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Entrevista

Víctor Soler De gala para pintar Fundación Antonio Gala

Un homenaje en la pared

El graffiti de Miguel Hernández

m a e t S y Mercur

n ia a v e l t s a C e d ’ artists t p e c n o c ‘ s o l El trabajo de


Ed

El equipo de Grafito Redacción Luis Baeza Asunción Niñoles Pablo Peris Cecilia Scianca

Maquetación Pablo Peris


ditorial Luz al dibujo La Real Academia Española define de varias formas qué es la ilustración. Aparte de la “acción de ilustrar”, es decir, dibujar un cuerpo, también es destacable aquella que dice “dar luz al entendimiento”. ¿Por qué nace Grafito? Precisamente por lo dicho anteriormente. La ilustración parece, en nuestros tiempos, una profesión olvidada como tal aunque está presente en más lugares de los que creemos. Desde esta publicación se quiere “dar luz” a todas esas profesiones que nacen de la base de esta carrera. Por estas páginas pasarán tatuadores, grafiteros, diseñadores de moda, de coches, concept artists de videojuegos, pintores, ilustradores de cuentos infantiles, mujeres que destacan en la profesión, creadores de cómics, estudiantes y un largo etcétera. Grafito intentará ocupar un nicho vacío en el mercado dirigido a artistas ya consagrados, a los que estén empezando, a alumnos y futuros profesionales o a cualquier interesado en el mundo del dibujo. Para todos ellos será esta publicación. Y estará en los kioscos con una frecuencia bimestral con la finalidad de buscar los mejores reportajes, las más interesantes entrevistas, crónicas destacables y toda la información que pueda necesitar nuestro público objetivo. Además, se contará con la participación de los lectores. Algo fundamental para tener en cuenta lo que éstos demandan y saber lo que les interesa. ¿Cómo? Desde una sección dedicada íntegramente al material que envíen a la revista así como el hecho de poder mandar sugerencias, preguntas o consejos a la redacción de la misma. Tampoco olvidaremos el uso de las nuevas tecnologías, fundamental en estos tiempos que corren. Aparte de nuestra web, estaremos también en Facebook y en Twitter. Esperamos servir de intermediarios para que se conozca mucho más la labor creativa de estos profesionales del sector y que los lectores disfruten en el abanico de posibilidades que ofrece la ilustración. Y, por supuesto, deseamos que este sea el primero de muchos números.

Revista Grafito

@revistagrafito

www.revistagrafito.info


o i r a m Su

Grafito

Julio no Loza

La generación que viene 72

s o m a c a t s e D team Mercury S en

bién Arte, tam egos u j o e d i v s lo 42

er Víctor Solo Minimalism ala a gran esc

16

68

r en la e j u m La ción ilustra 24

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Paula Alenda

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Ben Heine

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50

26

36

s e n o i c c e s s a r t s e Nu

lo Pab uz r Lac Perfiles de actualidad

6

n del Crónica: Saló goza cómic de Zara 8 Museo

78

as Nuevas y viej tendencias 80 Tu arte 82 s Recomendamo 84

64

Fundación Antonio Gala 56

Paco Roca

60


Perfiles de actua Alvin Lee Este ilustrador canadiense mundialmente conocido lleva desde los 17 años trabajando en el mundo del cómic. Ha dibujado personajes para grandes compañías como Marvel o Capcom videojuegos. Cómics como Transformers, X-Men, Spiderman,

Edad:31 Ironman, The Hulk forman parte de su currículum. La realización de Street Fighter 3 lo catapultó a la fama y ahora trabaja como freelance para compañías de renombre como Disney. Fue nombrado mejor ilustrador del 2010 por la web Abduzeedo.

Edad:28

Nina Matsumoto

Apasionada por el manga, Nina Matsumoto pasó del anonimato al estrellato hace unos años gracias a la publicación de dos dibujos en los que recreaba a los personajes de los Simpsons y Futrama al estilo del anime japonés. En sólo un par de días su blog

obtuvo 100.000 visitas. Tanto éxito tuvieron que dichas ilustraciones llegaron a manos de Matt Groening, creador de estas dos series, el cual contrató a Nina para trabajar en un cómic de los Simpsons. Actualmente trabaja con la FOX.


alidad Juan Francisco Casas Nacido en Jaén, este joven artista se especializa en el campo de la pintura y, desde 2006, en dibujos realizados con boli Bic azul. Su estilo parte de fotografías domésticas, las cuales

Edad: 35

dejan ver diferentes momentos de la vida, siempre con un toque de felicidad, complicidad y sentido del humor. Actualmente reside en París y sus dibujos cuestan hasta 4.000€.

Laura Laine

Edad:28 Su deseo era trabajar para una revista de moda, sin embargo su talento la llevó más allá. Con sólo 24 años ya había logrado publicar sus ilustraciones en The New York Times Magazine,

Jan Kallwejt Este artista polaco residente en Barcelona ha trabajado para auténticos “peces gordos’ como The New Yorker, Wired, Toyota, Nike. Se caracteriza por su paleta de colores que limita a

Edad:30 uno o dos tonos por dibujo. Amante de la iconografía, parte de figuras simples logrando composiciones complejas llenas de originalidad. En 2011 veremos su obra en el calendario de Renfe.

The Guardian, The New Yorker, Elle, Telegraph, Vogue, etc. Incluso, ha trabajado para firmas de moda reconocidas mundialmente como Zara, Escada, Tommy Hilfiger, GAP.


Actualidad |

Salón

Las asociaciones Mala vida y Giro Cultural y autores como Juan Boix y Miguel Fuster, entre otros, fueron los protagonistas en el desarrollo del noveno encuentro de la ilustración en El Salón del Cómic de Zaragoza

El comic tradicional volvió a triunfar en Zara

El Conde Ciel Phantomhive y la revolución de los frikis

Zaragoza celebra su IX Salón del Cómic con más de 16.000 visitantes y 64 expositores

Luis Baeza

Probablemente el conde Ciel Phantomhive Kursohitsuji no encontrase en ese espacio tan real al demonio al que vendió su alma para, tal vez, recuperarla. Ni siquiera cumplió los propósitos que le adjudicó su creadora Yana Toboso. Sin embargo, su vestimenta era perfecta: parche en el ojo, cabello violeta y lazo azul en el cuello. De hecho, si se le observa en una fotografía, uno podría

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pensar que tiene delante al mismísimo personaje del manga. Pero allí, en el Salón del Cómic de Zaragoza, el conde Kursohitsuji se llama Cynthia Caso y tiene dieciocho años. “Me he disfrazado de este personaje porque sigo este cómic desde hace mucho tiempo y me gusta mucho su psicología”, explica Cynthia para justificar su elección en medio de una multitud de

personajes de cómic. Así es. El Salón del Cómic de Zaragoza, que se inauguró el pasado viernes a las 17 horas y tuvo lugar hasta el domingo a las nueve de la noche, acogió a más de 16.000 personas (dos mil más que el año anterior) y 64 expositores según datos de la organización que lo califica como “muy positivo”. A lo largo de los tres días, el IX encuentro del cómic zara-

gozano contó con actividades de diversa naturaleza: talleres de escritura en japonés, concursos de karaoke, charlas informativas sobre las últimas tendencias, torneos de Guitar Hero… Cabe destacar, asimismo, la labor de colectivos como Malavida y Giro Cultural que organizaron gran parte de las actividades así como la presencia de importantes autores como Juan Boix y Miguel


n del cómic

agoza. En los diferentes estands del encuentro, los autores pudieron mostrar al público sus mejores trabajos. Además, asistieron a esta feria editoriales importantes de toda España

Fuster. Por otro lado, José Manuel Alonso Plaza, licenciado en Historia Contemporánea, ofreció una charla sobre “El desafío del Capitán Trueno: un héroe solidario en el franquismo” y Studio Kat Network, por su parte, planteó un debate sobre el futuro del cómic “¿Se siguen vendiendo tebeos en papel”. Los más pequeños también tuvieron su espacio ya que se habilitó una sala para niños de entre 3 y 12 años para la lectura de tebeos. Allí mismo apareció Super López, uno de los personajes más populares del cómic español, vestido de azul y capa y también el Capitán Trueno con muchas aventuras para contar. Para los más mayores también se desarrollaron otros talleres como la fabricación de personajes, disfraces, pulseras, colgantes… Y para los adolescentes talleres de ae-

rografía y gymkana. Sin embargo, la hora clave fue las 18.30: ¡el concurso de Cosplay iba a comenzar! Y quizás ésta fue la actividad más valorada por los asistentes. Sea como fuere, el escenario del “Salón” no tiene nada que ver con el que pisan los grandes pianistas. ¡Ni mucho menos las estrellas del pop! Es un espacio más austero y controvertido. Un lugar en el que todos los cosplayers interpretaron y coreografiaron como mejor supieron a sus ídolos del anime. El salón aragonés En general, este evento como muchos participantes opinan- no se puede comparar con el Salón del Cómic de Barcelona. Aún así, este reducto aragonés también tiene su encanto y su interés comercial. “¿Salón del Cómic o Tienda del cómic”? se pre-

guntaba Kursohitsuji ante la abrumadora presencia de las editoriales: GP ediciones, Ediciones Tusitala, 1001 ediciones de Zaragoza, Anillo de Sirio (Valencia), Astiberri (Bilbao), Diábolo ediciones (Madrid), Dolmen Editorial (Baleares) y Norma Editorial (Barcelona). “No sólo es el cómic sino todo lo que mueve”, explicaba de nuevo el Conde antes de haberse difuminado entre las viñetas. Pero, desde otras, asomaron nuevos personajes. Jóvenes ilustradores también quisieron mostrar sus creaciones. Es el caso de “El boniato catalítico” y su equipo de dibujantes con el cómic Estafermo (Así mirabas a tu novia). “Cuando estaba tirado en el sofá sin hacer nada mi abuelo decía: ¡eres un estafermo! Y eso me inspiró para realizar este cómic”, explica uno de los autores del cómic.

Este evento, en efecto, también supuso una plataforma de difusión y apoyo a aquellos creadores que ven minadas sus oportunidades en el mundo laboral. En definitiva, los asistentes encontraron en el Salón del Cómic un escenario único para poder desarrollar su imaginación. De hecho, tal y como cuenta Julia – que va vestida de Chiyo del manga Azumanga Daioh- : “normalmente no podemos ir vestidas así por la calle ya que nos tacharían de freaks y se reirían de nosotras”. Sin embargo, estos personajes han tenido sus tres días de gloria y su propia revolución en el Salón del Cómic. Han experimentado la sensación de ser un dibujo animado, de adoptar las formas de sus ídolos y, de paso, de diferenciarse sutilmente de la sociedad.

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Créditos de Hipnosis: Saul Bass Luis Baeza

El reconocido diseñador estadounidense utiliza en sus trabajos formas y figuras geométricas que están al borde de la hipnosis. Como podemos ver en los siguientes ejemplos, las líneas, la distorsión de la forma y el estilo irreal son característicos de la obra de Saúl Bass. El caso de Vértigo, como se adelantaba anteriormente, es excepcional ya que Saúl Bass, además de encargarse de los títulos de crédito, trabajó en una escena mítica de la película: el sueño de Scottie. Esta película está plagada de dobles significados y de simbolismo.En una pesadilla del protagonista en la que recuerda a su amada recién muerta, se desarrolla toda una secuencia de lirismo visual que deja entrever la patología del protagonista (la acrofobia) y la desesperación por la pérdida de Madeleine: su amor. El sueño se desarrolla a través de un ramillete de flores cuya importancia radica en el argumento. Éste, a lo largo del sueño, se va descomponiendo mediante la técnica de la anima-

En el cine encontramos ejemplos de una de las manifestaciones más geniales y originales del diseño gráfico. Los amantes del séptimo arte saben que Saúl Bass fue un revolucionario en los títulos de crédito de películas como West Side Story o Vértigo. En concreto, este último film de Alfred Hitchcock posee una escena onírica construida por éste y Saúl Bass que forma parte del culto del cine y que es considerada por muchos expertos, como el aragonés Luis Buñuel, como uno de los mejores relatos de un sueño. Cuidar los aspectos tipográficos de las películas y dotar las secciones de créditos del film de cierta autonomía artística es síntoma de una gran profesionalidad por parte de sus directores. Por poner algún ejemplo: Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Martin Scorsese o Otto Preminguer. Bass, en este sentido, aporta en sus trabajos un mundo independiente que inicia al espectador en la trama de la historia; en su psicología, en el contexto, la ambientación…

La obra de Sául Bass está llena de formas que se desarrollan y toman vida en una parcela llena de hipnosis en la tercera dimensión”

ción con la idea de “la destrucción y fragmentación de lo bello”. Como resultado: una escena llena de sugestión. El personaje, en su sueño, ve todos sus miedos y sus frustraciones. Los colores, las formas y el ritmo con el que se van su-

cediendo provocan una sensación de desconcierto. La obra de Saúl Bass está llena de formas que se desarrollan y toman vida en una parcela llena hipnosis en la tercera dimensión y que aportan gran personalidad a la película.

En el inicio de West Side Story aparecen unas barras verticales abstractas. Esta obertura va cambiando de colores ya que se va repitiendo la forma desde un naranja eléctrico hasta el azul. La imagen da paso a una toma aérea de Manhattan, y las barras verticales adquieren su significado. Leonard Bernstein musicalizó esta famosa película.

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a r u t x i m : e t r a y y a Sp n ó i t s u b m o c a t l a e d

Asunción Niñoles

Encuentralos

Los contenedores de vidrio de color verde se han convertido en un elemento habitual del paisaje urbano. No obstante, estos nuevos diseños basados en el grafiti aportan nuevos matices y colores a la ciudad. ¿Quieres saber dónde están ubicados estos originales con-

Alicante. Calle. Aceras. Viandantes. Talento. Ajetreo. Contenedores de vidrio convertidos en improvisados lienzos. Sostenibilidad. Ingenio. Colores. Concienciación medioambiental. Gorras ladeadas. Ecología. Legalidad. Aerosoles. Grafiteros. Arte. Reciclaje. Rap. La suma de todo lo anterior da como resultado: “Sprayate”, un concurso convocado por la Concejalía de Atención Urbana del Ayuntamiento de Alicante e Inusa, la empresa adjudicataria del servicio de limpieza y recogida de residuos en el municipio. Este certamen de arte urbano y grafiti sirvió, además de para dar salida a la expresión de los creadores urbanos y contribuir a la mejora estética de las calles alicantinas, para trasladar un mensaje claro a la ciudadanía: fomentar el desarrollo sostenible. Asimismo, y mediante esta particular iniciativa de la corporación municipal, también se ayuda a la promoción del talento artístico y a combatir el vandalismo en los diferentes espacios urbanos de la localidad. He aquí arte urbano, no vandalismo. En el concurso participaron un total de 18 artistas grafi-

tenedores de vidrio? Pues apunta las siguientes direcciones y diviértete por las calles de Alicante con el grafiti sostenible: Avenida de Maissonave,10; Calle del Pintor Aparicio, 22; Avenida Doctor Gadea, 28 y Alfonso X El Sabio, 40.

teros de Alicante, Valencia, Barcelona y Asturias de diferentes edades. El ganador del primer premio, dotado con 1.000 euros, recayó en la obra titulada "¿Ecojuegos?" del alicantino Soul. Por otro lado, el madrileño Artza con "Noche y Día o Zanahoria de Bajo Consumo" y el oriolano Cuellimangui con "Ciclo Vital" recibieron el segundo y tercer galardón, respectivamente, con un valor de 500 euros cada uno. La reivindicación de este arte callejero queda patente. ¡Arriba el grafiti sostenible! En todos los sentidos, claro…En definitiva: menos ‘bombardeo’ (esto es: firmar en el mayor número posible de lugares) y más creación artística urbana pautada.

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Pr fo Jap

11 de marzo de 2010. Un terremoto y un tsunami asolan vuelca con la catรกstrofe y colabora recaudando ayu 12 | Grafito


ay or pan

n la costa noreste de Jap贸n. El mundo de la ilustraci贸n se uda con lo que mejor sabe hacer: arte.

Pablo Peris

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l pasado 11 de marzo Japón sufrió un terremoto de grado 9 en la escala de Richter. Tan sólo unos instantes después le siguió el paso un devastador tsunami que arrasó la zona costera del noreste del país. Casi 15.000 muertos, más de 10.000 desaparecidos y más de 5.000 heridos. Ante tal catástrofe, la respuesta internacional no se hizo esperar. Todo tipo de ayuda desde los rincones más lejanos del mundo llegó rápidamente a la zona afectada. Y la ilustración no podía ser una excepción en un caso de esta relevancia. Inmediatamente y gracias a la oportunidad que ofrece Internet, se llevaron a cabo diversas campañas cuyo fin es el de mostrar el apoyo al pueblo japonés y recaudar fondos para el país nipón a través de la ilustración. De ahí es de donde surgen las imagenes que acompañan estas palabras. No tardaron en aparecer todo tipo de dibujos, ilustraciones y logos cuyo único objetivo era el de solidarizarse con los afectados por el tsunami. Especialmente recurrente fue el uso de la bandera de Japón. Su inconfundible fondo blanco con un lunar rojo en el centro se convirtió, de la noche a la mañana, en una excelente arma de trabajo para ilustradores de todo el mundo. Sencillez y armonia combinados a la perfección. Una sencillez que permite explorar la creatividad de los ilustradores. Sólo así se explica la calidad de muchas de estas obras, la mayoría de las cuales fueron realizadas en tiempo récord. Una idea o un concepto. No más. Desde Grafito queremos sumarnos, en la medida de lo posible, a esta campaña de solidarización del mundo de la ilustración. Por ello recogemos algunas de las ilustraciones que más nos han gustado, impactado y conmovido. Cada una de ellas, a su manera, representa el apoyo de todos con los afectados por esta tragedia. Esperamos que este gesto sirva para aportar nuestro granito de arena a esta magnífica idea. Hay muchas formas de colaborar, una de ella a través de internet y la Cruz Roja japonesa (http://www.google.com/crisisresponse/japanquake2011.html). Esperamos que estas páginas sirvan para ayudar a una buena causa. Todavía queda mucho trabajo por hacer y la ayuda seguro que es bienvenida. Respaldemos así la ilustración solidaria.

Natascha Rosenberg

pray for japan

E

Alex Liebold

Craig Jamieson


Rob dobi Patrcik Palombo

Jim LePage

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a gran escala Mi n iMAliSMo

Pablo Peris Fotos e ilustraciones: cedidas

Victor Soler no deja nada al azar. Cada trazo está pensado al milímetro. Cada sombra cuidada al máximo detalle. Sólo así se consigue la excelencia. Sus obras de grandes dimensiones no están en absoluto reñidas con los más cuidados detalles. Ahí reside la magia de sus dibujos. Ahí y en los más de tres meses de trabajo que requiere cada una.

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Foto: Pablo Peris


encillo y natural. Así es Víctor Soler. Otros adjetivos como autodidacta, luchador, amante del cómic también encajan en la personalidad de este castellonense que a sus 39 años, tras irse a vivir a Madrid, ha encontrado su hueco en el mundo de la ilustración.

S

“Lo que tengo me lo he ganado a base de currar”, comenta. “Me encanta Malasaña [el barrio de Madrid donde vive y trabaja], mi vida aquí es una gozada, soy un privilegiado y disfruto con mi trabajo”, añade. Sin embargo, no peca de falta de modestia. Huye de los mitos del mundo de la ilustración y

disfruta de la sencillez del que ha encontrado su sitio y sabe disfrutar de lo que tiene. Ahora ya ha encontrado su sitio en este mundo, pero ¿de dónde viene la afición por la ilustración? Desde muy pequeño... Me gustaban los que hacían ilustraciones, dibujos de porta-

“Mi vida aquí es una gozada, soy un privilegiado y disfruto con mi trabajo” 18 | Grafito

das de cómics... Me compraba libros de dibujantes y yo quería hacer lo mismo que ellos. Y por aquel entonces empezó a dibujar… En el colegio mi manera de sobrevivir era haciendo dibujos. Recuerdo que hacía ‘Mazinger Z’ para la gente y era una manera de ganarme mi estatus. El dibujo era mi arma, porque siempre se me ha dado muy bien. ¿Fue entonces cuando deci-


dió que era el momento de empezar a formarse? Sí. Cuando tenía 10 años me apuntaron a una academia de dibujo e iba allí a pintar al óleo y a hacer retratos. Desde pequeño tenía muy claro que quería dedicarme a esto y ya en el Instituto tenía claro que iba a hacer Bellas Artes. Finalmente hizo la carrera de Bellas artes. ¿Qué recuerda de los estudios? Fue un desastre. Pasé una

crisis que incluso dejé de dibujar durante mucho tiempo, porque no me creía lo que me vendían en la Facultad. No me creía nada y me quedé muy frustrado. ¿Sacó algo positivo de aquello? En la Facultad aprendí qué es lo que no quería hacer. Igual yo no supe coger lo que

me interesaba y sólo veía cosas malas, pero lo que veía me afectaba mucho. Me decepcionaba. Ha comentado que dejó de dibujar durante un tiempo. ¿Cómo volvió a engancharse a la ilustración? Dejé de dibujar y estuve unos años muy perdido porque había enfocado toda mi vida

a la ilustración y vi que Bellas Artes me estaba decepcionando mucho. Pero afortunadamente en Castellón había un pequeño estudio de dibujos animados y decidí ir. Acordé con ellos que iría a aprender todos los veranos sin cobrar. Tras esa experiencia inicial, ¿cuál fue su primer trabajo?

“En la Facultad aprendí qué es lo que no quería hacer” Grafito | 19


La entrevista de

Tuve la suerte de que se abrió un estudio de animación en Valencia [Cartoon Porductions]. En España no había casi dibujantes de animación y yo tenía la suerte de haber aprendido. Me llamaron de Cartoon para trabajar cobrando y aprendiendo. Y encima con una serie que era muy sencilla que se llamaba Cuttlas. Allí estuve 9 años dibujando y aprendiendo. ¿Cómo fue aquella experiencia? Trabajé en muchas series como animador y sufriendo mucho, pero también aprendí mucho. Cogí lo más importante, Oficio. Porque al final se trata de tener oficio y de currártelo. Habla de que hay que currár-

Víctor Soler

“Lo pasé mal porque estaba sólo y sin dinero. Y me empecé a cuestionar todo” selo… ¿le costó? La verdad es que lo pasé muy mal porque me puse a trabajar con un grupo de gente que tenía mas nivel que yo así que tenía que trabajar el doble que ellos para estar un poco por debajo de su trabajo. Y después siguió vinculado a la animación. Luego estuve en Filmax año y medio. Lo bueno de allí es que aprendíamos unos de otros. Pero lo más importante que aprendí allí fue a reforzarme a mí mismo: supe que me gusta esto de la ilustración.

¿Y cómo acabó en Madrid? Mi hermano vivía aquí y dejaba la buhardilla que estaba muy bien y me la ofreció. Y me vine a Madrid completamente sólo y sin dinero. ¿Le resultó duro ese cambio? Lo pasé mal, porque estaba sólo y sin dinero. Y me empecé a cuestionar todo, pero no quería buscar otra cosa. Pero al final consiguió encontrar su sitio. Sí. Un día mi hermano me regalo unos comics de aquí [la tienda The Comic & Co, donde trabaja] y vine a cambiarlos. Hubo buen rollo y empecé a venir más. Ha-

“Puse un trabajo en el escaparate y empezó a venderse y a entrar gente. Ahora hago piezas únicas”

blando surgió la idea de montar aquí una mesa para dibujar y así yo no estaba tan sólo y encerrado en casa. Entonces me vine aquí y nos asociamos prácticamente para llevar la tienda. ¿Cómo empezó a encontrar clientes? Puse un trabajo en el escaparate y empezó a venderse y a entrar gente. Y ahora ya hago piezas únicas. Y tengo bastantes encargos. ¿Y de dónde surgió la idea de hacer murales a tamaño gigante? Yo empecé a trabajar para varias revistas como ilustrador de prensa. Y uno de los clientes tenía un amigo que se compró una casa y quería algo grande. Y me busqué la vida de cómo llevar algo así a


“El animador tiene una capacidad muy grande de adaptarse a muchos estilos y luego tienes problemas para definir tu manera de dibujar” ese tamaño. Y así es como empecé, pero tampoco fue algo que busqué. ¿Qué ha podido aprovechar de la experiencia de la animación en su trabajo actual? Influye mucho, sobre todo la manera de construir. Al principio sí que me costó más porque el animador tiene una capacidad muy grande para adaptarse a muchos estilos de dibujo y luego tienes problemas para definir tu manera de dibujar. Yo de hecho yo todavía estoy evolucionando y perfeccionando mi estilo, porque después de Cartoon he hecho muchos trabajos diferentes. ¿Qué influencias tiene su trabajo? Al principio sueles tomar la

referencia de ilustradores que te gustan. En mi caso, mis preferidos eran Ted Nasmith y Frank Fazetta. Me gusta el estilo de los años 30 a los 60, cuando la fotografía no se usaba apenas y la publicidad iba ilustrada. Fue una época de grandísimos dibujantes. Pero sobre todo los ilustradores de la época de los 50 son los que más me gustan. ¿Es muy autocrítico? Me gusta mucho corregir y revisar mis trabajos pero sin obsesionarme. Creo que es sano. Y no me supone un problema. A mí la idea esa del artista frustrado, decadente... Yo me lo paso genial dibujando. Autocrítica mucha, hace falta, pero

Después de la lucha, la calma Por Cecilia Scianca

Artistas como Víctor Soler son los ejemplos que queremos promover desde Grafito. Gente que haya empezado desde cero y que puede vivir de la ilustración. La lucha por la superación y el encontrarse a uno mismo como profesional es un camino muy largo y, casi siempre, lleno de obstáculos. Ya decía Paulo Coelho aquello de “la posibilidad de realizar un sueño es lo que hace que la vida sea interesante”… No importa si se tiene más o menos éxito o si, por ejemplo, vendes cientos de cuadros o llegas a exponer en el extranjero aunque, por supuesto, la búsqueda de reconocimiento es algo innato. Ir paso a paso, recoger lo bueno y lo malo, tropezar y recuperarse, pero nunca rendirse es lo fundamental. No obstante, lo importante de este oficio, como en todos aquellos en los que la vocación haga acto de presencia, es vivir haciendo lo que a uno le gusta: divertirse dibujando y no aburrirse jamás. A lo largo de su vida, Soler quiso tirar la toalla varias veces pero siguió firme ante la adversidad, con una meta clara: la ilustración como forma de vida. Una vez más se demuestra que la experiencia es algo fundamental. Hasta el más ridículo de los trabajos puede servirnos para el futuro. ¿Quién le iba a decir a este ilustrador de prácticas en aquella empresa de animación, sintiéndose inferior a sus compañeros, que 20 años después estaría imprimiendo parte de esa experiencia a sus murales actuales por los cuales está siendo reconocido a nivel nacional? Valorar cada oportunidad sin despreciar ninguna es casi una obligación individual. Tomar lo bueno de cada trabajo, una necesidad. Y aprender constantemente, ley de vida. Y después de la lucha también llega la calma, porque el esfuerzo y la superación personal, tarde o temprano, dan sus frutos.

Trabajo de escaparate Víctor Soler trabaja sin complejos. Disfruta mostrando su obras; a fin de cuentas en eso consiste su trabajo. Por ello ha elegido un lugar muy especial para trabajar. En pleno barrio de Malasaña, en Madrid, ocupa el escaparate de la tienda ‘The Comic Co’, un pequeño local dedicado a la venta de cómcis. Allí, quien quiera puede verle en acción. Dice sentirse “como el que va a pintar en la Plaza Mayor”, aunque él lo hace en su propio espacio. Como suele pasar en estos casos, la idea surgió por casualidad. “Tenía buena relación con Jaime [su socio y responsable de la tienda] y un día surgió la idea de montar una mesa aquí para dibujar y no estar tan sólo en casa”, comenta. Poco a poco ha ido haciendose su hueco, en parte gracias a la idea de exponer sus dibujos en la tienda.

Grafito | 21 La tienda ‘The Comic Co’ donde Víctor Soler trabaja junto a su socio/ Víctor Soler


La entrevista de

sin auto-flagelarte. Hay que quedarse con lo bueno. Cuando encuentras ese punto de equilibrio, ese punto en el que te encuentras cómodo con lo que haces, es cuando empiezas a avanzar. Cuando disfrutas con lo que haces, no pretendes ser transgresor y dibujas porque te apetece. Ya dirán

Víctor Soler

que veo que tiene argumentos, saben por dónde van y tiene su propio criterio. ¿Usted es de los que suele ayudar? Lo intento. No tengo tiempo, pero a veces entran chavales a preguntar. Yo estoy aquí trabajando y tengo mis trabajos expuestos y al que le gusta entra y lo compra. Yo

“Muchas veces en este mundo lo difícil es encontrar tu sitio” los demás si eres bueno o malo. ¿Le afectan las críticas externas? Claro que afecta. Y al fin y al cabo quieres que guste. ¿En quién suele apoyarse y a quién suele pedir consejo? Mi socio me ayuda mucho. Es publicista y era director de arte. Y luego tengo compañeros de profesión de los que he aprendido muchísimo. Normalmente, el que es bueno también es generoso. El que sabe lo que hace y sabe por dónde va, comparte. Hay compañeros que me interesa su opinión por-

no soy nadie. Por eso cuando viene alguien yo intento ayudar pero tampoco soy quién ni tengo muy claro cómo ayudar. Además tengo muy claro que la forma de la que yo he llegado aquí a otro puede no servirle. No hay una fórmula exacta. Pero si alguien viene y me enseñas sus trabajos intento ayudarle, intento ser amable y sacar lo positivo. En general, ¿cree que la gente ayuda lo suficiente? Hay de todo. A veces te encuentras con gente que te echa el trabajo por tierra pero te lo dice de tal manera que

te vas con ganas de volver a repetirlo y hay gente que te deja hundido en la miseria. Depende de cada uno. ¿Cómo ve el mundo de la ilustración desde dentro? ¿Es una profesión tan marginal como parece? En España es un mundo muy difícil y desgraciadamente poco reconocido. Muchas veces en este mundo lo difícil es encontrar tu sitio. Yo he puesto mis dibujos y han gustado. He tenido la suerte de estar aquí y que me vaya bien ¿Y qué le parece las oportunidades que ofrece Internet? ¿Intenta aprovecharlas? Personalmente descubrí hace poco el Facebook. Yo no me hago publicidad ni nada, pero es una buena manera de mostrar tu trabajo y que la gente lo vea. Lo bueno que tiene el Facebook es que quien escribe es gente que tiene algo bueno que decir. Y a nivel profesional poder enseñar tu trabajo a 600 personas nada más acabarlo es una pasada. También interactúo con compañeros. Internet es bueno según el uso que le des.

El proceso 1

Documentación

Elaborar una obra como las que hace Víctor Soler no es nada fácil. Más de tres meses de trabajo son los culpables de que sus dibujos luzcan a la perfección. El trabajo empieza con un intenso proceso de documentación en el que Víctor Soler pone todo su empeño para conocer hasta los últimos detalles del tema en cuestión. Nada queda libre a la improvisación. Cuanto más sepa del tema, más podrá

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inventar una vez se ponga a dibujar. “Me documento muchísimo y también disfruto con ese proceso porque me ha permitido aprender mucho. Además, cada trabajo me supone un reto, yo intento darle la vuelta y dibujar algo diferente”, asegura. Tras estudiar la temática que le propone el cliente, llega el momento de decidir cómo va a ser el diseño definitivo y coger el lápiz y empezar a plasmar ideas.

2

Bocetos

Cuando tiene la idea en la cabeza, toca empezar el proceso creativo. Con lápiz y papel, como en los viejos tiempos, van saliendo uno a uno los bocetos de todos los elementos que posteriormente compondrán el cuadro. Con estos diseños, Victor Soler plasma el primer dibujo de lo que posteriormente será el mural definitivo. Pero todavía queda mucho trabajo por hacer.

“Poder enseñar tu tra nada más acabarl


abajo a 600 personas lo es una pasada”

3

Víctor Soler trabajando en su estudio/ Víctor Soler

Dibujo

Tras el diseño de los bocetos toca ponerse delante del ordenador y empezar a diseñar sobre lo que será el cuadro definitivo. Uno a uno, los elementos del trabajo van tomando forma en Photoshop. Trabajando con centenares de capas, Víctor Soler hace un dibujo sin color del cuadro definitivo. Gracias a la tableta digital con la que dibuja, sólo

tiene que aprovechar su habilidad en el dibujo como si estuviese trabajando sobre el papel. El resultado, aún sin acabar, ya es espectacular, pero esto no ha hecho más que empezar. Llega la última etapa.

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Photoshop

Finalmente, con la base del dibujo en Photosop, llega el momento de darle color. “A mí nadie me ha enseñado a dibujar así, esto es una técnica que me he sacado yo de la manga”, afirma el ilustrador. No le

falta razón, pero el dominio que ha conseguido con este programa es envidible. Poco a poco la imagen toma forma. Colores, sombras y una cantidad de efectos innumerable son sus herramientas para conseguir un impactante acabado.

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ional s fe ro p ra o d ra st u il e r je u M

i v n é i b m a ¡Ellas t Asunción Niñoles

Las artistas del dibujo en España, contrariamente a lo que suele pensarse, no sólo ilustran cuentos infantiles, qué va. Se atreven con la fantasía y el terror, con el erotismo y el humor, pero es obvio también que destacan en lo relativo a las historias de amor y ternura dirigidas,

y que tienen como protagonistas, a los más pequeños. Por eso es importante ‘sentirse como la niña que nunca creció’ cuando se enfrentan a la soledad del papel en blanco. Ésta es, de hecho, la premisa común de todas las ilustradoras de historias infantiles.

Cris Ortega Marta Chicote Marta Chicote (Madrid, 1974) es licenciada en Bellas Artes. Tras haber trabajado como diseñadora gráfica e ilustradora por cuenta ajena en varias agencias y estudios de diseño, actualmente se dedica a la ilustración y al diseño gráfico como freelance. Realiza ilustración editorial y ilustración publicitaria, aunque su especialidad es la ilustración infantil y juvenil. Ha colaborado con editoriales como Anaya, Alfguara, Santillana, Edelvives, Oxford University Press, San Pablo, Molino-RBA, Edebé. Ilustrar "Fonchito y la Luna" de Mario Vargas Llosa fue un regalo para la artista. También ha dibujado a Caperucita Roja para el álbum ‘Cuentos clásicos para siempre’ (Editorial Molino-RBA). Entre sus trabajos más recientes destacan la decoración del stand de la empresa ADIF para la Feria Internacional de Turismo de Madrid 2010 y las ilustraciones interiores de los libros: ‘Energía positiva’ y ‘El cole. Instrucciones de uso’ publicados por Coca Cola.

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Mónica Carretero Mónica Carretero (Madrid, 1971) es ilustradora, aunque también inventa y da vida a sus propias historias. Le apasiona crear personajes, llenarles de color y ayudarles a ser como ellos quieren. Dirigió el departamento de arte de una revista de viajes y, por extraño que suene, ha hecho un montón de tartas y pasteles con mucho encanto en su pequeño restaurante de Segovia. Ahora, por fin, puede ilustrar libros para niños, que es lo que mejor sabe hacer. Tiene alguna manía confesable: no entrega ningún trabajo sin que su hija Paola, de dos años, dé el visto bueno. Su carácter emprendedor le ha llevado a poner en marcha "La Tienda de Monicarretero". En ella vende tazas, broches y artículos de papelería de lo más original.

Cris Ortega, (Valladolid, 1980) se aficionó desde pequeña al dibujo y a la literatura, con especial predilección por el género de terror. Mientras realizaba sus estudios como Técnico Superior en Ilustración en la Escuela de Arte de Valladolid, empezó a publicar sus obras en fanzines, revistas y editoriales extranjeras, realizando además varias exposiciones e impartiendo clases de dibujo. A finales de 2005 comenzó su colaboración con Norma Editorial, publicando con ellos su primera recopilación de relatos ilustrados, Forgotten, obra de varios volúmenes que han sido traducidos a varios idiomas. Sus trabajos más recientes han aparecido también en prestigiosos libros de ilustraciones, como en varios números de Exotique o Spectrum, en productos de merchandising y juegos de mesa, y han sido exhibidos en numerosas exposiciones. Sus campos de especialización van desde el diseño gráfico y la publicidad, hasta el diseño de figuras y juegos de mesa, juegos de rol y videojuegos, cómics, fotografía, portadas y logotipos.


! o t n e u c l e d viven Iguales pero diferentes

Por María Ángeles Aznar

Considero que la profesión de Ilustrador no se diferencia mucho en el género. Pienso que tanto el hombre como la mujer tienen la misma posición en este campo. Se puede pensar que la mujer por su sensibilidad y su lado más maternal puede dirigirse mejor hacia el público infantil, pero creo que hoy por hoy existe el mismo número de ilustradores hombres que mujeres en todos los estilos. Es cierto que a la hora de buscar nombres importantes dentro de esta profesión los hombres son más destacados, solo he tenido que meterme en internet para comprobarlo pero os aseguro que no existen distinciones de género profesionalmente. Partiendo de esa base puedo contaros que ser Ilustrador no es fácil. Yo empecé, creo que como la mayoría, dibujando sin parar cuando era niña. Cada situación o lugar me parecía propio para plasmarlo en mi cuaderno en blanco pero siempre transformando el mundo real en mi cabeza y haciéndolo mío, así conseguí mi estilo personal. Cada Ilustrador tiene su percepción de la realidad; el color y la forma. Consiguiendo que los dibujos cobren una personalidad importante que los hace reconocibles y con un Universo propio.

Aitana Carrasco Aitana Carrasco (Valencia, 1977) escribió en su diario qué quería ser de mayor: “pintora’, ‘escritora’ y ‘bruja’ encabezaban el ranking. Ahora se ha convertido en, al menos, dos de esas tres cosas. Esta licenciada en Bellas Artes se define como ‘cuentista’ y ‘dibujanta’, y lo que más le divierte es confeccionar marionetas. Ha ilustrado el libro ‘Colección de mentiras ilustradas’ (Editorial Tàndem) por el que recibió el premio White Ravens 2009 o ‘Milu’ (Editorial Kalandraka) de Manuel Rivas, así como ‘Ernestina la gallina’ (Editorial Océano) de Yolanda Reyes, entre otros. Últimamente ha estado trabajando para la ilustración de ‘L'Agapita, en Berenguer i en Wenceslau: De què rieu?’, escrito por Rafel Barceló y editado por A Buen Paso, aunque también ha dibujado a los personajes de ‘Lejos’ de la editorial Bromera-Algar. Lidera el ‘Grupo-pó’, un movimiento que promueve los talleres de dibujo entre los niños.

María Ángeles Aznar María Ángelez Aznar (Madrid, 1975) ilustra. Da igual qué. Ha puesto su firma en cuentos infantiles, pero también en ropa de niños y en elementos de menaje o decoración. Los animales, pero en concreto los gatos, son un un tema recurrente en sus obras.

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Charlamos con esta joven y consolidada ilustradora alicantina en una entrevista en la que recorremos sus comienzos, su carrera profesional y sus próximos proyectos. Cecilia Scianca Ilustraciones : cedidas

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Ilustraciones: Arriba izq: ‘Oscar sabe muchas cosas’; Ed. Everest Abajo izq. y arriba dcha: ‘A las buenas y a las malas’; Ed. Anaya

PAULA ALENDA


Espacios

abía una vez una niña muy pequeña que pintaba lugares escondidos, hadas de ensueño y dulces personajes. Su abuela fue quien la introdujo en el fantástico mundo del arte y gracias a ella, también, domina un material tan caprichoso como son las acuarelas. Nacida en Alicante en 1975, se trasladó a Madrid para estudiar Historia del Arte. Ya de vuelta en su tierra natal decidió que su vocación sería la ilustración… Este es el principio de la historia de nuestra entrevistada: Paula Alenda. ¿De dónde nace su afición por la ilustración? Cuando empecé a estudiar, quería hacer una carrera universitaria y me decanté por Historia del Arte, quería gestionar las exposiciones de otros artistas. En ese momento no sabía que ilustración se podía estudiar directamente en las escuelas de Arte. En realidad, mi afición por el dibujo viene de mi infancia ya que mi abuela era pintora y ella fue quien me transmitió la inquietud por el arte. ¿Cómo descubrió que quería

H

Currículum

Tabulé R es OhMyCu taurante t! Peluq uería Sargant an Sinpelos a Cafetería Depilació n

vivir siendo ilustradora? Cuando terminé la carrera, a los 23, volví a Alicante y un amigo me “empujó” a Ilustració n infant hacer una exposición y Constan il tino hac e llover La luna tuve la suerte de que se lleva un sil A las bu vendió todo. Tuve enas y a encio las Oscar sa mucha suerte y tambe much malas a El silbo del Dale s cosas bién me entró vértigo . Antolo gía porque pensé: quizá Identida d corpor me puedo dedicar a Kosamu ativa i ropa esto. Restaura n Casa Ru te Tabule ¿Cómo conseguió su ral Villam encía El globo primer encargo paClinica K gado? ¿En qué conra Asesorí nion a Fuerte sistió? s Seller publicac ion Todo fue a raíz de la Class via es UA je exposición. Me surLa luz m s uebles La jarela gieron trabajos de Re s M entalis P taurante diseño gráfico, con Novasm siquiatría ile ortod lo cual, a veces, oncia Ingenia había trabajos que no sabía Ilustració n en pre abordar, por lo Elle Dec n sa o que me asocié con un diseñaPublicid ad dor gráfico y Patrona to d e C u ltura (Ali Kranion empecé a forcante) R e beca Sa marme tamn v e r To be bién en eso. Nou Ma nolín ¿Fue en ese Dipu m o m e n t o Ayu tación de Alicant e ntamien to de Sa cuando den Juan d e Alican cidió estute d i a r ilustración? Sí. Además ya era más ma- bajar pero sin dura y estudiar era como tra- clientes. Fue la oportunidad

de desarrollarme y encontrar un hilo conductor a mi creatividad. Pienso que nunca deberíamos dejar de formarnos, lo echo de menos. ¿Qué ilustradores tiene como referencia? En España, mi ilustradora favorita es Elena Odriozola (Segundo Premio Nacional de ilustración 2006) y a nivel internacional, Taro Gomi, un autor e ilustrador japonés (ha publicado más de 400 libros infantiles ilustrados). ¿Cómo ha evolucionado su trabajo actual con respecto a los comienzos? Diría que ahora ya sé diferenciar mucho mejor la línea estética que pide cada proyecto y, especialmente, he evolucionado en la gestión económica con el cliente. También en todo el tema de derechos de autor, cuestión importantísima para los que nos dedicamos a esto. ¿Dónde se puede acceder a ese tipo de información en el

Tarjetas con buen corazón

Campaña Navidad Pauala Alenda

Paula Alenda no sólo se dedica a la decoración de interiores, la identidad corporativa, publicidad o diseño editorial. Nuestra entrevistada también tiene una faceta solidaria que desarrolla a base de sus ilustraciones. Este proyecto lleva diez años activo y tiene sus inicios en un viaje que Paula realizó con unas amigas a la República Dominicana. En ese viaje contactaron con unas monjas que ayudaban a personas con pocos recursos. “Estuvimos allí trabajando juntas durante dos meses”, comenta la ilustradora. Ya de vuelta en España, Alenda sabía que esa colaboración tenía que mantenerse en el tiempo. Así fue como se

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le ocurrió diseñar y vender tarjetas navideñas, de las cuales todo lo recaudado va destinado a estas monjas para ayudar en necesidades tan cotidianas como material escolar para los niños, juguetes, arreglos en las instalaciones, etc. Además, desde hace unas temporadas, se han unido al proyecto otros artistas como Miguel Ángel Díez, Pablo Auladell o Rafa Viva. “Gracias a esto el proyecto se ha enriquecido muchísimo. Me encanta trabajar con otros profesionales”, afirma la artista. Dichas postales se pueden encargar personalizadas en la web de la ilustradora (www. alendainventa.com) o en papelerías de la zona.


“Gracias a la ilustración pude desarrollar mi creatividad”

Cartel nueva biblioteca en el Parque de lo Morant. Ayto Alicante

caso de los ilustradores? Yo me apoyo bastante en la APIV (Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia) que te ayudan muchísimo en estos temas. Y luego está Pablo Auladell, también ilustrador alicantino con mucha proyección internacional, al que pregunto dudas y más dudas. Ha aprovechado su trabajo como ilustradora para labores humanitarias como la campaña de ayuda en la Republica Dominicana. ¿De dónde salió esa idea? Al terminar la carrera realicé un viaje a este país con unas

amigas y entramos en contacto con unas monjas con las que trabajamos juntas durante dos meses que hacían proyectos de ayuda allí . Cuando volvimos, se nos ocurrió la idea de vender postales navideñas ilustradas y enviar lo recaudado a estas monjas. Además, desde hace unos años, cuento con la colaboración de otros artistas (Pablo Auladell, Miguel Ángel Díez, Rafa Vivas). Llevamos ya diez años y esperamos seguir muchos más. P. Se dedica a diferentes ámbitos de la ilustración ( packaging, publicidad,

Opinión

Cuidar la infancia Por Ana Penas Ilustradora de cuentos infantiles

La ilustración infantil es un arte que transmite emociones. La sensibilidad del ilustrador debe llegar a los niños que reciben su trabajo. Dibujar es transmitir amor. Para lograrlo es fundamental darle el valor y el tiempo que la etapa de creación se merece. Si uno disfruta de la elaboración de un dibujo, el niño tendrá esa misma sensación al verlo. Sentarse frente al papel o al soporte elegido sin estar atado a un objetivo final preciso y dejarse fluir por el camino de las formas y los colores es una experiencia inigualable. Que el resultado final sea diferente a la idea original será una anécdota si se disfrutó el recorrido. Los colores no son un detalle, sino una parte fundamental de nuestro trabajo. Es esencial vincular las formas para que tengan armonía entre sí. Explorar esas formas y darle valor a los colores. Jugar con la paleta cromática es el método que nos lleva a plasmar nuestras sensaciones en la ilustración. Es un momento de imaginación y libertad plena, comparable con los momentos lúdicos de los chicos. Mientras uno no esté condicionado por parámetros preestablecidos podrá trasladar su libertad creativa a los niños. Detrás de cada dibujo hay una historia. La historia del ilustrador. Por eso es que existen tantos estilos. Lo importante no es la herramienta sino quién hace la ilustración. Su sensibilidad, su creatividad y su experiencia formarán parte de su arte. El dibujo es el reflejo de lo que uno es. Hay que tener en claro qué se desea ofrecer y de qué manera. Lo maravilloso de una ilustración es que cada mirada genera una historia diferente. Y que un dibujo puede ser la inspiración para uno nuevo. La evolución de la importancia en la ilustración de los libros infantiles nos ha dado un protagonismo que debemos aprovechar y disfrutar. El buen libro ilustrado abre la puerta al mundo del arte, afina la sensibilidad, perfecciona el lenguaje y fortalece la personalidad. La idea de cuidar la infancia a través de la ilustración es que cada niño no pierda el poder de imaginar, inventar, soñar y armar su propia historia. Incentivar esos conceptos hará que al crecer pueda desarrollar su talento en todos los ámbios de la vida.


La entrevista de

Paula Alenda

El silbo del dale. Antología de Miguel Hernández, Ed. Edelvives

“La flexibilidad es importante en el trabajo creativo” decoración...) ¿Con cuál se queda? Me encanta la ilustración para literatura infantil y también para decoración. Dentro del diseño gráfico me apasionan los logotipos y las marcas. ¿Cuáles son sus clientes más habituales? R. Tengo proyectos esporádicos y otros clientes más continuos. Generalmente trabajo con editoriales o con empresas en las que gestiono toda la identidad corporativa. ¿Qué hace cuando algún cliente le dice “no me gusta”? La verdad es que no recuerdo que me haya pasado esto de forma tan directa. Un proyecto tiene muchas fases, se va trabajando en equipo y tanto el cliente como yo nos vamos adaptando hasta llegar a la idea que éste quiere. Trato de trabajar con la flexibilidad como un aspecto importante en esa relación. P. En sus trabajos, ¿qué técnicas utiliza con más frecuencia? Pinto con acuarela desde siempre. Me gusta su transparencia, sus matices y la dificultad para hacer líneas definidas. Yo no uso tanto el dibujo sino más bien la mancha, así que dicho material

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se adapta a mi trabajo. Sí que tienes que repetir hasta la saciedad porque es muy fácil que se manche, que se emborrone, que hayas puesto más agua de la que necesitas…tienes que ser muy cuidadoso, pero es una técnica que me encanta y me siento muy cómoda trabajando con ella. ¿De dónde viene esa elección? Supongo que viene de cuando pintaba con mi abuela. Ella usaba acuarela y óleo pero sólo nos permitía usar la primera. Ahora que soy madre creo

que también era porque las acuarelas son más fáciles de limpiar (risas). Hablando de métodos y materiales, ¿qué opina de las técnicas digitales para ilustrar o colorear?

“Me encantan la transparencia y los matices de la acuarela” Yo creo que en el mundo artístico y de la ilustración cabemos todos. Cada proyecto te pide una técnica distinta. Sí que particularmente disfruto más con los dibujos hechos con materiales puros, tiendo a alejarme de la tendencia digital. Sin embargo, creo que el artista puede crear con cualquier cosa. Hay trabajos realmente buenos, por ejemplo, con Photoshop. Otra faceta suya es el dibujo en libros infantiles, ¿cómo se accede a ello? A veces te

llama el editor una vez terminado el texto, pero en otras ocasiones el ilustrador y el escritor trabajan juntos desde los inicios, haciendo un proyecto conjunto. Según su experiencia laboral, ¿Cómo es el trabajo y la relación entre editor e ilustrador? He tenido la suerte de que en los trabajos que me encargaron siempre me han dado mucha libertad a la hora de crear. Cuando me llega un texto me formo una idea de lo que quiero y, en mi caso, el trato es directo con el editor, rara vez con el autor. El reto más difícil al que se haya enfrentado en el mundo del dibujo... Diría que un álbum ilustrado basado en un niño marroquí que viajaba en patera y perdía a sus padres. Fue complejo porque quería transmitir la visión inocente del niño sin dejar de lado la dureza de la historia. El trabajo del que haya que-

dado más satisfecha. Siempre me gustan aquellos en los que colaboro con otro profesional de forma que mi trabajo esté acompañado. Es una forma de combinar ideas y dotar de más peso un encargo.Un ejemplo es el caso de las campañas de publicidad de Rebeca Sanver (empresa de zapatos) que realizo en estrecha colaboración con el fotógrafo Josemaría Alcazar. Y háblenos un poco de cuáles son sus próximos proyectos... Actualmente estoy desarrollando junto a una diseñadora gráfica una marca de artículos de papelería: libretas, agendas, calendarios, etc. que hemos empezado a vender en mercados, internet y comercios localizados. Se llama Con Trompa y Cartón. Con respecto a este proyecto, los primeros sábados de cada mes se lleva a cabo el Mercado de la Luz en San Juan de Alicante. Se trata de un espacio dedicado a mujeres diseñadoras (iniciativa desarrollada por la Asociación de Empresarias de la provincia) donde exponemos y vendemos este trabajo. ¿Cuál es su meta como ilustradora... Me gustaría formarme en dibujo lineal y trabajar otras técnicas que no domino hasta llegar a sentirme tan cómoda como me siento con la acuarela. Si tuviese que dar un consejo para los que se quieran dedicar a esto sería... Que disfruten estudiando y que cuando trabajen estén abiertos a todas las posibilidades que ofrece esta profesión. Y, por supuesto, que valoren su trabajo sin olvidar que somos un oficio.


Peluquerías con mucho arte La cadena de peluquerías Oh My Cut es una de las empresas más modernas e innovadoras a nivel nacional ya que, aparte de sus bajos precios y máxima calidad en consonancia con estos tiempos de crisis, su dueño ha apostado por una fuerte imagen en cada uno de sus negocios. De esta manera, el equipo de diseño liderado por Pep Sempere contrata a un ilustrador diferente para cada salón, el cual, mediante una serie de ideas y colores base, dibujará todo el entorno de la peluquería. En la calle Castaños, 25 (Alicante) puedes encontrar la sucursal diseñada por Paula Alenda.

Foto: Pablo Peris

“Me gustó la idea desde el primer momento porque entro en colaboración con otros artistas, no trabajo sola, y es algo totalmente enriquecedor. Pep me dijo que le apetecía algo con flores, fondo blanco, hadas… y ya a partir de ahí le hice mis propuestas. Estoy muy orgullosa del resultado”, afirma Alenda.


Los ilustrados

Al pueblo lo que es de

Luis Baeza Ilustraciones: cedidas

osas Ariño e Iban Cerezo son los ilustrados del siglo XXI en Zaragoza. Estos particulares herederos de las ideas de Voltaire, Rousseau o Montesquieu –por eso de tener un punto de vista cultivado e iluminado- desarrollan su trabajo a dúo. Por eso se llaman así: los ilustra-dos. Su bandera es, como para los piratas, una calavera. Sin barco y con lo puesto son una especie de ilustradores a la carta cuyo límite todavía no está marcado: lo dicta el cliente. Quieren crear para el pueblo y no por pura inspiración divina. Sus trabajos, por eso, son prácticos y no por ello pierden su personalidad y originalidad. Autodidactas en este campo y con una gran paleta de ideas e ilusiones se aferran al día a día y aprovechan este momento de crisis para florecer en el mercado. Los ilustrados no eran piratas. Y sin embargo, ustedes tienen como logotipo una calavera. Es Mr. Skull, el protagonista de nuestro proyecto. Es como nuestra mascota.

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¿Y no da este personaje un poco de reparo entre los clientes? La verdad es que sí. A la gente, al principio, le da miedo pero luego conoce realmente nuestra filosofía de trabajo y la verdadera faceta de Mr. Skull: es sólo nuestro personaje. Son una empresa bastante multidisciplinar. ¿Se podría decir que trabajan a la carta? Sí. Hacemos desde logotipos, imagen corporativa, diseño gráfico, decoración de locales, camisetas… Digamos que nos amoldamos a lo que nos pide el cliente. Y si lo podemos hacer: lo hacemos. ¿Y dónde está el límite? ¿Hasta dónde son capaces de llegar por el cliente? El límite todavía no está marcado porque, quizás, lo más extraño o difícil que algún cliente nos pueda pedir todavía está por llegar. Hacen cómics por encargo. ¿Cómo se convierte a un ciudadano cualquiera en súper héroe? Nosotros le entregamos una ficha al cliente en el que le pedimos que nos

cuente la máxima información posible acerca de los personajes que quiere ver plasmados en las viñetas. Lo ideal es que te den bastante información para que el resultado final se acerque a lo que ellos tenían pensado. Y a partir de una sinopsis se crea la historia. ¿De cuántas páginas suelen ser estos trabajos? En general, nosotros ofrecemos cuatro o cinco plantillas entre los que el cliente puede escoger. Algunos son en blanco y negro, otros a todo color. Algunos son sólo una página y otros son más. ¿Qué tipo de gente solicita que le dibujen su vida en cómic? Suelen ser entes particulares. Suele ser ese regalo original que siempre has querido hacer para el cumpleaños de un amigo. Pero no están orientados a ayudar a nuevas figuras del cómic. No. No sabemos si en algún momento lo podremos hacer. En principio son trabajos para un consumidor directo. ¿Y qué pasa con Mr.Skull? En dos semanas lanzamos al mercado

"Lo más importante en este trabajo es que sigamos divirtiéndonos. Aquellas cosas que están todavía por hacer son nuestro motor" 32 | Grafito


el pueblo

nuestro cómic basado en la figura de nuestro logotipo la calavera Mr.Skull. Con él pretendemos estar en el próximo Salón del Cómic de Zaragoza o de Barcelona. También diseñan para los bebés. Así es. Como decíamos antes, somos una empresa bastante multidisciplinar. En este caso, diseñamos bodys y dibujamos con una pintura indeleble, bastante especial y que no se va con los lavados, aquello que nos piden los padres. Por ejemplo, al hijo de una chica que era física le dibujamos una bata con botones, bolígrafos… Por otro lado, se dedican a la pintura puramente artística. ¿Tienen un estilo definido? Casi siempre tenemos que adaptarnos a las exigencias del cliente que, al final, es el que manda. No obstante siempre acaba emergiendo el sello personal. Dibujemos mejor o peor, lo que nos gusta es que cuando alguien ha visto algún trabajo nuestro lo haya reconocido. ¿Cómo se consigue el toque de personalidad? Es algo natural. Las percepciones siempre son diferentes sobre un mismo objeto. Si dos personas dibujamos lo mismo, no vamos a hacerlo

"Aunque nuetra formación académica no tenga nada que ver con la ilutración, nos está ayudando a darle el sentido comercial de nuestra labor" igual. Estaríamos haciendo fotos. Por eso, al final siempre se deja ver el trazo humano característico de cada uno. Y una vez entregado el dibujo al cliente… ¿Les han dicho alguna vez ‘no me gusta’? No exactamente pero sí hemos tenido algún percance. Una vez, por ejemplo, un grupo de música nos pidió un logotipo. Tras hacerlo y mostrárselo, desaparecieron. Por eso, en la actualidad, damos la posibilidad de entregar dos bocetos. Y, además, en la ficha previa que realizamos intentamos sacar toda la información posible. ¿Son autodidactas o han recibido formación académica en este ámbito? En mi caso [Josas] mi madre me llevó a una academia de pequeño. Soy hijo único y he dedicado mucho tiempo a esto a lo largo de mi vida. En verano, de hecho, no hacía más que dibujar y echaba muchas horas. Hice también un curso de cómic de tres años y a partir de ahí sólo tenía que practicar. Más que un título universitario, es el trabajo diario, el esfuerzo. Porque… ¿se

puede vivir de esto perfectamente sin un título? Sí. Nosotros nos conocimos en empresariales. Y aunque esta carrera no tenga nada que ver con la ilustración, nos está ayudando a darle el sentido comercial de nuestra labor. Lo más importante es la búsqueda de ideas para acercarse y vincularse al cliente y poder vivir de eso. Hay mucha gente que ha estudiado y que es poco constante. Como consecuencia consigue pocos trabajos en su vida. Al final es la ilusión lo que te mueve. ¿Qué opinan sobre la formación clásica académica? Lo más importante son las ganas de la persona que está aprendiendo. Hay gente con vocación que no llega a poder estudiar. Empresariales y marketing nos ha venido muy bien para montar esto. Es muy útil. Hay una parte muy importante de vocación y de formación diaria que no te pueden enseñar en ningún sitio. Entonces, ¿cuál sería sentido de la carrera universitaria?

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En realidad, es algo bastante ajeno a la realidad, un tanto desconectado. Es bueno estudiar en la universidad porque allí te hablan sobre las grandes marcas, los grandes temas, las grandes ideas. Pero el día a día no es eso. Es muy diferente, es muy rápido. La carrera sirve para formarte como persona, para amueblarte de alguna manera la cabeza. Un mero periodo intermedio en tu vida. Son una empresa joven que no lleva más de un año en el mercado. ¿Han tenido una buena acogida en su ambiente más cercano? Están saliendo bien las cosas. Se dice que una empresa puede funcionar bien a partir de los dos años. Estamos en un ciclo perfecto que es el de iniciación. ¿Es, quizás, donde más pueden disfrutar? ¿La pasión del inicio? El asunto es no estancarse y que no lleguemos al aburrimiento. Lo importante es que sigamos divirtiéndonos. Hay tantas cosas por hacer que todavía no se han hecho que ése es, precisamente, nuestro

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motor. ¿Las nuevas tecnologías y las redes sociales han favorecidosu rápida emergencia en el mercado? Sin duda. Nuestro proyecto hace diez años hubiese sido imposible. A través de Facebook, Tuenti o Twiter, realizamos nuestros trabajos y encontramos a nuestros clientes. Así, podemos trabajar desde casa y evitar el gasto innecesario que supondría en estos momentos el alquiler de un local. Sobre todo hay que minimizar los gastos mensuales. ¿Cuáles son las metas y los planes de futuro? En principio tenemos la presentación de nuestro cómic. Después queremos conseguir acceder a la mayor cantidad de puntos posibles para nuestra difusión. En definitiva, hacer cosas que no nos aburran y plantearse cada día como un nuevo reto. Consejos para los jóvenes. “No te quedes con las ganas de intentarlo. Hazlo”.


El grupo 'The bridgeband' es el autor del grafiti-mural 'Compañero del alma' que conmemora el centenario del nacimiento del poeta Miguel Hernández Asunción Niñoles Fotos: Pablo Peris


Reportaje: Un homenaje en la pared

Un día, el papel de las libretas ENRI donde hacía los deberes de mates le supo a poco Yo quiero ser llorando el hortelano/ de la tierra que ocupas y estercolas, /compañero del alma, tan temprano. uan Aragonés (Alicante, 1983) prefería coleccionar cromos de fútbol a dibujar cuando volvía del colegio. Sin embargo, en la adolescencia, el ejemplo de su primo Antonio, quien recibía clases particulares de pintura, desató su afición por el dibujo y su obsesión por la armonía y el equilibrio cromático de las composiciones. Un día, el papel de las libretas ENRI donde hacía los deberes de matemáticas le supo a poco y, fue entonces, cuando empezó a pintar y a firmar con el sobrenombre de ‘Chokoner’ por las calles de Villajoyosa, la localidad en la que vive. "Me sentía vivo dejando mi mensaje en un muro, manchándome las manos de spray, burlando a la policía", asegura el grafitero. Y así, decorando y personalizando pared a pared, y casi sin quererlo, ingresó en la Facultad de Bellas Artes de la

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Universidad Miguel Hernández de Elche interesado, sobre todo, por el diseño gráfico y el grafiti. "A fin de cuentas, siempre entendí la calle como un soporte artístico más y la ciudad como un museo gigante", sentencia el alicantino. Y aunque nunca fue consciente, su paso por las aulas de Altea fue clave para el devenir de uno de esos acontecimientos que marcaron su trayectoria profesional y que tiene como protagonista al poeta Miguel Hernández: la participación en las actividades que conmemoraron el centenario del nacimiento del oriolano en colaboración con la institución académica ilicitana que lleva a


gala el nombre del autor de "Perito en lunas". Sus destrezas, su estilo prolijo y su personalidad le llevaron siempre a conseguir excelentes calificaciones en la Universidad, aunque nunca creyó que Josep Sou, el profesor de Pintura Urbana de la facultad, le llamaría, una vez licenciado, para encargarle un trabajo tan especial: una ilustración sobre Miguel Hernández que trasladarían a la fachada del Palacio de los Deportes de la propia Universidad. "Me hizó mucha ilusión recibir este encargo, pero comprendí que pasaba de la pintada callejera a la vanguardia artística y me entró miedo. Afloraron todas las inseguridades y sufrí una crisis de identidad. Estuve a punto de rechazarlo", reconoce el grafitero. Con temor y dudas, pero también con mucho mimo y cuidado, Juan Aragonés, quien leyó toda la obra del poeta antes de aceptar la propuesta, formó un equipo de trabajo entregado y sabedor de lo que representa el oriolano para la sociedad. Así, eligió a cuatro vie-

jos amigos y ex compañeros de la universidad ilicitana: Javier Agulló, Igone Urquiza, Félix Gordero y Luis Gutiérrez. La ilustración del centenario debía reflejar, por expreso deseo de la Universidad Miguel Hernández: el rostro del poeta, su fecha de nacimiento, la frase "Compañero del alma" y el logo del ente académico. Con esos requisitios, el equipo artístico capitaneado por Aragonés, y bautizado con el alias 'The bridgeband', confeccionó el boceto que hoy podemos ver en la fachada principal del Palacio de los Deportes ubicado en el campus de Elche. "Nos resultó tan fácil crearlo que pensamos que no valía, que no podía ser arte, pero a la Universidad le gustó y lo sacamos adelante", reconoce Luis Gutiérrez, uno de los autores del grafitimural "Compañero del alma". Así, después de dos días y veinte horas de intenso trabajo, de emplear más de 400 botes de spray que llegaron en un camión frigorífico procedente de Barcelona y el uso de dos grúas elevadoras, el mural de doce metros de longi-

tud por cuatro de anchura relativo al centenario de Miguel Hernández vio la luz. Éste quedará para la posteridad y el recuerdo, no sólo de quienes lo realizaron, sino de toda la comunidad universitaria que se volcó en los festejos de esta efeméride y que sigue mirando con curiosidad y asombro una de las paredes del pabellón deportivo ilicitano. "Quedamos muy satisfechos y recibimos multitud de felicitaciones, aunque nos hubiese gustado pintar toda la fachada principal porque el grafiti te ataca visualmente, como la publicidad, pero sólo te lleva colores, ideas", reconoce Félix Gordero, uno de los grafiteros encargados de homenajear el centenario de Miguel Hernández. Un homenaje que brilla en la pared como “el rayo que no cesa”.

"A las aladas almas de las rosas.../ de almendro de nata te requiero/ que tenemos que hablar de muchas cosas,/ compañero del alma, compañero"

La ilustración quedará para la posteridad y el recuerdo de la comunidad universitaria

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Luis Gutiérrez, "BOOGAR" (Alicante, 1983) Licenciado en Bellas Artes Está iniciándose en la escultura en mármol. Quiere dedicarse a la enseñanza media. Su mejor trabajo: un dibujo basado en muñecos. Referencias en el mundo del grafiti: El Cantu. "Antes se pintaba por pasar el rato y ahora se compite. Con Internet se ha sacado de contexto el grafiti". Aficiones: los deportes náuticos.

Juan Aragonés, "CHOKONER" (Alicante, 1983) Licenciado en Bellas Artes Ha ganado numerosos concursos de grafiti a nivel comarcal. Ahora forma parte del jurado. Vive del diseño gráfico. Su mejor trabajo: una interpretación personal de El Guernica. Referencias en el mundo del grafiti: El Trébol. "Antes el grafiti era un movimiento underground, ahora a todos pintan para salir en YouTube". Aficiones: ir a la playa y jugar a baloncesto.


Félix Gordero, "HUNTER" (Alicante, 1988) Estudiante de Bellas Artes. Ha colocado más de 10 piezas por las calles de Villajoyosa que ya pertenecen al paisaje urbano Sueña con pintar todos los trenes de RENFE Su mejor trabajo: una ilustración que combina letras y personajes Referencias en el mundo del grafiti: MASK y Logan. "Nunca pintamos con permiso, preferimos pedir perdón. El escondite es la esencia del grafiti" Aficiones: la ganadería y la caza.


ARTE también en los videojuegos Los ilustradores españoles de Mercury Steam han demostrado en ‘Castlevania: Lord of Shadow’ que la parte artística de los videojuegos es clave para su éxito. Diego Gisbert, José Luis Vaello, Igor Heras, Pedro Nuñez (orden de portada) y Rafael Martínez contaron a Grafito cómo es su profesión, cómo realizan los procesos de producción, qué opinan de la situación laboral en España y mucho más. Cecilia Scianca Ilustraciones: Castlevania - Lords of Shadow (c) 2011 Konami Entertainment. Developed by MercurySteam Fotos: Pablo Peris


“La lucha por la supremacía es eterna, inevitable…Prevalecer es el objetivo natural de toda criatura de esta Tierra, que matará y morirá para que su estirpe domine a las demás. Algunos llaman equilibrio a esa lucha sin fin…Equilibrio entre la luz y la oscuridad” sí comienza la nueva historia de Castlevania. Un renacimiento de la saga que no sólo tiene como nuevo protagonista a Gabriel (personaje principal) sino también a Mercury Steam, empresa española de videojuegos, formada por profesionales entre los cuales se encuentra un grupo de ilustradores nacionales que, junto con sus compañeros, desafiaron a gigantes del oficio (compañías de Estados Unidos y Japón) en la lucha por este proyecto y ganaron. José Luis Vaello, Pedro Nuñez, Igor Heras, Diego Gisbert y Rafael Martínez atendieron a Grafito para comentar una parte tan vital en el proceso de un videojuego como lo es la artística (lo que se conoce como departamento de ‘concept art’) y que muchas personas desconocen. Todo comenzó con la propuesta por parte de David Cox, el productor de Konami, quien les propuso la realización

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de una demo para un juego de la saga, a modo de prueba y sin muchos más detalles. Tan sorprendente fue el trabajo de Mercury Steam que la compañía japonesa no dudó en contratarlos para lo que sería el renacimiento de la gran saga Castlevania, conocida mundialmente desde hace 25 años. El producto anterior de la empresa, Jericho, poco tiene que ver con esta leyenda de los videojuegos, pero para estos trabajadores el desafío supuso superación tanto en el desarrollo del mismo como en la decisión de la línea a seguir. “Fue un reto más. Había gente más conservadora y otros que querían renovar la historia. A mí, por ejemplo, me gustaba mantener la esencia pero aportando cosas nuevas”, afirma el director artístico Jose Luis Vaello. Haciendo referencia a esas diferencias en el proceso productivo de ambos juegos, Rafael Martínez, el productor de Mercury Steam, comentó: “Castlevania era un proyecto mucho más ambicioso,

que requería de más medios, más gente trabajando. Y, por otra parte, heredábamos una franquicia que teníamos que renovar”. También se centró en las claves más importantes: “Había que tomar conceptos anteriores pero aportando nuestra visión. En referencia a Jericho, todo era muy oscuro, tenebroso, con sentimientos de miedo o de tensión, con atmósferas muy densas”. Mientras que en Castlevania aportaron “reminiscencia de esa densidad, de ese ambiente pero intentando coger todas aquellas cosas que fuesen interesantes de la vieja franquicia”. Según Martínez “a un juego con tanto bagaje, que ya es mitológico”, debían aportar personajes con mucha presencia, “dignos de la saga”. En este sentido sí que hubo disparidad de criterios. “De hecho, el personaje principal, Gabriel, en un principio era distinto al actual, se cambió a mitad del proyecto”, concluyó. De esto también se entiende que la visión estética es un factor muy impor-


tante en el éxito de un videojuego y el primer paso para conseguirlo es contar con un buen equipo de concept artists. Pero, ¿en qué consiste este término? Un artista conceptual, que es su traducción al castellano, realiza un tipo de dibujo que es algo más que un simple boceto pero no llega a ser un modelo detallado. Lo que hacen estos profesionales es convertir una idea abstracta en un producto visual para tener el con-

Los ilustradores trabajan en el departamento de concept art “Queríamos mantener la esencia de la saga pero aportando nuestro toque”,dice J.L. Vaello cepto de algo, sea un personaje, ambiente, etc. Su objetivo consiste en interpretar esas ideas mostrando su creatividad en el papel u ordenador para luego, seguir con la cadena de producción (modelar, animar). Una vez definido el departamento de trabajo de los ilustradores, lo que más interesa es meterse de lleno en el proceso de creación. En una reunión inicial se plantean las características de las cosas a crear, las cuales, en el caso de Cas-

Animación a la española

Por Asunción Niñoles

La importancia que ha adquirido el 3D desde su aparición en el ámbito audiovisual es innegable. Tanto, que hasta lo más zafio y casposo del país se atreve a lanzar una versión digital en tres dimensiones. Un ejemplo palpable es "Torrente 4: Lethal crisis", que ha batido todos los récords de recaudación en España. Aunque también está "Planet 51", la película de ciencia ficción de animación en 3D realizada por el estudio español Ilion Animation Studios que recibió en 2010 el premio Goya al Mejor Film de Animación. Sea como fuere, toda esta nueva industria cinematrográfica en auge bebe del videojuego. El videojuego es es el hábitat natural de la animación en 3D. Ahí, los personajes son dinámicos, tienen vida y personalidad. Pero también resulta fundamental la creación de los escenarios donde aparecerán estos personajes, por eso el trabajo de los fondistas es tan importante. Y aunque en la actualidad la animación española vive una de sus mejores épocas con la creación de varias productoras importantes en este sector y la consolidación de la Asociación Española de Productores de Animación, aún queda mucho por hacer. Así las cosas, en el terreno de la animación dibujada, uno de los títulos que más expectativas ha generado es "Arrugas", la adaptación del cómic de Paco Roca, ganador del Premio Nacional del Cómic 2008. Su estreno servirá para calibrar nuevamente la calidad de la animación española.

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tlevania, llegaron desde Japón. “Eso limita bastante el diseño en sí. Otras veces no está muy claro y ahí es cuando nosotros proponemos ideas”, comenta José Luis Vaello y continúa, “luego, una vez esbozado se aprueba (tarea del Jefe de Diseño o de Animación), se ve si hay algún tipo de problema en animación o programación y si el personaje cumple los requisitos”. Obviamente, se trata de un trabajo en coordinación constante y por eso la ayuda entre departamentos es indispensable. Una vez conseguido el artwork (material gráfico) se continúa con el siguiente paso: la modelación. A partir de ahora, se llevará a cabo la complicada tarea de modelar lo dibujado, cuestión que puede reflejar fielmente la idea del artwork o, en cierta medida, diferir del concepto inicial, como comenta Diego Gisbert: “Uno tiene claro cómo quiere que se mueva o actúe un personaje, sin embargo es muy difícil transmitir esa idea al cien por cien al animador o modelador, siempre hay una distancia”. Igor Heras refuerza la importancia de la sintonía de los distintos profesionales

para un resultado idóneo: “Es complicado porque son varios departamentos, mucha gente trabajando en un mismo personaje o en un ambiente y es normal que varíe”. Más allá de la disparidad de opiniones que pueden surgir a veces, como todo trabajo en grupo, hay que esforzarse y llegar a opiniones conjuntas, ceder un poco. “No es un trabajo cerrado”, sentencia Pedro Núñez. Los tiempos En empresas de gran calibre con proyectos de esta envergadura es inevitable hablar de plazos. Y, por supuesto, los ilustradores de Castlevania también dependen de éstos. Aquí entra el trabajo de Rafael Martínez, el productor de Mercury Steam. Es fundamental tener en cuenta los plazos a gran escala, es decir, dependen de todo el proyecto en sí. “Cada X semanas hay que dar a Konami un paquete de cosas terminadas para que se apruebe. Por ejemplo: en un plazo de seis semanas hay que entregar cuatro personajes con un montón de documentación sobre qué es lo que hacen,

cómo actúan, etc.”, comenta Martínez. Así empiezan los timings para todos: para tener un concept, para que lo apruebe diseño, para pasar por 3D donde asuman que ese personaje va a ser de fácil transporte a una malla en tres dimensiones, valorarlo en el departamento de animación para determinar que ese muñeco puede moverse con naturalidad, terminando en el departamento de I.A. (inteligencia artificial). “Todo eso hay que meterlo en una ‘caja de zapatos’ que tiene un determinado límite (dada la consola). Esto hace que al imaginarte las cosas en concept, el

Los plazos de entrega los marca Konami tiempo sea muy limitado, dada la cantidad de trabajo que viene después”, explica el productor de la última entrega de Castlevania. No obstante, en animación o modelación el departamento de concept sigue retocando y aclarando ideas que se


puedan ir distorsionando a lo largo de todo el proceso. Con respecto a la parte artística se ha contratado a más ilustradores debido al incremento de trabajo que han tenido debido al éxito de ‘Castlevania: Lords of Shadow’. Actualmente son ocho profesionales trabajando a destajo. Sin embargo, no se quejan de la complejidad y la presión que puede suponer un trabajo como este. “Hay partes muy minuciosas que se hacen más pesadas. Aunque, es lo que nos gusta, se disfruta”, afirma Pedro Núñez. Pero no todo puede ser bonito. Al pre-

“Lo más aburrido es dibujar Vistas”, afirma Igor Heras guntarles cuál era el paso que más les costaba, el más complicado o, incluso, aburrido, la respuesta fue unísona: las Vistas. “Para el proceso de modelado hay que realizar unas vistas de planta, alzado y perfil del objeto y eso, para un artista, es muy pesado porque es volver

a repetir el concept una y otra vez, además de que son dibujos lineales”, explica José Luis Vaello e Igor Heras matiza: “Es la parte más técnica y tediosa del dibujo, éste es mucho más frío, más neutro, no tiene nada de gracia”. Y si las Vistas son aburridas, dibujar cosas absurdas o raras resulta toda una curiosidad. “Un dibujo feo es el que hice de Gabriel, el protagonista de Castlevania, calvo. Era para modelar y sin pelo era algo muy raro”, recuerda Vaello. Luciérnagas, dados, vejigas, cajas de cartón y un largo etcétera forman parte de ese grupo de cosas que no por ser menos complejas tienen que dejar de crearse. “Ante mi sorpresa, me pidieron que haga un muro débil. Fue todo un desafío. Todavía nos preguntamos si conseguimos que se distinga la diferencia enre un muro fuerte y uno débil (risas)”, comenta Pedro Núñez. Trabajar en Mercury Steam Muchas veces, los que comienzan en el arte del dibujo o aquellos que ya cuentan con mucha experiencia en el sector

quieren orientar su carrera a este tipo de variante, la de hacer concept art para videojuegos. Los chicos de Mercury Steam también opinaron sobre qué cualidades tiene que tener un ilustrador para trabajar en la industria. “Principalmente hay que tener criterio y saber dibujar y pintar. No necesariamente hay que tener determinado título o estudiar mil másters, aunque por supuesto, todo suma. A la empresa ha venido gente con carrera en Bellas Artes y mil cosas más y los hemos rechazado por no estar a la altura”, comenta el director artístico. Haciendo hincapié en la gente que está empezando, la cual quiere presentar su currículum en empresas de este tipo, Igor Heras deja claro que “lo realmente importante es tener un buen book/portfolio”. Además, todos coinciden en que la experiencia y el saber dibujar con creatividad es más importante que lo que se haya estudiado. Una vez obtenidas estas respuestas, la siguiente pregunta se hacía inevitable. ¿Qué se valora a la hora de elegir a los ilustradores de Mercury Steam?


60

trabajadores

6

ilustradores

220 músicos

para la banda

1

millón de

copias vendidas

20 horas de duración 50 de enemigos

variedades

10/10

máxima nota en Gameblog

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Pedro Núñez dio algunas claves: “Aparte de la habilidad, se necesita gente creativa, con ideas, iniciativa, que tenga gusto y capacidad de ponerse al día en lo que estamos haciendo. Es decir, que capte la esencia de nuestro trabajo y sea capaz de llevarlo a cabo mediante su técnica”. Y pone el ejemplo de gente que puede ser muy buena en cuanto al uso de la técnica del color pero que luego no tienen imaginación para crear algo. “Este trabajo consiste en que venga alguien, te cuente una cosa y tú consigas darle forma y coherencia”, sentencia. Límites educativos Otro tema que provoca mucho debate es el estado de la enseñanza artística, especialmente a estos niveles, dentro de España. Las comparaciones son odiosas pero, a veces, necesarias. A nivel mundial, Estados Unidos, Japón y Corea encabezan la lista de las grandes compañías de videojuegos. Ya más próximos, en Europa, la referencia la encontramos en Inglaterra y

“En España hace falta más especialización”, declara Pedro Núñez Francia. Sin embargo, salta a la vista que el producto nacional puede dar muchas alegrías en este aspecto. “Yo creo que el problema de este país, en relación al arte conceptual, es que no hay nada especializado. Es todo muy general. Uno estudia ilustración o Bellas Artes, pero ahí se queda”, opina Igor Heras. Los inconvenientes en el acceso a información y el desconocimiento general son las claves de este asunto. “España está muy atrasada, estamos como en la Edad Media en el tema de los videojuegos”, añade Núñez. A raíz de esto, Diego Gisbert comenta su ignorancia de lo que era un concept artist hasta que de viaje por Finlandia un amigo suyo le preguntó si se dedicaba a esto, dadas sus cualidades. Ante su sorpresa, fue este conocido quien lo introdujo en este mundo ayudándolo con las tabletas gráficas y demás. “Hasta ese momento nadie, nunca, me había comentado nada al respecto. Es algo de lo que quizá se carece en este país”, afirma el ilustrador. Algo también reseñable es la estructura de trabajo de compañías norteamerica-

nas, las cuales, según comenta Pedro Núñez, tienen sus propias universidades en donde forman a sus futuros empleados. Una mentalidad de futuro y una organización a tener en cuenta. La situación laboral española es, actualmente, muy delicada. Y en el campo artístico todavía más. Quizás, ahora, es cuando la idea de buscarse la vida fuera, en empresas más competitivas y mejor situadas en el mercado que las nacionales, se hace más patente. Aún así, estos chicos no quieren irse al extranjero a trabajar. Las nuevas tecnologías también ayudan a que se pueda enviar material sin necesidad de trasladarse hasta allí. Ellos lo tienen claro: como experiencia sería enriquecedor pero para vivir eligen España. El equipo que atendió a Grafito es muy joven pero carga con importantes currículums a sus espaldas. Por esto, se les pidió consejo para los que están estudiando esta profesión o para los que ya recibidos, se quieran dedicar a esto. Entre

Un consejo:hacerse con un portfolio de dibujos para enviar junto al C.V. todos comentaron que en el concept art digital, al disponer de las mismas herramientas, los resultados obtenidos son muchas veces parecidos, de un mismo estilo. Para que esto no suceda y los ilustradores se puedan diferenciar unos de otros Igor Heras aconseja “currar mucho, informarse sobre las tendencias, saber cómo está el mercado, ser autocríticos, aprender de otros y dibujar muchísimo”. Una vez creada una base, lo que más destacaron los artistas de Mercury Steam fue la importancia de crear un portfolio, exigirse un nivel profesional y lanzarse al mercado sin miedo. Los ilustradores de Mercury Steam han logrado traspasar fronteras demostrando una vez más que el mercado nacional puede dar muchas alegrías a nivel internacional. Ahora, son referencia en toda España pero es innegable que desde fuera también son observados con gran admiración. Con la humildad manifestada en cada una de sus palabras y hechos, este gran equipo ha demostrado que se puede llegar lejos con fuerza, voluntad y trabajo.


Producto nacional Por Oscar Urdampilleta Bloguero de vandal.net

Cuando nos hablan de Arte siempre pensamos en cuadros o esculturas. Sin embargo, desde hace unos años, la gente se da cuenta que en el ocio también puede ser encontrado. Concretamente en el universo de los videojuegos. Y qué mejor ejemplo que uno hecho en nuestro país. Recientemente tuvimos el placer de disfrutar de la nueva entrega de la Saga Castlevania. En ella podemos encontrar un apartado artístico digno del mejor cuadro. La mejor forma de obtener una buena ambientación es conseguir que la parte artística refleje la atmosfera deseada, y eso Mercury Steam, lo hace a la perfección. Encontramos unos escenarios dignos de la mejor película del conocido Drácula. Bosques oscuros y húmedos nos darán la bienvenida a un ambiente lleno de sombras y maldad. Aunque sin duda, lo que refleja mejor la esencia de la conocida saga, es el castillo que nunca puede faltar en cada entrega. Su mimada decoración, junto a sus míticos enemigos o la épica banda sonora, consiguen que nos metamos de lleno en el mundo de Castlevania. El mimo con el que Mercury Steam ha tratado hasta el más mínimo detalle, ha sido visto muy pocas veces en un videojuego. Con una simple imagen, podremos saber perfectamente de qué juego se trata. Las columnas, las gárgolas, los murciélagos, los enormes balcones, las alfombras perfectamente colocadas e, incluso, esos rayos de luz que se deslizan entre las cortinas, son algunos de los ejemplos que encontramos en dicha parte artística. Como ha quedado demostrado, el Arte se puede encontrar en los sitios más inesperados. Y desde hace un tiempo, los videojuegos forman parte de ese mundo. Y qué mejor manera de demostrarlo, que con un producto nacional. Castlevania, sin duda, te cautivara con la vista, y su nivel artístico es el mayor de los culpables.

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Este ilustrador marfileño de tan sólo 27 años ha conseguido revolucionar la red con sus trabajos Pablo Peris

© Ben Heine - www.benheine.com

Ben Heine


© Ben Heine - www.benheine.com

Completando la realidad

G

furor con sus obras. No son dibujos y no es fotografía. Se trata de una técnica que se sacó de la manga este ilustrador para combinar, precisamente, esas dos formas de arte. Dos pasiones en las que ha trabajado durante toda su vida. Este marfileño afincado en Bruselas ha conseguido revolucionar el mundo de la ilustración con lo que él llama ‘pencil vs camera’. Se trata de completar una imagen con un dibujo, de dejar volar la imaginación y experimentar mezclando surrealismo y realidad. Con esta técnica, Ben Heine completa sus fotos a través de la creatividad, algo que a simple vista puede no parecer muy complicado pero que requiere una precisión que no está al alcance de

Ben Heine combina dibujo y fotografía para lograr resultados espectaculares

cualquiera. Este joven ilustrador ha llegado incluso a tentar al fuego con tal de demostrar que lo que hacía no tenía truco. Tras completar sus estudios de artes gráficas y escultura y la carrera de periodismo, y con ocho años de experiencia como creador gráfico a sus espaldas, Ben Heine quería unir en una misma obra el dibujo y la fotografía. Y así fue como surgió la idea de ‘pencil vs camera’ que ahora se ha convertido en su medio de trabajo. Gracias al éxito de sus trabajos en Internet Heine ya ha conseguido exponer sus trabajos en varias ocasiones, principalmente en galerías belgas. Su éxito le llevó incluso a colaborar con la Cruz Roja belga en un evento benéfico. Sus obras también se encuentran expuestas, de forma permanente, en ‘The nex gallery’ (Florida) y se puede seguir su trabajo en sus diferentes perfiles en las redes sociales o en su página web (www.benheine.com).

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atos de cuatro ojos, burros con gafas de sol, una galería de arte hecha a nuestra medida, la radiografía de un caballo, un dinosaurio atacando una ciudad o incluso Super Mario Bros saliendo de su tradicional tubería en la puerta de nuestra casa. Es la irrealidad de la que pocas veces podemos disfrutar pero que, a fin de cuentas, nos hace ver el mundo con otros ojos. Una inocente mirada que completa un mundo de fantasía oculto tras la cruda realidad. Una fantasía que, sin embargo, puede no estar tan lejos como parece. O al menos no tanto como creemos. Hace algo más de un año Ben Heine, un ilustrador marfileño de 27 años, causó


Las obras de Ben Heine se pueden ver en ‘The next Gallery’ (Florida) y en varios museos de Bruselas

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La idea de ‘Pencil vs camera’ consiste en cambiar la realidad superponiendo un dibujo

© Ben Heine - www.benheine.com

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U Y palabras. ás que mil m a, e n al Te v en ca de Una imag Torcuato Lu on sD a ilu bí er sa g eso bien lo dicó a reco años se de hivo de e rc nt a ra o u d ns que n inm e u ir n u re y artistas ditraciones s de 1.500 ra la ob 00 0 0. conforma cerca de 20 tualmente ac de e u s q ra lo ob ferentes. Es CB, un conjunto de ahora A n ue ió q cc e e ol rt C a

o , un espaci useo ABC M el do n n u e ida el m rencia en tienen cab ser la refe de n te re qu e p ción. acio que y la ilustra amplio esp del dibujo un n co a nt cue su propio El museo nes hasta o ci si o xp e de o todo es abarca des restauración. Pero n de Colección laboratorio Fundación la e sd e D io. s nuevos tan bohem apoyar a lo hueco n re ie qu ién én habrá ABC tamb r ello tambi nes po s, o nt le ta para jóve


artistas. Y no acaba ahí la cosa. Para inc enti- que más var todavía más les gusta. Son de la pasión por la ilu gran interés alstración, gunas desde el Museo AB de las exposicion C se organizarán es actuales, como talleres, ‘La mi conferencias, de rada del Samurai’ bates, concursos, qu e muestra los becas... storyboa Una interesante rds de Akira Kuros oferta para todos aw aquellos iceberg’ a o ‘El efecto que se declaran am , que muestra la hi antes de la ilustra storia de comiención. En general se trata zo s del Siglo XX a tra de un espacio ab vés de la ilustració ierto y moderno, donde to n. dos aquellos apas iona- Puedes con dos por el dibujo sultar más detalles so y la ilustración se bre el museo en pueden su página dar cita para disfru we b: www.museoabc.e tar de aquello s

Pablo Peris

Foto: Pablo Peris

Una nueva puerta a la ilustración


De gala para pintar Lara Pintos desarrolla su proyecto pictórico “Recuerdos de una silla” en la Fundación Antonio Gala. Vive en el que fuese el antiguo Convento del Corups Christi de Córdoba con unos catorce artistas más procedentes de diversos lugares: México, Sevilla, Madrid, Montevideo, Alicante... Allí, estos becarios son totalmente libres y reciben visitas de personas como Agatha Ruíz de la Prada o Juan Serrano.

Luis Baeza Fotos: cedidas

¿Quién se ha parado a pensar alguna vez en la capacidad que tienen las sillas para hablar? Si se pudiesen quejar los tejados de las casas y las ventanas, ¿contra quién acecharían sus bravuconas palabras? ¿Y si de repente, las tazas cobraran vida y a las teteras les saliesen brazos y piernas? Lara pintos, una artista con sello de procedencia y calidad de Galicia, está ahora mismo creando sobre los lienzos ese mundo tan casero en el antiguo Convento del Corpus Christi de Córdoba ahora convertido en ‘La Fundación Antonio Gala’. “Mi proyecto actual se titula recuerdos de una silla. Es un mundo inventado que hace referencia al juego y al

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cuento. Los símbolos que lo componen siempre tienen que ver con la casa, los muebles, la hora del té…”, explica la pintora. Se puede comprobar en sus trabajos: su estilo tiene un aire irreal y, como ella misma dice, “la intención es utilizar un lenguaje ingenuo y dulcificado para hablar de algo inquietante”. Por eso, juega con las escalas para conseguir distorsionar las casas con vida y también las dota de grandes y rosadas piernas. Lara Pintos desarrolla este proyecto junto a catorce artistas más. La procedencia de los creadores es muy variopinta: desde México DF, pasando por Sevilla, Madrid, Valencia, Alicante, hasta

Lara Pintos trabaja en el estudio de la Funda

Montevideo. Como también lo es la razón por la que están allí. En la actualidad se encuentran siete escritores y siete artistas plásticos. Carmen Fonseca, sevillana, realiza un proyecto multidisciplinar sobre pintura e instalación que se titula ‘La soledad en el mundo tecnológico’. El madrileño Matías Candeira, por poner otro ejemplo, acaba de publicar su segundo libro de cuentos Antes de las jirafas (Ed. Páginas de Espuma, 2010) y su misión en este lugar consiste en la realización de una novela corta y una serie de cuentos que exploran la cultura popular, lo monstruoso, lo freak... Esta especie de Gran Hermano del Arte, no obstante,

no tiene cámaras ni instructores. Es decir, en la Fundación los creadores son totalmente libres y no obran bajo el mandato de nadie. “Soy totalmente libre para crear. La Fundación selecciona a becarios para que desarrollen su proyecto artístico durante su estancia”, asegura Lara Pintos para marcar su independencia. Por eso, este lugar no es ninguna prisión para la inspiración. Es todo lo contrario: “El antiguo convento, ahora Fundación, es parte del tesoro de la antigua Córdoba, con sus restos romanos y visigodos, con sus patios… Es lo que me está inspirando y aportando muchas cosas”, explica la gallega. El día a día, por tanto, lo elabora ella


ación Antonio Gala. Las tazas cobran vida en sus lienzos porque son protagonistas de su proyecto

misma. “Cada día es diferente. No sigo un horario fijo y reparto el tiempo en función del estado en el que se encuentre el cuadro”, explica la integrante del proyecto. Y añade: “Algunos días puedo pintar tres horas, otros cinco y otros no pinto pero dedico la mañana y la tarde a hacer maquetas en escultura o a bocetar. En el estudio nunca estoy menos de 7 horas al día”. Fecundaciones cruzadas La libertad en convivencia con otros artistas, así, es un sello de garantía en esta institución y un buen seguro para conseguir un trabajo excepcional. Tal y como cita Lara Pintos: “La idea principal de Antonio Gala, que fue el

cerebro de este proyecto, es la convivencia artística y el aprendizaje entre los propios becarios”. Al no existir profesores, son ellos mismos, los integrantes de este ambicioso proyecto, los que dan los consejos y hacen las críticas a través de unas reuniones semanales que denominan ‘fecundaciones cruzadas’. “Según Antonio, es una forma de subirse a los hombros del otro y poder ver un horizonte todavía más amplio”, explica. De esta manera, estos “intercambios de ideas” se convierten en el nexo de unión entre todas las disciplinas que se cultivan en este lugar. Pero no sólo son los habitantes del Convento los que aportan su visión sobre


Lara Pintos La mujer que explicó a Antonio Gala cómo era el cielo de Galicia Perfil Le encanta la música y viajar, dar paseos y charlar durante horas en cafés. No soporta el desorden y la suciedad. Disfruta mucho cocinando. Según afirma: “me parece otra buena forma de creación, y comer… todo un placer!”

Sus inicios Siempre ha dibujado y pintado desde que era una niña. Recuerda que fue a los 16 años cuando tomó consciencia de que quería dedicarse a la pintura en un sentido más profesional.

Sus referencias Van desde el mundo de la ilustración al de la pintura o la escultura. Sara Fanelli y Sonia Pulido como ilustradoras, Louise Bourgeois como escultora, Cy Twombly, Paul Klee como pintores, Pauline en la Playa como músicos…

En la Fundación... Una frase “ No son tus palabras lo que espero / sino las ganas de vivirnos” de Salvador Tamayo (escritor)

Su primera conversación con Antonio Gala Era mediado de julio, hacía un calor insoportable en Córdoba, y me citaron a las 2 de la tarde para una entrevista en la propia Fundación, en un salón de la vivienda que tiene allí Antonio Gala. Superados los nervios del principio, el escritor me preguntó el porqué de una beca en Córdoba. Le contesté que era importante cambiar de paisaje, que la luz de cada lugar influía en mi trabajo. Le comenté que la luz de Madrid, mientras vivía allí, impulsó un cambio en mis cuadros, y que lo mismo esperaba de Córdoba. Entonces Gala se interesó sobre la luz de La Coruña. Le conté que predominaba el gris y el cielo nublado. Finalmente, él contestó: "Recuerdo un diálogo inventado que escribí entre Diego Velázquez y Francisco Murillo. El primero decía que prefería la luz de Madrid a la de Sevilla, esa luz dura que marca las facciones, mientras que la luz de Madrid baña todo de belleza..."

Lo más extraño Me dio bastante vergüenza enseñarle mi habitación a Ágatha Ruiz de la Prada.

Un lugar El mirador de la fundación desde el que se puede ver toda la judería de Córdoba, la mezquita iluminada por la noche y el horizonte suave de la campiña de día.

Una travesura Cambiarle todos los muebles de sitio al compañero de la habitación de al lado (no lo hice sola)

Un instante que hubieses congelado La primera vez que probé el salmorejo.

Un título Recuerdos de una silla.

los trabajos. También reciben consejos de escritores, galeristas, comisarios, artistas plásticos, músicos, diseñadores de moda y otras celebridades del mundo del arte. Por citar a algunas de estas visitas especiales: Manuel Sanlúcar (guitarrista de flamenco), Ágatha Ruiz de la Prada (diseñadora de moda), Juan Serrano (arquitecto, escultor), Rafael Ortiz (galerista), Elio Berhanyer (modisto), Miguel Gómez Losada (pintor), José Guirao (director de la Casa Encendida) o Andrés Peláez (Director del Museo del Teatro). Pero del literato que da nombre a esta escuela, Lara Pintos recibió una importante lección: “Me dijo que aprovechase las charlas que podrían surgir en nuestros momentos de ocio, y que no olvidase que no sólo iba yo a aprender de ellos, sino que ellos también recibirían un aprendizaje de mí”. El acceso a estas becas, por otra parte, se realiza mediante la exposición de un dossier y la propuesta de un proyecto. En el caso de Pintos, la entrevista personal tuvo lugar, bajo el auspicio de los miembros del patronato, “en un ambiente acogedor y distendido”. ¿Y cómo se llega a Córdoba con un pincel? Esta joven pintora de veintiséis años de edad finalizó sus estudios de Bellas Artes en la Facultad de Pontevedra pero no quiso detener su carrera en ese punto como le suele suceder a muchos estudiantes. Por eso, según cuenta, quiso continuar su formación “de una manera más libre” y a poder ser, “dentro del mundo profesional”. Aunque esta concentración de artistas parezca a priori una muestra elitista, Lara Pintos asegura que “está abierta a todo el mundo que cumpla los requisitos y pro-

ponga un proyecto con la suficiente calidad”. Todo apunta, así, que esta institución tiene un funcionamiento y unas normas bastante peculiares. Sin embargo, éstas no son públicas ya que, como indica la pintora, “pertenecen a la privacidad de la Fundación”. Sea como fuere, el trabajo diario en esta institución es la principal razón de ser de este colectivo de creadores. Además, económicamente hablando, es una experiencia bastante gratificante ya que los artistas cuentan con todas las facilidades para desarrollar su tarea. La organización, de hecho, ofrece a los artistas todos los materiales para que no tengan que preocuparse nada más que de su obra. Dibujar el l futuro Aunque en este espacio ideal para la inspiración todo parece muy fácil, la realidad puede presentarse de una forma más compleja aunque de ninguna manera pesimista. “Hay mucho nivel y, sobre todo, mucha diversidad ahí fuera. Eso hace que el panorama sea positivo y optimista”, expresa la autora de Recuerdos de una silla para referirse a la situación actual de los jóvenes creadores. Así es: vivimos una época de cambios constantes y que camina a una velocidad de vértigo. “Es bueno ser ambicioso para conseguir metas, pero no en exceso porque la frustración es una constante en este modo de vida”. Ésa es la visión emprendedora de Lara que es consciente de las dificultades del sector. La Fundación Antonio Gala, en palabras de la pintora, “es toda una experiencia” ya que allí “uno puede conocer a mucha gente del mundo del arte con los que compartir ideas y llevarse amistades para toda la vida”.


‘Recuerdos de una silla’ Recuerdos de una silla es el proyecto en el que trabaja Lara Pintos en la Fundación Antonio Gala. Sus trabajos desprenden una sencillez pasmosa y muestran una estética divertida pero a la vez demoledora. Como se puede observar, la opción artística de Lara Pintos es mostrar ideas irreales y fantásticas. “El arte puede reflejar situaciones rea-

les, críticas o fantásticas. Yo no quiero transmitir una crítica a la realidad, a la sociedad, porque mi obra no habla de la actualidad ni de su problemática, al menos no directamente”, explica. Pintos no pretende dar voces con sus trabajos.No quiere ser una analista social a través de sus bocetos. Ella, simplemente, se limita a redescubrir su inte-

rior con cada trabajo.Por eso, afirma: “es una posición de honestidad con el mundo interior del artista, que siempre debe de reflejar la necesidad interior, bien sea criticar o bien sea reflejar su mundo propio”. Por eso, su creación se ubica en un mundo ajeno a todo, en el que los seres inanimados adoptan las características de los humanos.

En este tríptico sobre las “mujeres casa”, según explica la autora, “el color rosa y la imagen ingenua de las casitas contrasta con la sexualidad de las piernas femeninas y su postura”. Lara Pintos, por tanto, quiere provocar al espectador con este tipo de juegos sugerentes

“Derrame en la salita es otra obra que pretende inquietar al espectador con el juego de escalas de los objetos. Las casitas están gulliverizadas y sufren el arrastre de una viscosidad rosa que sale de una tetera gigante. La butaca es otro referente al interior del hogar, puede indicar que lo que ocurre es dentro de un lugar, mientras que el blanco de fondo, no marca el espacio, es la nada. Es el empleo de la estética de lo ‘bonito’ para hablar del desastre”

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La entrevista de

Paco Roca

“Soy un funcionario del cómic” Asunción Niñoles Fotos e ilustraciones: cedidas

Irónico, dicharachero y perspicaz. Así es el dibujante de cómics del momento. A sus 42 años, Paco Roca ya ha recibido los premios más importantes del sector, aunque asegura que le quedan muchas cosas por hacer. Dibujar para el público japonés o ilustrar la portada de The New Yorker son algunas de sus ambiciones profesionales. Empezó a dibujar, como cualquier otro niño, en la infancia. ¿Sentía, entonces, que aquello era su pasión? Sí, lo supe desde bien pequeño. No obstante, y aunque es verdad que todos aprendemos antes a dibujar que a escribir, yo ya utilizaba el dibujo como una herramienta para contar historias, no como mera distracción o pasatiempo. ¿En qué historietistas se fijaba en la adolescencia? En los pupilos de la Escuela Bruguera: Ibáñez, Vázquez, Escobar y Raf. Ade-

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más, yo aprendí a dibujar copiando a Mortadelo y a Anacleto. Pasaron algunos años y, en septiembre de 1988, se matriculó en la Escuela de Artes y Oficios, ahora Escuela Superior de Diseño de Valencia, en la especialidad de Ilustración y Diseño Gráfico, ¿qué recuerda de aquella etapa? Fue algo frustrante. En clase no se hablaba de los cómics, que era precisamente lo que a mí me atraía de la ilustración como oficio. Quizás por eso dejé un poco de lado el cómic y empecé a trabajar como becario en una agencia de publicidad mientras estudiaba. ¿Qué aprendió de la ilustración publicitaria? Aprendí a trabajar con y sin ganas, con urgencia y por encargo, a respetar los plazos y el criterio del anunciante. Comprendí, en definitiva, que el ilustrador era una pieza más del proceso pu-

blicitario, no un ente creativo librepensador. Se ocupó de la realización de storyboards para anuncios de televisión. ¿Era ésta la mejor manera de seguir ligado al cómic? Sin lugar a dudas. Por eso, cuando me lo propusieron, acepté de inmediato. Mi ambición profesional siempre fue hacer cómics y mi trabajo en la agencia de publicidad era sólo un escaparate, un trampolín para llegar a dibujar historias. Pero sigue dedicándose a la publicidad... Sí, esporádicamente, aunque ahora es diferente: las condiciones las pongo yo. Los anunciantes me buscan para que les haga un cartel o un anuncio con mi estilo, ya no sigo directrices. Llegó, en cualquier caso, el momento de dejar la agencia para dedicarse por en-


tero al cómic. Curiosamente, empezó dibujando historias pornográficas. ¿Por qué? Bueno, era una forma de empezar. Quería probarme a mí mismo. ¿Y cómo ha evolucionado su estilo desde sus inicios en Kiss Comix o El Víbora hasta publicar en Astiberri "El invierno del dibujante", con el que ha

hombre en pijama". ¿Qué es lo que más le gusta de su faceta como ilustrador editorial? Crear. Reinventarme cada semana. Compartir con los lectores alguna inquietud o exponerles mi visión sobre algún tema de actualidad. ¿Se fija en lo que hace el "El Roto" o "Forges"?

"En publicidad, el ilustrador es una pieza más, no un ente creativo librepensador" obtenido el galardón a la Mejor Obra y Mejor Guión de Autor Español de 2011 en la 29 edición del Salón del Cómic de Barcelona y que recrea la vida de la mítica editorial Bruguera con la dictadura franquista como telón de fondo? Ha sido una evolución muy suave, aunque es evidente que ha cambiado mi forma de trabajar. Ahora hago cómics para mí. Escojo los temas que me interesan, apuesto por la sencillez y la sobriedad de los dibujos, matizo menos a los personajes, intento que la historias no sean cerradas para que el lector busque su propia interpretación, etc. En la novela gráfica "Arrugas", Premio Nacional de Cómic en 2008, por ejemplo, trata el Alzheimer y otras patologías asociadas a las personas mayores. ¿Qué le atraía de esta temática? El hecho de empezar a vivirla de cerca. Mi madre, de hecho, se acababa de comprar un bastón para poder caminar. No sé, la situación me resultaba expresiva y entrañable, así que empecé a recopilar las anécdotas de los padres y familiares ancianos de mis amigos y nació "Arrugas". A fin de cuentas, por encima de superhéroes, hay que construir obras que interesen a todo el mundo. La historia que relata en "Arrugas" dará el salto a la gran pantalla. ¿Se esperaba romper la frontera del medio? Para nada. Se me ha ido de las manos, pero la verdad es que estoy muy ilusionado. Sobre todo por poner el foco en un tema a menudo silenciado: la vejez, las residencias de ancianos, los miedos, la soledad, etc. Ha trabajado en publicidad, en el cómic, ahora también en el cine, y colabora todos los domingos en el diario Las Provincias con "Las memorias de un

Entonces, como vemos, las historias que dibuja son, muchas veces, vivencias propias o de la gente que le rodea... Sí, porque, además, me parece un punto de partida excepcional para constuir historias. Por otro lado, ha publicado algunas historias cortas como: "Road Cartoons", "Para un puto vicio que tengo", "Señor

"Arrugas se me ha ido de las manos, pero estoy muy ilusionado"

Sí, les sigo a diario. Pero ellos son la élite de la ilustración y del conocimiento, de la ironía y del comentario audaz. Yo no podría trabajar a ese nivel de exigencia y excelencia. ¿Y qué es lo que más detesta de su trabajo? La soledad y los plazos. Siempre hay una fecha de entrega. Cumplirla se convierte en una obligación, pero también en una obsesión. ¿Cómo hace para no sucumbir? Al final tienes tus trucos. Yo, por ejemplo, me impongo un horario de trabajo: de 8 a 15h. Soy un funcionario del cómic. En este sentido, soy muy disciplinado y me guío mucho por aquella cita de Picasso que decía: ‘Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando’. Y también llevo siempre conmigo una libreta. Ahí anoto todas las situaciones cotidianas que pueden servirme de inspiración para dibujar viñetas. A veces saco ideas de las conversaciones que se dan en una cena con amigos o en la consulta de un acupuntor. La clave está en vivir muy despierto.

Osiris", "Nuestros muertos" o "Como cagallón por acequia". En todas ellas hay un elemento común: el humor. ¿No entiende el dibujo sin tintes cómicos? No. Además, a veces el humor es una forma de criticar o de denunciar sin apelar al drama que resulta más útil y sutil. Aunque casi da igual cómo te plantees un cómic porque la gente no los lee... En Francia, por ejemplo, el cómic es parte de la cultura y el número de lectores es mucho más numeroso que aquí. Asimismo, el dibujante de cómics tiene en

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La entrevista de nuestro país, a diferencia de lo que ocurre en el país galo, un escaso reconocimiento entre la sociedad. ¿Le apena este hecho? Sí, en Francia son casi como estrellas de rock y aquí la gente no sabe quiénes somos. De todos modos, el cómic en el caso español es un tema controvertido porque ha tenido un progreso convulso y ha sufrido involuciones de todo tipo hasta que ha llegado un momento en el que cuenta otro tipo de cosas menos fantasiosas y se dirige a un público más amplio. Ha trabajado para el público español, francés, italiano y holandés. ¿Le queda

Perfil

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Paco Roca algo por hacer? ¿Tiene alguna meta profesional por cumplir? Me encantaría trabajar algún cómic para el mercado japonés, colaborar con Pixar, hacer una portada para New Yorker, dirigir mi propia adaptación al cine de cualquiera de mis historias, aunque mi máxima ambición es trabajar cada vez menos. ¿Por qué? Porque me gustaría tener una vida normal. ¿En qué ha cambiado su vida después de ser reconocido a nivel nacional por su trabajo? Me he acostumbrado a recibir elogios y

Francisco Roca (Valencia, 1969) estudió Artes y Oficios en la capital del Turia. Ha recibido el Premio Nacional de Cómic 2008 por la novela gráfica "Arrugas", una historia en la que los protagonistas son personas mayores, y el Premio a la Mejor Obra y Mejor Guión de Autor Español 2011 por "El invierno del dibujante", una creación que rinde homenaje a los historietistas de la Escuela Bruguera con los que el autor creció. Asimismo, aunque hizo sus pinitos como ilustrador publicitario, también ha ilustrando artículos periodísticos y actualmente está inmerso en la ilustración de un recopilatorio de relatos de Kafka. Colabora semanalmente, además, con el diario Las Provincias. Dibuja en pijama, en una libreta o en una servilleta, donde sea. Trabaja de 8 a 15h, adora la rutina y siente pánico ante un folio en blanco. Se define como "inseguro" y "tímido", aunque

a no pagar. Ya no hago ni el amago. Aunque su ambición sea trabajar menos, ¿en qué proyectos está trabajando actualmente? Estoy ilustrando un libro de Franz Kafka, un autor al que admiro muchísimo y al que he leído concienzudamente para poder plasmar con dibujos todo lo que me sugiere. ¿Qué consejo le daría a aquellos que se estén iniciando en el mundo de la ilustración y del dibujo de cómics? No desanimarse, tener perseverancia y formarse un criterio bien definido para no ser fácilmente influenciable por las opiniones de los demás.

siempre mira a los ojos y su tono de voz es determinante. Tiene un adalid espiritual: Rafa, un amigo de confianza al que recurre para testar su trabajo. Si hay algo que Rafa no entiende, el mundo tampoco lo entenderá. Y por eso matiza un rasgo, añade color o cambia el guión del bocadillo de la viñeta. Lee a Cortázar y odia el fútbol. Huye de las redes sociales y se ha acostumbrado a no pagar sus consumiciones cuando queda con periodistas. "Ya no hago ni el amago de pagar", señala. Nunca responde a los comentarios que dejan los lectores en el libro de visitas de su blog y ama las contradicciones y la cotidianidad. Le afectan las críticias, por eso ya no critica. Cree, además, tener un ego enorme. "Si piensas que tienes algo interesante que contar en esa hoja en blanco es porque te lo crees", sentencia.


"Arrugas" trata magistralmente uno de esos temas que preferimos obviar en la sobremesa: la tercera edad y sus problemas. En este cómic, sin embargo, aparece retratado un episodio vital de esos que todos conocemos de primera mano o por terceros: el de una persona mayor e impedida que acaba olvidada en una residencia de ancianos. Paco Roca cuenta aquí un caso de la vida diaria con sensibilidad, sobriedad y cariño, pero no oculta la triste realidad de un colectivo al que no se presta demasiada atención. Ellos son los grandes olvidados de la sociedad, son sujetos que dejan de ser productivos y acaban siendo arrinconados en un lugar gris y tétrico al que nadie quiere ir. Son historias reales, aunque no queramos saber de ellas. Tampoco Roca hace denuncia social pura y dura, sino que apuesta por hablar de personas normales, con sus cosas buenas y sus miserias, y de situaciones cotidianas. El suyo es un cómic duro pero tranquilo, sencillo y con un punto entrañable que no busca la lágrima fácil, sino hablar de sentimientos y de seres humanos. Los protagonistas de esta historia, Manuel y Antonia, se llaman así por sus padres y ellos son su inspiración. Es, a fin de cuentas, una muy buena lectura que nos hace reflexionar sobre los males de una sociedad que olvida y desecha a las personas llegada una edad como si fueran máquinas viejas y oxidadas. Y aunque ésta no sea una temática muy sugerente para el gran público, ofrece algo distinto y eriquecedor para un medio que parece funcionar sólo a golpe de superproducción, capas y antifaces.

"Como cagallón por acequia" es una expresión muy valenciana que sirve para describir de una forma muy visual a alguien que anda perdido por la vida, que ha perdido el Norte o que anda atravesando alguna crisis de identidad aguda. Ése es el caso del protagonista de estas historias cortas que aparecen cada tres meses en la revista Humo. Éstas son historias personales y de amigos, relacionadas todas ellas con el tema de la pareja. Así, las broncas por dejar la taza del váter abierta o por no bajar la basura, pero también el incordio de las visitas familiares o la angustiosa comida de los domingos en casa de la suegra son algunos de los asuntos que Paco Roca retrata trimestralmente en una revista de corte cultural.

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Como cagallón por acequia

Arrugas

Los trabajos más destacados de Paco Roca


Pa Lac

El diseñador alicantino ha trabajado para Greenpeace y rev cómo es el el humor en sus dibujos

Luis Baeza Ilustraciones: cedidas

ablo Lacruz tiene una sonrisa tímida pero emana mucha ironía. Este humor, atrevido pero discreto, es el que se puede observar en sus trabajos. Con algunas perturbaciones musicales de fondo a lo Sergio Dalma –desvaríos del guiónel ilustrador cuenta su experiencia de haber trabajado con colectivos tan importantes como Greenpeace. En un ambiente distendido, Grafito ha podido conocer en profundidad los entresijos de su

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labor como diseñador gráfico y los problemas que esta profesión ha de sortear. Es bastante creativo y le gusta mostar esa originalidad a sus clientes. Lacruz vive convencido de que se puede vivir de la pintura. Sus trabajos, así, persiguen un objetivo: contribuir a construir un mundo mejor. Sus dibujos son muy peculiaries. ¿Cuál es la idea que desea transmitir? Mis dibujos son objetos cotidianos y corrientes a los que atribuyo acciones de los seres humanos. Por ejemplo:

una magdalena que huye de la taza de café o una bolsa de patatas que corre. ¿Se podría decir que su estilo es muy aniñado? No es lo mismo pintar aniñado que pintar como un niño. Pero, sí, mi estilo vende una idea canalla con un toque infantil. ¿Usted es así? [risas] Sí. Mis dibujos son muy naíf. No parece que están vendiendo lo que realmente venden. ¿Le resulta complicado llegar a la idea que quieres plas-

mar? Es difícil, por ejemplo, imaginarse a una magdalena persiguiendo a una taza. Pero intento siempre dotar al personaje de una acción poco común. Es como buscarle la vuelta y media que le faltan a las cosas.


Los dib ujo sc ana lla s

ablo cruz

¿Tarda mucho tiempo en crear una ilustración? Algunas salen solas porque tienes el día bueno. Pero otras me llevan dos o tres semanas de trabajo. Como no tengo un tiempo impuesto para desarrollar esta actividad, lo establezco yo. ¿Y cuándo considera que

está compltamente terminado un dibujo? Cuando lo dejo es porque estoy totalmente satisfecho con el resultado. Decía Picasso que no sabía el tiempo necesario para dar por finalizado un dibujo. Que éste era el que tú considerases. Ni antes ni después. ¿Cuál es su mejor trabajo? R: Eso es relativo. Aunque pienso que el último que he hecho siempre es el mejor porque llevo todos los anteriores aprendidos. ¿Y El peor? Algún encargo.

¿No se esfuerza? Sí me esfuerzo. Pero, por ejemplo, un cliente me dijo una vez que le había puesto mucho blanco a un tríptico. Evidentemente, esta persona desconocía absolutamente que ese aspecto también entraba dentro del diseño. Como diseñador intento hacer entender al cliente cómo es mi trabajo. Yo no le ayudo al cliente a llevar las cuentas de su empresa. Entonces, ¿es peor lo que hace por encargo que lo que hace porque quiere?

Foto: Luis Baeza

a a vela l s

No, simplemente es diferente. Lo que ocurre en muchas ocasiones es que lo que me piden que haga es dispar a lo que yo tengo pensado. Cuando contratan sus servicios, ¿el cliente se reúne con usted para llegar a algún acuerdo? Sí. Siempre intento explicarle mis decisiones. Pero en ocasiones intentan convencerme de sus opiniones. Si sucede esto, le hago el diseño como él quiere pero no vuelvo a trabajar para este cliente. No es muy profesional, ¿no?

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La entrevista de

Pablo lacruz

“Dibujar es muy complicado. Hay que luchar todos los días y, sobre todo, ser constante” Es muy profesional. Les explico, con total sinceridad, que se han equivocado al contratar mis servicios. A mí me gusta ser creativo y darle un sentido a las cosas. Ha diseñado unas bolsas de patatas muy simpáticas para Greenpeace. ¿Es fiel a su propio estilo? Me dejan libre albedrío para hacer lo que quiera. Yo decido darle el tono humorístico. Creo que la publicidad para que venda tiene que ser divertida. Por eso mis ilustraciones son así. ¿Considera el trabajo para Greenpeace como uno de sus grandes logros? Se puede decir que estoy contento ya que son un tipo de organizaciones que intentan hacer un mundo mejor. En ese sentido ya te das por pagado. ¿No es, dentro de su trayec-

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toria, un punto culminante? Es un trabajo muy interesante. Pero en mi profesión se hacen cosas así. Cuando trabajaba en Granada hice el diseño de una lata de aceite que era muy interesante. También diseñé una ambulancia. Ambas cosas nunca las había hecho. Diseñar una ambulancia no es lo mismo que diseñar una lata de aceite. Cada trabajo es un reto diferente. Eso es, precisamente, lo interesante de esta profesión. ¿Cómo le llegan los trabajos? Me ofrezco a una agencia de publicidad como ilustrador y muestro mi página web para que me conozcan. Si les interesa tu trabajo te llaman. Aunque en Alicante es complicado. Es mucho más fácil en Madrid ya que hay más agencias de publicidad, otro

tipo de clientes… En cuanto a las nuevas tecnologías. ¿Cree que han mancillado la magia del lápiz o consideras que el “ctrl v – ctrl z” es maravilloso? Es genial. El ordenador es una herramienta para lo que quieras hacer. No es muy romántico, ¿no? Yo hago bocetos hasta la saciedad. De hecho, hasta que no queda bien no lo paso al ordenador. Este último paso es el equivalente a pasar a limpio un dibujo. Entonces la página web, el mundo 2.0 o las redes sociales tienen un gran cometido… Estas plataformas te abren una ventana al mundo. Quien quiera buscar tu trabajo lo podrá encontrar fácilmente en tu “curriculum online” en donde muestras todo lo que te gusta hacer.

También ha colaborado con revistas online. ¿En qué consiste esta participación? Así es. Yo me entero de que existen y pido colaborar con ellas. Pero no me pagan. ¿Y por qué lo hace? Me gusta porque te mantiene al día. Hace que no te duermas y que siempre estés trabajando: que seas constante. ¿Y cómo es su funcionamiento? Suelen ser revistas que establecen un tema. Por ejemplo: el miedo. En base a ello, y respetando mi estilo, planteo qué puedo hacer. ¿Es muy complicado el mundo de la ilustración? Es un mundo muy peculiar. Vivir de la ilustración es difícil. De hecho, o te dedicas al diseño gráfico o está bastante mal. Yo, por eso, hice cursos de diseño gráfico.


“Me gusta el trabajo con Greenpeace ya que son un tipo de organizaciones que quieren hacer un mundo mejor” ¿Ve infravalorada la profesión? Sí. Además, a mí me regatean. Sin embargo, cuando llega un fontanero a tu casa –y tarde- le pagas lo que te pida y le das las gracias. Muchos consideran el mundo de la ilustración, el dibujo, los cómics… como un sector bastante marginal y freak. ¿Cree que esto es así? Para nada. Aunque entiendo que sí suceda con los dibujantes de cómics o los animadores en 3D ya que muchos sí se consideran freaks. Y, además, tratan una temática más marginal. ¿Qué consejos daría a los estudiantes de arte? Dibujar es muy complicado. Hay que luchar todos los días y, sobre todo, ser constante. Otro aspecto muy importante es fijarse en las cosas que te gustan y preguntarte

el porqué. Por ejemplo, si te llama la atención los ojos de una chica en una ilustración debes preguntarte por qué. En definitiva, saber cómo ha resuelto gráficamente el ilustrador algún aspecto y saber entonces por qué te gusta. ¿Le gustaría salir de España? España está muy bien. He viajado mucho al extranjero, y aunque no está muy bien laboralmente, se vive muy bien. Pero tampoco me caso con esta tierra. He vivido en Granada , Alcoy o Altea y no me importaría irme a Madrid o Barcelona. ¿Cuáles son sus proyectos de futuro? Quiero tener mi tienda de camisetas y publicar un libro recopilatorio con todas las imágenes que voy colgando en la web. Es un proyecto a largo plazo pero me apetece mucho.

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Reportaje: Dise単o de un Concept car

Del boceto a la carretera El joven dise単ado ilicitano Julio Lozano tuvo la oportunidad de dise単ar el 炭ltimo concept car de la marca Renault, el Captur Pablo Peris Fotos: cedidas


ulio Lozano es uno de esos jóvenes que han visto cómo su oportunidad aparecía más allá de nuestras fronteras. Tras completar una formación envidiable, este joven ilicitano ha alcanzado su sueño: diseñar coches para una marca de primer nivel, como es el caso de Renault. Sus comienzos, sin embargo, son bastante terrenales. “Mis padres tienen también una profesión creativa, y eso es algo que me marco mucho. Recuerdo estar de

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niño al lado de mi padre viendo como dibujaba lo que le pedía: un avión, una moto, un coche de carreras...”, comenta. “Mis ojos no se despegaban de su lápiz, miraba con admiración cómo todo lo que pedía se transformaba en un impresionante dibujo con solo unas líneas maestras. Luego siempre quise imitar esa afición por el dibujo. –añade– Todo ello y también mi interés por lo que entonces llamaba 'coches futuristas' hicieron que me preguntase si existía la carrera de diseñador de coches”. Su destino se encon-

traba más cerca de lo que pensaba. Estudió Diseño Industrial en la Universidad CEU San Pablo de Valencia y posteriormente un Master en Barcelona: “Aquello fue mi inicio en el automóvil y lo considere como una prepa-

donde “sólo cogen entre 12 y 15 personas cada año”. Además, aunque mezcla diversas disciplinas del diseño como moda, arquitectura, escultura, joyería… el Royal College of Art cuenta con el privilegio de ser la primera

“En el Royal College of Arts aprendes a saber por qué haces o no una cosa. El diseño no es simplemente estética” ración para poder entrar en la escuela con la que siempre había soñado: el Royal College of Art en Londres”. Como él mismo nos cuenta “es una de las escuelas de diseño más punteras de todo el mundo”

escuela de diseño de automóviles del mundo. “Allí aprendes sobre todo a razonar, a pensar, a saber por qué haces una cosa o por qué no. El diseño no es simplemente estética sino que todo debe tener una base”, explica. Son dos años de esfuerzo con el objetivo de encontrar su oportunidad: “El primer año se hacen pequeños proyectos y el segundo se dedica entero al proyecto final, el cual va unido a una tesis sobre el tema que hayas elegido, en mi caso sobre los estilos de vida”.


Reportaje: Diseño de un Concept car

Se trata, de hecho, de una escuela muy especial. “Allí no hay clases ni asignaturas. Tú estás allí para aprender, para mejorar y todo depende de lo que tú te marques. De ti de-

has puesto y es una satisfacción enorme, pero después de una meta siempre te marcas otra”. Su trabajo consiste en “imaginar y diseñar los futuros

“Renault se interesó por mí y en menos de un mes ya estaba trabajando con allí” pende si tu meta se queda corta o quieres ir más allá”, comenta Julio. “Al final unos aprueban y otros no, pero lo importante es el proyecto que has hecho porque es tu carta de presentación”, añade. En su caso, esa carta de presentación sirvió para encontrar su oportunidad: “Muchas marcas de coches se acercan a la presentación del proyecto final para buscar jóvenes diseñadores con

coches de la marca”. “Se empieza dibujando y buscando ideas y después de una selección de diseños se pasa a modelar el coche en 3D para convertirlo en una maqueta de barro a escala real en la cual aún podemos trabajar y definir cosas con más precisión”, explica. La exigencia siempre es máxima: “Son proyectos en competición con los demás diseñadores; empezamos muchos pero al final sólo quedan 3 de los

“Las ideas vienen trabajando y pensando mucho, hay que estar al día de todo” potencial. Renault estuvo allí y se interesaron por mi proyecto”. En menos de un mes ya estaba trabajando en Renault: “Fue una alegría y un orgullo ver que has conseguido lo que querías. Miras atrás y ves el esfuerzo que

cuales se elige uno”. Para lograr ser el diseñador elegido hace falta hace falta estar al día y tener buenas ideas: “Las ideas vienen trabajando y pensando mucho. Siempre hay que estar al día de lo último, no solo en co-

Boceto del pryoteco de Julio Lozano en el Royal College of Art / Julio Lozano

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ches, sino también en arquitectura, moda, gráfico, etc... Cualquier cosa te puede dar una idea”. Y no sólo estar al día: “A veces tenemos que adelantarnos a las modas, al fin y al cabo trabajamos a 5 años vista”. “A la hora de diseñar cada uno tiene su estilo. En mi caso empiezo dibujando con papel y lápiz y luego lo escaneo y le doy color y relieve con Photoshop”, comenta. El equipo que utiliza también cuenta con todos los detalles necesarios para conseguir los mejores resultados: “Utilizo una pantalla gráfica sobre la cual se dibuja directamente con un lápiz digital sensible a la presión”. Este joven diseñador no se queja de su trabajo en la fábrica de Renault: “Nos cuidan bastante bien. Es como una pequeña ciudad en la que trabajan 12.000 personas (110 diseñadores) con restaurantes, gimnasio, squash, videoclub, peluquería… Además, en diseño tenemos coches diferentes cada semana para probarlos”. Pero no todo es tan bueno. Para Julio, lo peor es “estar lejos de tu tierra, la familia, los amigos…”. Aun así, sus sueños siguen en Renault y sólo piensa en “seguir mejorando cada día y en cada proyecto”.

Imagen nocturna del Renault Captur / Renault


El diseño de un Concept Car Sin duda, una de las mejores experiencias profesionales que ha vivido Julio Lozano fue la posibilidad de diseñar el último Concept car de Renault. “Es un lujo”, confiesa. “Es una auténtica experiencia trabajr en un proyecto como el de diseñar el Captur porque tienes todos los medios posibles a tu alcance y tienes que diseñar todo, desde el aspecto exterior hasta el dibujo de los neumáticos o incluso el tubo de escape”, comenta. Desde luego, diseñar un concept car es todo un reto. Pero ¿qué es exactamente un Concept car? Tal como el propio Julio Lozano lo define “es lo que conocemos como un prototipo, es un coche real hecho artesanalmente del que se fabrica una sola unidad y sirve para mostrar por dónde van a ir los futuros coches de la marca”. Para entendernos, lo define “como la alta costura del mundo de la automoción” y se trata de coches que “sólo se exponen en los grandes salones del automóvil”. Hablamos, por tanto, de coches que establecen la línea a seguir por una marca y que “nunca salen a la calle y no se venden”. Además, son proyectos totalmente confidenciales hasta que la marca los presenta en sociedad.

Dibujo del Renaul Capture diseñado por Julio Lozano

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La generació Jorge Ros Selva / 22 años Ilustradores preferidos: Adam Hughes, James Jean, Paolo Rivera Técnica preferida: Mixtas, Grafito de base, tinta de línea y color con acuarelas liquidas Técnica pendiente: Acrílico Le gusta dibujar: Retratos Técnica tradicional o Digital: Tradicional, aunque pienso que lo importante es el resultado Se quiere dedicar a: Al mundo editorial (comics y álbumes ilustrados)

Mateo Perez / 22 años Ilustradores preferidos: Carlo Arrellano, Edouard Guiton, Paul Sullivan, Justin Murray Técnica preferida: Acuarelas y Photoshop Técnica pendiente: Aerografía Le gusta dibujar: Cómics Técnica tradicional o Digital: Ambas Se quiere dedicar a: Ilustrador o Diseñador Gráfico

Desirée Hurtado / 23 años Ilustradores preferidos: Kelly Smith, Sylvia Ji, Alan Lee, James Jean Técnica preferida: Lápiz de color y óleo Técnica pendiente: Acuarela Le gusta dibujar: Retratos y figura femenina Técnica tradicional o Digital: Técnicas tradicionales con retoques digitales Se quiere dedicar a: Ilustradora y escritora en el mundo editorial

Mari Paz García / 23 añ Ilustradores preferidos Técnica preferida: Trans rencia Técnica pendiente: Gra Le gusta dibujar: Todo menos manga Técnica tradicional o Di Tradicional Se quiere dedicar a: Alg que tenga que ver con arte y el dieseño


ón que viene

Ellos son los ilustradores del mañana. El futuro de la profesión. Por eso es muy importante tener en cuenta sus preferencias, inquietudes, opiniones y miedos. Así es la generación que viene.

Jorge López / 24 años Ilustradores preferidos: Joshua Petker, James Jean, San one.... Técnica preferida: Acrílico y acuarela Técnica pendiente: Oleo Le gusta dibujar: Retratos Técnica tradicional o Digital: Experimento con ambas Se quiere dedicar a: Ilustrador sea en el campo que sea, y seguir con mi empresa de serigrafia

ños s: sfe-

Juanjo Vives / 22 años Ilustradores preferidos: Stanley Donwood Técnica preferida: Técnicas mixtas Técnica pendiente: Oleo Le gusta dibujar: Imágenes irrealistas Técnica tradicional o Digital: Depende el dibujo Se quiere dedicar a: Animador y fotógrafo

Carla Romero / 22 años Ilustradores preferidos: Conrad Roset, Diogo Machado add fuel to the fire, el grupo Modern Dog... Técnica preferida: Collage digital y físico Técnica pendiente: Aerografía Le gusta dibujar: Sobre todo ojos, animales y retratos Técnica tradicional o Digital: Las dos, combinadas. Se quiere dedicar a: Sobre todo a la serigrafía, realizar camisetas y carteles

affiti

igital:

go el Cecilia Scianca Fotos: Pablo Peris


os estudiantes de ilustración son el futuro de la profesión. Lo que es también innegable es que en esta fase personal las dudas y los miedos surjan a borbotones y superan, en muchos casos, a los sueños individuales. Porque esta generación también importa a Grafito, quisimos saber qué opinan sobre diversos aspectos de su vida estudiantil, qué impresiones tienen, qué se podría mejorar desde su punto de vista, de qué se alegran y qué futuro auspician. La mayoría de ellos cursa el último año del Ciclo Formativo Superior de ilustración. Son dos años teóricos y un tercero dedicado a unas pocas horas de prácticas laborales seguidas de la presentación del proyecto de final de carrera del que depende la obtención del título. Los profesores son una parte vital del proceso de aprendizaje, por lo que hablando sobre la enseñanza recibida por parte de éstos surgen los primeros debates. “La enseñanza es buena, lo que pasa es que muchas veces es insuficiente” asegura Carla Romero y matiza: “Las horas dedicadas a algunas asignaturas son muy pocas, tendrían que estudiarse los dos años”. Incluso, otro factor indispensable a la hora de sentirse formados es la motivación que los educadores imparten a los alumnos. Por descontado queda que, aquellos con verdadera vocación (muchos) sí transmiten todo su conocimiento para ayudar a los chicos. Sin embargo, siempre hay un reducido grupo que, lamentablemente, eclipsa al resto. “Muchos de ellos, al obtener el puesto, se acomodan y eso, termina perjudicándonos a nosotros”, opina Jorge López. Por otra parte, todos coinciden en que a nivel general sí se tienen en cuenta las peticiones que hacen a los profesores en cuanto a aprender diferentes técnicas, traer más documentación sobre algún tema, ponerlos en contacto con gente del gremio, etc.

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“La enseñanza es buena pero insufiente. Las horas dedicada son pocas”, afirma Carla Romero Tampoco se puede pasar por alto la falta de implicación de cierto alumnado. Como comenta López ,”hay personas que hacen la carrera sin vocación”, factor que desencadena la mayoría de veces en el abandono o en una mala actitud. “En mi clase empezamos 30 y terminamos la mitad”, aclara. Muchos profesionales del sector hablan de que en la enseñanza artística hace falta más especialización y un programa adaptado a los nuevos tiempos con la introducción del uso de las tecnologías como herramienta fundamental para ser competitivos en el mercado laboral. Ante este planteamiento, se les preguntó a los chicos qué tipo de materias echaban en falta en la carrera. Las más votadas fueron aquellas relacionadas con el uso del ordenador y técnicas digitales. “Diseño gráfico y fotografía digital son muy necesarias y hemos visto lo justo”, dice Juanjo Vives. Incluso, más allá de la teoría también reivindican actividades fuera de la escuela. “Hemos ido a Valencia, a ARCO, pero no vendrían mal más salidas”, opina Mateo Pérez.

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Si el Plan de Estudios ya genera controversias, las prácticas laborales son otro tema que preocupa mucho a los estudiantes de este ciclo. “Tenemos solamente 50 horas de prácticas. Eso es prácticamente una semana. Así no podemos dar a conocer nuestro trabajo ni mucho menos aprender”, reflexiona Jorge Ros . Este mismo alumno comenta que su hermano trabaja en una agencia de publicidad la cual tiene a gente del ciclo en

Los alumnos piden más enseñanza de técnicas digitales, fundamentales en el mercado laboral actual prácticas. Por eso, sabe de primera mano que los empresarios no tienen la oportunidad de ver a los ilustradores en acción más de unos pocos días y por su parte, como becario, es consciente de que no puede mostrar su potencial en diferentes proyectos debido al poco tiempo de permanencia en estas empresas.

Finalmente, algo que realmente los tiene decepcionados y, a la vez, enfadados es el hecho de que a partir del curso 20112012 el Ministerio de Educación implantará matrículas mucho más costosas para este ciclo. “Todos estos años hemos pagado una cuantía normal, unas tasas, pero ahora quieren aumentar el precio de cada asignatura”, afirma Vives. Cuestión que, según dicen, es “disparatada” por el hecho de que la matrícula total rondaría los 500 euros y, en ningún caso, en comparación con las universidades, las escuelas no ofrecen la misma calidad.

“En 50 hs. de prácticas no podemos aprender ni dar a conocer nuestro trabajo”, opina Jorge Ros Grafito | 75


Queda todavía por ver cómo se aplica esta subida y si ya será visible en la próxima matrícula. Aunque todo parece indicar que dicho aumento es un hecho. Miedos Tanto en los ciclos formativos como en las carreras universitarias la sensación al terminar los estudios es de inseguridad ante el mundo profesional. Sin embargo, si la labor elegida no está encasillada en algo económico, técnico o sanitario sino más bien en algo relacionado con la creatividad, el miedo se incrementa. “No salimos preparados para el mercado laboral”, dice Juanjo Vives. Mientras que otra estudiante, Carla Romero, explica su situación personal: “Me siento frustrada. Pienso que he tirado tres años de mi vida estudiando para nada. Te enfrentas a la vida laboral pero nadie te coge si no es para web, aplicaciones para móviles o cosas de ese estilo”. Incluso MariPaz García afirma que concretamente para ilustración “no piden a nadie”. No obstante, esta incertidumbre hacia un futuro poco claro es lógica en los primeros años de incursión laboral. Poco a poco, con paciencia y buscando mucho, uno puede hacerse un hueco trabajando de lo suyo. Por lo menos hay que intentarlo. Así también lo cree Desireé Hurtado cuando opina que “para bien o para mal, la experiencia y los años es lo único que ayuda a crecer en tu trabajo”. Ellos también reivindican el justo reconocimiento dentro del Arte del cual también forman parte los ilustradores. Miran más allá de nuestras fronteras y recalcan el estatus del que disfrutan sus colegas de profesión en otros países del mundo. “Aquí no somos valorados mientras que fuera son muy reconocidos”, resalta Mateo Pérez. Mirando al futuro La actitud actual es, quizá, algo pesimista. La realidad española en cuanto al trabajo es dura y el panorama algo desalentador. Pero estos jóvenes son precisamente eso, jóvenes y tienen toda la vida por delante para no desistir en su intento por vivir de su vocación: el dibujo. Y pese a que la mirada presente sea insegura, esta pequeña representación de la generación que viene no piensa tirar la toalla y ve las próximas décadas con esperanza. Mientras tanto, les preguntamos dónde se veían en unos 20 años. Estas fueron sus respuestas: Jorge López quiere emprender un negocio de camisetas y crear una firma reconocida; Maripaz García quisiera diseñar zapatos; Juanjo Vives se ve fuera de España, le gustaría trasladarse a Inglaterra o Italia y trabajar allí; Mateo Pérez y Carla Romero coinciden en querer ser autónomos, ser sus propios jefes y tener éxito en la ilustración; y Jorge Ros quiere que en vez de estar buscando trabajo, como ahora, lo buscasen para trabajar (risas). En definitiva, todos desean vivir de la esto. La ilustración no es un camino fácil y esta representación de alumnos lo está sufriendo especialmente. A los que ocupan cargos importantes se les pide que echen un vistazo a las peticiones de los estudiantes y no miren a otro lado. La cara de la moneda es que en los tiempos que corren, con las nuevas tecnologías, el abanico de posibilidades está más abierto que nunca. Precisamente por esto, la lucha y la superación tienen que ser las herramientas de esta próxima generación, porque harán cosas grandes. Nadie lo duda.

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Valores

Por Luis Baeza

La ilusión del que pisa por primera vez la Escuela de Arte y Superior de Diseño o la Facultad de Bellas Artes es desbordante. Y aunque las aptitudes y el talento de quienes empezarán a enfrentarse a los acrílicos o a manejarse con el Freehand y el Illustrator se suponen, toda esa energía necesita

pulirse y canalizarse. Y aquí, en medio de todo, encontramos la figura del docente. De él dependerá, en mayor o menor medida, la motivación -pero también la frustración- de quienes reciben las clases. De hecho, esa pasión al enseñar es lo que hace al verdadero maestro una referencia para el alumno, un ejemplo al que seguir. El profesor hace las veces de adalid espiritual, de

chamán. Y a él se encomiendan sus discípulos. El buen profesor crea inquietudes, fomenta la interacción, influye y aconseja. Transmite sus filias y sus fobias porque no es un ser inanimado, pero respeta todas las opiniones. Y también aprende de sus alumnos. Su compromiso para con una docencia de calidad resulta tan fundamental que, sin ella, más de uno

acabaría desencantándose y dejando marchitar su valía. A fin de cuentas, un profesor no sólo enseña cómo ha de perfilarse un rasgo para que parezca más real o de qué postura habría que dibujar al personaje para dotarle de movimiento. El verdadero instructor es aquel que deja una huella perenne en alumno. Sólo se aprende de quienes se respeta.

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Museo Mar Ample i García

http://www.marample.blogspot.com | marruxi@hotmail.com

Sus referentes Desde siempre me ha fascinado el mundo de la ilustración, pero ha sido hace poco cuando mis creaciones han ido adoptando forma en este ámbito. Desde siempre me he sentido atraída al observar las ilustraciones de otros, como pueden ser las ilustraciones de Aitana Carrasco Inglés, María Wernike, Gabriel Pacheco, Matías Acosta,Ana Sender…

Ilustraciones: cedidas

Sus ilustraciones A Mar Ample le atraen la contrariedad de las cosas, la atracción de los polos opuestos, las imágenes que en un primer momento puede transmitir una sensación pero que finalmente remiten a la sensación opuesta. Le gustan las imágenes que esconden un doble sentido, que incitan al juego, a descubrir la sorpresa…

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Coral Porras

coralporras@revistaperiplo.com

Sus inicios Coral Porras no empezó a dibujar: nació haciéndolo. Si piensa en su infancia no recuerda hacer otra cosa. “Llevo el callo del estudiante en mi dedo corazón desde mucho antes de aprender a escribir”, dice. Las dificultades El mundo de la ilustración es muy complicado. Eso está claro. Para Coral, por ello, la dificultad más importante no está en el ilustrador sino en aquellos que miran. “La profesión de

Transformar la idea Dar forma a una idea es tal vez la tarea más compleja que acompaña al acto de creación. Las ideas son como el aire y cuando tienen que materializarse se van estrechando, comprimiendo…En la idea hay un discurso y en la estructura, en la forma, hay otro. Idea y forma pertenecen a planos distintos: el plano imaginario y el plano real. A la hora de dar forma a esa idea estos dos planos se confrontan en la conciencia del artista, ya que dentro de

ilustrador está bastante infravalorada, tanto desde el plano económico como desde el punto de vista creador”. Dar vida Como siempre, el paso de dar vida a un personaje es el más complejo. Sin embargo, para Coral no es difícil si sabes cómo se comporta, qué le gusta, qué secretos esconde… Así, afirma: “En el momento en que ese personaje decide perder la vergüenza y presentarse ante otros, no sólo ante mí, descubro que mi pequeño está preparado para volar libre”.

Por Mar Ample i Gracía

ese proceso de entra en juego la elección, y la elección comporta un riesgo ya que tal vez haya que renunciar a algún aspecto de la idea para que ésta pueda materializarse. Tal vez algo tenga que morir o renacer en este proceso de transformación. La forma define la idea. La materia pesa porque existe, tiene densidad y es en este plano donde encontramos la dificultad a la hora de manejar los materiales que muchas veces no responden

como habíamos imaginado. Este discurso entre idea-materia no debe ser un discurso de oposición dentro del proceso creativo (y ahí estriba para mí la dificultad), sino más bien un diálogo en el que las dos partes se vayan complementando a través de nuestra capacidad de elección. Para mí es muy importante la experimentación con los distintos materiales para ir descubriendo el amplio abanico de posibilidades que nos

ofrecen. Muchas veces, tal vez por no confrontarme demasiado con la materia, me dedico a experimentar directamente con los materiales sin ninguna idea preconcebida, dejando que el color y las texturas aparezcan sin preocuparme demasiado del resultado. Y muchas veces, a partir de lo que me devuelve la materia surge la idea y es entonces cuando le voy dando forma, combinando planos abstractos y figurativos

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Nuevas y viejas t

‘Dive’, James Jean

¿Grabado o Photoshop?

Si hablamos de una técnica clásica para dibujar, el grabado es, sin duda, una de las más conocidas. Veamos en qué consiste este método. La palabra “grabar” viene del francés “graver” y data del siglo XV. Ésta significa trazar en algún cuerpo letras, líneas o dibujos simples. Esta técnica de dibujo consiste en la impresión de una imagen sobre una plancha o placa, lo que se denomina matriz. Así, se deja una estampa que se rellenará, generalmente, con tinta para luego ser transferida a otra superficie como, por ejemplo, papel o tela. Las formas de grabar más conocidas son: Grabados en relieve (la

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xilografía y linografía) y Grabados en hueco (punta seca, aguafuerte, aguatinta). Cuando se habla de xilografía se hace referencia al grabado en madera mediante el cual se tallan los blancos de la imagen y se dejan en relieve las líneas o áreas negras. A diferencia de ésta, aunque también en relieve, se encuentra la linografía, que usa como matriz el linóleo (material mezcla de lino, aceite y corcho) que es más blando y, por tanto, más fácil de trabajar. Picasso era un experto en esta práctica. Por otra parte, en los grabados en hueco encontramos tres métodos fundamentales: A punta seca, nombre que viene de la uti-

lización de un punzón como herramienta principal, es decir, se graba directamente sobre la plancha metálica de modo que al entintarla la estampación final tome un aspecto más aterciopelado y delicado (Salvador Dalí trabajaba esta técnica). Por otro lado, se encuentra el Aguafuerte que proviene de los talleres de armaduras, consiste en barnizar la matriz, tallar el dibujo y luego sumergir dicha plancha en ácido el cual penetrará en aquellas zonas donde el barniz se haya levantado; y, por último, el Aguatinta, similar al proceso anterior sólo que la base es polvo o granos de resina para conseguir más tonalidades y texturas.

V


tendencias

Evolución sin perder los principios

VS

Por Pablo Peris

No cabe duda de que las nuevas tecnologías han significado un importante avance en ciertos aspectos de la ilustración. Sin embargo, este avance no debe obcecarnos y hacer perder los magníficos orígenes de la ilustración. Si bien es cierto que el uso de programas como el Photoshop han permitido desarrollar obras de gran calidad, ¿qué queda de la esencia del dibujo? Deberíamos, quizás, frenar la excesiva tendencia a lo que casi podemos denominar el síndrome del ‘Ctrl Z’. Resulta hartamente fácil equivocarse, deshacer nuestro error y volver a dibujar. ¿Pero es eso lo que de verdad queremos? ¿No se debería volver a poner en valor los trabajos de aquellos artistas que obraban directamente sobre el lienzo? Tratemos de recuperar ese placer de saber que aquello que estás viendo es la obra directamente tratado por el artista. Una conexión mística que

queda desterrada cuando la tecnología hace acto de presencia. Vean, sin ir más lejos, el caso de Víctor Soler, tratado en ésta misma publicación. Confiesa que, a pesar de valerse del Photoshop como herramienta de dibujo, su forma de hacer ver al cliente el trabajo dedicado no es otra que entregar los bocetos. ¡Ah, los bocetos! El germen de toda ilustración. Es tentador caer en la provocación de la producción en serie y llevar un arte tan único como este a la repetición de obras. Cierto es, no debemos olvidarlo, que en muchas ocasiones, el Photoshop sirve como herramienta para hacer ilustraciones magníficas o retocar dibujos hechos a mano. Pero párense a pensar por unos instantes. ¿Cuántas técnicas desarrolladas a lo largo de la historia serían capaces de nombrar? Seguro que infinidad de ellas. Y siendo sinceros: ¿Cuántas de ellas conseguirían reproducir a la perfección utilizando técnicas

Dentro de las técnicas más actuales de ilustración no se puede dejar de hacer referencia a los métodos digitales. Hoy toca hablar del Photoshop. Es innegable la evolución de los métodos de ilustración, impresión y publicación. Todo lo que nos rodea hoy en día está digitalizado o ha pasado por algún proceso de edición haciendo uso de estas nuevas tecnologías. Entonces, ¿por qué no utilizar una herramienta digital ya que este será el soporte final de su divulgación? Muchos califican el Photoshop como un programa de retoque de fotografías o de creación, quizás con un toque de rechazo debido a que la maestría primaria

digitales? Seguro que, a pesar de los constantes avances, ese número se reduce de forma considerable. Quizás encontremos más futuro en la búsqueda de nuevas técnicas y estilos. ¿Qué sentido tiene hacer una acuarela, o incluso un graffiti trabajando en el ordenador? Insisto en esa imperiosa necesidad de recuperar las herramientas de antaño. No se trata de un órdago en contra de las nuevas tecnologías sino más bien un defensa a ultranza de aquello que durante tantos años nos ha hecho disfrutar de la ilustración. Ahora los jóvenes van a la escuela a aprender a usar los pinceles del Photoshop. Algo sin duda fascinante, pero que limita su creatividad. Hagámosles volver a coger los pinceles de verdad, ponerse delante de un lienzo y tratarla pintura, mancharse las manos, disimular los errores. Sólo así conseguiremos enseñarles el auténtico arte de la ilustración.

del ilustrador, tal y como se lo conoce desde siempre, se pierde. Con el Photoshop, al igual que con otros programas informáticos, las variables de forma y sentido están más estructuradas y un poco más lejos de la voluntad del ilustrador. Sin embargo, las ventajas son múltiples. Quizás, la combinación ctrl+Z, sean las teclas más usadas. Y todo gracias a su eficaz función: poder volver atrás. Algo que en este tipo de trabajos se agradece enormemente. Más allá de esto, también se encuentran las capas con las que se puede “jugar” y probar diferentes cosas sobre el original sin miedo a que no guste el resultado, incluso fusionarlas para lo-

grar efectos que de otra manera sería casi imposible conseguir. Los colores vivos que ofrece la calidad digital es otra gran ventaja de este programa.. No se puede obviar la herramienta de “guardar” a cada instante, la limpieza que tendrá el lienzo en todo momento, poder hacer copias en segundos, la compatibilidad con otros programas de Adobe, como el Illustrator, etc. Como vemos, las posibilidades de creación son infinitas y el debate admite diferentes posturas, tú decides. ¿Importa la técnica a utilizar o todo depende de la calidad del artista? Todo se trata de experimentar.

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Tu arte José Luis Ocaña Saramago www.joseluisocana.com

María Luque Bombón helado y yo www.flickr.com/photos/marialange

Si quieres que una de tus ilustraciones salga publicada en nuestra revis la máxima resolución posible, así como tus datos de contacto para que mejores, los cuales, además de en la revista, s 82 | Grafito


José Arizaleta “Arizaleta’ Vago Comix 2 www. arizaleta.com

Mariano Granero “marianoNERD’ Cuadernikarral

sta, mándanos un email a revistagrafito@gmail.com con tus dibujos en e los lectores puedan conocer tu trabajo. Haremos una selección de los serán colgados en la web. ¡Esperamos tu arte! Grafito | 83

Ilustraciones: cedidas

www.flickr.com/photos/marian-o


Recomendamos de Il ustrac ió n M us eo Va le nc ia no IM ) y M od er ni da d (M uV lencia Va

El MuVIM ofrece a los visitantes una interesante y novedosa perspectiva de la ilustración. Este museo situado en el centro de Valencia te enseñará el mundo de la ilustración combinada con la modernidad. Y qué mejor forma de hacerlo que basandose en imperiosa necesidad de comunicar a través de la imagen. Partiendo del siglo de la Ilustración, el MuVIM ofrece exposiciones en las que el arte moderno queda reflejado a la perfección. Desde publicidad a cualquier tipo de carteles

que representan la historia y la sociedad contemporanea, las exposiciones de este muso no dejan indiferente. Además, el museo ofrece

constantemente actividades de todo tipo y cuenta con una interesante exposición permanente llamada ‘La aventura del pensamiento’.

C/ Guillem de Castro, 8 (Valencia) Tlf.: 963883730 www.muvim.es

C o m ic t e c aia Murc

Situada en la Biblioteca Regional de Murcia, la Comicteca es el espacio más grande de Europa dedicado al mundo del cómic. Sus 130 m2 recogen un incomparable catálogo disponible para los amantes de esta disciplina. Perfectamente ordenados, para que encuentres lo que buscas, y con ejemplares de todas las tendencias, estilos y lugares que puedas imaginar, la Comicteca de Murcia se convierte en un referente imprescindible para los

amantes de las historias ilustradas. Si eres socio de la Biblioteca podrás llevarte hasta cinco comics, además de participar en los diferentes eventos que organiza la Comicteca. Desde charlas y talleres a jornadas de lectura. Se trata de una oportunidad única para los amantes de esta rama de la ilustración. No te lo pierdas y pasate a ver el espacio dedicado al comic más grande de Europa.

Av./ Juan Carlos I, 17 (Murcia) hola@comicteca.es www.comicteca.es

En la web Los más metidos en la materia seguro que saben en qué consiste este famoso portal de internet. Esta enomre comunidad te permitirá crear un espacio en el que mostrar tu trabajo. Da igual si eres un reconocido artista o simplemente estás empezando en el mundo de la ilustración. Tampoco importa cuál sea tu estilo o técnica. En DeviantArt hay sitio para todos. Esta comunidad ya cuenta con más de trece millones de usuarios registrados que comparten sus obras con los demás. No seas menos y animate a mostrar tu trabajo. El registro es totalmente gratuito y podrás saber qué opinan los demás de tus obras, además de empaparte de su conocimiento y sus consejos que seguro te ayudarán a perfeccio-

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www.deviantart.com nar tu técnica.Quizás esta comunidad te de la oportunidad de dar el salto al mundo profesional que tanto deseas. Aprovecha la red para darte a conocer y qué mejor que empezar por la comunidad más grande del mundo del arte.


No te pierdas

Libros FAnTASY+2 Best Artworks of CG Artists

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Kipling Ilustrado recoge el trabajo de ilustradores que presentan sus propuestas gráficas en torno a una selección de cuentos de Rudyard Kipling. Un total de siete ilustradores que interpretan las obras de este escritor británico.

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Animación. Del lápiz al pixel

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Editorial: omega Encuadernación: Tapa blanda Páginas: 520 Dimensiones: 19 x 26 cm. idioma: Español

la mirada del Samurai Museo ABC (Madrid) Del 7/4 al 12/6 La exposición Los dibujos de Akira Kurosawa. La mirada del samurái nos introduce en el imaginario visual de un autor oriental fundamental en la historia de la cultura occidental del siglo XX.

Salón del Manga iFA (Alicante) Del 14/5 al 15/5

Este es el manual definitivo sobre animación digital. En él el lector encontrará el clásico temario que desvela muchas de las técnicas legendarias, además de información relevante sobre las posibilidades que ofrecen las tecnologías actuales.

The picture book

Kipling ilustrado MuViM (Valencia) Del 17/2 al 22/5

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Contemporary illustration Editorial: laurence King Encuadernación: Tapa blanda Páginas: 344 Dimensiones: 13,6 x 17,5 cm. idioma: inglés En el segundo volumen de Fantasy+ artistas de todo el mundo comparten su trabajo y su visión del pasado, presente y futuro del arte digital. En un mundo donde la producción rápida es la clave, los artistas optan por distinguir su trabajo con un estilo propio.

El Salón del Manga de Alicante es una oportunidad de lujo para todos aquellos aficionados al Manganime, a los videouegos, a los comics y a los juegos de Rol. No te pierdas la aoportunidad de asistir al primer evento de este tipo que se celebra en la provincia de Alicante.

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http://scianca.deviantart.com

Revista Grafito  

Número 0 de Revista Grafito

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