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Editorial Un año mas que Nosolofreak pasa con vosotros, y parece que fue ayer cuando empezamos a publicar nuestra revista, feliz 2015, desde el equipo de redactores queremos desearos un año lleno de frikismo y diversión. Este mes nos sumergimos en el universo vampírico para celebrar la vuelta a la pantalla pequeña de una de las series con mas seguidores, Cronicas Vampiricas, el culebron sobrenatural que tiene ese algo que te impide levantar la mirada de la televisión, y de paso nos lanzamos a analizar el mito de Drácula en el cine. Mordiscos frikis para comenzar un nuevo año de anime, cine, televisión y frikismo en general, un año que ha empezado de luto para los que editamos revistas tras el salvaje y cruel atentado de Paris. Un atentado que despreciamos y que no nos hará callar porque lo mas importante en este mundo es el derecho a reírte de lo que te venga en gana, sin miedo a que un loco se tome la justicia en nombre de ningún Dios. Esperamos que os guste este nuevo número de Nosolofreak y os esperamos las siguientes 11 ediciones. Tony Camacho Coordinador NSF

Daniel Ferrer Leon Director Y Redactor Jefe

Tony Camacho

Director y Coordinador

Rosa Cortés Redactora

Carlos Martín Redactor

Lidia Reyes Redactora

Oruga Calva Redactor

Antonio Alcaide Redactor

Jose Del Río Fortich Redactor

Elena Oteo Redactora

LJ Zapico Redactor

Xavi Muñoz Casermeiro Redactor

Curro Burgos Redactor

Fran Tejeda White Redactor

Neko Mai Redactora

Beatriz Pulido Redactora

Daniel Torrejón Redactor

Jose Luis Soriano Redactor

Cristina Fernández Redactora

El rincón de Disidra Redactor Jesús de la Fuente Redactor

Toni Serrano Montse N Rios RELATOS

Aida Albiar Redactora


destacados 24 The librarians

62

134

top 10 animes Japón

MUSARAÑAS

Animología:

58 Tintin

4 26

12 meses

12 juegos de mesa

50

The Vampire Diaries 110 114 Entrevista Alaska y Mario

DRACULA BRAM

The

Purgatori

16

Los Originales

104

Vampiros Auténticos


Cierto es que llevamos muchos años rodeados de vampiros, ya sean los Cullen (Saga Crepúsculo), Eric Northamn y Bill Compton (True Blood), Angel y Spike (Buffy Cazavampiros) entre otros tantos… Y cierto es que todas estos personajes tienen similitudes a rabiar, entre otras características más propias, como un amor prohibido entre vampiro y humano, enemigos de todas las especies posibles, unos padres preocupados y en ocasiones hasta pesados, magia y fantasía a rebosar y por último… un final. Estas historias tuvieron su “gran aquel” hace un tiempo, sin embargo siguen en el pie del cañón triunfando como si de un estreno se tratase. Crónicas Vampíricas no es menos por no tener un final aun y al igual que las demás series sobre chupasangres, también comparte muchas de las propiedades ya mencionadas, pero... ¿Cuántos vampiros poseen anillos mágicos que hacen que estos seres puedan salir de día sin arder?

UN PASEO POR MYSTIC FALLS

Elena Gilbert es la típica chica de pueblo, admirada por todas y todos los chicos habidos (y por haber), además en ocasiones suele hacer trabajar a las neuronas, pero tampoco algo del otro mundo, que morenas, guapas y listas las hay a montones. Bueno, pues nada más comenzar la serie se enamora de un chico nuevo con pinta de niño bueno (Stefan Salvatore), así que al principio la relación cuesta un poco, puesto que ella quiere, pero él al ser un vampiro le pone pegas a todo con

eso de que una humana un vampiro junticos como que podría ser peligroso. El caso es que tras muchos rodeos, por fin parece que la relación avanza de manera óptima, hasta que se pone de por medio el vampiro malote, hermano de Stefan (Damon Salvatore). Damon está enamoradísimo de Elena, desde el primer momento, ya que le recuerda a Katherine Pierce, una doble malvada vampiresa de ella de mediados del siglo XIX, con la que junto con su hermano Stefan, tuvo una relación. A principios de la serie más que mostrar amor por Elena, lo que hace es pelear con su hermano constantemente y con Elena para hacerles romper. Sin embargo, siempre que Stefan o Elena han tenido algún problema, éste ha salido en su ayuda. Digamos que tiene un corazoncito que muy pocas personas llegan a ver y una de ellas es Elena. “Los que pelean se desean”, dicho común que conocemos todos y que va muy bien con la pareja Damon-Elena, porque efectivamente, estos dos acaban juntos debido a que ella muere en un momento crucial de la serie y revive gracias a la sangre de Damon. Vuelve una Elena vampiresa, lo cual se creó un vínculo entre ellos y cuando desapareció, ella se dio

género: Juvenil/vampiros emisión USA: the cw estreno USA: 10/09/09 TEMPORADAS: 6

#CrónicasVam


cuenta de que estaba enamorada del hermano mayor, Damon. Stefan abandona Mystic Falls (el escenario principal de la serie) al ser eliminada su parte humana que tanto cariño le tenía, a manos de Klaus, uno de los 7 vampiros originales que hay y el primero y único de su especie, pues es un hombre lobo también. Klaus necesitaba

mpíricasNSF

la sangre de Elena para formar más seres como él, una especie superior al vampiro y al licántropo. Es por eso que apagó la humanidad del hermano, para que pudiera matar a la chica con la sangre clave y despertar por fin a su lado más salvaje, desconectada desde hacía mucho tiempo. Pero los planes cada vez le cuesta más a Klaus llevarlos a cabo. El híbrido original no está solo, tiene a Rebeca Mikaelson, su hermana vampiresa original. Ella es utilizada por Klaus para sus planes, pero cuando se entera de que su hermano asesinó a su madre cambia de equipo, haciendo que Klaus no sospeche, pues ella quiere una cura, que hace que se convierta en humana y si esto sucediera, Elena no volvería a ser humana, justo lo que pretende Klaus, para poder utilizar la sangre. Después tenemos a Elijah Mikaelson, hermano de Klaus y original. Éste también cayó bajo el embrujo de Katherine Pierce, la doble de Elena. Elijah ha sido asesinado unas cuantas veces en lo que llevamos de serie. Es un vampiro con clase, un noble que también exige venganza por todo el daño que Klaus hizo en tiempo a toda


su familia. Elena tiene muchos amigos y una de ellas es vampiresa (convertida por Damon). Hablo de Caroline Forbes, una rubia explosiva y popular que maneja a Klaus como quiere, porque el señor original se obsesiona por la rubia y esa obsesión se convierte en amor del bueno. Caroline se aprovecha de los sentimientos puros de Klaus hacia ella haciendo que los planes del malvado vampiro-licántropo fracasen, para ayudar a Elena y a los hermanos Salvatore, a los cuales les aprecia a su manera conforme avanza la serie. ...Y hablando de las amistades de Elena, no olvidemos mencionar a Bonnie Bennet, que posee el título de mejorcísima amiga de la señorita Gilbert. Una bruja de cuidado... y cuidado con ella, sí, es una

bruja novata que va adquiriendo mucho poder y no lo termina de controlar del todo bien, no por ello es inútil, al contrario. Bonnie intervino en muchos de los planes de los hermanos y Elena para luchar contra las fuerzas del mal. No todo es luchar, Jeremy Gilbert, el hermano pequeño de Elena, alejado de los buenos hábitos y con otro poder especial (médium), tiene un romance con la brujita. Un médium y una bruja es una curiosa combinación, de hecho complementan muy bien. Él la palma y ella con sus poderes lo intenta revivir, pero la cosa no sale muy allá y ésta pierde la fuente de energía, los ancestros la abandonan por no querer seguir las reglas y encuentra otra forma de continuar con su magia. Una serie de acontecimientos hace que


la historia esté jugosa y llena de malas experiencias. Elena pierde a muchos seres queridos, como a su madre biológica, sí, Elena es adoptada y la encontró, una vampiresa convertida también por el bueno de Damon, a la que pierde más adelante, su hermano, que muere a manos de un disparo, a su padre biológico, que resulta que era su tío, a su mejor amiga, cuando intentaba traer de vuelta a Jeremy y muere porque los poderes le vienen grandes, Jenna, la tía de Elena, es asesinada por Klaus al igual que Alaric, que aparece de vez en cuando de forma fantasmal... Podría detallar muchas cosas más de la serie y de todos sus personajes, pero esta clase de historias es mejor verlas que leerlas. Es verdad, para los que la sigáis, que en alguna temporada te puede llegar

a costar cogerle el truco y seguir viéndola porque tal vez avanza lentamente y salen subtemas que tampoco llenan demasiado como la principal historia, pero todo tiene sentido.

GLORIA CARRASCO CARRASCO


la caja tonta - la caj un o b i c n no co n i s o d n mu series

series que todo friki debe ver Este enero lleno de expectativas para todos nos trae valoración del año anterior pero como yo soy un bicho, he decidido seguir con mi dinámica de recopilatorios y en lugar de hacer una lista de las mejores series de 2014, que tampoco ha habido cosas excepcionales aunque sí que ha habido algunas buenas, me he propuesto para este mes daros un compendio de series que todo Friki debería ver o volver a ver si ya las ha visto

l a s

juego de tronos

vikingos 3

m a s e s revenge 4 p e r a d a s

daredevil

cultura televisiva e

Comenzaremos con un clasicazo de impresión y aunque sé que algunos se me tirarán encima por el final, debemos tener muy en cuenta que TWIN PEAKS es una serie que marcó nuestra infancia y adolescencia, es una de esas series que todo Frisi que se precie de serlo ha visto y ha vuelto a ver. Por si alguien no la conoce, diré que Twin Peaks es una serie de 1990 creada por Mark Frost y David Lynch en la que se nos relata la historia de un asesinato, el de Laura Palmer, todo el misterio de una novela thriller con unos toques surrealistas y un final cuando menos sorprendente que no destriparé por si acaso no la has visto. Me inundan los recuerdos de esa promoción de la cadena amiga ¿Quién mató a Laura Palmer?


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Otra de las series que deberías haber visto si estás leyendo esto es FRIENDS, una de esas series que llevamos en la memoria y que David Crane introdujo en nuestros hogares allá por 1994 hace la friolera de 20 años. Esta serie se dice que fue sustituida por la popular COMO CONOCÍ A VUESTRA MADRE pero sinceramente, creo que no son comparables a nivel argumental y en el cariño que se coge a sus personajes. Es cierto que CCAVM es una serie que se ha hecho popular, pero En segundo lugar y para los amantes de quizá por el hecho de haber crecido con la ciencia ficción y el cartón piedra, debe- Rachel (Jennifer Aniston), Mónica (Courtmos recomendar BATTLESTAR GALACTI- ney Cox), Joey (Matt LeBlanc), Chandler CA, pero no la nueva, que está también (Mattheu Perry) Ross (David Schwimmer) muy interesante, sino la antigua, de 1978 y la esperpéntica Phoebe (Lisa Kudrow) creada por Glen A. Larson y con ese Dirk guardo un recuerdo más que memorable Benedict como Starbuck que tanto nos de esta serie que nos acompañó durante encantó. diez años en la sobremesa. La historia nos cuenta las aventuras de la última estrella de combate, llena de refugiados de la guerra contra los Cylon en la que se ha declarado un armisticio. Como dato interesante está el saber que en su momento, esta serie fue la serie con más presupuesto de la televisión (obviamente en 1978 las posibilidades eran limitadas) y fue uno de los mayores éxitos de la época. La serie conllevó un juicio por robo de ideas de Star Wars; juicio que fue sobreseído. A ver si adivináis cuales fueron las ideas mientras la veis.


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Si te consideras Friki y te gustan las series duras, desde luego debes ver OZ, una serie sobre una sección de una cárcel en la que verás dos personajes que evolucionaran hasta grados insospechados en sus seis temporadas. Esta serie, emitida en televisión entre los años 1997 y 2003 tiene una crudeza realista muy impactante aunque con la inclusión de Luke Perry en la cuarta temporada, la serie tiene un momento un tanto místico por no decir esquizofrénico. La serie escrita en su mayoría por Tom Fontana no tiene desperdicio si queremos ver como un hombre sencillo se puede convertir en un desquiciado y despiadado criminal. En cuarto lugar y ya mencionada en otros artículos, voy a incluir EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA Una serie política con tintes dramáticos y cómicos dependiendo del capítulo e ideada por ese genio televisivo que se llama Aaron Sorkin y que comenzó en 1999. Con Martin Sheen en el papel de presidente de los Estados Unidos en las primeras temporadas y un elenco maravilloso, esta serie es de obligada visualización para admirar como se encajan las tramas de los personajes y se engancha al televidente a la pantalla. Una auténtica joya de la televisión que no deja indiferente a quien la ve y con el extra de la actuación de Stockard Channing Habiendo consultado a un grupo de frikis (Rizzo en Grease) en el papel de primera sobre aquellas series que piensan que dama. todo el mundo debería ver en algún momento de su vida, por supuesto y como no podía ser de otra manera, ha salido mencionada con varios votos la serie de fenómeno fan de la última década, es decir LOST. Esa serie que tanta expectativa y angustia creo desde 2004 a 2010 de la mano de JJ. Abrahams y cuyo final fue emitido casi en directo por la cadena que lo emitía. Yo me debo declarar poco fan de la serie, no obstante, una serie que mueve masas y crea un movimiento como lo hizo ésta; es, por supuesto, digna de mención aunque sólo sea por su llamativo formato de flash backs y fast forwards.


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Otra serie aclamada por el público Frisi y de hace unos cuantos años pero que no deja de tener cierto encanto, quizá por ser una de las primeras que dentro de los capítulos auto conclusivos incluía pequeñas notas de una trama general, enlazando así todos los capítulos de la serie, fue EXPEDIENTE X. ¿Quién no ha imaginado de joven ser un agente del FBI asignado a casos “extraños”? además en esta serie vimos también unos de los mejores capítulos de “relleno” cargados de comicidad que rompían y aligeraban el aire dramático de la serie. Esta conspiranoica serie que llegó a nuestras mentes en 1993 y permaneció durante nueve temporadas en su mayoría de la mano de Cris Carter, no se desvanecerá como hacía el humo de “el fumador” sino que permanecerá con nosotros aunque no haya envejecido con toda la fuerza que podría.

Mucha gente se quejaría si no introdujera en esta recopilación otro de los recientes fenómenos de masas que se expanden en nuestras pantallas. Por supuesto me estoy refiriendo a BREAKING BAD, esa serie cuyo argumento bien trazado y cuya profundidad de personajes nos han enganchado como si de una droga dura se tratase. Desde 2008 y hasta 2013 esta serie cuyo final fue también bastante sonado en las redes sociales (y no me refiero al fake de los serrano) es un punto obligatorio de parada en nuestra lista para comprobar que si se quiere se puede hacer una serie con un guión y una fuerza excepcional cuidando los detalles. Muy recomendable.

Hablando de guiones que son excepcionales, viene a mi cabeza y a la lista por ende, una serie que tiene un guión tan complicado como las guías de trazado de un aeropuerto y hablo por supuesto de un guión realizado por J. Michael Straczynski, conocido guionista de cómic y con la capacidad de enrevesar la situación más sencilla. Hablo por supuesto de la obra de ciencia ficción emitida por primera vez en 1994, BABYLON 5. Serie que nos lleva a una estación espacial donde confluyen diversas razas y cuya situación en territorio neutral hace que tenga una vida más que ajetreada en el panorama político de la ambientación.


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Para continuar, no quiero dejar a los amantes de la fantasía sin su dosis de series, y he aquí que repasando las series de visualización señalada como ineludible, ha saltado a la palestra BUFFY CAZAVAMPIROS, no porque sea buena, ni especialmente llamativa en los guiones o ni siquiera porque tenga una trama profunda, aunque estoy seguro de que sus más fieles seguidores dirán que efectivamente la tiene. La verdad es que Buffy es una serie entretenida, con unos arcos argumentales por temporada graciosos y no demasiado complicados, y por supuesto con actuaciones que si bien no son siempre las mejores, nos han obligado a lo largo de los años a querer a sus actores y actrices. Por tanto y aunque los efectos especiales sean algo que definitivamente sería mejorable; esta serie de Josh Whedon es imperiosamente una de las recomendadas en la lista de “must”.

Y para finalizar, como no quiero dejar ningún género sin tocar, he estado pensando en encontrar una sit-com familiar que fuese un must y tras debatirme entre COSAS DE CASA, con su Reginald Johnson que siempre hace de sargento chusquero, LOS PROBLEMAS CRECEN, con su pequeño Leonardo Di Caprio y PRIMOS LEJANOS, con sus excentricidades maravillosas, he decidido que al ser sit-coms, no era necesario verlas enteras por lo que uno puede hacer selección al azar de capítulos de las tres y ver de forma random los mismos. Bueno, quizá no sea exactamente fácil hacerlo ya que los personajes van evolucionando a lo largo de las temporadas y son series que tienen un bagaje considerable pero… no me bajo de la burra y recomiendo las tres sin exclusión. Y con estas series vistas de principio a fin, desde luego uno se puede declarar Frisi, pero yo sé que en el fondo de vuestros corazones, no sólo habéis visto estas series, sé que habéis visto muchas más y que os faltan series que os han marcado por uno u otro motivo, de hecho a mi mismo me faltan, pero aunque a mí me hayan marcado o degusten series que se pueden considerar frikis como MISTERIO PARA TRES o LOS INMORTALES son series que no todos los frikis han podido o querido ver y al igual que en HOUSE, la ciencia de las series es un testing de prueba y error, y aunque pueda ser lupus… (Nunca es lupus) El mes que viene realizaré una nueva selección de series aunque debido a incidentes técnicos y legales sobre las plataformas en las que habitualmente me apoyo para documentar mis artículos (visionado streaming de series americanas o inglesas) he decidido que vamos a viajar al lejano Japón y vamos a daros un repaso por las series más calientes y curiosas del anime. Por eso de que es febrero y a los enamorados hay que tratarlos con cariño y pasión. ¿No creéis que merecerá la pena el desvío?


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g茅nero: intriga sobrenatural emisi贸n usa: the cw estreno usa: 3/10/13 emisi贸n espa帽a: TNT temporadas: 2


Los productos de éxito hay que saber aprovecharlos, por ello, The CW decidió explotar aún más el filón que era la adaptación serial de la saga literaria de L.J. Smith y buque insignia de la cadena, Crónicas Vampíricas. Julie Plec fue la designado para crear un spin off de la serie de los Salvatore que se centraba en los personajes de Los Originales (Niklaus, Elijah y Rebekah Mikelson) y en la ciudad de Nueva Orleans pero con raíces en la serie original, es más, hay momentos en que ambas series se entremezclan y comparten personajes. Todo muy similar a lo que estamos viviendo actualmente con Arrow y The Flash, aunque aquí con más vínculos comunes. El 3 de Octubre de 2013 se estrenaría el primer episodio de Los Originales con gran éxito de público y crítica, incluso con el paso de los episodios muchos, entre los que me encuentro, consideraron el spin off como mejor producto que una desinflada serie original. Solo un mes después, The CW confirmó la segunda temporada, asentando un producto que cada vez conseguía más adeptos.

Klaus, uno de los vampiros originales de la casa Mikelson, viaja a Nueva Orleans decidido a investigar un complot en su contra. En su llegada a la ciudad se da cuenta que Marcel, el vampiro regente en la ciudad y antaño amigo, es un personaje aún más poderoso que el que dejo el original a cargo, manteniendo a otros seres de la noche a raya . Poco a poco se irán desvelando tramas ocultas que tiene que ver con brujas, hombres lobos y seres sobrenaturales que pueblan aquella ciudad del pecado. La base de la calidad de Los Originales, además de una intrigante trama, esta en su trío protagonistas, los tres vampiros originales de la familia Mikelson. El híbrido, mitad vampiro mitad hombre lobo, Niklaus, el hermano mayor y cabeza de familia Elijah y la discola Rebekah. Personajes que en un principio era rivales de los Salvatore en Crónicas Vampíricas, pero que de la noche a la mañana se cargan de sentimientos y sufrimientos en su spin off, con una trama familiar realmente interesante, agravado¡a por los padres de este trío de hermanos, una bruja como madre y un vampiro padre obsesionado en la caza de vampiros y, sobre todo, de su hijo


Niklaus, una aberración de la naturaleza. Además de estos personajes, se unen otros, sobre los que destaca Marcel, rey de vampiros de Orleans, que crean una historia en si misma alejada cada vez más de la serie de la que toman origen. Aunque la serie sigue directrices similares a todos los productos de The CW, recordar que es una cadena dirigida a un público joven, Los Originales dejan un poco de lado las relaciones sentimentales de jóvenes protagonistas para centrarnos en

otros más adultos, con más profundidad y donde otros sentimientos como la venganza, el poder o rencores familiares cobran más protagonismo y consiguen que por momentos olvidemos de onde procede la serie. La brutalidad en su desarrollo es símbolo de un producto más adulto y cercano a otro tipo de público sin olvidar por supuesto los objetivos de la cadena. Por supuesto el fenómeno fans también se da, aunque en menor medida, en la serie con Joseph Morgan como Niklaus o Charles Michaels Davis como Marcel en el pla-

no masculino o Claire Holt como Rebekah. Sin duda, The CW puede cambiar un poco a la hora de evolucionar sus productos pero saben que una cara bonita también vende. Esperamos con ansias la llegada a España de la segunda temporada de una serie que comenzó como dependiente pero que ha sabido independizarse de una manera magistral convirtiéndose en un producto de calidad e inmejorable calidad artística y desarrollo de la trama, convirtiéndose actualmente en uno de los productos es-

trellas de la cadena. Larga vida a los Originales. DANIEL FERRER LEÓN


ay series que toman forma enseguida en la mente de los espectadores. Otras, sin embargo, deben reposar y se moldean poco a poco, con cada capítulo, a cada escena, sin saber muy bien hacia donde se dirige, en las que hay que dejarse llevar, como arrastrados por una corriente y hacer un salto de fe para disfrutar del viaje, no del punto de llegada. Como os podéis imaginar, The leftovers (HBO, Canal + en España) es de estas últimas. Basado en la novela de Tom Perrotta del mismo nombre (Ascensión en la versión en castellano), la serie plantea una situación compleja: en un abrir y cerrar de ojos desaparece el 2% de la población mundial. Sin aparente explicación, conexión o intencionalidad. Un completo misterio focalizado en el día a día de los habitantes de Mapleton, una pequeña localidad de Nueva York. Hay que tener clara una idea: a pesar del concepto sobre el que se estructura la serie, en ningún momento la explicación a la misteriosa desaparición del 2% de la población mundial va a ser el hilo conductor de la trama. Y eso queda claro desde el primer capítulo: después de una introducción misteriosa se nos conduce a un salto de tres años. Un salto al vacío, un ejercicio de fe. Esos tres años de separación van a servir para cambiar el escenario, un lapso de tiempo para comprobar como las vidas comunes de los habitantes de Mapleton han saltado por los aires y dejar a los espectadores perdidos por sus calles, sus historias y sus conexiones.

Ése es el principal escollo a la hora de ver la serie: a pesar de contar con un misterio bien definido, la estructura nos lleva por otros derroteros, mas centrado en un drama que en desentrañar las causas de la desaparición masiva. Con semejante sinopsis no tardó en caerle el marrón de ser la nueva Lost, con el agravante de ser emitida en una HBO de gala tras el éxito True Detective y la última temporada de Juego de tronos, entre otros hitos televisivos. De Lost tiene mas bien poco, aparte de compartir a Damon Lindelof como guionista y un cierto gusto (heredado por el propio Lindelof) a las historias secundarias de los personajes y mover la narración en distintos planos temporales. Algunos la podrán acusar de no llevar a ningún sitio, de dar vueltas sobre lo mismo o de ser un drama costumbrista mas pero con un sorprendente arranque; y no les falta razón a ninguno. Entre tanto habitante de Mapleton se erigen como protagonistas la familia Garvey, donde Kevin Garvey (Justin Theroux) es el actual jefe de policía de la ciudad y contempla como todos los niveles de su vida se desmoronan; la ciudad está perdiendo la cordura, tiene dos hijos problemáticos, un padre recluido en una institución mental y su mujer, Laurie (Amy Brenneman) se ha enrolado en una secta. Las sectas surgidas a raíz de la ascensión cumplen un papel central en la trama y uno de los elementos mas originales del transcurso de la serie. En un mundo completamente devastado por un fenómeno sin explicación, la razón y la fe


se enfrentan y cada cual busca respuestas o consuelo donde pueda. Los cultos surgen a lo largo del país y en Mapleton tenemos a los Guilty remnant, los olvidados, vestidos de blanco inmaculado y con el escalofriante detalle de que no dicen ni una palabra; mudos por voluntad propia y siempre fumando, como si la atmósfera de humo que les rodea les hiciese invisibles en un gesto de desprecio absoluto hacia la salud humana. Vagan por el pueblo, recabando información e intentando que la gente no olvide a aquellos que se fueron. A este grupo se quiere unir Megan (Liv Tyler), bajo la tutela de Laurie Garvey y la supervisión de la misteriosa Patti (Ann Dowd). Con su silencio y su vestimenta protestan frente a los habitantes del pueblo, rogando para que no olviden mientras que patrullan y siguen a la gente, sin que nadie sepa muy bien el por qué. Por otro lado está el culto de Wayne (Paterson Joseph), basado en la creencia de que el propio Wayne, con un abrazo es capaz de aliviar tu pesar, volver la tristeza en felicidad. Wayne tiene a su disposición una pequeña milicia personal y un séquito de chicas orientales, donde todas y cada una de ellas creen que son especiales. El nexo con Mapleton se establece gracias a Tom Garvey (Chris Zylka), hijo pródigo de la familia y que comienza una fuga protectora, sin mas respaldo de las confusas indicaciones de Wayne. El tercer culto sería la iglesia, católica o protestante, ejemplificada en la figura de Matt Jamison (Christopher Eccleston), atrapado en una iglesia sin feligreses, a punto de perderla por no afrontar los pagos del banco y en crisis de creencias debido al accidente que ha postrado a su mujer en cama, sucedido el fatídico día de la ascensión. Matt se dedica a destapar públicamente los trapos sucios de los desaparecidos, incapaz de creer que hayan ido al reino de los cielos, dejando a gente buena en el infierno de la tierra. El tercer capítulo, Two boats and a helicopter, protagonizado en su totalidad por Matt, supone un punto de inflexión en la serie: se aísla de la trama central para contar una historia, a priori secundaria, hasta convertirse en un buen ejemplo de lo que va a ser la primera temporada. Si no te gusta lo visto hasta éste tercer capítulo, ahórrate el resto, nada te va a hacer cambiar de opinión. The leftovers se construye sobre una idea excelente de ciencia ficción para destruírla en

el transcurso del piloto y dejarnos de bruces con la sucia realidad. Un drama acerca de la pérdida, la soledad y la ruptura con la rutina. ¿Que hacer cuando ya no suena el tostador por la mañana? ¿A dónde ir si todos a los que has querido han desaparecido? ¿Como luchar contra el olvido? Olvidar o recordar. Añorar o seguir hacia adelante. Seguiremos mirando al cielo en la segunda temporada.

L.J.ZAPICO


¿Hamburguesa o solomillo con foie? ¿Varitas de merluza o lomo de merluza en salsa verde? ¿Copos de avena sin gluten ni azúcar o cereales de chocolate? La elección siempre va a ser dura. Decidir entre lo saludable y lo grasiento, entre lo bueno y lo malo, entre lo que puede atascarte las arterias o aportarte el omega 3 necesario para estar fluido por dentro. Si extrapolamos el símil culinario a las series quizá nos llevemos la sorpresa de encontrar mas alta cocina que deliciosa comida rápida. Muchas tortitas de arroz deshidratadas y muy pocas gominolas. Y hay que reivindicar la gominola televisiva, la grasa catódica, el azúcar en HD. En las programaciones de la televisión actual, con el auge y la supuesta edad de oro de las series de televisión (permítanme que lo ponga en duda), hay un exceso de drama, de falsa épica y una necesidad casi paródica de trascender, de que se escriban libros y sesudas reflexiones sobre las creaciones de unos guionistas egocéntricos.

Entre tanto ejercicio de comprobar quién la tiene mas larga se agradecen ejemplos de entretenimiento rápido, familiar, sin complicaciones ni vergüenza ante sus referencias. The librarians (TNT en USA, Syfy en España, con un solo día de retraso) se alza como uno de los únicos estandartes de esta corriente, tan de moda hace unas décadas y completamente ausente en la actualidad. Basada en la serie de tres películas para televisión protagonizadas por Noah Wyle como el bibliotecario Flynn Carsen ( Quest for the spear, Return to King Solomon’s Mines y Curse of the Judas chalice; 2004, 2006 y 2008), clásicas de la sobremesa del fin de semana o festivos en Mediaset, The Librarians expande el universo tejido en las películas, aumentando las amenazas, los artefactos y los protectores de esa biblioteca mágica que guarda las maravillas del mundo. Toda la franquicia está producida por Dean Devlin, mano derecha de Roland Emmerich y poseedor de un sentido del espectáculo muy claro y familiar. Una de sus producciones televisivas anteriores fue Leverage (también en TNT) y es uno de los claros referentes de la serie. Flynn Carter es el bibliotecario, a medio camino entre Indiana Jones y Doctor Who, un aventurero que utiliza su intelecto para resolver acertijos, recuperar artefactos mágicos y terminar con amenazas que se ciernen sobre el mundo. Un solo protagonista les parecía poco o los compromisos de Noah Wyle no le permitían cumplir con una serie de diez capítulos semanales después de venir de Falling Skies, así que un grupo de bibliotecarios quedaría mas resultón. Eve Baird (Rebecca Romijn, ya no Stamos) es la guardiana, el músculo que debe proteger al bibliotecario. Como antigua agente de la OTAN, controla la situación sobre el terreno, siendo el contrapunto serio y responsable de Flynn, la sensata companion para éste Doctor Who. Las amenazas a las que se deben hacer frentes son importantes, ya que la malvada Hermandad de

the librarians primera temporada syfy

la serpiente (¡toma nombre maligno!) quiere volver a hacer brotar la magia del mundo para poder controlarla con el uso de artilugios cargados de magia, como la corona del Rey Arturo, así que un bibliotecario y su guardiana pueden ser pocos. Utilizando a tres aprendices de bibliotecario,


la serie se regenera, da distintas caras y evita que Flynn se queme como personaje, reduciendo su aparición a capítulos mas o menos importantes para la trama principal. Jacob Stone (Christian Kane) es el norteamericano medio; rudo, bronco, amante de las peleas de bar pero con un alto nivel intelectual y un amor apasionado por la historia del arte. Cassandra Cillian (Lindy Booth) es sinestésica, una matemática increíble y con algunos problemas de salud en su cerebro. Ezekiel Jones (John Kim) es un famoso ladrón y un experto en tecnología. Estos tres bibliotecarios van a ser los protagonistas de la serie, bajo la protección de Eve y la guía del veterano Jenkins (John Larroquette), otro bibliotecario mas interesado en la investigación que en la resolución activa de misterios como Flynn. La jugada no les ha salido nada mal: mientras Flynn va y viene resolviendo un complejo misterio, el grupo protagonista se las apaña con sus misiones, menos épicas pero igual de importantes, unos encargos que van desde investigar la muerte de becarios en un extraño laberinto con minotauro incluido a ayudar a Papa Noel (interpretado por, aplausos, Bruce Campbell). Las referencias son claras: un poco de Leverage, otros toques de Warehouse 13 y una pizca de Doctor Who, junto con una sencillez que se agradece y en ningún momento da la impresión de querer renegar de estos referentes.

Están ahí y punto. En esta serie los personajes viajan de una punta a otra del mundo con una mera explicación, los aviones aterrizan de emergencia sin mas y los malos siempre están ahí cerca, sin saber cómo han llegado ahí. Es pura aventura, sin mas requerimientos ni necesidades. Hay que dejarse llevar y disfrutar de la aventura, emocionarse como cuando uno era niño y se embarcaba en un viejo libro de aventuras (hasta los títulos de los episodios recuerdan a esos libros) o disfrutabas de Johnny Quest por la televisión. Los efectos especiales cumplen, los malos son muy malos y los buenos, demasiado buenos. Jenkins es un gruñón y Flynn Carter aparece siempre con noticias nuevas y un apuro detrás, con la hermandad de la serpiente pisándole los talones. Hay que dejarse llevar, atrapado por el sentido de la maravilla y disfrutar. En principio parece que el experimento ha funcionado: un estreno muy digno por el cable en Estados Unidos y una de las mejores cifras del canal Syfy en su estreno español. Seguiremos disfrutando, sin duda. La magia ha vuelto.


DOCE JUEGOS PARA DO

Un juego al año no hace daño, ¡pero doce h ludoteca!

Cuando Daniel, director de Fusion-Freak, me pidió que recom sables en la colección de cada jugador poco menos que pensé tantos tipos de juegos como tipos de jugadores. Como siempr son, pero desde luego son todos los que están Es muy difícil hacer una selección de juegos que se amolden a las preferencias lúdicas del “jugador medio”, simplemente porque ese perfil, el de “jugador medio”, no existe. Bien es cierto que últimamente los juegos de mesa están gozando de uno de sus mejores momentos en nuestro país, pero también es cierto que muchos de los consumidores actuales de juegos de mesa lo son más por una cuestión de moda o tendencia que por haber adoptado estos juegos como una opción de ocio a largo plazo. Para qué engañarnos, todos tenemos a esos amigos que nunca han jugado nada más complejo que la oca, el parchís o el (¡sigh!) Monopoly pero que a base de oírnos hablar de cientos de juegos se acaban comprando alguno para abandonarlo al poco o venderlo de segunda mano. Quizás sea que el hobby no es para el… o quizás es que el juego o juegos con los que ha probado no son los más apropiados para sus pretensiones a la hora de echar una partida. En el siguiente artículo vamos a recomendar doce juegos que creemos indispensables en cualquier ludoteca, o que al menos hay que probar al menos una vez si queremos tener una idea de los distintos géneros disponibles. No he querido entrar demasiado en profundidades por lo que quizás los amantes de los juegos más sesudos no se vean reflejados en esta selección, pero digamos que he intentado coger el “espectro medio”, quedándose fuera juegos como “Cluedo” de la misma forma que se quedan fuera otros como “Twilight

Imperium”. Así que por estricto empezaremos por…

orden

alfabético,

AGRÍCOLA Agrícola es un juego de gestión de recursos en el que el jugador debe gestionar una familia de granjeros y ganaderos. Toma ya. Estarás pensando “No veas el tío, empieza con temática épica para comenzar la lista, no se si aguantaré tanta acción”. Pues la verdad, no creo que la aguantes. Agrícola es un juego un poco duro, un poco feo y un poco “seco” por decirlo de alguna forma, pero que no ganó el premio a de juego del año 2008 por gusto. En este juego tenemos que


OCE MESES

hacen una respetable

mendase doce juegos indispené “tierra trágame”, porque hay re digo, no están todos los que n. ¡Empecemos! gestionar muy bien nuestro tiempo y recursos para al final de la partida ser el jugador con mayor y mejor granja que el resto, y no creáis que es fácil. La duración de la partida suele ser de dos horas largas, pero desde luego que el juego las merece. Como alternativa, y también del mismo autor, el señor Uwe Rosenberg, tenemos tres juegos que son “Caverna” (para muchos, la obra maestra de Uwe), “Ora et labora” y “Le Havre”, si bien todos son variaciones sobre mecánicas de juego muy similares. Lo que está claro es que tanto con Agrícola como con Caverna, no te vas a aburrir.

ARKHAM HORROR El universo de terror cósmico de H.P. Lovecraft ha dado para muchos, muchísimos juegos. El primero que voy a recomendar es este Arkham Horror, del que ya hablé en un artículo anterior sobre los juegos “C’thulhunianos”. Los jugadores tomarán el rol de varios investigadores que deberán detener la aparición de un primigenio en nuestro plano de existencia, salvando así a la humanidad. Un juego tenso, difícil y visualmente llamativo que toma todos los elementos de las historias de Lovecraft y compañía para generar partidas memorables. Como alternativas tenemos “Eldritch Horror”, que vendría a ser un “Arkham Horror 2.0” con nuevas reglas y un desarrollo más depurado, y el más liviano pero no por eso desdeñable

“La sombra de C’thulhu”, hermano de sangre de este Arkham Horror pero con suficiente personalidad como para no ser considerado un hermano menor, sino un gemelo.

AVENTUREROS AL TREN Si de pequeño te pegabas horas mirando tu Ibertren, necesitas una copia de Aventureros al tren, te pongas como te pongas. El objetivo de este juego es ser el mejor gestor de líneas ferroviarias posible, construyendo las líneas que secretamente se nos dan al principio de la partida. En este sentido, puede recordar un poco a RISK, juego en el que


velocidad que vuelan las balas, ya que el objetivo de los buenos es el de acabar con los malos, los bandidos quieren matar al sheriff y el renegado lo único que quiere es ser el último hombre en pie. Un juego rápido, divertido y desenfadado que sin lugar a dudas se disfruta más cuantos más jugadores haya en la partida. Como alternativa más obvia plantearía “Los hombres lobos de Castronegro”, aunque es un juego mucho más serio que Bang!. Por otra parte, “¡Sí, señor oscuro!” o “¡Sí, padrino oscuro!” son dos juegos de cartas y “puteo” entre jugadores mucho más desenfadados y cercanos al también debíamos obtener nuestros objetivos intentando que el resto de jugadores no nos los pisaran. Un juego con muchos y muy cuidados componentes que hará las delicias de los aficionados a los trenes, a los juegos de mesa, y a la gestión de recursos. Como alternativa propondría, además de las numerosas versiones del propio juego ambientadas en diversos escenarios (Europa, Asia, África…), el juego “Union Pacific”, padre de este “Aventureros al tren” y opción más que recomendable.

BANG! Bang! es un juego de cartas en el que los personajes encarnan diferentes personajes típicos de un western. En el lado de “los buenos” tendremos al Sheriff y a su ayudante, mientras que en el lado de “los malos” tendremos a los bandidos y al renegado. Sin embargo el Sheriff es el único personaje que revelará su identidad, mientras que el resto deberá ocultarla. Se crea así un clima de desconfianza en la partida que desemboca en situaciones hilarantes, con personajes disparándose entre ellos mientras se crean alianzas y se cometen traiciones a la misma

espíritu de “Bang!”.

CARCASSONNE Tanto este juego como el siguiente de la lista son dos de los culpables de la proliferación de la fiebre de juegos de mesa de la que hablaba en la introducción de este artículo. Un juego que empezó siendo poco más que un comentario en las tiendas frikis y que últimamente podemos encontrar hasta en las estanterías de grandes supermercados y en las jugueterías de la jirafa, deudor del clásico dominó pero con suficientes opciones estratégicas para que tengamos que pensarnos muy mucho cada una de nuestras decisiones. En Carcassonne nuestra misión es construir ciudades, carreteras y abadías y también la de controlar las zonas de campo abierto entre ciudades. Para ello cada jugador cogerá en su turno una pieza de tablero, que colocará para crear las estructuras antes citadas, y en las que podrá poner o no un “meeple”, un peón de madera, para reclamarlas para si. Cada tipo de estructura terminada otorga unos puntos y al final de la partida se hace recuento con las que estén inacabadas y con los granjeros que controlan las zonas entre ciudades, y el jugador con más puntos gana.


Un juego rápido de aprender y que cuenta con un increíble cantidad de expansiones, que van desde nuevos personajes y losetas hasta una catapulta (¡en serio!) para lanzar fichas al tablero. Con un precio bastante ajustado y una rejugabilidad a prueba de balas, Carcassonne es sin duda un gran juego al que quizás lo único que haya que achacarle sea un exceso de dependencia de la suerte a la hora de sacar las losetas.

COLONOS DEL CATÁN He dudado mucho, muchísimo, sobre poner en esta lista Colonos del Catán (o Catán, para abreviar). ¿Por qué? Pues porque aunque es sin dudarlo un peso pesado y un juego que creo que todo el mundo debería probar, hay muchos jugones que lo consideran demasiado dependiente del azar. En este juego tendremos que lograr que

Catán es un título que si bien puede funcionar a la perfección como primer acercamiento a los legos en cuestión de juegos de mesa, también resulta interesante para jugadores más experimentados. Alternativas a Catán… pues más Catán. Hay ediciones especiales como la de Star Trek o Egipto, y con una cantidad apabullante de expansiones y ediciones especiales, es un juego que jugarás durante mucho tiempo… siempre que te guste su mecánica.

DESCENT El heredero inconfeso de Hero Quest no podía faltar en esta lista. Con una segunda versión en la calle con reglas muy pulidas y que acortan las inacabables partidas de la primera edición, Descent se ha ganado por méritos propios su lugar en cualquier ludoteca que se precie y pueda permitirse pagar los 70 euros que cuesta. A cambio de este desembolso obtendremos un juego de mazmorreo con muchísimas figuras y componentes, máximo exponente del “Ameritrash”, en el que los jugadores se dividen entre los héroes que lucharán codo con codo contra el mal y un jugador que tomará el papel de Señor Oscuro y comandará a las fuerzas de la oscuridad. Todos los personajes mejorarán según vayan superando retos (¡si, el Señor Oscuro también!), por lo que a diferencia de otros juegos como Hero Quest o D&D aquí el jugador que hace de “Master” no se limita a poner los monstruos y moverlos, sino que realmente se juega CONTRA el. Un juego con muchas, muchísimas horas llenas de aventuras y combates.

nuestros asentamientos prosperen más que los del resto de jugadores. Esto lo logramos construyendo ciudades y carreteras y obteniendo cartas de desarrollo hasta llegar al límite de puntos de la partida. Para conseguir estas metas necesitaremos materiales, dispuestos de forma aleatoria en el tablero, y que se entregan a los jugadores cada turno según los resultados de una tirada de dados.

Como alternativa recomendada a este juego de mazmorras podríamos destacar… Las mansiones de la locura. Y no, no me he vuelto loco. Realmente, Las mansiones de la locura es un juego de exploración y combate, sólo que en vez de estar ambientado en un mundo de fantasía épica lo está en los relatos de Lovecraft y compañía.


Con un precio similar y componentes a la altura de Descent, si no te atrae la ambientación “dungeonera” o tienes ya algún juego de mesa de fantasía épica, Las mansiones de la locura es tu juego. Además, ambos son hijos en mayor o menor medida del mismo diseñador, el señor Corey Konieckza, así que como veis la relación es más profunda de lo que podría parecer a primera vista ;)

es una apuesta segura, pero si nos aburrimos siempre podemos recurrir a alguna de sus numerosas expansiones.

DOMINION

FANTASMA BLITZ!

No soy muy amigo de los juegos de cartas, tengo que confesarlo. Quitando algunos títulos muy seleccionados, no los considero juegos “completos”, capaces de ser la excusa central para organizar una tarde de juego.

Un juego de reflejos y rapidez mental, donde tendremos que coger uno de los cinco objetos que están sobre la mesa y o bien sean idénticos a los de la carta que toque, o bien no comparta ninguna característica con ella. Un juego simple, rápido y apropiado para todas las edades que consta de dos ediciones combinables entre si y un tercer título que añade algo de variedad a la misma mecánica.

Sin embargo, Dominion es un juego de construcción de mazos que da para una y mil tardes, ya que es realmente difícil que se den dos partidas idénticas al tener más de tres millones de combinaciones posibles. En este juego se ponen una serie de mazos al azar sobre la mesa, y nuestra tarea es la de construir un mazo “personal” cogiendo cartas de estos mazos, de manera que al final de la partida seamos el jugador con más puntos. Con más de quinientas cartas en la caja básica y un precio que ronda los 35 euros, Dominion

Otros juegos de construcción de mazos podrían ser “Legendary Marvel Deck Building Game” o “Blood Bowl Team Manager”, aunque son dos juegos mucho más temáticos y con mecánicas y objetivos distintos a los de Dominion.

Como alternativas claras podemos citar Jungle Speed, Dobble o Panic Lab!, juegos de corta duración y muy divertidos que pueden llenar una media hora tonta de domingo por la tarde y que seguro que son todo un acierto si probamos a jugarlos con los peques.

GUERRA DEL ANILLO


Vamos a ponernos serios. Guerra del anillo es un juego que mezcla estrategia, diplomacia y combates en la tierra media. Con un precio en torno a los 70 euros y una caja a la que no le cabe una miniatura más, es todo un titán, quizás el juego más grande, complejo y extenso de todos los recomendados en este listado, pero también es una de las experiencias

ya que más que un juego se ha convertido en un género. En Munchkin cada jugador encarna a un aventurero que se introduce en una mazmorra en busca de gloria y fortuna y que tendrá que competir con el resto de aventureros para lograr llegar a nivel 10 antes que el resto. Poco se puede decir de Munchkin una vez se conoce su eslogan “Mata a los monstruos, roba el tesoro, apuñala a tus amigos”. Como todos los juegos que llevan años entre nosotros, Munchkin tiene una legión de seguidores sólo comparable a su legión de detractores. Sinceramente es un juego que puede agotarse si se juega demasiado, pero dosificándolo adecuadamente puede ser disfrutable durante mucho mucho tiempo. Con diversas temáticas que van desde la ambientación “dungeonera” del Munchkin original hasta la (casi obligada) ambientación “Lovecraftiana” pasando de camino por Star Wars o los superhéroes, Munchkin no necesita alternativas. Y sinceramente, viendo el bestial número de las que ya hay disponibles, tampoco creo que necesite más expansiones.

TIMELINE lúdicas más gratificantes que puedes echarte en cara, sobre todo si eres fan de Tolkien y su obra. Partidas de más de tres horas conquistando ciudades de los hombres libres e intentando que la comunidad del anillo caiga bajo el yugo de Sauron, o bien luchando contra el señor oscuro y sus huestes mientras intentas que Sam y Frodo lleguen sanos y salvos al Monte del Destino nos esperan en este gargantuesco juego, por lo que no es un juego recomendado para neófitos. Todo esto lo hace un título que no es para jugar todas las semanas, y ni siquiera todos los meses, pero que deja un sabor de boca inigualable. Como alternativa más cercana tenemos el “Age of Conan”, del mismo autor, y que cambia el enfoque del juego hacia una mezcla de estrategia y aventura.

MUNCHKIN Como dije antes, no soy muy amigo de los juegos de cartas. Sin embargo, Munchkin se ha ganado a pulso su inclusión en esta lista,

Por último, y completando la docena, tenemos a Timeline. Un filler simple y rápido, no excesivamente caro y que además nos ayudará a repasar historia. Un juego disponible en cuatro ediciones (inventos, eventos, miscelánea y música y cine), con reglas sencillísimas, presentado en lata para poderlo llevar en el bolso y que no sufra y con partidas de apenas quince minutos que puede ser una excelente opción a la hora de matar el rato en cualquier lugar. Y hasta aquí el repaso. Sé que dejo fuera auténticas joyas jugables e incluso géneros que personalmente me apasionan (ni un solo juego de zombis… ¡imperdonable!), pero siendo totalmente sincero creo que en esta selección de juegos, como decía al principio, aunque no estén todos los que son desde luego son todos los que están. Espero que haya sido de vuestro agrado. ¡Nos leemos!


cubil juegos presenta:

Caylus

Hoy vamos con uno de esos juegos que ni son nuevos, ni están ya de moda, pero a los que me gusta buscarles un huequito en el blog. Últimamente lo hemos retomado para alguna que otra partida y la verdad es que me ha apetecido hablar sobre él. En el caso de Caylus, aun sin ser el título del momento, sigue teniendo una gran importancia, ya que es un juego que, dadas sus características, está presente en la ludoteca de muchos, muchos jugadores. Yo diría que una de las cosas que más lo identifican es su 0% azar, lo cual unido a que el despliegue visual es secundario y que con pocas reglas, te plantea importantes tomas de decisiones en cada turno, lo convierten en un perfecto eurogame. Por cierto, tengo pensado escribir próxima-

mente algo breve explicando un poco las diferencias entre eurogame y ameritrash, que son unos términos que usamos a veces muy alegremente. También hay que pensar en los que se están iniciando en este apasionante mundo, que desconocen este tipo de términos y a los que quizá les venga bien que le demos un repasito a estás historias de vez en cuando. Historia Nos situamos en el año 1289. Sí, sí, así de concreto. El rey de Francia por aquel entonces, que era Felipe el Justo, no tenía nada mejor que hacer y decidió construir un nuevo castillo para fortalecer sus fronteras. Las obras atrajeron al pequeño pueblo de Caylus a todo tipo de trabajadores y artesanos ante las perspectivas de conseguir un


empleo en la construcción en sí o en torno a las necesidades que iban surgiendo en una población en desarrollo. Nos ponemos en la piel de un maestro de obras, que participará tanto en la construcción del castillo, como de la ciudad, actividades que irán haciendo que nuestro prestigio crezca. ¿De qué va? Caylus es un juego de tablero de gestión de recursos para 2 - 5 jugadores en el que tendremos que convertirnos en el maestro de obras con más prestigio de todos mediante la edificación tanto del castillo, como de los edificios que van apareciendo a lo largo del pueblo, que pronto será ciudad. A lo largo de los turnos, los jugadores podrán alternarse para colocar a sus 6 trabajadores en diversos lugares del tablero, por su puesto, pagando su labor. Estos lugares son sobre todo edificaciones, que se juegan en orden según su situación en el camino y que permitirán hacer al jugador una serie de jugadas. Por citar algunas de las más importantes podríamos decir, recoger cubos de recurso, vender recursos, comprarlos, construir un nuevo edificio, etc. Esta es realmente una de las claves del juego. Hay que pensar muy muy bien dónde se coloca cada trabajador y el orden en que se activará. Es muy importante hacerlo correctamente, ya que un pequeño error, podría dar al traste con todo lo que tenías pensado para el turno. Un ejemplo: imaginemos que queremos construir un edificio de madera, para lo cual ponemos un trabajador en una casilla libre de artesanía, que permite construir un edificio de madera, otro trabajador que recoja un cubo de madera y otro que recoja un cubo de piedra, que serían los 2 materiales necesarios para poder construirlo. Según se hayan colocado estos trabajadores, habremos conseguido lo que queremos o no y esto lo determinará, entre otras cosas, el orden en que se encuentren los currantes bajando en el camino. Si el orden es piedra-madera-artesano, el edificio se construirá sin problemas, pero ¿y si fuera artesano-piedra-madrea?, pues si fuera así, el artesano

no tendría todavía recogidos los materiales y esa opción se habría perdido. Los recursos se recogerían y se tendrían disponibles para turnos siguientes, pero ya te has quedado sin construir en este. Esto puede parecer una tontería, pero hasta que se pilla el concepto, es frecuente que se hagan las cosas sin la suficiente meditación y perdamos algún que otro turno. Es algo que resulta bastante frustrante y que se acaba corrigiendo, pero al principio habrá que tener paciencia hasta que le cojamos el rollo. Directamente relacionado con esto, tenemos a nuestro amigo preboste y su compi el alguacil. Estos dos señores irán avanzando a lo largo del camino y son los que realmente harán evolucionar la partida más o menos rápido. Mediante la localización del puente o el gremio mercantil, los jugadores podrán hacer que el preboste avance o retroceda por el camino y esto no solo cambiará la velocidad de la partida, sino que decidirá que localizaciones pueden usarse y cuales no. Todo lo que esté situado más allá del lugar en que se encuentre el preboste, no podrá usarse en este turno, con lo cual será


otro factor importante a tener en cuenta no poner trabajadores demasiado cerca de él, ya que cada jugador podría hacerlo retroceder hasta 3 pasos y dejarte a ese trabajador desocupado, lo cual también frustra bastante. Quizá sea uno de los puntos más importantes del juego, así que habrá que tener siempre guardadas una serie de monedas para sobornar al preboste y que ande más o menos por donde más te interese o menos interese a los rivales. Antes de que la reseña parezca un tutorial, comento una cosa más de importancia y pasamos ya a las conclusiones. Los puntos de prestigio además de las formas ya comentadas, se pueden conseguir construyendo el castillo. La construcción del mismo, se hará lo último del turno, con lo que nos dará tiempo de intentar hacernos con los recursos necesarios para irlo ampliando y consiguiendo unos valiosos favo-

res reales, que se usan para acceder a monedas y recursos extra, descuentos en las construcciones y puntos de prestigio. Esto es lo básico, pero hay muchas más variables a tener en cuenta a la hora de emplear a tus trabajadores. Además de los edificios especiales impresos en el tablero, iremos colocando otros con diversas cualidades, que irán haciendo que se note una evolución real de la ciudad. Se empieza con edificios neutrales de poco valor, pero llegará un momento en que haya viviendas, bibliotecas, monumentos y otras cosas que hacen realmente que se note que la ciudad florece. Conclusión Caylus no es un juego que tenga unas reglas complicadas, ni con una mecánica que cueste mucho comprender, pero sí es un juego al que se tarda un poco en cogerle el rollo y la fluidez. Aunque lo que son normas en sí, tiene pocas, la cantidad de cosas que po-


demos hacer en cada turno, que aumenta a medida que se crean edificios nuevos, es bastante grande. Esta diversidad de lugares, cada uno con sus características y la posibilidad de que te los pisen, hace que la toma de decisiones sea importante y a veces más vale echarle un rato, porque como hemos dicho, los errores tienen consecuencias. Esto es lo que hace realmente que la duración pueda llegar a unas 2 horas. No es que el juego sea largo por su mecánica, sino que a veces habrá turnos en los que de verdad te encuentres ante una decisión importante, a la que habrá que echarle un rato. Naturalmente también se puede jugar sin comerse mucho el coco. No vendrán nada mal una primera partida rápida de prueba para irlo pillando y ya a partir de ahí, ponerse más hardcore con un par de errores cometidos encima, que te hayan hecho escarmentar. Visualmente no es ninguna maravilla, pero

no es lo que se busca y es algo totalmente secundario en este tipo de juegos. Las ilustraciones cumplen su función en tablero y losetas. Lo que sí hay que decir es que la calidad de los componentes es bastante buena. El cartón es bueno y hay muchas cosas de madera. Trabajadores, preboste, alguacil, casitas y recursos de varios tipos, que darán al juego un aspecto bastante serio, que encaja muy bien con la ambientación. El tema de que haya 0% azar es algo que algunos buscan mucho y que suele costar encontrar en un juego. En este caso se cumple a tope. Dependerás completamente de lo que hagas y de lo que hagan los demás, cosa que a muchos encantará, pero no a todos, ya que también hay mucha gente a la que le gusta algo de azar en mayor o menor medida. Para mi gusto, está perfecto como está. En cuanto al pique entre jugadores, es algo que al principio se aprecia poco, pero que va mejorando cuando te vas aprendiendo las


peculiaridades de la mecánica. Puede que en las primeras partidas, cada uno vaya un poco a lo suyo, intentando a su aire ser el que se haga con más puntos de prestigio, pero las partidas irán sin duda creciendo en maldad. Cosas como intentar tener en propiedad las localizaciones que dan recursos, para que los demás acudan a ti si quieren conseguirlos, harán que te lleguen puntos de prestigio extra, mantener siempre algunos fondos destinados a mover al preboste hacia atrás y dejar trabajadores ajenos sin turno, será vital y como estas jugadas, habrá varias, que fomentarán el factor puteo. Por último, una cosa que me gusta mucho de Caylus es que, aunque el objetivo sea acabar con más puntos de prestigio, existen varias formas de ganar. Puedes centrarte en construir castillo a tope, llenar el camino de edificios, monopolizar los recursos para que acudan a ti o incluso una mezcla de todo. Aunque al principio planifiques una estrategia y tengas más o menos claro como vas a plantear tu partida, al depender tanto de lo que hagan los demás, tendrás que ir modificando un poco tus planes según si están libres los sitios que quieres, necesitas evitar que un rival haga algo, los recursos o la pasta que tengas, etc. Realmente en Caylus, no habrá dos partidas iguales. Curiosidades y briconsejos - No te dejes abrumar en tus primeros turnos ante la gran cantidad de acciones entre las que puedes elegir. Hay bastantes, pero son fáciles y solo se trata de irlas conociendo. Recomiendo para la primera partida intentar hacer un poco de todo, para irlo pillando. - Aunque se puede jugar rápido y no llegar al as 2 horas, no me parece un juego pensado para eso. Además ya hemos dicho que los errores se pagan. Se disfruta bastante más jugando con tiempo, sin agobios, tomándote un rato para pensar la colocación de trabajadores y dejando a los demás también sin meter prisas. Jugado así en plan tranquilo, es un juego con no demasiadas tensiones y que resulta relajante.

- Debo insistir en que es bueno guardar algún que otro denier para el movimiento del preboste. Como te descuides, te lo retrasan y te puedes quedar sin hacer nada. Y me diréis.

Magopunk ESTE JUEGO Y OTROS MUCHOS MÁS PUEDES ENCONTRARLOS EN: http://cubiljuegos.com/

Caylus egd Attia d Dama William u : a r n o r t A u A o: artístic Trabajo maegd -5 Da ores: 2 d y Cyril a g u j de os Número artir de 14 añ oximadap a a as pr Edad: - 2 hor 1 : n ió Durac inment Enterta mente e g d E : nte Fabrica 12 0 2 Año: l ima españo : a ma: mín io id l Idiom e encia d Depend ual) maan esa nor m : o g (solo m e u cie de j Superfi lita


E T N E M A M I X PRO


EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS ha decidido dedicar este mes nuestra sección a la revisión,en formato muñeco, de todo un clásico como es Darth Vader por parte de Play arts Kai. POR: DANIEL FERRER LEÓN


DART VADER: - Fabricado en plรกstico PVC/ABS - 30.5 cm. de altura - Tiene un Lightsaber normal y Lightsaber con efecto de velocidad - Mano izquierda con efecto de la Fuerza - Cinco manos intercambiables - La figura tiene un precio de $129.99 saliendo a la venta en el mes de Mayo del 2015.


zona comic nsf recomendaciones


Archer & Armstrong Valiant comics - agosto 2012- Guionistas: Fred Van Lente Dibujante: Clayton Henry Normalmente, cuando finalizamos un año o comenzamos el siguiente, nos invaden esas ganas irrefrenables de hacer algo nuevo, incluso a veces de replantearnos toda nuestra vida. ¿Nos apuntamos a un gimnasio? ¿Aprendemos un idioma? ¿Hacemos uno de esos interminables coleccionables de kiosco? Y no nos engañemos, pasadas como mucho unas semanas, todo sigue exactamente igual. En el caso del mundo del comic, lo más parecido a salirnos de la norma común, es adentrarnos en derroteros editoriales que habitualmente no frecuentamos (ya sé que la comparación es muy forzada, paciencia). En mi caso, los comics pijameros, preferiblemente de Marvel o DC, son el pan nuestro de cada día. Pero siempre estoy abierto a lo que nos pueda llegar de otras editoriales, ya sean Dark Horse, Image, u otras más pequeñas. Si echamos la vista atrás, en concreto a principios de la década de los 90 (de no muy grato recuerdo para los seguidores del comic por algunas de las tropelías que se cometieron entonces), una de las editoriales que trataba de hacerse con su propio espacio en el mercado era Valiant, con colecciones como X-O Manowar, Harbinger, Shadowman, etc., algunas de las cuales tenían por objetivo potenciar la venta de

videojuegos sobre sus personajes, sobre todo tras la compra de la editorial por el desarrollador de videojuegos Acclaim. Si bien, acabó entrando en bancarrota allá por el 2004. Años después, un nuevo grupo de empresarios se hizo con los derechos de los personajes, lo que provocó en el verano de 2012 la aparición de cuatro series regulares que darían pie a una nueva andadura: X-O Manowar, Harbinger, Bloodshot y Archer & Armstrong. Y es sobre este último título sobre el que quiero hablaros. Cumple con la premisa que os mencionaba al principio del artículo, esto es, resulta diferente de lo que estamos habituados a leer en las grandes editoriales americanas. Pero ojo, eso no quiere decir que el producto tenga una calidad por debajo de lo que dichas edito-


riales nos hacen llegar mensualmente. Al contrario, estamos ante un comic que da varias vueltas a muchos de los títulos con los que nos intentan hacer comulgar tras años de reboots, relanzamientos y demás. ¿Sabéis esas veces en las que tenéis un comic en las manos que se lee rápido, no por ser falto de contenido sino por resultar sumamente divertido, pero que una vez terminado queréis volver a ojear para disfrutar del dibujo, de los detalles? Pues estamos ante un comic que a mí me produjo esa sensación. Buena parte de culpa la tiene el guionista, Fred Van Lente, a quien ya hemos podido leer en Cowboys & Aliens, El increíble Hércules, etc. Definir la historia que nos presenta no es sencillo, pero podríamos englobarla en el género de las “buddy

movies” cinematográficas, en las que una pareja de tíos, normalmente diametralmente opuestos en sus formas de ser y actuar, por azares de la vida o el destino ven cómo sus caminos comienzan a discurrir en paralelo. En este caso, los dos elementos son Obadiah Archer, un chaval que ha vivido siempre junto con sus hermanos, un verdadero tropel de chicos y chicas adoptados por una pareja que educa a sus churumbeles para convertirlos en asesinos letales, de forma que puedan acabar con un personaje que es… justo, el otro miembro de la nueva extraña pareja, Armstrong. Éste, que resulta no ser tan mal tipo como los padres de Obadiah le habían hecho creer, además es un inmortal cuyo nombre real es Aram Anni Pada.


Desde las primeras páginas del primerísimo número, vamos a conocer el origen de Armstrong, cómo recibe este don de la inmortalidad, y la caza a la que se verá sometido por Archer ya en la actualidad… hasta que se dé cuenta de que ni es oro todo lo que reluce, ni sus padres son los ejemplos a seguir que él creyó siempre. Y es que conceptos como los de órdenes secretas que tratan de gobernar el mundo, artefactos que otorgan poderes a quienes los poseen (cobrándose terribles precios de paso), búsquedas de objetos por todo el mundo, sectas, monjas guerreras, seres capaces de hablar con la madre Tierra y otros desvaríos, se verán entremezclados a lo largo de las páginas de esta obra, sin que nos resulten extraños. Ahí es donde radica el éxito de su guionista, en mezclar temas tan variados, que en otras obras serían el leitmotiv de las mismas por sí solos, pero que aquí se complementan y apoyan unos a otros. Pero un poco más atrás os decía que otra de las características de este comic es que el dibujo te pide una revisión posterior. Primero para disfrutar del trabajo tanto de Clayton Henry como de la simpatiquísima italiana Emanuela Lupacchino, Su labor ayuda en múltiples ocasiones a acentuar los momentos humorísticos (que son unos cuantos, y en ocasiones te llevan a soltar alguna que otra carcajada). Además, podemos encontrar alusiones más o menos veladas, si nos fijamos un poco, a la saga Evil Dead, Matrix, etc. Hasta el momento, la nueva andadura de los comics de Valiant en España, había sido tutelada desde Panini Comics, quien había publicado dos tomos/arcos argumentales: El código Miguel Ángel, y La ira de Eternal Warrior, que alcanzaban hasta el número 9 de la serie. A partir de ese punto, será Aleta quien recoja el testigo, manteniendo la forma de publicar al menos por ahora, en tomitos a precios bastante asequibles, y manteniendo también la numeración de los mismos (el número 3 llevará por título Allende de Terrallende), de forma que podáis conservar vuestra sacrosanta continuidad en vuestra colección.

En resumidas cuentas, si queréis desintoxicaros un poco del comic de superhéroes, al menos del de las grandes casas editoriales americanas, el relanzamiento de Valiant ha demostrado ser una buena opción, y dentro de ésta más concretamente, Archer & Armstrong es la alternativa más divertida y gamberra. Salud, y feliz entrada al 2015!! JESÚS DE LA FUENTE


invencible IMAGE COMICS- 2003- guionistas: Robert Kirkman dibujantes: cory walker Quizás estés cansado de reinicios editoriales en los comics de superhéroes, o también es posible que hayas entrado hace poco en el mundillo y te eche para atrás empezar una serie con decenas de referencias en cada número a historias que tu edad o tu bolsillo no te han dado la oportunidad de poder leer, con Invencible no tendrás ninguno de estos problemas. Robert Kirkman, el creador de The Walking Dead, nos trae uno de los comics de superhéroes más frescos, brillantes y divertidos de los últimos años. Comenzó en 2.003, con dibujos de Cory Walker en los primeros números y luego a cargo del lápiz de Ryan Ottley hasta la actualidad, con un trazo algo simple y minimalista pero lleno de encanto. La historia comienza como una especie de parodia al universo de DC, Omni-Man (que es una caricatura de Superman) es un extraterrestre que defiende el planeta tierra junto a un calco de La Liga de la Justicia, pero, como es natural, tras tantos años aquí se enamoró de una mujer terrestre y tuvo un hijo, Mark Grayson. La historia comienza durante la adolescencia de Mark, cuyos poderes están empezando a desarrollarse, así que ahora tiene la res-


ponsabilidad de continuar con la tradición familiar, ponerse unas mallas y dedicarse a luchar contra el mal bajo el nombre de Invencible (a veces lo hará acompañado junto a un grupo que, a su vez, parodia a los Jóvenes Titanes). Esta premisa puede no parecer muy atractiva en un principio, pero pasados unos cuantos números nos damos cuenta de que los tintes paródicos no son más que un pequeño homenaje. Pronto empiezan a sucederse los giros argumentales dramáticos y sorprendentes a los que nos tiene tan acostumbrados Robert Kirkman, que sabe alternar como nadie el humor (bastante negro a veces) con situaciones límite que te hacen desarrollar una empatía pocas veces vista en comics del género. Mark tendrá que lidiar a la vez con los problemas típicos de su edad y con los problemas de un superhéroe encargado de defender el mundo, de forma muy similar a lo que solemos ver en comics de Spider-Man pero con un tono mucho más moderno, lo que encantará a los jóvenes lectores.

La editorial Image dio en el clavo con esta serie, que encantará tanto a los veteranos del género que buscan algo diferente como a los nuevos lectores, en España ha sido publicada por Veleta en tomos finos y también podemos encontrarla en enormes tomos recopilatorios que a pesar de su grosor no te durarán más de dos días en la mesita de noche por no poder parar de leer. Se ha hablado varias veces de adaptar la historia al cine, pero aún no se han animado a hacerlo, lo único que está claro es que su humor, sus cliffhangers y sus referencias quedarían genial en la gran pantalla (incluso en formato de serie televisiva). De momento nos conformaremos con disfrutar de una de las mejores historias que he tenido la suerte de poder leer, dadle una oportunidad porque os aseguro que no os va a defraudar.

JOSE LUIS SORIANO NAVARRO


purgatori Chaos! Comics- 1994-2012 - guionista: Brian Pulido Dibujante: stephen Hughes Quizás entre el comic independiente resalten muchas editoriales, y este mes quiero centrarme sobre todo en Dynamite Entertainment, donde los amantes del género pulp tienen varias colecciones que pueden disfrutar, además de poder contar cada cierto tiempo con las grandiosas portadas del genial Alex Ross. También en esa editorial tenemos, por ejemplo, la publicación de ‘John Carter’ y los personajes que circulan a su alrededor, incluyendo a ‘Dejah Toris’ en su propia cabecera. Vampirella o Flash Gordon también se dan cita en esta editorial, aunque ninguno de ellos será hoy visitado. Hoy hablamos de la miniserie ‘Purgatori’, a cargo de Aaron Gillespie y Javier García-Miranda. Creada en los años 90 por Brian Pulido y Steven Hughes, Purgatori es una diosa vampiro alada que aparecía en muchas colecciones publicadas desde 1994 en la editorial Chaos! Comics primero y en Devil’s Due Publishing, después. Nacida en Alejandría en el año 1390 antes de Cristo, se sabe que esta joven nacida como Sakkara es descendiente de los Ángeles Caídos y que formaba parte del grupo de esclavos que levantó la tumba de la Reina Ostraca. En el grupo de esclavos, Sakkara conoció a un extranjero que le reveló que conocía el secreto de la inmortalidad, un objetivo que muchos desean y ansían.

En el transcurso de su vida, Sakkara conocería al que sería su padre en las tinieblas, lo que en Vampiro: La Mascarada conocemos como su sire. Ranth era un vampiro celta que buscaba una poderosa arma que Sakkara podría localizar, mientras que ella necesitaba vengarse de todos los agravios sufridos y deseaba para sí la inmortalidad. No cabe duda de que esto resume el origen de los poderes de Purgatori. En 2011, tras numerosas batallas legales, se confirmó desde Dynamite Entertainment que Purgatori tendría una nueva serie en 2012, aunque como hemos podi-


do comprobar a lo largo de estos últimos años, en realidad ha visto la luz en 2014 y en forma de serie limitada de cinco números. Dynamite Entertainment nos ofrece una sinopsis del primer número que nos deja ya entrever alrededor de qué girará la trama de los cinco números: “Desde el Universo Chaos! de Dynamite llega esta nueva publicación. Purgatori vuela como un murciélago vampiro fuera del infierno en las páginas de su propia serie. Atrapada en el Infierno, la reina-puta aprende que el Demonio no bromea. ¿Podrá burlar a Lucifer o hará el diablo que se arrepienta del día en que se cruzaron?” Ante nosotros tenemos una historia que abraza por completo la herencia infernal del personaje y celebra un diabólico cruce que permite además disfrutar del arte de Javier García Miranda en todo su sangriento esplendor. Tanto las escenas del Infierno como las del plano mortal son completamente exquisitas y podemos confirmar que es palpable la evolución del trazo del dibujante leonés desde que vimos su primer trabajo publicado en la editorial Zenescope Entertainment. Junto a sus anatómicamente correctos personajes podemos ver un gran repertorio de recursos que acompañan a la gran trama que narra Aaron Gillespie. Poco a poco, en las páginas de ‘Purgatori’ tenemos constantes referencias al pasado del personaje, algo que los seguidores agradecerán y que picará la curiosidad de los que acaban de conocer a Sakkara, como un servidor. Una miniserie sublime que esperamos que se publique en España de la mano de Panini, quien ostenta ahora el control de los derechos de publicación de los cómics de Dynamite Entertainment. ‘Purgatori’ es, en definitiva, una serie que merece la pena probar, dado que no siempre podemos disfrutar de un personaje así, con un buen trasfondo histórico y con total libertad creativa por parte de sus responsables. MIGUEL DE ANDRÉS BAYÓN


FAVOLE COMIC EUROPEO-VICTORIA FRANCES Jóvenes al borde de la muerte, lánguidas imágenes que surgen de detrás de una lápida, castillos plagados de misterio, lagos oscuros en mitad de un bosque bañados por la luz de la luna... La temática gótica y vampírica es una de las más recurrentes de la ficción contemporánea y ha dado lugar a grandes éxitos literarios y cinematográficos. Favole es un libro ilustrado de gran belleza que se suma a esta corriente de una forma realmente original al combinar ilustraciones con textos cargados de sentimiento y poesía. Una trilogía, y más tarde un integral, que fascina y te adentra en su mundo onírico, vampiros, violines, Venecia... un mundo mágico de la mano de Victoria Francés. La artista gallega, discípula de Luis Royo y hermana de su estilo gótico, nos sorprendió con Favole, 1. Lágrimas de una piedra a sus 22 años, con una edición en cinco idiomas, lo que supuso una excelente carta de presentación. En este primer tomo, se nos presentan a los personajes que se sucederán en la historia. Lavernne, es la primera parte donde aparecen Las vírgenes del lago. Una nin-

fa enamorada de un vampiro, convertida en la Reina de los espíritus de las aguas, unas aguas, donde desaparecen jóvenes mujeres. En la segunda parte, Marquise, una joven enamorada de un ángel de piedra, toca para él día y noche su violín. Un vampiro le ayuda a poder realizar su cometido para la eternidad y este conocerá el placer del violín para el resto de su existencia. Para finalizar el primer álbum, Teatro de Máscaras presenta a su protagonista, Favole. Una mujer perdida, un hombre que la rescata y la cobija, pero que deberá decidir expulsarla de su casa. Favole terminará en Venecia con un fatídico final. Tras tal éxito cotizado con esta primera obra y tan buen sabor de boca, tuvo lu-


gar Favole, 2. Libérame. Caminando entre vampiros, brujas y espectros, Favole continúa con la búsqueda de su amado Ezequiel. Favole hace eternidades que habita en soledad, siendo un espíritu condenado. El hada de Vencecia nos muestra los sentimientos de Favole mientras deambula bajo las aguas de canales oscuros y sueña con la densa niebla que inunda la superficie de la melancólica Venencia. En Cauldrón, la segunda parte, conocemos a la hechicera Ebony. Nuestra protagonista realizará un pacto con ella para encontrar a su amado. Favole conseguirá la orientación, mientras que la hechicera ganará lo necesario para apaciguar su sed de venganza. En Necross, el punto y final de este álbum, un niño le entregara el Necross, un colgante que le guiará en el camino para encontrar a su amado vampiro. En la tercera y última entrega de Favole, Gélida luz, pone punto y final a la inquietante y oscura historia de la chica en busca de su amado. En este será la primera vez que incluirá diálogos. El primero de los relatos La dolorosa. Dulce epidemia, Favole se encontrará con las Hadas del Desamparo y su reina le revelará un importante secreto. En la segunda parte, Angelique, cuenta la pequeña historia de una niña, Perséfone. Representa un impass en el hilo principal. Después de este pequeño inciso, llega el final en Gélida luz. el fin de la tiniebla. ¿Favole encuentra a su amado Ezequiel? ¿Tendrán un final feliz? Al final, los que se quedan eternamente tristes, son los ángeles de piedra. “Cuenta el viento que las damas de rostros pálidos continúan sonriendo a la eternidad y sueñan con la esperanza de encontrar un atisbo de luz en sus noches sin fin... Favole seguirá un sendero de violetas a través de un paraíso helado... deseando cubrir el añorado castillo del país de los


vampiros. La gélida luz está cerca...” Favole fue el debut profesional de la joven ilustradora y pronto se convirtió en todo un fenómeno de masas a nivel internacional. Así Norma Editorial decidió crear un integral, renovando el diseño, con contenido adicional de bocetos y apuntes de la autora, e incorporando imágenes inéditas y textos que entusiasmaran tanto a sus fieles seguidores como a los que la descubrirían por primera vez. Favole es una obra refinada, donde Victoria Francés trabaja con detalle sus ilustraciones, influenciada por los prerrafaelistas, con un estilo barroco efectista y recargado. Sus ilustraciones muestran, en la gran mayoría, mujeres jóvenes sobrenaturalmente bellas que han perdido la vida, que sólo la tristeza y una profunda melancolía guía los pasos de su vida inmortal. Victoria Francés reconoce que su primer álbum es el más sincero. La protagonista de su relato es prácticamente un retrato suyo. Aunque si es cierto que tiene un cierto parecido físico, pero sobretodo, con

esa tristeza del amor lejano, las atmósferas oscuras. Sus textos poéticos, están influenciados por otros autores clásicos y románticos como Gustavo Adolfo Becquer, Goethe, Bram Stoker o Edgar Allan Poe e incluso de los autores más modernos vampíricos como Anne Rice entre otros, a los que cita, pequeñas partes de sus obras, para acompañar perfectamente sus historias y a sus dibujos. Favole es un canto al romanticismo gótico, una historia de pasiones inmortales, un inquietante y lúgubre recorrido entre los más oscuros cuentos de hadas.

JUDITH HIDALGO PIS


Chaos University es un centro educativo de reconocido prestigio a nivel mundial donde se forma a la futura élite de monstruos y villanos que aterrorizarán al mundo, las salas de cine y las páginas de literatura del siglo XXI. Fernando Verniere, Benjamí Pitarch y Gonçal Benieto son los corresponsales de Twist Comics que cubren todo lo que ocurre en esta ímpia univeridad

PROFESORADO Frank Einstein (Director de la universidad)

Nosfer

Tchuluh

Albert Eisntein tras dejar el Proyecto Manhanttan arrepentido por haber contribuido a la creación de la bomba nuclear empezó a investigar y a experimentar sobre formas en las que los humanos podrían sobrevivir a una guerra nuclear total: Frank Einstein es el resultado.

El Conde Nosfer es el último superviviente de la legendaria casa de los Drakul. Hace siglos fue un gran galán y ninguna mujer se resistía a sus encantos, pero en la actualidad no se come un colín y es el único ser con más de 100 años que agradece que exista internet.

Este terror primigenio ha aplazado sus planes de gobernar todo el universo conocido para impartir clases y toneladas de dolor en nuestro centro, escogiendo en el proceso nuevos adeptos para su causa.


Mรกs aventuras de Chaos University en: www.twistcomics.com


ANIMOLOGIA #4

Bienvenidos un mes más a Animología, espero que, a diferencia de mí, hayáis pasado una navidad llena de tiempo para poder jugar todas las ofertas de Steam, Origin y el resto de plataformas de videojuegos, si contrariamente habéis estado como yo, trabajando, repasando para exámenes futuros y haciendo tareas, me compadezco junto a vosotros y os digo, cómo diría mi señora madre, que ya vendrán tiempos mejores, al menos tenemos los juegos intactos en la biblioteca, ya es mucho. Este mes como ya os dije, nos vamos de aventura con Tintín, aventura histórica para los que no conocéis los orígenes de vuestro héroe o directamente para los que conocéis el nombre de Tintín y no sabéis de que va el tema, aunque me niego a pensar en esta segunda opción. ¿Tintín? ¿Qué es Tintín? Un ápice de historia. Tintín no es una marca de perfumes ni de joyas, no es un lugar, ni siquiera es sólo un nombre, Tintín es un prodigio, un universo, un mito convertido en leyenda a causa del paso de los años, es la historia del siglo XX plasmada en viñetas, viñetas de cómic llenas de aventuras y acontecimientos históricos, contados a través de personajes ficticios sobre el papel. Tintín es un referente ejemplar dentro del mundo del cómic europeo, que desencadenó un fenómeno mundial muy exitoso que empezó a finales de los años 20 y que sigue vivo a día de hoy, con términos cómo: Tintinofilia o tintinolatría. El culpable de todo este movimiento aventurero, es Georges Prosper Remi más conocido bajo el pseudónimo, Hergé, que el 10 de enero de 1929 dio comienzo a esta saga con

su primera publicación, ‘’Tintín en el país de los Soviets’’, desde el suplemento infantil de un diario católico Belga llamado Le Petit Vingtième (El Pequeño Vigésimo). Durante once años, las aventuras de Tintín fueron el entretenimiento de muchos niños de la época, llegando a un total de ocho historias completas y publicadas con éxito hasta que Bélgica fue ocupada por los nazis durante la segunda guerra mundial, de aquí en adelante el diario duró hasta 1940, año en el que cerró sus puertas. A partir de aquí la tintinofilia continuó a manos del ocupante, desde otro suplemento juvenil llamado Le Soir-Jeunesse (La Noche-Juventud), del diario Le Soir. Finalmente y disipada ya la guerra y las acusaciones hacia Hergé (tópicos típicos de guerra), continuaron las aventuras de Tintín por el mundo desde


4:

los Estudios Hergé, fundados por él mismo en 1950 y que estuvieron en funcionamiento hasta 1987 a causa de la muerte de su creador, cuatro años antes. 1988 fue el último año que se publicaron las aventuras de Tintín y ahora vagan por el mundo en forma de papel-reliquia que ahora cuesta un riñón y medio, no sé si los no aficionados os enterasteis de la noticia, pero os dejo un titular de noticia del pasado 28 de mayo de 2014, ‘’Original de Tintín bate el récord de subasta de un cómic: 3,9 millones de dólares’’. Así que con esto queda todo dicho. Y, ¿quién es Tintín? Tintín es un joven de poco más de 85 años, si contamos los años que lleva ‘’vivo’’, aunque la realidad es que nuestro joven aventurero no tiene edad, nunca la tuvo y nunca la tendrá supongo, así que podemos estimar que debe tener unos 19 por el aspecto juvenil sin ser demasiado pequeño ni demasiado mayor para considerar que tiene 30 pero en fin, a percepciones, colores. Es un joven vehemente de altura media y con un significativo tupé ¿rubio, tirando a pelirrojo?, voy a hacer una pausa para aclarar el porqué de la pregunta, en este tema hay un molesto debate de opiniones mundialmente conocido, y es que muchos han conocido a este personaje completamente rubio, en cambio otros lo vieron por primera vez pelirrojo y algunos simplemente pensaron que era culpa de las tintas de impresión y no le dieron importancia a los cambios y degradados, sea

como sea, cada persona tiene algo así como una percepción distinta de su Tintín y así lo vamos a dejar, en realidad es algo bonito, es como tener uno particular para ti, no hay más que añadir de este tema, continuemos. Sobre el carácter de este ser, decir que es un personaje benévolo y ejemplar que no parece tener mal vicios, ni siquiera aficiones de ningún tipo en particular, sin contar su lado viajero y quizá el yoga, que practica de tanto en cuanto. Las mejores y más interesantes aptitudes de este personaje, son su gran inteligencia e ingenio, su inaparente fuerza física,


la facilidad para los idiomas, su buena puntería y el extraño hecho de que sepa conducir todo tipo de vehículos, desde bicicletas hasta aviones de combate, desde luego este último rasgo es bastante curioso si tenemos en cuenta que el perfil de Tintín es un joven con algo menos de 20 años, pero en fin, si Hergé lo pensó así... Por otra parte, es un aventurero muy sensible que odia las injusticias y es capaz de sacrificarse para ayudar a los más débiles, es lo que llamaríamos un personaje al más estilo ‘’corazón puro’’. Sus vestimentas varían más bien poco, desde 1929 hasta 1976, Tintín solo cambia de calcetines o camisa, poco más, sin embargo, pasados los años 76 y cansado de llevar lo mismo año tras año, decidió ir a la moda y cambiar sus pantalones bombachos por unos pantalones campana, más acorde a los años 80 y estos son prácticamente todos los cambios que sufre el personaje de Hergé, sin contar la oscilación del color de pelo. Tintín es un aventurero sin remedio que trabaja como reportero en Le Petit Vingtième (nombre del suplemento infantil del diario dónde se empieza a publicar la obra de Hergé), esta es la excusa que le lleva al principio, a viajar por todo el mundo acompañado de sucesos interesantes que se complican para darle emoción a la historia, y que hacen que el protagonis-

ta haga acopio de todas esas aptitudes que están descritas más arriba, para resolver la trama de la mejor forma posible. Las aventuras de Tintín son tan especiales por algo, Hergé creó un universo lleno de personajes carismáticos y entrañables que recorrieron aventuras juntos, durante 50 años, en más de 20 historias diferentes a lo ancho y largo del mundo, personajes como el acompañante más fiel del hombre, o de nuestro aventurero en este caso, un fox terrier de pelo corto y color blanco, llamado Milú. El nombre de Milú, según anécdotas varias, fue el resultado de una pequeña burla del autor hacia Marie-Louise Van Cutsem, a la que él llamaba «Malou», una relación que terminó en game over. Milú es un perro parlante, habla en perro y mantiene conversaciones con su amo y con nosotros muy frecuentemente, a veces se deja llevar por el despiste y las tentaciones, lo tienen algo atormentado, es algo gruñón en ocasiones, torpe y comediante. Le gustan los huesos y el whisky. Otro punto fuerte del reparto es el Capitán Haddock, un marinero mal hablado capitán de


No todo fue paz y triunfo para Hergé, las aventuras de Tintín no siempre estuvieron libres de prejuicios, puesto que ocurren como ya he dicho a lo largo y ancho del mundo, en una época en la que la humanidad es algo mentalmente retrasada, sin ofender con el termino, pues, los negros son negros, los judíos son judíos y los comunistas y ese tipo de estereotipos, en ocasiones ofensivas, se usaban en el año en el que se empezaron a publicar las historias como algo normal, así que a lo largo de los años se tuvieron que reeditar algunas viñetas con palabra o imágenes más, como decirlo, políticamente correctas, de hecho el mismo autor se declaró avergonzado por haber herido a algunos grupos sociales.7 Pero como no todo es malo, más bien es bueno, la realidad es que Hergé creo un universo, que este se consolidó alrededor de todos los tintinófilos que tintinolatran a esta especial saga, y que el fenómeno Tintín se ganó un espacio en medios como el cine, con varias producciones sobre las aventuras de este intrépido reportero, dos adaptaciones a series de televisión y un par de obras de teatro, además de todo el marketing de alrededor, productos y merchandasing.

la marina mercante, aunque al principio haga creer otra cosa, que pasa sus horas quejándose a base de insultos, creerme, una larga lista de insultos tales cómo; alcornoque, animal, asno, arrapiezo (persona o cosa muy despreciable), ‘’atontao’’, borrico, canalla, cantamañanas, cernícalo, mamarracho y un sinfín más de insultos al estilo pueblo perdido entre cabras. El capitán Haddock es uno de los mejores amigos de Tintín, hombre de personalidad turbulenta y sátira que comparte protagonismo como un principal más y de hecho muy importante dentro del universo de la tintinofilia. El profesor Tornasol es el otro as en una perfecta mano de cartas. Sus atributos son los siguientes, inventor brillante, despistado y algo bastante sordo, hecho que le confiere una ridiculez abrumadora que, o bien te saca una sonrisa o te hace plantearte serias dudas sobre los momentos de soledad de Hergé, su sola presencia en la obra ya procura particularidad a la misma, quien no ha oído hablar del profesor Tornasol… Todo esto y demás personajes variopintos se encuentran dentro de este universo tintitástico.

¿Qué, que es Tintín? «Tintín soy yo cuando desearía ser heroico, perfecto...». «Tintín, soy yo... ¡Son mis ojos, mis sentidos, mis pulmones, mis entrañas!... Creo que soy el único en poderlo animar, en el sentido de dar alma» (Hergé). Y hasta aquí la aventura histórica de este mes, espero que os haya gustado conocer los orígenes de vuestro ejemplo e inspiración de infancia y para los que no supierais mucho del tema, os haya interesado saber un poco más de ese nombre que teníais oído y no sabíais de que, al menos ahora si sabéis algo, proviene de un cómic, pero también hay serie y películas, es de aventuras, hay un perro que habla, en perro, pero habla, un tío que tiene un diccionario de insultos para él solito y un inventor algo rarito, una especie de Quijote del futuro, al menos, más futuro que el Don Quijote… ¿necesitáis más para echarle un vistazo?

LIDIA REYES


Top anime en Ja

* Top realizado por o * No se tienen en cuenta series Naruto‌ Por Neko Mai


p 10 e 2014 apón

orden alfabético *. s “veteranas” tipo One Piece, … *.


Akame ga kill Akame ga kill es una shônen escrito y creado por Takahiro y Tetsuya Tashiro. El manga empezó a serializarse en marzo de 2010 y la adaptación animada se estrenó en julio de 2014. Tatsumi es un chico de campo que llega a la capital del Imperio para alistarse en el ejército, con la intención de ascender rápidamente, ganar dinero y salvar a su pueblo del hambre debido a los grandes impuestos que tienen que pagar. Pero al llegar a la ciudad se da cuenta de que no todo es como él esperaba. Tras presenciar una horrible masacre llevada, a cabo por los corruptos habitantes del imperio, y la muerte de sus amigos, decide unirse a Night Raid, una división del Ejército Revolucionario que se opone al imperio y se dedica al manejo de inteligencia en la capital, llevando a cabo asesinatos solicitados por la organización.


Barakamon Barakamon es un manga creado por Satsuki Yoshino. Empezó a publicarse en febrero de 2009 y su anime se estrenó en julio de 2014. La historia se centra en la vida de Seishuu Handa, un calígrafo de 23 años de edad que se muda a la remota Isla Goto por orden de su padre. En dicha isla nuestro protagonista se relacionara con los habitantes del lugar, descubre costumbres muy diferentes a la que conoce (ya que toda su vida ha vivido en la ciudad) y su casa será el punto de encuentro para todos los niños de la isla.


Log Horizon II Los Horizon es una serie de novelas creada por Mamare Touno que tiene cuatro adaptaciones al manga y cuya segunda temporada se estren贸 en octubre de 2014 (la primera empez贸 en octubre de 2013). La historia comienza cuando 30.000 gamers japoneses quedan atrapados en el mundo de fantas铆a online Elder Tale. Lo que en su momento era una v铆a de escape del mundo real, es ahora toda la realidad que conocen. Shiroe, el protagonista, intenta sobrevivir como puede en ese mundo junto a su viejo amigo Naotsugu y a la asesina Akatsuki.


No game, no life No game, no life es una serie de novelas ligeras creada por Yû Kamita que empezó a publicarse en abril de 2012. Una adaptación manga comenzó a publicarse en enero de 2013 y en abril de 2014 se estrenó su anime. Los hermanos Sora y Shiro son un par de NEET’s que forman a ( ) (Kūhaku «espacio en blanco), un jugador en línea invencible y una leyenda urbana. Ambos consideran el mundo real una basura. Son invitados por un chico que se hace llamar Dios a un mundo de fantasía donde se tiene prohibida toda violencia y guerra entre las dieciséis razas inteligentes que allí habitan, ya que todo se decide a través de juegos. Los hermanos se encuentran a los aspirantes a salvadores de la humanidad (Imanity), quienes se clasifican como decimosextos entre las razas y han sido reducidos a una única ciudad restante.


Parasyte

En octubre también se estrenó un primer live action y una segunda película se estrenará en abril de Parasyte es un manga de terror 2015. creado por Hitoshi Iwaaki que se estrenó en 1988 y cuya adaptación La historia trata de Shinichi Izumi, animada empezó a emitirse en un humano normal que por desgracia octubre de 2014. está en el sitio donde tiene lugar la llegada de unos extraterrestresparásitos que se meten en el cerebro de la gente por el oído y les controlan totalmente, demostrando un apetito voraz por la carne humana. Un parásito intenta meterse dentro del oído de Shinichi pero falla al estar éste escuchando música con unos cascos. Al verlo el parásito decide meterse por la mano del chaval, pero él lo frena con un cinturón. Tras un ataque de pánico por pensar qué demonios es eso el alien se desvanece y todo vuelve a la normalidad. Todo parece un mal sueño hasta que a la mañana siguiente se da cuenta de que ha perdido la movilidad del brazo derecho y el parásito ha ocupado su brazo totalmente. Al principio Shinichi quiere quitarse al parásito pero el bicho aprende su idioma, empiezan a hablar y se convierten en amigos, e incluso Shinichi le pone nombre: Migi. El problema es que Migi no es el único parásito que hay en esa zona ni todos son tan amigables como él...


Sailor Moon Crystal Sailor Moon Crystal es una remasterización de la serie Sailor Moon, de Naoko Takeuchi, que se creó en conmemoración del veinte aniversario de la serie y se estrenó en julio de 2014. Ya con su primera serie tuvo un éxito enorme y esta segunda no parece quedarse atrás. Usagi Tsukino es una adolescente algo patosa y llorona que un día conoce a Luna, una gata negra con una mancha blanca en la frente en forma de luna creciente, y se transforma en una hermosa guardiana del amor y la justicia, vestida con un traje de marinera. Tiene la misión de encontrar a sus compañeras guardianas y el Cristal Plateado, así como de proteger a una princesa. Por otro lado, la Reina Beryl del Reino Oscuro vuelca todos sus esfuerzos en tratar de encontrar el Cristal Plateado, de tremendo poder, y para ello envía a sus secuaces al lugar en el que Usagi vive, provocando todo tipo de extraños fenómenos…


Sword Art Online II SAO II es la segunda temporada del anime Sword Art Online.

La historia fue creada inicialmente por Teki Kawahara en forma de nove ligera y ha tenido hasta ocho adaptaciones al manga.

La primera temporada del anime se estrenó en diciembre de 2013 y segunda en julio de 2014. Esta segunda temporada cubre tres arcos argumentales de la nove Phantom Bullet, Caliber y Mother’s Rosario.

La historia transcurre un año después de los sucesos de SAO y ALO, cuan está triunfando un nuevo juego de realidad virtual, Gun Gale Online (GGO esta vez un shooter.

En este juego aparece un misterioso jugador llamado Death Gun, que alguna manera es capaz de hacer que las personas a las que dispara en mundo virtual, mueran en la realidad.

Kirito entrará a este nuevo juego para tratar de descubrir su identida averiguar cómo es capaz de llevar a cabo esos asesinatos y detenerle.


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Selector Spread WIXXOS Selector Spread WIXXOS es la segunda temporada del anime Selector infeted WIXXOS, creado por J. C. Staf, Takara Tomy y Warner Entertainment Japan. Empezó a emitirse en octubre de 2014. WIXOSS es un juego de cartas muy popular, especialmente entre estudiantes de secundaria, pero pocos saben que las cartas LRIG en realidad tienen vida propia. Sólo ciertas mujeres especiales pueden escuchar las voces del LRIG, y aquellas que poseen esta tarjeta son llamadas Selector. La Selector que pueda ganar el WIXOSS podrá convertirse en Eternal Girl y será capaz de realizar su propio ideal. Esperanza, deseo, avaricia,… ellas se ven arrastradas al vórtice del peligroso juego.


Terra Formars Terra Formars es un manga creado por Yû Sasuga y Kenichi Tachibana que empezó a publicarse en 2011. Su adaptación animada se estrenó en septiembre de 2014. A finales del siglo XX se pone en marcha un plan para terraformar Marte. Para esto solo habría que aumentar la temperatura del planeta pero debido a los escasos medios, el mejor plan es enviar allí enormes cantidades de moho y... de cucarachas. 500 años después, se envía una nave al planeta rojo para comprobar el estado y para tomar muestras. Sin embargo, lo que se encuentran allí algo que jamás debe filtrarse a la opinión pública.


Tokyo Ghoul Tokyo Ghoul es una serie manga creada por Sui Ishida que comenzó a publicarse en septiembre de 2011 y que fue comprimida en catorce tankobon en septiembre de 2014. El anime en el que la historia fue adaptada, llamado con el mismo nombre, se estrenó en julio de 2014. En octubre de 2014 se anunció de manera oficial que Tokyo Ghoul tendrá una segunda temporada para enero de 2015. En Tokyo ocurren asesinatos misteriosos cometidos por Ghouls, seres desconocidos que comen carne humana. Un día, Kaneki Ken, un joven de 19 años que cursa la Universidad, conoce a una chica en un restaurante y la invita a salir. Tras una cita aparentemente agradable, Kaneki se ofrece a llevarla a su casa y ella acepta. Sin embargo al entrar a un callejón es atacado por la chica, que resulta ser un Ghoul. Durante el ataque, Kaneki es salvado por unas vigas que caen accidentalmente y que matan al ghoul antes de que pueda matarlo, pero dejándolo terriblemente malherido. Debido a la gravedad de sus heridas, recibe un trasplante de órganos de emergencia de la chica muerta, por desconocimiento de los médicos de la identidad de Ghoul de la muchacha. Kaneki termina convirtiéndose en un ser híbrido humano-ghoul y de ahora en adelante deberá vivir escondiéndose de los humanos y algunos ghoul enemigos.


12 meses 12 animes Volvemos a tener por delante un año entero en el que poner en práctica proyectos e intentar lograr metas profesionales o personales. Pero mientras hacemos estas cosas tan importantes, también tenemos derecho a disfrutar al máximo de nuestro tiempo libre haciendo cosas que nos encantan como hartarnos de ver series anime. Desde Nosolofreak te animamos a que cada mes del año te acerques a una serie diferente, con una recomendación de doce animes que creemos imprescindible que veas por primera vez o revisiones durante este 2015. Ahí es nada… Enero comienza con una saturación de las cosas bonitas, adorables y algo ñoñas a veces que nos ha dejado la navidad por lo que hay que sacudirse tanta dulzura y ver algo más oscuro y con una trama trepidante. No hay mejor anime para cumplir esta máxima que “Death Note” un original thriller donde la historia gira en torno a un cuaderno que tiene la propiedad de causar la muerte de todo aquél cuyo nombre haya sido escrito en una de sus hojas. No tiene demasiados capítulos y una vez que veas el primero harás lo posible por verla entera lo antes posible. Eso sí, quizás desees que pase el año corriendo para pedirle a los Reyes magos tu propia “Death note”… Febrero es un mes un poco más corto y por eso te animamos a que te pongas al día con el nuevo anime de Guerrero Luna y sus compañeras con “Sailor Moon Crystal” un remake que ya cuenta con algunos capítulos emitidos que no te puedes perder tanto si viste como si no la versión anterior. Tampoco estaría mal que volvieras a ver algún capítulo del anime original para comparar y, por qué no, para recor-

dar viejos tiempos. Marzo nos encanta porque el frío empieza una tímida retirada y poco a poco se instala el buen tiempo así que nos llenamos de una energía que podemos liberar junto al hiperactivo “Naruto” todo un personaje cuya vida como ninja aspirante a convertirse a Hokage es digna de conocerse. Eso sí, la serie es muy larga y difícilmente podrás verla completa en un mes (además no ha terminado aún) pero cuando te enganches seguro que te haces una gran maratón de capítulos. Llega abril y la lluvia nos pone un poco nostálgicos. Hay días que podremos salir a disfrutar del calorcito incipiente y otros en los que pega quedarse en casa y ver algo mientras la lluvia repiquetea en la ventana. ¿Nuestra propuesta? “Sakura, cazadora de cartas”. Nadie puede negar la originalidad de esta historia y la adorabilidad de la chica protagonista que convierten este anime en uno de los mejores que existen y que nunca está de más recordar. En mayo posiblemente queramos más caña y ya toca de nuevo disfrutar de una historia trepidante de esas que casi te dejan sin respiración. Por eso, nunca nos cansaremos de recomendar “Ataque a los titanes”. Durante este mes anímate a acercarte a la primera temporada y ya abres boca para la inminente segunda temporada. Las dosis de acción y misterio no te dejarán indiferente, aunque eso sí, quizás a ratos pases un pelín de miedo si eres un poco aprensivo pero no te preocupes, que aún no es época de titanes. Cuando menos te lo esperas estás en ju-


ENERO

FEBRERO

MARZO

ABRIL

MAYO

JUNIO

JULIO

AGOSTO

SEPTIEMBRE

OCTUBRE

NOVIEMBRE

DICIEMBRE

2015


nio con el verano a la vuelta de la esquina y no vas a pasar las vacaciones sin poder hablar del anime que ya casi todo el mundo conoce “Sword Art online” donde los protagonistas juegan a un videojuego demasiado real en el que deben hacer todo lo posible por sobrevivir y escapar. Otra historia que es bastante original y que no te puedes perder. En julio hay mil cosas por hacer y entre playa, piscina, amigos y diversión no viene mal un poco de tranquilidad y algo de anime clásico. “Nana” es la serie que puedes ver para relajarte un poco, muy entretenida porque te acerca a la vida de dos chicas bastante diferentes en algunos aspectos que consolidan una bonita amistad. No es sólo un anime para chicas, cualquier chico también puede disfrutar de esta historia. Agosto a veces es un mes duro, sobre todo en algunas regiones porque el calor no da tregua y hay que mantener la mente distraída con series como “Pandora Hearts” donde la fantasía predomina con fuertes influencias de obras como “Alicia en el país de las maravillas”, varios cuentos famosos y el universo en torno al Mago de Oz. La verdad, no tiene desperdicio sobre todo si eres de los que disfruta con obras muy creativas. En septiembre las cosas suelen volver a su cauce normal, hay que espabilarse de nuevo, dejarse de tanta pereza y centrarse otra vez en el trabajo o en los estudios de lleno. Nada mejor para mantener la mente activa que ayudar a “Detective Conan” a esclarecer alguno de los rocambolescos casos en los que se ve envuelto. Junto a este chico tendremos que pensar, hacer cábalas y sobre todo pasarlo de maravilla. Octubre ya empieza a ser más sombrío y además es el mes de Halloween. Si quieres ver una serie acorde con la temática de terror propia de este mes y además coger una idea para un disfraz original debes ver “Vampire Knight” otra vuelta de tuerca al tema de los vampiros que nos presenta muchos personajes y nos permi-

te ir resolviendo ciertos misterios junto a la chica protagonista. Eso sí, el desarrollo de la trama es bastante tranquilo pero nadie puede pedirle a un vampiro que se dé prisa ¿no? En noviembre nos vamos dando cuenta de que al año le quedan dos telediarios y nos ponemos a fantasear con el futuro. Pues bien, “Psycho-Pass” tanto la primera como la segunda entrega te ayudarán a plantearte otro tipo de futuro que seguro que te apasiona conocer. Este anime tiene más tintes de reflexión y es de temática más seria pero no por ello menos entretenida. Llega diciembre y de nuevo la ñoñez y la dulzura. La televisión está repleta de películas navideñas de paz y amor. Todo esto está muy bien, pero a ratos hay que desconectar, así que apúntate “Another” donde el terror, el suspense y sobre todo el misterio están muy presentes en la vida de un estudiante que se ve envuelto en una espeluznante historia con una extraña chica como hilo conductor. Argumento más que apropiado para cambiar de chips en estas entrañables fechas. Pues bien, después de estos doce meses conocerás o habrás revisionado series geniales con personajes y aventuras que te habrán acompañado durante un año de tu vida y éste ¿no te parece otro propósito estupendo para año nuevo?

ROSA MARÍA CORTÉS


novedades anime

neko mai

Kono Danshi, Sekka ni Nayandemasu

Estrenada el día 3, esta OVA es la cuarta entrega de la serie de proyectos “Kono Danshi” creado por Soubi Yamamoto, que cuenta con producción de CoMix Wave Films. La historia gira en torno a Ayumu Tamari, quien tiene una enfermedad que lo hace convertirse en piedra cuando se estresa. El único conocedor de su estado en Kouya Onihara, su tutor, un amante de las piedras que piensa que las transformaciones del chico son hermosas. En esta ocasión nos encontramos ante un estreno dedicado a los amantes del yaoi, aunque en este caso es un yaoi muy flojito, de esos en los que la ternura envuelve todo pero no se ven escenas fuertes ni nada parecido, apenas un besito y poco más.

The Last Naruto the Movie

El día 6 de diciembre se estrenó la última película de la franquicia Naruto, que se creó en conmemoración de los 15 años de la marca. Han pasado dos años desde que acabo la cuarta guerra mundial shinobi. La luna que fue creada por el sabio de los seis caminos cuando sello al Jūbi, se perturba y empieza a dirigirse a la tierra en forma de un meteorito gigante. Se descubre que el causante de esta tragedia es alguien llamado Toneri Ōtsutsuki, quien es el último descendiente del hermano del sabio de los seis caminos, el cual vivía en la misma luna desde que esta fue creada. En medio del inminente desastre, Toneri Ōtsutsuki intenta secuestrar a Hinata, pero Hannabi, la hermana menor, es quien termina siendo raptada. Es entonces cuando Naruto y los demás deberán rescatarla y vencer a Toneri Ōtsutsuki antes de que sea demasiado tarde. Poco se puede decir cuando se trata de Naruto, ¿no?


Uchuu Senkan Yamato 2199 Hoshi Meguru Hakobune

Más conocida como “Space Battleship Yamato”, esta nueva película fue estrenada el día 6. Es un remake de la primera serie de la franquicia, creada por Yoshinobu Nishizaki. Año 2199. La Yamato intenta dejar atrás la Gran Nube de Magallanes tras recibir un “Cosmo Reverse System” en su destino, Iscandar. Sin embargo, de repente se encuentran con un misterioso grupo en la frontera de la Gran Nube de Magallanes. La tripulación descubre que ese grupo se llama “Gatlantis”, y que su líder es un comandante de la fuerza expedicionaria de Gutaba que se hace llamar “Goran Dagaamu del Trueno”. El comandante exige que le sea entregada la Yamato. La Yamato consigue escapar y huir hacia la Tierra, pero recibe el impacto de una poderosa arma llamada el “Cañón de ataque directo de llamas” que puede trascender al espacio. La Yamato acaba perdiéndose en una dimensión irregular y de colores extraños y la tripulación apaga los motores de la nave para explorar un misterioso planeta cercano. Para poder recabar información, Kodai, Kiryu, Sawamura, Niimi y Aihara aterrizan en el planeta y se encuentran es una nave que no debería estar allí. Aquellos fans de la saga podrán recordar viejos tiempos con esta película, con el añadido de unos diseños más detallistas y “currados”. Claro que algunos piensan que estos nuevos diseños le quitan parte de su encanto a series tan antiguas como estas.

Kanojo ga Flag El 2 de Diciembre se estrenó esta OVA y se presentó en forma de acompañamiento para el onceavo tomo de la serie de novelas visuales Kanojo ga Flag o Oraretara, de Touka Takei. Sôta Hatate tiene la increíble habilidad de poder ver una especie de “bandera” o letrero sobre las cabezas de las personas, como si fueran personajes de una visual novel o de un videojuego de citas. Estas banderas marcan puntos críticos en las vidas de las personas en donde sus decisiones pueden determinar si consiguen un trabajo, una amistad, una victoria, enamorarse e incluso morir. Un día Sota pasa a estudiar en la prestigiosa Academia Hatagaya, en Tokio, pero en vez de vivir en la residencia estudiantil acaba viviendo bajo el mismo techo de cinco preciosas chicas. Los que sean conocedores del anime, del que ya se han emitido 10 episodios, reconocerán el estilo de dibujo de la OVA, ya que los diseñadores son los mismos. Además, son los mismos seiyûs se la serie los que pongan voz a este corto, que tiene una duración de 23 minutos.


novedades Yamada kun to anime 7 nin no Majo Está obra, basada en el manga sobrenatural creado por Natsumi Eguchi, se estrenó el día 6 y sigue la trama del manga y el anime. La historia sigue la vida de Hozuki, un demonio que trabaja para el dios de la muerte en el infierno. Nos encontramos ante una serie poco conocida en el mundillo manganime, pero que sin duda es una delicia de seguir. Si no la conocéis ya, os animo a buscarla y leerla/verla.

Hoozuki no Reitetsu OAD

OAD

Este OVA se estrenó el 17 de diciembre y es una adaptación de la serie manga escrita por Miki Yoshikawa. La historia del manga original comienza cuando un estudiante de instituto, Yamada, choca con una chica guapa llamada Shiraishi en las escaleras y sus labios se tocan al caer. Cuando recuperan la compostura, se dan cuenta de que han intercambiado sus cuerpos. Sin embargo, a medida que investigan, se dan cuenta que no es el único misterio que ha ocurrido en la escuela. Nos encontramos ante una serie en donde la comedia y el misterio se mezclan para forman una historia bastante decente, que no llega a matar, pero que está bastante bien.


Esta OVA, basada en el aclamado anime Shingeki no Kyojin, se estrenó el día 9 y nos hace una pequeña muestra del pasado de Levi. Tiene una duración de 24 min más o menos y seguro que gustará tanto a los que adoren a este personaje como a los que lo odien. Basada en esta misma OVA saldrá una segunda, que según parece será estrenada en abril de 2015.

Kuinaki Sentaku Gekijouban Akatsu! Idol Katsudou! Esta película es una adaptación del anime “Aikatsu” y fue estrenada el 13 de diciembre. La historia sigue la vida de Ichigo, una chica que pasó de ser una estudiante normal a estar en el mundo de las idols. La película se centra en el mejor concierto de Aikatsu, enseñándonos su preparación, el estrés, las conferencias… La perfecta película para ver con los enanos.

Date a Live Encore

Este pasado 9 de diciembre se estrenó de forma inédita esta OVA, que salió acompañando al tercer volumen de las historias cortas de Date A Live Encore. La historia se desarrolla un 7 de julio, cuando en mitad de las celebraciones del Tanabata, Shido conoce a Kurumi. El destino les deparará… ¿una boda? ¡Date a Live! ¿Hay más que decir? Esta OVA nos trae una historia de lo más estrambótica que sin duda nos sacará más de una risa. Y como recordatorio: la segunda temporada se estrena en abril.


Ikkitousen Extravaganza Epoch

novedades anime Brothers Conflict

Esta OVA, la primera de las dos que están planeadas, se estrenó el día 19. La segunda llegará en 2015, según dicen tirando hacia febrero, ya que uno de sus temas centrales en San Valentín y el otro la Navidad. Estas OVAs están basadas en las novelas ligeras creadas por Atsuko Kanase, Takeshi Mizuno y Ukyo. Además de las OVAs, esta saga tiene una adaptación al manga y otra al anime. La historia está protagonizada por una chica que un día gana 13 hermanastros cuyas edades van de los 32 a los 12 años, al casarse de nuevo su padre. La chica se une a la familia Asahina y tendrá que vivir bajo el mismo techo que sus nuevos y guapos hermanos. Los fans de la serie seguro que ven con el mismo entusiasmo este nuevo episodio, que sigue la historia del anime.

Esta nueva OVA de la conocida franquicia de Ikkitousen se estrenó el 21 de diciembre. Su continuación se presentó como segunda OVA y se estrenó el día 28 del mismo mes. Los espíritus de los héroes legendarios, que lucharon por la unificación de China en la era de los tres reinos, se encuentran sellados dentro de antiguas gemas y esparcidos por todo Japón. Estas gemas conocidas como “magatamas”, tienen la capacidad de despertar el enorme poder dormido que hay en las reencarnaciones de los antiguos héroes chinos, hombres y mujeres con apetito insaciable de combate y que se llaman a sí mismos “guerreros” y “guerreras”. La hermosa Hakufu Sonsaku es una de estos guerreros, y ha vivido toda su vida aislada en las afueras de la ciudad, entrenando con su madre y reprimiendo su deseo de pelear. Pero ha llegado el día en que Hakufu debe abandonar su hogar, mudarse a Tokio para comenzar a estudiar en un instituto repleto de guerreros, y así cumplir su destino inmortal. ¿Qué esperáis los fans de la serie para buscar estas OVAs? ¡Ya estáis


El día 26 se estrenó esta OVA adaptada de la saga de eroges Rance 01 – Hikari wo motomete -. Rance 01 es un remake de 2013 de AliceSoft, de su primer juego que sacó allá por 1989 para celebrar su 25 aniversario. La historia está protagonizada por Rance, un mercenario al que la guild Keith le pide que encuentre y salve a la hija de la familia Bran a cambio de 20.000 monedas de oro. Hikari Mi Bran es la hija en cuestión, que fue raptada sin pedir un rescate a cambio. A Rance le acompañará en su misión Sill Plain, una esclava que también fue raptada de su familia y que él compró. Ambos cooperarán para salvar a Hikari, destapando que el incidente del secuestro esconde mucho más de lo que jamás imaginaron.

Rance 1 Hikari o Motomete

Soukyuu no Fafner Dead Aggressor Exodus

El pasado 27 de diciembre se empezaron a emitir en los cines japoneses anticipaciones de la nueva adaptación animada de la saga Soukyuu no Fafner. Dead Aggressor - Exodus, creada por el estudio XEBEC. La historia nos coloca en un tiempo futurista, en el año 2144 aproximadamente, donde la Tierra ha sido devastada por unos seres llamados Festum desde el año 2114. Por ciertos eventos causados por estos seres los japoneses perdieron su fertilidad y fueron prácticamente borrados del mapa. Los supervivientes se encuentran ahora en una remota super isla japonesa llamada Isla Tatsumiya. La gente ha logrado sobrevivir escondiéndose de los Festums usando la más avanzada tecnología. Es el último paraíso en la Tierra. Lo más sorprendente de esta isla es que es todo


novedades Tales of Zestiria Doushi no anime Yoake Kaitou Tenshi Twin Angel Kyun Kyun Tokimeki Paradise!! OVA

Esta nueva OVA, basada en la saga de juegos creada por Nomad, fue estrenada el día 28. La trama se centra en las peripecias de tres estudiantes normales, que se ven transformadas en chicas mágicas, cuya misión es luchar contra el crimen. Otra serie magical gil con la que las chicas pequeñas, y no tan pequeñas, disfrutarán un buen rato.

Este especial, creado con motivo de la celebración de los 20 años de la franquicia “Tales of”, se estrenó el día 30 y sirve de introducción al próximo videojuego de la franquicia, Tales of Zestiria. Tales of Zestiria nos cuenta la historia de Sorey, el elegido como Doushi, y su aventura en el mundo de Green Wood, tierra fantástica de mitos y leyendas en la que el reino de Highland y el Imperio de Lowrance luchan por su soberanía.


Este especial se estrenó el 26 de diciembre y se creó para conmemorar el 20 aniversario del manga original, creado por Gosho Aoyama.

Edogawa Conan Shissou Jiken Shijou Saiaku no Futsukakan

Tsukimonogatari. Yotsugi Doll Este especial, estrenado el mismo día 31, es la décima parte de la serie Monogatari. Siendo el treceavo libro, contiene la historia de la muñeca Yotsugi. También es la primera parte de la temporada final de la serie. Yotsugi Ononoki es una muñeca. No está viva. Es un objeto común. No puede ayudarte con los problemas… Y sin embargo es capaz de estar en conflicto con la sociedad humana. Siguiendo la trama Monogatari, este es el principio del fin de la gran saga.

Tantei Kageki Milky Holmes TD

Nueva serie de la franquicia Milky Holmes. Se estrenó el 31 de diciembre y sigue de nuevo las peripecias de este peculiar equipo de detectives. Esta vez el equipo de detectives se pone tras la búsqueda de un ladrón de canciones de Idols en el Distrito de Yokohama. De nuevo nos encontramos ante una serie apta para todos los públicos, pero que sobre todo los “adultos” disfrutarán.


DOG DAYS Dog Days es una serie anime de comedia romántica, creada por Masaki Tsuzuki, que consta de 2 temporadas de 13 capítulos cada una. A estas dos primeras temporadas se le sumara una tercera que se estrenara en Enero de 2015. La historia gira alrededor de un chico de 13 años llamado Shinku Izumi. Shinku es un muchacho alegre y risueño que estudia en la Escuela Internacional de Kinokawa en Japón. Su vida es bastante tranquila hasta que un día es invocado al mundo paralelo de Flonyard (un mundo poblado por seres de apariencia casi humana a excepción de que poseen cola y orejas de animal) por Millhiore. Millhiore es la princesa de la República de Biscotti y convoca a Shinku con la intención de que este le ayude a luchar contra el reino vecino de Galette. Su cometido a partir de entonces será luchar en una especie de batallas organizadas, sin que haya muertes implicadas, en las cuales se enfrentan dos facciones distintas y la que vence se queda con las ganancias de la otra. Para ello deberá usar una espada sagrada conocida como Palladion. Sin embargo lo que ambos desconocen es que los que son convocados para luchar no puede regresar a su mundo de origen, por lo que Shinku se verá en serios problemas para poder regresar a la Tierra. Haciéndonos una idea de lo que va la historia creo que lo más destacable son los personajes que viven el Palladion, tanto del bando de Biscotti como de Galette, ya que son muy originales y algunos muy entrañables:

Millhiore Firianno Boscotti, es la princesa de Boscotti y tiene 13 años. Es una chica alegre, trabajadora, amable y con una maravillosa voz. Viste con un vestido rosa clarito con franjas rosa fucsia, lleva unos moñetes con lazos rosas. Físicamente es de estatura media y es delgada; tiene el pelo corto de color rosa, con orejas de perro, los ojos lilas y cola de perro. Millhiore me recuerda mucho a Madoka (de Madoka Puella Magica) por como viste y su forma de ser. Lo que más me gusta de ella es como canta, la verdad es que tiene una preciosa voz. Para mi es la más entrañable y me encanta que su historia con Shinku acabe bien, ya que ambos están muy enamorados. Éclair Martinozzi, es la capitana de la unidad de la Guardia Imperial, tiene 14 años. Desde que era pequeña se ha entrenado para ser caballero y es muy buena usando la espada doble. Es una chica seria y responsable; físicamente es de estatura media y delgada. Tiene el pelo corto de color verde clarito y los ojos azules. Al igual que la princesa tiene orejas de perro, aunque más caídas. Viste un uniforme blanco con botones negros y falda negra; usa botas cortas blancas y un cinturón marrón. Lo que más me gusto de ella fue el capítulo que se beso con el protagonista, la verdad es que es uno de mis favoritos ya que la pobre esta locamente enamorada de él y al final no consigue conquistarlo. Ricotta Elmar, tiene 13 años y es la investigadora principal de la Escuela Nacional de Investigación de Biscotti. Es una chica amable e inteligente, físicamente


es de estatura media y delgada. Tiene el pelo largo, de color anaranjado y los ojos naranjas; además de las características orejas de perro. Viste una camisa blanca, un chaleco naranja, una falda granate y un lazo rojizo. Suele llevar también una capa blanca. De ella me encantan las caras que pone y que siempre habla un poco raro con esa coletilla que usa siempre, la verdad es que uno de los personajes más graciosos de la historia sobre todo cuando rompe el móvil del protagonista… (Yo la hubiera asesinado ¬¬). Yukikaze Panettone, es una chica valiente y leal que pertenece a la Orden de los Ca-

balleros de Biscotti. Fisicamente es más alta y algo más mayor que las demás. Tiene el pelo medio-largo, con una coleta, de color rubio; sus ojos son de color azul y tiene orejas y cola de zorro. Viste un traje de ninja, bastante provocativo, de color lila. De ella me encanta que al final se descubre que es un dios zorro que lucha contra los demonios, la verdad es que una chica muy fuerte y valiente, me recuerda un poco a Sango de Inuyasha. Leonmichelli Galette des Rois, conocida como Leo es la princesa de Galette y amiga de la infancia de la princesa Millhiore. Tiene 16 años y es una chica fuerte y con


carácter duro. Físicamente es alta y delgada; tiene el pelo largo de color blanco y los ojos amarillos. Viste un traje compuesto por una torera azul oscura, corpiño blanco, pantalón corto vaquero, capa negra y botas altas negras. A diferencia de las demás Leo tiene orejas y cola de león. Lo que más me gusta de ella es que no tiene miedo de nada y aunque sea una chica no se acobarda ante nadie. Siempre se hace la dura y la mala, aunque se nota que en el fondo es buena y tiene gran corazón. Gaul Galette des Rois, tiene 13 y es el hermano pequeño de Leo. Físicamente es un chico de estatura media, delgado, con el pelo blanco y los ojos amarillos; aunque tiene la piel más oscura que su hermana. Viste un traje de pantalón negro, camiseta azul clarito y torera azul oscura. Al igual que su hermana tiene orejas y cola de león. A mi Gau me gusta mucho más que el protagonista, me parece muy guapo y valiente. La verdad es que se parece mucho físicamente a Inuyasha, por lo que es mucho más guapo que el protagonista (por lo menos para mí). Lo que menos me ha gustado de este ani-

me es que me recuerda un poco a la historia de Louis la Zero (Zero no Tsukaima) en el tema de que el chico de la Tierra es invocado para ayudar a luchar a una chica; a Inuyasha por los personajes y la película de Haru en el mundo de los gatos en el tema de que son semianimales. Lo que más me ha gustado de la serie es que es muy divertida. Cada una de las chicas tiene sus puntos cómicos que amenizan la serie. También creo que es muy humana y dulce porque habla mucho sobre la amistad y el amor. La trama me parece interesante, mezcla muy bien la temática de fantasía y la comedia romántica. Creo el dibujo es muy bonito, tanto por los paisajes llenos de catillos y paisajes como por los personajes; que resultan muy entrañables y más con esas orejitas… son tan kawaii XD En conclusión creo que Dog Days es una buena forma de pasar la tarde riéndonos y pasando un buen rato. Tengo ganas de ver la tercera temporada =D CRISTINA FERNÁNDEZ JIMÉNEZ


Tasogare Otome x Amensia ¡Feliz 2015 a todos! Espero que hayáis pasado unas vacaciones navideñas estupendas y que las comilonas no haya creado demasiado estragos. Por otro lado yo estoy aquí un mes más, nieve o llueva, para traeros un fantástico anime el cual ver bajo una manta y pegados a la estufa tratando de soportar estos fríos que nos viene haciendo.

El manga inició su publicación en abril del 2009 y acabó en diciembre de 2012, consta de un total de 8 volúmenes y fue publicada por Square Enix, sí también tienen parte de editorial y publican alguna que otra revista y libros, aunque solo en Japón, y bueno, este manga en concreto fue publicado en capítulos en la revista Monthly Gangan Joker.

Esta serie la encontré de imprevisto, y me rondó la mente un par de veces si verla o no, pues la sinopsis no me parecía la gran cosa, a decir verdad creía que era un ecchi de estos camuflados y no le tenía muchas esperanzas, así que lo fui dejando pasar..

En cuanto al anime, este no vio la luz hasta abril del 2012 acabando su emisión en junio de ese mismo año y la productora fue Silver Link, este estudio de animación ha trabajado en otros animes como Kokoro Connect del 2012, y la tan conocida Watamote del 2013.

Pero un día llena de aburrimiento y con unas ávidas ganas de ver anime, volvió a aparecer y esta vez no me lo repensé, decidí que lo vería sí o sí, y así fue.

Toda la historia gira en torno a las investigaciones que hacen Teiichi Niiya y a Yuko Kanoe en la Academia privada Seikyou, aunque también aparecen algunos personajes más que son tan importantes como estos dos, y estos son Momoe Okonogi, y Kirie Kanoe.

He de decir que desde el primer momento me atrapó la historia. Tenia una mezcla de oscuridad con un puntito de romance muy tierno, y un ecchi muy velado (eso a alguien como a mi que no me gusta el genero, es de agradecer). También tenía la dosis justa de suspense y tal vez, un toque de terror, algo que para mis gustos personales generaba una mezcolanza muy atractiva e interesante, así que no dude un segundo, acabé la serie en una misma tarde/noche sin darme ni cuenta, pues acabé enganchada a ella queriendo saber más de los personajes que se nos presentaban. El manganime del que os hablo es “Tasogare Otome x Amnesia”, es un manga creado por Maybe, este es un mangaka con una considerable lista de trabajos en los que abunda el hentai y algún doujinshi. He de decir que a mi el hentai no me gusta y para conocer un poco más el trabajo de este mangaka indagué y me leí un par y la verdad que me resultaron divertidos, obviamente no están dentro de mis mangas predilectos y no los releería pero, me gustaron, tal vez sea por que el dibujo en si me gusta mucho.

Tiichi Niiya es un estudiante de primer año de secundaria (en el manga tiene apenas 12 años y es más bajito), que un día vagando por su nuevo instituto se pierde y acaba en el ala antigua del mismo y aquí encuentra la antigua sala común del club de estudios de lo paranormal, el que ya estaba clausurado. Pero no fue lo único que se encontró dentro, ahí también estaba Yuko Kanoe, esta le acaba confesando que es un fantasma que no tiene recuerdos de su vida pasada ni de como murió y tampoco de por qué sigue allí. En ese momento, Teiichi decide reabrir el club de investigación paranormal y así poder ayudar a Yuko a investigar las causas de su muerte, ya que él encuentra el cadáver de la chica, creen que de esta manera ella podrá avanzar y descansar en paz después de 60 años vagando por el instituto creando infinidad de leyendas a su paso. Con el paso de los días, al club van uniendose un par de miembros más, primero fue Kirie Kanoe, otra estudiante de la Academia capaz


de ver a Yuko, porque obviamente no todos pueden tener contacto con ella. Esta es siempre fría y distante y le tiene miedo a los fantasmas a pesar de ver uno y en un principio pensaba que Yuko era un fantasma maligno y lo único que quería era advertir a Teiichi, ya que ella tenía una visión completamente diferente a la que tenía él. A medida que avanza la serie también nos percatamos de que le tiene ciertos celos a Yuko, y eso hace que en ocasiones su carácter sea algo repelente, pero en el fondo es una muy buena persona que se dedica a ayudarle para encontrar la verdad de la muerte de Yuko. Y como último integrante del club de investigación paranormal tenemos a Momoe Okonogi. La joven decide unirse al club debido a que cree que Teiichi la salvó de una de las maldiciones que circulan por la escuela, una que fue creada por Yuko, como casi todas. Esta decide por su cuenta que está en deuda con él, y le ayuda a investigar todos los acontecimientos paranormales que suceden dentro

de la Academia, y en verdad es de bastante ayuda ya que tiene una pequeña libreta donde apunta todos los sucesos que ocurren, o que ha oído que ocurren, así que los chicos no tienen más que seguir esas pistas. Okonogi, es la única de todo el grupo que no es capaz de ver a Yuko, pero con el tiempo acaba sabiendo de su existencia e incluso se comunica con ella en un par de ocasiones. La serie en verdad no tiene desperdicio alguno, aunque también he de decir que en cuanto a lo romántico se me hace algo pesado ya que tiene un poco al harem y no me agrada demasiado pero por lo demás, y quitando el final que me dejó con mal sabor de boca (aunque otros digan que fue hermoso, será que soy rara) recomiendo la serie al completo, me resulto divertida, tierna, cómica, con una trama que te hace querer ver más capítulos para saber como acabará y con un dibujo muy bonito, me gustó mucho el estilo del mangaka. Y con esto pongo punto y final a la serie de este mes, espero que lo hayáis disfrutado y nos vemos el mes que viene.

MIRIAM GRADO


El Au

“En el ca las fuerza y podero forma mo


utentico Vampiro

aso del vampiro que nos ocupa, todas as ocultas de la naturaleza, profundas osas, deben haberse unido de alguna onstruosa.” Bram Stoker. Todas las culturas creen en los vampiros; seres fríos y a la vez seductores, en ocasiones con un marcado acento de Europa del Este que se levantan cada noche de sus tumbas y a quienes sólo detienen el ajo, las cruces y las estacas clavadas en el corazón. Con una fama igual de inmortal que ellos mismos, los vampiros aparecen periódicamente en revistas, libros y películas como representaciones de nuestros deseos más oscuros y perversos. Los príncipes de la noche son la llave a la liberación carnal y espiritual, personajes que existen al margen del mundo y la moralidad, viven para sus propios deseos y no se ven limitados por la debilidad del hombre corriente. Su poder de atracción es tal que existen grupos de aficionados que no sólo comentan sus historias favoritas de chupasangres, sino que exploran cuánto de realidad hay en un mito global que hace sugerir, al menos, una base común. Fanáticos que buscan las raíces del vampirismo en países como Rumanía o el Antiguo Egipto, siguen el rastro de leyendas urbanas e incluso acuden a cementerios abandonados donde “se dice” que una vez habitó un no-muerto. Muchos con la esperanza de descubrir si existen en realidad, y otros, deseando secretamente convertirse en uno de ellos.

La figura del vampiro Pero un rápido repaso a la historia de los vampiros nos deja claro que no se trata de

un ser tan perfilado e identificable como suponemos, ya que cada país, si bien ha encontrado en su figura una forma de plasmar los miedos y las pesadillas, otorga a estos seres unas características que difieren de unas culturas a otras. No todos duermen en ataúdes o mueren bajo la luz del Sol y algunos ni siquiera se alimentan de sangre. Tampoco hay un origen claro para su existencia ni mucho menos un Vampiro Original. Lo más cercano a un Padre de Todos es un personaje histórico al que un escritor irlandés imaginó como el perfecto hombre que ha hecho un pacto con el diablo. Es más, el abuso del término vampiro se ha utilizado para englobar todo tipo de supuestos sucesos sobrenaturales que han asolado durante siglos poblaciones enteras. En la Edad Media se culpaba a brujas y vampiros de todo tipo de desgracias, desde brutales asesinatos a malas cosechas o ganados envenenados. El desconocimiento y la superstición fueron caldo de cultivo para todo tipo de teorías y leyendas en las que los muertos eran, de alguna manera, responsables de los males de los vivos. Se volvieron comunes las exhumaciones de todos aquellos a los que se consideraba culpables, y los relatos siempre han coincidido al mostrar a un pueblo asombrado al toparse con un cuerpo que no mostraba signos de putrefacción y, en cambio, el pelo y las uñas un poco largas. En ocasiones, la sequedad del cuerpo contribuía al retroceso de los labios, que dejaban al descubierto los dientes y ayudaban a estimular


la imaginación de los que se topaban con ellos. Al quemar el cadáver o repetir el funeral, además de otros rituales como arrancarle el corazón (si lo tenía), las enfermedades y muertes cesaban tan misteriosamente como habían empezado. Aún a día de hoy pueden verse algunas de las tumbas medievales donde los restos descansan debajo de una verja de hierro pensada para actuar como una celda en caso de que el muerto regresase a la vida, algo que hacían especialmente si el fallecido había sido pelirrojo, ya que ese color siempre se ha identificado con el mal y el demonio. El origen de esta idea deberíamos buscarlo en el Antiguo Egipto donde el pueblo aseguraba que el pelirrojo faraón Ramsés II debía su larga vida e impresionante estatura a la bendición del dios oscuro Seth. Así surgió la idea de que los vampiros duermen en sus propias tumbas o sienten una atracción fetichista por la muerte, tal vez porque a ellos se les ha privado de la más certera de las experiencias humanas. Como la noche era el feudo de lo desconocido, se decía también que no podían salir de día, lo que desembocó en la creencia generalizada de que no podían resistir la luz del Sol. En cuanto al resto de su morfología, la apariencia del cadáver con ojeras y pómulos prominentes va de la mano de representaciones con cuernos y cuerpo animal, lo que ha llevado a la Criptozoología a buscar por México un eslabón que una a los vampiros con el legendario Chupacabras. Los hay con colmillos y también sin ellos, también se han descrito algunos con punzones en la punta de sus lenguas que utilizan para atacar a sus víctimas y demonios femeninos que utilizan sus genitales para la misma operación. Además, no siempre se alimentan de la sangre de las personas, sino que en ocasiones lo que absorben es el “líquido vital” o la juventud, dejando a sus presas envejecidas y débiles. Este último tipo de vampirismo fue el utilizado en El Ansia, de Tony Scott, donde un diablesa se encaprichaba de hombres como David Bowie a quienes condenaba cuando su amor se extinguía, utilizando una vez más a estos seres como representación de miedos más modernos. En esta ocasión, el del SIDA. Se creía que estos seres podían convertir a seres humanos inocentes en semejantes a ellos, pero tampoco hay ningún procedimiento

estándar para esta conversión. Cada escritor o cineasta, o incluso cada pueblo, tiene su propia idea sobre cómo surgen los vampiros: Para algunos son víctimas de asesinatos terribles que no han sido aclarados y cuya injusticia les prohíbe descansar en paz. Para otros son esclavos de poderes mucho más altos o incluso seres poseídos por el demonio, teoría que vino muy de la mano cuando algunos afectados de enfermedades como la rabia, la hidrofobia, la narcolepsia o incluso la epilepsia no conocían las razones médicas de sus dolencias. Una vez más la falta de conocimiento fue ideal para la propagación de leyendas que nada tenían que ver con la realidad, y en algunas partes del mundo hay quien todavía cree que las enfermedades son la prueba de un ataque sobrenatural. Pero es en la mitología cristiana donde los


“Entonces Jehová puso señal en Caín, para que no lo matase cualquiera que le hallara.” Génesis, Cap 4 V. 15

vampiros han encontrado suficiente material para hundir sus raíces. Se los utilizó para englobar a varias clases de ángeles caídos que siguieron a Lucifer cuando fue expulsado del Reino de los Cielos, y la Biblia regala en libros como Levítico o Deuteronomio varios pasajes donde la sangre es presentada como el centro de la vida y del conocimiento, a la vez que se castiga cruelmente que alguien ose utilizarla como alimento. Incluso, la última cena que Jesucristo compartió con sus discípulos hace hincapié en cómo los fieles se alimentan del cuerpo del maestro a través del simbolismo del pan y el vino, diciendo que cualquier que beba de su sangre, vivirá eternamente.

al hecho de derramar y embadurnarse con la sangre de sus enemigos o presas para imbuirse de su poder y de paso, lucirse ante los rivales. Pero es innegable el juego que estas palabras pueden dar para todos aquellos que ansían encontrar evidencias en textos antiguos, y que incluso, llegan a dar nombres concretos de personas que habrían sido el origen del vampirismo. Estos creyentes persisten en la idea de que en realidad un vampiro es un ser donde se unen lo diabólico y lo humano, y el más comentado es Caín, el hijo de Adán y Eva que cometió el primer asesinato de la historia de la humanidad y fue expulsado lejos de su familia por el propio Dios.

No hay que buscar una revelación escondida de que la Biblia proclama la existencia de los vampiros, sino más bien la continuación tribal que guerreros del mundo entero le han dado

“Entonces Jehová puso señal en Caín, para que no lo matase cualquiera que le hallara.” Génesis, Cap 4 V. 15


Muchos ven en Caín la representación de nuestro lado oscuro, y aluden a la señal que Dios le puso como la constatación de algo que les haría diferente a nosotros. La Biblia dice que fundó la ciudad de Enoc y allí vivió con sus hijos e hijas, pero también se comenta que fue el primero de los malditos en la Tierra. Otro personaje procedente de la mitología judía y Babilonia es Lillith, considerada una especie de “trastienda” de la obra de Dios y a quien sólo se menciona una vez en la Biblia, y totalmente fuera de contexto. Según la creencia, Dios formó a Adán y su esposa Lillith, como seres “a imagen y semejanza” suya, pero el matrimonio no fue feliz ya que Lillith no quería someterse a su marido negándose, entre otras cosas,

a mantener relaciones sexuales tumbada sobre su espalda, símbolo de la dominación masculina más primigenia. Lillith abandonó a Adán y éste se quedó solo, haciendo necesario que Dios creara una segunda compañera a la que llamó Eva. Pero en esta ocasión la formó a partir de una costilla, un apéndice minúsculo e inútil del hombre como recordatorio (tal vez más cultural que divino) de que la mujer ha de estar subyugada al hombre. Desde entonces Lillith vaga por el mundo acechando a los hombres incautos, robándoles el esperma y utilizándolo para crear todo tipo de demonios, siendo el origen de la leyenda de los súcubos y, por extensión, del vampirismo. Otra leyenda que también se ha utilizado en el cine es la concerniente a una clase específica de vampiros, los llamados Iscariotas. Durante siglos, la figura de Judas Iscariote ha sido una espina clavada bajo las uñas de las autoridades eclesiásticas, al ser utilizado por muchos como la prueba de la inconsistencia de la religión y la crueldad de un Dios que le eligió para traicionarle. Y a pesar de que en la última década ha aparecido un supuesto evangelio suyo donde Jesucristo le reconocía como uno de los más grandes discípulos e indispensable para “la tarea” que tenía que llevar a cabo, Judas es la imagen de la traición. Tras ahorcarse, Judas sería resucitado por un ser

Muchos ven en Caín la represent aluden a la señal que Dios le pus que les haría dife infernal que le dio a beber su propia sangre, y sus descendientes pertenecen a la clase de vampiros arrepentidos que no soportan las cruces, al ser el recordatorio del crimen que cometieron contra su maestro, y la plata, porque con ella vendieron al hijo de Dios. Como vemos, el vampirismo es una mezcla de mitología, leyendas y tergiversaciones de hechos reales, y eso es lo que nos lleva a la figura del más famoso de los vampiros, lo más parecido a un rey de esta oscura nobleza, un personaje que, ya libre de derechos de autor, puede ser y es utilizado por muchas de las historias de vampiros y hombres lobo, ya sea en cómics, novelas o incluso videojuegos, un nombre tan reconocible como tentador.


tación de nuestro lado oscuro, y so como la constatación de algo erente a nosotros Drácula En 1897, Bram Stoker publicaría su novela más famosa, en la que abordó el tema vampírico con una frescura y conocimiento que lo convirtió en un clásico de la literatura universal y un referente para los amantes de lo gótico y el terror. En el libro, un joven abogado tiene que viajar hasta el castillo del Conde Drácula en la remota Transilvania para ocuparse de unos asuntos legales, pero allí irá descubriendo que su anfitrión es un hombre muy extraño. Controla a una serie de alimañas y mujeres que actúan como sus sirvientas, no come, no bebe y duerme en un ataúd con tierra de cementerio. Pero lo que le hace resaltar es

que Stoker decidió que su protagonista tenía que tener un eco histórico, y para eso le dio el nombre de un príncipe europeo del siglo XV, Vlad III, El empalador. Vlad nació en el año 1431, y a lo largo de su vida fue un gran rival del expansionismo otomano, que combatió hasta la pérdida de su reinado en varias ocasiones. El término Drácula es en realidad parte de su nombre, ya que su padre, Vlad II, se había ganado el derecho de llamarse así al entrar en la conocida Orden del Dragón. Esta distinción fue creada por el rey Segismundo de Luxemburgo para compensar a todos aquellos que luchasen contra los turcos. Por tanto, su hijo se convirtió en Vlad Draculea, que significa “hijo del Dragón”, pero que con la llegada del príncipe a la edad adulta, se utilizaría con una connotación más oscura ya que Draculea también significa “Hijo del Diablo”. Tras pasar su infancia como pupilo de los Turcos, Vlad III se opuso firmemente a ellos, ya que en realidad, el honor que le concedieron significaba ser su rehén en la


corte para asegurarse la lealtad de su padre en el trono. Tiránico y con una retorcida visión de la justicia, no escatimaba en medios sanguinarios para mantener la paz en sus fronteras. Cuesta encontrar algo de verdad y objetividad en la vida de Vlad, y a día de hoy se le considera un héroe nacional en Rumanía y se le atribuye el origen de la guerra psicológica al crear el famoso Bosque de los Empalados. Allí, en una zona sin árboles, Vlad empalaba a sus enemigos y los dejaba colgar durante los días que tardaban en morir, sirviendo así como espectáculo para sus cenas y reuniones con otros nobles, y también como

advertencia a los ejércitos turcos, quienes en más de una ocasión se retiraron por miedo a correr el mismo destino. Finalmente, Vlad moriría en 1476 en el campo de batalla y su cabeza cortada se exhibió como trofeo en Constantinopla. Actualmente sus restos se han perdido tras siglos de movimiento. Sin embargo no hay nada que relacionara a Vlad en vida con los vampiros, y sólo la imaginación de un escritor le unió para siempre con los bebedores de sangre. Pero sí hubo

otro personaje que Bram Stoker pudo haber utilizado, una mujer de la nobleza húngara cuya familia sí estuvo relacionada con Vlad III y que procedían de la brumosa Transilvania. Elizabeth Bathory, a quien apodan La Condesa Sangrienta, está considerada como una de las peores asesinas de la historia, al matar presuntamente a más de seiscientas mujeres a las que utilizó en todo tipo de rituales y misas negras en su castillo de Čachtice, cuyas ruinas emergen ahora en los Cárpatos. Bathory desarrolló un comportamiento obsesivo con su belleza y juventud, llegando a la conclusión de que con la sangre de vírgenes y mujeres de sus tierras podría de alguna forma detener su reloj biológico. Para ello construyó una cámara de torturas en el sótano del castillo y con la ayuda de brujas y sirvientes descuartizó, acuchilló, violó y se alimentó de centenares de víctimas cuyos cuerpos eran arrojados por los muros para que los devorasen los cuervos. Estas matanzas dieron pie a las historias de vampiros por la zona, teniendo un poco de razón en esta ocasión ya que Bathory se bañaba y bebía en la sangre de aquellas a quienes mataba. El listado de tormentos a las que sometía a sus víctimas está profusamente documentado, al igual que el destino de la propia condesa cuando el rey Mathias II, harto de escuchar rumores, envió a un grupo de soldados que interrumpió a Bathory en uno de sus aberrantes juegos. Todos sus ayudantes fueron condenados a muerte tras ser torturados, pero ella, gracias a su posición en la nobleza, escapó a la misma pena y en su lugar fue condenada a ser emparedada en su propio castillo. Se la ocultó tras una pared que apenas le dejaba espacio para moverse y donde permaneció hasta que murió cuatro años hasta que murió sin arrepentirse. Su sed de sangre y oscuras aficiones la convierten en lo más parecido a un vampiro que la historia ha encontrado, y a estas alturas está aceptado que estos seres no son más que fruto de la imaginación y el delirio. Anne Rice explotó la idea del vampiro culto y victoriano, y éxitos más recientes como Crepúsculo los utilizaron como excusa para transmitir la peculiar visión de su autora, mormona convencida, sobre el sexo. También se han dado casos de asesinos que estaban convencidos de ser vampiros y de miembros de la comunidad gótica que utilizan el maquillaje para resaltar las ojeras y la palidez de la piel, recordatorio de que, en realidad, los vampiros hacen referencia a nuestra parte más oscura y salvaje. Por Carlos Martin


Entrevistamos a Alaska y Mario Vaquerizo Por vicky Carras.

Después de ver “Stand By me Doraemon”, Fusion Freak ha tenido la oportunidad de entrevistar a Mario y Alaska. Nos han contado su experiencia como dobladores y sus próximos proyectos. - Fusion Freak: ¿Que tal con la experiencia en “Stand by me Doraemon”? - Alaska: Pues muy bien, si es que es un icono para nosotros el hacerlo es como... - Mario Vaquerizo: ¡Un regalo! Es un regalo que nos han hecho la gente de esta productora al pensar en nosotros. Pertenece a nuestro mundo, a nuestra iconografía, pertenece incluso hasta a nuestra filosofía. Incluso Doraemon nos hace soñar, con los aparatos que tiene, que puedes hacer cualquier cosa, además es un gatito lindísimo. Y el haber podido reencarnarnos, aunque sea unos minutos en Nobita en mi caso y Olvido en Sisuka pues es maravilloso. Yo es que ese tipo de cosas, parece muy tonto, pero es así. Si me hubieran propuesto doblar a “Ben-Hur” hubiera dicho que no, pero porque es algo que no me interesa. Es mucho más bonito doblar a Nobita ¿Sabes? - Fusion Freak: Ya doblasteis en Hotel Transilvania, una curiosidad que tengo es ¿habéis hecho algún curso de doblaje? - Alaska: No, no. Haber yo creo que esto, la interpretación, tienes que tenerlo. Yo creo que si tu te vas a un curso y no tienes un don no vale nada y a lo mejor si luego te preparas luego te sale mucho mejor, claro que sí. Yo creo, que en mi caso ya me había doblado a mí misma, así que ya sabía que podía doblar y Mario es que es un valiente. Con “Hotel Transilvania” el nunca había hecho doblaje ¿no? (dirigiéndose a Mario).

- Mario Vaquerizo: No, no, pero es que yo mi vida no han sido los cursos. Yo por ejemplo, he comenzado a cantar y a base de cantar he aprendido a cantar; a base de doblar, he aprendido a doblar a un nivel muy amateur. Además como están pidiendo a Alaska y Mario para doblar te permiten muchas licencias ¿no?. No nos piden demasiada profesionalidad, así que jugamos también con esa ventaja, en el sentido de que es una especie de cameo. Quiero decir que no se me reconoce mucho, pero sí que existe ese reconocimiento en la voz. - Alaska: Pero eso ha pasado con “Doraemon” pero en “Hotel Transilvania” nos llevamos la sorpresa que en el fondo si tú te fijas no somos nosotros. Pero eso es lo que pasa en doblaje, tu vas un poco sin saber qué es lo que quiere el director de ti. Ahí si que fue un verdadero trabajo de interpretación, yo no era yo en absoluto, tú (dirigiéndose a Mario) no eras tú en absoluto. - Mario Vaquerizo: Sin embargo yo, la sorpresa de esta película es que estaba más cómodo, porque al fin y al cabo era ver como nuestra relación. No, es verdad, yo soy como mucho mas alocado, mas despistado, patoso, bobo y la Niña pues es la Niña (señalando a Alaska) mucho más centrada, mas redicha mas resuelta, mas llevando el sentido común a su día a día. - Fusion Freak: Aparte de Doraemon ¿Seguís algún anime en particular? - Alaska: Yo soy de series más infantiles, sí que es cierto que en su momento me gustaron mucho los “Akira” y eso, pero yo soy más infantil, quitando así los típicos “South Park”, “Futurama”... vamos los clásicos. Pero fíjate tú


que a mí el anime japonés para adultos no me gusta mucho.

nuevo disco de Fangoria y ser feliz que es lo que más me gusta .

- Mario Vaquerizo: Pero sí que es verdad que la animación japonesa nos gusta mucho, la tradicional eso sí. A mí me encantaba la “Candy Candy” y “Oliver y Benji” que nunca paraba de correr y que nunca llegaba y la “Candy Candy” yo la dibujaba cuando era pequeñito, y de echo cuando estuvimos en Tokio compramos una Candy Kandy y un Anthony.

- Alaska: y yo se supone que iba a parar, aunque parece que hay varias cosas que no me van a dejar parar. Porque la idea era que el año que viene solo grabara el disco de “Fangoria”.

- Fusion Freak: Y en la segunda parte de “Hotel Transilvania” que se estrena en 2015. ¿Vais a participar? - Alaska: Bueno, creo que si siguen nuestros personajes. Ahora que sabemos que nuestros personajes si que sobreviven no sabemos si nos llamaran. Ojalá, porque es otro regalazo. - Mario Vaquerizo: Si la verdad que es otro regalazo. - Fusion Freak: Nos podéis contar un poquito de vuestros próximos proyectos. - Mario Vaquerizo: Pues mira, yo tengo nuevo que se llama “Ramonster” que es un tributo a “Los Ramones”. Voy a escribir otro libro que se llama “Vaquerizadas” para el año 2916 y después planificaré todo el lanzamiento del

- Mario Vaquerizo: Y estudiar. - Alaska: Bueno, si y estudiar. Y bueno, seguir con la radio y seguir con las teles... - Mario Vaquerizo: Bueno si es que cuando una tiene 50 años ya no se puede estudiar cariño. O te aíslas ya, o no se puede. - Alaska: Tengo que sacar tiempo de donde sea. - Mario Vaquerizo: ¿sabes lo que nos pasa a nosotros? que afortunadamente nos llaman de todo lo que nos gusta. - Alaska: No podemos decir que no. - Mario Vaquerizo: Es eso, no podemos decir que no. Y la satisfacción que te da es muy grande.


Drácula influ

En 1897 se publicaba en Londres un las novelas más conocidas de la his contemporánea, tras un inspir encuentro con un historiador húngar escritor irlandés Bram Stoker, daba fo a su Drácula literario, inspirándose e mítico personaje de Vlad Tepes, Prínc héroe nacional de Valaquia.

Un texto que, curiosamente no enco acomodo en las bibliotecas más prestig hasta principios de los recientes años considerado por los eruditos pretéritos c una historia excesivamente sensaciona indigna de acompañar a volúm considerados de un mayor prestigio.

Mucho tiene que ver para esa caus hecho de haber obtenido un alcance po de un carácter casi tan inmortal como e propio Conde, extendido prácticamen todos los ámbitos de la cultura mode y claramente potenciado por su rela con el medio cinematográfico, una d más poderosas antenas emisoras, c de diseminar su información a todos rincones del planeta.

Tras varias décadas de un éxito iniciad manera automática, la figura de Drácu encontrado muchas formas y visiones largo de su tiempo fílmico, y precisame ese será nuestro objetivo final, destaca mejores adaptaciones a la gran pan atendiendo como siempre a nuestro hab orden cronológico, y dejando previame una breve introducción sobre el verda inspirador de icono tan reconocib universal, así como de su ineludible literaria.


de Bran Stoker. Origines e uencia cinematográfica.

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Vlad Tapes, el Drácula de carne y hueso Pocas historias macabras resultan tan fascinantes como la leyenda que acompaña al personaje real que inspira la verdadera leyenda del Conde Drácula, a finales del año 1430, o de 1431, no se sabe con seguridad, venía al mundo en Valaquia - Sur de Rumania - el Príncipe Vlad, de la casa Drâculesti, orden ancestral del Dragón, que para el pueblo cristiano, predominantemente analfabeto, simbolizaba al anticristo, ya que su figura, adornada con cuernos, evocaba al propio demonio. Datos escasos se conocen de su infancia, el primer hecho relevante, surge en su temprana adolescencia, en la que se sabe que su padre, también conocido como Vlad Drâcul, le entrega a los turcos como prisionero, en garantía para evitar ser invadido, un episodio que alimentará un profundo odio en el joven príncipe, que aprenderá en su cautiverio a despreciar todo lo relativo al ámbito musulmán, configurando su posterior linea de acción como gobernante. A su regreso a casa, y con el convencimiento del sultán otomano de haberlo transformado en aliado, descubre que su padre ha sido asesinado a golpes, y que a su hermano mayor, heredero legítimo al trono, le habían sido arrancados los ojos con un hierro candente, previo paso a ser enterrado vivo. Una conspiración ideada por la nobleza de

Valaquia, y en la que la mayoría de historiadores señalan como semilla de odio de Tepes contra la clase alta predominante, cuando la mayoría de estudiosos rumanos entienden que no solo propició la ascensión al trono del personaje, sino que al mismo tiempo, sirvió como justa venganza contra un padre al que nunca pudo perdonar el forzoso exilio. Con el apoyo de los turcos, que ingenuamente ven en su antiguo prisionero a un igual, por el trato preferente recibido durante su estancia en tierras árabes, Vlad III asciende al trono como Rey de Valaquia, título del que es despojado en apenas unas semanas por los húngaros, que pensaban que simplemente era un títere de los musulmanes. Tras ser interrogado por Juan Hunyadi, Rey de Hungría, conocido como “El Azote de los Turcos”, el monarca queda impresionado por el odio que Tepes profesa hacia los otomanos, siendo apenas necesaria una audiencia para ser perdonado y convertido en consejero, lo que allana su camino para una nueva ascensión al trono valaco, solo que en esta ocasión, como candidato de los húngaros. Con el apoyo de Hunyadi, Vlad forma un pequeño ejercito y asalta directamente a Vladislav II, regente en la sombra, al que señala como responsable de la muerte de su hermano, tras una victoria aplastante, Tepes conduce y ajusticia al noble en la misma plaza donde el primogénito de los Drâcul había sido torturado previamente, para acto seguido quedar auto proclamado como Príncipe de Valaquia, esta vez sí, siendo reconocido como tal por todos los reinos limítrofes.


Un reinado posterior de luces y sombras acontece bajo la presencia del nuevo dragón, conocido por su implacable puño de hierro contra los opositores a su monarquía, a los que acostumbra a ejecutar con el terrible método del empalamiento, que básicamente consiste en penetrar la carne de la víctima, con una estaca de unos 3 metros de longitud, introducida por un costado, o por el recto, para dejarla colgando hasta la muerte, de ahí el sobrenombre de “Tepes”, que en rumano significa “empalador”. La leyenda que acompaña su legado, y que inspiró sobre manera a Bram Stoker para convertirle en tan monstruosa criatura, viene determinada por una supuesta afición a excesos tales como beber la sangre de sus enemigos, o incluso a bañarse en ella, hechos que de ser reales, seguramente fueron usados por Vlad para constituir un legado de temor con sus enemigos. Lo que resulta más creíble, porque fue igualmente registrado por cronistas turcos y europeos, es la extrema crueldad con la que trato a sus enemigos musulmanes, expresado en una primera toma de contacto, en la que, por la simple afrenta de no haberse descubierto los turbantes en su presencia, envió de vuelta a Constantinopla a tres emisarios con los tocados atravesándoles el cráneo, en parte como advertencia para hacer saber al sultán sobre sus intenciones de no negociar ningún tipo de acuerdo. Con la guerra en marcha, y protegiendo a Europa del expansionismo del Imperio Otomano, El Príncipe Vlad se gana, en apenas 6 años de reinado, el respeto del mundo cristiano y ortodoxo, gracias a su valor en combate, y su habilidad para esquivar la diferencia numérica de un ejercito claramente inferior en efectivos, consistente básicamente en atraer al enemigo a los bosques rumanos, lugar perfecto para la emboscada. Cuenta la leyenda, que a su llegada a las orillas del Danubio, el poderoso ejercito Turco, que pretendía la invasión de Valaquia, encontró a ambas orillas cantidad de prisioneros empalados, la mayoría en descomposición, y que estos, profundamente aterrados, se dieron media vuelta sin atreverse a iniciar conflicto

con los soldados de Tepes. Finalmente, sus excesos con la nobleza de su país, pusieron fin a la vida de Vlad Dracûl en 1476, y es que pese a que existen varias versiones de su muerte, la más segura es la que apunta a una excisión interna, en la que espías bien pagados por los intereses de ambas facciones, le habrían decapitado aprovechando que dormía atrincherado con su ejército a las afueras de Valaquia. Teoría avalada por la entrega de sus restos a los Turcos, que rápidamente exhibieron su cabellera y su cráneo en Constantinopla, como prueba irrefutable de su caída. Vlad III el Empalador, fue enterrado en Monasterio de Snagov, a 40 kms de Bucarest, desde entonces, sus restos han sido

re


Sus restos han sido conservados y espetados como los de un héroe nacional

conservados y respetados como los de un héroe nacional, un título que le fue concedido de manera oficial por el gobierno rumano en 1976, aprovechando el quinto centenario de su muerte.

El Drácula Literario Abraham Stoker nació un 8 de Noviembre de 1847 en Irlanda, en el seno de una familia acomodada de clase media, fue el tercero de seis hermanos, y siempre tuvo en casa acceso a los libros, afición que sus padres inculcaron en todos sus hijos desde muy temprana edad. Con un gusto por las historias de corte tenebroso, la obra de Bram Stoker, que inicialmente se dedica a la abogacía en Londres, recoge en sus inicios una serie de relatos de terror tales como “La Copa de Cristal”, o “Las Cadenas del Destino”, publicados en diferentes revistas de la época. De su gran afición por el teatro, Stoker se especializa en crítica escénica, como periodista del Evening Mail de Dublin, una publicación cuyo director es Sheridan Le Fanu, autor de una novela corta titulada “Carmilla”, publicada en 1871, y que está inspirada en la Condesa Elizabeth Báthory (1560/1614), aristócrata húngara que debe considerarse el equivalente femenino de Vlad Tepes, y a la que se le


atribuye hasta un macabro Récord Guinness como la mayor asesina de la historia, con más de 600 muertes en su haber. Influenciado por la obra de Le Fanu, y tras entrar en contacto con varios expertos en la materia, que le sitúan tras la pista de textos como “El Informe sobre los Principados de Valaquia”, Stoker culmina la forma de su Conde literario, recurriendo a la superstición para configurar una larga lista de poderes sobrenaturales, como la telepatía o la posibilidad de alterar el tiempo, unido a detalles escabrosos tales como tener que descansar sobre tierra traída de su lugar natal, dentro de un ataúd. La estructura de “Drácula” obedece a la misma composición del “Carmilla” de Le Fanu, un estilo que, por otro lado, se hace extensible prácticamente a cualquier texto sobre vampiros escrito desde entonces.

De su historia, conocida por todos gracias al cine, no cabe destacar mucho más de lo que podría aportar una breve sinopsis, que va desde la presentación del personaje, destinado a indagar en la personalidad de Drácula, un ser oscuro, encerrado en lo más recóndito de su castillo de Los Cárpatos transilvanos, y donde Jonathan Harker, un joven abogado inglés, actúa como llave de los acontecimientos que están a punto de desencadenarse. Recurriendo a los diarios del propio Harker, o de Mina, su prometida, y con la incursión de personajes como Lucy, primera víctima del Conde en su viaje a Londres, y del Profesor Van Helsing, un médico experto en enfermedades

“Dracula es la obra de todos los tiempos, y tam Oscar


Importantes autores de la época como Sir Arthur Conan Doyle, responsable de las aventuras de Sherlock Holmes, o el poeta y dramaturgo Oscar Wilde, alabaron el potente acabado del texto, y en el caso de este último, al que además unía una estrecha amistad con Bram Stoker, su sentencia supone una de las mejores alabanzas posibles para la novela.

Drácula en el cine Centrados en las apariciones del personaje en la gran pantalla desde que se configuró el Séptimo Arte, resulta obvio que no vamos a poder detenernos en todas ellas, porque aunque curiosamente no son tantas las traslaciones directas en las que el celebérrimo vampiro asume el protagonismo, su presencia a lo largo de casi cien años llega a resultar incontable. Sobre el primer Drácula cinematográfico, parece que si existe consenso, nos situamos en los albores del Siglo XIX, donde el Conde ya había adquirido una gran notoriedad en toda Europa gracias espectáculos callejeros, obras de teatro, e incluso óperas, que habían acercado su figura a todo aquel que, independientemente a haber leído o no la novela de Stoker, poseía ahora un conocimiento nítido de su historia.

extrañas, Stoker orquesta un elegante descenso narrativo al territorio del miedo ancestral, a la clásica lucha entre el bien y el mal, universalizando una figura, la del vampiro, llamada a ocupar desde ese instante las más oscuras pesadillas de la psique humana.

e terror mejor escrita de mbien la mas hermosa” Wilde

Es evidente que ese nuevo invento llamado cinematógrafo, no iba a dejar pasar la oportunidad de inmortalizar a tan destacado personaje, así, las primeras adaptaciones oficiales de la novela se producen en la Europa del Este, siendo Rusia en 1920, el país que tiene el honor de abrir fuego. Posteriormente, se realiza otra versión en Hungría, fechada solamente un año después. Desgraciadamente, no se conserva ninguna copia de ambos trabajos, rodados en arcaico blanco y negro, y por ende, sin sonido. Terreno al que igualmente pertenece la primera de las cintas míticas que han resultado básicas para alargar la sombra del vampiro durante décadas, punto inestimable desde el que avanzar por las cinco mejores versiones realizadas a tal efecto.


Nosferatu: Una sinfonía del Horror (1922) También conocido en nuestro país como “Nosferatu el Vampiro”, el film del alemán Friedrich Wilhelm Murnau es una de las cumbres del expresionismo bávaro, un trabajo que aún hoy sigue sorprendiendo por su capacidad para sugestionar la retina con sus imágenes de ultratumba, gracias a un uso casi enfermizo de la puesta en escena.

nos ocupa, a no abandonar al personaje en ningún momento mientras dure la producción, lo que puede provocar más de una situación extraña, sobre todo si hablamos de un género tan cercano a despertar el miedo. Ese mismo que se comenta, sufrió la protagonista del film de Murnau, Greta Schröder, que vivió aterrorizada todo el rodaje, llegando incluso a ser supuestamente mordida por el interprete en los ensayos. De cualquier modo, hablamos de una película que adquiere la categoría de documento

Del Conde Drácula, al Conde Orlok, las desigualdades con el texto primigenio son muy pocas, Murnau se vio obligado a cambiar tanto el título como el nombre del personaje, sencillamente porque no pudo hacerse con los derechos de la obra, al no llegar a un acuerdo con la viuda de Bram Stoker, pero no realizó grandes modificaciones en la historia, lo que llevó a la cinta a una demanda y posterior sentencia, donde el juez obligó a destruir todas las copias. De nada sirvió cambiar Londres por Bremen, o que al final Orlok no sea decapitado, sino que por la llegada del amanecer, precedido por el mortal canto del gallo, el engendro explote en una nube de gas y polvo, sin duda el momento mas recordado y significativo en cuanto a las diferencias con la novela original. Por suerte, el film se había distribuido ya a nivel internacional, y pudieron ocultarse varias de esas copias, algo de lo que curiosamente no pueden presumir las versiones Rusa y Húngara, que pese a haber comprado económicamente el favor de la viuda, acabaron borradas de la faz de la tierra. De su rodaje, varias son las leyendas que sitúan a su protagonista, el actor Max Schreck, - En alemán “Schreck” significa “Terror” - como un vampiro auténtico, hecho acrecentado con el estreno de “La Sombra del Vampiro” (2000), de E. Elias Merhige, que alimenta esa realidad. Lo cierto es que Schreck era un prestigioso actor de teatro, devoto del famoso método Stanislavski, que para el que no lo sepa, lleva en ciertos extremos enfermizos, como el que

histórico, sobre todo desde que en 1984 se presentara una versión restaurada y definitiva en el Festival de Berlín, en parte impulsado por el competente remake que el también alemán Werner Herzog realizó del film en 1979, ya en color y con un inquietante Klaus Kinski en la piel del perturbador Conde Orlok.

Drácula (1931) Poco iba a tardar Hollywood en lanzar sus redes sobre personaje, y seguramente, casi nadie


en la productora responsable, podía sospechar que este era el inicio de una fructífera relación con el cine de terror, que daría lugar a los famosos “Monstruos de La Universal”. Basada en la obra teatral, que indudablemente marca el carácter artístico del film, la firme y apasionada dirección de Todd Browning, un autor injustamente olvidado, que batalló con dureza con el estudio por intensificar el carácter oscuro del acabado final, es su mejor garantía. Solo un año después, el realizador

la opinión del director, que pretendía un actor menos conocido, fue el húngaro Bela Lugosi, que supo dotar al personaje de elegancia, en lo que es más un aristócrata de la muerte, que la bestia sanguinaria y repugnante escenificada en la novela. Un papel que marco el carácter del interprete para toda la vida, hasta el punto de convertirlo en un triste juguete roto, que acabó sus días rodando indignidades bajo la débil sombra de Ed Wood, catalogado como el peor realizador de todos los tiempos, como bien se puede comprobar en la obra maestra de Tim Burton rodada en 1995. Al menos Lugosi, que utilizaba ese nombre artístico en homenaje a su ciudad de nacimiento, la ciudad húngara de Lugos, tuvo un último golpe de genialidad, cuando exigió ser enterrado con los atuendos, - capa incluida - del Conde. Otro trabajo notable, rodado en glorioso B/N, y que al igual que el film de Murnau, contiene esa particular significación de clásico inmortal, justamente, y bajo esa realidad, a principios del nuevo milenio fue escogida para formar parte del archivo histórico de la Biblioteca del Congreso Estadounidense, destinada a preservar la memoria fílmica.

Horror of Drácula (1958) La llegada del color al mundo del celuloide obliga a nuevas decisiones estéticas, pero solo la genialidad puede conseguir destacar en un universo ya desgastado con tantas apariciones en la iconografía popular. estrenaría sin ningún éxito su mejor película, “La Parada de los Monstruos” (1932). Quizá la mejor prueba de que Browning se salió con la suya, es que los directivos de La Universal no quedaron nada satisfechos con la cinta, un hecho que quedo en mera anécdota cuando Drácula resultó ser todo un filón para la taquilla.

Bajo el mecenazgo de la mítica productora Hammer, ese gran realizador llamado Terence Fisher unifica criterios de elegancia y horror en su visión del personaje, repite la jugada gótica en el aspecto visual, tras el éxito solo un año antes de “La Maldición de Frankenstein”, y culmina una imagen de pesadilla imborrable, con un vampiro de ojos inyectados de ira, y comisura de labios sangrante, de un color rojo digno del mismísimo infierno.

El elegido para dar vida al Conde, en contra de

Excepcional caracterización de Christopher


Lee, indudablemente el mejor actor en dar vida a Drácula de todos los tiempos, presentando a un ser desprovisto de todo romanticismo, cercano a un animal salvaje, movido por los más primarios instintos de conservación y supervivencia.

Un tridente, el de Fisher/Cushing/ Lee, llamado a escribir con letras doradas los mejores momentos para la Hammer.

Por primera vez, hay que destacar la figura del profesor Van Helsing, interpretado por un inigualable Peter Cushing, embutido en la piel de un personaje impertérrito y cerebral, que da la réplica perfecta como némesis del Conde, allanando el terreno para ese duelo final antológico entre ambos. Un tridente, el de Fisher/Cushing/Lee, llamado a escribir con letras doradas los mejores momentos para la Hammer. Desgraciadamente, en posteriores acercamientos del maestro Fisher al personaje, ya no volverán a concurrir todos juntos, notándose la ausencia de Lee en “Las novias de Drácula” (1960), o la de Cushing en “Drácula: Príncipe de las Tinieblas” (1966), sin duda, la mejor secuela de la productora, que muestra a un Conde mucho más extremo, absolutamente deshumanizado y sin diálogos, clavando su mirada a nivel antológico.

Drácula (1979) A las puertas de la década prodigiosa, y con el género de terror derivado ya a argumentos de mayor impacto, resulta meritorio encontrar una adaptación de la novela digna de relevancia. Bajo las habilidosas manos de John Badham, competente artesano responsable de películas como “Fiebre del Sábado Noche” (1977), o “Juegos de Guerra” (1983), este Drácula vuelve a tomar la obra teatral como referencia, y ofrece cambios significativos en su concepción, que por primera vez, introduce un concepto romántico en la figura del Conde, dibujado como un joven seductor, que conquista más por sus maneras que por lo tenebroso de su condición. Otro de los factores de cambio, lo representa la ausencia de la parte transilvana, desarrollando su acción desde un primer momento en el Londres Victoriano, y la conversión de Mina en hija del mismísimo profesor Van Helsing, que toma parte en la trama por evidentes razones personales.

El actor Frank Langella presta su particular físico al vampiro, acompañado del gran Lawrence Olivier como Van Helsing, en otro duelo digno de mención, en un film que avanza por algunos momentos de psicodelia pasional, para acabar culminando un final inolvidable, con Drácula colgando del mástil del barco, mientras gira y descompone su carne bajo la mortífera luz del sol. Destacar en los apartados técnicos la siempre impecable partitura del maestro John Williams, que ayuda a estimular con sus notas de elegancia el discurso de un trabajo que puede no resultar memorable, pero que indiscutiblemente influyó en el acercamiento posterior de Coppola en la década de los 90.


Bram Stoker’s Drácula (1992) Refugiado bajo la sombra de la capa del Conde, y en los últimos estertores de una carrera salpicada por títulos clave para la historia del cine, Francis Ford Coppola se embarca en un ambicioso proyecto, que pretende fusionar todos los aspectos que rodean la leyenda del personaje, sin abandonar nunca su signo terrorífico. Es así como Vlad Tepes tiene su espacio destacado en todo el inicio del film, acercando la parte histórica a la literaria con el recurso de la reencarnación, convirtiendo a Mina Harker en la imagen del amor perdido por la fatalidad varios siglos atrás. Un reparto de lujo en el que Gary Oldman es Drácula, Anthony Hopkins da vida a Van


Helsing en su mayor momento de popularidad, y Keanu Reeves en Jonathan Harker. Completa Winona Ryder como Mina, configurando un grupo de actores entregados y convencidos para la causa. En la técnica, destaca la potentísima e inolvidable BSO del recientemente fallecido Wojciech Kilar, y el excelente trabajo de maquillaje, que resalta sobre todo en los momentos en los que el Conde se muestra envejecido. Una categoría que proporciono uno de los tres Oscar de la Academia de los que puede presumir el film de Coppola, que también obtuvo los de mejor vestuario y mejor edición de sonido, de un total de cuatro nominaciones. Pasando por alto el carácter romántico de la obra, que atenta directamente contra la forma y los personajes dibujados por Bram Stoker, la parte final, donde se da caza al vampiro, si resulta bastante fiel a la novela, y en esencia, es muy destacable que tras un sinfín de versiones sobre el personaje, Coppola sepa ofrecer un producto nuevo y realmente deslumbrante, que fue definida por mucho críticos como el mejor Drácula jamas filmado. Una afirmación un tanto temeraria, que sí responde a la calidad de una obra concebida como un homenaje velado a los orígenes del Séptimo Arte, con grandes momentos de estilo, rodados como si los propios Hermanos Lumière se encontraran girando la manivela del cinematógrafo, artilugio que además, tiene su momento de gloria en la famosa escena de un ya rejuvenecido Conde, de paseo por las calles de Londres tras la pista de Mina, de la que cree, es la imagen de su antigua esposa.

y protagonizada por un Leslie Nielsen ya en horas bajas, que pretende ser ante todo una parodia del film de Coppola. “Brácula: Condemor 2” (1997), nefasto producto patrio dirigido por Álvaro Sáenz de Heredia, a mayor gloria de nuestro querido Chiquito de la Calzada.

Conclusiones Finales

“Drácula 3D” (2012), una tomadura de pelo de Dario Argento, cuyo visionado en grupo puede proporcionar asombro y carcajadas a partes iguales.

Sin mucho más que añadir, si que resulta curioso señalar que, estadísticamente, pronto tendremos una nueva visión del personaje que sea realmente satisfactoria, tampoco será una empresa complicada, sin recurrir a ningún archivo, nos vienen a la memoria títulos tan infectos como:

“Drácula: La leyenda jamás contada” (2014), de Gary Shore, estrenada prácticamente ayer, y cuya esencia busca equiparar al vampiro con una especie de héroe del cómic, aprovechando sin ningún pudor la corriente de ese tipo adaptaciones a la gran pantalla.

“Drácula, un muerto muy contento y feliz” (1995), película del sobrevalorado Mel Brooks,

Ejemplos que en parte, han difuminado el valor del mítico Conde en la época actual,

Co rea po


TOP FIVE DE DRÁCULAS CINEMATOGRÁFICOS - NOSFERATU de F.W. Murnau (1922) - DRÁCULA de Todd Browning (1931) - HORROR OF DRÁCULA de Terence Fisher (1958) - DRÁCULA de John Badham (1979) - BRAM STOKER’S DRÁCULA de Francis Ford Coppola (1992) Por Antonio Alcaide.

“He cruzado océanos de tiempo para encontrarte”

oppola sabe ofrecer un producto nuevo y almente deslumbrante, que fue definida or mucho críticos como el mejor Drácula jamas filmado. pero que tampoco ha de hacernos desesperar, porque si hay algo que los cinéfilos sabemos, es que basta con que un buen realizador se tome en serio historia, para que podamos volver a reencontrarnos con un Drácula digno de nuestra videoteca. Eso y confiar en el poder de la sangre, que no olvidemos, es la que da la vida, será más que suficiente.


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cine, s palomita o est c n o l a yb

hubo una vez un hackeo a Sony Nuevas incorporaciones para universos conocidos Tras el shock de haber visto por fin en la gran pantalla de cine el tráiler de Star Wars, El despertar de la fuerza, Disney ha sacado a relucir los nombres de los personajes para hacernos sufrir a los fans de la saga. Apuntad: John Boyega es Finn, el droide balón es BB8, Oscar Isaacs es Poe Daremon, Daisy Ridley interpreta a Rey y el Sith es Kylo Renn. Empezad a hacer vuestras cábalas, pequeños padawans.

l into the woods babadook a s m a s e scapitan harlock el destino de jupiter p e r a d a s

El hackeo de Sony ha dado muchas cosas malas, sobre todo para Sony, pero también muchas cosas buenas, carnaza para el resto de nosotros. Una de las noticias que más ha gustado en el universo de superhéroes es que por fin sabemos que Sony y Marvel están manteniendo conversaciones para incluir a Spiderman en el mundo de Marvel-Dinsey, algo perfectamente lógico dado el batacazo del segundo reborn de la saga con Andrew Gardfield como protagonista, hablando incluso de incluir al superhéroe dentro del reparto de la tercera parte del Capitán América: A civil war. Eso sí, parece ser que Sony tendría mucho más voto que lo que cabría esperar, pero supongo que ese es el precio para que los fans vayan al cine. Esto si hubiera sido una gran portada del HOLA. La película de Suicide Squad sigue sumando estrellas a sus arcas. Después del tan ansiado anuncio el mes pasado de todos los componentes del reparto en donde encontramos a Will Smith, Tom Hardy, Jared Leto, Cara Delevigne y Margot Robbie, ahora se les une la actriz Viola Davis para interpretar a Amanda Waller, la agente del gobierno encargada del Escuadrón Suicida. Una de las candidatas a las que Davis ha ganado ha sido a la poderosa Oprah Winfrey. ¿Habrá tenido algo que


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en pantalla grande ver Shonda en todo esto?

El director de las cuatro últimas películas de la saga Fast & Furious Justin Lin, es el elegido de coger la batuta cedida por J. J. Abrams para la dirección y guión de Star Trek 3, la cual se espera para el 8 de julio de 2016. Aún así Abrams permanecerá dentro del proyecto como productor. King Kong y Tom Hiddelston tienen un nuevo acompañante para su aventura. El actor J. K. Simmons se unirá a ellos en Kong: Skull Island, la nueva vuelta de tuerca precuela que se centrará en como Kong se convierte en King Kong. Aún quedan casi tres años para su estreno, en marzo de 2017, así que nos podemos ir haciendonos a la idea, pero con calma, con mucha calma. Money, money, money Sega se quiere subir al carro de los personajes de videojuegos hechos película y por eso se va encargar de adaptar varios de sus personajes a los formatos tanto en cine como en series. Altered Beast, Streets of Rage, Shinobi, Rise of Nightmares y Crazy Taxi serán algunos de los elegidos al igual que Virtua Fighter y Golden Axe. ¿Alguien más para subirse al carro? Estas navidades a Peter Jackson el pavo le va a saber mucho mejor que otros años ya que la misma noche que estrenó la tercera parte de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos recaudó nada más y nada menos que, ojo al dato, 11.2 mi-

llones. Recordemos que la fecha elegida fue el martes 17 de diciembre, todo un record en lo que respecta a las 6 películas sobre el universo Tolkien del director neozelandés. ¿Qué sucede cuando haces una saga que cada película que estrenas da más dinero que la anterior? La respuesta es clara, que tener siguientes entregas es algo que pasará inevitablemente hasta que se agote la gallina de los huevos de oro. Esto es lo que más o menos ha confirmado Marky Mark Whalberg en relación con la quinta parte de Transformers, que llegará en algún momento no muy lejano queramos o no.


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La vuelta de algún que otro mesías Cuando creíamos que las películas sobre Jesucristo se habían acabado con la de Mel Gibson, llega el director Alberto García y coge a Ewan McGregor para que interprete al personaje biblíco (y al diablo) en Last days in the Desert, un film que cuenta una versión de como habrían sido los 40 días de ayuno de Jesús en el desierto y las consecuencias de después. La nueva película del director Steven Spielberg junto con uno de sus actores fetiches Tom Hanks ya comienza a dar las primeras imágenes. Ambientada en la Guerra Fría, Hanks interpreta a James Donovan, un abogado que tiene que viajar al otro lado del telón de acero para negociar la expatriación de un piloto espía que calló en territorio enemigo. El 16 de octubre podremos ver este thriller de espías del bueno de Spielberg. Noticias noticiosas: nuevos proyectos y mismas caras Warner Bros. está que lo tira en la nueva superproducción que tiene entre manos y es que está detrás de llevar la adaptación a la gran pantalla de la novela futurista de Ernest Cline, Ready Player One. Warner Bros. tiene en este proyecto una guerra bastante notable teniendo en cuenta que está cotejando a directores de renombre como Christopher Nolan, Matthew Vaughn, Edgar Wright, Peter Jackson y Robert Zemeckis. Un proyecto ambicioso del que podemos esperar grandes cosas. Álex de la Iglesia está que no para. Tras estrenar este mes como productor Musarañas, ya está pensando en dos nue-

vos proyectos para dirigir y guionizar en 2015, que son Mi gran noche y El Bar. Ambos films contarán con el toque Iglesia, es decir, humor negro. En el guión también le acompaña Jorge Guerricaechevarría, como no. Uno de los muchos efectos colaterales del hackeo a Sony, comentado más adelante, fue la cancelación por parte de Fox de la distribución de Pyongyang, film que contaba en tono de humor negro la vida den-


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e en pantalla grande

tro de la capital norcoreana. Gore Verbinski, director del proyecto cancelado, ha estallado con esta decisión, y con toda la razón. En estos momentos el proyecto sigue cerrado pero ahora que Obama ha tenido que aclarar quién manda aquí y así conseguir que se estrenara la The Interview, veremos cuál es el futuro de este prometedor proyecto.

Los Golden Globes de este año Las nominaciones a los Globos de Oro han sido uno de los platos fuertes de este mes y es que este año un superhéroe se ha colado entre los favoritos, que no es otro que Birdman de Alejandro González Iñárritu con 7 nominaciones. Le siguen muy de cerca Boyhood, el experimento de Richard Linklater y The Imitation Game de Morten Tyldum, le acompañan Desde que Peter Jackson decidiera que con 5. El próximo 11 de enero sabremos Legolas iba a tener más protagonismo quiénes serán las ganadoras en una gala de lo esperado en la tercera parte de El capitaneada por tercer año consecutivo Hobbit, Orlando Bloom está más hablador por las grandes Tina Fey y Amy Poehler. que nunca. Y es que no es para menos ya que es posible su vuelta a los mares del El proyecto “sueño americano” del mes sur con la quinta parte de Piratas del Ca- ¿Alguna vez os habéis preguntado cómo ribe, pues tenía que dar a entender que el empezó el reino de McDonald’s? No os también estaba dentro del proyecto, por preocupéis que John Lee Hancock nos lo que ha comentado que a lo mejor esta hará ver si visión de lo que sucedió allá quinta parte va a ser un reboot. Johnny por el siglo pasado de esta franquicia Deep y Javier Bardem si que confirmaron mundial en The Founder. Se rumorea que su participación en esta nueva entrega. el tono será más o menos igual que el Veremos si David Jones aparece o no. contado en otras películas de esta temátiSohn y la fecha de estreno el 25 de noca como en La red social y Pozos de amviembre de 2015, es decir, la misma que bición. La pregunta que todos nos haceya anunciaron hace unos meses y que mos es, ¿se explicará en el film de donde aún no han movido. ¡Urra por Pixar! viene la carne de verdad o tendrá un final


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e en pantalla grande feliz? ¿Pero al final saldrán estos proyectos o no? Culebrones cinéfilos ¡Por fin! Después de meses y meses descartando a posible Dr. Strange, ya sabemos que el elegido para interpretarle es el británico Benedict Cumberbatch. ¡Enhorabuena, un culebrón menos! La película de Las Cazafantasmas empieza a ser una realidad ya que los rumores sobre el reparto empiezan a sonar bastante. Una de las actrices que está siendo tanteada es Rebel Wilson. Ella misma fue la que en la promoción de Noche en el Museo 3 aclaró que estaba teniendo reuniones con los productores del nuevo film. Si fichan a Wilson, está claro que las siguientes que pueden caer son Melissa McCarthy y Kristen Wiig de las cuales también se habla y ya coincidieron con Wilson en La boda de mi mejor amiga con muy buen resultado y mucha vergüenza ajena. No sé vosotros pero yo creo que al final nunca saldrá a la luz el dichoso biopic de Steve Jobs. Este culebrón tiene una nueva baja, Natalie Portman. Se desconocen las causas por las que Natalie no quiere interpretar a la hija de Jobs, pero está claro que es otro golpe duro para este film.


Entrevistamos al equipo de Musarañas Unos días antes del estreno en las salas, con las calles oliendo a navidad, el equipo de la nueva propuesta de terror patrio, Musarañas, nos recibió y nos habló de todo lo relacionado con la película y mucho mas. Después del visionado de “Musarañas” nos adentramos en un antiguo piso del centro de Madrid para poder entrevistar a sus protagonistas y creadores del film, en este caso tuvimos la gran oportunidad de hablar con Esteban Roel y Juanfer Andrés, directores de la cinta y con el gran Alex de la Iglesia.

Cine de Madrid) a partir de allí pillamos ese cortometrajes que se llamaba “Musarañas”. - Juanfer Andrés: Nada pues, a partir de Sofía Cuenca, que es la coguionista y yo nos pusimos a pasarlo a largo y la primera versión la tuvimos para 2006, estuvimos

- Fusion Freak: ¿Cómo parte la idea de esta película? ¿Fue más idea de Alex o ya teníais vosotros la idea clara de lo que iba a ser “Musarañas”? - Esteban Roel: Pues la idea de “Musarañas” parte de una idea poco romántica, es decir, Juanfer y yo teníamos la idea de hacer nuestra primera película y decidimos hacer un guión con una localización pequeña y con pocos personajes, para que fuera costeable, entonces a partir de un cortometraje, que curiosamente escribió nuestro director de fotografía Ángel Martínez Amorós para la escuela, (nosotros somos profesores del Instituto de

moviéndolo de un lado para otro, hasta que llegó a manos de Alex a través de Carolina Bang, ella fue la que se puso en contacto con nosotros, la conocíamos de la escuela, fue alumna nuestra también e hicimos un corto con ella y bueno de repente un día nos llamó, se acordaba del guión éste de la época en la que ella era estudiante y nada se lo pasamos y lo leyeron y se

embarcaron en la producción. - Fusion Freak: ¿Por qué se decidió a apostar tan fuerte por “Musarañas”? - Alex de la Iglesia: Tan fuerte, pues porque es un buena historia y perfectamente contada, es un guión profesional de cabo a rabo y dije “aquí se puede construir una buena película” y es lo que hicimos. Nosotros no hemos hecho nada, realmente ha sido recibir un guión y decir, este sí. Si no produces, es porque no confías, o porque crees que el guión va a traer mucho trabajo o pueda traer problemas. Pero esto era una historia, perfectamente contable, muy sencilla en términos de producción, porque luego en términos de interpretación es muy compleja. Todo lo que te libera una producción sencilla te complica todo a nivel interpretativo, porque tienes que suplir, precisamente, esa sencillez, que no sean solo


“Cuando haces la película realmente en los premios no piensas, más bien piensas en que la película guste al público” Juanfer Andres

personajes hablando, tienes que suplirlo con talento, que eso es lo verdaderamente difícil, y en este caso se daban todos los ingredientes para lanzarse a ello. - Fusion Freak: ¿Como fue la elección de los protagonistas? - Esteban Roel: Pues Nadia fue la primera, con ella lo teníamos claro, de hecho con ella hicimos un cortometrajevideoclip para los “Canteca de macao” y las sensaciones fueron muy buenas con ella y además necesitábamos para el papel de “La Niña” una actriz muy joven con cara de niña pero que tuviera una amplia experiencia y está claro que Nadia la tiene. La gran duda

sin duda era Montse y ahí fue cuando la experiencia de Alex ayudó mucho y nos dijo “Oye ¿qué les parece Macarena?” y ni siquiera nos había pasado el trabajo con ella en “Las brujas de Zugarramurdi” y bueno decidimos reunirnos con ella. Al rato de estar hablando con ella y enseñarla el proyecto nos dimos cuenta de que era ella, era perfecta. Y de hecho no nos podemos imaginar a otra actriz que pueda ser Montse como Macarena. ¡Está como Dios!. - Fusion Freak: Cuando ibais viendo en el proceso de producción como iban saliendo las cosas, ¿Cómo era la sensación? ¿ Pensabais que iba a gustar a la gente?

¿Qué la gente iba a ir a ver la película? Además es una película que está muy bien, pero por ser de género es difícil que se lleve premios ¿Pensasteis en eso? - Juanfer Andrés: Bueno, nosotros cuando haces la película realmente en los premios no piensas, más bien piensas en que la película guste al público exactamente y por supuesto que nos guste a nosotros y a los productores. Bueno, yo también he editado la película, me llevaba el material todos los días a casa y lo iba revisando y la sensación, no solo mía, si no del equipo en general es que todo estaba quedando muy bien, pero hasta que no la pones delante


“es un buena historia y perfectamente contada, es un guión profesional de cabo a rabo” Alex de la Iglesia sobre nuestro trabajo, más bien al contrario y de echo te añadiría un nombre mas, Ángel Amorós, el director de fotografía, el también conocía muy bien el proyecto, conocía muy bien lo que queríamos hacer así que su opinión me importaba también mucho. Muchas veces digo que sí, yo pegué los planos, pero realmente el trabajo no solo era mío sino de mucha gente. Aportó mucho Alex, aportó cosas fantásticas en el montaje igual Esteban, igual Ángel... Es un trabajo del equipo hasta el final. Además cuando montó no soy el típico director que se guarda su material con recelo, al contrario.

del público sabes realmente que va a pasar ¿no? Como va a reaccionar el público pero la verdad que si tuvimos buen feeling durante todo el rodaje de la que la cosa estaba quedando, no solo como lo imaginábamos, sino mucho mejor. - Fusion Freak: El proceso de edición, es lo más complicado, me gustaría que me contarás un poco como fue. - Juanfer Andrés: Bueno sí, yo iba haciendo el primer montaje, por así decirlo, pero claro, luego tenía obviamente a Esteban, obviamente a Alex, a Carol... el equipo de productores, a nosotros no nos importa que la gente opine

- Esteban Roel: Bueno Alex realmente no pasaba por el rodaje porque se ponía muy nervioso (risas). Claro, porque él es director y un grandísimo director, entonces claro, cuando veía algo que quizá el no hiciera así pues se intentaba callar, pero se ponía nervioso. La verdad que ha sido muy prudente, se marchaba (risas). No, pero sí que es verdad que en el proceso de postproducción fue donde él lo tenía bastante más claro. - Alex de la Iglesia: No, pero sí que es verdad que cuando una película ya tiene fuerza, está construida, lo más fácil del mundo es opinar y es algo que desgraciadamente a mi no me pasa, yo no he tenido a nadie con quien comentar a la hora del montaje y en ese sentido te apetece decirlo, decir “vamos a probar esto

a ver como sale” es opinión, no es decirles que hacer pues realmente es su idea no la mía. - Juanfer Andrés: Hay que añadir que el 98% de sus sugerencias las compramos sin dudarlo. (risas). - Esteban Roel: Realmente la gran ventaja que tuvimos fue que nuestro productor fuera director, pero aparte no es un director frustrado sino un director de éxito, (risas). Si, si, porque luego tienes a un director frustrado y te está corrigiendo todo el rato, se indigna. No, tú (dirigiéndose a Alex) eres un director de éxito entonces no necesitas demostrar que eres un gran director. Ahora sí, en la fase de productor, conoce perfectamente nuestros miedos, nuestras dudas, porque él ha pasado por eso, entonces nos allanaba el camino y ha sido realmente genial. - Fusion Freak: ¿Cómo fue el visionado de la película con él equipo completo? - Juanfer Andrés: Fue mágico. - Esteban Roel: Yo estaba muy nervioso, sobre todo por el equipo de los actores y en general por todo el equipo. - Juanfer Andrés: Si, además como había muchas expectativas, pues todos estábamos muy entregados al proyecto, pero ya te digo que el pase de equipo fue muy mágico, salieron muy


emocionados y les encantó la película. - Alex de la Iglesia: Es una película muy agradecida de ver, realizada con muy poco presupuesto y que ha constado mucho hacerla con muy poco tiempo y realmente se agradece mucho ver el resultado. Hemos quedado muy orgullosos. - Fusion Freak: Como última pregunta, “Musarañas” tiene ciertos toques a “Misery” ¿es algún tipo de homenaje? - Alex de la Iglesia: Si, si, tiene algo, tiene cosas de “Misery”, tiene cosas de “¿Qué fue de Baby Jane?” tiene cosas también de “El ángel exterminador”, pero también tiene toques de comedia. digamos que todo hace que la película sea muy especial. Después e un largo viaje, apenas sin dormir, Hugo Silva a tenido la amabilidad de concedernos una entrevista para Fusión Freak y de contarnos su experiencia en “Musarañas” donde hace el papel de Carlos. - Fusion Freak: ¿Cómo ha sido tu experiencia en Musarañas? - Hugo Silva: Pues realmente ha sido un trabajo duro la verdad, ha sido un lugar bastante duro donde rodar, hacía mucho frío, muy estrecho y trabajar con la sangre artificial es bastante desagradable, aunque luego queda genial, es bastante desagradable, es asqueroso, pero luego es gratificante la verdad. He tenido la suerte también de tener a mi lado a dos pedazo de actrices que me han dado la réplica han sido fantásticas, yo estaba postrado en una cama y realmente gracias a ellas todo

ha sido más sencillo. - Fusion Freak: ¿Cómo te llegó el papel? - Hugo Silva: Me llamó Alex y me dijo que había un guión que iba a producir con Kiko, yo con el otro productor ya había hecho algo. Y bueno ya de entrada que te llame Alex, eso siempre es bueno y sinónimo de calidad. Leí la primera versión del guión por pura política, porque tienes que leértelo, pero vamos ya había decidido dar el sí y le llamé de vuelta y comenzamos a trabajar, a leer las revisiones que cada vez eran mejores y todo fue muy fluido. - Fusión Freak: escenas en la bien dices ¿Es interpretativo, moverte?

Tienes varias cama, como difícil a nivel el poder

- Hugo Silva: No, no es difícil, porque al final a los actores si tenemos algo que nos acote nos viene bien, ya sea un director diciéndote que no vayas por allí o que juegues a que no te puedes mover. Esa información psicofísica siempre viene bien y es bueno a la hora de crear. Ya te están dando información acerca del personaje y son cosas que siempre viene bien. Lo único que en alguna secuencia me quedé dormido (risas) que están montadas, eran escenas en las que realmente tenía que esperar a que cambiaran luces y tal y me iban calentando la cama con mantas para que no me muriera de frío allí, que claro estaba tan a gusto que me quedaba dormido de verdad y ellos rodaban. - Fusion Freak: Bueno ya nos has dicho que muy bien tu experiencia con Nadia y Macarena, pero tienes muchas escenas con Macarena ¿No


general es lo que has hecho como poco el año anterior. - Fusion Freak: ¿Pero has estado haciendo algo para seguir estrenando? - Hugo Silva: Si, si he estado haciendo varias cosas para estrenar. Pero bueno las cosas en general, no lo digo por mi caso, porque no me puedo quejar, pero en general está habiendo muy buenas ideas aunque levantar una película es muy complicado. Entran una serie de factores, como la economía que hace muy complicado levantar un proyecto. - Fusion Freak: ¿Para el próximo año que tienes preparado?

“Es un gusto ver cuando una compañera hace tan gran trabajo, cuando el personaje les posee” Hugo Silva

- Hugo Silva: Para el próximo año, me queda por estrenar “Los nuestros” y tengo una serie de proyectos, pero este año estoy aún colocando los proyectos y no puedo adelantar nada. - Fusion Freak: ¿Y te gustaría ponerte detrás de las cámaras?

te dio en ningún momento miedo? En el sentido de su buena interpretación, por supuesto.

pero llegar a cosas tan extrasensorial como llegaba Macarena era estupendo. Como actor es estupendo ver a un compañero hacer lo que Macarena hace con este papel.

- Hugo Silva: No, en ningún momento me dio miedo, yo jugaba a que me diera miedo claro, pero en todo momento veía a Macarena, eso sí, es un gusto ver cuando una compañera hace tan gran trabajo, cuando el personaje les posee y en este caso ha sido fantástico, no suele pasar, la gente hace cosas muy buenas,

- Fusion Freak: ¿Te has llevado muchos golpes durante el rodaje?

Para Concluir Macarena y Nadia tambien nos dedicaron un tiempo.

- Hugo Silva: Pues sí, si nos hemos llevado muchos golpes, las peleas eran muy duras, pero bueno tampoco pasa nada, forma parte del trabajo.

- Fusion Freak ¿Te ha gustado hacer una película de terror?

- Fusion Freak: En este año has hecho varias películas, series, teatro. Has hecho de todo ¿No? - Hugo Silva: Bueno, todo lo que estrenas, por norma

- Hugo Silva: Si, sí que me gustaría. Pero creo que ese proceso es bastante más largo.

Macarena: Había hecho antes, Sexykiller, pero era más una comedia absurda, no era un teror tan real. He hecho películas como Para entrar a vivir, por ejemplo, pero en ella yo era una víctima absoluta, no era mala. Si he hecho personajes oscuros como el


de Montse. - Fusion freak: Consigues despertar sensaciones de ternura pero también de desasosiego. ¿Cómo consigues este cambio de registro? ¿Te costó conseguir este equilibrio? Macarena: No, es que no sé, no... estoy como muy perdida (risas). El personaje está muy bien escrito sobre el guión. Hicimos un trabajo previo de lo que se decía y porqué se decía con el director. En el texto ya se veía si estabas haciendo una escena de amor, de ternura... Como actriz no me costó pasar por los dos extremos porque yo siempre

“A Montse lo que la mueve es el amor, si tu sabes amar puedes trasladar la sensación de amor a tu personaje” Macarena Gómez


he dicho que a Montse lo que la mueve es el amor, si tu sabes amar puedes trasladar la sensación de amor a tu personaje. Montse es tierna por que ama y se vuelve agresiva por que ama en exceso, y eso se convierte en locura. - Fusion Freak: ¿Cómo era vuestra relación antes de la película? Nadia: De nada (risas). Macarena: Fue en un restaurante, creo que italiano, yo pensaba “a ver cómo nos vamos a caer”... esas cosas se piensan siempre (risas). Pero conectamos en seguida.

Nadia: Enseguida, fue brutal, en serio. Yo creo que si conectas como persona conectas como actriz, además la manera de trabajar era muy parecida. Desde el minuto uno fue mirarnos y confiar la una en la otra. Fusion Freak: ¿Podéis definiros como sois cada una? Nadia: Espontaneidad. Una palabra o dos, es una persona honesta.

hace, que yo por educación o lo que sea me contengo más a la hora de vivir. Es una persona que arriesga. Macarena: Pues fíjate que ahora viento esto yo diría que con mi mirada digo todo lo que pienso y a lo mejor tu no tanto, pero yo percibo por parte de ella que a ella la gustaría abrirse más, hace un esfuerzo y me observa y me quiere por eso.

Macarena (risas).

Nadia: La copio (risas), es un referente, en serio.

Nadia: Y forma parte de su encanto. Yo como persona me contengo más, pero la veo y me gustaría hacer lo que ella

Macarena: Por eso hemos congeniado, porque yo soy mayor que Nadia y notaba que, al ser yo la pequeña


en mi familia, de repente he hecho el rol de hermana mayor. He notado que ella necesitaba de mi protección y esa necesidad ha sido lo que me ha enternecido. - Fusion Freak: ¿Qué tal la convivencia con los espíritus y la sangre? Macarena: Con la sangre divertidísima y con los espíritus ah claro es que mi padre...A mí no me da miedo, a mi me gusta, cuanto más sustitos, más gore... Nadia: Yo en cuanto a la sangre superdivertido. Nunca había hecho una peli de terror y siempre lo digo, que te dan carta blanca para cortar cabezas. Fusion Freak: Nadia, ¿te pedía el cuerpo un cambio de registro? Nadia: Si. Si joder porque quizá por perfil físico o por una manera de ser, me suelen dar papeles más dulces o tiernos, pero yo tengo una mala ostia que te cagas. Lo maravilloso de ser actriz es que tengo carta blanca para hacer cualquier cosa. Que me hayan dado la oportunidad de hacer un personaje tan violento me gusta porque el personaje tiene parte de Nadia, porque siempre haces los personajes desde ti, desde lo que vives y lo que tienes. Macarena: Te ha permitido, tu personaje, sacar una parte escondida que tenías, violenta. Este personaje es la plataforma para sacar esta rabia. Nadia: Yo siempre interpreto la profesión como un tipo de terapia. Puedo imaginar y vivir otras vidas. También descubro muchas cosas de mi.

Fusion Freak: Macarena ¿Dirías que este es tu personaje más importante? Macarena: Importante si. Para mí un personaje importante en mi profesión fue el de La Susi en padre coraje. Fue mi primer papel, llegué a hacer una prueba con Benito Zambrano... qué bien así de repente un personaje dramático que tuvo mucha transcendencia para mí. Acabé trabajando con Alex de la Iglesia en las brujas porque me vio en un corto. Quién me iba a decir que un corto que haces con todo tu cariño con un colega al final va a ser

“Que me hayan dado la oportunidad de hacer un personaje tan violento me gus porque el personaje tiene par de Nadia” Nadia de Santiago tan importante en tu vida. Ahora creo que está siendo importante, pero hazme una pregunta en un futuro y te diré la relevancia que ha podido tener en mi carrera o no. Todos todos me han aportado algo, porque el trabajo llama al trabajo. - Fusion Freak: ¿Os imagináis que tuvieseis que competir en la vida real por el mismo


sta rte o

hombre? Nadia: No. Tenemos caracteres diferentes. Macarena: Yo por mi forma de ser sé que no. Si yo veo que otra amiga está interesada en un chico que a mí me puede interesar, me deja de parecer interesante. Fusion Freak: ¿Cómo llevas que en todas las quinielas suene tu nombre para los Goya? Macarena: Eso me lo estás diciendo tu ahora. A todas nos gusta eso, la cara que se te pone... Pero mira ayer dieron nominaciones a unos premios y a mí no me han nominado a nada. Esto es todo tan relativo, hay tantos factores... - Fusion Freak: ¿Tú te crees que he ensayado delante del espejo que voy a hacer si me dan un Goya? Nadia: A mi estas cosas me dan mucha rabia, no haberlo hecho (risas). No, es que me da rabia que por ser actriz parezca que ensayas en tu vida. Macarena: Yo en mi vida diaria si actúo (risas). Yo ensayo si me dan el Oscar (risas). - Fusion Freak: Una cosa importante en tu vida sería ser una chica Almodóvar como has dicho... Macarena: Claramente. Creo que ya he trabajado con mi querido Alex de la Iglesia, que me siga contratando, pero me gustaría trabajar con Almodóvar. Nadia: Se lo puedes proponer. Macarena: Cuando le vea, no le conozco realmente. Cuando veía sus películas en casa con

mamá y papá, me fascinaba toda su generación de chicas Almodóvar, yo quería ser como ellas. - Fusion Freak: ¿Qué proyectos tenéis las dos? Nadia: Teatro en enero, La novia de papá. Era un reto, era lo que me faltaba. Ahora como estaba con Amar, no tenía tiempo, además le tengo mucho respeto porque es directo. Ahora estoy viéndolo desde la tranquilidad y me lo estoy pasando bomba, es otro medio, funciona de otra forma. - Fusion Freak: ¿Qué te llevas de Amar en tiempos revueltos? Nadia: Me llevo a Asun que ha pasado por todo. Me llevo a tener una capacidad de resolver, a una capacidad de memorización brutal y a actuar a ese ritmo. Unos compañeros y un equipo cojonudos que lleva años detrás dándolo todo. Fusion Freak: ¿Y tus proyectos Macarena? Macarena: Yo es que hasta que no tienes firmado un papel, hasta que no lo firmo no lo cuento, porque si luego

no sale... Fusion Freak: Qué pasa con La que se avecina, parece que la serie no toca techo. ¿Cuál es el secreto? Macarena: Los guiones de La que se avecina son, actores entrando, saliendo, repetimos, yo voy, vengo... Yo creo que el éxito de La que se avecina son los guiones, porque como tratan cosas de la actualidad, con la que todo el mundo se siente identificado... La gente en comedia se ríe por que son situaciones que están sucediendo. La realidad supera a la ficción, todos conocemos un personaje igual de loco que los que salen en la serie. Fusion Freak: Cuéntanos sobre el corto con Eduardo Casanova. Macarena: Sabes que pasa que de un año para otro me olvido de lo que hago. Con Edu de director muy bien, es un chico muy talentoso, un grandísimo actor y un grandísimo director. Tiene una imaginación desbordante, deseo de verdad que tenga la oportunidad de rodar una película. Le quiero mucho. Por Vicky Carras


Dicen que la venganza en un plato que se sirve frío, quizás por eso el tercer film de “Venganza” llega casi 7 años después del estreno de la primera entrega. Parece que Bryan Mills (Liam Neeson) todavía tiene asuntos pendientes y este mes en la gran pantalla podremos verle de nuevo en plena acción. Mientras tanto, no está de más repasar las películas anteriores para contextualizar mejor la nueva historia que promete bastante. En 2008 veía la luz el primer film de esta (por el momento) trilogía de acción y thriller protagonizada por Liam Neeson encarnando a un agente especial retirado que sufre por la mala relación con su ex mujer y el poco tiempo del que dispone para ver a su hija a la cual adora. Como buena adolescente, su hija cree que ya es mayor para hacer cosas por sí misma y decide ir a París con una amiga, algo a lo que su padre acaba accediendo de mala gana y siempre con la mosca detrás de la oreja debido a que su larga experiencia como agente le ha demostrado lo peligroso que es el mundo y porque además, le sale la vena de padre súper protector. Sin embargo, sus recelos no eran infundados porque lo primero que hacen las jóvenes al llegar a la capital gala es caer en las manos de una organización criminal albanokosovar dedicada a la trata de blancas. Afortunadamente, Mills se entera a tiempo de las circunstancias en las que se ve envuelta su hija y coge el primer vuelo a París para encontrar a su hija y, por el camino, desenmascarar a los integrantes de la banda. Lo cierto es que Neeson interpreta de maravilla a este ingenioso agente que en todo momento muestra una serie de habilidades asombrosas en aspectos como el rastreo, la recreación de situaciones, la anticipación a los movimientos del enemigo, la lucha cuerpo a cuerpo y con armas de fuego etc. Logrando

que el film sea muy entretenido y bastante emocionante ya que, a pesar de todo, el espectador duda de si llegará a rescatar a la joven. El argumento de la película dirigida por Pierre Morel no es el más original del mundo, pero la credibilidad que el protagonista le da al mostrarse totalmente impío y sádico a la hora de matar o torturar a los responsables o cómplices del secuestro de su hija hacen que la historia enganche más que cualquier otra sobre secuestros o agentes especiales, siendo más visceral y personal. Además, escenas como la de la llamada en la que Bryan Mills escucha cómo está siendo secuestrada su hija y aprovecha para advertirla de lo que puede pasar, además de recabar datos sobre sus captores, tienen la capacidad de cortar la respiración, ya que el espectador conecta emocionalmente con esta situación tan angustiosa y en aspectos como éste la película gana puntos con respecto a otras de temática parecida.

Aunque no es de los films más conocidos, esta producción franco-inglesa tuvo la aceptación suficiente y una recaudación muy significativa para atreverse con una segunda entrega “Venganza 2: conexión Estambul” que vio la luz en 2012. Esta película es bastante más floja que la primera y no es tan emocionante. Esta vez, la trama gira en torno a la venganza de la venganza, puesto que el padre de uno de los secuestradores albaneses que Mills asesinó quiere ajustar cuentas con el agente y aprovecha sus vacaciones en Estambul para intentar acorralarlo. No obstante, como ya había quedado patente en la película anterior, no es recomendable subestimar y “encabronar” al señor Mills y éste vuelve a hacer gala de todas sus habilidades para intentar salir ileso de este nuevo lío. Un giro de tuerca con escenas de acción más pe-


v3nganza

rosa cortés

sadas y típicas persecuciones en coche que se hacen demasiado largas, pero con algún que otro momento interesante y entretenido como cuando, estando retenido en una celda sin ventanas, es capaz de averiguar dónde se encuentra haciendo una serie de preguntas por teléfono a una persona. En definitiva, un film pasable pero que desluce bastante la primera entrega. Pero parece que las truculentas aventuras de Bryan Mills todavía no han acabado y como no hay dos sin tres, este mes volveremos a ver a este agente especial nuevamente en acción. La trama ya no gira en torno a secuestros sino que esta vez todo comienza con el asesinato de su ex esposa con la que estaba reconciliándose y la grave acusación que recae sobre el protagonista de ser el culpable del crimen, motivo por el cual se ve obligado a huir del FBI y la policía y empieza a investigar lo ocurrido por su cuenta. De nuevo la venganza mueve a este personaje que quiere hacer justicia por su cuenta. Esta última entrega también está dirigida al igual que la anterior por Olivier Megaton y parece que su rentabilidad está asegurada, motivo por el cual al parecer Liam Neeson se mostró muy satisfecho de aparecer en ella y quiso incluso renegociar su contrato. No es de extrañar puesto que “Venganza 2” recaudó 376 millones de dólares en todo el mundo a pesar de contar sólo con un presupuesto de 45 millones, lo que supuso una cantidad superior a 150 millones más que la primera que costó

25 millones, algo que podría explicar el hecho de que posiblemente Neeson haya cobrado 20 millones en la nueva entrega. Un aliciente más de esta tercera película es que ha sido grabada en parte en suelo español, más concretamente en Murcia y Alicante. El aeropuerto de Murcia-San Javier pretende similar a uno de California en el cual transcurre la escena final de la película y una carretera del término municipal de Cartagena se convierte en el film en una carretera de Malibú en la que tiene lugar una persecución de coches, un accidente y la posterior explosión de unos de los vehículos. La visita del consolidado actor Liam Neeson causó en su día gran revuelo en Murcia y Alicante y además el rodaje trajo consigo un millón de euros para la economía de estas regiones. En definitiva, el año empieza con un film de acción que promete con un Liam Neeson que ya ha reconocido que le encantaría seguir encarnando héroes mientras que el cuerpo se lo permita, y nuevas dosis de venganza personal e inmisericorde de esa que tanto nos gusta y que se ha convertido en el sello identificativo de esta trilogía. Si se han visto las entregas anteriores hay que darle una oportunidad a la última historia y si no, es el momento de acercarse a estos entretenidos films no vaya a ser que Bryan Mills se entere de que ha sido infravalorado y decida hacer algo al respecto…


Entrevistamos a Luis Tosar Los fenómenos, película de Alfonso Zarauza, con Luis Tosar y Lola Dueñas como protagonistas. Lo que parece una película sobre la igualdad de género en el trabajo, pasa a ser una muestra de lo que ha sufrido nuestro país al entrar en crisis y como las familias que han dado todo por trabajar y tener una vida digna, lo han perdido todo en poco tiempo. Cuando vemos “Los Fenómenos” es inevitable

- El gobierno, o mejor dicho, los gobiernos, tienen algo de culpa tambien en todo esto. - Luis Tosar: Y sus incentivos institucionales para hacer el ladrillo, la primera industria del país. Hicimos castillos en el aire, vivimos de un modelo que todo el mundo sabía que se iba a romper. Pero no queríamos darnos cuenta. - Eso no se veía en “Los lunes al Sol” - Luis Tosar: El del ladrillo

dedicado siempre.... pero hay un montón de cosas aparte que hacen que todo eso explote. - “Los fenómenos” es una película pequeña, pero ambiciosa. Y la película carece de esperanza, de respuestas al agujero donde hemos caído. ¿No hay solución a esta situación, a este ahogo? - Luis Tosar: La pregunta que yo siempre tengo en mente es: ¿Qué coño vamos a hacer aquí de qué vamos a vivir

“Hicimos castillos en el aire, vivimos de un modelo que todo el mundo sabía que se iba a romper. Pero no queríamos darnos cuenta. “ recordar “Los Lunes al Sol” pero si es verdad que es mucho más triste y mas desesperanzadora... - Luis Tosar: Hay un ingrediente que había en “Los lunes al sol” y que creo que en la película no está, pero porque creo que tampoco en la realidad está. Me refiero a la conciencia de la clase trabajadora. En el sector naval siempre ha existido mientras que en la construcción no.

es un sector con el que se la pegó gente de todos los ámbitos. Todo el mundo, en algún momento, se dedicó a la construcción. Y viniendo todos de sectores industriales completamente diferentes. La conciencia gremial en el mundo de la construcción desapareció. En “ Los fenómenos” hay unos tipos que sí tienen cierta conciencia de que son albañiles, de que esa es su profesión, tienen un trabajo digno al que se han

en este país? porque vale que haya excusas. Que si la recesión, que si la cosa se va nivelando, que si salimos de esta... Pero ves que la realidad no es tan clara por mucho que se empeñen en pregonar la recuperación . - En un momento de la película, tu personaje, un tipo sin ataduras y bastante irresponsable, le dice a su chica que deje todo y se vaya con él al sur, a vivir sin hipotecas y


“Al final tu destino está manipulado por gente a la que jamás vas a tener acceso y a la que les da igual lo que te pase” sin ataduras. Ella le responde con una pregunta: “¿Cuándo pondrás los pies en la tierra?”. Y él le responde: “Mira cómo has acabado tú poniendo los pies en la tierra”. - Luis Tosar: Mi personaje es un tipo despreciable. Es un tipo que abandona a su chica. Pero su descripción está más cercana a lo que es la realidad. Él es un descreído, un hippie, un antisistema si quieres. Pero en este caso es verdad lo que dice. La realidad es así, me cago en la puta. Al final tu destino está manipulado por gente a la que

Equipo de Los fenómenos

Alfonso Zarauza jamás vas a tener acceso y a la que les da igual lo que te pase. Y a la que les da igual a los que votes, de hecho, votes

o dejes de votar, ellos van a hacer siempre lo mismo. Por Vicky Carras.


Es cinem Dios mio ¿pero que te hemos hecho?

CALIFICACION

Una amalgamada carcajada. De la mano de El País pudimos asistir al prestreno de la que está siendo la película más taquillera del año en Francia y Alemania.

FRIKISMO

Con esta película se repite el fenómeno de Ocho apellidos vascos. No es que sean una copia la una de la otra, se puede decir que las define la misma fórmula. Aunque en el caso de la francesa hablamos de una situación más surrealista, ambas cumplen el mismo patrón del cine de este género: tópicos, humor sencillo, situaciones disparatadas, personajes al límite... Todos los gags están rodados con muy buen gusto, sobretodo tratándose de juntar culturas tan enfrentadas como la judía y la árabe. Predomina un humor muy sano y respetuoso.

Los protagonistas, sin duda, los conservadores que a pesar de verse una y o obligados a adaptarse a los tiempos que conservan la esperanza de cumplir sus expe con una de sus hijas, a pesar de ello van cam poco a poco para bien. Esa es otra de las v de este film que puede enseñar a las gener jóvenes y venideras la importancia de la conv entre culturas y creencias.

Christian Clavier, un clásico del humor franc impecable, aunque tengo que decir en m que este hombre siempre consigue agra No obstante tiene más que demostrado bueno en las comedias y esta es otra muest Chantal Lauby lleva muy bien sus X6 años ( caballerosos), y hace de madre francesa m a la perfección demostrando una vitalidad ganas de seguir haciendo cine envidiables.

Sant Vincent En lugar de estrellas para puntuar esta película se debería crear una nueva categoría Bill Murray porque él es la estrella indiscutible del film.El conocidísimo actor una vez más ha escogido un papel que le sienta como anillo al dedo o ¿quizás sea al revés? Quizás sea Vincent el que se ha convertido en Bill Murray. Un viejo cascarrabias que también podría haber interpretado, en su momento, Jack Nicholson al estilo de “Mejor... Imposible”, solo que Bill Murray, le añade un toque Gran Lebowski de vago y vividor (hay una escena con Terrence Howard que a más de uno le recordará cierta meada en una alfombra) El otro punto fuerte de la película es un personaje secundario, pero excelentemente bien interpretado por Naomi Watts. Esta actriz interpreta a Daka una

stripper d una mez negro, pe

Dejando Bill Murr predecibl principio, al barrio, de una v en la qu cascarrab El film tie de educa los coleg

En el apa música. E forman p


strenos matograficos criticas

padres otra vez corren, ectativas mbiando virtudes raciones vivencia

cés, está mi contra adarme. que es tra más. (por ser moderna d y unas

Al final resulta que los yernos, que a priori tienen los papeles más estereotipados, son los que presentan una personalidad más flexible. Como decía, la convivencia entre distintos clichés es muy importante en esta película. Por el contrario y como contrapeso, las hermanas sí que son las que cumplen con los esquemas de las típicas hijas de comedia. En definitiva, una película completísima: universal, con humor, amorío, drama y válida para todo tipo de público. No es de extrañar los números que está haciendo en otros países. Fran Tejeda

de Europa del Este, madurita y embarazada, zcla arriesgada en una comedia de humor ero que está bien resuelta.

que dirían los entendidos) e incluso se convierten en protagonistas de escenas con la imagen ralentizada que enfatizan aun más la importancia de la música en la vida de Vincent.

de lado el soberbio personaje que es ray, digo Vincent, la película es bastante le y tiene pocas sorpresas más. En un , con la llegada de Oliver (Jaeden Lieberher) , podríamos pensar que la película se trata versión moderna de “Daniel el travieso” ue el “señor Wilson” además de viejo y bias es alcohólico, pero aquí hay algo más. ene un trasfondo muy crítico con el modelo ación católico, incluso llega a ridiculizar a gios que siguen este sistema.

Pablo Tejeda

artado técnico cabe destacar el papel de la En la mayoría de las ocasiones las canciones parte de la historia (Banda sonora diegética

CALIFICACION

FRIKISMO


La Señorita Julia Pasión, desdén, desgarro. La Señorita Julia es una de las pocas películas llevadas al cine desde una obra de teatro, que haya dado tan buenos resultados. La Señorita Julia es una de las pocas adaptaciones de teatro que he visto que no me ha resultado aburrida. Pese a ser confusa en algunos aspectos, finalmente terminas comprendiendo a los personajes. Es una historia que se desarrolla en la noche de San Juan y la mañana que la precede. Una película que compromete muy bien a todos los personajes. Colin Farrell interpreta al criado de la Señorita Julia, alguien que es educado, pero a la vez basto, que está tratando continuamente de hacer caer a la señorita en un error que le costara muy caro a ambos. Jessica Chastain, la Señorita Julia, es una joven que se comporta como una

Los Fenómenos

CALIFICACION

FRIKISMO

Neneta es una mujer que vive con su pareja en una camioneta en sur de España. Un buen día se encuentra abandonada con su bebé y decide coger la camioneta y marchar hacia Galicia donde se crió. Allí encuentra trabajo en el mundo de la construcción. Leída la sinopsis parece que la película vaya más bien de la igualdad de género en el trabajo, pero “Los fenómenos” es mucho más que esto y para mí fue una grata sorpresa que sea algo mas pues dentro de toda la historia de Neneta en realidad vemos la historia de una cuadrilla de obreros que luchan cada día por sacar su dinero hasta que la crisis llega a España.

niña peq ocasione personaj Samanth las decis decir que obra.

La pelícu Continua personaj Es una pe a seguir enredos

Por otra prácticam cuando s

Desconoz

Con una gran Lola Dueñas que nos muest vez mas que es una de las grandes, esta calzarse el caso y ponerse en la piel de un o Luis Tosar, en el papel de Lobo, la pareja de que realmente hace poca aparición en la p pero es indispensable, pues en un mundo t en un mundo en el que supuestamente se

Si, la crisis es el tema principal y su manera de enseñárnoslo ha sido a través de los ojos de estos 5 personajes entrañables y con los que de una manera u otra nos podemos ver identificados.

El Hobbit: La Batalla de los 5 Ejercitos Todo lo bueno se acaba y aunque sé que de ninguna manera la trilogía de “El Hobbit” llega al nivel de “El Señor de los Anillos”, si es cierto que Peter Jackson nos ha vuelto a llevar a esa Tierra Media que tantos sueños nos ha dado. “El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos” comienza donde acabó su segunda parte y es con un dragón cabreado y dispuesto a terminar con toda una ciudad de hombres. Aquí por fin se le da a Bardo el papel que merece y su liderazgo hace que se salve parte del pueblo y vayan en busca de su oro a Erebord, pero Thorin no se lo va a poner nada fácil, ni a él, ni al pueblo elfo que también viene en busca de parte del tesoro. Seguramente lo que más me ha gustado y más ganas de ver tenía era el Concilio Blanco y

realment todo su elfos, en por un lu se puede que no s mismo d nota que esta bata crear a s que pode en fin, c está tan

La ambie películas, personaj estuviera película v


queña, mimada y caprichosa, de la cual en es no sabemos que pensar. Entre ambos jes se encuentra Kathleen, interpretada por ha Morton, el personaje al que más afectan siones de los dos protagonistas, se puede e es el personaje más cuerdo de toda la

ula aúna deseo y odio en muchas ocasiones. amente observamos la lucha entre los jes por ver cual está por encima del otro, . elícula que pese a su duración, nos impulsa viéndola, pues entre todos los engaños y queremos ver como finaliza este drama.

a parte la banda sonora es constante, mente la misma canción una y otra vez se quiere recurrir a ella.

zco si es una buena adaptación de la obra,

tras una a vez al obrero. Neneta, película, tan real, e tienen

pero en mi opinión es una película muy buena, en la que el tiempo y el espacio están muy presentes y muy bien elaborados, encantando escenarios tanto internos como externos. En las obras de teatro los escenarios son uno de los factores más representativos e importantes, en esta película han sabido transformarlos muy bien, dándole a cada uno un valor en concreto que lo relaciona con una escena, lo que nos lleva a recordar la escena mediante el entorno o viceversa. Al ser pocos espacios, es fácil recordar la sucesión de los hechos. El final de la película es algo que se va tanteando desde más o menos la mitad de la película, pero no le resta importancia a la hora de ver las imágenes finales. En conclusión la Señorita Julia es una adaptación que atrae y con la cual lo amantes de la obra pueden disfrutar.

CALIFICACION

FRIKISMO

Paula Esclaera

que tener los pies en la tierra, Lobo es un hombre libre y que quiere vivir fuera de toda atadura, como puede ser una hipoteca. Es un ser un tanto despreciable, pero en el fondo creo que te hace pensar si no es mejor así, sin deudas y vivir con lo que se tiene. Mencionar el buen trabajo de fotografía, pues nos adentran en una mundo sucio y feo como es la construcción, pero de una manera más humana y bonita, además siempre se nos muestra algún luminoso donde poder ver la esperanza. Por decir algo malo, diría que es un poco pesimista, y más para los tiempos que corren, pero también es verdad que muchas veces es mejor ver la realidad a través del cine, para darnos cuenta de la verdadera realidad en la que vivimos. Vicky Carras

te merece la pena por ver a Galadriel en ser. No decepciona para nada la batalla, nanos, hombres, bestias y orcos luchando ugar estratégico y encima lleno de oro, que e pedir más. Aunque debo de admitir y sé se debería comparar, pero claro siendo el director y parte de la misma historia, se e el presupuesto no es el mismo, pues en alla tira mucho de ordenador a la hora de sus guerreros y se echa en falta los extras emos ver en “El Señor de los anillos”, pero como las comparaciones son odiosas, no mal si no te has visto la otra saga.

entación sigue siendo como las anteriores , con un tono de brillo que deja a sus jes y sus paisajes, como si en un cuento as metido, “El Hobbit” sigue siendo una visualmente muy buena.

El reparto estupendo, como en las otras dos partes, aunque sigue sin convencerme del todo Richard Armitage, seguramente viendo la película en versión original, su caída a los infiernos por el deseo del oro hubiera sido más intensa, pero aún así, lo que digo, sigue sin convencerme. Así que ya se acaba esta fantasía que tanto le ha costado llevar a cabo a Peter Jackson y que tantos cambios de último momento ha tenido, algunos aciertos y otros fallos, pero al fin y al cabo sigue siendo una bonita adaptación de ese libro que tantas noches buenas nos ha dado a más de uno introduciéndonos en la piel de Bilbo Bolsón. No os lo penséis e ir a verla y disfrutarla. Vicky Carras

CALIFICACION

FRIKISMO


Stand by me Doraemon Un buen día Nobita Nobi, un niño vago y desastroso, recibe la visita de su tataranieto, que llega del futuro para prevenirle, pues si sigue así va a hacer que toda su familia sea pobre y desgraciada. Para que Nobita logre cambiar su nieto le deja a su robot Doraemon, que hará todo lo posible para que tenga una vida feliz y que aprenda a ser menos vago y menos desastroso.

de Sisuka es realm principio

Si habéis visto alguna vez Doraemon estamos ante el principio de la historia de cómo Nobita y Doraemon se conocieron. Y si además la serie os gustaba, esta película no os va a decepcionar pues tiene el mismo espíritu, con sus aparatos imposibles y sus moralejas para los más pequeños. Con las eternas luchas de Nobita por ser uno más en la pandilla de sus amigos y conseguir el corazón

Mr Turner

CALIFICACION

FRIKISMO

La vida de las personas es en general aburrida y la del señor William Turner (Timothy Spall), no es diferente. Nos encontramos ante una película biográfica de uno de los grandes artistas británicos de todos los tiempos William Turner, pero la belleza de sus paisajes contrasta con su personalidad. Este contraste está muy bien representado a través de Timothy Spall que interpreta a un Turner grotesco, muy bien caracterizado por cierto, arisco y que cuando llora uno no sabe si sentir lástima o reír ante la forma de llorar. Si añadimos que el ambiente que rodeaba a Turner era el de los artistas burgueses de la Royal Academy el personaje parecerá mucho más abyecto. El principal logro de la película, además del acierto

con Timothy Spall y Dorothy Atkinson respectivos papeles, es la ambientación. el principio nos sumergimos en una Inglat principios del siglo XIX muy cercana a los paisajísticos de William Turner y aunque e su principal virtud también es su mayor d Toda la composición visual evoca arte pictó formas de trabajar la luz y el encuadre nos t la sensación de estar en un museo vivien deleite en lo visual pesa en lo rítmico que la película sea muy lenta, que el arg avance poco y de la sensación de que n nada. Pero si que están ocurriendo cosa para eso hay que presar atención a Timoth que es ensombrecido por sus cuadros, pe constántemente viviendo un choque de em que sólo es capaz de expresar a través pintura. El film avanza manteniendo esa entre las emociones de Turner, sus cuadr

Invencible Angelina Jolie nos atrapa con la historita de Louis Zamperini, corredor olímpico que durante la segunda guerra Mundial es atrapado por los japoneses y encerrado en un campo de concentración. Debo admitir que me ha gustado mucho la manera de llevar al cine la vida de este hombre que gracias a la religión y las ganas de superarse a si mismo logró la difícil tarea de sobrevivir. Con guión de los hermanos Cohen, Angelina Jolie ha apostado fuerte con esta historia y no se ha equivocado, tampoco con su reparto, donde destacamos al protagonista Jack O’Connell, que nos muestra todo el esfuerzo que tuvo que hacer el deportista, que ha tenido que trabajar, no solo su físico para las tener el cuerpo atlético, sino que también tuvo que adelgazar bastante después de

su paso p me gusta Ishihara que el p muchos s

“Invencib mucho c de ver su distintos juegos ol

Debo adm gusta mu llevar a la llegan a n es compl al cine, p

Por Vicky


a, su eterno amor, Stand By me Doraemon mente un capítulo largo de la serie con y final.

en sus . Desde terra de cuadros esta sea defecto. órico, las trasmite nte. Ese y hace gumento no pasa as, pero hy Spall, ero está mociones s de su a unión ros y la

Quizá lo que más me ha echado hacía atrás a la hora del visionado de esta película sea su animación, un poco floja para ser una película japonesa. En castellano tenemos en el doblaje a Alaska y Mario en el papel de Nobita y Sisuka en el futuro. Porque si, viajan al futuro para poder recomponer la vida de Nobita, pero sabiendo lo torpe que es , como de costumbre, todo le sale mal, ¿o no?, eso ya lo descubriréis yendo a las salas de cine a partir del viernes 19 de diciembre. Muy recomendable sobre todo si tenéis niños, pues es una bonita manera de mostrarles otro estilo de animación y además aprenderán mucho de Doraemon y de las torpezas de Nobita.

CALIFICACION

FRIKISMO

Por Vicky Carras

fotografía (la de la película) dirigiéndose cada vez a colores más pálidos y fríos. En conclusión, si eres amante de la pintura de William Turner es una película que te gustará y con la que disfrutarás redescubriéndo al personaje y sino preparate para dos horas de historia del arte, que siempre es interesante. Por Pablo Tejeda

por el campo de concentración. Y también aría resaltar el gran trabajo de Takamasa en el papel del cabo Watanabe que hizo paso por el campo de concentración de soldados fuera un auténtico infierno.

CALIFICACION

ble” es una película bélica realizada con cariño hacia Zamperini, donde además u etapa en la guerra , vemos a partir de flashback, distintas partes de su vida y los límpicos en los que participó.

mitir que como amarte de la historia, me ucho que los cineastas se preocupen de as salas pequeñas historias que ni siempre nosotros y desde luego la vida de Zamperini letamente una vida que tenía que llevarse pues fue una vida de película.

y Carras.

FRIKISMO


Musarañas

puede im

Montse vive encerrada con su hermana en un tétrico piso del centro del Madrid de la postguerra. Atormentada por su agorafobia y por el fantasma de su padre, intenta criar a su hermana lo mejor que puede. Una mañana, Carlos, su vecino de arriba, sufre un accidente que hace que la vida de ambas hermanas cambie totalmente.

El piso realment agorafob la calle d (evidente la puerta del edifi del comp ataques d

Thriller con claros toques a la gran “Misery” y al cine clásico de terror psicológico, donde una Macarena Gómez se come a todo el mundo en pantalla y nos trae un montón de distintas facetas de Montse que nos harán quererla y odiarla a la vez. Juanfer Andrés y Esteba Roel, ambos directores noveles y profesores, te mantienen en tensión durante todo el film con un secreto que hasta el final no desvelan, aunque si estás bastante atengo

Noche en el museo 3: El secreto del faraon

CALIFICACION

FRIKISMO

Muchas más risas, y una nueva aventura de dimensiones extraordinarias. La nueva entrega de Shawn Levy nos trae una nueva película donde los seres de los museos cobran vida, y no solo aquellos que estamos acostumbrados a ver ya en entregas pasadas. Embarcados en un viaje que les conducirá a una nueva aventura, disfrutamos una vez más con personajes como, Larry, nuestro guardia de seguridad que además en esta entrega tendrá papel doble, además de personajes antiguos, como Theodore Roosevelt, al cual me sorprende ver por ser el mismo actor que le encaro en las dos entregas pasadas, Robin Williams, un actor que ha fallecido recientemente. Noche en el Museo 3 en una película que si bien

Como h Macarena por el tip tendría e perfectos buenos r Hugo Silv “Musarañ

no llega a ser igual de buena que la primer bastante mejor que la segunda. Por fin p descubrir de donde viene el misterio de la ta como ver no solo a los personajes habituale a otros nuevos. A su vez, esto es lo que just se echa en falta, la aparición de personajes p en las antiguas películas. Sin embargo película con la cual hasta los más pequeños disfrutar ya que aúna diversión, misterio historia fácil de seguir, que si bien es pre termina gustando bastante. Me ha gustado b la innovación con los nuevos personajes a ver que esta vez el hijo de nuestro protago acompañara en el viaje a Londres, dejándos problema de los padres ante el futuro de lo Respecto al final, y sin decir mucho, es q más adecuado, a la vez el más triste, pero que hacía falta. Me quedo a la duda de que haber una posible cuarta entrega.

Big Eyes Otro biopic para este año, esta vez de la mano del gran Tim Burton sobre la artista Margaret Keane, famosa por sus retratos de niños con ojos enormes. Tim Burton vuelve, no con mucha fuerza, pero si en su estilo y gracia. Debo admitir que me encanta y después de su última película “Sombras tenebrosas” me dejó fatal y tenía bastante miedo de ver que había hecho con esta historia. Realmente esta mujer era muy interesante, pero apenas confiaba en si misma y esto hizo que el hombre con el que se casó se aprovechara de esa situación para robarle todas sus obras. Me ha encantado la manera de llevar a los actores que ha tenido Tim Burton, Amy Adams, pasa de ser una mujer con muy poco autoestima y obligada a pintar para dar sus obras a su marido, a ser una

mujer ind una relig su obra. encantad

La estéti cuadros rienda su un merca un buen

Con una vuelve a buen hac

Así que s las buena a su ser.

Por Vicky


maginarte al menos un poquito de ese final.

se vuelve un protagonista mas, pues te no salimos de él, convivimos con la bia de Montse y simplemente podemos ver desde la ventana de su taller de costura emente dentro del mismo piso) y por a de entrada que vemos las escaleras ficio. Esto hace que entendamos parte portamiento de Montse, sus miedos, sus de ansiedad.

he mencionado antes, la actuación de a Gómez es brutal, es más, es complicado po de película que es, pero bien merecido el Goya. En cuanto al resto de reparto están s, realmente bien escogidos y con muy resultados, vemos a Nadia de Santiago, va y Luis Tosar, que uno a uno hace que ñas” sea grande.

ra, si es podemos abla, así es, si no tamente pasados es una s podrán o y una edecible, bastante así como onista le se ver el os hijos. quizás el un final e vaya a

Por último y no más importante, lo que sin duda me ha encantado de esta película ha sido su maravillosa fotografía, esos primeros planos, no solo de los rostros de los actores, si no de las manos, de los pequeños detalles que te muestran el miedo, la ansiedad y el descanso que nos da “Musarañas”.

CALIFICACION

Así que si queréis pasar un rato de inquietud y muy buen cine no os perdáis “Musarañas”, pues no os va a decepcionar. Por Vicky Carras

FRIKISMO

Destacan también los efectos especiales igual de espectaculares que siempre, haciéndonos creer que realmente todo el museo cobra vida al anochecer. Ambos museos son muy distintos, por lo que en ese aspecto encontramos una temática y dinamismo diferentes a los de las anteriores películas, teniendo no solo animales y personas sino por ejemplo esculturas que cobran vida. Como dato negativo, tengo que decir que se encuentras algunas incongruencias con las películas anteriores. También la música es algo que está continuamente en juego, dándonos momentos de tensión en los que llegamos a temer que no lleguen al final de su búsqueda. En resumidas cuentas Noche en el Museo 3 es una película que bajo mi punto de vista está bastante mejor de lo que se espera en primera instancia. Paula Escalera

dependiente que encuentra la respuesta en gión y decide denunciar y recuperar toda Y Christoph Waltz pasa de ser un hombre dor a un manipulador empedernido.

CALIFICACION

ica es muy de Tim Burton, además los de Margaret dan pie a que el director de uelta a su imaginación, hay una escena en ado que es de Tim Burton total y nos deja sabor de boca.

banda sonora bastante buena, el director a confiar en Danny Elfman y su increíble cer.

si queréis ver, no la mejor, pero si una de as películas de Tim Burton, donde vuelve

y Carras

FRIKISMO


Sé que os encanta la sección de mundo cuore, pero en esta ocasión he creído oportuno dejarlo para otro momento y centrarme en uno de los culebrones que más ha dado que hablar estos días y que ya he nombrado en varias noticias, el hackeo a Sony o como a mí me gusta llamarlo “Colguemos cosas confidenciales en la nube de la empresa sin encriptar que fijo que no nos piratean”. Todo el mundo está al corriente que es lo que ha pasado con Sony y unos hackers algo pillines, pero hagamos un breve resumen de todo lo sucedido por si alguno anda algo perdido. De todos es sabido que Sony siempre ha tenido algún que otro problema con temas de hackers ya que sin ir más lejos en verano hubo varios robos de cuentas de usuarios de Play Station con información tanto de cuentas corrientes y demás por lo que desde ese día a lo mejor tendrían que haber aprendido la valiosa lección de cuidar los datos importantes. Claramente no. Esta historia comienza a finales de noviembre cuando los trabajadores de Sony Pictures vieron que no podían trabajar con sus ordenadores ya que habían sido pirateados y lo único que aparecía en sus pantallas eran las siglas GOP (que luego conoceríamos como Guardians of Peace). Los trabajadores de Sony no sabían que podía ser pero empezaron a sospechar que el hackeo podía venir de Corea del Norte y a raíz del inminente estreno de la comedia dirigida y protagonizada por Seth Rogen, The Interview, un film donde unos periodistas (Rogen y su colega James Franco) tenían que viajar a Corea del Norte para matar a su líder Kim Jong-Un. En diciembre ya se vio que lo que en un principio parecía un ataque informático a pequeña escala se convirtió en algo mucho peor, un aluvión de información de la empresa muy comprometedora entre lo que apareció: el robo de 47.000 números de la seguridad social de trabajadores de Sony, datos sobre nuevos proyectos como el crossover entre Men In Black y Jump Street, emails muy comprometedores entre directivos de la empresa con opiniones personales de algunos actores/ directores de Hollywood no muy amables, datos de sueldos, películas aún no estrenadas colgadas en la red como Fury o el guión de la última de Bond, etc…. Vamos, un hackeo de los que hacen historia. Cuando todo salió a la luz, el futuro de la película de Rogen estaba en el aire pero cuando el FBI confirmó que los hackers procedían de Corea del Norte y que amenazaban con un nuevo 11-S si la película salía a la luz el día de Navidad, Sony accedió a las exigencias de éstos y canceló la distribución de la película. Un aluvión de críticas salió a través de las redes sociales, sobre todo gente de la industria, alegando que EEUU no puede acceder a las exigencias de unos terroristas. Tal fue el revuelo que el propio


presidente de EEUU, Barak Obama, tuvo que aparecer y dar un rapapolvo a los directivos de Sony, que ya tuvieron que pedirle perdón por algunos mails que se filtraron criticando al dirigente. Podemos decir que esta historia acaba bien ya que Sony al final reculó y estrenó la película tanto en cines como en VOD, aunque a mí me da que en realidad tomó esta sabia decisión tras recapacitar que gracias a la publicidad gratuita que ha tenido el film tras el último mes, daría mucho más dinero de lo que en un principio se pensaba. Me gustaría decir que Sony ha aprendido de la lección y que han sabido proteger tanto sus datos como los de millones de usuarios, pero otra vez dos grupo de hackers se han puesto en guerra entre ellos y han atacado y tirado las redes online Play Station y Xbox en plenas fiestas navideñas. C’est la vie

ELENA OTEO


Qué mejor manera que empezar mi (espero que larga y próspera) andadura por estos lares que seleccionando un compendio de películas navideñas ochenteras. Ya sabéis: Papá Noel , turrón, arbolitos y demás selecto emperifolle. Aunque tratándose de los ochenta puede que la sangre fluya más que el champán o que algunos monstruitos verdes devoren a Santa… En la que según John Waters es la mejor película navideña de todos los tiempos, Navidades infernales (1980, Lewis Jackson), no esperéis encontrar un slasher al uso - dentro de este subgénero se la incluye - sino una atípica historia en la que un hombre obsesionado con la Navidad asumirá el papel de Papá Noel hasta las últimas consecuencias. Un ejemplo más típico de slasher navideño es Noche de paz, noche de muerte (1984, Charles Sellier E. Jr), que nos presenta a un asesino traumatizado por la muerte de sus padres a manos de un hombre disfrazado de Papá Noel. Un slasher mediocre que sorprendentemente dio lugar a una saga de nada menos que cinco películas, dos de ellas pertenecientes a la década que nos ocupa. Otros slashers navideños son No abrir hasta Navidad (1984, Edmun Purdon), en la que el asesino no se disfraza de Papá Noel sino que se carga a todo aquel que sí lo hace, Feliz Nochebuena (1980, David Hess) donde nunca una celebración navideña fue tan sangrienta y Fin de año maldito (1980, Emmett Alston) en la que la masacre tiene lugar durante otra celebración navideña, pero en este caso será la noche de fin de año. Pero tranquilos, no todo van a ser psicópatas con postizas barbas blancas y trajes rojos con gorros a juego con la hemoglobina. También hay espacio para que luzca la cara más entrañable de la Navidad. En Historias de Navidad (1983) Bob Clark (Porky´s) nos ofrece una preciosa comedia ambientada en la Navidad de los años cuarenta. Santa Claus , la película (1985, Jeannot Szwarc) es un estupendo ejemplo de cine familiar centrado en la historia de nuestro Papá Noel. En Un cuento de Navidad (1984, Clive Donner) disfrutaremos de una maravillosa adaptación televisiva de la inmortal obra homónima de Dickens protagonizada por el fenomenal George C. Scott. Otra adaptación del relato del inglés es la dirigida por Richard Donner bajo el título Los fantasmas atacan al jefe (1988), una actualización de la historia en clave de comedia y fantasía protagonizada por el mítico Bill Murray en el papel de un Scrooge desatado. Otra comedia navideña protagonizada por otro actor fetiche de los ochenta, Chevy Chase, es ¡Socorro, ya es Navidad! (1989, Jeremiah S. Chechik). Y llegados a este punto, aunque en un tono mucho más gamberro que las precedentes, Gremlins (1984, Joe Dante) constituye el clásico navideño ochentero por excelencia. Humor negro, fantasía y toques de terror se dan la mano en una de las mejores películas de Dante. También clásicos de acción como Arma letal (1987, Richard Donner) o La jungla de cristal (1988, John MacTiernan) transcurren durante estas fechas, y aunque no son películas navideñas propiamente dichas no está de más nombrarlas como excusa de un nuevo visionado. Y no quisiera terminar sin recomendar una obra rodada en Francia. Game Over: Se acabó el juego (1989, René Manzor), es una película que supura mala leche y que sería un trasunto de Solo en casa (1990, Chris Columbus) en versión macarra en la que un niño se defenderá a lo Rambo de un psicópata vestido… sí, de Papá Noel.


post navidades cinĂŠfila ochenteras germĂĄn frenĂĄndez jambrina


—¿Y esto? —¿No la habías probado todavía? —No. —Pues bebe y disfruta. —La camarera del Fangtasia, disfrazada de colegiala, le guiñó un ojo antes de dirigirse al otro extremo de la barra, donde sus servicios eran requeridos por un grupo de jóvenes vampiros. La botella que le había servido parecía una botella de True Blood normal y corriente, salvo por una pegatina nueva sobre una esquina de la antigua. La nueva pegatina tenía escrita una única palabra en tono escarlata brillante: Infinity. Probablemente se trataría de un nuevo sabor. Ya habían sacado True Bloods de todos los tipos sanguíneos, con sabor a sangre joven, a sangre vieja, a sangre vegetariana,… ¿Qué más podían inventar? Nada podía sustituir a la verdadera sangre humana. Alexia bebió un largo trago de su True Blood Infinity. No estaba mal de sabor ni de textura, debía reconocerlo. Un intenso hormigueo recorrió su paladar, su lengua y su garganta. El calor, esa sensación que no había sentido durante siglos, inundó sus vasos sanguíneos. Un ligero mareo la obligó a sentarse en un taburete durante unos minutos. Observó con atención el interior del local mientras se acostumbraba a la intensa sensación que un solo trago de la bebida le había proporcionado. No era hora punta todavía, apenas había cuatro grupos de vampiros montando escándalo y un par de viejos vampiros como ella, solitarios, acodados en la barra, con la mirada perdida, probablemente rememorando antiguos recuerdos. Puede que felices, aunque era una probabilidad muy remota. Alexia bebió de nuevo. El calor se intensificó, el mareo dio paso a un estado casi de embriaguez. La euforia se apoderó de su ánimo. La sed, la legendaria sed de los vampiros, aquella por la que muchos perdían la cabeza y que los había llevado a masacrar a la raza humana en más de una ocasión, había desaparecido por completo. Por primera vez en su inmortal existencia se sentía saciada. Era una sensación muy extraña. Una parte de ella que la había acompañado cada hora, de cada noche de los últimos siglos se había esfumado. Algo como la adrenalina sacudió su sistema nervioso. Quería bailar, quería gritar, quería follar, reír y llorar. Una pelirroja sexy acompañada de un joven humano de aspecto robusto entraron al Fangtasia. Parecían sentirse como en casa en aquel sitio, lo más probable es que fueran clientes habituales. Alexia se acercó a ellos.

En circunstancias normales nunca lo habría hecho. Ella era una criatura taciturna, reacia a casi cualquier contacto social. Le gustaba su soledad, se sentía cómoda en ella. Sin embargo, aquella noche era diferente. No tardó en mover sus caderas al ritmo de la música, muy pegadas a las de la vampira pelirroja. El joven, Hoyt creyó entender que se llamaba, se colocó tras ella y bailó con ambas de forma un tanto torpe. Unas manos sobaron sus nalgas mientras unos labios rozaron su cuello. Tras un par de Infinitys y varios bailes sucios, Alexia terminó entre las sábanas de la pareja, compartiendo sus caricias, sus besos y todo el placer que fueron capaces de proporcionarse entre ellos. —¿De nuevo por aquí? —Aquella noche la camarera iba simplemente vestida con unos vaqueros rotos y una camiseta publicitaria. Las noches de los martes no eran las más animadas del local. —Llevas dos semanas sin faltar una sola noche. Voy a tener que empezar a tratarte como a una VIP. —La camarera sonrió a Alexia pese a la hosquedad que le mostraba. Era su trabajo soportar el mal humor de los clientes. —Ponme una Infinity —fue lo único que dijo Alexia. Estaba completamente enganchada a la nueva True Blood, ni siquiera había probado la sangre humana desde entonces. Le encantaba la sensación que le proporcionaba, la euforia, como si estuviera realmente viva y un corazón palpitante se alojara en su pecho. Lo único malo era que cuando se disipaban sus efectos la sed volvía de una manera extraña. Su instinto de cazadora había casi desaparecido por completo de su naturaleza vampírica. Ahora todo lo que ansiaban sus entrañas era una nueva dosis de Infinity. —Toma cielo, eres afortunada, es la última que nos queda. —¿La última? —¿No te has enterado? Han dejado de producirla. De hecho, la han retirado del mercado. Ni siquiera debería venderte esta pero ¿qué coño? ¡Disfrútala! Alexia cogió la botella con la mano temblorosa. La última. No podía ser. Trató de beber la sangre sintética con deleite, saboreando cada trago, prolongando al máximo su disfrute. Sin embargo, no tardó ni diez minutos en terminarse la bebida. Cuando vació por completo la botella la estampó contra el suelo. Su nueva sed no había desaparecido por completo y, más que eufórica, se sentía furiosa. Los pocos clientes del Fangtasia la miraron


infinity montse n rios


extrañados por su comportamiento mas no le prestaron demasiada atención. Alexia se acercó de nuevo a la barra. —¿Seguro que no te queda ninguna otra? ¿Has mirado bien? —preguntó ansiosa a la camarera. Esta le dedicó una mirada de compasión algo turbada. La vampira parecía un tanto desquiciada. —Lo siento, de verdad que era la última que quedaba. ¿Puedo ofrecerte otra True Blood? ¿Una Slow por ejemplo? Tengo de todas las que hay en el mercado. Alexia cogió a la camarera por la camiseta y la atrajo hacia ella de forma violenta. —Quiero otra Infinity —le susurró al oído, amenazadora. La camarera, una simple humana, dejó escapar unas gotas de orina en su ropa interior. —Pe… pe… pero si no me quedan más. Alexia mordió el tierno cuello de la acongojada camarera. La sangre viva y caliente de la mortal que en otros tiempos le habría sabido a un manjar divino le dejó un regusto amargo en el paladar. Lejos de saciarla, la camarera solo le provocó más sed, una sed tan fuerte y acuciante que trastornó su cordura. El Fangtasia se impregnó del aroma de la muerte. La vampira había perdido el control. Alexia corrió hacia uno de los clientes y le arrancó el corazón con sus propias manos mientras se retorcía de dolor. Los que quedaban trataron de aplacarla mas fue inútil. Ella les arrancó la cabeza como si fueran débiles espantapájaros de paja. —¡¡Quiero mi Infinity!! —Aquí tengo una. Ven a tomarla. — Alexia se giró para comprobar quién había pronunciado aquellas esperanzadoras palabras y cerciorarse de que eran ciertas. Antes de distinguir a la figura que le había hablado, una malla de plata cayó sobre ella y la dejó indefensa, tirada en el suelo bocabajo. Un par de vampiros la agarraron y la inmovilizaron con la malla de plata. Estaba completamente a su merced. —Metedla en la furgoneta, nos la llevamos. —Era la misma voz de antes. A través de la malla era incapaz de distinguir el rostro de su captor aunque juraría haber oído aquella voz antes, le era vagamente familiar. La sed le impedía pensar con claridad. Solo quería una maldita Infinity. Alexia llevaba tres días encerrada en una celda blanca, sin ventanas, sin mobiliario, sin ningún objeto y sin ninguna compañía salvo las cámaras de seguridad del techo y las odiosas luces fluorescentes que iluminaban


su prisión. No le importaba en absoluto. El único pensamiento que ocupaba su mente era la True Blood Infinity. Quería otra, necesitaba otra, ¿por qué no le daban otra? ¿Dónde podía conseguir otra? La vampira yacía desnuda sobre el frío suelo de la celda, pensando en su querida Infinity mientras se arrancaba mechones de pelo presa de la locura del síndrome de abstinencia. Oscuras y supurantes ronchas habían aparecido en su piel olivácea. Ella no se las había provocado de ninguna manera, simplemente habían aparecido como por arte de magia. Se le habían caído todos los dientes salvo los colmillos, y estos presentaban un color negruzco de aspecto enfermizo. Es como si se estuviera pudriendo por dentro. —Eric, ven a ver esto, creo que está pasando algo. —Pam señaló la cámara de seguridad que tenía enfocada a Alexia las veinticuatro horas del día. La vampira yonqui había empezado a convulsionarse. Eric y Pam contemplaron cómo Alexia encontraba la muerte verdadera sin que nada aparente interviniera en semejante hazaña. Se había empezado a descomponer a una velocidad de vértigo y en escasos segundos se había convertido en el caldo sanguinolento en el que se convertían los vampiros cuando su no-vida llegaba a su fin. —Vaya, vaya. Esto no me lo esperaba —musitó Eric, todavía embobado con la pantalla. —Esto no va a ser bueno para el negocio. ¿Crees que será un caso aislado o al resto de sujetos también les ocurrirá? —preguntó Pam visiblemente cabreada. —Muestran los mismos síntomas que nuestra amiga. Sería muy raro que no terminaran como ella. A no ser… —Eric dio instrucciones a través de un walkie talkie. Un par de minutos después una True Blood Infinity se deslizó por otra de las celdas, ocupada por un yonqui en las últimas fases de la abstinencia mortal que acababa de llevarse a Alexia. El yonqui bebió la sangre sintética como si le fuera la vida en ello, relamiendo hasta la última gota. Conforme terminó la bebida, el aspecto de su piel mejoró ostensiblemente. Las ronchas negras que la cubrían redujeron su tamaño hasta casi desaparecer. La mirada perdida del yonqui volvió a centrar la atención y pareció recobrar algo de cordura. —Me parece que nos vamos a hacer de oro con nuestro nuevo invento, Pam —dijo Eric con una sonrisa maliciosa en los labios. —Ya somos de oro, tenemos más dinero del que podemos gastar, ¿de verdad nece-

sitamos poner en peligro nuestro imperio por esto? ¿Para qué? —¿Bromeas Pam? Gracias a la Infinity podríamos tener nuestro propio ejército de vampiros en caso de necesidad. Harían cualquier cosa con tal de conseguir su dosis. —La mayoría de los que han probado la bebida no se vuelven escoria como estos. —Razón de más para continuar vendiéndola. ¿A quién le importa que unos cuantos vampiros se conviertan en unos yonquis? Nadie reportó ningún problema hasta que no retiramos la Infinity del mercado. Creo que es el mejor testeo de producto que hemos hecho nunca. —Entonces, ¿la vamos a sacar a nivel mundial? ¿Vamos a convertir en adictos a decenas de miles de vampiros? ¿Con qué fin? ¿Para qué necesitas un ejército de yonquis, Eric? —Tal vez, algún día, cuando me canse de esto, quiera conquistar el mundo Pam, ser una nueva deidad para los mortales o, sencillamente, arrasar con todo para empezar de nuevo. Dime, ¿querrás estar a mi lado cuando lo haga? —Sabes que sí Eric, estaré contigo por toda la eternidad. Dominar el mundo suena bien, la verdad. Contigo la inmortalidad es mucho más divertida. Y tampoco tengo otra cosa que hacer.


-DIMENSIÓN BNº de páginas: 336 págs. Encuadernación: Tapa blanda/digital Editoral: La pastilla roja/La pastilla azul ISBN: 978-1501017483

Dimensión B es una antología de relatos de varios autores españoles publicada por La Pastilla Roja, que inaugura con este título su nueva colección “Low Cost” La Pastilla Azul y que pretende ser un homenaje a los grandes clásicos del cine de Serie B. Esas películas, en blanco y negro o technicolor, que construyeron los pilares del género fantástico tal y como lo entendemos hoy. Terror y Ciencia Ficción en doble sesión. Monstruos, insectos gigantes, criaturas venidas del espacio profundo, científicos locos... esta forma de entender el entretenimiento y que desató la imaginación y la creatividad de muchos de nosotros.

La editorial Pastilla Azul nos presenta, como bien dice el título, catorce historias cortas o relatos de varios autores. Cada historia tiene su propio estilo y personalidad, la redacción varía completamente en densidad y velocidad por lo que es un libro que se lee en distintas velocidades. Hay historias muy entretenidas capaces de enganchar al lector y no parar hasta finalizarla, otras no tanto. Algunas son más dramáticas y varias bastante hilarantes, incluso las hay con una carga sexual bastante elevada y explícita. Los autores no se cortan, si hay que escribir un taco, se escribe. Hay varias historias donde el final es un corte a machete sin contemplaciones, como si la editorial les exigiera un máximo de número de palabras y para no pasarse demasiado, cortan al final. En general son historias muy frescas y no se pueden encajar en un tipo o estilo determinado, cada una es como es y punto, eso le da mucha originalidad y autenticidad. En algunas el lector queda un tanto sorprendido y en otras es muy difícil no reírse a corazón abierto, y se agradece el leer algo así. Algunas historias

ZONA DE L

pasan sin pena ni gloria, alguna con más pena que gloria, pero se ve compensado con otras. Las historias hablan de religiones alternativas, mundos paralelos, gigantes eléctricos, alienígenas, un poco de todo donde la fantasía y la creatividad de sus autores predomina. Una lectura recomendable si se busca salir un poco de la rutina o ideal después de haber leído un libro muy denso y largo, una lectura divertida y a veces gamberra.

JUAN CARLOS MARTÍNEZ

-LOS CAMINANTES: AETERNUMCarlos Sisi Nº de páginas: 480 págs. Encuadernación: Rustica Dura Editoral: Minotaurio ISBN:

Llega la CONTINUACIÓN de la saga de zombis más famosa de nuestra geografía. En esta cuarta novela Carlos Sisí recupera a sus personajes más emblemáticos y da respuesta a los interrogantes que planteó en Hades Nebula. La vacuna Esperantum ha hecho posible la creación del Nuevo Mundo en las calles de Barcelona. Los supervivientes se han organizado para recuperar parte de la ciudad y pasan sus días limpiando las calles de zombis. Pero este delicado equilibrio se verá seriamente amenazado cuando la vacuna empiece a perder efecto y las personas a las que se les ha administrado comiencen a ver a sus compañeros como una amenaza. Cuando terminó Hades Nébula pensé que era un final ¿final? Para una trilogía, pero como parecía que iba a quedar la cosa así sentí que me quedaba con ganas de más aún habiendo terminado el libro. Quería saber qué pasaba realmente con esos puntos inconclusos de la novela. Qué fue de Juan.


LECTURA

Qué ocurrió después en el campamento final en la que los ciudadanos comenzaban a sentir cierto odio al latir del corazón humano como si del corazón delator de Poe se tratase. No supe que iba a haber cuarta parte casi hasta que estuvo orquestada y tenía hasta portada, y eso que me muevo en círculos de lectores ávidos de historias Z. Y después en mis manos no pude más que devorarla como si de una zombie come-libros me hubiera convertido. Quizá la novela, aunque ha sido entretenida no me ha terminado de gustar del todo. Sí, es Sisi, es de zombies y sí, es buena. Pero quizá por lo potente de su predecesora ésta me ha parecido un poco como un desnivel suave después de subir a lo alto de la montaña. Hades Nébula dejó el listón tan alto que después de eso solo se podía ir hacia abajo. Y conste que no digo que sea mala, sino que me gustó más la anterior. He oído que habrá una quinta que espero con interés para devorarla y disfrutarla igualmente. Pues en Aeternum nos encontramos en que aunque parezca que toda la pesadilla de los muertos vivientes ha terminado, que pueden pasear entre ellos con cierta tranquilidad no por ello los problemas desaparecen pues la falta de agua y comida sigue siendo una molestia contiuada, los productos de higiene, algo con lo que entretenerse y pasar los días... van siendo cúmulos de cosas que van cargándose como piedras a espaldas de los supervivientes. Si esto no fuese suficiente, resulta que parece que la vacuna no surge el efecto deseado, es más, parece que con ella aparecen otros problemas secundarios no por ello menos inquietantes. Aparecen también, como en todo apocalipsis que se precie a un grupo de tipejos que quieren ser los dueños del cotarro y aprovecharse de las buenas gentes que solo quieren sobrevivir en paz. Me recordó un poco a Mad Max, y hablando de películas, si os fijáis bien entre líneas pueden leerse frases o guiños a algunas como Alien o Los inmortales, quizá había alguna otra pero no caigo ahora mismo. Y sí, a Dios gracias, seguiremos disfrutando de Juan Aranda al que ya mencioné anteriormente y que me supo muy mal que terminase muriendo en aquel estrecho pasadizo de la Alambra. Y qué bien que Sisi lo tuviera en cuenta en esta entrega, pues no puedo concebir Los

Caminantes sin que haya Juan de por medio. También aparecen Dozer, Alba, Susana... y puede que algún que otro más que me resisto a nombrar. Y esto... creo que me olvido de algo. A si, los Aeternum. ¿Qué son? ¿Zombies? No porque no tienen instintos asesinos como éstos. ¿Personas vivas? Parece que tampoco. Resulta que son “otra cosa” o una mezcla de cosas. En definitiva, que aunque no resulte ser mi favorita de la saga es interesante y creo que os gustará si os han gustado los anteriores.

AIDA ALBIAR

-Promesas de que algún díaJavier Martos Nº de páginas: 464 págs. Encuadernación: Tapa blanda Editoral: Dolmen ISBN: 8415932499 “La población de Miranda ascendía a 4503 habitantes antes del incidente. A la mañana siguiente, sólo quedaban 27”

Editorial dolmen en su línea Z nos presenta este volumen que si bien no tiene “muertos vivientes” como tal, si que nos trae la amenaza de unos seres enrabietados que un buen día “por que si” se vuelven locos mientras se encuentra la tierra bajo el influjo de un cometa que pasa muy cercano al la tierra. He de decir que no me gustan los tópicos. Me refiero a ese punto en el que muchos escritores ponen como protagonista a un escritor de éxito. Es una cosa que me resulta un poco repelente y quería comentarlo antes de seguir, es algo completamente personal del resto de trama de la novela no tengo ninguna queja. Así pues, el Castle en que nos presenta su autor es un escritor de éxito que sufre el secuestro de su hijo a la par que la Tierra se ve traspuesta cuando ciertos individuos se vuelven “rabiosos” por el influjo de un cometa. Tanto él como su mujer removerán hasta los infiernos


para localizar a su pequeño Más que una novela de zombis es una novela de arriesgar y superarse. De salir adelante pese a la adversidad, de buscar a ese niño cueste lo que cueste. Javier Martos sabe plasmar la angustia de unos padres a los que arrebatan a su hijo y como madre de tres puedes sentir en la piel ese sentimiento. Como cuando se despista un hijo en un centro comercial elevado a la enésima potencia. He de decir que me han dolido algunas de las pérdidas humanas del libro si bien sabia que no podían sobrevivir todos y cada uno. Pero ella, me habría gustado que llegara al final. Hay momentos en el libro que me han parecido lentos y otros muy vertiginosos como el de la gasolinera. El.principio del fan que va a casa del escritor para que le firme el libro, es un comienzo tímido, pero un anzuelo al fin y al cabo para morder y devorar el libro. Es muy satisfactorio comprobar que una editorial como Dolmen apuesta por talentos nacionales y que tantas alegrías nos está dando. Quizá no es la más sobresaliente, PROMESAS DE QUE ALGUN DIA merece una oportunidad y un hueco en nuestra estantería de género Z.

uno solo, hay una continuidad tal que hace que te lo leas todo de un tirón. Cuentan una adolescencia en un barrio de los más duros de palma en la década de los 80, el barrio chino (el de señoritas). Una adolescencia nada fácil, un padre biológico desaparecido en combate, una madre con mano dura, y unas amistades que más que ayudar lo envolvían en un mundo oscuro lleno de robos, drogas, prostitución, y demás. Para una palmesana que ese barrio solo lo cruzaba en coche y con los seguros bajados, se le hace difícil imaginarse una vida así, un barrio así. Antiguamente solo los más valientes se metían entre esos callejones. Hoy en día todo ha cambiado, se han restaurado, reformado, sus calles, las casas, el que esté barrio esté en pleno centro de Palma no hacía mucha gracia, y se necesitó de un cambio drástico de ubicación, porque queramos o no, siempre habrá barrio chino. Es una lectura dura, en donde el trazo y los colores de ambos autores consiguen esa atmosfera de regreso al pasado que solo ellos podrían conseguir. Escenas, dibujos, escenarios que te hacen recordar también tu niñez con cariño, y encogerte el estómago al mismo tiempo. Ha sido traducido al alemán y al francés, y en breve lo veremos traducido al polonés, todo un honor para un comic de esta categoría.

“Presentación y tertulia de historias del barrio 2: caminos”

Gabi Beltrán: guión y color Bartolomé Seguí: dibujo Recién se ha publicado la segunda parte en la que concluye esta historia autobiográfica sobre la adolescencia de Gabi Beltrán. La primera fue ganadora del Premi Ciutat de Palma de còmic, y esperamos que esta segunda parte también se lleve un par de galardones ya que lo vale. Son dos tomos que los podemos reunir en

En el tomo 1 nos encontramos con el descubrimiento de la adolescencia, complicada y una adaptación a ella que 14 años tiene un inicio a la madurez demasiado temprana. En el tomo 2 los personajes son más curtidos, con una necesidad de enseñar esa fortaleza adquirida.


Tertulia con Joan Miquel de Norma còmics Palma como moderador y Bartolomé Seguí y Gabi Beltrán: -Joan Miquel: encuentro que el tono del 2 es más exquisito, con escenas más fuertes. -Gabi Beltrán: las cosas nunca son blancas o negras. Lo que enseña la prensa y la televisión es el hecho, la violencia explicita. Como escritor me interesa como esa persona de 60 años ha llegado a ese extremo de matar a su mujer, hijos… Buenos retratistas de la violencia fueron Scorsese en” malas calles”, y Charles Palminteri con “historias del Bronx”. Siento decir que Tarantino no ha vivido realmente la violencia al interpretarla de esa forma tan explícita en sus películas. Los buenos escritores tardan 6 años en relatar una buena obra, sino mirad a Truman Capote con su magnífica obra “a sangre fría”. -Bartolomé Seguí: Gabi tiene una enorme capacidad para ficcionar esa realidad dándole un estilo que transmite honestidad. -Joanmi a Tomeu: ¿Gabi te marcaba como tienes que dibujar las escenas? -Gabi: Tomeu es un gran director de cine, no necesitaba indicarle lo que quería en cada viñeta. -Joanmi: ¿Cómo te has enfrentado a los guiones de Gabi? -Tomeu: me he sentido cómodo con esta realidad cotidiana, me he olvidado que había un guionista detrás. Estos guiones eran lo suficientemente buenos como para sentirlos como propios. Nos sentamos para ver como seria el tono del dibujo. Me llama la atención la ternura de esas escenas. Ya una vez encontrado el estilo gráfico ha sido fácil. Mis historias del barrio no pasan

de haber chorizado 4 chuches. No me gusta un diseño grafico exhaustivo, un barrio no tan detallado sino más bien ese sentimiento. -Gabi: teníamos que dibujar la “plaça de la quartera” sin árboles, había que hacer un terraplén. -Tomeu: no me he fijado en si había 3 balcones, sino mas bien en ese aire del barrio que nos suena a todos. No dibujo una ciudad fotográfica sino más bien ese ambiente. Lo importante es que el lector entre en la lectura y no se pierda en los detalles de cuantos arboles hay. -Gabi: son dos tomos que deberían leerse como uno. He utilizado los mismos colores en ambos, utilizamos la misma paleta y yo soy bastante vago para utilizar otras cosas. -Tomeu: es una paleta que yo no hubiese utilizado, una paleta de colores imposibles, no hay colores primarios, sino diría que terciarios e incluso cuaternarios. Ha sido un trabajo a dos manos y el resultado es que parece que sea a una sola .

-Espectador: ¿qué calle es la de la portada? -Gabi: pues te vas a sorprender, no existe. -Tomeu: es una suma de todas las calles del barrio. Es un punto a favor del libro, que una calle que no existe pueda parecer real. -Gabi: cuando me invitaron al festival de cómic de Berlín, había 192 escritores de todo el mundo, incluso algunos premio nobel. Nos pagaron hoteles de 5*, coche con chofer, interprete, dietas, me pagaban las conferencias y eso antes de dar ninguna. El trato fue exquisito. Me pidieron ir amablemente a la cárcel de


Berlín, tengo claustrofobia, me supone un trauma ir a un recinto cerrado, el año anterior había ido Mario Vargas Llosa, ¿Cómo negarme? Fuimos a Plötzensee, cárcel de 1880 donde los oficiales de la operación Valkiria fueron fusilados. Realizamos proyecciones del libro con una intérprete todo el rato. Fue algo muy emocionante, salí casi llorando de allí. Aquello sí que es una cárcel, de las que se ven en las películas, lo que tenemos aquí es un hotel de 5*. Mientras caminábamos por los pasillos nos gritaban en alemán: “que os divirtáis Hijos de P…, venid a vernos”. Di una charla a 25 chicos de los que me gane su simpatía y me dieron la enhorabuena. Fue una experiencia muy emocionante, lo mejor de ir a Berlín fue visitar la cárcel y dar la charla. -Joanmi: a Matas y a Munar que ¿les dirías? -Gabi: a estos nunca te los encontraras en el patio. Jamás estos se encontraran con un preso común y que solo aguantaría 5min. Los que si de verdad dan miedo son estos políticos corruptos como Matas, Munar, Urdangarín que no solo roban a uno, sino que a muchos desde un despacho. -Neus Morey: ¿con que has disfrutado mas haciendo esta obra? -Gabi: de todos los dibujantes de España no me imagino historias del barrio dibujado por ningún otro. El trabajo de Tomeu ha sido extraordinario. -Tomeu: historias esta dibujado a la vez que los de Felipe Hernández, que tiene

un guion más marcado y textos muy extensos. Con historias podía respirar más, más liberal. La misma historia me permitía desarrollar más viñetas e incluso páginas que lo que el guion me indicaba. -Alex Fito: ¿tienes la misma presión que cuando dibujas para Francia? ¿Cuál es la intención del cómic, para ti o para los demás ganarte su empatía? -Gabi: el cómic no me ha servido de terapia ni para purgar nada. Necesite de terapia para poder escribir este cómic de esta forma. Yo me avergonzaba del barrio, de mi familia desestructurada y pobre, mentía sobre mi pasado, decía que mis padres habían muerto en avión. Hasta que me di cuenta del material que tenia. Cuando conseguí procesar todo esto surgió “Historias del barrio”. No tengo porque avergonzarme de mi pasado. Tengo que contarlo con respeto. La idea que transmite es que sí, robábamos, pero también disfrutábamos de vivir, ir a pescar, etc En Francia nos han comparado con Truffaut, autor de 400 golpes ganadora de Cannes, niños que nacen y tienen que madura a toda hostia. -Tomeu: mi técnica ha sido utilizar primero las viñetas en pequeñito para poder esquematizar mejor las escenas. En este caso he trabajado con DinA 4. Agradecer a norma comics palma la organización de esta fabulosa presentación-tertulia y a Gabi y Tomeu su sinceridad y buen humor.

El rincón de Disidra


Fito, el primero me da un saludo tímido, el segundo me saluda con un: ehhh! Cuanto tiempo sin verte, muac muac dos besos. La gente se agolpa en la entrada. Foto de postín de los autores frente al logo de la exposición. Pasamos todos de golpe, la gente va de obra en obra y no puedo hacer las fotos así como quiero, me adelanto a todos y es cuando puedo hacer las fotos guays a las obras. Ni me fijo en lo que fotografío, ya me pasare luego más detenidamente para apreciarlo bien. Crónicas de un “Còmic Nostrum” 22/10/14 Inauguración de las exposiciones en “Es Baluard” de: -Implosió. Carte blanche a Còmic Nostrum. -Herr Seele. Cowboy Henk. -José Muñoz. Juego de sombras.

Hoy es la presentación de 3 exposiciones en ”Es Baluard” como parte complementaria al catalogo de actividades que ofrece el Còmic Nostrum esta semana. Cuando llego allí me encuentro a un gran número de gente, es una presentación especial, “Implosió” es la fusión de arte de una exposición permanente del museo con interpretaciones de las mismas versadas en el cómic actual en la que han participado artistas como Ata, Jaume Balaguer, Canizales, Paco Díaz, Álex Fito, Pere Joan, Guillem March, Max, Pau, Bartomeu Seguí y Rafel Vaquer. Nada más llegar veo a Pere Joan y Alex

En una de estas, estoy encuadrando uno de los dibujos y una mano aparece en mi objetivo, es Alex Fito, bromeando le suelto: “alexxxx, tu mano no me deja hacer la foto bien”, Alex todo serio me responde:” pero si no hay mejor foto que la de una obra con la mano del autor explicando los detalles…” “TIERRA TRÁGAME”. Zasca foto a la mano señalando a la obra. Estaba explicándole a un medio de comunicación lo que representaba su obra. Menos mal que Alex se lo tomo bien, porque yo ya no sabía dónde meterme, je je je.


Seguimos fotografiando las diferentes salas, Guillem March, Max, Rafa Vaquer,…y me detengo en uno que esta serializado debajo de un montón de dibujos de Picasso, está totalmente en la línea de Pere Joan, lo mejor de todo? El “merda” (mierda) del final, jijijij.

está en el piso de más abajo y allá que me voy. Es todo un personaje, con su sombrero y su forma peculiar de vestir. Según él, un autor debe ir en consonancia con su obra. Tiene el Premio Patrimonio del Festival de Cómic de Angoulema 2014. Un par de fotos después, la gente se dirige al sótano (aljub), y les sigo para no perderme nada más y es cuando descubro que me queda la guinda final de la velada, un concierto dibujado en directo, a cargo del grupo musical “Cap de turc” y el dibujante Max. Fue una mezcla explosiva de música y dibujo que nos dejo a todos con un muy buen sabor de boca.

Frente a un enorme dibujo me topo con Bartomeu Seguí, dos besos y un qué tal como si me conociera de toda la vida me deja descolocada, me encanta esta familiaridad para con los pobres mortales que tienen los autores jejeje Más tarde nos desplazamos al piso de arriba, y es cuando nos encontramos con la exposición “Juego de sombras” de José Muñoz. Y aprovechando que hace un pase pose para los medios, le saco un par de fotos como si fuera una fotógrafa del National Geographic al acecho.

Cansada ya me despido de la gente, hasta que me doy cuenta que no he visto la exposición del belga Herr Seele (Peter van Heirseele). Preguntando me indican que

Semana del 21 al 26 de octubre. Durante toda la de semana se suceden diferentes eventos y actividades referentes al Còmic Nostrum con grandes referentes del cómic y otras artes relacionadas de actualidad: -Exposiciones como: “Mar de fons” con trabajos recientes de Joan Escandell, Tatúm, Pere Joan, Rafel Vaquer, Bartomeu Seguí, Gabi Beltrán y Linhart. “Ardelén” de Miguelanxo Prado. “Me is beautiful” de Manel Fontdevila. -Diferentes masterclass con: Herr Seele, Manel Fontdevila, Miguelanxo Prado, José Muñoz, Pere Joan y Catalina Rigo.

-Seminario crear personajes, impartido por Óscar j. Vargas director de arte de “Justin y la espada del valor”. -Construimos un comic, taller familiar de Alex Fito -Presentaciones de: “la isla de las piedras”,


a cargo de Pau y Ricardo esteban (editor de Dib-buks). “Perrito de mierda” de Marta Alonso Berná. “El joven Lovecraft” de Bartolo Torres y Josep Oliver. “El funeral de John Mortonson” de Tatúm, premio Ciutat de Palma 2014. -Cuentacuentos infantil escenificado, a cargo de la colla de gegants de Sta Maria del Camí, con la presentación del libro infantil ilustrado por Margalida Vinyes. -App Leo con Grin. Presentación de la aplicación de juegos infantiles para aprender a leer a cargo de Eva Barceló (educaplanet) -Dibujar bien, a cargo de Marcos Raya. -El sábado y el domingo tuvimos sesión de firmas de los autores participantes del festival, presentaciones, cosplay, novedades y cómic de segunda mano (donde podías encontrar lo mas actual de comic junto a los facsímiles del capitán trueno en sus inicios), merchandasing, camisetas,… Destacamos la participación de El Tomi Müller, Óscar Martín (Tom y Jerry) y Miki Montlló, que decidieron venir a vernos y deleitarnos con una sesión de firmas.

-Dibujo de tiras de prensa en vivo, con Bartomeu Seguí, Alex Fito, Pau, Jaume Balaguer, Pep Roig y Canizales. -Coloquios y entrevistas donde participan: Óscar J. Vargas, PepMi Garau, Sergi Camacho, Renato Roldán, Nivola Uyà, Alberto Serrano, Alfredo Saeta, Herr Seele, Ata, José Muñoz, Álvaro Pons (gente de diferentes índoles artísticas como películas de animación, ilustradores, directores de arte,…). Cabe destacar el coloquio “los tres tenores” con Miguelanxo Prado, Bartomeu Seguí i Max a cargo de Jaume Vaquer.

El fin de semana me piden colaborar con ellos contando las personas que entraban y poniéndoles un sello para las jornadas de puertas abiertas de Es Baluard. ¿Cómo se puede plasmar un finde maravilloso en un par de líneas? Imposible. Es un fin de semana maravilloso, difícil de expresar todo en un par de líneas, una hazaña más bien imposible ya que ha sido la calidad del evento lo que hace difícil describir. El sábado terminó todo en un local de tapas, celebrándolo, viendo una presentación con las fotos más representativas de la semana y codeándome con estos grandes autores, que no les importa dedicarte un par de palabras e incluso conversar contigo como si te conociesen de toda la vida, gente de calidad. La nota graciosa fue ver al macrobiótico Herr Seele paseándose con un plato bien lleno de tapas de jamón y chorizo, jejeje ironías de la vida. El punto final fue la toma de fotos frente al logo del Còmic Nostrum con las más variopintas posturas de los autores y demás, a cada cual más loco. Ya lo dicen que hay que tener ese puntillo de locura para ser artista. Cabe destacar mi caza de dibujos personalizados y autografiados del domingo, que en según qué casos más vale tener un morro que te lo pisas que ir de tímido por la vida. Así que sin contarme ni un pelo y viendo que en un momento determinado los 4 dibujantes de la sesión de firmes estaban desocupados y yo mas chula que un ocho, les coloco una lamina en blanco y les pido que me dibujen lo que sea. Ya me ves los 4 dedicados a mis dibujos a la vez, seguro que estarían pensando que jeta tiene la tía, jejejej. Mención especial a Miki Montlló que sin tocarle ese domingo hacer sesión de firmas me dedico uno guapísimo de su última obra. Simplemente quiero agradecer a Norma Còmics Palma que contasen conmigo para ese finde, a Sonia y Jelu esa amistad inesperada, y a esos autores que parecen intocables pero que son más cercanos de lo que parece, su sencillez, simpatía y que no parecía que les importase que les incordiase la presente reseñadora.

EL RINCÓN DE DISIDRA


Transilvania, 1 de Junio de 1895 Mi querido escritor: He leído con interés las primeras páginas de su relato que con tan buen gusto ha tenido la amabilidad de enviarme. Sé que era parte de nuestro pacto y que parece de sentido común no faltar a la palabra dada a un ser tan oscuro como yo, sin embargo, la distancia que nos separa podría darle una falsa sensación de seguridad a cualquier necio. Me alegra comprobar que usted no es tal cosa y espero que continúe así, por el bien de su obra, su vida y la de su familia. No pretendía que mis primeras palabras sonaran amenazantes, pero un sabio dijo una vez: “lo escrito, escrito está”, y yo soy de la misma opinión, aunque en su caso haré una excepción, pues es mi deseo que se retracte de ciertas cosas de su relato que no son de mi agrado y que voy a exponerle a continuación. No me gusta su introducción. Se lo digo abiertamente como muestra del respeto mutuo que ambos nos tenemos. Cualquier referencia a la figura de Vlad Tepes me parece innecesaria, al menos algo tan concreto. Esa persona ya no existe, dejo de hacerlo cuando nací yo y, además, cualquier referencia a él que no venga de mis propios labios me irrita. Sé que fui yo quien se la reveló, y es solo por eso que no me ofende, pero le insto a no incluir esta parte, y se lo pido amablemente, de momento. Si cree que la narrativa de su historia pierde fuerza sin un origen innecesario de su protagonista, le permito hacer ciertas menciones sutiles más adelante, pero no comience así. La visita del señor Renfield, como usted lo ha llamado, me parece algo insulsa y floja como para incluirla. Yo empezaría con la llegada del joven agente de bienes, el tal Harker. Se ajusta un poco más a la realidad y la novela cobra mucha más fuerza si la inicia desde la resistencia de un joven vigoroso, no desde el declive de un viejo enclenque. La intención que ambos le deseamos a la novela es que el lector mantenga esperanzas en la continua lucha entre el bien y el mal, y no queremos desanimarlo desde el principio. Harker es la mejor opción, se lo garantizo. Esto es solo el consejo literario de alguien que posee siglos de experiencia, pero no lo considere una orden, esta sugerencia al menos no. Espero con ansia más páginas de su novela aunque, como buen erudito, entiendo que la buena prosa requiere de cierto tiempo de gestación. Aun así, no se me duerma señor Stoker, pues no soy muy dueño de mis actos cuando se me impacienta. Atentamente suyo: El Conde Drácula

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Transilvania, 5 de Octubre de 1895 Mi queridísimo señor Stoker: ¡Bravo! ¡Excelente! ¡Sublime! No encuentro mejores palabras para describir lo que sentí al leer las páginas que me envió. Veo que ha seguido los consejos que le di y, tal como esperaba, el comienzo del libro tiene una fuerza más que considerable. Ha dotado usted al joven Harker de un vigor y credibilidad que me hacen creer que ustedes se conocieron. No tema, sé que no es así. El pavor que mi figura le causa, la descripción que hace de mi persona, todo me parece excelente. Supongo que parte de ello nace de sus propias impresiones en nuestras, ya muy lejanas, reuniones. No se preocupe, le entiendo y me alegro que sea así, pues era mi intención desde el principio. La parte del barco, el diario del capitán, es mucho más tétrica de lo que esperaba y sorprenderme no es fácil. Considero que, literariamente, no tiene precio. Crear un enemigo temible dota de mayor heroicidad a sus adversarios y, además, ayuda al lector a temerme y odiarme. De nuevo no podría estar más complacido. Gran frase: “La sangre es la vida”. Efectiva y contundente, la celebro. Lo único que lamento es que tan solo haya podido enviarme unas pocas líneas de la parte que concierne a su protagonista femenino, la señora Mina Murray. Sea generoso al describir las virtudes de tal mujer pues, además de hacer justicia a la auténtica, ayudará a mantener el nivel de su narrativa actual. No le entretengo más. Trabaje sin descanso como hasta ahora. Más que agradecido: El Conde Drácula Transilvania, 23 de Diciembre de 1895 ¡No, no y no! No sé qué entendió usted de mis últimos consejos pero se ha equivocado completamente. Añadir un nexo romántico entre Mina y yo es un error de principiante que, además, me ofende. Otorgarle a un ser de las tinieblas como yo la cualidad de amar o enamorarse es comparable a la de darle a una mosca la capacidad de raciocinio. Atroz, aberrante y arriesgado. En lo sucesivo, cíñase a describirme como lo que soy sin floritura alguna, no vaya a verme obligado a demostrarle lo temible que puedo llegar a ser. El Conde Drácula


Transilvania, 5 de Marzo de 1896 Señor Stoker: Lamento mi carta anterior. Supongo que la demora en el envío de estas últimas y escasas páginas tiene su origen en las amenazas que le proferí con anterioridad. Supongo que el feroz acecho que mi persona ejerce sobre el personaje de la pobre Lucy Westenra y la boda de Harker y Mina es su manera de pedirme disculpas por lo anterior. Se las acepto y le ofrezco las mías. Entiendo que, a su manera, intentaba darle un giro interesante a la historia, pero creo que no le hace falta. Tiene buen material y buena narrativa, no necesita mucho más. Acépteme una sugerencia. Créeme un némesis. Sea creativo y otórgueme ciertas debilidades extravagantes que mi rival conozca perfectamente. No me ofenderá por ello, descuide. Podría ser algún tipo de profesor o doctor, alguien culto pero, se lo ruego, huya del estereotipo griego de héroe y no cree un cazador aguerrido con tan solo capacidades físicas. Para encandilar a los jóvenes y al pú-

blico femenino ya tiene al jo suficiente. Espero con ansia más página Su amigo: El Conde Drácula

Transilvania, 26 de Julio de 1

Querido escritor: Durante toda la eternidad re ham Van Helsing. Es la figura más acertada que podría ha mío. Celebro su elección. Nu ciones, como se aproxima ta como consigo eludirle con s son un alago hacia mi perso relato más que favorablemen Mina también son más que a Le reconozco que una parte prosa para sorprenderme en esto pero, de nuevo, me veo que nuestro relato debe con debo sucumbir. Sé que le par ca a ser derrotado, pero ese e plir esta novela. El bien prev que vende y en esa creencia talidad. Supongo que este e no se atreva a manifestarlo, puerta abierta para cumplirlo Espero que, lo próximo que que esté al nivel de lo anterio Atentamente: El Conde Drácula

Transilvania, 12 de Diciembre

Mi querido biógrafo: Celebro su final y con e “épico” es la palabra que me atisbo de esperanza hacia el a de más, pero se lo concedo realizado. Creo que con ello leyenda favorable hacia mi terrorífica como para temerm siado inverosímil como para aventure a intentar darme ca Le deseo todo el éxito del m disfrutarlo. Por mi parte, este ción laboral y, por consiguien Supongo, y es normal que se algún tipo de acción de mí co


oven Harker y le es más que

as suyas.

1896

ecordaré el nombre de Abraa más esperpéntica y a la vez aber utilizado como enemigo uestras continuas confrontaantas veces a darme caza y superioridad en toda ocasión ona y ensalzan la tensión del nte. Mis acechos a la señorita aceptables. de mí desea no influir en su n como concluye usted todo o obligado a intervenir. Creo ncluir y yo, el protagonista, recerá extraño que me ofrezes el sentido que ha de cumvalece sobre el mal, eso es lo reside mi ventaja, mi inmores también su deseo aunque , así que le estoy dando una o sin compromiso. reciba sea una conclusión y or.

e de 1896

ello todo lo anterior. Creo que ejor lo define. Creo que ese alma que ya no poseo estaba por el buen trabajo que ha o ha contribuido a crear una persona, lo suficientemente me y, al mismo tiempo, demacreerla y que algún necio se aza. mundo y una vida larga para e es el final de nuestra relante, las de cualquier otro tipo. e lo plantee, que pueda temer ontra su persona, puesto que

usted conoce la verdad sobre mí y mi maldición. Quédese tranquilo. Ni yo, ni ninguna de mis creaciones osaremos jamás perturbarle. Puede que resulte difícil confiar en un ser de las tinieblas como yo, pero créame cuando le digo que, por raro que parezca, mi palabra es sagrada, lo único sagrado en mí. Me despido para siempre de usted. Si todo sale como esperamos, y su novela es un éxito, celébrelo en mi nombre con una copa de tinto, cuanto más rojo y espeso mejor. Eternamente agradecido: El Conde Drácula Transilvania, 20 de Febrero de 1912 Mi querido señor Bram Stoker: Debo admitir que me ha sorprendido recibir una carta suya tras más de una década pero me ha sorprendido mucho más los motivos por los que me ha escrito. Tal vez habría esperado que dicha petición suya fuera formulada mucho antes, durante nuestra correspondencia de antaño, pero no de forma tan tardía. No quiero mantenerlo en vilo con mi respuesta, la cual es negativa. No es una negativa por tratarse de una imposibilidad, sino que no es mi voluntad concedérselo. Le ruego que no me malinterprete, continuo muy agradecido por los servicios que me prestó y prueba de ello es que he mantenido mi promesa de no intervenir en su vida. El hecho de no convertirle en un ser de las tinieblas inmortal como el que yo soy es una cuestión de supervivencia. Durante nuestra correspondencia me di cuenta de su intelecto, no equiparable al mío, pero sí muy superior a lo habitual. El único motivo por el que yo transmito la semilla de mi estirpe es para tener sirvientes y utilizarlos como herramientas de mi voluntad. Le respeto demasiado y jamás le condenaría a ello. Por otra parte he de reconocer que me perturba pensar en el tipo de vampiro en el que usted podría convertirse, tal vez, con el tiempo, en uno con el poder suficiente para rivalizar con el mío. Tal vez usted se convirtiera en un Van Helsing de carne y hueso y es un riesgo que no me pienso someter. Por otra parte, creo que no desea ser un vampiro, que la cercanía de la muerte le arrastra a una búsqueda de la inmortalidad por miedo a la misma. No sé si le consolaran mis palabras pero creo que lo que busca no es eso. Yo soy la muerte en vida y lo que usted busca, lo que anhela, es la vida tras la muerte. Le deseo que la encuentre. Me despido de usted desde el aprecio. Ojalá no volvamos a vernos jamás pues eso significaría que ha acabado usted en buen lugar. Descanse en paz: Vlad Draculea, el Conde Drácula


Vampiros reales Nos encantan los vampiros. Es un hecho. Si estableciésemos un ranking con nuestras criaturas terroríficas preferidas, sin duda alguna, los vampiros ocuparían los primeros puestos. Según el folclore y las leyendas, a grandes rasgos, un vampiro es una criatura que se alimenta de la esencia vital de otros seres vivos para así mantenerse vivo. La literatura ha utilizado estas historias para crear narraciones que han pasado a formar parte de la cultura popular de la humanidad.

intelectual. Los utilizan como criados serviles para las labores diurnas que ellos no pueden realizar.

Os invito a realizar un pequeño viaje donde recorreremos los senderos que separan la realidad de la ficción donde nos encontraremos con algunos de los personajes que inspiraron al escritor Bram Stoker en la construcción de su libro Drácula, al que consideramos la piedra filosofal de la ficción vampírica. Como todos sabéis, Stoker estableció una serie de características que definieron el arquetipo vampírico y que, exceptuando catástrofes narrativas como Crepúsculo, ha sido respetado por casi todos los escritores:

Bram Stoker se inspiró en el príncipe de Valaquia Vlad III para construir a Drácula. Este príncipe tenía predilección por el empalamiento para torturar a sus enemigos (es decir, les introducía un palo de unos 3,50 m de longitud por el recto y lo levantaba hasta que la víctima

• Como todos sabemos, estas criaturas se alimentan de la sangre de sus víctimas. Posteriormente, otros libros y películas establecieron que podían ser antropófagos, alimentarse del “fluido vital” humano o, incluso, de la energía psíquica. • Al no poseer alma, no pueden reflejarse en espejos y han perdido su sombra. • No soportan la simbología cristiana, huyen de las cruces, les quema el agua bendita y no pueden cruzar por terrenos sagrados como un templo o iglesia. • Se pueden mover rápidamente por tierra y aire pero se debilitan ante el agua donde pueden ser vulnerables. • Temen y pueden ser destruidos por la luz del sol de la que huyen. • Un vampiro no puede entrar en una casa si no es invitado por el propietario; una vez invitado puede entrar y salir a placer. • Son seres que irradian un irresistible atracción que hace que sus víctimas caigan totalmente seducidas por el vampiro. • Se pueden apoderar fácilmente de la mente de seres inferiores o de baja capacidad

Como decíamos anteriormente, estos puntos con sus numerosas variantes han sido las piezas con las que se han construido casi todas los libros y películas de terror. Pero estas piezas no fueron inventadas por el escritor sino que, como él reconoce, beben de diversos mitos y leyendas. Veamos algunas de ellas.


sucumbía). Pero esta no es la única leyenda que los historiadores cuentan sobre él. Además del empalamiento, al Príncipe de Valaquia le encantaba amputar las extremidades, extraer los ojos, el estrangulamiento, la hoguera, la castración, el desollamiento, la parrilla o la extirpación de pechos a las mujeres y genitales a los hombres. También se cuenta como, cuando la población se quejó de los continuos robos, la proliferación de ladrones y de limosneros en su territorio, el bueno de Vlad organizó un festín donde invitó a pobres, ladrones, tullidos, leprosos, enfermos y pordioseros. Cuando todos estaban atiborrados de comida y de vino, Vlad les propuso una vida sin privaciones ni preocupaciones. Todos asintieron y el príncipe les respondió prendiéndoles fuego. El bueno de Vlad eliminó la pobreza acabando con los pobres. En la reciente película sobre el personaje, aunque omitiendo algunos elementos, se cuenta que una vez se presentaron ante él unos emisarios del Sultán procedentes de Constantinopla que reclamaban la entrega de 4 de cada 500 niños valaquios para integrarse en las filas del Sultán. Según nos cuenta la historia, Vlad les pidió que le mostraran respeto descubriéndose la cabeza, y los turcos respondieron que su costumbre era llevar siempre el turbante. Pues bien, Vlad les clavó el turbante al cráneo

y así nunca se lo quitarían. Pese a todas sus crueldades, Vlad el Empalador, es considerado un héroe nacional rumano y artífice de la unificación nacional. Pero este no fue el único referente que utilizó Stoker en su creación. Dos siglos antes de que se publicase Drácula y dos siglos después de la muerte de Vlad el Empalador, en 1656 moría Jure Grando en la península de Istria (una zona donde convergen Croacia, Eslovenia e Italia), pero durante 16 años seguiría aterrorizando a sus vecinos. Cuentan que este campesino se levantaba de su tumba y aterrorizaba, a la par que abusaba, de su viuda. Esta contaba como el cadáver de su esposo aparecía con una sonrisa espantosa, boca sangrienta y haciendo un ruido terrible al respirar. Para acabar con él, el párroco local decidió utilizar un crucifijo para que dejara de aterrorizarlos. Cuentan que surgieron lágrimas del horror, pero Grando siguió aterrorizando a la aldea. Debido a esto, un grupo de lugareños lograron atraparle e intentaron perforar su corazón con estacas. Lamentablemente, este remedio no acabó con el vampiro y este se vengó de sus agresores, cada noche llamaba a sus puertas y, en cada casa, alguien moría después de grandes sufrimientos como si alguien le hubiera chupado la sangre. Dieciséis años


después de su muerte, un grupo de aldeanos lograron atraparle y cortarle la cabeza. Este hecho acabó con sus demandas nocturnas y con el sufrimiento de los vecinos. Jure Grando ha pasado a la historia como el primer vampiro europeo sobre el que se tiene documentación y testimonios escritos. En el siglo XVI, en el condado de East Lothian nació otro de los mitos vampíricos europeos, Sawney Bean. En la Escocia medieval los clanes consistían en lazos familiares endogámicos que evitaban el contagio sanguíneo y, por lo tanto, se enlazaban entre ellos. Así su linaje permanecía no se corrompía con la sangre de otros clanes. Bean decidió crear su propio clan y se aisló en una zona recóndita de Escocia donde a base de relaciones incestuosas logró tener un clan con 48 miembros. Pero, Bean tenía un problema, ¿cómo podría alimentar a los miembros de su familia? El patriarca decidió que los viajeros podían ser una buena fuente de alimentos. Muchos de ellos desaparecían en la zona y los vecinos comenzaron a sospechar. Un superviviente que logró escapar del clan describió como la familia bebía la sangre de su esposa e ingería sus vísceras. El rey Jacobo III decidió tomar cartas en el asunto y organizó una expedición de más de 400 soldados que lograron acabar con el clan de Sawney Bean.

Muchos escritores, como Sheridan Le Fanu en su inmortal Carmilla, han rendido admiración por la figura de la condesa Isabel Báthory. Se han contado muchas leyendas sobre ella y su nombre quedará permanentemente asociado a la muerte de 650 muchachas en la sala de torturas de su castillo. Dicen que vivía obsesionada con eliminar las marcas de la vejez de su cuerpo y que utilizó la sangre de esas muchachas para bañarse y poder recuperar el vigor de su piel. Algunos historiadores sostienen que estas acusaciones eran falsas y que sus rivales buscaban apoderarse de sus tierras. En su castillo se descubrieron los más creativos instrumentos de tortura, como la “Dama de Hierro” (Iron Maiden) destinada a desangrar a sus víctimas. Como os hemos contado, lejos de la figura atractiva y seductora del vampiro de ficción, existen unos referentes históricos cuyos relatos son más interesantes y crueles que los ficticios. Muchas de sus leyendas puede que sean falsas. Los vencedores son los que escriben la Historia y muchas de sus crueldades quizás inventadas pero lo cierto es que han servido de base a obras maestras de la ficción. Por Jose Luis del Rio Fortich


Comenzamos el viaje cerca de casa, un grupo que ha hecho un flamenco fresco para todos los públicos, desde los más entendidos a los menos entendidos, sí El Barrio este año ha sacado nuevo trabajo para las delicias de sus seguidores. En el corte De Lobo a Cordero nos deleita con un duende a ritmo tranquilo y con bastante mensaje en su letra. Otro gran conocido en el panorama nacional en la música ligera, Pablo Alborán, y su canción Recuérdame con bastante sentimiento. Cambiando un poco de palo, bajamos a la calle y nos metemos por esos callejones que generalmente pasamos de largo y nos metemos en el rap underground, gente de la calle, del barrio, donde sus rimas están repletas de lo que generalmente todos pensamos y no tenemos valor de decir en público. Aquí nos encontramos en Madrid con ADHOC y sus rimas que no dejan títere con cabeza y Jou VMS en Barcelona, la ciudad condal, un chaval de barrio sin pelos en la lengua en su canción Rap de Barrio. Eso sin olvidarnos de las féminas, también tienen mucha guerra que dar y mucho que decir. Tenemos a Deplante, de Barcelona, unas rimas con muchísimo mensaje y una facilidad de dicción siguiendo el ritmo realmente fascinante, en la canción Vida Rápida ofrece una buena muestra de lo que es capaz de hacer. Otra gran poetisa del mundo es Holynaight, no dejarse engañar por su cara angelical, sus rimas van envenenadas con grandes dosis de realidad como una canción donde colabora con otro grande por derecho propio en el panorama del rap español El Porta y su canción Bienvenidos, no dejan títere con cabeza. También hacen cosas un tanto frikis y graciosas dentro del rap, como la

12 ME CANCIONES

Un año más que se va, otro que vuelve, y com en esta ocasión haremos un repaso por las can Veremos las doce mejores canciones del año conocidos. Abrochémonos los

serie Epicas del Rap del Frikismo donde hacen un duelo de gallos entre varios personajes de videojuegos y series de televisión, uno de esos combates donde los personajes le dan un grado más de epicidad es el de Mario Bros vs. Sonic. Muy grande el cantante que hace de Mario con ese acentillo italiano que le da sal a la canción donde además dan un repaso a la historia de los dos videojuegos y las respectivas compañías Nintendo y SEGA. Es hora de endurecerse, llega el rock en

CORCHEAS SOSTENIDAS POR B

por juan carlos martínez álvare


EJORES S DEL 2014

mo viene siendo tradición en distintos medios nciones y eventos musicales más significativos. o 2014 en los estilos más conocidos, y no tan cinturones que vienen curvas.

estado puro. Cuando en muchos cerebros se escucha el nombre de Wacken, sólo las ondas que provoca su pronunciación desata una reacción bioquímica en cadena por todo el cuerpo, para muchos el festival de festivales del rock. Este año Apocalyptica nos deleitó con el buen hacer de músicos de élite con sus tres violonchelos y un batería, acompañados por una orquesta deleitaron al personal con grandes temas como Quutamo e Inquisition Symphony, grandísimos músicos con un gran directo,

BEMOLES

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no olvidemos que sus componentes pertenecen a la sinfónica de Finlandia. Como no puede ser de otra forma, los Vikingos aún siguen invadiendo, pero en este caso los escenarios de este festival al servicio del buen metal. Unos Vikingos grandes, muy grandes, y no precisamente por su tamaño físico, sino como grupo, no son otros que los Amon Amarth. Da igual los años que esta gente lleve en los escenarios y sacando discos, siguen con una energía envidiable y una calidad en su música capaces de mover legiones, y este año los pobres continentales nos rendimos a la avalancha vikinga, y sus Guardians of Asgaard ya es un tsunami que arrasa con todo. Tanto rock despierta a la bestia, a Therion. Hace algún tiempo que no sacan disco porque están trabajando en una ópera rock que más de uno esperará con impaciencia, pero aún así, dan directos por todo el mundo con canciones de su último trabajo o clásicas, como su The Beauty in Black en su directo en Moscú, una canción oscura capaz de apagar las fraguas milenarias del infierno, un tema que llega en esos recovecos del alma donde nunca ha habido ni un ápice de luz. Un año muy grande para el metal, donde un imprescindible por derecho propio ha sacado su último trabajo The Quantum Enigma, donde su cantante nos deleita con su gran voz, elegir una canción buena de Epica es realmente complejo puesto que cada disco es como un solo ente donde todas sus canciones son buenas, donde todas siguen una continuidad de principio a fin. De todas formas, la canción Canvas of Live es una canción sencilla, con ritmos variables y


CORCHEAS SOSTENIDAS POR BE


unos crescendos capaces de erizar las pieles más duras. No se puede pasar por alto un referente actual del metal, sólo el nombre hace que uno tenga que llenarse la boca para poder pronunciarlo de le grande que es, Mastodon. Este año ha sacado disco nuevo donde no desmerece de los anteriores, muy fieles al estilo que ya es su firma. Unas guitarras y percusión capaces de simular un terremoto, y lo dice uno que los vio hace dos años en el Sonisphere en Madrid. Otro grupo que cuando se escucha un disco y le preguntan qué canción gusta más es como cuando tus padres te preguntan a quién quieres más, si a papá o a mamá; gran dilema. Aún así, entre tanta calidad y metal del bueno, la canción Feast Your Eyes destaca con personalidad propia, esto es algo que hay que escuchar. La siguiente parada es Japón, como bien dice Epica en su nuevo disco, es un Enigma Cuántico, nos metemos en un grupo metal, donde hay una batería, bajo, guitarra eléctrica con ritmos heavies de toda la vida y parte del extranjero, y tres cantantes, se hacen llamar Babymetal. Y por algún motivo que aún desconozco, acabaron tocando en el Sonisphere, en Knebworth Park, Inglaterra. ¿Dónde está el truco? Su canción principal Gimme Chocolate ya hace a uno sospechar!! Vale, la música es metal, pero cuando se ponen a cantar... ¡¡si es una canción pop típica japonesa!! Sí, es dar una vuelta de tuerca a una tortilla y sale esto. Además las cantantes siguen una coreografía típica pop japonesa, unos tutús rojos y un top negro con algo parecido a algo metálico, eso sí, la cantante principal echa unas miradas que hacen que la ropa

EMOLES

interior de cualquiera baje a media asta. Pero ya si uno va a los músicos, japoneses también, van con túnicas blancas y maquillaje blanco en la cara que recuerda a una película de terror del mismo país. Inquietante, muy inquietante. En Holanda, como en cualquier país europeo con un pasado medieval, tiene sus castillos y en particular el de Keukenhof, en sus jardines, se lleva haciendo un festival de música celta, medieval, fantástica y pagana desde el año 2005. Es todo un espectáculo con mucha ambientación desde el histórico lugar hasta los músicos pasando por el propio público, dentro uno se sumerje en la fantasía del Sueño de una Noche de Verano y puede deleitarse de muy buena música como el grupo Omnia, donde el aspecto de sus músicos parecen mismísimos espíritus del bosque nos deleitó con temas como Toys in the Attic; grandes y multidisciplinares músicos. Otro grupo muy consagrado dentro de este ámbito, Faun también derramó su arte sobre los presentes con joyas del buen hacer musical como Eden, un imprescindible. Dentro de este festival tenemos también al grupo La Horde, se presentan en inglés y tocan con violín, percusión y una especie de bandurria canciones a ritmo ruso, tan ruso que incluso tocan el clásico que nos hartamos de oír en el juego Tetris, curiosa música y buenos músicos. Otro grupo muy bueno con música muy ambiental que a uno le recuerda a otro grupo muy conocido, The Gathering, deleitó en el Castlefest a la audiencia, hablamos de Scarlett Stories, donde cabe destacar la canción Nostalgia in a Closed Mind, con unos ritmos donde saben mover la fibra del oyente.


Como plato fuerte del año 2014, las canciones más impactantes por su, bueno, por ser. Esta es la parte más siniestra y oscura de este viaje musical por el 2014. Comenzamos con un dúo peligroso, es como coger goma-2 y un detonador, hablamos de Enrique Iglesias y Pitbull, este último se cuela en todos lados el jodío, y es el mismo donde en una entrevista dijo que se inspira en los versos de Pablo Neruda para las letras de sus canciones. Y en este dúo cantan una canción llamada I’m a Freak, lo alucinante de todo no es el título de la canción, no, es Enrique Iglesias, hay partes de la canción donde se recrea con un culo, en plan frotar en plan dar cera pulir cera, hundir la cara; y todo en un ambiente de la típica fiesta universitaria norteamericana en el chalet de alguien con piscina, mucho alcohol, más carnes lozanas y juveniles donde arrima cebolleta hasta el apuntador. Bajando más al sur tenemos un ritmo muy raro que quiere ser de mayor chunda chunda donde sólo se dice Friki muchas veces y con distintas velocidades, también hay una fiesta, donde los presentes tienen una presencia muy chunga, pero mucho, al menos uno no desearía estar. Otro con pinta de ser muy peligroso, pero mucho, de los de mucho oro, gafas de sol, y un peinado de esos de trencillas que parecen indicar dónde tiene guardada la pistola. Se hace llamar El Alfa, y la canción Tarzán es muy rallante, pero que mucho, y los coros para darles de comer a parte, otro que uno no quiere ser ni el cámara del vídeo. Y cuando aún uno se está recolocando la neurona, llega el toque final, niveles épicos de la música, cantantes y grandes doctores musicales,

CORCHEAS SOSTENIDAS POR BE


EMOLES

las Flos Mariae, un grupo de chicas muy cristianas, con muy grandes valores y una ética, para qué vamos a engañarnos, bastante mejores que su sentido musical. En el mes de Mayo, cuando la primavera está en pleno apogeo de color y vida, donde la temperatura ya permite el poder salir a la calle en mangas de camisa, nuestras amigas se van De Excursión. Seamos francos, no es que se les escape un desafine en un momento de debilidad, eso le puede pasar a cualquiera, no, estas muchachas desafinan constantemente, encadenan gallos, no sé si alguien habrá sido capaz de escribir estas canciones en el lenguaje musical, el solfeo, seguro que hay notas que estas chicas lanzan y no existen. Y en esta canción la música y las cantantes no tienen nada que ver, es más, creo que se odian. Da la fuerte sensación de que las chicas han cantado y luego alguien se ha dado cuenta de que no hay música y le han metido ahí una de las de grandes clásicos como Barrio Sésamo o el órgano de la escalera y la cabra. Encima estas chicas ¡tienen club oficial de fans! Un saludo con todos mis respetos, para gustos, los colores aunque no todos entren en la escala musical. Hay tanta música, tantos grupos, solistas, músicos, estilos, en los recovecos de este planeta tan fantástico y variable, este pequeño resumen tiene ciertas pretensiones de haber cogido el máximo número de estilos, palos y gustos. Desde este rinconcito musical muy feliz año 2015 recién estrenado.


Ha pasado la navidad. Época de alegría, jolgorio y de llenarnos la panza hasta que el botón del pantalón sale disparado haciéndole un chichón a la abuela. Vamos a empezar por aquí, por uno de los temas más importantes que nos traen estas fechas tan señaladas; el papeo. Siempre se oye la misma cantinela: “Esta vez me controlo”, “Esta vez no haré el burro” y, como todos los años, esta vez acabamos comiendo como si mañana el mundo se fuera a acabar. Lamentablemente esta tradición está apagándose poco a poco en España. No es mi intención ser agorero, cenizo, lúgubre o tocapelotas, pero lamentablemente estas navidades no serán las idílicas que vemos en los anuncios de la tele. Una cantidad considerablemente menor que la del año pasado podrá cenar tranquilamente, en familia, sin más preocupación que la preguntarse si le queda sal de fruta en el botiquín. Lamentablemente este año tendremos a mucha más gente que tendrá grandes problemas para bajar los turrones.

Antes que empecemos a hablar de demagogias y populismos diversos, simplemente basta con darse una vuelta por cualquier calle de este bendito país y echar un vistazo a la gente. Volvemos a las mismas, quien es el culpable; ¿El PP con toda su corruptela? ¿El PSOE con toda su ineficacia a la hora de

Al DesN

XAVI MUÑOZ

gestionar un país en desaceleración económica? ¿El Coletas y su invasión comunista, roja y masónica? ¿Mi vecina la del quinto a la que pillaron con el miembro del miembro, que ironía, más tonto del congreso, como diría mi primo el Flaco?

La verdad que a estas alturas ni lo sé ni me importa. La puta realidad es la que es y hoy en día es la miles de familias cuyas preocupaciones han mutado de pasar a preocuparse sobre qué modelo de Barbie comprar a su hija, a que su hija adelgace hasta quedarse como una Barbie por no llegar el trabajo a casa. Cada año escuchamos la misma cantinela, cada año se dice que ya hemos tocado fondo pero cada año que pasa lo comparo con el anterior y pocas mejoras veo. Como siempre digo, entiendo poco de política pero ciertamente no creo yo que la cosa haya mejorado o tenga in-


NoDO

Z CASERMEIRO tención de mejorar. Si a eso le sumamos la famosa ley mordaza, que Google haya dicho “aquí os quedáis panda de retardados” y que mi abuela no haya preparado sus famosos canelones para Sant Esteve pues la verdad es que este año las felices navidades se van a quedar en unas simples navidades.

No obstante como dicen, hay que mantener vivo el espíritu, el alma y cantar villancicos que le alegren a uno el ser interior. Porque de todos es sabido que el exterior nos lo alegra algo menos intangible, más material y que, a poder ser, pueda rebañarse con pan. Algo que poco a poco parece que, como las universidades españolas, se va quedando relegado a las altas esferas de la sociedad. Aunque yo me pregunto… hace tiempo que

esto pasó, bueno… ha pasado en diversas ocasiones, pero una de las veces más sonadas, allá en 1789 la cosa no acabó muy bien para según qué personas. ¿Pasará algo parecido aquí?


Muchas son las películas que hemos visto ya sobre el espacio. No todas se jactan de ser científicamente correctas puesto que la inmensa mayoría son de ciencia ficción. Quizá la que se os venga a la memoria por ser más reciente (con el permiso de Guardianes de la galaxia) sea Gravity. No sé si esta película tuvo una campaña a favor de su corrección científica o solo fue un fenómeno viral en la red, pero el caso es que se habló mucho de sus fallos y sus posibles aciertos. A continuación vamos a hablar sobre lo que vemos en nuestras pantallas en diversas películas o series y puede o no ocurrir en la realidad. Partiremos de aquella mítica frase famosa por la película Alien: En el espacio nadie puede oír tus gritos. Gran razón tiene esta frase pero sin duda este es uno de los primeros fallos que vemos en películas como Star wars o Star trek. Cómo la mayoría sabéis el sonido se transporta a través de un medio como el aire o el agua. En el espacio, o mejor dicho, en el vacío, no disponemos de ningún elemento o compuesto al cual hacer vibrar para poder transmitir sonidos. Esto se ve muy bien reflejado en películas como 2001 Odisea en el espacio, Interestellar o Gravity (por decir dos de las más populares en este aspecto). Sin duda recordaréis muchas escenas con los propulsores de sus naves haciendo ruido en medio del espacio, planetas explotando estruendosamente, agujeros negros rugiendo… esto no puede ocurrir. No al menos para nuestro oído, ya que recientemente se ha descubierto que con ciertos instrumentos podemos oír frecuencias superiores a la detectable por nuestro organismo, sonidos transmitidos a través del plasma en el espacio. Otro fallo muy común es el movimiento en el espacio. En muchas películas vemos como los protagonistas flotan en el espacio y a menudo su velocidad disminuye, aumenta… como las naves espaciales mantienen sus propulsores constantemente encendidos… Ahorremos combustible. Este fallo es desquiciadamente común. Un cuerpo en movimiento en el espacio no tiene que ejercer ninguna acción sobre sí mismo para moverse ya que no existe nada que por rozamiento u otra fuerza modifique su velocidad. Para entenderlo mejor solo hay que enunciar la primera ley de Newton: Todo cuerpo persevera en su estado de reposo o movimiento uniforme y rectilíneo a no ser que sea obligado a cambiar su estado por fuerzas impresas sobre él. Es decir que un astronauta, nave o cuerpo espacial de cualquier tipo solo

tiene que accionar sus motores para decelerar, acelerar o cambiar su trayectoria, pero no para mantener su velocidad. Otro aspecto de los viajes interestelares es el paso del tiempo y como lo lleva el ser humano. Muchas de las soluciones aportadas por las películas resultan satisfactorias, como hacen en Alien o Interestellar. Esta última además está bastante acertada con el cálculo de la duración de los viajes. ¿Recordáis aquel capítulo de los Simpsons en el que Homer y Bart salen al espacio para no acabar achicharrados en el sol y les revienta la cabeza? Esta es otra fábula. El efecto del vacío espacial en nuestro cuerpo no sería ese, la presión de nuestro sistema es demasiado pequeña para que ocurra. Otros pensaréis en el frio, sí nos congelaríamos, pero antes habríamos muerto. Y es que la más probable es la muerte por paro cardíaco. La nasa ya ha reproducido casos con animales variando la presión de su entorno. Pero no os preocupéis si os curre algún día que lo que suele ocurrir primero es la pérdida de conciencia en menos de 20 segundos. Lo sentimos señor Star lord, su proeza ha sido anulada. Poned en vuestras mentes la explosión de la Estrella de la muerte, ese ruido, ese fuego, esa honda expansiva… En el espacio no hay oxígeno para propagar un incendio, se extinguiría rápidamente. Podría ocurrir que si hay una fuente que alimente un tiempo el fuego viésemos una explosión más llamativa, pero por lo general lo que se vería sería un gas. Y por lo que hemos comentado antes, en el vacío no hay sonido por lo que tampoco la oiríamos, sería una explosión letal pero silenciosa. En algunas películas o juegos habréis visto incluso naves en llamas en medio del espacio, como ocurre en Mass effect con la Normandy, chicos malos BioWare. Otra historia sería la explosión de una bomba atómica o H, ahí reconozco que albergo mis dudas al tratarse de una reacción nuclear. Si tenemos en cuenta las condiciones reales en el espacio, podemos decir que un astronauta que pasa tanto tiempo en el espacio como los


de las historias de las que hablamos, es Radiactivoman. Nuestros astronautas actuales disponen de protecciones en sus trajes y naves contra radiaciones solares pero no están protegidos contra la radiación cósmica. Este tipo de perturbaciones es muy acumulable y puede impactar contra nuestras células causando fallos en nuestros órganos. Debemos asumir que las naves imaginarias que vemos

Muchos son los aciertos que se dan cuando por ejemplo se reproduce la ingravidez rodando en una piscina o en un avión en caída libre como en Apolo 13. Las formas que adoptan ciertos líquidos y su plasticidad visual en la pantalla también es un hecho real. En Interestellar por ejemplo, solventan el tema de la gravedad de una manera ingeniosa pero harto mareante con un sistema de giro. Ni que decir tiene que casi siempre se tiene en cuenta el tiempo de oxígeno disponible, casi siempre. No voy a entrar en viajes a la velocidad de la luz, gravedad en las naves, dormir durante meses viajando… porque eso ya forma parte de la ciencia ficción y ojalá que algún día de la realidad de nuestros nietos, yo por si acaso voy a ir criogenizándome, por lo menos hasta nuestro siguiente número. La noticia de diciembre Nuestro ADN sobrevive al espacio

En el espacio nadie puede oír tus fails. disponen de algún tipo de protección contra estas radiaciones. Por otro lado, algo que en vez de emitir radiación la atrae, son los agujeros negros. Hablando de lo último visto ponemos el ejemplo de Interestellar, que plantea un agujero negro esférico, y no plano como los comúnmente representados. Aquí la ciencia lo poco que puede ofrecer tiene parte de ficción ya que no sabemos con exactitud qué pinta tienen estos fenómenos del universo.

Un equipo de científicos de la Universidad de Zurich ha realizado un interesante y revelador experimento. Durante las misiones de investigación de los cohetes Texus-49 se ha descubierto que hay moléculas que pueden sobrevivir al espacio, al vacío absoluto, y no contentas con esto, también pueden regresar a la tierra aportando aún información genética. El experimento inicial trataba de averiguar el efecto de la gravedad durante la regulación de la expresión de genes en nuestras células. Pero empezaron a plantearse adherir ADN en el armazón del cohete para conseguir llevar a cabo esta prueba de la que estamos hablando. Así se hizo y se comprobó que al regresar a la tierra la mayoría de las moléculas conservaban esta valiosa información. Visto esto, aquellos que afirman que somos extraterrestres y nuestro ADN vino del espacio hace millones de años, tienen un nuevo y fuerte motivo para seguir en sus trece. El ser humano además debe preguntarse ahora si está enviando ADN a otros planetas y lunas acompañando a sus cohetes y sondas. El experimento ha recibido el nombre de DARE (DNA atmospheric re-entry experiment).

FRAN TEJEDA WHITE


lAS RECETAS DE NEKO MAI EBI SHUUMAI PREPARACION

- Tritura las gambas, la carne de cerdo, el bambú y la cebolleta y ponlos en un bol. Añade la maicena y mezcla bien. - Añade el aceite, el sake y 1/4 de cucharada de sal al preparado. Mezcla durante 3 minutos.  - Ponte una lámina de shummai en la mano, ahuecándola para hundir la parte central.  - Pon una cucharada de los ingredientes previamente mezclados en la parte hundida de la lámina y dóblala para crear una bolita.  - Repite para hacer el resto de bolitas. - Calienta agua en un cazo y con 1/4 de cucharadita de sal cocer la col. Espera unos 5 minutos hasta que la col esté blandita. - Pon los shuumai sobre la col y cuécelos al vapor durante unos 10 minutos, o hasta que la lámina del shuumai esté transparente.  - Sirve con un poco de salsa de soja en un platito.  *Esta receta está realizada para la variante con gamba, pero los shuumai se pueden rellenar de todo tipo verduras, carnes o mariscos. ¡No tengáis miedo a ir probando!


INGREDIENTES Ingredientes: - 25-30 láminas de shuumai (en supermercados chinos). - 200gr de gambas. - 120gr de carne de cerdo. - 50gr de bambú. - 10cm de cebolleta. - 2 hojas de col. - 2 cucharadas de maicena. - 1 cucharada de aceite. - 2 cucharadas de sake. - 1/4 de cucharada de sal. - 1/5 cucharadita de sal.

Nosolofreak Enero 15  

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