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Publicación mensual gratuita del ICL STAFF ALTERNATIVAS Luis Meza | Director Editorial Rosana Durán | Directora de Arte Xosué Martínez | Editor Karla Gasca | Redacción Yolanda Gutiérrez de Velazco | Publicidad Patty Vera, Alberto Muñoz | Diseño María Fernanda Méndez | Redes Irvin Gritatti | Servicio Social Javier Pérez, Isaías Álvarez | Distribución

PORTADA MAQUILLAJE Y DISEÑO: PATTY VERA MODELO: IRVIN GRITATTI PRODUCCIÓN: ALTERNATIVAS FOTO: XOSUÉ MARTÍNEZ PARA ESTAR EN CONTACTO: @CulturaLeon @LeoAlternativas alternativasdifusion@gmail.com alternativasedicion@gmail.com @CulturaLeon @LeoAlternativas Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas Revista Cultural Alternativas Septiembre 2017 (477) 716 4001 y 714 0326

PORTAL CULTURAL DEL ICL: www.institutoculturaldeleon.org.mx

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DIRECTORIO ICL Carlos María Flores Riveira | Director General José Antonio Alvear | Director Desarrollo Académico Katia Nilo | Directora Desarrollo Artístico y Cultural Lizbeth Orozco | Directora de Administración Nora Delgado | Directora Fomento Cultural y Patrimonio Roberto Landeros | Director Servicios Operativos

Sabemos que septiembre es el mes patrio, pero también es el momento perfecto para preparar la agenda del Festival Internacional Cervantino. Entre los territorios conquistados por la fiesta del espíritu, la ciudad de León es uno de sus principales bastiones, ya que es la única sede oficial afuera de la capital. Para concretar este nombramiento se cuenta con el respaldo del Instituto Cultural de León, el Forum Cultural y la Universidad de Guanajuato, quienes en conjunto traen a estas tierras la revolución, comandada por 10 espectáculos de teatro, música y multimedia; dos ciclos especiales de teatro, comunitario y de diversidad; y un mes de cine al aire libre. El legado de Volpi al proponer un FIC que atendiera a las periferias es retomado por la nueva titular del festival, Marcela Díez Martínez, quien verá cómo todo el Proyecto Ruelas de teatro comunitario visitará los polígonos de desarroll de León. Bienvenidos a nuestra edición de la Cervantina de León, que incluye todos los pormenores de la programación, fechas, sedes, horarios y costos, para que no te ganen las prisas y del 11 al 29 de octubre puedas ser parte de la mayor fiesta de la cultura y las artes en Latinoamérica. Finalmente, provechamos esta editorial para agradecer el trabajo de nuestro diseñador Alberto Muñoz, quién deja el staff para afrontar nuevos retos académicos; no sin antes diseñar las columnas de foto, moda, cine, gastronomía, artes visuales, y el sitio recomendado, que seguro pondrá amarillos a nuestros lectores. Estamos en plena revolución, únete.

PUBLICACIÓN MENSUAL GRATUITA DEL ICL

Tiraje septiembre 2017: 6,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos. Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tels: 716 4001 y 714 0326.

Somos una revista amigable con el medio ambiente. La dirección editorial de Alternativas no hace suyas las opiniones de sus colaboradores pero sí defenderá donde corresponda su derecho a la libertad de expresión. Esta revista no sería posible sin el apoyo de todo el personal del ICL. Gracias a nuestros lectores, patrocinadores y anunciantes por apostar por la Cultura.


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Ondin ilusiones acuáticas J

untemos las historias asombrosas con las que crecen los niños en Montreal, los misterios del océano, sus bestias, una tropa de títeres, proyecciones… y tendremos como resultado a Ondin, el espectáculo para niños que abre el Cervantino en León, a cargo de la compañía canadiense La Ilusión.

Ondin

La Ilusión, teatro de marionetas Sabrina Baran, diseñadora, autora y directora

11 de oc t u bre 20:00 horas F

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Teatro María Grever

150 pesos

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En el Teatro María Grever descubriremos los misterios del océano y conoceremos a Ondin, una puesta en escena de títeres, protagonizada por un joven pescador que experimenta una transformación en su cuerpo. En medio de las frías aguas se ha convertido en una criatura marina, mientras que emerge un mundo fascinante.


El curioso niño explora este mundo con sus nuevas cualidades, sintiéndose como en casa. A su encuentro aparece una niña en la superficie del agua, separados por el océano, dos pequeños solitarios se unirán en un mismo corazón. Ondin está dirigida a niños de tres a seis años y se basa mitos marinos con los que crecieron

Fundada en 1979 en Montreal, esta compañía busca ofrecer espectáculos que ejerciten la capacidad imaginativa de sus espectadores, en especial, de los más pequeños, por ello sus montajes son una constante exploración de nuevos mundos con personajes que puedan interactuar con el público.

En cada una de sus obras utilizan un vocabulario genuino e imágenes en movimiento, porque no sólo los títeres cobran vida: la movilidad de los elementos que forman el set son importantísimos para la creación de atmósferas fantásticas, auditivas y visuales.

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los integrantes de la compañía La Ilusión: Sabrina Baran, conceptualista, dramaturga y performancera; Josée BergeronProulx, artista visual, titiritero y vestuarista; Isabelle Cherétien, diseñadora y realizadora de títeres; Guy Simard, iluminador; Maryse Poulin, diseñador de música y Gabrielle Garant, mimo, titiritera y acróbata.


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El espíritu de la

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música soviética

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l Forum alza su espíritu revolucionario para recibir a dos virtuosos de la música clásica: Michael Foyle en el violín y Maksim Štšura al piano. Juntos forman dúo FoyleŠtšura, un conjunto aclamado por la crítica internacional que ha sorprendido al público en escenarios de Amsterdam, Nueva York, Londres e Italia. Durante su visita en León, este dueto se asomará con delicadeza a las proezas de uno de los máximos creadores del siglo XX y representante de la escuela de composición soviética: Serguéi Prokófiev.


Galardonados en el Certamen Internacional Salieri-Zinetti de Música de Cámara y la Competencia de Dúos de la Sociedad de Piano Beethoven de Europa, en 2015, el FoyleŠtšura estará de visita en en León para deleitar a los oídos más exigentes. La interpretación de este par de jóvenes virtuosos se concentrará en piezas del ‘enfant terrible’ Serguéi Prokófiev, conocido por contar con las simpatías de los revolucionarios soviéticos por su talante iconoclasta e irreverente. Pedro y el lobo, los ballets Romeo y Julieta y La Cenicienta, las partituras para dos filmes de Eisenstein, Alexander Nevski e Iván el Terrible, las tres sonatas de guerra para piano, la Sinfonía núm. 5 y la monumental ópera Guerra y paz, son algunas de las piezas más conocidas de este músico antirromántico y futurista. La Revolución Rusa tuvo en Prokófiev a uno de sus exponentes artísticos más importantes. Es por ello que será recordado en esta edición cervantina donde la insurrección hace eco en el espíritu. El Dúo Foyle-Štšura se aleja de los escenarios más importantes de Reino Unido, como el Palacio de Buckingham y el Wigmore Hall,

para compartir su talento con el público del Auditorio Mateo Herrera en la ciudad de León y del Templo de la Compañía en Guanajuato Capital. Desde el comienzo de su colaboración en 2012, esta formación ha sido elogiada en prestigiosos auditorios y salas de concierto del Reino Unido. En el 2016 se presentaron con éxito en el Concertgebouw de Amsterdam, el Festival de Música de Cámara de Nueva York, la Sala de Conciertos de Estonia, en Tallin y el Pasillo de Wigmore, en Bridgewater, por nombrar algunos escenarios. En cuanto a los músicos que integran esta agrupación, una larga lista de premios y reconocimientos les precede. Michael Foyle, de 26 años, fue un niño prodigio que ganó a los 8 años un importante premio que la BBC otorga a los músicos jóvenes más destacados. Por su parte, Maksim Štšura es un reconocido solista y músico de cámara estonio que reside en Londres y quien ha dedicado gran parte de su formación al estudio de la música contemporánea orquestal. No cabe duda que este dúo de virtuosos lograrán invocar el espíritu juguetón y revolucionario de Prokófiev hasta nuestros días.

Foyle-Štšura dúo Michael Foyle, violín Maksim Štšura, piano

12 de octubre 20:00 horas F

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Auditorio Mateo Herrera 200 pesos

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Revolución rusa e

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15 de oc t u bre 18:00 horas R

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Teatro María Grever

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Creación musical e interpretación en vivo por Pierre Jodlowski

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l inicio de la Revolución Rusa cumple 100 años en octubre de 2017, y para celebrarlo, la Cinemateca de Toulouse en Francia comisionó al músico Pierre Jodlowski para darle vida a una de las piezas principales del universo fílmico: La huelga, de Sergei Eisenstein.

La huelga, de Eisenstein

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El filme del legendario cineasta ruso, su ópera prima, representa no solamente un testimonio del ideal revolucionario, sino una de las primeras muestras de un cine preocupado por la secuencia de imagen y el montaje, más que por los actores; deja ver los esbozos de lo que Eisenstein desarrollará posteriormente en su “teoría de las atracciones”.


Estrenada en 1924, “La huelga” cuenta en un hermético silencio el trágico final de una protesta obrera a principios del siglo pasado. Si bien es considerada parte de la maquinaria propagandística de Lenin y la Revolución Rusa; Eisenstein dota a cada escena de una fuerte carga poética, pasando de las pieles curtidas por el trabajo, a los campos apacibles; la promesa de un cambio ante el poder opresor del ejército y las sanguinarias consecuencias de la sublevación. Ese espíritu revolucionario es el que impulsa a Pierre Jodlowski para dotar de un nuevo lenguaje a La huelga. Para el compositor francés, la música es el arte del tiempo y el espacio, del ritmo y de la forma. Musicalizar una película no consiste solamente en llenar el silencio, sino en tejer trayectorias, en renovar el espacio de la proyección en una dimensión sonora.

La propuesta de Jodlowski, uno de los músicos franceses más relevantes, está marcada por asediar las fronteras entre el sonido acústico y eléctrico, y se caracteriza por su anclaje dramático y político. Jodlowski reivindica la práctica de una música activa: en su dimensión física (gestos, energías, espacios), y sicológica (evocación, memoria, dimensión cinematográfica). De hecho, al músico francés apunta que “La huelga luce como una pintura; una pintura que de pronto vuelve a la vida y en la que el blanco y negro se convierte en colores. Para mí, la fuerza de cada secuencia no puede estar disociada del resto de la película. La huelga muestra los símbolos de un mundo perturbado que aparecen cada vez más significativamente cuando la película se vuelve más silenciosa”.


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Blick Bassy 15 de oc t u bre 19:00 horas

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lick Bassy, uno de los máximos exponentes del soul internacional y de los pocos promotores que quedan de la riqueza lingüística de Camerún (de donde es originario y se hablan más de 260 lenguas), estará de visita en la Calzada de las Artes para compartir el espíritu de su pueblo en bassa, uno de los idiomas de esta república unitaria del África central. La revolución lingüística, cultural y musical embestirá León con la presencia del cantautor Blick Bassy, quien acompañado por Clément Petit en el violonchelo, y de Johan Blanc en el trombón, los teclados y coros, ofrecerá al público la oportunidad de conocer el sonido de una lengua en extinción. “Akö. Heredero del bantou” es el nombre del proyecto que Blick Bassy compartirá en tierras guanajuatenses. Esta peculiar propuesta musical fusiona el jazz y el bossa nova creando un interesante sonido que el artista define como

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Calzada de las Artes

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‘folk afro blues’. FRANCIA/CAMERÚN

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Considerado por críticos musicales y revistas especializadas como ‘la nueva voz del soul camerunés’, Blick Bassy lleva consigo los principales

Con una trayectoria de más de 20 años en la escena musical, este artista de enorme talento, parte de la oferta artística de Francia, país invitado de honor

ritmos de la tribu bassa en combinación con los sonidos de Nueva Orleans, ya que su principal alimento creativo surgió de sitios como Brasil y Estados Unidos, a través de la obra de grandes músicos como Gilberto Gil o Nat King Cole.

de este año. En sus conciertos intervienen instrumentos poco frecuentes en la música africana, como el violoncelo o el trombón.

Su más reciente material discográfico, Akö, mismo que da nombre a sus presentaciones en México, es un álbum íntimo y singular que marca un nuevo punto de partida en su carrera. Este es su tercer disco y se caracteriza por una marcada tendencia a la introspección.

Cabe destacar que el interés de Bassy va más allá de lo musical, pues busca dar a conocer la riqueza cultural y lingüística de su tierra natal en cada rincón del planeta, y recordar a las nuevas generaciones la importancia de respetar y preservar sus raíces, sin importar qué tan lejos se encuentren del lugar que los vio nacer.


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l pixel es la unidad mínima de color homogéneo que compone una imagen. Cualquier imagen, acercada lo suficiente, podría parecer la misma, pues se notan los pixeles. Ese principio es el que el coreógrado Mourad Merzouki tomó para erigir un monumento vivo a las imágenes.

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Pixel es una propuesta dancística que mezcla el movimiento de los bailarines con música e imágenes virtuales, puntos cuyo movimiento da origen a las formas. Al dotarlo de esta unidad mínima, se contempla la capacidad de crear incluso sueños digitales.


El Centro Coreográfico Nacional de Créteil, Valdu-Marne y la Compañía Käfig, representan al país invitado en este Cervantino, con una original propuesta de la escena contemporánea francesa. Creada en 2014, Pixel no solamente es un logro técnico ante las proyecciones y las secuencias que acompañan a los bailarines, sino que conceptualmente regala al espectador la posibilidad de trascender dimensiones.

Pixel

Centro Coreográfico Nacional de Créteil, Val-du-Marne y la Compañía Käfig Mourad Merzouki, director artístico

17 y 18 de octub re 20:00 horas F

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Teatro del Bicentenario

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480, 450, 400, 350, 280, 250, 140 y 90 pesos

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No sólo eso, recoge el espíritu de las culturas urbanas como el hiphop y el break dance,

Para llegar a este punto multidisciplinario, Pixel está dotado de grandes mentes. Por ejemplo, las imágenes

distrae del objeto principal de la pieza, sin embargo, el trabajo coloca al cuerpo humano como corazón y

para dotar de un carácter más libre cada una de las interpretaciones de los bailarines. No es casualidad, Merzouki fue una gran figura del hiphop en los años noventa, por ello ocupa este género como eje principal de una vorágine de disciplinas como el circo, artes marciales, artes plásticas, video y música en vivo.

electrónicas fueron creadas por la compañía de Adrien Mondott y Claire Bardainne, la música cuenta con el talento de Armand Amar, mientras que los bailarines pertenecen a la compañía Käfig, creada por Merzouki en 1996.

centro de las creaciones virtuales, esta simbiosis acunada a mundos oníricos, dota a Pixel de una simpleza y estética imperdibles.

En Pixel nos encontraremos con un equilibrio. Muchas veces la suma de elementos

Dos funciones en el Teatro del Bicentenario que no deben pasarse de largo si queremos reconsiderar si el mundo que miramos nació de un pixel.


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l jazz es un género musical que se distingue por su insurrección y por el espíritu atrevido y aventurero de quienes lo interpretan. En el jazz no existen las medias tintas ni hay un camino fijo para su disfrute y su interpretación. Este inquieto género será dignamente representado por Barry Good Jazz Quintet, agrupación austriaca liderada por el compositor, Lukas Schiemer, quien abordará al público de León con una pregunta cordial: And how are you? (¿Y cómo estás?).

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Una revolución musical exige una nueva forma de percibir e interpretar la música. La curiosidad y el ánimo de explorar nuevas posibilidades son características intrínsecas de cualquier insurrecto y de cualquier artista, como es el caso de Lukas Schiemer, reconocido por su labor como compositor y por liderar la agrupación Barry Good Jazz Quintet, cofradía musical que rompe con las diferencias y estereotipos que dividen a los amantes del jazz por sus gustos y edades, ofreciendo al público un cóctel fresco que se desliza por los sentidos al fusionar sin ningún esfuerzo los ritmos del hip-hop y el soul entre sus acordes, creando un ritmo que cualquier persona puede disfrutar. El ensamble Barry Good Jazz Quintet está integrado por Philipp Kienberger, bajista egresado de la Universidad Anton Bruckner, con gusto por la música contemporánea y la experimentación de elementos; Alois Eberl, trompetista que creció rodeado de música folk y encontró una formación académica en el Conservatorio de Música de Tirolesa, mismo lugar donde descubrió su pasión por el jazz y la improvisación; Simon Raab, quien estudió piano clásico y jazz, y ha sido parte de bandas como Listen To Leena y Luzid

Chaos; y Marc Vogel, joven baterista que ha realizado giras internacionales aun como estudiante en formación de la Music University en Graz. Por su parte, Lukas Schiemer es un destacado saxofonista, pianista, pedagogo, cantante y compositor que cuenta con múltiples proyectos musicales, como el ensamble Baldachin, con el que visitó León en el Cervantino de 2015. Esta agrupación ha participado con éxito en varios festivales de jazz alrededor del mundo, donde comparten sus creaciones originales y ofrecen sus letras a los oídos atentos, ya que entre las suaves hebras de sus composiciones se deslizan versos que hablan sobre el estilo de vida en las grandes ciudades, consumismo, arte y tecnología, como lo evidencia el título de una de sus canciones: ‘Smartphone’. Cabe destacar que para los miembros de esta agrupación es importante romper con todo tipo de barreras, incluyendo la del lenguaje, por lo que algunas de sus canciones fueron escritas en español.

And how are you? Barry Good Jazz Quintet

18 de octubre 20:00 horas F

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Teatro Manuel Doblado

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260, 180 y 115 pesos

Este exótico trago musical se servirá al público leonés en el Teatro Manuel Doblado, acompañado de improvisación, fiesta y una rítmica crítica social. A

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Poesía rebelde Duermo en mi cama de roca Mi sueño dulce y profundo: Roza una abeja mi boca Y crece en mi cuerpo el mundo. José Martí

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Martí: Versos de Cuba

osé Martí cantó poesía buscando la libertad de los cubanos. En décima y en canción, el poeta de la independencia le dijo al mundo sobre las bellezas de la isla caribeña. Hay hombres para la guerra, y hay otros para la poesía, Martí no ganó la revolución, pero la revolución ganó el testimonio de Martí.

canciones de libertad Juan Carlos Martín director de escena

20 de oc tu bre 20:00 horas F

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Jardín de las Esculturas

El Cervantino será sede del estreno en Latinoamérica de este espectáculo creado por el músico cubano radicado en España, primero en la Explanada de la Alhóndiga y luego en el Forum Cultural Guanajuato, en León. Con cinco premios Grammy en su trayectoria, Gómez presenta un acercamiento al pensamiento libertario y poético de Martí, a través de 17 canciones originales y la reconocida Guantanamera. “Lo único que pretendo con este espectáculo es hacer una semblanza del poeta, del hombre y del revolucionario”, señala.

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Envueltos en ese sabor cubano; historia, poesía y música se conjugarán en el ingenio de Óscar Gómez para reivindicar al escritor con el espectáculo ‘Martí: versos de Cuba, canciones de libertad’, un concierto que es al mismo tiempo un recital de poesía dramatizada.

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Un espectáculo multidisciplinario, que reivindicará la labor literaria del pensador que buscaba una Cuba libre y demócrata

José Martí (1853-1895) fue uno de los pensadores más importantes para la independencia de Cuba a finales siglo XIX. Político, periodista y poeta, fundó el Partido Revolucionario Cubano, y aunque hoy es reconocido como pieza clave para el fin del colonialismo español, “a Martí lo acusaron de cobarde porque hablaba pero no actuaba, y la primera vez que se subió a un caballo lo mataron, lo cual es muy triste porque en todos los conflictos debe haber gente que piense, que escriba, diga y deje un legado. No solamente los soldados ganan la guerra”. En ese sentido, Oscar Gómez retoma toda la obra literaria de Martí, en específico el libro de Versos sencillos, al cual dota de los ritmos de la música

autóctona cubana para crear un espectáculo multidisciplinario, que reivindicará la labor literaria del pensador que buscaba una Cuba libre y demócrata. Coincide esta época con cambios geopolíticos, sin embargo, este espectáculo no busca sopesar alguna figura pública, como señala Gómez, “No pretendo aleccionar ni pretendo dar un mensaje específico de ninguna clase, como autor, como poeta, como músico, no quiero dar ningún mensaje; el objetivo es que se conozca el mensaje de Martí, que sigue siendo válido hoy en día, porque el mensaje de la libertad y de los derechos humanos creo que es importantísimo que prevalezca, y ojalá que los políticos tomen esa palabra”.


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Romengo & Mónika Lakatos 2 2 de oc t u bre 20:00 horas F

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Teatro del Bicentenario 480, 450, 400, 350, 280, 250, 140 y 90 pesos

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a tierra de los celtas, romanos, hunos y eslavos visitará el Bajío mexicano representados por Mónika Lakatos y Romengo, reconocidos músicos que comparten la riqueza y excentricidad del pueblo gitano y su música. El sonido del violín, la guitarra, latas y enseres de madera, sonarán en un ritual fantástico entre las paredes del Teatro del Bicentenario. Ya sea en un foro al aire libre, o en el interior de una sala de teatro, Romengo resguarda y promueve la esencia de la música gitana originaria de Hungría. Estos talentosos músicos, acompañados por la cantante Mónika Lakatos, se han dedicado desde hace 10 años a compartir los ritmos del folclor gitano, así como las canciones que sonaban en las llanuras de Europa Central.

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La música de Romengo se caracteriza por respetar las tradiciones húngaras y las raíces de esta manifestación musical en constante evolución. Los músicos de Romengo y Mónika Lakatos (quienes visitan México por primera ocasión), realizan una importante labor de preservación de las tradiciones musicales, y lo demostrarán en este concierto, interpretando música que rescataron de un pueblo gitano que fue brutalmente perseguido durante la Segunda Guerra Mundial. Es así que escucharemos temas en su lengua originaria compartiendo con las nuevas generaciones la magia de los ecos del pasado. Nos llevarán a los lugares más insospechados a través de hipnóticos himnos que evocan noches interminables de baile junto al fuego.


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La armoníade la

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a magia de los sonidos del mundo se resguarda en los instrumentos de Maya Belsitzman y Matan Ephrat, un peculiar dúo israelí que logra una armonía inusual entre cello y batería eléctrica, aderezada con la dulce voz de Maya, creando así una propuesta musical que transporta al escucha por lugares mágicos y lejanos; los mismos que han visitado estos dos intérpretes que trasladan las riquezas de su

tierra y las estelas del resto de los países que han visitado, hasta el escenario. Maya y Matan comenzaron a tocar juntos en 2012, cuando descubrieron que sus diferencias, tanto de gustos musicales como en su interpretación, les ofrecían enormes posibilidades. Maya canta y toca el cello, mientras que Matan interpreta la batería eléctrica.


Este entendimiento musical, que solo se compara con esa química difícil de explicar que surge entre los amantes, fue el pasaporte que les ha permitido viajar alrededor del mundo, llegando así hasta la Calzada de las Artes del Forum Cultural Guanajuato. Esta propuesta musical surgió en una esquina del otro lado del globo y logra ampliar

los horizontes culturales y temporales del escucha en cada una de sus presentaciones, sin importar donde se encuentren, ya que su sonido no es ajeno a ningún oído. Esto, como resultado de cada sutil acorde que Maya y Matan han adoptado de los lugares que visitaron desde que iniciaron su aventura, como si cada sonido se tratara de un souvenir.

Maya Belsitzman & Matan Ephrat 2 2 de octubre Los curiosos que busquen acercarse a la música de esta pareja se encontrarán con piezas tradicionales israelíes interpretadas con un roque minimalista, jazz clásico e incluso, canciones tradicionales en castellano como ‘Recuerdos de Yparaí’. Su necesidad de explorar nuevos horizontes y aprender de músicos de distintas latitudes, los ha llevado a colaborar con los argentinos de Ainda Dúo, con quienes interpretaron la conocida

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canción Al otro lado del río. Canciones de Black Sabbath, Fito Páez y hasta de Gershwin, también se encuentran en su repertorio.

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Calzada de las Artes / Forum

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Maya y Matan cuentan con seis álbumes de estudio. Aparte de los sonidos del mundo que comparten en cada presentación, también llevan consigo la consigna de que las diferencias culturales, sociales, musicales e incluso de género, derivan en riqueza, evolución y armonía.

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Les Voix se conforma por cinco ejecutantes de violas da gamba, expertos en el repertorio del siglo XVII, que dependiendo de la pieza tocan a dueto o en conjunto, en León estarán presentes los

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repite por segundo año consecutivo como foro cervantino.

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Les Voix Humaines Consort & Nigel North Margaret Little, directora y viola

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on un programa dedicado a la desazón de la guerra y la melancolía, el ensamble candiense Les Voix Humaines Consort ofrecerá un concierto en la Catedral de León, que

Guerras y lágrimas

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Catedral Metropolitana de León

maestros Mélisande Corriveau, Margaret Little, Felix Deak, Rafael Sánchez Guevara y Susie Napper. A los intérpretes se les une el británico Nigel North, quien toca el laúd desde los 15 años de edad y en la actualidad es profesor de ese instrumento en el Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana, en Bloomington. Guerras y lágrimas será un concierto que nos llevará a un viaje en el tiempo, cuando en 1604 el compositor inglés John Dowland (1563-1626), escribió Lacrimœ or Seaven Teares, un conjunto

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de obras de carácter melancólico para laúd y violas, dedicadas a tipos específicos de lágrimas: antiguas, gimientes, tristes, forzadas, de un amante o verdaderas.

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El programa se complementa con Soldiers March, un recuento de una batalla compuesto por Tobias Humen (1569-1629), quien fue un soldado mercenario, que peleó para el Rey de Dinamarca. También hay obra de John Jenkins (1592-1678) y de William Lawes (1602-1645), quien perdió la vida peleando para el Rey Carlos I.


Guerras Lรกgrimas


Pinocchio un niño de realidad virtual N

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arte del encanto de las historias fantásticas infantiles se encuentra en que, sin importar la edad que tengamos, su magia (narrativa) continúa asombrándonos. Así como Pinocchio soñaba con ser un niño de verdad, los adultos sueñan con mantener esa capacidad de sorpresa tan propia de los niños. Consciente de ello, la Compañía Roseland toma en sus manos la magia de un cuento infantil clásico, Pinocchio, y lo fusiona con las nuevas tecnologías, creando así

un innovador espectáculo para toda la familia que traslada este entrañable personaje al siglo XXI. Con dos pantallas colocadas sobre el escenario (una al fondo y otra al frente), la compañía multidisciplinaria Roseland Musical se distingue por explorar y amalgamar las posibilidades del cuerpo y las nuevas tecnologías. Esta agrupación estará de visita en el Teatro Manuel Doblado para ofrecer al público leonés (sobre todo al público infantil), la posibilidad de acercarse a un


clásico de la literatura, a través de un camino innovador donde los personajes cobran vida gracias al uso de la tecnología visual. De esta forma, un grupo de talentosos bailarines interactúa con figuras, paisajes e individuos que escapan de la imaginación para trasladarse a la realidad como si se tratara de un juego entre dimensiones. Roseland se ha dado a la difícil tarea de acercar múltiples disciplinas dancísticas (como la contemporánea, clásica y el breakdance), a los niños y niñas desde hace más de 25 años. Para lograrlo, no se obstinan en competir con las pantallas y los videojuegos, sino que integran estos elementos a sus espectáculos, asegurando una experiencia inolvidable. Pinocchio, el niño de madera

que al mentir le crece la nariz y que sueña con ser un niño de carne y hueso, es el protagonista de este híbrido que integra la estética de los videojuegos y mantiene intacta la esencia narrativa de Carlo Collodi, creando así un lenguaje escénico actual que reta al espectador a replantear la manera de disfrutar las artes escénicas. Roseland cuenta con un nutrido grupo de ingeniosos artistas: escenógrafos, artistas plásticos, bailarines, vestuaristas, diseñadores, coreógrafos y músicos profesionales. Cada una de las piezas de esta compañía es original y promete una travesía audiovisual sorprendente que evoca las más entrañables aventuras de la infancia.

Pinocchio siglo XXI Roseland Musical Marta Almirall, directora

23 de octub re 24 de octub re 19:00 horas F

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Teatro Manuel Doblado

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mediados del siglo pasado, el maestro Ruelas convocó a los habitantes de Guanajuato a una revolución cultural a través del teatro. Ese espíritu hoy retoma impulso con el Proyecto Ruelas, que evoca directamente a la unión. Buscando un Cervantino social, Volpi planteó al Proyecto Ruelas como una forma de atender a comunidades en el estado a través de la exploración de sus necesidades sociales y una confrontación con su realidad, por medio de herramientas artísticas.

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M artí nez

A poco más de tres años de trabajo, los proyectos se han asentado en cada comunidad, estableciendo compañías que se plantean el teatro como un espacio para la reflexión y la integración. Por ejemplo, destaca Reséndiz, el trabajo de Sara Pinedo, que inició el proyecto en Puerto de Valle, y después de guiar a sus integrantes a una Muestra Nacional de Teatro, es encomendada a San Juan de Abajo, “un lugar al que no habíamos podido acceder, hasta que ella llega para tocar las fibras más sensibles de la comunidad”, lo que devino en

¿Cómo llegar a las comunidades? La respuesta fue, señala Mario Reséndiz, Coordinador del Proyecto Ruelas, que se tenía que lograr que los pobladores expresaran sus “necesidades comunitarias”, es decir, que asimilaran su entorno y cómo, en comunidad, pueden sortear sus problemáticas.

una propuesta multidisciplinaria, ampliando el término mismo del teatro.

Actualmente se cuenta con la participación de encargados, directores escénicos con una vasta experiencia en sectores vulnerables, como lo son Sara Pinedo (en San Juan de Abajo, en León), Raquel Araujo (Pozo Blanco del Capulín, en San José Iturbide), Juliana Faesler (Puerto de Valle, Valtierrilla, en Salamanca) y Luis Martín Solís (los centros gerontológicos El Cambio y Las Teresas, del municipio de Guanajuato).

“Si el maestro Enrique Ruelas cambio la vida de los habitantes de Guanajuato, que no cambie la vida de una comunidad”, expresa Reséndiz al ser testigo de los rumbos que han tomado las cuatro compañías.

Otro caso para destacar es el de la comunidad de Pozo Blanco con Raquel Araujo. “El teatro como una excusa para integrarse” les funcionó para levantar incluso su primera biblioteca en la comunidad.

Mientras tanto, las comunidades están en plena revolución. Presentarán sus producciones en León, la sede total del Proyecto Ruelas en el Cervantino 2017.


Yerba santa pa’ la garganta y abrecaminos pa’ tu destino… Puerto de Valle, Salamanca Juliana Faesler, directora Sábado

1 4 d e o c t u b re 17:00 horas F

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Casa del Adolescente del Instituto Municipal de la Juventud C O S T O

Sin costo

A partir de la relación entre cultura, salud y enfermedad, el montaje es una zona libre para hablar, cotorrear y pensar en grupo sobre diversos fenómenos sociales que involucran directamente al cuerpo. Desde las experiencias de las mujeres, los niños y las niñas de la comunidad, el nacimiento y la muerte misma serán nuestro objeto de estudio. ¿Cuáles son las ficciones culturales que involucran las prácticas terapéuticas tradicionales, los sistemas curativos y la medicina contemporánea? ¿Cómo reconstruir desde ecosistemas rotos los lazos con nuestro cuerpo que vive el presente, que es historia y vehículo de la vida misma?

La Valentina Centros Gerontológicos El Cambio y Las Teresas, Guanajuato Luis Martín Solís, director Domingo

1 5 d e o c t u b re 17:00 horas F

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Plaza de la Ciudadanía Efraín Huerta

C O S T O

Sin costo

Primer movimiento: Valientes Valentinas. Mujeres en la lucha armada de la Revolución y sus pares que establecieron las bases necesarias para una equidad de género, desde el derecho al voto hasta el derecho a decidir sobre su propio cuerpo. Segundo movimiento: Migraciones y exilios. Mujeres que emprendieron viajes en la ampliación de sus horizontes, en la búsqueda de otras maneras de ser y pensar, dos escritoras fundamentales; Elena Garro y Rosario Castellanos. Tercer movimiento: Las Brujas. Mujeres sabedoras de secretos que asustan y deslumbran. María Sabina y Guillermina Bravo, desde la magia de la ciencia y la ciencia de la magia.


La Mancaña Comunidad de Pozo Blanco, El Capulín, La Rendija Teatro, San José Iturbide Raquel Araujo, directora Sábado

21 d e o c t u b re 17:00 horas F

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Plaza de la Ciudadanía Griselda Álvarez

C O S T O

Sin costo

Los Quijotes de Pozo Blanco se han hermanado con dos comunidades de San José Iturbide. Colaboramos con el coro de Ojo de Agua, dirigido por el maestro Ligorio Rodríguez, y este año se suma la comunidad de Miranda. Presentamos el proyecto autobiográfico de la comunidad de Pozo Blanco, con las ramificaciones familiares que nos vinculan con Ojo de Agua y Miranda. Una obra documento, árbol genealógico y memoria, atravesada por textos de Juan Rulfo, Octavio Paz, Antón Chéjov y participantes de las tres comunidades.

Cómo llegar a Fuenteovejuna San Juan de Abajo, León Sara Pinedo, directora Domingo

2 2 d e o c t u b re 18:00 horas F

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Plaza Expiatorio

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Sin costo

Fuenteovejuna no es solo un lugar. Es una actitud, la de retomar lo que nos pertenece por derecho. De reconocernos y retomar nuestros espacios. Volver a la lengua primera: el cuerpo. Retornar a la escena primera: la fiesta. Con estas premisas, imaginamos nuestra Fuenteovejuna. Una calle, una plaza que se llena de la tradición popular, de nuestra identidad mexicana y por tanto latinoamericana, para contraponerse a aquellos que han pasado sobre ella, que la han tomado a la fuerza y mutilado su dignidad, como a Jacinta y Laurencia. Utilizando herramientas del teatro del oprimido, hemos realizado ejercicios que detonan cuestionamientos en torno a distintos temas. La resignificación de “El torito” y “la quema de judas” mediante su conjugación con elementos del circo, danza, música, y cuadros extraídos del texto de Lope de Vega, conformarán nuestra carnavalesca versión de Fuenteovejuna. Una celebración de la revolución.


Una nueva

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invade

por K a r l a

Gasca

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os ideales se encuentran muy presentes entre nosotros y toman fuerza cuando los caminos que se vislumbran al frente aparecen tan accidentados. Pensar en utopías no es un crimen y para muchos es una necesidad, como es el caso de los artistas del Festival Internacional Cervantino, quienes ofrecen horizontes más amplios y menos contaminados. Este año se integran cinco compañías teatrales provenientes de San Luis Potosí y Ciudad de México, quienes, a través de un ideal, expondrán temas como transgénero, feminismo y revolución. De esta forma le damos la bienvenida a la primera edición de ‘Revoluciones Off’. Para abrir los ojos a nuevas realidades y la mente a perspectivas frescas, hace falta destruir la serenidad del espectador y causar una revolución en su interior, eso es lo que hará el Colectivo Manada en Escena y las compañías: Bola de Carne, TransLímite, Francomexicana, así como los creadores escénicos Alan España y Francisco Granados, quienes ofrecerán al público del FIC un amplio menú escénico donde destacan las historias subversivas: desde la incapacidad del estado para resolver los problemas que aquejan a la sociedad, hasta el importante rol de las

mujeres en la Revolución Mexicana, pero no como un personaje secundario, sino al frente de la línea de fuego, portando armas y montando a caballo. A través de una entrevista, Isabel Castro, curadora de este proyecto, destacó que estas propuestas escénicas brillan por su profesionalismo pero no cuentan con ningún subsidio: “Son montajes con poco presupuesto y grandes poéticas que suelen ser más poderosos justo porque prescinden de este tipo de apoyos. Estas son algunas de las propuestas más poderosas que vi durante el año”. A la ciudad de León llegarán tres de los montajes más interesantes de Revoluciones Off. El primero de ellos se enfoca en un público adolescente bajo el título de: ‘Escuadrón Justicia. La nueva Utopía’, dirigida y escrita por Ricardo Ruiz. Este proyecto muestra a un grupo de jóvenes asediados por las pésimas condiciones sociales y económicas, el hartazgo, la desesperación y la injusticia, por lo que deciden tomar el papel de héroes inspirados en el personaje de Travis Brickle, protagonista de la famosa película de Martin Scorsese, Taxi Driver (1976).

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A través de esta obra creada a manera de comic en 3D, Ricardo Ruiz Lezama busca la reflexión en una época que reclama la acción inmediata, que a menudo desemboca en callejones sin otra salida que la muerte. También estará presente en la ciudad zapatera la propuesta de la compañía Bola de Carne, que lleva por nombre San Nonaka, sobre la vida de Kingo Nonaka, ciudadano japonés que tiene múltiples experiencias en México como buzo, recolector

de café, enfermero de Francisco I. Madero, parte del ejército de Francisco Villa y luego del de Álvaro Obregón. También fue fotógrafo y militar condecorado. A través de esta puesta en escena, Teatro Bola de Carne busca confrontar al público con los actores en el cuadrilátero de la ficción y la realidad entrecruzadas. Los estereotipos y los roles impuestos por la sociedad caerán noqueados, sangrantes y sin fuerzas para otro round.

Sin costo

Escuadrón Justicia:

San Nonaka

La nueva utopía Manada en Escena

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Amelia... Coronel Amelio

Teatro Bola de Carne

Miércoles

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Finalmente, Alan España y Francisco Granados compartirán con el púbico la historia de un transexual en la Revolución Mexicana en ‘Amelia… Coronel Amelio’, una historia verídica pero poco conocida. La historia de Amelio Robles se mezcla con canciones y corridos, algunos compuestos en su honor, con interludios similares a los que se utilizaron en las carpas postrevolucionarias, con sus cómicos, sus bailes, su música y su desparpajo.

Aldo y Alan

Diseño Escénico

Domingo

Sábado

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21 d e o c t u b re

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18:00 horas

19:00 horas

19:00 horas

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Casa del Adolescente del Instituto Municipl de la Juventud

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Plaza Fundadores

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Teatro María Grever


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La créme de la créme en

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por D a n i e l

l cine no sería lo mismo sin Francia. Desde aquél lejano 28 de diciembre de 1895, en el que un café parisino albergara la primera proyección de los hermanos Lumière, la cinematografía francesa ha sido una pieza clave para la historia de este arte. El Cervantino y Cine Martes de Terraza se unen este octubre para invitar al público leonés a descubrir y redescubrir el quehacer cinematográfico francés a través de dos ciclos: Clásicos en pantalla (donde se exhibirán nueve cintas fundamentales de autores consagrados como Robert Bresson, Jean-Luc Godard y François Truffaut) y 70 aniversario del Festival de Cine de Cannes, en el que revisaremos siete cintas participantes en diversas ediciones del emblemático Festival, incluyendo a importantes directores

Torres

como Claire Denis y Philippe Garrel, además de obras contemporáneas que permanecen inéditas en el país. En total, son 16 películas con las que celebramos poco más de 80 años de producciones. Se trata de una oportunidad única para acercarse a este país, a través de miradas y temas universales, donde la obra de grandes maestros da paso a la de cineastas emergentes; los asistentes disfrutarán un abanico de géneros y estilos que no suelen tener espacio en cadenas de exhibición comercial. Este festín cinéfilo se llevará a cabo en la terraza del campus León de la Universidad de Guanajuato, en el Forum Cultural. Se exhibirá de forma gratuita una cinta diaria del 12 al 27 de octubre, arrancando a las 20:00 horas. Bon Appetit!


Ci n e Ma rtes d e Ter ra za Sede Fórum,

Universidad de Guanajuato Campus León 20:00 horas | sin costo

c lási c o s en pa n ta l l a

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D E L

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J U E V E S

Cero en conducta

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D O M I DN OG M OI N 1 5G O

El desprecio

Jean-Luc Godard, 1963 102 m i n u tos

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D E

S Á B A D O

Buen trabajo

O C T U B R E

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D O MM I NA GR O T E 1S 5

Un castillo en Italia Valeria Bruni Tedeschi, 2012

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V I E R N E S

Les Deux Amis Louis Garrel, 2014 10 0 m i n u tos

75 mi n.

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D O M I N G O

Villa Amalia

M I É R CO L ES

Chicos del Este Robin Campillo, 2013 1 28 m in utos

El hombre de Río 107 mi nutos

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V I E RVNI EE SR N2 E0 S

La ceremonia

Claude Chabrol, 1995 111 mi nutos

Ho me na je a l o s 7 0 a ño s d e l F e s t iva l Int e r nacio na l d e Cine d e Ca nne s

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LU S Á B A D O N 1E 4S

Mis escenas de lucha Jacques Doillon, 2012

97 m in utos

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M A RT ES Philippe de Broca, 1964

Benoît Jacquot, 2008

90 m i n u tos

10 4 m i n u tos

¡Viva el domingo!

Pickpocket Robert Bresson, 1959

111 m in utos

Claire Denis, 1999

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Los paraguas de Cherburgo

O C T U B R E

J UO E V1 4E S S Á B A D

François Truffaut, 1982

70 m i n u tos

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LU N ES

J U E VJ EUSE V1 E9 S

Jean-Luc Godard, 1965

A L

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8 0 m in utos

Pierrot el loco

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V I E R N ES

French Cancan

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Jacques Demy, 1964

M I É R CO L E S

D E L

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11 5 m in utos

44 m i n u tos

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Jean Renoir, 1955

Jean Vigo, 1933

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1 2

9 9 mi nutos

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J U E V ES

Celos Philippe Garrel, 2013 77 mi nutos


A LT E R N AT I V A S

F O T O G R A F Í A

SEPTIEMBRE 2017

• No te cases con un estilo o categoría de fotografía. Es cierto que hay fotógrafos que se especializan en retrato, paisaje, desnudo, entre otros; pero prueba hacer o combinar diferentes categorías: antes de limitarte, prueba. Y O

S É

F O T O

Inmensos lugares, pequeños detalles

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uando tenemos en nuestras manos una cámara fotográfica, esta no sólo es una por Bernardo Luna herramienta con la cual capturamos y congelamos • Limitarte a tomar un solo color, objeto, un instante. Más allá de eso, lugar o cosa, te puede ayudar a abrir tus se transforma en un vínculo posibilidades en una misma situación. entre nuestra mirada, el corazón y la mente. Con una cámara el fotógrafo puede • Antes de hacer click, date cinco comunicar su forma de ver el segundos para analizar si lo que mundo, puede darle sentido aparece en tu visor es lo mejor que a una situación o a un hecho, puedes capturar. capturar la esencia de una mirada, la inmensidad de un lugar • Plasma todas tus ideas. Escribir • Leer sobre y, con su estilo, dar a conocer los o dibujar tu próxima fotografía corrientes artísticas, detalles de las pequeñas cosas que puede ayudar a que no olvides el obras de teatro, existen en nuestro alrededor. concepto o la esencia y originalilibros; te puede dad para poder llevarla a cabo. ayudar a crear Darnos el tiempo para poder una imagen tomar una fotografía puede con mayor cambiar nuestros resultados contexto. notablemente. Aquí van • No pospongas una fotografía que tengas en algunos consejos: mente, a veces las mejores ideas solo se quedan en el papel o la mente, y desaparecen • Cuando salgas a hacer porque jamás se fotografía, toma una foto con hicieron realidad. tu teléfono móvil, revisa el resultado y haz una segunda toma ahora con tu cámara, mejorando la primera. 47_


A LT E R N AT I V A S

M O D A

SEPTIEMBRE 2017

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través del tiempo hemos visto a varios diseñadores rompiendo los esquemas de los tradicionales métodos de la producción de ropa. Algunos utilizan la moda como medio de expresión para comunicar sus opiniones respecto a temas de vanguardia como política, derechos humanos, medio ambiente, entre otros. Otros diseñadores innovan con tecnologías para la creación de ropa vanguardista y otros simplemente irrumpen con los esquemas establecidos de lo que uno conoce cómo ‘belleza’. Estos son los diseñadores que han creado nuevas corrientes en la moda.

S I L U E T A S

Empezamos con una de las primeras diseñadoras que vino a revolucionar. Rei Kawakubo es una diseñadora japonesa que fundó su marca de moda ‘Comme des Garçons’ en 1973. A diferencia de los diseñadores de la época, Kawakubo no tuvo la típica educación de diseño y confección, sino que ella fue a la universidad para titularse en Historia de la Estética y Bellas Artes. Su especialización es la creación de prendas que van en contra de la estética establecida, elimina cualquier inspiración ligada a épocas pasadas, rechaza la apropiación de culturas en la moda y le gusta jugar con la deconstrucción/reensamblaje de prendas, una de las pioneras en la moda avant garde.

ntifashion y tecnología por Carmen Gama

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partes del cuerpo, una gran utilización de texturas, gama de colores obscuros y hasta prendas hechas de papel. Sin duda es una diseñadora que ha roto con todos los esquemas de belleza.

Kawakubo ha revolucionado tanto en la moda que recientemente fue invitada para tener su propia exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, siendo la segunda persona en vida con una exhibición de moda propia en este museo: ‘Rei Kawakubo/ Comme des Garçons: Art of the In-Between’. Esta exhibición cuenta con las 120 prendas más extravagantes que Kawakubo ha diseñado a través de los años. La colección refleja su gran estilo feminista, sastrería, predominio del color negro, estilo punk, y más que nada antifashion. Se encuentran prendas que sobrepasan la norma del término ropa, a tal grado que no son consideradas prendas, más bien formas abstractas de arte que no son amigables al cuerpo humano, por ejemplo, evitan el movimiento del mismo, gigantes tumores emergiendo de

Así como Rei Kawakubo, existen otros diseñadores que han ido construyendo un nuevo camino en el mundo de tecnología y moda, como la diseñadora holandesa Iris Van Herpen. A la corta edad de 33 años, Van Herpen es una de las diseñadoras más famosas en fusionar tecnología, moda y artesanía como una sola rama. Fundó su marca en el 2007 y fue la primera diseñadora de moda en incorporar impresión 3D en sus colecciones. Ella se enfoca en crear formas únicas de arte que puede que no sean muy funcionales con el cuerpo humano, pero reta todos los esquemas de lo que una prenda debe ser. Gracias a diseñadoras como ellas, la moda ha ido evolucionando más allá del mismo término moda. Han logrado empujar, romper y cuestionar toda norma establecida por sus antecesores y hasta sus mismos contemporáneos. Para diseñadores como ellas, la palabra ‘nuevo’ tiene un tiempo de vida muy corto… siempre rompen con sus propios esquemas y es lo que las mantiene en el top de la innovación y vanguardia.


por Juan Ramón Velázquez Mora

Es extraño que una gran película de horror sea reconocida de inmediato como una gran película a secas. El relato de Jonathan Demme corrió con esta suerte, y su estatus no ha disminuido con el paso de los años. La película se centra en la cacería de un asesino serial conocido como Buffalo Bill. El motor de la historia es la relación entre la agente del FBI encargada de su captura (Clarence Starling) y el único hombre capaz de ayudarla: otro temible asesino serial (Hannibal Lecter), interpretado por Anthony Hopkins en el mejor momento de su carrera. El impacto de The Silence of the Lambs ha sido perdurable. El doctor Lecter, en particular, se ha vuelto una presencia elemental de la cultura popular. La profundidad psicológica y el vínculo resbaloso entre sus protagonistas no permite que la atención se desvíe jamás de la pantalla. La tensión se siente a tope desde la primera hasta la última toma. Es una cinta irreprochable, de las que cada vez hacen más falta.

En esta segunda parte de la serie se nota la ausencia de la década de los ochenta. Por desgracia, el éxito de Halloween (Carpenter, 1977) provocó que los señores del dinero inundaran la década de copias mucho menos imaginativas, deshonrando durante mucho tiempo al horror. No faltaron buenas películas sobre el tema en aquella época, pero creí mejor nombrar obras más notables de las décadas siguientes.

Ocho películas sobre asesinos seriales

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(SEGUNDA PARTE)

unque los esfuerzos para solucionar el problema no han sido pocos, la naturaleza de El Mal sigue haciendo correr la tinta. Lo que sí sabemos es que se trata de un fenómeno humano. Se necesita tener conciencia de los propios actos para ejercitar la crueldad o la violencia sin sentido. El lenguaje (la fibra misma con la que está tejida nuestra alma) puede impulsar arte maravilloso o el hundimiento de un cuchillo en la carne nocturna. El cine de asesinos seriales permite unir ambas inclinaciones.

SUSPIRIA (Dario Argento,1977)

Que sirva esta mención para no dejar sin representante a ese desfile de manos enguantadas, tramas delirantes, pesadillas technicolor, vírgenes perseguidas y corredores oscuros que fue el género giallo. La obra maestra de Dario Argento es el momento cumbre de esta peculiar manera de hacer cine. No creo que importe demasiado referir la trama, pues no es muy distinta de los cuentos de hadas más elementales — aunque un grado más delirante. Esta película es más bien un asalto sensorial parecido a una gema de resplandores múltiples. Cada encuadre es un placer a la vista; la sangre de tono neón fluye generosamente bajo fulgores evanescentes. La banda sonora, propinada por el conjunto progresivo Goblin, se ha convertido en un clásico por derecho propio; su estridencia es compañía insuperable para la fastuosidad perversa de las imágenes. El homicidio visto como festín de belleza que propone el cine giallo no se ha quedado sin continuadores u homenajes. Baste mencionar, por ejemplo, a The Neon Demon (Winding Refn, 2016), que apenas el año pasado supo rendir una fascinante reverencia a esta esquina de la perversión.

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O R I Ó N D E H O M B R O E L


A LT E R N AT I V A S

No es un hecho menor el que Fincher haya podido revolucionar un género y al mismo tiempo cimentar una carrera brillante de un solo golpe, con apenas su segunda película. Se7en está llena de tonos metafísicos y matices de gran inteligencia cuyas huellas no se han desvanecido del cine y la televisión policiaca. Su ambiente de pesimismo brutal y la violencia que ensordece todo a su alrededor todavía resuenan en nuestros días. Quizá en aquel entonces era el temor milenarista lo que logró asomar la cabeza; o quizá haya sido algo más profundo lo que enseña los colmillos a través de la saga de John Doe: la convicción de que el mal nunca desaparece del mapa, por grandes que sean nuestros esfuerzos. La relación entre los personajes de Morgan Freeman y Brad Pitt transforma lo que podría fácilmente haberse desbarrancado hacia el cliché en un contrapunto brillante de cosmovisiones que le insufló nueva vida al guionismo detectivesco. Se7en es obligatoria para los que hayan sentido, aunque sea una vez, que el mundo es un lugar espantoso y la existencia una carga innecesaria. Mejor dicho: es una película obligada para cualquiera.

(David Fincher,1995)

SE7EN

SEPTIEMBRE 2017

No es difícil contar otra película de Fincher en esta lista. Se trata de un director que, a la manera de Hitchcock, ha sabido equilibrar el morbo y la inteligencia, el gusto popular y el gran arte dentro de la industria. Lo que distingue a sus películas sobre asesinos seriales es que ZODIAC cada una aborda un aspecto (David Fincher, 2007) distinto del fenómeno. Zodiac es muy distinta a Se7en, o a The Girl with the Dragon Tattoo, a pesar de que aborden el mismo fenómeno. En ésta —que es, pienso, su obra maestra hasta ahora—, Fincher punza dos polos del homicidio serial: el mundo que lo produce, y la obsesión que provoca. Tan meticulosa y compulsiva como sus protagonistas, la recreación de la época que parió al Asesino del Zodiaco es casi un milagro en esta cinta. El grado microscópico con que mira el complejo panorama de la historia es al mismo tiempo su fortaleza y su debilidad. En su momento fue ignorada por crítica y audiencias, pero más vale escuchar lo que tiene que decir. No es una película que se centre en la anécdota efectista. Tampoco es un relato fácil que ofrezca soluciones envueltas y con moño. Por el contrario: sus respuestas profundizan los enigmas, alebrestan el fuego, incrementan el apetito y nos dejan suspendidos en una perpetuidad sin soluciones. ¿De qué otra manera puede tratarse a la maldad, o a la vida misma? Creo que esta ausencia de respuestas es la mejor justificación para seguir produciendo arte. 51_

(Jonathan Demme,1991)

THE SILENCE OF THE LAMBS C I N E


A LT E R N AT I V A S

G A S T R O N O M Í A

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uando un mexicano tiene el alma montañosa y fresca, de árboles gigantes, vientos gritones, nubes moradas, lo más probables es que el cuerpo le pida una barbacoa de borrego con su caldito bien caliente, chile serrano, cilantro y cebolla picaditas. Un champurrado con churros, qué sé yo… lo que caliente desde dentro toda la maquinaria. Pero, y si se ha nacido en un mundo calcáreo, de selva achaparrada, un cosmos de iguanas, de costas azul turquesa y verde esmeralda, en donde el gran jaguar de la tierra abre sus fauces de secretos cenotes resguardando la frescura del agua clara como el tesoro escondido de una jungla de calor absoluto, salvaje y sin tregua… si alguien ha nacido ahí, ¿con qué alimenta su cuerpo que sea capaz de merecer tanta complejidad? La península de Yucatán no ha tenido nunca una vida común y corriente, una vez sufrió un meteórico golpe que le cambió para siempre el destino y la figura, las condiciones de su clima y geografía la llenaron de los más inesperados ingredientes, y los hombres y las mujeres que la poblaron hablaron a esta, su madre tierra, en una lengua hermosa, gutural y corta, llena de aire y color.

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El ombligo del mundo Maya es Mérida y aquí he llegado, abro el menú del restaurante elegido y la cabeza se me desborda de preguntas. Los meseros están acostumbrados a los turistas ignorantes, y sin poner los ojos en blanco me instruyen pacientemente:

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L A

B O C A

La comida de las almas yucatecas por María Luisa Vargas San José

- ¿Qué es un Sikil pac? - Pues un extraordinario puré de pepita de calabaza, tomate y cebolla asados, chile habanero y cilantro picado para poner en totopos mientras llegan sus Papadzules (la yucateca versión de unas enchiladas rellenas de huevo cocido hechos ya’ach’ –o sea, desmenuzados– y bañados con una salsa de pepita de calabaza perfumada con epazote junto con otra salsa, ahora de jitomate con chile habanero) o sus Panuchos, o sus Salbutes, (¡esos sí los conozco y me enloquecen!) o quizás unos Codzitos , un poco de longaniza de Valladolid asada o una chicharra.


- (Cielos, habrá que googlear todo) ¿Oiga, y estos otros, los Dzotobichay? - Son los tamales yucatecos por excelencia, rellenos de huevo y pepita de calabaza molida, la masa de maíz está mezclada con hoja de chaya, envueltos en hoja de plátano y bañados de salsa de jitomate. - ¿Y el castacán? - El castacán es un corte hecho en el estómago del cerdo pelón de Yucatán. Tiene una suave capa de grasa parecida a la del tocino y está cubierto de una lámina de piel bien dorada, lo cual hace que cada bocado sea una combinación suave y crujiente con muchísimo sabor. En este pedazo del mundo, la carne es de venado (Ceh), de faisán y de puerco, por eso la comida de fiesta se engalana con el lechón al horno y la cochinita pibil, el tzic de venado, y el relleno negro (Si de verdad quieren sumergirse en el alma de Yucatán, pidan un plato de relleno negro. Una experiencia inolvidable), y si se acerca el día de muertos - el Hanal Pixán- las almas de los vivos y de los muertos se regocijarán con un pib o mucbilpollo el tamal gigante. Aquí se guisa alegremente con naranja agria en vez de vinagre, y cebolla morada, rábanos y chile habanero en vez del pico de gallo tradicional en el resto de México, y es que Yucatán en serio, se cuece aparte. La cocina Yucateca actual, enriquecida en el contacto con España, el Caribe y, desde hace más de cien años, con

Líbano, está poblada de una gran cantidad de ingredientes ancestrales que han conservado su esencia Maya pues se siguen cultivando los vegetales endémicos y los procedimientos de elaboración no han cambiado demasiado. Los frijoles nativos de la península son blancos y delgados, llamados ibes, y también están presentes los frijoles negros tiernitos, o espelones. Las semillas de achiote y la hoja de chaya, el chile dulce, el xcatic y el habanero, la ciruela tuxpana, el epazote, la naranja agria, la pepita de calabaza menuda y la gruesa, la hoja de plátano para los tamales, el jitomate y el ajo para las salsas, la longaniza de Valladolid, y el queso holandés de bola Edam marca Gallo azul, son fundamentales para la elaboración de los miles de platillos que la cocina yucateca ha perfeccionado durante siglos y que sería imposible agotar aquí. Me cuesta mucho trabajo regresar de este mundo distinto, magnífico y espectacular, tan desconocido para mí que me hipnotiza con la fuerza de su majestuosidad, la sorpresa de lo inaudito, de lo nunca antes imaginado, soñaré durante mucho tiempo en Maya, estoy segura.


A LT E R N AT I V A S

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SEPTIEMBRE 2017

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Moe abre comedor familiar en Leรณn por Karla Gasca

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a fiebre amarilla ha llegado a León con una deliciosa y divertida propuesta culinaria: el único sitio en la ciudad que recrea a detalle uno de los escenarios emblemáticos de la serie de televisión Los Simpson: el bar de Moe. Este espacio (que en realidad no es un bar) logró llevar a la realidad el sueño tanto de sus creadores como de su ficticio propietario: un comedor familiar con las mejores Krusty Burgers del Bajío y sorpresas para los verdaderos fanáticos de la creación de Matt Groening. Pocos temas de conversación resultan tan efectivos para romper el hielo en una primera cita o empezar una divertida plática con los amigos que algún capítulo de Los Simpson. Sobre la calle 5 de febrero esquina con Ignacio Altamirano, en el Centro Histórico de León, existe un restaurante que, además de llevar a la realidad algunos de los platillos que vemos desfilar en esta serie animada, recrea con verdadero detalle una parte del bar donde Homero, Lenny, Carl y Barney pasan las tardes bebiendo cerveza. Como nadie disfruta de soportar borrachos, Carlos Márquez decidió que este sitio se convirtiera en un comedor familiar, como ocurre con el bar de Moe en el cuarto episodio de la séptima temporada de Los Simpsons. Lo mejor de este divertido restaurante es que nadie tendrá que vender su alma para disfrutar de una deliciosa Krusty Burger con papas a la francesa o una Pizza de Tony el Gordo estilo Chicago, con la mejor salsa de tomate importada por un grupo de mafiosos malhumorados desde Springfield.

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A LT E R N AT I V A S

G A S T R O N O M Í A

SEPTIEMBRE 2017

Ese afán de recordar los mejores y más divertidos momentos de la infancia fue el motor que llevó a Carlos Márquez y Alfredo Martínez (iniciadores de este proyecto) a hacer realidad una fantasía. “Esto es más que un sueño hecho realidad, porque vivo mi infancia todos los días”, asegura Carlos, quien además de ser coleccionista de vinilos, conocedor de cine de arte y una verdadera enciclopedia andante de la historia del Club León, también es un fanático de Los Simpson. Para demostrar esta obsesión y compartirla con sus clientes, encargó al artista ‘Apolo’ que hiciera dos murales. En uno se observa el paisaje de la primera imagen de Springfield y el primer couch-gag o chiste de sofá de Los Simpson, donde aparece toda la familia amarilla aún sin sus mascotas, Bola de Nieve y Ayudante de Santa. El restaurante también cuenta con una pequeña galería simpsoneana con aportaciones de los clientes: figuras coleccionables, maquetas y hasta acetatos de Los Borbotones.

Carlos enfatiza que los niños son bienvenidos en este espacio. Asegura que a pesar de su vasto conocimiento de la serie, un niño visitó el restaurante y lo dejó atónito con la cantidad de detalles que sabía de memoria, por lo que lo recompensó con una tarjeta de La Logia de los Magios, con lo que obtendrá descuentos en cada visita.

Por si esto fuera poco, este es el único sitio en muchos kilómetros a la redonda donde los comensales podrán disfrutar de una refrescante Llamarada Moe, preparada con limón de Troya, azúcar de Homero el granjero y un poco de Tónico Revitalizante Simpson e Hijo. De fondo musical, los comensales disfrutarán de los éxitos de Encías Sangrantes Murphy. El restaurante de Moe abre sus puertas de martes a domingo, de 14:00 a 22:00 horas, a excepción de los domingos, que cierra a las 18:00 horas.

MOES León, Gto

El equipo de Moe espera a sus clientes con una sonrisa, ansiosos de conocer a los verdaderos fanáticos de esta serie que ha marcado a varias generaciones. No revelaremos todas las sorpresas que aquí se resguardan, pero les aseguramos que saldrán de este sitio satisfechos y con una enorme sonrisa.

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A LT E R N AT I V A S

A R T E S

SEPTIEMBRE 2017

L

as artes visuales continúan en cartelera en el Centro, con el tercer ciclo de exposiciones del Instituto Cultural de León. Para estas muestras, la Coordinación de Artes Visuales optó por la continuidad de dos exposiciones del ciclo anterior y la apertura de cinco más. ‘Bestias contemporáneas, un nuevo orden natural’, de Renato Garza y ‘Los NAA-D-IË. Gente- que -son-nada’, de Víctor Hermosillo; continuarán durante esta nueva temporada en la Galería Jesús Gallardo y Eloísa Jiménez, respectivamente. En la primera nos encontramos con una muestra retrospectiva de más de 10 años de carrera del artista capitalino; mientras que la segunda es un ejercicio de ficción sobre una cultura indígena desaparecida. Entre las recién inauguradas muestras se proyecta una selección del Cut Out Fest, Festival Internacional de Animación y Arte Digital; “la celebración más importante del país en torno a la animación’, con 20 cortometrajes en la videosala de la Eloísa Jiménez.

En las salas del Teatro María Grever se hablará ‘De ballenas y de hombres’, un libro de Víctor Alfonso Maldonado y Gloria Maldonado Ansó, donde a manera de "las bitácoras de los marineros, documentan e ilustran la relación de los cetáceos con los humanos. De vuelta en la Galería Jesús Gallardo, contamos la edición número 4 de Ding Dong Freakzine; un fanzine curado por José Zarzi, donde mezcla poesía, narrativa e ilustraciones de casi medio centenar de creadores que nos presenta reflexiones sobre las aves y la libertad. Su formato impreso no le ha sido suficiente, así que los contenidos decoran las paredes del espacio. Celebrity Reunion es otra de las nuevas exposiciones, donde escucharemos las voces de Vito Acconci, Laurie Anderson, William Burroughs, Brian Eno, Pipilotti Rist, Steve Reich, Tony Ousler y Glen Branca. Curada por Leonardo Ramírez, las voces se mezclan en un ambiente sonoro donde casi podemos entablar un diálogo.

A L

Finalmente, Liz Espinosa Terán nos presenta Haikus sonoros, donde “al acceder al espacio sonoro, el espectador entra a una estructura envolvente que sitúa a los oyentes en un espacio con luz reducida”. Espinoza Terán es musicóloga y compositora, y además de sus proyectos de difusión de la música y sus creaciones sonoras, es consultora de la Orquesta Juvenil SONAR Las Joyas y la Orquesta Imagina, agrupaciones comunitarias formadas por niñas y niños, en quienes se apoyó para conseguir estos Haikus. En la exposición está a disposición un libro-registro que documenta el proyecto y las actividades que se llevaron a cabo para concretarlo con los niños y cantantes profesionales que participaron en la grabación de las piezas. El tercer ciclo de artes visuales estará abierto hasta el 22 de octubre en las tres galerías, en un horario de martes a sábado de 10:00 a 18:30, jueves 10:00 a 20:00 y domingo de 11:00 a 18:30 horas.

C I E R R E

Tercer round de expos

por La Redacción 58_

V I S U A L E S

ilustración: Sabina Kim y Nils Andersen


Revista Cultural Alternativas N87 Septiembre 2017  

Te presentamos nuestra Revista Cervantina de León, con todo lo que debes saber para sumarte a las filas de la revolución FIC 2017.

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