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na vez leí que los comienzos son tan solo eso, comienzos. Y no importa lo grande o pequeños que sean, ya que en un futuro no habrán sido más que el principio de algo. Y en Fshn aunque abrumados por la gran acogida de nuestro primer número, el interés mostrado por tantísimas personas, los nuevos colaboradores... creemos que era tan sólo el inicio de un proyecto, y que sólo puede seguir adelante con trabajo duro. Un proyecto que crece día a día, del que disfrutamos, y que, gracias a nuestra visión optimista nos llena de alegrías. Pero somos conscientes de que no se puede conseguir todo lo que uno desea de la noche a la mañana, y que las cosas tienen un proceso y llevan tiempo. Por eso, en parte, la clave de que un proyecto tenga éxito o no, es la actitud. Como siempre decimos, Fshn surge para apaciguar los malos pensamientos, las ideas pesimistas, y la creencia de que todo está perdido. De momento, nosotros aquí seguimos, cuidando nuestro árbol, y buscando que se haga un hueco en el bosque. Desde luego es necesario dar las gracias a toda la familia Fshn desde el primero al último, ya que sin ellos, la Revista Fshn, no sería más que una idea en nuestra cabeza. Queremos dar gracias también a todos aquellas personas que han confiado en nosotros para involucrarse en los proyectos relacionados con la revista. Y esperamos que este proyecto que es Fshn dure mucho tiempo más. De momento, aquí esta FSHN Volume Two. Esperamos que lo disfruten.

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MODA. LAS PRÁCTICAS LABORALES EN ENTREDICHO PÁG 8. CONSEJOS FSHN. ¡DI QUE SÍ A LAS ALTURAS! PÁG 10 HAUTE COUTURE: BELE ÉLEGANCE. PÁG 12 ESPECIAL FASHION WEEKS PÁG 25. FW’S DO NOT MISS THIS ARTICLE. PÁG 26. PARIS VS. MILÁN PÁG 28. THE GIRL FROM THE SEA PÁG 30. ENTREVISTA JARABOWTIE. PÁG 40. THE BRIDE. PÁG 46. FSHN MEN. PÁG 63. NATASHA. PÁG 66. BE NATURAL. PÁG 74. DISEÑO. ADN BOUROULLEC. PÁG 84. ECO-PACKAGING. PÁG 87. OTRA VUELTA DE TUERCA. PÁG 90. TENDENCIAS. EINSTEIN, NO FUE FÍSICO. PÁG 93. LOS MALOS MOLAN.PAG. 94. DE VENDER BATAS A LA GRAN AVENIDA. PÁG96. GRANDPPA CUSTOM SHAPES PÁG 99. MÚSICA.. ENTREVISTA ALEXANDRA IN GREY. PÁG. 103. FOTOGRAFÍA. LA MIRADA MONOCRMÁTICA DE ALEXEY TITARENKO. PÁG 109. FOTOGRAFÍA CINCO ESTRELLAS. PÁG 112. JORGE PEREZ ORTIZ. PÁG 114. CIERRE. THIS IS IT. PÁG 125.

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uántas veces habremos oído esta afirmación todas aquellas personas que estudiamos o trabajamos en la industria de la moda, fotografía, cine o trabajos relacionados con el sector artístico. La oímos en la universidad, en boca de nuestros profesores, compañeros de clase, amigos. Lo vemos en revistas, películas, series de televisión. Y es que, aunque esta frase se repita, no deja de ser injusta en la mayoría de los casos. En el sector de la moda, la mayoría de los contratos en prácticas en empresas son sin remunerar. Esta situación se ha dado durante tantos años que se ha llegado a normalizar. Lo damos por hecho. Los estudiantes de diseño salen de la carrera y asumen que el siguiente paso es trabajar como becarios si quieren conseguir un puesto fijo. Esto tendría sentido si hubiera una compensación. Pero no siempre es así. Las empresas han entrado en una dinámica en la que contratan becarios, firman un contrato de cuatro o seis meses y más tarde despiden a estos recién graduados para contratar a otros. Y todo este proceso vuelve a empezar. ¿Beneficios para la empresa? Todos los del mundo. ¿Para el diseñador en prácticas? Depende. Muchas prácticas pueden ser útiles para obtener una educación técnica que posiblemente no se pudo aprender en la carrera. Hacer contactos. Meter la cabeza en la industria. En teoría, todo esto está muy bien pero, desgraciadamente, muchas prácticas acaban consistiendo en trabajos de secretario/a en los que no solo no se aprende sino que se pierde tiempo y motivación.

La semana pasada se publicaba un artículo en The New York Times en el que se contaba la historia de la estudiante de moda americana Diana Wang. Diana trabajó todo un verano para ahorrar dinero y mudarse a la Gran Manzana con el objetivo de hacer unas prácticas en la conocida revista de moda Harper’s Bazaar. Tras 4 meses de trabajo, 5 días a la semana, de 9 am a 8 pm, realizando toda serie de tareas que no correspondían con su contrato como Diseñadora de Accesorios en prácticas, Diana habló con su jefa sobre su futuro en la empresa. La jefa fue clara: no le iba a ofrecer un contrato de trabajo. La estudiante se marchó de la revista, pero hizo algo más. Contrató a Outten & Golden, uno de los más prestigiosos bufetes de abogados especializados en leyes laborales en Nueva York, y demandó a Hearst Corporation, empresa fundadora de Harper’s Bazaar, por no pagarla un salario por el trabajo realizado durante esos meses. La demanda, que acusa a la compañía de violar las leyes laborales federales y estatales, se ha convertido en uno de los casos más importantes para el bufete, al que se han sumado cerca de 3.000 exbecarios de Hearst. Este mes se abría otro caso para Outten & Golden. Alex Footman y Eric Glatt, dos exbecarios que trabajaban en el rodaje de la aclamada película de Darren Aronofsky, Cisne Negro, presentaban una demanda federal contra Fox Searchlight Pictures. Alegan que la productora violó las leyes laborales al contratar becarios no remunerados para hacer trabajos como servir café o sacar la basura, que debería haberse hecho por empleados pagados por Fox Searchlight en su lugar. Muchos dirán que Footman y Glatt aceptaron trabajar como becarios sabiendo que no iban a recibir un sueldo por su trabajo, y que, a cambio, iban a poder obtener una cierta experiencia laboral, además de tener la oportunidad de conocer a personajes importantes de la industria, como

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“(...) El problema radica en que trabajos de asistente que deberían estar pagados se desempeñan por becarios sin salario (...)” la Ganadora del Oscar a mejor Actriz, Natalie Portman. Sin embargo, esto no quiere decir que su situación fuera legal. La ley laboral en Norte América deja muy claro que si una persona realiza un trabajo, éste debe ser pagado. Elizabeth Wagoner, abogada de Outten & Golden, afirma que el problema radica en que trabajos de asistente que deberían estar pagados se desempeñan por becarios sin salario, y esto se está convirtiendo en una norma, pese a que la ley dicta que esta situación es ilegal. Si siempre ha habido becarios en estas industrias, y en la mayoría de los casos han trabajado sin obtener un sueldo a cambio, entonces ¿hasta qué punto es ilegal este tipo de contratos? Wagoner afirma que la única forma de que unas prácticas sin remunerar sean legales es que pertenezcan a un programa coordinado por un centro universitario. Además, las prácticas deberán beneficiar al empleado y no al empleador, quien deberá ofrecer un contrato fijo al estudiante si, tras el periodo de

prácticas, el becario realiza todas las tareas con eficacia. El punto clave es que debe existir siempre un componente educativo, y desgraciadamente muy pocos contratos en este tipo de industria cumplen estos requisitos que la ley impone. Las compañías están obteniendo enormes beneficios a costa de no pagar a estos becarios, que en muchos casos realizan trabajos de asistente, o incluso de secretaria o conserje. Outten & Golden representa actualmente a más de 100 becarios que trabajan para Fox Searchlight Pictures. Surge la duda de si estos recién graduados tendrán problemas en el futuro para encontrar trabajo, ya que, sobre todo en este tipo de industrias, muchos de los puestos se consiguen por contactos y cartas de recomendación. Sin embargo, gracias a todos estos exbecarios, puede que los contratos laborales de prácticas cambien en un futuro y no beneficien únicamente a las grandes empresas sino también a los jóvenes que empiezan su carrera profesional.

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ara mí, en lo que a zapatos se refiere, existen auténticas obras de arte y voy a daros unos cuantos motivos para decir “sí” a los zapatos que nos levantan unos centímetros del suelo, ya sean zapatos de tacón, con cuña o sneakers. A la hora de elegir unos zapatos de tacón hay dos posturas muy marcadas: o la mujer que se los va a comprar es una auténtica amante de dicho complemento (como servidora), o por el contrario, prefiere optar por la comodidad sin preocuparse demasiado por la estética del accesorio. Y aquí es donde entro yo. Las mujeres del segundo grupo, suelen relacionar unos zapatos de tacón con dolor y sufrimiento para los pies. Pero esto no tiene por qué ser así y menos aún ahora, que tenemos una enorme diversidad de tacones para elegir (gruesos, de aguja, altísimos, moderados e incluso minúsculos) . Por lo tanto, no hay excusa para no decantarse (aunque sea de vez en cuando) por alguna de estas joyas y he aquí unos cuantos motivos: - Ya sea con un vestido o con unos vaqueros, le dan a nuestro outfit un aire de feminidad y elegancia indiscutible, aunque llevemos un outfit de lo más sport.

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- Incluso para las más cómodas, tenemos la opción de las sneakers o de las cuñas. Sólo por ir unos cm por arriba de lo que estamos acostumbradas, nuestra postura corporal cambia y nuestra percepción del mundo también. - En caso de que llevemos falda o shorts, usar unos tacones o unas cuñas, cambia por completo el aspecto de nuestras piernas, ya que las estiliza mucho más, además, se verán más tonificadas debido a la postura que adoptan los músculos. - Cuando vamos a una entrevista de trabajo, el primer complemento que nos viene a la cabeza son unos zapatos de tacón ( a mí concretamente, unos stilettos negros). ¿Por qué? , porque la imagen que demos en ese momento es fundamental y los zapatos de tacón, realzan la elegancia, incluso (como decíamos anteriormente) influyen directamente en nuetra autopercepción y autoconfianza, por lo que son nuestros mejores aliados en esos momentos de estrés y ansiedad.Y no nos olvidemos del efecto que tienen sobre los hombres!! Todos los hombres se vuelven locos al ver a una mujer luciendo piernas subida a unos buenos tacones, por lo que son un arma de sedeucción perfecta!! - Las it girls del momento nos muestran cada día que se puede ir arreglada yendo cómoda al mismo tiempo. ¿Significa esto que tenemos que ir siempre perfectas? Evidentemente no. Ni siquiera sería sano para nosotras ponernos un objetivo así, pero sí significa que si cuando salimos de casa por la mañana nos percibimos de una manera positiva, proyectaremos esa imagen el resto del día sin ninguna duda. Afectará a la forma en la que nos relacionemos con los demás e incluso al estado de ánimo que tengamos, así que cada una en su estilo, puede adaptar estos humildes consejos.

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n Alonsos somos inconformistas, entendemos que cada persona es única, apartándonos de las modas pasajeras y centrando nuestras mentes en desarrollar todo nuestro esfuerzo en ofrecer un trabajo personalizado que refleje la esencia que cada uno lleva dentro. En nuestros salones podrás experimentar los productos de Aveda, con los que trabajamos en exclusiva, que están hechos a partir de ingredientes naturales, muchos de ellos con certificado orgánico y que te harán sentir la fuerza de la naturaleza.

A-VEDA significa “todos los conocimientos” en sánscrito. Sus raíces provienen del Ayurveda , el antiguo arte curativo de la india, y otras sabidurías indígenas que tienen un enfoque holístico de la vida y el bienestar, con especial atención en el fomento del equilibrio. Experimenta el brillo y la gran duración del color. Es un sistema creado para ser personalizado, su fórmula es de origen natural hastaun 99%, contiene plantas y minerales no basados en el petróleo. Los aceites de girasol, castor y jojoba protegen durante el tratamiento. El resultado es una coloración permanente sin dañar el cabello.

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ientras que Ungaro lo intenta por séptima vez de manos del italiano Fausto Fuglisi, Saint Laurent no deja indiferente a nadie. Y es que la segunda propuesta de Heidi Slimane como director creativo de la firma bien podría compararse con la línea joven de Zara. Basada en el grunge californiano y motivada por anhelos de la adolescencia, la propuesta para este invierno 2013 cuenta con camisas de cuadros, minis de cuero, vestidos de colegiala, medias de rejilla y cazadoras. Y en esto se ha convertido Yves Saint Laurent. Está claro que Heidi se ha propuesto vender y por ello se carga las señas de identidad de la firma y lo convierte en una especie de moda low cost pero a un precio muy elevado. La pregunta es quién comprará estas prendas que, diseñadas bajo el nombre de Saint Laurent, bien podían haberse confeccionado en China y venderse en Topshop. Dicen que esta colección homenajea la juventud y yo digo que le hace un flaco favor.

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Uno de los desfiles que más me ha gustado ha sido el de Kenzo, y es que han conseguido que yo, que hace unos meses odiaba los estampados felinos, me muera por tener una prenda con el print de leopardo o la sudadera del tigre, que adoro (¡tiger fever!). ¡Cada vez me gusta más esta firma! La manera en la que están reinventando la marca Humberto Leon y Carol Lim, fundadores de la marca neoyorquina Opening Ceremony, es la mezcla perfecta entre lo descarado y divertido. Me encantan los estampados y esa nuevo enfoque tan moderno que al mismo tiempo bebe del Kenzo de los años setenta. El desfile, que tuvo lugar en La Samaritaine de París y cuyos intvitados fueron obsequiados con una edición especial de tazas take away customizadas, estuvo plagado de jacquards de cocodrilo, prints fabulosos y volúmenes redondos que completaban el look con joyas de Delfina Delettrez Fendi. Otro de mis favoritos ha sido sin lugar a dudas el de Givenchy con Antony Hegarty de Antony and the Johnsons amenizando el desfile. Esta colección, según afirma Riccardo Tisci, director creativo de la firma desde hace ocho años, es una de las más divertidas que ha hecho en toda su carrera y reúne, entre otras mil maravillas, un print de Bambi, faldas bordadas de flores, jerséis desarticulados, botas de pitón y un fabuloso gorro de flores que imita a los de baño. Y, no hay otra cosa que me guste más que las excentricidades de los invitados a los desfiles que, en algunos casos, se dejaron ver hasta sin medias pese a las bajas temperaturas e incluso la nieve. Definitivamente, las fashion weeks no serían lo mismo sin esos outfits transgresores que nos hacen perder el control. Me quedo con los looks coloristas, la abundancia del denim, el abrigo de flores de Prada, la fascinante armada rusa y su fantástico sentido de la estética, los binomios, el blanco impoluto, las estolas…Creo que me pierdo entre tanta fascinación…

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Nos salimos de las pasarelas y las tendencias para el próximo año para mostraros las tendencias de la calle y los mejores street looks de Milán y Paris fashion week. ¿Con cual os quedáis?

PARIS

DULCES AÑOS 60 Los recatados looks inspirados en los años 60 toman las calles de la semana de la moda de Paris en tonos pasteles. Conjuntos combinados femeninos, vestidos rectos, trajes a medida y abrigos tipo guardapolvos. En una paleta de delicados colores azul bebe, rosado y amarillo con toques crema y beige. Accesorios de pequeño tamaño y zapatos planos o salones de tacón medio. CHICA NERD Este estilo gana protagonismo con detalles de materiales más lujosos para una mujer más adulta. Un cóctel de fuertes toques de color y diseño que tienen como resultado unos looks muy divertidos. Looks estrafalarios con accesorios baratija y gorritos con pospones dan un aire mucho más juvenil. DOS TONOS La maravillosa pareja de tonos opuestos, blanco y negro funciona a la perfección esta temporada.El blanco gana popularidad como tono base en nuestros looks, siendo un tono que favorece a la mayoría y una apuesta muy acertada para lucir en cualquier momento. Siempre tan acertado este binomio en cualquier ocasión. PRECIOSOS PASTELES Respecto al color, después de una temporada de tonalidades saturadas damos paso a una suave paleta pastel. Preciosos verdes aguamarina, pistacho diluido y rosado polvoriento, combinados con tonos blancos y beige. El denim desvaído y los accesorios color pastel refuerzan el look total. NEW LOOK La silueta de Dior de 1947 regresa mediante faldas acampanadas y ultra voluminosas, en una gran variedad de materiales. Tendencia que ya vimos en el desfile de Raf Simons con la colección P/V 2013 para Dior. Verdaderas formas de alta costura en proporciones exageradas y con una gran variedad de estampados.

CLÁSICA PERFECTO La chaqueta de motociclista continúa seduciéndonos a todos en una gran variedad de estilos en constante evolución. Los tejidos reemplazan a el cuero para las versiones más primaverales y veraniegas. La complejidad de patrones, muestran construcciones en bloques mediante colores y materiales. Sin duda los estampados animales y las audaces rayas monocromáticas marcan tendencia para las próximas temporadas. .

70’S Influencias bohemias combinan con elegante sastrería para un look inspirado en los iconos musicales de la era de los 70s y sus igualmente icónicas novias. Esmoquin, pantalones de pierna ajustada o ligeramente acampanada, abrigos sin cierre y grandes gabardinas sobre pantalones de tipo sastre nos trasportan directamente a otra época y el sombrero de hombre añade el toque final. SASTRERÍA Los looks de sastrería lucen en todo su esplendor sin ninguna regla de materiales ni colores. Trajes de tres piezas en los que cobra gran protagonismo los accesorios, zapatos de salón en punta y bolsos románticos le dan el toque más femenino. Ficha por los trajes de chaqueta con pantalón capri. B Á S I C O AT E M P O R A L El abrigo color camel se ha convertido en un básico en del guardarropa. Podemos encontrarnos con esta prenda tan tradicional en todas sus variedades manteniendo como único punto de unión, el color. Las solapas anchas y las mangas a la muñeca nos da un atractivo Vintage. COLOR BLOCK Los bloques de color y la mezcla de materiales añaden energía a nuestros complementos y calzado.El color block no es una tendencia ni de un día, ni del verano, ni del invierno. Continúa después de varias temporadas ahora con una paleta de colores más pasteles o el marcado blanco y negro, que combinados también con rojos, rosas y borgoñas te pueden funcionar a la perfección

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Vestido confeccionado en crepé y gasa “Vestido_03 / Colección_01” de Isabel Hargoues. Pin ‘Cuarzo’. Colección V a n c o u v e r de Pena Jewels. Latón soldado y lijado a mano.

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M O D E L O : L U C Í A M A R T I Ñ O F O T O G R A F Í A : N A C H O S U Á R E Z AY U D A N T E D E F OTOGRAF ÍA: STEFA N JAC HE E STILI SMO: I SABEL HA RGOUE S PELUQUERÍA: MÓNICA IGLE SIAS PA RA A LON SO S PELUQUERO S MAQUILLAJE: E VA ORD IA LE S PA RA A LON SO S PELUQUERO S

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Vestido_01 / Colección_01 de Isabel Hargoues. Confeccionado en crepé. Pulsera ‘Triple cuarzo’. Colección V a n c o u v e r de Pena Jewels. Latón soldado y lijado a mano.

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Vestido_04 / Colección_01 de Isabel Hargoues. Confeccionado en crepé y gasa. Pin ‘Cuarzo’ y brazalete ‘Cuarzos’. Colección V a n c o u v e r de Pena Jewels. Latón soldado y lijado a mano.

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Camisa_11 y Falda-pantalón_ 12 / Colección_01 de Isabel Hargoues. Confeccionado en crepé y gasa. Collar rígido ‘Pirita’. Colección V a n c o u v e r de Pena Jewels. Latón soldado y lijado a mano.

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Vestido ‘She’s A Rainbow’. Colección ‘Winter Songs’ de Isabel Hargoues. Confeccionado en gasa..

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Camisa ‘She’s A Rainbow’. Colección ‘Winter Songs’ de Isabel Hargoues. Confeccionado en gasa. Falda-pantalón_ 10 / Colección_01 de Isabel Hargoues. Confeccionada en crepé.

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Camisa ‘She’s A Rainbow’. Colección ‘Winter Songs’ de Isabel Hargoues. Confeccionado en gasa. Falda-pantalón_ 10 / Colección_01 de Isabel Hargoues. Confeccionada en crepé.

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Camisa ‘Naked As We Came’. Colección ‘Winter Songs’ de Isabel Hargoues. Confeccionada en algodón y gasa. Falda-pantalón ‘She’s A Rainbow’. Colección ‘Winter Songs’ de Isabel Hargoues. Confeccionado en gasa.

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Miguel Jarabo y Antonio Buchanan son el dúo creativo detrás de Jarabowtie, una de las marcas españolas más prometedoras del momento. FSHN MAG habla con ellos sobre Quantum Foam, su última colección inspirada en la física cuántica que ha arrasado en el OFF de la pasada edición de MBMFW. Por Elena Sarmiento.

stos dos madrileños han conseguido que en tan solo cuatro años reconozcas sus beisboleras a kilómetros. Comenzaron diseñando pajaritas en 2009 y hoy ya desarrollan una línea completa de hombre y mujer, donde los estampados propios y la elección de materiales arman una propuesta coherente, inteligente y arriesgada en torno a un riquísimo imaginario de referencias creativas (desde desastres nucleares hasta el cine anime), que les ha convertido en una de las grandes promesas del diseño patrio y les ha situado en primera línea del relevo generacional en la moda española.

¿Cómo describiríais Quantum Foam?

Quantum Foam es una colección inspirada en la física cuántica, en la posibilidad de una realidad más amable en algún universo paralelo.El papel protagonista lo llevan los estampados y los bordados con motivos gráficos basados en la representación científica.

“Nos interesa tomar la iniciativa y proponer ideas y posibilidades nuevas cada temporada”

¿Sigue alguna línea con las anteriores colecciones?

La verdad es que aunque las temáticas concretas son muy diferentes, es cierto que en las últimas colecciones nos hemos basado en imaginar pequeñas historias que se desarrollan en grandes eventos o catástrofes.

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Nuclear Nights, Quantum Foam... ¿por qué nombres tan atómicos? ¡Pues no nos habíamos dado cuenta! Viéndolo así podemos decir que Nuclear Nights tocaba la parte negativa de lo atómico, la radiación y la catástrofe (Fukushima fue hace nada) y Quantum Foam la parte positiva, de investigación y oportunidades de la ciencia. Sois la firma revelación del momento. ¿A quién os gustaría tomar el relevo dentro del panorama nacional de creadores de moda? Admiramos a muchos creadores españoles pero no queremos tomar el relevo de ninguno. Tenemos un lenguaje bastante diferente y estamos muy centrados en mejorarnos a nosotros mismos. ¿Creéis que hay una nueva generación de creadores de moda? ¿Le pondríais algún nombre? Es posible que haya una generación nueva. Más que un nombre o una etiqueta lo que nos une pueden ser los productos visuales y culturales que manejamos, las redes sociales, el contexto económico.... Tenemos en común que no funcionamos como las firmas tradicionales. Somos una generación de nativos digitales y solemos encargarnos de todos los aspectos de una firma, desde el diseño hasta la comercialización y la comunicación. ¿Qué opináis del fenómeno blogger? Se podría decir que, a primera vista, deberían ser vuestros aliados naturales... Internet es un medio fantástico para lanzar propuestas y recibir feedback, en este sentido el fenómeno blogger es algo natural y que nos viene bien. Es cierto sin embargo  que el hecho de que haya tantos dificulta a veces discernir los que son verdaderamente profesionales. Vosotros comenzáis con una colección de pajaritas y en sólo cuatro años ya diseñáis colecciones completas para hombre y mujer. ¿Cómo se produce esa evolución? Empezamos con las pajaritas como algo experimental, pero siempre tuvimos en mente ir creciendo hasta formar lo que tenemos ahora. Nos gusta crecer en cada colección por eso investigamos nuevos materiales para ir incorporándolos.

Hemos visto collares de resina en vuestra última colección. Parece que el siguiente paso es el diseño de joyas. ¿Qué tenéis en mente? Para cada colección nos gusta añadir elementos que completen el concepto del que trata. Los collares de conchas de resina de Quantum Foam eran importantes para reforzar la temática costera que estaba implícita. Qué son más jarabowtie: ¿las pajaritas, las bombers o los estampados? Una buena bomber con la pajarita haciendo juego con uno de nuestros estampados. ¿Ya os habéis acostumbrado a ver vuestros diseños en la calle? Uno nunca se acostumbra del todo, sobretodo cuando lo lleva alguien a quien admiras. Nos gusta mucho ver cómo la gente combina nuestras creaciones con cosas de otras marcas o de maneras que jamás hubiésemos pensado. Es muy importante que la gente haga suya la prenda, que lo adapten a sus gustos o su lenguaje y no vistan y calcen como los catálogos o las revistas les digan. Estáis al día de la tendencias y sabéis lo que la gente quiere. Estamos al día de las tendencias lo justo, desde luego no en el proceso creativo. No solemos pensar en lo que creemos que se va a llevar o no, nos interesa tomar la iniciativa y proponer nosotros ideas y posibilidades nuevas cada temporada.   ¿Cómo conectáis con vuestro público? Lo mejor para conectar con el público es simplemente relacionarte con la gente y ser también parte del público. Tenéis una tienda online (www.jarabowtie.com) y puntos de venta en Madrid, Ibiza y Barcelona. También en Alemania. ¿Cómo está siendo la acogida? La verdad es que estamos teniendo muy buena acogida y esperamos muy pronto poder externalizar la marca un poco más. Tenemos ganas de ver cómo funciona en otros países.

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También sois DJ’s y artífices de la Fiesta Tetas, en el Club Diamante. ¿Qué tiene de especial esta fiesta? Pues ya es una de las fiestas más veteranas de Madrid. De especial no tiene nada concreto pero si que es cierto que nunca hemos renunciado a dos cosas: que haya buena música y que la gente se divierta. En muchas ocasiones se nos ha ocurrido interactuar con la gente que venía a bailar, como con la “Beca Tetas” en la que el público se convertía en DJ y participaba activamente. Nos han contado que hay proyectos “festivos” nuevos. ¿Algún avance? ¡ztSi! Es que no podemos estar quietos, pero todavía no se puede contar nada. ¿Si llevo una prenda vuestra estoy en lista de La Fiesta Tetas? ¡Por supuesto! ¡Y además en lista vip!! ¿Un tema para despedirnos? Sin duda Alley Cat de Volta Bureau. Es la canción que cerró el último desfile y la que más nos gusta pinchar.

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The Bride Modelo: Laura Boyd. Fotografía: Cecilia Alvarez-Hevia Arias para “Días de Vino y Rosas”. Iluminación: Eduardo G. Mon. Maquillaje: Reyes Tabarés. Peluquería: Barbara Suarez Fernandez . Estilismo: Eva Alvarez Cuervo.

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Camisa y cinturon vintage. Corona plumas Tocados Le Touquet. Falda de Mi rinc贸n Vintage.


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Vestido Marta del Pozo Corona Tocados Le Touquet Ramo de flores de Milenrama

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Vestido de H&M.Diadema de Marta del Pozo. Ramo de flores Milenramatt. Botas vintage.


Falda y top de Marta del Pozo. Corona de plumas Tocados Le Touquet.

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Mi rinc贸n vintage. Corona de flores de Tocados Le Touquet

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Camis贸n vintage Marta del Pozo Chaleco de piel y collares vintage de La Merced 3. Corona floral de Tocados Le Touquet para Milenrama

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Abrigo Vintage. Pamela de Tocados Le Touquet.

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Camisa vintage. Ttocado de plumas de Tocados Le Touquet

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1. 1. Reloj negro con

l invierno toca su fin y con él se empiezan a alejar los abrigos, las bufandas, las gabardinas, etc., para dar paso a la temporada primavera/verano 2013. ¿Qué se llevará ésta próxima temporada? o ¿qué será tendencia?, lo intentaremos descubrir en éste artículo. Lo que está claro es que en muchos casos la moda es un aspecto muy personal y cada uno puede adaptarse a las tendencias que van surgiendo.

remates en la esfera en plata Mi-

chael Kors Black Oversized PU. 2.Reloj en varios colores modelo

Vestal Minimalist ZR3

Grandes marcas y compañías apuestan ésta temporada por un hombre vestido de manera deportiva y casual, que busca una moda actual y cómoda y con los tonos azules como grandes predominantes del vestuario masculino. Pero nosotros vamos a darle un toque más personal y te vamos a presentar nuestras tendencias primavera/verano. Para los primeros meses de primavera, dónde en nuestra región el frío no nos ha abandonado aún, la ropa de punto todavía sigue siendo un valor seguro dentro de nuestro armario. Podremos combinar, por ejemplo, una chaqueta de punto con una camiseta básica y unos chinos. Además, las prendas de rayas horizontales seguirán siendo tendencia ésta temporada. La ropa NAVY también tendrá gran importancia. Muchas marcas han incorporado éste tipo de prendas a su línea de ropa. Un ejemplo es Ewan, que “ha adornado” muchas de sus camisetas con anclas u otros elementos navales.

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Actualmente, uno de los elementos must have es la ropa militar. Chaquetas, pitillos, americanas o shorts son los grandes protagonistas del Street Style. Éstas prendas son perfectas para combinar si lo que buscas es un estilo más urbano. Por otra parte, si lo que buscas es un aspecto más formal, el conjunto americana/camisa combinado con unos jeans puede ser siempre una buena opción. Acercándose el verano y con él las altas temperaturas, es obligado hablar de una de las prendas más características de ésta época del año, el pantalón corto. En este caso vamos a optar por el short (es decir, medio muslo). Grandes diseñadores de todo el mundo apuestan por este tipo de pantalón y lo ven un elemento clave en la moda primavera/verano 2013. Los complementos, como otras temporadas, tienen gran relevancia y las gafas de sol son las grandes protagonistas de esta etapa del año. Marcas como Oakley, han adaptado sus líneas de productos a la demandas de muchos consumidores. Por esto, dentro de su gama de productos podemos encontrar gafas del estilo “Ray-ban Wayfarer” que estos últimos años se ha convertido en esenciales. Como ha ocurrido es pasadas tem-

poradas, el aspecto retro vuelve a inspirar muchos de estos complementos. A modo personal, queremos acercaros una marca americana para muchos de vosotros seguramente desconocida, Knockaround. Esta marca californiana tiene una amplia línea de productos y con precios muy inferiores a marcas como Oakley o Ray-Ban. Además, en su página web tenemos a la opción de customizar nuestras propias sunglasses, desde la montura o el color, hasta el tipo de cristales. El reloj es otro de los grandes complementos que podemos añadir a nuestro vestuario. En este caso os traemos tres propuestas. Por un lado, el Vestal Minimalist ZR3 black, un reloj impresionante y con la elegancia de un modelo totalmente en negro. Tiene ese “toque diferente” que lo hace especial. Por otro lado y como nuestra segunda propuesta, Diesel Mr Daddy Master Brigade, un reloj de color marrón con un aspecto militar y rematado con una correa vintage.Incorpora un reloj digital además el analógico. Por último, nuestra tercera opción es el Michael Kors Black Oversized PU, un reloj negro con remates en la esfera en plata, de aspecto elegante pero sin perder ese aire deportivo que lo hace perfecto para vestir en cualquier momento y ocasión del día.

Gafas de sol de pasta de color negro mate modelo Fort Knocks de la marca americana

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Bañador KLING Torera NURIA GONZÁLEZ Bolso HOTEL PARTICULIER Sandalias UNITED NUDE Collar y anillo ARISTOCRAZY

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FOTOGRAFÍA : PEDRO REGUERA (WWW.PEDROREGUERA.COM) AYUDANTE DE FOTOGRAFÍA : PELAYO ZURRON ESTILISMO: ZOE MIHO AYUDANTE DE ESTILISMO : AIDA DEL BUSTIO MAQUILLAJE Y PELUQUERIA : ANA FERNANDEZ MODELO: NATASHA SHAIKHUTDINOVA (UNO BCN)

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Braguita: MARÍA ESCOTÉ. Rebeca punto: MOSCHINO CHEAP AND CHIC. Cruz: VINTAGE . Sandalias: ÚRSULA!MASCARÓ


Braguita AURELIA GIL Capa ANTONIO SANGOO Body MARÍA ESCOTÉ Sandalias UNITED NUDE Collar H&M

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Braguita ANTONIO SANGOO Cuello MARIA ESCOTÉ Pulseras y anillos ARISTOCRAZY Sandalias PURA LÓPEZ

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COLECCIÓN NUDE BACK


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ADN BOUROULLEC

a explosión de ideas nació en los primeros años de la década de los 90’, y este es el momento en que Erwan (1976) se une a su hermano Ronan (1971), quien ya había dado sus primeros pasos en el mundo del diseño. De ellos se pueden decir muchas cosas, y todas buenas. Desde el principio han ofrecido diseños diferentes, innovadores, con mucho que decir. Son el reflejo del éxito, de que el esfuerzo tiene su recompensa. ‘Con lo mínimo’ es algo que ellos mismos dicen, que muchos de sus diseños están hechos con lo mínimo. Y esto se debe a que pasaron su infancia y adolescencia en el campo, en donde los recursos eran, recalcándolo aún más, mínimos.

Se trasladan de los tranquilos campos a la gran ciudad, París, donde a día de hoy viven y trabajan, en el barrio de ‘Belleville’. Es aquí donde tienen su estudio, formado por siete personas: ellos dos, con la colaboración de ‘Felipe Ribon’ y ‘Fanny Morére’, y las otras tres vacantes son para diseñadores asistentes. Y es que la creatividad emana a borbotones por los poros de la piel de estos hermanos, que se han atrevido con todo, desde sillas, tazas de café, sofás, mesas, estancias, alfombras, lámparas... No han dejado escapar ninguna oportunidad para sumergirse en cualquier proyecto. Dicen de sí mismos que no dialogan para llegar a un acuerdo entre ellos, si no para conseguir llegar al ‘mejor diseño’. En algunas de las entrevistas que les han hecho se pueden extraer detalles curiosos, como por ejemplo que no les gusta tratar a las empresas con las que trabajan como ‘Clientes’, prefieren un término más cercano, ya que llevan muchos años trabajando con algunas de ellas, así como ‘Socios’ e incluso ‘Amigos’. Podemos saber de ellos también, que no les gusta hacer las cosas rápidamente, si no que sus proyectos son largos, de modo que dividen el trabajo global en pequeñas porciones y las analizan para poder llegar a la mejor conclusión.


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1. Proyecto Losagnes para la marca Nanimarquina. 2.Boceto de Vegetal Chair de los Hermanos Bouroullec. 3. Vegetal Chair. Diversos Modelos. 4. Proyecto Lianes, creado para la Kreo Exhibition. 5. Vegetal Chair

Dentro del gran abanico de productos que este dúo nos ofrece, los cuáles están todos expuestos en su página web con todo tipo de especificaciones, hablaremos de algunos de ellos. Y como no puede ser de otro modo empezaremos con la ‘VEGETAL CHAIR’, uno de sus diseños más conocidos, de 2009 para la marca ‘Vitra’. Concebida a partir de la intención de crear una silla que surgiese del suelo, como una planta, que se integrase en el entorno como algo natural. Buscaron inspiración en las antiguas sillas de los jardines ingleses, hablan ellos mismos de los objetos diseñados en la primera parte del siglo pasado, más voluminosos y de formas menos suaves. Dándole una vuelta más a la intención de camuflarse entre la naturaleza, es reseñable decir que se fabrica con un material reciclable, en su totalidad, como es la Poliamida, mediante moldeo por inyección.

‘LIANES’ es un trabajo realizado para la ‘KREO EXHIBITION 2010’ dentro de un conjunto formado por este y otros dos trabajos más: ‘RONCHES’ y ‘CONQUES’. Es un respiro en el frenético nivel de trabajo de los hermanos, es una pausa en la que se evaden del diseño industrial en términos de maquinaria y de tecnología. En este ‘EXPERIMENTO’ tratan los Bouroullec de unificar todos los componentes de una lámpara desde el soporte, el cable hasta la propia carcasa. Para realizar esta unión de piezas, utilizan un elemento común, el cuero. Lo que hacen con este materia es recubrir todos los componentes para darles un nexo de unión, para que hablen como uno solo.

Proyecto para la marca ‘NANIMARQUINA’ del año 2011. Este trabajo nace de la inquietud, de las ganas de saber más, del estudio de otras culturas y otras costumbres. Se basa en el ‘Killim’, traducido como tapete o alfombra, de origen persa, que se usaba como motivo decorativo o para la oración. La dificultad de esta técnica reside en combinar trece colores diferentes basándose en la forma básica del rombo. Se realiza manualmente, sin usar maquinaria, se hila a mano de modo que cada rombo, y por tanto cada tapete, es único.

Para ver mas visita:

http://www.bouroullec.com/ fshn volume two 86


ambio climático, capa de ozono, calentamiento global, … términos que cada vez nos preocupan más y están más a la orden del día. Quizá sea demasiado tarde, y el daño sea ya irreparable, pero en los últimos años el ser humano ha comenzado, por fin, a reaccionar a las dolencias de la naturaleza: coches electrónicos, desarrollo sostenible, huertos urbano, energías renovables,… y un sin fin de nuevas fórmulas que tratan de frenar los efectos cada vez más palpable de la sobreexplotación del ser humano sobre el planeta tierra. Como no podía ser de otra manera, los envases se han subido al carro de lo “eco/bio”, tendencia conocida como eco-packagig o packaging sostenible. Según un estudio realizado por la revista Packaging World Magazine y DuPont, los aspectos medioambientales, en la actualidad situados tras la preocupación sobre costes o seguridad alimentaria, dominarán la industria del packaging en 10 años. En los próximos años se incrementará el valor del reciclaje percibido por los consumidores, se prestará mucha atención a las dimensiones de los envases para mejorar su eficiencia, reduciendo el uso del material, minimizando las roturas y los residuos generados, y así los materiales jugarán un papel fundamental: los plásticos continuarán sustituyendo al vidrio y metal, y el packaging flexible sustituirá las estructuras rígidas.

Como muchos sabréis, el packaging es el recipiente o envoltorio de un producto, cuyas principales funciones son proteger, informar, conservar y mejorar la imagen de marca. Pero uno de sus grandes problemas es la gran cantidad de residuos que genera desde su fabricación hasta que pasa a ser un desecho. Así, son muchos, y cada vez más los diseñadores que a la hora de enfrentarse a un nuevo proyecto tienen como principio fomentar la sostenibilidad. No se trata de inventar la pólvora, sino de que si en nuestras manos está aportar un pequeño grano de arena a la mejora del ciclo de vida del producto, entonces no dudemos y pongámonos manos a la obra. Podríamos considerar que un envase tiene un ciclo de vida consistente en al menos 5 puntos fundamentales:

Materia prima a partir de la cual vamos a trabajar ProducciOn, ComercializaciOn (donde la distribuciOn tiene un papel fundamental) UtilizaciOn que se le va a dar al envase GestiOn de los residuos genera, los cuáles pueden convertirse en materia prima, cerrando así el cIrculo vital.

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Cada uno de estos apartados debe ser estudiado a la hora de la puesta en marcha del proyecto. Podemos seguir distintas estrategias, sobre distintas facetas del envase, cada una d las cuales mejoraría una parte del ciclo de vida: Conceptos : Búsqueda de nuevas formas, nuevos usos del material, nuevas aplicaciones del producto, como por ejemplo: packaging customizable, búsqueda del doble uso, que sea antiobsolescente, … Materiales: Gracias al énfasis en los últimos años, cada vez hay más materiales con grandes posibilidades cuyo impacto es mucho menor y cumplen las mismas funciones que otros más contaminantes: recursos renovables, reciclados, reciclables, monomateriales, … Producción: Debemos encontrar la manera de reducir el impacto en la fabricación. Esto puede conseguirse con métodos como la bioproducción, la reducción de residuos, el autoembalaje, etc. Distribución: Este punto es muy importante ya que

podemos conseguir una gran reducción de residuos, como en la gasolina del camión, en el espacio utilizado, etc. Así podemos trabajar con la ligereza del envase, buscar una producción local, una mejora en el almacenamiento, etc Uso: Por supuesto, no debemos olvidar el uso que se le va a dar. Aquí, también podemos hacer mejoras, como creando un envase multiuso, más duradero, o como herramienta para la educación, indicando como debe ser reciclado, como se puede aprovechar o mensajes similares. Gestión Residuos: Podemos también focalizar nuestros esfuerzos en el momento en el que el packaging pasa a ser un residuo, para minimizar así el impacto, es decir, que sea un envase reutilizable, reciclable, biodegradable, etc. Así, son muchas las maneras que tenemos para mejorar la calidad de vida de nuestro planeta tierra, en nuestra manos está que su vida sea larga y saludable, y los diseñadores de packaging no podemos ser menos.

CAJA DE BOMBONES A GRANEL ADAPTABLE A LAS UNIDADES QUE QUERAMOS COMPRAR REALIZADA POR FEDERICO BEYER Y MARISOL ESCORZA.

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BOLSA DE FRUTOS SECOS A GRANEL. MATERIAL EXTRAÍDO DE LAS BOLSAS GRANDES DE LOS PROVEEDORES. EL CIERRE ES UN SIMPLE CARTÓN IMPRESO A UNA SOLA TINTA Y SIN ADHESIVOS. REALIZADA POR MONICA LÓPEZ Y GLORIA KELLY.

SPECIAS A GRANEL. ENVASE QUE FUNCIONA COMO ESPECIERO Y COMO UTENSILIO DE ALMACENAMIENTO DE LA ESPECIE. ADEMÁS, EL MATERIAL ES PAPEL TRATADO DE MANERA QUE CONSERVA LOS PRODUCTOS COMO UN PLÁSTICO. REALIZADA POR SANDRA FERREYRO Y Y MARA RODRÍGUEZ..

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estirte. Vestirte según el equilibrio ponderado de fluidos de tu cuerpo. Conforme a la reacción de alguien por los colores de tu camisa. A la tela de tus pantalones y su interés por hacerte rojeces. Armonía no es la palabra, pero se le parece. Eficiencia tampoco, pero está bastante cerca. Conjunto de reflexiones, cúmulo de sinergias, otra vuelta de tuerca a lo cotidiano. ¿Para qué? Para conseguir el mejor atuendo. O el mejor café. Si te esfuerzas el mejor viaje en autobús. Toda esta cháchara es para hablar del Ayuntamiento y centro cívico de Oostkamp, Bélgica. Un proyecto inaugurado el pasado verano de Carlos Arroyo y Vanesa Cerezo, un montón de aciertos basados en una extensa reflexión e investigación previa que concurren en una arquitectura de sentido común y para los sentidos. Con la eliminación de más de trescientos municipios en Bélgica, los servicios, aunque se agruparon quedaron algo desperdigados, así que, cuando el ayuntamiento de Oostkamp adquirió unas antiguas instalaciones de Coca-cola, lanzó un concurso para construir el OostCampus con un lema que parafrasea a Magritte (aquí cada uno barre para su casa) “Ceci n’est pas... een administratief centrum” y a su interés por el choque con la realidad preconcebida..

Ese choque lo consiguieron Carlos Arroyo y Vanesa Cerezo. Apostaron por una reutilización drástica de lo existente, el reciclaje de lo invisible, desde la estructura portante hasta el aparcamiento con su vallado y sus accesos, pasando por las instalaciones y saneamientos del edificio. Introduciendo el concepto de upcycling y su adición de valores a los materiales existentes, en vez de utilizar unos nuevos. Todo esto consigue abaratar tanto la obra, como el mantenimiento del edificio; casi ná en los tiempos que corren. Pero esto es una minucia. Lo que te entra por el ojillo, la chicha del asunto, es la transformación del espacio interior con la mínima huella ecológica pero el máximo resultado espacial. La fábrica vieja, fea y abandonada se ha transformado en un espacio luminoso que parece invadido por enormes nubes blancas entrelazadas. Estas burbujas blancas, son cáscaras autoportantes de yeso y fibra de vidrio de sólo 7mm de espesor (calcula con los dedos, calcula) y las aberturas que se encuentran entre ellas están equipadas con dispositivos sencillos pero que transforman todo tipo de condiciones meteorológicas en un plus para el edificio, como un sol artificial de LEDs alimentado por los fuertes vientos exteriores. Otra maravilla peculiar y acertada del edificio es el concepto de cebolla térmica o como los controles de acceso corresponden a las capas térmicas del edificio. No te entra en sofocón nada más llegar, sino que vas cogiendo la temperatura de confort de manera gradual, mucho más eficiente que intentar calentar el edificio todo de una. Así, aunque el edificio se mantiene con una temperatura permanentemente templada, hay ligeras diferencias dependiendo del uso de la zona (el interior de las oficinas es más cálido que las gran plaza pública y ésta a su vez más que las zonas de circulación). Nos queda un paisaje interior en el que los núcleos de servicios y espacios administrativos se construyen en un sistema modular, ramificado, transparente y accesible para la ciudadanía (el salón de plenos está a la vista del gentío y las salas de reuniones en mitad del espacio público). Un centro en el que los flujos de personas, los materiales, el ruido y el polvo están controlados por sistemas de diagramas sencillos que permiten que en un lado del centro haya alguien al que le estén llevando al altar y en el otro estén cargando materiales de obras públicas. Pensar bajo los estándares de la sostenibilidad y una eficiencia energética máxima, todo ello ligado a un acercamiento humano del proyecto, te puede llevar por un proceso constructivo divertido y exuberante sin dejar de satisfacer esas pautas de desarrollo. Sino que se lo pregunten a Carlos y Vanesa. Y eso, a ver que te pones mañana.

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1- Esquema de cebolla térmica o distribución de las temperaturas en el edificio. 2- Carlos Arroyo inmerso en su paisaje de nubles blancas. 3- Espacio público del centro cívico. 4- Antiguos almacenes de Coca-cola y estado previo del edificio. 5-.Maqueta del proyecto.

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l personaje de origen judío pero alemán, brilló por sus numerosos descubrimientos y avances en el campo de la física, tanto es así que es considerado uno de los científicos más influyentes del siglo pasado. Como ejemplo cabe destacar, entre sus logros, la teoría de la relatividad, que no hace falta explicar porque todos, incluidos los de la Logse, lo hemos estudiado (que conste, que con mi curso empezó tal citada educación) El fin de semana, en uno de mis ratos, ojeé una revista de actualidad y me sorprendió ver que se gestionan más de 1000 millones de mensajes diarios de una de las aplicaciones más utilizadas por los nuevos smartphones: el Wa-sáp. Y ésta es sólo una de las más de 700.000 aplicaciones disponibles. Hay aplicaciones para todos. Continuando con el artículo de la revista, pude encontrar que, entre el ranking de App’s, había una especialmente curiosa: Un “chat” de gente amante de los perros, a través del cual, organizaban quedadas para “pasear”, ¿pero quién pasea a quién? En un mundo tan global en el que la tecnología podríamos decir que ocupa uno de los escalones más altos en cuanto a interés. Nos estamos volviendo tontos o, mejor dicho, nos están volviendo. Digo esto porque nos están creando necesidades que antes no teníamos, y que si ahora no las tienes… “te quedas atrás”. No hace muchos años antes en las cafeterías podías ver a parejas hablando Entretenidamente; las cenas familiares eran amenas, incluso había sobremesa; en los partidos de fútbol te dedicabas a animar; en los semáforos podías ver muchas cosas, como por ejemplo, al vecino sacándose un caracol, o haciendo bailes cual posesión maligna…Pero todo eso ha dado un giro, se ha centrado en una única cosa: el teléfono móvil. O, perdón, antes de que me corrijan, hemos caído en manos del smartphone. Ahora es frecuente, ver una mesa con una pareja y cada uno mirando su propia pantalla (no sé si mandándose mensajes entre ellos, por timidez…); en las cenas familiares, ya no hay un primo gracioso, que cuenta chistes que te partes… Ahora directamente pones una grabación de un tío que ni conoces, pero que parece que hace gracia; la gente quiere que llegue un semáforo en rojo para poder acabarde mandar el sms que había iniciado en el anterior mensaje… Nos estamos convirtiendo en seres asociales, tenemos gente que no conocemos más que por un gravatar o por un pseudónimo, perdemos habilidades sociales, comunicativas… Si es que ya lo decía Einstein… “Temo el día en que la tecnología sobrepase a nuestra humanidad”. “El mundo solo tendrá una generación de idiotas”

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ay películas en las que el malo es tan importante y atractivo como el bueno. Llevan su maldad con elegancia y eso nos atrae, yo me considero más fan de los malos que del clásico héroes, siempre atractivo, bondadoso y perfecto. Y es que los malos, son malos, dan miedo y hacen enloquecer a los protagonistas. A unos les gusta matar, otros quieren dominar el mundo, otros están heridos y buscan venganza y otros, simplemente están locos. El mundo del cine está repleto de personajes con muy mala leche, y sinceramente, nos gustan.

¿Por qué nos gustan los malos?

Es el sentimiento de poder y dominio, se toman la licencia de hacer cosas que lo demás, por moral y ética, no nos permitimos hacer. En las películas tienen que pasar cosas antes las cuales, los personajes reaccionan, así se muestran al espectador y hacen que la historia avance. Y la mejor manera para que el protagonista reaccione, es enfrentándolo a un malo, y ahí es cuando sucede: el villano maligno se enfrenta al héroe, y por muy malo, corrupto, depravado que sea el malo, tienen algo que nos hechiza, que nos fascina y nos hace quererles. A pesar del rechazo y el terror que nos provocan, hace que nos gusten. Aquí dejo mi Top 5 de malos que molan, sé que muchos malvados del cine se quedan fuera y habrá quien no esté de acuerdo conmigo, ahora que cada uno haga memoria y escriba su propio ranking:

MALOS QUE MOLAN: Darth Vader: Es el malo por excelencia.

El jedi más malo de toda la galaxia que se pasa al lado oscuro. El villanos más malo de todos los tiempo. Interpretado por David Porwse, con su característica voz y su inconfundible mascara, consigue conquistarnos a todos.

Vito Corleone: Marlon Brando recibió el

Óscar por dar vida a este personaje terrible, que sobrevive al paso del tiempo, y que hace que una película protagonizada por un “malo” tenga infinidad de fans.

Hannibal Lecter: ¿Cómo un psicópata, asesino y caníbal puede encandilar a las personas? Pues Anthony Hopkins lo consigue con su espectacular papel en El silencio de los corderos. Mola y punto, no hay discusión posible.

Norman Bates: No hay mucho que se pue-

de decir del protagonista de Piscosis, Anthony Perkins da vida a este malo tan atractivo como malvado. Su timidez nos encanta y además, adora a su mamá…

Hook: aquí me transporto a la infancia.

Pero es que el temible Capitán Garfio, interpretado por un genial Dustin Hofamn, hace que le queramos y le odiemos al mismo tiempo. Además, ¿Qué hubiera sido de Peter Pan sin la existencia de Hook?

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así fue para Amancio Ortega Gaona (León, 1936), socio fundador del Grupo Inditex, tercera fortuna mundial y primera europea, según la agencia Bloomerang, con aproximadamente 38.000 millones de euros en el banco e inversiones varias. Hijo de ferroviario, su familia se trasladó a A Coruña desde León cuando él era un niño. No tardó en hacer sus primero pinitos en el mundo de la moda, eso sí, como repartidor de la camisería Gala. De ahí a la mercería La Maja, donde coincidieron las tres personas que parieron la idea de Zara; Amancio, su hermano mayor Antonio y una joven aprendiz llamada Rosalía Mera, su primera mujer y actual multimillonaria (segunda personas más rica del Estado español). Sin duda, Amancio era un joven despierto y con mano para las ventas. Pronto se dio cuenta de que si querían crecer de verdad, tendrían que comprar género, hacer sus propios diseños, producirlos y venderlos en sus tiendas. En 1963 creó Goa (las iniciales de su nombre y apellidos en orden inverso), donde aplicaba esa idea, comercializando cucos para bebes y batas guateadas, muy de moda en los 60. El señor Ortega ha sido siempre el paradigma de la discreción, su rostro no transcendió a la opinión pública hasta que su conglomerado de empresas salió a bolsa. Nunca se ha prestado a entrevistas ni declaraciones, no tiene despacho propio y viste prácticamente de uniforme (camisa de manga corta y americana). Realiza más funciones de supervisor que de alto ejecutivo.

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El reto era ofrecer mayor variedad de prendas, respondiendo más rápidamente a los deseos del consumidor, algo que se suponía complicado, teniendo en cuenta la limitada capacidad de reacción de las infraestructuras industriales. Pero lo consiguió, de un modo curioso, basándose en una idea de postguerra, concretamente la española. En los años 40 y 50, la lamentable situación económica del país (peor incluso que la actual), hacía que muchos no pudieran costearse ropa nueva, por lo que recurrían al tintado de la vieja para que pareciera otra prenda, todo ello en poco tiempo y a bajo coste. Inditex toma esta idea y cambia su concepción del negocio: lo novedoso no es lo último que se produce, sino, lo que más rápido se adapta a la demanda de los clientes. Teniendo en cuenta esto, la empresa crea un sistema de producción de prendas personalizadas en dos tiempos:

Dicen que por su inseguridad en las relaciones sociales o por desconfianza, se rodea de un círculo muy reducido de amigos y colaboradores y, por los resultados, parece que los ha sabido escoger bien. ¿Y cómo se explica que un señor tan alejado de las capitales “de lo fashion” haya cambiado totalmente la industria de la moda? Pues en pocas palabras, Inditex ha sabido adaptarse más rápida y eficientemente a una demanda cada vez más cambiante y exigente. Principalmente, reduciendo costes y tiempos de producción y aumentando su capacidad innovadora. Ya en los 80, la compañía tenía implantada la filosofía “just in time” (JIT), tomada de Toyota, para sus procesos integrados de diseño, producción y distribución. Abrazando esta filosofía su facturación no dejó de crecer. Pero Inditex tuvo que enfrentarse a varios problemas, el principal fue coordinar eficazmente sus múltiples centros logísticos en un contexto en el que las grandes firmas incorporaban a sus catálogos un nuevo concepto de moda basado en la personalización.

Fabricación de productos “base”. Siempre con el mismo patronaje, a gran escala y reduciendo tiempos de espera. Su producción se realiza incluso antes de recibir información sobre tendencias. Será más adelante cuando se personalicen y se adapten a los gustos y deseos del consumidor de moda. El producto base no suele ser fabricado internamente por Inditex, ya que no tiene valor comercial por sí solo. Su elaboración es encargada a proveedores en países de bajo coste (así es como operan la mayoría de empresas multinacionales en el maravilloso mundo globalizado en el que vivimos). Desarrollo del producto personalizado. Tomando como partida el producto base, que se está fabricando al mismo tiempo, se planifican las modificaciones estéticas (destintados, parches, lavados, incorporación de botones y tachuelas, cremalleras…) que darán lugar al producto final y “único”, y al mundo luz y color (viva la único y lo original!!). Con esta nueva filosofía y organización, Inditex ha reducido sus plazos de respuesta a los estímulos procedentes del mercado. Ahora puede suministrar productos totalmente adaptados a las tendencias imperantes en cada momento y en todo el mundo.

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Si alguien tiene la ocasión de visitar el cuartel general de Inditex en Arteixo, un próspero pueblo a unos kilómetros de A Coruña en el que apenas había actividad antes de que Amancio localizara su imperio. Probablemente, lo primero que le muestren sea la cara amable y bella de la compañía. El edificio “fashion” y glamuroso donde se ubican las Oficinas Centrales y el Departamento de Diseño. Este último se localiza en una enorme habitación diáfana con grandes ventanales, donde trabajan aproximadamente 400 personas, entre diseñadores, comerciales y los country manager (que controlan en tiempo real las ventas que se producen en cada país, por piezas, tallas, colores…). Entrar ahí es como introducirse en una revista de moda (o en una sesión de fotos de Nacho Suárez), toda la gente es joven, guapa y moderna. Sentados en mesas alargadas delante de un ordenador, ojean webs de moda, diseñan, revisan hojas de cálculo, hablan por teléfono en varios idiomas o, sentados en el suelo en grupos de trabajo, comparan muestras de tela o mezclan complementos. El ambiente es sustancialmente diferente a escasos metros, cruzando la carretera, en el Centro Logístico de Zara. Una brutalidad de 400.000 m² desde donde suministran a buen número de tiendas Zara en todo el mundo, cada una dos veces por semana. Un flujo de salida de dos millones de cajas de ropa a la semana. Esta cara de la compañía es menos estilizada, la nave no atiende a ningún precepto del diseño, solo a aspectos prácticos y de utilidad. Los trabajadores visten uniformes de diferentes colores, en las paredes, tablones de anuncios con proclamas sindicales. Junto a la puerta, antes del torno para que los “currelas” fichen, un amplio comedor. Dentro de la zona de trabajo, interminables filas de prendas colgadas que se mueven de un lugar a otro en perchas automatizadas. Para hacerse una idea de las dimensiones del lugar, los técnicos de mantenimiento van en bicicleta de un lugar a otro a lo largo de las diferentes partes de la cadena logística. Allí dentro, las tareas son repetitivas y aburridas; planchar la misma parte del mismo tipo de prenda todo el día, desenrollar tubos de tela, cortar y etiquetar durante horas… nada que ver con el otro edificio. Eso sí, todo perfectamente estudiado para que el proceso sea eficiente y totalmente productivo.

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Nunca nos cansaremos de hablar de nuevas iniciativas. De gente que pone todo su empe単o en conseguir lo que se propone a base de esfuerzo y de trabajo. Y desde Fshn sabemos valoralo. Por eso creemos que era necesario hablar de Grandppa Custom Shappes.

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randppa surgió como homenaje a la figura de su abuelo, una persona luchadora que gracias a su trabajo y vena artística consiguió salir adelante. A finales del verano del 2012, a estos dos jóvenes les ronda la idea de hacerse sus propios longboard. Después de un tiempo dedicado a documentarse y recopilando información, visitando a reputados shapers, deciden dar el salto y aventurarse a confeccionar sus prpios longboards en el garaje de su casa con las herramientas que disponían.

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Grandppa Custom Shapes;

tres palabras con mucho significado para estos dos primos y socios.

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Tras un mes compaginando Miguel sus estudios de ingeniería y Pablo su trabajo de arquitecto técnico y sacrificando horas de sueño y ocio, culminaron sus dos primeros tablones. Gracias al apoyo que han recibido y el buen resultado obtenido en los tablones se decidieron a continuar con la producción y a día de hoy cuentan con un pequeño taller y con maquinaria profesional. Poseen un amplio catálogo de modelos de tablas clásicas como pueden ser los Single de los años 70´s, pasando por las Minisimmons hasta los Longboard además de los pequeños y divertidos handplanes todos ellos totalmente personalizables. El principal objetivo de Grandppa Custom Shapes es la satisfacción del cliente por lo que ofrece la posibilidad de customizar totalmente su tabla. Desde el shape del foam, el tipo de laminado en el que se puede optar por el uso “Volan”, diferentes trabajos de pigmentado, diseño de logotipos personalizados, etc. Además cuenta con colaboradores para la manufactura de quillas como la reputada marca “Luxury Custom Fins” Grandppa Custom Shapes no es solo una marca de surf boards, estos chicos aspiran a algo más . Su gusto por customizar no solo se queda en las tablas, pronto ofrecerán un catalogo de ropa y complementos, además su afición por las dos ruedas les ha llevado a modificar tanto bicicletas como motocicletas para adaptarlas a su gusto, por lo que próximamente podreís conocer su colección y realizar vuestros encargos. No quieren finalizar este reportaje sin agradecer a todas aquellas personas que les han ayudado en sus comienzos sin los que nada de esto hubiera sido posible.

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lexandra in Grey es toda una joya en bruto. Su estilo sin pretensiones, su sencillez y naturalidad sin ningún tipo de adornos ni artificios es una de sus grandes bazas. Es un placer ver producciones de este tipo. Sencillez remarcada por una gran voz. Parece que escuchando cada una de sus canciones vamos teniendo más claro quien es Alexandra in Grey, pero: FSHN: ¿De donde surge Alexandra in Grey? ALEXANDRA: En 1975 la BBC produjo un documental llamado “Grey Gardens”. Contaba la historia de Edith Beale y su madre, parientes de Jacqueline Kennedy. Juntas vivían en una mansión en ruinas. Esta mansión tenia unos jardines conocidos como Grey Gardens. Me gusto mucho la estética del documental así como su música, de ahí surge Alexandra in Grey. En el documental podemos ver como contar una historia realmente triste de manera divertida y simpática. Siempre podemos ver las cosas de manera diferente. FSHN: Escuchando varias de tus canciones da la impresión de que son muy personales. ¿Hasta que punto los temas son parte de ti? ALEXANDRA: Todos los temas los escribí en algún momento de mi vida en el que tenia que contar algo. No me considero muy buena pianista, me suelo dejar llevar por una melodía o varios acordes. A partir de ahí dejo que crezcan por si solas. FSHN: Entonces el proceso de composición es muy importante. ALEXANDRA: Claro. Necesito tener algo dentro, un sentimiento o una emoción que sacar en forma de música. Creo que toda canción tiene que tener un esqueleto, un primer impulso para, a partir de ahí, poder construir sobre ella. El tema “Don´t cry” lo escribí en un momento muy triste de mi vida. FSHN: Temas que por otra parte están en Ingles. Esta bien saber que poco a poco nos atrevemos con el idioma de Shakespeare. ALEXANDRA: (sonríe) No tiene ninguna razón en particular. Desde muy pequeña lo que recuerdo escuchar en mi casa eran canciones en Ingles. Es algo natural en mi

manera de componer, la sonoridad que tiene es muy especial. Supongo que si hubiera crecido escuchando música en español escribiría de otra manera. Al final todo tiene que ver con la memoria musical que todos llevamos dentro. Recuerdo escuchar mucho a las grandes divas del Blues, el Soul... FSHN: Divas como Billie Holyday... ALEXANDRA: Si. Billie Holyday, Nina Simone. Pero también recuerdo escuchar Country, Rock... FSHN: Da la impresión de que muchas corrientes artísticas están volviendo tras sus pasos para buscar influencias. ALEXANDRA: Si, está claro que cuando un estilo se agota, suele buscar en su historia para volver a reencontrarse. Ahora podemos escuchar muchas influencias del Jazz en lo que se llamo el “Indie” o el resurgimiento del Folk. Creo que es un buen momento para desarrollar nuevos estilos o algunos poco comunes. El cambio que ha pegado el mercado musical en tan poco tiempo, permite que todo el sistema de promoción y difusión sea mucho más flexible, así hay mucho más margen para la diversidad. FSHN: Entonces. ¿En que estado crees que se encuentra la industria musical? ALEXANDRA: Lo que ha pasado es que ahora podemos llegar al público de manera diferente. Las redes sociales han cambiado totalmente la manera en que nos comunicábamos, y la industria musical no supo entender esto. La música es un método de comunicación muy especial, y ahora más que nunca el artista dispone de las

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herramientas necesarias para mostrar su trabajo. No es cuestión de criticar si la industria ahora esta mal por esto o aquello, es cuestión de entender como funcionan las herramientas actuales y hacer un buen uso de ellas. FSHN: Uno puede subir su propio vídeo sin salir de su casa .ALEXANDRA: Exacto. Y este vídeo puede ser visto por millones de personas gracias al boca a boca. La gente tiene más poder que nunca para decir lo que le gusta o no. Al final todo es cuestión de trabajar duro en lo que amas. Además, parece que la música en directo esta volviendo con fuerza. Esto es algo maravilloso tanto para el público como para el artista.

FSHN: Has hablado de que el artista tiene más facilidad para mostrar su trabajo ¿Cuando podremos ver un disco de Alexandra in Grey? Alexandra: (sonríe) El disco lo presentare en Avilés el próximo 13 de Abril. En un lugar magnifico, el Teatro Armando Palacio Valdés. Va a ser un concierto con muchas sorpresas y colaboraciones. Así que estoy entusiasmada. FSHN: ¿Que tipo de disco nos podemos esperar? Alexandra: No es esperéis un disco intimista y sobrio. Hay espacio para grandes temas que os sorprenderán. Algo de Jazz, Pop, Country. La verdad que es un disco muy variado y dinámico. Y estamos seguros de que nos encantara. Gracias por tu tiempo y mucha suerte en tu trabajo. Desde FSHN estamos seguros qué hemos encontrado una artista.

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“Si crees que la publicidad no funciona, considera los millones de personas que ahora creen que el yogur es rico� fshn volume two 110


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“La fotografía es un arte joven en el que apenas se invierte en comparación con el cine”

o que empezó siendo un soporte de datos y un fiel instrumento para capturar la realidad ha acabado convirtiéndose en algo bastante más enriquecedecor para el alma: un arte. Estoy hablando de la fotografía y Alexey Titarenko parece saber mucho sobre este tema. Nacido en San Petesburgo (lo que antes se denominaba Leningrado) fue precisamente en esa ciudad donde comenzó a desarrollar su pasión y habilidad por este género. Comenzó a hacer fotos en la década de los 70, y tras formar parte del Leningrad Photographic club Zerkalo, en 1983 consiguió su  Master en Bellas Artes en el Departamento de Cine y Arte Fotográfico del Instituto de Cultura de Leningrado. “En 1970, cuando cumplí los 8 años, me regalaron una vieja cámara soviética, parecida a una Yashica, pero más primitiva. Empecé a interesarme tanto por las fotos que le pedí a mi madre que me inscribiera en un curso de fotografía en el Palacio Local de la Cultura en San Petesburgo, pero resultó muy caro para mí en aquella época. San Petesburgo me ha inspirado un montón. Solía vagar por la ciudad en busca de estímulos y San Petesburgo me los daba. Era como si con mi cámara pudiera captar el estado de la ciudad”.

Alexey ha recibido numeros premios y reconocimientos y su trabajo ha sido exhibido en decenes de museos y centros culturales internacionales. Pero mi objetivo no es abrumar con datos y cifras sino presentaros sus fotografías. Fotos que hablan por sí solas, que esconden historias en un simple vistazo. Nos muestran ciudades, gente, objetos teñidos de sombras, luminosidad, halos borrosos y furtivos, prisa, suciedad y otros muchos adjetivos de color fusco. A través de sus fotos nos describe una Rusia comunista y agridulce atestada de decadencia. Nos enseña esa Rusia salvaje, podrida y superviviente que 200 años atrás nos mostraba Dostoviesky con su prosa (por cierto una de sus grandes influencias junto con Bach, Bethoveen y Sibelius entre muchos otros). “El colapso de la Unión Soviética cambió dramáticamente mi vida para mejor. En el pasado no podías trabajar como un artista independiente. Debías afiliarte en una especie de “ESTADOS DE LA UNIÓN”, pero siempre a expensas de apoyar el Régimen Soviético, lo cual era inaceptable para mí. He sido testigo de este colapso con placer y alivio y además he tenido la suerte de obtener apoyo económico para mis trabajos y trabajar libremente, lo que era tremendamente importante en aquel momento”. Blanco y negro. Una simple gama cromática a la que añadimos una larga exposición

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esa borrosa y fantasmagórica deformación de la realidad que fragmenta nuestras rutinas diarias y nos hace caer en un ensoñador y oscuro enamoramiento. Escenas cotidianas bañadas en surrealismo a través del objetivo de su Hasselblad: el metro, una mendiga, un coche en cualquier calle de la Habana, un día de picnic… “Intento expresar mis sentimientos y pensamientos sobre Rusia a través del prisma de esta ciudad que es San Petesburgo y a través de las imágenes de sus habitantes. San Petesburgo es como una herramienta para mí. Todas las técnicas que utilizo buscan producir una representación certera de los sentimientos que profeso sobre mi ciudad. Revelo e imprimo todas las fotos con mis propias manos. Si quieres transmitir cierto estado de ánimo necesitas cuidar el revelado, porque con él consigues todos estos matices. La fotografía en blanco y negro es un arte especial”. Parece fácil de describir pero no tan fácil de plasmar en un papel fotográfico. Al menos no con una visión tan romántica y genuina como la de Alexey. En sus diversos trabajos las ciudades son las principales protagonistas:  “VENICE SERIES”,  “ST. PETESBURG SERIES”, “HAVANA SERIES”, pero Rusia es el ojito derecho de Titarenko y las bonitas y desgarradoras series de fotos como “TIME STANDING STILL” , “NOMENKLATURA OF SIGNS” o “THE CITY OF SHADOWS” describen el aura depresiva y melancólica que acechaba al pueblo ruso en aquel tiempo de inestabilidad política y económica. “NOMENKLATURA OF SIGNS SERIES fue creado en la encrucijada de dos épocas: el régimen totalitario y la perestroika de Mikhail Gorbachev. Es un balance entre la tragedia y la burla y consiste en collages producidos por la imposición de varios negativos, fotografías tradicionales y objetos aislados. Por aquella época de transición los símbolos visuales estaban presentes diariamente en las prácticas y rutinas del pueblo ruso. “THE CITY OF SHADOWS” vino después de “NOMENKLATURA OF SIGNS” un poco inesperadamente. San Petesburgo es conocida por sus “NOCHES BLANCAS” de verano y sus oscuros y cortos días de invierno que sólo duran unas horas. Un día, en el invierno de 1991, estaba paseando por una calle que solía es-

tar repleta de gente, una calle alegre y dinámica. Pero ese día era sombría, vacía y estaba extrañamente silenciosa. Ví a gente llena de tristeza en busca de comida para su familia. Parecían sombras. Entoces empeecé a hacer fotos todos los días para capturar ese sentimiento fantasmagórico. Sabía cómo conseguir este efecto, ya que en mi niñez solía hacer fotos utilizando el proceso de larga exposición, y luego a finales de los 70 estudié esta técnica de fotografía francesa del siglo XIX. “TIME STANDINGSTILL” habla sobre la inestabilidad que volvió a sufrir Rusia en 1998 tras un período de calma y bonanza. El país experimentó un colapso del sistema financiero y una gran devaluación lo que condujo a la gente a unas condiciones horribles otra vez. Volvimos a la lucha por la supervivencia. “BLACK AND WHITE MAGIC ST. PETESBURG” refleja el estado de San Petesburgo en 1995, cuando la situación había mejorado notablemente, pero de todas formas, aún eran palpables inumerables los posos románticos que atraían a muchos artistas. La novela de Dostoyevski “Noches Blancas” me inspiró muchísimo a la hora de desarrollar y crear esta serie de fotos. Fue como si él hubiera leído mis pensamientos años atrás. El concierto de violín de Brahm fue otro importante elemento de inspiración en este trabajo. Fue una gran mezcla de cosas donde, para mí, la imagen central era el Sol”. Varios años de carrera, un talento inmensurable, una sensible visión para el arte y, desafortunadamente, una triste y realista convicción: “La fotografía es un arte joven en el que apenas se invierte en comparación con el cine por ejemplo. Tampoco tiene tanta atención de masas y los fotógrafos no disfrutamos del mismo estatus social que los músicos o cineastas. Por esa razón, algunos artistas enfocan su talento hacia otras esferas donde sea más fácil y rápido establecerse. A veces la fotografía recoge a los “perdedores” que no fueron capaces de encontrar su hueco o destacar sobre los demás en esos otros campos artísticos. La combinación de estos factores hace la fotografía menos atractiva a veces.”

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Últimamente por las redes sociales y sobre todo en los sectores

de los profesionales de la imagen se lee la manida frase: “Si eres bueno en algo no lo hagas gratis”. Posiblemente debido a la cantidad de personas que piden que regales tu trabajo. Es bastante común leerlo, en serio. Y yo me pregunto si aquellas personas que lo escriben realmente lo dicen en serio . Y lo más gracioso es que se puede leer en personas que realmente no son buenas en lo proclamaban serlo. Y es que en este caso hablo de fotografía. Por si no se han dado cuenta, queridos lectores, la fotografía es una herramienta artística en la que cualquier persona se considera “buena” rápidamente. Y esto tiene explicación. La diferencia de la fotografía con otras “artes”, como por ejemplo el dibujo, es que con el dibujo la experiencia y la práctica te hacen artista. an sólo mediante la práctica diaria uno es capaz de alcanzar los máximos grados de perfeccionamiento pictórico. Sin embargo la fotografía, debe su éxito en parte a la inmediatez de los resultados (y mas aún con la fotografía digital). Una persona comienza a realizar fotografía porque le gusta dicha inmediatez, rápidamente ve que hace fotografías “mejores” (si por mejores entendemos bien expuestas o no quemadas/no subexpuestas). Ésta persona ha conseguido exponer correctamente las fotografías, pero esto no es ser bueno en algo. Recuerdo que una vez leí que: “a hacer fotografías se tarda en aprender una tarde, pero a ser fotógrafo toda una vida”. Y no nos engañemos, la técnica fotográfica necesaria para exponer correctamente, las fotografías es poca. Tan poca como tener un ojo (aunque te faltase el otro ojo, también podrías hacer fotografías perfectamente) y esperar a que una linea, una aguja, o un punto led se ajuste en el cero o se quede parado en una linea, variando determinados valores que nos ofrece la cámara fotográfica, apuntando a diferentes zonas de luz y de sombra de la zona seleccionada para fotografiar. Y es que estos conocimientos que en absoluto son densos, y ningún secreto, son suficientes para que algunas personas se consideren fotógrafos y lo que aún es peor , lo suficientemente buenos como para no hacer fotografías gratis.

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Evidentemente, estas personas, que realizan fotografías con horizontes torcidos, ojos cerrados, expresiones de asco en las personas que retratan ven incrementado su ego gracias a las redes sociales y al aliento de muchas personas sin cultura fotográfica alguna, que les dejan feebacks del tipo: “Vaya pedazo de fotografía, eres un artista!”. Y en ella aparece un horizonte torcido , una mala composición y la “modelo” con los ojos cerrados porque la persona que lo ha fotografiado la ha puesto de cara al sol con los ojos abiertos y mirando hacia él (“True Story”). Éstas personas que hacen fotografías sin un mayor conocimiento que el de una correcta exposición en cámara, pronto se animan a realizar fotografías a cambio de dinero auto-denominándose fotógrafos, y ofreciendo precios bajos en tiempos de “recesión” que afectan a los clientes. Y es que todos nos hemos visto obligados a reducir los presupuestos por culpa de gente que tira los suyos por los suelos. No es la primera vez, ni será la última que un posible cliente me ha dicho: “No, es que la ultima vez , por ese mismo trabajo que tu me realizarías, me cobraron 70 euros” . Yo me imagino que en ese momento una sonrisa de incredulidad asomaría en mi rostro. Y realmente el problema no es de esa persona que realiza ese trabajo a ese precio, que seguramente se ajuste fielmente a la calidad del mismo (es decir, baja); sino de la incultura fotográfica de nuestra sociedad. Las redes sociales han convertido y normalizado la visualización de fotografías. Hoy en día se hacen muchísimas más fotografías de las que se han hecho en ningún momento de la historia. A diario se suben millones de fotografías a las redes sociales, y esto produce que cualquier persona que realice una fotografía más detenidamente, le ponga una “marquita de agua”, o se moleste en a hacer posar a una “modelo” llame un poco la atención ante la vorágine de posados frente al espejo y fotografías de gente con copas es sus manos., y sean llamados artistas. Y no estoy hablando con todo esto de que sea necesaria una formación fotográfica (que bajo mi punto de vista lo es), si no de que es necesaria una inversión en cultura fotográfica. y una legislación que califique los trabajos fotográficos. No debería ser tan difícil, sino fijémonos en los restaurantes y sus estrellas Michelin, o sus tenedores. Un sistema que evalúa la calidad de los restaurantes mediante el criterio de expertos dando una información al cliente de lo que se encontrarán en el mismo. Pero , ¿por qué no aplicarlo al mundo de la imagen?. Evidentemente, no interesa esta calificación que propongo. Con ella se acabaría los regateos de los clientes interesados por conseguir el precio más barato por tus servicios, las propuestas de que trabajes gratis porque “te dará experiencia”, y las propuestas e presupuesto ridículos. Y sinceramente, prefiero seguir haciendo proyectos que realmente me interesan aunque no me reporten beneficios económicos en algunos casos, que hacer fotografías por el simple hecho de que me dará dinero. Así que animo a todas esas personas tan preocupadas por no hacer su trabajo gratis a que recuerden (si es que alguna vez lo tuvieron) el amor por lo que hacen y el motivo que les impulsó a hacer lo que hacen.Y que no se crean todo lo que escuchen porque como decía un sabio: “La mitad es mentira, y la otra mitad inventado”. Y no me malinterpreten, no quiero mostrarme como un erudito en fotografía, ni dar lecciones, ni siquiera me considero un gran fotógrafo. Pero creo que en ocasiones, es necesario recordar “el porqué de lo que hacemos”. Muchos lo han olvidado y han perdido el interés por (en este caso) la fotografía y se centran tan solo en ganar dinero. Y como para muchos el facturar no va tan bien como desearían, entonces, es todo una mierda y no hacen fotografías. Y es que muchos fotógrafos no hacen fotografías, si no les aporta un beneficio económico, da igual cual sea el proyecto. Porque como dicen ellos : “si eres bueno en algo, no lo hagas gratis”. Y yo me pregunto, ¿merece la pena abandonar algo que en teoría amas tanto como la fotografía por un puñado de monedas de oro?

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Jorge Pérez Ortiz , de origen vallisoletano y afincado en Londres, es uno de esos talentos emergentes que si todo continúa como debería, acabará fotografiando para las grades firmas y publicando en la élite de las revistas de Moda. La fotografía de Jorge, es una fotografía muy directa, nutrida de la influencia de las calles londinenses, luz disponible y unos tonos tenues que hacen que nos fijemos en la forma y en el contenido de las imágenes sin perdernos en tecnicismos. Recientemente , al mas puro estilo Bill Cunningham, se ha encargado de retratar la Fashion Week londinense , captando los looks más irreverentes que rodean a la semana de la Moda. Y es que el estilismo es parte importante en el trabajo de Jorge, ya que en sus fotografías nos presenta unos looks más que arriesgados, con los que marca la diferencia. Desde luego es uno de esos fotógrafos a tener en cuenta y a seguir , muy, muy de cerca. Nosotros no le quitaremos el ojo de encima a su trabajo. Puedes seguir el trabajo de Jorge Perez en su página Web: WWW.JORGEPEREZORTIZ.COM

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Esto es todo. Hasta aquí llega FSHN Volume Two. Esperamos que os haya gustado nuestro nuevo “número”. Un número en el que hemos puesto todo nuestro esfuerzo, tiempo e ideas. Fshn ya es algo más que un comienzo. FSHN Volume Two es una continuación, y poco a poco nuestro proyecto va hacia adelante. Y estamos orgullos y muy contentos de ello, y a que como os hemos dicho, nuestro árbol comienza a florecer. Y desde luego es gracias a vosotros y a todos los que se molestan en perder un poco de su tiempo en leer nuestra revista. Y gracias también, porque la revista te ha gustado tanto que se la has enseñado a tus padres, hermanos, amigos, mascota y tus 300 amigos de facebook. ¡Gracias! Aunque es cierto que para que un proyecto siga adelante y triunfe es necesaria cierta cantidad de “suerte”. Nosotros creemos en la suerte, y es que que mientras más duro trabajamos, más suerte tenemos. Pero Fshn no queda aquí. Pronto nos pondremos a preparar nuestro siguiente número. Mientras tanto, os esperamos en nuestra web. ¡Hasta pronto! El Equipo de FSHN

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Revista FSHN. Número 2. "Volume Two"  

Fshn Volume Two. MODA/ LAS PRÁCTICAS LABORALES EN ENTREDICHO PÁG 8. CONSEJOS FSHN. ¡DI QUE SÍ A LAS ALTURAS! PÁG 10 HAUTE COUTURE: BELE ÉLEG...

Revista FSHN. Número 2. "Volume Two"  

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