Issuu on Google+

katalizad

AÑO 1 / EDICION 01 / 2011 / REVISTA DE ARTE VISUAL CONTEMPORÁNEO

r

De 12 a 12 muestra continua de performance un año después

La institucionalidad autoconvocada del Mariano Aguilera Dos visiones distintas del arte Oswaldo Viteri y Christian Proaño

El Quito que queremos


DIRECCIÓN GENERAL RODRIGO VIERA CRUZ COORDINACION GENERAL DIANA STEFANÍA REVELO COMITÉ EDITORIAL RODRIGO VIERA CRUZ DIANA STEFANIA REVELO CARLOS VIZUETE CÉSAR PADILLA PABLO RODRÍGUEZ DANILO VALLEJO DIRECCIÓN DE ARTE CESAR PADILLA EDITOR LIC. CARLOS VIZUETE REPORTERO PABLO RODRÍGUEZ

k

FOTOGRAFÍA DANILO VALLEJO, CRISTHOF HIRTZ

REDITOS

COLABORAN EN ESTA EDICIÓN SAMUEL TITUAÑA MARÍA BELÉN MONCAYO DAVID SANTILLAN OMAR ARREGUI NELSON ULLAURI COMERCIALIZACIÓN MÓNICA ALBÁN IMPRESIÓN ARTE IMPRESO DARIO SEN SANG 098 238 441

PORTADA COLECTIVO KESPUES CONTACTOS katalizador_revistadearte@yahoo.es (593-2) 3123 064 - ECUADOR


EDITORIAL Que el arte contemporáneo y todos sus componentes tengan un espacio para ser visualizados, conocidos, valorados y respetados es lo que busca la presente propuesta. Katalizador es el nuevo producto comunicacional de Kespues colectivo de arte, cultura y gestión donde intervienen artistas, sociólogos, comunicadores, historiadores, entre otros. El crear polaridades es una de las cualidades de la revista, no el simple blanco y negro sino contradicciones establecidas como complementos: lo convencional y lo no convencional, espacios, criterios, procesos, obras de arte, la opinión y la crítica establecidas en una suerte de contraposiciones que legitiman los procesos de arte visual contemporánea. Katalizador está creada para mostrar la posturas emergentes diferentes, comparar posiciones, abrir canales de democratización, socializar, ampliar la baseartístico-culturalmismaque posibilita instrumentos de valoracióncrítica, didáctica del arte a través de lenguajes comunes. La revista de arte visual contemporáneo, está pensada desde varias miradas y contenidos como: entrevistas inter generacionales, artículos sobre el arte actual, circulación de obras, promoción de obras y artistas en centros de exposición nacional, el mercado y el coleccionismo de arte en el Ecuador; crónicas y gráficas de la simbología del cuerpo y el espacio público y privado, opinión de personaje e instituciones culturales, noticias del medio a nivel internacional, una galería de artistas jóvenes y no tan jóvenes son las próximas propuestas a leer. Pretendemos crecer con el aporte de los mismos actores e involucrados en este medio y juntos construir la historia del arte actual ecuatoriano. RODRIGO VIERA CRUZ.


CONTENIDO de 12 a 12

MUESTRA CONTINUA DE PERFORMANCE

LA INSTITUCIONALIDAD AUTOCONVOCADA MARIANO AGUILERA

entrevista a Joffre Flores

confrontación de visiones/debate Oswaldo Viteri y Christian Proaño FOTOREPORTAJE DE CristoPH Hirzt entrevista a Miguel Mora documental Victor Mideros

pasado, presente y futuro del coleccionismo Iván Cruz

noticias del mundo calendario de bienales

desde la urbe AL ZUR-ICH

espacios de difusión de arte visual contemporáneo

directorio de artistas


Muestra continua de performance un año después

OPINIÓN

de 12 a 12

Fotografía: Daniel León

Por: Mst. M. Fernanda López J.

El viajero - Pocho Franco - Guayaquil

Tradicionalmente la institucionalidad y sus límites han mantenido una distancia con aquellos lenguajes de denuncia y movilización social. El presente texto plantea una revisión de la práctica performática en términos de crítica y cuestionamiento. El performance visto como una poderosa estrategia de vinculación y diálogo que replantea la función contemporánea del espacio museo. En este contexto, se revisan 11 acciones realizadas en el Museo Camilo Egas en Quito-Ecuador enero 2010.

1


El desarrollo del performance en Ecuador, ha tenido diversos momentos que toman como punto de partida el ejercicio creativo en la década de los ochentas, y noventas; citando nombres como Olmedo Alvarado artista cuencano que inició la búsqueda de lenguajes ajenos a la bidimensionalidad y el canon de la época. En 1982 interviene el río Tomebamba en la ciudad de Cuenca con la acción Flores en el Barranco y en 1986 produce el performance “escenario para un mendigo”. Paralelamente algunas otras experiencias se desarrollaron en Guayaquil de la mano de Xavier Blum y posteriormente en Quito Pablo Barriga incursiona también en este lenguaje y toma al performance como línea creativa. Debemos mencionar que Ecuador desde los años ochenta mantiene una marcada inestabilidad política y económica que se traduce en la búsqueda de nuevas formas y otros diálogos desde el arte. Así avanzamos en este breve acercamiento a la actividad performática ecuatoriana e incluimos otro de los momentos claves en su desarrollo: el performance Piel, papel y galleta, realizado en 1995 por la artista quiteña Jenny Jaramillo que constituye uno de los referentes más puntuales del arte acción de la generación de los noventa. En aquel entonces la relación directa del performance con la institución y sus lugares tradicionales como lo es el museo, no tenían cabida y la actividad inicial se mantuvo en la iniciativa independiente y el trabajo propio de los artistas.

Esta introducción nos da cuenta de que el arte acción ha mantenido un perfil relativamente bajo en la escena ecuatoriana. Sin embargo como un acto necesario se planteó un trabajo de investigación sobre esta temática, la iniciativa partió desde la curaduría de arte contemporáneo del Banco Central (hoy parte del Ministerio de Cultura del Ecuador). Esta experiencia de encuentro con lo efímero del performance incluyó la revisión de acciones realizadas en Quito, Cuenca y Guayaquil desde los años ochenta hasta la contemporaneidad. Con el material recopi- lado, los datos encontrados y la interacción misma con los creadores cuyo eje de pro- ducción radicaba en el arte acción se pensó “de 12 a 12” Muestra continua de Performance. Abrir un segmento de 12 horas continuas para evidenciar la práctica performática y sus exponentes. El Museo Camilo Egas del Banco Central (Ahora Ministerio de Cultura)1 sería el espacio destinado para llevar a cabo este periplo. Se invitó a participar a 12 artistas, quedaba en el aire una cierta desconfianza. ¿Performance en un museo? ¿Performance en un espacio institucional? La consigna fue ubicar y contextualizar el material investigativo y confrontarlo de cara a la comunidad. Encontrar en el espacio museo un nicho adecuado para la circulación y encuentro del performance con la colectividad.

Fotografía: Daniel León

Las temáticas de los proyectos tuvieron diversas entradas Poncho Franco artista guayaquileño presentó El viajero, ataviado como un ejecutivo Poncho envolvió su cuerpo en papel plástico y durante varias horas se mantuvo inmóvil únicamente respirando por un snorckel. Su denuncia sobre el estado de las relaciones laborales y el tratamiento del tiempo para lo “productivo” se plasmó en su propuesta. Saskia Calderón representante de la nueva generación de performers reflexionó sobre el calentamiento global y las precarias condiciones medio- ambientales. Siendo artista plástica y soprano el lenguaje utilizado fue la lírica y su canto tradujo a notas musicales la temperatura del planeta Agudos 0.

1. Hago mucho énfasis en esta transición, ya que en estos momentos la Dirección Cultural del Banco Central se ha integrado al Ministerio de Cultura del Ecuador. Este proceso de traslado obedece a una política cultural de centralización de instituciones culturales, hecho que desembocará en el fortalecimiento del Sistema Nacional de Cultura. El Museo Camilo Egas, como su nombre lo indica alberga la obra de este insigne pintor ecuatoriano, esta ubicado en el centro histórico de Quito y su línea de trabajo se enmarca en la promoción y difusión de la obra de Egas. También mantiene espacios para la formación de públicos reflejado en su constante actividad de talleres para niños, niñas y público en general.

La moda no incomoda - Danilo Zamora - Quito

2


Por su parte Omar Puebla también creador sincrónico puso en jaque los conceptos del arte contemporáneo al rapear e invitar al hip hop a una cita con la teoría y la historia del arte. Rimas desenfadadas mostraban en un tono más digerible las más diversas disquisiciones sobre estética, las rimas más pegajosas ubicaban a esta compleja temática en un espacio cotidiano y fresco así se desarrollo su performance ¿Porqué no puede ser sabroso un Performance?. Valeria Andrade quien se muestra como una de las creadoras más sólidas hoy por hoy en el arte acción ecuatoriano, ejecutó Cerca en el Campo; una audaz mezcla de video y danza butoh desde el mediodía hasta las 10 en la noche.

Diversas fueron las reacciones respecto a los usos del espacio, ahora el museo funcionaba como un verdadero espacio público, una extensión de la calle. Olmedo Alvarado, uno de los invitados especiales por su trayectoria y tempranas iniciativas accionó Paso de Zebras, reflexionó sobre la ausencia relacional de los tiempos post modernos. Rodrigo Viera por su parte mostró la influencia de los medios de comunicación sobre el devenir diario y exhortó a los presentes a golpear esta corriente mediática a través de la acción Periódico de Ayer. Es preciso mencionar que la actividad creativa de Viera mantiene una línea sostenida de trabajo continuo en la línea del performance. Xavier Blum creador guayaquileño incluyó la estética popular desde el performance “un color del 1 al 9” aquellos payasos callejeros se vieron representados en su vestimenta y la relación con el público fue vital para esta acción. En cuanto a las relaciones de consumo, la voracidad del mercado y las influencias culturales hegemónicas, Danilo Zamora presentó producir, producir, producir...consumir, consumir, consumir...o la moda no incomoda. Patricio Ponce puso a todos Contra la pared invitando desde el museo a repensar las dinámicas políticas en el país, desde el rock lanzó su voz de rechazo a la migración y a las corruptas estructuras que la fomentan. Llega el turno en este recorrido a Damián Toro con Convocatoria acción que se autodenomina como “ una lectura crítica de la convoca-

Casi 12 horas seguidas se propuso la artista mantener su performance, lamentablemente la simultaneidad de las acciones fueron un factor determinante para su finalización anticipada. Doce horas continúas de performance en un museo. Un museo pequeño enmarcado en la institucionalidad más formal y clásica, dedicado a la preservación de obra pictórica modernista de Camilo Egas parecía no ser el lugar idóneo para este encuentro; a pesar de ello se mantuvo la apuesta. Diversificar los públicos y revertir las negociaciones desde el museo, en una línea horizontal con los artistas también fueron parte de esta cita. Una a una seguían las acciones ante la mirada cómplice de los muchos asistentes que aquella jornada del 8 de enero del 2010 tuvo lugar en Quito.

Fotografía: Daniel León

toria realizada por el Museo Camilo Egas.”

¿por qué no puede ser sabroso un performance? - Colectivo “El Depósito” - Quito

3


Resulta paradójico esta afirmación y posterior participación del artista en esta muestra, pero ilustra de forma clara las tensiones que un encuentro de performance causa al ser promovido, circulado, producido y promocionado desde un museo. La disidencia del mismo artista muestra en su propia experiencia como el performance adopta el estadio de estrategia, de nexo causal entre la institucionalidad ysuentorno. El objetivo de este encuentro fue generar una revisión sobre las iniciativas presentadas en los primeros años y plantear la realización de acciones en un contexto actual. También se incluyó una selección de artistas representantes de una generación que encontró en el performance un vehículo de denuncia social, de cuestionamiento al sistema y la institucionalidad.

Las acciones anteriormente descritas dan cuenta de la multiplicidad de voces que integran el entramado social, y de las potencialidades del arte acción aún en nuestros días. En un escenario como el latinoamericano, que busca constantemente evidenciar la desigualdad cultural, social y económica en la que se debaten nuestras naciones es menester detonar desde todos los frentes. Negarse a un trato equitativo con la institución, es perder espacios de visibilidad y alejar a las gentes de posibles encuentros con lenguajes como el performance. “de 12 a 12” es una muestra que logró integrar la voz de los creadores en una perespectiva de reflexión en cuanto a la utilización de los recintos institucionales. Los desbordes propios que genera el arte acción permiten poner en la mesa de debate aquellas limitaciones del espacio museo y desvirtúan sus prohibiciones desde dentro. Finalmente podemos decir que de “12 a 12” abrió una ventana de reflexión y cuestionamiento sobre el performance local. Por otra parte en ninguna manera se cierra la cita con los artistas participantes. A un año de su realización, es menester continuar el proceso e incluir otras voces, otros exponentes de esta línea creativa. En este contexto mirar en retrospectiva los alcances y resonancia de este primer encuentro toma particular relevancia. Finalmente podemos decir que desde la calle o el museo el arte acción se muestra como un elemento de cambio y un soporte dialógico con los tiempos contemporáneos.

Fotografía: Daniel León

La respuesta de los espectadores fue grata, más de 200 personas se dieron cita, 12 horas continuas de performance fue un ofrecimiento difícil de rechazar. Niños, niñas, adultos, vecinos, amigos, encontraron una propuesta d i s tinta, una vivencia cercana con el arte acción. Queda abierta la posibilidad de revisar la dinámica de esta primera experiencia de cara a un ejercicio político en el uso de los espacios institucionales y encontrar al performance como herramienta comunicacional que incluya en estos diálogos al conglomerado.

Periódico de ayer Rodrigo Viera - Quito

4


LA INSTITUCIONALIDAD AUTOCONVOCADA

MARIANO AGUILERA

Fotografía: Colectivo Kespues

Por: Mst. Antonio Jaramillo

Exposición Mariano Retro

El Mariano Aguilera siempre convocó y fue un inductor que promovió el arte con un sentido innovador. Y los resultados de las primeras décadas se registraron con el reconocimiento de nombres consagrados más allá de las fronteras convencionales del arte como los de Camilo Egas, Eduardo Kingman y Oswaldo Guayasamín entre otros.

y, menos mal que mantiene el nombre del mecenas que legó su casa al Cabildo quiteño destinado a un fondo dotal para otorgar anualmente tres premios a los alumnos de la Escuela de Bellas Artes. No se desconoce la importancia de los rompimientos en el ámbito artístico y así se puede destacar que en el siglo XIX en Francia, en los años 1863 se inauguró el Salón de los rechazados y en 1884 el Salón de los independientes, con los que se inicia la época de la ruptura del salón tradicional de pintura, que va a servir de guía a los salones de arte a nivel mundial durante todo el siglo XX. Y siempre como salones, de acuerdo a la moda.

Reiterados apagones han impactado al escenario del Mariano Aguilera considerado el Salón con mayor convocatoria a través de 93 años desde su fundación y hoy recibe un golpe más del claroscuro de identidades ficticias, emarcadas en nombre de las novedades importadas al dejar de ser “Salón Nacional de Arte Contemporáneo” bautizado en el 2002 y que se busque un nuevo camino a partir del 2011 bajo el nombre de “Premio Mariano Aguilera”. Por principio, la institucionalidad del medio artístico local, ha descartado el término Salón con que originalmente se destacó desde 1917;

5


Pero en nuestro medio, tal parece que la asincronía cultural está rebasando los procesos de la producción artística con una carga de desfases y retrasos que se pretende maquillarlos, actualizando la herencia pasada de una plástica aprobada por sus contenidos y excelencias que marcó un tiempo persistente y un espacio extensivo. La realidad actual demuestra que el prístino objetivo del Salón Mariano Aguilera está distorsionado a causa de los reiterados y fallidos ensayos por confeccionar esquemas de imitación foránea para dejar de lado la concesión de premios anuales, a lo más destacado de las artes nacionales.

Esto ha devenido en una crisis represen- tacional siempre basada en la obra epigonal, la misma que se desbordó a partir del 2002 y se tornó insostenible en el 2008 por dar espacios postizos a lo “contemporáneo”. La situación empeora cuando la Dirección de Cultura del Municipio no se responsabiliza para organizar la muestra “Mariano Retro”, sino que, da paso a que el FONSAL cumpla este cometido, talvez saliendo por su fuero nominativo de “salvamento”. Entonces se crea a través de la oficina de Coordinación un Comité Asesor y un Consejo Consultivo donde están presentes los mismos nombres vinculados a la crisis del Salón Mariano Aguilera. Así por ejemplo, Lenin Oña quien fungió como curador del Mariano Aguilera 2003 y cuya actuación fue cuestionada por el Jurado conformado por María Iovino y Álvaro Medina de Colombia, y Trinidad Pérez de Ecuador, quienes dejaron sentado en el Acta de Veredicto de Premiación fechada el 24 de abril de 2003 que “El nivel general del Salón es bastante desconcertante por su escasa calidad.

El Mariano Aguilera siempre convocó y fue un inductor que promovió el arte con un sentido innovador. Y los resultados de las primeras décadas se registraron con el reconocimiento de nombres consagrados más allá de las fronteras convencionales del arte como los de Camilo Egas, Eduardo Kingman y Oswaldo Guayasamín entre otros. Entonces se hace imprescindible conocer las responsabilidades de las últimas organiza- ciones del Mariano Aguilera. Se trata de un club de “expertos” e imprescindibles que se autoconvocan para mantener el circuito de la institucionalidad cultural. Son técnicos- eruditos de la gestión en este ámbito, confundidos con los roles de críticos, curadores, promotores, auspiciantes o apoderados. Su labor está en mantener el evento a tono con los tiempos y las tendencias de reproducción imitativa, sin observar los debidos procesos culturales internos.

Fotografía: Colectivo Kespues

Seleccionar cuatro obras: tres menciones y un ganador en un panorama así, todo debido a una imposición legal, dificulta mucho el trabajo del jurado. De esta manera se le obliga a pensar en lo aceptable en medio del escaso nivel de formalización y conceptualización, así como de ingenuas aproximaciones a los problemas filosóficos del arte”. Esta acta no fue publicada en el catálogo como se estila en todas estas ediciones.

Exposición Mariano Retro

6


La crítica de arte María Lovino conocida en el medio artístico, fue curadora en el 2008 y declaró desierto el Salón Nacional de Arte Contemporáneo Mariano Aguilera por la baja calidad de la obra de los participantes. Magdalena Pino, ganadora del Salón Mariano Aguilera 2003, ahora es miembro de uno de los organismos creados para el “Mariano Retro” al que se unen nombres ya conocidos como Mauricio Bueno, Marcelo Aguirre, Xavier Andrade, Rodolfo Kronfle y Hernán Pacurucu. Ahora, por Ordenanza Municipal se abrirá desde el próximo año “el premio de arte Mariano Aguilera” con frecuencia bianual, sin categorización y con atención en tres obras cuyos autores recibirán el mismo monto (información que se reserva el Municipio).

al remodelado edificio del Centro de Artes Contemporáneas donde antes funcionaba el antiguo Hospital Militar, sede del “Mariano Retro”. La exposición se encuentra en una limitada parte del edificio en donde se exhiben 85 obras de 67 artistas entre esculturas, pinturas, grabados, dibujos y últimamente videos e instalaciones ubicados en cinco espacios diferentes. Las esculturas situadas en un corredor iluminado con luz natural con paredes altas en las que destacan cédulas (pancartas didácticas) que en contenidos de manera general señalan hechos anuales en E c u a d o r , América Latina y el Mundo en “Artes Plásticas, Literatura y Pensamiento, Política y Otros Acontecimientos”. Algunas pantallas para acceder a la información digital en cada año de algún Mariano Aguilera con su respectivo ganador y jurado de admisión y premiación.

Fotografía: Danilo VAllejo

También hay que anotar que el espacio institucional cambia del Centro Cultural Metropolitano

Centro de Arte Contemporáneo

Por otro lado, existe una sala interna en la que se ha dispuesto esculturas de tamaño mayor a las exhibidas en el corredor. En el resto de salas que desembocan al corredor, sobresalen las paredes negras con pinturas que tienen como característica otras cédulas con información pertinente a cada espacio, así: “De los realismos a los indigenismos”, “Paisajes y casas”, “La Neofiguración” recogen indistintamente obras de artistas de variada época y temática, hasta llegar a las propuestas “Abstraccionismos” para finalizar en “El tramo contemporáneo”. Esta es la dinámica habitual de la muestra, con distintos años, autores conocidos y menos conocidos, todos conviviendo “armónicamente” en esta “muestra retro”. El curador del Mariano Aguilera 2003 está presente en el rebote del retomar o “Retro” de esta exposición. Lo hace nuevamente como curador, que según el crítico mexicano Cuauhtémoc Medina “simboliza una cierta “desprofesionalización”, que corre en sentido contrario del sentido común que piensa que todo nuevo oficio implica el avance de una cada vez mayor especialización de los saberes científicos y técnicos [...]” ¡que así sea!, en bien de la cultura y en especial por el éxito del “Mariano”.

7


PERFIL

entrevista a

JHOFFRE FLORES PODERES PROPIOS

Fotografía: Colección personal

Por: María Belén Moncayo

Poderes Propios

El presente

Lo exiguo del presente espacio no permite una exposición completa sobre los artistas ecuatorianos de nuevos medios y sus obras; por lo que me limito a comentar brevemente los subgéneros en que han incursionado: mobilart, gameart, arte interactivo, net.art y cyberarte.

Mientras escribo estas líneas, en el Ecuador habita una corta suma de artistas que utilizan los nuevos medios como herramientas de expresión artística. Los nuevos medios o nuevas tecnologías pueden leerse como el conjunto de disciplinas artísticas que, desde 1994, constituyen una tendencia que da muestras “de un excepcional grado de sofisticación conceptual, innovación tecnológica o relevancia social” 1. Esta circunstancia hace que el arte de los medios: El videoarte, el arte de transmisión y el cine experimental, desde hace una década no sean considerados más como “nuevos” 2.

Entrevista a Jhoffre Flores La obra del artista quiteño Jhoffre Flores (1978), bien puede ser considerada, dentro del tema del arte y las nuevas tecnologías, como un paradigma de innovación irrepetible; circunstancia que sucede en la medida que a su proceso creativo concurren episodios de su vida que aportan una especial impronta. Las piezas de Flores no están atravesadas por dispositivos electrónicos o electromag- néticos sofisticados; por el contrario la base tecnológica de sus obras es básica. La “sofisticación conceptual, la innovación tecnológica y la relevancia social” se

1. Jana Reena y Tribe Mark, Arte y nuevas tecnologías, Taschen, Alemania, 2006. 2. En estos géneros, por el contrario, el país cuenta con una nutrida agenda y una producción artística considerable.

8


manifiestan en los proyectos del artista a través de la fusión de aparataje precario, escasez de recursos, memoria y obstinación; componentes de una obra potente y desprovista de cualquier gesto alienado.

MBM: Jhoffre, sobre “Huyendo del enemigo hacia el occidente”, obra del 2002, cuéntame ¿para qué fue concebida, cuál es la historia que está detrás, cuál es el concepto de la obra?

Transcribo a continuación un fragmento de la entrevista sostenida con Jhoffre, que da cuenta de dos de sus obras que exploran sus “poderes propios”.

JF: El inicio de mis obras son los juguetes y los relaciono con el arte por su carácter lúdico. Por ejemplo los soldaditos a caballo Huyendo del enemigo... vienen del recuerdo de cómo los disponía en el espacio de mis juegos. Incluyo los juguetes porque creo que la obra no necesariamente debe tener un factura y una pulcritud estricta.

Jhoffre Flores (JF): Los objetos de mi infancia eran siempre creados por mi. No tenían movimiento, ni tenían funciones electrónicas, ni nada de eso. Deseaba verlos con movimiento. Envidiaba a los niños que tenía cosas electrónicas, yo siempre tenía que utilizar mi creatividad para convencerme a mi mismo que tenían poderes propios. Me encantaba ver dibujos animados y me preguntaba ¿por qué siempre tenían que ser los norteamericanos los que ganen las batallas. Por qué no podían ser los indios los que ganen? En el caso de la obra “El Huracán en mi cometa” (2002) , yo tenía una cometa negra, hecha con una bolsa plástica, carrizos e hilo. Recuerdo que la hacía volar en medio de un huracán que con su fuerza tiraba el hilo y mientras se destrozaba, el hilo quemaba mis manos. Esto me impactó mucho y quise convertir este episodio en un vídeo-objeto. Es un proceso que viene del inconsciente, de un momento que estaba oscuro y giraba fuerte. Ese es el resultado del vídeo. El motor que tiene la pieza, hace movimientos envolventes del carrete de hilo que la cámara captura y que se proyecta en el monitor. Si bien la imagen es monótona, no tiene una historia como las películas, nunca va a ser la misma, porque el movimiento del motor hace que el hilo siempre se vea diferente.

En estas obras la factura es artesanal lo que implica que el concepto de sucias o limpias no tiene cabida. Representan el espacio espontáneo del juego y son lo que son. La acuarela (En la obra “Huyendo del enemigo hacia el occidente”) se remonta a mis recuerdos de La Pantera Rosa y los dibujos animados con colores muy vivos. El movimiento electrónico, la reproducción en el televisor son sueños de un pasado plasmados en realidad, pero en realidad artística. Las necesidades técnicas se muestran como una respuesta hacia mis juguetes, dándoles un homenaje de respeto y seriedad.

Fotografía: Colección personal

María Belén Moncayo (MBM): ¿Cómo surge tu necesidad de aproximarte a estas herramientas de expresión artística: Una cámara, un monitor...?

Poderes Propios

El archivo aanme nuevos medios ecuador tiene a su cargo la documentación y archivo de la obra en imagen en movimiento de artistas nacionales y extranjeros que viven en el Ecuador y de artistas ecuatorianos que viven fuera del país, quienes al momento conforman una agenda de 250 personas. Tiene como objetivos principales la conservación de las obras, como parte de la historia del arte contemporáneo ecuatoriano. Se preocupa además de la difusión, sin fines de lucro, del material a su cargo a nivel nacional e internacional, actividad que realiza bajo el amparo del Convenio de Derechos de Autor  que los artistas deben firmar con el archivo como único requisito para ser considerados parte del mismo. Tomado de www. aanmecuador.com

9


ENTREVISTAS

Dos Visiones distintas del arte...

Oswaldo Viteri y Christian Proaño

Por: Pablo Rodríguez

Fotografías: Danilo Vallejo

Los testimonios de dos artistas ecuatorianos de distintas generaciones y procesos que permitirán entender los mundos que cada uno habita. ¿Cómo fue su niñez y qué relación tuvo con el arte en ese entonces?

¿Cómo estaba el medio artístico en sus épocas colegiales?

Christian Proaño (CP): Picasso era el Dios. Yo usaba lentes y me gustaba leer y dibujar más que jugar al fútbol, fui bastante solitario y me consideraba a mí mismo “raro”. Seguí cursos de artes plásticas en la Casa de la Cultura, el Centro de Promoción Artística y así fui conociendo gente cercana a mis intereses y empecé a tener amigos.

CP: Tuve la inmensa ventaja de que mi mamá empezó a trabajar en la galería Exedra cuando yo entré al colegio, así que pasaba metido ahí, comía en la cocina de la Nonna, seguí más cursos y conocí a Juan Carlos Palacios en una exposición suya en Exedra, él me habló sobre el Colegio de Artes Plásticas, donde fui a estudiar apenas pude, tenía unos 15 años y ya había vendido un grabado en una subasta organizada en la Exedra, además visitaba todas las exposiciones con mis compañeros, por lo que llegue a estar súper metido en la escena sin ser todavía un artista, por lo menos no uno profesional.

Oswaldo Viteri (OV): Mi inclinación por el arte viene desde los 3 o 4 años a través del dibujo. Cuando cursaba el primer grado. En el pensionado Juan León Mera, en mi ciudad natal de Ambato, me dieron un certificado con una nota de recomendación para mis padres, para que me estimulen en el dibujo.

10


OV: No tenía mucha idea porque era un interno en el (colegio) San Gabriel, lo cual me tenía marginado de todo y no estaba enterado de lo que pasaba afuera. ¿Qué formación tiene? CP: Egresé del Colegio de Artes Pláticas con especialización en grabado; Bachillerato Internacional en el AWUWC, en USA; licenciado en Artes Sonoras por la Universidad de Middlesex, en Londres; y estoy estudiando una maestría en Antropología Visual en la Flacso, en Quito. OV: A los 12 años vine a Quito para estudiar en el colegio San Gabriel, posteriormente estudié arquitectura, pero casi no ejerzo la profesión porque mi verdadera pasión ha sido el arte. ¿Qué le estimula al crear y producir obras de arte? CP: El pensamiento utópico de que un cambio es posible en el mundo, y de que los artistas tenemos una responsabilidad social para lograrlo en conjunto con otras personas igualmente comprometidas. OV: Todo es un estimulo para el artista, su naturaleza es captar lo que tiene a su alrededor y eso es infinito, así como el indagar con el interior de uno, por eso para mí, el arte es la relación existente entre el interior y el entorno, lo cual hace que la creación sea infinita. El arte nunca me ha traicionado, por eso yo soy fiel al arte y eso me permite disfrutar más cada vez. ¿Cómo es su taller? CP: Mi taller ha sido siempre mi casa, vivo rodeado de cosas que recojo en la calle y con las que hago mis obras, obras antiguas, obras en proceso, en medio de todo eso tengo una cama, mis herramientas, mi cocina... me gusta pensar que mi casa es cualquier lugar donde decido poner el trasero por un tiempo, donde puedo guardar mi basura. OV: Yo adoro mi taller, es lo capital dentro de mi actividad, es el sitio donde puedo matarme pintando, y donde cada vez compruebo que el arte no es un trabajo.

¿Qué provoca la creación en su cuerpo, mente y espíritu? CP: Creo que depende de lo que esté haciendo, a veces provoca liberación, por lo general provoca que aprenda, que gane experiencia. A veces me hace cabrear porque la obra provoca cosas que me hacen daño, o a alguien más, a veces provoca felicidad de lograr lo que me propuse, y siempre me provoca cuestionarme cosas. OV: Cuando se habla de creación, se está diciendo algo sobre un hecho muy personal y sobre todo original, por eso hay miles de pintores pero muy pocos creadores. En mi caso, puedo citar como ejemplo mi obra Ensamblajes, por la repercusión que ha tenido a nivel mundial porque no se parece a nada ni a nadie. Yo jamás he buscado la originalidad, porque quien la busca, jamás la encuentra, pero sobre todo, lo más importante es ser auténtico con uno mismo. ¿Qué tipo de productos ha sacado de su proceso de creación? CP: En un principio como grabador y dibujante, de ley sacaba esos objetos terminados, además como papelero que soy utilizaba el papel como obra y soporte. Cuando tuve la oportunidad de estudiar artes sonoras y aprender las técnicas para trabajar con el sonido, mi práctica se extendió a los productos sonoros (composi-ciones). La unión entre ambas cosas, lo plástico y lo sonoro, me llevaron a explorar el espacio, el performance, los procesos, la indeterminación, y a cuestionar la autoría, la obra perfecta terminada, y buscar la integración del público, la interactividad, explorando las relaciones con la electricidad, con el poder, lo que está combinado ahora en mis obras que son más procesuales y dialógicas, procesos llevados a cabo en el espacio público o con grupos de gente determinados. OV: Mi obra más importante es los Ensamblajes de Viteri, que hasta se han expuesto en las galerías más importantes de Europa y América Latina, inclusive, está citada en una colección de libros de arte que circuló hace poco un periódico de Guayaquil. Ahora, esa obra está en la galería de la universidad de Essex, en Inglaterra.

11


¿Cuáles considera usted son sus principales obras o series de obras?

OV: Hay una diferencia cultural, porque da lo mismo, en cierto sentido, exponer en Quito Guayas, Paris o Roma, pero el nivel cultural es diferente, la apreciación sobre todo, porque creo que al Ecuador le falta cultura, y por eso el presupuesto del Estado para este ámbito debe ser mas alto.

CP: Por el interés político - social que tengo, considero que mis principales obras son las que han logrado construir un proceso participativo con la gente del lugar donde se han expuesto.

¿Cómo percibe al mercado del arte en Ecuador y más allá de las fronteras?

OV: La serie de desastres que pinte es importantísima, ha sido una experiencia vital porque no nace de la idea, sino de una vivencia acerca de la guerra, y es que una cosa es tener una idea sobre la guerra y otra, muy distinta, vivirla, como me pasó con la guerra del Socavón, en Ambato, cuando tenía quince años de edad.

CP: En el Ecuador existe un mercado solamente para el arte moderno, no para el contemporáneo. Los espacios institucionales dejaron de coleccionar hace tiempo y en todos los espacios se dejó de vender, de tener políticas de mercado. No tengo idea con respecto al exterior.

¿Cuál es su postura frente al arte ecuatoriano?

OV: Creo que está retornando el mercado, luego de que por la falta de ese mercado, cerraron todas las galerías de arte en Ecuador. Considero que la galería de Ileana Viteri, empezó a generar una actividad adquirir prestigio.

CP: ¿Qué arte ecuatoriano? Decir “arte ecuatoriano” es una categoría demasiado grande como para tener una postura, y yo tengo distintas posturas dependiendo del tipo de arte que se produce en el Ecuador, incluso dependiendo del artista. No creo que se pueda hablar de “arte ecuatoriano” de forma tan general. OV: No podría responder objetivamente porque no conozco lo que está dándose actualmente en el arte ecuatoriano, por eso no podría ser justo y además no soy un crítico , pero de todas maneras considero que hay artistas jóvenes que prometen mucho, como Aguirre, Luigi Stornaiolo, HernánCueva. ¿Qué diferencia hay en exponer dentro y fuera del país? CP: Más que dentro y fuera del país, yo hablaría de la diferencia entre exponer dentro y fuera de Quito, aquí los administradores de los espacios tienen mucho poder y les gusta mostrarlo, mientras que fuera de Quito siempre han estado más interesados en lograr una buena exposición. Todo el apoyo que se me ha dado ha sido de forma voluntaria e independiente por colegas artistas. Siempre se discrimina entre invitados internacionales, a los que se trata como reyes, y los invitados nacionales, a los que rara vez se les reconoce para las colas .Dicho esto, cuando he ido a Guayaquil, Cuenca, o a Bogotá, me han acolitado pasajes, hotel, comida, fiesta... y otra diferencia notoria: la gente va en masa a los eventos mientras en Quito a veces no se asoma nadie más que los panas.

Oswaldo Viteri y Christian Proaño: dos artistas en una escena llena de matices

12


las formas de

DESCUBRIR

Fotografía: Christoph Hirtz

Descubrir la belleza en la naturaleza, en la vida diaria. 13

FOTOREPORTAJE

Fotógrafo alemán con vasta trayectoria, radicado desde hace algún tiempo en Ecuador, hace una particular comparación entre la naturaleza y el cuerpo humano.


Descubrir que en la naturaleza las formas

son similares o se repiten.

14


Hay que estar atento, presente, se vuelve una meditaci贸n.

15


PERSONAJE

artista y gestor cultural

Miguel Mora Por: Diana Stefanía Revelo Fotografías: Danilo Vallejo

“ Me parece que falta un entendimiento cabal de los roles que las instituciones deben jugar para no cruzar sus planes y competir por los pocos recursos que en esa materia se generan o se presupuestan” Miguel Mora Witt nació en Loja, el 19 de septiembre de 1953. Obtuvo el título de antropólogo con especialidad en Gestión Cultural, en la Universidad Politécnica Salesiana. Es el actual responsable de la secretaría de cultura del Municipio de Quito. Desde su despacho cuenta que La vinculación con lo cultural se dio desde muy niño, al entender que podía cantar afinadamente y seguir fácilmente las canciones que escuchaba en la radio, en los siguientes años la influencia y entorno de la familia, muy numerosa y siempre interesada particularmente por la literatura le permitió crecer en el quehacer artístico.

16


¿Cree usted que al ser Loja una ciudad conocida por ser cuna de varios personajes que formaron parte de la cultura, influyó esto en su vida?

vés de la Antropología Aplicada y la Gestión Cultural que me abrieron los ojos ante una realidad que de pronto intuía, pero que no comprendía integralmente.

Indudablemente. Mi padre, Alfredo Mora Reyes, fue el primer Alcalde socialista elegido democráticamente en el Ecuador por dos ocasiones, por lo que mi vinculación también se da con la política y con un sentido muy fuerte de identidad latinoamericana. Loja en lo musical aportó enormemente en mi formación (estudié algunos años en el Conservatorio) y como dije antes, crecí escuchando conversaciones sobre literatura, escuchando poesía, y conociendo historias de algunos de esos personajes que tenían relación directa con mi padre o con mi tío, José Miguel Mora Reyes. Simplemente y para ejemplificar hablo de Pío Jaramillo, Benjamín Carrión, Eduardo y Nicolás Kingman, Eduardo Mora Moreno, Segundo Cueva Celi, entre otros.

¿Cuál fue la motivación para llegar a ser director y ahora secretario de Cultura municipal? El conocer desde el otro lado cómo se hacía la administración cultural y dar los pasos necesarios para que cambie la actitud de la burocracia en relación a los artistas y su mundo. El que ese entendimiento vaya al límite de la comprensión de que “no le estamos haciendo un favor al proponente creador al auspiciar o apoyar sus propuestas, sino que cumplimos con el deber de gestionar correctamente la cultura y sus múltiples procesos”. El reto ha sido conformar un equipo capaz y especializado y ese camino está trazado, falta su complementación y el que el personal cultural tenga posibilidades de formación y especialización.

¿Cuáles son las cualidades que definen la personalidad de Miguel Mora?

¿Cuál fue su mayor desempeño en este cargo?

Tengo desde niño una marcada necesidad de ser puntual y de que las actividades a mi cargo se cumplan estrictamente como se han programado. Me gusta planificar a largo plazo y creo (no sé si es una cualidad) que sueño mucho con mejores días y cambios fundamentales para nuestro país. Me apasiona la lectura y esencialmente la literatura universal y latinoamericana, y escuchar música de autores que dejen algo en mí en cuanto a sus textos y composiciones. De mi lado, he escrito y compuesto muchas canciones que van temáticamente desde una declaración abierta a la vida, a la mujer, a los hijos; hasta canciones que tienen una marcada carga política y de cambios sociales.

Durante la primera época, la de la Dirección de Cultura, conseguir que asuma un papel importante y que ya no permanezca a la sombra de la Dirección de Educación o subposicionada ante la Dirección Metropolitana. Luego proponer planes de participación real ciudadana como los Festivales Estudiantiles de las Artes; los Seminarios y Foros de discusión sobre política y gestión de la cultura; y actualmente en el papel de Secretario de Cultura, reencausar un proceso que se perdió en los primeros meses de la actual administración municipal, asumiendo un liderazgo y control sobre todas las actividades y propuestas de los entes culturales que están bajo nuestra Secretaría: FONSAL, Fundación Museos, Fundación Teatro Sucre, Centros Culturales y agrupaciones musicales.

¿Cuál ha sido su mayor acierto en el mundo del arte y la cultura? Desde lo musical la conformación y la permanencia por más de treinta años del Grupo PUEBLO NUEVO. Pero en esa permanencia no valoramos solamente los años y las posibilidades inmensas de conocer bien este país y varios rincones del mundo, sino también la satisfacción de haber sido leales a nuestros ideales, y pasar de los “saludos a la bandera” de tantos momentos políticos no cuajados, al apoyo total y el triunfo del proceso actual de la “revolución ciudadana”, proceso del que nos sentimos parte y que hemos integrado a fuerza de recorridos, campañas, grabaciones y conciertos. Por otro lado, y desde lo personal, el haberme vinculado a las ciencias sociales a tra-

No puedo dejar de señalar la implementación de un Programa del Bicentenario con gran participación barrial y comunitaria, y un cambio básico en la concepción de Fiestas de Quito, con descentralizaciones reales y la posibilidad de que los sectores menos favorecidos hayan tenido acercamientos a producciones de gran nivel en lo técnico y estético. Para muestra está Quitumbe y su feria, con una asistencia de cerca de 400.000 personas en 4 días.

17


¿Y la mayor dificultad que encontró en su cargo?

que mi postura en la política ha sido clara y sin variantes considerables, ubicada en la “izquierda de este mundo” como diría Carrera Andrade.

El coexistir con otras entidades que fueron creadas en paralelo y que a mi juicio no tenían una visión cabal de la cultura y sus procesos. El subordinar mi pensamiento a una línea ideológica que no me representaba y que destinó recursos muchas veces a actividades poco significativas o directamente vaciadas de contenido. Recién y desde el nuevo enfoque que le hemos dado al Proyecto del Bicentenario, queda claro que no era lo festivalesco y lo festivo lo que debía proyectarse, sino el sentido ideológico de Quito como Luz de América y faro encendido de la rebeldía y la importancia de sus héroes anónimos; y por otro lado, la orientación de que en diciembre no celebramos la Fundación española cruenta e impositiva, sino una apropiación cultural desde una Fiesta Democrática y Participativa que enarbola el mestizaje como idea fuerza. El Quito milenario es retomado desde un eje integral de interculturalidad y de convivencia de diversos.

¿Qué opina sobre la ley de cultura? He leído con detenimiento las dos propuestas que actualmente están en la Asamblea. En general noto un espíritu que sigue considerando a la institucionalidad como solución a los agobiantes problemas de actores y realizadores. Por ello se propone que entes culturales existentes y nuevos coexistan horizontalmente y con un mismo orden de importancia y de decisión. Me parece que falta un entendimiento cabal de los roles que esas instituciones deben jugar para no cruzar sus planes y competir por los pocos recursos que en esa materia se generan o se presupuestan. Creo que la interculturalidad es una línea o eje que debe atravesar como política a todas las instituciones y no me parece entonces que se hable de un Instituto que en particular va a liderar esa corriente.

¿Se considera una persona conocida en el medio político, cultural, artístico?

El ubicar a todos en paralelo no va a permitir tener políticas válidas de estado en materia cultural. De otro lado, no queda claro en ninguna propuesta el papel de los municipios en la planificación, apoyo y difusión de programas, proyectos y actividades culturales, y yo estoy convencido de que en ese aspecto, ciudades como Quito han tenido un significativo crecimiento y reconocimiento internacional.

Archivo personal

Es difícil decirlo uno mismo, pero evidentemente las relaciones y los años de mi trabajo musical y de las labores en la gestión cultural en varias instituciones, han permitido que muchos actores nacionales y del exterior me conozcan y tengan un contacto bastante próximo con lo que he hecho y con lo que he podido producir. Creo también

Pueblo Nuevo en la Plaza del Rey - España

18


¿Hemos pensando en el arte contemporáneo o en la post modernidad dentro de algún proceso de evolución cultural, como autoridad de cultura? Desde luego. Por ello hemos insistido con la colaboración muy importante del FONSAL, en que nuestro distrito precisa de un centro de arte que genere nuevas formas artísticas ligadas al pensamiento más amplio. Con ello, hay que posibilitar el que en ese espacio puedan desarrollar su capacidad creativa y “echar a volar su imaginación” tantos talentos humanos que no han tenido posibilidad de surgir o de exponer sus trabajos por falta de apoyo. Seguramente esa será la hoja de ruta para el Centro Cultural Bicentenario (antiguo Hospital Militar). ¿Qué rol le va a dar ahora al gran centro de arte contemporáneo que tiene Quito?

Fotografía: Danilo Vallejo

Es una definición que no pasa solo por mi decisión, sino por la de una serie de actores que tienen que dar los pasos necesarios para que Quito consolide una propuesta que esté acorde con los tiempos. Pero en esencia, será un espacio destinado a la tallerística y a la creación e insurgencia de nuevas propuestas que puedan plasmarse y desarrollar un arte que pueda ubicarnos territorialmente como una ciudad que apoya y produce arte en convivencia contemporánea. La idea es que podamos hacer una convivencia real de la pintura, de la escultura, de la producción de video y cine, de la fotografía, de las performances, de las instalaciones, del graffiti, de las producciones radiales, etc. Ese es el reto y hacia allí se dirige nuestro esfuerzo y política. ¿Qué opinión tiene del desarrollo del el arte urbano frente al espacio público en esta ciudad? Estamos propiciando un proyecto nuevo que implique a las redes culturales de jóvenes distribuidos en todo el territorio de la ciudad y del distrito. La propuesta para ellos es la de posibilitar proyectos de intervención a gran escala en el espacio público, pero no como una invasión visual del mismo, desordenada y caótica, sino desde un concepto creativo y de aporte para que ese espacio público sea parte del patrimonio vivo que queremos para Quito; no un “mausoleo del arte” como decía acertadamente el pensador mexicano Carlos Camacho, sino un sitio “alma del mundo” en donde lo patrimonial y convocante mundialmente que tiene la capital ecuatoriana, se una a un proceso creativo que nos identifique y nos convierta en parada obligatoria del turismo cultural universal.

En su despacho

19


¿Qué va hacer la Secretaria en relación la circulación y producción de obras de arte contemporáneo? Me parece que las respuestas están de alguna manera diseminadas en los puntos anteriores. Pero cabe reflexionar sobre los conceptos de lo contemporáneo o posmoderno en el arte. El cuestionamiento a los principios artísticos y el espíritu crítico ante lo ya creado, fueron los patrones para que lo contemporáneo aparezca como una suerte de nueva vanguardia. Pero también cabe decir que esa nueva estética dependía de las concepciones intelectuales y sociales del momento histórico en que emergían, por lo que ese arte contemporáneo se exige como una mirada distinta para afrontar la realidad. De otro lado la concepción posmoderna conlleva ideológicamente el principio de la diferencia y la suma de identidades, pero desde su diferencia.

¿Cómo le gustaría a Miguel Mora que le reconozcan, en la historia de la arte y la cultura, luego de su paso por la secretaria de cultura? Como alguien que cumplió un rol en la administración cultural que le correspondió en su tiempo y momento. Que desde la perspectiva de gestor cultural y de trabajador de la cultura, pudo apoyar a muchos compañeros en sus iniciativas y proyectos, siempre carentes de presupuestos suficientes y que volcó sus sueños y esperanzas en esa práctica. Como músico popular, que el período que nos tocó vivir se conserve en la música que interpretamos y grabamos y que esa música pueda ser escuchada y reproducida por las generaciones posteriores.

La legitimación de que todo argumento y posición estética vale, pero al mismo tiempo de que todo es relativo, es en ocasiones un argumento complejo y no siempre bien validado por sus realizadores. Por ello, creo que nos cabe también el papel de generar una amplia discusión con proponentes y creadores.

Fotografía: Omar Arregui

“Los años de mi trabajo musical y de las labores en la gestión cultural en varias instituciones, han permitido que muchos actores nacionales y del exterior me conozcan y tengan un contacto bastante próximo con lo que he hecho y con lo que he podido producir”

Miguel Mora junto a Calle 13

20


Victor Mideros (1888 - 1969)

Fotografía: Colectivo Kespus

Por: Mst. Juan Carlos Fernández-Catalán

CRÓNICA DE ARTISTAS

los aportes de

La Salvación Colección María Augusta Urrutia - Quito

21


Víctor Mideros, pintor ecuatoriano nacido en San Antonio de Ibarra, aportó al arte ecuatoriano desde

sus inicios en temas paisajísticos y figurativos, realizó un viaje a Europa y luego de su regreso empieza una suerte de éxitos con los premios Mariano Aguilera de 1924 y 1927; para centrar luego su obra en motivos que le harán conocer como creador de una realidad paralela a la existente.

Fotografía: Colectivo Kespus

Después de encontrar un lugar de trabajo permanente, Mideros pudo concentrarse plenamente en la realización de sus ideas artísticas y su género místico religioso que predominarían a lo largo de su producción simbolista y alegórica. Buena parte de su vida, dedico a desarrollar motivos determinados que terminaron por convertirse en los más conocidos de su obra como “Espejo de Justicia”, “El camino de la Vida” y “La nueva Sión” representados de un modo siempre innovador.

Arcangeles Colección María Augusta Urritia - Quito

Las series de la biblia en la obra de Mideros La pintura de Mideros, en particular sus últimas obras, ejercieron gran influencia en el arte del siglo XX. Los principales escritores de la época, calificaron a Mideros como el modelo más importante por su evolución artística y lo llegaron a calificar como “el pintor más poderoso de la América del Sur”. La opinión general es que el nuevo enfoque de la obra de Mideros y su inobservancia de las reglas tradicionales ante una nueva perspectiva, situaron su arte en un influyente punto de partida para la pintura del siglo XX, y a su genio como un adelantado visionario de su tiempo.

22


Fotografía: Danilo Vallejo

Colección Iglesia La Merced - Quito

Fotografía: Danilo Vallejo

Las obras de Mideros se las puede observar en distintas iglesias pero sobre todo en el museo María Augusta Urrutia ubicado en el centro Histórico. de Quito

Fotografía: Danilo Vallejo

Colección Iglesia La Merced - Quito

Para entender la obra de Mideros hay que sumergirse en las visiones bíblicas que predominaron su obra, impregnadas de una cosmovisión y sensibilidad cromática que unida a su creciente obsesión escatológica y milenarista llegan a cumplir con su objetivo que no era el de sugerir una contemplación ingenua, sino el análisis sistemático de las figuras, que realizadas por series dan cuenta de su rigor expresivo y cromatismo resplandeciente evidenciados en “Las siete copas de la ira”, Las siete esferas del Color”, “Las siete plagas”, “Los siete dolores”, “Las siete etapas del alma” y “La serie del apocalipsis” además de los jueces, profetas y arcángeles; la importancia de sus obras se pueden apreciar en la Iglesia de la Merced, Casa Museo María Augusta Urrutia y Museo Biblioteca Aurelio Espinosa Polit entre otros importantes espacios culturales de la ciudad de Quito.

Colección Iglesia La Merced - Quito

23


COLECCIONISMO

El pecado de

Iván Cruz Por: Pablo Rodriguez Fotografía: Danilo Vallejo

El coleccionista básicamente debe ser un erudito, conocer la materia sobre la que está coleccionando

24


Entre su colección de arte primitivo, ¿Cuál es la obra que usted prefiere?

Ivan cuida colecciones de arte, la Casa del Alabado y Pompeya, a decir de su labor “procura ser anticuario, pero con muy poco éxito porque el mercado está deprimido y la gente no quiere invertir”. Durante 25 años de su vida se ha dedicado al comercio del arte, y he hecho lo que no debe hacer un marchante de arte: ser coleccionista, es decir, he incurrido en el pecado de coleccionar.

Por mis manos pasó el Picasso de La Tolita, absolutamente extraordinario, que venía acompañado de unas seis piezas más de gran calidad. Hay una figura Chorrera en el Alabado, que está sonriendo y a mi manera de pensar es nuestra Mona Lisa, ya que Leonardo (Da Vinci), plantea el problema de la sonrisa cuando pinta esta obra, y esa pieza de la Chorrera aborda este mismo aspecto. También hay un felino en el instante anterior a la captura de su presa, todo en él es tensión, pero este animal tiene un manto que rememora a un shamán, por eso no se sabe si el jaguar captura la presa, o si el shamán está entrando en el cuerpo del jaguar, esta ambigüedad de lo obvio en la cacería, hace de esta pieza algo único y maravilloso, por eso, siempre que voy al Alabado –y lo hago casi a diario- no hay momento en el que esta pieza no me recapture, siempre me llama la atención, no se ha agotado, porque siempre me dice cosas y esta es otra característica de una obra de arte, que no se integre a la pared, sino que cada vez que se la mire, se sienta que está allí a través de las diferentes lecturas que se pueda hacer de ella.

¿Por qué es un pecado coleccionar? Porque se descapitaliza el negocio. Cuando usted encuentra una pieza maravillosa a un precio extremadamente bajo, debe vendérsela a gran precio, pero yo he decidido quedarme con esa pieza. ¿De dónde viene su gusto por el arte? No tengo idea. Como referencia está la casa de mi abuela, Lucila Maldonado de Palacios, en la calle Vargas, donde había cosas muy lindas: muebles, estatuas, grandes floreros... ¿En qué momento nace su pasión por coleccionar? Tenía 16 años y estaba en el colegio Gonzaga, un día, sacaron a vender unos muebles, lámparas y cosas así, que me fascinaron tanto y decidí conseguir dinero para adquirir algunas de esas cosas.

¿Aquí ya no habría cabida para el concepto? ¿Por qué? Porque no hay una delimitación y son posibles distintas interpretaciones para una misma cosa. Es que el tema es solo un pretexto tras el cual se pueden dar varios niveles de interpretación, pero siempre que se imprima la personalidad y la fuerza del artista.

¿Qué características debe tener un coleccionista? No puede ser ignorante. El coleccionista básicamente debe ser un erudito, conocer la materia sobre la que está coleccionando, porque la mejor inversión que hay en el mundo es el arte, pero tiene un condicionante, que tiene que ser arte, y si no es arte, ha hecho la peor inversión y para esto necesita poder distinguir entre qué es arte y que no. En resumen, debe tener conocimiento, erudición e intuición.

¿Cuáles son sus artistas coloniales más respetados? De lejos, el mejor artista es el anónimo, y ese es ante el que yo me saco el sombrero. Entonces ¿está de acuerdo con el anonimato en los artistas coloniales?

¿Cuál es su preferencia al momento de escoger sus piezas de colección?

¡Y yo que voy a saber si estuvo bien o si estuvo mal!, eso es una suma inmensa de circunstancias que desconocemos. Era anónimo porque hablaba de temas sagrados, religiosos, o porque venía de una formación judeocristiana que preponderaba a la obra, a fines del siglo XVIII llega el divismo y en el siglo XX la obra deja de existir y sobresale la firma.

El arte colonial, de preferencia entre la República y la Colonia, decido ir descubriendo este mundo hasta profundizar y empiezo a preferir cosas mucho más primitivas. Paralelamente voy descubriendo la arqueología, el arte colonial queda como decoración, y nace la pasión por la arqueología.

25


En su colección, además de piezas ecuatorianas, ¿hay piezas de otras culturas foráneas?

tiene cada pieza de una colección?, además, aquí hay un continuo ejercicio de sensibilidad.

Mi universo como coleccionista está perfectamente delimitado en Ecuador, porque a veces me mueve demasiado la patria. El coleccionista debe delimitar qué es lo que quiere coleccionar porque todo es coleccionable. Yo, por ejemplo, soy del año del chancho en el horóscopo chino, una ocasión visité a mi hermana en un pueblito por California, donde no había más que un restaurante y una tienda de cosas decorativas chinas al frente de la casa de mi hermana, allí había un chanchito de porcelana que me encantaba, pero para mí era mucho más importante una camisa o un par de zapatos (risas) que un chanchito decorativo que, encima, no iba a cuadrar junto a los Caspicaras o Legardas que tengo.

¿Cuál considera la colección privada más importante en Ecuador? La iglesia de San Francisco tiene, proba- blemente, la colección de arte colonial más importante del mundo, con casi seis mil piezas que conforman colecciones fundamentales de cada siglo. Y la colección de El Alabado, que habla de los grandes objetos que servían para que las élites comuniquen su ideología a las masas. ¿Qué es el Museo Casa del Alabado? Es un museo bello, contemporáneo, de alta calidad y con un concepto en el que se puede discutir hasta el fin del mundo.

¿Podría ser que tras quien se dedica al coleccionismo hay una especie de artista frustrado?

Este museo tiene muchas funciones , una de ellas es ser una ayuda a la ciudad en la industria turística, pero desde mi punto de vista, con la responsabilidad de haber intervenido en la formación de

Un coleccionista es un artista, ¿o es que usted cree que no hay nada entre llegar a saber qué

26


esto, me parece que es muy tonto haber hecho esta inversión, porque si ese dinero hubiese sido invertido en un hotel, el costo beneficio hubiera sido muchísimo mayor, nosotros aspiramos sacar cuatro dólares por gringo, mientras que el Quito o el Colón sacan 150 dólares por noche, más la comida, impuestos y propinas.

que crea una patente de corso por donde entra todos, malandrines y bellacos, a hacer todo tipo de disparates o experimentos.Nosotros somos, talvés junto con Haití, un país que se ha pasado olímpicamente de todo, porque no tenemos cosas fundamentales como una biblioteca o un museo de arte contemporáneo. Por eso todos esos pequeños intentos más o menos válidos de este tipo de arte, se han quedado en el olvido, y tenemos una generación que desde los 90 hasta la actualidad, no ha dicho nada, es muda.

Si los 150 mil estudiantes que vienen todos los días al centro (de Quito), pasaran por el museo del Alabado, se habría hecho algo y sería un aporte que podría decirse empieza a cambiar el mundo, pero... ¿cómo lograr que estos jóvenes pasen por el museo?, hay una muralla inmensa allí llamada burocracia, y eso que no estoy hablando de jóvenes del norte, sur y valles de Quito, solo los que van por este pedazo que se ve desde aquí (San Blas hasta el local del Museo), no se necesitan buses ni nada, solo que cada día vaya un par de cursos, por una horita, nada más.

¿Dónde están los experimentos de Manuela Ribadeneira en el Museo de la Ciudad?, ¿Dónde están cosas como el Tiro al banco de El Pobre Diablo?, ¿Dónde están las cosas que ha hecho el señor (Rodrigo) Viera? Perdidas, por eso no hay una colección de arte contemporáneo en Ecuador, pero hay una Ley de Cultura que habla de la memoria donde no somos capaces de recopilar nada, y cosas como el Archivo Nacional están en el lugar más contaminado de Quito.

¿Qué opina de colecciones privadas que se abren para el público?

¿Qué hacer ante esto?

Usualmente el coleccionista tiene una parte de voyeurista, de exhibicionista, de allí que suela llamar a otro coleccionista para decirle que compró tal o cual pieza, pero tenemos un Estado complicado que considera que el coleccionista privado no es el dueño de la pieza sino un simple custodio de aquella, lo cual hace que el coleccionista que invierte su dinero y su sensibilidad, prefiera mantener para sí su colección.

Talvés cambiarse de país, (risas) pero es que no sé realmente qué podemos hacer, tengo la sensación de que hay que subir los muros de nuestras casas, vivir más adentro y cuidarse de la barbarie que nos invade por todas partes. ¿Propender a la individualidad? No, es una nueva Edad Media donde hay que salvar lo salvable, es una Edad Media donde quienes mandan todo a la hoguera son los académicos, si es que alguien cuenta con un post grado aunque no haya leído más de dos libros en su vida, ya es un factótum, el que no tiene un grado, o post grado, es un paria y no tiene derechos, lo que piensa está mal y si coincide que no tiene título y es viejo, entonces está muerto.

¿Cuál es el mayor problema que ha enfrentado como coleccionista? Cuando aparece una pieza robada por allí, uno se enfrenta al ¿qué hacer? Y es difícil porque el país duele, pero aparecen incógnitas como ¿debo ser yo quien debe denunciar?, y si lo hago ¿en qué problemas me meto?, y la verdad, meterse en cuestiones policiales no es muy saludable. Entonces hay que cerrar los ojos y dejar pasar.

¿Qué hacemos con las generaciones que vienen?

¿Qué sugiere a quien quiera ser coleccionista?

Todo era muy lindo cuando solo éramos cinco millones (de habitantes). Ahora esa masividad ha permitido un culto espantoso a la mediocridad, en gran parte porque los alrededores de las universidades son sitios pauperizados, llenos de cantinas, y porque no somos capaces de salir del jacchigua, hemos jacchigüizado todo, no nos entra la modernidad, sino la degradación de un folclor respetabilísimo que tuvimos.

Que conozca y obtenga buen asesoramiento. ¿Qué opina del arte contemporáneo? A partir de Duchamp hay una ruptura del paradigma de la obra de arte, con lo cual los referentes que habían para confrontar una obra de arte ya no existen, lo cual se convierte en una apertura

27


Datos de

Datos oportunos que permitirán ir más allá de las fronteras y representar al país.

23 octubre 2010 -28 febrero 2011 8a Bienal de Shanghai

China Equipo de curadores: FAN Di'An, LI Lei, GAO Shiming. Curador ejecutivo: GAO Shiming Tel.: 86 21 632272829257 Email: info@shanghaibiennale.com Sitio web: www.shanghaibiennale.com

13 noviembre 2010 - 13 febrero 2011 Prospect.2

New Orleans, EE.UU. Director, curador: Dan Cameron Email: kellie@bluemedium.com

12 diciembre 2010 - 12 febrero 2011 12a Bienal de El Cairo

Egipto Direcc. artística: Ihab El Labban www.cairovienale.gov.eg

4 marzo - 17 abril SCAPE 2011

Christchurch Biennial of Art in Public Space, Nueva Zelandia Curadores: Blair French, Julia Morison, William Field Sitio web: www.scapebiennial.org.nz

13 marzo - 15 mayo 3a Bienal de Singapur

Singapur Vernissage: 11 y 12 de marzo Direcc. artística: Matthew Ngui. Curadores: Russell Storer, Trevor Smith Contactos: Singapore Biennale Singapore Art Museum 71 Bras Basah Road Singapore, 189555 Singapur Email: info@singaporebiennale.org Website: www.singaporebiennale.org

16 marzo - 16 mayo 10a Bienal de Sharjah

Emiratos Árabes Unidos Curadores: Suzanne Cotter, Rasha Salti, Haig Aivazian Organizador: Sharjah Biennial Sharjah Art Museum Arts Area PO Box 19989 Sharjah Emiratos Árabes Tel.: +971 6 568 5050 / Fax: +971 6 568 5800 Email: info@sharjahart.org Website: www.sharjahart.org

29

NOTICIAS DEL MUNDO

Bienales internacionales

En este espacio tendremos información de: bienales, concursos, residencias, becas entre otros.


1 - 31 mayo 7a Bienal de Montréal Canadá Director: Claude Gosselin Curador: David Liss Sitio web: www.ciac.ca/en

4 junio - 27 noviembre 54a Bienal de Venecia

Exposición Internacional de Arte Italia Direcc. artística: Bice Curiger Organizador Contacto: La Biennale di Venezia Settore Arte San Marco 1364/A 30124 Venezia Italia Tel.: +39 041 - 5218711 Fax: +39 041 - 5218812 Email: aav@labiennale.org Website: www.labiennale.org

4 agosto - 6 noviembre Trienal de Yokohama

Japón Directora general: OSAKA Eriko. Direcc. artística: MIKI Akiko Sitio web: www.yokohamatriennale.jp

10 septiembre - 15 noviembre 8a Bienal del Mercosur

Porto Alegre, Brasil Curador en jefe: José Roca Organizador: Fundação Bienal de Artes Visuais do Mercosul Rua Bento Martins, 24 - sala 1201 Centro. Cep: 90010-080 Porto Alegre - RS Brasil Tel.: +55(51) 3254-7500 Email: contato@bienalmercosul.art.br Website: www.bienalmercosul.art.br

10 septiembre - 13 noviembre Bienal de Gotemburgo 2011 Suecia Curador: Sarat Maharaj Sitio web: http://goteborg.biennal.org

15 septiembre - 31 diciembre 11a Bienal de Lyon

Francia Recorrido de prensa: 13 & 14 sept. Director artístico: Thierry Raspail Curadora: Victoria Noorthoorn Email: info@biennale-de-lyon.org Website: www.biennale-de-lyon.org

17 septiembre - 13 noviembre 12a Bienal de Estambul

Turquía Curadores: Adriano Pedrosa, Jens Hoffmann Email: ist.biennial@iksv.org Sitio web: www.iksv.org/bienal/english

30


17 septiembre - 15 noviembre 6a Bienal de Curitiba

Brasil Curadores generales: Ticio Escobar, Alfons Hug Sitio web: www.bienaldecuritiba.com

22 o 29 sept. - noviembre 4a Bienal de Moscú

Rusia Director artístico: Joseph Backstein. Curador: Peter Weibel Sitio web: ://4th.moscowbiennale.ru

13 marzo - 15 mayo 2011 3a Bienal de Singapur

Singapur Vernissage: 11 y 12 de marzo Direcc. artística: Matthew Ngui. Curadores: Russell Storer, Trevor Smith www.singaporebiennale.org

16 marzo - 16 mayo 10a Bienal de Sharjah

Emiratos Árabes Unidos Curadoras: Suzanne Cotter, Rasha Salti www.sharjahart.org

4 junio - 27 noviembre 2011 54a Bienal de Venecia

Exposición Internacional de Arte Italia Direcc. artística: Bice Curiger www.labiennale.org

15 septiembre - 31 diciembre 11a Bienal de Lyon

Francia Recorrido de prensa: 13 & 14 sept. Director artístico: Thierry Raspail Curadora: Victoria Noorthoorn www.biennale-de-lyon.org

17 septiembre - 13 noviembre 12a Bienal de Estambul

Turquía Curadores: Adriano Pedrosa, Jens Hoffmann www.iksv.org

31


Por: Tranvía Cero

Fotografía: Colectivo Tranvía Cero

ARTE DESDE LA URBE

al zur-ich el arte en la comunidad

Intervención parque de la Magdalena

Para el Colectivo será primordial siempre el trabajo en la comunidad, la inserción pública, el apoyo a los procesos de cambio de las organizaciones de base social, tener una crítica certera hacia la institución e internacionalizar la metodología de trabajo que guía al encuentro y lo más importante decirnos las cosas sin tapujos y hacer de la amistad una arma secreta. espaldas de la Virgen del panecillo estosmismos individuos (el Samuel Tituaña y el Pablo X. Almeida) idearon una especie de organización -porque de organización es de lo que menos sabían en aquella época- para cambiar el mundo del arte lejos de la oficialidad, cuestionando los recursos y argumentos estéticos acarreados de la academia y como buenos irreverentes se lanzaron al vacio. Luego la Carla Villavicencio y el Pablo Ayala se interesaron en la ideota de los muchachos- para variar todos salieron del Alma Mater (U.C)-.

Un buen día, luego de realizar una exposición de arte, la primera en el sector Sur a mediados del 2002 dentro de las jornadas de artes del Festival del Sur el Samuel Tituaña y el Pablo X. Almeida ejecutaron una intervención pública en el Parque del barrio de La Magdalena en el 2003. A esta movida se juntaron los vecinos luego del susto que les causaron al CLAUSURAR, armados con 300 metros de plástico y un megáfono, su espacio de trabajo y convivencia como bien afirmo la vecindad después que se calmaron los ánimos en el Karaoke de la esquina.

El fundamento fue tomarse el espacio público conjuntamente con la comunidad, el problema era el como y ahí se inventaron eso de la inte-

Luego de las respectivas andanzas, chupes y extensas sesiones en el Teatro de la Guaba y a

32


perder pues en la época deestudiantes nadie daba ni dio un rial por ninguno de ellos ni eran prospecto o promesa del arte nacional y menos del internacional pues se pasaban bebiendo, fumando, tirando de cuando en vez y refunfuñando de algunos profesores que siempre decían que las cosas que se intentaban hacer ya se habían hecho en Europa y Estados Unidos y que lo que hacían era una mala copia. Pero el ánimo por hacer y encontrar caminos les fue insertando en los barrios y en los demás procesos organizativos del Sur y fueron dejando locos a algunos entendidos en la crítica del arte y de las ciencias sociales sin la necesidad de citas, de abrir y cerrar comillas y de usar discurso elocuentes.

rrelación del artista-comunidad-espaciourbano. Sólo este hecho y el hacerlo desde el Sur marco una serie de cuestionamientos que abarcaba reacciones políticas, filosóficas y contestatarias, rozando el panfleto y claro, con un discurso de trinchera herencia de las aulas universitarias y los frentes de izquierda pero sólo de algunos integrantes de la nómina según ellos. Después la historia misma fue curtiendo a esta especie de organización hasta crear el Encuentro Internacional de arte urbano al Zur- ich, un espacio para encontrarse y canalizar propuestas de arte-referencial de sitio específico. Los referentes todavía no estaban con claridad pero algo les llego en fotocopia y de rebote como las experiencias del primer Insite escritas por Canclini, y textos de Cuco Fusco y Allan Kaprof. Mientras se culturizaban, como decían algunos personajes del círculo de artístitas de la ciudad. El asunto de los chicos no era diseñar primero el gran proyecto, viste, con indicadores, marco lógico, estudio de mercado, matriz de eficiencia, coeficiencia o lo que sea para luego aplicarlo, sino que ponían en práctica de una y antes que se les olvide cada idea que se les venía a la cabezota. La práctica como un hecho crítico. El temor y miedo a equivocarse no los limitaba y como nada tenían que

Fotografía: Colectivo Tranvía cero

Trabajar 365 días y 24 horas constantes, chupar y disfrutar era la consigna. Después se bronquearon con las instituciones--sobretodo con las funcionarias que aparte de ricas eran bien cabreadas-- y hasta miedo a entrar a las oficinas tenían para mostrar la carpeta porque no querían financiarles el proceso, pero ahí se sentaban y de a poco posicionaron al zur-ich aunque para decir la plena en la institucionalidad no cachaban las ideas de estos panas y les financiaron no por buen proyecto sino para que ya no jodan digo.

Trabajar 365 días y 24 horas constantes, chupar y disfrutar era la consigna.

33


Más adelante pasaron por una serie de problemáticas internas externas con esta especie de organización en las que se disputaba si mantener un sistema jerárquico o empezar a construir uno horizontal, si existe, el asunto es que no tenían las herramientas teóricas o conceptuales pero ese vacío lo fueron llenando a partir de la confrontación, negociación y diálogo abierto y sin tapujos entre ellos. Por eso cuando les preguntaban en que autor se basa su proyecto, se veían las caras entre ellos y se tiraban la pelotita, y mencionaban que lo decían y dicen hasta ahora lo han construido ellos afirmando que lo dicho no es nada nuevo en el contexto del arte universal pero que ha aportado algo en la localidad.

Tranvía Cero

Pero hay que preguntarse qué es al zur-ich porque mientras los chicos estaban en estas discusiones, el Sur vivía transformaciones constantes y las luces llegaron cuando nos contaron que al zur-ich es una jerga, no muy común, pero utilizada para denominar al sector de ahí la frase, “vos disque te vas a Viena mejor vamos al zur-ich” algo así dicen que se decía entre los guambras. Unos jactándose de no vivir por estos lares, es decir en un sector de la ciudad que emerge abarcando al incontenible cemento y a una estela extensa de grises irresueltos, en cuyos resquicios, la rutina y el acelere de la convivencia consumen a la resistencia de un ya minúsculo grupo de idealistas. Allí el calor humano, la barriada, los panas, las panas, y las bielas en las calles atestadas de nubes de polvo calman el reseco chuchaqui de medio día. El partido de fútbol, volley o los interminables juegos de cocos y cartas a cargo de la tercera edad se perdían en la noche. Mientras las tortillas volaban el olor de los platos típicos avivaba las ganas de los primeros comensales que se acercan titubeantes a pedir una porción bien puesta entrada ya la tarde.

afianzaron las barriadas obreras ahora refugio de los comerciantes desplazados del incólume Centro Histórico. Al ritmo de los gritos: dos por uno, lleve la promoción, vea casero, cuanto le cuesta cuanto le vale, los susurros, el humo de la maquinas, las fabricas enfatizando con el ruido su existencia, la sirena del cole formando al instante interminables columnas de jóvenes y la maraña musical de cada negocio le dan un tinte especial a este punto neurálgico de la vida citadina de Quito.

En este trajín y ya entrado el 2004, se une al grupo el sociólogo Nelson Ullauri y el fotógrafo Luis Herrera con ellos la discusión sobre los lineamientos: interrelación, comunidadartista- espacio urbano continuaba en un café del palacio arzobispal cuyo dueño, un colombiano hablaba de la buena espalda que tenía el grupo por ese motivo los recibía siempre en la entrada del business. Ironía la buena espalda funcionaba para los demás no para ellos ya que la poca plata que tenían invertían para mantener vigente la discusión y la garganta mojada por lo menos. En estas conver-

Las nuevas generaciones como en toda ciudad muestran lo mejor que tiene combinando con tintes de cabello los jeans cortos que muestran los ombligos que para que... Por otro lado están los pantalones anchos del hip hop, los amantes del regeton con la última cachina y los más clásicos comprados en los famosos B.B.B de última generación. Mientras conversan, estas jorgas dicen, hacían tiempo en el C. C. Recreo y luego caminaban por la Maldonado un poquito más al zur-ich para entrar al OZZ actualmente un templo evangelista hace años una fábrica parte del complejo fabril que caracterizaba al Sur y en donde se

saciones fuertes y de larga duración (6 meses) sobre la conveniencia de lo planteado apareció la necesidad de un nombre para esta especie de organización y coincidieron en llamarse Tranvía Cero Colectivo de Arte Contemporáneo y así todos quedaron felices. Los diálogos no han terminado y a este ciclo se sumó en el 2005 Ernesto

34


Proaño, Sofía Soto y Omar Puebla. De aquí en adelante aparecieron escritos sobre el colectivo en donde se mostraba su posición frente a la institucionalidad del arte, la administración pública, los artistas etc. También quedo asentada la metodología de trabajo y algunos criterios sobre al arte urbano, arte público, arte colaborativo etc.

Aunque muchos puedan decir que estos planteamientos ya están caducos y que hay que cambiar y acoplarse a las tendencias de punta del arte universal el colectivo o algunos de sus integrantes saben que esta metodología de la que hemos comentado y el Sur está más vigentes que hace 8 o 10 años y con un potencial para generar rupturas, cambios y aportes en el contexto local. Pues hay una convicción política de haber empezado este proceso lejos de las tendencias artísticas de moda y de los artistas que buscan entrar en los mercados internacionales a costa de todo. Para el Colectivo será primordial siempre el trabajo en la comunidad, la inserción pública, el apoyo a los procesos de cambio de las organizaciones de base social, tener una crítica certera hacia la institución e internacionalizar la metodología de trabajo que guía al Encuentro y lo más importante decirnos las cosas sin tapujos y hacer de la amistad una arma secreta.

Fotografía: Colectivo Tranvía cero

Las reuniones las realizaba en las hamburgueserías del sector de la Católica y las licorerías aledañas, en los canelazos de la Calama, las Papas del Cese y en el histórico e inolvidable Barca (Bar Carrión) y después de varias versiones de al zur-ich se une al colectivo el bachiller en ciencias sociales Adrián Balseca. En los siguientes años Tranvía realizan experiencias de intervención y colaboración en el país como: Tianguéz Exchange (Guayaquil, Cuenca), Chimbacalle Pool (Quito), El Paseo de la Fama (Quito), La Cachina Dominguera (Quito, Cuenca) entre otros. Sin embargo no toda esta experiencia es color de rosa, para nada, por eso en una parte de esta convivencia el colectivo se ve obligado a confrontar algunos cambios en la nómina: algunos integrantes viajan otros por necesidades personales abandonan el proceso como el caso de Nelson, Ernesto, Sofía, Luis y el reconocido bachiller de la nación en ciencias sociales Adrián. Este cambio no significa un reordenamiento de los lineamientos del colectivo más bien se busca enfatizar mucho más en la metodología de trabajo e insertarnos más en el barrio.Imbuidos en estos trajines vienen varias experiencias internacionales que surgen de la gestión y propuesta que ha mantenido el Colectivo durante estos años. La representación del grupo estuvo en; La Otra, Feria

alternativa de arte (Bogotá-Colombia), Espacios Alternativos (Montevideo-Uruguay), Semana Cultural en España (Madrid-España), Residencia en Juanchaco (Cali-Colombia), Zona de arte acción (Quilmes-Buenos Aires- Argentina), etc., al finalizar el 2009 el Colectivo realiza la Cachina Dominguera en la Bienal de Cuenca con esto sólo pudieron constatar que la institucionalidad no ha cambiado. Actualmente Karina Cortez y Silvia Vimos fueron invitadas a formar parte de este trabajo y del Colectivo que ha procurado poner en práctica un proceso horizontal y mantener los objetivos primordiales: interrelación comunidadartista-espacio urbano.

Casa Tranvía cero y sus habitantes

35


ESPACIOS

Espacio para el Arte contemporáneo.

Es tan valido hacer arte en la calle, en la plaza, edificios abandonados, subterráneos, fábricas; como en un museo, galerías, centros culturales y últimamente en espacios virtuales como una web, blogs, revistas, entre otros. Complejo el clasificarlos, pero para nuestros fines los definimos como: convencionales y no convencionales, que con su aporte e información de actividades, comprenderemos mejor el quehacer del arte visual contemporáneo. Colectivo kespues

CONVENCIONALES ARTE ACTUAL

Pradera e7 – 174 y Diego de Almagro Teléfono: 3238 888 ext (2040) espacio.arteactual@gmail.com www.artecatual.ec Quito – Ecuador

CENTRO CULTURAL PUCE

Avda. 12 de octubre 1076 y Roca (593 2)299 1710 / (593 2)299 1536 fax: (593 2)299 1775 CC@puce.edu.ec www.centroculturalpuce.org www.puce.edu.ec Quito – Ecuador

GALERÍA DE ARTE ILEANA VITERI

Av. Gonzales Suarez N31-150 Edificio Atrium Telefax. 2541270 – 098954287 ileanaviteri@uio.satnet.net Quito – Ecuador

CENTRO CULTURAL METROPOLITANO García Moreno y Espejo Telf: (593-2) 258-4362 / 258-4363 http://www.centrocultural-quito.com/ccmq.php Quito - Ecuador

GALERÍA ALIANZA FRANCESA

Avenida Eloy Alfaro N32-468 y Bélgica Telf: (593.2) 224 6589 / 224 6590 informa@afquito.org.ec Quito – Ecuador

36


El arte no busca sus espacio los espacios son adecuados o no para algún tipo de manifestación, lenguaje o práctica artística, El artista está en la capacidad de generar espacios para el arte donde desee, cual gran descubridor, declara suyo algún espacio y la obra de arte en el lugar lo legitima. Los espacios no se miden por la capacidad que tienen de albergar una cierta cantidad de obra de arte, sino por la cantidad de gestión y aporte que tiene frente al medio y sus actores. Colectivo kespues

NO CONVENCIONALES NO LUGAR

Camino de Orellana N27 – 542 (diagonal al cementerio de Guápulo) http://nolugarguapulo.wordpress.com Quito – Ecuador

S1-90 CASA DE PRÁCTICAS CULTURALES Venezuela s1-90 y la Ronda TELF: 2956668 o 092932198

s1.90cultural@gmail.com

Quito – Ecuador

CEROINSPIRACIÓN

calle lugo N24-232 y guipúzcoa, arteceroinspiracion@gmail.com. Quito – Ecuador

LA NARANJILLA MECÁNICA

Tamayo N22-43 y Veintimilla TELF: 2526468 lanaranjillamecanicagaleria@yahoo.es www.lanaranjillamecanica.com Quito – Ecuador

BOCABIERTA

República E4-12 y Rumipamba TELF: 245115 bocabiertaquito@hotmail.com www.bocabierta.com Quito – Ecuador

ESPACIO VACIO

Panamá 202 y Juan Montalvo. espacio.vacio.gye@gmail.com www.espaciovaciogye.blogspot.com Guayaquil – Ecuador

37


ARTISTAS Y PRODUCTOS

galería de artistas GALERÍA DE ARTISTAS

Manifestaciones y prácticas artísticas con diversas formas de producción y otras estéticas.

Marcelo Aguirre Serie retratos.

‘‘El retrato busca ser el rostro emergente del sujeto. El rostro es subjetivo y universal, podríamos decir que es una parodia kantiana. Cada rostro es diferente (subjetivo) pero todos tenemos uno (universal) basta saber que estos que estamos viendo son personajes y no rostros: los rostros son los que aparecen cuando parados frente a ellos reconocemos una mirada.’’ Curadora: Ana Rodríguez. http://www.marceloaguirre.ec mail: maraguirre@flacso.org.ec 097226791

38


Diego Manuel Baca

Me considero un artista multifacético, mi obra es la traducción de la violencia como escape de la cotidianidad y lo dictatorial, el arte esta para decir y hacer cosas, ser contestatario y no ser amable con los tiranos. Busco una simbiosis entre lo plástico y lo performático, entre lo visual y la narrativa, entre lo digital y lo analógico... siempre busco lo experimental... casi nunca pienso que una obra esta finalizada... Mis comienzos fueron con dibujos y pinturas, luego conocí el teatro y los happenigs, también escribo un poco pero ahora me gusta el video digital porque reúne todo lo anterior... Cotopaxi N 11-201 y Guatemala. TELF. 2952875 092531152 diebac666@hotmail.com Quito – Ecuador

Juan Pablo Ordoñez.

“Optimizar recursos y una manera de relacionarse con los materiales cotidianos, dan larga vida al plástico en la periferia rural, nada de miseria y sí mucho sentido común, una práctica de resistencia frente al “reciclaje” que acompaña al consumo depredador “ Ñucanchik people - Cuenca. Arte y Audiovisuales TELF::2822721 - Cel: 096602101 proyectoamame@blogspot.com ñucanchikpeople@gmail.com Cuenca – Ecuador

Jamel Maldonado.

Mi trabajo trata de saciar con las ansias creativas y el sueño de plasmar el tiempo de forma tangible para que perdure y trascienda. Los cuadros son una bitácora de vida que deja sobre el tiempo rastros del mío. Las fotos son segundos capturados y arrancados de la seudo realidad para poder ser percibidos con los sentidos... los videos e instalaciones son solo un pretexto para traspasar los límites y las barreras del cuestionamiento y la razón. Mis obras no son objetos, peor inanimados. Son seres de otro orden. La Granja, Pasaje OE6A #805 TELF: 088529835 jamelfds@gmail.com www.maa.la Quito – Ecuador

39


Dayana Rivera

Una máscara que actualiza los símbolos de libertad y sabiduría, es el objeto utilizado para prácticas performáticas urbanas. No se trata de un disfraz sino de hacer uso de los arquetipos que atraviesan al águila harpía. http://www.dayanarivera.com http://www.lavanderiadearte.com dayeyarivera@yahoo.com Quito – Ecuador

Patricio Dalgo

En general mi trabajo busca las fisuras dentro de las cuales se puede criticar, parodiar, calumniar o insultar las diversas estructuras de las que se vale el poder, mediante diversos medios, intentando hacer una critica de la sociedad y las superestructuras que la van dirigiendo hacia grupos de poder, atentando hacia sus reglas, pretendiendo poner en tela de duda los actos morales en la que se fundamenta, sin plantear soluciones finales sino abriendo interrogantes que den paso a un poco de humor considerando a este como un desestabilizador al cual es necesario echar mano. Av.Neptali Godoy SMz A1, Casa 23’ 022429756 patodalgo@gmail.com patriciodalgo.blogspot.com Quito – Ecuador

Proximamente mas artistas invitados.

katalizador_revistadearte@yahoo.es

40


FotografĂ­a: Christoph Hirtz


Revista de arte katalizador, Numero 1