se encargue de eso. Además de plataformas en línea, entrevista, relaciones públicas, revistas, programas de tele. No conforme con todo, el RP se tiene que hacer cargo del marketing y casi siempre se queda olvidado el aspecto legal de la banda, algo que ha hecho que muchas veces sea el foco central de los problemas. Tenemos dos grandes vertientes, por una parte está el dinero, que se traduce en quién gana cuánto, cada cuánto y por qué, así como las obligaciones que tendrá con la banda. Ahí se ve si eres parte de la banda o solo un músico de sesión, aunque tú pienses lo contrario.

El otro lado: derechos. Quién hizo qué o por lo menos qué está registrado. Como la mayoría del inmenso catálogo de los Beatles, que está firmado por Lennon/McCartney (por orden alfabético), sabemos que varias fueron compuestas por uno solo, pero están firmadas por los dos. Una cosa es lo que los documentales cuentan y otra lo que el Derecho de Autor dice. Además de firmar contratos con todas las personas antes mencionadas, literal, todas, se debe ser muy específico en quién tiene fe, quién tiene comisión, quién tiene un pago fijo, a quién hay que pagarle mensual, quién tiene problemas con el pago. Sin mencionar el infierno logístico de un tour. Juntar las fechas, que te paguen las presentaciones, reservar venues, vender boletos; que estas no son obligaciones per se de la banda, pero tienen que hacer su chamba de promocionales, estar con el youtuber de moda, o en el programa de moda, podcast, fan fest o anexas. La autogestión es una mentira que se va diluyendo conforme tienes éxito, por lo que sí podemos deducir, que mientras más cosas hagas que no sean de música, menos has hecho... a menos que seas Gene Simmons. Ese vendería a su mamá y para eso, tienes que estar bien metido en el negocio.

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Revista Kuadro

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