Page 1

№9(66)

МАРТ 2011

Интервью

Сленг Современная музыка

Вокальное искусство

Винил

Мюзиклы

Амели на мели

Ритм жизни

Pink Floyd. Воскрешая Помпеи

Исцеление музыкой Классика


Глас Народа Возможно ли, что музыка будущего не будет продуктом творчества, а будет создаваться исключительно в коммерческих целях?

Діма Грекович, 2й курс, СП-91

Звичайно ж, тут нема чому дивуватись. Якщо ввімкнути будь-який музичний телеканал, можна побачити «витвори», створені лишень заради грошей. На мою думку, музика була як творчість десь до початку 80-х. Я не кажу про всіх, але тим не менше. Але попри всі ці «витвори», я знаю, що музика існувала, існує і буде існувати — як виплеск людський почуттів чи емоцій. Будуть писатись пісні просто від хорошого настрою, від нерозділеного або розділеного кохання, а пачка грошей для митця виявиться лише приємною несподіванкою.

Замула Светлана, 2й курс, АМ-91 Разве сейчас она уже не создается в коммерческих целях!? Возможно, музыка будущего не будет иметь никакого отношения к творчеству, но у нас всегда будет возможность включить классику любимого жанра в своем плеере, ведь ее никто не отменял, и двигаться дальше с наслаждением и поющей душой.

Сакада Инга, 4й курс, АМ-71 Конечно, возможно, но только ее некая часть. Из средств массовой информации вытесняется живая музыка, живая мысль композитора, а мафия по зарабатыванию денег наслаждается этим. Поэтому мы и не видим по телевизору ни джаза, ни симфонической музыки, ничего, кроме примитивного диско, попсы. Но, к счастью, еще есть и будут люди-таланты, а не рабы денег.

2

Мнением студентов интересовались: Катерина Лепетун, Лена Весенняя, Аня Савело


Интервью По уже сложившейся традиции, для того, чтобы разъяснить вопросы, связанные с темой номера, редакция СЛОГа решила обратиться за комментарием к признанному специалисту. В этот раз мы беседовали с Ириной Константиновной Покулитой. Беседа получилась чрезвычайно интересной, а с ее результатами мы и предлагаем ознакомиться нашим читателям.

— В понимании большинства людей классическая музыка носит вполне определенный характер. Это, в первую очередь, творчество знаменитых композиторов, таких, как Бетховен, Моцарт и другие. Почему именно они? — Тут мы говорим, прежде всего, об академической музыке. Линия этой музыки восходит корнями к антично-греческой традиции. То, что придумано для Европы в ее классическом, эталонном варианте — это фундаментальные элементы музыкальной структуры — лады. Это то, что мы на слух отличаем как мажор и минор. Ведь классика — это простота и узнаваемость. Это не вычурность, а определенная строгость линии и формы, строгость цвета. Даже если по разным искусствам пройтись, то в каждом будет что-то определяющее его как классическое. В данном случае — это строгость звука, четкость его тонального отличия. Это то, что дает нам возможность, услышав музыку, узнать ее во второй, третий, пятый раз, то, что дает такую возможность неискушенному уху; уху, которое не загрязнено, не омрачено или, наоборот, не воспитано в музыкальной культуре; то есть уху самого простого человека  — представителя нашего мира. Классикой в академической, профессиональной сфере называется то, что достигает этого эталонного проявления. Такими являются несколько людей: Гайдн, Моцарт и Бетховен — своеобразные «три кита» классической музыки. Не значит, что все остальное — не академическое или не классическое. Здесь речь идет о стиле и о том эталонном его варианте. Вот, допустим, уже в XIX веке классика находит свое выражение в нарушении тонкой линии гармонии, а в классике

очень важна гармония, очень важна мера. Эта мера нарушается, но «чрезмерно» не значит «плохо». И если классика — это своего рода маяк, на который мы должны ориентироваться, то это не значит, что мы не можем свободно плавать по морям и океанам. В любой музыкальной культуре, не важно, это академическая, популярная или рок-музыка, может быть своя классика. Могут ведь быть разные формы музыки. Но если она не профессиональная, это не значит, что она

3


Интервью аматорская. Просто она не профессиональна в той европейской ренессансной традиции. Что такое классика, как не простота? Вот представьте, что математик вам сейчас предложил сложнейшую какую-то задачу. Он бы восхищался этой задачей, настолько она для него прекрасна, уникальна. А вы бы смотрели на эту задачу и для того, чтобы ее понять, вам бы нужно было изучить всю математику. Вот это Бах. Чтобы его понимать, нужно знать, что такое полифония. Мы, по сути, слышим все: людей, лес, машины; но разве мы при этом слышим, как звучит мир? Нет. И требовать это от каждого человека невозможно. А полифоническая музыка основана на том, что этот мир звучит. И он звучит в церкви. И это не светский, а, скорее, потусторонний мир. Поэтому говорить, что он может стать музыкой для всех, мы не можем. А музыкой для всех может стать то, что слышит каждое ухо. А оно слышит только одну мелодию. Точнее мелодию и аккомпанемент. С этого и начинается классика. Скажите, разве это не эталон? Разве без этого мы бы что-то понимали в музыке? Греки придумали лады, музыкальные инструменты придумала эпоха Ренессанса. Сегодня ведь невозможно представить музыку без фортепиано, скрипки, виолончели. А без гитары? Тот самый Михаил Вербицкий — автор гимна Украины — еще и уникальный талантливый гитарист, который принес эту часть Европейской культуры в Украину. А что такое рок-музыка без гитары? А ведь они не сами ее придумали, а взяли из другой абсолютно эпохи. И тут можно уже творить, интерпретировать то, что уже есть классикой. — Возможно ли, что музыка будущего не будет продуктом творчества, а будет 4 создаваться исключительно в коммерческих

целях? На самом деле, в этом смысле уже все упущено. Мы уже музыкально-безграмотны, засорены до такой степени, что нас можно назвать антимузыкальными. Музыку современные люди воспринимают как то, что им принадлежит или не принадлежит. Музыка давно перестала быть чем-то недостижимым или возвышенным, каким-то особым духовным продуктом. Сегодня ее можно купить, услышать прямо «здесь и сейчас». Какой смысл покупать билеты за большие деньги, если можно вставить наушник и послушать? Вот здесь и есть этот коммерческий момент, когда музыку можно купить, как новый телефон или любой другой товар. Сложно сказать, результатом какого творчества она будет и творчества ли вообще. Хотя, на самом деле, сегодня еще есть хорошие композиторы, музыканты, творчество которых можно назвать шедевром. Это, к примеру, Сильвестров, Станкович. И то, они не совсем современные композиторы, а, скорее, поколения моих родителей. Но они признаны современным музыкальным бомондом, музыкальной элитой. А что касается вашего поколения, то ежегодно на разных музыкальных фестивалях возникают новые имена, новые звезды профессиональной музыки. Но это такие узкие мирки, в которые мы с вами не попадаем. Мы можем попасть, в лучшем случае, на хороший рокфестиваль. И то с опасностью для здоровья, в смысле употребления алкоголя. Но что касается культуры и, в первую очередь, личностной культуры, то рок — это довольно прогрессивное направление. Что касается популярной музыки, то она заслуживает негативной оценки. Но отрицать ее существование невозможно. Потому что люди пользуются — люди довольны, это улучшает их настроение, им это нравится. И не нам решать, быть этому или не быть. Интервью брала Анна Каталзен


Акцент Современное музыкальное безвременье Дмитрий Столяренко Современная музыка – явление в высшей степени интересное. С одной стороны, мы имеем колоссальное развитие выразительных средств, имеющих несравнимое с предыдущими эпохами распространение. Это касается и электронных, и цифровых виртуальных музыкальных инструментов, и средств записи и обработки звука. С другой стороны, все чаще можно встретиться с точкой зрения, что музыка коммерциализирована и мертва. Истина, как всегда, где-то рядом. Попробуем нарисовать контуры того исследования, которое могло быть дать представление о современной музыке как явлении. Начать, конечно, нужно с общественных оснований музыкального творчества, ведь именно оттуда «черпается вдохновение». Непосредственно общественные условия сейчас, мягко говоря, к творчеству не располагают. Враждебность капиталистической системы производства искусству никуда не подевалась, а только усугубилась. С другой стороны, колоссальный толчок (правда, преимущественно в количественном плане) дал музыке интернет. Это касается как распространения музыки, так и организации сообществ со схожими музыкальными вкусами, по интересам, что при современном количестве жанров, поджанров, направлений-однодневок является жизненно необходимым современному меломану. А само «потребление» музыки возросло на порядки. Но это явление имело и оборотную сторону — продажи музыки на физических носителях на сегодняшний день катастрофически падают. В денежном потоке, непрерывно льющемся в индустрию, возникают перебои, поэтому создание популярной музыки, чтобы оставаться рентабельным бизнесом, окончательно лишается поиска чего-то нового и необычного, превращается в примитивность, доведенную до абсурда. Количество музыки и агрессивность маркетинга (читай — «впаривания») возрастает тысячекратно. В таких условиях возможность творчества и рождение чего-то принципиально нового, на мой взгляд, не просто затруднено, а практически невозможно, несмотря на повсеместную доступность технических средств. Как следствие общественных процессов, музыка постепенно теряет свое остросоциальное

наполнение. Она, безусловно, остается важнейшим средством социализации, позволяющим молодежи на этапе идентификации провести линию «свой-чужой», а отдельные группы или направления сохраняют идеологический фундамент. Но коммерческое выхолащивание ставит непреодолимые барьеры перед исполнителями, которых раньше было принято называть «рупором поколения», т. е. группами планетарного масштаба, трансляторами определенных идей, двигающими музыку как таковую вперед. Свою роль играет также и пестрота и эклектичность музыки, помноженная на невиданное доселе ее количество. Та музыка, которую мы привыкли называть творчеством (т. е. не создаваемая как коммерческий продукт) становится узким, нишевым явлением для небольшого количества фанатов, без надежды выйти на широкую аудиторию. Отдельно стоит поговорить и о музыкальной форме (говоря о «форме», я веду речь и о схеме, конструкции музыкального произведения, каковой является, скажем, соната, и о внешнем проявлении, в котором выражается музыка — т. е. и о технических и выразительных средствах, и о характерных для различных жанров мелодических, ритмических и структурных ходах). Казалось бы, научно-технический прогресс дал музыкантам в руки все козыри. Однако чудес не бывает. Если музыка не находит своего реального общественного основания, она не может родиться как нечто сверхъестественное где-нибудь «наверху». Кризис в музыке привел, например, к появлению псевдо-музыкальных явлений в духе постмодерна — прежде всего, это окончательное слияние музыки и визуального искусства (в качестве контраргумента мне могут указать на самые разные явления — 5


Акцент от балета до музыкальных клипов, однако «фишка» состоит в том, что, пожалуй, впервые это слияние создало однозначную неделимую целостность). В качестве примера можно привести электронных проект Iamamiwhoami (подробнее о нем можно почитать, например, в той же англоязычной википедии), который является, на мой взгляд, развитием идей уже достаточно давно существующего проекта Enigma (впрочем, сравнивать их достаточно проблематично). Другой тенденцией является привнесение в музыку и клипы элементов интерактивности — здесь достаточно вспомнить клип группы Arcade Fire «We used to wait». Однако ни про первое, ни про второе мы не можем сказать, что это несет в себе хотя бы какое-то развитие музыки, ведь, во-первых, сама музыка является малоизобретательной переработкой уже зарекомендовавших себя идей, а вовторых — музыка здесь переплетается не только с визуальным искусством, но и с маркетингом и пиаром, и второе сплетение куда сильнее. И все же магистральной тенденцией мне видится полное и окончательное разложение музыкальной формы. Речь идет о том, что постепенно все жанры стремятся в своем развитии к таким квази-музыкальным жанрам как ambient (буквально — «звуки окружения», набор гармонизированных звуков, призванных создавать определенную атмосферу, имеющую эмоциональное воздействие на человека) и noise (т. е. шум). Возьмем, к примеру, такое направление, как dark ambient, призванный создавать темную атмосферу оттенков черного. На современном этапе он вобрал в себя бесчисленные мелкие поджанры электроники, имеющие соответствующее звучание. Также в сторону dark ambient тяготеют частично и industrial, и idm (intellectual dance music), и такие направления в джазе как doom и noir jazz и т. д. Аналогично отчасти тяготеют к эмбиенту и некоторые исполнители пост-рока. Отдельным интересным вопросом является влияние на развитие музыкальной формы такой музыки, как progressive rock и progressive metal. C одной стороны, в конце второй половины ХХ века (да и на современном этапе, например, в творчестве таких групп, как Dream Theater) прогрессив сыграл большую роль именно в развитии музыкальной формы. Эксперименты музыкантов позволили найти в музыке 6 что-то действительно новое, а выпуск

концептуальных целостных альбомов, несущих под собой прежде всего положенную в основу идею дал им сто очков вперед по сравнению с основной музыкальной массой. Однако дальнейшее развитие жанра, переход к таким направлениям как math metal, mathcore, djent и т. п. (жанры, характеризующиеся чрезвычайно сложными ритмическими экспериментами, использованием неравнодольных размеров, акцентом на технику исполнения вместе с практически полным отсутствием мелодии) постепенно логично приводит музыкантов к полному отсутствию формы как таковой. То есть, фактически, к нойзу. То же самое можно с долей уверенности сказать и про развитие некоторых жанров электроники, и про некоторые другие направления метала (например, black metal), и, отчасти, про такое направление джаза как free jazz, точнее, про «авангардно-экспериментальную» его часть. Таким образом, в современной музыке можно констатировать отсутствие действительного развития. На современном этапе мы имеем дело либо с чистой коммерцией, либо с пережевыванием старых и проверенных идей (в том числе, как парадоксально бы это ни звучало, и самой идеи «авангарда» и «экспериментальности») и подачей их в новой, необычной обертке вместе с агрессивной рекламой, либо с разложением и деградацией, которую почему-то стало модным называть тем самым «авангардом» и «experimental». Это может говорить только об


Акцент одном  — об отсутствии реальных, объективных общественных оснований для прорыва на новый уровень. Невозможно требовать от человека, закованного в кандалы, красивого танца. Точно так же как нельзя требовать от музыканта и композитора, зажатого в тиски общества потребления и имеющего жесткие рамки в своем развитии, творчества. Но, все же, мне хотелось бы верить, что на музыке пока что рано ставить крест, ведь развитие музыки неотделимо связано с деятельным развитием чувственных способностей человека. Талантливых музыкантов — более чем достаточно. Есть еще люди и коллективы, которые радикально противопоставляют себя тому, что называется «музыкальной индустрией». Нет, речь здесь не идет про направление indie, которое даже если и провозглашало вначале разумные идеи, в конце концов стало лишь удачным ярлыком, альтернативным путем, чтобы вдохнуть коммерческую привлекательность в то, что давно ее потеряло и выгодно продать «социальный протест». Речь идет о по-

настоящему увлеченных людях, которые живут музыкой, но не делают музыку средством своего существования, которые страстно и искренне в нее влюблены, которые делают музыку средством преобразования окружающей действительности. Наверное, именно на них и возлагается та важнейшая миссия — сохранить и пронести настоящую музыку сквозь время, до тех пор, когда общественные условия позволят человеку получить доступ ко всем сокровищам человеческой культуры, свободно развиваться и по-настоящему творить.

You boyz make big noise…

(короткий екскурс в iсторiю музичного сленгу) Олександра Гапон З чого варто почати… Напевно з того, що історія всього музичного сленгу, а особливо рок-музики настільки давня, що само по собі складається враження, що бунтарський підтекст був і є основою смислового навантаження, бажання шокувати і порушити ті чи інші принципи, правила і устої, які склалися в суспільстві. Тому можна без сумнівів сказати, що мова «нижчого шару» цього ж самого суспільства так чудово вписалась в арсенал бунтарської музики та всього іншого, що її оточує. Ця мова була певним поєднанням жаргону кримінального і молодіжного світу…водночас цей музичний сленг «поетично» описує і розкриває деякі характерно заборонені теми як секс, наркотики, алкоголь… Та навіть якщо згадаємо всім відомий rock’n’roll і зробимо невеличкий екскурс в історію, то одразу зрозуміємо, що таке поняття як «rock’n’roll» є результатом того ж музичного сленгу. Сама назва пішла від старого блюзу, який грали чорношкірі, в тексті якого чоловік звертався до своєї коханої: «I wanna rock and roll you all night long», що можна перекласти як «Я хочу катати й качати тебе всю ніч». Вже пізніше складові rock  —  and  —  roll злились в окрему одиницю і навіть набули іншого значення з поправкою на мораль і комерцію

вони дуже вдало почали прив’язуватись до танцювальних па та окремого стилю в музиці. Загалом сленг в музичній сфері вкорінився досить сильно, і в той час коли поп-музика старалась справити враження на всіх, то рокмузика підтримувала марку «поганого хлопця», стараючись відповідно вдягатись, вести себе і розмовляти. Звичайно, що абсолютно кожне слово пісні можна перекласти класичним літературним 7 перекладом чи звичайним розмовним


Акцент стилем, але ми зіткнемось з тим, що можемо повністю втратити всю експресію написаного. А в рок-музиці, яка сама по собі є дуже сильно експресивною, допустити таке було б дуже навіть нерозумно. Використання сленгу в музиці наділяє музичну лірику особливо важливими образами і поняттями, які можуть різати слух, а частково вони мають певний підтекст чи навіть подвійний зміст, який почути чи побачити одразу буває неможливо, а декому це не дано взагалі. Найчастіше сленгові словосполучення і слова не носять особливо хуліганський чи принижуючий характер, частіше вони використовуються для художнього оформлення. Здебільшого такі фрази як «Another One Bites The Dust», «Dog Eat Dog», «Shoot From The Hip», «Alive And Kicking», «Be All, End All», «Between A Rock And A Hard Place» в наш час і не є сленгом, але декількома десятками років раніше до такого ставились інакше. Також траплялось і так, що певні стійкі одиниці ставали позначенням певного напрямку у музиці. Таким був і acid-rock. Саме поняття «acid» з’явилось приблизно в 60-ті роки, воно відносилось до хімічного наркотику LSD (діетиламід лізергінової кислоти). Ще одною такою назвою став термін sleaze-rock, він вже зародився 20 роками пізніше. Кожна музична течія використовувала свій окремий набір сленгу. Якщо прерогативою sleaze-rock були слова і вирази, які були переважно пов’язані з наркотиками і алкоголем, то окремі жанри пробували піти ще далі. Думаю, що в деякій мірі це прикро звучить, але алкоголь йшов бік у бік з рок-музикантом. Багатьом така творча дорога коштувала здоров’я, кар’єри, а деяким і життя. В свою чергу тема алкоголю ніяк не втрачала свою актуальність і в текстах. Наприклад, широко використовуване слово «booze» відомо в Британії ще століття з XVI і означає випивку. Це одне з найбільш поширених слів, яке використовують для позначення алкогольного напою (Out with the boys testing my virility, the booze and the music arousing my curiosity). Людину, яка перебуває в алкогольному сп’янінні частіше всього називають «loaded» (який набрався), часто додають Loaded on beer, loaded on whisky. В середині 60-х років минулого століття з’явилась проблема куди страшніше сексуальної революції — наркотична 8 революція у мистецтві. Звичайно,

що своє відображення вона знайшла всюди: в музиці, текстах, в живописі, в кінематографії, але рок-музиканти звели своє нове захоплення в крайність. Наркоматський сленг почав захоплювати тексти, переповнюючи їх новими алегоричними образами. В той час одним з найбільш страшних слів було «high». Перше його значення можна було перекласти як «кайфанути», а відчути дію — to get high, to be high, to feel high. В другому ж значенні це могло означати і сам наркотик, якщо переводити на наш лад, то це дуже близько зі значеннм «дурь» чи «кайф» — to be on high. В деяких випадках натяки на галюциногени в ліриці ніби «спеціально знаходились», так як було з «Lucy In The Sky With Diamonds» The Beatles — абревіатуру назви можна скласти в LSD. А десь вони були абсолютно очевидні, так як, наприклад з «Purple Haze» Джимі Хендрікса — потрібно відмітити, що великого любителя розширеної свідомості. Деякі гурти зробили монументальні гімни своїм захопленням. У Black Sabbath є композиція «Sweet Leaf». Вона-то якраз і починається з характерного покашлювання, а також «Snowblind», в приспіві якої, якщо послухати, то чути як тихо говориться «cocaine», в принципі і стає зрозуміло про який «сніг» йде мова. В кінці 70-х актуальність LSD пішла на спад, але замінилась на більш сильнодіючі речовини, звісно, і в хід пішли інші слова. «Shot» почало означати «доза», в деяких випадках використовувалась в переносному значенні — «Shot Full Of Rock». В наркотичному сленгу існували і свої характерні одиниці, вони відображали стан і відчуття. Після лікування від залежності Джон Ленон написав «Cold Turkey», вона описувала пережиті


Акцент

ним відчуття (в свою чергу припускається, що термін «холодна індичка» пішов в цьому випадку від «гусячої шкіри», синюшного кольору, який характерний при ломці): «… My body is aching, goose-pimple bone, can’t see no body, leave me alone…/ Thirty-six hours rolling in pain, praying to someone, free me again…» (Моє тіло болить, покрите «гусячою шкірою», нікого не хочу бачити, залиште мене в спокої; 36 годин кручусь від болю, звертаючись до когось, щоб звільнили мене від цього). Любовна лірика в інтерпретації рок-музикантів також переживала свою еволюцію: від милих пісень про почуття до відверто вульгарних речей. Це можна було назвати деградацією в музиці. Використовувалась велика кількість алегорій, образів, понять, які іноді зображувались зовсім незрозумілими фразами. Навіть у Queen «Get Down, Make Love» також спостерігається вираз «to get down». Одночасно з широким розвитком рок-музики, поширювалось таке явище, яке взяло термін «mis-spell» — спеціально неправильне написання в назвах пісень, платівок, а то і самих назв гуртів. Часом це було схоже на гру слів. Можливо, один із самих відомих прикладів — The Beatles — з одного боку це ніби «жуки», але одразу ж обігрується слово «beat», яке використовувалось в ті часи задля назви модної тоді музики. Спершу, як не дивно, мода на перекручування слів вкоренилась у Великобританіїї — на батьківщині літературної англійської мови. А найкращими

майстрами в цій справі були завжди Slade, сама назва гурту — mis-spell. Можно сказати, що написання з помилками стало їх характерною рисою протягом всієї кар’єри («Look At Last Nite», «Gudbuy T’Jane», «Mama Weer All Crazee Now», «Cum On Feel The Noize», «Look Wot You Dun», «Skweeze Me, Pleeze Me», «Coz I Luv You») Наступний підйом неграмотності стався у 80-х роках в Америці, де і так йшов процес спрощення графічного зображення. Тоді особливо відмітились гурти стилів glam та sleaze-rock. Стало майже нормою писати nite замість night чи boyz замість boys. Широке використання mis-spell відобразилось в назвах команд — Motley Crue, Ratt, Tigertailz, Enuff Z’Nuff, Noize Toys, Sleeze Beez…

9


Акцент Музыка для людей без истерии

(некоторые факты о самых известных концептуальных музыкальных произведениях последних 45 лет) Николай Шасталов Как говорил Бетховен, «есть музыка Нот, а есть музыка Экстаза». И как дополняет его один студент-социолог, «а еще есть сюжетная музыкальная композиция, а есть произведение „самов-себе“». Неудивительно, ведь во времена Людвига ван Бетховена музыка была сосредоточена в основном в театрах и отдельные произведения практически всегда имели связь с чем-то большим, и связь эта была сюжетной или концептуальной. Сегодня для названия этого «чегото большего» больше всего подходит слово «альбом». Но характер связи изменился и теперь он скорее объясняется соседством с другими композициями на одном диске и озвучиванием одним исполнителем. Если же отдельные произведения объединяет что-то еще, например, сюжет выходит за рамки обыденности то это часто именуется рок-оперой или мюзиклом. О знаменательных примерах такого искусства и пойдет речь дальше.

1. Phantom of the Opera \ Призрак оперы, мюзикл

Музыка Эндрю Ллойда Вебера, мужа Сары Брайтман, кстати. Текст Ричарда Стилго, обладателя элегантной бороды, докторской степени и пяти внуков. В Англии постановка идет с 1986 года и до сих пор. Сюжет: в оперном театре идет репетиция спектакля «Ганнибал». Вследствие нервозности примадонны театра, вызванной, кстати, призраком оперы, вместо нее предлагается на эту роль некая Кристин Даэ. О ней 10 известно, что она берет уроки вокала

у таинственного учителя. Пение Кристин производит впечатление на покровителя театра, молодого человека по имени Рауль. Если бы действие разворачивалось не в 1905 году, можно было бы подумать, что речь идет об известном футболисте. Рауль ощущает непреодолимое желание пригласить Кристин на ужин, делает это и получает отказ, в связи с тем, что учитель Кристин очень строг. Кристин называет его очень странно  — «Ангел Музыки». Спустя некоторое время, оставшись тет-а-тет с Призраком Оперы, Кристин коварнейшим образом срывает с него маску, видит обезображенное лицо и вызывает гнев учителя. Это был первый «удар под дых душе» несчастного Призрака от взбалмошной Кристин. Вторым ударом становится взаимное признание в любви Рауля и Кристин на крыше театра, подслушанное Призраком. Вообще, стоит заметить, что Призрак натворил много чего между ударами. Например, угрожал администрации театра и шантажировал ее, занимался членовредительством и, наконец, испортил огромную люстру. И все это на алтарь любви к юной и такой неосмотрительной Кристин. Ах.

2. Стена \ The Wall. Сначала концептуальный альбом, а затем, по классификации Роджера Уотерса — мюзикл Музыка: Pink Floyd Дата выхода: Альбом – 1979, фильм – 1982.


Акцент По мнению многих поклонников Pink Floyd, куда больше смысла в их другом альбоме — Dark Side Of The Moon, про который тоже все знают. В основе концепции альбома лежит утверждение, что современная жизнь является путём к безумию, и индивид должен вести суровую борьбу за сохранение рассудка. Это оказалось настолько созвучным мыслям и опасениям миллионов людей, что альбом продолжают активно покупать и спустя четверть века после его появления.

Тот самый альбом, который не разобравшимися в сути дела людьми обычно оценивается как призыв к некой непокорности «системе» и бунту против устоев. Обрел популярность среди представителей субкультур, в частности, благодаря использованию приемов сюрреализма в видеоряде, которые выглядели вполне авангардно и потому привлекли на свою сторону еще и «ванильных овечек» — девушек, реже парней, желающих выглядеть загадочно и необычно. Ну, вы поняли, дорогие читатели. Часто «любовь» к этому произведению (побуждает фамильярно называть Pink Floyd «Пинки») сопровождается таким же по силе чувством к Ницше, что дополнительно есть характерной чертой описанной выше социальной группы. А между тем, стоит почитать комментарии самих авторов, тексты песен и, в конце концов, подумать головой, для того, чтобы трактовать смысл и понимать сюжет верно. По сюжету картины, мы наблюдаем воспоминания и рассуждения мистера Пинка, рок-звезды, который сидит у себя в гостиничном номере. Основной мотив его размышлений — стена. Стена, которая символизирует преграды, существующие в обществе, в человеческих умах, разделяющая людей, окружающая самого Пинка и, которую мы, осознанные личности, должны разрушить. Последняя сцена фильма, мальчик, стоящий на развалинах чего-то кирпичного —

есть символ, апогей этой мысли, глубину которой каждому оценивать лично. В альбоме поднимаются темы злости и гнева, возможных последствий человеческой неосмотрительности и гордости. А самая известная песня, Another Brick In The Wall pt.2 говорит о вреде, который могут нанести своей безответственностью учителя и прочие представители системы образования. Пинк вспоминает, как учитель на уроке застал его за написанием стихов, привселюдно высмеял, а затем продолжил разучивать с классом определение акра. Обиженный Пинк представил известные всем сцены: шагающие молотки и школьники на конвейере. Так что это произведение нельзя однозначно назвать призывом к протесту и студенты в ЮАР зря её использовали как гимн своих выступлений против правительства в 1980 г.

3. Томми / Tommy

Автор — Пит Таунсенд, а вообще — группа The Who. Рок-опера. На обложке альбома впервые значился жанр «рок-опера». Этим он, в основном, и знаменит. Хотя, необходимо сказать, что альбом признан многими изданиями как одно из лучших творений в роке. Сюжетная линия альбома разворачивается в Англии после Первой мировой войны. 11 Капитан Уокер не возвращается после


Акцент одного из сражений. Его считают погибшим, и жене Уокера, Норе, приходит «похоронка». В день окончания войны у неё рождается сын Томми. Ему суждено стать чем-то вроде мессии. Но об этом ниже. Примерно через 4 года отец все-таки возвращается и застает жену с любовником. В фильме любовник убивает отца, а в альбоме — наоборот. Это не важно, главное — что Томми становится свидетелем этого и жертвой уговоров родителей, отчего у него появляются проблемы со здоровьем — теперь он глух, нем и слеп. Ему приходится учиться интерпретировать все физические ощущения как музыку. Основную часть альбома занимают описания проблем Томми, издевательств, которые он терпел. Например, у него были дядя-педофил и садисткузен. Опробовав все ненормальные методы лечения, родители, наконец, ведут Томми к обычному врачу, который научно объясняет проблемы со здоровьем у Томми психосоматикой. Раскрывать концовку мы не будем, но она не так предсказуема, как может показаться. Поверьте мне. Стоит сказать, что Пит Таунсенд, лидер группы писал эту рок-оперу под влиянием психоделических опытов и учения индийского гуру Мехер-Баба (Meher Baba) и позиционирует её, как «метафорическую историю о различных состояниях сознания». Вот так вот.

4. Иисус Христос Суперзвезда \ Jesus Christ Superstar 1973

12

Экранизация легендарной рок-оперы Эндрю

Ллойда Вебера и Тима Райса. Ничего ужасного в новой истории Христа здесь нет (на мой взгляд, мюзикл строго следует пути Библии). Пусть Христос поет пронзительным голосом, пусть в храме вместо птиц и глиняных горшков торгуют гранатами и газировкой (The Temple), пусть Иуда — негр, а Ирод — толстый приколист (Herod’s Song), пусть у солдат немецкие автоматы и розовые майки (как у волка в «Ну, погоди!»). Все подано очень мило и с долей юмора. Однако, режиссер не забыл, что снимает серьезную картину. Фильм правдив и точен, как логика Гегеля, что немало удивляет, если учесть всю его намеренную убогость в плане декораций, костюмов, да и вообще во всем. Первичное изумление этим фактом очень быстро сменяется пониманием, что убогость тут диктовалась не ограниченными средствами, а эстетической волей режиссера. Из всей этой истории я нашел только одно действительно грубое отступление от книги книг — сцену, где Иуда внезапно воскресает и учит Христа жить (Superstar), а на заднем фоне темнокожие девушки одетые в легкие белые платья ему вторят в стиле баптистских песнопений. В остальном все так, как и должно быть. Предательство Иуды и его смерть, поход к Ироду и «от ворот поворот», Понтий Пилат, умывающий руки, суд и распятие Христа. Все это выглядит вполне достоверно, как и в любом другом фильме, так или иначе затронувшем эту тему. О музыке можно сказать коротко. Фантастика. Очередной шедевр Эндрю Ллойда Уэббера. Благодаря соединению всех мыслимых интересных стилей, что-то для души в этой рок-опере найдет любой ценитель нормальной музыки. Я лично посмотрел на ютубе его раз 40. Я — поклонник «Призрака оперы». Однако сей фильм лучше его. Несмотря на то, что из него уже песок сыпется, «Иисус Христос суперзвезда» остается одним из лучших мюзиклов в истории, и, скорее всего, таковым он и останется. Иуда, убегающий от танков в пустыне (Simon Zealots-Poor Jerusalem). Это обязательно надо видеть самому!


Акцент А вы любите петь? Кристина Москаленко Песни и пение все любят с детства. Вспомните мамину колыбельную: приятный нежный голос, милые звуки, знакомые слова — все это пробуждает любовь к вокальному виду искусства. Конечно, пение не всегда было искусством и для того, чтоб им стать — родиться из жизни общества вообще (которая включала в себя пение, музыку, танцы и т. д. в виде, неотделимом от этой жизни), необходимо было искусству вообще родиться как отдельному виду человеческой деятельности. То есть искусство — это результат развития общества, а не возникшая из ниоткуда сфера деятельности, подвластная только избранным. Жизнь маленьких детей неотделима от звуков, а жизнь их как будущих людей — неотделима от очеловеченных звуков и от музыки, пения в том числе. Все мы, наверное, помним свои первые и самые любимые песни, помним, как голос покорился нам и из наших маленьких уст полилась живая песня… Но почему-то с раннего возраста детишек приучают и к тому, что петь может не каждый, что для этого нужен какой-то особенный врожденный талант, часто говорят «у тебя нет слуха, у тебя нет голоса». Здесь важно понимать, что талант этот зависит только от того, сколько времени, сил, усердия мы потратим на «сотворение» и развитие его. Конечно, в этом деле один человек полностью не может «взять все в свои руки», а здесь играют важную роль и учитель, семья, общество, и те условия, в которые попадает человек. Главное же осознавать, что талантливыми не рождаются, а ими становятся. И именно человек — творец своего таланта, таланта своих детей и талантливости всего общества. Если же читатель все же решился петь (и петь серьезно) или желает помочь кому-то в этом нелегком, но занимательном деле, предлагаем ему ознакомиться с главными разновидностями певческих голосов и вокала. Пойте с удовольствием! Мужские голоса бывают: Тенор – высокий мужской певческий голос. Различают: тенор-альтино – звучит прозрачно, легко, обладает звонкими высокими нотами; лирический (di grazia) – мягкий по тембру, нежный, женственный; меццо-характерный (spinto) – исполняет партии широкого диапазона, сильный; драматический (di forza) – крупный голос, имеющий большой динамический размах, призванный выражать самые сильные драматические ситуации. Пример: Фауст (одноименная опера Гуно). Баритон – это мужской певческий голос, по высоте средний между басом и тенором. Различают: лирический (более мягкий и подвижный), лирико-драматический и драматический (более мужественный и сильный). Пример: Эскамильо («Кармен» Бизе), Фигаро («Свадьба Фигаро» Моцарта; по некоторым классификациям относится к высокому басу). Бас – наиболее низкий мужской певческий голос. Различают: высокий (cantanto), центральный, низкий (profundo). Пример: Борис Годунов (одноименная опера Мусоргского), Мефистофель («Фауст» Гуно).

Женские голоса бывают: Сопрано (дискант) – высокий женский певческий голос. Различают: колоратурное – подвижность в исполнении фиоритур (музыкальных украшений), пассажей (музыкальных звуков в быстром движении) и т.п., прозрачность тембра, легкость и свобода звучания в верхнем регистре; лирико-колоратурное; лирическое – мягкость тембра, гибкость и большая выразительность в кантилене; лирико-драматическое; драматическое  – отличается силой звучания на всем диапазоне, плотным нижним регистром. Пример: Розалинда, Адель (оперетта «Летучая мышь» Штрауса), Микаэла («Кармен» Бизе), Маргарита («Фауст» Гуно), Джульетта («Ромео и Джульетта» Гуно). Меццо-сопрано – средний женский певческий голос. В русской певческой традиции – это крупный, глубокий звук, очень насыщенный по окраске и несколько тяжеловесный. В западной же – это довольно светлый и подвижный голос, разница между меццо-сопрано и лирическим сопрано лишь в диапазоне, а не в характере исполнения. Различают: высокое (лирическое) и низкое. 13


Акцент Пример меццо-сопрано: Кармен («Кармен» Бизе), Розина («Севильский цирюльник» Россини), Любаша («Царская невеста», Римский-Корсаков). Контральто – самый низкий женский певческий голос глубокого грудного бархатистого тембра. В опере композиторы часто писали для контральто партии мальчиков-подростков и юношей. Пример: Ольга («Евгений Онегин» Чайковского), Ваня («Иван Сусанин» Глинки), Зибель («Фауст» Гуно).

Разновидности вокала.

Академический вокал Академическое или классическое пение возникает в ХVI веке. Такая манера исполнения предполагает классические постановку голоса и приемы звукоизвлечения, объемное звучание чистого голоса без лишних шумов, хрипа, без форсирования звука. К академическому пению относятся: оперное пение, исполнение оперетты, мюзикла, камерное пение (концертное исполнение арий, романсов, песен). В классической манере исполняются и некоторые эстрадные песни. Исполнение оперных партий, а также номеров из оперетты и мюзикла требует большого вокального мастерства и профессионального обучения пению. С опытом у академического певца формируется определенная вокальная позиция, благодаря которой голос становится очень сильным и приобретает большой объем. Однако, в редких случаях, академисты могут выступать и в иных вокальных жанрах, если смогут облегчить подачу звука. Эстрадный вокал Эстрадный вокал как направление возник с появлением городской культуры. В средние века это были мотеты, кантаты, позже — романсы. Они отличались простой повторной формой (чаще куплетной), светским содержанием текстов и легкой, доступной манерой исполнения. Главное отличие эстрадной музыки и по сей день — это простота формы и содержания, доступность понимания массам. Сегодня на эстраде сосуществуют много различных музыкальных стилей и направлений: поп-музыка, рок-музыка, рэп, хип-хоп, Р’н’Б (R&B), джаз, соул и множество их разновидностей. Каждому стилю соответствует своя манера 14 исполнения, свои вокальные приемы,

однако, одинаковая для всех постановка дыхания и постановка голоса. Джазовый вокал Отличительной чертой джазовых вокалистов есть умение импровизировать. Техника этого вида вокала предполагает использование всех красок и возможностей голоса по максимуму (вплоть до подражания тембрам различных инструментов). Манера звукоизвлечения здесь — эстрадная, и поставленный на крепкую опору голос. Народное пение Народное пение или этническое пение — пение, существующее со времен появления общества. Такому пению присущи особенности той или иной народности, этнической группе.

Вокальные техники звукоизвлечения, применяемые в некоторых экстремальных музыкальных направлениях

Гроулинг или гроул (от англ. growling — «рычание»)  — это вокальный прием, используемый в таких музыкальных стилях, как дэт-, блэк-, трэш- и дум-метал, грайндкор, дэткор. Здесь звучание похоже на рычание животных — своего рода рык, исходящий из области живота вокалиста. В современной профессиональной музыкальной культуре гроулинг использовали джазовые певцы еще в 30-х годах ХХ века. Скриминг или скрим (от англ. screaming — «крик») — прием пения, который можно охарактеризовать как хрипящий вопль или визгливый крик. Он используется в таких стилях, как: блэк-метал, грайндкор, дэт-метал, металкор, дэткор, скримо, эмокор.


Акцент И тем, кто заинтересовался предыдущей статьей, и тем, кто по невнимательности ее перелистнул, несомненно будет интересна статья Дж.Лаури-Вольпи, которую мы и предлагаем сейчас вашему вниманию.

Вокальные параллели

Краткая история вокального искусства Печатается в сокращении

В древние времена пение носило народный и религиозный характер и не нуждалось в дидактической подготовке. Пели «естественно», спонтанно, пели простые и спокойные мелодии или хоровые молитвы в храмах под аккомпанемент примитивных инструментов. Рассказывают, что Конфуций, случайно услышав песнопение, приписываемое Ли-Бо, древность которого исчисляется четырнадцатью столетиями, был до такой степени поражен, что, охваченный мистической экзальтацией, отказывался в течение семи дней от пищи, питья и сна. После этого он и сформулировал свое знаменитое учение, которое он распространял, напевая его предписания на мотив мелодии Ли-Бо. Своим голосом и своей пятиструнной гитарой из слоновой кости он обратил огромный Китай в свою веру. И он совершил это, не обучаясь пению ни в какой школе. Точно так же и в Элладе элевсинский культ и орфические таинства не вносили в пение таких трудностей, преодоление которых требовало бы специальной подготовки. Пение, танцы и музыка лежали в основе воспитания, составляли основу гуманитарной части обучения в гимназиях, где вокальные упражнения перемежались с атлетическими, имея целью добиться гармоничного развития личности. Школы возникли позже, когда музыка превзошла другие искусства, а те стали стараться достичь той высоты, какой достигла музыка. Скачки из регистра в регистр, тесситура, украшения, атака, легато, фразировка вызывали необходимость воспитывать голос, создавать метод, технику, стиль, соответствующие различным музыкальным жанрам и различному оркестровому и инструментальному сопровождению. Пение постепенно превратилось в самостоятельную область искусства, и певец оказался перед необходимостью разрешать все новые насущные проблемы

при исполнении все более сложных музыкальных произведений, требовавших физической дисциплины и гибкости ума. На заре христианства появилось своеобразное вокализированное пение, «мелос», базирующийся на вокальных вариациях, наряду с гладким речитативом. Эти вариации со временем были значительно разработаны, так что без особой подготовки певец уже не смог бы с ними справляться. Первая школа пения возникла в Риме в V веке н. э. при папе Иларии. Слава ее распространилась на Западе, и вслед за этим в VIII веке возникают школы в Меце и Сан Галло. Но не следует смешивать это «школьное» пение с пением трубадуров и с «народным» пением. «Школьное» пение и «народное» пение представляли собой два различных течения, которые позже оказали значительное влияние друг на друга и, наконец, слились вместе. Солнечная жизнь влилась в литургическую музыку монастырей и капелл. Народное пение внесло в школьное пение неожиданность полета, блеск звучания и смелость вариаций. Этот род «орнаментального пения» оказал затем влияние на декоративные полифонические формы великой французской школы. Трубадуры, как и древние аэды и рапсоды, не нуждались в специальных технических методах для исполнения своих простых одноголосных песен, использовавших звучание одного лишь среднего голосового регистра и сопровождавшихся аккордами лютни (вспомним лиру). Они стремились не столько к акустическим эффектам, сколько к выражению чувств. Высокий и сверхвысокий регистр человеческого голоса является, таким образом, открытием новейших времен, когда голос, слово, идея постепенно сливаются вместе и приспосабливаются для создания непосредственного впечатления. Среди первых школ следует особенно отметить основанную тосканцем Сан Филиппо Нери в римской церкви Кьеза Нова школу, названную

15


Акцент Ораторио, в создании которой принимал участие первый сочинитель хоральной музыки — Палестрина. Однако окончательное формирование вокального инструмента и норм подлинной и настоящей школы пения началось лишь с возникновением оперы. В 1599 году в Палаццо Кореи во Флоренции представлением «Дафны» Якопо Пери по либретто Ринуччини было положено начало опере, смеси оратории и маскарада, а вместе с ней и культивированию хороших голосов. Преподаванием занимались сами композиторы (тоже прославленные певцы), стараясь сделать из своих учеников настоящие музыкальные инструменты из плоти и крови с помощью обучения технике дыхания, звукоподачи, развития звука и в соответствии со строго продуманной системой. Позже, в 1600 году, властители Флоренции были поражены вышколенными голосами Франчески и Сеттимии Каччини, дочерей композитора, чью оперу «Эвридика» они исполняли в Палаццо Питти по случаю бракосочетания Марии Медичи с Генрихом IV, королем Франции. В 1608 году в Мантуе была исполнена «Ариадна» Монтеверди по либретто того же Ринуччини. С этого времени в Италии начинают возникать различные школы, тяготеющие в основном все больше к декоративному стилю, к вокальной виртуозности. Виртуозность эта достигнет наивысшего выражения у сопранистов XVIII века, то есть с возникновением бельканто — «красивого пения», названного так, быть может, из-за характерных для него «украшений», в которых слово и мысль исчезли, чтобы дать место чисто звуковым красотам, производившим на слушателей непосредственное впечатление. В 1637 году в Венеции открылся первый платный театр. Там господствовала пышная, эффектная, часто громоподобная музыка, которой прославился Франческо Кавалли и его подражатели. Против тогдашней итальянской школы бельканто восстала французская школа. Это вылилось в так называемую «войну шутов», разразившуюся после смерти Людовика XIV, который по просьбе своей невесты мадемуазель Монпансье и кавалера-Де Гиза назначил придворным маэстро флорентийца

16

Люлли. Люлли двинул вперед французскую школу. Представителем французской школы во время «войны шутов» был знаменитый органист Филипп Рамо, кстати говоря, первым написавший трактат о гармонии. Итальянская школа выступила с комической оперой «Служанка-госпожа» Перголези. Король был сторонником французской оперы, а королева (полька Лещинская) — итальянской. Вслед за ними и вся французская интеллигенция разделилась на сторонников той или другой. Сторонником итальянской школы стал даже Руссо, по крайней мере для того, чтобы досадить своему другу Вольтеру. Арбитром тяжущихся сторон выступил прибывший из Вены известный представитель немецкой школы Христофор Глюк, бывший учителем Марии Антуанетты, до того как она стала французской королевой. Немецкая школа стремилась умерить неудержимый и неестественный «виртуозизм» итальянского бельканто и чрезмерный «экспрессионизм» французской школы: барокко и рококо должны были слиться вместе, чтобы эмоция и мысль заняли подобающее им место. Произвол певцов, которые по своему капризу изобретали каденции и вставки, прекратил Джоаккино Россини. Маэстро сам устанавливал и записывал каденции и фиоритуры (украшения), согласовывая их с характером музыки. В «Вильгельме Телле», своем бессмертном шедевре, он достиг высочайших вершин вокальной музыки. Вердиевские голоса и вердиевская школа отличаются от вагнеровских голосов и от немецкого декламационного стиля большим разнообразием, потому что исполнение вердиевской музыки требует владения всей вокальной гаммой и способности выражать любые оттенки в лирическом, героическом и драматическом плане. В конце XIX и начале XX века возникла французская импрессионистская школа во главе с Дебюсси. По канонам этой школы пропетое слово должно незаметно переходить в шепот, в декламацию благодаря некой атмосфере сна или галлюцинации. В противоположность ей, существовавшая одновременно с нею итальянская веристская школа вовсе не заботилась о сохранности голосовых связок певцов. Оркестр, который в музыкальной драме достиг грандиозных размеров, оставляя, однако, певцам возможность быть услышанными, а словам  — возможность быть понятыми, теперь совершенно подавил и голос и слова из-за неумеренного звучания духовых инструментов. Густая оркестровка и тенденция заставить певцов состязаться с оркестром должны были побудить новые школы пения заняться развитием объема звука, а не обогащением его тембра.


Акцент Ритм жизни Виктория Любименко

Дарбука . Фото и з Вани Пух архива а

Бонго

Джембе Джембе — это барабан-африканец. Традиционно его делали из дерева, обтянутого сверху мембраной из кожи козы (да простит их Гринпис). Для игры барабан держат зажатым между ног. Кстати, изначально его называли «исцеляющим барабаном». Игра на джембе (даже не профессиональная) помогает снять стрессовое напряжение и доставляет массу удовольствия. Хотя это не так просто, как может казаться. Введите на youtube Billy Konate или Babatunde Olatunji и убедитесь в том, что игра на перкуссии не проще игры на ударной установке, как ошибочно считают начинающие барабанщики. Дарбука Этот инструмент появился на Ближнем Востоке. Имеет похожую на джембе форму, но отличается материалом, из которого инструмент создают — соответственно, техникой игры и звучанием. Дарбука имеет «женские формы». Держат инструмент на колене, прижатым к левому боку. Любители дарбуки объясняют это красиво: Бог создал женщину из левого ребра, потому дарбуку держат именно в такой позиции. Звездой египетской перкуссии считают Хоссама Рамзи. Бонго Бонго имеет африканское происхождение, но распространение получил на Кубе. Он отличается от предыдущих двух описанных мною инструментов формой — это сдвоенный барабан. Барабаны, составляющие бонго, имеют разный размер: меньший из них считается «мужским», а больший — «женским», основным барабаном. Традиционно, более низко настроенный, «женский» барабан находится по правую руку от музыканта-бонгосеро. Конго Он имеет латиноамериканские корни. Конги тоже «ходят в паре», как и бонги, но имеют другую форму. Из двух барабанов получается всего две ноты, потому, чтобы добиться качественного звучания, нужно иметь не просто хорошую технику, но и богатую фантазию. Тем не менее, существуют различные удары, которые позволяют менять тембр инструмента, также звучание зависит от наклона самого барабана. Периферийная перкуссия

бе Джем

Перкуссия не так популярна в нашей стране, как другие музыкальные инструменты. Но уверена, что все хоть раз имели возможность ее слышать. Под перкуссией подразумевают огромное количество разных ударных инструментов, и вряд ли даже профессиональные перкуссионисты могут перечислить их все. Не вдаваясь в подробности классификации и технику игры, расскажу немножко о тех инструментах, с которыми я «познакомилась» на практике.

17


Акцент Так называют «мелкую» перкуссию. Наверняка все слышали, как звучат маракасы — инструмент, похожий на погремушку. Адодо, кадэнас, шейкера, кастаньеты, сагаты, клавэ и множество других инструментов составляют класс периферийной перкуссии. Играть можно даже на ключах, пустых бутылках (пластиковых и стеклянных), любых палочках — что и делают мастера перкуссии для развлечения публики. «Жизнь коротка, чтобы играть медленно» — так говорит мой учитель перкуссии. И он прав. Конго

Клавэ

Маракасы

Сагаты

Его величество «винил»! Люба Руденко «Ты ведь никогда не расстанешься со своей музыкой…не важно, что бы не случилось. Потому что всякий раз, когда у тебя случаются неприятности, это единственное место, куда ты можешь убежать и просто перетерпеть...» к/ф «Август Раш» Несомненно, ценность музыки невозможно описать! Она окружает человека с самого его рождения в виде радости родителей, которая выливается в шумное гуляние с песнями и плясками, что Ты такой появился на свет, и потом постепенно эфир заполняется этим звуковым колебанием все чаще. Ты начинаешь осваивать новые стили, «присматриваться», что слушают твои сверстники или более того, становишься источником этого «ритуала» создания музыки сам: создаешь свою собственную группу или просто тихим вечерком у подъезда «лабаешь» на губной гармошке. Музыка — это вершина самовыражения! Сейчас в эпоху динамического технического

18

прогресса мы можем без проблем носить с собой «в кармане» гигабайты разнообразнейшей и такой ценной по смысловому значению музыки, мы покупаем CD-диски и бегаем друг к другу с «флешками», чтобы записывать любимые сердцу звучания, но так ведь было не всегда. Вспомним наших бабушек, дедушек и, возможно, родителей, которые ходили в гости с множеством разноцветных, квадратных конвертов размером 30×30 см, в которых находилось то самое «черное золото», а именно грампластинки. Но достать пластинки в то время было не так-то просто, особенно с «забугорной» музыкой. Выпуск пластинок в продажу с завода производился по цене около 2 рублей, ну, а на черном рынке или


Акцент у спекулянтов цена уже доходила до 15 рублей и выше. Да и сейчас «винил» не теряет своей популярности. Но все же, как произошло рождение «пластинки», и вообще, откуда ноги растут? Все началось в далеком 1877 году, когда некий американский гражданин Т.Эдисон запатентовал этакого предка нынешнего проигрывателя под названием фонографа. Технология была проста: на оловянный валик записывалась и проигрывалась музыка с помощью иглы, и все это происходило в вертикальном положении. Но устройство это было по своей сути несовершенно, так как было очень медлительным. К великому счастью того времени, через 11 лет после изобретения Эдисона немец Э. Берлинер изобрел граммофон, для которого и понадобились «чудо — говорящие черные пластинки». Первая грампластинка в мире сейчас хранится в Вашингтоне (Национальный Музей США), она была изготовлена из целлулоида. Но вообще, если посмотреть на историю производства пластинки, то какой только материал не использовался для этого. Например, шеллак — продукт жизнедеятельности тропических насекомых, позже поливинилхлорид — пластмасса, отличающаяся химической стойкостью. Но наибольшей изобретательностью отличались «наши» люди, или, как их еще называли, советские подпольщики, которые додумались

из-за дефицита «винила» резать грампластинки на фотопленках, чертежах и (уж точно можно назвать сверх изобретательностью) — на рентгеновских снимках (музыка «на костях»). Еще были так называемые «гибкие пластинки». Из своего опыта помню, как у дедушки была пластинка, присланная моим родственникам из курортного города Сочи, на которой была его фотка на берегу моря. Как только игла начинала скользить по пластинке, вся комната наполнялась прекрасными мелодиями того времени. К слову о мелодии и звучании, в эпоху СD-дисков и mp3-файлов виниловый звук колоссально превосходит звучание этих форматов. На «виниле», как утверждают люди, работающие с этим материалом не один год, звук и более теплый, и эмоциональный, и объемности в нем побольше, нежели в цифровом сигнале. Да и если посмотреть на современный рынок, крупнейшие звукозаписывающие компании производят свою первую продукцию на виниловых пластинках, потому что это гораздо уменьшает возможность копирования записи в mp3формат и выкладывания в свободный доступ для скачивания. Сейчас «винил» это и инструмент работы для диджеев, и один из предметов коллекционирования, и даже атрибут интерьера. Я и сама являюсь почитателем этой «черной говорящей пластинки». Хотя и не только черной, ведь один из крупнейших производителей современных пластинок «Optimal», завод которого расположен в пригороде Берлина, выпустил ярко-розовые виниловые пластинки с песнями Мадонны. Прекрасно помню тот день, когда мне подарили мою первую пластинку и, сравнив сразу же запись цифрового формата и пластинки на стареньком бабушкином граммофоне, я стала любить это «чудо прошлых веков», появлению которого способствовал немецкий химик Юджин Бауманн, когда синтезировал поливинилхлорид, из которого и делается виниловая пластинка. Невозможно описать ту интимность соприкосновения с музыкой, которую дает пластинка, когда бережно вынимаешь ее из красивого цветного конверта, протираешь пылинки и укладываешь на проигрыватель, ставя иглу плавным движением руки. И вот оно — забвение, ты погружаешься в мир музыки!

19


Акцент

Исцеляющие свойства музыки Юлия Пилипенко Музыка сопровождает нас каждый день. Она может поднять нам настроение, утешить, успокоить, и даже подтолкнуть к действиям. Но давайте вспомним еще и о том, что музыка может исцелять!

Такая волшебная способность звуков была подмечена еще древними врачевателями. Ну, а первым, кто создал книгу с «музыкальными рецептами» был Пифагор. Известно, что выдающийся врач и мыслитель Авиценна лечил музыкой людей с нервными и психическими заболеваниями. В ХХ веке музыкотерапия стала уже независимой дисциплиной и достаточно широко использовалась в странах Европы. Но интенсивное изучение физиологического и психического влияния музыки началось лишь в конце ХХ века, и это продолжается и сейчас. Это конечно, связано с развитием технологий, с помощью которых можно подробно и более достоверно наблюдать изменения реакций на звуки. Каждый выбирает музыку по своему вкусу. Эмоции становятся инструментом, с помощью которого можно управлять и контролировать процесс. Сейчас нас окружает довольно много «эмоционально пустой» музыки, которая ограничивает и притупляет человека от возможности обретения духовности при помощи «живой» музыки. Такая «пустая» музыка создает некий перекос человека в пользу материального уровня проживания. А таким образом получается, что духовная же сторона жизни несет колоссальные потери, что и отражается на благополучии и здоровье человека. Слушая же «живую» музыку, мы можем обрести полноту жизни. Известно, что правильно подобранные мелодии имеют способность нормализовать ритм сердца, кровяное давление, мозговое кровообращение, а также могут помочь улучшить память и внимание. Существуют даже специальные музыкальные программы, обладающие обезболивающим эффектом.

20

Но следует помнить, что как и любое лекарство, музыка может и лечить и вредить. Примером второму может быть тот же городской шум. Такой «акустический мусор» не только снижает остроту слуха, восприятия, умственную работоспособность, но вполне может быть причиной сердечнососудистых заболеваний и нервных расстройств. Может быть поэтому так много нервных людей в общественном транспорте? :-) Восприятие музыки достаточно индивидуально. Кому-то она позволяет легче расслабиться, кому-то мешает, некоторым помогает работать. Но, все же, сказать, как влияет на нас музыка определенных стилей можно. Классика: легкость и невесомость музыки Гайдна или Моцарта улучшают память и помогают сосредоточиться. Романтическая музыка несет в себе полную гамму чувств, которая отображается в эмоциональных произведения Вагнера и Шопена. Джаз и блюз могут вызвать различные человеческие эмоции, как и романтическая музыка, только джаз лучше тонизирует. Рок: одни формы классического рока могут снять напряжение, другие же пробуждают страстные чувства. Воздействие этой музыки индивидуально для каждого. Как мы видим, разная музыка по-разному влияет на организм. Каждый выбирает «свое» звучание. Ну, а нам остается исцеляться и наслаждаться любимыми мелодиями!


Акцент Аня Савело

Амели на мели

«В присутствии своих волшебных подруг я все чаще чувствую себя маленькой накуксившейся девочкой со связкой воздушных шаров в руке: они все такие летучие и разноцветные, а мне жарко и сандалики жмут»

Под псевдонимом «Амели на мели» скрывается Александра Образцова. Родилась она 27 июня 1990 года. Возможно, от того, что наши возрасты так близки, она сумела спеть о всём том, что я хранила глубоко внутри себя. О том, что волновало и тяготило меня. О том, что болело не один год. Она ещё не успела стать особо известной, и информации о ней в сети практически нет, есть записи пары квартирников, группа « Вконтакте» и ни одного официального альбома. Не смотря на малую известность «Амели на мели» поет просто великолепные песни, наполненные глубочайшим смыслом, с лирическими текстами, исполненными безумно красивым, нежным голосом под замечательную гитарную музыку, которая навсегда оставляет след в душе и много «вечных» вопросов, на которые все мы пытаемся искать ответы.

Ни Гнесинки, ни какоголибо другого музыкального о бр а з ов а ния Александра не имеет, что не мешает ей сочинять замечательные песни и радовать пускай и не большой, но всё же круг поклонников. Я считаю, что нам нужно поддерживать именно таких исполнителей, которые вкладывают в свою музыку душу, а не деньги родителей, любовников или кого-либо ещё.

Pink Floyd: воскрешая Помпеи Александр Белый Разрушенный амфитеатр, сухой горячий воздух, абсолютная тишина, непоколебимая небесная гладь. Место одновременно удручающее и влекущее своей тайной, буквально таки мистической, неосязаемой, но ощутимой для тех, кто оказался там или прикоснулся к древней, магической поэзии тех широт. Место древнее, история которого покрыта энигмой, сказаниями, ощущением некоторого ужаса, просыпающегося при воспоминаниях о главной легенде, запечатлённой на известном полотне Брюллова: Помпеи. Дословное название фильма — Live at Pompeii  — уже содержит в себе посыл, идею о «жизни в мёртвом городе», о том, что стоит добавить музыку (а музыка, по сути, самое живое из всех творений человека, ибо подразумевает в себе динамику и исключительно чувствительную основу, не требуя интеллектуальной базы или обладания культурным контекстом) к видеоряду руин и необитаемых земель — и в них уже просыпается жизнь; именно благодаря музыке удаётся разбудить внутреннюю сущность этих руин и земель, которая обычно скрыта и не ощутима при поверхностном касании. Именно на этом взаимном дополнении музыки Pink Floyd и древних мистических мест построена

концепция фильма, и именно благодаря этому соответствию (к слову сказать — безукоризненно тонко подобранному создателями фильма) полотно обладает неповторимой атмосферой, достигаемой исключительно в музыкальных фильмах, при отсутствии слов, диалогов, своей конкретикой убивающих неосязаемость, и, следовательно, отсекающих очень ценную, редкостную часть атмосферы, без которой кино подчас может лишиться целостности. Этот фильм — редкий пример того, когда демиургом выступает не человек, но нечто неуловимое и до конца не осознаваемое; нечто, что возникает благодаря диалогу создателей с силами от

21


Акцент них не зависящими и им не подвластными. Картина стала собою не благодаря действиям режиссёра или актёров, которых, по сути, в фильме нет, если не относить к ним музыкантов, выступивших в роли ключей к магии музыки, виды амфитеатра или лаву; картина обрела жизнь и целостность благодаря музыке, стала настоящим музыкальным фильмом, ибо без музыки не остаётся абсолютно ничего  — она придаёт полотну дыхание, окрас, динамику. Минималистически простая экспозиция — музыканты на сцене амфитеатра, трибуны пусты, в кадр попадает съёмочная группа, что присуще скорее документальным работам — подобные «взгляды изнутри», но в данном случае такие элементы не играют ключевой роли — отсутствие кулис придаёт картине ощущение абсолютной истинности, лишает полотно любой внутренней фикции, вроде сюжета или художественных приёмов: то, что происходит — происходит здесь, сейчас, перед нами, вживую, и тогда становится ясно, что слово live в названии фильма абсолютно точно описывает его природу. Следует отдать должное бельгийцу Адриану Мабену, режиссёру этого полотна, который очень тонко выхватывал моменты, придавая видеоряду целостность. С самого начала фильма, когда вступает первая часть культовой 24-ёх минутной песни Echoes, начинается погружение в отчуждённую, настроенную на древний, античный лад динамику картины. Когда рисунок песни сменяется — мы видим и смену манеры, появляется некоторая скорость, плотность, присущие музыкальному эпизоду; когда всё заполняется басовым рифом из One of these days  — мы погружаемся в темноту ночи, и так далее. Режиссёру удалось выхватить искру каждой композиции, обратившись к самому главному в них, к их сути, и оттолкнуться от этого при выборе подачи. Отдельные вкрапления живописного Везувия, движущейся лавы под Careful with that Axe, Eugene (которая, кстати, звучит в ключевой сцене разрушения в Zabriskie Point Антониони, но в саундтрек-листе фильма значится под названием «Come in Number 51, Your Time is Up»), игра со светом и тенью придают фильму окрас художественного, отнюдь не документального

22

полотна. Говорить же о музыке, как сказал Заппа, всё равно что танцевать об архитектуре, а пытаться говорить о музыке Pink Floyd — бесполезно вдвойне; с точностью можно сказать лишь одно  — никакое другое сопровождение не способно так обращаться к древности, взывая к её трансцендентной сущности. Ценность музыки этого полотна ещё и в том, что в Live at Pompeii подведён некоторый итог творчества Pink Floyd до того, как они стали мировой культовой группой с выходом Dark Side of the Moon. По сути, «последняя песня перед всемирной славой» (номер шесть в сет-листе Meddle, альбома, предшествовавшего Тёмной Стороне) — Echoes — «открывает» и «закрывает» фильм, что возможно благодаря её нестандартному хронометражу (как сказано выше — практически 24-ёх минутная песня), а так же необычная структура, позволяющая условно разделить её на главы. Трудно вообразить музыку, которая более точно «озвучивала» бы эфирность Помпей, с присущими легендами и мистикой. К слову, те моменты, когда Pink Floyd прикасались к кино — вроде вышеупомянутой гениальной работы «Забриски Пойнт» Антониони, или же абсолютного шедевра «Стены» Алана Паркера на основе легендарного альбома этой группы, а так же замечательная мелодичность More, музыка которого значительно достойней фильма — это всегда событие, если не в кино, то, как минимум, в музыкальном мире. Но Live at Pompeii зачастую не вносят в этот список (хотя этот фильм и сыграл огромную роль в искусстве музыкальных фильмов; доказательством тому можно назвать недавний фильм Heima, снятый


Акцент под исполнение Sigur Rós на фоне неимоверно красивых видов Исландии, родины музыкантов; фильм, по сути, аналогичный «Помпеям», снятым 34-ю годами ранее). Неизвестность и непопулярность Live at Pompeii связана с огромным количеством эксцентричных элементов. Музыка, прозвучавшая в картине, принадлежит к непопулярному и сложно воспринимаемому жанру, просуществовавшему едва ли десятилетие на рубеже 60-70ых годов; картина напрочь лишена привычного повествования, что отпугивает зрителя, привыкшего к типичному нарративу большинства кинолент: огромное количество сцен останется непонятым современным кинопотребителем, предпочитающим пафос голливудской музыки и

нарочито логичный визуальный план. Впрочем, стоит отметить, что сложность восприятия может ожидать даже «бывалого» киномана, а тем более, если подобная экспериментальная музыка не добивается отклика. Но тем счастливчикам (трудно подобрать более уместное слово), которым удалось поймать ощущение и музыки, и фильма, это полотно подарит нечто очень важное и ценное  — неуловимое ощущение, подчас метафизическое в своей природе. Сложно сказать что именно, ведь зритель всегда сам дорисовывает полотно; но можно быть уверенным — ощущение единственное, неповторимое, преисполненное магии кино, и, быть может, толикой мистики разрушенного города…

Их нужно знать! Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791) — австрийский композитор, капельмейстер, скрипачвиртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750) — немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Один из величайших композиторов в истории музыки. Людвиг ван Бетховен (1770 — 1827) — немецкий композитор, дирижёр и пианист. Бетховен — ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах. Михаил Иванович Глинка

(1804

1857)

композитор, традиционно считающийся одним из основоположников русской классической музыки. Сочинения Глинки оказали сильное влияние на последующие поколения композиторов, в том числе  — на членов «Новой русской школы», развивавших в своей музыке его идеи. Пётр Ильич Чайковский (1840 — 1893) — русский композитор, дирижёр, педагог, музыкальнообщественный деятель, музыкальный журналист. Считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 сочинений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру. Ференц (Франц) Лист (1811 — 1886) — австровенгерский композитор, пианист, педагог, дирижёр, публицист, один из крупнейших представителей музыкального романтизма.

23


Постскриптум Пол Локхард. «Плач математика» (отрывок)

Посвящаем это современным реформам образования.

Музыкант просыпается от кошмарного сна. Во сне он видел, будто музыкальное образование стало обязательным. «Мы помогаем ученикам вступить в этот заполненный звуками мир», — преподаватели, школьная система и государство принялись за этот жизненно важный проект. Проводятся исследования, образуются комиссии, принимаются решения… И все это без единого совета музыканта или композитора! Музыканты, как известно, записывают свои идеи нотами; выходит, эти черные кружочки и палочки и есть «язык музыки». Важно, чтобы ученики свободно говорили на этом языке, если они собираются выучиться музыке; само собой, было бы абсурдно ожидать от ребенка, что он сможет спеть песенку или сыграть мелодию на каком-нибудь инструменте, если он не выучил музыкальной нотации и теории. А играть и слушать музыку, не говоря уж о сочинении собственной пьесы, учат в вузе и в аспирантуре. А цель обучения младших и средник классов — научить школьников языку музыки: надо ведь заучить все правила обращения с этими символами! «На уроке музыки мы берем нотную бумагу, учительница пишет на доске ноты, а мы переписываем их или транспонируем в другую тональность. Нам надо научиться рисовать скрипичный и басовый ключи, и не путаться с тональностями. Наша учительница очень строгая. Она всегда смотрит, чтобы четвертные ноты были полностью закрашены. Однажды я решала хроматическую шкалу, и все сделала верно, но мне поставили двойку, потому что я нарисовала штили не в ту сторону».

Даже самые маленькие могут этому научиться! Третьекласснику стыдно не знать квинтового круга. «Мне пришлось нанимать сыну репетитора. Он просто не может делать домашнюю работу по музыке. Канючит, что ему скучно. Смотрит в окно, что-то насвистывает и напевает дурацкие песенки». В старших классах программа напряженная: ученики готовятся к ЕГЭ и вступительным экзаменам. Они изучают гаммы и лады, разные размеры, учат гармонию и контрапункт. «Им надо многому научиться, но на младших курсах, когда они услышат все это, они поймут, как важно было пройти школьную программу». Конечно, не все студенты собираются специализироваться на музыке, так что немногие из них вообще когдалибо услышат звуки, которые обозначают черные кружочки нот. Тем не менее, чрезвычайно важно, чтобы каждый член общества мог распознать модуляцию или фугу, даже те, кто никогда их не слышал. «По правде говоря, большинство учеников успевают по музыке довольно средне. Они только и дожидаются звонка с урока, ничего не умеют, домашнее задание пишут, как курица лапой. Они не думают о том, насколько важна музыка в современном мире, они хотят только окончить школу, пройти самый минимум и получить оценку в аттестат. Наверное, есть просто способные и неспособные к музыке. У меня была одна замечательная ученица. Ее нотные листы были безупречны — каждая нотка на своем месте, каллиграфический почерк, и диезы, и бемоли красиво написаны. Когда-нибудь она станет великим композитором!»

— держит руку на пульсе науки

Главный редактор: Кристина Москаленко Ответственный редактор: Аня Савело Дизайн, верстка, корректирование: Дмитрий Столяренко

Корреспондентский отдел: Лена Весенняя Александра Гапон Анна Каталзен Катерина Лепетун Виктория Любименко Юлия Пилипенко Люба Руденко Аня Савело Дмитрий Столяренко Николай Шасталов Юлия Яценко

Ответственность за содержание статей и достоверность информации несет автор. В разделе “Катарсис” тексты подаются в авторской редакции.


Slog March-2  

Slog March-2

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you