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ENTREVISTA

luke netflix cage un recorrido a la nueva serie de

Recién llegada Luke Cage, la nueva serie de Netflix/Marvel dialogamos con el productor Ryan DeGard, el diseñador de producción Loren Weeks y la directora de arte Toni Barton para adentrarnos en el mundo del nuevo héroe interpretado por Mike Colter. Además de las entrevistas exclusivas, van a poder leer el relato en primera persona de la directora de arte y un texto exclusivo de Loren Weeks sobre los decorados con fotos nunca vistas.


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Jeff Howard : nos presenta la ouija Somnia, Oculus, Ouija: El origen del mal… todos estos nuevos films de terror tienen en común al guionista Jeff Howard, que este mes estrena Ouija: El origen del mal. En esta entrevista nos presenta el film y recuerda el trabajo en Somnia.

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preacher: 1º TEMPORADA El prestigioso diseñador de producción Dave Blass estuvo a cargo del arte en Preacher al igual que en Constantine, y en esta entrevista en exclusiva hacemos un recorrido al diseño de la primera temporada en pleno final con gran aceptación del público y ya anticipando una segunda temporada.

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David Cormican y su visión de Shadowhunters En este especial sobre series, Revista 16:9 dialogó a solas con el productor David Cormican y realizamos una retrospectiva a la primera temporada de Shadowhunters desde la visión de David.

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Michael Nankin nos adelanta Van Helsing Michael Nankin es productor, director, guionista, y nos presenta la nueva serie Van Helsing en un mano a mano. Actualmente también se encuentra trabajando en la serie El exorcista, de Fox.

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retrospectiva: los 7 magníficos Derek Hill Con gran aceptación del público y un gran elenco llegó el último film de Antoine Fuqua, en Revista 16:9 te invitamos a una retrospectiva de Los Siete Magníficos de la mano de su diseñador de producción.

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ted Nicolaou Ted Nicolau es director de cine y fue el encargado de llevar adelante películas como Subespecies, TerrorVision, El amo del Calabozo, entre otras. En este especial Halloween de Revista 16:9 recorremos su trayectoria en el cine clase B y terror con una entrevista exclusiva sobre la mítica Subespecies.


EL REY LEÓN TENDRÁ SU VERSIÓN LIVE ACTION

Esta es una gran noticia para los amantes de las películas Disney, luego de la seguidilla de estrenos Live Action que comenzó con Maléfica, La cenicienta, El libro de la selva y en la espera de La bella y la bestia se confirmó que veremos El rey Leon, en la cual veremos a Jon Favreau en la silla del director.

dragon ball super tendrá doblaje en latino En una entrevista publicada en el canal de youtube Esto es Combo, el actor Mario Castañeda confirmó que ya ha hablado con Toei Animation sobre el doblaje de Dragon Ball Super en Latinoamérica. Con respecto a los planes de la compañía para la serie, Castañeda ha afirmado que Toei tiene intenciones de estrenar la etapa Super una vez que se haya terminado de transmitir la saga de Majin Buu de Dragon Ball Kai (recientemente doblada por el reparto original, Castañeda incluido). Sin embargo, por el momento aún no hay planes para el estreno de esta última tanda de episodios de Kai, por lo que todavía queda bastante por esperar hasta que llegue el doblaje de la siguiente serie. Por otro lado, la voz de Goku también ha comentado que para esta nueva serie, también regresarán todas las voces originales. Por lo que, pese a la espera, podremos estar tranquilos de que se mantendrá la calidad de doblaje vista en las últimas películas y, por supuesto, en la serie original.

novedades

octubre 2016


the strain tendrá su final

star wars llega a

netflix Netflix ha anunciado una noticia que emociona a todos los que somos fanáticos del universo creado por George Lucas: en octubre se estrenarán todas las películas (excepto el episodio VII), series y documentales de STAR WARS. Hasta el momento, el servicio streaming solo poseía la primera película de la franquicia (A New Hope, de 1977), pero desde el 2 de octubre todo esto cambiará. Las películas que podremos encontrar son todas las que conforman las dos primeras trilogías de la saga (desde Episodio I al Episodio VI, es decir, desde La Amenaza Fantasma hasta Retorno del Jedi). Por otro lado, en cuanto a series, tendremos “The Clone Wars” (incluyendo la película), “Rebels” y el especial de TV “Phineas y Ferb: Star Wars“. En cuanto a los documentales, podremos ver “Empire of Dreams: The Story of the Star Wars Trilogy“, “Science of Star Wars: Season 1” y “Star Wars: The Legacy Revealed“.

FX Networks anunció que la cuarta temporada de The Strain será la última. El final llegará durante nuestro próximo invierno, en 2017. "Tenemos nuestro más sincero agradecimiento a Carlton Cuse, Guillermo del Toro, Chuck Hogan y su equipo creativo, así como al genial elenco, por tres temporadas emocionantes de The Strain comentó Nick Grad, presidente de la programación original de la cadena FX-. Aunque nos pone tristes verla irse, apoyamos la manera en la que están construyendo la conclusión dramática de la cuarta temporada." La tercera temporada del show estrenó el pasado 28 de agosto en USA y se espera que termine justo para Noche de Brujas, el 30 del próximo mes.


ESTRENO Miss Peregrine y

Cuando el querido abuelo de Jake extiende por diferentes mundos mágico conocido como el Hogar de Pero el misterio y el peligro se pro residentes y aprende acerca de sus enemigos.

La ultima fiesta Alan (Nico Vázquez), Dante (Alan Sabbagh) y Pedro (Benjamín Amadeo) son tres amigos inseparables que crecieron juntos desde muy pequeños. Uno de ellos termina una larga relación con su novia y queda amorosamente desconsolado. Sus dos amigos deciden levantarle el ánimo organizando una megafiesta descontrolada. La fiesta será un éxito salvo por un detalle; la casa había sido prestada por un hombre muy peligroso, y en medio del desenfreno y descontrol, se roban un cuadro muy importante, de alto valor económico. Los amigos deberán recuperar la obra de arte viviendo tres días delirantes, donde pasarán por situaciones desopilantes, y sus vidas correrán verdadero peligro, viviendo una experiencia única e irrepetible. Sexo, amistad y adrenalina los acompañarán durante la aventura.

Trolls Poppy, la líder optimista de Trolls, y su polo opuesto, Ramón: este improbable par de trolls debe embarcarse en una aventura que les llevará mucho más allá del único mundo que han conocido.

El co

Christian Wolff dinario. Un con dades únicas y podrá descifra estafas ocultas contabilidad d clientes.


OS

Jack Reacher Sin regreso Jack Reacher regresa a la oficina central de su vieja Unidad, pero descubre que ahora ha sido acusado por el asesinato de un joven de 16 años.

los niños peculiares

le deja las pistas de un misterio que se y tiempos, Jake encuentra un lugar e Miss Peregrine para Niños Peculiares. ofundizan cuando llega a conocer a los s poderes especiales... y sus poderosos

ontador

es un ser extraorntador con habiliy particulares que ar una red de s en los libros de de un grupo de

Inferno Ouija El origen del mal En Ouija, un grupo de amigos tiene que enfrentarse a sus miedos más aterradores cuando despiertan los poderes oscuros de un conjunto de espíritus antiguos. Stiles White dirige este thriller sobrenatural.

Tom Hanks, ganador de un Premio de la Academia®, retoma su papel como Robert Langdon en la nueva novela del autor de “El código Da Vinci”, Dan Brown. Inferno continúa las aventuras del experto en simbología de Harvard: Robert Langdon despierta en un hospital italiano con amnesia, por lo cual debe hacer equipo con la doctora Sienna Brooks, esperando que ella le ayude a recuperar su memoria y a evitar que un demente libere una plaga global relacionada con el “Inferno” de Dante.


las 50 sombras más oscuras las veremos en febrero

La película secuela de 50 sombras de Grey llegara como estreno mundial en el mes de Febrero del próximo año, hace un mes tuvimos un tráiler para todas las fans que esperan la secuela que vuelve a tener como protagonistas a Dakota Johnson como Anastasia Rose y a Jamie Dornan como Christian Grey. La novedad en cuanto al elenco, es que se suma Kim Basinger, sin dudas una de las grandes actrices de Hollywood

PROXIMAMENTE

Intimidada por los oscuros secretos del atractivo, joven y atormentado empresario Christian Grey, Anastasia Steele decide romper con él y embarcarse en su carrera profesional después de ser contratada en una editorial de Seattle. Pero el deseo por Christian todavía domina cada uno de sus pensamientos, y cuando finalmente él le propone retomar su aventura con nuevos parámetros para los dos, Ana no puede resistirse. Reanudan entonces su tórrida y sensual relación, pero mientras Christian lucha contra sus propios demonios del pasado y se da cuenta que realmente está enamorado de Anastasia, Ana debe enfrentarse a la ira y la envidia de las mujeres que la precedieron sin darle tiempo siquiera de asimilar todo lo que le acontece y tomar la decisión más importante de su vida y los cambios que esto implica, su compromiso con Christian Grey.


ENTREVISTA

Ho


El guionista

Jeff oward nos presenta

El origen del Mal

Somnia, Oculus, Ouija: El origen del mal‌ todos estos nuevos films de terror tienen en común al guionista Jeff Howard, que este mes estrena Ouija: El origen del mal. En esta entrevista nos presenta el film y recuerda el trabajo en Somnia.

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En primera instancia ¿Cómo fue el trabajo con la escritura de Somnia: Antes de despertar? Al guion lo llamamos directamente Somnia y de mi parte siempre ha sido mi favorito. Estamos orgullosos de que llamen al trabajo como algo que "elevo al género", y si algo merece ese título es esta película.

¿Cómo fue el trabajo con el director Mike Flanagan? Mike Flanagan es un gran escritor, un director dotado y un genio de la edicion. Si ve su nombre en algo, le aseguro que valdrá la pena el precio de la entrada.

Este mes llega Ouija: El origen del mal ¿Qué nos podes adelantar de la película? Ouija 2 es una película muy rara. Una secuela que supera al original, una película de terror que entrega susto tras susto, y un jugueteo entretenido-agradable. Fácilmente lo más "divertido" que hemos escrito, sin perder la oscuridad.

¿Cómo fue el desarrollo del guion?

revista 16:9

Tuvimos un gran momento de escritura con el guion, y creo que se nota en la pantalla.

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La gente en Blumhouse y Platinum Dunes son exactamente de la forma en que siempre esperé que sean los ejecutivos. Les encanta el cine, reciben lo que uno hace, tienen opiniones inteligentes y todos ellos tienen un gusto similar.

¿Cuál es el espíritu de la película? Es una historia familiar con mucho corazón, sobre la pérdida y tratar de seguir adelante. Pero debido a que el protagonista es un joven de 16 años de edad, también es divertida, dulce, romántica y de mucho miedo.


¿Cómo trabajaron el horror y el suspenso en la historia? La idea con Ouija: El origen del mal es que debía entregar escalofríos constantes y ser divertida para el público, que espera tener miedo. He visto la película con audiencia un par de veces hasta ahora, y es divertido ver las reacciones, especialmente con el final de la película.

¿Cómo ves el traslado del guión a la pantalla? ¿Cómo ves la evolución entre Ouija 1 y 2? Como películas que comparten un mismo universo, hay muchas historias diferentes en muchas épocas diferentes que se pueden contar sobre la ouija que todavía opera bajo la misma mitología básica. Espero que sigan la serie y que cada película sea diferente, pero aun así hay hilos que las unen.

¿Qué cosa te gusta del nuevo film? Principalmente que si la idea es ir al cine para disfrutar, y entretenerse, Ouija es perfecta.

Desde tu punto de vista ¿Cómo ves al elenco? Mike Flanagan como director tiene mucho, mucho más que nadie que ver con el trabajo con el elenco. Pero como observador en el set y como co-escritor de Mike, este reparto es perfecto para esta historia. La película reúne con el gran Mike a Annalise Basso, que interpretó a la joven Kaylie en Oculus, y es la parte de anclaje en Ouija: El Origen del Mal. Espero que Annalise se convierta en el De Niro de Scorsese, de Flanagan, y hagan películas juntos a lo largo de los años. Elizabeth Reaser y Henry Thomas ambos traen autoridad, calma y encanto, y Lulu Wilson es demasiado dulce pero es capaz de hacer tales caras de miedo.

Con Mike Flanagan los guiones siempre se mejoran durante la producción. Él tiene una afinidad particular para trabajar con niños o actores adolescentes, y la captura de esos pequeños momentos reales que resuenan. Creo que mi experiencia con la escritura también es diferente de muchos otros, porque escribo constantemente con el director. Así que he tenido la suerte de ver como los guiones cobran vida casi exactamente como fueron escritos.

¿Cuáles fueron los desafíos en la película? El mayor reto de esta película fue la superación de las percepciones de la primera película. Lo que mucha gente no sabe es que hay muchos cocineros en estas cocinas, estamos dentro de una mitología haciendo algo nuevo, aterrador y entretenido. Para Mike y para mí, las películas siempre comienzan con las personas que nos interesan, por lo que la idea fue contar una historia familiar a la que le pasa algo muy malo.

Por ultimo ¿Es cierto el rumor de que estás trabajando en una nueva entrega de Se lo que hicieron el verano pasado? Mike y yo hemos escrito Se lo que hicieron el verano pasado para el productor Neal Moritz y su ejecutivo Toby Ascher. Eran, literalmente, los productores más implicados con los que hemos trabajado, y todos disfrutamos tanto que ahora estamos trabajando en otra cosa juntos. Creo que están encantados con lo que tienen, puede que no sea la película que todo el mundo podría estar esperando, pero eso es en parte lo que lo hace tan satisfactorio. revista 16:9

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un RECORRIDO por la

PRIMERA TEMPORADA

Dave Blass

El prestigioso diseñador de producción estuvo a cargo del arte en Preacher al igual que en Constantine, y en esta entrevista en exclusiva hacemos un recorrido al diseño de la primera temporada en pleno final con gran aceptación del público y ya anticipando una segunda temporada.

ENTREVISTA


Dave en cuanto al proceso artístico ¿Cómo fue el trabajo de arte con Preacher? Mi proceso con cualquier proyecto es comenzar con el guion. En el caso de algo así como Preacher o mi serie anterior Constantine, tengo la oportunidad de leer el material de origen con los comics. Muy rara vez los comics y el espectáculo final son de la misma manera, pero se puede tener una idea del tono y de los fans sobre el proyecto. Esto también me da algunas oportunidades para añadir famosos "Huevos de Pascua", de los cómics en el espectáculo. Preacher no es realmente una serie de súper héroes, así que no hay tantas oportunidades para empatar con otros espectáculos de DC o Vértigo, pero puede ser un guiño a Constantine ya que algunas ediciones también fueron escritas por Garth Ennis, con el arte de Steve Dillon y Glenn Fabry

¿Cómo fue el trabajo con el equipo en la serie? Pude reunirme con mi director de arte Mark Zuelzke, quien me ayudó a diseñar el piloto de la serie "Quantico", era el único miembro del equipo con quien había trabajado antes. Este fue mi segundo espectáculo en Nuevo México, y por desgracia la tripulación que utilicé en Longmire ya estaba de nuevo en ese programa, así que tuve que traer un nuevo equipo. Cuando estaba haciendo Longmire aquí en la ciudad, estaban filmando Jane Got a Gun (La Venganza de Jane) y fui capaz de ver algo de la hermosa decoración realizada por Edward McLoughlin y su equipo. Era una persona con la que tenía mucha esperanza de trabajar en algún momento y esto fue una gran oportunidad. Bill Holmquist fue otro gran descubrimiento. Bill ha sido coordinador de construcción en algunas grandes películas. Cuando miraba sus trabajos se remontan a Tombstone hasta la más recientemente Día de la Independencia 2, sabía que podía construir cualquier cosa que mi mente pudiera crear. Lo que él y su equipo llevan a cabo no es nada menos que un milagro. La nueva iglesia estaba lista para grabar en sólo 23 días, esto fue en Nuevo México durante el invierno en el desierto, que era tan frío incluso tuvimos nieve en varios días. Todo el equipo de Nuevo México fue fenomenal

¿Cuál es la esencia de Preacher? Preacher es realmente una misión. Es una búsqueda de Dios y la búsqueda de respuestas, qué gran premisa, Dios ha dejado el cielo y nuestro héroe se va a seguirle la pista. En realidad no es una serie de "bien contra el mal", porque la fibra moral de todo el mundo está más en el gris. Nadie es realmente bueno o malo, es un poco de ambos. Creo que también es una búsqueda de los personajes para encontrar el bien en sí mismos, o el equilibrio. Creo que es un tema que resuena en la gente. Sam Catlin fue gran parte del equipo creativo de Breaking Bad, y creo que hay temas similares allí. Walter White, era un individuo moralmente corrupto. Él era malo, pero los malos eran peores, por lo que hay mucho de eso en Preacher.


¿Cómo fue el trabajo con Marcos Zuelzke, el director de arte?

¿Cómo fue el concepto para trabajar el diseño y el arte? Para Preacher realmente quería traer a la vida los diseños de Steve Dillon y Glenn Fabry. La inspiración estaba allí. Empecé con el diseño de la Iglesia, traté de capturar ese cartel de Fabry desde la primera edición. Tomé el reloj que se muestra en su sorprendente pintura, y lo cambié a un vitral que fue segmentado en un patrón radial con el fin de imitar la apariencia del reloj. Me gustó el elemento de reloj, pero los relojes y las series de televisión son una mala combinación. Tienes que estar constantemente retrocediendo en el tiempo para cada re-toma de la escena. Es una pesadilla. Además, el centro de la ventana tenía una sensación de "Ojo de Sauron" que me gustaba. El ojo de Dios mirando hacia abajo y, juzgando a Jesse en su búsqueda.

¿Cómo trabajaste los personajes y las localizaciones?

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Trato de hablar con los actores en la serie tanto como es posible. Para hacerles saber cómo pensaba su personaje cuando diseñaba el decorado, y por supuesto también para hacerles saber que celebraba su entrada. Ellos viven con sus personajes cada día, y nadie los conoce mejor. Yo era un gran fan de Dominic Cooper, de su trabajo como Howard Stark en las películas de Marvel. Él tiene una energía increíble que aportó a la serie. Un domingo estábamos todos ensayando una gran escena de lucha, Dominic estaba agotado y acababa de regresar de la premier en el South By Southwest y estaba allí tirando una toma detrás de otra para elaborar la coreografía con nuestro coordinador de dobles John Koyama. Simplemente increíble ver a los actores apasionados. Todo el elenco es así.

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Marcos Zuelzke y yo tuvimos una gran experiencia de trabajo en Quantico, y por suerte él estaba disponible cuando surgió esta serie. Con el presupuesto ajustado, sólo fue capaz de llevar a una persona a Nuevo México, y Mark fue la elección perfecta. En mi caso hago todos mis propios diseños en 3D con SketchUp, Thea y otros programas. Por eso, cuando he terminado, y está bastante bien diseñado, trabajo para convertirlo en un conjunto práctico. Coordinamos sobre cómo las cosas deben ser construidas o cómo se pueden programar. Él es básicamente la lógica y la sabiduría a mi locura de diseño, por lo que es una buena combinación. Él tiene la capacidad de tomar un esbozo en servilleta, obtener el sentido de mis ideas y convertirlas en realidad... impresionante.

En relación al comic ¿Cuál es tu análisis? Los temas de los cómics son grandes, pero a veces los fans quieren que nos permitamos traducir cada cuadro. Eso no solo que no es sólo posible, también hay limitaciones presupuestarias, o simplemente la idea de diseñar el "cielo" en una serie. Surgió en un momento dado, de hacer una escena "cielo", y en nuestro horario de siete días, literalmente, tendría que haber creado el cielo y la tierra en siete días. Hubiera sido muy bueno para mi ego.

¿Cómo viviste la preproducción y producción en el set? A diferencia de una película, la televisión es una mezcla constante de preproducción y de grabación o de producción. En cualquier momento puedo estar trabajando en un máximo de tres episodios a la vez.


¿Cómo fue el trabajo con el cómic y el guión?

A menudo tenemos dos directores diferentes con tiros de dos escenas diferentes en un solo día, y un tercer director en el modo de preproducción de la elaboración de diseños del próximo episodio. Así que es un acto de malabarismo para ser honesto. Hay que ser bueno en la multitarea, la comunicación, las ideas y los diseños deben ir a todo el equipo muy rápidamente. En Preacher, Seth Rogen y Evan Goldberg dirigieron dos episodios cada uno y Michael Slovis hizo otros dos, lo que deja a otros seis directores que entran en un nuevo espectáculo y aumenta su nivel de velocidad, en "nuestro mundo" es siempre un reto. Pero hemos tenido algunos directores increíbles y realmente eso llevó al programa a un nuevo nivel.

¿Cómo fue el trabajo con los villanos y el suspenso? Nuestro principal villano, si puedo llamarlo así es Odin Quincannon interpretado por Jackie Earl Hayley. Él es uno de esos actores de carácter épico que eleva a todos los espectáculos en que se encuentra. He sido un gran fan de Breaking Away junto a su retrato de Roreshack en Watchmen y y puedes ver la gama increíble que tiene como actor. Odin es fanático de los cómics, y es extremadamente exagerado. Lleva el mal trenzado a un nuevo nivel. Lo bueno de Jackie es que él no actúa como una broma, es tan sutil que el público realmente cree que es su carácter y motivaciones. Traté de mantener algunos elementos de la obra de Steve Dillon como la oficina de Odin, que tiene la misma silla roja con respaldo alto. La oficina es excesivamente grande, con casi nada en ella, mostrando que este tipo es tan importante y realmente no hace nada. Este conjunto fue realmente un triunfo por nuestro director de fotografía John Grillo, ya que habíamos hablado de ella y se iluminó como la oficina de Tyrell en Blade Runner con ejes masivos de luz. Hay una mirada que combina a los hermanos Cohen y Ridley Scott, se trata de un delicado equilibrio, y este decorado golpeó ese tono justo.

El guión es el guión y el cómic es el cómic. Creo que ves cualquier espectáculo con esto en mente. Antes, cuando yo estaba trabajando en Justified, en el episodio piloto el personaje Boyd Crowder murió, al igual que en el libro. Pero, cuando la red y todo el mundo vieron la actuación de Walton Goggins, la química entre él y Tim Olyphant, todos sabían que Boyd no podía morir. Si miran el piloto, se le disparó en el pecho de 6 pies de distancia con el arma más mortal. Elmore Leonard regresó, escribió un final y en ese libro Boyd fue traído de vuelta a la vida, por lo que llegó al punto de partida. Los cómics son aún más difíciles ya que realmente no se puede traducir directamente desde la página. La mente esta en las tramas y uno se imagina las cosas que no se dibujan o escriben. Cuando se trata de Dios, los ángeles, y otros elementos hay que utilizar las mejores herramientas a su disposición para contar la historia. Nosotros estábamos creando un mundo creíble en donde podrían existir estos personajes, y el espectador tenía que creerlo. Tienes ángeles, un vampiro, y Jesse con el Génesis, por lo que es una cosa difícil de equilibrar.

Para terminar ¿Cuál es la diferencia entre Preacher y Constantine? A pesar de que Constantine y Preacher son ambos cómics de Vertigo y se ocupan del cielo, Dios y la búsqueda de ese equilibrio, son muy diferentes. Con Preacher estamos mucho más conectados a tierra, que es realmente el foco. No es extraño en Constantine cuando un demonio ataca a alguien. Con Preacher, la idea de los Ángeles, y el Cielo debe ser real, y es un descubrimiento. ¿Cómo se le dice a alguien que es un vampiro? O si lo dicen ¿Van a creerle? Creo que eso es lo importante de este programa para que funcione. Mis diseños no pueden ser demasiado, sobre la parte superior del cielo, del que no se puede creer que existieran, pero al mismo tiempo no pueden ser demasiado aburridos. Que el público tenga la sensación de que están en una aventura única donde lo extraño e inusual puede y va a pasar.


Ryan Degard

Su visión del show como Productor

Ryan en primer lugar, Cuando te llego el guion de Luke Cage ¿Cuál fue tu punto de vista? Luke Cage era un guión interesante de leer. Lo bueno de la televisión que produce Marvel es que de espectáculo en espectáculo no podes esperar ver nada similar. Cada personaje ofrece una perspectiva única. Viendo el universo Marvel a través de esa “lente” es siempre un proceso emocionante para vivir.

¿Cómo fue el trabajo con el equipo en la serie? De arriba a abajo todos los involucrados con la serie estaban comprometidos con entregar algo excepcional. Marvel tiene un lugar único en el estado actual del entretenimiento. Como espectador hemos llegado a esperar la excelencia de cualquier cosa que tenga el nombre Marvel en él y el objetivo es cumplir esa promesa. El reparto, los productores, el equipo técnico, todos los involucrados quieren asegurarse de que al final del día, cuando te sumerjas en esta serie de Netflix, se sienta algo fresco, algo emocionante, algo que haga honor al nombre Marvel, y algo que todo junto sea entretenido.

¿Cómo ves el cómic? ¿Cómo fue el trabajo con el guion y el cómic para crear la serie?

revista 16:9

El cómic original fue innovador por su tiempo. El primer superhéroe de color real. Definitivamente queríamos honrar esa herencia. Se utilizó el cómic para inspirar y ayudar a crear el lienzo sobre el cual pintaríamos. Creo que los espectadores que son fans de los cómics van a ver un montón de referencias al viejo comic con un montón de guiños a las bases que sentaron el terreno para que nosotros podamos llegar a este punto. Si bien queremos ofrecer algo interesante y verdadero al mundo Marvel está creado en la línea de Netflix, también sabemos que el cómic es nuestra fuente de inspiración.

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¿Cómo ves la evolución de esta primera temporada? Creo que como cualquier programa hasta ahora de Marvel/Netflix realmente nos tomamos nuestro tiempo tratando de labrar cada esquina del personaje del universo Marvel y creo que esta serie hace lo mismo. Creo que no se puede identificar la base de Luke en lo que viste en la primera temporada de Jessica Jones. Mientras que Jessica Jones nos presentó a Luke; esta serie lo pone de frente, al centro y le da al público una verdadera muestra del mundo de Luke, lo que a él le preocupa y la forma en que se ha convertido en el hombre que es. Van a comenzar con un hombre que no quiere que el mundo lo conozca, el viaje que vemos en realidad ayuda a definir qué tipo de hombre quiere ser Luke y lo que significa ser un héroe.

Recién mencionabas Jessica Jones ¿Cómo ves la evolución entre Daredevil, Jessica Jones y ahora Luke Cage? Estamos viendo el Universo Marvel desde un nuevo punto de vista. Empezamos con un abogado ciego en Hell's Kitchen, luego la transición a una detective privado que se encargó de golpear a varios, y ahora nos dirigimos a Harlem, para encontramos con Luke Cage. Esta ocasión nos ofrece una nueva visión apasionante del mundo con un personaje que sólo hemos arañado la superficie cuando se introdujo en Jessica Jones. Creo que van a seguir viendo esto con las otras series como Iron Fist y The Punisher. Cada serie da una historia completamente realizada y profundiza en ese personaje.

Dentro de la historia un punto fundamental son los villanos ¿Cómo fue el trabajo con ellos en Luke Cage? Los villanos de esta serie son muy singulares. Una de las mejores cosas de este programa son los villanos. Tienen una historia muy rica desde el material de origen, pero no quiero espoliar nada antes de que cada uno vea la serie pero les aseguro que son villanos realmente efectivos.


Loren estás de regreso en una serie Marvel/Netflix, en esta oportunidad ¿Cuál es tu análisis del guion que te presentó la serie? Estuve emocionado de inmediato por el contorno que presenta la serie y principalmente los dos primeros episodios que leí de Luke Cage. El guión está salpicado de referencias culturales a Harlem, literatura, música e historia. Yo sabía desde el principio que este espectáculo iba a va a ser mucho más complejo y con más capas para simplemente ser categorizado como una historia de superhéroes. Al igual que en las dos series anteriores, Daredevil y Jessica Jones, hablamos sobre el descubrimiento de su vocación y el aceptar que tiene un papel que desempeñar. Luke Cage es un personaje muy noble.

¿Cómo fue el proceso técnico en Luke Cage? El proceso se inicia con el guion. Cualquier guion nos dará una idea del camino que debemos seguir, a veces los escritores son muy literales y detallados en la descripción de los decorados o ubicaciones. Otros escritores son más evocadores usando una frase para sugerir un estado de ánimo o el espíritu de un decorado. El guion de Cheo era muy evocador y tenía un gran uso de señales musicales lo cual era muy influyente para ayudarme a entender el estado de ánimo y la atmósfera. Con Luke Cage queríamos ser reverenciales al material original y el material de origen vino de la escena Blaxploitation de la década de los 70. Shaft, A Rage in Harlem, Across 110th Street y Black Caesar son algunas de las películas a las que hace referencia. Luego hay libros que sirvieron de inspiración como The Chester Himes Coffin y A Rage in Harlem, o fotógrafos como Gordon Parks y Bruce Davidson también ayudaron al momento creativo. Y, por supuesto Harlem fue la principal fuente de inspiración para la arquitectura. Harlem es el ancla de la serie.

Loren Weeks El hombre

detrás del Arte

¿Cómo fue el trabajo con todo tu equipo en la serie? Este fue un grupo excepcional de personas. Cheo Hodari Coker fue inspirador con su desarrollo de personajes y su trama en capas. Con él fue realmente muy fácil trabajar y muy abierto a nuestras ideas al igual que todo el equipo de escritura. Me encanta trabajar con nuestro director de fotografía Manuel Billeter (Jessica Jones). Su iluminación es preciosa, sutil y matizada. Además de que es un fenomenal colaborador. Siempre estoy impresionado con lo que hace en los decorados. Él los eleva. Por supuesto es un placer trabajar con Stephanie Maslansky (Daredevil, Jessica Jones) nuestra diseñadora de vestuario, ella es genial en dar a los personajes honestidad en su vestuario. revista 16:9

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¿Y en cuanto al trabajo con tu directora de arte, Toni Barton? Esta fue mi tercera serie de Marvel /Netflix. Fui muy afortunado al poder mantener mi equipo original en el departamento de arte, construcción, escénica y decoración de set. Ellos son un grupo increíblemente talentoso de personas; Toni Barton, nuestra directora de arte, nos mantiene en el camino y es mi caja de resonancia con la escenografía. Con ella hablo las ideas, el diseño de los decorados y los métodos de construcción. Ella me trae de regreso cuando me voy muy lejos y a veces me anima si no estoy seguro con algo. Alison Fröling es nuestra decoradora, y aporta mucho para “vestir” los decorados. Ella tiene un ojo fantástico para el detalle y en darle personalidad. Alison tiene un amor real por lo que hace y una energía creativa maravillosa. Tampoco puedo dejar de mencionar a nuestra supervisora escénica Patricia Walker, al coordinador de construcción Michael Finnerty, nuestro Leadman Kerry Weeks y a nuestro habilidoso diseñador gráfico Zachary Zirlin, que realiza un gran aporte creativo.

Loren para culminar con la entrevista ¿Cuál es la esencia de la serie?

revista 16:9

Creo que en última instancia, la esencia del espectáculo es aceptar la obligación moral. Nuestro personaje tiene que ponerse de acuerdo con el mismo y aceptar que es una persona con capacidades mejoradas. Se pueden utilizar para bien o para mal, pero él no puede simplemente negarlos. Luke es una persona con moral y descubre que no puede simplemente ignorar las injusticias.

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Los decorados en Luke Cage por

Loren Weeks En Luke Cage tuvimos dos decorados principales, la barbería de Pop y el club nocturno El paraíso de Harlem. En cuanto a la barbería queríamos que se sintiera como cualquier barbería de barrio, en Harlem. La barbería tiene un doble papel en Harlem, es donde los hombres se cortan el pelo, pero también es el club social del barrio y en donde se enteran de los acontecimientos actuales sin la necesidad de medios de comunicación. Hombres y niños pasan el rato allí, hablan, juegan ajedrez, juegan videojuegos o ven deportes. Este fue el ambiente que queríamos recrear en Pop. Pop es como un refugio seguro, es “Suiza”. Un lugar en donde los conflictos y las disputas personales se quedan del lado de afuera. Pop es una figura paterna para los jóvenes de la zona y es decisivo para conseguir que Luke utilice sus habilidades para el bien común. Aunque el mismo Pop esta sólo en los primeros dos episodios su presencia sigue siendo representada a través de la barbería.


El papel de Pop en la comunidad se convierte en la responsabilidad de Luke para seguir adelante. El mayor desafío de ese decorado era lo que quería Cheo, insistió que sea al estilo de la calle. Un aspecto importante de la peluquería como un club social es que tiene que conectarse tanto visual como geográficamente con la calle, con el alma de Harlem. Discutimos sobre la búsqueda de un lugar que se pudiera decorar, pero Pop por razones de presupuesto tenía que estar en un decorado. Es muy difícil tener un lugar con el estilo de la calle ubicado en un plató con un presupuesto de TV. No podes tener los autos que pasan y se ven por la ventana, en este caso no se puede crear a través del “negocio de la calle” ya que no tenes el espacio para ello o el presupuesto. Lo que nosotros decidimos hacer es configurar la peluquería unos pasos por debajo del nivel de la calle. No es raro encontrar una tienda como ésta en Harlem, y necesitábamos una ubicación real porque teníamos muchas escenas que ocurrían en la tienda pero también del lado de afuera. Una vez más la conexión con la calle es lo que nos esforzamos para lograr, era difícil encontrar un lugar que fuera adecuado para nuestras necesidades en cuanto al decorado. Nosotros queríamos que fuera una calle concurrida, una calle conocida, la tienda tenía que tener cierta anchura; queríamos un lugar ubicado en una esquina para que pudiéramos tener ventanas en el costado. Tuvimos que retirarla lo suficiente para que pudiéramos bloquear la vista de los coches que pasaban por ahí pero no tan bajo como para que se pueda ver a través de la vidriera. Eso tomó un tiempo pero encontramos el mejor lugar posible en la Avenida Lennox. No lo pudimos bajar lo suficiente por lo que hicimos trampa. El decorado fue reducido a la planta principal por debajo de la calle principal, escondimos con la introducción de un pequeño muro en el frente de la tienda, que también actuó para bloquear el tráfico de la calle que no estaba allí. Con todo esto puedo decir que funcionó bastante bien.

El reto para la producción con El paraíso de Harlem era conseguir una luz verde en todo el decorado. Hubo un gran empuje para rodar en un club real. Yo sabía que esto iba a ser un problema con el tiempo que teníamos, ya que los clubes y eventos en Nueva York se llenan de gente entrando en temporada de vacaciones. Cheo y yo sentíamos que era esencial construir el club. Vi al club como una metáfora para la temática de Cheo Hodari Coker sobre el renacimiento de un nuevo Harlem. Con el fin de lograr esto es esencial poder controlar el aspecto del club, algo que no podría hacerse si se trataba de un lugar real. Mi tono de trabajo para el club fue que era un bar contemporáneo The Apollo and Smalls Paradise, clubes del renacimiento original en Harlem a finales de 1920 y principios de 1930. Yo preví un club que pudo ser visto a finales de los 20, y que recibió a todas las actuaciones musicales. Durante las décadas el club cambió de propietarios, cayó en desgracia, tal vez se convirtió en un club de strippers y, finalmente fue cerrado, descuidado quedo en mal estado. Con el paso del tiempo, Cornell Stokes lo restauro a su esplendor original y de nuevo se convirtió en un lugar para estar en Harlem. Hubo una buena simetría en el papel que jugó el personaje de Mariah Dillard por un nuevo renacimiento de Harlem. Luego Cheo relaciono la propiedad anterior al club a la reina del crimen mamá Mabel. Como el club se originó en la década de 1920 decidí ambientarlo con un estilo art decó. Esto da un aspecto muy distintivo, y un ancla histórico. En un lado del salón del club podrán ver dos murales. Están hechos por Archibald J. Motley, un pintor original del renacimiento de Harlem. Eso era importante que se sintiera como una pieza de museo. Dado que la arquitectura debía ser "original" decidimos actualizarla con muebles, acabados y accesorios de iluminación. Allison, nuestra decoradora, trajo una gran parte del aire contemporáneo al decorado que hace que sea vivo y fresco. Creo que todos estamos muy satisfechos con la forma en que resultó el set. Siento que se convirtió en un personaje por derecho propio con un alma.


Toni Barton La directora de

arte en primera Persona


Pasar de Daredevil y Jessica Jones con Hell's Kitchen a Harlem, un barrio tradicionalmente afroamericano culturalmente rico en exploraciones centenarias de arte, música, literatura, política fue una transición emocionante en el mundo de Luke Cage. Una vez más, tuve el privilegio de trabajar con Loren Weeks diseñador de producción, Alison Froling decoradora, Manuel Billeter director de fotografía, Stephanie Maslanksy diseñadora de vestuario junto con nuestros impresionantes diseñadores de set, diseñadores gráfico, carpinteros, pintores y decoradores que han incorporado cosas del mundo de la vida real y de los comics creados en las producciones anteriores. La única persona nueva en el equipo fue Cheo Hodari Coker, el brillante showrunner de Luke Cage, el único hombre Negro a prueba de balas en Estados Unidos. Esta serie sigue los trágicos sucesos que vimos en Jessica Jones después de que el apartamento y bar de Luke fueran explotados. Aquí nos encontramos con Luke (Mike Coulter) fuera de juego con dos tipos de trabajo. El primer lugar es la barbería de Pop, el refugio seguro, en donde Pop (Frankie Faison) tiene conocimiento sobre casi todo. Después de encontrar la localización exterior a la derecha de la Avenida Lenox para construir nuestra barbería, pasamos muchas horas dibujando, y con la construcción de los muros de piedra rojiza, fotografiando telones de fondo, la adición de la historia y el contexto. Esto nos permitió hacer coincidir un paisaje interior en un estudio con el mundo exterior de la ubicación de Harlem, en un esfuerzo pero aparece sin fisuras en la cámara.


El segundo trabajo de Luke está en El paraíso de Harlem; que es un homenaje a muchos de los clubes del renacimiento de Harlem que fueron sede de músicos como Billie Holiday, Fats Waller y Louis Armstrong; clubes como Small’s Paradise, Lenox Lounge, Savoy Ballroom y The Cotton Club. Con sus suelos de baldosa, paredes de caoba, profundas cortinas de terciopelo rojo y amarillo, mobiliario metálico de plata, paredes de color amarillo con hojas de palma, pinturas de Archibald Motley y una gran araña de trompeta de oro, hemos creado una maravillosa paleta de colores cálidos lo suficientemente ricos como para complementar la hermosa tez de sus ocupantes. El dueño del club es nuestro villano, Cottonmouth (Mahershala Ali) cuya oficina es con vista a la pista de baile y tiene todo de lo mejor, incluyendo un sofá con piel de serpiente y una fotografía enmarcada de un notorio B.I.G. En El paraíso de Harlem, también se presenta a Misty Knight (Simone Missick), una oficial de policía afroamericana en la ciudad de Nueva York cuya presencia es muy importante en esta última serie del Universo Marvel. Después de leer el primer guión, vi por primera vez que un personaje me represente a mí, a mi hermana y a mi madre. Ella es también alguien a quien podrá admirar mi sobrina en el futuro.


Uno de los últimos entornos diseñados fue un club de boxeo en Georgia veinte años atrás, donde un joven Luke entrenaba. Este pequeño gimnasio de boxeo puede parecer insignificante al principio, pero teniendo en cuenta que se entrelaza con los principales acontecimientos que ocurren en nuestros días, este gimnasio se necesita para ayudar a mantener el desenlace. El director Clark Johnson y Jason Farrar, jefe de locación buscaron el espacio que permita lograr esto. Nos encontramos con un tesoro oculto que rápidamente nos recordaba a la barbería de Pop, en el tono y el espíritu. Con el equipo correcto y el tiempo específico pusimos en el gimnasio una inmensa cantidad de carteles y señalización transformando el espacio que permite un sentido de distinción, pero al mismo tiempo nos da una sensación de déjà vu cuando entendemos y vemos a Luke en ambos lugares.

La oficina de Misty no podía estar en el mismo recinto que Hell's Kitchen ocupada por el sargento Brett Mahoney y controlado por Kilgrave. Necesitaba un precinto en la parte alta, con la flexibilidad suficiente para sostener las muchas escenas rodadas durante la temporada. También se presenta a la prima de Cottonmouth, Mariah (Alfre Woodard), una política local interesada en la preservación cultural de Harlem. Ella vive en una hermosa casa de piedra rojiza cuidadosamente decorada. Nuestro equipo tuvo el gran reto de transformar este conjunto contemporáneo en una escena de flashback que ocurre treinta años antes, en la casa de piedra rojiza y el burdel de la abuela de Mariah. Y, por supuesto, esto fue reconstruido, pintado y reparado en una semana. La historia del origen de Luke se produce alrededor de la prisión de Seagate, un penal de máxima seguridad ubicado frente a la costa de Georgia. Esta es una de las pocas veces que dejamos Nueva York. Seagate es una combinación de decorados y lugares incorporados que permiten la creación de una prisión en donde Luke rompe su confinamiento. Cerca de la prisión, Luke visita el laboratorio granero de un médico y se escapa nuevamente. Ninguna de estas acciones se habría logrado sin un montón de madera de balsa y la experiencia, el talento de los efectos especiales y los departamentos de efectos visuales. Hacia el final de la temporada, Loren comenzó sus diseños iniciales para Iron Fist de Marvel cuando comenzó la producción del diseño de los últimos episodios de Luke Cage. Esto me permitió no sólo hacer frente a la conclusión de la temporada, sino también introducir algunos nuevos decorados. Uno de los primeros decorados era para Claire Temple (Rosario Dawson), que tiene el honor de estar presente en todas las series de Marvel/Netflix hasta la fecha. Por primera vez, vemos un poco de la historia familiar de Claire mediante la introducción de su madre Soledad (Sonia Braga) y su apartamento. Este fue un lugar maravilloso para añadir una paleta de colores vibrantes y texturas con las ilustraciones que rinden homenaje a sus raíces afro-latinas.

Cuando Luke Cage apareció por primera vez en los cómics en 1972, se trataba sobre las luchas de derechos civiles y el orgullo Negro en Estados Unidos, en una época "post-racismo”. Sin embargo, en los cuarenta años que han pasado, con la muerte de los afroamericanos desarmados por la policía, el crecimiento de la tensión racial, y un futuro político incierto para América no ha cambiado mucho. Luke Cage de Marvel le habla directamente a esto y desafía el status quo.

Zachary Zirlin Manuel Billeter Copyright Marvel/Netflixlix


En primer lugar, David ¿Cómo recordás la experiencia con Faces in the Crowd? Me gustó mucho trabajar en esa producción. Fue una emoción enorme poder llegar a trabajar con Milla Jovovich y el desarrollo de este guion en particular fue muy divertido para trabajar en todo su proceso. Es un concepto muy increíble y todos tuvimos un gran lazo al aprender acerca de la prosopagnosia.

Por otro lado ¿Cómo viviste el trabajo en Between? ENTREVISTA

Éste es un proyecto muy especial para mí y para mi carrera. Es nuestra primera serie original de televisión que se ordenó para salir al aire. Después de trabajar casi exclusivamente en el cine, era una verdadera recompensa poder llegar a un nuevo medio con socios tan maravillosos en la ciudad y con Netflix. Por lo que siempre será mi bebé, en el sentido de ser mi primera serie de televisión original. Me llevó una gran cantidad de tiempo poder trabajarla, ya que estuve muy involucrado en todos los aspectos de esta serie desde el concepto y la historia al desarrollo de la producción, la financiación, todos los cortes de episodios, la música, la comercialización y puesta en marcha. Me siento muy afortunado y bendecido por la oportunidad, espero tener un par de temporadas más ya que sin duda tenemos más que suficiente historia planeada para el público.

¿Cuáles fueron los desafíos en esta serie?

revista 16:9

Hay desafíos en cada producción y en todas las áreas. Hay áreas problemáticas habituales en las que uno siempre se tiene que anticipar, y por ello hacemos el presupuesto con las contingencias en la cabeza. En este programa fui muy afortunado al poder trabajar con un equipo tan grande, mis compañeros productores, escritores, nuestros jefes de departamento, el resto del equipo y por supuesto el reparto. Es bastante increíble lo bien que todos se llevan y verdaderamente disfruta uno del otro. Dicen que el mayor desafío con esta serie y esta temporada es que somos un espectáculo que está grabado en su totalidad en el lugar y fuera de Toronto. Así que nuestro elenco y equipo técnico fueron cada día conduciendo en su mayoría a Hamilton y más allá, la mayor parte la filmamos en invierno con muchos días en exteriores. Así que tuvimos un montón de mantas, estufas, y mucha sopa –entre risas-

30

Con respecto a Shadowhunteres ¿Cómo ves el trabajo y tu experiencia en la serie? Shadowhunters fue algo muy divertido, se trabajó a partir de una franquicia existente. Lo más interesante de trabajar en esta serie, es ver la máquina de marketing de Disney tomar el relevo en el lado de los medios de comunicación, la producción y promoción. Siempre estoy muy impresionado con ellos. Es muy emocionante ser parte de un gran espectáculo que se está convirtiendo en una de las series insignia.

¿Cómo se llevó adelante el guion de la serie? Ed Dector es el productor ejecutivo de esta serie y él es el que está a cargo de la sala de escritores, que se realiza en Los Ángeles y está en constante diálogo con los ejecutivos. Yo no estuve con mis manos en el trabajo diario de escritura.

¿Cuáles fueron los desafíos con los Cazadores de Sombras? El mayor reto, como en cualquier nueva serie de televisión, es que es la primera temporada y todo el mundo está tratando de encontrar un ritmo y establecer un patrón. Creo que se podría decir que logramos encontrarlo, ya que la serie fue renovada por otros 20 episodios adicionales, más allá de la primera temporada que tuvo 13 episodios.

Para concluir teniendo en cuenta que es una adaptación ¿Cómo ves el libro? Como he dicho anteriormente, es una gran franquicia, con una gran base de fans, leal y voraz y todavía está creciendo, ahora gracias a la emisión de la serie. Sin duda hay un montón de material para continuar durante varias temporadas venideras. Será interesante ver el momento en que se nos acaben los libros y salga la inspiración, tendrá que continuar más allá de lo instalado por Cassandra Clare en la franquicia para mantener la alimentación de los fans con episodios futuros.


En este especial sobre series, Revista 16:9 dialogรณ a solas con el productor David Cormican y realizamos una retrospectiva a la primera temporada de Shadowhunters desde la visiรณn de David.

El productor

David Cormican

y su visiรณn de Shadowhunters


ENTREVISTA

Michael Nankin nos adelanta


Michael Nankin es productor, director, guionista, y nos presenta la nueva serie Van Helsing en un mano a mano. Actualmente también se encuentra trabajando en la serie El exorcista, de Fox.

Michael con respecto al guion ¿Cómo fue el desarrollo de Van Helsing? Los guiones con los que trabajé (dirigí el piloto y los dos episodios siguientes) eran hermosos. Neil LaBute escribió el guion del piloto y supervisó los otros, por lo que el nivel de calidad de la escritura y de la humanidad en los personajes fue muy alto. Van Helsing no es en absoluto un espectáculo típico de vampiros. Se ocupa de cuestiones como la lealtad, el amor, la traición, la amistad y la comunidad. La escritura es rica y para un director, hay mucho con que trabajar. Desde mi punto de vista como director tengo que encontrar la humanidad en la escena sin importar lo que el género nos muestre. Con guiones como los de Neil mi trabajo era gratificante.

Y en el caso de tu trabajo como productor del programa El trabajo es una delicia y muy exigente. El presupuesto de Van Helsing fue muy bajo y quería que se vea como de alto presupuesto. Así que había un montón de trabajo en los decorados y en la fotografía para elevar las imágenes que se estaban poniendo en la pantalla. Pero debido a que el elenco y el equipo técnico tienen mucho talento y son trabajadores, hemos sido capaces de llevarlo a cabo.

¿Cómo fue el trabajo con el elenco? Tuvimos un elenco hermoso. A pesar de que la historia es acerca de la oscuridad y la violencia, el set era un lugar feliz, lleno de personas que realmente se llevaban bien y estaban dispuestos a trabajar juntos. Este fue un equipo de artistas y artesanos que creían en lo que estaban haciendo.

¿Cuál es la esencia de la serie? Debido a que la historia se ocupa de la capacidad de Vanessa Helsing para convertir a los vampiros de nuevo en seres humanos, la historia es una exploración de la definición de humanidad, su belleza y su brutalidad.

¿Cuál fue el principal reto que te presento la serie? Principalmente que no teníamos suficiente tiempo ni tampoco dinero.

A vos personalmente ¿Qué cosa te gusta de la serie? La fotografía es ¡excelente! Nuestro director de fotografía, Bendan Uegama, es un ¡genio!

¿Cómo viste el trabajo de Kelly Overton como protagonista? Ella es asombrosa. Yo la llamé "La turbina." Porque te genera una gran cantidad de energía emocional. Cuando hacíamos una toma se llenaba el set de energía y es electrizante en la pantalla. Ella es una artista y una profesional, puede hacer lo que quiera. Es una actriz brillante.

Para cerrar la entrevista ¿Qué puede esperar la gente al ver la serie? Van Helsing es una serie inteligente, emocional y muy aterradora. El público verá cosas de vampiros que nunca imaginaron.


ENTREVISTA


En retrospectiva:

Los siete magníficos

por el diseñador de producción

Derek Hill

Derek en primer lugar ¿Qué te pareció el primer acercamiento al guion? Me dieron el guión cuando Antoine Fuqua, el director todavía estaban rodando la película Southpaw. Yo estaba trabajando en mi segunda película con Antoine, por lo que con él solemos hablar de ciertas cosas que nos gustaría hacer y me preguntó qué pensaba acerca de si decidíamos hacer Los siete magníficos. Dado que el proyecto aún estaba en la fase de desarrollo, trabajé en su copia del guión. Esto fue unos 6 meses antes de empezar a trabajar en la película.

¿Cómo viviste el proceso de hacer Los siete magníficos? Empecé a hacer la investigación cuando estaba leyendo el guión, haciendo notas en mi guión y recopilando la investigación sobre los edificios particulares como bares, pueblos, iglesias, graneros. Todos los elementos claves que estaban escritos en el guión. Luego, a medida que fui leyendo comencé a dibujar donde podrían ir estos edificios dentro de la ciudad, como la oficina del Sheriff de camino hacia el centro de la ciudad. La colocación de la ciudad fue en un lugar particular que seleccionamos, al igual que la colocación del sol ya que el director de fotografía prefería la iluminación de fondo para las escenas. Para mí, este período de tiempo es el más importante del proceso, investigo tanto material como sea posible y catalogo cada imagen de la investigación de modo que cuando inicio el trabajo real, tengo varias referencias que me guían en el proceso de diseño. Crecí en Texas y todavía tengo una casa allí, por lo que siempre quise hacer un western. De niños, siempre jugábamos a los Cowboys y los indios. Poder hacerlo en el cine fue un sueño hecho realidad. También tengo una casa en California ya que es donde la mayoría de los proyectos de cine y televisión se ponen en marcha. A continuación, una vez que el proyecto se inicia, voy a donde decidimos que se filme.

Con gran aceptación del público y un gran elenco llegó el último film de Antoine Fuqua, en Revista 16:9 te invitamos a una retrospectiva de Los Siete Magníficos de la mano de su diseñador de producción. ¿Cómo fue el desarrollo con todo el equipo en la película? Esta fue mi tercera colaboración con el director, mi segunda con el director de fotografía y mi tercera con el supervisor de efectos visuales. Siempre funciona mejor cuando ya trabajaste con las personas de las áreas claves porque sabes que esperar, cómo les gusta filmar, la dirección de la luz y lo que necesita cada uno, por ejemplo el supervisor de efectos visuales en términos de fondos adicionales con las montañas. Llamé a mi equipo de Departamento de Arte con el que ya había trabajado en 3 proyectos con 32 años de experiencia. Sabía que esta película sería extrema en cuanto a las condiciones meteorológicas, sabía que sería un rodaje difícil la mayor parte de la película, Luisiana durante el verano tiene condiciones calientes y es húmedo.

Desde tu mirada ¿Qué naturaleza tiene esta versión? El espíritu de la película fue impulsado por la pasión que tuvo el director toda su vida de hacer un western. Miro muchas películas westerns como The Wild Bunch, Los siete samuráis, Los siete magníficos, El bueno, el malo y el feo, y muchos otros. También queríamos crear una película que satisfaga a la audiencia. Creo que tener la oportunidad de diseñar una ciudad desde cero para mí como diseñador es un sueño hecho realidad.


¿Cuál fue el concepto para trabajar el diseño y el arte? La mayoría de las personas clave de mi equipo ya han trabajado conmigo. Empezamos a hacer algunos conceptos y diseños a mano alzada incluso antes de empezar el proyecto. Yo sabía que Antoine iba a hacer esta película, así que empecé de inmediato poniendo pequeñas piezas juntas. Edificios, tales como establos, corrales, salones, diseños de la ciudad, la investigación sobre la mina de oro, etc. Una vez que se nos ocurrieron estos elementos, convoque a mi diseñador e ilustrador gráficos con el que he trabajado durante muchos años y comenzó a crear ilustraciones de cómo se vería la ciudad desde varios ángulos para que el director y yo hablemos.

En cuanto a los decorados y los personajes ¿Cuál fue la decisión? En esta película no establecemos demasiado sobre el hogar de los personajes principales sino que desarrollamos la ciudad como la ubicación en la que nuestros personajes se encontraron en la película. Con los 2 personajes principales Chisolm (Denzel Washington) y Faraday (Chris Pratt), se nos ocurrió la idea de que el paisaje tenía que ser completamente diferente al de la ciudad donde la historia principal iba a tener lugar. Así que encontramos un lugar a unas 35 millas de distancia, en una zona de piscinas de arena / grava. Con ello use una idea similar a "High Plains Drifter", Chisolm caminando por el desierto se encuentra con un viejo pueblo minero donde todo el mundo en la ciudad reconoce que él no pertenece allí y es un extraño. En el salón donde nos encontramos con Chisolm, Faraday también pasa a estar ahí jugando a las cartas en una forma no tradicional. A continuación, una vez que todo el equipo se reúne con Chisolm y Faraday, decidimos que teníamos que mostrar un viaje a lo largo del camino con diferentes paisajes y lugares para que el público sintiera que habíamos viajado durante días.

Para el personaje de Vásquez, construimos una cabaña de montaña en Luisiana. Para Goodnight Robicheaux (Ethan Hawke) y Billy (Byung-hun Lee), construimos una ciudad cerca de tiendas de campaña Abiquiu, Nuevo México. Grandes montañas de roca roja y paisaje vasto. Para el personaje de Jack Horne (Vincent D'Onofrio), se construyó un puesto de venta ubicado en una zona del norte de Las Vegas, Nuevo México. Para el personaje de Martin Sensmeier, encontramos un lugar que era muy singular. El director me dijo que encuentre un lugar que pareciera que estamos en otro planeta. Así encontramos una ubicación cerca de Plaza Blanca, Nuevo México. Creamos las tierras de entierro indio, da miedo y el grupo de los 7 magníficos atraviesan su campamento por la noche.


Mencionabas a Antoine ¿Cómo fue el trabajo con él? Con Antoine Fuqua antes ya habíamos trabajado juntos. Trabajamos muy de cerca, nos comunicábamos todos los días a pesar de que él estaba en Los Ángeles con el trabajo de los actores y el perfeccionamiento del guion. Una vez que tuve suficiente material, lugares, conceptos nos encontramos para yo hacer mis presentaciones. Aproximadamente 3 meses antes presente los conceptos, ilustraciones y diseños para los ejecutivos del estudio. Discutimos dónde hacerlo, cómo y todo lo que se requería.

¿Cómo fue el trabajo con el director de arte? Los directores de arte son elementos clave en una película de este tamaño. Con Sean Jennings he trabajado durante unas 5 películas y el director de supervisión artística fue sumamente recomendado por muchas personas con las que he trabajado y se llama Leslie McDonald. El coordinador de construcción, John Richardson, había trabajado conmigo durante los últimos 12 años más o menos y lo mismo con el artista escénico, Bob Warner. Realmente creo que no es posible hacer una película de este tamaño y de esta naturaleza sin esas personas clave que pueden ayudarte diariamente.

¿Cómo trabajaron teniendo en cuenta el film original? Vimos Seven Samurai, Los siete magníficos y hablamos de varias cosas dentro de esas películas. Yo sabía que teníamos en nuestras manos la creación de una película que se podía comparar con las otras dos películas y nadie quiere que la gente diga al salir de la sala de cine que desperdiciaron tiempo y dinero.

Para terminar Derek ¿Cuáles fueron los desafíos de hacer esta película? Creo que el mayor reto de la película fue el tiempo. Desde MGM eligieron Louisiana para nuestras principales

ubicaciones, hemos tenido que hacer frente a la potencial temporada de huracanes, relámpagos, tormentas, el calor y la humedad de trabajar en el Sur. El calor fue muy fuerte durante la mayor parte de la filmación. Hemos tenido que hacer frente a los caballos que sólo podía trabajar cierta cantidad de horas y requerirían un descanso para refrescarse. Construimos el interior de muchos de los edificios, que se crearon como zonas seguras para las personas y los equipos en caso de huracán. Cada armario tenía que tener múltiples cambios para los actores debido al sudor, el maquillaje y la peluquería.

Concepts by Sean Jennings (Art Director) and Renderings/Illustrations by Kathryn Yingling (Graphics Designer/Illustrator) Photographs by Derek R. Hill


ENTREVISTA

Ted Nicolau es director de cine y fue el encargado de llevar adelante pelĂ­culas como Subespecies, TerrorVision, El amo del Calabozo, entre otras. En este especial Halloween de Revista 16:9 recorremos su trayectoria en el cine clase B y terror con una entrevista exclusiva sobre la mĂ­tica Subespecies.

A solas con el director

Ted Nicolaou


Ted ¿Cómo fueron tus comienzos en el mundo del cine?

En relación al elenco ¿Cómo fue el trabajo con los actores? Trabajar con Anders Hove fue un gran placer. Aporta mucho al personaje, y sus ideas mejoraron la historia. Trabajar con Denice Duff también fue un placer. Ella siempre estaba lista para la aventura y dispuesta a hacer cualquier cosa para la película. Los actores rumanos fueron muy interesantes para trabajar. Su formación teatral es precisa, y su sentido de comunidad es fuerte, por lo que trajo mucha alegría para el proceso.

Empecé como escritor y músico en la Universidad de Texas. Un amigo me llevó a ver Giulietta de los espíritus de Fellini y El Séptimo Sello de Bergman, esas dos películas encendieron mi deseo por contar historias a través del cine. Luego dirigí varios cortometrajes, empecé a trabajar en producción en Austin, Texas, en la parte de sonido en La masacre de Texas, luego me mude a Los Ángeles y comencé a trabajar como redactor, y finalmente comencé a trabajar para Charles Band. Después he editado una serie de películas que él dirigió, me dieron la oportunidad de dirigir mi primera película TerrorVision y, finalmente, las películas Subespecies.

Ted ¿Cómo fue el trabajo con el horror en la película? y ¿Qué te gusta de Subespecies? El trabajo con los actores y los artistas de efectos de maquillaje para crear los efectos Gore fue un reto en nuestro presupuesto limitado, pero tuvimos la suerte de tener este tipo de artistas como Wayne Toth, Norman Cabrera y Greg Cannom, que diseñó la composición original de Radu. Para mí la creación de la atmósfera y las imágenes impactantes logran que hacer las películas de terror sea un placer.

¿Cómo recordas la atmosfera de la película?

Llegando a Subespecies ¿Cómo recordas el proceso de hacerla?

El espíritu de Subespecies fue la extraña, pero hermosa, relación entre los estadounidenses privilegiados y los artistas de cine rumano de una etapa en la que económicamente estaban empobrecidos, pero de gran riqueza cultural. El arte que los rumanos presentado en las películas -Fotografía por Vlad PaunesCharles Band tenía un guion vampiro y un productor rumano que cu, vestuario de Oana Tofan, el diseño de producción de Lucian Nicolau y más quería hacer una coproducción americano/rumana en Bucarest tarde por Radu Corciova, la maravillosa actuación y los rituales popularesdespués de la caída de Ceausescu. Me preguntó si me gustaría viajar a elevó las películas más allá de sus presupuestos. Rumania para conocer a los miembros del equipo y los lugares que habían Con recursos limitados, desafiantes situaciones de vida, y las dificultades explorado. Sonaba como una aventura interesante para mí, así que fui a de trabajar en un país tan ajeno a nuestra forma de pensar cuando Bucarest, me reuní con el director de fotografía Vlaud Paunescu y su futura estaba en el comienzo de su recuperación tras décadas de dictadura, esposa, la diseñadora de vestuario Oana Tofan. logramos forjar grandes amistades y crear algo que la gente todavía Yo les guste mucho, y los lugares en los que íbamos a filmar eran espectaculaaprecia hoy en día. res, así que estuve de acuerdo en dirigir la película.

¿Cuáles fueron los retos en Subespecies?

¿Te gustaría hacer una nueva versión de la película original?

Había enormes retos en el rodaje, ya que éramos una producción americana en una Tengo un guion de la precuela de Subespecies que a mí y al Rumania recién democratizada. Los recursos eran pocos, los alimentos y el agua fueron elenco nos encantaría hacer. No sé si me gustaría volver inconsistentes, los actores no estaban contentos, el dinero de la película a veces tardaba en atrás y volver a hacer la película original, pero me llegar desde Estados Unidos, el equipo técnico a veces se declaró en huelga, el vino era muy encantaría trabajar en Rumania nuevamente con mis barato y algunos de los actores bebían demasiado y provocaron problemas en el set y en los colegas, y contar la historia de cómo se convirtió hoteles. Radu en el monstruo que era. Tuvimos que trabajar a través de traductores para comunicarnos con la mayor parte del equipo y el reparto de Rumania. Estábamos en las montañas y el clima era frío y la producción fue sin calefacción. Tengo un diario de las dificultades del día a día sólo para convertirlo en comedia por mi propia cordura. A pesar de todo, Vlad Paunescu y Oana eran mis aliados en mantener la concentración en la película y el trabajo diario. Ahora, muchos años después, el propietario de Castel Film Studios en Bucarest, sigue haciendo películas con socios extranjeros. Me encantan las películas de terror que

Para terminar Ted ¿Qué cosas te gustan de las películas de terror modernas?

perturban mi sentido de la comodidad y de la realidad. No soy un fan de las películas de terror y la tortura porno, películas que ponen de Subespecies se terminó a pesar de las muchas dificultades y fuerzas que trabajaron en contra de nosotros, y relieve la brutalidad de hombre fue un éxito de Charles Band y Paramount Home Entertainment. Cuando se nos pidió hacer las secuelas, yo a hombre. Prefiero lo sobrenaestaba feliz de regresar a Rumania para continuar la historia. Por suerte Anders Hove había acordado volver tural, a las criaturas con el papel de Radu, e hicimos un acuerdo entre nosotros -No beber vino durante las horas de rodaje- y me monstruosas, e historias gustaba llevar una botella de vino y beber con él en la sala de maquillaje después del trabajo, cuando los con alguna. artistas de maquillaje ya le habían quitado todo el maquillaje, se forjo una amistad profunda entre nosotros. Mis películas de terror La productora ahora estaba dirigida por Vlad y Oana, y la situación era un poco más cómoda para el reparto favoritas de los últimos y el equipo. A pesar de que los recursos en Rumania eran todavía escasos, viajamos mucho más a través de años son Déjame del país y filmamos algunos lugares sorprendentes. La jornada de trabajo era una nueva aventura. Los entrar y El Orfanato. personajes adquirieron más dimensión, la historia se profundizó psicológicamente, y crecí como director, por lo que creo que Subespecies 2 y 3 fueron mejores películas. Cuando llegó el momento de hacer Subespecies 4, el presupuesto era tan bajo, algunos de los actores originales no pudieron volver, y los lugares eran tan limitados, que a pesar de que la película tiene algunas secuencias de las que estoy orgulloso, no pudimos

¿Cómo ves la evolución a lo largo de las tres películas?

estar a la altura de las expectativas de nuestra audiencia.

revista 16:9

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REVISTA 16:9 OCTUBRE 2016  
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