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No. 1

$50.00

Adagio

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Noviembre 2012


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Carta Editorial

Impacto visual... La influencia del Ballet Clásico se ha expandido por todo el mundo desde hace ya mucho tiempo, México no ha sido la excepción. Existe la Compañia Nacional de Danza que es la agrupación de ballet clásico más representativa a nivel nacional, tanto por su conformación, las dimensiones de la misma y su repertorio. Esta revista esta dedicada a todas aquellas personas que aman el ballet, que forma una parte importante en su vida e incluso para aquellas que su vida es el ballet. En lo personal es mundo del ballet es maravilloso, no es un mundo color rosa, implica mucha disciplina, dedicación, perseverancia, el luchar con uno mismo, para que la flojera, el ego no nos gane. Considerada como una bella arte, la fusión de la música y el cuerpo.

Perla Itzely Ganzo Cen Directora General

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ÍNDICE Editorial: Ballet: Cinematografía: Vida en puntas: Pasos:

Bailarinas:

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Polina Semionova: Svetlana Zakharova: Natalia Osipova: Paloma Herrera: Tamara Rojo:

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Entrevista:

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Coreógrafos:

George Balanchine: Marius Petipa: Filippo Taglioni:

Escenarios Emblemáticos:

Teatro Bolshoi: Teatro Ópera de París: Teatro Mariinski: Teatro David H. Koch: Teatro Ópera de Leópolis:

Repertorios Famosos:

Coppélia: La Bayadera: Don Quijote: Giselle: La Fille Du Pharaon:

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T E L L A B esa d a a z n omie c e u q , anza d e d l a r teat a nto. m r e i o f m i a c n a u n es el Re e t n a r El Ballet u opa d r u E n e La técnica del ballet está conformada por una serrollarse

rie de movimientos estilizados y posiciones que han

Uno de los fundamentos técnicos del ballet es la rotación externa de sido elaboradas y codificadas a través de los años, las piernas (turn-out, en dehors). hasta convertirse en un sistema bien definido. Cada pierna debe ser rotada ha- El ballet posee muchos de dichos pasos, incluyendo aquellos en cia fuera desde la articulación de los cuales el bailarín mientras se encuentra en el aire debe girar, la cadera. batir (cruzar) las piernas, mantener los pies juntos o cambiar la El ballet contempla cinco posiciones específicas para los pies, las cuales son utilizadas en la ejecución de los pasos del ballet. Existen en general las posiciones correspondientes para los brazos, aunque varían dependiendo de la escuela. enfatiza la perpendicularidad del torso, debido a que los bailarines deben siempre fluir de este eje vertical.

posición de las piernas.

El fragmento de la clase o de una coreografía donde se agrupan dichos pasos, suele denominarse “allegro”. La idea de desafiar la fuerza de gravedad se vio culminada con la invención de las puntas. El término “línea” en ballet se refiere a la configuración del cuerpo de un bailarín, ya sea en movimiento o en reposo. Una buena línea es en parte un aspecto físico con el cual ha nacido el bailarín, pero también puede ser desarrollado por el entrenamiento.

Todos los bailarines de ballet, sin importar su experiencia o su eficiencia, toman diariamente clase de ballet para mantener sus cuerpos fuertes y flexibles. La mayoría de las clases de ballet inician con el trabajo en la barra.

La segunda parte de la clase se realiza sin la ayuda de la barra y se denomina centro. Luego vienen los movimientos más rápidos que incluyen el grupo de los pequeños saltos y progresivamente se realizan pasos con desplazamientos, giros y grandes saltos. Si se desea realizar un entrenamiento profesional en ballet, se debe iniciar el entrenamiento diario del cuerpo entre los 8 -10 años de edad.

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EL BALLET EN EL CINE. El arte cinematográfico támbien ha basado muchas de sus creaciones en el baile clásico como tema principal.

THE COMPANY

CAMINO A LA FAMA (CENTER STAGE)

La historia de doce jóvenes bailarines que logran ser aceptados para las audiciones de la academia americana de ballet, sus sueños y conflic tos que deben enfrentar para llegar a la fama.

FLASHDANCE

Se trata de una adolescente abandonada por sus padres, sueña con llegar a ser una exitosa bailarina.

Ry es una dotada pero conflictiva bailarina de ballet que rtiene la oportunidad de convertirse en la bailarina principal de la prestigiosa compañía a la que pertenece, a las órdenes de uno de los mejores coreógrafos de América.

THE TURNING POINT

Emma Jacklin y Deedee Rodgers estudiaron juntas ballet y se convirtieron en grandes bailarinas. Mientras Emma sacrificó su vida particular por el ballet, Deedee hizo lo contrario. Dejó los escenarios y montó una escuela de ballet con su marido.

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Megan Fairchild del New York City Ballet, dem-

cada ensayo y otro por cada actuación.

temporada de representaciones usa un par por

Parecen vestigios de cuentos de hadas, caprichos de niñas soñadoras. Esas zapatillas de satén rosa sobre las que giran bailarinas. Además de un objeto bonito son unas herramientas de precisión de las que depende el éxito de un ballet. Procuradoras de gloria y de una cuota de dolor. Tan fundamentales para las bailarinas como las ruedas para los ciclistas. uestra la travesía que tiene recorrer una baila-

en doblarlas, coser los lazos, raspar la suela,

ritual que antecede a la actuación y consiste

guir exactamente el mismo procedimiento: un

sus manos unas nuevas zapatillas tiene que se-

ta. Desde entonces, cada vez que llegan a

gran acontecimiento para una chica”, comen-

Se calzó su primer par a los once años: “un

rina antes de encontrar su calzado perfecto.

del English National Ballet, nunca pueden conocer

Tamara Rojo, bailarina y nueva directora creativa

símbolo: una corona, una llave, un trébol… Según

bailarina. En Freed London, cada experto tiene un

por artesanos según las especificaciones de cada

las. Las zapatillas están confeccionadas a medida

la compañía medio millón de dólares en zapatil-

dólares, lo que al final de temporada supone a

Cada par cuesta al ballet de Nueva York 67,50

de la danza, capturando el interés de la industria

aplicar resina y vendarse dedos del pie con

das lo dejan zanjado en cinco minutos.

de la moda. Pocos pueden resistirse a su encanto.

personalmente al zapatero detrás del emblema.

Como primera bailarina Fairchild asegura que

A la manera que tienen de realzar el empeine y

esparadrapo. Lo que a las bailarinas novatas

usa un nuevo par al día. Llega a sostenerse

a su combinación de simplicidad, candidez y co-

Las zapatillas de ballet han sobrepasado el ámbito

en ellas hasta ocho horas diarias y necesita

quetería.

Que nadie las llame cursis.

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el máximo apoyo de unas puntas nuevas. En

puede llevar una hora, las más experimenta-

VIDA EN PUNTAS


Échappé: Deslizar el movimiento. Un échappé es una abertura de ambos pies de una posición cerrada a una posición abierta. Hay dos clases de échappés: échappé sauté, que es saltado, y echeppé sur les pointes o demi-pointes, que se hace con un relevé y tiene las rodillas rectas cuando la posición es abierta. Se hacen a la segunda o cuarta posición, ambos pies que viajan una distancia igual del centro de gravedad original.

Arabesque : Es una posición del cuerpo que ha de ponerse de perfil, apoyado respecto a una pierna, que puede ser recta o demi-plié o en releve, y la otra pierna levantada detrás y estirada.

Battement Fondú: Es un ejercicio en el cual la pierna soporte está doblada lentamente en demi plie (como hundiéndose abajo) y el pie que trabaja señala el tobillo y se estira hacia el suelo o hacia el aire. Mientras que se endereza la pierna soporte se extiende. El fondu puede ejecutarse con punta en el suelo o en el aire. Se puede ejecutar en varias posiciones: al frente, al lado o atrás.

Cambré: Extensión global o segmentaria de la columna vertebral hacia atrás, el movimiento se realiza comenzando por un estiramiento del torso, partiendo de los hombros, hasta donde den las posibilidades de flexión del tronco y regresa lentamente a la posición inicial, cuidando que no se cuelgue la cabeza.

Entrechat : Trenza. Un paso de saltos en la que el bailarín brinca en el aire y rápidamente cruza las piernas antes y detrás del uno al otro. Entrechats son contados de dos a diez según el número de cruces requeridos y contando cada cruce como dos movimientos, un por cada pierna; es decir en un entrechat quatre cada pierna hace dos movimientos distintos.

S O S A P Chassé: Un paso en el cual un pie persigue literalmente el otro pie de su posición; hecho en una serie.

Fondue: El hundirse abajo. Un término que describe bajar del cuerpo doblando la rodilla de la pierna de soporte. En algunos casos el termino fondu se utiliza para describir la conclusión de un paso cuando la pierna de trabajo se pone en la tierra con un movimiento suave y gradual.

Ron de Jambe : Movimiento redondo de la pierna, es decir, un movimiento circular de la pierna sin mover las caderas y la pelvis. El ronds de jambe se utiliza como ejercicio en la barra, en el centro y puede hacerse a terre o en l’air. Todos los que se hacen hacia la derecha son déhors y a la izquierda los dedans.

Demi-plié: Mitad flexión de las rodillas. Todos los pasos de la elevación comienzan y terminan con un demiplié.

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POLINA S E M I O N O V A Polina Semionova es una bailarina de ballet clásico de la compañía State Opera de Berlín. Es conocida como la bailarina profesional principal de la compañía y es una de las bailarinas más jóvenes en tener este tipo de reconocimiento. Polina Semionova nació en Moscú en 1984, desde muy pequeña demostró tener interés por el baile, así que, a los 8 años de edad, sus papás la animaron para que audicionara en la escuela de ballet Bolshoi Ballet en Moscú, Rusia; ella soñaba con entrar a esa escuela, pero, fue rechazada en su primera audición. Desde que su hermano, Dimitry fue aceptado en la escuela, su familia la animó más para que siguiera intentándolo, a los 9 años fue aceptada en la academia. Era de las alumnas que tenían más gracia, feminidad y espontaneidad en sus movimientos. Después de estar estudiando en el Bolshoi Ballet, salió de sus estudios con una técnica perfecta. Durante su carrera de bailarina ganó varios premios: Primer lugar en la competencia internacional de Ballet en Moscú en el 2001, Primer Lugar en la competencia de Vaganova-Prix Ballet en San Petersburgo en el 2002 y Primer Lugar en la competencia internacional de Nagoya en Japón en el 2002. Cuando Polina Semionova se graduó en el 2002 recibió varias invitaciones en varias compañías de danza como en el Bolshoi Ballet, The Kirov Ballet y Staatsoper berlin, ella decidió unirse a la compañía de ballet Staatsoper Berlin, convirtiendose en bailarina principal con la invitación de Vladimir Malakhov. Malakhov la invitó, por que cuando estaba viendo sus clases en la escuela dice que tenía una línea perfecta y que él no podía dejar de verla bailar. Fue ahí, a sus 18 años, cuando Polina se convirtió en la bailarina principal más jóven en la historia de la compañía. Vladimir Malakhov le dio los papeles principales en las obras “El Cascanueces”, “La Bayadera” y “Cenicienta” durante su primera temporada, después le dio el papel principal en “Tatiana in Onegin” el cual fue un papel que la envolvió, y fue el papel favorito de la bailarina por interpretar.

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En Alemania es conocida musical de Herbert Groneel 2003, fue con este video que público en general la reconociera Polina Semionova es una de las EuroArts DVD “Divine Live from pas-de-deux de la obra “Manon”. años, estuvo participando con la comCanadá; en el Teatro American Ballet con la Ópera de Ballet de Paris con Mathieu Ganio; en el Maryinsky Ballet y en el Stuttgart Ballet.

como la bailarina que hace el video meyer “Demo (Letzer Tag)” en la llevó a la fama y a que el internacionalmente. bailarinas que participa en Prague” en donde baila un También, en estos últimos pañía Internacional de José Manuel Carreno; en


Z A K H A R O VA

SVETLANA ZAKHAROVA SVETLANA

Es una bailarina de ballet clásico ucraniana. Nació el 10 de junio de 1979. A la edad de 6 años, su madre la llevó a un estudio local para aprender bailes tradicionales no ballet. A los 10 años audicionó y fue aceptada en la Escuela Coreográfica de Kiev donde se entrenó principalmente con Valeria Sulegina. En 1995 y después de sus seis años de estudio en la Escuela de Kiev, participó en las competencias de San Petersburgo en la que ganó el segundo premio por su actuación en la Bella durmiente . En junio de 1996 se graduó en la Academia de Vaganova, ejecutando Tchaikovsky Pas de Deux de Balanchines. De inmediato se unió al Ballet Mariinsky teniendo solo 17 años y una año más tarde fue ascendida a Bailarina Principal. Conoció y dominó todo el repertorio del Ballet Mariinsky desde las obras clásicas como Giselle, Odette en el Lago de los Cisnes, la Bella Durmiente, la Bayadera, el Corsario y nuevas coreografías del Ballet Mariinsky. Fue nominada al premio “La máscara de Oro” por mejor actuación femenina en Giselle en 1998, fue ganadora de “la Máscara de Oro” por mejor actuación en Ballet en 1999 y 2000 por Bella Durmiente. En el 2002 fue estrella invitada de las principales Compañías de Ballet del Mundo (New York City Ballet, París Ópera Ballet, America Ballet Theatre, Milán Ballet, Ballet Nacional Ingles, Nuevo Ballet de Tokio, etc. Es una Artista Honorífica de Rusia desde junio del 2005 y artistas del pueblo Ruso desde Febrero del 2008. En su galería de Trofeos, aparecen nueve de los premios más sobresaliente, otorgados a una estrella de Ballet por sus destacadas actuaciones de 1997 al 2008.

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A A V I NATALIA OSIPOVA O L P I A S T O A N

Natalia Oipova nacio el 18 de Mayo de 1986, decidida ha ser una gimnasta tuvo que cambiarse al ballet por un problema en su espalda (lo que fue para ella un pesadilla) de 1996 a 2004 estudio en la Escuela de Ballet del Bolshoi con Marina Kotova y Marina Leonova. Natalia (Natasha en ruso) supo que queria ser bailarina en la primer presentacion del Escolar del Bolshoi donde al oir el aplauso de la gente supo que lo que queria hacer en su vida era bailar. Aun siendo aprendiz gano el Grand Prix en Abril del 2003 bailando variaciones de “La Bayadère”, “Don Quixote”, “Esmeralda” and “Tchaikovsky Pas de Deux”, y hasta “Liturgy” creadda por Yegor Druzhinin. Se inicio en el 2004 como parte del corps ballet en el Bolshoi. Aun siendo parte del cuerpo de baile le daban piezas de solista. Para Septiembre del 2004 ya habia bailado el Peasent Pas de Deux de “Giselle” con Vyacheslav Lopatin y en Noviembre del 2004 fue seleccionada para bailar Bolero. Natalia es conocida por su salto fuera de este mundo pues tiene suspension los roles que demostraron todo el salto que tenia fueron “La Española” en el Cascanueces, La Española en la villa en el Lago de los Cisnes de Yuri Grigorovich, y la 1a variacion en el Gran Pas en Don Quijote , tambien participo en varias coreografias contemporaneas pero la que marco su su calidad en tecnica y movimientos fue su papael como “Frivolidad” en Los Presagios. En Junio del 2005 gano una medalla de bronze en la categoria de duetos en el Xth Moscow Concours. El 7 de Noviembre del 2005 fue el dia en que Natalia hizo que todo el mundo pusiera sus ojos en ella, ese dia fue pura gloria para ella :Natalia debuto con Andrei Bolotin (Basilio) como Kitri ganandose la ovacion del publico y de varios criticos, comparandola con Maya Plisetskaya (que es recordada como una Kitri con fuego y con aires de bravura) despues fue haciendo mas presentaciones pero esta vez fue con el recien graduado y de 17 años Ivan Vasiliev que tambien tenia toda la bravura para hacer el dueto perfecto. Antes siquiera de ser promovida como solista la Kitri de Natalia ya era bien conocida y bien aclamada.En la segunda temporada del Bolshoi se le fueron creados varios roles y tambien formo parte de “LA FILLE DU PHARAON” (La Hija del Faraon) como Ramze. En Agosto del 2006 debuto tambien como Aspicia en “LA FILLE DU PHARAON” En la 3a temporada del Bolshoi debuto como la celosa Gamzatti en “LA BAYADERE”. En Abril del 2007 fue invitada al Mariinsky Festival y tuvo alli que bailar Don Quijote y repetir la seria de fouttes en el Pas de Deux de Don Quijote y bailar tambien algunas piezas de Corsario.En Noviembre 22 del 2007 Natalia debuto en la version de Giselle de Yuri Grigorovich. Su pareja esta vez fue Andrei Merkuriev. Despues el 20 de Febrero del 2008 fue elegida personalmente por Johan Kobborg para bailar Le Sylphide. Varios roles de principal en el 2008 bailo Osipova como: Medora en “Le Corsaire” en Abril, y tambien bailo como Jeanne en “Las Flamas de Paris” En el 2007 recibe el premio “Rising Star” de la Revista Ballet (Moscow) y fue seleccionada como Bailarina del año por la revista alemana “Ballet-Tanz” (Berlin) . El 22 de Enero del 2008 fue elegida en el 2007 UK National Dance Award como “LA MEJOR BAILARINA” En Abril 15 del 2008 recibio el Golden Mask com Mejor Bailarina por su presentacion en “The Upper Room”, y el 6 de Septiembre recibio el Positano Dance Award Leonide Massine (Italia). El 18 de Octubre del 2008 Natalia Osipova fue promovida a solista principal del Bolsahoi Theater. El 9 de Diciembre del 2008 Osipova forma parte del ABT como invitada especial. Actualmente Natalia es la solista principal del Bolshoi.

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Es uan bailarina argentina de ballet, actualmente bailarina principal del American Ballet Theatre, una de las artistas hispanas consagradas en la escena mundial del ballet, con una deslumbrante carrera. Nació en Buenos Aires, Argentina, y estudió en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón de donde salió con las más altas calificaciones. Estudió, desde los 7 concursos. Continuó sus estudios en la Escuela de Ballet de Minsk en la actual Bielorrusia. Al regresar a Buenos Aires, fue elegida para bailar Don Quijote en el Teatro Colón. Recibió el diploma de finalista en el XIV Concurso Internacional de Varna, Bulgaria, a los 14 años y Natalia Makarova, miembro del Jurado de ese Concurso, la invitó a tomar clases con ella en elEnglish National Ballet en Londres. A pedido del maestro Héctor Zaraspe, profesor de la Juilliard de Nueva York, Paloma realiza una audición en la School of American Ballet (la más importante de los Estados Unidos y una de las tres más prestigiosas del mundo) de la misma ciudad, en donde inmediatamente ingresa en el curso más avanzado. Recibe la Beca de la Fundación Antorchas para “Artistas Consagrados” para seguir estudios de perfeccionamiento en la misma escuela. Causó tal impresión, que fue elegida para el rol principal en Raymonda Variation de George Balanchine en el Workshop anual de la Escuela. Causando gran impacto tanto en la crítica como en el público.

Le proponen tomar una clase con los bailarines de la compañía del American Ballet Theatre; sin idea de que luego de la clase le comunican que es contratada en 1991, a los 15 años, para formar parte del cuerpo de baile del American Ballet Theatre; sin preguntar a sus padres, acepta quedarse en los Estados Unidos para comenzar a cumplir su sueño. A los 17 años de edad obtiene su Green Card para los Estados Unidos, siendo la primera vez que un argentino recibe su visa de Profesional de la Danza con la denominación “Extranjero de Extraordinario Talento”. Fue promovida a primera bailarina (solista) del American Ballet Theatre en 1995 a los 19 años siendo la más joven en lograrlo en toda la historia de esa compañía. Desde 2003, es miembro del Artist Committee (Jurado) para el Premio a la Trayectoria Artística más importante de Estados Unidos, el Kennedy Center Honorees, que se entrega en la National Celebration of the Performing Arts, que es entregado por el presidente en la Casa Blanca, desde 1978. Herrera participa en los videos del American Theatre Ballet. Fue contratada por la Balanchine Trust Foundation para la película Theme and Variations con Alicia Alonso y es protagonista de los dos últimos ballets - Don Quijote y Coppélia - filmados para la Public Library del Lincoln Center en Nueva York. La BBC realizó un documental sobre su carrera. Además de ser una bailarina sumamente respetada, es

una común presencia en la escena social de Nueva York.

PALOMA HERRERA

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TAMARA ROJO Nacida en Montreal (Canadá) en 1974, y con nacionalidad española (sus padres se trasladan a España cuando tenía 4 meses y son españoles), es primera bailarina del Royal Ballet de Londres desde el año 2000. Dio sus primeros pasos artísticos en el Centro de Danza Víctor Ullate (1983-1991), completando su formación con David Howard y Renatto Paroni. Tras formar parte de la Compañía de Ullate (1991-1996), su carrera dio un giro internacional, auspiciado por Galina Samsova, quien la invitó a bailar en el Scottish Ballet (1996-1997). Con esta compañía interpretó, entre otras obras, El lago de los cisnes, El Cascanueces, Romeo y Julieta y La sylphide. Alcanzó el estatus de bailarina principal en el English National Ballet (1997-2000), categoría con la que se incorporó al Royal Ballet de Londres, invitada por Sir Anthony Dowell en julio de 2000. Con su incorporación al Royal Ballet en 2000, Tamara Rojo, a sus 25 años, se convirtió en la primera española en formar parte de la compañía más importante del Reino Unido y una de las más prestigiosas del mundo.

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Fue, además, la segunda más joven artista en la historia del ballet que asciende al puesto de primera bailarina después de Maya Plisétskaya que ascendió a primera bailarina a los 18 años en el Teatro Bolshói. Ha actuado, como artista invitada, con el Ballet del Teatro La Scala de Milán, el Ballet de la Ópera de Niza, el Arena de Verona, el Ballet Nacional de Cuba y el Ballet de la Ópera de Berlín y ha participado en numerosas galas de ámbito internacional. Desde sus primeros pasos profesionales, Tamara Rojo ha realizado papeles de múltiples matices, destacando las coreografías neoclásicas de la escuela holandesa y las de hondo significado y raíz hispánica de Ullate, como Volando hacia la luz y Concierto para Tres, o las renovadas por Derek Deane como Romeo y Julieta.


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Entrevista a Tamara Rojo por Liz Perales

• ¿Cómo transcurre un día normal de su vida en Londres? Me levanto a la siete de la mañana y me voy a hacer pilates durante hora y media con un bailarín que se hizo instructor de este método. Después me voy al Royal Ballet para recibir una clase hasta las doce; más tarde empiezan los ensayos que acaban a las seis. Eso es un día en el que no tengo actuaciones. Si las tengo, ensayo hora y media y luego descanso, y empiezo a prepararme para la actuación a partir de las cuatro y media. • Y los ensayos ¿cómo se organizan? Nosotros no viajamos, pero cambiamos constantemente de repertorio. Así que a lo mejor estás bailando El lago de los cisnes en el teatro pero ensayas Manon y preparas el programa de Ballanchine. • Se distingue por ser una bailarina dramática que comunica intensamente las emociones de sus personajes ¿a cuál de los que ha inter pretado debe más? Uno de mis favoritos es la Carmen de Mats Ek, un ballet totalmente contemporáneo pero su interpretación es la que más se acerca a una mujer española y a la lucha por la libertad. Pero el que más ha hecho por mi carrera ha sido Julieta, en el Romeo y Julieta que Derek Deane creó para mí en el English National Ballet; fue el que en Londres me dio nombre. • La vida de una bailarina es de 20 o 25 años ¿ha establecido ya su límite profesional? Sí, más o menos, tengo muy claro que no me gustaría hacer el ridículo en los escenarios porque lo he visto demasiadas veces. También he visto cosas increíbles bailadas por bailarines que, en teoría y de acuerdo a su edad, no podían hacerlo. Todo depende del tipo de bailarina que seas. Yo tengo suerte porque puedo hacer técnica, puedo hacer drama. Hay que ser inteligente para elegir el repertorio: no me voy a poner a hacer el Lago de los cisnes a los 50 años. Además, pienso en muchas otras cosas, me gustaría ser parte de un futuro de la danza en España. Por todo ello me parece que tengo demasiados proyectos como para seguir bailando. • ¿No se ve entonces como una futura coreógrafa de su compañía? Eso sería lo más fácil, pero nunca eli jo las salidas fáciles. Yo quiero ser.... el Qui jote de la danza, (risas) volver aquí con el caballo a pelear...

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• ¿Se refiere a crear una compañía de danza clásica, como pide su exmaestro Víctor Ullate? ¿No es muy complicado? No lo veo tan complicado. ¿Cuándo se creó el Royal Ballet? Nació en el periodo de entreguerras, pero se estableció en el Covent Garden al final de la II Guerra Mundial ¿De qué estamos hablando? ¿de 50 años? ¡Eso no es nada! El Royal Ballet era ya famoso en los años 70, eso quiere decir que en 30 años se puede tener una compañía internacional de prestigio, ¿cuántos años se llevan aquí perdidos? ¿Por qué no empezamos ya?, si no tenemos nada que perder, si peor que estamos no vamos a estar. No veo el gran problema.


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COREÓGRAFOS Fue uno de los coreógrafos más destacados del ballet estadounidense, y uno de fundadores del estilo neoclásico. Su obra crea un puente entre el ballet clásico y el ballet moderno. Creador del Método Balanchine es una de las figuras capitales del ballet del siglo XX.

Ballets coreografiados

Sus enseñanzas han marcado generaciones al haber establecido una nueva cultura de baile RusoAmericano siendo así un estilo neoclásico del Ballet Clásico.

Su conocimiento musical le permitió que antes de empezar una coreografía, Balanchine analizara la partitura que había escogido a la manera de un director de orquesta. En algún momento de su estudio de la música, "él decidía qué cualidad de la danza es la que mejor se acomodaba a ella -qué 'paleta de movimientos', como él lo llamaba-, el tamaño del cuerpo de baile que usaría y determinaba quiénes serían los solistas.

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El canto del ruiseñor (1925) Balacacarabau (1925) Romeo y Julieta Entr'acte (1926) Jack in the box (1926) El triunfo de Neptuno (1926) La Pastoral (1926) Apollon Musagete (1928) Los dioses piden limosna (1928) Le Bal (1929) El Hijo Prodigo (1929) Serenade (1934) Apollo (1934) The Card Party (1934) The Fairy's Kiss (1934) Concerto Barocco (1941) Ballet Imperial (1941) Le Palais de Cristal (1941) Symphony in C (1947) Orpheus (1948) Bourrée Fantasque (1949) Agon (1957) Nutcracker (1957) Seven Deadly Sins (1958) Don Quixote (1965) Jewels (1967) Stravinsky Violin Concerto (1972) Vienna Waltzes (1977) Kammermusik No. 2 (1978) Ballo della Regina (1978) Shumann’s Davidsbudlertanze (1980) Mozartiana (1981)

"Lo importante en el ballet es el movimiento en sí mismo. Un ballet puede contener una historia, pero el espectáculo visual... es el elemento esencial. El coreógrafo y el bailarín deben recordar que ellos llegan a la audiencia a través de la mirada; Es la ilusión creada con la cual convencen al público, muy similar al trabajo de un mago.”

GEORGE BALANCHINE


COREÓGRAFOS

MARIUS

PETIPA

Fue un maestro de ballet, coreógrafo y bailarín francés. El arte de Petipa estuvo hecho de rigor técnico, riqueza de medios y un sentido de la elegancia que huía de todo virtuosismo y de cualquier espectacularidad pomposa. Detestaba el acrobatismo de la escuela italiana y el lujo desanimado del tardío ballet francés. Marius Petipa fue un gran apasionado de las danzas tradicionales españolas, y sobre todo las andaluzas, como así demuestran sus ballets Don Quixote y Paquita (ballet que eligió para su presentación en San Petersburgo). Descolló en los pasos de carácter e introdujo en escena el baile de la polca. Reformó el papel del bailarín masculino y dio corporeidad diferenciada al hombre y a la mujer, de modo que se explotaran al máximo las propiedades anatómicas y enérgicas del bailarín. También suprimió la figura del favorito (o favorita), tratando a todos con igualdad. En la redacción de sus coreografías era minucioso y científico, e iba escribiendo en una libreta las diversas evoluciones que lapartitura exigía, incluyendo retratos y perfiles de las actitudes que imaginaba en los diversos personajes. El culmen de cada una de sus obras era el pas de deux entre los protagonistas, que empieza con un adagio a cargo de ambos, sigue con variaciones alternadas, una para ella y una para él, una lenta y otra rápida, y acaba con un nuevo dúo, exigente de técnica y resuelto con una pose entrelazada y estatuaria. Así pues, Petipa unió la tradición de la velocidad italiana con la herencia del elaborado adagio francés. Petipa fue quién llevó a cabo el llamado Ballet Imperial en Rusia.

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COREÓGRAFOS

FILIPPO TAGLIONI

Ballets coreografiados

Fue un bailarín y coreógrafo italiano. Fue el padre de los bailarines Marie yPaul Taglioni . Bailó en otras ciudades italianas antes de ingresar a la Ópera de París. También trabajó para el Ballet Real Sueco en Estocolmo. Allí se casó en 1803 con la bailarina Sophie Karsten, con quien tuvo dos niños, Marie y Paul, ambos futuros bailarines. Ocupó una posición permanente con el teatro Kärntnertor en Viena, adonde llevó a su hija Marie, que había estado estudiando ballet en París. Fue muy estricto como profesor.Tras su debut ella llegó a ser tan popular que Filippo pudo negociar un contrato de seis años para los dos. La producción original de La sílfide primero fue presentada en el Théâtre de la Académie Royale de Musique (u Ópera de París) en 1832, y coreografiada por Filippo Taglioni, la música de Jean-Madeliene Schnietzhoeffer, y libreto de Adolfo Nourrit basado en una historia de Charles Nodier. Los papeles principales fueron bailados por Marie Taglioni y José Mazilier.1

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• 1841: Aglaë, o L'Elève de l'amour (La discípula del amor) • 1830: Le dieu et la bayadère (El dios y la bayadera) • 1838: La gitana • 1836: La fille du Danube (La hija del Danubio) • 1832: La Sylphide (La sílfide) • 1839: L'ombre (La sombra) • 1833: La révolte au sérail (Rebelión en el serrallo)


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ESCENARIOS EMBLEMÁTICOS.

TEATRO BOLSHOI Es tanto un teatro como una compañía de teatro, danza y ópera con sede en Moscú,Rusia, y una unidad adicional en Joinville, Brasil. La palabra Bolshói significa 'grande' en ruso. El teatro de Moscú fue inaugurado el 18 de enero de 1825 con la representación del ballet del catalán Fernando Sor, Cenicienta. En un principio, el Teatro Bolshói era un foro exclusivo para el arte ruso; las óperas presentadas servían como contrapeso a la fuerte influencia italiana del siglo XIX. Entre los compositores predilectos estaba Mijaíl Glinka. Actualmente, toda temporada teatral comienza con una ópera de Glinka. A partir de 1840 comenzaron a introducirse obras de compositores extranjeros. Un incendio de 1853 causó grandes daños. El arquitecto italiano Alberto Cavos (hijo de un compositor de ballets, muy conocido en Rusia, Catterino Cavos) llevó a cabo la reconstrucción, que culminó con la reapertura en 1856. Tras la revolución rusa, el teatro fue rebautizado como Teatro Estatal Académico Bolshói, denominación que conserva en la actualidad. El edificio resultó dañado en la Segunda Guerra Mundial, pero fue rápidamente reconstruido. El teatro fue cerrado en 2005 para acometer una ambiciosa restauración y rehabilitación, la mayor de las muchas que ha sufrido en su historia. Una vez iniciada, los técnicos descubrieron que la inestabilidad del edificio era mayor de lo esperado, lo que retrasó y encareció considerablemente el proceso (finalmente unos 500 millones de euros). La reinauguración, inicialmente prevista para 2009, tuvo que ser pospuesta varias veces. Los trabajos han intentado recuperar la acústica original de la sala, que se había perdido en gran medida debido a las sucesivas reformas durante la era soviética. Se ha reconstruido la decoración original de la reconstrucción de 1856, incluyendo trabajos de artesanía especializados. La capacidad de la sala se ha reducido a 1740, en lugar de las 2100 que llegó a tener en la etapa sovi��tica, en la que el auditorio se utilizó para actos políticos del Partido Comunista. La hoz y el martillo soviéticos colgados durante décadas sobre la fachada principal, así como sobre el antiguo palco imperial, han sido reemplazados por el águila bicéfala del escudo original de armas de Rusia.1 La reapertura se celebró el 28 de octubre de 2011, con una función de gala. La nueva temporada comenzó el 2 de noviembre con una polémica nueva producción de Ruslán y Liudmila, de Glinka. Durante la reconstrucción, la actividad de la compañía del Bolshói ha continuado en el Nuevo escenario, habilitado en un edificio aledaño, o en el teatro del Palacio del Kremlin.

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ESCENARIOS EMBLEMÁTICOS.

TEATRO OPERA DE PARIS La Ópera de París (Opéra national de Paris) es una institución musical, sucesora de la fundada en París por Luis XIV en 1669 con el nombre de Académie Royale de Musique. Es una de las instituciones de su clase más antiguas de Europa. Conocida inicialmente con el nombre de «Academia de ópera», la «Academia Real de Música» se fundó en 1669 por empeño de Colberty en respuesta a la Academia real de Danza. Con la misión de difundir al público la ópera francesa, no sólo en París sino también en otras ciudades del reino, uno toma la práctica de llamarlo simplemente «La Ópera». La Ópera obtiene el privilegio de representar música con la prohibición para quien sea que haga algo semejante sin haber obtenido la autorización de los creadores. La Academia Real de Música cambió trece veces de lugar de representaciones durante el Siglo XVIII, hasta su transformación, con la Revolución, en el «Teatro de las Artes», que se llama hasta el día de hoy la «Ópera Nacional de París». La Ópera de París estuvo a menudo endeudada. En 1875, la institución ocupó la Ópera Garnier, y luego, en 1990, la Ópera de la Bastilla.

La tradición conserva quince salas distintas utilizadas por la Ópera de París para sus espectáculos. Esta lista no incluye más que las salas ordinarias de teatro, sin mencionar aquellas que hayan podido ser utilizadas para representaciones al exterior.

Las Quince Salas

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Sala d’Issy. Sala de la Bouteille Sala del Bel-Air Primera sala del Palais-Royal Sala de las Tuileries Segunda sala del Palais-Royal

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Sala de Menus-Plaisirs Sala de la Porte-Saint-Martin Sala de la rue de Richelieu Sala de la rue Louvois Sala Favart Sala de la rue Le Peletier Sala Ventadour Ópera Garnier Ópera de la Bastilla

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ESCENARIOS EMBLEMÁTICOS.

TEATRO MARIINSKI Anteriormente conocido como el Teatro de Ópera y Ballet Kírov (1935-1992) y comoAcademia Nacional de Ópera y Ballet (1920-1935), es un teatro histórico de ópera y ballet en San Petersburgo, Rusia. Es sede del célebre Ballet Mariinski (llamado Ballet Kírov durante la época soviética). Este teatro, denominado así en recuerdo de la emperatriz María, esposa de Alejandro II, es más famoso fuera de Rusia con su nombre durante la etapa soviética: Teatro Kirov. Ahora se ha recuperado su nombre original: Teatro Mariinsky (a veces se escribe también Mariinski o Mariinskiy). Es uno de los teatros más antiguos y más importantes de Rusia. Ha sido escenario de importantes directores, música y bailarines,. A este teatro están ligados los mejores logros del arte ruso de ópera y ballet. Su compañía de ballet durante varios años fue dirigida por Marius Petipa (1818-1910) que creó la coreografía para más de 60 ballets.El teatro fue inaugurado en 1860 con la representación de la ópera de M. Glinka La vida por el zar. En este escenario actuaron los destacados artistas de ópera y ballet, entre ellos los cantantes Fiodor Chaliapin y Leonid Sóbinov, las bailarinasAnna Pávlova, Tamara Karsávina, Mathilde Kschessinska, Olga Spesívtseva, Galina Ulánova, Natalia Dudínskaya, Rudolf Nuréyev, Mijaíl Barýshnikov y muchos otros. Ver cualquier ópera o ballet en el Mariinsky es una gran emoción que nunca se olvida. La sala del teatro es magnífica, las localidades son cómodas, la acústica es excelente, el ambiente teatral es fantástico. Respecto a los precios: no son baratos, pero más bajos en comparación con los que hay que pagar por ver algun espectáculo del Mariinsky durante sus giras artísticas al extranjero.

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ESCENARIOS EMBLEMÁTICOS.

TEATRO DAVID H. KOCH El David H. Koch Theater es un teatro de ópera y ballet, parte del Lincoln Center para las Artes Escénicas ubicado en la intersección de la Avenida Colón y la calle 63 en Nueva York , Estados Unidos . Originalmente llamado el New York State Theater , la casa ha sido el hogar de ambos el New York City Ballet y New York City Opera desde su apertura en 1964. Sin embargo, en 2011 la compañía de ópera se mudó de la casa debido a las dificultades financieras. El teatro ocupa el lado sur de la plaza principal de Lincoln Center, frente a Avery Fisher Hall . The New York State Theater fue construido con fondos del Estado de Nueva York como parte de la participación cultural de Nueva York en la Feria Mundial de 1964-1965. El teatro fue diseñado por el arquitecto Philip Johnson y se abrió el 23 de abril de 1964. En julio de 2008, el multimillonario David H. Koch se comprometió a aportar $ 100 millones durante los próximos 10 años con el propósito de renovar el teatro y que prevé una dotación de operación y mantenimiento. Su nombre se cambió el David H. Koch Theater en el New York City Ballet Winter gala, el martes, 25 de noviembre de ese año. El teatro llevará su nombre durante al menos cincuenta años, después de lo cual se puede cambiar el nombre; la familia Koch se reserva el derecho de primera opción para cualquier cambio de nombre.

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ESCENARIOS EMBLEMÁTICOS.

TEATRO OPERA DE LEOPOL IS Es el teatro de ópera más importante y con más tradición en la ciudad de Leópolis, Ucrania. Ofrece regularmente un amplio y variado programa de ópera y ballet todo el año, en especial en verano. En sus más de cien años de existencia ha acogido un sinfín de renombrados compositores, cantantes, estrellas de ballet; ha visto innumerables óperas, operetas, conciertos y ballets, así como importantes obras dramáticas y hasta encuentros de mandatarios. El interior está bellamente decorado con mármol de colores, pinturas ornamentales, esculturas, relieves, capiteles y molduras. El vestíbulo muestra una impresionante escalera de mármol que conduce a la parte superior. En la primera planta se encuentra la sala de los espejos, cuyos bellos frescos en el techo representan las cuatro estaciones personificadas en un niño con diferentes atributos. El auditorio, que posee forma de lira, tiene unas medidas de 22,5 por 18,5 m y puede acoger unos mil espectadores. Consiste en el foso, la platea, los palcos inferior, superior y la galería. El techo muestra un gran fresco con nueve figuras alegóricas: Gracia, Música, Danza, Crítica, Drama, Inspiración, Inocencia, Ilusión, Confianza y una Ménades. En el centro del techo cuelga una lujosa araña, obra del mismo Gorgolewski. Sobre el palco escénico está el conjunto escultórico El genio con el ángel de Piotr Wojtowicz. En el telón está pintado el célebre Parnaso de Henryk Siemiradzki.

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REPERTORIOS FAMOSOS.

Coppelia Coppélia es un ballet sentimental y cómico con coreografía original de Arthur Saint-Léon para un libreto de ballet de Saint-Léon y Charles Nuitter y música de Léo Delibes. Está basado en una historia macabra de E.T.A. Hoffmann titulada "Der Sandmann" ("El hombre de arena"), publicada en 1815. El ballet se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París, con Giuseppina Bozzachi en el rol principal. Sus primeros éxitos fueron interrumpidos por la Guerra franco-prusiana y el cerco de París, pero eventualmente pasó a convertirse en el ballet más interpretado en la Ópera Garnier. El equipo formado por SaintLéon y Nuittier ya había conseguido un éxito anterior con el ballet La Source (1860), en el que Délibes había contribuido con una parte de la música. La historia trata acerca de un inventor misterioso y pálido, el Doctor Coppélius1 que tiene una muñeca danzante de tamaño real. Parece tan realista que Franz, un pueblerino se enamora de ella, dejando de lado a su verdadero amor, Swanilde, que en el Acto II le muestra su locura, al vestirse como una muñeca y pretender cobrar vida. Los divertissements festivos para el día del matrimonio en las calles del pueblo que ocupan el

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Acto III son a menudo eliminados en las versiones danzadas modernas, considerando que una de las entrées tienen las primeras czardaspresentado en un ballet. Si el Frankenstein de Mary Shelley representa el lado oscuro del tema del científico como dador de la vida, entonces Coppeliaes el lado ligero. Si Giselle es una tragedia que sucede en un pueblo de campesinos, entonces Coppélia es una comedia en el mismo escenario. La parte de Franz fue danzada en travestie, una convención que agradó a los miembros masculinos del Jockey-Club de Paris y se conservó en París hasta la Segunda Guerra Mundial. De Giuseppina Bozzacchi, la Coppélia original, una joven estudiante de ballet que acababa de cumplir dieciséis años, se esperaba que tuviese una gran carrera delante de ella pero se enfermó de cólera durante el cerco de París y murió en su cumpleaños diecisiete. Alguna influencia sobre esta historia viene de los espectáculos ambulantes de fines del siglo XVIII e inicios del siglo XIX que mostraban a automátasmecánicos. Esta área del entretenimiento ha sido poco documentada, pero una historia reciente sobre este campo está contenida en The Mechanical Turk de Tom Standage (2002). Estos espectáculos posteriormente influenciaron a Charles Babbage para su invención de la máquina diferencial.


REPERTORIOS FAMOSOS.

L a B ayadera Una de las obras fundamentales del repertorio de las compañías de danza clásica. El compositor Ludwig Minkus puso música a un libreto basado en dos dramas del poeta hindú Kalidasa. El libreto fue escrito por Sergei Kuschelok y Marius Petipa, quien creó la coreografía. Se estrenó en el Teatro Mariinski de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. Solor, noble guerrero, al regresar de la cacería del tigre manda a llamar a Nikiya, quien es bayadera del templo. De ella está enamorado el Gran Brahman pero ésta le rechaza bajo la excusa de que él es un sacerdote del templo. La bailarina sagrada va al encuentro del guerrero pero el Brahman la sigue y ve como Solor le promete solemnemente sobre el fuego su fiel amor eterno a la joven. En un arranque de furia el espía jura invocar la ira de los dioses como venganza. El Rajah de la provincia, en recompensa al valor del guerrero le ofrece la mano de su hermosa hija Gamzatti, por quien queda al instante deslumbrado a pesar de su juramento a Nikiya. Solor no tiene voluntad para rechazar el bondadoso ofrecimiento y el festejo por tal evento comienza con la misma llegada del Gran Brahman que revela al padre de la prometida el pacto entre el guerrero y la joven bayadera, quien tendría

que bailar también en la fiesta. Gamzatti, que escondida ha escuchado la conversación, trata de persuadir a su rival de que abandone a Solor a cambio de lujosos presentes y alhajas. Ella no acepta y en medio de su desesperación intenta herir a la princesa, quien se promete tomar venganza. En los jardines reales del Rajah se harán grandes celebraciones en honor al casamiento de su hija con el guerrero, donde también tendrá que danzar Nikiya. Durante su actuación le entegan una cesta de flores de parte de Solor que fue realmente preparada por Gamzatti quien ocultó una serpiente, que muerde mortalmente a la bailarina cuando está oliendo la fragancia de las flores. El Brahman, aún enamorado, le ofrece un antídoto que ella rechaza al ver la pareja de recién casados. A su muerte Solor queda destruido. En medio de su abatimiento, el guerrero tiene visiones en las que Nikiya se le aparece desde el reino donde habita ahora y le dice a Solor que ella ha sido bendecida para protegerlo. Si él tiene fe en ella y se mantiene fiel, éste alcanzará la paz eterna y estará siempre protegido. Entre las sombras Solor realiza su última danza y despierta luego en extremo consternado por la visión de su amada. La escena del Reino de las Sombras está considerada una gloria coreográfica mundial; en especial por la entrada de 32 bailarinas, interpretando espectros de bayaderas, desde una rampa de dos metros de alto bailando una serie de arabesques.

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REPERTORIOS FAMOSOS.

Don Quijote Don Quijote es un ballet preparado en tres actos basado en el capítulo XIX del segundo libro de "El Ingenioso HidalgoDon Quijote de la Mancha", original de Miguel de Cervantes. coreografiía de Marius Petipa y música de Ludwig Minkus. La primera representación de la obra corrió a cargo del Ballet del Teatro Imperial de Bolshoi de Moscú, Rusia el 26 de diciembre 1869. Petipa y Minkus revisaron el ballet, lo alargaron y elaboraron en cinco actos y once escenas para el Ballet Imperial, primero presentado el 21 de noviembre 1871 en el Teatro Imperial de Bolshoi Kamenny de San Petersburgo. Don Quijote animado por las novelas de caballería sale en busca de aventuras y nombra como escudero al fiel Sancho Panza. En la plaza hay una fiesta. La hija del tabernero, Kitri, coquetea con Basil pero su padre, Lorenzo el tabernero, despide a Basil pues no desea que éste sea el marido de su hija. Kitri no quiere cumplir la voluntad del padre. En mitad de la fiesta llegan Don Quijote y Sancho. Al ver al tabernero Don Quijote le imagina como el dueño de un castillo y le saluda respetuosamente, como corresponde a su alcurnia. El tabernero le corresponde en la misma línea y le invita a entrar en su taberna. Cuando Don Quijote ve a Kitri la toma por la maravillosa Dulcinea, la dueña de su corazón. Kitri se escapa con Basil y el tabernero y el noble Gamash les persiguen. Kitri y Basil están escondidos en una taberna, cuando Lorenzo,

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Gamash y Don Quijote aparecen. El padre de Kitri desea anunciar la boda de su hija con Gamash, pero Basil escenifica una escena de suicidio que surte los efectos deseados de tal manera que Don Quijote interviene para favorecer el matrimonio del barbero con Kitri. Basil ya está feliz. En las proximidades de los molinos de viento se encuentra el campamento gitano en el que se escenifica un número de marionetas. El jefe del campamento invita a Don Quijote aver el espectáculo. Quijote, emocionado, sigue el desarrollo de los títeres e interviene en la acción destruyendo el teatrillo. Viendo los molinos, los toma por gigantes a los que debe enfrentarse. En el fragor de la acción, se engancha con uno de los molinos y cae por tierra. Don Quijote y Sancho Panza están en un bosque. Nuestro héroe piensa que está rodeado de seres fantásticos, pero Sancho está durmiendo. En esto aparecen unos nobles de cacería que al contactar con Quijote y Sancho y al verles tan pintorescos deciden invitarles a su castillo para holgar con ellos. En el castillo de los nobles todo está preparado para recibir a nuestro caballero andante. El maestro de ceremonias deja entrar a Kitri y Basil. La primera debe interpretar el papel de Dulcinea y Basil el del caballero desconocido. Don Quijote y Sancho ocupan los lugares privilegiados para ver cómo, Dulcinea, la dama de su corazón, aparece encantada y, nuestro héroe, para librarla del embrujo, debe vencer al caballero desconocido. Comienza el combate, pero en medio del fragor de la batalla, Don Quijote, que tropieza en sus propias espuelas, cae derrotado por lo que el caballero desconocido se lleva a su amada. Los nobles y sus invitados se ríen y Don Quijote, solo y triste se retira con su fiel escudero.


REPERTORIOS FAMOSOS.

Giselle Giselle es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la obra De l'Allemagne (1835) de Heinrich Heine. La variación de Giselle del primer acto no es original de Adam, fue incorporada posteriormente y se cree que su autor fue Ludwig Minkus. En una aldea de la Renania medieval, Hilarion, guarda de caza, ama a Giselle y tiembla de celos por Loys, bajo cuyos mentidos andrajos de pueblerino se encuentra el duque Albrecht. Aparece éste para encontrarse con Giselle tras haber ocultado su espada en el bosque y alejado a su escudero. La joven sale de casa y acepta el tierno galanteo de Loys, que jura amarla para confortarla de la negativa de una margarita que ella había deshojado. Hilarion declara más tarde su amor a Giselle, pero ella lo rechaza y éste jura venganza. Dan comienzo las fiestas campesinas de la vendimia, a las que Giselle se une con entusiasmo no sin el temor de su madre, pues desde niña había tenido una salud muy débil. Mientras esta danza tiene lugar, su madre cuenta cómo jóvenes muertas antes de casarse se convierten en Willis, blancos fantasmas que vagan por los bosques al claro de la luna. Se interrumpen las fiestas para acoger al príncipe de Curlandia y a su hija Bathilde, que llegan de regreso de una cacería con su séquito. Giselle danza para la princesa, que le da un collar y vuelve a partir con los suyos, reanudándose

la fiesta campesina. Al llegar Albrecht, Hilarion lo desenmascara mostrando la espada que ha encontrado escondida en el bosque, y llama de nuevo con el sonido del cuerno a los nobles cazadores y a la princesa Bathilde, prometida de Albrecht. Éste, con fingida desenvoltura y justificándose como simple deseoso de distracción entre las danzas campesinas, toma a Bathilde del brazo y se la lleva. Giselle, al comprender el engaño, cae en la locura y delira inciando pasos de danza entre los consternados presentes, para finalmente atravesarse con la espada y morir en brazos de su madre ante un Albrecht atónito y desesperado. A medianoche, en los proximidades de la tumba de Giselle. Aparece entonces Myrtha, reina de las Willis, que invoca a su corte de fantasmas femeninos para recoger, danzando, a su nueva compañera, Giselle, que tras inclinarse ante la reina, se une a la espectral danza que mantienen sus compañeras. Se oyen unos pasos y las Willis se desvanecen: es Albrecht, que viene a esparcir lirios sobre la tumba de la muchacha amada. Se le aparece la imagen de Giselle, y él, alucinado, la sigue por entre los árboles. Al retorno de Albrecht, Myrtha lo condena a sufrir la misma suerte que habían sufrido todos aquellos que caen bajo el poder de las Willis, pero Giselle lo protege junto a la cruz implorando en vano a la gélida reina. Condenado a bailar hasta el extremo, Giselle lo sostiene con amor desesperado hasta que las primeras luces del alba imponen la retirada de los espectros. Giselle tras no haber sucumbido ante los sentimientos de venganza (lo cual identifica a las Willis)es liberada de vivir en las sombras y retorna a su tumba para descansar en paz despues de haber encaminado a su amado hacia la luz y la vida.

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REPERTORIOS FAMOSOS.

La Fille du Pharaon Es un ballet con coreografía de Marius Petipa , con música de Cesare Pugni , con libreto de JulesHenri Vernoy de Saint-Georges de Théophile Gautier 's Le Roman de la Momie . Presentado por primera vez por el Ballet Imperial del Teatro Imperial Bolshoi Kamenny , en St.Petersburgo, Rusia , el 18 de enero (30 de enero) de 1862. Los bailarines principales en la noche de apertura fueron Carolina Rosati (Mummy / Aspicia), Nicholas Goltz (faraón), Marius Petipa (Ta-Hor) y Lev Ivanov (pescadores). El libreto fue una colaboración entre Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges y Petipa , en parte después de Théophile Gautier 's Le Roman de la Momie . La música fue compuesta por Cesare Pugni , mientras que el diseño era por A. Roller, G. Wagner (paisaje), Kelwer y Stolyakov (trajes). La Colección Sergeyev , que se encuentra en la Colección Teatro de la Universidad de Harvard , contiene anotaciones coreográficas de 1898 de Petipa producción de La hija del Faraón paraMathilde Kschessinskaya . La coreografía de Petipa documento notaciones para las danzas de los papeles principales, mientras que el resto de la coreografía (es decir, el cuerpo de baile y gran parte de las escenas de acción) sólo vagamente documentada. Un Inglés lord y John Bull , su siervo , y un refugio de una guía tormenta de arena en una pirámide durante un africano safari . Empiezan a llegar a ser ruidoso, pero el guía les pide que se calmen en el respeto al faraón hija 's que está

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mintiendo en un ataúd en algún lugar de la pirámide. Por lo tanto, para pasar el tiempo, la guía da a cabo opio. Tan pronto como los soplos noble el opio , cosas extrañas comienzan a suceder. Las momias muchos otros en la pirámide empieza a cobrar vida. De pronto la hija del Faraón, Aspicia, cobra vida y pone su mano sobre el corazón del noble, y el noble se transporta al pasado. Se convierte en Ta-Hor, un egipcio antiguo hombre que salva Aspicia de un león. Ta-Hor y la caída Aspicia en el amor, pero ella está prometida al rey de Nubia. Huyen juntos y el rey les persigue. Ta-Hor y Aspicia parar en una posada de pescadores para esconderse, y los pescadores locales les pregunto si ellos quieren venir a pescar. Aspicia decide quedarse atrás. Entonces el rey nubio se detiene en la posada para descansar y encuentra Aspicia que salta en el Nilo río para escapar de sus guardias. En la parte inferior del río, el Espíritu del Nilo convoca a los grandes ríos del mundo a bailar para Aspicia, entonces él le dice que ella debe quedarse. Cuando oye esto, pide un deseo, para llevarla de vuelta a la tierra. Cuando los pescadores y Ta-Hor llegar de nuevo a la tierra, el rey nubio detiene a Ta-Hor y lo lleva de vuelta al palacio del Faraón para ser castigado por "secuestrar" a la princesa. Cuando Aspicia regresa a la tierra, a los pescadores traer de vuelta al palacio. Ella llega a tiempo para ver Ta-Hor condenado a muerte por la picadura de la cobra. Ella explica que si él muere, se muere, y se extiende por la serpiente a morderla. El faraón le tira hacia atrás y le concede su permiso para casarse con Ta-Hor, y el rey nubio deja en un ataque de rabia jurando venganza,. Todo el mundo comienza a celebrar, pero como el partido llega a su punto máximo, los extremos sueño de opio y Ta-Hor se transforma de nuevo en el señor Inglés. Al salir de la pirámide, el noble mira a Aspicia ataúd y recuerda el amor que compartían y comparten todavía.


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ballet clásico