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'Monolito', la muestra de Gastón Ugalde que revaloraliza la piedra Una franquicia de Bolivia al mundo: 'Arte Bolivia, Café y Sabores' ARTISTA: VARINIA LLANOS. FOTO: MAYA PORTILLO


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ARTE UYUNIBOLIVIA

Primer Festival Experimental Viva el Arte

Alejandro Leytón, CEO de ARTE BOLIVIA, junto al Embajador de Francia y Gastón Ugalde.

ARTE BOLIVIA. LA PAZ

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ue la primera vez que Bolivia vivió por dos días un circuito de arte con más de mil artistas emergentes y artistas consolidados de renombre internacional, como Gastón Ugalde, Octavia, Eliana Paco, María del Rosario Avilés, entre otros; y que además fue cubierto, en exclusiva, por Silvana Camargo, de Telemundo 42. Desde embajadores hasta personalidades amantes del arte de la talla de Mariano Baptista Gumucio fueron llegando al escaparate del Primer Festival Experimental Viva el Arte, organizado por Alejandro Leytón, CEO de ARTE BOLIVIA, y Maya Portillo. Al ingresar al Bloque Amarillo del Campo Ferial Chuquiago Marka pudieron deleitarse con obras como la Máquina de Mirar con fotografías de La Paz, vasijas pintadas con motivos tiwanacotas, esculturas de personajes de ficción, cuerpos pintados y hasta cuadros en los que se utilizó tientes esotéricos pigmentados con sangre; una gama de artistas que expresaron sus manifestaciones creativas completamente en vivo. Al fondo, un escenario bohemio con estantes de libros de madera, sillones Carlos V y hasta un reloj antiguo fueron la ambientación perfecta para que escritores y poetas de la ta-


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FEVA

FOTOS: MAYA PORTILLO

lla de Janina Camacho Camargo trastoquen el alma de los asistentes con poemas con un contenido profundo. Todo un deleite para los oídos. Una vez terminado el recorrido en la primera parte, el segundo piso del Bloque Amarillo les tenía aún más sorpresas. Un enorme escenario con todos los requerimientos técnicos para los músicos y artistas de teatro fue montado por ARTE BOLIVIA al medio del ambiente. El mismo escenario fue utilizado por Octavia, la mejor banda consolidada de Bolivia, para mover a multitudes con sus grandes éxitos, una inspiración para los noveles artistas. Además se presentó María del Rosario Ávilés, bailarina profesional que llegó desde Los Án-

geles, California, en exclusiva para participar del Primer Festival Experimental Viva el Arte junto a su compañía en Bolivia Minina Dance Company. Y mientras las melodías y el baile no paraban, al frente, junto al stand de ARTE BOLIVIA, en el set de televisión instalado para la cadena Telemundo 42, jóvenes artistas de danza, artes pláticas, música, artes visuales y teatro eran entrevistados por la reconocida conductora Silvana Camargo, quien llegó junto a su equipo desde Miami para ser parte de esta magia denominada “arte en vivo”. Pregunta tras pregunta se maravillaba con el talento joven que hay en Bolivia. Cerca de este set de televisión se montaron grandes stands con obras de artistas de prestigio


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ARTE UYUNIBOLIVIA

internacional como Mamani Mamani y la diseñadora de moda Eliana Paco, invitados de lujo de ARTE BOLIVIA. Los visitantes se deleitaron con una exposición de pinturas enormes de Mamani Mamani traídas exclusivamente para este evento. Además, en otro stand, pudieron apreciar diversos juegos de ropa hechos en macramé con un estilo sofisticado que la diseñadora internacional Eliana Paco elaboró para este evento, todo un juego de trasparencias que no dejaron la esencia de la chola paceña, ícono de la ciudad de La Paz.

Pero el Primer Festival Experimental Viva el Arte no terminaba ahí. Todo el segundo piso del Bloque Verde del Chuquiago Marka esperaba a los asistentes con una instalación de grandes proporciones de Gastón Ugalde. En el espacio se pudo admirar una enorme piedra que flotaba y unos micrófonos que colgaban para poder leer la palabra aymara más larga y que rodeaba el ambiente: Aruskipt'asipxañanakasakipuni rakispawa, que tiene 36 letras y significa: “tenemos que comunicarnos”, en especial los artistas jóvenes emergentes.

FEVA


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GASTÓN UGALDE ‘Que la piedra se la use y forme parte de nuestra cultura’ D ARTE BOLIVIA. LA PAZ

e todos los pullus viejos, los instaladores tenían que haber elegido el de mil dólares para envolver las piedras traídas desde Tiwanaku para la exposición del "Maestro" Gastón Ugalde y evitar así que rompan los enormes monolitos de vidrio que los iban a acoger. Fue cómo si lo pétreo tiwanacota pidiera ser tratado como se merece, con el mejor y más caro tejido andino que guardaba en su interior la galería Puro. Eran las diez de mañana

y había llegado el momento de insertar estas piedras grabadas con dibujos de monolitos e inscripciones dentro de cuatro colosos de vidrio de tres metros de altura que estaban echados en el piso de cerámica. Pero el desafío no era introducirlas, sino poner de pie esos enormes monolitos dentro de los cuales colgarían estas formas pétreas. "Monolito" es el nombre de esta tercera exposición perteneciente a un ciclo que montó Ugalde en Bolivia después de 12 años. ¿Pero por qué "Monolito"? Porque, según el "Maestro", “somos una

cultura, la boliviana andina principalmente, monolítica, ya que vivimos con la piedra alrededor nuestro. La piedra siempre está presente con nosotros en toda la cultura andina, hasta en los bloqueos”. Para él, la única manifestación lítica, monolítica, que existe en este siglo y en esta década son los bloqueos con la piedra. Sin embargo, Ugalde cree que “nos hemos dejado vencer con el plástico y el ladrillo, y no utilizamos más la piedra para expresarnos con arte, arquitectura, escultura, instalación en ninguna forma”. A través de este

FOTOS: MAYA PORTILLO


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MONOLITO

GASTÓN UGALDE

concepto, el mensaje que quiere transmitir es “que no solamente se la mire a la piedra, sino se la aprecie, se la use y sea parte de nuestra cultura también". Esta exposición está orientada a eso, a revalorizar lo pétreo, lo monolítico; pero también a que los asistentes descubran el espíritu de la piedra. ¿Pero cómo hacerlo? Ugalde nos responde: “acercándose a ella; por eso tengo una escultura en Tiwanaku de dimensiones no muy grandes, pero atrevidas. El "Maestro", quien se considera un tiwanacota más porque visita ese pueblo místico hace más de 60 años, considera que la corrupción arqueológica no tie-

ne precedentes. “Siempre hemos estado extrayendo piedras de Tiwanaku, ya sea para otros tipos de arquitectura o para beneficio personal”. Ahí nació la iniciativa de llevar piedras por primera vez como artista a Tiwanaku, pues “no las estaba sacando, y están ahí colgadas para ser admiradas. El imaginario colectivo sueña con tener una casa de pisos hechos de ladrillo y cemento, y con calles asfaltadas. Pero Ugalde, no. El siempre ha soñado con tener una cantera donde produzca piedras de toda naturaleza, como adoquines, cornisas, columnas, para que la gente las lleve gratis a sus pueblos, a sus casas y no solo usen el ladrillo y el cemento.

Ugalde no olvida la La Paz de antaño, esa ciudad que “en sus épocas de gloria fue totalmente lítica”, con sus calles empedradas; las casas hechas de piedra comanche en su mayoría; pavimentadas con piedra comanche. “Pero a alguien se le ocurrió pavimentarlas y ahí están ahora las calles pavimentadas, sin ningún carácter; mientras que en otras ciudades vecinas o en Europa sus calles empedradas son lo más preciado, lo más guardado”. Pero a pesar de que esa La Paz lítica ya no es la misma, Ugalde considera que aún tenemos al pedazo de monolito más grande quizá del planeta Tierra de 6.500 metros de altura para ad-

mirarlo todos los días: el Illimani, monolito majestuoso al que Ugalde dejó solamente de contemplarlo y se atrevió a treparlo y extraer trozos de glaciar. “Obviamente, nosotros miramos al Illimani como una pieza alegórica, de adorno, por eso está como pintura en todas las casas de La Paz, y no la admiran, no la ven como ese coloso que tiene un espíritu notable y la fuerza de la piedra es quizá la más fuerte que existe en la región andina paceña”. Fue precisamente este ícono andino el que inspiró al Maestro a instalar un ciclo, siendo la primera exposición Illimani; después vino Choqueyapu, y ahora, Monolito.


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CH'ALLA

Una franquicia de Bolivia al mundo

Muy pronto en La Paz...

'Arte Bolivia, Café y Sabores' FOTOS: MAYA PORTILLO

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1. Ugalde y Siñani, dos 'peso pesado' en la ch'alla de Arte Bolivia, Café y Sabores. Muy pronto en La Paz. 2. Maximiliano Siñani rodeado de 'micstura', de esa con la que emuló al Cerro Rico de Potosí en el MNA.

3. Eduardo Leytón, un grande arrancando los melodiosos acordes al 'rey del altiplano'. 4. El charango boliviano no podía estar ausente en esta celebración de reciprocidad a la Madre Tierra.

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ART.MO.2019

ART.MO.2019

FOTOS: ART.MO.2019

Fugaz presenta el Festival Internacional de Arte Contemporáneo en Monumental Callao que reunirá una de las más importantes colecciones de arte Latinoamericano y a artistas de distintas partes del mundo en una amplia diversidad de lenguajes y formatos ART.MO.2019. LIMA

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UGAZ Arte de Convivir presenta la segunda edición del festival de arte contemporáneo ART.MO 2019 en Monumental Callao. El festival se realizará del 27 de abril al 27 de julio del 2019 y recibirá a artistas y curadores del Perú y distintas partes del mundo. Este año contará con la participación de Cisneros Fontanals Art Foundation-CIFO; El

Micro Museo; El Centro de Arte de Xiao Hui Wang; La muestra Alzheimer con la curaduría chilena de Patricio Vogel; la muestra colectiva de los artistas residentes de FUGAZ en MANA y ÑATITAS “Retratos Inertes de Rostros Olvidados” del fotógrafo boliviano Sergio Bretel. Será una edición especial donde se presentará el Primer Museo de Arte urbano en El Perú intervenido por muralistas reconocidos a nivel mundial.


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ARTE UYUNIBOLIVIA Cisneros Fontanals Art Foundation-CIFO presentará “Under Construction. Relatos desde Latinoamérica en la Colección CIFO”

Un nuevo proyecto de la Fundación Para las Artes Cisneros Fontanals | CIFO. Las obras que reúne son de la autoría de 18 artistas premiados en diferentes ediciones del Programa de Becas y Comisiones para artistas latinoamericanos que CIFO viene auspiciando por años, con el fin de darle visibilidad a los artistas y a la producción artística vital de una región en constante redefinición. Se trata así de historias inconclusas, ensayos de disímiles realidades que no pretenden dictar verdades absolutas, sino cuestionarlas.

Participan:

Suwon Lee (Venezuela), Begoña Morales (Perú/México), Alicia Villarreal (Chile), Julieta Aranda (México/ Alemania /USA), Marta María Pérez Bravo (Cuba/ México), Iván Argote (Colombia), Daniel Joseph Martinez (México/ USA), Juan Carlos Osorno (Colombia), Milena Bonilla (Colombia), Adrian Regnier (México), Silvia Gruner(México), Carlos

Castro (Colombia), María Evelia Marmolejo (Colombia), Felipe Meres (Brasil), Lázaro Saavedra Gonzalez (Cuba), Horacio Zavala(Argentina), Fredman Barahona (Nicaragua), Victor del Moral (México), Carlos Motta

El Centro de Arte de Xiao Hui WANG.

Xiao Hui WANG es una artista, fotógrafa, diseñadora, cineasta, escultora y autora china. Su obra ha sido exhibida internacionalmente y ha recibido numerosos galardones, tanto en China como en otras partes del mundo. Un museo de arte contemporáneo, el Museo de Arte Xiao Hui Wang de Suzhou, lleva su nombre. Ha sido profesora en la Universidad de Tongji desde el 2003, donde dirige el Centro de Arte Xiao Hui Wang. Divide su tiempo entre China y Alemania, participando en numerosas actividades culturales. China@Peru en Art.Mo 2019 La exposición se centrará en el papel de la mujer en el mundo del arte y se presentarán los siguientes trabajos: • My last Hundred Years • The eros of flowers • Isolated Paradise


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ART.MO.2019

FOTOS: ART.MO.2019

Exhibición colectiva FUGAZ en MANA “TERRITORIO AJENO. Miradas desde el norte al sur y viceversa”. El programa de residencias en alianza con MANA Contemporary-Miami es una experiencia de intercambio artístico, social y cultural que permite a artistas peruanos desarrollar proyectos artísticos en FUGAZ y MANA. La exhibición reúne el trabajo de los artistas peruanos residentes durante los periodos periodo 2018-2019: “Pensar el territorio que ocupamos como un espacio ajeno a nosotros. Si bien se nos inculca socialmente una serie de valores, conceptos y enseñanzas que nos definirán en un futuro

como personas dentro de una civilización, muchas veces escapamos de estos límites, nos insertamos en territorios que desconocemos y cuestionamos todas estas premisas o ritos que están preinscritos en nuestras vidas. Desprendernos en la medida que podamos visualizar nuevas formas de ser, nuevas maneras de percibir el mundo”. Emilio Vargas-Curador

Participan:

Raura Oblitas Ronny Camero Brus Rubio Alvaro Simons Frances Munar Nereida Apaza


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ARTE UYUNIBOLIVIA ÑATITAS “Retratos Inertes de Rostros Olvidados” del fotógrafo boliviano Sergio Bretel.

Serie fotográfica realizada en Cementerio General de la ciudad de Nuestra Señora de La Paz el día 8 de noviembre, día de la Fiesta de las “Ñatitas”. La muestra explora los complejos matices del culto a la muerte desde la óptica del arte contemporáneo, resignificando la presencia de la calavera en los rituales y costumbres de las tradiciones de la muerte en la idiosincrasia boliviana.

El Museo Fugaz de Arte Urbano.

Monumental Callao ha sido sede en los últimos años de festivales de Arte Urbano y su ruta es considerada por El Diario El Comercio como una de las principales en Latino América. ART.MO presentará en esta edición “El Museo Fugaz de Arte Urbano” que recogerá la obra de destacados graffiteros y muralistas de distintas partes del mundo bajo la curaduría de Joan Jiménez “Entes”.

Participan:

Pixel Pancho (Italia), Okuda

ART.MO.2019 (España), Decertor (Perú), Oz Montania (Paraguay), Xomatok (Perú), Apitatán (Ecuador), Conrad Flores (Perú), Mart Aire (Argentina), Andrea Barreda (Perú), Seimiek (Perú), Numak (Colombia), Peramese (Perú), Sef (Perú), Jimbo (Perú), Fefa Cox (Perú), Teresa Dequinta (Brasil), Spion – Perú, Entes (Perú)

Alzheimer.

La exposición, curada por el artista chileno Patricio Vogel, propone abordar la memoria a partir del olvido, concebido a partir

FOTOS: ART.MO.2019

de la vinculación de diferentes creaciones y diálogos artísticos, con la idea de aportar nuevas visiones y desplazamientos de la memoria dentro del contexto del arte contemporáneo.

Participan los artistas chilenos: Claudia Del Fierro Hugo Leonello Enrique Ramirez Pablo Núñez Bárbara Palomino Sebastián Jatz Teresa Aninat Patricio Vogel

El 27 de Abril se celebrará la inauguración del festival en el Centro Histórico del Callao. El público en general podrá disfrutar la fiesta del arte con una agenda recargada de presentaciones artísticas, conversatorios, danzas, conciertos, fiestas, actividades familiares y con la ruta turística y gastronómica que caracteriza a Monumental Callao. Monumental Music estará presentando el disco “Estamos On Fayer” que reúne las canciones de jóvenes talentos de barrios enfrentados en el Callao. Asimismo contará con la presentación del Ballet AfroPeruano del Callao donde participan niños del barrio y el elenco oficial que viene representando al Perú en distintos países de Latinoamérica.


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MAXIMILIANO SIÑANI La ‘micstura’ y el tratamiento del capital boliviano

ARTE BOLIVIA. LA PAZ

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as gotas menudas se desprendían de un cielo gris, color que contrastaba con ese fucsia con el que fueron pintadas varias piedras traídas desde el Dragón Dormido, en Carabuco, para convertirlas, mediante técnicas y texturas, en bolivianitas. Al fondo de una habitación, decenas de yutes celestes apilados y llenos de “micstura” estaban listos para ser utilizados en la muestra. Era el mismo fucsia que seguía a Maximiliano Siñani en las

puestas de sol y le causaba placer verlo, y además determina el color de la “micstura”, especialmente de la que ha estado elaborando en su taller de Ciudad Satélite para cubrir con ese papel picado el Museo Nacional de Arte. Pero, ¿cómo hacerlo? Al juntar los 417 kilogramos de papel picado, fruto de su primera producción con una máquina propia diseñada en una residencia de arte en Italia que realizó el año pasado, se formó una montaña: el Sumaj Orck’o en todo su esplendor. En ese momento nació una conexión

entre el coloso de plata y Siñani, que se reafirmó cuando arribó a Potosí para el proceso de documentación e investigación previa a la instalación. Cuando visitó el cerro, éste le habló y le ayudó a concebir cómo montar esta muestra que requirió dos años para su preparación. El resultado: 10.000 kilogramos de “micstura” emulando al Cerro Rico de Potosí. Ingresar a la sala de exposición del Museo Nacional de Arte y admirar esa montaña de “micstura” rodeada de piedras que simulaban a la boliviani-

ta era como si nos trasportara al Potosí del siglo XVI y XVII, cuando el Cerro Rico rebosaba de plata. Mirar a los visitantes extraer ese papel picado de esa montaña apilada de “micstura” y dejar cavidades vacías fue recordar, con nostalgia, esa explotación sin precedentes que sufrió el “Cerro Hermoso”. Al contemplar esa montaña de papel picado con la utilización de un producto que es muy boliviano, muy nuestro y que trasciende en el tiempo, descubrimos que dentro del tratamiento del significante


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MAXIMILIANO SIÑANI

FOTOS: MAYA PORTILLO

que se le da al papel –tal como lo concibe Siñani- “la “micstura” está hecha con ese material y el billete también es de papel; el billete es cortado por una máquina gubernamental y eso le da el valor, y la ‘micstura’ también es cortada por una máquina, ambos son mismos”. Además se percibe ese relacionamiento entre la “micstura”y el tratamiento del capital boliviano: la fiesta, que está identificada siempre con la presencia de este papel cortado y teñido con anilina de diversos colores en nuestras festividades, como la

del Carnaval, una fecha perfecta para montar esta exposición. Maximiliano Siñani no podía haber elegido una mejor época del año para esta muestra: unas carnestolendas llenas de música, fiesta y de ese fucsia que lo enamoró y que está presente en los confites y la infaltable “micstura”. Ahora, el Open Sours Gallery, de Brooklyn en Nueva York, espera a Siñani en septiembre para filmar, documentar y presentar en la galería un partido de básquetbol cubierto de “micstura”, de ésa que nos sorprendió en el Museo Nacional de Arte.


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SERGIO BRETEL Una mirada contemporánea FOTOS: SERGIO BRETEL

SERGIO BRETEL. LA PAZ

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ergio Bretel, arquitecto y fotógrafo artístico, desarrolla una carrera fotográfica con una visión diferente, donde lo fotográfico y lo artístico no son dos caminos diferentes sino complementarios y conjuntos. Para Bretel, la técnica y calidad en la fotografía es tan importante como la capacidad artística de transmitir algo, cuestionar y crear un lenguaje propio. Bretel trabaja la concepción fotográfica, creación, planificación y composición de la imagen para posteriormente pensar en la técnica, el enfoque y la captura. El proceso continúa con el revelado y el posrevelado hasta llegar a la presentación final. Él piensa en lo abstracto en términos no solo de imagen y resultado, sino de concepción y proceso, lo abs-

tracto es un proceso conceptual. Su fotografía se refiere a la abstracción, la perspectiva, al detalle y al espacio. Explora los límites conceptuales de la Fotografía en la búsqueda de una visión contemporánea que cuestione la estabilidad del significado y la imagen en referencia al realismo y la representatividad de la fotografía. Se centra en la mutabilidad de las formas a través de la abstracción. Plantea en lo formal fotográfico el ver lo extraordinario dentro de lo cotidiano, en una búsqueda de nuevas formas y composiciones que se aíslan por completo de la realidad, en una búsqueda por la inestabilidad del observador logrando que éste no esté seguro de si está mirando una fotografía o una obra pictórica. En todos sus trabajos es fundamental su espíritu de investigación para la creación del producto final, tanto

en el proceso como la conceptualización misma de la fotografía. Al ser arquitecto y fotógrafo, busca una imagen impasible de la fotografía contemporánea, pensando la estética fotográfica basada en la composición de imagen a partir de la geometría y otras disciplinas de carácter formal arquitectónico, pero con una búsqueda donde la fotografía no haga referencia a la fotografía en sí misma. Varios artículos de prensa extranjera han calificado al arte de Bretel como vanguardia en su campo, resaltando la capacidad que tiene de descontextualizar su mirada y crear el mismo efecto en el observador. Bretel tiene una fuerte conexión con su contexto pero lo reinterpreta desde una mirada contemporáneo dándole otra significancia a lo que ve. Hace nueve años Bretel investiga y trabaja en series

fotográficas relacionadas con los cultos a la muerte en distintos lugares del mundo. Todo surgió con el encuentro con las “Ñatitas”, una fiesta tradicional boliviana relacionada con los cultos a la muerte, la cual él la reinventa en clave de visión contemporánea. Esta obra ha sido mostrada en varios países del mundo, llevando a Bolivia a contextos internacionales. Sergio Bretel se dio a conocer el año 2009 en el evento de arte más importante del mundo, la Bienal de Venecia, en una muestra conjunta impulsada por la misma Bienal denominada “FOTOGRAFIA PIU SIGNIFICATIVA DELLA OPERA DE ARTE MODERNO”. En Bolivia fue invitado por Sandra Boulanguer a formar parte del libro “Fotografía Boliviana”, producido por la fundación Acción Cultural, el cual recopila a los fotógrafos más destacados de


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SERGIO BRETEL

Bolivia. En los siguientes años participa de varias exposiciones colectivas en Bolivia, tanto en Santa Cruz como en La Paz. En 2014 la galería de arte Tundra Gallery de Buenos Aires lo invita a ser parte de sus artistas oficiales, el mismo año es invitado especial para exponer su obra en “Buenos Aires Foto 2014”, en una muestra colectiva bajo la visión y curaduría de Micaela Patania. En el año 2015, vuelve a Venecia, su trabajo fue seleccionado entre más de 150 fotógrafos de 35 países de todo el mundo para participaren “ARTVENICE BIENNALE 3” una muestra de circuito paralelo de la Bienal de Venecia de ese año. En el 2016 presenta “DICOTOMIAS-DICHOTOMIE” una muestra individual en la Alianza Francesa de La Paz, muestra que plasmaba en sus imágenes la visión abstracta del artista con tres series de imágenes. Consistía en la concepción de la naturaleza que nos plantean las dicotomías y las dualidades conceptuales, geométricas, formales y visuales entre formas orgánicas y funciones químicas. Ese mismo año pre-

senta otra exposición individual en la galería de arte Blanco, denominada “F-LUX”, donde plantea dos series fotográficas que abordan el tema del movimiento y la suspensión de éste como acciones determinantes en los fluidos y sus flujos de movimiento. En el 2017 presenta la exposición individual “Delicate”, en la galería de arte de la Universidad Privada Boliviana, muestra que comprende un trabajo de cierta manera más íntimo del artista, donde las imágenes se presentan como una serie de objetos sumamente frágiles y sensibles que van acompañadas por un poema de la pluma del artista, son obras de copia única por su singularidad. Esta muestra tuvo una alta carga de introspección por ser una recopilación más personal de recuerdos y memorias de instantes perdidos del artista, además de haber sido trabajada sobre un papel de algodón hecho a mano traído expresamente de la India. Posteriormente el mismo año, Bretel presenta una muestra individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Santa Cruz MAC, donde exhibe la serie

denominada “Inmanencias Metálicas”, una serie que nos plantea el reto de disociar lo que nuestro ojo ve de lo que nuestro cerebro interpreta, navegando entre la abstracción y la figuración de la imagen percibida, es una seria de fotografías de pieles metálicas. El 2018 plantea un giro a su trabajo al ser seleccionado, junto a otros siete artistas del continente, para participar del Laboratorio de creación artística de Fotografía de la 10a Bienal Internacional de Arte de Bolivia SIART, en el cual de manera colaborativa, realizaron un trabajo conjunto durante más de cinco meses entre los ocho integrantes para lograr una muestra conjunta. Muestra que se denominó “El Viaje En Suspensión”, hoy las obras componentes de ésta muestra se encuentran en exposiciones en varias salas del continente. Ese mismo año en el marco de la Larga Noche de Museos de La Paz, en la Residencia Artística de la galería Materia Gris, exhibe su obra sobre flujos y desplazamientos humanos, realizada en Nueva York.

El 2019 Bretel ya tiene programadas varias muestras a lo largo del año en Bolivia y el exterior. Ha sido invitado a exponer su obra en la “Feria de Arte Contemporáneo ART.MO” en Lima Perú, evento de gran magnitud a nivel latinoamericano y mundial en el campo artístico y que cuenta con la participación de renombrados coleccionistas de arte latinoamericano. También estará presente, en la escena nacional en Santa Cruz de la Sierra en la galería de arte contemporáneo KIOSKO, con una muestra conjunta con el artista José Ballivian en una colaboración inédita entre los dos artistas. Esas son algunas de las exhibiciones que tendrá Bretel además de otras sorpresas que marcarán su trabajo este año. Las obras de Bretel se encuentran en varias colecciones privadas alrededor del mundo entre ellas en la Colección de Arte Imago Mundi Ojo Andino Perú e Imago Mundi Ojo Andino Bolivia de Luciano Benetton; colecciones privadas en Bolivia, Perú, Francia, Canadá y otros.


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Retratos de Sergio Bretel

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FOTOS: SERGIO BRETEL

SERGIO BRETEL. LA PAZ

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no de los proyectos mas emblemáticos del trabajo de Sergio Bretel, es que realiza desde hace ya varios años con la fiesta y tradición de las Natitas. Bretel a través de su proyecto

Ñatitas, explora y reflexiona los complejos matices del culto a la muerte desde la óptica del arte contemporáneo. Resignificando la presencia de la calavera en los rituales y costumbres de las tradiciones de la muerte en la cotidianeidad boliviana. Este proyecto artístico único hace

énfasis en la imagen y en el pacto dentro del rito de las Ñatitas. Bretel es pionero en tratar el rito de las Ñatitas desde la perspectiva del arte contemporáneo, su trabajo está fuertemente anclado en lo local pero recontextualizado desde una visión global. Bretel establece que la Fiesta de

las Ñatitas es una práctica socio cultural religiosa muy arraigada en la tradición y el sincretismo religioso popular de los ritos de la cosmovisión andino-aymara. Para los pueblos originarios prehispánicos según sus creencias y tradiciones, se mantenía una relación entre los vivos y los


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SERGIO BRETEL

muertos, caracterizada por un cierto grado de intimidad que creaba un vínculo de familiaridad. Los desenterramientos y los cuidados a los muertos eran comunes y formaban parte de sus creencias y prácticas. Según los cronistas de la época, las calaveras eran envueltas en aguayos (tejido Tradicional Andino); las mejillas y las órbitas oculares se rellenaban con fibras, textiles u otros materiales parecidos. Según la tradición el poseer una Ñatita implica un pacto, una responsabilidad, una relación íntima de protección. Los devotos aseguran que su Ñatita, los cuida, ayuda y protege de las desgracias. Es por esa razón que le tienen mucho cariño y respeto a la Ñatita como si fuera un familiar más; y es que en algunos casos se trata del cráneo de un familiar o antepasado, razón por

la cual la familia jamás se separa de ellas y pasan de generación en generación. En otros casos la procedencia del cráneo es la profanación y robo de algún cementerio pero al igual que en el caso anterior la Ñatita se transmite a las futuras generaciones. Su trabajo se enfoca en un día al año, durante ya varios años, cada 08 de noviembre se festeja la fiesta de la “Santa Ñatita”, las Ñatitas son llevadas al cementerio general de la ciudad de La Paz donde será la fiesta y deben lucir sus galas para esta ocasión. Para ello son “vestidas” con gorras, gafas o sombreros, preparadas y acicaladas para ser expuestas al público. Como parte del ritual de preparación se lleva la comida y bebida que se les dará en ofrenda y la cual será compartida con los devotos. Ese día las Ñatitas son públicas, se abren al

mundo y están dispuestas a escuchar el pedido, suplica o favor de los devotos anónimos. Ese día celebran un pacto temporal con este visitante para concederle sus pedidos. Este pacto temporal es sellado con una ofrenda que consiste en una ornamentación con coronas de flores, hojas de coca, cigarrillos, comida, dulces y bebidas. El pacto con el devoto visitante es temporal y por lo general tiene la duración de un año. Como parte del pacto el visitante se compromete con la ñatita a volver al siguiente año y “pagarle” el favor con otras ofrendas. El eje central de la obra de Bretel gira en torno a la calavera, ese "ser" poseedor de poder, de alma, de un “Ajayu” que está siendo exaltado a transformarse en una divinidad ritual. El artista propone una visión artística contemporánea que combina lo

antropológico, histórico y etnográfico con su reinterpretación del rito, sus componentes y las interacciones actuales. Las calaveras son el centro de este trabajo, retratarlas en su individualidad, cada una, cada ser, cada identidad, cada personalidad. Bretel encuentra que cada una transmite su presencia, su personalidad que es el objeto del retrato y del corte fotográfico que niega la visión de cualquier otro elemento más allá de las calaveras. Al estar cada una de ellas en estado público, se amplifica el efecto abstracto para llevar al espectador a una meditación conceptual sobre este rito. Para Bretel el sujeto de la serie no es la muerte, sino la presencia de cada una de las calaveras, la reflexión sobre el pacto con el más allá, de este pacto personal con cada una de estas presencias, con cada Ajayu.


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Un parásito en la arquitectura de la mente FOTOS: IVÁN CÁCERES

IVÁN CÁCERES. LA PAZ

Una aproximación a la psicología del espacio.

Los espacios hallados son explorados por un parasito de la mente que reluce el primitivo andamiaje de su construcción imaginaria. La obra nos llama al centro de un espacio como un centro de fuerza, en una zona protección mayor, lleva hasta el fondo del sueño, ese espacio que conocen bien los que

aman las imágenes legendarias de los espacios primitivos. Pero en la mayoría de nuestros sueños de espacio deseamos vivir en otro lado, lejos del espacio afestado, lejos de las preocupaciones. Huimos en pensamiento para buscar un verdadero refugio, escuchar el silencio de las piedras del muro que ronca mientras el cierzo asalta el espacio para saber que en el centro de la misma ,bajo el circulo

de luz que proyecta la lámpara, vive en un espacio casi redondo casi primitivo. En el fondo de aquel sueño se encuentran mis otros yo, imágenes que se asemejan a las personas ,son parásitos crecientes y la extensión del cuerpo, donde los pensamientos somos   nosotros mismos, crece como la hierba como medicina y ritual cerca y de la mano, durante toda la vida. Cada uno de ellos se aseme-

jan a los cabellos nos representa a nosotros mismos, son puntos de conexión fuertes, del cuerpo del espíritu, manipulables por las emociones que llevan dentro, como trenzas de cholas colgadas  en el aire  habitadas por parásitos que arrastran  sabiduría larga exuberante   tiranía de forma corta, como poder   conversar si ellas tienen su propio lenguaje y carácter al frotarlas con espinas ,puedo establecer

y amoldar mil formas, rayas de alineación central que configuran el pensamiento. La trenza arquitectónica dura y concisa  cobra vida se adentra en su carruaje jalado por un perro cholo a esa unidad del corazón del pensamiento, y cuando llega a tocar el viento   se deja llevar a la convicción máxima de sueño profundo.  Fijo mi atención  en construcciones entrecruzadas trenzadas


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IVÁN CÁCERES

dentro de ellas escondo mapas que marcan caminos maquinas de acero que fluyen en línea recta como cascadas onduladas, como el agua del río, acumulado para el fuego, tierra y aire para ser bendecidos por  la luna.  Cuantos espacios encajan unas con otras, es decir la imagen nos conduce al extremo silencio, del anticipo de un monasterio, donde su silencio central irradia un universo que

medita ora un universo fuera del universo, no recibe riquezas, por su intensa pobreza, es una imagen sonora que llena la naturaleza nocturna con imágenes de reposo y confianza. Toda imagen grande tiene un fondo onírico insondable y sobre ese fondo el pasado personal pone sus colores, en el reino de la imaginación absoluta se es joven muy tarde porque somos un parasito en la arquitectura de la mente.


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Bienvenidos ¡Arte Bolivia La Revista!  

15 de Abril día Mundial del Arte, ¡Queremos presentarte un nuevo número de la revista Arte Bolivia! Nuestra meta es inmortalizar la vida, la...

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