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http://www.lesatamanes.com/oeuvres/les-­‐filles-­‐de-­‐loth-­‐d%E2%80%99apres-­‐le-­‐tableau-­‐de-­‐cornelis-­‐van-­‐poelenburgh-­‐1586-­‐1667   fiche  de  l'oeuvre  

nt   de   plaisir   à   jouer   avec   ces   correspondances   de   couleur   que   nous   en  éprouvons  à  contempler  les  détails  de  son  œuvre.       Les   deux   militaires   que   représente   Henri   d’Anty   auraient   beaucoup   moins   d’attrait   si   le   peintre   n’avait   pas   sélectionné   un   papier   rugueux   confectionné  à  base  d’écorce.  La  brutalité  du  militaire  est  ainsi  suggérée,   alors   même   que   le   peintre   s’inspire   d’une   œuvre   léchée   du   XVIIIème   qui   laisse   trainer   dans   nos   inconscientes   son   impression   de   mignardise   et   d’affectation.     Et  Vic-­‐Daumas    par  l’emploi  du  papier  velours    renforce  l’effet  de  sa   construction   abstraite,   en   ajoutant   à   la   couleur   déposée   en   tâches   une   apparente   profondeur.   Le   contraste   entre   la   démarche   abstraite   du   peintre  et  le  papier  velours  où  furent  déposées  tant  de  roses  aquarellées   par  des  jeunes  filles  de  bonne  famille  donne  un  résultat  policé  et  exaspéré   en  même  temps.   Si   le   papier   constitue   toujours   la   donnée   essentielle   du   dessin,   l’artiste  peut  choisir  de  le  faire  vibrer  de  plusieurs  manières.  Par  l’absence   de   couleurs,   et   la   déclinaison   des   gammes   de   gris,   il   se   consacre   au   seul   contraste  des  valeurs.     Avec  l’aquarelle  colorée,  il  part  à  la  poursuite  de  la   lumière,  tandis  qu’avec  la  gouache,  il  se  bat  avec  l’opacité.       2.  Le  jeu  de  l’ombre  et  des  ténèbres.   Crayon,   pierre   noire,   fusain,   encre   de   chine,   l’œuvre   au   noir   ne   se   conçoit  qu’en  dessin.  Mais  que  de  variantes  subtiles  à  mettre  en  œuvre  !   La  poudre  du  fusain  donne  une  sombre  intériorité  au  sujet.  Dufeu    y   a   recours   pour   représenter   l’apocalypse,   à   l’instant   où   la   poussière   des   tombeaux  est  soulevée  par  l’éclat  de  la  trompette  de  l’Ange.    L’encre  de  Chine,  par  son  coté  lisse  et  brillant,  permet  de  disposer  d’une   gamme   infinie   d’effet,   aux   significations   toujours   variées.   Délavée   d’eau,   elle  attire  le  regard  vers  la  douceur  du  rendu.  L’extase  de  la  sainte  martyre   représentée   par   Grano   prend   ainsi   toute   sa   dimension,   passage   de   la   souffrance  à  la  félicité,  l’eau  céleste  diluant  la  noirceur  du  monde  terrestre   comme  l’eau  du  peintre  a  dilué  l’encre.    

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-­‐Antonio   GRANO   (c.1660-­‐1718)   Saint   Pierre   promettant   le   paradis   à   une  sainte  martyre.     La  plume,  plus  acérée,  permet  des  contrastes  entre  le  plein  et  le  vide,   le   noir   aigu   de   la   ligne   qui   vient   envahir   la   planeité   blanche   du   fond.   Les     voiles   de   Jules   Dupré   rentrent   au   port   dans   le   couchant,   l’espoir   de   leur   retour  tout  entier  contenu  dans  la  vigueur  du  trait  fortement  appuyé.   Adan,   lui,   utilise   un   effet   inverse   pour   rendre   l’amour   d’une   mère   pour   sa   fille.   Le   tracé   est   d’une   finesse   quasi   arachnéenne,   la   plume   caressante,  ne  s’enfonce  jamais  dans  les  fibres  du  papier,  aussi  douce  que   la  tendresse  qui  unit  les  deux  femmes.   Enfin,  le  pinceau  des  artistes  contemporains  se  trempe  avec  vigueur   dans   l’encre   non   diluée.   Que   ce   soit   pour   représenter   des   femmes   au   travail  comme  dans  la  grande  et  vigoureuse  composition  d’Yves  Commère,   ou   un   enchevêtrement   abstrait   comme   l’œuvre   d’Hubert   de   Lapparent,   l’encre  est  promenée  sur  le  papier  dans  un  mouvement  incisif.  Le  spalter(   pinceau  large)  de  Lapparent  provoque  des  zébrures  irrégulières,  le  pinceau   de   martre   de   Commères   laisse   échapper   en   gouttes   des   taches   épaisses,   mais,  dans  ces  deux  œuvres  si  différentes  pourtant,  c’est  la  place  accordée   à  la  blancheur  du  papier  qui  magnifie  le  travail  de  l’artiste.     3.  La  quête  vers  la  lumière.  L’aquarelle.     Ce  n’est  plus  le  contraste  que  recherche  le  peintre  dans  l’aquarelle,   mais   la   délicatesse   de   la   luminosité,   suggérée   en   laissant   apparaitre   le   support   sous   des   plages   colorées   transparentes.   L’aquarelle   véhicule   toujours,  par  sa  technique  même  de  passage  du  clair  vers  le  sombre,  une   impression   de   subtilité   et   de   raffinement.   C’est   ce   qu’ont   recherché   en   1866,  Nathaniel  II  Hone,  artiste  irlandais  membre  de  l’école  de  Barbizon  ou   au  XXème  siècle  l’avant-­‐gardiste  Biasi.     Hone    a  beau  chercher  à  accentuer  la  dureté  des  rochers  par  une  touche   gorgée  de  pigment,  c’est  la  douceur  des  différents  plans  de  feuillage  que   l’on   retient.   Quant   à   la   hardiesse   du   personnage   surréaliste   de   Biasi,   elle   est  atténuée  par  la  délicatesse  du  rendu  coloré.     4.  La  perfection  dans  l’opacité.  La  gouache   Le   rapport   entre   le   papier   et   la   matière   picturale   se   teinte   de   brutalité   dès   que   le   peintre   passe   à   la   gouache.   Là   ou   la   gouache   est   apposée,   elle   recouvre   tout.   Seule   la   matière   compte   alors,   l’artiste   masque  le  support  pour  privilégier  la  sensualité  et  le  velouté  de  la  couche   de  couleur.    

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Le   loup   dans   la   bourrasque   peint   par   Val-­‐Guey,   artiste   animalier   active   durant   les   années   trente,   est   un   exemple   de   cette   virtuosité,   La   neige  en  gouttelettes  et  pointillés  de  taches  blanches,  le  museau  du  loup   hurlant  dans  la  tempête,  toute  cette  intensité  ne  pouvait  être  rendue  que   par   la   gouache.   Le   papier   disparaît,   ne   laissant   que   son   souvenir,   mais   une   telle  matité  ne  pourrait  être  réalisée  sur  un  autre  support.   La  brutalité  de  la  gouache  a  été  particulièrement  bien  exploitée  par   les   artistes   se   réclamant   de   l’abstraction.   La   puissance   de   la   gouache   de   Jean   Miotte   en   est   l’exemple   typique.   La   liberté   du   mouvement,   sa   spontanéité  est  exaltée  par  l’utilisation  d’une  matière  à  la  fois  opaque  et   puissante.     5.  Le  papier  sur  papier,  le  collage     La  prééminence  du  support   papier  dans  le  rendu  final  du  dessin  a  eu   une   conséquence   qui,   pour   révolutionnaire   qu’elle   fut   lors   de   son   apparition,   se   justifie   pleinement.   Si   l’on   superpose   les   couleurs,   se   sont   demandé   les   artistes,   pourquoi   ne   pas   en   faire   autant   avec   les   supports   et   coller   couche   de   papier   sur   couche   de   papier   pour   enrichir   la   création  ?   Des  formes  abstraites  d’Olga  Rozanova  aux  papiers  découpés  de  Matisse,   le   collage   est   devenu   incontournable.   L’œuvre   d’Henri   Guibal   pousse   le   collage   jusqu’à   ses   limites,   associant   papier   journal,   gouache,   papier   mâché  déchiré,  presque  sculpté.    

 

 

Le   dessin   porte   en   lui   sa   magie.  Il   nous   est   par   essence   accessible   car   nous  l’avons  tous  pratiqué  au  moins  à  un  instant  de  notre  vie.  Mais  avec   l’apparition   de   l’ordinateur   et   de   la   3D,   il   est   en   train   de   subir   une   profonde  mutation.  Son  apport  dans  la  vie  artistique  diminue  de  manière   drastique   et   il   disparait   de   nombreuses   professions.   Mais   les   artistes   plasticiens   continuent   à   le   privilégier.   Son   apparente   fragilité,   son   coté   éphémère  le  parent  d’une  séduction  qui  n’est  pas  prête  de  s’éteindre.  

 

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