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LA REVISTA DONDE CONFLUYEN TODAS LAS MÚSICAS

´ RENACER ELECTRICO OCTUBRE 2016

MUSIC MAGAZINE

JOE LYNN TURNER RED APPLE THEE BOAS DAVID TAVARES ESTIRPE THE FOXHOLES THE SUGARHILL GANG

Y&T NOS LLEVAN HASTA EL LÍMITE JESUCRISTO SUPERSTAR, LOS PANIKS, GERMÁN KUCICH TRÍO, STAR MAFIA BOY EO SIMON TRÍO, FERNANDO BROSETA, ENRIQUE TEJADO QUARTET, CÁLIDO HOME


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Octubre de 2016

SUMARIO

04. CRÍTICAS DE DISCOS. GERMÁN KUCICH TRÍO, STAR MAFIA BOY, FERNANDO BROSETA, DAVID TAVARES, EO SIMON TRÍO, LOS PANIKS, THEE BOAS, JASMINA PETROVIC Y NÉSTOR BALLESTEROS, ENRIQUE TEJADO QUARTET, CÁLIDO HOME, THE FOXHOLES, ESTIRPE.

18. ENTREVISTA. JOE LYNN TURNER.

22. CRÓNICAS DE CONCIERTOS. THE SUGARHILL GANG, Y&T.

29. ENTREVISTA. DAVE MENIKETTI (Y&T).

31. LIBROS. ASÍ FUNCIONA EL NEGOCIO DE LA MÚSICA, JESUCRISTO SUPERSTAR, ¡PINCHES JIPIS!

34. LA FIRMA INVITADA. RED APPLE.

Dirección: Sergio Guillén Redacción: Andrés Puente, Sergio Guillén, Fat Professor, María Manuela Cortinas y Julio L. Tecglen Fotografía: África Paredes Diseño y maquetación: Sergio Guillén Encargado Facebook: Sergio Guillén / Encargada Twitter: África Paredes Contacto: renacerelectrico@hotmail.com Foto portada: África Paredes RENACER ELÉCTRICO MUSIC MAGAZINE no se hace responsable de ls opiniones vertidas por su colaboradores y anunciantes ni se identifica, necesariamente, con las mismas.

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INSIDE (Germán Kucich Trío,Youkali Music) Hace unos años tuve la ocasión de reseñar el disco que publicó el pianista argenno (aunque afincado en España desde hace casi un cuarto de siglo) Germán Kucich junto al guitarrista Gustavo García. Si en aquella ocasión la grabación se basaba en la sola interacción de ambos instrumentos, ahora Kucich se nos presenta en formato de trío junto al contrabajista Toño Miguel y el baterista Daniel García Bruno. Desde la producción del álbum hasta el cien por cien de sus composiciones y arreglos, pasando por la acuarela que ilustra la portada de Inside, todo lleva aquí la firma de Germán Kucich. El jazz que desarrolla el trío en este trabajo es ciertamente complicado y enrevesado, y por ende únicamente apto para seguidores avanzados de este género. Aquí no hay concesiones a lo accesible y rápidamente asimilable, sino mucho de improvisación e impredecibilidad, lo cual acerca el contenido mu-

Germán Kucich Trío 04

sical del disco a las propuestas de jazz fusión más aventureras. Por lo general, el sonido de Inside es nervioso y excitante, aunque tan sinuoso que muchas veces es di!cil de seguir por el oyente. Las sucesivas escuchas contribuyen sensiblemente a la interiorización del álbum por parte del melómano. Aun así, Inside es un disco realmente complejo que requiere un esfuerzo de concentración y dedicación no al alcance de cualquiera, y menos en los empos que corren. Sin embargo, dicha labor produce sus frutos. Por ejemplo, “Waing For An Insect” evoca con genialidad imágenes mentales de un insecto zumbando, baendo las alas o posándose en una pared. Así las cosas, podemos hablar de un notable trabajo aunque nada complaciente con el oyente. por Andrés Puente


©África Paredes

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Star Mafia Boy

ADICTO A LA PELEA (Star Mafia Boy,Vaso Music) Comienza a girar el disco Adicto A La Pelea, arranca “Ven Conmigo Al Ring” y su fraseo inicial de guitarra me recuerda poderosamente al del “Young And Wasted” de Kiss. Salta del primer corte al segundo, “No Quiero Despertar”, y escucho la pieza “Overkill” de Motörhead en uno u otro detalle estructural o de tempo de la canción («Disparar, matar o morir» o «Lucifer vuelve a sonreír» se canta ante el micrófono al mismo ritmo y par!do en dos partes como aquella ya mí!ca frase de Lemmy: «Don’t sweat it, get it back to you»). De similar manera, “La Heroína De Mis Venas” es deudora de Hanoi Rocks o “Tengo Algo Guardado Para Ti” funde un inicio baterís!co a lo “Ballroom Blitz” de Sweet para estallar en un boogie rock bolaniano pero de letra netamente Burning. Y todo ello sin buscar la copia, sin intentar el calco, sólo mostrando orgulloso sus referencias, las influencias que han conver!-

do a Francisco José Rodríguez Pinto en Mafia Boy y, finalmente, en Star Mafia Boy. Editado por Vaso Music, como viene siendo habitual en los lanzamientos de este guitarrista y vocal, Star Mafia Boy sigue apostando por las letras en castellano. Y esto creo que se debe recalcar pues ya ha pisado con éxito en varias ocasiones !erras británicas, por lo que podría perfectamente haber presentado este nuevo disco de estudio con textos en inglés –ya cantó en dicha lengua en algunas canciones del primer elepé de Guitar Mafia–; pero no, lo suyo son las calles de Madrid y prefiere centrarse en las referencias que ya le han dado un nombre en la escena. Fiel hasta el final... y que dure. por Sergio Guillén

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CELESTIA: ÓPERA METAL (Fernando Broseta, Rockest Records) Lo de fusionar el heavy metal con la música clásica o con la ópera no es nada nuevo. Solamente hay que recordar antecedentes como Therion, Rhapsody o Avantasia, el proyecto personal de Tobias Sammet y principal referente de este ambicioso trabajo del vocalista Fernando Broseta (miembro del grupo Prometheos). Por lo tanto, el concepto de la metal opera ya di!cilmente se puede ver como novedoso. Lo que sí resulta digno de mención es que Celes!a se haya concebido enteramente en España, ejecutada por una suerte de dream team del metal nacional cons"tuido por miembros de formaciones como Ankhara, Dragonfly, Zarpa, Zenobia u Opera Magna, entre muchas otras. La obra se estructura en tres actos y se presenta distribuida en dos discos compactos. Como es obvio tratándose de una ópera, cada vocalista encarna un personaje de la historia e incluso hay un narrador, labor de la cual se encarga Miguel Ávalos Oliveros. En lo musical y vocal, nos encontramos con un trabajo realmente fantás"co, centrado en el power metal con numerosas orquestaciones (desarrolladas por el propio Fernando Broseta) y totalmente equilibrado en la parte instrumental. En lo que encuentro debilidades es en la forma de contar la historia. Supongo que sobre las tablas, con la escenogra!a y la interpretación actoral de cada uno de los vocalistas y su adecuada interacción, la obra adquiriría su sen"do completo pero, escuchando

los discos y prestando una total atención a las letras, me resulta bastante complicado discernir qué se está contando en ocasiones. Comprendo la base de la historia, pero en mi opinión se ha u"lizado un lenguaje un tanto críp"co o metafórico (el coautor de los textos es el bajista y poeta Iván Ramírez) que no ayuda a la asimilación completa de la parte literaria de este trabajo discográfico. Es verdad que como complemento del disco se incluyen unas entrevistas en vídeo con los creadores e intérpretes que aclaran algunos puntos, pero bajo mi punto de vista la historia se debería comprender perfectamente sólo apoyándonos en la escucha del doble CD o al menos con algún texto adicional en el libreto. Quizá habría estado bien incluir en el cuadernillo una breve explicación de cada personaje, una suerte de drama!s personae que ayudase a ubicar cada uno de ellos y su función. Me queda por tanto una sensación un tanto agridulce después de disfrutar de Celes!a. Por un lado, admiro profundamente el esfuerzo que se ha puesto en esta producción y es evidente que se ha conseguido un resultado más que notable en la parte estrictamente musical y vocal. Pero ya digo que me gustaría poder comprender más fácilmente todo lo que se cuenta en la obra. por Andrés Puente

NI TAN REY, NI TAN RATÓN (David Tavares,Youkali Records) La formación y biogra!a del guitarrista brasileño (afincado en nuestro país) David Tavares reflejan a la perfección el contenido de Ni Tan Rey, Ni Tan Ratón, su tercer álbum en solitario. Y es que, si bien se inició en la música popular de Brasil, sus siguientes paradas fueron la guitarra clásica y el flamenco. Pues bien, de todo ello, junto y a veces revuelto, 06

podemos disfrutar en este sobresaliente y personal disco. Tal mezcla de es"los e influencias funciona perfectamente gracias al buen hacer y sen"miento de Tavares a la hora de enfrentarse a sus propias composiciones. Su forma de tocar la guitarra es virtuosa aunque provista de una calidez y cercanía que de


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seguro encandilarán a cualquier po de público. La distribución de los temas en el álbum es brillante, alternándose composiciones de puro guitarreo e influencia clásica (“Frevando”, “Negro E Sinhá Prelúdio”, “Tremolo Da Saudade”, “Balada Para Una Mujer Triste”) con temas cantados y momentos en los que Tavares se apoya en las percusiones de arstas invitados (“Danza Cortesana”, “Carioca De Guarapuava”, “Rumba Nova”). Los tres temas con voz que conene Ni Tan Rey, Ni Tan Ratón cuentan con una fuerte proporción de bossa nova y samba, y son estupendas canciones escritas junto a Bio Medeiros y cantadas por Paulo Mestre y Pedro Moreno. Es di!cil toparse con discos tan sinceros y bonitos

David Tavares 08

como la más reciente obra de David Tavares. Por ello no puedo sino recomendar con ferviente admiración este CD que con total seguridad hará pasar multud de buenos momentos a cualquier persona que aprecie la musica hecha desde el corazón. con composiciones de las que existen en el imaginario colecvo grandes interpretaciones que han trascendido el juicio del empo. Al final contamos con una inclasificable amalgama de eslos que llega a ser grata para el oído en el amplio contexto de los ritmos acúscos populares. por Andrés Puente


C R ´I T I C A S D E D I S C O S

EO Simon Trío

MAYAN (EO Simon Trío,Youkali Music) Nada mejor que escuchar el más reciente álbum del madrileño EO Simon junto a los franceses Alain Richard (batería) y Gil Lachenal (contrabajo) para comprobar todo lo que puede ofrecer un piano y la candad de recursos que es capaz de desarrollar cuando es interpretado por las manos adecuadas. Como es habitual en el sello Youkali Music, el núcleo alrededor del que gravita todo es el jazz, aunque Mayan transita por muy diversas direcciones a lo largo de sus diez temas. El trío versiona a Miles Davis haciendo aquel “Blue In Green” que el míco músico incluyera en su no menos legendario LP Kind Of Blue (1959), pero hay que decir que la prácca totalidad del álbum que nos ocupa está integrada por composiciones originales de EO Simon. El pianista demuestra su versalidad al moverse como pez en el agua en terrenos

como la música clásica contemporánea (“Another Night”), el jazz con ínfulas de funk (“Funkyland”) o las tendencias más experimentales y progresivas en los muy acertadamente tulados “Excéntrico” y “El Laberinto”. Como no podía ser de otra forma, la concurrencia de Alain Richard y Gil Lachenal es fundamental a la hora de complementar la labor de Simon, e incluso Lachenal pone su granito de arena en el apartado composivo, aportando el tema “Alentours”. Los úlmos compases del disco nos transportan a un bullicioso Extremo Oriente gracias a la audición de “Japan”, mientras que el bonus track “Very Early” homenajea el cool jazz del Bill Evans Trio, redondeando así un trabajo de lo más entretenido. por Andrés Puente 09


Los Paniks

LOS VALIENTES ANDAN SOLOS (Los Paniks, El Beasto Recordings) En 1962, y cual adaptación cinematográfica de la novela de Edward Abbey The Brave Cowboy, se estrenaba en los cines estadounidenses el western en clave de drama Lonely Are The Brave; película que según Kirk Douglas, protagonista del filme, es su favorita de todas las rodadas en su extensa carrera. Ahora Los Paniks se embeben del alma de aquel John W. “Jack” Burns para escupir con rabia un EP, este trabajo que demuestra que los más solitarios son los que a la postre más ruido hacen. Los Paniks !enen cogido perfectamente el punto a los éxtasis garageros de mitos norteamericanos como The Sonics y eso se nota en sacudidas eléctricas como “Pan” o “Camposanto”, que son un 10

verdadero tsunami para la cara A de este redondo. Al saltar a la cara B, el oyente se podrá emocionar escuchando el repaso que estos cuatro cuatreros le pegan al “Mexicali Baby” de la banda de culto de la segunda mitad de los 50 The Rio Rockers; clausurando la !mba con la mano más oscura, un “Los Valientes Andan Solos” acertadamente lo-fi y de pura inquietud. Está más que cristalino que combos como Los Nastys o Los Paniks está dando un nuevo sen!do al garage rock sin perder en ningún momento de vista a las hoy leyendas que lo ayudaron a poner en pie décadas atrás. por Sergio Guillén


C R ´I T I C A S D E D I S C O S WORD 1 (Thee Boas, El Beasto Recordings) «Aspiramos a hacer canciones que tengan como piedra angular las tres eses: Stooges, Scienst y Spaceman 3», han llegado a declarar los miembros de Thee Boas. Y lo cierto es que este álbum, Word 1, no parece dejarles por menrosos; de hecho, el oyente en pocos minutos podrá comprobar que estos gallegos logran ir mucho más allá. Los ntes del garage más punk han dado paso a un noise rock alucinógeno, drogado por una rotundidad en la base rítmica casi chamánica, en ocasiones como de mantra sonoro con forma de máquina apisonadora sin frenos que acvar hasta que se termine la

canción pernente, el grito a voz en cuello. Se nota que desde 2008 hasta este 2016 actual la banda ha evolucionado en lo que a compactar su sonido como grupo se refiere, marcadas en su piel tanto las horas de ensayos como las noches de directos ofrecidas. Word 1 es un artefacto hipnóco a la par que rompedor, un ejercicio de valen"a, una exclamación airada en pos de no querer atarse a nada que les quite la más mínima personalidad. por Sergio Guillén

Thee Boas

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Jasmina Petrovic

PARLEZ-MOI D’ AMOUR (Jasmina Petrovic y Néstor Ballesteros,Youkali Music) Este disco surge de la simbiosis musical entre Jasmina Petrovic, cantante nacida en Stugart, de origen croata, y el pianista y compositor argenno Néstor Ballesteros. Petrovic está muy vinculada a diferentes proyectos que aúnan la música clásica, la música tradicional y el jazz, destacando especialmente como integrante del grupo Lafra, con el que interpreta melodías inspiradas en la música de la Europa central y oriental con influencia de la música clásica, la música klemez y el jazz. Por su parte, Ballesteros también se ha prodigado en diferentes géneros musicales y artes escénicas. Los dos arstas ya habían coincidido en otros proyectos como Jasmina Petrovic Trío. El álbum recopila trece grandes canciones de amor, muchas de las cuales son clásicos en diferentes repertorios, como “La Violetera”, “La Vie En Rose”, “Lili Marleen” o “Pa’ Llegar A Tu Lado”. Las interpretaciones se basan en un esquema musical sencillo a la vez que eficaz de voz y piano, imprimiendo disntas texturas a las célebres piezas. La presencia de canciones interpretadas en español, francés, portugués, alemán y croata confiere al conjunto un aire paneuropeo, si bien unificado en un mis12

mo esquema interpretavo de tendencia clásica. A veces, las supuestas versiones se quedan en clonaciones vocales donde se demuestra una buena técnica pero que no transmiten el senmiento al modo que lo hicieron las voces de Raquel Meller, Edith Piaf, Lale Andersen, Lhasa de Sela… o incluso el mismísimo Enrique Bunbury. En Parlez-moi d’ Amour Petrovic y Ballesteros materializan un personalísimo y arriesgado proyecto en el que llevan a su terreno algunos temas fuertemente arraigados en la cultura popular, con ciertas interpretaciones legendarias que forman parte del subconsciente colecvo, contando además con muchas y muy dispares versiones hasta los más recónditos rincones de la interpretación musical. El dúo materializa un trabajo sólido, lleno de emociones y maces. A la vez, el disco se presta a una escucha sencilla y relajada en la que cada cual dé rienda suelta a sus senmientos en el intrincado campo del amor, que ha servido como nexo para hilvanar este disco. por María Manuela Cornas


C R ´I T I C A S D E D I S C O S BEHIND THE MASK (Enrique Tejado Quartet,Youkali Music) El contrabajista cacereño Enrique Tejado Ramos lleva casi un cuarto de siglo sobre los escenarios como músico integrado en formaciones principalmente jazzíscas, aunque también ha cul!vado otros es!los, como la música clásica, el flamenco o el tango, con ar!stas como Jorge Pardo, Jerry González, Javier Conde o Antonio Canales, y formaciones como Libertango eXtreM, Expresión Jazz Quintet y la Orquesta Nacional de Jazz. También destaca por su labor docente, en la actualidad como profesor de contrabajo y bajo eléctrico en el Conservatorio Oficial de Música de Cáceres. Ahora se ha puesto al frente de su propio proyecto musical, formando un cuarteto con músicos de reconocida solvencia, con los que Tejado ya había compar!do experiencias sobre las tablas, como su paisano el saxofonista Luis Verde, el baterista cordobés, afincado en Badajoz, Pepín Muñoz y el pianista de origen cubano Iván “Melón” Lewis. Behind The Mask es el primer disco de este nuevo proyecto liderado por Enrique Tejado. Con!ene temas compuestos por el músico extremeño –excepto “Do Geese See God”, una versión del corte del malogrado músico belga Mathias Lecharlier–. “Nasciturus” es una extensa introducción que sienta las bases de lo que serán los temas esenciales del disco, más restringidos al cuarteto puro, invocando muchas influencias clásicas, propias de los

primeros !empos del jazz, aunque combinadas con ma!ces más vanguardistas. También escuchamos variaciones sobre un esquema similar en cortes como “11 S 10”, “Charny” o “Ballad For Cifu”, incorporado como homenaje a la figura del gran Juan Claudio Cifuentes. Un interesante contraste es el único tema vocal del álbum, “Behind The Mask”, que cuenta con la interpretación de la cantante villanovesa Mili Vizcaíno, que grabó su contribución desde la India. El colofón del disco es “Recordar-T”, con una pista previa a modo de introducción donde el sonido melancólico del tañido del contrabajo es protagonista absoluto, dando paso a la pista final, una pieza potente con un fondo instrumental reforzado por el saxo tenor y el trombón, desarrollando una composición muy sustentada en los vientos, que actúa como culmen anímico del álbum. El disco debut de Tejado es un proyecto muy personal, pero también es un disco familiar, en muchos sen!dos. Transmite muchas emociones, sin ser un disco emocional; invoca muchos sen!mientos, sin conver!rse en una obra sen!mental. Enrique Tejado se quita la máscara y se expone como responsable máximo de su arte, con todo lo que eso conlleva. por María Manuela Cornas

Enrique Tejado

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C R ´I T I C A S D E D I S C O S TONES AND SHAPES (Cálido Home, BCore Disc) El dúo barcelonés Cálido Home está formado por Anna Andreu y Eduard Pagès, tándem que lleva más de un lustro interpretando un indie folk de clara influencia estadounidense, aunque dicha influencia es bastante transversal en el espacio y en el "empo, incluso con ciertos ma"ces del neo folk experimental. Después de haber publicado un EP, De L’un i De L’altre (2012), y un LP, Vulpes Vulpes (2013), ahora editan este segundo LP a través del sello independiente BCore. Por primera vez presentan un trabajo íntegramente en inglés, una lengua que los conecta con sus referentes anglosajones, vinculados principalmente al folk alterna"vo, entre los que resulta inevitable destacar a los australianos Angus y Julia Stone. Tones And Shapes con"ene diez piezas breves, basadas en los juegos rítmicos de las guitarras y las voces, con una interpretación contenida pero tensa, donde pretenden que los silencios cobren protagonismo, aunque a veces pueda restar fluidez a canciones que parecieran querer desarrollarse con más potencia. No obstante podemos encontrar

interpretaciones de gran viveza emocional, como “The Flood” o “Dear Kiddo”, que también encierran un mensaje más profundo de lo que a primera vista pudiera parecer. En el disco se pueden apreciar reminiscencias del viejo espíritu DIY, desde la sencilla grabación en directo en el estudio de Joan Pons –más conocido como El Pe"t de Cal Eril–, sin más adornos que dos guitarras y dos voces, hasta el diseño gráfico de la edición $sica, donde intervienen ac"vamente los propios músicos. Todo ello confiere a este trabajo un toque de frescura y cercanía, con un claro aire de actuación en vivo que entronca perfectamente con el sen"do primigenio del folk, sin llegar a caer en la moda del lo-fi impostado. Anna y Eduard nos ofrecen una propuesta diferente, poco común hasta el momento en el complejo panorama alterna"vo español, pero muy al son de las tendencias emergentes en las escenas internacionales. por María Manuela Cornas

Cálido Home

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UN MAL MENOR (The Foxholes, Autoeditado) Es un hecho fácilmente constatable que en el mundo de la música las cosas han cambiado de forma radical en los úlmos años. Fruto de esta transformación de esquemas surge Un Mal Menor, un disco que la propia banda The Foxholes define como pseudorecopilatorio o cual single con ocho bonus tracks. El sencillo que sirve como mascarón de proa a este CD –cuyo artwork es obra de nuestra compañera, la fotógrafa África Paredes– es precisamente “Un Mal Menor”. Es una canción que sorprende por su aparente simplicidad, aunque precisamente por ello engancha al oyente desde un primer momento. Después de este ataque de rock basado en riffs y melodías vocales de lo más pegadizos nos adentramos en los “bonus tracks”, temas extraídos de los tres primeros álbumes de The Foxholes. Aquí podemos disfrutar de la faceta experimental del grupo en todo su esplendor. “Mexico 307” es una misteriosa canción entre el kraut rock y la psicodelia, mientras que “Tu Realidad” hace gala de un cariz más pop aunque uno puede descubrir flecos de King Crimson en esas guitarras inquietas que dibujan estructuras circulares. “Tiny Speck”, cantada en inglés,

The Foxholes 16

nos remite a una de las referencias más claras de su anterior Radio Cincinna", que no eran otros que Blackfield. También en inglés se presenta “Goldminer Song”, con la cual nos senmos transportados a las praderas y desiertos que dominaron los indios de Norteamérica. La segunda mitad del disco es tesgo de la variedad que imprimen The Foxholes a su producción musical. “Invader Proxy”, gracias a sus voces procesadas y potentes guitarras, recuerda tanto a Buggles como a ciertas bandas del grunge. En “Betrayal” se introducen con firmeza en las sendas del power pop, praccando un eslo totalmente diferente al de “King Cujo”, que por momentos nos remite a Devo. “Quiet Castles” funciona como el cierre perfecto de este disco, sonando a canción para los créditos finales de alguna película. Como se puede comprobar, es complicado encontrar en el panorama nacional un grupo que, aun dentro del pop, sea capaz de moverse en tantas direcciones sin caerse nunca de la bicicleta. Excelente carta de presentación de The Foxholes para cualquiera que no les conozca todavía. por Andrés Puente


©Daniel Degayón

C R ´I T I C A S D E D I S C O S

Estirpe

JAM FUZZION KLAN (Estirpe, Autoeditado) Mi conocimiento del grupo cordobés Esrpe se reduce, básicamente, a haber escuchado algunos temas de sus álbumes Ídolos De Papel (1997) y Víc!mas Del Mismo Sol (2000) cuando todavía se podía disfrutar de música rock en emisoras de radio generalistas. En aquella época me parecía un grupo interesante, aunque no lo suficiente como para adentrarme más en profundidad en su discogra"a. En los úlmos años volvieron a la acvidad con fuerza, y la confirmación de su potente regreso la tenemos en este Jam Fuzzion Klan. La actual formación se la ha jugado con esta publicación, y de qué manera. El trabajo que capta nuestra atención es una edición limitada compuesta por vinilo, CD y vídeo en alta definición en la cual Esrpe colabora con un trío de vientos (saxo, trombón y trompeta) y una percusionista. El disco fue grabado en directo a principios de 2014, y a lo largo de sus diez temas la banda revisita canciones de sus úlmos álbumes de una forma que solamente se puede calificar de magistral. Jam Fuzzion Klan es un cañón, un trabajo en el que el grupo se adentra en múlples territorios como el rock, el funk, el reggae, la fusión con el jazz o las influencias lanas

con absoluta credibilidad y profesionalidad. Dicen que el que mucho abarca poco aprieta, pero este refrán no se hizo para describir Jam Fuzzion Klan, eso desde luego. La intensidad en la interpretación de estas canciones es constante y la efecvidad del grupo y sus colaboradores es total a lo largo y ancho de la grabación. Impresionado me hallo después de escuchar este disco, y al mismo empo triste al comprobar que este po de proyectos parecen no tener cabida en un panorama discográfico ciertamente podrido no sólo por la piratería, sino por la cutrez y estulcia de muchos de los que dirigen el negocio de la música en España. Es sintomáco comprobar cómo un trabajo como este, que merece vender miles de unidades, ene que ser autoeditado por sus autores y limitado a 350 copias que, me temo, no serán nada fáciles de vender. Se afirma en la nota de prensa que Jam Fuzzion Klan se planteó inicialmente como mero caramelo que regalar sus seguidores. El problema es que en un mundo justo trabajos como este deberían ser publicitados como lo que son: obras mayores. por Andrés Puente 17


JOE LYNN TURNER «Ritchie sigue diciendo que Slaves And Masters es uno de sus discos preferidos de Deep Purple» Tal vez Joe Lynn Turner no saque álbum en estudio bajo su nombre desde 2007 (Second Hand Life), pero eso no quiere decir que el cantante se haya quedado repan!ngado en el sillón de su casa. En 2006, y gracias al apoyo de Fron!ers Records, creaba el proyecto Sunstorm, al igual que en los siguientes años colaboraría con The Jan Holberg Project o pondría su voz en el supergrupo Rated X. Ahora regresa a Sunstorm para ofrecer el que es ya cuarto disco compacto de la apuesta.

Me gustaría que me explicases cuál fue el comienzo de un proyecto como Sunstorm, ya que estamos actualmente hablando del cuarto disco de la apuesta. Todo comenzó en 2006 cuando dos ejecuvos de Froners Records se encontraban intercambiando cintas de bandas. Una de las casetes se la pasó un periodista y en ella se contenía lo que eran las demos de mi segundo álbum solista. En esa casete había canciones de lo que iba a ser la connuación de mi elepé debut de 1985 Rescue You. Ellos sineron inmediatamente que era material que merecía salir a la luz y ser escuchado. En cuanto a la nueva grabación, te diré que el proyecto siempre estuvo desnado a ser una trilogía. Por lo tanto, este cuarto álbum no era algo planeado en un principio. Pero las canciones eran tan potentes; y luego estaba el hecho de que podría tener control total sobre las composiciones que terminarían en el disco, algo que me interesó mucho. En el pasado no era así, no podía elegir todos los temas. Además, Alessandro se mostró dispuesto a trabajar conmigo y tomar dirección e ideas de lo que yo le transmiese. Hablando del nuevo elepé de Sunstorm, Edge Of Tomorrow, podríamos decir que el proyecto ofrece cierta nueva dirección con este lanzamiento. 24 18

Tras publicar el álbum con Rated X, quería regresar al material más melódico de Sunstorm, aunque igualmente deseaba que el nuevo trabajo fuese algo más duro... no tanto “cristal de los 80”, como me gusta llamarlo. ¡Creo que éste es el mejor de la serie! Más endurecido, más potente y más heavy que antes; eso sí, sin perder la integridad melódica sobre la que versa el proyecto. Lo llamo metal melódico. ¿Qué ha pasado con el regreso de Rainbow y el ajuste de la nueva alineación? Yo deseaba una formación auténca de Rainbow. En fin, había estado hablando con el bajista Bob Daisley, con Bobby Rondinelli (baterista), con Roger Glover y con Don Airey (teclados)... Si es que hay un buen grupo de excomponentes que eran capaces de organizarse las fechas para parcipar en este regreso. Pero, por lo que se ha visto, Ritchie no quería hacerlo así; y resulta algo lamentable, ya que tuvimos a algunas grandes compañías de promoción interesadas en meter en sus agendas un espectáculo de Rainbow real, con auténcos miembros de la banda. Sé que lo has contado en muchas ocasiones pero, ¿podrías recordar para nuestros lectores la historia de cómo entraste en Rainbow? Recuerdo que recibí una llamada del roadie perso-


E ´NTREVISTA

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FECHAS GIRA POR ESPAร‘A 07 Oct, Calella, Fest at the Fรกbrica 08 Oct, Villava, Sala Totem 09 Oct, Madrid, Sala Changรณ 11 Oct, Sanago de Compostela, Sala Capitol 12 Oct, Oviedo, Sir Laurens

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ENTREVISTA nal de Blackmore. Me dijo: «Estoy aquí sentado con Ritchie Blackmore». Me debió escuchar cuando cantaba con mi anterior banda, Fandango, y de ahí lo de la audición. Sin embargo, al principio no me lo creía: «¿Cuál de mis amigos te ha dicho que me cuentes esta historia», le dije. Finalmente le pasó el teléfono a Ritchie. Fue entonces cuando se concertó mi audición en Long Island... ¡y el resto es historia! Cuáles dirías que son tus cinco temas preferidos de la discograa de Rainbow. Realmente no tengo canciones favoritas, y al mismo "empo todas son especiales para mí de uno u otro modo. Es como los críos dentro de una familia, todos diferentes y únicos. Aquellas que "enen un significado especial son las que mejor han funcionado con los fans, canciones como “Stone Cold”, “Street Of Dreams” o “Can’t Let You Go”. Tienen una calidad atemporal.

bargo, al final resultó que aprendimos algo importante de la experiencia, y ese algo es que somos músicos muy demandados. Hemos hecho de la música nuestra vida, por lo que somos muy afortunados de poder vivir de ello. Pero claro, eso significa que no puedes depender de un proyecto o de un grupo para ganarte el pan. Todos nosotros seguimos recibiendo ofertas de todo "po de conciertos o de diferentes grabaciones, y las tenemos que aceptar según van llegando. No podemos posponerlas para ver si Rated X consigue o no actuaciones. En cuanto a un segundo trabajo de la banda, como siempre digo: Nunca digas nunca jamás.

Echando la vista atrás, cómo ves el periodo en el que Deep Purple graba y edita Slaves And Masters. Debió ser realmente dicil reemplazar a Ian Gillan, sobre todo conociendo la gran can!dad de seguidores irredentos de su es!lo Sí, fue realmente di$cil, pero Ritchie sigue diciendo a día de hoy que es uno de sus discos preferidos de Deep Purple. En cuanto a los seguidores de la banda, he conocido a muchos que les encantaría escuchar más cosas de aquella alineación, mientras que a otros directamente no les gusta. La música es arte y todo el mundo debe tener el derecho a poseer una opinión personal sobre el arte. Trabajaste ya hace unos años con Glenn Hughes en el proyecto HTP. ¿Cómo surgió esa unión?

Por úl!mo, y sabiendo lo extensa que es tu carrera profesional como cantante, cuáles dirías que son los mayores cambios que ha sufrido la industria discográfica en estas décadas.

Y ahora me gustaría que nos centrásemos en la banda Rated X. ¿Está la apuesta en el dique seco o hay idea de un segundo CD?

El cambio de formato, primero de vinilo a casete, luego a CD y ahora el tema de las descargas, que pueden ser reproducidas en muchos aparatos diferentes. El hecho de que los fans puedan conseguir música gra"s de una manera tan sencilla es un gran cambio. A menudo ya no hay misterio en relación a un nuevo lanzamiento, ya que Internet ha creado la posibilidad de estar informado al segundo. En el pasado, el ar"sta hacía dinero con la venta de discos y los royal!es. Actualmente todo se basa en dar conciertos. Otro aspecto es lo accesible que han conver"do las redes sociales al ar"sta.

No te niego que intentamos ser una banda. Sin em-

por Sergio Guillén

Le pregunté a Glenn si podríamos hacer una gira por Japón presentando mi álbum Holy Man. También actué con él en el proyecto Voices Of Classic Rock. Me divierte trabajar con Glenn, y es tanto lo que me inspira que finalmente montamos HTP (Hughes Turner Project). Igualmente los fans nos apoyaron y animaron para que sacásemos esta apuesta adelante.

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Master Gee


CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

THE SUGARHILL GANG Sala Clamores, Madrid, 09/09/2016 «Érase una vez un empo, no hace tanto, en el que no había estrellas del rap en la televisión», cantaba en 2009 Master Gee para el single del DJ francés Bob Sinclair “Lala Song”. Esta canción, perteneciente al álbum de Sinclair Born In 69, alcanzó puntos más que respetables en las listas de éxitos italiana, belga, israelí o germana. Tal vez no eran los lugares donde se esperaba de primeras que The Sugarhill Gang tuviesen un mayor núcleo de admiradores, pero cierto es que todo este revuelo ayudó a que el nombre del trío de MCs se volviese a escuchar por Europa. Y recurría en el inicio de mi crónica a esa frase en concreto pues refleja perfectamente el momento en el que salió a la luz The Sugarhill Gang. El rap ya estaba más que aposentado en las aceras neoyorquinas en la segunda mitad de los 70, pero tenía que llegar a las grabaciones de estudio para poder alcanzar a un público más amplio que el que sobrevivía en las calles de

áreas como el Bronx, Englewood o Harlem. De estos lugares salieron verdaderas promesas de la que con el paso de los años sería considerada como escena old-school hip hop: Grandmaster Flash And The Furious Five, Kurs Blow, Afrika Bambaataa o The Sugarhill Gang. A día de hoy, MCs como Wonder Mike o Master Gee, ambos miembros originales de este proyecto, son considerados auténcos padrinos del movimiento. En la actuación de estos dos maestros de ceremonias, que en la actualidad –y desde hace ya bastantes años– completan el trío de The Sugarhill Gang con el talento del también MC Hen Dogg, hay espacio tanto para lo más nuevo (el caso de “Lala Song”) como para los clásicos absolutos de la formación original: “Rapper’s Delight”, “8th Wonder”, “Apache” o “Livin’ In The Fast Lane”. A lo largo de la noche, y gracias al recogido espacio que ofrece la madrileña sala Clamores, pudimos transportarnos

Hen Dogg


a uno de esos sótanos en los que comenzaron a foguearse ante los platos y los micros estos arstas. De hecho, Master Gee no tardó en aclarar que en el principio de los empos del hip hop, cuando aún no se rapeaban textos originales o improvisaciones de los MCs, lo que se hacía era animar en las fiestas a que los asistentes cantasen sobre los estribillos o las partes más reconocibles de las canciones de funk de moda. Rememorando aquella prácca, desde la mesa se dispararon algunos éxitos tanto de funky pop (el “ABC” de los Jackson 5, por ejemplo) como piezas de rap que, aunque posteriores a la época dorada de The Sugarhill Gang, son ya parte de la historia escrita con letras mayúsculas de la hip hop culture (“Jump Around” de los angelinos House Of Pain). También resultaron dignos de ser enmarcados otros dos momentos únicos: el homenaje al desaparecido Prince interpretando una versión re-

ducida de “Purple Rain” con toda la Clamores cantando a voz en cuello; y la emocionante revisión que hicieron, en honor a Grandmaster Flash, de su pelotazo “The Message” (1982). Los tres Sugarhill, junto con su resuelto DJ, estuvieron en todo momento entregados a su público, chocando el puño con las primeras filas, mostrando la memorabilia con la que algunos de los presentes habían asisdo a la actuación –Master Gee alzó desde el escenario la funda del vinilo del primer elepé que grabó The Sugarhill Gang, funda que luego firmó a su dueño, el breaker Roborob– e incluso dando su espacio en la enmoquetada tarima a BBoy Skippy (al igual que Roborob, parte de los Madrid City Breakers). En definiva, una sesión de pura old school. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Y&T

Sala But, Madrid, 22/09/2016 Desde que en 2001 la banda Y&T se reunificase como grupo de directo hay que reconocer que han tenido que sufrir algunos de los momentos más crudos y tristes de su carrera. En 2010, un año después de firmar un contrato con el sello italiano Froners Records, y a poco más de siete meses desde el lanzamiento del regreso a los estudios de grabación que significó el excepcional Facemelter, al bajista Phil Kennemore, miembro de la vieja guardia del cuarteto, se le diagnosca en plena gira un cáncer de pulmón en fase cuatro. Fallecería en enero de 2011. Ahora, el pasado 11 de sepembre, Dave Menike" recibía otra terrible nocia, nuevamente en plena gira; en esta ocasión la del deceso de Leonard Haze. Y ha sido una muerte inesperada pues, si bien es cierto que el citado baterista sufría una enfermedad crónica de obstrucción pulmonar, su esposa declaró que nadie pensaba que su vida se apagaría tan pronto. Según los médicos, todavía le quedaba empo de vida, aunque su estado se hubiese agravado en el úlmo año. Precisamente a Haze dedicó Menike" el tema “Down And Dirty” en el concierto en Madrid del pasado mes de sepembre. Aquella canción que cerrase la cara B del elepé de 1983 Mean Streak sirvió de tributo al que fuese pieza clave junto a Kennemore de esa base 24

rítmica tan caracterísca de los norteamericanos. La actuación de Y&T en la madrileña sala But se inició de igual manera que se abría su úlmo disco compacto en estudio, con esa introducción con la voz del presentador sobre una atmósfera instrumental –de gira la llevan pregrabada, como es lógico– que termina en esa eclosión de hard rock que es la pieza “On With The Show”. «Adelante con el espectáculo, adelante con la vida, adelante con el sueño; sé que lo estoy tocando bien», canta un seguro Dave en la acelerada composición. De ahí a realizar el primer viaje en el empo a los años dorados de Y&T, desplazando nuestro recuerdo a 1984 y a un elepé de la talla de In Rock We Trust. “Lipsck And Leather” y la siempre vital “Don’t Stop Runnin’”, con ese power chorus adicvo, nos hacen aterrizar en la década ochentas, aunque pronto el grupo nos pasea por algunos otros lanzamientos de aquel decenio: “Dirty Girl” del Earthshaker y “Mean Streak”, aguijonazo que daba #tulo a su vinilo de 1983, serán sus siguientes elegidas. Merece la pena recalcar que tanto Menike" como John Nymann (guitarrista) y Mike Vanderhule (baterista) se estaban mostrando en todo momento sonrientes y felices ante la audiencia española. No tanto el bajista Aaron Leigh, que aunque muy pro-


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Dave Meniketti


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CRO ´NICAS DE CONCIERTOS


John Nymann, Dave Meniketti y Aaron Leigh

fesional en su puesto y en su actud sobre el escenario, se exhibió totalmente serio y concentrado; pero seguramente se deba a que ha sido el úlmo en incorporarse al cuarteto, y no cabe duda de que el resto del grupo ya se ene tomada la medida, siendo verdaderos camaradas dentro y fuera de las giras –John entró en 2001, y ya había hecho coros en Down For The Count, mientras Mike es un Y&T desde 2006–. Tras el homenaje al desaparecido Leonard, con ese “Down And Dirty” del que ya hablaba al principio de la crónica, connuaron mezclando pasado y presente, dejando ver a las claras que para ellos ene igual importancia que se recuperen cortes de elepés como Contagious o Down Fot The Count como de Facemelter, que aunque es su úlmo disco de estudio ya ene unos cuantos años a sus espaldas. Por lo tanto, el cuarteto abrió espacios para “Don’t Bring Me Down” o “Blind Patriot”, al igual que para “Contagious”, “Summerme Girls” (perteneciente tanto a Down For The Count como al anterior Open Fire) o “L.A. Rocks”. En la segunda parte del show, y entre las canciones citadas, subieron a la superficie algunos de los momentos más emocionantes que

muchos esperábamos: ese “Winds Of Change”, el rugido eléctrico y guitarrero que siempre pone sobre la mesa un tema como “Black Tiger” o la emova interpretación de “Midnight In Tokyo”, con un sensacional comienzo casi a capela. Antes de enfilar la recta final, Mike Vanderhule nos obsequió con un solo de batería muy rítmico y no excesivamente extenso en lo que a empo se refiere, lo que conviró a “Contagious” en una de las sorpresas de la noche –el solo comienza en las tripas del tema, una vez que tras uno de los estribillos, el grupo salta a desenvolverse en clave de jam session, rematándola con las virguerías de Mike tras los parches–. Uno de los éxitos preferidos por la parroquia de seguidores de Y&T, “Rescue Me”, sonó en la sala poco antes de terminar el concierto, teniendo que esperar a los bises para que “Open Fire” y “Forever” se conviresen por unos minutos en auténcos fuegos arficiales sónicos, todo ello con la But coreando a una misma voz. Y&T, incuesonables adalides del hard rock made in USA. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Para ver más imágenes de estos conciertos y de muchos otros cubiertos por nuestra fotógrafa África Paredes, entra en: https://www.flickr.com/photos/africaparedes/albums


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ENTREVISTA

DAVE MENIKETTI «He tenido ofertas de Ozzy, de Whitesnake, pero nunca he sentido interes en abandonar Y&T» Unas semanas antes del concierto en Madrid de Y&T, nuestro medio se entrevistó con el guitarrista y cantante Dave Menike para repasar el pasado, presente y futuro de la banda norteamericana.

Comencemos regresando a los años 70, a los inicios de Y&T. ¿Cómo se llegó a formar el primer cuarteto que daría cuerpo a la banda? Todos éramos chavales de barrio tocando en la misma zona. Cuando nos conocimos y decidimos tocar juntos fue cuando supimos que ahí estaba la magia. ¿Cuáles dirías que son las figuras profesionales que han tenido una mayor influencia a la hora de orientarte en tu carrera, ya sea como cantante o como guitarrista? Hendrix me atrapó cuando comencé a tocar la guitarra, aunque por aquellos días adoraba a muchas otras referencias, guitarristas como Duane Allman, Dicky Be!s, Jeff Beck, Leslie West, Schenker, etcétera. En cuanto al tema de cantar, podría citarte muchos vocalistas que me cauvaron por la forma de llevar al límite un eslo más bien bluesy, pero no hay nadie como Paul Rodgers, James Dewar y David Coverdale. Hablábamos al principio de los 70, de cuando se fundó vuestro grupo... ¿Pero cómo era aquella escena californiana de transición entre aquella década y la de los 80? ¿Echas algo en falta de aquellos #empos? Echo de menos el hecho de que entonces no se ulizaban tantas categorías tan rígitas para catalogar la música... ¡Era todo rock! Ahora enes speed metal, death metal, dark metal, classic rock, etcétera. Mira que es aburrido el tener una mente tan limi-

tada para la música. La música debería catalogarse como buena o mala y punto, algo que echo de menos de los 70. Igualmente recuerdo la manera en la que los grupos de entonces tenían su propia firma en cuanto a sonido se refiere y no andaban copiándose unos a otros tanto como ahora. En la actualidad, la mayoría de los conjuntos suenan muy similares y no enen su marca específica, un sello que capture el alma de nuestro empo. Afortunadamente existen algunas nuevas bandas que ene un eslo único, pero es dicil conseguir la atención del gran público en un género como el rock. Con los años transcurridos, ¿qué piensas en la actualidad de un álbum como Contagious? Adoro los LPs clásicos de Y&T, pero siento que ese álbum y Ten poseen algo realmente especial... aunque no todos vuestros seguidores piensen lo mismo. Todos nuestros discos enen algo que ofrecer para el amante de la música. Cuanto más pasa el empo, aparecen más seguidores de nuestros tres primeros discos famosos que empiezan a apreciar el resto de la discograa. No siempre, claro, pero es algo que pasa cada vez con más frecuencia. Éramos diferentes compositores en esos discos y nuestras habilidades como escritores fueron creciendo con los años, en parte gracias a las experiencias que comparmos en la banda. Todo ene que ver con el momento en el que compones y con las cosas que están sucediendo a tu alrededor, de ahí sale la inspiración. Esto es algo que siempre está cambiando. Probablemente ahora no escribiría una canción de la manera en que lo hice hace dos años o treinta. 29


¿Crees que cierto po de seguidor de Y&T sigue sin comprende vuestro giro en su momento hacia el rock melódico de trazas hard? Sí, pienso que enen en su cabeza cierta idea de cómo era el sonido de Y&T y si cambiamos un poco de uno a otro LP, la cosa termina por no funcionar para ellos. Pero con el paso de los años he visto a muchos de esos fans regresar a la banda y terminar entrando en todos los eslos dentro del rock que hemos llegado a tocar.

Dejando por un minuto a un lado la interesante carrera de Y&T, cuéntame... ¿Qué fue de aquel proyecto con Peter Frampton que te propusieron en los 90? Al final aquello no vio la luz, ¿por qué? Mira, no estaba por la labor de hacer una nueva banda y cuando me propusieron lo de Frampton me sen!a algo confuso sobre lo que debía ser lo próximo en mi vida. Piensa que llevaba diecisiete años con Y&T, por lo que necesitaba algo más de empo para aclarar mi cabeza y hacerme una idea clara de qué podría ser lo próximo que me hiciese senr bien. Fue demasiado pronto. En cualquier caso, aquella no fue la única oferta que te ha llegado para unirte a otros músicos o bandas, ¿no es así? He tenido unas cuantas ofertas de gente como Ozzy, de bandas como Whitesnake, etcétera, pero nunca me he sendo interesado en abandonar Y&T. Siempre he preferido connuar mi camino en lugar de ser el reemplazo de un miembro de otro grupo. 30

Algo que ha llamado siempre la atención de Y&T es que es un grupo que no pasea sus trapos sucios por los periódicos, que no monta escándalos para la prensa amarillista. No muchos pueden presumir de ello. No nos ponemos a parir en público. Cualquier asunto que nos suceda siempre quedará en un terreno privado, intentamos mantenerlo así. No importa lo que pase con el devenir de los años, nos tenemos el suficiente respeto como para dejar los dramas

fuera del ojo público. No estamos en este negocio para ser estrellas de cine o el tema de moda de la próxima exclusiva. Nuestra vida ene que ver con la música; todo eso son solamente distracciones de la seriedad que significa la música y el tocarla. Por cierto, ¿cómo va el documental sobre Y&T? ¿Existe ya una fecha de estreno? Parece que estará listo para la primavera de 2017. He podido ver la primera parte del documental y promete ser algo grande. Muy interesante para los fans, con muchas cosas que seguramente no sabrán sobre la banda. ¿Pensaste alguna vez que Y&T seguiría en funcionamiento y haciendo rock tras cuarenta años? No soy de los que miran al pasado. Voy paso a paso, día a día. Ahora tengo que encontrar empo para escribir nuevo material, ya que habrá nueva música. por Sergio Guillén


LIBROS

ASÍ FUNCIONA EL NEGOCIO DE LA MÚSICA

(Vicente Mañó y Javier Bori, Editorial Círculo Rojo) El universo de los libros sobre música está repleto de obras que relatan las mil y una vicisitudes que han sufrido determinados arstas a lo largo de su historia. Sabemos mucho de los éxitos y fracasos de los grandes nombres de la música pop, y en consecuencia tenemos multud de ideas sobre el qué, el cuándo, el dónde y los porqués de sus biogra!as. Sin embargo, por lo general no se nos cuenta demasiado sobre el cómo, esto es, los entresijos y mecanismos que han regido y rigen el desarrollo ar"sco y económico de los arstas desde sus inicios hasta obtener lo que se conoce generalmente como “éxito”. Este libro nos revela precisamente estos aspectos quizá no relacionados directamente con el hecho ar"sco de crear música, pero igualmente imprescindibles a la hora de establecer una carrera seria, estable y con visión de futuro. Mañó y Bori se emplean a fondo en la presente obra a la hora de exponer con afán didácco y claridad exposiva aspectos tan relevantes como la búsqueda del mánager adecuado, cómo plantear una campaña de promoción, qué tener en cuenta a la hora de firmar un contrato editorial o discográfico o los pasos a seguir para montar un gran concierto con todas

las garan"as de seguridad y cumpliendo la normava vigente. Todos estos aspectos resultarán interesantes y casi diría que de obligada lectura para cualquier persona o grupo de personas que hayan pensado alguna vez en introducirse en el mundo de la música de forma profesional. La amplia experiencia y el conocimiento de Mañó (él mismo es mánager, promotor de conciertos, productor y editor) de las disntas verentes del negocio le permiten ofrecer una fantásca visión de conjunto y una serie de consejos de gran valor al arsta que se acerque a este libro que, como mínimo, le harán reflexionar y tomar conciencia de la importancia que ene plantearse ciertas cuesones en momentos claves de su carrera. En esta época en la que muchos piensan que se puede triunfar en la música grabando tres o cuatro canciones en tu casa y colgándolas en YouTube, resulta fundamental escuchar las opiniones y valoraciones generadas por Mañó y llevadas al papel por Bori, tras lo cual nos daremos cuenta de que vivir de la música hoy en día es bastante más complicado de lo que piensan algunos. por Andrés Puente 31


JESUCRISTO SUPERSTAR. ÓPERA ROCK

(Marta García Sarabia, Editorial Milenio) La obra Jesus Christ Superstar, más que ninguna otra, se merece el calificavo de auténco exponente de lo que ha de ser considerado como creación de ese género revolucionario catalogado cual ópera rock. En esta genialidad, nacida de las mentes de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber, encontramos los parámetros que debería seguir toda composición para poder llegar a ser parte de esta disciplina: mucha teatralidad, pasajes que se repiten a lo largo del libreto, una historia conceptual o el uso de instrumentos eléctricos para la ejecución de la misma. Si hablamos de la temáca en sí, hemos de darnos cuenta de una

cosa muy importante. En los empos que corrían en 1970, fue un auténco shock la presentación de esta obra maestra. Ya que –y con la Iglesia hemos topado– trata uno de los temas más reconocidamente tabú que existen: la religión... y en concreto, los úlmos días de vida de Cristo. La imagen que da de la historia esta obra no gustó al grueso de los espectadores más pacatos y de fervorosas creencias, ya que nos presenta a un Judas que sólo busca el bien para su pueblo, a un Pilatos que hasta el úlmo momento quiere intentar salvar al Superstar y a un Jesús demasiado humano. Sin querer entrar en debates, sí es cierto que Jesus Christ Superstar intentaba ser una recreación y no una blasfemia. Aun así, y tras muchas crícas por parte de la mayoría más conservadora, esta ópera rock acabó conviréndose en todo un éxito... llegando a ser adaptada para la gran pantalla y saltando el charco para ser representada en nuestro país. Marta García, graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo, se adentra en una de las historias más interesantes y menos tratadas en relación a esta mayúscula ópera rock: la versión que en nuestro país, y en pleno 1975, se realizó en el madrileño teatro Alcalá Palace de esta obra de Rice y Lloyd Webber. La autora analiza la ascensión de Camilo Sesto en la escena musical desde su juventud hasta que se le mete entre ceja y ceja que Jesucristo Superstar merecía tener su correspondiente versión española; igualmente va fragmentando este estudio en diferentes apartados, que pasan de la información para los más novatos hasta los análisis evoluvos para esos coleccionistas que incluso tenemos en nuestras discotecas caseras la representación que Ola Salo, vocalista del conjunto de glam The Ark, hizo del musical en los escenarios suecos. Un trabajo muy interesante que cuenta con la aprobación y colaboración del mismísimo Camilo Blanes. por Sergio Guillén

Camilo Sesto 32


LIBROS

Jordi Soler

¡PINCHES JIPIS!

(Jordi Soler, Malpaso Ediciones) Emiliano Conejero no es un policía convencional. Puede que su indumentaria recuerde a la de los detecves que tan bien supo ensalzar la edad de oro de la novela y el cine negro, pero sus maneras distan mucho de ser mero cliché. Y es que este comandante posee un muy parcular oráculo al que consultar, un oráculo que sólo cobra vida en sus trayectos en coche de una a otra punta de la Ciudad de México, un oráculo con forma de guantera. De este lugar sagrado hace que salgan unos dioses a los que sólo se les escucha a través de los altavoces de ese mismo coche, unas deidades con forma de casete y con nombres tan diversos como Jethro Tull, Bon Jovi, America, Ten Years Aer o Santana, divinidades que con sus diferentes maneras de concebir la música pueden marcar el día de Conejero, promeéndole buenos presagios o cubriendo de oscuros nubarrones el úlmo caso en el que anda liado: el del estrangulador de la media azul. Emiliano toma las casetes sin mirar, dejando que sea el azar el que le ofrezca consejo: si suenan los Tull pega un respingo de felicidad, pero si

el grupo de Jon Bon Jovi caldea la atmósfera del vehículo, la cosa se tuerce... y si se da el caso de que el trío de folk-pop America es la casete que el oráculo escupe, el policía exclama: «¡Pinches jipis! Todo el día en el peace and love mientras yo estoy aquí esperando el siguiente cadáver». Jordi Soler, que lleva más de veinte años entregando novelas de sorprendente narración, ofrece ahora una muy diverda parodia del género de detecves, asesinos extravagantes y bajos fondos. Un tributo ágil y realmente entretenido, que en poco más de ciento cincuenta páginas nos sumerge por completo en el universo del policía Conejero, cargado de casos por resolver, entre ellos el ver qué hace con su hijo adolescente al que debe llevar de aquí para allá, escuchando las quejas constantes del citado por la actud de Emiliano de verdadero padre pasota, al empo que procura mantener acva la relación senmental que ene con su nueva novia. por Sergio Guillén 33


por Red Apple fotos por รfrica Paredes

RED APPLE Pow Wow Pow Wow es el cuarto LP que sacamos. Para nosotros es especial por los amigos que han colaborado y las canciones que incluye. Es una especie de celebraciรณn secreta entre supervivientes de duras batallas. Para Red Apple serรก un placer si alguien quiere escuchar el disco y curiosear este repaso. Esperamos que resulte interesante.

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L A F´ I R M A I N V I T A D A 01. We Could Stop It Right Now Por cómo había funcionado en los directos, exisan pocas dudas de que el disco se abriría con este tema. Su riff inicial nos venía perfecto como introducción. A la hora de componerlo, si alguien le quiere echar un ojo, le hará gracia ver que siempre estamos dando vueltas a los mismos acordes pero con dis!ntos ritmos. Es como jugar alrededor de la misma idea. La letra trata sobre esa sensación que tenemos todos de ser parcipes de los horrores de este mundo, sin hacer todo lo que estaría en nuestras manos por evitarlo. Otros días, quizá !enes la sensación de que no hay nada que puedas hacer, pero ese era el pensamiento que empujó esta letra.

02. Save Me Rock And Roll A veces, de broma, comentamos que esta sería una buena canción para un anuncio, quizá de coches o algo así. Es debido a su estribillo, que nos parece gracioso y pegadizo con esos gritos en falsete. La letra !ene peor humor. Hay dos conversaciones en ella: una, la de alguien que le pide al rock and roll que lo salve, ya que lo ha perdido todo y es lo único a lo que se puede agarrar; la otra, una conversación con la muerte, que se ofrece a acabar con su vida si no soporta la pérdida. Pero bueno, no nos pongamos muy nega!vos. Todo esto va envuelto en energía, un sonido contundente y un solo rabioso.

03. One Girl Band No estamos seguros pero quizá podría decirse que es una canción con una letra de contenido ¿feminista? Habitualmente los chicos son los !pos duros en las canciones de rock and roll. Se van con su grupo y dejan a una chica con el corazón roto tras cada concierto. En esta pasa lo contrario: está dedicada a una ar!sta que va de ciudad en ciudad dando bolos, a la que ningún chico puede seguir el ritmo y deja al pobre narrador abandonado. Si alguien quiere saber quién era la ar!sta, tendrá que indagar más. Quizá la afinación en la que está el tema le dé una pista.

04. Condescending Girl Esta canción es la más claramente country de la discogra#a de Red Apple. No hay mejor es!lo para las canciones verdaderamente tristes y de letras lacri-

mógenas. Trata sobre la complejidad de lo que es adecuado contar y lo que no tras una ruptura. Un tema tan espinoso que necesitaba una suave melodía tocada con slide para hacerlo tragable.

05. Wish I Was Like You Este es nuestro tema favorito del disco. Si tuviésemos que explicarle a alguien cómo suena Red Apple con una sola canción, elegiríamos esta. Y por ello también se hace di#cil hablar exactamente del porqué. Es un tema que se va desarrollando poco a poco, crea una atmósfera de blues, con!ene la letra de la que estamos más orgullosos y la parte final instrumental saca probablemente lo mejor que somos capaces de dar como grupo.

06. True Love Una canción que al principio solo era una instrumental, algo con lo que habíamos jugado en el local de ensayo y nos divera. Después surgió la parte con la letra. Pero nos viene muy bien para empezar los conciertos. Calienta el ambiente y tenemos esos dos minutos para corregir algún problemilla de sonido si lo hay.

07. When All You Feel Is Pain Hay una frase de Aldous Huxley que dice: «La calidad de un comportamiento moral es inversamente proporcional al número de seres humanos que lo prac!can». Con mucha menos finura, esta canción trata sobre eso. Puede que la soledad y el fracaso no hagan más que hablar bien de quien los “padece”. Después nos enredamos en uno de los temas más psicodélicos de Red Apple y dejamos a Javi a los mandos de la nave durante ocho minutos de solo de batería.

08. Cherry Red Siempre metemos una versión en nuestros discos y ésta puede que sea con la que estamos más contentos. Conocimos a The Groundhogs a través del grupo Egypt, con los que hemos tocado varias veces y que está formado por ex miembros de aquella banda. Pasó inmediatamente a conver!rse en una de las influencias más importantes de Red Apple. A 35


veces nos cuesta explicar a qué grupos se parece lo que hacemos y nos gustaría pensar que, de alguna manera, tenemos relación con lo que hacían The Groundhogs.

09. Go To School Lo que se aprende en el colegio. Cuando creces te das cuenta de que las asignaturas eran una mera excusa y que, tanto el que sacaba un cero como que sacaba un diez, habían entendido igual de poco. A lo que vas allí es a aprender a estar seis horas al día callado y sentado obedeciendo. Es una falta de respeto hacia las materias que se imparten, y sobre todo a los niños que, como decía alguien, «son siempre presos polícos». Algunas de esas cosas que se aprendían es de lo que habla el estribillo: «Obedece a los mayores. Eres estúpido si no se te dan bien las

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matemácas. Eres débil si no se te da bien el deporte. Eres una mujer si no eres un hombre».

10. Going To Formentera La historia de esta canción es curiosa: nuestro amigo Silvestre Peña compuso la idea central del tema en un viaje a Formentera y Darío escribió esta letra en un viaje a Formentera –diferente, claro–. Años después, hablando de sus viajes, las probaron juntas y terminaron de darle forma a la canción. Desde entonces han pasado otros tantos años y pensamos que en este Pow Wow encajaría perfectamente como fin de fiesta. Así que recuperamos la canción y la trabajamos con mimo. Llamamos a Silvestre, se grabó unas mandolinas y un solo de guitarra increíble. La canción lo merecía y este disco se merecía también esta canción.


L A F´ I R M A I N V I T A D A

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Renacer Eléctrico Music Magazine. Octubre 2016  

Renacer Eléctrico Music Magazine es una revista dedicada al mundo de la música (tratando del rock o el glam al jazz o el sinfónico, pasando...

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