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ANÁLISIS DE LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS LAURA GARCÍA MORENO- TORRES


ÍNDICE PRIMER CUATRIMESTRE: ¡ADENTRO! M.Unamuno PROMETEOS SINIESTROS "SIN ARTE ESTARÍAMOS PERDIDOS" Tzvetan Todorov VANGUARDIA Y KISTCH ¿QUÉ ES UNA OBRA MAESTRA?, Jean Galard SEGUNDO CUATRIMESTRE: COMENTARIO PICTÓRICO: SANTIAGO IDAÑEZ. CRUCERO DEL HOSPITAL REAL. COMENTARIO ESCULTÓRICO: JOAQUÍN CASANOVA. CONDES DE GAVIA. COMENTARIO FOTOGRÁFICO: FRANCISCO FERNANDEZ. FUNDACIÓN RODRIGUEZ ACOSTA. COMENTARIO ARQUITECTÓNICO: MUSEO DE LA MEMORIA HISTÓRICA, GRANADA. COMETARIO DISEÑO GRÁFICO: PORTADA LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES, GINO RUBERT. COMENTARIO CÓMIC: MAUS, ART SPIEGELMAN. COMENTARIO DISEÑO INDUSTRIAL: EDICIÓN ESPECIAL BOTELLA ABSOLUT VODKA. COMENTARIO VIDEO/ NUEVAS TECNOLOGÍAS: TONY OURSLER. ARTÍCULOS DE INTERÉS: COMISARIOS, TODAS LAS CARAS DEL “CURATOR”, Paula Achiaga. TRABAJO PERSONAL BIBLIOGRAFÍA


¡ADENTRO!

M.Unamuno

Es para mí este texto una epístola que perfectamente podría ser dirigida de cualquier padre a su hijo, puesto que ese aire que se respira en estas palabras de Unamuno de consejo , sabiduría paterna y ambición personificada en esa otra persona a la que va dirigida la carta que me traslada inevitablemente a las propias palabras que mi padre o cualquier otro hayan podido pronunciar tan innumerables veces a lo largo de la vida. Es ánimo y aliento para seguir, seguridad en que todo saldrá bien, en que pase lo que pase se sobrepondrá. M.U. mediante numerosas alusiones al libro santo cristiano nos alecciona en los campos de la vida de forma constante en este texto, creando prácticamente una similitud exacta con un credo que perfectamente podría pertenecer a una religión; No a la avaricia , apunta a lo más alto , a lo inimaginable, no sigas el camino de lo común, crea el tuyo propio, no rebajes lo que eres por incomprensión de los que no te alcanzan, sé sincero contigo mismo, único e insustituible… Todos ellos consejos que pretenden la autosuperación de la persona frente a la igualdad de la sociedad y el borreguismo constante al que estamos expuestos. No es sino una llamada de atención a ser todo aquello que podamos llegar a ser incluso mejor, pienso que es su manera de inspirar esto y de pretender alcanzar esa meta puesto que se trasluce de sus palabras y expresiones el sentimiento e implicación propia en esta epístola.


También deja entrever la importancia de la fuerza de espíritu y carácter necesaria para alcanzar tan alta ambición la cual separa y diferencia en gran medida de la codicia parte fundamental dentro de este texto sin la cual gran parte de lo demás carecería sino de sentido de importancia. Personalmente me hayo en acuerdo con la mayoría de las cosas que Unamuno nos expone y solicita tan fervientemente en esta carta no siendo para mí la mejor manera de expresarlo por sus analogismos religiosos debido a que creo que las cuestiones que trata no tienen nada que ver con la religión sino que son verdades humanas las cuales no necesitan de un razonamiento religioso para adquirir un valor del cuál ya constan por si mismos. Es por eso que yo no recurriría a ninguna cita bíblica o de cualquier otro tipo sino simplemente expondría estas verdades desde la razón y el sentido común; el cual tal y como expone el texto es normalmente el menos común de los sentidos.

PROMETEOS SINIESTROS Todo aquello con referencias a lo violento, lo siniestro, aquello grotesco y oscuro que se encuentra oculto forma parte de un juego entre el morbo y el deseo por descubrir y que nos traslada a vivir en cierto modo el peligro, haciéndonos sentir en movimiento, en rebeldía. Pienso que olvidándonos de las creencias religiosas, filosóficas o culturales a las que podamos estar sometidos, incluida el concepto actual que tenemos de violencia como algo negativo y que se debe evitar y quedándonos con aquella parte del concepto más pura y que nos acerca a nuestras raíces animales podríamos interpretar la violencia como algo más relacionado con la acción y el movimiento que motiva y reclama atenciones que con otros conceptos subjetivados actuales. Es el juego de Prometeo una de las cosas que me parecen más interesantes , ese dilema romántico con división del hombre en libertades que el mismo no se atreve a ejercer. Pero al fin y al cabo no puedo optar por una opinión tajante en este campo y la verdad que en casi ningún campo en la vida puesto


que opino que casi todo es esta vida es difícilmente clasificable en el blanco y el negro sino que hay una gran variedad de grises. Considerando la fe , creencias, el deber y la moralidad y en como marcamos sus fronteras y se entremezclan sus límites dependiendo de quien y en qué momento se plantea y de las circunstancias en las que se plantea. También considero que en este campo como en muchos otros es la evolución del pensamiento humano y el desarrollo de la humanidad una variable importantísima y definitiva de la que no nos podemos olvidar. Con esto me refiero a que en este momento considero que Kant está en lo cierto a pesar de que no siempre fue así pero llegará el punto en que también Schiller, Milton y Shelley(ambos), Schelling y Blake lo estarán puesto que la mente seguirá evolucionando al punto que llegará a la comprensión de pensamientos que hoy por hoy no es capaz de asumir. Desde la libertad ilustrada todo punto de vista es válido en cuanto a que se merece ser escuchado, revisado y englobado en una narración que se complementa en sus contradicciones. Es hoy el ser humano un ser que vive en un mundo donde podemos ver situaciones y hechos tan grotescos y oscuros de forma tan diaria que hemos comenzado a excusar absolutamente todo con tal de no caer en un pensamiento de tristeza absoluto. Por eso nos atrae Prometeo y por eso no podemos terminar de odiar al buitre, por eso somos capaces de ver a Satanás como un pobre rey perturbado, astuto y quizás un poco perturbado.


"SIN ARTE ESTARÍAMOS PERDIDOS" Tzvetan Todorov Entrevista a Tzvetan Todorov en la que aparentemente leemos de política y situaciones socio- culturales del último siglo en Europa en la cual en realidad podemos deducir una gran materia de reflexión en cuanto al mundo del arte se refiere. Puesto que el arte no es mas que eso, política, sociedad, guerra y paz, dictadura y democracia, al fin y al cabo el arte no es más que todo aquello que conforma la vida. La vida y el arte se encuentran intimamente ligados puesto que se nutren el uno del otro aportándose y dándose vida mutuamente formando así un nexo irrompible y del cuál fluye una energia que alimenta el mundo.   Es por eso que alcanzar un nivel en el arte en parte también te demuestra y es una confirmación del nivel espiritual y psicológico que ha alcanzado tu persona y en parte es el símbolo de tu realidad.  Tal y como Tzvetan Todorov cuenta, el arte durante la historia ha sido también vivido como una manera de acercarse a la verdad y a la libertad del ser humano, la cuál es altamente dificil conseguir. Es por eso que sólo algunos privilegiados y elegidos alcanzan esta posición en la que son considerados artístas y en la cuál no siempre es fácil la existencia.  Estoy de acuerdo con la mayoría de los análisis y puntos referenciales de opinión que se comentan en esta entrevista teniendo en cuenta mi desconocimiento de la temática y mi necesidad de profundizar más tanto en la parte socio-cultural de los razonamientos como en su influencia en el arte para poder desarrollar correctamente una opinión.   Pero para mi personalmente y estrechamente ligado a la última reflexión que hago el concepto de mayor importancia que se puede extraer de esta entrevista es el concepto que el propio Tzvetan Todorov durante la entrevista en una alusion a Dostoyesvski "La belleza salvará al mundo”. Puesto que es este concepto con el que más familiarizada puedo llegar a sentirme y es quizás el que más puedo entender y expresar. No hablo de la sociedad en general pero si del aspecto social de mi propia vida cuando digo que es esta afirmación una realidad y una de las verdades más grandes que pueden existir en mi vida. Y también es cierto que en mi propia persona he experimentado esto de lo que habla Tzvetan Todorov cuando dice que ante los momentos de oscuriddad el arte aporta una pequeña luz en el camino que en su evolución crece hasta iluminarnos enteramente. Y es cierto al menos en mi propia experiencia, porque sin mayor especificación o detalle no sería ni la primera vez ni será la última que vivir el arte me da fuerzas para seguir y a superar distintas situaciones de dificultad que encuentras por el camino.


VANGUARDIA Y KISTCH El Kitsch es uno de esas cosas que me fascinan, que llaman mi atención inevitablemente. Si ser capaz de llegar a definir si me gusta o no es algo que me atrae como un imán por un polo opuesto. Y quizás es eso, lo que no me deja parar de mirar, observar y intentar entender este movimiento. Gran parte de su atractivo considero que es poder que tiene de trasladarnos a un mundo conocido con unas referencias que en cada cultura son diferentes pero que al fin y al cabo las sensaciones que nos producen son muy similares. Es ese encanto que tiene de adentrarse en nuestra memoria trasladándonos a otros momentos, otras situaciones y otras épocas que con el tiempo se convirtieron en simples recuerdos pero que el Kistch nos trae de vuelta a nuestra vida. Es algo así como un pequeño gran guiño al humor y la diversión sacándonos y extrayéndonos de ese concepto de los últimos años en que ser elegante y moderno entre otras cosas parece que te eleva en la escala social de los respetados y recordándonos poner los pies en la tierra. Un claro ejemplo de su aceptación popular es el valor comercial que ha alcanzado y que, evidentemente aumenta con los años puesto que nace de si misma. Y es sólo una parte de esa sociedad, más culta o digámoslo mejor con mayor interés y preocupación por el saber de donde vienen las cosas y que representa la simbología con la que compartimos nuestro diario la que disfruta en su totalidad de esta fuente de diversión y renovación constante. Debido a que siempre sea donde sea y cuando sea podemos encontrar nuevas referencias que nos llamen la atención y haga que nos interesemos por la obra, el autor o por las propias referencias que introduce. Es muy poco lo que hoy por hoy conozco lo cuál no evita ese sentimiento de cariño y esa sonrisa impregnada de recuerdos que aparece en mi boca cuando admiro el arte kitsch, pero es de esas cosas que cuanto más sabes más te parece que te falta por saber. Es por eso que espero que con el tiempo y las ganas esta sea la primera de muchas reflexiones sobre esta temática.


¿QUÉ ES UNA OBRA MAESTRA? Jean Galard Tras leer este texto sobre ¿Qué es una obra maestra? Me paro a pensar y reflexionar qué es para mi y sobre todo que representa para mi. Respecto a qué es para mi, considero que es increíblemente difícil responder a esta pregunta. Podría responder con algunos nombres propios de las que son para mi esas obras maestras a lo largo de la historia pero si me paro a pensar qué características las han llevado a serlo supongo que no lo tengo claro porque si lo tuviera también supongo que dedicaría todo mi tiempo a crear una. Creo que es de esas cosas que no sabes de forma consciente porque solamente el hecho de saberlo te convierte en un maestro. Creo también que aventurarse a señalar cualquier obra como una obra maestra es algo de un atrevimiento enorme puesto que, ¿acaso no es el arte una de las tareas más subjetivas a las que se dedica el hombre? y ¿acaso no hace esto imposible el hecho de tomar una decisión consensuada sobre qué es una obra maestra y qué no?. Puesto que lo que algunos pueden decidir como obra de arte, otros lo niegan rotundamente; es por eso que no es válido que sea un miembro el que personalice la decisión sino que a mi entender esta decisión se lleva a cabo tras muchos años, experiencias, vidas y sobretodo tras el posicionamiento de muchísimas personas a un mismo lado de la balanza haciéndola decantarse inevitablemente hacia uno de los lados. Y también opino que realmente nunca hemos sabido como hacer una obra maestra, sino que han sido las ya existentes las que nos aportado las claves por lo cual lo son; es decir, ese conjunto de cosas que las hacen inigualables como son la intemporalidad, la perfección, la cual estamos hartos de decir que no existe por lo tanto ¿es este adjetivo una exageración que utilizamos para razonar el hecho de nombrar algo como una obra maestra? O nos referimos al alcance de la perfección en cuanto a las metas que habíamos planteado desde el inicio. Son muchas las preguntas que me surgen en cuanto a este tema y muy pocas las respuestas que hoy por hoy puedo dar, lo único que puedo decir es que sean cuales sean las características que le otorgan a una pieza la cualidad de ser una obra maestra espero que mi obra se acerque cada día más, por no soñar por supuesto en algún día lograr formar parte de ese grupo de grandes que ya forman parte de la historia por el legado que dejaron.


COMENTARIO PICTÓRICO: SANTIAGO IDAÑEZ CRUCERO DEL HOSPITAL REAL La sala se presenta monumental, con la luz tenue que se rompe por los focos que dirigen la atención hacia los imponentes lienzos del autor. El tamaño, aumentado en relación a anteriores piezas dota a la obra de mayor relevancia, magnificencia y sobrecoge al espectador que la observa , haciéndolo sentir pequeño y absorto, absorto por la imagen que contempla frente a él. En relación a sus últimos trabajos, continua presentando en esta muestra, lienzos que recortan imágenes de la imaginería y la pintura barroca, con unas piezas centrales de taxidermia que provocan contraste entre lo expuesto, pero a su vez manteniendo una armonía y una relación en tanto a lo barroco, lo trágico, y lo exagerado. En cuanto a su obra pictórica, se exhiben cuadros de dimensiones cercanas a los cuatro o cinco metros de altura por los tres metro de ancho, con composiciones figurativas que tienen un eje central definido por el eje de los rostros representados. Emplea una paleta en grises acromáticas en su mayoría, con tintas cálidas en ciertos sectores atrayendo la atención del espectador hacia los rostros de las imágenes: los labios, la nariz, los ojos, el rostro humano reverberado. Con pinceladas amplias, sueltas, que construyen la imagen con seguridad y aportan fuerza y dramatismo. Es al salir de esta exposición cuando una sensación de insignificancia se apodera de mi ser, mezclándose con esa atracción casi animal que siento hacia las pinturas de Santiago Idañez junto con la admiración por el artista casi inevitable para todo aquél que en algún momento a tenido el placer y el privilegio de ver su obra en directo pues es uno de esos artistas cuya obra solamente es realmente valorable en su presencia.


COMENTARIO ESCULTÓRICO JOAQUÍN CASANOVA CONDES DE GAVIA

Una cortina y la duda de si el paso hacia lo que hay detrás oculta la muestra buscada. La oscuridad domina la sala, se oye un susurro que uno no acierta a adivinar. El ambiente creado de misterio invita al espectador a indagar en la sala que aún abierta en su disposición parece esconder al espectador múltiples secretos.

En el centro de la sala se dispone una bañera de la que surge un ser humano pero inerte construido en sal y se contagia el frío de tal materia a aquél que la observa. Me voy acercando hacia el centro de la sala para observar la figura con más detenimiento, una bañera llena de sal y en ella inmersa la figura de un hombre realizada a partir de un positivo en sal. Limpieza de formas en una interpretación de la figura humana lejana a las interpretaciones de esta habituales que en cierto modo la hacen impersonal pero cercana a nuestra realidad mas inmediata. El ser humano sólo en su rutina. La atención se distrae mirando al frente al centro de la pared donde se proyecta una pieza de nuevos medios, la cual incrementa el desasosiego que genera la pieza en general.


A mi derecha en el otro extremo de la sala una serie de tortugas también realizadas en sal formando una fila, marcando un camino hacia ningun lugar, sin sentido marcado por aquella primera tortuga que a sus espaldas carga el rostro de una persona pero esta no

mira al frente, es una más de las tortugas que siguen a la primera siguiendo el camino marcado, sin rumbo, sin noción de adonde va. Pero cuando todo aunque confuso parece estar acabado queda una última instancia cerca del final de las tortugas, unas escaleras que suben cubiertas una vez mas de sal y al final una escena que parece escapar aún mas arriba y de aire fantasmagórico, desesperado de una mujer que parece luchar entre la desesperación y el erotismo. Cuando salgo de la sala no puedo dejar de pensar en la instalación, algo de sobrecogedora, enigmática me hace seguir pensando en qué es lo que he visto realmente. Dejandome una sensación de duda desconcertante pero agradable en la convicción de que lo visto quedará en algún lugar de mi cabeza. Haciendo un análisis de las piezas con mas detenimiento encuentro que la distribución es acertada permitiendo que los espacios que hay entre unas obras y otras permitan a estas respirar. La oscuridad que se crea en la sala favorece la apreciación del trabajo del autor con mayor intensidad, aumentando la fuerza de cada una de las piezas que la constituyen. Se crea una armonia perfecta entre todas ellas aportandose fuerza las unas a las otras en lugar de restarselo y combinando en forma correcta distintas herramientas de las cuales hoy la escultura se nutre( video, instalación y escultura).


COMENTARIO FOTOGRÁFICO FRANCISCO FERNANDEZ FUNDACIÓN RODRIGUEZ ACOSTA Es, el entrar a esta sala de exposiciones, como una pequeña conjunción de la ciudad de Granada expuesta en sus paredes a modo de fotografía de retrato. Pues en este más de medio centenar de fotografías son muchos los rostros conocidos y ligados a nuestra ciudad los que nos encontramos, desde el mundo de la universidad, las artes plástica, la música y política y todos ellos en su unión hacen un pequeño resumen de la vida en las calles Granadinas y la vida del autor. Algunas recientes y otras rebuscadas entre los recuerdos del pasado del autor observamos una numerosísima exposición toda ella de retrato en blanco y negro, utilizando este como una forma de expresión y captura del alma de las personas retratadas mediante la fotografía. Fotografías que en su apariencia muchas de ellas asemejan improvisación y captura del momento en su trasfondo nos dejan entrever un estudio y premeditación muy profundas por parte del artista aunque sabiendo captar perfectamente el alma individual de cada persona en su ambiente, su vida, su estado anímico y su corazón, porque es eso lo que estas fotografías me sugieren a mi y a todas las personas que se encuentran a mi alrededor durante este maravilloso viaje por la Granada de Francisco Fernández. Técnicamente hablando es el juego de las luces y las sombras una de esas características que nos sugieren el pensar que es una fotografía muy estudiada y planificada pues tan sugerente es su forma de utilizar la luz natural que pudiese parecer que son las manos de este artista las cuales dispusiesen en el momento de disparar la fotografía quienes el sol y sus reflejos a su propio antojo. No me queda que decir cuán deleite es observar esta exposición, sus obras de arte y su gran forma de representar nuestro día a día en Granada.


COMENTARIO ARQUITECTÓNICO MUSEO DE LA MEMORIA HISTÓRICA, GRANADA

El edifico que alberga el Centro Cultural CajaGRANADA Memoria de Andalucía se configura como una gran caja horizontal de hormigón visto, 12.984 metros cuadrados de superficie y una planta de 114 x 54 metros, aproximadamente, para un conjunto arquitectónico diseñado por Alberto Campo Baeza, autor, también de la cercana sede social de Caja Granada. El edificio construido en cemento armado, de dimensiones monumentales crea en cierto modo una antítesis con las lineas sobrias, geométricas más propias de la arquitectura actual y cercanas al minimalismo; teniendo una pretensión cercana a las antiguas obras de arquitectura que se erigían para denotar su importancia y poder, ya fueran de carácter religioso o señorial. El cubo así llamado comúnmente por la gente de la ciudad de Granada, no resulta indiferente a esta ni a sus visitantes, ya sea con una actitud positiva o en algunos casos negativa. Y es que la construcción de dimensiones titánicas y de ejecución final aparentemente simple constituyen una pieza sólida con gran peso visual la cual rompe con la arquitectura colindante. Los acabados, inexistentes, muestran en cemento visto, otorgan valor al edificio por lo que es y no por lo que pueda decorarlo. Solamente su fachada queda quebrada por los elementos esenciales tales como son las ventanas o puertas que le aportan a este edificio un sentido funcional y a su vez una neutralidad que invita a ver que puede


hallarse en su interior. Y efectivamente al entrar al edificio nos encontramos sobrecogidos por los muros que se elevan a nuestro alrededor haciendo al visitante sentir pequeño pero protegido por esos muros. La luz que entra al patio principal sobredimensiona el espacio, y acertado es el diseño del patio central en espiral que rompe la geometría hierática del edificio. Constituyendo un todo que armoniza por sus contrastes.

COMENTARIO DISEÑO GRÁFICO PORTADA LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES GINO RUBERT Esta obra literaria que se ha convertido en uno de los libros más leídos en los últimos tiempos no sólo ha de agradecérselo a la pericia de sus palabras sino también a su imagen de presentación , su portada. Pues es esta un trabajo de diseño gráfico que en todo merece las palabras que en su interior contiene, es un ejemplo de perfecta composición, la zona clara centrada en la mujer que viste de rojo, color agresivo en contra de su tez pálida azulada, sentada sobre una cama y tras ella un fondo en blanco y negro armonizando entre sí perfectamente los colores y la luz. La silueta de la mujer se nos presenta a nuestra derecha y adelante constituida en forma de recortable lo cuál nos remite al propio titulo que nos habla de una mujer que está rota; articulada, frágil , adoptando una posición con gran expresión y con las manos y los pies atados presa de alguien o algo.


El ambiente general de la escena hace al espectador ser envuelto por un ambiente oscuro, misterioso. El ambiente propio de un thriller, que es la historia que su interior alberga. El título situado al margen izquierdo superior es de tipografía sencilla en un blanco neutro que crea contraste con el fondo sin borrar la importancia de la imagen expuesta, insertándose en esta creando un todo integrado. El libro se presenta en dos versiones como es habitual, de bolsillo y tapa dura, cada una con tamaño distinto adaptándose a su finalidad y por tanto este obra de diseño gráfico se adapta a su vez al formato de dicho libro. Es este best seller una obra de arte, lo cuál nadie cuestiona pero es por su portada la cuál es para mí incluso más interesante que su contenido la razón principal por la que llama su atención. Y a modo de opinión personal es una de esas veces en las que la apariencia y lo interno se hayan en armonía.

COMENTARIO CÓMIC MAUS ART SPIEGELMAN Maus goza del prestigio de ser el único cómic con un premio Pulitzer, premio concedido a la labor periodística y es que Maus constituye una revisión sobre la vida del pueblo polaco en concreto durante la segunda guerra mundial y su experiencia junto al pueblo Judío a lo largo de tal periodo. El autor nos narra los acontecimientos que le sucedieron a su padre el cual al igual que su madre y el resto de su familia finalmente acabaron hacinados en campos de concentración. Una peculiaridad de la narración es cómo combina la parte narrada por su padre y cómo a su vez introduce su propia experiencia y relación con este, y de cómo el cómic, la historia en sí se llevó a cabo.


De estilo sencillo, Maus trata el cómic desde su esencia, desde su tratamiento más básico, con páginas con viñetas seriadas introduciendo pocas variaciones en le formato de tales viñetas y espacio mínimo entre ellas separándolas con apenas unas líneas; al igual que el empleo de los bocadillos es también muy rudimentario. Lo efectivo, quizás sea la efectividad del argumento en sí que viene a ser la pieza fundamental de la obra y el empleo de un lenguaje visual sencillo con dibujo de línea y tintas planas blanco y negro. Se acoge a un recurso empleado por otros autores, que es la animalización, esto es representar a la persona como un animal y así generando los grupos que convivían en tal episodio de la historia siendo los polacos ratones y los nazis gatos con lo cual y con un recurso mínimo se dice mucho, el cazador que caza a su presa. Maus por su veracidad es un cómic que no deja indiferente y que va más allá de una finalidad lúdica que tal lenguaje pudiera tener aparentemente capturando al lector y llevándolo velozmente y sin pausa a través de sus viñetas que en su sencillez están dotadas de fuerza, emociones y desgarro.


COMENTARIO DISEÑO INDUSTRIAL EDICIÓN ESPECIAL BOTELLA VODKA ABSOLUT Me remito al análisis de la edición especial, que se comercia en Navidad, periodo festivo, por el diseño exclusivo que para tal campaña se genera. El mensaje queda más que evidente: un producto exclusivo asociado a la fiesta. La botella, siendo vista aún como tal, pierde en cierto modo su sentido para convertirse en un producto de categoría mayor y ya prácticamente de coleccionismo (por su salida al mercado con carácter anual). Se muestra a modo de funda, recubierta de lentejuelas en color rojo, siendo este el más llamativo de la escala cromática, favoreciendo así la captación del cliente. En cierto modo nos remite a los vestidos de grandes diseñadores de motivos festivos. Solamente rompiendo su hegemonía con una pequeña cremallera oculta que una vez más nos deriva al mundo de la alta costura. La funda cumpliendo su función de envase, de protección del producto, pareciera no ser destinada para tal fin, sino solo como modo de embellecer lo dentro oculto. Es la luz, quizás el factor que más juego aporta a este producto, pues la lentejuela no elegida en forma aleatoria, crea un juego de reflejos que nuevamente nos impide apartar la mirada de este objeto de diseño. En cuanto a su funcionalidad, no se ve afectada por el envase que la envuelve, manteniendo su formato habitual, de dimensiones pequeñas (envase de 700 cl.) favoreciendo su manejo. Respecto a los materiales, teniendo esta botella entre las manos en seguida observamos y sentimos en nuestra piel la calidad de estos y las reminiscencias claras y evidentes al lujo, mediante la utilización del terciopelo también rojo y como ya he comentado previamente las lentejuelas. Y ya en su exterior observamos una pequeña etiqueta que rodea la funda mimetizándose con ésta y únicamente destacando las letras nominales del producto en color blanco rompiendo así el color rojo del resto de la pieza. Es por eso que este producto se ha convertido en un objeto ya no sólo de coleccionista y altamente apreciado en estos sectores y muy altamente valorado económicamente sino en un objeto que representa a aquel que lo posee como alguien con gusto, lujoso y con estilo.


COMENTARIO VIDEO/ NUEVAS TECNOLOGÍAS TONY OURSLER Hace ya unos años que ví esta exposición en directo en una galería en Madrid y aún hoy cuando pienso en video arte pienso en Tony Oursler, por aquellos entonces comenzaba a estudiar la carrera de bellas artes y hoy después de tanto tiempo voy entendiendo cada día más a este artista entre otros y cuánto más aprendo más me gusta. Es peculiar su trabajo en cuanto a que sus proyecciones no son una obra única sino que la combina con la escultura utilizando esta como pantalla de proyección, convirtiendo así en una pieza de técnica mixta y aportándole a los videos una mayor capacidad de expresión y narratividad. En esta pieza el autor nos presenta dos máscaras de proporciones descomunales que llenan prácticamente en su plenitud la sala. Con estas máscaras juega al positivo y el negativo proyectado sobre la primera de ellas en su superficie y empleando los huecos de la segunda como pantalla. Creando así un juego de luces y sombras que benefician y aportan una belleza escénica realmente favorecedora a las piezas de video. Es el primero de los videos, el proyectado sobre la primera de las máscaras, una secuencia de paisajes urbanos nocturnos llenos de luces de colores llamativos y brillantes propios de las grandes capitales del mundo como Nueva York, Londres, Tokio , etc… y son las luces de los coches, edificios y gentes de estas ciudades las que aparecen ligeramente acelerados en el ritmo de proyección en este video. El segundo de los videos en contra es mucho más pausado y tranquilo aunque mucho más intrigante e inquietante pues aparece el rostro del autor en primer plano recortado por las líneas de la máscara donde es proyectado. Este rostro es continuamente tocado y transformado por las manos del mismo autor que mueve su piel y facciones como si de un muñeco se tratase al tiempo que pronuncia palabras como “beautifull”, “Ugly face” y otra serie de adjetivos referentes a la estética humana. Con gran sentido el autor de esta obra nos deriva a un mundo paralelo en el que los ruidos de las calles y la cuidad del primer video se entremezclan con los susurros íntimos y personales del segundo rompiéndonos los esquemas que normalmente albergamos en nuestro interior de intimidad versus urbanidad.


COMISARIOS, TODAS LAS CARAS DEL “CURATOR” PAULA ACHIAGA | Publicado el 22/01/2004

Psicoanalistas, artistas, investigadores, críticos, buscadores de tesoros, gestores del espacio, son las mil caras del comisario de exposiciones. Una figura adorada y denostada al mismo tiempo y cuya relevancia está hoy en tela de juicio. En muchos casos se trata de elegir un nombre, un comisario estrella que dé fulgor a la exposición. Se pierde así el fondo del comisariado: una idea o tesis que transmitir a un público determinado. No hay duda de que el espectáculo en el que se está convirtiendo el mercado del arte ha alcanzado también a los comisarios. Hemos hablado con representantes de todos los sectores afectados: museos, galerías, artistas, teóricos y, claro está, con los propios comisarios, para pulsar el estado de la profesión, para delimitar responsabilidades y marcar barreras, para revelar objetivos y sentar las bases para un buen comisariado. Hay muchos tipos de exposiciones (hablamos siempre de arte contemporáneo), colectiva, individual, de artistas vivos..., y cada una de ellas depende también de si está concebida para un centro grande o pequeño, público o privado, para la calle o para una bienal. Y hay tantos tipos de comisarios como de exposiciones. No se trata de generalizar, ni de meter en el mismo saco a todos los comisarios. Se trata de analizar desde dentro la situación de una profesión que es clave para el buen desarrollo de nuestras artes plásticas y, lo que es más importante, del entendimiento por parte del público. Es una figura, la del comisario, aclamada pero a la vez desacreditada; una figura que representa el poder en la sombra, que encumbra o rebaja a los infiernos la obra de un artista sólo por colocarla aquí o allá, al lado de éste o de aquel. Una figura que, además, prolifera por todos lados: “Cualquiera puede ser comisario: son los artistas, los críticos, los periodistas, las amas de casa, y lo hacen en cualquier sitio: en una galería, en librerías... Se ha desvirtuado la figura del comisario porque hay mucho profesional pero también mucho infiltrado”, se queja Rosa Olivares, directora de Exit y comisaria independiente. Y es que el territorio del comisario, como ocurre también con el de la crítica de arte, es un poco tierra de nadie. “Hay demasiadas exposiciones comisariadas que son una mera reunión de obra, sin una idea detrás”, continúa. “Cualquiera es comisario, como cualquiera puede ya ser galerista -dice Miguel Marcos-. Se ha oficializado la profesión”. Curador o sanador La propia palabra, “comisario”, ya lleva a confusión. Para Eugenio Ampudia, artista,


comisario y fundador, junto a Andrés Mengs y Carlos Cabanas, de Operario de ideas, “comisario es cualquiera que ha sido comisariado para algo, para realizar un determinado trabajo”. La palabra comisario es, efectivamente, muy extensa y su equivalente en inglés, “curator”, o su traducción literal, “curador”, amplía todavía más su significado hacia otros derroteros: “La palabra curador tienen esa connotación de cura, de sanar y, efectivamente, el comisario es como un psicoanalista o un editor que elabora una sintaxis para que se comprenda mejor el discurso del artista”, dice la comisaria independiente Rosa Martínez. ésta intermediación del “curator” entre el artista y el público es un punto en común con todos los aquí encuestados, que también coinciden en que el rigor, la investigación y el contacto con los artistas o con el tema elegido para el proyecto deben estar presentes en toda muestra comisariada. Más debate y polémica conlleva la idea, es decir, el hecho de tener un concepto propio, una idea que una vez aprobada se lleva a término, o, por el contrario, realizar un encargo: “Si no tienes nada que contar cualquier planteamiento es perverso”. Así de radical se muestra Eugenio Ampudia. Al contrario que Rosa Martínez para quien “el encargo no es negativo, muchas veces es un estímulo que obliga al comisario a tener en cuenta el deseo del otro, del artista o de la institución, además de tener que acomodar las cuestiones económicas, políticas, sociales e incluso turísticas, y esto puede ser muy positivo, a pesar de que se aleje de esa otra visión romántica del curator que hace aquello que le interesa y que expresa su yo interior”. Fueron muchos los que criticaron, por ejemplo, al comisario de la última Documenta (“su trabajo no se sujetaba teóricamente”, dice Olivares) o a Harald Szeemann por su comisariado de la exposición en Nueva York de arte español, The Real Royal Trip, claro que aquí entra otra de las cuestiones del debate y es que la crítica hacia Szeemann no discutía su buen hacer en otras áreas, pero sí su desconocimiento del arte español actual. Sin duda se trata de un comisario estrella que quizá “vende” más que un buen especialista. “Yo no entiendo eso de me han encargado una exposición y voy a montarla”, dice Ampudia, “el comisario debe tener algo que contar y elegir a los artistas que van a apoyarlo gráficamente”. Pero, “hay veces que los comisarios son más relaciones públicas que estudiosos y en estos casos hay que valorar los resultados, si está bien asesorado será capaz de hacer un proyecto como el mejor”, contrapone Aurora García, comisaria independiente. “No estoy a favor del exceso de protagonismo que actualmente adquieren algunos comisarios, su labor debe brillar por su rigor, pero no relucir demasiado”, asegura Rafael Doctor, director del MUSAC. Para el galerista Miguel Marcos “los comisarios galácticos forman parte del espectáculo del mercado del arte, un fenómeno que, no sólo


existe en la actualidad, sino que se va a exagerar más y más, como en otros sectores del arte”. Terreno prohibido Y entramos ya de lleno en lo más espinoso de la profesión de comisario: las incompatibilidades. Como apuntábamos al principio, el comisario se mueve en un terreno farragoso, en una especie de tierra de nadie por lo que delimitar aquí sus fronteras es importante. Para José Luis Brea, profesor de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la UCLM, “tener una posición en los instrumentos de publicitación incapacita para ejercer con rigor la reflexión sobre esos espacios de problematicidad. Por definición, quien trabaja en un medio de publicitación investiga certezas, convicciones; quien realiza una tarea curatorial seria investiga lo contrario: insuficiencias, incertidumbres”. Pero, ¿qué es lo nunca debe ser un comisario? Periodista, crítico, galerista, director de museo, artista... Según Rosa Martínez “el único sector del cual el comisario debe de estar distante es de la venta directa, es decir: los galeristas no deben ser comisarios ya que esto significa una intromisión directa del mercado”. De la misma opinión es el director del CGAC, Miguel Fernández-Cid, para quien “un galerista no debería ser comisario de uno de sus artistas en un museo, por ejemplo”. En cuanto al director de museo, sigue Fernández-Cid, “no soy partidario de que un director sea comisario fuera del centro que representa, al menos como práctica habitual”. Pero, ¿y en su propio museo? “Si los centros son pequeños es comprensible que lo hagan”, dice Rosa Olivares, “no tienen presupuesto y suelen ser cuatro o cinco profesionales, contando al director, que se reparten el trabajo. El problema está en centros como el Reina o el Macba, en los que el director ya tiene bastantes compromisos como para actuar también de comisario, por no hablar del presupuesto de que disponen para comisarios de fuera. En estos casos, además, suele ser un coordinador el que acaba haciendo la mayor parte del trabajo”, sentencia. Creatividad y preparación Obviamente, no todo es blanco o negro y, como en todo, hay mil matices a los que agarrarse: “Cada uno sabe dónde tiene que entrar y dónde no. Por otro lado, hay quien no tiene necesidad de salir de su parcela predeterminada y hay quien, creativamente, necesita realizarse en otras cosas, lo que nunca hay que hacer es aprovecharse económicamente del poder”, comenta Doctor. Y, para Aurora García, “no se trata de si el comisario tiene otra profesión o no la tiene, se trata de tener preparación. Puede ser un


artista que, aunque en principio no parezca lo más idóneo, han hecho cosas muy buenas”. Claro que el dinero, como en todo, importa: “Depende del grado de profesionalización del medio -aclara Fernández-Cid-. No es lo mismo el caso español que otros países donde determinadas profesiones tienen remuneraciones más altas y no tienen que buscar otras alternativas, como es el caso del crítico de arte”. Mano a mano con el artista Otra de las cuestiones importantes que surgen al hablar de una labor de comisariado es la colaboración con los artistas. Cuando se trata de una exposición individual de un artista vivo la complicidad entre ambos se hace inevitable. “En estos casos es difícil hablar de comisariado, más bien se trata de un diálogo con el artista”, dice Doctor. Aunque, en contra de lo que pueda parecer, es en estos casos en los que la figura del comisario se hace más necesaria: “La labor del comisario aquí es esencial, el artista no tiene una visión general de su propia obra y tiende a mostrar sólo lo último, como ha ocurrido por ejemplo en la exposición de Uslé del Palacio de Velázquez”, comenta Rosa Olivares en la misma línea que Rosa Martínez: “El comisario es un intermediario que ayuda al artista a tener distancia sobre su propia obra y que puede ver lo que en la producción del creador conecta con las líneas de pensamiento de su tiempo. El curator conecta con su sensibilidad y ayuda a que el artista crezca. Personalmente, yo he establecido una relación intelectual con los artistas con los que he trabajado”. Para Aurora García, “debe ser cómplice absoluto del proyecto, debe relacionarse con los artistas y entender lo que quiere hacer con sus obras”. A pesar de todo, en muchos casos el propio artista participa en el montaje e incluso en la selección de las obras, es entonces cuando la figura del comisario queda de nuevo en entredicho, como dice Rosa Olivares, “hay veces que con un buen coordinador es suficiente”. Por último, de nuestras conversaciones mantenidas con los profesionales del medio se extrae otra conclusión importante: el paralelismo del comisariado con la crítica de arte y es que ambos tienen un trabajo a través del cual se proyecta el trabajo de otros. “El comisariado y la crítica deben estar muy unidos ya que el comisario está asumiendo el rol de crítico en muchas ocasiones”, dice Rafael Doctor, señalando también el riesgo que esto supone para la independencia de ambos. Según Brea, “el comisario debe investigar las zonas de problematicidad en el desarrollo de las prácticas artísticas. La misma función que la del teórico-crítico, pero realizada mediante la reunión y muestra de un


conjunto. En cualquier caso, el comisariado debe concebirse como una dimensión del trabajo teórico-crítico”. Y es que en muchas ocasiones el comisario es crítico “y no está nada mal”, dice Aurora García, “son labores parecidas porque con el mismo material el crítico escribe y el comisario plantea visualmente”. Sin desmontar al comisario En cualquier caso y a pesar de las críticas, incompatibilidades, los comisarios-estrella, los riesgos y las responsabilidades no cumplidas, no hay duda de que la figura del comisario enriquece nuestra actual valoración del arte contemporáneo. “Creo que actualmente hay cierto empeño en desmontar la figura del comisario y con ese empeño sólo se consigue empobrecer el panorama de las exposiciones”, concluye Aurora García en defensa de sus colegas. http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/8689/Comisarios_Todas_las_caras_del_curator

OBRA PERSONAL:

“Tiempo 10” Temple sobre lienzo 146 x 100 cm


“Tiempo 35” Técnica mixta sobre lienzo 146 x 146 cm

“Tiempo 21” Técnica mixta sobre lienzo 150 x 250 cm


“Tiempo 36” Técnica mixta sobre lienzo 146 x 146 cm

“Tiempo 10” Temple sobre lienzo 146 x 100 cm


BIBLIOGRAFÍA ^ http/blogs.espncricinfo.com/thebuzz/archives/2010/12/adelaide_curator_ann oys_kp.php http://www.intercienciassociales.wordpress.com http://fs1.freecodesource.com ^Curating contemporary art. Royal College of Art

Juan Carlos Rico Montaje de Exposiciones. Edt Silex, Madrid, 2007 Hans Ulrich Obrist. Breve historia del comisariado. Exit Publicaciones. Madrid 2010. (D.L. M-2443-2010; ISBN-13: 978-84-937347-1-8) Gombrich. E.Arte e ilusión. Akal. Alfaya E, Villaverde D. Sexism and misogyny in modern and contemporary art: works and artists. Arte, Individuo y Sociedad. 2009; 21: 107-22. Fazzolari C. Distintas piernas: Historias de vidas en la poética de Beth Moysés. Arte y políticas de identidad. 2009; 1: 251-62.

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