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Escultura Música Fotografía Literatura Danza Cine Teatro Pintura Videojuegos Cómic

Cine Gore De lo sombrío a lo sublimE

Cuarto número, 3era. Edición

Ilustración: Dreamstime

Presidencia Revista Cultural Prisma CA Directores/Editores Osmar Peña Valentina Moreno Asistente editorial Jessica Stein Coordinador de publicidad Carlos Rodríguez Coordinador del área de pintura/ilustración Vicleny Chacón Coordinador del área de teatro Daniel Muro Coordinador del área de videojuego Javier Letterer Coordinador del área de cine y literatura Susana González N. Redactores Carlos Rodríguez Susana González Miguel Hidalgo (‘Merchigod Gil’) Javier Letterer Daniel Muro Valentina Moreno Osmar Peña Ilustrador Auny Moons

Coordinación de redes Web 2.0 Valentina Moreno Osmar Peña Diseño gráfico Simón Rivero Diseño gráfico publicitario Vicleny Chacón Carlos Rodríguez Auny Moons Agradecimientos Gabriela Mesones, Tamara Mujica, María Karina de Gouveia, Mariana Fernández, Jonás Romero García, Henry Álvarez, Nina Novak, Aida Blanco, Nelson Garrido, Carmen Moreno, Yakaly Di Roma, Ernesto Durán ‘Erune’, Graciela Yáñez, Vicente Ulive-Schnell, Ensamble Kumañí, Acisclo Hernández, Guillermo Londoño, Sahara Álvarez, Gladys Calzadilla, Producciones Palo de Agua, Frank Molina, Adriana Orellana, El Teatro de la Zurda, Daniel Tovar, Juan Coste, Dreamstime y a todos aquellos que han ayudado a que el nombre de Prisma se difunda como parte de la cultura venezolana y el mundo. Contacto revistaculturalprisma@gmail.com La revista cultural Prisma es una publicación artística y bimensual. El contenido publicitario o de redacción no refleja necesariamente la posición de los editores. Cada autor es totalmente responsable de lo que escribe. Prohibida la reproducción parcial o total del contenido de la revista sin previa autorización por escrito del grupo editorial. Para enviarnos cualquier tipo de correspondencia física puedes hacerlo a Osmar A. Peña M. Apartado postal 54.001 Ipostel UCV Zona Postal 1053A Caracas, Venezuela.

Fotógrafo Roger Morales Corrección ortográfica Osmar Peña

Portada: Jonathan Costa Tapa Final: Wuifer Márquez

Prisma avanza y con ella avanzas tú. Creemos en el talento artístico nacional y creamos la plataforma para su exposición. Paulatinamente hemos promocionado concursos y talleres sacando a la luz a nuevos artistas, que más allá de motivarse por premios en metálico, lo hacen como una propuesta de exhibición ante Venezuela y el mundo. El arte actual que vamos creando se mueve a nuestra acelerada velocidad, las generaciones de relevo actualizan las perspectivas con que se observa este agitado mundo. Por ello, nuestros artistas nuevos son pieza fundamental a la hora de rotar este prisma y generar una pequeña luz que vaya iluminando realidades culturales no muy populares. Por ello, rasgamos el velo negro que muchas veces cubre al arte, mostrando realidades como la historia del cine gore o las historias originales de algunos cuentos antes de Disney –previo a que este magnate comprase los derechos y

alterase gran parte de ellos-. Asimismo, nos arriesgamos a entrar al cementerio del sur para fotografiar y observar la realidad de magníficas estatuas que luchan contra el tiempo y el olvido. También hemos explorado el momento en que la falta de tela se las arregla para confeccionar arte de gran talle; temas como el teatro burlesque y el sexo en las cónsolas de videojuegos son corrientes en voga que se han llevado más de una mirada nocturna y montones de horas del pensamiento a la luz del día. Sin contar los infinitos kilómetros de tela que aún quedan por cortar, dejamos que ya comiencen a disfrutar de la cuarta edición de la Revista Cultural Prisma; Inteligentemente juvenil.

Atentemente Osmar Peña y Valentina Moreno Editores de la Revista Cultural Prisma C.A

ESCULTURA Cementerio del Sur Entrevista a Gladys Calzadilla MÚSICA Soul Music Ensamble Kumañí

DANZA Entrevista a Nina Novak Cruz del Sacramonte

FOTOGRAFÍA National Geographic Artistas Nuevos Entrevista a Nelson Garrido

TEATRO Burlesque Actos Indecentes Absurdismo

ESPECIAL Trabajo del Ganador LITERATURA Poema Entrevista a Armando Rojas G. Cuento Crónica

CÓMIC Entrevista a Henry Álverez El Mago de Os Culturas en el Cómic

PINTURA Entrevista al Ganador de Portada Artistas Nuevos Muralistas CINE Disney Close Up Fantasmo Gore VIDEOJUEGO Sexo en las Consolas Mario Bros

Ilustración: Dreamstime

el marmol del cementerio del sur Por Susana González Nexans

Tristeza debería ser el principal sentimiento que brote en todos aquellos que caminen por un cementerio, pero las curvas en el mármol blanco, las líneas naturales, los rostros en las esculturas sobre los monumentos funerarios son capaces de encantarnos y conmovernos a través de una catarsis muy lejana a la sensación de visitar a los seres queridos, aquellos que no se encuentran ya entre nosotros. La muerte está presente en este lúgubre lugar, pero también el arte y uno muy específico en la historia venezolana. Es de conocimiento público que el Ilustre Americano- Guzmán Blanco- deseaba convertir a Caracas en un pequeño París, fueron muchos los cambios que él realizó a la -abandonada por el tiempo- capital, tratando de traer las costumbres cosmopolitas de una sociedad altamente artística. El centro de Caracas, que antes contenía el cementerio, fue adecuado para ser una zona residencial y los difuntos fueron enviados al sur, lejos del casco urbano. Este nuevo lugar de descanso final, inaugurado en 1875, tenía un diseño europeo, las calles entre las tumbas permitían el paso de los visitantes para ver a sus seres queridos y las familias más acaudaladas comenzaron a formar los mausoleos, monumentos y túmulos funerarios que ahora son capaces conmovernos como expresiones artísticas de estilo francés. El detalle en cada una de las esculturas es digno de ser admirado con detenimiento, se notan los ojos llorosos en las vírgenes, las flores marchitas que envuelven las obras, la sangre en las heridas de los Cristos y cierta naturalidad viva en la mirada de los querubines, que acompañan a niños que fallecieron prematuramente. Las múltiples representaciones de la piedad, la Vírgen María sosteniendo a su hijo muerto, los ángeles con miradas de misericordia y las figuras de Jesús son las principales esculturas entre las lúgubres calles.

Ya para el año de 1982 el cementerio había sido decretado Monumento Histórico Nacional y en el año de 1989 Patrimonio Histórico y Artístico de la ciudad de Caracas. El mausoleo del ex presidente Joaquín Crespo corona la parte más alta del cementerio, sobresaliendo con sus veintiséis metros de altura, una gran obra arquitectónica con leones cuidando las puertas. Pero en la actualidad lo que quedan son ruinas, vitrales rotos y esculturas heridas por ladrones de tumbas y el paso del tiempo. El estado de las maravillosas esculturas para los años 70’s era aún estable, las fotografías de ese período permiten admirar la maravilla de los escultores extranjeros y venezolanos, entre los criollos están los nombres de Eloy Palacios, Francisco Narváez, entre otros, los italianos: Pietro Ceccarelli, Victorio Macho, figuran entre los europeos. “La joven del Candil”, la obra de florentino Pietro Ceccarelli que adorna el monumento de la familia Fonseca. Un rostro perfecto, natural, de una joven que pareciera hacernos un gesto de silencio. Está vestida al estilo medieval y lleva en su brazo una lámpara, el simbolismo de la obra nos enseña como entra esta joven a una nueva vida. En fotos de años anteriores puede notarse que el monumento está preservado, su dedo índice se perdió al menos hace cincuenta años, pero en la actualidad la maleza invade la figura que se encuentra oculta en la vegetación, haciendo su gesto más íntimo y secreto. Pensando en el descuido que ataca a las esculturas, no se puede ignorar la situación presente. La inseguridad, así sea solo para llevar flores a los difuntos, es tan alta que la gente lo evita, las esculturas de la entrada, entre ellas el monumento a la familia Eraso, han sido víctimas del saqueo de tumbas, donde el mármol y el bronce de las obras de arte ha ido desapareciendo, dejando sólo rastros de hermosas esculturas. En la actualidad hay un pequeño boulevard en construcción que atraviesa por todo el centro del camposanto, hay esculturas que han recibido atención de extraños, hay otros que ciertas familias mantienen y continúan utilizando. Pero si paseas por ese lugar tan hermoso como espeluznante, sentirás correr por ti la vibra del folklore venezolano, donde la cera de vela y las flores están a los pies de hermosas vírgenes, ángeles, querubines y Cristos, junto a la fe y la esperanza de la resurrección, un arte proveniente de una profunda necesidad humana. Fotografía: Susana González Nexans

Por Susana González N.

Gladys Calzadilla -como muchas personas de la ciudad de Caracas- creció con la idea de ser artista, hace 20 años estudió en la Cristóbal Rojas la carrera de artes gráficas, pero se dedicó a trabajar como diseñadora gráfica en una consultora. A través de una cátedra en la Universidad Simón Rodríguez con Carlos Rihera retomó el arte, llevó su portafolio a la actual UNEARTES y sin darse cuenta se encontró involucrada en “Arteproceso”. En la Sala Rómulo Gallegos del CELARG, comenzó el viernes 3 de septiembre del año en curso, una exposición poco convencional, puesto que puedes entrar a la galería y ver el proceso de creación por parte de los artistas. “Arteproceso” se convirtió para todos los seleccionados en un trabajo arduo y emocional -donde todos los días desde temprano hasta muy tarde- continuaban creando hasta no poder separarse de sus obras, tanto así que la exposición que comenzaría en octubre estaba lista ya para su inicio en septiembre. En el caso de Gladys, su obra está concentrada en la innovación de hacer que el dibujo sea tridimensional. Inicialmen-

te la escultora estaba dedicada a la ilustración, pero en el proceso, puede decirse que llegó, a un punto intermedio, donde la idea es darle volumen al dibujo, en sus palabras: “tiene movimiento, recorridos... el fin es que el espectador se confunda con el dibujo bidimensional, con el dibujo: ‘escultórico’.”

de Calzadilla, puesto que ella juega con la línea de tal manera, que trata de romper su plano para hacerla táctil, para que de esa forma el ‘dibujo’ tenga sombra, volumen y movimiento. La obra que presenta en la exposición ‘Arteproceso’ lleva por nombre RED-282010, haciendo referencia a las redes informáticas, conexiones entre Esta artista tiene en su forma nosotros y a su manera de ver de trabajo la influencia de que “todos somos un avatar muchos maestros como Cris- en la red”. tóbal Godoy; así también, de algunos extranjeros que inspi- La asimetría es importante en raron su obra. Tal es el caso su obra, pero en medio de la de “Las nubes” del norteame- disparidad debe encontrar ricano Alexander Calder, ubi- equilibrio, para ella es imporcadas en el Aula Magna, de tante hacer ver que “creela Universidad Central de Ve- mos que somos anárquicos, nezuela. pero en realidad somos una red”. Su obra se encuentra Para ella: “lo mejor del arte es definida por lo extra pictórico que no tiene que servir… nos y por una bidimensionalidad la pasamos jugando en serio, que te obliga a moverte y a volvemos a ser niños” así que entrar en la tercera dimencuando entramos a la gale- sión. ría y la encontramos en su esquina entre alambre, cobre, El objetivo principal de esta arcd’s, latas y pintura, pode- tista es crear a través de una mos ver la mirada de disfrute línea muy delgada, entre la de la artista. Calzadilla, quien ilustración y la escultura, algo trabaja como profesora de la que en sus propias palabras Universidad Nueva Esparta, es sea “un mundo imposible”; capaz de comprender la ne- pero al hacerlo mantiene la cesidad humana de salir del calidez necesaria que puede mundo cuadrado en el cual notarse en toda la exposición, vivimos y abordar el maravi- “sumar energías vitales”, son lloso mundo de las artes. obras que respiran a través de la fuerza de artistas como Las dimensiones son esencia- Calzadilla quien simplemente les para comprender la obra busca “jugar en serio”. Fotografía: Susana González Nexans y Gladys Calzadilla

Ilustración: Auny Moons.

Orgullo de una raza Por Daniel Muro

Detroit, finales de los años 50. Época de pobreza para las capas bajas de la sociedad, incluyendo a la población negra: fuertemente marginada y discriminada. Los artistas eran rechazados por las disqueras y por los medios de comunicación debido a su color de piel. Muchos se veían obligados a distribuir personalmente su propia música, sin apoyo alguno. Pocos lograron llevar sus creaciones a algún estudio, que comercializaba los temas habitualmente sin beneficio para el artista. Su música se clasificaba como “Race music” o “Música de raza”. Los obreros negros de Detroit lentamente cambiaron sus cantos de trabajo, heredados de sus antepasados, mezclándolos con música popular hasta dar paso a lo que hoy conocemos como Blues. Este es mezclado con ritmos modernos, contemporáneos y elementos armónicos, convirtiéndose en un género conocido como R&B (Rhythm & Blues): un estilo musical que alaba el deseo puro, las necesidades físicas del hombre

y la vida terrenal. Este nuevo ritmo es aceptado y reinventado por la juventud blanca, que lo mezcla con grandes dosis de country hasta crear lo que se llama Rock & Roll. Los jóvenes negros de todo el país enriquecen entonces esta nueva música, introduciendo elementos del góspel -una tradición que resulta de la mezcla de música indígena africana con influencias religiosas de occidente y haciendo evidente las emocionales, suplicantes, jubilosas y armoniosas voces formadas en la iglesia, como las de Ray Charles y Sam Cooke-. Así nace un nuevo género musical: el Soul. Para finales de los 60, el Soul alcanza su momento de máxima gloria. Artistas como James Brown, Aretha Franklin, The Supremes, Stevie Wonder y los mismos Ray Charles y Sam Cooke, se muestran en todo su esplendor, convirtiéndose en ídolos de masas interraciales. Mientras la sociedad se debate en días de lucha, motines callejeros, conciencia racial y líderes negros, la “Música del Alma” revaloriza los elementos tradicionales cobrando importancia y convirtiéndose en un símbolo de la época. A principios de los 70, el soul comienza a decaer y al mismo tiempo a renovarse, dando origen a diversos subgéneros como el soul sinfónico y el soul psicodélico;

además de estilos derivados como el disco, con exponentes de la talla de Gloria Gaynor, Donna Summer e Isaac Hayes. De estas influencias nacen grandesartistas como Michael Jackson y Whitney Houston. En los 80 surgen nuevos subgéneros como el retro soul y el quiet storm, para dar paso en los 90 a un sonido mucho más puro llamado neo soul, representado por Mary J. Blige, Lauryn Hill, Joss Stone, Amy Winehouse, Alicia Keys y James Morrison, entre otros. Numerosos artistas contemporáneos han dejado ver en su música trazas de Soul o R&B, mezclando sus propios ritmos con sonidos urbanos y en la mayoría de los casos hip hop. Entre estos podemos destacar a Beyoncé, Usher, Akon, Rihanna y Chris Brown. En Venezuela tenemos agrupaciones como Cunaguaro Soul, que nos trae rock con aires de los 60 y 70, notas de soul y un brillante sonido acústico; y Caracas Soul Connection, grupo liderado por los hermanos Franklin y Francisco Rojas, reconocidos percusionistas venezolanos que se unieron para crear un proyecto que fusiona lo mejor del soul y del R&B de los 60, 70 y comienzos de los años 80, con ritmos latinos arreglados de manera actual. Según Peter Guralnick -crítico musical norteamericano- "El soul es la expresión de la solidaridad

negra, del orgullo de una nación que deseaba terminar con los siglos de segregación y quienes encontraron en estos cantos los fines prácticos para reclamar su identidad y espiritualidad”.

rescatando y difundiendo la música venezolana

Por Daniel Muro

piezas- aún no llegamos a cubrir todos los géneros, pero estamos abiertos a interpretar de todo. Con nuestra música abarcamos por completo la geografía nacional.

DM: ¿Han trabajado en colaboración con otros artistas?

En la búsqueda de talentos que exploren y difundan nuestros valores artísticos, nos encontramos con el Ensamble Kumañí, agrupación de Cámara que se dedica a la interpretación de ritmos tradicionales con arreglos propios. Este ensamble nace en el Grupo Experimental de Música de la Escuela de Educación de la UCV, del que formaban parte entre otros: Marlon Marcano, Héctor Oropeza y Erasmo Villarroel. Una vez que el grupo experimental se desintegrase, se unen a Kenny Guzmán, Frank Giraldo, Brigitte Zambrano y más recientemen-

EK: Sí, hemos hecho conciertos con la participación de amigos en otros instrumentos como corno francés, flauta trasversa y mandolina. Hemos tenido participación de varios talentos jóvenes de la Escuela Técnica Artística Voces de Carayaca, e inclusive a una niña de 11 años que se aprendió nuestros temas y que invitamos a cantar con te Frank Molina para formar nosotros. en enero de 2005 el Ensamble (http://ensamblekumani. DM: ¿Cuentan con apoyo ofiblogspot.com). El primer con- cial de alguna institución púcierto fue el 14 de marzo del blica o privada? mismo año en la sede de las EK: Nuestros trabajos y conVoces Risueñas de Caraya- ciertos son autogestionados. Sin embargo, formamos parte ca, estado Vargas. de los grupos de Cámara de Daniel Muro: ¿Qué tipo de la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, y ellos nos música interpretan? Ensamble Kumañí: El Ensamble apoyan con algunos concierno tiene restricciones en co- tos. También hay que reconolores musicales. En la música cer y agradecer el apoyo de venezolana hay demasiadas la Universidad Bolivariana de variantes y en nuestro reper- Venezuela, la Alcaldía torio -de más de cincuenta del Municipio Libertador y la Fundación Po-

liedro de Caracas. Además tuvimos el apoyo de la Fundación Su Majestad El Cuatro en la producción ejecutiva de nuestro primer trabajo discográfico.

DM:¿Cuántos trabajos discográficos tienen hasta ahora?

EK: En 2007 salió al mercado “Levantando Vuelo”, nuestro primer disco, compuesto por doce temas musicales de los cuales dos son inéditos, algunos son poco conocidos y el resto forma parte del acervo cultural venezolano. Actualmente preparamos nuestro segundo disco, que esperamos tener listo para diciembre. Estará compuesto por trece piezas, tres de las cuales son inéditas. Ya está bastante adelantado, de hecho ya hemos grabado diez de los temas. Es bueno resaltar que la mayoría de los arreglos los hacemos de manera grupal, es algo fundamental para nosotros. Nos reunimos, escuchamos ideas y propuestas, y vamos creando todo el material. Así trabajamos.

DM: ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

EK: Estamos invitados por el Centro Cultural Latinoamericano Simón Bolívar en Minsk, capital de la República de Bielorrusia, a un concierto el 17 de diciembre por la conmemoración del fallecimiento del Libertador, junto

Fotografíaí: Ensamble Kumañí

a la Orquesta Sinfónica de hacemos conciertos gratuitos la Radio y Televisión Bielorru- en ancianatos y hospitales sa; y a la participación en el como parte de nuestra res"XXII Sollertinsky’s Internacio- ponsabilidad social. Siempre nal Festival" en el marco de estamos abiertos a recibir las celebraciones del Bicen- invitaciones de instituciones tenario de la proclamación que quieran nuestra particide la Independencia de Ve- pación. nezuela. También tenemos confirmada la grabación de DM: ¿Cómo ven al Ensamble dos programas televisivos de Kumañí en el futuro? carácter documental. Esta- EK: Con bases sólidas, con mos trabajando en arreglos buena proyección. Somos orquestales para hacer un un grupo de amigos que nos performance Kumañí sinfóni- reunimos semanalmente a co. Hay muchas ideas, inclu- compartir buenos momentos so crear un trabajo electróni- y crear algo que dejar para co. Es importante resaltar que el futuro. Nos apoyamos en siempre hacemos conciertos la amistad que nos une para de carácter didáctico en co- continuar trabajando juntos. legios y liceos para sensibilizar En el futuro hay mucho Kua niños y adolescentes hacia mañí, con muchas variantes. la música como una activi- Además, si el 2010 fue un año dad humana que brinda mu- fabuloso y muy satisfactorio, chas oportunidades. Además ¿por qué pensar que el 2011 no lo va a ser?

La revista National Geographic nace en 1881 con la labor de juntar la escritura, los mapas y la fotografía, acercando a nosotros la sensación de haber compartido por un momento con una barrera más allá de las páginas, un viaje a una realidad paralela, una historia que se va trazando en otro lugar del planeta. Una revista que en sus comienzos -como todo- fue en blanco y negro, con marcos de hojitas de laureles y portadas sin fotografías.

Por Osmar Peña

La creación de una revista sobre geografía es un proyecto muy ambicioso, por no decir que se trata de un tema difícil de digerir por los lectores si no se tiene una perspectiva interesante. La imagen gráfica forma parte fundamental de todo proyecto editorial y realizando una pequeña investigación acerca del éxito en esta publicación, nos preguntamos ¿por qué o cómo una revista de geografía puede alcanzar a tener 9,4 millones de lectores mensualmente? La respuesta está en la frescura con que se presentan los datos, captar el dato interesante y curioso donde el lector encuentra el catch para no detener su lectura y dar vuelta a la página. Ante la propuesta de encontrar temas no explorados, la geografía nos demuestra su cualidad más atractiva: la facilidad de acercar otros lugares a nosotros... ¡qué mejor manera que el medio de verlo sea vivirlo de forma que cale en nuestras mentes! La fotografía de la National Geographic se vale de un riesgo: penetrar la mente del lector, ser observada y quedar como una imagen con niveles de evocación a lo largo del tiempo. La fuerza de la imagen no tiene un quiebre y la virtud de la fotografía brilla como el diamante más grande del mundo. El perfil a ser llenado: ser capaces de capturar vida, sentimientos y más allá experiencias de vida. Es casi imposible dejar pasar por alto la fotografía de la chica de ojos verdes que centró

la portada de la edición número 167, que luego repetiría portada en el 2002 para hacerle seguimiento a la historia de esta mujer afgana que luchaba contra la represión en su país. La imagen rompe la memoria, se escabulle en el tiempo y logra que una historia, una mujer, una fotografía, cale del fotorreportaje a la referencia común. Las fotografías de cada edición se manejan bajo la intervención de colaboradores alrededor del mundo, se expone la vida en cada parte del planeta, se extrae un pedazo de vida exaltando costumbres, retratando realidades e historia. Nuestro presente es el pasado de nuestros sucesores, pero al tener una competencia a nivel mundial, la calidad por mostrar un material real, potente y con calidad de impacto es una meta no muy fácil de alcanzar, allí nace el riesgo tras el lente. El sudor frío que puede descender por la espalda del fotógrafo que ha esperado horas por una toma perfecta ante una montaña helada, una avalancha, un volcán o los metros que han descendido para capturar la vida marina debajo de las olas. Las tomas consecutivas del obturador, la espera del momento correcto, las historias de los fotógrafos que esta revista ha

llevado a la fama sólo por una fotografía dan unas cuantas vueltas a la manzana. Los ojos de un tigre, un excampo de concentración, un desierto lleno de buitres, un bloque de hielo que se corta en forma de cruz, miles de fondos y situaciones han sido los protagonistas, ya que la cultura no sólo se compone por las personas que la integramos, sino por su ambiente y las huellas que dejan sus sombras: su historia. Tanto es así que ya existen sub-categorías de la revista especializadas como Historia y Viajes. La forma de experimentar y poder transmitir estos cortometrajes de vida, parece ser el viaje de algún reportero junto al fotógrafo y algún invitado especial como un intérprete o un guía. El fotorreportaje de la National Geographic se compone de dos realidades: fotografía y escritura. La imagen nos captura, nos llena de libertad para opinar, para intentar desquebrajar misterios creados por nosotros, pero las letras complementan esa verdad, esa realidad que se intenta transmitir desde hace más de dos siglos en las páginas de la revista de marco amarillo y fotografía de alto calibre como portada. Fotografía: Archivo Web

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Revista Cultural Prisma: ¿Qué pensaste al momento de hacer la fotografía?

Yakaly Di Roma: Esa foto la tuve en la mente por casi un mes antes de tomarla, quería obtener una imagen atrevida sin ser grosera, que fuera erótica sin ser pornográfica, con elementos ambiguos capaces de ser vistos de diferentes maneras.

RCP: ¿Qué transmite esa fotografía para ti?

YDR: Más que transmitir, me gustaría saber que mi foto despierta sensaciones y provoca efectos asociados al deseo que evoca la belleza y sensualidad femenina. Por supuesto que lo especial tiene que ver con usar elementos inesperados como la leche y los huevos de una manera sugerente a favor de la fantasía masculina.

RCP: Define tu estilo

YDR: Irreverente y llamativo. Mis fotos son un soporte para transmitir un mundo visual donde las palabras son sustituidas por imágenes que proyectan personalidad. Suelo armar personajes, situaciones y conceptos, replanteando la belleza desde otras perspectivas, condiciones y preguntas. No me gustan los montajes, de hecho prefiero crear los escenarios delante de la cámara que en la computadora, creo que para que la ilusión se produzca, la imagen debe ser impecable.

Nombre: Yakaly Di Roma Edad: 22 años Reside: Isla de Margarita, Edo. Nueva Esparta, Venezuela Email: yakalydiroma@gmail. com Web: http://yakalydiroma.weebly.com Estudia: Arte - Mención: Diseño gráfico (8vo semestre). Título de la foto: No identifico mis fotos con títulos, dejo que ellas hablen solas.

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Revista Cultural Prisma: ¿Qué pensaste al momento de hacer esta foto?

Ernesto Durán: Para ser sincero, sí, es cierto que normalmente piensas o tienes una vista previa de lo que quieres lograr en una fotografía, pero si hay algo que he podido comprobar yo mismo es que muchas veces, la “magia” sucede cuando no la piensas. En el caso de esa fotografía, así fue, de hecho, estaba en pleno viaje, por tierras merideñas y esa foto la tomé en un momento que nos detuvimos para desayunar, lo cierto es que los momentos muchas veces se nos vienen sin pensarlo, obviamente piensas en las básicas de composición encuadre, etc; pero a la larga lo que importa es que sepas ver, detallar, analizar. Lo demás es intrínseco.

RCP: ¿Qué transmite esa fotografía para ti?

ED: PAZ. Yo tengo una especia de “Ritual”, que va muy ligado a eso que me transmite una fotografía una vez que termino de editarla y cuando la subo a mi portafolio digital, suelo acompañarla con un texto bien sea poético, bien sea de reflexión, pero que sea lo que me transmite esa fotografía al momento. En el caso de esta foto, lo que me hace sentir es paz, es como ese estilo de vida tan sublime, tan sencillo pero a la vez tan “mágico” (no tengo otro término para identificar ese tipo de situaciones, lugares, etc) y lo espectacular del paisaje habla y transmite por si mismo, yo sólo fui el intermediario que lo confirma.

RCP: Define tu estilo

ED: Soy un Caminador. Un Viajero. Considero que, en estos

momentos, soy un Fotógrafo de “aire libre”, mis mejores tomas han venido de situaciones totalmente casuales, de momentos puntuales, pero creo que soy un fotógrafo que sabe ver, eso es todo. A futuro, quizá no muy lejano, y haciendo muchas pruebas, espero definir mi estilo con solidez. Hay varios campos dentro de la fotografía que me gustan, pero por los momentos considero que aún hay cosas por poner a prueba.

Nombre: Ernesto Durán (me hago llamar “Erune”) Edad: 21 años Ciudad: Nativo y Viviendo en Caracas – Venezuela Contacto: eruned@gmail. com Profesión: Diseño Gráfico (trabajando y estudiando)

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Nombre: Carmen Moreno Edad: 36 años Lugar de residencia: Caracas, Venezuela Contacto: cmorenophoto@gmail.com Profesión: Fotógrafo independiente.

Revista Cultural Prisma: ¿Qué pensaste al momento de hacer esta foto? Carmen Moreno: La idea surge por una frase budista que habla de que el tiempo perfecto es el presente. Me gusta esa filosofía y trato de aplicarla a mi vida con muchísimo esfuerzo lo que se traduce en un factor de constante debate interior. RCP: ¿Qué transmite esa fotografía para ti? CM: Precisamente mi preocupación constante de que el tiempo pasa y no espera por nadie, lo difícil que es dejarse llevar sin pensar en cuantos días pasen

porque el tiempo es relativo, cosa que choca con la idea totalmente contraria con la que nos educan nuestros padres, pero que en realidad representa un desgaste para nuestra mente y nuestro cuerpo, el recordar el pasado y desesperarnos pensando en el futuro. Refleja lo obvio: que a mi me sigue importando el tiempo tal y como lo vemos los occidentales pero que sigo trabajandolo para verlo como sé que es mejor. Viviendolo en presente. RCP: Define tu estilo CM: Uso muchos tonos, contrastes y luces suaves que suelo al-

ternar con tonos pasteles, cross processing o el blanco y negro, según lo que me transmita la foto, uso lentes de desenfoque selectivo, para que la imagen luzca etérea, como un sueño. Muchas reflejan mi estado de ánimo, mis sentimientos, miedos, momentos de mucha paz, otros llenos de nostalgia; me gusta reflejar la soledad, pero la soledad que se disfruta, la esencia de los objetos más simples, fotografiar la naturaleza para mí es tan sublime como capturar a alguien mientras danza, pero si tengo que definir mi estilo diria que nací siendo vintage.

¿Quién soy yo? “una caja de resonancia de la gente que ha compartido conmigo y yo tuve la suerte de conocer” Por Susana González Nexans Una persona, una imagen: Nelson Garrido. Este fotógrafo tan importante para la movida actual puede pensarse como un personaje misterioso, pero contrariamente a eso no hay nada intenso en sus ojos, sino una calidez propia de la persona anónima, del andino en el páramo, del pescador en la costa. Nelson Garrido es un venezolano que ama su país, su visión es en sus propias palabras la de un “sector minoritario de Venezuela… muy honesto, es la visión de un individuo que adora a su país”. La obra de Nelson Garrido es muy grande y extremadamente variada, puede incluso asumirse que hay dos ‘Nelson Garrido’, puesto que se conoce la obra del fotógrafo para la Fundación Bigott y su obra personal; simbólica, cruda y seductora. En éstas dos percepciones del autor podemos conocer dos facetas no sólo de su trabajo, sino de su vida, puesto que mucha gente cree que el hombre que se ha lanzado por todo el país, conociendo y capturando imágenes de

Una vez que comienza a conocerse la obra personal, producto de una descarnalización de los elementos que en determinado momento de su vida, limitaron y castraron la libertad de un joven que cuestionó desde un principio la limitación de horizontes. Para él “cada persona es un camino individual que hay que respetar” es por ello que su obra es su “exorcismo personal para eliminar sus miedos”. El dogma católico invade el arte simbólico de la fotografía de Nelson Garrido, a la par

que también lo hace la queja a la institución que castra la individualidad. Las manifestaciones populares son capaces de mostrarnos a los ojos los temores y amores de la sociedad venezolana, de presentarnos el alma de los rostros humanos, de ese factor vivo en los ojos del trabajador, del padre de tu ahijado, del niño que viste crecer y que ahora te pide lo acompañes a tomarse unos tragos. Hay en las dos otras partes del trípode cierta similitud al pensar en cual será el fin real de la expresión artística, en el caso de Garrido, es llegar a lo divino, acercarse a Dios. Entonces de una manera humana y cercana a nosotros “la muerte; pequeña muerte” es la que se refiere al placer del sexo, capaz de encarar para el fotógrafo, el camino a Dios, sin institución “romper el peaje y comunicarse con Dios de manera individual”.

La queja -es por mucho- parte de la obra de Garrido, pensando justamente en sus palabras “el silencio es complicidad”, se puede entender que en él se encuentra el espíritu de una persona ardiente por expresar sus opiniones, es en este caso, la expresión de una idea y tal como él dice “ las ideas siempre son invisibles”. Si conseguimos una foto de la Fundación Bigott o una del trabajo persona de Nelson Garrido, vamos a encontrar la misma esencia, lo cual es en sus palabras: “Más allá de la bandera, del himno, el anónimo del páramo”… ¿quién soy yo? “una caja de resonancia de la gente que ha compartido conmigo y yo tuve la suerte de conocer”.

Fotografía: Nelson Garrido

todo el imaginario venezolano, de lo que él llama “devoción es una ilusión y mientras hay ilusión hay futuro” es uno diferente al que establece su obra con el siguiente trípode “religión, muerte y sexo”, cuando realmente son dos formas de mostrar la misma visión.

Ganador “Arte de Portada” - 1er. Lugar: Jonathan Costa

ECOMOJI. Realizado por Jonathan Costa

TECHNOLOGY. Realizado por Jonathan Costa

ZINA. Realizado por Jonathan Costa

HOSPITALARIO, EL FRÍO Por Graciela Yáñez

Para Edmundo Bracho Escondo mis manos en los bolsillos, entre mis piernas, en donde quepan En vano intento protegerme un poco del hielo que se siente en la ciudad Me meto en cuanta cama acolchada me ofrezca una noche sin pesadillas

Ilustración: Auny Moons

Colecciono amores como barajitas A los que preguntan por qué tiemblo les miento, “cosas del invierno” y sólo tu libro, cuando me leo sabe que el clima poco condiciona el torpe movimiento de mis dedos

Algún día hablaremos sobre eso No me quitan el sueño tus textos, de eso se encargaron otros Tus poemas me guardan compañía Los leo uno a uno, no me apuro Es como hablar con alguien que me sabe Por eso dosifico el placer Aquí hablo con mucha gente pero me desnudo sola y los lunares que tú no conoces aquí en mi Gran Manzana blanca apenas el frío los ve

gyv / brooklyn, 20 nov 2008

Armando Rojas Guardia:

Pininos de un escritor La Revista Cultural Prisma tuvo la oportunidad conversar el respetado poeta venezolano Armando Rojas Guardia sobre el inicio de su interés por la literatura y algunas de sus preocupaciones filosóficas. A continuación la charla.

V a l e n t i n a Moreno:¿Cómo influyo tu padre, escritor y miembro del grupo viernes, en tu interés por el trabajo creativo? Armando Rojas Guardia: Sin el ejemplo paradigmático de mi padre creo que no hubiera sido posible mi vocación literaria, una tía mía, Albertina, sólia contar que a los 4 años de edad sentados los dos en el jardín de sus casa ella me preguntó ¿Armando cuando seas grande vas a ser poeta? Y yo le respondí, no no es que yo voy a ser, ya lo soy. Una frase como esa a los cuatro años de edad hubiera sido imposible sin el ejemplo de mi papá.

yo diría que desde mi primera infancia yo sabia que a la hora de redactar una composición colegial o de leer en voz alta un texto, en esas dos materias yo era fuerte. Luego en la segunda mitad de la infancia y en la pubertad, la idea de entregarme a la literatura se desvaneció, y empezaron a surgir otras metas posibles como alternativas profesionales, pero a los 15 años leyendo Poeta en Nueva York de Federico Garcia Lorca,- que es un libro muy La vocación literaria surgió extraño y muy atípico dentro en mi desde muy temprano, de la obra de Garcia Lorca,

porque en él , el autor paga una deuda irrenunciable con el surrealismo y hay un barroquismo imaginativo delirante- un libro extraño pero a mi me conmovió de una manera tan radical que yo me dije “ esto es lo que yo quiero ser, poeta” y empecé a escribir metódica y sistemáticamente. Me daba miedo mostrarle mis poemas a mi papá pero mi mamá comenzó a alcahuetearme y le mostraba esos textos a mi padre, un día ella llegó a mi cuarto, se sentó en mi cama, yo estaba sentado en la silla del escritorio y tuvimos una entrañable conversación sobre la poesía y así comenzó todo.

¿Con que otros autores recorriste ese camino de nuevo interés por la poesía?

Bueno unos poetas venezolanos que yo leía muy concienzudamente, Rafael Cadenas y Ramón Palomares, en mi primer poemario que es del año 1979, publicado ese año, tanto en la primera como en la tercera sección de ese libro se

nota la influencia de Palomares. En la primera sección que se llama sol joven, hay un trasunto de la poesía de Palomares perneando todos esos textos, y en la tercera parte que se llama Oficio de vísperas, se nota que el peso de la influencia de la poesía de Cadenas. De Cadenas me entusiasmo una entrevista que leí en Papel Literario que me deslumbró, una entrevista atípica porque Cadenas hablaba no desde la conciencia estética, sino desde la espiritualidad, eso me entusiasmo , entonces lo leí muy estudiante jesuita de Filosoafanosamente alo largo de fía, luego al salirme de jesuita toda mi adolescencia. continué mis estudios de Filosofía, en Bogotá y en FriburLuego surgió en mí otra vo- go, no se me ocurrió estudiar cación, la vocación religiosa, Letras hasta cuando estaba desde los diez años empecé terminando el segundo año a acariciar mentalmente la de filosofía que mi papá me idea de ser sacerdote y de puso en contacto con Gustaser sacerdote jesuita, a los 18 vo Diaz Solis, que es un gran años decidí entrar al semina- cuentista y traductor venezorio jesuita y recuerdo que la lano. conversación que tuve con el Provincial de Venezuela, que Por otra parte mis viajes fueera la autoridad suprema de ron experiencias decisivas, los jesuitas en el país, él me porque en Bogotá pude nupreguntó ¿Cuál de las dos trirme mucho de las expevocaciones, la vocación re- riencias de mis amistades en ligiosa y la vocación literaria la Javeriana, y luego en Fries en ti más decisiva? Y yo le burgo, la orientación filosófidije sin duda que la vocación ca de la facultad era el arisreligiosa. De modo que a los totelicotomismo, pero ya en 18 años entré al seminario je- Europa comenzó un malestar suita y estuve 4 años, psíquico profundo y me la pados años de novicia- saba encerrado en mi cuarto do y dos años como leyendo y estudiando, tenia

contacto con algunos amigo pero era un gran solitario. La filosofía entonces encauzo una cantidad de preguntas sobre la vida y la realidad que yo me hacia.

¿Cómo compaginaba su visión filosófica con el catolicismo?

Se abusa mucho de la creencia de que el Catolicismo es una religión eminentemenente dogmática, un dogma es una verdad cuya cristalización garantiza que una determinada doctrina no se desnaturalice, por ejemplo, la afirmación de que existe un Nirvana es n dogma para el budismo; el Catolicismo ¿cuáles son los dogmas, la Trinidad, la Encarnación, la Redención, pero el catolicismo no debe imponer a nadie esas verdades dogmáticas, ese ha sido el crimen histórico de la Iglesia Católica. Armando Rojas Guardia es considerado una de las más grandes voces poéticas vivas del ámbito literario venezolano, fundador del grupo literario de los 80´s “Tráfico”, es autor de más de una veintena de libros entre los que destacan “Del mismo amor ardiendo”, “Fuera de tiesto”, “El Dios de la intemperie”o “Ingrimo”, actualmente dicta una serie de talleres literarios con la Fundación Cultura Chacao y en su hogar.

Fotografía: Auny Moons

Por Vicente Ulive-Schnell Y cuando se resignen y desistan en su tortura desesperada de mi carne, jamás serán agradecidos. No mirarán la época pasada con satisfacción y placer. No verán lo privilegiados que fueron. Mientras me marchito y me seco, no puedo dejar de pensar en lo torpe y corto de vista que ha sido este grupo de seres aglomerados en un terruño que porta la cicatriz del Orinoco arañándole el Amazonas.

Fotografía: Dreamstime - Jurij Sorli

Yo los espiaré. Me deslizaré bajo sus pies, oculto entre inmensas capas de tierra. Sentirán mi presencia, el imán de la riqueza atrayéndoles con su canto de sirena: -¿Por qué no somos más adinerados? –preguntarán en Finalmente eyaculo, un cho- voz alta-, ¿por qué no tengo rro de semen cayendo en el una casa grande? rostro del dictador Gómez y salpicando a las potencias Estiraré mi barba mefistofélica para escurrir gotas que extranjeras. los alegrarán. Habrá inversión Los nutro, permito que me extranjera. Multiplicaré el emchupen, sus avariciosos dien- pleo al antojo de sus polítites royendo mis venas hin- cos. chadas, succionando mi coLas naciones desfilarán y verazón. nerarán este país, incluso a Ellos padecerán, ellos verán veces el respeto será sincero. los diablos que salen de mi Seré una lanza, un arma dialma. plomática. Tronarán los griHabrá fiesta, habrá regocijo, tos en las salas de discusión, al final todos vestirán oro, sin compraré alianzas y mantenpercatarse de que los llevaré dré la máquina aceitada y al hoyo negro, que mezclaré andando. su sangre y sus huesos hasta convertirlos en un líquido ran- La orgía durará siglos. Crearé lagunas enteras de betún cio. donde ellos se bañarán y Soy un abanico de posibilida- beberán hasta saciarse. Los des. Soy la libertad. Conmigo cuerpos se revolcarán hano habrá restricciones, no ha- ciendo el amor en mi lodo de brá moral. Todo lo pensarán, combustión y gula. todo lo harán para beber de mi boca. Traicionarán, denun- Algún día desfalleceré, pálido ciarán, torturarán y matarán. e incapaz de hacer girar el Siempre vendrán pidiendo molino. Pero ellos no lo acepmás. ¡Soy la droga perfecta! tarán. Tratarán de reanimarme, introduciendo tubos en cada centímetro de mi piel. Siento sus pesadas botas pisotearme. Una estampida de nacionalismo –hoy desarrollaremos al país- dicen, mientras oprimen mi garganta e intentan violarme con sus tubos de acero.

Vicente Ulive-Schnell (Caracas, 1976). Narrador. Autor de Anécdotas de la decadencia caraqueña, Caracas cruzada e Historias de un arrabal parisino. Su nuevo manuscrito, de donde se extrae este texto, se intitula, Yo maté a Simón Bolívar. *Este texto es parte de un proyecto más extenso que será próximamente editado.

Patrimonio universitario

Por María Karina De Gouveia

obras de arte plástica entre esculturas, murales y vitrales y diversas estructuras que hacen de la arquitectura de sus edificios una de las más modernas de Venezuela y el continente. Igualmente, el conjunto de salas y auditorios son un abreboca antes de llegar al Aula Magna -la sala con mejor acústica de América Latina- y la última estación de un estudiante antes de graduarse.

Esta magnífica obra comenzó a construirse en 1944, estuvo a cargo del genio venezolano Carlos Raúl Villanueva, siendo esta su máxima creación y puede considerarse un museo en su totalidad. Sus espacios están hechos para que haya juegos con la luz natural y contacto cercano con la naturaleza. Al igual que cualquier ciudad o pueblo, está llena de mitos y leyendas, de personajes que parecen mileLa Ciudad Universitaria de narios y fantasmales a la vez. Caracas no es sólo un patrimonio urbano sino patrimonio Lamentablemente, este precultural de la humanidad. En ciado y valioso lugar no esella se albergan más de cien capa del deterioro de sus

instalaciones así como del abandono por parte de las autoridades, que desde hace mucho tiempo hasta la actualidad no se han encargado lo suficiente de preservar a esta pequeña urbe. Quizás es por esto que muchos la ven como un reflejo de nuestro país. Personalmente creo que todos los amantes de los patrimonios urbanos -y público en general- debemos tomar en cuenta las palabras de reconstructores de ciudades, como fue Villanueva. Finalmente, acá los dejo con una cita extraída del diario El Nacional en su edición del 3 de Diciembre de 1953 y que muestra la más bella opinión de este arquitecto con respecto a su obra: “Ella ha sido diseñada con un límite de capacidad (…) La Ciudad Universitaria, cuando la termine, debe ser conservada sin ninguna alteración. Sus jardines son parte de su belleza y cuando los árboles crezcan más bella será todavía.” Fin de la crónica

Fotografía: Enzo Sebastiani Verlezza.

Caminando diariamente por sus calles y pasillos nos damos cuenta de su grandeza y belleza. Ella, que ha sido concebida para recibir diariamente a miles de personas y dejarlos ir al finalizar el día, es toda una ciudad. Se encuentra inmersa en Caracas y cuenta con su propia colectividad, estructuras y un sistema político autónomo que permite que sus habitantes elijan a sus autoridades. Transitar por estas calles es parte de mi cotidianidad; ya sea como estudiante, como profesor o como trabajador, nos acostumbramos a vivir allí. Y cuando digo “vivir” lo digo en sentido literal; muchos sustituyen esta casa por su propio hogar, pues presta todos los servicios necesarios para esto: un comedor que ofrece desayuno, almuerzo y cena; un sistema de transporte tanto interno como externo, entre otros.

Por Osmar Peña

La Revista Cultural Prisma dentro de sus iniciativas para promover el talento nacional y la creación de nuevas expresiones artísticas y culturales, lanzó el concurso ‘Arte de portada’; con el cual se buscó encontrar nuevos artistas y maneras de expresión con calidad nacional. Desde todos los rincones del país nos llegaron propuestas, ya sea desde fotógrafos en Yaracuy o pintores en la Isla de Margarita, el talento no encuentra las barreras que lo frene y he acá los frutos. De todas las propuestas que nos llegaron, seleccionamos como ganador del primer lugar a Jonathan Costa, un artista que juntó la fotografía y el diseño para crear una visión única de la ciudad de Caracas. Este joven de apenas 23 años de edad nos dejó apreciar, cada uno de los toques en su composición, desde el grueso de los puntos de tinta hasta los grupos de gente entre las edificaciones, marcando así algo único en su punto de vista. Y lo entrevistamos para ahondar en su definición de que la ciudad es de una forma específica, Fotografía: Jonathan Costa

la ciudad para nuestro ganador del concurso es de la siguiente manera...

Osmar Peña: Háblame de la pieza, su significado, su estilo, su composición

Jonathan Costa: Esta pieza está inspirada en el estilo de vida de la gran Caracas, cada espacio es un sub-mundo de ideas y de diferentes clases sociales, combiné distintos sitios porque siento que, lo que necesitamos en estos momentos es una unión entre las diferentes clases, los trasfondos que tiene la imagen representan lo que es esta ciudad: caótica y ruidosa.

OP: ¿Por qué eliges la fusión entre fotografía e ilustración para el concurso ‘Arte de portada’?

JC: Para darle un aspecto un poco más urbano a la composición.

muy antigua, ha cambiado demasiado... pero el smoke la ha vuelto gris, el descuido por parte de las personas y de sus gobernantes.

una hace meses, y otra hace un año. En cuanto al significado, trato de dejar siempre algún mensaje en mis obras, tales como sentimientos y críticas hacia el mundo. OP: ¿Es Caracas -para ti- sólo Mis piezas hablan por sí misgente y edificios altos? Co- mas, lo que más me gusta es méntanos acerca de esta que cada quien las interpreperspectiva que tomaste en ta a su manera, porque son la obra. el reflejo de lo que cada uno JC: Sí, para mí eso es Cara- vive y cada experiencia que cas, gente y más gente; cada tienen las personas ante la vez está mas superpoblada... vida. ya no caben más edificios, ni casas; por eso en la obra ven OP: ¿Cómo te parece el arte todo saturado, los edificios en Venezuela? combinados, etc. es a la vez JC: Por los momentos su difuunión y desorden, porque Ca- sión es poca y no lo conozco racas creció tan rápido que mucho, opino que deberían ahora estamos unos encima dar un poco más de apoyo al de otros. arte en Venezuela, crear cultura de arte. Aquí he conociOP: ¿Qué artistas forman par- do mucha gente con talento te de tu inspiración? que -desafortunadamenteJC: Shin Tanaka, Simone se van porque tienen mucho Legno, Yuko Shimizu, Panda más apoyo en el exterior que Crew acá.

OP: ¿Por qué eliges estos lugares de Caracas específica- OP: Háblame de tu trayectomente? Y ¿Por qué Caracas? ria como artista. JC: Caracas es el lugar don- JC: Por ahora estoy recién de nací y crecí, donde veo saliendo y dándome a conodesde las cosas buenas y ma- cer como artista; me gradué las día a día, lo que observo hace poco, gané el concurcotidianamente en mi vida so de mimobot en mención y los cambios tan radicales honorífica y cada día trabajo que posee la misma Caracas en mis ideas para plasmarlas cuando te trasladas a dife- en un papel o en la computarentes municipios, parecen dora, tengo muchos proyecotros países, otro mundo. tos más para el futuro, pero como dicen... poco a poco. OP: ¿Por qué el blanco y negro? OP: Háblame de las otras pieJC: El blanco y negro para mí zas que aparecen en el eses la representación de lo an- pecial. ¿Cuándo y cómo las tiguo. Caracas es una ciudad creaste? JC: Esas piezas fueron creadas

OP: ¿Dónde podemos saber más de ti? Puedes colocar tus blogs o páginas web. JC: En este blog pueden ver mis trabajos y ahí está el facebook igual. http://usagibot.blogspot.com/

Cortesia de: Dreamstime - Madartists

nuevo

Residente en: La Trinidad, Caracas Estudia: Ilustración La ilustración se llama: Cernunnos Técnica: acrílico, color y marcador

Inspiración: Esta ilustración fue inspirada en el Dios Cenunnos, el característico macho cornudo relacionado con la fertilidad en la cultura Celta. En principio fue un concepto que evolucionó muy lejanamente a lo que tenía en mente; experimentando con las manchas de colores de acrílicos logre desarrollar el matiz de colores y las mezclas que se reflejan en la obra. Contacto: noustropos@gmail.com

Cortesia de: Dreamstime - Madartists

nuevo

Residente en: San Tomé, Anzoátegui. Estudia: Educación (UNEFA) e Ingeniería en Sistemas (UNA) Título de la ilustración: “CORREN GRAVE RIESGO –los que esperan ‘divina’ muerte”–. Técnica: Pintura sobre drywall (60 x 39 cm)

¿De dónde viene la inspiración para esta obra?: “…Hay pinturas a las que no me gusta describir; me gusta dejarlo a la interpretación de la gente... la pintura (como todo arte) debería estar para comunicar el mensaje por si misma… “ Contacto: acisclohernandez@hotmail.co.uk

Cortesia de: Dreamstime - Madartists

nuevo

Residente en: Algún recóndito lugar Inspiración: "La obra fue parte de una serie de ilustraciones comisionadas que representaban los arcanos mayores del tarot, del conciente colectivo ésta es la carta de "la estrella" la cual representa el alma humana, quise plasmarlas por medio de la representación de los Estudia: Ilustración tres aspectos mentales, el “yo” (la mujer desnuda en un cuerpo carnal); el “ello” (el niño juguetón que obtiene el placer que La ilustración se llama: “La Estrella” quiere sin importar las consecuencias); y el “súper-yo” (el cual se eleva a niveles superiores a los dos anteriores pero a la vez Técnica: Acuarela rige los planos inferiores de la conciencia). Contacto: auny.moons@gmail.com y www.aunymoons.net

son un collage que muestra las ideas a través de una óptica fresca e innovadora.

Por Susana González Nexans

La imagen es sin lugar a dudas el símbolo con mayor carga en el ser humano, puesto que es a través de ella que se percibe el mundo en todos sus aspectos. Por medio de la visión, los colores y las formas se crea en nosotros una respuesta particular, al apelar a ese universo conocido que guardamos en nuestro interior, y ella es la base fundamental del arte urbano. El mural es una expresión antigua que ha ido evolucionando, como muchas otras expresiones del arte, con los avances sociales que en la actualidad se han convertido en símbolo de expresión urbana y reivindicación social. La diversidad de los murales, los diferentes temas que tratan,

Caminar por las calles de Caracas involucra ser víctima del caos y el desastre propio de las grandes ciudades, en los muros siempre podemos encontrar expresiones artísticas, la pintura no es la única que forma parte de los murales que decoran la ciudad, también los hay en cerámica, porcelana y otros materiales. Los estilos varían y aunque el mural histórico es el que protagoniza las obras públicas, la queja social y otras visiones de mundo son las que vemos en los murales de producción independiente. El nacionalismo y otras expresiones sociales usan como herramienta de difusión todo tipo de manifestación artística que pueda acercarse a la población urbana. Las calles de Caracas exhiben diferentes momentos de la historia venezolana, con cada gobierno se han resaltado unas figuras sobre otras, mostrándose de esta manera en cada uno de los murales, el collage que muestra la diversidad cultural atrae todas las miradas y desafía la visión de todo lo que conocemos. El mural tiende a una función más allá de la expresión artística, ya sea de enseñanza o de información y la gran ma-

Son muchos quienes apoyan a estos muralistas, las crecientes tendencias sociales han brindado al arte espacios para que puedan crear. En la parroquia 23 de Enero de concentran una gran cantidad de murales, en los cuales el tinte político define las líneas que forman estas representaciones de arte. Otros murales como los de la Universidad Central de Venezuela, fueron creados con fines estéticos y con otras líneas de estilo, como son los murales cinéticos tan representativos de la ciudad. El mural de Patricia Van Dalen, en la vía de Santa Rosa de Lima, es una muestra de lo que son capaces de crear los artistas venezolanos en representaciones artísticas. Por otro lado, la obra de Juvenal Raveno, ganador en el año de 2008 del Premio Nacional de Artes Plásticas, ubicado en la Av. Libertador, es un mural cinético que propone cierta estética que crea -en un amplio espacio- la visión de un arte que se fundamenta en la simetría y el equilibrio cromático.

La representación mural forma parte importante de la estética caraqueña y es gracias a ella que la ciudad posee las diferentes visiones que la caracterizan como una metrópolis moderna con muestras de arte urbano y actual. Fotografía:Archivo Web

yoría de las visiones urbanas se caracterizan por ser quejas o expresiones sociales. Un grito el que queda representado en las paredes y muros de Caracas cuando un joven con sólo sus stencils y la intensión de crear, elige un espacio blanco y en él plasma su visión de vida.

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“Disney nos ha traído joyas de la animación en películas como Aladdin, La Bella y La Bestia y El Rey León. Tomando historias de escritores como Lewis Carroll o Charles Perrault, siempre han llevado a la gran pantalla—y a la pequeña—mundos de fantasía y belleza incomparable. Pero estas historias ¿Siempre han sido así?” Por Javier Letterer Una corte real en un castillo, dos zapatos de hierro calentados al rojo vivo son colocados frente a una mujer. A ella se le obliga a pararse sobre ellos, lo que le quema los pies, el humo se hace visible. La mujer -aterrorizada y adolorida al extremo- es entonces obligada a bailar con las zapatillas ardientes, hasta que muere de agotamiento. La escena anterior no proviene de un manual de torturas de la Inquisición, ni de antiguos manuscritos sobre suplicios. Es el final original de

Blancanieves y los Siete Enanos, como se le conocía en

sobre la envidia de la Reina. Sin embargo, la historia ensalzaba la venganza, además de mostrar un castigo cruel a una persona. Quizás fue precisamente lo que pensó Walter Elías Disney, fundador de la empresa que lleva su nombre. La historia de Blancanieves en sí era utilizable para realizar una película, pero Disney tenía en cuenta que estaba dirigiéndose a un público de adultos y niños por igual. Además, su visión era una en la que podían existir mundos hermosos, llenos de fantasía. No había lugar en su mundo para la tortura ni la venganza. Si había que cambiar algo en Blancanieves para que fuera apta para todo público, pues se cambiaría.

las regiones germánicas del siglo XVIII y como fue recopilado por los Hermanos Grimm. Al final, la venganza de Blan- En 1937 se estrenó la película canieves y el príncipe, triunfó original, que fue recibida con

Así comienza la tradición de Disney de modificar las historias originales para darles un tono menos sombrío, finales felices y moralejas. Por su puesto, esto les permite tener un público amplio y mayores ganancias. Poniendo de lado la parte económica, que es de más evidente y harto conocida, demos un vistazo por algunas producciones que cambiaron entre su concepción original y las producciones de Disney:

sirena a humana es también extremadamente dolorosa.

La Bella Durmiente: La ver-

sión más antigua conocida, de Giambattista Basile, nos cuenta como la princesa se despierta luego de haber sido violada por el príncipe, embarazarse y dar a luz, cuando uno de los bebés le chupa el dedo, sacándole la aguja envenenada.

El Zorro y el Sabueso: La novela de Danniel P. Mannix es treLa Sirenita: En el cuento original de Hans Christian Ander- mendamente triste, y una de sen, la Sirenita termina con- las que más sufrió cambios. vertida en espuma marina al Basta decir que originalmenno poder matar al Príncipe te Tod (El Zorro) termina, tras para recuperar su forma ori- años de evasión, trampas, paginal. La transformación de

rejas y cachorros asesinados, muerto de cansancio escapando de Copper (El Sabueso) en una persecución de dos días. El Amo de Copper entonces, tiempo después, le mata con su escopeta para irse a una casa de retiro. Aunque Disney modifica las historias para hacerlas más felices—y más comercializables—no se puede negar que siempre lo ha hecho de forma elegante, creando verdaderas obras maestras, que mantienen el espíritu de sus fuentes originales, encantando la mente de cada nueva generación.

Ilustraciones: Acisclo Hernández

ovaciones de una multitud de personas, incluyendo estrellas de cine. La historia fue cambiada en varias cosas, pero la más notable es la Reina muriendo a causa de sus propias acciones malvadas: al caer un rayo en el risco donde se encontraba, éste se rompe y ella cae al vacío, y presumiblemente es aplastada por una roca que instantes atrás intentaba arrojar sobre los enanos. El “castigo divino” a un villano es aceptable, puesto que los héroes no se vilifican: No es Blancanieves quien condena a su madrastra al igual que Clayton en Tarzán se provoca la muerte cegado por su propia ira.

Por Gabriela Mesones

En una entrevista Jonás Romero García -director y guionista del cortometraje FANtasmo- dijo estar harto del tema de la objetividad respecto a los medios de comunicación. ¿De qué se trata eso de ser objetivo? ¿Cómo lo logramos? ¿Quién nos dice que lo hemos logrado? Pero creo que lo más importante es saber cuál es el verdadero uso de la objetividad ¿Por qué la gente la añora tanto? Romero García nos dice que la gente debe aprender a confiar en el criterio y la perspectiva de quienes les quieren comunicar algo. Esta afirmación adquiere connotaciones particulares en el contexto de nuestra

verdaderamente conoce: del protagonismo que tiene un fantasma en la cotidianidad. Aunque haya tenido ciertos problemas de difusión, ganó el premio a la mejor película FANtasmo es un corto que nos venezolana en el festival esofrece una fusión perfecta tudiantil Viart 2009 y fue incluientre lo subjetivo y lo objetivo do, en consecuencia, en la en lo mediático: opiniones y sección Radar de los Encuencriterios particulares que defi- tros de Cine de América Latinen lo cotidiano a partir del na de Toulouse, dedicada a encuentro de sus perspecti- lo mejor del cortometraje lavas. Porque no hay nada más tinoamericano. Mejor pelícuobjetivo que la realidad del la del Festival de cine de los Altos Mirandinos 2009, selecdía a día. ción oficial en el Festival DoRealizado en el año 2009 por cumenta Madrid 2009 y mejor Jonás Romero García como documental del Festival Doproyecto de tesis para la es- cumenta Caracas 2009, FANcuela de Artes de la UCV, tasmo es una muestra intereFANtasmo recibió mención sante de nuestra actualidad honorifica. Más tarde se rea- comunicacional. lizaron varios intentos por proyectar la película en la Cinemateca y en el Centro Cultural Chacao, pero ambos rechazaron el cortometraje ya que consistía en un trabajo “ambiguo”.

actualidad: un país llevado como un programa de televisión, liderado por un showman -Chávez- que maneja lo político en lo mediático de forma novedosa y efectiva.

Curioso, sin duda, pues es la parcialidad política en los medios lo que suele condenarse. Lo cierto es que los realizadores lograron sus objetivos con un corto que no nos habla de política e historia, de datos y cifras, de apoyar o criticar; sino de la influencia que tiene la política en nuestro día a día, del protagonismo que tiene una persona en la vida de todos, pero que ninguno

Fotografía: Fantasmo Film

Toda esa salsa de tomate guía fugaz hacia el cine

Por Merchigod Gil

Fotografia: Archivo Web

Estoy en el cine. A mi lado está un amigo que me invitó la entrada y que ve religiosamente cualquier película de terror que se le atraviese. Le pregunto si alguna vez siente miedo o asco... o algo. Siempre calmado, me exige silencio. Empieza la función. Primera escena de Eden Lake (James Watkins, 2008). Todo parece tranquilo, pero sé que eso cambiará pronto. El cine gore o splatter surge del teatro underground parisino en 1908. Le théâtre du Grand Guignol (Teatro del títere grande) ofrecía representaciones de torturas, asesinatos y violaciones; escandalizando a las sensibilidades más débiles y encantando a los de nervio más afilado. En formato cine, Intolerante (D. W. Griffith, 1916) mostraba decapitaciones y soldados atravesados por bayonetas. El trasfondo oscuro del cine negro y policial refortalecería el cine de terror a finales de los 50 e inicios de los 60 y el gore maduraría en clásicos como Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) y Jigsaw (Val Guest, 1962). En Italia ya existían documentales sensacio-

nalistas tipo mondo, género equivalente al gore. Mondo cane (Gualpiero Jiacopetti, 1962) muestra crudamente las espeluznantes costumbres de varias culturas del mundo y acuña el término.

Ghost of the mirror (Tsu-shou Sung, 1974) y de India, Vaarena (Shyman Ramsay, 1988). El gore encajaría cómoda-

mente en Corea y Japón, en la actualidad origen de célebres proyectos gore. Recordemos Ichi the Killer (Takeshi Mike, 2001) basada en un manga, o el thriller Simpathy for Mr. Vengeance (Park Chan-Wook, 2002). Sin olvidar las taquilleras niponas Ringu (Hideo Nakata, 1998), Ju-On (Takashi Shimizu, 2003) y la producción hongkonesa The Eye (Danny Pang & Oxide Pang, 2003); cuyos respectivos éxitos han resultado en adaptaciones anglosajonas tolerables.

En 1963 aparece la llamada primera película gore: Blood Feast de Herschel Gordon Lewis. La trama es simple como un hachazo. En un pueblo de USA asesinan y mutilan mujeres rubias. Las escenas transcurren entre destripamientos y chorros de sangre. Para 1974, con The Texas Chain Saw Massacre de Tobe Hooper, el gore atraería sinnúmero de fanáticos. En los 80 daría frutos como Friday the 13th (Sean S. Cunningham, La literatura también ha ger1980) y A Nightmare on Elm minado en obras maestras Street (Wes Craven, 1984). del celuloide. Carrie (Brian De Palma, 1972), Cujo (Lewis TeA partir de 2004, la saga Saw ague, 1983) y Pets Sematary de James Wan y la dupla (Mary Lambert, 1989) basaHostel (2006) y Hostel 2 (2007) das en las novelas homónide Eli Roth darían la cara por mas de Stephen King, que de USA. No obstante, el gore más por sí son buena muestra de interesante es el marginado narrativa gore. La saga sapor las súper producciones domasoquista Hellraiser, que hollywoodenses. Su excen- cuenta con ocho entregas tricidad lo ha hecho mutar desde 1987 hasta 2006, son la en formas de arte alterna, repercusión fílmica de la nobifurcándose en subgéneros vela The Hellbound Heart de tan diversos e insólitos como Clive Baker, guionista y direcel anime gore, exploitation tor del proyecto entero. gore, vampire gore e incluso porn gore. Sus detractores critican la exaltación de violencia gráEn Asia también encontró fica como único recurso seurefugio. ¿Ejemplos? El clási- do-artístico. Sin duda el gore co japonés Kwaidan (Masaki adopta una visión poco coKobayashi, 1964), de Taiwán mún. Quizá por eso consigue

su expresión más pura en el circuito independiente. Los films gore que han despertado interés considerable, muchas veces terminan convirtiéndose en clásicos de culto serie B. Pero eso no les resta pretensión de crítica social. La violencia se relaciona con emociones y pasiones humanas que nos conciernen a todos. Algunos -como espectadores- necesitan explorarse interiormente a punta de adrenalina, como proceso análogo a contemplar pinturas, escuchar música o leer poesía. Reflejarlo de manera visceral, exterioriza inquietudes complejas y las hace arte. Tal vez dentro de esa idea, el gore encuentre su justificación plástica. Al final, Eden Lake no fue tan buena. El fin de semana romántico de una pareja se ve interrumpido brutalmente por una pandilla de adolescentes. Las cosas pierden sus proporciones y las primeras gotas de sangre no tardan en aparecer. Mi amigo, defensor acérrimo de la violencia cinematográfica, se aburrió. Faltó salsa de tomate, ese fue su veredicto.

en las consolas Por Valentina Moreno El sexo vende -de eso no hay duda- y si el público meta son adolescentes para quienes explorar la Internet es igual a chicas de lolas descomunales y juegos adictivos, no es extraño que senos, cinturas y caderas, o al menos el reflejo manga de ellas, se desnude y brinque celebrando un nuevo nivel. Sin embargo, ¿cuál es la diferencia entre sugerir y explicitar? Si bien en la mayor parte de los juegos el erotismo es un elemento constante (¿quién no se ha deleitado con la belleza casi poética de las chicas de Final Fantasy?) cuando el juego pasa a ser un medio para generar excitación, las cosas cambian, mucho más si son juegos “todo público” a los que se les puede descar- The Nude Sims Page, donde es posible descargar todos gar “parches” eróticos. los parches que en el caso Por ejemplo, descargando más inocente, permiten ver ciertos cracks, el inofensivo tras la ropa del muñeco con juego de la “casita” The Sims, sólo pisar una tecla, pero en permite experimentar inci- otros, es posible bajar a vertantes formas de “ñiqui ñiqui” daderos profesores de kamaque abarcan las más varia- sutra. Sólo basta buscar “los das posturas e intercambios Sims” en canales de Youtube, de parejas. Existe una página, y aparecerán los muñequitos cumpliendo deseos. Juguemos a la casita moderna…

De hecho, tal ha sido el éxito de The Sims que han salido al mercado videojuegos explícita y específicamente sexuales con una plataforma muy similar: The Mansion Playboy es un videojuego para PlayStation 2, Xbox y PC, en el que el jugador se pone en el papel de Hugh Hefner -el fundador de The Playboy Enterprises- para dirigir su imperio. En ‘7 Sins’, por

su parte, es posible tomar el rol de un canalla anónimo cuyos objetivos pasan por ser un personaje conocido a nivel económico y sexual en la gran metrópolis de Apple City. También está ‘Singles’ un juego muy similar a los Sims en el que el objetivo es

coquetear (y acostarse) con la mayor cantidad de personas sin ser descubierto. Otro clásico del área es ‘God of War II’, en la versión para PSP del juego God of War: Chains of Olympus, Kratos (el

héroe) se encuentra con dos voluptuosas chicas que lo reciben una sobre otra en una especie de granero, aunque la cámara no muestra la es-

cena el temblar de los obje- También están aquellos que tos y del dualshock no deja a lo usan como un guiño como en ‘Duke Nukem 3D’, allí el la imaginación. sexo era un método a lo PaCuando los juegos no son di- vlov para premiar al jugador, rigidos a adultos pueden ser en los diferentes niveles posancionados, tal es el caso dían verse prostitutas o stride ‘Hot Coffee’ de ‘GTA San ppers que destapan sus peAndreas’ que permitía “ayu- chos si el jugador les ofrece dinero. De más está decir lo machista que podía resultar un soldado gigante con la bandera de EE.UU. atrás visitando burdeles, cines pornos y pagando por ver lolas gigantes en close Up. Pero lo que resulta innegable es que los juegos copian la vida humana, si consideramos que no hay problema con que el niño asesine a mansalva todo lo que pase frente a su mira, resulta un poco doble moral el indignarse porque ve un par de senos y a su héroe gozando con ellos. El sexo está allí flotando en el aire, lo que no debería permitirse es enseñar a pagar por él como en ‘Duke Nukem’ o a pensar que mientras más chicas acumule su barrita de poder súper-macho va a ir creciendar” a LJ a “avanzar en su re- do como en ‘Hot Coffee’. lación” con sus novias al pul- Obviamente tampoco debesar botones que lo llevaban a ría ser usado por las grandes realizar diferentes posturas y empresas para vender más aumentar su nivel de “exci- y tener a un pobre chico de tación”. Este juego iba a ser catorce años, jugando horas eliminado de la versión final, al sexo con muñequitos. pero RockStar simplemente bloqueó estas escenas de la versión que salió al mercado y poco después fue posible conseguir el parche. Fotografía: Archivo Web

Mario: Por Merchigod Gil

Casi todos crecimos con Mario. Quien nunca tocó un control de Nintendo, al menos tuvo presente su presencia en el imaginario cultural pop de los últimos veinte años. Pocos saben quién es Shigeru Miyamoto, pero será difícil encontrar a alguien que no haya oído hablar de Mario y Luigi.

Mario, ese fontanero bigotudo, de gorra roja y braga azul ha estado saltando obstáculos, matando koopas y rescatando a la princesa Peach desde hace casi treinta años. Su primera aparición fue en el videojuego Donkey Kong (1981), diseñado por Shigeru Miyamoto para la casa nipona Nintendo en formato Arcade. En esa ocasión, Mario era conocido

simplemente como Jumpman y su objetivo consistía en rescatar a su novia Pauline, cautiva por el gigantesco gorila Donkey Kong, quien arrojaba barriles a Jumpman y éste esquivaba dando brincos. Donkey Kong, además de introducir a dos de los personajes más emblemáticos de la cultura tecnológica, constituyó un importantísimo precedente para todos los subsiguientes videojuegos del género de plataformas. Sin embargo, el primer obstáculo que debió saltar Mario para consolidarse en la figura que es hoy en día, fue un tema de conceptos legales. Cuando Nintendo quiso comercializar Donkey Kong en Estados Unidos entre 1982 y 1983, ya existía un juego de

cruzó la puerta hacia la tercera dimensión, nutriéndose con más bits, menos píxeles y mejores efectos especiales. Nuevos colores, nuevo brillo, nueva densidad. Nuevas misiones, nuevos poderes, nuevas responsabilidades. Ha aparecido en por lo menos 200 juegos, y visitado todas las consolas de Nintendo, e incluso de otras compañías. La figura de Mario también ha tenido apariciones en otros medios: tal es el caso de varias series animadas y una película en 1993 para la Hollywood Pictures, con Bob Hopkins como Mario, John Leguizamo como Luigi y Dennis Hopper como Bowser.

El éxito del personaje surgió de su carrera en solitario. En 1983, salió al mercado Mario Bros., en el que pudimos ver por primera vez a su hermano Luigi, personaje para ser utilizado por un segundo jugador. Pero el gran éxito llegaría con Super Mario Bros (1985), en el que Mario y Luigi deben recorrer una serie de escenarios del extraño Reino Champiñón e ir avanzado A veces en la pantalla aparece un ‘Game Over’ en apapara rescatar a la Princesa. riencias definitivo. Pero Mario Con el adictivo calipso electró- siempre reaparece. Es el gran nico compuesto por Koji Kondo sobreviviente de estas últimas como soundtrack, Mario pron- tres décadas. Su eterno poto se convirtió en la franquicia der es resucitar. Para el Wii, más exitosa de Nintendo y sa- han aparecido una docena lieron al mercado las secuelas de juegos con el incansable Super Mario Bros. 2 (1986) y Su- personaje. Algunos de los títulos más recientes son Super per Mario Bros. 3 (1988).

Mario Galaxy (2007), Mario Mario, a través del tiempo, pa- Party 8 (2007), Mario & Sonic reciera reinventarse y redes- at The Olympic Winter Games cubrirse. Sus constantes apari- (2009) y Super Mario Galaxy 2

ciones y reediciones lo hacen (2010). Sea cual sea el próximás complejo. Con el arribo mo avance en tecnología de de nuevas tecnologías, Mario

videojuegos, Mario estará allí. Aunque muchos hayan venido y se hayan ido, él por el contrario seguirá aquí, destronando a lagartos déspotas. Todo eso y mucho más para salvar a su chica... y, por supuesto, para entretener a la generación de turno.

Ilustraciones: Acisclo Hernández

Atari cuyo personaje principal llevaba por nombre Jumpman. La directiva de mercadeo de Nintendo optó por rebautizar a Jumpman como Mario, por el alarmante parecido que el personaje guardaba con Mario Segali, el para entonces dueño de las oficinas de Nintendo USA.

“Hay danzas modernas que tienen muchos efectos visuales, pero se olvidan de la formación clásica. No hay disciplina. No siento nada cuando las veo, no me transmiten emoción y sin emoción, sin sentimiento, no hay arte.” NN Por Tamara Mujica

Bailarina reconocida internacionalmente por su desempeño artístico y su dedicación a la enseñanza, Nina Novak se ha esforzado en formar bailarines que vivan a través del arte, transmitiendo su amor por la danza. Se establece en Venezuela en el año ‘64 y participa en los inicios del Ballet del Teresa Carreño, formando parte de la junta directiva e impartiendo clases a innumerables grandes artistas; crea su propia escuela denominada “Fundación Ballet Clásico de Cámara”, donde actualmente continúa enseñando.

Tamara Mujica: Coméntenos sobre sus inicios en el ballet clásico. Nina Novak: Las profesoras de gimnasia y de baile folklórico notaron que me movía distinto a los otros niños y les dijeron a mis padres que debían meterme en la academia de ballet. Pidieron que me llevaran a la escuela

de Teatro Grande en Varsovia, que era la mejor de Polonia. Allí aceptaban a niños de ocho años y yo tenía seis, por lo que tenía que esperar; pero luego con exámenes médicos, me aceptaron y desde ese momento hasta hoy, ha sido mi vida.

TM: ¿Cómo afectó la segunda guerra mundial en su desarrollo profesional? NN: ¡Muchísimo! Estuve cerca de la muerte muchas veces. Mi fe en los milagros y mi carácter me salvaron. La experiencia de l ue hacía falta buena educación en el campo del ballet clásico, entonces comencé a dedicarme a eso cuando dejé de bailar. Es mi segunda profesión. He tenido la oportunidad de enseñarle a grandes bailarines y da mucha satisfacción verlos obtener grandes logros.

TM: ¿Cuál ha sido su presentación más significativa como bailarina?

TM: ¿Cuál es la posición actual del ballet clásico en Venezuela?

NN: Recuerdo una presentación en Chicago. ¡Los aplausos!, nunca los voy a olvidar. Una gran bailarina, Alexandra Danilova, tenía la rodilla mala y tenía que ejecutar el ballet Coppélia, pero no podía y ninguna bailarina quería aprenderse en cuatro días todos los actos. El director me preguntó si yo podía ser capaz; como tenía destrozada mi familia en Polonia, necesitaba hacer carrera y decidí hacer su trabajo. Eso me ayudó a tener mejor posición y a ganar más dinero dentro de la compañía. Tampoco puedo olvidar cuando volví a Polonia y mi familia y mi madre estaban en primera fila. Bailé Giselle y El Lago de los cisnes. Me fui como una niña destrozada y regresé como una bailarina formada.

NN: No como me gustaría. El ballet clásico requiere esfuerzo y disciplina, y el ballet moderno no es tan aplicado. Se olvidan que sin ballet clásico no hay nivel. Hay danzas modernas que tienen muchos efectos visuales, pero se olvidan de la formación clásica. No hay disciplina. No siento nada cuando las veo, no me transmiten emoción y sin emoción, sin sentimiento, no hay arte. En mi opinión, si no tienes bien lograda la educación clásica no puedes mostrar bien los otros géneros de la danza.

TM: Coméntenos sobre su pasión por la enseñanza. NN: Primero mi pasión por mi profesión como bailarina viene por la enseñanza. Siempre me ha interesado corregir y enseñar a los demás y cuando llegué a Venezuela me di cuenta que hacía falta buena educación en el campo del ballet clásico, entonces comencé a dedicarme a eso cuando dejé de bailar. Es mi segunda profesión. He tenido la oportunidad de enseñarle a grandes bailarines y da mucha satisfacción verlos obtener grandes logros.

Nina Novak se ha dedicado a vivir por y para el arte, formando así una relación simbiótica en la que una sin la otra no funciona, no existe. Esto logra percibirse en su libro Nina Novak. El ballet, mi vida, mi pasión, el cual fue escrito en colaboración con la chilena Luisa Himiob, quien muy bien aclara en la introducción “El tema central debía ser el ballet y lo demás era tangencial en la historia”, más que el relato de su vida y el ballet, nos presenta la vida del ballet en ella.

Fotografía: Tamara Mujica

“Si es flamenco es en vivo, solo en vivo es Flamenco” Por Mariana Fernández El flamenco es un arte lleno de pasión y con mucha disciplina, pero muchos afirman que este baile nace desde el corazón. Es una danza que necesita de la coordinación de movimientos estructurados: los pies, las piernas, las caderas, el talle o cintura, los brazos, las manos, los dedos, los hombros, la cabeza, la mirada… todo debe estar en perfecta armonía. De sus orígenes no hay nada en concreto. Referencias históricas apuntan a la transmisión oral de un arte muy antiguo con cuna en Andalucía, España en la rivera de Guadalquivir. De España a Venezuela… Hace cuarenta años, los

padres de la profesora Aida Blanco arribaron a Venezuela con el Ballet Nacional Español y desde entonces su madre decidió que no había mejor lugar para formar una familia. Fue así como directamente desde Andalucía, tierra donde nació el Flamenco, crearon la Escuela Cruz del Sacromonte, dispuesta a rescatar lo más puro de este arte sobre los pilares fundamentales de la disciplina, la familia, el trabajo en equipo y la constancia.

Mariana Fernández: ¿Se puede definir el flamenco en una palabra, en una frase?

Aida Blanco: Claro que es posible, el flamenco es una forma de vivir; sólo se le conoce en el mundo por su manifestación artística, pero en realidad es un estilo de vida completo.

MF: ¿Cuáles son los elementos claves del flamenco?

AB: En orden de aparición el cante, la guitarra y el baile; luego se le han incorporado otros instrumentos como el Bailaora andaluza en tierras cajón, que es realmente auvenezolanas… tóctono de Perú y que fue Desde los tres años de edad, traído al flamenco por el guiAida Blanco ha dedicado su tarrista Paco de Lucia. vida a la Cultura Flamenca, y con más de veintiséis años MF: ¿Cómo ha sido su evoluen el medio, nos enseña un ción del Flamenco? poco más sobre este arte: AB: Lo separo en tres etapas:

el ORIGEN donde se pasaba de generación en generación sin ninguna intención artística; la EXPANSIÓN que es cuando se globaliza y por ende populariza, dando paso a las instituciones para formar bailaores; y la etapa de las MEZCLAS, lo que denominan nuevo flamenco, que es lo que se vive hoy, en donde el sentido del flamenco es en parte sustituido por el de las danzas contemporáneas.

ca a quienes vienen, regalándoles un poco de lo que sabemos hacer para vivir. MF: “Si es flamenco es en

vivo, sólo en vivo es Flamenco”. Háblanos un poquito sobre este lema de la escuela. AB: Nuestras clases diarias, nuestros espectáculos y la formación de las alumnas se basan en la métrica, para poder bailar acá no te encuentras ni pistas, ni coreografías; acá se baila en vivo como nació el flamenco hace casi un milenio.

MF: ¿Cuáles elementos de nuestra cultura crees que han influenciado tu baile flamenco? MF: ¿Cómo ves el flamenco AB: La ortodoxia deja poco en Venezuela? espacio para incluir elementos de la región donde estemos. Creo que si he recibido algunas influencias, se han visto reflejadas en los métodos para enseñar más que en el baile en sí.

AB: Muy colorido y con mucho énfasis en las puestas en escena, se bota la casa por la ventana en los espectáculos, eso no se niega, pero la meca del flamenco siempre será Andalucía.

MF: ¿Cómo surgió la idea de la Escuela Cruz del Sacromonte?

En pocas palabras… Alma y técnica

AB: Luego de 30 años de vida artística mis padres decidieron emprender la dura labor de formar bailaoras que sólo vieran el flamenco como un complemento de su vida -una elección por así decirlono como un trabajo.

MF: ¿Cuál es el objetivo fundamental de tu carrera? AB: Mi objetivo está claro: formar en baile y cultura flamen-

¿Cuál es tu baile favorito? La Solea sin lugar a dudas. ¿Qué recomiendas para empezar a bailar? Tiempo disponible y muchas ganas, lo demás se estudia. ¿Qué es lo más fácil y lo más difícil de bailar flamenco? He visto que lo más difícil es medir y francamente fácil no he descubierto nada aún.

Fotografía: Daniel Tovar

La sátira en las tablas Curvas, miradas, rostros angelicales desvistiendo sus cuerpos al son de la música, poca ropa con aire de viejos tiempos, afán por rememorar siglos pasados. Quizás esto es lo que llega a la mente de muchas personas al escuchar el término Burlesque, pero si nos vamos a los cimientos de este género teatral, podemos encontrar que nació como una forma de entretener al público adulto usando la comedia y la burla de doble sentido, factores que con el pasar de los años comenzaron a desaparecer. Los primeros espectáculos burlesques se remontan a finales del siglo XIX en Gran Bretaña y Estados Unidos, con puestas escénicas de números musicales, parodias y sketches con un trasfondo erótico; chicas con atuendos sexys para la época o con poca ropa; y donde se podían tratar temas tabú con un matiz jocoso. En el continente americano se le dio el nombre de “by making fun of (riéndose de)” o “burlesquin”, donde se hacían burlas a óperas conocidas, dramas shakesperianos

o al comportamiento de las clases altas, usando la comedia y la música para desafiar las reglas establecidas de la época. En Broadway comenzaron a nacer espectáculos de este tipo con actores conocidos, llegando a convertirse en grandes éxitos de taquilla. Para la década de 1860 el

burlesque se encontraba en

su gloria en los Estados Unidos. En 1868 llega a tierra americana la obra teatral “Ixion” de Lydia Thompson, una parodia mitológica que mostraba a mujeres con ropa sexy y medias pantys desempeñando papeles masculinos, creando un gran revuelo entre la sociedad americana y un gran descontento entre los conservadores. A pesar de esto, “Ixion” se convirtió en uno de los grandes favoritos de ese año, agotando la boletería en muchas funciones.

Fotografía: Iona Grecu

Por Carlos Rodriguez

Esta racha de buena suerte se extendió hasta principios del siglo XX, pero a mediados de la segunda década, el burlesque pierde popularidad, las producciones en Broadway cesan y muchos de los teatros insignes de este género cierran sus puertas. En ese momento estos espectáculos se trasladaron a lugares más pequeños y clandestinos, en muchos de los casos a cabarets donde continuaban con los actos musicales, dándole protagonismo a la sensualidad. Así comienza a surgir una nueva forma de burlesque, en la que el cuerpo de la mujer, el erotismo y los desnudos son los protagonistas, dejando atrás la sátira y la comedia que caracterizaron a este género.

una gran producción musical con bella lencería, plumas y lentejuelas, donde el baile y los sensuales movimientos son las armas principales de las modernas vedettes. Una de las mayores representantes de este género hoy en día es la modelo y actriz estadounidense Dita Von Teese, conocida mundialmente por sus espectáculos de burlesque en los cabarets y los teatros más reconocidos del mundo debido a su estética de chica pin up de los años 50.

El burlesque ha pasado de llevar risas y humor picante a hipnotizar a la audiencia con un sensual y erótico baile, probando que las tablas del teatro son capaces de resistir Con la nueva forma comienza cualquier carcajada o sena aparecer la llamada Vedette sual movimiento sin despren–estrella en francés-, que es la derse del atractivo teatral en artista principal del espectácu- que nos han envuelto. lo musical. Esta "estrella" puede cantar, actuar y principalmente bailar de forma sensual, mostrando su cuerpo sin llegar a resultar pornográfico. Muchas vedettes llegaron a ser artistas reconocidas y muy respetadas, sobre todo en Europa y especialmente en Francia, donde un buen número de los espectáculos de cabaret alcanzó el éxito y el reconocimiento del público. De esta manera nace lo que hoy conocemos como burlesque,

Por Daniel Muro

Comienza la función. La escenografía causa impacto de inmediato, recreando muy bien el espacio que intenta representar. Entran los actores a escena, atrapando la atención desde el primer instante. La calidad interpretativa con la que desenvuelven sus personajes nos sitúa en el centro del mismo juicio, rodeados de la acción y los prejuicios propios de la época. Lord Alfred Douglas sentado a la izquierda junto al Dr. Clarke. El Marqués de Quennsberry a la derecha junto al Dr. Carson. Los cuatro integrantes del jurado delante, fuera del escenario, dominando la acción desde su posición adelantada. Wilde, al centro, brillante e impertérrito, exponente permanente del esteticismo y desbordante de poesía en cada palabra que pronuncia. Ir a ver “Actos Indecentes” es toda una experiencia. Producciones Palo de Agua reúne a Javier Vidal, Juan Carlos Alarcón, Karl Hoffmann, Rolando Padilla, Fernando Ivosky, Ebén Renan, Elvis Chaveinte, Christian McGaffney y Delbis Cardona, en la puesta escénica del texto original de Moisés Kaufman quien, conjuntamente con Michel Hausman, es quien asume la importante responsabilidad de dirigir el montaje. El resultado es claro y predecible: dos horas y media de viaje sublime y delirante a través de los tres juicios que atravesó Wilde por amar en un tiempo equivocado a su adorado Bosie, bajo la mirada inquisidora y reprobadora del Marqués, padre del muchacho.

tra vida se concentra en un solo instante”, el instante en que estamos frente a la escena viendo a Wilde ser condenado simplemente por ser quien es y no avergonzarse de aceptarlo.

La obra, con una innegable calidad escénica que no deja espacio a las críticas negativas, ha sido un fenómeno teatral en la escena nacional de los últimos años. Lleno total en cada una de las cinco funciones semanales, provocando una extensión de temporada durante cinco semanas para un total de diecisiete, lo que representa ni más ni menos que ochenta y cinco funciones sin butacas vacías en apenas cuatro meses. Y es que la vida de Oscar Wilde es lo suficientemente apasionante para arropar a cualquiera que se permita disfrutar el espectáculo.

No en vano Wilde se ha convertido, gracias a su inflexible voluntad de afrontar con coraje los cargos en su contra en lugar de huir y emigrar como un cobarde, en un ícono en la historia cultural de la homosexualidad. Pero su legado va mucho más allá de las preferencias sexuales. Su discurso nos impulsa a defender el derecho a ser y hacer lo que sentimos correcto, más allá de la “moralidad social” que constantemente nos condiciona. Y es que, tal como afirma el mismo Wilde, “es absurdo dividir a la gente en buena y mala. La gente es tan sólo encantadora o aburrida “. Sin embargo, “la sociedad perdona a veces al criminal, pero no perdona nunca al soñador“. Y eso, más que tácito, es completamente palpable en cada minuto del espectáculo.

Este es, de hecho, uno de esos montajes que deberían disfrutarse al menos tres veces: la primera para apreciar el conjunto, la pulcritud de la dramaturgia, las maravillosas actuaciones, la impecabilidad escénica. La segunda para detenerse en los detalles, adentrarse en recovecos y permitirse un análisis más profundo de las reflexiones. Y finalmente la tercera, para sucumbir ante el placer orgásmico contenido en cada frase de Wilde, precisar los ademanes, las inflexiones vocales, las posturas corporales propias de cada momento, descubriendo la profundidad que encierra aquella frase que reza “a veces podemos pasarnos años sin vivir en absoluto, y de pronto toda nues-

“Actos indecentes”, hasta el 14 de noviembre en el Teatro Escena 8 de Las Mercedes. Definitivamente, no ir a verla sería un acto de Suma Indecencia.

Fotografía:Valentina Moreno

Por Javier Letterer Pocas veces se encuentra uno con una puesta en escena tan vívida y personal como la presentada por el Teatro de La Zurda, nacido en el año 2008 y compuesta por un elenco que combina la experiencia y la frescura. La Zurda no es un grupo de teatro común: radicado en los Altos Mirandinos, presenta una propuesta que combina lo nativo, lo extranjero, lo clásico y lo vanguardista. Bajo la dirección de Edgar Mejías, el elenco compuesto por Maury Istillarte, Sylvia Peñaloza, Addison López, Patricia Chacín, Jenny Landaeta, Jhonatan Sansano, Nataly López, Mariela Arnal, Niafiola Cartaya y Pietro Granieri, le dan vida al escenario con sus actuaciones que -llenas de fuerza e intensidad- no abandonan la gracia y la elegancia. Desde el principio es posible darse cuenta del esfuerzo y la dedicación que cada uno de sus integrantes le imprime a su trabajo. Cada escena es repasada una y mil veces; cada línea, palabra, gesto y mirada son repetidos casi hasta la locura, buscando

un refinamiento que -aunque parece inalcanzable- es conseguido con práctica y paciencia. Sin embargo, no escapan a los habituales contratiempos: horas nocturnas, cambios de planes inesperados, modificaciones menores y mayores de rutinas, líneas y pasos, dificultades y tragedias personales, todas superadas para ensayar fielmente cada martes y jueves, tras lo cual el grupo termina exhausto, pero listos a seguir la próxima vez.

tas repitiendo mantras. Otros corren de aquí para allá, buscando cosas, trayendo otras. Cuando se acerca la hora comienza el ritual del maquillaje. Se colocan sus respectivos vestuarios. Pero al comenzar la función es posible comprobar que, ciertamente, la paciencia y el esfuerzo rinden sus frutos.

Concluye cada función y los aplausos inundan la pequeña sala durante algunos minutos, dejando la impresión Y es que, aunque lo parezca, de haber presenciado algo el ímpetu y la energía que el más grande que lo que cabe director le imprime a la pues- sobre el tablado. La impreta son considerables. Cada sión de, tras olvidarse de la actor es llevado hasta sus límites y luego un poco más allá. Ser miembro de este grupo es, sin duda, un acto de esmero. Los gastos de vestuario, maquillaje, transporte, elementos de escena, publicidad y presentación corren por parte del grupo. Sólo ellos, sin la ayuda de alguna entidad mayor, llevan a escena cada montaje. El día del estreno, todos tienen los nervios de punta. Los preparativos comienzan temprano, revisando las luces, el sonido, la composición del escenario. Algunos dan vueltas rememorando sus líneas, evocando monjes budis-

existencia propia, haber visto otro mundo durante algo más de una hora, y convencerse de que las palabras realmente pueden tejer el destino.

Fotografía: Javier Letterer

Entrevista a Henry Álvarez Por Daniel Muro En esta ocasión la Revista Cultural Prisma entrevista a Henry Álvarez, estudiante de 23 años de la carrera ‘Diseño Gráfico’ en el Colegio Universitario Monseñor de Talavera y joven talento del dibujo y la ilustración, focalizado principalmente en la creación de cómics.

DM: ¿En tu proceso de crear un cómic primero va el dibujo, los personajes o las historias?

HA: Lo he hecho de varias maneras. Puedo empezar a escribir una historia y después creo personajes, como también partir de un boceto de algún personaje o imagen y comenzar a crear toda una historia.

Daniel Muro: ¿Cómo fueron DM: ¿En qué te inspiras? tus inicios como dibujante? HA: En el día a día. Hay difeHenry Álvarez: Comencé a dibujar desde pequeño por mi hermana. Ella me ponía a hacer círculos, luego les hacía ojos, nariz, boca y cabello. Después agarraba cualquier imagen y la reproducía. Desde el principio inventaba cosas, hasta que empecé en la onda de los cómics y les agarré cariño. Los compraba, veía la historia, cómo va hecha una viñeta, el estilo de dibujo que me gusta o que me gustaría hacer. Con el paso del tiempo fui imaginándome historias distintas, que aún no se han contado. El primero de los cómics que todavía conservo lo hice a los diecisiete años. Cuando lo veo me doy cuenta cómo voy evolucionando.

rentes puntos de donde partir, por ejemplo algún género musical o de cine. Me encanta el suspenso, la ciencia ficción, los temas futuristas, apocalípticos, sobrenaturales; esas son referencias para mí, tocadas desde un punto original sin ser más de lo mismo. Hay artistas que me gustan y que seguirán siendo referencia o parte de mi inspiración.

DM: ¿Cuántos cómics has creado?

HA: Tengo 4 cómics, 1 caricatura y 1 manga. La diferencia entre ellos está en el estilo de dibujos. También tengo uno que es una historia de vampiros, y es en el que más quiero trabajar ahorita.

DM: Observando un poco tu blog/portafolio de cómics (http://hpcomics.blogspot. com) he notado que en tus historias siempre hay magia, poderes sobrenaturales, mundos paralelos, criaturas desconocidas… ¿A qué se debe? HA: Es lo que me gusta: la magia, fenómenos sobrenaturales, la evolución del ser humano llevada a un término fantástico en este presente pero que en cualquier momento se podría dar, el desarrollo de la mente. Necesariamente tienes que saber de todo un poquito, investigar, porque el tema que estés desarrollando no puede partir totalmente de la fantasía, tienes que tener un poco de conocimiento. Con lo sobrenatural se puede jugar mucho, hacer prácticamente lo que quieras. Me encanta el tema extraterrestre, ese es un pilar del cómic que también estoy haciendo ahora.

DM: ¿Qué artistas te inspiran?

HA: Todd McFarlane, creador de Spawn, porque sus historias son únicas. Greg Capullo y Michael Turner por su estilo de dibujos. Chris Bachalo, de Marvel Comics, porque sus dibujos evolucionan a lo largo de una misma historia. Soy fanático de Humberto Ramos, tiene un estilo único y original... me gustaría seguirle los pasos y partir de su estilo de dibujo para perfeccionar el mío.

DM: ¿Cómo ves el cómic en Venezuela? HA: Lamentablemente aquí no consigues fondos o apoyo para publicar. No hay un grupo que se dedique a esto. Se puede hacer algo muy bueno, pero la lógica te lleva a apoyar un tinte político para lograrlo. Casi todas las tiras cómicas que existen son traídas de fuera, y las pocas caricaturas en los periódicos son políticas o sociales.

DM: ¿Has pensado hacer algún cómic que -sin tocar temas políticos- tenga impacto social y logre algo más que HA: La boca de las mujeres es entretener? DM: ¿Algún rasgo característico en tus cómics, una firma personal dentro de la historia o los dibujos? muy particular, sus labios no son iguales a los que siempre ves, superior delgado e inferior voluptuoso, sino al revés. Además en mis historias siempre debe haber algo de tragedia: un por qué, un sacrificio, un destino.

Ilustración: Henry Álvarez.

HA: Eso se ve mucho en los cómics: un mensaje subliminal, un trasfondo, algo que además de hacerte reír o llorar te ponga a pensar. Con los ojos cerrados haría conciencia ecológica, ahorro energético, conservación del medio, algo que te muestre un futuro apocalíptico que -si no nos ponemos las pilaspuede suceder.

en el

Por Javier Letterer

En el cómic y el manga, podemos encontrar por lo general superhéroes, brujas, castillos, viajes espaciales, batallas a muerte y un sinfín de situaciones, a la par de diversas y extrañas. También podemos encontrar otros mundos -diferentes al nuestro- o realidades alternativas al universo que conocemos. Y por supuesto, una infinita variedad de personajes, de todos los planetas, épocas, planos de existencia, razas y países. Por supuesto que no es un trabajo fácil darle a cada caracter su propia personalidad. Como dice Winston “El Lobo” Wolf en Pulp Fiction: “Que seas un personaje no significa que tengas personalidad”. Pero de eso no hablaremos acá. Lo que nos interesa en ésta entrega es la curiosa situación en la que encontramos a algunos sujetos, cuyas nacionalidades están definidas por la historia o el diálogo, pero que al parecer los creadores quisieron darle ése toque extra que nos permita saber realmente bien de dónde provienen. Sin entrar mucho en detalle sobre las personas de razas africanas o descendientes, puesto que

con una ojeada rápida puede uno darse cuenta que la descripción artística no suele ser políticamente correcta y puede rayar en lo racista—o incluso serlo de plano—veamos algunos ejemplos de cómo los dibujantes y escritores han sido, a veces, un poco demasiado explícitos. Podemos encontrar un ejemplo extravagante sobre las personas de raza africana en ‘Tyroc’, un superhéroe que fue creado por DC Cómics para representar a dicha etnia, faltante en todas las ediciones de la casa. Pero el líder de DC para el momento era Murray Boltinoff, quien en más de una ocasión demostró un racismo terrible. Tyroc era africano, ex-esclavo y segregacionista racial. El dibujante confesó que odiaba tanto al personaje que le dibujó con el peor

aspecto que pudo imaginar: “Algo entre Elvis Presley y lo que llevaría un proxeneta” (sic). Otro ejemplo puede ser ‘The Falcon’, un superhéroe afro-

americano, quien combatía el crimen tras una máscara... Pero que ocultaba un pasado oscuro como proxeneta. Y por supuesto, si no es africano ni afroamericano, ha de ser caribeño. ¿Quizás Haití? Pues conocemos a ‘Brother Voodoo’, quien combate el crimen con poderes de magia negra. En Marvel, algún escritor pareció notar que no había un héroe Irlandés. Decidieron crear a ‘Shamrock’ (Trébol de tres hojas), una heroína cuyo superpoder era la buena suerte. Por supuesto, su

identidad secreta era Molly Fitzgerald, un nombre asombrosamente irlandés, y para que no quede ninguna duda, su poder provenía de banshees. Y por supuesto, es pelirroja. Un poco más al Sureste se encuentra Alemania, y es de esperar que los artistas tuvieran una idea negativa sobre los alemanes durante el período de 1939 a 1945. Es en esta época que nace ‘Capitán America’, quien es, evidentemente norteamericano, no quedan dudas. ¿Su enemigo? Un ex-terrorista nazi que trabajaba directamente para Hitler, Red Skull.

ello los creadores de manga están exentos de estereotipos. En un manga en el que se confrontan líderes del mundo en un torneo de ‘Mahjong’, Alemania es representada por nada más y nada menos que Hitler. El cómic como medio de entretenimiento, como arte y como forma de llevar historias de una manera única y especial, se caracteriza por la exageración de las situaciones y los rasgos de las cosas. Sobra decir se exagera, a veces, más de lo necesario, pero es divertido de todos modos.

Casos más interesantes son los hermanos Sun, Chang, Ho, Lin, y Han Tao-Yu, quienes vienen desde China a combatir el mal en la forma de Collective Man. Está de más mencionar que China es un país comunista ¿o no? Y Collective Man se hace más fuerte si canaliza la fuerza de todos los habitantes de China. Para cerrar, se puede decir que en Japón las cosas son muy diferentes, pero no por

Fotografía: Archivo Web

Una vez terminada la segunda guerra mundial, ya los alemanes no representaban un peligro, por lo que el estereotipo del nazismo debería estar en el pasado. Así que nace el superhéroe alemán que puede controlar el rayo, llamado… Blitzkrieg (Guerra relámpago).

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