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CARTA DEL EDITOR

Pozole Gráfico es una revista enfocada al diseño y arte contemporáneo mexicano, surge como una alternativa en el medio editorial para mostrar las propuestas de nuestros talentos nacionales así como al fomento de la cultura visual local. Es sabido que en la gastronomía de México el pozole es un platillo muy característico del país su preparación requiere de diversos ingredientes que dan por resultado una comida rica en sabor, color y aroma, de esta manera el nombre de la revista es una abstracción fonética que tiene su origen en la mezcla de elementos, enfatizado con la palabra grafico hace referencia aspectos meramente visuales y se diferencia de la gastronomía. Diseño, escultura, fotografía, cine, entre otros son solo algunos de los ingredientes que componen nuestro pozole. Para pozole gráfico el diseño y arte contemporáneo despiertan una pasión sin igual, la continua exploración por el mundo de los colores y formas hacen de este universo creativo una profunda admiración y respeto por la obra de nuestros colegas. Pozole Gráfico agradece la colaboración a Mr. Kone en el diseño de la portada de esta edición, siendo un ingrediente extra para nuestra sazón. Nuestra vida el diseño, nuestra pasión el arte.


María Teresa González Hernández

24 ayeres de recuerdos olvidados, amante de la música y un sin fin de cantos, poseedora de una belleza que impresiona a tantos. soyamapolita_3@hotmail.com

Francisco Javier Bautista Hernández

COLABORADORES

Pozole Gráfico

Con 21 años y casado con el diseño de por vida, apasionado de las tipografías de la esquina y de los carteles pegados en vitrinas. retoespi@hotmail.com

Sandra Verónica Alegría Gutiérrez

Solo 22 años y con inmensas alegrías, pisando hojas secas susurrándole a la vida, sensible a las emociones cual si fuera niña. rulagarfield@hotmail.com


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Conferencia: Diálogo a 4 manos

10 Mr.

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Kone

Un personaje dual

10 cosas 18 que todo diseñador debería saber

20 Mauricio Valdes 24

Política de Diseño: ¿Buena o mala?

26 Ideograma: Ideas con Identidad

Yvonne Domenge: 32

Naturaleza y Geometría en el Arte

36 Colectivo Nel:

Diseñadores Mexicanos

Gabriel Orozco: 40 De lo banal a lo extraordinario

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Javier Senosiain: Arquitectura Orgánica

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Pedro Meyer: 48

¿El Hereje de la fotografía o un poeta de la luz?

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Jose Luis Turueño: Retoque Fotográfico

Patricia Aridjis: Las Horas Negras 62

XY:

¿En qué consiste ser hombre?

Versus: 64 Rudo y Cursi

66 Las voces del recuerdo Eugenio Pulgovsky: 67 “Los Herederos”

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C uatro personalidades del Diseño

se unieron en el museo Diego Rivera para charlar a cerca de la tipografía en ella participaran Gabriel Martínez Meave, Quique Ollervides, Leonardo Vázquez y a Mauricio Rivera, cada uno ve de manera distinta este elemento tan importante dentro del diseño, sin embargo con concluyen en que hoy en día la tipografía es algo más que un simple carácter plasmado sobre papel, se ha descubierto que puede verse como un oficio ya que existen personas que hacen y viven de la tipografía. Creemos que la tipografía, la caligrafía, la ilustración y la fotografía no sólo están al servicio de un contenido, son contenido en sí mismas. Que el diseño no es sólo un arte de la superficie de la cosas, sino que también se involucra profundamente en el pulso de la cultura y de la historia, Pensamos que la educación visual no sólo debe partir de la teoría y la metodología, sino de una genuina y personal convivencia con la estética. Y la función de la tipografía bella no es hacer de la belleza algo que se convierta en un fin en si mismo por encima del contenido, sino fa-

cilitar la comunicación por la claridad y belleza del vehículo por un lado, y por otro aprovechar las pausas y paradas que se producen en esta para intercalar aquellos elementos de serena belleza que hacen de la tipografía un arte. Siempre debemos buscar la claridad y la elegancia del texto en la belleza de la primera página o de las páginas preliminares o de la portada, en los títulos de capítulo, en las letras capitulares o iniciales y en las ilustraciones. Por otro lado, en el caso de la poesía, el verso, en mi opinión, apela por su forma tanto al ojo como al oído, y debe ser dispuesto en la página de forma que su estructura pueda ser fácilmente apreciada, y cualquier cosa que interfiera en su comprensión, aunque sea algo bello, es en relación al libro como un todo, una impertinencia tipográfica La tipografía por su parte, más que un mero contenedor de sustancias verbales, es en si misma parte de la expresión del pensamiento. No se trata solo de escoger la tipografía de moda o que se mira linda. Se debe ir más allá y entender que la tipografía no es solo un accesorio más del diseño, sino una parte importantísima del mismo.


César Evangelista Bautista es un ilustrador que pone muy en alto el nombre del Diseño en México, Ha trabajado para una infinidad de revistas y para clientes como MTV, CocaCola, Sony-BMG, Universal Music, Canal 11, Telcel, Philip Morris, Sears, Cartoon Network, Nickelodeon, Adidas, Mini Cooper, entre otros. También ha colaborado para las marcas Nike y Vans con proyectos independientes de diseño. Ha dado numerosas conferencias y talleres en diferentes eventos. En el 2007 lanza el proyecto de Ledy Ledy; empresa dedicada a la producción de muñecos de vinyl, en sociedad con otras tres personalidades del diseño gráfico mexicano. Su trabajo se ha publicado en varios libros nacionales e internacionales. Actualmente forma parte de numerosos proyectos independientes de diseño en varias partes del mundo. El Pasado mes de Noviembre tuvimos la oportunidad de entrevistarlo en el evento de Taller en vida, organizado por Color 75% y Mr. Kone, fue una experiencia muy interesante que nos dejo un buen sabor de boca; espero la disfruten tanto como nosotros.


¿Por qué decidirte por la ilustración?

En realidad antes de ser ilustrador fuí fotógrafo documental, me gustaba mucho, incluso antes de estudiar la carrera de diseño de la comunicación visual en la UAM Azcapotzalco ya tomaba fotografías; la situación por la cual decidí hacer ilustración fue porque llego un punto de mi vida en el cual tenía que asumir ciertas responsabilidades y vivir de la fotografía en esos tiempos no era redituable así que por asares del destino en la ilustración encontré otra alternativa y entre a Kimera un despacho de diseño donde esta Gabriel Martínez Meave, ahí comencé haciendo viñetas y en el transcurso de un año termine siento director de arte, básicamente por eso decidí dejar la fotografía lo curioso es que siempre dije que nunca iba a ser ilustrador sino diseñador grafico.

¿Existe algún personaje con el que te identifiques?

Más que un personaje es la forma de hacer mis personajes, la característica principal es la dualidad; yo me considero una persona dual, simplemente creo tenemos varias personalidades como seres humanos a partir de nuestros estados de ánimo mi vida la divido en la vida feliz y la vida triste, mis personajes son realmente eso siempre trato de hacer muchos personajes en uno solo a veces con caras tristes , con caras felices nunca sabes en realidad quien es el mzalo, en la ilustración encontré una manera de mostrar mi sentir y con el tiempo en mi trabajo comencé a mezclar los personajes buenos, los malos, los felices, los tristes por eso es que me identifico con su personalidad

dentro de ellos mismos existe una inocencia que a la vez resulta ser la maldad, muchas veces el personaje bueno termina siendo el malo.

¿Por qué Mr. Kone?

Los conejos son animales que me gustan mucho, mi mama tenía criaderos y poco a poco se fueron muriendo hasta que quedo solo uno,recuerdo que lo dejábamos libre y me llamaba mucho la atención su actitud pasiva, pero en realidad no sabes si están contentos, tristes o enojados son unos animalitos inexpresivos sentía una cierta identificación con él. También es un chiste local de un despacho donde trabajaba donde me decían de rata de dos patas pero hoy en día creo que lo relaciono con esa parte de la inocencia del personaje.

¿Quién es la inspiración de Kone ?

Muchísimos, de niño veía mucho Warner Brothers personajes como: Porki, el pato Lucas, Box Boni en esa época pasaban un programa de Disney que se llamaba las tardes de Disney donde pasaban películas, pero específicamente cuando conocí al gato Félix, a Popeye Betty Boo y entonces conocí a Max Fleisher que fue una inspiración muy grande para mí porque veía que hacían playeras de Betty Boo pero no sabía quién era, influyó mucho en mi sobre todo porque crecí con la televisión a blanco y negro entonces pensé que todos los personajes eran a blanco y negro cuando conozco estos personajes me gustan mucho son como aberrantes con una sonrisa como loca. Jorge Alderete es también una inspiración muy grande al igual que la vida que tengo ahora.

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¿Qué significa para ti ser tú ahora la inspiración de muchas personas? Te voy a contar una anécdota… Yo a su edad cuando andas en eso de la universidad yo iba a los congresos era como ese bicho raro que iba a las platicas y una inspiración que tenía en ese entonces era Germán Montalvo, en algún momento yo me acerque y le dije: sabes que, eres una inspiración para mí y lo que hizo Germán Montalvo fue a bueno pues mucha suerte, entonces de repente tu esperas un contacto como más directo así de que onda, que es lo que estás ha ciendo, en mi caso él fue muy frio. Algo que yo entendí es que uno cuando hace las cosas bien

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va a generar detras de él un movimiento yo lo que quiero no es completamente tener mil fans, sino que se motiven con mi trabajo que digan vamos a hacer cosas, eso para mí es bien importante; creo que al final he aprendido a ser muy cálido con la gente por la forma en que he vivido y porque sé de dónde vengo, vengo de una situación económica muy difícil, yo era barrendero, fui albañil, trabaje con carpinteros, o sea, actualmente se muchos oficios porque trabaje desde muy chico, entonces aprendes a ser diferente con la gente, yo estudie porque decía una estadística que hizo el INEGI cuando yo era adolescente que en teoría yo no debía ni siquiera de haber terminado la secundaria lo cual fue para mí un reto, estudie un escuelas públicas, vengo de una familia


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Bye Bye Walkman V1 Ilustración para la revista Rolling Stone México con el tema de los 30 años de Walkman. donde mis padres no entendían lo que era Diseño, mi padre me decía que estudiara una carrera que me dejara dinero, y está bien, es una preocupación por los padres, pero al final de cuentas creo que si tu de repente haces lo que te gusta de una manera sincera vas a aprender mucho, entonces hoy en día no puedo ser una persona fría con la gente; para mí es un alago que la gente se me acerque, soy una persona súper alivianada en esos aspectos pero también depende del lugar en donde este parado, en una ocasión me toco estar en un taller en Guadalajara y en cuanto me senté a dar clases fue marcar inmediatamente la línea de soy el profesor , más adelante soy Mr. kone y somos cuates ¿Por qué soy así? Porque yo no puedo llegar y decirle a los chavos

tonterías porque ellos se las van a creer, tengo una gran responsabilidad con la gente y con los adolescentes, yo no digo saben que hagan esto y les va a ir bien, no, yo tengo que ser realista y decirles este es el camino pero no es el mejor ni es el único, en este sentido he sabido que tengo un compromiso con la juventud, con los chavos, hablando de generaciones, no puedo mentirles ni engañarlos, soy cálido pero también soy muy duro a veces como padre he sido bastante estricto les exijo más de lo que pueden dar porque de esa manera les exigen a ustedes en las escuelas.

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¿Por qué utilizas colores llamativos en tus ilustraciones? Tu trabajo ha sido catalogado como infantil, quizá por los colores tan vivos que utilizas ¿Qué opinas sobre esto? Tienen toda la razón, creo que mi trabajo a diferencia de otros tiene una inocencia y una maldad, los colores son brillantes porque en esta época asi soy yo, soy una persona que se siente feliz, contenta, con un brillo; me emociono con los colores me emociono con los gustos de las niñas (de las niñas me refiero no porque sea pedófilo )sino porque tengo una niña que me enseño a entender los colores desde otra perspectiva tengo un hijo que de igual manera me hizo ver los colores de distinta forma, ahorita es el momento más feliz de mi vida nivel visual, si conocieran la historia de mi trabajo a nivel grafico, ha sido evolutivo, comencé con los amarillos, con los rojos, después pase a los negros y azules, hoy en día estoy con los morados, los rosas, o sea, es un estado de ánimo, yo creo en el karma, en lo que tu generas hacia la gente, creo en que tenemos un aura alrededor , no la veo simplemente la siento, yo me siento contento y es lo que transmito ahorita yo con este trabajo no podría hacer algo en tonos oscuros negros porque no me siento triste, sin embargo creo que la + ideas

depresión nunca se ha ido simplemente se ha transformado en algo más interesante, es el otro lado de la depresión que es el estado de éxtasis y también de cierta manera tengo que decirlo mi contacto en algún punto con las drogas ha sido como una experimentación a nivel personal de que sucede desde esa perspectiva, salirte de esa realidad y ver las cosas desde otro punto de vista, es también el resultado de eso, de lo que vivo, de lo que veo, de la gráfica, del arte popular mexicano.

¿Qué valor crees que tiene el Diseño Gráfico en México? Me toco vivir varias etapas del diseño, el clímax del diseño grafico mexicano creo que fue en los 80s y 90s, fue así como el clímax y no me refiero en el momento de que hubiera más sino que había poco y ganabas muy bien, no se entendía pero sabias que había que pagarle al diseñador una cantidad de dinero por su trabajo, hoy en día estamos viviendo como las penurias del diseño donde no se le está dando un valor, esta devaluado el diseño grafico mexicano, hay muchísimas escuelas y menos tiempo para que la gente pueda estudiar diseño grafico, y es como la carrera que en mi época era como estudia diseño, medicina, derecho que es una carrera segura que te va a dar lana, ahora se


Trabajo y vivo de la ilustración, y hoy es lo que más me gusta, mañana quien sabe... ha vuelto como: estudia diseño porque no hay matemáticas, estudia diseño grafico porque a final de cuentas solo vas a dibujar y creo que el error que se ha cometido en la educación en México es que no se ha orientado a los chavos a entender que por eso actualmente o hay ilustradores o hay diseñadores o en web, pero el diseño grafico en Europa, porque soy una persona que desde el 92, 93 entre en contacto con las computadoras Mac y desde siempre la tecnología para mi es algo con lo que convivo, no traigo un i pod o un i phone porque es un lujo que no me quiero dar y no me interesa, pero tengo la mejor computadora me conecto a los mejores blogs de información de lo que está pasando con el diseño porque el diseño no solamente es bidimensional sino es tridimensional, es virtual, entiendo que el problema que tenemos en México es que le dan títulos a la carrera que no deben de ser. Diseño digital no existe, existe diseño con especificaciones en multimedia, en animación porque las bases del diseño se aplican a todo, en mi carrera como en este caso, yo estudie en la UAM, me dio las herramientas para hacer museografía, para hacer web, para hacer todo lo que tú quieras y tener lógicamente limitantes, saber dirección de arte y saber hacer dirección de arte es también saber dirigir diseño ,tele, y cine; pero no eres exclusivo para un página web, sabes hacer la dirección, sabes lo que se necesita pero se ha desvirtuado. Hay un problema de educación muy fuerte no solamente a nivel de qué es lo que quieres estudiar si no con que preparación académica llegas, Entonces creo que el diseño no está viviendo su mejor momento, porque también la crisis económica está muy difícil, sumado a una falta de cultura de Diseño Gráfico.

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Rufus Rex SERIE GRAN LUCHADOR 1

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¿Crees que existe una identidad de Diseño mexicano? No, no existe, es algo que he debatido con muchísima gente, es algo que constantemente digo en las universidades, no existe un estilo de diseño mexicano, existe lo que se llama la revaloración de la cultura popular grafica, por ejemplo; de repente se dan cuenta que las mascaras es algo fuera de lo común para los europeos y lo valoran, las luchas existen desde hace muchísimos años, tuvieron que venir europeos para que nos diéramos cuenta de lo que tenemos, pero eso no es diseño gráfico porque eso lo hizo la cultura mexicana, la cultura de los artesanos, la cultura popular, dentro del diseño se retoma esa cultura y se aplica en la mayoría de las veces mal, porque resulta que vez un trabajo que hace un francés, un ingles un japonés con influencias de esta cultura popular mexicana y la convierten en un diseño mejor que nosotros, tenemos herramientas y recursos, mas no tenemos lo que se lla-

maría una escuela de diseño grafico mexicano. El grabado mexicano es lo más cercano a esta escuela, donde la intención es que lo tomas, lo transformas y lo conviertes en algo nuevo; el cartel que acabo de hacer para Atenco es eso, tome la esencia del grabado mexicano que hacia José Guadalupe Posada con la escuela que tenían y la influencia del activismo, de la protesta lo convertí en algo visual, en algo nuevo y diferente, de eso es lo que se trata el diseño grafico, pero no es una escuela es solamente influencia de una generación que hizo algo, a final de cuentas se va hacer una escuela cuando tu tomes esto y lo lleves a un punto más allá lo tenemos y mucha gente lo está haciendo menos los mexicano.

¿Qué opinas sobre la propuesta de política de diseño? Mmm entramos en problemas… yo soy muy político, muy grillero, desde donde vengo si tu no gritas o dices las

cosas, la gente no te escucha; creo que es una mamada grandísima, perdóname que te lo diga, para que simplemente un grupo de gente se beneficie a partir de esta política de diseño, se me hace una tontería, todo lo que a nivel en México tenga vínculos con la política es una verdadera mamada, porque lo que se tiene que hacer en vez de una política de diseño es una política de la educación en México, no de diseño, por favor, ¿a quién va beneficiar? A los que trabajan en una imprenta, a un taller como el de 75 grados, al chavo que termina su carrera y se va a trabajar haciendo negativos, a ellos no va a beneficiar, va a beneficiar lógicamente a los que están ahí inmiscuidos para poder agarrarse de los proyectos que vaya sacando el gobierno en cuanto a imagen, lógicamente no todos pueden hacerlo pero lo interesante de una política de diseño es cuando digas , no es posible que televisa te pague $250 por una viñeta de ilustración, no puedes tardarte un año en pagarle a un agencia o aun ilustrador por hacer un trabajo, eso es política de diseño, cuando se pongan a ver por la gente por el gremio, no solo por un grupo de gente, es una tontería y es algo con lo que no estoy de acuerdo ni mucho menos me interesa.

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1. Busca buenos clientes. Aquellos que pagan. Buenos proyectos vendrán de buenos clientes. Buenos clientes son aquellos que aprecian lo que haces y si, apreciar quiere decir pagar lo que uno se merece. Puede ser que el buen cliente seas tú mismo y que tu futuro esté en crear tus propias obras (publicar tus propios libros o crear tus propios productos para vender al público). Por otro lado, puede ser que te guste trabajar para otros y que dependas de buenos clientes para hacer buenos proyectos. Tu trabajo es hablar de forma clara a los clientes y mostrarles tu punto de vista de forma clara. Si tienes un punto de vista claro y lo comunicas, atraerás a clientes afines a

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tus ideas.

2. El buen diseño es eterno Las tendencias no te llevarán lejos. Aspira a crear un diseño eterno. Ayuda a que tu cliente tenga soluciones duraderas. Construye un futuro sostenible basado en proyectos duraderos que te permitan ir sumando elementos a tu proyecto. Si te subes a las tendencias, tu proyecto estará construido de piezas que tendrás que ir reemplazando cada temporada con lo que no crecerás.

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3. El buen diseño empieza en el buen contenido. Deberás escribir. Para diseñar bien necesitas buen contenido. Esto lo sabes tu, no tu cliente. Tendrás que reescribir o escribir de cero el contenido para que tu proyecto quede bien. Redactar titulares que se ajusten a tu diseño, destacados, cifras, crear gráficas, etc. deberás ajustar el contenido del cliente a tu diseño para que todo quede como esperas. Es casi imposible hacer buen diseño sin un buen fundamento. Ese fundamento suele ser contenido. Puede ser que el contenido sea: “fotos”, “texto” o una “necesidad”. Si la necesidad que cubre el diseño es floja o con poco sentido, tu diseño también lo será.

Construir castillos en el aire requiere saber cómo se construyen. De lo contrario se pueden quedar sólo en bonitas ideas.

7. Comparte tus ideas. No tengas miedo de decir lo que piensas. No tengas miedo de que alguien te copie. Es más fácil acabar haciendo una mala idea que no hacer una buena por miedo a compartirla. El mundo está lleno de malas ideas, no tengas miedo a compartir las tuyas. Puede ser que se dé el caso de que alguien te las robe. Será raro, pero si se da y lo puedes demostrar, demanda.

4. Ideas, Ideas, Ideas. Cobra por tus ideas Por el valor añadido, no por la ejecución. El valor añadido es lo único que te puede salvar. También puedes vender ejecución, pero ese sector es más complicado y la Indica o China están a la vuelta de la esquina. Vende el valor añadido de las ideas. El buen diseño no es color, no es forma, no es composición. El buen diseño son buenas ideas. Ideas que ayudan, ideas que ayudan a entender, ideas que entendidas ayudan a crecer, desarrollar, decidir.

8. El buen diseño es aquel que se paga Cobra y cobra bien por tu trabajo. El diseño es un trabajo que hace visible las ideas, servicios, productos. No creas que son efímeros. El diseño hoy en día es la capa que “habla” entre las empresas, organismos, individuos y la sociedad. Haz el ejercicio de salir a la calle y quitar la capa de diseño de tu vista. ¿Qué queda? Procura consultar salarios, tarifas y cobra lo que sea necesario. Evita trabajar gratis para tus clientes. Tus ideas, diseños valen su precio. Antes de empezar a diseñar, acuerda un precio. Una vez esté aprobado, ponte a trabajar.

5. El buen diseño es para todos. Esto no quiere decir que tengas que hacer cosas mediocres. Pero el buen diseño (puede ser duro, blando, emotivo o seco…) ha de ser capaz de llegar a todos. Lo que no tiene sentido es hacer algo que sólo se va a entender dentro de un contexto. Piensa en diseñar basándote en buenas ideas y en resolver problemas. Eso hará que las soluciones lleguen a todos.

9. No trabajes para / con amigos si hay dinero de por medio Te ahorrarás muchos problemas. Lo mejor es trabajar con los amigos de forma gratuita. De buen rollo. Entre colegas. Pero delimita claramente el tiempo y el trabajo. Si hay dinero de por medio, evita el trabajar con amigos. Ellos se tomarán el trabajo como un favor y no sabrán apreciarlo.

6. Debes ser un maestro técnicamente aunque no ejecutes. Debes dominar todos los procesos, para preservar la integridad de tus ideas. Los aspectos más delicados son las tipografías y color. Es muy importante saber todo sobre técnicas, herramientas, proveedores, resultados, probar difeZrentes métodos. Si no dominas la técnica puede ser que tus ideas no lleguen a ser ejecutadas como se debería y la culpa será tuya.

10. Copia de los buenos. Uno aprende a tocar el piano interpretando obras de otros maestros. Haciendo estos ejercicios uno se da cuenta de la dificultad que tiene la obra, de sus secretos, de porque las cosas están hechas de una forma y no de otra. Luego, cuando uno alcanza cierta maestría puede lanzarse a interpretar sus propias obras.

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adie como Mauricio Valdez para enaltecer nuestro país a través de sus creaciones y el amor por su trabajo de di señador industrial. Él es el vivo ejemplo de querer es poder. Prueba de ello, es que el nativo de la ciudad de México fue galardonado el año pasado con el premio más importante en cuestión de diseño, el RedDot Design que lo acredita como el mejor. El mexicano de 43 años, es uno de los más importantes diseñadores e impulsor de la creatividad en nuestro país. Se ha empeñado tanto, que se ha convertido en un verdadero líder y símbolo a seguir dentro de éste rubro. El objeto a diseñar de Mauricio es la silla, ya que la considera como uno de los elementos indispensables de belleza y gusto. Por ésta razón, su primer taller lo nombró Kadyra, que significa silla en catalán.Pero ahora optó por nombrar su territorio de batalla “Revolución Mexicana del Diseño” la cual ha sido condecorada con el premio Global Quality Foundation, gracias a su impecable trabajo. Mauricio describe a sus diseños como vanguardistas - pero con toques retros - tomando en cuenta la parte práctica y versátil, ya que aprovecha al máximo los materiales y las formas naturales de los mismos. Él, reinventa, crea y renueva todo lo que se le cruza. Es fiel partidario de la vida sustentable y todo

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Así mismo, recalcazv que el diseño se está dirigiendo a la elaboración de artículos ecológicos, en otras palabras a la susten tabilidad del diseño, empleando materiales como el aluminio, la cerámica, por mencionar algunos. Pero esto es a nivel general, sin embargo en México podemos proporcionar un toque característico si se trabajara aún más con nuestros artesanos que no cuentan con un amplio conocimiento del diseño, pero sí de cómo manipular de la mejor manera los materiales, ofreciendo una serie de artículos sumamente interesantes.


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evalorar el diseño como una alternativa que fomente el desarrollo del país y ayude a reactivar el sector económico, es el propósito del proyecto “Política de Diseño integral para México”, que coordina el Dr. Julio Frías Peña, profesor del Departamento de Diseño del Tecnológico de Monterrey Campus Ciudad de México. “La idea surgió a raíz de las bases sentadas por profesionales del diseño como John Heskett, Jorge Gómez Abrams y Luis Arnal quienes, años atrás, vincularon en sus investigaciones al diseño con la política y la economía, viéndolo como un factor de desarrollo para las sociedades”, explica el Dr. Frías Peña.

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DE ¿buena o mala?

DiseñaMéxico le da identidad a la política y el nombre es, además, un juego de palabras que reflejan el objetivo del proyecto: invita a que diseñemos el México que queremos y además reafirma que en México se diseña y se diseña bien, habiendo muchas oportunidades de crecimiento a partir de ello”, dijo. La innovación ha sido restringida y poco fomentada. Así, aunque hemos importado técnicas y conceptos de otras culturas, aparentemente innovadores, carecen del trasfondo cultural propio y de la esencia mexicana, por lo que la brecha de una identidad, de una marca como país, en primera instancia y de región en un segundo término, además de un diseño distintivo dentro y fuera de nuestras fronteras, se ha profundizado. Política incluyente DiseñaMéxico está conformado  por varias esferas de la sociedad ya que se trata de una política incluyente que busca promover al diseño como el principal agente de crecimiento en las actividades económicas del país. “Todos los que participamos estamos muy comprometidos y unidos en la Política del Diseño y  es increíble ver cómo los mismos miembros de las Cámaras Legislativas,  sin importar de qué partido sean, están juntos apoyando al movimiento y discutiendo propuestas que permitan llegar a un punto de acuerdo en esta materia”, dice el Dr. Frías Peña.

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El objetivo principal de la Política del Diseño, es generar un desarrollo tangible a través de legislaciones que permitan que el diseño sea la herramienta fundamental de crecimiento en varios sectores del país, sobre todo en la economía, en donde las oportunidades de desarrollo son más palpables. Cinco objetivos fundamentales El Dr. Julio Frías Peña informa que los integrantes del movimiento DiseñaMéxico se han propuesto trabajar sobre cinco ejes fundamentales para que el diseño logre su cometido: Sector económico, donde se plantea como público específico a las empresas, ya que a través de diseño logran ser más competitivas pues, más allá del precio y la calidad, el diseño otorga valor agregado a los bienes que producen, incentivando así la compra de los productos y ayudando a la economía nacional.

tendrán más valor para el propio consumidor mexicano y apoyarán a la reactivación de la economía con su venta y producción. Potencia mundial Dentro de este marco, el Dr, Arturo Molina Gutiérrez, Director General del Tecnológico de Monterrey Campus Ciudad de México, considera que la Política del Diseño es una oportunidad irremplazable. “Existe un estudio donde se dice que si México se enfoca a hacer diseño, puede volverse una potencia mundial y a partir de la Política del Diseño se generarán incentivos para el diseño mexicano a nivel mundial, permitiéndole tener un importante crecimiento de mercado”. “El talento existe en la tradición de producción artesanal en México, en los mismos jóvenes; ahora hay que aterrizarlo y evolucionar para crear marcas de diseños propios”, expresó el Dr. Molina Gutiérrez.

Sustentabilidad, que plantea que los productos generados deben “el talento existe en ser amigables con el medio ambila tradición de proente.

Así, se espera cumplir con cada uno de los ejes en materia legislatiducción artesanal va y, después, con actividades de Ciencia y tecnología, en que el en México’. fomento y producción que apoyen diseño, más allá de la estética que esta política. aporta, es un elemento que genera valor, lo que se traduce en innovación, “Ya se está trabajando también en otros entendiendo ésta no sólo como una ejes como educación y economía y próximacuestión de adelantos tecnológicos, si no como un “cambio social que conlleva nuevas formas mente, también habrá acciones para los ejes de pensar y actuar”, fomentando el humanismo de cultura y sustentabilidad”, especificó el catedrático. en la ciencia y tecnología. Educación, ya que para ser competitivos es necesario tener gente preparada a través de programas que fomenten el aprendizaje lateral. “La nueva forma de competir es con ideas, no solo con productos, y la generación de las mismas se logra con educación orientada a la creatividad”, dice el Dr. Frías Peña. 

La Política del Diseño rompe un paradigma, es

un antes y un después en materia de desarrollo del país y marca un nuevo horizonte que nos permite ver el futuro de México con otros ojos;  es un gusto y un honor ser partícipe de este movimiento”, concluyó. www.disenamexico.org.mx. 

Cultura, entendiendo por ella todo el cúmulo de tradiciones y referentes que como mexicanos tenemos para “crear un mensaje de dos vías, que fomente una cultura del diseño y, a su vez, el diseño como tema de cultura”. Así, por medio de la creación de una identidad del diseño, los productos generados en México + ideas

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IDEOGRAMA

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ideas con identidad En ideograma creamos marcas memorables y eficaces. Convertimos estrategias de negocio en ideas claras y les damos forma mediante mensajes flexibles y relevantes. Ideamos identidades corporativas y posicionamientos exitosos apoyados en un esfuerzo integral, en lo que denominamos identidad global. Ideograma te espera con un equipo multidisciplinario, pequeño en número, pero grande por su historial de consultorÍas exitosas y de clientes que conocen y aprecian el valor del diseño. El nombre es un elemento crucial en un programa exitoso de identidad: debe ser una herramienta más de comunicación. En ideograma creamos nombres contagiosos que generan sentido, de una forma relevante, diferente y “llegadora”.

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El nombre e identidad de esta aerolínea evocan la estrella Polaris, estrella que guía y da sentido para la navegación, desde internet hasta lo más alto del cielo.

Creamos la marca PowerLive de Panasonic que nos invita a vivir la experiencia de los conciertos como si fueran en vivo, gracias al karaoke, dvd y gran volumen de sus “minicomponentes”.

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Tu negocio es una idea...

Un femenino listón envuelve las fragancias de la cadena de perfumes más grande de México.

…mientras un eslabón une a sus joyerías hermanas. Juntos, crean una ultra-marca de calidad y servicio inigualables. + ideas


Un banco de peces representa los valores del crecimiento mediante la unidad y solidaridad comunitarias.

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El origen de la palabra “banco” y del genuino apoyo financiero son retomados con el nombre, la identidad y la personalidad de Banco Amigo.

El lema “siembra tu capacidad” nos invita a sumar lo que somos con la metáfora de la semilla, que ya contienen en si todo y sólo falta coordinar acciones para hacerla en un proyecto sustentable. + ideas

...una idea bien comunicada se contagia, se interioriza y genera sentido entre tus audiencias.


El gobierno precisaba transmitir, mediante un programa de comunicación, una nueva estrategia de acción con principios para caminar hacia un México más incluyente, integral y con mayores oportunidades.

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Las conmemoraciones oficiales de los 200 años de nuestra independencia y de los 100 años de la Revolución, cuentan con una identidad solemne que nos hace mirar con entusiasmo el 2010. ¿nos vemos?

Conscientes del papel estratégico que puede tener el diseño en la competitividad, un grupo de académicos, diseñadores y empresarios promueven con Diseña México (DMX) la creación de una política de diseño en nuestro país.

El Gobierno Federal de México integra en su identidad institucional nuestro diverso mosaico cultural y político, y es reconocido con premios de diseño, gracias a la expresión visual de su compromiso por construir un país donde todos podamos vivir mejor.

Cuernavaca, México Tel: 52 (777) 31 38 466 hola@ideograma.com + ideas


"Quien busca la belleza en la verdad es un pensador, quien busca la verdad en la belleza es un artista"


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vonne Domenge nació en la ciudad de México, en 1946. Desde los seis años se interesó por el arte. Su tía fue escultora y representó su principal influencia, también con la filosofía de su padre entendió que somos parte de un todo armonioso; el cual creció con esa admiración y pertenencia. Su trayectoria de Domenge a sido muy satisfactoria tanto en el ámbito personal como profesionalmente, a realizado estudios de artes plásticas en la Escuela de Outremont (Montreal, Canadá), en la Escuela de Arte Corcaran (Washington, D.C.), y en la Ciudad de México. Ha participado en diferentes talleres de pintura, escultura y técnicas de materiales como dorado, estofado y talla en madera, bajo la dirección de los maestros Kitzia Hofftman, Alberto Pérez Soria y Somsy Smuthart.

es.cultura

Estudió Desarrollo Humano en la Universidad Iberoamericana y ha impartido cursos de apreciación estética y terapia de arte en esculturas y dibujo para niños, jóvenes y adultos. Durante los últimos 25 años su desarrollo se ha enfocado a la escultura. Ha participado en más de 22 exposiciones individuales y en más de 130 colectivas en México y el extranjero, La escultura se describe como un personaje inquieto, para ella sus piezas son como la vida misma siempre cambiantes; su curiosidad la ha llevado a descubrir nuevas formas y materiales los cuales afirma que tienen su propio ritmo.


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“Mi escultura es Atemporal porque la considero de todos los tiempos.� Yvonne Domenge.

es.cultura


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Flor all viento Material : Plata

El objetivo de la muestra es enseñarle a la gente los procesos creativos que durante toda su trayectoria ha tenido que pasar para llegar a hacer una escultura. “Me acostumbré a realizar los planos, los dibujos, los moldes o los contramoldes, y un buen día los saqué para mostrarlos en exposición. Ahí me sorprendí al entender que la escultura es un proceso de reverencia, pues todo se hace despacio”.Entre los materiales que utiliza en sus esculturas, está la madera, el yeso, la cantera, los polímeros, la piedra y el bronce, entre otros. Y, aclara, suele inspirarse en la naturaleza, las estructuras moleculares humanas y el cosmos. El color también tiene un cierto protagonismo, “patino mis piezas en gris y en rojo”comenta Domenge. El rojo lo hace participe en su vida ya que para la escultora reprensenta vida, muerte, pasión... contrastes que ella misma esta llena de ellos, es muy intensa.

Lirio Material : Resina

El enigma de los espacios vacíos, las formas caprichosas, la sensualidad de los brillos y el juego de esplendores del pulimento del metal, de la propuesta plástica de Ivonne Domenge Gaudry, atraen la mirada del espectador. La artista comenta que algunas de sus piezas no fueron pensadas como objetos decorativos, pero que encajan perfecto con una ambientación neutra y minimalista.

Listones interiores Material: Porcelana

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La obra de Yvonne Domenge se caracteriza por sus acabados tan perfectos; el cual su diseño es contemporáneo donde algunas de sus piezas pueden ser utilitarias, si así lo quiere la persona que las adquiere. En este siglo hay novedades en su creación actual, ya no hay tantos círculos ni esferas, ahora hay listones de bronce, ondas abiertas y cerradas. Éstas representan energía que a veces resulta contradictoria, así es el crecimiento de cada persona y el vivir. Quienes nos dedicamos a este oficio, no debemos creer en uno como escultores sino como seres creativos; el arte no es otra cosa que el resultado de la creatividad, la cual, conjuntada con pasión y disciplina, brinda grandes satisfacciones afirmó la maestra Yvonne Domenge.


Sus piezas moleculares talladas a mano han sido un gran esfuerzo y creatividad por la escultora, gracias a sus 7 años de su carrera; para ella es su vida el oficio de la artesanía, ya que utiliza la hoja de oro, la cochinilla para entintar, la mona de algodón y el ensamblaje. Es aqui donde Yvonne se da cuenta que no es ser escultor si no ser creativo tomando conciencia de que somos parte de la belleza del universo.

“El ser artista es tener un encuentro con la vida, en el que se goza, se sufre, pero al final alegra. La pasión y la disciplina son una buena alternativa para una vida creativa. Es una pasión para estar armonizada; si dejo de trabajar, todo se sale de armonía. Hay que dejar que aparezca el estilo propio y vivir la escultura con mucha pasión”. 37

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NEL

es una plataforma de experimentación formada por un colectivo de diseñadores mexicanos. El grupo, fundado en 2004, funciona como un canal para crear y exhibir proyectos de diseño conceptual y lúdico. La naturaleza orgánica del colectivo permite generar diferentes colaboraciones y equipos de trabajo para producir una diversidad de proyectos que van desde comentarios políticos hasta exploraciones estéticas y narrativas fantásticas.

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¿Cómo funciona la cultura entorno a sus diseños? Vivir en una ciudad tan grande como Ciudad de México, es difícil no ser moldeados por el entorno. Nuestros antecedentes es compartir algunas cosas y difieren en algunos, pero ellos siempre están allí durante el proceso creativo. Esto genera una gran variedad de puntos de vista y enfoques de un asunto que finalmente se convierten en un objeto. ¿Cree usted que el patrimonio es una parte importante del diseño? Sí, la herencia juega un papel fundamental en la creación de un concepto. Por supuesto, la capacidad de interpretación, la redefinición y la innovación se encuentra dentro del concepto es la parte más importante del diseño.

¿Hasta dónde te gustaría ir a la fuente de los materiales en el diseño? Como cada proyecto es diferente, a veces el material se convierte en la primera prioridad. Lo más importante, sin embargo, es el diseño de obras como un todo. En el caso específico de la jauría de perros, hicimos prototipos en varios tipos de madera hasta encontrar la correcta. Los perros están hechos de “jóvenes” de teca, que tiene una mayor proporción de albura más claro que los árboles de teca madura, y ese hecho hace un contraste distintivo con el más oscuro del duramen. Le da todo el carácter a la pieza.

¿El uso de materiales naturales son importantes para colectivo NEL? Todo depende del proyecto y su propósito. El proceso de fabricación y materiales de las piezas de cambio de lo conceptual a las etapas de producción; se añaden recursos como la obra avance, principalmente debido a consideraciones económicas y ambientales, que determinan si el uso de materiales naturales es importante. ¿Tiene un lugar favorito de inspiración tanto para los productos y materiales? Todos vivimos en la Ciudad de México, que es un enorme lugar, por lo que sería nuestra fuente más común de inspiración. Sin embargo, la inspiración puede venir en cualquier momento en cualquier lugar. Algunas de sus obras pasan de ser esculturas a diseño industrial, ya que a estas piezas se les puede dar un uso. Los miembros actuales de NEL son Ricardo Casas (1979), Alejandro Castro (1983), Héctor Esrawe (1968), Emiliano Godoy (1974) y Cecilia León de la Barra (1975).

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STITCH KIT Participantes:

CALENTAMIENTO GLOBAL

Ricardo Casas, Héctor Esrawe, Cecilia León de la Barra, Óscar Núñez,

Participantes: Ricardo Casas, Alejandro Castro, Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Cecilia León de la Barra. Sobre el proyecto: Calentamiento Global contrasta con la comodidad y la suavidad de una alfombra con un problema espinoso, que es específico de nuestro tiempo. A raíz de la antigua tradición de la utilización de alfombras como un medio para la comunicación y el patrimonio cultural, NEL retrata el calentamiento global en una escena que nos invita a reflexionar sobre nuestro impacto en el mundo de hoy.

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JAURÍA DE PERROS Participantes: Ricardo Casas, Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Cecilia León de la Barra, Óscar Núñez, Sobre el proyecto: Es una serie de piezas multifuncional basado aproximadamente en la forma de un perro, en diferentes tamaños y posiciones. Estos caracteres, el nombre de famosos luchadores mexicanos (/ Dos Caras Jr, Aguayo, Superastro, El Santo, Alushe / y / Místico /) puede trabajar como una mesa auxiliar, taburete, banco, biblioteca, estante para revistas, titular de periódico, sujetalibros, etc. Las piezas están realizadas en diferentes materiales y procesos.

Sobre el proyecto: El proyecto del grupo es la “STITCH KIT”, comienza con la representación gráfica de los objetos, (como la silla o una lámpara) y cómo esto nos lleva al objeto funcional en tres dimensiones mediante las técnicas de costura. Con la premisa de “do-it-yourself” este primer proyecto trata de “ejercer” el usuario en esta habilidad. *1ER proyecto de COLECTIVO NEL.*


GATO Participantes:

TINACOS Participantes: Ricardo Casas, Alejandro Castro, Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Cecilia León de la Barra, Sobre el proyecto: Nel adapta a la escala y la forma de un jarrón de porcelana de la monumentalidad y la identidad de un tanque de agua. Las piezas se intervino en la misma forma que los edificios de la vida real, haciendo que cada uno de ellos único, con reducida grietas, graffiti, etiquetas y plantillas, así como las campañas políticas y la publicidad de conciertos de música. Las piezas fueron fabricadas por medio de las técnicas tradicionales de la madera usando pedazos de madera sólida, como Tzalam, fresno, el roble rojo,álamos, alisos, nogales y pinos. A través de la combinación y el tamaño de las piezas utilizadas cada pieza se le da un carácter único.

Ricardo Casas, Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Cecilia León de la Barra, Óscar Núñez,

QUETZAL

Sobre el proyecto:

Participantes: Ricardo Casas, Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Cecilia León de la Barra. Sobre el proyecto: Quetza es un estante que aproximadamente similar al dios Quetzalcóatl azteca, que se formó después de una serpiente emplumada. La pieza puede ser apoyado en una pared o apoyado por una mesa o silla. Tal y como aparece en la arquitectura prehispánica, la serpiente desciende hasta el suelo como si deslizándose por una escalera.

Tres personajes desaparecen de los grandes, sólidos bloques blancos, y su ausencia de repente hace importantes. El vacío resultante se llena con las pertenencias de los usuarios y a través de esta acción cambia las siluetas de su significado. Las piezas sugieren un juego continuo entre la interacción y la representación, donde el uso diario genera una historia en continua evolución: un gato que dice Italo Calvino, un libro lleno de monedas, una sala de estar donde las aves vienen a comer.

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S

enosiain estudió arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). A lo largo de su carrera ha divido su tiempo entre la arquitectura, la docencia y la investigación. Se ha dedicado a la construcción de casas, condominios y edificios de oficinas. Actualmente es profesor de la Universidad Nacional Autónoma de México y ha publicado dos libros: Bioarquitectura (1998) y Arquitectura Orgánica (2008). Cada una de sus obras tiene un sello particular. Quizás La Casa Orgánica, su primer obra, (1984) ha sido uno de las proyectos que mayor satisfacción le produjo; ya que sirvió de puente para el universo orgánico que plasma en sus diseños. Su arquitectura orgánica consiste en cierta armonía y unidad con el paisaje, con el entorno, sobre todo, tomando en cuenta a la naturaleza. Juan O´Gorman decía que, la arquitectura orgánica consiste en tomar en cuenta los aspectos geográficos, la topografía, la orientación, las vistas, el entorno y también la identidad, la cultura que es muy importante. Es tener en cuenta esos dos aspectos: la identidad, que es el hombre, y la naturaleza. Es un binomio, en donde el hombre es parte de la naturaleza. Para Senosiain es muy importante este tipo de arquitectura ya que se tiene más contacto con la naturaleza.

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Las obras del arquitecto tienen un peso construir espacios emotivos ya que para él es básico. Si recordamos los espacios a través de la historia de la arquitectura, los mejores, los que más nos gustan, son esos que tienen esa emotividad: entrar al Panteón en Roma, la iglesia de Ronchamp o la arquitectura de Luís Barragán, esos espacios serenos, tranquilos. Yo creo que es fundamental, afirma Javier Senosiain. El arquitecto suele realizar sus obras en formas curvas por la razón que son más rígidas y más amables, desde el seno materno, el espacio original del hombre es curvo. Por otro lado, estructuralmente, la curvatura da más rigidez. Es por ello que para él es una base fundamental usar este tipo de formas. 44

Actualmente se encuentra trabajando en un instituto de investigación ecológica que se encuentra a las afueras de Cuernavaca. Es para la fundación El Manantial que dirige Tere Aznar. El proyecto consiste en la construcción de una casa muestra casi autosuficiente; con celdas solares para el calentamiento del agua, también con energía eólica; pero a su vez, se va a utilizar material reciclado. En una entrevista se le pregunto al arquitecto que cuales eran los desafíos que tenía la arquitectura actual, lo cual dice que un desafío lo ve ligado al urbanismo, es poder lograr espacios emotivos, agradables, sin agredir al medio ambiente, e integrarlos a un urbanismo en el que en vez de que nos pasemos dos horas o tres horas con el transporte, con contaminación visual, ruidos, cambie todo eso. Quizás las ciudades más peatonales, con sistema de transporte colectivo no contaminante y en el que se viva con mayor calidad de vida. Respecto a la vivienda, algo integrado a la naturaleza y donde alguien se la pase bien a gusto, que viva. Al final de cuentas somos seres que pasamos un tiempo en el mundo y allí morimos y seguirán otros, y yo me pregunto: se pasan las vidas, no queda nada, y lamentablemente, lo que queda, a veces, son las construcciones y son terroríficas. El progreso es un retroceso y quizás de retrocesos el progreso. Quizás tendríamos que regresar a nuestros orígenes. La arquitectura Mexicana, lamentablemente no tiene una identidad, en esta época de globalización lo que se está haciendo es muy parecido a lo que se hace en Estados Unidos, en Europa, y es un estilo internacional. Quizás ahora con la crisis es un buen momento para volver al regionalismo y tener esa identidad en México. Por último Javier Senosiain construye a motivo de la satisfacción de su trabajo, ya que poder lograr de la nada un terreno, un espacio con emotividad es lo más importante para él.

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Black Kites El mundo natural y fĂ­sico frente al mundo ideal y abstracto de la geometrĂ­a. es.cultura


“Él, su mirada y un dedo que señala son la única medida”

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abriel Orozco es uno de los artistas mexicanos más conocidos del mundo, y con más peso específico en el mercado y en el debate del arte contemporáneo. El origen mexicano de Orozco, sumado a su plena inclusión en el mercado internacional de arte y el hecho de que su obra se sitúe en las antípodas de la tradición muralista mexicana haciendo suyos determinados recursos del arte contemporáneo occidental, han sido motivos suficientes para hacer de este artista un objetivo de los discursos multiculturalistas (participó en la muestra Cocido y crudo y La D.S. fue una de las obras de la exposición más reproducidas en prensa). Sin embargo, más allá de las discusiones sobre su mexicanidad o no, el trabajo de Gabriel Orozco presenta aspectos de gran interés por sí mismo. La reflexión sobre los objetos y la mirada, el uso de diferentes géneros artísticos en una misma obra y el recurso de forma plural a distintas estrategias puestas en juego en las vanguardias, son elementos de primer orden en su obra. La posible cuestión del multiculturalismo sólo aparece en segunda instancia, de tal forma que, si en todo caso es necesario emparentarlo con alguien sería más lógico hacerlo con obras que, como las de Tom Friedman por ejemplo, ponen en marcha parecidos mecanismos Mediante el uso de la cámara fotográfica Orozco conserva el nivel objetual de la obra sin necesidad de efectuar operaciones de desplazamiento, aislamiento y descontextualización. Sin mover de lugar al objeto consigue mantener una característica fundamental del arte objetual, mostrar la distancia entre lo que el objeto es y lo que puede ser, entre su función en la realidad y su función artística. Aquí, el objetivo fotográfico reencuentra otra de las claves básicas de su lenguaje, el ser un corte, una interrupción en el tiempo y el espacio.

47 Pelota ponchada,1993

Caja de zapatos vacía,1996

Es muy importante que esa generación del tiempo para el arte empiece por el mismo artista en su generación del tiempo para generar arte. Parte de su trabajo consiste en jugar con la rapidez, con la lentitud, con el tiempo del trabajo en cada pieza. El proceso creativo, la apertura y la carga del sentido se dan en la dirección que toma la mirada. En ella es donde reside la función creativa. En última instancia, las obras de Orozco quieren enseñar a mirar, a dirigir la vista sobre un mundo que no es sólo útil sino que puede darse en una situación de “panestetismo”, a descubrir en él sentidos poéticos y hacer de la mirada un uso creativo.

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Chanclas azules,1997


FOTOGRAFIO PARA RECORDAR

PEDRO MEYER


Los meyer, 1940/2000. Imagen modificada digitalmente.

¿El poeta de la luz o el hereje de la fotografía?

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l fotógrafo mexicano Pedro Meyer es igualmente reconocido tanto por sus provocativas y poderosas imágenes como por su labor de pionero en la era de la imagen digital. Las fotografías de Meyer cuestionan de manera consistente los límites entre la verdad, la ficción y la realidad. Con el surgimiento de tecnologías digitales a principios de los 90’s, Meyer evolucionó de ser un fotógrafo documental que creaba lo que se conoce como “imágenes directas” a un documentalista-digital que combina elementos de distintas fotografías para así llegar a una verdad distinta o más elevada.

La famosa afirmación de Meyer de que toda fotografía, tanto las manipuladas digitalmente como las que no lo son, son tanto verdad como ficción, le ha valido la etiqueta de ‘Hereje’ dentro del mundo ortodoxo de la fotografía documental. Dentro de las aportaciones personales de Meyer al desarrollo de la fotografía digital destacan la creación del primer CD-ROM que combina imágenes con sonido, la creación de las primeras impresiones digitales en el mundo en 1994 y más recientemente la creación del foro fotográfico zonezero.com.


Cartelera ambulante, 1987/1993, NY Imagen modificada digitalmente.

Es un hombre que se arriesga sin miramientos, influido, quizá, por el placer de vivir y por las obras que le sugiere el sentido de la vista. Sus reflexiones en torno a la imagen han generado intensos debates porque en ellas sentencia la desaparición de la fotografía análoga. Como vanguardista que es, señala el rumbo que tomará la creación de las imágenes en el siglo que comienza. ¿Se le puede creer algo a la fotografía hoy en día? No tenemos porque creerle a la fotografía nada, a ninguna fotografía. Esa fantasía romántica de que la fotografía es una representación de la realidad no manipulada, no ocurre nunca. Escoge a diez fotógrafos que vengan aquí, con su equipo, les das a fotografiar lo que sea, una silla o una persona, ¿los diez te entregarán una fotografía idéntica? la realidad no puede tener diez representaciones distintas, lo que tienes es diez interpretaciones subjetivas. No puede ser interpretación y al mismo tiempo objetivo, lo más que podemos ofrecer es una interpretación subjetiva de la realidad.


...una buena foto es aquella que inspira...

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¿Cuál ha sido tu mayor reto como fotógrafo? Es una pregunta interesante, el mayor reto fue entender la especificidad del medio y sus consecuencias sobre las posibilidades creativas. Con esto quiero decir, si lo único que estoy haciendo es lo mismo que estaba haciendo antes nada más que con otra tecnología, lo más probable es que no estoy aprovechando la herramienta. Yo me atrevería a decir que la inmensa mayoría no entiende lo que es vivir en la era digital. Para entrar en materia, la maleabilidad que representa la imagen digital no tiene paralelo. Ponerse a discutir qué es mejor, es no entender nada. El tamaño de las fotos, la velocidad, en fin toda una gama de conceptos hablando solamente de impresión. Si alguien discute que una revista es mejor impresa que en internet, está diciendo tonterías, es no entender.

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Cuéntame de Herejías. El proyecto de Herejías comienza con una premisa: la invitación para hacer una retrospectiva en el Centro de la Imagen. Me pongo a estudiar el espacio y descubro que le caben 120 fotos. Me pregunto ¿qué pasa con el resto de la obra? Tengo más o menos veinte grandes temas, 120 dividido entre veinte toca a seis imágenes por tema, ¿quién tiene el valor para escoger seis fotos que representen una obra de 80,000? Cada sitio o espacio tiene realidades, necesidades y clientelas distintas. En un mundo globalizado no hay un mismo mensaje para todos. Cuánto cuesta transportar la obra enmarcada, embalada y asegurada. Llegar a 65 lugares como fue con Herejías, hubiera tomado 14 años en la era analógica.

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El eje central de Herejías es la base de datos porque finalmente (ocho) curadores pudieron hacer una selección de aproximadamente 4,000 imágenes. Las 65 exposiciones, son todas distintas. Eso nada más lo puedes hacer porque esta todo en línea, se metían, escogían y hacían un pedido. Nosotros nos poníamos a imprimir, las metíamos en un empaque que desarrollamos y las mandábamos por mensajería, los museos las enmarcaban.

El concepto es tener en red con acceso rápido cualquier foto.

El hereje, 1975 Texcoco, Estado de México

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J

dos para el mercado latino, con clientes y proyectos tales como: el Palacio de Hierro, Easy, Wrigley’s, Allstate, Bimbo, PBG, Saba, Chedraui, Cumbre tajín, DHL, Bachoco, San Rafael, etc.

En la fotografía comercial trabaja actualmente para diferentes clientes y agencias de publicidad en México y en Estados Uni-

En los últimos años, en colaboración con Clauida Sotelo, diseñadora con 11 años de experiencia dentro de la publicidad, se han centrado en el desarrollo de proyectos fotográficos especializados en retoque para así resolver producciones que en la vida real hubieran sido imposibles de producir, ganando en dos ocasiones, el 2007 y el 2008, el Photoshop user Award en las categorías de Advertising. Desde el 2004 han estado trabajando juntos tanto en México como en Brasil.

osé Luis Turueño nació en 1966 en la ciudad de México. Estudio Ciencias de la comunicación en la Universidad Nacional de México y más tarde hizo la maestría de fotografía en Kodak Mexicana. En el año de 1991 trabajó para Dean Collins en San Diego California, estableciéndose como fotógrafo comercial en el Distrito Federal al año siguiente. Desde entonces ha desarrollado un estilo personal enfocado en el retrato.

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Campa単a publicitaria/Bachoco

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Tanque Group: Academia canina del lago


Patricia Aridjis

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Un ensayo fotográfico sobre mujeres en reclusión. Por Patricia Aridjis. “¿Qué harías si te robara?”- Me preguntó Natalia con cierta malicia. –”No lo harías”- le respondí. Al escuchar nuestra conversación, Juan Carlos, el hijo de cinco años de la interna gritó: “¡No, mamá, no lo hagas porque te meten a la cárcel!”- -“La cárcel no existe”- aseguró la mujer después de un breve silencio –”¿En dónde está la cárcel?”,- pregunté al niño en la celda de su madre -“Allá fuera, donde están los policías”- respondió señalando a la ventana. Conversación con Natalia y Juan Carlos en la prisión de mujeres en Tepepan, Ciudad de México, 2002.

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La cárcel de mujeres encierra cientos de historias tristes, historias de abandono, de maltrato, de amores incondicionales; historias contadas una y otra vez como una letanía dolorosa que no se puede olvidar. Para entrar hay que recorrer un largo túnel que conduce a un mundo femenino casi en su totalidad, un mundo sin colores vivos, sólo beige y azul marino de los uniformes. Un sello invisible sobre el antebrazo hace la diferencia entre los que van de visita por unas horas y los que se quedan por años o simplemente nunca salen. “Llevo siete años, cuatro meses y dos semanas.” Cuentas exactas, interminables. Tiempo que transcurre lento y de pronto se convierte en años. Horas negras.


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...”historias contadas una y otra vez como una letanía dolorosa que no se puede olvidar”...

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Las visitas representan un hecho especial, son aire fresco, libertad que viene del exterior. Hay niños que ahí nacieron, y sus ojos nunca han visto otra luz más que aquella que pasa a través de las rejas. Sobre todo, los que no tienen quién se haga cargo de ellos fuera del penal. En ese caso, quedan bajo la custodia de instituciones gubernamentales así como cuando se cumple el periodo permisible que marca la autoridad.

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-¿Dulce, por qué vienes? -Por daños a la salud -¿Cuántos años traes? -Diez -¿Dónde te agarraron? -En el aeropuerto -¿Con cuánto? -Con dos kilos -¿Cuál es tu causa? -Mi mamá.... María. Estas son las palabras que memorizó Dulce. Una niña de cuatro años quien nació durante el tiempo que su madre permaneció en prisión.

debajo de la cama. Conforme unas se van yendo, las de más tiempo se ganan la cama. Otra forma de obtener este privilegio es con dinero, pues alguien que por antigüedad obtuvo su lugar puede venderlo a quien acaba de llegar.

El amor en tiempos de encierro. Con frecuencia, el amor se toma de la persona más próxima, de la que las entiende, de la que está en la misma situación, de la que no las deja, al menos ahí. Silvia y Claudia se conocieron en el reclusorio, se enamoraron, se han amado día y noche, según las circunstancias lo permiten, pues la intimidad en prisión es algo muy público. Silvia cumplió su sentencia al poco tiempo de establecer esta relación. No aguantó estar afuera, sin la que ella considera el amor de su vida. Fue entonces cuando planeó simular un robo. Le pidió a un amigo que la “acusara” para que pudiera ingresar de nuevo al reclusorio Oriente y estar otra vez con Claudia.

Para hacer este trabajo fotográfico me planteé estar por largas horas en el interior de algunos reclusorios para mujeres, principalmente en el Distrito Federal. Considero que sólo así podría captar, en la medida Al cruzar la reja, los objetos adquieren otro valor. Ya de lo posible, los sentimientos que rondan por las celsea porque no están permitidos, como es el caso de das y los pasillos de este lugar. La soledad; el lesbilas tijeras, los perfumes en botella de anismo como una forma de subsanar las vidrio, los espejos. O porque sin dinero necesidades afectivas; el auto flagelo y “ella me pidió que la es casi imposible adquirirlos. Cosas tan el intento de suicidio, heridas que como básicas como un jabón, un desodor- fotografiara porque bocas abiertas en las muñecas de las ante o un rollo de papel de baño. Una era la única forma manos piden atención. Las drogas para tarjeta telefónica es oro molido, pues el de salir de ahí”. evadirse; la maternidad; la solidaridad, teléfono se convierte en una de las poEn fin, la vida siempre limitada por torres, cas formas de mantener contacto con por celadoras, por puertas y horarios. Las horas neel exterior. La visita familiar es otra manera, aunque gras. Mi compromiso encontró las palabras precisas es común que las reclusas sean olvidadas por la para ser descrito mientras retrataba a una mujer en pareja y a veces por los familiares más cercanos. Hay su celda. Ella me pidió que la fotografiara porque era que ganarse la cama. Cada celda es habitada por la única forma de salir de ahí. alrededor de 15 internas, a pesar de que la extensión de estos lugares no rebasa los 9 metros cuadrados. Patricia Aridjis, Mexico 2004 De modo que hay quien duerme en el piso y hasta pataridjis@yahoo.com.mx.

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¿En qué consiste ser hombre? 64

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ajo la perspectiva de que no existen opciones que retraten de manera real los problemas a los que se enfrenta el hombre mexicano actual, nace XY, la primera serie de ficción que produce Canal 11, la cual inició el miércoles 9 de septiembre. Con un elenco conformado por Juan Carlos Barreto, Eduardo Arroyuelo, Claudio Lafarga, Mauircio Isaac y Javier Díaz Dueñas, en los papeles protagónicos, y bajo la dirección de Emilio Maillé, el programa no repara en censura y muestra, desde su óptica, las vivencias de un grupo de hombres que labora en una revista y que debe emprender una búsqueda de identidad a través de sus relaciones interpersonales. “Queríamos una serie que abordara la problemática real del hombre de hoy. Para eso teníamos un proceso en el que nos juntábamos todo el equipo de escritores a trabajar en el desarrollo de la trama, y luego lo consultábamos con un sicoanalista para que todos los personajes estuvieran apegados a la realidad”, explicó Anaí López, jefa de escritores de la serie. Para Patricia Arriaga, quien fungió como directora de desarrollo creativo de XY luego de su salida de Canal 11, el serial tiene entre sus objetivos analizar al hombre mexicano contemporáneo, una tarea que no se había realizado en la televisión.

“Queríamos retratar sus ideas, desarrollar sus temas, porque creíamos que los productos que se ofrecen pueden abordar la vida de los hombres, pero sin detenerse en el hombre mexicano, que vive sus propios problemas y tiene su propia manera de abordarlos”, comentó Arriaga. En el programa conviven las distintas personalidades de los cinco protagonistas, Artemio Miranda (Juan Carlos Barreto), director editorial de la revista XY y quien trata de reordenar su vida; Luis Quitaño (Javier Díaz Dueñas), recién divorciado y con dos hijos, que se enamora de una mujer 20 años menor que él; Tony Hernández (Eduardo Arroyuelo), un macho clásico, mujeriego y manipulador; Diego Rodríguez (Mauricio Isaac), un escritor nato que a menudo confunde la ficción con la realidad y Adrián Campos (Claudio Lafarga), un hombre acostumbrado a los deportes y las nuevas tecnologías, todos ellos deberán lidiar con infidelidades, problemas económicos y cambios en su vida, experiencias que no fueron sencillas plasmar en pantalla, según detalló Emilio Maillé, el director. “La ficción en televisión no es un género fácil, pero tuvimos muy buenos guiones y un equipo de actores capaz de improvisar sin perder la esencia de la historia. Logramos un producto bueno, en un género nuevo y eso siempre es muy interesante”, aseguró Maillé, quien ha dirigido cintas como Rosario Tijeras.

XY, filmada con óptica de cine y con el uso de unidades independientes, fue lograda gracias a la mezcla de talento egresado de la televisión nacional y del cine. “El equipo se formó con gente que venía de hacer televisión y otros más que venían de hacer cine, eso logra un alto nivel de calidad”, expresó Perla Martínez, productora ejecutiva. Por último, Javier Díaz Dueñas, uno de los protagonistas, aseguró sentirse complacido por haber sido parte de un proyecto que calificó como arriesgado. “México se negaba a hacer televisión que se identificara con la realidad, por eso creo que XY puede marcar un antes y un después, es algo bien hecho, con buenos actores y un guión en verdad inteligente”, comentó el histrión. Y, es una serie original de TV , y forma parte de los nuevos proyectos que llevarán a la audiencia contenidos de calidad producidos cien por ciento en nuestro país, en formatos de gran calidad tanto en su producción, como en la trama y la imagen.

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udo y Cursi se perfilaba como una producción a destacar de la última cinematografía mexicana. Dirigida por Alfonso Cuarón, producida por el trío de los directores mexicanos actuales más exitosos (Cuarón, del Toro y González Iñárritu), y protagonizada por los dos actores mexicanos más famosos (Gael García Bernal y Diego Luna), todo hacía pensar que se trataba de una gran película. Lo cierto es que Rudo y Cursi es una sencilla comedia agridulce, que retrata con un enfatizado pintoresquismo la vida en el México más marginal, a través de dos personajes con los que uno puede simpatizar, pero jamás identificarse.

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El mayor problema de este film es el trabajo sobre el acento de los personajes. Para enfatizar el apego regional de los hermanos Beto y Tato, Cuarón los hace dialogar de un modo tan cerrado y tan acelerado, que muchos de los diálogos se vuelven incomprensibles para el público no mexicano, que termina perdiéndose buena parte de la película. Diego Luna brilla en su papel del impulsivo Beto, quien va derecho hacia la perdición por su adicción al juego, a diferencia de García Bernal, a quien le toca un personaje mucho más ridículo (con su sueño de ser cantante, pese a triunfar como futbolista) y no menos inestable que Beto, ambos se ven afectados por igual por un guión que, si bien acierta en la descripción de la relación cruzada con el fútbol de ambos (cuando uno triunfa, el otro no logra arrancar o fracasa), se queda en la pintura simpática pero gruesa y carente de matices. La dupla protagónica en realidad es un trío, si sumamos al representante que les cambia la vida. El mismo está interpretado por Guillermo Francella. Francella es uno de los comediantes más famosos del cine y la televisión en Argentina. Pocos actores como él pueden lograr interpretar a la perfección el típico personaje de embustero o “chanta” argentino, tan excéntrico como calculador, lo vuelve una de las piezas más convincentes de esta comedia, aunque sus intervenciones en off parecen estar completamente de más, En suma, una comedia con rasgos de grotesco (el ridiculo video musical de Cursi es un claro ejemplo de esto), que pierde al buscar cierta épica en el duelo entre los hermanos, luego haber trazado toda la película con códigos costumbristas, que no hacen más que achatar la trama. acciòn


De inicio, la obviedad: un éxito en taquilla. Todos los elementos están ahí: dos estrellas consolidadas como lo son Diego y Gael, una trama volcada en la pasión deportiva más grande del país, sexo, drama y diversión. En un año en que parecía que Arráncame la vida sería la reina indiscutible de taquilla para cintas nacionales, llega una propuesta que bien podría quitarle el trono. El filme no es del otro mundo, pero cumple a la perfección y se pasa con gozo, como 90 minutos bien jugados –a diferencia de otras cintas de balompié, como los dos filmes de la trilogía truncada Gol! –. La clave: los partidos son un mero pretexto, y jamás el único motor dramático de la historia. Es la historia no de dos futbolistas, sino de un par de hombres hundidos en la desesperación, en la cárcel de la vida provinciana y sin oportunidades. La mejor actuación recae en Guillermo Francella (ídolo televisivo en el Cono Sur), aquí conocido como “Batuta”, un argentino cazador de talento que se sabe todas las artimañas del negocio del balompié y sirve como narrador en off para la historia de desencuentros entre dos carnales costeños que por azares del destino cumplen sus sueños pamboleros y musicales, para después probar la miel amarga del éxito y la rivalidad. A tono con Déficit, el debut tras la cámara de Gael García Bernal, en Y tu mamá también, guión de coautoría del aquí director Carlos Cuarón, en la acción se cuelan elementos de crítica social: se presenta al narco que hace el “bien” a su comunidad pero que llena el aire de balas, las trepadoras sociales que venden su alma por una Hummer (referencia involuntariamente actual), la falta de oportunidades para los hombres jóvenes en el campo, condenados –a pesar de la suerte pasajera– a una vida de llagas y calor. Los valores de producción son de primer orden, y evidencian la omnipresencia de “Los Tres Amigos” en la producción..

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El doblaje mexicano Recuerdo bien cuando era un niño, los sábados por la mañana o los días en que no había clase en un clásico puente de lo más esperado por toda la familia... me levantaba aun lleno de lagañas y sin más ni más iba directo a encender la televisión, en busca de un buen rato al lado de los super campeones, los pitufos, Heidi, los thundercats, los caballeros del zodiaco, los halcones galácticos, entre tantas y tantas caricaturas con las que crecí y que aún me causan nostalgia y me arrancan una sonrisa, ¡qué tiempos aquellos! sin necesidad de internet, blogs, o vacunas contra la influenza. 68

¿Quién no conoce al gallo Claudio y a su peculiar personalidad y característica voz?

El doblaje es un oficio muy noble del que todos hemos disfrutado alguna vez en nuestra vida y sin conocer las caras de los actores de doblaje, para muchos de nosotros; desde hace años sus voces son tan familiares y conocidas como los de un amigo o hermano. Nombres como: Franciso colmenero, Jorge Arvizu, Julio Lucena, Pedro de Aguillon, Carlos Segundo, Patricia Acevedo, Humberto Vélez, Benjamín Rivera, Jesús Barrera, entre muchos otros, con rostros tal vez desconocidos para mucha gente , pero con una gran trayectoria y trabajo que sin duda muchos hemos disfrutado.

Pero antes que nada: ¿Qué es el doblaje?

Apoya al doblaje Mexicano viendo y consumiendo películas y caricaturas dobladas al español aquí en México, así como al primer sitio web que se está realizando gracias al esfuerzo de varias personas como Benjamín Rivera: contactobenjaminrivera.blogspot.com

Pues sintetizando es una profesión realizada por actores especializados los cuales se encargan de darle voz y personalidad a un personaje de caricatura; o a un actor o actores de una película hablada originalmente en un idioma diferente al nuestro.

Sólo queda dar las gracias a los grandes actores de doblaje en México por tantos y tan buenos momentos de diversión, tantas emociones y tantos gratos recuerdos que nos han regalado con su trabajo, muchas gracias... nos seguiremos escuchando.

¿Quién no ha disfrutado una caricatura o emocionado con una película doblada al español?

Se dice fácil pero es algo complicadísimo, ya que se necesita ser actor, mucha preparación, mucha práctica y concentración para poder “adentrarse” y “apropiarse” de un personaje, entenderlo, desarrollarlo, adaptar su comportamiento y lenguaje a nuestra cultura e idiosincrasia, darle personalidad, y por si fuera poco sincronizar sus labios y su lenguaje corporal. Con ya más de 50 años en el doblaje, México es pionero entre los países de habla hispana, teniendo excelentes actores mundialmente reconocidos y actualmente generando comentarios como los quienes aseguran que el doblaje Mexicano es excelente, a pesar de que en nuestro país es mal pagado.

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LOS HEREDEROS

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Una mirada a los caminos de la infancia

Eugenio Polgovsky

“Los Herederos” es una

muestra de la difícil realidad que viven muchos niños y niñas en el campo mexicano, es un retrato de sus vidas y de su lucha diaria para sobrevivir. Sus actividades son muy diversas: algunos son campesinos y pastores; otros caminan largos trechos para cortar leña o acarrear agua desde muy pequeños; tejen; hacen ladrillos; otros son artesanos y tallan madera para hacer alebrijes. Al heredar las técnicas y herramientas de sus ancestros, estos niños también han heredado la miseria. Generación tras generación permanecen cautivos en un ciclo de pobreza heredada.

Gran Premio Coral. Mejor Documental Festival del Nuevo Cine Last La Habana,Cuba

Premio Amnistía Internacional Mejor Documental

Ariel 2009 Mejor Documental Ariel 2009 Mejor Edición.

Donde las sonrisas son pocos y distantes entre sí, donde la agricultura es a menudoel cual todavía se hace a la antigua(detrás de un arado de madera tirado detrás de un par de bueyes), donde si usted no trabaja no come, y si usted no come muere, donde las fuerzas de este simple imperativo incluso los más ancianos y los enfermos deben de contribuir con algo, no importa cuán poco.Donde, por fin, el concepto de “hacer sus tareas” carece de sentido, porque en este mundo, usted ha nacido para trabajar y contribuir a la mesa de la familia quiera o no.

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Inauguración

de la Exposición fotográfica Equilibrio y Resistencia de Lourdes Grobet Martes 15 de diciembre, 2009 - sábado 20 de febrero, 2010 20:00 hrs. Museo Archivo de la Fotografía de la Ciudad de México- Cuauhtémoc

Exposición temporal Arte Correo

Domingo 01 de noviembre, 2009 - Domingo 28 de febrero,2010 19:30 horas Museo de la Ciudad de México Cuauhtémoc

FESPA MÉXICO WORDL EXPO

Cartelera

2010 ANTES IMAGE WORDL 26 al 28 de Agosto. Exposición sobre Serigrafía,Rotulación e Impresión Digital. Lugar: Centro Banamex México, D.F.

EXPO PACK MÉXICO 2010

22 al 25 de Julio. Exposición de soluciones para el procesamiento, envasado, embalaje, almacenaje y distribución de productos. Centro Banamex México, D.F.

TAROT LA MAQUINA DE IMAGINAR 17 de enero al 15 de febrero, 10:00 a 17:00 hrs. Admisión $10.00 Ex-convento del Desierto de Los Leones Carretera al Desierto de los Leones #1050 Tel. 58141100 ext. 2192

ESTAMPA CONTEMPORÁNEA

JAPONESA A partir del 26 de Enero del 2010 Para onmemorar 400 años de historia compartida entre México y Japón. Museo del chopo



Revista Pozole Gráfico