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LA REVISTA DONDE CONFLUYEN TODAS LAS MÚSICAS

´ RENACER ELECTRICO FEBRERO 2016

MUSIC MAGAZINE

JIMMY PAGE BOBBY DARIN STATUS QUO COLDPLAY BISCUIT BUNBURY TOTEKING BLACK MOON ALEX IKOT

THE QUIREBOYS ESTO ES ROCK AND ROLL TRACK DOGS, TONY LEBLANC, JOSÉ ANDREA, HISTORIAS PARA NO DORMIR, WATCH OUT JOSÉ LUIS CARNES, ALMS, PESADILLA DIABÓLICA, ASHES 2 ASHES, ROCK EXPERIMENTAL


Febrero de 2016

SUMARIO 04. LA ENTRADA. POR LEMMY, BOWIE, GRIFFIN, FREY, BAIN Y KANTNER. 06. CRÍTICAS DE DISCOS. THE TRIBULETTES, GHOST TRIP, JOSÉ ANDREA Y URÓBOROS, GAELBAH, BLAS FERNÁNDEZ, TRACK DOGS, COLDPLAY, ROCKBENDER, ASHES 2 ASHES, EL ESTADO, TOTEKING, ALMS, WATCH OUT, MARIO LAFUENTE, FATBEAT!, BUNBURY, SILENCIADOS, CARTA BALADÍ, EAZY JAY A, JAVIER GUERRA, HOTEL NEBRASKA. 22. REPORTAJE. OUTRIDER, O CUANDO JIMMY PAGE VOLÓ EN SOLITARIO. 24. LA RETRO SERIE. HISTORIAS PARA NO DORMIR. 26. TELEVISIÓN ÁCIDA. TONY LEBLANC, DE BOXEADOR A MONARCA DEL CELULOIDE. 28. REPORTAJE ESPECIAL. UN VIAJE POR LAS CATALOGACIONES DEL ROCK EXPERIMENTAL. 34. CINE. LA PESADILLA DIABÓLICA DE DAN CURTIS. 35. DESTRIPANDO EL CANCIONERO. EASY LOVER (PHIL BAILEY Y PHIL COLLINS). 36. CRÓNICAS DE CONCIERTOS. THE REFRESCOS, BARRIO TOMILLO, LA BROMA NEGRA, THE QUIREBOYS, THE WILD ONES. 43. ENTREVISTA. JOSÉ LUIS CARNES, EL ALMA DE THE MAD NOTE CO. 46. ARTÍCULO. STATUS QUO EN 1968. PRIMERO FUE LA PSICODELIA. 48. LIBROS. ASFALTO. MANUAL DE USO, FANTÁSTICAS PORTADAS, LLÁMAME BROOKLYN, DARE, LO CONTRARIO. 52. LA FIRMA INVITADA. FERMÍN ROCA DE BISCUIT. 54. EL DOSSIER DEL INSTRUMENTISTA. ALEX IKOT (BATERISTA). 56. MATRÍCULAS DE HONOR. BOBBY DARIN, PETER AND GORDON. 58. LA FIRMA INVITADA. PACO VENTURA DE BLACK MOON.

Dirección: Sergio Guillén Redacción: Andrés Puente, Sergio Guillén, Fat Professor, María Manuela Cortinas y Julio L. Tecglen Fotografía: África Paredes Diseño y maquetación: Sergio Guillén Encargado Facebook: Sergio Guillén / Encargada Twitter: África Paredes Contacto: renacerelectrico@hotmail.com Foto portada: África Paredes RENACER ELÉCTRICO MUSIC MAGAZINE no se hace responsable de ls opiniones vertidas por su colaboradores y anunciantes ni se identifica, necesariamente, con las mismas.

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@renacerelectric


Por Lemmy, Bowie, Griffi «He pasado solo miles de noches, solitario hasta el hueso; pero no me importa, pues soy mi mejor amigo, de principio a fin. Mi vida, mi corazón, noche negra, estrella oscura... Capricornio». Capricorn

«Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo. Le gustaría venir a conocernos, pero cree que nos volaría la mente». LEMMY KILMISTER

Starman

«Tras estas sombras la visión se difumina mientras aprendo una cosa o dos. Pero si volviese a vivirlo de nuevo todos sabéis bien lo que haría». The Ballad Of Mott The Hoople

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DAVID BOWIE

DALE GRIFFIN


LA ENTRADA

fin, Frey, Bain y Kantner «Así que aguanta, tú puedes hacer que suceda. Alcanza las estrellas y volarás, enes hambre de Cielo». Hungry For Heaven

«He estado buscando a la hija del Diablo, he estado buscando a un ángel vesdo de blanco; he estado esperando a una mujer que sea un poco de ambas. Y puedo senrla pero no está a la vista». One Of These Nights JIMMY BAIN

«Ha pasado mucho empo desde la úlma vez que descendí de esta montaña; las cosas que vi aquí hacen que tenga ganas de salir corriendo de vuelta a casa». In Time

PAUL KANTNER

GLENN FREY


TRIALS AND TRIBULATIONS (The Tribulettes,Youkali Music) Admiro profundamente a quienes, parendo del total respeto y admiración por la escena clásica de un eslo musical, forjan su propio camino, manteniéndose lejos de la simple copia. Al frente de The Tribulees nos encontramos con tres cantantes, Marina Ferrer, Paloma Soalleiro y Celia Carballo, que demuestran tener bien asimilada la producción de los años dorados del soul y el r&b, gracias a lo cual se han marcado un fantásco disco de debut, mayoritariamente con canciones de su propio puño y letra. Estas tres maravillosas chicas, con la inesmable colaboración de una magnífica banda detrás, se trabajan en Trials And Tribula!ons el perfecto homenaje al sonido Motown, atravesando los diferentes eslos agrupados bajo esta equeta, es decir, funk, r&b y soul con gotas de jazz y doo-wop (pienso ahora mismo en las Chordees), y transportándolos a nuestros días con toneladas de gusto y feeling.

The Tribulettes

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Tan es así que en varias ocasiones mientras disfruto de este disco me parece estar escuchando a unas Supremes que hubiesen comenzado su carrera en pleno siglo XXI. Si no me creen, no enen más que escuchar “Bad Mama”, “Like Lovers Do” o la emocionante “Striving To Forget”. Aquí hay tanto groove como senmientos a flor de piel. De los nueve temas que lo componen, únicamente dos se salen de la autoría de Ferrer, Soalleiro y Carballo, y estos son “Come On Come Over” (escrita originalmente por el legendario bajista Jaco Pastorius) y “Blackbird”, el tema acúsco de The Beatles ahora converdo en un enérgico número de soul / funk casi al eslo de The Jackson 5. La producción además, ofrece un sonido clásico (parcularmente me encanta ese sonido de batería tan natural) aunque potente, redondeando un disco para soñar. por Andrés Puente


C R ´I T I C A S D E D I S C O S CARNATION (Ghost Trip, On Fire Records) Dentro de la hornada de grupos de rock más o menos duro que están pegando con fuerza en la escena nacional actual nos encontramos, de un !empo a esta parte, cada vez más formaciones con una chica haciéndose cargo de las voces principales. Seguramente nombres como Ankor, Guadaña o The Val no serán desconocidos para muchos de los lectores de esta revista. Después de escuchar este trabajo de debut de los barceloneses Ghost Trip, estoy por afirmar que este quinteto tampoco pasará desapercibido. La banda, nacida en 2011, ha optado por el formato EP para dar a conocer su primer disco de larga duración. Carna on es la primera entrega, la primera mitad por así decirlo, de ese futuro álbum de presentación ante los rockeros de pro que todavía quedan en este país. Las cinco canciones que nos entregan Nàdia Elgabu, Adrià Vives (quien aporta

unos coros más que acertados, dando buen apoyo a Nàdia), Nacho Fisac, Victor Al!miras y Pere Moll, beben claramente de la movida rockera americana. Nombres como Alter Bridge o el úl!mo Slash salen a la palestra cuando uno escucha este disco. Su sonido es vitalista (no en vano el trabajo se abre con “Soldiers Of Life”), potente y en ocasiones hasta fes!vo, reclamando ese punto vacilón que tenía el hard rock de los 80 (“Shout It Loud”). Tampoco dejan de lado la faceta más sen!mental o melancólica, esa que muestran sin pizca de vergüenza en un tema como “Soon”, una bonita power ballad. Con esto queda demostrado una vez más que la fórmula rockera clásica jamás dejará de funcionar. Muy buen arranque el de estos Ghost Trip. por Andrés Puente

RESURRECCIÓN (José Andrëa Y Uróboros, Rock Estatal Records) Con este segundo álbum, el proyecto formado por el vocalista José Andrëa (ex Mägo De Oz) se consolida defini!vamente. Han transcurrido más de tres años desde la publicación del álbum de debut del cantante junto a Uróboros, y desde aquel disco podemos observar dos importantes cambios en la formación de la banda, variaciones que sin duda contribuyen a la tremenda musicalidad de este Resurrección. El baterista Juanjo Frontela ha sido sus!tuido en este CD por Bernardo Ballester, uno de los nombres mí!cos del rock español debido a su paso por grupos como Santa o Ñu. En lo que a la guitarra se refiere, nos topamos con la incorporación de José Rubio, actualmente involucrado en su proyecto personal

Nova Era. En estos tres años, la banda ha evolucionado hacia una forma más elaborada de hard rock setentero a lo Deep Purple o Rainbow. Este avance se percibe más claramente en “La Salida Del Averno”, una gran composición de casi once minutos de duración que podría verse como una actualización de los temas más ambiciosos de Ñu. Se ha logrado en Resurrección una fantás!ca conjunción de las guitarras de Juan “Chino” Flores y José Rubio con los teclados de Sergio Cisneros “Kiski”, basculando estos úl!mos desde una posición protagonista hasta otra más de apoyo, dependiendo de la canción y el momento. La voz de José Andrëa, además, se encuentra en un estado más que notable, como lo prueban temas 07


como “Para Que Nunca Amanezca”, “La Torre De Cristal” o “Dímelo”. Aunque el eslo predominante en el álbum es el hard rock de los 70, hay que constatar que también hay un claro componente ochentero en Resurrección que lleva a la banda a trabajarse los estribillos desde una perspecva ac-

cesible, haciendo de este disco un artefacto más que apetecible para amantes del rock duro en general. Muy buena obra, desde luego. por Andrés Puente

HÄXAN (Gaelbah, The Fish Factory) Lejos estamos ya de los años en los que el power metal reinaba en Europa y, por extensión, en España. Sin embargo, como afirmaba MSG en su álbum de 1983, el rock nunca morirá. El heavy metal, por supuesto, tampoco, y aquí está este quinteto andaluz con su segundo LP para dar buena fe de ello. Häxan nos deja las cosas bien claras desde el principio a todos los que hemos seguido la historia del metal, y es que la contraportada de este disco nos indica que dos de las figuras más prominentes del género colaboran con sus voces en sendos temas de este trabajo. Blaze Bayley (Iron Maiden, Blaze) aparece como voz principal en “Black Widow”, mientras que Ralf Scheepers (Gamma Ray, Primal Fear) hace lo propio en “Live Your Pain”. ¿Qué significa esto? Simplemente que, aparte de marcarse un tanto bastante importante de cara a la parroquia heavy, definen de forma cristalina su eslo: power metal de corte clási-

co. Por estos derroteros transcurre todo el álbum, en un punto intermedio entre Easy Rider y Primal Fear, inclinándose la balanza casi siempre un poco del lado de los primeros. Por lo tanto, Gaelbah ponen la dureza y la pesadez del sonido por encima de la velocidad. Esto no quiere decir que no haya canciones rápidas en Häxan, pero evidentemente tampoco nos encontramos ante un álbum de speed metal. Disco por lo tanto clara y expresamente dirigido a los amantes del power metal más tradicional, que con seguridad disfrutarán de los diez temas contenidos en Häxan. Bien tocado, bien producido y con todo en su sio. Como colofón, y a modo de bonus track, se agrega al final del CD el tema “Black Widow” cantado por Alejandro Darío, vocalista principal de la banda. por Andrés Puente

URBANETNIKO (Blas Fernández,Youkali Music) Dice Blas Fernández que él ve las corrientes musicales como si fuesen familias, comunidades, tribus, etnias, donde el espacio urbano se transforma sin mayores pretensiones en un lugar para el diálogo. Un diálogo, añado una vez escuchado Urbanetniko, en el que el ritmo es línea robusta y fiable sobre la que construir piezas instrumentales dotadas de vida, de una firma clara, la de un baterista 08

que puede parr del funk para terminar regateando el balón de cada pieza por los más inesperados tramos del campo eslísco. En estas ocho composiciones que conene tan llamavo trabajo hay minutos para la calma de pasajes atmosféricos (“5 Rosas”), para un jazz heredero de propuestas como la Chic Corea Elektric Band (“Paseando Con Salvi”) o para unos desarrollos cama-


C R ´I T I C A S D E D I S C O S leónicos y muy bien estructurados que serían ideales para que unas voces como las de los prodigiosos cuatro componentes de The Manhaan Transfer se abrigasen con ellos (“Zodiac”). Urbanetniko muestra en su fondo y forma la complicidad tan cercana que existe entre Blas y José

Luis Canal, director musical y figura que se ha encargado de casi la totalidad de los arreglos del elepé. Preciosa obra de creavidad y pasión. por Sergio Guillén

SERENITY SESSIONS (Track Dogs, Mondegreen Records) ahí desde siempre, redondeando tonadas que no tendrían sendo sin esa misma música. En sus composiciones hay sio para el recuerdo, las emociones, el amor cercano, la psique humana y hasta el humor. “Broken Strings”, “Bon Sco, He Rocked”, “So Much Dust”, “Orion Sees”, “Only Human” resultan ya parte de un imaginario que todavía, e inexplicablemente, no parece haber alcanzado al gran público. Probablemente una de las mayores injuscias comedas para con una agrupación sobresaliente, de talento inagotable y que en cada disco es capaz de superarse, apilando en el mismo conjunto esos metales preciosos que sólo saben labrar los orfebres, esos orfebres que ellos son. Acabo de hacer mi lista de los mejores discos de 2015 y ya tengo el primer álbum que entrará en la de los lanzamientos musicales de 2016; los Track Dogs hacen que sea fácil la elección. por Sergio Guillén

© África Paredes

Orfebre, dícese de la persona que labra objetos arscos de oro, plata y otros metales preciosos. Canción, enéndase como la composición en verso, que se canta, o hecha a propósito para que se pueda poner en música. Estas definiciones nos ofrece la Real Academia de la Lengua Española de dos palabras que en la discograa de Track Dogs, y más que nunca en su nuevo trabajo de estudio, van ligadas de una manera muy especial. Y es que Garre Wall, Robbie K. Jones, Howard Brown y Dave Mooney son aquí los orfebres, pero también los alquimistas. Son ellos los que toman un objeto arsco, como bien dice la definición, un objeto que tendría nombre de canción pero como concepto primero aún no es de oro o plata, es simplemente un concepto abstracto en el aire, un futurible en busca de un momento perfecto. Entonces es cuando el cuarteto captura ese momento, lo materializa en minutos de creación arsca “hecha a propósito”, como decía la definición de la RAE, y le pone una música que pareciese haber estado

Track Dogs 09


A HEAD FULL OF DREAMS (Coldplay, Warner Music) En los úlmos años corrían empos diciles para Coldplay. Los miembros de esta banda londinense, otrora gerifaltes del post-Britpop, atravesaban una etapa confusa donde se entremezclaban asuntos ar!scos, senmentales y comerciales. Los autores de Viva La Vida Or Death And All His Friends (EMI, 2008), un álbum que contó con una aprobación casi unánime por parte de críca y público, vivieron uno de sus peores momentos cuando salió a la luz Ghost Stories (Warner, 2014), el trabajo más desventurado e incomprendido de su carrera. Pareció cundir la necesidad imperiosa de resarcirse en todos los aspectos. Para su nuevo proyecto son rodeados por una troupe de arstas de renombre como Beyoncé, Noel Gallagher, la cantante y compositora sueca Tove Lo, la pianista georgiana Khaa Buniashvili y la cantante de soul norteamericana Merry Clayton. En la producción cuentan con el dúo noruego Stargate, una máquina de producir éxitos de la música electrónica actual. Además, desde mucho antes de que el disco estuviese concluido, han contado con

Coldplay 10

una difusión mediáca sin precedentes. Todo ello tal vez con intención de reeditar no la calidad ar!sca de A Rush Of Blood To The Head (EMI, 2002), sino el impacto masivo de X&Y (EMI, 2005). La carta de presentación del álbum fue el single “Adventure Of A Lifeme”, que con su groove funky se erige como ejemplo perfecto del sonido lacio y agradable que impregna eslíscamente el pop-rock que más triunfa en estos empos. Sin embargo, sería más destacable “Hymn For The Weekend”, una curiosa reinterpretación de la música góspel donde, además de la voz de Beyoncé, destaca el contraste entre su quejumbrosa parte de guitarra y la vibrante percusión, que evoca las imágenes de resurrección. En “Fun”, la voz de Tove Lo se une a la de Chris Marn en una interpretación llena de fuerza alimentada por un subyacente senmiento de rabia. Por el contrario, otras colaboraciones no logran un resultado igualmente posivo. Las contribuciones de Noel Gallagher y Merry Clayton se difuminan en la inconsistente “Up & Up”, y


C R ´I T I C A S D E D I S C O S la interpretación al piano por parte de Khaa Buniashvili en “Kaleidoscope” tampoco aporta mayor trascendencia a la pieza. El sonido más clásico y reconocible de Coldplay lo encontramos en “Birds”, donde las guitarras se avivan mientras el bajo manene la solidez musical del tema. Éste es un álbum complejo en muchos aspectos, una de esas obras en las que lo que se dice no coincide con lo que se comunica. El disco aparenta estar lleno de mensajes posivos, aunque envueltos en un tono que hace que sean diciles de creer. Tras la

decepción de su anterior trabajo discográfico, en el que se mostraban encantados de haberse conocido, en A Head Full Of Dreams los miembros de Coldplay más bien parecen encantados de odiarse a sí mismos para senrse de nuevo amados por el público. ¿Cuál será el siguiente paso en esta deriva? ¿Volverán algún día a ser capaces de transmir alegría sincera y pasiones verdaderas, como hacían antaño? por María Manuela Cornas

Rockbender

SUBE EL VOLUMEN (Rockbender, The Fish Factory) No es casualidad que el quinteto valenciano Rockbender haya teloneado a grupos como Barón Rojo y Obús. Herederos claros sobre todo del sonido de Fortu y compañía, lanzan al mundo su veloz y directo heavy rock en este álbum de debut con un !tulo bien evidente: Sube El Volumen. Aunque ostentan un eslo !picamente obusiano, llaman la atención en el apartado vocal por la tesitura rasgada y burlona del cantante Abel Gallego, entre Noddy

Holder (Slade) y Brian Johnson (AC/ DC). La banda de los hermanos Young sale también a relucir en varias ocasiones mientras uno escucha Sube El Volumen, del mismo modo que se aprecia un toque del hard rock escandinavo que pegó con fuerza hace muchos años gracias al empuje de formaciones como Turbonegro, Hellacopters o Backyard Babies. Las letras van acorde con el concepto del álbum: diversión, libertad y juerga rockera. Todo 11


esto, que constuye el principal baluarte de Rockbender, acaba pesando un tanto a medida que va avanzando el álbum. Y es que, si bien estas diez canciones funcionan muy bien de forma individual, reunidas en un mismo disco terminan provocando cierta monotonía que acaba pesando en el oyente, ya que no hay cambios de ritmo o de tempo, y todos los temas caminan a un mismo paso. Enendo que en el siguiente álbum sería muy posivo que pensaran en una mayor variedad en este sendo.

Por lo tanto, veo potencial y buenas intenciones en Rockbender, aunque quizá acusan aún una falta de picardía que les ha impedido cuajar un disco bastante más redondo. A lo mejor es que me estoy haciendo viejo, pero sería bueno ver cómo en el segundo trabajo cambian de tercio con más frecuencia. Aun así, Sube El Volumen es energía rockera y vitalidad en estado puro, y eso no se puede negar. por Andrés Puente

Ashes 2 Ashes

TH3ORIES (Ashes 2 Ashes, Rock CD Records) Es di!cil encontrar en el panorama nacional propuestas verdaderamente arriesgadas. Nuestro país no se ha caracterizado demasiado por la innovación musical. De hecho, pienso que tras aquel estallido llamado rock progresivo andaluz que se inició a finales de los años 60, nuestros músicos no han hecho más que reper los esquemas que nos llegan de fuera, con mayor o menor acierto. Por eso, cuando una banda, como en este caso la onubense Ashes 2 Ashes, nos presenta este disco, su tercera entrega en su discogra!a si contamos con su EP inicial, uno se siente extrañado y un tanto emocionado de ver 12

que unos músicos se salen de la linde marcada por otros y desarrollan su propia “teoría” musical. Y es que Th3ories no sigue una tendencia concreta, sino que más bien se impregna de un sin!n de influencias del hard rock para terminar conformando un espacio musical propio, en donde podemos contrastar ciertos modos melódicos con bases rítmicas y muros de sonido de alta potencia. Podemos encontrar algún desarrollo floydiano en ciertos momentos (“Eviluon”), espacio para las melodías como en “Faith” o para el riff más heavy, como en “Bu$erfly”. Una sensación extraña te re-


C R ´I T I C A S D E D I S C O S corre el cuerpo al escuchar temas como “Conspiracy”, en donde unos teclados marcan el ritmo siguiendo la misma marcialidad que las baterías, al mismo empo que se crea un clima oscuro y perverso gracias a esas guitarras orientales de Sergio López y a esa caracterísca voz rasgada de de Héctor Núñez. Es esa voz rasgada pero cargada de melodía la que da un valor añadido a esta compleja banda. Nada más introducirnos con el primer tema, “Addicon”, parece como si estuviésemos escuchando al cantante de aquella agrupación japonesa llamada E.Z.O., aunque si tuviésemos que hablar de una referencia más rápida de idenficar,

esta sería la de Paul Shorno –salvando las distancias, claro –. El disco va dibujando un clima atmosférico, rocoso, amurallado, claustrofóbico a veces, pero siempre melódico, que termina con una preciosidad instrumental; aunque jugando quizá en exceso con el doblaje de voces y con la proliferación de medios empos, algo que termina mermando el factor sorpresa y que le resta parte de lo ganado en la producción y el sonido. por Julio L. Tecglen

VUELO FINAL (El Estado, Autoeditado) El Estado es un avezado grupo de Granada liderado por José Sabio (voz y guitarra) y Antonio Vilches (sintes), cuya formación actual se completa con Jesús Vilches (bajo), José Willy (batería), Nauzet Montenegro (guitarra) y José Ángel Ruiz (guitarra). Tienen sus antecedentes más significavos en los ochenteros KGB, donde militaron Sabio y Ruiz, y EEYLH (El Estado Y La Historia), banda que alcanzó su mayor éxito en el año 2000 con el LP Derribar Estatuas. El EP de cinco temas Vuelo Final es la segunda parte de una trilogía que iniciaron con Salir Mal, y que pretenden completar con un tercer trabajo que vería la luz con el !tulo Discípulos. En la grabación de este disco han contado con colaboraciones de amigos y anguos compañeros de filas en las escenas alternavas granadinas, como Eric

Jiménez (KGB, Lagarja Nick, Los Planetas…), Jesús Palacín, Fernando Novi (PPM) y el propio José Ángel Tejero (KGB, 400 Golpes). El disco se abre con “Mercedes GM2”, una remezcla del tema “Mercedes GM” incluido en el LP Derribar Estatuas de EEYLH. La nueva versión, más allá de ser más potente y actualizada en su sonido, no aporta demasiada innovación respecto a la original. “Tan Grande” y “Vuelo Final” son dos ejemplos de aplicación de la música de síntesis electrónica para desarrollar un ambiente sonoro-vocal entre futurista y nostálgico. “Estado De Conciencia” va más allá y destaca por su mensaje, siendo una evocación de la esencia del punk, con una temáca desacostumbrada y un sonido innovador. Pero el mejor tema viene al final, con un úlmo corte tulado precisa-

El Estado 13


mente “El Mejor”, donde los granadinos retoman sus influencias más puramente rockeras en una ejecución más intensa, con momentos de potente guitarreo, pero siempre con algún toque reconocible de la personalidad crea!va de la banda. El Estado es uno de los pocos grupos que han conseguido des!lar la esencia de muchas y muy variadas influencias, ampliamente extendidas en el espacio y en el !empo, desde el pop ochentero nacional a la electrónica más actual de influen-

cia británica y nórdica, sin olvidar del todo sus orígenes punks. Con todo esto llegan a sinte!zar un es!lo realmente propio e inconfundible, aunque variado. Un es!lo que puede ser di"cil de asimilar en un primer acercamiento a la música de esta banda, pero la originalidad de sus propuestas atrapará a más de uno. El que esté dispuesto a escuchar sin prejuicios, que escuche. por María Manuela Cornas

78 (ToteKing, Sony Music) En estos !empos en los que por el postureo de lo en boca en las modas del úl!mo minuto algunos ar!stas son capaces de borrar su pasado –léase influencias del ayer cercano, días de aprendizaje, gustos, etcétera–, con tal de refrescar su imagen ante la audiencia, es un placer escuchar un disco como este 78. ToteKing representa justo lo contrario, ya que él es un MC que conoce bien el lugar del que sale todo su talento, las decenas y decenas de referencias e influencias culturales que le han ayudado a focalizar un es!lo tan personal. Y no hablo necesariamente de hip hop, pues en los textos de este sevillano nacido, como hace referencia este nuevo elepé, en 1978, el oyente puede escuchar guiños a películas, cultura popular o géneros musicales que no precisamente están emparentados con la esce-

ToteKing 14

na B-boy. Dieciséis canciones, más un interludio a modo de ecuador, que alzan aún más a un ToteKing que es autén!ca referencia de la escena de nuestro país; poderoso en el flow pero también en unas letras, que no !enen el menor desperdicio. Ya sea él solo o gracias a colaboraciones tan interesantes como la de Andreas Lutz (“Ya No Me Enfado”), El Canijo De Jerez (“El Premio Pa Ti”) o Duddi Wallace (“Déjalo Estar”), entre bastantes otras, pues son muchos los amigos que se han pasado por el estudio de grabación para añadir su elixir al jugo final, ToteKing redondea un álbum superla!vo, lleno de gancho y garra, colmado de verdad y barrio. por Sergio Guillén


C R ´I T I C A S D E D I S C O S AN IROSMIC TRAGEDY (Alms, Autoeditado) Han pasado tres años desde el anterior trabajo discográfico de Alms, aquel álbum tulado Beyond, hasta este actual An Irosmic Tragedy. Aitor Lucena, el creador y mulinstrumensta que se encuentra tras este proyecto, ofrece en 2016 un trabajo de estudio muy importante, ejecutando junto al teclista Eduardo García Salueña, el baterista Luis Arlando y el polifacéco talento Héctor Braga –en esta ocasión centrándose únicamente en el chelo y la viola–, un rock progresivo a la par que sinfónico totalmente deudor de la escuela clásica, focalizando ante todo sus evoluciones instrumentales en las escenas británica e italiana de los años 70. Es este An Irosmic Tragedy, al igual que pasara con Beyond, un viaje en tres piezas, un recorrido en esta ocasión por la vida del ser humano, desde su fundación cual ente con vida (“U’ula”) pasando por

“Tapwala”, o la fase de crecimiento y procreación, hasta llegar al transitar del anciano, cuando ya en el invierno de nuestros días aportamos a nuestra adulta descendencia el conocimiento y la experiencia de los años (“Doginala”). Aitor hace que Alms sea también uno de los dos personajes de la narración, siendo el otro la propia Vida, un rol al que pone voz Noelia Fernández. Así se entrecruzan preguntas y respuestas, se dibujan imágenes del ser, del exisr, se ven pasar los años, ya sea de la mano de los textos de Dante Alighieri como de Calderón de la Barca. Seguramente una de las obras de rock experimental más sobresalientes de este año que ahora empieza. por Sergio Guillén

FUNKSTITUTION (Watch Out, Watch Out Records) Si te gusta el funk y durante los úlmos veinte años has estado al corriente de las propuestas que en nuestro país funcionaban a nivel profesional rindiendo pleitesía a esta corriente musical, dejándose llevar sin remisión por sus caminos y ritmos, Watch Out deberían resultarte ya viejos conocidos. Fundados allá por 1992 en Madrid, Watch Out es una de las propuestas más sobresalientes de la capital a la hora de dar vida a un funk barrial, urbanita, repleto de calles, plazas, avenidas, trufado de guitarras, bajos, baterías, teclados, saxos, percusiones y trompetas. Como pasa en muchas apuestas de largo recorrido, el combo se ha ido renovando y entre los fichajes más llamavos está el del vocalista Garre! Wall, una de las piezas clave del cuarteto Track Dogs –curiosamente el trompesta Howard Brown también

milita en ambas agrupaciones–. Y digo “fichaje llamavo” al referirme a la entrada de Wall en Watch Out pues su registro como cantante, con una fuerte carga melódica, le aporta un plus de originalidad distanciando al conjunto de comparaciones con otras bandas de este eslo. Garre! se aleja de tesituras directas y más callejeras, como las del desaparecido Rick James, para focalizar sus desarrollos en una onda funk colmada de mucho soul en el corazón. Kike Ochoa y el resto de Watch Out, por otra parte, son unos instrumenstas lo suficientemente sensivos como para dar la misma candad de cuerpo que de profundidad a cada tema. Y así termina saliendo un disco de estudio tan destacable como este Funks!tu!on. por Sergio Guillén 15


MIL VUELTAS AL SOL (Mario Lafuente, Rock CD Records) Tras liderar diversas aventuras musicales como Punto Y Aparte o 15 A Med/as, Mario Lafuente publicó en 2014 su primer largo Una Historia En Blanco Y Negro; Mil Vueltas Al Sol es el trabajo que le sigue y el que ahora nos ocupa. Se trata de un EP de cuatro canciones en el que Lafuente nos ofrece un pop-rock refrescante ya desde el corte que lo inaugura y le da !tulo; y si en “Chico Pagafantas” encontramos una rumba-rock que mama directamente de Los Rodríguez y nos hace recordar aquel sonido que creó escuela con himnos como “Para No Olvidar” o “Sin Documentos”, es en “Momentos Que Hemos Vivido” donde se da rienda suel-

ta a la faceta más guitarrera de este músico que apuesta por un rock fresco y directo. Lafuente se hace acompañar para la ocasión por la Sostenidos Band, banda que integran Antón Padilla (batería), Antonio Requena (bajo) y Antonio Salas (guitarra solista). Mil Vueltas Al Sol puede ser una buena manera de adentrarse en el universo musical de este músico turolense y la oportunidad para acercarse a sus anteriores trabajos, si es que no lo conocíais, o bien puede servir para ir haciendo boca hasta que nos llegue su segundo larga duración. por Fat Professor

Fatbeat!

ANIMALS (Fatbeat!, Rock CD Records) Después de editar su álbum de debut con la excelsa discográfica Youkali Music, el quinteto Fatbeat! apuesta por la autoedición a través de la plataforma Rock CD Records. Si ya su primer disco invitaba a soñar, con Animals podemos hablar de una consolidación en toda regla, convir$éndose desde ya en una de las apuestas más interesantes del jazz fusión nacional. 16

La banda madrileña luce una vez más fantás$camente bien en este trabajo que podría considerarse herencia directa del llamado rock laietano de los 70, representado por grupos fundamentales como Iceberg o Companyia Elèctrica Dharma. El saber que las diez piezas que componen este disco han sido grabadas en directo (en un estudio) otorga mayor valor, si cabe, a


C R ´I T I C A S D E D I S C O S la música que colma el CD. Y digo que lo colma con toda la intención del mundo, porque Animals es un disco repleto de calidad, buenas ideas y variedad, siempre dentro del jazz fusión aunque fuera del eli!smo que a veces aleja al profano en el género. Si bien Fatbeat! se juegan el todo por el todo a la carta instrumental, hay que decir que en más de una ocasión han decidido incluir voces, aunque estas funcionan como un instrumento más. Dentro del esfuerzo extra que siempre exige un disco de este género para su completa asimilación por

el oyente, podemos constatar que Animals no es una obra excesivamente hermé!ca, pudiendo ser disfrutada sin problemas por meros iniciados en el es!lo. Si en su primer álbum Fatbeat! miraban más al extranjero que a nuestro alrededor, aquí se nota un mayor interés en profundizar en las raíces patrias de la mezcla entre jazz y rock, lo cual me parece genial. Un paso más hacia la cima. por Andrés Puente

MTV UNPLUGGED. EL LIBRO DE LAS MUTACIONES (Bunbury, Warner Music) Pocas cosas hay más mí!cas en la música pop que los conciertos “desenchufados” producidos por la cadena musical MTV. Es verdad que a día de hoy la MTV no es ni el a!sbo de la sombra de lo que fue en !empos, pero el hecho de que podamos agregar ya el nombre de Bunbury a una lista formada por gente como Eric Clapton, Kiss o Nirvana es para sen!rse orgullosos. Hace tan sólo cinco meses que se registró este concierto en México D.F., pero la magia de la tecnolo-

gía moderna nos permite ya disfrutar con todo lujo de detalles de este importante lanzamiento audiovisual. Un CD y un DVD en el que Bunbury, acompañado de su banda habitual (Los Santos Inocentes), desgrana varias de sus canciones más celebradas, haciendo paradas también en unos cuantos clásicos de su pasada trayectoria con Héroes Del Silencio. “La Sirena Varada”, “El Camino Del Exceso”, “Avalancha” (sorprendente nuevo punto de vista para esta canción), “Mar Adentro” y “La

Bunbury 17


Chispa Adecuada” son las canciones escogidas por Bunbury, lo cual supone la tercera parte de este trabajo. Por consiguiente, ya no le puede quedar duda a nadie de que el arsta recuerda esa etapa de su carrera con verdadero cariño, y así lo demuestran estas cinco versiones que resultan americanizadas (tanto por el lado anglosajón como por el lano) para la posteridad, fantáscamente embebidas en la personalidad actual de Bunbury. El carácter de celebración es acentuado por la presencia de invitados de honor como Draco Rosa, Vetusta Morla, Carla Morrison, Pepe Aguilar o León Larregui, cada uno aportando su toque de disnción a temas como “El Boxeador”, “Porque Las Cosas Cambian” (preciosa revisión de aquella

gran canción de Hellville Deluxe) o “Ven Y Camina Conmigo”. Quizá el apelavo de unplugged termina excesivamente desdibujado debido a la presencia de instrumentos eléctricos como sintezadores, guitarras u órgano Hammond, pero este detalle se puede perdonar si tenemos en cuenta que la base de las versiones de El Libro De Las Mutaciones es eminentemente acúsca. Edición bonita, cuidada y lujosa para un disco-vídeo que deberíamos estar aplaudiendo durante bastante empo. Lanzamientos como este demuestran que todavía es posible aunar calidad ar!sca y comercial en un mismo producto. por Andrés Puente

CULTURA IRRACIONAL (Silenciados, Rock Estatal Records) Aunque pudiera parecerlo, no se debería considerar este Cultura Irracional como el disco debut de un nuevo grupo del panorama del rock nacional. Es el primer trabajo de una nueva etapa de la consolidada banda riojana antes conocida como Silencio Absoluto, que inicia andadura con un nuevo nombre, algunos cambios en la formación, pero con el mismo espíritu de rocanrol. Podemos seguir escuchando la voz de Txinin y el bajo de Joselito Apaleao, a los que se unen Samuel G. Ayuso (guitarra), Txiki Nalda (guitarra) y Jorge Sánchez (batería). Todo el trabajo va muy en la línea de lo que se esperaría de una clásica banda de rock de larga trayectoria. Desde las primeras notas de “A Contracorriente” queda claro lo que vamos a escuchar en este disco: rock sencillo y directo con un mensaje claro transmido con letras y melodías pegadizas. El tema que da nombre al disco cuenta con Pablo y Héctor (Pepo), voces de la banda Desakato, en otra de sus ya habituales colaboraciones. Los asturianos no son los únicos invitados que parcipan en este LP. En “La Conjura De Los Necios” podemos escuchar a “Juankar” Cabano, pero es en el corte final “A Veces” donde se rodean de una pléyade de destacados acompañantes; encontramos a Raúl Guérrez, de Rulo Y La Contrabanda, Juanan San Mar!n, teclista de Tierra Santa y el doctor Juan Zagalaz, 18

guitarrista de la banda malagueña Alhandal. No obstante, los temas que merecen más atención y que mejor representan las cualidades de este disco podrían ser “Nunca Más” y “Borracho En Mi Cuna”, dos composiciones dispares en las que, de diferente manera, la banda demuestra su creavidad y originalidad. Cultura Irracional es un disco con personalidad propia, que transmite la efervescencia de una banda que quiere abrirse paso a mordiscos, como hiciera Silencio Absoluto en sus primeros empos. Sin embargo, no deberían olvidar que a estas alturas unos músicos con el bagaje de Txinin y Joselito no necesitan demostrar su valía. Sea cual sea el proyecto que emprendan, la experiencia, la madurez y la coherencia son sus mayores cualidades. No hacen falta alardes. Por otra parte, el recurso de las colaboraciones produce buenos resultados en general. Sin embargo, hay momentos en los que se percibe en exceso el influjo de los músicos invitados. Claro ejemplo es “A Veces”, un tema bien planteado y magistralmente ejecutado, un claro ejemplo de buen rock, pero que más bien parece un apéndice desligado del conjunto. En cualquier caso, considerando la obra como un todo, estamos ante un trabajo solvente de la remozada banda. por María Manuela Cor!nas


C R ´I T I C A S D E D I S C O S RETRATO DE INSOLVENCIA MORAL (Carta Baladí, Autoeditado) La banda madrileña de rock Carta Baladí lleva más de una década de andadura marcada por un sonido y una ac!tud claramente definidos. Aunque siempre han permanecido en un segundo plano de la escena, cons!tuyen una formación sólida con una trayectoria meritoria. Con este Retrato De Insolvencia Moral se apuntan a la moda de las trilogías en formato EP, que pretenden completar con dos nuevos trabajos a lo largo de este año 2016. Este nuevo disco con!núa los grandes rasgos definidos en su anterior trabajo Con Humilde Osadía (2012). Demuestran una vez más que se puede hacer un rock potente sin llegar al paroxismo guitarrís!co, y que el lirismo rockero puede ser a la vez áspero y bello, con un libreto que se convierte en un pequeño libro de poesía urbana. “Tu Fiel Herida” es un buen ejemplo de lo anterior, y al es-

cucharlo resulta inevitable recordar algún éxito de los Marea –sí, la segunda voz que se escucha es de Kutxi Romero... Inconfundible–. Aunque éste no es el único tema que evoca la música de la banda navarra y de otros destacados representantes del rock urbano actual y pasado. Estas influencias se aprecian, con mayor o menor intensidad, en cada uno de los cinco cortes del disco. Cualquier seguidor del rock urbano dispuesto a probar cosas ligeramente dis!ntas podrá disfrutar con el trabajo de estos músicos dispuestos a comerse el mundo –como debe ser en cualquier rockero que se precie de serlo– pero ataviados con una sencillez que se agradece. Esperamos escuchar pronto las nuevas entregas de este proyecto por María Manuela Cornas

ECIJA PRESENTS THE JAZZ SESSIONS (Eazy Jay A,Youkali Music) El músico y productor madrileño David Ruiz Écija, ar$s!camente conocido como Eazy Jay A, es un representante de la ver!ente más innovadora del panorama jazzís!co nacional. En este trabajo discográfico de largo desarrollo se atreve con la combinación de dos géneros como son el jazz y el hip hop, caracterizados por unos esquemas es!lís!cos muy concretos, pero que también permiten a los ar!stas dar rienda suelta a su crea!vidad. Eazy Jay A aprovecha todas las oportunidades de inven!va que le brindan las bases de la música que cul!va para componer unas piezas ejemplificantes. El tema de arranque “God Is Above Watching” destaca por su sencillez y una aproximación jazzís!ca más tocante con el virtuosismo instrumental. A con!nuación, Eazy Jay A y sus músicos acompañantes nos ofrecen un buen repertorio de temas que

desarrollan fraseos de jazz mezclados con sonidos de hip hop, alternando los ritmos pausados –como en “Bossaxnova” o “My Summer!me”– con otros más vivaces –sirva como ejemplo “The Tiger”, sin ir más lejos–. No cabe duda de que Ecija Presents The Jazz Sessions es un proyecto arriesgado, aunque la valen$a de desarrollarlo ya merece un reconocimiento. No obstante, el resultado final parece más convencional de lo que el planteamiento inicial llevaría a pensar. También es cierto que este trabajo probablemente no acabará de contentar ni a los puristas del jazz ni a los del hip hop. Pero el autor parece ser plenamente consciente de tal circunstancia y asume las concesiones que es necesario realizar para abrir horizontes. por María Manuela Cornas 19


KILÓMETROS (Javier Guerra, Rock CD Records) Sentado en las vías del tren, visendo sombrero vaquero y en la guitarra bien puestas las manos, Javier Guerra divisa el horizonte, esos Kilómetros de canciones vividas que se exenden ante su mente y que ahora nos presenta en forma de disco. Un largo camino recorrido, dos décadas dedicadas al mundo de la música resumidas en las diez canciones que dan vida a éste su álbum de debut que ve la luz gracias al micromecenazgo. Guerra se hace acompañar por la Contraband –banda curda haciendo versiones de temas de rock, blues y soul– para dar forma a unas canciones que enen precisamente ese sabor añejo de los citados géneros, salpicadas en ocasiones con arreglos de saxo y trompeta que le dan un aire, ya sofiscado ya fronterizo, que le

va como anillo al dedo. Rasgueos de guitarra delicados revisendo letras introspecvas (“Jugar Y Jugar”) se combinan con riffs incendiarios que son toda una declaración de principios: «Suenan los Burning, suenan los Stones, soy hijo del rock and roll» (“Hijo Del Rock & Roll”). Tal vez sea “Miedo” el corte que mejor capture la esencia de todo el disco, con un coro de treinta personas parcipando, Guerra cantando a todas aquellas influencias que le han hecho como músico y como persona, para culminar en una ovación final que da buena muestra de lo que es hacer de la grabación de un disco una gran fiesta y movo de celebración. por Fat Professor

SANGRE SUCIA (Hotel Nebraska, Autoeditado) La banda valenciana Hotel Nebraska celebra el décimo aniversario de la publicación de su primer disco Ataque de Realidad (2005) editando este EP. El grupo logró su pequeño momento de gloria con aquel primer disco, gracias a temas como “Atrapado En El Corte Inglés” o “El Mundo al Revés” llegaron a conseguir cierta popularidad. La banda parecía llamada a alcanzar el Parnaso, pero nunca saborearon por completo las mieles del éxito, aunque lograron perdurar en el panorama musical. Lo que hace diez años era un sexteto, hoy sobrevive en torno al núcleo formado por Gonzalo Anaya (bajo) y Guillermo Llopis (guitarra, voz y mente creava); aunque para este disco han contado con varios colaboradores, como su anguo guitarrista Sergi Pitarch. En todos los temas que conforman el EP parece que se respira cierto aire autodestrucvo, con un puñado de reproches muy personales cuyo verdadero alcance sólo se halla en la mente de la que 20

han salido las palabras. “Viste” abre el EP con alegría sonora, aunque subyace el mensaje complejo y poco opmista. Pero es en el tema que da #tulo al disco donde mejor se aprecia el tono de la obra. Por su parte, el resto de cortes también manenen la tónica general, con una buena colección de melodías bien desarrolladas, donde destaca sobremanera el sonido de las guitarras. Llama especialmente la atención el toque mas nostálgico del úlmo tema “Mi Propio Enerro”. El disco se puede escuchar a diferentes niveles. Si uno se deja simplemente acompañar por la música, se pueden disfrutar unas melodías con cierto aire nostálgico. Sin embargo, con una escucha más atenta y profunda se desvela un mensaje antagónico, sulmente atormentado. por María Manuela Cor!nas


La guitarra, voz y armónica de Kiko García lidera la Kiko García Band, formación que se completa con José Ramón Abella al bajo y Wally Fraza a la batería y percusión. El de Colmenar Viejo (Madrid) edita su segundo disco, Cheap Talk, un trabajo que nos ofrece un blues eléctrico y cantado en inglés heredero de todos aquellos pioneros que llegaron a las grandes ciudades de Estados Unidos venidos desde el campo, véase el sonido Chicago años 50 de un corte como “Shot”. Pero no sólo del blues bebe este disco, en él encontramos influencias del rock, del soul, del funk y hasta del jazz; “Rain Out” es un buen ejemplo de la amplitud de miras que demuestra tener Kiko García a la hora de entender un es"lo un tanto encorsetado a veces como es el blues. Entre las colaboraciones encontramos a Luis Criado a las percusiones, Andreas Lutz (O’Funk’Illo) poniendo la voz en “La Regaera” -el único tema en castellano del álbum,

Andreas Lutz (O’Funk’Illo) poniendo la voz en “La Regaera” –el único tema en castellano del álbum, con letra del propio Lutz y el más heterodoxo de cuantos aparecen en el disco– y la magistral guitarra de Javier Vargas en la rotunda “One More Trouble”. El blues acús"co de corte rural “Slow Down”, únicamente con voz y guitarra slide, sirve para cerrar este fantás"co disco, lleno de su"lezas pero sin ar"ficios superfluos. En los Estados Unidos Kiko García ya se labró una reputación y, ahora en España, ha compar"do escenario con ar"stas de la talla del mencionado Javier Vargas o Joanne Shaw Taylor; ha llegado la hora de poner el nombre de la Kiko García Band en la primera línea de la actual escena del blues patrio. por Fat Professor

COSAS DE DOS (Mayte Martín, Satélite K) Mayte Mar$n posee una voz única para el bolero, sabiendo con su registro y su forma de interpretar el cómo hacer transcurrir de la manera idónea esas historias inmortales que ha dado el género. Piezas que compusieron Francisco López Vidal, Alberto Cortez, Roberto Cantoral o Boby Capó, toman un tono aún más profundo al ser cantadas por Mar$n, proclamada en los años 90 como la mejor bolerista del mundo según el legendario Tete Montoliu –palabras mayores–. A lo largo de este viaje sen"mental sen"remos el regalo de una noche en la que se tratarán las penas que se esconden en un rincón del alma tras un adiós, en la que se nos pedirá que dejemos de ser niños para entender lo sencillo que es amar y en la que se morirá de desconfianza, sin importarnos, por supuesto, que se quede el infinito sin estrellas.

El “Lía” de José María Cano, y que popularizase Ana Belén, suena aquí en una adaptación soberbia, tan sorprendente como el total de la obra, de este Cosas De Dos capturado en directo en la barcelonesa sala Luz de Gas durante dos noches de mayo de 2012. De hecho, este trabajo ya se vendió en edición limitada para todos aquellos seguidores de Mayte que par"ciparon en una campaña de crowfunding realizada entonces. Ahora, finalmente a la venta desde el 30 de noviembre para el gran público, sirve cual celebración de otra actuación fundamental en la carrera de esta ar"sta: su triunfal par"cipación en el fes"val Les Voix Humaines de La Habana. En fin, un regalo necesario para los oídos. por Sergio Guillén 21


Outrider... o cuando Jimmy Page voló en solitario por Sergio Guillén

Estamos en 1988, ocho años tras la muerte del baterista de Led Zeppelin John Bonham. El vuelo del inmenso zeppelín del rock profundo es ya leyenda, parte de la más alta cultura musical. The Firm, el supergrupo inventado a pachas con Paul Rodgers (ex Free y ex Bad Company), resulta un fiasco cuyo primer LP "ene dos o tres cortes salvables –“Radioac"ve” o “Closer”, por ejemplo–, mientras su segundo lanzamiento es mero pasa"empo para el descarte.

¿Qué le queda a un guitarrista como Jimmy Page más allá de par"cipar en diferentes propuestas de amigos? Liarse la manta a la cabeza y ser Page el que invite a sus ín"mos para redondear un álbum de solista. De esta manera, y dando carrete a maquetas a medio modelar, el que fuese uno de los cuatro pilares de Led Zeppelin presenta a Geffen Records un trabajo de rock impetuoso, no rayando en originalidad pero sí estructurado con la pericia suficiente como para alegrar a los que adoran los riffs del de Heston, Middlesex. Se lleva a sus estudios The Sol a ar"stas como John Miles, Chris Farlowe, Tony Franklin –con el que coincide nuevamente tras The Firm– o el ex Jethro Tull Barriemore Barlow –que grabase las baterías en algunos de los discos más sobresalientes de la apuesta de Ian Anderson–. ia

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REPORTAJE

El ardid nostálgico lo pone la inclusión de Robert Plant cantando “The Only One” (¿irá con segundas intenciones?) o el fichaje del vástago de John, un Jason Bonham explosivo que salía de darle al adult oriented rock con la banda Virginia Wolf. La idea original consis!a en un LP doble, que al final, por un extraño robo en la casa de Jimmy, se redujo a único disco por haber sido sustraído parte del material en la incursión. Mejor así, pues el brillo de este maridaje no prome!a segundas partes con igual esplendor si se hubiese empecinado en el es"ramiento.

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TOR U A ´ E SION D

I TELEV ABA T E I U Q QUE IN SAR N E ´ P A I Y HAC Puente por Andrés

¿Por qué a alguien que dedica su carrera al género fantásco, de terror o de ciencia-ficción se le niega algo que a otros se les adjudica cual presunta garana de calidad, independencia o “autencidad”? Parece ser que a un po como John Carpenter, que no sólo dirige películas, sino que ha escrito la gran mayoría de sus guiones e incluso ha compuesto sus bandas sonoras no se le puede incluir en la categoría de “autor”. Pues bien, para mí Carpenter es tan autor o más que cineastas como Lars Von Trier o Ingmar Bergman, y el hecho de que haya dedicado su carrera al llamado “cine de género” no le excluye de tal calificación: su sello personal está indisolublemente unido a su obra. Si tenemos que buscar un autor en la televisión española, quizá el primero del panorama catódico patrio, ese fue Narciso Ibáñez Serrador, popularmente conocido como “Chicho”. Al igual que Carpenter, Chicho imprimió su firma personal a la prácca totalidad de Historias para no dormir, la serie que revolucionó la televisión en España a mediados de los 60. Bien es cierto que el serial contó con ideas procedentes de fuentes tan variadas como Edgar Allan Poe, Ray Bradbury, William Wymark Jacobs o el mismísimo Fernando Jiménez del Oso, pero mayoritariamente fue Ibáñez Serrador quien, bajo el seudónimo de Luis Peñafiel, nutrió a la serie de material para ser trasladado a la pequeña pantalla. Historias para no dormir contó con tres temporadas. La primera, cuyo episodio inicial se emió el 4 de febrero de 1966 y que contendría finalmente dieciséis historias, sentó las bases a seguir en sus siguientes periodos de difusión. Chicho, cual cruce entre Alfred Hitchcock y Rod Serling en sus respecvos (y 24


la retro serie (bajo el pretexto de evitar el terror puro debido a las fechas navideñas en las que se emió) tulada El cuervo y una nueva y escalofriante parábola social bajo el tulo de El trasplante.

mícos) seriales, Alfred Hitchcock Presents y The Twilight Zone respecvamente, realizaba la presentación de cada uno de los capítulos, haciendo siempre gala de un fino humor negro y gran sendo de la autocríca. Tras estas breves introducciones, el público de la época podía disfrutar de narraciones de terror, suspense o ciencia-ficción magníficamente interpretadas y genialmente resueltas parendo de elementos de lo más sencillo. Muchas veces se ha achacado a Historias para no dormir el contar con un acabado práccamente teatral, pero la realidad es que, en una serie en la que gran parte del peso dramáco recaía en la interpretación y no en los efectos especiales, suponía una extraordinaria ventaja el contar con actores de la talla de Manuel Galiana, Estanis González (sin duda el actor feche de Chicho junto al enorme Narciso Ibáñez Menta, también presente en muchas de las historias), Gemma Cuervo, Emilio Guérrez Caba, Pedro Sempson, Lola Herrera, José María Caffarel y una lista interminable de intérpretes sencillamente magistrales. Aún a día de hoy es una gozada disfrutar de sus actuaciones en las ediciones actuales de la serie en formato de vídeo domésco. La segunda temporada, emida entre octubre de 1967 y febrero de 1968 y con ocho historias en total, vivió la búsqueda de una mayor ambición por parte de Chicho. Ya en la primera temporada, un capítulo como El asfalto, premiado internacionalmente, pretendió más allá de entretener, inquietar o mantener en vilo a los espectadores, hacerles pensar sobre cuesones que, curiosamente, connúan plenamente vigentes hoy en día, tales como la falta de solidaridad o la burocracia hipertrofiada y alienante de las sociedades modernas. Pues bien, en esta segunda tanda de historias, Ibáñez Serrador ofreció una mini biogra#a de Edgar Allan Poe

Sin embargo, y al margen de esas puntuales incursiones en asuntos más “intelectuales” o “profundos”, por llamarlos de alguna manera, estas dos primeras temporadas dejaron para el recuerdo capítulos como La alarma (una historia de ciencia-ficción plenamente creada y desarrollada por Chicho y a la cual considero una de las obras maestras de la televisión de todos los empos), El pacto, El muñeco (un genial cruce entre los universos literarios de Robert Bloch y Henry James), La bodega, La zarpa, El regreso y tantas otras incursiones en una televisión de calidad que no temía experimentar con géneros hasta entonces práccamente inéditos en la producción catódica patria. En 1982 llega la tercera temporada y final de Historias para no dormir. Con el objevo de tratar de exprimir el formato del vídeo al máximo (de hecho el propio Chicho calificó esta úlma tanda de “experimental”) se producen y emiten las cuatro úlmas historias de la serie. Dos de ellas, El caso del señor Valdemar y El fin empezó ayer, fueron remakes de viejos capítulos (El pacto en el primer caso, y H. Newman, Doctor en Medicina, episodio originalmente emido en Mañana puede ser verdad, serie precursora de Historias para no dormir), mientras que las otras dos, Freddy y El trapero, funcionarían como ingeniosos e impactantes telefilmes que dejaron a los espectadores con la miel en los labios. Y es que, pese a que inicialmente se proyectó realizar trece nuevos capítulos de la serie, la cosa se detuvo finalmente en los cuatro citados. Los admiradores de Chicho siempre nos quedaremos con la duda de qué podrían habernos ofrecido esas nueve historias restantes. Muchos años más tarde, en 2007 concretamente, tuvimos un pequeño aperivo en la forma de Películas para no dormir, breve serie de filmes para la televisión que fue maltratada por Telecinco, primero con un considerable retraso a la hora de emirla, y después por no ser difundida en las condiciones que merecía. El DVD permió disfrutar a la postre de seis películas que recuperaban el espíritu original de la serie, realizadas por directores tan relevantes como Jaume Balagueró, Álex de la Iglesia o el propio Narciso Ibáñez Serrador, quien colaboró con la inquietante La culpa. 25


TELEVISIO ´ N ´A C I D A

TONY LEBLANC De boxeador a monarca del celuloide Como les pasaba a los Asfalto, yo también recuerdo mis días de escuela con nidez, aunque en mi caso cayeron algunas décadas después de cuando José Luis Jiménez se encontraba «sentado frente a una cruz y a ciertos retratos». Mi memoria tampoco olvida el asueto del mediodía, ese momento en el que salíamos de las clases para tomar el almuerzo. Los que vivíamos en el barrio cerca del centro docente y cuadraban los horarios con los de alguno de nuestros progenitores, nos acercábamos a casa, sudorosos de carreras por el pao, con los bolsillos del uniforme llenos de arena, algo adormilados por la jornada de pupitre y pizarra, para deglur la manduca diaria. Siendo un mocoso, un infante de pacolla, tendía a distraerme durante dichas sesiones de plato y plato; comía con hambre pero requería, no se bien la razón, de un acompañamiento extra. Mi madre entonces me leía, mientras yo ejercitaba los carrillos a base de mascar una u otra de sus especialidades gastronómicas, historias compiladas en unos tomos de Disney llamados Un Cuento Cada Día. Cuando en los 80 aparecieron los reproductores de videográficos, y a casa llegó el Panasonic NV-788, un vídeo VHS, cambió la runa y comencé a ver películas a la vez que cortaba un filete de pollo o le daba lo suyo a un humeante plato de lentejas. Aquel Panasonic, que todavía hoy guardo desconectado en un cajón de mi casa cual reliquia, como homenaje a aquella máquina que me ayudó a ampliar mis filias cinéfilas, se pegaba auténcos atracones semanales: primero grabando y grabando toda película que programasen en Televisión Española, y luego reproduciéndola una y otra vez para mis hambrientos ojos, para mi sedienta mollera. Se grabaron, como es lógico por la edad, manales infanles-juveniles de los que se emi"an los fines de semana o en las fiestas de navidad (Mágica Aventura, El Desván De La Fantasía o la espléndida y muy querida El Viento Entre Los Sauces, entre otras); pero también Lo Que El Viento Se Llevó (Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood), Los Violentos De Kelly (Brian G. Hutton), Johnny Cogió Su Fusil (Dalton Trumbo), Hatari! (Howard Hawks) o Uno, Dos, Tres (Billy Wilder). No dábamos a basto con tanto largometraje, y en 26

algo más de un año teníamos trufadas de material #lmico unas cien cintas, en las que muchas veces mi padre conseguía meter hasta tres películas con aquello de la “velocidad lenta”. Aun así, y todavía sabiendo que me subyugaban todos aquellos filmes que, aunque no siempre entendía, me tenían atrapado gracias a unas interpretaciones sublimes de sus actores y actrices, emocionantes, en mis pitanzas de lunes a viernes reinaban dos líneas conceptuales bien definidas: los hilarantes largos de esos genios de lo absurdo que eran Los Hermanos Marx y las películas de José Luis Ozores, Tony Leblanc, José Luis López Vázquez y Manolo Gómez Bur. Para mí, aquellos cuatro intérpretes ejemplificaban –y lo siguen haciendo a día de hoy, aunque no estén presentes para connuar sus hazañas– la culminación del cine costumbrista a la par que humorísco español. Ya fuese a las órdenes de Pedro Luis Ramírez, Pedro Lazaga, Fernando Palacios, José María Forqué, Luis García Berlanga o Rafael Gil, siempre cumplían dando un plus de autencidad y de una personalidad que será di#cil hallar bastantes quinquenios después en las nuevas hornadas de actores jóvenes nacionales. No cabe duda que si cito a estos cuatro tanes, también entraban en mi saco el maestro José “Pepé” Isbert, Antonio Garisa, Elvira Quinllá, Venancio Muro, Manolo Morán, el primerísimo Antonio Ozores –gloria bendita en Los Tramposos o acompañando a su hermano Peliche en El Aprendiz De Malo–, Fernando Fernán Gómez, Alberto Closas, Elisa Montes o Manuel Alexandre, claro. Estoy hablando de un cine bastante empo antes del destape, un cine del que pocos se acuerdan más que para citar Los Tramposos, Bienvenido, Mister Marshall, Atraco A Las Tres, Calabuch, Las Chicas De La Cruz Roja o, marcando un exceso que les hace humear las meninges, El Tigre De Chamberí. De un empo en el que cuando se nombraba el apellido Ozores era, ante todo, para referirse al gran talento de José Luis, no a las películas Transición de su hermano Mariano. Pero, ¿qué hay de la ya citada El Aprendiz De Malo, Los Económicamente Débiles, El Gafe, Los Ladrones Somos Gente Honrada, Las Dos


Y Media Y... Veneno –«ten-go mie-do, buuuuu», no me quito esa cancioncilla de la cabeza por más años que pasen–, La Vida En Un Bloc o Adiós, Mimí Pompom? ¿Qué hay de tantas y tantas películas olvidadas incluso por esos programas que desde la “moderna” TVE1 dicen salvaguardar el cine clásico nacional? Claro, es mejor repe!r hasta la saciedad todas las fotocopias que de su personaje !po hacía Paco Mar"nez Soria o reprogramar una y mil veces cada largometraje en el que el cantante Manolo Escobar se atrevió a aparecer como estrella consagrada de la piel de toro con guitarra española en ristre. Peliche, vamos, José Luis Ozores, era, es y será por siempre mi actor nacional predilecto. Murió a los cuarenta y cuatro un 10 de mayo, el mismo día en que este escribano que aquí junta letras llegó al mundo, aunque once años antes. La esclerosis múl!ple hizo estragos en él desde el 59 y en el 63 ya le había postrado en una silla de ruedas. Pero Peliche nunca desfalleció y siguió en el mundo de la actuación haciendo lo que mejor sabía hacer. A Leblanc le ha pasado lo mismo. Otro día de mayo, en este caso el 6 del año 1983, Tony sufrió un gravísimo accidente de tráfico que casi le cuesta la vida. Superó la convalecencia todavía con unos dolores que no remi"an y volvió al mundo de la creación, tanto escribiendo una comedia como un poemario. Muchos chavales que lo lloraron en 2012 o que pusieron frases emo!vas en Facebook recordando su persona, lo han descubierto por medio de San!ago Segura y sus Torrentes o simplemente siguiendo el serial televisivo Cuéntame Cómo Pasó; sin embargo, a todos esos recién llegados al universo Leblanc les recomendaría que rebuscasen, que escarbasen en las cubetas de DVDs de los centros comerciales –la empresa Divisa es una de las grades reeditoras de la obra de toda aquella pandilla maravillosa–, incluso que ojeasen los portales de descargas o streaming en busca de los "tulos unas líneas

más arriba remarcados. Todavía si halláis Hoy Igual Que Ayer o Los Que Tocan El Piano, seguid, no lo dudéis, merecen la pena igualmente. ¿Acaso conocéis el deleite que es ver a Leblanc, López Vázquez y Gómez Bur me!éndose de aprendices en la Cruz Roja (Tres De La Cruz Roja) con el único fin de poder entrar gra!s al fútbol? ¿O la corta pero fascinante aparición de Tony en Hoy Igual Que Ayer queriendo vender sol enlatado o ropas de un tejido que «no da de yes ni se encoge» y que «ni se lava ni se plancha... claro, como no se lava, no se plancha... ¡Ay, qué arte, quieeeero, quieeeero!»? Si así es, seguro que ahora colma vuestra faz una sonrisa con forma de inmensa media luna y no podréis terminar el día sin ver una película en la que actuase alguno de estos astros. Y si no, hacedme caso, indagad y descubriréis otra forma de hacer cine. por Sergio Guillén


Un viaje por las catalogaciones del rock experimental

Rush

En el rock experimental o progresivo la riqueza se encuentra en la amplia visión, en la eliminación total de barreras. Es simplemente eso, el progreso de un estado a otro, manteniendo unas raíces pero dotando de nuevos frutos al árbol. Una robusta figura llena de ramificaciones que van tomando nombre y clasificación propia. A con"nuación expondremos una lista en la que se explican las e"quetas más u"lizadas dentro de la corriente, diccionario ú"l a la hora de desplazarse a lo largo de esta tan amplia disciplina musical. ese sonido de órgano y piano”. Por otro lado, Keith Reid seguía en for28


REPORTAJE ESPECIAL ART ROCK Se denomina con este término a los primeros pasos que se dan en busca de la exploración musical, siguiendo el camino evoluvo que llevaría a movimientos como el rock progresivo de base o el sinfónico. El art rock es una especie de limbo, un terreno en el que se pueden adscribir un gran número de proyectos sin que estén ligados obligatoriamente a la experimentación pura y dura. Por un lado se enende como el nudo de una novela sonora que ene en la psicodelia su inicio y en el progresivo su desenlace. Aun así, y debido a que también se ha llegado a dicha situación parendo de otros eslos, es correcto decir que el sendo de esta equeta es más global que exclusivo. Es realmente un estado, ya que hasta grupos de rock progresivo han tenido etapas en las que sus composiciones rozaban en mayor medida el campo del art rock, al igual que apuestas pop o adult oriented rock han mostrado sus devaneos con dichos alardes.

ESCENA DE CANTERBURY Sin duda el jazz es un elemento a tener en cuenta si hablamos de la música experimental. En las jam sessions del hot jazz se escriben unos postu-

lados que servirán de colorida paleta para muchos de los pintores musicales que se reúnen en torno al rock progresivo. La conocida como escena de Canterbury, cuna en la que se mecieron las bandas más influyentes de la nombrada ciudad, se nutre de los efluvios de la pasada psicodelia, mezclándolos sin reparos con ritmos serpenteantes de rock y una cuidada síntesis del ya subrayado jazz. Esta escuela evoluciona en los años 70, busca horizontes que conquistar en los que las letras pierden importancia y el ingenio composivo referente al ámbito musical es el que reina.

ROCK SINFÓNICO El desarrollo musical es aquí un punto que prima. La búsqueda de una orquestación que complemente la canción original es algo esencial. No necesariamente deben apoyarse dichos arreglos instrumentales en orquestas filarmónicas, aunque en más de una ocasión se recurre a ellas. El truco se encuentra en las posibilidades que dan las nuevas variaciones de teclados que desde finales de los años sesenta se empiezan a desarrollar. El entendimiento de su efecto es fundamental para lograr componer contando con su ayuda, razonando su situación con respecto al resto de los integrantes de un combo.

Yes

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Algunos grupos de art rock han presentado juegos sinfónicos recurriendo a la ayuda de orquestaciones, como los primeros Deep Purple con su Concerto For Group And Orchestra (1970), aunque en los úl!mos !empos el mercado ha visto nacer ramilletes oportunistas y ciertamente pretenciosos apoyándose en esta idea. En su momento se habló de una variante a la que se le puso la pega!na de progresivo sinfónico italiano. Sí es cierto que Italia llegó en la década de los setenta a compe!r muy de cerca con el Reino Unido en cuanto a propuestas de rock progresivo y sinfónico se refiere, pero no hay duda que es excesivo crear dis!nciones por el hecho de que muchos de esos conjuntos italianos cantasen en sus inicios en su lengua madre (algo que, como entenderán, es totalmente lógico). También estaba la idea de acercar el folclore italiano al progresivo, aunque al final muchos conjuntos terminaban sonando como copias de Genesis, Pink Floyd o Gentle Giant. Razones suficientes para no complicar más este listado de variantes o subgéneros, con!nuando así con lo más relevante.

FOLK PROGRESIVO

duda terminaría convir!éndose en la gran sensación del momento. Composiciones acús!cas y dotadas en muchas ocasiones de un carácter minimalista, se fundían en las ardientes proclamas de la libertad lírica. Los músicos encuentran una nueva forma, limitada en sus inicios, de expresarse, aunque este compar!mento no se quedaría estanco de por vida. Las mentes crecen y las inquietudes se desarrollan. Bob Dylan, máximo exponente de la corriente, parece traicionar al movimiento cuando se pasa al folk eléctrico y de guitarras contundentes. Todo lo contrario, ya que gracias a canciones como “Highway 61 Revisited” nace el conocido como folk rock. Pero esta suma de logros no únicamente se produce en Estados Unidos, ya que formaciones inglesas y escocesas se ponen en marcha para aportar una réplica a la altura de las circunstancias. Nombres como Donovan o The Incredible String Band adelantan posiciones sin demasiados problemas. De ahí a formaciones como Fairport Conven!on, The Strawbs o Jethro Tull, sólo dista un paso. En ellas ya se empieza a notar el gusto por una experimentación menos anárquica y más acorde con el establecimiento de un es!lo firme, dando paso a lo que se podría reconocer como folk progresivo.

La gran oleada que llevaría a las playas de los sesenta aguas inspiradas en el clásico folk musical, sin

SPACE ROCK

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Lindisfarne


REPORTAJE ESPECIAL

Tangerine Dream

El space rock !ene un pie tocando la !erra de la psicodelia y otro flotando en el espacio. Buscando más allá de lo establecido en los estatutos del rock psicodélico, los combos creadores del space rock desarrollan en mayor medida la jam instrumental, jugando con diversos efectos de sinte!zadores y guitarras que doten a sus canciones de aires de otros mundos. Amantes en su mayoría de las iniciá!cas producciones de ciencia ficción, estas formaciones parecen querer expresar a través de sus composiciones las sensaciones que se !enen en uno de esos viajes interestelares que parecen sólo aptos para los héroes del cómic.

KRAUT ROCK Este término se u!lizó en los 70 para intentar englobar a todas las propuestas experimentales que nacían en terreno germano. Aunque se inician en mascaradas con la música clásica y el jazz, el escuadrón alemán progresivo sería el que años después mayor gusto cogería a la mecanización musical y al uso de la electrónica para sus creaciones. Sus avances ayudarían posteriormente a la llegada del rock industrial, aunque únicamente como empujón de

arranque, ya que la mayoría de aquellos proyectos de kraut rock terminarían como cenizas sopladas por el viento. En los 90, y tras comprobar que hay una escandalosa escena que vuelve a mover el undergroud alemán, se intenta poner al día la e!queta de kraut rock, aunque sin las mismas connotaciones que tuviera en los 70.

JAZZ ROCK Tiene bastantes similitudes con la conocida como escena de Canterbury, aunque el jazz rock presenta cierta raíz que lo man!ene atado a su es!lo de origen. La idea es ejecutar complejas creaciones jazz usando instrumentos u!lizados para tocar música rock y progresivo. Aquí se pasa a un campo más técnico, rico en sonoridades y cargado de ma!ces que se cruzan una y otra vez a lo largo de cada obra.

NEO PROGRESIVO Pocas diferencias se pueden encontrar entre este subgénero y el es!lo madre. Ahora bien, la fuerza con la que surge una escena de bandas jóvenes 31


en los ochenta intentando reivindicar unas pautas que se habían perdido en el rock progresivo comercializado, hizo que el movimiento tomase forma y se cons!tuyese como un es!lo propiamente dicho. Estos proyectos iban un paso por delante de las propuestas de new wave y sus fines, tanto instrumentales como líricos, aspiraban a metas mayores. La influencia básica y espejo que sirvió como punto de par!da de sus carreras era la vieja guardia inglesa de los 70, nombres como Camel, Pink Floyd o Van Der Graaf Generator. Defendían el gusto por los extensos desarrollos sinfónicos y ofrecían una vía alejada del plas!ficado mundo de las emisoras radiofónicas comerciales. No obstante, el significado de esta e!queta fue variando a lo largo de los años y hoy en día se califica de neo progresivo al es!lo de rock elaborado y rela!vamente complejo pero con un cierto toque de accesibilidad casi instantánea que no estaba presente en las propuestas iniciá!cas del rock progresivo.

METAL PROGRESIVO Cuando los principios básicos del heavy metal se enriquecen y expanden con la filoso$a del rock sinfónico se ob!ene este subgénero tan popular desde la década de los 90 hasta la actualidad. Posi-

40Dream Theater

blemente encontremos en Rush al grupo madre del metal progresivo, pero la verdadera génesis de esta tendencia debemos buscarla en las bandas de heavy metal que comenzaron a apostar por un sonido más ambicioso durante los años 80. Gigantes como Iron Maiden o Metallica se subieron al carro de una u otra manera a lo largo de aquella década, pero si nombramos a Queensrÿche, Fates Warning o Dream Theater no habrá demasiadas discrepancias en aceptar que ellos fueron tres de los grupos más relevantes en la definición del género. De ahí a la fusión con el jazz y con las ver!entes más extremas del metal, conceptos de los que beberían conjuntos como Death, Cynic, Atheist o los cada día más en boga Opeth. Otras variantes incluyen los híbridos entre el power metal y el progresivo (Rhapsody, Symphony X o Kamelot) o bandas que acaban por trascender los supuestos límites del género que las sustenta, como Pain Of Salva!on o Tool.

Rock-in-opposition Este es!lo !ene sus fundamentos principales en el avant-garde, posándose en las estructuras más clásicas. De esta forma, y aunque en muchas ocasiones para el oyente sea una desventaja en lugar de acierto, las obras editadas por este !po de con-


REPORTAJE ESPECIAL

Don Caballero

juntos ofrecen por lo general coros disonantes, métricas enrevesadas y arreglos abstractos, llegando a rozar los arranques de ritmos múlples. En algunas ocasiones su lírica ene una fuerte carga políca, aunque también esconde otra temáca ya más cercana al reconocido como rock progresivo. El virtuosismo es extremo y hay que dedicarle una cuidada escucha a cada canción para lograr desmarañar su sendo total.

Zeuhl Basándose en el neoclasicismo, el modernismo, la fusión y el romancismo, Chrisan Vander, fundador de la agrupación musical Magma, decidió catalogar el eslo de su combo como de zeuhl. La palabra ene el significado de celesal, clamando así por una música que tuviese como desno un propósito universal. Los ambientes opresivos y juegos etéreos son la seña de idendad de esta disciplina, a la que posteriormente se han adscrito bastantes proyectos.

MATH ROCK Aposentando su eclosión emergente en los ochenta, esta corriente experimental uliza las estructuras a"picas y los ritmos enrevesados en su precisión para fragmentar melodías al igual que para magnificar lo disonante. Los empos pasan del 4/4 al 7/8 u 11/8, basando en esa asimetría su evolución por los derivados poco reconocibles. La parte matemáca, además de en la forma de proceder con lo ya citado, vuela gracias a manipulaciones instrumentales en las que la voz no suele exisr (o trabaja como elemento secundario). Las primeras influencias de las que beberían estos proyectos están en el rock-in-opposion de Frank Zappa o Henry Cow. Estados Unidos y Japón resultarían las dos mechas iniciales para el género. por Sergio Guillén y Andrés Puente

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CINE

LA PESADILLA DIABÓLICA DE DAN CURTIS Películas con casa encantada se han rodado antes y después de Pesadilla diabólica –ahí está La casa encantada (1943) de William Beaudine o la firmada por Oren Peli Paranormal Ac!vity (2007)–, pero hay que reconocerle al largometraje de Dan Cur"s su carácter de precursor para futuras ambientaciones dentro de habitáculos más o menos terroríficos. Y no hablamos simplemente de la importancia narra"va de la novela original de Robert Marasco en la que se basa esta Burnt Offerings, es ante todo la manera en la que Cur"s rueda algunas escenas significa"vas que al poco "empo se han visto homenajeadas por nuevas filmaciones del género. Terror en Amy!ville o El resplandor son ejemplos incues"onables –la escena final de Pesadilla diabólica parece dar pie para que cuatro años después, al adaptar Stanley Kubrick y Diana Johnson a Stephen King, se u"lice como cierre la escena de las fotogra#as–. Pero el caso presentado en este proyecto para la gran pantalla "ene un punto posi"vo que le aporta una originalidad que pocas veces ha tenido con"nuación. Mientras los fantasmas, espíritus o fuerzas malignas que vagan por las casas del terror suelen tener como principal meta el expulsar de la casa a todo ser humano que se atreva a cruzar el marco de la puerta de entrada, la mansión de Burnt Offerings anhela todo lo contrario. La estructura del edificio sólo desea que cada nuevo huésped se quede el mayor "empo posible, a poder ser para siempre –aunque ese "empo de vida no suela durar mucho–. Los Allardyce, dueños de la propiedad, son los encargados de encontrar inquilinos que “nutran” con su presencia en las diferentes estancias del lugar a un caserón que por momentos parece regenerarse 34

y recuperar sus primeras galas. Y de hecho es así, ya que las cuatro piezas de la familia Rolf representan la siguiente víc"ma a la que chupar la energía, hacerla enloquecer y llevarla hasta la muerte mientras las flores cobran nuevos colores en el invernadero, las paredes eliminan los defectos por el descascarillado de la pintura o los tejados muestran una consistencia días antes perdida. De alguna manera, y aun sabiendo que Dan Cur"s es norteameri ricano, el sendero to tomado a la hora de tr tratar el horror y el mi misterio en Pesadilllla diabólica "ene fu fuertes influencias de las películas de su suspense gó"co br británico que tanta po popularidad tenían en los años 60. Además, y en lo más má alto del elenco de al actores, formando ac parte del matrimopa nio protagonista ni nos encontramos no a Oliver Reed, un consumado intérprete natural de Wimbledon, Londres. Se puede decir que recién salido de su papel como Frank Hobbs en la filmación para las grandes salas de la ópera rock Tommy, Reed cambia de registro ofreciendo siempre una credibilidad pasmosa –aunque exista cierta frialdad entre el tándem protagonista inexplicable–. Ya me"dos en pequeños papeles que sirven para dar color al total del trabajo, podemos alegrarnos de reconocer en la cara de Arnold Allardyce las facciones de Burgess Meredith y de hallar me"da en el rol de la %a Elizabeth a la siempre magistral Be&e Davis, aquí dando el extra de credibilidad pero sin demasiada dramaturgia a la que enfrentarse. Todos estos aciertos le conseguirían a la película de forma postrera tres Saturn Awards en 1977. por Sergio Guillén


DESTRIPANDO EL CANCIONERO AVISO AL LECTOR: Nada, que no nos lo quitamos de encima. Estábamos convencidos de que aquella promesa de vuelta a la carga tras el número 15 Aniversario era sólo una machada, una chulería de las suyas, un calentón de Jack The Lad; pues nos equivocábamos, y de menuda manera. Este farolero de la palabra regresa a nuestras páginas con la intención de ajustarles las cuentas a Phil Collins y Phil Bailey. ¡Horror!

EASY LOVER (Phil Bailey & Phil Collins)

Dos cantantes llamados Phil, uno blanco y otro negro, uno Collins y el otro Bailey, insisten, insisten y vuelven a insistir en que lo tuyo con esa moza va a terminar en el juzgado de guardia. Vamos, que no es un buen partido precisamente. La chica debe de ser algo así como el brujo de Indiana Jones Y El Templo Maldito, porque te ha sacado el corazón y tú ni flores. Y ellos siguen, borrico a la linde, aturullándote con la frasecita de marras: “Anda, que tiene los pretendientes a puñaos, atontao”; y para ello se turnan en las voces, calibran las armonías y hasta se acoplan a coro. ¡Ya les vale! Al final lo que pasa es que estos dos son unos machistas del pleistoceno, unos aburridos y unos demodé de esos que a la señora la quieren en casa “con la pata quebrada”. Y a ti ella te ha dejado, sí, pero por pavisoso y por estar escuchando los cuentos de abuelo Cebolleta de estos dos que no ligan ni por saber morir. Tendrás que estar más despierto la próxima vez o enamorarte de Jennifer Rush –ya sabes, la que lleva cual bandera aquello de “si tú “errrres” mi hombre y yo tu mujer, donde quiera que estés, “amour”, “contigou” estaré–.

por Jack The Lad

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THE REFRESCOS + BARRIO TOMILLO Sala Taboo, Madrid, 05/01/2016 Aún tengo presente en mi memoria aquel fin de año en el que en el Gruta 77 se preparó un morrocotudo concierto que unía en sesión doble a Los Sexys y a Las Cerdas. Asismos sin mayores pretensiones que las de pasar una noche diferente de cambio de año, y el caso es que resultó una de esas citas inesperadas que quedan para el recuerdo. Gracias a aquel concierto pude conocer a dos grupos realmente diverdos, dos propuestas que sobre un escenario cobraban su auténco sendo. Algo parecido me sucedió con la Pelea De Bobos que la pasada Noche de Reyes se organizó en la madrileña sala Taboo. Me acerqué para poder disfrutar una vez más de las inspiradísimas actuaciones que The Refrescos siempre ofrecen a sus seguidores, desconociendo la propuesta de Barrio Tomillo, más allá del hecho de que su música se salpimentaba con buenas dosis de humor. Con lo que me topé durante su representación fue con un grupo muy bien avenido, con un show cargado de detalles que lo hacen entretenido desde el primer minuto. Ya fuese por medio de la inicial “Gorilas” como gracias a “Pio Pio”, “Arrástrate”, “No Te Rayes Más”, “Moko Rojo” o “Qué Me Estás Contando”, Barrio Tomillo nos calentó la noche y consiguió que el público se entregase a su juego sin la menor cortapisa. Su disco-funky “Echar Unos Dancing”, sin duda uno de los himnos de la banda, atendiendo a la recepción de los allí presentes, cerró un concierto inspirado y

lleno de descacharrante amor por el espectáculo. En cuanto a The Refrescos, qué decir que no sepa cualquier seguidor de los ritmos skatalí cos y bailongos de esta leyenda de nuestra escena. Aunque por culpa de los horarios de la sala la banda de Bernardo Vázquez se vio obligada a recortar un tanto su repertorio –unas cinco piezas se quedaron fuera tras la resta–, la actuación fue memorable e incluso el vocal de Barrio Tomillo, Gracita Torete, se subió a escena para teatralizar junto a Bernardo el siempre cachondo numerito de “Superman III”. Comentar que a las teclas The Refrescos llevó aquella noche a una instrumensta de excepción, la Alamedadosoulna Laura Nadal –curiosamente entre el público también pude ver a Rubén Durán, voz y guitarrista del citado combo madrileño–. En cuanto a lo que se refiere al repertorio, decir que lo conformó un perfecto cajón de sastre en el que se aglunaba tanto material de la agrupación madre (“Sólo Vives Esta Vez”, “Todo, Nada”, “Empanao”, “Menras”, “El Balón De Pelé”...) como canciones de ese proyecto paralelo que fueron The Gambas (“Bolinga”, “HP”). Sin duda, otra forma de pasar una Noche de Reyes en la que los regalos de los afamados monarcas de oriente se convireron en presentes sonoros disparados sin descanso, tema a tema, desde las tablas de la sala Taboo. por Sergio Guillén

LA BROMA NEGRA

Sala Moby Dick, Madrid, 15/01/2016 Tras las dos horas de la muy remarcable actuación que La Broma Negra ofreció en la madrileña sala Moby Dick, aproveché para hablar con Carlos Caballero, vocalista del grupo, sobre lo que había sido esta nueva puesta en escena cargada de acentos de percusión, coros femeninos e incluso bailes o pequeñas performances que dotaban de un muy agradecido aire de cabaret a un conjunto ya de por sí nada dado a encasillarse. Carlos me comentaba que la entrada de Laura Pérez como cuarta pieza oficial había llegado de una evolución de pasos que la habían llevado de bailarina a percusionista en favor de complementar la banda y llenar ese hueco 36

que en el úlmo año el núcleo del conjunto ha querido redondear por medio de incluir un aditamento de batería humana que sirviese como dupla para las bases electrónicas ya programadas. Y es que es más que meritorio, sobre todo sin tener conocimientos de percusión, el conseguir prepararse, aunque sólo sea con una caja y un mbal, una lista de veinséis canciones. Algo sorprendente y que hace disculpar aquellos momentos en los que en lugar de oírse los golpes de caja al empo que las programaciones, aparecían en forma de eco, creando una suerte de flam, es decir, cuando dos golpes suenan muy seguidos aunque no a la


CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

Carlos Caballero (La Broma Negra)


Álex Gómez (La Broma Negra)

vez, teniendo el segundo mayor acento que el primero. Pero ya digo, el concepto escénico quedó perfectamente tratado, con el resto de La Broma Negra (Carlos, Álex Gómez y David Infantes) tan a la altura como siempre, luciéndose como ese trío de talentos que son. No decepcionan ni en sus milimétricos ensayos –he tenido la suerte de verlos y vivirlos en primera persona– ni en estas representaciones de arte y música que son sus conciertos, donde Álex se muestra detallista a las cuerdas de la guitarra, David está siempre al quite de controlar las programaciones al empo que toca sus partes de teclado y Carlos demuestra ser, además de un espléndido compositor, uno de los vocalistas nacionales con más tablas, gusto por la emovidad en el espectáculo y con una tesitura vocal que pasa sin apenas diferencias de los discos en estudio a sus actuaciones –y bien sabemos que son pocos los profesionales de la música capaces de hacer esto–. 38

Una noche donde se presentó, con un buen repaso al mismo, su nuevo trabajo discográfico Amigos, Temo Que Ya No Estemos En La Tierra, al igual que se pasearon por el escenario de la Moby Dick algunas de las tonadas que tanto disfrutamos los admiradores de este grupo tan parcular, tan lleno de vida, tan superlavo: “Señor, Danos La Victoria”, “Cenicienta”, “Una Mujer Enamorada Es Otra Forma De Terrorismo”, “Nieto De Maestro De Escuela”, “Su Decisión, Mi Capitán”, etcétera, etcétera, etcétera –ya lo decía al principio, casi treinta composiciones de La Broma Negra en un solo concierto, ¡tremendo!–. En definiva, uno de los conciertos que deberían marcar este 2016, una cita que esperemos no tarde mucho en reperse. por Sergio Guillén fotograas por África Paredes


CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

THE QUIREBOYS + THE WILD ONES Sala Copérnico, Madrid, 23/01/2016 En el carné de idendad del inglés Jonathan Gray, más conocido en la escena musical por el nombre de Spike, está escrita como fecha de su nacimiento el 4 de febrero de 1968, el año en el que el Primer Ministro británico aprobó la campaña I’m Backing Britain por la cual se aumentaba en treinta minutos el horario de trabajo diario sin que el empleado fuese a ver una mísera libra por esa media hora de más. Pues bien, yo digo que no es posible ese natalicio, que como mucho Spike debió nacer en 1998 o, si no es así, el po se ha debido de fabricar un clon biónico; en fin, todavía sabiendo lo que se ha baqueteado durante estos años el hombre, es sorprendente a la par que emocionante el empuje que ene mister Gray en cuanto pisa un escenario. Haciendo bromas con el hecho de que aquella noche todo iba bien, que se mantenía con el tempo de los temas, la verdad es que el líder de The Quireboys ofreció junto a su banda una actuación de matrícula en la madrileña sala Copérnico. Y es que, como ya decía, han pasado sus buenas décadas desde la fundación de estos rock-and-rollers. La británica ciudad de Londres sería la que

un día de 1984 verá el nacimiento de uno de los grupos más punteros del Reino Unido en los úlmos coletazos ochenteros y en los primeros pasos de la década noventas. Spike pone en pie a The Quireboys como evolución o mera consecuencia de lo que antes habían sido The Choirboys o The Queerboys. El vocalista no había cumplido aún la veintena y la banda ya estaba causando estragos con sus actuaciones en directo. En 1990 saldría su primer LP, A Bit Of What You Fancy, un trabajo publicado por EMI a la que llegan de la mano de la representante Sharon Osbourne. El cohete se disparó y el siguiente año conseguirían muchos de sus más salvajes sueños, entre ellos tocar en el japonés Tokyo Dome ante cincuenta mil asistentes. Su reputación era tal en aquel momento que tras su segundo Bi!er Sweet & Twisted el propio Axel Rose les pide que acompañen a Guns N’ Roses en su gira del álbum Use Your Illusion. La segunda juventud para la banda llegaría el 16 de julio de 2001, fecha en la que se pone a la venta This Is Rock’N’Roll, el disco que marcaba el

Spike con Guy Griffin al fondo


Spike y Paul Guerin


CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

Spike (The Quireboys)


CRO ´NICAS DE CONCIERTOS

La sala Copérnico en estado de ebullición

regreso de The Quireboys y una de las marcas fundamentales en la carrera de la banda. Desde entonces han publicado más de una decena de trabajos, repardos entre obras nuevas de estudio, discos tomados en directo o reediciones. En la noche madrileña de este 2016 la lista de piezas redondas como bolas que tumban todos los bolos de la encerada pista alcanzó el número dieciocho, perfecta cifra si cada uno de los dígitos que hay que pasar hasta llegar a “Sex Party”, tonada de despedida y tercer tema de los bises, llevan por nombre “Black Mariah”, “Too Much Of A Good Thing”, “Misled”, “The Finer Stuff ”, “There She Goes Again”, “Roses And Rings”, “Gracie B”, “This Is Rock’N’Roll”, “Mona Lisa Smiled” y así hasta cubrir un concierto sin mácula, perfecto, con un Spike lleno de vitalidad, con esos 47 años de eterno adolescente que da mil vueltas a esos vocalistas que se creen la repañocha y no son más que unos pavisosos sin carisma. Curiosamente en la traca final de rock and roll fesvo que representó la ya citada “Sex Party”, guinda de la noche, Spike invitó a subir junto a The Quireboys a Jaime Oliveros, el saxofonista del com-

bo madrileño The Wild Ones. Y es que el vocal de la formación londinense ya había salido en una de las canciones de esta propuesta nacional, que ejercían de teloneros aquella noche, para tocar la armónica. Un bonito gesto que sin duda hermanó a ambos conjuntos. Pues bien, a The Wild Ones les pude ver el año pasado en una fiesta de rock and roll revival en la sala Siroco en la que compareron tablas con The Ladies. Debo reconocer que, aunque aquella noche de 2015 también el recinto presentaba una muy buena entrada, con asistentes copando el local, los compinches musicales de Hugo Ventura se lucieron con más garra en la Copérnico, realizando un perfecto calentamiento de un público que se dejó llevar de inmediato por sus versiones y que supo apreciar igualmente el material de firma propia. Fue un muy acertado comienzo para una cita de la que se hablará durante meses y meses con un feliz recuerdo en la memoria. por Sergio Guillén fotos por África Paredes

Para ver más imágenes de estos conciertos y de muchos otros cubiertos por nuestra fotógrafa África Paredes, entra en su portal en flickr: https://www.flickr.com/photos/africaparedes/albums


ENTREVISTA

Jose Luis Carnes El alma de The Mad Note Co.

The Mad Note Co. es una de las agencias de conciertos más valientes de la escena nacional, una promotora que siempre está apostando por la música de calidad, por los profesionales que, aunque tal vez no sean reconocidos por el gran público, poseen un peso en su arte que no debe ser obviado. Jose Luis Carnes es The Mad Note Co. y con él hablamos este mes de música. ¿Cuál fue tu primer contacto con la música como oyente?

a ver por encima y midamente el entramado de la escena.

Uf, no recuerdo uno en concreto. Supongo que a través de mis padres, que no eran precisamente melómanos, pero sí ponían música en casa. Me viene a la memoria aquel verano en que Juan Luis Guerra se hizo famosísimo en España el ir cantando sus canciones en el coche. También aquel campamento de verano en el que para aprender inglés nos enseñaban canciones de Sam Cooke, Beach Boys y Michael Jackson... y en general, en la radio, antes de saber de quién eran aquellas canciones ya tarareaba “Start Me Up” de los Stones o “Is This Love” de Whitesnake, que sonaban en las emisoras más comerciales.

¿Cuál es el primer recuerdo que te viene a la cabeza cuando piensas en el impacto que te pudo provocar la música como medio de expresión arsco, cultural?

¿Y tu primer contacto con la escena musical a nivel profesional? Con 17 años comienzo a colaborar con algunas revistas de prensa musical, primero con la edición española de Rock Hard y luego con Heavy Rock y Kerrang! Llegan las primeras entrevistas con músicos, cobertura de conciertos, etcétera. Y ahí empiezo ya

Di!cil escoger o recordar un momento concreto. Recuerdo, por ejemplo, estar embobado delante del televisor viendo el videoclip de “Estranged” de Guns N’ Roses. Mi prima, unos años mayor que yo, me había comentado que era casi como una película, y entonces todo lo que hacían Guns N’ Roses suponía un revuelo y una repercusión brutal. Cuando conseguí verlo, me pasé los casi diez minutos de la canción en absoluto éxtasis. Además, el que a mi madre le repelieran aquellos melenudos me hizo prestar aún más interés. A par"r de entonces pasaron a ser mi banda favorita y el resto vino rodado. Por tu trabajo has conocido a muchos y muy variados arstas, tanto del ayer como de la actualidad. Hay personas que ya no les afecta, una vez han tratado tan de cerca con los “creadores de la música”, 43


por decirlo de alguna manera; otros, por el contrario, siguen sin!endo esa devoción de melómano o seguidor, de fan. ¿Dónde te situarías tú? Soy ante todo un fan de la música. Pero cuando conozco a un músico al que admiro, intento ser antes de nada profesional y discreto, pues estás desempeñando un trabajo, tanto tú como él. Si la cosa va rodada, una vez en caliente puedes acercarte a declararle tu admiración; aunque soy de los que prefieren mantenerse en la barrera en ese sendo, y respetar siempre al músico y su espacio. Creo que el aspecto profesional y el de fan no deben mezclarse, y a veces les separa una delgada línea. ¿Cuál fue el primer concierto al que asis!ste y qué recuerdos guardas del mismo? Juraría que fue el doble cartel de Extremoduro y Platero Y Tú en el Palacio de los Deportes de Madrid. Imagínate, aquello fue una locura, una experiencia de jolgorio, libertad y desenfreno alucinante. Después fueron llegando otros, en la desaparecida Canciller de San Blas, y ya no hubo manera de quitarse el gusanillo.

Sé que habrá muchas pero, destácame diez canciones de diferentes grupos que jamás te cansas de escuchar, de tararear, de vivir con ellas. Además, me gustaría una pequeña explicación de las razones de cada elección. Seguramente mañana se me ocurrirían diez diferentes, pero estas son diez que me han venido a la cabeza y al alma y que valen su peso en oro. -“Before They Make Me Run” – Keith Richards / The Rolling Stones. El riff humano en su salsa, feeling, ritmo, diversión, lo ene todo. -“If I Can Dream” – Elvis Presley. Emoción en estado puro, piel de gallina. Un portento de la naturaleza -“The Weight” – The Band. Un himno absoluto, sin más. -“Chip Away the Stone” – Aerosmith. Ni Tyler ni Perry la compusieron, al contrario que la mayoría de

© África Paredes

¿Dime el úl!mo disco, sea en el formato que sea, que te has comprado? Y, si lo recuerdas, el primero que inició tu colección casera.

El úlmo ha sido hace un par de días, la reedición del Nobody Said It Was Easy de The Four Horsemen. Amo a esa banda... y sigo comprando discos por encima de mis posibilidades. El primero en propiedad como tal no lo tengo muy claro, antes hubo millones de casetes grabadas de compañeros de colegio y sus hermanos mayores, pero quizá fuera el The Spaghe! Incident?! de Guns N’ Roses, del que soy consciente haberlo pedido a los Reyes Magos, y que marco un punto de inflexión.

Pokey LaFarge el año pasado en el Teatro Barceló 44


E ´NTREVISTA canciones de la banda, pero Richie Supa parió un tema de rock and roll defini"vo. -“Walk” – Blind Melon. Todavía se me pone un nudo en la garganta cada vez que la escucho. Shannon Hoon, un diamante en bruto, un talento inmortal. -“Someday Never Comes” – Creedence Clearwater Revival. John Fogerty, el artesano de canciones más grande de América. No hace falta decir más. -“Waterloo Sunset” – The Kinks. Maravillosa manera de contar una historia, un portento melódico. Who the fuck are The Beatles? -“Now” – The Plimsouls. La expresión perfecta de un tema básico, corto y redondo. Tres minutos de melodía absoluta y energía juvenil. De vez en cuando canciones inmediatas y efervescentes como esta son necesarias. -“Cheyenne” – The Del-Lords. Una joya de culto y una banda capital, paradigma de aquel “nuevo rock americano” de los 80 que me fascina. -“Thirteen” – Big Star. Lagrimones cada vez que la escucho. Estremecedora canción y estremecedora banda. ¿Has estado alguna vez al otro lado? Es decir, actuando en un escenario. ¿Tocas algún instrumento musical? Canté durante unos cuantos años en una banda. Éramos amateurs, nos llamábamos Bad Fame, y haciámos un rock and roll (o al menos lo intentábamos) muy a#n a nuestros gustos básicos; Led Zeppelin, Allman Brothers, Aerosmith, Guns N’ Roses, los Stones. Fuimos bastante ac"vos en bares de Madrid a comienzos de los 2000, luego cambiamos el nombre a Inanout y finalmente acabé dejando la banda por diversos mo"vos. Mantenemos la amistad, y algunos siguen en la música como parte de la banda Anaheim y otros proyectos. Tú que llevas una agencia como The Mad Note Co., ¿qué me puedes contar de la escena actual? ¿Qué futuro le ves, cómo aguanta las embes!das, ya no de la crisis, sino de la cada vez más amplia falta de cultura o ningún interés hacia ella que muestra la gran masa? Por una parte se nota un boom de la música en vivo para el público general, llámalo moda, de ir a conciertos y, sobre todo, a fes"vales. Pero por otra parte no se corresponde con una realidad del día a día, de la escena y de los amantes de la música, es más un acto puro y duro de ocio. La realidad a nivel de

salas pequeñas sigue siendo un poco underground, con un público fiel y bastante específico. Sí que hay un seguimiento, pero también cada día la oferta es mayor a razón de la primera afirmación y la competencia se hace dura. Esperemos que la nueva ley de menores nos vaya poco a poco proporcionando un público joven que renueve la escena, porque caldo de cul"vo hay, pero requiere un trabajo durísimo y muy dedicado el llegar a la gente con bandas desconocidas, que no salen en los grandes medios. Pero me gusta pensar que si hay calidad, y desde las promotoras buen ojo y buen trabajo, seguiremos llegando a la gente que sepa apreciar el esfuerzo y las propuestas. ¿Hay algún libro que te recuerde a un disco en concreto? ¿Y al revés? Por razones obvias, esa biblia del punk llamada Por Favor, Mátame: La Historia Oral Del Punk de Legs McNeil, me pareció un libro grandioso, aunque hablemos, claro está, de una publicación meramente musical. Pero recuerdo con cariño leerlo e ir enfa"zando mi fana"smo por Iggy, los Ramones y toda la generación del CBGBs. En literatura extramusical, Nick Hornby siempre está lleno de referencias musicales y te hace esbozar una sonrisa cuando cae entre líneas un comentario sobre bandas o ar"stas que admiras. Al revés, cuando escucho a Woody Guthrie o a viejos bluesmen como Muddy Waters o Leadbelly, no puedo evitar acordarme siempre de Las Uvas de la Ira, creo que van intrínsecamente unidos. Dime una frase o frases de una canción que representen a José Luis Carnes, lo que eres tú como persona. Now I was growing up through all of this My first beer and love and my first kiss You never learn the things in school You learn by living and going through You taught me how to be myself How can I thank you Es una estrofa de “One More For Rock N’ Roll” de Cinderella, del disco Heartbreak Sta"on, uno de los básicos de mi vida, sin duda. Me encanta como habla del espíritu y la fuerza que te va descubriendo la música hasta conver"rse en un medio de vida, algo que, por manido que parezca decirlo, no se enseña en las escuelas. Me siento bastante iden"ficado. por Sergio Guillén 45


A R T ´I C U L O

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STATUS QUO en 1968 Primero fue la psicodelia por Sergio Guillén

The Spectres ofrecían su primera actuación oficial en 1962 dentro de las acvidades programadas por el Samuel Jones Sports Club de Dulwich, al sur de Londres. En aquel cuarteto sobresalía su cantante y guitarrista Francis Rossi. En los siguientes años la banda se toparía con un grupo rival que funcionaba bajo el tulo de The Highlights. Rick Parfi, cabeza visible del combo, enseguida entabló amistad con Rossi. Como resultado en 1967 se cierran las filas de la marca inicial propuesta para arrancar con Status Quo. Aquella apuesta nada tenía en similitudes con la actualmente en acvo, ni siquiera con la que insuflaría boogie rock a la frecuencia modulada de los 70. Los primeros Quo, como es lógico atendiendo al año de su carta de presentación, ulizaron el beat para engrandecerlo con algo de psicodelia pop. El curioso tulo de su LP, Picturesque Matchs!ckable Messages From The Status Quo, toca la bocina de la extravagancia que contenía su totalidad. Sus cortes de pelo a lo casco, con un requerimiento mod en lo estéco algo sobrecargado, les acompañaron en unos días en los que juraban derrerse como hielo en el sol –“Ice In The Sun”–. Si querían aparentar la materialización de un aeroplano ácido, Status Quo extraían de la saca “Paradise Flat”, “Technicolour Dreams” o “When My Mind Is Not Live”, más dicharachera que sus vecinas por sus reminiscencias a la musiquilla del carrusel. El “Spicks And Specks” –ya la habían grabado como The Spectres– que popularizaron los aún polluelos Bee Gees en sus jóvenes escarceos de marcialidad británica, Rossi y la compaña por la trenca de chillón color lo visitan sin mayores aspavientos o monerías efecstas. Se ajustan y aciertan. “Green Tambourine” podría estar en el Head de los norteamericanos The Monkees y “Pictures Of Matchsck Men” absorbe la nube londinense de psicodélicos paseos por Portobello Road. Un delicioso y extraño incidente que desapareció en cuanto se enfundaron los tejanos azules. 47


ASFALTO. MANUAL DE USO

(Julio Castejón, Éride Ediciones) En 2012, y por medio de un relato ameno, Castejón fundía con coherencia en Ahora Que Me Acuerdo su historia emocional para con la vida, para con los cambios que se producen desde la infancia a la madurez, pasando por la adolescencia y demás estadios, con su lucha para que la música que sueña colme una carrera oficial. Una autobiogra"a en la que leer tanto sobre la historia musical de su autor como sobre los pasos que ha dado nuestro país, ya fuese en estado de pre o post dictadura. Ahora, y gracias a Asfalto. Manual De Uso, podemos sumergirnos pieza a pieza en el total del cancionero de la banda madrileña; incluso en sus primeros días de trío, cuando Julio aún no era parte del grupo y sólo José Luis Jiménez, Pancho Company y Mario del Olmo cons#tuían el núcleo duro del combo que publicaba sus primeros sencillos para Discos Acción. Castejón da datos detallados de estudios de grabación, instrumentos u#lizados en cada toma, fechas en las que se realizaron las mismas, músicos im-

Asfalto

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plicados, ya sean oficiales de la banda o invitados, etcétera. Una vez rebasada esta información que encabeza a cada creación listada, el músico y compositor pasa a descubrir al lector diversos datos de interés en relación a la pieza: punto de nacimiento de la misma, alguna anécdota oculta tras su materialización, historias relacionadas con el seno de Asfalto en aquel preciso momento. En ocasiones, al ser él autor de la canción que analiza, ofrece una mirada personal, mientras que cuando el tema está compuesto por otro, se acerca al mismo desde su apreciación tanto de instrumen#sta como de melómano, añadiendo todo lo que recuerda de las sesiones de estudio de dicha tonada. Un complemento perfecto para su Ahora Que Me Acuerdo e, igualmente, para el trabajo de estudio de Josemi Valle publicado en 2013 y #tulado El Libro De Asfalto + Topo. por Sergio Guillén


LIBROS FANTÁSTICAS PORTADAS

(Juanjo Andaní, Editorial Milenio) Las ediciones de Vinilomanía, colección perteneciente a Editorial Milenio, son siempre reveladoras. Hasta el momento, e incluyendo la que aquí analizo, enen publicados seis tomos... pero, ¡menudos todos! Ya sea tratando la iconograa femenina en el vinilo español, analizando la música de los años 60 cantada en catalán o los lagazos de la censura franquista sobre el pop y el rock, al igual que glosando la historia de la rumba nacional o compilando a modo de antología lo mejor de los discos en directo grabados en nuestro país, Javier De Castro, director de esta colección – también del resto del segmento de libros que versan sobre música en la editora–, arriesga acertando de pleno en cada nueva ocasión. En Fantás!cas Portadas su autor, Juanjo Andaní, anguo bajista del conjunto Control, melómano, invesgador musical y escritor de libros sobre el universo pop como Hay Tantas Chicas En El Mundo o Mis Canciones De Los 60, realiza un sincero y más

que merecido homenaje a los diseñadores e ilustradores que con su arte daban un nuevo sendo a las carpetas de los vinilos en España. A lo largo de sus casi cuatrocientas páginas el lector hallará aquí la historia de un gran número de arstas patrios que pusieron su ingenio y talento al servicio de la industria discográfica, aportando un fiel reflejo de los empos e incluso creando imágenes icónicas. De manera similar se van haciendo paradas por los sellos más variopintos para ver la manera en la que daban rienda suelta –o no, según el caso– a estos profesionales de la ilustración, hablando incluso de las subsidiarias de dichas casas discográficas, etcétera. Es por tanto este Fantás!cas Portadas una obra tan fundamental por su información como por el carácter emovo atesorado en sus páginas, en las centenares y centenares de portadas en ellas recogidas. por Sergio Guillén

LLÁMAME BROOKLYN

(Eduardo Lago, Malpaso Ediciones) Este 2016 se cumplen diez años desde la edición de la novela Llámame Brooklyn de Eduardo Lago. Ese maravilloso y laberínco relato, matrioska literaria donde de una narración sale otra, de un libro surge otro, vuelve a estar de actualidad de la mano de Malpaso Ediciones. Esta editora ha decidido reeditar tan importante obra en la cual se ha contado con su propio autor para que la prologue con un nuevo texto ciertamente explicavo de las razones, el momento, la situación concreta o la primera chispa de esta historia que guarda en su horizonte los mil y un caminos para llegar a un nudo narrador basamen-

tado en la amalgama de todos ellos. Unas hojas pobladas por personajes comidos por decenas de esos demonios que mete en nuestra psique la vida y que los dota de una fuerza o profundidad, hasta en los actos más simples, que convierte cada línea argumental de esta trama de varios brazos en un emocionante viaje submarino al núcleo laente del ser humano. Este libro, Premio Nacional de la Críca y Premio Ciudad de Barcelona, vuelve a ver la luz en esta muy esmerada edición que Malpaso nos propone. por Sergio Guillén 49


DARE

(David Laurie, Something In Construction Books) Después de la desgraciada e inesperada muerte de un arsta como David Bowie, cualquier obra que lleve la palabra Bowie en su tulo se convierte en un reclamo capaz de captar la atención del lector como probablemente no lo hubiera hecho en otras circunstancias. Este puede ser el caso del primer libro publicado por David Laurie, un veterano de la industria musical británica, actualmente al frente del sello Something In Construcon. Dare no es un libro sobre Bowie ni sobre Kra!werk –ya existe abundante bibliogra"a sobre el músico londinense y la banda de Düsseldorf–, es un libro que ofrece la visión personal del autor sobre un momento clave para entender la evolución de la música pop desde el úlmo cuarto del siglo XX. Las nuevas manifestaciones sonoras desarrolladas a parr de la popularización de las tecnologías electrónicas musicales ocuparon un momento histórico marcado por el declive comercial del glam y de otras expresiones del rock y el auge del punk y el postpunk. Todo este complejo panorama musical tuvo sus raí-

The Human League

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ces en la convulsa etapa que vivía la sociedad y parcularmente la industria musical. Centrándose en el periodo 1979-1982 y los orígenes del synthpop, el libro describe una revolución musical que se gesta desde el mainstream, no en el underground, y trata de explicar por qué el denostado plas c pop de principios de los años 80 tuvo y sigue teniendo tanta influencia. Aunque no se compartan algunas de las ideas que plantea Laurie, es interesante la lectura de esta obra para descubrir una visión diferente de los múlples factores que marcaron aquella época de desarrollo de los sintezadores y la música electrónica, especialmente en el Reino Unido y Alemania, y cómo ha influido en los arstas que vendrían unos años después. Además, cada uno de los doce capítulos del libro incluye una lista de Spofy, muy úl para recordar tanto éxitos como rarezas de aquella primera época del pop electrónico. por María Manuela Cornas


LIBROS

Mauro Entrialgo

LO CONTRARIO

(Mauro Entrialgo, Diábolo Ediciones) Aún recuerdo la primera vez que vi una viñeta de Mauro Entrialgo. Fue hace ya sus buenos años, dentro de la señera revista de humor El Jueves. Lo primero que me golpeó fueron los dibujos que mostraba en sus viñetas, su forma de plantear la acción o el tema a tratar; pero, lógicamente, lo que más me llegó fue la visión analíca de este creador que sabe como nadie reflejar las estupideces y sinsendos del ser humano. Lo Contrario, que por lo que he podido ver en una entrevista de hace algunos meses tenía un !tulo más extenso inicialmente (Lo Contrario De Volar), no es otra cosa que un volumen compilatorio de ras o historietas para disntos medios (el ya citado El Jueves, Elpaís.com,

el fanzine TMEO, la revista de viajes Lonely Planet...) o que han sido mostradas en exposiciones como Viaje Con Nosotros, Cent Pour Cent o Clases De Zumba. Me ha encantado reencontrarme con análisis y crícas a nuestros contrasendos que ya eran viejas conocidas en mi memoria –son largos años como lector de El Jueves, ya digo–, e igualmente disfrutar de mucho más material tan lúcido y certero a la hora de poner el dedo en las mil y una llagas como en ese postrero momento de regusto agridulce en el paladar que lleva al lector al autoanálisis. Espléndido. por Sergio Guillén 49


01. Welcome To Dundersville La bienvenida a un lugar llamado así, con una repeva frase de guitarra como los avisos del tren que llega a la úlma estación, una entrada donde casi descarrilamos y que va oscureciendo sus vías a medida que llegamos casi al final, donde la cosa acaba bien. 02. Blame Me Las mejores canciones son de tres acordes: sin querer lo hemos intentado y mezclando tres bases rítmicas diferentes deslamos tres melodías que van ganando fuerza hasta que a Armand –sí, Armand– y Xavi se les acaba el aire. Tres acordes... bueno, y un riff.

ROCK O P A R T A TODO por Fermín Roca

Desde la batería siempre se !ene una sensación de soledad. Estamos siempre calentando el banquillo en el sen!do estricto de la expresión por lo que, tanto en directo como en estudio, te lleva a un aislamiento respecto a los otros miembros del grupo. La grabación de este disco aún llevó más lejos este axioma: el jefe de cocina (San! Garcia) sugirió el emplazamiento de la batería en el hueco de escalera de la casa del estudio, separado varias habitaciones respecto al control, cosa que me dejó solamente con una conexión vía auriculares con el resto. No podía saber lo que pasaba realmente tres paredes más allá, sin!éndome como un presidiario cuyo único privilegio por buena conducta era grabar un disco en dos días con su grupo pero sin salir de su encierro... con sus amigos tras las rejas. Base instrumental grabada en directo y muy poco más que añadir a excepción de las voces. Cada canción es su propio esqueleto, sin cortes y sin esperar nada que maquillara mul!tud de imperfecciones que finalmente conforman lo que en realidad es Biscuit: solo canciones, casi sin piel. 52

03. Blank Morning Una de mis favoritas. Como en casi todo el disco, esta canción orbita alrededor de la línea de bajo, cosa que nos permite al resto tocar o callar, o todo lo contrario. La única con fade out –canela, por supuesto–, supongo que porque no sabíamos acabarla en aquel momento. Lo reservamos para quien nos venga a escuchar en directo, la cosa se complica por instantes a día de hoy. 04. Duke’s Tail Me gusta mucho su arranque, parece que estemos echando el úlmo trago antes de comenzar. Otra vez Ángel lleva el món durante cada parte hasta un final donde acabas pasando pantalla en un videojuego, un final que salió de forma sul y espontánea la primera vez que la tocamos de manera más o menos correcta. Xavi reivindica a Hunter S. Thompson y en el estribillo, no sé porqué, me suena a los MC5. Creo que es la primera con solo de guitarra, una anomalía en toda regla para un disco de Biscuit. Aunque debería puntualizar: “solos”. 05. I Need My Coach. Esta canción sufre una metamorfosis en el segundo veinte. Xavi me pidió muy amablemente que empezara con unos golpes “Pictures Of Lily” para arropar un marcado contrapunto que acaba germinando de forma luminosa en una melodía muy soul donde Xavi reclama su coach. Una canción cristalina que creo fue la única que se grabó con metrónomo. Estructura de rock clásico, la que nos enseñaría nuestro coach si exisera. 06. Unthinkable


L A F´ I R M A I N V I T A D A Puedo decir en primera persona que esta canción es un arpegio de Cream, modificado a seis por cuatro y tocado por un leñador. Me encanta la letra, basada en un texto de Henry Miller –«Y sin Coca-Cola la vida es impensable»–, que mulplica exponencialmente su mensaje con la interpretación vocal soberbia de Xavi. El resultado es un estacazo cosido con vientos a lo The Sonics y con unos coros que provocaron un pinzamiento de grado tres en la zona lumbar de San García. Perfecta para un anuncio de Reflex. 07. The Chip Canción de Xavi que decidí empezar con el ritmo de “All Right Now” para que Ángel hiciera el resto; guitarras dispersas que finalmente se concentran en un riff muy, muy Armand. Pero eso no es todo, todavía tenemos empo de otra secuencia de acordes y de un episodio caóco que culmina con la entrada de los vientos que connúan hasta finiquitar otra estrofa con un final con wah-wah y todos a una. 08. Saw Ya Si exisera el Manual Para Hacer Canciones De Biscuit, esta canción sería el ejemplo que en el capítulo uno nos enseñaría: mejor a toda velocidad, mejor una melodía popera, mejor un estribillo con mucha energía, mejor un solo corto y contundente con una intro en reverse play –todo suena mejor– y, para terminar, mejor un riff lo más afilado posible para acabar cortándote la cabeza con el filo del ride. 09. Agus Young Debo reconocer que siempre que Ángel nos enseña una de sus canciones, tengo una sensación desconcertante de no entender nada. Lo trae todo pautado, de principio a fin, según su lógica; y Agus Young no fue una excepción. Esta canción endiabladamente

frenéca homenajea de forma muy sincera a todos los satélites del planeta Rock, aquellos que han cocinado toneladas de espagues y que han cargado backline en un estado psicomotriz más que torpe. Se personifica en Agus –le queremos mucho–, pero nos representa a todos. Cada vez oigo de forma más nída el eructo del final. Nos representa a todos. 10. I’ll Take Everything Una canción que merece varias escuchas desde mi modesto punto de vista. Aquí sí se oye el hueco de escalera: una intro a lo “Ticket To Ride” –procuré no dar más trabajo a los abogados de Ringo– para contar nuestra historia juntos haciendo un brillante paralelismo, según me gusta entender, con dos conciertos del mismo grupo, que creo vimos los cuatro, con veinte años de diferencia. La línea de bajo me pone los pelos de punta y el trabajo con las armonías vocales llegó en su punto el día de la grabación. Nuestra canción psicodélica del disco, siempre hay alguna: «You made us feel alright!». 11. Goodbye Again Or ¿Te ha pasado alguna vez que te querías ir pero al final no te vas? Nosotros llevamos siempre la chaqueta encima pero, al final, no nos vamos. Ésta es una delicada canción para que te quedes bailando durante tres minutos más, práccamente hecha en el estudio por Xavi y que nace de un embrión instrumental muy lento, no os imagináis cuánto, que permanecerá inédito para siempre. Los arreglos del Peixitu merecen un sobresaliente, enen un sparkle que invita a quedarte. Y ahora ya somos cinco en Biscuit, otro que se queda. Un disco sin #tulo, sólo son canciones.

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ALEX IKOT (BATERISTA) El baterista y percusionista Alex Ikot nació en Guinea Ecuatorial. A lo largo de los años ha tocado tanto pop como flamenco, reggae como afrobeat. Su carrera profesional comienza en la Orquesta Nacional de su país, saltando luego a tocar en tierras nigerianas, compartiendo más tarde proyectos con agrupaciones de Camerún o Costa de Marfil. Para 1996 nos lo encontramos en Amsterdam, aunque en los años 80 ya había tocado en la piel de toro. Actualmente reside en España. En 1975 editó su primer trabajo discográfico junto a Black Children; desde entonces y hasta hoy, ha puesto sus baquetas al servicio de los más variopintos combos. ¿Qué eslos musicales has tocado a lo largo de estos años como profesional y en cuál te sientes más a gusto o es el que idenficas netamente cercano a tu forma de entender la batería? Me siento cómodo con cualquier eslo rítmico musical. El leyenda británica de las baquetas Aynsley Dunbar comentaba en una entrevista de hace unos años que jamás le ha gustado senrse encorsetado con unas notas en directo, prefiriendo hacer cambios en cada show para notar su evolución. ¿Qué piensas sobre ello? Si el eslo de música es improvisado, encaja bien esa filoso"a; pero otros eslos implican más disciplina. Tienes un eslo bastante caracterísco, ¿ha surgido con el empo o intentaste desde tus comienzos emular las maneras de algún instrumensta reputado? Mi formación ha sido desde niño. La percusión étnica con instrumentos poco conocidos en Europa, por ejemplo, el tambale, yonson... es como tocar una clave dentro de otra clave. Por cierto, qué opinión enes sobre el mazo del bombo en cuanto al parche: ¿pegado en el descanso o separado? Hay muchos bateristas que prefieren dejarlo pegado, matando la reverberación pero consiguiendo inmediatez. Para mi gusto puede eli54

minar demasiados maces, aunque eso depende del eslo que estés ejecutando. Depende de la técnica del baterista y del eslo de música. Por ejemplo, en un bombo de una banda sinfónica el sonido es más abierto; sin embargo, un bombo zurdo de música brasileña lo dan con la masa y tapan con el grave armónico. Siguiendo con el bombo, ¿ulizas con el pie la alternancia de heel up y heel down para simular el efecto del doble pedal en uno? No, yo ese efecto lo consigo deslizando el pie en el pedal. Regresando a tus días de introducirte en este mundo, y centrándome ahora en los rudimentos para neófitos, ¿cuál ves como ejercicio ideal para terminar sincronizando correctamente y, al mismo empo, coger similar velocidad entre la zurda y la diestra? ¿Qué piensas del paradiddle-diddle como complemento evoluvo para principiantes? A mis alumnos siempre les aconsejo que en el bombo maquen 4x4, que con la mano izquierda pracques clave 6x8 y que con la derecha el 3 que va contra el 4, alternando ambas manos. Eso crea mucha independencia. En cuanto a baquetas, ¿qué grosor ulizas por regla general?


EL DOSSIER DEL INSTRUMENTISTA

Depende de lo que vaya a tocar. Desvela las técnicas de tus bateristas favoritos, ¿qué técnica caracterísca les hace únicos? Los mejores bateristas para mí serían Paco Sery, Tony Williams o Tony Allen, pues son más musicalrítmicos que de técnica de escuela.

Por úlmo, dime tres discos de los que un batería siempre podrá sacar jugo y aprender algo; y, por supuesto, dame las razones de cada una de tus tres elecciones. Los discos de Fela Ku!, Tony Williams y Billy Cobham son muy instruc!vos para aprender.

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M A T R ´I C U L A S D E H O N O R La historia de Bobby Darin se sustenta gracias a su pasión por la vida y por la música, a esa inquietud e ímpetu que le hicieron crecer de infante aquejado de fiebres reumácas y complicaciones cardiacas a crooner experimentado, adorable sabelotodo que se desenvolvía con la fluidez de un docente en cualquier po de ambiente arsco. A finales de los años 50 se enfundó en un chispeante rock & roll adolescente, “Splish Splash”, al que siguieron otros sencillos de similares maneras. En la siguiente década pasó al eslo de Las Vegas, rozando el swing untado en jazz, para acabar converdo en poéco cantautor pacifista. por Sergio Guillén

BOBBY DARIN In A Broadway Bag (Atlantic, 1966)

In A Broadway Bag ni siquiera es capaz de encajarle en un eslo estanco una vez franqueado 1966, ya que meses después saltaría a las ondas la canción “If I Were A Carpenter”, con su aire folk que le cambia el registro una vez más. Walden Robert Casso!o, auténco nombre de Darin, graba aquí el segundo LP para su nueva casa discográfica, la afamada marca Atlanc Recordings. Con tal respaldo se sumerge en la interpretación de estándares del musical, género en el que invesga el vocalista del Bronx tras descubrir el pardo que se le puede sacar a una tonada como “Mame”. Así, y con la meculosidad de un cirujano, disecciona diferentes espectáculos escogiendo las piezas que mejor resten ensambladas 56

para conformar un larga duración coherente; Bobby bucea entonces por las obras Skyscraper, Golden Boy o I Had A Ball, encajando su eslo en arreglos firmados por tanta luminaria del papel pautado de Broadway. Su concepto de la melodía sumado a la cadencia candorosa de su garganta para las baladas –“Try To Remember”– o su rítmica en el swing corredor –“It’s Today”– mutan a Casso!o en todoterreno de las tablas. Impensable para aquel muchacho al que su médico no le daba más de dieciséis años de vida. El 20 de diciembre de 1973, y cumplidos los 37, fallecía uno de los más grandes talentos que han dado los micrófonos de Norteamérica.


´ No cabe duda de que el dúo conformado por Peter Asher y Gordon Waller tuvo suerte en su breve carrera como miembros destacados de la llamada Brish Invasion. Haciendo honor al dicho aquel de “estar en el lugar apropiado en el momento justo”, lograron colocar su “World Without Love” en el número 1 de las listas estadounidenses en junio de 1964. Sin embargo, no era ninguna casualidad que este tema de Lennon y McCartney que The Beatles nunca llegarían a grabar acabara en las afortunadas manos de esta especie de equivalente británico de Simon & Garfunkel, dado que Peter era el hermano mayor de Jane Asher, la entonces novia del bajista de los Fab Four. Poco después del pelotazo de dicho single, la pareja marchaba hacia el estudio para registrar el que sería su segundo LP, este In Touch With Peter & Gordon. por Andrés Puente

PETER AND GORDON In Touch With Peter & Gordon (Columbia, 1964)

Para abrir boca se decidían con su par!cular versión de “Freight Train”, la canción que la guitarrista negra Elizabeth Co"en (nacida en la úl!ma década del siglo XIX) había compuesto con tan sólo 12 años y que había llevado al número 1 del Reino Unido en los 50. En sus manos, “Freight Train” se convierte en toda una joya de la sen!mentalidad folk que bien habrían deseado tener en sus manos The Byrds. Los sonidos del terruño estadounidense serían certeramente tributados a lo largo del álbum, tanto desde la ver!ente folk (“Barbara Allen”, “Willow Garden”) como poniendo la lupa sobre la crudeza del blues pasada por el tamiz inconfundible de la Bri!sh Invasion, siendo este el caso de temas como “A Mess Of Blues” y “My

Babe”. “I Don’t Want To See You Again”, un nuevo regalo de Lennon y McCartney, era otro de los platos fuertes del disco, aunque “I Don’t Care What They Say”, uno de los tres temas propios del dúo incluidos en el LP, no le iba a la zaga en cuanto a calidad, haciendo plausible una vez más la comparación con los todavía inexistentes The Byrds. De hecho, se cuenta que Gene Clark sugirió a Jim McGuinn tomar como referente a Peter & Gordon a la hora de dar forma al grupo que haría enormes temas como “Mr. Tambourine Man” o “Turn! Turn! Turn!”.

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Queremos presentaros nuestro primer trabajo Black Moon como un CD de rock con mayúsculas donde podrás encontrar grandes canciones que te recordaran a un hard rock potente pero al mismo !empo clásico, con grandes influencias de todas esas bandas de rock de los 80 como Whitesnake o Rainbow que tanto nos han marcado. Ritmos ver!ginosos, guitarras matadoras y coros y voces muy cuidadas, con producción, sonido y colaboraciones de lujo.

mensaje de lucha para intentar vencerlos.

01. Vencer Tu Miedo Abre nuestro CD con una intro muy Blackmore; cuando entra la banda al completo, lo hace con un ritmo trepidante y unos coros que desde el primer

02. Black Moon Da nombre a nuestro proyecto, una canción muy Rainbow de la etapa Dio. Muchos nos preguntan la razón de su estribillo en inglés, y eso mismo la hace tan diferente como atracva para todos aquellos que amamos esta canción. Invitado de excepción comparendo solo conmigo y recordándonos a todos el porqué de que mister John Norum sea uno de los guitarristas de rock mas completos y respetados por todos. Estribillo brillante y melodía de voz genial de nuestro querido Javier González, que cantarás sin parar todo el día. Eres único, nadie ni nada puede congo, de eso trata este tema.

momento invitan al público a cantar con una melodía que hace de este tema un himno más que una mera canción. Un estribillo que se mete en tu cabeza y un solo en la mejor onda Malmsteen son la guinda que faltaba para hacer de este tema uno de nuestros favoritos. La canción habla de los miedos, de los obstáculos, tanto si son impuestos por otra persona como si resultan autoinfligidos, ene un

03. El Final Irónicamente fue el primer tema en que trabajamos conjuntamente Javier y yo. Tenía lista la música, sabía que era muy especial, pero necesitaba esa melodía que hiciera de algo bueno un hit eterno, y te aseguro que eso pasó cuando grabamos la demo en mis estudios. Tema con melodía de guitarra muy protagonista sonando a unos Rainbow en plena for-

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L A F´ I R M A I N V I T A D A ma. Me gusta mucho el maz en la bajada que hay cuando entra la primera parte del solo de guitarra y cuando vuelve el ritmo en la segunda parte donde Ritchie Blackmore me posee. El estribillo es fantásco y la parte de coros lo arropa increíblemente. Quizás nuestro tema favorito y también el de muchos de vosotros. Este tema trata de la lucha de nuestra generación por salir hacia adelante, como de esta crisis, y hace alegoría a nuestros ancestros que lucharon por nuestros derechos. 04. Sólo Por Ti Otro tema con ritmo verginoso y un trabajo sensacional de batería a cargo de Tini Fernández, con partes de doble bombo en los estribillos que le dan mucha vida a la canción. Está muy inspirado en la mejor etapa Rainbow con Turner, estrofa súper pegadiza y un estribillo sensacional. El solo es otro de mis favoritos y la parte central haciendo melodía con el teclado de Rafa Peña es clave junto con los coros que aparecen a su lado. Las relaciones, egos, ya sean personales o entre pueblos, de intentar siempre quedar uno por

encima del otro... sólo por . 05. El Juego Uno de los temas favoritos de todos los fans, melodías de guitarras que dan paso a una estrofa con un bajo machacón de Charly Rivera que te hace mover sin parar. Estribillo muy cuidado con unos coros presentes que se meten en tu cabeza y un invitado 59


Patrick Rondat

excepcional para comparr solo a mi lado: Patrick Rondat. Un tema que no debes dejar de oír. Trata sobre la traición y del juego de la hipocresía. 06. Despiértame Temazo potente con riff de guitarras pletóricas de armónicos. Un tema pensando mucho en nuestro querido maestro Dio, de hecho a punto estuvo de colaborar en él Vivian Campbell. La estrofa es genial pero el estribillo es aún mejor, una voz magistral de Javier y unos coros que llenan todo a la espera del solo de guitarra, con parada incluida que da aun más dramasmo y ambiente cuando entra. Es una canción que habla sobre las catástrofes creadas por las guerras, como en una pesadilla. 07. En Tu Piel Si enes que poner una de las canciones de nuestro trabajo para despertarte, quizás sea esta la más apropiada. No hay tregua entre las guitarras que entran y una batería que te lleva al desenfreno total hasta el final. Bruce Kulick se diviró de lo lindo colaborando en él, y a nosotros nos confirma el porqué ha sido uno de los mejores hachas de Kiss. Habla sobre la tentación, como si un canto de sirena nos llamase para caer en su red. 08. Frágil Cristal Otro de los temas con ritmazo y riff de guitarras súper potente. Un tema muy apropiado para contar con la colaboración de dos grandes del rock: Fabio Lione en la versión en inglés y Roland Grapow, haciendo un solo espectacular, muy en su línea de Masterplan y Helloween. La voz de Javier a la altura de las circunstancias y un final épico con mi guitarra 60

junto a la de Roland con doble bombo, como debe ser. La canción trata sobre las menores que sufren auténcas barbaridades en muchos países, que son obligadas a casarse con apenas ocho o diez años. 09. Por Ti Volaré Homenaje tremendo a Whitesnake con un ritmo que te hace mover y pensar que estás en Hollywood Boulevard tomando unas cervezas y viendo chicas contornearse en una barra de stripper. Tema apropiado para hacer un clip en esta onda y lujazo el haber contado con la guitarra de Carlos Marín. Un gran trabajo de coros hace que sea otro de los grandes temas del disco. El buscar la inspiración para crear donde esa musa toca con su barita para hacer arte, es lo que cuenta este tema. 10. Buscando La Luz Intentamos darle ese ambiente de directo que el tema nos pedía. Es todo energía, así que la mejor forma de plasmarlo era grabar casi todo en directo en el estudio y luego poner la ambientación del público. Una letra magnifica de Javi y un gran estribillo, junto al riff que lleva y las paradas centrales, le dan un sabor Blackmore a la escena que convierte a este décimo tema del álbum en un tema diez. Habla de las dos caras de la humanidad, capaces de hacer las mayores maravillas y los más dantescos horrores.


L A F´ I R M A I N V I T A D A

Joe Lynn Turner

11. Get Over It Forever La forma en la que entra el tema ya lo dice todo, trabajo magistral de voces de Göran Edman en uno de los temas que era ya nuestro favorito. Göran hizo que fuera elegido single y primer tema como carta de presentación de nuestro trabajo. Bombazo. 12. The End Tardó en dar el sí para su colaboración, pero cuando el señor Joe Lynn Turner escuchó la canción no dudó en hacer uno de los mejores trabajos de su carrera. Es uno de los temas clave en este trabajo y que nos ha abierto muchas puertas para que todo el mundo conozca y quiera saber todo de Black Moon. 13. Fragile Crystal Versión en ingles de “Frágil Cristal” con la voz en este caso de Fabio Lione. Una voz más que apropiada para esta versión tan potente, que junto a la par!cipación de Roland Grapow hace que más que energía sea pura dinamita. 14. Arabes!a Uno de los temas que sería parte del disco instrumental que iba a ser todo esto antes de decidir que fuera un trabajo con voz. Unas guitarras súper potentes con algún que otro toque arabesco, un estribillo musical casi celes!al y una parada central

compar!endo solo de guitarra junto a Kiko Loureiro, hace que este tema cobre vida en el universo guitarrero. La colaboración de Kiko se hizo esperar por su entrada en Megadeth, pero valió la pena la espera para disfrutar para siempre de su increíble solo de guitarra; y lo mejor de todo es tocar a su lado. 15- The End Versión acús!ca del tema que interpela Joe. Fue algo inesperado, en una noche de insomnio pensando en esta canción, me levanté y fui a mi estudio, quité todos los instrumentos de la grabación de The End dejando sólo la voz de Joe y grabe guitarras acús!cas y algunos violines con un poco de pandereta muy su!l. Cuando escuché el resultado supe que debía de incluirla en el álbum. Me alegro de haberlo hecho. por Paco Ventura 61


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