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Artículos Larimar Films Cineasta elige lo mejor del cine dominicano 2012 El Padrino y la vida real Los premios al cine del 2012 Clásicos que fueron vapuleados por la crítica de su momento Very funny 80’s 4

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Crítica Drive 8 The set-up (1949) 19 Bullhead (2011) 44

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Al Doctor Luis JosĂŠ Asilis del Grupo METRO; a JosĂŠ Llano y Joan Patricia Landolfi de MERCASID, tambiĂŠn fieles amantes de Cineasta y Cineasta Radio; a FĂĄtima GonzĂĄlez y Yahira Polanco de GOMEP (Folicure y Right Guard); a JosĂŠ Manuel Vargas del Grupo Corripio; Ariana GarcĂ­a de NescafĂŠ; Michelle MenĂŠndez y Giuseppe Bonarelli de El Catador; al Banco del Progreso; Laura Asilis y Jaime LeĂłn de Travelwise que tambiĂŠn han estado en todas nuestras ediciones; al Sr. Luis MartĂ­n GĂłmez y Jonathan AbrĂŠu del Banco Central; Diego FernĂĄndez y Paulette Ferreira del Grupo Viamar y a Fernando Villanueva de Jaguar; al Sr. Ellis PĂŠrez en DGCINE junto a Lorelay Castillo, tambiĂŠn fieles seguidores de Cineasta; a Jorge Bett en Tienda Nuevo; a Jenny CorporĂĄn y Olga RamĂ­rez del Scotiabank; Karla Rivas, Natalie Bello en Burger King, Palacio del Cine, Papa Johns y Krispy Kreme; a Carolina Leyva de Banesco; a Francisco RamĂ­rez del Banco Popular; Joseph Franco en PURADOM y a todas las agencias que siempre han estado aliadas a Cineasta: OMD, ALL MEDIA CARAT, PARTNERS, AOR y MINDSHARE. AĂąo

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Y darle las gracias al equipo completo de Cineasta, que sin temor a equivocarme, es el Mejor Equipo de CrĂ­ticos y conocedores del SĂŠptimo Arte de RepĂşblica Dominicana: Jorge CĂĄmara, Armando AlmĂĄnzar, Ă ngel HachĂŠ, Luis Beiro, Brando Hidalgo, Hugo PagĂĄn Soto, RubĂŠn Peralta Rigaud, Oliver Oller, Marc MejĂ­a. Y en especial tambiĂŠn a nuestra gran diseĂąadora, Samanta SĂĄnchez, que se lleva muchos “piroposâ€? por su diseĂąo y nunca se entera. Dos aĂąos fueran difĂ­ciles sin la paciencia y ayuda de uno de mis pilares mĂĄs importantes, Beatriz Asilis. A ti te dedico todo este esfuerzo y te doy las gracias por estar a mi lado todo este tiempo. Y a mis principales promotores mi padre, madre y hermana; quienes me han apoyado en todo este camino y me han brindado las fuerzas de seguir echando adelante este proyecto.

Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com DiseĂąo y Cuidado de EdiciĂłn Samanta SĂĄnchez Franco ssanchezf@yahoo.com Colaboradores Jorge CĂĄmara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes Vice Presidente de la AsociaciĂłn de Prensa Extranjera en Hollywood Armando AlmĂĄnzar, Margarita Vicens de Morales, MĂĄximo J. FĂŠliz RĂ­os, Shaveurlegz, Ă ngel HachĂŠ, RubĂŠn Peralta Rigaud, Hugo PagĂĄn Soto, Brando Hidalgo, Luis Beiro, AndrĂŠs Castillo, Katherine Bautista, Oliver Oller CINEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte II, apto. 203, Santo Domingo, RD. Tel. 809-565-9599 www.cineasta.com.do EDICIĂ“N No. 19 noviembre de 2012, 3000 ejemplares. Impreso en Serigraf. Cineasta es una publicaciĂłn mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducciĂłn parcial o total sin consentimiento de cineasta.

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DirecciĂłn y EdiciĂłn Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com Beatriz Asilis beatrizasilis@hotmail.com

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Presidente Pablo Mustonen

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Pablo Mustonen JosĂŠ Ferreras Hugo PagĂĄn Soto

pablomustonen@hotmail.com joseferrerasl@hotmail.com hpagan14@gmail.com M 829 375 5205

Revista Cineasta @revistacineasta


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C I N E

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l director danés Nicolas Winding Refn, conocido por la trilogía “Pusher”, nos trae este relato sobre un conductor (Ryan Gosling), que de día es mecánico y doble en películas de acción, pero de noche, trabaja básicamente como chofer de ladrones. Este conductor (que no es nombrado en la historia) conoce a una chica de la cual se enamora, y en un intento de ayudarla, se involucra en lo que para él sería un “último trabajo” y es ahí es donde todo se complica.

lillo en la boca, la chaqueta con el escorpión amarillo en la espalda (ya quiero una), las guantillas de cuero y su fabuloso automóvil. Ahora bien, a pesar ser un tipo solitario, callado, metódico y duro, me gustó mucho que la historia no deja de mostrarnos el lado humano del individuo, y esto junto a la muy buena interpretación de Gosling, hace que a pesar de dedicarse a lo que se dedica el tipo en la película, no dejemos de conectarnos emocionalmente con él. Eso solo es posible cuando se combinan una buena historia, un buen director y un actor que a mi entender esta entre los mejores de la nueva generación. Claro, no todo es color de rosa, el filme en ocasiones tiene unos silencios un poco prolongados que dependiendo de con quién(es) la estés viendo, pudiesen resultar algo incómodos, aunque entiendo que esto no es un error, sino más bien algo intencional hecho por el director y el editor Matthew Newman, posiblemente para dejarnos respirar un poco y adentrarnos más en los sentimientos de los personajes, que en ocasiones solo con miradas y pequeñas gesticulaciones, logran comunicar muchísimo, de nuevo, por la calidad interpretativa tanto de Ryan Gosling, como de Carey Mulligan. Este largometraje tiene acción, drama, suspenso e inclusive una excelente secuencia en una playa que parecía casi de una película de terror, todo muy bien logrado y efectivo. Cuenta también con una buena edición, buena musicalización, buena fotografía, unas tomas aéreas bellísimas de la ciudad de Los Ángeles que me recordaron a algunas en Crash de Paul Haggins y a Collateral de Michael Mann.

Cualquiera que lea la descripción anterior y que haya visto los avances, pudiese pensar que la historia no es para nada original, que se ha hecho montones de veces en cine y que solo se trata de una más de acción… nada más lejos de la realidad. Ciertamente eso de “un último trabajo” es un recurso muy utilizado en el cine, ya casi hasta gastado, pero el excelente trabajo de dirección de Winding Refn, apoyándose en su buen reparto, logra con esta película salirse de lo común. Estoy totalmente de acuerdo con algo que escuché decir a los amigos de Cinemaforumblog.com sobre este filme, y es que Drive es una película de culto instantáneo. El papel principal se presta perfectamente para ello. Guardando las distancias, este personaje es en cierta forma como el emblemático “hombre sin nombre” de Clint Eastwood o como el psicópata de Bardem en “No Country For Old Men”, no porque sea un asesino a sueldo o algo por el estilo, no lo es, sino porque tiene características (incluso visuales) muy distintivas: el pa8

En definitiva no recomiendo Drive para los que solo quieren ver acción, tiros, golpes y un corredero de aquí para allá, sino para los que además de eso también quieren disfrutar de algo un poco más profundo… una muy buena película, con buenos personajes, una historia entretenida y sobretodo bien contada.

9/10 Director: Nicolas Winding Refn Guión: Hossein Amini (basada en el libro de James Sallis Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston Género: Drama, Crimen Duración: 1 hora, 40 minutos País: Estados Unidos Fecha: 2011


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ollywood, CA.- Si como actor Ben Affleck ha participado en poco recomendables filmes como Armageddon (1998), Pearl Harbor (2001) o Gigli (2003), como escritor ganó un Oscar en su primer intento gracias a Good Will Hunting: Mejor Guión Original de 1997 (en colaboración con Matt Damon).

a todo tipo de sarcásticas burlas. Posteriormente el actor y director tomó positivas riendas en su vida privada, contrayendo matrimonio con la actriz Jennifer Garner, y convirtiéndose en padre de tres hijos, Violet, nacida el 1ro de diciembre de 2005, Seraphina Rose Elizabeth, nacida el 6 de enero de 2009, y Samuel Garner, nacido el pasado 27 de febrero.

Como director, su trabajo va de mejor a excelente. Con su ópera prima, Gone Baby Gone (2007), adaptada de la novela de misterio de Dennis Lehane, Affleck dejó ver muy claro su talento para la realización, que confirmó a creces con su siguiente cinta, The Town, en 2010. Su nueva película, Argo, ha recibido magníficas críticas y se perfila como una de las más sólidas recaudadoras de todos los premios a lo mejor del año. En lo personal, si su muy comentado y finalmente truncado romance con Jennifer Lopez (su co-estrella en Gigli), llevó a la pareja a ser apodada Bennifer, y dió pie 10

Basada en hechos reales, y adaptada de un artículo sobre las memorias de un agente de la CIA, Argo cuenta la historia de cómo, durante la revolución en Irán de 1979, seis miembros del Departamento de Estado norteamericano que se han refugiado en la embajada de Canadá son ayudados a salir del país haciéndose pasar por un equipo cinematográfico. Además de dirigir, Affleck tiene el papel central de Tony Mendez, el agente de la CIA que planea el escape. Y como para demostrar que no ha abandonado la actuación por la dirección, también podemos verlo en la muy


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discutida nueva película de Terrence Malick, To the Wonder, junto a Rachel McAdams y Olga Kurylenko. JORGE CAMARA: Antes de hablar de Argo vamos a hablar un poco de To the Wonder, que ha dejado perpleja a mucha gente. ¿De qué trata realmente la película?

B.A.: Si. Es importante que la industria me vea actuar. Dirigir una película te lleva uno o dos años, y si no te ven en la pantalla, Hollywood dice, ¿qué ha pasado con él? Por eso en mi próxima película, Runner, Runner, un drama de acción que Brad Furman dirige, únicamente actúo. J.C.: ¿Y tu interpretación de Tony Mendez?

BEN AFFLECK: No me lo preguntes a mí. No tengo la menor idea (ríe). Es The Tree of Life, pero sin diálogos. Como había dicho, To the Wonder hace que The Tree of Life se vea como Transformers. J.C.: Pero la hiciste porque querías trabajar con Tereence Malick, ¿no? B.A.: Por supuesto. La verdad es que para mí la historia de To the Wonder es un pastiche de momentos impresionistas saltando a través de la vida de los personajes no de una manera linear, y reflejando la manera cómo uno recuerda su vida, un poco hipnótica y confundida. J.C.: Muy bien. Hablemos ahora de Argo. ¿Cómo llegaste a dirigir y actuar en esta película? B.A.: No sabía nada de la misión que la película cuenta, lo que había oído fue la crisis del secuestro. Fue cuando recibí el guión de George (Clooney, el productor), Grant (Heslov, el otro productor) y Warner Bros., que me enteré de la misión. Pensé, “esto es una locura, no puede ser verdad”. Pero lo busqué en el internet y me di cuenta que sí fue cierto. Entonces llamé a George y a Grant, y les dije, tengo que hacer esta película. Estaban entonces en medio del rodaje de Ides of March, pero dos meses mas tárde ya estaba yo preparando Argo. J.C.: Y tú decidiste encarnar al personaje de Tony Mendez, que por su nombre es latino. ¿Fue importante para ti trabajar como actor en la película?

B.A.: Bueno, ser latino significa muchas cosas. La familia de Tony ha vivido en Nevada por varias generaciones. La verdad es que ni siquiera sé si Tony habla español. No vi ningún problema en interpretarlo. Entre otras razones, yo hablo español, y si alguien me reta, se los puedo demostrar. J.C.: Argo es muy diferente a tus dos películas anteriores, Gone Baby Gone y The Town, que tienen lugar en Boston, tu ciudad natal. B.A.: La mayor diferencia para mí fue que las dos películas previas tenían un mismo tono. Fueron películas sobre crímenes, en Boston, moralmente ambiguas, consistentes en la manera como los personajes se comportan. Esta película tiene tres tonos distintos. Uno, al principio, es el comportamineto de la CIA, a lo “All the President’s Men”. Otro, a la mitad, es la sátira a Hollywood, a lo “The Killing of a Chinese Bookie” de Cassavetes. Y después, la secuencia más brutal y realista, a lo Costa Gravas, que tiene lugar en Irán. Fue un desafío navegar esos tres tonos, para que Argo no se sintiera como tres películas cortas, sino una película cohesiva. J.C.: Tú siempre has estado interesado en la política, tal vez por eso quisiste hacer esta película. ¿Cómo crees que refleja la situación actual en el Medio Oriente? B.A.: No estoy seguro qué conclusiones tomar, excepto que cuando ves lo que sucedió 11


a r t i c u l o

hace 37 años, las tensiones entre Irán y el Occidente, y las tensiones que existen actualmente entre los Estados Unidos, Israel y Canadá, que han cerrado sus embajadas en Tehrán, nos damos cuenta de que estamos comfrontando los mismos problemas. Algo que quisiera lograr con esta película, no es favorecer a un lado u otro, o ser un demagogo, si no despertar un diálogo. Vemos las revoluciones en Tunisia, Egipto, Siria, y me pregunto, ¿debemos involucrarnos?, ¿debemos ayudar a un lado u otro?, ¿hasta qué extento debemos participar? J.C.: ¿Tuviste que tener cuidado en cómo navegar todos los aspectos políticos de la trama? B.A.: Bueno, en mi experiencia si alguien quiere criticar tu película, va a encontrar algo en como hacerlo. Para mi fue importante presentar un preámbulo que informara al público sobre una situación política que tal vez no conocían. Si yo hubiera comenzado la película con un grupo de musulmanes gritándole a los americanos, hubiera podido caer en los estereotipos. Hay una lista de hechos históricos que debían ser incluídos, que hacen que la película sea una experiencia más rica y completa. Hay que entender que los Estados Unidos e Irán se unieron para derrocar a alguien democráticamente electo porque nacionalizó el petróleo, que instalaron al Shah, que fue represivo y dictatorial, y que la revolución en su contra ha resultado en un gobierno que refleja al del Shah, con un nivel estalinista de espionaje contra el pueblo, que ha convertido al país en un lugar muy desagradable en el

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que vivir. Yo no quiero que la gente salga de la película con la misma idea, sino que cada quien tome sus propias decisiones. J.C.: Tu vida personal y profesional parece de película. Tu esposa es Jennifer Garner, tu mejor amigo es Matt Damon, tu productor en esta película es George Clooney, y tu productor en tu próxima película, Runner, Runner, es Leonardo Di Caprio. B.A.: Si. Hago que vengan a mi casa todas las noches a cenar y me tomo fotos con ellos (ríe). La verdad es que soy un tipo muy afortunado. Tengo magníficos amigos. Llegué a conocer a George mejor gracias a esta película. No he conocido a nadie que conozca mejor a Hollywood que George, no solo sabe de cine, también entiende muy bien la política de la industria. Matt es mi vecino, de modo que lo veo todos los días, él trae a sus hijos y llevo a los míos. Mi esposa esta ahí, y la esposa de Matt también (ríe). La pasamos muy bien. Y también tengo muchos amigos que no trabajan en la industria, gracias a Dios, de otra manera nuestras conversaciones serían muy aburridas. Tengo mucha suerte. Tengo tres hijos. He estado casado por siete años. Acabo de cumplir 40 años, y para bien o para mal, soy un adulto. El otro día, hablando con Morgan Freeman, le dije, Morgan, acabo de cumplir 40 años, y él me dijo, hombre estás entrando a lo mejor de tu vida. Puede ser bullshit, pero si Morgan lo dice, debe ser verdad.


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a r t i c u l o

“Somos el puente entre el inversionista y la producción artística”.

En una tarde de CINEASTAS pudimos descubrir sus conocimientos y visión hacia el cine local.

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a r t i c u l o

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os sentamos a conocer a los ejecutivos de Larimar Films, productora cinematográfica que nace después de aprobada la ley de estímulo tributario hacia la industria del cine dominicano. Está dirigida por tres profesionales de áreas diferentes ¡muy conocidos entre sí! Quienes dan inicio a una empresa que sirve de puente entre el inversionista y la dirección artística, Larimar Films es el apoyo administrativo, financiero y legal de las producciones del cine local.

Elsa Turull de Alma Administración y Mercadeo, Larimar Films.

¿Cuándo y qué por qué te interesas en el cine, como ¿En una oración le dices a los directores de cine para y como negocio? entretenimiento

¿Cuántos proyectos han sido ya presentados a LARIMAR?

El cine era mi carta debajo de la manga, la oportunidad Que el inversionista más llegó y lay altomé. Siento que toda mi preparación profeimportante que más tienen que cuidar esdiferentes al estado trabajos que he realizado ha sido sional en los dominicano. para llegar a LARIMAR, me siento muy identificada con el¿ Cdía ¡Y los que me conocen bien u á l a edía s tde u mis p e l í clabores. ula latinoamericana favorita? saben que he llegado a mi trabajo ideal!

Hemos recibido muchas propuestas de personas talentosas que merecen la oportunidad de llevar a cabo su obra. Algunos nos han llegado por referencia, otros porque ya escuchan el nombre de LARIMAR en el medio, hemos generado un eco en la industria local, lo que nos ha permitido planificar las producciones del 2013 y 2014

puedan entender la importancia de la Ley?

Brindo mis respetos al Señor Agliberto Meléndez por abrir el camino a los demás que le han seguido. “El Secreto de Sus Ojos” del Director Juan Jose Campanella .

¿Cuál fue la primera película dominicana que viste y qué te pareció?

La primera película dominicana que vi fue “UN PASAJE DE IDA”, donde mi profesor de teatro Juan María Almonte trabajó y fui a darle apoyo. Recuerdo que fue una película muy bien lograda y de muy buena crítica, considero hoy día que es la referencia de las producciones nacionales. ¿Ha avanzado/mejorado el cine dominicano en comparación con esa primera película que viste? ¡Claro! El séptimo arte dominicano cuenta hoy día con un público que brinda más apoyo y asiste al cine, los recursos técnicos, facilidades gubernamentales, apoyo financiero han superado los de aquella producción. Brindo mis respetos al Señor Agliberto Meléndez por abrir el camino a los demás que le han seguido.

¿Qué consideras y evalúas al momento de decidir qué proyecto cinematográfico apoyar? Me siento a conversar con los cineastas, busco en ellos una consonancia que identifique la línea de trabajo de LARIMAR, veo en ellos la necesidad de expresar a través del séptimo arte su obra, su ilusión y su deseo. Además de una serie de requisitos técnicos. ¿En una oración qué le dices a los directores de cine para puedan entender la importancia de la Ley? Que el inversionista más importante y al que más tienen que cuidar es al Estado Dominicano. ¿Cuál es tu película latinoamericana favorita?  “El Secreto de Sus Ojos” del Directo Juan José Campanella.

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Antonio Alma Iglesias Finanzas, Larimar Films. ¿Qué te interesó a trabajar con la industria del cine en RD? El cine dominicano es una industria joven, necesitada deprofesionales multidisciplinarios y con experiencia empresarial. LARIMAR sirve de soporte administrativo y descarga a los artistas para que puedan crear sus obras, por mi experiencia profesional siento que puedo aportar mucho. aportar mucho.

Mi propósito fundamental es lograr que la película tenga sentido financiero.

¿Cuál es tu papel en Larimar? Mi propósito fundamental es lograr que la película tenga sentido financiero. Tengo mucha experiencia participando en grandes proyectos empresariales y una producción de cine no es muy diferente. ¿Consideras que la industria del cine en RD ha progresado? ¿Por qué? Claro que sí, solo en los últimos 5 años se han producido 27 películas de diversos géneros, semanalmente en las salas de cine hay producciones dominicanas que el público apoya. ¿Qué opinas de la Ley de Cine? La ley de cine es el primer esfuerzo real que el gobierno dominicano hace para desarrollar la industria, la razón fundamental de LARIMAR es para que todos los participantes de una producción puedan aprovechar las virtudes de la ley. ¿Cuáles son los beneficios tangibles de la ley? La ley brinda incentivos a muchos de los participantes de esta industria; los inversionistas, las productoras, distribuidoras y para el gobierno. La ley es una fértil plataforma para que los artistas puedan expresarse y que el cine se desarrolle al punto de que puede convertirse en una de las industrias importantes de nuestro país. ¿Es rentable hacer cine en RD? Si las producciones logran tener un presupuesto coherente, un manejo estricto de la ley más un producto que reciba la respuesta del público, claro que es rentable. ¿Tu película estadounidense favorita? El Padrino II de Francis F. Coppola

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Ana Judith Alma Iglesias Legal, Larimar Films. tas, que comprende industriales y comerciantes, han depositado su confianza en LARIMAR y en la efectividad de la ley, por lo que están apoyando actualmente el proyecto que tenemos en rodaje, y están planificando sus inversiones para los proyectos que estamos ya desarrollando para el 2013 y 2014. ¿Cómo ha respondido el personal técnico, creativo y artístico, a las nuevas regulaciones la ley de Cine?

¿Cuál ha sido el impacto de la Ley de Cine en la industria del cine? La ley ha sido muy positiva, porque la industria del cine necesitaba un impulso y un apoyo tanto del gobierno como de las demás industrias del país. La ley de cine permite que inversionistas, que quizás de otro modo no se hubieran interesado en el sector, se dispongan a invertir en él, a cambio del crédito fiscal. ¿Considera que DGCINE, SIRECINE y las demás entidades creadas por la ley apoyan de manera efectiva la industria? En DGCINE y SIRECINE hemos encontrado un gran apoyo, desde nuestro primer encuentro las puertas han estado abiertas para LARIMAR. Ellos trabajan de manera efectiva y rápida con lo cual nos identificamos plenamente. ¿Cómo han respondido los inversionistas a la Ley de Cine? Nuestra cartera de inversionis-

LARIMAR ha servido de soporte para orientar y ayudar al personal con sus registros ante la Dirección General de Impuestos Internos y demás necesidades. En LARIMAR tratamos que la ley de cine formalice un sector que antes operaba de manera muy informal. Si pudieras introducir una modificación a la ley de cine, ¿cuál sería y por qué? Actualmente uno de los requisitos para dotar a un largometraje del certificado de nacionalidad dominicana es que la película sea en español. Humildemente sugiero que se considere la posibilidad de que se puedan filmar en nuestro país, películas en cualquier idioma y aún así optar por el certificado de nacionalidad dominicana. ¿Cómo afecta la piratería la industria del cine? La piratería es muy dañina a la industria del cine dominicano. La comercialización de las películas a través del video es una fuente importante de ingresos para la producción. En otros países se da el caso de películas que aunque no lleguen a ser exhibidas en salas de cine, por medio de la comercialización del video logran recuperar la inversión y ser rentables. Interesa al gobierno y las productoras erradicar la piratería y lograr así mayor rentabilidad de las producciones de largometraje. ¿Cuál es es tu película dominicana favorita?

La piratería es muy dañina a la industria del cine dominicano.

La Lucha de Ana de nuestro director Bladimir Abud.

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c r í t i c a

THE SET-UP (1949) H u g o P ag á n S o t o

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ste filme nos llega a las manos gracias a nuestro buen amigo Oliver Oller, quien siempre se muestra muy acertado en sus recomendaciones y más aun cuando se tratan de películas de Cine Negro. Este filme del excelente director Robert Wise plasma lo mejor de dos “sub-géneros”: el film noir y las películas de boxeo, logrando acoplar muy bien los elementos de ambos para dar como resultado un filme coherente, ágil y entretenido.

The Set-Up, o por su traducción literal al español “La Trampa”, cuenta la historia de Stoker Thompson (Robert Ryan), un boxeador de poca monta que se encuentra en las postrimerías de su carrera como pugilista y sigue buscando desesperadamente esa victoria que le dará la fama. Stoker va de pueblo en pueblo peleando en carteleras de segunda para lograr dinero para subsistir. Pero Stoker no está solo. Fielmente le acompaña Julie (Audrey Totter), su esposa, que ha sufrido con él todos sus fracasos, pero al decadente boxeador le llega una pelea que según él cambiará su vida y está consiente de que puede ganarla.

“Well, that’s the way it is. You’re a fighter, you gotta fight”. 

Con una duración cronometrada de 73 minutos este excelente filme nos sumerge en la acciones de una pelea de boxeo “arreglada” presentándonos el antes, durante y el después del esperado combate utilizando un manejo del tiempo y una edición impecable. Gracias al guión de Art (Stoker Thompson) Cohn  el filme tiene un fluidez y un ritmo que nos mantienen en expectativa de principio a fin, desde su elocuente inicio donde nos introducen los personajes hasta el momento máximo de clímax  el filme no pierde el paso.  Robert Wise da cátedras con el manejo de la cámara y la selección de ángulos para cada una de las tomas, complementado por un excelente trabajo de fotografía de parte de Milton Krasner.

La secuencia del combate entre los dos contendientes es una pieza digna de admiración, donde se conjugan tantos elementos que enumerarlos sería tema de un solo artículo, pero sí podemos decir que el ingenio en el uso del lenguaje cinematográfico es formidable. Con paneos rápidos de cámara vamos viendo diversos personajes que se aglomeran alrededor del ring y se concentran en la pelea pero a cada uno poco les importa la suerte de los peleadores, sino más bien sus motivos personales. Otra secuencia de primera es la parte final del filme que en pocas palabras es simplemente perfecta. Robert Ryan está perfecto en su papel de Stoker y Audrey Totter se muestra muy bien en su papel de esposa abnegada; en el papel del mafioso tenemos a Alan Baxter quien se desempeña muy bien. El elenco en general funciona con una buena química y logran generar el ambiente perfecto para el filme. Este es un filme esencial en el sub-género de películas de boxeo y una pieza fundamental en la historia del film-noir. Un filme compacto y sin desperdicios, muy recomendado. Título original: The Set-Up Dirección: Robert Wise Guión: Art Cohn, Joseph Moncure March (Poema) Reparto: Robert Ryan, Audrey Totter, Alan Baxter Género: Film Noir, Deporte País: USA Duración: 73 min

8/10 19


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Cineasta elige

Mejor Director: Bladimir Abud, La Lucha de Ana

lo mejor del

cine dominicano 2012

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rmando Almánzar, Hugo J. Pagán Soto, Rubén Peralta Rigaud, Oliver Oller, Marc Mejía y Pablo Mustonen votaron por separado para seleccionar “Lo Mejor Del Cine Dominicano” en este año que casi termina. La votación incluyó casi todas las categorías utilizadas por los principales premios mundiales. Las películas que participaron en dicha selección fueron las siguientes: El Rey De Najayo, La Casa Del Km. 5, Lascivia, Jaque Mate, La Lucha De Ana, Feo De Día Lindo De Noche, Lío De Faldas, Lotoman 2.0 y El Hoyo Del Diablo. A continuación el resultado de la votación de los críticos: Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor Mejor

Película: Director: Actor: Actriz: Actor de Reparto: Actriz de Reparto: Guión: Fotografía: Edición: Música:

La Lucha de Ana Bladimir Abud Frank Perozo Cheddy García Esmailyn Morel Solly Durán La Lucha de Ana El Rey de Najayo Jaque Mate La Lucha de Ana

(Bladimir Abud) (La Lucha De Ana) (Jaque Mate) (La Lucha De Ana) (La Lucha De Ana) (El Hoyo Del Diablo) (Abud/Suárez/Nuñez)

Mejor Actor: Frank Perozo en Jaque Mate

Los lectores de cineasta, oyentes de nuestro programa de radio (Cineasta Radio por la 95.7Fm) y seguidores de nuestras redes sociales también eligieron “Lo Mejor del Cine Dominicano” del 2012. Antes de dar los resultados queremos agradecer la votación masiva que recibimos.

Mejor Película, Guión y Música La Lucha de Ana

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Mejor Edición Jaque Mate

Mejor Fotografía El Rey de Najayo

Mejor Actriz: Cheddy García en La Lucha De Ana

Mejor Actor de Reparto: Esmailyn Morel (La Lucha De Ana)

Mejor Actriz de Reparto: Solly Durán (El Hoyo Del Diablo)


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A continuación el resultado de la votación de los oyentes de Cineasta Radio, lectores de Cineasta y seguidores de nuestras redes sociales:

Mejor Actriz Secundaria: Solly Durán (El Hoyo Del Diablo) 59% Las demás votaciones fueron para Luz García (El Rey De Najayo), Karla Fatule (El Hoyo Del Diablo), Olga Bucarelli, Yelitza Lora, Martha González y Karina Noble.

Mejor Película: La Lucha De Ana El Hoyo Del Diablo Jaque Mate La Casa Del Km. 5

63% 25% 11% 1%

Mejor Edición: La Lucha De Ana Hoyo del Diablo Jaque Mate Restante Lo Obtuvo El Rey De Najayo.

32% 32% 25% 11%

Mejor Director: Bladimir Abud (La Lucha De Ana) Francis Disla, El Indio (El Hoyo Del Diablo) José María Cabral (Jaque Mate) Fernando Báez (El Rey De Najayo) Entre Alfonso Rodríguez y Omar Javier

57% 20% 17% 3% 3%.

Mejor Fotografía: La Lucha De Ana El Hoyo Del Diablo Jaque Mate El Rey De Najayo Feo De Día, Lindo De Noche

42% 23% 15% 13% 7%

Mejor Actor: Frank Perozo (Jaque Mate) Antonio Zamudio (La Lucha De Ana) Manny Pérez (El Rey De Najayo) Fausto Rojas (El Hoyo Del Diablo) Johnnie Mercedes (El Hoyo Del Diablo)

57% 13% 10% 10% 10%

Mejor Guión: La Lucha De Ana El Hoyo Del Diablo Jaque Mate

63% 21% 15%

Mejor Música: La Lucha De Ana El Hoyo Del Diablo Feo De Día, Lindo De Noche El Rey De Najayo Jaque Mate

48% 25% 15% 7% 5%

Mejor Actriz: Cheddy García (La Lucha De Ana) 68% Solly Durán (El Hoyo Del Diablo) 24% (Aunque Consideramos que el papel de Solly Durán es Secundaria) Mejor Actor Secundario: Esmailyn Morel (La Lucha De Ana) 41% Fausto Rojas Obtuvo 29% De los votos y las demás votaciones fueron divididas entre Irving Alberti (Feo De Día Lindo De Noche), Marcos Bonetti (Jaque Mate), Miguel Ángel Martínez (La Lucha De Ana), Mario Lebrón y Esteban Contreras.

Las votaciones por país/región fueron de la siguiente manera: República Dominicana 80% Europa 4% México 7% Estados Unidos 7% Ecuador y América del Sur 2%

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MICHAEL HANEKE H u g o P ag á n S o t o

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uego de dos Palmas de Oro en años consecutivos es poco probable que el nombre Michael Haneke resulte extraño. Con esta hazaña el director alemán se suma a un selecto grupo que ha logrado el máximo galardón del Festival de Cannes en años seguidos. Para Haneke esto vendría siendo como cosechar lo que sembró durante años, desde sus inicios en televisión hasta su salto al cine, el meticuloso director se fue forjando un nombre a base de calidad y unos impresionantes dotes a la hora de llevar las riendas de una película. Michael Haneke nace un 23 de marzo de 1942 en el seno de una familia de artistas. Su padre Fritz Haneke fue actor y director y su madre Beatrix también fue actriz. Haneke inicia su carrera como crítico de cine para luego pasar a trabajar en la televisión como editor. Más

tarde decide probar suerte como director y en 1974 dirige After Liverpool, una película para la televisión. A pesar de tener una formación en psicología y filosofía decide seguir trabajando en televisión y no es sino hasta 1989 cuando finalmente decide filmar su primera película para la gran pantalla. Su debut en el cine llega con El Séptimo Continente, uno de sus filmes más emblemáticos y el que según la crítica mundial marca de manera definitiva lo que posteriormente sería el estilo de director. Pero Haneke apenas comenzaba a sacar trucos de su sombrero: su próxima película dejaría a medio mundo pasmado. Benny’s Video causó controversia en cantidades industriales; la publicidad que recibía el filme de manera indirecta ayudó a Haneke para poner su nombre de manera definitiva en el mapa. La película contribuyó de igual manera para posicionar al actor alemán Ulrich Mühe en lo que fuera su segunda película. Mühe obtendría años más tarde el papel del misterioso observador en la fabulosa La vida de los otros.

1995 Der Kopf des Mohren La cabeza del moro (guion

1989

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1992

1994

1997


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Escenas de Benny’s Video. Sus películas favoritas son: Amadeus, Amelie, The Big Lebowski, Dog Day Afternoon, Full Metal Jacket, Irreversible, One Flew Over the Cuckoo´s Nest, Silence of the Lambs, Time Bandits, Platoon, The Princess Bride, The Piano, La Haine, entre otras.

A pesar de haber incursionado en el cine, Haneke seguía trabajando de forma simultánea en documentales y otros trabajos para televisión, pero en su cine era donde siempre salía lo mejor de él, pareciera como si su trabajo fuera de la gran pantalla le sirviera para entrenarse y derribar a la gran bestia. Y si de bestias hablamos, en 1997 el director nos pone frente a frente con dos individuos a los cuales el mote le vendría más que bien, con Funny Games. El germano nos tira de cabeza en los sádicos juegos de dos jóvenes que atormentan a una familia en su tranquila casa de veraneo. El título evoca en tono ultrasarcástico unos “juegos” que no resultan nada divertidos. Como ya se había notado en sus trabajos anteriores, Haneke vuelve a poner el dedo en la problemática de la sociedad moderna y de manera más específica en el desenfreno de una juventud sin rumbo. En el año 2007 el director volvería a repasar Funny Games con un remake hecho por él mismo, pero con actores de los “conocidos”. Como queriendo mercadearse en el nuevo continente, Haneke se sube a un proyecto

que incluía a Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt en lo que termina por ser una copia al carbón de su primer trabajo. Por si todavía quedaban dudas de su capacidad, Haneke vuelve a sorprendernos, esta vez con una masoquista maestra de piano interpretada por Isabelle Huppert. La Pianista fue una sensación en Cannes cargando con el gran premio del jurado, el premio de mejor actriz para Huppert y el premio de mejor actor para Benoit Magimel. Al igual que sus películas anteriores esta también causó mucha controversia, sobre todo el tema sexual que exponía. Para muchos el drama psico-sexual que plantea la película puede resultar incómodo para muchos espectadores. En el año 2005 llegaría a las salas quizás una de sus películas más conocidas, Caché, un filme que se centra en la vida de una familia que es asediada por unos inusuales videos que comienzan a llegar de forma inexplicable y en los cuales se percibe que están siendo vi-

Adaptación de la novela La Pianista de la autora austriaca Elfriede Jelinek. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

Funny Games1997

1997

2000

2001

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Sus actores favoritos son: Tom Berenger, Willem Dafoe, Johnny Depp, Harrison Ford, Gene Hackman, Ed Harris, Gary Oldman, Peter O´Toole, Brad Pitt y le gusta mucho Mónica Belucci.

gilados. Protagonizado por Daniel Auteuil y Juliette Binoche “Caché” es un filme que tiene la capacidad para cautivarnos mostrándonos lo menos posible, caracterizado por las tomas largas y la inexistencia de una banda sonora, el ritmo de la película se vuelve tenso y agobiante a medida que nos vamos adentrando en la historia. Haneke nos hace sentir lo mismo que sus protagonistas y nos convierte en voyeuristas sin remedio en espera del desenlace final. Como si de un fino diamante se tratase, Michael Haneke se ha pulido con los años. Sus experiencias y vivencias no han sido para nada en vano y así lo demuestra el progreso contínuo de su obra. Ccon cada película vemos un director más seguro, más intenso, sin miedos, un director cada vez más arrojado y atrevido. Con The White Ribbon podemos notar ese crecimiento profesional de

un director que sabe con certeza lo que quiere, filmado en blaco y negro “The White Ribbon” nos lleva hasta un poblado de Alemania en la época previa a la primera Guerra Mundial y nos muestra ciertos sucesos que se suceden en la pequeña comunidad. En su sencillez, la película logra alcanzar una profundidad impresionante y mediante el estudio de caracteres individuales pone al descubierto la realidad de toda una nación. Con un guión concebido por el propio Haneke la cinta nos muestra el lado más oscuro de las personas, utilizando el contraste para realzar la maldad y la violencia. A la maravillosa “Cinta Blanca”, que se llevó el máximo galardón en Cannes, le siguió Amour la cual aun no hemos podido disfrutar pero que se nos ha adelantado y se ha llevado otra Palma de Oro en Cannes. Y viniendo de Haneke no podemos esperar más que otra de sus joyas.

2005 Caché o Escondido Premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo

2003

24

2005

2007


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Caché.

Haneke dirigiendo “Amour”.

Mencionar a un director de este calibre es hablar de lo mejor que tiene el cine en estos momentos, con un cine puro que se mantiene distante de las ataduras y sometimientos de la industria, las películas de Haneke tienen su propio universo y han llevado al director a forjar un estilo único e inconfundible. Sin lugar a dudas nos encontramos ante uno de los mejores directores de su generación y uno de los más fuertes exponentes en la cinematografía actual. Uno de esos directores que logró hacer la transición de la televisión al cine y pasó la prueba con las mejores calificaciones. Con su forma peculiar de mostrarnos la violencia, con sus tomas largas llenas de tensión y con una inmejorable composición estética, Haneke nos ha hecho suspirar, nos ha hecho enamorarnos de su cine. La forma como psicológicamente maneja sus personajes nos enlo-

quece, por momentos nos hace sentir la angustia que en muchas ocasiones sienten sus protagonistas. Y no solo como director sino también como guionista, nos ha demostrado que su talento no se limita a una sola faceta, capaz de crear sus historias y de dibujar sus personajes a su antojo. Con toda su obra ha demostrado la coherencia en los temas que aborda y la forma en como lo hace, sin miedo a utilizar la violencia para denunciar o para hacernos ver que no caminamos en la dirección correcta y que hace ya un buen tiempo que hemos perdido el camino. Aunque debutando un poco tarde (tenía 46 años cuando hizo su primer largometraje) Haneke se ha puesto al día, sus once películas son más que suficientes para que su nombre sea recordado por siempre.

2009 Das Weiße Band- La cinta blanca. Palma de Oro en el Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película extranjera.

2009

2012 Amour. Palma de Oro en Festival de Cannes.

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quismo rural siciliano, eran un secreto bien guardado. Por eso, en 1963, causó una considerable conmoción el testimonio de un mafioso de poca monta (Joe Valachi) quien ejercía de chofer en la “familia” Genovese y que fue el primer miembro de la Mafia en describir públicamente sus estructuras y ceremonias de iniciación.

EL PADRINO Y LA VIDA REAL R u b é n P e r a l t a R i ga u d

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urante décadas, en la imaginación del público, la expresión “crimen organizado” fue sinónimo de Al Capone, ametralladoras Thompson y caóticos tiroteos en las calles de Chicago. Cuando el mítico Capone — que tuvo íntima relación con la Mafia pero que nunca perteneció a ella, ni siguió sus reglas y costumbres— fue encarcelado, el ciudadano común dejó de escuchar noticias sobre grandes organizaciones delictivas y la gente sabía bien poco de los auténticos reyes del crimen norteamericano: individuos como Lucky Luciano, Carlo Gambino o Sam Giancana que habían llegado a acumular un inmenso poder, hasta el punto de influir en las altas esferas, incluyendo el FBI, la CIA y la propia Casa Blanca. La existencia de la Cosa Nostra y su extraña naturaleza ritual, inspirada por viejas costumbres del caci26

De repente, toda una realidad oculta de la sociedad norteamericana quedaba al descubierto cautivando la fantasía de una sorprendida audiencia. El escritor  Mario Puzo terminó de rentabilizar el asunto ilustrando el mundo mafioso en su novela The Godfather. El libro, que narraba sucesos con una considerable base real —aunque cambiaba los nombres de algunos personajes y creaba otros nuevos sintetizando características de varias personas reales— se convirtió en un gran éxito y también en la obra literaria más apetecida por el Hollywood de entonces. Incluso el director italiano Sergio Leone soñó con adaptar el libro, pero la historia cayó finalmente en manos de un relativamente poco conocido Francis Ford Coppola. La extraordinaria calidad artística y el resonante éxito de las películas The Godfather y The Godfather II establecieron una nueva corriente cinematográfica a la hora de retratar el crimen organizado. Vito Corleone sustituyó a Al Capone como estereotipo del capo italoamericano gracias a la poderosa interpretación de Marlon Brando, y una Mafia sinuosa, secretista y de férrea disciplina se convirtió en objeto de las fantasías morbosas de los espectadores. Aunque las dos partes de The Godfather (la tercera, francamente, no la tendremos en cuenta) mostraban una imagen excesivamente estilizada y romántica de la Cosa Nostra y sus miembros, lo cierto es que muchos de los personajes y situaciones que aparecían en pantalla eran reflejo más o menos evidente de personajes y situaciones reales. Semejanzas que en algunos casos fueron rápidamente captadas por los espectadores pero que en otros pasaron más desapercibidas. De hecho cuesta encontrar algo en aquellas películas que no tengan un referente directo o indirecto en la historia real de la ma-


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fia norteamericana de los años 30, 40, 50 y 60. Hagamos pues un repaso a todas esas referencias, comenzando por las más conocidas y fácilmente identificables hasta llegar a las más complejas y retorcidas, como las que sirvieron para construir a los dos protagonistas de El Padrino, Vito y Michael Corleone.

llegar a lo más alto y reinó durante un tiempo en la poderosa familia Gambino, pero también murió asesinado. Anastasia no fue demasiado astuto manejando las intrigas internas y Su Alteza el Ejecutor fue ejecutado a tiros mientras se sentaba en el sillón de una barbería con una toalla húmeda cubriéndole el rostro.

Estas son las claves de The Godfather y The Godfather II:

Hyman Roth: el apacible mafioso judío que hace tratos con Michael Corleone y que fue interpretado por Lee Strasberg (legendario profesor del Actor’s Studio) es la representación de Meyer Lansky, amigo personal y socio de Lucky Luciano, y que fue célebre por convertirse en el primer contable oficial de la Mafia norteamericana, el hombre que puso en orden la economía mafiosa, que descubrió el enorme poder de la organización y que tenía fama de ser el cerebro más brillante del crimen. La frase con la que Hyman Roth anuncia a Vito Corleone la magnitud económica de la Cosa Nostra («Somos más grandes que U.S. Steel») es la frase que, en la realidad, empleó Meyer Lansky para comunicarle ese mismo mensaje a Lucky Luciano.

Johnny Fontane: fue la referencia más obvia de la saga. Todo el mundo identificó inmediatamente a  Frank Sinatra con aquel cantante de emociones inestables que recurría constantemente a la Mafia para solucionar sus problemas. De hecho, Fontane era —junto a Michael Corleone— uno de los protagonistas absolutos del libro original, pero en las películas su papel fue acertadamente reducido a una aparición anecdótica. Eso no impidió que Sinatra se mostrase ofendido por el retrato que se hacía de él como de un perrito faldero de los mafiosos (relato certero, por otra parte). Aunque la famosa secuencia de la cabeza de caballo metida en la cama de un productor para conseguirle un papel a Fontane era ficticia, sí tenía fundamento real la historia que Michael Corleone cuenta en el film acerca de cómo Johnny Fontane es liberado por Luca Brasi —a punta de pistola— del contrato que le impide avanzar en su carrera.  Frank Sinatra recurrió a la Mafia para romper su contrato con el director Tommy Dorsey, a quien se le hizo “una oferta que no pudo rechazar”: darle el finiquito laboral a Sinatra o ver sus propios sesos esparcidos por la mesa de su despacho. Como hemos dicho, el film enfureció a Frank Sinatra, pero si el cantante pensó una vez más en recurrir a sus amigos mafiosos para vengarse de Coppola y Mario Puzo, tenía una idea equivocada de su relación con la Cosa Nostra: en aquellos tiempos, el capo Sam Giancana estuvo acariciando seriamente la idea de asesinar a Sinatra —a quien consideraba demasiado inestable y poco fiable— para que no contase lo que sabía. Luca Brasi:  El temible —aunque no muy inteligente— sicario de confianza de Vito Corleone es la versión cinematográfica de Albert Anastasia, uno de los más célebres asesinos en la era “clásica” de la Mafia. De físico similar al de Luca Brasi de la pantalla, Anastasia fue el líder de Murder Inc (“Asesinato S.A.”), el escuadrón de asesinos que trabajaba para el todopoderoso Lucky Luciano y que se encargaba de eliminar a los adversarios del jefe mafioso. De hecho incluso la prensa solía referirse a Anastasia como Su Alteza el Ejecutor. Al contrario que Luca Brasi en el film, Anastasia consiguió

Al igual que Roth, Lansky intentó usar su condición de judío para refugiarse en Israel y evitar el acoso policial pero las autoridades israelíes le negaron el visado, tal y como se ve en la película. Curiosamente, aunque el personaje de Hyman Roth difería bastante de su verdadera personalidad, al auténtico Meyer Lansky le gustó el trabajo de Lee Strasberg y así se lo hizo saber —para asombro del actor— en una ocasión en que se encontraron casualmente. De todos modos, la citada secuencia de la conversación entre Roth y Michael Corleone, en la que el viejo mafioso judío recibe a Michael sin camiseta y sentado de forma indolente viendo el béisbol, curiosamente no está inspirada por Meyer Lansky sino por la visita que Coppola hizo a un productor de cine que le recibió de tal facha en su casa. Moe Green: escudero de Hyman Roth, de carácter irascible y encargado de dirigir los casinos mafiosos de la familia Corleone, es evidentemente el retrato de Benjamin “Bugsy” Siegel, el hombre que inventó Las Vegas. Ambos personajes son temperamentales y están obsesionados con el buen vestir, ambos pertenecen a la mafia judía y ambos tienen un excesivo afán de independencia. 27


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La ambición de Siegel y su carácter impulsivo le llevaron a fundar un imperio del juego, pero también a perder el control de sus gastos en la construcción del suntuoso casino Flamingo, endeudándose hasta límites intolerables con los mismos jefes mafiosos que le habían respetado hasta entonces. En la película, Moe Green es asesinado de un disparo en un ojo mientras recibe un masaje, y en la realidad Bugsy Siegel fue asesinado de un disparo en un ojo mientras leía tranquilamente el periódico en el sofá de su casa. La cumbre de La Habana: Michael Corleone, Hyman Roth y otros jefes mafiosos se reúnen en la terraza de un hotel para repartirse los negocios en Cuba (cortando una tarta con la misma forma de la isla). Una reunión similar tuvo lugar en el hotel Continental de la capital cubana, donde los principales capos de su tiempo — Meyer Lansky entre ellos— acordaron cómo llevar sus negocios caribeños. A diferencia de lo que ocurre en la pantalla, nadie conspiró para eliminar a Lansky, pero sí se decidió que era necesario terminar con la vida de su protegido Bugsy Siegel, que llevaba gastados seis millones de dólares (de la época) en un casino que debería haber costado menos de tres. La secuencia del bautizo: una de las escenas más famosas de la saga El Padrino, en la que Michael Corleone bautiza a su hijo mientras sus matones lanzan una repentina campaña de asesinatos para borrar del mapa, en un solo día, a sus adversarios. Esta matanza está basada en la “Noche de las Vísperas Sicilianas”, cuando Lucky Luciano barrió a sus enemigos de manera semejante, en un solo día y en diversas partes del país.

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El asesinato de Solozzo en el restaurante:  otra secuencia universalmente célebre —homenajeada a menudo, incluso en Los Soprano— con la que, por cierto, Al Pacino se ganó el respeto de quienes trabajaban en la película, que hasta entonces le habían considerado inadecuado para el papel de Michael Corleone. El personaje de Pacino está cenando con un mafioso rival — Solozzo— y con el jefe de policía —McCluskey— y de repente pide cortésmente permiso para ir al servicio. Una vez allí, saca una pistola escondida en una cisterna del lavabo, sale y dispara a los otros dos comensales. Esta secuencia está inspirada por uno de los episodios más famosos en la biografía de Lucky Luciano, quien —antes de convertirse en un “Padrino”— cenaba en un restaurante similar con su jefe, Joe Masseria, quien por entonces controlaba el crimen italiano en Nueva York. Lucky Luciano, como Al Pacino en la película, también pidió permiso para ir al servicio, aunque no sacó ningún arma y se limitó a escabullirse por la puerta trasera. Mientras, varios de sus compinches —Bugsy Siegel, Vito Genovese y Albert Anastasia— entraban en el restaurante y rellenaban a balazos a Masseria. Don Fanucci: el matón de traje blanco que chantajea y aterroriza a los inmigrantes italianos del barrio donde crece Vito Corleone, es la representación no de un único personaje sino de una organización: la “Mano Negra”. Estas eran unas bandas criminales que, a finales del siglo XIX y principios del XX, se dedicaban a extorsionar a sus compatriotas en los barrios italianos de las ciudades norteamericanas, especialmente Nueva York. Incluso intentaron chantajear a toda una estrella mediática, el tenor Enrico Caruso, por actuar en “su territorio”. Los métodos de la Mano Negra eran brutales y además de las palizas constantes y asesinatos eran frecuentes las violaciones e incluso el secuestro de niños para chantajear a sus familias (incluso algún pequeño rehén fue descuartizado y devuelto a la familia en una cesta). Cuando los miembros de la Mafia —que normalmente llegaban a Estados Unidos huyendo de la justicia italiana— empezaron a establecerse en Nueva York, comenzaron a ponerse de acuerdo para asesinar los líderes de la Mano Negra y someter a los miembros de aquellas bandas. Los


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recién llegados miembros de la Mafia eran más disciplinados que la chusma incontrolada de la Mano Negra, se adaptaban mejor al nuevo país —los más jóvenes de entre ellos incluso aprendían a hablar inglés, algo poco común entre población italoamericana de entonces— y además su intervención fue bienvenida por los inmigrantes italianos quienes, teniendo que elegir entre lo malo y lo peor, decidieron que la dictadura de la Mafia resultaba más soportable que la brutalidad arbitraria de la Mano Negra. La Mafia solía tener sus códigos, mientras que la Mano Negra no había tenido códigos ni límites y había hecho negocio incluso con la prostitución infantil, de manera abierta y sin disimulos. En la película, Vito Corleone asesina a Don Fanucci para controlar el crimen en el barrio pero también establece un régimen paternalista sobre sus compatriotas inmigrantes, para quienes Vito Corleone es un “santo varón” al lado de Don Fanucci. Ello cual ilustra cómo se produjo la toma de control de la Mafia sobre otras bandas criminales italianas en América. Vito Corleone: con este personaje, Marlon Brando  definió una nueva imagen universal del jefe criminal. Aunque mucha gente consideró -y aun hoy considera- que Don Vito resulta demasiado estereotípico y cinematográfico como para tener alguna base real, lo cierto es que sí está inspirado en un personaje concreto: el capo Carlo Gambino, que había reinado en los tiempos inmediatamente previos a la novela de Puzo y los films de Coppola. Al igual que Vito Corleone, el temido Don Carlo era un hombre de aspecto modesto e inofensivo, que nunca levantaba la voz y detestaba que nadie gritase en su presencia. Era un hombre de familia chapado a la antigua: no era mujeriego ni se le conocían grandes vicios y vestía de forma discreta. Vivía en una mansión de Long Island muy parecida a la casa de Vito Corleone. Bajo su conducta tranquila y su forma de hablar pausadamente y en voz baja, Carlo Gambino era realmente un individuo frío y calculador, capaz de reservarse una venganza durante años hasta encontrar el momento oportuno. Ambos personajes vivieron plácidamente sin entrar nunca en prisión y ambos murieron de un ataque al corazón a una edad avanzada. De todos modos, y aunque Carlo Gambino es el molde para haber creado la personalidad y conducta de Vito Corleone, la caracterización de Brando incluye algunos elementos inspirados en otros mafiosos reales. El actor se basó en el mafioso  Frank Costello —amigo íntimo de Lucky Luciano— para darle a su personaje aquella mítica voz quebrada. Y la expresión facial típica de Vito Corleone —cejas arqueadas y cara de resignación— está evidentemente basada en varias fotografías tardías del supercapo Sam Giancana. 30

Aunque Michael Corleone y Lucky Luciano tienen personalidades muy distintas, buena parte de la biografía mafiosa de Michael —así como sus métodos para dirigir la Mafia— se fundamentan en sucesos reales protagonizados por Luciano Michael Corleone: el personaje protagonista de la saga está a medio camino entre la realidad y la ficción. Su personalidad ni está basada —ni se parece— a la de ningún jefe mafioso concreto y de hecho se puede considerar que Michael Corleone es un personaje de ficción en toda regla. Sin embargo, el papel que Michael representa en la Mafia de la película y varios de los sucesos que protagoniza hacen referencia directa a la biografía de Lucky Luciano. Al igual que Michael Corleone, Luciano fue el responsable de “profesionalizar” la Mafia, invirtiendo en empresas y apoderándose de negocios legales gracias a sobornos, chantajes o amenazas. Comprendió la importancia de dejar atrás ciertos tabúes de la Mafia siciliana, modernizando sus métodos y tratando de minimizar el uso de la violencia, ejerciéndola de manera puntual y lo más discreta posible. Pero el parecido entre ambos termina ahí: Luciano era muy inteligente pero no tenía estudios —había sido un delincuente callejero desde su niñez— ni tampoco era tan ascético como Michael Corleone. De hecho, a Luciano le gustaba estar rodeado de mujeres y solía retozar con prostitutas a diario. El único detalle similar en sus vidas sentimentales es el hecho de haberse enamorado de una italiana durante sus respectivos exilios: en el film, Michael Corleone se enamora de una siciliana —aunque es asesinada al poco tiempo— y lo mismo le pasó a Lucky Luciano con la mujer que convivió con él hasta que el mafioso murió de un infarto en un aeropuerto. Nos han quedado en el tintero muchas otras referencias, la mayor parte de ellas menores, que darían pie a todo un libro dedicado al asunto (y más aún si se incluyese la tercera parte de la trilogía cinematográfica) pero creemos que con todas las citadas ya hay más que suficiente como para empezar a ver las dos películas clásicas con otros ojos.


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n clásico entre los clásicos, una deslumbrante muestra de lo que es hacer cine dentro del propio cine y probablemente estemos hablando del más mítico de los musicales de Hollywood, tanto en taquilla como para la crítica. La película fue un gran éxito, pues estrenó en abril y fue la película más taquillera durante ese mes y la décima de 1952. Maravilloso musical con una de las escenas más memorables de la historia del cine y varios números musicales excepcionalmente ejecutados por el trío protagonista, Gene Kelly, Debbie Reynolds y Donald O’Connor. Con un preciosista y vistoso technicolor, Cantando bajo la lluvia se convierte posiblemente en uno de los tres mejores musicales que nos ha regalado el séptimo arte (y eso, que yo no soy muy de musicales). Excelentemente dirigida por un Stanley Donen en estado de gracia y acompañado de Gene Kelly a la dirección y realización de los números musicales, la genial obra de Donen se mantiene virgen y vitalista a pesar del transcurso de los años.

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Don Lockwood es una romántica estrella del cine mudo que un día conoce a Kathy Selden, una actriz de teatro aún desconocida. Don y Kathy se enamoran y paralelamente, se ha producido un terremoto en la industria cinematográfica: el cine sonoro llega arrasando. El público quiere más y hay que reconvertir la última película de Lockwood y Lamont en musical. Una obra sátira, que anida en el tremendo cambio que surgió a finales de los años 20 en la industria cinematográfica para crear un contexto cómico lleno de espectaculares números musicales. Y es que esta traslación del cine mudo al cine sonoro significaba un gran cambio para los actores hasta la fecha. Muchos de estos actores tuvieron que ver cómo dejaban aparcada su carrera en el cine debido a su incapacidad para interpretar y hablar a la cámara al mismo tiempo. En cuanto a los actores, Gene Kelly brilla con luz propia cada vez que inicia un número musical. Destacar la impresionante escena y que da titulo a la obra, Singin›


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n the Rain in the rain, donde un enamorado Gene Kelly canta su amor a los cuatro vientos bajo la lluvia. Desde la puesta en escena, la coreografía, la música, los efectos y la deslumbrante interpretación de un fantástico Gene Kelly, hacen de este número un prodigio de dirección. A Gene Kelly lo acompaña su inseparable amigo de infancia Donald O’Connor, haciendo un simpático papel y regalándonos también el genial número en los decorados del plató (Make ‹em laugh), donde el dinamismo, la fluidez y la diversión que emana lo elevan a cotas muy altas de superar. Tras la pareja masculina, nos encontramos con una preciosa Debbie Reynolds haciendo de la enamorada de Gene Kelly, y acompaña a los bailes de manera muy lograda a Kelly y O›Connor. Como mayor logro de la obra, está en encontrar el equilibrio perfecto entre coreografía e historia, y en efecto Cantando bajo la lluvia lo consigue. Muchos musicales se preocupan en exceso por la inclusión de bailes sin ton ni son y sin venir a cuento en la historia principal, pero en la obra de Stanley Donen los números musicales (ex-

celentes, coloristas y divertidos) engranan finamente en una historia magistral. En definitiva, una obra alegre, divertida, con un humor del de antes. Un canto a la alegría de vivir, a la libertad artística y al ingenio creador; es la emoción y el sueño hecho celuloide. 

Director: Stanley Donen y Gene Kelly Intérpretes: Gene Kelly, Donald O´Connor y Debbie Reynolds Año: 1952 Género: Musical-comedia-romance Duración: 103 minutos País: Estados Unidos

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LOS PREMIOS AL CINE DEL 2012

Escena de Argo.

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ollywood, CA.- Con la llegada del otoño y el retiro de los calores del verano, comienzan a perfilarse ya las películas y los actores que figurarán prominentemente en los más reconocidos premios a lo mejor del cine del 2012: el Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y el Globo de Oro de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Encabezando la lista de favoritas se encuentra Argo, dirigida por Ben Affleck. Habiendo recibido prácticamente unánimes críticas positivas, la cinta, que recuenta el escape de refugiados políticos en Irán durante la revolución de 1979 en ese país, es una tradicional -en el mejor sentido de la palabra- historia de emociones y suspenso. Otra película que parece haber sido uniformemente alabada durante su presentación en el reciente Festival Internacional de Cine de Toronto, es Silver Lining Playbook. Bajo las riendas de David O. Russell (The Fighter), el film es una afectiva comedia dramática sobre enfermedades mentales, con Bradley Cooper, Jennifer Lawrence (la estrella femenina del momento), y Robert De Niro, ofreciendo actuaciones que indudablemente serán reconocidas. Cayendo tal vez en aspiraciones artísticas que han, al mismo tiempo, admirado y confundido a quienes las han visto, se encuentran The Master y Cloud Atlas.

Joaquin Phoenix en ¨The Master¨. Joaquin Phoenix en ¨The Master¨.

The Master, de Paul Thomas Anderson (There Will be Blood), con Philip Seymour Hoffman en el papel titular, y Joaquin Phoenix, se dice ser una velada representación de la cienciología y de uno de sus más famosos discípulos. Seymour Hoffman, no obstante, se asegura, ganará una nominación. Cloud Atlas, por otra parte, basada en la novela de David Mitchell y dirigida por Tom Tykwer (Run Lola Run) y los hermanos Andy y Lana Wachoski (The Matrix), con un estelar reparto encabezado por Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant y Susan Sarandon, ha sido descrita por críticos como “un ejercicio mental de tres horas”, y por sus directores como “la suma total de la experiencia humana”. La 34


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trama, difícil de categorizar, cuenta seis diferentes historias, en seis diferentes épocas, a través de 500 años y tres continentes, aparentemente, pero finalmente no desconectadas unas de otras. Habrá que ver. Lincoln, la nueva película de Steven Spielberg, no sufre ninguno de esos incovenientes. Sus desventajas son otras. Esta es una lección de historia, en la que durante la Guerra Civil, el Presidente Abraham Lincoln no lucha contra vampiros, sino contra su propio gabinete y tercos congresistas, en su afán de reformar la Constitución y emancipar a los esclavos. El problema es que el director no permite que la trama hable por sí sola y se siente obligado a subrayar con música y significativas pausas los momentos mas dramáticos. Y la sutil interpretación de Daniel Day-Lewis en el papel titular únicamente enfatiza la sobreactuación de varias de sus co-estrellas. Pero Spielberg es Spielberg y no hay que descontarlo. Otra cinta que indudablemente será de interés para los verdaderos cinéfilos es Hitchcock. El filme fue dirigido por el realizador británico Sacha Gervasi, poco conocido en Hollywood, y cuenta el período de la filmación de Psycho. Las estrellas del filme son Anthony Hopkins, encarnando al mago del suspenso, James D’Arcy es Anthony Perkins, Scarlett Johanson es Janet Leigh, Jessica Biel es Vera Miles, y Helen Mirren es Alma Reville, la esposa del director. Curiosamente otra película, pero ésta para televisión, The Girl, cuenta la historia de la filmación de The Birds, y la obsesión del director con su estrella central. En ésta, Toby Jones es Hitchcock, Sienna Miller es Tippi Hedren, e Imelda Stanton es Alma Reville. Pero la cinta más anticipada, que no será estrenada hasta el 14 de diciembre, es la versión para el cine de una de las obras musicales más exitosas de las últimas décadas, Les Miserables. Adaptada de la novela clásica de Victor Hugo por los compositores originales de la pieza teatral y dirigida por Tom Hooper (The King’s Speech), el filme lleva en su reparto a Hugh Jackson como Jean Valjean, Russell Crowe como Javert, Anne Hathaway como Fantine, Amanda Seyfried como Cosette, Eddie Redmayne como Marius, Helena Bonham Carter como Madame Thénardier, Sacha Baron Cohen como Thénadier, y Samantha Barks como Eponine, entre otros, todos ellos, aparentemente, cantando en vivo.

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Daniel Day Lewis como Lincoln.


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Helen Hunt en una escena de ¨The Sessions¨.

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En cuanto a comedias, hay algunas que pueden figurar, si no en el Oscar, al menos en los Globos de Oro, galardón que sí tiene una categoría dedicada específicamente a ellas. Bernie con Jack Black, Shirley MacLaine y Matthew McConaughey, que recuenta un caso criminal de la vida real; Hope Springs, sobre conflictos matrimoniales de parejas adultas con Meryl Streep y Tommy Lee Jones; The Perks of Being a Wallflower, con Emma Watson, que observa problemas de adolescentes; Pitch Perfect, sobre un grupo escolar de jóvenes cantantes; y The Guilt Trip, con Barbra Streisand (en una de sus raras apariciones en la pantalla) y Seth Roguen, como madre e hijo viajando para que él pueda vender su última invención, son algunas de ellas. Las actuaciones hasta ahora mencionadas como merecedoras de nominaciones, incluyen entre otras, además de Daniel Day-Lewis, a Keira Knightley en el papel titular de una nueva y original versión de Anna Karenina; a Richard Gere como un banquero sin escrúpulos en Arbitrage; a Leonardo DiCaprio como el desalmado dueño de esclavos en la nueva cinta de Quentin Tarentino, Django Unchained; a Bill Murray como el presidente Franklin Delano Roosevelt en Hyde Park on Hudson; a Kristen Stewart como Camille en la adaptación de la novela de Jack Kerouac, On the Road; y a Helen Hunt como una terapeuta sexual en The Sessions. Pero nadie, a diferencia de otros años, va definitivamente a la delantera.

Escena de ¨Hope Springs¨.

Keira Knightley como Anna Karenina

Y en la categoría de animación es obligatorio mencionar la nueva película de Tim Burton, Frankenweenie. Ingeniosa y visualmente impecable, la película es una verdadera delicia, especialmente porque nos llega solamente meses después de la lamentable Dark Shadows. Pero esto no es todo. Hay varias producciones que serán estrenadas a fines de año y de las que se sabe poco, pero que por el talento que incluyen pueden dar sorpresas. Nos referimos a cintas como This Must Be the Place, con Sean Penn y Frances McDormand dirigidos por Paolo Sorrentino; Lay the Favorite, de Stephen Frears con Bruce Willis y Catherine Zeta-Jones; Zero Dark Thirty, de Kathryn Bigelow con Jessica Chastain; The Impossible, estelarizada por Naomi Watts y Ewan McGregor, bajo la dirección de Juan Antonio Bayona; Promised Land, de Gus Van Sant con Matt Damon y Frances McDormand; y Quartet, en la que Dustin Hoffman dirige a Maggie Smith. Y la carrera comienza. 38

Richard Gere en ¨Arbitrage¨.

Bill Murray.


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Michelle Williams: La próxima Meryl Streep de Hollywood R u b e n P e r a lta

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a popular serie televisiva estadounidense Dawson’s Creek, que se emitió entre los años 1998 y 2003, fue sin lugar a dudas el espaldarazo a la fama y el comienzo de una exitosa carrera artística para muchos de sus protagonistas, Katie Holmes, Joshua Jackson, Kerr Smith y Michelle Williams, la joven actriz que nos ocupa la atención a partir de este momento… Michelle Ingrid Williams, tal es su nombre completo, nació en Kalispell, Montana, el 9 de septiembre del año 1980. Desde tempranísima edad, Williams sabía que su destino estaba en la actuación y por supuesto lo más cerca de Hollywood posible, entonces, tras terminar sus estudios decidió emprender un camino sola y alejada de su familia para concretar sus sueños artísticos. Es la hija de Carla, un ama de casa, y de Larry Williams, quien actualmente reside en Australia y se encuentra en una disputa legal bajo el cargo de evasión de impuestos. Cuando Michelle Williams tenía nueve años, su familia se mudó a San Diego y, ya desde edad temprana, se interesó por la actuación. A los 15 años, enfrentada con la desaprobación de sus padres, se emancipó de ellos y, luego de terminar el noveno año en la escuela superior Santa Fe Christian School, dejó sus estudios para perseguir su carrera de actuación. En 1997, a los 16 años, ganó la Robbins World Cup Trading Championship (Negocios), como su padre había hecho diez años antes. Su carrera como actriz comenzó en televisión, apareciendo en programas como “Baywatch” (1993), “Step by Step” (1994), “Lassie” (1990) y “Home Improvement” (1995). Su primera película fue “Species” (1995), donde interpretaba el papel de la joven Sil, interpretada a su vez por Natasha Henstrige. Poco tiempo después, obtuvo roles adicionales, incluyéndose en películas como A Thousand Acres (1997), protagonizada por Michelle Pfeiffer y Jessica Lange, y Halloween H20: 20 years later (1998), junto a Jamie Lee Curtis y Josh Hartnett. 40

En 1998, su fama creció al formar parte principal de la serie “Dawson’s Creek”, donde compartió el elenco con Joshua Jackson y Katie Holmes, entre otros. En ella interpretaba a Jen Lindley. Su papel duró seis temporadas, hasta el año 2003. Su primer protagónico fue en Dick (1999) junto a Kirsten Dunst, película que era una sátira del escándalo de Watergate. Luego se la vería junto a Christina Ricci, Jonathan Rhys Meyers y Anne Heche, en Prozac Nation (2001). En el año 2003, realizó United States of Leland con Kevin Spacey y Station Agent con Patricia Clarkson. En Imaginary Heroes, compartió escena con la legendaria Sigourney Weaver y, también en ese año, filmó Land of Plenty. Durante el 2005, la crítica tomo conciencia de su actuación, por su rol de Alma, en Brokeback Mountain, con Jake Gyllenhaal, Heath Ledger y Anne Hathaway. Por este papel recibió un premio de la Crítica y fue nominada para el Golden Globe, BAFTA y Oscar como mejor actriz de reparto.


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En el 2006, participó de The Hawk Is Dying con Paul Giamatti y The Hottest State siendo coprotagonizada por Ethan Hawke.

En el 2006, participó de The Hawk Is Dying con Paul Giamatti y The Hottest State siendo coprotagonizada por Ethan Hawke.

En el 2007, tuvo un pequeño papel en I’m not there con Cate Blanchett, Richard Gere, Julianne Moore y Christian Bale. En el 2008, se la pudo ver en los dramas Incendiary, el cual protagonizó junto a Ewan McGregor y Hugh Jackman, en Wendy and Lucy y en Synecdoche, New York. Al año siguiente protagonizó

En el 2007, tuvo un pequeño papel en I’m not there con Cate Blanchett, Richard Gere, Julianne Moore y Christian Bale. En el 2008, se la pudo ver en los dramas Incendiary, el cual protagonizó junto a Ewan McGregor y Hugh Jackman, en Wendy and Lucy y en Synecdoche, New York. Al año siguiente protagonizó 41


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junto a Gael García Bernal la cinta Mammoth, y del 2010 son los títulos Blue Valentine, Shutter Island, protagonizada por Leonardo DiCaprio y Mark Ruffalo. Entre sus últimos proyectos, podemos mencionar los dramas Take This Waltz y la comedia The Emperor’s Children, todos ellos actualmente en distintas etapas de producción. En lo que respecta a su vida personal, Michelle estuvo comprometida con el actor Heath Ledger y ambos tuvieron una hija llamada Matilda Rose. La pareja se conoció mientras filmaban Brokeback Mountain, donde hacían de marido y mujer. Sin embargo, en septiembre del 2007, se reportó que habían decidido separarse, luego de tres años juntos. A principios del 2008, una muy dolida y acongojada Michelle asistió al funeral de su ex pareja, Heath Ledger, luego de que fuera encontrado muerto en su departamento de Nueva York. En 2011 protagonizó My Week with Marilyn y su interpretación de Marilyn Monroe la hace formar parte en la nominación para el Oscar 2012 como Mejor Actriz. También se aproxima una versión de Wizard of Oz del director Sam Raimi, donde la veremos junto a James Franco y a Rachel Weisz. Sin duda, estamos aun conociendo a esta hermosa y talentosa actriz.

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la mente nos vienen unos cuantos directores que han pegado un grand slam en su debut y con Bullhead, Michael R. Roskam hace lo propio. Ese nombre no hará sonar ninguna campana. eso lo tenemos claro, pero este joven director nacido en Bélgica nos ha dejado deslumbrado con esta su opera prima. Un filme espectacular que nos golpea con la misma fuerza que lo haría el animal que evoca su título, una película que nos ha dejado aturdidos pero que a la vez nos ha cautivado con su belleza y su estética. Ya sabíamos que esta «Rundskop» (título original) se había merecido una nominación al Oscar en el renglón de Mejor Película Extranjera, y ahora nos damos cuenta de que no solo merecía estar ahí sino que tiene calidad de sobra para ganar en cualquier duelo. Pero le tocó enfrentar a una de las mejores películas que hemos visto en los último año, A Separation, destino cruel. Pero nos atrevemos a decir que este Roskam no tardará mucho hacerse un lugar en el mundo del cine y que los galardones le llegarán. Desde el mismo prólogo y su declaración inicial que nos imprime un aire de pesimismo, de desolación, de fatalismo si se quiere, ya sabemos que lo que nos espera no es precisamente un paseo por el parque. La intriga se apodera de nosotros y no nos suelta, por el contrario crece más cuando vamos conociendo a ese tal Jacky Vanmarsenille y lo que hace para vivir. A medida que nos adentramos en el filme vamos removiendo las capas que envuelven al misterioso personaje y las situaciones que lo rodean. Por gran parte del filme es como si camináramos a oscuras, solo guiados o más bien arrastrados por la inusual atracción que genera «Jacky».

Esta  “Bullhead” es el paquete completo, guión, dirección, fotografía, Esta “Bullhead” es el paquete completo, guión, dirección, musicalización, fotografía, musicalización, actuaciones actuaciones y todo lo que podamos sumar, nada y repito, y todo lo que nada falla. La historia que gira torno a la mafia que maneja podamos sumar, en los esteroides para la manipulanada y repito, ción genética del ganado, está de manera impecable nada falla. construida y logra un paralelismo genial entre el ganado y el personaje central. Para sumar méritos, el joven Roskam es también autor de este guión, que nos hace profundizar y reflexionar sobre el deseo de sobrevivir, nos pone en primera

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fila para observar a un Jacky que lucha en contra de su destino, de su realidad y de su pasado. Matthias Schoenaerts: este es un nombre que debemos aprender. Es el responsable de dar vida al oscuro personaje de Jacky Vanmarsenille. El joven actor de origen Belga brinda una interpretación excepcional, su capacidad para desbordarnos con sus emociones nos abruma, la fuerza que le imprime a su personaje nos golpea y nos deja aturdidos, su silencio y su mirada nos hacen sentir que tenemos una bomba a punto de estallar. Como si la magnífica actuación de Schoenaerts no fuera suficiente, debemos  sumar la precisa labor de fotografía de Nicolas Karakatsani ante quien nos quitamos el sombrero, con sus trazos magistrales nos muestra unos escenarios que tienen voz propia, que se acomodan a las penurias de nuestro protagonista y que son un reflejo de sus emociones. De igual manera la música de Raf Keunen nos mueve las entrañas y nos hace palpitar con cada nota, la combinación imagen y sonido es simplemente brillante. Bullhead es una de esas películas que se quedan con nosotros por mucho tiempo, una de esas que repasamos una y otra vez y que nos gusta más cada vez que anali-


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BULLHEAD (2011) H u g o P ag á n S o t o

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zamos más profundo. Una película que al igual que su personaje central debemos escudriñarlos hasta el fondo para realmente descubrir sus verdaderos colores.

Dirección: Michael R. Roskam Guión: Michael R. Roskam Reparto: Matthias Schoenaerts, Jeroen Perceval, Jeanne Deandoy Género: Drama Duración: 124 min País: Bélgica

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CLÁSICOS QUE FUERON VAPULEADOS POR LA CRÍTICA DE SU MOMENTO R u b é n P e r a l t a R i ga u d

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os da un poco de reparo decir esto, pero vamos a tener que soltarlo: a veces, los críticos de cine nos equivocamos. No muchas, es cierto, pero en ocasiones metemos la pata tanto (o más) que las estrellas de Hollywood. En algunos casos, sentenciar como malo un filme bueno, o muy bueno, carece de consecuencias graves: la película pasa a ser uno más de los estrenos del año, con el tiempo acaba como una más en los libros de historia y del crítico en cuestión apenas se va a acordar nadie. Sin embargo, a veces el asunto reviste de una mayor gravedad. Y es que, hasta que no se invente el DeLorean  del tiempo, uno no puede saber si ese filme que acaba de ver, y que tan horrible le ha parecido, pasará a la historia como un clásico indiscutible. Aquí te presentamos ejemplos de periodistas de cine (algunos de ellos muy ilustres, como Pauline Kael y Vincent Canby) que desahogaron su furia contra trabajos a los que el tiempo, y el público, han puesto en un lugar muy elevado.

...a veces, los críticos de cine nos equivocamos.

The General (1926) La película: La obra maestra del gran Buster Keaton  fue uno de los primeros filmes que fusionaron la comedia y la acción, con secuencias complicadas (y peligrosas) rodadas sin especialistas y en auténticos trenes en marcha. También fue uno de los primeros clásicos que sufrieron la incomprensión de la prensa especializada. Puedes verla completa en YouTube.

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Una crítica: “No es en absoluto igual de buena que los trabajos anteriores del Sr. Keaton. Aquí le vemos más como un acróbata que como un payaso, y el resultado es una mezcla entre el hierro forjado y la gelatina” (Mordaunt Hall, The New York Times). Metrópolis (1927) La película: La cinta de Fritz Lang sigue siendo un ejemplo a seguir en el cine de cienciaficción: sus huellas están en la saga Star Wars, en Blade Runner y, sin duda alguna, estarán en muchos filmes todavía por venir. Una crítica: “Es una maravilla técnica con los pies de barro, tan carente de alma como la mujer-robot que la protagoniza (...) No se la puede juzgar en términos narrativos, puesto que, pese a la naturaleza fantástica de su historia, resulta poco convincente, falta de suspense y, a veces, extravagantemente teatral” (Mordaunt Hall, The New York Times).


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The Wizard of Oz (1939) La película: Tras un rodaje infernal, el filme de Victor Fleming (entre otros) consagró definitivamente a Judy Garland como estrella internacional y puso a medio mundo a cantar Over The Rainbow. Una crítica: “Me siento a duras penas para ver El mago de Oz, la producción en tecnicolor de la MGM en la que no se halla el menor rastro de imaginación, buen gusto u originalidad. (...) En resumen: apesta” (Russell Maloney, The New Yorker). Citizen Kane (1941) La película: El debut de Orson Welles como director y actor principal está considerado como el mejor filme estadounidense de la historia por el American Film Institute. Se llevó el Oscar al Mejor Guión Adaptado. Una crítica: “La fotografía me pareció muy buena, pero el guión no tiene nada que decir, las interpretaciones son confusas y, en general, resulta insulsa. (...) El trabajo como director del Sr. Welles tiene tanto estilo que no te deja ver lo que pretende contarte” (James Agate, The Sunday Times).

The Third Man (1949) La película: De nuevo nos encontramos con Orson Welles, esta vez a las órdenes del director  Carol Reed y escenificando, junto a su entonces inseparable  Joseph Cotten, una turbia historia noir  en la Viena de los años 40. Una crítica: “El guión de Graham Greene [autor de la novela original] nos demuestra que este es un esnob cinematográfico que le ha robado a Hitchcock todo, salvo el genio. En cada momento de tensión que Hitchcock hubiese bordado, Greene inserta detalles molestos e insignificantes (un portero gordo, un niño repelente) incrustados sin inteligencia” (Manny Farber, The Nation).

All About Eve (1950) La película: Y aquí tenemos otro clásico, en este caso de Joseph L. Mankiewicz. Con una Bette Davis pletórica al frente, All About Eve ganó 6 Oscar (entre ellos, Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guión Original) y sigue conteniendo algunos de los diálogos más divertidos y truculentos jamás incluidos en un filme. Una crítica: “Habrás oído decir que All About Eve es una gran película, y una prueba de la madurez de Hollywood. No es cierto: su brillante superficie sólo esconde un guión sin inventiva, y ciertos comportamientos sin dignidad» (Richard Hatch, The New Republic).

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Bonnie & Clyde (1967) La película: Con el veterano Arthur Penn tras la cámara,  Warren Beatty logró un éxito comercial que supuso el punto de partida para el ‘Nuevo Hollywood’ de los 70. Además, Faye Dunaway  volvió a poner de moda las boinas para damas y los pañuelos al cuello. Una crítica: “Su combinación de humor estúpido y violencia brutal es tan absurda como carente de gusto, puesto que no supone un comentario válido sobre una verdad ya de por sí distorsionada. Y deja a este crítico apabullado, preguntándose qué habrán querido decir los Sres. Beatty y Penn con esta nadería sentimental y anticuada” (Bosley Crowther, The New York Times). The Godfather II (1974) La película: Considerada la mejor secuela de la historia,  nuestra segunda visita a la familia Corleone consiguió  6 Oscar, entre ellos los de Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Director (Francis Ford Coppola) y Mejor Actor de Reparto (Robert De Niro, que se estrenaba así en las estatuillas). Una crítica: “Es un monstruo de Frankenstein hecho a partir de sobras cosidas entre sí. (...) Todos sus temas interesantes fueron ya cubiertos en la entrega anterior, pero –como la mayoría de la gente sin nada que decir– The Godfather II no se calla nunca. Su aspecto es el de un sketch de vodevil demasiado largo y caro” (Vincent Canby, The New York Times). Star Wars (1977)  La película: Primera entrega de una de las sagas más amadas y longevas de la historia del cine, con tres precuelas (en fin...) y dos secuelas, entre ellas  The Empire Strikes Back, seria contendiente con El Padrino II al título de mejor continuación de la historia del cine. Ganó 6 Oscar, todos ellos en los apartados técnicos.

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Una crítica: “Este es un proyecto personal del director George Lucas, que también produce, y no ha padecido ninguna intromisión por parte de la industria. Sin embargo, no hay en él nada que esté hecho pensando en algo más que en el gran público. No hay belleza ni lirismo (...) A los niños les encanta, porque está hecha a partir de pedazos sueltos: no tiene ningún gancho emocional» (Pauline Kael, The New Yorker). Annie Hall (1977) La película: A Woody Allen le importó bien poco que esta comedia, un poco disimulado relato de su romance con  Diane Keaton protagonizado por él y la mismísima, se llevase 4 Oscar, incluyendo Director, Película y Guión Original. Durante la gala, él estaba tocando el clarinete con su orquesta de jazz, en Nueva York. Una crítica: “Esta película resulta un fracaso en tres niveles distintos: como comedia, no es divertida, como cine, está mal hecha, y como confesión personal, provoca vergüenza ajena. Resulta tan repetitiva, informe, dispersa y carente de propósito que pide a gritos el olvido” (John Simon, New York). Apocalypse Now (1979) La película: Francis Ford Coppola (sí, otra vez él) quiso rodar la Guerra de Vietnam, y acabó creando un conflicto a gran escala en su plató de Filipinas. Pese a todo, el cineasta y su reparto sobrevivieron al rodaje y volvieron a sus casas con una obra maestra del cine bélico bajo el brazo. Una crítica: “Apocalypse Now  es una película estúpida hecha por un hombre muy inteligente. Se desarrolla con tanta convicción y de un modo técnicamente tan perfecto que, tras verla por primera vez, decidí lo siguiente: tal vez me haya perdido alguna brillante ironía, algún efecto sutil que pueda transformar su imbecilidad en audacia. Pero no me lo perdí. Es que no existe” (Richard T. Jameson, The Weekly).


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TOM HARDY: Made in the U.K. Oliver Oller

Escena de la película “Warrior”.

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veces empiezas a notar la existencia de un actor luego de que algunas de sus películas llegan a convertirse en blockbusters o son nominadas a los grandes premios, y entonces te preocupas en observar algunos de sus trabajos anteriores; esto es justamente lo que me ha sucedido con el versátil actor del momento Tom Hardy, con el que me he llevado una grata sorpresa al descubrir sus no tan recientes actuaciones. Pero primero empecemos por conocer un poco más atrás en la carrera de nuestro protagonista. Edward Thomas Hardy nace en Londres en el año 1977, viniendo de un seno familiar de artistas, ya que su pa50

dre es escritor y su madre es pintora. Durante su adolescencia siempre estuvo batallando contra problemas de alcohol, drogas y delincuencia, pero esto luego fue erradicado por su asistencia a programas disciplinarios. A los 21 años, en 1998, gana un concurso de modelaje que le prometía una carrera de pasarelas y sesiones fotográficas, pero Tom decide no aferrarse mucho a ese mundo y decide inscribirse al Centro de Drama de Londres ese mismo año. No es hasta el 2001 cuando consigue ser elegido para un papel secundario en la múltiple galardonada mini-serie de la cadena HBO sobre la segunda guerra mundial, Band of Brothers. En ese mismo año también logra su elección en otro papel secundario de origen béli-


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Para su rol en el film Warrior, Tom tuvo que aprender Kickboxing, Muay Thai y Jiu-Jitsu

co en la película del afamado Ridley Scott, BlackHawk Down. En el 2002 empieza a demostrar parte de sus dotes histriónicos en papeles secundarios más demandantes como villano en una de las entregas de la saga de Star Trek llamada Némesis. Luego comparte escena con Gael García Bernal en el thriller psicológico Dot the I de 2002. Pero no es hasta el 2004 cuando empieza ya a aterrizar un papel más comercial en la película de acción y crimen británica Layer Cake del director Matthew Vaughn junto al futuro agente 007 Daniel Craig. Luego de concluir este film, Hardy se centra dos años en trabajar solo para televisión y teatro en su natal

Inglaterra, en donde obtuvo varios reconocimientos por sus interpretaciones en actuaciones en el Royal Court Theatre y el Hampstead Theatre, asi como nominaciones al codiciado premio Laurence Olivier para teatro como novel actor. En el 2006 vuelve a la gran pantalla en otro papel secundario en el film biográfico de Sofia Coppola, Marie Antoinette; asi como en Scenes of a Sexual Nature del 2006 junto a Ewan Macgregor y en The Killing Gene junto a Stellan Skarsgard. En el 2007 retoma papeles en mini-series inglesas, incluyendo el importante papel de Bill Sykes en la obra de Oliver Twist. Un año más tarde en 2008 participa con el 51


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Como el personaje Bane en “The dark knight rises.”

Tom Hardy es el único actor en interpretar el papel de villano en una película de Batman y otra de Star Treak.

Escena de “inception” .

Tom Hardy en el filme Karlismyunkle.

siempre acertado y uno de los más aclamados directores ingleses de estos tiempos, Guy Ritchie en el film Rock n’ Rolla, con el papel del gangster homosexual Handsome Rob. Pero es en este mismo 2008 en donde estalla su capacidad de interpretación con el film Bronson, al encarnar el personaje verdadero del criminal más notado y conocido en Inglaterra, Michael Peterson, quien cambia de nombre al de su alter-ego, Charles Bronson. Es en esta película en donde los críticos fijan sus ojos en Hardy ya que nos deleita con un trabajo difícil de superar en estos tiempos; esto, claro, de la mano de la excelente dirección por parte del danés Nicolas Winding Refn, que con su guión y gran manejo de la cámara logra sacar de Hardy 52

lo mejor que tenía guardado. Esta actuación definitivamente le ha servido a Hardy como arma de doble filo ya que positivamente le estaría generando consideración para grandes papeles, pero también le ha subido la barra ya que ahora se debe de esperar mucho más de sus interpretaciones. En Inception del 2010 obtiene el importante papel de Eames el cual le asegura ya la fama internacional, puesto que este film del talentoso director inglés Christopher Nolan logró convertirse en uno de los más importantes en ese año con siete nominaciones a los premios Oscar y ganando cuatro en las categorías de sonido y efectos


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Escena de Bronson

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Escena de Bronson Escena de “This Means War”.

visuales. En el 2011 participa en solo dos películas, pero ambas con calibre de Oscar, Tinker Taylor Soldier Spy junto a Gary Oldman, Warrior junto a Nick Nolte y Joel Edgerton. Pero el tren en el cual anda montado no se detiene, ya en el 2012 ha tenido tres grandes estrenos, el primero fue la floja comedia This Means War junto a Reese Witherspoon, la cual no tengo la menor duda de que el mismo Hardy quisiera no recordar, en Lawless junto a Shia LaBoeuf sobre criminalidad y contrabando durante los años de la gran depresión; y el gran estreno del verano fue la última entrega de la trilogía Batman del director

Tom Hardy y Jessica Chastain en “Lawless”.

Christopher Nolan, The Dark Knight Rises, como el villano Bane junto a Christian Bale. El repunte que le ha generado este film es abrumador, Hardy ahora tiene una apretada agenda para el 2013 con participación en el remake de la saga Mad Max en el film Mad Max: Fury Road y el biográfico Everest que trata de los intentos del escalador inglés Geroge Mallory de alcanzar la deseada cúspide. Ahora nos queda seguir viendo esta creciente estrella en ascenso y esperar de buenas interpretaciones, sin la menor duda de que seguirá impresionando en la pantalla. 53


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25. Police Academy (1984)

Director: Hugh Wilson Guión: Neal Israel Con: Steve Guttemberg, Kim Cattrall, Bubba Smith

VERY FUNNY 80’s

24. Just One of the Guys (1985)

Director: Lisa Gottlieb Guión: Dennis Feldman Con: Joyce Hyser, Clayton Rohner

La primera y la mejor de las cinco entregas de esta serie de películas; aquí conocemos a todos sus personajes y nos divertimos con las ocurrencias de una verdadera Loca-Academia de policías.

Una popular adolescente en su escuela decide disfrazarse como hombre para comprobar un experimento sexista de que su artículo no fue publicado por ser mujer. Luego se enamora de su amigo y no sabe cómo decirle que es mujer.

23. Pee Wee’s Big Adventure (1985)

22. Three O’Clock High (1987)

Oliver Oller

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ada vez que tengo la oportunidad de escribir o referirme a la encantadora década de los ochenta lo hago con una pasión nostálgica increíble que ha crecido dentro de mi por todos estos años, ya que en ella aprendí a ver cine y a enamorarme de películas que puedes ver una y otra vez hasta el día que dejes de existir en este mundo; también aprendí a escuchar los mejores “one hit wonders” que la música anglosajona ha producido, y de cómo muchos de ellos fueron inmortalizados en estas películas. Para hablar del cine de esta década las palabras me faltarían, no es tan fácil poder resumir en un listado la diversa variedad de géneros y de buenas películas que comprendió la misma, por eso en esta oportunidad me inclino a un género específico, la comedia, aquí un listado de las que considero mis 25 favoritas.

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Director: Tim Burton Guión: Phil Hartman Con: Paul Reubens, Elizabeth Davis, Mark Holton

Director: Phill Joanou Guión: Richard Matheson Con: Casey Siemaszko, Annie Ryan

Cuenta la aventura del excéntrico Pee Wee Herman y de todos los obstáculos que tiene que superar para poder encontrarse con su bicicleta robada, y de todos los amigos que hace durante esta travesía.

El estudiante de secundaria Jerry Mitchell es retado por el nuevo chico malo del colegio para una pelea a las tres de la tarde. Jerry no está seguro de que pueda hacerlo, mientras todos en el colegio apuestan a su calvario.


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21. Weekend at Bernie’s (1989)

Director: Ted Kotcheff Guión: Robert Klane Con: Andrew MacCarthy, Jonathan Silverman

Dos amigos y compañeros de trabajo son invitados por su jefe a su casa en la playa por el fin de semana, sin saber que este los quiere eliminar; pero luego es a él que lo elimina la mafia y ellos tienen que pretender que él sigue vivo durante todo el fin de semana.

17. Revenge of the Nerds (1984) Director: Jeff Kanew Guion: Tim Metcalfe Con: Robert Carradine, Anthony Edwards

Un grupo de nuevos alumnos en la universidad no logran encajar como atletas ni como galanes, pero con la ayuda de sus brillantes mentes pueden alcanzar toda la fama del campus.

20. Major League (1989)

19. Better of Dead (1985)

Director: David Ward Guión: David Ward Con: Tom Berenger, Charlie Sheen, Wesley Snipes

Director: Savage Steve Holland Guión: Savage Steve Holland Con: John Cusack, David Ogden Stiers

Los Indios de Cleveland pasan de ser el peor equipo a ser la sensación del año, y todos los jugadores ayudan a lograr un milagro.

Lane Meyer esta pasando por difíciles momentos en su escuela y en su vida. Hasta que una nueva vecina le levanta el ánimo para seguir adelante y vencer sus barreras.

16. Weird Science (1985)

15. The Breakfeast Club (1985)

Director: John Hughes Guion: John Hughes Con: Anthony Michael Hall, Kelly LeBrock, Billy Paxton

Dos amigos crean el ser perfecto al estilo Frankenstein pero con intelecto y muchas curvas, la cual les concede todo lo que quieran, pero el hechizo no dura lo suficiente y deben entonces tratar de encajar por lo que realmente son.

18. Sixteen Candles (1984)

Director: John Hughes Guión: John Hughes Con: Molly Ringwald, Anthony Michael Hall, Justin Henry

Una de las tantas divertidas historias que nos regaló John Hughes, en esta una joven adolescente tiene que pasar su importante cumpleaños 16 sin que sus padres lo recuerden ya que están preparando la boda de su hermana mayor.

14. Raising Arizona (1987)

Director: John Hughes Guion: John Hughes Con: Emilio Estevez, Molly Ringwald, Judd Nelson

Director: Joel y Ethan Coen Guion: Joel y Ethan Coen Con: Nicholas Cage, Holly Hunter, John Goodman

Un grupo de cinco estudiantes son castigados a pasar un sábado completo en la biblioteca de su secundaria; donde aprenden a conocerse y a expresar todos sus miedos, mientras el director del colegio los supervisa de vez en cuando.

Un ex-convicto y su esposa roban el bebé de una familia adinerada, luego de pasar muchas calamidades lo devuelven sano y salvo a sus verdaderos padres.

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13. The Princess Bride (1987)

Director: Rob Reiner Guion: William Goldman Con: Cary Elwes, Robin Wright, Billy Cristal

Un cuento de hadas contado por un abuelo a su nieto, donde existen gigantes, espadachines, príncipes y princesas, culminados con un verdadero final feliz.

9. When Harry Met Sally (1989) Director: Rob Reiner Guion: Nora Eprhon Con: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher

Dos mejores amigos que no tienen suerte en el amor, deciden darse una oportunidad en experimentar el sexo juntos, mientras que piensan luego que esta no fue su mejor decisión.

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12. BIG (1988)

11. Spaceballs (1987)

10. Trading Places (1983)

En esta ingeniosa comedia de fantasía, Josh Baskins de 12 años pide un deseo que se le hace realidad al otro día, ya que despierta siendo un hombre de 33 años. Luego empieza su búsqueda por la maquina de feria que le devolvería otra vez su juventud.

Divertida parodia de la Guerra de las Galaxias, escrita y dirigida por el genio de la comedia, Mel Brooks. Historia del típico forajido que es contratado para salvar el mundo, el planeta y a la princesa, para luego ganarla como premio final.

Un mendigo de la calle y un engreído millonario cambian de posición por la caprichosa apuesta de dos viejos veteranos de Wall Street. Luego unen fuerzas para recuperar lo que han perdido.

Director: Penny Marshal Guion: Gary Ross Con: Tom Hanks, Elizabeth Perkins, Robert Loggia

8. Top Secret (1984)

Director: Mel Brooks Guion: Mel Brooks Con: Bill Pullman, Daphne Zuniga, John Candy

7. The Naked Gun (1988)

Director: David y Jerry Zucker Guion: Davi y Jerry Zucker Con: Val Kilmer, Lucy Gutteridge

Director: David Zucker Guion: Jerry Zucker Con: Leslie Nielsen, George Kennedy, Priscilla Presley

Esta divertida parodia de espías en la segunda guerra mundial es una de tantas escritas y dirigidas por los hermanos Zucker. El cantante Nick Rivers es incluido en la trama de salvar a un científico secuestrado por los nazis.

Otra de las parodias de los Zuckers, esta sobre las películas de detectives y cine negro; el tonto detective Frank Drebin debe de impedir un complot para asesinar a la Reina Isabel II.

Director: John Landis Guion: Timothy Harris Con: Eddie Murphy, Dan Aykroyd, Jamie Lee Curtis

6. Airplane (1980)

Director: Jim Abrahams, David y Jerry Zucker Guion: Jim Abrahams, David y Jerry Zucker Con: Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen

La tercera en el listado de los hermanos Zucker. Sobre un ex piloto con miedo de volar que va en un vuelo donde toda la tripulación se enferma y entonces le toca salvar la aeronave.


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5. Vacation (1983)

Director: Harol Ramis Guion: John Hughes Con: Chevy Chase, Beverley D’Angelo, Anthony Michael Hall

La primera y mejor de cuatro entregas de esta alocada familia, los Griswolds, quienes tienen que cruzar medio país y experimentar todo tipo de problemas y jocosidades, para luego encontrar que su destino estaba cerrado por la temporada. Escrita por el genio John Hughes.

4. Beetlejuice (1988)

Director: Tim Burton Guion: Michael McDowell Con: Alec Baldwin, Geena Davis, Michael Keaton

Otra del excéntrico Tim Burton, cuenta la fantasiosa historia de una pareja de recién difuntos que quieren recuperar su bella casa ahuyentando a los nuevos propietarios, para eso contratan los servicios del loco Beetlejuice quien les resulta más caro que su problema.

3. Fast Times at Ridgemont High (1982) Director: Amy Heckerling Guion: Cameron Crowe Con: Sean Penn, Jennifer Jason Leigh, Phoebe Cates

Cuenta de las vicisitudes de un grupo de adolescentes tratando de sobrevivir secundaria y de cómo se relacionan en sus vidas cotidianas; la misma fue escenario principal para descubrir jóvenes talentos que más adelante en sus carreas ganaron el Oscar como fue el caso de Sean Penn, Nicholas Cage y Forrest Whitaker.

2. Coming to America (1988)

Director: John Landis Guion: Eddie Murphy Con: Eddie Murphy, Arsenio Hall, James Earl Jones

El príncipe de Zamunda en Africa decide cambiar a su prometida por un viaje de aventuras a Nueva York para encontrar a su verdadero amor, aquella que lo quiera por ser como es y no por lo que tiene, pero quizás esto no era tan fácil como parecía.

Ferris Bueller’s Day Off (1985)

Director: John Hughes Guion: John Hughes Con: Matthew Broderick, Mia Sara, Alan Ruck

El sabelotodo Ferris Bueller decide pasar otro día mas fuera del colegio fingiendo una enfermedad terminal y arrastra consigo a su mejor amigo y su novia para brindarles el mejor día de sus vidas. El director del colegio tiene otros planes para Ferris y no descansará hasta agarrarlo con las manos en la masa. Esta es una de las mejores historias del genio John Hughes. 57


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DGCINE Otorga Becas Para Seminario Con PHILLIP BLOOM

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anto Domingo, D.N. 27 de octubre del 2012.- La Dirección General de Cine, (DGCINE), como parte de su programa de apoyo a la Formación Cinematográfica de los estudiantes de la Escuela de Cine de la Universidad Autónoma de Santo Domingo, (UASD),  otorgará 20 becas para el Seminario de Cámaras DSLR, digitales de alta definición, incluyendo la Blackmagic, el cual será impartido por el reconocido director de cine británico Philip Bloom, el día 10 de noviembre, en Ágora Mall.

encabezará en noviembre, un Master Class donde los participantes podrán conocer los detalles de los últimos trabajos que ha realizado el gurú del rodaje cinematográfico con cámaras digitales.

El Director General de Cine, Ellis Pérez, indicó que ya se han otorgado becas a los estudiantes de Cine de la UASD en otros talleres, en su   firme empeño por enriquecer el aprendizaje de estos jóvenes, capacitándolos para que puedan insertarse en los diferentes oficios de nuestra industria cinematográfica.

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Philip Bloom es un director de cine británico conocido por su blog y talleres sobre cámaras DSLR. Ha laborado como director de fotografía para Lucasfilm, Sky y la BBC. Comenzó su carrera como realizador en Sky, viajando por el mundo como camarógrafo. Sus créditos más recientes incluyen trabajos con Lucasfilm, Discovery HD, Five, Living y Sky One. En 2009 fue llamado a filas por Rick McCallum para ayudarle a rodar con cámaras réflex digitales de Canon en la filmación de Red Tails de Lucasfilm. En el 2011 la película documental de Bloom “How to Start a Revolution” (“Cómo iniciar una revolución”) sobre el nominado al Nobel de la Paz Gene Sharp, se estrenó en el 27º Festival de Cine de Boston y ganó como Mejor Documental, así como el Premio Mass Impact. También triunfó como Mejor Documental en el Festival de Cine Raindance.


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1973, cine del bueno entre

“el ascenso y la caída del señor H”

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stoy en plenos ensayos de la obra “Un ligero dolor” de Harold Pinter que se convertirían en la experiencia más inolvidable en cuanto a cómo se monta una obra de teatro. Estoy hablando de mi profesor, William Layton, el encargado de dirigir los ensayos comenzando con los de mesa, previos al estreno de la obra. La bola de cristal me dice que en mi país jamás experimentaría algo semejante. La disciplina y la puntualidad eran intachables. Layton nunca permitía que fueran interrumpidos, no se permitían llamadas por teléfonos durante los mismos. Él decía que una interrupción cuando se estaba logrando un hallazgo quedaría mutilado y tendrían que empezar de cero. Mientras esto sucedía, en mi país, Francisco Alberto Caamaño es fusilado por tropas del gobierno de Joaquín Balaguer el 16 de febrero de este año, cuando desembarcó en playa Caracoles con la intención de iniciar un frente guerrillero para desalojarlo del poder. Y de los nueve que desembarcaron solo sobrevivieron Hamlet Hermann, Claudio Caamaño y Toribio Peña, quienes luego se asilaron. Elsa Núñez y yo tuvimos la oportunidad de exponer en el Colegio Mayor Guadalupe y luego en la sala de Pequeño Teatro. En abril, después que la obra “Un ligero dolor” se ensayó con todo listo (escenografía, luces, sonido) durante varias semanas antes del estreno, y por 60

fin llegó la hora de enfrentarnos al público. Empezaron a salir las críticas y yo no podía creer que recibiría tantas críticas excelentes. Enumeraré algunas: “Las silentes expresiones de Ángel Haché son compatibles en calidad a las palabras dichas y rubricadas con el gesto de dos fenómenos de la interpretación: Paca Ojea y José Carlos Plaza” (Publicado en Cine en 7 Días. Revista española). En los anteriores Retro se me olvidó decirles que desde mi llegada me hice un asiduo lector de revistas especializadas en cine, principalmente de Fotogramas, que luego cambiaría de nombre. Continuando con las críticas debo mencionar la que escribió el crítico y director de cine Fernando Méndez Leite en la revista Fotogramas: ¨El cerillero es Ángel Haché, que realiza un trabajo dificilísimo hecho de miradas ligeras y de largos silencios. Su pasividad es tan difícil como la incesante actividad de sus compañeros de reparto, y como ellos merece un elogio sin límite¨. Otra, escrita por uno de los más prestigiosos críticos de teatro, Alfredo Marquerie en el periódico Pueblo apuntaba lo siguiente: “Y con una interpretación impecable de Paca Ojea y José Carlos Plaza que hablaron y se comportaron muy emotivamente, y Ángel Haché, que en su papel mudo fue dechado de expresión mímica, se estrenó “Un ligero dolor” de Harold Pinter».


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Y en uno de los principales periódicos, el ABC, Adolfo Prego escribió: “Una interpretación sutil, afinada, inteligente, un empleo oportuno de efectos sonoros, una composición alucinante del personaje mudo, todo eso puede ser puesto en el haber de esta representación de Pinto¨. Y para no cansarles con todas las críticas que se publicaron en periódicos y revistas, terminaré con ésta: “Ángel Haché da la réplica muda con una plasticidad blanda que escalofría”. Firmada por M. Gómez Ortiz en Nuevo Diario. Como pueden ver estaba muy emocionado con todas esas buenas críticas, que con el tiempo se convertirían en uno de los mayores logros de mi carrera como actor. En mayo recibo una llamada de José Ángel Rebolledo que estaba terminando su carrera en la Escuela de Cine. Ya había tenido la oportunidad de trabajar en sus dos cortometrajes del primero y segundo año de la carrera de dirección, y él me demostró que estaba muy satisfecho con mi trabajo, ofreciéndome un papel en su mediometraje “Escenas” como invitado pues ya había terminado de graduarme en dicha escuela. La bola de cristal me dice que tendría que esperar 15 años para volver a trabajar como actor en Un pasaje de ida de Agliberto Meléndez. Considerada la primera película de largometraje netamente dominicana, estrenada en 1988.

decisión a Layton y a Plaza de regresar a mi país y me despedí de mis compañeros del TEI y Elsa y yo nos fuimos a Zurich, Suiza invitados por unos compañeros de piso que convivieron con nosotros, así que aprovechamos esa oportunidad y antes de regresar a Santo Domingo pasamos unas vacaciones inolvidables. En julio, ya en mi país, hice cita con Carlos Piantini que había sido nombrado director del Teatro Nacional que se inauguraría el 16 de agosto y ahí recibí la infausta noticia de que no había oportunidades para los actores conformar el elenco de teatro. Desilusionado pensé en regresar a Madrid, pero se me ocurrió la idea de encontrar un lugar apropiado para hacer teatro con funciones diarias como en Madrid y junto a Rafael Villalona, director de Nuevo Teatro, del que ya formaba parte cuando tuve la oportunidad de venir en las vacaciones, comenzamos a buscar el espacio idóneo, encontrándolo en la Arzobispo Meriño 110. Pero ninguno de los dos contaba con recursos para comprar la casa valorada en RD$23,000.00 ni relaciones para poder pedir un préstamo. Y ahí fue que le comuniqué a Freddy Ginebra a quien le gustó mucho la idea y consiguió el préstamo por sus relaciones con la banca.

La obra “Un ligero dolor” dirigida por Layton se estrenó en el Pequeño Teatro a principios del mes de abril con dos funciones diarias como se solía hacer en la cartelera teatral y al ser una obra difícil solo estuvo programada hasta fines de junio. Aquí entre nosotros ya yo estaba harto de hacer el papel de cerillero y contaba los días que faltaban cuando me trasladaba a pie desde el piso donde vivía. Sin embargo, por exigencias de Layton, que de vez en cuando iba a ver las representaciones y luego hablaba con cada uno de los actores, señalándoles algunas omisiones o proponiéndoles cosas nuevas para que la actuación no se mecanizara, o sea que cada día uno tenía que hacer la obra como si fuera la primera vez. Me entero de que en mi país van a inaugurar el Teatro Nacional, amigos dominicanos que visitaban Madrid me decían que yo debía ya regresar para dar a conocer mis conocimientos en el teatro dominicano. Estudié con profundidad la posibilidad de dejar el Teatro Experimental Independiente del que era parte del elenco y que ya me habían ofrecido para empezar los ensayos de la obra “Prometeo encadenado”, los cantos de sirena que provenían de las posibilidades de yo hacer carrera en mi país en el grupo de planta que imaginaba se formaría en el Teatro Nacional ganaron la batalla. Le comuniqué mi

Escena de “La gata sobre el tejado de zinc” con Paul Newman y Elizabeth Taylor.

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En 1973 vi 125 películas, las enumeraré solo con sus títulos y directores y algunos actores, son filmes de muy buenos para arriba. Primero mencionaré los que vi desde enero hasta julio, en Madrid y Zurich, antes de regresar a mi país, y luego los vistos en Santo Domingo. Aquí van:

Frenesí de Alfred Hitchcock Las tentaciones de Benedetto (italiana) de Nino Manfredi Sueños de seductor de Herbert Ross, con Woody Allen El novio (inglesa) de Ken Russel El muchacho (japonesa) de Nagisa Oshima Macbeth de Roman Polanski La heredera de William Wyler, en la que Olivia de Haviland ganó un Oscar como Mejor Actriz Mi camino (húngara) de Miklos Jancsó Yo confieso de Hitchcock Nosotros los niños prodigio (alemana) de Kurt Hoffman La aventura es la aventura (francesa) de Claude Lelouch Barravento (brasileña) de Glauber Rocha Río salvaje de Elia Kazan Un condenado a muerte se ha escapado (francesa) de Robert Bresson Señorita Julia (sueca) de A. Sjoberg Elvira Madigan (sueca) de Bo Widergerg La casa de cristal de Tom Gries Verano en la montaña (húngara) de Peter Bacsó Qué fue de Baby Jane? De Robert Aldrich Escalofrío en la noche, primera película dirigida por Clint Eastwood La gata sobre el tejado de zinc de Richard Brooks Une femme douce de Robert Bresson La piedra lanzada (húngara) de Sandor Sara Los brujos inocentes (polaca) de Andrej Wajda L´amour l´apres-midi (francesa), donde descubrí a Eric Rohmer, quien se convertiría en uno de mis cineastas favoritos. Cenizas y diamantes (polaca) de Wajda Un verano con Mónica (sueca) de Ingmar Bergman Mujeres en Venecia de Joseph Mankiewickz Crónica negra (francesa) de Jean Pierre Melville El discreto encanto de la burguesía (francesa) de Luis Buñuel La casa sin fronteras (española) de Pedro Olea Una historia inmortal de Orson Welles, con Jeane Moreau. Esta sería su

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última película de ficción acabada ya que dejó otras sin terminar. Pacto con el diablo de Peter Ustinov, que le mereció a Elizabeth Taylor el premio como Mejor Actriz en el Festival de Berlín El divorcio es cosa de tres (italiana) de Pietro Germi Una pequeña desviación (búlgara) de Grischa Ostrovsky Los erizos nacen sin púas (búlgara) de Dimitri Petrov Naves misteriosas de Douglas Trumbull El Mesías salvaje (inglesa) de K. Russel El otro de Robert Mulligan En Zurich, Suiza, pude ver: El último tango en París (italiana) de Bernardo Bertolucci, con Brando y Maria Schneider Fat City de John Huston La caída de los dioses (italiana) de Luchino Visconti The music lovers (inglesa) de K. Russell, y las dos últimas que vi en Madrid antes de regresar fueron: Yawar Mallku (boliviana) de Jorge Sanjinés Paseo entre el amor y la muerte de John Huston, dirigiendo a su hija Anjelica Ya en Santo Domingo, desde el mes de julio hasta diciembre, esta es la lista: Los demonios (inglesa) de Ken Russell Reto a muerte, primera película de Steven Spielberg Lágrimas de esperanza de Martin Ritt Así habla el amor de John Cassavettes, con su esposa la gran actriz Gena Rowlands Asalto al tren pagador de Roberto Farias (brasileña) Amarga pesadilla de John Boorman, con un gran reparto El ocaso de una estrella de Sidney J. Furie y una destacada actuación de la famosa cantante Diana Ross La clase obrera va al paraíso (italiana) de Elio Petri La naranja mecánica del gran Stanley Kubrick, con una brillante actuación de Malcolm McDowell. La bola de cristal me dice que esta se convertiría en la película favorita de mi sobrino Pablo (director de esta revista).


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r e t r o Escena de “Espanta pájaros”

Teorema de Pier Paolo Pasolini. Esta película italiana me estremeció. Matadero 5 de George Roy Hill Cenizas al viento (Joe Hill) de Widerberg (sueca) Las troyanas de Michael Cacoyanis con un estupendo reparto Pat Garret y Billy The Kid de Sam Peckinpah Decameron (italiana) de Pasolini Espantapajaros de Jerry Schatsber con Gene Hackman y Al Pacino La pocilga (italiana) de Pasolini Adiós cruel hermano de Giuseppe Patroni Griffi (italiana) Mimi metalúrgico de una de las buenas directoras de cine, Lina Wertmuller (italiana), con el excelente Giancarlo Giannini La película de culto Operación Dragón de Robert Clouse, donde murió, poco tiempo después, el ídolo Bruce Lee Amores borrascosos de Mark Rydell Imágenes de Robert Altman Un adiós peligroso de Altman Una joven linda como yo del excelente Francois Truffaut Los emigrantes de Jan Troell, que me estremeció, con Lov Ullmann y Max von Sydow La muchacha del baño público de Jerzi Skolimowski Hermano sol, hermana luna (italo-inglesa) de Franco Zefirelli Hubo una vez un verano de Robert Mulligan Sin ley ni esperanza de Phillip Kauufman Godspell de David Greene El estrangulador de Boston de Richard Fleischer con la mejor actuación de Tony Curtis Pozo de odio de Stanley Kramer Los amantes de Venecia de Paul Mazurski Sunday Bloody Sunday de John Schelesinger Luna de papel de Peter Bogdanovich, con Tatum O´Neal, quien ganó un Oscar como Actriz Secundaria, siendo la más joven en obtenerlo.

Escena de “Que fue de Baby Jane”.

Elsa y yo nos casamos el 23 de diciembre. Desde mi llegada conozco al crítico de cine Arturo Rodríguez Fernández del que me haría gran amigo a pesar de las discusiones en años venideros, a Efraín Castillo y Carlos Francisco Elías “Cuchi”. Asisto al cine Plaza que no conocía, al Cine Club Dominicano y al Cine Club Universitario. En este año fallecen Edward G. Robinson, Betty Grable, Robert Ryan, John Ford, Bruce Lee, Anna Magnani, Lawrence Harvey, Sessue Hayakawa y Bobby Darin. Si ha visto estas películas, póngale usted mismo sus calificaciones, sino averigüe cuales son las mejores y si tiene oportunidad trate de verlas. Arturo y yo coincidíamos en que en esa época de los finales de sesenta y principios de setenta, en Santo Domingo se veían mejores películas que en Madrid, me refiero a los estrenos en las carteleras comerciales, aunque allá uno podía ponerse al día con grandes filmes que llegaban a los cineclubs y los que reponía la Filmoteca Española. La dictadura de Franco incidía mucho en lo que los españoles podían ver.

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Revista Noviembre  

Cineasta Noviembre

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