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CLIP ET TOURNAGE Compte­rendu de la rencontre du 15 janvier 2013, avec la complicité de Dragane, Réalisateur à Dragane Film et Nicolas Humbert Réalisateur

Réseau Musiques 94 ­ Mise à jour avril 2013 ­ Rédaction Maet Charles


LE CLIP ET SA SPÉCIFICITÉ 1) Clip et live Le clip et  la vidéo live n’ont pas le même objectif, ni les mêmes destinataires. Un programmateur regarde   la  vidéo  live.  Le  clip  a  pour  but  de  montrer  la  dimension  créative   et  imaginative  des groupes. Pour  la  vidéo  live  le  son  est  très  important.  C’est  un  élément à ne pas  négliger et c’est la chose qui est souvent mis en second plan par rapport à la vidéo. Le  live  permet  des   libertés  par  rapport  au  clip.  Le  spectateur  tolère plus d’erreur de mouvement de  caméra,  de   jeu  de  scène…  Dans  le  clip,  chaque  mouvement   de  caméra  ou  mouvement d’acteur  amène  à  quelque  chose  (si  la  caméra  se  déplace  hors  champ  c’est  qu’il  y  a  quelque chose à voir…)

2) Le Clip, pourquoi Il  est  parfois  frustrant  de  travailler  sur  un  clip  et  d’investir  beaucoup  d’énergie  pour  seulement 2000  vues.  Toutes  les  vidéo  qui  font  de   nombreuses  vues  ont  un plan  de communication. Il faut donc réfléchir au clip amis aussi sur la façon de le médiatiser. Il vaut mieux ne pas mettre une vidéo que de poster une mauvaise vidéo. Il faut aussi s’interroger sur la destination et le public à qui la vidéo est destinée. La  philosophie  du  0  euros  de  budget,  impose  une  grand créativité. Très souvent dans un clip, le spectateur  garde  en  tête  l’idée  et  l’originalité  plutôt  que  le  cadrage  et  l’enchaînement  des  plans. L’idée du clip et le déroulement narratif sont donc importants. Un  clip, si on rémunère les différents intervenants, la déco, le matos… revient très cher. On peut facilement atteindre les 30.000 euros !!! Il  faut  avoir   une  cohérence entre l’univers musical et  l’histoire du clip. L’idée est primordiale mais il   ne  faut  pas  montrer  quelque   chose  qui  n’ai  rien  à  voir  avec  l’univers  artistique.  Il  faut  rester lucide  sur  qui  ont  est  et  sur  l’image  que  l’on  dégage.  Il faut essayer de comprendre comment le public nous voit et s’interroger sur ce que le public reçoit de nous.

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3) Concrètement, on prépare quoi ? Remarque,  il  existe  sur  viméo  un  espace  avec  des  tutoriaux  pour  les  débutants.  Il  y  a  aussi  de nombreux sites avec des conseils de base. http://www.repaire.net/forums/prise­de­vue­lumiere­eclairage/229078­clip­video­type­declairage. html http://www.videoeffectsprod.com/2012/06/le­tournage­les­regles­de­bases.html http://www.editions­eyrolles.com/Chapitres/9782212119428/Chap3_Tumminello.pdf Il est important de construire un scénario et  éventuellement de « story boarder » les plans du clip (même  si  l’on  ne sait pas dessiner l’idée est juste de sentir la dynamique des plans et du rythme pour en maîtriser les faiblesses et y remédier avant le tournage).

­ Les   premières  secondes  sont  les  plus  importantes,  car  la  perception  de  nombreux

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programmateurs et  public  sont  déformés  par  le  zapping.  Ne  perdez  donc  pas  de  temps  avec des introductions longues. Entrez dans le vif du sujet dès le début de la vidéo. ­  La  distance  à  la  caméra,  les  mouvements,  les  choix  de  couleurs…  sont  des  détails  très importants qui doivent êtres pensés. C’est le contenu qui permet de choisir les cadres.

4) Concrètement, on filme quoi ? Les règles de prise de vue ­  Règle  des  3  tiers  :  Elle  consiste  à  placer  les  éléments  clefs  de  l'image  sur  les  lignes  qui séparent  les  tiers  verticaux  et  horizontaux,  voire  sur  les  intersections  entre  ces   lignes.  Les   4 points  forts  se  situent  à  l'intersection  des  lignes  rouges  de  la  photo   ci­dessous:  Ici l'arbre a été placé  sur  un  point fort de l'image et l'horizon à été posé sur le premier tiers supérieur de l'image, la  même  photo  avec  un  horizon  au  centre  aurait  donné  un  effet  moins  fort sur ce  paysage. Une image  composée   selon  la  règle  des  trois  tiers  est  supposée  être  plus dynamique  et donne  plus d'espace au regard pour vagabonder.

­ Aire  et  espace  vide  :  Penser  toujours  à  laisser  de  l'air  face  au  regard  d'un  personnage  pour donner  l'impression   d'une  profondeur  à  l'image,  une  image  mal  cadrée  est  néfaste  pour  les cinéphiles  et  donne  l'impression  d'un  travail  bâclé  sauf  dans  le  cas des clips vidéos où l'on peut jouer sur des compositions pour donner une certaine originalité....

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­ Sur  l'image  ci­dessus  le  regard  nous  amène  vers  l'extérieur,  ce  qui  donne  une  profondeur  à l'image.  Si  par  contre  on  avait  placé  le  bord  gauche  du  cadre  près  des  yeux  cela  aurait  nuit  à l'image sans amener cette profondeur. ­  Le  regard   est  très  important. Lorsque le chanteur regarde la caméra, il faut faire très attention à ce  qu’il   n’ait  pas  des  mouvements incontrôlés des yeux vers d’autres sources que l’objectif de la caméra (sauf si cela est prévu dans le scénario). ­  Le  raccord  de  valeur  de  plan  :   Il  faut  sauter  au  moins  une  valeur  de  plan  entre  2  plans montés : Par exemple, on peut passer d'un Plan rapproché taille à un Gros plan.

­ La règle des 30 degrés : il  est conseillé, en plus du changement de valeur de plan, de décaler

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l'axe de  la  caméra  d'au   moins  30°  par  rapport  au  plan  précèdent.  Cela  évite  d'avoir  une sensation de "saute d'image" lorsque l'on passe d'un plan à un autre. ­  La règle des 180 degrés : Définir un axe imaginaire entre les éléments principaux de la scène (2  personnes  qui  parlent).  Dans  tous  les  plans  que  comptent  la  scène,  la  caméra  ne  pourra franchir  cet  axe  (sauf  dans  le  cas  d'un  travelling   où  le  spectateur  serait   informé  de  la transgression de l'axe). Voir leçon "Composition de l'image et tournage".

­ Les  raccords  de  mouvements  :  les  personnages  d'une  scène  doivent  rester  à  la  même place  sur  l'image.  Un  sujet  en  mouvement  doit  toujours  se  déplacer  dans  le  même  sens  sur l'écran. ­  Remarque: Il est parfois impossible de respecter les règles précédentes énumérés. Il est alors nécessaire  de  faire  oublier  la  position  initial  du  spectateur  ou  leur  sens  de  déplacement,  en intercalant un plan neutre appelé plan de raccord ou plan de coupe. ­  La  profondeur  de champ est la zone dans laquelle tout élément de l’image est net, du point le plus  rapproché  au  plan  le  plus  éloigné.   Cette  profondeur  ou  tout  est  net,  dépend  de  différents paramètres : ● ●

La taille  du  capteur  de  l’image  (plus  le  capteur est petit et plus la profondeur de champ est grande). L’ouverture  du  diaphragme  (plus  le  diaphragme   est  fermé,  plus  la  profondeur  de

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champ est grande). La  longueur  focale  utilisée  (plus  l’on  zoome  dans  l’image,  et   moins  la  profondeur  de champ est grande).

­ Il  est  indispensable  de  très  bien  connaître  les  paroles  du  morceau.  Le  jour  J,  il  faut  parfois chanter,  danser  en  même  temps,  regarder  la  caméra,   écouter  le  cadreur,  boire  à  l’envers, danser  sur  les  mains…  bref,  il  est  donc  indispensable  de  connaître  les  paroles  sur  le  bout  des doigts. ­  Il faut partager les idées avec le plus grand nombre de personnes, prendre les  bonnes critiques en  compte  et  laisser  les  mauvaises.  Il  est  particulièrement  intéressant  d’échanger  avec  des personnes n’ayant rien à voir avec l’univers musical ou vidéo.

4/ Diffusion ­  En  général  les  clips  qui  ont  beaucoup  de vues ont des plans de communication et d’exposition (achat d’espaces de communication…). ­  La  première  étape  est  de   cerner  le  public  auquel  s’adresse   le  clip  :  âge,   sexe,   définir  les horaires  et  habitudes  du  public  cible  (développement  du  plan,  média  avec   les  carrefours d’audience).

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