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Revista de Arte Contemporรกneo Nยบ0 Sevilla 2015

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Return

Buscará aquellos artistas que por un motivo u otro, han salido de su tierra de origen para abrirse campo en diferentes aspectos, tanto en lo personal como en lo profesional, transmitiendo al lector el concepto arte-vida, un significado muy presente hoy día y dentro de la filosofía Return. Inspirada en la revista sevillana de los años ´80 Figura, tratará de manifestar y enseñar las creaciones e informaciones que se cuecen dentro y fuera de nuestro país, trasladándonos a diferentes puntos del globo terráqueo. En Return podremos encontrar artistas jóvenes desarrollando trabajos con una alta calidad y extraordinario potencial procedentes de diferentes puntos de nuestra geografía española. Destacando artistas que empezaron sus andaduras artísticas en la ciudad de Sevilla y descubriendo tras ellos artistas internacionales. No olvidaremos hacer eco a iniciativas que proliferan de un modo altruista y muy profesional. En Return la disciplina más importante es su contemporaneidad, el quehacer del arte por el arte.

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Contenido

Seagull. Págs. 08-101 Ramón David Morales Danielle Borremans Gorka Mohamed Nano Orte Chien Ying Wu Christian Lagata Elo Vázquez Pete Florentini Martínez Bellido María Dávila Lucas Góngora Iker Lemos C.Miguel Sánchez Flock.

Págs. 104-109

Espacio California Una Mesa en LaVerónica

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Seagull

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Ramón David Morales

Seagull

Martes/25/Agosto/2015.

Dedicarte al arte, visto desde fuera, parece algo muy libre y bohemio, pero nada de eso. Me gusta mi trabajo. Es verdad. Normalmente me despierto muy animado para ir al estudio. Ser tu propio jefe, puede resultar algo atractivo y cómodo. De hecho, yo lo llevo bien. Pero tienes que tener mucho orden y disciplina: ora et labora. La inseguridad de no disponer de un sueldo fijo te hace estar atento y en forma. Más que separar el trabajo del ocio, es vivir mezclando el lunes con el domingo; saber despejarse y dar su tiempo a las labores domésticas para mi es fundamental. También es cierto que, por educación y actitud, soy capaz de vivir de una forma sencilla respecto a las necesidades materiales. Después de ser mi propio jefe y firmarme a mí mismo un contrato indefinido desde que salí de la facultad de Bellas Artes de Sevilla en el 2001, he podido vivir de mi trabajo, aunque también lo he mezclado con diversos oficios que siempre fueron secundarios y momentáneos.

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Llegados a este punto, a este momento, mi situación laboral es igual de precaria que al principio. Dicen que dedicarse al arte es una carrera de fondo, pero es más una carrera sin fin. Es una elección personal, un oficio vocacional. A veces me siento privilegiado por dedicar el tiempo y la vida a esto y otras siento lo absurdo y el (sin) sentido del mercado del arte y el sinsentido de las políticas culturales de mi ayuntamiento (Sevilla), de mi comunidad autónoma (Andalucía) y de mi país (España). Lo que tengo claro es que me cortaré la coleta antes que la oreja. Una sociedad sin artistas es (im)posible. Seguimos.

www.ramondavidmorales.com Artista de interés; Danielle Borremans


En mi estudio, obra: El mihrab de mi pueblo, Al-Ándalus. Óleo lienzo, 146 x 114 cm, 2015.

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Pozo Santo. Ă“leo lienzo, 195x 162 cm, 2015.

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El mihrab de Medina Azahara. AcrĂ­lico lienzo, 46 x 38 cm, 2015

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Cruz de Mayo. AcrĂ­lico lienzo, 46 x 38 cm, 2014

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La chimenea y el sol por la ventana. Ă“leo lienzo, 146 x 114 cm, 2015

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Gafas de sol con sol. AcrĂ­lico lienzo, 46 x 38 cm, 2014

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La vidriera y el sol por la ventana. AcrĂ­lico lienzo, 46 x 38 cm, 2015.

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Seagull

Danielle Borremans Seagull

Jueves/16/Septiembre/2015. El Arte, es la vida misma. No hay artista puro. No distingo cuando me siento artista o cuando estoy en mi vida cotidiana. Soy una artista multidisciplinar que vivo y trabajo en Bélgica, en la ciudad de Bruselas. Mi formación es ecléctica: titulada en periodismo, criminología y Bellas Artes, he tenido distintas experiencias profesionales en teatro y canto, que a partir de los años 90 influyeron sobre mi trabajo de las artes plásticas. En mi práctica artística realizo pintura, dibujos, intervenciones gráficas sobre fotografías de mi propio archivo e instalaciones. Pinturas y fotografías muestran un Momento/ Visión/Espacio de lo cotidiano para evocar un Espacio y Tiempo ampliado. Espacios/Pensamiento/orgánico/urbano/ simbólico/Arquitectonico/Estructural,gestos esenciales para mi trabajo. En los años 80 viajo y vivo en otros países que influyen sobre mi visión del mundo y el arte, tales como Costa de Marfil y países de África Occidental. España, India, países del Himalaya. Mis viajes son importantes tanto por el descubrimiento de las arquitecturas y los símbolos propios de cada cultura, como en mi relación con el color.

Hace tiempo daba prioridad a la energía vital, al gesto, me sentía próxima a los expresionistas abstractos, pero mi interés por los símbolos y el Arte Minimal simplificaron mi lenguaje. Casi nunca parto de una idea. Mi planteamiento es más bien intuitivo. Creo que la intuición esta antes que el conocimiento. Cuando pinto, dialogo con la pintura, es ella la que habla y la que piensa. La pintura enseguida se revela y me informa de lo que he creado, ella me cuestiona y espero que este cuestionamiento se transmita al que mira y siente. Es un vaivén entre el mundo, el arte y yo. Reflexión sobre lo que hoy es arte. Cuestionamiento del mundo/ Dar otros colores y otra forma/Campo vibratorio / Resonancia/ No sucumbir a la rutina. Siempre he estado en resonancia con los objetos o estructuras abandonadas, encontradas al azar. Caminar es una de las grandes aventuras de mi vida, estar atento a lo que se cruza en mi camino, en la calle, en el mercado, en el taller, la naturaleza. La relación entre la pintura y los objetos encontrados es una invitación a un juego en el espacio que me sitúa entre lo lúdico y lo reflexivo, entre lo humano y lo supra-humano.

danielleborremans.blogspot.co.uk

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MĂŠditacion en el taller.

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“A l’insu de mon plein gré”

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“Antidote”

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Instalacion en el taller.

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Sin tĂ­tulo.

Me, myself and I

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Seagull

Gorka Mohamed Sábado/19/Septiembre/2015. Me pongo en acción. Subo a la bicicleta, sus neumáticos finos como párpados hinchados ruedan por el canal de Hackney Marches que lleva a mi estudio. Se ven árboles, cisnes desgastados ingleses, que ya poco tienen de blanquecinos y más bien visten un verdor bermellón que recuerda a la figura de aquellos ex-militantes que perdieron tanto la cordura como alguna de sus extremidades en el combate (es sin duda en estos animales donde se proyecta la psique enferma que, reblandecida tras la guerra, sincopó sus vidas para ya no encontrar su hueco jamás en el mundo que dejaron atrás). Estos cisnes verdosos, en una ansia de mecanismo acuático, avanzan como autómatas, entre basura y algas. Se ha quebrado el eslabón trófico y ha comenzado un canibalismo de contrarios. Los restos de envases de plástico descolorido muerden nuestra sombra distorsionada en el agua, las ramas que flotan arañan los bordes de nuestros antecesores como si tuviesen garras y el crepúsculo nos distorsiona los tímpanos con vuelos ditirámbicos en zigzag de cuervos que disparan sonidos eléctricos de Moog. Un individuo calvo con una facción borrada va corriendo con un manguito de agua en la mano; suda mucho y emana un hedor a moqueta de pub; sus orificios faciales proyectan un rebuzno

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cacofónico probablemente debido a una falta de práctica atlética. Encajo los tacones de mis zapatos en los pedales de la bicicleta para coger velocidad de videojuego y consigo derribarle como si de una pieza de ajedrez se tratase. En el estudio me espera un personaje anguloso de colores entrecortados flúor y de extremidades metálicas contorsionadas en ascensión. Es de un cubismo convulso del cual mi óvulo ocular, ya seco y de inflamadas venas retinianas, no consigue despegarse debido a una atracción de calidad reverberante que me sume en una fijación de desconcierto. Cierro la puerta del estudio y retumban ecos de tacones que se cuelgan de formaciones rocosas provenientes del paisaje psicodélico de la Capadocia, como pilares que se revelan frente al pensamiento sin relieve actual; frente a la cápsula vacía colocada en la galería del arte. Nos encontramos ante el anarquismo de la naturaleza. Estos tacones posesos recorren el espacio donde trabaja el artista. Van pisando colillas de cigarros que una vez fueron nubes flotantes en espiral esculpiendo para la eternidad el ambiente de una conversación acalorada que cambiaría radicalmente el latir de nuestro paisaje de cemento civilizado. www.gorkamohamed.com


SickFeetPlaying Yo-yo. 60x80cm.

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Possesive Cow. 180x150cm.

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End Path. 150x140cm

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Nitroglycerin. 85x65cm. 2014.

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Taranta. 59,5x44,5cm.

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PeraltaReturn. 240x175cm.

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Seagull

Nano Orte Domingo/20/Septiembre/2015. Práctica social; Existe un arte que es claustrofóbico: no soporta entrar ni en el museo, ni en la galería. Me refiero a un tipo de arte que es concebido para estar en la calle a la vista de todos y que cuando entra en la exposición para ser analizado se deshace. Su valor es, más que intrínseco, extrínseco: su interés se mide en los cambios que proyecta y en su dimensión moral. Se trata de un arte que no es complejo, pero que sin embargo, proyecta complejidad. Entender el arte social dentro del ámbito artístico es incómodo. El entramado que envuelve el arte con sus esquemas de producción, circulación y legitimación impone unas reglas que, siendo consecuente con sus propias intenciones, la práctica social debe obviar. Mientras que la obra de arte en general necesita del contexto artístico para ser investida como objeto social, el arte social - que mejor llamaremos “práctica social” - es desde el momento que toma el espacio público parte de lo colectivo. Los proyectos que aquí se presentan tienen la intención de hacer visibles tensiones sociales todavía no problematizadas. Con ello se quiere llevar cuestiones que son vividas de manera individual al terreno colectivo, y así, hacer visibles posiciones minoritarias a la mirada del “otro”. A través de estos proyectos no se persigue hacer circular un nuevo relato, sino generar un terreno de encuentro y de negociación de subjetividades.

La Bandera Catalanoespañola cosida por un sastre paquistaní es un objeto que vive de la contradicción simbiótica. Cuando una persona ondea una de las banderas, irremediablemente agita también la opuesta. Al activarse se generan múltiples interpretaciones, juicios morales y relatos, lo que hace de ella un objeto vivo en torno al cual pasan cosas que revelan el momento histórico. Tanto la Catalanoespañola como la Catalanopaquistaní hacen de la bandera un terreno de negociación de la idea de la demos. Sin embargo en el caso de la Bandera Catalanopaquistaní, esta se trata de objeto de reafirmación y empoderamiento social. Ella se concibe como herramienta de reafirmación de lo mestizo en un contexto nacionalista. El artista concibe un símbolo que los vecinos del barrio del Raval de Barcelona usan según ellos creen adecuado. Lo público sin espacio será clandestino es unaperformance en la que se repiensa la protesta en un contexto de limitación de libertad de expresión. Utilizando numerosos clichés de la revolución y el contrapoder (pancarta y megáfono) se articula una acción a la vez poética e irónica: carraspear durante horas frente a una sede gubernamental. Así, se pretende llevar la voz muda a un terreno alusivo: estamos aquí y aunque no podamos hablar, os vigilamos. También en el terreno de lo simbólico, el Rapto del Congreso lleva el Parlamento español a una nueva materialidad dúctil y de empoderamiento ciudadano. www.nanoorte.com

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Artista de interés; Chien-Ying Wu


Bandera Catalanoespa単ola (serie hecho en Catalu単a), 2011.

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Lo pĂşblico sin espacio serĂĄ clandestino. Performance realizada como rechazo a la Ley de Seguridad Ciudadana, 2014-2015.

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El Rapto del Congreso, 2014-2015.

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Seagull

Chien Ying Wu Lunes/26/Septiembre/2015. El trabajo de Chien-Ying Wu (1983, Taiwan) se define a través de gestos y narrativas extraídas de lo cotidiano. En su obra se sobrepasa el rol de productor que normalmente se le atribuye al artista, el cual pasa a situarse como agente articulador y cohesionador de estratos de lo real. Su cualidad más sorprendente es la capacidad para hacer emerger la complejidad bajo un gesto tan leve como el mostrar. En un primer acercamiento podríamos vincular la obra de Wu con el género documental. Sin embargo a diferencia de lo que rodea este género, su intención no se construye bajo la narración de lo singular y del acontecimiento (narrativas de la diferencia). Tampoco se trata de una mirada interpretativa. Desde la sencillez del mostrar, sus historias hacen emerger capas estructurales de las relaciones personales y del lenguaje del cuerpo bajo un acercamiento próximo a un sentido natural de la mirada y por tanto, alejado de toda teoría académica y crítica.

Obras como “Mes potes” (2013) y “Leopold” (2014) nos demandan interrogar nuestra mirada: lasentrevistas generan una especie de triángulo formado por el narrador, la persona a la que se hace referencia y el propio espectador. Estas propuestas nos emplazan cerca de lo íntimo y de la gestión de las subjetividades. En la obra anterior “Dancing in Badminton” (2012) su planteamiento gira en torno a conceptos como la norma, el cuerpo y su performatividad. Sus videos pueden ser vistos en su canal de Vimeo.

https://vimeo.com/user5319398/videos

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Chien-Ying Wu.

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Taipei Arts Awards, Mes Potes.

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Dancing in badminton.

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Seagull

Christian Lagata Viernes/25/Septiembre/2015. El pasado mes de Abril publiqué mí primer fotolibro, Up Around the Bend, con motivo de la exposición individual que tuve en Sala Kursala, Cádiz, comisariada por Jesús Micó. Proyecto fotográfico desarrollado entre Rota y Madrid en el que trato aspectos, para mí tan importantes, como la identidad y la memoria, empleando fotografías realizadas por mí, junto a imágenes apropiadas, video y escultura, dándole forma de instalación como resultado final y buscando generar una experiencia. Actualmente vivo entre Madrid y Cádiz, llevo escasamente unos meses trabajando en un proyecto nuevo en el que intento representar la vida de mi difunto abuelo, a raíz de la decisión que tomó el pasado Junio de 2013 de poner fin a su vida. Mí intención es reconstruir el imaginario que, según lo que mí abuelo me contó y según la información que me ha llegado en este tiempo, marcó su vida. Para ello utilizo imágenes, interesándome por el acto fotográfico como experiencia y el video como parte de una instalación. Visito los lugares que a lo largo de su vida fueron importantes para él, busco objetos que formaron parte de sus recuerdos, intento cerrar historias incompletas, visitando lugares que él no pudo visitar o buscando personas que él no pudo encontrar.

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Me interesan las imágenes que él pudo visualizar momentos antes de morir y trabajar sobre ellas generando una sensación, intentando construir un principio y un final. Haciendo hincapié en el intervalo de tiempo desde que se precipita hasta que cae. Solo tengo historias, algunos objetos y unas cartas aún sin escribir. Este año me gustaría recorrer España, el norte de África, el norte de México y el sur de los EEUU para obtener respuestas, para cerrar el círculo que él no pudo cerrar. A continuación adjunto un texto que me ayudó a comenzar este proyecto: “...una masa confusa de pensamientos, cayendo unos sobre otros en la oscuridad; cuando la imaginación aún estaba en sus albores, trayendo las imágenes dormidas de las cosas hacía la luz, para distinguirlas y para que luego fueran elegidas o rechazadas por el juicio” John Dryden, The rival ladies.

www.christianlagata.com


Photobook Up Around the Bend, Kursala-Fuego Books, 2015.

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Instalación Sala Kursala, Cádiz. Comisariada por Jesús Micó.

Instalación Sala Kursala, Cádiz. Comisariada por Jesús Micó.

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Up Around the Bend, video de 11 minutos, un canal, blanco y negro, DVD. (Parte de la instalaci贸n con el mismo nombre).

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Bocetos proyecto. Moviendo las imágenes dormidas hacía la luz, 2015..

Localizaciones proyecto. Moviendo las imágenes dormidas hacía la luz, 2015.

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Localizaciones proyecto. Moviendo las imĂĄgenes dormidas hacĂ­a la luz, 2015.

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Bocetos proyecto. Moviendo las imĂĄgenes dormidas hacĂ­a la luz, 2015.

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Seagull

Elo Vázquez Martes/13/Octubre/2015. Monthly Months es una colección de momentos capturados con un teléfono móvil que se unen para formar un diario audiovisual. El último día del mes, selecciono, recorto y ordeno siempre de manera cronológica los vídeos de escasos segundos con su sonido original, hasta obtener un resumen de aproximadamente dos minutos y medio de cada mes. Como pequeñas fotos que se mueven, Monthly Months es una manera de dar forma tangible a unos recuerdos que de otra manera serían más fáciles de olvidar.

www.elovazquez.com Artista de interés; Pete Florentini

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Monthly months. 2015.

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Pete Florentini Domingo/18/Octubre/2015. ..........

instagram.com/p/7GDZ8LDqqs/ 60


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Seagull

Martínez Bellido Viernes/02/Noviembre/2015. La sólida relación que tengo con mi tío segundo, en fotografías. Mi tío segundo es una persona muy peculiar. Es en extremo madrugador. Me atrevería a decir que compite contra mí en esto del dormir. Siempre que me levanto él lo está también, siempre está vestido, al igual que siempre tiene un gesto amable hacia mí, sea la hora que sea y esté yo del humor que esté. Creo que no debió educarse en la buena familia en la que dicen que se educó, ni siquiera en una familia, pues tiene cosas muy extrañas. No se inmuta cuando le provoco: a veces grito en su presencia, otras me desnudo e incluso, en algún arrebato -de orden-, le he llegado a castigar contra la pared como a los niños chicos, pues contra él no hay razón que valga. Entonces, cuando desisto, hace un leve ademán como de cansancio. Lo sé porque a veces lo miro de soslayo sin que se dé cuenta; aunque, en estos casos, uno nunca sabe con certeza si no se trata de cosas de la imaginación. Sospecho que no desarrolla ningún tipo de compasión hacia mí, ni consecuentemente ningún tipo de amor; sin embargo yo le quiero, siempre le he querido, porque es mi tío y eso es lo que me dijeron que tenía que sentir hacia él.

Le quiero aunque no haya intercambiado con él más que miradas, aunque no lo conozca en profundidad, porque obviamente no tiene profundidad, no más de la que tiene mi mirada o, en otro caso, no más de medio milímetro. Y esto me parece tan poco que me he llegado a plantear su verdadera existencia.

Artista de interés; María Dávila 68


Inquisici贸n XLVII, 14x9,5cm, Grafito sobre papel, 2015.

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Inquisici贸n XXVIII, 13x8,4 cm, Grafito sobre papel, 2015.

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Inquisici贸n XXVII, 13x8,4 cm, Grafito sobre papel, 2015.


Inquisici贸n XXXV, 12,5x8 cm, Grafito sobre papel, 2015.

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Inquisici贸n XVII, 9,3x7 cm, Grafito sobre papel, 2015.

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Seagull

María Dávila Viernes/06/Noviembre/2015. “Sea cual sea la civilización en la que nazca, (…) pura o impura, figurativa o no, la pintura no celebra nunca otro enigma que el de la visibilidad”. Maurice Merleau-Ponty, El ojo y el espíritu. En su obra “El espacio literario”, Maurice Blanchot intuye una ambigüedad esencial o ausencia profunda que subyace en el centro mismo de lo visible, un excedente que desborda toda pretensión de conocimiento racional, escapando a su nominación o encarcelamiento a través de la palabra. La escisión de lo visible, su fisura, la condición enigmática de esa mirada fascinada y velada de la pérdida, no refieren aquí sin embargo a una negatividad; por el contrario, lo invisible o lo ausente cobran toda su presencia, latente y suspensa, en el momento mismo de la percepción, siendo así que la posible “resolución” de su significado “no se escapa en otro sentido, sino en el otro de todo sentido”. De ese otro que excede y se desborda, que es la infinitud irreductible de los sentidos posibles de la imagen y lo visible, es de lo que intentamos dar cuenta a través de la pintura. Una investigación hecha imagen sobre los mismos límites de su representación y su construcción en diálogo con otras disciplinas bajo una misma finalidad: la contingencia de nuestro conocimiento en lo visual. Plantea Blanchot que hay algo que nos toca en lo que miramos, un contacto a distancia que define como la esencia de la imagen. Eso que Didi Huberman denomina “lo que nos mira en lo que

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vemos” es ese espacio intermedio, siempre desviado, siempre deslizado, donde cualquier pretensión de conocimiento queda suspendida -que no anulada-, como a la espera interminable de su superación. Imagen dialéctica, ni tautología ni creencia, sino apertura, interludio, interferencia. Reconstrucción continua de posibles interpretables, re-actualización constante en su diálogo con la historia y con el momento presente, apuntando sin embargo siempre a un más allá que la trasciende. Inquietar el ver para revelar ese extrañamiento original que nuestra construcción de lenguaje se afana en explicar y encubrir de seguridades y certezas. Abrir la fisura de la apariencia para des-componerla en la multiplicidad fragmentaria y contingente de toda experiencia. Tales serían los designios del arte allí donde sólo con el rodeo o la sugerencia se puede apuntar, señalar, acercarse… para mejor intuir, para des-prenderse, para subvertir.

www.mariadavilaguerra.com


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Essaie. 2015.

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Masque. 2015.

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Silente. 2015.

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Lucas Góngora Viernes/06/Noviembre/2015. El ser humano es explorador por naturaleza, pero el momento que me ha tocado vivir es demasiado tardío para descubrir nuevas tierras, como ya hicieron nuestros antepasados cinco siglos atrás y demasiado temprano para poder explorar el universo a bordo de una nave espacial.

Paper Madrid, el cual consiste en una serie de capturas de pantalla de mi móvil mientras utilizo la cámara y a la vez añado un elemento 3D. Con este trabajo incido en la naturaleza sin realmente tocarla, es una intervención virtual no lógica y todo sucede en directo a través de mi smartphone.

Así que aquí estamos todos, encerrados en nuestra gran isla... hasta que un buen día, de repente, se empiezan a crear mundos y universos virtuales paralelos en los que nuestras leyes físicas no siempre se cumplen. Nos sentimos liberados porque cada mundo virtual posee nuevas normas no aprendidas, animales y monstruos nunca vistos y, en definitiva, nuevos terrenos por explorar.

Actualmente estoy trabajando con la fotografía por satélite, y es que gracias a Google Earth podemos tener una tercera visión de las cosas. Ya no solo está mi propia visión de la realidad o tu visión de la misma, sino que ya existe una tercera visión objetiva, plana y cenital de nuestro mundo. Y lo que estoy intentando es coger esa objetividad y convertirla en subjetividad, añadiendo puntos de vista diferentes y creando estéticas atractivas.

En todas mis fotografías hay una exploración constante de este y aquel mundo virtual, extrayendo de cada uno lo que más me interesa. Empecé en 2013 fotografiando la pantalla de mi televisión mientras jugaba al GTAV, llevando las gasolineras de Ed Ruscha al mundo virtual. En este año 2015 he presentado Zoonológico como trabajo fin de Máster en la escuela Blank

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www.cargocollective.com/lucasgongora


Gasolineras. 2014.

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Zoonologico. 2015.

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Zoonologico. 2015.

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Seagull

Iker Lemos Martes/17/Noviembre/2015. Nos enfrentamos a un cambio cultural, a un re-posicionamiento del valor de la imagen como transmisora de conocimiento e información. Esto se relaciona con las transformaciones que la revolución tecnológica han supuesto en la industria de información, generadora de imágenes. El predominio de lo instantáneo sobre lo gradual, de lo espacial sobre lo temporal supone nuevas valoraciones para la imagen, que se escurre por los medios de comunicación y que se resuelve en infinitas posibilidades. El paisaje del siglo XXI se ha ido poblando de múltiples imágenes, no solo visuales sino sonoras y gestuales de corta durabilidad y que circulan a una velocidad vertiginosa. Esta velocidad de representar imágenes y desecharlas nos hace cuestionarnos donde se encuentra la imagen en nuestros días, que busca el espectador ella y, en este caso, como la traducción a la pintura (acción entre realidad y ficción), dentro del marco, repercute a la identidad de la imagen. En la pintura las posiciones son ahora múltiples, simultáneas y descentradas. Existen demasiados lugares por explorar, la falta de método en particular o estilo, material o temática han hecho de

la pintura un medio que no sigue un rumbo fijo, no hay imposición sino que es una invitación hacia una experiencia directa del medio. Por lo que para la pregunta; ¿Por qué pintura? La respuesta más sincera es porque pienso, siento y actúo en pintura, un medio que se extiende en mi mundo fuera de sus propios límites como verbo y sustantivo. La pintura más allá de ser un modo de representar es una forma de entender el mundo que me rodea, la acción, ya sea física o mental, me lleva a traducir las sensaciones que recibo del exterior, siendo la mejor manera de traducir aquello que vivo. Se trata de un interés del medio por el medio, un placer por el material pictórico y sus posibilidades, que no quedan relegadas meramente a la mimesis, sino que la pintura se ha convertido en un elemento emancipado de sí mismo pero que habla y trata tanto de él como de su historia. Cuestión paradójica que hace que la pintura encuentre sus propios límites dentro de ella, haciendo que busque nuevos horizontes dentro de la misma. ikerlemos.wix.com/news Artista de interés; Carlos Miguel Sánchez

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Módulo lunar (Imagen no encontrada) Óleo y esmalte sobre tabla 165x122cm.

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Frame Impresi贸n digital 60x90cm, 2015.

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Imagen abatida. Óleo, esmalte y spray sobre tela, impresión digital y madera. Medidas variables. 2015.

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Sin figura. Impresi贸n digital. 90x70cm, 2015.

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Seagull

Carlos Miguel Sánchez Martes/17/Noviembre/2015. Prohibido terminar. ¿Cuándo deja el objeto de ser?, ¿Cuándo comienza a existir? Si un objeto tiene sentido respecto del proceso de creación, el sentido de que se genere “un objeto inexistente” es la acción ininterrumpida, un bagaje sin fin, no acabado. Lo que tradicionalmente denominamos objeto no se encuentra finalizado y nunca finalizará porque lo que se estudia es que no exista dicho objeto, que no se genere una forma concreta, solo elementos cambiantes mediante su utilización, lo cual otorga sentido a su existencia. Podemos extrapolar esta idea al contexto arquitectónico. Tratando de cuestionar el edificio estable, consolidado, protagonista y simbólico de poder, enfrentándolo directamente con las cualidades culturales que poseen las drunnas nómadas mongol, arquitecturas que son montadas y desmontadas pieza por pieza, dependiendo de las cualidades que ofrece el lugar y según las necesidades de quien las habita. La confrontación es clara, el cuestionamiento de lo establecido frente a lo cambiante resulta interesante, roca y agua luchan conscientes de su dureza y constancia, pero valorando las cualidades de cada una de ellas y dependiendo del tiempo de lucha siempre tendrá más poder la fluidez, lo cambiante o más bien lo versátil que aquello que

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es estable. El hecho es que cuando algo se da por asumido se convierte en una convención, algo que tiene un fin claro, justo el momento en que empieza a morir. El objeto de investigación trata de revelar un planteamiento acorde a un ejemplo, a una actitud que se genera a través del lenguaje plástico. Proponiendo conclusiones no estables, quizás contradictorias y con gran carga de incertidumbre. La importancia del objeto es lo que fluye, elementos que no tienen norte ni sur, que son banales y que solo tienen sentido si se les da la utilidad para la que fueron creados. Nada más autentico que un niño jugando, es la creatividad fluyendo en estado puro, está probando el entorno y descubriendo las posibilidades del medio, sin ninguna intención más que la de descubrir de manera inconsciente las propiedades que se le brindan, tanto es así que lo hace sin ninguna intención de llegar a un resultado, haciendo presente la inutilidad del producto en la práctica creativa, el fin. Todo se transforma... …un banco en una mesa, un yermo en tierra de cultivo, el paisaje, la cultura, las personas.


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Flock

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Espacio California El proyecto surge en primer lugar con la búsqueda de un taller de creación, éramos tres amigos pintores y necesitábamos un taller para trabajar. Encontramos un local bastante amplio que estaba dividido en dos partes, entonces pensamos que una de las partes podía ser taller compartido con artistas y la otra sala, un espacio donde realizar proyectos expositivos, al principio queríamos montar una especie de garito con barra de bar, sillones, zona de chill out... pero con el tiempo hemos ido simplificando y tratando con más seriedad lo de espacio expositivo. Empezamos tirando de colegas para que expusieran en nuestro local y en muy poco tiempo comenzamos a recibir correos de artistas que nos enviaban sus dossiers. Empezamos a ponernos las pilas y finalmente terminamos siendo cuatro en el equipo. Aquí seguimos dando guerra tres años después de manera totalmente autogestionada. Nuestras ideas para seguir creciendo es ir incorporando actividades culturales y talleres relacionados con el arte contemporáneo en nuestra programación. También es importante las ventas, nos ha costado mucho encontrar a nuestros clientes, la mayoría gente joven, por otro lado no queremos desvalorizar la obra del artista, pero con la crisis y la situación económica en Sevilla sabemos que es muy difícil llegar a determinados precios de venta. Por eso siempre intentamos que además de piezas grandes, haya otro tipo de obra asequible para todos los bolsillos. Apostamos por otras técnicas y formatos con los que hacemos que todo el mundo pueda permitirse tener un original de su artista preferido: serigrafías, obras de pequeño formato, grabados, fanzines, etc. Siempre dando prioridad al trabajo artesanal como forma de vender arte seriado. Nuestra función es ofrecer otro tipo de producto más fresco y alternativo, apostando por artistas jóvenes, crear un tipo de subcultura en la ciudad de Sevilla donde el arte no esté monopolizado por las grandes instituciones y fiestas populares. Educar a las nuevas generaciones, enseñar a valorar el arte contemporáneo y conocer la obra de los artistas, impulsar a los artistas locales ofreciendo un espacio libre donde puedan dar difusión a su obra. También queremos desahuciar la idea de que para montar una buena expo hay que traer a “Pepito el de los Palotes un artista muy bueno que viene de fuera y vende mogollón”. Nosotros sabemos que en Sevilla hay gente funcionando , que trabajan como locos, que son muy buenos y a los que desgraciadamente les cuesta encontrar salas donde exponer (ya que estas se han convertido en algo muy elitista, cerradas en banda a la juventud) y terminan poniendo sus cuadros en bares, tiendas o peor, dejan de producir debido a la falta de ayuda. A nosotros nos flipa lo que se cocina en Sevilla y nos encanta montar exposiciones de gente local y curradas, como las de “Pepito”.

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Portada del Espacio California en la C/Sol 86. Sevilla.

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Una Mesa en LaVerónica Una Mesa en LaVerónica es un proyecto de Diego Díez y Juan Jesus Torres sobre arte contemporáneo en colaboración con LaVerónica (C/Moratin 38, Madrid) Este proyecto sale a la luz tras la búsqueda de un nuevo prototipo de entrevista y tiene como fin dejar constancia de las conversaciones allí mantenidas. Las conversaciones se publican en la web del proyecto y en un fanzine en papel.

http://unamesaenlaveronica.es

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Rebeca blanchard, Francesco Giaveri, JosĂŠ Robles & Sergio Rubir.

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Return magazine  

Revista de Arte Contemporáneo Nº0 Sevilla- Brighton 2015

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