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4. KAPTURADOS 8. L.A. 9. CHARMING LIARS 10. ALEJANDRO MARCOVICH 12. DE LA TIERRA 14. JARABE DE PALO 16. LOVE OF LESBIAN 18. RUSSIAN RED 20. LA LEY 24. LOS TRES 26. MICHAEL JACKSON 30. EL HIMNO INCÓMODO DE LOS 90 32. PODER FEMENINO BRITÁNICO 34. LA FÁBRICA DE SUEÑOS DE INGLATERRA

36. DOS TONOS MUCHOS COLORES 37. GOD SAVE THE SCENE 38. LA ERA MÁS IMPORTANTE DEL HEAVY METAL 39. EL NEGOCIO DEL SIGLO 40. RESEÑAS 41. KUADRO DE HONOR 43. ROCK ON DIGITAL 44. KUADRO LIVE 46. KUADRO BEAT 47. LA KOLUMNA 48. PUERTA DE ENTRADA 50. RÓISÍN MURPHY

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Francisco Zamudio, con domicilio en Calle La Ideal No. 54 Col. Industrial, México, D.F. CP 07800 Deleg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011-090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas Impresas. Imprenta a cargo de Sandoval Impresores, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P 57750 Tels: 5793-4125 5793-7224 impresos_sandoval@yahoo.com.mx Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos, sin previa autorización por escrito de parte de la Dirección. El mate rial publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista, en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es sólo de manera informativa. Revista Kuadro No.11 M a y o - J u n i o 2014.


Ya lo decía Julio Cortázar, ¡Música! Melancólico alimento para los que vivimos de amor. Hace unos días comentaba con un gran amigo, las muchas veces que nos perdemos y no vemos más allá del trabajo, la escuela, los compromisos y las presiones de la vida cotidiana, podemos estacionarnos ahí sin darnos cuenta por tiempo indefinido y pasar de largo, y de repente un día, algo enciende tu motor nuevamente y regresas a lo que te apasiona y realmente te hace feliz, y ustedes lectores y yo, tenemos algo en común y que nos tiene aquí: la música; que nos pone a bailar, a soñar, nos hace crear, nos enamora, nos lleva al éxtasis y nos da vida, de ahí tomamos la inspiración y fuerza para hacer una edición más con todo nuestro cariño y pasión. Estrellas que se van pero no se apagan, y que por su gran trayectoria merecen seguir vivos en el recuerdo de todos los conocedores del mundo musical, y es por eso que dimos a Michael Jackson la portada No. 11 de nuestra edición, que hemos cocinado a fuego lento, pero seguro; siempre buscando para ti los mejores contenidos, tuvimos la oportunidad de platicar con bandas como Charming Liars, Russian Red, L.A., Jarabe de Palo, Los Tres, La Ley y Love Of Lesbian; además de un dossier increíble que hicimos esta vez refiriéndonos a la influencia del U.K. en la música, las coberturas y fotografías impresionantes que nos hacen revivir cada momento del concierto vivido, y bueno, mejor a leer, ¿para qué contarte más?. Doy las gracias infinitas a toda la familia Kuadro, que hacen posible día a día este gran sueño y dedicar esta edición a una persona muy especial, amante de la música y bajista, Aarón, donde quiera que estés, peace and love.

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Laura Romero

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Colaboradores Mayela Zúñiga Brenda Arriaga Ana Ceballos Alan Duarte Roberto Moncada Vania Castaños Miriam Almeida Carlos Valle Javier Jarquín

Verónica Vázquez Laura Rangel Carlos Edmundo Israel Yonca Bruno Muñoz Eder Yánez Jesús Cornejo Danhiel Romero Manuela Valencia Martín Pérez


Celso Pi単a Jes炭s Cornejo

Mono Brenda Arriaga

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Zurdok Bruno Mu単oz

AFI Bruno Mu単oz


Ely Guerra Bruno Muñoz

Zoé Bruno Muñoz

Fito Paez Bruno Muñoz

Julieta Venegas Bruno Muñoz

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Aborted Eder Yañez

Los Tigres del Norte Jesús Cornejo

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Arcade Fire Jesús Cornejo

Love Of Lesbian Jesús Cornejo


Tegan and Sara Brenda Arriaga

Jumbo Jesús Cornejo

Los Tres Jesús Cornejo

La Maldita Vecindad Jesús Cornejo

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Por Javier Jarquín

Hace poco platicamos con una de las propuestas que está dando mucho de qué hablar en la lejana “madre patria”. Se trata del proyecto de Luis Albert Segura, español de cuna y músico por profesión y pasión, el cual recibe el nombre de L.A. Hay dos ciudades con las que se podría identificar y reflejar el sonido de L.A., la primera es Mallorca, lugar que vio nacer y crecer a Segura, y la otra, Los Ángeles, lugar de esparcimiento, recreación y segunda casa del español. La combinación de ambas ciudades se refleja en el sonido de la agrupación: fuerte, explosivo pero con esa frescura tan característica con la que cuenta la banda. Bases bien ejecutadas y que atrapan, sumado a los arreglos precisos en las guitarras. L. A. se ha caracterizado por su línea musical y el concepto en general. Letras en inglés y la fusión de diversas gamas del rock alternativo han hecho que les abran las puertas a diversos escenarios y festivales a nivel mundial. “Desde que empecé en esto de la música, siempre fungí como baterista de varios proyectos, y L.A. fue mi proyecto en par a le lo , donde yo canto, escribo las letras y toco la guitarra.

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de varios proyectos, y L.A. fue mi proyecto en paralelo, donde yo canto, escribo las letras y toco la guitarra. Por otras bandas y azares del destino fui conociendo a la gente ideal para completar y darle vida al proyecto, con más forma. Desde niño me gustó un poco más la música en inglés, siempre he escrito en inglés, se me hace fácil y me gusta, pese a que las propuestas españolas pocas veces apuestan por esto”, comentó Luis A. Segura. El 2014 pinta para ser un gran año para la agrupación: presentaciones en diversos países y escenarios, así como la llegada de un nuevo álbum de estudio, —tercero en su discografía— ayudados por Richard Swift. “Este nuevo disco lleva por nombre ‘Dualize’, es nuestro tercer disco y estamos muy contentos por su llegada. Se realizó en 10 días de manera muy natural. Todo fue nuevo para nosotros, desde el productor hasta la forma en que se grabó, ya que es la primera vez que grabo un disco tal cual va el track list, dándole una textura y frescura diferente al disco y a lo que habíamos hecho; el resultado nos gustó mucho” añadió Segura. “Nos gusta mucho México, pese a nuestras pocas visitas como banda allá, nos hemos percatado de que tenemos un buen grupo de seguidores y nos da gusto seguir teniendo la oportunidad de llegar a más plataformas”, aseguró Luis Albert, vocalista y fundador de L.A.


Charming Liars: dos países, un solo objetivo. Por: Brenda Arriaga

Foto: Cortesía de la banda

Vivimos en un mundo sumamente globalizado, donde los límites entre naciones e incluso continentes pierden cada vez más fuerza.

Prueba fehaciente de este hecho es Charming Liars, banda que consta de cinco músicos, tres de ellos provenientes del Reino Unido y los otros dos, de Estados Unidos.

¿Qué les hizo querer formar una banda? Siempre quise presentarme ante un público, escribir y grabar, pero no fue hasta que fui un poco mayor y empecé a escuchar bandas más rockeras como The Clash, The Police, Metallica o Blink 182, cuando realmente quise aprender a escribir canciones y a tocar, así fue como comenzó todo. Estando aún en la escuela, ¿sus padres aceptaron la idea de que quisieran volverse rockstars? Mis padres siempre me han apoyado y animado a hacer lo que me hiciera feliz pero todos saben que ser músico no es una profesión muy estable, más con la industria de hoy en día. Algunas veces lo aman y otras veces se preocupa demasiado.

sona y un perro, pero cuando lanzamos oficialmente la banda, las personas comenzaron a venir a nuestros shows. Amamos tocar aquí, ya es como un segundo hogar.

sidera una banda británica y cuando estamos en el Reino Unido somos una banda americana, una mezcla rara. Pero definitivamente nos encantaría ser considerados parte de esa escena.

Están lanzando un nuevo EP, ¿qué podemos escuchar en él?

“New Disorder”, su primer sencillo, ya tiene video y es un tanto peculiar. ¿Cómo es que se les ocurrió la idea para su contenido?

Son cuatro canciones. “New Disorder” es el primer sencillo y la introducción a la banda; “Wasted”, que es un poco más melódica, es mi favorita en este momento y la que disfruto tocar en vivo. Viene otra canción de hard rock llamada “I’m Losing You” y finalmente “Break Away”, la única que hicimos en el Reino Unido, está basada en nosotros, en cómo dejamos atrás todo lo que nos ataba para venir a América, tiene mucho significado para nosotros y estamos felices de poder mostrársela a la gente.

¿Cómo los ha tratado el público californiano?

¿Se consideran a sí mismos como parte del movimiento conocido como british rock?

En un principio solo tocábamos para una per-

Cuando estamos en América, la gente nos con-

Nos presentaron al director Kyle Padilla, quien estaba terminando la carrera en cine, le conté que queríamos hacer un video bastante loco, donde la banda apareciera tocando y que atrajera la atención de la gente, hablamos de él como algún film de Tarantino, que fuera oscuro, divertido, sexy… fue genial grabarlo. ¿Qué le dirías a los lectores de Revista Kuadro para que escuchen un poco de su música? Les diría que fueran a un show en vivo, es la mejor forma de ver a la banda, tocando todas esas canciones que escribimos, grabamos y amamos; la gente puede conectarse con eso.

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Alejandro Marcovich Mi salida de Caifanes, una oportunidad de hacer muchas cosas más Por Danhi Romero

Revista Kuadro platicó con Alejandro Marcovich, productor, músico y ex-miembro de una de las mejores bandas en México, quien además da clases y clínicas, es arreglista, compositor, cantante y hasta ejecutivo de una disquera. Nos comenta que le gustan todas estas facetas, pero la que más disfruta por supuesto es estar con la guitarra colgada sacando vibraciones sónicas. Esto lo toma como un reto intelectual y un gran feedback: poner el dedo sobre una cuerda, que es algo mecánico, y luego escuchar lo que sale de una bocina que te penetra el oído y te emociona, eso es una experiencia única y que no cambiaría por nada. Todo esto forma parte de un gran rompecabezas que así se lo propuso, que su vida sea muy diversa, muy completa y entretenida, no estar aburrido haciendo siempre lo mismo, tocando siempre el mismo tipo de canciones e improvisando siempre de cierta manera.

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música; a él le interesan todos los géneros musicales, todas las épocas y todos los instrumentos. Este proyecto de Pink Floyd nace cuatro años atrás cuando toca con la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí, lo cual le dejó un gusanito de hacer esto pero con mucha más libertad y ahora con una banda para reinterpretar las canciones con las libertades para cambiar armonías, melodías, estructura de canciones, gramática, aportación de un instrumento que no está en la canción, solos de guitarras que no son los originales; haciendo de esta forma una reinterpretación, reestructuración y re armonización. De esta forma Marcovich agarra de pretexto a Pink Floyd para hacer lo que le gusta: subirse a un escenario con su guitarra, tocar con buenos músicos, improvisar, arreglar y componer; haciendo un poco lo que hacía en Caifanes cuando Saúl Hernández traía una canción en su guitarra acústica y Alejandro le hacía un arreglo tan potente que era él quien le daba forma a la canción.

Ahora Alejandro Marcovich inicia un proyecto de Pink Floyd en donde lo vemos en cada una de las canciones que toca siempre improvisando, y es un riesgo que él ha tomado con la complicidad del público que lo está escuchando en tiempo real crear música, aplicando todo lo que conoce desde emociones, fraseo musical, escalas, comprensión de la gramática de una canción, armonía, etc.

En marzo, Caifanes anuncia que se reestructura como un grupo de formación original de cuatro personas y aunque Marcovich nos dijo que fue una separación en paz, en donde no hubo pleito, dice que hay una gran contradicción y que hace que el público se confunda al haber un guitarrista que lo supla.

Marcovich nos cuenta que componer música en tiempo real es padrísimo y eso involucra todos sus conocimientos de composición, arreglo, orquestación, de lo que ha aprendido de músicos impresionantes a lo largo de su vida y traerlo a un punto y crear

Este momento de su carrera lo está tomando con mucha madurez, con mucho conocimiento y le da la oportunidad de hacer lo de Pink Floyd, comenzar su carrera como solista y muchas cosas más que trae en la cabeza.


Un proyecto como Caifanes le quitaba mucho tiempo a Marcovich, los dos años y medio en los que estuvo con la banda, no hizo otra cosa y lo tenía un poco contrariado, con una agenda completa que estaba a disposición de la banda, “es difícil tener un Caifanes con tanto poder de mercado, donde todo el tiempo están saliendo fechas”, agrega Alejandro. Después de haber estado delicado de salud años atrás, Alejandro Marcovich afirma que se siente lleno de energía y salud para hacer otras cosas, sobre la separación de Caifanes también agrega que nunca se le consultó, que seguramente en algún momento se juntaron los cuatro y decidieron ellos solos: “Es la segunda vez que Saúl hace lo mismo. Lo hizo en el 95, deshizo a Caifanes unilateralmente y ahora decide que yo no esté en la banda unilateralmente; a mí no me gusta esa forma de proceder, deja mucho que desear” nos dijo Marcovich. Aunque Caifanes sigue sin Marcovich, él nos dice que no sabe si debería la banda seguir sin él, pero que de una u otra forma actualmente él sigue estando en la banda aunque no quieran porque ahí están todos sus arreglos de guitarra y mientras el guitarrista suplente o como le quieran llamar en ese cuarteto siga tocando sus partes de guitarra, él seguirá estando en la banda. Además Alejandro también afirmó que el día que se les prenda el foco y ese guitarrista suplente despierte iluminado, inspirado e invente otros arreglos de guitarra, ese día él ya no estará en la banda, mientras tanto seguirán homenajeándolo y haciéndole tributo a Alejandro Marcovich tocando sus arreglos de guitarra. Sobre lo nuevo de Alejandro Marcovich su nuevo sencillo se llama “Nada que decir” que cuenta con el dueto con Jessy Bulbo quien la descubrió el mismo Marcovich cuando produjo el primer disco de Ultrasónicas y la escogió porque le gusta la forma en que compone y la forma desparpajada de cantar. El disco que está producido, compuesto, arreglado, cantado y con la guitarra de Marcovich, ya está terminado pero a última hora se le ocurrió invitar a unos amigos cantantes y están afinando los últimos detalles para su lanzamiento.

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Por: Carlos Edmundo

En el aniversario de la ya olvidada Revolución Mexicana del 2013, les llevamos la primera entrevista que De la tierraofreció en México. Aún era una incógnita, hoy es toda una realidad y volvemos a conversar con ellos.

Disco, dos sencillos, gira con Metallica... ¿es esto lo que esperaban de DLT? ANDRÉS: Estamos más que sorprendidos. Felices de estar tocando juntos, de tener ya el disco, de que es ya una banda verdadera, de abrirle a Metallica y que ellos tengan tan buena disposición con DLT, de que sus fans estallen con nosotros. Estamos como niño con juguete nuevo. Todo es como un volver a empezar.

ANDRÉS: En realidad fue como nuestro primer show, porque las primeras personas que se interesaron en llamarnos fue la gente del Vive Latino, antes que Metallica. ALEX: estamos felices de haber participado en un festival tan abierto, con todo tipo de música, porque nosotros somos una banda de metal. ANDRÉS: Esperamos poder volver a tocar acá, un Chopo o un Alicia.

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Fotos: Cortesía Warner Music

ALEX: Sí, por eso mucha gente en Argentina estaba muy sacada de onda porque no fuimos a Buenos Aires el 29 con Metallica, pero cerramos el Vive Latino en octubre del 2013.

ANDRÉS: Muy positivamente. En todos los conciertos de Colombia, Paraguay, Perú, Ecuador, la gente conocía las letras, las cantaba. Había una bandera de un fan club de DLT con el logotipo. Recordé el primer show de Sepultura en Europa, en Viena, con fans de países cercanos con camisetas, cantando las canciones. Húngaros cantando nuestras letras. Es parecido porque es un público exigente que va a oír “Sick and destroy”. Pero muy bien.

ALEX: Sobre todo Trujillo que conocía a Andreas porque participó en un disco de A.N.I.M.A.L., pero además son unos caballeros. Nos iban a visitar varias veces al camerino. Imagínate, Flavio platicando con Trujillo, James platicando con Andreas. Yo platicando con Lars. Hasta


nos preguntaron ¿cómo que no van a seguir el resto de la gira? Pero igual en el futuro hay posibilidad de hacer algo con ellos. ANDREAS: Exactamente. La iglesia siempre con sus políticas de machismo, de falta de respeto por nuestras culturas y por todas. Contra judíos, contra musulmanes. Como en las Cruzadas, historias de mucha sangre y muerte. Muchos vicios y nada de respeto por la naturaleza. ANDRÉS: El apoyo de la familia es importantísimo, sin él esto no sería realidad, y ellos son nuestra familia. Eso hace que estemos seguros y felices, porque sería muy complicado volver a nuestras bandas y tener un integrante mirándote con cara rara y diciendo, “Oye, estuviste un mes fuera”…

DLT: (Risas) ANDRÉS: Yo creo que cuando compañeros de verdad se aman de verdad, te quieren ver feliz. Todos apoyan y quieren lo mejor. Ellos saben de todos los lugares donde vamos a estar y siempre va a salir la palabra Maná, la palabra Sepultura… ahí están ellos. ALEX: Esto fue un reto desde el principio y acordamos de nunca iba a haber un conflicto con nuestros compañeros. Al contrario todo fluye y sin presionar ni forzar nada.

ANDREAS: Es un tema importante. Yo quería hablar de eso y empecé un poco en “portuñol”. (Risas). Lo trabajamos. Es la historia de América Latina, de los colonizadores, los invasores como los españoles, los portugueses que venían con la iglesia, sin respeto, aniquilando a los incas, a los mayas, a los indígenas de Brasil, a todos. Aquí está la cruz, olvídate de todo.

ALEX: Muy mal, muy difícil, pero no perdemos la esperanza. Estamos acostumbrados a estar de repente muy bien, de repente caer y otra vez levantarnos. Lo que nos jode es la corrupción. Es el pinche cáncer. Hasta que eso no se acabe no va a haber avance. Lo bueno es que yo siento que viene una nueva generación empujando porque hay mas información. Ya no pueden esconderse ni hacerse pendejos los políticos. Ni esconder una idea. Lo que quisiéramos ver en AL es unión. Aquí hay cuatro amigos de diferentes países, pero muy parecidos en muchas cosas, y la unión hace la fuerza.

ALEX: Así es. Ya basta de tanto prejuicio y separatismo y dictaduras. Vamos hacia el siglo XXI con una AL que crezca con toda la gente talentosa en sus diferentes rubros, pero eso depende de nosotros. Uno hace el cambio y no puede cruzarse de brazos esperando un pinche milagro.

ANDREAS: Muchas gracias por el apoyo. De verdad estamos muy agradecidos. Hay DLT para rato.

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Libre, independiente y con nueva sangre: JarabedePalo Por: Javier Jarquín Foto por: Bruno Muñoz

Hay dos días en la vida de Pau Donés que marcaron su vida y aquello que muchos llaman “destino”. Uno de ellos, fue cuando decidió dejar su profesión de ejecutivo en una agencia de publicidad y el otro cuando emprendió un viaje a Cuba, sitio que fungió como fuente de inspiración para que naciera el tema que lo llevó a navegar en las turbias aguas de la música, “La Flaca”. Antes Jarabe de Palo, hoy JarabedePalo es y será la vida de Pau Donés, español de nacimiento, excelente conversador y un tipo que disfruta de crear música experimentando siempre en diversos géneros. Llega el 2014 y JarabedePalo aprovecha para compartir su novena placa de estudio en 18 años de trayectoria bajo el nombre de “Somos”, después de un octavo disco que le valió diversas nominaciones a premios internacionales, como los Grammy latinos. “Hay continuidad en cuanto al rock de nuestro disco anterior, retomo claramente nuestra faceta más rockera, nos olvidamos del rock mestizo, del rock latino y de la contaminación de sonidos latinos para enfocarnos más en el rock que es lo que nos interesa; queremos también dejar el mensaje en nuestras canciones. Es un disco rockero y funkero pero también hay baladas que suenan bastante a JarabedePalo”, comentó Donés Cirera. A sus 47 años, su música y él aún conservan esa frescura, y parece que el tiempo, más allá de complicar el proceso creativo para la composición, se ha vuelto fiel cómplice del músico español. “Los años te dan experiencia y conocimiento. Me gusta aprender de lo que escucho y de la única cosa que sé hacer bien. En general no soy un tipo inseguro, siento que es al revés, aparte nunca me planteo si esto va a gustar o no, primero tiene que gustarme a mí y luego ya me pongo a pensar cómo hacerlo llegar a la gente. En cuanto a lo temático pues yo siempre hablo de mi vida, sobre lo que me pasa, sobre lo que siento. Con una trayectoria de 18 años, ya somos parte de la banda sonora de la vida de mucha gente, lo que quiere decir que nuestra música sigue interesando y eso nos da seguridad” menciona Pau Donés.

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La vida de este músico que gusta del viajar, se divide en dos partes, una de ellas es para JarabedePalo y otra es enfocada a Tronco Records, siendo éste el primer paso para deslindarse de disqueras monstruos y optar por el camino de la independencia. “Tronco Records es nuestro sello, es ‘Taller de Música, República Independiente de JarabedePalo donde la música y las ideas son lo principal’, nosotros somos independientes y buscamos aliados que tengan ese método de trabajo, por eso buscamos a Casete para lanzar esta edición en México y en los países donde no encontremos ese socio que cumpla esta expectativa de funcionamiento, entonces no sacaremos el CD físico. Resulta imposible que quizás llegue para algunos países, pero claro lo podrán encontrar y descargar digitalmente y en nuestros shows en directo.”

tiene esos dos atributos o axiomas en la vida, como es el ser libre. Es muy difícil compartir la vida con alguien que entienda a tu lado a una persona que se siente libre porque compartir la vida con los demás, tiene que ver con perder la libertad. Más que un ser solitario soy un ser libre”.

La fuente de todo lo que realiza el ibérico se lo atribuye a la forma en cómo ve la vida ya que se describe como un ser pasional. “Es mi manera de entender la vida, yo no sé hacer nada si no lo hago con pasión. Después de hacer muchas cosas en la vida me decidí por el mundo de la música, porque no me veía haciendo otra cosa. Hace unos años me preguntaban ¿qué hace un ejecutivo de publicidad haciendo música? Y yo les respondía, no, es que al revés ¿qué hace un músico haciendo publicidad? Mi vocación me llevó a mi hobbie y eso a mí línea de vida” añadió Donés. Pese a describirse como una persona guiada por las pasiones, esto lo ha marcado como alguien que sostiene una buena relación con la soledad. “Normalmente los libres de espíritu y los apasionados suelen convivir muy bien con la soledad porque es muy difícil compartir la vida con alguien que

La banda está a nada de cumplir 20 años de vida y les gustaría festejar con un décimo disco, aunque Donés comenta que no es de su estilo el proponerse metas, da por hecho el festejo de dos décadas de vida de JarabedePalo con un álbum.

Pau Donés nos mencionó acerca del gusto que tiene hacia el mezcal y el pulque, así como a las carnitas, hablando y dejando evidente su amor y gusto hacia nuestro país. “México es un país con el que ya tengo una complicidad, vengo de cuatro a seis veces al año. Todo me es muy familiar, eso para nosotros es muy importante pues este año pasaré seis o siete meses fuera de casa, entonces el poder estar en sitios que te sientes como en casa, es lo ideal” comentó Cirera.

Tratar de llegar a los Grammy este año, poder cosechar otro Vive Latino en su siguiente edición y una gira extensa donde puedan mostrar su nuevo material, es algo de lo que desea Pau Donés a corto plazo.Por lo pronto la banda realizará varios shows alrededor de Latinoamérica y México, para después regresar a Europa y por fin llegar a casa para pensar en la próxima etapa de JarabedePalo.

Más que un ser solitario soy un ser libre

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Por Danhi Romero Fotos por: Abraham Salazar

Russian Red

En busca del amor verdadero Hace poco nos visitó por segunda ocasión la cantante española Lourdes Hernández González, mejor conocida como Russian Red, con una sonrisa sincera durante la entrevista y esos ojos claros que cautivan en todo momento, nos platicó sobre su nuevo disco llamado Agent Cooper y los planes que tiene para este año. Encantada de estar en México, nos contó que algo que disfruta mucho es poder viajar, disfrutar la sensación de no contar con ninguna referencia del país o lugar en el que se encuentra y que pase el tiempo y poder recordar ese viaje y reconstruirlo en su mente. Después de presentar su disco por Estados Unidos y antes de hacer una gira por Europa y Asia, hizo una parada en la capital mexicana para presentarse dos noches seguidas en un Lunario del Auditorio Nacional que la esperaba con los brazos abiertos, de cierta forma pagando esa deuda que tenía pendiente con sus fans mexicanos cuando no pudo presentarse con su disco Fuerteventura en México en su pasada gira. Después de vivir toda la vida en su natal Madrid, España, decidió mudarse a la ciudad de Los Ángeles en California, un cambio que para ella era importante en el aspecto personal y musical y que después coincidió con la grabación de su disco al lado del productor Joe Chiccarelli. El concepto del disco se venía trabajando desde Fuerteventura, un disco lleno de canciones con título de hombres, un agente secreto que se encuentra en su misión de buscar el amor verdadero y que poco a poco fue agarrando forma con el paso del tiempo. Aunque acepta que no es un disco concepto llevado al extremo en donde las letras estén interrelacionadas entre sí, pero sí hay algo más ligero empezando por el nombre de los chicos, el nom-

bre del disco y la imagen de este agente sacada de la ficción. Agent Cooper, el tercer disco de la cantante y que muestra un sonido más eléctrico que ya se venía trabajando al final de la gira de Fuerteventura, cuando sus presentaciones en vivo se realizaban más eléctricas aunque en un formato un poco más reducido. Eso dio pie a que las nuevas maquetas que se grababan y el sonido que se desarrollaba fuera totalmente más eléctrico. El disco que está compuesto por diez temas de su autoría, aunque bien pudo haber sido de trece, pero lamentablemente quedaron tres canciones fuera del disco incluyendo una que le escribió a su padre. Aunque muchos de los personajes realmente existen, también hay platonismo en el disco, jugando con esa idea del amor inalcanzable, pero que alimenta esa búsqueda, la inspiración y que llegó el momento en que se encontró con la necesidad de sacarlo y hacer algo bello de todas estas historias. Al momento de elegir qué canciones dejaría fuera, nos contó que fue algo muy difícil pero que al final la decisión se tomó en base de qué tan contentos estaban con el resultado sónico de la canción y no se tomó la decisión a un nivel emocional ya que eso complicaría más las cosas. A la par de su llegada a la ciudad de Los Ángeles, empezó a trabajar con un documental al lado de su amigo Diego Hurtado de Mendoza con quien siempre ha hecho proyectos juntos, por mencionar uno, el video de su sencillo Casper de su más reciente disco. En este nuevo proyecto trata de documentar ese cambio de residencia de pasar de una ciudad de Europa a una ciudad en América, pero sobre todo filmar y hacer notar qué efecto tiene la ciudad de Los Ángeles en la vida de una persona, en este caso de ella misma, que vino de

un lugar muy lejos de ahí y que hace música y que se va a la aventura por mera intuición. La idea sobre este documental fue totalmente de Diego Hurtado quien le platicó sobre esto e inmediatamente a Lourdes le interesó llevarlo a cabo. Por el momento no hay fecha de lanzamiento de este documental ya que todavía sigue en proceso de grabación. Sin duda alguna, una ciudad como Los Ángeles en una chica de 28 años puede influir mucho en varios aspectos de su vida y ella acepta que se ha empapado de ello y ahora mismo no quiere estar en otro sitio que no sea ahí, es como su nuevo novio y aunque próximamente pasará un tiempo largo por Europa, necesita que su residencia mental esté en Los Ángeles  por una cuestión de energía de la que se alimenta para seguir adelante. Al preguntarle qué es lo que le gustaba más de Los Ángeles nos dijo que en el barrio donde vive que es el Echo Park hay mucha música, bandas y venues en donde todos los lunes los lugares son gratis y tocan de tres a cuatro bandas por noche, además de que la gente se apoya mucho entre sí; es muy fácil formar parte de la escena solamente yendo a vivir allí, haciendo música y conociendo a la gente. Acepta que todo eso que está viviendo es muy inspirador y hace que vaya muy a prisa a la hora de escribir y componer. Se terminaba el tiempo con ella, pero antes nos dijo que no recuerda el momento exacto en el que llegó la música a su vida y más bien cree que la música es la que la ha acompañado, y al preguntarle si en algún momento hará un disco en su lengua natal nos dijo que no por ahora y aunque parezca raro, se siente mucho más cómoda al momento de escribir en inglés que si lo hiciera en español.

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La

Elrenacimien Hace nueve años, lo que fue un esfuerzo constante que conllevaba a una interacción más apegada que una amistad: el arduo trabajo por el éxito, logró que una de las bandas más representativas en Hispanoamérica se extinguiera dejando inauditos a miles de sus fans a través del mundo. ¿Quién se imaginaría que una carrera tan próspera, prolífica e inmersa en un contexto de tantos cambios terminaría así? A sólo un día de festejar los XV años del Festival Iberoamericano ‘Vive Latino’, la ciudad adquiere una energía sin igual. Vuelos, visitas, hospedajes, una multitud de talentos comienza a invadir nuestro territorio, dentro de estos el Fénix: un trío que por finales de los 80, Beto Cuevas influido principalmente por David Bowie, Mauricio Clavería por Miles Davis y Pedro Frugone por Prince, se unió para darle vida a una historia que se reescribe nuevamente este 2014. La charla se acordó en un sitio del centro de la ciudad entre monumentos históricos que a contra luz recrean uno de los más bellos paisajes; todo estaba listo, de hecho aún antes de ingresar al sitio donde se realizaría esta plática digna de

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un confesionario, Pedro ya se encontraba amenizando nuestra visita con una gracia y simpatía que a veces no se aprecia sobre el escenario. Con un saludo cordial y cálido, como si ya nos conociéramos desde años atrás se abrió una serie de relatos que sólo se vieron limitados por respeto al tiempo de colegas. Ahí se encontraban esos tres talentos, por los que tantos fans enloquecen, en un sillón blanco con algo que contar. La emoción los invadía, pues estaban de regreso. Su primer destino en nuestro país fue el ‘Vive Latino’: con un poco de nostalgia recordaron su primera aparición en este festival, hace ya tantos años, mencionando que en aquellos días mien— ¿Cuál fue su mayor aprendizaje durante este periodo? — Que no hay verdades absolutas, todo es válido desde la perspectiva individual de cada persona. Sonriendo, entre empujoncitos y más se denotó que pertenecían juntos, justo eso externé y el trío sorpren-


Ley

Texto: Verónica V. Soto / Fotos: Cortesía Warner Music

ntodelFénix dido con el término (“poético”, decían ellos) asintieron. “Sí, realmente después de este tiempo, nos dimos cuenta de que es así, La Ley no murió, hay una palabra que nos gusta mucho… Renacimiento y eso, es lo que estamos haciendo nosotros”. ¿Por qué Viña del Mar? ¿Por qué 2014? Una pasión no puede morir de un día a otro, por ello, desde tres años atrás se había esperado el reencuentro, pero el momento decisivo de volver coincidió con este festival. Qué mejor que presentarse en sus propias tierras, frente a su público, quienes los vieron nacer, los acompañaron en su deceso y nuevamente los levantará. Olvidar’ habla de como bien lo dice, dejar atrás el pasado. Primer sencillo después de este descanso en el cuál están fluyendo mejor las cosas, o igual que antes; La Ley está comenzando desde cero, con grandes ánimos para un público más joven al que no están acostumbrados. Estos chilenos entrarán muy pronto al estudio aprovechando la vibra que sintieron una vez más al estar frente a un esce-

nario juntos. La Ley realizará una extensa gira en la que México no se quedará atrás, en nuestra plática previa al Vive Latino, no quisieron dar ninguna sorpresa, sólo bromearon respecto a ello. “La verdad, es que no llevaré calzoncillos aquel día, entonces cuando terminemos nuestro performance brincaré y todos se darán cuenta… ésa, es nuestra sorpresa para El Vive Latino, ¿prometes no decírselo a nadie?”, comentó Pedro. Carismáticos, graciosos, multifacéticos, talentosos, así concluí la entrevista con estas celebridades de talla internacional con la que crecimos gracias a un tío, o a nuestros padres (como ellos dijeron), la generación de los 90. El sol descendió mientras salía de nuestro punto de reunión, atravesé Reforma, miré al norte, el sol irradiaba destellos naranja que se convertían en el extremo superior en rosado, justo como renaciendo, justo como el Fénix que está de regreso. Tras el target que va de acuerdo a esta servidora se en-

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contraba en el jardín de niños nuestros padres se encontraban rockeando a todo volumen con La Ley. Grandes años, grandes recuerdos en México, un país que calurosamente les abrió las puertas cuando en su país la industria de la música no tenía el apoyo debido “Todo cambia”, así es como contestaron cuando les preguntamos sobre el antes y el hoy de la escena musical en su país, atribuyendo un gran éxito de muchos colegas a las redes sociales. Con el tema de la tecnología se abrió una pauta para hacer hincapié en lo maravilloso que ha sido ver ante sus ojos el desarrollo de las vías de comunicación, entre risas, llegó el momento en que recordaron cómo su mánager cargaba una gran caja con él, sintiéndose el más cool del lugar cuando a ellos les causaba una gran simpatía. El escándalo rodeó a la banda y justo queríamos saber de sus voces y frente a frente qué había pasado nueve años atrás y por qué haber dicho adiós. El éxito tiene un precio y más en la industria musical donde a veces parece que todo se complica al doble, es como un sistema al éxito donde la constancia siempre está presente poniendo en juego la salud, la amistad, las relaciones y el tiempo. No siempre se está de buenas, no siempre es complaciente realizar inclusive lo que nos apasiona. Componer, grabar, producir, post-producir, promocionar, gira, tour, volver a empezar ¿comprenden? Así es como fibras sensibles se van desgastando poco a poco, así es como hasta la amistad llega a sus límites y comienza a disolverse gota a gota, por ello, fue mejor darse un descanso nada más y nada menos que de nueve años pero ¿qué hicieron en ese tiempo? Beto Cuevas, con tres discos y explorando su lado más artístico pintando e inclusive actuando, Mauricio Clavería aún dentro de la industria musical creando a Los Concorde y practicando show tras show con Fobia, mientras que Pedro Frugone aún continuaba desde su apacible hogar componiendo. Un largo tiempo que de consciencia, en el que todo se esclareció, en el que individualmente algo aprendieron y lo aprendieron bien.

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Los 24

Por Danhi Romero Foto por Manuel Valencia

Tres


Revista Kuadro se honró en platicar con una de las bandas chilenas que han marcado historia en la música después de casi 20 años de su primera visita en México, cuando vinieron a promocionar su disco “La espada y la pared” y 15 años después de que formaron parte del primer Vive Latino. Los miembros de Los Tres desde la primera vez que vinieron a México se enamoraron del país porque siempre los trataron muy bien y con mucho respeto, además de que a la gente les gusta su música y esto los hizo sentir muy orgullosos, pero sobre todo agradecidos. La banda chilena vivió una separación de seis largos años, cuando Álvaro Henríquez estaba casado con la cantante mexicana Julieta Venegas y ya vivía en México y Titae tenía un hijo pequeño viviendo en Santiago de Chile y cosas que hacían que unos se quisieran quedar en México y otros regresar a su natal Chile y fue así como empezó el break que la banda se dio. En la entrevista nos aclararon que nunca se separaron en mala onda, sino que fue porque se encontraban muy saturados, nos cuentan que cuando grabaron el disco “La sangre en el cuerpo”, que fue el último antes de su separación, el proceso no fue lo relajado y buena onda que debió de haber sido pero aún después de eso Los Tres siguieron en contacto, tanto así que cuando Álvaro tocó con su grupo en el Festival de Viña, invitó a Titae a tocar con él. Paso el tiempo y Álvaro empezó a escribir algunas canciones que le sonaban a Los Tres y ahí fue cuando retomaron esa vieja amistad. Lo más interesante de esto, fue que regresaron c o n nuevo material grabando el disco “Hágalo usted mismo” en el 2006 del que se desprende la canción “Camino” y vinieron a México al Vive Latino a estrenarlo, pagando así una deuda que tenían con el público mexicano. Dentro de estas participaciones en los festivales Vive Latino en México es que nace la amistad con la banda mexicana Café Tacvba, en esos primeros Vive Latino donde todo era más chico, casi todos estaban en el mismo camerino y así fue como se fueron armando los lazos de forma natural. Roberto Titae agrega que Café Tacvba es una banda a la que le tienen mucho respeto musical, cosa que ahora pasa con bandas como Comisario Pantera o Los Rebel Cats, bandas que se dedican a su oficio y lo hacen muy bien, afirmando así que tienen un gran vínculo entre Chile y México. Fue en 1995 con el disco “La espada y la pared” y su canción “Déjate caer” cuando los catapultó al mundo, logrando así que los llamaran para hacer un MTV Unplugged que causó sensación en Chile, porque la gente se sintió orgullosa de que un grupo suyo estuviera en MTV grabando en Miami, además de que la banda aprovechó para tocar cucas, una música folclórica chilena y la pusieron una vez

más de moda después de que estaba olvidada. Este disco marcó mucho en la historia musical chilena y afuera los hizo muy conocidos porque en esa época MTV era realmente importante, cuando era manejado por gente que sabía de música y que le gustaba la movida latina de esa época. Este MTV Unplugged, que realmente fue desenchufado y que hay mucha gente que lo recuerda en muchos países y que gracias a esto hoy en día es más fácil salir de Chile, con esa apertura de mercado que ellos realizaron. En diciembre del 2013, luego de 23 años de estar con la banda, Ángel Parra anunció de forma oficial su separación de la banda, Titae dice que Ángel es alguien que ya se aburrió de viajar, se quería quedar en Santiago, además ya no quería seguir tocando los mismos temas, pero como banda vieron una oportunidad en esto y trajeron a gente que realmente le gustara hacer esto, salir de Chile, viajar, tocar música, etcétera; es así como se agregan a la banda Boris Ramírez en la batería y Sebastián Cabib en la guitarra. Todo esto, nos cuentan, ha resultado muy refrescante, todo está más limpio. Con esta formación grabaron un nuevo tema “Hey hey hey” que grabaron junto con un video mientras estaban girando en Chile, lanzándolo el pasado 31 de diciembre en la noche. Al preguntarles si tras la separación con Ángel pensaron en separarse, nos contestaron que este proyecto empezó con Álvaro y Roberto cuando tenían 15 años, cuando tocaban en la casa de Roberto rock and roll con el contrabajo, la guitarra y el piano y desde entonces ellos siempre quisieron dedicarse a esto y ahora Los Tres se ha vuelto su sistema de vida y nunca habían estado tan contentos. Su más reciente sencillo “Hey hey hey” se ha visto envuelto en una polémica porque decían que incentivaban la violencia a la mujer y eso causó mucho revuelo, cosa que mirándolo ahora los miembros de la agrupación chilena, fue a beneficio de ellos, porque todos se sabían la canción, todos se metían a ver el video, salía en la televisión, en la radio, y realmente lo que ellos quisieron hacer fue una denuncia y nunca incentivar la violencia. Sobre lo que viene para el 2014 para la banda, ya hay canciones que tienen compuestas para su disco y quieren componer un par más, pero ahora la gira en México se está empezando a alargar y en el mes de junio todavía estarán en este país, pero esperan que para el fin de año se puedan dar un espacio para grabar disco nuevo.

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Michael Jackson

Por: Danhiel Romero Fotos: Cortesía Sony Music

Un trono difícil de cubrir Han pasado ya casi 5 años del fallecimiento de Michael Jackson se sigue y seguirá hablando de él, seguirá saliendo material y seguirá siendo su vida una polémica y que tal vez nunca se sepa la realidad y todo quedará en simples especulaciones, pero algo que no está en duda es el gran talento que poseía y el gran showman que era cuando estaba arriba del escenario. Michael Joseph Jackson nacido un 29 de Agosto de 1958 a las 7:33 pm, en Gary Indiana, séptimo hijo de una familia numerosa conformada por nueve hermanos , tres mujeres Maureen Reillete “Rebbie”, La Toya Yvonne, Janet Damita Jo; y 6 hombres Sigmund Esco “Jackie”, Toriano Adaryl “Tito”, Jermaine, Marlon David, Brandon y Steven Randall “Randy”. Hijo del matrimonio de Joseph Walter “Joe” Jackson y “Katherine Esther Scruse, en una familia de clase trabajadora y con un padre frustrado de no haber logrado ser un músico pero que vió la oportunidad de verlo cumplido en sus hijos varones Tito, Jackie, Jermaine y un poco después a Marlon, quienes formaron la ban-

da Jackson Brothers. Para ese entonces Michael tenía solamente 3 años y su único escape a los golpes de su padre era escuchar, ver, aprender y absorber la música que hacían sus hermanos. Fue tan solo a los 5 años que Michael en un festival escolar cantó la canción “Climb Every Mountain” mostrando el gran talento vocal que poseía. Gracias a esto en el año de 1964 se unió a la banda musical de sus hermanos que posteriormente se llamaría The Jackson Five, en donde Michael destacó del resto de sus hermanos por su gran habilidad mostrada no solo para cantar sino también para bailar. En 1968 los Jackson Five firmaron con Motown Records y un año más tarde lanzaron el sencillo “I want you back” que llegaría al primer lugar en las listas de Billboard, teniendo más tarde un éxito similar canciones como  “ABC”, “The Love You Save” y “I’ll Be There”.

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Si hay un disco que ha roto todo tipo de records es sin duda “Thriller”, lanzado en 1982 es el álbum más vendido de todos los tiempos

En 1972, sin dejar a The Jackson Five, Michael inicia su carrera de solista con los discos  “Got to Be There” y “Ben”, este último tema central de la película Ben. Mientras tanto The Jackson Five cambiaron su nombre a solamente The Jackson y cambiaron de disquera a Epic Records. THE WIZ En 1978 Michael actuó en su primera película “The Wiz”, trabajando al lado de Diana Ross y Richard Pryor. En esta película interpretó el personaje del espantapájaros y aunque la película fue nominada a cuatro premios Oscar no les fue muy bien en taquillas. Al momento de filmar esta película, Michael mostró su gran habilidad para bailar y aprenderse las coreografías, haciendo que las grabaciones se hicieran un poco complicadas porque a los demás les costaba trabajo aprenderlas; cuenta la leyenda que Diana Ross le pidió a Michael que intentara bailar mal para así evitar conflictos en el grupo de trabajo. Fue también durante la filmación de esta película que conoce a Quincy Jones quien se convertiría en el productor del siguiente álbum de Michael, fue como cuenta el propio Quincy que el asombro es sus ojos fue lo que lo atrajo y supo desde el primer momento que podían adentrarse completamente en un territorio inexplorado, un lugar que como músico de jazz le dio escalofríos al propio Quincy Jones. OFF THE WALL Quincy Jones se metió al estudio con un Michael tímido que se sentaba a cantar detrás del sofá con su espalda hacia Quincy, mientras él, con las luces apagadas, tapaba sus ojos con las manos. Probaron de todos los trucos que Quincy había aprendido a través de los años y así poder lograr su crecimiento artístico. Canciones compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder y Paul McCartney buscando encauzarlo hacia canciones con más profundidad, algunas de ellas acerca de relaciones reales, dejando atrás a Ben. Cuatro sencillos y más de veinte millones de copias vendidas en todo el mundo, un premio Grammy y tres premios AMA; pero además todos los reflectores puestos en él y que mejor que responder que con su próximo disco “Thriller”. THRILLER Si hay un disco que ha roto todo tipo de records es sin duda “Thriller”, lanzado en 1982 es el álbum más vendido de todos los tiempos con más de 65 millones de copias en todo el mundo, además 7 de las 9 canciones que vienen en el disco, fueron lanzadas como sencillos, llegando todos al top 10 de las listas de Billboard y por si fuera poco fue ganador de 8 premios Grammy. También con este disco Michael Jackson se convirtió en el primer artista de raza negra en aparecer en MTV pero no solo eso, sino que apostó por generar historias visuales impactantes e innovadoras y con un gran presupuesto 30 mil dólares invertidos en Billie Jean y medio millón invertido Thriller, convirtiéndose en el video más exitoso de MTV. Sus conciertos en México Tres semanas entre Octubre y Noviembre de 1993 hospedado en el Hotel Presidente para sus conciertos en el Estadio Azteca con boletos que iban de los 40 a los 375 nuevos pesos en donde lo vieron 500 mil espectadores con su gira Dangerous. Un camerino en el Estadio Azteca acondicionado con juguetes y juegos de video fue lo que pidió. Durante su estadía Michael salió a comprar a Pabellón Polanco comprando

en 3 locales diferentes los cuales fueron cerrados para su comodidad y comprando discos en Mix up en donde firmó varios autógrafos. También tuvo que visitar el hospital ABC debido a un dolor de muela y una visita al Hard Rock Café donde se reunió con el presidente de México de ese entonces Carlos Salinas de Gortari junto con sus hijos. XSCAPE Una imagen maltrecha, problemas económicos y de salud marcarían sus últimos años. Las dificultades económicas provocaron la clausura de la residencia del cantante, el famoso Rancho Neverland que contenía un zoológico y un parque de atracciones. Trató de rehacer su carrera y de solventar sus problemas económicos lanzando nuevos álbumes recopilatorios y preparando su regreso a los escenarios. Finalmente, en marzo de 2009 anunció una gira de 10 conciertos en la O2 Arena de la Ciudad de Londres con su gira This is it en julio del mismo año. Por la mañana del 25 de junio de 2009, Michael sufrió una parada cardiorrespiratoria, después de una llamada al 911 los paramédicos llegaron y lo declararon oficialmente muerto a las 2:26 pm, causando una gran conmoción en sus fans. Michael regresa a las tiendas de discos con su segundo álbum póstumo llamado “Xscape” presentándolo con su sencillo Love Never Felt so Good, al lado de Justin Timberlake y mostrando que sigue estando vigente y con gran éxito y que su trono aún nadie lo ha podido tomar.

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Por: Jarvier Jarquín / Ilustración Mauricio Herrera Todos en este mundo tenemos un enemigo, un rival a quien a odiar, simplemente, un “némesis”. Batman tiene al Joker o el Guasón —como quieran llamarle—; Superman, al magnate Lex Luthor; Hitler, a Polonia o bien, atodo aquello que fuese judío; Cuba, a Estados Unidos; Rusia, a Estados Unidos; China, a Estados Unidos… el mundo, a Estados Unidos; México, a sus políticos; vaya, no sería novedad que hasta en la órbita de la música se diera esto pero increíblemente así fue. El nacido en Seattle y conocido por todos como grunge encontró su propio némesis, aquella piedrita incómoda en el zapato, el tan amado y odiado: brit pop.

Podremos encontrar diversos textos y fuentes acerca de cómo surgió la escena y seguramente sobresaldrán puntos importantes del movimiento como fue la salida de los temas “The Drowners” correspondiente a Suede y “Popscene” de la autoría de Blur, canciones que daban por hecho y confirmaban la vida del british pop. Ambos mostraban la necesidad musical de volver a la vieja escuela del rock británico y rescatar aquellos sonidos con los que trascendieron bandas como The Beatles o The Kinks.

Los 90 vieron cómo Michael Jordan se convertía en el mejor jugador de la NBA al lado de los Chicago Bulls al par que Tyson hacía lo mismo en el rubro de los pesos pesados del box. En Europa se daba un paso enorme para la historia de la humanidad con la unificación de Alemania al tiempo que se deba la separación de la U.R.S.S. mientras que en Inglaterra sus líderes políticos entregaban Hong Kong a China y llegaba a la élite política el nombre de Tony Blair. Por fortuna para los británicos y melómanos en general, no todo fueron tiempos de política y conflictos en aquellas tierras, ya que al mismo tempo en los barrios anglosajones empezaba a sonar un nuevo estilo musical que se corrió pronto por toda la isla y aún más rápido por todo el globo. Tres años después de la muerte de Freddy Mercury, en 1994 llega un nuevo sonido derivado de propuestas independientes como lo era en aquellos tiempos Oasis y Blur. Las agrupaciones lideradas por los hermanos Gallagher, así como la mancuerna conformada por Damon Albarn y Graham Coxon comenzaban a ser el parte aguas de un movimiento que derivó una escena para posteriormente mutar y dar vida a un género.

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LIAM

GALLAGHER

V. 


S.

Otro factor por el cual logró trascender y durar el brit pop fue debido a la rivalidad entre las dos bandas que fungían como estandartes del movimiento. La batalla entre Oasis y Blur dio pie a que se extendiera el sonido fuera de la isla y llegara a Estados Unidos. La contienda dio, ha dado y seguramente seguirá dando de qué hablar entre ambas agrupaciones. Se habla mucho de Oasis y Blur pero pocos reconocen la labor de agrupaciones como Suede, Elástica, Supergrass, Pulp y unos The Verve menospreciados, quienes no lograron trascender debido a que algunos de ellos desaparecieron con los años y otros optaron por seguir en el mercado pero con una tendencia diferente. Aunque muchos integran a Radiohead como parte del movimiento, la verdad es que su tendencia siempre fue enfocada más al shoegazing que es un género que gusta de jugar con sintetizadores.

La llegada del grunge, que fungiría el papel del hermano mayor del brit pop, es muy relevante. Así es, el sonido americano que empezó a retumbar en los escenarios yanquis se apoderó pronto de la escena internacional. Las principales radiodifusoras, medios y el público en general sólo tenían oídos para escuchar a Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden y claro, Nirvana. El sonido tuvo tanta aceptación que ni los propios ingleses salieron librados de aquello. Las bandas inglesas trataban de imitar el sonido americano al par que propuestas como Suede, Blur y los mismos Oasis abrían la escena independiente con influencias de The Smiths y Morrissey. En un afán de reencontrar esa esencia británica que parecía absorbida por las guitarras distorsionadas del grunge, comenzó una guerra de declaraciones en donde se llegó a ver al brit pop como una campaña anti-grunge, a lo que Damon Albarn llegó a comentar: “Si el punk apareció para eliminar a los hippies, entonces yo estoy eliminando al grunge”. La muerte del ídolo del grunge, sucede justo en 1994 al par que son lanzados los álbumes más representativos del movimiento anglosajón. Más allá de todo lo hecho por los británicos, de buscar una reunificación en la isla y sacar su sentir patriota y nacionalista, la muerte de Cobain es el principal paso para que el brit pop se consolidara y para que el grunge comenzara a dejar tener un peso. Aquel suceso trágico dejaba un hueco en el mercado musical y como era de esperarse fue muy bien aprovechado por el brit pop. La escena británica se apoderaba de nuevo de los escenarios aunque su “reinado” duró tres años más, ya que Oasis se empezó a desmoronar y Blur cayó en la tendencia americana. El celo de los británicos por ser los mejores en la música fue algo notorio durante aquellos años. Parece indicar que si Kurt no hubiese atentado contra su vida, el brit pop y todo aquello que lo conformó habría quedado en un movimiento underground y local. El grunge murió dejando buenos recuerdos y un ídolo, mientras que el brit pop dejó a Coldplay o Keane. Entonces, ¿qué fue mejor?

DAMON

ALB ARN

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Como ya sabemos, Reino Unido se caracteriza por su amplia lista de buenos músicos, solistas y bandas que te hacen sentir la música a flor de piel. En este caso hablaremos del poder femenino, sí, esas mujeres que con su belleza y voces particulares conmueven a miles de personas. Este artículo fue pensando por la cantidad de seguidores y la forma en que han dejado huella dentro y fuera de su país las chicas que con su poder musical han cautivado a millones de personas: Amy Winehouse. Esta cantante y compositora ganó diversos premios y seguidores por todo el mundo. Destacó por su gran voz en los géneros de jazz, R&B y soul. Cabe mencionar la forma peculiar de vestir y peinar que tenía, lo que hizo que varios diseñadores de modas la voltearan a ver. El 23 de julio de 2011 fue encontrada muerta en su departamento, y así pasó a formar parte del club de los 27, pero eso no hizo que sus fans se olvidaran de ella, al contrario, la siguen recordando con cada una de sus canciones. Mathangi “Maya” Arulpragasam, proveniente de Londres, mejor conocida como M.I.A., es cantante, compositora, pintora y directora, todo este combo en una sola persona. Con sus grandes mezclas, actitud y belleza ha enamorado a miles de personas haciendo de ella una de las mujeres más influyentes del mundo. Lily Allen es compositora, cantante y actriz, y a pesar de su complicada vida privada ha salido adelante, dejando el pasado atrás y enfocándose en lo que realmente quiere, aunque en ocasiones suele tener un carácter fuerte, no ha dejado de preocuparse por sus fans, como claro ejemplo, el lanzamiento de su disco titulado Sheezus. Adele Laurie Blue Adkins, conocida simplemente Adele, es una de tantas artistas que fueron descubiertas gracias a las redes sociales. Poco a poco fue entrando al círculo de la música, ganando seguidores por todo el mundo. La maravillosa voz de Adele, se ha destacado en los géneros de soul, blues y pop, por lo que se ha posicionado como una de las mejores artistas de Reino Unido.

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Desde muy pequeña, Ellie Goulding tuvo gran interés por la música, inició a tocando el clarinete a los 9 años y posteriormente, la guitarra, lo que hizo que se fuera interesando por la música y hoy en día toca la mandolina, el teclado, bajo y batería. Cuenta con dos álbumes que la han hecho llegar a los primeros lugares en el Reino Unido. También es conocida por tener una vida amorosa con Skrillex y colaborar con Calvin Harris en la canción “I need your Love”.

Florence Welch, mejor conocida como la líder de la banda Florence and the Machine, nació en un distrito al sur de Londres. Esta chica pelirroja ha logrado tanto éxito por su dominante y buen timbre de voz, que ha llamado la atención de diferentes artistas, y ha colaborado con diferentes personas como: The Big Pink, David Byrne y Calvin Harris. Es más que obvio por qué forma parte de este listado. Estelle Fanta Swaray es una cantante de hip-hop, R&B y neo soul que, con su actitud y la forma de sentir la música, ha podido colaborar con grandes músicos como Will.i.am, Kanye West, John Legend, David Guetta, Stevie Wonder, CeeLo Green, Talib Kweli, Chris Brow, entre otros. Su música se ha posicionado en los mejores lugares en las listas de diferentes países, lo que la ha hecho ganar diferentes premios, siete, para ser exactos. Es un claro ejemplo del poder femenino británico en el ámbito de la música. Joss Stone, compositora de soul, R&B y blues, se caracterizó por ser la artista británica más joven en recibir un Brit Award y ha vendido más de once millones de copias a nivel mundial, lo que la convierte en una de las cantantes más exitosas de su generación. Cuando era más joven la llamaban “niña prodigio” por su gran tono de voz que fue puliendo con el paso del tiempo, esto hizo que varias personas la voltearan a ver y así recibió un gran reconocimiento en el soul contemporáneo. Aimee Anne Duffy mejor conocida como Duffy, proviene de un lugar al noroeste de Gales. Se ha destacado en el género neo soul. Fue una de las promesas emergentes en el 2008 tuvo varias apariciones en diferentes canales británicos lo que hizo que sus fans se fueran sumando poco a poco y en menos de cinco semanas lograr tener su primer álbum. Rockferry vendió más de un millón de copias en toda Europa y eso la vuelve parte de nuestra lista. Leona Lewis tuvo gran interés por la música desde pequeña, lo que la llevó a componer su primera canción a los 16 años. Conforme el paso del tiempo se fueron abriendo grandes oportunidades, como participar en la tercera edición del programa The X Factor, de la que resultó ganadora en 2006, éste fue un gran paso en su carrera como cantante. El desempeño que ha tenido la ha posicionado como la artista femenina británica con más sencillos en el Top5 en la historia.

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Por: Danhiel Romero Ilustraci贸n: Mariana Torres

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La fábrica de sueños de Inglaterra

Si decimos las palabras Abbey Road, tal vez lo

primero que llegue a tu cabeza es el disco de The Beatles en donde en la portada están cruzando una calle, pero de lo que se trata este texto, es sobre los estudios de Londres, los Abbey Road Studios. Hay aproximadamente veinte calles, solamente en la ciudad de Londres, que llevan el nombre de Abbey Road, pero sin duda la más famosa es la ubicada en el distrito de St. John’s Wood. Para 1830 en dicha calle se realizó la construcción de casas que funcionaban como pequeños hostales de nueve habitaciones con bodegas y jardines. El número 3 de la calle Abbey Road fue comprado por la Gramophone Company Limited a finales del año de 1929; tal vez esa compañía no te parezca conocida, pero fue en 1931 cuando se fusionó con la UK Columbia Gramophone formando así la EMI. Tras dos años de remodelaciones para acondicionar la casa, se crearon tres estudios de diferentes tamaños. En el estudio 1, que es el más grande construido ex profeso que existe, entra una orquesta completa de 110 instrumentos y un coro de 100 personas. El estudio 2, único por su acústica y diseño y que puede albergar 55 músicos al mismo tiempo, es el más famoso de todos, ya que en él The Beatles grabaron sus discos. Y el estudio 3 es muy íntimo, pero cuenta con la sala de mezclas más grande de toda Inglaterra y en él se grabaron muchos discos famosos, entre ellos, el Dark Side of the Moon de Pink Floyd. El 12 de Noviembre de 1931 la London Symphony Orchestra, dirigida por Sir Edward Elgar, inauguraba de forma oficial los EMI Studios. Durante los primeros años grabaron personajes como Noel Coward, Yehudi Menuhin, y Artur Schnabel, hasta que llegó la segunda guerra mundial en donde los estudios fueron usados para grabar propaganda para el gobierno británico y emisiones de radio de la BBC.

En los años 50 llegaron nuevas mesas de mezclas, nuevos sistemas de grabación pero también un personaje muy importante en la historia de los EMI Studios: George Martin, quien comenzó trabajando al lado de Peter Sellers, Spike Milligan y Peter Ustinov grabando números musicales y con el tiempo llegaría el primer número uno que salió de estos estudios Oh Mein Papa de Eddie Calvert. Llegaban los años 60, los estudios ya contaban con una gran reputación y eran el sueño de muchos artistas e ingenieros. Para ese entonces George Martin ya era productor y director de una filial de EMI llamado Parlaphone y fue en 1962 que cuatro jóvenes de Liverpool pisaban por primera vez los estudios de Londres cambiando la historia para siempre. The Beatles, durante siete años grabaron doce álbumes sacando un sencillo casi cada tres meses y en promedio dos álbumes por año, apropiándose del estudio 2bajo el apoyo, supervisión, produción y dirección de George Martin. En 1967 llegaban a las instalaciones de los estudios mesas de mezclas de 16 y 24 pistas y fue entonces que The Beatles grabaron el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, y al mismo tiempo, pero en el estudio 3, Pink Floyd grababa The Piper at the Gates of Dawn. En 1969 The Beatles llegaban a la decisión de seararse, pero antes querían sacar su último disco como banda con el nombre de Abbey Road, así que los estudios cambiaron su nombre de EMI Studios, a Abbey Road Studios. Llegaban los años 70 y parecía que tras la separación de The Beatles difícilmente una banda podría volver a tener ese poder de creación que los cuatro de Liverpool lograron, pero fue entonces que Pink Floyd levantó la mano y se metieron en el estudio 3 para crear discos como Dark Side Of The Moon,  Wish You Were Here, A Saucerful of Secrets y muchos más. Pero no sólo Pink Floyd creaba éxitos para ese entonces, también estaba Queen, quienes grabaron

su famosa Bohemian Rhapsody, o bandas como Pilot, Steve Harley, Telly Savalas, Mud, Suzi Quatro, Windsor Davies, entre muchos más. Los Estudios Abbey Road enseñaron y vieron crecer a un Alan Parsons quien trabajó como ingeniero con The Beatles y Pink Floyd y que crearía al lado de Eric Woolfson, otro trabajador de los estudios, el Alan Parsons Project. En la década de los 80 los estudios se asocian con la productora Anvil Post y se empiezan a grabar bandas sonoras, la primera de ellas a cargo de John Williams para el episodio V de Star Wars, lo que abrió las puertas para muchas otras películas. También en los años 80 se inauguró un nuevo estudio, The Penthouse, que fue adaptado con nuevos avances tecnológicos por la llegada del Compact disc, iniciando así las mezclas digitales a gran escala. En los años 90 muchas bandas eligieron los Abey Road Studios para grabar, mezclar y masterizar sus discos, no sólo por la historia que guardan sus paredes, sino por sus grandes adaptaciones. Bandas como Radiohead, Travis, Oasis, Blur, Nick Cave & Bad Seeds, Depeche Mode y muchos más han grabado en estos estudios. En 1996 y en conjunto con Apple Computers se crea la división llamada Abbey Road Interactive para editar, producir y publicar material audiovisual, creando los primeros DVDs musicales y cinematográficos del Reino Unido. En el 2003 sale a la luz Live from Abbey Road que son una serie de pequeños conciertos acústicos con diferentes bandas. La historia y fama de los estudios sigue en pie dando cabida a bandas como Coldplay, U2, Red Hot Chili Peppers, Green Day, Foo Fighters, Kasabian o Muse. Aunque los estudios han pasado por momento difíciles en donde hasta se han puesto a la venta, siguen en pie y funcionando y siendo un monumento nacional y es que si las paredes del Abey Road hablaran, cuántas cosas tendrían para contarnos.

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s e r o l o c s s, mucho

Dos tono

De una isla en el Caribe partieron muchas familias hacia Europa, familias que abandonaban Jamaica debido a los problemas sociales que la independencia de ésta colonia Británica había dejado. Muchos de los inmigrantes llegaron a establecerse en los barrios bajos de Inglaterra. En sus maletas traían la música de la tierra que los vio partir. No era cualquier música, era un estilo en el que se acentuaba el rasgueo de la guitarra en el “off beat” de un compás 4/4, mezclándose con rocksteady, calipso del Caribe y otros géneros afroamericanos. Era un sonido nuevo; diferente a todo lo que se producía en la Gran Bretaña, sin embargo, tenía algo familiar, era un ritmo que hacía bailar a todos y que fluía con gracia por las venas de la juventud, un sentimiento que se resume en tres letras: S-K-A. La nueva ola comenzaba a formarse, la segunda ola, la oleada del 2 Tone. El Ska arribó a Inglaterra a mediados de los 60; había llegado para quedarse y para después revolucionar una decadente escena punk que estaba perdiendo fuerza a finales de los años 70. Negros, blancos y asiáticos fueron arropados bajo un ritmo de resistencia ante la segregación social. “Si esos géneros tan variados y diferentes podían convivir, lo mismo

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Por: Alan Navarro

podían hacer las diferentes etnias que habitaban los barrios clase medieros y bajos del Reino Unido”, así pensaban los ‘rudies’. Influido por diferentes formas de pensar y de hacer música, así creció el Ska 2 Tone. La nueva ola del ska también impuso la moda de los ‘RudeBoys’, la moda de los dos tonos: el blanco de Europa y el negro de Jamaica, jóvenes vestidos con camisa blanca, traje negro, corbata negra, sombrero ‘pork pie’, calcetines blancos y zapatos negros; adornando aún más con unos lentes de sol color negro, esa era la moda entre los Rude’s. ¿Bandas que crecieron en la ola 2 tone? ¡Muchas! Madness, Bad Manners, The Specials, The Selecter, The Beat… ¿Bandas a las que influyeron? ¡Muchas más! sobre todo con la mezcla que tuvo con el Punk. Esa mezcla que derivó en la tercer ola del Ska, el Ska-Punk, aunque esa es otra historia… La bandera TwoTone, “la de los cuadritos blancos y negros”, lidera uno de los movimientos musicales más importantes en Europa y el mundo. Un movimiento que tenía mucho de social y que revolucionó una parte de la música y la cultura popular. El Ska, en su blanco y su negro, esconde una inmensa gama de colores, traducidos en sonidos que han evolucionado, revolucionado, perdurado y perdurarán por mucho más tiempo, siempre transformándose en nuevas formas musicales; siempre yendo ‘Onestepbeyond’.


Por si aún no han agarrado la pista sobre de que imperio escribo, el Punk es ese imperio. En este punto, habrá algunos que piensen y digan “el punk empezó en Estados Unidos” o “Los Ramones fueron primero”; y sí, tienen toda la razón. Pero el punk contestatario, violento (por decirlo de alguna manera); el que empezó realmente a demostrar un gran: “Fuck the system” y que estableció con toda veracidad que iban en contra del gobierno y de las reglas establecidas por el sistema (punto clave para entender el Punk Rock y la movida completa de los punks); ese punk, aquel de los mohawks, los pantalones A lo largo de este número de Revista Kuadro, nos hemos

rotos y las botas, ese nació en Inglaterra.

dado a la tarea de reseñar, lo mejor posible, el legado tan inmenso que Gran Bretaña ha aportado a la humanidad en el

Siguiendo con la analogía del imperio y el punk, revisando

ámbito cultural. Sin duda alguna, el tema que en este espacio

libros de historia podemos ver que en todo poderoso imperio

abordaremos, no podía quedar fuera, y habrá gente (como

siempre existe un linaje que se encarga de cimentar las bases.

yo) que estaremos eternamente agradecidos con Inglaterra

Ahí pongo a los Sex Pistols, ellos (y The Ramones) son los

por habernos brindado una escena trascendental y decisiva

primeros en ese linaje. Después, pondría al verdadero líder

para la música moderna. Esa escena en la que, sin buscarlo,

que desarrolló y expandió el imperio hacia otros territorios

se construyó un imperio casi tan grande como el Imperio

musicales: The Clash.

Británico. Bueno, aunque en este caso no estoy hablando de una monarquía oligárquica y opresora, al contrario, hablo de

No se trata de quién lo hizo primero, se trata de quién lo hizo

un imperio que nació, creció y vive gracias al lema de “Do it

mejor. El punk en Inglaterra revivió cuando se mezcló del ska

yourself”. Un imperio que derribó muchos reinados, liberando y

y eso influyó a que el mundo acogiera el Punk, ya sea crudo

dando espacio a gente que vivía ‘esclavizada’ con el imperio,

o cocinado con otros ritmos. Por eso digo: ¡Gracias Inglaterra!

musical y social, que habitaba. Un imperio que en un principio

Gracias por hacer algo vasto de una escena que pudo haber

buscaba ser todo, menos eso. Y es que, ¿realmente Jhonny

muerto hace mucho tiempo… Porque si los Sex Pistols no

Rotten o Joe Strummer estaban conscientes del imperio que

hubieran tocado en CBGB’s, esto no sería lo mismo. God

estaban fundando? No lo creo, sería interesante preguntárselos.

Save the Scene! Punk’s not dead!

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Por Carlos

El Heavy Metal naci en Reino Unido, de eso no queda duda, desde esa sant sima trinidad conformada por Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple; l stima que perd an fuerza entrados a los setenta. Pero se dio un golpe de tim n y surgi algo que retomar a el legado y lo llevar a al siguiente nivel. El Heavy Metal tomaba forma, se ven a The New Wave of British Heavy Metal. Iron Maiden, Judas Priest, Saxon, Mot rhead o Whitechape son bandas que siguen siendo un referente de la NWOBHM de hoy en d a. Si los metaleros tenemos un uniforme, una vestimenta que nos unifica a todos en una hermandad es algo que debemos agradecer a Rob Halford y Judas Priest, la banda primigenia a este periodo y la que comenz la revoluci n. Una aut ntica voz inmaculada, con ese sonido que se empezaba a desprender de ese blues que caracterizaba todav a a sus contempor neos, nos visti (ya todos sabemos el origen de por qu l se vest a as , pero sa es una an cdota aparte) con cuero, cadenas, spikes y motocicletas. Ese traje de gala que sale cuando la ocasi n lo amerita. Dejando de lado cualquier educaci n inglesa, este periodo se caracteriz por subirle a los decibeles y subirle a las velocid ades. Poder puro y sin freno. Simplemente cuando Lemmy se sali de una de las mejores bandas psicod licas (o lo salieron): Hawkwind; anunci que su banda ser a the dirtiest in the world, Y as naci Mot rhead, banda cuyo legado sigue d a a d a. Pionera del trash y del speed metal.

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Valle

Esta banda, junto con Iron Maiden, tambi n le trajo la redenci n a un instrumento. Los bajistas siempre han sido estereotipados como los tipos calmados que solamente est n, nombres que dif cilmente recuerdas cuando piensas en todos los miembros de una banda (la excepci n era Paul) hasta que lleg Lemmy junto a Steve Harris, bajista, miembro fundador y compositor de Iron Maiden que le daba un nuevo valor a ser bajista. Ya no s lo era un acompa amiento, sino todo un protagonista, como aquellas galopadas poderosas en Run to the Hill . Esto tambi n hizo lo que le diera todo un nuevo panorama al metal. De este rango musical se ha diversificado el metal. No podemos entender el Doom, Speed, Trash o pr cticamente alguna otra variaci n, sin este periodo hist rico. Metallica ha dicho que no se imaginan que podr an existir si no hubiera estado Diamond Head en sus vidas. Es el periodo definitivo del metal, donde estas pocas letras no alcanzan para comprender todo su legado y su alcance. No importa ese declive que tuvo por la llegada del Hair Metal . Tuvo un nuevo renacer con la escena norteamericana del metal, llamada la New Wave of American Heavy Metal . Mayor homenaje no puede existi r.


nica Soto

Por: Veró

Qué fue primero, ¿la música o el Reino Unido?

Intenten negarlo, pero la historia y los hechos hablan por sí solos: Rock, Pop, Metal, Boy Bands, Electro, Indie, Glam, Experimental y cualquier género que se les ocurra, sí, uno de sus principales exponentes es británico. En los 50 comenzó a fluir la creatividad entre los artistas, todo esto de la mano de un contexto y una estrategia inconsciente que ha favorecido completamente a la aceptación de la música. Siendo Reino Unido un sector de jóvenes, cuando dentro de esta multitud, ciertos líderes se levantaron a hablar sobre sus necesidades, y todo aquello lo que los reprimía (algo así como Trainspotting), se comenzó a crear un vínculo empático entre los talentos y los demás chicos que se identificaban. Estilos de vida más ad hoc a cada pequeño segmento que conformaba esa nación se fueron creando, diversos intereses pero todos los

jóvenes inmersos en un movimiento expansivo, cada fin de semana en todos esos emblemáticos bares, tanto menores como mayores cambiaban la historia con tan sólo admirar a un nuevo ídolo y portavoz de necesidades. Afortunadamente al ser creativo, Reino Unido se convirtió en el dueño de una raíz que después tendría más y más subgéneros, más variables y estilos, como lo hemos visto hasta hoy en día: entre más experimentación y combinación en estas raíces, nuevas formas y más apreciación para todos y cada una de sus audiencias. Ciertamente las drogas fueron uno de los principales motores para este éxito, las temáticas, adaptándose a los tiempos y evolucionando con ellos. Si realizáramos una línea del tiempo sobre los géneros, comenzaríamos con un rock puro que, dado a ciertos movimientos, iría poco a poco tendiendo a la psicodelia, después al progresivo, para abrir paso al hard rock, después

glam rock, heavy metal, punk y finalmente indie. Si bien es cierto, el Reino Unido es uno de los principales sitios donde los jóvenes ponen el dedo al momento de elegir ser músicos. Ser el lugar de hechos históricos musicales, abre la puerta no sólo a museos sino también a casas productoras, disqueras y escuelas inspiradas en todos y cada uno de los músicos que cambiaron con su sonido el presente de una sociedad. Aunque formar parte del Reino Unido no garantiza el éxito, casos anteriores alientan a lo contrario. Qué mejor que aprender de los más grandes, o de los maestros de ellos, o simplemente inspirarte en ello. La fuerte rivalidad entre E.U.A. o bueno, más bien la competencia, logró un nivel de calidad y exigencia personal altísimos. Siempre estará en disputa, pero sólo ustedes decidirán si es verdad que el Reino Unido se lleva el título al número uno.

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RESEÑAS REBEL CATS

Rebel Cats y Sus Amigos

La banda de rockabilly mexicana, Rebel Cats, sacan un nuevo disco con el sello Discos Valiente y con la distribución de Universal Music, invitando a amigos y gente que admiran de la música mexicana. El resultado es un disco con 17 tracks en donde los podemos escuchar al lado de gente como Tito Fuentes, Luis Humberto Navejas, Abulon, Daniel Gutierrez, Dr Shenka, Jay de la Cueva, Pascual Reyes, Comisario Pantera, Pato Machete, Tex Tex, Álvaro Henríquez, Charlie Montana, Paco Familiar y Crunchy Acapulco. En el disco también viene una canción nueva que se llama “Mala Influencia” y que salió como sencillo del disco, que cuenta con la participación de Marcela Viejo de Quiero Club. Dentro de este disco podemos encontrar lo que fue la última grabación en vida de Johnny Laboriel con la canción “No hagas caso a tus papás”, sin duda alguna esto lo hace un disco de colección no sólo para los fans del rockabilly, sino para la música en general. Por: Danhiel Romero

Quizás después de seis discos, un restaurant revisitado y un reciente EP de nombre Manes, es la primera vez que en 17 años de trayectoria y vida de Jumbo que escuchamos “el lado oscuro” o “lado B” de la banda. Alfa Beta Grey surge con ayuda de Camilo Froideval y viene a mostrar y a evidenciar la evolución musical de la agrupación a una faceta que no conocíamos de ellos. En los 10 tracks que conforman el álbum se transita un sonido fuerte y potente que se completa con ese lado rock balada a la que están y estamos acostumbrados. “Bala Perdida” y “Sin Respuesta” son los temas que abren este nuevo álbum y principales evidencias de la nueva línea musical de Jumbo. Guitarras con distorsiones muy al estilo californiano, una base fuerte que se conjunta con un buen trabajo lírico, son el gancho perfecto para escuchar el disco. Habrá quienes digan que es el mejor material de la banda en varios años, pues muestra una faceta más madura y completa de la banda. Un sonido fuerte, fresco y que enseña una evolución pero que a su vez no descuida y olvida esa parte melódica, tan característica de Jumbo. Por: Javier Jarquín

RUSSIAN RED Agent Cooper

La cantante española Lourdes Hernández, se aventuró a cambiar de residencia de Madrid España a Los Ángeles California dando como resultado un tercer disco, después del éxito logrado con sus dos primeros discos “I love your glasses” y “Fuerteventura”, estos discos con un sonido más acústico a comparación de la tercera producción de la cantante. Aprovechando su estadía en la ciudad de Los Ángeles se juntó con grandes personajes en la música como Joe Chiccarelli para la producción, Nark Needhan en las mezclas y Emily Lazar en la masterización, dándole forma y un sonido mucho más eléctrico al álbum.10 canciones son las que le dan forma al disco, inspirada en 10 diferentes personajes masculinos que de alguna forma han dejado huella en su vida creando a este Agente Cooper, un personaje ficticio que se encuentra en esa búsqueda eterna del amor verdadero.“Casper” y “John Michael” que son los dos primeros sencillos que se desprenden del disco, forman una gran carta de presentación de ese sonido que nos presenta Russian Red dejando atrás “Fuerteventura” y mostrando la evolución que ha tenido tras los años tanto como músico, cantante y escritora

Fito Páez, ya con 5 décadas de vida, en donde ha tenido y sentido todo tipo de amor, nos entregó su disco de estudio número 21 en su larga carrera, que habla precisamente de eso, de los diferentes amores que tiene y siente cualquier persona; desde el que se manifiesta entre un padre y su hija como en la canción “Margarita” dedicada a su hija, hasta una historia de amor entre dealers como “Nadie como ella”. En este disco, notamos a un Fito un poco vago en sus letras y monótono en la música, demostrando que no es una buena idea sacar 3 discos en el transcurso de solo un año, aunque hay algunas canciones como “Ojalá que sea”, “Por donde pasa el amor”, Sos más” que si nos muestran a un Fito encendido y conectado En este disco le da un espacio a su novia la periodista Julia Mengolini, a sus hijos, a los soldados de las Malvinas, pero también le rinde un homenaje a su amigo y colega Gustavo Cerati con su canción “La velocidad del tiempo” y que le da el cierre a su disco. Por: Danhiel Romero

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JUMBO

Alfa Beta Grey

Por: Danhiel Romero

FITO PÁEZ Yo Te Amo


DE HONOR

referencias a pasajes de la biblia para hacer notar aún más su punto, de cómo los trabajadores, la clase media, estaban en tan malas condiciones (que siguió igual porque nació el punk).

Los Rolling Stones, para 1968 ya eran unas superestrellas, miembros distinguidos de la invasión británica. Para ese entonces, habían pasado por una gran variedad de rangos musicales: pop rock, rock psicodélico, rock... pero fue con el Beggars Banquet, que marcó el regreso a ese bluesrock más fiero y crudo, con el que alcanzaron el mega estrellato.

Y entre otras ámpulas que este disco levantó, lo causó la portada, una que alborotaría al educado pueblo inglés. Un baño público con la caja de la taza y el papel en primer plano, para después concentrarse en todos los grafitis que adornan la pared, símbolos de paz, alguien que dibujó la silueta de su mano para escribir love en los dedos y frases como “Bob Dylans Dreams” o “God Rolls His Own”.

Para este disco, todavía se nota la fuerte influencia de Brian Jones en el sonido de la banda, siguiendo con los instrumentos no tan comunes como el mellotrón (él fue quien lo puso de moda, no Peter Frampton). Su anterior disco se había titulado Their Satanic Majesties Request, pero fue hasta éste que se cimentó este apodo, con una de las canciones que se convertirían en sinónimo de la banda. Hablamos de “Sympathy for the Devil” acreditada a Jaggers/Richards (reconociendo al segundo que realmente tuvo muy poco que ver). Es una de las canciones definitivas de rock, de esas que sobreviven con el tiempo, una de sus canciones Dylanescas (palabras de Mick), narrando la historia de un hombre educado que conoces mientras

Rolling Stone Beggars Banquet (1968)

Por: Laura Rangel

paseas por diferentes épocas y resultados que marcaron el destino de la humanidad. En Street Fighting Man tiene su canción más política en su catálogo. Aludiendo a hechos que pasaron con Tariq Ali, opiniones sobre lo que estaba pasando en Vietnam, donde claramente marcaban su postura antibélica. Incluso sirvió para sonorizar los créditos de V for Vendetta. Esa parte filosófica de Jagger se sigue viendo reflejada en Salt of the Earth cuando hacían crítica social, no se detenían en quién podía salir aludido, incluso hacen

El disco estuvo en riesgo de no ser lanzado por esta portada, se retrasó varias veces, hasta que fue lanzada una más “políticamente correcta”; una portada en blanco, donde sólo se veía “Rollings Stones” y “Beggars Banquet”, todo en una cursiva estilizada, bastante inglés, simple y desabrida. Afortunadamente nuevos tiempos más liberales pudieron ver relanzamientos con la portada original.

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Por: Francisco Zamudio

BON JOVI: ASIAN TOUR (BLU RAY) Tras interpretar “Any other day”, Jon Bon Jovi hace una pausa y, dirigiéndose al público que abarrotó el Tokyo Dome dos noches en enero del 2008, durante la gira de presentación de su álbum Lost Highway, dice: “Descubrimos que somos afortunados de haber superado a The Beatles, como la banda con mayor número de álbumes internacionales en primer lugar de audiencia en Japón (…) Leí en los periódicos que Bon Jovi es la banda internacional que más ha llenado estadios aquí en Japón, más que The Rolling Stones. Eso es increíble”. Más allá de blofear porque, seguramente está lejos todavía del lugar que poseen las dos bandas inglesas más importantes de la historia del rock; lo más importante de este documento es conservar una memoria de esos días, donde Richie Sambora lideraba la guitarra en el grupo, proporcionándole a la banda el contrapeso roquero a las melódicas composiciones de Jon. “Runaway”, “Born to be my baby”, “Bad medicine” o “Livin’ on a prayer” se viven aquí omnipotentes, clásicas, inolvidables. Sus 2.5 horas de duración, bien valen una tarde-noche de cerveza y rock and roll.

THE POLICE: IN CONCERT 2008 LIVE AT TOKYO DOME (DVD)

THE BEATLES: FIRST SHOW IN THE USA LIVE IN WASHINGTON (BLU RAY)

23 años después de la última gira de su primera etapa; The Police celebró un tour de regreso compuesto por 150 conciertos alrededor del mundo, celebrados entre mayo del 2007 y agosto del 2008. Ese mismo año y bajo su típico formato de power trío; Gordon Matthew Thomas Sumner, “Sting”, Andrew James Summers y Stewart Armstrong Copeland, hicieron escala en Japón hacia febrero, para ofrecer tres shows, de los cuales uno ha sido ahora cincelado en DVD. Lo mejor del trabajo audiovisual son las canciones, perennes, inmortales, obras maestras del rock tipo “Roxanne”, “Every breath you take”, “Wrapped around your fingers” o “Invisible sun”. Un Sting en gran forma vocal y como bajista, escoltado por la milimétrica guitarra de Summers y la fineza en las manos de Copeland, nos ofrecen sus mejores dotes como experimentados músicos. En contraste, la calidad deja que desear: Si lo vez en una TV de alta definición, lo observarás ligeramente “pixeleado”, además de que no se incluyeron aquí “Walking in your footsteps” y “Next to you”, que sí fueron interpretadas en aquella ocasión.

Material de engañoso título, ya que los seguidores de Lennon, Harrison, McCartney y Starr, espe- rarían encontrar ese primer concierto que la banda ofreció en Estados Unidos completo, algo que no sucede. Al final, se queda en una especie de documental de aquella primera visita a Norteamérica, donde sólo se pueden ver 8 canciones de las 12 que el grupo interpretó, en aquella fría y nevada noche de invierno. Por si esto fuera poco, el video, que ya ha sido restaurado digitalmente en otros títulos del mismo talante, aquí sólo se trasladó del original, lo que hace que la experiencia de viajar en el tiempo a través de un blu ray sea, lo menos, decepcionante. Nada recomendable, ni para los fans de hueso colorado.

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San Miguel SOUND El festival que sorprendió a los Guanajuatenses Por: Vania Castaños Foto: Miriam Almeida

Entre calles llenas de historia y casas coloniales, el festival San Miguel SOUND se llevó a cabo en la Plaza de Toros Oriente, en Guanajuato. Ghostad, Heloise and the Savoir Faire y Willy Mason fueron los encargados en abrir este evento que manejó un concepto bastante íntimo. Era un festival diferente y relajante. El sol iba bajando y era momento de disfrutar de Spank Rock que fusionó su ritmo salvaje, pero bailable, con visuales vintage y coloridos. Después de la presentación del rapero americano, llegaron Jenny and the Mexicats, quienes deleitaron a los fans con “Me voy a ir”, “Verde más allá” y canciones del segundo disco que se estrenará en junio de este año. El siguiente performance fue Here We Go Magic, quienes hicieron vibrar el escenario, para finalmente cerrar el día con Daydream Nation, dos músicos y un artista visual que crearon una experiencia anormal. El segundo día lo abrieron Regime Noir, Dukes County Love Affair y Acrilycs, a quienes se les encontraba entre el público durante las demás presentaciones. La cuarta banda en subir al escenario fue Oh Whitney, con letras de colores y música con toques de jazz amenizaron al público que disfrutaba de una tarde soleada. Después de Oh Whitney, Win Win y su música experimental dieron pie a una de las bandas que encabezan el Coachella de este año.  Washed Out invadió con pirámides rojas que se reflejaban en el visual. La banda de Georgia superó las expectativas con sus canciones “Feel It Aound”, “New Theory” y “Amor Fati”. El San Miguel SOUND estaba a punto de acabar y era momento de que Neon Indian cerrara el festival con un dj set que incluyó “Temporary Secretary” de Paul McCartney.

Lorde en San Miguel SOUND El efecto de la euforia pura Por: Eduardo Del Olmo Foto: Abraham Salazar

El San Miguel SOUND brindó la oportunidad a los guanajuatenses de ver actos en vivo como Neon Indian o Washed Out, y para la clausura de su primera edición, el acto principal del martes ocho de abril fue Lorde, quien a sus 17 años, apareció en el escenario y no hubo poder humano que pudiera contener los decibeles provocados por los gritos de euforia de los asistentes. No había interpretado ninguna canción y la neozelandesa ya tenía a la mayoría en el bolsillo. El concierto comenzó con “Glory And Gore” y después de cantar “Biting Down”, Lorde se mostraba sorprendida, no esperaba tal recibimiento, el cual agradeció previo a interpretar “Tennis Court”, primer track de su álbum debut Pure Heroine. El repertorio de canciones estuvo compuesto por “White Theeth Teens”, “Buzzcut Season”, “400 Lux” –que fue de las más aplaudidas–, “Easy” –cover que realiza a Son Lux–, “Ribs” –tema que, explicó, compuso en su casa durante una fiesta– y “Royals” –uno de los momentos cumbres–. Las luces combinaban y resplandecían al ritmo de los beats de “Team” y casi al finalizar, Lorde salió por un instante del escenario para reaparecer con una gabardina dorada brillante y cientos de papeles volaban por el cielo. En su clausura, San Miguel SOUND se convirtió en una enorme fiesta, Lorde era la anfitriona y los asistentes se encargaron de que fuera todo un éxito.


Fito Paez Mantuvo al límite a El Plaza Condesa Por: Roberto Moncada

Fotos por: Eder Yañez

El cantautor argentino deleitó a su público mexicano al interpretar sus nuevos éxitos y los más representativos de su trayectoria, ofreciendo un show del tamaño de su carrera, cargado con mucha pasión. El concierto comenzó en punto de las 21:00 horas, vestido con un saco azul de lentejuela, Fito Páez salió entre aplausos al escenario, iniciando con “Yo te amo“, que le da nombre a su último disco, siguiendo con “Margarita“ y “El jardín donde vuelan los mares“. Una noche romántica en la que Fito deleitó a todos sus fans, quienes cantaban sus éxitos como “Llueve sobre mojado” y también mencionó  algunas palabras después de “A lado del camino“ en agradecimiento por corearla junto con él como en ninguna otra presentación e invitó al público a agitar con mucha euforia para despedir su espectáculo. Al salir del escenario, el público con mucha emoción gritó el cantico “ole,ole,ole, Fito, Fito” para hacerlo volver con la memorable “El amor después del amor” y cerrar el concierto con “Mariposa Tecknicolor”. “Gracias por acompañarnos tantos años, somos una familia, los amo. Ojalá América se abrace y nos ayudemos a salir adelante, todos nos lo merecemos” con esas palabras se despidió del escenario tocando una última canción.

Avenged Sevenfold Vuela algunos cerebros Por: Brenda Arriaga Fotos: Cortesía OCESA

El Palacio de los Deportes fue el lugar donde Avenged Sevenfold dio uno de los conciertos más poderosos que ha visto la escena del rock alternativo en México. El 25 de marzo, los oídos de muchos explotaron con su performance; en punto de las 21:30 horas el grupo dio comienzo a una locura que no terminó hasta que salieron del escenario. Un rato después, Shadows soprendió al anunciar que en ese momento se estaba grabando su segundo DVD en vivo; nuevos éxitos como “Hail to the King” y “Nightmare”, y oldies como “Afterlife” y “Almost Easy” llenaron los oídos de todo el que puso pie en el lugar y se combinaron con pirotecnia y las habilidades que poseen estos 5 músicos en sus instrumentos. La cereza del pastel: “A Little Piece of Heaven”, momento en el cual no se oía ni la propia voz debido a los gritos que emanaban de las gargantas ahí presentes. Aunque habrá un DVD que constate el hecho vivido, es seguro que los que presenciaron este concierto lo mantendrán en su memoria por haber sido el día en que su cerebro voló lejos, muy lejos.


La música disco y su influencia en la electrónica ii Por: Israel Yonca

En el anterior número de Revista Kuadro, les

comentaba un poco sobre la historia de la electrónica, específicamente de la influencia de la música Disco dentro de la misma. Afortunadamente y gracias a ustedes puedo continuar con la segunda parte, que en esta ocasión se trata de todos aquellos géneros que se desprenden del Disco y cuyos nombres son Nu-Disco, Space Disco, Cosmic Disco y otros estilos que se han convertido en los favoritos de varios DJs en el mundo a la hora de mezclar. Cuando uno consulta diversas fuentes, entre ellas Wikipedia, lo primero que nos dicen es que se trata de “Subgéneros” que se crearon a partir de otros estilos como el House, Dance, Euro Disco, creados para la pista de baile. En estricto sentido la información no es errónea, sin embargo a lo que se refieren estos términos musicales y que repoden a un movimiento mucho más extenso que se creó en un principio, a partir de bases de tracks originalmente Disco. Todos estos “subgéneros” tienen una particularidad y es que fueron hechos a partir de elementos electrónicos, (de nuevo nos vemos inmiscuidos en la electrónica que es de lo que trata esta columna). Otra particularidad es que tuvieron un corto periodo de existencia, que como todo en la vida tienda a ser cíclico y ahora

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ha vuelto a retomarse no sólo por DJs, y productores, sino que muchas bandas optan por hacer tracks con elementos Nu-Disco, Space Disco y Cosmic Disco. Ahora el asunto de quienes son los exponentes más sobresalientes de estos, por un lado en lo que refiere al Nu-Disco, tenemos todo un catálogo que incluye a tipos como Lindstrøm & Prins Thomas. De Space Disco, también conocido como Sci Fi Disco, se encuentran Radiorama, Q-Feel, Ultravox, The Droids, entre otros. Para finalizar tenemos el Cosmic-Disco con un par de tipos que se dieron a la tarea de realizar un compilado con lo mejor del género que lleva por título por “Cosmic Disco?!” Cosmic Rock!!!.” Todos ellos comenzaron a utilizar samples, cajas de ritmos y mashups para dotarles de elementos electrónicos que en la mayoría de los casos están destinados para la pista de baile.


MOTHER THERE IS NO OTHER

Por: Carlos Edmundo

Probablemente “conquista” sea la palabra que más defina a Inglaterra. Claro, antiguamente conquistaba con la fuerza del ejército de Su Majestad, sin embargo, las últimas décadas, conquista con la fuerza de su música, y qué bueno, porque nadie quiere que venga un inglés a bombardearlo si no es con una canción sublime. Yo me he preguntado, ¿por qué una islita más pequeña que Coahuila, da tanta y tan maravillosa música? ¿Qué tienen de especiales? No somos tan distintos: ellos también son humanos y tampoco surgieron por generación espontánea, sino de una madre. Es más, son tan parecidos, que al igual que las abnegadas y formidables madres mexicanas, las madres inglesas también tienen un conglomerado de frases tales que harían que Shakespeare les pidiera consejo. A esas extraordinarias frases, los ingleses les llaman “Momisms” (amé el término), y suenan tan familiares, que me puse a fantasear un poquis… Imaginé a un Lennon escribiendo “Mother” porque de niño, su mamá le dijo demasiadas veces: —Because I said so, that’s why!—, o a Roger Watters escribiendo: “Another brick in the wall” porque su mamá le dijo reiteradamente cuando pequeño: —Am I talking to a brick wall?—, o a un Freddy Mercury tomando la legendaria aspiradora de “I want to break free” porque su mamá la usaba mientras le decía: —I’m your mother, not your maid!—. A mi yo escandaloso, le gusta la idea de un Robert Smith adolescente, a quien su madre le preguntaba: —Are you going out dressed like that?—, y mi yo tierno fantasea con una mamá inglesa diciendo “I’ll give you something to cry about”, para que un Morrissey decidiera hacernos llorar aún más.

Por supuesto que las mamás inglesas tienen ocurrencias intraducibles, como —If you want to act like a little shit, go lay in the yard—, pero nuestras mamás tienen unas más chidas y también intraducibles como sus “no me rezongues”, sus “carajos” y sus “ocho cuartos”. Ah, ¿verdad? Seguro que a Thom Yorke jamás lo mandaron por las tortillas, pero también es seguro que cuando la mamá de Mick Jagger le dijo: —Don’t use that tone with me—, obedeció y mejor usó Fa sostenido o Re Bemol, pero para hacer rolas. Inglesas o mexicanas, madre sólo hay una, por eso de verdad deseo que “Muse”, se halla llamado así en honor a una madre, porque eso son, musas de las que le dirían a los hermanos Gallager: —What part of NO don’t you understand?—, cuando peleaban a muerte desde morros, porque en serio, las mamás inglesas también dicen cosas como: —If all of your friends jumped off a bridge, would you?—, o —There are starving people in India who would be happy to clean your plate for you.—. Pensándolo bien, las frases de las mamás (inglesas o mexicanas), son aún más inmortales que las de nuestros ídolos, que quizá están donde están porque se inspiraron en ellas, o más bien, porque ellos sí les hicieron caso.

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Felipe El Hombre “Support your local rocker” Por: Viri Soto Fotos por: Manuel Valencia

Algunas personas afirman que estamos en un momento  en el que el rock ha muerto, que estamos en una etapa donde se ha perdido el verdadero sentido de esa música. Sin embargo, desde Casas Grande, Chihuahua, con sólo una caja de ritmo, buena vibra y pasión por la música pareciera que esta leyenda está lista para enaltecer a nuestro país.   Aún hay muchos talentos sin descubrir por aquí y por allá, muy pocos sitios prestan sus venues, apoyan a algún proyecto o escena; a veces olvidamos que nuestro lugar de residencia no es el centro de la tierra y muy pocas veces se cree encontrar potencial en las nuevas propuestas, detrás de cada una de ellas existe una campaña campal entre darse por vencido, o seguir a pesar de cada tropezón.   Una vez que conquistas tu territorio, sólo queda conquistar al mundo. Parece que la migración sólo es hacia el extranjero pero ¿qué hay de todos los que buscan llegar a las ciudades para seguir la conquista? Parece que todos nos agrupamos por el lugar de donde venimos y hacia dónde vamos; así poco a poco nuestros universos comienzan a unirse y expandirse. Este dúo debe gran parte de la aceptación que tiene actualmente a sus grandes amigos  a quienes ha conocido en esta búsqueda por el éxito. Nadie se imagina, cuando comienza una banda o proyec-

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to, que algún día alguien se sabrá sus canciones, tal vez ese sea uno de los principales sueños de todo músico, pero cuando tienes talento las cosas son espontáneas e inevitables. ¿Felipe el Hombre? Muchas veces se les relaciona con Portugal The Man, aunque no tienen nada en común. Felipe el Hombre es un sonido único, que no puede ser simplemente etiquetado, de viva voz Alejandro y Mario nos contaron quiénes son sus principales influencias para que ustedes tengan una idea de cuál es su sonido.  Sólo dos guitarras que crecieron escuchando a Led Zepellin, un par que ha ido evolucionando con The Kills, Arctic Monkeys, Zoé, Rodeo Way un dueto en constante práctica, prueba y error. Felipe el Hombre ha ido consolidando un estilo único que se complementa con un look retro, y con videos y visuales muy a los 60, teniendo en cuenta la importancia de los visuales hoy en día. La banda cuenta con un EP y se han hecho ya de sus fans a lo largo del país, no sólo en su tierra natal sino, en Morelos, San Luis Potosí, llevándose con ellos un motivo más para no parar. Actualmente están componiendo y las puertas a los festivales se les han abierto muy rápido. Sígueles la huella, atrévete a transportarte en el tiempo y a crecer con ellos, en todas sus redes sociales los encuentras con “Felipe el Hombre”.


Israel Arana

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Róisín Murphy Por Martín Pérez Rosales

Grace Jones, actriz, cantante y modelo, de finales de los 70, dejó huella en la vida de Róisín Murphy, cantante, compositora, productora, modelo, diseñadora y actriz irlandesa.  Con una personalidad arrolladora en escena, Róisín ha dejado huella en todas las personas con las que trabaja, especialmente con los italianos Luca C & Brigante, con quienes ha producido un EP llamado “Flash of life”, exquisita pieza para los amantes de las luces y cocteles, en el más estricto sentido del house. En mayo regresa Róisín con el productor italiano Sebastiano Propetzi  con  «Mi Senti”, un EP compuesto por seis temas que hacen alusión y honor a las divas italianas como Mina y Patty Paravo, cantado en italiano, que no es precisamente su terreno, ya que en la música electrónica tiene un peso indiscutible. La influencia inglesa enriquecedora le dio la oportunidad de conocer a Mark Brydon en una reunión, presentándose con un “¿Te gusta mi suéter ajustado?”, que da título al primer álbum de Moloko, dueto de drum and bass,  mejor conocido por sus éxitos “Fun for me” y “Sing it back”, éste segundo, un éxito rotundo en los escenarios de música dance en la versión mezcla y producción de Boris Duglosch. Con cuatro álbumes de estudio y larga carrera en los escenarios, nunca imaginó Róisín que sus dotes de cantante aficionada la llevarían hasta las pistas internacionales de baile y música electrónica, después de la disolución del dueto en 1999 con

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el álbum “Statues” que habla y describe mejor las relaciones entre personas que trabajan juntas y se enamoran, con las consecuencias que esto trae. Dedicada en su momento al diseño en la pasarela comienza también una carrera solista que aporta no sólo lo fresco de su música sino también la alternativa de escuchar propuestas tan bailables como cualquier exponente femenina en la escena del house. Su primer álbum llamado “Ruby Blue” (2005) está lleno de sonidos northern soul bien estructurados que se disfrutan al instante; el segundo álbum está lleno de matices electropop que dan luz a Overpowered con piezas tan sticky como “Primitive” o “You know me better”, que la posicionaron como la mejor cantante en su género a finales del 2007. Hay un tercer álbum que tiene  algunas discusiones con su disquera EMI y está pendiente,  y un entretanto en colaboraciones de la   pantalla grande con   películas como “What Richard did”, como Lara hogan, “Roadkill” como Anita, o “Ourunfenced Country” como Shaun. El sentido principal es que des oportunidad de escuchar en tus haberes musicales a Róisín Murphy, aclamada universalmente en el arte de la música por sus innovadores álbumes al igual que en el mundo de la moda por su estilo excéntrico y vanguardista. Esto último la describe tal cual, música para los que viven el momento.  


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Revista Kuadro No. 11  

Ya pueden leer el número 11 de Revista Kuadro. Este número dedicado a Gran Bretaña que ha aportado tanto a la música, además en la portada e...

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