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THE RAMBLAS revista bimestral para gente curiosa y diferente

nÂş 02/abril/2011

diseĂąo arte literatura entrevistas moda ilustraciĂłn


www.acebuch.com


ARTESANÍA Y GICLÉE PRINT

El taller de reproducción de Acebuch.com es un laboratorio de diseño de imágenes para murales pensados en la decoración como estética de un arte que ha perdurado desde hace milenios. Nunca desde la revolución islámica la decoración obtuvo grados de belleza tan altos al utilizar un módulo repetitivo que generase de por si un placer semejante a la música por su abstracción, sentido del ritmo, de las escala cromáticas y de las melodías equivalentes al mundo visual. Tendríamos que esperar a que Kandinsky redescubriera la abstracción para los obtusos occidentales para comprender los valores intrínsecos a la estética decorativa como una posibilidad de trascender el significado icónico de las imágenes. El taller de Acebuch es un laboratorio donde se preparan imágenes pintadas a mano, serigrafiadas por el procedimiento directo o bien una mezcla de ambas, con el fin de hacer una fotografía que sirva posteriormente para hacer una reproducción de alta calidad en Giclée Print o reproducción sobre tela. Estos trabajos son siempre modulares lo que permite su ensamblaje para conseguir unidades mayores cuyo efecto inmediato es la amplificación de los ritmos y la ocupación de superficies mayores.


HoodBikes modelo Barcelona Cream

snºumario 2/abril 2011

5 Cubiertas 8 RA. Realidad aumentada 11 Sexy Dolls 13 Elogio de la pereza. El manifiesto definitivo contra la enfermedad del trabajo 14 La pulga y el profesor 17 Bienvenidos a Belleville 18 Hemoficción 23 Miguel A. Salvó. El arte y la trampa 26 Marillion 28 San Vicente y las Granadinas 32 Cosmovisión y expresión de la creatividad en el Arte 34 Anna Blau Atelier 36 Los collares de Ryta 41 El humor de Kap

Foto de cubierta: Marxela Etchichury, compañía de teatro Hemoficción (pág 18). Edita: The Ramblas Project Dirección de Arte: Roger Castillejo {www.castillejo.eu} Redacción: Araceli Martí e-mail: editor@theramblas.com / e-mail redacción: redaccion@theramblas.com Tel.: 668829610 / www.theramblas.com Colaboradores: Kap (Jaume Capdevila), Valentina Vives, Antares, Andrés Dengra, Compañía de teatro Hemoficción, Anna Blau Atelier, Rosario Salom, Los collares de Ryta, Indira Gutiérrez Samuels, Javier Águila, Jack el Dissenyador {jackeldissenyador.blogspot.com}, Suset Sánchez, Miguel A. Salvó. Francesc Puig. Patrocinadores: Acebuch {www.acebuch.com}, El tarot de Noemí {www.tarotdenoemi.com} Hood Bikes {www.hoodbikes.es}, R170ART {www.r170art.com}, Crossroads Bar {www.crossroads.es} The Ramblas cree en la libertad de opinión, y en la responsabilidad de quienes la ejercen, y no necesariamente tiene que estar de acuerdo con las mismas. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de la revista por cualquier medio, mecánico o electrónico sin la autorización previa del editor. {4} www.THERAMBLAS.com


Cubiertas ΑΑAntares

En el diseño editorial, la cubierta ha devenido una de las partes mas importantes del libro. Podríamos definirla como la puerta principal de acceso, el reclamo visual del libro. Los editores dedican especial atención a las cubiertas, pueden definir al libro como producto, diferenciarlo del resto, llamando la atención en las estanterías, compitiendo con otras portadas. La configuración y diseño de ambas cubiertas debe estar en concordancia con el contenido del libro, y su lenguaje visual tiene todos o casi todos los elementos de un cartel publicitario. Una cubierta es un pequeño cartel que se anuncia a si mismo, ya que el libro sigue las mismas estrategias de venta que cualquier otro producto en una tienda, un comercio, una librería o un supermercado. La cubierta frontal incluye normalmente el título de la obra, el nombre del autor, el logo de la editorial y la colección, así como también fotografías imágenes o ilustraciones. Debe llamar la atención, ser visible, seducir y transmitir la información básica del libro para persuadir al potencial comprador.

en esta página cubiertas de Daniel Gil. http://danielgil.org/

diseño editorial

Las portadas o cubiertas de los libros surgieron por una necesidad, ya que la primera hoja estaba mas expuesta a mancharse o empolvarse. Para evitar este inconveniente, y que el comienzo del texto apareciese inmaculado, algunos tipógrafos concibieron la idea de comenzar la impresión en el reverso de esa primera hoja, dejando la primera hoja en blanco. El siguiente paso consistió en imprimir el título que permitiera identificar mas fácilmente la obra. De este modo a partir de 1475-1480, hizo su aparición la portada.


La riqueza del diseño de las cubiertas hace que puedan convertirse en objetos, estar fragmentadas, ser ambiguas, tipografías, completamente abstractas o minimalistas... repetir con imágenes lo que se lee en el título. Pueden ser simbólicas, metafóricas y conceptuales.

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http://bookcoverarchive.com http://thepenguinblog.typepad.com http://www.flickr.com/groups/paperbacks/pool http://bookdesigners.com http://nytimesbooks.blogspot.com http://drzeus.best.vwh.net/wotw


horizontes

RA Realidad Aumentada

ΑΑAntares

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La realidad aumentada (RA) es un concepto que se viene utilizando desde hace mucho tiempo para definir la integración de la realidad física con contenidos virtuales adicionales que generan una realidad mixta, enriquecida y ampliada en tiempo real. El término lo acuñó Tom Caudell en el año 1992. Con el auge de los smartphones, la realidad aumentada está cada día más

cerca de todos ya que dichos dispositivos combinan los elementos fundamentales para su funcionamiento: cámara, brújula, acelerómetro y GPS. Aunque para ello se deben instalar, en los dispositivos, las aplicaciones que permitan su funcionamiento. Disfrutar de la RA es tan sencillo como abrir la cámara y apuntar al aire para ver los iconos de los establecimientos, puntos de interés, sonidos o imágenes sobre la imagen real. La geolocalización permite saber en qué punto exacto nos encontramos y hacia donde está apuntando la cámara, siendo ésta capaz de reconocer edificios, logos, carteles o cualquier punto de interés que se le asigne.

Hasta ahora, las principales aplicaciones se desarrollaron en el area de los videojuegos, pero su empleo en la actualidad va desde las clásicas guías de la ciudad, hasta el uso como medio publicitario, ya que según los publicistas, su nivel de interacción permite que se recuerde mejor a una marca.

El único problema es si estamos dispuestos a ir todo el rato por la calle mirando la pantalla del móvil, perdiendo los pequeños detalles de la vida real a costa de estar más informados.


ŠFotos: www.orient-doll.com

horizontes

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La clásica muñeca hinchable ha quedado definitivamente para las bromas y las despedidas de solteros(as). Las nuevas muñecas de silicona realistas se estan imponiendo. Se pueden comprar y configurar a medida por internet. En Tokio estan apareciendo locales donde se pueden alquilar por intervalos de tiempo desde 70 minutos a 24 horas. Se pueden hacer muchas cosas con las muñecas. Hay clientes que vienen equipados con ropas para vestirlas, hay quien prefiere tomar fotos. Otros las llevan a casa los fines de semana. Las muñecas tienen nombres como Alice, Mayu, etc. El precio de venta aproximado es de 6.000 eu. (según la configuración y los accesorios) lo que hace sea más económico alquilarlas, evitando los clásicos problemas de almacenamiento y mantenimiento.

Sexy Dolls ΑΑAntares


Se sabe que Charles Bukowski y Robert Crumb, cronistas complementarios de la vida y las pesadillas en los pliegues más incómodos de su sociedad, se vieron una sola vez, y que se profesaban admiración y respeto. «Para mí —opinó Crumb sobre Bukowski— dice las cosas como hay que decirlas. Creo que para ser artista o escritor en el mundo moderno hace falta una fuerte dosis de alienación. Si eres muy equilibrado, no tienes nada interesante que decir.» «En la gente que él dibuja — dijo Bukowski sobre Crumb— hay energía y resplandor. Una de las personas más verdaderas que he conocido. Sería para mí un mágico honor que ilustrara algunos de mis ruinosos personajes.» Entre 1975 y 1984, Robert Crumb ilustró los tres notables

Una historia de más de tres en la que se evidencia la complejidad del vivir, tratando de acariciar lo que desde tiempos socráticos se conceptualiza hoy como felicidad. ¿Qué es? ¿Es posible lograrla? La maduración biológica es obligatoria, el crecimiento personal es una elección. El cómo se integran las experiencias vividas, el cómo redefinimos nuestra historia a partir de ellas, algo que parece ser inherente en todo ser humano, va a permitir, o no, seguir caminando hacia ese horizonte. LA OPORTUNIDAD DE DAN Javier Águila Morales 160 páginas ISBN: 978-84-7948-110-0

relatos que componen este libro: «Tráeme tu amor», «No funciona el negocio» y «Bop, bop, contra aquel telón», historias de perdedores obsesionados por la precariedad laboral, el alcohol y el sexo, a quienes la realidad controla para que no puedan salir de donde están. «Ningun escritor norteamericano contemporáneo ha descalificado el sueño americano con tanta perseverancia como Charles Bukowski.» San Francisco Chronicle «Me odio por lo menos tanto como odio a los demás.» Robert Crumb TRÁEME TU AMOR Charles Bukowski Robert Crumb (ilustrador) Libros del Zorro Rojo 60 páginas, Cartoné con sobrecubiertas ISBN: 978-84-92412-83-9

Los hijos del Chino es una extraña historia de amor en la Barcelona de los años 70, que conmueve y atrapa de principio a fin. Alrededor de sus dos personajes protagonistas, Jose y Nía, asistiremos a las andanzas de una heterogénea fauna humana de chaperos, prostitutas, drogadictos y otros parias, que recorren las calles del barrio Chino y nos reviven momentos de la Barcelona underground, un espacio que visto hoy deviene mítico. Los hijos del Chino descubre una parcela de la realidad que, si bien la verdad oficial trata de esconder, no difiere del momento presente. LOS HIJOS DEL CHINO Juan Martínez 192 páginas ISBN: 978-84-7948-097-4

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Elogio de la pereza

libros

El manifiesto definitivo contra la enfermedad del trabajo de Tom Hodgkinson

Si eres de los que cada día dan un manotazo al despertador y se dan la vuelta para seguir durmiendo tan ricamente...¡Este es tu libro! ΑΑValentina Vives

Para entrar en materia quiero empezar definiendo la palabra clave del título: pereza. Es la negligencia, tedio o descuido a la hora de poner en marcha acciones, movimientos o trabajos. Otros términos para definirla son: gandulería, flojera, haraganería, u holgazanería. Por otra parte, las personas que evitan participar en cualquier tipo de actividad son perezosos o vagos, adjetivo este último de tintes más negativos. Ahora bien, ¿cuáles son las posibles causas que conducen a la pereza? Por un lado tenemos una alimentación deficiente o la aparición de determinadas enfermedades como la fibromialgia, la fatiga crónica, el síndrome de Asperger o la depresión. Por otro lado, en el entorno laboral, la falta de motivación, la rutina o la ausencia de reconocimiento de los propios talentos por parte de los superiores, puede generar un atrincheramiento en la pereza. Hasta aquí, la visión más o menos consensuada por nuestra sociedad occidental. Hodgkinson, en un arranque de rebelión contra los valores establecidos, le da la vuelta al concepto de pereza como enfermedad o carencia y sitúa el trabajo precisamente como un agente patológico en nuestras vidas. En efecto, la ética puritana del esfuerzo que rige los países anglosajones desde hace siglos, se ha extendido a lo largo de las últimas décadas a otros países cuyas tradiciones respetaban las

ventajas físicas y espirituales de la pereza. Me refiero por ejemplo, a los países mediterráneos donde hasta no hace mucho, se practicaban las siestas, y las sobremesas. El autor reivindica los aspectos positivos de la pereza a partir de fuentes filosóficas, poéticas e históricas, situadas a lo largo de los últimos tres mil años. Cita asimismo, autores orientales y occidentales. Entre éstos últimos tenemos a Bertrand Russell, Thomas de Quincey o Lord Byron. Los capítulos del libro tienen títulos tan sugestivos como los siguientes: Dormir hasta tarde, La hora del almuerzo ha muerto, La siesta, De pesca y La hora del té. Hodgkinson analiza las estrategias que emplea la ética del trabajo para convertirnos en dóciles consumidores y siervos del sistema capitalista a cambio de nuestro tiempo y “un plato de lentejas”. El libro resulta muy ameno ya que combina las citas literarias con divertidas anécdotas vividas por el autor. Para concluir este artículo quiero señalar que el autor dirige desde 1993 una estupenda revista llamada The idler (El vago) donde desarrolla su filosofía de vida. La web de la revista cuenta con apartados tan divertidos como, The idle pleasures, Idle idols o Crap jobs (Placeres perezosos, Ídolos perezosos o Trabajos cutres). Y por si fuera poco, Hodgkinson ha puesto en marcha una iniciativa llamada The Idler Academy. Su objetivo es organizar talleres donde poner en práctica las bondades de la pereza. Os dejo con una cita que me ha parecido interesante : “Las instituciones tienen miedo de los vagos porque un vago es un pensador y los pensadores no son bien recibidos en la mayoría de los entornos sociales. Los pensadores pueden convertirse en descontentos”. (Extracto de la entrevista con Terence McKenna).


clásico ilustrados

ΑΑHans Christian Andersen

La pulga y el profesor Había un aeronauta que acabó mal: el globo se rompió, el hombre cayó y se hizo pedazos. A su hijo lo había lanzado dos minutos antes en paracaídas, lo que fue una suerte para el muchacho. Resultó ileso y sabía más que suficiente para convertirse en aeronauta, pero no tenía globo ni medios para adquirir uno. Tenía que vivir, de modo que se aplicó al arte: sabía hablar con el estómago. A eso le llaman ser ventrílocuo. Era joven y apuesto, y cuando se dejó bigote y se compró ropa buena, se le podía tomar por el hijo de un conde. Las damas lo encontraban guapo e incluso una doncella quedó tan prendada de su hermosura y su arte que le siguió por ciudades y países lejanos. Allí se hacía llamar profesor, no podía ser menos. Su idea fija era conseguir un globo aerostático e irse por el aire con su mujercita, pero aún no tenía medios suficientes para hacerlo. —¡Ya llegarán! —decía él. —¡Ojalá! —decía ella. —¡Somos jóvenes! Y ahora yo soy profesor. ¡También las migas son pan! Ella le ayudaba fielmente, se sentaba en la puerta a vender entradas para la representación, lo que no resultaba demasiado agradable en invierno. También le ayudaba en uno de los números artísticos. Él colocaba a su mujer en un cajón, un cajón grande. Ella se metía entonces en el doble fondo del cajón, de modo

que no se la veía en la parte delantera. Era como una ilusión óptica. Pero una noche, al abrir el cajón, resultó que tampoco él la pudo encontrar. No estaba en la parte delantera ni en el doble fondo, ni en ningún sitio de la casa, no había forma de encontrarla, no se la oía. Aquel fue el número que hizo ella sola: nunca regresó. Se había hartado y el también se hartó, perdió su buen humor, ya no podía reír ni decir chistes, de modo que la gente dejó de acudir. Las ganancias disminuyeron, las ropas se estropearon, al final no tenía más que una gran pulga macho. Era una herencia de su mujer, por eso la quería tanto. De modo que la disfrazó, le enseñó algunos números, le enseñó a presentar armas y disparar un cañón, aunque pequeñito. El profesor estaba orgulloso de la pulga, que a su vez estaba orgullosa de sí misma, había aprendido cosas y tenía sangre humana y había estado en las mayores ciudades, la habían visto príncipes, y princesas, se había ganado {14} www.THERAMBLAS.com


© Ilustraciones: Araceli Martí

sus ovaciones. Aparecía en anuncios y carteles. Sabía que era una celebridad y que podía alimentar a un profesor, hasta a una familia entera. Estaba orgullosa y era famosa, pero cuando el profesor viajaba, cogían billete de cuarta clase de ferrocarril. Llega igual de rápido que la primera. Se habían hecho una promesa muda de no separarse nunca, de no casarse nunca, la pulga se quedaría soltera y el profesor, viudo. Lo que viene a ser lo mismo. —Donde se ha tenido mucha suerte —dijo el profesor— no hay que ir dos veces. Conocía bien a las personas, lo que también es mucho conocer. Finalmente habían viajado por todos los países excepto por tierras de salvajes, de modo que quería ir a tierras de salvajes. Ciertamente, allí se comen a los cristianos, el profesor lo sabía, pero él no era del todo cristiano y la pulga no era persona, así que pensaba que podían atreverse a ir por allí a ganarse sus buenos dineros.

Viajaron en vapor y en velero. La pulga hizo sus trucos y pudieron viajar gratis y llegar hasta tierras de salvajes. Allí reinaba una princesita. Solo tenía ocho años, pero reinaba. Había recibido el poder de su padre y su madre, porque tenía genio y era de lo más linda y mala. En cuanto la pulga presentó armas y disparó el cañón, la princesa quedó tan prendada de la pulga que dijo:”¡Ella o nadie!” Se puso salvajísima de amor, y eso que antes ya era una auténtica salvaje. —Pero, hijita linda, preciosa, sé sensata —le dijo su padre— Primero, habría que convertirla en persona. —¡Eso déjamelo a mi, viejo! —dijo ella, y no está nada bien que una princesita diga algo así a su padre; pero era una salvaje. Se puso la pulga en la mano. —Ahora eres una persona y reinas conmigo. Pero tendrás que hacer lo que yo quiera, o te mato y me como al profesor.

Al profesor lo pusieron a vivir en una gran sala. Las paredes eran de caña de azúcar; podía chuparlas si quería, pero no era goloso. Le dieron una hamaca para dormir, y era como si estuviera en un globo, lo que siempre había deseado y había sido su idea fija. La pulga se quedó a vivir con la princesa, se sentaba en su manecita y en su delicado cuello. Ella se había quitado un pelo de la cabeza, que el profesor tuvo que atar a una pata de la pulga para que ella la llevara atada a un gran trozo de coral que le colgaba del lóbulo de la oreja. Aquella fue una época estupenda para la princesa, también para la pulga, al menos eso creía la princesa. Pero el profesor no se encontraba a gusto, era un viajero, le gustaba ir de ciudad en ciudad, leer los comentarios de los periódicos sobre su habilidad y su perseverancia al conseguir enseñar a una pulga la conducta humana. Un día si y otro también se los pasaba tumbado en la hamaca adormilado, y comía bien:


huevos frescos de aves, ojos de elefante y muslos de jirafa asados. Los caníbales no viven solo de carne humana, que para ellos es un manjar exquisito. “El solomillo de niño en salsa picante — decía la madre de la princesa— es la mayor exquisitez”. El profesor se aburría y gustosamente se habría ido del país de los salvajes, pero tenía que llevarse a la pulga, era su prodigio y su pan de cada día. ¿Cómo hacerse con ella? No sería tan fácil. Esforzó su mente hasta el límite y dijo: “¡Ya lo tengo!”. —Padre de la princesa, concédame un favor. Puedo introducir a los habitantes de su país en lo que en los mayores países de la tierra se llama “educación”. —¿Y qué puedes enseñarme a mí? —preguntó el padre. —Mi mejor arte —dijo el profesor—. Disparar un cañón y ver temblar todo el mundo, y caer asados al suelo

los más sabrosos pájaros del cielo. Todo eso gracias a una explosión. Pero en todo el país no había otro cañón que el que había traído la pulga, que era demasiado pequeño. —Yo fundiré uno mayor —dijo el profesor—. Basta con que me dé los medios para hacerlo. Necesito fina tela de seda, hilo y aguja, cuerdas y cables, junto con gotas de aceite de alcanfor para los gases: te hacen sentir mucho mejor y te calman. Los gases causan el estampido del vientre del cañón. Le dieron todo cuanto pidió. Todo el país se congregó para ver el gran cañón. El profesor no los convocó hasta que tuvo el globo completamente terminado y listo para inflarlo y subir. La pulga estaba sobre la mano de la princesa, mirando. Llenaron el globo que se abombó y apenas se estaba quieto, de lo salvaje que era. —Tengo que hacerlo subir para que se enfríe— dijo el profesor, y se metió en el cesto que colgaba de él—.Yo solo

no puedo dirigirlo. Necesito un buen compañero para ayudarme. No tengo aquí a nadie más que a la pulga. —No me gusta nada —dijo la princesa, pero le entregó la pulga al profesor, que se la puso en la mano. —¡Soltad cuerdas y cables! — dijo—. ¡Allá va el globo! Y el globo subió más y más, por encima de las nubes, y se alejó del país de los salvajes. La princesita, su padre y su madre, todo el pueblo estaba allí esperando. Siguen esperando y, si no lo crees, vete al país de los salvajes, allí todos los niños hablan de la pulga y del profesor. Creen que volverán cuando el cañón se enfríe, pero no volverán, están en nuestro país, están en su patria, viajan en ferrocarril, en primera clase y no en cuarta. Tienen buenas ganancias y un gran globo. Nadie pregunta cómo consiguieron el globo ni de dónde lo sacaron. La pulga y el profesor son muy queridos, apreciados. {16} www.THERAMBLAS.com


cine

Bienvenidos a Belleville de Sylvain Chomet (2003) ΑΑRosario Salom

Sinopsis: Champion es un niño solitario que vive con su abuela Madame Souza. La abuela descubre la pasión de su nieto por el ciclismo y decide dedicar los próximos años a entrenarle concienzudamente. Champion participa en la carrera ciclista más famosa del mundo, el Tour de Francia. Durante una de las etapas, dos misteriosos hombres vestidos de negro raptan a Champion y a otros dos ciclistas. Madame Souza y su fiel perro Bruno siguen las huellas de Champion a través del océano hasta llegar a la gigantesca ciudad de Belleville. Allí se cruzan por azar con las famosas “Trillizas de Belleville”, tres estrellas del music - hall de los años 30, que acogen a Madame Souza y a Bruno. Las trillizas, la abuela Souza y Bruno localizan a Champion y logran rescatarle tras enfrentarse a la mafia francesa. varios efectos de sonidos ambientales en vez de seguir un texto determinado. Me parece interesante incluir las siguientes palabras del director Sylvain Chomet: “Creo que una animación sin las restricciones de las palabras habladas tiene más fuerza. Si tienes que hacer que todo cuadre con las palabras, todos los movimientos gestuales giran en torno a la boca. Sin ellos eres mucho más libre para crear animación verdadera, para hablar a través de la propia animación.”

Belleville La ciudad de Belleville está llena de referentes arquitectónicos de las ciudades canadienses de Québec y de Montreal. Por ejemplo, la primera imagen de la ciudad en la película, muestra el castillo de Frontenac en Québec. Por otra parte, hay varios elementos que apuntan a la vida cotidiana en las grandes ciudades estadounidenses. Me refiero a la cantidad inmensa de coches y de ciudadanos recorriendo las calles y a la obesidad generalizada de las personas e incluso de las estatuas. Por ejemplo, la famosa estatua de la libertad de Nueva York, es una oronda dama que sostiene un plato con una hamburguesa gigante. Personajes Los personajes protagonistas de la película son: la abuela Madame Souza, su nieto Champion, su perro Bruno y las trillizas de Belleville.

Tal y como ocurre en muchos filmes de animación infantil, los personajes escapan de los rígidos esquemas marcados por la tradición cinematográfica de Hollywood. Es decir, son personajes poco convencionales: las trillizas son tres ancianas excéntricas que siguen actuando después de varias décadas; madame Souza tiene una pierna mucho más corta que la otra, y Bruno es un perro obsesionado con los trenes que ve pasar continuamente frente a su ventana. Champion, por su parte, es un niño solitario y poco agraciado físicamente. Por supuesto, los personajes muestran otros valores, como la amistad, la perseverancia y una creatividad desbordante que les permite enfrentarse con éxito a los miembros más peligrosos de la mafia francesa. Una película sin diálogos A mi modo de ver, uno de los aspectos más sorprendentes de la película es la ausencia de diálogos. En efecto, se usa la música y

Los efectos digitales En el plano técnico, la película combina la animación tradicional, con las técnicas de animación digital en 2D y 3D. Por ejemplo, en las escenas situadas en carrera del Tour de Francia, tanto las bicicletas como los ciclistas están animados en 3D. En cambio, la multitud de aficionados que apoya a los corredores fue animada usando las técnicas tradicionales. Curiosidades El proyecto de Bienvenidos a Belleville, tardó cinco años en desarrollarse. Todos los sonidos caseros (actuaciones de las trillizas, etc.) son originarios de la vida real. Es decir, no se utilizaron medios electrónicos para crearlos. Bienvenidos a Belleville fue presentada en la selección oficial del 56º Festival de Cannes, treinta años después de que lo fuese la última película de animación francesa La planète sauvage en 1973.


Hemoficción ΑΑValentina Vives

entrevista

Juan Trigos, narrador y dramaturgo mexicano nacido en 1941 es el creador de la corriente estética y literaria denominada hemoficción. Según Trigos, la hemoficción se opone a cualquier clase de etiqueta simplificadora del alma humana, y es además literatura seria pero muy divertida. Entre las obras de hemoficción publicadas por Juan Trigos tenemos: Déjame que te mate para ver si te extraño, Mis dos cabezas piensan peor que una, La diabólica santa de las tijeras o Cabeza de perro con orejas de conejo

La hemoficción es un movimiento dinámico y en continuo crecimiento gracias al intenso trabajo de Lorenzo Mijares, director, actor y promotor cultural mexicano. Lorenzo vive en Barcelona desde hace varios años y decidió dedicar su vida a la hemoficción ya que en sus propias palabras. “es lo único que ha calmado mis inquietudes humanas y artísticas.” Lorenzo dirige la compañía de Teatro de Hemoficción, una compañía de repertorio que tiene en su haber cientos de representaciones de varias obras de Trigos en multitud de espacios escénicos, tanto convencionales como alternativos. Marxela Etchichury contacta con Lorenzo Mijares cuatro años atrás y se involucra inmediatamente en este proyecto cultural. Marxela, quien siempre se había interesado por los movimientos artísticos de vanguardia del s.XX y el teatro del absurdo, encuentra en la hemoficción un canal para manifestar sus necesidades humanas y dar con respuestas. Marxela se forma en hemoficción a partir de los talleres impartidos por Lorenzo. A día de hoy, ya es actriz y directora de montajes teatrales de hemoficción y está preparando La señora del rostro rasurado, una obra que denuncia la violencia machista. Según Marxela, “aunque la hemoficción habla de la sociedad, la familia o la religión, no es un movimiento artístico social sino cultural.” Los Talleres de Formación de actor, director y promotor cultural, transmiten una técnica de actuación basada en una metodología específica de la hemoficción. Teniendo en cuenta que se trata de un movimiento cultural vanguardista, es evidente que se rompen las pautas convencionales de {18} www.THERAMBLAS.com


Mijares dice: “Hoy las escuelas de formación actoral enseñan construcción de personajes. Yo gracias a la Hemoficción he entendido que es al revés. Me he podido construir a mi mismo gracias a los personajes. No es al revés. Ellos son, ellos existen, ellos están. Soy yo el extraviado que les necesita y no al contrario. Por ello los métodos de “construcción de personaje” en esta vanguardia no sirven. Parten de principios contrarios. Yo he tenido que comenzar reconociendo que ni a mi mismo me conocía, ¿con qué soberbia o estulticia iba yo a sentirme capaz de conocer a otro sin saber quién soy yo?”

© Fotos: Hemoficción

la dramaturgia. Por otra parte, dicha metodología puede enriquecer tanto a los actores formados en otras disciplinas como a aquellas personas sin experiencia previa.


La hemoficción se extiende a otras manifestaciones artísticas. Por ejemplo, la música, la pintura, la fotografía y el cine. En efecto, Juan Trigos R, (hijo del dramaturgo) compositor y director de orquesta aporta su talento musical en varias obras de hemoficción. Entre ellas, la Ópera Mis dos Cabezas piensan peor que una representada en Lizinski City Hall de Zagreb, Croacia y en Teatro Juárez en Guanajuato y Palacio de las Bellas Artes en la Ciudad de México en el marco del Festival Internacional Cervantino. La citada Ópera constituye un ejemplo de fusión artística en la que participan el director Lorenzo Mijares, el músico Juan Trigos R y el pintor Luciano Trigos. Otros artistas van sumándose a la hemoficción: el compositor musical Alex Jiménez, la artista plástica Laura Sveva y el director de cine y teatro Alberto Durón.

El trabajo de la compañía es muy rico y acumula a la fecha más de doce puestas en escena de diversos formatos: de monólogos a óperas. Se siguen estrenando títulos en castellano, catalán e italiano y llevando la hemoficción a todo el público. Haciendo además algo único e histórico; funciones completas de Teatro de Hemoficción en parques, plazas y calles de Barcelona y otras ciudades. En 2008 Lorenzo Mijares crea el Festival Internacional Hemoficción con el fin de poder conjugar el trabajo artístico de todos; literatura, música, ópera, pintura, radio, video, cine y teatro y compartirlo en una fiesta anual que llegue cada vez a más público y ciudades del mundo. La cuarta edición que se celebrará en el mes de mayo 2011, tendrá lugar en: Barcelona y Madrid en España, Turín en Italia, Oaxaca y D. F. en México, Bucarest en Rumania y Nueva York, en Estados Unidos. {20} www.THERAMBLAS.com


entrevista


entrevista

En cuanto a los proyectos que van a desarrollarse a lo largo de los próximos meses cabe añadir la publicación de libro TEATRO DE HEMOFICCIÓN (trayectoria) con los últimos doce años en la vida artística de Lorenzo Mijares como pionero de esta vanguardia por iniciativa de NIRAM ART.

La cuarta edición Festival Internacional Hemoficción se celebrará en el mes de mayo 2011

Que sepan cómo es eso de ver a alguien poner todo el ser para contar la historia que vale la pena contar. Me pregunto si vale la pena, y dos ojos me miran desde lejos o un niño queda maravillado, no puede soltarme la mirada. Me pregunto si vale la pena y me respondo que sí. Asalto la calle para abrir nuevas posibilidades: una señora ama de casa, un niño de cinco años, un barrendero de la calle, un estudiante, todos son bienvenidos a mi teatro. Todos se convierten en cómplices. Asaltamos la calle, actriz y espectadores. Drama y risas nerviosas. Dramaturgo y director.”

Quiero terminar este artículo con las siguientes palabras de Marxela: “Cuando escucho las mismas frases que a mí me han hecho llorar o reír, cuando escucho esas frases en medio del aire de un barrio, estoy segura de que vale la pena hacerlo. Asaltar la calle, hacerla escenario, hacerla camerino. Hacer que por una vez, la gente esté cerca del teatro. {22} www.THERAMBLAS.com


El arte y la trampa

ΑΑSuset Sánchez

la pericia del artista quizás alcanza su realización en el instante mismo en que esa duda deja de pertenecerle

artista es un obseso de la historia del arte, un caníbal de los discursos que sobre la misma se han cernido cual criterios normativos, sobre todo de aquellos relacionados con las funciones y los valores de la praxis artística. No por gusto en sus lienzos deambulan incesantemente las apariencias del expresionismo, del realismo socialista, del muralismo mexicano, lenguajes donde el debate en ese sentido se ha tornado una álgida contienda. Mas no nos dejamos engañar por el empaque pictórico de sus obras, los referentes son sólo eso, instancias para la apertura del diálogo con la historia del arte y la historia misma, pero no camisas de fuerza para el despliegue del sentido. De hecho, Salvó parece utilizarlos como máscaras, como un medio para travestir sus propias nociones sobre el arte que contínuamente se debaten entre la opción autónoma y el compromiso social. Residiendo ahí el cisma ético que le imprime el sabor de la duda y de la relatividad a su poética, el tufillo a pacto, concesión y rebeldía. Sus estudios preliminares van recorriendo hitos de la historia occidental, mitos y paradigmas que han dejado una impronta del compromiso social del arte, del devenir utópico de tantos momentos y procesos artísticos e históricos: Ícaro, Eva, Fouché, desvelan trayectos donde el mito y la historia se funden en el diapasón de la transgresión y la subversión, del anhelo utópico de la libertad. Mientras que otros estudios revelan la vocación constante del arte, los estudios de Miguel Ángel Salvó nos acercan a un proceso en el que el creador se ha acercado a la historia para tomar

plástica

Ahora se me antoja lejano el momento en que decidí no confiar más en mi ojos, cuando convencida de las mentiras de la visión comprobé que el conocimiento y la mirada son distantes, aunque por efímeros lapsus de tiempo parezcan rozarse. Últimamente me resisto a la seducción del arte, y mucho más de la pintura, sobre todo de la «buena», esa que te embriaga muchas veces con la grandilocuencia de los colores, la épica narrativa y el opulento trazo. Sin embargo, acongojada —y ambivalentemente complacida­—, algunas veces me descubro en el acto de la traición. En el revés que desordena los valores que me interesan del arte. Y ello ocurre poco, pero es un sentimiento imprescindible cuando repaso una obra como la de Miguel Ángel Salvó. Esos lienzos parecieran conocer mis debilidades, el influjo que sobre muchos ejerce detectar el depurado oficio constructor de imágenes indelebles. Por si fuera poco, Salvó sabe bien como enredarnos en una madeja de referencias que trasciende el prístino espacio de lo visual para adentrarse en los cauces de la reflexión y la teoría sobre el arte mismo. Y es que este


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después distancia de ésta. Los estudios son la antesala del mural donde se combinan las notas disonantes que han creado la sinfonía del arte. Entre tanta nebulosa y fragmento historicista transfigurado en veladuras y pinceladas, en figuraciones expresionistas y potencias de color, emerge la certeza de una poética que encuentra su única verdad en la duda. Y la pericia del artista quizás alcanza su realización en el instante mismo en que esa duda deja de pertenecerle como patrimonio poético para apoderarse de nuestros sentidos. Confieso que ante los lienzos de Salvó siento la vergüenza de una desnudez que se muestra públicamente. Nuevamente he sido burlada por la pasión y el regodeo de la retina: donde creía adivinar el dato preciso, se encuentra un espacio ambiguo en el que vagan referencias históricas que confieso desconocer. Por ello, ante una obra como la de Miguel Ángel Salvó, compleja en sus redes intertextuales, sólo resta abandonarse al desenfreno de la vista, al disfrute de la pintura que avasalla y seduce como un poder, como el poder del arte. Entonces la pintura existe per se, desaparece como lenguaje y referencia , nos muestra que ya no estamos situados —tal vez nunca lo estuvimos— dentro de la historia. Estamos fuera de ella porque no atinamos a reconocerla.


música

Marillion ΑΑAndrés Dengra

En mi opinión, Brave (1994) significó para los años noventa del siglo pasado lo que Dark Side of The Moon de Pink Floyd para los setenta o Tommy de The Who para los sesenta, en concepto, no en popularidad. A principios de los noventa, la música popular, como el pop, rock, etc… no contaba todavía con el gran descubrimiento de la música comprimida en mp3 y su distribución comercial por Internet. Las grandes discográficas aún debían lucrarse con la música que producían los artistas, y aunque no fuera mediante una cláusula contractual, éstos debían hacer que su música tuviera al menos una o dos canciones con las que asaltar las emisoras de radio y los oídos de algunos inocentes. Me refiero a los llamados éxitos o singles, que debían promocionar hasta la saciedad para darles buenos beneficios a sus arcas, que en aquellos momentos estaban rebosantes. Ahora, en cambio, deben reinventarse para llenar dichas arcas. Marillion, de una forma u otra había entrado en esta espiral de presión realizada por las compañías discográficas, y su producción an-

terior, Holidays in Eden (1991), fue un disco orientado tanto a nivel de composición como de producción hacía el pop, o hacia lo que los ingleses llaman mainstream. En efecto, la discográfica podía hacer uso de varias canciones para su promoción, como fue el caso. Pero el grupo al acabar el disco hizo la siguiente reflexión: el próximo trabajo sería completamente diferente al que habían realizado. Lo primero que se plantearon fue que tenía que explicar una historia desde la primera hasta la última canción. Es decir, sería un disco conceptual, lo cual contradecía los planes de cualquier discográfica, ya que el disco se concibe de principio a fin. Una canción editada por separado pierde muchos matices que el conjunto del disco si te da. En la historia de Marillion ya había un ejemplo de este tipo de composición. Misplaced Childhood (1985) era un disco conceptual que les llevó de grupo de culto a la primera línea mediática. Una de las canciones, Kayleigh fue un éxito rotundo que hizo que las ventas del disco fueran millonarias.

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La chispa que dio la salida al concepto del álbum fue una noticia que Steve Hogarth, cantante del grupo, escuchó por la radio en 1988. En la carretera M4, cerca del Severn Bridge, en la zona de Bristol (Reino Unido), la policía había encontrado a una joven deambulando. Cuando quisieron interrogarla, ella se negaba a hablar con nadie. No lograron que hablase ni nadie supo identificarla. Este fue el punto de partida para explicar la vida de esta chica, que es el leitmotiv de Brave. El álbum comienza con Bridge, momento en el que la chica es encontrada. Se crea una atmósfera ambiental que casi te hace oler el agua que pasa por debajo del puente. La vida envuelta de mentiras, como dice la canción Living with the big lie, lleva a la protagonista a pasar por episodios de drogas, que musicalmente se representan de forma magistral en la canción Goodbye to all that. Vivida en las diferentes fases por las que pasa la protagonista al ser obligada por el supuesto novio a inyectarse una dosis de heroína. El sexo tiene una fuerte presencia casi por primera vez en la discografía del grupo. Alone again in the lap of luxury, es una de las canciones destacadas, que la compañía publicó como single, junto a Hollow Man, una canción lenta, y The great scape. Esta última posiblemente sea una de las mejores composiciones del grupo, e incluso me atrevería a decir, que es una de las mejores canciones compuestas en los noventa. Contiene miles de elementos que la convierten en un claro ejemplo del rock progresivo actual. El mensaje de la canción es contundente, la gran huida, lo que lleva a la joven al suicidio tirándose desde el puente donde fue encontrada. Para los amantes del vinilo, si encuentran una copia de este disco, que aun no se ha reeditado en este formato, verán que si cambian el peso de la aguja, la canción acaba de una forma o de otra. Una es la canción en su versión más pesimista: el suicidio que acaba con todo; pero la otra forma da paso a la última canción, Made Again, un medio tiempo exquisito que nos habla de esperanza y de la oportunidad de volver a empezar. El proyecto Brave no solo se quedó en la publicación del disco, sino que lo acompañaban una película y una gira presentando la producción. La película se encargó al director Richard Stanley, conocido por haber realizado

videos para grupos como Fields of the Nephilim. Stanley supo captar la historia y convertirla en una película estética y cargada de dramatismo. El film intercalaba la música con la historia que se iba desarrollando, tal y como ocurría por ejemplo en The Wall de Pink Floyd, donde los protagonistas no hablan sino que es la música la que habla por ellos y acompaña las imágenes. La gira de presentación del disco no fue la típica que se hacía en esos momentos, donde se tocaban algunas canciones del disco junto con otras que repasaban la carrera del grupo. La apuesta fue presentar el disco entero, tocando de la primera a la última canción. Esto Este

El proyecto Brave no solo se quedó en la publicación del disco, sino que lo acompañaban una película y una gira presentando la producción tipo de presentación en directo es bastante común hoy en día, pero en los noventa nadie se atrevía a tocar un disco completo. La puesta en escena se acompañaba de proyecciones y un Steve Hogarth que lo daba todo en cada una de las canciones, cambiando de vestuario, maquillándose, y en definitiva metiéndose en la piel de la protagonista. Poco después, y no sabemos si por influencia o no de este disco y el siguiente Afraid of Sunlight, empezaron a surgir las propuestas de Radiohead en The Bends y OK Computer, donde el grupo cambia hacia una sonoridad y composiciones más progresivas, llenas de capas y matices, que después influenciarían a grupos como Muse.


lugares

SAN VICENTE Y LAS GRANADINAS ΑΑIndira Gutiérrez Samuels

Reconocida en la cadena de las Antillas Menores del mar Caribe por sus iniciales SVG (y pronunciadas según el alfabeto inglés), está situada al norte de Venezuela entre las Islas Santa Lucía y Granada. Tiene un territorio de 389km² y 118, 149 habitantes. Comprende la isla principal San Vicente dividida en cinco parroquias o distritos: Charlotte, St. Andrew, St. David, St. Patrick y St. George donde se encuentra su capital Kingstown y las nueve islas que conforman las Granadinas del norte, las cuales no superan los 350 metros de altitud. Son islas maravillosas en las que se puede encontrar perfecto acomodo (en hoteles, casas o bungalows) para disfrutar de un rato de esparcimiento alejado de la vida bulliciosa de cualquier ciudad. Son todas ellas verdaderos paraísos tropicales. Young Island (la más ancha), Bequia (la de mayor tamaño), Union Island (la más meridional), Mustique (la más exclusiva), Canouan (la de más fantasías), Palm Island (la más paradisíaca ), Mayreau (la más pequeña), Tobago Cays (el paraíso más deshabitado) y Petit St. Vincent (la última de las granadinas). Las islas tienen acceso por vía marítima mediante un servicio de Ferris entre ellas y por vía aérea mediante la aerolínea LIAT además de las líneas aéreas que vuelan a los diferentes aeropuertos: Grenadine Air Alliance la cual incluye SVG Air, Mustique Airways y Trans Island Air. Canouan posee un puerto para jets donde aterrizan vuelos de SVG Air y American Eagle. Los principales aeropuertos de conexión para San Vicente y Las Grana-

dinas son Barbados, Granada, Trinidad, Santa Lucia, Martinica y Puerto Rico. Ya para el 2012 se espera la puesta en funcionamiento de un aeropuerto internacional, que ampliará la conexión con la isla. El clima imperante durante los casi 365 días del año es tropical húmedo con una media de entre 18 y 31°C. (85° F). El constante verano y la calidez de sus aguas invitan a un paseo interminable por sus playas, muchas de ellas de arenas negras. Las islas se encuentran en la trayectoria de los vientos que soplan del este, lo que las convierten en lugares perfectos para la navegación. Los isleños son amistosos dados a la agricultura y disfrutan de las fiestas. La música que se escucha es bien caribeña: Soca, Reggae así como sus {28} www.THERAMBLAS.com


bailes, muy contagiosos y con una cadencia especial. Su idioma es el inglés a pesar de que la población prefiere utilizar un dialecto conocido como Vincy. Sus comidas son exquisitas, les encanta el picante y adoran los tradicionales grandes banquetes a base de Breadfruit (Fruta del Pan) y Bacalao. Las mejores fechas para visitar las islas y disfrutar de sus festejos son cuando celebran El Vincy Mas, los carnavales más coloridos del Caribe en los primeros días del mes de Julio, durante dos semanas, y el 27 de Octubre, fecha en la que celebran su Independencia con grandes manifestaciones desde 1979, tras un referéndum que los convirtió en la última de las Windward Islands (Islas de Barlovento) en conseguir su independencia. SVG cuentan con encantadoras atracciones turísticas donde la mano del creador estuvo presente para convertirlas en verdaderas obras de arte. Tienen un total de cinco afrodisiacas Cataratas, El Volcán Le Soufriére de 3584ft (1234mts) de altura y ubicado en las montañas que llevan su mismo nombre, el Salt Pond en la localidad de Owia, El sendero Natural de Vermont, El jardín Botánico en las afueras de la ciudad, y los hermosos grabados rupestres de Arawack, son lugares que valen la pena visitar. Recorrer una tierra llena de oportunidades como lo es SVG e interactuar en su medio, sin duda alguna ayudará a su crecimiento, diversificación, sostenibilidad y desarrollo.


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c/ Josep Tapiolas, 75. Terrassa. BCN

Días de conciertos: viernes y sábados

Todos los jueves Jam Session

Abierto: lunes, martes, miércoles de 19:00h a 03:00h y jueves, viernes y sábados de 22:00h a 05:00h. Para saber más sobre crossroads: www.myspace.com/crossroadsmusica www.facebook.com/crossroadsmusica.terrassa crossroads@crossroads.es

Fotografías: Jack el diseñador (www.jackeldissenyador.blogspot.com)


Cosmovisión y expresión de la creatividad en el ARTE Parece una certeza, si nos permitimos viajar a lo largo de las culturas y a través de miles de años que en el ser humano existe una necesidad de poder dar una respuesta funcional a las preguntas ¿Quién soy? ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy? ΑΑEl Tarot de Noemí

Y nos aparece como una obviedad, de la que miles de personas han hecho su causa, las distintas formas que hemos usado para preguntarnos y dar respuesta a dichas cuestiones. Éstas han ido reflejando las inquietudes y las habilidades de las que muchas veces de manera inconsciente, somos partícipes. En la historia de cada persona, en algún momento de su desarrollo, aparece esa difícil cuestión a resolver, que obliga a plantearse, a veces evitable por un tiempo y, a veces, negociable en la duda, que nos posiciona delante de lo trascendente de nuestra vida, de nuestra existencia. En múltiples ocasiones se ha apelado a diferentes tipos de credos, o filosofías, para conectar con algo significativo y que dé una solución, probablemente temporal, a ese conflicto que aparece ante las siguientes preguntas: ¿Qué hay de mí? ¿Cuál es mi camino? ¿En qué creo?

el Arte se hace manifiesto como aquello concreto y a la vez sagrado En las diferentes cosmovisiones, es posible observar cómo el ser humano ha puesto de manifiesto su gran capacidad de generar, adhiriéndose o no al credo, obras de arte con gran capacidad de transformación. Su potencialidad

creativa se ha concretado en pintura, escritura, escenificación, piedra, y todo elemento susceptible de expresar aquello en lo que creen, adoran, e incluso temen. El arte, en definitiva, sustentado por la historia y lo posible de la esencia del ser humano en movimiento para generarlo, expresa en ocasiones lo que las personas en algún momento podemos anhelar, desear, amar, reflejar… Nos muestra a veces, aquello que no podemos eludir, su propia finitud. Y, lo cierto, es que este legado, y la importancia de estas cuestiones, como ejemplos significativos de nuestra contemporaneidad, son enormemente visibles en las pirámides de Egipto, en los Tótem Maya, en los templos druidas, en el folclore y práctica yoruba, en la práctica de la meditación oriental… De hecho en múltiples prácticas que posicionan al ser humano como centro de su universo interior creyendo en él mismo, o como un individuo emotivo y racional que siente el deseo de estar vinculado a un sentimiento de unidad mediante un posible sistema de creencia teístas o politeísta. En este sentido, el Arte se hace manifiesto como aquello concreto y a la vez sagrado. En algunas ocasiones, como modo de comunicar con eso otro en lo que se cree. De este modo, la capacidad artística y creadora del ser humano, se ha dirigido en no pocas ocasiones, a honrar lo divino y/o bien ensalzarse a sí mismo como el centro de su credo. {32} www.THERAMBLAS.com


Resulta, en definitiva, común y observable en aquello creativo de toda cosmovisión. Cuando se introdujo la idea de la expresión del arte como modo de comunicarse con aquello en lo que se cree, es inevitable preguntarse por la intención de ese acto, y por los mecanismos que se articulan. Por otra parte, yy respetando todos los posicionamientos, es inevitable cuestionarnos sobre su importancia y repercusión, tanto a nivel individual como social. Como ejemplos que podrían considerarse creaciones en las que el arte de algún modo está presente, y como canales de comunicación con las creencias podríamos hablar del I Ching, como “libro adivinatorio y también un libro moral, a la vez que por su estructura y simbología es un libro filosófico y cosmogónico”* de las runas de origen germano, las danzas pintorescas y provocativas del yorùbá al ritmo de unos tambores sagrados (batá) ofrendadas a sus deidades, e incluso de la plena conciencia en el uso de las artes plásticas en la creación de las tan populares Cartas del Tarot. A estas últimas nos dirigimos por lo particular de dinamizar lo

creativo en un total de 22 arquetipos, figuras, que conforman los Arcanos Mayores y, otras 56 que, usando los prototipos de la baraja de cartas española, conforman los Arcanos Menores. En una lectura, las diferentes posiciones de las cartas permiten al consultante plantearse su situación actual y decidir hacia donde quiere dirigirse. Creamos o no en alguno de ellos o, en ninguno, sin duda alguna parece que toda cosmovisión hace uso del poder de la expresión artística y, el Arte, es al menos, una de las formas creativas que intenta conectar con nuestras máximas, ensalzarlas, hacerlas perdurables en el tiempo… consiguiendo, incluso, trascender nuestra individualidad y propia finitud en la historia que vamos a vivir.

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* http://es.wikipedia.org/wiki/I_Ching

© Ilustraciones: Araceli Martí


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Simultàniament a l’exposició de Josep Aragay també es pot visitar la exposició sobre l’Automòbil “Cent Anys de Passió”. Hi trobareu peces i obres de E. Montaut, el seu emblemàtic cartell de la Copa Vanderbilt de 1904; obres de Rene Vincent. Emblemes i objectes de RACC: l’escut del RACC que va fer en Ramon Casas.


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www elwebnegre com El Web Negre és una publicació de l'Associació Cultural per la promoció de l'Humor i la Sàtira Els 4 Gags


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The Ramblas  

Revista The Ramblas editada por The Ramblas Projects en Catalunya.

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