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Contenido

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EDITORIAL

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ENSAYOS Escándalo

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CRÍTICAS Animales nocturnos La doncella Rogue One Hasta el último hombre Paterson Comanchería Passengers Captain Fantastic

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LISTA Las mejores de 2016

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EN CORTO Hum

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Editorial

Editorial

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omienza un nuevo año y todavía seguimos vivos. Es algo digno de celebrar. Y como siempre, en este número de enero, el editorial nos sirve para reflexionar sobre el año que acaba y el año que empieza. En general nos quedamos por debajo de las expectativas en cuanto a nuestro creciemiento en visitas a la web y seguidores en redes sociales. Pero aunque estuvimos por debajo, creemos que no se debió a que bajáramos el nivel (de hecho, creo que hemos subido el nivel en cuanto a cantidad y sobre todo calidad) sino a que 2016 ha sido un año complejo para todos los que formamos Erebus, en cuanto a nuestras vidas personales, lo que no nos ha permitido llevar las cosas al día ni prestarle toda la atención que merecéis los lectores. Esperamos enmendar este asunto a lo largo de 2017, que comienza con buenas perspectivas. Ya son varios los que han querido entrar a formar parte de nuestro equipo mediante la opción de

Revista Erebus - Enero 2017

colaboración que tenemos en la web, así que esperamos ser más este año. A su vez, como siempre, nuestro objetivo es ir moviéndonos hacia el terreno del audiovisual nosotros mismos, con vídeos de críticas o ensayos fílmicos. Además, también como siempre, queremos mejorar las cifras de visitas y seguidores. Para ello, vuestra ayuda es fundamental, tanto estando ahí, como aconsejándonos en qué es lo que queréis y qué es lo que nos falta. Por lo demás, enero es un mes de obras que quieren ir a los grandes premios. Algunas de estas obras ya salen en este número, otras saldrán en el de febrero. Estarmos al tanto para tratar de cubrir todo lo que podamos de estas intensas semanas en cuanto a noticias sobre cine (que no de cine). En definitiva, ¡que tengáis un feliz 2017 y que nos sigamos viendo! A

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Escándalo Por Juan Romero

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na de las películas de las que más se habló a comienzos del año pasado fue The birth of a Nation, de Nate Parker. Estrenada en enero en el festival de Sundance, consiguió un acuerdo de distribución récord y parecía que iba a ser una de las películas del año. Y sin embargo, cuando incluso se hablaba de sus posibilidades de aspirar a los Oscar, en verano empezó a recordarse por parte de los medios un desagradable episodio protagonizado por el director y protagonista de la película, Nate Parker, en 1999, en el que fue acusado de violación. Aunque aquel fue un caso muy espinoso, la realidad es que Nate Parker acabó siendo exonerado de todos los cargos. Y ya han pasado más de quince años de aquello. Y sin embargo ese escándalo, aireado convenientemente por los más diversos medios norteamericanos, acabó por destruir casi todas las posibilidades de la película, tanto a nivel de hipotéticos premios, como a nivel comercial. Y desde luego, todas las posibilidades que podía tener a la hora de aspirar a los Oscar se desvanecieron por completo. Al próximo Oscar sí aspirará con casi total seguridad Casey Affleck, por su papel en Manchester by the sea. También estrenada en el festival de Sundance en Enero, y también con un contrato de distribución importante, la película no tuvo un impacto tan inmediato como The Birth of a Nation, pero fue ganando tracción en sucesivos festivales y es una de las favoritas para los próximos Oscars. Recientemente, ante este aumento en la popularidad de la película, ha empezado a recogerse en los medios otro escabroso asunto

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relacionado con el acoso sexual protagonizado por Casey Affleck en el año 2010. Aquel caso, en el que fue acusado por dos trabajadoras suyas durante el rodaje del pseudodocumental I’m still there con Joaquin Phoenix, acabó solucionándose con un acuerdo fuera de los tribunales. No es sencillo entender por qué en un caso la aparición de las informaciones en los medios acaba por sepultar una película mientras en el otro apenas afecta a sus posibilidades. Me da la impresión de que con Nate Parker se llevó a cabo una operación de acoso y derribo por parte de los medios mucho más salvaje que la que ha habido contra Casey Affleck. Si en el primer caso se llamaba prácticamente al boicot de la cinta, en el segundo caso normalmente se daba la información como contraposición precisamente al caso de Nate Parker, y no como un hecho de suma gravedad en sí mismo. Evidentemente, hay varios motivos por los que esto ha sucedido de esta manera. Un caso de violación es más grave que uno de acoso sexual en el entorno de trabajo. Nate Parker es director de la película, además de protagonista. Hay ciertas circunstancias en el caso de Parker que son mucho más escabrosas que en el caso de Affleck. Y además en The Birth of a Nation hay una escena de una violación frente a la que el personaje de Nate Parker se rebela. En cualquier caso, es muy curioso darse cuenta cómo una de las grandes candidatas a los premios fue enterrada por culpa de una campaña mediática contra uno de sus creadores por un caso de violación de hace muchos años, mientras

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Escándalo

otra de las grandes candidatas sale prácticamente indemne de una situación relativamente parecida. Sin entrar en el hecho de si los escándalos personales que los creadores de una película vivieron unos lustros antes deberían influir en la recepción de la misma, que evidentemente pienso que no, resulta extraño que en algunos casos sí puedan influir mientras en otros no. Siempre ha habido escándalos de diverso calibre en Hollywood. Fatty Arbuckle, Errol Flynn, Robert Wagner, Woody Allen o Roman Polanski fueron acusados en diferentes momentos de diversos delitos, y la mayor parte de ellos sufrieron las consecuencias durante sus carreras. Pero también casi todos ellos lograron finalmente superar ese trance, volver a trabajar sin problemas, y que la calidad de sus películas sea el principal factor para juzgar sus trabajos. El hecho de que un escándalo pasado sea puesto de nuevo en primer plano muchos años después y consiga destrozar una película, sin embargo, no es tan habitual. Y el tener este año dos casos tan parecidos con resultados tan diversos es realmente notable.

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Supongo que cuando ocurrieron los hechos ni Nate Parker ni Casey Affleck eran tan populares como para rellenar portadas, y el escándalo, relativamente mudo en su momento, aparece de nuevo cuando estos personajes ganan notoriedad. Y en lugar de tener que lidiar públicamente con los problemas cuando suceden, tienen que encararlos mucho tiempo después, cuando generan el interés suficiente para los medios. Lo cual es aún mucho más perverso. En cualquier caso, casi todos los escándalos de Hollywood acaban pasando y, aunque en estos casos hayan llegado con un importante retraso, dentro de unos años serán pasado y sus protagonistas podrán volver a trabajar sin problemas, y podrán aspirar a premios sin miedo a que los medios hagan campaña contra ellos, una vez hayan expiado sus problemas. Como le ocurre precisamente a otro aspirante al Oscar este año, Mel Gibson, que por fin ha podido sacar adelante una película tras purgar sus pecados durante casi una década, y a quien ya nadie pide explicaciones. A

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Animales nocturnos Nocturnal Animals / USA / 2016 Dir.: Tom Ford Texto: Alberte Álvarez

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om Ford, el famoso modista, vuelve a la dirección para estrenar su segunda película, y se confirma que la moda ya no es la única disciplina que domina. En Animales nocturnos nos presenta tres historias que corren en paralelo, aunque están bastante diferenciadas: la que transcurre en el presente y donde se muestran los efectos de las otras dos tramas, la que transcurre en el pasado y que es el detonante de las otras dos y la trama que es la visualización de la ficción del libro y que sobresale espectacularmente por encima de las demás. La ensoñación del libro de Animales nocturnos daría para una película en sí misma, ya que las partes que se nos muestran están cargadas de tensión y tiene casi todos los momentos interesantes de la película en su conjunto, incluyendo las interpretaciones más físicas y emocionantes.

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Rep.: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron TaylorJohnson, Michael Shannon, Armie Hammer, Isla Fisher.

Sin embargo siempre da la sensación de que nos quedamos privados de una película completa que merece la pena, sobre todo con el policía interpretado por el genial Michael Shannon y que da para mucho más. La potencia de la trama del libro, escrito por Edward Sheffield, el enigmático ex-marido de Susan, la protagonista (que a su vez es el protagonista de la ficción de su propio libro, seguramente porque es la propia protagonista quien le pone su cara al personaje), se traspasa continuamente al presente a través de sobresaltos y un cambio emocional en la protagonista, que empezaremos a comprender mejor gracias a la otra trama, la del pasado, y dónde se nos muestra el inicio de la relación y el matrimonio de la protagonista, con, a la postre, su ex-marido.

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Animales nocturnos (Tom Ford, 2016)

Uniendo estos tres planos narrativos, nos encontramos con una historia que nos habla de la venganza, de cómo el daño del pasado se queda enquistado y siempre reaparece de manera dramática. Es la venganza la que mueve casi todas las acciones. El deseo de hacer sufrir a los demás. Y en ese mismo orden es en el que hay que encuadrar el enigmático final, que puede dejarte un poco desinflado al salir del cine, pero que encaja por completo en lo reiterativo de su mensaje. No podía acabar de manera distinta.

Animales nocturnos presenta una estética sofisticada y un vestuario muy detallista, como no podía ser de otra forma (aunque Tom Ford no es el autor del mismo). Pero es en las interpretaciones donde el film es capaz de anclar la atención del espectador para que sus dos horas se pasen volando e incluso quede la sensación de que podía seguir perfectamente durante una hora más. A las fantásticas interpretaciones de los geniales Amy Adams y Jake Gyllenhaal (que llevan unos años rayando a gran nivel) hay que sumar las aún más sobresalientes de Michael Shannon, en un arquetípico policía duro sureño que sólo él sabe dotar de un carisma brutal, y del sorprendente Aaron Taylor-Johnson, que no en vano se ha llevado el

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Globo de Oro a mejor actor de reparto por su cínica y chulesca interpretación del villano de la metaficción. En definitiva, tene“Nos encontramos con una mos unos personajes historia que nos habla de la marcados por su sed de realizar acciones venganza, de cómo el daño destructivas en tres tramas diferentes que del pasado se queda enquisimplican dos planos de tado y siempre reaparece de realidad muy distintos: manera dramática la metaficción sureña, dura, física y salvaje, y el plano de lo real (tanto en presente como en pasado) donde el juego de lo sutil, del engaño, esconde en su interior lo malvado del ser humano. Tom Ford, que además firma el guion adaptado del libro de 1993 “Tony and Susan”, de Austin Wright, se confirma como uno de los directores a seguir en el panorama estadounidense, después de esta obra de altura unida a su debut con Un Hombre Soltero. A

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La doncella Ah-ga-ssi / Corea del Sur / 2016 Dir.: Park Chan-wook

Rep.: Ha Jung-woo, Kim Min-hee, Jo Jin-woong, Kim Tae-ri, Moon So-ri, Kim Hae-suk.

Texto: José M. Aparicio

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ay películas que espero con indolencia, hay otras que espero con indiferencia y hay algunas más que espero con ganas de quitármelas de encima rápido. Luego en el otro lado de la balanza hay películas que espero con ilusión, hay otras que espero con impaciencia y algunas menos que espero con el ansia de un niño en la noche de reyes. Pues esta se acercaba más al último tipo que a cualquiera de los otros y una vez que la tuve a mi alcance me costó encontrar el momento para degustarla con la

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concentración que se merecía. Al final la espera valió la pena, ya que para mí se ha convertido en una de las películas del año 2016. Pero vamos a lo importante. Después de su incursión en Hollywood con la sobria y elegante Stoker, Park Chan-Wook vuelve a su país de origen y nos regala este thriller de época con imágenes impactantes de esas que se quedan unas cuantas semanas en la retina. Ya Stoker era una película con un alto contenido erótico (en Revista Erebus - Enero 2017


La doncella (Park Chan-wook, 2016)

la que nos maravillamos con aquella fascinante escena del piano, una de las más sensuales que se han visto en una pantalla de cine) pero allí todo era implícito y subrepticio. En cambio ahora el director despliega todo lo que quedó en su cabeza o en su pluma reprimido y se marca un drama erótico con algunas escenas de cama de gran belleza y magníficamente rodadas. La historia es simple en su planteamiento pero compleja en su evolución. Situémonos: Años 30, Corea está ocupada por Japón. Los ricos: Japoneses. Los pobres: Coreanos. Una adinerada mujer japonesa, Hideko (Kim Min-hee) contrata a una nueva y humilde doncella coreana, Sookee (Jo Jin-Woong), para que la sirva. Hideko vive con su tío y está prometida con él, ya que este quiere casarse con ella para así heredar o administrar todos sus bienes. Pero todo cambia cuando un joven conde japonés llega a la mansión para dar clases de pintura a la ricachona. En el primer acto tenemos que tener un poco de paciencia hasta que definimos bien todo el marco coyuntural. El segundo acto es ágil y donde se despliegan al máximo todas las virtudes de la cinta. El tercer acto quizás se alarga un poco pero la resolución es satisfactoria. La profundidad de esta película va más allá de la historia que nos cuenta. La puesta en escena es magistral. Todo está medido para decirnos algo. Esa luz, este objeto, aquel movimiento de cámara, la música adecuada para ese momento. Nada está hecho al azar y se nota. Todo funciona bien engrasado. El diseño de producción es excelente y la recreación de la época muy convincente. Las escenas eróticas, como ya hemos dicho antes, están rodadas con pasión y poca sutileza. El montaje junto al uso de algunas elipsis Revista Erebus - Enero 2017

mantienen la tensión hasta el final y apoyan a los giros argumentales con solidez. No hay que olvidarse de los actores, que hacen un gran trabajo también. El guion oculta, o más bien no destaca, varios mensajes potentes y perfectamente descritos como por ejemplo la liberación de la mujer “Thriller de época con imáante el sometimiento de genes impactantes de esas los necios y prepotentes hombres o la sagaz resis- que se quedan unas cuantas semanas en la retina.” tencia coreana en tiempos de ocupación. Hay un punto a tener en cuenta que es el idioma que hablan en cada momento los personajes. Durante la ocupación Japón obligaba a los coreanos a estudiar y hablar su lengua y obviamente hablar en coreano no estaba muy bien visto. Como ignorante supino que soy de ambas lenguas, las dos me parecen iguales al oído pero tuve la suerte de ver la película con unos subtítulos que distinguían en que idioma se estaba hablando mediante el color de las letras. El hilo principal y lo más importante del film no se ven excesivamente afectados por no diferenciar en qué lengua se habla en cada momento pero se pierden detalles de la interacción entre los protagonistas que aportan más contexto y dan cuenta de lo milimétrico del guion. En fin, película para degustar sin prisa, con dos horas y media de meticulosidad, de detalles y de una historia poco habitual, fresca y muy personal, como casi todo lo que hace este director coreano tan perfeccionista y original. A

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Mejores pelis de 2016

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s habitual cuando llegan estas fechas hacer un pequeño resumen de lo mejor que nos ha dado el año que se acaba de ir. En nuestro caso, no vamos a ser menos, y os dejamos aquí una pequeña lista de lo que consideramos es lo mejor que nos ha dado el cine, en cuanto a estrenos en España durante el año 2016. En nuestro caso, hemos intentado sacar una lista de consenso entre los que formamos Erebus. Así pues, hemos decidido escoger cada uno dos películas que los demás no hubieran escogido antes. Para que quedara más claro cuál es la preferencia absoluta de cada crítico, luego cada uno elige sus 3 mejores individualmente. A

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Biopics musicales

Por Juan Romero

P c p e s

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Biopics musicales

Paterson Jim Jarmusch

Paterson es un pequeño milagro en la pantalla del cine. Al igual que los buenos libros, nos hace ser otra persona, vivir otras vidas, dentro de la nuestra. Y eso, en el cine, es complicadísimo. ¿O es que prefirirías ser un pez?

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Biopics musicales

Por Juan Romero

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Biopics musicales

Carol Todd Haynes En Carol se conjugan una serie de cualidades que encajan de modo perfecto y que la hacen una obra inolvidable: desde el guion basado en la novela de Patricia Highsmith, a la dirección, a las actrices, a la fotografía o a la edición, todo encaja de tal modo y, sobre todo, de una manera tan sutil, que es difícil darse cuenta de que estás viendo una obra maestra porque estás totalmente enganchado.

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Biopics musicales

Por Juan Romero

Anomalisa Charlie Kaufman Anomalisa es extraña sobre todo porque no tienes ni idea de qué es lo que quiere contar, de dónde quiere ir a parar. Va presentando, con lentitud y tranquilidad, diferentes situaciones que le ocurren al personaje y que se van resolviendo sin que parezca que aportan ningún peso a la trama general.

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Biopics musicales

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El ren

Biopics musicales

Alejandro Gon

Un film para saborear sin zás un poco más de profu cipal pero que nos deja el recuerdo y muchos mo todas las facetas del séptim Por Juan Romero

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nacido

Biopics musicales

nzålez Iùårritu

n prisas al que le falta quiundidad en la historia prinunas cuantas escenas para omentos de alta calidad en mo arte.

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Biopics musicales

Por Juan Romero

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Biopics musicales

La llegada Denis Villeneuve Hay películas que, aún partiendo de hipótesis simples, consiguen abarcar tantos temas, de aportar tantas cosas, que son difíciles de enfocar en una sola crítica de una sola manera. Y Arrival (La llegada) es una de esas películas que trascienden a su trama de una manera inimaginable, casi como el idioma de los heptápodos. Y no es casual esta comparación, pues la película obedece al idioma que traen los extraterrestres, como si el guion estuviera escrito en su lengua.

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Biopics musicales

La doncella Park Chan-wook Park Chan-wook vuelve a su país de origen y nos regala este thriller de época con imágenes impactanPor Juan Romero tes de esas que se quedan unas cuantas semanas en la retina. Película para degustar sin prisa, con dos horas y media de meticulosidad, de detalles y de una historia poco habitual, fresca y muy personal, como casi todo lo que hace este director coreano tan perfeccionista y original.

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Biopics musicales

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Biopics musicales

El hijo de Saúl László Nemes Al verla, resulta evidente por qué El hijo de Saúl ha arrasado en la mayor parte de los festivales a los que ha acudido. Tenemos un director que ha Por húngaro Juan Romero trabajado con Béla Tarr. Tenemos una película dura y dramática, ambientada en un campo de concentración nazi. Y tenemos una estética y una forma narrativa con una personalidad propia y muy diferente a lo que suele ser habitual. Con todos esos ingredientes era de esperar que, a poco que sea una buena película, fuera encumbrada por la crítica. Y así ha sido, porque evidentemente estamos ante una película realmente interesante.

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Biopics musicales

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Mejores pelis 2016

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Alberte

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Mejores pelis 2016

Álvarez 3. El renacido Alejandro González Iñárritu

2. Carol Todd Haynes

1. Paterson Jim Jarmusch

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Juan R

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Mejores pelis 2016

Romero 3. Tarde para la ira Raúl Arévalo

2. El renacido Alejandro González Iñárritu

1. Anomalisa Charlie Kaufman

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Mejores pelis 2016

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JosĂŠ M.

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Mejores pelis 2016

Aparicio 3. La doncella Pete Docter, Ronnie Del Carmen

2. El renacido Alejandro González Iñárritu

1. La llegada Denis Villeneuve

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Mejores pelis 2016

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SaĂşl

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Mejores pelis 2016

Olmo 3. Deadpool Tim Miller

2. Animales nocturnos Tom Ford

1. La llegada Denis Villeneuve

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Mejores pelis 2016

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Aitor B

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Mejores pelis 2016

Boada 3. Anomalisa Charlie Kaufman

2. Ahora sĂ­, antes no Hong Sang-soo

1. La doncella Park Chan-Wook

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Mejores pelis 2016

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Beatriz

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Mejores pelis 2016

z López 3. Nuestra hermana pequeña Hirokazu Koreeda

2. Carol Todd Haynes

1. El hijo de Saúl László Nemes

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Se trata de encontrar personas que son importantes en tu vida y no dejarlas ir. El materialismo es divertido, pero no te dejes llevar por Êl. Parodio el mundo de hoy y su superficialidad (al cual contribuí con mi ayuda). • TOM FORD


Rogue One: Una historia de Star Wars Rogue One / USA / 2016 Dir.: Gareth Edwards Texto: Saúl Olmo

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on el estreno del séptimo episodio de Star Wars, Disney ponía en marcha un ambicioso plan para rentabilizar a lo grande la compra de la saga a su creador George Lucas, que consiste en alternar tres nuevos episodios con spin-offs denominados Star Wars Stories, de forma que tengamos anualmente la fuerza en cartelera, al menos, hasta el 2020. El encargado de dirigir este primer spin-off ha

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Rep.: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, Jiang Wen, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk, Riz Ahmed. sido Gareth Edwards, director de Monsters y el reboot de Godzilla del 2014. Con tan breves credenciales como realizador puede parecer arriesgado el peso que Disney ha puesto sobre sus hombros, más tras el agridulce sabor de boca con el que J.J. Abrams dejó a muchos seguidores de la saga con el despertar de la fuerza. La película está ambientada entre el episodio III y el IV (mucho más cerca de este último) y nos

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Rogue One (Gareth Edwards, 2016)

cuenta la historia de Jyn Erso, encarnada por la actriz Felicity Jones, y su lucha junto a la alianza rebelde para hacerse con los famosos planos que con tanto celo guardaba en el film original el pequeño R2-D2. Para diferenciar estas Star Wars Stories de los episodios se ha optado por suprimir el icónico texto de introducción y cuando Rogue One arranca lo hace de una manera un tanto caótica. La historia salta de planeta en planeta y de trama en subtrama sin dar espacio a la narración dando la sensación de que no sabe muy bien que nos quiere contar. Sumado a un montaje un tanto errático en estas secuencias su primer tercio se muestra poco cohesionado. Aun así resulta interesante, pues muestra aspectos de la alianza rebelde que ninguna otra película de la saga mostraba. Su lado oscuro. Actos reprobables y órdenes incómodas que hay que seguir en aras de un bien mayor. Una vez la película comienza a centrarse en la búsqueda del radical Saw Guerrera (un Forest Whitaker desaprovechado en un personaje que resulta poco más que un mcguffin inicial) la cosa empieza a mejorar progresivamente, sobre todo una vez reunido el grupo protagonista. Acompañando a Felicity Jones tenemos a Diego Luna, Donnie Yen, Jiang Wen y Alan Tudyk, que forman un variopinto y racialmente diverso escuadrón. Todos ellos están correctos. Sin llegar a ser excesivamente carismáticos resulta agradable acompañarle a estos arquetipos en su periplo interplanetario, mientras el androide K-2SO se roba el espectáculo (y nuestro corazón) mientras funciona como alivio cómico muy bien calculado. En Lucasfilm tienen realmente talento a la hora de crear robots memorables. Completando el reparto tenemos a Mads Mikelsen, cambiando su registro habitual de villano por el de atribulado y sacrificado padre, y a Ben Mendelsohn como Orson Krennic, principal enemigo en Rogue One y personaje más

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destacado a nivel de actoral, siendo capaz de aguantar un cara a cara con figuras tan míticas como Mof Tarkin o Darth Vader y dar la talla. Cuando los planos de la estrella de la muerte se convierten en el centro de la historia el ritmo pasa a ser a cada vez más trepidante, y tienen lugar las mejores escenas de acción donde la fuerza se deja (casi) completamente de lado, para mostrarnos el “Rogue One va de menos a lado más bélico de la rebelión, que permite más y acaba dejando un gran a Edwards mostrarnos sabor de boca, haciendo una nueva faceta de la que obviemos sus evidentes saga, manteniendo la flaquezas.” esencia de la misma, sin duda el mayor acierto del film, como demuestra el espectacular y memorable último tercio del film. Esperemos que Ryan Johnson tome nota y en el episodio VIII se aleje de ese continuismo tan cercano al remake con el que Abrams inauguró la nueva trilogía y nos muestre algo fresco como Edwards en Rogue One. La trama nunca llega a sorprender, pues su mimo y esfuerzo por encajar con el episodio IV puede hacerla previsible al verse obligada a seguir ciertos hechos canónicos, aunque la forma tan satisfactoria de llevarlo a cabo resultará gratificante para los fans, compensando la falta de sorpresa con un torrente de emociones sutilmente sazonado con fanservice del bueno.

Rogue One va de menos a más y acaba dejando un gran sabor de boca, haciendo que obviemos sus evidentes flaquezas. Edwards consigue manejar con solidez la parte más bélica de la saga dotando de entidad propia a una película que, a priori, puede parecer innecesaria, pero resulta ser un gran añadido a la saga. A

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Hasta el último hombre Hacksaw Ridge / USA / 2016 Dir.: Mel Gibson

Rep.: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer.

Texto: Juan Romero

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asta el último hombre es el esperado regreso a la dirección de Mel Gibson, diez años después de Apocalypto, y tras purgar sus problemas personales. En ella nos cuenta la interesante historia real de un hombre que decide alistarse en el ejército para ayudar a su país en la segunda guerra mundial, pero que se niega a portar un arma por motivos religiosos. Lo cual hace que tenga que sufrir innumerables

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problemas antes incluso de llegar al campo de batalla, donde sin embargo acaba revelándose como un auténtico héroe. La película está dividida en tres partes bien diferenciadas. En primer lugar, y tras una molesta escena en la que se nos muestra lo que será luego casi el final de la película, tenemos la infancia y la adolescencia del protagonista. Este siempre

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Hasta el último hombre (Mel Gibson, 2016)

complicado tramo está resuelto de manera brillante por Gibson mediante una serie de escenas cortitas y esquemáticas en la que nos muestran algunos de los hechos más importantes que marcarán la vida y la forma de ser del protagonista, un inspirado Andrew Garfield. Esa brillantez, realmente complicada de lograr sin caer demasiado en los clichés, se diluye un poco en el último tramo cuando se centra en la relación con la chica. Pero en cualquier caso es un notable punto de partida. El segundo acto trata del periodo de entrenamiento del protagonista y sus futuros compañeros de unidad. Como no puede ser de otra manera, este tramo trae a la mente muchas de las películas que han tratado esta situación, con La chaqueta metálica como el gran referente a seguir. En este caso Gibson opta por aunar la dureza del entrenamiento en sí, con el humor más o menos involuntario que siempre desprende el instructor, en este caso un destacado Vince Vaughn, y con los problemas que genera la objeción de conciencia del protagonista en el resto del grupo, siendo este último elemento el que acaba por situarse en el centro de la trama. A pesar de los lugares comunes y algunas soluciones un tanto forzadas, este tramo de la película también funciona realmente bien. Y finalmente llega el tramo principal, con la batalla en la que se centrará la segunda mitad de la película. Aquí Mel Gibson despliega casi todos sus elementos más reconocibles. Desde ciertas imágenes realmente violentas, o directamente desagradables dentro de la batalla, hasta

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un crescendo de secuencias cada vez más heroicas hasta casi superar el límite de lo aceptable o creíble en una película. “La sensación que deja es Es un terreno en el que no cabe duda que Gibson de gran película. Para los se maneja como pez en amantes de este tipo de el agua, y consigue dotar todo este tramo de una películas es un auténtico emoción muy particular, regalo” que termina por convertir la película en una de las más interesantes del año. No quiero decir con esto que la película esté exenta de fallos, claro. Hay un hincapié en ciertos elementos religiosos que llega a molestar por momentos, destacando la innecesaria imagen que cierra la secuencia de la batalla final. Para mi gusto quizás hay un exceso en la secuencia en la que consiste el clímax de la película, que acaba alargándose más de lo necesario, y termina por, al menos en mi caso, arrebatarle parte de la fuerza que tenía, la relación del protagonista con la novia no termina de funcionar demasiado, ni de aportar mucho a la trama y en más de un momento Gibson se deja llevar por el exceso. Pero a pesar de ello, la sensación que deja es de gran película.Para los amantes de este tipo de películas es un auténtico regalo que llegue al cine un producto de estas características. A

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Sólo quería hacer un mundo intencionalmente liviano y tranquilo, de personas centradas en sí mismas y no necesariamente ambiciosas, con cualidades agradables y que son creativas y equilibradas. El drama más grande es cuando el autobús se rompe. ¡Esa es nuestra gran escena de acción! • JIM JARMUSCH


Paterson Paterson / USA / 2016 Dir.: Jim Jarmusch

Rep.: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins.

Texto: Alberte Álvarez

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aterson es una película sencilla, pero a la vez nos trae tantas consideraciones a la mente, nos evoca tantas ideas y sentimientos, que al final puede parecer compleja. No lo es, y por ello no quiero que esta crítica sea compleja o pretenciosa, porque no iría acorde al espíritu de la película. En Paterson, Jim Jarmusch, el genio indie estadounidense, nos trae una historia sublimada a

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lo esencial, sin adornos ni florituras. Paterson es un conductor de autobús que vive en Paterson, Nueva Jersey, y cada día se levanta (sin necesidad de alarma) al rededor de las 6 y media de la mañana para ir a trabajar. A su lado, su novia Laura, se queda más tiempo mientras él desayuna y se dirige a la cochera del autobús, donde antes de ponerse en marcha, le da tiempo a comenzar a escribir una estrofa de un nuevo poema. Y es que Paterson traslada su visión de

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Paterson (Jim Jarmusch, 2016)

la cotidianeidad a una dimensión lírica en los pequeños espacios que le da su rutina. Una vez el autobús se pone en marcha, nos quedamos escuchando las conversaciones de los pasajeros, fragmentos de otras vidas, de otras historias, que se cuelan entre las rendijas de la nuestra. En una de ellas nos encontraremos con el cameo de una pareja que nos emocionó siendo todavía unos niños. Tras la pausa para la comida, donde Paterson vuelve a escribir, termina su jornada laboral, donde su novia y su perro están esperándole. Su perro es un bulldog gruñón, y su novia es una mujer creativa, con mil ideas en la cabeza, que improvisa, que cada día salta de una aspiración a otra. Es la contraparte de Paterson, cuya rutina es prácticamente inamovible. Antes de cenar, Paterson paseará al perro mientras Laura hace la cena, y se tomará una cerveza en el mismo bar todos los días, dónde otras historias tangenciales van surgiendo: de amor/desamor o historias de distintos artistas y su relación con la ciudad, donde Jarmusch aprovecha para hablar de lo que le gusta, como por ejemplo de The Stooges (casi a la vez Jarmusch ha estrenado un documental sobre este grupo mítico del rock). Y así va transcurriendo día tras día, con las poesías, el autobús, el paseo nocturno del perro y la cerveza en el bar. Mientras tanto, Laura querrá ser pintora, cantante y guitarrista country o montar un negocio de cupcakes. Entre medias, la vida va introduciéndose, de una manera tan natural que Jarmusch podría cambiar todas las historias circundantes y Paterson seguiría siendo una obra maestra. Esos fragmentos de vida son azarosos, encuentros casuales, accidentes fortuitos, conversaciones captadas de forma voyeurista... Nada tiene que tener un significado, la vida no lo tiene, y la muestra es esa casualidad con los gemelos que se suceden a lo largo de la película y que no quiere decir nada, más allá de representar el sinsentido de las casualidades. Uno de los minimalistas poemas de uno de los autores más mencionados en Paterson, William Carlos Williams, nos deja entrever algo: “I have eaten the plums that were in the icebox, and which you were probably saving for breakfast. Forgive me, they were delicious... so sweet, and

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so cold”. Una reflexión interesante a propósito de la vertiente poética de Paterson es que el arte no está para ser contenido. Lo importante no es el continente. El arte es maravilloso por el simple hecho de poder crearlo. Por cómo te transforma, por cómo te hace ver la vida y reflexionar de las pequeñas cosas. Saber que esas pequeñas cosas son parte de las abstracciones que mueven el mundo. Saber que las pequeñas cosas son las grandes cosas. No hace falta ninguna disrupción en la vida diaria del protagonista, porque la poesía es ya una parte orgánica de ella. Podemos ver el hábito tantas veces que cada pequeño cambio causa una reacción en los protagonistas y en nosotros. Algunos podrán sen“El arte es maravilloso tir que la película no cuenta nada, que por el simple hecho de no hay trama, ni clípoder crearlo. Por cómo te max, ni resolución de ningún conflicto. transforma, por cómo te hace De hecho Paterson es ver la vida y reflexionar de las una película de cómo pequeñas cosas.” Paterson es bueno con el mundo y el mundo es bueno con Paterson. Un lugar donde la camaradería, el entendimiento y la pasión por las cosas es desbordante. Es una miríada de historias casi totalmente carente de conflicto, incidente incitador, giros de guion y todo lo que está aceptado que debe ocurrir en una película comercial. Una película donde la vida es poesía y la poesía es vida. Una película sobre compartir. Algunos podrán decir que casi se puede escuchar a Jarmusch recitar desde el papel el día a día de una pareja que ama lo que hace. Yo digo que Jarmusch hace las películas que a mí me gustaría hacer si fuera director. Al igual que Koreeda o Kaurismäki.

Paterson es un pequeño milagro en la pantalla del cine. Al igual que los buenos libros, nos hace ser otra persona, vivir otras vidas, dentro de la nuestra. Y eso, en el cine, es complicadísimo. ¿O es que prefirirías ser un pez? A

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Comanchería Hell or High Water / USA / 2016 Dir.: David Mackenzie

Rep.: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham .

Texto: José M. Aparicio

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omanchería es una de las sorpresas de la temporada. El título hace referencia al antiguo nombre con el que se denominaba a la zona de Texas y Nuevo Mexico allá por el siglo XIX cuando lo poblaban sus habitantes originarios, los indios. Llamada en España por su título primigenio, el que se pensó para ella en un principio, al final se cambió en su país de origen por el más impactante "Contra viento y

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marea". Nominada a tres globos de oro (película, guion y actor de reparto) esta especie de western moderno con tintes de road movie y reminiscencias al cine de los Coen se mueve con soltura por esos parajes desolados del sur de Estados Unidos. Son estos una parte esencial de la película y la implacable crisis que se cierne sobre ellos

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Comanchería (David Mackenzie, 2016)

y sus habitantes sirve de punto de partida para la historia que se nos presenta. Dos hermanos de mediana edad elaboran un plan para tratar de salvar la granja en la que viven de las garras del banco que les reclama la propiedad como pago a la deuda que tienen con él. Al morir la madre de ellos, quedan a merced de una hipoteca impagada que ya se puede ejecutar, lo que les garantiza quedarse sin techo y para colmo, quedarse sin poder explotar un pozo de petróleo que acaban de descubrir que se encuentra en sus dominios. Pero no siempre los bancos traen algo malo y los dos hermanos deciden que el mismo demonio que les quiere echar del cielo se va a convertir en su tabla de salvación porque van a intentar robar el dinero que necesitan del infierno: las sucursales bancarias. Toby Howard (Chris Pine) y Tanner (Ben Foster) son los hermanos protagonistas. El primero, un divorciado que no tiene ni para pasarle la pensión a su hijo y el segundo un exconvicto que se encuentra de bruces con la nada justo al salir del trullo. ¿Son los buenos o los malos? No sabemos. Como tampoco sabemos si el Ranger de Texas Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y su compañero Alberto Parker (Gil Birmingham), que les siguen la pista por todo el estado, son mejores o peores que ellos. La película empieza con un atraco al banco por parte de los hermanos y el inicio de la investigación de los Rangers. Marcus, a punto de retirarse del servicio, encara el que probablemente será su último gran caso como si fuera el primero. Esto, que lo hemos visto cientos de veces en otras películas y casi siempre tratado del mismo modo, se enfoca de una manera diferente aquí. Y es que esa es la sensación que iba teniendo durante todo el film. En muchos momentos pensaba: "Esto lo he visto mil veces. ¿Otra vez? Qué pereza..." Pero resulta que esos planteamientos tan manidos se iban convirtiendo en recursos muy bien utilizados y, por supuesto, de una manera diferente a como se ha visto en tantas otras ocasiones.

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Y es que hay dos aspectos de la película que sobresalen por encima del resto. El guion y las actuaciones. Todos los actores hacen mejor la película. Es tan difícil ver algo así que hay que destacarlo por encima de todo. No es que un actor dé su máximo y los demás lo acompañen, en este caso todos sacan lo mejor de sí mismos para elevar el resultado global. Chris Pine y Ben Foster se complementan a la perfección y nos diseccionan la clase “Esta especie de western media americana moderno con tintes de road enfrentada a la crimovie y reminiscencias al sis económica de la manera más desespecine de los Coen se mueve rada. Y por supuesto, Jeff Bridges, mención con soltura por esos parajes especial para su papel desolados del sur de Estados en el que clava a ese Unidos.” policía cuasiretirado que tan bien define el texto de Sheridan. Y es que ese es el otro punto que nos falta destacar. El libreto de Taylor Sheridan. Después de deslumbrarnos con el pulso narrativo tan contenido de Sicario, y de su trama oscura y misteriosa, en esta ocasión nos ofrece una historia de gente corriente a la que la desesperación lleva a realizar actos poco recomendables. La crítica social velada está por todos los poros del texto. La manera en que la crisis se ha ceñido con la gente trabajadora del interior de EEUU queda bastante clara a cualquiera que esté atento a lo que se cuenta y la historia es sorprendente y calculada. Los diálogos son tan eficaces y descriptivos por sí mismos que no se necesitan flashbacks o explicaciones para conocer el trasfondo y la fortaleza de la relación entre los personajes. Y esa escena final tan potente, tan bien rodada. Un gran broche, sin duda. Así que ya sabéis, si os gusta el cine independiente hecho con cariño y calidad no hay que perderse esta joyita que no pasará a la historia pero que te deja satisfecho de haber pagado la entrada al cine. A

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Passengers Passengers/ USA / 2016 Dir.: Morten Tyldum Texto: Juan Romero Cuando uno ve los trailers de Passengers se espera una película de ciencia ficción ligera, en la que la relación amorosa en la que dos personas que despiertan antes de tiempo y se encuentran obligados a compartir sus vidas en una nave espacial será el eje de la película. Pero desde el principio uno se encuentra con una premisa bastante diferente. Y mucho más interesante. Todo el primer acto de la película consiste solamente en el personaje de Chris Pratt que ha despertado antes de tiempo y tiene que conseguir adaptarse a vivir en la soledad más absoluta. En el más puro espíritu de las historias en las que un hombre tiene que conseguir vivir solo en condiciones complicadas, que pueden ir desde Robinson Crusoe, pasando por Náufrago, hasta la reciente y también espacial Marte, la película brilla cuando nos hace sentir lo que está pasando el protagonista por culpa de vivir solo en el mundo, culminado con el dilema moral al que llega acerca de si despertar o no al personaje de Jennifer Lawrence para poder compartir su soledad con ella. Evidentemente, sabemos cómo va a acabar ese dilema, lo cual le resta gran parte de la fuerza. Y cuando finalmente se decide, la película acaba bajando varios enteros, perdiendo de golpe todo el interés que ha podido generar ese primer acto, y convirtiéndose ahora sí en algo parecido a lo que prometía el tráiler. En este tramo vemos como se enamoran, se enfadan y se reconcilian

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Rep.: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García, Julee Cerda. varias veces consecutivas durante su tiempo en la nave, mientras nosotros miramos el reloj esperando que ocurra algo que cambie el curso de una película que pierde interés a marchas forzadas. El problema es que cuando se produce ese giro, convirtiendo de pronto la película en una de catástrofes espaciales, en lugar de repuntar el interés acaba hundiéndose aún más. Una serie de situaciones a cual más increíble, y a las que solo se puede llegar si hay un absoluto patán diseñando la nave y la misión hace que esté todo a punto de explotar, hasta que resulta que no, que al final hacen no sé qué historia y se salvan todos milagrosamente, cerrando un tramo que da la sensación de que solamente abren porque el guionista pensó que se alargaba demasiado el tramo de pasteleo y tenía que introducir imperiosamente algo de acción porque no sabía qué más hacer. Así, la película acaba siendo una auténtica decepción, yendo clarísimamente de más a menos. A partir de un inicio realmente interesante, da la impresión de que a medida que se van acabando las ideas interesantes, los creadores se refugian en situaciones y lugares demasiado comunes, que terminan por sepultar las posibilidades de una película que podía haber funcionado mucho mejor si hubieran arriesgado a llevarla hacia otro lado algo más arriesgado. A

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Captain Fantastic Captain Fantastic / USA / 2016 Dir.: Matt Ross Texto: Beatriz López

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l retorno de la humanidad a la naturaleza y la consecuente convivencia con ella es quizá uno de los temas pendientes de hacer boom en Hollywood. El anhelo de volver estar en paz con la ella o la superación de uno mismo al sobrevivir en un entorno aparentemente hostil hace que a muchos (yo incluida) les parezca extremadamente interesante los distintos acercamientos que hacen con respecto a este tema. Por esta parte, Captain Fantastic hace un trabajo aceptablemente bueno; un padre viviendo con sus hijos en un bosque perdido en medio de los Estados Unidos, haciendo de profesor, entrenador (con una disciplina casi militar), consejero, maestro de música… enseñando y discutiendo las bases de los principales movimientos filosóficos, científicos y sociales y firmemente rechazando el capitalismo y el consumo compulsivo. Con Viggo Mortensen (con experiencia viviendo en la naturaleza, poeta, fotógrafo…) este papel cobra una credibilidad excepcional y con ello define la intención artística y el discurso de su personaje y de toda la película. "Si asumes que no hay esperanza, entonces garantizas que no habrá esperanza. Si asumes que hay un instinto hacia la libertad, entonces aún hay posibilidades de cambiar las cosas" (frase de Noam Chomsky, filósofo y activista estadounidense muy presente en toda la película).

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Rep.: Viggo Mortensen, George MacKay, Missi Pyle, Kathryn Hahn, Frank Langella, Hannah Horton, Nicholas Hamilton, Steve Zahn, Ann Dowd. Siendo la primera parte de la película muy correcta, en la segunda parte empieza a decaer ligeramente a partir del muy obvio giro de guion donde tendrán que volver a la “civilización” luchando contra la gente, parte de esta de su propia familia, que no acepta este modo de vida. A partir de aquí se confrontará la dualidad de estos modos de vida tan distintos en la manera de enfrentar problemas tan contemporáneos como vivir en un entorno seguro, ir a la universidad o recibir una educación pública que en la película se tacha casi de mediocre (que no va muy desencaminado en Estados Unidos). La resolución de este enfrentamiento podría haber acabado fatalmente o en conflicto, sin embargo la familia de Ben (Viggo) dentro del control de la sociedad plantea su propia y personalizada “pequeña revolución” para reafirmar su modo de vida y su felicidad como familia. Una película entretenida y que hace pensar en lo ¿alienada? que puede llegar a estar la sociedad hoy en día con que, según la película llegan incluso a parecer ovejas encerradas dentro del cercado de la sociedad/consumismo/capitalismo ¿Cuál es la forma correcta de pensar? Juzguen ustedes mismos.A

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En Corto Hum Hum / USA / 2015 / 8 min Dir.: Tom Teller

Prod.: Frame 48 & Dodge College of Film and Media Arts.

Texto: Aitor Boada

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En Corto / Hum (Tom Teller, 2015)

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l verdadero propósito del cine es el de contar historias y, como audiencia, el nuestro es interpretarlas para convertir esas historias en parte de nosotros. Este propósito, a veces nublado por un presupuesto de millones de dólares, afortunadamente sigue latiendo –unas veces más, otras menos- en cualquier creación, por corta que sea. Éso es lo que pasa con Hum, un proyecto de fin de curso en la escuela de cine realizado por el estadounidense Tom Teller. En esencia, Hum no está llamado a captar muchas atenciones: la historia se centra en un robot triste y solitario que pasa su vida fregando platos en la parte trasera de un restaurante. Un día, recibe la visita de un pequeño huésped de la superficie, un breve encuentro que le ayuda a ponerse en marcha y descubrir lo que hay tras las cuatro paredes que lo mantenían retenido. Una historia que, aunque no sea parecida, sí que nos recuerda sobre todo a otra producción que jugaba con elementos similares: WALL.E. Ahora bien, acompañado de una fotografía brillante, que mezcla imágenes reales y animación, Hum se aparta de cualquier otra cinta.

en éso que llamaba antes la esencia del cine, en el poder que tiene una historia ajena de convertirse en propia para un espectador. La razón por la que Hum me tiene conquistado es precisamente la habilidad de reflejarnos a nosotros mismos en algo –en principio- tan inhumano como un robot. El anhelo de libertad, de descubrir, es innato en el ser humano. Hace 2.400 años Platón ya imaginaba un mundo exterior mucho más real que el que estaba percibiendo en ese momento. Esa sensación de no satisfacción, de querer conocer más allá de lo que está al alcance de la mano, en definitiva, la capacidad de soñar, es una de las pocas cosas que afortunadamente nada ni nadie ha podido arrebatar al ser humano. En el fondo, ese robot se encuentra en la misma situación, metafóricamente hablando, y tiene las mismas inquietudes que el humano que lo está viendo. En el fondo, ese robot, un trozo de metal con ojos y cejas de limpiaparabrisas, es el reflejo de la audiencia que lo contempla. Por éso cala tan hondo. En el fondo, la historia de Hum es tan fácil de hacer propia porque ya es nuestra, tan cruda y tan hermosa como nuestra propia vida. A

La clave de este corto no radica en que su guión ofrezca algo innovador. La clave de Hum está

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Número 21 - Enero 2017

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.


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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Saúl Olmo Aitor Boada Amante del cine , la Me gusta embarcarme literatura, los cómics, los en nuevos proyectos y si videojuegos y cultura geek además juntan mis dos en general que disfruta aficiones, parece hasta criticando el séptimo arte. obligado. La pasión por el Objetiva y constructivamente, claro. cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406

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