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José Antonio Ibarra jai@revistababel.com @ibarrasta Mario García Cordero mariogarcia@revistababel.com

RELACIONES PÚBLICAS Isauro Hernández isaurohdez@revistababel.com @Isaurohdez CORRECCIÓN Y ESTILO Dulce Baltazar dulcebaltazar@revistababel.com COLABORADORES Israel Pérez V./@israelpv73, Salomón Nataniel, Dr. Thock Dinwood/@drthock, Marlene González/ @_CyborGoo, Ana Martha Cano, Monx Sarcasmia/@ MonxSarcasmia/monxsarcasmia@ revistababel.com, Chucho Estrada/ chuchoestrada@revistababel.com, Arq. Luis Mejía, Abel Piña, Ruth Delgado, Gaby Zepeda, Benjamín Ortega, Olivia Zabala, Nicolas Ruiz, Samuel Borbolla/ sam_borbolla@revistababel.com/@ sam_borbolla. PORTADA Young Chun www.youngchun.com AGRADECIMIENTOS Centro Cultural Manuel Gómez Morín, Museo De La Ciudad, Galería Libertad, Ciudad Q, Cine Panorama, Camilo Aguad, Gallo Art y Manuel Rodríguez.

Gracias por leernos. Para ponerte en contacto con nosotors, escribenos a info@revistababel.com


“EL INFIERNO” Y LA APOLOGÍA DE LA VIOLENCIA. por Mtro. Israel Pérez Valencia de la Universidad del Valle de México.

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l 6 de agosto del año pasado, en el marco del llamado “Diálogo por la Seguridad. Hacia una Política de Estado”, el presidente Felipe Calderón Hinojosa hizo un llamado a los principales dueños y directores de los medios de comunicación en México; propuso que, con apego a sus esquemas de autorregulación, promuevan contenidos que eviten hacer una apología del delito, y que discutan, analicen y, en su caso, adopten códigos y protocolos de manejo de información sobre seguridad con base en experiencias internacionales. Además de admitir serias carencias del Gobierno Federal en lo que se refiere a la comunicación social en la guerra contra el narcotráfico, el primer mandatario invitó a los medios de comunicación a difundir campañas para prevenir la violencia y las adicciones, e inhibir su reclutamiento por los criminales impulsando siempre una cultura de denuncia y la legalidad.

Los medios de comunicación y la violencia. El mensaje del presidente Calderón se dio en unas circunstancias completamente nuevas para los mexicanos y para las que nadie se encontraba preparado. El papel que ha tenido la Internet ha sido fundamental en los procesos de comunicación derivados del fenómeno social que es la violencia causada por la guerra contra el narcotráfico y la delincuencia organizada. Espacios como Youtube, el Blog del Narco, entre otros, se han convertido en importantes foros para que todos los involucrados en el tema exhiban su realidad y también su “infierno privado”. Cuando los ciudadanos se encuentran en medio de una balacera o una persecución policiaca ya no les importa mucho arriesgar su vida, sino sacar el mejor video con su teléfono celular o cámara portátil y que pueda ser visto en la red por la comunidad global. Los narcos por su parte también usan estos foros, y los usan para exhibir la barbarie de lo que son capaces con el objetivo de atemorizar a las bandas rivales, las autoridades o la población; resultan hasta cotidianos los videos de narcomantas, decapitados, acribillados, desmembrados y todas las formas posibles de la crueldad y autodestrucción humana; y como la Internet no maneja límites en ese sentido, todo se puede subir y por lo mismo el público de todas las edades puede verlo sin ningún problema. Si a esta situación le agregamos el vacío informativo por parte de las autoridades federales, era obvio que se iba a generar el caldo de cultivo perfecto para la aparición de la rumorología, en la que la

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población valoraba el papel de las autoridades respecto a lo que ve en la televisión o la web y no por las acciones reales del gobierno federal. Las necesidades informativas superaron a la autoridad y ésta quedó en un segundo plano, de ahí la urgencia del presidente Calderón de retomar el rumbo y de solicitarle a los medios de comunicación no “hacerle el caldo gordo” a la delincuencia promoviendo lo que galantemente fue nombrado la “apología de la violencia”.

La película “El Infierno” de Luis Estrada. En este contexto, llama la atención la película “El Infierno” (2010) del afamado director Luis Estrada; la cual relata la vida de Benjamín García (Damián Alcázar) un migrante que vuelve a su pueblo de origen después de 20 años de estar en los Estados Unidos y que a su regreso lo ve sometido por el narco y la delincuencia organizada, quienes lo reclutan y le dan la oportunidad de conocer a fondo los sabores y sin sabores de este estilo de vida. Cabe destacar que los personajes en esta película son copias fotostáticas de personajes del todo conocidos en la población por la difusión que los medios de comunicación han hecho de ellos, como es el caso de Santiago Meza López mejor conocido como “El Pozolero” quien se hizo tristemente célebre por haber confesado en los noticiarios nacionales que era el responsable de haber desaparecido los cadáveres de más de 300 personas ajusticiadas por el crimen organizado mediante la inmersión de los cuerpos en un tambo con 200 litros de agua y dos costales de sosa cáustica que se ponían al fuego para que los cuerpos se disolvieran lentamente hasta desaparecer, proceso conocido en el mundo de la delincuencia como “pozole”.

Reflejos innecesarios de la realidad. La película pretende ser, según su director, un serio cuestionamiento a la versión gubernamental de ir ganando la guerra a la delincuencia, además de resaltar que este año del Bicentenario hay muy poco que celebrar. Aquí las preguntas son ¿Los mexicanos necesitábamos una película como esta para darnos cuenta de cómo trabaja el narco y su impacto en la sociedad mexicana? ¿No saldría más barato y hasta más creíble ver las noticias del día o meterse al blog del Narco donde hay hasta más realismo?


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México en corto Desierto Blanco http://vimeo.com/16876705

Al parecer vivimos tiempos en los que el cine cae nuevamente en lo que se refiere a la poca valoración del guión cinematográfico, tal y como ocurrió en los ochentas con el llamado “cine de ficheras”, donde el público, lejos de ir al cine a ver una buena historia, se conformaba con ver artistas desnudas, en contextos que iban desde los cabarets o los talleres mecánicos.

Este cortometraje retrata todo en una técnica particular, el carboncillo. Esta animación está inspirada en la pintura de Boris Viskin, esperando a los Tártaros y en la novela de Dino Buzzati, El desierto de los Tártaros. Es un material cien por ciento mexicano, creado en el año 2011. Un material muy recomendable por la técnica y la historia. El producto fue dirigido por Esteban Azuela, quien se apunta dentro de los mexicanos que realizan un cine con astucia y sagacidad.

Entre la violencia y el morbo. El cine mexicano que se ha producido últimamente lleva exactamente esa directriz. En pos de conseguir ganancias inmediatas, dado el impacto de la piratería, el guión cinematográfico ha sido sustituido por la proyección exclusiva del morbo, donde el gran gancho es desnudar a actrices conocidas y ponerlas en escenas eróticas inesperadas, o como en el caso de “El Infierno”, desafiar la historia del cine haciendo las escenas más violentas, sangrientas y grotescas posibles con un guión absolutamente vago y predecible dado el contexto que el mexicano común tiene respecto al narco y su impacto en la sociedad. En todo caso, resultaría más interesante esperar la película que estaba produciendo Edgar Valdez Villareal alias “La Barbie” y a la que metió la no despreciable cantidad de 200 000 dólares para su realización; al menos esa tiene el valor de ser una autobiografía y tal vez aporte más información a la sociedad respecto a la vida de un narcotraficante que no hayamos visto previamente en la televisión.

El Cortejo // The Pursuit Un corto que podría hacerte recordar a Toy Story, sin la historia de valores. Emiliano González Alcocer es el director de este cortometraje que refleja las más puras y sensibles pulsiones en el amor. Todos sabemos que cuando uno se enamora del otro hacemos cosas muy locas. Pero, ¿qué pasa cuando un juguete se enamora?

De Género Humano http://vimeo.

com/20454649

Expuesto a la luz el año pasado, este corto es un espejo de la realidad del ser. Victoria Karmín y Josué Peralta logran transmitir, en escenas de la vida cotidiana, el buscar la liberación ante el hedonismo de saciarse de placer. Es una lucha constante contra la doble moral establecida. Este corto muestra a la humanidad como una inconquistable orgia donde triunfa Eros, cuestionando las represiones conservadoras de la religión y del pensamiento puritano de la sociedad.

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Jess Franco El culto al maestro

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por Salomón Nataniel / Cine Panorama

ejor conocido como: Joan Almirall, Rosa Maria Almirall, Rosa María Almirall, Clifford Brown Jr., Clifford Brown, Juan G. Cabral, Betty Carter, Candy Coster, Terry De Corsia, Rick Deconinck, Raymond Dubois, Chuck Evans, Toni Falt, Dennis Farnon, Jess Franck, J. Franco, Jesse Franco, Jess Franco, Jesús Franco, A.M. Frank, Adolf M. Frank, Anton Martin Frank, Jeff Frank, Jess Frank, Wolfgang Frank, James Gardner, Manfred Gregor, Jack Griffin, Robert Griffin, Lennie Hayden, Frank Hollman, Frarik Hollmann, B.F. Johnson, J.P. Johnson, James Lee Johnson, James P. Johnson, David J. Khune, David Khune, D. Khunne Jr., D. Khunne, David J. Khunne, David Khunne, David Kuhne, David Kunne, David Kühne, Lulu Laverne, Lulú Laverne, Franco Manera, J. Franck Manera, J. Frank Manera, Jesus Franco Manera, Jesús Manera, Carmen de Mairena, Jesusito de mi vida, Jeff Manner, Roland Marceignac, A.L. Mariaux, A.L. Marioux, John O´Hara, Cole Polly, Preston Quaid, P. Querut, Dan L. Simon, Dan Simon, Dave Tough, Pablo Villa, Joan Vincent y Robert Zinnermann; se interesó por la música desde pequeño, ingresó, tras la Guerra Civil Española, en el conservatorio de Madrid, donde estudió piano. Acabó sus estudios y se licenció en Derecho, tras lo cual ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde permaneció dos años mientras escribía novelas policíacas bajo el seudónimo de David Khunne. También compaginó

sus trabajos como director y actor de teatro durante esta época, además de dedicarse a tocar jazz en clubs de Madrid y Barcelona, y más tarde en Francia y Bélgica. Jess Franco es uno de los cineastas de culto imprescindibles de nuestra época, su larguísima trayectoria lo convirtió en un director de clase, ecléctico y experimental. Gracias a Franco el cine del sexploitation europeo se formó en definitiva junto con sus contemporáneos Lucio Fulci y Joe D´Amato entre otros. En España se le consideró por muchos años el maestro del cine de medianoche. Solía pasar el tiempo viendo películas en la filmoteca de la universidad. Sus primeros trabajos como director dieron como fruto películas culturales, normalmente documentales de corta duración sobre diversos temas de la esplendorosa España del pasado. Aclamado por los fans del género de terror, que empezó a cultivar con bastante frecuencia, pronto se convirtió en un enemigo de la dictadura. Se exilió y continuó trabajando en el extranjero. No le faltaron productores fuera de España, y no sólo para sus incursiones en el género de terror, ya que también tocó todo tipo de géneros: comedia, drama, musical y posteriormente el porno. En 1965 trabajó como director de unidad secundario para Orson Welles en “Campanadas a medianoche”, con quien repetiría en los proyectos inacabados “La isla del tesoro” y “Don Quijote”. Pero fue en 1967 cuando se ganó el clamor del público a nivel internacional con su película “Necronomicón”, que fue presentada en el festival de Berlín, e inspirada por el maravilloso texto de Lovecraft. Sin embargo, sus películas no siempre eran bien acogidas por la crítica o el público. Buena parte de crítica y público empezó a rechazar y despreciar sus alocadas ideas. Así, se centró en realizar películas de bajo presupuesto y con una velocidad asombrosa, llegando a lanzar seis, siete o incluso más títulos al año, trabajando con infinidad de productoras en numerosos países, e incluso llegando a crear la propia (Manacoa Films). Este hecho le llevó a estrenar muchos de sus títulos bajo seudónimos, por recomendación de las productoras, para no saturar el mercado cinematográfico. En realidad la razón fundamental del uso de seudónimos era la búsqueda de una mejor venta de la película, con nombres que sonaran bien en el mercado internacional y que

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enic sonaran novedosos. Franco es capaz de hacer películas con muy poco dinero. Debido a su enorme capacidad de producción, aprovechaba muchas veces el reparto de un rodaje para embarcarse en un nuevo proyecto, utilizando para ello el mismo material y el dinero sobrante del proyecto anterior. Llegó incluso a aprovechar las mismas escenas para diferentes películas. Durante los 80, muchas de sus películas fueron calificadas como X por los comités de censura de diversos países. Se estrenaron versiones de sus películas con un metraje bastante recortado (hasta 40 minutos), algo que él no comprendía. Respondió con incursiones en el cine puramente porno, algo que muchos de sus fans tampoco supieron comprender. Tras años en los que las películas de Franco sólo se podían ver ocasionalmente en España a través de ediciones en vídeo, en 1996 estrena en cine “Killer Barbys”, lo que coincidió con un homenaje en Nueva York (donde recibió un premio de manos del mismísimo Roger Corman) y una

“S

Shortbus

hortbus” es un largometraje del año 2006 dirigido por John Cameron Mitchell que se sitúa en la ciudad de Nueva York, posterior a los eventos del 11 de Septiembre. Así es la atmósfera en la que se desarrolla esta historia.

reivindicación general de su obra. Franco tiene alrededor de 300 películas. En la vigésimo tercera edición de los premios Goya, celebrada el 1 de febrero de 2009, la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España le entregó el premio Goya de Honor por su extensa trayectoria cinematográfica. Además, la Sociedad General de Autores de España está preparando una retrospectiva sobre toda su filmografía. Así, uno de los más grandes innovadores del cine erótico, del afiche y del arte kitsch en la pantalla grande, nos deja su enorme legado de culto.

por Marlene González Canton

James y Jamie son una joven pareja de homosexuales que piensan abrir su relación y compartir con un tercer miembro, porque Jamie tiene miedo de perder a James, que continuamente parece triste e insatisfecho, y pasa todo su tiempo libre rodando un corto sobre sí mismo. Acuden a pedir consejo a Sophia, una sexóloga a la que ellos terminan aconsejando; aquí es donde se presenta la gran ironía: Una sexóloga que nunca ha tenido un orgasmo; sí, parece inconcebible. Todos se reúnen en “Shortbus”, un lugar consagrado al sexo desde todos sus ángulos y perspectivas; un peculiar espacio recreativo. Si cuando al leer la palabra ‘sexo’ lo primero que piensan es ‘censura’, en este lugar sucede lo contrario y para Sophia, la sexóloga frustrada, es una ventana, una oportunidad, un antídoto contra su vida sexual no satisfactoria. “Shortbus” es un detonante para el despojo de prejuicios, de incertidumbres, de la moral, del mundo exterior. Es una provocación para experimentar nuevas sensaciones sin ninguna clase de titubeo,

cada estancia es una nueva aventura. Tiene un parecido con lo que sucede en una Iglesia en donde la gente reza, pide, alaba, se libera y se retira siendo una persona más feliz…pero aquí todo lo que sucede es de orden sexual. ‘La casa del sexo’ en donde todo está permitido y nadie obligado; un erotismo anárquico. Aunque su temática y conflictos inclinan la balanza hacia una historia con tendencias pornográficas, no es así, el director resuelve las situaciones de una manera inteligente, algunas veces con humor y va más allá. Detrás de todo el juego de seducción existen problemas, insatisfacciones, inseguridades, disgustos, contrariedades, impedimentos que afectan la vida cotidiana y exponen al sexo no como algo simple o primitivo, sino como el resultado de toda la conjunción emocional, interna y externa, de los problemas que no dan la cara a la luz, de la rueda astillada y los ciclos sin cerrar. Un drama estadounidense de 102 minutos que es un estímulo visual y físico para el espectador. Mitchell nos muestra el sexo como la cumbre mayor y recopilación total del carnaval de emociones humanas. La explosión universal. ADVERTENCIA: Contiene escenas explícitas y…reales.

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oy diseñadora de modas y al contrario de lo que dicen muchos, hacer moda o hacer ropa no siempre significa hacer arte, cada cosa tiene su lugar. Sin embargo hay magníficas colaboraciones entre ambos; este es el claro ejemplo de la última colaboración de Marc Jacobs en Louis Vuitton, la cual es, probablemente, la marca más iconográfica de nuestros días por Ana Martha Cano Rivadeneyra (ya saben las bolsas y maletas con el logo por todos lados); y las series de colaboraciones que ha tenido desde hace ya varios años. Este enero Marc Jacobs anunció que su más reciente colaboración seria con Yayoi Kusama, la más prominente artista contemporánea japonesa. Ella tiene la cabeza llena de puntos, obsesiones y repeticiones infinitas de distintos elementos. Su mundo se multiplica desde la nada hasta el infinito.

LO QUE ME ACOMODA DEL MUNDO DE LA MODA

Algunos dicen que su interés hacia los puntos reside en las alucinaciones que tuvo desde pequeña, visiones de redes, puntos y flores que cubrían todo lo que veía, para ella los puntos son un símbolo de amor y paz, aunque en contradicción con las cosas bonitas, también refleja su obsesión de forma grotesca llenando esculturas y cosas con formas fálicas.

Dice Marc Jacobs que ahora con esta colaboración (como lo ha hecho en anteriores) llevará el trabajo de una grande como lo es Kusama hacia otros espectadores: el público de Louis Vuitton. Ahora cuando veamos a todo el mundo con sus bolsas originales o piratas llenas de puntos, y cuando veamos la gran tendencia que serán las próximas temporadas los lunares o polka dots, recordaremos a Yayoi Kusama y su magnífica obra.

Yayoi Kusama Yayoi Kusama creció en el Japón de la guerra, es obvio imaginarse que su trabajo está marcado por ello, casi como un trauma que se intenta resolver en cada obra meticulosamente. Se mudó a NY cuando tenía 29 años, escapando de su vida y en búsqueda de la propia como artista, eran los días de Warhol y toda la ola del pop. Frágil y sensible, como es de esperarse en los artistas, se regresó a Japón en la década de los 70, después de ser diagnosticada con un desorden obsesivo compulsivo, para internarse voluntariamente en un hospital psiquiátrico en el que vive hasta ahora. La inherente paradoja de sus pinturas radica en que el infinito puede ser contenido en la estructura arbitraria de un lienzo prefabricado (habrá que ver qué hace ahora en bolsas, accesorios y ropa). Será exquisito ver al infinito plasmado en una pulsera o un pequeño bolso.

“...el punto tiene la forma del sol, el cual es símbolo de energía para todo el mundo y los seres vivos, también es la forma de la luna la cual es la tranquilidad. Redondo, suave, colorido, sinsentido y desconocido. Los puntos se convierten en movimiento … Los puntos son un camino hacia la eternidad “… YAYOI KUSAMA.

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Street Art Mexicano ¿A dónde va…? L

por Monx Sarcasmia

os seguidores de Revista Babel recordaran que en el primer número se habló de uno de los artistas urbanos más reconocidos a nivel mundial: Banksy, además se habló del arte urbano de tercera dimensión; pero ¿Qué pasa con el Street art mexicano?, ¿Qué trata de expresar?... ¿A dónde va…? Para quien conoce mucho acerca del tema, el Street Art, o también conocido como arte callejero o urbano, generalmente se le describe como un estilo de expresar mediante imágenes; algunos cuestionan que sea arte –generalmente los grupos sociales apegados a las formas convencionales y aceptadas de lo que se supone debe ser éste-. Algunos piensan que el graffiti entra dentro de lo que es el Street Art, sin embargo, es más reconocido el arte urbano por las técnicas utilizadas las cuales generalmente son el esténcil, el sticker y el cartelismo. Otra de las características que se le adjudica es el sentido de crítica social que debe de expresar, pero el Street Art va más allá de una técnica o un sentido. Algunos artistas urbanos lo conceptualizan como una forma de intervencionismo en la ciudad con el cual pueden reconocerse y expresar cómo

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ven el mundo, a ellos mismos y a su forma de relacionarse con él… en simples palabras: es una forma de ser, así que no necesariamente por no tener contenido político puede calificárselo como banal. Pero no toda expresión visual callejera necesariamente tiene un sentido; en los últimos años el Street Art ha tomado auge, sin embargo sería bueno cuestionarse si este auge es en el contenido de los sentidos o sólo en la producción de material. Esta es una crítica que se mueve entre los practicantes de esta nueva tendencia o estilo, ya que algunos ven que el Street Art se ha convertido en una moda o cliché en donde los más jóvenes sólo crean imágenes sin un sentido que los represente o sólo con el propósito del reconocimiento y/o fama, es por ello que no a toda manifestación callejera y visual se le puede llamar necesariamente Street Art. Alguna vez leí que el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, buscaba y era una forma de construcción de uno mismo pero debía de salir hacia otros para no caer en lo vacío, pero no solamente eso, sino que debía ser un intercambio mutuo, es por ello que quizá sean criticadas las producciones que sólo buscan el reconocimiento de un público pero que tienen un vacío en el sentido. El Street Art lleva en su nombre precisamente la característica por lo que es principalmente reconocido, la calle. Para estos artistas visuales, la calle es una gran galería en la cual ellos pueden mostrar su visión de la realidad, lo cual les permite algunas cosas: la libertad de crear y plasmar lo que ellos quieren, la cual no encuentran en las galerías – o por lo menos en la gran mayoría-, y hacer accesible


arutluc a la gente esta expresión estética. Este último punto es otra de las razones por las cuales la mayoría de los artistas urbanos prefieren mostrar su trabajo en la calle y no en una galería, ya que piensan que ésta es un espacio de exhibición de arte pero que sólo es accesible a grupos elite. A pesar de intentar hacer accesible su trabajo a la sociedad en general, el Street Art es estigmatizado por la gran mayoría ya que algunas imágenes hacen alusión a elementos visuales poco atractivos como ratas, zopilotes y, en algunas ocasiones, hacen referencia a sucesos sociales negativos como las guerrillas o la muerte pero que al fin de cuentas es lo que buscan expresar, la vida diaria…la realidad, diría un artista visual –Mr. Fly- Sensaciones negativas que provocan sentimientos estéticos. Por el lugar donde exponen su trabajo, lo que muestran y la poca aceptación de la sociedad, es que una de las etiquetas que se les ha asignado a las personas que hacen este tipo de arte sea vándalos, relacionando así al Street Art con lo ilegal, no solamente por las autoridades, sino por los mismos chavos, los cuales sólo aceptan dentro de esta categoría de arte, una obra o un artista siempre y cuando esté trabajado dentro del marco de la legalidad. Quizá una de las razones por la cual se ha tomado esta postura es por el auge antes mencionado y por la apertura de ciertos espacios públicos y privados –como galerías y museos- para la exhibición de éste, en donde el sentido de resistencia se ve desequilibrado y cuestionado

generando así una resistencia a todo aquello que esté relacionado con lo políticamente correcto y miedo a ser absorbidos por el mainstream. No sé si hasta este punto pude – aunque sea un poco- vislumbrar las respuestas a las preguntas escritas en un principio. Ciertamente aún le falta mucho por contar a esta nueva forma de hacer arte y sus exponentes. Así que termino con la invitación de siempre experimentar y conocer esas expresiones nuevas o no comunes que se nos presentan.

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T

por Eddie Cordero

Panic Room

ilt es uno de los grafiteros más reconocidos de todo el mundo, originario de Toulouse al sur de Francia, ha repartido su talento dejando huella en muchos de los lugares más típicos del mundo como Tailandia, Japón, Hong Kong, Australia, Holanda, China, Filipinas, Reino Unido y los Estados Unidos. Desde sus inicios, tageando patinetas desde 1988, Tilt no ha dejado de estar inmerso hasta el cuello en la escena del grafiti a nivel mundial. En esta ocasión Tilt nos sorprende con una instalación que rompe con todo lo establecido. En nuestra mente existe la perfección, y es un hecho que está presente en todos los aspectos de nuestra vida cotidiana, pero cuántas veces logramos sacarla de nuestra mente?[...] Esta instalación es una habitación que muestra la perfección que muchos de nosotros hemos soñado. Una división muy marcada entre lo que significa el caos y la tranquilidad, la movilidad y la paz, un desorden con orden. La habitación está ubicada en las instalaciones de Au Vieux Panier, un hotel ubicado en Francia cuyo plan es reunir a cinco diferentes artistas para hacer, literalmente, del descanso una experiencia muy original y diferente. El trabajo fue realizado en colaboración con otros grafiteros como Tober, Grizz y Don Cho. Sin duda esta instalación está siendo el centro de atención no solamente de los encargados de decoración de espacios, sino de arquitectos, diseñadores y artistas visuales que lo han destacado por su original resultado. Sin duda una idea innovadora y muy recomendable para revisar.

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Gallo Art B

AMBÚ JAPONÉS No hay que ser agricultor para saber que una buena cosecha requiere de buena semilla, buen abono y riego constante. También es obvio que quien cultiva la tierra no se para impaciente frente a la semilla sembrada, halándola con el riesgo de echarla a perder,gritándole con todas sus fuerzas: ¡Crece, por favor! Hay algo muy curioso que sucede con el bambú japonés y que lo transforma en no apto para impacientes: Siembras la semilla, la abonas, y te ocupas de regarla constantemente. Durante los primeros meses no sucede nada apreciable. En realidad, no pasa nada con la semilla durante los primeros siete años,a tal punto que, un cultivador inexperto estaría convencido de haber comprado semillas infértiles. Sin embargo, durante el séptimo ano, en un período de sólo seis semanas la planta de bambú crece ¡más de 30 metros! ¿Tardó sólo seis semanas crecer? No, la verdad es que se tomó siete años y seis semanas en desarrollarse. Durante los primeros siete años de aparente inactividad, este bambú estaba generando un complejo sistema de raíces que le permitirían sostener el crecimiento que iba a tener después de siete años. Sin embargo, en la vida cotidiana, muchas veces queremos encontrar soluciones rápidas y triunfos apresurados, sin entender que el éxito es simplemente resultado del crecimiento

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etra

interno y que éste requiere tiempo. De igual manera, es necesario entender que en muchas ocasiones estaremos frente a situaciones en las que creemos que nada está sucediendo. Y esto puede ser extremadamente frustrante. En esos momentos (que todos tenemos), recordar el ciclo de maduracion del bambú japonés y aceptar que -en tanto no bajemos los brazos ni abandonemos por no “ver” el resultado que esperamos, sí está sucediendo algo..., dentro nuestro: estamos creciendo, madurando. Quienes no se dan por vencidos, van gradual e imperceptiblemente creando los hábitos y el temple que les permitirá sostener el éxito cuando éste al fin se materialice. Si no consigues lo que anhelas, no desesperes... quizá sólo estés echando raíces....

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Ace-Tato-Tiempo por Chucho Estrada

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Pescado Rabioso Hugh Masekaela

l pasado 8 de febrero se nos fue al más allá un importante arquitecto del rock argentino. La noticia de que Luis Alberto Spinetta pasaba a una mejor vida entristecía a todos los habitantes de Spinettalandia, el universo poético que el artista edificó a través de un poco más de cuarenta años de carrera musical. Ese día la música del “flaco” se escuchaba en las calles de una Buenos Aires en duelo. Es por este infortunado suceso que he decidido comenzar las recomendaciones del mes con Pescado Rabioso, la segunda agrupación (despuesito de Almendra y antes de lo que vendría a ser Invisible) en la carrera de Spinetta. Una mezcla de folk, blues y hard-rock que no sólo revolucionó el rock argentino, sino también a través del lirismo anfetamínico-spinettiano reinventaría al mundo, haciéndolo un lugar más agradable para vivir. Artaud es el nombre de su tercer y último disco con PR lanzado en 1973 (aunque en realidad se puede decir que es un disco de solista de Spinetta). Todo el disco está conformado por bellos acordes que se unen a la yuxtaposición del sueño y la realidad del “flaco”. Temas como “Todas las hojas son del viento”, “Superchería” y “Cementerio club” son un viaje metafórico cargado de símbolos que se van significando con la estética musical spinettiana. No por nada Gustavo Cerati recuperaría el requinto de este último tema para su “Te para tres” en el Comfort y música para volar. No cabe duda que toda la obra de Spinetta es la expresión más fiel del sonido del rock argentino.

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Para nuestra segunda recomendación nos cambiaremos de país y de género musical. Ese lugar es Sudáfrica. Hugh Masekela es un trompetista, cornetista y cantante que ha incursionado en géneros como el jazz y el afrobeat principalmente. Dentro de su historial esta su participación en el movimiento artístico que luchó por la liberación de Mandela. Colaboró con artistas de mucho peso a finales de los años sesentas como los Byrds y Paul Simon. Inclusive también estuvo en la lista de invitados para el palomazo del Monterey International Pop Music Festival de 1967. Pero bueno se preguntarán ¿qué es el afrobeat? Este género que se sacó de la manga el músico nigeriano Fela Kuti, es una mezcla de música Yoruba (es decir mucha percusión) con el jazz, el funk y el highlife (que es como el pop originario de Nigeria y Ghana), que se hizo muy popular en África a mediados de los años setentas. Pero para que no se lo imaginen, quisiera recomendar el disco de Masekela Introducing Hedzoleh Soundz. Un disco lanzado en 1973 que tiene una calidad jazzística afro-beatiana inigualable, que cuenta con la presencia de músicos ghaneses de la más alta calidad. Algunos canciones como “Adade”, “Languta” y “Patience” son un buen referente del afro-jazz y de lo increíble forma de tocar de Hugh Masekela (que no le pide nada a Freddie Hubbard o Hank Mobley). Una música de “ace-tato tiempo” ad hoc para darle la bienvenida al rey sol e introducirnos en una especie de rito pagano. Una verdadera belleza africana.

Roy Gallagher Por último, si ya nos pusimos sugerentes con los adeptos al rock en español y al jazz, ahora espero poder deleitar a los blueseros. Para eso será necesario que nos transportemos a las tierras de St. Patrick. Quisiera presentarles a Rory Gallagher, uno de los más grandes músicos que ha exportado Irlanda. Así como el blues yankee e inglés tienen sus particularidades, el blues irlandés tiene una cosa que no lo tiene ningún otro. Es el blues con tintes más medievales (si es que eso existe) de todos. Aunque traemos a colación sus momentos setenteros como solista, Rory Gallagher se ganó las


acisúm primeras miradas en el power trio Taste a finales de los sesentas. Su disco Calling Card del año 1976, es una verdadera joya donde se puede apreciar todas las afinidades musicales de este carismático guitarrista. Algunas rolas como “You read me”, “Secret agent” y “Public enemy” están cargadas de energía, mezclando como por arte de magia el blues con el hard-rock y la música celta. Un sonoro acelerador de neuronas. Como requintero no hay una

sola revista que no lo ubique entre los mejores guitarristas de la historia del rock. Su stratocaster modelo ’61 de la que nunca se separó, se la han peleado museos, artistas y coleccionistas de todo el mundo. Incluso hasta una réplica de bronce yace en una esquina en Dublín que lleva su nombre. Hablar de la influencia, herencia y estilo de estos tres grandes artistas nos tomaría mucha tinta y tiempo. Así que sin más por el momento, espero que no se vean afectados por el jet-lag y disfruten las recomendaciones de “ace-tato tiempo” que tenemos este mes para ustedes. Amor y paz y que el cosmos me los cuide mucho.

Frank Zappa and The Mothers of Invention El éxito basado en el conceptosatírico y burlón por Arq. Luis Mejía

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uando todos disfrutábamos de lo delicioso, mágico y psicodélico del Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, aparece la contraparte. En 1969 dentro de sus frustraciones acostumbradas, Frank Zappa se alza como el “ SER “ favorito de muchos que al igual que él, no encontraban la idea de vida, ni los principios morales ni cívicos que en esos años tan tormentosos, a nivel mundial, eran un común denominador de frustración y rebeldía. No olvidar que en 1968 la crisis global por la búsqueda de la nueva identidad de valores y status quo estaba en erupción y Los Beatles lo mostraron unos años antes logrando retratarlo en esas letras magistrales. Entonces, la Banda de Zappa se convierte en un grupo que satíricamente se burlaba de los logros y éxitos de los demás. Grupos de moda, one hit wonders, vendedores de discos, cómo olvidar esa portada copia total e irónica del Sargento Pimienta a la cual ellos llamaron We´re Only In It for The Money. Es entonces que con este material se hace brotar el corazón de la floreciente cultura Freak de la Costa Oeste de los Estados Unidos, y con la cual se busca una nueva identidad. Se queja espeluznantemente contra el autoritarismo, sus guitarras psicodélicas y sucios riffs de blues empiezan ya a notarse, es sin duda la aparición de un compositor de personalidad única y desafiante con una idea fija: derribar barreras y fronteras. Aunque sus discos no se vendían bien y el costo de pagar y mantener su banda lo había llevado a un desastre financiero, se recluyó

en su estudio para grabar Hot Rats con un nuevo grupo de músicos que incluía a Ian Underwood, que venía de formar parte del Grupo Uncle Meat, éste tenía una habilidad técnica que le iba muy bien a las complicadas composiciones de Zappa; también estaba su viejo amigo Don “ Captain Beefheart” Van Vliet, el violín de Don “ Sugarcane” Harris y Jean-Luc Ponty. Aquí entra un extraño virtuosismo musical muy influenciado por el Jazz y el tema “Peaches En Regalia” se convierte en su himno por los próximos veinte años, por su carácter estrafalario y edificante del saxofón, los órganos y obviamente del bajo de Zappa. El disco es muy controversial por burlón (del que hablé al principio), pero efectivo en ventas; no dejo de reconocer que es uno de los álbumes más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, el cuarto disco de Zappa con los Mothers y el que lo confirmó como un genio visionario de múltiples talentos. Es extraordinario desde el principio, valiente y ajeno a su tiempo, este disco es adorado por la primera generación de Hippies PORREROS, vas a escuchar Flower Punk con la melodía de Hey Joe del genio Hendrix como fondo y a doble tiempo o bien Who Needs The Peace Corps, burla surrealista del Sgt. Pepper´s, considerado entonces y ahora el Santo Grial del Rock. Este álbum es también un ataque a la moral conservadora, al estilo de vida y a la política de la época, especialmente en EUA. Aun me recuerdo caminando por los pasillos de Arquitectura, recién ingresé a la carrera y ver a los radicales estudiantes, no eran muchos pero sí muy simpáticos y folclóricos, vestidos con aquel clásico overol de mezclilla y morral de cuero o de mecate, escuchando a todo volumen este álbum y todo aquello que Zappa refería, mientras dibujaban en uno de los Talleres alguna repentina entrega de Proyectos, incluso bautizamos a uno de los lideres de grupo como el Zappa,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,

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Cartelera Centro Cultural Manuel Gómez Morín Ciclo Cine Biográfico

Clasif. B

Martes y Miércoles 18:00, Sábado 12:00, Domingo 17:00

25, 27, 28 y 29 de Abril Batman Inicia Dir. Christopher Nolan

3, 7 y 8 de Abril

EEUU, 2005

Alexander

Clasif. B

Dir. Oliver Stone EEUU, 2004 Clasif. B 10, 12, 14 y 15 de Abril

ABRIL 2012 CICLO DOCUMENTAL CIENCIAS DE LA TIERRA

Enrique V Dir. Kenneth Branagh Reino Unido, 1989 Clasif. B

Martes, jueves 17:00 hrs. y sábado 11:00 hrs. Aula 13, Acceso B planta baja Entrada Libre

17, 19, 21 y 22 de Abril Farinelli Dir. Gérard Corbiau Francia/Italia, 1994 Clasif. B

Sábado 14 de abril 11:00 hrs.

Dir. Milos Forman

Ciclo Batman Miércoles y Viernes 18:00, Sábado 17:00, Domingo 12:00 4, 7 y 8 de Abril Batman Dir. Tim Burton EEUU, 1989 Clasif. B 11, 13, 14 y 15 de Abril Batman Regresa Dir. Tim Burton EEUU, 1992 Clasif. B 18, 20, 21 y 22 de Abril Batman Eternamente Dir. Joel Schumacher EEUU, 1995

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En la segunda mitad del siglo XIX, vivió en Amiens, Francia Julio Verne, el autor visionario más recordado de todos los tiempos y también conocido como el padre de la ciencia ficción gracias a su épica obra “Viaje al centro de la Tierra”. La visión de Verne no estaba tan alejada de lo que se encuentra bajo nuestros pies, aunque se ha comprobado científicamente que es imposible llegar al centro de nuestro planeta. Hoy día, en diferentes lugares de nuestro planeta se llevan a cabo grandes proyectos con el fin de explicarnos la causa y el desgaste de las cuevas y túneles naturales. Otros para extraer valiosos minerales como el oro. Hemos viajado 322 mil Km. al espacio, pero sólo 11 Km. al centro del planeta. Descubra el reto que implica esta misión y los beneficios que obtendríamos. No olvidemos que no importa lo que un hombre como Verne pudo imaginar, lo importante es lo que otros podrán hacer realidad. Jueves 12 de abril 17:00 hrs.

Amadeus

Clasif. B

Discovery Channel 2006 / 60 min.

Martes 10 de abril 17:00 hrs.

24, 26, 28 y 29 de Abril

EEUU, 1984

VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA

EL SOL: La fuente de la vida en la Tierra BBC 2010 / 60 min. DATOS DE INTERÉS: “Durante la Revolución Industrial se produjo suficiente hollín para reducir la luz del Sol en Londres en un 80%. Aproximadamente un millón de Tierras podrían caber dentro del Sol. La temperatura calculada de la superficie del Sol es de alrededor de 6 mil grados centígrados.” Estamos en la edad de oro de la ciencia de la energía solar. Los científicos están haciendo notables descubrimientos acerca del “infierno” que hay en el centro del Sol y del caos magnético que hay en su superficie. Este documental explora el pasado, el presente y el futuro de la importancia del Sol para nuestro planeta. Martes 03 de abril 17:00 hrs. Jueves 05 de abril 17:00 hrs. Sábado 07 de abril 11:00 hrs.

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CINTURÓN DE FUEGO: Cómo se formó nuestro planeta BBC 2010 / 60 min. El océano Pacífico está rodeado de una cadena de volcanes activos dispuestos en una serie de arcos que se extienden desde Nueva Zelanda hasta la costa de América del Norte y la Patagonia, pasando por las islas Fiji, Nueva Guinea, Filipinas, Japón y las islas Aleutianas. Este collar de volcanes se conoce con el nombre de “cinturón de fuego”. Los científicos exploran la relación entre el océano Pacífico, los volcanes que lo rodean y los terremotos que se suceden regularmente, han formulado la teoría de la tectónica de placas, que explicaría el modo en que actúa la parte más externa de la Tierra y, por tanto, cómo se formaron los continentes. Martes 17 de abril 17:00 hrs. Jueves 19 de abril 17:00 hrs. Sábado 21 de abril 11:00 hrs.


arutluc EL PODER DEL PLANETA:”La excepcional Tierra” BBC 2010 / 60 min. Este episodio observa a la Tierra en conjunto y su lugar en el espacio. Ha tomado 4.5 billones de años y grandes catástrofes para transformar una roca en el planeta único que hoy conocemos. Martes 24 de abril 17:00 hrs. Jueves 26 de abril 17:00 hrs. Sábado 28 de abril 11:00 hrs.

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LA TIERRA Serie “El Universo” THC / 2007 / 45 min. Hace 4500 millones de años, en la carrera de alto desempeño por convertirse en planeta, la esfera azul entro al círculo de ganadores. Pero la competencia estuvo llena de caos y colisiones violentas. Despuès de un largo tiempo se convirtió en un lugar especial para sostener océanos, tierra y vida. A pesar de las tragedias modernas que plagan nuestro planeta sigue siendo una de las creaciones más sorprendentes del Universo. Miércoles 11 de abril 17:00 hrs. Domingo 15 de abril 16:00 hrs. “PLANETA AZUL” IMAX 1990 45 min.

Miércoles 17:00 hrs. / Domingos 16:00 hrs. Aula 13, Acceso B planta baja Entrada Libre

“Planeta Azul” nos muestra la Tierra desde el espacio. En órbita a 200 millas por encima de la superficie de la Tierra, podemos reconocer formas de la Tierra familiares: las majestuosas montañas del Himalaya, el imponente desierto de Namibia y sus dunas, las islas del Caribe. Desde esta posición estratégica apreciamos cómo fuerzas de la naturaleza como volcanes, terremotos y huracanes influyen en nuestro planeta; y cómo una nueva y poderosa fuerza ha comenzado a modificar la faz de la Tierra: la humanidad. Desde la selva tropical del Amazonas hasta las praderas del Serengeti, “Planeta Azul” nos presenta una nueva manera de apreciar la vida en la tierra. Miércoles 18 de abril 17:00 hrs. Domingo 22 de abril 16:00 hrs.

“HOME” Francia / 2009 / 90 min. En sus 200.000 años de existencia, el hombre ha roto el equilibrio de casi 4.000 millones de años de evolución de la Tierra. El precio a pagar es considerable, pero es demasiado tarde para ser pesimistas. A la humanidad le quedan diez años escasos para invertir la tendencia, concienciarse de la explotación desmesurada de las riquezas de la Tierra y cambiar el modo de consumo. Yann Arthus-Bertrand, con sus imágenes inéditas de más de 50 países vistos desde el cielo, compartiendo con nosotros su capacidad de asombro y también sus preocupaciones, coloca, con esta película, una piedra en el edificio que tenemos que reconstruir, todos juntos. Miércoles 04 de abril 17:00 hrs.

“Planeta Tierra” DE POLO A POLO Serie “Planeta Tierra” BBC / 2006 Este programa, observa a nuestro planeta como un todo, considerando los factores clave que han perfilado la historia natural, como El sol, los en tiempo comprimido la fantástica transformación anual que generan los fluidos alrededor del mundo. En los Océanos, PLANETA TIERRA, se detiene a observar la captura de una foca por un tiburón Blanco Gigante. En sólo un segundo de acción de altísimo octanaje, detenido 40 veces, nos revela por primera vez en una filmación el poder y la técnica del amo depredador del océano. Miércoles 25 de abril 17:00 hrs. Domingo 29 de abril 16:00 hrs.

Domingo 08 de abril 16:00 hrs.

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Torre Blanca T

por Ruth Delgado

orreblanca surge como el proyecto solista de Juan Manuel Torreblanca hace aproximadamente 3 años, con su primer composición hecha a los 16 años, “Nunca acabo lo que empiezo”, este cantautor ya daba indicios de qué podíamos esperar de él, aún si el proyecto en si no existía. Con el pasar de los años y diversas composiciones en el bolsillo, dejó de ser un proyecto personal, para transformarse en el de un grupo de jóvenes talentos con hambre de hacer algo de calidad en una industria en donde lo comercial es lo que vende. Comenzando por sí solos, con “Defensa EP” y el apoyo de León Polar, en el último año esta banda no ha hecho más que hablar a los diferentes medios y personas a quienes les han visto, y es que Torreblanca es una banda que te encanta o te aburre, así de sencillo y sin complicaciones. Actualmente promocionan “Bella Época”, el más reciente material discográfico respaldado por la disquera de Arts & Crafts. Siendo éste el protagonista del ambicioso plan de “un track, un video” retando a la banda y a su círculo creativo a tratar de terminar todos los videos antes de que termine el año, contando con la colaboración de diversas bandas como: Mood Fu, La Banderville, Carla Morrison, entre muchos más, y permitiendo por primera vez el destape de Juan Manuel como director del más reciente video “Deje de ser yo”. Los recientemente teloneros de “Girls” en la Ciudad de México, se presentaron en el festival “72810” en donde compartieron escenario con Modest Mouse, Peter Murphy e infinidad de grandes artistas. No descartamos el SXSW ni los showcases importantes de “Ache” y “NACO”, así como su próxima presentación en donde se dará a conocer de manera oficial su disco.

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Una propuesta fresca e introspectiva Pero no todo es dulce para esta banda, la hiel y el mal sabor de boca también existen, ya sea de manera personal o grupal, crecer les ha traído buenos y malos ratos, hechos que se reflejan en “Bella Época”, un disco en donde podemos encontrar ese particular estilo de cada miembro de la banda, Jerson con esa batería indiscutiblemente exacta, Andrea Balency que con su voz y estilo toca fibras en la persona más insensible, Alejandro “El Tío”, quien con su técnica ,precisión y alegría, nos regala sonidos de viento que pocos concertistas logran, “El abuelo” que si bien es algo tímido, se debe reconocer que toca de manera excepcional el bajo, y por último pero no menos importante Juan, quien nos entre abre las puertas de su vida y en cada letra nos permite conocer un poco mas de ese ser vulnerable y arriesgado que hay en él, amalgamándose de tal modo, que logran una comunión de carácter personal, no sólo entre ellos, sino entre sus seguidores. Se ven muchos proyectos en la escena, pero la singularidad de esta banda radica en el talento, la sencillez, honestidad y personalidad que imprime la banda en cada acorde, impresión que hace pensar que León Polar y Quique Rangel, no pudieron equivocarse al apostar en ellos. Y que a uno como espectador no sólo le invita a cantar y bailar las canciones, sino a una reflexión de la misma, en donde la fórmula perfecta es la identificación del escucha con cada una de las letras. Así que sólo queda extender la invitación a que le escuchen, y claro, nos hagan saber qué opinan de esta banda, que hoy en día de la mano de muchas otras, esta robándose la escena en México.


acisúM pro Dr. Thock Dinwood

Para unas vacaciones jocosas y soleadas Revelation Rockers // Jah Praises EP La disquera inglesa Bristol Archive Records lanzó un álbum perdido de los Revelation Rockers, quienes más adelante se convertirían en Talismán, una banda bastante sonada durante los ochentas en el Reino Unido. Este material reúne lo que era el reggae de los setentas. Son cinco canciones que nos muestran el reflejo del contexto en la escena del reggae en Europa y que transmite una muy buena vibra.

The Roots Bongo Band // Leaders of Tomorrow Esta banda presenta una mezcla de culturas que los hacen imperdibles para estas fechas en las que algunos privilegiados pueden visitar las hermosas playas de nuestro país. Con guitarristas ingleses, bajista jamaiquino y una cantante alemán, hacen un sonido único y muy convincente. El título de su material debe ser interpretado desde la unión donde solamente así se podrá formar a los líderes del mañana.

SOJA (Soldiers of Jah Army) // Strength to Survive Una banda de los noventas que finalmente da el paso hacia un sonido más propositivo y potente con éste su cuarto material. Originarios de los Estados Unidos y activos desde 1997 evolucionan para presentarnos este material que reúne lo que se necesita para un momento de tranquilidad en esta época de vacaciones. SOJA te hará bailar, te hará pensar y te hará pasar un rato muy ameno en esta semanita de asueto.

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Manuel Rodríguez

“Opera For Absolution” Fotografía original y composite digital: de Manuel Rodríguez Modelo: Carlos Campillo Expo - Anatomia de las Almas - 2009

“Pause” Fotografía original y composite digital: Manuel Rodríguez Dirección: Manuel Rodríguez y Selene Bautista Imagen Finalista Photofest 2012

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aífargotof “Thirst” Fotografía original y composite digital: de Manuel Rodríguez Modelo: Carlota Mendoza Ágora - Expo Aniversario del Museo de la Ciudad - 2012

“Inner Make Up” Fotografía original y composite Digital: de Manuel Rodríguez Modelo: Kikys 1313 Expo - r.a.b.i.a - 2011

“Justine 4” Fotografía original y composite digital: de Manuel Rodríguez Dirección: Manuel Rodríguez y Selene Bautista. Modelo: Karla Zequineli Expo - r.a.b.i.a - 2011

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Tahar Ben Jelloun Un escritor de la paz.

por Gaby Zepeda

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scritor de origen árabe, nacido en Fez, Marruecos en 1944. Recibió la mayor parte de su educación de forma bilingüe, primero en francés y posteriormente en árabe. En 1966 fue mandado a un campo militar en Marruecos (este evento interrumpió sus estudios de filosofía) posteriormente, en 1968, fue liberado tras varias manifestaciones por parte de varios estudiantes reclusos. En ese mismo año, publicó su primer poema, titulado “ l’Aube des dalles” en la revista “ Souffles “, el cual fue escrito a escondidas durante su estancia en el campo disciplinario. En 1973 se volvió colaborador de Le Monde, en París, donde publicó su primer artículo, desde ese año, cambió su estilo de poesía a prosa, siendo “Los náufragos del amor”, “Papá ¿qué es el racismo?” y “Partir” de sus novelas más conocidas.

¿Por qué debes leer a Tahar Ben Jelloun? Este marroquí posee un estilo muy particular, y es que escribe sobre temas que son poco comunes y que en su mayoría son tabúes para la sociedad. Además abordar temas como la sexualidad femenina o la situación de la mujer desde una perspectiva novedosa y original. Este autor se caracteriza por su creatividad e imaginación gigantesca, literatura compleja que se expresa a través de narraciones de violencia erótica, la cual se aleja completamente de la novela

clásica, esto añade, además, el impedimento de seguir linealmente la interpretación de los hechos descritos durante el desarrollo de su obra. Por otro lado, este autor está comprometido con la difusión de la paz alrededor del mundo. En sus libros relata todas aquellas situaciones que no le gustan de su país y, al mismo tiempo, permite acercar y cultivar la riqueza cultural que caracteriza al medio Oriente y a aquellos países que son menospreciados, mostrando lo que tienen para ofrecer. En sus narraciones pueden captarse problemas fundamentales como la inmigración, racismo, odio y muerte. Una de sus obras más importantes es “Papá, ¿qué es el racismo?”, este es, tal como el título lo incita, un libro para pensar. El autor lo escribió para dar respuestas a las preguntas que su hija de diez años le hizo sobre el racismo. Responder a esto no es fácil, pero Jelloun lo explicó bien, porque sabe que los niños no son racistas, se hacen racistas si no se les ensaña que, por encima de cualquier diferencia, lo único que cuenta es que todos somos humanos y tenemos los mismos derechos. Ben Jelloun es uno de los escritores más comprometidos con la paz en Medio Oriente y en general con el mundo, a través de sus obras es que impulsa a la tolerancia. En 1987, año en el que fue ganador del Goncourt, y desde entonces, no ha parado de escribir y ofrecer buenas obras al público, las cuales han sido traducidas a varios idiomas, entre ellos el español. En este autor podrás encontrar relatos que sin duda te dejarán pensando, puesto que los temas que aborda abarcan una amplia gama de opciones tan diferentes entre sí que sin duda atraparan tu atención por horas.

Chimamanda Ngozi Adichie Un sinónimo de feminismo y fortaleza

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por Olivia Zavala

uando una mujer escribe acerca de política, siempre es tema de conversación. Pero cuando además es africana, proveniente de uno de los países con mayores antecedentes de represión contra las mujeres, como Nigeria; entonces no sólo se convierte en tema de conversación, sino de crítica y admiración. Chimamanda Ngozi Adichie, novelista Nigeriana, nació el 15 de septiembre de 1977 en la aldea de Abba, dentro de la etnia Igbo; a sólo siete años de terminada la guerra civil en Nigeria. Siendo la quinta hija de una secretaria universitaria y un profesor de estadística en la misma, creció en la casa que un día habitara el tan famoso escritor nigeriano, Chinua Achebe. Por lo que desde su nacimiento, Adichie estuvo marcada por el mundo de la literatura. Sin embargo, ella no se percataría de su destino como escritora hasta muchos años después.

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arútaretil Como muchos otros afortunados hijos de profesores universitarios nigerianos, Adichie obtuvo una beca para estudiar en los Estados Unidos, Comunicación y Ciencias Políticas a la edad de 19 años en la Universidad de Drexel, en Filadelfia. Para después estudiar escritura creativa en la Universidad de John Hopkins en Baltimore y estudios Africanos en la universidad de Yale. Desde sus comienzos, Adichie se ha caracterizado por representar en sus historias cortas y novelas, la problemática vivida en los años 60’s durante la guerra civil nigeriana; donde la mujer era una de las principales víctimas del gobierno, y donde la violencia y el temor eran el pan de cada día de los ciudadanos nigerianos. Como se explica anteriormente, Adichie no vivió en carne propia dichos acontecimientos. Sin embargo, su familia, sus tías y su madre, fueron personajes que han transmitido todo el dolor de aquellos días a Chimamanda, y que con esto se demuestra que todo lo acontecido en aquel tiempo, sigue presente en las nuevas generaciones de nigerianos. Adichie se ha encargado de dar voz a todos y cada uno de los ciudadanos atropellados por la lucha del poder en esa guerra, de dar un nombre a cada estudiante y mujer asesinada en esa ola de injusticia. Pero sobre todo, Adichie le ha dado libertad de expresión a los miles de nigerianos oprimidos por su gobierno. Y lo ha hecho al criticar al gobierno, a la lucha entre etnias, la represión contra la mujer e incluso el tan famoso sueño americano. En historias como Algo alrededor de tu cuello (The Thing Around your Neck) nos habla de las miles de mujeres nigerianas que vienen

a Estados Unidos en busca de un mejor futuro, con los sueños y esperanzas a flor de piel; pero en su lugar, se encuentran con una pérdida enorme de identidad y un país primermundista en racismo. Nos habla del sentimiento tan grande que es la impotencia de vivir en un país como Nigeria donde si naces en la etnia equivocada no vales nada, donde si criticas al gobierno, matan a tu hijo en frente de ti. Donde la palabra víctima adquiere un significado completamente diferente al de nosotros, el real. No es sorpresa que por esto y su fabulosa narrativa, haya sido acreedora del premio Orange Prize en ficción, por su novela Medio Sol Amarillo (Half of a Yellow Sun) en 2007. Donde en Inglaterra se convirtió en un favorito de los críticos y los lectores de literatura africana. El título viene del medio sol que aparece en la bandera Biafrana, nombre que tomó la región sudoriental de Nigeria después de declarar su independencia en 1967. Pero que sólo duraría unos cuantos años como estado. Supongo que por todo esto, mi maestra en Ficción nos hizo leer cada historia escrita por ella en el mes dedicado a la historia africano-americana. Pero sobre todo, por la maravillosa forma que tiene esta escritora de dar fuerza, valor y voz a cada miembro oprimido en su país. Es por eso, que no sólo esta mujer se merece el respeto que tiene por los críticos, también por todos los lectores que vivimos en países donde la libertad de expresión es un concepto y no una realidad. OZ.

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ri o Li te ra o ci Es pa

Todo antes de la noche Acompañe su lectura con: “Breakind the silence and Light Years” de Richard Barbieri del álbum T’AI. por Benjamín Ortega

La siguiente reflexión surgió a partir de la lectura de un sutil poema de la poetisa mexicana Jeannette L. Clariond, en su obra Todo antes de la noche (2003):

La nieve o el halcón entregan su silencio a la rama desnuda. Entregar el silencio. ¿Cómo es posible donar el silencio? ¿Rendirse ante qué o quién? ¿Es un abandonarse a la mejor merced que solo la quietud del silencio ofrece? Si la nieve o el halcón lo hacen sin prenda alguna hacia un ser que está desnudo, cómo lo haría el ser humano. Antes de responder la ontológica interpelación, debemos destacar la desnudez y el silencio que interactúan en el poema. La nieve y el halcón posan con su silencio sobre la desnudez de un árbol mudo que sólo hablará cuando el sol derrita la nieve o el viento bata su secas ramas. Ahora bien, el ser humano capaz de dar la muerte, la dicha, la vida, de qué manera podría entregar su silencio para sí y para el otro. ¿Cómo sería capaz de esto si lo que impera es la estridencia? ¿Cuál sería nuestra reacción si alguien nos pidiera que le diéramos parte de nuestro silencio? ¿Permitiéndole al otro expresarse mientras callamos? No, eso representaría un mero formalismo de buenas maneras

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que bien se pueden fingir para obtener un fin (in) mediato. Dar el silencio es compartir la quietud de nuestro Ser, ya que dar el silencio no es estar sin palabras, mucho menos enajenado de manera negativa. Cualquiera puede entrar-en-silencio ante el horror o la belleza. Por ejemplo, la mirada contemplativa de nuestro perro (ser-canino), de lenguaje mudo concentrado al vernos; el silencio de los girasoles cautivados por el fulgor solar; la mudez reflexiva del preso a la expectativa de que una soga le romperá la voz más que el cuello; la solitaria plegaria no correspondida del creyente al orar en voz baja, entre muchos silencios. Finalmente, si nos entregáramos al y en silencio a todos los objetos que anónimos nos observan, entonces, como apuntó el poeta británico William Blake, cada cosa aparecería ante nosotros como es: infinita, y solo así, comenzaríamos a nombrar.


arútaretil

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B r eve l e c t u r a d e Barthleby el escribiente.

Por Nicolas Ruiz

omencemos en algún punto: con la escritura. En la escritura, con la escritura de los escribientes. Esta escritura que no es – que no

puede ser- una escritura “singular”. En la copia sólo el error, lo que se desacredita en la misma profesión, es singular. Sólo ese error, sólo esto que no está permitido, esto que es el máximo atentado contra el arte -¿artesanía?- de la reproducción perfecta, puede identificar un mínimo rasgo errante, significante, de singularidad en la escritura. Si el acto de escribir es un acto que implica la afirmación subjetiva, la escritura de los escribientes es la escritura entrenada para ser distintivamente impersonal. Es la escritura de lo mismo, el paraje de la escritura del cual está expulsada la identificación, es decir, la diferencia. El copista escribe sin que su escritura pueda de ninguna manera afirmarlo, perpetuarlo, recordarlo: su escritura es el lugar en dónde procede a borrarse. Un escribiente rehusó desaparecer y en la diferencia perpetuó la incomodidad de su extraño vacío. En la inmovilidad se plasmó frente al aplastante engranaje de la vida funcional de un mundo que busca lógica. Hablamos, claro, de Barthleby en Barthleby el escribiente de Herman Melville. El narrador, en Barthleby, plantea a la escritura -a esta otra escritura: la escritura literaria- como la manera en que merecen ser recuperadas las vidas de estas personas que se olvidan detrás de las letras muertas de la copia. El narrador propone la “recuperación” de la vida de los escribientes por merecimiento. Implica: la vida de estos hombres merece ser escrita. Ahora bien, si la vida de estos copistas merece ser escrita es porque son interesantes y singulares –an interesting and somewhat singular set of men-. De la voz del narrador, estas dos características, si se quiere, irrelevantes, incluso perniciosas, para su profesión, son las premisas que los hacen merecedores de literatura, de escritura literaria. Si el tener vidas singulares les permitiría a los escribientes penetrar en este lugar literario, en esta materia acogedora que los había condenado al olvido, esto es, únicamente, a través de una jerarquía. El narrador habla de historias, vidas singulares, pues de eso se trata, que cambiaría por otras o, en la ocurrencia, por retazos de una sola. Si, para los escribientes, existe una jerarquía en su profesión, es la que dicta la superioridad de la no-singularidad, del más perfecto anonimato, de la no-distinción. Si existe aquí una jerarquía en la forma en que serán “recuperados”, esta sería la que dicta la superioridad, en oposición, de la singularidad, de la distinción. Por un movimiento de revés intrigante, los escribientes, cuya materia es la escritura se convierten en materia de escritura. ¿Qué es, específicamente, si de eso se trata, esta materia de escritura? ¿Cómo la caracteriza el narrador? Como vida, como lo verídico, lo empíricamente comprobado, lo visto, lo escuchado de fuente confiable… Todo cuanto pueda ser, hasta algún punto, verificable como suceso, aparece en el texto, por el narrador, como la materia prima de la escritura literaria. ¿Pero no podemos ver nosotros, frente al narrador, un valor completamente opuesto en la literatura? ¿No podría parecernos la literatura más que un amontonamiento de datos? ¿No es esta misma incomprensión la que fundaría el valor literario en vez de destruirlo? Al negarse Bartleby a escribir, se desplaza, como escribiente, de la región de lo mismo –de la copia- por la singularidad misteriosa, poderosamente significante de lo no-dicho, a la polisemia, a lo incompleto, a los intersticios en la escritura que se teje alrededor de él, a la literatura. Si Bartleby rechaza una genealogía, rechaza una historia, se revela contra la psicología; si Bartleby, como escribiente, borra sus huellas del texto, abre, en un mismo movimiento la posibilidad a la lectura. Al proseguir su tarea de escribiente sobre la narración, es decir, al difuminarse de lo certero, al mantener esta distancia requerida de la explicación, de la lectura unilateral, Bartleby permite –y ya hablamos de él no como personaje sino como ente de intersticios que perfora limites- una abrumadora potencialidad de significados. La búsqueda de certezas del narrador, búsqueda que pierde de antemano por el método, por la prudencia, por la voluntad de completar, se perpetuará en la apertura –abismo, espacio- del texto. Búsqueda que ya no persigue al significado sino a significados. Lo incompleto en los sucesos –verificables o no, ¿importa?-, lo incompleto en la biografía hacen de este texto no el mero experimento antropológico de lo extraño sino una obra literaria a raja tabla en los posibles significados que se abren a la marea anónima de infinitos lectores. Melville crea un espacio limítrofe, una extraña frontera en donde se nos permite discutir literatura con los seres literarios. Hablamos de interpretación con el narrador, interrogamos a los personajes. El autor nos confronta a lo incompleto, lacónico de su texto con una visión opuesta: la premisa que dicta que toda literatura debe de ser completa, debe de significar coherentemente, no dejar huecos, cerrarse sobre si misma. El interés de Barthleby –como personaje y como cuento- reside en los espacios abiertos a la interpretación, en la no consecución de cadenas lógicas, en la falta de causa y consecuencia, en lo inexplicable. Barthleby finalmente se realiza y se seguirá realizando en lo que no es. Recordando al dubitativo narrador, no puede haber pérdida para la literatura: todo vacío, todo intersticio, todo llano, toda terre gaste, es ganancia, es valor literario. Y si la palabra no termina por agradar, deformémosla: es incentivo de valentía literaria, posibilidad de pérdida, de yerro, de apuesta, juego y riesgo…. ¡Porque no hay Bartleby, hay literatura!

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aígoloncet

Prepárense para el nuevo portátil: Playstation Vita ® por Samuel Borbolla

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l año pasado muchos gamers pudimos ver el lanzamiento del dispositivo en tierras niponas y unos quedaron pasmados, otros quedamos escépticos. No es nuevo que las versiones Japonesas Vs. las versiones americanas traen más punch, y es algo con lo que más veces no esperamos encontrarnos cuando nos muestran un video del nuevo lanzamiento de X o Y gadget en Japón. Sin embargo, la versión americana no se siente para nada degradada y según los resultados de pruebas de sitios como engadget.com y gizmodo. com, lo que en papel promete, el Vita cumple. La interfaz general es caracterizada por parecerse muchísimo a un control de PS3, los dos sticks de control en la parte de debajo de cada lado, un D-Pad en la parte superior izquierda, el clásico ∆□XO en la parte superior derecha y dos bumpers idénticos a los del PSP en el borde superior, con botón de inicio en el lado inferior izquierdo. Lo que está fuera de esperarse es un pad en la parte trasera sensible al tacto; como si hubieran tomado un trackpad de una laptop y lo hubieran puesto ahí. Los movimientos de los dedos pueden acercar o alejar una imagen. Esto le permite al jugador más interacción con los juegos ofrecidos y una experiencia donde ningún espacio se queda sin usar.

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Después la experiencia de usar la Vita para lo que fue diseñada: jugar. Gracias a su pantalla de 5 pulgadas con tecnología OLED de 16 millones de colores, la resolución ofrecida por la sucesora del PSP, le da un quien vive a su más próximo competidor: el Nintendo DS. La interfaz en los juegos se siente fluida, con uno que otro tope en cuanto a la capacidad de respuesta al tratar de asimilar movimientos muy rápidos o zoom excesivo, pero en general ofrece una experiencia no vista hasta ahora. Otro de los factores que garantizarán su gran éxito o su fracaso es la oferta de juegos, y Sony lo sabe tan bien que ha lanzado un catálogo de casi 100 juegos listos para su descarga o compra desde la PlayStation Store o en un distribuidor de videojuegos. Por último, lo más importante para los gamers con presupuesto limitado es el precio. El PS Vita se vende en EE.UU por $249 USD para la versión sin 3G y $300 USD para la versión con 3G. El precio en México podrá estar entre los $3,000 y $4,000 pesos respectivamente, claro que no me comprometo a firmárselos pero es un aproximado para que vayan rompiendo sus pobres cochinitos.


Babel No. 9 Abril 2012  

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