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número 01 - agosto - año 2015

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fotograf铆a sim贸n calle


fotografía / simón calle

simón calle

the kings of tierra bomba Fotografías y texto: Simón Calle

L

ejos del paradigma caribeño y frente al distrito turístico más importante de Colombia se encuentra Tierra Bomba.

Ubicado en el departamento de Bolívar, el islote se compone en su totalidad de población afrodescendiente. En su gran mayoría trabajan como vendedores ambulantes en la ciudad amurallada y sus playas. La comunidad de Tierra Bomba es una de las más pobres del país y carece de agua potable así como de servicio de alcantarillado y acueducto. Las viviendas son de lata y, construidas frágilmente, están expuestas a la intemperie. Amarillentas y oxidadas por el agua salada y la brisa marina, son el único resguardo bajo el sol tropical. Sin embargo, este lugar esconde algo de belleza: sus habitantes, The Kings Of Tierra Bomba. Los niños de Tierra Bomba corren, saltan y gritan descalzos por la calle polvorienta en un ritual de alegría pura. Han abandonado los lápices y cuadernos para rebuscarse el sustento como guías turísticos informales, pescadores o vendedores. 4

Juegos nuevos que surgen del ingenio infantil y la lucha por sobrevivir. A lo lejos se divisan las construcciones cartageneras, ofreciendo un contraste de cristal azul con este paisaje lleno de miseria y polvo. Tras años de largas jornadas de trabajo por las opulentas calles de Cartagena de Indias, el cansancio, el sol y el viento han dejado marcas imborrables en estos rostros caribeños. El rítmico golpe de los remos sobre las olas anuncian el regreso de las barcazas a casa. Los niños más pequeños corren hacia ellas y brilla en sus ojos la esperanza de que algo cambie para siempre. En esta tierra atropellada por el olvido, la corrupción de los gobernantes y la dureza indiferente de la vida propia, The Kings of Tierra Bomba decidieron protestar en un acto de abstinencia electoral. Y así continúan caminando hoy: descalzos sobre la arena y bajo el sol, rodeados de hoteles, turistas, murallas y candilejas.

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fotografía / simón calle

“Pescador”

Sín título

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fotografía / simón calle

“Tierra Bomba”

“Rey de Cartagena” www.revistacontraluz.com

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pintura alejandro salgado


arte / alejandro salgado

del sí al no en la pintura En este texto Alejandro Salgado nos entrega algunos sentimientos y percepciones frente al arte y al estado del mundo actual, mientras nos cuenta acerca del proceso creativo de una de sus obras, Amor de maniquíes (2012). Texto y obra: Alejandro Salgado

E

scribir sobre arte es una tarea difícil. Primero, porque nadie sabe muy bien lo que esa palabra significa. Segundo, porque qué decir, de qué hablar. Llevo seis años estudiando arte y no lo sé, pero creo que me gusta pintar. A través de la pintura me he ido acercando al concepto de imagen. Ahora entiendo que ésta nos muestra las características cualitativas del momento histórico vivido. En palabras de Régis Debray: “dime lo que ves y te diré quien eres”.

muchas veces llegaba a un punto en el que era imposible avanzar por la falta de técnica. Aprender a hacer algo bien es difícil, sobre todo a hacer realidad la imagen que tenemos en la mente. Casi siempre que veo mis cuadros siento que se acercan a lo que me imaginé. Sin embargo durante el proceso cada imagen toma rumbos que no del todo son decisiones.

Pero bueno, para no ponerme pseudo-intelectual, hablaré sobre lo más cercano a mí: las imágenes que hago, mi obra.

Cada cuadro que pinto es en el fondo una huella autobiográfica: habla de momentos determinados de mi vida. En este caso recién me separaba de la primera mujer con la que viví. No tengo quejas de mi compañera. El único error que cometimos fue ir demasiado aprisa: ella tenía dieciocho y yo veintitrés.

Hoy creo que terminé un cuadro que llevo pintando más o menos dos años. Sin embargo, eso no significa que durante todo ese periodo haya pintado únicamente dicha imagen. Lo que sucede realmente es que durante mi proceso de formación

No obstante fue una experiencia que nos hizo madurar: aprendimos a ser independientes, a quitarnos el miedo de vivir, a ser responsables. Empecé a considerar seriamente hacer de la pintura mi vida.

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arte / alejandro salgado

“Amor de maniquíes” 2012 100 cm x 100 cm Óleo sobre lienzo

Escogí el tema de los maniquíes porque representan la plasticidad de nuestro tiempo. En este viejo mundo plástico que ya casi termina su reinado (pues le pisa los talones el espacio virtual) el objetivo de la vida es tener dinero plástico para pagar las cirugías plásticas, para conseguir una pareja plástica y vivir el sueño de las princesas plásticas de Disney. Mejor dicho, cuanto más plástico mejor. Pienso que los maniquíes reemplazaron a las antiguas estatuas, razón por la cual los escultores, al no saber qué más hacer, decidieron trabajar el espacio en lugar del objeto. Mentira. Hablando en serio, los maniquíes representan nuestros ideales de belleza proyectados en cuerpos matéricos. 20

Yo creo que la mayoría de la gente se mira al espejo y se ven a sí mismos como Angelina Jolie y Brad Pitt. Solo basta con darse una vuelta por los perfiles en redes sociales de nuestros amigos para entender lo que digo.

“En este viejo mundo plástico que ya casi termina su reinado (pues le pisa los talones el espacio virtual) el objetivo de la vida es tener dinero plástico para pagar las cirugías plásticas, para conseguir una pareja plástica...” www.revistacontraluz.com


arte / alejandro salgado Los maniquíes son una representación de nuestros nuevos ídolos. Representan valores estéticos superficiales, porque el humano perdió su espíritu. Los nuevos humanos, en su mayoría, sólo son cuerpo, sólo son materia. Lo más importante es la apariencia. Si todo se ve bien es sinónimo de que todo está bien. Vivimos de nuestra imagen, de lo que las personas crean de nosotros. La nueva religión cambió de altar y de templo: adoramos a las vitrinas con sus productos puestos sobre maniquíes y caminamos en templos gigantes del consumo llamados centros comerciales. Es por eso que decidí pintar el fondo dorado, haciendo alusión a la iconografía religiosa cristiana. También por eso el formato es cuadrado, pues la pintura de este tipo suele trabajar sobre la simetría. Sin embargo, la solución no es simétrica. Técnicamente utilicé diferentes preparaciones del óleo, al igual que diferentes paletas. El maniquí masculino está pintado con colores ácidos y la preparación de la pintura es espesa, haciendo alusión a los impresionistas y a Van Gogh.

“Los maniquíes son una representación de nuestros nuevos ídolos. Representan valores estéticos superficiales, porque el humano perdió su espíritu. Los nuevos humanos, en su mayoría, sólo son cuerpo, sólo son materia.”

El presente demanda volver a entender las raíces para poder darle sostenibilidad a las estructuras artísticas venideras. Creo que, al igual como sucede con la música, la cuestión no es crear sino mezclar: basta con abrir los libros de historia del arte para darse cuenta que el desarrollo no ha sido lineal sino más bien es cíclico. Es en esta edad de lo visual donde presenciamos la muerte de la imagen, de la mirada. La televisión nos da el permiso de la distracción, de la interrupción, del olvido del pasado, la despreocupación del futuro y el deseo desesperado de todo al instante, en el momento. Narcisismo y voyerismo: los más atrevidos filman su agonía. No se toma posición sino pose. Arribistas y cínicos incapaces de sacrificio y fascinados por el éxito individual no creen en nada que no sea dinero. Son egoístas de buen corazón. Una imagen viva presenta un curioso parentesco con la individualidad, nos sorprende. La imagen inmaterial y virtual, la de lo inerte y de los algoritmos tiene una esencia repetible, como todo lo que carece de ser. Y donde no hay cuerpo no hay alma, es decir no hay mirada. Finalizo con palabras del propio Régis Debray: “Pensar es decir no. Quiérase o no, la televisión dice sí al mundo tal como va; el cine dice, “sí, pero”; la pintura le decía sí, hasta Manet. Después, y es todavía su propia fuerza, la pintura le dice más bien no.”

Al contrario, ella está pintada de una manera realista, muy gestual y sin abandonar la representación. Al combinar diferentes estilos y técnicas en una misma composición lo que intento es hablar del presente, pues creo que la tradición de romper la tradición ya pasó. En otras palabras, no creo que estemos viviendo el fin de nada: ni del arte, ni de la pintura, ni de la escultura, ni del conceptualismo. No obstante es innegable un proceso de cambio y transformación. El arte, como extensión nuestra, está vivo y como tal está sujeto al permanente cambio. El desafío está en entender el arte conceptual y el formalista como parte de la tradición. La moda de cortar con todo tipo de conexión con el pasado ya pasó. www.revistacontraluz.com

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tatuaje daniel acosta

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tatuaje / daniel acosta

daniel acosta

colombia la magnífica

Texto, pintura y tatuajes: Daniel Acosta

E

l nombre de la serie nació en una entrevista que hice para un magazine de tatuajes de Inglaterra, donde hacían una reseña de mi trabajo y del enfoque que tengo en la iconografía de nuestro país. Sin embargo, todo el proyecto surgió del interés por utilizar elementos gráficos de nuestras etnias originales. Se trató de un cambio de punto de vista, ya que venía combinando imágenes sólidas con volúmen y con patrones complementarios. Para ese entonces examiné varios elementos gráficos asiáticos, diseños mehndi de la India, muestras textiles de Japón y China y, finalmente, cenefas de monasterios de Corea y del Tíbet. En aquel momento me detuve a pensar por qué tener que investigar patrones que se encuentran a tantos kilómetros de Colombia, cuando localmente tenemos una riqueza infinita de elementos que se pueden explotar. A partir de ahí toda la estructura de mi trabajo cambió y he aquí el resultado.

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Ilustraci贸n alejandra garc铆a


ilustración / alejandra garcía

alejandra garcía

nunca más

Ilustraciones y texto: Alejandra García

E

l momento más íntimo se crea cuando se puede contemplar la belleza a la distancia más corta, la sensación al tacto, el detalle, la tensión entre fragilidad y fuerza.

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Todo aquello posible debido a que está muerto. Está muerto y puede ser levantado del suelo y tocado, el objeto que puede hurgarse.

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ilustración / alejandra garcía

“Pasó de estar vivo y ser un individuo cuya belleza es socialmente aceptable a ser un objeto que una vez estudiado es desechado...”

Pasó de estar vivo y ser un individuo cuya belleza es socialmente aceptable a ser un objeto que una vez estudiado es desechado debido a su futura descomposición.

“Está muerto y puede ser levantado del suelo y tocado, el objeto que puede hurgarse.”

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Y luego la imágen que solo pudo ser captada en fotografía y la sensación de ese encuentro en la memoria pasan al papel y ahí reposan. Retratados, por qué no, a pesar de que se convirtieron en objetos y luego en un desecho orgánico. Quedan petrificados en el dibujo y se les devuelve la belleza, esa belleza fría, lúgubre y monocromática. Porque ya no está el color, aquel que se vislumbraba en el momento en el que extendían sus alas.

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entrevista alberto ramírez “leg” www.albertoramirezleg.com


entrevista / alberto ramírez “leg”

alberto ramírez “leg”

Revista Contraluz tuvo la oportunidad de entrevistar al pintor español Alberto Ramírez en Berlín. Esto fue lo que nos contó. Revista Contraluz: Alberto, gracias por recibirnos hoy. Empecemos por tu iniciación en las artes. ¿Cómo te diste cuenta de que querías dedicarte a la pintura? Alberto Ramírez: En primer lugar quiero agradecerte la deferencia de desplazaros hasta aquí. Creo que es un proceso que se va madurando con el tiempo. No hay un punto de inflexión en el que tenga la impresión de que mi vida va a tomar ese camino. Pinto y dibujo desde que era muy pequeño. Hace diez años que me dedico a la pintura profesionalmente y, acerca del viejo dilema de si el artista nace o se hace, creo que en mi caso hay un poco de todo. RC: ¿Y Barcelona? ¿Cuánta influencia tuvo en ti vivir tantos años en el Mediterráneo y sobretodo pasar tu juventud embebido en sus noches? AR: Más que una influencia artística para mi la estancia en Barcelona fue una experiencia vital. Tuve la ocasión de conocer a mucha gente de distintos países, culturas muy diferentes a la mía. Creo que 48

me hizo ver una misma realidad con distintos enfoques. Me di cuenta que estar en el mundo del arte no es sólo encerrarte en un estudio a crear o producir. Necesitas saber manejarte en otros ámbitos que forman parte de la industria del arte. Puedes tener una buena idea pero si no la sabes comunicar o vender nunca pasará la puerta de tu taller. En cuanto a lo segundo, la verdad es que la noche tiene algo de magnetismo que te atrapa, y de cierta irrealidad también. Es un teatro donde cada uno puede ser el protagonista o un mero figurante, en tu mano está la elección. Durante años dibuje por bares y clubs con intensidad. Me lo pasé bastante bien la verdad, y conocí mucha gente que me abrió muchas puertas en otros países para mostrar mis trabajos.

“Me di cuenta que estar en el mundo del arte no es sólo encerrarte en un estudio a crear o producir. Necesitas saber manejarte en otros ámbitos...” www.revistacontraluz.com


entrevista / alberto ramírez “leg” RC: ¿Tuvo que ver algo el estudio de la publicidad en tu forma de ver la pintura? AR: Yo soy de los que pienso que en la vida todo suma, sobretodo aquellas experiencias que consideramos como no satisfactorias. Intenté sacar provecho del lado positivo y negativo que me ofreció la posibilidad de estudiar una carrera. Me di cuenta cuando empecé a trabajar en el sector de la comunicación que era un mundo al que no quería pertenecer. De todas formas estudiar publicidad me dio una formación sobre aspectos sociológicos y psicológicos del comportamiento de las personas. Ese aprendizaje me hizo crecer en lo personal, lo que evidentemente luego se ve reflejado en la pintura que hago. RC: ¿Cómo elegiste la temática de tu obra de retratos? ¿Y los colores? ¿Consideras que de alguna forma haces una especia de pop art? ¿Y qué hay de tu técnica? AR: Principalmente me interesan las personas y su conducta. El rostro es una ventana para penetrar en sus inquietudes, en sus miedos, en sus deseos. Me fascina la capacidad que tiene un rostro de transmitir tanta complejidad simplemente con un pequeño cambio gestual. Para mí no se trata de reproducir una imagen, sino de entender lo que está pasando delante mío. Interpretar una forma, observar cómo la luz incide en ella y la transforma, decodificar un lenguaje silencioso que necesita ser escuchado. Intento escuchar lo que me dicen unos ojos y expresarlo con un trazo vigoroso y fluido, un trazo direccional que genere movimiento.

“Me fascina la capacidad que tiene un rostro de transmitir tanta complejidad simplemente con un pequeño cambio gestual.” En cuanto al estilo pictórico de mis trabajos te diría que tiene algo de muchos de los istmos clásicos de la pintura y poco a la vez. No soy muy amigo de etiquetar o clasificar las cosas, ya hay demasiada gente que se dedica a eso. www.revistacontraluz.com

RC: Has ganado mucha fama en los países nórdicos, especialmente en Suecia, ¿cómo ocurrió esto y por qué consideras que es tan bienvenida tu pintura? AR: En la vida hay un porcentaje que puedes controlar y otro que es ajeno. Creo que se dieron una serie de circunstancias que en combinación hicieron que mi pintura tuviera más repercusión allí. Imagino que ayuda el hecho de que trabajo con combinaciones de colores muy vivos e intensos. En los países nórdicos por las características climáticas se aprecian mucho los trabajos con una buena percepción de la luz y del color. La elección de las galerías con un perfil similar al tipo de pintura que yo hago también ayudó. RC: Háblanos un poco de por qué decidiste establecerte en Berlín. ¿Te es llamativa la ciudad? ¿Qué cosas de ella te gustan e inspiran? AR: Después de estar ocho años viviendo en Barcelona, tenía la sensación de que había terminado un ciclo. Necesitaba comenzar de cero en otro lugar, me había acomodado un poco. Cuando uno pierde la capacidad de sorpresa en lo cotidiano 49


entrevista / alberto ramírez “leg” pienso que es mejor un cambio. Entonces decidí venir a Alemania. Personalmente me encuentro muy a gusto en Berlin. Es una ciudad con mucha vida, en continua transformación, con un espíritu de hacer y de dejar hacer. Además, sientes que eres partícipe de la vorágine urbana, ya que de algún modo tú también contribuyes con tu relato al mosaico plural de sus calles. Normalmente en las ciudades tienes una mayoría de personas con un enfoque bastante similar de la realidad que nos rodea, y luego están las minorías con estilos de vida distintos al tradicional. Aquí en Berlín sientes que aquellas minorías forman la mayor parte de la ciudad. Me inspira principalmente la gente que me encuentro. Conozco muchas personas que desarrollan actividades artísticas y otras que no. De todos te enriqueces de algún modo. Para pintar solo necesitas un espacio y pinturas, para crear se necesita algo más, un contexto por explorar, una creencia a la que traicionar, una mirada que te haga cambiar.

de referentes mediáticos del cine, pero encuentro fascinante su trabajo. Mads Mikkelsen, John Turturro o Christoph Waltz entre otros. Ahora tengo un proyecto que se llama “Crisis” con un artista alemán, Jochen Vrba. Llevamos algo más de un año trabajando juntos. Es una suerte compartir una profesión que generalmente se desarrolla de forma individual. Compartir vivencias, viajes y procesos creativos te hace crecer personal y profesionalmente. RC: Gracias Alberto. Por último, cuéntanos de dónde proviene tu nombre artístico, LEG. AR: El nombre LEG nace de un proyecto pictórico que iniciamos hace diez años con el artista español David Partida. Aunque disolvimos el grupo hace cinco, sigo utilizando el seudónimo junto con mi nombre. Todo proviene de una broma en forma de anécdota, que dio nombre al grupo. Nos presentábamos como chicos limpios, educados y guapos. De ahí sacamos las siglas para el nombre del conjunto.

“...tenía la sensación de que había terminado un ciclo. Necesitaba comenzar de cero en otro lugar, me había acomodado un poco. Cuando uno pierde la capacidad de sorpresa en lo cotidiano pienso que es mejor un cambio. Entonces decidí venir a Alemania.” RC: ¿Ves en el futuro algún cambio respecto de tu obra? ¿Quisieras explorar nuevas ideas? ¿Colaboraciones? AR: Espero no estar pintando lo mismo dentro de cinco años. De todas maneras no me pongo metas a medio o largo plazo. Prefiero que las cosas fluyan de una forma natural. Actualmente estoy trabajando en una serie de retratos de gran formato de quince actores contemporáneos. Algunos de ellos no han alcanzado a lo largo de sus carrera un estatus www.revistacontraluz.com

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Arte y cultura.

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