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Nยบ 17 - ENERO 2013

2x1 en Nosolofreak:

Especiales anime/manga y Oscars


DIRECCIÓN Daniel Ferrer

SUBDIRECCIÓN Toni Camacho

MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina

ENCARGADO DE RELATOS Toni Serrano Martínez Juan Vicente Martínez Nieto

REDACCIÓN

Aída Albiar Antonio Alcaide Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) David Blázquez Pérez Esther Esteban Emilio Sanchís Javier Sánchez Roquero Jesús Javier Cagigós Juan Dougnac Judith Hidalgo Pis Kyros Ylmaster Luis Jesús Zapico Quiñones Maica Herena (Neko Mai) Miguel de Andrés Bayon Miriam Grado María Gracia Galán Rafa Gavilán Rufino Ayuso Salvador Vargas Sergio Aguilera “Gref ”

LA TETA ENROSCADA

Luis Borja Fuentes Galán Marta Fuentes Galán Marina Rodriguez Contacto: marketing@nosolofreak.com http://www.facebook.com/Nosolofreak http://twitter.com/#!/Nosolofreak http://www.fusion-freak.com/ Nosolofreak es un producto de Fusion-Freak

FRIKITORIAL Aunque siempre intentamos dar cubertura todo tipo de temáticas en Nosolofreak, en este número de Febrero hemos decidido dar una vuelta nueva de tuerca y hacer un número doble, sí, como suena. Para ello, hemos cogido dos temáticas muy puntuales y hemos dividido la revista en dos: anime/manga y el mundo de los Oscars, con esto hemos intentado dar cabida a todo lo que se nos ha ocurrido de ambos temas. Al igual que difícilmente se podría buscar más temario para las secciones sobre los Oscars, sinceramente dudo que se pueda encontrar un especial más completo. En el mundo del anime/manga nos hemos visto obligados a centrarnos en temas concretos y autores representativos por dos razones: 1- En todos los números tratamos algún anime o manga en particular y no era cuestión de repetirse. 2-Necesitaríamos miles de páginas para rellenar todo lo que nuestros expertos saben del tema. Sinceramente, creo que ha quedado un número bastante completito, con dos temáticas muy precisas que espero hagan de vuestra experiencia Nosolofreak Febrero algo provechoso.

And the Oscar goes to ¿One Piece?

Daniel Ferrer León. Director de Nosolofreak


INDICE: Relatos: Batalla infernal 6 One Piece 12 Satoshi Kon 28 Nobuhiro Watsuki 40 Rurouni Kenshin 46 Cowboy Bebop 54 Helsing Ultimate 58 Live Action 62 Clamp 70 Fruits Basquet 78 Yoshiaki Kawajiri 86 Relatos; Sangre de Saiyan 98 La tienda de Tao Pai Pai 104 Heidi 110 Marco 112 Mazinguer Z 114 El androide de la mazmorra 116 Entrevista con Ariartna 120 Tras la pantalla del master: Rol de ojos grandes 124 Un filosofo en japon 132 Comiqueando en viejo continente: Actor aspirantes 136 Nosolocosplay 143 La receta de Nekomai: Mochis 170 Chuchi casero 172 El verdadero origen de San Valentin y cupido 176


Cae la noche sobre la isla de Bardos. Una tempestad azota la isla mientras los relámpagos la iluminan momentáneamente. Las olas chocan contra las rocas con inusitada violencia. Pero, en su interior, se desata una tempestad aun mayor, el doctor Infierno está lleno de ira. Encerrado en su cámara de control visiona una y otra vez las batallas que sus brutos mecánicos han perdido contra el Mazinger Z. Obsesionado, con los ojos inyectados en sangre y en el más absoluto silencio, fijándose en todo detalle. Juguetea con una cadena a la que está atada una persona, un ser mitad hombre y mitad mujer… el Barón Ashler. — ¿Qué tiene que decir ante tantas derrotas, Barón Ashler? —Doctor Infierno… yo, no tengo palabras — Gimoteó lastimeramente el Barón —. El Mazinger Z es un enemigo temible, sus armas y la destreza de Koji Kabuto son abrumadoras… —¡¡¡Basta de lamentos!!! —Grito enfurecido el Doctor Infierno mientras se levantaba bruscamente del sillón que ocupaba, dando un fuerte tirón a la cadena arrastrando al Barón a sus pies y le puso el pie derecho sobre la cabeza aplastándole la cara contra el suelo. —Escúcheme bien, Barón Ashler. Yo mismo voy a comandar el siguiente ataque al instituto de investigaciones foto atómicas, así podrá comprobar que el Mazinger no es más que un títere ante mi intelecto superior. Tras visionar detenidamente las grabaciones de sus fracasos he vislumbrado un plan de ataque que no puede fallar. Tras estas palabras el Doctor infierno propinó un puntapié en la cara al Barón Ashler, que cayó rodando escaleras abajo. —Por hoy retírese Barón, mañana comenzará el plan para el exterminio del Mazinger Z. Ha ha ha ha ha El Barón Ashler hizo una reverencia sumisa y salió arrastrándose por el suelo. La puerta de la cámara del Doctor Infierno se cerró tras sus pies quedando sellada. Solo entonces se atrevió a ponerse en pie. Caminó de vuelta a la fortaleza submarina Salude. Mientras caminaba su mente solo podía pensar en una cosa… en el Mazinger Z y el bastardo que lo pilota, si, Koji Kabuto debía morir, y tendría que ser el mismo el que lo ejecutara. Ashler llego a al puente de mando de la Salude, se sentó en el sillón de control y cerró los ojos dubitativo. Tras unos segundos en silencio abrió los ojos.

—Máscara de hierro preséntate ante mí. Al instante un máscara de hierro apareció ante él y se arrodillo. —A sus órdenes Barón Ashler. —Prepara un comando con tus cuatro mejores soldados, tengo una misión para vosotros —. Dijo mientras una mueca maligna parecida a una sonrisa aparecía en su dividido rostro. Amanece en Japón, el instituto de investigaciones foto atómica se pone en marcha. El profesor Yumi ha pasado la noche en vela ya que las reparaciones del jet scrander no han parado de noche. La última batalla aérea de Mazinger le ha pasado factura al propulsor, dejándolo inutilizado. Su reparación es prioritaria ya que ahora mismo poco podría hacer ante un ataque de un bruto mecánico aéreo. El profesor está inmerso en dirigir las reparaciones, tanto que no se da cuenta de la persona que acaba de entrar en el puesto de control —Papa —Dijo Sayaka— deberías ir a descansar, has pasado la noche en vela y eso es malo para tu salud. —Sayaka hija, no te preocupes. Ahora mismo las reparaciones del propulsor son lo más importante. Y sabes que no descansaré tranquilo hasta que no hayamos terminado. Hazme un favor, despierta a Koji y dile que venga aquí en cuanto pueda, quiero probar el propulsor en cuanto este reparado. Sayaka asintió con la cabeza y salió del cuarto de control. Alzó su brazo izquierdo y activo el comunicador que llevaba en la muñeca. —Koji, Koji, aquí Sayaka. ¿Me recibes? ¿Me recibes? Unos kilómetros al este del Instituto de investigaciones foto atómicas, Koji Kabuto duerme plácidamente hasta que una voz familiar le despierta. —Aquí Koji, espero que sea importante para que me despiertes tan pronto Sayaka, ¿Qué quieres? —Papa quiere que vengas en cuanto te sea posible, el propulsor está a punto de ser reparado y quiere que lo pruebes de inmediato. —Eso son grandes noticias Sayaka —dijo Koji mientras saltaba de la cama— Iré para allá de inmediato. Koji se vistió raudo y veloz y se dirigió al cuarto de Shiro, que dormía plácidamente. — ¡Dormilón despierta, tenemos que irnos! Shiro lanzó un gemido de desaprobación y se tapó la cabeza con la sabana. Koji le miro unos segundos


Relato basado en el universo Juan Vicente Martinez Nieto

B A T A L L A

I N F E R N A L


con cara de desprecio, pero decidió que su hermano estaría bien en casa. Salió y montó en su motocicleta, que arrancó a la primera, como siempre. Raudo y veloz puso rumbo al Instituto de investigaciones foto atómicas. A mitad de camino oyó ruidos de motor a su espalda, eran Boss, Mucha y Nuke. Cuando Boss estuvo a su altura le pregunto.

Minutos después ambos llegaban al instituto. Koji salto de su moto y corrió al interior seguido de Boss, Mucha y Nuke. Bajaron por el ascensor de talleres y entraron en el centro de control de reparaciones encontrándose al profesor Yumi acompañado de Sayaka. —Profesor, he llegado en cuanto he podido, unos

— ¿Boss, vais al centro de investigaciones? —Claro que si Kabuto. Voy a llevarle a Sayaka el desayuno que le he preparado. — A ver Boss, cuando aprenderás que lo que tú cocinas sabe a rayos y que es incomible— Koji aceleró para adelantar a un camión y dejó atrás a Boss y sus secuaces. De repente, una furgoneta que tenía delante abrió sus puertas y de ella emergió un máscara de hierro armado con una ametralladora. La ametrallara rugió lanzando miles de balas hacia Koji, que con un movimiento brusco consiguió esquivarlas. Acelero y puso la motocicleta a máxima velocidad, adelantando a la furgoneta que empezó a perseguirle frenéticamente. Un máscara de hierro comenzó a disparar desde la ventanilla del copiloto, lo que obligo a Koji a rebajar un poco la velocidad para hacer zigzag y poder esquivar las ráfagas. Koji salió de la carretera y emprendió la huida a través del bosque con la esperanza de que sus perseguidores chocaran contra algún árbol. De repente reconoció donde se encontraba y trazo un plan rápido. Freno ligeramente y cuando tubo a la furgoneta a la vista se quitó el casco —Mascaras de hierro, a ver si me atrapáis —dijo burlón mientras les sacaba la lengua. Esto enfureció al máscara de hierro que conducía, que piso a fondo dispuesto a acabar con la vida de Koji. Tras unos kilómetros más Koji llego a donde quería, acelero a tope su moto y se lanzó por una rampa volando por encima de un pequeño precipicio, tal y como había hecho varias veces desde que lo descubrió. La furgoneta no tuvo tanta suerte y acabo estrellada en el fondo del precipicio. Boss y los demás llegaron un poco después. — ¿Kabuto, estas bien? —Claro que si Boss, nos vemos en el instituto. —Ok Kabuto. Allí nos vemos

mascaras de hierro me han tendido una trampa y han estado a punto de matarme. Al oír estas palabras Sayaka saltó de su asiento y corrió a examinar a Koji — ¿Estas herido? ¿Te han hecho algo? —Claro que no, soy Koji Kabuto el invencible. — Exclamo Koji mientras se daba golpecitos en el pecho —Que chulo eres Koji, la próxima vez que se preocupe


otra por ti... Antes de que Koji pudiera replicar algo la alarma del centro sonó de repente. El profesor contacto con el centro de seguridad —Al habla Yumi, ¿qué problema hay? ¡¿Cómo?! Sayaka hija, enciende el monitor.

Koji se dirigió a la habitación que tenía en el centro y salido rápidamente vestido con su traje de piloto. Corrió al hangar donde le esperaba el planeador. Subió al planeador de un ágil salto. — ¡Planeador, adelante! El planeador se puso en marcha y se elevó hacia el techo, que se abrió a su paso. Se encamino a la piscina del centro y Koji gritó. —¡¡Mazinger!! La piscina se abrió y de ella emergió, majestuoso, el Mazinger z. — ¡Planeador abajo! El planeador se acoplo perfectamente a la cabeza de Mazinger, que ilumino sus ojos y se desperezo en señal de que estaba activado. —Mazinger adelante, un ejército de brutos mecánicos nos espera. Koji puso el Mazinger a toda velocidad, pero, de repente el suelo tembló bajo sus pies y dos manos mecánicas emergieron de repente aprisionando las piernas del Mazinger Z A su vez del cielo cayó en picado un bruto mecánico volador. Era parecido a un pterodáctilo mecánico, sus alas eran rígidas y volaba gracias a dos reactores adosados a ellas, que además poseían varios misiles cada una. El Pterodactil F3 abrió la boca y aprisiono la cabeza del Mazinger, dejando al planeador imposibilitado a desacoplarse del mismo y dejando a Koji en obscuridad más absoluta. Antes de que Koji pudiera reaccionar el bruto mecánico uso una descarga eléctrica que recorrió todo el Mazinger, que de repente se apagó.

Una vez conectados los monitores de seguridad todos quedaron boquiabiertos En la pantalla del radar aparecían cuatro puntos iluminados, que se dirigían directamente al centro de investigaciones. —Brutos mecánicos —grito el profesor—Koji, Sayaka salid inmediatamente a interceptarlos. —Si señor —gritaron al unísono mientras salían a toda velocidad.

—Maldita sea Mazinger, que te han hecho —maldijo Koji mientras accionaba varias palancas de control— Vamos, vamos Mazinger, reaccionaaa —Koji no desesperes, voy en tu ayuda. Afrodita A apareció detrás del Mazinger. Sayaka intentó inútilmente abrirle la boca al bruto mecánico, cosa que le resultó imposible. De repente una voz resonó en el interior del bruto mecánico


—Ja ja ja. ¿Qué te parece mi ataque especial, Koji Kabuto? — ¿Doctor Infierno? Ja ja, muy desesperado tienes que estar para venir tú mismo. Muéstrate cobarde —Koji Kabuto, hoy es el día en el que por fin tu boca se verá silenciada. Como veras he sido capaz de cogerte por sorpresa. He sido capaz de burlar los radares de los que os fiais tanto, y mientras vosotros estabais entretenidos Pterodactil F3 y armadillo M4 han conseguido llegar hasta el centro y cogerte por sorpresa. Prepárate a morir Mazinger Z. —Ahhh, que puedo hacer, Mazinger no reacciona. Vamos, vamos Mazinger. Koji seguía desesperado, buscando la Manera de reactivar al Mazinger Z. Las mandíbulas de Pterodactil F3 estaban haciendo su trabajo y la cabina del planeador comenzaba a resquebrajarse. Si seguía así acabaría aplastado. Sayaka con Afrodita tampoco podía hacer nada ante los brutos mecánicos. — ¡Misiles fuera! — grito Sayaka mientras tiraba del disparador. Los pechos misil de Afrodita salieron disparados hacia los brutos mecánicos, que ni se inmutaron ante el impacto. Cuando todo parecía perdido el profesor Yumi tuvo una idea —Sayaka hija, escúchame —Si papa, dime —Sayaka, concentra toda tu energía en las manos de Afrodita y lanza una descarga de potencia al Mazinger Z. Koji, en cuanto notes la corriente intenta encender al Mazinger. — ¡Entendido!— gritaron los dos al unísono. Afrodita A junto las manos de forma que parecía que iba a rezar. Un halo se formó alrededor de ellas, al llegar al máximo resplandor Sayaka actuó. — ¡Descarga de alto voltaje! Afrodita A alzó los brazos en dirección al Mazinger y toda su energía salió disparada hacia él. Koji aun en la más negra oscuridad notó el golpe energético de inmediato. —Mazin power. Esta vez si el Mazinger encendió los ojos y se puso en marcha con un rugido estremecedor. Alzo los brazos y

cogió fuertemente la mandíbula de Pterodactil F3. El Mazinger arranco la mandíbula sin ningún problema y Koji por fin se vio liberado. El bruto mecánico lanzo un grito de dolor y comenzó a elevarse hacia el cielo intentado escapar. —Adonde crees que vas bestia, toma esto. ¡¡Rayos foto atómicos!! Los ojos del Mazinger brillaron y de ellos salieron dos haces de rayos. El Pterodactil F3 hizo una finta y los esquivo sin problemas. Koji intento moverse, pero los brazos que salían del suelo lo mantenían prisionero. El Mazinger comenzó a retorcerse en vano, Koji pensó en usar los rayos pero eso también afectaría al propio Mazinger.


Cuando todo parecía perdido Koji vio en el cielo, acechándose a toda velocidad no al bruto mecánico que volvía atacar. Era el Jet Scrander recién reparado que llegaba a su recate.

instante Koji decidió probar una locura, pero que si salía bien le sacaría de ese aprieto en dos segundos

—Koji, te he enviado el propulsor, ten cuidado ya que no nos ha dado tiempo a probarlo— comunico el profesor Yumi por radio. —No se preocupe profesor, tendré cuidado. Koji activo el botón de llamada del propulsor y el Mazinger alzo los brazos, —Propulsor Jet Scrander.

La boca del Mazinger comenzó a lanzar una ráfaga de viento corrosivo que Koji apunto al suelo. Este comenzó a reblandecerse y resquebrajarse. De repente el suelo cedió y de el apareció el cuerpo del Armadillo M4.

EL propulsor hizo una finta y se acoplo al Mazinger Z. Koji pisó el acelerador al máximo. Poco a poco el Mazinger comenzó a despegarse del suelo. En ese

Los paneles pectorales del Mazinger se pusieron al rojo en un segundo y lanzaron una onda calorífica de alta potencia que el Armadillo M4 no pudo resistir. En unos segundos su cuerpo quedo derretido convertido en un amasijo de hierros.

—Huracán fuera.

—Ahora Mazinger, ¡Fuego de pecho!

— ¡Puños fuera! Los puños del Mazinger volaron en dirección al Armadillo que voló en mil pedazos al contacto con ellos. Libre por fin el Mazinger surco los cielos en busca de Pterodactil F4. Koji puso el propulsor a toda velocidad y lo alcanzo a los pocos segundos, Lo adelantó a toda velocidad partiendo en dos con las alas del propulsor y el bruto mecánico exploto en vuelo. —Siii, Mazinger y yo somos invencibles, Doctor Infierno, allí donde estés aprende la lección, — grito Koji lleno de orgullo. Mientras tanto, en la isla de Bardos el Doctor Infierno gritaba desesperado viendo como incluso el mismo fallaba en el intento de destruir al Mazinger Z. —Mazinger Z te juro que la próxima vez no cometeré estos errores. El Mazinger aterrizo al lado de Afrodita A, que no podía moverse a causa de la descarga. — ¿Podrías ayudar a una dama en apuros? — Dijo Sayaka con voz melosa —Por supuesto que si —rio Koji— El Mazinger Z es todo un caballero. El Mazinger recogió a Afrodita A en brazos y los dos juntos emprendieron el regreso a casa con el sol del atardecer poniéndose por detrás de ellos.


¿Que es el One Piece? El One Piece es el tesoro

mas grande que jamás un pirata pudo imaginar, no sabemos si es oro, o si es otra cosa, solo sabemos que existe gracias a que Gol D. Roger justo antes de morir advirtió de su existencia, y solo con estas palabras, la leyenda del Rey de los Piratas hizo que naciera una nueva era de Piratas, y que años mas tarde, un jovencisimo capitán, decidiera embarcarse en una gran aventura que se ha convertido en uno de los mas grandes mangas de todos los tiempos.

Eichiro Oda, el autor

Me gustaría empezar este especial, ya no hablando de la serie, de cuantos capítulos tiene o cuantos capítulos han sido publicados en la Shonen Jump, ni de cuantas películas y de que trata cada una de ellas, ya que al fin y al cabo, la serie aun tiene mucho que contar, y los datos que se dijeran apenas estarían al día durante una semana, quisiera eso si, hablar brevemente del autor, este señor tan especial. Nacido en Kumamoto, al sur de Japón, el 1 de enero de 1975, fan de los piratas desde pequeño, su primera obra, que publicó a los 17 años, nada tenia que ver con esto, se trató de Wanted, es una historia corta ambientada en el lejano oeste en el cual ya podíamos encontrar detalles de lo que en


un futuro será One Piece. A los 19 años empezó a trabajar como ayudante de Nobuhiro Watsuki, el autor de Rurouni Kenshin, y durante esta época ya empezó a elaborar lo que empezó siendo una pequeña obra de piratas. El primer capítulo de esta historia se publicó en la Shonen Jump en agosto del 97, y hace poco que ha cumplido quince años, ahora con un Oda, mas adulto, mas centrado, casado y con dos hijos, este amenaza con dos cosas, su manga ha pasado por la mitad del arco argumental, y que será la última historia larga que haga. Sobre esto ultimo lo creemos, millonario como es, y con una obra con un nivel, hasta ahora, tan alto, difícilmente podrá superar donde ha llegado, y que diablos, mas de veinte años publicando una obra no te dan ganas de seguir publicando mas... o tal vez si...

El mundo de One Piece

Siempre me gusta comparar One Piece a Dragon Ball, como ya lo habréis notado, pero es que son dos mundos creados para albergar una gran historia en ellos. En el caso de One Piece, todo el entorno que rodea a las aventuras de los protagonistas, tiene bastante mas importancia, y se nos presenta un mundo fantástico, con criaturas fantásticas, monstruos enormes y porque no, frutas mágicas. Explicar todo, absolutamente todo, seria un trabajo

arduo, largo y aunque quizás agradable, se lo dejaremos a publicaciones especializadas, o mejor, empieza el manga desde el numero uno, o en su defecto, toca ver la serie, pero que conste, yo siempre recomiendo lo primero. Este planeta está casi gobernado por las aguas, y es por ello que los piratas surgen como si de héroes y villanos errantes se tratasen, ya que aquí el concepto de piratería quizás, en algunos casos está muy diluido, y solo se contempla como rebeldes o como buscadores de tesoros y aventuras, mas que como gañanes y ladrones, que obviamente existen, pero no serán ni mucho los que centren la historia. Este gran mundo el cual se rige por unas leyes de la física harto complicadas, donde lo mismo te encuentras islas voladoras, que islas submarinas, donde una isla puede tener unas normas propias, y que al fin y al cabo, nos tendría que importar poco, ya que de esta manera se nos abre un mundo.

Red Line

Es el único continente que existe en One Piece, el resto son islas, y es una gran linea roja que rodea al planeta, de un color rojizo y de una altura imposible, es casi infranqueable. Y la gran función de la misma, podríamos decir que es marcar la separación junto a la Grand-Line, de los cuatro grandes océanos.


Las únicas dos maneras de cruzar la Red-Line son o pedir permiso en la sagrada tierra de Mariejois, que es donde está la sede del gobierno mundial, y cercano al cuartel general de la Marina, con lo que se complica el asunto para los piratas que tengan aspiraciones de pasar al otro lado, aunque existe una segunda forma, y es no menos peligrosa, seria pasar por la isla submarina de Gyojin, a 10000 metros bajo el nivel del mar, y cuya dificultad es tal,que solo uno de cada tres barcos logra cruzar por esta ruta.

Grand Line

Es un océano que recorre el ecuador del planeta de One Piece, cruza de punto a punto y ayuda también a formar la división de los cuatro grandes océanos. Es el océano mas peligroso de este mundo, y se divide en dos partes, la primera llamada “Paraíso” porque el trayecto del mismo es muy fácil comparado con el tramo que se encuentra al este del punto donde corta con la Red Line, esa parte se conoce como el “Nuevo Mundo”, el cual se desconoce actualmente lo que se encontrará . Cuenta la leyenda que solo el pirata Gol D. Roger ha recorrido todo el Grand Line, y que el misterio del tesoro One Piece, está al final del trayecto.

Para el que piense que lo mas fácil sería entrar al “Nuevo Mundo” a través de Grand Line desde los océanos Norte y Oeste, que sepa que no es tan fácil, las corrientes marinas no lo permiten, y esta Grand Line dispone de dos zonas paralelas una superior y otra inferior llamadas “Calm Belt”, rodean a la Grand Line y se conoce por ser un lugar muy peligroso, sin corrientes oceánicas ni vientos, y donde anidan grandes bestias que podrían tragarse un barco de un solo bocado. En definitiva, llegar a la Grand-Line ya de por sí se considera un gran logro, pasar al otro lado y continuar mas allá son solo cosas de leyendas. East Blue


Hay que considerar a los océanos de One Piece como nosotros podríamos considerar a los diferentes continentes. En el East Blue comienza todo, y aunque es considerado el océano con piratas mas débiles, de ahí proviene Luffy, pero también de ahí provenía el Rey de los piratas, y también es donde este murió y dijo las palabras que haría que el mundo entrase en la Era Pirata.

North Blue, West Blue, South Blue y All Blue

Los tres primeros son los otros tres grandes océanos que se encuentran en el mundo, considerándose el mas duro de los tres el North Blue, y de donde

nacen los mejores piratas, aunque esto no sea realmente cierto. En cuanto al All Blue, se conoce al punto donde los cuatro grandes océanos se juntan, y donde se encuentran todos las especies animales que uno pudiera imaginar. Para Sanji es su sueño el encontrarlo, pero la única pista de su existencia lo situaría en un punto de la Grand-Line.

Las frutas del diablo

Si en Dragon Ball, teníamos las bolas que daban nombre a la serie, en One Piece, la excusa para dotar de super poderes variados al personal la tienen las frutas del diablo (Akuma no mi). Aunque son escasas y valiosas, comer o probar una fruta del diablo te da todos los poderes que posee esta, solo hace falta darle un bocado para que esta actue y que el resto pierda las capacidades mágicas. Estas frutas de sabor desagradable, son altamente codiciadas y poco se sabe de su origen, ademas, cada una de esta es única y una persona solo puede tener el poder de una fruta al mismo tiempo,y se dice que el usuario que intente tener el poder de una segunda, su cuerpo acabaría destruido. Las frutas según el tipo de las mismas, dan poderes,


pero tienen una gran desventaja, y es que aquel que la toma, ya no podrá nadar en el mar, perderá todas sus fuerzas y la capacidad de controlar su poder, y se hundirá como si de piedra estuviera hecho. Ademas, en tierra firme, existe un material que también anula todos los poderes de las frutas, se trata de las “Piedras marinas” o “Kairouseki”, que comúnmente utilizan para hacer jaulas y esposas para poder controlar a los usuarios de las frutas.

Los diferentes tipos de frutas son:

Paramecia: Las mas comunes, permiten al usuario adquirir una capacidad única y especial, ya sea transformar su cuerpo de alguna manera, o alguna habilidad extraordinaria. Por ejemplo, Luffy comió la Gomu-Gomu, que hacia que su cuerpo fuese de goma, o la Yomi-Yomi, que es la que comió Brook, que permitía al usuario volver de la muerte. Zoan: Quizás no tan comunes, pero bastante vistosas, permite al usuario transformarse y tomar las capacidades de un animal, permitiendo incluso varias transformaciones al usuario. El caso mas destacable seria el de Tony Tony Chopper, que siendo un reno comió la fruta Hito-Hito, que le transformaba en humano. Se sabe que también existen varias Zoan ancestrales, que permiten al usuario tener poderes de seres mitológicos. Logia: Las mas difíciles de encontrar y al mismo tiempo, las mas temibles. El usuario que la toma adquiere el poder de un elemento, transformarse totalmente en el mismo e incluso controlarlo. Ademas, son inmunes a los ataques físicos, ya que la estabilidad del cuerpo se puede adaptar en combate, y solo algunas personas tienen el poder necesario para poder llegar a hacer daño físico a estos usuarios. Ejemplos de las mismas son la Suna-Suna de Cocodrile, que permite convertirse en arena y la Mera-Mera de Ace, que puede controlar el fuego a su voluntad.


Nombre: Luffy D. Monkey Fruta: Gomu Gomu (paramecia) Historia: El protagonista de la historia, el capitán de la banda del sombrero de paja, llamado así por el sombrero que Shanks le regaló cuando estuvo a punto de morir devorado por un monstruo marino. Desde entonces, este sombrero se convirtió en una seña de identidad de Luffy, y que a su vez, se trataba de un regalo del propio Gol D. Roger. Su sueño es ser el rey de los piratas, tener su propia tripulación y encontrar el One Piece. De carácter amistoso y bastante comilón, aunque de primeras parezca que tiene pocas luces, se podría decir que es de todo menos tonto, aunque si bastante inocente a veces. Aun así, que nadie se atreva a molestar a sus compañeros o a tratar de forma injusta a alguien delante suya, porque en el mejor de los casos se puede llevar uno de sus imposibles golpes en los que

banda, aunque lo hará dos veces por exigencias del guión. Su papel en la banda del sombrero de paja es ser la navegante, cosa en lo cual destaca, sin ella no podrían imaginar el embarcarse camino de la Grand-Line. Además de crear mapas del recorrido, irá ampliando sus conocimientos a lo largo de la aventura. Cambien hay que decir que es una ladrona y destaca por usar sus capacidades femeninas, y aunque no sea un personaje muy poderoso, eso si a partir de cierto punto de la historia, Nami aprende a usar unas barras llamadas Clima-Tact, las cuales le permite provocar pequeños eventos climáticos, que puede usar a modo de ataque. Nombre: Ussop Fruta: Ninguna Historia: El tercer miembro en unirse, y de primeras el mas débil, o al menos ha sido así casi en toda la

La Banda de So aprovecha su cuerpo de goma como si fuera un arma letal. Nombre: Roronoa Zoro Fruta: Ninguna Historia: Este señor de pelo verde, es el primer miembro en unirse a la tripulación de Luffy. Es famoso por ser un maestro espadachín, del estilo Santöryü, el cual le permite luchar con tres espadas, una en cada mano y una sujetándola con los dientes. Es considerado como el miembro mas fuerte de la tripulación tras Luffy, y muchas veces se le confunde como el capitán, aunque nunca ha buscado quitarle el puesto a Luffy. Su sueño es convertirse en el mejor espadachín del mundo y está considerado como uno de los mejores piratas novatos. Nombre: Nami Fruta: Ninguna Historia: El segundo miembro en unirse a la

primera parte de la historia. Este señor con una nariz un tanto singular se considera uno de los mejores amigos de Luffy, y de los que mas cerca de el han estado en todo momento. Su puesto en la banda es el de francotirador, aunque durante gran parte del tiempo ha sido el chapuzas del grupo, arreglando la Going Merry, el primer barco de la banda, y el cual será el que en cierto punto de la historia, provoque que Ussop se decida dejar la banda, aunque sea de manera temporal. Nombre: Sanji Fruta: Ninguna Historia: Alias “Pierna Negra”, es el quinto miembro de la tripulación, el cocinero del barco. Su sueño es encontrar el All Blue y mejorar sus artes culinarias. Rubio y con unas cejas particulares, está estigmatizado porque es al único cuyo cartel de “Se busca” no se parece en nada a el. Loco empedernido de las féminas, cosa que les ha llevado a mas de un


problema, siempre está tirandole los tejos a Nami y a Nico Robin, y a casi todo lo que sea una mujer, aunque sin demasiados resultados. Sus capacidades de combate son casi exclusivamente ataques con las piernas, siendo considerado como uno de los mas fuertes de la banda del sombrero de paja, junto a zoro. Nombre: Tony Tony Chopper Fruta: Hito Hito modelo humano (Zoin) Historia: Se trata de un reno de nariz azul que fue rechazado por los suyos por esta diferencia. Tras tomar la fruta Hito Hito, adquirió inteligencia humana, ademas de poder adoptar diferentes transformaciones, que van desde la conocida, que parece mas un pequeño peluche, hasta una forma humana bastante musculada, y eso sin contar el uso de las Rumble Ball, unas pastillas que permiten

de poder crear mas de cien, nos hace pensar que la fuerza ejercida si podría ser tenida en cuenta Nombre: Franky Fruta: Ninguna Historia: Su verdadero nombre era Cutty Flam, pero un desgraciado accidente que sufrió cuando era joven, hizo que poco a poco se fuera convirtiendo a el mismo en un Cyborg, mitad hombre/mitad robot. Sus cualidades como carpintero e inventor, le han convertido en el séptimo miembro del grupo, además se unió a este para probar que su ultima gran nave, la Thousand Sunny, es capaz de conseguir superar el trayecto de cruzar la Grand-Line. Sobre el personaje sobra decir que se trata de un ser un tanto estrafalario, con mil secretos ocultos en su propio cuerpo que le servirá como arma en los momentos difíciles. Se unió al grupo tras los sucesos ocurridos

ombrero de Paja potenciar sus poderes, y que llegan a permitir convertirse en un monstruo gigante bastante descerebrado. Las funciones de Chopper en la banda es la de Medico de la banda del sombrero de paja. Nombre: Nico Robin Fruta: Hana Hana (paramecia Historia: La séptima integrante del grupo, pidió unirse a la banda de luffy tras los hechos acontecidos en la saga de Arabasta, se trata de la arqueóloga, ademas conocedora de la historia y cultura, es el personaje que nos ira descubriendo poco a poco un gran secreto del pasado que parece revelarse a lo largo del viaje, y del que mucha gente va tras el, y lo mejor es que quien sabe si tiene algo que ver con el One Piece, pero eso es algo que el tiempo lo dirá. En cuanto a habilidades, la fruta que tomó Nico Robin, le permite la capacidad de crear partes de su cuerpo en cualquier lugar, aunque generalmente estos son los brazos, que aun no siendo muy fuertes, el hecho

de Water Seven, donde en origen vivía junto a su banda de maleantes, la “Franky Family” de la cual era jefe. Nombre: Brook Fruta: Yomi Yomi Historia: Por ahora se trata del ultimo miembro en unirse a la banda, y su función en ella es la de ser el músico. Brook murió cincuenta años antes de encontrarse con Luffy y su banda, y cuando lo encontraron, se encontraron que se trataba de un esqueleto viviente, y es que al parecer, la fruta que mas de medio siglo antes había tomado, le confirió la posibilidad de resucitar, su alma volvería de entre los muertos para encontrar su cuerpo, el problema está en que de ahí a que lo encontró, este se había convertido en un blanco esqueleto. En cuanto a las capacidades, se trata de otro espadachín, que aunque no es tan poderoso como Zoro, también llega a usar la música como un arma.


Son considerados a los siete piratas que trabajan para el gobierno, solo pueden ser un máximo de siete y a lo largo de la historia de One Piece, incluso se sucederán casos de renuncia o expulsiones de esta categoría. Los Shichibukai son piratas de gran poder, que han jurado favores al gobierno central y gracias a ello, consiguen el perdón y que la propia Marina no esté detrás de ellos, aunque estos últimos no se lleven demasiado bien con estos piratas redimidos. Aunque realmente los Shichibukai no están donde están porque busquen el perdón, sino por todas las puertas que se le pueden abrir por pertenecer a ellos, y por todo lo que puedan conseguir con ello. Nombre: Crocodile Fruta: Suna Suna (Logia) Historia: El primer Shichibukai al que se enfrentan en la serie, y se trata del enemigo principal de la saga de Arabasta, una de las mas largas que ha sucedido en el manga. Curiosamente es el único personaje por ahora que tiene un garfio en vez de mano, acercándose a los tópicos piratas. Es el fundador de la organización criminal llamada Baroque Works, que en un momento de la trama, tiene como fin el adueñarse del Reino de Arabasta, el reino de la arena, cosa que por otro lado tiene su aquel, ya que la fruta de la que adquiere el poder, le permite transformarse en arena y controlarla, ademas de que con ella puede deshidratar a sus contrincantes.

Nombre: Jinbe Fruta: Ninguna. /Hombre Pez- Tiburón Ballena Historia: Un tritón, de carácter serio, se trata del ultimo Shichibukai que conoceremos, y en el momento de aparecer nos encontramos que ha dejado su puesto debido a discrepancias con el gobierno central. Indicar que pertenecía a este puesto solo para evitar que la isla de los tritones no constara como una nación pirata y para protegerlos de lo que implica. En definitiva, poco tiene que ver con el resto de los Shichibukai, aunque entre ellos mismos no tienen porque llevar muy buena relación. Adquiere muy buena amistad con Luffy, tanto que este le pide ser un Nakama, aunque este debe rechazar por ahora, aunque no descarta serlo en un futuro. Nombre: Gekko Moria Fruta: Kage Kage (paramecia) Historia: Se trata de un ser gigantesco, de cuello largo y cuerpo grueso. Quizás no es el mas fuerte de los Shichibukai, es quizás mas inteligente que fuerte, aunque débil comparado a otros. Su poder le permite robar las sombras a cualquier ser vivo, y con ellas fabricar un ejercito de zombis que adquieren las capacidades de las sombras que ha robado, ademas si alguien al que Moria haya robado la sombra, entra en contacto con la luz solar, este se desintegrará irremediablemente. Como principal enemigo de la saga Thrille Bark, nos demostrará que es capaz


también de absorber las sombras robadas para su propio beneficio. Nombre: Donquixote Doflamingo Fruta: Desconocido Historia: Cambien conocido como Joker, se podría decir que aunque tiene una serie de apariciones regulares en la serie, no se conoce demasiado de el mas allá de sus chanchullos personales. Se sabe que es un personaje poderoso, y aunque no se sabe si dispone del poder de una fruta del diablo, es capaz de manejar a otros como si fueran marionetas. Por lo demás, es un personaje bastante peculiar, bastante alto y embutido en un gran chaleco de plumas rosas, ademas siempre tiene una sonrisa en la boca y por sus actos, digamos que no tiene gran estima sobre las vidas ajenas. Nombre: Dracule Mihawk Fruta: Ninguna Historia: Es el primer Shichibukai que aparece en la serie, y aunque sea de forma muy temprana, se nos presenta las capacidades como espadachín. Un personaje serio y poco hablador, este ha visto en Zoro a casi un igual, aunque este aun no le haya superado, en un futuro se aceptará a Zoro como alumno, pero eso ya es otra historia.

Nombre: Bartholomew Kuma Fruta: Nikyu Nikyu (paramecia) Historia: Este hombre enorme, serio y con una biblia en la mano es un autentico enigma, ya que poco se sabe realmente de su pasado, en la actualidad se trata de un Cyborg, después de haber sido utilizado por el científico e inventor, Vegapunk, para el proyecto “Pacifista”, por el cual han creado cientos de robots a su imagen y semejanza, el cual ha convertido a este Shichibukai en una maquina. Quitando esto, es poseedor de la fruta Nikyu Nikyu, con unas almohadillas situadas en sus manos, puede repeler cualquier cosa. Nombre: Boa Hancock Fruta: Mero Mero (paramecia) Historia: La única fémina entre los Shichibukai, ademas es la princesa de Amazon Lily, junto a sus dos hermanas, Boa Sandersonia y Boa Marigold. Su belleza es legendaria y ha vuelto loco a infinidad de hombres, esto es porque el poder de su fruta diabólica puede transformar en piedra a todo aquel que tenga pensamientos poco nobles, cosa que no afecta a Luffy, y del cual se enamora perdidamente a partir de ahí, y tras conocer este el mayor de los secretos de Boa Hancock. A partir de ese momento, se convierte en una gran aliada de Luffy, aunque sigue manteniendo las apariencias porque no se puede permitir el lujo de dejar de ser Shichibukai.


Nombre: Smoker Fruta: Moku Moku. (Logia) Historia: Vicealmirante de la marina, un hombre duro que siempre tiene uno o mas puros en su boca. Uno de los primeros usuarios de Logia en aparecer, tiene la posibilidad de convertirse en humo, y atacar con su Jutte (una vara parecida a un sai de grandes proporciones) cuya punta es de piedra marina. Nombre: Tashigi Fruta: Ninguna Historia: Actualmente es capitana de la marina y siempre acompaña a Smoker como ayudante. Aun teniendo los problemas de visión que tiene, es una gran espadachina que ya ha tenido algún enfrentamiento contra Zoro, que encuentra en ella mucho parecido a una fallecida amiga de la infancia.

Nombre: Monkey D. Garp Fruta: Ninguna Historia: Se trata del abuelo de Monkey, que irónicamente llego a ser Vice-Almirante de la marina. Llegó a conocer a Gol D. Roger, del cual, aunque eran enemigos, tenían una amistad basada en el respeto mutuo. Tiene una fuerza sobre humana, y su forma de ser es bastante parecida a la de su nieto. Nombre: Sakazuki Fruta: Magu Magu (Logia) Historia: Almirante de la marina, también conocido como el perro rojo o Akainu, es un hombre que cree firmemente en la justicia, y sobre todo en la marina. Su poder le permite convertirse en magma, y su poder es tal, que en sus manos se provocará uno de los eventos mas importantes de lo que llevamos de serie.


Nombre: Kuzan Fruta: Hie Hie (Logia) Historia: Cambien conocido como Aokiji, el primer almirante al que se enfrentan, y nada mas aparecer, demuestra las diferencias con respecto a sus rivales. Conocido como el faisan azul, tiene el poder de convertirse en hielo y controlarlo a voluntad. Nombre: Borsalino Fruta: Pika Pika (Logia) Historia: El tercero entre los almirantes de la marina, también conocido como Kizaru, es capaz de controlar la luz, moverse a esa velocidad y crear rayos como ataques. Sin duda, el hombre mas rápido del mundo de One Piece, y quizás el mas cruel entre los almirantes. Nombre: Sengoku Fruta: Hito Hito (Zoan, Tipo Daibatsu, gran buda) Historia: Almirante de la flota, uno de los puestos

mas altos de la marina, y también uno de los mas poderosos. Un personaje que aunque no respeta a los piratas, si es capaz de reconocer el honor de algunos. El poder de su fruta diabólica le permite convertirse en un gigante de oro macizo, con un poder brutal.


Enemigos, amigos y otros

Nombre: Buggy Fruta: Bara Bara (Paramecia) Historia: El primer enemigo con carácter al que se enfrenta Luffy, y al cual veremos varias veces en el transcurso de la historia. Aun siendo bastante débil, formo parte de la banda del pirata Roger. Es capaz de despedazar en miles de fragmentos y recomponerse a voluntad. Nombre: Kuro Fruta: Ninguna Historia: Trabaja de mayordomo en la isla de Syrup, realmente se trataba de un capitán pirata el cual está ocultándose de la marina trabajando para una familia adinerada de la isla, para posteriormente poder acceder al dinero de la herencia de la familia. Uno de los primeros enemigos a los que se enfrentan, de gran rapidez y armado con unas garras parecidas a las de Freddy Kruger Nombre: Arlong Fruta: Ninguna./Hombre pez sierra Historia: El mas despiadado de los hombres pez, siente un absoluto desprecio a los seres humanos, el y su banda fueron uno de los grandes enfrentamientos a los que se enfrentaron en el East Blue, consiguiendo la liberación de Nami que hasta entonces trabajaba obligadamente para el. Por lo demás, Arlong es un hombre pez, lo que implica que su fuerza es diez veces superior a un hombre normal, y veinte veces superior si está en el agua. Nombre: Rob Lucci Fruta: Neko Neko (paramecia) Tipo Leopardo Historia: Un personaje curioso y callado, es mas se creía que era mudo hasta que en el momento de la verdad, actua. Es el lider del CP9, un grupo secreto que trabaja para el gobierno, que planea robar los planos del Plutón, un arma de gran capacidad destructiva. Tiene el poder de convertirse en un híbrido leopardo-humano, con gran velocidad y una fuerza inimaginable. Nombre: Magellan Fruta: Doku Doku (paramecia) Historia: Un ser enorme, no se si llamarlo humano o demonio, es el Alcaide de la prisión de Impel Down y se enorgullece de mantener la reputación de fortaleza impenetrable. Puede segregar veneno de diferentes formas e incluso controlarlo y crear seres con el mismo, llega a contaminar con este a Luffy, el cual estuvo a punto de morir tras esto.

Nombre: Marshall D. Teach Fruta: Yami Yami (Logia) Historia: Es uno de esos antagonistas recurrentes, mas conocido como Barbanegra, es uno de esos enemigos que si bien no se han llegado a enfrentar de una forma definitiva contra Luffy y los suyos, va reuniendo poder en vistas a ser el rey de los piratas. Y para ello dispone del poder de la oscuridad, con el que puede crear incluso agujeros negros donde absorber a sus enemigos. Por lo demás, es quizás el que tiene el aspecto y el comportamiento de lo que se considera un pirata clásico, siendo ruin y rastrero además de maquiavélico. Nombre: Hody Jones Fruta: Ninguna. Hombre pez/Tiburón blanco Historia: El primer enemigo al que se enfrentan tras el salto temporal, en la isla Gyojin, el cual intenta conquistar la isla. Es un ser que odia a los humanos y tenia a Arlong en un pedestal, además su enfrentamiento contra la banda del sombrero de paja. Es enorme, fiero y ademas con el uso de unas pastillas, es capaz de aumentar todavía mas su fuerza y capacidades, aunque estas tengan efectos secundarios. Nombre: Trafalgar Law Fruta: Ope Ope Historia: Uno de los once supernovas, y de los mas poderosos. Mantiene casi desde el principio una


perdiese su brazo izquierdo al salvar a Luffy de una muerte segura. Poco se sabe de su poder, ya que nunca se le ha visto ningún enfrentamiento, pero se presupone y por lo que se indica, es uno de los mas poderosos con diferencia, incluso tras la perdida de su brazo. Nombre: Portgas D. Ace Fruta: Mera Mera no Mi. (Logia) Historia: Hermanastro de Luffy, con quien se crió y sobre el cual demostró que era mas fuerte. Su secreto es que es el hijo de Gol D. Roger, que antes de morir, pidió que Monkey D.Garp lo adoptase y cuidase. Es capaz gracias a su fruta diabólica, de controlar y convertirse en fuego. Su puesto es como comandante de la tripulación de Barbablanca.

amistad con Luffy, e incluso ayuda a rescatar a este tras los sucesos, de los cuales no hablaré, de Marineford. Se trata de un gran médico y cirujano, y su fruta diabólica le permite hacer modificaciones a su voluntad dentro de una pequeña area preestablecida. En el punto actual del manga se puede comprobar que será uno de los grandes piratas de la nueva generación. Nombre: Bentham Fruta: Mane Mane (paramecia) Historia: O también conocido como Mr. 2 - Bon Clay, fue uno de los mas importantes cooperantes de Baroque Works. Se trata de un travesti que practica el arte del Okama-Kempo, es por ello que sus ataques mayormente son patadas. Y aunque pertenece a una organización criminal, en corazón no es malo, mas bien lo contrario, y adquiere una gran amistad con Luffy, al cual ayuda en varias ocasiones. Tiene la capacidad de moldear su cara como si fuera arcilla, y recordar rostros solo con tocar a quien sirva de modelo Nombre: Shanks Fruta Historia: El pelirrojo, uno de los cuatro emperadores, fue el inspirador del sueño de Luffy, y el que encontró la Gomu Gomu no Mi que comió este. Sus rasgos distintivos, ademas de su color de pelo, son las tres cicatrices sobre su ojo izquierdo, y el hecho de que

Nombre: Nefertari Vivi Fruta: Ninguna Historia: La princesa heredera del reino de Arabasta, se convirtió en un miembro temporal de la banda hasta su reincorporación al reino de su país. Aunque se trate de un personaje debil, Luffy le pidió continuar en la banda, pero tuvo que rechazarlo. Decir que en todo momento se encuentra acompañada de su mascota Carue, que es un pato gigante. Nombre: Emporio Ivankov Fruta: Horu Horu (paramecia) Historia: La reina de los Okama (travestis). Aunque principalmente se muestra como un ser de una enorme cabeza y de rasgos son un homenaje al Dr. Frank-N-Furter, de The Rocky Horror Picture Show. Un travesti bastante bromista, considerado como una leyenda, es capaz de controlar las hormonas tanto las suyas como las de terceros, pudiendo cambiar físicamente e incluso sexualmente Nombre: Edward Newgate Fruta: Gura Gura (paramecia) Historia: También conocido como Barbablanca, se considerado como el pirata mas poderoso, incluso afectado de una enfermedad mortal que le consume. Uno de los emperadores del nuevo mundo y un ser impresionante, enorme y poderoso. Conoció en vida a Gol D.Roger, al cual lo trató como un igual. Trata a sus hombres como a sus propios hijos, y entre todos se defienden como si fueran una gran familia, a destacar que uno de sus comandantes es el propio Ace. Su fruta del diablo es capaz de provocar terremotos, y su control es tan grande que podría llegar a destruir el mundo entero.


SATOSHI KON Jes煤s J. Cagig贸s


Hay quien dice que los genios han de dejarnos pronto para ser merecidamente recordados, e incluso para devenir en mitos. No seré yo quien suscriba semejante idiotez, aunque por desgracia tenga mayor parte de razón de la que me gustaría. Siempre es una tragedia que gente de reconocido talento – genios desbocados, artistas, visionarios – nos abandone, pero aún lo es mucho más cuando una mente libre, ajena a modas y convencionalismos, imaginativa, soñadora, y tan genial como particular se nos marcha antes de tiempo, en plena efervescencia de talento, ideas, madurez y personalidad. Con Satoshi Kon se cumple el peor designio: nos deja un genio y un autor, en la flor de su vida, con toda una carrera por delante y muchos sueños y pesadillas aún por dibujar, quizás con sus mejores obras aún por llegar. Uno se siente egoísta pensando en lo que pudo ser, con la amarga desazón de no poder seguir disfrutando de su trabajo y de su genio. Kon pareciera estar maldito por nacimiento, que la estrella de su genialidad y su “otra” manera de observar el mundo, proyectándola en su personal universo e inquietudes, le hubiera condenado desde la cuna. En este páramo que es nuestra actual sociedad, que aniquila la imaginación, persigue a las mentes que se atreven a mirarla a los ojos y destruye la diferencia, la inteligencia y la subjetividad, para transformarnos en mansos animales de granja explotables e incapaces de pensar por sí mismos, puede que Kon, adalid de la libertad creativa y brillante capacidad no tuviera su lugar. Se nos ha privado de verlo pasar poco a poco, de disfrutarlo en sus diferentes etapas de madurez , de ese gozo del reencuentro con su alma de niño en cada estreno, como en aquellas ocasiones en que uno se reencuentra con un viejo amigo. Pero no nos quedemos en lo que pudiera haber sido, sino en lo que fue, en lo que es. Satoshi Kon nos ha regalado un puñado de obras maestras tan evocadoras como transgresoras, todas poseedoras de una grandeza y un ingenio difíciles de igualar, improbables de encontrar en nuestro tiempo, en nuestra cruda realidad tan yerma de ideas novedosas. Cintas como Perfect Blue, Millenium Actress o Paprika pueden justificar toda una vida, por corta que ésta sea.

SU ESTILO Kon solo tenía 47 años y desde su primera obra – Perfect Blue – fue reconocido como una de las mentes más creativas del panorama cinematográfico

– en el campo de la animación – actual. Cada una de sus películas, de sus aportaciones al anime, se ha transformado en instantánea cinta de culto con pleno derecho. Y es que cada una de sus obras se sostiene en tres pilares que conforman su estilo personal: el realismo y la complejidad de sus personajes, su brillante diseño de escenarios, y unas historias en que se entremezclan ensoñaciones y realidad. Cada una de sus cintas, rebosante de argumentos fascinantes, sugerentes y arcanos, sueños y pesadillas, luces y tinieblas, ideas originales y a menudo perturbadoras, narrativa trepidante, personajes más humanos que si fueran de carne y hueso, de inusitada profundidad psicológica y emocional, virtuosismo estilístico, arte depurado y anti-convencional. Cada una de sus joyas, contenedora en sí misma de un universo onírico equiparable, quizás únicamente, al de David Lynch (¡Ay, si ese inconfeso remake llamado “Cisne Negro” lo hubiera dirigido él en lugar de Aronofsky!). Y es que Kon y Lynch comparten oficio: el de descriptores – y desencriptadores – de aquellos sueños y pesadillas que a la mayoría nos resultan intraducibles aún recién despiertos, en la oscuridad, cuando aún tenemos el cuerpo recubierto de sudor, los ojos desbordados por las lágrimas o la sonrisa propia de la felicidad arañada, gozada efímeramente. A nosotros tales visiones se nos olvidan, pero ellos las recuerdan. Satoshi Kon las recuerda, y nos las muestra en forma de animación. Kon dota a los miedos, las angustias del ser humano de un lenguaje singular. A veces puede resultar confuso, sobre todo las primeras veces. Pero no tengáis aprensión, no es tan complicado. Si cuando uno se enfrenta a cualquiera de sus obras se desprende de la lógica (su reino no es el de los sueños, por fortuna) y se deja llevar por la emoción, por la intuición, sin plantearse nada más, quizás se lleve más de una sorpresa. Y posiblemente lo que ha sido comprendido solamente a nivel intuitivo encienda la mecha de cuestiones más profundas, pensamientos subyacentes que despiertan, ideas inquietantes que golpean con insistencia la puerta del sótano para que las dejes salir.

SU OBRA Satoshi Kon, natural de Kushiro (Hokkaido, Japón), nacido el 12 de octubre de 1963 y fallecido el 24 de agosto de 2010, solo pudo estrenar cuatro películas y una serie de animación. En definitiva, cinco joyas de la animación contemporánea. Todas sus obras fueron


producidas por el Estudio Madhouse (¡qué sería de nosotros sin él!), y junto con los geniales Rintarô (Los Momin, Capitán Harlock, X/1999, Metrópolis) y Yoshiaki Kawajiri (Wicked City, Ninja Scroll, Vampir Hunter D: Bloodlust) dirigió un fabuloso equipo de trabajo que todo otaku debería venerar. Como director, Kon nos legó cuatro obras maestras y una más a punto de estrenarse. Perfect Blue (1997), Millenium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003), y Paprika (2006, basada en la novela de Yasutaka Tsutsui) tendrán su colofón con The Dream Machine, de la que podremos disfrutar en breve. También dirigiría el anime para televisión Paranoia Agent (2004), de trece episodios. Como guionista, escribió el clásico World Apartment Horror (1991) junto al legendario Katsuhiro Otomo, y un segmento de Memories (1996), el titulado Magnetic Rose, también junto a Otomo. Se encargó del diseño de animación en la fantástica Roujin Z (1991), Patlabor 2 (1992) y Jojo no Kimyô na Bôken (episodio 5, 1993). También dibujó sus propios manga, como pudimos comprobar con La Campanilla de Navidad (1987), Regreso al Mar (1990) y Seraphim-266613336 Wings (1995), solo publicado en revista junto al gran Mamoru Oshii.

PERFECT BLUE (1997): Convertida desde su

estreno en uno de los grandes clásicos del anime de todos los tiempos, la historia de la ex idol Mima Kirigoe no tiene nada que envidiar a los mejores thriller de horror en imagen real. Nada que ver con la chapuza que engendró el irregular Darren Aronosky, que había comprado los derechos de adaptación de la obra y perpetró la vacua e insulsa Cisne Negro, carente por completo de la imaginación y la profundidad de su madre animada. Lo del director de Pi o Réquiem por un Sueño fue una descomunal desvergüenza, ya que ni siquiera se acordó de mencionar su inspiración cuando la película fue galardonada con varios premios y nominada a los Oscar, mientras legiones de gafapasta le aclamaban y le “descubrían” varios años después de sus mejores obras. Pero a lo que vamos. Pefect Blue nos cuenta la historia de una de las integrantes del grupo de J-Pop de moda Cham, que en vista de que su carrera como idol está llegando a su fin, decide abandonar el grupo y comenzar una carrera como actriz antes de quedarse estancada y ser relegada al olvido. Pero el cambio no será nada fácil cuando sus fans comiencen a insultarla, vejarla y amenazarla. Mima toca fondo cuando tenga que acceder a ser “violada” en la ¿ficción? para uno de los capítulos de la serie de televisión en la que trabaja.

Sus fanáticos seguidores no se lo perdonarán, ya que a partir de aquel momento quedará manchada, dejará de ser “pura” ante sus ojos (demasiadas similitudes con la realidad, con el paso de la niñez a la edad adulta, con la necesaria corrupción de la inocencia para adaptarse a la sociedad). Para colmo de males, un maníaco empieza a acosar a nuestra protagonista, que descubre que alguien ha creado un sitio web que lleva por nombre “La habitación de Mima” y en el que se desnudan las vivencias diarias y sentimientos de la ex cantante, incluyendo detalles tan íntimos que solo ella y su círculo más íntimo conoce. Así, Mima comienza a sentir la paranoia, la locura, y el espectador con ella. De manera magistral, Kon intercala escenas de la realidad con otras de la serie de ficción que la protagonista está filmando, y con algunas más que son pura invención y que utiliza el director para confundirnos y enseñarnos tan solo lo que él quiere que veamos. Así son los genios, caprichosos. Y esta ópera prima, una joya ineludible de ritmo imparable, suspense, emociones, horror y mucho, mucho más. Por cierto, para los que no sepáis qué es una “idol” Perfect Blue os sacará de dudas, ya que la cinta constituye una perfecta muestra de lo que este fenómeno típicamente nipón supone para las jovencitas, casi niñas en muchos casos, que forman parte de él. Las idols son adolescentes, cantantes o modelos (o ambas cosas en muchos casos) que son consumidas ferozmente por un público masivo, exponentes de una popularidad exacerbada y explotadas hasta la saciedad por medio de contratos discográficos, publicitarios y televisivos, producto de modas pasajeras y abandono prematuro. Perfect Blue habla de los miedos de las idols, de sus esperanzas e inseguridades. Sobre todo Kon nos enseña la parte más oscura de este micro-universo. Del vacío que se esconde tras la fama, de la superficialidad de ser objeto de deseo por parte de las masas, de la conciencia de saberse utilizadas, de la angustia y la incapacidad para crecer y convertirse en algo distinto. Y de la crueldad que supone el no poder escapar a un destino irremisible y de un olvido atroz. Al final descubrimos que los sentimientos de Mima son los nuestros, y por ello un thriller aterrador y lleno de ritmo se convierte en una obra universal e indispensable. Un clásico obligado.

MILLENIUM ACTRESS (2001): La siguiente

película de Satoshi Kon supone su consagración en el Olimpo del anime, ya que con Millenium Actress fue capaz de construir una nueva obra maestra que sorprendería no solo a los otakus, sino a cualquier


otra persona con un mínimo de sensibilidad. La cinta cuenta la historia de Chiyoko Fujiwara, rutilante estrella del cine japonés que desapareció de escena hace ya treinta años. Un realizador de documentales que además es uno de sus más acérrimos seguidores viajará a una apartada cabaña en la montaña para hacerle una entrevista y conseguir que la gente la recuerde como la gloria que fue. Allí en su refugio, Chiyoko entrega una misteriosa llave a su visitante que parece abrir la puerta de su memoria. A partir de entonces, seremos testigos de una historia visual y narrativamente impresionante, atravesando el tiempo y el espacio para recordar la historia de la mujer, entremezclando la realidad con la ficción de aquellas películas que formaron parte de su vida. Millenium Actress es sencillamente conmovedora. Y de nuevo, repleta de sugerencias, de retazos de sueño, magia y recuerdos. Una historia de amor nada convencional y técnicamente magistral, que utiliza con sabiduría el recurso de la “historia dentro de la historia”, narrando las vivencias de los documentalistas que realizan la entrevista así como de la historia que contiene el propio documental. No es tan fácil si no eres un maestro. La película resultará fascinante a cualquiera que la vea, tan imaginativa como podría serlo una cinta de Ghibli. Pero a la vez es una película que supera el marco de la animación para convertirse en una historia de humanidad. No es una aventura de anime al uso, es una historia humana por encima de todo, que habla del amor y de los pequeños detalles, los pequeños recuerdos que dan valor a la vida. Habla del tiempo y la memoria, y también de la lucha por alcanzar los sueños que uno tiene. Solo 80 minutos que se hacen cortos para esta maravillosa película que tiene un final inmejorable, hermoso, que es mejor descubrir por uno mismo. De esas películas que hacen grande el anime. TOKYO GODFATHERS (2003): La tercera película de Kon es cualquier cosa menos convencional, y resulta tan fabulosa como de costumbre. En vísperas de Navidad, tres vagabundos descubren entre la basura a un bebé abandonado. Los homeless protegerán al pequeño mientras se lanzan a la búsqueda de sus padres, redescubriéndose a sí mismos, despertando sentimientos que anidaban en su corazón y conformando una improvisada familia “poco convencional”. La sencillez de la historia y la profundidad de sus personajes conforman esta tierna fábula con ecos de Capra, preciosa y emotiva. Kon sitúa su historia en pleno Shinjuku, en el corazón


de Tokyo, que recrea con suma fidelidad y baña en una pátina de magia. Puede que la crítica considere Tokyo Godfathers una obra menor respecto de sus hermanas porque en apariencia sea menos compleja, pero no lo es. Tokyo Godfathers es un cuento de Navidad, y así hay que tomárselo. Un cuento mágico y delicioso. Y es que aparte de su mágica ambientación cuenta con un grupo de personajes entrañables que nos encandila. Un jugador empedernido que además es alcohólico, una chica que se ha escapado de su casa y un travesti cristiano malviven como buenamente pueden en las calles de la megápolis tokiota. Son marginados, invisibles, desechos de una sociedad que se avergüenza de ellos. Pero Kon nos dice que son maravillosos y que pueden hacer cosas maravillosas. Pero como es habitual en Kon, Tokyo Godfathers es mucho más que eso. Es una historia cercana, dramática, pero que no cae en el sentimentalismo, en la lágrima fácil. La búsqueda que emprenden los protagonistas es a la vez una historia de redención personal, de seres humanos que buscan ser perdonados, que anhelan reconciliarse con su pasado y con sus seres queridos. Un camino repleto de altibajos, metáfora de la vida misma. Pese a todo, quizás por basarse en una novela o porque la historia no daba para más, Kon no consigue atrapar al espectador al mismo nivel que con sus dos obras anteriores o con la posterior y más personal Paprika. El apartado técnico, eso sí, sigue siendo impecable. La animación resulta sublime y los backgrounds asemejan verdaderos lienzos que podrían ser expuestos en cualquier museo. En resumidas cuentas, una ultrarrecomendable fábula navideña, de esas que tardas tiempo en olvidar y en definitiva una delicia para los ojos y el corazón. PAPRIKA, DETECTIVE DE LOS SUEÑOS (2006): Satoshi Kon retomaría con Paprika su cine más personal, tras el breve impass que supuso Tokyo Godfathers, componiendo la que probablemente sea su obra más paradigmática: todo un lienzo de fantasía abrumadora, ciencia-ficción, surrealismo, terror e intriga para adultos. Otra película de culto para la colección. De nuevo regresa aquella constante en su cine que es la falta de coherencia narrativa y que compromete al espectador a embarcarse en un viaje mental nada convencional, sugerente, imaginativo y fantástico donde los haya. La historia, que en su planteamiento ya deja entrever que seremos testigos de un espectáculo de imaginación ilimitada, nos cuenta que un psiquiatra ha sido capaz de desarrollar un método revolucionario de terapia


que denomina “PT”, o lo que es lo mismo, nada más y nada menos que una máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de sus pacientes para tratar sus fobias, pesadillas recurrentes y ansiedades. Pero todo se complica cuando uno de los modelos de “PT” sea robado del laboratorio y alguien comience a invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus recuerdos y personalidades mientras duermen. Semejante premisa no puede resultar más atrayente, más sugestiva y fascinante. Porque el resto de la película está a la altura, y de qué manera. De nuevo asistiremos a la mezcolanza del sueño con la vigilia, de los recuerdos con la imaginación, de las escenas de ficción del cine con las cualidades etéreas de internet, en una historia que recorre los entresijos más oscuros de la mente. Definitivamente, no apta para todos los públicos. En Paprika te vas a encontrar electrodomésticos que bailan, ranas que cantan, y casi cualquier cosa que puedas imaginar en este canto a la imaginación. Kon demuestra de nuevo que es una fuente de ideas inagotable que además prescinde de los tópicos del anime al uso. Kon experimenta con su propia representación del mundo onírico, lejos de plagiar a maestros en este terreno como Lynch, Buñuel o Gillian, y construye escenarios y situaciones que siguen la peculiar “lógica” de los sueños, cuando cualquiera de nosotros se sumerge en el subconsciente. ¿Esto es posible? Kon nos demuestra que sí. Mientras que habitualmente se suelen representar las escenas oníricas como una acumulación de “cosas extrañas sin mucho sentido”, el genio japonés utiliza las transiciones propias entre escenas del sueño, la forma de hablar absurda de algunos personajes, la capacidad para dar saltos en el espacio y el tiempo, de volar y realizar acciones increíbles, así como de otros recursos generalmente a evitar “en pos de una mayor claridad narrativa”. A menos que seas un genio como Satoshi Kon, que logra que la historia, con un guión fabuloso, no pierda sentido y sea capaz de seguirse de principio a fin sin resultar confusa. Y esto le otorga mayor mérito si cabe. Una maravilla, y una película de animación que todo el mundo debería, intentar al menos, visionar una vez en la vida. Uno se queda con ganas de más.

PARANOIA AGENT (2004): También en el

mundo de las series de animación para televisión dejó Satoshi Kon su genial impronta. Y es que desde su ópera prima, Perfect Blue, con la que esta Paranoia Agent mantiene varias semejanzas estéticas y argumentales, el director ha ido madurando, demostrando con ésta última que es capaz de llevar su imaginación hasta

fronteras inauditas y algo difíciles de alcanzar. De cualquier modo, es cuestión de permanecer atento y, como ya hemos avisado, alejarse de cualquier idea preconcebida. A lo largo de 13 fenomenales episodios, Satoshi Kon nos cuenta la historia de Sagi, una diseñadora gráfica de Tokyo que ha creado una de esas mascotas kawai tan sumamente populares en el país del Sol Naciente y por la cual ha alcanzado la fama dentro de su mundillo. La presión que experimenta por alcanzar con su siguiente proyecto un éxito similar nos recuerda a los miedos y angustias que padece Mima, la ex idol de Perfect Blue. La chica es además el blanco de las envidias de sus compañeros, que la


dejan de lado y la menosprecian. En medio de una fatal depresión, y cuando regresaba a su casa de noche, Sagi es atacada violentamente por un muchacho que se desplaza sobre patines, lleva gorra y le golpea con un bate de béisbol: Shounen Bat. Mientras la joven es acusada de inventarse el ataque para deshacerse de su desfavorable situación laboral, el misterioso patinador seguirá golpeando cabezas durante la noche y convirtiéndose en leyenda urbana. Dos detectives muy peculiares se encargarán de investigar el caso y descubrir, poco a poco, lo engañosa que es la propia realidad. Cada uno de los capítulos de Paranoia Agent nos presenta a un personaje torturado por sus propios

problemas y fantasmas, personajes a los que solo une el nexo común del ataque que sufrirán a manos del bate de Shounen Bat. Satoshi Kon lo vuelve a hacer, vuelve a crear una fantasía envolvente, subyugante, embriagadora y maravillosa, una nueva mezcla de terror, fantasía, ciencia ficción, profundidad psicológica, surrealismo, oscuridad y, al final de todo, humanidad. La serie es una masterpiece de brillante animación, personajes de línea clara e historia oscura, a menudo sórdida, que traza imágenes tristes y mágicas para contar unas historias que rayan la locura y el surrealismo. Paranoia Agent es sumamente adictiva y para nada destinada a consumo infantil. Violentos borrachos, profesoras que se prostituyen cuando llega la noche… Un soplo de aire fresco en


SU RECUERDO Cuando al maestro le diagnosticaron la dolencia que se lo llevaría, dejó escrita una carta de despedida en su blog personal, escrita por él mismo, hecho que no hace sino remarcar su increíble fuerza, su admirable corazón y entereza.

“18 de mayo de este año, es un día que no podré olvidar. Mi esposa y yo hemos recibido el siguiente diagnóstico de un cardiólogo de la Cruz Roja del hospital Musashino: “El cáncer de páncreas es terminal y se ha producido una metástasis en el hueso. Te queda a lo sumo un año y medio de vida.” Cuando le expuse mi preocupación por Yume Miru-Kikai al Sr. Maruyama (fundador del estudio Madhouse), dijo, “Está bien. No te preocupes, nosotros haremos lo que sea necesario”. Lloré. Lloré mucho. el panorama del anime, de argumentos y tics tan manidos, absolutamente recomendable y me atrevería a decir que imprescindible. Una nueva obra maestra de Satoshi Kon. Y ya van…

Con un sentimiento de gratitud por todas las cosas buenas en este mundo, dejo mi pluma.

THE DREAM MACHINE (2013): Cuando el maestro nos abandonó, sus seguidores pensamos que no volveríamos a ser deleitados con otra de sus genialidades, pero hace poco nos encontramos con una gran sorpresa. El último regalo de Satoshi Kon, su maravilla póstuma. Y es que cuando el maldito cáncer de páncreas nos lo arrebató, Kon se encontraba desarrollando su nuevo trabajo, Dreaming Machine, por lo cual su finalización y estreno quedaba en el aire. Pero sí, finalmente la película será concluida y tendrá un lanzamiento con todos los honores que Kon se merece. El encargado de asumir el proceso de desarrollo y conclusión de Dreaming Machine será como siempre el fabuloso equipo de producción de Madhouse, que respetará absolutamente la idea que maestro quería mostrarnos, y de esta forma podremos sumergirnos una vez más en su fascinante universo de sueños y pesadillas, de maravillas y sentimientos.

Satoshi Kon

Bueno, es hora de irse.

Ahora que el genio nos ha dejado llega el momento de recordarlo. Es hora de regalarle nuestro personal homenaje, que no puede ser otro que el disfrute de las maravillosas obras de arte que nos legó. Los aficionados al anime ya le han puesto en su lugar, en lo más alto. Los que no conocieran su trabajo están a tiempo de descubrirlo y dejarse llevar por su personal manera de entender la animación. Sea como sea, que en paz descanse. Ahora sí que vive en nuestros sueños.


Nobuhro Watsuki


i


Nobuhiro Watsuki,

mucho mas que Rurouni Kenshin Este mes aparte de hablar de un manganime, os voy a hablar de un mangaka que a mi parecer, merece una mención, os voy a hablar de Nobuhiro Watsuki, el mangaka de Rurouni Kenshin. Pues bien Nobuhiro Watsuki es un mangaka japonés, nacido el 26 de mayo en 1970, en Nagaoka, en la prefectura de Niigata. Desde pequeño fue influenciado por su hermano mayor, el cual también dibujaba manga pero acabo por dejarlo. Estuvo influenciado por mangas y animes tales como Doraemon (Fujiko F. Fujio) y Black Jack (Osamu Tezuka) Además de Neon Génesis Evangelion. Fue un aficionado al Kendo (este hecho influyó en sus trabajos), deporte que practicaba pero en el cual nunca llego a tener éxito, y ésta será siempre una frustración latente. No fue hasta la secundaria cuando su carrera como mangaka empezará a tomar forma, participando en el concurso POP STEP Award de Shueisha (Editorial que publica revistas como Shonen Jump, donde encontramos títulos como Naruto, One Piece... o Bessatsu Margaret, una revista dedicada al Shojo con mangas tales como Kimi ni Todoke, Itazura na Kiss o Lovely Complex), el concurso lo ganó con Podmark una historia completa la cual después sería publicada, además, aquí fue donde conoció al que en un futuro sería su editor.

En el 1993, fue publicada su primera obra, dos oneshots de Meiji Kenkaku Romantan en la Shonen Jump, esta publicación fue predecesora de su obra más conocida, además, estas dos historias quedan recogidas en los tomos 2 y 3 de Rurouni Kenshin. En 1994, se publica el primer capítulo de Rurouni Kenshin, donde se relata la vida de un hitokiri después del bakumatsu, esta historia se hizo muy popular, y de ser una historia que en un principio tendría 30 capítulos como bien dijo Watsuki en una entrevista, pero su éxito fue tal, que al final acabo teniendo 28 tankobon. Además dentro de los tomos de Rurouni Kenshin encontramos las historias de Yahiko no Sakabato, que trata 5 años después de la historia principal, y Meteo Sutoraiku, esta ultima creada mientras aun se publicaba Rurouni fue añadida en el tomo 28 del lanzamiento europeo, es un one-shot, de un chico que es golpeado por un meteorito y en vez de morir... gana súper poderes.

Tiempo después fue el asistente de Takeshi Obata (mangaka de Death Note) al cual admiraba, en mangas como Arabian Lamp-Lamp y Chikara Mito Densetsu. Debido a esta admiración, Watsuki se basa en algunos personajes de Obata para la futura creación del diseño de alguno de los suyos. Su primer trabajo como profesional fue Sengoku no Mikazuki (Luna creciente en época de guerra), aquí se relata la historia de Seijuuro Hiko, un solitario espadachín del Hiten Mitsurugi Ryuu. Esta historia consta tan solo de un one-shot que fue publicado en el tomo 6 de Rurouni Kenshin.

Gun Blaze West, fue otra de sus obras, ambientada en el lejano oeste en el S.XIX, lamentablemente no tuvo mucho éxito y su publicación fue cancelada después de ser editado el tercer tomo.


Buso Renkin, también es una de sus obras más conocidas, está compuesta por 80 capítulos recogidos en 10 tankobon, todos fueron publicados en la Shonen Jump excepto el capitulo 80 que fue publicado en otra revista de Shueisha en dos partes. Esta historia ambientada en un Japón actual nos relata como un joven muere y es resucitado con un corazón de alquimia. Embalming: The Another Tale of Frankestein, este es su último trabajo el cual sigue publicándose, y está basado en criaturas llamadas Frankestein que son construidas a partir de cadáveres y reanimadas a base de electrones. Este manga está teniendo buena acogida, ya tiene 10 capítulos publicados y los 8 primeros ya están recogidos en un tomo. Dentro de su primera semana de publicación alcanzo el puesto número 11 de Shueisha. Dentro de sus creaciones, encontramos que también ha sido diseñador de los videojuegos, Shinsengumi Gunraw Den, y Samurái Shadow V. Watsuki es muy aficionado a la historia japonesa, en concreto a la época del Bakumatsu, como bien se ha notado, ya que toma muchas personas reales, para ambientar algunas de sus obras, unos ejemplos claros son Okita Souji, o Saito Hajime, que fueron unos de los mejores espadachines del Shinsengumi. Además dentro de sus aficiones, también están los videojuegos, sobre todo los de peleas, los cómics americanos como ha comentado en sus tomos, en especial X-Men. Entre sus películas favoritas encontramos “Regreso al futuro” y “La jungla de cristal”. Y hasta aquí llegamos con Nobuhiro Watsuki, el creador de uno de mis mangas favoritos, espero que os haya gustado, y... ¡nos vemos! POR MIRIAM GRADO


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Rurouni Kenshin

por Miriam Grado


Para este mes, especial de animación japonesa, os voy a hablar de una de mis series favoritas, Rurouni Kenshin, conocida en España como El guerrero samurái. Creo que esta serie, fue la que me hizo ser una aficionada al anime, si... por aquella época ya había visto Dragon Ball y Sailor Moon, pero... esta fue la que acabo de aficionarme, me levantaba todos los fines de semana para ver las andanzas de Kenshin por las televisiones españolas, por allá a finales de los 90. Este manganime es de Nobuhiro Watsuki, y fue editado entre el 1994 y 1999, pon Shonen Jump. La historia nos transporta al inicio de la era Meiji, teniendo también hechos del bakumatsu de la dinastía Tokugawa, narrándonos durante 95 episodios las aventuras de Kenshin, un espadachín vagabundo que durante la restauración fue un hitokiri (asesino), conocido como Battosai el Carnicero y que después de la guerra desapareció. La historia está cargada de sentimientos, acción, valores y enseñanzas que se nos van mostrando

capítulo a capitulo con cada uno de sus personajes, los cuales voy a comentaros un poco ya que a mi parecer cada uno es una pieza importante, y más las relaciones que tienen entre ellos. Himura Kenshin, es nuestro protagonista masculino, fue Battosai el Carnicero durante la restauración, un espadachín sin rival... Desde niño con tan sólo 6 años, fue vendido a una caravana como esclavo, por aquel entonces se le conocía como Shinta, y un día, unos ladrones les asaltaron y toda la caravana murió excepto él, ya que Sheijuro Hiko les ve y mata a los asaltantes. Después de que Shinta enterrara todos los cadáveres, el espadachín misterioso que vuelve a encontrárselo decide llevárselo con él y enseñarle la técnica Hiten Mitsurugi Ryuu, además de cambiarle el nombre de Shinta (corazón grande) ya que tenía un significado demasiado delicado para un espadachín y le renombrar como Kenshin (corazón de espada).

Después de varios años de duro entrenamiento decide marcharse para formar parte de los monárquicos y ayudar a todas esas personas que están sufriendo y se une a los Ishin Shishi, y es aquí donde poco a poco empieza a tomar el nombre de Battosai debido a la técnica que utiliza a la hora de luchar (la de desenfundar rápido). Toda esta parte de la vida del protagonista la encontramos en los OVA’s anteriores a la serie. Ya en el anime, vemos cómo conoce a Kaoru, y como es su vida 10 años después de la restauración, y la forma en que tiene de redimir su consciencia protegiendo por todo Japón a los débiles con su katana de filo invertido. Es un personaje entrañable, divertido, e incluso por momentos adorable, siempre se muestra amable, y humilde, tratando de encauzar la vida de las personas que se encuentra en su camino, ayudándoles de la forma que pueda, siempre con sus frases de ánimo y demás. Físicamente el mangaka quiso que fuera todo lo opuesto a su sensei, además de tener una marca en forma de cruz muy distintiva en su mejilla, la cual también tiene una historia lacrimógena y a mi parecer estupenda que se cuenta en los OVA’s anteriores a la serie. El personaje está

basado en Kawakami Gensai y Miyamoto Musashi. Kamiya Kaoru (Kory en español), es una chica de 17 años, alegre, divertida, dicharachera, de carácter fuerte y muy decidida, su primer encuentro con Kenshin es algo... peculiar, ya que le asalta en mitad de una calle llamándole Battosai, y tiene intención de atacarle ya que cree que es él el que va dándole mala fama a su dojo. Ella ahora mismo es la dueña de un dojo, que su padre le dejo en herencia junto con la técnica Kamiya Kashin Ryuu, la espada que sirve para proteger la vida. Sagara Sanosuke, también conocido como Zanza, por la espada enorme que lleva al inicio de la serie, es un personaje que tiene un comportamiento algo arisco y desconfiado con Kenshin ya que Sanosuke perteneció al Sekihoutai, que fueron un grupo de apoyo para los Ishin Shishi y después fueron


traicionados por estos, pero después de una buena pelea, ambos se convierten en grandes amigos. Tiene una personalidad fuerte y decidida, y siempre está dispuesto a meterse en una buena pelea. Personalmente, este personaje, es mi preferido, de todos, me impacto en un primer momento, y aun a día de hoy, sigue estando en el pedestal. Myojin Yahiko (Yoshi en español), es un niño que está siendo extorsionado por un grupo de Yakuzas y le obligan a robar por una deuda que ni tan siquiera tiene con ellos. Proviene de una familia de samuráis que perdió su estatus debido a la llegada de la era Meiji. En el primer encuentro con Kenshin y Kaoru, Yoshi intenta robarles disimuladamente, pero le pillan, y después de unas palabras con Kenshin decide no seguir mas a la Yakuza, hecho que hace que estos se enfaden, y... por el cual Kenshin decide ir a buscarle, y se lo lleva al dojo, diciéndole a Kaoru que desde ese día será su alumno, para que así este, consiga lo que quiere, hacerse fuerte y poder ayudar y proteger a sus seres queridos. Estos son los personajes más principales, de los cuales veremos el día a día, como afrontan el cambio de era, y la forma en que el pasado todavía les persigue a algunos. Más avanzada la serie se une al grupo Takani Megumi, una doctora, que proviene de una familia de médicos que se remonta desde la era Edo, la cual está trabajando para un grupo creando drogas en contra de su voluntad. A lo largo de la serie también veremos los antagonistas, que generalmente son antiguos combatientes de la guerra que en algún momento perdieron el norte por la ambición de matar y el gusto que le tomaron a la sangre, o sencillamente como una vendetta personal contra el gobierno vigente. Tal vez uno de los enemigos más destacados a mi parecer sea Shishio, ya que ocupa la segunda saga completamente, él y los Juppon-Gatana (las diez mejores katanas de Japón). Además, en mi opinión, es uno de los malos de anime que más me gusta, el tío... tiene estilo.

Tanto en el anime como en el manga Watsuki nos deja presentes su afición por la historia japonesa, y al kendo, deporte con el cual se inspiro y le ayudo a describir y dibujar las técnicas de combate de los protagonistas, que son unas cuantas. La técnica Hiten Mitsurugi, es una técnica de kenjutsu (esgrima japonesa), es la técnica más poderosa dentro de la historia, es de movimientos veloces llegando a golpear varios oponentes de una sola vez, además de tener una buena defensa. Es una técnica de la cual por generación tan solo puede haber un conocedor de ella, y este siempre adquirirá el nombre Seijuro Hiko, en el manga el ultimo Hiko es el XIII, el instructor de Kenshin ya que este deja muy claro que no quiere transmitir ese estilo de lucha a futuras generaciones. Y la técnica Kamiya Kashin, la única maestra a día de hoy es Kaoru, ya que al morir su padre heredo el dojo, es una técnica que basa su filosofía en la espada que salva la vida, y se practica con un shinai que en la serie es una espada de madera que se asemeja a una katana. Los arcos argumentales de la serie están compuestos por: • Tokio-Hen, esta saga comprende los capítulos 1 al 47, y del tomo 1 al 6, en la serie son los capítulos 1 al 27. Es el inicio de la serie, donde se nos muestra a todos los personajes, y se nos dan a conocer aspectos de su personalidad, y trazas de su pasado. En esta saga aparecen los Oniwabanshu (un grupo de espías similar a los ninjas, y son de los primeros enemigos, de este grupo yo destacaría a Aoshi el líder, y a Han’Nya). • Kyoto-Hen, esta saga va desde el capitulo 48 al 151, y del tomo 7 al 18, y en el anime del 28 al 62. En este arco argumental se abarca el complot de Makoto Shishio para derrocar al gobierno dando un golpe de estado, en estas Kenshin es avisado y parte hacia Kyoto para enfrentarse a él y a la JappunGatana. • Jinchuu-hen, esta parte final comprende entre los capítulos 152 al 255, esta saga no fue llevada al anime, es un arco argumental algo más dramático que el resto, en el cual Yukishio Enishi, va buscando venganza con Kenshin por la muerte de su hermana Yukishio Tomoe, en esta parte llega un punto donde Kenshin relata con profundidad su pasado como hitokiri y la verdad que hay tras la cruz en su mejilla.


Parte de la historia y del pasado de Kenshin se cuenta en la serie de 4 OVA’s llamada Rurouni Kenshin: Tsuiokuhen, en mi opinión... es uno de los mejores OVA’s que jamás haya visto, tanto el dibujo que a mi parecer es espectacular, la trama, la forma de explicar los hechos, el dramatismo que conlleva, junto con la dosis exacta de dureza en la historia, me hacen verla como una pequeña obra de arte, siempre me pareció excepcional, y no podría llegar a decir cuantísimas veces los he visto. Me parece sencillamente genial. Por otra parte tenemos el Rurouni Kenshin: Seisohen, son los OVA’s que nos relatan la parte final de la historia, cabe mentar que Watsuki tan solo dio la licencia para que lo hicieran ya que no tomo parte en el guion de la historia, ya que por opinión personal para con el personaje principal, no le parece apropiado el final de estos OVA’s, y esto causo algo de controversia entre los fans, ya que muchos han optado por fingir que no existió jamás esta trama y se quedaron en el final del manga. Dejando ya la historia de lado, y hablando de aspectos más técnicos, de la edición en papel, hablamos de una serie bastante larga con 28 tankobon y 22 kanzeban. A España este estupendo manga llego bajo la mano de Glenat. El dibujo respecto con el anime, no varía demasiado y la trama en general, no tiene más diferencias que las propias para poder amenizar a la hora de la animación, que a mí siempre me pareció genial para la fecha en la que fue hecha. En el ámbito de los dobladores, nos encontramos a Mayo Suzukaze como la seiyuu de Kenshin, a Miki Fujitani doblando a Kaoru, a Yuji Ueda como el seiyuu de Sanosuke que también ha puesto voz a personajes tales como Hiroyasu Ueda en Chobbits, y Keitaro Urashima en Love Hina, y como seiyuu de Yahiko tenemos a Miina Tominaga que ha doblado a personajes como Kamome en Paranoia Agent, y a Ritsu Soma de Fruits Basket. Para el 2011 fue anunciado el proyecto Shin Kyoto-

hen, que se relatara el arco de Kyoto desde el punto de vista de Makimachi Misao, la chica que se encuentra Kenshin de camino a Kyoto. Además, de que este agosto pasado se estreno el live action de Rurouni Kenshin, y la película ha sido licenciada en más de 66 países, teniendo España una de ella, será traída a nuestro país por Media3, y el DVD saldrá a la venta entre febrero y marzo de este 2013, yo personalmente me muero de ganas de verla. De la serie poco más que decir, aparte de que como opinión personal, me parece entera una obra maestra de estas en las que se te encoje el corazón debido a los sucesos que les ocurren a los personajes, ya que estos se hacen entrañables, y se les coge cariño desde un principio. Y esto ha sido todo por este mes, nos vemos el siguiente. Recordad, toda Katana, necesita una funda. ¡¡Hasta pronto!!


Anime de 26 episodios creado por los estudios Sunrise, con la dirección de Shinichiro Watanabe. Comenzó a emitirse en 1998. Año 2071. Spike Spiegel y Jet Black son los tripulantes de la nave cazarecompensas BEBOP. En su afán de buscar recompensas se verán corriendo aventuras en las que conocerán a tres nuevos compañeros de viaje: Faye Valentine, Ed y Ein, su mascota. Durante toda la trama podremos ir viendo cómo se desarrollan las relaciones entre todos los personajes e iremos descubriendo la historia personal de cada uno.

PERSONAJES

POR NE

Spike Spiegel

Nacido en Marte. Ex-miembro del sindicado criminal Dragón Rojo que está inmerso en un triángulo amoroso formado por un antiguo compañero, Vicious, y una misteriosa mujer, Julia. Bajo su apariencia irónica y despreocupada se esconde un experto en un arte marcial llamado Jeet Kune Do. Hay tres cosas que odia: los niños, los perros y las mujeres aprovechadas. Cosa que repite mucho más cuando conoce a sus tres nuevos compañeros.

Jet Black

De Ganímedes. Experimentado y serio, es el jefe de la nave. Perdió su brazo cuando, siendo aún policía, se metió en una pelea con un delincuente. La corrupción del sector le llevo a dejar su trabajo y a vivir a su modo. Le encanta cocinar y criar bonsáis.

Faye Valentine

Es una mujer amnésica que despierta de un letargo criogénico. Intenta ganar dinero rápidamente para solventar una deuda que tiene con los que la durmieron. Su pasado es todo un misterio para ella. Mientras la trama pasa su pasado se irá desvelando poco a poco.

Ed

Chica terrestre que parece un chico. Vaga sin rumbo, dejándose llevar por la vida. No se preocupa por el futuro y se dedica a vivir el día a día. Es una hacker que siempre va dando problemas. Desconoce el paradero de su padre aunque uno de sus mayores deseos es encontrarle. Se une a la tripulación de BEBOP tras hackearla y controlarla durante su huida del orfanato en donde fue criada.

Ein

Ex-animal de laboratio. En un perro de la raza


EKO MAI

productor y demás gente que ayudó en su creación. Estos tomos se publicaron en el 2000 por Kadokawa Shoten. A España llegaron a mediados de 2004. Existe un videojuego para la PS1, creado por la compañía Bandai en mayo de 1998, llamado Cowboy Bebop. Un segundo juego fue lanzado sólo en Japón en agosto de 2005 bajo el nombre de “Cowboy Bebop: Tsuioku no Yakyoku” para la PS2. La película animada se estrenó en 2011. Su trama adentra a los tripulantes del BEBOP en la búsqueda de un criminal peligroso, que maneja un arma química muy peligrosa capaz de liberar un virus mortal, por el que se ofrece una recomensa de 300 millones de woolongs (la moneda oficial).

Pembroke Welsh Corgi. Durante toda la serie vemos indirectas sobre sus capacidades intelectuales, aunque ninguno de sus compañeros las capta. El anime estuvo a punto de no ser emitida en la tele japonesa. De primeras, sólo se emitieron algunos capítulos en abril de 1998. Fue a finales de ese año cuando la WOWOW emitió la serie completa. Se realizó un largometraje llamado “Cowboy Bebop: Tengoku no Tabira” en 2001 viendo la popularidad que había obtenido el anime durante su emisión. Por problemas legales, el título acabo siendo “Cowboy Bebop: la película”. Existe una adaptación al manga formada por tres tomos de 186 páginas cada uno en la que se cuentan diversas historias sobre los personajes. Al final de cada volumen hay comentarios del director, el

En un principio, se iba hacer un Live Action avalado por la 20th Century Fox y protagonizada por Keanu Reeves como Spike. En una entrevista Reeves desveló que el proyecto estaba olvidado ya que su presupuesto alcanzaba los 500 millones de dólares. Uno de los elementos más atrayentes de la serie es su banda sonora. Entre sus intérpretes se cuentas voces como Mai Yamane, Steve Conte, The Seatbelts… La mayoría de las canciones son de un estilo jazz, bebop, aunque también encontramos toques de blues, pop, música clásica y heavy metal. Las canciones cantadas tienen letras en japonés, inglés y francés. La banda sonora está creada por un total de 8 discos. Además existe uno en el que se recopilan las canciones más populares.


Sin duda, Cowboy Bebop es una de las que merecen ser llamadas “series de época”. Una fuente inagotable de virtudes en la que el género espacial, es western y lo melancólico se mezclan. Acción, drama, comedia e incluso algo de romanticismo nos acompañan a lo largo de la trama. Pese a su complicada trama y sus partes liosas, en general Cowboy Bebop es una obra que podemos ver en poco tiempo y sin cansarnos. La música es un factor importante para comprender la profundidad de todo lo que vemos. A lo largo de la serie hay continuas referencias a la música, de hecho a veces da la sensación de que cada capítulo es un “mini-concierto”. La forma en la que se unen música, dibujo y trama es algo sobrecogedor. Todo consigue transmitir grandes dosis de sentimiento. La organización los capítulos es una de las facilidades de la serie. Si bien la mayoría son auto-conclusivos, contando la trama de algún caso, es obligatorio verlos ordenadamente, ya que en cada uno se van dejando pequeñas pistas sobre cada personaje. Cada uno de los personajes tiene su propio papel en la trama y en ningún momento sus comportamientos se hacen repetitivos. Todos tienen un pasado importante que determina su carácter en la trama y la forma en la que se tratan unos a otros. Con una personalidad bien determinada y unos impulsos impredecibles cada uno de ellos puede hacer que todo cambie con una sola acción, sus pasados nunca les dejarán de perseguir y reaccionar bien ante las diversas situaciones que se presentan es fundamental para seguir todos juntos. El diseño de los personajes es de lo más impresionante para el tiempo en el que se hizo. Si bien actualmente podemos ver todo lo que ha cambiado la animación, el dibujo con el que Cowboy Bebop está creado no tiene ningún desperdicio. Fue de las primeras series en las que se mezclaron los diseños a mano con los de ordenador. Los combates sin duda son de los mejores que se hayan creado nunca. Bien detallados, todos los planetas, satélites y paisajes que se muestran tienen su personalidad propia.

Esta personalidad se ve intensificada en las escenas con peleas, en donde este estilo de dibujo recalca el realismo que se le quiere dar a los personajes. No existen las curvas o las posturas “raras” de algunos animes de hoy en día. En este caso tenemos una dosis de realismo increíble, sobre todo si nos fijamos en los rasgos de la cara, la fisonomía general de cada personaje y los movimientos que adopta cada uno. En los combates aéreos, en los que las naves muestran el gran trabajo que se hizo, la sensación de realidad aumenta cuando hablamos de lo dispares y las explosiones. La única pega que puede haber: si el primer capítulo no te llama seguramente no serás de los que aprecien esta serie.


Hay pocas criaturas sobrenaturales que despierten en nosotros una fascinación similar a la que ejercen los vampiros. Desde las antiguas leyendas de Europa del Este hasta los aristocráticos vampiros salidos de la pluma de Anne Rice, pasando por el Drácula de Bela Lugosi, estos misteriosos señores de la noche han rondado el inconsciente colectivo desde tiempos muy remotos. Como es natural, este fenómeno se ha ido renovando constantemente, adaptándose a los tiempos sin traicionar su esencia. Como muestra un botón: es cuestión de ver lo diferentes que son entre sí las diversas adaptaciones al cine del Drácula de Bram Stoker, o incluso las libertades que éstas se toman respecto del original. Dentro de las constantes reinvenciones y vueltas de tuerca del género, una de las que más me ha llamado la atención es Hellsing, popular manga que ha dado lugar tanto a una serie de anime como a una de diez OVAs, Hellsing Ultimate, cuyo último episodio fue lanzado a fines del año pasado. Es ésta la que inspira el presente artículo: saber que el actual número estaría dedicado íntegramente a la animación me dio la excusa perfecta para ver una serie a la que hace tiempo estaba tentado de hincarle el diente. La serie cuenta la historia de la Sagrada Orden de Caballeros Protestantes Hellsing, encargada de proteger a los súbditos británicos de las depredaciones de los vampiros, mientras mantienen una tensa paz con sus enemigos católicos, representados por la XIII División del Vaticano, la organización Iscariote. A diferencia de éstos, sin embargo, Hellsing no teme combatir fuego con fuego. De hecho, su principal agente es el enigmático vampiro Alucard.

El principal conflicto de la serie se deja ver desde el comienzo, a medida que una plaga de vampiros sin precedente empieza a asolar Inglaterra, obligando a la organización Hellsing a desplegar todos sus esfuerzos para ponerle coto. Sin embargo, pronto queda claro que estos ataques están lejos de ser un suceso accidental, apareciendo pistas que apuntan a la Segunda Guerra Mundial, cuando Hellsing combatía a las hordas de seres sobrenaturales creadas por los nazis. La serie es una mezcla tremendamente bien lograda de terror y acción, a medida que seguimos a Alucard y el resto de Hellsing en su búsqueda del responsable por los ataques. Incluso en un trabajo para adultos, sorprende lo crudo de la violencia, así como el absoluto desprecio de prácticamente todos los personajes por cualquier cosa siquiera parecida a la moral: aquí, lo único importante es la victoria sobre los enemigos, los medios que se utilicen para ello son irrelevantes. El dibujo y la animación son impecables, ayudando a transmitir la atmósfera deseada: en el mundo de Hellsing, la vida humana no vale nada, y lo mejor que cualquiera de sus personajes podría esperar es sufrir una muerte rápida. Ni siquiera el Vaticano es retratado en una luz más amable pues, pese a negarse a utilizar vampiros en su guerra contra la oscuridad, no duda en lanzar una cruzada genocida contra Inglaterra, aprovechando una invasión vampírica a gran escala. La serie parte muy bien, con la espectacular banda sonora y un magistral trabajo de doblaje enganchando rápidamente al espectador. Por desgracia, no está exenta de bemoles.

ULTIMATE


Si bien los personajes son bien definidos y plausibles en sus motivaciones, la serie carece de un antagonista capaz de contrapesar el enigmático carisma de Alucard. De los varios villanos, no hay ninguno que se acerque siquiera al poderoso vampiro. En crear un personaje tan sólido, todo el resto parece ser simplemente parte del decorado en comparación.

y deleitándose en la atmósfera de terror. Por desgracia, hacer eso desemboca en una decepción tremenda, al ver la tensión constantemente interrumpida por paréntesis sin sentido. Así las cosas, lo mejor será verla con un grupo de amigos, sin tomársela demasiado en serio, bromeando ante las grotescas e imaginativas maneras en que el protagonista de la serie dispone de sus enemigos.

Otro punto que le juega en contra es el humor. A diferencia de lo que ocurre en la primera serie, en Hellsing Ultimate sí hay espacio para el humor, con una particular preferencia por dibujar a los personajes en estilo súper deforme. Si bien esto ayuda a romper la tensión del deprimente mundo en que la serie se desenvuelve, al cabo de unos pocos episodios empieza a volverse exasperante: en más de una ocasión, el emocionante preludio a una gran batalla se ve interrumpido por paréntesis humorísticos sin sentido, afectando de tal modo la atmósfera que, de no haber sido por el compromiso de escribir esta columna, habría dejado de lado la serie en su quinto episodio.

Hellsing Ultimate podría haber sido una obra maestra, lástima que por errores tan evitables haya quedado convertida en una serie de animación más.

Fue una suerte que no lo hiciera, sin embargo, pues la serie se redime con creces en los últimos episodios, dando lugar a un final digno de verse. De no ser por los constantes exabruptos humorísticos, la serie sería ideal para verla en soledad, disfrutando los detallados dibujos

POR JUAN DOUGNAC


live actions

manga/anime manga/anime

Dentro del fandom otaku existen diferencias con respecto a sus opiniones acerca de la realización de películas con actores de carne y hueso de sus mangas que tanto le han marcado a lo largo de meses y meses, y es que un manga, sobre todo en Japón, puede llegar a acompañar a sus lectores más de 5 años seguidos, ya sea leyéndolos en las revistas semanales capítulo por capítulo, o por tomos cada unos dos meses. Esa relación tan estrecha de los lectores con sus historias se ve un poco afectada con la realización de dichas películas, ya que no sólo se resumen años de esa compañía en un par de horas, sino que es muy difícil encontrar personas reales que sean capaces de interpretar a personajes tan conocidos por los fans. En este artículo encontraréis las películas que yo he considerado que deberéis saber de su existencia, ya sea por su genialidad cinematográfica, por la considerable adaptación, o por el contrario, por la aberración cometida contra su origen en papel. Investigando por internet, he encontrado una lista de más de 250 títulos de películas en live action (con personas reales) tanto de manga como de anime, cosa que nos atañe a todos en este espacio, pero hablaré de las que más interés han tenido para mí.


Título original: “Rurôni Kenshin: Meiji kenkaku roman tan”, dirigida por Keishi Ohtomo y protagonizada por Emi Takei, como Kaoru Kamiya y Takeru Sato como Kenshin. Manteniendo muy fielmente a Nobuhiro Watsuki, autor del manga, los guinistas Kiyomi Fujii y Keishi Ohtomo tuvieron la dificultad de adaptar un manga muy querido por sus fans, el cual también tuvo una gran adaptación en anime y en cine de animación. La película se centra en el año 1868, después del final de la guerra de Bakumatsu, en donde Kenshin Himura es un antiguo asesino el cual ha prometido defender a todo aquel que lo necesite sin volver a matar, y recorre Japón con una katana de filo invertido. En uno de esos viajes, ayudará a Kaoru Kamiya a librarse de los gangsters que le acosan para que venda su dojo. Como agradecimiento, Kaoru invita a Kenshin a que se quede en su escuela. Mientras tanto el químico de drogas Megumi Takani escapa de Kanryuu y busca refugiarse en la escuela y el asesino Battosai está asesinando a los agente de policía de la zona firmando sus hazañas. Las drogas ya están envenenando a la población y Kanryuu quiere atacar la escuela para hacerse con ella, por lo que Kenshin y el guerrero callejero Sanosuke unirán sus fuerzad para atacar a su enemigo común. Todo apunta que esta película será la primera de otras muchas, ya que la crítica recibida ha sido muy favorable, ya sea por la ambientación y vestuarios, muy bien adaptados tanto del manga como del anime, así como la correcta elección de sus actores protagonistas. Puede que se quede un poco corta en cuanto a la trama, ya que es tan solo un anticipo de lo que fue el manga. Y es que 28 tomo son muy difíciles de resumir en dos horas.


Ai Yazawa es la autora de manga de gran éxito, ya que numerosas de sus publicaciones fueron llevadas a la animación, pero con NANA consiguió llevar al cine a sus personajes dos años seguidos, y es que en 2005 se estrenó la primera película con Mika Nakashima como Nana Osaki, la punk, y con Aoi Miyazaki como Nana Komatsu, también conocida como Hachi (y es que Nana es 7 en japonés y Hachi es 8). Nada más estrenarse dicha película ya se estaba anunciando NANA 2 para 2006. En NANA se narra la historia de dos chicas con el mismo nombre, pero a su vez muy diferentes entre sí, y es que Nana Komatsu es una chica muy enamoradiza y supersticiosa, ya que piensa que su nombre le trae mala suerte, pues después de haber tenido numerosos novios, el que ella cree que es el definitivo, Shouji Endo, se va a Tokio para estudiar en la universidad. Por el contrario, Nana Osaki, es una chica con un carácter muy fuerte e independiente, siendo la cantante de una banda punk llamada Black Stones (también Blast) mantiene una relación con el bajista de dicha banda, Ren Honjo, pero éste decide abandonar la banda y a Nana para irse a Tokio con otra banda mucho más conida, los Trapnest. Ambas Nanas se encontrarán por casualidad en un viaje en tren de destino a Tokio, llegando a ser compañeras inseparables, ya que decidirán compartir piso e innumerables experiencias juntas. Dicha película ayudó a lanzar la carrera de Mika Nakashima, ya que el single “Glamorous Sky”, compuesta por Hyde, le abrió numerosas puertas en la industria de la música. A su vez, ayudó también a la actric y cantante Yuna Ito, Reira, la vocalista de Trapnest, con su single “Endless story”. Los actores están muy bien escogidos para sus personajes, ya que todos ellos tienen características que comparten con sus papeles, ya sean las cantantes Nana y Reira, o los guapos Ren y Takumi entre otros. Tanta fue la fama alcanzada por esta película, que en 2006 ya se estrenó pero cambiando los actores de Ren y Nana, cambiándolos por Yui Ichikawa y Nobou Kyou. Existen muchos debates acerca de cuales fueron los mejores Ren y Nana, pero para eso tendréis que ver las películas y escoger por vosotros mismos. Yo solo os digo que a mi me gusta más la primera Nana. Esta segunda película continúa con la historia en el punto que lo dejó la primera, siguiendo con la trama del manga, pero dejando mucho que desear entre los fans de la obra de Yazawa.


En este año se lanzaron dos películas basadas en el manga de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata. Las películas se centran en la vida de un estudiante universitario que encuentra una libreta capaz de asesinar a todo aquel cuyo nombre es escrito sobre ella. Dicho estudiante, Light Yagami, decide deshacerse del mal del mundo matando a todo aquel que él decida que no merece estar en la tierra. Las dos primeras películas fueron dirigidas por Shusuke Kaneko y producidas por Nippon Television y distribuidas por Warner Bros Pictures Japan, por lo que llegaron a todas partes del mundo, llegando a España por Jonu Media. Dichas películas son continuación la una de la otra, siguiendo con la trama del manga, pero con algunas diferencias, como dónde se encuentra el cuaderno, no hay saltos de tiempo, se introduce a la novia de Light, Sanami, Mello, Mikami y Matt no aparecen en la película, Near tampoco aparece en estas dos primeras películas pero sí en la tercera aunque no realiza su misión principal, Rem resulta ser masculino, aunque los shinigamis no tienen sexo, pero en el anime tiene voz femenina… y muertes que ocurren y no deberían ocurrir y viceversa. Existe una tercera película dirigida por Hideo Nakta, estrenada en 2008 y resulta que es un spin-off centrado en el personaje de L. se centra en la historia dentro de los 23 días que le quedan de vida desde el momento que puso su nombre en el Death Note para atrapar a Kira. En algún lugar de Tailandia, un virus artificial mata la gente de una pequeña villa, convirtiéndose en un arma química que todos quieren obtener en el mercado negro, pero el virus muta y el antídoto deja de funcionar. Mientras tanto, el único superviviente de la villa, que ha sido destruída por él, escapa y se va Tokio, en donde L decidirá protegerle, al cual nombrará como Near, el cual será su sucesor en el caso Kira. Por si nos pareciera poco, en 2009 Warner Bros compró los derechos para realizar una adaptación del manga y Vlas y Charley Parlapadines serían los Guionistas del primer borrador del Libreto de la película con Roy Lee, Dan Lin y Doug Davison como productores y se pensó en Ryan Gosling como Light Yagami. A principios de 2011 Shane Black ( Iron Man 3 y guionista de la saga Arma Mortal) fue nombrado su director. Actualmente no hemos encontrado más información sobre dicha película, pero seguro que seguiremos informando.


La adaptación cinematográfica de Battle Royale tuvo lugar en el año 2000 de la mano de Kinji Fukasaku, y llegó a ser considerada una película de culto en muy poco tiempo. En 2003 se estrenó la segunda parte, titulada Battle Royal: Requiem, siendo la continuación de la primera. El manga tuvo gran repercusión y no solo por la trama tan enrevesada, por la violencia de las escenas así como la idea tan brillante de cómo acabar con los boicots de los estudiantes de Japón, los cuales provocan boicots masivos. Esta idea de cómo acabar con esta situación insostenible se ha copiado a diestro y siniestro, como hemos podido ver en Los juegos del Hambre, pues en Battle Royale se crea la ley con este mismo nombre, por la cual cada año, una clase de tercero de secundaria escogida al azar, entre todos los institutos japoneses, se llevará a una isla a todos sus alumnos, los cuales tendrán que luchar entre ellos durante tres días hasta que sólo quede un superviviente. En esos tres días quedan 2 supervivientes o más, morirán por el collar que llevan en el cuello, con el cual controlan sus constantes vitales, su localización, e incluso lo que dicen. Pero no son tan malos, hombre, a cada alumno se le provee de agua y alimento para tres días y de un arma al azar, así como material de higiene personal para las chicas. A su vez, la isla está dividida en diferentes zonas por donde se irán realizando diferentes pruebas para los alumnos, los cuales son los únicos habitantes de la isla, junto con los militares. Las reglas, principalmente, son estas: 1. No hay escapatoria. 2. Si sobrevive más de uno al pasar los tres días todos morirán. 3. No se puede permanecer en las zonas de peligro. 4. No se puede quitar el collar. 5. No existen normas con respecto al modo en el que se mata. 6. Se permiten las asociaciones para ayudarse mutuamente, pero no evita que solo pueda sobrevivir uno. Esta es una de las adaptaciones cinematográficas que más éxito ha alcanzado, por lo que no os revelaré más para que así podáis verla y disfrutarla. Pero, sinceramente, os recomiendo aún más el manga.


Como no todo va de “pelis que molan” o “cómo se lo han currado”, os voy a hablar de la fatochada que hicieron con Dragon Ball estos yanquis, los cuales parece ser que no vieron ni una de las miles de reposiciones del anime basado en la obra de Akira Toriyama. En 2009 se estrenó dicha película tras haberse rodado mucho antes, pero es que, personalmente, creo que estaban evitando sacar a la luz la peor película basada en un manga de la historia. Dirigida por James Wong y protagonizada por Justin Chatwin, en el papel de Goku, y James Marsters como Piccolo, se centra en esta saga del manga, aunque nada tiene que ver. La trama principal se centra en presentarnos a Goku como un chico diferente al resto, que va al instituto (¡¡Goku estudiando!!), que posee un gran poder oculto y un misterioso pasado, el cual vive con su abuelo adoptivo y maestro Gohan a las afueras de la ciudad (ahí más o menos han acertado). Todo cambia cuando su abuelo es asesinado por Piccolo, el cual ha sido liberado de su prisión tras milenios atrapado (flipante) y el cual desea vengarse de la humanidad gracias a las legendarias Dragon balls. En el lecho de muerte, Gohan le indica a Goku el deseo de que reuna las siete dragon balls, para así evitar que Piccolo obtenga su deseo de vengarse de la humanidad. Para ello tendrá que ir en busca de Muten Roshi, pero antes se encontrará con Bulca, una joven intelectual que se le unirá en la búsqueda de las bolas de dragón. En el viaje, se incorporarán personajes c omo Yamcha y otra chica, la cual no se sabe quien ha pretendido ser, si Chichí o quien demonios han querido incluir. Lo más significativo de la película, o así nos lo han querido mostrar, es el pasado oculto de Goku, y su poder malo malísimo, y es que él es la bestia que destruirá la tierra: un mono gigante, porque eso no es ozaruh ni nada. Vamos, que si sois fans incondicionales de Dragon Ball, pero del verdadero, no veáis esta película, porque os estaréis pasando los 90 minutos que dura blasfemando contra la subespecie que ha realizado esta atrocidad.


El manga de Yu Koyama fue adaptado por Ryuhei Kitamura en lo que se conoció como una película extremadamente violenta y de gran acción. Obtuvo numerosos premios, por lo que se decidió llevar al cine una secuela en 2005, Azumi 2: death or love, dirigida por Shusuke Kaneko. La pequeña Azumi es encontrada, junto al cuerpo de su madre muerta, por el maestro samurái Gessai y por su séquito de jóvenes estudiantes, los cuales la acogen en su seno y comenzarán a enseñarle las habilidades marciales de un samurái, asó como el manejo de la katana y el arte del asesinato. Al igual que a sus compañeros, desde que internó en la escuela, le hablaron de una misión que debían de cumplir, por lo que llegada ya a la edad adulta, Azumi establece pareja con su mejor amigo, y por orden de su maestro, la misión que debe desempeñar es asesinar a dicho compañero, una vez que mate a los señores de la guerra. La película es como una continuada escena sangrienta y violenta, junto con el arte marcial y el gran manejo de la katana. La segunda parte, Death or Love, se centra inmediatamente después de la primera película, en la que Azumi y su amigo Nagara son atrapados por los hombres de uno de esos señores de la guerra a la que ella había asesinado. Escaparán de las manos del villano y se unirán a la resistencia local y a un grupo de bandidos para matar al señor de la guerra restante y así traer la paz a Japón. Para hacer referencia al título, en lo referente al amor, y para hacer las cosas aún más complicadas, ella deberá enfrentarse a sus sentimientos hacia un luchador llamado Ginkaku, el cual tiene el mismo aspecto que su difunto amigo Nachi. Os recomiendo estas películas si os gustó ver a Uma en Kill Bill, solo que es mucho más violenta y sin ella como protagonista. Y bueno, me hubiera gustado seguir hablando de películas como City Hunter, Guymer, Old Boy, Princess Blade, Gatz, entre otras, pero si no mi artículo ocuparía las 300 páginas de la revista, y creo que, para empezar, está bien que veáis estas películas, que al menos, a mí me han parecido lo suficientemente buenas como adaptación. Disfrutar de este cine, el cual no es tan conocido en nuestro país como para estrenarse en pantalla grande, pero al menos podremos disfrutar de ello en nuestro salón o en nuestro pc. POR BEATRIZ PULIDO


Tsubaki Nekoi Satsuki Igarashi Mokona Ageha Ohkawa


El grupo CLAMP es un cuarteto formado por dibujantes japonesas que se han ganado el título de “Las Reina del Shôjo”. Desde siempre han creado historias de todo tipo de género, siendo sus historias para adultos un tanto extremas. Parece mentira que empezaran como un grupo de dibujantes de instituto, creando dôjinshis desde 1987 hasta 1991. Estos se publicaban en diferentes colecciones, CLAMP BOOK y CLAMP NEWS, en donde a veces incluían imágenes de sus historias en forma “artbook”. Actualmente tienen bajo su nombre un gran número de mangas de todo tipo, tanto historias largas como cortas. Incluso crearon una serie llamada “CLAMP no Kiseki”, un manga con doce tomos especialmente dirigido a los fans que presenta entrevistas, comentarios, datos sobre series y sobre ellas… Esta serie tiene la peculiaridad de que cada tomo viene acompañado por una pieza de ajedrez que representa a algún personaje de sus series como Sakura Kinomoto, Chii, Kohaku… Tener los doce tomos significa tener el ajedrez completo. Una característica de este grupo es un gusto por hacer crossovers. De modo que nadie se extraña cuando, leyendo uno de sus mangas, ve referencias a otra de sus historias (personajes, lugares, símbolos…). Un ejemplo de esto son “xxxHoliC” o “Tsubasa Reservoir Chronicle”, que se entrecruzan continuamente. De hecho, “Tsubasa Reservoir Chronicle” es un crossover en sí mismo, en donde aparecen personajes de todas sus obras anteriores. A parte de crear series originales, ayudan también a la realización de otras. Realizaron, por ejemplo, bocetos para “Code Geass: Lelouch of the Rebellion” basando a Lelouch en Kamui, del anime X y a su antagonista en Shaoran Li. También han colaborado con MADHOUSE realizando unos mini-capítulos para la serie “Sweet Valerian”. Inclusive, encontramos sus diseños en los trajes de algunos personajes del “Tekken 6” para la PS3. En 1994 crearon la versión animada del single “Rusty Nail” de X-Japan. En él podemos apreciar semblanzas con los diseños de “RG Veda” (el estilo de dibujo de antes era muy distinto al que usan ahora).

Inicialmente el grupo estaba formado por doce miembros, en la actualidad se quedaron en cuatro. Todas residen en Tokyo.


Tsubaki Nekoi

Nació en Kyoto el 21 de enero de 1969. Es la codirectora del grupo y se encarga de corregir las ilustraciones del manga.

Antes se la conocía como Mick Nekoi, pero en el decimoquinto aniversario de CLAMP, en 2004, ella y otros tres miembros cambiaron sus nombres. En su caso, el cambio fue provocado por las bromas que habían por la semblanza de su nombre con el de Mick Jagger. En algunos mangas como “Sakura Card Captor”, “Wish” o “Suki Dakara Suki”, recayó en ella la postura de “líder”, que normalmente representa Mokona.

Como

la anterior, nació también en Kyoto el 8 de febrero de 1969. Se ocupa de coordinar la producción y del diseño de algunos personajes. Además es la portavoz del grupo y la encargada de la columna de la revista. Fue la artista principal en los mangas de “Tsubasa Reservoir Chronicle” y “xxxHoliC”. Algo destacable: es prima de la mangaka de Yumiko Igarashi, creadora de “Candy Candy”.

Satsuki Igarashi Nació en Kyoto el 16 de junio de 1969. Es la líder del grupo y se encarga de colorear y componer los dibujos.

Cambió su nombre, quitando el “Apapa” que seguía a Mokona porqué según ella quedaba muy inmaduro.

Mokona Nació el 2 de mayo de 1967 en Osaka. Es la directora del equipo y se

ocupa de escribir los guiones, diseñar las cubiertas de los mangas y planear las ventas. En 2004 cambió su seudónimo. Se la conoció durante cuatro años como Nanase Ohwaka, hasta que en 2008 decidió volver a su nombre original.

Ageha Ohkawa


Durante esta etapa anterior a su debut, todas se trasladaron a un pequeño apartamento de dos habitaciones en Tokyo. De esta etapa Ohkawa dijo que pensaba que iba a morir allí y Nekoi confesó que sentía que la única privacidad que tenían era debajo de su escritorio. (N/A: ¿doce en un piso? Y luego yo me voy quejando por ser tres…)

1990-1999

Tras el debut profesional de CLAMP con el manga “RG Veda”, el número de componentes del grupo había sido reducido a siete.

ANTES DE SU DEBUT (1980-1989)

Como ya he dicho, empezaron como un grupo de doce chicas de instituto que se dedicaban a dibujar dôjinshis. Las tres “artistas” del grupo (Mokona, Nekoi e Igarashi) empezaron a dibujar manga en el instituto animadas por sus amigos. Conocieron a Ohkawa cuando una de sus amigas conoció a Mokona mientras compraba un comic. Las cuatro se hicieron amigas rápidamente. El grupo original empezó a encontrarse en diversos eventos que se hacían en Osaka y Kobe, al menos una vez al mes. Fue en 1987 cuando, tras decidir parar con los dôjinshis, empezaron a trabajar en su primer manga: “RG Veda”. Al conocer su trabajo, un editor de la Shinshokan’s Wings les dio la oportunidad de trabajar para ellos. Aunque crearon una historia de sesenta páginas en la que cada una demostraba su talento el trabajo fue rechazado. Ohkawa atribuyó el fracaso al hecho de no haber hecho nunca una historia original y completa como grupo y a la falta de experiencia. Shinshokan les dio otra oportunidad y CLAMP decidió sacar a la luz “RG Veda”.

En un principio “RG Veda” tenía que ser una historia de tomo único, pero con la buena acogida del primer número y las ventas que tuvo (mayores a las esperadas) Shinshokan permitió que se crearán más volúmenes. En Julio de 1989 la revista Genki Comics empezó a publicar el segundo trabajo de CAMP, “Nijū Mensō ni Onegai!!”. La misma revista se encargó de publica en agosto de 1991, “Doklyon: Clamp School Defenders”, en cuya creación intervinieron las tres artistas del grupo. En marzo de 1990 Wings empezó a publicar “Tokyo Babylon”. En diciembre del mismo año, Monthly Asuka sacó a la luz “Clamp School Detectives” y en mayo de 1992 empezó a serializarse X. Las obras de CLAMP fueron publicadas en muchas otras revistas como Kobunsha con “Shirahime-Syo: Snow Goddess Tales” en junio del 1992, Newtype con “Miyuki-chan in Wonderland” en Marzo de 1993 o Nakayoshi con “Magic Knight Rayearth” en noviembre de 1993. Nakayoshi también publicó “Card Captor Sakura” en mayo de 1996. Ohkawa disfrutó particularmente con esta serie, Sakura no era una historia trágica como sus anteriores trabajos. Kadokawa Shoten publicó “The one I love” en julio de 1995. “Wish” vio la luz gracias a la revista Asuka Comics DX en octubre de 1996. En diciembre de 1998, “Suki: a like story” se empezó a publicar también en Asuka Comics. En enero de 1999, “Angelic Layer” salió a la luz a manos de Monthly Shônen Ace.

2000-ACTUALIDAD

“Chobits” empezó a publicarse en 2001 en la Young


Magazine. Esta serie fue la primera escrita para los adolescentes masculinos. En este año, CLAMP comenzó a trabajar en dos series que comparten argumento: “xxxHoliC”, publicada en la Young Magazine desde 2003 hasta 2011, y “Tsubasa Reservoir Chronicles”, publicada en la Weekly Shônen Magazine desde 2005 hasta 2009. Tsubasa fue la primera obra escrita para los chicos más jóvenes. En 2004, las cuatro integrantes que quedaban cambiaron sus nombres como celebración de su quinceavo aniversario. Tokyopop se encargó de publicar “CLAMP no kiseki”. Por esta etapa, “Kobato” empieza a ser publicada en la Kadokawa Shoten. Su serialización acaba en 2011. Durante este tiempo, y hasta que se publica una nueva obra, CLAMP se dedica a continuar con todas las series que se están publicando en distintas revistas (podéis ver, que hay series que están años y años publicando). En 2008, la Monthly Kindai se encargó de publicar “Washizu” y en 2010, Shueisha sacó a la luz “Gate 7”. En 2011, retomaron la obra de “Lawful Drug”, publicándola en diversas revistas como Kadowaka Shoten, Asua Mystery o Asuka Comics.

“Gate 7” y “Lawful Drug” aún no han sido acabadas. Han colaborado también con la creación de “Blood-C”, una nueva versión de Blood.

MODELO DE TRABAJO

Como ya he dicho, los cuatro miembros se encargan de hacer todo el trabajo, desde la creación hasta la publicación. A veces tienen que encargarse entre dos de los fondos y los personajes y otras tiene que encargarse una sola persona de todo, dependiendo de la serie. Las tres artistas del grupo reconocen que siempre intentan quedarse lo más cerca posible de los diseños de Ohkawa, que les indica todo lo referente a estos. Ella también es la que se encarga de decir que proyectos siguen y cuales son dejados de lado. Igarashi es la encargada de repartir los trabajos dependiendo el proyecto en el que estén. El grupo no tiene asistentes ya que opinan que “no entenderían la mecánica que se ha formado entre ellas y les harían ir más lentas”. En el proceso de creación de las historias intervienen todas. Una vez que se le ha ocurrido una a Ohkawa todas discuten el argumento y los personajes. Una vez que se han familiarizado con esta, Ohkawa crea boceto de la historia y decide la organización de esta. También crea personajes originales e introduce


algunos “invitados” para la serie. Mientras Ohkawa hace su parte, las demás crean otros personajes extras para producir confusión. Tras hacer el boceto y recibir la aprobación de su editor, Ohkawa asigna las tareas de cada miembro y decide el tipo de diseño dependiendo de la complejidad de la historia, la relación de esta con otros trabajos, el público al que irá… También proporciona las directrices de cada capítulo (diálogos, tamaño de las viñetas, emociones, movimiento…)

central en sus creaciones ya que Ohkawa dijo en una entrevista que “no es buena en las historias de amor” y que su idea de las relaciones es distinta a la del resto de la gente. (N/A: ¿qué querrá decir con eso? ¡Se aceptan apuestas!). En la carrera de las CLAMP no sólo hay mangas. El cuarteto creo una serie de videos musicales nombrados “CLAMP in Wonderland” en el que aparecen todos los personajes que han creado desde que empezaron hasta la actualidad

Dependiendo de la cantidad de páginas de cada capítulo trabajan más o menos. Como media podría decirse que la creación del boceto de la historia les lleva unas doce horas, los scripts se escriben en unas ocho y los diseños dependerán de la historia. Por ejemplo: un capítulo de “xxxHolic” se tardaba en hacer unos dos días mientas que uno de “X” ocupaba cuatro-cinco.

CURIOSIDADES CLAMP

Ohkawa se inspira en cosas de la vida cotidiana como los sueños o las noticias para sus creaciones. Aunque todas las integrantes de CLAMP dieron clases de arte durante el instituto, el estilo manga que usan es autodidacta. Todas opinan lo mismo: para dibujar manga se necesitan unas habilidades distintas que para hacer “arte básico”. Como bien saben todos, los temas sobre los que escriben CLAMP son de lo más diversos. En este tema Ohkawa es franca: el destino es algo que uno se crea y no hay ninguna fuerza mística que lo determine. Sus trabajos, que están intrínsecamente relacionados con el destino de los personajes, son una clara referencia a la visión que Ohkawa tiene de la vida. CLAMP juega también con la idea de las almas gemelas unidas por el destino o el amor puro. A ellas no les importa el sexo o la edad de los personajes involucrados en esto, algo que en muchos mangas acaba con indirectas hacia parejas homosexuales. Al contrario que en muchos casos, el amor no es nunca el tema

POR NEKO MAI


Conocida en Japón como Furuba, Fruits Basket es un manga shôjo creado por Natsuki Takaya. En 2001 recibió el premio Kôdansha al mejor manga shôjo y fue adaptado al anime por Studio DEEN.

Tohru Honda es una estudiante de instituto que ha perdido a su madre. Su primera opción es irse a vivir con su abuelo, pero por diversos problemas que se presentan ya no puede seguir allí. De este modo, Tohru, decide irse a vivir sola a una tienda de campaña que coloca en un descampado, desconociendo que la zona está dentro de la propiedad de la familia Sôma. La joven se mantiene trabajando de limpiadora a tiempo parcial. Un día yendo al instituto se encuentra una casa muy bonita cerca de donde ella está asentada. Mientras la mira es descubierta por Shigure Sôma y, mientras hablan, aparece “el príncipe” de su instutito, Yuki Sôma, primo de Shigure. Esa misma noche, tras volver a la campana después de trabajar y enferma, es descubierta por Yuki y Shigure, quienes la llevan a su casa para hablar. Mientras lo hacen, Shigure dice que ha habido un derrumbamiento cerca de la campaña y Tohru sale corriendo en busca de la foto de su madre, pero la fiebre le pasa factura y acaba pasando la noche en casa de los Sôma. Cuando se despierta ve con sorpresa que Yuki ha traído sus cosas. Y mayor sorpresa se lleva cuando este y Shigure le ofrecen vivir con ellos a cambio de hacer tareas domésticas. En un momento dado de su instalación, aparece rompiendo el techo Kyo Sôma, quien reta a Yuki a una pelea. En su afán por arreglarlo todo, Tohru, se le echa encima a Kyo, que pasa su sorpresa acaba convertido en un gato con su contacto. Cuando Shigure aparece en escena Tohru, aún conmocionada, cae encima de este y de Yuki, quienes se convierten en un perro y en una rata respectivamente. De esa manera Tohru se ve envuelta en la maldición de los Sôma, en donde cada persona de la familia se convierte en un animal del zodiaco chino cuando alguien del sexo opuesto le toca, y acaba viviendo en casa de los Sôma, jurando no desvelar el secreto.


Una vez Dios dijo a los animales: - Mañana estáis invitados a mi banquete, no debéis llegar tarde. Todos los animales estaban muy contentos pero la rata, siempre traviesa y con ganas de gastar bromas pesadas, fue al gato y le contó que el banquete no era mañana, sino pasado. Esa noche la rata se puso encima del buey y salto para llegar primera al banquete. Tras ella llegaron el buey, el tigre y todos los demás animales. La celebración duró toda la noche, excepto para el gato, que dormía engañado pensando que el banquete era otro día.


personajes Tohru Honda: alumna de secundaria obsesionada con alegrar a todo el mundo. Optimista, sonriente y siempre dispuesta a ayudar. Arrastra sobre su una triste historia, que consigue conmover a todos los que la conocen y provoca admiración a su alrededor. Siempre pone las necesidades de los demás por delante de las suyas, lo que le provoca daños en muchas ocasiones.

Saki Hanajima: una de las mejores amigas de Tohru, a quien protege por encima de todo. Ve en ella y en Uo a las personas que la salvaron de la oscuridad. Puede leer los impulsos de energía de otros y eso provoca que muchos la teman, aunque a sus dos amigas les hace mucha gracia.

Arisa Uotani: pandillera para que la vida tenía poco sentido hasta que conoce a Kyoko y Tohru. Cuando la madre de la adolescente muere se propone proteger a Tohru y hacerla feliz.

Akito Sôma: el líder del clan Sôma. Su crueldad no tiene límites, cosa que provoca en los demás sentimientos dispares. Lo que él dice debe hacer si no habrá castigo. Su débil salud tiene que ver esperanza de vida de los demás, por lo que apro este dato para hacer lo que quiere.


s

a

d s rse o con la ovecha

Yuki Sôma: representa a la rata. En el instituto le llaman “el príncipe” por su educación y belleza. Bajo esa máscara de perfección y amabilidad se esconde un terrible pasado que marcó su vida y provoco que escapara de la casa principal de los Sôma. La convivencia con Tohru le hace comprender y cambiar muchas cosas de sí. Se lleva muy mal con Kyo. Kyo Sôma: el gato, quien quedó fuera del horóscopo al ser engañado por la rata y se convirtió en la burla del resto de animales. Orgulloso y competitivo no le gusta estar rodeado de gente. La maldición de los Sôma es sobre él mucho más fuerte, el gato es un ser repudiado al que todos odian. Akito aprovecha cualquier oportunidad para hacerle la vida imposible. Conocer a Tohru le cambia: empieza a controlar su agresividad, comienza a ver la vida con otros ojos y a tener esperanzas… Algo que le da pavor por el terrible secreto que esconde. Odía a Yuki por ser una rata, culpable de la desgracia del gato.

Shigure Sôma: el perro. Escritor de novelas, cómico y divertido, al que le encantan las mujeres. Detrás de esa máscara de “tontín” se esconde una faceta que nadie conoce. Es de los pocos que conoce mejor a Akito y que se atreve a enfrentarse a ella sin tapujos.

Kagura Sôma: el cerdo. Enamorada hasta las trancas de Kyo y con una personalidad muy especial, su furia es igual a su amor y se descontrola fácilmente. Conoce el secreto de Kyo, aunque en su momento no supo reaccionar.


Hatori Sôma: el dragón (caballito de mar). Es el doctor de la familia y se dedica casi en exclusiva a la delicada salud de Akito. Compañero y mejor amigo de Shigure y Ayame, es responsable y con el poder de borrar la memoria. Ciego de un ojo a causa de un castigo que Akito le infringió por “atreverse” a enamorarse.

Ayame Sôma: la serpiente. Con mucha au un ego inmenso Ayame está orgulloso de y de sus creaciones. Quiere recuperar el a hermano, el cual perdió en un triste incid atrás, y para ello visita de vez en cuando Le cuenta todo a Hatori, a quien admira únicamente.

Momiji Sôma: el conejo. Alegre, divertido y juguetón. Ve en Tohru a una perfecta compañera de juegos y se pasa el día abrazándola sin importarle sus limitaciones. Lleva con una encantadora sonrisa y mucha alegría la dramática historia de su pasado. Hatsuharu Sôma: el buey. Tiene doble personalidad a causa de la maldición, la blanca y la negra. Con la blanca es un chico amable, comprensivo y dispuesto a ayudar a los demás. Con la negra se convierte en un ser violento que no duda en hacer daño a los que le rodean con tal de conseguir sus objetivos. El afecto se siente por Yuki puede malinterpretarse a veces, aunque todos saben que su corazón está ocupado pese a no conocer por quien. Vive en la casa principal del clan y siempre va con Momiji

Kisa Sôma: el tigre. Tímida y solitaria, e en Tohru a una hermana mayor que le d cariño y la protege. Sufre acoso escolar de su color de cabello y ojos. Akito tam maltrata.


utoestima y e sí mismo afecto de su dente años a Shigure. y obedece

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Hiro Sôma: la oveja. Intenta esconder su tristeza bajo una fachada de niño contestón y maleducado que se cree mayor de lo que es. Odia a Tohru porqué Kisa confía en ella y porqué la adolescente supo ayudar a la pequeña cuando él no sabía. Ha sido testigo de innumerables atrocidades protagonizadas con Akito, entre ellas la que dejo a Kisa en el hospital. Kureno Sôma: el gallo. Es melancólico y reservado y poco se sabe de él. Es el compañero inseparable de Akito y no se separa de su lado. Akito le niega una vida “normal” porqué quieren esconder el secreto que el gallo esconde.

Isuzu Sôma: el caballo. Siendo de salud enfermiza es el miembro de la familia a quien más afecta la maldición, cosa que le separó del clan. Teme mucho a Akito y vive con la familia de Kagura. En Tohru descubre cualidades que odia y ama a la vez, por lo que a veces no sabe cómo llevar la amistar que surge entre ellas.

Ritsu Sôma: el mono. Se vista de mujer, algo que le da más seguridad en si mismo. Se preocupa en exceso por todo y, al igual que sus padres, pide perdón y se siente culpable de todo.


Diferencias entre manga y anime El anime, de 26 capítulos, acaba con el descubrimiento del secreto de Kyo. El manga, con 136, sigue mucho más allá. Mostrándonos con lujo de detalles a todos los Sôma y sus historias personales. De hecho, en el anime hay dos personajes del manga que no salen como Isuzu “Rin” Sôma y Kureno Sôma Muchas escenas fueron cambiadas en el anime o creadas sólo para este (en el manga no aparecen): el primero encuentro de Tohru con Momiji, las relacionadas con la desvelación del secreto de Kyo, el encuentro de Tohru y sus amigas en la tumba de su madre,… Muchos personajes fueron cambiados para el anime: - En el manga, Akito, el cabeza de familia odiado por la mayoría, es una mujer que fue obligada por su padre a vivir como un hombre. En el anime lo representan como un Sôma del sexo masculino directamente. Por otra parte, en el manga Akito es mucho más agresiva que en el manga, dándonos infinidad de escenas en las que golpea, insulta y maltrata a los que le rodean sin importarle si son niños o no. Estas escenas también son muy vivas en el anime, pero se presentan de forma más escueta y delicada. Ej: en el anime la única vez que Akito toca a Tohru sólo le tira del pelo, pero en el manga llega a golpearla hasta hacerla sangrar. - En el manga, Momiji es medio alemán medio japonés y suele hablar mucho en alemán. En el anime no hacen mención alguna a su habla alemana. - El lado oscuro de Shigure se esconde mucho en el manga, colocando en su lugar comportamientos tontos. En el manga, Shigure está enamorado de Akito (que es una chica). Como final, en el anime la maldición nunca acaba. ¿Quién no se ha pasado horas enganchado a esta historia? Ya fuera viendo el anime o leyendo el manga, muchos de nosotros nos metimos de cabeza en ella: lloramos, reímos, nos asustamos, nos alegramos… Descubriendo poco a poco las historias de cada uno. Una historia fresca, que no cae en el aburrimiento. Siempre van pasando cosas nuevas, te sorprende con personajes nuevos, te asusta con las historias de algunos… Sabe mantenerte en vilo durante toda serie y en más de una vez nos crea un nudo en la garganta. Pero no todo es malo, la trama también está llena de toques de humor, comedia y amor.

Los saltos entre historias, siempre correlacionadas unas con otras, pueden hacer que te pierdas en un primer momento, sobre todo si el que lee/ve la serie no está muy acostumbrado a centrarse en más de una cosa a la vez. Los personajes son todos maravillosos y cada uno de ellos está bien posicionado en el espacio temporal. Cada uno de ellos es indispensable y hace de esta historia algo precioso y preciado. No podría imaginarme Fruits Basket si alguno de los Sôma o de las amigas de Tohru faltasen. Uo y Hana son dos personajes claves en la vida de Tohru, siempre dispuestas a defenderla a capa y espada, enfrentándose a lo que haga falta por ella. Los Sôma son sin duda increíbles. Se puede apreciar cómo van evolucionando desde que se encuentran con Tohru, todos (bueno, casi todos) se vuelven más amigables teniendo a la joven cerca. ¡Y es que la alegría de Tohru Honda se contagia! También se puede ver claramente como los comportamientos y las relaciones entre estos están muy influenciados por los animales que representan. Una muestra es como Kyo y Yuki se odian simplemente porqué son gato y rata. La evolución de los comportamientos de los personajes puede dar sensación de ser muy brusca en el anime, ya que está todo un tanto comprimido. En el manga se puede disfrutar más a fondo de los cambios que van sufriendo todos y cada uno de ellos. Fruits Basket tiene una personalidad muy buena, mezclando el drama, el amor y el humor de forma continua y amena. El estilo de dibujo es muy shôjo: personajes estilizados y feminizados en algunos casos. El juego de androginia que se lleva en la historia está muy bien buscado, llegando a provocar que no te creas que una persona es del sexo que dice. En el manga, el dibujo va evolucionando a medida que avanza la trama. En el anime, este cambio en el diseño es menos notable y pasa bastante desapercibido. Para disfrutar de Fruits Basket en toda su gloria y esplendor, es obligatorio leerse el manga. Con el anime también se puede disfrutar mucho, pero el manga es el manga. POR NEKO MAI


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Kawajiri es uno de esos directores que todo el mundo debería conocer, es prácticamente imposible no haber visto nada de él. Fue el primero en juntar el sexo y los monstruos, casi al mismo tiempo que Hideki Takayama inventaba el sexo con tentáculos tan famoso en los hentais. Kawajiri es famoso por sus escenas violentas, la sangre y los monstruos, a cada cual más cruentos e increíbles, la mujer araña de “Wicked City” es mítica. Bueno, empecemos hablando un poco de cómo Kawajiri llegó a ser ese pedazo de director. Nació en Kanagawa el 18 de noviembre de 1950. Nada más terminar la secundaria entró a trabajar en el estudio de animación Mushi de 1968 a 1972, cuando cerró. Fue entonces cuando Kawajiri entró a trabajar en el mítico estudio Madhouse. Madhouse es el responsable de algunas de las series y películas más míticas, de hecho, el gran Satoshi Kon produjo todas sus películas con ellos. También están detrás de series de anime como “Devil May Cry”, “High School of the Dead” y otros animes mucho más kawaiis como “Chobitts” o “Chi’s Sweet Home”. Es más, el mismísimo Studio Ghibli ha colaborado varias veces con Madhouse.

desarrollado. Y como es propio de los directores japoneses, no cogió vacaciones después, si no que comenzó a trabajar en otra de sus grandes películas, “Monster City Shinjuku” también conocida como “Demon City”. Lo cierto es, que pese a ser posterior a “Wicked City” es algo inferior a ésta, y aunque tienen ciertos elementos en común, no es tan brillante como su predecesora. Tras escribir el guión de la maravillosa “Viento de amnesia”, Kawajiri realizó la que con toda probabilidad sea su película más conocida “Ninja Scroll” Una oscura historia (como todas las suyas) que nos cuenta las aventuras de Jubei Kibagami en el Japón feudal. Cabe decir que el personaje de Jubei Kibagami es real, es uno de los samuráis más famosos de la historia de Japón.

Después del exitazo internacional que supuso “Ninja Scroll”, decidió tomárselo con calma y comenzó a trabajar en OVA’s y series del estudio como “X” de CLAMP, “Pet Shop of Horrors”, “Devil May Cry”, “Record of Lodoss War”... Tras 7 años apartado de la dirección decidió volver al negocio con “Vampire Hunter D: Bloodlust” una película de acción, que si bien mantiene su estilo, es algo menos oscura y más Volviendo a Kawajiri, pronto ascendió a director de refinada. animación y debutó en 1984 con su primera película “Lensman”. Poco después, en 1986, le pidieron que Posteriormente colaboró con los Wachowskis en hiciera un corto basado en las novelas de Hideyuki “Animatrix”. Recientemente ha dirigido la película: Kikuchi’s; labor que completó a una velocidad “Highlander: The search of vengeance” en 2007. Aún increíble (incluso para un japo). Sus jefes estaban la tengo pendiente de ver, ya que no he conseguido tan impresionados que le pidieron que hiciera una hacerme con una copia decente. Esperemos encontrar versión extendida y así convertir el corto en un algo en el próximo Japan Weekend. largometraje. Kawajiri completó el corto en menos de un año y así nació “Wicked City” una de las películas Desde entonces ha estado trabajando en distintas más memorables de este director y que es de obligado series como “Blade” o “X-Men”. visionado para cualquier otaku. En esta película ya podemos ver el estilo de Kawajiri totalmente Ahora os hablaré con mayor profundidad de algunas


de sus películas, en concreto, de aquellas que considero mejor captan su estilo, como son “Wicked City”, “Demon City”, “Ninja Scroll” y “Vampire Hunter D: Bloodlust”. Salvo Ninja Scroll, las demás son adaptaciones de novelas de Hideyuki Kikuchi. Centrándonos en su estilo, podríamos decir que sus películas se caracterizan por estar plagadas de monstruos y demonios con un diseño muy, pero que muy siniestro; además de unas femme fatales de lo más peligrosas. Además, sus películas son también muy oscuras, con un predominio de la forma sobre el fondo y unas historias, que si bien son un poco lineales, seguro que os encantarán. La carga de sexo, violencia y sangre no os dejarán indiferentes. Además, la mayoría de los villanos poseen la habilidad de regenerarse, lo que añade más suspense a las historias


Wicked City


y simboliza la imposibilidad de destruir al mal. Es mi película favorita de Kawajiri junto con “Ninja Scroll”. Es probablemente la más oscura de todas. Está basada en la novela de Hideyuki Kikuchi. Nos cuenta la historia de cómo a finales del siglo XX, criaturas demoníacas de una dimensión paralela han estado entrando en nuestro mundo, para controlar esta situación se ha creado el cuerpo de Guardias Negros que deben velar por mantener la paz. En los próximos días se van a celebrar una serie de encuentros para firmar la paz entre los mandatarios de nuestro mundo y los de esta dimensión paralela. Pero claro, no todo el mundo está interesado en firmar la paz. Es por esto que le encargan a Renzaburo (un guardia negro humano) y a Makie (una guardia negra de la otra dimensión) la protección y custodia de un vejete de los más cachondo y problemático, Mayart; quien deberá tomar parte en las negociaciones. Mayart es el punto cómico y un poco toca huevos de la historia y que traerá más de un quebradero de cabeza a los agentes y unas buenas risas al espectador. Aquí podemos ver a Kawajiri en estado puro, predominancia de colores oscuros, con predominio de los negros y los azules; es una de las historias más oscuras de Kawajiri. En esta película, comienza ya a mostrarnos los aspectos perversos del sexo (no olvidemos esa mentalidad tan especial que tienen los japoneses para estos temas) A parte de ser una historia bastante lineal, usa personajes arquetípico, con el héroe que debe derrotar al mal. En esta película, mezcla magistralmente escenas de sexo con un

terror malsano que se adelantó un par de años a “Urotsukidoji”. Los personajes femeninos son siempre muy decididas y que tienen muy claras sus alianzas. En muchas de las películas de Kawajiri podemos ver que aparece un personaje que es el mentor, siempre un hombre de avanzada edad y que es el que le encomienda la misión al héroe. Tanto en “Wicked City” como en “Ninja Scroll” es un viejo verde enano cabrón, al más puro estilo Maestro Mutenroi (Dragon Ball comenzó a publicarse 3 años antes). Es este personaje del viejo cabrón el que aporta más conflictos y punto cómicos a la historia, así como uno de mis preferidos. En 1992 se hizo una versión de imagen real de la historia en Hong Kong, pero fue bastante sui generis.


Demon City Aunque es muy heredera de “Wicked City”, en mi opinión es inferior, la calidad de la animación, el diseño de personajes y la originalidad de la historia, no están al mismo nivel que la anterior. Aún siendo también una adaptación de una novela de Hideyuki Kikuchi. En este caso la historia nos cuenta cómo Gennichiro trata de aprender las técnicas del Nempo. Arte Marcial que practicaba su padre quien murió intentando salvar a la humanidad luchando contra su compañero del dojo, Rebi Ra. Éste se alió con los demonios a cambio de conseguir más poder. A raíz de esto, los demonios campan a sus anchas por Shinjuku, que ha sido aislada del resto de la ciudad. Gennichiro tendrá que derrotar a Rebi Ra, acompañado por Sayaka, la hija del Primer Ministro; para evitar que los demonios invadan completamente la Tierra y destruyan nuestro mundo. Y de esta manera, salvar al Primer Ministro, que ha sido atacado por los demonios. Si bien en esta película se mantiene el personaje del mentor que encarga la misión al héroe, no resulta tan carismático como Mayart de “Wicked City”, aquí se limita a transmitirle lo que debe hacer y a cuidar del Primer Ministro mientras echa un ojo a cómo avanza la misión. En esta película, el personaje pícaro, cabroncete y divertido recae sobre una chaval con el que se encuentran en las alcantarillas y al que en España en el doblaje le pusieron el nombre de “Chibi” (pequeño en japonés) En esta el sexo no está tan presente como en la anterior, pero sigue manteniendo el estilo de Kawajiri.


Junto con “Wicked City” es mi película preferida de Kawajiri. Además, en ésta se nota que tuvo más medios, la calidad de la animación es mucho mejor, el dibujo más refinado.

capacidad de regenerarse y no perderá la ocasión de vengarse de Jubei. Se convierte en un ser inmortal al que llaman el “Shogun de las Tinieblas”

Durante el mandato de Shogun de Tokugawa, la pequeña aldea de Shimoda ve cómo toda su población muere a causa de una extraña epidemia, por lo que algunos miembros del clan ninja Mochizuki, decide enviar al grupo Kohga para que investigue, ya que sospechan que hay algo más detrás. Pero el grupo Kohga sufre una emboscada y solo sobrevive Kagero; quien se cruza con Jubei, un ninja que viaja por libre. Ambos deberán derrotar a los 8 Demonios de Kimon.

Tessai es un enorme demonio que tiene la habilidad de convertirse en piedra y que posee una fuerza sobrehumana. Además, cuando captura a Kagero, se ve que tiene otro tipo de intenciones.

Jubei Kibagami es el samurái más famoso de la historia de Japón, y Kawajiri en esta película adapta la saga de novelas de Futaro Yamada sobre este personaje. En esta película podemos disfrutar de acción, violencia, sangre y sexo sin límites con unos personajes de lo más carismáticos. En “Ninja Scroll” Kawajiri recupera el papel de viejo verde cabrón con Dakuwan, un viejo en la misma línea que Mayart, que guiará a los protagonistas en su misión tocando mucho las narices y provocando todo tipo de conflictos. Ahora os hablaré brevemente sobre los 8 Demonios de Kimon. El cabecilla es Hammuro Genmma, quien fue decapitado por Jubei y que posee la capacidad de reencarnarse. Con el tiempo adquiere la

Shijima se camufla en las sombras para perseguir y atacar a sus enemigos, a los que puede manipular como marionetas y encadenar. Benisato, también conocida como la mujer serpiente. Tiene todo el cuerpo tatuado, es una de las amantes de Gemma y es capaz de hacer aparecer serpientes para que ataquen a su enemigo. Yurimari es el segundo al mando y el más poderoso después de Gemma, su habilidad consiste en lanzar unos hilos invisibles a sus víctimas con los que los electrocuta. Mushizo es un viejo con una colmena a la espalda y que usa a las abejas para atacar a su enemigo. Zakuro es especialista en manipular explosivos. Utsutsu Mujuro es que el tiene una apariencia más normal, su habilidad es poder escuchar y espiar a los demás. Posteriormente en 2003, se realizó una serie de animación dirigida por el propio Kawajiri, aunque ya no tuvo tanto éxito.


Vampire Hunter D Blood Lust Esta película es otra adaptación de una novela de Hideyuki Kikuchi. En esta ocasión nos cuenta las aventuras de D, un damphir, un híbrido de humano y vampiro. Que acepta la misión de rescatar a una joven que ha sido secuestrada por un vampiro. Pero D no será el único que va en su busca, los Hermanos Marcus también han sido contratados para esta misión. Todos ellos tendrán que enfrentarse a todo tipo de peligros y de demonios en su búsqueda del carruaje que transporta al vampiro Meier Link y a Charlotte, la chica secuestrada.

En mi opinión, la mejor parte es la del castillo, tiene un diseño alucinante con unos toques steampunk increíbles. Esta película mezcla numerosos detalles steampunk con otros de ciberpunk sin que en ningún momento choquen y armonizan perfectamente con esta historia desarrollada en un futuro pos apocalíptico con toques barrocos. Lo único malo de esta película, es que si bien la dirección y la adaptación fueron hechas por Kawajiri, no lo fue el diseño de personajes, que recayó sobre Yoshitaka Amano, quien ilustra las novelas de “Vampire Hunter D” en Japón.


D:


SANGRE DE SAIYAN RELATO BASADO EN EL UNIVERSO DRAGON BALL POR tONI SERRANO MARTINEZ


Vegeta bajó la escalinata de su nave espacial contemplando el poco tramo de ciénaga que la bruma le permitía ver y, rápidamente se llevó la mano a la nariz por culpa del nauseabundo olor a agua estancada que lo abarcaba todo. << Un ambiente asqueroso para un planeta maldito, -pensó el saiyan- aunque lo lamentable es que me haya vuelto tan lamentablemente débil como para que esta atmósfera me moleste >> Su actual falta de fuerza era lo que le estaba torturando últimamente. No es que se hubiera vuelto más débil, al contrario, era más poderoso que nunca, pero no lo suficiente, no para rivalizar con el maldito Kakarot. Había sido Goku y no él, a pesar de ser un guerrero de élite y el príncipe de los saiyans, el que había conseguido transformarse en el superguerrero legendario y vengar a su raza acabando con el bastardo de Freezer. ¡Kakarot! ¡Un maldito guerrero inferior! Y para colmo, meses después, había surgido otro joven misterioso con sangre saiyan que había acabado con un reconstruido Freezer y con su padre, el rey Cold, con una facilidad pasmosa al transformarse también en superguerrero. ¡Ahora existían dos supersaiyans en la galaxia, y el no era ninguno de ellos! Le entraban ganas de suicidarse y acabar con su patética y fracasada existencia, pero algo le dio ánimos para seguir adelante: una nueva y poderosa amenaza, algo que, según el joven misterioso, tenía el poder suficiente para haberlos aniquilado en el futuro, pero también un nuevo rival con el que medirse y recuperar su orgullo. Según el joven saiyan, dos ciborgs muy poderosos aparecerían tres años después de su encuentro, y los destruirían a todos. Durante esos años de que disponían antes de que aparecieran, Vegeta aprovechó para entrenarse e intentar convertirse en supersaiyan, pero, tras dos años y medio, tan solo obtuvo fracasos y engendrar un hijo tras un momento de debilidad con aquella humana, Bulma. Ser padre era lo último que deseaba en aquel momento y menos con una endeble humana. Cierto era que Gohan, el mestizo hijo de Kakarot le había impresionado en más de una ocasión, mostrando una actitud para el combate que, sin duda, enorgullecía a su padre, pero el orgullo de Vegeta era solo para él. Nunca tuvo una relación cercana con su padre, el rey Vegeta, y ni siquiera sintió dolor tras su muerte a manos de Freezer, aunque no podía negar que le encantaba pertenecer a la realeza de su planeta. Los lazos familiares eran tan solo una muestra de debilidad, y aquel niño sin cola que había

engendrado no paraba de recordárselo. << Tal vez lo elimine cuando acabe con los ciborgs y con Kakarot >> pensó maliciosamente, aunque en el fondo se despreciaba por no tener suficiente poder para cumplir con aquella voluntad. Ese era el motivo por el que había huido de la Tierra (en donde solo se hacía más endeble) y había surcado la galaxia en busca de una leyenda, o tal vez de un fantasma. Durante el tiempo en el que aun era príncipe de su planeta, había escuchado historias acerca de un viejo maestro de guerreros del espacio que había sido desterrado a un planeta inhóspito por orden de su padre el rey. Siempre pensó que aquello eran habladurías de soldados (mató a algunos de ellos por atreverse a decirlo en su presencia) pues su padre no desterraba a quien le molestaba, sino que lo eliminaba, pero siempre albergó la duda. ¿Y si aquel saiyan fuera más poderoso que su padre y no le quedara más remedio que desterrarlo apoyado por sus súbditos? ¿Y si conociera algún secreto que a su padre no le interesara eliminar completamente pero si mantener alejado? ¿Podría tal secreto estar relacionado con la leyenda del super saiyan y en como transformarse en uno? Ahora que sabía que lo del superguerro era algo más que una leyenda puede que esto también fuera cierto y, aunque odiaba la idea de depender de otro para hacerse más poderoso, lo cierto es que, a falta de unos pocos meses para la llegada de los ciborgs, estaba desesperado. Por ello había pasado meses a bordo de aquella nave para llegar a Dagová, el planeta donde supuestamente había sido exiliado aquel saiyan. Al partir, pensó que el trayecto le aliviaría un poco su pesar, recordando los viejos tiempos en los que surcaba las galaxias para exterminar a otras razas, pero aquella nave humana era demasiado grande comparada con la reducida pero acogedora vaina en la que solía viajar y el trayecto se le hizo eterno. No quiso ni entrenar durante el viaje y se limitó a comer y dormir todo el tiempo que pudo. Tras descender completamente la escalinata de su nave, piso el suelo húmedo y una sensación desagradable de viscosidad le llenó las botas. Apunto estuvo de levitar para evitarla, pero se recordó lo duro que era en otros tiempos y decidió sufrir por orgullo aquellas molestias. Una vez habituado a aquella atmósfera decidió concentrarse para poder sentir si había alguien poderoso en las proximidades. Aquella habilidad de poder sentir la energía de otros sin necesidad del scouter era de lo poco que había


si cubierta por ella, apareciendo ante él un paisaje sombrío. Un gran lago de aguas no demasiado turbias se cernía bajo sus pies y en cuya orilla septentrional se podía distinguir una figura de aspecto humano. Aterrizó a escasos metros de aquel ser sin que este reaccionara lo más mínimo. El hombre estaba sentado sobre una roca, cubierto con una capa con capucha que le cubría medio rostro y casi todo el cuerpo, pero Vegeta pudo distinguir que portaba una antigua armadura saiyan y que a su cintura estaba enrollada la cola de simio característica de los guerreros del espacio, tal como él mismo la llevaba antes de perderla. Sin duda debía ser el maestro de guerreros que estaba buscando y la emoción de no haber hecho el viaje en balde lo invadió, aunque solo hizo una pequeña mueca para expresarlo. -Soy el... -El príncipe Vegeta, lo se -le interrumpió aquel hombre- y también sé a que has venido. Buscas el método de transformarte en un supersaiyan. Pocas personas podían presumir de haber dejado a Vegeta con la boca abierta, pero aquel hombre podía alardear de ello.

aprendido de aquellos humanos y lo cierto es que era fastidiosamente útil. Tras unos instantes percibió una pequeña energía a mucha distancia de allí, por lo que no perdió un segundo y salió volando a toda velocidad a su encuentro, emitiendo sin miramientos una potente honda de energía a su alrededor que eliminara cualquier obstáculo que entorpeciera su vuelo. Tras varias horas de vuelo, con su percepción como única guía por culpa de la densa niebla, halló a su objetivo justo debajo de él. Fuera lo que fuese, no tenía unos niveles de energía demasiado elevados, pero era lo único que podía sentir en aquel tétrico planeta. << Tal vez esté ocultando su poder real>>-pensó Vegeta- O tal vez se trate de un animal y haya perdido mis últimos meses de entrenamiento buscando algo que no existe. Si es así no volveré a la Tierra a cosechar más humillaciones.>> Al descender le sorprendió comprobar que había una amplia zona que no estaba saturada de niebla, aunque

- ¿Que eres, alguna especie de vidente? -dijo un Vegeta furioso por haberse quedado desconcertado. -Algo parecido. Hace años fui bendecido con el don del preconocimiento, o maldito, según lo mires. - ¿Y bien? - ¿Y bien, que? - Para ser vidente eres un poco idiota. ¿Piensas revelarme el secreto para transformarme en supersaiyan o no? -El secreto consiste en que hables menos y entrenes más. -¡¿Como dices?! -preguntó Vegeta furioso mientras levantaba los puños con aspecto amenazante. El otro hombre no mostró temor alguno, pero se puso en pie con calma y se giró hacia él. La capucha le ocultaba los ojos y gran parte del rostro, pero Vegeta distinguió una piel morena y una pequeña cicatriz en su mejilla izquierda. No sabía el qué, pero algo le resultaba familiar en aquel misterioso individuo. - Una vez intenté explicárselo a tu padre, pero se mostró tan obtuso como tú -añadió aquel hombreLe expliqué que el potencial de un saiyan no era importante, que cualquier saiyan podía llegar a ser un superguerrero con el entrenamiento y la motivación necesarios. -¿Motivación? ¿Que motivación?


- El sacrificio. Estar dispuesto a sacrificarlo todo por alguien. Por supuesto tu padre no quiso oír hablar ni de sacrificios ni nada parecido. El creía que todo era cuestión de casta. Guerreros de élite y guerreros inferiores, en eso lo resumía todo. No cambió de parecer ni cuando le enseñé a un autentico supersaiyan, aunque aquello lo aterró bastante, -el saiyan hizo una mueca sonriente- lo suficiente para desterrarme. - ¡Ahora se que tus palabras no son más que basura!contestó Vegeta encolerizado- ¿Tu un supersaiyan? Si fuera así no habrías dejado que te desterraran. ¡Nadie habría podido contigo! ¡Eres un mentiroso, y ya estoy harto de escucharte! - y con un estallido de energía, Vegeta saltó contra aquel hombre para propinarle un fuerte puñetazo en el rostro. Vegeta fue muy rápido en realizar su ataque, pero aquel misterioso guerrero lo fue más. Un aura dorada surgió del interior de su capucha y, sin que Vegeta lo viera venir, una de sus manos sujetó su puño, inmovilizándolo sin esfuerzo. Lo normal hubiera sido que el orgulloso príncipe de los saiyans contraatacara con su puño libre, pero algo más impactante que la mano de su adversario lo mantuvo inmovilizado. - Eres un... - ¿Un supersaiyan? Si, lo soy. Te lo he dicho y ahora te lo muestro, tal y como hice con tu padre. Acepté el exilio porque, de no haberlo hecho, habría tenido que enfrentarme con todo mi pueblo, y habrían acabado masacrados. Sin embargo, contigo la cosa cambia. Voy a hacer lo que Kakarot no tuvo agallas de hacer, librarte del sufrimiento de tu patética existencia, Vegeta, príncipe de los saiyans, hijo del hombre que me desterró y condenó a mi raza a la extinción por culpa de su arrogancia. De pronto el semblante de aquel hombre se tornó serio y Vegeta, por primera vez tras el combate contra Freezer, sintió pánico. Poco le duró el miedo pues, sin darle tiempo a reaccionar, la mano de su rival le golpeó contundentemente en la nuca, y todo se tornó oscuro mientras notaba como su cuerpo golpeaba el suelo. ----------------------- ¡Vegeta, Vegeta, despierta! Vegeta abrió los ojos al notar que lo zarandeaban y su primera reacción fue dar un fuerte empujón a la figura que lo sujetaba y ponerse en guardia. Alerta, se preparó para realizar el primer ataque, pero se

contuvo al reconocer a quien estaba junto a él. - Vegeta, soy yo, Goku. No te asustes -dijo el guerrero con las manos abiertas hacia él y con su rostro inocente que Vegeta tanto odiaba. -¿Kakarot? ¿Que haces tú aquí? -dijo Vegeta sin salir de su asombro. - Baba la vidente vino a verme. Me dijo que tenías problemas y estabas a punto de morir. Me dio las coordenadas de este planeta y me teletransporté aquí con mi nueva técnica. He llegado justo en el momento en que este tío iba a matarte-dijo señalando al cuerpo del maestro saiyan que permanecía inerte, flotando bocabajo sobre el agua del lago-y me he tenido que encargar de él. Ya no te molestará más. Vegeta creía que iba a estallar. De nuevo rescatado por quien más odiaba, de nuevo humillado por él. -¡No necesitaba tu maldita ayuda, joder! - Yo creo que si. Vamos, Vegeta -dijo Goku con una sonrisa pícara-Volvamos a la Tierra. - ¿¡Para que?! ¡Eres un supersaiyan, no necesitas a


nadie! Odio esa necesidad tuya de rodearte de débiles y fingir que los necesitas. Eres un saiyan, compórtate como tal. El semblante de Goku se tornó serio de repente. - Tienes razón. Eres un enclenque y no te necesito. Al menos, antes, tu orgullo ofrecía muchas posibilidades, pero ya no te queda ni eso. Eres una inútil caricatura de lo que una vez fuiste. Mejor quédate aquí, Vegeta, y no vuelvas nunca a la Tierra. Dicho esto, Goku le dio la espalda y se llevó los dedos a la cabeza con la intención de teletransportarse. No llegó a hacerlo. En un estallido de furia, Vegeta se impulsó hacia él y le propinó un fuerte golpe que lo mandó a la otra orilla del lago, haciéndole impactar con violencia contra las rocas que allí había. Goku, sorprendido por aquel ataque a traición, se incorporó rápidamente y contempló a su rival con furia. - No has debido hacer eso -dijo gritando para que Vegeta le escuchara desde la otra orilla-Podías haber huido, haberte creado una nueva reputación allí donde no hubiera alguien más fuerte que tú, aunque esa posibilidad se te va reduciendo ¿No es así? Ahora estoy yo, aquel joven supersaiyan, los ciborgs , y dentro de poco Gohan también te superará, no lo dudes. Te lo advierto, no me provoques más o acabaré contigo. Vegeta no podía más. La furia lo consumía. ¿Como había llegado a tal humillación? ¡Era el príncipe de los saiyans! No, ya no, ahora que su padre había muerto era el rey. ¡El rey! Había olvidado su orgullo, pero nunca más. Lucharía por recuperarlo, por si mismo, no por venganza, y si tenía que morir luchando, al menos, lo haría por la única persona que le importaba, él mismo. Una oleada de amor propio mezclado con rabia comenzó a invadirle, y notaba como una energía, más intensa de la que nunca había sentido, emergía de su interior, y en su mente solo una idea, hacerle pagar a Kakarot la humillación. Dejó que esta intensa energía que lo consumía se liberara y gritó con todas sus fuerzas provocando un estallido de energía que lo iluminó y destrozó todo a su alrededor. Una oleada de relámpagos surgió del cielo y, sin tocarle, empezó a rodearle y a restallar bajo sus pies y, cuando vio el aura dorada que emergía de si mismo y el gesto de terror de Kakarot, lo supo; se había transformado, por fin, en supersaiyan. - No -dijo un Goku sorprendido- No lo permitiré- Y juntando ambas manos en su cadera, concentrando

sus energías, comenzó a pronunciar- ¡Kaaameee, Haameee,... No llegó a terminar. Vegeta extendió sus brazos en cruz y, juntando las palmas rápidamente, emitió una onda de energía devastadora hacia su rival, que no tuvo oportunidad alguna de rechazar. Vegeta, eufórico, contempló como el haz de luz engullía completamente a su rival hasta hacerlo desaparecer. No quedó rastro alguno de su cuerpo ni ninguna traza de energía que le indicara que Kakarot hubiera escapado. ¡Lo había logrado al fin! Transformarse y acabar con su rival en una misma ocasión.


-El destello de mi ataque a sido lo último que tus ojos de traidor a la sangre han contemplado -dijo Vegeta orgulloso- En tu honor, Kakarot, bautizaré a este ataque como “destello final” Empezó a sentir, de nuevo, el orgullo perdido fluyendo por sus venas pero, de repente, todo empezó a tornarse oscuro y borroso. - No, no puede ser. Esto no es un... -fue lo último que pudo pronunciar antes de despertar de su trance. Cuando Vegeta despertó se encontró tumbado a la

orilla del lago. Miró rápidamente a su alrededor pero no halló rastro alguno ni del maestro saiyan, ni de Kakarot, ni indicio alguno de la devastación de su pelea. Entonces lo supo, todo había sido un sueño, ¡un maldito sueño! Encolerizado, golpeó el suelo con fuerza, haciendo que saltaran fragmentos de roca por todos lados. El esfuerzo hizo que se sintiera un poco mareado, pero aquello era lo que menos le importaba. Se incorporó e intentó contener su rabia. El sueño no había sido inútil del todo, tenía que recuperar su orgullo, y una pataleta no era algo que le ayudara a ello. Decidió enjuagarse la cara con agua del lago y serenarse un poco pero, cuando se agachó a recoger un poco de agua con sus manos, ya no le hizo falta. El reflejo sobre la superficie mostraba el rostro de un guerrero de cabellos rubios y ojos verdes, el rostro de un supersaiyan, su rostro. Vegeta sonrió, luego rió a carcajadas y, por último, empezó a desatar oleadas devastadoras de energía que provocaron terremotos y oleaje salvaje a su alrededor. ¡Aquel viejo maestro tenía razón! Necesitaba encontrar a alguien por quien luchar hasta la muerte para convertirse en supersaiyan, y lo había encontrado: él mismo. Ahora las posibilidades se le amontonaban en la mente: Regresaría a la Tierra, acabaría con los ciborgs, derrotaría al imbécil de Kakarot y a aquel entrometido joven supersaiyan, y hasta era posible que aceptara a aquel hijo mestizo y lo entrenara para que derrotase al hijo de Kakarot. Así su victoria sería hasta poética. Con todos estos eufóricos pensamientos, Vegeta se encaminó hacia su nave, para emprender el viaje de regreso hacia el planeta Tierra. ¡Era la hora de su revancha! ------------------------------El viejo maestro saiyan observó como la nave de Vegeta despegaba, rumbo a su destino. Su rostro, ahora descubierto, mostraba un rostro muy parecido al del gran rival del príncipe de los saiyans, y por eso había tenido que ocultarlo. - Kakarot, hijo mío -pronunció Bardock- Te envió al mayor aliado que tendrás jamás para que te ayude. Incluso llegará el día en el que ambos seáis una sola persona. Sé que la responsabilidad del destino de la galaxia recaerá numerosas veces sobre tus hombros. Esto es todo lo que puedo hacer para ayudarte. Cuídate mucho hijo mío, estoy orgulloso de ti. Y dicho esto, el cuerpo del viejo guerrero empezó a tornarse traslucido, hasta desaparecer completamente en medio del cosmos infinito.


LA TIENDA DE

TAO PAI PAI Muy bien niños, hoy vamos a hablar de una serie que no necesita presentación, una serie que marco a toda una generación y que sigue “pegando fuerte”: Bienvenidos al mundo de Dragon Ball. Gokuh y sus amigos no se conformaron con quedarse en las paginas de esta serie del gran Akira Toriyama, también saltaron a la televisión y al cine, pero no os equivoquéis, no me refiero a esa adaptación de imagen real venida de los USA, sino a los OVAs, las películas que aquí salieron en formato de video en Japón se proyectaban en salas de cine con una gran afluencia de aspirantes a Saiyans. Además de todo esto también hay infinidad de Merchandising y vamos a enseñaros un puñado de estas piezas que debéis conocer si soy buscadores de las siete bolas de dragón. Lo primero unas cuantas figuras que podéis encontrar en el mercado, tanto en tiendas físicas como en internet son las Gashapon. Hay varios tipos, entre ellas las HG(1), estas figuritas de unos ocho centímetros, dependiendo del personaje que representa, vienen dentro de unas bolas y, originalmente, se consiguen echando unas monedillas en una maquina y girando la ruedecita hasta que cae una al azar. Hay muchos tipos diferentes y por lo general van agrupados por sagas, aunque también hay series especiales sobre un personaje, recopilando en ella varias ya comercializadas e incluyen una exclusiva. La primera de estas series de figuras no eran muy espectaculares, pero con el paso del tiempo son de las de mayor calidad y detalle que se puede encontrar. También hay otras bastante más pequeñas, con una base con el símbolo del grupo o la saga al que pertenece el personaje. Otras figuras que también podéis encontrar, tanto en

bolas como ya montadas son las Dragon Ball Imagination(2): Estas son particularmente chulas y no solo representa a un personaje sino que incluyen escenarios en miniatura, algunos utilizando efectos de perspectiva para dar sensación de espacio. Algunas series de estas figus reproducen ilustraciones que el propio Toriyama realizo para los libros de ilustración o portadas de la serie. Tienen una gran calidad en los acabados y muchos detalles representativos de la serie. Siguiendo la idea de las Imagination podéis encontrar las Big ball; las , Dragon Ball Kaetekita y las Dragon Ball Kai Kaekita Capsule Neo, Dragon Ball: Chronicles Treasure Island, Dragon Ball: Edition of Movie un poco más grandes que las anteriores y con unas cuantas diferencias; Las bolas en las que vienen imitan a las Dragon Ball, Las podéis conseguir en color o en dorado o plateado, dependiendo de la serie, y cuando se conseguían todas optabas a una figura más, mega exclusiva, por haber reunido las siete bolas. Y para acabar con este tipo de figuras las Dragon Ball Amazing Arts(3), pequeños dioramas con un personaje y un elemento que le acompaña. También podéis encontrar las llamadas Soul of Hyper Figuration. Con este nombre podéis pensar que son unas figuras enormes, pues no, son más bien pequeñitas, alrededor de cinco centímetros. Incluyen una peana de plástico transparente de un tono oscuro con el nombre del personaje en japonés. Son de las colecciones más completas en cuanto a personajes y variaciones de estos. Las poses están muy conseguidas y algunas de ellas se pueden combinar entre si para formar poses más grandes, como la fusión entre Gokuh y Vegeta. La pega de esta serie de figuras es la pérdida de calidad con el paso


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de las series, al contrario que las gashapon, pierden cuanto más reciente es la serie de figus, añadiendo un poco de tamaño pero restándoselo al acabado. Las podéis encontrar en color, algunas con piezas semi transparentes, y en una especie de gris y negro que simula a las tintas chinas. Las Greatest Art y Fantastyc Art son de un tamaño más grande que cualquiera de las anteriores y son pequeñas escenas entre personajes, con un acabado bastante bueno y un detalle aceptable. Hay unas cuantas figuras que podemos agrupar por sus características similares: las Dragon Ball Mini Big Head(5), Dragon Ball World Collectable Figure, Deformation, Bandai Dragon Ball Chara Puchi Toy Candy, entre otras, son unas series de figuras que presentan a los personajes en forma de chibi, es decir, algo cabezones y deformados. Dragon Ball Kai Kumitateshiki DX Dragon Ball

Creatures(6) son una nueva visión de unos cuantos personaje, que se considerarían no humanos, de una forma algo más realista. Tienen un buen tamaño y muy buena calidad. Otras figuras de gran tamaño y con gran calidad son las Dragon Ball Action Pose y Dragon Ball High Quality Delux Figure. SH Figuarts Dragon Ball Z son figuras articulas que rondan los catorce centímetro con un gran parecido a los personajes e incluyen un stand con diferentes efectos como las ondas de energía o el efecto de los Saiyans. La figura de Vegeta en versión explorador en principio era exclusivamente para la Web de Tamashii, pero si buscáis un poco podréis encontrarla sin muchos problemas. Parecidas a estas, aunque a menor tamaño están las Hybrid Action, con una mayor variedad que las anteriores.


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Las DX Saiyan Genealogy y las High Spec Coloring Figure, de ocho y doce centímetros respectivamente, se basan en la redición de dragon ball conocida como “Kai”. Scultures dragon ball Banpresto(7) son las 10 figuras finalistas de un concurso llamado Zoukei Tenkaichi Budoukai en el que los mejores escultores de Japón han participado con sus obras y creaciones. Miden alrededor de 20 centímetros, algunas de ellas con poses muy logradas y con un acabado de gran calidad. Las Dragon Ball x One piece(8) del 40 aniversario de la Shonen son una colección de varias figuras de un cross over entre el grupo de Gokuh y el del pirata Lufy de One Piece por el cuarenta aniversario de la revista que acoge en Japón a estas dos míticas series. No solo tienen una calidad excelente sino también mezclas realmente graciosas.

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Un merchandising realmente extraño es el Dragon Ball Panorama World(9), varias partes del mundo creado por Toriyama que al unirlas entre si crean un mega diorama que se puede cerrar para crear una dragon ball. Incluye unos personajes cabezones en miniatura que dependen del entorno que se adquiera. En principio eran de importación Japonesa pero hace algún tiempo fue comercializado en España por Bandai y se podía encontrar la colección completa en varias jugueterías a un precio mucho más económico que las de importación. Otras cosillas variadas con las Dragon Ball Super Ball Real size version son unas reproducciones de las dragon ball a mayor escala, pese a su nombre, y con la diferencia que se cambia el cristal por goma, vamos que tenemos unas dragon ball de bota y bota. Siguiendo con las reproducciones de las bolas de dragón podemos encontrar la edición deluxe, una caja con las siete bolas a un tamaño más pequeño que


las anteriores. Hay varias replicas a tamaño real de las bolas de dragón, la mayoría de platico duro o resinas, pero también las hay de cristal. Estas pierden el toque que aporta el color, pues son transparentes con las estrellas grabadas a laser, y otras cambian las estrellas por elementos que aparecen el la serie. Algunos modelos incluyen una peana que se ilumina para “teñir” la bola con el famoso color naranja que las caracteriza. Hay muchísimo merchandising más que podemos encontrar sobre la serie: Huchas, peluches, carteras, juegos, cartas (algunas con maquina de batalla, aunque no salieron de Japón), juegos de mesa, ajedrez, bandas sonoras, libros de ilustración, camisetas, llaveros, figuras de resina para montar y pintar, cosplays, radios, despertadores, aplicaciones para móviles (como el Dragon Radar) y un largo etcétera porque el universo de Dragon Ball no hace más que crecer y crecer y se necesitaría más de un numero para descubrir todas. Así que ya sabéis, llamar a vuestra nube kinton y a volar para descubrir todo.

POR DAVID BLAZQUEZ


La carismática niña de los Alpes, tan inocente y cantora, proviene de una serie de anime japonesa, vista por primera vez el 6 de enero del 1974, y tristemente despedida el 29 de diciembre del 1974. La serie la producía la japonesa Zuiyo Eizo, la que más tarde será Nippon Animation, y los alemanes Zweites Deutsches Fernsehen. Su duración fue de 52 episodios, y llegó a nuestro país en el año 1975 y fue emitida por Televisión Española. La dirección es de Isao Takahata y del estudio Nippon Animation, emitida en la cadena Fuji Tv. El argumento nos presentaba a una pobre niña de cinco años de edad que sufrió la desgracia de perder a sus padres, por lo que se fue con su tía Dete a vivir en la naturaleza y el aire puro de las montañas suizas, más tarde con su abuelo cuando su tía pensó que ya había hecho lo suficiente (aunque para una niña de cinco años nunca se hace lo suficiente, pensaría ella). Lo que no sabe ella es que su abuelo es un poco cascarrabias, por algo le llaman “cariñosamente” el Viejo de los Alpes, pero claro, en el fondo tiene su corazoncito e irá cambiando de abuelito gruñón a abuelito tierno con la ternura y alegría de su nieta. Heidi poco a poco encuentra la felicidad, incluso conoce a un pastorcito que vine cerca de ella, Pedro, y juntos se van a pasear al monte con las cabras. Pedro también tiene sus desgracias, ya que su abuela es débil debido a la edad y para colmo la ceguera la ha atizado con crueldad. No todo iba a ser cantar y ser feliz por los montes suizos cuál musical de Sonrisas y Lágrimas, un día Dete viene dispuesta a llevarse a Heidi con ella, ya que ha encontrado trabajo en Fráncfort del Meno en tierras alemanas, y Heidi es la compañía perfecta para la hija del señor Sesemann. La hija del señor Sesemann se llama Clara, y también sufre la desgracia de no poder caminar e ir en silla de ruedas, pero su gran corazón gana todas sus dificultades con su gran corazón y fortísima fuerza de voluntad. La única pega es que nuestra Heidi se las tiene que ver con la Señorita Rottenmeier, que para imaginárosla con todo detalle podéis pensar en la típica profesora amargada y enfurruñada que seguro habréis tenido alguna vez, y con la que Heidi, jamás se llevará bien.

Pero esta historia tiene un final feliz, en el que Pedro, el abuelo, Clara y su abuela y todos los amigos se reunirán en las montañas y un milagro colmará sus vidas de felicidad. El Ánime tiene varios personajes principales. La esencia de toda la historia es Heidi. Sus padres se llamaban Tobías y Adelaida, y son los responsables de ponerle a esta dulce niña el nombre tan especial y jovial de Adelaida como su madre, pero es conocida como Heidi. Vivía con su abuelo en las montañas suizas con Pedro, el perro Niebla y todas las cabras, hasta que se fue con su tía Dete a Fráncfort, dónde conoció a Clara. El abuelo de Heidi era el padre de Tobías, y en el pueblo de Dorfli era el Viejo de los Alpes, es huraño y solitario pero más tarde evolucionará, y su apellido es Hessen. Pedro es un pastorcillo que vive con su madre y su abuela, y lleva a todas las cabras de Dorfli a las praderas a tomar el viento fresco. Clara Sesemann es la mejor amiga de Heidi en Fráncfort, muy frágil y débil, y cuando se vaya a las montañas, aprenderá a valerse por sí misma y también valiosas lecciones sobre la vida. Los personajes secundarios son la abuela de Pedro, la señorita Rottenmeier, la señora Sessemann, Brigida, el doctor Klassen, Sebastián, Tía Dete, Tinette y Juan. Los personajes más animales del Anime son Niebla, Blanquita y Diana, Bonita, Copo de Nievem El Gran Turco, Cascabel, El Gavilán, El Señor de las Cumbres, Las Dormilonas, Pitchi, Miau y Salvaje. POR ESTHER ESTEBAN


ANIME CLASSIC


ANIME CLASSIC

MARCO

Marco, al igual que Heidi, es también sobradamente conocido.

buscar a su madre, que emigró al país sudamericano dos años atrás.

Lo que no es tan famoso es que también el anime recibe el nombre de Tres mil leguas en busca de mamá o De los Apeninos a los Andes.

El relato aunque pueda parecer simple y sencillo en apariencia, está profundamente cargado de complejas ideas como la visión de la emigración italiana en el siglo XIX, cuando dejaron el norte italiano para cambiarlo por el continente americano, pero todo con un toque optimista y teniendo un final lleno de esperanza y tranquilidad.

Este anime estaba incluido en la novela italiana Corazón, de Edmondo de Amicis y se emitió en Japón por primera vez en el año 1976, como parte del contenedor infantil World Masterpiece Theater o Meisaku de Nippon Animation, compañía encargada de producir algunas obras literarias como El perro de Flandes del 1975 o Rascal, el mapache de 1977 entre otras. En España se emitió TVE, Antena Tres y Tele5, y también está disponible en DVD por la distribuidora Planeta Junior, incluso se emitió en los años 80 una película a modo de resumen con episodios de la serie, y en 1999 se hizo una producción conmemorativa con una canción de Sheena Easton, Carry a Dream, Lleva un sueño en español. Se dobló a varios idiomas y fue todo un éxito en países como Portugal, Brasil, Venezuela, España, Uruguay, el mundo árabe e Israel. Otros nombres por los que se la conoce es HaLev en hebreo, en Europa y Latinoamérica como Marco y en Arabia Wada’an Marco (Adiós Marco.) Marco, de los Apeninos a los Andes es un relato breve de ficción creado por Edmundo de Amicis para su novela Corazón, y se publicó en 1886, teniendo un éxito descomunal que emocionó a todos los que se embarcaron en la lectura y el visionado de este niño tan especial. La historia nos narra el viaje que realiza Marco, un pequeño joven de trece años que viaja desde Italia hasta Argentina movido por el amor maternal a

Tenemos varios personajes: Sin duda el protagonista y el alma de esta enternecedora historia es Marco Rossi, un niño italiano de doce años con un carácter muy agradable, que está casi siempre feliz y además tiene una generosidad impresionante, pero un día se entera de que su madre debe irse a Argentina para acumular dinero para su familia, pero un día después de un año ya no recibirá cartas de su madre, por lo que es el momento ideal para irse a Argentina a buscarla, teniendo un camino lleno de aventuras y hazañas memorables. Anna Rossi es otro de los pilares fundamentales de toda esta historia, la madre de Marco, que enfermará gravemente, pero seguramente Marco pueda llegar a tiempo para socorrerla… El padre de Marco se llama Pietro Rossi, doctor, y dueño de una clínica para pobres, al que en un principio no le agrada nada que Marco parta en busca de su madre, aunque acaba permitiéndoselo. También tenemos a Antonio Rossi, el hermano mayor de Marco, a Fiorina, la mejor amiga de Marco y otros personajes como Peppino, Concetta, Giuletta, Amedio y Ramón Mequinez entre otros. POR ESTHER ESTEBAN


ANIME CLASSIC Otra gran serie de manga y anime que creó Go Nagai, que dio vida al primer robot gigante tripulado. Su historia se basa en un grupo de científicos que poseen un robot gigante para que luche contra el malvado Dr. Hell/Dr. Infierno. Se estrenó por primera vez el 12 de septiembre de 1972 en el semanario Shonen Jump, y en 2009 se reeditó con un manga nuevo llamado Shin Mazinger Shogeki! Z hen, que incluye novedades en la historia. Más tarde, Mazinger Z se estrenó en el canal Fuji TV el 3 de Diciembre del 1972. No hay duda que Mazinger Z ha sido uno de los animes más importantes, y después de él han surgido otros imitadores como Voltron, Macross, Robotech, Transformers o Evangelion. Tenemos varios personajes en este gran ánime: El profesor Juzo Kabuto, el constructor del Mazinger Z y además abuelo de Koji y Shiro, que desarrolló la energía foto-atómica conjuntamente con el inteligente Profesor Yumi, y por si fuera poco también inventó la aleación Z. Koji Kabuto es el protagonista y piloto de Mazinger Z, y pasó a la tutela del profesor Juzo Kabuto tras haber sufrido desgraciadamente la muerte de sus padres en un accidente, y su carácter es bastante rudo y desconfiado, probablemente por todo el sufrimiento que ha pasado en su vida, pero sin embargo es un estudiante excelente y un experto en las artes marciales, siempre quiere resolver sus problemas ya que no le gusta nada tener ningún tipo de problema, y también tuvo una ardua lucha contra el Dr. Hell y sus mostruos. Su hermano menor es Shiro Kabuto, un muchacho que ama el mundo y todo le resulta interesante, y además ayuda mucho a su hermano en su violenta y complicada lucha.

Otros personajes principales son Sayaka Yumi, el Profesor Gennosuke Yumi, el Profesor Iz Sewashi, el Profesor Biz Nossori, el Profesor Diz Morimori y Boss. En la parte más villana del anime destaca el Doctor Hell, también conocido como Doctor Infierno. Es un brillante científico alemán resentido con la humanidad, ya que sufrió acoso en la escuela, un acoso que ha desarrollado en él una maldad y un sentimiento de venganza bastante fuerte. Tiene un montón de robots gigantes, y más tarde se descubrirá que es una pieza muy importante de un proyecto incluso aún más maligno si cabe la posibilidad. Otros villanos son el Barón Ashura, el conde Brocken, el vizconde Pigman, el duque Gorgón, las Máscaras de Hierro, los cruces de hierro y Ricoh o Kozinger. Pero sin duda el mayor protagonista y héroe de esta historia es Mazinger Z, el robot que creó el Dr. Juzo para acabar con el Dr. Infierno, y si realmente hubiese existido, construirle hubiese superado los 725 millones de dólares estadounidenses. Su construcción consta de una aleación con mineral de japonium, que solo se encuentra en Japón y se estima que su escondite se encuentra cerca del Monte Fuji, y la aleación se llama aleación Z, alimentándose de una energía fotoatómica, su altura es de 18 metros, y el Dr. se aloja en una nave voladora construida sobre la cabeza del robot, y puede alcanzar una potencia de 65.000 CV. POR ESTHER ESTEBAN


AMERIMANGA Amerimanga: Cómic creado en Estados Unidos, o por extensión en Norteamérica, al estilo del manga japonés. Con esta definición sencilla comenzamos esta entrega del Androide de la Mazmorra para ir introduciéndonos en este estilo de cómic que se viene dando desde mediados de la década de los noventa del siglo pasado y continúa hoy en nuestros días, hasta llegar a la creación del Mangaverso Marvel durante los primeros años de este siglo. Amerimanga es el término que más se ha utilizado para denominar a este tipo de cómics que intenta aunar los estilos occidental y japonés, aunque en muchos casos es prácticamente imposible. Otros términos que quizás hayáis oído son Western Manga, World Manga, Emulation Manga o, quizás el más usado hoy en día, OEL Manga (Original English Language Manga). Aun así, estos términos son considerados erróneos por una mayoría de otakus occidentales, puesto que la palabra manga es de origen japonés, por lo que significa de manera intrínseca que es un cómic publicado en Japón; por tanto, para evitar controversias, surgió otro tipo de denominación: Manga-Influenced-Comics (cómics influenciados por el manga, abreviado normalmente como MIC). El Amerimanga comúnmente presenta algunas características del manga: ojos grandes, la forma de los cuerpos, enormes robots y criaturas… Pero es importante aclarar que el término no se asocia con ningún estilo artístico definido, si no con una influencia japonesa en el dibujo de los cómics americanos. Algunos ejemplos de colecciones Amerimanga son Transformers, Ninja High School, Megatokyo o Speed Racer. Y algunos dibujantes de los personajes de cómics americanos archiconocidos como Spiderman, la Patrulla-X o Batman utilizan claramente un estilo de dibujo Amerimanga, hablamos de artistas como Humberto Ramos, Carlos Pacheco, J. Scott Campbell, Joe Madureira y Chris Bachalo, por mencionar sólo algunos.


animeverso marvel A principios de siglo, concretamente desde el año 2000 hasta el 2002, la ola del Amerimanga aterrizó en la editorial de cómics Marvel, archiconocida por todos hoy en día. Este movimiento editorial sólo se extendió durante varias miniseries en las que todo aquel que reúna el valor necesario puede comprobar que la estética manga más estereotipada está presente en cada aspecto del universo. El Official Handbook to the Marvel Universe: Alternate Universes dio al Mangaverso la denominación Tierra-2031 (para los que no lo sepan, el Universo Marvel de toda la vida es Tierra-616, el Universo Ultimate es Tierra-1610… ¡Hay una infinidad de Tierras!). El primer volumen del Mangaverso Marvel fue dibujado por una gran variedad de artistas, pero el número final y el segundo volumen al completo fue dibujado por Ben Dunn, más conocido por su serie Ninja High School. La miniserie Mangaverso Marvel: Los Anillos del Destino fue dibujada por Tommy Ohtsuka, en la que podíamos ver al Spiderman de esta realidad, que… ¡Esperad un momento! Vayamos paso por paso. La historia comienza con el descubrimiento por parte del Doctor Bruce Banner de una realidad paralela a la que llama Zona Negativa, de la cual parece surgir una gran cantidad de energía. Tras ser engañado por la organización terrorista HYDRA, levanta un “dique de energía” que permite a los villanos construir un arma de destrucción masiva, que causa al ser disparada por primera vez un apagón mundial y la muerte de miles de personas. Aquí es donde entra en juego Namor, el Príncipe de Atlantis, que decide atacar e invadir la superficie con su ejército submarino, pero es detenido por Iron Man. Bruce Banner es rescatado y otros intentan levantar otro dique de energía, con la terrible consecuencia de que ahora Dormammu es liberado y aparece Hulk. Pero no un Hulk cualquiera, sino que en esta ocasión el coloso esmeralda es tan grande como Godzilla y está completamente separado de Bruce Banner. Es entonces cuando sólo la encarnación de este mundo de los Vengadores, a bordo de sus naves de combate para unirse en una suerte de Megazord rojo y dorado derrotando así a los villanos sobre ese gigantesco robot conocido desde ese momento como… ¡¡Ultimate Iron Man!!


Y aquí acaba el primer volumen del Mangaverso. Como podéis ver, en este argumento tenemos robots gigantes, monstruos gigantes, armas de destrucción masiva, malos, buenos… ¡De todo! La historia continuó evolucionando, presentándonos a un joven Peter Parker que formaba parte del Clan de la Araña, convirtiéndose así en Spiderman, un ninja entrenado por el tío Ben y que se aventuraba contra el Duende Verde (que era un duende de verdad) junto a la Gata Negra y Spiderwoman, en esta realidad interpretada por la pelirroja Mary Jane Watson. Los diseños de los personajes son los ya conocidos por todos, modificándolos según la temática en el Mangaverso… Aunque nunca entenderé por qué la Gata Negra debía llevar un escote que llegaba por debajo del ombligo. Aunque es peor lo de Fénix. En los X-Men, los diseños fueron más salvajes que en ninguno, pero al menos nos respetaron que Lobezno tuviera un pasado como samurái. Lo que no respetaron fue la dignidad de Cíclope (poniéndole sobre la cabeza una especie de cañón de plasma rojo) o la integridad del traje de Fénix, compuesto ahora por un modelito de última generación que no deja nada a la imaginación. Pero el que peor salió parado fue Frank Castle, el Castigador. En la historia guionizada por Peter David y dibujada por Lea Hernandez, en el Mangaverso no hay un Castigador, si no

una Castigadora: Sosumi Brown es la directora de un colegio privado que lucha contra el clan criminal coreano Skang Kee con sus artes marciales y armas tradicionales japonesas, vestida con un traje negro que la hace parecer una geisha. El problema no es que hayan cambiado el sexo del protagonista (porque en las realidades alternativas puedes hacer esto y más cosas, que se lo pregunten a Los Exiliados), si no que los métodos de castigo que utilizaba eran en ocasiones absolutamente ridículos, como hacer cosquillas en los pies a un ladrón con una pluma o darle unos azotes en el culo a un señor del crimen. Por suerte o por desgracia (aunque la mayoría de los aficionados admite que fue una suerte), el Mangaverso Marvel desapareció en el año 2002 y nunca más se supo de los habitantes de la Tierra-2031.


Entrevista con AriArtna Hoy en Nosolofreak tenemos el placer de contar con una ilustradora barcelonesa que conocí hace unos meses en las redes sociales, donde por cierto es muy activa y accesible. Ella es AriArtna y entre trabajo y trabajo aceptó darnos unos minutos de su tiempo para contestarnos a algunas preguntas sobre ilustración. 1- Ante todo muchas gracias por tu tiempo y nos gustaría que en tus palabras nos dijeras ¿quien es Ariartna? (inicios, inquietudes que te llevaron a elegir esta carrera, etc…) Ariadna Herrera es mi nombre real y digamos que “antes de convertirme en ariArtna”, fui una niña y una estudiante de instituto que dibujaba a todas horas y en todas partes. Cuando llegó el momento de realmente decidir mi futuro, me guié por mi pasión por el dibujo, ya que considero que uno debe dedicar su vida a lo que realmente le hace feliz. Así que tras el Bachillerato artístico, ingresé en la Escuela JOSO de Barcelona y al acabar los 4 años de curso tenía claro que quería dedicarme a la

ilustración. 2- ¿Cómo definirías tu estilo de ilustración? Y ¿Algún autor u obra te han marcado en tu estilo.? Siempre quiero que mis ilustraciones produzcan una sensación agradable al mirarlas, así que mi estilo suele ser bastante dulce y alegre. Además disfruto mucho jugando con la sensualidad femenina por lo que a menudo añado un toque erótico. En cuanto a influencias, creo que mi lista es infinita y de lo más variada jaja: desde películas Disney, que llevan influyéndome desde pequeña, a artistas pin up como Gil Elvgren, autores manga como Wataru Yoshizumi o Masakazu Katsura, e incluso catálogos de moda como los de GUESS o Victoria’s Secret. 3- ¿Es difícil dedicarse a la ilustración en este pais?¿se valora vuestro trabajo tanto como en otras partes del mundo? En general aquí hay mucho desconocimiento


acerca de esta profesión y supongo que ese es uno de los motivos que lleva a que nuestro trabajo a menudo no sea valorado como debe. En cambio te mueves un poco por el extranjero y ves que hay un mercado mucho más amplio y sólido, donde suelen ser más conscientes del esfuerzo y dedicación que se requiere. Pero es injusto sólo quejarse porque aquí también encuentras proyectos y gente dispuesta a confiar en tu talento y ayudarte a que se conozca tu obra.

porque con cada uno aprendo algo nuevo. Por ejemplo, las ilustraciones que realicé para el libro infantil “Ilusionaria 2” fueron todo un reto porque eran para niños y debía controlar mi vena “pin up” jaja pero a la vez disfruté mucho adaptando mi estilo a un género al que no estaba tan acostumbrada. Ahora mismo tengo entre manos varias cosas: una ilustración de género fantástico de una saga literaria, una promoción de fan arts de Tomb Raider y además estoy renovando mi portfolio, 4- Cuéntanos algo sobre tus trabajos, cual te ha ¡no tengo ni un momento libre! jaja gustado mas, cual ha sido mas difícil, en que estas metida ahora… 5- Tengo entendido que en estos momentos colaboras en otro proyecto on line, ¿podrías Me lo paso bien con todos los encargos porque hablarnos un poco de ello?


¡Por supuesto! Hace poco me he unido a “Lupus in Fabula” un proyecto muy ambicioso que pretende promocionar el género fantástico, ciencia-ficción, etc. en nuestro país. Cuenta con su propio blog y revista online, donde se publican artículos muy interesantes de esa temática y yo participo en él ilustrando algunos de sus textos junto a otros grandes artistas. Hacía tiempo que quería probar mi estilo con este género asi que es un reto que me motiva mucho.

nacionales siento profunda admiración por el gran Luís Royo, oscuro y sensual; también recomiendo leer algun tomo de “Blacksad”, una obra maestra en forma de cómic de manos de los geniales Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido. En cuanto a internacionales a mi me tienen enamorada Dean Yeagle con sus divertidos pin ups y los chicos de Imaginism Studios que, como se puede intuir con el nombre, ¡son pura imaginación!

Quiero daros las gracias por la entrevista y por 6- Para alguien ajeno a este mundo, ¿podrías apoyar mi trabajo, ¡esto siempre me anima a indicarnos algunos autores nacionales e seguir esforzándome mucho! internacionales que puedan interesarle? Blog: http://ariartna.blogspot.com.es/ Es difícil nombrar sólo a unos pocos… de artistas Facebook: http://www.facebook.com/ariArtna


El artículo de este mes (que entrego con tremendo retraso y me veo obligado a pedir disculpas a Daniel) versa sobre dos de mis temas favoritos, Manga y Juegos de Rol. Dos temas que encajan cómo dos piezas de un puzle, a la perfección, cómo si alguien los hubiera diseñado para ir de la mano. Cómo viene siendo habitual en mis artículos, vamos a encarar este desde dos puntos de vista para al final intentar obtener el mismo resultado, una buena partida de rol que ofrecer a nuestros jugadores (o sugerir a nuestros directores de juego) y una vez más me veo en la obligación de avisar que lo aquí escrito no es universal ni mucho menos si no que es mi punto de vista particular sobre algunas de las opciones que debemos tratar con esta temática y que además hoy girará en gran medida sobre un juego de rol en concreto (incluyendo su ambientación) que siempre tiene un rinconcito guardado en mi corazón (y no porque me guarde para mí el honor de haber firmado una pequeña contribución en uno de sus libros y tener una fantástica relación con sus creadores). Hablo de Anima Beyond Fantasy, un producto patrio que atesora una gran calidad tanto de desarrollo cómo artística y que goza de éxito mundial… algún día le dedicaré un especial entero, lo prometo. En esta ocasión he decidido empezar por las ambientaciones a sabiendas de que la mayoría de los interesados queréis oír hablar de los sistemas (la mayoría ya queréis jugar a Berserk, Naruto, Bleach, One Piece, etc) Ambientaciones Lo primero que tenéis que tener en cuenta es que en el manga, salvo contadas excepciones, tienen un protagonista claro alrededor del cual gira la historia. Cómo ya he comentado en ocasiones anteriores, debemos alejarnos de la idea de un protagonista cómo si de fuego se tratara, pues mellará en la diversión del grupo y probablemente acabe con la partida desierta a la tercera o cuarta sesión. Intentad dosificar el protagonismo entre todos los jugadores para que todos se sientan partes importantes de vuestra trama. Cómo nota final señalar que voy a omitir entrar en Hentai, Ecchi, Yaoi, Shonen-ai, Shojo-ai, Yuri o Yaoi, eso entra dentro del “toque” que cada uno quiera dar a su partida y creo que sabréis cómo hacerlo. Ahora sí, profundicemos un poco:

Tras la p master: Ro


pantalla del ol de Ojos Grandes


Shonen: El género manga por antonomasia, para los desconocedores del mundillo, casi como si existiera el último y en gran medida al que muchos queréis jugar. En este bloque englobaríamos series cómo One Piece, Naruto, Bleach o Dragon Ball por mencionar sólo algunos del extenso catálogo. En el shonen prima la acción sobre todas las cosas, héroes poderosos que salvan al mundo porque es lo que se debe hacer, unos buenos muy buenos y unos malos muy malos, sin apenas líneas grises o con total ausencia de ellas (que nadie se me tire al cuello y empiece que si Itachi aquello, Nami lo otro, porque Itachi al final es muy bueno y Nami también). En este caso la partida girará en torno a la gran meta de los personajes que serán los elegidos, los héroes, o los salvadores cómo ya comentábamos. Siempre se repondrán a tiempo, salvarán la vida y se harán más fuertes cada vez para enfrentarse a los peligros cada vez mayores que amenacen el mundo. Si lo que quieres hacer es una partida al más puro estilo shonen no deben faltar un malo muy bueno, gente a la que defender arriesgando la vida cada vez más, instinto de superación, técnicas demoledoras y momentos épicos y victorias que parecían imposibles. Pero que esto no os confunda, el Shonen es una generalidad máxima, no deja de significar “orientado a adolescentes” y todos los géneros que veremos después se pueden hacer shonen siguiendo estas premisas. Mecha: Planeador abajo!!!! Lo siento, tenía que decirlo. Los que cómo yo os habéis criado en mayor o menor medida con Mazinger sabéis de lo que hablo, pero no sólo de Go Nagai vive el hombre y otras grandes series cómo Macross, Code Geass o Gundam están englobadas aquí. Algunos diréis que Evangelion, pero Evangelion es más Seinen que otra cosa y los Mechas no dejan de ser un adorno para lo que es la trama de verdad. En una partida de mechas está claro lo que no debe faltar, robots gigantes pilotados por nuestros protagonistas, grandes amenazas contra la tierra o el mismo universo a las que tendrán que enfrentarse, ciudades en las que combatir y que reducir a escombros durante el combate y que nuestros robots no paren de mejorar y ser modificados con el tiempo para ser todavía más grandes y poderosos. Ah sí, y patillas, muchas patillas!!!


Fantasía: Lo más cercano a una partida de rol “tradicional”, probablemente… En este género englobamos series cómo Record of Lodoss War, Escaflowne (aunque tiene su parte de Mechas), Scrapped Princess, Full Metal Alchemist (con matices), Bastard o incluso, Berserk (aunque este comparte a medias con el Seinen). Aquí no pueden faltar las princesas, príncipes, ladrones y magos. Reinos enfrentados entre ellos, malvados imperios que someten a los débiles, razas sobrenaturales, criaturas fantasiosas y magia, mucha magia. Ciencia ficción: Evangelion, Appleseed, Alita Angel de Combate, Ghost in the Shell o Cowboy Bebop son claros ejemplos de lo que encaja aquí dentro. En una aventura manga ci-fi no pueden faltar los ciborgs, implantes, la posthumanidad, dispositivos de última generación, vehículos avanzados, dispositivos informáticos, superhackers, armas futuristas (katanas monofilo y esas cosas) y por supuesto organizaciones gubernamentales, batallones de especialistas y amenazas globales. Artes marciales: Es Japón y no podía faltar algo cómo las artes marciales (que también pueden entrar en cualquiera de los anteriores y posteriores) cómo género propio. Tenjo Tenge, Ikkitousen, Kenichi… casualmente siempre hay un instituto de por medio y eso es algo que creo que no debería faltar, un sitio dónde los mayores artistas marciales del mundo se reúnen por determinadas razones ya sea para entrenar, enfrentarse entre ellos o simplemente, estudiar y gobernar el instituto. Tampoco pueden faltar altas dosis de acción, combates espectaculares que destrocen todo alrededor (hasta la ropa de los combatientes si queréis darle un toque Ecchi y ser fieles al género) y ataques especiales con nombre, muchos y a cada cual más espectacular y devastador. Japón Histórico: La historia de Japón es rica, épica y turbulenta hasta bien acabada la Segunda Guerra Mundial, pero con Japón histórico nos referimos a la era de los Samurai, desde el periodo de los grandes clanes, hasta la unificación, el Shogunato Tokugawa y el, reformismo de la era Meiji. En una partida de este tipo no pueden faltar los Samurai, el honor, las grandes batallas y las historias de sacrificio y superación. Añade además unas cuantas armas legendarias, una búsqueda, aliados que se vuelven enemigos y viceversa y tendremos algo redondo. Rurouni Kenshin, El Lobo Solitario y su Cachorro, Vagabond o Peacemaker Kurogane encajan a la


perfección cómo ejemplos para este tipo de partidas. Spokon: O “manga de deportes” y si, hablo de Oliver y Benji, Slam Dunk, Prince of Tennis o la más reciente Inazuma Eleven. Esto va a requerir mucha adaptación del sistema que usemos pero puede ser una experiencia divertida. Aquí no pueden faltar los tiros especiales, los tiros combinados, jugadas maestras, tácticas secretas, finales épicas con varias prórrogas y sobre todo, el equipo “mediocre” que se supera a si mismo con la llegada de los personajes jugadores y acaba convertido en el mejor de Japón llevando a la selección a la ganar el mundial de lo que sea. Chicos/as mágicos/as: (Quien me manda ser políticamente correcto…) En este género se engloban mangas del tipo Sailor Moon, Card Captos Sakura, Negima (aunque esto también es Shonen y Harem pero bueno) y un largo etcétera que no conozco tanto por no apasionarme el género. Lo siento, alguno tenía que no gustarme. En este género los protagonistas serán jóvenes pre o adolescentes que tienen poderes que se salen de lo normal y que usan para combatir el mal. No pueden faltar las mascotas mágicas, objetos recolectables y coleccionables que otorguen poder, uniformes de magos, tutores misteriosos y enemigos aún más misteriosos. Sentai: Quizá por el nombre no os diga mucho, pero si digo Power Rangers estoy seguro de que a muchos se os acabará de mostrar una sonrisa en el rostro y es que, esta famosa serie no es más que una importación de los Sentai Japoneses de los que sólo voy a destacar Kamen Raider, cómo obra maestra del género, al menos para mí. En una partida de este tipo no pueden faltar las identidades secretas, los trajes de colores, las bases en lo profundo de la montaña, enemigos malísimos que primero mandan masillas, luego bichos feos y luego bichos más feos y más grandes. Por supuesto, los buenos primero deben ganar para luego sufrir una amarga derrota por separado y vencer con eficiente trabajo en equipo… a metamorfosearse!!!!! Post-apocalíptico: He decidido separar este por un lado porque hay mucho y muy bueno, El Puño de la Estrella del Norte, Trigun, Ergo Proxy y por supuesto Akira. Coja un poco de humanidad diezmada, catástrofe, plagas, desiertos, últimos bastiones de la humanidad, bandas callejeras, subtramas enrevesadas y misterios de cómo el mundo se fue a


la mierda y bátalo bien para una fórmula de éxito. Poco más que decir. Policiaco: Detective Conan, Monster, Death Note. Misterio, crimenes sin resolver y mentes geniales dispuestas a resolverlo. Si consigues que cada jugador sea experto en algo y que colaboren cómo dios manda con una trama interesante y cargada de giros puedes tener una partida excelente en ciernes sin demasiadas dificultades. Seinen: Full Metal Alchemist, Vampire Hunter D, Samurai Champloo, 20th century boys y sobre todas las cosas del mundo Berserk, para mí el mejor manga de la historia (ahora es cuando me crucifican). El manga de temática adulta (que no porno mal pensados) ha sido fuente de muchas de mis alegrías con el comic japonés. Personajes grises, antihéroes, tramas con muchos giros, líneas difusas entre el bien y el mal, cuestiones filosóficas y sangre, mucha sangre. Cómo con el Shonen es un grupo muy global y muchos de los mangas mencionados en los otros géneros son, sin duda alguna Seinen. Si tus jugadores tienen más de 21 años y la cabeza en su sitio y no están locos por jugar a One Piece (que yo también lo estoy) haz un Seinen, saldrá mejor. Mezcle a su gusto: Es raro el manga que no sea al menos una combinación de dos de los subgéneros aquí mencionados (cómo mínimo Seinen/shonenalgo) así que deberíais aplicaros el cuento y coger lo que más os guste y hacer por ejemplo un Seinen cifi postapocalíptico con artes marciales. El límite lo ponéis vosotros y a lo que queráis jugar. Jugar en ambientaciones existente: Con esto se corre el riesgo de morir de éxito. La mayoría de la gente que quiere jugar a One Piece, Naruto o Berserk en realidad no quieren llevar otros personajes en ese mundo viviendo historias alternativas o paralelas a las de los protagonistas. No, todos queremos ser Luffy, Gatsu, Naruto o en su defecto Kakashi, Sanji o Gatsu (en serio, quien quiere en Berserk llevar a otro que no sea Gatsu XD). Así que ándate con ojo y no cometas el error de no querer crear tu propia historia y si me permites un consejo si al final optas por esto, crea una historia alternativa en el mundo en el que los protas no están, al fin y al cabo los protas tienen que ser los jugadores. Sistemas Cómo mencionaba un poco más arriba hay aquí un


sistema que, por su propia concepción, destaca sobre el resto para jugar este tipo de partidas y no es otro que Anima Beyond Fantasy, sin embargo no es ni de lejos el único y lo dejaré para el último dado que me extenderé un poquito más con él. Mutants & Masterminds + Manga & Mecha: Green Ronin sacó este suplemento para su famoso juego de superhéroes para cubrir un hueco que apenas ningún juego cubría persé. Con reglas específicas para la creación de poderes “tipo manga” y un buen sistema para los mechas cumple con creces los requisitos necesarios para ambientar, sobre todo, este último tipo de partidas. Un sistema sencillo, con niveles de poder (para el tipo de partida que quieras hacer) y reparto de puntos que da la suficiente versatilidad cómo para hacer cualquier cosa. Cthulutech: Un sistema innovador y eficiente a base de dados de 10 que se combinan eligiendo el número más alto, una agrupación de dados del mismo valor o escaleras de valores. Tiene mechas, cosas sobrenaturales, elementos ci-fi y es postapocalíptico. Si quieres hacer una partida de Evangelion o algo CiFi este es tu juego. Además supone un giro de tuerca a la ambientación “Cthulesca” que pese a todos sus puretas detractores a mí me parece una genialidad. Gurps/Hero System: Los dos sistemas genéricos por antonomasia. El primero para partidas de fantasía y cifi puede dar muy buenos resultados, aunque, o sois generosos con los puntos de creación o tendréis mangas muy realistas (buena elección para Vagabond o El Lobo). El segundo dará buen resultado con las partidas de artes marciales y los Shonen más “típicos” con multitud de opciones a explotar. La llamada de Cthuluh: Sólo para partidas policiacas y de investigación, además si quieres meter su magnífico sistema de cordura. Para personas mundanas que se enfrentan a cosas que le sobrepasan. Con él se podría hacer una magnífica partida tipo “Monster”. Anima Beyond Fantasy: Todo en él le hace merecedor del título de “Sistema perfecto para partidas manga”. Y es que es un sistema versátil que te permite hacer cualquier tipo de personaje. Contempla magia, poderes psíquicos, técnicas del ki (alguien ha dicho Kamehameha, Rasengan, Gomu gomu no gatoringu?) invocaciones (al más puro estilo Final Fantasy) y convocatoria (conviértete en entrenador pokemon o llama a tus criaturas aliadas


para que luchen por ti o a tu lado) y además tiene una ambientación propia maravillosa de corte fantástico que da para mil y un aventuras o más. Además actualmente goza de varios suplementos que aumentan esas opciones ya comentadas haciendo que puedas recrear casi cualquier personaje de los que mangas que hemos comentado. Excepto para partidas ci-fi (de momento) y policiacas sin duda la mejor opción… y está todo el material en castellano (el juego es español, que narices). Cómo apunte añadir que también es perfecto para ambientar partidas tipo Final Fantasy. Sin embargo, cómo puntos negativos, esa capacidad para hacerte lo que quieras lo convierte en un juego complejo hasta que le coges el truco (luego todo va rodado) y que puede echar para atrás hasta el más pintado. Sin embargo, si pasáis el duro trago (para el que lo sea que a mí me encanta) de la creación de personajes y os hacéis con el sistema os garantizo satisfacción plena y absoluta (eso y una calculadora a mano). Y con esto termina este artículo, espero que os haya gustado y que si tenéis algo que aportar o que corregirme lo hagáis vía twitter o email. Sed buenos y que hagáis muchos kame hame ha!!!! POR RUFINO AYUSO @yurian00


Un Un Filosofo Filosofo en en Japón Japón El pasado Septiembre fui (junto a mi recién estrenada esposa) de viaje a Japón. Toda una aventura con múltiples paradas por la isla principal (Honshu). Debido al notable desprecio que siento por los packs de viajes organizados (Vuelo + Hotel + Excursiones programadas) mi pareja y yo nos montamos el itinerario, reservamos los hoteles y compramos los billetes todo 100% vía online, demostrando una absoluta fe en internet al desembolsar una considerable cantidad de dinero por unos servicios de los que no teníamos ninguna certeza física de que existieran salvo por unas pobres fotografías en webs ignotas de hoteles asiáticos. 10461 Km… Dos horas hasta llegar a Roma, tres horas en la ciudad eterna esperando la salida de nuestro avión, 13 horas más hasta llegar a Narita, una hora de tren hasta Tokyo y finalmente 6 horas más de tren de propina para llegar a Hiroshima. Una odisea interminable de la que no pude evadirme en ningún momento durmiendo puesto que los asientos del avión eran terriblemente incómodos y una vez en tierras niponas la emoción, los nervios y la ilusión se impusieron al cansancio. La sensación que nos dejó Hiroshima fue la misma que tanta gente ha descrito al visitar Auswitch o algún otro campo de concentración: Se respira tristeza, angustia y hasta malestar. Es una bonita ciudad, bastante nueva, pero con una extraña calma y un silencio antinatural para la ciudad media japonesa. La visita al parque Conmemorativo de la Paz, junto al museo y los diferentes monumentos son una visita obligatoria. Todo el parque es un homenaje a la paz y a los caídos esa fatídica mañana del 6 de agosto de 1945: La Llama de la Paz, la Campana de la Paz, la cúpula de la Bomba Atómica, el monumento de la Paz de los niños, el Cenotafio… En el museo dedicado a la tragedia de Hiroshima fue donde tuve mi primera revelación. Ya había leído con anterioridad sobre el frío carácter japonés, sobre como ellos no expresan públicamente sus sentimientos. Pero

fue algo muy chocante vivirlo en primera persona. En el museo sonaba continuamente una música deprimente y vimos cientos de restos, escombros, fotografías y objetos recuperados tras la explosión, la mayoría de ellos con historias detalladas de los propietarios. Todo un decálogo de tragedias y sufrimiento indescriptible. Durante toda la visita la angustia, la tristeza y el dolor me embargó profundamente, no era para menos. Pero a mí alrededor solo veía niños y ancianos japoneses que miraban las diversas vitrinas con la curiosidad de quien fotografía mariposas. Nadie parecía verse afectado por los horrores detallados que se pueden apreciar con todo lujo de detalles en el museo. Tras el museo nos fuimos al pintoresco pueblo de Miyayima, donde se encuentra una de las “postales” más típicas de Japón, el tori gigante en medio del mar al que se puede llegar cuando baja la marea. Es uno de los lugares más descaradamente turísticos que vimos en todo el viaje. Un ferry te acerca a la costa más cercana al tori donde una ajetreada multitud de tiendas de recuerdos y restaurantes te dirige irremediablemente al mirador donde hacerse la foto de rigor. En sí Miyayima es un cliché del pueblo típico japonés pero sustituyendo las viviendas por tiendas, restaurantes y hoteles. Todo enfocado a exprimir al despistado turista.


Tras Hiroshima y Miyayima pasamos a sumergirnos tanto en la historia antigua como en la religión de Japón: el Todai-Ji, Kinkaku-Ji, el Fushimi-Inari Taisha, KoryuJi… templos icónicos de la cultura japonesa, cada uno sorprendente, cada uno con historias increíbles para recordar. Pronto caímos en la cuenta que no todos los templos eran iguales, algunos templos tenían grandes budas dorados, otros mujeres con múltiples brazos o en otros figuras de animales o nada en concreto. Fue así como descubrimos de primera mano las dos religiones principales de Japón (budismo y sintoísmo) y cómo viven la religiosidad los japoneses. Esto me da pie para explicaros un poco de qué va esto del budismo y el sintoísmo: Empecemos por el budismo: según este hay las cuatro Nobles verdades: 1. La vida incluye sufrimiento (insatisfacción o descontento). El nacer es sufrimiento, la enfermedad es sufrimiento, la vejez es sufrimiento, la muerte es sufrimiento, la pena es sufrimiento, así como la lamentación, el dolor y la desesperación. El contacto con lo desagradable es sufrimiento, la separación de lo que es placentero es sufrimiento, el deseo insatisfecho es sufrimiento. En definitiva, los cinco agregados de la mente y el cuerpo que producen los deseos (corporeidad, sentimiento, percepción, formaciones mentales predispuestas y consciencia discriminativa) son sufrimiento. 2. El origen del sufrimiento es el anhelo (deseo, literalmente sed). El sufrimiento se origina en el ansia que causan los deseos, los sentidos y el placer sensual, buscando la satisfacción ahora aquí y después allí, el ansia de llegar a ser, el ansia de nacer de nuevo y el ansia de ser aniquilado. 3. El sufrimiento puede extinguirse cuando se extingue su causa: El sufrimiento se extingue con el abandono del ansia de placeres sensuales, de llegar a ser y de aniquilación, y con la ausencia de pasión, el no albergar ya más. 4. El noble camino es el método para extinguir al sufrimiento: El budismo prescribe un método, o camino, con el que se intenta evitar los extremos de una búsqueda excesiva de satisfacción por un lado, y de una mortificación innecesaria por el otro. Este camino comprende la sabiduría, la conducta ética y el entrenamiento o cultivo de la ‘mente y corazón‘ por medio de meditación, atención y

la plena consciencia del presente de manera continua. La ética budista se fundamenta en los principios de ahimsa (no ocasionar daño) y el Camino medio (moderación; no reprimir ni tampoco aferrarse a nada). Según las enseñanzas budistas, los principios éticos están determinados por el hecho de si una acción cualquiera podría tener una consecuencia dañina o perjudicial para uno mismo o para otros. En el budismo se utiliza la expresión de mente hábil, que es aquella que evita todas las acciones propensas a causar sufrimiento o remordimiento. A diferencia de una regla impuesta por una autoridad, un precepto es una base o guía ética personal. La ética budista se basa en Los Cinco Preceptos: • respetar la vida. • evitar tomar lo que no es dado. • mantener una conducta sexual correcta: que no sea dañina con otros o con uno mismo. • hablar de manera correcta / no mentir • evitar tomar intoxicantes que alteren negativamente la mente Esto en relación al budismo, que como hemos podido ver es más un conjunto de consejos y preceptos éticos para llevar una vida mejor que una religión en sí. Quien más o quien menos ya había oído hablar algo sobre el budismo, pero ¿y sobre el taoísmo? La palabra tao 道 (o dao, dependiendo de la romanización que se use), suele traducirse por ‘vía’ o ‘camino’, aunque tiene innumerables matices en la filosofía y las religiones populares chinas. El taoísmo filosófico se desarrolló a partir de los escritos de Laozi y Zhuangzi. Según la leyenda china, Laozi vivió durante el siglo VI a. C. y tradicionalmente se fecha en ese siglo la redacción del Dàodéjing, aunque según algunas investigaciones actuales es bastante posterior. La esencia de la filosofía taoísta se encuentra en el Daodejing (el libro de la vía y el poder, o del camino y la virtud). El taoísmo religioso se fundó en el siglo III a. C., pero no se convirtió en un movimiento religioso organizado hasta el siglo II d. C. El objetivo fundamental de los taoístas es alcanzar la inmortalidad, si bien, a veces no se entiende esta literalmente, sino como longevidad en plenitud. De la misma manera, se decía que las personas que vivían en armonía con la


naturaleza eran inmortales. Laozi fue deificado como dios taoísta ―un inmortal―, encabezando un enorme panteón de héroes folclóricos, generales famosos y sabios, todos los cuales alcanzaron la inmortalidad. Sin embargo, la antigua forma del taoísmo era la de una corriente filosófica y no una religión, por lo que los antiguos pensadores interpretaban por «inmortalidad» el hecho de auto superación del propio ser en comunidad con el entorno, lo que implica buscar la superación y el progreso personal y colectivo, de acuerdo con la mutación constante que enseña el taoísmo. Posteriormente, el taoísmo se mezcló con elementos del confucianismo, el budismo y la religión folclórica. La forma concreta de religión taoísta que fue llevada a Taiwán hace unos 300 años es típica de esta tradición. La característica más distintiva de la práctica actual es la adoración de los antepasados, junto con las deidades taoístas, lo que muestra el claro elemento tradicionalista del confucianismo y el culto religioso de las creencias míticas de Asia, las cuales ambas no eran válidas para los antiguos pensadores taoístas como Chuang Tsé. El Taoísmo establece la existencia de tres fuerzas: una pasiva, otra activa y una tercera, conciliadora. Las dos primeras se oponen y complementan simultáneamente entre sí, es decir que son interdependientes de manera absoluta y funcionan como una unidad. Son el yin (fuerza pasiva/sutil, femenina, húmeda...) y el yang (fuerza activa/ concreta, masculina, seca...). La tercera fuerza es el tao, o fuerza superior que las contiene. El significado más antiguo que existe sobre el tao dice: «Yi yin, yi yang, zhè wei tao», es decir, “un aspecto yin, un aspecto yang, eso es el tao". Puede ejemplificarse esta concepción a partir del significado de las palabras: literalmente, yang significa ‘la ladera luminosa (soleada) de la montaña’, y yin ‘la ladera oscura (sombría) de la montaña’; entiéndase la idea de montaña como símbolo de unidad. Así, aunque representan dos fuerzas aparentemente opuestas, forman parte de una única naturaleza. La igualdad entre las dos primeras fuerzas entraña la igualdad de sus manifestaciones consideradas en abstracto. Por ello el taoísta no considera superior la vida a la muerte, no otorga supremacía a la construcción sobre la destrucción, ni al placer sobre el sufrimiento, ni a lo positivo sobre lo negativo, ni a la afirmación sobre la negación. El taoísmo excluye el concepto de ley y lo sustituye por el de orden. Es decir, las cosas son de determinada manera debido a que su posición en un universo en permanente movimiento les confiere una naturaleza que las obliga a ese comportamiento. Tao es el nombre global que se da al orden natural. El objetivo del tao es enseñar al hombre a integrarse en la


naturaleza, enseñarle a fluir, a integrarse en sí mismo en concordancia y armonía. El tao no es un creador porque nada en el mundo se crea ni el mundo es creado. Enseñar a compenetrarse con esta naturaleza y armonía de tal modo que llegue a experimentar en su propio cuerpo sus ritmos vitales. Sintonizándose el cuerpo humano mediante una serie de ejercicios con estos ritmos, ganando así serenidad mental y energía física. Al llegar el budismo a China, el contacto entre el budismo y el taoísmo produjo entre otros efectos la escuela religiosa y filosófica budista Chán (sinización de la palabra sánscrita dhyana, que significa: meditación) y, esta, al pasar a Japón originó el zen. ¿Y cómo se reflejan estas dos religiones (o doctrinas filosóficas) en la cultura japonesa? Pues en su nivel más básico y visual en el simple hecho de que sus templos y zonas sagradas, para un turista occidental no versado en estos temas, son prácticamente idénticos. Tanto budismo como taoísmo se han mezclado e interrelacionado, ambos se han influenciado y fusionado en muchos aspectos, puesto que ambos tienen el principio de tolerancia que evitan que sean dogmáticos y beligerantes ante otras religiones. Además, los templos de ambas religiones tienden a estar situados en parajes naturales, alejados de las poblaciones o en la medida de lo posible rodeados de naturaleza para simbolizar su comunión con el medio ambiente. Eso hace que la religiosidad se viva de una forma distinta, puesto que cualquiera que salga a pasear por un parque, por la montaña o algún paraje natural, actividad muy normal, se encontrará posiblemente con un templo. Se puede ser más o menos creyente, pero si en un apacible paseo te encuentras un bonito templo nada te cuesta acercarte, echar una moneda en el cepillo, decir una oración y pedir algo. Es justamente eso lo que vi en mi viaje: Familias, jubilados, parejas jóvenes… todos los estratos del Japón actual pasan (sin ser fervorosos devotos) por los templos de forma casual. Esto contrasta brutalmente con los siete días que pasé en Tokyo: Neones, música a todo volumen por todas partes, tiendas con chillonas dependientas, restaurantes, bares de copas, altos rascacielos… Tokyo es el resultado de sintetizar todo lo bueno y todo lo malo del mundo occidental y la sociedad de consumo en un único punto. En Tokyo todo el mundo parece tener prisa, todo el mundo gasta y no hay gran diferencia entre la noche y el día. Es un lugar fantástico lleno de cosas para ver, comidas que probar y excesos que cometer. Sorprendentemente los Cinco Preceptos parecen seguirse igualmente a rajatabla en esta gran urbe. Y esa es la palabra que define en mi opinión al japonés medio: “Parece”. Aparentan decencia, simpatía y obediencia. El japonés medio es todo sonrisas y reverencias. La amabilidad roza lo surrealista hasta el punto de ser sospechosa. Pero es todo

apariencia. Su cultura, tal y como comenté al principio del artículo, es la de guardarse los sentimientos, no mostrarlos ni exteriorizarlos, por lo que viven de cara a “la galería”. Lógicamente si todo tu trato con el resto del mundo es de una amabilidad excelsa (sea verdadera o falsa) eso te convierte sí o sí en una persona amable, eso no lo discuto, pero es en las cosas que los japoneses se reservan para la intimidad donde encontramos la fisura en su armadura de cordialidad y virtud: Pornografía y mangas hentai con contenidos descaradamente pederastas, bares de copas donde los hombres van a tomar copas con jovencitas tras el trabajo (dejando al margen a las esposas), karaokes donde desmelenarse salvajemente, hoteles por horas (llamados “del amor”) con disfraces… y un largo catálogo de perversiones de todo tipo. En mi opinión, por algún sitio deben desahogar todo lo que se reprimen. Desde una perspectiva intersubjetiva es “normal” y hasta aceptable. Todas las bajas pasiones reprimidas deben satisfacerse tarde o temprano, por lo que no es tan raro que se acaben generando fetichismos extraños o como mínimo exóticos. Para terminar os dejo un simple consejo: Viajad. En la medida de lo posible viajad. Salid de vuestro país, descubrid nuevas culturas, empapaos del mundo que hay ahí fuera. Es la forma más auténtica de crecer como persona, no hay fortuna que pueda sustituir eso. Por cierto ¡en mi blog podréis leer el diario completo de mis peripecias por Japón

POR KYROS YLMASTER


COMIQUEANDO en el viejo continente actor aspirante

Ser actor no es nada fácil, y menos en los tiempos que corren, o tienes mucha suerte o tienes enchufe o eres un gran artista. Pero más difícil es cuando tu vida no acompaña ni ayuda en ello poniéndose toda del revés. Actor aspirante nos cuenta la realidad de la vida de Pablo Díaz, un pobre chico que quería triunfar en el mundo del espectáculo y tiene que conformarse con trabajar en una hamburguesería mientras espera que llegue su gran oportunidad. Max Vento, el autor, buscaba la idea de crear una tragicomedia y decidió ambientarlo en el mundo de los actores ya que pensó que parecía un tema interesante que podía dar juego a la trama. Problemas personales, en el trabajo, en la carrera de actor y en su creatividad son todos los entresijos a los que se tiene que enfrentar su protagonista. En cada tomo los capítulos están seccionados por momentos de su vida. En el primer tomo, Actor aspirante, encontraremos como principio un monólogo donde nos resume su triste vida. Pablo describirá lo que es para él la cruenta realidad de la vida de actor en el ahora y su vida en la Rat burger, donde trabaja y entabla conversaciones profundas con sus compañeros. Se enfrascan en discusiones y charlas de elevado nivel cultural (las atrocidades de Lucrecia Borgia o los documentales sobre vanguardias artísticas), perseguidos por los sermones que les propina el encargado del establecimiento (“todo iba mejor cuando los universitarios no se veían obligados a trabajar en empleos basura”) mientras escuchas las broncas de los clientes (“¡Espérese aquí y luego le atenderemos, caramba!”)

Además de presentarnos a su compañero de piso Marmoto, que hace honor a su nombre puesto que más que aparecer en los álbumes la gran mayoría del tiempo duerme en ellos, quien llega a forma parte de su vida a raíz de la ruptura con su novia. Es justamente el nombre de la segunda parte, La ruptura. Donde muestra como la falta de éxito en la vida como actor y el poco tiempo que abarca en encontrar algo mejor y en estar con su pareja conlleva que esta acabe por dejarle. Una situación que supone otra ruptura más en la vida de Pablo. La última sección con la que finalizará este tomo es El encuentro. Donde Pablo queriendo ahogar sus penas en un bar, se encontrara con su antiguo amigo Rafa a quien también acaba de dejar su novia y lo ve como la libertad sobre la que hará su filosófico tocho con el enrevesado titulo “Consecuencia, la clave de la vida”. En la segunda entrega de la vida de Pablo, Noche de citas, su autor une tres historias alrededor de tres citas, que contiene todas las características de su obra: excelentes diálogos, personajes secundarios ricos e interesantes, un dibujo sólido y extremadamente solvente y unos recursos narrativos sorprendentes en un apenas recién llegado. Una de ellas será alrededor de una obra de teatro titulada Cita a las Nueve, que nos cuenta una historia de corte autobiográfico en la que le buscan una cita a un tímido amigo suyo con una verdadera tigresa. Con esta cita y las otras dos historias que componen este volumen, intentan explorar y entender algunas


de las debilidades de las parejas y de las relaciones humanas entre los diferentes sexos. Mientras que en el tercer tomo, Comedia en un acto, la historia surge cuando Pablo decide montar su propia compañía de teatro, convirtiéndose así en director y actor del montaje que él mismo ha escrito aferrado a la esperanza de que el éxito de su comedia lo saque del anonimato. Es decir, sino encuentras donde te cojan, créate tu mismo todo aquello que necesites. Aunque para ello, deberá limar todas las asperezas y problemas creativos que surgen en este tipo de trabajos. Además, todos los compañeros de la obra de teatro son personas medio fracasadas como él. Es el modo en que según Vento, nos sentimos identificamos con las personas que al igual que nosotros no les

tenido que vivir. Como la gran mayoría de la gente anhela, lo que realmente les gustaría tener y lo que les ha tocado vivir. Es un cómic que refleja la cotidianidad de muchos jóvenes y sus dificultades ante la vida. La dificultad de encontrar una vivienda digna, el tener que trabajar en un trabajo basura, la imposibilidad de progresar en lo que realmente querrían ejercer. Todas unas adversidades que, aunque no las quieran en su vida, les toca vivir.

van bien las cosas aunque sean competentes. Así el autor, mientras escoge sus anécdotas y las pasa por el filtro para convertirlas en esta historieta, el protagonista filtra sus propias vivencias en esta obra. Así en la historia se alternan dos historias: la obra que revisita lo que le ha pasado en el primer volumen a Pablo, contado desde su propio punto de vista, mientras que por otro está la historia real que se aleja de lo absurdo para acercarse a la cómica situación que realmente vive. En cada una de las escenas que crea y dirige puedes ir viendo reflejados a los diferentes personajes que han pasado por su vida. Esta última obra recopila la vida de Pablo en aquella que hubiera querido que fuera y la que realmente ha

Actor aspirante nos ofrece momentos cercanos a la comedia costumbrista muy divertidos. En ella se entremezcla la comedia con la tragedia de un tipo imperfecto, como cualquiera, en el que cualquiera puede verse reflejados, al menos, por momentos. La obra además gana frescura y naturalidad de un dibujo sencillo y cercano a la realidad de nuestro


entorno. Su protagonista no representa el protagonista bueno de la historia sino una persona únicamente humana. A veces lo vemos egoísta o enfadado, otras veces injusto, pero en el fondo es una cabeza pensante, sentimental, que siente y padece todo aquello que le rodea intentan sobrevivir a su propia situación. Combinado, claro está, con unos buenos diálogos que unos y otros de sus protagonistas se plantean. Palabras y visiones de la vida realmente cercanos que hacen de cada una de las escenas una pieza de la que hacerte participe. La eclosión de Max Vento en el panorama nacional con su excelente opera prima Actor Aspirante tuvo una excelente acogida por la crítica que le valió dos nominaciones en los premios Expocomic  (a Mejor Autor Revelación y a Mejor Obra Nacional), a en los  Premios de la Crítica  (Mejor Obra Nacional) y ahora con el segundo volumen Actor aspirante:  Noches de citas, está nominado a los Premios del Salón del Comic de Barcelona (Mejor Autor Revelación). Gracias a su buen recibimiento en primavera del 2013, coincidiendo con el Salón del Cómic de Barcelona, publicaran un volumen integral. Este

tomo, de casi 400 páginas, incluirá lo editado hasta ahora más tres historias inéditas.

POR JUDITH HIDALGO PIS


Nebulalube


en & Erikku-kun Este mes traemos a NosoloCosplay a una pareja de Cosplayer madrileños, ellos son Nebulaluben y Erikku-kun, pero lo mejor es que se presenten ellos mismos. Mi nombre es Laura, vivo en Madrid, tengo 25 años y actualmente trabajo como Terapeuta Ocupacional. Mis aficiones son jugar a videojuegos, tocar el piano (tengo un canal en youtube http://www.youtube.com/ nebulaluben) y hacer cosplay junto con Erik (mi novio y compañero de batalla), que tiene 27 años y trabaja como Tornero Fresador en una empresa aeronáutica y le gustan las artes marciales. Empezamos a hacer cosplay en el año 2009. A los dos nos encantan los videojuegos y siempre hemos tenido inquietudes artísticas. A mi me gusta mucho coser y hacer manualidades y a Erik el bricolaje, así que pensamos que sería una buena idea emplear nuestras habilidades en unir nuestra pasión por los videojuegos y nuestra creatividad. En nuestros trajes, yo suelo hacer el trabajo de costura,

peluquería, maquillaje y pintura y Erik se encarga de las réplicas de armas y accesorios además de los componentes electrónicos. Lo que más nos atrae del cosplay es su carácter artesanal, hacer el traje y lograr una caracterización de la forma más parecida posible al personaje, y nos lo pasamos muy bien haciendo sesiones de fotos. Entre los dos llevamos un blog (http://prukoginojutsu.blogspot. com.es/) donde explicamos cómo hacemos los cosplays. Nos gusta que se vea cómo los elaboramos y también escribimos por ayudar a otros cosplayers y dar ideas sobre cómo hacer los trajes. Aparte, tenemos una página en facebook donde vamos subiendo nuestras fotos y procesos ( h t t p : / / w w w. f a c e b o o k . c o m / NebulalubenErikkukun) y también un perfil en DeviantArt (http:// nebulaluben.deviantart.com/).


¿Como es ser, actualmente, una cosplayer en España? El cosplay se puede vivir de muchas maneras. Hay cosplayers que prefieren comprarse los trajes, otros se preocupan por interpretar al personaje, hay algunos a los que les gusta presentarse a concursos o pasear por la convenciones, a otros les gusta más hacerse fotos o vídeos... Nosotros llevamos poco tiempo en comparación con otros aficionados españoles (empezamos en 2009) dedicándonos a esto. Se podría decir que nosotros empezamos a hacer cosplay cuando comenzó a ponerse un poco más de moda y en un momento en el que no escaseaban los recursos, por así decirlo. Por lo visto, hasta hace muy poco en España era muy difícil conseguir pelucas, lentillas de fantasía y algunos accesorios (que no fueran del chino de la esquina) o ciertos tipos de telas


Personalmente, nosotros adoramos hacer los trajes y sacarnos buenas fotos. Creemos que esa es la mejor manera de inmortalizar nuestro trabajo. ¿Como acabasteis dentro de este mundo? Erik y yo siempre hemos sido personas muy creativas. Llevábamos un tiempo intentando desarrollar nuestra creatividad, pero lo hacíamos discretamente. A mi me regalaron una máquina de coser cuando tenía 16 años y me gustaba mucho hacer mi propia ropa, me fijaba en cómo estaba hecha la que tenía por casa, la destrozaba, la modificaba y me salían unos diseños horrorosos que solían terminar en la basura. Erik hacía bricolaje, le gustaba mucho la carpintería y de vez en cuando hacía chapucillas.

porque no había tantas tiendas especializadas en internet o no enviaban a España, cosa que impedía que a lo mejor el cosplayer pudiera ceñirse al look del personaje y tener un atuendo de cierta calidad. Con todo esto quiero decir que quizás hace más de cinco años el cosplay en España era diferente, a lo mejor menos elaborado en general y con otras perspectivas. Pero actualmente, desde mi punto de vista, cualquier cosplayer de aquí tiene a su disposición los recursos para hacerse o comprarse un disfraz maravilloso y lucirlo igual que se lucen en otras partes del mundo. Tenemos un montón de eventos a los que ir a lo largo del año, muchísimos concursos y fotógrafos dispuestos a sacarnos tropecientos millones de fotos. También compartimos entre nosotros tutoriales y consejos, información sobre dónde comprar ciertos materiales, telas, etc, en nuestras ciudades. Hay una comunicación bastante fluida que hace que quien quiera, aprenda y pueda hacerse el traje que quiera. Además, España está empezando a incluirse entre los países que se clasifican para varios concursos internacionales y, gracias a páginas como cosplay. com o deviantart, podemos compartir con el mundo lo que hacemos.

Erik empezó a ver por internet fotos de cosplayers. Al principio pensábamos que eran todos trajes comprados, que ellos sólo se hacían las fotos. Y, sí, nos gustaba, nos parecía muy bonito, pero


no le dimos auténtico valor a lo que estábamos viendo hasta que nos dimos cuenta de que la gente hacía sus propios disfraces. Justamente en el año 2008 yo termine mis estudios y empecé a trabajar, con lo que todo el tiempo que dedicaba a estudiar pasó a ser tiempo libre y me aburría bastante. Asistimos aquel año a Expomanga y nos encantó lo que vimos, había unos cosplays preciosos y muy trabajados. Hasta ese momento se nos había pasado la idea por la cabeza, pero nos daba vergüenza ir a nuestra primera convención disfrazados. Fue allí mismo cuando nos vino un ramalazo de inspiración y decidimos empezar a hacer cosplay en serio.

Sabemos que os gusta el mundo de los videojuegos ¿Cual son vuestros títulos preferidos? Hay algunos juegos que compramos expresamente para jugar en cooperativo como Halo, Borderlands, Army of TWO, Lost Planet... Normalmente jugamos juntos a los shooters. Otro título que nos gusta a los dos es Castlevania. Mi juegos favoritos son Mass Effect y Deus Ex Human Revolution. Y a Erik le encantan God of War, Bayonetta, Soul Calibur y God Eater.

¿Cual consideráis que es vuestro mejor cosplay? Creo que, si tenemos que elegir un cosplay que ¿Como pareja que fue ante el cosplay o el amor? nos haya quedado clavado, ese tiene que ser el de Lost Planet 2. Creo que ese es el único cosplay del Fue antes el amor. Erik y yo nos conocimos en que comparo fotos con los diseños originales y nos 2003 y llevamos juntos desde el año 2004. Lo veo igualitos. Además, estamos muy orgullosos que realmente nos unió fue nuestra pasión por de la ametralladora Gatling que hicimos. los videojuegos. Yo le invitaba a mi casa a jugar y poco a poco pasamos de ser amigos a ser novios. Luego hay ciertos trajes de los que estamos Y así hasta ahora. orgullosos porque hacerlos supuso un reto como el de Tali'Zorah o el de Hilde. Y, sin duda, mi favorito es el de Eliza Cassan de Deus Ex HR. Me encanta ese diseño, aprendí mucho haciéndolo y es un personaje con el que comparto muchas características físicas, conque el resultado final me gusta bastante. ¿Cual cosplay os gustaría llevar a cabo? Tenemos varios sueños cosplayer que vamos posponiendo porque, según van saliendo, se nos van metiendo por los ojos nuevos personajes más fáciles de hacer. Nuestro sueño es hacer la armadura de Sam Gideon de Vanquish y el traje de Vanessa Z. Schneider de PN03. Esos esperamos poder llevarlos a cabo algún día aunque sea dentro de 10 años. También nos encantan los diseños de Zone of the Enders. Ahora mismo estamos metidos de lleno en la elaboración de Maya y Zer0 de Borderlands 2. Ya llevamos más o menos la mitad de los trajes hechos. Y, como esta entrevista es para febrero, seguramente los habremos acabado mientras la estáis leyendo, jeje. Otros proyectos que tenemos para este año son Cis y Duo de Animatrix (del


corto titulado Programa) y Mathilda y Zero de nos hayamos propuesto. Hacemos cosplay porque Anarchy Reigns. Alguna otra cosa sencillita irá nos encantan los videojuegos, porque nos gusta cayendo a lo largo del año, pero esos son los planes crear, hacernos fotos y pasarlo bien. Nunca nos más importantes que tenemos. hemos planteado dar el paso de intentar crear una empresa con esto. Incluso varias veces nos ¿Gamer casual o hardcore? han pedido trajes por encargo, pero no hemos Por el tipo de juegos que nos gustan, podríamos aceptado porque la motivación no es la misma. ser considerados Hardcore. Pero nuestra afición Últimamente incluso hemos dejado de dar por el cosplay (paradójicamente) y nuestros importancia a los concursos porque no nos gusta trabajos no nos dejan mucho tiempo libre para estresarnos ni ver esto como una obligación, ni jugar, así que no jugamos muchas horas diarias. hacer los trajes con una fecha límite. Tenemos nuestra vida hecha, nuestros trabajos y el cosplay Muchas modelos, sobre todo en el mundo asiático, es, simplemente, una afición para desfogarnos un se ganan bastante bien la vida ¿Os gustaría poco. dedicaros, de alguna manera, profesionalmente a este mundo? No descartamos que vayamos a aceptar ofertas si Gustarnos, lo que se dice gustarnos, nos se presentan, pero tendría que ser algo que nos encantaría. Pero somos conscientes de que eso es motivara mucho. algo muy difícil en occidente y no es una meta que


algo muy difícil en occidente y no es una meta que nos hayamos propuesto. Hacemos cosplay porque nos encantan los videojuegos, porque nos gusta crear, hacernos fotos y pasarlo bien. Nunca nos hemos planteado dar el paso de intentar crear una empresa con esto. Incluso varias veces nos han pedido trajes por encargo, pero no hemos aceptado porque la motivación no es la misma. Últimamente incluso hemos dejado de dar importancia a los concursos porque no nos gusta estresarnos ni ver esto como una obligación, ni hacer los trajes con una fecha límite. Tenemos nuestra vida hecha, nuestros trabajos y el cosplay es, simplemente, una afición para desfogarnos un poco.

Además de cosplayaer enseñáis en vuestro blog como realizar los más diversos cosplays, ¿que os gusta más el hacerlo o disfrutar el resultado final? Cuando llegamos al mundillo del cosplay, nos dimos cuenta de que casi no había información en español sobre cómo elaborarlos. Había cuatro cosas contadas y la mayoría de lo que aprendimos fue gracias a explicaciones que había colgadas en inglés. Aquí la gente era bastante secretista con sus procesos (cosa que ahora ha mejorado bastante) y pensamos que podríamos empezar a compartir nuestra forma de hacer las cosas. Creemos que es mucho mejor compartir que criticar.

Nos gusta llevar el blog porque, primero, así se ve que realmente nosotros hacemos nuestros No descartamos que vayamos a aceptar ofertas si cosplays (aunque haya gentecilla por ahí que se presentan, pero tendría que ser algo que nos todavía dude) y, por otro, por si sirve de ayuda motivara mucho. para otros compañeros. Ha habido unas pocas


veces que nos han escrito dándonos las gracias por algún que otro tutorial y eso nos llena de satisfacción. Respondiendo a tu pregunta, disfrutamos con todo. Desde que vemos algún personaje que nos gusta, pasando por la planificación, elaboración, hasta el día en que lo llevamos puesto y nos hacemos unas fotos o vamos a una convención. Claro que hay procesos que nos resultan más aburridos como hacer patrones o salir a comprar materiales; pero siempre es divertido y lo pasamos muy bien tanto elaborándolos como llevándolos puestos. Si no nos gustase hacerlos, sería un suplicio; pero, eventualmente, la paliza nos la damos porque sabemos que al final tendremos el traje del personaje que queremos, ¡es como convertirnos en nuestro propio merchandising!. Lo que no nos gusta es actuar. Cuando llevamos los cosplays somos nosotros mismos y, por eso, solemos estresarnos bastante con los concursos, porque suelen exigir un mínimo de actuación y a nosotros eso nos da igual. No nos llama la atención ese componente de comportarse como el personaje que a otros cosplayers sí que les gusta. En las fotos tratamos de hacer gestos y poses típicas del personaje para plasmar su esencia, pero eso nos dura lo que dura el disparo. El resto son todo risas y lo que nos gusta es hacer el ganso.


merchandising!.¿Cual será vuestro próximo. cosplay? Como he dicho por ahí arriba, estamos con Maya y Zer0 de Borderlands. Y, en caso de que ya los hayamos terminado cuando haya salido este número de la revista, estaremos empezando a planificar a Cis y a Duo de Animatrix. ¿Qué opináis de eventos tan brutales como la comic con o la dragon con? ¿Llegaremos a alguna vez a ver algo parecido en nuestro país? Opinamos que son el paraíso cosplayer. Nuestro sueño es poder ahorrar el suficiente dinero como para pagarnos un viajecito a la DragonCon. Además, muchos de los cosplayers a los que admiramos son de EEUU y son asiduos a esas convenciones. Seguimos mucho la DragonCon sobre todo porque es un evento 100% amante del cosplay, en el que se valora muchísimo la elaboración propia y la creatividad, que es lo que a nosotros más nos gusta. ¿Lo veremos en España? Ojalá pudiéramos tener aquí un evento de esas dimensiones. En EEUU es más fácil porque es un país enorme y gran cantidad de gente acude desde múltiples puntos de su geografía. No se puede comparar la gente y el dinero que se mueve en EEUU y lo que hacemos aquí. Por suerte para nosotros la Japan Weekend por ahora está despuntando en lo que a facilitarnos la vida a los cosplayers se refiere y dando más protagonismo a esta afición que otras convenciones en España. Aunque aún queda mucho, pero sentimos que desde la organización de la Japan intentan cuidarnos. Y lo agradecemos un montón.


Cosplay de Poison Ivy y H


calidad de Harley Quinn


Cosplay Fe superh


emenino de heroes


LAS RECETAS DE NEKO MAI: MOCHIS Mochis ¿Quién no se ha preguntado nunca como se hacen esos pastelitos de arroz rellenos que salen en muchos animes? ¿Quién no ha ido a un Salón del Manga o a un Japan Weekend y ha comido estas delicias? De chocolate, de fresa, de té verde, de mermelada, de judía… Tantos rellenos como productos hay en una casa. ¡Hazte el tuyo! Ingredientes: Para unos 12 mochis. - 1 taza harina de arroz glutinoso - 1/4 taza de azúcar  - 1 taza agua (o un poco más)  - Almidón de arroz para espolvorear (En herboristerías y supermercados chinos) - Para el relleno: fruta, helado, crema, nocilla, mermeladas, pasta de alubia roja…

Elaboración: - Poner el agua y el azúcar en un bol y mezclar bien. - Añadir la harina de arroz y mezclar de nuevo. - Poner la mezcla, tapada con papel de film, en el microondas y calentar 2 min. - Sacar, remover y poner otros 2 min. Remover inmediatamente cuando acabe. - También se puede mezclar todo en un cazo. Cocer a fuego lento y sacar cuando haya formado una pasta blanca, sólida y pegajosa. - Poner un poco de almidón de arroz en la encima y espolvorear las manos con el mismo. - Sacar la masa del bol, dejar que enfríe un poco y amasar bien, añadiendo más almidón si lo necesita para que no se pegue. - Divide la masa en 12 trozos. - Aplana y redondea cada uno de estos trozos. - Rellenar con lo que se quiera: una fresa, chocolate, helado… - Cerrar los mochis, mojando los extremos para que queden bien pegados, y meterlos en el congelador.


SUSHI

A todos nos gusta atiborrarnos a sushi cuando encontramos un buffet libre que ofrezca este manjar. Por eso mismo os voy a contar cómo hacer una gran cantidad de sushi, barato pero muy muy rico. Mis años de practicas me ha costado ^^

Ingredientes para 8-9 personas de buen comer, o para una gran cena con los amigos. - 1kg de arroz del paquete rojo del supermercado Dia - creeréis que esto no importa, intentareis probar con otros arroces, pero mis años de experiencia e intentos fallidos con otros arroces, me han demostrado que este arroz es el mejor, por su forma de grano, consistencia a la hora de hervir y como absorbe el sabor. - 8 algas de sushi - 250 ml de vinagre de arroz - 2 cucharadas pequeñas de sal y 2 de azúcar - 2 litros de agua mínimo - salsa de soja - wasabi - 200gr salmón ahumado o fresco

por Beatriz Pulido

CASERO - 6 palitos de surimi - 1 pepino - 2 latas de atún en aceite - pimiento morron - anchoas en aceite - queso Philadelphia o sucedáneo - otros ingredientes de relleno si queréis experimentar Utensilios necesarios: - una olla/ cacerola de 25cm de diámetro - una bandeja grande - un escurreverduras - una esterilla de bambú - una tabla de cortar - un cuchillo ancho - palillos - cuchara, cuencos para la soja... Preparación: 1-En una cacerola grande, de unos 25cm de


diámetro, echar el agua, la sal y el azúcar y ponerlo a hervir. Nada mas comienza a hervir, echar el arroz y remover. 2-Una vez que ha hervido, bajar el fuego a la mitad y seguir removiendo. 3-Probar el arroz y si veis que esta duro y no queda casi agua, echar medio litro mas y llevarlo a hervir, pero inmediatamente bajar el fuego a la mitad. 4-Cuando el arroz este ya gordito y casi al punto (blandito), bajar el fuego al mínimo y dejar un par de minutos para que se consuma un poco mas el agua. 5-Acto seguido, escurrir el arroz en un escurreverduras y menearlo a base de golpes para eliminar el suero. 6- Echar el arroz en una bandeja grande y repartirlo por toda la superficie. 7- Echar el vinagre de arroz por todo el arroz. 8- Con un abanico en una mano y unos palillos en la otra (o si eres un poco torpe le pides a alguien que te abanique el arroz) enfriar con el aire del abanico el arroz mientras que se remueve para mezclar bien

el vinagre y separar los granos. *Si es la primera vez que lo hacéis, os recomiendo que dejéis enfriar el arroz, ya que asi no os quemareis y os será mas fácil hacer los rollos. 9- En una esterilla para sushi o de esos mantelillos individuales de bambú, cogéis el alga y la ponéis sobre la esterilla CON la cara mas brillante para arriba. 10- Os humedecéis la mano y la pasáis por encima del alga, dejando 1/5 del alga, en la parte superior, sin mojar. Esto es porque el alga se enrolla sola con la humedad y asi nos aseguramos un cierre del rollo mas eficaz. 11- Con la mano, cogemos un puñado de arroz y empezamos a ponerlo sobre el alga por la parte de abajo. Vamos aplastandolo un poco mientras que rellenamos las 2/3 partes de la superficie del alga. Esto es porque al enrollarlo se desplaza el arroz. Os aconsejo no poner mucho arroz, con medio cm de grosor sirve. 12- Ahora es cuando la imaginación es la que manda, ya que hay que rellenarlos. Yo suelo hacerlos de: Atún con pepino Palito de surimi con pimiento


Palito de surimi con pepino Salmón con pepino Queso de untar con anchoas Tortilla francesa con lonchas de pavo... De lo que queráis, pero que el relleno no ocupe mas de un dedo de grosor, tanto de ancho como alto. Y colocarlo siempre en la parte de abajo del alga. 13- Ahora viene lo difícil. Con las dos manos, colocar los pulgares debajo de la esterilla mientras que apretáis el relleno con el arroz y vais intentando enrollarlo para dentro. Una vez enrollada la primera parte, estirar la esterilla hacia fuera e intentar seguir rodando el rollo. 14-Cuando ya se ha enrollado del todo, retirar la esterilla y admirar la obra. Si veis que ha quedado cuadrado, podéis moldearlo un poco con un movimiento suave sobre la esterilla, como cuando hacíamos un rollo con plastilina. 15- Seguir repitiendo los pasos 13 y 14 hasta hacer todos los rollos y dejarlos en un plato reposar. 16- Si os ha sobrado arroz, os recomiendo hacer bolas, estilo croquetas, para luego ponerles salmón en la parte superior. Esto se llaman nigiris y están de muerte. 17- una vez terminados los nigiris, hay que cortar los rollos, para hacer los makis.

Con un cuchillo largo y ancho, mojarlo dejado del grifo y empezar a cortar el rollo mientras que sujetáis y apretáis un poco con la otra mano. Os recomiendo colocar el rollo con la “costura” hacia abajo, asi evitareis que se os desarme si apretáis mucho. Suelen salir unas 12 porciones de un rollo, si los cortáis como de 1,5cm de grosor. 18- importante: lavar bien con agua el cuchillo cada vez que vayáis a cortar un nuevo rollo, a parte de que evitáis contaminación de sabores, se corta muchísimo mejor. Presentación: Yo lo suelo colocar todo en bandejas y lo acompaño com salsa de soja y un poco de wasabi. Estos dos ingredientes son solo para potenciar el sabor, pero a muchos gusta tener descuidos y que se ahoguen los pobres en la salsa. Personalmente me gusta echar un poco wasabi en la salsa de soja y mezclar bien. Por lo demás, solo os tengo que decir que el sushi de las fotos duró un suspiro, ya que cuatro redactores de la revista terminaron con ellos. Mucha suerte y no desesperéis en vuestro intento de hacer sushi, ya que un verdadero sushiman tarda años en perfeccionar este manjar.


El verdadero origen Cupido, símbo

¡¡Qué bonito es el amor!! No solo el amor entre los amantes, si no cualquier tipo de amor, el de hermanos, el de una madre, entre amigos, a nuestras mascotas… El cine ha hecho del amor una gran industria, pues existen muchísimas películas en las que el amor es el protagonista. Da igual el género de la película, casi siempre hay amor y por eso nos gusta tanto.

Pero antes de hablar de las grandes historias de amor en el cine, vamos a conocer de donde surgen los tópicos o quien es quien propicia que surja el amor. El día que celebramos el amor, es el día de San Valentín, día en el que los enamorados visten algo rojo y se intercambian postales, flores, cenas románticas o cualquier otra expresión de su amor. Muy pocos conocen la historia de San Valentín pero muchos son los que celebran este dia, por lo que me siento en la obligación de satisfacer la curiosidad de conocimiento sobre el tema. Existen muchas teorías sobre la historia de San Valentín. Esta celebración tiene su origen en los países anglosajones pero con el tiempo se ha ido extendiendo por otros países a lo largo del siglo más entrañables. Por otra parte la telefonía móvil, XX. Se celebra el 14 de Febrero y es el día del el Wassap e internet, han hecho que se pierda un poco el romanticismo de escribir una carta de tu Amor y la amistad. puño y letra abriéndole tu corazón a la persona En 1840 Esther A. Howland empezó a vender amada. las primeras postales de San Valentín, conocidas como “Valentines”, en las que aparecían corazones, Hay diferentes teorías sobre el origen del día de Cupidos o incluso alguna cita romántica. Es los enamorados. En los países nórdicos durante común en este día regalar flores o tarjetas a las estas fechas se aparean y emparejan las aves de personas a las que tienes un cariño especial. Ya no la zona, por lo que a este periodo se le otorga la es tan habitual lo de las tarjetas, puesto que con simbología del amor y la creación. las nuevas tecnologías existen tarjetas virtuales animadas con divertidos motivos, que son incluso Otros creen que es una fiesta cristianizada del


de San Valentín y olos del amor. paganismo, ya que en la antigua roma adoraban al dios del amor, cuyo nombre griego era Eros y a quien los romanos llamaban Cupido. En la celebración pedían favores al dios mediante regalos u ofrendas, para poder encontrar su pareja perfecta.

prohibió el matrimonio. A Valentín le pareció una injusticia, así que siguió casando a las parejas jóvenes en secreto, hasta que Claudio lo descubrió y lo encarcelo por desafiarlo. Dice la leyenda que Valentín a su muerte, tras muchos años encerrado en las cárceles romanas, dejo una carta de despedida para la hija del carcelero. Se había enamorado de ella perdidamente durante su encierro y esta fue la primera carta de amor de San Valentín, que llevaba la firma “De su Valentín”, firma que se convirtió en popular en las tarjetas con frases de San Valentín. Otro símbolo del día de los enamorados es la figura de Cupido, conocido como un niño alado y armado con un arco y flechas, que dispara a mortales y dioses provocando su enamoramiento. Algunas veces lo representan con los ojos vendados, para mostrar que el amor es ciego. Su propia historia aparece en la novela “El Asno de Oro” o “La Metamorfosis” de Apuleyo.

Se cuenta que en la antigua Grecia, Cupido era conocido como Eros, hijo de Afrodita (Diosa Otros piensan que se celebra desde hace del amor, la fertilidad y belleza), mientras que en poco tiempo y que surgió por el interés Roma Cupido representa al dios del amor, hijo de económico de las grandes superficies y Venus y Marte, dios de la guerra. comercios, pero no es así, su origen se remonta a la época del imperio Romano. Cupido ayudaba a su madre a dirigir la fuerza del San Valentín era un romano, que se convirtió amor y a llevar la a los mortales. Era carismático y en Mártir por no renunciar a su fe cristina y por pícaro, pero a veces su falta de escrúpulos le hacía ayudar a los cristianos en las cárceles de roma. ser cruel con sus víctimas. A su espalda llevaba Falleció el 14 de Febrero 269 A.D. un carcaj lleno de flechas de 2 tipos: unas doradas San Valentín era un cura del templo durante con plumas de paloma que provocaban un amor el reinado del emperador Claudio III. Este instantáneo y otras de plomo con plumas de búho, emperador, decidió que todos los hombres que provocaban indiferencia y desprecio. jóvenes debían ser soldados de Roma, por lo que


Sabía el poder que tenia, por lo que a veces rechazaba las peticiones de su madre y de los dioses, de interferir en la vida de los mortales, lo que provocaba frecuentes problemas a los dioses. Cierto día, se enfado con Apolo, pues este le gastaba bromas sobre su habilidad como arquero, así que hizo que Apolo se enamorase de la ninfa Dafne y a ella le disparo una flecha con punta de plomo, provocando su indiferencia. Entonces Dafne rezo al dios rio Peneo pidiendo ayuda y fue transformada en árbol de Laurel, que se consagro a Apolo. Cupido cumplía su cometido a pesar de las travesuras y la rebeldía constante, mientras tanto, su madre Venus, estaba muy preocupada porque su hijo no crecía. Para buscar la respuesta acudió al oráculo de Temis, quien dijo “ El amor no puede crecer sin pasión”, esta respuesta no fue entendida en ese momento por Venus, lo entendió mucho después. Venus tuvo otro hijo “Anteros” dios de la pasión. Cuando Cupido y Anteros estaban juntos, Cupido crecía y se transformaba en un atractivo y hermoso joven, pero al separarse, este volvía a ser un niño. Mientras tanto, en la tierra de los mortales había una princesa llamada Psique (Alma), que su belleza era tal, que no encontraba marido, puesto que todos pensaban que no estaban a la altura de tal mujer. Su padre acudió al oráculo de Delfos, para intentar hallar un marido para su hija. El oráculo le vaticinó que encontraría el amor en un precipicio. El marido que le sería destinado, una serpiente alada, terrible y poderosa, llegaría hasta ella y la haría su esposa. Venus estaba muy celosa de la gran belleza de Psique y envió a Cupido para que la hiciera enamorarse del hombre más feo y vil que existiese. Al enterarse que se encontraba al borde del abismo, envió a Cupido a disparar sus flechas, pero este al ver a Psique quedo profundamente enamorado de ella, creciendo y convirtiéndose en un apuesto joven. Totalmente en contra de los deseos de Venus, Cupido llevo a su amada a un castillo aislado y la tomo como su esposa, con la condición de que


al ser una mortal, tenía prohibido mirarlo. La princesa acepto, ya que al sentirlo cerca y escuchar su voz no sintió temor alguno, estaba seguro de que no era un monstruo, si no el amante esposo que tanto tiempo había estado esperando. Cupido la visitaba cada noche rogándole que no mirara su rostro. Como decía Shakespeare: “El amor no mira con los ojos, si no con el espíritu; por eso pintan ciego al alado Cupido” La pareja era muy feliz, hasta que una mala decisión lo rompió todo. Psique haciendo caso a sus hermanas, miro el rostro de su esposo, eso le valió el castigo de ser abandonada por Cupido, quien con tristeza le dijo “El amor no puede vivir sin confianza”. Fue expulsada del castillo y arrepentida por lo que había hecho, recorrió el mundo en busca de Cupido, superando una serie de peligrosas pruebas que Venus le imponía por el camino.

Como última misión, Venus le dio una caja, indicándole que la llevara al Inframundo. Debía llevar un poco de belleza a Proserpina, la esposa de Plutón, y no debía abrir la caja bajo ningún concepto. Psique se preparo para el viaje y durante el, se enfrento a varios peligros que fue superando


gracias a los consejos recibidos. Pero era una mujer muy curiosa y finalmente sucumbió y abrió la caja, cayendo así en un profundo sueño cercano a la muerte. Cupido la encontró y retiro el sueño mortal de su cuerpo y lo puso de nuevo en la caja. Cupido la perdono y Venus también, puesto que había luchado tanto por el amor de Cupido que los mismos dioses quedaron conmovidos, transformándola en Diosa para que podría reunirse con su amado.

había distintos Cupidos, el hijo de la noche y del Erebo, y el del Amor hijo de Júpiter y Venus. El primero violento y caprichoso, el segundo suave y deleitoso. Aunque la versión más extendida, es sin duda la de SImónides de Ceos.

Según con esta última versión, Cupido nació en Chipre al igual que su madre, quien tuvo que esconderlo en los bosques y dejar que fuera amamantado por fieras que solo eran piadosas con él. Venus lo escondió por temor a Júpiter, quien previendo todo el mal que él niño haría en el universo, pretendía fulminarlo al nacer. El destino Finalmente Cupido y Psique; El Amor y el Alma, y la previsión de su madre, hizo que Cupido se se unieron tras pasar duras pruebas. De esta unión mantuviera a salvo, formándose hermoso como nació Voluptas cuyo nombre significa “Placer”, de su madre y audaz como su padre, pero incapaz de donde derivan palabras como Voluptuosidad. guiarse por la razón, a la manera de sus selváticas madres adoptivas. A raíz de estos personajes, el amor siempre se ha simbolizado con dos corazones atravesados por En el bosque, el mismo se fabrico un arco con una flecha, la de Cupido. madera de fresno y flechas de Ciprés. Tiempo después, su madre Venus, le regalo arco y flechas Hay otras versiones que hablan de Cupido, según de oro. Eran de 2 tipos diferente, unas con punta Seneca, es hijo de Venus y Vulcano. Para Cicerón de oro, para otorgar el amor y otras de plomo, para sembrar el olvido y la ingratitud en los corazones. Además Cupido tenía el poder, de que ni los dioses, ni sus padres, ni siquiera el mismo serian inmunes a las heridas de sus flechas. La nereida Tetis, el día de su boda con Peleo, obtuvo el perdón de Júpiter para Cupido, y la gracia de Sea como sea, el amor nos llega mediante flechas, casualidades o conveniencia. Muchas historias de amor han traspasado las pantallas y han sobrevivido al paso del tiempo, estando presentes en nuestros días. Tal es el caso de la famosa historia de Shakespeare, que ha sido adaptada al cine en numerosas ocasiones bajo títulos similares, Romeo y Julieta, Romeo+Julieta... Otras grandes historias de amor que han traspasado la pantalla, fue la vivida por Una Navi y un mortal en Avatar. Donde demuestran que no


importa la raza o el color para encontrar una vida nos mostraron en La Momia, cuando Hiphotep lo al lado de una persona que es diferente a nosotros. prepara todo para traer al espíritu de su amada. O pongamos el ejemplo de la Saga más famosa de los últimos tiempos. Crepúsculo, donde el amor de un vampiro y una mortal traspasan los límites. Poniéndoles en serio peligro tanto a ella como a su familia, incluso peligrando la vida de los vampiros. Por no hablar del amor que el hombre lobo siente por ella, amor por el que luchara renunciando incluso a su familia lobuna.

San Valentín y Cupido, se ponen de acuerdo y logran que la atmosfera este llena de feromonas y buenos momentos. A lo largo de la historia han sido muchos los amantes y los habrá en el futuro. Ahora que ya sabemos de dónde nace el día del amor, celebrémoslo como se merece.

Sea como sea, el amor siempre se abre camino y logra superar cualquier barrera, incluso las de la muerte, como pudimos ver en Dracula o como

Por Cugar19

¡¡¡ Feliz Día De Los Enamorados!!!


INDICE: Los oscars 184 Predicciones para los oscars 2013 252 Mis oscars históricos 258 El cine español y los oscars 264 Primeros premios de cine NosoloFreak 268 Se acerca la tormenta de espadas 290 En capitulos anteriores, un repaso a la temporada de series 294 Esther esteban entrevista a Jose Lamuño, Maria Pujalta, Amparo Larrañaga, Marina San José, y Tricicle. 301 Reseña Assul + Entrevista a francisco Narla.326 La Teta Enroscada 332


El 16 de mayo de 1929, la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood, celebraba su primer evento para premiar las mejores películas estrenadas el año anterior, el nombre del premio lleva consigo diversas explicaciones, la más aceptada es aquella en la que una secretaria de la Academia, viendo por primera vez la estatuilla, dijo lo mucho que se parecía a su tío Oscar, un columnista allí presente, lo tomo prestado para uno de sus artículos, el resto es historia, no obstante, hasta 1939 no se aceptó el término de manera oficial. Los tiempos han cambiado mucho, de lo que era en un principio, una cena entre amigos de profesión, que se entregaban los premios entre plato y plato, hemos pasado a un espectáculo de lo más glamouroso, la maquinaria de la meca del cine es muy poderosa, y sus engranajes son tan dorados como el material con el que se forjan los galardones. Entrar a valorar sobre lo realmente valioso que resultan los Oscar, es un debate que personalmente no me interesa, pienso que es un baremo adecuado y necesario para el cine, quizá tuvieran más sentido en el pasado, eso no lo discuto, se comenta siempre lo politizados que están los premios, lo fácil que resulta comprar el favor de la Academia, algo de verdad habrá en ello, más de 80 años de historia dan para eso y mucho más, pero no seamos hipócritas, generalmente suelen ganar


las que todos esperamos, las favoritas se imponen con regularidad y son escasas las sorpresas, elemento este que, lejos de resultar algo negativo, consigue hacer girar nuestro universo cinéfilo con lógica y corrección. Precisamente de esas sorpresas, de las grandes ganadoras, de las peores derrotadas, quisiéramos hablar en este artículo, la empresa es tan titánica como apasionante, de los primeros años no podremos arrojar toda la luz que deseamos, queda lejos y no existe demasiada documentación al respecto, además, los Oscar no se habían configurado aún como un ente perfecto, a medida que fueron creciendo y ganando importancia, es que se fue moldeando ese estilo propio que hoy todos conocemos. El esquema es sencillo, aportaremos los 4 premios principales, Película, Director, Actor y Actriz, comentaremos la mejor cinta del año, e intentaremos ilustrar las anécdotas más interesantes de cada año. Entendemos que es un paseo bastante largo, para se consecuentes, resumiremos al final los más galardonados, tanto a nivel personal como a películas con más cantidad de estatuillas en su haber, así como las que se llevaron el terrible varapalo de estar multinominadas, a veces incluso siendo favoritas, e irse de vacío a casa.


1928

La primera ceremonia, celebrada el 16 de mayo de 1929 en el Hotel Hollywood Roosevelt, merece una atención especial, como todo espectáculo que nace, tiene bastantes curiosidades, adolece de unos criterios estructurados, de hecho, apenas fueron 3 las películas nominadas a mejor film del año, y podemos encontrar premios tan curiosos como el de "Mejores efectos de ingeniería", lo que entendemos hoy por F/X, o "Mejor autor de rótulos". También sorprende la división en el galardón al mejor director, separado en 2 categorías al estilo de los Globos de Oro, Drama

y Comedia, y de esta última, solo 2 nominados a tal efecto. Pero para curiosidad, ver a los actores recoger sus estatuillas por al menos 2 trabajos reconocidos, algo impensable en la actualidad. De un listado de apenas 12 categorías, os dejo las 5 más importantes: - Mejor Película: Wings / Alas. Drama Bélico dirigido por William A. Wellman y que tiene el honor de ser las primera ganadora del premio más importante del mundo del cine.

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- Mejor Director Drama: Frank Borzage por "El séptimo cielo" - Mejor Director Comedia: Lewis Milestone por

El dia 3 de abril de 1930, en el Hotel Ambassador de Los Ángeles, se celebro la segunda ceremonia de los Oscar, en esta ocasión si encontramos un criterio más adecuado, las categorías se resumen, con lo que apenas podemos contar 7 premios, pero aún resulta chocante ver a un mismo director nominado 3 veces por diferentes películas, o a 10 guionistas nominados que en realidad son solo 5, por el mismo motivo, repiten, uno de ellos hasta en 4 ocasiones.

1930

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De nuevo el Hotel Ambassador como escenario, la ceremonia se fecha el 5 de noviembre de 1930, se añade una categoría más a las 7 premiadas para 1929, la de el Oscar al mejor sonido. Por primera vez, el premio a mejor película y a mejor director coinciden, en apenas 3 certámenes, Lewis Milestone consigue 2 premios a mejor realizador. - Mejor Película: All quiet on the Western Front / Sin novedad en el frente. Drama Bélico ambientado en la I Guerra Mundial y de marcado


"Hermanos de Armas" - Mejor Actriz: Janet Gaynor por "El séptimo cielo" / "El ángel de la calle" / "Amanecer" - Mejor Actor: Emil Jannings por "La última órden" y "El destino de la carne" Hablamos de cine mudo, todas las premiadas lo son, pero precisamente, se da la circunstancia en la ceremonia de un premio especial entregado a la Warner Bros por "El cantor de Jazz", la primera película sonora de la historia del cine.

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1929

- Mejor Película: The Broadway Melody / La melodía de Broadway El primer Musical en ganar la estatuilla, un género que es todo un clásico en los premios, es evidente que el sonoro luce mucho - Mejor Actriz: Mary Pickford por "Coqueta" más con las canciones. - Mejor Actor: Warner Baxter por "En el viejo - Mejor Director: Frank Lloyd por "Trafalgar" Arizona"

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caracter antibelicista, que contiene como curiosidad el enfrentamiento que degeneró entre nazis y comunistas a raiz de su estreno. - Mejor Director: Lewis Milestone por "Sin novedad en el frente" - Mejor Actriz: Norma Shearer por "La divorciada" - Mejor Actor: George Arliss por "Disraeli"


La ceremonia de entrega se realizó en esta ocasión en el Hotel Billmore de Los Ángeles el 10 de noviembre de 1931, apenas ninguna diferenciación que destacar respecto a los 2 años pretéritos.

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- Mejor Película: Cimarrón. El primer Western en obtener el Oscar capital, no se puede ignorar al género primigenio norteamericano, siempre tan querido por el público.

1932

Un total de 8 nominadas a mejor película, solo 3 a mejor director, actor y actriz, un Oscar especial a Walt Disney por su creación de Mickey Mouse, la ceremonia, fechada el 18 de noviembre de 1932 y que recuperaba el escenario del Hotel Ambassador, es del todo rarita. Tanto es así, que se da el caso particular en el que 2 actores comparten galardón. Lo que ya resulta más habitual es ver a un director repetir Oscar, en esta ocasión, Frank Borzage, el primer realizador en conseguirlo en 1928.

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Celebrada de nuevo en el Hotel Ambassador el 16 de marzo de 1934, encontramos 10 nominadas a mejor película, ¿os suena?, y nuevamente solo 3 a mejor director, actor y actriz. Como curiosidad, el presentador de la gala, Will Rogers, al anunciar el premio a mejor realizador, lo hizo con la frase "Ven a recogerlo Frank", se da la circunstancia que eran 2 Frank los nominados, Capra y Lloyd, ambos se levantaron y Capra se dió cuenta que no era el el vencedor, cuenta en sus memorias, que su regreso a la mesa fué de los momentos más humillantes de su vida.


- Mejor Director: Norman Taurog por "Las peripecias de Skippy" - Mejor Actriz: Marie Dressler por "La fruta amarga"

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- Mejor Actor: Lionel Barrymore por "Alma libre"

1931

- Mejor Película: Grand Hotel. Melodrama de historias cruzadas que se desarrollan en el mencionado Hotel del título. - Mejor Director: Frank Borzage por "Bad Girl" - Mejor Actriz: Helen Hayes por "El pecado de Madelon Claudet"

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- Mejor Actor: Wallace Beery por "El campeón" y Frederic March por "El hombre y el monstruo"

Frank Lloyd recibe así su 2 galardón a mejor director tras el conseguido por "Trafalgar" en 1929.

1933

Como mejor actor/actriz encontramos a 2 pesos a través de la mirada de la familia protagonista. pesados en esa categoría, el colosal Charles Laughton y la insuperable Katharine Hepburn, - Mejor Director: Frank Lloyd por "Cabalgata" que ganaba aquí su primer Oscar. - Mejor Actriz: Katharine Hepburn por "Gloria de - Mejor Película: Cavalcade / Cabalgata. un día" Ambientada a principios del Siglo XX, el film es un Drama sobre la historia de Gran Bretaña a - Mejor Actor: Charles Laughton por "La vida privada de Enrique VIII"


1934

La película "Sucedió una noche" arrasa en los galardones, hay que considerarla como la primera gran ganadora a nivel masivo, consigue un total de 5 y todos importantes, como veremos al final, son pocas las que pueden presumir de obtener un repoker perfecto, el film de Capra, al que quizá la El Hotel Biltmore de Los Ángeles recoge la Academia sentía remordimientos por lo sucedido ceremonia, fechada el 27 de febrero de 1935. Se el año anterior, es una de ellas. inauguran nuevas categorías, como son las de mejor canción y mejor banda sonora, así como - Mejor Película: It Happened One Night / Sucedió montaje - aunque el premio técnico se supone una noche. Primera Comedia en conseguir el recogía este apartado - y sonido, que por primera premio, una deliciosa aventura romántica entre la vez pasan a tener una entidad como premio caprichosa hija de un millonario y un ambicioso concreto. reportero a la caza de la noticia perfecta.

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De nuevo el Hotel Biltmore como escenario, la ceremonia se realizó el 5 de marzo de 1936. D.W. Griffith obtuvo un Oscar Honorífico a manos de Frank Capra, por su contribución al mundo del cine. John Ford gana su primer Oscar a mejor director, y Bette Davis, "La loba", hace lo propio en el de mejor actriz.

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- Mejor Película: Mutiny on the Bounty / Rebelión a bordo. Ambientada en 1785, cuenta el motín del navío británico Bounty contra su tirano capitán Bligh. Todo un peliculón de Aventuras dirigido

1936

Año importante, por primera vez se premia a los actores de reparto, y Walter Brennan, un actor que lo lograría hasta en 3 ocasiones, abre su palmarés por su trabajo en "Rivales". Frank Capra consigue su segunda estatuilla a mejor director en una ceremonia celebrada el 4 de marzo de 1937, de nuevo en el Hotel Biltmore de Los Ángeles. - Mejor Película: The Great Ziegfeld / El gran Ziegfeld. Musical tedioso, larguísimo en duración y que ha envejecido fatal, puede que para la época


- Mejor Director: Frank Capra por "Sucedió una noche" - Mejor Actriz: Claudette Colbert por "Sucedió una noche" - Mejor Actor: Clark Gable por "Sucedió una noche" * además, el film consiguió el premio a mejor guión adaptado *

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por Frank Lloyd, e interpretado magistralmente por Charles Laughton como Bligh. - Mejor Director: John Ford por "El delator" - Mejor Actriz: Bette Davis por "Peligrosa"

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- Mejor Actor: Victor McGlagen por "El delator"

fuera todo un acontecimiento, pero atrevete a verlo y soportar sus 3 horas de metraje. - Mejor Director: Frank Capra por "El secreto de vivir" - Mejor Actriz: Luise Rainer por "El gran Ziegfeld" - Mejor Actor: Paul Muni por "La historia de Louis Pasteur"

1935


De nuevo el Hotel Biltmore de Los Ángeles como escenario, la fecha, el 10 de marzo de 1938, la actriz Luise Rainer se convierte en el primer intérprete en conseguir 2 estatuillas consecutivas, ganando el premio el 1936 y 1937.

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- Mejor Película: The life of Emile Zola / La vida de Emile Zola. Película Biográfica sobre la vida del famoso escritor.

1938

El mítico Spencer Tracy acompaña a la actriz Luise Ranier en eso de ganar el Oscar 2 años seguidos, a Walt Disney le dan otra estatuilla honorífica por "Blancanieves y los 7 enanitos", La loba gana obtiene su segundo galardón a mejor actriz, al

igual que Walter Brennan, que gana su segundo premio a mejor secundario por "Kentucky". Frank Capra logra su tercer Oscar a mejor director y en apenas 4 años. Una ceremonia para ir apuntalando records, celebrada el 23 de febrero de 1939 en, ¿lo adivinan?, el Hotel Biltmore de Los Ángeles.

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- Mejor película: You can take it with You / Vive como quieras. Capra es el padre de la comedia sofisticada, y eso es justamente lo que es "Vive como quieras", un excelente entretenimiento

Con el comienzo de una nueva década, se produce el primer gran síntoma de modernidad en el cine, perfectamente reflejado en la ceremonia de los Oscar, celebrada el dia 29 de febrero de 1940 en el Hotal Ambassador de Los Ángeles. Películas como "El mago de Oz" estrenadas ya en color, pero sobre todo, "Lo que el viento se llevó" que arrasa con 10 premios de la Academia, confirman esa transición visual del B/N al color, a los nuevos tiempos. Se introduce por tanto la categoría a mejor fotografía, que durante algunos años tendra que diferenciar entre las 2 tendencias. Otro hecho a destacar es el primer Oscar para un actor de color, en este caso, la actriz Hattie McDaniel, se hace con el galardón a mejor


- Mejor Director: Leo McCarey por "La pícara puritana" - Mejor Actriz: Luise Ranier por " The Good Earth"

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- Mejor Actor: Spencer Tracey por "Capitanes Intrépidos"

1937

con ese sabor inconfundible que solo tienen los grandes clásicos. - Mejor Director: Frank Capra por "Vive como quieras"

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- Mejor Actriz: Bette Davis por "Jezabel" - Mejor Actor: Spencer Tracy por "Forja de Hombres"

secundaria por su papel de "Mami" en "Lo que el viento se llevó". Los Oscar honoríficos van a manos de 2 leyendas,el legendario actor Douglas Fairbanks, primer presidente de la Academia y David O. Selznick, el mitico productor, que además esa noche recogió los frutos de "Lo que el viento se llevó", de los 10 premios obtenidos, 2 de ellos han de ser incluidos con calzador, al no existir categoría para ellos, así, se entrega uno a Technicolor Company, por su contribución al film, y otro al diseño de la película.

1939

excesiva, que llegó a contar con varios directores y que supone una transición evidente hacia lo contemporáneo en el mundo del celuloide. - Mejor Director: Victor Fleming por "Lo que el viento se llevó" - Mejor Actriz: Vivien Leigh por "Lo que el viento se llevó"

- Mejor Película: Gone with the wind / Lo que el viento se llevó. Magnífico Melodrama histórico y - Mejor actor: Robert Donat por "Adiós, Mr. generacional, uno de los títulos más reconocibles Chips" de la historia del Séptimo Arte, una producción


1940 Celebrada el 27 de febrero de 1941 y de regreso al Hotel Biltmore, la ceremonia incluye entre sus categorías la de mejores efectos visuales, siendo "El ladrón de Bagdad" la primera en conseguir el premio. John Ford consigue su segunda estatuilla a mejor director, arrebatándosela al maestro Hitchkock, que jamás ganará uno, precisamente su actor fetiche, James Stewart, consigue el

premio a mejor actor. Bob Hope se hace con el Oscar honorífico por su contrubución al mundo del cine. Walter Brennan gana su tercer Oscar a mejor actor de reparto por "El forastero" del maestro Wyler. - Mejor película: Rebecca. Uno de esos prodigios de suspense y tensión del insuperable Alfred Hitchcock, con el maestro de actores Lawrence Olivier en estado de gracia y una Joan Fontaine arrebatadora, curiosamente no es de sus obras maestras, pero en Hollywood no estaban acostumbrados al género ni al estilo del realizador

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Ceremonia fechada el 26 de febrero de 1942 y cuyo escenario vuelve a ser el Hotel Biltmore de Los Ángeles. La sorpresa de la noche, fué la falta de sorpresa, ya que la prensa ya había publicado los premiados por la tarde, desde entonces se decidió que los votos serían secretos. El animal John Ford se hace con su tercer Oscar a mejor director, segundo consecutivo, la Academia ignora "Ciudadano Kane", una película adelantada a su tiempo, tanto narrativa como tecnicamente hablando.

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Walt Disney recoge 2 Oscar honoríficos, uno de ellos por "Fantasia".

1942

Una ceremonia sin demasiadas sorpresas, el maestro Willian Wyler es el gran vencedor de la noche, su "Mrs. Miniver" consigue 6 de los 12 premios a los que opta, en esta ocasión, el Hotel Ambassador es el elegido como marco de una gala celebrada el 4 de marzo de 1943 - Mejor Película: Mrs. Miniver / La señora Miniver. Excelente Drama ambientado en la II Guerra Mundial, la maestría de Wyler tras la cámara para conducir una historia sencilla por la senda de la excelencia.


inglés, así que la cinta fué un éxito tremendo. - Mejor Director: John Ford por "Las uvas de la ira" - Mejor Actriz: Ginger Rogers por "Espejismo de amor"

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- Mejor actor: James Stewart por "Historias de Filadelfia"

- Mejor Película: How Green was my Valley / Que verde era mi valle. Melodrama rural tan del gusto de John Ford, muy bonita y algo ñoña, no es de mis favoritas del realizador, al que ubico mejor en el Western. - Mejor Director: John Ford por "Que verde era mi valle"

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- Mejor Actriz: Joan Fontaine por "Sospecha" - Mejor Actor: Gary Cooper por "Sargento York"

- Mejor Director: William Wyler por "La señora Miniver" - Mejor Actriz: Greer Garson por "La señora Miniver" - Mejor Actor: James Cagney por "Yankee Doodle Dandy"

1941


La noche de Casablanca, cualquiera la discute, es curioso que las que competían con ella apenas se recuerden, es lo que tiene hacerse tan inmortal, la ceremonia se celebro por primera vez en el Teatro Chino de Los Ángeles, el 2 de marzo de 1944. - Mejor Película: Casablanca. Pues no creo que haya mucho que decir de ella que no se sepa, quizá mas que de su argumento, hablar de lo fallida que resultó la producción, Michael Curtiz cuenta como le cambiaban el guión casi a diario, y el caos que suponía motivar a los actores y al

1944

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Fechada el 15 de marzo de 1945 y celebrada nuevamente en el Teatro Chino de Los Ángeles, otra ceremonia descafeinada sin nada remarcable que mencionar, tal vez el segundo Oscar de McCarey como realizador y el premio a Ingrid Bergman, eterna diosa del Séptimo Arte, a la que compensaron por el año anterior, en la que todos la hacían justa vencedora en Casablanca.

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- Mejor Película: Going my Way / Siguiendo mi camino. Musical religioso con fondo de Comedia, para nada del gusto de quien os escribe.

Momento para hablar de la maldición de La Palma de Oro del Festival de Cannes, generalmente, le película que se hace meses antes con el galardón francés, pierde troda opción a conseguir el Oscar, como veremos en posteriores entregas, pero no es el caso de el año que nos ocupa, irrumpe el maestro Billy Wilder, con tanta fuerza que es capaz de vencer en los 2 certámenes. El Teatro Chino de Los Ángeles vuelve a ser el escenario de una ceremonia celebrada el 7 de marzo de 1946.


equipo, que pensaban que todo sería un fracaso, es lo que tiene el cine, que a veces se convierte en pura magia. - Mejor Director: Michael Curtiz por "Casablanca" - Mejor Actriz: Jennifer Jones por "La canción de Bernadette"

1943

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- Mejor Actor: Paul Lukas por "Alarma en el Rhin"

- Mejor Director: Leo McCarey por "Siguiendo mi camino" - Mejor actriz: Ingrid Bergman por "Luz que agoniza"

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- Mejor Actor: Bing Crosby por "Siguiendo mi camino"

- Mejor Película: The Lost Weekend / Días sin huella. Sin ser una de sus Obras Maestras, este oscuro e impactante Drama sobre el alcoholismo, es uno de los grandes logros multipremiados del maestro de maestros, el inimitable Billy Wilder. - Mejor Director: Billy Wilder por "Días sin huella" - Mejor Actriz: Joan Crawford por "Mildred Pierce" - Mejor Actor: Ray Milland por "Días sin huella"

1945


1946

La ceremonia se muda al Auditorio Shrine de Los Ángeles, se celebra el dia 13 de marzo de 1947 y de nuevo, el maestro William Wyler es el gran triunfador, su film, "Los mejores años de nuestra vida" se hace con 7 de las 8 estatuillas a las que opta. Lawrence Olivier obtiene un Oscar especial por su trabajo en la película "Enrique V", otro premiado honorífico es el maestro Ernst Lubistch, por su contribución al Arte cinematográfico.

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- Mejor Película: The best years of our lives / Los mejores años de nuestra vida. De nuevo un Drama sencillo que se convierte, en las manos de Wyler,

Se cumplen 20 años de la primera ceremonia de los Oscar, de nuevo el escenario de la gala se sitúa en el Auditorio Shrine de Los Ángeles, la noche del 20 de marzo de 1948. Surge la figura de Elia Kazan, un clásico, asiduo a los premios. Por primera vez se entrega una estatuilla a mejor película extranjera, no hay competencia, "El limpiabotas" de Vittorio de Sica, obtiene el premio para Italia al ser la única seleccionada.

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- Mejor Película: Gentlemans Agreement / La barrera invisible. Drama racial, sutil e inteligente, sobre un periodista que se hace pasar por judio para comprobar las dificultades que supone actuar como tal en la sociedad.

1948

La ceremonia se muda al recien fundado Teatro Academy Award de Hollywood, y se celebra el 24 de febrero de 1949. 2 pesos pesados, John Huston y Lawrence Olivier, se reparten los premios, en el caso del film de Huston, "El Tesoro de Sierra Madre", estamos hablando de una de las mejores películas de la historia del cine. Se introducen la categoría a mejor vestuario. - Mejor Película: Hamlet. El talento de Olivier al servicio del universal texto de Shakespeare, se nota que el actor, aqui también director, adora a su compatriota literato.


en un trabajo excelente que reflexiona sobre las secuelas de los que regresan de la II Guerra Mundial. - Mejor Director: William Wyler por "Los mejores años de nuestra vida"

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- Mejor Actriz: Olivia de Havilland por "La vida íntima de Julia Norris" - Mejor Actor: Frederich March por "Los mejores años de nuestra vida"

- Mejor Director: Elia Kazan por "La barrera invisible" - Mejor Actriz: Loretta Young por "Un destino de mujer" - Mejor Actor: Ronald Colman por "Doble vida"

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- Mejor Director: John Huston por "El Tesoro de Sierra Madre" - Mejor Actriz: Jane Wyman por "Belinda" - Mejor Actor: Lawrence Olivier por "Hamlet"

1947


El Teatro de la mítica productora RKO de Los Ángeles acoge la ceremonia, celebrada la noche del 23 de marzo de 1950. El actor Fred Astaire y el productor y director Cecil B. De Mille, recogen sendos Oscar honiríficos por su contribución inestimable al mundo del celuloide. La película "El político" de Robert Rossen es la ganadora de la noche, pero en el apartado a mejor director, el vencedor es el maestro Joseph L. Mankiewicz, Olivia de Havilland consigue su segunda estatuilla a mejor actriz, y Vittorio de Sica su segundo galardón a película extranjera por "El ladrón de bicicletas".

1950

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al desnudo", es la ganadora de la noche con 6 estatuillas, además, bate el record de nominaciones con 14, un registro que no se conseguirá igualar hasta 1997.

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Nuevamente el Teatro de la RKO, en Los Ángeles, El productor Luis B. Mayer, cofundador de la como escenario de una ceremonia fechada el 23 MGM (Metro Goldwing Mayer), obtiene el Oscar de marzo de 1951. honorífico.

Mankiewicz consigue su segundo Oscar - Mejor Película: All about Eve / Eva al desnudo. consecutivo a mejor realizador y su película, "Eva Magnífica película del maestro Mankiewicz, cargada de mala leche contra la industria, la

Celebrada en Los Ángeles, el 20 de marzo de 1952 en el Teatro de la RKO, la ceremonia número 24 de los premios deja un balance curioso en el reparto, ya que 3 películas se marchan con bastantes premios esa noche, "Un lugar en el sol" y "Un americano en París" con 6 cada una y "Un tranvía llamado deseo" con 4 estatuillas.

El maestro Akira Kurosawa obtiene el Oscar a mejor película extranjera para su legendaria "Rashomon" y Gene Kelly, el premio honorífico de la Academia. Vivien Leigh consigue el galardón a la mejor actriz por segunda vez y por fin, Humphrey


- Mejor Película: All the King,s Men / El Político. Excelente película sobre la corrupción del poder, un hombre honesto se ve inmerso en en el juego sucio de la política el día que es elegido gobernador, un certero ensayo sobre un alma en venta. - Mejor Director: Joseph L. Mankiewicz por "Carta a tres esposas"

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1949

- Mejor Actriz: Olivia de Havilland por "La Heredera" - Mejor Actor: Broderick Crawford por "El Político"

aparente dulzura de la protagonista no es más que una metáfora sobre la belleza formal de Hollywood, que tras su capa de perfección, esconde un ser avido de poder, capaz de pisar a cualquiera que se interponga en su camino.

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- Mejor Director: Joseph L. Mankiewicz por "Eva al desnudo" - Mejor Actriz: Judi Holliday por "Nacida Ayer" - Mejor Actor: José Ferrer por "Cyrano de Bergerac

Bogart obtiene el de mejor actor, como no podía ser de otra forma, en una película del maestro John Huston. - Mejor Película: An American in Paris / Un americano en París. El film de Vicente Minnelli es un Musical de esos incuestionables, que transmiten un positivismo casi insultante, un servidor no aprecia demasiado el género, pero acepta que el film de Minnelli tiene más de un hallazgo en su propuesta. - Mejor Director: George Stevens por "Un lugar en el sol"

1951

- Mejor Actriz: Vivien Leigh por "Un tranvía llamado deseo" - Mejor Actor: Humphrey Bogart por "La Reina de África"


1952

El año en el que John Ford consigue su cuarto Oscar a mejor director es el mismo que Gary Cooper hace lo propio con su segunda estatuilla a mejor actor, 2 clásicos cabalgan juntos. De nuevo el Teatro de la RKO en Los Ángeles es el escenarie

elegido, la noche del 19 de marzo de 1953. Harold Lloyd, el legendario actor comico del cine mudo, consigue el Oscar honorífico a toda su carrera.

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- Mejor Película: The Greatest Show on Earth / El mayor espectáculo del mundo. Una sorpresa que este film menor sobre el mundo del circo se alzara con la estatuilla a mejor película, sobre todo viendo con las cintas que competía, y más

El teatro de l RKO de Los Ángeles vuelve a acoger una ceremonia fechada el 25 de marzo de 1954.

El varapalo sufrido por el gran Fred Zinnemann el año anterior, con "Solo ante el peligro", se ve reparado con el sonoro triunfo que supone "De aquí a la eternidad", que consigue 8 premios de la Academia. La divina Audrey Hepburn gana el Oscar en una peli del maestro William Wyler, y William Holden, hace lo propio en una del maestro Billy Wilder.

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Dalton Trumbo se ve obligado a comparecer con el sobrenombre de Ian McLellan Hunter, debido a su implicación en el comité que investigaba las actividades antiamericanas, esto es, la caza de brujas anticomunista del senador MacCarthy, que tanto daño hizo a Hollywood.

1954

Elia Kazan gana su segundo Oscar a mejor director y arrasa con "La ley del silencio", en una ceremonia celebrada el 25 de marzo de 1955 en el Teatro RKO de Los Ángeles. No es curioso que una peli sobre chivatazos en plena época del Macartismo arrase de esa forma, lo que es mas chocante es que el propio Kazan haga tal ejercicio de hipocresía, ya que fué uno de los delatores a

a favor del comité.

Marlon Brando, posiblemente el mejor intreprete de todos los tiempos, se alza con su primera estatuilla a mejor actor, y la más tarde princesa de Mónaco, lo elegantísima Grace Kelly, el de actriz.

El Oscar honorífico es para la divina Greta Garbo, por sus papeles inolvidables (palabras textuales). - Mejor Película: On the Waterfront / La ley del silencio. Un peliculón, no hay duda, pero el éxito de esta película es desmedido, Kazan tiene mejores película, "Viva Zapata" por ejemplo, en


aún cuando solo obtuvo este galardón y otro más a mejor argumento. - Mejor Director: John Ford por "El hombre tranquilo"

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- Mejor Actriz: Shirley Booth por "Vuelve, pequeña Sheba" - Mejor Actor: Gary Cooper por "Solo ante el peligro"

La 20th Century Fox se alza con el Oscar honirífico por la introducción del sistema Cinemascope en el mundo del cine. - Mejor Película: From Here to Eternity / De aquí a la eternidad. Obra Maestra de Zinnemann, personajes apasionantes bajo el entorno castrense de la base militar de Pearl Harbour, dias antes del ataque japones que hará participar a los EEUU en la II Guerra Mundial.

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- Mejor Director: Fred Zinnemann por "De aquí a la eternidad" - Mejor Actriz: Audrey Hepburn por "Vacaciones en Roma" - Mejor Actor: William Holden por "Traidor en el infierno"

cualquier caso, esta historia sobre un boxeador acabado, que trabaja como matón de un poderoso jefe mafioso que domina los muelles, es todo un clásico y un ejemplo de planificación formal y narrativa soberbio. - Mejor Director: Elia Kazan por "La ley del silencio" - Mejor Actriz: Grace Kelly por "La angustia de vivir" - Mejor Actor: Marlon Brando por "La ley del silencio"

1953


Una ceremonia muy sosa, celebrada nuevamente en el Teatro RKO de Los Ángeles, el 21 de marzo de 1956. Quizá el premio más interesante lo encontremos en el de mejor actor de reparto, que proporcionó a Jack Lemmon su primera estatuilla por su papel en "Escala en Hawai".

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- Mejor Película: Marty. La gran triunfadora de la noche, con 4 premios, también se llevó la Palma de Oro en Cannes, mucho antes de que la maldición tomara forma. Historia sencilla, emotiva, que no excepcional, es de las que llegan al corazón, pero

1956

pelo rojo" - el primero lo ganó en 1952 con "Viva Zapata", Ingrid Bergman consigue su segunda estatuilla, y el perseguido Dalton Trumbo gana el premio al mejor argumento por "El bravo", Celebrada el 27 de marzo de 1957 en el Teatro además, George Stevens gana su segundo Oscar RKO de Los Ángeles, la ceremonia número 29 como director por "Gigante". deja el segundo Oscar a mejor actor de reparto para Anthony Quinn, por su papel en "El loco del - Mejor Película: Around the World in 80 Days / La vuelta al mundo en 80 días. Una entretenida película de aventuras basada en la famosa novela

Se cumplen 30 años de la entrega de premios y el Teatro RKO de Los Ángeles, vuelve a ser el elegido, la noche del 26 de marzo de 1958.

Irrumpe la figura del maestro David Lean, con la primera de sus películas majestuosas, "El puente sobre el río Kway" se lleva 7 de los 8 premios a los que opta. El eterno Alec "Kenobi" Guinness, obtiene el Oscar a mejor actor. La obra maestra de Billy Wilder, "Testigo de Cargo", se va de vacío en una noche en la que iba nominada a 6 premios, todos importantes. - Mejor Película: The bridge from the river Kway


pero no es ninguna Obra Maestra, la pobre cosecha del año ayudaron a su tremendo éxito en los premios. - Mejor Director: Delbert Mann por "Marty" - Mejor Actriz: Anna Magnani por "La rosa tatuada"

1955

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- Mejor Actor: Ernest Borgnine por "Marty".

de Julio Verne, no se nos ocurre un Philleas Fogg mejor que David Niven, la película es correcta, aunque no da para un premio tan importante. - Mejor Director: George Stevens por "Gigante" - Mejor Actriz: Ingrid Bergman por "Anastasia" - Mejor Actor: Yul Brynner por "El rey y yo"

El puente sobre el río Kway. Obra Maestra del genial David Lean, ambientada en la frontera Birmana, ocupada por los Japoneses en la II Guerra Mundial, narra las penurias de un grupo de soldados británicos, obligados a construir un puente para los nipones. - Mejor Director: David Lean por "El puente sobre el río Kway" - Mejor Actriz: Joanne Woodward por "Las tres caras de Eva" - Mejor Actor: Alec Guinness por "El puente sobre el río Kway"

1957


1958

primera vez, "La venganza", de Juan Antonio Bardem, que perdío antes la francesa "Mi tio" de Jaques Tati.

La película Gigi, de Vicente Minnelli, se hace con los 9 Oscar a los que iba nominada, además, De nuevo el RKO de Los Ángeles como escenario su protagonista, Maurice Chevalier, obtiene el de una ceremonia fechada el 6 de abril de 1959, premio honórifico a toda su carrera. Entre las películas nominadas a mejor cinta de habla no inglesa, encontramos una española por - Mejor película: Gigi. Musical pasado de rosca y

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Ceremonia celebrada la noche del 4 de abril de 1960, nuevamente en el Teatro RKO de Los Ángeles.

Es la noche del maestro William Wyler, su versión renovada de Ben-Hur, clásico del cine mudo, arrasa con 11 estatuillas, de las 12 a las que aspiraba, estableciendo un record que jamás sera superado, solo igualado décadas más tarde. Es el tercer Oscar para Wyler como realizador.

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Buster Keaton, genio inconfundible del humor - mudo - físico, obtiene el premio por toda su carrera.

1960

Taylor gana su primer Oscar, igual que Burt Lancaster, impecable en "El fuego y la palabra". El gran Alfred Hitchkock se queda de nuevo sin premio, estaba nominado nada menos que por "Psicosis".

La ceremonia se muda a El Auditorio de Santa Gary Cooper y Stan Laurel, el flaco de "El gordo Monica en California, la noche del 17 de abril de y el flaco", obtienen sendos premios honoríficos a toda su carrera. 1961. El apartamento, del maestro Billy Wilder, se hace El maestro Igman Bergman consigue el Oscar con los premios más importantes, es la segunda para Suecia, en la categoría de película extranjera, estatuilla a mejor director para Wilder. Elizabeth con "El manantial de la doncella".


que ha envejecido bastante mal, hay que ser muy amante del género para disfrutarla, de lo que no cabe duda, es que tanto premio es desmesurado. - Mejor Director: Vicente Minnelli por "Gigi"

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- Mejor Actriz: Susan Hayward por "Quiero vivir" - Mejor Actor: David Niven por "Mesas separadas"

- Mejor Película: Ben-Hur. Obra magna del Séptimo Arte, la carrera de cuádrigas es de lo mejor jamás rodado en la historia del cine, lástima de el elemento religioso, que le resta algo de entereza, por lo demás es un trabajo deslumbrante y colosal, puro espectáculo. - Mejor Director: William Wyler por "Ben-Hur"

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- Mejor Actriz: Simone Signoret por "Un lugar en la cumbre" - Mejor Actor: Charlton Heston por "BenHur"

- Mejor película: The Apartment / El apartamento. Excepcional comedia agridulce, una de las cimas del cine clásico, tan malvada como deliciosa. Puro Wilder & Diamond. - Mejor director: Billy Wilder por "El apartamento" - Mejor Actriz: Elizabeth Taylor por "Una mujer marcada" - Mejor Actor: Burt Lancaster por "El fuego y la palabra"

1959


Celebrada el 9 de abril de 1962, la ceremonia tiene nuevamente como marco el Auditorio de Santa Monica. "Plácido", del gran Luis Garcia Berlanga, se queda a las puertas del Oscar a mejor película extranjera, el maestro Bergman se impone con "Como en un espejo", y gana su segundo premio para Suecia.

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"West Side Story" arrasa en la ceremonia con 10 estatuillas, de las 11 a las que optaba, las grandes derrotadas, "Los juicios de Nuremberg" y "El Buscavidas", que de 11 candidaturas se tienen que conformar con 2 premios. Sophia Loren gana el premio a mejor actriz, y

1962

El maestro David Lean gana su segundo premio como realizador con "Lawrence de Arabia", que se alza con 7 estatuillas como la gran triunfadora de la noche. Su más directa rival, la excelente "Matar a un ruiseñor", que proporciona a Gregory Peck el Oscar al mejor actor.

El auditorio de Santa Monica vuelve a ser testigo de una ceremonia fechada el 8 de abril de 1963. - Mejor Película: Lawrence of Arabia / Lawrence de Arabia. Obra Maestra descomunal del cine de Aventuras, una de las mejores películas jamás

Celebrada el 13 de abril de 1964, nuevamente en el Auditorio de Santa Mónica, la ceremonia resulta bastante descafeinada, no hay una ganadora con relumbrón, y hasta "Tom Jones", que se alza con los premios a película y director, resulta algo maltratada, pues de los 13 premios a los que opta, solo gana 4. Lo mismo pasa con "El más salvaje entre mil", nominada a 11 estatuillas, que se tiene que conformar con 3, o "Cleopatra", que de 9 opciones, se queda en 4 premios, y todos menores. España vuelve a competir en el Oscar a mejor película estranjera, con "Los Tarantos" de Francisco Rovira Beleta. El premio es para Italia, Federico Fellini y su "8 1/2" no tienen rival.


se convierte en el primer interprete en ganar la estatuilla por una película rodada en un idioma diferente al Inglés. - Mejor Película: West Side Story. Musical basado en Romeo Y Julieta, pero adaptado a los barrios bajos de Nueva York, un ejercicio deslumbrante, para quien guste del género.

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- Mejor Director: Jerome Robbins y Robert Wise por "West Side Story"

1961

- Mejor Actriz: Sophia Loren por "Dos Mujeres" - Mejor Actor: Maximilian Shell por "Los juicios de Nuremberg"

rodadas, las hazañas del teniente T.E. Lawrence en la ayuda Británica a los Árabes en la I Guerra Mundial. - Mejor Director: David Lean por "Lawrence de Arabia" - Mejor Actriz: Anne Bancroft por "El milagro de Ana Sullivan"

Sidney Poitier es el primer actor de color en ganar la estatuilla en la categoría de interprete principal. - Mejor Película: Tom Jones. Comedia de Aventuras ambientada en el S.XVIII, encantadora pero excesivamente premiada, quizá en la época resultó interesante, ahora se muestra anticuada y falta de ese encanto con la que consiguió tanto reconocimiento.

1963

- Mejor director: Tony Richardson por "Tom - Mejor Actor: Sidney Poitier por "Los lirios del Jones" valle" - Mejor Actriz: Patricia Neal por "El más salvaje entre mil"


1964

La ceremonia vuelve a celebrarse en el Auditorio de Santa Monica, la noche del 5 de abril de 1965.

una de las grandes derrotadas de la historia de los Oscar, con 12 nominaciones y un solo premio. "Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú" del maestro Kubrick, que competía en los apartados de mejor película, director y guión, también se van de vacío, más razones para odiar el musical.

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Sir Peter Ustinov gana su segundo Oscar a mejor secundario por "Topkapi". - El primero lo logró en Más que comentar las ganadoras, que se reparten "Espartaco" entre "My Fair Lady" con 8 premios y "Mary Poppins" con 5, habría que hablar de "Becket", - Mejor Película: My Fair Lady. El mito de

De nuevo con el Auditorio de Santa Monica como testigo de una ceremonia fechada el 18 de abril de 1966. "Sonrisas y lágrimas", que proporciona a Robert Wise su segundo Oscar a mejor director, es la vencedora de la noche, imponiéndose a "Doctor Zhivago" de David Lean, a todas luces superior, ambas consiguen 5 premios, pero en el caso del film de Lean, son menores.

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El maestro de compositores, Maurice Jarre, gana su segunda estatuilla a mejor Banda Sonora por "Doctor Zhivago", el primero lo había logrado en otro film de Lean, "Lawrence de Arabia". El veterano William Wyler, con 3 Oscar a

1966

a Virginia Woolfe", de Mike Nichols, que con 13 candidaturas, se conforma con 5 premios, entre ellos el segundo Oscar para Elizabeth Taylor como mejor actriz.

Celebrada en el Auditorio de Santa Monica, la ceremonia tiene fecha del 10 de abril de 1967.

El actor Walther Mathau, consigue el premio a mejor actor secundario por su sensacional papel de "En Bandeja de Plata", del maestro Billy Wilder.

La gran vencedora de la noche es "Un hombre para la eternidad", de Fred Zinnemann, que consigue su segundo premio a mejor realizador, de 8 nominaciones, se alza con 6 estatuillas, dejando en la estacada a la favorita, "¿Quién teme

- Mejor Película: A Man for all Seasons / Un hombre para la eternidad. Interesantísima película sobre el enfrentamiento entre Thomas Moro y Enrique VIII, por la insistencia del rey para abandonar sus votos nupciales con Catalina de Aragón, para


Pigmalión en versión musical, casi 3 horas para el que disfrute con el género, el film es todo un clásico, hay que reconocer sus virtudes y su elegancia, Cukor siempre raya a gran nivel.

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- Mejor Director: George Cukor por "My Fair Lady" - Mejor Actriz: Julie Andrews por "Mary Poppins" - Mejor Actor: Rex Harrison por "My Fair Lady"

a sus espaldas, vuelve a ser nominado a mejor Realizador por la excelente "EL Coleccionista". Lee Marvin , legendario actor, gana el premio a mejor interprete por su papel de pistolero borracho en "Cat Ballou" (La ingenua explosiva).

1965

- Mejor Película: The sound of music / Sonrisas y lágrimas. Otro musical, muy bonito, lleno de caramelo y algodón de azúcar, todo el mundo conoce la escena de Julie Andrews en el prado - Mejor Actriz: Julie Christie por "Darling" cantando y celebrando la vida, la parte final con los nazis está mejor, pero no es el cine que - Mejor Actor: Lee Marvin por "La ingenua explosiva" convence a un servidor.

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- Mejor Director: Robert Wise por "Sonrisas y lágrimas"

así poder contraer matrimonio con Ana Bolena. Cine Histórico, teatral y formalmente soberbio, Zinnemann un grande. - Mejor Director: Fred Zinnemann por "Un hombre para la eternidad" - Mejor Actriz: Elizabeth Taylor por "Quién teme a Virginia Woolfe? - Mejor Actor: Paul Scofield por "Un hombre para la eternidad"


La entrega número 40 de los premios, vuelve a tener el Auditorio de Santa Monica como sede, la noche del 10 de abril de 1968. "En el calor de la noche" es la ganadora de la noche con 5 premios, de los 7 a los que optaba. Mike Nichols obtiene el Oscar a mejor director por "El graduado", que a pesar de ir nominado a 7 estatuillas, solo consigue el de realizador. Las sonoras derrotadas son "Bonnie & Clyde" y "Adivina quién viene a cenar esta noche", que de 11 candidaturas solo obtienen 2 premios.

1969.

1968

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2 musicales, "Oliver" de Carol Reed y "Funny Girl" de William Wyler, compiten por se la triunfadora de la noche, gana la primera, que consigue 5 estatuillas, el film de Wyler es vapuleado, y solo obtiene 1 de los 11 Oscar a los que iba nominado.

Barbra Streisand consigue ese único Oscar para "Funny Girl" a mejor actriz, pero lo hace a exDespués de 8 años, la ceremonia cambia de sede, aequo con Katherine Hepburn, que consigue así la elegida es el Pabellón Dorothy Chandler de Los su tercera estatuilla, la segunda consecutiva. Ángeles, y se celebra la noche del 14 de abril de

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La Obra Maestra y visionaria de Kubrick, "2001, una odisea en el espacio", se tiene que conformar con el Oscar a mejores efectos visuales, que será el

Algo cambia la noche del 7 de abril de 1970, en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, una película clasificada X, gana los premios más importantes de la noche, "Cowboy de medianoche" se impone a "Dos hombres y un destino" y al musical "Hello Dolly!", modernidad extrema frente a clasicismo, Hollywood apuesta por la ruptura. El mítico John Wayne es el ganador del premio a mejor actor por su papel en "Valor de ley". Cary Grant es el Oscar honorífico del año por "su talento incomparable en pantalla, que le ha hecho valedor del respeto y afecto de todos sus colegas


España vuelve a quedarse a las puertas de el Oscar a mejor cinta extranjera con "El amor brujo" de Francisco Rovira Beleta, la película Checoslovaca, "Trenes rigurosamente vigilados", es la ganadora.

1967

Katharine Hepburn obtiene su segunda estatuilla - Mejor Director: Mike Nichols por "El graduado" a mejor actriz. - Mejor actriz: Katharine Hepburn por "Adivina - Mejor Película: In the heat of the night / En el quién viene a cenar esta noche" calor de la noche. Contundente policiaco racial, dirigido con manor firme por Norman Jewison, y - Mejor Actor: Rod Steiger por "En el calor de la perfectamente interpretado por la pareja Poitier- noche" Steiger.

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único que el director consiga a titulo personal en su carrera. - Mejor Película: Oliver!. La novela de Charles Dickens, "Oliver Twist" convertida en musical, un deleite para los que dusfruten con el género, por mi parte, que Kubrick se vaya de vacío solo me hace tenerla antipatía.

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- Mejor Director: Carol Reed por "Oliver!" - Mejor Actriz: Katharine Hepburn por "El león en invierno" y Barbra Streisand por "Funny girl" - Mejor Actor: Cliff Robertson por "Charlie"

de profesión". Amén. - Mejor Película: Midnight Cowboy / Cowboy de medianoche. Historia de un ingenuo metido a gigoló en el Nueva York de lo más marginal. Excelente película de perdedores, con un Dustin Hoffman en estado de gracia. - Mejor Director: John Schlesinger por Cowboy de medianoche - Mejor Actriz: Maggie Smith por "Los mejores años de Miss Brodie" - Mejor Actor: John Wayne por "Valor de ley"

1969


Ceremonia fechada el 15 de abril de 1971 en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles. Con EEUU inmerso en plena Guerra de Vietnam, no es de extrañar que la ganadora sea una cinta bélica que habla de las victorias militares del país en el pasado. "Patton", que por otro lado es una película excelente, es la grán triunfadora de la noche con 7 estatuillas, "Aeropuerto" y "Love Story", con 12 y 7 nominaciones respectivamente, son las grandes derrotadas al hacerse tan solo con 1 de los premios a los que optaban.

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El Gran Orson Welles recoge el premio honorífico a toda su carrera, y Los Beatles se hacen con el Oscar a mejor BSO por "Let it be". España vuelve a irse de vacio en el Oscar a mejor

1971

"French Connection" es la ganadora de la noche con 5 premios, derrota a "El violinista en el tejado" y "La útima película". "La naranja mecánica" del maestro Stanley Kubrick se vuelve a ir de vacio, a pesar de ir nominada en las mejores categorías.

El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, vuelve a ser testigo de una ceremonia celebrada el Gene Hackman, extraordinario actor, gana su primera estatuilla, y Jane Fonda, hace lo propio 10 de abril de 1972. por su papel de prostituta en "Klute".

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Charles Chaplin es el Oscar Honirífico del año, por su incalculable valor y su contribución al arte del cine. Gil Parrondo repite premio a mejor dirección de arte por "Nicolas y Alejandra".

Ceremonia celebrada nuevamente en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, fechada el 27 de marzo de 1973. La noche de "El Padrino", y de "Cabaret", el film de Coppola se lleva 3 de las 11 estatuillas a las que opta, mientras que el musical de Bob Fosse se hace con 8 premios de las 10 nominaciones a las que aspiraba. No comment. Una Obra Maestra descomunal como "La Huella", del gran Joseph L. Mankiewicz, se va de vacío con sus 4 nominaciones, mal año para competir. Marlon Brando consigue su segundo Oscar a mejor actor, no lo recoge, envía a una chica india


película de habla no inglesa, competíamos con "Tristana" de Luis Buñuel, y la ganadora fué "Investigación para un ciudadano libre de toda sospecha" de Elio Petri, Italia. Gil Parrondo alivia la situación ganando el premio a la mejor dirección artística por "Patton", es nuestro primer Oscar patrio.

1970

- Mejor Película: Patton. Película biográfica sobre el famoso general de la II Guerra Mundial, con - Mejor Actriz: Glenda Jackson por "Mujeres guión de Francis Ford Coppola, una interpretación enamoradas" excepcional de parte de George C. Scott, y el gran trabajo tras la cámara de ese artesano llamado - Mejor Actor: George C. Scott por "Patton" Franklin J. Schaffner. Todo un peliculón.

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- Mejor Director: Franklin J. Schaffner por "Patton" - Mejor Película: French Connection. Policiaco duro y primorosamente realizado por William Friedkin, sus escenas marcan un antes y un después en innovación, todo ello apoyado en un montaje soberbio, nuestro Fernando Rey es el villano, orgullo nacional. - Mejor Director: William Friedkin por "French Connection"

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- Mejor Actriz: Jane Fonda por "Klute" - Mejor Actor: Gene Hackman por "French Connection"

a rechazarlo y dar un discurso sobre la barbarie de los norteamericanos contra su pueblo, la auténtica población autóctona del país. Más tarde se descubre que era una actriz disfrazada, más grande imposible. Edward G. Robinson recoge su merecido premio honorífico a toda su carrera. España se acerca más que nunca a un Oscar en película de habla no inglesa, nominados por "Mi querida señorita" de Jaime de Armiñan, gana Luis Buñuel con "El discreto encanto de la burguesía", bajo bandera francesa por desgracia, su exilio por la dictadura provoca tal situación.

1972

- Mejor Película: "The Godfather" / El Padrino. Que más se puede decir del film de Coppola, candidata firme a ser considerada la mejor de todos los tiempos, la Mafia es un asunto de familia, quedas advertido. - Mejor Director: Bob Fosse por "Cabaret" - Mejor Actriz: Liza Minnelli por "Cabaret" - Mejor Actor: Marlon Brando por "El Padrino"


1973

Tatum O,Neal se convierte en la actriz más joven en ganar un premio, lo hace como mejor secundaria en "Luna de papel", con tan solo 10 años.

Ceremonia fechada el 2 de abril de 1974 en el Grouxo Marx es el elegido para el Oscar Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles. Honorífico, en reconocimiento por su brillante creatividad. "El Golpe" arrasa la noche con 7 premios, dejando a "El Exorcista", primera película de Terror Síntomas de modernidad, Jack Nicholson y Al nominada a las principales categorías, con solo 2 Pacino se van consolidando entre los nominados estatuillas de las 11 a las que optaba. Jack Lemmon a mejor actor, George Lucas compite a mejor consigue el Oscar a mejor actor, segundo de su dirección y guión por "American Graffitti", carrera, tras el de mejor secundario. Paul Verhoeven opta al premio a mejor película

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extranjera por Holanda con "Delicias Turcas", los 80 van tomando forma.

El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, vuelve a ser testigo de una ceremonia celebrada el 8 de abril de 1975.

"El Padrino II" es la triunfadora de la noche con 6 premios, deja un cadaver tremendamente hermoso en el camino, "Chinatown" de Polanski es cine negro de muchos kilates, de sus 11 nominaciones apenas consigue 1 estatuilla.

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John Wayne presenta el Oscar honorífico del año, es para el maestro Howard Hawks, grande entre los grandes. EL premio a mejor secundario es para Robert De Niro por "El Padrino II", un personaje, el de Vito Corleone, que en apenas 2 año sproporciona

1975

Ceremonia celebrada el 29 de marzo de 1976, nuevamente en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles.

conformar con 4 premios menores. "Tiburón" de un aún joven Spielberg, es la otra triunfadora de la noche al conseguir 3 de los 4 premios a los que opta, el primer blockbuster de la historia del cine se cuela incluso en la categoría a mejor película, John Williams consigue su primer Oscar a mejor BSO original por "Tiburón", en 1971 se había hecho con el premio pero en adaptada, por "El violinista en el tejado". Jack Nicholson gana el primero de sus premios a mejor actor.

"Alguien voló sobre el nido del cuco" consigue el segundo repoker de la historia de los premios, los 5 Oscar de mayor importancia, que entierran toda posibilidad para "Barry Lyndon" del maestro - Mejor Película: One flew over from The Cuckoo,s Kubrick, que de 7 nominaciones se tiene que nest / Alguien voló sobre el nido del cuco. Para


- Mejor Película: The Sting / El Golpe. Una Obra Maestra apoteósica, la pareja Newman-Redford en todo su esplendor, 2 timadores con el mismo encanto que el Chicago de los años 30 que muestra la cinta, todo un lujo cinéfilo. - Mejor Director: George Roy Hill por "El Golpe"

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- Mejor Actor: Jack Lemmon por "Salvad al tigre" - Mejor Actriz: Glenda Jackson por "Un toque de distinción"

sendos Oscar al mejor actor. Ingrid Bergman consigue su tercera estatuilla, en esta ocasión a mejor actriz de reparto, por su papel en la excelente "Asesinato en el Orient Express".

1974

- Mejor Película: The Godfather, Part II / El Padrino II. Casi tan buena o más que la primera, eso lo dejo a la elección de cada uno, algunos prefieren - Mejor Actriz: Ellen Burstyn por "Alicia ya no no elegir y la consideran la misma película, no vive aquí" lo son, esta es más oscura, más profunda, los tiempos cambian en la desintegración del alma de - Mejor Actor: Art Carney por "Harry y tonto" un hombre que se ve incapaz de seguir el camino de su padre. Descomunal.

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-Mejor Director: Francis Ford Coppola por "El Padrino II" hacer un canto a la libertad tan hermoso como muestra Forman en la excelente película que nos ocupa, hay que encerrar a su protagonista en una institución mental, los actores se salen, es divertida, a la vez que triste y conmovedora, todo funciona. De obligada visión. - Mejor Director: Milos Forman por "Alguien voló sobre el nido del cuco" - Mejor Actriz: Louise Fletcher por "Alguien voló sobre el nido del cuco" - Mejor Actor: Jack Nicholson por "Alguien voló sobre el nido del cuco"


Ceremonia celebrada nuevamente en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, la noche del 28 de marzo de 1977. "Rocky" es la gran triunfadora de una gala con los premios muy repartidos, se lleva 3 premios, "Network" consigue 4 estatuillas, las mismas que "Todos los hombres del presidente". La derrotada de la noche es "Taxi Driver", de Martin Scorsese, la mejor de todas las mencionadas, que meses antes había coronado La Palma de Oro en Cannes, comienza así la maldición con el certamen francés. Peter Finch es el primer actor en lograr el Oscar a título póstumo, pues falleció meses antes de la

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1977

triunfadora de la noche, al hacerse con 4 de los 5 premios a los que opta, Allen no acude a la ceremonia alegando que lo olvidó, porque tenía que tocar el clarinete en su club, esa noche gana el Oscar a mejor director y a mejor guionista original.

Toda una decepción para los millones de seguidores de Star Wars, que gana 6 Oscar, pero todos ellos en apartados técnicos. "Encuentros en La 50 edición de los premios vuelven a tener la tercera fase" de Steven Spielberg, es la ignorada como escenario el Pabellón Dorothy Chandler de de la noche, con 2 premios sobre 8 nominaciones. Los Ángeles, la noche del 3 de abril de 1978. Buen síntoma, los taquillazos ya no son una "Annie Hall", del maestro Woody Allen, es la sorpresa en los premios.

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España vuelve a quedarse a las puertas del Oscar a mejor película extranjera con "Ese oscuro objeto del deseo" de Luis Buñuel. Gana "Madame Rosa" para Francia.

La ceremonia tiene lugar el 9 de abril de 1979 en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles.

"El cazador" es la triunfadora de la noche con 5 premios, derrota a "El regreso", es una noche para curar las heridas de la guerra de Vietnam como podéis ver. "El Expreso de Medianoche" es la tercera en discordia, tampoco consigue los importantes, pero al menos, proporciona el premio a mejor guión adaptado para Oliver Stone.


ceremonia. El maestro de compositores Jerry Goldsmith, gana el premio a la mejor BSO original por "La Profecía".

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1976

- Mejor Director: John G. Avildsen por "Rocky"

- Mejor Película: Rocky. Excelente Drama - Mejor Actriz: Faye Dunaway por "Network" deportivo, que ha resultado difuminado en el tiempo por culpa de sus secuelas, más cercanas a - Mejor Actor: Peter Finch por "Network" la ciencia ficción, en la original, el boxeo es lo de menos, es una historia dura de perdedores, ante la última oportunidad de sus vidas para ser felices.

objeto del deseo" de Luis Buñuel. Gana "Madame Rosa" para Francia. John Williams gana su tercer Oscar por la BSO de "La Guerra de las Galaxias". - Mejor Película: Annie Hall. Una de las grandes películas de Allen, que no la mejor, en su línea, aunque más autobiográfica de lo que cabe esperar, tanto su personaje como el de Diane Keaton, están bastante basados en su vida personal, de hecho, Diane Hall es el nombre real de la actriz, y en casa la llamaban cariñosamente Annie.

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- Mejor Director: Woody Allen por "Annie Hall" - Mejor Actriz: Diane Keaton por "Annie Hall" - Mejor Actor: Richard Dreyfuss por "La chica del adiós"

1978

Jane Fonda gana su segunda estatuilla por "El de inventarse lo de la ruleta rusa en el país asiático. regreso". Ha quedado algo anticuada. Lawrence Olivier recoge el merecidísimo Oscar - Mejor Director: Michael Cimino por "El honorífico a toda su carrera. Cazador" - Mejor Película: The Deer Hunter / El Cazador. - Mejor Actriz: Jane Fonda por "El regreso" Un arranque lentísimo, ¿cuanto dura esa boda?, típico de Cimino, cuando avanza mejora bastante, - Mejor Actor: John Voight por "El regreso" cine antibélico que se toma la licencia dramática


1979

Celebrada la noche del 14 de abril de 1980, en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles. "Kramer contra Kramer" es la vencedora con 5 Oscar, derrota a la insuperable Obra Maestra de Coppola "Apocalypse Now", maldita por la Palma de Oro conseguida meses antes. "Empieza el espectáculo" de Bob Fosse, nominada a 9 premios,

gana 4 en apartados menores. De nuevo nos quedamos a las puertas del Oscar a mejor película de habla no inglesa, "Mamá cumple cien años" de Carlos Saura pierde con "El tambor de hojalata" de Alemania. Dustin Hoffman gana su primer Oscar a mejor actor, igual que Meryl Streep, que lo hace en el apartado a mejor secundaria, también por "Kramer contra Kramer". Sally Field gana su primer galardón a mejor actriz. Alec Guinnes obtiene el Oscar honorífico por "haber elevado a categoría de arte la interpretación".

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Ceremonia celebrada nuevamente en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, el 31 de marzo de 1981, la gala tuvo que ser pospuesta un día por el atentado a la vida del presidente Reagan.

"Gente Corriente" de Robert Redford, - director - es la ganadora de la noche con 4 premios, se impone a "Toro Salvaje" de Scorsese y a "Tess" de Polanski.

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Henry Fonda recoge el Oscar Honorífico a toda su carrera.

Robert De Niro gana su segundo premio a mejor actor, y Sissy Spacek el primero a mejor actriz. Volvemos a quedarnos sin Oscar a mejor cinta de habla no inglesa, "El nido" de Jaime de Armiñan,

1981

respectivamente, aunque en el caso del film de Spielberg, todo queda en apartados técnicos.

Solo un año después de obtener el Oscar honorífico, Henry Fonda gana el premio a mejor actor por "En el estanque dorado", su compañera El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, de reparto, Katharine Hepburn, gana el de mejor vuelve a acoger una ceremonia fechada el 29 de actriz, el cuarto de su carrera, todo un record. marzo de 1982. La actriz Barbara Stanwick obtiene el Oscar "Carros de fuego" es la ganadora a mejor película, honorífico. pero se reparte los premios, - 4 en total - con "Rojos" del actor Warren Beaty, que aquí consigue Rick Baker gana su primer Oscar a mejor la estatuilla a mejor director, y con "En busca maquillaje por "Un hombre lobo americano en del Arca perdida", que consiguen 3 y 5 premios Londres".


- Mejor Película: Kramer contra Kramer. Conseguido Drama familar, muy bien interpretado y emotivo sin llegar a ser baboso, no es la mejor película del año ni de lejos, el film de Coppola es infinitamente superior, pese a todo, es un film estimable. - Mejor Director: Robert Benton por "Kramer contra Kramer" - Mejor Actriz: Sally Field por "Norma Rae" - Mejor Actor: Dustin Hoffman por "Kramer contra Kramer"

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cae frente a "Moscú no cree en las lágrimas" de la U.R.S.S. La ceremonia introduce las categorías a mejor documental, mejor cortometraje de ficción y mejor cortometraje animado.

1980

- Mejor Película: Ordinary People / Gente Corriente. Drama con vocación de telefim, Redford se apunta un tanto, pero sorprende que un trabajo tan pasable y convencional pase por alto al magnífico film de Scorsese, considerada - Mejor Actriz: Sissy Spacek por "Quiero ser libre" años más tarde por la crítica norteamericana - Mejor Actor: " Robert De Niro por "Toro Salvaje" como la mejor película de la década.

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- Mejor Director: Robert Redford por "Gente Corriente"

Vangelis gana el Oscar a mejor BSO por "Carros de fuego", vence a John Williams por "En busca del arca perdida", las 2 son sublimes. - Mejor Película: Charriots of fire / Carros de fuego. - Mejor Director: Warren Beaty por "Rojos" - Mejor Actriz: Katharine Hepburn por "En el estanque dorado" - Mejor Actor: Henry Fonda por "En el estanque dorado"


De nuevo celebrada en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, y van 14 veces consecutivas, el día 11 de abril de 1983. "Gandhi" es la triunfadora de la gala, se hace con 8 premios, desbancando a "E.T., el extraterrestre", que se tiene que conformar con 4 galardones técnicos, y derrotando a "Tootsie", que de 11 nominaciones solo consigue 1 premio, el de mejor actriz secundaria para Jessica Lange.

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España consigue al fín el Oscar a mejor película de habla no inglesa, "Volver a empezar" de Jose Luis Garci tiene tal honor.

"La fuerza del cariño" de James L. Brooks, uno de los padres fundadores de "Los Simpsons", es la ganadora de la noche con 5 premios.

1983

"Fanny y Alexander", del maestro Igmar Bergman, se cuela entre las mejores categorías, consigue el Oscar a mejor película extranjera para Suecia, y 3 premios más, fotografía, vestuario y dirección artística.

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Ceremonia celebrada el 9 de abril de 1984, nuevamente en el Pabellón Dorothy Chandler de Jack Nicholson gana su segundo Oscar, como Los Ángeles. mejor actor de reparto por "La fuerza del cariño", y el gran Robert Duvall consigue el de mejor actor. Linda Hunt gana el premio a mejor secundaria por "El año que vivimos peligrosamente", en la

Los premios vuelven a tener como escenario el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, fechados el 25 de marzo de 1985.

"Amadeus" de Milos Forman, arrasa con 8 Oscar, deja en el camino a "Los gritos del silencio", con 3 premios sobre 7 nominaciones, y a "Pasaje a la India" del maestro David Lean, con 2 sobre 11. Forman consigue así su segundo premio a mejor director. Maurice Jarre gana su tercer Oscar a mejor BSO por "Pasaje a la India".


Meryl Streep gana el Oscar a mejor actriz, el segundo de su carrera, por "La decisión de Sophie", y Ben Kingsley el de mejor actor.

1982

John Williams suma otro Oscar por su genial BSO - Mejor Director: Richard Attenborough por para "E.T., el extraterrestre". "Gandhi"

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- Mejor Película: Gandhi. Faraónica producción sobre la vida del líder espiritual de la India, - Mejor Actriz: Meryl Streep por "La decisión de que promovió la resistencia pacífica contra los Sophie" británicos en su lucha por recuperar el país, un film magnífico, que contiene el récord de extras - Mejor Actor: Ben Kingsley por "Gandhi" usados para una escena, la del entierro de Gandhi.

que hace de hombre.

- Mejor Película: Terms of endearment / La fuerza del cariño. Inteligente melodrama que se apoya en los impecable que está su reparto, quizá no sea merecedora de tanto premio, pero en un año tan soso se acepta como algo lógico.

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- Mejor Director: James L. Brooks por "La fuerza del cariño" - Mejor Actriz: Shirley McClanne por "La fuerza del cariño" - Mejor Actor: Robert Duvall por "Gracias y favores"

El mítico James Stewart es el ganador al premio honorífico. Sally Field gana su segundo Oscar a mejor actriz.

1984

- Mejor Película: Amadeus. Una de las mejores películas de la historia del cine, llena de soberbia - Mejor Actriz: Sally Field por "En un lugar del ironía, la vida de Mozart, bajo un prisma ficticio corazón" de enfrentamiento con Salieri, pocas veces el arte del cine se acerco tanto al de la música, Obra - Mejor Actor: F. Murray Abraham por "Amadeus" Maestra. - Mejor Director: Milos Forman por "Amadeus"


1985

nominaciones se queda en 1 sola estatuilla, y "Único testigo" de Peter Weir, que consigue 2 sobre 8.

"El color purpura" de Spielberg es masacrada, de Ceremonia celebrada el 24 de marzo de 1986, de 11 nominaciones se queda a cero. nuevo en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles. La obra maestra de Akira Kurosawa "Ran", compite en 4 categorías, entre ellas la de mejor "Memorias de África" es la ganadora de la velada, director. con 7 premios, las derrotadas son "El honor de los Prizzi" del veterano John Huston, que de 8 - Mejor Película: Out of Africa / Memorias de

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África. Excelente film romántico de aventuras,

Ceremonia fechada el 21 de marzo de 1987, nuevamente celebrada en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles. "Platoon" de Oliver Stone es la ganadora de los 2 premios más importantes, de un total de 4 estatuillas, la derrotada es "La misión" de Roland Joffe, otra maldita por la Palma de Oro de Cannes.

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Woody Allen consigue su segundo premio a mejor guión original por "Hannah y sus hermanas", película que sirve para que Michael Caine consiga el Oscar a mejor actor de reparto.

1987

Sean Connery gana el premio a mejor secundario por "Los Intocables", y Michael Douglas hace lo propio a mejor actor por "Wall Street".

El Oscar honorífico es para el inconparable La ceremonia número 60 de los premios se muda maestro Billy Wilder. al Auditorio Shrine de Los Ángeles, la noche del - Mejor Película: The Last Emperor / El último 11 de abril de 1988. emperador. Otra de las superproducciones "El último emperador" gana los 9 Oscar a los que características de los 80, cuenta la historia del estaba nominada, la Academia vuelve a ignorar último monarca de China, previo a la llegada de a Spielberg, que con 6 nominaciones para "El la revolución comunista. Peliculón. imperio del sol", se va de vacío.


jamás África brillo tanto en la pantalla, un trabajo superior de Pollack tras la cámara y excelente trabajo de los actores. - Mejor Director: Sidney Pollack por "Memorias de África"

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- Mejor Actriz: Geraldine Page por "Regreso a Bountiful" - Mejor Actor: William Hurt por "El beso de la mujer araña"

Paul Newman logra el Oscar a mejor actor por "El color del dinero" de Scorsese, solo un año después de haberlo obtenido de manera honorífica. - Mejor Película: Platoon. La guerra de Vietnam desde las entrañas del conflicto, en plena selva asiática, cinta autobiográfica de Stone, que combatió en dicha Guerra. Cine Bélico de alta calidad.

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- Mejor Director: Oliver Stone por "Platoon" - Mejor Actriz: Marlee Matlin por "Hijos de un

- Mejor Director: Bernardo Bertolucci por "El último emperador" - Mejor Actriz: Cher por "Hechizo de luna" - Mejor Actor: Michael Douglas por "Wall Street"

1986

dios menor"

- Mejor Actor: Paul Newman por "El color del dinero"


De nuevo en el Auditorio Shrine de Los Ángeles como testigo de una ceremonia fechada el 29 de abril de 1989. La curiosidad de esta gala es que es la primera vez que se cambia el "And the Winner is..." por "And the Oscar goes to...", cambio que será oficializado en 1995 de forma definitiva.

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También por primera vez, se homenajea a los fallecidos con un video, costumbre extendida hasta nuestros dias.

"Rain Man" de Barry Levinson es la ganadora con 4 premios, derrota a "Las amistades peligrosas" y

1989

Unos premios muy repartidos, "Paseando a Miss Daisy" gana 4 estatuillas, entre ellas la de mejor película, Oliver Stone gana su segundo Oscar a mejor director, y "Tiempos de Gloria" se lleva 4 premios de los 5 a los que estaba nominada, entre ellos el primer Oscar para Denzel Washington, a mejor actor de reparto.

Jessica Tandy se convierte en la actriz con más edad en recibir un premio con 80 años. Daniel Day-Lewis consigue su primera estatuilla a mejor El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, actor. recupera una ceremonia fechada el 26 de marzo de 1990. El Oscar honorífico es para el maestro Akira Kurosawa, que aprovecha el viaje para sacar el dinero a George Lucas y Steven Spielberg, que además de entregarle el galardón, le producen a porteriori su última película, "Los sueños de

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El Auditorio Shrine de Los Ángeles vuelve a recuperar la ceremonia, fechada la noche del 26 de marzo de 1991.

"Bailando con Lobos" es la triunfadora de la noche, con 7 estatuillas, derrota a la muy superior "Uno de los nuestros" de Scorsese, que tiene que conformarse con el premio a mejor secundario para Joe Pesci. El Oscar honorífico es para Sophia Loren, eternamente bella. Kathy Bates gana un merecido premio a mejor actriz por su papelón en "Misery", y Jeremy Irons


a "Arde Mississippi", 2 filmes netamente superiores.

1988

Jodie Foster gana su primera estatuilla a mejor actriz por su papel en "Acusados", y Dustin los actores, que estám estupendos. Hoffman hace lo propio como mejor actor, es su segundo premio. - Mejor Director: Barry Levinson por "Rain Man"

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- Mejor Película: Rain Man. Film interesante - Mejor Actriz: Jodie Foster por "Acusados" marcado por la siempre torpe dirección de Barry Levinson, un tipo capaz de convertir en mediocre - Mejor Actor: Dustin Hoffman por "Rain Man" cualquier gran guión que cae en sus manos, esa falta de personalidad tras la cámara la compensan Akira Kurosawa". - Mejor Película: Driving Miss Daisy / Paseando a Miss Daisy. Emotiva película, el talento del duo Tandy-Freeman eleva la historia al terreno de los sentimientos, que no a lo sentimentaloide, contiene un adecuado fondo social y religioso para dar más empaque a la propuesta. - Mejor Director: Oliver Stone por "Nacido el 4 de Julio"

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- Mejor Actriz: Jessica Tandy por "Paseando a Miss Daisy" - Mejor Actor: Daniel Day-Lewis por "Mi pie izquierdo"

1990

aprovecha semanas antes, el lio del favorito, Gérard Depardieu, en su asunto de las prostitutas, para desviar el voto y hacerse con la estatuilla. "Desafio Total" del genial Paul Verhoheven, es la única nominada a mejores F/X del año, por lo que Rob Bottin se alza con el premio sin ninguna - Mejor Director: Kevin Costner por "Bailando oposición. con lobos" -Mejor Película: Dancing With Wolves / Bailando con lobos. Falso Western a favor del colectivo - Mejor Actriz: Kathy Bates por "Misery" indio, digo falso porque es una dramatización temporal, más que un film deudor del género, a - Mejor Actor: Jeremy Irons por "El misterio Von mi personalmente me resulta pesada, la música de Bullow" John Barry es magistral eso si, se puede ver solo por eso.


1991

hace con 4 Oscar. Jodie Foster gana su segundo premio a mejor actriz, y Anthony Hopkins el de mejor actor, por su Dr. Lecter de leyenda.

El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, recupera una ceremonia fechada el 30 de marzo "La bella y la bestia" de Disney, es la primera de 1992. película completamente de animación, en competir entre las nominadas a mejor cinta del "El silencio de los corderos" consigue el tercer año, hecho que no se volverá a repetir, menos repoker de la historia de los premios, no hay ahora, cuando tienen su propia categoría. discusión, "Bugsy" y "JFK" son excelentes películas, pero el filme de Demme es tremendo. - Mejor Película: The silence of the Lambs / El "Terminator 2", esa maravilla de la tecnología, se silencio de los corderos. Que mejor forma de

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cazar a un asesino psicópata que usando a otro Celebrada el 29 de marzo de 1993, de nuevo en el Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles.

"Sin Perdón", Obra Maestra de Clint Eastwood, es le ganadora de la noche con 4 premios, se impone a "Regreso a Howards End", que se queda con 3 estatuillas, las mismas que "Drácula" de Coppola.

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Al Pacino logra al fin el premio a mejor actor, por su coronel ciego de "Esencia de mujer".

Gene Hackman logra su segundo Oscar a mejor actor de reparto por "Sin Perdón", y Marisa Tomei

1993

alzan con el Oscar en sus respectivas categorías, Holly Hunter a mejor actriz, y Anna Paquin a mejor secundaria, que con tal solo 11 años, es la segunda actriz más joven el lograr la estatuilla. Tommy Lee Jones es el mejor secundario del año por "El fugitivo".

Es sin duda la noche de Spielberg, otra cinta suya, El Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles "Parque Jurásico", se lleva los 3 Oscar a los que vuelve a ser testigo de la 65 ceremonia de los estaba nominada. Oscar, fechada el 21 de marzo de 1994. Tom Hanks gana su primer Oscar a mejor actor "La Lista de Schindler" es la justa vencedora de por "Philadelphia". la gala, Steven Spielberg consigue finalmente el premio a mejor director que tanto se le resistió España gana su segundo premio a mejor película en los 80. "El Piano", maldita por la Palma de de habla no inglesa con "Belle Epoque", de Oro en Cannes, ve al menos como sus actrices se Fernando Trueba, el director agradece el premio al maestro Billy Wilder.


aún peor, la cinta de Jonathan Demme hizo ver a muchos su lado malvado, todos sufrimos con Annibal Lecter, mente prodigiosa y canibal. Obra Maestra, oscura, terrible, maravillosa. - Mejor Director: Jonathan Demme por "El silencio de los corderos"

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- Mejor Actriz: Jodie Foster por "El silencio de los corderos" - Mejor Actor: Anthony Hopkins por "El silencio de los corderos" * además, el film consiguió el premio a mejor guión adaptado *

el de mejor secundaria por "Mi primo Vinnie", un premio polémico, pues se acusa a Jack Palance, ganador el año anterior, de entregarlo borracho y confundirse de nombre.

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1992

- Mejor Película: Unforgiven / Sin Perdón. La desmitificación de un género, el Western, que brilla con aroma de clásico, pero se ajusta a los canones que ordenan los nuevos tiempos, una - Mejor Actriz: Emma Thompson por "Regreso a película enorme. Howards End" - Mejor Director: Clint Eastwood por "Sin Perdón" - Mejor Actor: Al Pacino por "Esencia de mujer"

- Mejor Película: "La lista de Schindler". La película definitiva sobre El Holocausto, rodada en glorioso blanco y negro y con una brutalidad explícita necesaria, cuando Spielberg lo hace bien, es insuperable. - Mejor Director: Steven Spielberg por "La lista de Schindler" - Mejor Actor: Tom Hanks por "Philadelphia" - Mejor Actriz: Holly Hunter por "El Piano"


El Auditorio Shrine de Los Ángeles recupera una ceremonia fechada el 27 de marzo de 1995. En un año lleno de grandes películas, "Forrest Gump" es la vencedora, consigue 6 premios, y deja en la estacada a "Pulp Fiction", de Quentin Tarantino, maldita por la Palma de Oro en Cannes, que se tiene que conformar con el Oscar a mejor guión original. "Balas sobre Broadway" de Woody Allen solo proporciona un premio a Dianne Wiest, como mejor actriz de reparto, es su segundo galardón en esta categoría, ambos conseguidos en películas de Allen - el anterior en 1986 por "Hannah y sus hermanas" Las grandes derrotadas de la noche son "Cadena Perpetua" de Frank Darabont, y "Quiz Show" de Robert Redford, que incomprensiblemente, se van de vacío.

1995

La ceremonia vuelve al Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, la noche del 25 de marzo de 1996.

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Una cosecha muy floja, en la que "Bravehart" es la indiscutible ganadora de la gala, compitiendo con cintas como "Babe, el cerdito valiente", o "Apollo XIII", la verdad que no es muy complicado posicionarse. Susan Sarando gana su ansiado premio a mejor actriz por "Pena de muerte", Nicholas Cage hace lo propio, a mejor actor, por "Leaving Las Vegas", en el apartado a mejor actor de reparto, Kevin Spacey gana su primera estatuilla a mejor actor.

El Auditorio Shrine de Los Ángeles recupera una ceremonia fechada el 24 de marzo de 1997.

Otra gala bastante descafeinada, "El paciente Inglés" arrasa con 9 premios sobre 12 nominaciones, su única competidora real de la noche, "Fargo" de los hermanos Coen, no se va de vacío, consigue los galardones a mejor guión original y a mejor actriz. Mi adorado Geoffrey Rush obtiene el premio a mejor actor, por su papelón en "Shine".


van de vacío.

1994

Tom Hanks iguala la marca de Spencer Tracy, y consigue su segundo Oscar consecutivo a mejor actor. Jessica Lange gana su segundo galardón a - Mejor Director: Robert Zemeckis por "Forrest mejor actriz. Gump" Arnold Schwarzenegger entrega el premio honorífico a Clint Eastwood, y Jack Nicholson - Mejor Actriz: Jessica Lange por "Las cosas que entrega otro al director Michelangelo Antonioni. nunca mueren" - Mejor Película: Forrest Gump. Un film estimable, - Mejor Actor: Tom Hanks por "Forrest Gump" el repaso a la historia contemporánea de los EEUU, bajo la mirada de inocencia y bondad de su protagonista, tiene momentos muy inteligentes, pero la verdad, viendo las películas con las que competía, no hubiera sido ni la segunda opción de este que os escribe.

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El Oscar honorífico es para el gran Kirk Douglas. - Mejor Película: Bravehart. - Mejor Director: Mel Gibson por "Bravehart" - Mejor Actriz: Susan Sarandon por "Pena de muerte" - Mejor Actor: Nicholas Cage por "Leaving Las Vegas"

1996

- Mejor Película: The English Patient / El paciente inglés. Cuestionar los valores de esta película es complicado, contiene más de un momentazo, sobre todo en su parte final, técnicamente es impecable, pero también resulta aburrida, se podría considerar un "Memorias de África" en - Mejor Actriz: Frances McDormand por "Fargo" el desierto, pero precisamente, la arena y el calor pasan factura. - Mejor Actor: Geoffrey Rush por "Shine" - Mejor Director: Anthony Minghella por "El paciente inglés"


El Auditorio Shrine de Los Ángeles vuelve a ser testigo de una ceremonia celebrada el 23 de marzo de 1998.

1997

Con motivo del 70 aniversario, la gala recoge un homenaje a los actores premiados con Un Oscar, acuden justamente los mismos que años se cumplen, un total de 70 actores y actrices. "Titanic" se convierte en la segunda película más nominada de la historia con 14 candidaturas, y también en la película en conseguir más premios, un total de 11, igualando a "Ben-Hur" casi 40 años después. La magnífica "L.A. Confidential" y "El indomable Will Hunting" son las derrotadas, aunque no se van de vacío, la primera obtiene el premio a mejor secundaria para Kim Basinger, y la segunda, el de mejor secundario para Robin Williams, y el de mejor guión original, que firman sus protagonistas, Ben Affleck y Matt Damon.

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La ceremonia vuelve al Pabellón Dorothy Chandler de Los Ángeles, la noche del 21 de marzo de 1999.

"Shakespeare in Love" y "Salvad al soldado Ryan" se reparten los premios, con 7 y 5 Oscar respectivamente, la otra triunfadora es "La vida es Bella", con 3 galardones. Steven Spielberg consigue su segunda estatuilla a mejor realizador, Roberto Begnini logra para Italia el Oscar a mejor película extranjera por "La vida es bella", y sorprende a todos al llevarse el premio a mejor actor, derrotando a los favoritos, Ian McKellen por "Dioses y Monstruos", y Nick Nolte por "Aflicción". Dos instituciones como James Coburn y Judi Dench, consigues los premios a mejores secundarios, el primero por "Aflicción", y la segunda por "Shakesperare in Love". Steven Spielberg presenta un tributo especial al maestro Kubrick, fallecido prematuramente tan


Mejor Imposible, de James L. Brooks, consigue los Oscar para su pareja de actores, Helen Hunt y Jack Nicholson, que gana así su tercera estatuilla como mejor interprete. Martin Scorsese entrega el premio honorífico al gran director Stanley Donen. - Mejor Película: Titanic. Cualquiera discute el hundimiento del barco más famoso de todos los tiempos, ser el rey del mundo es lo que tiene, personalmente considero mejores las apuestas secundarias del año, pero ciertamente el film de Cameron es un prodigio de la técnica, en la historia romántica le va bastante peor, no se le da demasiado bien al realizador.

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- Mejor Director: James Cameron por "Titanic" - Mejor Actriz: Helen Hunt por "Mejor Imposible" - Mejor Actor: Jack Nicholson por "Mejor Imposible"

solo 2 semanas antes de la ceremonia. El Oscar honorífico es para Elia Kazan, y divide al público entre aplausos y abucheos, por su colaboración con el Macarthismo en la caza de brujas de los años 50. - Mejor Película: Shakespeare in Love. Brillante film romántico de época, que fantasea sobre el proceso de creación de Romeo y Julieta por parte del literaro inglés más famoso de todos los tiempos. - Mejor Director: Steven Spielberg por "Salvad al soldado Ryan" - Mejor Actriz: Gwynett Paltrow por "Shakespeare in Love" - Mejor Actor: Roberto Begnini por "La vida es bella"

1998


El 26 de marzo del año 2000, tiene lugar la ceremonia, cuya sede es el Auditorio Shrine de Los Ángeles.

1999

"American Beauty" es la triunfadora de la noche, con 5 premios, deja 2 cadaveres muy hermosos en el camino, "El sexto sentido", segunda película de Terror nominada en las categorías importantes, y "El dilema", Obra Maestra de Michael Mann, ambas se van de vacío con 6 y 7 nominaciones respetivamente. Kevin Spacey gana su segundo Oscar a mejor actor por "American Beauty", y Hilary Swank es la mejor actriz por su papel de chico-chica en "Boys Don,t Cry". Michael Caine se hace con su segunda estatuilla a mejor actor de reparto, en esta ocasión por "Las normas de la casa de la sidra", la mejor actris secundaria es Angelina Jolie por "Inocencia interrumpida".

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Jack Nicholson entrega el Oscar honorífico a su amigo, al actor y director Warren Beaty, leyenda vida de Hollywood.

Hollywood sobrevive al temido "Efecto 2000" y la ceremonia vuelve a celebrarse sin incidentes la noche del 25 de marzo de 2001, nuevamente en el Auditorio Shrine de Los Ángeles. Unos premios muy repartidos, "Gladiator" se lleva 5 estatuillas, "Tigre y Dragón", ganadora a mejor cinta de habla no inglesa, compite también a mejor película, de un total de 10 nominaciones, el film del taiwanes Ang Lee, se alza con 4 Oscar, los mismos que "Traffic", de Steven Soderbergh, el ganador del premio a mejor realizador. Julia Roberts, la novia de américa y eterna sonrisa perfecta, gana a mejor actriz por "Erin Brockovich", y en su momento de gloria, hace caso omiso de la petición de la Academia de acortar los discursos, había un premio al que consiguiera mayor brevedad en su exposición, que al final se fue a manos del ganador al mejor corto de animación, que apenas tardo 20 segundos. Es lo que tiene ser creador de historias en ese formato.


Pedro Almodovar consigue nuestro segundo premio a mejor película de habla no inglesa por"Todo sobre mi madre". "Matrix" se lleva los 4 Oscar a los que estaba nominada, todos en apartados técnicos, merecidos, lástima que las secuelas empañen su excelencia. - Mejor Película: American Beauty. El sueño americano es falso, no es la primera vez que nos lo contaban, pero Sam Mendes lo adapta a su particular estilo de ensoñación deformada, y el resultado es un todo un peliculón, visualmente certero y argumentalmente desconcertante, pero maravilloso.

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- Mejor Director: Sam Mendes por "American Beauty" - Mejor Actriz: Hilary Swank por "Boys Don,t Cry" - Mejor Actor: Kevin Spacey por "American Beauty" Russell Crowe es el ganador del Oscar al mejor actor, lo merecía más el año anterior por "El dilema". Javier Bardem se convierte en el primer actor español en estar nominado al premio por "Antes que anochezca". - Mejor Película: Gladiator. Peplum de Ridley Scott que adolece de todos los defectos que el director acarrea en su etapa contemporánea, un montaje caótico, un guión mal ejecutado que resulta argumentalmente inconexo, es de esas veces que hay que dejarse llevar por la épica, que de eso si tiene. No es para nada una gran película. - Mejor Director, Steven Soderbergh por "Traffic" - Mejor Actriz: Julia Roberts por "Erin Brockovich" - Mejor Actor: Russell Crowe por "Gladiator"

2000


Una noche para olvidar, "Una mente maravillosa" derrota a "El señor de los anillos, la comunidad del anillo", la gran favorita con 13 nominaciones, que se tiene que conformar con 4 premios técnicos.

2001

Se hace justicia con los actores de color, Denzel Washington gana el premio a mejor actor, el segundo de su carrera, por "Training Day". Halle Berry es la primera actriz negra en ganar a mejor actriz principal, por "Monster,s Ball", y Sidney Poitier recibe el Oscar honorífico.

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Se añade la categoría a mejor película de animación, necesaria por el empuje y la dimensión del género, la primera cinta en conseguir la preciada estatuilla es "Shrek", de Dreamworks.

Celebrada el 23 de marzo de 2003 en el Teatro Kodak de Los Ángeles. "Chicago" y "El pianista" se reparten los premios, la gran masacrada de la noche es "Gangsters de Nueva York" de Martin Scorsese, que de 10 nominaciones se va de vacío.

El Oscar a mejor director es para el maestro Roman Polanski por "El pianista", que por problemillas legales, que no vienen al caso, lleva más de 20 años sin pisar EEUU, Harrison Ford se lo entregaría meses más tarde en París. Por primera vez se suspende el paseo por la alfombra roja, la organización considera, que en plena Guerra de Irak, es mejor anularla. Peter O,Toole recibe el premio honorífico a toda su carrera de manos de Meryl Streep. Nicole Kidman gana el Oscar a mejor actriz por "Las Horas", otra de las derrotadas de la noche, con 9 nominaciones y solo una estatuilla. Adrien Brody gana sin discusión el de mejor actor por "El pianista", que además consigue el de mejor guión


- Mejor Película: A beautiful Mind / Una mente maravillosa. Con Ron Howard de director no hay medias tintas, es blando y superficial hasta decir basta, curiosamente este Drama sobre la superación, no es ni de las mejores que tiene, es tramposa, impersonal y monótona, solo estar nominada ya era un premio, que encima resulte ganadora, ya es un misterio.

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- Mejor Director: Ron Howard por "Una mente maravillosa" - Mejor Actriz: Halle Berry por "Monster,s Ball" - Mejor Actor: Denzel Washington por "Training day"

adaptado.

Pedro Almodóvar consigue para España un premio histórico a mejor guión original por "Hable con ella". se celebra el 75 aniversario de los Oscar, para celebrarlo, la Academia reune a todos los ganadores del premio que le es posible, la presentación corre a cargo de la mítica actriz Olivia de Havilland, ganadora en 2 ocasiones de la estatuilla. - Mejor Película: Chicago. Un Musical competente, basado en una pieza teatral de Bob Fosse, que se estreno con gran éxito en Broadway a mediados de los 70. Rob Marshall hace un trabajo acertado tras la cámara, su film es dinámico y contiene momentos espectaculares, para lo poco que empatizo con el género, "Chicago" me resulta una película de lo más atractiva. - Mejor Director: Roman Polanski por "El pianista" - Mejor Actriz: Nicole Kidman por "Las horas" - Mejor Actor: Adrien Brody por "El pianista"

2002


2003

La derrotada de la noche es la Obra Maestra de Peter Weir "Master and Commander", que de 10 nominaciones se va a casa con 2 premios técnicos, uno no puede dejar de pensar en la ceremonia de 2001, y que la que sobra en todo este asunto es "Una mente maravillosa" de Ron Howard, si De nuevo el Teatro Kodak de Los Ángeles como entonces "El Señor de los Anillos" hubiera sido testigo de una ceremonia fechada el 29 de febrero premiada como merecía, quizá no estaríamos de 2004. lamentando el fracaso del film de Weir. "El Señor de los Anillos: El retorno del Rey" arrasa con 11 estatuillas, justamente todas a las que estaba nominada, igualando a las otras grandes vencedoras históricas, "Ben-Hur" y "Titanic". La magnífica "Mystic River" de Clint Eastwood se conforma con los premios a sus actores, Sean Penn, que por fín se alza con el Oscar, y Tim Robbins, que consigue el de mejor secundario. "Cold Mountain" de Anthony Minghella, obtiene el de mejor actriz de reparto para René Zellwegger, de un total de 7 candidaturas.

La bellísima Charlize Theron gana el Oscar a mejor intérprete por "Monster", una pena tener que ponerse tan fea para obtener un premio, además resulta innecesario, pues su valor como actriz no se resiente cuando se muestra tal como es.

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"Buscando a Nemo" es la ganadora del premio a mejor Película de Animación, a la tercera va la vencida para Pixar, el estudio de genios que más ha contribuido a mejorar la imagen de un género

Celebrada el 27 de febrero de 2005 en el Teatro Kodak de Los Ángeles. "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood es la triunfadora de la gala, el director consigue así su segundo Oscar a mejor realizador, dejando en la estacada a "El Aviador" de Scorsese, que a pesar de llevarse 5 premios, se queda fuera de las categorías importantes, siendo el premio a Cate Blanchett como mejor actriz de reparto, el único realmente digno de celebración.

Hillary Swank gana el segundo Oscar a mejor actriz por su papel de boxeadora en el film de Eastwood, el mejor actor de año es Jamie Foxx por "Ray", merecidísimo, curiosamente el actor va nominado también a mejor secundario por "Collateral", premio que va a manos de Morgan Freeman, que por fin obtiene el Oscar, también por "Million Dollar Baby", tras años de nominaciones. El gran Charlie Kauffman obtiene el premio a mejor guión original, por "Olvidate de mi", en los últimos años había sido nominado por "Como ser John Malkovich" y "El ladrón de orquídeas".


sujeto décadas a la tiranía babosa de Disney. Blake Edwards, director que no me hace ninguna gracia, recoge el Oscar honorífico de manos de Jim Carrey. - Mejor Película: The Lord of the Rings: The return of the King / El Señor de los Anillos: El retorno del Rey. Era necesario y justo premiar a Peter Jackson y su tropa, por el esfuerzo titánico de llevar a la pantalla la intrasladable obra de Tolkien, personalmente prefiero la primera entrega, pero entendemos que son galardones para la trilogía en su conjunto.

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- Mejor Director: Peter Jackson por "El Señor de los Anillos: El retorno del Rey" - Mejor Actriz: Charlize Theron por "Monster" - Mejor Actor: Sean Penn por "Mystic River"

España consigue su tercer, y por el momento, último Oscar a mejor película de habla no inglesa con "Mar adentro", de Alejandro Amenabar. - Mejor Película: Million Dollar Baby. Subirse a un ring de boxeo es duro, pero nada comparado con las Ostias que da la vida, porque hasta para la religión reparte Eastwood con pulso firme, el film respira el mejor aroma clásico, John Huston vive, resuenan los ecos de "Fat City" en el metraje de este pedazo de Obra Maestra. - Mejor Director: Clint Eastwood por "Million Dollar Baby" - Mejor Actriz: Hillary Swank por "Million Dollar Baby" - Mejor Actor: Jamie Foxx por "Ray"

2004


Ceremonia celebrada el 5 de marzo de 2006 en el Teatro Kodak de Los Ángeles.

2005

Una noche algo floja, todo muy repartido, ninguna película consigue mas de 3 premios, "Crash" es la ganadora a mejor película, "Brokeback Mountain" proporciona a Ang Lee el Oscar a mejor director, las grandes derrotadas, "Munich" de Spielberg, la mejor de las nominadas sin duda, que se va de vacío, igual que "Buenas noches, y buena suerte" de George Clooney, que curiosamente gana el premio a mejor actor de reparto por "Syriana". Philip Seymour Hoffman es el ganador a mejor actor por "Capote", y Reese Witherspoon a mejor actriz por "En la cuerda floja", la mejor actriz de reparto es mi adorada Rachel Weisz por "El jardinero fiel".

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El Oscar Honorífico es para el director Robert Altman.

Ceremonia fechada el 25 de febrero de 2007, de nuevo celebrada en el Teatro Kodak de Los Ángeles. Noche para el triunfo de Scorsese, director maldito en los premios durante décadas, "Infiltrados" se lleva 4 premios, incluido el de mejor director, y es la triunfadora de la noche, dejando a "Babel", de Alejandro González Iñarritu, como gran derrotada.

"El laberinto del Fauno", de Guillermo del Toro es la otra triunfadora de la noche, y pone sabor hispano a la gala. El Oscar a mejor actor es para Forest Withaker por "El último Rey de Escocia", y la mejor actriz es Helen Mirren por "The Queen". El veterano Alan Arkin obtiene el de mejor actor de reparto por "Pequeña Miss Sunshine", y el de mejor secundaria es para Jennifer Hudson po "Dreamgirls", otra de las derrotadas de la noche, con 8 cansidaturas y solo 2 premios en su haber.


- Mejor Película: Crash. De todas las películas de vidas cruzadas que se han estrenado en los últimos 20 años, a la Academia le da por premiar a la más floja de entre ellas, quizá como homenaje al Oscar honorífico del año, Robert Altman, el precursor de la idea. Volviendo al film de Paul Haggis, no es una mala película, pero cabrea mucho verla triunfar donde otras Obras Maestras - Pulp Fiction - sucumbieron. - Mejor Director: Ang Lee por "Brokeback Mountain" - Mejor Actriz: Reese Witherspoon por "En la cuerda floja"

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- Mejor Actor: Philip Seymour Hoffman por "Capote"

El Oscar honorífico hace justicia al gran compositor Ennio Morricone, incomprensible olvidado durante años, Clint Eastwood le hace entrega del mismo. - Mejor Película: The departed / Infiltrados. Sin ser una de las mejores películas del maestro Scorsese, que duda cabe que la Academia la esperaba para premiarle por algo que al menos se acercara a su estilo pretérito de hacer cine, "Inflitrados" cumple con esa premisa, se muestra por momentos rebosante de esa energía nerviosa tan característica en el director, su reparto es espectacular y se disfruta de principio a fin sin reservas. - Mejor Director: Martin Scorsese por "Inflitrados" - Mejor Actriz: Helen Mirren por "The Queen" - Mejor Actor: Forest Withaker por "El último Rey de Escocia"

2006


De nuevo el Teatro Kodak de Los Ángeles como testigo de una ceremonia fechada el 24 de febrero de 2008.

2007

Noche cinéfila de pesos pesados, Los hermanos Coen compiten con el maestro P.T. Anderson, "No es país para viejos" VS "Pozos de ambición", casi nada, una gala para malvados y para el cine independiente de calidad. La vencedora es la primera, que proporciona a los geniales creadores su primer Oscar a mejor realizador, y su segundo premio a mejor guión, en esta ocasión adaptado. Daniel Day Lewis es el consuelo del film de Anderson, su tremendo rol como Daniel Plainview le hace merecedor del premio a mejor actor. obtiene así su segunda estatuilla en esa categoría. El premio a la mejor actriz es para la insultantemente encantadora Marion Cotillard, por "La vida en rosa".

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Javier Bardém se convierte en el primer actor español en ganar un Oscar, su personaje de Anton

Ceremonia celebrada el 22 de febrero de 2009 en el Teatro Kodak de Los Ángeles.

Bollywood conquista Hollywood, "Slumdog Millonaire" de Danny Boyle arrasa con 8 estatuillas, dejando a "El curioso caso de Benjamin Button" de el maestro David Fincher como gran derrotada, con 13 nominaciones y apenas 3 premios, todos ellos menores. Sean Penn gana su segundo Oscar a mejor actor por "Mi nombre es Harvey Milk", en la que interpreta de forma magistral al primer concejal homosexual declarado de EEUU. La mejor actriz es Kate Winslet, que por fin obtiene el premio por "El lector". Penélope Cruz se convierte en el segundo actor español, tras Bardem, en conseguir una dorada estatuilla, lo hace a mejor actriz de reparto por "Vicky Cristina Barcelona", del maestro Woody Allen. El premio a mejor secundario es para el Joker de Heath Ledger en "El caballero oscuro",


Chigurh en "No es país para viejos", tienen la culpa, un galardón merecido para un actor soberbio, que ya había estado nominado en el 2000, a mejor actor por "Antes que anochezca". - Mejor Película: No country for old men / No es país para viejos. Basada en la novela de Cormac McCarthy, los Coen se las apañan para llevarlo a su universo de tipos raros y silencios desectructurados, oscuridad presente, tan negra como el alma de su más temible diablo. Todo un peliculón, para nada fácil de digerir y visionar, celebramos que así sea. - Mejor Director: Joel Coen / Ethan Coen por "No es país para viejos"

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- Mejor Actriz: Marion Cotillard por "La vida en rosa" - Mejor Actor: Daniel Day-Lewis por "Pozos de ambición"

el actor había fallecido meses antes, por lo que se convierte en el segundo Oscar póstumo de la historia, tras el de Peter Finch por "Network" en 1976. - Mejor Película: Slumdog Millonaire. El embrujo de la India, una historia de esas que atrapan, romántica y espectacular a partes iguales, todos queremos ser millonarios, pero hay que recorrer un largo camino para ello, y estar tocado por la varita mágica de los elegidos, si encima ya conseguimos a la chica de nuestros sueños, poco más podemos pedir. Peliculón. - Mejor Director: Danny Boyle por "Slumdog Millonaire" - Mejor Actriz: Kate Winslet por "El lector" - Mejor Actor: Sean Penn por "Mi nombre es Harvey Milk"

2008


De nuevo el Teatro Kodak de Los Ángeles como testigo de una ceremonia fechada el 7 de marzo de 2010.

2009

Después de más de 60 años, la Academia vuelve a un formato de 10 nominadas a mejor película en vez de las 5 características, se comprende por tanto una selección más amplia de candidatas en la busqueda de volver a los orígenes de los premios, al menos oficialmente, todos sabemos que apesta a comercialidad barata y sin sentido. "En tierra hostil" es la triunfadora de la noche con 6 premios, y porporciona a su directora, Kathryn Bigelow, el honor de ser la primera mujer en alzarse con el galardón. En el camino se queda "Avatar" de James Cameron, que de 9 nominaciones se queda en 3 estatuillas menores, curioso que Bigelow y Cameron fueran marido y mujer en el pasado, es de esas anécdotas imborrables y geniales, que explican la afinidad cinéfila por los premios.

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La tercera en discordia es "Malditos Bastardos", del maestro Tarantino, la mejor de las nominadas sin duda, y que de 8 posibilidades se queda en 1 solo premio, a mejor actor de reparto para Cristoph Waltz. Ceremonia celebrada el 27 de febrero de 2011, en el Teatro Kodak de Los Ángeles.

"El discurso del rey" es la vencedora con 4 estatuillas, dejando a la otra posible ganadora, "La red social" del maestro David Fincher, con 3 premios. "Valor de Ley" de los hermanos Coen es la gran vilipendiada con cero Oscar sobra 10 nominaciones. "Origen" de Cristopher Nolan se lleva 4 galardones técnicos, estaba nominada a mejor película, al igual que "Toy Story 3", que se hace con el premio a mejor película de animación para Pixar. El mejor actor es Colin Firth por "El discruso del rey", la mejor actriz recae en Natalie Portman por "El cisne negro", excelente película de Darren Aronofski. Los premios a mejores interpretes secundarios son para Christian Bale y Melissa Leo, ambos por "The Fighter".


El gran Jeff Bridges consigue al fin el Oscar a mejor actor por "Crazy Heart", y Sandra Bullock, quien lo hubiera dicho años atras, obtiene el de mejor actriz por "The blind side". La mítica actriz Lauren Bacall, el director Roger Corman, y el maestro de fotografía Gordon Willis, son los premiados con el Oscar honorífico. - Mejor Película: The hurt Locker / En tierra hostil. Tecnicamente deslumbrante, la historia de los artificieros norteamericanos en Irak en pleno conflicto, es de esas apuestas con las que cuesta bastante empatizar, porque narrativamente resulta fria y esteril. Recomendada a aquellos capaces de dejar el aspecto argumental a un lado, y disfrutar de su poderío visual, a esos, la apuesta de Bigelow les convencerá sobradamente.

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- Mejor Director: Kathryn Bigelow por "En tierra hostil" - Mejor Actriz: Sandra Bullock por "The blind side" - Mejor Actor: Jeff Bridges por "Crazy Heart"

El maestro F.F. Coppola recoge el sobradamente merecido Oscar honorífico. El genial Rick Baker consigue su séptima estatuilla a mejor maquillaje, por "El hombre lobo". - Mejor Película: The King,s speech / El discurso del rey. Solido film bitánico de época, tan del gusto de la Academia, era el año para elegir entre lo más clásico y lo rabiosamente moderno, y no hubo demasiada discusión. El Oscar a mejor director es imperdonable, debió ganar Fincher. - Mejor Director: Toom Hooper por "El discurso del rey" - Mejor Actriz: Natalie Portman por "El cisne negro" - Mejor actor: Colin Firth por "El discurso del rey"

2010


Celebrada como no, en el Teatro Kodak de Los Ángeles el 26 de febrero de 2012.

2011

"The Artist" es la vencedora de la noche con 5 premios, los mismos que consigue "La invención de Hugo" de Scorsese, aunque para esta última, todos en apartados técnicos. Una pugna muy estrecha, que apenas deja más favoritas a la vista entre las nominadas a mejor película, lo que convierte a la ceremonia en un espectáculo algo soso. Por desgracia un hecho bastante extendido los últimos años, donde apenas hay sitio para las sorpresas.

.. Datos de

Meryl Streep gana su tercera estatuilla a mejor actriz, en esta ocasión por "La dama de hierro", el mejor actor es Jean Dujardin por "The Artist".

Películas con mayor número de premios:

Datos de

- (10) LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actriz de reparto, Mejor guión adaptado, Mejor fotografía color, Mejor montaje, Mejor dirección de arte, Mejor Diseño, y por último, un premio especial por sus logros técnicos.

- (11) BEN-HUR (1959): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actor de reparto, Mejor dirección artística, Mejor fotografía, Mejor diseño de vestuario, Mejores efectos visuales, Mejor montaje, Mejor Banda Sonora, Mejor sonido. - (10) WEST SIDE STORY (1963): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz de reparto, Mejor - (11) TITANIC (1997): Mejor Película, Mejor Actor de reparto, Mejor banda sonora original, Director, Mejor dirección artística, Mejor Mejor fotografía color, Mejor dirección artística fotografía, Mejor diseño de vestuario, Mejores color, Mejor diseño de vestuario color, Mejor efectos visuales, Mejor montaje, Mejor banda montaje, Mejor sonido. sonora, Mejor canción, Mejor sonido, Mejor edición de sonido. - (9) GIGI (1958): Mejor Película, Mejor Director, Mejor guión adaptado, Mejor banda - (11) EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL sonora adaptada, Mejor canción original, Mejor RETORNO DEL REY (2003): Mejor Película, fotografía color, Mejor dirección artística, Mejor Mejor Director, Mejor guión adaptado, Mejor diseño de vestuario, Mejor montaje. banda sonora, Mejor canción, Mejor diseño de vestuario, Mejores efectos visuales, Mejor - (9) EL ÚLTIMO EMPERADOR (1987): Mejor montaje, Mejor dirección artística, Mejor sonido, Película, Mejor Director, Mejor guión adaptado, Mejor maquillaje. Mejor banda sonora, Mejor fotografía, Mejor


Woody Allen consigue su tercer galardón a mejor guión original por "Midnight in Paris", evidentemente no asiste a la ceremonia. - Mejor Película: The Artist. Hollywood se redime con sus orígenes, cine mudo en B/N, entrañable y divertido a partes iguales, y que nadie se olvide de ese perro, tiene más registros que muchos actores humanos. - Mejor Director: Michael Hazanavicius por "The Artist"

..e interes

- Mejor Actriz: Meryl Streep por "La dama de hierro" - Mejor Actor: Jean Dujardin por "The Artist"

e interes

dirección artística, Mejor diseño de vestuario, Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor montaje, Mejor sonido. Mejor Actriz, Mejor guión adaptado. - (9) EL PACIENTE INGLÉS (1996) : Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz de reparto, Mejor banda sonora, Mejor fotografía, Mejor Los más premiados a título personal: dirección artística, Mejor diseño de vestuario, Mejor montaje, Mejor sonido. ACTORES: Turno para las películas con un repoker de ases en su haber, esto es, las ganadoras de los 5 premios más importantes, unicamente son 3 las que lo consiguieron:

- KATHARINE HEPBURN: 4 estatuillas, y todas a mejor actriz principal, por sus papeles en "Gloria de un día" (1933), "Adivina quien viene a cenar esta noche" (1967), "El león en invierno" (1968)* y "En el estanque dorado" (1981). Insuperable. - SUCEDIÓ UNA NOCHE (1934): Mejor Película, * Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor a ex-aequo con Barbra Streisand guión adaptado. - MERYL STREEP: 3 Oscar sobre 17 nominaciones, - ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL la actriz más nominada de todos los tiempos, se CUCO (1975): Mejor Película, Mejor Director, alzó con ellos en "Kramer contra Kramer" (1979) Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor guión adaptado. a mejor secundaria, en "La decisión de Sophie" (1982), y recientemente por "La dama de hierro" - EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (1992): (2011). Talento es su nombre.


- JACK NICHOLSON: 3 galardones, sobre 12 nominaciones, que le convierten en el actor varón que más veces ha optado al premio, lo logró por "Alguien voló sobre el nido del cuco" (1975), a mejor actor de reparto por "La fuerza del cariño" (1983), y por último en "Mejor Imposible" (1997). Cuidado con Daniel Day-Lewis este año, podría alcanzar su tercer premio, todos a principal, lo cual conferiría más valor a su estrella que la del propio Nicholson, en cuanto a Oscar se refiere.

Joseph L. Mankiewicz, al igual que John Ford, lo ganó 2 años seguidos, por "Carta a tres esposas" (1949) y "Eva al desnudo" (1950). OTROS:

Woody Allen figura como el guionista más nominado de la historia, 16 candidaturas, todas a ellas a mejor texto original, lo ha ganado en tres ocasiones, que para no ir a recogerlos es - WALTER BRENNAN: 3 Oscar y todos a mejor mucho, logrados por "Annie Hall" (1977), donde secundario, quizá a muchos no les suene este actor, además lo obtuvo a mejor director, "Hannah y sus la razón es que hay que remontarse a los años 30 y hermanas" (1986), y "Midnight in Paris" (2011). 40 para situarle, si alguien retiene en la memoria "Rio Bravo" (1959), esa Obra Maestra del gran La diseñadora de vestuario Edith Head, Howard Hawks, quizá recuerde su extraordinario homenajeada por Pixar en "Los increibles", a través papel como Stumpy, ese viejo gruñon cojo, que del personaje de Edna, cuenta en su haber con un protege la prisión en la que Jonh Wayne es Sheriff. total de 35 nominaciones, ganando 8 estatuillas Sus estatuillas las consiguió por "Rivales" (1936), por trabajos como "Vacaciones en Roma" (1953) "Kentucky" (1938) y "El forastero" (1940). o "El golpe (1973). DIRECTORES: - JOHN FORD: 4 estatuillas, el director americano por excelencia es también el más premiado en esta categoría, los logró por "El delator"(1935), "Las uvas de la ira" (1940), "Que verde era mi valle" (1941), y "El hombre tranquilo" (1952).

Decir maquillaje es decir Rick Baker, este genio del látex ha ganado 7 Oscar, de las 12 veces que ha estado nominado, el primero en 1982 por "Un hombre lobo americano en Londres", el último en 2011, por "El hombre lobo", cerrando su propio circulo personal, curiosamente, su mejor transformación de hombre en lobo para el cine de terror, no obtuvo reconocimiento, hablamos de "Aullidos" (1980), en la que colaboró con otro genio contemporáneo del maquillaje y los F/X, Stan Wiston.

- FRANK CAPRA: El realizador que supone el positivismo existencial tras la cámara, también figura en el podio de los más premiados, "Sucedió una noche" (1934), "El secreto de vivir" (1936) y Mención especial para John Williams, el maestro "Vive como quieras" (1938), son las películas por de compositores es, junto a Walt Disney, el más las que los logró, y todos en apenas 4 años. nominado de todos los tiempos con un total de 48 candidaturas, lo ha ganado en 5 ocasiones, - WILLIAM WYLER: El maestro Wyler es, a mi por "El violinista en el tejado"* (1971) "Tiburón" gusto, el que más merece ocupar su sitio en este (1975), "La guerra de las galaxias" (1977), "E.T. podio, sus galardones los obtuvo por "La señora El extraterrestre" (1982) y "La lista de Schindler" Miniver" (1942), "Los mejores años de nuestra (1993). Evidentemente su estrella va asociada a vida" (1946), y "Ben Hur" (1959), el director es Steven Spielberg, que jamás usa otro compositor además el que más veces a sido nominado en su ajeno a Williams. categoría, un total de 11 candidaturas, casi nada. *Es una partituta adaptada. Steven Spielberg, nominado y favorito este año por "Lincoln", podría unirse al club de directores con 3 premios. Como curiosidad, el maestro


Lo de Walt Disney, como mencionabamos, también es caso aparte, un total de 22 estatuillas en su haber de 59 nominaciones, un tope casi inalcanzable. En su caso particular, si no existía categoría para sus películas animadas, se las inventaban, como ocurre por ejemplo con "Blancanieves y los 7 enanitos" (1937), que se llevó un total de 7 premios, uno por enano, y ninguno oficial. En otras ocasiones, el Oscar lo obtenía en el apartado a mejor cortometraje documental, o a mejor cortometraje de animación, este último por el que más veces fue premiado.

triunfador de la gala con "Annie Hall". - GANGS OF NEW YORK (2002): 10 nominaciones y ningún galardón, la cinta de Scorsese contaba con muchas opciones para el triunfo, pero según dicen, una desafortunada declaración de su productor, Harvey Weinstein, diciendo semanas antes, que ganarían con toda seguridad, desvió los votos hacia las otras candidatas. "Chicago" con 6 Oscar y "El pianista" con 3, se repartieron los premios y refuerzan la teoría del castigo.

- VALOR DE LEY (2010): 10 candidaturas y cero premios, cierto que nadie contaba con el film de LOS DERROTADOS/IGNORADOS: los hermanos Coen en los premios importantes, pero siempre te quedas con mal sabor de boca Alfred Hitchcock, Cary Grant, Orson Welles, cuando te nominan a tanto y te vas sin nada. "El Peter O,Toole, Stanley Kubrick, o Kirk Douglas, discurso del rey" fue la triunfadora de la noche. son ejemplos de grandes actores y directores que nunca lograron el preciado galardón, a pesar de - QUO VADIS (1951): 8 nominaciones y ningún haber sido nominados en varias ocasiones, hecho premio, este Peplum vistoso y muy querido, no que pone de manifiesto lo injusto que pueden obtuvo nada en un reparto que contempla hasta 3 a llegar a ser los académicos. En el caso de los ganadoras esa noche, "Un lugar en el sol" (6), "Un actores de color, el tema es aún más sangrante, por americano en París" (6) y "Un tranvía llamado suerte en los últimos tiempos se ha invertido la deseo" (4), no dejaron ni una migaja al film de tendencia, y ya cuentan con las mismas opciones, Mervin LeRoy. o más, que sus colegas, como debe ser. En el apartado de películas, mencionar las ignoradas sería tan extenso, que es mejor centrarse en las derrotadas, aquellas películas hipernominadas, que incluso partían como favoritas, y que se quedaron anuladas contra todo pronóstico.

En apartados técnicos, el compositores Alex North, responsable de Bandas sonóras como "Espartaco", vió pasar delante de sus ojos 15 nominaciones, sin obtener nunca la estatuilla. En la misma línea, Randy Newman lo logró a la decimosexta, por "Monstruos S.A.", al recogerlo dejó clara su travesía por el desierto, con la frase - EL COLOR PÚRPURA (1985): 11 nominaciones "No quiero vuestra compasión". y cero estatuillas, la cinta de Steven Spielberg es sin duda la más masacrada en la historia de los El técnico de sonido Kevin O,Connell, responsable premios, "Memorias de África" fue la triunfadora de cintas como "Spiderman", "Transformers" o de la noche con 7 Oscar, cosa que tampoco justifica "La roca", ha sido nominado en 20 ocasiones, sin la ausencia en su casillero de algún premio, aunque obtener nunca el premio. Todo un record negativo. hubiera sido en alguna categoría menor. - PASO DECISIVO (1977): 11 nominaciones y cero premios, el film de Herbert Ross ostenta el mismo record negativo de "El color púrpura", pero al menos en esta ocasión, no contaba como favorita, "La guerra de las galaxias" parecía la ganadora segura, pero Woody Allen fué el

Por Antonio Alcaide.


Predicciones pa La 86 edición de los premios Oscar, que se celebrarán el próximo día 24 de febrero en Los Ángeles, parece tener un claro favorito a alzarse con la gloria de los ganadores, si atendemos a los últimos tiempos, poco lugar para la sorpresa dejará Steven Spielberg con "Lincoln", nominada a 12 estatuillas. Le sigue muy de cerca "La vida de Pi", del Taiwanes Ang Lee, con 11 nominaciones, si bien todo apunta a que tendrá que conformarse con alguna categoría menor, "El lado bueno de las cosas" y "Los Miserables" se posicionan con 8 opciones, con 7 "Argo" de Ben Affleck, y con 5 quedan "La noche más oscura" y "Django desencadenado". La cuestión es si se puede hacer una quiniela de posibles cuando aún queda más de un mes para la ceremonia, la respuesta prudente es no, al cierre de esta edición aún faltan títulos por visionar, como es el caso del film de David O. Russell, "El lado bueno de las cosas", la apuesta


ara los oscars de los poderosos hermanos Weinstein, aún no estrenada. Pero como nos va la marcha y nos gusta el riesgo por encima de todas las cosas, os propongo jugárnosla. El sistema es sencillo, aplicaremos porcentajes, pero solo a las favoritas, y en función de lo que estimamos como más probable, acto seguido, comentaremos un poco cada categoría. Os emplazo eso sí, a visitar Fusion-Freak (www. fusion-freak.com) días antes de la gala, en nuestro santuario de poder, podréis ver una predicción más acorde con la realidad, en la que incluiremos los apartados técnicos aqui ausentes. Personalmente no creo - espero - que el resultado final difiera mucho de la que a continuación os mostramos, pero tened en cuenta que los mentideros de Hollywood apenas han empezado a echar humo, a medida que se acerca el "dia D", algunas candidaturas toman forma de manera más contundente, por ello, os pido que os toméis este vaticinio, como una primera toma de contacto.


Mejor Película Suena a Lincoln, es evidente, de las 10 nominadas a mejor cinta del año, solo "Argo", reciente ganadora del Globo de Oro, podría dar la sorpresa, lo cual dejaría una fractura entre película y director, ya que Ben Affleck ha sido ignorado como realizador. De las demás candidatas, opciones casi nulas, cualquiera de ellas sería un sonoro campanazo.

Lincoln 60%

Argo 40%

Daniel Day Lewis 50%

Joaquin Phoenix 40%

Denzel Whasington 10%

Mejor Actor. Situar a Spielberg a la altura de clásicos como Frank Capra o el gran William Wyler debe mojar de la emoción a los Académicos, la verdad que lo merece, y si queréis más motivos para la evidencia, dejar fuera a Ben Affleck por "Argo", a Tarantino por "Django desencadenado" y a Katherine Bigelow por "La noche más oscura", es prácticamente allanar su camino al Oscar. Solo Ang Lee, por el volúmen de nominaciones, podría hacerle sombra, pero "La vida de Pi" es algo endeble para triunfar en las categorías de mayor enjundia.


Mejor Actriz La Chastain / "La noche más oscura" está de moda, es la chica del momento, pero Jennifer Lawrence / "El lado bueno de las cosas" también, se presenta como un duelo reñido, ambas han ganado el Globo de Oro en sus categorías, pero el factor dramático siempre cuenta con más peso a la hora de declinar la balanza, en este caso, sería a favor de Chastain.

Jessica Chastain (55%)

Jennifer Lawrence (45%)

Cristoph Waltz (35%) Tommy Lee Jones (25%) Alan Arkin (10%)

Philip Seymour Hoffman (20%)

Robert (10%)

de

Niro

Mejor Actor de Reparto No podría soñar con una categoría con mayor emoción que la que este año ofrece el mejor actor secundario, los 5 nominados han ganado una o varias veces el premio, con lo que se presenta una votación complicada e igualadísima, Cristoph Waltz / "Django desencadenado" parte con ventaja tras el Globo de Oro recién obtenido, lo que no significa que por ello, vaya a ganar seguro.


Anne Hathaway (50%)

Amy Adams (25%)

Sally Field (25%)

Mejor Película de

Mejor Actriz de Reparto

El film de Michael Haneke parece total de 5 candidaturas, entre ella premios a los que no puede optar, p categoría.

Casi nadie duda el triunfo de Hathaway por su papel en "Los Miserables", su momento musical es de alto standing, pero cuidado con la veterana Sally Field y el "efecto Lincoln", y que nadie ignore tampoco a Amy Adams por "The Master", la actriz ha ido nominada 3 veces en los últimos 5 años.

Quentin Tarantino / Django desencadenado (45%) Roman Coppola y Wes Anderson / Moonrise Kingdom (20%)

Michael Haneke / Amor (15%) Mark Boal / La noche más oscura (20%)

Mejor Guión Original. El factor premiable: dícese de aquello de dar más de un galardón a cierta película para que luzca más. Si entendemos que Cristoph Waltz es el favorito por "Django desencadenado", Tarantino pondría el segundo galardón a la película con su segundo Oscar a mejor guión original, lo mismo pasa con Mark Boal y "La noche más oscura", si damos a Jessica Chastain como vencedora. Amor de Haneke se marcharía con 2 también, el más que seguro premio a mejor película extranjera y el que nos oscupa, pero que nadie olvide a ese geniecillo llamado Wes Anderson y su colaborador habitual, el peso del apellido Coppola es inmenso.


Brave (50%)

Frankenweenie (25%)

¡Rompe Ralph! (25%)

Habla no Inglesa

Mejor Película de Animación

e la única opción posible, lleva un as las de mejor película y director, pero que definen su triunfo en esta

La opción Pixar parece la más segura, solo la originalidad de "¡Rompe Ralph!", o el peso de Tim Burton con "Frankeenweenie", podrían poner en peligro su triunfo.

Tony Kushner / Lincoln (40%)

Chris Terrio / Argo (30%)

David O. Russell / El lado bueno de las cosas (10%)

David Magee / La vida de Pi (10%) Ben Zeithlin y Luci Alibar / Bestias del sur salvaje (10%)

Mejor Guión Adaptado Un premio comprometido, pues puede suponer en único bálsamo de la noche para las más nominadas, si como parece, "Lincoln" arrasa, el premio parece suyo, si se reparten, "Argo" espera ansiosa su oportunidad.


¿Cuantos de vosotros os habéis quedado perplejos al escuchar ciertas decisiones de la Academia, en la entrega de los Oscar, año tras año? Quien más y quien menos tiene su porra y su lista de favoritos para hacerse con tan preciados galardones y, por supuesto, cada uno tiene su lista histórica de premiados en cada categoría. En este artículo me gustaría mostraros mis particulares premios Oscar históricos. No es la lista de un erudito del cine, ni de alguien que pretende tener la razón absoluta. De hecho es la lista de un aficionado al cine, normal y corriente, guiado por sus gustos particulares, que abarcan desde la década de los 70 hasta la actualidad. Sin más, me dispongo a hacer de maestro de ceremonias de esta particular gala y presentaros los premiados en todas las categorías. Mejor corto animado: The Sandman (1991). Dirigido por Paul Berry. Sin ser un gran aficionado a los cortos, especialmente a los de animación, reconozco que esta escalofriante historia, animada en stop-motion, consiguió inquietarme y hacerme recordar la niñez, donde ingenuamente creíamos que nos libraríamos de cualquier mal tapándonos con la manta, como el niño de esta historia. Especialmente tétrica es la última escena, donde unos polluelos se reparten un curioso “manjar”.

Aun siendo un recurso del que se abusa en exceso en los últimos tiempos, reconozcamos que, utilizados con coherencia, los efectos visuales pueden elevar al Olimpo a una película. Al comenzar el artículo pensé concederle este premio a “Terminator 2”, pero revisionandola comprobé que los años no han favorecido a esta película. Por ese motivo, decidí decantarme por la cinta de Nolan, que me pareció soberbia en este aspecto. Quien sabe como afectaran los años a esta película pero, a día de hoy, es lo mejor que se puede encontrar.

Mis o ó histó histo

por Javie

Mejor corto de acción real: La Cabina (1972). Dirigido por Antonio Mercero. La única incursión patria de esta lista no podía ser otra que esta perturbadora historia, en la que el gran José Luis López Vázquez queda encerrado en una cabina telefónica, de la cual no puede salir, ni siquiera con la ayuda de los transeúntes que contemplan su desesperación. A medida que avanza la historia, nuestro protagonista verá como las cosas se complican de la manera más inexplicable. No hay escapatoria posible de esta cabina. Mejores efectos visuales: Origen (2010). Dirigida por Chistopher Nolan.

Mejor edición de sonido: Master and Commander (2003). Dirigida por Peter Weir. La nitidez del sonido del mar, las tablas de los barcos crujiendo, el lamento de los hombres heridos y las detonaciones de las armas de fuego son sobrecogedoras en esta película, injustamente infravalorada. Si quieres sentirte un lobo de mar, solo has de poner la película y cerrar los ojos para trasladarte a la cubierta del Surprise.


Mejor Sonido: Salvar al Soldado Ryan (1998). Dirigida por Steven Spielberg. Hay que decir que el cine bélico está muy trabajado en este aspecto, pero si hay que quedarse con una cinta en concreto, “Salvar al Soldado Ryan” debe ser la elegida, aunque solo sea por la escena del desembarco. Abrumadora.

oscars óscars óricos oricos

er s. Roquero

Mejor Diseño de Produccion: Sleepy Hollow (1999). Dirigida por Tim Burton. Todos sabemos que esta es la especialidad de Tim Burton. Él es único creando paisajes oníricos y delirantes. Y si hay una película en la que todo encaje a la perfección, esa es Sleepy Hollow. Estéticamente original, consigue crear una atmosfera tétrica durante toda la cinta. Un trabajo impecable.


Mejor Diseño de Produccion: Sleepy Hollow (1999). Dirigida por Tim Burton. Todos sabemos que esta es la especialidad de Tim Burton. Él es único creando paisajes oníricos y delirantes. Y si hay una película en la que todo encaje a la perfección, esa es Sleepy Hollow. Estéticamente original, consigue crear una atmosfera tétrica durante toda la cinta. Un trabajo impecable. Mejor Maquillaje y Peluquería: Sleepy Hollow (1999). Dirigida por Tim Burton. Si los escenarios y la atmosfera que conseguía con ellos eran perfectos, no es menos reseñable este apartado, donde consigue crear las mismas sensaciones, sin caer en la ridiculez de otras de sus producciones. Mejor Vestuario: Master and Commander (2003). Dirigida por Peter Weir. El contraste entre los oficiales, con sus impecables uniformes, y los marineros, sucios y andrajosos, refleja con gran fidelidad la realidad de la época y de la vida en la Armada. Además, los uniformes están detallados y cuidados al milímetro. Mejor Canción Original: Streets of Philadelphia, de Bruce Springsteen. En un principio, la canción que iba en esta categoría era The Entertainer, de la película “El Golpe”, hasta que descubrí que no había sido compuesta varias décadas antes de que se estrenase la película. Por eso me decidí por el tema central de “Philadelphia”, para mi gusto la mejor canción del Boss. Mejor Banda Sonora: The Blues Brothers (1980). Si hay una banda sonora que anima, me pone en movimiento y me saca siempre una sonrisa, es esta. Con lo mejor del blues y del soul, y unos artistazos como Aretha Franklin, John Lee Hooker, James Brown o Ray Charles, no hubo ninguna duda a la hora de entregar este premio.


Mejor Montaje: Pulp Fiction (1994). Dirigida por Quentin Tarantino. Conociendo a Tarantino, seguramente este tipo de montaje ya lo habría llevado a cabo alguien antes, pero la realidad es que nadie lo hace con tanto estilo. Tanto, que innumerables películas han intentado copiarlo, pero ninguna ha conseguido algo parecido. Mejor Fotografía: Fargo (1996). Dirigida por Ethan y Joel Coen. Ese desierto nevado que es Dakota del Norte nos deja la abrumadora fotografía de esta película. Para muestra, la escena en la que Steve Buscemi entierra el dinero en la nieve, dejando una marca para poder encontrarlo en esa blancura de la que apenas se divisa el horizonte. Mejor Guión Adaptado: El Resplandor (1980). Dirigida por Stanley Kubrik. Stephen King es un gran novelista, pero Kubrik consiguió dejar en evidencia su novela con esta adaptación, que conseguiría convertirse en la película más terrorífica de todos los tiempos. Mejor Guión Original: Fargo (1996). Dirigida por Ethan y Joel Coen. Esta historia de secuestros y despropósitos, repleta de perdedores, me parece de las más originales e inesperadas que ha dado el cine a lo largo de su historia. Mejor Película Animada: Monstruos S.A. (2001). Compartiendo pódium con “El Rey León” y “Toy Story”, lo único que ha hecho que me decantase por esta original historia son sus protagonistas. Mike y Sully son la pareja más divertida y mejor complementada que ha dado el cine de animación.


Mejor Película de Habla no Inglesa:

Mejor Actor Protagonista:

El Odio (1995). Dirigida por Mathieu Kassovitz. Los franceses nos han dado pocas cosas buenas y una de ellas es su cine. “El Odio” nos muestra los suburbios de Paris en una época de revueltas y violencia. Podemos ver una juventud que quiere salir adelante, pero que se ve inmersa una espiral de crisis y odio que terminará en tragedia. Imprescindible.

Kevin Spacey. American Beauty (1999). Antes de ver esta película no creía capaz a este actor de crear a un personaje tan redondo como Lester Burnham. Capaz de transformar al perfecto padre de familia norteamericano en este malhablado, porrero y anárquico vividor, este premio debía ir para él.

Mejor Actriz de Reparto:

Mejor Dirección: Francis Ford Coppola. Apocalypse Now (1979). Tendrá fama de tirano y el rodaje de esta película sería un infierno, pero la verdad es que la dirección de Apocalypse Now es impecable. Los recursos utilizados, la atmosfera opresiva conseguida, las actuaciones, etcétera, hacen que Coppola sea merecedor de este reconocimiento.

Louise Fletcher. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). Su papel como la enfermera Ratched, le valió el Oscar a la mejor actriz principal, pero considerando que en esta historia solo hay un protagonista posible, que no es otro que Jack Nicholson, he decidido darle este premio por su gélido y autoritario personaje. Mejor Película: Mejor Actor de Reparto: Robert Duvall. Apocalypse Now (1979). Esta es mi categoría favorita. Los personajes secundarios, especialmente los masculinos, son lo que le dan vida a una película y, al tener una libertad que no tienen los personajes protagonistas, sujetos a la trama central, se pueden crear papeles realmente memorables sin ser necesariamente parte fundamental en la historia. Es el caso de Walter, en “El Gran Lebowski”, el Joker, en “El Caballero Oscuro” o este Teniente-Coronel Kilgore que nos ocupa. Todos recordamos su memorable discurso sobre el napalm y los vietnamitas. Mejor Actriz Protagonista: Natalie Portman. Cisne Negro (2010). Esta actriz en el futuro será reconocida como una de las grandes de la historia del cine y muestra de ello es su melancólica y desquiciada bailarina, protagonista de esta película. Una actuación de diez.

Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). Seguramente, la gran mayoría habríais escogido “El Padrino”, pero para mí este canto a la libertad se merecería este hipotético premio. De principio a fin, y en todos sus aspectos, es una película redonda, con grandes momentos cómicos, pero también con momentos durísimos, además de ser capaz de hacer reflexionar al espectador. Por todo esto, esta película está en la cúspide de mi lista.


El cine españo Los premios Óscar, esos premios de los que todos hablan mal y a los que nadie parece importarle, pero que prácticamente nadie de los que amamos el cine nos gusta perdernos. Famosos son los grandes errores en los ganadores de algunos años o el “olvido” de algunos ilustres directores que tuvieron que esperar a ganar un Óscar a estar prácticamente muriéndose y recibir el Óscar honorifico, pero ese es otro artículo y que posiblemente haya escrito algún compañero. Poco podían imaginar allá por el año 1.928 la importancia que iba a tener el premio creado por el escenógrafo de la Metro Goldwyn Mayer y lo que iba a significar para la industria del cine. Las primeras décadas no fueron buenos momentos para los españoles aunque con el paso del tiempo hemos ido conquistando (poco a poco) el mercado americano y las nominaciones y los premios han sido cada vez más frecuentes. Nuestro primer Óscar llegaría en 1.970 y sería para Juan de la Cierva y Hoces y lo recibió por la Mejor Contribución Técnica a la Industria Cinematográfica, un año después en 1.971 Gil Parrondo recibió la estatuilla por la dirección artística de Patton y repetiría al año siguiente por los decorados de Nicolás y Alejandra. En 1.972 el cineasta Luis Buñuel se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa por “El discreto encanto de la burguesía” aunque al ser la producción francesa el galardón estuvo envuelto por la bandera francesa, así que como podéis ver las rencillas con los franceses son de antes de que Nadal o Indurain les pisase el terreno. En 1.978 el fotógrafo barcelonés Néstor Almendros, se hizo con el Óscar a la

mejor dirección de fotografía por “Dias de Cielo”. Y por fin en 1.983 llegó nuestro primer gran momento al ganar José Luis Garci el primer Óscar no técnico por “Volver a empezar” ganando el premio a la Mejor Película de Habla no Inglesa, esta vez nada pudieron hacer los franceses por reclamarlo…. En “Volver a empezar” Garci nos cuenta la historia de un escritor que regresa a Gijón, ciudad en la que nació, procedente de Estocolmo después de recibir el Nobel.


ol y Los Oscars Curiosamente unos años después el propio Garci seducidas una tras otra por el desertor Fernando. realizó “El Abuelo” película muy superior a esta y Míticas son ya las palabras de Trueba al recibir el en esa ocasión no se llevó el Óscar…. premio y de su agradecimiento a Billy Wylder. Diez años después le tocó el turno a Fernando Trueba y su “Belle Epoque” ganando el Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa. Fernando deserta del ejército y en su huida es acogido por Manolo, un artista que vive aislado de la realidad y que le presenta a sus cuatro hijas que serán

En 1.999 llegaría el despegue de Pedro Almodóvar, su Óscar a la mejor película de habla no inglesa por “Todo sobre mi madre” estaba cantado y pocos eran los que no apostaban por su premio. En “Todo sobre mi madre” Manuela siente la imperiosa necesidad de encontrar al padre de su hijo muerto en accidente, ya que su hijo estaba deseando conocerle, con esa intención Manuela viaja a Barcelona, donde se reencontrará con él, aunque ahora transformado en Lola. Todo el Star System de Hollywood cayó rendido al manchego y los ofrecimientos ( reales o para quedar bien ) se multiplicaron y todos deseaban trabajar con él. En el año 2.000 llegó la primera nominación para Javier Bardem como candidato a mejor actor por su actuación en “Antes que anochezca”, finalmente no ganó la estatuilla y lo floja que era la película también jugó en su contra. En el año 2.003 Almodóvar repitió nominación por partida doble, en esta ocasión además de la nominación de Mejor Película de habla no inglesa le sumó el de Mejor Guión, finalmente sólo ganó el de Mejor Guión y Almodóvar pudo seguir demostrando lo mal que habla inglés en sus agradecimientos. Personalmente me parece la película más completa del director, comenzando un claro descenso en la calidad de sus películas a partir de este momento, aunque Almodóvar no esté muy de acuerdo con mi opinión ya que todos los años podemos comprobar sus cabreos porque no sean sus películas las que representen a España en la lucha por el Óscar, dejando incluso de acudir a la entrega de los Goya como “venganza”.


El que sí que ganó el Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa en el 2.004 fue Alejandro Almenábar con su “Mar Adentro” tiene cojones que después de realizar grandes películas de misterio con toques terroríficos con su primer drama sea con el que gane el Óscar, la historia real de Ramón Sampedro tumbado en su cama desde hace casi treinta años y luchando por una muerte digna, sirvió para que el mundo entero se hiciese eco del papelón que realizaba Javier Bardem .

Durante todos estos años han sido varios los “olvidos” de grandes películas españolas, pero hay algunas que duele la vista ver que no fuesen reconocidas en su momento como por ejemplo “Plácido” de Berlanga, “Tristana” de Buñuel o “El abuelo” de Garci

Y hasta aquí el repaso a lo que a dado de sí los Óscar para nosotros, según el ranking de países con más películas a competición estamos en tercer lugar, algo que no está nada mal solo superados El año 2.006 tuvimos hasta tres posibilidades de por Francia e Italia. Óscar, Javier Fesser y Borja Cobeaga como mejor cortometraje, Penélope Cruz como mejor Actriz Yo por mi parte estaré atento al televisor a la entrega por la película Volver y David Martí y Montse de los premios, siempre he sido mitómano por lo Ribé como mejor maquillaje por El Laberinto del que para que negarlo, me gusta ver tanto famoso y Fauno, finalmente sólo se lo llevó David Martí y estrella desfilando por esa alfombra roja…. Montse Ribé como mejor maquillaje. Y para terminar me gustaría dar una En el 2.008 por fin ganamos el Óscar al mejor recomendación a los Señores encargados de actor, Javier Bardem ganó el premio por “No es seleccionar las películas para representarnos en país para viejos” de los hermanos Coen, la lástima estos premios: es que no se diese un premio al pelo más ridículo ya que hubiese sido otro premio seguro para Nuestra puñetera guerra civil NO interesa en Bardem, complemento del que se ha hecho un Estados Unidos (Ni aquí tampoco) especialista, sólo hay que ver la pintilla del mismo Bardem en “Skyfall” EMILIO SANCHIS En el año 2.009 llegó uno de los premios más @doncriticon72 ridículos que se recuerdan, la actriz Penélope Cruz ganó un Óscar a la mejor actriz por “Vicky Cristina Barcelona” de Woody Allen, no sólo Penélope no está nada bien en la película sino que también es la peor de la fructífera carrera del gran director de Nueva York. En el 2.010 Penélope Cruz volvería a ser nominada por su papel en “Nine” aunque esta vez no tuvo tanta suerte. Para este año nuestra candidata era “Blancanieves” de Pablo Bellver y finalmente no ha pasado el último corte, por lo que no tendremos representante en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa, este año nuestras posibilidades vendrán de la mano del diseñador Paco Delgado habitual de Almodóvar o Álex de la Iglesia, responsable del vestuario de “Los Miserables”.


I Premios de cine NosoloFrea

Como cada año estamos en época de premios, pasados los Globos de Oro y los aburridos Goya, le toca el tur glamurosos Oscars. Para unos frikazos como nosotros siempre se cumple alguna injusticia en este tipo de pre ignorado, la película de superhéroes que no le reconocen su mérito, pelis gafapastas que recogen lo que no m un largo etcétera de decisiones que no compartimos. Si eres de los que disfrutan más con los Razzies, en NosoloFreak hemos creado nuestros propios premios don que de verdad nos gusta, y tenemos las categorías que creemos justas. Puede que falte o sobre alguna, por ello partícipes de esta gala en los comentarios del post de la revista. Pongamos la alfombra roja del frikismo y que desfilen los candidatos, encendamos las luces que empieza el e la Gala de los Premios NosoloFreak 2012.


s

ak

rno a los siempre emios, algún actor merecen por aburridas, y

nde elegimos aquello o os invito a que seáis

espectáculo. Bienvenidos a


Cameo del a単o. Zangief (Rompe Ralph)

Stan Lee(The Amazing Spider-Man)

Chuck Norris(Los Mercenarios 2)

Johnny Depp (Infiltrados en clase)

Y el ganador es: Chuck Norris por Los mercenarios 2.


Decepci贸n del a帽o. Sombras Tenebrosas.

Y el ganador es: Sombras Tenebrosas.


Desnudo del A単o. Mario Casas por Tengo ganas de ti.

Los chicos de Magic Mike.

Michael Fassbender por Shame.

Y el ganador es: Los chicos de Magic Mike


Villano del A単o. Bane (El caballero oscuro: La leyenda reanace)

El Lagarto (The Amazing Spider-Man)

Loki (Los Vengadores

Raul Silva (Skyfall)

Moriarty (Sherlock Holmes 2)

Van Damme (Los mercenarios 2)

Y el ganador es: Loki


PelĂ­cula pretenciosa y gafapasta del aĂąo

Y el ganador es: Blancanieves Y el ganador es: Blancanieves.


Pel铆cula de Animaci贸n

Y el ganador es: Rompe Ralph


Canci贸n del A帽o

Misty Mountain Cold (El Hobbit)

Skyfall (Adele, Skyfall)

Y el ganador es: Misty Mountain Cold (El Hobbit)


Currante del A単o

Johnny Depp

Nicholas Cage

Y el ganador es: Johnny Depp


Con dos Cojones

Carmina o Revienta

Y el ganador es: Lobos de Arga.


Espa単olada del a単o

Y el ganador es: Rec 3


Remake o Secuela del aĂąo

El caballero oscuro Renace

DesafĂ­o Total

El Legado Bourne

Y el ganador es: El caballero oscuro Renace


Sleeper del a単o.

Y el ganador es: Chronicle


Peli de miedo del a単o

Y el ganadore es: Sinester.


Frase del año. Dioses a mí! (Hulk, Los Vengadores)

/¿De verdad pensasteis que podíais vivir con tanto, y dejar tan poco a los demás? (Selena Kyle/El caballero Oscuro: la leyenda renace)

Cuando Gotham sea cenizas, tendrás mi permiso para morir (Bane, El caballero oscuro: la leyenda renace)

Si así fue, después de 5 días de dolor intenso la cobra murió... (Chuck Norris, Los Mercenarios 2)

En un agujero en el suelo, vivía un hobbit (El Hobbit)

Si así fue, después de 5 días de dolor intenso la cobra murió... (Chuck Norris, Los Mercenarios 2)


Mejor adaptacion de un videojuego

Y el ganadore es: Rompe Ralph.


Mejor adaptacion de un comic

Y el ganadore es: Los Vengadores.


Peli friki del a単o

los Vengadores

Y el ganadore es: Rompe Ralph.


Heroe de accion del a単o

Stallone(Los Mercenarios 2)

Liam Neeson(Venganza 2)

Christian Bale (El caballero oscuro: La leyenda renace)

Y el ganadore es: Stallone(Los Mercenarios 2)


Batacazo del a単o

Y el ganadore es: John Carter.


BacalĂĄ del aĂąo

Y el ganadore es: Amanecer Parte 2


Se acerca la T Espa

La tercera temporada de en Torment

Cada vez falta menos para la esperada nueva entrega de “Juego de Tronos”. Los seguidores -que somos legión- esperamos ansiosos la vuelta a la pequeña pantalla del mundo de “Canción de Hielo y Fuego”, la saga literaria en la que se basa la exitosa serie de la HBO que toma el nombre de la primera de las novelas publicadas. Después del éxito cosechado por las dos primeras temporadas, la tercera se centrará en la primera mitad de “Tormenta de espadas”, la más extensa de todas las novelas. Tanto es así que, no sólo dará para dos temporadas sino que los capítulos serán incluso más largos (cinco minutos de media más, con algún capítulo de más de una hora). La maquinaria promocional de la HBO no ha parado de sacar noticias, avances, teasers y entrevistas con los principales protagonistas o guionistas. La nueva entrega se estrenará el 31 de marzo en EE UU y llegará a España el 9 de abril a través de Canal Plus. De nuevo se distribuirán en 10 capítulos en los que seguiremos disfrutando de los personajes que siguen vivos: George R.R. Martin es todo un especialista en matar personajes. Somos muchos los que todavía no nos hemos recuperado de la muerte de Ned Stark. La batalla por el ansiado Trono de Hierro vuelve a la pequeña pantalla con la incorporación de nuevos personajes: • Mance Rayder estará interpretado por Ciarán Hinds (Julio César en “Roma”). Se hablaba de él en la segunda temporada, pero el “Rey Más Allá del Muro” permanecía sin cara en la serie. Es

un antiguo Guardia de la Noche que desertó y que quiere destruir el Muro y tomar Poniente. • Edmure Tully: Tobias Menzies, que también participó en “Roma”, interpretará a este sobrino de Catelyn Stark, heredero de Aguasdulces, que luchará junto a los Stark en la Guerra de los Cinco Reyes. • Daario Naharis (Ed Skerein) es el capitán de los Cuervos de Tormenta, unos mercenarios que acabarán sirviendo los intereses de Daenerys Targayen. • Lord Beric Dondarrion (Richard Dormer) es el líder de la Hermandad sin Estandartes que estuvo al servicio de Ned Stark, es el hombre que


Tormenta de adas

Juego de Tronos se basara ta de Espadas

puede sortear a la muerte. • Olenna Redwyne será Diana Rigg (007 al servicio de Su Majestad). Es la abuela de Margaery Tyrell (Natalie Dormer), una anciana a la que apodan Reina de las Espinas que hace buenas migas con Sansa Stark (Sophie Turner). • Ramsay Nieve lo interpretará Iwan Rheon (el invisible de “Misfits”). Hijo de Roose Bolton (es apodado el Bastardo de Bolton), es fiel a Theon Greyjoy (Alfie Allen). • Selyse Florent (Tara Fitzgerald, de “The Walking Dead”) es la esposa de Stannis Baratheon y seguidora fiel de la sacerdotisa roja, Melissandre de Asshai (Carece van Houten).

• Shireen Baratheon (Kerry Ingram, “Los mercenarios”) es la hija única de Stannis y Selyse, inseparable de su madre y también una seguidora del Señor de la Luz. • Meera Reed (Ellie Kendrick, “El diario de Anna Frank”, miniserie de la BBC) es la hermana mayor de Jojen cuidará de Bran Stark tras la toma de Invernalia. • Jojen Reed (Thomas Brodie-Sangster, “Love Actually”) jura fidelidad a los Stark y acompaña junto a su hermana a Bran. • Bynden Tully (Clive Russell, de la serie “Sherlock Holmes”) es tío de Catelyn, apodado “Pez negro” se convierte en uno de los hombres de confianza de Robb Stark. • Thoros de Myr (Paul Kaye) posee una espada llameante de fuego Varylio y es seguidor del Dios de la Luz. • Tormund, el Matagigantes (Dristofer Hivju, “La Cosa”) es fiel vasallo de Mance Rayder, un salvaje del Pueblo Libre. • Missandei (Nathalie Emmanuel) leal sirvienta de Daenerys Targaryen. • Gusano Gris (Jacob Anderson) es el comandante de los eunucos de la ciudad de Astapor. • Qyburn (Anton Lesser) es un nicromante, maestre de la Compañía Audaz. • Anguy (Philip McGinley) es un arquero experto, miembro de la Hermandad sin Estandartes. • Kraznys mo Nakloz (Dan Hildebrand, “Sons of Anarchy”) es uno de los Bondadosos Amos de Astapor. • Prendahl na Ghezn (Ramon Tikaram) es el capitán de los Cuervos de Tormenta, los


mercenarios que contratan los Sabios Amos de Yunkai cuando Daenerys Targaryen llega a la ciudad. • Roslin Frey (Alexandra Dowling) es la más bella de las hijas de Lord Walder Frey, señor de Los Gemelos. • Chett (Burn Gorman, “Torchwood”) es un miembro de la Guardia de la Noche, y forma parte de la expedición que parte al otro lado del Muro. Las tramas y los personajes van creciendo a lo largo de esta nueva temporada. Muchos de los actores y actrices que se incorporan son británicos, algo ya habitual en las dos primeras entregas. Y muchos de ellos con experiencia teatral. Algunos de los nuevos personajes ya aparecían en la segunda novela de Martin, “Choque de Reyes”, pero quedaron fuera de la segunda temporada televisiva. Los guionistas advierten de que la tercera será una temporada más íntima, muy centrada en la descripción de los personajes y sus motivaciones.

allá del muro y diversos lugares de Poniente que irán recorriendo el grupo de Bran Stark tras su huida de Invernalia. En el Trono de Hierro sigue sentado Joffrey Baratheon (con la inestimable ayuda de la familia Lannister), pero son muchos los que quieren desbancarlo.

La segunda temporada fue la serie más vista el año pasado en Canal+ y la más demandada en el servicio de vídeo bajo demanda Yomvi y ha servido para incrementar el tráfico de visitas a la web de Canal+ desde su estreno. El año pasado fue una de las claras ganadoras de los premios Emmy, a los que llegó con 12 nominaciones y de los que salíó con 6 estatuillas. Tan sólo Homeland pudo eclipsar en parte a la serie al conseguir los premios a mejor drama, mejor actor y mejor actriz dramáticos. En las redes Sociales la página de Juego de Tronos de Canal+ ha superado los 80.000 seguidores (más de siete veces los que tenía al finalizar la primera temporada). En Twitter, el estreno del primer capítulo de la segunda temprada se convirtió en Las historias se desarrollan paralelas en el tiempo Trending Topic durante su emisión. en escenarios muy diversos. Los exteriores elegidos han sido Irlanda del Norte (cerca de El éxito arrollador de la saga escrita se consolida, Belfast), Islandia, Croacia y Marruecos. Prometen pues, en la pequeña pantalla. La venta de los libros que la producción será muy cuidada. La HBO de la saga “Canción de Hielo y Fuego” sin duda no quiere matar la gallina de los huevos de oro, volverán a dispararse con el estreno de la tercera pues la saga todavía puede dar muchos éxitos. temporada. Y el futuro sigue abierto pues todavía A las novedades de los personajes se unen los faltan dos obras más publicadas pendientes de “nuevos lugares” (alguno sólo mencionados pasar la criba de los guionistas de la HBO, “Festín anteriormente) cómo Aguasdulces, la Bahía de los de cuervos” y “Danza de dragones”. Y ya se Esclavos, el Campamento de Mance Rayder más anuncian dos obras más que podrán cerrar la serie:


: “Vientos de invierno y “Un Sueño de primavera” (A Dream of Spring, aunque inicialmente su autor dijo que se llamaría “Un tiempo para los lobos”, A Time for Wolves). Tras la buena aceptación de los cómic publicados (los dos primeros relatos de la serie), se da por hecho la publicación de la tercera entrega por ediciones DeBolsillo. El poder visual de la serie se une a la fuerza narrativa del rico universo que nos transporta a los Siete Reinos de Poniente, a las tierras más allá del Muro o a los exóticos paises al otro lado del Mar Angosto. Un mundo de magia y aventuras, muy cercano en tanto que nos recuerda a nuestra propia Edad Media, pero en un mundo dónde las Estaciones duran años, dónde los dioses y los monstruos están al acecho. Las intrigas palaciegas, las pasiones sin medida y el honor de los valientes se entrecruzan capítulo a capítulo. Larga vida a Juego de Tronos. Por Rafa Gavilan.


En Capitulos anterio temporada En septiembre, ademas de la temida vuelta al cole, al puesto de trabajo y a la normalidad después del desenfreno veraniego, vuelven las series a la televisión. Desde hace unos años, las series han recuperado el puesto que habían perdido en el mundo del ocio, volviéndose una fuente muy poderosa de calidad, entretenimiento y negocio, así que septiembre es un mes clave. Después del estreno en septiembre, las nuevas tienen un largo camino hasta el parón por las navidades y en ese trayecto se decide su futuro cercano, es decir, si son renovadas por una temporada completa o se queda en el camino de las series olvidadas. Ya tenemos comenzada la midseason de 2013, ya han surgido las primeras renovaciones y cancelaciones y toca resumir y ponernos al día. Al lío. Como decía, septiembre fue un auténtico lio de estrenos y vueltas de series pero también de cancelaciones, que lo viejo debe dejar hueco a lo nuevo. Esta temporada no han vuelto a nuestras pantallas series como Alcatraz, Terra Nova, The river, Chuck o House, algunas canceladas (J.J. Abrams y Spielberg no han tenido suerte) y otras no renovadas (los espías y el médico gruñón no tenían mas historias que contarnos). Entre las que volvieron reforzadas por la confianza de tener una temporada mas estaban, por ejemplo, Doctor Who, Sons of anarchy, CSI, Modern Family, Fringe con su última temporada, Dexter, Homeland (la serie de moda) o Érase una vez... La competencia es dura y con series muy afianzadas, con seguidores fieles así que para que una serie nueva entre con fuerza tiene que ser realmente buena (o tener mucha suerte, que hay de todo).

La primera candidata seria a amenazar el olimpo de las elegidas fue Revolution. Revolution es la enésima producción de J.J. Abrams, después de dar en el clavo con Lost y Fringe pero haber errado el disparo con Alcatraz. Muchas veces la queja sobre el trabajo de Abrams se centra en que parece que se cansa enseguida de las series y las deja en manos ajenas, básicamente, se le ocurre una idea, la desarrolla, deja unas directrices generales sobre la continuidad y se va a otros proyectos. Los genios son así, que se le va a hacer aunque en este caso la idea original sea de Eric Kripke. Revolution, emitida por la NBC en Estados Unidos y por SyFy y La Sexta en España, nos lleva a un futuro cercano donde no hay electricidad ni tecnología, por culpa de un extraño incidente, regresando a una especie de lejano oeste en un tiempo récord, unos 15 años. En medio de todo el meollo tenemos a parte de la familia Matheson que deben enfrentarse a este nuevo mundo y plantarle cara a las milicias que han surgido y que controlan parte del territorio, en concreto a la Milicia de Monroe que manda en la República de Monroe (originales con los nombres). El piloto no era para lanzar cohetes y mucho menos para pensar que podría tener una temporada completa, como se confirmó poco después. Previsible, aburrida, con actuaciones del montón y personajes estereotipados al


ores... Un repaso a la a de series máximo, un capítulo mas de cualquier serie de ficción, sin nada nuevo mas que un planteamiento que recuerda (ineludiblemente, como casi cualquier misterio de ficción) a Lost. Y es que, encima, la premisa principal, un mundo sin tecnología ni electricidad, no hace otra cosa que llevarnos a una mezcla de western y época colonial norteamericana mezclado con la guerra de secesión, con sus milicias y conatos de guerra “norte – sur”. Además, se cae por su propio peso: bien, no hay electricidad ni tecnología pero, ¡demonios!, hay fuego y el vapor fue clave en la revolución industrial...¿tanto han tardado en olvidarse de sus lecciones de historia del colegio?

El resto de misterios de la serie son mas bien olvidables, desde lo que pasó durante el apagón, narrado mediante flashbacks hasta la existencia de un dispositivo con una función especial, poco atractivos para aguantar 20 episodios


Misteriosamente, la serie no hay funcionado nada mal, casi sin bajar de los 8 millones de espectadores aunque la serie estaba en pleno descenso de televidentes hasta el último capítulo antes del parón navideño, que sumó 8 millones y medio. La renovación por otra tanda de capítulos estaba decidida, para hacer un total de 20. Una segunda temporada quedará en suspenso hasta la reanudación en marzo.

gestión de inquilinos (Jane y Henry, Rachel Taylor y David Annable, respectivamente), aunque ellos ignoran que tanto Gavin como el propio Drake tienen planes para ellos. Junto a este cuarteto protagonista (quinteto si contamos al edificio) se encuentran una serie de secundarios que cumplen la función de crear y alargar subtramas, sin perder fidelidad al estereotipo que representan Así encontramos, por ejemplo, al escritor sin ideas, la fotógrafa con dependencia de fármacos, la joven cleptómana A finales de septiembre llegaba 666 Park Avenue y con una abuela ausente, el botones que hace lo esa si que me llamaba la atención, al menos sobre que digan los Doran, políticos corruptos, polis el papel. amables... nada fuera de lo normal. Basada en una serie de novelas de Gabriella Pierce, la trama nos lleva a New York, en concreto El imponente Drake es uno de los protagonistas al histórico edificio Drake del Upper East Side de principales, con un papel que recuerda demasiado Manhattan, donde hay varios inquilinos de clase al Overlook de El resplandor,con una historia media – alta y alta (el dinero corre por la moqueta llena de rituales, desapariciones y asesinatos en de los pasillos, amigos), bajo la supervisión de sus habitaciones, lo que aporta la nota de intriga Gavin Doran, el gran Terry O'Quinn (Lost), y terror a la serie, con capítulos que se basan enigmático e influyente, junto con su esposa Olivia en premisas generales del género, casi rozando (Vanessa Williams). Al edificio llegan un par de historias de The twilight zone. novatos en la ciudad para hacerse cargo de la La ABC siempre tiene presente el llegar al mayor


público posible con sus productos, con lo que completan el pastel añadiendo toques de serie romántica, tipo Melrose place, pero sin la mala leche. El experimento funciona a medias, entretiene sin ofender pero es terriblemente previsible y cuando Terry O'Quinn desaparece de pantalla, el conjunto se resiente demasiado, lastrado por una pareja protagonista algo insulsa. La audiencia también le dio la espalda y la serie se va a quedar en una única temporada de 13 episodios, con la promesa de que las tramas principales se cerrarán en esos 13 capítulos. Una pena la no renovación, no era una mala serie, simplemente necesitaba tiempo para separarse de todo aquello en lo que se había basado y conseguir un tono propio. En la misma situación tenemos Last resort, también de la ABC. Es la enésima serie de corte militar, donde los tripulantes de un submarino se ven envueltos en una trama que los coloca como enemigos de los Estados Unidos. La serie tiene ritmo, resulta interesante pero en este caso puede ser que le favorezca el tener que recortar la trama, no aguantaría mas allá de una temporada aunque dejarla en 13 episodios tampoco parece ser la solución. Octubre ya fue un mes de regresos mas que de estrenos. Volvieron a las pantallas, los zombies de The walking dead con una primera mitad de la tercera temporada a muy alto nivel, aumentando la dosis de sangre y casquería por capítulo y avanzando rápidamente, no como el erial de sucesos que fue la temporada anterior. Supernatural sigue teniendo su legión de fieles que no la abandonan nunca y American horror story: Asylum se confirma como el mejor regreso

del año, con una temporada que esta siendo espectacular a todos los niveles, dejando atrás la temporada anterior, correcta pero con un final atropellado y vacío, imaginando un escenario nuevo y llenándolo de dementes, asesinos en serie, nazis, alienígenas, zombies, monjas y cualquier cosa que se os venga a la cabeza. Imprescindible. Quizás el estreno mas interesante de octubre haya sido Arrow, un Smallville sobre Green Arrow, el superhéroe arquero de DC por excelencia. En este caso se opta por un acercamiento a la estética del Batman de Nolan, mas oscuro que Smallville, hecho que quedó claro cuando no se optó por utilizar en la serie al actor que había encarnado a Oliver Queen en la serie del joven Superman. Las triadas chinas, las mafias italoamericanas y los asesinos a sueldo como Deathstroke o Deadshot llenan la serie, que cumple con creces su cometido a la que solo se le puede achacar un pero, quizás no posea la fuerza o la profundidad en la trama


para estirar la historia mas allá de unos cuantos capítulos. Espero equivocarme y que los guionistas sepan darle las vueltas necesarias. Muy recomendable, sobre todo si el mundo cómic es de tu agrado. Buenas críticas y una audiencia muy estable han conseguido hacerla completar una temporada de 23 episodios. Además del rápido repaso a las nuevas series que puedan interesar al fandom, también conviene echar un ojo a lo que nos deparan los próximos meses. Hay renovaciones cantadas como American Horror Story, Dexter, Homeland o The walking dead, la que vuelve el 10 de febrero para finalizar su sangrienta tercera temporada. También vuelve la esperadísima Juego de tronos el 31 de marzo, adaptando la primera mitad de Tormenta de espadas. Y recomendando una serie sin haberla visto, dejándome llevar por la intuición, me decanto por The following, una producción de la Fox con Kevin Bacon y James Purefoy haciendo de policía y asesino, uno alcohólico, otro formando una ingente cantidad de acólitos gracias a las redes sociales para que maten por él. Facebook se topa con El silencio de los corderos... crucemos los dedos para que la apuesta salga bien. También tendremos en cuenta la segunda temporada de Black mirror, enorme serie inglesa de la ciencia ficción mas afilada, la vuelta de nuestros queridos Misfits, entrañables inadaptados con poderes, el final de Breaking bad, lo que nos puede aportar Bates Motel sobre un joven Norman antes de Psicosis... Lo que nos espera, aunque varias de ellas mueran antes de llegar a la orilla en forma de temporada completa. La naturaleza televisiva es así de cruda, que le vamos a hacer.

Por L.J. Zapico.


Esther Esteban entrevista a..... Jose Lamuño

Maria Pujalte

Amparo Larrañaga

Marina San José

Tricicle


ENTREVISTA CON

José Laruño Entrevistamos al joven y prometedor actor José Lamuño, visto en grandes series nacionales como Aída, La Que se Avecina entre otras, y más conocido por su papel de Gorka en Hospital Central, serie que terminó por lanzarle a la fama definitivamente y consolidarle como uno de los galanes de nuestra televisión. Natural de Asturias, José es un chico destinado al mundo del artista, habiendo hecho también grandes intervenciones en el mundo de la moda, y con su gran carisma y simpatía, nos contó unas interesantes declaraciones. Esther: Me gustaría que me contaras como llegaste al mundo de la interpretación. José: ¿Así en frío? (comenta entre risas). Pues yo siempre quise ser actor, soy asturiano y allí no se estila mucho ser actor, entonces yo había hecho teatro desde pequeño y estaba estudiando Fisioterapia en Alicante y me vine para Madrid para probar suerte. Me presenté a los castings que había, conseguí un representante y empecé haciendo moda para ganar un poco de dinero y poderme pagar los cursos y poco a poco conseguí trabajar.

José: Sí, tú tienes que salir con una actitud a una pasarela y con un objetivo, que es lucir la prenda que llevas lo mejor posible. Esther: Y también estudiaste Fisioterapia, ¿verdad? José: Sí, estudié hasta segundo, me quedaba un año para terminar y no pude acabar porque empecé a trabajar ya bastante decidido y no tenía tiempo. Esther: ¿Y tenías interés en ello desde siempre?

José: Sí, desde pequeño.

José: Bueno, fue un poco porque yo siempre he hecho mucho deporte y quería una carrera que se dedicara un poco al mundo del deporte, del volleyball... Y entonces fisioterapia vi que era una buena opción.

Me gustaba mucho contar historias, jugar a que estaba en el teatro o en un plató de televisión, y siempre meterme en la piel de otras personas.

La empecé, es muy bonita y una carrera increíble pero no fue el momento de acabarla, y me gusta lo que hago, y estoy cómodo.

Esther: Debe ser muy interesante meterte en la vida de otras personas. Además has hecho cosas de moda, he leído que has participado en la pasarela Cibeles.

Esther: Has participado en series como Aquí me las den todas o Un golpe de suerte, ¿cómo llegaste hasta ellas?

Esther: ¿Y quisiste ser siempre ser actor, no?

Esther: ¿Y cómo es la experiencia?

José: Pues a Un Golpe de Suerte fue uno de mis primeros trabajos, Carmen Utrilla me dio la oportunidad y se lo agradezco muchísimo, y fue un rodaje maravilloso, en Mallorca, estuvimos cuatro meses.

José: Pues fue una experiencia magnífica, me gustó, fue enriquecedora y al final también estás interpretando para diseñadores, para lucir su ropa, y al fin y al cabo tú eres quién potencia esa ropa.

Allí rompí el cascarón digamos, me dí cuenta de lo que había conquistado y lo mucho que me queda por aprender, fue un rodaje intenso, aprendí lo que era estar a full con un proyecto, y me dí cuenta de muchas cosas.

Esther: Vamos que puede parecerse a ser actor o relacionarse digamos.

En Aquí me las den todas fue una comedia muy bonita y graciosa, en la que participaba con Marisa Porcel y Pepe

José: Sí, no me acuerdo bien porque fue hace mucho tiempo pero he hecho dos o tres desfiles en Cibeles.


Ruiz, dos grandes de la comedia en este país y encantado. Esther: Fue una gran experiencia empezar en series así. Y rodar una serie debe ser muy duro, ¿No? José: Es duro porque son muchas horas, y luego tienes que seguir estudiando en casa el personaje, es dedicación completa al trabajo. Esther: Constancia digamos. También has participado en series como Aída, ¿Es la comedia tu género preferido? José: Ese fue mi último proyecto. Yo si pudiera estaría trabajando todo el día, pero bueno en Aída me dieron la oportunidad de participar en un capítulo, con el gran reparto del que ya conocía a muchos de ellos, y muy bien. Esther: Tiene que ser una gran experiencia, porque es una de las series con más éxito actual, y de grandes artistas. José: Sí, en auge. Esther: ¿Como espectador qué géneros te gusta ver? José: No soy muy exquisito la verdad, me adapto bien a cualquier tipo de género, me gusta mucho la televisión en España y en América, pero no soy muy especial. Puedo ver desde terror hasta comedia, acción, comedia romántica...

participado en el corto Rhodea ¿Verdad? José: Sí, además tuve la oportunidad de casarme aunque fuera en la ficción, fue en una gran ermita, con una chica increíble y sí, una experiencia con mucho frío pero bonito. Esther: Vamos que ya solo casarte fue una gran experiencia. José: Sí, si, es un poco impactante cuando llegas al altar y estás vestido de novio. Esther: Y claro, todo el mundo grabándote y todo ficticio. ¿Y qué diferencias hay entre una serie y el corto y la forma de llegar a ello? José: Me llamaron a partir de mi representante de que les gustaba mucho mi trabajo y estaban interesados en que hiciera ese corto y vino el director, nos parecio todo estupendo y ya a rodar. Esther: Fue todo rodado. También has hecho una miniserie, Tormenta, ¿Qué nos cuentas de ella? José: Fue una experiencia maravillosa, del director Daniel Carpasoro, muy violenta, una película bastante cargada de emoción dura, con personajes muy decididos, chavales de una alta sociedad en el que les presentan un proyecto sociológico en el que les van a dividir en dos grupos y deben conseguir una nota específica para selectividad.

Esther: Lo que te pongan vamos, mientras sea bueno...

Poco a poco se va desmadrando la cosa y les sacan lo más violento y competitivo hasta que hay un punto de reflexión en la película que... Y claro no lo puedo contar.

José: Mientras me guste la película. Hay géneros que me gustan mucho y luego películas de ellos que no aguanto.

Esther: No porque la gracia de la serie si no... ¿Y cómo es tu personaje?

Esther: Te inspiras en alguien para actuar, ¿Tienes algún ídolo?

José: Mi personaje es Alfredo, el novio de Patricia Montero, un chaval competitivo con muchas ambiciones en la vida pero que no es tan estudioso como ella y entonces necesita ese proyecto, él se queda por necesidad y ella por él.

José: Bueno hay mucha gente que me gusta mucho su trabajo pero tampoco me inspiro en ellos, admiro su trabajo y lo valoro y intento pensar como han llegado hasta allí, los pasos que han dado para llegar a esos papeles. Esther: El trabajo y la trayectoria vamos. ¿Hay algún personaje que admires y te gustaría hacer en un futuro?. José: Hay tantos personajes que me hubiera gustado hacer... Cadena Perpetua es una de mis películas favoritas y la verdad que casi todo lo que hace Morgan Freeman me gusta. Esther: Es que es un gran actor... También has

Él es el más reflexivo de todo el grupo y el más respetuoso, aunque hay un momento en el que perderá el control sobre si mismo, sobre sus valores y su ética, pero sabe rectificar y es un poco el que se arrepiente y intenta que vuelva a su cauce. Esther: Claro, a ser todo como era. ¿Y cómo te has preparado para el personaje? José: Pues todo el curro fue gracias a Daniel que tenía claro los personajes que quería, la coach de la película nos ayudó mucho también, vi documentales sobre los


asesinatos en Columbine, vi La Ola, una película alemana que también trata sobre un experimento sociológico, y inspirándome en eso fui creando la personalidad de Alfredo.

todo cojo la bici y me pierdo por Madrid.

Esther: ¿Y has podido encontrar algo en ti para ayudarte con el personaje?

José: Sí, suelo irme al Retiro o al Madrid Río.

José: Siempre intento que partes de mí mismo estén en ellos, y ellos en mí, es inevitable, una fusión, él a mí y yo a él y viceversa, pero si que encontré partes de mí que se identificaban con Alfredo para poder entenderle y defenderle. Esther: Cuando acabas una serie imagino que tendrás un montón de aspectos del personaje en ti y tendrá que costarte separarte.

Esther: Deportista al cien por cien vamos, y con lo difícil que es ir en bicicleta por Madrid con tanto ajetreo.

Esther: Te gusta la naturaleza digamos, y más viviendo en Asturias. José: Si bueno vivo en Madrid pero visito a mi familia en Asturias cada vez que puedo. Esther: ¿Y cómo llegaste a Hospital Central?

José: Sí, si, nosotros nos íbamos a casa calentitos, con Daniel era todo muy intenso y real, y llegabas a casa muy tocado diciendo guau, hoy he sido un verdadero hijo de la gran puta.

José: Bueno a Hospital Luis Gimeno me llamó para hacerme la prueba, que tenía un personaje que coincidía bastante con mis características, me hizo cuatro castings y entré, ya hice el casting para la temporada anterior y me quedé fuera, y esta última temporada cuadró, a Telecinco le pareció bien, y fue terminar Aquí me las den todas y entré en Hospital Central.

Esther: Descargabais tensión.

Esther: Debió hacerte mucha ilusión.

José: Sí, si, llegabas a casa con la adrenalina y era difícil dormir.

José: Era una gran oportunidad que Telecinco y una serie que lleva tantos años pudiera confiar en mí y que yo pudiera hacer ese trabajo, estoy contento con ese resultado, creo que han salido cosas bonitas, historias bonitas, sobre todo la historia con Julia, estoy contento con como empezó el personaje y sobre todo como terminó y de Hospital Central no te podría decir nada que no fuera que es una maravilla y que mis compañeros

Esther: Vamos como el parque de atracciones elevado. ¿Y qué otras aficiones tienes a parte de actuar? José: Me gusta mucho el deporte, la fotografía, ahora estoy aprendiendo a tocar el piano, hago yoga y sobre


son unos grandes compañeros. Esther: ¿Y te ha costado poder trabajar con agujas y sangre? José: Sí porque soy bastante aprensivo y ha habido alguna secuencia que yo decía darme un poquito de tiempo porque el ver el tema de las agujas o un intestino... Esther: Sí, que aunque sea artificial, es... José: Sí, pero el material es real así que al fin y al cabo... Esther: Debe ser complicado simular una operación o una enfermedad muy grave. José: Sí, es complicado porque además ninguno somos médicos y allí tenemos médicos y enfermeros que nos ayudan y nos explican como es y está todo bastante ensayado y medido. Esther: ¿Y cómo es interpretar a Gorka? José: Gorka era una montaña rusa de emociones, y fue maravilloso ver cómo fue creciendo y madurando, viendo que no estaba tan seguro de sí mismo y viendo que había un mundo más allá de su propio ombligo, entonces fue una experiencia muy gratificante para mí. Esther: Y es bastante complejo con una gran evolución. ¿Y te identificas en algo con él, eres tan extrovertido? José: No, no soy tan extrovertido, ni tan ligón, él es más echado para adelante, pero si tenemos cosas en común. Esther: Aparte de lo que hemos visto al principio, hemos visto su lado más sensible y luego el más extremo con la pistola y todo. José: Sí, con la psicopatía que se creó y la obsesión, tenía alucinaciones, el no poder dormir... Gorka no sabía ya lo que era dormir, él su vida fácil era él, su ombligo y su profesión, y cuando Julia se mete de por medio y cuando Camino también, valora otras cosas y le afecta mucho la muerte de esta chica que además es delante de él, ya no solo porque la mataran delante de él, si no porque no pudo hacer nada y eso en su ego personal lo lleva mal. Esther: Claro el que la maten y no puedas hacer nada, el miedo que tenía... ¿Y hay alguna anécdota que nos puedas contar de la serie? José: Es que los rodajes eran siempre muy divertidos, éramos todos muy amigos y seguimos teniendo contacto. Anécdotas te podría contar muchas, desde el primer día en que vi a Jordi Rebellón que creo que ni me atrevía a hablar con él de lo que me imponía, y luego es

un tipo increíble, un gran amigo y un gran compañero, muy generoso. El primer día llegué y le dije es que me impones mucho respeto y él me dió una palmada en la espalda y me dijo que ahí estábamos todos en el mismo barco, que para adelante que él me iba a ayudar y que estábamos todos en el mismo camino. Esther: Él miedo se fue digamos. Tiene que haber sido muy importante la serie para tí. José: Claro, además la última temporada y me hizo mucha ilusión que tanto Telecinco como la productora confiara en mí para ese papel. Pero bueno se tenía que acabar y llevaba mucho tiempo y tenía que terminar. Esther: ¿Y de tu carrera con qué papel te quedarías? José: Con todos, volvería a hacer todos y cada uno de ellos y de los últimos es que me quedaría con todos, yo soy ellos y ellos forman parte de mí, sin ellos no sería nada y han aportado cada uno su granito de arena. Esther: ¿Y cuál ha sido el más complicado? José: A mí es que trabajar me resulta difícil, no es fácil y cada uno lleva un proceso, todo tiene su trabajo y no hay una cosa más fácil que otra, tienes que tener un trabajo sólido, saber porque dice eso tu personaje y como, no hay uno más fácil que otro, son diferentes. Esther: Primero el guión, luego todas las horas de rodaje, encontrar el personaje... José: Sobre todo encontrar el personaje que sucede al cabo de los capítulos, cuesta y lleva su proceso. Esther: ¿Y qué futuros proyectos tienes? José: Tengo muchos proyectos entre manos abiertos pero nada cerrado, todavía no puedo decir nada.


ENTREVISTA CON

Maria Pujalte Entrevistamos a una de las actrices y cómicas más veteranas del panorama actual, con numerosos proyectos a sus espaldas que la respaldan como una de las artistas con más renombre de nuestra historia nacional cinematográfica. La recordaréis por Siete Vidas, Periodistas o la más reciente Los Misterios de Laura, y aquí en esta entrevista podréis conocerla un poco más y sobre todo, como es su persona. Esther: ¿Cómo llegaste al proyecto de Hermanas?: María: Me llamaron y me ofrecieron el personaje, así de sencillo. Estaban formando el elenco y leí la función, me gustó, leí más o menos el trabajo de Carol y el tipo de teatro que hace ella y como trabaja y el personaje me gusta mucho, Teresa es una mujer y me gusta todo lo que pasa en esa familia y el juego teatral que tiene la función, la puesta en escena... Se podía, te lo ofrecen y pues estupendo. Esther: Y cómo ha sido interpretar a tu personaje, ¿Cómo te has preparado para ello? María: Pues esto de explicar cómo te preparas es complicado porque no creo que se entienda muy bien, es un proceso entre el estudio, y prepararte físicamente para hacer teatro, que es muy exigente, tienes que estar muy bien de salud y tener bien la voz, tener bien el cuerpo, básicamente tener bien afinado tu instrumento, que eres tú misma, y nada, trabajar mucho. Es en los ensayos dónde tú te pones de acuerdo y donde el director te dice, y donde llegas a acuerdos, no es que te lo prepares en tu casa y vienes y ya te sale por arte de magia, sino que es un proceso de ponerte de acuerdo, de equivocarte, de meter la pata, hasta que se llega a buen puerto, esperemos... Esther: Y cómo ha sido regresar al teatro, ¿Tenías ganas de volver a hacer una obra? María: Sí, hacía dos años y medio que no era mucho pero ya tenía ganas sí, porque a mí me gusta mucho hacer teatro y en seguida lo hecho de menos, estaba muy metida en la serie y el personaje es una maravilla, pero el

escenario es un poco droga. Esther: La última película en la que te vimos fue en Que se mueran los feos, ¿Cuándo te podremos ver de nuevo en el cine? María: Pues cuando me llamen, cuando tenga bien tenerme en su película (dice entre risas). Esther: Y más ahora como está el cine... María: Si, si, se están haciendo miles de rodajes, está la cosa... Esther: En España vamos, cuatrocientos mil rodajes al día.. ¿Y hay algún personaje que te gustaría poder interpretar o con el que hayas soñado? María: No, a veces piensas personajes que te gustan, cosas que lees o funciones que te parecen bonitas, pero la verdad que eso nunca me he empeñado tanto en ello, porque luego influyen mucho las circunstancias, lo que estés viviendo en el momento, como va la carrera... No es algo que puedas manejar tanto tú creo yo, entonces lo que sí quiero siempre en la medida de lo posible es que sean proyectos bonitos, que a mí me emocionen, que me gusten, que me parezcan cuidados, de calidad, que el personaje sea bonito, que el director sepa lo que se hace, que haya un buen texto, cosas... Que te pille bien, no he querido demasiado perseguir así, o tengo que hacer este personaje por encima de tal... Es muy difícil eso, muy complicado, prefiero no soñar demasiado para no llevarme grandes decepciones. Esther: Vivir el día a día... Y cómo te sientes más a gusto, en una serie, en el teatro, ¿Qué recuerdas de algunas


series como Siete Vidas...? María: Tú me dices que como me siento más a gusto, mira eso depende mucho del proyecto, si tu estás haciendo una obra de teatro que no te gusta, que no estás a gusto, que no defiendes, entonces no te vas a sentir bien... A mí, el teatro es lo que más me gusta siempre y cuando que sea una buena función, porque si es algo que no te gusta o te parece malo lo vas a sufrir, porque todos los días tienes que hacerla... Esther: Claro, levantarte todos los días y hacerlo con desgana... María: Bueno, es un esfuerzo, y en televisión igual y en el cine igual, lo mejor es que los proyectos sean bonitos... Esther: Sí, que a lo mejor encuentras un proyecto televisivo que pueda seducirte más... María: Depende de tantas cosas... Esther: ¿Y quisiste ser siempre artista? María: Actriz, a mí es que lo de artista me suena un poquito a... Yo lo siento grande en mí, yo con actriz y tener un oficio y saberlo hacer y actuar... El arte es una cosa muy seria, me siento más cómoda si me llaman actriz, o cómica o algo así... Siempre quise serlo desde niña.

Esther: ¿Y cómo ha sido trabajar con Marina o con Amparo? María: Muy bien, con todo el elenco, Amparo y yo nos conocíamos desde Periodistas y estuvimos allí en la serie, trabajábamos juntas muy bien y teníamos las dos un respeto muy grande por este oficio y yo aprendí mucho, en aquel momento había hecho muy poca televisión, y aprendí mucho en Periodistas y de ella, y de Coronado... Y ya nos conocíamos. Con los demás no había trabajado con ninguno, bueno con Chisco había coincidido pero poco, es un buen equipo, somos bastante piña y muy bien. Esther: Con Amparo ha sido un gran reencuentro al cabo de los años... ¿Y qué futuros proyectos tienes? María: Estrenar esta función, yo ya sabes que estoy en el día a día.


ENTREVISTA CON

Marina San José Una de las actrices de moda, que destaca ante todo por su dulzura y carisma, llegada recientemente de obras tan exitosas como Venecia bajo la nieve o Sin paga nadie paga, viene dispuesta a volver a arrasar con Hermanas. Tras haber calado fuerte en los espectadores con su contundente papel en Amar en Tiempos Revueltos, entrevistamos a la artista para conocerla un poco mejor. Esther: ¿Cómo llegaste al proyecto de Hermanas? Marina: Pues verás, yo estaba en Sin paga nadie paga y que también es producción de Pedro y llegó un día y me dijo mírate esta función, míratela porque vista no es lo mismo que leída la función...

Esther: Están en otra etapa pero todavía forman un poco parte de ella. Marina: Y yo tampoco me quiero desprender de esa etapa, estoy un poco en ella, todavía vivo con mi madre y estoy un poco bajo el ala.

Y nada me la vi por la noche y por la mañana ya le estaba llamando para que contara conmigo sin dudarlo.

Esther: ¿Y cómo te has preparado para realizar el personaje?

Esther: ¿Qué fue lo que más te atrajo del proyecto?

Marina: Pues nos ha preparado Carol mucho con los ensayos, hemos hecho alguna improvisación y lo tenía muy claro al ser una obra ya hecha en Cataluña, tenía bastante claro los personajes.

Marina: Fue todo, la historia, una historia que habla de la familia, de la vida, de la muerte, es muy emotiva, ríes sin parar, lloras, lloras de la risa, te atrapa mucho y te puedes sentir muy identificado con los personajes y yo creo que fue todo eso, es una obra muy redonda.

Marina: De todo.

Luego se han ido adaptando porque los personajes que se hacían allí no tienen mucho que ver con nosotras y para que tengan alguna cosa que ver, pero bueno ha sido adaptarlo un poco a nosotros y sacarle un poco de partido a lo que nosotras tenemos y la verdad que no nos ha costado mucho a casi ninguna porque la historia ya te lleva.

Esther: ¿Y de tu personaje qué nos puedes contar?

Esther: ¿Y hay algo de tí en Ivonne?

Marina: Pues mi personaje es Ivonne, que es la hermana pequeña, la más alocada, que está probando todavía pues todo, las relaciones, las carreras, todavía no sabe que es lo que le gusta...

Marina: Pues no sé, supongo que esta época alocada que ella vive con treinta años yo lo viví ya hace unos cuantos años por suerte (dice entre risas).

Esther: Que tiene de todo vamos, muchísimos elementos.

Pero no tiene ningún conflicto, lo tienen más sus hermanas con ella porque no la entienden bien, pero ella vive un poco la vida y se deja llevar. Esther: Vamos que son las hermanas las que no la comprenden. Marina: Sí, pero vamos ellas también pasaron por esa época, pero olvidan rápido.

Y sí, bueno, esa cosa yo creo. Esther: Has estado en Venecia bajo la nieve y luego en Sin Paga nadie Paga y érais bastantes en el mismo proyecto, ¿Cómo ha sido trabajar de nuevo con las mismas personas? Marina: Pues fantástico porque ya te conoces y ya sabes los puntos fuertes y débiles de cada uno, y bueno ya tenía ganas de empezar con una nueva compañía y con


gente nueva.

Esther: Cualquier medio te puede encantar.

Esther: Y han sido grandes comedias.

Marina: Totalmente.

Marina: Sí, la verdad que estoy encantada con la comedia, me gusta mucho.

Esther: ¿Y qué personaje te gustaría interpretar en un futuro?

Esther: Hablando de tu etapa en televisión, cómo recuerdas Amar en tiempos revueltos, ¿Qué ha significado para tí?

Marina: Lo más inmediato es Ivonne, que es en lo que me centro ahora, y no pienso en que papel conseguir.

Marina: Yo lo recuerdo con mucho cariño, han sido dos años de vida dedicada a la tele, porque entrabamos por la mañana muy pronto y hasta las seis de la tarde estábamos allí y lo recuerdo con mucho cariño y que sigan, que les hayan pasado de cadena y puedan seguir trabajando todos. Esther: Y además ha sido un gran éxito la serie. Marina: Sí, si, mucho éxito la serie, la gente la verdad es que cada vez que nos veía a mí o a Carlota, el personaje que hacía de mi compañera siempre nos han tratado con muchísimo cariño. Esther: Enhorabuena por la serie y por todo. Marina: Muchas gracias. Esther: Has estudiado también canto y danza, ¿Quisiste ser siempre actriz o fue una idea que fue surgiendo? Marina: Para nada, fue surgiendo, porque terminé de estudiar y no sabía bien que hacer, me metí a probar arte dramático y ahí me quedé tres años. Me gustó la cosa, terminé y empecé a trabajar en El Cartero de Pablo Neruda, y mientras tanto he hecho también canto y danza, empecé con mis padres haciéndoles los coros, tocando un poco todos los palos, y también me gusta. Esther: Además que lo llevabas ya en la sangre. Marina: Era un poco inevitable. Esther: Y bueno luego te has ido enamorando de ello con el tiempo. Marina: Totalmente. Esther: ¿Y cómo te sientes más a gusto, en teatro en televisión? Marina: Pues el teatro realmente, que es lo que más he hecho, es con lo que mejor me siento, pero vamos soy actriz y estoy abierta a cualquier tipo.

Esther: Cómo ha sido trabajar con actrices como María o Amparo? Marina: Es muy gratificante, porque son unas pedazos de artistas que llevan muchísimos años sobre el escenario y aprendes cada día. Esther: Os transmitís conocimientos mutuos. Marina: Claro, y ellas sobre todo, por el gran recorrido que tienen. Esther: Y como espectadora, ¿Qué género te gusta más? Marina: Como espectadora me da un poco igual, lo que quiero es que me guste y sienta algo por lo que estoy viendo, y como actriz hasta hace tres funciones siempre había hecho drama, pero la comedia es también muy gratificante, que escuchas al público y lo tienes ahí, con los dramas no pasa tanto y no tienes tan presente al público y es bonito interactuar con él. Esther: Ver lo que siente el público, que en la televisión no es lo mismo. ¿Y qué futuros proyectos tienes? Marina: Ahora mismo esto y en la televisión todavía no está cerrado del todo y no te puedo contar mucho más.


ENTREVISTA CON

Amparo Larrañaga Entrevistamos a una de las actrices de más renombre y más categoría de nuestro país. Amparo Larrañaga, gracias a su belleza y a su arte en el mundo de la interpretación, ha recibido multitud de nominaciones por su carrera y nos ha dejado algunos de los papeles más importantes que jamás hayamos visto. Todo un honor estar con la increíble presencia de Amparo, que nos trae las confesiones de más interés sobre su obra de teatro Hermanas. Esther: Me gustaría saber cómo llegaste al proyecto de Hermanas.

son simples y están buscándose a lo largo de la obra me parece bonito.

Amparo: Al proyecto de Hermanas, es una función nuestra, como sabes que nosotros producimos nuestras propias obras siempre tenemos bastantes cosas para elegir y para ver.

Esther: Es una obra con un montón de elementos digamos, que puedes reír, llorar...

Yo lo tenía muy claro, estaba haciendo Fuga y la verdad es que me llegó Hermanas, yo no sabía, mi hermano sí claro porque está mucho más puesto como productor y había oído hablar pero no visto la obra porque no había venido a Madrid y había ido a Barcelona a verla, y dije mandamela y me mandó un DVD y claro, una profesional que tiene que elegir una obra para ella y sentarte en una habitación de hotel en un ordenador a ver una obra de teatro grabada, es un poco lamentable, y con público, que no es una cosa hecha en un plató ni nada... Y cuando yo me doy cuenta que está ahí, y en mi ordenador me estoy metiendo en eso, que lloro, que río... Porque acabé llorando y al final me entró una emoción... Y si a mí en estas circunstancias me ha tocado, es la función ideal y hay que ir a por ella, y así es como me llegó Hermanas, además me gustó el personaje y coincidía con Carol de que era el personaje que yo debía hacer y es la hermana mayor y tiramos... Esther: Claro, que es una obra que te enamoró desde el principio. Amparo: Sí, desde el principio, siempre me gustó mucho, a mí este tipo de cosas con tanto detalle y donde se cuentan tantas cosas entre los personajes, que no

Amparo: Reír, llorar, escuchar situaciones sencillamente, hay situaciones en las que nos ves llorar, cantamos, bailamos, de pronto sucede que se escenifica algo que solo es un pensamiento de alguno de los personajes, o de pronto ves tantas cosas en tan poco tiempo y alguien tiene un recuerdo del pasado y sucede un flashback de algo que ha sucedido quince minutos antes unido a otra escena... A mi todo eso me parece muy bonito y que está muy vivo y hay que prestar una atención. Esther: Vamos que nos lo vais a transmitir también a nosotros... Amparo: Exacto, exacto... Esther: Y tu personaje cómo es, ¿Qué nos puedes contar? Amparo: Inés es una Inés en el primer acto y otra totalmente distinta en el segundo. Pero para mí era muy importante que en la primera escena que están las tres juntas se viera en seguida cómo son las tres. Eso Carol lo ha conseguido muy bien. Se ve que Inés es un personaje con un carácter tremendo, bastante convencional y más conservadora que sus hermanas, al mismo tiempo la más egoísta con diferencia, cuando le pase algo a ella el mundo tendría que pararse porque


su problema es el problema del mundo entero y es enorme... ¿Qué ocurre con todo eso? Que se da paso a situaciones muy cómicas, ella quiere a sus hermanas a pesar de ser tan distintas y no tener nada que ver con ellas, pero le importan tanto las apariencias... Que cuando se rompen se rompe todo pero mientras tanto intenta siempre disimular y demostrar que a ella le va fenomenal y que ella es la triunfadora de esa familia y que va bien y lo demás es... Todo esto da mucha comedia al personaje. Pero a ella le sucede que algo que hace que en el segundo acto sea completamente distinto, lo que no le quita la comedia y se hunde del todo, y no tiene término medio y es un descalabre, un disparate de mujer... Pero vuelvo a decirte, también tiene la capacidad de romperse, pedir perdón, tiene orgullo, es valiente, sabe cuando realmente hay un problema real y es prioritario, pero sin intención de caer bien ni nada, dar un rollo más humano a su personaje y ir por el camino de la comedia, hacer reir hasta el final y voy a seguir ese único recorrido, no era el caso. Esther: Va a ser muy divertido, ver dos partes tuyas en la misma obra. Amparo: Sí, si, muy diferenciadas y las dos son bastantes divertidas. Esther: ¿Y hay algo en tí en el personaje con lo que hayas podido identificarte? Amparo: No, no, siempre lo digo, a mí con los personajes lo que me pasa es que las puedo comprender a unas más que a otras. Lo que Inés desea en el mundo, a mi me importa nada, o sea nada, pero claro es una mujer, que la estabilidad que ella quiere, nada. No podemos ser más distintas, pero lo que tengo que hacer es entenderla, entender su situación, lo que le pasa, lo que vive, cómo es, quererla... Y desde ahí, pues siempre he tenido personajes más cerebrales, otros más de tripa, este es más de tripa, con toda su verdad hace comedia, y te hace de reir, pero para ella es un drama. Esther: Claro, un drama, y es que aunque te toque interpretar a un asesino digamos que tienes que intentar entenderlo. Amparo: Claro, entenderlo, y le tienes que creer... Esther: Y de tu larga carrera, ¿Qué papeles recuerdas que te hayan marcado más? Amparo: Es que han sido muchos, otros que me han

costado mucho, y es muy difícil elegir porque además con esto pasa una cosa muy curiosa, te olvidas del anterior y el que quieres es el que vas a interpretar en el momento, y cómo yo no soy una mujer ambiciosa de personajes de ahí me gustaría hacer Medea, me gustaría hacer Lisistrata o... No, no me interesa. Me gusta el teatro comercial, el teatro privado, la comedia, obras que cuyos contenidos pueda ver cualquiera, todo el mundo, que no tenga un circuito limitado y dentro de todo eso, recuerdo La habitación azul, una obra que hice junto a José Coronado dirigida por Mario Gas hace 5 años, que no llegó a Madrid y en la que interpretaba a cinco personajes, era un cansancio terrible ya que la hacía a la vez que una serie y fueron seis meses de gira y fue tremendo... Esther: Tuvo que ser una experiencia... Amparo: La verdad que terrible, no podíamos con los viajes, yo me había quedado embarazada y tenía un bebé y dijimos pues lo posponemos, pero eso al final es mentira porque no se acaba haciendo, y es uno de mis trabajos favoritos y no tan reconocibles, que más te puedo decir, y una obra que trataba sobre el maltrato infantil y los abusos, y ese tipo de trabajos que no son tan multidisciplinares los recuerdas como algo muy satisfactorio de hacer para tí. Esther: Y para finalizar, ¿En qué futuros proyectos te vamos a poder ver? Amparo: Yo cuando empiezo una obra mi ilusión y ambición es que dure tres años, nada más no quiero, porque a veces sale una serie y no puedes, no sabe la gente la de veces que me ha pasado esto pero para mí esto es la prioridad.


ENTREVISTA CON

TRICICLE Entrevistamos a los mejores cómicos de nuestro país, Tricicle, que llegan con un renovado espectáculo a la Gran Vía madrileña, Bits, en el que con la misma línea de siempre y nuevas sorpresas conseguirán sorprendernos sin lugar a dudas. Nos reunimos con Carles y Joan para compartir con ellos experiencias de toda la vida y las nuevas ilusiones que llegan con Bits. Esther: Me gustaría que me contaráis como empezó el grupo Tricicle en el 79: Carles: Si empezamos desde el 79 nos podemos estar diez días aquí, con todas las cosas que hemos hecho. Joan: En el 1979 yo tenía una novia que se llamaba Rosa, entonces ella fue un día por Las Ramblas y se le apareció un chico de cara, que era Carlos, y se enamoró de él. Salieron unos dos meses y ella no nos decía que salía con los dos a la vez, hasta que un día estando en casa de Fer nadando en la playa se hizo novia de Paco y empezó a salir con él, y estaba saliendo con los tres a la vez, hasta que un día descubrimos que teníamos la misma amante, y en lugar de matarnos la matamos. Entonces nos hicimos amigos y montamos un grupo de teatro que se llama Tricicle, y el primer skecht era eso, tres tíos que mataban a una chica porque era amante de los tres. Y así se generó el grupo. Carles: yo por si no funcionaba abrí un concesionario de Mercedes, pero esto por si no funcionaba. Joan: Paco siguió con Bellas Artes porque se especializó en robos de cuadros de chalets y se los vendía a un falsificador que estaba en palma, se llama Eric el Belga, y él los introducía en el resto de Europa. Carles: Esta podría ser una versión y otra es que nos conocimos en un instituto de teatro en Barcelona, donde estábamos estudiando interpretación, Joan es muy imaginativo y va haciendo sus biografías, tenemos multitud de biografías en Internet. Joan: Pero nadie sabe cuál es la auténtica. Carles: Nosotros de tanto mentir nos hemos olvidado de

cuál es la auténtica. Esther: Más bien creo que será la del instituto de teatro, ¿Quisisteis dedicaros desde siempre a ser actores, al humor...? Carles: Para nada yo estudiaba para ser abogado, Juan trabajaba en un banco y Paco como decía estudiaba Bellas Artes, cada uno tenía caminos distintos pero por estas cosas que tiene la vida nos canalizamos por el mundo del teatro y lo que nunca llegamos a imaginar es que llegaríamos tan lejos. Joan: Bueno yo sí porque era un visionario, trabajaba en Bankia y me di cuenta que al final del camino me iban a echar y me centré en Tricicle. Esther: Y ya surgió la magia digamos, y ¿Recordáis alguna anécdota en especial de vuestra carrera en las tablas?. Que habrán sido un montón. Carles: No muchas tampoco, recuerdo de una vez estar actuando y haber dejado aparcada una furgoneta de aquellos tiempos en que íbamos actuando por los pueblos y llevábamos nuestro propio material y nos interrumpió la función un guardia municipal para que quitáramos la furgoneta de donde estaba aparcada. Esther: En medio de toda la función... ¿Y qué recordáis de aquella época con espectáculos como Slastic o Terrific? Carles: Slastic la hicimos 1.200 veces, y estuvimos por diez países con este espectáculo, que el espectáculo se centraba en el mundo de los deportes y que nos llevó incluso a actuar en las Olimpiadas porque pensaron en nosotros al haber hecho un espectáculo de deportes, llegamos hasta Japón y Tokio, nos ha ido muy bien pero como trabajar en los países latinos...


Las otras culturas pueden entender el humor pero son más cerradas en cuanto a reacción, por eso nos encontramos muy bien trabajando en España, Francia, Italia, Argentina... Sitios latinos y sobre todo mediterráneos. Esther: Tiene que ser muy diferente claro, actuar en sitios como China, Argentina, en todo el mundo, la forma de entender el humor... Y qué recordáis de aquel 25 aniversario en el Palau Sant Jordi con tantos deportistas y personalidades, ¿Cómo fue aquel momento? Carles: Bueno, muy emocionante, fantástica, actuaron la flor y nata de la élite de deportistas de este país, además todos a favor de un espectáculo como es Slastic, todos con ganas de interpretar y de interpretar bien, lo aprendieron fantásticamente bien, fue una fiesta común entre ellos y nosotros inolvidable y delante de miles y miles de espectadores. Todo fue muy bien. Esther: Muy impresionante, deporte y humor unido. También habéis hecho proyectos en televisión y cine, ¿Como es el cambio de registro de trabajar en teatro a estos medios? Joan: No tiene nada que ver, porque el teatro si tienes un fallo lo puedes corregir y tienes la respuesta del público al momento, y lo que ocurre es que nos gusta mucho el cine, de hecho nuestro trabajo está más inspirado en cine que en teatro, el cine tiene la ventaja de que puedes

colocar la cámara donde quieras y en teatro no, los rodajes son lentos y no ves el resultado hasta tres meses después, y la televisión en este momento es un mundo tan competitivo y extraño, donde a veces triunfan cosas que son insólitas o que realmente no están ni cerca del mundo del espectáculo o en si mismas son cosas a las que nosotros no nos gusta participar. Esther: ¿Y cómo espectadores que tipo de género os gusta ver tanto en cine como teatro? Carles: Todo tipo, drama, comedia, musical, teatro gestual, danza, ópera, somos un público muy abierto a todo. Joan: Yo solo no veo terror, no me gusta pasar miedo, y eso que no soy una persona miedosa, así como hay gente que le encanta, a mí, yo creo que nunca he visto una película de terror. Esther: A mí me pasa lo mismo, la verdad tampoco puedo aguantarlo. Joan: Pues mira hay una película buenísima de terror que podemos quedar a ver que nos pasa, a ver la experiencia. Esther: Pues sí pues sí, con lo de moda que está el terror ahora... ¿Y tenéis algún ídolo tanto en teatro o en cine? Carles: Tenemos bastantes, pero Monty Python por ejemplo, como musical es lo mejor, y para nosotros son personas que han hecho humor y hacen humor, digamos


añorada, que tiene un gran recorrido. Esther: Como hablábamos antes, Cómo es hacer una gira por lugares tan dispares como Austria, China, Argentina,... además del tiempo que conlleva. Carles: Lo que hablaba antes, el actuar en países de culturas diferentes tiene ese atractivo inicialmente porque conoces otras ciudades, otro tipo de comidas, la reacción... Y algunos países están muy bien, también ves como realmente es la cultura o la ciudad, pero la verdad que nuestra cultura está muy bien, la cultura latina, y para recordar anécdotas como en China, Japón, o Estados Unidos, las reacciones son buenas, pero no son tan extrovertidas como el público latino. Esther: Claro que a lo mejor en China, aunque vosotros no soléis hablar, excepto en Bits que incorporáis pequeños diálogos, pero el humor es universal digamos, muy curioso, ¿No? Carles:No es común, hay un tipo que si lo es pero no siempre es un 2+2, a lo mejor haces un mismo gag aquí, en Alemania o Francia y funciona distinto, pero nuestra forma si es verdad que es universal. Esther: Además lleváis un montón de generaciones haciendo reír estupendamente y sorprendiendo, me gustaría saber como es llevar un espectáculo con tantos gags continuos, imagino que debe ser muy complicado de preparar.

Joan: Nosotros los espectáculos estamos entre tres y seis meses preparándolos, algunos más y algunos menos, y eso significa encerrarse alrededor de una mesa y empezar a soltar todas las ideas que tengas, a estructurarlas y a contarlas entre nosotros para que sean como las ves tú, que sean aceptadas, mejoradas, añadiendo algo de parte de cada uno, cuando tenemos una idea que nos gusta a los tres tiramos hacia adelante y hacemos un brain-stormming alrededor de ese tema, luego vamos estructurando por escenas y añadimos muchos gags que luego cuando lo estrenamos delante del público algunos ves que son buenos, otros mejores de lo que pensabas y otros peores, y ahí se trata a base de funciones, como tú decías el teatro está vivo e ir añadiéndole lo que le falta, y de alguna manera el público es todo el motivo. Esther: Me ha encantado la propuesta de Bits, los trajes que sacáis al principio, la pantalla, el número de la San Silvestre con los viejecitos me lo he pasado muy bien, tiene números muy buenos, me gustaría saber cómo ha surgido la idea, que ya sería algo planeado, de algunos de los homenajes del espectáculo. Joan: Hemos hecho un homenaje a nosotros mismos con el número del supermercado de las tres ancianas que hicimos en el 1984, también hemos hecho un homenaje a Les Luthiers porque somos amigos y siempre hemos hablado de hacer un espectáculo juntos, pero como nunca lo haremos, nosotros les hemos hecho un homenaje, luego otro en la carrera de los viejos como dices tú a dos viejos que jugaban al ajedrez en el


espectáculo de Slastic, hemos recuperado algunos homenajes y como ves son de gente mayor, porque no podemos hacer un homenaje de cuando teníamos 20 años porque sería más difícil. Esther: Tiene que haber sido emocionante recuperar personajes con el paso de los años. Carles: Sí, porque los recuperas y los adaptas a una idea de hoy. Esther: ¿Y teniais ganas de volver a los teatros? Joan: Siempre, no es como en el cine o la televisión que dependemos de alguien sino que nosotros somos nuestros propios empresarios, los que nos montamos las giras, los que actuamos con lo cuál tienes más libertad, y tienes la respuesta diaria. Esther: ¿Y qué numero de vuestra carrera recordáis con más cariño y el que más esfuerzo os ha costado? Joan: A mí el Tres. Carles: Hay muchos skechs que han costado mucho esfuerzo, pero recuerdo con más cariño el de Soy un truhán soy un señor, nos lleva a casi nuestra prehistoria, y ese fue casi nuestro primer gran éxito, entonces por la nostalgia que suponen aquellos tiempos y el éxito que tuvo puede ser por lo que le recordemos con más cariño, pero hay muchos que son muy memorable, cada espectáculo tiene dos o tres... A veces no es solo con el que se ríe más la gente, si no el que te guste más. Esther: ¿Y que mensaje le lanzariaís al público para que viniera a ver Bits? Joan: Que es un espectáculo que lleva el humor de todos los espectáculos de Tricicle, que es un espectáculo renovado en un formato maravillosamente actual. Carles: Y si se quieren descojonar durante hora y media que no miren otro teatro que sea Gran Vía.

primera parte del espectáculo la gente está riendo y luego no para de llorar... Esther: Para volverse loco... ¿Y os gustaría volver al cine o a la televisión? Carles: Tal vez sí, pero no están bien los tiempos, las televisiones no tienen dinero y las que lo tienen, hacen cosas que no coinciden en absoluto con nuestro modo de entender el espectáculo y el humor, y las que podrían hacerlo no tienen un duro. Luego, el cine lo mismo, no hay dinero.

Joan: Haciendo un repaso por todos los teatros de gran vía creo que somos imbatibles.

Esther: Y en el mundo artístico, ¿Hay algún sueño que os quede por cumplir?

Esther: Además con mucha comedia que es lo que hace falta en estos momentos.

Joan: Poder hacer cine, si no hubiese las dificultades que hay si que nos gustaría hacer cine, mucho más que televisión, luego envejecer felices y que España se recupere de la crisis, y la guerra de Irak se pare.

Carles: El Rey León no da risa. Esther: Ni el Rey León, ni Los Miserables... Carles: Los Miserables con ese nombre no puede dar risa. Joan: Y Sonrisas y Lágrimas no sé si la has visto, la

Carles: Yo poder morir rodeado de mis nietos, y eso que no tengo hijos pero es un sueño que tengo. Joan: Siempre los puedes adoptar, hay una cantidad de niños adoptables...


Esther: Va a venir aquí la policía y ya no va a haber más Tricicle. Carles y Joan: Ahora está decidiéndose entre Perales y Serrat. Esther: Vino Spielberg a Madrid, hubiese sido un buen objetivo. Joan: Pero él solo roba a nacionales, en chalets, y claro Spielberg no se ha traído el chalet. Esther: Tendría que haberse ido con él en el avión. Joan: Quiere robar a Luis Cobos también. Esther: Iba a decir la Pantoja en la Moraleja pero ahora con todos los juicios... Joan: Está a dos velas, ha vendido todos los cuadros que tenía. Esther: No estoy yo dando buenas ideas para los robos, o si no el Thyssen ahí mismo. ¿Y para ir finalizando, tenéis algún futuro proyecto o espectáculo en mente? Carles: No ahora no, estamos como aquel que dice estrenando este, explotarle y dios dirá. Esther: Algo más bonito y familiar, distinto del mundo artístico... ¿Y que otras aficiones distintas del teatro, del cine... tenéis? Carles: Cada uno tiene las suyas, me gusta mucho la fotografía... Joan: A mí me gusta mucho la gastronomía y el cabaret, entonces junto los dos y me como a una bailarina del espectáculo. Carles: Y Paco no tenemos ni idea, hemos contactado a detectives privados para que lo vigilen fuera de horas de trabajo, cuando sale de aquí ni idea de que va a hacer. Joan: Yo creo que sigue con los robos, creo que sigue robando, y que está detrás de algunos robos famosos. Carles: Lo de José Luis Moreno fue él. Joan: Y lo de Camilo Sesto también. Carles: Sí, porque se dedica a gente del mundo del espectáculo. Esther: Pues sería una buena primicia. Carles: Pues sí, a ver si ahora lo van a buscar.

Esther: Además se ha prorrogado he leído hoy. Carles: Sí, hasta Marzo.


RESEÑA ASSUR

FRANCISCO NARLA Assur solamente por su lomo es un libro que no puede pasar desapercibido a los ojos de los lectores mientras pasean por las estanterías en una librería. Puesto que sus casi mil páginas son un recreo para la vista en un ejemplar de estas magnitudes. Pero como decían en Aladdin: “lo que importa es el interior...” y aunque pueda parecer que con tanto libro puede haber mucha paja y verborrea, el caso de ‘Assur’ es completamente distinto porque es necesaria cada coma que nos encontramos entre sus páginas. Assur es la historia de un joven que sale a pastar junto con Furco, un cachorro de lobo salvado por él mismo cuando su aldea es asaltada por los Normandos (o Vikingos para los más exigentes) y se salva por los pelos de caer en sus bastas manos. Junto con él se encuentra su hermana Ilduara y Berrondo, un joven petulante que por mí igual me habría dado que hubiese terminado ensartado cual albóndiga de plato de tapas en un bar de mala muerte, porque por su culpa es que Assur termina extraviando a la niña mientras los deja a ambos y corre a buscar ayuda y al no encontrarla y regresar ninguna pista se sabe de ella (ni del gordo Berrondo) y sumirá al protagonista en una pesadumbre al saber perdida a la única familia que le quedaba tras la muerte de sus padres y resto de hermanos que cayeron junto al resto de vecinos. Mientras está sumido en su desgracia aparece la figura de Gutier de León, un monje reconvertido en una especie de montaraz a las órdenes del Conde Gonzalo Sánchez, noble hipócrita que busca solo la forma más rápida y provechosa de escalar y teje con la misma gracia sus triquiñuelas como una araña teje su red. Aunque tenga que rodar la cabeza del mismo Rey. Como sólo no puede ir en busca de la niña al campamento que los normandos han construido y salvarla, decide acompañar a Gutier al castillo del Conde y junto con el infanzón, Jesse (un judío diestro en las artes curativas) y un vikingo mercenario a las órdenes del noble formarán a Assur y le ayudarán a madurar para regresar a por su hermana.

Mientras tanto, las intrigas palaciegas juegan un papel importante en la historia de forma paralela en la que Gutier se ve metido de lleno como mensajero del Conde y hacerle merecedor de las gracias con sus vecinos y demás nobles queriendo aparentar ser el libertador español de las ordas nórdicas. Cuando llega el momento de hacer frente a los bárbaros, Assur lucha ferozmente pero acaba prisionero de los vikingos y llevado a las tierras del norte. (Y aquí digamos que es donde el libro realmente despega y nos lleva por una trama interesante en la cual el chico trabajará como ballenero o como ayudante de un chamán...) La novela arranca poco a poco para engancharte y tomar velocidad con la que disfrutar de cada página. La historia está ambientada en Galicia, y es esta tierra (terra mater para el autor) que se convierte en uno más de los personajes, uno mudo y omnipresente que arraiga dentro nuestro yes capaz que vislumbremos con los ojos cerrados gracias a las ricas descripciones que han sido plasmadas en cada párrafo escrito por el autor, que además de acercarnos más a tierras gallegas, ha logrado enriquecer nuestro vocabulario con palabras de un uso casi olvidado pero que hacen del libro un atractivo más para su lectura. Espero que leáis la entrevista que le hemos hecho a Francisco Narla para esta publicación y descubriréis más claves de la historia. Disfrutaréis de cada línea. Espero impresiones en aida_albiar@hotmail.com

vuestras


ENTREVISTA CON

Francisco Narla No solo he tenido el placer de leer un estupendo libro, sino que Francisco Narla ha tenido la cortesía de concederme una pequeña entrevista que os transcribo a continuación: Cuando leemos Assur, nos encontramos con dos civilizaciones muy diferenciadas. Tanto teológicamente como con su modo de convivencia... ¿Qué tipo de documentación has seguido a la hora de crear a los vikingos de tu historia? FN: Lo cierto es que toda la posible, incluso las referencias más inimaginables. Como es lógico, las crónicas de la época no servían de mucho, las menciones eran parciales y las fuentes cristianas o musulmanas no resultaban fiables, pues enfocaban los encuentros con los hombres del norte de un modo muy peculiar, incluso aquellos que no tuvieron una naturaleza bélica, como el relato del embajador persa Ibn Fadlan.

Por supuesto, están escritas en lo que en castellano suele referirse como nórdico antiguo, el idioma que hablaban los hoy llamados vikingos y pudieron incluirse gracias al trabajo de personas de los departamentos de filología antigua de las universidades de Bergen y Oslo, a los que estoy muy agradecido. Yo escribí el texto en castellano, lo traduje al inglés, le di un contexto con unos cuantos párrafos explicativos, lo remití a estos expertos y ellos tuvieron a bien adaptarlo a este nórdico antiguo al que suele referirse como old norse. ¿Cuál es tu personaje favorito? (y que nos perdone Assur por no incluírlo en esta tría) Siempre me ha resultado difícil contestar a este tipo de preguntas, para mí es complicado elegir un único, digamos, color, escritor, novela o lo que sea.

El problema estribaba en que los propios vikingos no dejaron mucho más, pues las sagas y resto de elementos de su tradición oral (la mayoría transcrito siglos después) no se preocupaban tanto por ser fidedignas como por servir de loa y promoción a sus héroes.

En el caso de los personajes de Assur, yo diría que el mercenario Weland, el médico hebreo Jesse y el infanzón Gutier de León son personajes que se quedaron en mi corazón y que nunca olvidaré. Pero también entablé una relación especial con el navegante Leif Eiriksson..

Así que el trabajo de arqueólogos e historiadores resultó fundamental, pues sus estudios y conclusiones me permitieron hacerme una idea clara de una cultura tan distante. Especialmente trabajos menores que se centraban en materias concretas, como la construcción naval, la navegación o las técnicas marciales.

Muchos escritores escriben añadiendo como un personaje mudo a la tierra que los rodea. Creo que vives por Galicia. ¿Por qué tu tierra? ¿Te inspiró para crear la novela? En general, el entorno y la localización son importantes para un escritor de mi estilo, que procura dotar a sus novelas de una descriptiva visual que ayude al lector a imaginar fácilmente las escenas. En el caso de Galicia, pues por el simple hecho de que adoro el lugar en el que vivo y me parece que le debo ese tributo. Es un sincero agradecimiento a mi tierra

A lo largo de la novela, nos encontramos con diversas expresiones bárbaras. ¿Tienen como base algún idioma o han sido creadas para la historia?


y sus gentes. En todas mis novelas aparece Galicia de un modo u otro, su cultura o sus paisajes. Pero bueno, también aparecen muchos otros lugares y siempre intento que el texto resulte un reflejo fiel a la realidad del momento y la localización. ¿Qué autores son los que te inspiran a la hora de escribir? ¿Cuál es tu escritor favorito? Muchos, el escritor, a mi modo de ver, debe ser un lector empedernido, no solo de aquello que le gusta, sino también de lo que no, para valorar y conocer técnicas y estilos. Así, en este sentido, todos sirven de fuente de inspiración, pues de cada uno se toman cosas distintas. En cuanto a nombrar a un favorito, de nuevo, esa es una respuesta demasiado compleja. No puedo dejar de lado a los clásicos y en los contemporáneos resultaría injusto mencionar a algunos, seguro que me dejaría a alguien en el tintero. Ahora bien, podría decir que para novelas del estilo de Assur, es evidente que se respira la literatura de gentes como Dumas o como Cervantes. También algo de Verne; y, cómo no, del escritores actuales como Gordon o Follet. De la misma forma. ¿Cuál es tu novela favorita y qué géneros literarios cultivas? Pues, como ya he mencionado, leo de todo, de hecho, hago un esfuerzo por leer incluso aquello

que no me resulta atractivo en un principio. Y gran parte de las novelas de los autores ya mencionados serían buen ejemplo de novelas que me gustan. Pero creo que es un buen momento para añadir algunos más, diría que, por ejemplo, Cienfuegos de Figueroa o El abisinio de Rufin. Aunque, como en la pregunta anterior, me limito a mencionar novelas y autores cercanos al género de Assur. ¿El autor nace o se hace? No sabría decirlo, creo que no se puede ser categórico. Entiendo que lo más razonable sería considerar que hay un poco de ambas cosas. ¿Eres escritor de brújula o de mapa? Creo que más bien de mapa, intento construir las historias antes de escribir una sola página, creo que es un método de trabajo más eficiente para mí. Así consigo ahorrar tiempo y que las decisiones argumentales resulten más meditadas. Pero es evidente que ambos métodos de trabajo son buenos, es una cuestión personal. ¿Cuánto de historia hay en Assur? Mucho, muchísimo. De hecho, es una novela que va encadenando hechos históricos y contrastados a través de un protagonista ficticio pero plausible cuyas vivencias tienen sentido dentro de lo que sabemos de la época. Por ejemplo, sabemos que hubo muchos habitantes del norte de la península ibérica que fueron capturados y convertidos en esclavos por los que hoy llamamos vikingos.


Desde que nació la primera chispa de inspiración de la novela hasta que estuvo terminada... ¿Cuánto tiempo te llevó crear Assur? Pues si lo exponemos así, alrededor de dos años y medio, ahora bien, desde el momento en que pude ponerme a trabajar en ella, algo más de un año. ¿Fue una idea que te vino de repente o fue algo meditado que querías escribir? Surgió mientras investigaba para mi anterior novela, ‘Caja Negra’, leí sobre las incursiones vikingas a la península ibérica y me pareció que debía seguir investigando, parecía haber material. Y resultó que, en cuanto me puse manos a la obra, me encontré con todos los mimbres para confeccionar una historia que me pareció muy interesante. ¿Crees que para una persona que le cuesta acercarse a la literatura el tamaño de Assur le puede parecer abrumador? ¿Qué le dirías a un posible lector para que se decantara a la lectura de Assur? Pues que la novela, de hecho, está dividida en tres partes y que, como parece que se hará con algunas traducciones, pudo haberse publicado como una saga. En este sentido, lo cierto es que, sinceramente, creo que es suficiente con leer las primeras páginas, tengo la firme esperanza de que aquel que se anima con el primer capítulo seguirá leyendo. ¿Para qué público recomendarías la novela?

Creo que para todo el mundo, no tengo la

impresión de que sea una novela centrada en un determinado tipo de lector. En Assur hay aventura, hay historia, hay acción, hay una intensa historia de amor, hay intrigas políticas… En suma, creo que hay elementos para todos los gustos. Muchas veces los escritores nos encontramos en las presentaciones a personajes famosos que han comprado nuestro libro y nos felicitan. ¿Te ha ocurrido a ti? ¿Alguna anécdota? Sí, alguna ocasión así ha surgido. Y también en sentido contrario, me han confundido a mí con alguien mucho más relevante, durante una de las presentaciones de mi primera novela “Los lobos del centeno”, en la que había una frase promocional que me comparaba con el maestro King, se me acercó una lectora para preguntarme si yo era, en efecto, Stephen King. En cuanto al sentido contrario, no creo que estuviese bien que yo hiciese la mención, será mejor que lo dejemos en manos de esos personajes de importancia mediática. Mientras se busca documentación para una novela, a menudo nos encontramos con datos históricos (o no) bastante curiosos. ¿Cuál es el dato que más te ha llamado la atención mientras te documentabas para Assur? De nuevo me resulta difícil elegir uno solo. Pero lo cierto es que me resultó especialmente llamativo que una sociedad como la vikinga contemplase el divorcio de una manera tan natural en la Alta Edad Media. Y también debería mencionar el descubrimiento de América por parte de Leif Eiriksson quinientos años antes de que lo hiciera Cristóbal Colón.


POLÍTICA DE EMPRESA II Por Marina Rodriguez

¿Es necesario refrescar vuestras memorias? Hagamos un breve repaso. En el artículo del mes pasado dejamos a Pepa Woolf y a Fanny tomando posiciones para disfrutar de su ansiado 69 sobre la mesa del acristalado despacho de Pepa Woolf. Mientras esto sucedía, Barullo, vigilante de seguridad del edificio y vecino de Fanny, recorría la oficina asegurándose de que todas las puertas estuvieran cerradas. En este preciso instante, Barullo se encuentra frente al despacho acristalado de Pepa Woolf y contempla la siguiente escena mientras una incontrolable erección se apodera de su miembro: Pepa Woolf, encima de Fanny, hace resbalar su corbata desde el vientre de ésta hasta la parte interior de sus muslos. Fanny se estremece ante las cosquillas que esto le provoca y abre más las piernas, preparándose para el sexo oral que Pepa Woolf le va a regalar. Antes de ello, Pepa Woolf recorre con la corbata el sexo de Fanny. Se detiene y le propina unos suaves golpecitos con uno de los extremos de la corbata sobre el mismo. -Fanny – dice Pepa Woolf arrojando la corbata al suelo – Mi boca te va a follar y te ordeno que sacies al mismo tiempo tus instintos élficos en mi bosque sagrado. -¡Tú bosque está talado, Pepa! – exclama Fanny excitada - ¡Es terrible cuánta desolación y desierto ha dejado esa temida raza llamada “Cerus depilitus”! -Calla, elfa mía, y adéntrate en el río que surca su interior – responde Pepa Woolf tajante. Fanny obedece, ya que no puede olvidar que Pepa Woolf es su jefa. Así que ambas comienzan a lamer sus respectivos sexos mientras sus caderas se mueven rítmicamente buscando cada vez con más ansia los lametazos de la otra. Pepa Woolf, zigzaguea rápidamente con su lengua por el interior del sexo de la excitada Fanny, al tiempo que le introduce por la vagina el bolígrafo que, por política de empresa, está obligada a utilizar en casos como el presente. Por su parte, Fanny absorbe el sexo de Pepa Woolf, acariciando su interior con la lengua y presionando con sus labios

y sus dientes. A la vez, estimula su clítoris lentamente, alternando círculos con movimientos cortos de arriba hacia abajo, a los que otorga la presión necesaria como para que Pepa Woolf se empiece a volver loca sobre ella. Barullo, que ya no puede aguantar por más tiempo la visualización de semejante escena sin intentar unirse, decide desgarrar sus ropas y entrar en el despacho con su vigoroso miembro completamente erecto. Con los ojos desorbitados por el olor a sexo que impregna la estancia, Barullo alza los brazos marcando bíceps y grita ante ellas: -Venid elfas mías, y abrazad las lianas de mi pecho hasta descolgaros hacia el “Gran Jefe Élfico del Placer” – grita Barullo tocándose el pene mientras marca bíceps. Pepa Woolf y Fanny sacan sus respectivas cabezas del sexo de la otra y miran a Barullo. Se miran entre ellas


con gozosa malicia impregnada en sus ojos. Acaban de entender lo que quieren hacer con Barullo aunque éste, aún ingenuo, no tiene ni la más remota idea del artículo 5 del código de la empresa. El mencionado artículo, en parte, ha sabido adaptar la sabiduría popular a la que hace referencia, resumida en la frase: “Cinco, por el culo te la hinco”, aunque, en el interior de la empresa, se refiere al buen comportamiento de los empleados dentro de la misma y, concretamente, alude a los castigos a los que serán sometidos todos aquellos que infrinjan las normas. Barullo, sin saberlo, acaba de romper una norma fundamental al dejar a Pepa Woolf y a Fanny en “69 interruptus”. Así que Pepa Woolf, que no se anda con chiquitas, salta de la mesa y se coloca en el suelo, arrastrando consigo a Fanny, aún aturdida. Pepa Woolf es toda una experta en castigos sexuales. Es más, su alto grado de formación académica incluye un máster en técnicas sexualmente persuasivas, o, lo que es lo mismo, fingir

malévolamente que es otra persona quien lleva el control del acto sexual cuando en realidad, es ella. Comienza a caminar hacia Barullo mientras va dándole suaves azotes en las nalgas a Fanny, para que también camine hacia él. Ambas se detienen y miran a Barullo, que tiene los ojos chispeantes y ansiosos de sexo duro. -Turnaos elfas mías para chupar a intervalos irregulares al “Gran Jefe Élfico del Placer”. Lamed el jugo del poder emanado de él y os convertiréis en elfas inmortales – dice Barullo señalando su miembro insistentemente. Pepa Woolf se arrodilla ante Barullo y obliga a Fanny a hacer lo mismo. Ante sus ojos se extiende el vigoroso miembro de Barullo, depilado formando una doble“S” con su vello púbico. Pepa Woolf lo examina incrédula. -¿Y esa doble “S”? – pregunta asombrada. -De “Súper Sabrosa” – responde Barullo - ¡Chupa y calla, reina de las elfas! – exclama al tiempo que agarra fuertemente de la nuca a Pepa Woolf, aplastándole la cara contra su pene. Fanny, atemorizada ante los tintes agresivos que está tomando la escena, intenta escapar echándose hacia un lado disimuladamente pero Pepa Woolf, que tiene mil ojos y el gran poder de recorrer con la lengua todo el miembro de Barullo mientras agarra fuertemente de la muñeca a Fanny, le impide escapar. Barullo, inocente, pone los ojos en blanco mientras disfruta de los lametones de Pepa Woolf. -Ahora tú – dice Pepa Woolf agarrando el pene de Barullo y ofreciéndoselo a Fanny. Fanny obedece, como buena empleada. Y se la mete entera en la boca, despacio, presionando con los labios hasta llegar a sentirla en su garganta. Mientras, Pepa Woolf pellizca suavemente los testículos de Barullo. Por un instante, Pepa Woolf sale del despacho. Entra enseguida, llevando en su mano la porra y las esposas que forman parte del uniforme de Barullo. Rodea a Fanny, que no para de presionar con


los labios el miembro de Barullo mientras acaricia la doble “S” tatuada en su vello púbico. Barullo, por su parte, mueve rítmicamente sus caderas mientras gime con los ojos en blanco. Pepa Woolf, en un rápido movimiento, esposa a Barullo, que ha quedado inmovilizado con las manos a la espalda. Fanny deja de chupar y contempla aterrada el destello de maligno deseo que cruza los ojos de Pepa Woolf. Ésta, camina hacia una de las sillas de su despacho. Se sienta, de cara a Barullo y a Fanny, que la observan expectantes. Pepa Woolf golpea delicadamente y con sensualidad una de las palmas de sus manos con la porra. Descruza lentamente las piernas y las abre, reclinándose en la silla. Está muy húmeda, dominando la situación con calma y erotismo. Barullo y Fanny, muy excitados, solo pueden contemplar la visión de su sexo ligeramente abierto y sus endurecidos pezones. Tan solo son capaces de escuchar el leve sonido de la porra al golpear despacio una de las manos de Pepa Woolf. -Y ahora… ¿Qué se supone que debo hacer con vosotros dos? – pregunta arqueando una ceja y mordiendo levemente su labio inferior.


¿¿¿SAN VALENTÍN EN CRISIS ??? APROVÉCHATE Y CONVIÉRTELO EN TU SAN VALENTÍN MÁS CALIENTE Por Marta Clin Clin

Febrero de 2.013, ¡Gran crisis! Una crisis que probablemente lleve al país a pique y que tus hijos/ nietos estudiarán en el cole. Y tú… ¿queriendo salvaguardar los pequeños detalles de la vida que le dan la chispita que tiene? ¿Cómo hacer esto? SAN VALENTIN ANTI-CRISIS, que mejor manera que regalar aquello que más le gusta al animal racional…sexo y amor. Haz regalos buenos, bonitos y baratos También puedes saltarte San Valentín y elaborar ese típico discurso:” San Valentín es una día inventado por el corte inglés, un día de consumismo, no es necesario que me pongan un día para hacer regalos yo le regalo a mi novi@ un regalo el día que quiera…blablabla”(tu pareja después de este “gran discurso no tendrá más remedio de estar de acuerdo contigo…) Pero a ver alma de cántaro piénsalo bien, quizás tu chic@ quiera un detalle justo ese día por la simple razón absurda de que es lo que se estila ese día, además por el ambiente sobrecargado de corazones. Tal vez porque ese día es todos sus amig@s tienen un plan que no le incluye… Disfruta las tonterías y detalles de la vida porque la vida se alimenta justo de lo absurdo. ¿Quieres días normales para tener detalles? Hay 364+ Feliz día de San Valentín amor/mote cariñoso una buena manera de comenzar este día. Como estamos sin un durillo te traigo los mejores regalos… piensa de manera creativa, ríe, arriésgate y goza-¡ése es el mejor regalo de San Valentín! y de los 364 días restantes, pero si alguno de esos días te puede la pereza, los enfados, los miedos, no tienes tiempo, te duele la cabeza o estas cansad@… es el momento ¿Para qué sirve sino San Valentín? Es la excusa más vieja para… disfrutar/gozar/amar. Regalos, flores, sexo…cada uno se inclina por lo que más le atrae, si te inclinas más por la última opción estas en la página indicada parta sacar el máximo jugo a estas ideas: REGALOS ATREVIDOS, PICANTES Y BARATOS. ESCRIBID AQUELLO QUE DESEÉIS. Hacer un acuerdo en el que tengáis que mandar por


escrito, antes del 14 de febrero, lo que os gustaría recibir sexualmente ese día ¿Cómo? ¿Dónde? Y el otro deberá llevarlo a cabo.¡ Eso sí que es hacer un regalo! BLA,BLA,BLA… Estimula a tu pareja sexualmente sin tocarla, sólo hablándole de situaciones eróticas, cuéntale un cuento verde en el que sea la protagonista, una fantasía propia o una que conozcas de tu pareja… los dos lo iréis imaginando y… BUALA!!! ¿Crees que seríais capaces de lograrlo? RAMO DE UNA ROSA ( Muuuuuuy romaaaantico) No le regales 12 rosas sino una sola rosa, recrea la escena de la película “40 días y 40 noches” en la que Josh Hartnet masturba a una chica con un pétalo de flor…pues para vos la flor entera. CITA SORPRENDENTE Queda con tu pareja el día de San Valentín en una dirección que no conozca, pero en vez de ser un desconocido restaurante será la puerta de un sexshop. ¿El regalo? Elegir algo entre los dos y probarlo después (o antes) de una pizza casera. UNOS MUY BUENOS DÍAS (para vidas agitadas) Pon el despertador media horita antes y despierta a tu pareja con buenas razones para tener un feliz día de los enamorados. *Generalmente, por las mañanas temprano, los niveles de testosterona se encuentran en el nivel más alto. CIEGOS DE PLACER Crea un ambiente cálido, una luz tenue o la que dan algunas velas y dale un toque al ambiente con alguna esencia. Quedaros en ropa interior y vendaros los ojos

el uno al otro. Dejaros guiar por el tacto y hacer el amor privados del sentido de la vista. SPA INTIMO Rodea la bañera de velas, enciende un incienso, cubre la superficie del agua de pétalos y espera dentro con una copa de vino/champán. CONOCE AL EXTRAÑO Recrear una situación con cambio de roles: Inventaros un nombre y una historia de vida cada uno, llegar por separado a un bar y pediros algo, ¡¡¡y conoceros!!! Y como el saber es poder, qué mejor regalo os podría hacer yo que hacer que otras personas os consideren poderos@s. Ahí van un par de trucos para saber estimular a una mujer y a un hombre, según necesidad ;) LA CANASTA (para excitar a chicos): Entrelaza los dedos con el pene en medio (utilizar lubricante) y deslizar las manos arriba y abajo sin apretar. Después coordinar este movimiento girando un poco las manos hacia la derecha e izquierda, cuando el chico se aproxime al orgasmo, dar un ligero apretón a la cabeza del pene. ESCALOFRÍO (para excitar a chicas): Comienza desde el cabello, acariciando el cuero cabelludo, la lengua en la nuca deslizándose en espirales pequeñitas. Bajar dando pequeños besitos por toda la columna. El hueso saliente en la parte superior de la columna es una zona muy erógena para ellas. *Si además terminas los besos en su culo, le encantará *Si además al mismo tiempo alcanzas a tocarle el clítoris, flipará.


Lección 2: Bondage, Juegos de Rol, Ama y Esclavo, Femdom. Por Luis Borja Fuentes Galán

Bondage ¿En qué consiste? En atar o limitar los movimientos de una persona para aumentar y provocar un deseo sexual. Este deseo es recíproco, la persona atada se puede dejar llevar y disfrutar recibiendo placer sin tener que dar nada a cambio, y la persona que realiza la acción, puede obtener placer con la visión y/o con la sensación de poder. Siempre tiene que ser consentido y tener muy consensuado lo que puede pasar o lo que no. Consejos para novatos Esposas, pañuelos, ropa como la tira de un albornoz o una corbata… cualquier cosa vale si lo hacemos de una forma segura. Si además la persona atada tiene sus ojos tapados por ejemplo con un pañuelo o un antifaz para dormir, conjugaremos la excitación y nerviosismo por sentirnos expuestos y un nuevo mundo de posibilidades y sensaciones al no ver nada. Esto consigue que cualquier cosa que estimule los demás sentidos (música para el oído, comida para e

gusto, olores agradables para el olfato, o una pluma o caricias para el tacto) potenciará las sensaciones. Quizás sea un buen momento para ir contándole lo que vas a ir haciendo o no decir nada y que lo descubra sobre la marcha. Juegos de Rol Hablamos de prácticas consensuadas donde se interpreta un papel durante un encuentro sexual. No tiene por qué, pero este tipo de juegos suele tener también roles dominante-sumiso o intercambios de poder. Puedes hacer o decir cosas que quizás en el día a día no seas capaz de decir. O comportarte de esa forma que nunca te has atrevido. Algo muy común en los juegos de roles es que la persona que es más activa en la relación, en las relaciones sexuales, o por ejemplo en su trabajo sometida a mucha presión y estrés… suelen escoger roles pasivos. Y las personas pasivas, tiran más a por los papeles activos. Algunos de los ejemplos más comunes: Jefe-secretaria Carcelera-prisionero Policía-ladrona Profesor-alumno Dueña-Perro


Novia-exnovio/amante Reina-plebeyo Fontanero-ama de casa Médico-paciente Prostituta-cliente Stripper-clienta Amos y Esclavos El debate lo sitúa en torno a si es simplemente otro juego de rol, o si es algo más. Pues para muchas personas o parejas, es un estilo de vida. El amo, es el “dueño” del esclavo. ¿El dueño por lo tanto puede hacer todo lo que quiera? Pues no. Como hablamos en la primera lección, absolutamente todo tiene que estar consensuado. Además dentro de lo aceptado, siempre es aconsejable contar con una palabra de seguridad por si no queremos ir más allá. ¿Entonces el sexo BDSM es siempre así? Tampoco. Perfectamente puede haber una relación BDSM y que el sexo sea como el de una pareja convencional. Quizás la relación BDSM se basa en actividades cotidianas que nada tienen que ver con el sexo. O por ejemplo, tener una relación única y exclusivamente por Internet o chat. Femdom o Dominación Femenina Una de las vertientes Amo-Esclavo en la que la mujer es la pareja dominante, es decir, la ama. En Femdom se le da mucha importancia a la feminidad, y se castiga la masculinidad. Como en las otras prácticas BDSM, no tiene por qué haber sexo implícitamente en este tipo de relación, y puede basarse en actividades como hacerle la manicura a su ama, cocinarle, ser su chófer, llevarla de compras y cargar con sus bolsas… O puede estar basada en el sexo con diferentes prácticas que pueden ir desde el cunnilingus en el momento que la ama lo considere oportuno (sentándose cuando quiera en la cara de su esclavo), la penetración anal de su esclavo con un strap-on, incluso realizar actos de sexo oral a su extensión. Busca feminizar a su esclavo a través del placer de la dominación. Como siempre, los límites tienen que estar anteriormente consensuados. Esperamos que te haya servido para al menos conocer un poco más este fascinante mundo.


Nosolofreak Febrero 2013  

Nosolofreak Febrero 2013 especial anime/manga y Oscars

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