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www.revistapulsaf13.com NÚMERO 2

ARTISTAS:

Jóse Luis

CANOVAS Y también...

Paco Martos

FOTOGRAFÍA

Introducción a la fotografía submarina


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Número 2 Verano lleno de arte

En el periodo estival nos acompaña el buen tiempo y además disponemos de más horas de luz y de tiempo libre así que , en este número, os ofrecemos algunas propuestas interesantes y algunos consejos para disfrutar este verano. Si tenéis la posibilidad de poder viajar a algún lugar de la costa y sois aficionados a la fotografía encontraréis algunos consejos para practicar el “fotosub” o fotografía submarina, descubrir los misterios del fondo marino y poder retratarlos os resultará una experiencia apasionante. Si, por el contrario, os quedáis en la ciudad o tenéis previsto visitar alguna ciudad extranjera, además de conocer los lugares más emblemáticos, tomaros un poco de tiempo para contemplar el arte urbano o “street art” (grafitis, carteles, murales...) seguro que os sorprendéis con la creatividad de estos artistas de la calle. Un gran ejemplo de ello es el artista conocido como Banksy, sus obras callejeras tienen una asombrosa perspectiva y gran realismo. O si preferís una tarde de sofá jugando con la consola, seguro que os interesará nuestro artículo sobre videojuegos. Y, como no, también podéis encotrar otros artículos interesantes como una breve historia sobre la evolución en el diseño de las chaquetillas de los jockeys, el uso de los colores y diversas curiosidades sobre esta prenda, así como tutoriales, información relativa a las impresoras inalámbricas, el arte del “body paint” y dos entrevistas con dos grandes artistas del diseño y de la fotografía como son el diseñador Paco Martos y el fotógrafo José Luis Cánovas. Disfruten de su tiempo libre y del arte. escrito y maquetado por Elena Pérez Remacha

“Colaborador del mes: Oscar Herrera” “Todas las imágenes que contiene la revista son cedidas gratuítamente sin ningún ánimo de lucro por parte de los artistas y no se podrán reproducir ni descargar total o parcialmente sin el consentimiento de los artistas”

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Editorial

Entrevista con el fotógrafo madrileño Jose Luis Cánovas Pag 05 Artículo sobre

Body Paint Pag 20

Tutorial gif animado con Adobe Photoshop Pag 34

Impresoras inalámbricas

Pag 39

El arte en los Videojuegos Pag 42

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Diseño de las chaquetillas de los jockeys Pag 45

Diseño en los uniformes de los auxiliares de vuelo de Iberia

Pag 50

Entrevista con el fotógrafo y diseñador Paco Martos Pag 55

Fotografía submarina Pag 68

Street Art Pag 71

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C 谩novas J贸se Luis

Fo t 贸 g ra fo M a d r i l e 帽 o


Fotógrafía

Jóse Luis “Cualquier cosa que te enseñe la vida te puede ser muy útil en alguna producción.” Nació en Madrid hace 37 años. Descubre la fotografía, desde muy joven, a través de su hermana que estudiaba fotografía y a la que ayudaba, haciendo los ejercicios que le mandaban para casa. Cada vez se fue aficionando más y tras 10 años por casualidad entró en el mundo laboral de este oficio. “La verdad es algo que nunca me he planteado, desde el principio le llamaba la atención a la gente mis fotografías.”

Jóse Luis Cánovas

¿QUÉ MÁS SABES HACER? En este oficio no basta con ser bueno como fotógrafo. Cada producción es una aventura y siempre se presentan todo tipo de imprevistos con los que no se cuentan y que hay que resolver en el instante y con brevedad. Cualquier cosa que te enseñe la vida te puede ser muy útil en alguna producción. Además hay que estar al día de las tendencias de moda, y tener ciertas nociones del trabajo del resto del equipo, para poder trasnmitir al estilista, maquillador, attrezzista, etc., etc., la estética que quieres en tus fotografías. Fotografía de desnudo.

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s Cánovas Fo t ó g ra fo M a d r i l e ñ o

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Fot贸graf铆a

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“En estos 10 años hemos tenido un cambio importante del paso de la fotografía analógica a la digital......” ¿EN QUÉ TE INSPIRAS A LA HORA DE HACER UN TRABAJO? Utilizo mucho la música y sus vídeos musicales como fuente de inspiración, además de libros de arte, cine etc.

¿LO MÁS CURIOSO QUE TE HAYAN PEDIDO QUE FOTOGRAFIARAS? He tenido unas cuantas curiosas pero la que más me llamó la atención fue una pareja que me llamó para que les hiciese unas fotografías de ellos en estudio realizando actos sexuales, todo el equipo estábamos a cuadros por que lo querían como una editorial de moda.

¿CÓMO TE PARECE A TI QUE HA EVOLUCIONADO EL SECTOR EN LOS ULTIMOS 10 AÑOS? En estos 10 años hemos tenido un cambio importante del paso de la fotografía analógica a la digital. Es un sector en el que hay un desarrollo constantemente y saber adaptarse a estos cambios es esencial para un fotógrafo.

¿TU MEJOR TRABAJO?

No sabría destacar uno en concreto como mi mejor trabajo, tengo muchos que para mí son especiales, bien por ser cosas de prestigio, o que por motivos personales los he disfrutado. Fotografía de Moda

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Fot贸graf铆a

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Fotógrafía

“Actualmente en España el gremio en este sector no e abierto a nuevas ideas y no arriesga en el producto fina ¿TU PEOR TRABAJO? Ufff... Sin duda uno que realicé hace unos años, el cliente no tenía nada claro lo que quería, y cada dos minutos cambiaba de idea, acabamos todo el equipo desquiciados.

¿LA HERRAMIENTA IMPRESCINDIBLE QUE TIENE QUE TENER UN FOTÓGRAFO BAJO TU PUNTO DE VISTA? Pues para mi no se trata de equipos si no de una manera diferente de ver el mundo, evidentemente a parte de nacer con un don artístico hay que educar y potenciar una cultura visual para poder transmitir lo que quieres mostrar en tus fotografías

¿MAC O PC? MAC.

¿POR QUÉ? Empecé con PC y tras cuelgues, virus... Decidí pasarme al mito de los fotógrafos con Mac y tras 10 años desde mi primer Mac solo un susto. Por esta publi deberían pagarme, jajajá El futuro laboral personalmente lo veo en el extranjero. Actualmente en España el gremio en este sector no está evolucionando, es un país que todavía no está abierto a nuevas ideas y no arriesga en el producto final, sigue siendo un país de ideas conservadoras, por lo que se hace imprescindible para un fotógrafo que quiere desarrollar la parte creativa y obtener una evolución laboral, buscar clientes en el mercado extranjero.

¿TIENES QUE AGRADECER A ALGUIEN LO QUE ERES HOY EN DÍA? Sin duda en primer lugar a mi mujer, que en las decisiones importantes y momentos duros es quien me ha aconseja y apoya.

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está evolucionando, es un país que todavía no está al, sigue siendo un país de ideas conservadoras....” Fotografía de Moda

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Fotógrafía

“Es un mundo que requiere de esfuerzos y sacrificios y ahora me encuentro recogiendo la cosecha .....” ¿HAS LLEGADO A COMPATIIBILIZAR TU VIDA HOGAREÑA CON LA LABORAL? Tengo la suerte de que mi mujer trabaja en el mismo mundo, es maquilladora y peluquera y compartimos mucho tiempo en trabajos y viajes, también pasamos temporadas más duras en las que no coincidimos pero los dos amamos lo que hacemos y eso es muy importante para nuestra relación.

¿QUÉ PIENSAS POR LAS MAÑANAS CUANDO VAS A UNA SESIÓN? Al principio me volvía loco estrujándome la cabeza para que todo saliese bien, pero con el tiempo, la experiencia es un gran aliado. Ahora lo disfruto, salgo a correr por las mañanas antes de la producción con mi música y las imágenes me van surgiendo.

EN LO QUE SE REFIERE A TU FOTOGRAFIA, ¿CÓMO TE SIENTES? Es un mundo que requiere de esfuerzos y sacrificios y ahora me encuentro recogiendo la cosecha. Estoy en un momento muy bueno de mi carrera a nivel internacional y me siento muy satisfecho

¿DESMIENTEME UN MITO DE LOS FOTÓGRAFOS DE MODA? Ufff... hay tantos, pero por lo general es como cualquier oficio, según cada persona, te puedes encontrar de todo.

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¿CASADO? Felizmente hace 14 años

¿UN CONSEJO PARA LOS NUEVOS FOTÓGRAFOS DE HOY EN DÍA? Lo que le digo a mis ayudantes, ¡disparad, disparad, disparad...! no os preocupéis por los medios técnicos ni por lo que piensen los demás, fotografiad lo que os guste y hacedlo como queráis, no como la gente quiera que sea, si vosotros no disfrutáis con lo que hacéis, no lo harán quienes vean vuestras fotografías.

¿TIENES QUÉ SER BUENO, O SÓLO UN GOLPE DE SUERTE? Evidentemente hay que ser bueno y estar en continua evolución. Suerte... no creo en esta palabra, pienso que si luchas por algo sin rendirte se consigue.

¿CÓMO ES EL MUNDO DE LA MODA? Para muchos es muy complicado, para mí es un estilo de vida que me mantiene enérgico, me permite conocer gente nueva constantemente y estar en situaciones y a los lugares que, de otra manera, no tendría acceso.

“..... si vosotros no disfrutáis con lo que hacéis, no lo harán quienes vean vuestras fotografías.” Fógrafia de Moda

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Fotógrafía “..... siempre pienso que cuando me jubile del mundo de la moda, seguiré haciendo mis fotos personales para exposiciones .....” ¿QUÉ PARTE DEL MUNDO TE FALTA POR RECORRER? He viajado a muchos lugares del mundo pero de más de la mitad solo podría hablarte de su aeropuerto, hotel y lugar de la producción.

¿CÓMO HAN SIDO TUS ÚLTIMOS SEIS MESES? Agotadores, me paro a pensar todo lo que he hecho y...

APARTE DE LA FOTOGRAFÍA, ¿QUÉ TE GUSTARIA HACER? Sinceramente no me planteo otra cosa, siempre pienso que cuando me jubile del mundo de la moda, seguiré haciendo mis fotos personales para exposiciones, hasta que la vista aguante

¿UNA ANÉCDOTA? Me llamaron para retratar a Aitor Karánca, y como desafortunadamente no soy forofo del fútbol, no tenía ni idea de quien era, y le pregunté a que se dedicaba, situación que le pareció graciosa y contribuyó al buen desarrollo de la sesión.

Fótografia de Belleza

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Fot贸graf铆a

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pulsaF13 Fógrafia de Moda

¿TE SIENTES AFORTUNADO? Mucho, me dedico y vivo de lo que disfruto y para mi eso es esencial.

¿EN QUÉ PUBLICACIONES PODEMOS VERTE? Me podéis encontrar en publicaciones y campañas como Yodona, Glamour, Nikol´s, Elle Portugal, Soho, Tiffi, Jaguar, Yves Rocher, Playboy Alemania, DT Lux, Ocean Drive, Harper´s Bazaar, Maxim, etc.

¿CUÁL ES EL MEJOR EQUIPO DE FOTOGRAFÍA, BAJO TU CRITERIO? Yo sé cuál me funciona bien a mí para lo que quiero desarrollar, mi consejo es que tenga la calidad suficiente para lo que quieres fotografiar y que te sientas a gusto con su manejo, pero a todo el mundo le digo lo mismo, las fotos buenas o malas no las hacen las cámaras.

Artículo por Francisco López.

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Arte

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BODY PAINT USADO EN PHOTOSHOP La convinación perfecta Tras años de progreso en el diseño de la pintura artistica,el

En estos últimos díez años se han logrado grandes

arte de pintar sobre el cuerpo a traspasado barreras,

avances en el retoque fotográfico (photoshop), unido al

y unida junto a las nuevas tecnologias, ha creado una

buen gusto personal del diseñador.

combinación perfecta.Se trata de potenciar las imagenes obtenidas en body paint logrando efectos asombrosos a traves del programa de photoshop.

De manera que podemos potenciar una fotografía hecha con body paint a un nivel muy alto y usarla como instrumento publicitario como ya veremos más adelante. Dar color sobre blanco y negro, brillos, exaltar el color o jugar con los tonos son simplemente pequeños toques, de photoshop que pueden llegar a potenciar la foto, de manera impresionante y diferente. De manera que podemos llegar a crear mucho más que una pintura sobre el cuerpo.

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Arte

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BODY PAINT USADO EN PHOTOSHOP Efectos y técnicas aplicadas a Body Paint

Gracias a photoshop podemos crear efectos con un acabado deslumbrante y técnico. He aqui algunas técnicas superiores de photoshop que hacen de las imagenes de photoshop una obra maestra en todos los sentidos. Es sencillamente un arte clásico unido a las nuevas tecnologías, dejando acabados propios y muy personales a gusto del diseñador.

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Arte

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BODY PAINT EN LA PUBLICIDAD Y LOS LOGOS Impacto publicitario en la sociedad

Debido a su compleja elaboración, los trabajos mas artísticos de maquillaje corporal pueden tardar varias horas de diseño y ejecución, pero sus resultados son increíbles y perfectos para impresionar a un público, por ello el maquillaje corporal se ha utilizado y se utiliza cada vez más para actividades creativas o publicitarias donde se busca el impacto en la audiencia. Actualmente vivimos en una sociedad abierta y tolerante , que ya acepta el desnudo sin pudor .Muchas empresas y marcas de gran consumo usan ya el maquillaje corporal como una clara orientación comercial ya que se convierte en una manera original de publicitarse y llama la atención especialmente en marcas que se dirigen a los jóvenes y que quieren trasmitir una idea de atrevimiento ; incluso es cada vez mas habitual en festividades como shows de pasarela , moda , arte etc. ya que el público que tiene oportunidad de verla no deja nunca de sorprenderse por su originalidad.

Desde Pulsa F13, apostamos por esta técnica vanguardista, capaz de atraer grandes masas. Impactar al público receptor es nuestra meta principal, y creemos firmemente en este tipo de técnica artística e innovadora.Arriesgada pero moderna creemos posible vender,publicitar, y dar vida a un producto en etapa de expansión.Pues claro esta que dependiendo del producto,logo,o marca sera apropiado o no... dependiendo de la imágen que se le quiera dar y el tipo de publicidad que quede con él. Sabemos las limitaciones, y rriesgos pero también las ventajas y ganancias de potenciar un producto, marca, o logotipo. Esta técnica mexcla arte,modernismo y unida a las nuevas tecnologías como el photoshop, podemos llegar a catapultar un producto, marca, o logotipo a lo más alto.

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Arte

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BODY PAINT EN LA PUBLICIDAD Y LOS LOGOS Arte aplicado al Marketing Como ya hemos dicho, Body paint no es solo una forma artística es mucho más.Unida a las nuevas tecnologías se potencia a poder ser utilizada como algo mucho más fuerte.Usar body paint como técnica publicitaria, es una técnica algo agresiva en imágenes que busca impactar y llamar la atención en la sociedad. Aunque es muy nueva, esta técnica ya ha sido utilizada en varias campañas publicitarias como, Ipanema. Ipanema es uno de los mejores ejemplos publicitarios, en la cual recurre al body paint,sumado de retoques fotográficos como el photoshop, para publicitar una conocida marca de sandalias a nivel mundial. Esta técnica unida al buen gusto del arte, da caracter y personalidad a la marca y rompe con la tradicionales formas de lanzar un producto al mercado.De esta manera consigue desmarcarse del resto de marcas de sandalias dandole un estilo elegante, moderno y sin duda alguna innovador, logrando asi diferenciarse del resto.

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Arte

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BODY PAINT EN LA PUBLICIDAD Y LOS LOGOS Arte aplicado a la publicidad Aqui tenémos otros ejemplos publicitarios de body paint, en los cuales podemos ver la fuerza con la que se pretende transmitir la marca, logotipo, o campaña. Aunque esta técnica aún no ha sido explotada en todo su explandor, es evidente lo ingenioso e innovador que puede llegar a ser recurrir a ella.Desde grandes marcas como básicas campañas, puede ser muy creativo, y más aún puede lograr desmarcarse del resto de forma original.

Como revista digital, apostamos por nuevas y creativas tecnologías que puedan potenciar marcas, logotipos, y campañas.Esta es una buena técnica y queremos mostrar todo lo que puede potenciar un producto.Lograr una publicidad diferente gracias al arte es nuestra apuesta

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Arte

Desde Pulse F13 damos énfasis en esta técnica como idea única en el mercado para dar forma a la marca o producto dandole personalidad, creatividad, y diseño. Como revista moderna e innovadora apostamos por el diseño en todo su explandor y apostamos que sería bien recibida en la sociedad actual.

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EL MATERIAL DE BODY PAINT Colores: utilización y significado simbólico Las materias utilizadas para fabricar un color pueden ser de origen vegetal, mineral o animal; carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas, etc. Los pigmentos universalmente más apreciados son el rojo, el negro, el blanco, y el ocre. Los colores más utilizados por los Amerindios son: El rojo muy vivo, extracto del Urucù (Roucou (Bixa orellana) ou rocouyer). El negro verdoso, que viene del jugo de jenipapo (fruta del árbol Genipa americana). El blanco de arcilla. El negro, que se obtiene a partir de la pulpa de la fruta genipapo (Genipa americana) o del carbón de madera. [2] El blanco, tomado del polvo de arcilla, se asocia generalmente al luto o a la purificación. El ocre rojo, tomado de la tierra fértil, color de sangre, es símbolo a menudo de energía vital y fecundidad. Por último, el negro, evocador de la noche y el caos primordial, simboliza la nada. El Onges pigmeos de las islas Andamán emplean pigmentos minerales (rojos, amarillos, blancos y negros) mezclados con aceite de tortuga, como símbolo de protección.

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Crear GIF animado con Photoshop


Tutorial

Como crear un gif animado simple con Photoshop La “dificultad” de este tutorial reside en el orden de las capas a la hora de reproducir el gif. Vamos a hacer algo sencillo. Para este tutorial vamos a utilizar 4 capas con círculos de diferentes colores en el centro que cambiarán de un color a otro con una transición.

Imágen 01

2) Para comenzar a hacer la animación vamos al menú “Ventana” y seleccionamos “Animación”. Imágen 02

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pulsaF13 3) Nada mas hacer click nos debería salir una nueva ventana de herramienta como esta.

Imágen 03

4) Para comenzar a hacer el gif nos vamos al botón que está justo debajo de la “X” para cerrar la ventana y se abrirá un menú desplegable.

Imágen 04

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Tutorial 5) Al hacer esto nuestra “ventana de animación” debería de quedar así.

Imágen 05

6) Ya está casi listo. Ahora en la “ventana de animación” seleccionamos las dos primeras capas y pulsamos el botón de “Intercalar cuadros de animación”.

Imágen 06

7) Nos aparecerá una ventana en la que elegiremos en la zona de “Cuadros para añadir” la cantidad de capas que se intercalen entre nuestras seleccionadas. En mi caso he puesto 3.

Imágen 07

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pulsaF13 8) Una vez hecho esto en la ventana de animación nos ocurrirá lo siguiente.

Imágen 08

9) Como podéis observar las capas nuevas que se han creado son transparentes y eso va a afectar a la visual de nuestro gif. Para solucionarlo hacemos los siguiente. Creamos una capa nueva por debajo de todas del color de nuestro fondo, en mi caso negro. Ahora repetimos los paso de la imagen 6 con las capas restantes y ya hemos terminado. Artículo por Victor Castro.

Imágen 09

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Impresoras

inalรกmbricas


Impresoras Imprimir desde tu smartphone

Impresión wireless La libertad de imprimir sin cables Es una tendencia al alza en el campo de las impresoras. Los modelos Wi-Fi te permiten imprimir sin cables desde cualquier ordenador equipado con la tecnología inalámbrica. No es necesario colocar la impresora cerca del ordenador, basta con instalar la impresora en el lugar que elijas y seguir las instrucciones. Si tienes mala conexión Wi-Fi en casa, la solución está en elegir un modelo con puerto Ethernet y conectarlo a tu ADSL (con un cable Ethernet o un adaptador dLAN) el cual proporciona un acceso de alta velocidad a internet a través de las líneas de energía ordinarias, es decir, los enchufes. De esta manera, estará disponible para todos los ordenadores de la casa.

¿Has hecho todas las fotos de las vacaciones con tu smartphone? Con las nuevas impresoras en red, es inútil conectar tu iPhone al ordenador. Descarga la aplicación gratuita de tu impresora y lanza la impresión desde tu teléfono. Este sistema funciona también con todos los smartphones (Android, BlackBerry, Windows Phone, iOS) y tabletas (iPad, tabletas Android).

Añadir capacidades wireless a una impresora puede ser fácil, pero hacer que un dispositivo móvil se comunique con él puede ser más difícil. Dispositivos más nuevos pueden detectar automáticamente una impresora inalámbrica, de la misma manera que detectan una conexión Wi-Fi o un dispositivo inalámbrico cualquiera. Muchos programas de impresión permiten a los usuarios mantener una lista de las impresoras que usan frecuentemente. A la hora de comprar una impresora, buena idea sería adquirir una que sea inalámbrica pero que al mismo tiempo ofrezca la posibilidad de conectarla mediante cables al ordenador. De esta forma, si alguna vez surge algún problema con el bluetooth o el Wi-Fi, no será razón para que el equipo deje de funcionar hasta que se solucione el problema.

Si ya tienes una impresora pero no es Wi-Fi, la solución es conectarla a tu ADSL. Conseguir un dispositivo móvil para comunicarse con una impresora puede ser bastante sencillo. Algunas impresoras tienen ya integradas en su sistema receptores Wifi o bluetooth. Si no lo llevan ya instalado, adaptadores USB pueden añadir este tipo de servicio. Existen servidores de impresión que pueden hacer que otras impresoras sean wireless. Estos servidores de impresión pueden procesar documentos y prepararlos para imprimir para que no lo tengan que hacer los elementos móviles.

Incluso sin ordenador Con el auge de los modelos multifunción, la impresora se utiliza a menudo sin ordenador. Los lectores de tarjeta de memoria o incluso el puerto Pictbridge permiten imprimir fotos desde una tarjeta de memoria o directamente desde una cámara de fotos. La última evolución hasta la fecha son algunos modelos que se conectan a internet y te permiten navegar o acceder a tu correo electrónico. Es práctico para imprimir un documento o un e-mail, incluso un itinerario (vía Google Maps) sin encender el ordenador.

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Para las personas que viajan mucho, una impresora móvil puede ser una buena opción que estar buscando impresoras disponibles. Son compactas, ligeras y pueden operar con baterías y tener funciones Wi-Fi. Muchas de estas impresoras móviles incluso caben en el bolsillo o en una pequeña bolsa de mano (como novedad interesante baste mencionar las impresoras con tecnología Zink, es decir, imprimen sin usar tinta y eso las hace tan compactas). Si estás considerando comprar una impresora móvil, asegúrate de comparar las capacidades de impresión entre las distintas marcas y que se ajusten a lo que quieres y necesitas. Si normalmente imprimes fotos, hay impresoras más adecuadas para ello, y que pueden leer directamente de la cámara digital o una tarjeta de memoria. Verifica que esta impresora es compatible con el dispositivo y el software que quieres usar.

Impresora portátil con tecnología Zink


pulsaF13 Ventajas e inconvenientes de una impresora Wi-Fi

En cuanto a su instalación en el ordenador como impresora Wi-Fi, se instala como cualquier impresora de red, y los pasos a seguir deben estar debidamente documentados en la guía de instalación que proporcione el fabricante.

La gran ventaja de una conexión de red Wi-Fi es que, al no depender de un cable que una el elemento en cuestión de forma física a la fuente de la señal (ya sea un router, access Point o un ordenador con conexión Wi-Fi) ofrece una extraordinaria movilidad y libertad a la hora de su ubicación. Los inconvenientes son más que nada temas de seguridad, ya que por el hecho de no estar conectados físicamente pueden permitir accesos no deseados, aunque esto es evitable gracias a las configuraciones y encriptaciones de seguridad, tanto WEP como WPA.

Conclusión

La encriptación WEP (Wired Equivalent Privacy o Privacidad Equivalente a Cableado) es un tipo de cifrado que se encarga de cifrar la información que vamos a transmitir entre dos puntos de forma que solo es posible tener acceso a ellos e interpretarlos a aquellos puntos que tengan la misma clave. La encriptación WPA, tiene la misma finalidad pero actúa de diferente forma y es bastante más segura. El mayor inconveniente es que no son muchos los dispositivos Wifi que la soportan. Este tipo de impresoras no solo traen conexión Wi-Fi, sino que tienen también conexión USB y, dependiendo de la marca y modelo, conexión Ethernet o de otro tipo.

Las impresoras con conexión Wi-Fi son un muy buen invento, que nos permite compartir una impresora en la red o instalarla en nuestro ordenador sin necesidad de los siempre molestos cables. Son ideales para impresoras compartidas o uso en ordenadores portátiles y útiles para todo tipo de ordenadores, ya que para su instalación no hay que depender de un cable que la conecte al ordenador o a la red, simplemente necesitamos tener cerca una toma de corriente eléctrica y disponer de un adaptador de red Wi-Fi en nuestra red o equipo.

El sobreprecio que supone la compra de una impresora de este tipo se puede ver compensado simplemente por la facilidad de ubicarla en cualquier sitio dentro del radio de acción de la conexión Wi-Fi, ya que no siempre es posible o cómodo ubicar la impresora dentro del radio que una conexión USB nos permite, y una conexión Ethernet siempre implica la instalación del correspondiente cable de red, y no permite ninguna movilidad una vez instalada. Artículo por Iván Pastor.

Hay impresoras con conexión Wi-Fi tanto láser como de inyección de tinta, multifunción o fotográficas. Si partimos de una impresora con conexión de red, los inconvenientes sobre éstas son tan solo el precio, que, al menos de momento, es superior al de una impresora de similares características, pero sin conexión Wi-Fi, y los inherentes a toda conexión Wi-Fi en cuanto a seguridad y estabilidad. Evidentemente, para poder instalar una impresora de este tipo tenemos que tener una red Wi-Fi (ya sea un router, access point o adaptador Wi-Fi).

La configuración de la impresora es también algo más complicada, pero no mucho más que lo que lo es una impresora de red con conexión Ethernet. En algunos modelos, la configuración se puede hacer a través del panel de control de la impresora, y en otros es necesario conectarla físicamente a un ordenador (mediante USB) para realizar la configuración inicial.

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http://wagonslits.blogspot.com.es/


Arte en los videojuegos


Videojuegos

Arte en los videojuegos Si hay una industria en la que el diseño gráfico alcanza niveles de calidad y originalidad espectaculares y para donde los mejores artistas del mundo son requeridos y reciben sueldos bastante jugosos es la industria de los videojuegos.

Desde escenarios ultra realistas a mundos imaginarios que son la envidia de la mejor película de ciencia ficción o personajes entrañables sin referente en la vida real. Tanto los escenarios como los personajes, los menús, los tutoriales, los manuales impresos, el material publicitario, merchandising, etc suelen ser de una calidad espectacular. El tamaño tan descomunal de la industria de los videojuegos ha permitido que empiece a pasar como pasa en la industria de la moda y gráficos de hace un par de décadas vuelvan a estar de moda en ciertos géneros. Por ejemplo Superbrothers: Sword and Sorcery, juego tipo aventura gráfica con gráficos pixelados que nos recuerdan a clásicos de nuestra infancia. Desde sus primeros pasitos cuando un solo programador se encargaba de todo hasta lo que está pasando ahora ha llovido mucho. Aun así ha sido un camino muy corto comparado con el que ha vivido una industria similar, la del cine. Los avances de los videojuegos y la ingente cantidad de dinero que mueven han visto cómo los requerimientos artísticos han superado las mejores expectativas.

El preciosismo de este juego ya se ha llevado algún merecido premio en festivales de videojuegos independientes. O el genial FEZ también ganador de algún que otro premio y con gráficos retro. Desarrollado por 2 personas durante 5 años de duro trabajo. Si quieres saber más de este juego te recomendamos que veas el documental Indy Game the Movie, que trata sobre la “dura” vida del desarrollador de videojuegos indy y de cómo se las arreglan para crear obras con nombre propio al margen de los grandes estudios de desarrollo.

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pulsaF13 Pero el preciosismo gráfico en los videojuegos ni es todo retro ni es cosa de ahora. Son tantos que dar un par de nombres es más cosa de gustos propios que de una investigación exhaustiva. Ahí van unos cuantos: ICO (2001) reditado junto al también espectacular Shadow of the Colossus. Chronos Trigger (1995) fantástico RPG por turnos con personajes diseñados por el mismísimo Akira Toriyama, creador de la archipopular saga Drangonball entre otras. Another world (1991) innovador juego desarrollado en Francia con movimientos hiperrealistas para la época y estilo cinematográfico con una historia seductora

Uncharted 3 (2011) esto es a lo que se está llegando en este momento, muy espectacular y inmersivo, nos recuerda mucho a Indiana Jones, pero ¿será recordado dentro de unos años como los demás de estas líneas? Lo dudo. The Legend of Zelda: A link to the past (1991) de Shigeru Miyamoto, Premio Príncipe de Asturias 2012 y el más conocido de todos los creadores de videojuegos de la historia gracias a las míticas franquicias de Mario Bross. Nos quedamos aquí para no alargar el que podría ser un reportaje de libros y libros. Como final os dejo con un vídeo de lo que ha presentado Square Enix en la última feria E3. “State of the Art” como dirían nuestros vecinos anglosajones.

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Tu web sobre el caballo

http://hipodromosycaballos.blogspot.com.es/


El dise単o en las chaquetillas de los jockeys

Detalle cuadro de Uta Geub

por Javier Del Barrio


Moda Una de las primeras cosas que llaman la atención a los nuevos visitantes de un hipódromo son los colores de las chaquetillas de los jockeys que, junto a su diseño, son el carnet de identidad de cada cuadra o propietario. ¿Cuál es el origen de su utilización?, ¿Cuál fue la razón para dotar a los jinetes de diferentes colores durante una carrera?. Para contestar estas y otras preguntas nos tendremos que remontar muchos siglos atrás, concretamente al imperio Romano en el que se celebraban carreras de carros en los que participaban diferentes facciones.

Aurigas romanos

Durante la República (509 a.C. - 27 a.C.) solo existían dos, la blanca y la roja, que eran los colores que portaban los conductores (o aurigas) de los carros participantes. Más adelante, en la época del Imperio, se añadieron las faccciones verde y la azul. Posteriormente, durante el gobierno de Domiciano (81 - 96), se volvieron a ampliar en dos más, la purpúrea y la áurea. Estas dos duraron poco tiempo ya que desaparecieron a la muerte del emperador.

Pero, ¿por qué llevan chaquetillas de diferentes colores los jockeys participantes en una carrera?, sencillamente porque esos colores, los dibujos, su distribución en cuerpo, mangas y gorra, corresponden a los registrados en cada país por los diferentes propietarios de una cuadra. En su origen, se establecieron diferentes colores para poder diferenciar a los caballos participantes en una carrera. Se trata de una de las tradiciones más antiguas de este bello deporte espectáculo. En la historia reciente de las carreras, la primera referencia que tenemos sobre el diseño de las chaquetillas de los jockeys, data de 1.762 cuando 19 miembros del Jockey Club Inglés se reunieron en Newmarket para registrar sus colores. Cuatro años después sucedió lo mismo en el Jockey Club de Filadelfia, al otro lado del Atlántico.

r o p s o d a r t is g e r s e r o l o c Son los dra a u c a n u e d s o i r a t e i p o r p los 46


pulsaF13 Al igual que en España se conoce esta prenda con el nombre de chaquetillas, en América o en el el Reino Unido llaman indistintamente jackets o “silks” que traducido quiere decir sedas. Ese nombre proviene del hecho de que, en su origen, las ropas que usaban los jockeys estaban confeccionadas con esa fibra, solo eran de seda. En la actualidad también pueden ser de nylon o lycra. Los colores, los dibujos geométricos y su distribución en las chaquetas, mangas y gorras se diseñan siguiendo los parámetros autorizados en cada país donde estén registrados. En esto, como en todo en la vida, hay dos extremos : desde la máxima permisividad de América, al mayor rigor europeo. En América se permiten muchos colores y anagramas de las diferentes cuadras o yeguadas.

En la imagen de la izquierda podemos observar los diferentes colores admitidos en U.S.A. para la confección de las chaquetillas de las cuadras. Son “solo” 96 colores los que pueden seleccionar los propietarios para confeccionar el uniforme que los jockeys que llevarán a lomos de sus caballos. Siguiendo en U.S.A. os ofrecemos un breve vídeo que nos muestra algo muy poco conocido, se trata de una de las muchas habitaciones que existen en los diferentes hipódromos del mundo donde se guardan las diferentes chaquetillas de todas las cuadras que suelen participar en las carreras de ese recinto. Concretamente veremos la habitación de uno de los hipódromos mas emblemáticos del país, se trata de Keeneland, donde la responsable de su archivo, conservación y limpieza nos muestra una parte de las más de 800 diferentes chaquetillas que existen en ese hipódromo.

Pulsa en la imágen de la derecha para ver el vídeo o lee el código BIDI con tu teléfono móvil.

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Moda En el caso de España, el organismo gestor es la Sociedad de Fomento de la Cría Caballar de España (S.F.C.C.E.). Existen normas para la confección de los colores de las diferentes cuadras.

Los diseños autorizados para la confección de las chaquetas son 26. Estos diseños tienen la condición de ser idénticos en el frente y en la espalda.

Los diseños autorizados para las mangas son menos, concretamente 12. Las dos mangas deben ser idénticas.

En lo que se refiere al diseño autorizado para las gorras, son solo 10 y los colores 18. Los colores a utilizar en los tres elementos (chaqueta, mangas y gorra) son 2 y, excepcionalmente, tres. Cualquier diseño anterior, diferente a lo dispuesto en las condiciones del Código actual, está autorizado siempre y cuando participe en carreras. Si dejaran de hacerlo en un período superior a 5 años, no podrían volverse a autorizar posteriormente.

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pulsaF13 La historia del diseño de las chaquetillas de las cuadras es muy interesante pero hoy nos vamos a centrar en una anécdota que fue decisiva para modificar los colores de una de las cuadras más emblemáticas del Reino Unido, se trata de la cuadra de Lord Derby, el que dio su nombre a la carrera más importante para los potros de 3 años en cualquier lugar del mundo porque han adoptado esa denominación : El Derby Habla de la primera victoria de un caballo de su propiedad, Sansovino, que ganó el Derby de Epsom en 1.924 : Sansovino (1.921-1940) fue un extraordinario potro grande y fuerte que ganó el Derby de Epsom de 1.924 con Tommy Weston como jockey. Su victoria se produjo por seis cuerpos sobre el resto de participantes y en un terreno muy embarrado ya que había estado lloviendo durante varios días antes de la carrera. En total, Sansovino (un hijo de esa extraordinaria yegua de cría Gondolette) ganó seis carreras, incluidas el Gimcrack Stakes, el Derby y el Prince of Wales’s Stakes. En 1.924 en Conde de Derby ganó esa carrera con su caballo Sansovino. Era la primera vez que el poseedor de ese título ganaba la carrera que había fundado su familia. En 1.933 Lord Derby gano de nuevo con Hyperion. Los colores oficiales de Lord Derby son chaquetilla negra y gorra blanca pero el día de la victoria de Sansovino, esos colores sufrieron una pequeña variación.

Tommy Weston, el jockey de Sansovino, estaba muy nervioso; a sus 21 años tenía la posibilidad de ganar un Derby de Epsom ya que montaba a un caballo con muchas posibilidades de éxito y que, además, era el favorito. Esos nervios no le permitieron darse cuenta de que, al abrocharse los botones negros de la chaquetilla, uno de ellos, concretamente el segundo comenzando por arriba, quedó cubierto por el pañuelo blanco que el jockey llevaba alrrededor de su cuello. Al ganar el caballo, Tommy pensó que ese botón blanco le había dado suerte y, desde entonces, el botón forma parte de los colores de Lord Derby. En la foto superior se puede apreciar con claridad el citado botón blanco en la chaquetilla de Tommy Weston. Artículo por Javier del Barrio.

Enlace al artículo de origen

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Qu i e r e ss e rv i s t o ! !

L as o l u c i ó n p a r at ú P u b l i c i d a d a q u í

C o n t r a t al ap u b l i c i d a dc o nn o s o t r o s P o n t ee nc o n t a c t oe n : r e v i s t a p u l s a f 1 3 . c o m/ t u p u b l i c i d a d a q u i /


y sus uniformes

Por MÂŞ JosĂŠ C. Lamas


Diseño en moda Desde 1927, cuando Horacio Echeberrieta fundaba la compañía aquel 28 de junio, Iberia, ha intentando ser una empresa en constante evolución. Su historia es la de una compañía que ha ido creciendo y consolidándose a lo largo de sus ya casi 85 años. Durante este tiempo, la imagen que nos acompaña, también ha evolucionado. Se ha ido transformando de acuerdo a la época, las tendencias y las necesidades de nuestro equipo. No solo a efectos de marca, de logos, de libreas. También los uniformes cuentan con una historia propia, que aquí os iremos contando. Si bien durante los primeros años esto carecía de importancia, con la llegada de la figura de la azafata, la tendencia cambió. Los primeros vuelos que conectaban Europa y América del Sur -en 1946, Iberia fue la primera compañía en hacer este recorrido trasatlántico- implicó la necesidad de tener azafatas durante vuelos tan largos. Y con ello nacía la idea del uniforme. Trasladémonos por un momento al año 1946. Finalizada la Segunda Guerra Mundial, Iberia abre su primera ruta trasatlántica con vuelos entre Madrid y Buenos Aires. Si hoy en día esta ruta sigue siendo larga, en aquel entonces lo era mucho más. Así, se hizo necesario que los pasajeros fueran acompañados por otra persona que atendiera algunas de sus necesidades durante el vuelo. Aunque inicialmente se pensó que esta ayuda se daría fundamentalmente a mujeres y niños, la realidad acabó siendo otra bien diferente y todos los pasajeros recibieron y reciben esta ayuda. Esa nueva figura sería bautizada con el nombre de azafata. Y desde el primer momento se creyó oportuno que estas azafatas fueran distinguidas gracias al uniforme. En el año 1954 Iberia se plantea darle un aire nuevo a sus uniformes. Para conseguirlo, se fichaba a Pedro Rodríguez, diseñador catalán de origen valenciano. Este diseñador español se inspira en todo momento en los uniformes originales. “Continuidad“ debida a la tendencia internacional en todas las aerolíneas hacia lo militar a la hora de vestir. Se introdujo el abrigo, azul marino y similar a un capote militar, con fuelles y grandes botones dorados. Con el paso del tiempo este mismo abrigo fue adquiriendo un aire más femenino: le suprimieron los fuelles, y los botones dorados fueron reemplazados por otros del mismo color que el abrigo. El uniforme era el clásico traje de chaqueta, también azul marino y con botones dorados. Uniforme Iberia 1.962

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pulsaF13 En 1968: los jóvenes de todo el mundo luchan por seguir a rajatabla el lema hippy ”haz el amor y no la guerra“. Fue una época de grandes cambios sociales: la primavera de Praga, el mayo del 68 francés… Y en España, a pesar de la situación, tuvieron lugar movilizaciones universitarias y las huelgas estaban a la orden del día. Con ese contexto, finalizaba el reinado de Pedro Rodríguez como diseñador de los uniformes de las azafatas de la compañía, para dar paso a un nuevo rey de la alta costura: Manuel Pertegaz.

Tras la revolución de Pertegaz, llega un nuevo gurú al corazón de Iberia: Elio Berhanyer. Este modisto español diseñó los uniformes de la compañía durante más de una década (1972-1989), pasando por tres colecciones diferentes. En este capítulo nos encargaremos de la primera colección, la que abarcó de 1972 a 1977. Al tomarle el relevo a Pertegaz, Berhanyer tenía que alcanzar unos objetivos bien definidos con los nuevos diseños de Iberia. Como él mismo explicó en su momento, la compañía ya no buscaba un uniforme revolucionario y vanguardista, sino algo más tradicional, que sobreviviese al paso de unos cuantos años. Además, la compañía quería que sus uniformes encajaran en cualquier país y en cualquier estación y época del año.

Ya lo dijimos, en 1977 Elio Berhanyer volvió a ser el encargado de diseñar y renovar los uniformes de las azafatas de Iberia. Y así, hasta 1983, la imagen de Iberia en las azafatas de vuelo impresionó con un nuevo color: el beige tostado. Elio volvió a apostar por un color tradicional y elegante a la vez. Atemporal y fácil de lucir en cualquier rincón del mundo y en cualquier estación del año. Cabe aclarar que esta variación solo afectó a las azafatas de vuelo. Las de tierra mantuvieron el uniforme azul, con el único cambio de sumar a tal uniforme un impermeable y uns botas de agua para el personal que debiera trabajar a la intemperie.

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Diseño en moda Llegan los locos ochentas, pero no por ello Iberia cambia a su diseñador de cabecera. Berhanyer empieza el año 83 con un nuevo diseño que se mantendrá hasta el 89. Un diseño que marcará de por vida las señas de identidad, no solo de Iberia, sino también de España. Mezclaba lo clásico con lo moderno, lo desenfadado con lo serio, sin dejar de lado la elegancia y luminosidad con las que siempre se caracterizaron todos sus modelos. Una vez más, el color azul volvía a ser el rey, eso sí, un azul totalmente innovador, nada que ver con el respetuoso azul marino de antaño. Se trataba de un radiante azul Canarias, combinado con el rojo y el amarillo, mezcla española al cien por cien.

Corría el año 87 cuando la compañía decide renovar una vez más los uniformes de su personal. En esta ocasión se elegirá al modisto encargado de tal tarea de una manera mucho más selectiva, organizando un concurso entre los mejores modistos españoles de la época. El posible triunfador debía tener en cuenta tres factores: - El presente y el futuro de la compañía. - El concepto corporativo. - Que fueran uniformes con duración en el tiempo (de 5 a 7 años de validez). Tras un reñido duelo entre Alfredo Caral y Rafael Tejada, finalmente triunfa Caral, adjudicando el contrato de producción a Cortefiel. (Detalle importante: por primera vez en la historia de la aviación de los uniformes de vuelo, también se le pide al modisto un diseño para los pilotos).

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Esta historia empezó en el año 1946 y “finalizó temporalmente”en el 2005. Y digo esto, porque de momento el ciclo de uniformes y diseñadores está cerrado, pero, nunca se sabe. El caso es que en la actualidad la imagen del personal de Iberia está en manos del gallego Adolfo Domínguez, quien tomó las riendas ya en 2005. Nuevamente se convocó un concurso, y fue seleccionado de entre ocho primeros candidatos, y luego de entre cinco finalistas. Sobria elegancia y profesionalidad a ritmo de un estilo rematadamente contundente, funcional y bonito, elevan los diseños del gallego al pedestal más alto.

Artículo escrito por Mª José C. Lamas

Maquetación y diseño : Javier Del Barrio

Fotos : Iberia

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Paco Martos

: a t s i v e r t En ¿EDAD? 39 ¿RESIDENCIA? Madrid ¿CUÁNDO DESCUBRISTE QUÉ ERAS BUENO COMO DISEÑADOR GRÁFICO? ¿Bueno? ¿Comparado con quién? Siempre he observado mucho y a muchos. Voy evolucionando según las tendencias y mantengo una máxima, siempre hay que ser humilde. Cada proyecto te enseña algo y te hace crecer. La gracia está en que llevo muchos años en la profesión y he podido aprender mucho. He realizado trabajos de los que estoy muy orgulloso, pero hay muchos que jamás diría que son míos. ¿Y CÓMO PINTOR? No me considero un buen pintor, pinto desde hace muy poco tiempo y aún tengo toda una vida para seguir aprendiendo. Las cosas que pinto sé que gustan porque se venden. Esto es genial porque el dinero vuelve a ser invertido en material y puedo seguir evolucionando. ¿QUÉ MÁS SABES HACER? Tras tantos años en el mundo de la publicidad, he podido desarrollarme en muchas áreas diferentes. Fotografía, producciones audiovisuales, sonorización, estilismo, organización y producción de todo tipo de eventos, trato con el cliente… incluso pasé 5 años de mi vida diseñando y produciendo videojuegos y páginas web. Ah! y hago un sushi riquísimo. ¿EN QUÉ TE INSPIRAS A LA HORA DE HACER UN TRABAJO? En la música. Lo primero intento que el cliente me facilite toda la información posible de su proyecto. Me pongo buena música y luego depende si es una web, un logo, un cartel, una ilustración, un folleto… En el caso de realizar una imagen corporativa, boceto a lápiz sobre el primer cuaderno que pillo (siempre tengo varios por toda la casa). Cuando ya tengo la idea esbozada, lo vuelvo a dibujar bien en el ordenador y voy desarrollando todas las piezas. ¿LO MÁS CURIOSO QUE TE HAYAN PEDIDO QUE CREARAS? Me acuerdo que tuve que hacer un vaso promocional para Cherry Coke con la forma de los dedos de la mano marcados en él, y se tenía que poder coger tanto con la derecha como con la izquierda. Tus dedos tenían que encajar perfectamente en los huecos independientemente con qué mano lo cogieras… pfff menudo lío. Y sobre todo sin tener ni idea de diseño industrial. Aprendí muchísimo con ese proyecto. Lo recuerdo con muchísimo cariño. ¿CUÁNTOS AÑOS LLEVAS EN EL SECTOR? Pues 23 añitos… cómo pasa el tiempo.

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“Cada proy historia que d


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yecto te enseùa algo y te crece..�Vivo la desarrollo mientras mantengo el pincel en la mano.

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Paco Martos ¿COMÓ TE PARECE A TÍ QUE HA EVOLUCIONADO EL SECTOR EN LOS ÚLTIMOS 15 AÑOS? La oferta de diseño ha crecido muchísimo, y me encanta. Hay muchísima gente nueva haciendo cosas realmente fantásticas y completamente diferentes. Tal vez echo de menos un poco más de profesionalidad, pero eso sólo se puede conseguir si te lo enseñan o con tiempo, errando y aprendiendo. ¿TU MEJOR TRABAJO? No tengo especialmente ningún trabajo preferido. Una vez realizado, lo aparco y me centro en el siguiente. ¿TU PEOR TRABAJO? De esos tengo muchos. ¿LA HERRAMIENTA IMPRESCINDIBLE, QUÉ TIENE QUE TENER UN DISEÑADOR BAJO TU CRITERIO? Cada diseñador es un mundo, pero hoy por hoy tener un buen ordenador, una gran pantalla y una tableta gráfica ayudan mucho profesionalmente. ¿MAC O PC? Personalmente prefiero Mac. ¿POR QUÉ? Porque me ha acompañado toda mi vida profesional, desde que las tipografías se guardaban en largas filas de disquetes y los monitores eran en blanco y negro. Tenía que colorear a base de valores de cmyk, Tiraba de “pantonera” y carta de color física y jamás, repito, jamás he tenido problemas con estos ordenadores salvo por algunas tipografías corruptas que a veces les volvían locos. Hace unos años me intentaron hacer trabajar en pc, pero al día siguiente me llevé mi propio ordenador al estudio. De todas formas no soy anti-pc, creo que ahora trabajar con pc es bastante parecido y estable. ¿EL FUTURO LABORAL PARA ESTE GREMIO COMO LO VES? Muy jodido. Cada vez hay más oferta y muy poca demanda. ¿TIENES QUE AGRADECER A ALGUIEN, LO QUÉ ERES HOY EN DÍA? Sin duda, pero no es una persona sola. Son todas y cada una de las personas con las que en algún momento he coincidido y cruzado nuestros caminos.

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Paco Martos ¿HAS LLEGADO A COMPATIIBILIZAR, TU VIDA HOGAREÑA, CON LA LABORAL? Cuando trabajaba para otros, estaba soltero y mi vida era mi trabajo. Continuas jornadas interminables, semana tras semana, noches de pizza, coca-cola y café… quedaba poco tiempo para uso y disfrute. Ahora que trabajo para mí, en casa, te puedo decir que están completamente compenetradas. Pintura, diseño y ocio. Pero haciendo honor a la frase “nunca estamos a gusto con lo que tenemos”, puedo decirte que, a veces, echo de menos un poco más de acción junto a otros compis. ¿DÓNDE CREAS MEJOR , EN CASA O EN TU ESTUDIO? Depende. En casa me pongo la música a tope, la que quiero, pululo en pantalón de pijama, me reparto el tiempo como prefiero... pero, lo bueno de trabajar en la ofi es que puedes interactuar con las personas, que te ofrezcan diferentes enfoques, críticas… EN LO QUE SE REFIERE A TU PINTURA, ¿TE LLENA CUANDO PINTAS, CÓMO TE SIENTES? Se me pasa el tiempo volando. Es tal la concentración que no atiendo a nada más. Me absorbe completamente y vivo la historia que desarrollo mientras mantengo el pincel en la mano. ¿CÓMO DEFINIRIAS TU ARTE? Figurativo en su mayoría, ahora estoy sumergiéndome en el abstracto, la textura, la forma y el color. Contar historias por este camino me resulta mucho más complicado. ¿EN DÓNDE HAS EXPUESTO? Pues la etapa de pintor surgió cuando vivía en Galicia, así que fue allí donde hice mis primeros pinitos. Ahora estoy preparando una exposición en Madrid, en cuanto reúna obra suficiente seréis los primeros en saberlo. DESMIÉNTEME UN MITO DE LOS DISEÑADORES GRÁFICOS. Siempre somos originales al 100%. ¡¡Mentira!! Reciclamos, copiamos, transformamos, coloreamos, destrozamos, cortamos y pegamos muchas veces. ¿CASADO? Si. ¿UN CONSEJO, PARA LOS NUEVOS DISEÑADORES DE HOY EN DÍA? No sólo hay que saber aplicar filtros del photoshop. Si quieres diseñar hay que conocer los soportes donde se van a aplicar tus diseños. Hay que investigar, hay que saber que es lo que se ha hecho hasta ahora para poder innovar. El Photoshop o el Adobe Ilustrator tan sólo son herramientas que te ayudan en tu trabajo, saber manejarlos no implica ser diseñador. Nadie nace sabiendo, se humilde y bebe de todas las fuentes que puedas, es el camino. ¿TIENES QUÉ SER BUENO, O SOLO UN GOLPE DE SUERTE? Para algunos eres buenísimo y para otros un truño. Hay que ser persistente para provocar a la suerte y dar con los clientes que te consideran buenísimo.

AQUÍ OS DEJO SUS DATOS Móvil: 600572097 E-mail: pacomartos@pacomartos.com

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Artículo por Raúl Lozano.

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ZOOKYO

WWW.ZOOKYO.COM


Fotografía Submarina

Consejos y Medios necesarios para realizar Fotografía Submarina

Escrito por: Oscar Herrera Fotografía realizadas por: Oscar Herrera Maquetación:Francisco López

*Prohibida su reproducción e impresión total o parcial sin permiso de sus autores.


Fotografía submarina

Fotografía Submarina Consejos y Medios necesarios para realizar Fotografía Submarina Como aficionado de la fotografía en general os hablaré de una de mis grandes pasiones, la cual vengo realizando desde hace años, la fotografía submarina o subacuática. Mi intención no es la de hacer un manual técnico, trataré de acercar este hobbie un poco más, y de explicaros las necesidades y requerimientos para iniciaros, así como reflejar las dificultades que tienen algunas instantáneas.

la luz escaseará en el 99% de las ocasiones. Partiríamos de un mínimo de f2,8. -Objetivo lo más angular posible, como mínimo un 28mm. -Función macro, si bien es cierto que hoy en día casi todas las compactas disponen ya de esta función. -Carcasa submarina, evidentemente necesaria para introducir la cámara bajo el agua. -Flash externo, a medida que nos introduzcamos en este mundo se nos hará imprescindible. Para costearnos un equipo básico, y sin contar con el flash externo, deberíamos preparar entre 350 y 400€. En cuanto a la fotografía, antes de comenzar, deberemos valorar diversos aspectos que no se dan en la fotografía de “superficie”. Lo primero a tener en cuenta es que nos movemos en un ambiente más denso que el aire, esto influirá en la

Partiremos de la base que para practicar este tipo de fotografía con botella autónoma es necesario realizar un curso de iniciación al submarinismo, adquirir cierto nivel, y realizarlo con un compañero, por motivos de seguridad. También podemos practicarlo en apnea, donde el límite de profundidad y tiempo, lo pondrá nuestra preparación física. Para realizarlo con esta técnica no necesitaremos ningún tipo de curso. Comenzaremos hablando un poco del equipo básico necesario. Evidentemente lo primero será la cámara, podemos elegir una de las infinitas compactas que existen en el mercado, que harán que nuestra inversión sea menor, ocuparán menos espacio que una réflex aunque las posibilidades técnicas serán inferiores. En caso de decidirnos por una compacta recomiendo tener en cuenta los siguientes aspectos: -Luminosidad del objetivo, aspecto muy importante, ya que

luz y en los colores. Este dato es muy importante ya que a más profundidad dispondremos de menos luz natural para realizar nuestras fotos y también se producirán

“En fotosub hay que tener en cuenta que no siempre conseguiremos captar la imagen deseada a la primera, por eso es muy recomendable ser pacientes ....” 69


pulsaF13 “Un factor que debemos tener siempre en cuenta es la flotabilidad y las corrientes, tendremos que aprender a controlarlas, la experiencia nos ayudará muchísimo en estos campos.” ciertos problemas con los enfoques automáticos. A esto sumaremos que la refracción del agua afectará a los colores cálidos que queramos captar, por ejemplo, a partir de 15 metros habremos perdido por completo el color rojo.

-Primer plano: englobará las captaciones de una parte de un pez, pez completo o varios peces. Deberemos tener en cuenta que en este plano es posible que utilicemos el zoom de nuestra cámara, lo que aumentará la pérdida de luz, por eso la orientación del flash aquí es muy importante, ya que si lo situamos muy plano podemos provocar que las escamas nos reflejen dicha luz, con la pérdida de detalle que ello supondría, o que la foto no tenga la profundidad deseada. -Ambientes o planos panorámicos: utilizaremos este tipo de planos para realizar fotografías de pecios (restos hundidos), paisajes submarinos o cuando queramos fotografiar a un pez en su ambiente natural. Aquí la utilización del flash es muy amplia, dependiendo del efecto que queramos realizar, teniendo precaución con la limitación de la distancia a la hora de iluminar y a la materia en suspensión, ya que podría producirnos un indeseable efecto “nieve” al reflejar nuestra luz.

Otro detalle que no podremos olvidar son las partículas en suspensión, ya que si el porcentaje es muy elevado puede llegar a impedir por completo nuestra visión. Tendremos que conocer bien nuestro equipo, tiempos y tipo de enfoque, distancia mínima para macro, luz mínima de trabajo… En foto submarina hay que tener en cuenta que no siempre conseguiremos captar la imagen deseada a la primera, por eso es muy recomendable ser pacientes. Detalles como las partículas en suspensión o la corriente nos incidirán directa y continuamente.

Un factor que debemos tener siempre en cuenta es la flotabilidad y las corrientes, tendremos que aprender a controlarlas. La experiencia nos ayudará muchísimo en estos campos. Espero que estas básicas nociones sean suficientes para conseguir despertar la curiosidad del lector, y que poco a poco se adentre en el maravilloso mundo de la fotografía submarina.

Se recomienda empezar siempre por primeros planos y macros, con temas o sujetos muy estáticos, que nos permitan practicar y realizar nuestra fotografía las veces que estimemos oportunas. Si nos decidimos por animales en movimiento, saber que la mejor opción es ser paciente y esperar a que ellos se acerquen, el mundo animal tiende a ser altamente curioso con los agentes externos, ya que si tratamos de seguirlos nos dejarán atrás sin ningún esfuerzo. Tratemos los tipos de planos más frecuentes en “fotosub”: -Macro: se trata de sacar un detalle de algo que nos ha llamado la atención, normalmente estático o con muy poco movimiento. En pocas ocasiones sacaremos un animal completo, a no ser que se trate de uno muy pequeño. Tendremos siempre en cuenta que este tipo de plano deberá ser a nivel del sujeto, nunca por encima. En este tipo de encuadre, y si disponemos de un flash externo, procuraremos situarlo por encima del objetivo, muy picado hacia el sujeto.

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Arte urbano.

Arte urbano. El término art e urbano o a rte callejero, de la calle, fr traducción de ecuentemen la expresión te ilegal. El a artística calle inglesa stree rt e urbano englo jera. Las ciud t art, hace re ba tanto al gra ades que son Paulo y Toro ferencia a to fiti como a div puntos clave nto, entre otr do el art ersas otras fo del arte calle as. rmas de expre e je ro son París, Lo Desde media sión ndres, Barce dos del los lona, Berlín, años 90 el té describir el tr São rmino street abajo de un art o, de form conjunto hete en las calles a más especí rogéneo de a mediante el fica, Post-Gra rtistas que h u so de divers famoso grafit an desarrolla ffiti se utiliza as técnicas (p i. do un modo para lantillas, post d e e xpresión artís ers, pegatina El uso de pla tica s, murales... ntillas (stenci .), que se ale l), a menudo mitad de los jan del con un mensa años 60. Sin je político, co embargo, no norteamerica bra especial es hasta me no Shepard relevancia en diados de lo Fairey y su ca imagen del p París en la se s años 90, co mpaña “Obe ersonaje de ci gunda n la aparición y” (Obey Gia rco Andre Th diversas prop de artistas co nt) (Obedece e Giant y lleva uestas de est mo el a l da a cabo me gigante), ide e tipo cobran parte de un m ada a partir diante el uso auge en distin ismo fenóme de la d e posters y pla tas partes de no o escena. ntillas, cuand l mundo y so El mensaje o o las n p ercibidas en riginal de est su conjunto co a campaña fu medio. Sin e mo e nulo, se erigió mbargo, desd haciendo refe e mediados retomada po d re e los noventa ncia a sí mis r otros artista mo, sin otro si ha sido una s. Se ha para base importa de las imáge gnificado de fraseado a m nte para el d nes de cultu por anera de hom esarrollo del ra u e rb n a a ana más vece rt je e callejero en y otras como Estarcido (ste s todas las cap ironía, pero h ncil) en Buen itales del mu a servido com os Aires, Arg ndo. o entina. El arte calleje ro, al integra r sus elemen espectadore tos en lugare s. Suele tene s públicos b r un llamativo social, la crít astante transi mensaje sub ica política o tados, preten versivo que cr , simplemente de los artista de sorprende itica a la soci , a la reflexió s que actualm r a los e dad con iron n . Sin embarg ente intervien ía e invita a la o, existe ciert en el espacio lucha o d ebate sobre público. los objetivos reales

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pulsaF13 Crítica al graffiti Español. El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos muy transitados, pretende sorprender a los espectadores y suele tener un mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Los graffiti en España cubren las paredes, vallas, vagones de tren y de metro, escaparates, cierres de tiendas, quioscos de prensa, señales de tráfico, bancos en las vías públicas, puertas y mobiliario urbano de todo tipo, incluso tapias de cementerios y troncos de árboles. Normalmente son muestras de egocentrismo del autor que se dedica a emborronar todo lo que puede plasmando su firma por los máximos sitios posibles, carentes de una mínima estética y con mensajes que solo su autor ó allegados entiende, en una absurda competencia donde adquiere mas valor quién estampe su firma en los sitios más emblemáticos ó los más inacesibles, terminando por dar a la ciudad un aspecto penoso. Podemos encontrar verdaderas obras de arte diseminadas por la ciudad realizadas por artistas como Keith Haring, ó la cara icónica famosa de Shepard Fairey, las pinturas geométricas de Eltono o los colibrís de Dan Witz. Son dignos de destacar los grafiteros narrativos, con contenidos siempre diferentes, algunos bastante espectaculares, como es el caso de Swoon, Banksy ó de nuevo Haring. Algunos artistas usan la pintura o la tiza de forma abierta en la calle creando ilusiones ópticas increibles jugando con la perspectiva, como es el caso de Julian Beever que ha recorrido todo el mundo mostrando sus obras en las ciudades mas importantes. Beever deslumbra con su arte a los viandantes que quedan absortos con sus geniales y efímeras creaciones.

Graffiti tipico de españa

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Arte urbano.

Banksy. Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del graffiti británico. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy “nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980”. Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado “daño criminal” puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).

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Hay vida más allá de Banksy El colectivo británico Filthy Luker realiza llamativas obras de arte urbano con esculturas gigantes inflables “Nuestras obras son chistes llevados demasiado lejos”. Así definen sus intervenciones los artistas británicos Luke Egan y Pete Hamilton también conocidos como Filthy Luker. Comenzaron a trabajar en 1996 y los ingredientes principales de su trabajo son el aire, la luz, el tejido sintético, mucha imaginación y sobre todo humor. Ambos poseen una empresa llamada ‘Diseños en el aire’ con la que, junto al también artista Pedro Estrellas (que realmente se llama Peter Stars) crean esculturas hinchables y luminosas que alquilan o venden para eventos de empresas. Pero lo más interesante son sus apariciones espontáneas y públicas que realizan por diversas ciudades del mundo desde hace años. En España, visitaron Salamanca en 2008. Así han logrado convertir todo un barrio en el fondo del mar, han transformado el enorme lado del andamio de una obra en un juego de marcianitos o han metido un pulpo gigante en edificios de más de cinco plantas. Son famosos por haber apostado por los elementos hinchables para crear su propio estilo dentro del arte urbano. En torno a 2004, cuenta Egan, ambos artistas pensaron que debían realizar apariciones por sorpresa en diferentes partes del mundo para, al menos por unas horas, cambiar el paisaje de algunas ciudades. Fue entonces cuando idearon una serie de esculturas y trucos específicos para la guerrilla artística urbana. Y el éxito fue casi inmediato. Tanto que sus intervenciones se ven de una forma mucho más positiva que la de otros artistas, tal vez porque dieron con la fórmula menos invasiva y más cercana al público dentro del universo del arte callejero. “en estos momentos la gente nos pide que intervengamos en sus ciudades o se alegran mucho si se lo pedimos. No creo que ser ilegal haya de ser una característica necesaria para considerar una obra como arte callejero. Lo importante es que la gente pueda verla y acceder a ella”. Una de las obras más características de Filthy Luker es genial de puro simple: son dos enormes balones hinchables en forma de ojos que sitúan en los lugares más variopintos como la copa de los árboles, estanques, lagos, cornisas de edificios… en una suerte de Gran Hermano lleno de humor. “Uno de los mejores momentos de nuestras intervenciones consiste en ver a los policías reír a carcajadas en lugar de correr a detenernos”, asegura Luke Egan.

Arte urbano inchable en Baecelona.

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Arte urbano.

Las ilusiones ópticas callejeras de Edgar Müeller. Usando más de 40 pinturas acrílicas Edgar Müeller literalmente pinta calles enteras para crear efectos visuales bastante impresionantes. Müeller dice estar inspirado en Julian Beever, que hace cosas bastante parecidas, y muchas de sus imágenes han circulado millones de veces entre blogs, e-mails y foros. Edgar Mueller es uno de esos artistas que sorprende. La capacidad que tiene para crear estas pinturas tridimensionales es única, si bien hay varios artistas que realizan este tipo de arte urbano, lo que el hace esta en otro nivel. Es impresionante el manejo de la perspectiva que tiene. En cada una de sus obras la experiencia es increíblemente realista, como si de auténticas escenas de la naturaleza se trataran. Edgar es en realidad un autodidacta. Él siempre está buscando nuevas formas de expresar a través de la cual él mismo. Inspirado por la ilusión tridimensional de pinturas (en particular, por las obras de Kurt Wenner y Julian Beever) se encuentra ahora con esta nueva forma de arte y la creación de su propio estilo. Debido a su base en la pintura tradicional y moderna de comunicación, Müller utiliza un lenguaje simple y gráfico para su arte. Pinta en grandes áreas urbanas de la vida pública y les da una nueva apariencia, cuestionando así las percepciones de los transeúntes. El observador se convierte en una parte del nuevo paisaje que ofrece. Mientras que sobre su vida cotidiana, la gente cambia la pintura por la declaración que acaba de pasar por la escena. Edgar Müller extraordinaria de arte ha sido objeto de una amplia cobertura en los medios de comunicación impresos y digitales.

Obra de Edgard mueller sobre la pared y el suelo,creando un efecto 3d del metro.

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pulsaF13 “Erupción de Lava” en las calles de Alemania. Ayudado por edificios residenciales y autos para darle al observador esta ilusión de una gran escena apocalíptica.

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Arte urbano.

Las mejores fotografias del arte urbano.

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